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LOTE 1

manolo valdés / españa /

Paolo, Ed. 26/50 • grabado/papel • 39 cm x 29.5 cm


LOTE 2

ROBERTO GONZÁLEZ GOYRI / Guatemala / De la serie “Guerrero Pájaro”: Sin Título dibujo/papel, técnica mixta • 43 cm x 33 cm • 1990


LOTE 3

MAGDA EUNICE SÁNCHEZ / guatemala / Sin Título • tinta/papel • 22 cm x 15 cm • 2004


LOTE 4

José pablo solís / Costa rica / Centro-Calido • acrílico/tela • 100 cm x 110 cm 2007


LOTE 5

carlos oviedo / méxico / Lisha • óleo/tela • 90 cm x 110 cm • 2008


LOTE 6

rolando ixquiac xicará / guatemala / De la serie: “Goree” • óleo/tela • 33.5 cm x 33 cm 1985


LOTE 7

dagoberto vásquez / guatemala / Familia • óleo/tela • 50 cm x 35.5 cm • 1986


LOTE 8

carlos cruz diez / venezuela / Chromointerfèrence serie “Alicia” 2 -Ed. 4/8 Serigrafia en plexiglas • 50 cm x 60 cm • 2008


LOTE 9

elarf lópez / perú / Sin Título • óleo/tela • 91.5 cm x 122 cm • 2008


LOTE 10

ALEJANDRO OBREGÓN / Colombia / De la serie: “Las Comuneras” • acrílico/ madera 49 cm x 60 cm • 1974


LOTE 11

HernÁn Sosa / Perú / Sin Título • óleo/tela • 100 cm x 120 cm • 2006


LOTE 12

Marco Valencia / el salvador / Río al medio día • óleo/tela • 199 cm x 132 cm • 2008


LOTE 13

roberto galicia / el salvador / Paisaje Milenario • acrílico/tela • 114 cm x 195 cm 1992


LOTE 14

marco augusto quiroa / guatemala / Sin Título • acrílico/durpanel • 81 cm x 60 cm • 1986


LOTE 15

HUMBERTO GARAVITO / GUATEMALA / Sin Título • óleo/tela • 98.5 cm x 94 cm


LOTE 16

CLAUDIO GALLINA / ARGENTINA / Arquitectura de la Infancia • óleo y acrílico/tela 120 cm x 120 cm • 2006


LOTE 17

carlos jacanamijoy / colombia /

Medio día IV • óleo/tela • 45 cm x 40 cm • 2008


LOTE 18

hugo suyo / perú / Sin Título • óleo/tela • 40.5 cm x 51 cm • 2004


LOTE 19

Benjamín cañas / el salvador/ Sin Título • óleo/madera • 36 cm x 54 cm • 1970


LOTE 20

dagoberto vásquez / guatemala/ Toros • óleo/mazonite • 80 cm x 60 cm • 1991


LOTE 21

luis gonzález palma / guatemala/ El no la veía como, Ed. 5/10 • película ortocromática, lámina de oro y resina • 89 cm x 86.5 cm • 2004


LOTE 22

pedro trueba / méxico / Saliendo del movimiento • acrílico/ tela • 150 cm x 200 cm


LOTE 23

Fernando de szyszlo / perú / Ronda nocturna • óleo/ tela • 120 cm x 120 cm


LOTE 26

juan francisco tun / guatemala / Sin Título • pintura industrial acrílica/tela • 66 cm x 62 cm 1979


LOTE 27

Jaime Arimany / guatemala / Sin Título • técnica mixta/tela • 50 cm x 60 cm


LOTE 28

magda eunice sánchez / guatemala/ Sin Título • crayón de color/ papel • 1987


LOTE 29

carlos estévez / cuba / Los Ministerios, los monasterios y otros misterios • acuarela y lápiz/papel negro • 131 cm x 90.6 cm • 2002


LOTE 30

roberto gonzález goyri / guatemala/ Sin Título • acrílico/mazonite • 36.5 cm x 23 cm • 1965


LOTE 32

José bedía / cuba / Nkuyo • óleo/tela • 60 cm x 122 cm • 2000


LOTE 33

Pedro ruiz / colombia / The smokey life • acrílico/ tela • 100 cm x 150 cm • 2008


LOTE 34

elmar rojas / guatemala / Temas de Vendedoras • óleo/tela • 74 cm x 74 cm 1994


LOTE 35

manolo valdés / españa / Silvana, Ed. 24/50 • grabado/papel • 45.5 cm x 32 cm.


LOTE 36

josé luis cuevas / méxico / Carta de Blanes, Ed. 89/100 • grabado/papel 76 cm x 56 cm


LOTE 37

Darlan Rosa / brasil / Sin Título • aluminio • 50 cm x 50 cm x 50 cm • 2007


LOTE 38

hernan camargo / colombia / Mandarinas (díptico) • óleo/tela • 89.5 cm x 54.5 cm c/u


LOTE 39

josé luis cuevas / méxico / Figuras • grabado/papel (Ed. 12/15) • 37 cm x 19 cm


los artistas de


JAIME ARIMANY Guatemala, 1908 - 1995

Estudió en la Academia Nacional de Bellas Artes en Guatemala, la Academia San Carlos en México, la Ottis Academy, Los Angeles, California y en el Metropolitan Museum en San Francisco, California. Su obra se ha exhibido en Guatemala en la Academia Nacional de Bellas Artes (1942 y 1968); el Salón Arcada (1952); la Cámara de Comercio Guatemalteca (1972), la Sala Enrique Acuña (1974) y Galería “El Túnel” (1982). Por su trabajo recibió en 1931 el Primer Premio de la LV Exposición de la Academia Nacional de Bellas Artes y en 1940 el Gran Primer Premio Internacional, The Arts and Crafts Club, New Orleáns, así como segundos premios y menciones honoríficas en varias exposiciones nacionales. La obra de Arimany adolece, como es el caso de muchos otros artistas nacionales, de un profundo estudio sobre sus motivaciones esenciales y su papel en el escenario artístico guatemalteco del siglo XX. Sin embargo, es innegable el lugar que le corresponde en el desarrollo de una tradición académica que se centró en el paisaje como una manera de exaltar los valores nacionales. En los años 50, junto a otros artistas nucleados alrededor de la Litografía Zadik, entre los que se encontraban Jacobo Rodríguez Padilla, Hillary Arathoon, Humberto Garavito y Alfredo Gálvez Suárez, entre otros, protagonizó el proceso de difusión y democratización de obras de arte que esta empresa nacional desarrolló. Fue así como llegaron masivamente, a miles de guatemaltecos sus paisajes impresos en calendarios y tarjetas postales que aun hoy adornan negocios y casas en la capital y el interior del país. Obras suyas se encuentran en las principales colecciones privadas de Guatemala.

JOSE BEDIA

Cuba, 1959. Vive y trabaja en Estados Unidos. Su trabajo comenzó desde muy temprano a reflejar un interés en la cultura autóctona de Africa y América, así como el impacto de la primera en la formación de la identidad nacional cubana. Bedia ha sido considerado el más importante referente del arte cubano de las décadas del 80 y 90, y su obra fue vital para la formación de una generación de creadores jóvenes que siguieron sus pasos. Actualmente, con un trabajo consolidado, es valorado como uno de los artistas latinoamericanos vivos más importantes y su obra es apreciada cada vez más en el mercado internacional del arte. Ha viajado por todo el mundo, relacionándose con culturas nativas de Estados Unidos, América Latina y Africa. Paralelamente a su trabajo, y como parte de él, atesora una colección importante de arte tribal de los sitios que ha visitado y las culturas que lo han marcado. Sus obras han sido exhibidas en numerosas exposiciones personales y colectivas, incluidas las bienales de Sao Paulo y Venecia, además de en muestras que han marcado las profundas reflexiones que ha provocado el arte latinoamericano, entre ellas la de artistas latinoamericanos del siglo XX en el Museum of Modern Art (MOMA), NY. Su obra es parte de las más importantes colecciones públicas y privadas alrededor del mundo, entre las que destacan Inter-American Development Bank, Washington; Centro Cultural de Arte Contemporáneo, México; Fogg Art Museum, Harvard University, J.P. Morgan Chase Collection; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D.C.; Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC), Badajoz; Museum of Contemporary Art (MOCA), Los Ángeles; Ludwig Forum for Internationale Kunst, Alemania, Miami Art Museum; MARCO, Monterrey; Museo Nacional de Bellas Artes, Cuba; Pori Taidemuseum, Finlandia; Solomon R. Guggenheim Museum, NY; The Museum of Modern Art, (MOMA), NY; Whitney Museum of American Art, NY y Tate Gallery, Londres.

HERMAN CAMARGO Colombia

Ha exhibido sus piezas en exposiciones individuales y colectivas, en su país y en el extranjero. Una de las más importantes fue Maestros de Latinoamérica: Selecciones de la colección Joan Milton Bagley, que se inauguró en el Museo de Boca Ratón en el 2006. Su obra pertenece a prestigiosas colecciones públicas y privadas.

BENJAMIN CAÑAS

El Salvador, 1933 – Estados Unidos, 1987 Estudió en la Universidad Nacional de El Salvador, en la Escuela de Bellas Artes de El Salvador y en la Escuela de Artes Plásticas de Corcoran en Washington. Sus obras han sido expuestas en numerosos museos de su país y el extranjero, entre ellos en las sedes de la OEA y el Banco Interamericano de Desarrollo. Una exposición antológica del artista fue realizada en el Museo de Arte de las Américas en Washington, entre marzo y mayo de 1989, ocasión en la que se presentó el libro Benjamín Cañas, escrito por la importante crítica venezolana Bélgica Rodríguez. Cañas es considerado uno de los más importantes artistas centroamericanos y su obra, aunque aun poco estudiada, ha marcado definitivamente el desarrollo del arte salvadoreño y regional. Importantes colecciones públicas y privadas de muestran su trabajo, entre ellas se destacan el Museo de Arte de las Américas en Washington y el Museo de Arte de El Salvador (MARTE).


CARLOS CRUZ DIEZ

Venezuela, 1923. Vive y trabaja en Francia Estudió en la Escuela de Artes Plásticas y Artes Aplicadas de Caracas entre 1940 y 1945. De 1946 a 1951 trabajó en diseño gráfico para varias publicaciones de Venezuela y como director artístico de agencias de publicidad. Entre 1955 y 1956 viaja a París y Barcelona para ponerse al día en la investigación sobre el color. Regresa al país e instala su propio taller de diseño en Caracas. En 1959 crea su primera Phisicromía y luego de exponer exitosamente en el Museo de Bellas Artes un conjunto de obras que se inscribían en la tendencia cinética, marcha a París, ciudad donde reside desde entonces. Ya en Europa integró el grupo Nouvelle Tendence, que dio título a una exposición realizada ese mismo año en Zagreb, Yugoslavia, y en la cual participó con sus phisicromías. La lista de exhibiciones personales y colectivas de Cruz Diez es extensa, tanto como las piezas de arte público que ha instalado en varias capitales del mundo. Entre éstas se destacan las colocadas en diferentes espacios de Venezuela, La Habana y Paris. Asimismo, su obra gráfica, de impresionante calidad, y a la que ha traducido el lenguaje que ha desarrollado en la pintura, está diseminada por colecciones e instituciones de todo el mundo, y adquirir una de ellas constituye el principal vehículo que han encontrado coleccionistas de puntos diversos para incorporarlo a sus acervos. Ha recibido números premios nacionales e internacionales pero el mayor reconocimiento a su trabajo, sin duda, es el de haber sido recogido en la historia del arte latinoamericano del siglo XX como el precursor del movimiento cinético en el continente. Centrándose en las inagotables posibilidades del color, al que considera interactivo, físico y en pleno movimiento, inició en los años 50 una investigación (que aun continúa) sobre la proyección del color como luz en el espacio, que revolucionó la manera de hacer arte en América Latina.

JOSE LUIS CUEVAS México, 1934

Dibujante, pintor, grabador e ilustrador. Su formación ha sido esencialmente autodidacta. Es considerada la figura más importante de la Generación de Ruptura, que tenía un ideario estético, basado en la libertad de expresión tanto formal como temática entre los artistas jóvenes que querían alejarse de la Escuela Mexicana de Pintura, particularmente del muralismo y de su entonces ya anacrónico mensaje de contenido político y social. La primera etapa de su trabajo tiene un carácter expresionista, por la influencia de José Clemente Orozco. Hacia la década de los 60 se revela como uno de los más prestigiosos litógrafos contemporáneos. La literatura ha permeado su obra desde que ilustró Los Mundos de Kafka y Cuevas (Filadelfia: Falcon Press, 1957), libro de lujo considerado como un valioso aporte a la bibliofilia contemporánea. José Luis Cuevas es uno de los grandes representantes del neofigurativismo, forma parte también de la corriente interiorista, a favor de un arte más inclinado hacia la problemática existencial, con una visión neohumanista. En los años 70 consolida su presencia como una de las más originales y polémicas personalidades de la cultura contemporánea mexicana pero se autoexilia en Francia al sentir que es incomprendido en el medio cultural mexicano. En 1976 el Museo de Arte Moderno de Paris le dedica una gran retrospectiva de sus dibujos En la década del 90 realizó un número significativo de esculturas, varias de ellas colocadas en el Museo José Luis Cuevas que fue donado por él y su esposa a la Ciudad de México en 1992. En él se aloja la colección de arte latinoamericano contemporáneo y europeo del artista. Su proyección internacional dio inicio en 1954 al exponer en Washington, D.C. En esos años Pablo Picasso adquirió dos de sus dibujos, iniciando de ese modo el acercamiento de los coleccionistas públicos y privados a la obra de Cuevas. Actualmente las más importantes colecciones a nivel internacional tienen piezas suyas.

CARLOS ESTEVEZ

Cuba 1969. Vive y trabaja en Estados Unidos. Es graduado del Instituto Superior de Arte de La Habana en 1992 y recibió el Gran Premio del Primer Salón de Arte Contemporáneo Cubano en 1995. Ha realizado residencias académicas en la Academia de San Carlos, UNAM, Mexico (1997), Gasworks Studios, Londres, (1997), The UNESCOASCHBERG en The Nordic Artists’ Center in Dale, Noruega (1998), The Massachusetts College of Art, Boston (2002), y en la Cité Internationale des Arts, Paris (2003-2004). Su obra se ha exhibido de manera individual en el Museo de Bellas Artes de La Habana; el Center of Contemporary Art in New Orleans; la PanAmerican ArtProject, Dallas y Miami; Couturier Gallery, LA, USA; Alva Gallery, CT; Gomez Fine Art Gallery, San Juan Puerto Rico; Allegro Gallery, Panamá; entre otras. Su trabajo también se ha exhibido en numerosas muestras colectivas, incluidas la Bienal de La Habana, y la exhibición itinerante Contemporary Art from Cuba: Irony and Survival on the Utopian Island en Arizona State University Art Museum in Temple, USA. Estévez viene desarrollando un sostenido trabajo desde la década del 80, centrándose en preocupaciones esenciales y humanistas, que lo han llevado a explorar la pintura, el dibujo y las instalaciones, colocándolo en el escenario artístico internacional como uno de los artistas jóvenes cubanos que más están enriqueciendo el panorama del arte en el sur de la Florida. Obras suyas se encuentran en numerosas colecciones públicas y privadas entre las que destacan el Museo de Bellas Artes de La Habana, Cuba; The Ludwig Forum, Aachen, Alemania; The Bronx Museum, NY; Drammens Museum for Kunst of Kulturhistorie, Drammens, Noruega; Arizona State University Art Museum; Frost Art Museum, Florida; Fort Lauderdale Art Museum, Florida y Farber Collection, USA.

ROBERTO GALICIA El Salvador, 1945

Estudió Arquitectura en la Universidad de El Salvador, y pintura con el maestro Carlos Cañas. Ha jugado siempre un papel de liderazgo en el escenario artístico salvadoreño, no sólo como artista sino como promotor cultural. Actualmente es el director del Museo de Arte de El Salvador (MARTE) que, sin lugar a dudas, es la más pujante institución de su tipo en toda la región centroamericana. Es uno de los pilares del arte salvadoreño de hoy. Según Fernando Ureña Rib, Galicia, como pintor, “cultiva el tratamiento afinado de las superficies, rugosas, dobladas, alisadas o desgarradas por la erosión o la pátina del tiempo. Se trata de pliegos, iluminados generalmente sobre fondos oscuros, estropeados por el uso, salpicados, o cuidadosamente dispuestos sobre un cordel. Su trabajo recorre los caminos entre abstracción y figuración, entre tradición y modernidad, aseverando con su obra que el arte es atemporal, eterno”. Su obra pertenece a numerosas colecciones públicas y privadas y ha sido reproducida también en Encuentro con la Pintura de El Salvador, editada por la Pinacoteca del Banco Cuscatlán.


CLAUDiO GALLINA Argentina, 1964

Egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredon”, cursó estudios de escenografía en el taller del Teatro Colón con el profesor Lerchundi y asistió, además, al taller de Osvaldo Attila, Cristina Santander, Armando Sapia y Norberto Russo, entre otros maestros argentinos. Desde 1989 ha exhibido su trabajo en Argentina, Estados Unidos, México, Uruguay y Venezuela. Según el crítico Albino Diéguez Videla “Claudio Gallina se interroga a medida que pinta y haciéndolo convierte a sus telas en verdaderos argumentos. Dentro de muchos años estas obras informarán sobre el final de un mundo de pizarrón y tiza, de bancos de madera y libros de papel. Cuando esto sea una referencia histórica las pinturas dirán -con la naturalidad con que lo sigue haciendo un grafitti pompeyano- cómo fueron los años de arranque del siglo XXI en la Argentina y en el resto de América Latina. Claudio Gallina rasga el velo de la hipocresí­a y su imaginerí­a de rigor clásico revela aquellos demonios que siempre se intentó mantener alejados. La historia surge de la imaginación del contemplador y el resultado final más que inquietar lleva a una sensación de hartazgo, el mismo que se tiene luego de oí­r a algunos de los polí­ ticos que el destino insiste en imponernos”. (“Claudio Gallina. Todo está a la vista”, Arte al Día, Buenos Aires, edición electrónica)

HUMBERTO GARAVITO

ROBERTO GONZALEZ GOYRI

Nació en Quetzaltenango. Se dedicó por completo a la pintura desde los quince años de edad. En 1916 realizó su primera exposición en su ciudad natal. En 1919 viajó a México para estudiar pintura en la Academia de San Carlos. De regreso en Guatemala, en la exposición conmemorativa del primer centenario de independencia en 1921, obtuvo el primer premio, que incluía una beca que le permitió viajar a Europa. Con este apoyo, estudió en la Academia de San Fernando en Madrid. En 1924 se estableció en París, donde se familiarizó con los maestros de las diferentes escuelas francesas, en especial la impresionista. En 1925 expone en la Galería Carmin de París. En 1927 regresa a Guatemala y se hace cargo de la dirección de la Academia Nacional de Bellas Artes. Pintó abundantemente el rico paisaje de Quetzaltenango y Atitlán. En sus obras se pueden admirar perfectas equivalencias entre luz y color, como corresponde a la tradición académica. Aun cuando su trabajo necesita de un estudio a profundidad, no hay dudas de que es uno de los más importantes paisajistas guatemaltecos del siglo XX. En la última década, la obra de Garavito se ha revaluado considerablemente en el mercado guatemalteco, siendo actualmente uno de los artistas más cotizados. Su trabajo se encuentra en las principales colecciones privadas del país y en el Museo de Arte Moderno “Carlos Mérida”. El registro más importante que se ha hecho sobre su obra ha sido el publicado por la Fundación G y T, quien hizo un minucioso trabajo de rastreo de las piezas más importantes de este artista que se encontraban en Guatemala y el extranjero.

Estudió en la Academia Nacional de Bellas Artes de Guatemala entre 1938 y 1948. En 1949 estudió en el Art Students League y en el Sculpture Center en Nueva York, ciudad donde viajó acompañado del artista guatemalteco Roberto Ossaye, a quien le unía una gran amistad. A su regreso dirigió la Escuela Nacional de Artes Plásticas. Desde 1947 su obra se ha exhibido en numerosas muestras personales y colectivas en Alemania, Chile, Ecuador, El Salvador, Estados Unidos y Guatemala, Inglaterra, Italia y otros países. Obras suyas se encuentran en colecciones privadas de Guatemala y el extranjero además de en importantes colecciones públicas entre las que se destacan el Museum of Modern Art (MOMA), NY; Museo de Arte de las Américas, Washington, D.C.; Lowe Art Museum, Miami; Biblioteca Port Royal, Paris y el Museo de Arte Moderno “Carlos Mérida”, Guatemala. Su huella en el arte guatemalteco ha estado estampada también en una buena cantidad de murales colocados en espacios públicos como el Centro Cívico, Banco de Guatemala, Instituto Guatemalteco de Seguridad Social, Crédito Hipotecario Nacional e Instituto Guatemalteco Americano. Roberto González Goyri ha sido maestro de varias generaciones de artistas guatemaltecos y su obra es considerada de las más importantes en la plástica nacional y centroamericana. A su muerte dejó un legado importante para las nuevas generaciones y la historia del arte en el país, así como una huella imborrable en el Instituto Neurológico de Guatemala, de quien fue uno de sus más entusiastas colaboradores.

Guatemala, 1897 – 1970

Guatemala, 1927 – 2007

LUIS GONZALEZ PALMA

Guatemala, 1957. Vive y trabaja en Argentina Estudió Arquitectura en la Universidad de San Carlos de Guatemala. Integró el Grupo Imaginaria con el que participó en exhibiciones dentro y fuera de Guatemala. A partir de 1989, fecha en que se inaugura una exhibición personal suya en el Museum of Contemporary Hispanic Art, Nueva York, su trabajo comienza a ganar notoriedad internacional. Muestras de su obra se han exhibido individual y colectivamente alrededor del mundo, entre ellas en la Bienal de Venecia, Bienal de La Habana, Fotobienal de Vigo, Bienal de Sao Paulo, ARCO y Photoespaña. Su trabajo se encuentra en prestigiosas colecciones, privadas y públicas, entre las que se destacan Art Institute of Chicago; Museum of Fine Arts, Houston, TX.; Centro Cultural de Arte Contemporáneo, México, DF; The Bronx Museum, NY; Musee de la Photographie, Bélgica; Museo de Bellas Artes de Caracas; Maison de L´Amerique Latine, Paris; The Cleveland Center for Contemporary Art, Ohio; The Fogg Museum, Harvard University, MA.; Fonds Nacional D´Art Contemporain, Paris; Center for Creative Photography, Tucson, AZ; Museo de Bellas Artes, Buenos Aires; Biblioteca Luis Angel Arango, Bogotá; Museo de Arte Moderno de Medellín; Museo del Barro, Asunción, Paraguay; Yale Center for British Art, Connecticut y el Centro de Arte Reina Sofia, España. González Palma es el fotógrafo guatemalteco más reconocido a nivel internacional. La impronta de su trabajo ha marcado a generaciones posteriores que retomaron la fotografía como documento o herramienta en la creación de sus propuestas. En los últimos años, el trabajo de González Palma ha tomado un nuevo giro pasando de sus imágenes manipuladas con betún de judea al uso de la película ortocromática. “Jerarquías de Intimidad” es su trabajo más reciente.


ANA MERCEDES HOYOS

CARLOS JACANAMIJOY

Estudió en la Facultad de Bellas Artes en la Universidad Nacional de Colombia y asistió a la Escuela de Bellas Artes de Los Andes. Ha participado en exposiciones colectivas e individuales desde 1968 en Argentina, Brasil, Colombia, Cuba, Chile, España, Estados Unidos, Francia, México, Japón y Venezuela. Su trabajo ha sido galardonado con numerosos premios, entre otros, el segundo premio en la Bienal de Pintura Joven del Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, en 1967; el primer premio en la exposición Espacios Ambientales, Museo de Arte Moderno de Bogotá en 1968; el premio Ciudad de Caracas en el XX Salón de Artistas Nacionales en 1971 y el primer premio en el XXVII Salón Nacional de Artes Visuales, en 1978. Su trabajo pertenece a importantes colecciones en Colombia y el extranjero.

En 1982, inició en Bogotá sus estudios universitarios de arte y de filosofía. Como uno de los artistas jóvenes más talentosos, Carlos nos impresiona con los brillantes colores de sus paisajes abstractos. Según los críticos de su trabajo, sus lienzos, donde se evidencia una especial destreza en el uso del óleo, están impregnados de color, de reflejos y de movimientos. Nada en ellos se acerca a lo que hoy entendemos por figuración; todo en ellos es percepción y agudeza sensorial en refinada y abigarrada elaboración. La evocación de la naturaleza en el trabajo de Jacanamijoy tiene poco que ver con las representaciones del mundo natural que han sido registradas por la historia del arte. En la escena artística colombiana, pocos han sido los exponentes que han tenido el éxito comercial de la obra de Jacanamijoy. Su obra se ha vendido en las subastas de Christie’s en Nueva York y circula en importantes galerías colombianas. Además de las numerosas colecciones privadas de las que forma parte, tienen también piezas en la colección de Arte Latinoamericano del Museo Smithsonian.

Colombia, 1942

Colombia, 1964

ELARF LOPEZ Perú, 1959

Empezó a pintar a la edad de 16 años. Es graduado de la prestigiosa Escuela de Bellas Artes “Carlos Baca Flor”, de la ciudad de Arequipa, en Perú. Su trabajo ha sido inspirado por los grandes maestros, sobre todo Rembrandt, Cezanne y Van Gogh. Elarf pinta al óleo en grandes lienzos, enormes naturalezas muertas. Su arte muestra el contraste entre realidad y suspensión, naturaleza y hombre, dándole a su trabajo un sentimiento de calma y misticismo. Desde 1983, sus obras se muestran en las más importantes galerías de su país. Ha participado en exhibiciones individuales y colectivas en varios países de América Latina y su obra forma parte de colecciones privadas en América, Europa, Africa y Asia.

ALEJANDRO OBREGON

Barcelona, España, 1920Cartagena, Colombia, 1992 De niño vivió en Barranquilla, Colombia. En 1934 estudia en el Museum School of Fine Arts, de Boston. En 1940 se traslada a Barcelona como diplomático y sigue pintando de manera autodidacta. Entre 1948 y 1949 fue rector de la escuela de Bellas Artes de Bogotá. En la década del 40 participa en los más importantes salones de artistas colombianos y en 1947 obtiene el primer premio en el Primer Salón de Artistas Costeños. En 1956 una pieza suya obtuvo el premio Guggenheim Museo Nacional y fue adquirida por la Unión Panamericana de Washington. Ese mismo año el Museo de Arte Moderno de Nueva York adquirió una de sus obras. En 1957 participa en la IV Bienal de Sao Paulo en Brasil. En 1967 participa nuevamente en la Bienal de Sao Paulo donde obtiene el Primer Premio. Su obra pictórica abarca también la realización de varios murales en Colombia y el extranjero. Ilustró libros y realizó ediciones limitadas de sus obras para instituciones y empresas colombianas. Desde 1983 su mural “Amanecer en los Andes” se encuentra instalado en la sede de las Naciones Unidas en Nueva York. Obregón está considerado como uno de los grandes maestros del arte latinoamericano del siglo XX.


CARLOS OVIEDO

HUGO PALMA

Estudió diseño gráfico en la Universidad de las Américas. Viajó a los Estados Unidos donde estudió durante seis años, manteniendo contacto con obras de maestros contemporáneos de nivel internacional, hecho que lo motivó e influyó al grado de desarrollar su técnica pictórica a un nivel insospechado. Después de varios años de carrera, sus obras se encuentran en colecciones públicas y privadas de Colombia, Estados Unidos, Grecia, México, Puerto Rico, República Dominicana y Venezuela. Ha participado en subastas de arte internacionales, y ferias de arte del circuito internacional al lado de grandes maestros de la pintura contemporánea. Su obra se puede apreciar actualmente en galerías de México y otros países, espacios donde se reevalúa su trabajo de manera ascendente y sistemática.

Pintor, crítico de arte, maestro, poeta y escritor. Entre 1960 y 1977 vivió en Italia donde estudió Medicina en la Universidad de Florencia, y cursos libres de diseño e historia del arte en la Academia de San Marcos, también en Florencia. Estudió además pintura al fresco en la Escuela de Artes Ornamentales de San Giacomo, en Roma. Su labor como artista la ha combinado con la de promotor y gestor cultural, como Miembro del Consejo Superior de Cultura del Instituto Nicaragüense de Cultura y como Responsable de Artes Plásticas del Instituto Nicaragüense de Cultura, en 1990. Es uno de los artistas más cotizados de Nicaragua y su obra se encuentra en numerosas colecciones, sobre todo privadas, de este país y el área centroamericana. Según los críticos de su trabajo, a Palma le atraen las grandes masas de claros y oscuros, la concisión de la forma y las austeras tierras naturales, motivos que refleja en su trabajo. Magia, violencia expresiva, crítica y amplio tratamiento del color, son algunas características de su obra plástica. Hugo Palma ha introducido el color del trópico en sus lienzos, intentando invocar la belleza de este mundo a través de una pintura donde el color adquiere posibilidades de lección viva del entorno, natural o urbano.

México, 1970

Nicaragua, 1942

MARCO AUGUSTO QUIROA Guatemala, 1937 - 2004

Graduado de Maestro en Arte por la Escuela Nacional de Artes Plásticas Rafael Rodríguez Padilla en 1960. Su carrera profesional iniciada en 1958 comprende más de cuarenta exposiciones personales en Guatemala y el extranjero, y más de doscientas colectivas en diferentes partes del mundo. Ha sido distinguido con premios y distinciones a nivel nacional y centroamericano, y representado oficialmente a su país en destacados eventos internacionales, incluyendo las Bienales de Sao Pablo, París, México y Valparaíso. Ha pintado más de mil cuadros en diferente formato y realizado esculturas en distintos materiales, temática y proporciones. Su obra gráfica comprende dibujos y grabados en diferentes técnicas, ilustración de libros y material publicitario. Junto a Elmar Rojas y Roberto Cabrera fundó el grupo Vértebra, de gran significación en la plástica guatemalteca. Paralela a su desenvolvimiento en las artes plásticas, ha desarrollado una intensa labor dentro de la literatura y el periodismo de opinión, en forma individual y con el grupo literario La Rial Academia. Durante el tiempo en el que desarrolló su trabajo se hizo acreedor de numerosos premios y distinciones guatemaltecas y centroamericanas. Su obra pictórica se encuentra en las más importantes colecciones privadas y públicas de Guatemala. Emeritísimum por la Facultad de Humanidades de la Universidad de San Carlos de Guatemala, en el 2004 alcanzó la diputación al Congreso de la República. Escritor y pintor es un referente obligado de la cultura guatemalteca contemporánea

OMAR RAYO Colombia, 1928

Inicia su carrera artística dibujando e ilustrando en periódicos y revistas de Bogotá, Colombia en 1947. Vivió en México de 1959 a 1960, después se radicó en Nueva Cork y actualmente vive en Colombia. Cuenta con múltiples exposiciones en varios países de América y Europa. En 1981 establece el Museo Rayo de Dibujo y Grabado Latinoamericano en Roldadillo, Valle, Colombia. Dentro de las principales distinciones recibidas se encuentran Premio Especial de Grabado de la II Bienal Interamericana de México (1960); Premio del Museo de Arte de Filadelfia (1965), Mención Honorífica, Primera Bienal de Quito, Ecuador (1968); Premio de Adquisición, Manchester Institute of Art and Sciences, Internacional Print Exhibition, N. Y. Estados Unidos (1968); Premio Intenacional en la Bienal de Sao Paulo, Brasil (1971); Beca Guggenheim, N. Y., Estados Unidos (1977-78; Premio Antonio Berni, Bienal de la habana, Cuba (1984; Mejor Exposición Artista Extranjero, Galería Arawak, República Dominicana (1988); Premio de la Crítica de Arte, Mejor Exposición Extranjera, Santiago de Chile, Chile (1990). Su obra se encuentra en innumerables colecciones públicas dentro de las que destacan Museo de Arte Moderno de Cartagena, Colombia, Museum of Modern Art, N.Y., Metropolitan Museum, N.Y., Philadelphia Museum of Art, Pensylvania, Estados Unidso, Library of Congreso, Washington, D.C. Estados Unidos, The Museum of Contemporary Art, Japón, Museo de Arte Moderno, México, Museo de Arte Moderno, Ecuador, Museo de Bellas Artes, Venezuela, Museum of Modern Art, Alemania, Museo Rufino Tamayo, México, Museo de Arte Contemporáneo, Polonia y Banco Interamericano de Desarrollo, Estados Unidos.


ELMAR RENE ROJAS

DARLAN ROSA

PEDRO RUIZ

Graduado de arquitecto, ha realizado estudios de filosofía y letras, ciencias políticas y ciencias sociales. Estudió además arte en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de Guatemala, la escuela Pietro Vanucci en Perugia, Italia, la Escuela de Artes Decorativas de Paris, Francia y la Universidad Complutense de Madrid, España. Ha sido catedrático de la Facultad de Arquitectura y en la de Humanidades de la Universidad de San Carlos de Guatemala. Su obra ha sido vista en más de 40 exposiciones individuales en el extranjero además de múltiples muestras nacionales. Su trabajo se extiende también a las áreas de la gestión cultural. Fue fundador del Ministerio de Cultura de Guatemala y su primer ministro. Por su trabajo ha recibido numerosos e importantes premios a nivel internacional y está considerado como un maestro de la plástica guatemalteca y latinoamericana. Obras suyas se encuentran en el Metropolitan Museum de Nueva York; el Museo de Kansas; el Museo de Arte de Santiago de Chile, el Museo de Arte Latinoamericano en Washington D.C., el Museo Conde Duque de Madrid y el Museo Ralli de Chile. Es fundador del centro cultural Pirámide, en la Ciudad de Guatemala.

Pintor y escultor. Se ha destacado por ilustrar libros infantiles que han sido publicados en Brasil, Inglaterra y Japón. Sus muestras individuales y colectivas han sido numerosas, en centros culturales, galerías y museos de Brasil, Corea, Estados Unidos, Francia y México. Participó en la Bienal de Sao Paulo de 1976. Obras suyas se encuentran instaladas en espacios públicos de Brasilia. Sus obras se encuentran en las colecciones del Museu de Arte de Brasília; Secretaria de Cultura- Brasília; Casa Thomas Jefferson-Brasília; “The Millennium Art Collection” 2000 Foundation – Holanda; Centro Cultural dos Correios - Rio de Janeiro; Blue Tree Hotel-Brasília-; Centro Cultural Banco do BrasilBrasília y coleccionistas brasileños y extranjeros.

Realizó estudios de arte en la Escuela de Bellas Artes de París. Durante los cinco años que residió en esta ciudad asistió de manera cotidiana al “Atelier 17”, en donde adquirió un conocimiento extenso en las técnicas de grabado y las teorías de su fundador el maestro Stanley William Hayter. De vuelta a Bogotá, trabaja de manera simultánea la pintura y la ilustración de libros y publicaciones. En 1988 recibe una mención de honor en el Salón Nacional de Artistas de Colombia. Sus exposiciones individuales incluyen trabajos para las galerías “The America´s Collection” en Miami, Casas Riegner en Miami y Bogotá, el Museo de Arte Moderno de Bogotá y Cartagena de Indias. Sus exposiciones colectivas abarcan un número extenso de galerías en varios países de América, Asia y Europa. Ha dedicado parte fundamental de su producción a efectuar diversas consideraciones en torno a la naturaleza. Su aproximación coincide con una mirada holística que se presenta como alternativa frente a la devastación que ha generado la sociedad post industrial. Su obra se cotiza cada vez de manera ascendente y pertenece a numerosas colecciones públicas y privadas de Colombia y el extranjero.

Guatemala, 1938

Brasil

Colombia, 1957

MAGDA EUNICE SANCHEZ Guatemala, 1946 – 2008

Arquitecta egresada de la Universidad de San Carlos de Guatemala, ha sido pintora, acuarelista, dibujante, ceramista y escultora. Desde 1997 ha incursionado en el grabado e ilustrado varios libros. Ha realizado también murales en edificios públicos y residencias privadas. Su labor plástica es autodidacta, pero en 1998 se le confiere el título de Maestra en Arte especializada en Artes Plásticas, en honor a su trayectoria. Cuenta con más de 100 exposiciones personales y colectivas en Alemania, China, Ecuador, España, Estados Unidos, Francia, Guatemala, Italia, México, República Dominicana. Su obra pertenece a colecciones privadas en Guatemala y otros países. Magda se centró, durante toda su trayectoria, en la figura femenina fundamentalmente. Sus obras son de un trazo estilizado y una delicadeza que pocas veces se encuentra en la plástica guatemalteca del siglo XX. Al morir dejó una gran cantidad de piezas, pinturas, esculturas y dibujos, que son atesorados ahora por los numerosos coleccionistas de su trabajo.


JOSE PABLO SOLIS

HERNAN SOSA

HUGO SUYO

Se graduó de la Universidad Nacional de Costa Rica en 1993 y de la Academia de San Carlos, Universidad Nacional Autónoma de México en 1999. Desde 1993 ha participado en numerosas exposiciones personales y colectivas de su trabajo en Costa Rica, México, Panamá, República Dominicana y otros países. Ha obtenido varios reconocimientos por su trabajo, entre los que destacan la Mención Honorífica en la VI Bienal de Pintura, Salón Abierto, Lachner y Sáenz, Costa Rica (1994); la Medalla de Oro de la III Bienal de Pintura Centroamericana y del Caribe, República Dominicana (1994); el Primer Lugar en el VI Certamen de Dibujo de la Caja Costarricense de Seguro Social, Costa Rica (1996) y la Mención de Honor en el VIII Certamen de Dibujo de la Caja Costarricense de Seguro Social, Costa Rica (1998). Su obra se encuentra en colecciones institucionales como Banco Centroamericano de Integración Económica, CR; Banco Continental, Panamá; Caja Costarricense del Seguro Social; CITIGROUP, CR; Diseño Interno, CR; Four Seasons Resort, CR; Grupo Itsmo Papagayo S.A, CR; Grupo Nueva Costa Rica, CR; Grupo Nación, CR; HOLCIM Costa Rica; Hotel Bristol, Panamá; Intercontinental Camino Real, Guatemala; Museo de Arte Contemporáneo, Panamá; Museo de Arte Costarricense; Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC), CR y Museos del Banco Central de Costa Rica. Su obra se concentra en las atmósferas y ambientes citadinos. Desde hace varios años, camina por las calles de San José, rebuscando en las paredes envejecidas por la contaminación y el tiempo, huellas y rastros de colores aplicados una y otra vez. Al traducirlos a sus pinturas propone al observador un acto de lentitud frente a la velocidad de la vida actual. Con su vocación abstracta, sus pinturas cuestionan la velocidad, el shock de lo inmediato, conminando al observador a que dé más de una mirada a sus telas, se demore en cada obra y descubra las diversas lecturas que puede tener, así como la forma en que se trabajó el espacio, la perspectiva, los planos, el color y la luz.

Nace en Lima, pero a temprana edad migra a la ciudad de Arequipa, cuna de grandes acuarelistas peruanos. Este cambio indudablemente influyó en su trabajo y formación. Estudia en la Escuela de Bellas Artes “Carlos Baca Flor”, profundaizando en el estudio de la acuarela y el dibujo publicitario. Durante su último año de estudios, expone varias veces con artistas locales y su obra es muy bien acogida en Lima, por su versatilidad y dominio técnico. En 1992 empieza una nueva etapa de su carrera y deja la acuarela atrás para dedicarse a pintar al óleo. A partir de ese momento, su carrera profesional empieza a desarrollarse a nivel nacional e internacional, destacándose en distintas facetas. Sus obras se encuentran en colecciones privadas en Perú y en el extranjero.

Hugo Suyo es licenciado en artes plásticas por la Universidad de Arequipa. Ha expuesto colectiva e individualmente desde 1990. A partir de entonces ha llevado sus obras a Chile, China, Ecuador, Egipto, El Salvador, España, Estados Unidos, Francia, India, Marruecos, Tailandia. Son ampliamente conocidos sus trabajos centrados en puertas y aldabas que además de la exhibición de gran dominio técnico hacen reflexionar sobre las ataduras que tiene el ser humano frente a complejos fenómenos del mundo de hoy.

Costa Rica, 1971

Perú, 1965

Perú, 1965

FERNANDO DE SZYSZLO Perú, 1925

Es conocido principalmente por su trabajo en pintura y escultura. Es uno de los más destacados artistas de vanguardia del Perú y una figura clave en el desarrollo del arte abstracto en América Latina. Estudió en la escuela de Arquitectura de la Universidad nacional de Ingeniería sin llegar a culminar la carrera, luego ingresó a la Escuela de Artes Plásticas de la Pontificia Universidad Católica del Perú. A los 24 años viajó a Europa en donde estudió los trabajos de los maestros de ese continente. Al regresar al Perú se convirtió en un importante artífice de la renovación artística en el país, abriendo nuevos caminos al representar temas peruanos en un estilo no figurativo. Fue docente de la Escuela de Arte de la Pontificia Universidad católica del Perú entre 1956 y 1976 y profesor visitante de las Universidades de Cornell, Yale y Texas. Desde su primera exhibición en Lima en 1947, ha tenido más de 100 muestras individuales en museos y galerías de todo el mundo y ha participado en prestigiosas bienales internacionales como la de Sao Paulo y Venecia. Su trabajo está representado en importantes colecciones públicas y privadas alrededor del mundo.


PEDRO TRUEBA México, 1967

Artista Plástico y Arquitecto, nació en Minatitlán, Veracruz y actualmente vive en México, D.F. Desde muy joven incursiona en el arte, la arquitectura y la pintura. Estudió Arquitectura en la Universidad Nacional Autónoma de México, concluyendo sus estudios en 1994, año en que representa a su Alma Mater en la III Muestra Internacional de Arquitectura en Valladolid, España. De 1995 a 2001 fue Subdirector de Museografía del Museo Nacional de Antropología, y de 2002 a 2006, Coordinador de Proyectos de la Dirección General de Sitios y Monumentos de Patrimonio Cultural de CONACULTA. Ha realizado diversos proyectos culturales de relevancia nacional e internacional. Como artista plástico, en el conjunto de su obra muestra una evolución tal, que parte del realismo, incursiona en el expresionismo y llega a la pintura abstracta. Pinta principalmente óleos, acuarelas y técnicas mixtas, de pequeño y gran formato. Ha expuesto en más de setenta ocasiones su obra plástica, tanto individual, como colectivamente en diversos centros culturales, galerías y museos en el extranjero.

FRANCISCO TUN Guatemala, 1949 – 1989

Artista autodidacta. Obtuvo Mención Honorífica en la I Bienal de Arte Paiz en 1978. Durante su trayectoria realizó exhibiciones individuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas “Rafael Rodríguez Padilla” (1970), en la Universidad de San Carlos y en la Alianza Francesa (1971). También pudo verse su trabajo en las galerías Macondo, Reforma y El Túnel. Sus obras se encuentran en colecciones particulares de Brasil, Francia, Guatemala y México. Plasmó en sus dibujos temas como cementerios, cantinas, siembras y otras escenas de la realidad urbana, con un estilo lineal, poco usual en la historia de la plástica guatemalteca. En 1996 se presentó una importante exposición retrospectiva póstuma en el Museo Nacional de Arte Moderno Carlos Mérida. Los más importantes críticos guatemaltecos de arte, coinciden en señalar a Tún como un pintor extraordinario, de carácter universal y cuya obra no tiene precedentes en la pintura nacional. Sobre su obra ha sido publicado el libro de Guillermo Monsanto El Mundo de Tun, Editorial Serviprensa, S.A., 1996, con 25 imágenes.

MANOLO VALDÉS

España, 1942. Vive y trabaja en Estados Unidos En 1957 se matriculó en la valenciana Escuela de Bellas Artes de San Carlos en la que estuvo dos años, abandonado los estudios para dedicarse a pintar. En 1964 fundó el grupo artístico Equipo Crónica junto con Juan Antonio Toledo y Rafael Solbes en el cual se mantuvo hasta la muerte de Solbes en 1981, aún cuando a los dos años de la fundación del grupo, Toledo lo había abandonado. Después de la muerte de su compañero se estableció en Nueva York donde siguió experimentando con las nuevas formas de expresión y comenzó a realizar trabajos en escultura. Influido por Rembrandt, Rubens y Matisse, Manolo Valdés realiza una obra de gran formato en la que las luces y colores expresan un sentimiento de tactilidad por el tratamiento dado a los materiales. Su obra obliga a quien la observa a indagar en la memoria y buscar imágenes significativas de la historia del arte. Además de los trabajos expuestos como parte del Equipo Crónicas, Valdés realizó, entre los años 1965 y 1981, más de 70 exposiciones, tanto individuales como colectivas. Como escultor, es autor de “La Dama del Manzanares” (2003), obra de 13 metros de altura situada en el Parque Lineal del Manzanares, Madrid. Ha sido ampliamente reconocido por el público y la crítica y ha obtenido prestigiosos premios internacionales.

MARCO VALENCIA El Salvador, 1973 Paisajista, a pesar de sus estudios como Ingeniero Químico se ha dedicado por completo al arte. Continuamente experimenta técnicas y materiales que le ayuden a buscar otras formas de expresión en el paisaje. Valencia es considerado como uno de los principales paisajistas de El Salvador, en los últimos años ha creado un estilo muy singular, naturalista. Su trabajo se enfoca hacia una continua reflexión de la naturaleza: las hojas, los troncos, los helechos, el agua y sus reflejos, o la luz que penetra suavemente en el bosque. La flora tropical de su país es exquisita en variedades y eso lo vemos reflejado en sus obras. Su trabajo siempre lleva un mensaje. Para algunos será el de la reflexión y contemplación, para otros será la necesidad de conservar los recursos ecológicos. Su obra se encuentra en importantes colecciones de arte latinoamericano en Centroamérica, y Estados Unidos.


DAGOBERTO VASQUEZ Guatemala, 1922 – 1999

Pintor, escultor y grabador. Muy joven, entre 1940 y 1942 se inició en el mundo del arte trabajando como ayudante de Julio Urruela Vásquez, en los vitrales del Palacio Nacional. Estudió en la Academia Nacional de Bellas Artes y Artes Aplicadas en la Universidad de Chile. Fue catedrático universitario y en escuelas de arte del país. Entre sus obras de mayor dimensión se encuentran “Canto a Guatemala”, relieve oriental de la Municipalidad de Guatemala que fue el primer mural de concreto fundido; “Fuentes de Vida”, en el Edificio del Instituto de Nutrición de Centro América y Panamá (INCAP), primer mural de mosaico en el país; el muro del lado oriente del Banco de Guatemala, y el Museo de Arqueología y Etnología. Otra de sus obras, un busto de Tecún Umán, se encuentra en la Avenida de las Américas, de Quito, Ecuador. Por su trayectoria artística recibió el título Emeritissimunn, de la Facultad de Humanidades en Guatemala (1978), la orden del Quetzal (1995); Orden Alfredo Gálvez Suárez (1997) y la condecoración Carlos Mérida, del Ministerio de Cultura y Deportes. Ganó importantes premios en Guatemala ye en el extranjero y fue finalista en el certamen internacional de escultura Prisionero Político, en Londres. Sus obras se han exhibido de manera individual y colectiva en más de catorce países de América y Europa. Obras suyas se encuentra en importantes colecciones de Guatemala y el extranjero

ROLANDO IXQUIAC XICARÁ Guatemala, 1947 Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas “Rafael Rodríguez Padilla” y continuó su formación profesional en París. Su obra se ha exhibido en muestras personales y colectivas en Chile, El Salvador, Estados Unidos, Francia, Guatemala, México, Senegal y otros países. Ha obtenido varios premios durante su carrera, entre los que se destacan el Glifo de oro de la II Bienal de Arte Paiz (1980) y la Paleta de Oro del Festival de Cagnes-sur-Mer, Francia (1987). Su obra se encuentra en la colección del Banco de Guatemala, el Museo Nacional de Arte Moderno Carlos Mérida, el Banco Internacional, y el Banco G&T Continental. Su estadía de varios años en África le permitió encontrar paralelismos transcontinentales con la realidad de Guatemala, la que sigue siendo importante en su obra, enriquecida con los aportes recogidos de otras culturas.


w w w. a r t g a l a . o r g

Catalogo artgala 2008  
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CATÁLOGO ARTGALA 2008

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