KIBLIND 80 - Cover

KIBLIND Magazine Numéro Cover

Design graphique : God save the screen

ABONNEZ-VOUS SPECTACLES MUSICAUX

À TOUT

!

GUS VAN SANT • BENJAMIN ABEL MEIRHAEGHE FRANÇOIS CHAIGNAUD & GEOFFROY JOURDAIN MARLENE MONTEIRO FREITAS

Et aussi BATSHEVA DANCE COMPANY • LES CHIENS DE NAVARRE ANNE NGUYEN • ANNE TERESA DE KEERSMAEKER

…

01 40 03 75 75 • lavillette.com •

#LaVillette

Batsheva Dance Company avec Chaillot – Théâtre national de la Danse • Marlene Monteiro Freitas, François Chaignaud / Geoffroy Jourdain, Anne Teresa De Keersmaeker avec le Festival d’Automne à Paris

© Illustration : Sebastian Curi – Direction Artistique : Base Design pour le Théâtre du Châtelet – Licences n° L-R-21-4095 / L-R-21-4060 / L-R-21-4059

TOUS AU SAISON 22/23

LA SAISON 22/23 EST LÀ !

CHATELET.COM

👀 ÉDITO — 8

Car du côté face, « Cover » est aussi le terme utilisé pour les mises à jour, les versions repensées de certains morceaux. Une façon d’amener un titre qu’on aime sur les routes qu’on a soi-même balisées, sans en trahir le contenu mais en lui ajoutant quelques petites caractéristiques bien perso. C’est précisément ce que nous avons demandé aux illustrateurs et illustratrices pour ce numéro.

KIBLIND Magazine → 80 → Cover

Ce plan «Cover», on a choisi de le dérouler en trois temps. D’abord un « pif » dès la couverture, avec la reprise par le dessinateur Raman Djafari de l’inaltérable pochette d’Aubrey Powell pour l’album Wish You Were Here des Pink Floyd. Puis un « paf », c’est la série exclusive demandée à Ardneks : huit morceaux cultes, mis en image par celui que les groupes d’aujourd’hui s’arrachent. Enfin, un «pouf» en allant piocher huit titres issus du catalogue de nos labels indés préférés.

Nous avons demandé à huit artistes de rejouer la partition au crayon et au pinceau pour des créations originales inspirées par les morceaux choisis. Des morceaux qu’on pourra retrouver sur une K7 éditée tout exprès, à ficher à fond dans l’autoradio de la Clio sur l’autoroute des vacances. C’est notre bonus track à nous.

La couverture de Raman Djafari, hommage à la pochette de l'album Wish You Were Here des Pink Floyd s'anime en scannant cette petite chose avec un téléphone

COVER

C O V E R

La langue franglaise n’ayant aucun secret pour nous, nous avons décidé de jouer sur la polysémie du mot « Cover». Sur le côté pile, on lira «Cover» comme l’abréviation d’«album cover», à savoir le visuel ornant la pochette de disque. C’est que depuis la deuxième moitié du XXe siècle et les exploits de Reid Miles, Andy Warhol et Salvador Dalí, la musique aime bien se parer de frusques à même de rehausser sa beauté. À tel point qu’on se demande où celle-ci se trouverait sans ce pont qui relie l’oreille aux yeux.

On jette un regard à la pochette et la mélodie suit. On écoute la musique et nos pensées évoquent l’image qui la représente. Si les jours récents et l’apparition de nouveaux modèles d’écoute ont perturbé cette douce histoire d’amour, les arts visuels ont toujours bonne presse chez les musiciens. On a décidé de fouiller ce charmant mélange des genres et de lui adjoindre un autre terrain d’investigation.

Directeur de la publication : Jérémie Martinez / Direction Kiblind : Jérémie Martinez - Jean Tourette - Gabriel Viry Comité de rédaction : Maxime Gueugneau - Elora Quittet - Jérémie Martinez Team Kiblind : Alizée Avice - Guillaume Bonneau - Agathe Bruguière - Sarah Grafa - Léa Guiraud - Alix Hassler Guillaume Huby - Romane Lechleiter - Mathilde Neto - Alanis Olivier - Solène Pauly - Guillaume Petit - Charlotte Roux Déborah Schmitt - Éva Spalinger - Sara Thion - Jean Tourette - Olivier Trias - Gabriel Viry Réviseur : Raphaël Lagier Direction artistique : Kiblind Agence Imprimeur : Musumeci S.p.A. / www.musumecispa.it Papier : Le magazine Kiblind est imprimé sur papier Fedrigoni / Couverture : Symbol Freelife E/E49 Country 250g Papier intérieur : Arcoprint Milk 100g, Arena natural Bulk 90g et Symbol Freelife Gloss 200g Typographies : Kiblind Magazine (Benoît Bodhuin) et Lector (Gert Wunderlich) Édité par Kiblind Édition & Klar Communication. SARL au capital de 15 000 euros - 507 472 249 RCS Lyon 27 rue Bouteille - 69001 Lyon / 69 rue Armand Carrel - 75019 Paris - 04 78 27 69 82 Le magazine est diffusé en France et en Belgique. www.kiblind.com / www.kiblind-store.com ISSN : 1628-4146 Les textes ainsi que l’ensemble des publications n’engagent que la responsabilité de leurs auteurs.

Tous droits strictement réservés. Merci à Matthieu Sandjivy. THX CBS. Contact : magazine@kiblind.com

👀 SOMMAIRE — 10 KIBLIND Magazine → 80 → Cover

08

Édito / Ours

10

Sommaire

12

In the mood

21

Intro Cover

28

Invitation Bastien Stisi Du physique au streaming

32

En couverture : Raman Djafari

38

Créations originales – K7

47

Citations

48

Dossier – La Fabrique de pochettes

54

Invitation Marilou Duponchel Musique de chambre

58

Invitation La bibliothèque idéale : La librairie Mollat

60

Citations

61

Playlist Cover : Master Phil

62

Créations originales – Tubes

73

Sélection Kiblind

86

Square2

Bibliothèque publique d’information | Exposition 8 juin - 10 octobre 2022

KIBLIND Magazine → 80 → Cover

IN THE MOOD — 12

👀

IN THE M👀D Vous croiserez dans cette entrée quelques objets illustrés rencontrés par bonheur ces derniers mois lors de nos pérégrinations visuelles.

Comble de la jouissance visuelle, elle sera agrémentée d’un périple exaltant imaginé par l’aventureuse Léa Guiraud.

👀 IN THE MOOD — 13

PADDLE ■

→ Par Dalkhafine pour KOTI linktr.ee/Dalkhafine kotisports.com

VINYLE (LP) ■

Âlem de Altin Gün → Artwork par Alexander Khabbazi @kbar.design @altingunband

AFFICHE ■ June Bank Holiday de Bedminster Beer Trail → Artwork par Ed Cheverton et Jayde Perkin @edcheverton jaydeperkin.com @bedminsterbeertrail AFFICHE ■ Le Beau Festival → Artwork par Gwennina Moigne gwenninamoigne.com @lebeau

EP DIGITAL ■ Despierta de Iñigo Vontier (Lumière Noire Records) → Artwork par Gabriel Mafféïs @gabzmaff @inigovontier

T-SHIRT À MANCHES LONGUES ■

→ Par Alex Ram pour Bianca Road Brew co @alexwram biancaroad.com

→ L’escalier monumental de Benoît Guillaume benoitguillaume.org

KIBLIND Magazine → 80 → Cover

LIVRE DE DESSINS ■

👀 IN THE MOOD — 14

FANZINE ■ → Quelques amis de Flore Chemin @florechemin

EP DIGITAL ■

Nakayama | Krupp de Robbi Nakayama et Jakob Krupp → Artwork par Nando von Arb @nandovonarb @jakobkrupp

GOURDE ■ → Par Louis Otis pour BOL Production House louis-otis.com bolprod.com

MINI LEPORELLO ■

KIBLIND Magazine → 80 → Cover

→ Par Charlotte Bresler @charlotte.bresler

AFFICHE ■

Concert de Michelanoia au Bar des Capucins, Lyon → Artwork par Rémy Mattei @remymattei

T-SHIRT ■ → Par Cruz Miguel @m.suksu

👀 @_laura_olivieri @kuni.studio

L’illustratrice Laura Olivieri a décidé de compiler quelques-uns de ses sublimes dessins au pastel gras dans les pages de l’ouvrage autoédité Printemps. Un excellent prétexte pour aller frapper à la porte de cette Lyonnaise d’adoption et connaître (presque) tous ses secrets.

Hello Laura, peux-tu nous parler de ton livre autoédité nommé Printemps ?

Printemps est une courte bande dessinée.

Dans la vie de tous les jours, j’utilise beaucoup de métaphores pour expliquer certains états émotionnels. L’histoire de Printemps m’est venue pendant une insomnie, et j’ai trouvé la comparaison entre relations amoureuses et jardins très juste par rapport à ce que je vivais sur le moment. Amener ce projet d’une note de téléphone à un livre autoédité a eu une vraie portée cathartique pour moi, et je suis très heureuse de voir qu’il parle aussi à d’autres personnes. Printemps a été imprimé en risographie quatre couleurs à l’Atelier Leoka (à Toulouse), et la couverture a été imprimée en sérigraphie quatre couleurs également, par mes soins à l’Atelier Passage Éclair.

As-tu d’autres projets d’édition en tête ?

En mars, j’ai fait un leporello sérigraphié qui s’appelle Le Cycle des angoisses, que je n’ai vendu qu’en salons de micro-éditions pour l’instant. Ces derniers temps, j’écris régulièrement des textes que j’aimerais bien transformer en roman graphique. Ce dernier prendrait plutôt la forme d’un recueil d’histoires courtes. Ça fait longtemps que l’idée trotte dans ma tête, et l’engouement autour de ces petites éditions m’a motivée à mener ce projet jusqu’au bout.

Tu dessines beaucoup de paysages. Quel est l’endroit qui t’a le plus inspirée ?

J’ai grandi à Antibes, au bord de la mer mais tout près des montagnes du Mercantour dans lesquelles j’allais régulièrement

enfant. Je suis encore très attachée à la Côte d’Azur que je trouve superbe (quand on sait où aller). Depuis quelques années à Lyon, j’ai pu aussi découvrir plein d’endroits alentour que j’adore comme le Vercors, la Chartreuse.

Il y a cinq ans, j’ai eu la chance de faire un stage de tissage en Argentine, à Humahuaca dans les Andes (encore des montagnes !) et c’est un voyage qui a beaucoup influencé ma pratique et m’a enrichi sur le plan humain.

IN THE MOOD — 15

LIVRE ■ → LAURA OLIVIERI

Tu sembles ne jamais quitter tes carnets.

Peux-tu nous décrire ta pratique du dessin ?

J’ai un rapport assez intuitif et instantané au dessin. J’ai toujours aimé faire des croquis sur le vif car ils me permettent de m’ancrer dans le présent et de prendre le temps de regarder ce que j’ai autour de moi. Au fil des années, le trait a laissé sa place à la couleur, et aujourd’hui je dessine principalement au pastel gras. J’aime beaucoup cet outil car il me permet d’aller vite, ce qui est pratique en randonnée, et d’avoir un rapport à la couleur plus direct.

Tu partages le studio Kuni avec Camille Gobourg. Peux-tu nous détailler votre activité ?

Avec Camille, on s’est rencontrées en prépa il y a plus de dix ans. L’idée de Kuni Studio nous est venue il y a quelques années, car nous avions très envie de travailler ensemble.

Nous voulions créer un univers joyeux et impertinent, et profiter d’une esthétique accessible pour dessiner autour de sujets qui nous tenaient à cœur comme le féminisme, l’inclusivité, et l’érotisme d’un point de vue féminin. Aujourd’hui, nous ne proposons quasiment que de la sérigraphie, avec des posters qu’on dessine à deux (en travaillant sur un même fichier à tour de rôle), un peu de textile et de la papeterie que nous confectionnons nous-mêmes.

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👀 IN THE MOOD — 16

OBJET ■ → KELLY NICHOLS

etsy.com/shop/Kidnichols

Quotidiennement, on essaie de se faire passer pour des personnes fortes, et puis, on tombe sur un pin’s avec deux visages dessinés sur des boules de glaces et un chapeau de fête, et tout s’écroule… Oui, nous sommes faibles face aux créations de l’illustratrice pennsylvanienne Kelly Nichols, alors on a cherché à savoir pourquoi.

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Hello Kelly, tu as l’habitude de transformer tes illustrations en objets, est-ce une manière de donner vie à tes personnages ?

Absolument ! Même si j’aime la liberté de l’illustration numérique, il est encore plus spécial de pouvoir prendre un dessin et le rendre tangible. Pouvoir interagir avec une œuvre d’art est l’une des choses que je préfère, et j’essaie de le faire chaque fois que c’est possible.

Tes illustrations sont déclinées sous plein de formats (pin’s, stickers, print...).

Quel est le prochain sur la liste ?

Je travaille actuellement sur quelques nouveaux formats, notamment des sacs fourre-tout, du washi tape (ruban adhésif papier) et des autocollants arc-en-ciel pour fenêtres. J’adore le processus de brainstorming pour trouver des produits nouveaux et excitants, mais comme je suis mon propre studio, cela me prend un peu plus de temps pour sortir de nouveaux produits.

J’espère pouvoir mettre à jour ma boutique dans les prochains mois.

Qu’est-ce qui t’inspire dans la vie de tous les jours ?

Ces derniers temps, j’ai l’impression d’avoir deux inspirations principales qui ont orienté mon travail. La première est de revisiter de vieux souvenirs d’enfance, comme par exemple jouer avec des Tamagotchis, préparer un panier-repas, et certains jeux vidéo nostalgiques que j’adorais. Mon deuxième grand sujet d’inspiration concerne les pensées et les sentiments associés à l’épuisement des artistes et à la reconquête de la créativité.

Quelles sont les histoires que tu aimes raconter dans tes illustrations ?

J’ai tendance à graviter vers des histoires qui ont une touche spéciale ou qui contiennent un élément stupide. Souvent, je fais des efforts supplémentaires pour ajouter des détails que seules quelques personnes verront, dans l’espoir que cela les fasse sourire. Les petits secrets comme ceux-là dans les œuvres d’autres artistes me rendent heureuse, alors j’espère donner à quelqu’un d’autre ce sentiment lorsque je crée.

Sur quoi travailles-tu en ce moment ?

Récemment, j’ai passé beaucoup de temps à travailler sur de gros projets d’illustration pour une poignée de clients. La plupart de ces projets sont sur le point de se terminer, j’espère donc pouvoir en partager davantage dans les prochains mois. Une fois ces projets accomplis, j’ai hâte de créer davantage de produits pour ma boutique et de profiter de l’été à Philadelphie avec mon petit ami.

👀 IN THE MOOD — 17

TAPIS ■ → Tufté à la main par Jeffrey Sincich pour Pacifica Collectives jeffreysincich.com pacificacollectives.shop

AFFICHE ■

19ème édition du Jarasum Jazz Festival → Artwork par Sonia Pulido @sonia_pulido_illustration @jarasumjazzfestival

VINYLE (LP) ■

Ando de toorai → Artwork par Marta Cartu @martacartu @toorai.music

AFFICHE ■

Festival Bruisme → Artwork par Mélanie Bourgouin (Kolk) jazzapoitiers.org/festival-bruisme kolk.fr

Casa Conti d’Aline Valangin (ed. Limmat Verlag) → Couverture par Camille Deschiens @camilledeschiens limmatverlag.ch

MAGAZINE ■ Vague Mag Issue 26 → Couverture par Joe O'Donnell @donnie_odonnell vaguemag.com

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ROMAN ■

👀 IN THE MOOD — 18

AFFICHE ■ Festival Pete the Monkey → Artwork par Yeye Weller @yeyeweller @pete_the_monkey

AFFICHE ■

Festival Fumetti → Artwork par Vincent Pianina @vincentpianina @maisonfumetti

ROBE ■ → Par Inkee Wang pour PommeDeTerre inkee-wang.com @pommedeterre__ AFFICHE ■

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Édition La Soupe au Caillou du Collectif pour un Québec sans pauvreté → Artwork par Mathieu Labrecque + Design Criterium Design @monsieurmathieulabrecque @criterium_design pauvrete.qc.ca

FOULARD EN SERGÉ DE SOIE ■ 100% fabriqué en France, 130x130cm → Artwork par Sammy Stein @sammystein_ miraespaceboutique.shop

👀 IN THE MOOD — 19

AFFICHE ■ → PIERRE VANNI pierrevanni.info les-siestes.com

Pierre Vanni est le designer des superbes Audimat et Musique Journal, mais aussi – et depuis belle lurette – le magicien derrière l’identité visuelle éclatante du festival Les Siestes. On a voulu faire connaissance.

Salut Pierre. Tu réalises l'identité visuelle des Siestes depuis plusieurs années, peux-tu nous parler de cette collaboration ?

C’est la onzième fois que je collabore avec l’équipe des Siestes.

Sans pour autant me donner carte blanche, l’équipe me laisse énormément de liberté. Leur seule exigence : que le visuel soit singulier. Pour y arriver, je me débrouille toujours pour éviter d’appliquer une recette. Chaque édition des Siestes est ainsi prise comme l’opportunité de réinventer mon approche graphique.

Du coup, je marche sur fil, avec d’un côté le vertige de la liberté, et de l’autre, le risque du pur exercice de style.

C’est un grand halo qui illustre l’affiche de cette année, comment a germé cette idée ?

Mes idées ne sont jamais compliquées. Trouver l’image la plus évidente constitue toujours mon premier souci. Cette année, cet éblouissement succède à l’éclipse de 2021 (visuel de l’édition annulée). C’est le retour du soleil, du plein air, du festival « live ». Deux versions du visuel ont été produites, avec et sans infos. La version « image », pure, c’est l’expérience sans médiation, sans commentaire, sans rien à vendre ou à communiquer – c’est l’expérience du festival retrouvée.

Self Titled de Alex Crispin → Artwork par Antoine Cossé @antoinecosse @a__j___c_ @cobblersrecords

Comment t’es-tu formé en graphisme ?

D’abord à l’université Jean-Jaurès de Toulouse, au sein d’une formation entre art et design, puis en regardant et en écoutant d’autres designers. C’est le design au sens large qui m’intéresse, pas le graphisme ou l’illustration.

Quels sont tes projets en ce moment ?

Je viens de fêter l’inauguration d’une superbe exposition conçue par MBL architectes et qui s’intitule Impasse des Lilas. Elle a lieu jusqu’à la fin août à Arc-en-rêve, au sein du CAPC de Bordeaux. Je suis très heureux et très fier d’avoir signé son identité visuelle.

KIBLIND Magazine → 80 → Cover

VINYLE (LP) ■

Tu sembles utiliser beaucoup de dégradés de couleurs, peux-tu nous parler de ton rapport aux couleurs dans tes illustrations ?

La couleur, c’est l’émotion… c’est aussi bête que ça. Les connotations symboliques ou illustratives de la couleur ne m’intéressent pas (« Toulouse, la ville rose »; « le vert, c’est la nature »…). Ce que je recherche, c’est une sensualité visuelle – une sensualité telle qu’on peut la trouver dans la musique live.

KIBLIND Magazine → 80 → Cover

L’ABUS D’ALCOOL EST DANGEREUX POUR LA SANTÉ. À CONSOMMER AVEC MODÉRATION.

ILLUSTRATION : KIBLIND, POUR HEAT & 1664

👀

KIKI RECORDS

A1

B2

UNE HISTOIRE DE FORMATS

A2 Avant que la musique ne s’enregistre et soit diffusée en permanence, elle était une expérience sociale, et non privée. On ne pouvait pas la ramener chez soi ou la copier pour la réécouter. À partir de l’invention du phonographe, la musique devient matérielle. Pour citer Edison, « la parole est devenue immortelle ».

A3

Tracklist

13 chapitres.

1 COVER, une histoire de formats 2 Wish You Were Here Pink Floyd

B3

Factory Records & Peter Saville 3

Blue Note & Reid Miles La pochette scandale !!!

6 Pochette Surprise 7 Alex Steinweiss Le père de la pochette illustrée 4

5

8 La pochette et l'histoire de l'art 9 Big Brother & the Holding Company Cheap Thrills

A4

Sonic Youth - Goo Ye - My Beautiful Dark Twisted Fantasy

B4

10

B5

11

12 13

Pen & Pixel Cover2

→ Mise en page : G. Bonneau • Production

666-05-18

STEREO

Au risque de passer pour des personnes un peu élitistes (désolé les autres, vous êtes tous·tes dans nos étagères aussi), nous nous concentrerons dans cette introduction sur la plus belle des plus belles : la cover de VINYLE.

A5 A1

IN THE COURT OF THE CRIMSON KING

A2

THE CLOUD MAKING MACHINE

A3

TOO CRAZY COWBOYS

A4 A5

Depuis 1904 et grâce à l’Allemand Emile Berliner, les 78 tours s’invitent dans les foyers. Le disque est alors emballé dans une pochette kraft trouée pour laisser apparaître le macaron du disque, sur lequel figure le logo du label. Grâce au label Columbia qui, visiblement, avait tout compris, les pochettes deviennent illustrées à partir de 1940 alors que les disques s’apprêtent à profiter de la technologie du microsillon et à se muer peu à peu en 33 tours.

Le 33 tours et sa pochette de 30 × 30 cm dominent le marché. Il est rapidement rejoint par son petit frère, le 45 tours, et par une cousine néerlandaise en 1963 : la cassette. Au début des années 1980, un nouveau challenger vient tout balayer d’un revers de manche. Son petit nom : le CD. Petit par la taille, grand par la promesse, il est habillé, tout comme la cassette, d’une jaquette additionnelle, qui peut s’enlever et se remplacer au gré des envies et des compiles maison.

King Crimson B1 Laurent Garnier B2

PHILHARMONY WINDOWLICKER

Haruomi Hosono Aphex Twin

Thick Pigeon B3

TUBULLAR BELLS

SPACE ODDITY

David Bowie B4

3 FEET HIGH & RISING

ODESSEY AND ORACLE

The Zombies B5

PACIFIC BREEZE : JAPANESE CITY POP, AOR & BOOGIE 1976-1986

Mike Oldfield De la Soul Various

kiki records • kiki records • kiki records

KIBLIND Magazine → 80 → Cover

→ Textes : E. Quittet • Singer S. Grafa • Drums R. Lechleiter • Keyboards S. Pauly • Bass Guitar C. Roux • Saxophone & J. Tourette • Guitar

OPEN

INTRODCUTION — 21

B1

👀 INTRODCUTION — 22

En cover...

WISH YOU WERE HERE PINK FLOYD La conception artistique de la pochette de ce 9e album est une nouvelle fois confiée à Hipgnosis , l’atelier photo du génial Storm Thorgerson. Pour lui, c’est une « présence inaccomplie » qui hante les chansons ; et pour la rendre manifeste, il a d’abord l’idée d’emballer la pochette dans un plastique noir anonyme, et de la faire elle-même disparaître. Un simple autocollant, avec une poignée de mains mécanique portant le titre de l’album, a ensuite été ajouté.

Lorsque Roger Waters griffonne ces quelques mots, au cours de la tournée britannique de PINK FLOYD en hiver 1974, il s’adresse à Syd Barrett , l’ancien leader du groupe, qui s'est envolé ailleurs quelques années plus tôt, poussé par trop d’excès acides. Le morceau qui en naîtra l’année suivante dans les studios d’Abbey Road, servira d’ouverture et de SHINE ON clôture à ce grand albumYOU CRAZY concept douloureux, rongé DIAMOND par le thème de l’absence : WISH YOU WERE HERE.

À l’intérieur, la vraie pochette, flanquée de l’image que l’on connaît si bien, ouvre la voie à une autre interprétation visuelle.

Quatre photos, quatre éléments, se partagent les espaces : au recto, la célébrissime poignée de mains de l’homme en flammes, shootée aux Warner Bros. Studios par Aubrey Powell, à l’angle de la 5e rue et de l’avenue D, tout près du studio 20 ; au verso,

un homme, sans visage et sans matière, dans un élégant costume de représentant, s’est arrêté sur une dune de sable du désert de Yuma et présente l’album (critique de l’industrie musicale sans âme) ; sur l’insert intérieur, un voile rouge flotte dans la brise d’une clairière du Norfolk ; et de l’autre côté, un plongeur s’est immobilisé dans son reflet à la surface du lac Mono – cette dernière image est parfois glissée sous forme de carte postale aux bords dentelés dans la pochette.

Sur chaque face, dans la marie-louise, un rappel de l’élément invoqué tord la photo ou sort du cadre. Le Feu, la Terre, l’Air et l’Eau : les quatre membres de Pink Floyd. Le cinquième n’est plus là ; il s’est dispersé dans l’Éther.

Unknown Pleasures, 1979

KIBLIND Magazine → 80 → Cover

Parmi les figures les plus importantes du graphisme de pochettes de disques, difficile de passer à côté de Peter Saville. partie des pochettes Designer anglais né à Manchester, Peter Saville a réalisé la majeure son époque. du label indépendant Factory Records, l’un des plus importants de

Avec à sa tête 5 fondateurs passionnés sans aucune volonté de faire de l’argent – ce qui mènera au dépôt de bilan du mythique label – Factory Records aura marqué la new wave et le post-punk anglais et représenté, de 1978 à 1992, des groupes aussi cultes que JOY DIVISION, A CERTAIN RATIO, NEW ORDER et HAPPY MONDAYS.

Avec son style minimaliste qui jongle entre typographie moderniste, iconographie industrielle, aplats de couleurs et photographie bien jaugée, Peter Saville fait ses armes au sein du label et crée des pochettes aussi emblématiques que celles de Closer de Joy Division et de Blue Monday de New Order.

Movement, 1981 Loin des préoccupati ons financières de cer maisons de disques, taines grandes le graphisme de Sav ille se permet des excentricités qui me ttent en lumière un e volonté artistique plus que marketing.

Le nom de l’album ou celui du groupe en viennent même à être effacés dans certains cas au profit du visuel.

L’économie d’informations est la règle d’or, à l’image de la pochette d’Unknown Pleasures de Joy Division pour laquelle Saville décide de laisser vide le verso habituellement réservé aux titres des morceaux et réintitule la face A et la face B « Inside » et « Outside ». dans son article pour le New York Comme l’affirme Jon Pareles

« le manque d’informations fait de chaque fan un initié, A Factory partageant le secret d’un produit de masse ».

Sample, 1978 Si Saville ne se réclame pas de l’art mais bien de l’image appliquée, il aura emprunté au néoclassicism e, au modernisme et à l’historicisme pour traduire graphiquem ent les morceaux des plus grands noms de la new wave britan nique et fédérer toute une communauté de fans autour de styles musicaux et visuels avant même l’arrivée des médias sociau x.

Times : Orchestral Manoeuvres in the Dark, 1980

FACE A

STEREO SOUND

👀

MILES

BLUE

NOTE & REID

1 Hub Tones → Freddie Hubbar d 2 The Rump oller → Lee Morg an 3 Jay Jay Jo hnson 3 It's Time !

3

Chose étonnante pourtant : tout au long de sa carrière, Reid Miles est resté imperméable au jazz et fidèle à sa passion première : la musique classique. Ici réside le mystère Miles, qui a inventé l’image du jazz tout en en étant déconnecté.

CHOC AFFAIRE CHAHUT

! ! !

E L A SCAND LA

ression ? Si l’exp écennies n o n , z z d u », il y a b il y a plusieurs la pratique ad buzz x, ue Dans « b s aussi répand réseaux sociau a s n’était p ps fabuleux de i. m u e t ’h u d r ’a u u q jo pas d’au ne date En 1966, la pochette de la compilation Yesterday and Today des Beatles met en scène les Fab Four en blouses de bouchers, sourires aux lèvres, entourés de poupées décapitées et de boyaux. Lennon déclarera alors que cette couverture est aussi choquante que la guerre au Vietnam, que les gens acceptent pourtant.

La plupart des distributeurs refusent le disque et le label Capitol en fait changer le visuel.

Parfois, c’est le label luimême qui est derrière le coup de comm. En 1968, les Anglais de chez Track Records commandent, contre l’aval de l’artiste Jimi Hendrix, une photo à David Montgomery représentant une brochette d’hôtesses nues d’un bar local pour Electric Ladyland.

Autre époque, autre type de scandales liés à la chair : avec son album No Love Deep Web, le groupe américain Death Grips décide de faire des économies en proposant une photo du pénis en érection d’un de ses membres en guise de pochette. Pas con. À l’heure du digital et des nipple gates, les scandales ne manquent pas non plus sur les plateformes de streaming.

Récemment, Apple Music a fait le choix de flouter le nez de Philippe Katerine qui, volontairement allongé, évoquait un autre organe, sur l’album Confessions.

KIBLIND Magazine → 80 → Cover

D’une certaine manière, Miles crée ses covers pour qu’elles parlent, qu’elles chantent ou résonnent aux oreilles du public dès le premier regard. Ses idées et ses créations auront façonné l’image de Blue Note et contribué à fonder les codes visuels des covers et, au-delà, du jazz dans le monde.

4

CLASH

Puis il vient jouer avec la typographie, qu’il positionne – chose nouvelle pour l’époque – comme un élément visuel à part entière. Il lui donne d’ailleurs de plus en plus de place au fil du temps, au point de reléguer la photographie au rang de vignette ou d’élément de ponctuation.

Partant souvent des photographies N&B de Francis Wolff prises sur le vif durant les séances d’enregistrement, Reid Miles réalise un recadrage inattendu, souvent intime, des artistes. En leur apposant – parfois en leur opposant – des couleurs vives monochromes, il donne une note de fond, traduit l’esprit de chaque production.

TINTAMARRE

2

BUZZ

À LA MANOEUVRE : le graphiste REID MILES (1927 - 1993) qui, entre 1955 et 1967, va composer des pochettes d’un genre nouveau, en mixant avec brio des photographies noir et blanc des artistes, des couleurs vives par aplats ou touches et des typographies vivantes, dynamiques, presque sonores.

PROVOC

Avant lui, les précédents graphistes de Blue Note, notamment JOHN HERMANSADER, aux côtés de PAUL BACON et GIL MELLÉ, avaient donné le ton au label jazz mythique, en réinterprétant les codes du Bauhaus sur les premiers albums du label. À partir de 1956, année charnière de la bascule au format LP 12’’, Reid Miles devient directeur artistique de Blue Note et lance sans crier gare sa petite révolution visuelle.

→ Jackie Mc Lean

SCANDALE

Fondé en 1939 par Francis Wolff et Alfred Lion, BLUE NOTE a produit les covers les plus emblématiques des années 1950 et 1960, et a créé l’image du jazz pour les générations futures.

TTE

HE POC

INTRODCUTION — 23

1

DANGEROUS

sl eur sortie l’objet de toutes les convoitises.

MICHAEL JACKSON

Autre artiste, même obsession. En plus d’avoir une pochette avec une découpe spéciale permettant d’en faire un pupitre d’écolier, le vinyle de School’s Out d’Alice Cooper se love, pour quelques très rares chanceux, dans un délicat slibard.

SCHOOL'S OUT

ALICE COOPER

THE ROLLING STONES

La plus connue, la pochette de Sticky Fingers des Rolling Stones, dévoile, derrière une vraie fermeture éclair posée sur l’illustration d’un jean, un slip en coton blanc. La tête pensante derrière l’idée couillue : Andy Warhol, qui d’autre ?

STICKY FINGERS

IN THROUGH THE OUT DOOR

LED ZEPPELIN

👀 INTRODCUTION — 24

Comble de l’excitation pour les collectionn e u

rs

En raison des six visuels différents de l’album, l’acheteur ne savait quelle version il avait obtenue que lorsqu’il était en mesure d’enlever l’emballage kraft qui l’entourait. Pour faire durer le plaisir, la pochette intérieure recèle, quant à elle, des couleurs qui ne se laissent découvrir que si l’on passe une éponge humide sur le visuel.

Non content d’avoir une illustration déjà historique, Michael Jackson a lui, misé sur l’effet pop up pour représenter en 3D la pochette de son album Dangerous dans un coffret CD en édition limitée. Comme l’avait fait Mireille Mathieu deux décennies plus tôt. Eh oui, les précurseurs ne sont pas ceux qu’on pense.

, certaines pochet t es sont pensées avec des formats et spécificités si uniques qu’elles deviennent d è

LA POCHETTE The Velvet Underground & Nico

1980

1970 1960

1940

Rodgers & Hart

THE VELVET UNDERGROUND & NICO

Une année et deux pochettes mythiques qui placeront officiellement la pochette en tant qu’objet d’art.

D’un côté, Andy Warhol (tiens donc), toujours aussi prolifique, dessine la fameuse banane sur la pochette de The Velvet Underground & Nico, avec l’inscription ÉPLUCHEZ DOUCEMENT ET VOYEZ , incitant l’acheteur à décoller la banane adhésive pour découvrir quelle diablerie se cache en dessous. De l’autre, les Beatles envoient balader leur image de garçons bien proprets avec la pochette de Sgt. Pepper's Lonely Heart Club Band signée par Peter Blake et sa femme Jann Haworth. Dans ce décor quasiment théâtral, SGT. PEPPER'S LONELY HEARTS CLUB BAND 57 personnalités côtoient les quatre musiciens, grâce à des photographies en taille réelle et des statues de cire.

The Beatles

1950

1940 SMASH HITS

Alex Steinweiss, directeur artistique chez Columbia Records, propose de remplacer les tristes pochettes marron nommées affectueusement « tombstones », pierres tombales en français (ça plante le décor), par des pochettes illustrées qui attireront le regard et pourront, par la même occasion, faire gonfler les chiffres de ventes. Il habille la première pochette illustrée de l’histoire avec une photo de l’Imperial Theater de New York et entre ainsi dans la légende, grâce à ce disque du duo new-yorkais Rodgers & Hart.

1967

A PROGRAM OF MEXICAN MUSIC

KIBLIND Magazine → 80 → Cover

Carlos Chavez

1949

Warhol, alors illustrateur salarié de Columbia, crée sa première pochette pour un disque de 10 pouces : A Program of Mexican Music par Carlos Chavez. Il réalisera en tout une cinquantaine de pochettes pour des artistes comme Moondog, Thelonious Monk, Aretha Franklin, The Rolling Stones, qui s’orienteront de plus en plus vers son style de prédilection : le pop art.

Beck utilise une reproduction d’une des œuvres du peintre surréaliste René Magritte en guise de pochette. Sources BECK-OLA d’inspiration inépuisables, The Jeff Beck Group les œuvres de Magritte se sont également retrouvées, en 1973, sur les albums Angie des Rolling Stones et Tubular Bells de Mike Oldfield. Preuve de la fascination que les peintres exercent sur les musiciens, David Bowie achètera la licence d’un tableau de Victor Vasarely pour illustrer la pochette de Space Oddity au même moment.

1969

1970 BITCHES BREW Miles Davis

Admirateur et ami de Dali, le peintre allemand Mati Klarwein s’installe tout près de lui à New York au début des années 1960.

Avec son style décadent, celui qui se fait désormais appeler Abdul tape dans l’œil de nombreux artistes amoureux de psychédélisme comme Jimi Hendrix, Santana et Miles Davis. Il illustrera notamment en 1970 le superbe Bitches Brew de ce dernier.

👀 LE PÈRE DE LA PO

ETTE ILLUSTRÉE

Introduire la pochette de disque sans évoquer l’existence d’Alex Steinweiss serait une hérésie. Si Warhol a pu marquer de son empreinte des pochettes cultes sorties chez Columbia Records, c’est grâce à un employé, embauché bien avant lui dans l’entreprise, qui lui a ouvert la voie : Alex Steinweiss

Diplômé de la Parsons School of Design de New York où il aura la chance d’étudier après avoir pu rejoindre l’Art Squad de Leon Friend, grand spécialiste du graphisme et co-auteur du seul ouvrage de référence sur le sujet à l’époque (Graphic Design, 1936), Alex Steinweiss rejoint le label Columbia à 23 ans au poste de directeur artistique.

A L E X

À l’origine, le jeune homme a pour mission de s’occuper du graphisme des catalogues, livrets et publicités du label. Pas franchement emballé par l’idée et outré par le fait que « de jolies symphonies se retrouvent avec des packagings merdiques et banals », le nouvel employé fait pression sur le président du label, William S. Paley, pour pouvoir apposer des visuels sur des pochettes de disques, ce qui, selon lui, boostera significativement les ventes.

Accordant une confiance aveugle à son poulain, William S. Paley lui demande de réaliser le design de cinq pochettes en guise de crash test. La réponse est plus que claire : sa première pochette réalisée pour le disque de Rodgers and Hart connaît des ventes 894 % supérieures par rapport à un album de style équivalent.

Nous sommes en 1940. Alex Steinweiss vient d’inventer la pochette graphique et la norme qui veut qu’une sortie de disque s’accompagne obligatoirement d’une illustration.

Il sera l’auteur de plus de 800 pochettes au cours de sa carrière, pour Columbia mais aussi pour Decca à une période où son œuvre penche vers le Bauhaus.

INTRODCUTION — 25

C

H

INFO CROUSTILLANTE Parmi toutes les pochettes réalisées par Steinweiss, celle du Concerto pour piano en mi bémol majeur de Beethoven, sortie en 1948, paraît avoir largement inspiré celle, culte et plus récente, de The Dark Side of the Moon de Pink Floyd.

témoin de l’évolution de l’histoire de l’art

1975 ANOTHER GREEN WORLD

SPEAKING IN TONGUES Talking Heads

Preuve supplémentaire de l’imbrication de l’art contemporain dans la culture populaire : l’artiste pop art de référence Robert Rauschenberg réalise la pochette des Talking Heads en lien avec sa série de sculptures « Revolver » commencée en 1967. Le plasticien s’attaquera également aux pochettes des Red Hot Chili Peppers ou des Babyshambles.

2006 WATERS OF NAZARETH Justice

Directeur artistique du label Ed Banger, So-Me dessine à la main alors que la mode chez les labels est au minimalisme et aux effets 3D. Électron libre, le musicien et réalisateur pioche dans les références esthétiques qui lui plaisent, sans se mettre de barrière : ainsi, il empruntera à l’esthétique metal pour Waters of Nazareth et D.A.N.C.E de Justice et à l’univers des comics pour la pochette de Lucky Boy du regretté DJ Mehdi.

1990

2010

2000

Brian Eno

Peintre à ses heures perdues, le musicien et compositeur Brian Eno accorde une importance toute particulière aux pochettes de ses albums. Il confie ainsi la réalisation de la pochette d’Another Green World sorti en 1975 au peintre qui lui a servi de mentor pendant ses années d’études à l’École des arts d’Ipswich : Tom Phillips.

L’artiste s’inspira d’un tableau de la Renaissance fait par Raphaël et du principe du nombre d’or pour réaliser cette illustration abstraite et signature du genre dont Brian Eno est le grand maître : l’ambient.

1983

RADIO CLASH The Clash

Le street artist Futura 2000, figure de proue de la scène hip hop new-yorkaise, est appelé là où ne l’attend pas : il signe en 1981 la pochette de Radio Clash des Clash. Trois ans plus tard, son ami Basquiat s’essaiera lui aussi au format de la pochette en dessinant celle de First Record pour le groupe punk The Offs.

SUPER DISCOUNT Étienne de Crécy

Indissociable du mouvement French Touch, le studio graphique H5 en a tracé les contours en habillant de ses designs graphiques percutants bon nombre de pochettes.

Parmi elles, la remarquable série d’albums Super Discount d’Étienne de Crécy et leurs visuels volontairement consuméristes.

2013 ARTPOP Lady Gaga

Énième témoin du croisement entre les disciplines artistiques : la pochette de ARTPOP de Lady Gaga est imaginée par l’artiste contemporain Jeff Koons.

Transformée en un mannequin de vitrine, la chanteuse apparaît au milieu d’un décor cubiste faisant référence à La Naissance de Vénus de Botticelli et au David de Michel-Ange. La boule bleue, elle, rappelle les "Gazing Balls" de l’artiste et fait ici office de cache-sexe.

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1981

1996

👀 INTRODCUTION — 26

BIG BROTHER •& THE HOLDING COMPANY 1968

Columbia / CBS Records

Août 1968, l’une des pochettes rock les plus emblématiques arrive dans les bacs : Cheap Thrills, deuxième album de Big Brother & The Holding Company, avec l’exubérante JANIS JOPLIN au micro.

C’est la première fois où le recto d’une pochette est aussi loquace sur ce qu’elle renferme ; une cover déjantée pour un groupe qui a perdu les pédales. À la base, la pochette devait prendre des allures de photo de classe, dans le plus pur style du cliché hippie californien. Mais le shooting dérape et le groupe se désape…

C’est politiquement incorrect, on renonce à utiliser la photo. À la place, c’est le dessin commandé initialement pour le verso à ROBERT CRUMB, célèbre pour

ses comics underground fleurissant à l’époque sur la côte ouest, qui fera office de pochette. Celle-ci prend alors l’apparence d’une bande dessinée où chaque case illustre la tracklist, les compositeurs, les musiciens ainsi que les détails d’enregistrements, devenant une véritable œuvre d’art.

JAMES GURLEY, l’inventeur de la guitare psychédélique, dont la légende raconte qu’il a domestiqué l’instrument dans le désert (guidé par quelques substances hallucinogènes), se voit ainsi transformé en cyclope. PETER S. ALBIN, le bassiste, est quant à lui en pleine énucléation, alors que DAVE GETZ roupille allègrement les jambes en l’air, les substances illicites n’ayant visiblement pas les mêmes effets chez le bassiste et le batteur.

REMEMBER WHEN YOU WERE YOUNG

Shine On You Crazy Diamond, Parts I–V PINK FLOYD

Geffen Records

1990

Pour décupler sa puissance narrative, l’artiste plasticien y ajoute la phrase suivante, pourtant sans rapport :

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Ce jour de 1990, le regard de RAYMOND PETTIBON ripe sur une vieille coupure de presse de 1966 où figure un jeune couple impassible, lunettes de soleil vissées aux yeux.

Cette photo, prise lors du procès des Moors Murders en Angleterre, montre David Smith accompagné de sa femme Maureen Hindley – sœur de Myra, accusée d’avoir sauvagement assassiné cinq adolescents avec son mari. Le couple de témoins se retrouve alors figé à l’encre noire des décennies après la sordide affaire sur la pochette du vinyle de Goo de SONIC YOUTH.

"J’AI PIQUÉ LE MEC DE MA SŒUR. TOUT N’ÉTAIT QUE TOURBILLON, CHALEUR ET ÉBLOUISSEMENT. EN L’ESPACE D’UNE SEMAINE, NOUS AVONS TUÉ MES PARENTS ET TRACÉ NOTRE ROUTE."

Et ça, c’est tout Pettibon. Amateur des bandes dessinées américaines des années 1940 et 1950, l’artiste aime créer un hiatus en associant un commentaire souvent grinçant et un dessin afin d’ouvrir la voie à la libre interprétation.

Déjà à l’origine du logo et des pochettes du groupe punk hardcore BLACK FLAG, Pettibon a lui aussi tracé sa route jusqu’à exposer au MoMA de New York.

Tournant dans sa carrière, Goo va devenir un disque indé aussi culte pour sa musique que pour sa pochette.

•YE

À moins que vous ayez élu domicile dans une faille spatio-temporelle ces dernières années, vous n’êtes sûrement pas sans savoir que KANYE WEST aime faire parler de lui. Ainsi, en 2010, Ye profite de la sortie son album, My Beautiful Dark Twisted Fantasy, pour frapper un grand coup.

2010

Fan de la première heure de l’imagerie néo-cubiste un tantinet trash et des humains fracturés de l’artiste contemporain GEORGE CONDO, le rappeur lui demande de dessiner cinq artworks différents pour son nouvel album, afin de laisser la possibilité aux acheteurs de choisir leur pochette préférée. Mais aussi et surtout, afin de permettre à ce petit filou de Kanye de glisser parmi celles-ci une pochette qui fera jaser dans les chaumières.

Dans une vignette entourée d’un cadre rouge vif, le rappeur est personnifié par un doppelgänger bestial en train de se faire chevaucher, bière à la main, par une femme-phénix bien heureuse de son sort. Illustrant le côté obscur de Yeezy, décelable à maintes reprises dans cet album sous forme d’oxymore, cette pochette se retrouve allègrement pixellisée par la grande distribution.

Les autres, plus gentillettes, comportent également toutes des références, qu’elles soient adressées à un des morceaux de l’album ou – plus surprenant – à SHAKESPEARE auquel l’artiste s’identifie.

Mais si, vous savez, l’autre moitié du temps, lorsqu’il n’est pas Dieu. ☺

•SONIC YOUTH

YOU SHONE LIKE THE SUN

👀

C CO V ER OV R

SHINE ON, YOU CRAZY DIAMOND

100%

NOS RÉGION DU TALENSTONT

NOW

1 Lionel Richie → Hello

A Plastic Bertand → Mon nez, mon nez

2 The Beatles → Yesterday

B Alliage → Le Temps Qui Court

3 Donna Summer → Could It Be Magic

C Sylvie Vartan → Déprime

4 Eurythmics → Sweet Dreams (Are Made of This)

D Ringo → Qui est ce grand corbeau noir ?

5 ABBA → Money, Money, Money

E Mireille Mathieu → Allo

6 Buggles → Video Killed the Radio Star

F Hugues Aufray → Je croyais

T

Réponses

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On peut supposer que LIL WAYNE, SNOOP DOGG ou encore BIG BEAR doivent, en partie, leur succès à ces visuels aussi kitsch que tape-à-l’œil. Une chose est sûre en tout cas : les frères Shawn ont créé avec Pen & Pixel un style devenu référence. Ils ont inventé le bling-bling tel qu’on le connaît, et on ne peut que leur dire merci pour ça.

SHINE ON, YOU CRAZY DIAMOND

Leur ingrédient n°1 : Photoshop. Avec le logiciel et des superpositions de strass, grosses bagnoles, bouteilles de champagne, crocodiles, chevalières et billets de banque, le studio crée des pochettes de CD iconiques dans des couleurs chatoyantes.

LIKE BLACK HOLES IN THE SKY

Quand on cherche un peu, on arrive à retrouver son origine à Houston, Texas, au début des années 1990. Et plus précisément dans les bureaux de PEN & PIXEL, studio graphique fondé par Shawn Brauch et son frère, devenu la référence incontournable en matière de pochettes de rap US. L’avènement du glitter, les ours en peignoir à lunettes et les Cadillac rutilantes sur les pochettes, c’est à eux qu’on doit les attribuer.

E'S A LOOK IN YOUR EYES ER H

Employée pour désigner la chaînette dorée de notre voisin de classe de CM1 ou nos GIF pailletés préférés avec des dauphins sur fond de soleil couchant, l’expression BLING-BLING est aujourd’hui bien répandue dans le langage commun.

1 → E | 2 → F | 3 → B | 4 → C | 5 → A | 6 → D

« Cover », ça veut aussi dire reprise pour les bons Français que nous sommes. Chose que l’artiste francophone aime d'ailleurs expérimenter sans vergogne, en particulier lorsqu’il s’agit d’aller piocher le gros tube chez le voisin.

Parce qu’on aime les phrases bien lourdes et les reprises bien légères, on vous propose avec le jeu ludique à votre droite de relier les covers de chansons internationales avec les covers de leurs covers en français.

VERSION FRANÇAISE

INTRODCUTION — 27

2

VERSION ORIGINALE

👀 INVITATION — 28 KIBLIND Magazine → 80 → Cover

Du physique au streaming : quelles pochettes de disques à l’heure du digital ?

Un beau jour de 2015, Bastien Stisi a eu l’idée judicieuse de créer un webzine entièrement dédié à la pochette de disque : Néoprisme. Depuis lors, pendant le temps libre que lui laisse son activité de rédacteur en chef adjoint chez Radio Nova, il y conte les personnes et histoires derrière les œuvres d’art.

Pour ce numéro plus qu’approprié, Bastien passe au peigne fin les pochettes impalpables de notre ère.

👀 INVITATION — 29 KIBLIND Magazine → 80 → Cover

C’est l’une des pochettes de disques les plus connues de l’histoire de la musique et l’une des premières à s’être imposée comme une œuvre quasiment autonome du disque qu’elle illustre. Cette pochette, c’est celle de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, qui accompagne le huitième album des Beatles, une image qui fourmille de détails, qui a été analysée 1 000 fois, dont la production a nécessité la construction d’un véritable décor, avec artefacts, statues de cires et, aux manettes, l’une des grandes vedettes pop art de l’époque : le plasticien Peter Blake.

En convoquant sur le même espace les figures d’Oscar Wilde, d’Edgar Allan Poe, de Marilyn Monroe, de Karl Marx, de Marlene Dietrich, d’Albert Einstein ou encore bien sûr des quatre Beatles, cette image a marqué des générations entières et surtout celle qui, à la fin des années 1960, était en âge d’être sensible à la musique progressiste, avant-gardiste, jusqu’au-boutiste des Fab Four. Une pochette qu’il serait inimaginable d’envisager aujourd’hui. Paradoxal, à une époque où les images circulent à n’en plus finir sur nos écrans tactiles et où l’on pourrait penser qu’il faut faire le plus élaboré possible pour fonctionner ? Pas tant que ça.

Du vinyle au CD, du MP3 au streaming.

En 1967, lorsque sort Sgt. Pepper’s, puis la pochette à la banane du Velvet signée Andy Warhol, celles des Stones, de Bowie, de Funkadelic, de Miles Davis ou de Pink Floyd, le format d’écoute est évidemment le vinyle. Pour se lâcher complètement niveau création visuelle, c’est idéal : le vinyle est large et manipulable comme un véritable objet d’art.

Pour comprendre pleinement, par exemple, l’ensemble des sens cachés derrière les pochettes du peintre Lemi Ghariokwu pour le patron de l’afro-beat Fela Kuti, il faut s’armer d’une loupe, d’une bonne dose de patience... et d’une solide étude sociale, politique, économique sur le Nigeria des années 1970 et 1980. Autres formats, autre époque.

Et puis dans les années 1980, le vinyle voit diminuer son monopole devant une industrie du disque bien trop heureuse de pondre le compact-disc, version plus pratique, plus petite et surtout plus rentable que le vinyle. Le grand massacre orchestré par l’arrivée du MP3 et du téléchargement illégal de masse, puis le sauvetage opportuniste, par le streaming légal, font muter le game et réforment, progressivement, le travail des illustrateurs, graphistes et photographes engagés pour mettre en image la musique.

La consommation de musique en streaming s’est, depuis, imposée au point de devenir le mode d’écoute privilégié des millennials.

Les auteurs de disques (vinyles et compact) en achètent toujours, les indés trouvent entre eux des raisons de contester les tendances (le monde fourmille d’artistes et de labels qui n’ont que faire d’exister sur des plateformes où, de toute

👀 INVITATION — 30 KIBLIND Magazine → 80 → Cover

manière, on ne les écoutera pas); mais les nouvelles générations, indiscutablement, c’est à l’écoute digitale qu’elles sont intimement liées. Être direct, marquer tout de suite.

Exister, au temps du digital, c’est veiller à simplifier le propos, à fonctionner en très grand, mais surtout en très petit. On scrolle, on avance, on n’a pas le temps, la chance n’est pas donnée bien longtemps, car tout de suite, une autre information amène l’attention autre part. Déjà, on est passé à autre chose. Il faut être Kendrick Lamar pour tenter de faire différemment et sortir en 2015, avec To Pimp a Butterfly, un visuel dont la complexité et le sens du détail détonnent à une époque où ce qui est tendance est ce qui est évident. Certains comme le photographe Fifou – qui accompagne et illustre le rap français depuis 20 ans – parlent même de cover punchlines afin de signifier ces nouvelles tendances. Marquer tout de suite. Et durablement. L’exemple de PNL, avec qui Fifou a justement travaillé sur la cover de Dans la légende (2016), est digne d’intérêt. Le duo passe des heures entières dans les profondeurs du web, termine Discogs, analyse les vignettes qui défilent sur Spotify, Apple Music, Bandcamp. Puis passe à Instagram, réseau social de l’image par excellence. Des heures sur les écrans, l’index qui scrolle, l’attention qui ne baisse pas... et Ademo et N.O.S qui tombent finalement d’accord. Sur les plateformes, il y a des couleurs qui reviennent souvent et d’autres qu’on ne retrouve jamais. La couleur saumon et rosée, qui colorise finalement la pochette, en fait partie. C’est cette couleur que les deux frères demandent à Fifou d’exploiter. Quelques mois plus tard, lorsque sort le deuxième album d’Aya Nakamura, c’est la même logique qui s’impose. En voit-on beaucoup, des pochettes faites de ce jaune façon Kill Bill en guise d’arrière-plan ? Ce jaune-là, avec le bleu qui transforme ses cheveux, sera la couleur qui permettra à quiconque de reconnaître, dès qu’elle tournera sur une plateforme de streaming et en un coup d’œil, les « Pookie », « Djadja » et autres tubes de cette artiste sur laquelle son label a investi, forcément, beaucoup d’énergie.

Et c’est un fait : plus les albums sont destinés à générer des ventes, du stream, plus la communication doit être directe. Et les pochettes de disques, à moins d’une idée brillante contre laquelle personne n’est à l’abri, ne sont pas exemptées. Tout le monde le sait et en a conscience : illustrer de la musique, c’est

👀 KIBLIND Magazine → 80 → Cover

Visuels dans l’ordre d’apparition : The Beatles - Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967) ; Fela Kuti - Ikoyi Blindness (1975) ; Kendrick Lamar - To Pimp a Butterfly (2015) ; PNL - Dans la légende (2016) ; Aya Nakamura - Nakamura (2018) ; Olivia Rodrigo - Sour (2021) ; Justin Bieber - Justice (2021) ; Dua Lipa - Nostalgia (2020) ; The Weeknd - After Hours (2020) ; Lil Nas X - Montero (2021) ; Pop Smoke - Shoot For The Stars Aim For The Moon (2020)

INVITATION — 31

aussi faire en sorte de pouvoir la vendre. Si l’on prend les 10 albums les plus écoutés sur Spotify en 2021, le constat est saisissant. Sour d’Olivia Rodrigo, Future Nostalgia de Dua Lipa, Justice de Justin Bieber ou After Hours de The Weeknd : tous sont portés par des visuels qui ont un impact au premier regard. Le plus souvent, un artiste au premier plan, un fond globalement neutre et des couleurs qui tentent, dans la mesure du possible, d’éviter de plus en plus le noir.

Car pour apparaître sur des plateformes qui assombrissent globalement leurs environnements pour ne pas user plus encore les yeux de leurs utilisateurs, mieux vaut, en effet, passer par le blanc, le jaune, le rouge, bref, miser sur le clair. Les étoiles, dans la nuit, ne sont visibles que parce que le ciel est sombre. Seul Lil Nas X, avec son album Montero – l’un des autres cartons de 2021 – semble faire figure d’exception... et encore ! Car sur cette image de la photographe Charlotte Rutherford, ce sont non pas les détails de la pochette, mais avant tout les couleurs – qui évoquent, compte tenu des combats LGBTQ+ du rappeur, celles de l’arc-en-ciel – qui éclatent de mille feux et font qu’elle reste tout de suite en tête. Une vraie exception, cela dit, dans ce top 10 : l’album Shoot for the Stars Aim for the Moon de Pop Smoke qui, à contre-courant de toutes les tendances, livrait une pochette au sens opaque et faite d’un noir quasi total. Obscur, illisible, underground... de circonstance ! C’est que cet album est le disque posthume d’un rappeur tué par balles à l’âge de 20 ans et que la pochette devait porter, absolument, les couleurs que l’on porte dans les moments de deuil. Et que dans ces moments-là, un miracle se produit. Et le geste artistique reprend, le temps d’un instant, le dessus sur le tout-puissant objectif marketing.

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👀

Raman Djafari

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L'artiste allemand, qui a grandi à Berlin et vit aujourd'hui à Hambourg, a ce pouvoir génial d'embarquer avec lui le public dans chacune de ces incroyables réalisations, qu'elles soient fixes ou animées. Si son travail commence toujours par quelques croquis jetés sur son carnet, c'est souvent lorsque tout s'anime que la magie opère. On l'a d'ailleurs connu pour le clip hypnotisant qu'il a réalisé pour le groupe de ses compatriotes FJAAK. Et c'est avec bonheur qu'on l'a retrouvé récemment aux manettes d'un clip pour la jeune popstar britannique Elton John. Entre temps, Kiblind lui avait déjà demandé une création originale pour le numéro Robot. Confier notre couverture animée autour de la thématique « Cover » à ce Rocket man passionné de musique sonnait donc comme une évidence.

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👀

Ma pochette d’album préférée est une pochette qui est encore en cours de réalisation… Je l’ai faite pour un de mes amis, DJ Piper, vous n’avez qu’à patienter jusqu’à sa sortie prochaine ♥.

Le clip auquel je me sens le plus lié, au moment où on se parle, c’est celui pour le morceau « Pamphlets » de Squid. Je pense que j’ai réussi à vraiment y capturer certaines de mes émotions brutes et j’aime comment les images interagissent avec la chanson. (L’album entier de Squid est également incroyable, vous devriez vraiment l’écouter si vous ne le connaissez pas encore.)

Tu as réalisé de nombreuses pochettes d’album et évidemment quelques clips aussi, dont ce fameux bijou pour Elton.

Quelles sont les pochettes que tu as faites qui t’ont marqué ?

Et les clips ?

Elle me fournit une ambiance, une sorte de texture de fond, de nappe, qui se diffuse, dans mes pensées à travers les paroles, pendant que je dessine. J’aime surtout la musique pour sa capacité à créer immédiatement une émotion chez la personne qui l’écoute. Comme je travaille souvent en tant que directeur d’animation pour des clips musicaux, cette influence fait partie de mon travail quotidien.

Comment la musique intervient-elle dans ton processus de création ?

C’est un trio magique composé de Motomami de Rosalía, Shabrang de Sevdaliza et Mr. Morale & The Big Steppers de Kendrick Lamar.

Quels sont les albums que tu écoutes en boucle en ce moment ?

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👀

En fait, oui. Tout commence dans le carnet de croquis pour moi. Pour les clips musicaux, la préproduction est généralement beaucoup plus longue. Pour une pochette d’album, je me contente souvent d’une série de petits croquis, pour trouver une idée de base d’image et de composition, après quoi il y a beaucoup d’expérimentation. Mon processus d’illustration est vraiment ouvert et flexible, mes images changent généralement beaucoup au cours du processus. C’est presque comme un dialogue avec l’image, où je ne peux souvent pas vraiment planifier le résultat final.

Comment travailles-tu les deux exercices de commande très différents que sont le clip et la pochette ? Tu commences toujours par ton précieux carnet de notes et tes croquis ?

Avoir la chance de travailler pour des artistes d’une telle envergure qu’Elton John et Dua Lipa a été une surprise absolue pour moi. Honnêtement, je ne m’attendais pas à ce que ce soit possible. Étonnamment, le processus de réalisation de la vidéo s’est déroulé sans heurts. J’ai pu réaliser l’idée que je leur ai présentée, sans avoir à faire trop de compromis. J’ai également eu la chance d’avoir le soutien de BlinkInk, qui m’a donné l’opportunité de présenter ce projet, et l’aide précieuse d’une équipe incroyable d’animateurs, d’artistes FX, de graphistes pour les arrière-plans et de nombreuses autres personnes compétentes, pour donner vie à ce projet. Ils sont trop nombreux pour que je puisse tous les nommer, mais je vous encourage à les découvrir, car ce sont tous de grands artistes à part entière.

Peux-tu nous dire quelques mots sur ce dernier clip pour Elton ?

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👀

Merci ♥ J’apprécie le compliment. Selon le moment et le lieu qu’on prend pour référence, j’ai eu mon premier contact avec la création visuelle quand j’étais enfant. J’étais vraiment inspiré par les livres de fantasy, les jeux vidéo et ensuite les animés et les mangas (j’adorais Akira Toriyama et Michiko Yokote.) J’ai grandi à Berlin et, pendant mon adolescence, je me suis passionné pour les graffitis et les peintures murales, puis j’ai découvert le dessin et la peinture numériques. Je me suis plongé dans la scène de l’art conceptuel et dans les communautés en ligne qui entourent ces formes d’art. Tout en étudiant l’illustration, je me suis financé en travaillant comme concept artist et character designer dans des jeux vidéo. Au bout d’un certain temps, je me suis senti insatisfait des sujets que je rencontrais et j’ai essayé de m’orienter vers l’illustration éditoriale et de développer une approche plus personnelle de la création d’images et de sujets. À un moment donné, des amis à moi, le groupe techno FJAAK, m’ont demandé de réaliser un clip animé pour eux. C’est ainsi que je me suis lancé dans l’animation. Je n’avais absolument aucune idée de la manière d’animer ou de réaliser un clip vidéo complet. C’est sur ce projet que j’ai véritablement appris à animer. Après cela, j’ai continué à réaliser des clips, à faire d’autres projets d’animation, puis j’ai fait équipe avec Daniel Almagor, collaborant à plusieurs projets avec lui. Pendant cette période, nous avons beaucoup appris sur la réalisation de films d’animation et sur la collaboration avec les autres. Nous avons travaillé avec Charlie Spies et Inger Bierma sur certains projets, puis nous avons tous continué à faire notre propre travail en solo. L’année dernière, je suis passé de la 2D à la 3D pour certains projets et j’ai commencé à travailler avec BlinkInk, une société de production d’animations basée à Londres. Parallèlement, j’ai toujours continué à faire des illustrations et à développer mon approche de la création d’images, qui est bien sûr liée à la façon dont je fais des films, mais qui utilise des outils différents pour obtenir une sensation, un sentiment similaires.

Mes images fixes sont souvent très stratifiées, fragmentées,

Peux-tu nous parler un peu de ton parcours et nous dire comment tu parviens à concilier avec talent l’illustration fixe et l’illustration animée ?

Pour les clips musicaux, il faut beaucoup plus de préparation et de précision. Au début, j’écoute la chanson les yeux fermés, en attendant que des images apparaissent dans mon esprit.

Ensuite, je fais quelques croquis simples et des notes écrites pour capturer ces premiers émois instinctifs. Ensuite, j’entame généralement une phase de recherche visuelle prolongée.

Je rassemble des images qui m’aident à développer l’idée que j’ai d’abord formulée dans mon carnet de croquis. À partir de là, j’entre dans le processus de storyboard et d’animation, au cours duquel j’élabore les différentes idées de plans et les planifie sur la durée de la chanson.

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👀

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→ Interview : J. Martinez

J’adore la reprise par James Blake de « Godspeed » de Frank Ocean.

Question subsidiaire : as-tu une cover incroyable d’une chanson célèbre à partager avec nous ?

J’ai trois projets (presque) terminés qui attendent toujours leur sortie. L’artwork et les visualizers pour le projet de DJ Piper mentionné plus haut, un peu de travail sur une émission de télévision et la bande-annonce officielle d’un festival d’animation, après quoi j’espère faire une pause pour écrire et faire un court-métrage !

Et enfin, la question classique sur tes projets à venir ?

Je connaissais l’album des Pink Floyd évidemment mais je n’avais pas de lien très fort avec celui-ci en particulier. Le fait de me replonger dans l’album m’a permis d’en apprécier la profondeur une fois de plus. La pocette de l’album elle-même est absolument iconique. L’image est si simple et pourtant incroyablement puissante et poétique. J’ai essayé d’amener ce décor dans mon monde à moi et de construire des éléments par-dessus l’image. La poignée de mains était un peu trop formelle pour moi, j’ai donc opté pour un geste physique plus doux. Enrichir l’espace avec des images florales et une architecture abstraite était ma tentative pour essayer d’adoucir la force de l’original (ce qui, bien sûr, fait partie de son intérêt, mais pas tout à fait dans mon esthétique).

Peux-tu nous dire quelques mots sur ta couverture de Kiblind et la petite animation que tu as réalisée ?

Les pochettes qui m’ont vraiment marqué… Allez, 6 Feet Beneath the Moon de King Krule, El Male Querer de Rosalía, My Beautiful Dark Twisted Fantasy de Kanye West, Flower Boy de Tyler the Creator, Dark Side of The Moon de Pink Floyd, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band des Beatles et bien d’autres encore bien sûr… Ça serait un rêve de travailler avec chacun de ces artistes-là !

Quelles sont les pochettes qui t’ont marqué dans l’histoire de la musique ? Et plus récemment ?

elles créent un sentiment d’incertitude. C’est une façon pour moi de condenser la complexité d’un thème et d’une idée en une seule image, alors que dans un film ou une vidéo, il faut répartir le temps sur plusieurs plans, qui tendent vers un concept central.

EN COUVERTURE — 37

👀

👀 CRÉATIONS ORIGINALES — 38

CRÉA TIONS ORIGI NALES

À l’occasion de ce numéro qui fleure bon les vacances, on s’est dit que ce serait dommage que vous n’ayez pas une jolie cassette à faire tourner dans votre ghetto-blaster. Alors, on s’est démenés et on a trouvé huit titres issus du catalogue de huit de nos labels indé préférés.

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Et comme l’illustration, c’est un peu notre dada, on a pensé à faire illustrer ces huit titres par huit artistes qu’on trouve formidables. Dans les pages suivantes, vous trouverez le résultat de ces mariages heureux, entre musiques élégantes et pinceaux chics.

Nous remercions donc Fontanarosa et Howlin’ Banana Records, Voyou et Entreprise, Fils Cara et Microqlima, Jokari et AB Records, Thx4Crying et Pont Futur, Hassan K et October Tone, Pi Ja Ma et Bleepmachine,Tutankhamun et Nice Guys pour la musique. Mais aussi, évidemment, les illustratrices et illustrateurs Takaya Katsuragawa, Camille Potte, Aude Bertrand, Violette Le Gendre, Luca Schenardi, Jose Berrio, Camille Gobourg et Teddy Goldenberg.

👀 CRÉATIONS ORIGINALES — 39

instagram.com/katsura_river

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Takaya Katsuragawa l Fontanarosa – Days Go By (Howlin’ Banana Records)

👀 CRÉATIONS ORIGINALES — 40 KIBLIND Magazine → 80 → Cover

Camille Potte l Voyou – On a marché sur la lune (Entreprise) instagram.com/camillepotte

👀 CRÉATIONS ORIGINALES — 41

audebertrand.com

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Aude Bertrand l Fils Cara – Hurricane (Microqlima)

👀 CRÉATIONS ORIGINALES — 42 KIBLIND Magazine → 80 → Cover

Violette Le Gendre l Jokari – Siffloti Sifflota (AB Records) instagram.com/violette.legendre

👀 CRÉATIONS ORIGINALES — 43

lucaschenardi.ch

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Luca Schenardi l Thx4Crying – ok ♡ (Pont Futur)

👀 CRÉATIONS ORIGINALES — 44 KIBLIND Magazine → 80 → Cover

Jose Berrio l Hassan K – Charq (October Tone) joseberrio.com

👀 CRÉATIONS ORIGINALES — 45

camillegobourg.fr

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Camille Gobourg l Pi Ja Ma – J’ai oublié (Bleepmachine)

👀 CRÉATIONS ORIGINALES — 46 KIBLIND Magazine → 80 → Cover

Teddy Goldenberg l Tutankhamun – Big Foot (Nice Guys) instagram.com/teddygoldenberg

« Voilà le visuel de ce 3e album

👀 CITATIONS — 47

« Je voulais que les gens entendent JOIE DE VIVRE ! Un joli moment,

la musique en

un joli clin d’œil immortalisé sur

voyant l’œuvre

les plages du Nord avec le grand

d’art » — Alex

Martin Parr que je ne remercierai

Steinweiss,

jamais assez. » — Louane sur son

profil Facebook, le 2 sept. 2020.

pochette illustrée.

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inventeur de la

👀 DOSSIER — 48 KIBLIND Magazine → 80 → Cover

Elle trône, triomphante, dans les bacs en OSB du disquaire de quartier.

Elle fait mine d’avoir toujours été là. Comme si le chemin avait été aisé, comme si son apparence n’avait pas provoqué mille et un débats et n’avait pas été au centre de toutes les conversations pendant des semaines. Sous ses airs innocents, la pochette en a parcouru, du chemin, pour se retrouver là telle quelle, entre les mains de clients avides de nouveautés à se mettre sous la dent. Qu’elle habille un vinyle, un CD ou même une cassette, la pochette est le fruit d’une chaîne constituée de trois acteurs principaux.

Premièrement, elle naît dans l’esprit du musicien qui a décidé de compiler ce qu’il sait faire de mieux dans un EP ou un album. Ensuite, elle passe dans les mains du label, maillon indispensable dans la production et la distribution dudit effort, et donc à ce titre, acteur qui a son mot à dire. Puis, en bout de chaîne, c’est finalement l’artiste – photographe, illustrateur, graphiste – qui a pour lourde mission d’enraciner l’image qui sera indissociable du son dans l’esprit de tou·te·s. Pour comprendre les tenants et aboutissants de cet exercice de haute voltige à travers le regard de chacun, nous avons bavardé avec Anne Zeum, l’illustratrice coup de cœur de Joseph Mount ayant réalisé la pochette de Metronomy Forever, mais aussi avec JB Wizz, patron et directeur artistique du sacrosaint label français Born Bad Records, et Keith Rankin, boss, DA et musicien à la fois du label indé américain Orange Milk.

LA E U Q BRI

FA DE

T E H

S E T

C O

P

Parlons d’abord d’Anne, tiens. Dessinatrice à son compte après avoir traîné du côté de la HEAR de Strasbourg, Anne mène une vie bien tranquille sur les réseaux sociaux, en posant quelques exemples de son travail ici et là, au gré de ses envies.

Et puis, sans crier gare, une notification sur un écran de veille vient troubler cet équilibre : « Un jour, alors que je n’ai que quelques abonnés, je vois que Metronomy commence à me suivre. Je n’y crois pas. » Penchant vers la théorie du clic involontaire, Anne Zeum continue son petit bout de chemin jusqu’à comprendre enfin la raison de ce geste inattendu : « Deux ans après, Joseph Mount, le chanteur de Metronomy, me contacte par message privé sur Instagram et me dit : “Salut Anne j’aime trop tes dessins. J’ai une vision pour la pochette du futur album de Metronomy, et elle n’est composée que de tes dessins”. » En un DM, voilà Anne embarquée dans la conception d’une identité visuelle pour un des groupes pop les plus emblématiques de notre époque.

En tant que fan de la première heure, la jeune illustratrice se rend alors compte du sacré coup du destin qui vient de l’amener à faire le travail de commande rêvé. « Metronomy qui me parle, c’était vraiment un truc de malade, c’était comme si le président me parlait, même 10 fois mieux. » Comble du bonheur – sans doute réservé aux artistes de cet acabit, avec un sens artistique développé en prime – les discussions ne se sont faites qu’entre Anne et le chanteur du groupe anglais. « Tout ce qui était direction artistique, les échanges

par rapport aux dessins et à la pochette, ce n’était qu’avec le chanteur, et l’argent, avec la maison de disques. C’était très agréable de travailler sur ce projet parce que les choses étaient bien séparées. » L’argent, d’ailleurs, a été un sujet dont Anne a tout de suite voulu se défaire pour se concentrer uniquement sur l’artistique : « J’ai contacté une graphiste qui est assez connue et je lui ai demandé de l’aide parce que je ne savais pas comment faire ça. Elle m’a donné le numéro de son agent qui a accepté de travailler avec moi pour cette pochette.

Du coup, j’ai pu vraiment occulter l’aspect financier à partir de ce moment-là et avoir l’esprit tranquille pour me consacrer au travail d’illustration. »

« METRONOMY QUI ME PARLE, C’ÉTAIT VRAIMENT UN TRUC DE MALADE, C’ÉTAIT COMME SI LE PRÉSIDENT ME PARLAIT, MÊME 10 FOIS MIEUX. » Pour la pochette de Metronomy Forever, Joseph Mount imaginait quelque chose « dans un style un peu bizarre/sombre ».

En guise de référence, l’artiste envoya à Anne « des images-photos d’articles scientifiques du début de la vie sur la Terre avant que l’Humanité existe, avant les premiers signes visibles de vie sur Terre. »

👀 DOSSIER — 49

↑ Idées et croquis final pour la pochette de Metronomy Forever, Anne Zeum.

↑ Pochette pour le vinyle Metronomy Forever, Anne Zeum.

↑ Pochette pour le single digital Wedding Bells, Anne Zeum.

EN GUISE DE RÉFÉRENCE, L’ARTISTE ENVOYA À ANNE « DES IMAGES-PHOTOS D’ARTICLES SCIENTIFIQUES DU DÉBUT DE LA VIE SUR LA TERRE AVANT QUE L’HUMANITÉ EXISTE, AVANT LES PREMIERS SIGNES VISIBLES DE VIE SUR TERRE.»

Artiste habituée aux scènes musicales indépendantes, notamment depuis ses études à Strasbourg où elle était une fidèle du lieu associatif Le Diamant d’or, Anne a eu l’occasion de faire d’autres pochettes dans sa carrière comme pour le groupe londonien Meddicine et pour le DJ belge The Magician, dans un autre registre.

« J’AVAIS TOUT DE SUITE UNE IDÉE DE REPTILES QUI ONT LA TÊTE DANS L’EAU, QUI RESPIRENT COMME SI L’AIR ÉTAIT SUFFOCANT ET QU’IL FALLAIT QUE LES REPTILES RESPIRENT À TRAVERS DES ESPÈCES DE PETITS ÉTANGS, DE PETITES MARES »

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Tout d’abord apeurée par cette demande et par le challenge qu’elle représentait pour une artiste émergente, Anne se mit vite au travail pour ne surtout pas rater le coche : « J’ai assez vite fait des petits croquis. En fait, j’ai tout envoyé d’un coup, je pensais vraiment être en compétition avec d’autres illustrateurs donc j’ai fait ça en une journée, vite fait, parce que j’avais peur que l’opportunité s’échappe et qu’il choisisse un autre artiste. » Face à l’enthousiasme de Joseph, Anne dessine dans la foulée « le vrai croquis ».

Avant de se lancer dans cette réalisation, Anne avait pu échanger avec le musicien sur ses préférences en termes de techniques. « Mon croquis a été fait à l’aquarelle, et Joseph était content mais pour moi, ce n’était qu’une première étape, pas quelque chose de fini. Je voulais que ce soit plus travaillé, je voulais que ce soit mieux. Du coup, je me suis lancé dans du travail à l’ordinateur et lui a été d’accord

avec ça, il aimait bien l’aspect plus fini », nous raconte Anne.

Totalement libre, l’illustratrice y va également de ses propositions : « L’idée de la typo qui se dégage dans la lave ça, c’était moi. En fait, ils pensaient pas du tout que j’allais faire le logo, je crois que leur intention était de demander à quelqu’un d’autre de faire le logo parce qu’à chaque nouvel album, ils ont un logo différent.

Comme j’adore dessiner des lettrages, j’ai fait ça assez naturellement, et ils étaient à fond. La maison de disques comme Joseph, donc ils m’ont laissée faire. » Autour de cette montagne tapissée de lave, des êtres vivants sont dissimulés dans le paysage. « J’avais tout de suite une idée de reptiles qui ont la tête dans l’eau, qui respirent comme si l’air était suffocant et qu’il fallait que les reptiles (la seule forme de vie à ce moment-là sur l’image) respirent à travers des espèces de petits étangs, de petites mares », nous dépeint Anne. La suite de l’histoire s’apprécie à l’intérieur de la pochette, là où « une végétation a poussé, des choses un peu plus oniriques, organiques ». « Je me suis créé une histoire et je l’ai soumise à Joseph et il était à fond.

Du coup, il m’a laissé complètement carte blanche pour toute cette grande fresque.

Je me suis imaginé que le temps avait passé après ça et que la végétation avait commencé à pousser », nous raconte-telle. Lors de ce ping-pong créatif, Joseph suggère d’ajouter dans ce décor un lézard qui tague « Metronomy 4eva » dans un coin. Et paf, la pochette culte de l’album Metronomy Forever est née.

👀 DOSSIER — 50 ↑ Mazouni - Un Dandy en Exil - Algérie / France - 1969/1983 sorti chez Born Bad, artwork par le collectif Bazooka

Nourrie par l’univers post-punk, garage, l’illustratrice avoue avoir un faible pour l’illustration appliquée à la musique et le résume très joliment : « Laisser la musique infuser ton esprit, faire corps avec la musique, laisser ta main agir en essayant de te décoller de ton esprit pour vraiment te laisser porter, c’est ça que je trouve trop cool dans cet exercice. »

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Après l’expérience dorée d’Anne, nous avons cherché à savoir ce qui se passe derrière la barrière, là d’où viennent les ordres. C’est donc avec le courage en bandoulière que nous entreprenons l’ascension de l’industrie discographique.

Assis devant son bureau en marbre de Carrare, au dernier étage de la plus haute tour de la plus grande ville, nous rencontrons enfin le haut du panier : le patron de label.

Pour dire vrai, avec Jean-Baptiste Guillot aka JB Wizz, on est plus près de la cave que des nuages. L’indépendance chevillée au corps, le chef de la maison Born Bad est un adepte des mains dans le cambouis.

Malgré la notoriété de sa petite entreprise et les noms ronflants qui en constituent la discographie (Frustration, La Femme, Francis Bebey et même Stephan Eicher et Henri Salvador), il continue de travailler seul. Donc, quand on cause pochette, c’est avec lui qu’il faut voir. « C’est compliqué pour moi de sortir un disque dont j’aime pas du tout la pochette. C’est lourd à porter de commercialiser un disque, donc si tu n’aimes pas le visuel c’est dur de rester motivé. » Pour les compilations, nombreuses, les rééditions et les cas pour lesquels les groupes n’ont pas d’idées

↑ La Femme - Psycho Tropical Berlin - sorti chez Born Bad Artwork par Elzo Durt

précises, c’est Jean-Baptiste Guillot qui s’occupe de l’affaire. Et petit à petit l’aspect visuel des disques estampillés Born Bad est devenu une signature. « J’ai quand même réussi mon coup, parce qu’on reconnaît un disque Born Bad du premier coup d’œil. Et je crois qu’on aime tous ces labels où il y a un esprit graphique. Mais j’intellectualise pas ça, j’y vais à l’instinct. J’ai ce truc : je viens du rock’n’roll. » Le boss de Born Bad a beau le faire à l’instinct, il suit quand même deux-trois lignes directrices. « Moi j’ai pas poussé la réflexion graphique très loin. Je n’ai pas imposé de charte, de tailles de typo, de couleurs. Mais il y a une espèce d’esprit commun dans les pochettes qui est le recours presque systématique à des illustrateurs. Utiliser le dessin ça me semblait assez évident par rapport à l’objet vinyle. » Une idée qui permet également à son label d’afficher ses valeurs. « Une des lignes du label, c’est son côté pop. J’ai

« J’AI QUAND MÊME RÉUSSI MON COUP, PARCE QU’ON RECONNAÎT UN DISQUE BORN BAD DU PREMIER COUP D’ŒIL. ET JE CROIS QU’ON AIME TOUS CES LABELS OÙ IL Y A UN ESPRIT GRAPHIQUE. »

↑ Le premier disque sorti chez Born Bad : Frustration Full of Sorrow (2006) Artwork par Baldo

toujours voulu faire un label populaire.

Le dessin permet d’être très coloré, très joyeux. Pas trop intello, pas trop arty non plus. Un truc un peu généreux. »

« UNE DES LIGNES DU LABEL, C’EST SON CÔTÉ POP. J’AI TOUJOURS VOULU FAIRE UN LABEL POPULAIRE. LE DESSIN PERMET D’ÊTRE TRÈS COLORÉ, TRÈS JOYEUX. PAS TROP INTELLO, PAS TROP ARTY NON PLUS. UN TRUC UN PEU GÉNÉREUX. » C’est ce pas de côté qui donne au label sa marque de fabrique. Là où on pourrait attendre d’une structure underground qui vient du punk-rock qu’elle en fasse des caisses sur le côté sombre et bordélique, Born Bad s’éprend des couleurs vives et des contre-pieds. « Moi ce que j’aime bien, c’est quand à travers la pochette tu peux imaginer la musique sans pour autant te vautrer dans les poncifs du genre. Quand j’ai commencé avec Frustration qui fait un disque de post-punk, on nous attendait avec une esthétique plutôt noir et blanc et minimale. Et j’ai été content de travailler avec Baldo et des codes totalement différents. » Le chemin débroussaillé par son premier disque, le label de Romainville continue de sauter par-dessus les passages obligés. Ici, le collectif punk Bazooka

👀 DOSSIER — 51

↑ Henri Salvador - Homme Studio - 1969/1978 - sorti chez Born Bad - Artwork par Camille Lavaud

qui s’occupe de la pochette de Mazouni, crooner algérien. Là, le style très naïf de Camille Lavaud qui réhumanise les mythes Henri Salvador et Pierre Vassiliu. Et puis, bien sûr, l’iconique travail d’Elzo Durt pour à peu près tout et n’importe quoi, du premier album de La Femme au groupe béninois Star Feminine Band en passant par la B.O. du Mariage collectif de JeanPierre Mirouze. Ça part dans tous les sens, mais bizarrement, l’horizon est toujours le même. « J’essaie d’avoir un truc homogène, qu’on reconnaisse que c’est Born Bad alors que je travaille avec des gens différents. Ça donne quelque chose de beaucoup plus incarné et personnel avec un truc un peu branque. » C’est l’ambiance qui importe, le fumet qui sort des disques du label quand on les croise dans les bacs. La joliesse n’est pas forcément au cœur du processus. « J’aime bien les pochettes débiles, j’aime bien quand il y a de la dérision… Je suis

pas forcément dans une logique de beau.

Je pense pas que les pochettes que je fais soient belles. » C’est même parfois les défauts et les faiblesses qui font l’intérêt d’une pochette. C’est ce qu’il cherche par exemple chez Camille Lavaud. « Camille, tu vois, elle arrive pas à dessiner une bagnole, les mains sont de traviole, les mecs sont biglouches. Mais dans cette espèce de naïveté, il y a quelque chose d’assez magique qui se dégage, comme tu peux retrouver dans l’art brut. Les défauts de ses dessins sont tellement assumés que ça en devient irrésistible et ça rend plus humains les Salvador et compagnie. » Une fois la démarcation faite par rapport aux autres labels, la pochette peut alors faire son taf. « Quand je fais des vinyles, je ne perds jamais de vue que c’est des produits manufacturés. Je suis toujours en quête d’efficacité. En magasin, une pochette d’Elzo tu ne vois qu’elle. »

← Ich Bin - Obéis!

Replica Records (2020)

→ Amon Düül II Tanz der Le mminge sorti chez MANTRA (1971)

↑ Illustrations de Marie Boiseau

← Led Zeppelin i Physical Graffit n - sorti chez Swa s Song Record (1975) - Artwork par Mike Doud et Peter Corriston

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« J’ESSAIE D’AVOIR UN TRUC HOMOGÈNE, QU’ON RECONNAISSE QUE C’EST BORN BAD ALORS QUE JE TRAVAILLE AVEC DES GENS DIFFÉRENTS. ÇA DONNE QUELQUE CHOSE DE BEAUCOUP PLUS INCARNÉ ET PERSONNEL AVEC UN TRUC UN PEU BRANQUE. »

« J’AIME BIEN LES POCHETTES DÉBILES, J’AIME BIEN QUAND IL Y A DE LA DÉRISION… JE SUIS PAS FORCÉMENT DANS UNE LOGIQUE DE BEAU. JE PENSE PAS QUE LES POCHETTES QUE JE FAIS SOIENT BELLES. »

LES POCHETTES PRÉFÉRÉES DE JB WIZZ 👀

👀 DOSSIER — 52

← Illustration d'Anna Uru

↑ Giant Claw - Mirror Guide (Orange Milk Records / 2021) Artwork par Keith Rankin et Ellen Thomas

Autre écosystème, autre démarche, autre style. Chez Orange Milk, spécialiste en musique électronique et principalement actif sur internet, le cordonnier se chausse plutôt bien lui-même. En matière d’efficacité visuelle, le label de Dayton, Ohio a de quoi répondre. Même perdus au milieu d’internet, Keith Rankin et Seth Graham ont réussi à se fabriquer une petite clairière qu’on voit de loin. Et ce n’est pas

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« QUAND J’ÉCOUTE LA MUSIQUE, JE PENSE EN TERMES DE TEXTURE OU DE SENSATION. PAR EXEMPLE, EST-CE QUE CETTE MUSIQUE SONNE COMME DE LA “3D BRILLANTE” ?

EST-CE DOUX COMME L’OUTIL AIRBRUSH DE PHOTOSHOP ? »

vraiment le fruit d’un plan machiavélique.

La grande majorité des visuels d’Orange Milk a été réalisée par Keith Rankin et Seth Graham eux-mêmes. « Par nécessité d’abord, nous dit le premier. Je ne voulais pas avoir à engager quelqu’un d’autre pour chaque projet, et nous n’avions pas l’argent pour cela de toute façon. Et puis, l’idée d’avoir un look unifié était également séduisante. »

↑ Pascale Project - Be Urself (Orange Milk Records / 2019) Artwork par Keith Rankin

Marqueur fort des sorties du label, les œuvres de Keith Rankin sont caractéristiques de l’air du temps et d’une forme de culture internet, faute de pouvoir mieux la nommer. À cheval sur la 2D et la 3D, usant à foison de la référence populaire, à la fois très pointu techniquement et délicieusement naïf par moments, le travail de Keith Rankin ressemble à celui d’un ogre qui aurait mangé tout ce qu’il a pu voir depuis qu’il est né. « L’art est un sous-produit des expériences d’une vie entière, donc il y a beaucoup d’influences. Certains artistes sont plus insulaires et ne sont pas trop influencés par les autres arts, mais ce n’est pas mon cas. » Pour autant, la musique reste au cœur des préoccupations de l’artiste. Si, les musiciens signés sur le label savent à quel saint ils voueront leur pochette, ils savent aussi que Keith Rankin a la main agile et l’oreille à l’écoute. « Quand j’écoute la musique, je pense en termes de texture ou de sensation. Par exemple, est-ce que cette musique sonne comme de la “3D brillante” ? Est-ce doux comme l’outil airbrush de Photoshop ? De la peinture à l’huile abstraite ? Ou bien net et numérique ? Une fois que vous avez décidé de la sensation et des outils, il est plus facile d’aller de l’avant. » L’Américain est d’autant plus attentif à ne pas partir tout seul dans ses envies perso qu’il s’agit, pour les artistes confidentiels qu’il édite, d’une véritable carte d’identité. « Beaucoup d’artistes sont pointilleux sur la pochette de leur album, ce qui est compréhensible car c’est une représentation d’eux-mêmes

↑ White Suns - Dead Time (Orange Milk Records / 2022) -Artwork par Seth Graham

LES POCHETTES PRÉFÉRÉES DE KEITH RANKIN 👀 ← Midori Takada - Through the Looking Glass (Palto Flats & WRWTFWW Records / 2017) io Artwork par Mik Kawasaki

→ Jon Hassell Aka/Darbar i/Java Magic Reali sm (Polydor / 1983) Artwork pa r Mati Klarw ein

← Comus First Utterance / (Dawn Records 1971) - Artwork ton Woo par Roger

👀 DOSSIER — 53

↑ NTsKI - Orca (Orange Milk Records / 2021) Artwork par Keith Rankin

en tant qu’artistes. Pour les petits artistes, la pochette de l’album peut représenter une grande partie de leur perception publique. » Et il sait bien l’importance de la pochette pour celui qui la découvre, lui qui se souvient d’avoir été « mystifié en voyant la pochette d’Amon Düül II pour leur album Tanz der Lemminge et d’avoir pensé “comment ça a été fait ?” ». Comme quoi même les experts peuvent se faire prendre devant une pochette de disque.

« BEAUCOUP D’ARTISTES SONT POINTILLEUX SUR LA POCHETTE DE LEUR ALBUM, CE QUI EST COMPRÉHENSIBLE CAR C’EST UNE REPRÉSENTATION D’EUX-MÊMES EN TANT QU’ARTISTES. »

se crée. La pochette doit concrétiser l’impalpable et en même temps répondre aux nécessaires enjeux de visibilité. Elle doit nous dire à quoi nous attendre tout en ne dévoilant qu’une partie du mystère.

Elle doit se démarquer mais rester dans les clous d’une certaine ligne, dictée au choix par la direction artistique du label, le style musical ou les envies du musicien.

Et bien souvent, les trois à la fois. Reste que cet exercice complexe a donné des œuvres si fortes qu’il est parfois impossible de décoller musique et image, parties pour des embrassades éternelles. Ces deuxlà, quand ça matche, font de bien beaux bébés.

→ Rédaction par : É. Quittet et M. Gueugneau → Mise en page : A. Avice

LES POCHETTES PRÉFÉRÉES D'ANNE ZEUM 👀 ← King Crimson In the Court of g the Crimson Kin (1969)

→ Zad Kokar & Les Combi Beya zMold Grow s (2021)

← King Gizzard & The Lizard Wizard - Murder of the Universe (2017)

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Car c’est bien de magie qu’il s’agit. On a beau parler à l’illustrateur, au patron de label ou à celui qui fait les deux à la fois, il y a dans ce rapport entre arts plastiques et musique quelque chose qui nous échappe.

Quand nous sortons des pochettes où la star doit s’y pavaner car c’est elle l’outil marketing numéro 1, une autre alchimie

ET IL SAIT BIEN L’IMPORTANCE DE LA POCHETTE POUR CELUI QUI LA DÉCOUVRE, LUI QUI SE SOUVIENT D’AVOIR ÉTÉ « MYSTIFIÉ EN VOYANT LA POCHETTE D’AMON DÜÜL II POUR LEUR ALBUM TANZ DER LEMMINGE ET D’AVOIR PENSÉ “COMMENT ÇA A ÉTÉ FAIT ?” »

👀 INVITATION — 54

Musique de chambre

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Entre deux interviews d’acteurs sur la Croisette, Marilou Duponchel nous a fait l’honneur d’une contribution sur Honoré. Rédactrice ciné pour Les Inrockuptibles, elle décèle pour nous les moindres secrets de la discographie du réalisateur.

👀 INVITATION — 55 KIBLIND Magazine → 80 → Cover

« Ce qui fait un film de Truffaut, c’est d’admettre que le cinéma français dépend de la littérature. Pour moi, un cinéma d’auteur c’est celui où, lorsqu’on regarde un film, on sait à peu près ce qu’il y a comme livres sur la table de chevet du cinéaste. » Septembre 2019. Au micro de France Culture, Christophe Honoré, cinéaste, écrivain et dramaturge, se remémore sa découverte émue, adolescent, de Jules et Jim, film signé François Truffaut et adapté du roman éponyme d’Henri-Pierre Roché. Chez Honoré aussi, la littérature est consubstantielle au cinéma, elle rôde. Physiquement, elle se répand un peu partout, sur les étagères des appartements, dans le lit des amants comme dans Baisers volés – encore et toujours François Truffaut. Elle se déclame tout haut dans les rues de Paris, au petit matin dans Les Chansons d’amour : « Il fait beau comme jamais, un temps à rire, un temps à ne pas mourir » – ne pas mourir (de chagrin), le grand sujet du cinéma d’Honoré.

Elle se retrouve même parfois à l’origine d’un projet comme pour La Belle Personne, film dans lequel le cinéaste français donne sa version contemporaine de la Princesse de Clèves. Alors oui, sans doute pourrions-nous, nous aussi, nous amuser à deviner sans trop de peine les précieux ouvrages posés sur la table de chevet de Christophe Honoré.

Mais il y aurait sans doute plus de matière à réflexion et de précision si, après s’être attardé·e un instant sur les amours littéraires qui ont bercé les rêves et forgé les goûts du cinéaste, on explorait, derrière les pochettes d’albums, les chansons qui comptent et ont compté. La musique chez Honoré n’a jamais eu cette vocation accessoire qui consiste à embellir un plan, à décorer une image. Elle est une pièce maîtresse, agrégée à son œuvre. Elle est une force créatrice qui aura initié l’un des films les plus célèbres de son auteur, Les Chansons d’amour, tragédie moderne et œuvre générationnelle dont la genèse est à chercher du côté d’un album bien particulier : Garçon d’honneur (2005), premier opus aux notes extrêmement personnelles signé d’un jeune chanteur dénommé Alex Beaupain. C’est bien à une adaptation libre dudit album que s’attelle Honoré quand il élabore les prémices d’un film écrit vite et à deux mains – quelques semaines d’écriture de scénario et six jours d’enregistrement pour la bande originale composée par Beaupain qui reprendra à la lettre certaines chansons de son Garçon d’honneur, redistribuées ici entre les acteurs·trices du film (Louis Garrel, Ludivine Sagnier, Clotilde Hesme, Chiara Mastroianni…). L’histoire est sensiblement la même que celle des chansons préexistantes (« Les Yeux au ciel », « Pourquoi viens-tu

👀 INVITATION — 56 KIBLIND Magazine → 80 → Cover

si tard ? », « Parc de la pépinière »…). C’est une histoire d’amour, de deuil et, au bout, la possibilité d’une renaissance après un long tunnel de « jours en hiver passés à oublier » l’être aimé. Honoré y reprend trait pour trait la structure narrative composée en trois parties (« le départ », « l’absence », « le retour ») des Parapluies de Cherbourg (1964) de Jacques Demy, auteur chéri qu’il ressuscitera le temps de ses Idoles, jouées au théâtre en 2019, aux côtés d’autres fantômes adorés (Daney, Guibert…) dont la mort prématurée par le sida hante toute l’œuvre. S’il singe, amusé, quelques motifs chers à Demy (des marins qui se baladent dans les rues de Paris) et d’autres venus du cinéma de Godard (le quartier de Strasbourg-Saint-Denis, périmètre sentimental d’Une femme est une femme), Les Chansons d’amour se révèle comme la quintessence de la collaboration fructueuse entre Honoré et Beaupain. Les deux hommes se connaissent déjà depuis longtemps, depuis le début même, dès Nous Deux, court-métrage réalisé en 2000. En 2002, ils travaillent à deux films consécutifs, 17 fois Cécile Cassard et Tout contre Léo. Mais c’est leur première « dramédie musicale », les chansons de Beaupain occupent le centre, se substituent aux lignes de dialogues pour faire entendre ce que l’on n’oserait dire, ces petites choses qui se gardent dans le cœur : l’amour, la jalousie, la tristesse, le manque, la mort. C’est par elles aussi, que les morts nous parlent et nous reviennent. Les films de Christophe Honoré comme des élégies funestes, des ballades mélancoliques, font de l’acte même de chanter, le liant qui rattache la terre au ciel, les vivants aux morts. Tous les gens tristes aiment la musique parce que toutes les chansons contiennent leurs souvenirs, ou bien parce qu’elles disent la vérité, on le sait bien depuis La Femme d’à côté (« Plus elles sont bêtes, plus elles sont vraies. D’ailleurs, elles ne sont pas bêtes »). Mais l’importance de la musique, des chansons dans le cinéma de Christophe Honoré va par-delà son goût pour les films enchantés. Elle est chez lui une loupe, un précipité d’affects encapsulés dans les volutes douces-amères d’une mélodie légère. On écoute beaucoup de musique dans les films d’Honoré, à plusieurs ou seul·e, de la musique écoutée par les personnages, de la musique écoutée par nous spectateurs·trices. Dans 17 fois Cécile Cassard, on chante la chanson du Lola de Jacques Demy et l’on entend Elli Medeiros (« A Bailar

👀 KIBLIND Magazine → 80 → Cover

Visuels dans l’ordre d’apparition : Jules et Jim de François Truffaut ; Les Chansons d’Amour de Christophe Honoré ; La Belle Personne de Christophe Honoré ; Alex Beaupain - Garçon d’Honneur ; Les Parapluies de Cherbourg de Jacques Demy ; Tout contre Léo de Christophe Honoré ; La Femme d’à côté de François Truffaut ; Lola de Jacques Demy ; Ma mère de Christophe Honoré ; Les Bien-Aimés de Christophe Honoré ; Plaire, aimer et courir vite de Christophe Honoré ; Guermantes de Christophe Honoré ; scènes du film 17 fois Cécile Cassard de Christophe Honoré

INVITATION — 57

Calypso »), dans Ma Mère c’est « Hymn to Love » de Cyndi Lauper qui résonne. On se déhanche sur le tube de Kim Wilde (« Cambodia ») dans Dans Paris, « Ces Bottes sont faites pour marcher d’Eileen » et « I Go to Sleep » d’Anika sont indissociables des BienAimés, autre film musical, et Aznavour chante avec cette triste gaieté un amour passé (« Désormais ») au début de Chambre 212… Sans doute, Plaire, aimer et courir vite est celui qui aura le plus utilisé la musique pour tapisser cette chambre adolescente que figure le film où le « je » d’Honoré semble si proche. Invoquant sa vie d’étudiant rennais débarqué à Paris, jamais le cinéaste français n’avait autant capté l’air du temps, les années 1990, par le prisme de la musique sur le « Cache-Cache Party » d’Étienne Pijon, le « I’m So Lonesome I Could Cry » de Cowboys, le « One Love » de Massive Attacks ou encore la dream pop des Cocteau Twins (« I wear your ring »). Un rapport intime, charnel, cathartique et mélancolique à la musique, qui nous raconte ce qu’Honoré a toujours raconté, comme Aragon de son temps : « maintenant que la jeunesse n’est plus ici n’est plus là (…) il fait beau comme jamais, quel temps quel temps sans mémoire, on ne sait plus comment voir ». Comment voir et faire voir avec l’absence de ceux qui ne sont plus ? En faisait revivre le passé, « l’odeur et la saveur d’un temps de ruine » par une image ou une note comme chez Proust, autre auteur doudou d’Honoré qu’il mettra en scène au théâtre (Guermantes) puis au cinéma dans une captation hybride. Comme chez Proust et son Swann obsédé par la sonate de Vinteuil, idéal esthétique qui cristallise son amour pour Odette, il y a chez Honoré cette obsession mélancolique de la musique, qui trouve sa plus vibrante et limpide définition dans les pages de la Recherche : « La phrase de Vinteuil avait [...] épousé notre condition mortelle, pris quelque chose d’humain qui était assez touchant. Son sort était lié à l’avenir, à la réalité de notre âme dont elle était un des ornements les plus particuliers, les mieux différenciés.

Peut-être est-ce le néant qui est le vrai et tout notre rêve est-il inexistant, mais alors nous sentons qu’il faudra que ces phrases musicales, ces notions qui existent par rapport à lui, ne soient rien non plus. Nous périrons mais nous avons pour otages ces captives divines qui suivront notre chance. Et la mort avec elles a quelque chose de moins amer, de moins inglorieux, peut-être de moins probable. »

👀

1.

e u q è h t La biblio idéale de la librairie Mollat

LA BIBLIOTHÈQUE IDÉALE — 58

Emmanuel Bellegarde, Discover, Les Requins Marteaux /16 € La reprise musicale a son pendant visuel. Emmanuel Bellegarde s’est essayé avec brio à la reprise graphique d’albums de rock, de punk, de post-punk et de pop. S’imposant la contrainte de reproduire ces pochettes avec des rubans adhésifs, il parvient par ce jeu de simplification à montrer le pouvoir des couleurs, des formes et de la composition dans la perception d’une représentation graphique.

s, ry Boy e a, th Centu volum 0 ’Urasaw 2 le , a € w 9 a manga d ,9 s u 6 a d 1 r e , / U ô m y d i a n n k g o E o n p ji é Na Ma al Ken n, titre Panini arc Bola e princip és de rsonnag eau de M e nts oubli p rc fa o n u d ’e m d e te x L ri u o je v t. Kenji s n fa e n d se é anso ns le pré a dessin n d n it e st la ch U . aux rg té ero » ra fantines, cole resu toires en rades d’é « guitar h a is es c h m n a rs e c u u s q le e de se de s consé x, le s ouvre qu c ir Kenji et é o d v a t e t rraien bitieu nquête que, pou mène l’e nse et am ultiple s énigmati nario de m é u e sc id d t iv le n d , ’un in tivante btileme mains d igue cap n manga order su tr b U a n ’i s. à e L t u n s. . e iq v te ilosoph tionnelle terrifian age s, ser le s et ph e et émo personn ra iv o x x e u m fl re s, ré b no m ciétale e force ne grand atique s so fond, d’u problém ro p t e t flan époustou

2.

Robert Crumb, The Complete Record Cover Collection, Cornélius /30,50 € On retrouve ici un inventaire exhaustif des « record covers » du génial Robert Crumb. 450 pochettes de disques et autres dessins tirés des carnets de l’artiste au trait si caractéristique. Joueur de banjo lui-même, fin connaisseur de blues, de jazz et de country, il aura illustré entre autres les albums de Janis Joplin, de Grateful Dead, ainsi que de jazzmen et de bluesmen connus des amateurs éclairés. Un must-have foisonnant pour les amoureux de musique et les fans du dessinateur.

KIBLIND Magazine → 80 → Cover

3.

Elpma

s (Moo ndog) r evisité Super , Loto É ditions /40 € Ce livre/d isque e st une repri de l’album se du compo siteur américain Moondog p ar l’Ensemb le 0. Le s d sont acco eux vinyle m p a g né s s d’un livre compren de 84 page ant de s ré s cits illustré de ssinate s par huit urs interp rétant le p œuvre -m rojet de ce anife ste : tte u n e dé n o traitemen nciation d ts infligé s es au peuple e t u ne o d aborigène e à la natu re. L’utili marimba sation du e n de s b o ucle s com l’emploi d plexe s et e sample s illustrent de ce musi la démarc cien uniq he ue. aux langa ge s musica Il emprunte u x ethniqu traditionn e s et els, mais égalemen technique t aux s modern e s, sonorité s créant ain nouvelle s si de s et intemp Un boule orelle s. versant vo yage sono re et visuel .

5.

Nicolas Pegon, Hound Dog, Denoël Graphic /24,90 € « Hound dog », chanson immortalisée par Elvis Presley, introduit ce polar graphique atmosphérique, poisseux et à l’humour cynique comme un film des frères Coen. Deux paumés, César et Alexandre, recherchent le propriétaire d’un gros clébard impassible, qui leur colle aux basques. Les deux s’improvisent limiers et, comme des chiens de chasse, parcourent une Amérique suburbaine glauque et décadente. Le trait noir et épais, la palette de couleurs en aplats sombres, le découpage implacable en font une œuvre à l’ambiance pesante.

Un road-trip tragique, scandé par les apparitions divines du « King » qui conclut l’ouvrage par sa voix miséricordieuse.

4.

👀 LA BIBLIOTHÈQUE IDÉALE — 59

On a demandé à la célèbre et labyrinthique librairie Mollat de Bordeaux de nous dégoter cinq livres en lien avec notre thématique Cover. La petite sélection qui suit reprend la logique polysémique de ce terme omniprésent dans l’univers musical. Elle rend hommage aux nombreux liens qui unissent la création musicale et l’illustration contemporaine.

1.

2.

3.

4.

KIBLIND Magazine → 80 → Cover

5.

👀 CITATION — 60

« Le succès du « C'était des photographies

disque tient aussi destinées à ressembler à des

à la qualité de son peintures, utilisant du lait, du

paquet cadeau », sang, de la pisse et du sperme. »

Benjamin Petrover Andres Serrano à propos des

dans Ils ont tué KIBLIND Magazine → 80 → Cover

pochettes des albums Load et

mon disque !, First, Reload de Metallica.

2015.

👀 PLAYLIST — 61

de A M STER PHIL 01→

Sacha Distel

« Tu es sur ma liste » 02→

Aurore

« Lambada » 03→

Dalida

« Reviens-moi » 04→

Magneto

« Vuela vuela » 05→

Telex

« Twist à St-Tropez » 06→

Henri Salvador

« Question de choix » 07→

Gregorian

« Everybody’s Got to Learn Sometime » Jean Adebambo

« Never Gonna Give You Up » 09→

First Light

« A Horse with No Name » 10→

Régine

« Tu oublieras »

01→ En réalité, Sacha Distel comme Claude François enchaînaient plus les reprises que les compositions. Et certaines fois, ça donne de drôles de choses, comme cette reprise de Hall & Oates. Mais c’est plutôt mignon, et très bien produit.

02→ Pour beaucoup de gens de ma génération (mais surtout celle avant moi), la lambada rime avec Orangina, TF1 et bourrage de crâne. Énorme succès en France dont on connaît la chanson.

Pourtant en tombant sur cette version, j’ai trouvé ça tellement mignon… cette jeune Belge transforme ce morceau. Certes, ça le rend plus naïf mais ça le rend surtout plus doux.

03→ Dalida étant la reine des reprises en France, je ne pouvais pas manquer de citer cet ovni, Wham! chanté en français, c’est bien trop rare. Le texte est très beau (mais marqué par une certaine époque tout de même). On soulignera donc l’effort d’en avoir fait autre chose qu’une chanson de Noël.

04→ Un boys band mexicain qui reprend Desireless, oui, c’est bien vrai. Cela dit, il faut savoir que l’italo-disco est encore aujourd’hui très populaire au Mexique et le morceau de la Française en est énormément inspiré.

05→ Le célèbre groupe belge nous offre ici une reprise désabusée d’un classique, une version plus qu’originale qui peut nous faire aimer du rockabilly à la sauce minimal synth. À noter qu’il y a beaucoup de très bonnes reprises chez eux, comme « Dear Prudence » des Beatles ou encore « La Bamba ».

06→ Henri Salvador qui adapte un classique boogie brésilien. Ça n’aura pas eu beaucoup de succès à sa sortie car le Guyanais était dans la phase creuse de sa carrière qui comporte pourtant des chansons plus qu’intéressantes.

Le texte est à la hauteur du compositeur et n’a rien à envier à Rita Lee. 07→ Une étrange reprise en grégorien par les maîtres de la pratique, le morceau des Korgis y est plutôt respecté avec une touche de reggae. La beauté est de mise.

08→ Quelle étrange rencontre encore : Rick Astley et le reggae électrique. Mais ça marche et ça montre toute la beauté de ce morceau qu’on a des fois du mal à écouter aujourd’hui à cause des débuts d’internet. Mais on aime tous cette chanson, ne faites pas genre.

09→ On retrouve ici à la production Paul Hardcastle, grand artisan anglais du boogie breakbeat. Pas évident d’adapter un classique folk d’America, pourtant c’est plus qu’original, et si comme moi vous adorez la version initiale, vous ne serez pas déçu.

10→ Alors… un cas épineux. Parce qu’en écoutant, vous allez vous dire : « mais c’est Larusso ». Alors oui, mais en France, la première à avoir interprété cette chanson d’Irma Jackson, intitulée « You Will Forget », eh bien c’était Régine. Et cette dernière fait ressortir la vraie tristesse de cette chanson pas si légère… J'aurais aussi pu vous parler de sa reprise de « I Will Survive », mais celle-ci était moins évidente. → Crédit photo : Marcos Dos Santos → Propos recueillis par : É. Quittet → Graphisme : A. Bruguière

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08→

Il aurait sans doute été le disc-jockey chouchou du Macumba dans les années 1980, mais Master Phil officie bien heureusement dans notre époque.

Producteur, DJ et roi incontesté du parquet de danse, Master Phil vagabonde de clubs en festivals pour prêcher la bonne parole, un cabas rempli de vinyles de hits oubliés sous le bras. Nous avons voulu connaître les dix reprises qui faisaient battre son cœur un peu plus fort.

👀 ARDNEKS — 62

CRÉA TIONS ORIGI NALES

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Ses compositions luxuriantes, au trait fin et à la typo toujours raffinée, l’Indonésien Kendra Ahimsa aka Ardneks a du mal à les garder pour lui. Alors, il les sème aux quatre vents, pour les groupes de musique qui auraient la bonne idée d’avoir du goût. Ainsi a-t-il réalisé les pochettes des formations L’Impératrice, Flamingods, Ko Shin Moon et Kikagaku Moyo et ébahi des auditeurs du monde entier.

Nous sommes évidemment de ceux-là. Aussi lui avons-nous demandé de rééditer ce genre d’exploit.

Curieux de voir ce qu’il pouvait faire de morceaux archi-connus, nous avons ajouté à notre demande une playlist. Nous vous présentons donc Ardneks aux prises avec The Smiths, Mariah Carey, Aretha Franklin, Stevie Wonder, David Bowie, Beyoncé, Prince et ABBA. On n’est pas peu fiers de vous présenter le résultat.

👀 ARDNEKS — 63

ardneks.com

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Ardneks l The Smiths – There Is a Light That Never Goes Out

👀 ARDNEKS — 64 KIBLIND Magazine → 80 → Cover

Ardneks l Mariah Carey – Always Be My Baby ardneks.com

👀 ARDNEKS — 65

ardneks.com

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Ardneks l Aretha Franklin – Respect

👀 ARDNEKS — 66 KIBLIND Magazine → 80 → Cover

Ardneks l Stevie Wonder – Superstition ardneks.com

👀 ARDNEKS — 67

ardneks.com

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Ardneks l David Bowie – Life On Mars

👀 ARDNEKS — 68 KIBLIND Magazine → 80 → Cover

Ardneks l Beyoncé ft. Jay-Z – Crazy in Love ardneks.com

👀 ARDNEKS — 69

ardneks.com

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Ardneks l Prince – Purple Rain

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Ardneks l ABBA – Dancing Queen

ardneks.com

ARDNEKS — 70

👀

Saison

2022

2023

Design → Marc Armand

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t n e m e g n Cha de saison

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FEUTRÉ ■ Déjà auteurs de cinq bandes dessinées dans leur pays et d’une reconnaissance qui va jusqu’à l’adaptation cinématographique, Lee Dong-eun et Jeong Yi-yong restent pourtant de parfaits inconnus par chez nous. Mais tout ça est oublié car le formidable Changement de saison, traduit du coréen par Yeong-hee Lim, est enfin édité en français par les inestimables éditions Çà et Là.

Pour leur première bande dessinée, dont la version originale a paru en 2013, les deux auteurs ont choisi de prendre la Corée par les cornes et de lui faire avouer ses torts. Mais attention, il n’est pas question d’éclat ni de grandes bastons. D’ailleurs personne n’y est vraiment incriminé si ce n’est le fond de l’air. Avec ce récit intime sur l’homophobie latente, les deux auteurs traitent le sujet avec une subtilité et une douceur qui rend d’autant plus insupportables ses conséquences.

Changement de saison tourne autour d’un grave accident de voiture qui sera le nœud central de ce récit construit sur des allers-retours temporels. Au-dessus du lit d’hôpital de Su-hyeon se croisent sa mère et celui dont elle apprend à l’occasion qu’il est son amant. Ce bon ami, qu’elle a chéri tant qu’il restait ce qu’il devait être, prend alors la forme d’un inconnu, d’un menteur, d’un voleur de fils.

Les soubresauts de cette relation, avec en fond la santé précaire du fils, font la trame du livre.

C’est dans une ambiance feutrée, avec un dessin dépouillé et un rythme pianissimo que se jouent les frictions d’une société tout entière autour de l’homosexualité. L’emprise sur le corps et l’esprit du regardeur est d’autant plus forte que Lee Dong-eun et Jeong Yi-yong ne font jamais exploser leurs personnages ni éclater leur récit. Tout reste calme, respectueux et délicat. Cette douceur permet aux auteurs d’enfoncer le couteau au plus profond des contradictions d’un pays qui se veut hypermoderne. → Changement de saison de Lee Dong-eun et Jeong Yi-yong, Ça et Là, 296 pages, 22€ → caetla.fr

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> Sélection Kiblind

👀 SÉLECTION PRINT — 74

Gaston e Normandn ie

B E N O I T V I DA L

DÉBARQUEMENT ■ On a recraché notre Pim’s lorsque la

vénérable maison d’éditions Flblb (Chloé Wary, Nylso, Osamu Tezuka) a annoncé faire de son année 2022 celle du roman-photo. Le crâne intoxiqué par des souvenirs issus de la presse senior et par les parodies plus ou moins navrantes qui en ont découlé, on avait barré d’un grand trait l’idée des Poitevins. Et puis tombe dans la boîte aux lettres ce Gaston en Normandie de Benoît Vidal. On a pris la gomme et on a soigneusement effacé la biffure.

Il faut dire que Benoît Vidal sait y faire. Son premier essai, Pauline à Paris, sorti lui aussi chez Flblb, donnait déjà dans le genre documentaire intimiste. Il avait alors concentré son appareil photo et son micro sur sa grand-mère centenaire et bavarde. Il fait mine de rebeloter en 2022 en commençant son nouveau livre comme il avait conduit le précédent : un interrogatoire à l’aïeule. Cette fois, c’est sur la façon dont sa famille normande a vécu le débarquement. Mais sa focale change rapidement et Benoît Vidal vient se poser sur son père, avec lequel il avoue avoir très peu de rapports. C’est alors que commence une drôle de danse entre histoire intime et grande histoire, un face-à-face entre le regard d’un enfant de sept ans, son père alors, et les événements sidérants qu’il a vécus.

Le débarquement, ce géant historique étudié et enseigné de mille façons, bénéficie ici d’un rare traitement par le bas. Ce ne sont pas des dates ou des cartes (bien qu’il y en ait) que l’auteur nous donne à voir, mais des souvenirs et des émotions. En un mot, il donne à cet impalpable une incarnation. La parole est réservée à des êtres proches et ce parti pris bénéficie pleinement de ce bon vieux format romanphoto. La photographie permet d’oublier l’interprète et efface les intermédiaires. Et pour un récit qui fait de l’intimité une force et de la famille un point central, le lire comme on participerait à GASTON une soirée diapositive décuple sa EN NORMANDIE capacité à émouvoir. Le romanphoto, habituelle machine à surjouer, vient ici capter ce qu’on n’attendait vraiment pas de lui : l’authenticité. → Gaston en Normandie de Benoît Vidal, éditions Flblb, 160 pages, 20 € → flblb.com

GASTON EN NORMANDIE

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BENOIT VIDAL

Glace VANILLE ET CHOCOLAT ■ L’enfant qui va chercher sa glace ne se doute pas des guerres intestines qui minent le milieu. Eh oui, on est un peu idiot quand on est jeune. Pourtant chacun sait que derrière le sourire du marchand se cache la haine des concurrents, la convoitise de leur territoire, l’ambition du monopole. Un business sans merci dans lequel Matthew Dooley jette un héros mollasson pour sa première bande dessinée traduite en français, Glace, éditée par Presque Lune.

Howard a pris la suite de son père au volant du camion à glace Capitaine Cône. Une humble affaire qu’il a parquée devant le pauvre musée de la triste ville de Dobbiston.

Si la fortune n’est pas au rendez-vous, il place dans ce camion et le territoire qu’il parcourt toute sa fierté et son honneur familial. Alors, quand le magnat du sorbet, Tony Augustus, entreprend de lui grignoter son fief avec toute la rouerie qui le caractérise, Howard essaie, un peu, très doucement, de lui dire que c’est pas bien.

Bien que nous parlions de camions de glaces au cœur de l’Angleterre la moins ragoûtante, la BD de Matthew Dooley réussit à nous séduire. Là où ses collègues Adrian Tomine et Nick Drnaso font grincer le banal qu’ils décrivent, la normalité de Matthew Dooley subit un drôle d’enchantement. Malgré la morosité ambiante, la vanité du combat et la dépression latente du héros, le jeune auteur britannique parvient à bâtir sa bande dessinée comme un conte à la Disney, avec son personnage principal, son bras droit rigolo, un amour en ballottage, des renversements de situations et un méchant vraiment méchant. Mais là où la firme américaine a du mal à faire atterrir ses œuvres, le livre de Matthew Dooley fait rentrer l’épique dans le quotidien le plus morne, avec un héros banal et un décor sans intérêt. Et le miracle fut. Les ingrédients s’emboîtent parfaitement et nous nous retrouvons avec une BD à deux visages. Un côté face naturaliste, avec le regard posé sur le délitement de ces coins oubliés de l’Angleterre et des individualités touchantes qui les habitent. Un côté pile aventurier, avec une guerre entre le bien et le mal qui ne basculera que grâce à un deus ex machina digne des plus grandes tragédies. Deux boules, deux saveurs : c’était à prévoir. → Glace de Matthew Dooley, Presque Lune, 176 pages, 23 € → presquelune.com

978-2-84414-890-2 / 18 euros

09/03/2022 14:22

👀

e

BIENVENUE ■ Pour qui a un peu de familiarité avec le travail de Nina Lechartier, il retrouvera avec plaisir la banalité hallucinée qu’il avait pu apercevoir dans Un soir de fête, parue en 2020 chez Magnani.

Comme dans cette première bande dessinée où les situations les plus banales devenaient les tremplins d’une imagination débridée, L’Invitée fantastique saisit l’occasion d’une résidence artistique pour tordre les attentes. Nina Lechartier fait débarquer son artiste sur une île plutôt hostile dont les 5 à 6 habitants (ça dépend du décompte) ont tous un petit quelque chose de troublant. Petrik construit des ponts en crottes de nez, Lucille est en fuite après avoir écrasé un escargot et Madame Precious a mangé ses voisins dans sa vie d’avant.

L’île prend ici ses deux fonctions littéraires en même temps. À la fois espace de survie pour un héros qui peine à prendre sa place au milieu des monstres et lieu utopique pour cette communauté qui trouve ici le répit qu’elle n’a pas trouvé dans le monde extérieur. La « fonction » de l’artiste lui offre un pouvoir et un devoir d’observation dont nous sommes les récipiendaires. Il ne nous reste plus qu’à voir, la mâchoire décrochée, tout ce petit monde absurde s’ébrouer.

Et pour mettre cette histoire peu commune en beauté, Nina Lechartier n’a pas son pareil. Multipliant les coups de pinceaux, enchevêtrant les couleurs, surjouant la naïveté, l’autrice use farouchement de la peinture pour faire de son livre une bombe visuelle. Ce récit fou avait besoin de cette bascule psychoactive pour déraper aussi bien sur le fond que dans la forme. Nina Lechartier est une nouvelle fois parvenue à caler son dessin fou parmi les soubresauts de son imagination. C’est à nous de nous accrocher maintenant. → L’Invitée fantastique de Nina Lechartier, Éditions Magnani, 192 pages, 26 € → editions-magnani.com

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TOUT VA BIEN ■ Si on se souvient que l’usage (courant) de la vitre date d’il y a à peine deux-trois centaines d’années et que le mouchoir – même en tissu – reste un objet récent dans l’histoire de notre pays, alors nous pouvons nous sentir chanceux de vivre à une époque où nous n’avons pas à nous cailler les miches avec de la morve plein les doigts. Pourtant, tout en louant l’amélioration notable de notre confort, il semble que le progrès exponentiel que nous vivons provoque des couacs dans la matrice. Ainsi Max Baitinger, comme nous autres, doit-il se battre avec ces douces folies qui font notre quotidien. Sauf que lui, il en fait une BD incroyable.

Happy Place est une compilation de plusieurs petites histoires ayant trait à ce pullulement d’absurdités.

Parus pour partie dans des revues, médias et maisons d’éditions prestigieux (Smoke Signal, It’s Nice That, Colorama), ces courts récits synthétisent le tour d’esprit de Max Baitinger. Loin d’enfiler les perles sur les cachotteries de notre modernité, il s’appuie dessus pour laisser s’enfuir l’esprit et permettre à son trait de divaguer. Les problèmes rencontrés à la salle de gym, devant ses clients ou face à un ordinateur ne sont que des points de départ vers l’ailleurs. Cette Happy Place, dont il parle et qui constitue la dernière BD du recueil, semble bien être cet espace de création qu’il trouve alors que les contrariétés s’amoncellent. Cette façon de détourner les problèmes pour en faire des histoires irréelles et merveilleuses. Un humour étrange en ressort, qui naît d’un flegme feint pour finir en explosion d’humeurs.

Son trait suit le même chemin de l’émancipation qui passe de la sécheresse du minimalisme à de soudains accès de folie. Les dessins se jouent d’eux-mêmes, de leur simplicité et de leur exactitude, pour briser petit à petit les codes qu’ils avaient eux-mêmes installés.

C’est heureux, donc, que L’Association ait traduit ce recueil paru d’abord en Allemagne chez Rotopol.

Après Röhner chez L’Employé du Moi l’an passé, voici un deuxième projet du brillant dessinateur allemand qui trouve place dans nos foyers. On espère que ça ne s’arrêtera pas là. → Happy Place de Max Baitinger, L’Association, 160 pages, 18 € → lassociation.fr

L’invitée fantastiq u

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Happy Place

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s e s u e r u e h n ie B s e L BÉATITUDES ■ Avec le temps et beaucoup d’efforts,

Marcel Ruijters

Les Bienheureuses

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The Hoochie Coochie

24€

la religion catholique est devenue synonyme d’ennui abyssal. Une solide réputation forgée à grands coups de messes insipides et de morale branlante. Pourtant, tout n’était pas si mal parti. La Bible, déjà, malgré des passages un peu longs, fournit de sacrés épisodes avec ce qu’il faut de bêtes terribles, de surnaturel et d’actions tapageuses. Un de ses spinoffs, La Légende dorée de Jacques de Voragine, est un autre bijou littéraire, Marcel Ruijters consacré lui à la vie de saints et de saintes. Les Bienheureuses de Marcel Ruijters, paru chez The Hoochie Coochie, a la bonne idée de donner une suite à ce chef-d’œuvre du fantastique.

Le Néerlandais poursuit son exploration de la mythologie religieuse après Inferno, déjà chez The Hoochie The Hoochie Coochie Coochie, qui visitait l’enfer aux côtés de Dante. Ici, ce sont les tribulations de treize saintes qui intéressent et inspirent son auteur. Il en extrapole, prolonge ou invente carrément les aventures, laissant en place la clé de voûte de toutes ces histoires : leur absurdité. Au tombereau de tuiles habituel qui leur arrive dessus, le dessinateur en rajoute d’autres poursuivant leur épopée jusqu’au traditionnel martyre final. Mais n’allez pas dire qu’il s’agit de parodie ou de caricature. L’affaire de Marcel Ruijters est sérieuse et le respect bien présent.

Bien sûr, le prosélytisme originel s’en est allé, mais le tribut versé au geste littéraire est réel. Et c’est cela qui chahute dans le travail de l’auteur.

Enlevez les discours pontifiants et laissez l’imagination au pouvoir, vous aurez de formidables histoires à raconter.

Son dessin est à l’avenant. Reprenant les codes des enluminures médiévales, son style incurvé si caractéristique se moule dans ces formats étranges, suivant quelques règles, en oubliant d’autres. Marcel Ruijters reprend de l’époque médiévale ses perspectives approximatives, ses outrances graphiques (notamment quand on parle démons) et son abondance de symboles et d’ornements. Il mixe ces manies anciennes avec un dynamisme, des couleurs et une expressivité pour le coup bien modernes. Le sacré et le païen en train de gentiment discuter pour savoir comment accrocher le lecteur, voilà une proposition à laquelle on adhère. Qui sait, avec le temps, des gens seraient bien fichus d’y croire. → Les Bienheureuses de Marcel Ruijters, The Hoochie Coochie, 112 pages, 24 € → thehoochiecoochie.com

Les Bienheureuses

Marcel Ruijters, né en Hollande en 1966, est actif sur la scène de la bande dessinée alternative depuis les années 1990.

En 2001, il remodèle singulièrement son style et son écriture afin d’aboutir à la signature qui est la sienne de Sine Qua Non (éditions l’An2, 2002), jusqu’aux Bienheureuses. Au cœur de ce cycle, Inferno, son adaptation de « L’Enfer » de La Divine Comédie de Dante Alighieri publiée en 2008, reçoit le prix VRPO du meilleur roman graphique néerlandais.

Marcel Ruijters fut l’un des auteurs invités de la 2e édition du laboratoire de bande dessinée expérimentale PierreFeuille-Ciseaux en 2010. De cette expérience naquit une longue collaboration avec The Hoochie Coochie: outre sa présence régulière dès 2012 au sommaire de la revue Turkey Comix, figurent à notre catalogue deux traductions des ouvrages essentiels du cycle médiéval de l’auteur néerlandais: Inferno et désormais Les Bienheureuses.

Venera PERDUS ■ Ça faisait une paie qu’on n’avait pas croisé

Joseph Callioni. Depuis la sainte année 2014, au cours de laquelle il avait sorti deux livres, Jardins chez Ion édition et La Planète impossible chez Atrabile. Mais huit années, aussi troublées soient-elles, ne peuvent totalement changer un homme. Ainsi, nous retrouvons au cœur de Venera, son nouvel album paru chez Atrabile, ce qui fait toute la saveur de ses bandes dessinées : un même souci de créer des mondes mutants, des réalités instables et la douce mélodie du hasard.

Essayons de résumer le difficilement résumable. La fin du monde pousse les humains à se téléporter en une sorte de réalité parallèle dont ils ne connaissent pas grandchose, Venera. Perdus au milieu de ces terres inconnues et rendues hostiles par leurs gardes, les Lémures, les individus doivent se dépêcher d’implanter leur conscience sous peine de disparaître. Un pitch qui sent bon le blockbuster de science-fiction mais que Joseph Callioni prend un malin plaisir à transformer au gré de ses humeurs ou de celles de ses personnages.

Car voilà ce qui rend fascinante cette bande dessinée.

Dans ce récit choral, nous suivons plusieurs héros qui filent avec plus ou moins d’entrain vers un but plus ou moins défini. Sous le prétexte de cette recherche perpétuelle, Joseph Callioni nous emmène dans plusieurs balades dont on a l’impression qu’il ne sait pas lui-même où elles vont nous mener. Et nous découvrons comme eux, et comme peut-être l’auteur, l’environnement, les règles et les enjeux politiques d’un monde qui se dévoile au compte-gouttes. Venera devient une sorte de RPG, où chacun de nos gestes trouble le fil de l’histoire et ouvre de nouvelles portes. Grâce à son dessin sublime et foisonnant, qu’il aime aussi faire muter pour désigner les différentes réalités qu’il compose, Joseph Callioni donne corps à ses envies de grandeur et immerge le lecteur dans ses fantasmes luxuriants. Le lecteur, lui, est piégé là-dedans. La main dans le pot de confiture, il ne peut lâcher prise même quand l’histoire prend de nouvelles saveurs. Il veut les goûter toutes. → Venera de Joseph Callioni, Atrabile, 168 pages, 23€ → atrabile.org

CENT Saison QUATRE #104 PARIS 22-23 lieu infini d’art, de culture et d’innovation direction José-Manuel Gonçalvès

Foire Foraine d’Art Contemporain Erwan Keravec Chloé Dabert Lucy Kirkwood Rosemary Standley Marjolaine Karlin Alessandro Sciarroni Alexander Vantournhout Ballet national du Portugal Tânia Carvalho Marco da Silva Ferreira Christiane Jatahy Bruno Beltrão Marlene Monteiro Freitas Festival Impatience Rover Festival Les Singulier•es Hooman Sharifi Thomas Bellorini Orchestre de Chambre de Paris

Ismaël Joffroy Chandoutis Collectif Berlin Sarah McCoy Raphaëlle Delaunay Jacques Gamblin Claire Diterzi Compagnie 14 : 20 Juglair Art Point M Fanny Bouyagui Circulation(s) Festival européen dédié à la jeune photographie Cabaret Contemporain Maud Geffray Festival Séquence Danse Paris Inbal Dance Theater Emanuel Gat Oona Doherty Chloé Moglia Marielle Chatain Euripides Laskaridis Blick Bassy William Forsythe Pierre Pontvianne Ballet de Lyon …

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, s t n e m e s i Villes, cro amours et trahiso n LABORATOIRE ■ Il y a dans les carnets d’artistes

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quelque chose qui relève de la coulisse. L’amateur ne rêve que de passer derrière la scène et découvrir sur quoi le spectacle repose. « Ainsi, c’est de là que viennent les images ? Et ça, ce sont les pistes que vous avez abandonnées ? » Dans notre temps qui réclame à cor et à cri de l’authenticité, ces séries de croquis nous la servent sur un plateau. Car dans le carnet, l’artiste peut tout se permettre, il ne craint pas le dérapage puisqu’il le provoque. Tentatives, obsessions, ratés : le carnet concentre tout et ne tait rien. Bien sûr, dans Villes, croisements, amours et trahisons de Lorenzo Mattotti, une sélection a été faite et les images ont l’air d’avoir été quelque peu nettoyées. Mais il reste cette magie du secret dévoilé, le mystère du génie mis à nu, qui fascinent le lecteur.

Villes... est le deuxième volume d’un projet éditorial d’Actes Sud autour des carnets récents de l’Italien légendaire. Nul ne sait où cela nous mènera mais nous ne serons pas de ceux qui râlent devant ce feuilletonnage du travail intime de Lorenzo Mattotti.

C’est même, on doit l’avouer, un pur bonheur.

Retrouver les digressions du dessinateur et les variations que, tel un jazzman, il fait vivre à toutes ses idées est pur régal. D’autant qu’ici, page après page, un cheminement se fait. Et sans y prendre garde, une histoire se construit entre les amants, les artères de la grande ville, les bousculades, les danses et le retour au bercail. Il y a aussi le récit de l’expérience permanente du dessinateur, lui qui va tâter du crayon de couleurs, de la peinture, du noir et blanc, de la couleur, du méticuleux, du peu de traits. Des fils rouges qui font lecture dans notre esprit, entre le processus artistique et l’histoire qu’on se raconte en tournant les pages.

Pourtant cela n’empêche pas d’admirer chaque dessin comme il se doit. Chaque pièce qui constitue le livre est une part de Lorenzo Mattotti brut, un jet direct entre le cerveau et la feuille. Sans intermédiaire, il nous parle.

Et ça, en tant que groupie, on le déguste avec amour. → Villes, croisements, amours et trahisons de Lorenzo Mattotti, Actes Sud BD, 132 pages, 27 € → actes-sud.fr

jeu vidéo

animati

o 3D D B n illustratio

Paola Hirou, étudiante de 5e année édition multimédia

n

L’É C O LE DE S M É TIE R S DU DE SSIN

Enseignement supérieur

Formation continue

> Prépa Dessin / LYON Formation en 1 an

Pour développer ses compétences en storyboard, illustration traditionnelle et numérique, narration et mise en scène de personnages, création de décors, mise en couleur pour la BD.

> Dessinateur Praticien / LYON Formation en 3 ans / Diplôme visé de niveau 6 > Dessinateur 3D / LYON Formation en 3 ans / Titre RNCP de niveau 6 > Spécialisation en édition multimédia, cinéma d’animation ou jeu vidéo / LYON Formations en 2 ans après bac+3 / 1 titre RNCP et 2 certificats d’école de niveau 7 > Storyboard & Layout / ANGOULÊME Formation en 2 ans / Certificat d’école

cohl.fr

Organisme de formation référencé

Ecole membre

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LE

IN CO

DES KIDZ

J’ai oublié commen

e n i d r a b Ga et petite chose L’auteur Émile Cucherousset et le dessinateur Benoît Audé n’ont pas vraiment conçu Gabardine et petite chose pour la roupille. C’est plutôt le genre de livre qui fait beaucoup de bruit, pas mal de lumière et n’hésite pas à donner de bonnes claques dans le dos. Déjà, ça commence par une dispute, entre Gabardine et Jean-Pierre. Il faut dire que JeanPierre ronfle et que Gabardine l’a transformé en grenouille pour avoir la paix. À partir de là, c’est JeanPierre qui peste un peu. Et dans un monde où la magie est bien présente, un désaccord momentané peut avoir pas mal de répercussions. Les mots, les traits : tout est vif, tout explose, personne ne lâche le morceau. Tant mieux, ça fait de Gabardine et petite chose est une petite bombe qui parle fort mais qui ne nous veut que du bien. → Gabardine et petite chose d’Émile Cucherousset et Benoît Audé, Actes Sud junior, 64 pages, 14,80 € → actes-sud.fr

KIBLIND Magazine → 80 → Cover

on i t n e v n I ’ L des dimanches Les marins ont un rapport spécial avec le calendrier. À tel point qu’ils doivent s’inventer un dimanche, arbitrairement, pour donner un autre goût au temps. Avec le livre de Gwenaëlle Abolivier et Marie Détrée, nous embarquons sur un grand bateau, un porte-container comme on appelle ça, et on laisse le bateau filer sur l’eau pendant plus de 60 jours. Gwenaëlle s’occupe de nous raconter ses sensations bouleversées, son ennui marqué et le glissement dans une autre dimension. Marie Détrée, peintre officielle de la marine – eh oui, ça existe – brosse de sublimes croquis à la trame marquée pour ajouter à l’étrange émotion sa lumière. Une lecture comme un moment suspendu. → L’Invention des dimanches de Gwenaëlle Abolivier et Marie Détrée, Le Rouergue, 64 pages, 17 € → lerouergue.com

ça s’appelle

t

On empoigne parfois des livres avec la ferme intention d’en découdre. Avec de la poésie russe des années 1930 et du collage pour illustrer l’affaire, la bagarre était loin d’être gagnée. On allait en baver. Mais au lieu de pifs et de pafs, J’ai oublié comment ça s’appelle nous accueille tout sourire. Un peu confus, on passe au salon et on regarde les deux auteurs faire le spectacle. Que l’un soit russe et mort en 1942 quand l’autre est français et né en 1981 ne semble poser de problème à personne. À l’inventivité langagière de l’un répondent les jeux visuels de l’autre. Le titre génial et salement anti-commercial n’est qu’un premier pas dans ce monde sans règles, dans lequel le dire comme le voir font exactement ce qu’ils veulent. Pourvu que ce soit drôle. → J’ai oublié comment ça s’appelle de Daniil Harms et Gérald Auclin, The Hoochie Coochie, 48 pages, 20 € → thehoochiecoochie.com

Maddi e tt o r g a l dans Dans la grotte de Maddi, il y a un distributeur de frites, un chat géant, une chauve-souris géante et qui crache du feu quand elle éternue, des adultes qui trichent, un président et puis un spectacle de danse, tiens. Ce qui est bien, c’est que c’est un endroit où Maddi fait ce qu’elle veut. Et puis après, elle peut rentrer chez elle. Ce qui est bien aussi, c’est que la grotte de Maddi est un formidable terrain de jeu pour Pauline Barzilaï. Elle peut y déployer toutes ses envies, avec de grands coups de pinceau, beaucoup de couleurs, de jolies formes et impressionner tout son monde.

Nous, en tout cas, tant de liberté ça nous impressionne beaucoup. → Maddi dans la grotte de Pauline Barzilaï, éditions MéMo, 56 pages, 16 €

Carte blanche à l’artiste Morgane Fadanelli pour le mois des fiertés

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Les monstres d’Alberto Vazquez J. Tourette

Alberto Vazquez est un monstre de l’animation. « Pourquoi suis-je un monstre ? », pleure un de ces personnages torturés de Decorado. Parce qu’un monstre n’est pas forcément quelque chose de répugnant ou de hideux, que l’on rejette ou l’on fuit. Un monstre est littéralement « ce que l’on montre ». La boue et l’or, l’horreur comme le génie, mis à l’index ou pointé du doigt de l’exemplarité. C’est pourquoi les films d’Alberto Vazquez sont monstrueux.

Né en 1980 à La Corogne, pas très loin de l’endroit où la pointe de la Galice tombe dans l’Atlantique, longtemps prise comme la fin des terres, à l’extrême-occident du monde, Alberto Vazquez a sans doute subi l’influence des marées et des lunes d’automne. Passionné de dessin et d’illustration, il se dirige d’abord vers l’Académie des Beaux-Arts, à Valencia, où il poursuit des études d’art appliqué, avant de pousser les portes de la prestigieuse école Massana de Barcelone.

Au début des année 2000, il s’investit véritablement dans la bande-dessinée, participant à plusieurs projets éditoriaux comme ceux du collectif Polaquia, dont il est membre-fondateur, ou encore en s’engageant dans le fanzine Enfermo. C’est à cette période qu’il signe ses premières bédés : Freda (2003), Psiconautas (2006), qui reçoit le Prix du meilleur dessin au Salon international de la Bandedessinée de Barcelone, et L’Évangile selon Judas (2007). Parallèlement, il réalise des illustrations de presse, notamment pour des quotidiens comme El País ou La Voz de Galicia, puis pour le magazine Vanity Fair. Il illustre également les œuvres de Poe et de Lovecraft, ce qui éclaire encore davantage sur ses orientations littéraires profondes, et en fait définitivement une personne qu’on aimerait avoir comme amie.

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« Le sommeil de la raison engendre des monstres », écrivait Goya. Derrière ces mots, griffonnés sur une gravure en 1799, le peintre espagnol a livré l’origine de la puissance expressive de ses œuvres et la fulgurance de ses visions morbides : une sorte de cauchemar lucide, pas complétement fou car la folie totale empêche de produire, mais une petite ouverture sur l’inconscient, un entrebâillement qui laisse sortir juste ce qu’il faut de monstruosité esthétique, tant qu’on la contrôle, tant qu’il ne s’agit que d’une mise en sommeil raisonnable.

Des « Goya », l’équivalent des César et des Oscar en Espagne, Alberto Vazquez en a déjà remportés trois. Lentement, comme un poison fait insidieusement son effet, il se rapproche de l’animation au début des années 2010. Il commence par une courte adaptation de sa bédé primée en 2006,

Birdboy , 2010 - Postoma Studio, Abrakam Estudio, Cinemar, Uniko

Sangre de Unicornio , 2013 - Abano, Autour de Minuit, Schmuby, Uniko

Decorado, 2010 - Uniko, Autour de Minuit, Abano

Psiconautas, 2015 - ZircoZine, Basque Films, Abrakam Estudio, Uniko

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Homeless Home, 2020 - Autour de Minuit, Uniko

Homeless Home, 2020 - Autour de Minuit, Uniko

« María chérie, tu n’as pas l’impression parfois que tout ce qui nous entoure ressemble à un décor ? » Unicorn Wars, 2022 - Abano, Autour de Minuit, Schmuby, Uniko

À l’heure où l’on boucle ce numéro, Alberto Vazquez s’apprête à présenter son deuxième long-métrage d’animation au Festival d’Annecy (du 13 au 18 juin) : Sangre de Unicornio. Cette fois encore, le film va développer une histoire initiée quelques années plus tôt, dans le terrible Sangre de Unicornio. Gageons que lorsque le magazine sortira, une nouvelle étoile noire sera accrochée au palmarès de ce réalisateur si obscurément brillant.

Les films et trailers d’Alberto Vazquez sont visibles sur Kiblind.com

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Psiconautas, qu’il réalise avec Pedro Rivera : Birdboy, un film d’une douzaine de minutes, sombre, dur, graphiquement superbe comme l’était déjà son livre, avec cette particularité propre à toutes ses œuvres de se situer précisément entre le monde de l’enfance et celui des adultes, entre un candide album jeunesse et une gravure infernale de Gustave Doré. Un mariage monstrueux, et d’une intensité redoutable, qui se reproduit dans toutes ses créations.

Birdboy reçoit le Goya du Meilleur court-métrage d’animation en 2012, en plus d’un inventaire indécent de prix à travers le monde. L’année suivante sort Sangre de Unicornio, un nouveau court-métrage dans lequel s’affrontent sans pitié des oursons et des licornes, dans une ambiance de boucherie chevaline, avec à nouveau ce douloureux univers, qui vise surtout à caricaturer l’Homme, « le plus hideux des démons ».

Puis vint 2017, la grande année, marquée par deux événements. Le public découvre Decorado, un décor sans âme, comme un show qui grince et donne mal au ventre : « Le monde est un merveilleux théâtre, mais le casting est déplorable », accuse une voix off d’outre-tombe tandis qu’un noir travelling démonte les rêves d’espoir. On songe à Calderón, au gran teatro del mundo, qui assimile le monde et la vie à la scène d’un théâtre sur laquelle nous jouons, comme des acteurs ou des figurants inconscients, marionnettes de l’illusion. C’est le premier événement. Le second, c’est la présentation de la version longue de Psiconautas, sous-titrée Les Enfants oubliés, déployée en 76 minutes sur grand écran : un grand coup de couteau dans la toile duveteuse de la douceur du monde. Résultat, Decorado reçoit le Goya du Meilleur court-métrage d’animation, et Psiconautas le Goya du Meilleur long-métrage d’animation.

Comme un air de violoncelle lent et sombre qui s’installe tristement dans la tête, Homeless Home fit son apparition en 2020. C’est un film sur la nostalgie des monstres, sur leur grandeur passée et leur retraite banale, leur solitude cruelle et leur sentiments inconsolables ; l’envers du décor de la noirceur du conte, en quelque sorte. « J’imagine qu’on n’échappe pas à ses racines.

Même si elles sont complétement pourries », confesse un passeur à tête de minotaure à un orque dépressif. « Parce qu’ici, on est tous un peu morts », retentit la morale de ce chef-d’œuvre en noir, blanc et rouge, accompagné par un chœur de sorcières tambourinant.

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CLIP

Quand le clip vient sublimer une musique qui est déjà de toute beauté, alors là, l’extase est maximale. Chaque mois, sur notre site kiblind.com, nous célébrons le clip musical animé. Qu’il soit en 2D, en 3D, en stop motion, ou encore dessiné à la mano, le clip illustré est partout et il a fière allure.

P A CL

On vous présente ici deux clips récents qui nous ont coupé la chique. Et pour en parler, qui de mieux que les personnes qui les ont illustrés et animés ?

HECTOR GACHAN « ASKING FOR A FRIEND » ILLUSTRATION /ANIMATION :

MARÍA JESÚS CONTRERAS → L'histoire Le label m’a dit qu’il voulait que ce soit une sorte de voyage. On a eu plusieurs discussions avec Hector, et il m’a raconté sa vie à Sarajevo, à quel point il adorait ce lieu. En prenant en compte les paroles de la chanson, on s’est dit que ce qui avait le plus de sens était de retranscrire sa vie d’enfant dans cette ville. Hector a donc écrit un scénario sur ce qui allait arriver et sur certains endroits et certaines choses de Sarajevo.

→ La réalisation

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J’ai d’abord fait un storyboard, puis j’ai tout dessiné grâce à Illustrator.

Ensuite, j’ai utilisé Photoshop pour intégrer des textures et j’ai travaillé avec mon bon ami Rami Guinguis, qui a rassemblé tout ça sur After Effects. Le storyboard était en fait une « journée » dans la vie d’Hector, donc nous avons commencé par le réveiller au saut du lit, puis le faire sortir, etc. Nous ne pouvions pas beaucoup changer l’ordre des scènes, et nous voulions que les paroles aient un sens avec l’histoire que nous racontions et le rythme. Alors nous avons commencé à couper dans l’édition et à ajouter les transitions.

Rami : les transitions ont été les plus difficiles à réaliser et le label nous a demandé de les améliorer et de les refaire plusieurs fois. Puisque nous ne sommes pas des animateurs professionnels, nous avons essayé de les faire image par image, mais c’est difficile avec la musique parce qu’elle ne s’arrête pas, et le style de la chanson ne donne pas beaucoup d’espace pour des pauses ou des écrans noirs par exemple.

→ Les inspirations Lorsque l’on travaille avec des musiciens, c’est plus facile dans le sens où nous admirons tellement Hector que l’écouter parler de son voyage et de sa ville ont été des sources d’inspiration. Nous avons également appris beaucoup de choses sur Sarajevo, sa guerre civile, ses deux présidents ainsi que l’art urbain/les graffitis et nous avons ajouté quelques éléments de ce type.

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TELLA « UP AND AWAY » ILLUSTRATION /ANIMATION :

YOKANIMA

de trois mois, nous devions donc prendre des décisions rapides.

On a ensuite produit le deuxième tiers de la vidéo, tout en préparant le matériel pour la partie finale. Nous avons gardé quelques touches finales pour la fin, et c’est à ce moment-là que certaines parties de rotoscopie ont été ajoutées (par exemple, lorsque tella interprète la chanson). Il m’a été très utile de discuter avec elle de la trame du récit. Néanmoins, j’ai été autorisé à interpréter ces idées et à essayer quelques variations ou ajouts aux idées existantes. Nous avons pris le temps d’examiner ces idées et de discuter de la manière dont elles pourraient fonctionner dans le film. Bien qu’il faille, en animation, être précis pour gagner du temps, j’ai pu improviser un peu sur certaines scènes, même pendant la période de production. En ce qui concerne le design, je pense que nous avons eu la chance de nous mettre d’accord très rapidement. tella est arrivée avec quelques références qui étaient suffisamment bonnes pour m’inspirer dans mes décisions de conception.

Les images des différents écrans me sont alors apparues instantanément.

→ Les inspirations

→ L'histoire La vidéo est basée sur une idée de l’artiste. Elle a été inspirée par une histoire que quelqu’un lui avait racontée un jour. Deux musiciens grecs bien connus (Papaioannou et Moschonas), pendant l’occupation nazie à Athènes, jouaient dans une taverne en sous-sol.

Cette nuit-là, après avoir quitté l’endroit, ils ont failli être pris dans une embuscade par les Allemands. Ils ont réussi à s’échapper en entrant dans l’hippodrome, et en marchant jusqu’au côté qui donne sur la mer. C’est ainsi qu’ils ont réussi à survivre. Je dois préciser qu’à ce stade l’hippodrome était truffé de mines, à travers lesquelles ils devaient marcher prudemment.

→ La réalisation

La première partie de la vidéo est plus réaliste, car on y voit l’atmosphère de la taverne. Mais plus tard, lorsque les musiciens sont à l’extérieur, nous assistons à des incidents fantaisistes. Une guitare devient une échelle, les musiciens sont transformés en chevaux robustes et rapides, tandis que nous voyons soudain l’artiste interpréter sa chanson devant eux. Il était essentiel, vers la fin de la vidéo, de souligner cet esprit « up and away », et tella a eu cette brillante idée de transformation, qui a lieu au moment le plus dynamique de la chanson. Il était également important de montrer, tout au long de la vidéo, différentes ambiances et de jouer avec les contrastes. Cela commence par une atmosphère festive à l’intérieur de la taverne, se poursuit par une marche dangereuse à l’extérieur et se termine par une fuite héroïque. Le lever du soleil à la fin était également un élément que nous voulions avoir, comme un symbole d’espoir et de renaissance. Le dernier plan est tellement idyllique… comme si toute la peur et l’oppression vécues par les personnages avaient disparu.

Pour vivre la lecture de ce papier de façon optimale, allez donc voir notre sélection mensuelle des clips animés de février sur kiblind.com. Avec le son et l’image, c’est plus sympa quand même.

Propos recueillis par : É. Quittet

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tella est venue me voir avec une histoire et des idées sur les scènes.

Tout d’abord, nous avons fait un brainstorming et échangé des idées sur la façon dont l’histoire pourrait se développer et sur les étapes nécessaires dans la narration, mais nous avons également discuté des couleurs et des styles. Certains écrans ont été créés juste après.

Au lieu d’un storyboard, j’avais déjà commencé à travailler sur une animatique en utilisant des images et des séquences trouvées ou des ébauches. C’était essentiel pour tester comment les images et les coupes pouvaient fonctionner avec les scènes. J’ai ensuite commencé à travailler sur le premier tiers du film et c’est à ce moment-là que j’ai établi les techniques d’animation. L’illustration et l’animation se sont déroulées en même temps. Le film devait être réalisé dans un délai

L’artiste s’est inspirée de cette histoire et a relié le titre de sa chanson « Up and away » à l’esprit des deux musiciens qui ont fui l’ennemi. L’époque de l’occupation par les nazis était une période très sombre. tella voulait montrer que les gens, quelles que soient leurs peurs et leurs inquiétudes, se sentaient plus forts lorsqu’ils pouvaient être ensemble. La musique est également très importante dans les périodes sociopolitiques difficiles. Elle inspire les gens et leur donne de l’espoir.

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SQUARE² SQUARE² est une nouvelle BD originale publiée chaque dimanche sur le compte Instagram de KIBLIND. Le principe : chaque semaine pendant un mois, un artiste que nous avons choisi dessine un strip qui doit respecter les règles graphiques suivantes : un carré central / 4 côtés / 4 cases / 4 couleurs. Ici, une variation autour du carré bleu proposée par Maxime Mouysset.

SQUARE² • Chapitre 13 - Partie 3/4 Maxime Mouysset À suivre sur : instagram.com/kiblind_magazine

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du 25 mai au 6 novembre 2022

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Si ça marche, ce n’est pas une solution temporaire

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Le Carreau du Temple est un établissement culturel et sportif de la Ville de Paris.

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Mirdidingkingathi Juwarnda Sally Gabori, Nyinyilki – Main Base, 2009. Collection privée, Adélaïde, Australie. © The Estate of Sally Gabori / Adagp, Paris, 2022. Photo © Simon Strong.

261, boulevard Raspail, 75014 Paris fondationcartier.com