Edición Siglos al éxito
Director general: Gustavo Alonzo Editor: María Jiménez Articulistas: María Jiménez, Gustavo Alonzo, Chantal Martí, Jenifer Rojas. Diagramación: María Jiménez Estilo: Jenifer Rojas Revisión de textos: Chantal Martí Fotografía: Gustavo Alonzo
PANORAMA ARTÍSTICO SIGLO XX Prof. María Urquiza Alonso Sección 02
ÍNDICE En portada
..................................................................................................04
Carta de autor ...............................................................................................05 El éxito luego de la muerte ................................................................06 Gustave Courbet .........................................................................................08 Un prodigio oculto en la escultura; Camile Claudel ...........11 Vicent Van Gogh; Un gran impresionista ..................................14 Toulouse Lautrec y el cartel publicitario ....................................18 Manet un revolucionario .......................................................................21 El Eclecticismo .............................................................................................23 Gustav Klimt ..........................................................................................24
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Revista Artea
EN PORTADA La portada de esta semana es uno de los mejores diseños por William Morris & Co Pimpernel. Con una hermosa simetría reflejada. William Morris fue muchas cosas, pero sobre todo fue el renovador de la tapicería de tejido como un arte. Él hizo tapices brillantes y emocionantes y puesto a disposición de un público más amplio. Sus impresiones de fondo son intrincados y atractivo. Puede mirar en ellos durante horas y seguir viendo a los nuevos patrones emergen. Su trabajo es fascinante y también lo fue su vida y la educación. En esta edición le damos una mención de honor por guardar la tapicería de tejido con sus ideas innovadoras y habilidad.
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Sus alfombras, trabajos destacados por su belleza y finura fueron inspirados por el movimiento Arts & Crafts. Fuente: E. (2011) La vida de William Morris y Tapices cultura-es-blog.blogspot.com
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Carta de autor
Nos encanta el arte y conocemos la importancia de conocer y valorar la misma. Es por esto que Artea existe; dar a conocer y admirar el arte en todos su ámbitos. En esta edición nos centramos en el siglo XIX y la valoración, rechazo de artistas, así como de movimientos que en su tiempo que no eran tan bien recibidos, y sin embargo hoy en día son exaltados y considerados trascendentales. Buscamos crear una conversación sobre el cambio y evolución y como algunos factores fueron mal recibidos, pero hoy en día si son apreciados. Además de los sacrificios y desigualdades que se les presentaron a artistas de este siglo.
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El éxito luego de la muerte Articulista: Jenifer Rojas
El arte es una disciplina de mucho sacrificio, desde el esfuerzo que conlleva llegar a cierto nivel y dominar técnicas, hasta lograr subsistir en el mundo con esta como profesión. Todavía hoy en día se puede notar cierta duda de parte de los artistas para seguir sus sueños, esto de una forma u otra siempre fue el caso, aunque con el tiempo y los nuevos avances el artista disfruta de mejores oportunidades, existieron tiempos donde la batalla del mismo era ardua. Un ejemplo de esto es el siglo XIX, de donde nacieron grandes artistas, de los cuales algunos en su momento no recibían el apoyo, valor o reconocimiento que merecían. Tantos incomprendidos y otros mas que mueren antes de poder ver su sacrificio brotar con frutos.
Fragmento de "Altos hornos de Bilbao" de Darío de Regoyos
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Estamos rodeados de arte, la vida es arte y muchos lo ven como algo que no posee peso ante otras cosas, pero al final del día cuando una pieza gana reconocimiento, todos se vuelven hipócritas ante lo que antes rechazaban, pues se dan cuenta de su gran ignorancia. Conocer y reflexionara ante las situaciones de éxito que una vez fueron marginadas, es de gran importancia; nos nutrimos y abrimos nuestra mente, así apreciando cada vez más lo que nos rodea.
Mención honorifica Un poco sobre los fragmentos: Obra de Darío de Regoyos, pintor español aprendiz del pintor belga Joseph Quinaux, de quien aprendió, según sus propias palabras, "a pintar siguiendo a la naturaleza como modelo; a captar sus vibraciones y a ser libre en la selección de los temas a pintar", lo que indicó la diferencia en su formación. Al final de su vida manifestó sus grandes obras y luego de su muerte sus obras no eran tan bien apreciadas. Fuente: Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). . En Biografías y Vidas.
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Gustave Courbert Articulista Gustavo Alonzo
Courbet fue un exponente del realismo, movimiento que se populariza en Francia a la mitad del siglo XIX y surge con la necesidad que crecia los artistas de plasmar la objetivamente la realidad, después del pasado romanticismo. Ya desde las décadas anteriores se venía apreciando poco a poco la desaparición de los valores románticos y el dedo de entre los creativos más reveladores de incorporar las experiencias más directas y objetivas a sus obras. Este formó parte de la escuela de la escuela de Barbizon, junto con otros jóvenes que apoyaban que ya se habían interesado por el tema como del paisaje, plasmando de una forma tan concreta como la anatomía humana, su obras fue una mezcla de todas estas situaciones, lo que lo convirtieron en uno de los más originales e interesantes de estas artes previas a la revolución impresionista.
"El desesperado" Autorretrato 1845
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Los picapedreros, 1849,
Fuente: Del Rosario, F. M “Historia del arte” / Calley, G. (2009) “Gustave Courbet“. Museo metropolitano de artes.
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La carrera de Courbet estuvo llena de escándalos, y algunos de ellos fueron propuestos por el mismo artista, un ejemplo del rechazo fue la exposición de su obra las tres Jóvenes de la aldea, donde los críticos no dudaron en resaltar la aparente “fealdad” de sus modelos. Fue muy polémico por los temas elegidos en sus obras y su activismo político, trata temas cotidianos protagonizados por gente sencilla, plasmando la incomunicación de los personajes con el espectador.
Las tres jóvenes de la aldea, 1851.
Como la Olympia de Manet, los desnudos de Courbet eran criticados por por su indiscutible modernismo, opuesto a el desnudo de
“Venus” o “Evas” que eran el ideal de la época, aclamado por los artistas académicos que proliferaron en los salones más aclamados. El desnudo más revelador del artista y el que es considerado el mas atrevido de la pintura es su obra “El origen del mundo”, la historia de este es un misterio, pero fue rechazado y revolvió las mentes burocráticas del momento. Courbet fue encarcelado y después se exilió voluntariamente en suiza donde murió en 1877.
El origen del mundo, 1866
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Un prodigio oculto en la escultura: Camille Claudel Articulista: Jenifer Rojas
Es lamentable pensar que si Claudel hubiera nacido hombre, su reconocimiento hubiera sido mejor. Ella vivió la escultora; desde muy pequeña disfrutaba moldear el barro y a sus 17 años fue admitida en una academia de arte parisina, fue ahí donde Auguste Rodin se percató del talento artístico de la joven, girando su mundo de una forma negativa. Paso de alumna a su amante, y de ahí a una tormentosa relación. Una gran escultora que no recibió el valor que merecía, pero que hoy podemos apreciar; Camille Claudel, que vivió bajo la sombra de su mentor y amante Auguste Rodin. Pero de la cual su talento era incluso mayor que su mentor, su escultura en su momento influencio a dar forma a algunas de las grandes obras de su mentor.
El talento de Claudel era más que claro, pero la envidia y el machismo de la época hicieron que fuera foco de comentarios que ponían en duda su capacidad artística. Su naturalismo tenía rasgos de impresionismo y simbolismo, buscando siempre emoción, con un perfecto dominio de las técnicas y a gran sensibilidad. Gracias a ella, se demostró que es posible esculpir la emoción.
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Luego de finalmente abanar a Rodin, desgraciadamente acabó sus días en un psiquiátrico con el diagnóstico de “manía persecutoria y delirios de grandeza”. Fue una gran injusticia donde se le negaron las visitas y en el que murió sin realizar una sola obra. La escultora, como tantas otras mujeres artistas, no pudo conseguir en vida el reconocimiento que merecía. El talento, la devoción, el sacrificio. Hoy en día por suerte somos reconocer.
Algunas grandes obras de Camille Claudel La edad madura Una expresión de sus sentimientos, era la forma en la que plasmaba su vacío; Ella en sus diferentes representaciones. Transforma en un delicado dramatismo
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Tres edades, tres maneras de sentir. Un sentimiento que va mas allá de la piel, del ser… La implorante, un sacrificio por amor, el horror al abandono, y la rendición de la voluntad.
El hombre inclinado Camille crea obras que transmiten un sentimiento, sensibilidad. El hombre escondía su cuerpo porque estaba herido; esta manera tan sensible de crear, tan natural es lo que luego podemos ver reflejado en otras de sus obras.
La gran ola de Claudel Se inspira en “La gran ola” de Hokusai; Se cree que la ola de Claudel simboliza lo que la artista vivía en esos años: una tormentosa relación con Auguste Rodin. Claudel, que formaba parte de la escena artística donde se encontró el grabado japonés, quiso hacer también un homenaje a esta técnica tan exótica como atractiva. Fuente: https://historia-arte.com/artistas/camille-claudel
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Vincent van Gogh: Marginado en vida Articulista: María Jiménez
Willem Van Gogh nació el 30 de marzo de 1853 y se volvió sumamente famoso después de su muerte. Sus obras están relacionadas al Expresionismo en el arte moderno. Con más de 1600 dibujos y 900 cuadros. Empezó su carrera de pintor a los 32 años. Pinto a un ritmo impresionante durante 5 años hasta su muerte trágica. Es conocido por su vida turbulenta e inestabilidad emocional. Muchos hablan y lo relacionan con su oreja, ya que sé la corto. Se dice que tenía un carácter intratable. Pero su arte era genial gracias a su amor por probar cosas nuevas. Su experimentación lo llevó a crear arte impresionante. No vendió ni un cuadro en vida, su obra adquirió valor después de su muerte. Vivió una vida llena de tormentos. Hoy en día se recuerda como un genio solitario. A pesar de sus trastornos psiquiátricos, fue un pintor revolucionario. Cambió la monocromía de la época, sustituyendo la pintura holandesa y el realismo.
Self-Portrait, 1889, Musée d'Orsay
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The Starry Night, June 1889. Museum of Modern Art, New York
Su arte colorido es maravilloso, hoy en día se relaciona con el impresionismo. Van Gogh junto a otros artistas como Gauguin, Cezanne, Toulouse Lautre, entre otros crearon un nuevo estilo. Abandonando el naturalismo. Implementando una evolución artística. Van Gogh sufrió severamente de depresión e intentó suicidarse múltiples veces. Al cortarse la oreja contrajo sífilis y dañó aún más su cerebro. Perdió la cabeza, comía pintura con plomo, bebía absenta y destrozó sus relaciones sociales. No se cuidaba a sí mismo y fue mantenido por su hermano Theo, ya que era incapaz de producir dinero. Fue internado en psiquiátricos, sin embargo eso no lo ayudó lo suficiente. Terminó pegándole un tiro en el pecho con una escopeta.
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En su época era despreciado, prácticamente un marginado de la sociedad. Su arte no era valorado, más bien rechazado por el público. Lamentablemente murió sin saber lo importante que sus obras pasaron a ser. Hoy es uno de los artistas más reconocidos y miles de personas por todo el mundo disfrutan sus cuadros. Vivió en pobreza y acabó completamente solo. Se quitó su propia vida, debido a su gran infelicidad. Hoy en día se estima que algunas de sus obras cuestan entre $160M - $250M, y son consideradas obras más iinfluyentes.
Wheatfield with Crows, 1890. Van Gogh Museum, Amsterdam
Vincent van Gogh. HA! (n.d.). Retrieved October 17, 2021, from https://historiaarte.com/artistas/vincent-van-gogh.
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Toulouse Lautrec y el cartel publicitario Articulista: María Jiménez
Toulouse recibió el encargo de su primera litografía sobre el AAA rouge lo cual lo hizo famoso. Consiguió su fama en la calle con sus brillantes carteles. Procedía de una gran familia, pero la gente se burlaba de él ya que nació con un problema lo cual causó que se le quebraran los huesos, así que estaba deforme. Sufría de sinusitis crónica. Toulouse estaba permanentemente aburrido así que buscaba nuevas experiencias. Era un artista degenerado y decadente, amaba el alcohol a y el sexo. Le interesaban las cosas feas. Nació en la aristocracia en Francia, procedía de una de las grandes familias. Su padre era un depravado sexual y muy excéntrico. Su madre era una católica humilde y tímida. Eran primos carnales lo cual trajo consecuencias en su hijo.
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A Toulouse le encantaban las actividades en el campo, pero no podía participar, su padre lo rechazó. Utilizó el arte para enfrentarse a su infancia tan difícil.
La Troupe de Mademoiselle Eglantine, 1896.
De joven sus dibujos eran caballos como conectar con su padre que lo rechazó. Se pasaba los días pintando. No se quejaba y tomaba su condición con humor ya que sabía que no podía cambiar su estado. Sufrió dos accidentes y tardó mucho en recuperarse, fracturó ambas piernas y se dejaron de desarrollar. Toulouse llegó a París y empezó a estudiar arte. Sus padres habían decidido que estudiara arte tradicional y así comenzó con su mentor León Bonar. Toulouse estaba atraído por las nuevas formas de arte. Le fascinaron los nuevos carteles que representaban el mundo de la calle. Su madre lo animó a que pintara. A su padre le molestaba que su nombre estuviera asociado con el arte de su hijo, así que vendió su herencia.
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El lugar favorito de Toulouse era el Moulin Rouge, le encantaban las bailarinas, disfrutaba los diferentes shows que se presentaban allí. Su arte por 10 años estaba inspirado por este lugar. Se relacionaba con las prostitutas como si fueran marginadas como él, ya que estas lo aceptaban. La sífilis y la bebida empieza a destruir su mente. Era un adicto, le encantaba el color verde de su bebida. Su madre se cansó de su conducta y abandona París y ahí empieza su caída en picada. Por la bebida desarrolló serios trastornos mentales. Su tío quemaba sus obras y aquello le dolía a Toulouse. Nadie lograba abandonar el alcohol y estaba muy enfermo. Fue ingresado a un hospital psiquiátrico, allí se concentró en su arte. Tres meses después de salir del sanatorio empezó a beber otra vez, abandonó París y se fue a Burdeos donde vivió hasta que sufrió un ataque. Permaneció en cama durante dos meses antes de morir. Falleció el 9 de septiembre de 1901 antes de cumplir los 37. Murió despreciado, sin recibir el reconocimiento que merecía.
Equestrienne (At the Circus Fernando), 1888, oil on canvas, Art Institute of Chicago Fuente: Greenberger, A. (2021). How henri de toulouse-lautrec took 19th-century Paris by storm-and went down in history. https://www.artnews.com/feature/henri-detoulouse-lautrec-why-was-he-important-1234583045/.
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Manet, un Revolucionario Articulista: Chantal Martí
Si tuviéramos que identificar una fecha para el comienzo en pintura de la edad moderna, podríamos tomar con motivadas razones el año 1866. En ese año Édouard Manet, un artista parisino que había protagonizado un escándalo presentando en 1864 “El desnudo de Olympia en el Salón “ de exposiciones de la capital francesa, había avanzado dos propuestas que consideraba conciliadoras: entre ellas había un retrato de cuerpo entero de un chiquillo con el uniforme de la guardia imperial tocando un pífano. Manet como impresionista modificó la ideología como un revolucionario de su arte en la época como el cuadro que abre movimiento al arte moderno del foco de atención a lo que se considera el puesto en el sujeto simbolizado a una pintura en la que predomina el evento que acontece al pintarlo. Con Manet, en trascendencia, se produce un presuroso salto creciente, por el que con conocimiento se puede decir que en este momento empieza el arte moderno, es decir para entenderlo, hay que aguzar los sentidos con atención esta obra de arte, mirarla comenzando con dejándose guiar por la percepción genial de Foucault, el prestigioso filósofo pronunció una ringlera de memorables lecciones sobre Manet.
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Eclectisismo Articulista: Chantal Martí
El eclecticismo es una especie de estilo mixto donde se estrenó abriendo en la apertura en las bellas artes,donde el anticipo de una diversidad de estilos de diferentes fuentes y su combinación.Significativamente durante los siglos, el eclecticismo en el desenvolvimiento de la revolución del arte con escasa diferencia en ningún tiempo constituyó un estilo de cualidad en específico en el arte, donde normalmente lo caracterizamos por el habituado de que no era un estilo particular. Asimismo, el término se subdesarrolla con la predeterminada combinación en una sola obra de una pluralidad de influencias, principalmente de elementos de diferentes estilos históricos en donde se la culturización arquitecta en las la pintura, las artes gráficas y decorativas se determina el término utilizado puede ser eclecticismo o politeísmo. En términos más conocidamente generales que protagonizan y nos aclaran más la profundidad que representa el eclecticismo se suele entender que como un carácter de actuar, de especular, de vivir que representa lo encarnado que esta corriente filosófica, es expresar, una búsqueda indestructible para unir ideas, formas, figuras de diferentes tipos para que Ser transformado en algo nuevo y único.
23 Fuente: https://www.hisour.com/es/eclecticism-art-21050
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Gustav Klimt Articulista Gustavo Alonzo
Célebre artista autriaco del '' art nouveau'', que vivió entre 1862 y 1918. Movimiento que tenía la intención de crear arte nuevo, joven, libre y moderno, por esta razón se basaba en la frase “El futuro ya ha comenzado”. Estéticamente se inspiraba en la naturaleza, es decir, en la vegetación, las formas orgánicas, la línea recta no era destacada, ya que estos artistas contemplaban la asimetría y líneas curvas para embellecer con elegancia. Klimt nació en la época dorada del imperio Austrohúngaro y se formó en Viena, eran años en los que esta ciudad estaba declinando como capital artística, donde Klimt provocó un claro choque social por sus obras cargadas de sensualidad y con un carácter pictórico basado en lo ecléctico a lo que le su sumaba su estilo abstracto con puntos de vistas muy inusuales y el valor a la línea que antes se menciona que anuncia el expresionismo pasado. Su pintura es considerada extremadamente ornamental ya que abunda en oro propio del arte bizantino en ellas.
Fuente: Miguel Calvo Santos, 27-092016, Historia Arte.con Fotografía de retrato, Klimt 1914
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El artista fue muy criticado por lo provocadoras que eran sus obras y fue acusado de pornógrafo, pero esto volvía loco a su público aunque era rechazado por los academicistas de la universidad de Viena. Klimt creía que el poder de seducción femenino logra vencer la mayor fuerza viril por lo que empieza a usar la abstracción simbólica a través de figuras de mujeres, normalmente pelirrojas ( era el color de sus mujeres fatales), pálidas con mejillas rosadas, boca entreabierta y una pose un tanto forzada pero brillando la expresión de sus manos. Provocó a las críticas al plasmar gente desnuda en obras como “Muerte y vida” pintura que le tomó 8 años en realizar representando a el fin en un lateral y gente de todas las edades abrazadas de todas las edades en otro, 87 profesores de la universidad presentaron
Peces dorados, Austria- 1907. Gustav Klimt
una petición para remover la pintura al momento de ser expuesta, lo que le complicó poder presentar el lienzo de “medicina” donde estos comentarios fueron aún más negativos ya que fue clasificada como pornografica y excesivamente piersevera, al punto de que la comunidad de médicos de Viena rechazaron totalmente la pintura dándole la espalda al artista.
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Toda la controversia le dio visibilidad a su carrera, sus murales rechazados fueron posteriormente exibidos en paris donde fueron altamente galardonos y despue de su partida las pinturas de Klim lo convirtieron en un artista reconocido mundialmente, un suiglo después el legado que nos dejó este personaje, vive más rotundamente que nunca.
Primera imagen: Medicina , Austria 1901/ Segunda imagen: Muerte y vida, Austria 1916
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