Revista Científica 8o semestre Justo Sierra DCV 20-2

La desconocida gráfica popular mexicana Los beneficios del rediseño de marca y cuando implementarla

La conexión directa entre el arte y moda 3

Artículos de investigación realizados por los alumnos de 8° semestre de la universidad Justo Sierra, plantel cien metros.

INDICE •El increible mundo de la animación

5

•La conexión directa entre el arte y la moda

13

•Campaña publicitaria de Ford Mustang

35

•La importancia de la tipografía y el color en el diseño

52

•Los beneficios del diseño y cuando implementerla

56

•El color y la publicidad

72

•Análisis de campaña publicitaria: Pretty, different, urban, Decay

80

•El comic Spider-man y sus elementos

92

•Modelado 3D en la animación con stopmotion de un cortometraje

102

•La serigrafía como método de impresión eficaz

112

•La desconocida gráfica popular mexicana

122

•Ilustración y diseño editorial

132

•Fotografía periodística

135

•Los pueblos magicos envueltos en la ilustración

142

•La efectividad de la imagen publicitaria

150

•La tragedia

159

•Diseño editorial

165

4

Animación

EL INCREIBLE MUNDO DE LA ANIMACIÓN y donde encontrarla: Klaus (2019) de Netflix

-Miguel Campos Hernández & Lisset Loya Chávez

Palabras Clave:

Animación, Animación Tradicional, Animación Stop-motion, Animación digital, movimiento.

Key Words:

Animation, Traditional Animation, Stop-motion Animation, Digital Animation, movement.

Resumen

El filme de Klaus (2019) de Netflix ha logrado reinventar la manera en que se hace la animación 2D, llegando a ser una animación que perdurara en la historia tanto de la animación como en la técnica tradicional, ya que esta logro proporcionar un aspecto de volumen y así resaltando detalles de la luz y la sombra.

Abstect

The film Klaus (2019) of Netflix has managed to reinvent the way 2D animation is made, becoming an animation that will last in the history of both animation and traditional technique, since this achievement provides an aspect volume and thus highlighting details of light and shadow.

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| Introducción La película titulada Klaus que salió el 2019, en la plataforma de Netflix, dirigida por Sergio Pablos narra el origen del mito de navidad de Santa Claus, pero no habla del mismo Santa Claus gordo, de barba y ropas rojas animadas, cuenta la historia desde la perspectiva de un chico adinerado llamado Jesper, que es castigado haciendo que reparta el correo en un pueblo donde nadie manda nada y además tienen una guerra entre dos de sus familias y en su intento de repartir algo se encuentra con Klaus, un carpintero/juguetero que vive privado de toda la sociedad.

Pero no estamos aquí para hablar de la trama de la película, si no que, de su estilo de animación tan peculiar que te hace pensar que esta hecho a base de computadora, de manera digital, pero la realidad es que se utiliza una animación 2D pero revolucionando la manera en que se dan las luces y sombras, tanto de los personajes como del entorno, revolucionando la manera de hacer este tipo de animaciones y no solo creando la ilusión del movimiento, también generando ilusión de profundidad y 3D que son mas característicos de técnicas de animación digitales, por lo tanto se analizará la creación de Sergio Pablos, Klaus (2019) de Netflix, ya que utiliza técnicas tradicionales y a su vez técnicas digitales y si se logra entender como fue la creación de la película entonces se podrá aplicar en otras producciones.

| Materiales y Método Se realiza una investigación explicativa para comprender como es que la película Klaus (2019) de Netflix revoluciono en técnica de la animación en dos dimensiones mediante la búsqueda de información y el proceso en la cual se realizo la película, y comparándola con producciones de animaciones de años anteriores que utilizan el 2D para así ver como la película de Klaus revoluciono la manera de hacer este tipo de animación.

En este artículo se hablara y se abordará la técnica de animación que se emplea en la película de Klaus (2019) de Netflix, usando como base el proceso de trabajo que realizo el estudio de The SPA Studios (Sergio Pablos Animation Studios) y comparándolo

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con producciones de animaciones como Zootopia (2016) de Disney Studios y La Liga de los 5 (2020) de Ánima Estudios.

Antes que nada hay que aclarar varios puntos acerca de la animación, ya que esta se ha llegado a considerar como un “genero” dentro de la cinematografía lo cual es erróneo, ya que la animación es “la creación de una ilusión de movimiento a través de la unión de una secuencia de imágenes inmóviles”. (Taylor, 2000, p. 7). por lo que es mas adecuado referirse a la animación como una técnica para contar historias y no como un genero. Y lo segundo es aclarar a qué se refiere al decir animación 2D, ya que esta es una técnica que dio principio a la creación de animaciones. En “esta técnica se crean dibujando los fotogra-

mas uno por uno, generando una secuencia, 24 de ellos por cada segundo de animación” (Martínez C. (2017). p. 13), logrando así la ilusión del movimiento ante el ojo humano, “un segundo factor que genera la ilusión del movimiento aparente. es la tendencia de la visión humana a ver movimiento cuando en realidad no hay ningún objeto que se mueva.” (Bordweell, D. & Thompson K. 1995, p. 4).

Usaremos el metodo teorico deductivo para analizar la película de Klaus (2019) de Netflix, tanto el largometraje como videos de su producción. Y a su vez el método de Bruno Munari para resolver problemas, en el cual se parte con la Definición del Problema, se desarrolla la idea dependiendo de que tipo de solución buscamos (económica, provisional o definitiva, definitiva, sencilla, imaginativa, comercial, etc), luego se descompone el problema en subproblemas, se recopilan datos para trabajar en base a ellos y se analizan esos datos para saber que nos sirve y que no, hay que mantenerse dentro de lo que se puede hacer,

y se experimenta con lo que se tiene para descubrir muchas mas cosas y después ya cuando tienes mucha información y conocimiento de lo que rodea el problema, se empieza a bocetar y se sigue avanzando poco a poco para llegar a la mejor solución.

En la película de Klaus (2019) de Netflix fue realizada con la técnica de animación 2D por muchas personas del SPA Studios (Sergio Pablos Animation Studios) con la ayuda de diversos programas, tales como Harmony 19, MOE y Houdoo de Les Films du Poisson Rouge para crear los distintos visuales que se ven a lo largo de la película.

Al dar el primer vistazo a la película hace cuestionarnos si esta realizada mediante animación 3D o 2D, ya que los visuales que se muestran tienen un buen manejo de luces y sombras que hace que parezcan tener volumen propio de la animación en 3D, pero no es completamente en 2D, dibujada cuadro por cuadro a mano con tabletas gráficas.

| Proceso de animación

En la primer fase de creación de la animación se hace un boceto rudo para saber en donde se ubican los objetos y el personaje en movimiento, usando de fondo un arte conceptual de la toma.

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Utilizando el primer boceto rudo se limpia para tener una vista mejor y más detallada de la acción del personaje en movimiento, se sigue utilizando el arte conceptual de fondo.

Su vuelve a limpiar para obtener mรกs definido el personaje en movimiento, usando la versiรณn final del fondo.

Se agregan los colores planos al personaje con el fondo final para ver como se mueve en el entorno.

Se le agregan sombras y luces para integrar al personaje con el entorno respecto a la las luces del fondo.

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| Comparando Como se puede observar en la película de Klaus (2019) de Netflix tiene un extenso proceso de animación, que utiliza el proceso de la animación tradicional en 2D pero a diferencia de anteriores filmes esta cuenta con un manejo distinto de la iluminación haciéndola parecer volumétrica (3D).

Si se compara la película de Klaus (2019) de Netflix con la película de Zootopia (2016) de Disney Studios

se puede ver las diferencias que tienen la una con la otra, como lo mas obvia que una es 2D (plana) y la otra es en 3D (volumen),pero también varias similitudes en el manejo de las luces referente al entorno que rodea a los personajes lo cual hace que ambos filmes tengan profundidad y dando la sensación de volumen, propia de la animación en 3D.

Y ahora pasando a otro ejemplo de animación se tiene la película de La liga de los 5 (2020) de Ánima Estudio, la cual es una animación tradicional en 2D, las similitudes con la película de Klaus (2019) de Netflix, son mas evidentes ya que ambas son realizadas en 2D, pero se distancian mucho una de la otra ya que una no muestra tanto volumen como la otra, siendo La liga de los 5 (2020) de Ánima Estudio

mas apegada a los colores y sombras planas, propia de la animación 2D, con pequeños arreglos de luz con referencia al fondo, las cuales en Klaus (2019) de Netflix dejan de lado los colores planos para darle mas volumen utilizando degradados y arreglos de luz referentes al fondo similares al film de La liga de los 5 pero con mas trabajo en los detalles.

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| Resultados Con respecto a lo dicho anteriormente se podría afirmar que la película de Klaus (2019) de Netflix, fue y seguirá siendo un referente dentro de la cultura de la animación por revolucionar la manera de animar objetos y personajes de manera tradicional dándoles volumen gracias a la luces y sombras, combinando elementos de la animación tradicional dibujada a mano y software de animación en 2D, creando un antes y un después en como se hace la animación 2D llevándola a otro nivel, aproximándose a parecer una animación 3D.

| Discusión hEsta muy debatido la premiaron de los 92.º Premios Óscars ya que en la categoría de Mejor Animación no gano la película de Klaus (2019) de Netflix, ya que la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas (por sus siglas en ingles, AMPAS; Academy of Motion Picture Arts and Sciences) premia mas la nostalgia que dio la ganadora y no por la técnica, debido a esto Klaus no pudo ganar, pero como se comenta en este artículo Klaus reinvento la forma de hacer animación 2D a diferencia que a su competencia.

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| Conclusiones En conclusión puede que la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas no allá reconocido a Klaus (2019) de Netflix, como la mejor película de animación de su año, pero dentro de la cultura de la animación siempre será reconocida por reinventar la animación 2D y podrá servir de referencia en futuras producciones de animación.

Tal es el caso de la animación que esta en pre-producción la cual tiene como títulos tentativos:

• • • • •

Problemas de lenguaje Lengua nativa Problemas de lengua Otras lenguas Un Vato que no entiende Donde se utiliza como referente el estilo que tiene Klaus (2019) de Netflix, y a continuación se muestra un poco de la sinopsis de la historia y un modelo del personaje principal: Un chico mexicano, llamado Chris, de nuestro universo, que únicamente sabe hablar español, su lengua nativa, y viaja de manera misteriosa y desconocida a un universo paralelo mientras dormía, en la cual lo único diferente a nuestro universo es que en este universo paralelo todos hablan su lengua nativa y no tienen necesidad de aprender otra porque son capaces de entender cualquier idioma, pero únicamente hablan el suyo.

Entonces Chris al despertar no entiende que es lo que pasa y esta muy confundido porque no sabe otro idioma que el español, hasta que encuentra a una chica que habla español, y Chris junto con la chica y sus amigos que cada uno viene de diferentes lugares, empezaran a vivir cómicas aventuras mientras intentan descubrir como regresar a Chris a su universo.

Diseño de personaje de Chris

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| Referencias bibliográficas Bordweell, D. & Thompson K. (1995) El arte cinematográfico. Barcelona: Paidos Ibérica.

Blair, P. (1994). Cartoon Animation, Estados Unidos: Walter Foster Publishing.

Castro, K. & Sánchez, J. (1999). Dibujos Animados y Animación. Historia y compilación de técnicas de producción, Ecuador: Editorial “Quipus”, CIESPAL. Failes, I. (2019). HERE’S WHAT MADE THE 2D ANIMATION IN ‘KLAUS’ LOOK ‘3D’. https://beforesandafters.com/2019/11/14/heres-what-made-the-2d-animation-in-klaus-look-3d/ Les Films du Poisson Rouge. http://lesfilmsdupoissonrouge.com/logiciels/ Martínez, C. (2017). 4 MARCO TEÓRICO. En ESTUDIO EVOLUTIVO DE LAS TÉCNICAS UTILIZADAS EN LA PRODUCCIÓN DE LA ANIMACIÓN DISNEY: DESDE 1920 HASTA 2013. FACULTAD DE CIENCIAS DE LA DOCUMENTACIÓN Y LA COMUNICACIÓN DEPARTAMENTO DE INFORMACIÓN Y COMUNICACIÓN: UNIVERSIDAD DE EXTREMA DURA. Real Academia Española. (2005). Disquisición. En Diccionario de la lengua española. https://dle.rae.es/animaci%C3%B3n Taylor, R. (2000). Enciclopedia de Técnicas de la Animación, BARCELONA: Editorial Acanto S.A. Tones, J. (2020). Así ha conseguido 'Klaus' convertirse en la película animada revelación del año. https:// www.xataka.com/cine-y-tv/asi-ha-conseguido-klaus-convertirse-pelicula-animada-revelacion-ano The SPA Studios. (2016, Diciembre 15) The SPA Studios | "Klaus" Teaser Style Test #2 [Archivo de video]. https://www.youtube.com/watch?v=TOOwV3LbWZM Vera, M. (2015). Linea de Tiempo de la historia de la animación (1900-Presente). https://www.sutori.com/ story/linea-de-tiempo-de-la-historia-de-la-animacion-1900-presente--nED8CNXXmEUcm5nd4BoHrfaw Wells, P. (2002). Animation. Genre and Authorship, Gran Bretaña: Editorial Wallflower.

Williams, R. (2012). Kit de supervivencia del animador, New York: Faber and Faber. “Tipos de animación” (s/f.). En Hay Tipos. https://haytipos.com/animacion/ Zorrilla, M. (2019). 'Klaus': Netflix da en la diana con su primera película española de animación, una entrañable y divertida propuesta navideña. https://www.espinof.com/criticas/klaus-netflix-da-diana-su-primera-pelicula-espanola-animacion-entranable-divertida-propuesta-navidena

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La conexión directa entre el arte y la moda Por: Verónica Andrea García Sanchez

Fígura 1 Exposición YSL

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Palabras clave - Moda - Arte -Estilo -Alta costura -Prêt a porter -Vestido -Obra de arte

Resumen El diseño siempre responde a una necesidad la cual depende de varios factores de la época como el arte, es por eso que se da una conexión indirecta pero que está latente en el proceso creativo y en el resultado final, el desarrollo de las obras de arte cambia dependiendo de la época y las técnicas, la hipótesis principal es el probar que el arte y la moda comparten algunas características siendo el ejemplo más claro YSL , él tuvo una fuerte influencia de Mondrian. Su interés se centraba más en su dimensión ética, estaba encaminada a renovar los lazos que unían el arte con la vida y crear algo nuevo con lo que se había creado antes (punto, línea y plano), al final de esta investigación de podrá probar o comprobar algunas de las dos vertientes y tener una opinión libre para no solo decir lo anterior si no para tener claro que siempre ha existido la relación del arte y la moda.

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Key Words -Fashion -Art -Style -High couture -Prêt a porter -Dress -Piece of art

Summary Design always responds to a necessity which depends on various factors of the time such as art, that is why is an indirect connection but it is latent in the creative process and in the final result, the process of works of art changes the evolution of the time and techniques, the main hypothesis is to prove that art and fashion, some specific characteristics are the clearest example YSL, had a strong influence from Mondrian.His interest focused more on its ethical dimension, it was aimed at renewing the ties that linked art with life and creating something new with what it had created before (point, line and plane), at the end of this investigation you can have a free opinion not only say the above but also to be clear that the relationship of art and fashion has always existed.

Introducción El desarrollo de este proyecto de investigación se centra en la relación directa del arte y la moda, ya que ésta siempre está influenciada por el arte y la sociedad, por que ambas ramas son diferentes entre si y tienen diferentes cualidades pero en este artículo encontraremos sus cualidades y ejemplificaremos con algunas colecciones.

Objetivos El objetivo de este artículo es el poder ejemplificar y unir la conexión entre el diseño de moda y el arte Definir la moda y el arte conocer su funcionamiento al igual que conocer aspectos como fashion week, el estilo, ready to wear y analizar las casas de moda y la conexión del arte y la moda .

Preguntas

de investigación ¿Qué es Arte ? ¿Como funciona el arte? ¿Cual es la mayor inspiración para el arte? ¿Qué es moda? ¿Qué es alta costura ? ¿Qué es una colección ready to wear? ¿Qué es una colección de un diseñador ? ¿En qué se inspira el arte? ¿Cual es la interacción del arte y la moda?

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¿Quien es YSL? ¿En donde nació YSL? ¿Quien apoyo a YSL? ¿A los cuantos años YSL entró en la industria de la moda ? ¿Como entró en DIOR? ¿Como fue que creó su propia casa? ¿Cuál fue la primera colección ? ¿Por qué se inspira del arte?

Justificación del problema

Se eligió el tema por varias circunstancias en el lado de la disciplina el arte y la moda estas tienen un gran vínculo no solo por su inspiración si no por los procesos creativos, se quiere saber el cómo llegan a tener todo el desarrollo y producción, la forma de presentar el arte cuenta como una pieza de igual valor o una mala o buena interpretación del trabajo anterior, como aportaciones tendrán varios conceptos básicos de ambos temas y al igual un análisis de ambas para ver en qué punto de su proceso son iguales y las características en conjunto A la autora de esta investigación le parece fascinante el cómo YSL se posicionó a la cabeza y unos expertos dicen que Chanel les dio libertad, no solo de opinión pero YSL les dio estilo, este tema fue elegido ya que a la autora desde pequeña tenía una gran fascinación por la moda y la forma en la que se maneja ese mundo, el poder decir tus emociones, tus estados de ánimo sin palabras hace que la moda se vuelva una de sus cosas favoritas, para una colección se necesitan tantas cosas y todo influye el proceso creativo es tan fascinante, el poder inspirarte de lo cotidiano, de la sociedad, es lo que lo hace tan único, las personas son las que van creando las propias tendencias y eso hace que después se vea en las pasarelas, la sociedad es la que inspira a los diseñadores, básicamente es un círculo..

Métodos Se utilizará la metodología de Morris Asimow, por que a lo largo de este articulo se necesitara el análisis para poder revisar las colecciones hasta la implemantación que es el realizar dos bocetos inspirados en YSL. Método científico documental Niveles de investigación explicatoria

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Resultado

Fígura 2 Museo del traje en Madrid

El arte ha servido como inspiración y reflejo en muchas áreas entre ellas la moda. De este modo, se puede encontrar que el arte como manifestación artística (desde la pintura rupestre hasta el arte contemporáneo), ha tenido como base para su inspiración a la sociedad.

Con el paso del tiempo el arte refleja lo que pasa en la sociedad a ojos del artista, se enaltece o se critica el momento histórico en que está sucediendo y queda asentado como una huella .

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En el paso del tiempo el arte y la moda han dejado un gran ejemplo de cómo van de la mano y el como se han desarrollado en diferentes tiempos y espacios, por ejemplo: La obras más clara y de la que se habla más adelante Yves Saint Laurent con el vestido geométrico de Piet Mondrain “Composición con rojo, azul y amarillo” entre otros diseñadores como Vivienne Westwood, Karl Lagerfeld, Christopher Kane, John Galliano, Jil Sander, Dolce & Gabanna, Valentino, Prada,etc.

Ellos han hecho de sus colecciones obras de arte que se ven en las calles, inspirados en artistas como Picasso, Gustav Klimt, Keith Haring, Vincent Van Gogh, Georgia O’ Keeffe y Andy Warhol La moda en palabras de Francisco Pérez “La moda es un sistema complejo abierto y sin reglas fijas que se dedicaba a satisfacer los sentidos del hombre para conquistarlos y sorprenderlos” (Pérez. F, 2001, pág 30)

Está definición se escogió por el hecho de que se consigue que es un sistema abierto ,uno espera ciertas cosas de loa diseñadores pero ellos reinventan y crean algo nuevo un ejemplo de esto es Alexander Mcqueen con sus diferentes tacones o sus pasarelas las cuales podrían hasta considerarse happening, “el hapennig hace intervenir en el mito la experiencia directamente viva, no se contenta con interpretar la vida participa en el desarrollo en la realidad “ (Jaques, 1967, pág 19) por toda la interacción y las experiencias que crean con los asistentes que los vuelven parte del desfile y del momento.

La sociedad y la cultura siempre ha marcado una pauta por que el arte y la moda son hechas para ellos, pero ambas poseen un público objetivo el cual el artista y el diseñador establecen por los temas que hablan.

Lipovetsky. G,1990, pág 26

Otro elemento el cual es la otra parte central de este artículo es el arte, en palabras de Bauer dice que que resulta para esta investigación la cual significa que se junta lo físico y lo espiritual, se forma un nuevo ente que es el arte.

Para hablar del arte y la moda, se tienen 4 argumentos que se explican en ¿que moda es arte? una categorización de la moda que es arte (Reramozo) (2017), se hablan de diferentes categorías la primera es la moda que es arte ósea que es hecha por un artista.

“

Arte es la configuración que adquiere una capacidad anímico-espiritual a través de una forma propia Bauer.H 1983, pág 15

“

La moda revela ya sus rasgos sociales y estéticos las característicos, pero para grupos muy restringidos que monopolizan el poder de iniciativa y creación

“

“

La moda que es arte por ser alta costura, la moda que tiene base en una obra de arte y la moda que es arte por que esta en museos (pág. 49), en esta época ya se tienen bien identificadas cada postulado pero en el momento en el que los diseñadores hicieron su interpretación no sabían como catalogar sus creaciones, ahora se puede hablar más a fondo de cada interpretación y su significado.

4 Posturas DE La primera es la moda

arte es la hecha por un artista que es…

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Reramozo

La segunda la moda que es arte… es

la alta costura

La moda que es arte es la… inspirada

en una obra de arte

La moda que es arte…

es la que esta en los museos

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POSTURA

I

Fígura 3 LV x Jeff Koons

La primera es la moda que es… arte es la hecha por un artista

Esta postura quiere decir cuando un artista reconocido por hacer esculturas, pinturas, grabados (todas las artes clásicas) entra y hace una colección o piezas para una marca en especial.

POSTURA 1

Fígura 4 LV x Jeff Koons Masters

Por ejemplo una colección del artista mas caro que aun vive Jeff Koons siendo una de las mas recientes, Louis Vuitton saco una colección con el artista la colección se llamo Gazing Ball Paintings, en la cual Koons toma pinturas clásicas de Da Vinci, Tiziano, Rubens, Fragonard y Van Gogh, fueron pintados en las bolsas emblemáticas de Vuitton, entre ellos los modelos

Speedy, Keepall o Neverfull, en el medio del bolso llevaba el nombre del pintor en letras metálicas al igual que el monograma de LV y las iniciales JF del artista igualmente en ese material y al conejito clásico de Koons, las bolsas cuando salieron a la venta tenían un precio de $2,800 a $4,000 dólares eso cuando salieron a la venta y las comprabas en la tienda cabe aclarar que tenías que estar

en una lista de espera y ser cliente frecuente de la tienda para poder obtenerla, ahora en reventa el precio de alguna de la bolsa ya usada el modelo es mochila Masters LV x Jeff Koons (figura 3) $108,878 pesos en paginas que se encargan de la reventa de artículos de diseñador (Farchet).

Fígura 6 Exposición celebridades Fígura 5 LV Folleto Time capsule

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2 21

POSTURA

Fígura 7 Dior alta costura 2020

La moda que es arte… es la alta costura

Esta postura sostiene dos grupos de moda: la indumentaria cotidiana y la alta costura, la primera refiere a que no toda la moda es arte, por que se usa solo por función del vestir y no por significado o simbolismos como es expresado en la alta costura que ve más allá del cubrirse.

POSTURA 2 Fígura 8 Blake Lively 2018 MET Gala

El diseñador vincula un nuevo concepto de evolución artística como forma de expresión y comunicación dentro de la sociedad. Podríamos decir que el diseñador es “multidisciplinar” donde su capacidad creativa y constructiva tiende a combinar lo estético, estudiando múltiples perspectivas de amplia visión. Posee habilidades para la combinación de colores. Tiene una gran capacidad de abstracción y retención de formas y figuras.

Pardo (2008) (pág. 17)

Un ejemplo el cual se vio hace dos años aproximadamente fue el vestido de Blake Lively el cual fue confeccionado por Versace para el MET Gala 2018, la cual era de temática de la religión, Versace se inspira en el Renacimiento y en el Barroco no en un artista en especial si no en la sociedad de las épocas, los colores de la época bizantina (dorado y un rojo quemado), con formas muy definidas en la revista VOGUE, Pérez (2018) dice “Fue en la

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época renacentista cuando se marcó enormemente la diferencia entre la cintura y las caderas, a finales del siglo XVI y el XVII.” (párr. 3). Al analizar tan bien la época y las vanguardias fue una de las mejores vestidas en las listas, Versace lo hizo otra vez creo un look el cual dejo a todos encantados por estar tan apegados al tema y no

es sorpresa ya que si por algo Versace es conocido por ser exuberante, pero a la vez distinguido, con temas barrocos fuera de lo común así que no se extraño cuando hizo el vestido, era algo que se sabia de solo verlo, tenia el sello de la marca impreso.(figura 8).

POSTURA

3 23

Fígura 9 Moschino Spring 2020 RTW

La moda que es arte es la… inspirada en una obra de arte Para ser más exactos en esta postura se toma como referencia a un artista de diferente época y se trae a la modernidad de la mano de diseñadores reconocidos.

POSTURA 3 Fígura 10 Dior 2008 Alta costura

Esta postura habla acerca de los diseñadores que toman como inspiración o referente en los artistas y sus obras, Yves Saint Laurent fue el artista el cual se inspiro en artistas como Piet Mondrian, Matisse, Picasso, Warhol Otro ejemplo antes de pasar a Yves es John Galliano para Dior, el hizo el retrato de Adele Bloch-Bauer de Gustav Klimt para la colección Primavera/Verano de alta costura 2008 (figura 10), en este vestido el diseño no es tal cual copiado pero se puede notar la inspiración, por los colores cálidos al igual que por el patrón de los cuadros se puede notar la gran inspiración que tomo la casa Dior en Klimt. .

Fígura 11 El Beso de Gustav Klimt

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POSTURA

4 25

Fígura 12 Museo del Met “CAMP” 2019

La moda que es arte… es la que esta en los museos hhhEn esta postura se habla de las piezas que significaron cambios para la sociedad, claramente en este postulado va más allá por el hecho de que la ropa ya no cumple su función principal que es el cubrir al ser humano ahora tiene una nueva carga simbólica que es el estar para ser observada.

POSTURA 4 Fígura 13 2019 expo de CAMP

Los ejemplos más claros en la actualidad son el Museo del Traje de Madrid en el Palais Galliera de Paris y el famoso Met (Metropolitan Museum of Art ) que cada año alberga el evento más importante en la moda, el Met Gala, el cual año con año tienen diferentes temáticas y el Met deja un exposición permanente que cambia cuando se renueva el tema, este año fue el CAMP, este termino nació en el año 1964 por Susan Sontag “notes on camp”, el termino es complicado,Villaseñor para ELLE logro definir el Camp como…

Fígura 14 MET

La esencia del camp es el gusto por lo no-natural: la artificialidad, la exageración y sobre todo, la teatralidad, bajo la metáfora “la vida es un teatro”. El Camp tiene una cierta estética, pero no en términos de belleza, sino en términos de artificio y estilismo.

Villaseñor para ELLE párrafo 5

“

“

En esta exposición la cual estuvo desde marzo hasta septiembre se encontraron diseños de Schiaparelli, Marc Jacobs, Vivienne Westwood o Thom Browne y quien se llevó la noche ya que era uno de los anfitriones fue Alessandro Michele quien es la cabeza de Gucci e hizo piezas que estuvieron en la exposición y que cumplen con la postura 4 de la cual se habla (figura 13)

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Fígura 15 Retrato de YSL

YSL Pequeña Biografía

Yves Saint Laurent nació bajar en Christian Dior, ejército, se ve obligado a en 1 de Agosto de 1934 y murió el 1 de junio de 2008, su nombre completo es Yves Henri Donat Mathieu-Saint-Laurent, a los 17 años se va a París a estudiar confección y patronaje, Michelle Brunhoff lo presenta para tra-

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desde ese entonces se vuelve la mano derecha de Christian hasta que él muere en el año 1954, en ese año Saint Laurent se convierte en el Director creativo de la marca hasta 1960 que lo llaman para alistarse en el

dejar su puesto y su asistente toma su lugar en Dior, después del ejército cae en depresión y en un hospital psiquiátrico, quiere regresar a Dior pero le dicen que ya no hay un lugar para él así que los demanda por que

Por el despido injustificado gana la demanda y junto con su pareja puede crear su propia marca, Yves Saint Laurent con la cual innovo al mundo de la moda, al ser de los primeros en crear una colección Prêtà-porter o ready to wear.

El prêt a porter es la unificación de diferentes modelos del vestuarios de la sociedad burguesa para la industrialización. Hoy se le conoce como la moda lista para llevar Paéz. L, 2010, pág 30

“

“

Fígura 16 Le smokin

YSL fue un visionario por todas las innovaciones que dejó en la moda por ejemplo en el mismo año lanzo “le smokin” femenino (figura 16) el lo hizo para que fueran igual que los hombres, que tuvieran la misma elegancia y presencia como un smokin tradicional de hombre, en 1967 creo los bombachos de terciopelo, en ese mismo año presento las blusas con transparencias, las cuales se presentaron en la semana de la moda y las modelos no traían nada puesto debajo y para la época fue una gran revolución y no toda la gente las recibió bien y Yves volvió a estar en boca de todos, 1969 creo lo que en español se conoce como mono que es la unión del pantalón y la blusa en una sola pieza (figura 17),

Fígura 17 Le mono

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YSL3 & 4 parte de la postura

YSL decía “Para mí, convertir un Mondrian en un vestido es acerca de agregar movimiento al lienzo. La obra de Poliakoff y Mondrian ha sido extremadamente refrescante para mí: me ha enseñado sobre pureza y balance” Con este colección se llevó los aplausos por el hecho de llevar algo tan icónico y poder verlo en las calles si no porque también tenía tecnología en su diseño, las costuras del vestido estaban justo en las líneas lo que hacia que no fueran visibles a la vista y el vestido se viera de una sola pieza.

El vestido esta conformado de formas geométricas como los rectángulos con líneas negras, rectángulos blancos y en algunas ocasiones acompañados de los colores que Mondrian

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denominaba colores primarios (figura 8), para la moda sus piezas pasaron a la inmortalidad que estuvieron exhibidas en el MET de Nueva York (lo que también lo hace parte de la postura 4) .En 1983 el MET inaugura una exposición en su honor el cual es el primero en tener ese privilegio, La retrospectiva de Yves Saint Laurent . “muestra que un modisto también puede, debe ser, un topógrafo, una persona abierta que no ha agotado su capacidad de amar, un ilusionista, un niño, un astonómero, alguien ingenuo y un genio, un escritor ocasional, una copiadora, un domador, un promotor y un clarividente. Y muestra que las mujeres no quieren ser forzadas a ser solo una cosa, sino que quieren ser santas

y arpías, leonas y cazadoras, vírgenes y cortesanas, hombres, indigentes y condesas, payasos y espías, calmar a las mujeres jóvenes debajo de sus cabos o sombreros de fieltro gris y grandes viajeros de sillón” Guibert 1983

Fígura 18 Stijil Mondrian

Con esto el vestido pasa a tener dos posturas en el arte, no solo el de arte que inspira a la moda si no también moda que se vuelve arte (postura 3 y 4) tomando el neoplasticismo como inspiración, ahora también se puede decir que siguió otra vanguardia inconscientemente porque se desarrollo hasta los ochentas que fue el apropicionismo que consiste en tomar como referencia una obra o piezas que son conocidas por la cultura y que cambian el significado real de la obra, como se veía en ese entonces no existía los derechos de autor, se puede notar ambas corrientes muy marcadas en la producción de la colección, en la actualidad no se podría hacer esto el tomar algo de un artista y apropiarte de eso para hacer una nueva creación, ya que en la actualidad existe el Copyrigth que es quien protege los derechos del autor, son una serie de normas y reglas que protegen la creatividad, la obra y el patrimonio del autor, se aplica para muchos campos entre ellos el arte y la moda, aunque Mondrian no registro sus obras(por que en ese momento no existía ese concepto) quedan protegidas por su descendencia, en estos casos no se sabe si la marca Saint Laurent (por el nuevo Branding) pago por usar el diseño de Mondrian al parecer no es el caso.

El arte en la vida de Yves Saint Laurent lo acompaño toda su vida, al ser un hombre culto siempre quiso reflejar sus emociones reflejadas en el arte, lo que el sentía y percibía en la cultura, la sociedad siempre a formado una parte fundamental en la creación de todas las obras de arte, el diseñador y el artista van de la mano pero los separa la funcionalidad del diseñador y el sentimiento del artista,

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uno es comercial y otro es por el ser, la vida de YSL comparado con los artistas que tomo inspiración tienen un mismo fin el poder ser inmortalizados y recordados por las obras que formaron un legado e inspiración para la sociedad.

Fígura 19 YSL Mondiran dress

Discusión A lo largo del articulo se pudo notar la conexión del arte y la moda, se probó como ambas disciplinas se unen para formar un producto en si, los argumentos que aprueban esto son tal cual las 4 posturas que aprueban que el arte y la moda pueden ir juntos, que si existe una relación y que ambas son hechas para la sociedad, las dos tienen una forma, una estética, la única diferencia podría ser que una es funcional.

Conclusión Este articulo aportó que la moda puede ser arte y puede estar inspirada en el arte, claro que como ya se explicó existen diferentes postulados que aprueban esta colección, este trabajo va dirigido para las personas que les interesa la moda y quieren saber un poco más o para la gente que gusta del arte y puedan ver que el arte está en diferentes disciplinas y que la conexión principal de estas dos es la sociedad y el tratar de comprenderla o poder hacer obras de arte o piezas para esta misma.

Para concluir este artículo se utilizo para hacer una Mini colección de ropa en la cual se tomaron puntos importantes en los diseños de YSL como tomar la parte de la funcionalidad y el retomar piezas que antes se creían que solo eran para los hombre.

El articulo ayudo a la creación de 2 conjuntos al igual que encontrar la union de el arte y la moda que ha sido un una conexión de muchos años atrás.

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PROPUESTA

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Fígura 20 sueter con camisa

I

Este diseño es un suéter negro con camisa debajo que es algo que ya tiene tiempo que se usa pero quise agregarle un toque mas femenino hacerlo unos 20 cm más largo para que pudiera ser vestido y que quede un pedazo de la “camisa”.

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Fígura 21 traje de seda

PROPUESTA

II

En este conjunto son dos piezas hecho con seda que es una “tipo pijama” pero con un look más arreglado y para salir a la calle, se escogió este conjunto por la funcionalidad y por que en estos momentos se busca la comodidad y con esta tela se consigue al igual que retomar cosas de YSL las prendas que son un poco masculinas como el traje con los colores negro y blanco que son un sello de Saint Laurent.

Bibliografía Bauer.H (1983) Histografía del arte. Madrid: Taurus Escuela de Diseño 100% online (2017) Yves Saint Laurent: el vestido de Mondrian https://www.dsigno.es/blog/diseno-de-moda/yves-saint-laurent-el-vestido-mondrian parrafo 2.

Figuras

Figura 1 https://www.itfashion.com/moda/no-solo-a-saint-laurent-inspiromondrian/

Foog. M (2014) Cuando la moda es un arte. Barcelona: LUNWERG

Figura 2 https://www.experimenta.es/eventos/balenciaga-y-la-pintura-espanola-arte-y-moda-en-el-thyssen/

Guibert.H.(1983) LeMonde https://museeyslparis.com/en/biography/exposition-au-met, parrafo 2

Figura 3 https://nuvomagazine.com/magazine/summer-2017/mastersby-jeff-koons-and-louis-vuitton

Lipovetsky. G (1990) El imperio de lo efímero. Barcelona: ANAGRAMA

Figura 4. https://filthydreams.org/2017/04/11/i-love-jeff-koonss-tackylouis-vuitton-bags-and-i-dont-care-who-knows-it/

Melgar, Lopéz de Gomora, Medina (2003) Arte y locura. España: Lumen ARGENTINA Paéz L. (2010) El lenguaje de la moda. Bogota: LAURA PAÉZ Pardo .B (2008). La moda: arte e influencia artística. Valencia: Universidad politécnica de Valencia.

Pérez. F (2001). El diseño de la femineidad. Ciudad de México: Universidad Autónoma Metropolitana Pérez. M. M.J (2018)Blake Lively en la Gala Met 2018 es todo lo que podias esperar de Blake Livelyhttps://www.vogue.es/ celebrities/gala-met/articulos/blake-lively-met-gala-2018/34666, párrafo 3.

Retamozo. B. F (2017) ¿qué moda es arte? una categorización de la moda que es arte volumen II. Buenos Aires: Diseño arte y arquitectura.

Sela. F.(2019) https://elle.mx/moda/2019/07/16/saint-laurent-vestidos-mondrian/ , párrafo 5.

Sela. F.(2019) https://elle.mx/moda/2019/07/16/saint-laurent-vestidos-mondrian/ , párrafo 8.

Villaseñor.S (2018) 5 claves para enterder “CAMP”, la compleja temática del Met Gala https://elle.mx/moda/2018/10/10/5-claves-camp-met-gala-2019/, párrafo 5

Figura 5 https://www.luxuryretail.es/10573-2/ Figura 6 https://luxexpose.com/louis-vuitton-x-jeff-koons-masters-collection-in-a-series-of-photographs-by-patrick-demarchelier/ Figura 7 https://noticiasporelmundo.com/el-cortometraje-de-dior-alta-costura-otono-invierno-2020-2021 Figura 8 https://www.eonline.com/co/news/934460/alguien-copi-oacuteel-vestido-de-blake-lively-en-la-gala-del-met-y-la-actriz-enfureci-oacute Figura 9 http://www.ultratendencias.com/2019/09/moschino-presenta-coleccion-exclusiva.html figura 10 y 11 http://elartedelamodalamodadelarte.blogspot. com/2013/06/gustav-klimt-by-john-galliano.html Figura 12 y 13 https://www.luxuryretail.es/exposicion-camp-notes-on-fashion/ Figura 14 https://www.metmuseum.org/visit/plan-your-visit/met-fifth-avenue/spanish Figura 15 https://www.harpersbazaar.com/uk/fashion/fashion-news/ a34938/yves-saint-laurent-style-is-eternal/ Figura 16 https://www.pinterest.com.mx/pin/299559812685739156/?lp=true Figura 17 https://www.trendencias.com/paris/yves-saint-lauren-primavera-verano-2012-lo-que-yo-siento-se-llama-decepcion Figura 18 https://www.reprodart.com/a/mondrian-piet/composicinconrojoamarilloazulynegro.html Figura 19 http://www.totumrevolutum.es/la-casa-de-la-moneda-francesa-rinde-homenaje-al-mundo-de-la-moda-con-una-moneda-en-la-queaparece-ysl-el-traje-mondrian-y-el-centro-pompidou/ Figura 20 y 21 autoría Todas recuperadas el 12 y 13 de Julio 2020

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CAMPAÑA PUBLICITARIA DEL FORD MUSTANG. Leonardo Manuel Ramos Rodríguez

-Automovilismo.

-Generaciones -Publicidad automotriz -Evolución -Diseño automotriz

-Generations -Automotive advertising -Evolution -Automotive design -Motoring

RESUMEN

SUMMARY

El presente trabajo de investigación es conocer la marca desde sus inicios y comprender cómo es que surgió la idea del mustang y que significa en cada uno de sus elementos, desde el diseño de la carrocería hasta el logotipo exclusivo de la marca, recorrer su trayectoria y entender la importancia que tiene este en la historia y sociedad automotriz.

The main goal of the ongoing research is to get to know the brand from its very beginning and having a grasp on how both the “Mustang idea” and each one of their elements came to be. From the bodywork design to the logo going through its history and understanding how it stands in society from the automotive perspective.

Tenemos que saber la importancia de este auto para la marca y con qué características cuenta para poder desarrollar una campaña publicitaria en favor de esta y poder plasmar su esencia y que la gente se sienta atraída a consumir el producto.

También comprenderemos el concepto de campañas publicitarias y qué tipo de campañas existen, al igual que saber que es una empresa, cliente o consumidor.

Analizar el funcionamiento del marketing y la forma en la que lo podemos aplicar una campaña publicitaria en favor del Ford Mustang.

In order to have an effective advertising campaign we will need to really comprehend how important these brand’s characteristics really are, so we could lure people into it’s glamour and get them to buy the product.

Not only are we going to understand the whole Advertising strategy process and campaign ideas but, at se same time, concepts like client, consumer and company will be mastered.

To analyze both advertising functionality and how to effectively apply it in order to lunch a brand favouring Ford’s Mustang.

La hipótesis de este trabajo de investigación consiste en entender a la marca, es decir... desde sus inicios, saber cómo surgió Ford, qué es, como se ha mantenido en el mercado, cómo surgió el Mustang, por qué ese nombre, ese logotipo, podremos entender la esencia de la misma.

La metodología a utilizar será el de Gui Bonsiepe, la razón por la cual considero que este método sería el adecuado es porque la característica principal de este es sintetizar y jerarquizar los puntos mas importantes, ir de lo general a lo particular y de lo mas a lo menos importante.

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This research hypothesis is mainly based in understanding the brand as a whole. In other words, how it surfaced from scratch, what is it, it’s long product life, what drove the name and logo so we can better understand it.

Since Gui Bonsiepe’s method addresses deductive process and hierarchy synthesization, we consider it to be adequate for this matter.

INTRODUCCIÓN En este artículo se tratará de indagar desde los inicios de la marca Ford, para así entender los cimientos sobre los que esta construido el Ford Mustang y entender el qué hace de este un auto tan importante para la marca, también para poder entender de forma mas precisa la esencia de la misma, es decir, el que quieren transmitir ellos hacia el cliente.

Sabiendo lo que ellos, como marca han querido transmitir hacia el cliente, ya sea un estilo de vida o el sentimiento o la unión o cosas por el estilo, notaremos de que forma manejan su publicidad, desde la composición que manejan hasta el mensaje que transmiten, para que así nosotros podamos crear una campaña publicitaria de forma exitosa y de la misma manera incrementar las ventas del producto.

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Preguntas de investigación. ¿Qué es Ford? ¿Qué es mustang? ¿Qué significa el logotipo de Mustang? ¿Qué es una campaña publicitaria? ¿Identidad corporativa?

Justificación.

Contexto general de la investigación.

La razón por la cual se realizará esta investigación es para ver que elementos son los que mejor funcionan par este tipo de campañas publicitarias, es decir publicidad automotriz, por ejemplo, el color, la fotografía, la tipografía, la composición en cuanto el acomodo de los elementos visuales y comprender de acuerdo a los valores de la empresa a que es a lo que tienden a remitir al mostrar su publicidad, es decir, ¿Por dónde quieren llegar? Ya sea atenerse al sentimiento del consumidor o quizá a un estilo de vida. ¿Qué es lo que quieren vender ellos con este producto?

Entender que este artículo científico se trata de ver cómo funciona la publicidad de Ford, de forma mas específica, de como ellos venden el Mustang, no como producto principal, sino como uno de los autos mas importantes de la empresa.

Esta investigación se esta realizando a través de ciertos textos encontrados en revistas, artículos o páginas web para encontrar mas información a cerca de este auto, libros, para encontrar definiciones mas concretas sobre lo que es publicidad o mercadotecnia.

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Ford Mustang 1967

MATERIALES Y MÉTODO

Materiales: Libros (PDF) Computadora Revistas (PDF o web) Metodo de diseño utilizado.

Cómo se menciono anteriormente, la metodología a utilizar será la de Gui Bonsiepe, de forma más especifica se utilizará su método proyectual de diseño la cuan consiste en los siguientes pasos.

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·Desarrollo de alternativas o ideas básicas.

·Evaluación del prototipo.

·Examen de alternativas.

·Introducir modificaciones eventuales.

·Selección de mejores alternativas.

·Construcción de prototipo modificado.

Niveles de investigación.

·Detallar alternativa seleccionada.

·Valoración de prototipo modificado.

·Construcción de prototipo.

·Preparación de planos técnicos definitivos para la fabricación.

Predictiva: Debido a que con los estudios que hagamos deducimos que las personas se acercaran mas al producto al nivel de consumirlo.

Henry Ford

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RESULTADOS Historia de Ford.

De acuerdo a la pagina oficial del Ford España en su articulo llamado “El legado de Henry Ford” nos cuenta que Henry Ford nace el 30 de julio de 1863, creció junto a sus cinco hermanos, hijos de William Y Mary Ford.

Henry se desarrollo en una granja con un ambiente prospero, en la escuela destaco por su interés en la mecánica, dicho interés lo llevo a ser reconocido como uno de los grandes industriales a nivel mundial.

Debido a su interés por la mecánica, a los 12 años pasaba la mayor parte de su tiempo libre en una tienda de repuestos para maquinaria, lo cual le dio la oportunidad de conseguir todas las piezas necesarias con las que construiría su primer motor a vapor.

A los 15 años, en 1878 decide mudarse a Detroit, abandonando su hogar para dedicarse como aprendiz de maquinista.

En 1908 revoluciona la industria automotriz con su con la introducción de su modelo T, un auto que es descrito como asequible,

fiable y eficiente, era de uso fácil hasta en carreteras en mal estado, lo cual ocasiono un gran éxito.

En 1913 diseña su primera cadena de montaje que cambiaria el proceso de construcción en su Ford modelo T. Dicha cadena de montaje se instalaría en primera instancia en la fabrica Ford de Highland Park ubicada en Michigan, de aquí salieron los procesos de producción en masa a nivel mundial. Mas tarde, Henry regresaría a Dearborn donde pasaría la mayor parte de su tiempo probando y reparando motores de vapor, ademas de contar con un trabajo temporal en Detroit, donde se dedicaba a supervisar las herramientas de la granja de su padre.

En 1919 Henry y su hijo Edsel adquieren acciones por mas de cien millones de dolares, ese mismo año, Edsel asciende como presidente de la compañía hasta 1943, la fecha en la que fallece y retoma el cargo su padre hasta 1947, al igual que su hijo el fallece el 7 de abril y asiente como presidente su nieto Henry Ford II. Henry Ford junto a modelo T

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Ford Mustang Concept 1962

Historia del Mustang.

Como nos lo menciona Perez del Mar en Atracción 360 con su texto llamado ”La historia detrás del caballo en los Mustang” El mustang surge a partir de la caída en ventas del Ford Thunderbird y con el éxito de los autos europeos en América, el jefe encargado del proyecto Mustang Lee Iacocca, fue quien encargo a Gene Bordinat el diseño de un nuevo auto que fuera compacto y deportivo, en 1962 diseñan el primer concepto que consistía en un auto descapotable, con un motor V4 de 109 CV con un diseño futurista. A la junta directiva no los convenció al 100% y fue hasta un año después que el encargado del diseño seria Joe Oros, en esta ocasión harían un diseño más pequeño y ligero, transmitía fuerza y deportividad.

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Ford Mustang 1963

Ford Mustang 1963

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Ford Mustang 1968

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Hasta ahora han sido mas de 50 años que el emblema representativo del Ford Mustang ha sido un caballo, pero... ¿De dónde viene este caballo?

Contrario de la creencia popular el logotipo de Mustang no viene precisamente del caballo originario de planicies estadounidenses con el que comparte el nombre, estos caballos que se desarrollaron durante décadas y décadas a partir de los caballos ibéricos no son el porque de este nombre y este emblema.

Sin embargo es correcto adjudicar la idea de este a al P-51 Mustang, un avión de caza cuya función principal era guiar y escoltar a los bombarderos en zonas de conflicto durante la segunda guerra mundial.

Entonces cuando le preguntaron al Lee Iacocca el por qué de un caballo en la parrilla del auto representándolo, R. H. Maguirre, el entonces jefe de Ford decía que aunque la idea del nombre provenía de un avión no quería que un avión fuera el emblema de un automóvil, por lo que al final optaron por usar el caballo del viejo oeste.

Con esto entendemos que la marca Ford se ha establecido de forma solida a través de los años y que con el tiempo va agarrando mas fuerza, esto se transmite en este automóvil, su carrocería nos envía un mensaje de fortaleza y de acuerdo a lo explica el autor.

“Aquel corcel orgulloso antecede a la cualidad principal del legendario coche” -Pérez del Mar, D.

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Campañas publicitarias.

Entendemos que las campañas publicitarias fungen para comunicar un mensaje, ya sea para ventas o en alguna cuestión política, el motivo principal de esta es transmitir un mensaje.

“Si bien la publicidad moderna es en gran parte un producto de este siglo, la comunicación ha sido parte del proceso de ventas desde que apareció el primer intercambio de productos entre personas.

La publicidad no es una técnica única sino que se adapta a las necesidades de infinidad de productos, compañías y estrategias de mercado.”

La publicidad es en cierta forma, una parte inevitable de nuestra vida diaria. No importa donde estemos, la publicidad está con nosotros educandonos, induciéndonos a comprar nuevos productos y servicios, incitándolos a abandonar malos hábitos, como el consumo de drogas o animándonos a apoyar alguna causa noble o a algún candidato político.

Es parte integral de nuestro sistema económico y esta relacionada en forma directa la fabricación, distribución, comercialización y venta de productos y servicios.

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La marca como núcleo de identidad corporativa.

La identidad corporativa es uno de los aspectos mas importantes, sino es que el mas importante de alguna marca, es aquel distintivo que hace que reconozcas esta marca de entre las demás, que puedas identificarla incluso con el mas mínimo detalle pero que sea el mas característico, por ejemplo, no hace falta poner el caballo de mustang y la bandera tricolor para saber que se trata de Mustang, con el simple hecho de poner el caballo es mas que suficiente para saber que se trata del muscle car de Ford.

Como nos lo menciona Gillo Dorfles en su libro Identidad corporativa “La identidad corporativa es, en el plano técnico, un desdoblamiento de la Marca, y más exactamente, de las marcas de identidad de los primeros artesanos, heredadas por los fabricantes y comerciante de la era industrial -que a su vez eran originarias de las marcas de los antiguos alfareroscuya etapa más significativa fue el corporativismo medieval.” (pág. 26)

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DISCUSIÓN Hasta este se ha podido observar que Ford es una marca con fortaleza y determinación, es por eso que se considera que uno de los aspectos mas importantes a utilizar en cuanto a su publicidad es reflejar precisamente eso, que es una marca imponente y que no se puede comparar ante otras marcas, ademas de resaltar los atributos físicos del producto que hacen que este sobresalga de entre la competencia, también es bueno tener en cuenta que este es un auto con historia, que no se trata solo de un pedazo de metal y cables, que la misma historia es la que el que le da el valor de lo que significa ante una sociedad automotriz.

Observando la publicidad de la marca se puede ver que acostumbran a utilizar un diseño bastante simple, no tienen necesidad de saturarlo de elementos, ya sea texto o imágenes. Suelen mostrar el auto de una forma agresiva, aunque de por si el auto por si mismo impone considero que el retoque de diseño lo levanta un poco mas, también podemos observar que ellos no dirigen un mensaje al sentimiento, sino que mas bien nos venden un estilo de vida, como diciendo “si lo tienes, serás mejor”.

CONCLUSIONES En conclusión podemos decir que las campañas publicitarias tienen que reflejar el verdadero sentido y la esencia de lo que se intenta transmitir, ya sea vender un producto o simplemente transmitir una idea, ademas de que se tiene que conservar la estética y las características principales de lo que se hace para que la gente pueda identificar de donde viene y que quien o que se esta hablando.

Nunca hay que perder la linea principal de la idea, es decir, si tu intención es vender algo no olvides que se trata de eso, vender, o si tu idea es convencer a alguien sobre algún tema en especifico, que tu linea principal sea plantar una idea en la cabeza de alguien.

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REFERENCIAS Dorfles, G. (pag. 26) Identidad corporativa y estrategia de empresa, Biblioteca ceac diseño.

Kleppner, O. Russell J. T. Lane W. R. (1994). Publicidad. México: Prentice Hall Hispanoamericana.

Pérez del Mar, D. (Julio 26, 2016) la historia detrás del caballo en los mustang, Atracción 360, https://www. atraccion360.com/mustang-motivo-por-el-que-tiene-un- caballo-en-la- parrilla-razon-de-su-nombre#:~:text=El%20Mustang,- Hace%20a%C3%B1os%20se&text=Ante%20esto%20coment%C3%B3%20que%20la,como %20logotipo%20representativo%20del%20auto%3F, Junio 14, 2020.

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Valverde, H. (Agosto 1, 2017) La historia del Ford Mustang, una leyenda viva, Periodismo del motor, https:// periodismodelmotor.com/historia-ford-mustang/523/, Junio 9, 2020.

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LA IMPORTANCIA DE LA TIPOGRAFÍA Y EL COLOR EN EL DISEÑO Castro Ramírez Miriam Evana - Pineda Alarcón Valeria Fernanda

El diseño es un puente en la comunicación que permite llevar un mensaje de un emisor a un receptor a través de elementos gráficos, siempre pasan por la mente carteles y moda cuando se habla de diseño pero un buen diseño es aquel que llega a ser desapercibido pero aun así penetra en la mente del consumidor ¿Y es que cuántas veces vemos el logo de una empresa y se pasa por alto que también se trata de diseño? Cuando un diseño tiene pregnancia y logra comunicar es cuándo se le puede denominar exitoso, pero ¿Cómo es que un logotipo o un imagotipo es capaz de comunicar toda una imagen institucional sin el uso de palabras más allá del nombre de la institución?

Aquí es cuando entran en juego la importancia

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y el por qué estos fueron ciertos elementos gráfico elegidos.

Esta investigación inició por la necesidad de tener un objeto de estudio al cuál analizar para probar la importancia de la tipografía y el color ya que son elementos gráficos del Diseño que en conjunto no suelen suelen ser tan reconocidos cuando se trata de una composición gráfica; para resaltar su relevancia se propone llevar a cabo un análisis de la imagen institucional de Airbnb tomando en cuenta los elementos del Diseño elegidos.

Entonces siendo esta la situación a resolver, se ha de partir de la siguiente pregunta: ¿Cuál es la importancia de la tipografía y el color en el Diseño?

La tipografía y el color son parte importante de los elementos gráficos del Diseño; Morison S. (1998) nos dice que “La tipografía puede definirse como el arte de disponer correctamente el material de imprimir de acuerdo con un propósito específico: el de colocar las letras, repartir el espacio y organizar los tipos con vistas a prestar al lector la máxima ayuda para la comprensión del texto” (pág. 95), mientras que en palabras de Rubio A. (1992) el color “Es

la sensación cromática recibida en el cerebro como resultante de las diferentes longitudes y amplitudes de onda que llegan como estímulos al ojo. Estos estímulos pueden ser directos, una fuente luminosa de color, o indirectos, un material que refleja o absorbe la luz, o un tinte o colorante”, estos dos conceptos se les presenta debido a que son parte esencial y principal de la investigación realizada. En conjunto estos dos términos van de la mano en cuanto a la composición de un diseño pues hay que tener en cuenta en ambos casos que son recursos clave donde el correcto entendimiento depende de cada aspecto visual que aporte cada uno de estos ya complementados.

En este artículo se analizará el logotipo de una marca actualmente reconocida para mostrar la importancia y la relación que hay entre color y tipografía, pero para poder pasar a todo esto hay que partir con la pregunta ¿Qué es el Diseño?

En palabras de Wong W. (1979) “El diseño es un proceso de creación visual con un propósito. […], el diseño cubre exigencias prácticas. Una unidad de diseño gráfico debe ser colocada frente a los ojos del público y transportar un mensaje prefijado” (pág. 9).

De acuerdo con esto se puede pasar a la siguiente parte donde la imagen institucional surge con el propósito del registrar los atributos identificatorios de una institución en una sola imagen visual pues de acuerdo con Chaves, N. (1994) “La <<imagen institucional>> […] Es la lectura pública de una institución, la interpretación que la sociedad o cada uno de sus grupos, sectores o colectivos, tienen o construye de modo intencional o espontáneo” (pág. 24).

El desarrollo de una imagen institucional es una de las tantas aplicaciones dentro del Diseño y el que esta funcione depende de cada ele-

mento gráfico presente en ella, como lo es la tipografía y el color.

Una vez que se tienen claros los conceptos anteriores es cuando se puede comenzar nuestro análisis, en este caso se tomará como objeto el imagotipo de Airbnb ya que es una marca que ha tenido mucho crecimiento y del cuál ha tomado popularidad su imagen; es una plataforma con el fin de anunciar sus espacios y reservar alojamientos únicos en cualquier parte del mundo.

EL BELÓ DE AIRBNB Se empezará explicando un poco sobre su logo al cual la empresa decidió nombrar Beló que viene de la palabra belong (pertenecer) pues la empresa pretendía crear ese sentimiento de pertenencia con sus clientes.

TIPOGRAFÍA DE AIRBNB

Tipografía de Airbnb llamada Cereal

Su tipografía fue creada por ellos mismos y fue nombrada Cereal, la cual esta ubicada dentro de la familia tipográfica llamadas Geométricas y que según Fuentes, M. & Huidobro, M. (2004) “Surgen a partir de 1920 como consecuencia de las propuestas estéticas de los movimientos de vanguardia en Europa.

Estos tipos monolineales se construyen a partir de líneas rectas y figuras [...] básicas como el círculo y el rectángulo. […]” (pág. 58).

El porqué de la elección de esta fuente es debido a que Airbnb necesitaba algo que fuese funcional,

Gente, sitios, amor y la primera letra del nombre de marca conforman el nuevo Bélo.

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con personalidad y fácil de escalar ya que esta fuente es fácil de utilizar tanto en pantalla como fuera de ella.

La fuente se llama cereal porque en sus inicios la empresa vendía cereal y esto los salvó de la quiebra.

La fuente tiene elementos redondos para retratar un sentimiento amistoso, sin dejar de lado la legibilidad; la letra “a” no concuerda con el resto de los caracteres y fue modificada por lo cual se le conoce como un alfabeto modificado.

a

Letra “a” de Airbnb modificada (lado izquierdo), letra original de la tipografía Cereal (lado derecho).

COLORES DE AIRBNB Por otra parte existen dos teorías del color, la sustractiva y aditiva, según Rubio A (1992) la síntesis sustractiva es aquella "Mezcla de pigmentos que da como resultado otro color de menor luminosidad que los utilizados. La síntesis de los colores pigmento es el negro y los grises acromáticos“ (pág. 90), mientras que la síntesis aditiva "Suma de colores luz. de longitudes de onda para dar otro color más luminoso como resultante. La síntesis de los colores luz es el blanco” (pág. 90). Es importante mencionar esto ya que cada una tiene diferente función porque una teoría es utilizada para medios

digitales (RGB - Aditiva) mientras otra es para los medios impresos (CMYK - Sustractiva) y promueve el uso correcto de la imagen institucional.

y dinamismo, el rosa da sutileza y delicadeza, haciendo que ambos se complementen y lleguen a un equilibrio armonioso, dando así un sentimiento de ser cálido, accesible, En cuanto a color en su amigable y positivo. mayoría Airbnb usa dos colores que son blanco Todo lo anterior le da y un coral bautizado un mayor apoyo y por la empresa como respaldo a lo que el Rausch; el color coral imagotipo representa, según lo investigado que es la sensación de es uno de los colores sentirse como en casa más populares cuando en un lugar nuevo de diseño de interiores como si este fuera se trata y esto es acogedor desde un debido a al ser una principio. mezcla entre naranja En el libro de Psicología y rosa, este adopta las del color de Eva Heller cualidades de ambos. menciona que el color blanco por otra parte Por un lado el na-ranja es sinónimo de pureza, vibrante da esa sensa- higiene y ligereza. ción de energía, alegría

Dicho esto, el blanco ayuda a quitar peso sobre el color coral y le otorga más cualidades al imagotipo, contrario de lo que pasaría con el color negro si este se combinara con el coral debido a que daría una sensación de pesadez además de ensuciar visualmente el color coral.

Los colores de Airbnb son el blanco y un color similar al coral.

Imagotipo de Airbnb aplicado a un morral de viaje

Imagotipo de Airbnb aplicado a un cojín de viaje y a envases de productos personales

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APLICACIONES Se consideró importante demostrar la variedad de usos que se le puede dar a un imagotipo bien hecho en cuanto a color y tipografía por lo cual

se realizaron algunas propuestas de cómo se vería aplicado el imagotipo de la marca Airbnb sobre diferentes objetos relacionados al servicio que ofrecen.

Después de tanto el análisis como la investigación, se puede decir que ha quedado clara la importancia de tales elementos gráficos en el diseño, tanto en su concepción como elementos gráficos.

Pero acaso, ¿existe el diseño sin tipografía? ciertamente que sí. Pero, ¿lo mismo aplicara con los colores en el diseño? ¿Existirán diseños sin color?

Y es aquí cuando uno se cuestiona si realmente todos los elementos gráficos deben de estar presentes en un diseño para que este sea exitoso, pero por lo mientras se puede afirmar que el color puede influir en cómo es percibida una fuente, pero ambos elementos fuertemente influyen como por ejemplo en este caso en la imagen institucional, ya que estos potencializan la imagen y mensaje de la misma.

Con base en este análisis se pudo demostrar que la tipografía y el color forman un papel muy importante en el Diseño, ya que como se puede observar analizando el imagotipo de Airbnb estos elementos fueron elegidos y utilizados de una forma correcta que todo en conjunto transmite la esencia de la marca y de acuerdo a lo investigado la empresa realizó todo un proceso de selección para llegar al resultado final donde logran conectar su idea con sus clientes.

Además de que al ser un imagotipo muy bien realizado podría este aprovecharse de una mejor forma para sacar productos como los que presentamos y explotar el diseño en medios impresos.

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Teoría y metodología de la identificación institucional, Barcelona: Editorial Gustavo Gili Chaves, N. (Sin fecha). La marca: señal, nombre, identidad y blasón. Página web recuperada el 16 de junio de 2020 en https:// www.norbertochaves.com/articulos/texto la_ marca_senal_nombre_identidad_y_blason Fuentes, M. & Huidobro, M. (2004) . Creación de un sistema interactivo: Elementos fundamentales de la tipografía, México, Puebla: Universidad de las Américas Puebla.

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Rubio, A. (1992). El color, México: UAM Azcapotzalco.

Wong, W. (1979). Fundamentos del diseño biy tri-dimensional, Barcelona: Editorial Gustavo Gili.

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Los beneficios del rediseño de marca y cuando implementarla

Por: Espinosa Romero Adonis Josué

Palabras clave

Key Words

Resumen

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Este artículo busca dar a conocer los aspectos que debe tomar en cuenta el diseñador o empresario a la hora de buscar un rediseño de marca, por lo que si un profesional que ejerce esta carrera toma en consideración estos puntos, podrá analizar con mayor entendimiento si la empresa por la cual ha sido contratado realmente necesita un rediseño de su signo marcario

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Identidad institucional

Rediseño Identidad Imagen Institución

Institucional identity redesing identity image institucion

para solucionar los problemas de comunicación que presenta. Tomando de base los principios y metodología de la autora Catharine Fishel, presentado en su libro “Rediseño de la identidad corporativa” donde nos describe que lo principal que debemos buscar a la hora de rediseñar son las necesidades de reubicación, modernización, gestión de cambio, promoción de crecimiento y el renacimiento de la marca. Se busca recalcar cuales son estos principios a utilizar y aplicarlos en un proyecto profesional, quitando de la mente de las personas que no por tener una nueva identidad va a mejorar la empresa. De esta manera se lograra concientizar a profesionales y empresarios sobre en qué momento es factible pensar en un rediseño de identidad y cuando aplicarlo efectivamente.

Summary This article seeks to publicize the aspects that the designer or entrepreneur must take into account when looking for a brand redesign, so if a professional who pursues this career takes these points into consideration, they will be able to analyze with greater unders-

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tanding whether the company for which you have been hired really needs a redesign of its trademark to solve the communication problems it presents.

Based on the principles and methodology of the author Catharine Fishel, presented in her book “Redesign of corporate identity” where she describes that the main thing we should look for when redesigning are the needs for relocation, modernization, change management, promoting growth and rebirth of the brand. It seeks to emphasize what are these principles to use and apply them in a professional project, removing from the minds of people that not by having a new identity will improve the company. In this way, professionals and entrepreneurs will be made aware of when it is feasible to think about an identity redesign and when to apply it effectively.

Introducción En los últimos años se han visto varios relanzamientos de marcas, en donde algunos son muy acertados y en otros innecesarios, sin embargo, se llegó a ver al rediseño de marca como la reina del marketing, cuando este no se realiza por cuestiones comerciales, si no, por cuestiones filosóficas, corporativas, ideológicas e inclusive por cuestiones de expansión o crecimiento de la misma empresa, como dice la autora Catharine Fishel “Una identidad rediseñada debe ser el reflejo del nuevo yo interior de la empresa.”

(2000, p. 11).

Esto hizo pensar a muchos que sus empresas crecerían exponencialmente al solicitar un rediseño, cuando la pura verdad es que esto se hizo tan viral porque grandes empresas consideraron que era importante hacer un cambio, cambio que todos verían y darían de que hablar, ya que son instituciones bien posicionadas en el mundo, pero no por ser instituciones bien posicionadas les vendría bien un rediseño.

Lo que se quiere lograr con este artículo, es dar a conocer los aspectos que se deben tomar en cuenta a la hora de buscar un rediseño de identidad institucional, concientizar a profesionales del diseño y empresarios que esta no es una herramienta de marketing para lograr más ventas, es un medio por el cual se le dice al público que habrá un cambio.

Actualmente la empresa Blue Candy Pop carece de una identidad institucional profesional, por lo que no llama la atención del público y no es tomada en serio por la competencia. ¿La falta de una identidad institucional afecta a la distribución de sus productos mediante medios publicitarios?

Realizar un re diseño de marca para la empresa Blue Candy Pop, con el fin de hacer un relanzamiento de identidad, que ayude a posicionar la empresa y marque un antes y un después de la misma. Como lo hace ver Paul Capriotti, “La Identidad Corporativa sería el conjunto de atributos fundamentales que asume una marca corporativa como propios y la identifican y distinguen de las demás”. (2009, p. 20).

En este artículo se descubrirá cuáles son las características que debe tener una empresa para solicitar un rediseño de identidad institucional, si este mismo se puede utilizar como estrategia de marketing, y cuando se debe aplicar el rediseño de identidad institucional, las necesidades que debe cubrir un rediseño de identidad y la metodología que puede usarse al hacer un rediseño o diseño de una identidad institucional.

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Este proyecto se realizará a partir de la identificación del problema sobre la empresa Blue Candy Pop, en donde no cuenta con una imagen profesional, dando solución a las necesidades identificadas de la empresa, se ofreció un servicio de diseño en donde se desarrollara un rediseño de identidad institucional.

Por ende, se utilizará un método para darle un nuevo aspecto visual a este negocio de repostería, aparte que el rediseño de marca ayudara a crear una identidad institucional que esté acorde con la filosofía de la empresa y lo que se quiere proyectar en ella, ya que su imagen actual no es favorable para captar la atención del público, siendo esta no diseñada con el propósito de identificación de una empresa, sino de una persona.

Se optó por una nueva identidad institucional, dándole características estéticas que ayuden hacerla identificable, icónica y sobretodo reconocible, que posicione a la marca, para así poder subir las posibilidades que la gente contacte con la tienda.

Para esto se desarrollará un briefing, en donde se sabrá un poco más sobre la marca, su historia, metas, filosofía, tipos de productos, servicios, F.O.D.A, público objetivo, delimitaciones geográficas y competencia, empezando con el proceso de diseño, en donde se llevara a cabo una metodología para llegar a un resultado, exhibiéndolo en medios digitales, haciendo saber al público el por qué del cambio.

Para el desarrollo del proyecto se usará la primera identidad de la empresa como base, al igual que otras imágenes previamente seleccionadas que sirvan de inspiración y den un camino a seguir para el correcto enfoque estético de la identidad que se contruya.

Para la construcción del logotipo y símbolo identificativo se apoyara en el uso de retículas y materiales de dibujo, usando técnicas de lettering y conceptualización para la creación del mismo, posteriormente se usarán los programas de diseño vectorial para perfeccionar, digitalizar el diseño y desarrollar una composición entre ambos.

Para el método científico se necesitara de un método analítico y sintético (analítico: división de un todo para analizarlo por partes. Sintético: conjunto de conceptos para hacer un concepto global) ya que este tipo de proyecto tomara diferentes áreas del diseño como tipografía, símbolo identificativo, psicología del color y semiótica, para la creación e interpretación del re diseño y concepto de la empresa.

Para realizar este proyecto se parte de textos fundamentales para el diseño y rediseño de la identidad institucional, principalmente de “La imagen corporativa” de Norberto Chaves, donde ofrece una nomenclatura correcta de la imagen corporativa, “La identidad institucional es el conjunto de atributos asumidos como propios por la institución, este conjunto de atributos contribuye un discurso- el discurso de la identidadque se desarrolla en el seno de la institución de un modo analógico al de la identidad personal en el individuo.” (1998, p. 24). Y presenta su metodología para el desarrollo de la misma, (1998, p. 150), que se basa en: • Etapa analítica: La institución • Fase de investigación • Fase de Identificación • Fase de Sistematización • Fase de Diagnostico • Fase de Política de imagen y comunicación • Etapa Normativa: La intervención • Fase de estrategia general de intervención • Fase de intervención sobre la imagen y comunicación • Fase de programas particulares.

Y en “Redesiging Identity” de Catharine Fishel (2000, p. 9-11), donde indica que los principios fundamentales en los cuales debe basarse un rediseño de identidad institucional son:

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• Reubicación: Cuando un producto de consumo se vuelve tan conocido en todo el mundo que empieza a formar parte del paisaje, necesita una identidad modificada que le devuelva la personalidad, se aplica cuando una imagen se ha hecho demasiado conocida, por lo que es preferible relanzar el producto con una nueva imagen.

• Modernización: Cuando quieres hacer notar un cambio grande en la compañía o quieren modernizar la marca para las nuevas generaciones.

• Gestión de cambio: Tanto si la empresa percibe el cambio como bueno o malo, el cambio de todos modos vendrá, si la imagen de la empresa no se acompasa al cambio empresarial, se volverá cada vez más irrelevante. Armar el manual de identidad para que el cliente sepa qué hacer con su imagen, de esa manera se deja la marca en sus manos ya que se debe aprender a soltar proyectos y aceptar nuevos, este punto es mayormente enfocado a los diseñadores ya que una vez finalizado el proyecto se debe incentivar el cambio y dejar en claro todas las posibilidades que se pueden lograr, cabe mencionar que si ya se realizó el trabajo es porque se encontró el problema y lo solucionamos, por lo que se debe dar el empujón para hacer la reforma.

• Promoción de crecimiento: Debe haber un deseo de cambio, el reconocimiento de que las cosas podrían ser mejores, no basta con cambiar la prenda, también la mente, este punto es el más significativo de las empresas, ya que no solo es un cambio estético, puede ser un cambio de ideales, una fusión o expansión enorme, abrirte a un nuevo sector del mercado, pasar de criar gallinas a la distribución de huevo nacional, debe ser un cambio del paradigma de la empresa y con eso viene la imagen, debe pasar uno para que suceda el otro.

• Renacimiento: A veces una imagen antigua no puede o no debe ser salvaguardada. Volver a empezar con una imagen completamente nueva es la opción más inteligente, siempre tomar retroalimentaciones de todos, especialmente si viene del cliente y no verlo como algo malo, pero el cliente debe saber qué es lo que quiere, este punto va dirigido a pequeños negocios que siguen desarrollando su producto, una vez se consiga la máxima calidad de este, es cuando se empieza a tomar más en serio la imagen ya que la nueva meta de la empresa es conseguir nuevos consumidores y mucho mayor visibilidad.

Estas dos metodologías ayudan de soporte a la investigación y al mismo trabajo, haciendo uso de sus conceptos y principios.

Sin embargo la metodología que se usará para el desarrollo del proyecto no será la misma presentada por Norberto Chaves, aunque si está inspirada en ella, por lo que se trabajara de la siguiente manera: • Desarrollo del Brief e Identificación del problema Se llenara un cuestionario junto con el cliente en donde nos relatara la razón de ser de la empresa incluyendo misión, visión, historia, se preguntara sobre sus productos o servicios, ¿a quién va dirigido?, ¿cuáles son sus características diferenciales?, competencia, ventajas y desventajas, en esta parte es cuando se quiere saber todo de la empresa para entender a la marca, saber qué es lo que pasa y entender el problema, una vez recopilada toda la información, se analiza y determina si la empresa requiere o no, un rediseño de identidad.

• Investigación y Desarrollo del Mood Board En esta parte se hara un sondeo de imágenes que sirvan de referencia gráfica correspondiente a los valores estéticos de la marca a construir, mayormente llamado, Mood Board, paralelamente se realizara una investigación de antecedentes donde se buscarán signos y nombres que se puedan asociar a la marca actual y determinar si son o no funcionales para la nueva identidad de la empresa. Se pasará a desglosar toda información relevante que ayude a su desarrollo en un mapa mental, donde surgirán las palabras clave para la conceptualización del símbolo identificativo.

• Estilo gráfico y bocetaje del símbolo identificativo y tipografía Una vez desarrollado el mood board e identificado el estilo gráfico con el que se elaborara el signo identificativo y se tengan bien definidos los conceptos que se quieren desarrollar, se empieza a trabajar el bocetaje del mismo, al igual que el de la tipografía.

• Vectorización y desarrollo de Lock-up A la hora de digitalizar los bocetos, se empieza a jugar con ellos para la creación del lock-up, que es la composición entre el símbolo identificativo y el logotipo.

• Presentación de propuestas y retroalimentación En esta parte se propone el logo al cliente y se busca la retroalimentación del mismo, no es necesario mostrarlo al cliente, este paso se enfoca más en una retroalimentación de alguien externo al proyecto o

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que no haya trabajado mucho en él, para apuntar algunas observaciones que se pasen por alto.

• Desarrollo de versiones de marca y elección de color Una vez aprobado el diseño se pasa a las versiones de marca y elección del color en donde gracias al concepto que se quiere transmitir y la psicología del color se basara la elección de este.

• Desarrollo de montajes digitales Una vez finalizado la parte conceptual se pasa al montaje, en donde se podrá observar cómo funciona la marca en papelería, exteriores, interiores y soportes específicos que requiera el producto, donde se espera la aprobación del cliente y entrar a la etapa final del proyecto.

• Preparación de archivos finales Una vez aprobado el proyecto por el cliente se desarrollara el manual de identidad, donde se especifican los usos correctos e incorrectos del logotipo, donde aplicarlo y como deben ir en los diferentes soportes especiales de la marca.

Resultados Desarrollo del briefing e identificación del problema ¿Cuál es el tipo de negocio que tiene? *Repostería ¿Cuál es el punto fuerte de su empresa o producto? *La personalización, la sabrosura, la calidad y productos diferentes al mercado habitual Describa sus productos o servicios. *Productos de repostería personalizables, Fabulosos, ricos, originales, se aplica a cualquier cosa ¿Cómo le gustaría ser percibido por los consumidores? *WOW, tienen un poco de todo y son lindos.

Imagen de la empresa antes del proyecto

Mood Board e investigaciรณn

Mapa conceptual para el desarrollo del proyecto

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Estilo gráfico y bocetaje del símbolo identificativo y tipografía

Vectorización y desarrollo de Lock-up

Desarrollo de versiones de marca y elección de color

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Desarrollo de montajes digitales

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Preparación de archivos finales

Desarrollo del briefing e identificación del problema Como se mencionó anteriormente, aquí es cuando se quiere saber todo de la empresa, incluyendo la identidad actual de ella, desde sus productos hasta su comunicación, de acuerdo a Norberto Chaves, “La labor inicial con el relevamiento de la situación a cara a constituir el input informativo básico en cada uno de los cuatro niveles del fenómeno institucional: La realidad institucional, la identidad institucional, la comunicación institucional y la imagen institucional, tanto en el campo particular de la entidad analizada como en su contexto institucional” (1998, p. 112).

Dando a entender que no solo se debe fijar en el logotipo sino buscar el “ADN” de la empresa. ¿Cuál es el tipo de negocio que tiene? *Repostería ¿Cuál es el punto fuerte de su empresa o producto? *La personalización, la sabrosura, la calidad y productos diferentes al mercado habitual Describa sus productos o servicios. *Productos de repostería personalizables, Fabulosos, ricos, originales, se aplica a cualquier cosa

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¿Cómo le gustaría ser percibido por los consumidores? *WOW, tienen un poco de todo y son lindos.

Estas preguntas al igual que conocer el producto, fue lo primordial a la hora del desarrollo del proyecto, ya que iba indicando como quería ser percibida por sus consumidores y como se diferenciaba los productos a los de la competencia, una vez conocido el producto y las necesidades que tenía el cliente, llego la hora de analizar si la identidad actual cubría los puntos descritos antes en el brief.

Tomando en cuenta los principios de la autora, Catharine Fishel, se debe identificar uno de ellos, para que el proyecto sea apto a un rediseño de identidad, cabe mencionar que se debe saber las circunstancias en las que nace el logo actual y porque decide cambiarlo.

Como se puede observar, el diseño de Blue Candy Pop conserva elementos de una repostería “clásica”, sin embargo, su signo identificativo no corresponde al nombre de la empresa, ya que ese monograma fue diseñado con otro fin, la identificación gráfica o marca personal de la dueña de esta repostería, la decisión de subir este monograma fue porque requería una imagen para que fuera identificada en las redes sociales, ya que se considera que llego a un punto en donde puede expandir su mercado.

Sin embargo para Norberto Chaves y Raúl Belluccia, “El rediseño son correcciones de carácter menor encaminadas a optimizar el rendimiento de los actuales signos para una mejor legibilidad, adecuarse más al estilo de la empresa, corregir el color, armonizar la relación entre el símbolo y el logotipo, pulir las formas del símbolo y aumentar la pregnancia; Estas correcciones no modifican la estructura de la marca, no alteran el estilo de manera evidente y, desde el punto de vista del público no se advierte una nueva marca”. (2003 p, 101), sin embargo se debe considerar que esta definición aplica a marcas de larga trayectoria o que empiezan a ser reconocidas, no aplica a marcas en desarrollo o que apenas se lanzan al mercado, en el caso de Blue Candy Pop no hay una armonía entre símbolo, logotipo y nombre el cual cuidar, no hay forma de pulir un logotipo que no fue hecho a la medida para la empresa.

Pero si se retoma a Catharine se puede determinar que este es un claro ejemplo del principio Renacimiento en donde esta identidad se usó en un principio para lanzar un producto que llego a su máxima calidad y que ahora necesita algo que sea diseñado exclusivamente para esa línea de productos.

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Mood board e investigación Se llega al punto en donde se determina que es necesario diseñar una identidad exclusiva para la empresa, pero antes de agarrar el lápiz y el papel, es bueno ver que se ha hecho y visualizar que tipo de proyecto se quiere construir, para eso, se hára una investigación en donde aparte de buscar imágenes, se descubren iconos, personas e historias que puedan ayu-

dar a fortalecer el concepto del proyecto.

“Ningún proceso identificativo parte de cero, sino de discursos preexistentes.

Por atípicos que fuese el perfil de una institución siempre existirá un campo genérico que la abarca, constituyéndose en paradigma de referencia tanto para la autodefinición como para la lectura social de dicha institución” (N, Chaves, 1998. p, 122).

Como se puede observar en este mood board, en donde se pusieron las imágenes que se fueron recopilando para la creación del proyecto, los colores dominantes en su mayoría es el rosa, azul y morado, ya que son colores asociados hacia lo dulce y forman una buena armonía entre ellos, acompañado de estos se pueden ver mayormente franjas que presentan la identidad de la empresa a la cual le hará el rediseño y en cuestión de logotipo se puede observar el uso frecuente de un postre como un símbolo identificativo y el nombre de la empresa, siendo estos un logotipo con accesorio, logo-símbolo o logo con símbolo, una vez encontrado el estilo gráfico que ayude a crear el concepto de la marca, se tiene que hacer una investigación donde se encontrara cosas que ayuden al desarrollo de la identidad, en donde se pueda justificar el uso nombres, alguna historia o algún icono perdido en el tiempo para traerlo a la actualidad.

En este caso se encontró el personaje Antonin Carême, conocido como el padre de la repostería por sus recetas únicas y originales, siendo pionero en el lanzamiento de su recetario de postres, donde aparecían todas las recetas que había formado a lo largo de los años, haciendo cosas que nadie había hecho hasta esa fecha.

Inmediatamente al leer la historia de este personaje se asocia con la empresa Blue Candy Pop ya que al igual que Carême, usaba técnicas que nadie más usaba, ambos eran pioneros, únicos y originales, pero sobre todo, ambos hacían cosas deliciosas que llamaba la atención de la gente.

Ahora todas las cosas están dando vueltas en la cabeza, por eso llego la hora de darles un orden por medio de un mapa conceptual, en donde se sacan las palabras clave para el desarrollo del símbolo identificativo y en este caso, para el mismo nombre de la empresa.

Para Norberto “Esta fase no debe llegar a determinar no sólo lo que la entidad es, sino, más precisamente, lo que debe comunicar, conceptos que no tienen por qué coincidir” (1998.p, 124).

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El nombre, Blue Candy Pop, fonéticamente, se asocia a las paletas, pero era toda una línea de productos diferentes, una repostería, entonces, ¿será nombre de empresa o de producto?, Cuando se estaba desarrollando el mapa mental solo me enfoque solo fue en el ADN de la empresa, en lo que ofrecía, en cómo eran sus productos, se buscaba que tanto el producto y la identidad tuvieran el mismo tono, que cuando describieras el sabor de algo dulce, describieras a la empresa, entonces, ¿qué cosas podrían plasmar gráficamente que representaran los productos de la marca?, la sabrosura y lo lindo, esas eran las primeras palabras clave, la originalidad, calidad y la innovación son cosas exclusivas del producto, términos los cuales vienen en el buen diseño, mientas que la sabrosura y lo lindo, son cosas con las que puedes identificar a un dulce, un pastel, un chocolate, unas galletas, una paleta y unos cupcakes, sin excepción, que son todos los productos que ofrece Blue Candy Pop. En lo que aporta hay algo curioso, ya que en ellos se pueden ver imágenes como si fueran impresas en ellos, que incluso se duda en probar pensando que no se pueden comer, pero por sorpresa te das cuenta que si lo es y sabe delicioso, con la combinación del chocolate y las galletas que tiene dentro, se actúa

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como gatos cautelosos, otra palabra clave que ayudaría, gato, ya que no solo actuamos como ellos a la hora de probar los productos, si no que por sí solos los productos ya lo eran, pero había algo más, eran productos que nadie más había visto y de todos ellos dominaban las paletas, por algo empezó con el nombre Blue Candy Pop, pero ya que ofrece todo tipo postres, ¿Porque decirle a la gente que vende solo paletas?, mejor ofrecer un producto exclusivo llamado, Candy Pop. ¿Y el nombre?, no podemos dejar solo como nombre Blue, no dice nada, no es funcional para este proyecto, sin embargo con la investigación que se realizó antes se descubrió algo que podría darle la vuelta a esto, el nombre Antonin Carême, nombre francés, donde viene el mundo de la alta repostería, ahí hay algo de esta empresa, tanto Carême como Blue Candy Pop, tienen la innovación, tienen la originalidad, ambos son reposteros, incluso hay una asociación fonética en Carême con lo cremoso, y eso mismo a delicioso, era perfecto; Blue, era lo único que se deja del nombre original, pero con la llegada de este nombre singular al proyecto nace, De Blue Carême que presenta el Candy Pop. Se tiene nuevo nombre, se tiene concepto, incluso un animal con cual asociar la experiencia del producto, llego la hora del bocetaje.

Estilo gráfico, bocetaje del símbolo identificativo y tipografía De acuerdo con Chaves así como los atributos de identidad constituyen a los contenidos semánticos a canalizarse mediante el discurso identificador, los tipos o niveles de comunicación indicaran en la determinación de las retóricas pertinentes a dicho discurso, en tanto dichos niveles guardan relación directa con los tipos de receptores o de circunstancias de recepción.

(1998. p, 132) haciendo referencia al estilo grafico o tipos de comunicación, con ayuda del mood board se descubre el estilo gráfico que va acorde

a una repostería, la idea en esta parte del método sería plasmar eso en un logotipo, el trazo, la textura, el gráfico general, sin embargo con estos primeros bocetos se da uno cuenta que no es lo que se buscaba, muchos usaban un postre de símbolo identificativo, pero lo que se tenía claro es que quiere transmitir todas las palabras clave por medio de la tipografía, y ahí es cuando nace el primer vistazo que sería De Blue Carême, algo que diga “Sabroso”.

De acuerdo con Chaves y Belluccia, “La reproductividad en el impreso de lectura directa e individual es el medio más pobre en solicitaciones; pero ya exige un rendimiento técnico insoslayable: La reducibilidad. La producción en soportes y situaciones heterogéneos (planos, sobre y bajorrelieve, en volumen, transiluminados, pantallas de TV y computadoras, etc.) crea una serie de exigencias materiales que condicionan directa y férreamente la forma del identificador” (2003. p 52).

Pero eso no era todo, debía tener un símbolo identificativo, uno que pudiera ser más reconocible con el pasar del tiempo, el cual pueda ser adaptable y reproducible en pequeños formatos, uno que trabaje sinérgicamente con el logotipo puro, que a pesar de ser dos gráficos distintos, lleguen a decir lo mismo en un futuro.

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Y ese debería ser el gato repostero, el que cuenta la experiencia del consumidor con los productos, algo que cualquiera pueda querer, algo que diga “lindo”.

Vectorización y desarrollo de Lock-up En esta etapa solo es perfeccionar lo que ya se tiene, la justificación de cada curva, de cada línea recta, es clave para el diseñador ser preciso con el uso de la geome-

tría, de esta manera se logra obtener un trabajo de calidad que no solo es percibido por él, sino por el consumidor.

Desarrollo de versiones de marca y elección de color El concepto esta, pero no es suficiente, un símbolo identificativo debe expresar su personalidad por medio del color y ser entendida en sus versiones de marca, estas herramientas ayudaran a impulsar enormemente el proyecto y a crear un impacto visual en las personas, pero está igualmente debe ser versátil, “La versatilidad es un parámetro , o sea , su aplicación debe realizarse en términos de grado de versatilidad mínimo indispensable, para el caso concreto, Por mínimo indispensable ha de entenderse que el signo debe satisfacer unos mínimos requerimientos, pero que el exceso no resulta contraindicado” (2003. p, 50).

Estos son los colores que ayudaran a transmitir la esencia del nuevo, De Blue Carême, la tipografía y el símbolo por si mismos nos evoca lindura, llego la hora de darles sabor, un sabor dulce, y no hay mejor color para eso que el rosa, en contraste con este vino, un color que puedes asociarlo con un chocolate muy específico, pero cuando se tiene en la mente es imposible que no se antoje, haciendo una armonía con el azul, dándole estabilidad a los colores, representando la innovación y la mente que está detrás de esta empresa, acompañados de otros colores en tonos más claros y un amarillo pastel, siendo estos elegidos para hacer resaltar a los 3 colores principales.

Estas son las nuevas caras de De Blue Carême con sus versiones de marca.

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Desarrollo de montajes digitales En esta parte del proyecto se procede a realizar un montaje digital de la identidad según Norberto Chaves, “recursos con los que la institución ha de transmitir identidad a su audiencia” (1998. p, 126) y pueda llegar a tener interacción la marca, por lo que se hacen los mock-ups en mandiles, fotografías de postres, tarjetas de presentación e incluso plataformas digitales.

Preparación de archivos finales Este parte final es la más importante de todo lo que se ha realizado

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hasta ahora, ya que se debe ser claro y preciso, de esto dependerá si el cliente usa la identidad correctamente, o no la usa, en donde se debe usar el principio Gestión de cambio de Catharine, donde tenemos que ser insistentes en el cambio y el uso de la identidad, ya que mientras más se tarde en hacerse, menos relevante será para el público, por lo que entregar un manual claro y conciso es preciso.

Conclusiones Como fue mencionado antes, la identidad original del cliente carecía de una relación coexistente entre nombre y símbolo, ya que el símbolo, que era el monograma presentado por una “A” y “Z”, no fue diseñado para la identificación de esta empresa, sino, para la identificación de una persona, pero se decidió por empezar la marca con esta imagen, y tomando en cuenta el renacimiento de los principios de Catharine Fishel, donde el producto fue lanzado con esta imagen pero ya llego a su máxima calidad, la dueña, considera que necesita un diseño exclusivo para su empresa y sus productos, por lo que este proyecto entrego un ejemplo claro sobre el cuándo y por qué debe hacerse un rediseño de identidad institucional, en donde el éxito de la marca no se basa solo en la imagen, es una combinación del producto correcto, la filosofía y comunicación, lo que quiere decir es que debe haber una relación y convivencia de un todo, en donde cada una de las partes colabore una de la otra para sostener a la marca, concientizando a diseñadores y empresarios a no realizar un rediseño por tendencia o por el pensamiento que una buena imagen impulsara mi negocio, todo debe tener una razón de ser.

Referencias bibliográficas Fishel, C. (2000), Rediseño de la imagen corporativa, Barcelona: Gustavo Gili.

Chaves, N. (1998), La imagen corporativa, Barcelona: Gustavo Gili.

Chaves. N. y Belluccia, R. (2003), La marca corporativa, Gestión y diseño de símbolos y logotipos, Buenos Aires: Paidós.

Capriotti, P. (2009), Branding Corporativo, Santiago, Chile: Colección de Libros de la empresa.

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LA IMPORTANCIA DEL USO CORRECTO DEL COLOR EN LA PUBLICIDAD.

EL COLOR Y LA PUBLICIDAD

PALABRAS CLAVE •Color •Publicidad •Psicología de color •Marketing •Diseño

KEY WORDS •Color • Publicity •Psychology of colors •Mercadotecnia •Design

RESUMEN En este trabajo se analizó un anuncio publicitario de la empresa Pepsi (fig. 5) con el objetivo de demostrar que el uso de la psicología de color en una campaña publicitaria es indispensable para que esta sea efectiva.

Esto se va a demostrar a través de diversos estudios realizados, mostrando como el color afecta nuestras emociones.

También se mencionan los conceptos principales, los cuales son la publicidad, color, la psicología de color y el marketing.

ABSTECT

In this paper, an advertisement of the company Pepsi was analyzed with the aim of demonstrating that the use of color psychology in an advertising campaign is indispensable for it to be effective. This is going to be demonstrated through various studies done, showing how color affects our emotions. Also mentioned are the main concepts, which are advertising, color, color psychology and marketing.

Montes de Oca Servín María Dení

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INTRODUCCIÓN Desde hace años la publicidad ha formado parte de la vida; siempre que se consume un producto o un servicio, detrás de esto se encuentran una serie de estrategias de comunicación cuyo objetivo principal es lograr el consumo del producto o servicio que se está ofreciendo; desde el nombre que se pone hasta el cartel donde se anuncia. Para comprender la forma en la que se estructura un mensaje publicitario, es importante considerar que la mercadotecnia se vale de los diferentes elementos del diseño para poder ofrecer lenguajes que faciliten la transmisión de la información.

Para esto es importante considerar que el diseño y la publicidad son dos áreas disciplinares que, en conjunto, han facilitado la manera en la que dicho mensaje se hace llegar a los públicos y que estos sean efectivos. Dentro de estos una de las herramientas más utilizadas es la de la psicología del color.

Partiendo de lo anterior, es necesario explicar los conceptos básicos que permitan comprender la forma en la que una publicidad bien aplicada puede lograr que un producto o servicio se consuma.

Fig. 1 mundo publicitario

Publicidad De acuerdo a lo mencionado por Figueroa Romero es considerada como “un conjunto de técnicas directivas y creativas de comunicación persuasiva y efecto colectivo tendientes a abrir, desarrollar y mantener el mercado de un producto o servicio por conducto de los medios de comunicación”. (1999, pág. 22) La publicidad se vale de diferentes estrategias para hacer llegar el mensaje del producto o servicio al mayor número de consumidores posibles. El diseño es clave dentro de estas estrategias.

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Color y Psicología de color Uno de los elementos más importantes en el diseño son los colores utilizados ya que como mencionan Ambrose y Harris (2018), el color es una “Sensación producida por los rayos luminosos que impresionan los órganos visuales y que dependen de la longitud de onda”.

Es decir que el color es algo que nuestros ojos captan y que nos crea una sensación al percibir los objetos.

Por lo tanto, la psicología de color es una de las estrategias más utilizadas a la hora de realizar una campaña publicitaria. Ya que se busca generar una asociación entre el producto y el sentir de los consumidores.

Fig. 2 círculo cromático Fig. 3 psicología del color

De acuerdo a Álvarez L.O. (2011) la psicología de color es “[…]teoría relacionada al comportamiento de consumidor en la que se plantea que el color de la presentación del producto es un elemento esencial que sirve para comunicar atributos de un producto o una marca”.

En el presente artículo se van a analizar los colores empleados en la publicidad de un refresco de cola “Pepsi Cola”. Este es uno los productos líderes en el mercado y desde su inicio los colores que representan la marca se han mantenido.

MATERIALES Y MÉTODOS Materiales:

Libros de los temas principales, recopilación de los datos obtenidos, anuncio publicitario a que se va a analizar.

Método científico Se utilizará el método Analítico y sintético •Analítico: división de un todo para analizarlo por partes.

•Sintético: Conjunto de conceptos para hacer un concepto global Se analizará un anuncio publicitario de la empresa Pepsi, mediante la psicología de color, basada en los principales conceptos dados a través de la investigación realizada.

Metodología de diseño El método a utilizar es el de Bernd Löbach Consiste en cuatro pasos, el primero es analizar el problema, después encontrar una solución mediante la investigación, el paso número tres, consistirá de sacar las ideas principales y finalmente encontrar la solución del problema.

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RESULTADOS Como se mencionó anteriormente, los colores juegan un papel importante en el diseño de un anuncio publicitario, esto es porque, cada uno de los colores influyen sobre nuestros sentimientos. En el artículo publicado por Álvarez L. Omar, (2011, página 228) en donde cita a Nereaux, (2008); Suk, (2006); Bauman, et. al, (2005); Gorn, et. Al (1997).

“El uso no arbitrario de los colores en las estrategias de marketing se justifica a partir de estudios que han demostrado que diferentes niveles de cromaticidad de colores afectan las emociones.”

Es importante recalcar que cada uno de los colores tiene un significado, es por ese motivo las marcas hacen uso de este recurso, tanto en sus identidades corporativas como en su publicidad, y así conseguir quedarse en la mente de los consumidores. Como se menciona en “La Psicología del Color: Cómo Influye en el Proceso de Compra” (Genwords, 2018) “Las investigaciones demuestran que el uso adecuado del color aumenta el reconocimiento de la marca en 80%. También eleva la apariencia visual en 93%. Otro 85% de los consumidores compran debido al color.”

Otro aspecto que hay que rescatar sobre los colores, es que “suelen describirse con términos emotivos como frio, cálido, relajante o excitante, ya que la mayoría de los colores se asocian con adjetivos concretos” (Ambrose y Harris, pág. 106).

Al igual que los antes mencionados, existen los colores neutros; son aquellos que carecen de color, están compuestos en partes iguales por la mezcla de los colores primarios. Son clásicos, atemporales, fiables, flexibles y se encargan de suavizar a los fuertes. Entre su gama se encuentra el blanco, el gris y el negro.

Grandes marcas emplean una paleta de colores especifica que los identifique y los distinga de sus competidores, con el objetivo de lograr que el consumidor asocie el o los colores con la marca, por lo tanto, con el producto o servicio ofrecido.

Tanto Coca Cola como Pepsi Cola, son marcas líderes en el mercado de refrescos, además que son considerados uno de las mayores y más populares marcas rivales a nivel mundial; esto se debe a que la publicidad de ambos es muy ingeniosa y sabe cómo llegar a los consumidores.

Fig. 4 logo Pepsi

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Azul

Colores Pepsi

•Hex color: #004B93 •RGB: 39 81 184 •CMYK: 100 69 17 3 •Pantone: PMS 2945 C

Rojo Azul de fondo •Hex color: #005CB4 •RGB: 0 92 184 •CMYK: 100 42 0 0 •Pantone: PMS 300 C

•Hex color: #C9002B •RGB: 201 0 44 •CMYK: 0 100 82 0

•Pantone: PMS 185 C

Como bien se sabe el logo de Pepsi se ha ido transformado a través de los años, pero tanto sus colores como su forma se han mantenido.

“El antiguo logotipo de Pepsi era un guion blanco en rojo y se pegaron con ese esquema de color de 1898 a 1940. Esto cambió con el tiempo a los colores familiares de Pepsi que todos conocemos ahora, pero el blanco y el rojo se han mantenido como un elemento principal del diseño” (Creativo News, 2020).

En el memorando escrito por Peter Arnell, se da la concepción original del logo original de Pepsi.

“Los colores están destinados a representar el campo magnético de la tierra, el feng shui, la geodinámica de Pitágoras, la teoría de la relatividad y la proporción áurea.”

Pero en la actualidad y con el rediseño del logo el significado ha cambiado, el rojo representa el sol, el blanco representa el aire y finalmente el azul representa el agua.

Ahora bien, conociendo un poco más sobre la marca y su publicidad. Se hará un análisis de uno de sus anuncios.

El rojo es considerado un color cálido, mientras que el azul es frio, y el blanco es un color neutro.

Como podemos ver en este anuncio el color dominante es el azul. Eva Heller menciona que este, es uno de los colores más apreciados con un 45% de aceptación. “Es el favorito del 46% de los hombres y 44% de las mujeres”. (pág. 23)

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Azul En el libro Color de Ambrose y Harris (2018) se menciona que el color azul “Tiene connotaciones de constancias, vitalidad, y fuente de vida por su asociación con el agua, y su efecto es relajante y calmante. El azul es considerado universalmente fresco y purificador” (pág. 118) Mientras que Eva Heller (2008) menciona que “El azul es el color más nombrado en relación con la simpatía, la armonía, la amistad y la confianza. (pág. 23) …el azul es también el color de la fidelidad.” (página 24)

Rojo Blanco “El espacio en blanco es un elemento clave en la composición, ya que ayuda al ojo a desplazarse por los diferentes elementos” (Ambrose y Harris, pág. 126)

Con esto se puede concluir que, según la psicología de color, el azul expresa: •Frescura •Fidelidad •Amistad •Confianza •Relajación •Juventud

El color rojo es considerado como como “excitante, dinámico y energético. Es apasionado, provocativo y seductor, y estimula diversos apetitos” (Ambrose y Harris, pág. 108) También “es eficaz para dirigir la atención del observador hacia un determinado aspecto del diseño” (pág. 108) “El rojo, el más vigoroso de los colores, es el color de la fuerza, de la vida” (Eva Heller, pág. 55).

También es considerado como el color de la felicidad, debido a que representa al amor.

El pequeño destello blanco que se encuentra en el fondo, logra concentrar la vista hacia la lata de refresco, volviéndolo el elemento principal.

Su objetivo es vender un refresco, con la idea de que este te va a mejorar tu día; tiene que transmitir la frescura, energía, generar confianza hacia el producto, es decir que al tomarte la Pepsi fresca, te vas a sentir con más vitalidad a pesar de que es inicio de semana.

Otro aspecto importante que hay que rescatar el que su principal mercado son adultos jóvenes, adolescentes, familias, es por eso que al incluir un elemento (casco) de uno de los personajes más populares a nivel mundial, genera mayor empatía con los consumidores.

Fig. 5 anuncio publicitario del refresco Pepsi Cola

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DISCUSIÓN El color es una de las herramientas más importante en el diseño, en la publicidad y en las diversas estrategias de comunicación, con el objetivo de crear un vínculo entre la marca y el consumidor, cómo se menciona en Masdigital (2017).

“Los colores deben de ser escogidos minuciosamente con responsabilidad con el objetivo de despertar un efecto en las personas, los colores son tan importante que los vendedores y publicistas los utilizan como una herramienta para provocar sentimientos importantes, por ejemplo, alegría, tranquilidad o calma, deseo, pasión, irritabilidad o aburrimiento”

Es importante llevar a cabo una serie de estrategias (incluyendo la psicología de color) a la hora de elaborar una campaña publicitaria la forma en la que una publicidad bien aplicada puede lograr que un producto o servicio se consuma.

“Las personas muchas veces se dejan llevar por sus emociones, por ende, son las emociones las que están tomando una decisión de consumo o no, e incluso las emociones provocan los pensamientos racionales elaborados por nosotros mismos” (Masdigital, 2017) Otra de las estrategias es el uso del marketing, que según la definición dada por American Marketing Association (2019), quien señala que el marketing “el marketing es un proceso de planificación y ejecución, inmerso en un marco social determinado, orientado a la satisfacción de las necesidades y deseo del individuo y de las organizaciones, para la creación e intercambio voluntario y competitivo de bienes o servicios generadores de utilidades.

Se realizaron dos versiones del anuncio, cambiandole el color principal. La versión no logra captar nuestra atención, mientras que en la segunda, el color de fondo nos alude directamente a su competencia Coca-Cola.

CONCLUSIONES Fig. 7 versión 1

En este trabajo se pudo demostrar que el proceso de elaboración de una campaña publicitaria con lleva una serie de estrategias para que esta sea efectiva.

Una de estas es el uso de la psicología de color, cada uno de los colores tiene un significado que afecta nuestras emociones, influyendo estado de ánimo; provocando una conexión entre la marca, producto o servicio y el cliente.

Los colores son indispensables a la hora de diseñar un logo, un anuncio, un cartel, un espectacular o cualquier mensaje visual, cuyo objetivo sea crear un sentimiento mutuo entre este (emisor) y el receptor.

Fig. 8 versión 2

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REFERENCIAS

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•Creativo News (4 de junio del 2020). El logotipo de Pepsi: lo viejo, lo nuevo, su significado e historia, de Idea Kreativa. Recuperado el 23 de junio del 2020, de https://ideakreativa.net/el-logotipo-de-pepsi-lo-viejo-lo-nuevo-su-significado-e-historia/#:~:text=Este%20 fue%20el%20origen%20del,la%20Original%20Pure%20Food%20Drink.

•Disnapinestella (25 de marzo del 2006). Los colores neutros, de Disnapin. Recuperado en junio de 2020, de https://disnapin.com/los-colores-neutros/

•Figueroa B. Romeo. (1999). Como hacer publicidad: Un enfoque teórico-práctico. Primera Edición, Mexico: Pearson Educación.

•Heller E. (2008). Psicología de color: Como actúan los colores sobre los sentimientos y la razón.

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•La Psicología del Color: Cómo Influye en el Proceso de Compra, de Genwords. Recuperado en junio de 2020, de https://www.genwords.com/blog/psicologia-del-color-infografia

•Masdigital (12 de abril del 2017). Psicología del color en publicidad y marketing digital. Recuperado en junio 2020, de https://www.masdigital.net/nuestro-blog/psicologia-del-color-en-publicidad-y-marketing-digital

•Molina V. (s/f). Metodología de Bernd Löbach. Recuperado en mayo 2020, de https://vicmolina2404.myportfolio.com/metodologia-de-bernd-lobach

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•U.S. Brand colors (s/f). Pespsi Colors. Recuperado en junio 2020, de https://usbrandcolors.com/pepsi-colors/

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ANÁLISIS DE CAMPAÑA PUBLICITARIA PRETTY DIFFERENT, URBAN DECAY. AUTOR: DAFNE RAMÍREZ

Palabras Clave / Key Words • Mercadotecnia / Marketing • Publicidad / Advertising • Público / Target • Marca / Branding • Diseño / Design

RESUMEN Urban Decay es actualmente una de las mejores y mas reconocidas marcas de cosméticos estadounidenses, con sede en Newport Beach, California, es una subsidiaria de la compañía francesa de cosméticos L’Oréal.

Pretty Different fue la campaña publicitaria del año pasado, definida como “un himno” para aquellos adictos al maquillaje que no quieren seguir los estándares de belleza.

Este artículo presenta un análisis de los diferentes elementos que conforma su campaña publicitaria y así mismo la importancia del diseño y la comunicación visual para la realización de ésta.

FOTOGRAFÍA 1 STAY NAKED FOUNDATION

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FOTOGRAFÍA 2 NAKED ULTRAVIOLET

INTRODUCCIÓN El mundo actual esta sufriendo diferentes cambios, se está viviendo una pandemia muy fuerte, en los últimos días se han estado viendo diferentes problemas en la sociedad casos de racismo a muchas personas de color y de la comunidad LGBT, feminicidios y la crisis económica por la que estamos pasando en nuestro país a causa de dicha pandemia.

Estos factores hacen del 2020 un año muy difícil para muchas personas.

Se hablará acerca del racismo, un problema que a pesar de no ser un tema desconocido sigue siendo muy común, tal es el caso de George Floyd, quien murió el 25 de Mayo de 2020 bajo la custodia policial de su comunidad, este acontecimiento hizo que en varios lugares de Estados Unidos hubieran marchas y generó el movimiento Black Lives Matter, su misión es “erradicar la supremacía blanca” e intervenir a través del poder local “en la violencia infligida en las comunidades negras por el estado y los vigilantes”.

(Sidner, S.,Simon, M., 2020). Este movimiento empezó desde el año 2013 siendo un hashtag un año después de la muerte de Trayvon Martin en Florida, un joven negro de 17 años que murió en 2012 a manos de George Zimmerman, un capitán de vigilancia del vecindario en Sanford.

El racismo no solo es hacia las personas de con diferente color de piel, si no también es no aceptar los diferentes tipos de cuerpo, género, orientación sexual e ideología.

Por esta razón muchas marcas de ropa y cosméticas tienen ya un par de años tratando de dejar atrás todo tipo de prejuicios y tener mayor diversidad en los protagonistas de sus campañas.

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Un gran ejemplo de esto es la marca Urban Decay, en 2019 hizo la campaña publicitaría Pretty different, una campaña que muestra la diversidad de género, tallas, identidad y orientación sexual.

En este ocasión dicha campaña será analizada con el objetivo de identificar y desglosar cada uno de sus elementos para mostrar la manera en que está conformada y cómo es que se apoya de los conceptos que a continuación se mencionarán.

Se inicia con el marketing, “es la ciencia y el arte de explorar, crear y entregar valor para satisfacer las necesidades de un mercado objetivo con lucro, identifica necesidades y deseos no realizados.”

(Kotler P., Amstrong G. 2012, pág 5) Mientras que la publicidad es la herramienta básica de la comunicación en nuestro sistema económico. “Es una forma compleja de comunicación que opera con objetivos y estrategias que conducen a varios tipos de consecuencias en los pensamientos, sentimientos y acciones del consumidor.” (Wells W. 2007, pág 5) Ambos son conceptos que se complementan, y se necesitan el uno al otro para funcionar eficazmente, así mismo también necesitan del diseño.

El diseño es una herramienta que ayuda a comunicar a un publico objetivo los valores de un producto o servicio, este consta de diferentes fundamentos y y elementos que lo conforman para que pueda comunicar el mensaje que se requiera de manera objetiva.

El artículo esta siendo realizado a través de la recuperación e interpretación de diferentes textos en libros y páginas web para la comprensión y análisis de los conceptos.

MATERIALES Y MÉTODO El método que se utilizará es el documental ya que la mayor parte de la información es retomada de libros, revistas y artículos retomados de internet.

La metodología es de Morris Asimow, porque se hará un análisis de comprensión de la campaña publicitaria y diseño a detalle.

RESULTADO Definición marketing y publicidad

Marca Urban Decay es una marca estadounidense fundada en 1996, se inició cuando observaban que en esa época la mayoría de los productos cosméticos estaban protagonizados por los colores rosa, beige y rojo, realmente no existía variedad en los tonos, y si lo habían, no tenían la calidad profesional que los demás productos.

La marca comenzó con una línea de 10 labiales y 12 esmaltes de uñas, con colores fuera de la paleta neutral que había en la industria de la belleza. Su primer anuncio publicitario logró llamar la atención del público con la frase “Does pink make you puke ” en español “¿El tono rosa te hace vomitar?”. Urban Decay hizo una propuesta totalmente diferente a lo que había en el mercado, todo inspirado en el paisaje urbano.

A través de ésta, los mensajes pueden llegar a una gran cantidad de personas en cuestión de segundos, y por lo tanto se utiliza para captar la atención del consumidor.

El marketing es el proceso de planeación, ejecución y conceptualización de precios, promoción y distribución de ideas, mercancías y términos para crear intercambios que satisfagan objetivos individuales y organizacionales. (Fischer L., Espejo J. 2011, pág 5), se realiza con la intención de aumentar las ventas, mientras que la publicidad se realiza con el objetivo de atraer a los clientes.

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FOTOGRAFÍA 3 ULTRAVIOLET PALETTE

Para la mejor comprensión del análisis de la campaña publicitaria se dará una breve explicación de los conceptos.

El marketing es una actividad empresarial a largo plazo, que comienza desde la investigación de mercado hasta la satisfacción del cliente. Debe comprender las condiciones del mercado, identificar las necesidades del cliente, diseñar un producto según los requisitos, seleccionar los mejores medios para promocionarlo y publicitarlo a través de diversos canales. Aquí es donde se puede ver la relación con la publicidad, ya que es una rama del marketing y su objetivo persuadir a más y más personas hacia el producto o servicio.

Se ha caracterizado por ser una marca para hombres y mujeres que rompen con los estereotipos de belleza. Urban Decay trasmite lo divertido y creativo que puedes llegar a ser con el maquillaje.

Ser diferente no quiere decir “raro” simplemente significa ser tú mismo . Es por esto que surge la campaña: Pretty Different reflejando todos los valores de la marca.

FOTOGRAFÍA 6 STAY NAKED FOUNDATION

Urban Decay es una marca dirigida a hombres y mujeres de aproximadamente 15 a 30 años de edad. Su Target está principalmente interesado en expresar su individualidad a través de un maquillaje único y fuera de lo común, como sombras de ojos de colores poco comunes. Se enfoca en personas de clase trabajadora de media a alta, este dato esta basado en los precios que manejan, ya que no son sumamente costosos, pero tampoco baratos considerando que es una marca “cruelty free” y de alta calidad.

FOTOGRAFÍA 4 STAY NAKED FOUNDATION

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FOTOGRAFÍA 5 STAY NAKED CORRECTING CONCEALER

Sus principales medios de promoción son mediante la web. Su red social más activa es Instagram, suben post todos lo días y también “Insta Stories” a pesar de que tiene más seguidores en Facebook, esté no está tan activo (hablando de las redes sociales de México).

En Instagram cuentan con 195 mil seguidores y 1, 145 publicaciones Facebok 4.272.078 likes y 4.275.340 seguidores.

También cuentan con su propia página web donde tienen clasificadas todas sus colecciones.

PRETTY DIFFERENT

FOTOGRAFÍA 7 CARTEL LIZZO

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El maquillaje en la actualidad no solo es utilizado para embellecer, si no también es una forma de expresión personal, incluso artística.

Esta campaña es protagonizada por Ezra Miller, Lizzo, Joel King, Karol G y CL. Ellos fueron los rostros seleccionados por creer en la filosofía de Urban Decay, porque se niegan a seguir con estándares de belleza forzados y defienden la individualidad. El mensaje principal en esta campaña es la inclusión, pues se busca integrar a todas las personas mostrando que el maquillaje no solo es para las mujeres, si no que puede ser utilizado por cualquier persona.

Urban Decay, también impulsa la creatividad de los consumidores, para que se atrevan a crear los looks que quieran.

La publicidad puede ser eficaz para influir en la gente; ha evolucionado conforme la sociedad cambia y ha tenido un efecto en ella, y pasa lo mismo con la sociedad y la publicidad.

Los protagonistas la campaña tienen un cartel asignado, donde cada uno promociona diferentes productos de la marca. Todos los carteles están estructurados de la misma forma, es decir; tienen de fondo la textura detallada de lo que promocionan; sombras, delineadores y labiales. La familia tipográfica usada para el titular, de palo seco y compuesta en caja alta y negrita. Y el logotipo de la marca siempre presente en él. Cada elemento esta colocado de manera que la lectura del cartel comienza desde el ángulo superior izquierdo, en diagonal y después a la derecha, en forma de “Z”, el diseño del layout es equilibrado dando el mayor peso visual a las fotografías.

Las fotografías de cada protagonista del cartel tienen una toma en primerísimo primer plano y otra toma de un plano a detalle. Con ángulos picados y normales.

FOTOGRAFÍA 9 CARTEL JOEY KING

FOTOGRAFÍA 8 CARTEL EZRA MILLER

Fotografía 7: Lizzo, cantante y rapera estadounidense, es quien protagoniza este primer cartel, donde se puede observar la textura de las sombras azules que promociona, esta fotografía es tan detallada que se puede ver muy bien los pigmentos metálicos de la sombra azul y su piel suave y tersa, sin ninguna imperfección.

El color azul metálico, se asocia con la juventud, da un toque de armonía y simpatía al cartel.

Fotografía 8: Ezra Miller, actor, músico, cantante y activista estadounidense, en su cartel lo primero que se hace notar es el color rojo, un color caracterizado por transmitir pasión ademas de ser muy llamativo, el atuendo de Ezra Miller logra contrastar perfectamente con el color rojo. La fotografía a detalle de sus labios son los principales en protagonizar la publicidad.

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Figura 9: Joey King, actriz estadounidense, tonos nude con un toque de anaranjado, hacen referencia a la feminidad y ternura de la mujer, transmiten un look más natural, su punto de anclaje son los labios brillantes por el lip gloss de Urban Decay.

Fotografía 10: Karol G, cantante y compositora colombiana de reguetón, latin pop y trap latino.

La fotografía de las sombras negras con brillos de fondo, el estilo de maquillaje empleado en Karol, su vestimenta, todo hace que lo relacionemos completamente a la vida nocturna, es muy notorio que el negro es el color dominante en este afiche, transmitiendo elegancia y su vez un toque “atrevido” con los brillos de diferentes colores.

Figura 11: Lee Chae Rin más conocida como CL, es una rapera, cantante, actriz y bailarina surcoreana, el color púrpura ha sido relacionado con la riqueza y extravagancia, denota sentimientos de poder, lujo, ambición, creatividad e independencia.

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FOTOGRAFÍA 10 CARTEL KAROL G

FOTOGRAFร A 11 CARTEL C.L.

Cada uno de los colores utilizados para cada cartel transmiten ademรกs de lo ya mencionado, un poco de la personalidad de cada uno de los protagonistas, sofisticaciรณn, sensualidad, elegancia, feminidad, extravagancia.

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DISCUSIÓN Este artículo hizo notar la importancia del uso de los elementos del diseño, además de saber qué es marketing y publicidad, cómo se maneja en la marca Urban Decay y que aporta a su público. Por otra parte creo que a pesar de que es una marca cosmética y debe dar una buena imagen de sus productos, para que el público desee comprar, sería interesante proponer que las fotografías de los modelos no sean tan retocadas, que se pueda apreciar un poco de “realidad” es decir, la textura de la piel, algunas “imperfecciones” como las pecas, ya que siempre vemos la piel “perfecta de porcelana”. .

CONCLUSIÓN En conclusión la publicidad es un conjunto de estrategias que ayuda a convencer a el cliente de adquirir ciertas cosas, el diseño es parte esencial para poder persuadir a las personas, debe cumplir una función estética para poder llamar la atención pero también ser claro y conciso con el mensaje que quiere dar.

Por otra parte se hizo una propuesta de cartel, con los mismos elementos de diseño que tiene, ya que según el análisis hecho son funcionales para tener la atención del público, lo único que se propuso son las fotografías, poniendo rostros apegados a la realidad, haciendo que tal vez las personas se encuentren identificados y dejen de sentirse inseguros por imperfecciones que puede llegar a tener el cutis como, acné, cicatrices o pecas. Esta también sería una manera de apoyar la diversidad en modelos, no solo es suficiente con que tengan diferente color de piel o talla, realmente se debería hacer este cambio para mostrar personas reales. .

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FOTOGRAFÍA 12 PROPUESTA

BIBLIOGRAFÍA Bassat L. (1993). El libro rojo de la publicidad.

México: Random House Mondadori.

De Duran A. (2014). Fundamentos de Publicidad.

Junio 25 2020, de Universidad Rey Juan Carlos Sitio web: http://www.albertodeduran.es/wp-content/ uploads/2014/08/1x05-Fundamentos-de-lapublicidad.pdf Fisher L., Espejo J. (2011). Mercadotecnia . Ciudad de Mexico: McGraw-Hill.

Heller E. (2008). Psicología de color: Cómo actúan los colores sobre los sentimientos y la razón. Primera Edición. España: GG Kotler P., Amstrong G. (2012). Marketing. México: Pearson Education.

Martinez A., Ruiz C., Escrivá J. (2014). Marketing en la actividad comercial. España: McGraw-Hill Education.

Sidner,S.,Simon,M.. (2020). ¿Qué es el movimiento Black Lives Matter y por qué se creó?. Julio 09,2020, de CNN Español Sitio web: https:// cnnespanol.cnn.com/2020/06/09/que-es-elmovimiento-black-lives-matter-y-por-que-se-creo/ Thomen M. (2019). Psicologia del color. Junio 23, 2020, de Psicologia online Sitio web: https://www. psicologia-online.com/la-psicologia-del-color-enmarketing-y-publicidad-4441.html#anchor_6 Wells William D. (2007). Publicidad: principios y práctica. México: Pearson Education.

Imagenes Fotografía 1: https://www.instagram.com/p/ B9xiSXGpg88/ 13 Julio 2020 Fotografía 2: https://www.instagram.com/p/ Bz82J1PJE54/ 13 Julio 2020 Fotografía 3: https://www.instagram.com/p/ CB8V3YzJkKO/ 13 Julio 2020 Fotografía 4: https://www.instagram.com/p/BLZw5UJIsf/ 13 Julio 2020 Fotografía 5: https://www.instagram.com/p/ CAVaTJnJ3zy/ 13 Julio 2020 Fotografía 6: https://www.instagram.com/p/ CAWHHW5pNVx/ 13 Julio 2020 Fotografía 7, 8, 9, 10, 11 : https://meowmag.mx/ maquillaje-sin-limites-en-pretty-different-la-nuevacampana-de-urban-decay/ 13 Julio 2020

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El cómic Spiderman y sus elementos Este trabajo se realizó como se conforma el trabajo de un cómic, sus ilustraciones el manejo y de su manera de poder realizar la ilustración, pero también dando así una introducción de lo que es el cómic y de sus elementos para entra en detalle donde el objetivo es la realización de imagen del cómic, sus demás componentes.

Desde hace años el cómic ha sido parte de toda una generación está a representado no solo un entretenimiento, modelo de economía ya que está es una de las formas que generaron una aportación de empleo para diferentes ilustradores y artistas gráficos e imprentas a partir de que es parte de la cultura popular y de la historia.

En este caso es importante considerar que el diseño y la ilustracion se puedan realizar de manera que se llevan de la mano para asi ser de agrado para el público en general y se pueden realizar dichas representaciones.

“El cómic según lo respondido a es un medio visual de narración verbo-icónica que comunica historias de uno o varios personajes. Se trata de una “narración secuencial mediante imágenes fijas” Es decir, mediante una sucesión de imágenes” (Blur,2015, pág. 1).

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La expresión por medio del dibujo y del lenguaje escrito permitía en las antiguas civilizaciones informar a la población y en la actualidad ha valido como muestra de las costumbres y tradiciones de la época., en este párrafo se refiere que las ideas de este se remontan a imágenes de diseños de la antigüedad conforme la expresión de demostrar sus sentimientos y revelarlos de manera gráfica.

“Según en los países hispanos se usan varios términos autóctonos, como monos en México, muñequitos en Cuba y tebeo en España, hacia los años sesenta comenzó a imponerse el término de origen anglosajón cómic procedente a su vez del griego komikos perteneciente a la comedia” (Casas, N., 2015, pág. 17)

Lo que es en diferentes partes del mundo tienen un chiste al hacer el comic como ya había dicho de algunos países también explica de donde viene la palabra cómic y el año en que sucedió de su punto de partida se encuentra en la partida de la imprenta en 1446 y de la Litografía de 1789.

Según Monografías el cómic tiene características básicas que solamente dice que son tres.

1)Carácter predominante narrativo, esquema pasado-presente-futuro donde el tiempo se identifica con el espacio de las viñetas: en el momento de leer una viñeta, la anterior se convierte en pasado y la posterior se intuye como futuro.

2)Integración de palabras e imágenes. En el globo se presentan los textos de carácter dialogal, los que emiten los personajes del cómic.

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3)Utilización de una serie bien definida -en sus aspectos básicos- de códigos y convenciones: símbolos, planos, ángulos, formatos.

Resultados Según corresponde el hecho de poder realizar la ilustracion que en el proceso de animación o ilustracion se empieza trabajando en hojas de papel perforadas para encajar en el escritorio, utilizando lápices de color un animador de buena categoría dibuja los escenarios empleando los layout.

Esto considerando el comienzo del layout describiéndolo por Casas que determinan las poses que tendrán los personajes en cada escena y cada una harán una escena y su correspondiente dibujo en ella, el storyboard sirve de prueba, está formada por imágenes y textos igual a una tira cómica gigante los dibujos son hechos a mano alzada realizados de manera rápida como apuntes.

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Spiderman y sus elementos Para el cómic “Amazing Fantasy #15”, la primera aparición de Spider-Man en el cómic se podrán revisar como fueron realizadas los dibujos e ilustraciones, así como los elementos que fueron necesarios para desarrollarlo, por ello se descompondrá en sus partes primordiales y se revisarán a continuación con forme elementos que se han colocado y definido

Viñeta

La unidad mínima de la significación en el cómic. Representa la unidad espaciotemporal; unidad de significación (se percibe por los sentidos y evoca una entidad diferente así misma).

La unidad mínima de la significación en el cómic. Representa la unidad espaciotemporal; unidad de significación (se percibe por los sentidos y evoca una entidad diferente así misma).

Encuadre Limitación del espacio de la realidad donde la acción se ejecuta dentro de la viñeta.

Según el espacio seleccionado (planos), al ángulo de visión o su espacio en el papel (formato).

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Planos

Gran Plano General Plano General Plano Americano Plano Detalle

Ángulos

Punto de vista desde el que se observa la acción. Otorga profundidad y volumen a la viñeta, puede connotar grandeza o pequeñez.

En relación con este en todo comic es importante ya que más en los cómics es importante el punto de fuga representa la profundidad o el acercamiento del personaje, acción, paisaje o escena ya que en el cómic de Spiderman son de suma importancia ya que las escenas son de movilidad y de varios tipos de puntos de fuga.

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Formatos

Es la relación entre el encuadre, la viñeta, el espacio y tiempo real. Le da ritmo a la historieta. Representa el encuadre del papel, puede ser rectangular (horizontal o vertical).

Como se ve en lo largo del cómic se va representando diferentes tipos de encuadre rectangulares de forma vertical y horizontal según corresponda el ángulo o plano.

Parte Verbal

Textos lingüísticos – Expresan diálogos y pensamientos de los personajes en el cómic ya que son como si tuvieran personalidad propia para expresarlo – Introducen información de apoyo en la cartelera con la voz en off del comentarista o locutor ya que este da presente a escenas o sucesos que pasaran en el

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Ilustracion

En este proceso de ilustracion hay seis elementos para asi poder realizarla.

1. Inspiración 2. Documentación y referencias 3. Bocetos 4. Composición 5. Detalles 6.Entintado y color El cuerpo la postura corporal y gesticulación ocupan preponderante con respeto al texto la manera de emplear el dibujo modifica y define el significado de las palabras según su relevancia desde el punto de vista de la experiencia del lector pueden surgir cierta emoción y dar modulación auditiva a la voz del hablante.

El color es un elemento que juega un papel importante en la composición de la viñeta, de la página, el color puede cumplir diferentes funciones: figurativa, estética, psicológica y significante.

El significado del color no está estandarizado en cada situación puede realizarse combinaciones que den lugar a nuevas interpretaciones un mismo color puede utilizarse para significar cosas distintas.

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La diferencia entre el uso de blanco, negro, color es muy importante el blanco, negro es más conceptual, más abstracto el color da vida a todo lo acerca en su imitación a la realidad como base para el uso del color tomamos el círculo cromático de la teoría general del color.

Desde este principio tenemos en cuenta tres posibles formas de combinar los colores: 1.-Colores armónicos: La mezcla de colores es más armónica según crece la cercanía de dichos colores en el círculo cromático.

2.-Colores complementarios: Se establecen armonías especiales entre los colores que se encuentran enfrentados en el círculo cromático.

3.-Colores cálidos y colores fríos implican una serie de valores. Los colores cálidos son excitantes y destacan en la composición atrayendo la atención visual. Los colores fríos son relajantes.

4.-El blanco y el negro, con sus connotaciones, combinan con cualquier otro color creando efectos diversos.

del comic de Spiderman se demuestra la interacción de los elementos y la creación de sus componentes.

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el trabajo representado se ha demostrado las cualidades del comic como aportación de enseñanza relación de su conformación de este trabajo. este método se puede ver la referencia de la conformación de elementos de además de la ilustracion y la manera de crearla.

la Tipografía es importa para que la lectura sea de manera visible y no canse la vista y en diferentes tipos se puede hacer una nueva Tipografía para diferentes tipos de comics ya que cada uno tiene su estilo, de manera de ilustrar como se decía que es de imprenta se podía reproducir en grandes cantidades la ilustracion que representa es con colores opacos y poco borrosos por la calidad de la imprenta. ilustraciones de sus rasgos de los personajes, colores para asi poder vender, demostrar el talento del ilustrador de comics, la manera de representar esas ideas y poder transmitir la sensación tanto el ilustrador como el usuario que compre dicho cómic La metodología a utilizar para el proyecto es Bruce Archer ya que propone como definición de diseño seleccionar los materiales correctos para asi demostrar el las funciones necesarios para la satisfacción del público y agrado de su venta, dando algunos pasos para asi desarrollar con claridad y eficiencia definiendo el problema y preparando con detalle y asi respondiendo las diferentes cuestiones

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En este caso se hizo una realización de una pagina de un cómic con cinco viñetas dos rectangulares y tres de plano general donde se puede demostrar en el primer cuadro un bebe en brazos de una mujer con colores que representan la representación de que es un bebe, en el segundo está más crecido y con colores un poco más fuerte y en los otros cuadros son con un plano general y americano para dar más detalle y su ficiente color.

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Por Eduardo Hernàndez y Antonio Monzòn

Resumen Realización de un cortometraje de animación con el estilo stopmotion con modelado 3D, con el fin de lograr crear una animación de buena calidad que este a la altura de trabajos profesionales y tenga una mayor atracción y motivación de las nuevas generaciones por el aprendizaje del modelado 3D. De igual modo conocer los elementos necesarios para el mejoramiento y aprendizaje acerca del modelado, del cine y la facilidad para conseguirlo sin la necesidad de mostrar contenido subido de tono o extremo.

Summary Production of a short film of animation with the stopmotion style with 3D modeling, in order to create a good quality animation that is equal to professional work and has a greater attraction and motivation of the new generations by learning 3D modeling. Also know the elements necessary for improvement and learning about modeling, cinema and the facility to get it without the need to show content raised or extreme.

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Palabras Clave / Keyboards • Animación en Volumen / Stop Motion • Modelado 3D / 3D Modeling • México / Mexico • Animación / Animation • Calidad / Quality

El modelado 3D es un proceso mediante el cual se elabora una representación digital o manual de un objeto utilizando algún programa por computadora, siendo estos softwares especializados que, mediante el uso de la tecnología, permite realizar modelos tridimensionales en entornos gráficos. Entre los más importantes se encuentran Autocad, 3D max, Revió, Cinema 4D, entre otros.

El modelado 3D no solamente va de la mano con lo digital, igual es manual y es utilizado por distintos medios. Hoy en día, los modelos 3D son usados en una amplia variedad de campos. La in-

Hulk en Modelado ·3D (2018)

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dustria médica usa modelos detallados de órganos. La industria del cine lo usa como personajes y objetos para la animación. El sector científico los utiliza como modelos altamente detallados de componentes químicos. La comunidad ingeniera lo utiliza para diseños de nuevos artefactos, vehículos y estructuras.

Entre otros usos el modelado 3D también se puede utilizar en diferentes profesiones, por ejemplo, en la Medicina para representación de órganos o articulaciones, en Odontología para representación de dientes o mandíbulas, también en desarrollo de proyectos ya sean arquitectónicos como la visualización de un plano con sus proporciones requeridas, elementos decorativos que pueden ayudar a convencer al cliente.

Los modelos 3D se pueden usar para representar estructuras o elementos partiendo de diseños bidimensionales como objetivo para poder visualizar mejor los campos de visión como el ancho, largo y profundidad, e incluso hay varios objetos que se pueden usar como promoción en videos o renders en los cuales se pueden agregar efectos dependiendo del programa para hacer más atractivo el producto.

En México he de mencionar que no hay mucha información del origen de la llegada del modelado 3D digital, pero existen proyectos que quizá marcaron ese origen pero que jamás fueron tan reconocidos que generaran una marca en la historia del modelado 3D en México.

Ante ello la animación mexicana ha traído un sin fin de autores tanto como directores como productores reconocidos que han colaborado y han revolucionado lo que para nosotros distinguimos como animación hecho en México y es que si algo lo caracteriza es el humor que incluso esta subido de tono en algunos extremos con el fin de atraer más público.

La pregunta aquí es, ¿México podrá llegar a tender la calidad y el éxito en la animación que otros países?

Pues como ya hemos visto son muy pocas las animaciones que han levantado un rayo de esperanza

en cada proyecto que se presenta ya sea serie o película creo que aún nos queda mucho por aprender, incluso la tecnología es fundamental para una mayor atracción hacia al público en general.

El uso de las tecnologías ha evolucionado con el constante avance del tiempo, donde uso ha sido valorado en la sociedad, tanto en los medios de información que en la actualidad ha llevado a la fácil accesibilidad de información a través del internet. Es por ello que la tecnología ha tenido un efecto muy fuerte en la práctica social, tiene efectos muy importantes sobre la innovación y, por tanto, la creación de riqueza, el nivel económico y, por otro lado, sobre el desarrollo de nuevas formas culturales, tanto en el sentido amplio de conocimiento, es decir, formas de ser mentalmente de la sociedad, como en el sentido más estricto, creación cultural y artística.

Para el uso del sistema 3D se tiene que mencionar los inicios en la década de los años 60, donde se desarrolla el primer sistema CAD (Diseño asistido por computadoras) por el doctor Patrick Hanratty que es mundialmente reconocido como

el padre del CAD/CAM (castor, 2005, párr.2) Para el uso del sistema 3D se tiene que mencionar los inicios en la década de los años 60, donde se desarrolla el primer sistema CAD (Diseño asistido por computadoras) por el doctor Patrick Hanratty que es mundialmente reconocido como el padre del CAD/CAM por su contribución en los campos de diseño y fabricación por ordenador.

Es importante mencionar que es el CAD, el cual es un medio de expresión mediante un ordenador y un gestor gráfico que, a su vez, se puede decir que también es considerado como una, relativamente nueva técnica de dibujo revolucionaria, con la cual se pueden realizar dibujos y o planos.

Durante los años 70 este tipo de software comenzó su migración de la pura investigación hacia su uso comercial. Aunque todavía el software fuera desarrollado por grupos internos de grandes fabricantes de automóviles y aeroespaciales, donde también es preciso mencionar que se enfocaron en automatizar el diseño 2D, donde básicamente consistía en poner líneas y círculos en pantalla del ordenador usando un proceso de interface. En

Modelado 3D (2018)

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este periodo los operadores de CAD tenían que saber dibujar y además ser buenos programadores.

Mas adelante apareció el sistema de Unigraphics que es un paquete de software 3D proveniente de CAD/CAM/CAE pero no alcanzó una precisión aceptable hasta 1979.

Para el inicio de los años 80 aparecieron un conjunto de sistemas de diseño asistido por ordenador (CAM). Para automatizar el proceso de mecanizado creando cintas digitales para manejar herramientas las cuales fueron primeras para el análisis de diseños complejos.

A partir de los 90 la industria del CAD/CAM genera un volumen de mercado de miles de millones de euros con empresas como la francesa Dassault systèmes con su famoso software CATIA o las estadounidenses parametric technology y autodesk entre otras muchas más.

De ahí los orígenes del modelado 3D y es preciso mencionar que, en una nueva era tecnológica, una era heredada de la ilusión y la innovación producida en los años 80 bajo la idea y las bases de la realidad virtual. Aquel sueño se topó con una barrera evidente: las expectativas no se correspondían con la experiencia de usuario que permitían los dispositivos desarrollados con el software de la época. El software, a pesar de ser tremendamente avanzado, a duras penas era capaz de sostener la más básica de las necesidades de una experiencia de realidad virtual. Apenas si eras capaz de ver unos elementos cúbicos en un entorno vacío y flotando, podías moverte por el espacio.

Todo esto ha abierto una nueva dimensión para el modelado 3D. Aquella técnica que en los 90 parecía obra de ingenieros, hoy es una herramienta multidisciplinar que está al alcance de todos, con cientos de softwares especializados que nos permiten crear desde cero y sin conocimiento técnico. Podemos recorrer el camino hasta donde nos sintamos cómodos o hasta donde queramos, podemos crear mundos enteros sin necesidad de tener conocimientos de modelado 3D gracias a

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Internet y a la inmensa comunidad de modeladores que ofrecen su trabajo en mercados digitales.

Si tenemos una idea, apenas hay barreras para llevar a cabo un MPV. (Herreros, 2018, párr.9) Pero para poder hablar de dicho punto se tiene que mencionar la historia de la animación en México que se fue dando gracias a la caricatura y la historieta que se pueden considerar los padres de la animación del país. La tira cómica llegó a México por ahí de los años veinte; proveniente de Estados Unidos. En agosto de 1907, a sólo 12 años de la creación del cinematógrafo, se proyectó la obra “Retrato animado” en la Ciudad de México, ante el presidente Porfirio Diaz. Desde entonces el público mexicano quedó entusiasmado por estos personajes animados que venían del extrajeron, siendo los primeros Mickey Mouse (El ratón Miguelito) y Félix el gato. A pesar de que no se tiene documentación sobre el verdadero pionero de la animación en México, pero se tienen varias teorías como que Juan Athernack, que colaboraba haciendo historietas para El Universal, El Imparcial y El Excelsior, haciendo una animación de texto de este último en 1919.

También se cree que fue el cinefotógrafo Miguel Acosta en 1927 quien empezó a hacer los primeros cortometrajes animados de una duración de treinta segundos.

Esta y otras teorías que van y seguirán surgiendo dado que a mediados de los años treinta los estudios Disney habían fascinado a un gran número de personas, incentivando a muchos a probar suerte en la animación.

Los tres Reyes Magos fue el primer largometraje de animación mexicana, desarrollado a partir de un guión de Rosario Castellanos. Fue dirigida por Fernando Ruiz (considerado el abuelo de la animación en México), quien había trabajado para los estudios Disney en la película La espada en la piedra. Ruiz también desarrolló el proyecto de una serie animada: La oruga Pepina. Lamentablemente tuvo problemas con la

guionista y la obra acabó en España siendo producida por los animadores Santiago y José Luis Moro bajo el nombre de Katy, la oruga en 1981.

Los animadores en México no tenían las herramientas para el desarrollo de la animación y tenían que viajar al extranjero a estudiar. Hasta que, en 1978, en Coyoacán se abrió el primer taller de animación. Dos años después lanzó un mediometraje llamado Crónicas del Caribe, que, si bien ganó importantes reconocimientos, nunca tuvo difusión. Ya en los años ochenta los alumnos y exalumnos del Centro Universitario de Capacitación Cinematográficas (CCC) y el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC) comenzaban a hacer cosas interesantes a pesar de que no tomaban materias relacionadas con la animación. (CAAV, 2019,párr.4) Ánima Estudio comenzó a desarrollar su nueva cinta Guacamayo: intriga polar a manos de Courtier, que se estrenó en el 2009 con el nombre de Agente 00P2 sin una respuesta positiva del público. Actualmente Ánima Estudio elabora la serie animada El Chavo del Ocho y algunas miniseries para Televisa.

En el 2003 los hermanos Riva Palacio metieron a Fidecine su proyecto Una película de huevos: en busca de mamá gallina. El comité técnico lo rechazó por tener un guión mal trabajado. volvieron a presentar el proyecto. Lo rechazaron por segunda vez con el pretexto de que por ser muy grosero perdería público infantil.

Los hermanos metieron una queja y el proyecto se aceptó en el 2004. Dos años después Una película de huevos se estrenó y obtuvo cuatro millones de espectadores e ingresos de 142 millones de pesos: el largometraje mexicano animado más exitoso de todos los tiempos.

En conjunto Ánima Estudios, han apostado a proyectos ambiciosos en 2D como Don Gato y su pandilla (2011), El Agente 00-P2 (2009), Imaginum (2005) o Magos y gigantes (2003).

La película de Ana y Bruno (2018), de Carlos Carreras es de las primeras películas hecha

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por modelado en 3D en México, que al igual que muchas películas animadas en el país, no tuvo el éxito deseado, quizá eso pudo deberse al tipo de animaciones hechas en 3D como han propuesto Estados Unidos, Canadá o Francia.

De algún modo la animación mexicana ha ido creciendo con el paso de los años como Imagination Films, Santo Domingo Animation, AnimArt Producciones,Imágica, Metacube technology & entertainment y Gyroscopik Studios. Sin embargo, cabe destacar que lo más promisorio del cine nacional en animación se ha visto en los cortometrajes, cuyos realizadores ya no sólo piensan en la comedia o el público infantil.

El cine ha ido evolucionando hasta ser lo que vemos ahora, conforme pasan los años, los avances tecnológicos han mejorado notablemente y con ello el cine igual, ahora se aprecian películas dónde podemos ver animaciones en un largometraje, y aquí el modelado 3D jugó un papel muy importante que aún en nuestros días sigue siendo una rama del cine muy bien recibida por el público, el cine animado. Sin embargo, existen una serie de cuestionamientos que permiten comprender y analizar mejor el modelado en 3D como tema de diseño, entre las cuales se encuentran ¿para qué se utiliza el modelado 3D? y ¿para qué sirve actualmente de animación? Sin duda son preguntas que pueden ir de la mano, las cuales se pueden responder con una sola respuesta, pero la primera vez que se vio una película animada de modelado 3D, fue 1995 con la película de Toy Story de Pixar. A partir de ese momento, ha evolucionado con respecto a la geometría del modelado ya que era muy cuadrado, el mapeado de color era muy simple con poca profundidad de campo y texturas planas.

¿Cómo se hizo

?

Coraline es una película de animación innovadora, pues es la primera realizada por medio de la técnica stop motion y rodada en 3D y HD. Está basada en la novela del mismo nombre del conocido autor de historietas y escritor de ciencia ficción y fantasía Neil Gaiman.

Es una historia compleja que no se limita al público infantil, sino que incluye un suspenso muy particular y fascinante; cuenta la historia de una niña (con la voz de Dakota Fanning), que abre una puerta secreta en su nueva casa y descubre un mundo paralelo al que vive en ese momento.

Neil Gaiman pensó en el director y animador Henry Selick, que también se encargó de A Nightmare Befote Christmas y Jim y el Durazno Gigante, para llevar al cine su creación, aún antes de terminar de escribirlo. Una vez que Selick aceptó el proyecto, contrató al ilustrador y dibujante japonés Tadahiro Uesugi, quien trabajo un año en el desarrollo visual de los personajes antes de trasladarse a EEUU para reunirse con Chris Butler, quien dirigió el storyboard, y comenzar a dar indicaciones a los animadores.

Chris Butler y su equipo realizaron un storyboard del siglo XXI y abandonaron los lápices para usar monitores LCD Cintiq, de Wacom, sobre los que se aplica un lápiz interactivo directamente a la pantalla. La punta del lápiz y la goma tienen unos mil niveles de sensibilidad para obtener un control preciso, y las pantallas pueden moverse para conseguir el ángulo más cómodo.

Después de esto se procedió a decidir la técnica que emplearían, para finalmente dar vida al proyecto. La animación stop motion siempre estuvo en el pensamiento del director.

El stop motion es un conjunto de ilustraciones mostradas en secuencia con el objetivo de servir de guía para entender una historia, para previsualizar una animación o seguir la estructura de una película antes de realizarse o filmarse. Creado por Georges Méliès.

La animadora Amy Adamy describe el arte del stop

motion como “mover marionetas sin cuerdas”. El encargado de animación Travis Knight dice: Cada toma es pura acrobacia”. “Se puede hacer cualquier cosa con stop motion, es como esculpir con luz”, añade el grafista Ean McNamara.

El proceso de animación stop motion es muy especializado. Los animadores manipulan fotograma a fotograma los objetos (personajes, decorados, etcétera) en una plataforma de trabajo. Se fotografía cada fotograma con la cámara de cine.

Cuando se ensamblan y proyectan las miles y miles de fotografías, los personajes se mueven con fluidez y continuidad. Filmar una película de animación stop motion tiene muchos parecidos con un rodaje convencional: hay que construir decorados, se debe peinar a los personajes, maquillarlos, vestirlos, iluminarlos y dirigirlos.

Henry Selick explica: “El milagro del stop motion y una de las razones por las que me parece mágico, es que los personajes actúan de verdad a través de las manos de los animadores”.

El primer antecedente que tenemos de esta técnica y con este equipo de realizadores es el corto Vincent -que Tim Burton produjo en 1982 junto con el animador Rick Heinrichs- rodado en blanco y negro y narrado por el legendario actor Vincent Price. Una década después, Tim eligió a un equipo de grafistas y animadores para crear el innovador musical en stop motion Nightmare Befote Christman, a partir de una historia original suya.

Le pidió a su amigo y compañero Henry Selick que lo dirigiera: “Fue un proyecto muy difícil, pero llevamos el stop motion a otros niveles en cuanto a movimiento de cámara, iluminación, ambientación, etcétera”. (alto nivel, 2010, párr.1)

Coraline y la Puerta Secreta (2009)

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Método Histórico: Analizaremos testimonios de personas que han realizado proyectos similares, aprender de sus errores y de sus aciertos que han tenido y de igual manera saber bien sobre la historia del Stopmotion.

Deductivo: Entrar en razonamiento para emplear y deducir conclusiones a través de la lógica de si se podrá lograr un proyecto de calidad.

Tipos de Investigación Documental: Por la recopilación de información que fue obtenida de libros para la realización de la investigación.

Diacrónica: Por los hechos que se han visto a través del tiempo, y que usamos para poder realizar la investigación del tema.

Metodología Bruno Munari: fue un artista y diseñador italiano.

Cuando alguien dice: esto lo sé hacer yo también, quiere decir que lo sabe recrear o de lo contrario ya lo habría hecho. Bruno Munari, Verbale scritto, 1992 Es considerado “uno de los máximos protagonistas del arte, del diseño industrial y gráfico del siglo XX. Por el desarrollo que llevará a cabo la investigación, definiremos el problema, sus elementos, los “subproblemas”, el análisis de datos, la creatividad, los materiales que serán usados para la realización del proyecto, experimentar y verificar.

1. Definición del problema 2. Elementos del problema 3. Recopilación de datos 4. Análisis de datos 5. Creatividad 6. Materiales – tecnologías 7. Experimentación 8. Modelos 9. Verificación

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Materiales: • Cartón • Plastilina Profesional • Alambre • Pinturas • Palos de madera • Tela verde • Madera • Tierra

Herramientas: • Cámaras • Computadoras • Pinceles • Cinta adhesiva • Pegamento, • Pinzas. .

Y este es nuestro resultado ya que realizamos este modelado 3D basándonos en la película de piratas del caribe, donde muestran todo tipo de criaturas y personajes en 3D muy detallados, hasta cierto punto logran un personaje entre lo realista y lo ficticio, por lo cual queríamos realizar este personaje que es un kraken que fue realizado en el programa de Zbrush ya el programa nos permite desarrollar a detalle cada parte del cuerpo o estructura a voluntad propia y con la gran cantidad de herramientas y texturas se puede lograr, para todo que este interesado en el modelado 3D. Y que de alguna manera queríamos demostrar que con poca tecnología o recursos se puede tener un proyecto de calidad y profesional.

El Kraken por Eduardo Hernàndez (2020)

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México es un país que ha demostrado tener talento, hemos visto como muchos cineastas han llegado a ser reconocidos con premios de renombre como los de la Academia y que igual muchos animadores lo han conseguido, porque México ha demostrado que hay talento y dedicación, pero ¿Hay apoyo por parte de los espectadores y de los estudios mexicanos? El público ha acostumbrado a la comedia que existen en las películas y por ello exigen más calidad en cuanto a comedia, historia y contenido visual, por eso México es un buen mercado para películas extranjeras ya que nos dan lo que no vemos en nuestro propio país, en México vemos comedias absurdas como No manches Frida, Lady Rancho, Mirreyes vs. Godínez, entre otras.

Esto lleva al espectador a no voltear a ver la animación porque ya tiene la caricatura plasmada en su propio cine como con las películas ya mencionadas, pero si hay buena recepción hacia la animación extranjera porque muchas de estas poseen una historia, buen guion, producción y suficientes recursos para llevar a cabo una buena película animada, mejor incluso que películas live action de nuestro país.

Muchas veces las animaciones mexicanas son comparadas con las extranjeras que demuestran tener calidad, pero no el apoyo suficiente del espectador y productor mexicano.

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Ana y Bruno (2018)

Pelicula de Huevos (2014)

La leyenda de la Nahuala (2007)

Con esta información concluimos que en México no se cuenta con la tecnología ni la inversión que requiere un largometraje para poder realizar de manera profesional y con la calidad que todos han visto en películas realizadas por compañías extranjeras. Toda esta información podría ser un beneficio, para así tener de inspiración estas compañías y que haya una mejora en cuanto a tecnología y calidad.

Se ha podido alcanzar buenas ganancias en cuanto a historia y creatividad, y en México se ha demostrado que hay calidad, creatividad y talento, solo falta apoyo y dedicación.

Alto Nivel.,(2010) ¿Cómo se hizo Coraline?. Página web recuperada el 23 de junio del 2020 en https:// www.altonivel.com.mx/estilo-de-vida/como-se-hizo-coraline/ Herreros R.,J.(2018). Modelado 3D: qué es, cómo funciona y la vida más allá de Pixar. Página web recuperada el 28 de octubre del 2019 en https:// www.icemd.com/digital-knowledge/articulos/modelado-3d-que-escomofunciona-y-la-vida-masalla-de-pixar/ Castells M.(2002). La dimensión cultural de Internet. Página web recuperada el 11 de noviembre del 2019 en https://www.uoc.edu/culturaxxi/ esp/articles/castells0502/castells0502.html Castor,.(2005). Historia e evolución del CAD/CAM. Pagina web recuperada el 8 de julio del 2020 en https:// www.castor.es/historia-software-CAD-CAM.html

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LA SERIGRAFÍA COMO MÉTODO DE IMPRESIÓN EFICAZ Digital Blak (2020) 112

Digital Blak (2020)

AUTORES

Alcántara Carrillo Ariana Isabel Hernández García Jessica Aline Maldonado Díaz Sandra Vianney

Palabras clave

Serigrafía Métodos de impresión y tipos Eficaz Arte mexicano Obra

RESUMEN En la actualidad la serigrafía se ha enfrentado a otros medios de impresión que han resultado más rápidos debido a la actualización y modernización constantes de nuevas tecnologías. Este trabajo pretende dar a conocer la relevancia que la serigrafía aporta al mundo del diseño y el arte mexicano como un método de estampado que se efectúa de manera rápida y versátil.

Para esto, hablaremos de dos maestros mexicanos de serigrafía (Luis Lizaola y Arturo Negrete) especializados en este campo que han tenido éxito en sus talleres debido a su experiencia y dedicación que han tenido en esta actividad.

Luis Lizaola se le conoce como uno de los mejores serigrafistas de México nacido en Monterrey Nuevo León involucrándose en la industria textil siendo jefe de producción de serigrafía.

Lo que lo llevo a formar Razor Master fue su pasión por el arte, la cultura y la serigrafía. En la parte de la serigrafía él considera que México es uno de los países con mayor reproducción de imágenes serigráficas por el cuidado y la calidad de los procesos manuales, cabe destacar también que los colores que se manejan en la cultura mexicana son únicos y llamativos.

El taller de Arturo Negrete, maestro mexicano de la serigrafía en la Ciudad de México. Este estudio lleva el nombre de 75° Color por la inclinación que se le da al rasero al momento de imprimir y color por la variedad que se maneja en las impresiones. El estudio cuenta con impresiones a gran escala de pliegos completos y fue el motivo por el cual se dio a conocer en la cultura mexicana. Dentro de este ha trabajado con artistas contemporáneos, modernos, así como extranjeros y nacionales Esta investigación probara si el desarrollo de las actualizaciones y las diversas aplicaciones de la serigrafía como medio de expresión artística realiza de manera constante, entonces se podrá mantener en el mercado a pesar del avance tecnológico porque no sería una amenaza sino un apoyo que le permitirá una mejor forma de trabajo.

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FESPA (2017)

Summary Nowadays, the serigraphy has faced other printing media that have been result faster due to the constant updating and modernization of new technologies. This work aims to publicize the relevance that serigraphy brings to the world of design and Mexican art, as a printing method that is carried out quickly and versatile.

For this, we will talk about two Mexican screen-printing masters (Luis Lizaola and Arturo Negrete) specialized in this field who have been successful in their workshops due to their experience and dedication they have had in this activity.

Luis Lizaola is known as one of the best screen printers in Mexico born in Monterrey, Nuevo LeĂłn, getting involved in the textile industry, being the head of screen-printing production. What led him to form Razor Master was his passion for art, culture and screen printing. In the screen-printing part, he considers Mexico to be one of the countries with the highest reproduction of screen-printing images due to the care and quality of manual processes, it should also be noted that the colors used in Mexican culture are unique and striking.

The workshop of Arturo Negrete, Mexican master of serigraphy in Mexico City. This studio is named 75 ° Color for the inclination that is given to the squeegee when printing and color for the variety of colors that is handled in the prints.

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KEY

WORDS Serigraphy / Screen Printing Printing methods and types Effective Mexican Art Work

The studio features large-scale printing of complete sets and was the reason why it became more widely known in Mexican culture. Inside this has worked with contemporary, modern, as well as foreign and national artists.

This research will prove the development of updates and the various applications of screen printing as a means of artistic expression is carried out constantly, then it will be able to remain on the market despite technological progress because it would not be a threat but a support that will allow a better way of work.

INTRODUCCIÓN

CONTEXTO GENERAL DE

La finalidad de este proyecto de investigación es dar a conocer la importancia de la serigrafía dentro del mundo artístico por su calidad valorando el trabajo de Negrete y Lizaola ya que ambos expertos en la serigrafía se consideran una colaboración para que la técnica de impresión permanezca vigente en la cultura. Se establece que la serigrafía como medio de expresión artística, se puede mantener activa en el mercado si se emplean impresiones de calidad enfocadas en el arte mexicano mostrando variedad de obras artísticas.

El objetivo de este artículo es demostrar la importancia de la serigrafía como método de impresión eficaz y medio de expresión artística.

Se pretende resaltar a la serigrafía como técnica de impresión eficaz y arte como un medio de expresión comunicativa y creativa. Se puede llevar a cabo impresiones a gran escala y de gran importancia para la cultura mexicana, a través de la serigrafía ya que conlleva cierto cuidado en el proceso manual de la impresión, por esto mismo es que destaca de entre otras técnicas de impresión, logrando así que esta técnica perdure por largo tiempo dentro de la cultura y el mercado mexicano.

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¿Qué es Serigrafía? ¿Cuáles son las técnicas que se usan? ¿Cuáles son las ventajas de la serigrafía? ¿Cuáles son las formas de expresión artística? ¿Cuál es el poder que tiene la expresión artística?

LA INVESTIGACIÓN

Para ahondar el tema de la serigrafía se realizó un análisis de los maestros de la serigrafía en base a su experiencia y formas de trabajo que les ha permitió tener grandes resultados y reconocimientos, así como la colaboración con otros artistas nacionales y extranjeros, buscando la recuperación de la técnica de impresiones como parte de lo artesanal de buena calidad.

La serigrafia hoy en día se ha vuelto una técnica poco demandada debido a la actualización constante de métodos de impresión, además de que se considera un método de estampado obsoleto porque se enfoca en el tratamiento y preparación manual.

Los materiales que se utilizaron para esta investigación son libros y revistas digitales para la recopilación de información necesaria junto con el apoyo de entrevistas publicadas en internet y redes sociales por medio de las cuales se pueden apreciar varias de sus obras más antiguas y las más actuales.

mETODOLOGÍA

Documental: Para este proyecto se utilizó libros para profundizar y dar a conocer más del tema y las aportaciones que Negrete y Lizaola han hecho a la serigrafía a través de su experiencia en esta técnica.

DEL DISEÑO

Se utilizará la metodología de Bernd Löbach, como primer paso el análisis del problema que es el poco valor que se le da a la serigrafía debido a los avances tecnológicos.

Buscando soluciones al problema viendo las ventajas y la importancia que tiene la serigrafía como medio de impresión artística por los procesos de cuidado manual, así como la adaptación a la tecnología para su beneficio. Demostración de las obras artísticas realizadas por parte de “Razor Master” y el estudio de serigrafía “Color 75°”. Por último, resaltar el valor de la serigrafía a través de las obras pictóricas de Negrete y Lizaloa que han realizado a lo largo de su experiencia.

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De acuerdo con las investigaciones realizadas e información recopilada, se ve reflejada en la elaboración de productos por parte de “Razor Master” y el estudio de serigrafía “Color 75°”.

Claude Lebus (1994)

RESULTADOS La serigrafía tiene un origen oriental que se ha ido empleando a través de los años en diferentes culturas con diferentes materiales donde han sido plasmados varios tipos de arte con el fin de una expresión artística como medio de comunicación a través de ilustraciones e ideas que los artistas exponen y dan a conocer. Este método de impresión se realiza por medio de una plantilla enmascarillada que deja ciertos espacios vacíos en los cuales atraviesa la tinta al pasar por encima de una superficie un rasero imprimiendo diferentes elementos decorativos que son dibujados en una plantilla. (Vázquez C. 2012) Esta técnica se ha expandido alrededor del mundo teniendo diferentes soportes que le han permitido formar parte de la cultura mexicana e influir en el mercado.

“El arte mexicano destaca sobre todo porque representa imágenes cotidianas como alimentos, animales, cosas, etc. Asimismo, se trata de un tipo de arte donde las tradiciones y las creencias tienen mucha importancia y se fabrican de forma manual todo tipo de productos artesanos. Normalmente se tratan también temas funcionales, pero a la vez poéticos y artísticos. Sobre todo, llama la atención que se trata de un arte muy colorido y llamativo, con tonalidades muy vivas”. (S/A. Historia y arte) (2018) (Párrafo 3).

Cabe resaltar que debido a que es una técnica de procesos manuales, requiere dedicación, esfuerzo y compromiso, razón por la que en este artículo se menciona a dos grandes maestros de la serigrafía mexicana como Negrete y Lizaola que han influido en el arte de igual forma en el mercado por su creatividad y empeño que han tenido en esta técnica de impresión.

Arturo Negrete nacido en la Ciudad de México que cuenta con un taller llamado 75° Color, ha trabajado con diseñadores y artistas han dado a conocer su trabajo por la calidad de las impresiones y tintas que maneja en todas sus obras que son consideradas parte de lo artesanal. En sus más de 30 años de experiencia su profesionalismo se ha dado por incluir técnicas del pasado y el presente, se interesó por la parte de imprimir para expresar los diseños de otros artistas, dedicándose únicamente al taller. Sus principios como impresor empezó a trabajar con carteles clásicos de gran tamaño. (Moreno G. 2017) Sus impresiones son conocidas por la calidad de su trabajo aplicando colores vivos como el rosa mexicano, azul, amarillo y esta gama de colores que describe totalmente el estilo mexi@marccobler (2013)

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Arturo Negrete (2016)

cano en una obra artística, “Dentro de las obras artísticas caben la pintura, la escultura, y la fotografía, así como las obras dramáticas y arquitectónicas.” (López C. Clara y Estrada A. 2007, párrafo 2). El reconocimiento de este taller se convirtió en un taller de cultura y museo provocando el interés de varios artistas para la elaboración de sus piezas artísticas. Y además la visita de personas de diferentes países interesadas en el arte. “El arte es un mensaje, un medio de expresión, una forma de contacto y de comunicación entre los hombres, tal vez anterior, incluso, al lenguaje.”

(S/A, 1976, pág. 16).

-Este artículo busca resaltar porque es importante que la serigrafía junto con el arte puede permanecer en el mercado y tomar los avances tecnológicos como beneficio y parte del crecimiento de la misma. De acuerdo con (Mac Donald J. 2011, pág. 5) “la serigrafía es un método de impresión en el cual se reproducen documentos e imágenes en cualquier tipo de material, tiene un proceso bastante complejo pero que hace que sus impresiones sean lo mejor en cuanto a su presentación”. En la definición de arte clásica, (Restrepo M. 2005, pág. 4) dice que “el arte es un sistema de reglas a base de la experiencia logrando el perfeccionamiento, es una virtud intelectual que es enseñada por los maestros”.

Negrete realizó un proyecto llamado “Taller en vida” que tenía planeado para tres meses, debido al éxito y el interés del público este proyecto se extendió a tres años, consistía en imprimir en vivo a cualquier persona frente a un público.

Luis Lizaola, experto en la serigrafía nativo de Guanajuato quien considera que la técnica serigráfica abre caminos a la creatividad y la resistencia lo que la ha llevado a la reproducción de productos en masa, (Moreno G. 2017) buscando el rescate de la serigrafia de lo comercial a lo artístico teniendo un taller artístico en la Ciudad de México compartiendo su conocimiento a más generaciones para que la técnica no se pierda.

Para apoyar el talento y creatividad de imprimir funda “Gratificante”, una tienda de diseño en la que los artistas puedan expresar su talento y se involucren en los espacios culturales del país. El equipo de Razor Master busca rescatar la serigrafía de los procesos comerciales o publicitarios, manteniendo el origen artístico de esta técnica apreciando su valor cultural. (Moreno G. 2017) @noesilva (2018)

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Como bien lo dijo Lizaola, la cantidad y calidad de impresiones que da la serigrafía hace que haya una reproducción masiva y salga al mercado (Moreno G. 2017), retomando lo de Negrete, las redes sociales han servido para dar a conocer su trabajo provocando la visita de turistas y mexicanos a 75° Color.

Los proyectos exclusivos son excelentes estrategias para que el público conozca y reconozca la técnica y calidad serigráfica, como lo aplicó Arturo Negrete imprimiendo en lugares públicos.

Taller 75 °

“El método de impresión serigráfico le aporta a una obra artística un nuevo carácter. No pretende imitarla, pero sin embargo pretende transmitir un sentimiento ya plasmado en la obra original mediante una nueva intervención artística como lo es la serigrafía: litográfica, la preprensa o también llamada fotomecánica, offset, impresión por huecografía, flexografía, serigrafía, impresión digital”. (Mac Donal y A. Jennifer, 2011, pág. 69) La tecnología seguirá avanzando y dando nuevas herramientas y facilitando la vida de todas las personas, es imposible frenarla. Tanto personas, como empresas, talleres y demás negocios tienen la necesidad de adaptarse a los nuevos cambios para que puedan prosperar y permanecer en la línea de la actualización, la serigrafía se encuentra en un punto medio: entre el pasado y el presente, considerada como una técnica milenaria que tiene muchos años de antigüedad y que hasta la fecha debido a su adaptación y constante actualización, en un principio solo se manejaban carteles de la historia de México, “el arte mexicano es un arte decorativo cuyo modo de expresión fundamental es la repetición rítmica. De ahí la necesidad de simetría, y también, el deseo de cubrir con decoración todo el espacio posible sin dejar grandes superficies lisas” (Museo de arte moderno, 1940, pág.30), y algunas que otras cosas de entretenimiento pero con le llegada de la computadora y programas que permiten la facilidad de previsualizar una impresión, así como la separación de los colores y pequeños detalles importantes, los jóvenes proponen nuevas ideas e ilustraciones que transmiten hechos históricos y recientes.

La serigrafía es una técnica eficaz por el cuidado de procesos manuales que van de la mano con la dedicación que se le da a la impresión y lo que se plasma en ella, tomando los medios y actividades necesarias para dar a conocer su proceso de elaboración. Se coincide también que la serigrafía es un método de impresión “que produce el efecto deseado” (Larousse, 2003, pág.

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Arturo Negrete (2016)

DISCUSIÓN La Serigrafía es un sistema de impresión y también sirve como medio de expresión.

De acuerdo con (S/A, 2018, parr. 9) “Andy Warhol fue uno de los artistas más influyentes de la segunda mitad del siglo XX, creando algunas de las imágenes más reconocibles jamás producidas”.

La serigrafía tuvo un gran reconocimiento, gracias al renombrado y antes mencionado Andy Warhol, él fue el responsable de popularizar la técnica la cual consiste en el paso de la tinta atreves de una malla unida a un bastidor.

Adan Avelar (2012)

Andy Warhol combino entre la serigrafía y la fotografía, un ejemplo de ello fue el retrato de Marilyn Moroe el cual es muy famoso.

CONCLUSIONES Los mexicanos y el mundo saben la riqueza que tiene la cultura mexicana como los personajes icónicos que se han convertido en leyendas, lugares, costumbres y tradiciones que han pasado de generación en generación, actividades que atraen a los paisanos y turistas. Estos motivos han sido representados con estilos diferentes a través de la serigrafía y puestos en el mercado, la calidad visual y de trabajo hace que la técnica sea reconocida y llegue a más lugares, no necesariamente se necesita transportar el producto a otro lugar para ser mostrado, con la eficacia de las redes sociales una imagen dice más que mil palabras habla por sí sola.

A continuación se muestra algunos de los trabajos realizados por uno de nosotros en la temporada navideña impresos en textil.

Estos son algunos proyectos a futuro que se tienen en mente para realizar una vez que haya pasado la situación actual.

Estos diseños se realizaron con la temática de arte huichol.

Diseño Playera Huichol

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Arturo Negrete (2016) Este artículo pretende por ende constatar la importancia de la serigrafía y como se puede mejorar implementando nuevas tecnologías que agilicen el medio de impresión y como el uso de los medios de comunicación ayudan a obtener una búsqueda más amplia, así como recomendaciones dadas por la misma.

Por lo tanto se plantea la pregunta: ¿A pesar de la implementación de las nuevas tecnologías y los medios de comunicación a la serigrafía esta podrá tener el mismo valor e impacto cultural que se le daba anteriormente?

Diseño Playera Huichol 2 (2020)

Diseño Mandil Navideño

Diseño Mandil Navideño Diseño Playera Huichol 3

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Visión Digital (2017)

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por Torres Naima y Jaimes Servando En este articulo lo que se pretende es dar a conocer el grafico popular mexicano, ya que siempre está presente en todo lo que se ve en la calle, explicar su historia y el contexto puesto que es parte de nuestro país y no siempre se sabe cómo diferenciarla y que quede más claro.

Lograr que la gente sepa con exactitud a que se hace referencia cuando se habla de la gráfica popular mexicana, que también ellos puedan entender por qué se realizó con esas características y elementos.

Palabra clave / Keyword. Rótulo/Lettering. Gráfico Popular/Popular Graphics. México/Mexico. Desconocido/Unknown.

La Ciudad de México, así como toda la República mexicana cuentan con paisajes urbanos bastante diversos, se tiene la fortuna de ser un país que posee arquitectura de distintas épocas, ciudades con gran colorido y distintos matices que muestran el acervo y cultura.

Uno de los elementos más destacados de este es la gráfica popular mexicana, y muchos no saben de lo que se habla, pero sé que se reconocería si se menciona sobre los rótulos en bardas anunciando conciertos, del cartel de lucha libre o de los sonideros, ahí si sabes a que me refiero.

Dia a día se convive con estas expresiones gráficas, son parte de la vida cotidiana en México que se hacen partícipe del paisaje urbano, lo que pretende este artículo da conocer el grafico popular mexicano, ya que siempre está presente en todo lo que vemos en la calle, son el resultado de resolver una necesidad en cualquier ámbito pero que al final refleja una identidad cultural.

La radio y la pronta llegada de la televisión estaba

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cerca, la mayoría de estas micro empresas no tenía el presupuesto para poder pagar esta publicidad, es así como nace el rótulo en México. A partir de aquí se han vuelto indispensables tanto de manera publicitaria como de manera visual, ya que forman parte de la identidad gráfica de México ya que en cualquier estado se encuentra este tipo de rótulos.

Este oficio con el tiempo sigue vigente, persistente al paso del tiempo y estando en el siglo XXI en un auge tecnológico, los rótulos no presentan síntomas de desaparecer, ya que aun en muchas colonias populares se pueden llegar a ver, lo normal es verlo en mercados, pollerías, carnicerías, guarderías, tiendas, cerrajerías entre otros.

Este oficio ha pasado de generación en generación, y ha sido parte importante de la historia gráfica del país, usando distintos elementos para poder captar la atención del espectador, elementos como el itálicas (tipografía dibujadas a mano) y caligrafía con distintos colores, grosores e incluso degradados, estos pueden ir acompañados de gráficos más complejos. Todo con un humor muy característico, el llamado “humor mexicano” que le da una apariencia rozando lo kitsch.

Los rótulos publicitarios o el otro muralismo intentan captar la atención de los peatones, para poder comercializar un producto o servicio, que son el resultado de resolver una necesidad en cualquier ámbito pero que al final refleja se hizo parte una identidad cultural.

Desde un inicio cuando empezó a darse esto del rotulo en México no estaba contemplado para que fuera un tipo de arte solo fue hecho por la necesidad de anunciar o cubrir algún tipo de publicidad en ese momento, pero con el tiempo se fue haciendo parte de una gráfica que incluso posteriormente ya era tomado como referencia para poder crear cosas nuevas e inconscientemente se dio el arte, como menciona Tolsoy: “…el arte es el resultado de una concepción de las cosas en la cual el sujeto es la percepción de lo infinito en lo finito. El arte es la unión de lo subjetivo y de lo objetivo, de la naturaleza y la razón, de lo consciente y de lo inconsciente. “

La gráfica popular es un resultado una expresión artística para promocionar un negocio de manera consciente, pero también es la forma subjetiva de como el mexicano ve las cosas y las expresa de esta manera para de manera inconsciente nos sentamos identificamos, porque así es como percibimos nuestro entorno.

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Al ser México un país preocupado por la forma, siempre experimentando con las distintas variaciones de cómo se puede ver algo, Tolsoy citando a Verón: Según Verón, el arte es la manifestación externa de emociones internas, producida por medio de líneas, de colores, de movimientos, de sonidos o de palabras;

esto es algo paradigmático, ya que son emociones internas expresadas de manera externa, lo que lo haría arte, pero con el fin de comunicar un mensaje hasta cierto punto especifico, esto hace que también sea diseño.

Así mismo para dar un contexto un poco más claro de esto que se llama arte y como se puede vincular con esta grafica de México que muchas veces es desconocida ante los ojos de muchos, hay varios puntos que se pudieran tocar el que sea agradable cuando se ve el causar algún tipo de placer, y a la vez eso hace parte de lo cotidiano. Y como menciona Tosloy: “…se advierte que el arte es uno de los medios de comunicación entre los hombres. Toda obra de arte, pone en relación el hombre a quien se dirige con el que la produjo, y con todos los hombres que simultánea, anterior o posteriormente, reciben impresión de ella. La palabra que transmite los pensamientos de los hombres es

un lazo de unión entre ellos; lo mismo le ocurre al arte.”

esta denominación las producciones literarias y musicales”.

Ese medio de comunicación entre el hombre, los rótulos contantemente nos comunican algo en específico para poder ubicar donde se encuentra algo o el anunciar.

Lo que menciona el Doctor Atl, es una definición tan apegada a la gráfica, ya que esta es ingeniosa, siempre se busca el utilizar distintos elementos de la cultura mexicana como de la cultura pop y darles un giro totalmente diferente, reconocemos cada uno de los elementos, pero logran de manera hábil e ingeniosa darle otro contexto y una nueva función, que es la de comunicar el mensaje dependien-

Ha sido tan poderosa que se ha convertido en grafica dentro de México reconocido incluso en películas, fotografías lo vemos y nos hace recordar sentir nostalgia al verlo haciéndolo parte de nosotros.

Gracias a todo eso poco a poco se fue convirtiendo en parte de los elementos que vemos en México hasta el punto de hacerse popular, el dar identidad y en algunos casos el coincidir con algunas cosas fue lo que se hiciera un lenguaje popular donde podríamos verlo en todas partes.

do

Al ser un imaginario colectivo y la fácil identificación con todo el mexicano esto ayudo a que sea popular, es parte de nosotros, se ha vuelto parte de una identidad nacional, es parte de nuestro paisaje urbano, de nuestro folklore, como menciona Canclini:

“(…) El más auténtico arte universal, tal como lo entiende y lo practica el pueblo anónimamente, desde sus orígenes.

Es funcional, utilitario, original, expresivo y autosuficiente. Se distingue por su antigüedad, tecnología y valores artísticos, los cuales inspiran perennemente su productividad, de generación en generación”.

“Lo popular permite abarcar sintéticamente todas estas situaciones de subordinación y dar una identidad compartida a los grupos que coinciden en ese proyecto solidario. Por eso, el término popular se ha extendido como nombre de partidos políticos, revoluciones y movimientos sociales”

Sin darnos cuenta todas esas imágenes que están dentro de los rótulos fueron realizadas por personas que quedaron anónimamente que se hicieron tan reconocidas dentro de México y elementos como decía anteriormente se hicieron parte desde antes y siendo ahora que permanezcan y nos llegue a generar un poco de nostalgia el verlos o recordarlos.

En la introducción del catálogo, el doctor Atl escribe: “En la denominación de artes populares están comprendidas todas las manifestaciones del ingenio y de la habilidad del pueblo de México, las que tienen un carácter puramente artístico y las de carácter industrial; incluyo también en

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la

necesidad

que

se

requieran.

Todo esto que se hizo popular como se mencionó anteriormente al final de todo termino haciéndose parte de lo cotidiano haciéndose un arte, así como lo menciona don Daniel en Arte y cultura popular:

“El arte tiene sabor singular; la mexicanidad tiene “sabor mexicano”. Si logramos distinguir entre “saber” y “sabor”, sabremos dónde encontrar la esencia de la mexicanidad.” “mexicanidad

es

el

perfume,

color,

timbre,

talante, maneras… de ese “algo” indescriptible que nos da un estilo propio e inconfundible”.

“El mexicano es idealista, porque el idealismo exalta la idea que tiene de su personalidad. El fin de su acción, como individualista que es, no está en la obra misma, sino en la afirmación del individuo.”

Todos esos colores ese arte que vemos en la calle nos hace ser tan coloridos y alegres realmente es un gráfico que se hizo parte de lo que somos en este momento como esa búsqueda de lo nuestro, buscar la propia identidad.

La principal característica del gráfico popular mexicano es el proceso manual que se emplea al principio, un proceso análogo. Dentro de México el rótulo es muy reconocido ya que es muy imaginativo visionario, el desarrollar esas gráficas es comunicar aquello que vemos, lo que nos importa y queremos dar a conocer a los demás.

Se relaciona con el país tan fuerte son los rótulos que llegaron a ser un elemento popular incluso cultural del país, ya que expresa con el gráfico aquello que siente su gente a través de aquellos estímulos que los rodean. El rótulo tiene una total intención una gráfica, composición además de mucha historia.

Niveles de investigación Descriptivo.

Ya que solo se va a describir la realidad de lo que opinan diseñadores y el público en general sobre la gráfica mexicana planteando lo más relevante y con esto definir los procesos para su análisis.

Método científico.

Método descriptivo: Medir los elementos y explicar una situación representativa de dicho hecho. Conoce, representa y cuantifica el comportamiento y responde las 5W y 1H, qué, quién, cuándo, dónde, porqué y cómo. Se describirá y puntualizar las características Como fue surgiendo a llegar a ser gráfica popular; un imaginario colectivo de lo que vemos y el cómo lo vemos.

Se te responderá:

¿Qué elementos vemos en la gráfica popular? ¿Quiénes fueron participes para que estos elementos existieran? ¿Cuándo surgieron estos elementos? ¿Dónde surgieron estos elementos? ¿Por qué surgieron? ¿Cómo fue que surgieron?

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Carga cultural ya que se basa desde nuestras raíces prehispánicas.

El rótulo varía dependiendo el mensaje que se vaya a comunicar, en algunos casos utilizan solo letras, lo sería algo así como ‘letras dibujadas’ o lettering, y en otro caso prevalece el uso de formas ilustradas, logos, caricaturas.

Los rótulos se usan como referencia del producto, básicamente son la imagen del producto o servicio.

Las personas que hacen los retratos se les llama figurita y los que hacen letras se les llama rotulista.

La composición tipográfica se determina por el espacio disponible más que por un plan sin ordenamiento como de diseño.

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Las bases para la propaganda son sacadas de los carteles de lucha.

Al principio la publicidad era mayormente tipográfica y con algunas ilustraciones a una sola tinta, con el tiempo pasaron a utilizar degradados y colores “brillantes”.

Con el tiempo pasaron a utilizar negativos hasta la impresión digital.

Para llamar la atención se utilizan ilustraciones de mujeres o temáticas de ciencia ficción fantástica u opera espacial.

Los carteles actuales emplean muchos efectos, utilizan imágenes, saturación con colores, filtros entre otros.

Se dan la libertad de acomodar todos los elementos al gusto personal tanto de los clientes, de las bandas o del mismo público.

El elemento primordial en los carteles tradicionales es el uso de tipos móviles para el texto y clichés de madera para las “imágenes” de los luchadores.

Algo importante es la variación de los tipos.

Lo principal que debe tener un cartel de lucha son:

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- Los nombres de los luchadores, quien pelea contra quién, precios, teléfonos, sede, fecha y la hora. Se le da prioridad a la lucha estrella.

-Los colores son muy brillantes y utilizan en su mayoría degradados.

El cartel debe de estar saturado, sin muchos espacios en blanco, para llamar la atención de la gente.

Los productos de novedad son los productos sobre santería, así como juguetes.

Utilizan signos que utilizan van de acuerdo al contexto, Por ejemplo, Una veladora para el dinero, se ponen monedas o signos de dólar. Y los colores son amarrillo y el verde.

Buscan cosas o nombres sugestivos, pretenden que la gente se convenza de que ese producto les va a ayudar. es un negocio de fe Algunos empaques vienen en inglés y español.

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Su formato es pequeño y portable para que sea cómodo al lector Una de sus características esa una carga emocional muy fuerte ya que querían hacer que el lector pudiera sensibilizarse contando historias reales. Sus portadas tenían un contenido un tanto sexual sin ser grotesco, pero era así para hacerlos más llamativos y los lectores se hagan esa idea y quieran saber de qué trata.

Era una colaboración entre dibujantes y escritores. Dentro de eso había varias clasificaciones de sensacionales semanal como de vaqueros, mecánicos, luchadores, de barrio, entre otros.

Conclusión.

México es un país lleno de gráfica y de elementos populares, ¿Pero sabemos distinguirla o de principio sabemos que es Popular? Esa fue una de las problemáticas que se vio, ya que muchos no saben o a que se hace referencia cuando se habla de la gráfica popular mexicana, todos esos elementos es lo que nos hace ahora tener una identidad como país, claro está que existen diferente gráficos y es por eso se explicaron cada uno de ellos para conocerlos, y de igual manera puedan distinguirlos, que tengan la certeza de cuando se habla de ella sabrán con seguridad a que se refiere.

En conclusión, este articulo ayuda a la comprensión sobre el grafico popular mexicano, se da una referencia más amplia de lo que trata, esto es importante, es parte de nosotros, es la forma de como muchas veces el mexicano ve las cosas, que es lo que le atrae, que le parece.

El poder distinguir cada elemento de la gráfica mexicana ayuda a entender el porqué de cada cosa el querer tener una identidad, en busca de lo nuestro es importante el conocer que es lo que somos y como es que llegamos a ser.

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Ilustración &

Javier Olvera y Dalia Villa autores de este artículo exponen dos ramas del diseño a un debate sobre la importancia del trabajo conjunto de los elementos que componen un libro infantil.

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Diseño editorial Si hablamos de lo que es un cuento infantil, este resulta ser inconfundible por algunos aspectos que lo conforman y distinguen, es decir, cosas cómo el lenguaje que se utiliza, el enfoque, los temas, la forma en cómo se disponen los textos, la utilización de cierta paleta de colores, la composición en cada una de las páginas, de las ilustraciones y demás aspectos técnicos que le confieren un sello particular a este tipo de propuestas editoriales.

Parte del objetivo que se planteo es exponer el libro de Alicia en el país

de las maravillas, siendo este el resultado final del proceso de diseño tanto editorial como ilustrativo, con el cual se pretenderá mostrar, que papel e importancia tiene la ilustración de tipo análoga dentro de las publicaciones editoriales, y que además cuente con las características adecuadas para que esta pueda ser agregada dentro de un cuento de carácter infantil, todo esto gracias a la distribución de los elementos que lo componen en su totalidad al libro ya antes mencionado.

Para conocer mejor la relación que se tendría entre ambas partes y el desarrollo conjunto de estas para crear un libro, se ira analizando cada elemento tanto del medio editorial, así como del medio de la ilustración, para marcar la diferencia entre aquellos elementos que anteriormente se consideraban puramente decorativos y atractivos, a aquellos que funcionan y aportan un valor a la composición editorial infantil.

Los cuentos infantiles cargan con una función educativa en la vida humana, en especial de la etapa infantil.

Es de hecho la ilustración nuestro problema central a tratar y dicho esto desarrollaremos una serie de ilustraciones de aquellos puntos claves dentro de la historia de Alicia en el país de las maravillas, claro es que tomaremos como referencia los antiguos trabajos de ilustración realizados para el mismo libro, algunos realizados por el mismo Lewis Carroll y algunos otros por John Tenniel.

alrededor de dos mil caricaturas. También ilustró varios libros famosos de su época, pero el que lo llevaría a la fama y por el cual pasaría a la historia es obvio Alicia en el país de las maravillas.

Sobre Alicia en el país de las maravillas

Y pensar que todo surgió de la mente de un caricaturista. La palabra caricatura viene del italiano caricare que significa "exagerar", utiliza lenguajes exagerados, humorísticos, sátiros y grotescos.

Provocando un sentimiento de burla y haciendo referencia a los rasgos físicos más sobresalientes, es quizá por este estilo de ilustración que personajes como el gato cheshiere y la reina tengan aquellas expresiones y rasgos tan marcados, pero que a su vez no los hicieran desagradables sino intrigantes y misteriosos.

Sin duda esta obra que fue escrita hace ya poco más de 150 años por Lewis Carroll ha sido una inspiración para incontables películas, adaptaciones musicales, pinturas e incluso piezas de danza como el ballet. La historia totalmente surrealista de principio a fin.

Una extraña relación entre personajes traza una delgada línea que nos muestra que hay una realidad poco alejada de la fantasía y las muchas posibilidades que se ofrecen al abrir nuestra mente a cosas tan nuevas. La historia surge de manera tan improvisada y fugaz en un viaje que realiza el autor, donde su inspiración son 3 pequeñas hermanas, pero en especial a una de ellas de nombre Alice a la que dedica completamente su obra y le obsequia dicho cuento con un par de ilustraciones, 42 para ser exactos, que apoyan el texto y la invitan desbordar su imaginación. Aquel boceto burdo del libro de Alicia en el país de las maravillas se convirtió en un éxito inesperado y en el año de 1846 estuvo realmente listo, editado por Carroll y que además contenía ilustraciones originales creadas por John Tenniel, personaje importante de la época que basándose en los viejos bocetos del autor, desarrollo este material para la primera edición al público.

A partir de esa fecha y en adelante las aportaciones que ha hecho el libro Alicia en el país de las maravillas son innumerables en diferentes campos desde la psicología hasta el diseño y la ilustración. Este último es en e que nos vemos más interesados por obvias razones pero más allá de eso, descubrimos que hay un antes y después gracias a un libro pensado desde su creación para un público infantil y el desarrollo de ilustraciones que acompañaran la historia, pues para la época representaba un nuevo reto tanto para el autor como el encargado de las ilustraciones.

Y en este punto hablando de las ilustraciones, es importante conocer quien fue el encargado de estos primeros trabajos dentro del libro Alicia en el país de las maravillas.

Su nombre es John Tenniel y fue un ilustrador, humorista y caricaturista político inglés. De hecho se convirtió en caricaturista de la revista Punch, donde trabajó por 51 años. En esa publicación produjo

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A pesar de las adaptaciones, el libro de Alicia en el país de las maravillas sigue siendo un referente de trabajos editoriales con las características y elementos adecuados para un público infantil.

Anterior a esto no se había planteado la posibilidad de realizar ilustraciones especificas para cada novela escrita, es decir que se veía a los elementos como una decoración que rellenara aquellos espacios libres en las hojas y que simplemente no aportaban una información relevante.

Tenniel no dio el visto bueno a la primera tirada porque se reprodujeron mal y Carroll destruyó sus 2.000 ejemplares

Al contrario de lo que se prefería en la época, Tenniel no dibujaba a partir de estudios de la vida real, sino que recurría a su memoria visual.

Su estilo ha sido descrito como grotesco, por sus interpretaciones fantásticas y perturbadoras mezcladas con el realismo de sujetos muy llamativos Tenniel hacía un bocetos a lápiz y después usaba tinta blanca y negra. Después transfería el dibujo a bloques de madera con papel carbón. Finalmente se producían bloques de impresión de cobre a partir de los grabados en madera. Este proceso elaborado hacía que su producción fuera costosa.

Misterios dentro de su trabajo El padre de Tenniel era maestro de danza, y podemos encontrar muchas referencias al ballet en sus caricaturas y en Alicia, por ejemplo, en la posición de los pies de los personajes. También hizo referencias a rostros de personajes de la época.

Resultados Cada elemento dispuesto y aplicado nos brinda la oportunidad de funcionalidad entre textos e ilustraciones, un proceso de diseño con características importantes.

Conclusiones Una respuesta favorable donde se forme el gusto por la lectura a cada niño, se forme un acercamiento a la literatura en aspecto general.

Bibliografías Álvarez D. Diseño Editorial lo que debes saber, México: The Sign Haus ​ Arnheim, R. (1997) Arte y percepción visual. Madrid: Editorial Alianza Forma ​ Buen J. (2003) Manual de diseño editorial, Distrito Federal, México: Santillana. Segunda edición ​ Caldwell, C., Zappaterra, Y. (2014) Diseño Editorial, Barcelona: Gustavo Gili. ​ C. Fragano, R. Cruz (2001) Nuevas tecnologías en la edición electrónica para libros, Madrid: Razón y Palabra. ​ Dalley, T. (1992). Guía completa de ilustración y diseño: técnicas y materiales. Editorial TursenHermann Blume. ​ Dondis, D. (2006) Sintaxis de la imagen, Madrid: Gustavo Gili. ​ Gombrich, E. (2003). Los Usos de las Imágenes, Estudios Sobre La Función Social Del Arte y La Comunicación Social, México: Fondo de Cultura Económico. ​ G. Kloss, F. del Castillo (2001) Entre el diseño y la edición, Distrito Federal, México, Universidad Autónoma Metropolitana ​ Jiménez, D. (2004) Si hablamos de diseño: Estamos hablando de diseño editorial, Barcelona: Viction: Workshop ​ Meggs, P. (2000). Historia del diseño gráfico, Barcelona: McGraw-Hill ​ Munari, B. (1981) ¿Cómo nacen los objetos?, Barcelona: Gustavo Gilí ​ Satué E. (1999). El diseño gráfico desde los orígenes hasta nuestros días, Madrid: Editorial Alianza Forma ​ Samara T. (2002) Diseñar con y sin retícula, Madrid: Gustavo Gill, SA. ​ Varios (2001) El libro y las nuevas tecnologías, Distrito Federal, México: Ediciones el Ermitaño ​ Vilchis, C. (2002) Metodología del diseño fundamentos teóricos, México: Claves Latinoamericanas

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$ 00.00

POR: Johann Mora

14/07/2020

# 01

FOTOGRAFIA PERIODÍSTICA “El periodismo es libre o es una farsa”

ENTRANDO AL FOTOPERIODISMO

RESUMEN

La fotografía tiene muchos ámbitos por los que puede ser explorada; entre ellos se encuentra una de las ramas más polémica a la que se le conoce como “fotoperiodismo”.

En este artículo se tocará el tema de la fotografía, su historia, herramientas y bases; se dará una breve explicación de lo que es la fotografía en general y posteriormente se pasara a la rama de la fotografía periodística.

El avance tecnológico no le ha sido ajeno a esta rama de la fotografía y, por ello, la manera en que nos informa y nos hace ver una realidad ha sufrido grandes cambios; mismos que han tenido que acoplarse a las nuevas tecnologías para hacer que el fotoperiodismo segua vigente.

Gracias a los nuevos métodos para informar, hoy en día no se puede concebir una noticia sin que esté respaldada con una foto o un video que sean tomados y presentados en el momento que está ocurriendo el suceso.

En la actualidad, las famosas “redes sociales” han tenido un gran impacto en esta nueva forma de

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ver las cosas; todo mundo con un celular puede tomar una foto o un video de una polémica o evento que crea relevante y pensar que es una noticia periodística, cuando la fotografía periodística, para ser profesional, tiene que pasar por ciertas facetas para que se considere que contribuye a la rama periodística. Una de estas facetas, la cual se considera como principal objetivo, es el entrenar al ojo humano en el progreso de las diferentes etapas que implica una cobertura fotográfica periodística, con sus diferentes funcionalidades o subramas.

Palabras clave -Fotografía -Periodística -Impacto -Comunicativo -Reportaje

Keys words -Photography -Journalistic -Impact -communicative -reportage “Las mejores imágenes son las que conservan su fuerza e impacto a lo largo de los años, independientemente de la cantidad de veces que se vean”

brief explanation of what photography is in general will be given and later it will be passed to the branch of journalistic photography.

Technological advancement has not been alien to this branch of photography and, therefore, the way it informs us and makes us see a reality has undergone great changes; SUMMARY They have had to adapt to new technologies to make Photography has many photojournalism continue. parameters by which it can Thanks to new methods of be explored; Among them reporting, today you cannot is one of the most contro- conceive of a story without versial branches which is it being backed by a photo known as “photojournalism”. or video that is taken and In this article, touch on the presented at the time that subject of photography, its success is taking place. history, tools and bases; a Today, the famous social

Anne Geddes.1

networks have had a great impact on this new way of seeing things; Everyone with a cell phone can take a photo or video of a policy or event that they believe is relevant and think that it is a journalistic news, when journalistic photography, to be professional, has to go through certain facets to be considered as contributing the journalistic branch. One of these facets, which is considered as the main objective, is to train the human eye in the progress of the different stages that a journalistic photographic coverage implies, with its different functionalities or sub-branches.

INTRODUCCIÓN El fotoperiodismo o periodismo fotográfico, es un medio de expresión visual de periodismo. Los periodistas dedicados a esta rama son denominados fotoperiodista, y su trabajo posee un alto nivel artístico. La imagen debe ser íntegra, tiene que informar por sí misma, transmitir los sentimientos y emociones del momento en que se tomó y mostrar por encima de todo un compromiso con la realidad.

El fotoperiodismo es una forma particular de crear imágenes con el objetivo de presentar o respaldar alguna noticia. Su interés es transmitir a las personas mediante imágenes, lo que se está viviendo en el mundo; además de querer compartir las emociones que se están viviendo en ese momento, la función es concientizar sobre el tema que se esté abarrancando, teniendo en cuenta que todo lo que se puede abordar esta rama es innumerable.

El objetivo de la investigación es resaltar la importancia que tiene el fotoperiodismo sus magnitudes y el proceso por el cual se puede identificar una foto con esas características. Para ello tendríamos que responder las preguntas como: ¿Qué es el periodismo o foto periodismo? ¿Cuáles son sus objetivos? ¿Qué beneficios da la foto periodística a la sociedad? ¿Cuáles son las herramientas que utiliza? ¿Cuál es el motivo de las fotos periodísticas?

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Justificación del problema Este proyecto se desarrollará con la intención de proporcionar una mayor información acerca de que lo que se trata el fotoperiodismo. Poder llegar a tener un mayor conocimiento del tema y sus raíces, dar la información adecuada sobre el tema y poder distinguir una buena fotografía periodística.

Ya que se sabe que el fotoperiodismo está viviendo un momento complicado y crítico, tanto por la dificultad de los medios de comunicación actuales, como por la misma gente que cree que por el hecho de tomar una foto o un video ya está en esa rama. Porque la difusión de fotografías a través de las redes sociales, ha alterado el papel habitual de fotógrafos y de editores gráficos.

Estas fotografías, cuya difusión se produce abundantemente por las redes, evitan la fase de edición gráfica que es parte fundamental en todo proceso de comunicación periodística, pues es en esta fase donde se otorga un sentido concreto y consciente a las imágenes. Esto quiere decir que las fotografías son publicadas sin atender a ninguna estrategia de planificación ni revisión de la producción, lo que deriva en un uso descontrolado de la imagen periodística.

El fotoperiodista debe confirmar con su presencia y registros que lo que en ese lugar ocurre es verídico y configurar con una serie de imágenes la realidad que en su entorno se desarrolla. Aquí no hay posibilidad de maniobra. Sin embargo, el fotógrafo no tiene esos límites y puede desarrollar y complementar con su imaginación.

MATERIALES Y MÉTODO TIPO DE MÉTODO DOCUMENTAL: Se buscará y recopilara información de diferentes tipos de fuentes sobre los temas del fotoperiodismo y las estrategias que se llevan acabo de estos problemas para poder desglosar el proceso de una forma correcta y adecuada.

DIACRONICA: Se indagará en documentos y fotografías de tiempo atrás para poder comprobar y afirmar que desde tiempo atrás se viene realizando este acto que no está bien visto.

NIVELE DE INVETIGACIÓN PREDICTIVA: Esta investigación se basará en poder definir y dar una explicación concreta del poder de impacto que tiene la fotografía periodística. tratando de analizar a detalle el motivo de dicha situación, descubriendo cuanto puede llegar afectar dicha estrategia fotográfica dentro de la información sacada a la luz.

MÉTODO CIENTIFICO ANALITICO Y SINTETICO: Como se explica anteriormente se recopilará información detallada y se ira desglosando parte por parte con el fin del que tema sea bien explicado con diferentes conceptos y poder desarrollar uno solo.

MÉTODO, TÉCNICAS Y MATERIALES A UTILIZAR BRUNO MUNARI Fue un importante artista y diseñador italiano, realizó varias aportaciones al arte y al diseño en su libro “¿Cómo nacen los objetos?”, en el cual propone “una metodología para cualquier tipo de diseño con la finalidad de conseguir un máximo resultado con mínimo esfuerzo.”

Para Munari, “diseñar” es concebir un proyecto, y por lo cual, se conforma una serie de elementos objetivos, que a partir de la lógica y la organización darán la pauta para la solución de problemas en el diseño y comunicación.

Cualquier problema puede ser descompuesto en sus elementos. Esta operación facilita la proyección porque tiende a descubrir los pequeños problemas particulares que se ocultan tras lo sub-problemas. Munari sintetiza los elementos y los tiempos de ejecución, de los distintos instrumentos de su método proyectual, basado en parte en el primer modelo. Ambos pueden considerarse como alternativas del proceso de diseño.

HISTORICO: Como se explica anteriormente se recopilará información detallada de fuentes anteriores para que se pueda anexar con información actualizada y se pueda llegar a una conclusión.

Se eligió este método para plantear el problema ayu-

dará a proyectar las directrices en y elementos para la posible solución del mismo.

Primeramente, se debe analizar el problema y distinguir si tiene o no solución, por medio de la técnica o la experiencia.

MATERIALES • Cámara fotográfica: no solo lo he mencionado por lógica. Saber qué tipo de cámara se necesita para empezar y qué hacer cuando no puedes comprar una profesional, es una de las principales dudas.

• Objetivos: Se debe elegir en función de las necesidades o lo que es, según el tipo de fotografía que se requiera hacer o tomar.

• Localidad: Tener buena información y poder llegar a realizar una buena toma de la escena.

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RESULTADOS ¿Cómo definir el fotoperiodismo? ¿Cuáles son las características de esta imagen vinculada al quehacer periodístico? ¿Qué la diferencia de otro tipo de imágenes?

Se ha considerado que la imagen fotográfica es un documento visual, una evidencia, es debido a sus características, o por los atributos que se le han asignado.

Se cree que la imagen es un documento transparente debido a su cualidad como índice, y a su semejanza con el referente. Además, al ser producto de un dispositivo experto, asumimos que esta imagen es objetiva, ya que no ha sido “manipulada” por el operador.

En la mayor parte de las proposiciones donde se define al fotoperiodismo se destacan conceptos como la “objetividad” y la “veracidad” como las características principales que le otorgan a este tipo de imagen un valor testimonial; es decir, la fotografía de prensa es estimada como un documento donde se da constancia de un hecho inequívoco, es en sí una especie de “prueba contundente”.

Las características esenciales para poder clasificar una fotografía del género periodístico son las siguientes: Actualidad: En la imagen se debe reflejar un hecho reciente y relevante y debe ilustrarlo suficientemente.

Objetividad: la situación representada en la fotografía es una imagen fiable y cuidadosa, representativa de los eventos indicados tanto en contenido como en tono.

Narrativa: la imagen debe estar combinada con los otros elementos informativos que la conviertan lo suficientemente comprensible para los espectadores de todos los niveles culturales Estética: la imagen debe conservar el rigor de la limpieza y nitidez fotográfica (luz, encuadre, relación, fondo y forma, perspectiva, gestión de sombras, etc.)

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Las opiniones culturales que se han generado sobre esta rama fotográfica nos llevan a estimarla como un documento visual que posee un valor informativo y testimonial indudable. En esas definiciones se suelen soslayar el carácter subjetivo del fotógrafo, los intereses editoriales de la empresa periodística y la presencia de elementos estéticos en la elaboración del discurso lo que implica la construcción de un discurso con verdades parciales.

El famoso fotoperiodista, Ulises Castellanos menciona que el fotoperiodismo es una índole más que abarca el periodismo. Que básicamente responde a los indicios de la información periodística. El periodismo es un tronco de la comunicación social que registra hechos de interés público que se difunden masivamente. Notificar un hecho real es informar, notificar un hecho real mediante imágenes fotográficas es fotoperiodismo. En la imagen fotográfica están unidas información y opinión.

En el Manual de Fotoperiodismo, pag 16.

Por encima de cualquier consideración, el fotoperiodismo tiene como objetivo prioritario contar la historia que se vive en el momento en que se produce: el fotógrafo captura el tiempo, congela el movimiento y revela lo invisible con inigualable realidad. La meta del fotoperiodismo es contar al lector qué había allí, clara, rápidamente y sin misterio alguno, confusión o enigma.

Una de las bases de la fotografía llega a ser la luz. Es la materia prima básica de la fotografía. Las fotos puede que no sean tan buenas por falta de luz, fotografías apagadas. O bien por exceso de luz, fotografías demasiado luminosas. Para realizar una fotografía correctamente es necesario saber controlar la luz natural para poder abrir el diafragma de la cámara. De ahí que debamos conocer y entender el concepto de la exposición fotográfica.

El fotoperiodismo es una rama de la fotografía que se alimenta particularmente de una gran pasión. Y no es que otras especialidades no la tengan, sino que los riesgos de cubrir algunas realidades difíciles, hacen que sean esas ganas de relatar lo que motivan al fotógrafo.

En algunas situaciones, la gente llega a confundirse entre un “reportero gráfico” con “fotoperiodista”. En este caso, mencionaremos algunas diferencias entre ellos. El reportero gráfico, básicamente se puede decir que es un “cazador de imágenes” que el re¬cibe una orden con los puntos claros y requeridos que se necesita en las fotografías que debe obtener.

El reportero gráfico es un evolucionado descendiente del “paparazzi” (termino originario de la Italia de la década de 1960). En los años sesenta se empezó a usar el término paparazzi para denominar a quienes se dedicaban a perseguir a los famosos para obtener reportajes fotográficos exclusivos. El origen de la palabra está ligado a la película La dolce vita, de Federico Fellini (1959). Sus ha¬bilidades y capacidades técnicas eran suficientes para captar las imágenes que los medios esperaban de él.

El fotoperiodista investiga, diseña y elabora historias sobre la base de fotografías, comprometiendo su visión personal, transfiriendo al receptor, a través de la cámara, el contenido estético, emocional y ético de una situación determinada.

El fotoperiodismo se divide en diferentes ramas, tales como: •Foto noticia.

Es una o varias fotografías que están dando a conocer un acontecimiento relevante en el momento de su desenlace o clímax informativo. Los tipos de discurso preponderantes son el expositivo y el descriptivo.

•Foto-reportaje corto.

Es narrativo en su discurso simbólico, relata progresivamente la complejidad de los fenómenos sociales.

•PROPÓSITO DE OPINIÓN. El tipo de discurso predominante es la narración.

Aunque puede contener las formas de exposición, y descripción.

•Foto-reportaje Profundo (gran reportaje).

Este se caracteriza por el tratamiento abiertamente interpretativo asumido por parte del fotoperiodista.

Precisa de una investigación exhaustiva y de una planeación.

•Ensayo fotoperiodístico. se dirige al reconocimiento de los rasgos físicos y psíquicos distintivos de uno o varios individuos. Este género foto periodístico puede enfatizar alguna peculiaridad de los personajes fotografiados o bien, hacer hincapié en la atmósfera social.

•Retrato fotoperiodístico.

Se dirige al reconocimiento de los rasgos físicos y psíquicos distintivos de uno o varios individuos (inclusive grupos), que por alguna causa desempeñan un papel protagónico o noticioso relacionado a un evento de interés general.

GÉNEROS EN EL FOTOPERIODISMO.

Editorial Gustavo Gili (pag. 80-83)

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DISCUSIÓN La fotografía periodística es clave para la contextualización del sobrevenir, tanto desde el punto de vista de la cobertura que realiza el profesional a pie de campo, en lugares donde va a rescatar la instantánea o foto noticia, como en los puntos a donde son convocados los profesionales de la comunicación para informar sobre un acto, evento o rueda de prensa.

La fotografía era un simple complemento, a menudo prescindible, de lo que el reportero perseguía y encontraba. Páginas repletas de letritas inundaban los diarios o las revistas. Lo que no estaba escrito no se veía. Lo que no estaba dicho con el verbo carecía de existencia.

La fotografía era un simple complemento, a menudo prescindible, de lo que el reportero perseguía y encontraba. Páginas repletas de letritas inundaban los diarios o las revistas. Lo que no estaba escrito no se veía. Lo que no estaba dicho con el verbo carecía de existencia.

Fue mi primera experiencia con la cámara y el desastre, la muerte y la destrucción, el caos, el desconcierto y la solidaridad.

Se cayeron los teléfonos, Televisa salió del aire, no existía Internet, menos Twitter. Jacobo Zabludovski —quien falleció apenas en julio de este año— hizo una memorable narración para radio desde un teléfono móvil pegado a su Mercedes. México se desconectó del mundo. Era otra época.

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Durante el proceso de esta investigación, se ha contextualizado la mayor información redactada para poder adentrarse al tema de la fotografía y el entendimiento de lo que es el fotoperiodismo y sus características que lleva, ya que, aunque el fotoperiodismo es una rama delicada, porque la mayoría de la gente piensa que con tener un celular y tomar cualquier caso ya es una noticia, cuando se tiene que someter a ciertas pruebas antes de validarla como una foto informativa. es una rama muy amplia donde la gente se no llega a entender la importancia de esta ya que es una forma de comunicación de un punto para todo el mundo.

CONCLUSIÓN El fotoperiodismo es método de comunicación sumamente importante donde se está dando una noticia, o un suceso vivido impactante, es una información absolutamente necesaria porque, cuenta aquello a lo que no pueden llegar las palabras escritas y con una buena imagen puede llegar a transmitir el sentimiento que se vivió en el momento.

Bibliografía:

• Enrique Villaseñor. GÉNEROS EN EL FOTOPERIODISMO. Editorial Gustavo Gili (1 de septiembre de 2017) • José Antonio Rodríguez. Fotógrafas en México 1872-1960 Turner; Edición: 1a (2 de enero de 2013) • Kennth Kobre. FOTOPERIODISMO. Editorial OMEGA

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LOS PUEBLOS ENMÁGICOS ENVUELTOS LA ILUSTRACIÓN

LOS PUEBLOS MÁGICOS ENVUELTOS EN LA ILUSTRACIÓN ALEJANDRA VILLANUEVA PEREYRA

Palabras Claves 1. Semiótica 2. Mensaje 3. Color 4. Leyes Gestálticas 5. Tipos de formas

Semiotics Message Color Gestalt laws Types of shapes

FotodeUVG_mercadotecnia

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Actualmente la educación Mexicana atraviesa un proceso de cambio y renovación que cada día busca transformar de forma visual estas manifestaciones socio culturales que hay dentro de cada grupo para hacerlo llamativo.

INTRODUCCIÓN De esta manera el proceso para renovar el conocimiento de cada Pueblo Mágico pueda impulsar la identidad a la nacionalidad como los bellos paisajes de forma que México reluzca sus localidades como sociedad simbólicas que contienen leyendas, historia, tradiciones, cultura y arquitectura que ayudan a impulsar la economía del país como al igual que a la gente que vive en estas comunidades.

Para poder contribuir con la economía del país pero también ayuda a que se conozca más sobre estas localidades designadas que a falta de su existencia sufrían condiciones económicas complejas por ello al ser atractivo

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sus orígenes sirven como una manera de llamar el turismo en estas zonas.

Por eso mismo la ilustración es una herramienta versátil que asocia palabras con imágenes de forma que sirve para transmitir un mensaje de manera concreta y efectiva, es importante esta herramienta porque la gente no le llama la atención los textos largos al contrario le gusta lo dinámico y original.

El marketing se relaciona ampliamente con el proyecto porque conoce como involucrar la mercadotecnia para estudiar las causas para satisfacer las necesidades del mercado con objetivo de lucro que impulse el viajar a las comunidades atribuyendo a un público objetivo y brindar el turismo como servicio.

RESUMEN Realizar un análisis sobre la campaña publicitaria realizada en Puebla llamada “Desearía que estuvieras aquí” que mediante un video como recurso visual permitió identificar las diferentes localidades importantes y el como puedes crear momentos inolvidables que se pueden vivir al ir acompañado de tu familia o un ser querido.

El método que se utilizara es el de Bernd Löbach porque se analizara los problemas de manera detallada para determinar los puntos importantes y claves en la elaboración de diversas ideas para creación de dicha campaña y el como un diseño genera un impacto visual en la gente

para que impulse un aumento en el turismo.

El resultado que se obtendra es comprender la importancia en la creación de una campaña publicitaria para implementar un cierto mensaje que englobe varios objetivos especificos que involucren ciertas necesidades de manera acertada combinando fundamentos de Diseño como resultado que genere un impacto visual concluyendo la importancia al enteder y conocer estos elementos siendo utilizados para comunicar un mensaje e idea que implemente una relacion con el turista al conocer lo que le interesa ver y experimentar al viajar.

SUMMARY

Carry out an analysis of the advertising campaign carried out in Puebla called “I wish you were here”, which through a video as a visual resource allowed us to identify the different important locations and how you can create unforgettable moments that can be lived when accompanied by your family or a being Dear.

The method that will be used is that of Bernd Löbach because the problems will be analyzed in detail to determine the important and key points in the elaboration of various ideas for the creation of said campaign and how a design generates a visual impact on people so that drive an increase in tourism.

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The result that will be obtained is to understand the importance in the creation of an advertising campaign to implement a certain message that encompasses several specific objectives that involve certain needs in a correct way, combining design fundamentals as a result that generates a visual impact concluding the importance of understanding and know these elements being used to communicate a message and idea that implements a relationship with the tourist by knowing what they are interested in seeing and experiencing when traveling.

MATERIALES Y MÉTODOS Se uso textos de internet y libros digitales para recopilar información por medio de la computadora aplicando el resultado en una ilustración usando illustrator con ayuda de la wacom.

Utilice el método científico inductivo y analítico porque se estudiara la campaña “Desearía que estuvieras aquí” analizando cada una de las herramientas utilizadas de manera individual para verificar si, es funcional y se puede implementar en la publicidad en los Pueblos Mágicos así generar que sea atractivo para llamar el turismo en estas zonas dando a conocer los bellos paisajes de forma que México reluzca sus localidades como comunidades simbólicas.

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El método de diseño que se utilizara es el de Bernd Löbach porque se analizara el problema de manera detallada para determinar los puntos importantes y claves en la elaboración de diversas

ideas para crear un diseño con un impacto visual.

Löbach ve el proceso de diseño como una relación entre el diseñador y el objeto recogiéndo

se información por ello se analizo el problema de manera precisa, una necesidad en los Pueblos Mágicos es buscar una estabilidad económica al tener un incremento en el turismo ya que al consumir dentro de dicha región genera ingesos en el país.

Para ello se debe cumplir con las necesidades de un turista que es buscar nuevas experiencias emocionantes e inolvidables

al conocer otro país o región recalcando aquí un beneficio en México que es su riqueza cultural extensa que genera un vínculo con los turistas al ver lo mágico e inugualable en sus paisajes, en la cultura como en su historia que es tan extensa algo que no hay entros lugares a parte que un punto a destacar es que dentro del mercado la cultura que hay en Mexico es distina a la de otros paises de forma que no hay tanta competencia Se pueden usar varias elementos de Diseño que pueden ayudar a enmarcar estos valores en un mensaje claro y transmitir de una manera correcta ese sentimiento evitando que los turistas no les llame la atencion y usandolos estos visuales de portavoz por medio de videos, ilustracion o publicidad en carteles.

RESULTADO Es funcional la campaña publicitaria “Desearía que estuvieras aquí” o no lo es? Para ello primero se debe definir ¿Qué es una campaña publicitaria? Según, William M. (2007) “Es un conjunto de eventos que buscan alcanzar un objetivo, se crean mensajes con una estructura de estrategia creativa y un modo de función siendo piezas que se relacionan entre sí, algunas llegan ser complejas pero con el objetivo de lograr una acción; estos son publicados como anuncios durante un periódo especifico”. (Pág. 556). De esta manera la campaña se diseño para seleccionar objetivos especificos y resolver algún problema comunicando un mensaje preciso en cierto tiempo.

Al analizar el video que realizo la campaña “Desearía que estuvieras aquí” se puede observar como destacan el aspecto inspirador al vistar un Pueblo Mágico que en este caso es la ciudad de Puebla provocando en el video emociones y llegando consolidar al estado como un destino turístico de orden mundial resaltando su riqueza cultural, patrimonial e histórica, combinada con el rostro moderno. De manera que la gente genere una satisfacción, hay difernetes tipos de publicidad pero la que logra una mejor conexión con el cliente es la que genera ciertas emociones en el espectador al sentirse comprendido en su necesidad ya que hoy en dia al viajar los turistas no solo buscan tranquilidad o entorno natural quieren

EXPERIENCIAS que provoquen emociones para que el cliente quiera repetir ese recuerdo positivo y por eso motivo está campaña va dirigida a un mercado de nuevos visitantes potenciales que buscan nuevos momentos al viajar.

Se puede admirar en el video el uso de contrastes tonales creando sensaciones visuales de manera que juega al usar varios colores y tonos na

turales de los lugares o artificiales explotando así, su esencia de cada localidad. Usando tomas con una cierta configuración combinada con el tamaño y posición que juegan en cierto tipo de composición que enmarca los atributos del producto que en este caso es viajar a Puebla, así se puede percebir como cumplen con aspectos de equilibrio visual dentro de la rama de Diseño.

Separando su belleza como englobandola al mismo tiempo, se puede apreciar como juegan con la figura y el fondo dandole dinámismo a su publicidad. Es decir, un contacto más intenso y auténtico con sus habitantes generando SORPRESA, historias y vivencias y sobre todo

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EMOCIONES. Siendo el Turismo Experiencial una tendencia porque hay una interacción con el turista de forma más directa, humana y personalizada.

Marcando siempre su lema: “Desearias que estuvieras aquí”, no necesariamente en voz, se puede sentir de forma visual al provocar las ganas de estar ahí y vivir esas experencias tu mismo haciendo que el espectador sea persuadido, dandole incentivos o estimulándolos a ese mensaje remarcando los beneficios y características del producto que es Puebla.

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Se puede ver como supieron asociar el producto a su público objetivo con la idea principal del mensaje con un lenguaje claro y conciso logrando captar la atención y el interés de la gente y haciéndoles recordar que existe Puebla un lugar mágico como rústico con diversidad en sus localidades, ocupando texturas visuales dandoles cualidades en las superficies como carcaterísticas que provienen de nuestra experiencia referente a lo aspero, suave, entre otras pero tambien usando un sentido visual en objetos brillantes como los cristales de un museo, transparencia en las burbujas, entre otras.

DISCUSIÓN Se puede ver que si se cumplió con el objetivo que es analizar la campaña de Puebla y saber que herramientas se utilizó al aplicarse los métodos de diseño en la composición, equilibrio, contraste tonales entre otras; ya que generan un impacto visual que ayudo a transmitir el mensaje de forma clara y precisa porque como diseñador se busca crear una reacción en el publico objetivo para conseguir una buena comunica

ción visual, se relacionaron, fusionaron y ubicaron recursos gráficos como puntos importantes al realizar una campaña publicitaria efectiva para controlar y dirigir al receptor la reacción buscada cumpliendo con la meta que se propuso al incrementar el turismo en Puebla logrando ser reconocidos como la mejor campañade publicidad de América latina y ser premiada Reed Latino Awards.

CONCLUSIÓN

En conclusión con este análisis se pudo mostrar la funcionalidad en los fundamentos de diseño al aplicar estos métodos en una campaña publicitaria de manera que se posiciono en el mercado y supo como seleccionar su mensaje y distribuirlo al igual que identificar el estilo y esencia de su público objetivo de manera que se ve su desarrollo y la composición utilizada en su video siendo atractiva como llamativa.

Basandome en parte del video sobre los lugares llamativos dentro de Puebla me dio las condiciones para realizar la siguiente ilustración con el motivo de generar varias ilustraciones de los diferentes pueblos Mágicos para desarrollar una campaña publicitaria que tome la esencia de cada lugar para dar a conocer cada lugar y poder incrementar el Turismo en México.

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REFERENCIAS

1. (Turismo Experencial, s.f) Recuperado: https://www.destinosexperienciales.com/ turismo-°©‐experiencial/ 2. Robert, G. (1970), Fundamentos de Diseño, Buenos Aires: Editorial Victor Leru.

3. Timothy, S. (s.f), Los elementos del diseño: editorial GG 4. Carlos, N. (2007), Creatividad Publicitaria, Madrid: editorial ESIC 5. Gemma San, C. (s.f),Diseño Audiovisual, España: editorial Universidad Oberta de Catalunya.

6. Luis, B. (Mayo 23, 2019), De turistas a viajeros: la revolución del sector turístico.

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7. Entrepreneur, (Noviembre 27, 2017), Esta es la campaña turística más exitosa de América Latina.

LA EFECTIVIDAD DE LA IMAGEN

PUBLICITARIA Las imágenes publicitarias, en cuanto que son productos de la industria del deseo, están presentes en casi todos los ámbitos de la vida cotidiana de las personas. Principalmente, las grandes ciudades del mundo viven el golpe de la capacidad invasora de la publicidad al estar presentes por las calles, aceras, fachadas, edificios y plazas. Los medios publicitarios ingresan a las habitaciones de los hogares para ser consumidos visual y auditivamente, se cuelan en los transportes públicos e iluminan la vida nocturna de las principales avenidas citadinas.

Son tan recurrentes en el mundo que nos rodea, por su gran funcionalidad para promocionar una marca y conseguir venderla a través de la comunicación

y emoción que pueden generan en las personas. Coca-‐Cola es una compañía refresquera que se ubica en el nivel más alto de consumo de sus productos en el mundo y sobresale por su permanencia publicitaria por más de cien años, se caracteriza por el buen manejo de la imagen, es por ello que ha sido elegida en este trabajo de investigación para probar la efectividad de la imagen publicitaria a través del análisis de uno de sus tantos anuncios publicitarios. El análisis se llevará acabo haciendo uso de la metodológica del crítico publicitario Joan Ferrés y sus categorías variables, presentando este completo análisis de una manera ordenada, clara y concisa.

Alfredo Aldair Patiño Jessica Itzel Vergara Daniel Lozada Minor.

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SUMARY

Advertising images, regarding the products of the desire industry, are present in almost all the elements of people’s daily lives. Mainly, the great cities of the world experience the blow of the invasive capacity of advertising by being present on the streets, sidewalks, facades, buildings and squares. Public media enter the rooms of homes to be consumed visually and audibly, sneak onto public transport and illuminate the nightlife of the main city avenues. They are so recurring in the world around us, for their great functionality to promote a brand and get a seller through communication and emotion that can move people.

Coca-Cola is a refreshing company that is located in the highest level of consumption of its products in the world and stands out for its advertising tenure for more than a hundred years, it is characterized by good image management, that is why it has chosen in this research work to test the evolution of the advertising image through the analysis of one of its advertisements. The analysis will be carried out using the methodology of the advertising critic Joan Ferrés and its variable categories, presenting this complete analysis in an orderly, clear and concise manner.

PALABRAS CLAVE • • • • •

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Fotografía Imagen Narración Emoción Promoción/Comercialización.

OBJETIVOS

INTRODUCCIÓN

GENERALES

En este artículo, primeramente, responderemos las principales dudas en torno a la imagen publicitaria, para así poder entenderlo, posteriormente

Conocer los conceptos mas importantes entorno a la imagen publicitaria para asi no solo lograr entenderla sino también comprenderla, es asi como a través de la comprensión, si asi lo queremos, podemos aplicar estos conocimientos a nuestros propios proyectos o futuras campañas, ya sea de un producto o una marca, haciendo un uso correcto de la imagen.

PARTICULARES

MÉTODO DECUCTIVO

Es probar que, a través del buen uso de Se refiere a un método parte de lo general la imagen publicitaria, po- que para centrarse en lo esmediante el rademos lograr promocionar pecífico zonamiento lógico y las hipótesis que puedan y comercializar cualquier sustentar conclusiones finales. marca/producto de una manera eficaz.

Este proceso parte de los

Analizar un anuncio publicitario, no de cualquier marca sino la que mejor ha logrado hacer uso de la imagen publicitaria, es la marca de gaseosas mas famosa, Coca-Cola.

Probar la efectividad de la imagen publicitaria en relación a la promoción y/o venta de productos a través de una marca que lo ha logrado eficazmente.

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HIPÓTESIS

ficar todo este estudio, se analizará un caso en particular, me refiero a uno de los tantos anuncios, de la marca Coca-Cola, en la que la imagen juega parte importante para lograr comunicar y sobre todo impregnar en los espectadores.

análisis antes planteados, leyes y principios validados y comprobados para ser aplicados a casos particulares.

podrem o s comprender como es que la imagen publicitaria logra ser efectiva para llamar la atención del público, logrando con éxito la promoción de la marca o bien despertar el deseo en las personas de querer adquirir o comprar un producto.

Finalmente, con la finalidad de justi-

En este método todo el empeño de la investigación se basa en las teorías recolectadas, no en lo observado ni experimentado; se parte de una premisa para esquematizar y concluir la situación de estudio, deduciendo el camino a tomar para implementar las soluciones.

PREGUNTAS DE INVESTIGACIÓN

¿Qué es la fotografía? ¿Cuál es la diferencia entre comercialización y promoción? ¿Qué es la imagen publicitaria? ¿Cuál es la relación de la fotografía en la imagen publicitaria? ¿Cuál es la importancia de la imagen publicitaria? ¿Cuáles son las características de una imagen publicitaria? ¿Cuáles son los elementos para crear una imagen publicitaria?

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JUSTIFICACIÓN Esta investigación es realizada principalmente para poder entender, como es que el buen uso o el uso correcto de la imagen puede servir, no solo para llamar la atención de la gente como un método para poder promocionar una marca o producto, sino que también para poder venderlo y a través del análisis de una marca que exitosamente a logrado ser reconocida, gracias al uso de la imagen promocional, Coca-‐Cola, queremos probar que la imagen publicitaria realmente funciona, decidimos elegir esta marca de entre todas las existentes, ya que consideramos es el mejor ejemplo del buen uso de la imagen, ya que ha logrado impactar en una gran cantidad de espectadores a nivel mundial.

Como jóvenes diseñadores también pensamos en un tema de investigación que una vez comprendido pudiera ser funcional ya sea a otros diseñadores, comunicólogos o incluso a cualquier persona interesada en el ámbito del marketing.

Funcionando como una guía para proyectos profesionales en relación al tema, aplicando cada uno de es-

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tos conocimientos se pretende que la persona interesada en el tema logre conseguir resultados satisfactorios, ya sea integrándolos a una campaña publicitaria, como en la creación de anuncios publicitarios.

CONTEXTO GENERAL Comprender a través de este artículo de investigación como es que la imagen publicitaria logra ser efectiva ya sea para la promoción o la comercialización de algún producto. Así como demostrar la veracidad de esta investigación a través del análisis de un caso real, reconocido mundialmente, la marca CocaCola.

NIVELES DE INVESTIGACIÓN Explicativo: Es el tipo de investigación que se utiliza con el fin de intentar determinar las causas y consecuencias de un fenómeno concreto. Se busca no solo el qué sino el porqué de las cosas, y cómo han llegado al estado en cuestión.

RESULTADOS La fotografía se define por su historia, como el intento de un acercamiento a la realidad a través de la imagen. Al hablar de imagen considero importante citar a Jaques Aumont, quien en su libro la imagen la define como: “Un objeto producido por la mano humana, en cierto dispositivo y siempre para transmitir a su espectador, de forma simbolizada, un discurso relacionado con el mundo real.”

Otra forma de entender la fotografía es como huella de la realidad.

“Una superficie fotosensible, expuesta a la luz, será transformada por ella, provisional o permanentemente. Conserva la huella de la acción de la luz.

La fotografía empieza cuando esta huella se fija más o menos definitivamente, se finaliza con vistas a cierto uso social.” (Aumont, 1992)

MARKETING

PLAN DE MARKETING Una empresa debe tener un plan de marketing definido para desarrollar con éxito, comunicar, vender y finalmente, entregar los productos y servicios. Basándose en la investigación, un plan de marketing escrito identifica a los clientes potenciales y los medios posibles de comunicación para llegar a un cliente objetivo identificado.

PROMOCIÓN

El marketing o comercialización es el proceso general de comunicación y entrega de productos a un público objetivo a través de la mezcla de mercadotecnia del producto, el precio, el lugar y la promoción.

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La promoción (también conocida como comunicación) hace referencia al conjunto de actividades que permiten comunicar, informar, dar a conocer o hacer recordar la existencia de un producto (incluyendo sus características, beneficios y marca) a los consumidores.

La promoción tiene como objetivo general influir en las actitudes y comportamientos del público objetivo a favor de los productos y de la empresa que los ofrece.

Esto significa que la promoción puede influir: si tomamos en cuenta la definición de actitud, de Kimball Young , en la tendencia o predisposición que tienen las personas a responder de un modo bastante persistente y característico, por lo común positiva o negativamente (a favor o en contra), con referencia a una situación, idea, valor, objeto o clase de objetos materiales, o a una persona o grupo de personas. moción (Marketing, 2009, Pág. 464).

IMAGEN PUBLICITARIA

La imagen publicitaria es el recurso usado en las campañas de publicidad para elaborar una pieza de divulgación capaz de incentivar la decisión de compra en el consumidor a partir de las transforma a través de lo social.” percepciones visuales.

(Dijk ,1980, p. 273) Captar la atención de potenciales compradores y clientes es algo que constantemente se proponen las marcas. Para lograrlo se valen de diferentes estrategias y elementos y una de las más importantes es la imagen publicitaria.

La imagen publicitaria es considerada como un tipo de fotografía que está compuesta por dos mensajes: denotativo y connotativo. La denotación no admite artilugios, es

decir, simplemente deja claro el producto que anuncia mientras De hecho, antes del surgimiento que la connotación, apela a las de la radio y la televisión, las imá- emociones y a la seducción, lo genes, junto a los diferentes ti- que convierte al producto en pos de textos, eran el santo grial algo atractivo. de la publicidad. Al ser publicadas en revistas y periódicos de Este tipo de fotografía se difergran difusión, permitían impactar encia del resto de técnicas en y llegar a amplias comunidades el hecho de que no necesariade usuarios. mente tiene que representar a la realidad, solamente crear una “Cada discurso se articula según escena. Esto significa que se las exigencias del contexto. Un busca captar la imagen idónea estudio pragmático de la publi- para el éxito de la campaña pubcidad conlleva a establecer las licitaria. reglas que se utilizan en cada texto según su contexto, es así Por ello las empresas deciden como la pragmática se puede trabajar con fotógrafos que tenusar para hacer un estudio acer- gan experiencia, creatividad e ca de la publicidad, específica- imaginación pues la idea del dimente la imagen fija, la estruc- rector creativo de una empresa tura discursiva de la publicidad puede existir, pero finalmente es se asume como funcional en el el fotógrafo quien hace toda la contexto porque se construye y magia.

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IMPORTANCIA

DE LA IMAGEN PUBLICITARIA ¿No has notado que las personas que aparecen en las imágenes publicitarías están muy sonrientes o, en cambio, muestran claramente dolor o preocupación?

Esto se debe a

PRECISIÓN

IMPACTO Cuando se trata de generar una conexión real con el usuario, este recurso publicitario resulta de gran valía. Una buena imagen publicitaria no pasa desapercibida y, en cambio, impacta a los posibles compradores y clientes.

Nos referimos a ese popular refrán que alega que “una imagen vale La imagen más que mil palabras”. Si bien los textos publicitarios tampoco paspublicitaria es un an de moda, generalmente son recurso valioso, que ha acompañados con imágenes debido a que este resumen sabido adaptarse a las difel mensaje y lo hacen más erentes épocas y tendencias. preciso.

GRAN DIFUSIÓN

Entre los aspectos que reflejan SUBLIME su importancia para las marcas se encuentran los sigui- Para que una imagen publicitaria sea única y memorable entes: es importante determinar un

Una de las grandes ventajas de una imagen publicitaria es que su flexibilidad le permitirá ser difundida en diversos canales digitales.

Incluso, una misma imagen puede emplearse tanto para campañas en línea como tradicionales. Esto garantiza una gran difusión y aprovechamiento con una menor inversión.

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que su m i s ión es generar una emoción en el usuario.También resulta una muy buena idea optar por una imagen publicitaria de moda, es decir, que incluya elementos o personajes que son tendencia.

“camino creativo” que sea atractivo y llamativo. Por ejemplo, se puede hacer alusión a aspectos de la vida real o comparaciones de forma humorística o a través de elementos que evoquen sentimientos.

“Creatividad realizará un trabajo de calidad si puede comunicar de forma original y simple los objetivos de marketing” ((Mirandes, Narcís, 2000).

ANÁLISIS

“Siente el sabor” de la nueva campaña global de Coca-Cola/coke-taste-the--feeling.

TIPO DE PUBLICIDAD PRODUCTO Y DESTINATARIOS Esta imagen es una de las tantas, sacadas por parte de CocaCola para su campaña “TASTE THE FELLING” en español “SIENTE EL SABOR”, curiosamente varias de estas, cuentan con el mismo elemento a destacar, la chica.

Lo primero que nos encontramos en este anuncio publicitario son tres botellas de Coc Cola, una chica atractiva de sonrisa picarona y el logo de coca cola, es una imagen que bien se lee de derecha a izquierda, la inclinación de las botellas te incita a empezar por ahí. Aunque todos sabemos que CocaCola es para toda la familia, este anuncio conecta mucho más con el público masculino, específicamente adulto, la protagonista es una chica con ciertas características, las cuales indagaremos más adelante, pero por consecuente logra llamar la atención con mayor facilidad a este tipo de destinatario, tan solo si conectamos dicha frase con la chica, podemos darnos una idea de aquello que quiere que comprendamos, básicamente se hace uso de esta palabra para fomentar el doble sentido, lo cual es difícil que una chica o un niño logre comprender.

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El tipo de publicidad de esta imagen es cualificación, ya que se pretende añadir un valor a la marca u producto, en este caso la Coca-Cola, precisamente Coca-Cola se ha vuelto famosa al lograr otorgarle un valor a la marca, todo a partir del uso de los valores y emociones, todas positivas que estas intentan generar al receptor. Ahora profundizando en la imagen podemos encontrarnos con un discurso, la imagen nos tiene algo que contar, aquí es donde aplica la frase “Una imagen dice más que mil palabras”, la imagen por si sola dice mucho, no solo nos transmite, sino que también logra narrarnos aun siendo estática, pero ¿A qué me refiero con imagen? ¿Qué partes podrían ser consideradas como una imagen? Si recuerdas aquellos puntos que ya señalamos en el transcurso de este trabajo de investigación, podemos concluir que la imagen publicitaria es todo aquello que percibimos dentro de este anuncio publicitario, todos los elementos que la componen, partiendo del texto como la fotografía.

ANÁLISIS NARRATIVO En este apartado tal y como su nombre lo indica, realizaremos la lectura de la imagen, partiendo desde la chica, que es la más sobresaliente, pero que, sin embargo, para llegar a ella, primero observamos las tres

Coca-Colas. Y Bien, la chica tiene un vestuario muy demostrativo, dicho de otra manera, fresco, el sol le pega en el cabello, también podemos apreciar que el sol se refleja en las botellas de Coca-Cola, lo cual nos indica que la mujer se encuentra en un día caluroso, pero tanto ella como las botellas, no parecen estar fatigadas por el clima, no te da esta sensación de atosigues, sino al contrario se miran refrescantes, sobre sale esta característica en ambos elementos a todos nos fascina la idea de tomarnos algo helado, pues esta imagen publicitaria se realiza precisamente para evocar esta sensación. Piénsalo un momento, pasas por la calle en verano, un día caluroso mientras vas por la calle y observas este anuncio, dándote la sensación de frescura, te provoca un enorme antojo por tomarte una fría y rica Coca-Cola.

La seducción, si después de ver esta imagen publicitaria vas directo a por una Coca-Cola, al elegir la Coca-Cola ¿No estarás eligiendo a la chica? Es interesante el cómo funciona la mente del hombre y como Coca-Cola logra jugar con ella completamente a su favor.

LA TRAGEDIA

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CONCEPTUALIZACIÓN

LA

TRAGEDIA “Cualquier cosa puede ser una obra de Arte. No está definido por el soporte o los medios de producción, sino por la aceptación colectiva de que pertenece a una categoría de la experiencia que hemos llegado a denominar Arte. “ (White. 2011)Sin duda, no hay ámbito de la vida humana que no haya sido abordado por alguna de las Artes, en este caso, veremos como se traduce a través de la pintura, una de esas sensaciones y conceptos tan humanos, que están tan arraigados al hombre como ser, que trasciende el tiempo y se vuelven universales; y ésta es La Tragedia y su interpretación pictórica a cargo de MiSa, para ello también nos adentraremos en los simbolismo que nutren la obra, los cuales están presentes en la figuración y el color; desde ese punto de vista, encontraremos ciertas virtudes muy características de la pintura de MiSa. La Tragedia es una obra de carácter expresionista, con fuertes influencias de la Escuela de Pintura Mexicana, el Expresionismo, la Ruptura y Picasso. Se trata de un acrílico sobre tela, con un formato de 80 x 60.

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Según MiSa, la obra se crea desde el concepto; desde esa primicia, es que enlaza “la tragedia” con algo mitológico, casi clásico, en lo cual mucho influye Picasso, así como en el resto de su trabajo; desde esa idea de la tragedia como algo universal y atemporal, es que, anonadado por el mundo del Arte Clásico, decide resolver a partir de un apunte de una máscara de teatro clásica; el rostro de la figura humana en la obra; así pues su referente principal es una representación de la tragedia, de esa manera; humaniza la máscara, pero, para no perder el misticismo y la idea de la máscara como algo anónimo o que le puede ocurrir a cualquiera, es que deja blancas las cuencas de los ojos.

ESCUELA DE PINTURA MEXICANA La influencia de la Escuela de Pintura Mexicana en la obra de MiSa, es indudable, pues construye desde el color, esa es la base de su pintura, además de tratar sus temas desde la cosmovision del hombre y tomando como referentes a Rivera y Orozco, pues éstos también llegaron a tratar conceptos clásicos y como afirma Charlott (1985) “Como conviene a un movimiento nacido de una revolución, el renacimiento del Mural se apoyó fuertemente en el indigenismo; pero mientras que el término puede cuestionarse por sus implicaciones políticas, su significado resulta impecable en el nivel estético”.

EL

EXPRESIONISMO MiSa es sin duda un pintor expresionista, dentro de su figuración, el rostro y la mirada son los protagonistas de su pintura, la mirada perdida, frenética o como en este caso trágica. La ausencia de los ojos es tan brutal como cuando los pinta llenos de color y frenesí; bajo dicho precepto, MiSa encaja con la definición de Padberg (2016) sobre los expresionistas; el nuevo artista es y tiene que ser él mismo por encima de todo. Ha de ser creador y tiene que poder construir, desde su soledad, la base sin utilizar todo lo anterior ni lo tradicional. Entonces es el nuevo artista” COLOR Dentro del simbolismo del color, podemos decir que el azul es un color que suele asociarse a la tristeza y a la melancolía, sobre todo, pensando en MiSa, como un seguidor de Picasso y sobre todo de su tan afamado y brutal periodo azul, serie de pinturas expresionistas. Con todo ello, es que podemos resolver el porqué del uso del Azul en “La Tragedia”. Otro elemento de composición importante en ésta obra es la tela en tonos Azul pastel que se asoma en la esquina como acento y complementando la paleta de azules, negros y grises del fondo, ubicando a la tela en primer plano. La paleta es rica en rojos y rosas, inclusive, MiSa afirma que la paleta esta inspirada en un apunte de Picasso, quien es una gran influencia en el pintor.

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MÉTODO DE INVESTIGACIÓN: INDUCTIVO: Se refiere a la formulación de hipótesis basadas en lo experimentado y observado de los elementos de estudio, nosotros de manera similar llevamos a cabo la experimentación basándonos en toda la teoría y herencia Pictórica del pasado, con la particularidad de que un buen resultado (al menos en éste campo), no siempre es el esperado, pues es un área subjetiva, la premisa bajo la que se guía la experimentación es la misma de la investigación completa: una serie de Pintura Figurativa Contemporánea. DOCUMENTAL: Buena parte de la investigación está fundamentada en lo acontecido en el pensamiento del siglo XIX y la pintura del siglo XX, por eso mismo, recurrimos a las fuentes de registro, así como a la teoría que acompañaba a dichas muestras pictóricas.

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METODOLOGÍA DEL DISEÑO APLICADA: BRUNO MUNARI: Consideré la metodología de Bruno Munari la más apropiada la investigación, pues primero se centra en definir el problema y sus componentes, que en este caso seria la teoría y la historia de la pintura. Después se recopila y discrimina información, una vez teniendo todo ese bagaje, se procede al proceso practico-creativo, donde llevaremos a cabo la experimentación y el análisis de los medios, materiales, soportes, etc. Si se procede de ésta manera, se consigue un gran equilibrio entre una buena teoría o justificación y un resultado visiblemente bueno en la practica, como ultimo paso, es esto mismo y es la verificación.

CONCLUSIONES Me gustaría concluir el artículo con el texto que abría “Espejo, Memoria, Percepción”, la primera exposición individual de MiSa, en Agosto del 2019, escrito por el pintor Mariano Ramírez Avendaño, maestro de MiSa. ESPEJO – MEMORIA – PERCEPCIÓNMIGUEL SANDOVAL - MISA Miguel Sandoval-MiSa es un joven artista apasionado del dibujo y la pintura.

En su obra resalta los valores de la forma, el color y la expresividad de sentimientos. Misa tiene influencia de grandes expresionistas como José Clemente Orozco, Otto Dix y Egon Schiele. Su tema central es la figurahumana, el retrato y el autorretrato, los modelos son seres queridos o a veces personajes imaginarios. En sus desnudos no hay sentimentalismos, sonretratos de una sinceridad no embellecida superficialmente.

Por medio de la pintura Miguel Sandoval realiza una búsqueda del yo,percibiéndose en el espejo del autorretrato y también de la memoria. La búsqueda del yo está presente en toda su obra.

Así como al pintor Lucian Freud le interesaba plasmar en sus retratos laexpresión del rostro y el cuerpo de las personas, Miguel Sandoval lo ha logrado por medio de la disciplina y la pasión en esta su primera exposición individual Espejo-Memoria-Percepción.

Mtro. Mariano Ramírez AvendañoCDMX, 02 de agosto de 2019

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BIBLIOGRAFÍA Cuevas, J. (1988) La Cortina de Nopal (Ruptura). México; Catálogo de la exposición, Museo de Arte Alvar Carrillo Gil, México. Micheli, M. (2002) Las Vanguardias artísticas del siglo XX. España; Alianza Editorial. Padberg, M. (2016) Schiele. España; Éditions Place Des Victoires.Del Conde, T. (2003) Una visita guiada. México; Plaza Janés.White; K. (2011) 101 cosas que aprendí en la escuela de artes.

España; Gustavo Gili.

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Di Diseño Edit Editorial su adaptación y aplicaciones a medios digitales pinterest.com

Se puede definir al diseño editorial como una rama en la que el diseñador se enfoca en maquetar, componer y ordenar texto, aunque se encarga igual del diseño de libros, revistas, periódicos, carteles o infografías.

Su objetivo principal es lograr armonía entre la composición, el texto, gráficos e imágenes. Necesita tanto de creatividad como de conocimiento en el área para lograr el interés de un determinado y que la información presentada sea fácil de comprender y se complemente con los más elementos visuales.

Es el que se encarga de armar un concepto visual y estético a partir de la palabra y el contenido. Se encarga de la comunicación de una voz individual a una recepción masiva.

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Su intención es transmitir con legibilidad los diferentes tipos de textos.

Cada tipo de publicación es totalmente diferente a otra. La tarea de su diseño está en lograr publicaciones factibles y eficaces, desde un punto de vista económico, material y editorial, considerando todo esto desde la creación del proyecto y el desarrollo, reproducción, distribución y consumo.

Para poder comprender su evolución y adaptación con el tiempo es necesario analizar el por qué surgió, qué necesidad debía de satisfacer y bajo qué contexto comenzó a tener una función.

Además de observar la importancia que tiene como medio de información, entretenimiento, propaganda y difusión.

El diseño editorial se ha caracterizado, la mayoría de su existencia,por presentarse en medios impresos, sin embargo, a lo largo de los años se ha adaptado a tendencias, nuevos medios y se ha fusionado junto con otras áreas del diseño, e incluso disciplinas.

El primer registro que se tiene sobre acomodar un texto bajo cierto orden y composición es de los egipcios.

Ellos generaron lo que se podría llamar una “protoretícula” a base de columnas e ilustraciones intercaladas con cierto orden. El soporte que ocuparon aún no era papel, sino el papiro.

Esta era la planta de cuyo tallo se obtenía, era un rollo continuo pegado en sus extremos.

Se almacenaban en unos cilindros como protección y se solía emplear hollín para el cuerpo de texto.

Posteriormente fueron los monjes amanuenses los encargados de transcribir las obras en los monasterios, principalmente de origen religioso, durante la Edad Media.

La dedicación de estos monjes dio al nacimiento de varios aspectos del diseño editorial que hoy seguimos ocupando.

•Antecedentes Ellos ocupaban varias columnas, justificaban a la izquierda, empleaban jerarquía tipográfica en la página y se guiaban por los márgenes. Contaban en sus filas con artistas reconocidos que “iluminaban” las obras. Lo cual se refería a ilustrar a mano las obras.

Esta tendencia dio lugar a obras conocidas, cuyas ilustraciones provocó que se “replicara” abundantemente. Al día de hoy se conservan más de 30 completos.

Así fue que surgió el diseño editorial como necesidad, la cual era documentar acontecimientos, historias religiosas, y conocimientos que se iban adquiriendo.

Ese es el propósito y significado del texto: registrar. Y así mismo también es el propósito del diseño editorial.

Una publicación de tipo editorial puede educar, informar o entretener. Por eso mismo, dicha rama del diseño se puede considerar como “Una forma de periodismo visual, pues es este el rasgo que lo distingue más fácilmente de otras disciplinas del diseño gráfico y de formatos interactivos” (Caldwell, 2016, pág. 8)

•Contexto Actual Actualmente el diseño gráfico, en contexto general, cuenta con gran potencial, en cuanto a talento y conocimiento se refiere. Pues debido al consumo y nacimiento de nuevas empresas, se necesita del conocimiento y habilidades que los diseñadores tienen, a demás de aportar algún valor al diseño requerido.

En cuanto a medios impresos se refiere, la mayoría, se han mudado a plataformas digitales o se mantienen en ambos formatos. Un buen ejemplo de esto son los periódicos, no han dejado de producirse de manera impresa, sin embargo, los usuarios de este también

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lo consultan en línea, donde también sigue el orden de una composición, porque jerarquizan el texto con diferentes fuentes sus, acomodan imágenes y gráficos.

Los libros son otro ejemplo de cómo afecta la tecnología, en este caso, ya existe un dispositivo exclusivo para estos. El Kindle, fue diseñado para que la lectura sea cómoda, su pantalla no es brillas para no cansar la vista y su tamaño ergonómico que permite llevarlo a todos lados. Es una incluso ecológica, para disminuir el consumo de papel. Y en este caso los libros no tuvieron que hacer cambios tan radicales en cuanto a su diseño, sólo cambiaron de formato. amazon.com/kindle

Las redes sociales también tienen un rol importante, no sólo porque hay algo editorial en el diseño de estas, sino que muchas marcas y empresas difunden su información e imágenes por medio de estas redes.

Cabe destacar que también, muchas revistas, gacetas, infográmas, entre otros, sólo existen en formato digital y ocupan las redes sociales cómo su medio de difusión o se encuentran exclusivamente ahí.

Son una herramienta muy útil, para informar y se pueden aprovechar al máximo para el uso de la creatividad y generar contenido.

Sus características principales y por las que se ha podido adaptar tan fácil a los medios digitales:

•Conclusiones.

El diseño editorial ha sido una de las ramas del diseño que mejor se ha sabido adaptar a nuestra era digital y la han sabido explotar como herramienta.

•Se encarga de darle forma y composición a un texto.

Ha dado nuevos recursos y tendencias al mundo del diseño para poder expandirse y enriquecerse como disciplina.

•Se ocupa en diversos medios, desde entretenimiento hasta educativo.

También ha hecho que los medios impresos evolucionen y no sólo se propaguen por un medio, sino que pueden alcanzar a más gente gracias al internet, ya sea para fines educativos, de entretenimiento u otros.

•Utiliza imágenes o ilustraciones como apoyo y para complementar el texto.

•Se puede adaptar a medios impresos o digitales.

•Ocupa casi cualquier formato.

•Necesita de retículas para guiar la composición.

•El uso de colores, tanto en impresión como en pantalla.

•El tamaño de las fuentes ayudan a jerarquizar el texto.

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Un ejemplo que resultó de esta investigación, es una gaceta cultural, que inicialmente fue diseñada para imprimirse, sin embargo, con un par de modificaciones, se pudo adaptar para ser una gaceta digital, cómo de verse en el celular o tablet.

Bibliografía: Álvarez, D. (2015) Diseño Editorial: Lo que deseas saber. España ;The sign hous.

Cadwell, C. (2014) Diseño Editorial. España; Editorial Gustavo Gill.

Design Museum (2010) Cómo diseñar un tipo. España; Editorial Gustavo Gill.

De Buen Unna, J. (2014) Manual de diseño editorial. España; Editorial Trea.

Lucy Valencia

Realizado en el 2020 CDMX, MĂŠxico Agradecimientos a la Dr. Adriana Vigueras VillaseĂąor por todo su apoyo.

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