Revista final - Jessica Hernández

Diciembre 2023

Contenido ENTREVISTA.......................................................................................4 Pierde el miedo... ¡Atrévete!............................................................4 CONSEJOS..........................................................................................6 ¿Cómo afrontar el diseño del sonido en un cortometraje?.....6 Conceptos básicos de la cinematografía:................................... 10

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FACINE: La expresión del cine en facico

ENTREVISTA

Realizado por: Jessica Hernández

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Pierde el miedo... ¡Atrévete!

esde sus inicios, el cortometraje ha haya cautivado, o incluso una experienD sido una forma de expresión cine- cia personal que desees compartir. La matográfica fascinante y accesible. Aun- clave es tener una idea central clara y que su duración es limitada, la capacidad de contar una historia impactante en unos pocos minutos presenta desafíos únicos y emocionantes.

En este artículo,Víctor Eduardo Hernández Solis, mejor conocido como Herlis en FACICO, nos comentará sobre el proceso de producción de un cortometraje.

Define tu idea Antes de comenzar la producción, hay que asegurarse de tener una idea central clara y concisa. Es decir, define el mensaje que deseas transmitir y la emoción que buscas evocar en tu audiencia.

Comienza el viaje creativo identificando una idea que te apasione. Puede ser un concepto original que hayas concebido, una adaptación de una historia que te 4

potente que sirva como columna vertebral para tu cortometraje.

Escribe un guion Una vez que tengas tu idea, es hora de plasmarla en un guion sólido. La estructura de tres actos (introducción, desarrollo y conclusión) proporciona un marco narrativo efectivo. Detalla los diálogos, la ambientación y los momentos clave.

“Un cortometraje comienza desde el guion, no solamente es poner una cámara a grabar. Es hacer un guion, crear una historia, contar algo o simplemente lo que quieras dar a conocer a tu público.”

Planifica ¡haz una preproducción!

Ahora la preproducción. Esta es la fase

Diciembre 2023 donde se traducen las palabras del guion en acciones concretas. La planificación meticulosa de cada detalle, desde la selección del elenco y la elección de locaciones hasta la coordinación logística, nos brinda un plan de rodaje sólido y una gestión eficiente de recursos que son esenciales para evitar sorpresas indeseadas durante la producción.

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“Personalmente me tardo 1 mes en escribir un guion… y ya de ahí viene el trabajo más realista. Digo realista porque a veces no te va a salir de acuerdo con lo que escribiste. Siempre van a haber cambios inesperados de último momento, ya sea en una línea que escribiste, ya sea en un momento, ya sea que te faltó tal cosa, no conseguiste equis cosa… el momento de grabar puede ser algo indefinido” Presta atención a los detalles La elección del elenco y del equipo técnico es crucial.

Busca actores que no solo se ajusten a los personajes, sino que también compartan tu visión creativa. La comunicación abierta y la colaboración son fundamentales para mantener un ambiente de trabajo positivo y productivo.

“Yo comencé a grabar con mi celular, no empecé con cámaras ni con micrófonos… solo un tripié roto. Siento que fue algo rápido, pero las ganas ahí estaban. Las ganas de crear estaban, yo quería empezar por algo”.

La cinematografía es el arte de contar historias a través de la imagen. Presta atención a la composición visual, la iluminación y la dirección de fotografía. Cada plano debe ser deliberado y contribuir al tono y la narrativa general de tu cortometraje, y no subestimes la importancia del sonido, un diseño de sonido cuidadoso y bien elaborado puede elevar tu producción. Asegúrate de que el diálogo sea claro, la música sea resonante y los efectos sonoros complementen la atmósfera que deseas crear.

herencia en el estilo y la narrativa mientras pulimentas tu obra.

Realiza pruebas y busca retroalimentación antes de considerar tu obra finalizada. Las opiniones externas ofrecen perspectivas valiosas y pueden ayudarte a identificar áreas de mejora que quizás no habías considerado.

“Para mí, un cortometraje debe durar máximo 10 minutos.

Para mí debe durar variablemente entre 3 y 10 minutos, para empezar y captar la atención”.

Crear un cortometraje es un proceso que combina creatividad, habilidades técnicas y dedicación. Con una idea sólida, una ejecución cuidadosa y la pasión adecuada, puedes dar vida a una obra que resuene con tu audiencia y destaque en el mundo del cine. Adelante, haz realidad tu visión cinematográfica en un formato compacto pero impactante. ¡El mundo está esperando tu historia!

Luces, cámara... ¡Acción!

El día del rodaje es la culminación de meses de preparación. Mantén la energía y la motivación del equipo, sigue el plan de rodaje pero permítete flexibilidad para capturar momentos espontáneos.

La paciencia y la comunicación eficaz son clave para superar los desafíos que puedan surgir.

“Pierdan el miedo. Perder el miedo… es algo que nos carcome a muchos por años. Realmente es algo que todos debemos aprender a domar. Es la parte más difícil, si la vas a regar, vas a aprender algo bueno de eso”.

Prueba y error: la postproducción En la etapa de postproducción, ensambla todas las piezas. La edición, los efectos visuales y la música son herramientas poderosas para perfeccionar tu cortometraje. Asegúrate de mantener la co5

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CONSEJOS

Realizado por: Lucas Sanchis Monsalve Bajado de internet

¿Cómo afrontar el diseño del sonido en un cortometraje?

la voz de nuestros personajes, sino que también crear una cierta atmósfera que derivara en resultados muy positivos para el desarrollo de nuestra trama. Es por eso que tienes que saber cómo afrontar el sonido en un cortometraje, ya que te permitirá tener un mayor control de la historia.

Vamos a darte unos consejos muy sencillos para que consigas un sonido estable y de calidad.

De cualquier manera, este artículo está pensado para producciones de cortometrajes primerizas en las que conforman el equipo varias personas. Lo digo por qué, si el equipo técnico va ser muy pequeño, no recortes al sonidista; intenta no perder de vista que el sonidista es tan importante como el operador de cámara.

Comencemos.

Encuentra a alguien que se pueda encargar del sonido Obvio. Si bien es cierto que en nuestro primer cortometraje va a ser muy complicado contar con todo un equipo de profesionales del mayor calibre, tener a una persona dedicada medianamente experta en el tema del sonido va a ser algo bastante necesario para ti si deseas obtener resultados positivos con tu grabación. El sonido en un cortometraje es uno de los aspectos más técnicos puesto que tienen que lidiar con audios, distorsión de sonido, la música que vas a utilizar en cada escena y otras cosas,

Preproducción del sonido Una vez tengas claro quién va a ser tu sonidista, debes planificar junto a él de antemano todos los diferentes aspectos de la grabación y estructuración del sonido para que no hayan problemáticas e imprevistos; para el sonido no será lo mismo grabar la imagen con un tipo de lente u otra; lo que quiero decir es que en la fase de preproducción debes darle la misma importancia tanto a la imagen como al sonido, no lo dejes para el final. Es muy importante que el sonidista sepa cómo se va a grabar una determinada escena para poder sacar el máximo provecho al sonido directo en el momento de la producción.Y te digo más, si el sonidista puede participar en la busqueda de localizaciones junto al director de fotografía mucho mejor.

Durante la producción del corto Huye de la típica frase de, “ya lo arreglaremos en posproducción”. Es decir, si el sonidista dice que ha pasado un avión y que hay que repetir el plano… deberías hacerle caso. Otra cosa muy importante es el room tone, que podemos significarlo cómo el clip de audio que luego no servirá para tapar espacios sin sonido en la posproducción. El mejor momento para el room tone es justo después de grabar un plano. En ese momento, durante 2 minutos, grabas el room tone. Esto requerirá que todo el mundo esté parado y en silencio; no lo veas como una perdida de tiempo.

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ualquier otro tipo de filmación es por lo que te conviene hacerte con los servicios de C esencial; es uno de los medios por un profesional en la materia que pueda agregar su imlos cuales podemos transmitir no solo pronta y su tacto.

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Además de la grabación del room tone, si en la escena final se va a requerir de efectos de sonido tipo, una puerta que se cierra, un microondas, una licuadora, un puñetazo… lo mejor es que le permitas al sonidista grabar estos efectos in situ, a no ser que ya los tengas localizados en algún banco de sonidos.

Para terminar con la producción, hay algo que tampoco debemos perder de vista y es que el trabajo del sonidista, cómo el del director de fotografía, requiere un tiempo de preparación anterior al grito de “¡Grabando!”. Lo que quiero decir es que en la planificación debes contar con estos tiempos también.

El momento de la postproducción Cómo ya hemos comentado, es muy importante saber que en la postproducción no se hace magia. Dicho esto, algo muy importante es que haya comunicación previa a la fase de postproducción entre el sonidista y el editor de sonido, que no necesariamente será el mismo editor visual o de imagen.

Esta comunicación puede estar basada en una buena organización y apuntado de las diferentes tomas de sonido durante la producción. Si al editor final le llega un buen esquema de cuales han sido las mejores tomas, cuales son los room tones y los efectos de sonido grabado, la mitad del trabajo ya estará hecho.

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Conceptos básicos d seis consejos que hasta los pr CONSEJOS

Realizado por: Tim Coleman & Sarah Bakkland Bajado de internet

l director de fotografía Eneasta Patrick Smith y el ciOllie Kenchington

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nos explican cómo dominar las reglas básicas de la cinematografía para dar vida a tus grabaciones.

Las cámaras de cine de Canon son herramientas formidables tanto para cineastas consolidados como para principiantes.

Gracias a los sensores de alta resolución, Dual Pixel CMOS AF y Canon Log, accesibles con solo tocar un botón, empezar a grabar vídeos profesionales sin necesidad de recibir una formación oficial es más fácil que nunca.

No importa lo avanzado que sea el equipo que estés utilizando, los elementos esenciales de la cinematografía siguen siendo fundamentales. La curva de aprendizaje está muy definida: desde el encuadre y la composición a qué formatos de grabación se deben utilizar y cómo conseguir unos resultados increíbles sin la ayuda de un gran equipo.

En este artículo, exploraremos los aspectos clave para grabar vídeos profesionales con la ayuda de dos profesionales de la cinematografía. El director 10

de fotografía Patrick Smith graba largometrajes y documentales dramáticos para cadenas como la BBC, Netflix y Channel 4.

Mientras tanto, el cineasta y especialista en posproducción Ollie Kenchington dirige Korro Films, una galardonada agencia especializada en anuncios, documentales y contenido de marca.

Tanto si tu meta es dar el siguiente paso en la cinematografía como repasar tus conocimientos, estos consejos básicos te servirán de ayuda.

1. Explora métodos de enfoque Dado que la resolución

de las cámaras evoluciona rápidamente, el streaming en 4K es cada vez más popular y las pantallas de televisión cada vez más grandes adornan los hogares de todo el mundo, es más importante que nunca conseguir un enfoque nítido y preciso.

Durante décadas, los ayudantes de cámara profesionales se encargaban de enfocar manualmente. Sin embargo, Canon ahora lidera el camino no solo con la primera tecnología AF avanzada para vídeo, Dual Pixel CMOS AF, sino también con una ayuda increíble para enfocar manualmente gracias a la función de guía de enfo-

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de la cinematografía: rofesionales deberían seguir

que.

Dual Pixel CMOS AF de Canon, toda una revolución del enfoque automático, es un sistema con detección de fase basado en sensores que bloquea y realiza un seguimiento de los sujetos. Puedes ajustar la velocidad y la respuesta del sistema, utilizar algoritmos inteligentes de detección de caras y tocar la pantalla táctil de la cámara para enfocar. Por otro lado, si utilizas objetivos de enfoque manual, la función de guía de enfoque de Canon te indica claramente hacia dónde debes girar el anillo de enfoque, además de ofrecer una señal

visual evidente cuando el sujeto esté nítidamente enfocado. Si sigues el método de ensayo y error, descubrirás rápidamente cuál se adapta mejor a la situación.

2. Experimenta con la relación de aspecto La mayoría de los largometrajes se graban en 4K de ultraalta definición (UHD) en formato 16:9 y con una resolución de 3840 x 2160, DCI 4K en formato 19:9 o Cinema 4K a 4096 x 2160. La grabación de vídeos para las redes sociales en formato vertical 9:16 también ha adquirido protagonismo.

De hecho, las cámaras 11

como la EOS C70 de Canon lo llevan incorporado.

Sin embargo, a la mayoría de los cineastas les gusta el aspecto amplio del CinemaScope clásico, en el que la grabación se distorsiona a propósito para crear una imagen muy amplia. Esto se hace normalmente con un objetivo anamórfico específico que se coloca sobre la cámara y se corrige durante el postprocesamiento para generar las diferentes dimensiones verticales y horizontales de la imagen. Las características anamórficas clásicas incluyen un bokeh ovalado y largos velos ópticos horizontales.

Algunas cámaras avanzadas de Canon permiten la corrección de objetivos anamórficos, por lo que puedes ver la grabación en un formato de pantalla panorámica corregido.

Para conseguir una aproximación de la imagen final, algunos cineastas utilizan objetivos «esféricos» y recortan durante el postprocesamiento.

«El principiante cree que la relación de aspecto es una forma muy barata de mejorar la estética per-

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cibida», comenta Patrick. «Con solo pulsar un botón, puedes mejorar la calidad percibida en una grabación que parece bastante corriente y darle un aspecto cinematográfico. Esto se debe simplemente a las líneas negras que has situado en la parte superior e inferior del encuadre. No obstante, el visor las asocia instintivamente con la producción cinematográfica».

«Muchos documentales modifican la relación de aspecto, por lo que disponen de archivos en formato 4:3, grabaciones en formato 16:9 y entrevistas en formato CinemaScope 2:35. Es un truco que siempre recomiendo a los directores porque ofrece una forma muy agradable de componer. La relación de aspecto es un gran recurso para contar historias».

3. Encuentra la velocidad de grabación adecuada La velocidad de grabación hace referencia al número de imágenes que el sensor de la cámara captura durante un segundo, por lo general, 23,98, 24, 25, 29,97, 30, 50 y 60 fps. Pueden aparecer diferentes opciones, en función de si estás grabando en una región PAL o NTSC. Las velocidades que se utilizan habitualmente en el modo PAL son 25 y 50 fps. En modo NTSC son 29,97 y 50,94, aunque 24 fps también se suele utilizar para ofrecer un aspecto cinematográfico. Si se edita en un plan de producción de 25 o 29,97p, las velocidades 50/59,94 fps pueden ralentizar a la mitad. Las velocidades de grabación más altas, como 100, 120, 150, 180 o 240 fps, se pueden ralentizar para crear un efecto de cámara superlenta.

Patrick dice que prefiere las velocidades de grabación de la EOS C300 Mark III de Canon, entre las que se incluye un efecto a cámara lenta más rápido. «El hecho de poder grabar a 120 marcos y a 120p en 4K permite ver las cosas de forma diferente. Algo que nos encanta de la grabación de documentales es poder retratar el mundo con una luz diferente, y una manera de conseguirlo es utilizar la cámara lenta. En la mayoría de los casos, 120 marcos es la velocidad máxima y mínima que quiero utilizar, por lo que resulta muy útil añadir esta herramienta a la barra de herramientas».

4. Utiliza Cinema RAW Light para disfrutar del máximo control Los profesionales de la grabación de vídeo pueden elegir entre varios formatos de archivo, algunos de los cuales ofrecen una mejor calidad a costa de unos archivos de mayor tamaño. Para obtener lo último en calibre y control, lo mejor es utilizar los datos RAW directamente desde el sensor, aunque para ello es necesario trabajar con archivos de gran tamaño.

El formato Cinema RAW Light de Canon ofrece el rango dinámico más amplio y una reducción importan-

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te del tamaño del archivo sin necesidad de sacrificar la calidad de la imagen.

Está disponible en cámaras como la EOS C200, la EOS C500 Mark II, la EOS C300 Mark III, la EOS R5 y la EOS-1D X Mark III de Canon.

El uso de Cinema RAW Light ofrece una mayor flexibilidad en la gradación, el ajuste preciso del balance de blancos, el enfoque y la incorporación de la reducción del ruido en la fase de posprocesamiento. «Utilizo Cinema RAW Light como cualquier otro archivo», comenta Ollie. «Lo introduzco directamente en el sistema, lo sitúo en el plan de producción y empiezo a trabajar. Está repleto de información de color».

«Como las imágenes RAW no tienen aplicadas una curva gamma, puedes utilizar Rec.709, Canon Log 3, Log 2 o Log», explica. «También te permite configurar la ISO, la gama de colores, la curva gamma, el balance de blancos, el matiz, las luces y sombras, y la nitidez».

«Dicho esto, un equipo experto puede darte libertad creativa. Cuando cuentas con personas que te ayudan y otra persona se encarga de los aspectos tecnológicos del trabajo, puedes centrarte en la parte creativa, la iluminación y la narración».

6. Graba y gradúa en HDR La mayoría de las pantallas estándar no pueden reproducir toda la gama de brillo que es capaz de capturar una cámara. Por tanto, muchos cineastas graban con un rango dinámico estándar y utilizan el espacio de color Rec.709. Sin embargo, a medida que los televisores y los smartphones con un alto rango dinámico, brillantes y coloridos irrumpen en el mercado, la grabación con HDR se convierte en una parte esencial del flujo de trabajo de los cineastas.

El HDR cumple con el estándar Rec.2100 para pant a - llas que pueden mostrar una gama de brillo mucho mayor. Por tanto, es fundamental grabar con HDR y utilizar los ajustes PQ o Hybrid Log Gamma (HLG). Cámaras como la EOS C300 Mark III, la EOS C500 Mark II, la EOS C700 FF y la EOS C70 de Canon ofrecen captura en HDR de forma interna. La EOS C200 puede grabar en formato RAW que, a continuación, puede procesarse con HDR. Las grabaciones en PQ y HLG no requieren gradación. Además, HLG también es compatible con los estándares Rec.709 para su visualización en monitores estándar, lo que permite un flujo de trabajo más rápido.

5. Decide si quieres contar con un equipo «La decisión de grabar en solitario o con un equipo se basa principalmente en el presupuesto, aunque también existen otras consideraciones a tener en cuenta», explica Patrick. «Es algo sobre lo que siempre tengo que decidir», dice acerca de su experiencia en la grabación de documentales.

«Cuantas menos personas formen el equipo, más tiempo puedes grabar, pero contar con equipos más grandes ofrece la ventaja de poder trabajar a mayor velocidad». A muchos directores y productores les preocupan la incomodidad y el tamaño del equipo para grabar un documental, así que cuantas menos personas haya en el equipo, mejor. Algunas veces, es un gran alivio que solo tú y el director realicéis viajes cinematográficos».

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