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EXPLORACIÓN MATERIAL D E S D E

L A S

A R T E S

V I S U A L E S

MOVIMIENTO, TRANSPARENCIAS, DISEÑO Y EDICIÓN

JAVIERA MÉNDEZ SANDOVAL RECURSOS PROYECTUALES 2021 DOCENTE JOSÉ MORALES MALVERDE UNIVERSIDAD DE CONCEPCIÓN JAVMENDEZ2019@UDEC.CL

INTRODUCCIÓN

Mediante esta investigación de materialidades, se pretende incrementar el manejo de diferentes posibilidades de acción dentro de una misma materia de trabajo. Esto será trabajado a partir de elementos que sean del propio interés, ya que de esta forma la creatividad trabaja con un flujo mayor, dando la posibilidad de desarrollar posibles pruebas que puedan dar paso a ideas para diferentes proyectos en el futuro del alumno.

ÍNDICE

Antecedentes Análisis Análisis "Ambientando una sensación" Análisis "Transparencias y movimiento" Análisis "Diseño portada" Análisis "El fluir de la tinta" Conclusiones Conclusiones generales

1-6 7 8-17 18-29 30-42 43-61 62-66 67

ANTECEDENTES

Elección de Materiales

La elección de materiales para las pruebas que serán presentadas en este trabajo, fueron decididos a partir de los intereses personales que he ido acumulando dentro de mi experiencia artística. Por lo general, mi trabajo se basa en el uso del carboncillo con la técnica frotado, ilustraciones a tiralíneas y también fotografías con sus respectivas ediciones. Dentro de las categorías se podrán observar trabajos de autorretratos, de edición fotográfica, y trabajos con tinta y agua. Este último material lo he trabajado de forma ocasional pero de una manera diferente, aunque aún así utilizarlo con líquido es parte de mis grandes intereses, debido a los resultados que se obtienen en su forma de crear imágenes. A continuación presento algunos trabajos de mis áreas de interés.

Fotografía

Autorretratos digitales año 2020

Siempre he tenido un gran interés por la fotografía, estando mi mayor interés en el área de el autorretrato. Dentro de estas imágenes se puede observar mi interés por la baja velocidad de obturación y la estética del blanco y negro con un aspecto antiguo como también lo es la búsqueda del color a partir de ediciones fotográficas, las cuales se pueden observar en la siguiente página.

Autorretratos hechos con Cámara oscura año 2020

Autorretrato, año 2020

Autorretrato, año 2019

Fotografía año 2021

Autorretrato año 2019

Tintas y acuarela

Dibujo con técnica achurado, año 2021

La tinta negra ha sido una herramienta de trabajo en muchas ocasiones, me gusta su profundidad y la manera en que se construye la imagen a partir de ellas, aunque naturalmente la trabajo en el área del dibujo, algunas veces la he explorado al agua, ya sean acuarelas o tinta china.

Pintura con técnica tinta china negra, año 2020

Estudio de luces de colores con técnica de acuarela, año 2020 Trabajo de Taller de aplicación

Carboncillo

Estudio de luces y sombras, Taller de aplicación, año 2020

Trabajo personal, año 2021

Exploración visual, trabajo de Taller de producción visual, año 2021

Dibujo de fotografía familiar, trabajo personal, año 2021 5

Ámbitos proyectuales El actual ejercicio de exploraciones de materiales, es un trabajo que ayuda al estudiante en diferentes aspectos de su desarrollo personal como artista, ya que, a través de la descripción de los procesos que son llevados a cabo durante la exploración, el estudiante logra visualizar su modelo de producción, en el cual observa los criterios con los cuales avanza en su trabajo y las fases por las que transcurre para poder llegar a un resultado final, pudiendo de esta manera analizar su proceso de aprendizaje. A través de esta misma línea, una vez terminado el trabajo de exploración, el alumno podrá observar debido a qué situaciones particulares construye su arte de la manera en que lo hace, la forma en que trabaja y cómo el entorno o los materiales a disposición determinan cómo el estudiante lleva a cabo su proceso, pudiendo de esta forma comprender sus estrategias visuales a partir de sus particularidades personales.

Por otro lado, a través de los antecedentes anteriormente mencionados, se logra identificar aquellas áreas de interés, pudiendo así seleccionar aquellas que nos llamen más la atención para poder explorar, es decir, también nos enseña a orientar las prioridades al momento de realizar una obra estando estas acorde a nuestros intereses personales. Y una vez comprendido esto, es más fácil seleccionar el lenguaje visual a trabajar y los temas de interés, ya que los antecedentes permiten visualizar a simple vista aquello que marca nuestra trayectoria artística. 6

ANÁLISIS Pruebas de material

ANÁLISIS Ambientando una sensación

Palabras clave: Movimiento - figura humana - sensaciones - colores 8

Los recursos utilizados para el análisis de la categoría número son, una cámara digital, trípode, luces de colores y editor fotográfico VSCO. Es necesario aclarar, que el procedimiento que se utilizó para llevar a cabo estas fotografías, fue cambiando en la trayectoria, pero siempre manteniendo un objetivo principal, el cual es, captar el movimiento y producir emociones a través de una imagen con esas características. En primera instancia, se probó generar planos de color mediante papel celofán frente al lente de la cámara. Se optó por colocar tres capas de papel celofán azul para probar. A pesar de esto, la fuerza del color era muy suave y sutil, por lo que se decidió repetir el procedimiento pero esta vez el papel celofán iría sobre el flash de la cámara. Al realizarse aquello, se generó un rebote de luz en el papel celofán, no atravesando el color debidamente, es así como se obtuvieron imágenes con un color amarillento, debido al efecto que generó el flash. Se decidió jugar con los parámetros de la opción manual de la cámara, oscureciendo la imagen para ver si se lograba destacar el color al bajar la exposición. La fotografía no resultaba de la manera planeada, posiblemente porque se encontraba una luz blanca tenue encendida en la sala de trabajo para poder ver, esto debido a que la actividad fue realizada durante la noche, ya que la luz del día influenciaría en las luces de colores con las que se trabajaría. Debido a lo sucedido con la luz artificial encendida, decidí probar el mismo procedimiento pero esta vez con la luz apagada, utilizando el flash de la cámara para poder obtener una imagen clara en la oscuridad. Esto, no generó muchos cambios en la saturación del color. A medida que se avanzaba en la exploración, se decidió enfocar la fotografía en el juego con las estelas de movimiento y el color, por lo que ese fue el siguiente procedimiento a trabajar. Fue así como se decidió bajar la velocidad de obturación a 8", logrando de esta manera obtener el movimiento de las poses en la fotografía, pero no así suficiente saturación del color, parecía ser que el problema era el papel celofán. Fue así como se optó por recurrir a luces de colores que cambiaban cada cuatro segundos, presentándose entre ellos el color verde, azul, morado, rojo, blanco y amarillo. En el proceso de transición de un color a otro, estos podían generar diferentes tonalidades al mezclarse, provocándose así colores como el naranjo, rosado, turquesa, entre otros. 9

Fotografía n° 1, velocidad de obturación de 15", f 4 e ISO automático.

Detalles fotografía n°1

Tomando en consideración este último punto, se optó por alargar de 8" a 15" la velocidad de obturación, para poder capturar de esta manera, más colores a través de las poses llevadas a cabo. Cabe recalcar que, a pesar de haber hecho ese ajuste de parámetros, el color nunca llegó a tener la potencia que tenía realmente en vivo, por lo que se optó por editar las imágenes una vez realizadas para así poder saturar sus colores. Al ser trabajados todos estos elementos, todo comenzó a ensamblarse, la mezcla de colores que podían capturarse en una imagen realizada con baja velocidad de obturación y la manera en que esto generaría nuevas lecturas para el observador; las expresiones faciales, la captura del movimiento de estas y la fusión de los colores, ambientarían al espectador en un viaje de observación meticulosa, de exploración a través de la imagen, asociando las diferentes formas que se provocaban entre lo difuso del movimiento con el color. Es, de esta forma, como se logró abrir un campo sensitivo, emocional e imaginativo en el espectador a través del movimiento, la figura humana y el color. Pasando a otro punto, respecto a las imágenes resultantes, podemos observar cómo en la fotografía n°1 presentada anteriormente, se puede apreciar cómo las expresiones faciales se fueron mezclando al superponerse una imagen sobre otra por efecto de la baja velocidad de obturación a 15", logrando así que fuera posible la captura de una serie de formas de carácter perturbador, pero, debido a que el color saturado del rosado, lila y azul se presencian con fuerza, no ambienta la imagen de modo terrorífico, pero aún así, no logra sustraerle este carácter de extrañeza. En cuanto a la fotografía n°2 presentada a continuación, se puede apreciar que esta es invadida por el color verde y rojo, provocando en el fondo una ambientación de color turquesa y rosa grisáceo. Esto genera una ambientación que simula un enfrentamiento entre las caras que se pueden apreciar entre las estelas de movimiento presentes en la imagen, las cuales fueron capturadas en una velocidad de obturación de 8", lo que podría explicar el hecho de que la imagen sea un poco más oscura que la anterior y que haya menor rango de visualidad de rostros, ya que hubo menos tiempo para moverse en el espacio real durante la captura. Además, el color rojo presencia con fuerza una mirada, 12

Fotografía n°2, velocidad de obturación de 8" , f 4, ISO automático

Detalles fotografía n°2

mientras que se puede observar en el color verde oscuro otros rostros sufrientes, pudiendo abrir una posibilidad de interpretación de dominancia, enfrentamiento, entre otros. Es así como los colores pueden montar un escenario para las figuras humanas representadas en movimiento. Por último, en la fotografía n°3 presentada a continuación, podemos apreciar como interactúan en la imagen los colores naranjo y cian, provocando sombras de color sombra tostada y tonalidades azules más oscuras. El fondo de la imagen, permanece de un color unificado, siendo este un color naranjo pálido. Esta imagen fue tomada con una velocidad de obturación de 8", por lo que, al igual que en la fotografía n°2, se puede observar sombras marcando presencia en la imagen. Y un punto que marca una diferencia entre estas, es que, al observar el resultado de la imagen anterior al momento de realizar las imágenes, se decidió ser un poco más veloz en el movimiento del cuerpo presente frente a la cámara, para así poder capturar más imágenes del rostro en movimiento. Lo cual fue llevado a cabo con éxito. Al igual que en la fotografía n°1, se observan formas de carácter perturbador, extraño, una mezcla entre un ente y un ser humano, esto producto del registro del movimiento. En esto, el color logra tener un rol de narrativa al igual que en la fotografía n°2, ya que, al haber predominancia de rostros en color naranjo y menor cantidad en color azul, pareciera que esta última se está desligando de aquella predominante, generando una sensación de desligamiento, de separación, de liberación. Esto, puede verse aún más fortalecido por el hecho de que los colores presentes en la imagen son cálido-frío, dos extremos en las paletas de color, pudiendo así generar una narrativa aún más significativa para el espectador.

Fotografía n°3, velocidad de obturación de 8", f 4, ISO automático

Detalles fotografía n°3

ANÁLISIS Transparencias y movimiento

Palabras clave: Transparencia, movimiento, transmutación 18

Para este segundo análisis de exploración de material, se ocuparon los siguientes recursos: Cámara de celular, aplicación de teléfono picsart, página web canva. El proceso de esta producción de esta segunda prueba de material constó en tres pasos, los cuales son, toma de fotografías, edición de estas y montaje. Para las fotografías, se decidió utilizar el cuerpo humano ya que es un punto de interés en mi línea de trabajo, y para lograr una mejor percepción de este, se eligieron prendas que descubrieran piel y así obtener una imagen más clara respecto a las partes que componen a este cuerpo. Las fotos fueron tomadas al aire libre debido a una falta de espacio en el interior del hogar, por lo que necesitó una posterior edición para así eliminar el fondo que interrumpía el centro de atención, el cual es, la figura humana en movimiento. Para esto, se utilizó la aplicación de teléfono Picsart, utilizando una herramienta que permite borrar el fondo de imágenes a pulso manual, respecto a este procedimiento, es importante mencionar que la pantalla del celular era muy pequeña para poder seleccionar adecuadamente los límites del cuerpo, por lo que varias veces se debió rehacer la edición con el fin de lograr una imagen lo más limpia posible. Una vez editado el fondo de las imágenes, se les incorporó el efecto "Carboncillo" de un tipo de tonalidad de blanco y negro que estaba dentro de los filtros de la aplicación. De esta manera, se lograría centrar el interés en la forma del cuerpo y como este se mueve, que por otros factores como el color.

Img 1.

Img 2.

Img 3.

Img 6. .

Img 4. .

Img 7. .

Img 5. .

Finalmente, se decide hacer el Montaje N°1 de las fotografías mediante la página web Canva, la cual tiene la opción de entregarles diferentes niveles de transparencia a cada una de estas ubicándolas una encima de la otra, lo cual, al no ser ninguna imagen igual a la otra, generarían una nueva percepción del cuerpo representado, pasando de una imagen inmóvil a una imagen en movimiento, ya que al presentarse las transparencias, es asociable a las estelas de movimiento de las imágenes de baja velocidad obturación como se observó en el análisis "Ambientando una sensación" anteriormente presentado. Al momento de realizar la transparencia entre las imágenes, fue necesario otorgarles diferentes niveles de intensidad, ya que, si esto no era realizado, simplemente las imágenes se iban superponiendo tapando por completo la imagen siguiente, es por esto que se fue otorgando un nivel de transparencia en descenso a medida que se iban agregando las imágenes una encima de la otra, siendo así la Img. 1 de una transparencia nula, es decir, con un cien por ciento de claridad para después en la Img. 2 ir disminuyendo a un setenta por ciento de claridad entregando de esta manera una calidad de transparencia bastante sutil, y a partir de la Img. 3 la transparencia ya era mucho más notable ya que estaba en un sesenta porciento de claridad para posteriormente ir disminuyendo el número de claridad de diez en diez hasta llegar a la Img. 7 terminando con una claridad de veinte por ciento. En la siguiente tabla se especificarán los niveles de claridad de cada imagen y a continuación se presentará la imagen resultante con sus respectivos detalles.

Niveles de transparencia Imagen 1 - 100 Imagen 2 - 70 Imagen 3 - 60 Imagen 4 - 50 Imagen 5 - 40 Imagen 6 - 30 Imagen 7 - 20 20

Resultado montaje N°1, transparencias superpuestas. 21

Detalles montaje N°1

Abarcando ahora la producción del Montaje N°2 de esta categoría, es necesario declarar que se ocuparon las cuatro primeras fotografías presentadas en el Montaje N°1, siendo estas editadas con el filtro "Drama" de la página web de Canva a una intensidad del cincuenta porciento, otorgándoles una tonalidad azul marina. Decidiéndose así de manera inmediata el color que sostendría estas imágenes, el cual sería color azul oscuro grisáceo.

Img 1.

Img 2.

Img 3.

Img 4.

Respecto al proceso de montaje, en primer lugar se decidió la distribución de los cuerpos en el espacio, siendo elegida la posición diagonal, ya que permitía que los cuerpos dialogaran entre sí fluidamente, aunque, para poder acercar las imágenes lo suficiente entre ellas sin que interactuaran sus niveles de transparencia, fue necesario voltear horizontalmente la Img. 2 e Img. 4. Al momento de integrar las transparencias, se decidió generar un desvanecimiento de la imagen a diferencia del Montaje N°1, en el cual se hizo una superposición de imágenes transparentes. Es por esto que los niveles de transparencia son diferentes, ya que al ser solo cuatro imágenes, se tenía que notar con fuerza el debilitamiento de la claridad de la imagen. Es así como la Img. 1 en la esquina superior izquierda la que presenta mayor claridad con un número del setenta por ciento de fuerza, siguiéndole la Img. 2 con un cincuenta por ciento de fuerza, la Img. 3 con un treinta y cinco por ciento de fuerza y finalmente la Img. 4 con un veinte por ciento de fuerza. Cabe recalcar que, a pesar de que la transparencia es trabajada de manera diferente, el movimiento aún se ve presente, ya que la serie de imágenes demarcan de una forma u otra una seguidilla de posiciones que producen la lectura del movimiento, pero a través de esta forma de aplicar la transparencia, se logra generar una lectura de desvanecimiento, lo cual establece una propuesta de lectura para el espectador. 23

Resultado montaje N°2, transparencias desvanecidas. 24

Detalle del desvanecimiento mediante la transparencia.

En último lugar se analizará el Montaje N°3, para el cual se trabajaron las imágenes uno, dos, tres y cuatro para elaborar una nueva imagen en la que se trabaje la transparencia por intercalado y de esta manera aludir al movimiento de los cuerpos en el espacio a través de una técnica diferente a las vistas anteriormente como la superposición o el desvanecimiento, pertenecientes al Montaje N°1 y al Montaje N°2 respectivamente. Para comenzar, primero se debió realizar la edición de las imágenes para así ambientar los cuerpos dentro de la plana a trabajar. Eligiendo de esta manera el efecto "Rosie" que se encuentra en la página web de Canva al momento de editar una imagen en particular. Este efecto le entrega una tonalidad rosada grisácea a las imágenes, en las que, mientras más bajo sea el brillo de esta, el color se inclinará más hacia los morados mezclados con los colores terrosos que los grises, dando como resultado las siguientes fotografías.

Img 1.

Img 2.

Img 3.

Img 4.

Una vez realizada la modificación de tonos dentro de las fotografías a trabajar, se decidió la disposición de las imágenes de estas. Para ello, se analizó la forma en que los cuerpos ocupan el espacio que les contiene individualmente, presentándose así los cambios de altura entre una imagen y otra, ya que en la Img. 1 e Img. 2 el cuerpo se encuentra erguido mientras que en la Img. 3 e Img. 4 se encuentra de cuclillas o de rodillas en el piso. Considerando que las imágenes son contenidas en un marco de fondo negro, se necesitaba una posición que permitiera que no se revelara este espacio que marca la diferencia entre un cuerpo y el otro, además de que no interfiriera con la imagen que estuviese al lado al momento de agregar las transparencias. Para asegurar que se provocara la menor interferencia posible, se probaron distintas ubicaciones entre una y otra imagen, pero ninguna transmitía una visualidad estética y pertinente. Es así como se decidió cambiar el color de fondo en el que se disponían las imágenes en su conjunto, ya que, al haberse editado las fotografías individualmente, el color negro duro que poseen como fondo cada una de ellas había cambiado a un café grisáceo oscuro. Por esto se decide atribuirle al fondo el color anteriormente mencionado y una vez dispuestas las imágenes, se pudo apreciar que ya no era tan notable ese recuadro negro que cortaba la continuidad de la imagen total. Para una mayor comprensión de lo anteriormente descrito, se presentará a continuación cómo se verían las imágenes puestas sobre un fondo blanco y cómo se verían en un fondo que logre integrarse con los colores de las imágenes individuales.

Prueba de integración fondo - imágenes individuales

Imagen definitiva

Una vez observado el comportamiento de las imágenes entre ellas, cómo se relacionaban e integraban entre sí, se decidió el color de fondo y la disposición a seguir, la cual sería intercalada ya que, debido a lo anteriormente explicado respecto a las diferencias entre tamaños, lo más pertinente resultaba ser un intercalado que mediante las transparencias, lograra agrupar por un lado las imágenes más altas, que en este caso serían la Img. 1 e Img. 2 mientras que por otro lado se presentaran las Img. 3 e Img. 4. Para poder marcar aquella diferencia, se decide jugar con las transparencias, separando de esta manera un grupo del otro pero a la vez logrando generar una lectura de todas como una sola imagen y no divididas. Es así como se le atribuye a cada imagen individual las siguientes cantidades de claridad para hacerla más visible o más transparente. En la siguiente tabla se puede apreciar entonces que en la primera imagen se encuentra con un cien por ciento de clarid claridad igual que la imagen número tres, ya que estas dos pertenecerían al grupo de Niveles de transparencia las imágenes largas, mientras que la imagen dos se presenta con un veintidós de Imagen 1 - 100 claridad, es decir, es bastante transparente, Imagen 2 - 22 mientras que la imagen cuatro tiene un Imagen 3 - 100 cuarenta y uno, encontrándose estas dos Imagen 4 - 41 últimas en el segundo grupo, el cual es de imágenes más horizontales que verticales. El porqué la imagen cuatro tiene mayor claridad que la imagen dos, se debe a que, como las imágenes individualmente poseen el fondo negro, al momento de generar las transparencias, este negro transparente interfería con la imagen que le seguía al costado. Por ello, se decide aumentar aún más la transparencia de la decide transpa imagen dos, ya que al estar tan cerca de la imagen número uno, pasa a presentarse la transparencia negra sobre el cuerpo de la Img. 1. A pesar de bajar la claridad a veintidós, aún así se puede apreciar la transparencia en una tonalidad mucho más suave pero aún así, presente. En la imagen del costado izquierdo se puede apreciar un detalle de lo descrito anteriormente. Detalle montaje N°3

Resultado montaje N°3, transparencias intercaladas. 29

ANÁLISIS Diseño portada

Palabras clave : Edición, estética, distribución. 30

En la presente categoría, se desarrollará el trabajo de elaboración de distintas propuestas de diseño para portadas basadas en dibujos confeccionados para la clase de Taller de producción visual, aquel trabajo consta en una serie, la cual en mi caso es generada a partir de la cercanía o similitud que existen entre la vida de las flores y el desarrollo del alma humana a través de la introspección. Esta categoría está pensada para una portada de un catálogo o folleto para la exposición del trabajo anteriormente mencionado. Es así como se desarrollan tres propuestas, cambiando la disposición de las imágenes, los colores de estas, la comunicación entre una imagen y otra, la tipografía y cómo esta tiene un papel relevante en la percepción de un conjunto de imágenes ya que es canal de comunicación y de diseño también.

Como la flor Javiera Méndez

Diseño de portada N°1

Para el primer diseño de portada de esta categoría, se decidió elegir tres dibujos para el fondo de la portada y seleccionar un dibujo como imagen central de la propuesta de diseño, dando así un total de cuatro dibujos. A continuación se presentan los tres dibujos seleccionados para el fondo.

Dibujo N°1

Dibujo N°2

Dibujo N°3

El conjunto total de estos cuatro dibujos fueron elaborados a partir de la técnica de achurado con tiralíneas negro de punta 0.4, en ellos se representa a una mujer lilium, la cual se va desvaneciendo a lo largo de la serie de dibujos para Taller de producción visual. Cabe recalcar que los dibujos presentados no son parte de la serie final, ya que decidí estudiar las líneas y ocupar estos estudios para una propuesta de diseño de portada. Los estudios fueron generados en un tiempo de elaboración de una hora y media aproximadamente, en formato oficio y algunos en un tamaño más pequeño por temas de falta de papel. En este caso, se hizo la selección de solo cuatro de los dibujos de la serie, la cual cuenta con un total de seis dibujos, ya que no se podrían integrar todos ellos en el fondo sin sobrecargar visualmente el diseño, se resolvió escoger tres dibujos de posiciones erguidas mientras que solo una de posición agachada; esta elección se decidió así ya que los dibujos N°1, N°2 y N°3 combinarían íntegramente si eran superpuestos como un fondo, dando a entender que hay una seguidilla de dibujos a pesar que solo se muestren Dibujo N°4 cuatro.

Finalmente se incorpora la imagen central, es decir, el Dibujo N°4, en la cual se expresa una posición más vulnerable, que es una de las características del ser humano que son trabajadas a lo largo de la serie. De esta manera, tan solo con la selección de las imágenes, se fue resolviendo la disposición de los dibujos para el diseño de la portada, y una vez hecho esto, se trabajaron los niveles de claridad entre los dibujos uno, dos y tres ejerciendo un nivel de transparencia igualitario, es decir, no prevalece una imagen sobre la otra, aunque, por el hecho de ser todas de la misma tonalidad, tendían a mezclarse entre sí, es por esto que se decide agregarle color a cada una, de manera que al superponerse con transparencia una con la otra se lograran diferenciar y a la vez, que estas mezclas de colores generaran un color de fondo para la portada.

Dibujo N°1 con color gris

Dibujo N°2 con color salmón

Dibujo N°3 con color turquesa

Una vez agregados los colores, se le agregó la transparencia, la cual debilitó la saturación del color entregándole de esta manera una tonalidad más propia de los grises coloreados, o como también se les conoce "colores pastel", gracias a esto, la imagen del fondo no resaltaría ni competiría en fuerza de tonalidad con la imagen central, la cual sería el Dibujo N°4 como se había mencionado anteriormente. La imagen del costado a la izquierda permite ver

el resultado de la superposición de los dibujos entre sí, logrando visualizar de esta manera que el color generado como fondo es una tonalidad cercana al beige, dejando abierta la posibilidad a diferentes elecciones de color para la imagen central de la portada, pero, al considerar que destacaba también el turquesa de uno de los dibujos, se decidió potenciar ese color con el Dibujo 4. Es así como se prosiguió a otorgarle color a la imagen central del diseño de portada. En este dibujo no se aplicó ninguna transparencia ya que debía ser la imagen que captara más atención, por lo que se decidió conservar la saturación del turquesa y se le otorgó la posición central de la portada, para potenciar aún más la atención en esta imagen. Posterior a esto, se realizó el montaje de la imagen de fondo mostrada anteriormente con la imagen central. Una vez realizado aquello, se debió decidir una tipografía que estuviese acorde a las características Dibujo N°4 con color turquesa saturado tanto del origen de la serie, como con la visualidad la la creación creada para para eleldiseño diseñodede creación de esta portada, siendo así elegidas las tipografías "Berkshire swash" para el título en tamaño 56, mientras que por otro lado se eligió la tipografía "Sawarabi Mincho" en tamaño 18 para el nombre de la autora. Para elegir un título que sería ocupado en el resto de las propuestas de diseño de portada, se intentó resumir todo lo que contiene la serie de Taller de Producción, considerando toda la información que va detrás de las imágenes, siendo escogido de esta manera el título "Como la flor".

. 35

Como la flor Javiera Méndez

Para el segundo diseño de portada de esta categoría, se seleccionaron dos dibujos realizados con técnica de achurado pertenecientes a la misma serie de dibujos mencionada en el análisis del diseño anterior, repitiendo esta vez uno de los dibujos utilizados para el primer diseño de portada mientras que también se incorporará un dibujo no mostrado anteriormente. Los dibujos utilizados se presentan a continuación en su forma original.

Dibujo N°1

Dibujo N°2

Para el actual diseño, se decidió tomar una dirección más limpia y simple visualmente, razón por la cual se eligieron dos imágenes solamente para trabajar, ya que en esta ocasión se elevaría la imagen en temas de diseño a partir de los colores saturados y cambiando la estructura normal de una portada común. Para desarrollar este último punto a trabajar, se fue trabajando la distribución de las imágenes, poniendo a ambas en distintas ubicaciones para ver qué posición generaba una lectura más estética y cuerda visualmente. A partir de esto, se decidió utilizar el Dibujo N°2 como imagen de fondo ya que abarcaba más espacio que el Dibujo N°1, además, al ser un poco más oscura respecto a la incorporación de tinta más cargada, resultaba más pesada a la vista que el Dibujo N°1, que, al representar una posición erguida y al ser dibujada con menos tinta, termina por percibirse como una imagen más liviana, por ello se decidió que iría en la parte superior del Dibujo N°1. La duda en aquél momento moment

era, ¿Cómo agregar el Dibujo N°1 sin tapar por completo el Dibujo N°2? Al principio, se quería mantener la imagen dentro de los parámetros, es decir, mantener todo el material visual dentro de la misma línea, pero, para hacer aquello, se tendría que haber disminuido demasiado el tamaño del Dibujo N°1, lo cual terminaba por quitarle protagonismo a la imagen misma. Es por ello que se probó sacar esta imagen de su límite respecto al fondo, obteniendo así un buen resultado. Pasando a otro punto, acerca de la elección de colores para cada imagen que se presentaría en el diseño de portada, se decidió elegir un color saturado de fondo, específicamente, color lila, ya que este color es asociado con una naturaleza extraordinaria, energías fuertes, paz, armonía, que son características que se ven asociadas dentro de las formas representadas. Por otro lado, para el Dibujo N°1 el cual iría en la zona superior de la portada, se termina por decidir agregarle un poco de transparencia ya que al ponerla sobre el dibujo de fondo, cortaba información visual de los pétalos de flor representados que eran esenciales para la comprensión de la imagen. Una vez hecho aquello, se le integró una tonalidad anaranjada que en un principio era saturada pero al agregarle la transparencia se vuelve suave. Además, su ubicación se trabajó de manera tal que calzara con la espalda del cuerpo representado en la imagen de fondo, es decir, del dibujo N°2.

Dibujo N°1 con color saturado sin agregar transparencias.

Dibujo N°1 con transparencia incorporada a un 46% de claridad.

Detalle calce entre Dibujo N°1 y Dibujo N°2. El primero posicionado sobre la representación de la espalda del segundo.

Finalmente se escoge la tipografía "Amsterdam One" en tamaño 56 para el título de la portada, mientras que para el nombre de autora se elige la tipografía "IM Fell English SC". La ubicación elegida para las tipografías fue en la parte inferior de la imagen y centrada, ya que concordaba con la línea guía que había creado la imagen del dibujo ubicado en la parte superior, equilibrando armoniosamente con todo el conjunto. Además, en aquel lugar no generaba ninguna interrupción visual.

Como la flor Javiera Méndez

Como tercer y último diseño de portada elaborado para esta categoría se desarrolló un diseño que tiene como fin romper los márgenes naturalmente utilizados en las portadas debido a que, al igual que en el diseño de portada anterior, se utilizan dos imágenes, por lo que se provoca una imagen más sintética y además más liviana visualmente. Para este diseño se integra un dibujo de la serie de estudios de achurados que no ha sido presentado en ninguna de las otras propuestas anteriores mientras que por otro lado se encuentra la repetición de uno de los dibujos presentados en el anterior diseño. Estos son:

Dibujo N°1

Dibujo N°2

A ambas imágenes se le incorporan colores neutros cálidos, es decir, de la línea de los anaranjados, cafés, beige, hasta sus colores pasteles. En este caso, se decide incorporar una tonalidad anaranjada al Dibujo N°1, el cual será establecido como "fondo" de la portada, aunque no lo es por completo, ya que aparece el Dibujo N°2 en tonalidad beige para completar el fondo del diseño aunque en una tonalidad mucho más suave debido a su porcentaje bajo de claridad. La transparencia en este diseño, fue integrada con dos objetivos, en primer lugar, para poder visualizar la imagen que se encontraría a su costado, ya que el ejercicio estaba planteado de manera tal que las imágenes dialogaran de una manera poco convencional, en este caso, diagonal. En segundo lugar, fue 41

Integrada para observar cómo se percibe la transparencia a un nivel más alto -es decir, con poca claridad- ¿Llama al espectador a ese lugar transparente? ¿El observador concentra su mirada en esta parte de la portada? ¿Qué genera el hecho de que exista transparencia en una imagen y no en otra? Estas son algunas de las preguntas en torno a las cual se trabajó la transparencia. Además, fue pensada como una manera de cambiar los pesos visuales, esta vez -a diferencia del diseño anterior- la imagen con mayor claridad se encuentra en la parte superior, mientras que la imagen transparente, se encuentra en la parte inferior. ¿Qué produce que no haya un límite preciso entre las imágenes de la portada? ¿Genera incomodidad o interés? ¿Resulta novedoso o extraño? Estas preguntas son algunas de las que fueron planteadas para trabajar el orden de las imágenes de manera diagonal e irregular en sus límites. Volviendo a la distribución de las imágenes, estas fueron posicionadas una sobre otra intentando que los pies del cuerpo representado en el Dibujo N°1, calzaran con los pétalos de la flor representada en el Dibujo N°2, simplemente para intentar generar un vínculo más lógico entre ellas.

Detalle interacción entre Dibujo N°1 y Dibujo N°2

Finalmente, se integraron las tipografías "Abril Fatface" en tamaño 56 mientras la tipografía "Cagliostro" fue utilizada para el nombre de la autora en tamaño 18. Estas, fueron posicionadas en la parte superior izquierda de la portada ya que era la ubicación que generaba menos interrupción visual y además, no sobrecargaba de información la portada en aquella ubicación.

ANÁLISIS El fluir de la tinta

Palabras clave: Experimental, flujo, inesperado, caótico.

La indagación de material de esta categoría se basará en la tinta, específicamente, la tinta china. Se irá trabajando con agua de diferentes maneras, observando así los resultados que se van generando a partir de diferentes procedimientos para comprender el movimiento tanto del agua como de la tinta para conformar una imagen.

Estudios tiempos de secado agua y tinta

Para comenzar la exploración, se decidió primero hacer un estudio del comportamiento de la tinta a través de diferentes tiempos de secado, para así poder aplicarlo en los siguientes ejercicios, teniendo ya internalizado este material de estudio que se trabajó en primera instancia. En la imagen, podemos observar seis estudios realizados con diferentes tiempos de secado. Este procedimiento se realizó de la siguiente manera en cinco de los seis estudios. En una hoja de 300 gr, es decir, una superficie que resiste líquido, se dibujó con un pincel y agua, rectángulos de aproximadamente 8x5 cm. cada uno. De esta manera, una vez dibujados todos, comenzaría a correr el tiempo de secado, para que este fuera más acelerado, se mantuvo encendido un calefactor en la sala de trabajo para espesar el aire y una vez terminada la prueba se dejó reposar la prueba al lado del calefactor. Una vez dibujados todos los rectángulos de agua, se fueron agregando gotas de tinta en cada uno, esperando que el rectángulo que seguía estuviese algo más seco que el anterior. La gota de tinta china negra se dejaba caer a 2 cm de altura aproximadamente. El primer resultado de esta prueba se presenta en la imagen a la izquierda. Este estudio se realizó sin espera de secado del agua, es decir, apenas se dibujó el rectángulo se dejó caer una gota de tinta china negra con un pincel húmedo sobre la superficie de agua. Primer estudio tinta sobre agua La tinta escurrió rápidamente a lo largo del rectángulo de agua, pintándolo de una tonalidad grisácea mayoritariamente por el costado derecho del espacio delimitado. También, se generó una aureola de un tinte negro más fuerte que la aureola de afuera, la cual toma una textura similar a "pelos" hasta que se desborda para seguir el camino del agua como se mencionó anteriormente.

En la segunda prueba, se dejó secar el agua por un minuto, pero, al momento de aplicar la tinta china con el pincel, sin querer se utilizó el pincel mojado, no húmedo, es decir, estaba cargado con agua, ya que mientras se esperó a que se secara el rectángulo de agua, se había dejado limpiando el pincel debido a la prueba Segundo estudio tinta aguada sobre agua anterior. Por ello, se generó un resultado diferente, como se puede evidenciar en la imagen, esta vez se creó una aureola de un gris claro, a diferencia del anterior que tenía una aureola negra en el centro. Además, la tinta no se expandió tanto, probablemente porque al estar cargado el pincel con agua, no hubo una cantidad mayor de tinta que de agua, por lo que no había mucho material que expandir. Debido a esto, este resultado termina por ser el ejercicio más claro en tonalidad respecto a las demás pruebas de estudio.

Tercer estudio tinta sobre agua

Para el tercer estudio de tinta sobre agua, se dejó secar la superficie durante dos minutos para luego aplicar la gota de tinta con pincel húmedo. A partir del resultado, se puede visualizar una aureola gris clara en el centro mientras que otra un poco más

oscura hacia afuera. La expansión de la gota de tinta pareciera estar más controlada, ya que esta no tiñó el resto del agua de la superficie. En la realización del cuarto estudio de tinta sobre agua, se esperó tres minutos el secado de la superficie. A partir de esto, se agregó la gota de tinta con pincel húmedo, provocando la imagen de la expansión de la tinta sobre el agua de una manera más controlada y con una tonalidad más oscura. Al momento de colocar la gota de tinta, sin querer cayó una gota de agua extra en

Cuarto estudio tinta sobre agua 47

la superficie, causando una aureola en el costado derecho superior, probablemente tenía una pequeña cantidad de tinta esta gota, debido a que el agua en la que se limpiaban los pinceles no fue cambiada para respetar los tiempos de secado de las demás pruebas.

Quinta prueba de tinta sobre agua

Para la quinta prueba de tinta sobre agua, se esperó el secado de la superficie por cinco minutos. Como resultado se obtuvo una mancha mucho más pequeña, con la tinta muy concentrada en sí casi no provocando tonalidades grises dentro de ella.

Sin querer en esta prueba cayó una pequeña cantidad de tinta con agua sobre el borde del rectángulo, lo que provocó el tinte de la superficie que había sido dibujada con agua, generando así una tonalidad gris en el recuadro con una aureola clara en la esquina inferior, donde habría sido derramada la gota. Como sexta y final prueba, se decidió probar la expansión del agua sobre la tinta negra, para poder observar la diferencia con los estudios anteriormente realizados. Se dibujó un recuadro con tinta negra con un pincel húmedo pero cuidando que la tinta china no se Sexta prueba, agua sobre tinta viera modificada por el agua o los trazos, por lo que se intentó dejar el recuadro negro lo más limpio posible. Posterior a esto, rápidamente se dejó caer una gota de agua en el centro del recuadro, provocando una expansión de esta sobre la superficie de manera irregular. Una vez secada la prueba, se podían apreciar diferentes texturas dentro de la prueba, como lo es en la parte superior de la prueba en ubicación central, se observa una especie de puntillismo, mientras que en otros lugares se genera una expansión de tinta parecida a la de las pruebas anteriores generando aquella especie de "pelos".

Aplicando los estudios anteriormente presentados, se decidió utilizar una silueta humana para trabajar la tinta y el agua de diferentes maneras, observando así los resultados generados a partir de este procedimiento. En primer lugar para la elaboración de este ejercicio, se debió establecer una imagen referencial para trabajar la silueta, siendo seleccionada la siguiente imagen:

Pose referencial para el estudio

Para esta prueba se utilizaron los mismos recursos que para el ejercicio anterior, es decir, un pincel, agua, tinta, hojas de 300 gr., un calefactor para reducir los tiempos de secado, y pedacitos de toalla nova para quitar agua en caso de ser necesario. Esta exploración de material fue generada directamente en el papel sin un boceto previo de la imagen referencial.

La primera prueba de estas exploraciones, se realizó de la siguiente forma: Con un pincel húmedo, es decir, que fue pasado por el agua y luego se le quitó el exceso de esta, se dibujó la silueta del cuerpo femenino. Para poder ver bien que estuviese siendo dibujado adecuadamente, se debió colocar una lámpara al lado del dibujo y así poder visualizar las líneas de agua, ya que como el rastro de agua era vago, no era perceptible a primera vista.

Exploración N°1

Una vez realizado esto, rápidamente se hizo la incorporación de la tinta, pero esta no viajaba a través de los trazos de agua, ya que por ser una capa delgada se secó demasiado rápido por el calor de la habitación. Es por ello que dentro del dibujo se podrán apreciar algunos puntos de tinta, ya que se 50

estaba probando si en esos lugares había humedad aún para que corriera el flujo de la tinta, por lo que solo quedó la pequeña marca del pincel.

Detalle N°1

Detalle N°2

Detalle N°3

En esta prueba podemos observar características de las manchas que se vieron reflejadas en la prueba anterior, en donde estudiamos los diferentes tiempos de secado. Aquellos lugares donde la tinta sí fluyó en el agua que aún estaba presente en la superficie, adquirió una tonalidad gris clara que al secarse dejó una aureola gris oscura como podemos observar en el detalle tres en la parte inferior izquierda. También, hay zonas del dibujo en donde la tinta se ve esparcida generando estos "pelos" mencionados en el ejercicio anterior también. Esto lo podemos apreciar en el Detalle N°1 con claridad y en el Detalle N°3 al lado de la mancha gris clara. Esto se debe a que se aplicó el pincel en esa zona nuevamente para demarcar la silueta, y como había presencia de agua, se extendió de manera diferente como a la mancha gris, ya que esa fluyó desde otro punto hasta extenderse a ese límite. Tinta esparcida sobre agua

aplicación de tinta con pincel

textura "peluda" de la tinta sobre agua 51

Exploración N°2

Para esta segunda exploración, se decidió ocupar mucha más agua de la que fue ocupada en la exploración N°1 para dibujar la silueta del cuerpo femenino. Ya que, como en la primera exploración la tinta no viajó por todos

los lugares debido a que se secó, esta vez se decidió hacer lo contrario para ver la respuesta de la tinta hacia esta gran cantidad de agua que delimita la silueta. Para esto, primero se dibujó con agua de manera sutil, y después se agregó gran cantidad de agua con un pincel cargado de líquido, dejando grandes gotas de agua en la superficie a trabajar. Una vez hecho esto, se esperaron unos minutos a que secara en algunas partes y luego se comenzó a incorporar la tinta en algunos límites del cuerpo, como en este caso podemos observar que evidentemente el pincel agregó tinta en lo que serían los hombros de la mujer, parte de la cara, la cabeza, las caderas, la parte final del pie, las rodillas y la mano posicionada en la parte inferior del dibujo. Se puede deducir que aquellos son los lugares en donde se presionó el pincel con tinta ya que es donde se ve la tinta en su color más puro, el negro para después pasar a tonalidades grises oscuras o claras dependiendo de la cantidad de agua. Al momento en que se agregó la tinta al agua, se hicieron pequeños dibujos de tinta sobre la burbuja de agua que existía por la acumulación de esta, lo que hizo dudar en si debía ser retirada un poco del agua encerrada en ese lugar, pero se decidió dejarlo tal como estaba ya que podría generar texturas una vez seca. El tiempo de secado fue bastante largo a pesar de ser colocado frente al calefactor, que tiraba aire caliente hacia el dibujo. No se escogió la secadora de pelo para acelerar el proceso ya que podría haber corrido el agua de la superficie causando la pérdida de los límites del cuerpo establecidos en un principio. 52

Detalles manchas Exploración N°2

La exploración N°3 fue trabajada de manera diferente, ya que en esta ocasión la silueta fue dibujada con tinta en vez de agua utilizando un pincel húmedo como Exploración N°3 herramienta para llevar esto a cabo. Una vez dibujada la silueta, rápidamente se fue incorporando agua a zonas estratégicas, intentando elaborar sombras dentro de la silueta femenina. Ocurrió lo mismo que en la Exploración N°2 respecto a que se formaran grandes acumulaciones de agua en algunas zonas y la tinta viajaba rápidamente entre el agua que era agregada, por lo que la presencia de negro en esta exploración es notable. Mientras se trabajaba la tinta, pasó a caer una gota de agua entre el ir y venir del pincel para agregar más gotas a las zonas. La gota cayó justo en el borde del codo levantado de la silueta, lo cual da la impresión que es un objeto cayendo por el costado del brazo de la mujer, pero fue una casualidad. Esta exploración estaba tardando demasiado en secar y se necesitaba seguir con las demás exploraciones, por lo que se debió ocupar un pedacito de toalla nova para absorber la acumulación de agua de algunas zonas. Quizás esa es la razón de este efecto marmoleado, aunque lo más probable es que sea porque primero la silueta fue dibujada con negro y la tinta seca rápido, por lo que de igual manera queda un registro en el papel del paso del pincel con la tinta a pesar de que se agregue agua.

Detalle caída gota de agua

Detalle efecto marmoleado

Detalle rastro del pincel con tinta 55

Para la exploración N°4 se quiso trabajar con el agua pero de una manera mucho más sutil, el objetivo era lograr una imagen de carácter minimalista, de líneas simples y concisas, pero con un efecto especial por el recorrido del agua en la tinta. Para lograr este tipo de resultado, se necesitaría una herramienta mucho más precisa para dibujar, por lo que se decidió utilizar una pluma de dibujo.

Para llevar esto a cabo se pintó un rectángulo de 14x6,5 cm con tinta negra. Al saberse que esta tinta secaba rápido, había consciencia de que los movimientos tenían que ser rápidos, por lo que. una vez lograda la superficie liza de tinta negra, se fue dibujando la silueta femenina escogida, para esta ocasión se utilizó la imagen presentada a la izquierda. Mientras se desplazaba la pluma con agua por el fondo de tinta, podía observarse que no fluía nada de tinta, quizás ocurrió esto debido a que quizá se necesitó más agua con tinta para Exploración N°4, resultado hacer la capa principal, pero así no hubiese podido observarse el la silueta dibujada en la superficie. Una vez que se secó la exploración se pudo observar que el paso de la pluma por la superficie de tinta, tendió a romper un poco el papel, además que el dibujo no se aprecia con claridad a simple vista. 56

Detalle exploración N°4 Ruptura del papel 57

Exploración N°5

Para la exploración N°5, se decidió hacer el dibujo de la silueta femenina con la misma pluma utilizada en la Exploración N°4, pero esta vez el proceso sería diferente ya que la tinta sería la que se integraría al

camino de agua que iría dejando, esta sería incorporada con un pincel tocando con mucha precausión las líneas de agua. Así se pretendía obtener un dibujo lineal negro con distintas tonalidades grisáceas entremedio debido al fluir del agua y la tinta. Pero, ocurrió algo similar a lo presentado en la Exploración N°1, en la que el agua puesta en la superficie se secó. Al ser una línea tan delgada, mientras se hacía el resto del dibujo comenzó a secarse, por lo que al momento de integrar la tinta ya no fluía con fuerza hasta esos lugares. En la imagen a la izquierda se puede apreciar como la tinta va marcando su camino en el agua, y también se puede visualizar la tenue línea de agua que fue dibujada en las partes en que la tinta no logró llegar. También se observa un pequeño punto a la derecha de la imagen, que se debe a que al momento de introducir la tinta a las zonas con agua, se debía ir descubriendo si aún había agua o no. En ese lugar, no había.

El proceso para la elaboración de la exploración N°6 es prácticamente el mismo que en la exploración N°5, se dibujó con agua la silueta utilizando una plumilla, esta vez se procuró que fuese la cantidad suficiente de agua para que no

Exploración N°6

volviera a ocurrir la falta de flujo de la tinta sobre el agua. Después de aquello, se hace la integración de agua en lugares estratégicos, supuestamente que deberían recibir sombra en la imagen de la modelo, entonces, al agregar tinta en algunas zonas, estas tendrían un flujo grisáceo de tinta en ellas. Resulta que al incorporar la tinta con pincel húmedo a las zonas, esta tiñó toda la silueta inmediatamente, fluyó rápidamente, casi no dejando zonas grises claras. El secado era muy lento, y como se debía seguir avanzando en otros dibujos, se decidió quitar excesos de agua de algunas zonas, ya que estas no se secaban con el calor de la pieza o el calor mismo del calefactor, ya que era una acumulación de agua.

Exploración N°7 59

Para la exploración N°7 se llevó a cabo un procedimiento diferente, en el que se mezclan pasos del estudio de expansión de tinta y de dibujo. Primero se mojó la superficie con agua limpia haciendo un rectángulo de 14x8 cm. se procuró agregar abundante agua, ya que el siguiente paso sería dibujar una pose femenina con pluma y tinta negra. Apenas la pluma tocó la superficie, la tinta comenzó a expandirse rápidamente generando esta especie de "pelos" de tinta, además de comenzar a manchar el recuadro de agua inicial. La pluma no fue cargada con más tinta en el proceso de dibujo, por lo que en la zona de los pies no es tan notable el dibujo como lo es en la zona del torso, por ejemplo. Una vez secado el dibujo, se pudo observar aún así el rastro de la pluma en las zonas en las que no quedaba mucha tinta ya, recordando lo sucedido en la exploración N°4. El manchado del fondo fue ocurriendo a medida que se iba dibujando, es por ello que algunas zonas tienen estas texturas peludas y lo demás es un color grisáceo más homogéneo.

Detalles líneas sin tinta Exploración N°7

Detalles manchas Exploración N°7

Detalles expansión de tinta Exploración N°7 60

Para la última exploración de esta categoría, se llevó a cabo un dibujo lineal con agua trabajado con pluma, para después rellenar el dibujo por completo con un pincel agregando agua a toda la silueta dibujada anteriormente. Posterior a esto, se le incorporó tinta con un pincel en el centro del cuerpo representado y en las extremidades. Es por esto que son los lugares más oscuros respecto a niveles de tinta, a excepción de los pies, ya que, como el proceso de secado demoraba mucho, se decidió absorber un poco del agua de la zona con un pedacito de toalla nova, dando así como resultado final la siguiente imagen.

Exploración N°8, resultado.

Al ser observada detenidamente, se puede apreciar como fluye el agua en distintas formas, como se va comunicando con el agua que estaba en primera instancia en la superficie. Se visualiza como los límites de la figura en algunos lugares no son tan pulcros como otros, que nacen manchas en lugares impredecibles.

Detalles del comportamiento de la tinta sobre el agua produciendo manchas Exploración N°8 61

Conclusiones

Pruebas de material

Categoría I "Ambientando una sensación". A partir de la Categória I: "Ambientando una sensación" se puede concluir que, las luces de colores utilizadas debieron tener mayor potencia, aunque los editores fotográficos hicieron un buen trabajo rescatando la saturación de los colores. También, que la velocidad de obturación de 8" era sufiicente para capturar movimiento en la imagen. Se concluye entonces que, la fuerza de los colores no interviene del todo en la comunicación de un rostro penetrante, es decir, aunque los colores sean saturados, aún así se puede lograr una imagen perturbadora, por lo que no necesariamente algo que pretenda ser una imagen extraña o terrorífica debe ser de un color oscuro, siendo así las exploraciones de la categoría I un ejemplo de aquello. Por otro lado también, respecto a las transparencias, se puede decir que son un elemento que ayuda a la imaginación del espectador, abre nuevos espacios de ideas "allí creo que se ve esto" "hay una figura similar a" "parece un" son algunas de las palabras que surgen al ser utilizada la baja velocidad de obturación en las fotografías, concluyendo de esta forma que la transparencia es un elemento que enriquece la imagen y las sensaciones que puede provocar.

Imágenes Categoría I

Categoría II "Transparencias y movimiento". Respecto a la Categoría II: "Transparencias y movimiento", en ella se pudo comprender las diferentes e infinitas combinaciones posibles para trabajar las transparencias en editores, para crear de esta forma imágenes sensibles y comunicativas de emociones. Los montajes mostraron técnicas como la superposición de fotografías, el degradado de estas, y el intercalado de transparencias, las cuales dieron buenos resultados. Personalmente, una vez terminadas aquellas exploraciones visuales pensé en que quizá se hubiesen abierto muchas más probabilidades de uso de color si es que hubiese borrado el fondo de cada imagen individualmente, pero no contaba con una aplicación adecuada para hacerlo. De todas formas, siento que el resultado fue positivo y que representa lo que las transparencias comunican para mi, como el cambio, lo superfluo, la delicadeza, sutileza y el desaparecer. Estos conceptos considero que logran estar reflejado dentro de los montajes realizados.

Imágenes Categoría II

Categoría III "Diseño de portada". En relación a lo explorado en la categoría III: "Diseño de portada", puedo decir que el proceso de trabajar cada propuesta, observar diferentes posibilidades de armado para una portada, me ayudó a poder tomar consciencia de cómo la primera imagen que se observa, ya sea para un folleto, publicidad, un catálogo o hasta una imagen elegida para presentar una exposición, incide en un público respecto a la manera en que se percibirá la idea de lo que es la exposición que está detrás o el trabajo en sí. El poder de la primera impresión de una imagen es demasiado importante, sobre todo en la actualidad, en donde las imágenes son de rápida comprensión y velocidad debido a las redes sociales. Por ello, estas deben ser producidas teniendo en cuenta todo lo anteriormente mencionado; la información que se pretende destacar, qué imagen debe ser la central y por lo tanto la que se lleva las miradas, entre otros factores. Esta exploración se une a mis intereses desde la estética que poseo para plantearme imágenes, ya que como también trabajo la fotografía, es útil buscar una manera de publicitarlas, organizarlas, mostrarlas y presentarlas. Los resultados obtenidos me parecen interesantes, realmente soy capaz de visualizarlas en los medios o en publicaciones, lo que me hace creer que fue un buen estudio respecto a la edición. Como la flor Javiera Méndez

Como la flor Javiera Méndez

Imágenes Categoría III

Categoría IV "El fluir de la tinta". En último lugar se encuentra la Categoría IV: "El fluir de la tinta", dentro de estas indagaciones de material pude observar las diferentes respuestas del agua a la tinta y de la tinta al agua, logrando una mayor comprensión del medio, el cual, concluyo que es bastante impredecible, los resultados durante el proceso de realización son muy diferentes a cuando se puede observar el trabajo ya seco. Explorar racionalmente el flujo de la tinta sobre una superficie mojada me ayudó en el sentido de saber qué acciones tomar para intentar llegar a ciertos resultados, pero a la vez, los estudios me hicieron comprender que debía desaprender aquella espera de un resultado perfecto y coherente que se asimile lo más posible a la realidad, ya que estos dos medios -la tinta y el agua- solo fluyen como su propio medio les indica. Esta exploración me hizo recordar la experiencia del juego con los materiales, esa conexión infantil con los medios, a través de los cuales aún así se logran generar resultados novedosos dentro de lo que es el experimentar.

Imágenes de algunas exploraciones de la Categoría IV

Conclusiones generales

Explorar materiales y procedimientos que son de mi interés personal de manera consciente, aportan de gran manera en aprender diferentes formas de observar un mismo material y comprender todas las diferentes posibilidades que estos me entregan o que están a mi disposición. Normalmente no cuento con la confianza para trabajarlos ya que me he encerrado en un mismo círculo de trabajo en áreas cómodas para mi misma, por lo que este trabajo abre las posibilidades a facilitar el proceso creativo e interés por otras técnicas o métodos como lo es en este caso la tinta china y agua, que era un material que igualmente me causaba cierta inseguridad, pero al trabajarla libremente en un proceso de exploración que termina por acercarse al juego, genera más confianza. Lo mismo me ocurrió con las ediciones digitales, por lo general trabajaba de una manera en específico, y ahora veo que hay muchas otras herramientas y posibilidades de crear nuevas imágenes.

La imagen que se relacione estéticamente con la imagen de portada Nombre estudiante y correo udec.

JAVIERA MÉNDEZ SANDOVAL JAVMENDEZ2019@UDEC.CL