Revista Mythic Design

Mythic Design DIRECTORIO

SUPERVISIÓN EDITORIAL Leticia Salgado Ávila EDITORA Karyme Abigail Silva Benitez EDITORA María Luisa Rodríguez Cardemas DISEÑO Karyme Abigail Silva Benitez María Luisa Rodríguez Cardenas PORTADA Karyme Abigail Silva Benitez FOTOGRAFÍA US Traveler DIRECTOR COMERCIAL Facultad de estudios superiores Acatlán UNAM.

DISTRIBUCIÓN NACIONAL Comercializadora GBN S.A de CV.

Carta Editorial

ILUSTRACIÓN Y FOTOGRAFÍA Esperamos de antemano que esta publicación editorial les sea a todos los diseñadores en cuestión de apoyo en las cuestiones de ilustración y fotografía con las cuales podrán tener un mejor desempeño a la hora de realizar este tipo de trabajos. Uno de los principales objetivos de esta revista es dar noticias y material de soporte, para que las nuevas generaciones de diseñadores y también las actuales estén actualizados en lo que es tendencia al día de hoy.

Nuestra revista tratara temas como la ilustración de Marvel e incluso en este primer número se le dará a los fotográfos principiantes algunos consejos que podrán realizar para capturar mejores fotografías mientras los practican frecuentemente.

Redes Sociales Editora Karyme Silva.

FB: Karyme Abigail Silva Schmidt.

IG: @karymesb Editora Luisa Rodriguez.

FB: Luisa Rodriguez.

IG: @LeemonLuuy

Mythic Design, revista mensual Noviembre 2019 • Supervisora responsable Leticia Salgado Ávila • Número de Certificado de Reserva de Derechos de Reservas, Instituto Nacional de Derechos de Autor, Secretaría de Educación Pública Reserva No. 03-2019-02426532611-104 • Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido, Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas, Secretaría de Gobernación. No. 28944 • El contenido de los artículos firmados no refleja necesariamente la opinión del editor. Los artículos contenidos en esta publicación, con excepción de las imágenes, podrán ser reproducidos siempre y cuando se cite la fuente, solicitándolo previamente por escrito del editor • ISSN 9870120212.

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No. 1 NOVIEMBRE-DICIEMBRE

15 tips de fotografía fáciles y creativos para sacarle el máximo a tu cámara.

Si deseas aprender a tomar mejores fotos en tus vacaciones familiares o tus viajes alrededor del mundo, este artículo está lleno de consejos prácticos, ideas creativas y sencillos trucos de fotografía que te mostrarán cómo tomar tus fotos de viaje de promedio a increíbles.

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Mike Thompson: el diseñador detrás de Marvel Un diseñador que hace superhéroes de Marvel y que trabaja para Nike y Ecko Unltd. ¿Hay algún trabajo imposible para Mike Thompson? Entrevistamos a uno de los escultores e ilustradores digitales más importantes de nuestros tiempos.

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Monstruos precursores del cine de terror Identificamos a Drácula y al monstruo de Frankenstein como los monstruos que han dejado huella gracias a las películas de los estudios Universal en la historia de los orígenes del cine de terror. Por Olivier Fuentes.

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Nuevas tendencias de diseño en la creación de cupcakes El diseñador Carlos Damian ha creado nuevas propuestas para elaboración de uno de los postres más famosos alrededor del mundo. La pasteleria “Red Cakes” es parte importante de esta colaboración entre la gastronomía y el diseño.

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MIKE THOMPSON: EL DISEÑADOR DETRÁS DE MARVEL Un diseñador que hace superhéroes de Marvel y que trabaja para Nike y Ecko Unltd. ¿Hay algún trabajo imposible para Mike Thompson? Entrevistamos a uno de los escultores e ilustradores digitales más importantes de nuestros tiempos. Nos cuenta los retos que ha enfrentado en su carrera, cómo se inspira día con día, y sus más valiosos consejos para los próximos artistas durante su visita al TEC de Monterrey Campus Guadalajara, como parte de su gira con Wacom, marca especialista en tecnología para diseñadores.

-¿Es importante conocer toda la historia detrás de la pieza que vas a realizar? Has hecho superhéroes de Marvel, ilustraciones para Nike… ¿es más importante para un diseñador hacer trabajo de investigación o confiarlo todo a la inspiración?

-Entre más información tenga, mejor. Ya sea materiales de referencia, la historia de la pieza. Normalmente, en el brief que me entregan incluyen un párrafo o dos donde me explican de qué se trata, por ejemplo, si se trata de una película, me dan una idea de qué se va a tratar. Eso realmente me ayuda. Entonces, lo que puedo hacer es poner todo eso en mi trabajo. Cuando no lo tengo, mi trabajo no puede ser así de fácil, y hay posibilidades de que mi visión no coincida con la del cliente.

-¿Fue difícil para ti migrar de la pintura física a las nuevas herramientas tecnológicas que usas?

-En realidad fue muy fácil. El hecho de ver en la pantalla que un trazo se volvía más sólido conforme ejercía más

presión, ¡fue impresionante! Antes pintaba con un mouse y era ridículo, o lo que era igual de malo, pintaba en lienzo y luego lo escaneaba. Perdía muchísima calidad. Ser capaz de pintar directamente en la pantalla cambió mi oficio por completo. Diariamente paso horas trabajando en este aparato y

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ahora no imagino mi vida sin él.

-Tienes trabajos sumamente detallados como el arte que hiciste para Las Tortugas Ninja, que tienen poros y estrías en la piel, y otros donde se distinguen pinceladas y trazos. ¿Cómo sabes cuándo hay que parar y la pieza ya está lista? ¿No te preocupa que un detalle más pueda arruinarla?

-Es una de esas cosas muy difíciles de determinar. Corres el riesgo de que tu trabajo termine “sobre cocinado” y al mismo tiempo no quieres entregar un trabajo a medias. Es una línea muy delgada que solo puedes definir a través de muchas horas de trabajo y de crear un estilo propio como diseñador. Igualmente, si trabajas para clientes, tendrás un tiempo de entrega. A veces te darán un par de semanas, ¡o de días! Hay que encontrar el balance. Si el cliente lo ama, incluso cuando yo no, debo entender que la pieza está acabada.

-En la actualidad existen medios que nos permiten ver paso a paso el proceso artístico de ciertos creadores. ¿Cuál crees que sea la mejor manera de usar estas herramientas para alentar a los nuevos diseñadores e ilustradores?

-Es una responsabilidad muy importante, es como pasar la estafeta. Por eso, la experiencia entera que ofrece Wacom Academy me ha gustado tanto: me permite exponer mi trabajo de diseñador al tiempo que convivo con jóvenes que tienen las mismas incertidumbres que yo alguna vez. Cuando recién iniciaba pensaba que estaba solo, en una especie de cascarón. Ahora sé que no es el caso, que puedes llenar auditorios enteros de artistas incipientes y es muy importante alentarlos a salir a hacer lo que aman hacer, y que además les vaya bien. Que puedan tener una familia y una casa.

-¿Cuál consideras que es el futuro de los jóvenes ilustradores y artistas que están ahora en las universidades? ¿Con qué obstáculos se enfrentarán?

-Creo que una de las dificultades será, obviamente, encontrar trabajo. Sin embargo, también es más fácil que nunca ahora que tenemos redes sociales. Puedes ponerte en contacto con quien sea: directores creativos, directores de arte; en twitter, en Instagram, Linkedin. Usualmente te contestan enseguida. Entonces de lo único que se tendrán que preocupar es de tener un buen portafolio de trabajo, un buen perfil de Instagram y sitio web, o algo similar. Así, cuando contacten a estas personas, ellos los contactarán de vuelta.

-Sabemos que comenzar a ganar dinero con tu trabajo no fue fácil, ¿qué consejo le daría un exitoso diseñador a

los jóvenes artistas para cobrar lo que su trabajo vale?

-La clave para averiguar cuánto debes cobrar es decidir cuánto es cómodo para ti. Me he dado cuenta de que mientras vas trabajando adquieres confianza en lo que haces y puedes cobrar un poco más. Cuando eres joven, estás más interesado en exponer tu trabajo allá afuera y puedas conseguir más oportunidades. Así que hay dos cosas que puedes hacer, puedes trabajar por promoción o por dinero.

Muchas veces, cuando era joven, yo sabía que nadie me conocía, que había un millón de personas que hacían lo mismo que yo, y me preocupaba más en solamente enseñar mi trabajo. Conforme fui adquiriendo técnica y confianza, y la gente me conocía, empecé a cobrar más. Les diría a los jóvenes que no salgan al mundo pensando que enseguida van a obtener lo que tendrán en toda su carrera, y al mismo tiempo que no le resten valor a su trabajo. Que cuando vayan a la cama no se sientan mal porque menospreciaron su obra.

-Hablabas que fuiste un chico muy retraído que pasaba las tardes solo y dibujando. ¿Cómo se supera esa timidez? Muchos artistas son tímidos, ¿eso puede impedir el éxito?

Sigo siendo muy tímido (ríe). Hoy puedo salir y dar conferencias, sin embargo, si tú y yo nos encontráramos en un evento social probablemente sería mucho más retraído, estaría nervioso y callado quizás, pero tienes razón, es algo que se tiene que superar. No hay elección, es un asunto de gana o pierde. Me di cuenta de que puedo usar esta especie de personaje que me permite actuar de un modo en mi vida diaria, pero también me permite hablar fuerte, proyectar confianza y escuchar a mis clientes en un rol de negocios.

Texto: Selene Flores Imágenes: Cortesíaama.

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QUINCE TIPS DE FOTOGRAFÍA FÁCILES Y CREATIVOS Las fotografías son a menudo el mejor recuerdo de tus viajes. Si deseas aprender a tomar mejores fotos en tus vacaciones familiares o tus viajes alrededor del mundo, este artículo está lleno de consejos prácticos, ideas creativas y sencillos trucos de fotografía que te mostrarán cómo tomar tus fotos de viaje de promedio a increíbles.

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Desde las playas de arena blanca y polvorienta de Filipinas hasta las alturas del Himalaya y los bosques densos del noroeste del Pacífico de los Estados Unidos, he tenido el privilegio de tomar fotografías en algunos de los lugares más hermosos del mundo.

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Configurar la cámara en el modo «ráfaga» significa que se tomarán varias fotos con un solo clic en el obturador. Esto es especialmente útil cuando intentas tomar una foto de acción, como una ballena que irrumpe en la superficie del agua.

Además, el modo de ráfaga es una buena idea cuando le das tu cámara a un desconocido para que te tome una foto. Obtendrás varias para elegir, en lugar de solo una donde estás parpadeando y alguien está bombardeando la foto en el fondo.

Un trípode mejorará seriamente tu juego para tomar fotos. Hay varias razones para esto, pero una de las principales razones por las que llevamos un trípode es para poder fotografiar paisajes épicos y que tu salgas en la foto.

Si estás en una ubicación remota, es posible que no haya nadie cerca para tomar tu foto. E incluso cuando hay un montón de gente alrededor, es posible que no acabes contento con las fotos que te tomen.

Ten paciencia. Conseguir tomas únicas en lugares famosos lleva tiempo. No puede esperar aparecer en lugares emblemáticos como la Torre Eiffel o Cinque Terre y obtener una foto perfecta en tu primer intento.

Tendrás que ser paciente con las multitudes y esperar a que la gente pase. Y es probable que tengas que hacer varios disparos para hacerlo bien. Las multitudes ponen a prueba la paciencia de todos.

Este artículo relativamente económico y pequeño realmente puede llevar tus tomas de paisajes al siguiente nivel. Los polarizadores funcionan mejor en días soleados cuando el cielo es azul, y harán que los colores resalten, como los azules en este lago glaciar en el Himalaya.

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No importa cuán talentoso seas como fotógrafo, hay ciertos momentos del día en los que tu foto no se verá tan bien. Por ejemplo, durante la mitad del día, cuando el sol está en su punto máximo en el cielo, la luz es dura y tus fotos tenderán a tener sombras.

En su lugar, apunta a tomar fotos cuando el sol esté bajo en el cielo y arrojará un brillo cálido en lugar de una luz blanca áspera. Los momentos más ideales del día para tomar fotos son por la mañana justo después del amanecer y durante la hora dorada.

Este consejo requiere un poco de investigación, pero te alegrará haberlo hecho. Cuando estés de viaje, intenta escribir en Google «amanecer en [ubicación]» y «atardecer en [ubicación]».

Por ejemplo, si visitas Yosemite, encontrarás que la mejor vista al amanecer es la de El Capitán. Está orientado hacia el este, por lo que se ilumina en un brillo rosado cuando sale el sol. Al atardecer, es bonito, pero no tan mágico como en esas primeras horas de la mañana.

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La fotografía nocturna puede ser súper divertida, pero demora un poco en entender las técnicas. Ten paciencia y mejorarás.

Además, toma un poco de pensamiento e investigación. No puedes esperar salir cualquier noche y obtener excelentes tomas nocturnas. Necesitas planear alrededor de la luna y los caminos de la constelación y el clima.

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Los días nublados a veces pueden ser decepcionantes cuando estás de vacaciones, pero a menudo resultan en las fotos más interesantes. Las nubes suavizan la luz del sol, actuando como una caja de luz natural, y te permiten obtener excelentes fotografías incluso en la cima de la tarde.

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Puede ser una buena idea inspirarse en la búsqueda en línea de tomas famosas de lugares icónicos.

Por ejemplo, una rápida búsqueda en Google de «Taj Mahal» te mostrará los ángulos más famosos desde los que se disparó este hito.

Pero para mejorar realmente tus habilidades fotográficas, haz lo OPUESTO. Cuando todos estén tomando fotos a la derecha, gire a la izquierda. Busca. Mira abajo. No tengas miedo de caer al suelo y disparar desde abajo.

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Una de las mayores manías es cuando tomas una hermosa foto, pero está torcida y todo parece un poco «apagado». La mayoría de los visores tienen líneas tenues en ellos, así que puedes usarlo como una guía para obtener el horizonte en línea recta. Las líneas rectas y limpias harán que tus fotos se vean bien y se vean muy profesionales.

La simetría es una cosa hermosa, pero si tomas todas tus fotos con el sujeto en el medio, las imágenes comenzarán a parecer aburridas.

Es probable que hayas oído hablar de la regla de los tercios. Básicamente, esto significa que colocarás el sujeto en uno de los puntos de mira como se ilustra en la foto de arriba.

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Si ya eres un fotógrafo experimentado, aumenta tus habilidades creando un ensayo fotográfico.

Observa tus alrededores y presta atención a los puntos en común. Podría ser tan simple como tomar fotos de las hermosas puertas que ves. O podría ser un color. Puedes intentar profundizar aún más con tu tema y capturar una emoción específica que desees que tu espectador sienta.

Juega con tus ajustes y aprende a disparar en modo manual. Lee el manual. Realmente conoce tu cámara. Busca tutoriales de YouTube.

Experimenta con el enfoque manual en lugar de simplemente apuntar y disparar.

Conocer tu cámara por dentro y por fuera y comprender el modo manual realmente mejorará enormemente tus habilidades como fotógrafo.

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Cuando viajas a un país diferente, las tomas de retratos a menudo son algunas de las favoritas.

Ellos provocan emoción y cuentan una historia.

Siempre que tomes la foto de alguien de cerca, pide permiso.

No tienes que hablar el mismo idioma para obtener permiso. Simplemente haga contacto visual, sonría y apunte a su cámara o diga «¿foto?». La mayoría de las personas entenderán y asentirán o sacudirán la cabeza.

¿Alguna vez has tomado una foto y los colores simplemente se ven apagados? Lo más probable es que la temperatura del color afecte su imagen. Un poco más simple: algunas luces son cálidas, como una vela. Otra iluminación es fresca, como el cielo muy cubierto. Nuestros cerebros realmente compensan la temperatura de la luz y la igualan, pero una cámara no es tan inteligente como nuestro cerebro y es por eso que la foto puede verse diferente a lo que ves en la vida real.

Aquí es donde entra el balance de blancos.

Consejo: cuando estés creando una serie de fotos, intenta tomar todas las fotos en la misma configuración para que se sientan como si estuvieran juntas.

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MONSTRUOS PRECURSORES DEL CINE DE TERROR

Identificamos a Drácula como un caballero con smoking y capa, y al monstruo de Frankenstein como un gigantón con traje dos tallas más chico, cabeza plana y electrodos en el cuello. Estos monstruos los visualizamos así debido a la huella que las películas de los estudios Universal dejaron en la memoria colectiva y en la historia de los orígenes del cine de terror. Por Olivier Fuentes.

Filmes como The Hunchback of Notre Dame (1923) y The Phantom of the Opera (1925), ambos protagonizados por

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Lon Chaney (1883-1930); fueron los primeros de monstruos de los estudios Universal. Su popularidad convirtió a Chaney en la primera estrella del horror.

El éxito en taquilla llevó a los estudios a producir más películas en esa misma tónica gótica, entre ellas El gato y el canario (1927), The Last Performance (1927) y The Man Who Laughs (1928), en la época del cine silente. Ya en el cine sonoro, Universal estrenó The Cat Creeps (1930), antes de dar con un famoso vampiro de acento rumano.

A comienzos de los años 30, los estudios Universal realizarían una adaptación del éxito de Broadway de 1927, Drácula, basada en la novela del mismo título escrita por el irlandés Bram Stoker (1847-1912). Por supuesto, ya existía Nosferatu (1922), la adaptación silente de F. W. Murnau.

Para el papel protagónico se pensó en Lon Chaney, pero su prematura muerte llevó al director Tod Browning a inclinarse por el estelar de la obra de teatro: el actor húngaro Bela Lugosi.

Hubo muchas dudas acerca del desempeño de Lugosi por su marcado acento extranjero, pero él convirtió dicha limitante en una característica propia del personaje, que, junto con la mirada penetrante del actor, se volvió estremecedor.

Al igual que Drácula (1931), ya existían cintas mudas de la novela Frankenstein o el moderno Prometeo (1818), pero la que quedó como versión definitiva fue Frankenstein (1931), de James Whale. En su momento fue tan inquietante que el actor Edward Van Sloan, a nombre del jefe máximo del estudio, Carl Laemmle Jr., aparece al inicio del filme para hacer una ‘amigable’ advertencia al público sobre lo que van a ver. En un principio, Bela Lugosi haría el papel del monstruo, incluso se le realizaron pruebas en el mismísimo set de Drácula, pero tanto el actor como su propio diseño del personaje fueron rechazados.

El director Whale se inclinó por el prácticamente desconocido Boris Karloff, de 44 años. El filme fue el más taquillero de 1931 en Estados Unidos.

La particular atmósfera de Drácula y Frankenstein, conformada por grandes castillos, tenebrosos decorados, iluminación con influencia del expresionismo alemán, y en el caso de Frankenstein, el horrible maquillaje, contribuyeron al éxito de los filmes, que ese año salvaron de la ruina a los estudios, además de convertirse en las primeras franquicias de terror. Sus secuelas fueron Dracula’s Daughter (1936) y The Bride of Frankenstein (1935).

La momia (1932) y El hombre invisible (1933) son otros clásicos de horror de la Universal que generaron varias secuelas. En la primera, Boris Karloff interpreta a su segundo monstruo: un faraón resucitado, Imhotep, que se obsesiona por una mujer idéntica a quien fuera su prometida miles de años atrás. Como con el monstruo de Frankenstein, Karloff le imprime rasgos de humanidad al desfigurado personaje, en esta ocasión el de un hombre atormentado por la soledad y el amor perdido.

El hombre invisible es el filme post-Frankenstein del director James Whale. Aquí el objeto del terror no es un ser sobrenatural ni un monstruo subinteligente; se trata del culto e instruido científico Jack Griffin (Claude Rains), cuya propia fórmula lo volvió invisible. Griffin no crea el caos por sen-

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tirse apartado del resto de la humanidad, sino por maldad pura, pero su fórmula lo va volviendo más agresivo y paranoico hasta llegar a grados asesinos.

Aunque podría no haberse invertido mucho en maquillaje para crear a este monstruo (Jack P. Pierce, autor del maquillaje de Frankenstein y La momia), la cinta utiliza elaborados efectos especiales para la época. El hombre… resulta

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ser más fiel a la obra original, la novela de H. G. Wells de 1897, que sus hermanos monstruosos.

Por supuesto, Bela Lugosi y Boris Karloff se convirtieron en los maestros del terror del momento. Universal estrenó esa misma década dos filmes basados en la obra de Edgar Allan Poe protagonizados por los dos actores: The Black Cat (1934) y The Raven (1935).

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