자립건축02(Subjective Architecture)_Art x Shift

Investigation of architecture for the subjective life | No. 02

ART X SHIFT

ART X SHIFT

Catalysts of Spatial Agency

Blurring the Boundaries

Content

Stage 1. Initial Integrity and Obstinacy as an Artist

p. 3 .

Stage 2. Starting to Blur the Boundary

p. 21 .

Stage 3. Fully Blurred Boundaries

p. 39

Essay. Catalysts of Spatial Agency

p. 49

ARTIST

ArtShift에서는 예술가와 관객 간의 경계를 허 무는 것이 공간 전체의 경험을 형성하는 핵심 원 리이다. 이 여정은 창작자와 소비자 간의 더 깊 은 통합과 협력을 나타내는 세 가지 단계로 전 개된다.

At ArtShift, the concept of blurring the boundaries between artist and audience is a central tenet that shapes the entire experience of the space. This journey unfolds in three distinct stages, each representing a deeper integration and collaboration between creators and consumers.

AUDIENCE

미국에서 예술가로서 경력을 시작한 한 커플은

갤러리와 예술가 사이의 관계에 환멸을 느끼고

기존의 구조에서 벗어나 새로운 시스템을 만들기

위해 한국으로 왔다. 그들은 처음에 자신들의 작

업 공간을 갤러리로 제안하며 기존의 예술에 도

전하는 비전을 목표했다. 갤러리를 설립하는 것

은 어려웠지만, 그들은 점차 한국인들 사이에 갤

러리를 편하게

A couple who started their career as artists in the United States came to Korea feeling disillusioned with the relationship between galleries and artists, aiming to break away from existing structures and create a new system. They initially proposed their workspace as a gallery, embodying the vision that challenges conventional art. While establishing the gallery was challenging, they gradually realised the absence of a cultural mindset among Koreans to comfortably visit galleries and appreciate art. They observed people feeling unenvironment where people could easily engage with art in a relaxed manner, realizing the presence of art around them.

Stage 1

Initial Integrity and Obstinacy as an Artist

초기에 ArtShift의 창립자들은 예술가로서의 정

체성과 자부심을 가지고 작업에 임했다. 그들은

예술적 과정과 전통적으로 연관된 명성, 자율성

을 유지하기 위해 결심했으며, 이는 창작 비전을

지키기 위해 외부의 영향을 거부하는 예술가들

사이에서 흔히 나타나는 감정을 반영했다. 따라

서 좌측 이미지들을 보면, 먼저 Ah-Young Jeon 과 Zach Roberts가 처음 공간을 임대했을 때의

원래 평면도를 볼 수 있다. 이어서 초기 아이디

어와 제안된 계획은 공간 내 구역의 명확한 구분

으로 인해 그들의 예술적 고집을 반영하고 있다.

In the beginning, the founders of ArtShift approached their work with a sense of integrity and pride in their identity as artists. They were determined to maintain the prestige and autonomy traditionally associated with the artistic process. This stage reflects a common sentiment among artists who may resist outside influence to preserve their creative vision. Thus, looking at the images on the left, we first get a view of the Original Floorplan that owner Ah-Young Jeon and Zach Roberts had walked into when first leasing the space. Then both the Initial Idea and Proposed Plan are reflect of this obstinacy within their artisty due to the apparent division of zoning in space.s.

1. 최초의 Artshift 평면

2. Artshift 초기 평면 아이디어

3. 최종 선택된 평면

ArtShift의 직접 테이블, 바, 기타 공간 요소들을

제작하는 “self-build” 접근 방식은 칭찬할 만하

며, 전체적인 경험에 깊이를 더해준다. 이러한 손

수 공간을 만드는 접근을 통해 ArtShift는 장인

정신에 대한 헌신을 보여줄 뿐만 아니라, 공간 내

에서 주인의식과 진정성을 키운다. ArtShift 내

의 self-building 행위는 단순한 건축을 넘어, 창

립자들의 삶에 깊이 뿌리내린 의식적인 실천된

다. 이러한 의식은 단순한 작업을 넘어, 창립자들

이 공간과 깊이 연결되는 신성한 순간인 것이다. self-build의 각 순간은 의도와 의미로 가득 차 있

으며, 창립자들이 그들의 비전에 대한 헌신을 재

확인하는 상징적인 순간이다. 이는 단순히 가구

를 조립하는 것이 아니라, 그들의 창의적 에너지

를 ArtShift의 정체성을 형성하는 실체적인 형태

로 전환시키는 것으로, 궁극적으로 실용성을 초 월하는 것이다.

The “self-build” stance taken by ArtShift in constructing their own tables, bar, and other elements of their space is commendable and adds depth to the overall experience. By engaging in this hands-on approach to creating their environment, ArtShift not only demonstrates a commitment to craftsmanship but also fosters a sense of ownership and authenticity within their space. The act of self-building within ArtShift extends beyond mere construction; it becomes a ritualistic practice deeply ingrained in the lives of the owners. These rituals are more than just tasks—they are sacred moments where the founders connect with their space on a profound level.

Each instance of self-building is imbued with intentionality and meaning, symbolizing a reaffirmation of the founders’ commitment to their vision. It’s not just about assembling furniture; it’s about channeling their creative energy into tangible forms that shape the identity of ArtShif, ultimately transcending the realm of practicality.

갤러리와 예술가 사이의 전통적인 관계를 넘어

자신들만의 독립적인 시스템을 만들고자 하는 작

가들의 행위는 Artshift의 self-build 태도와 긴

밀하게 일치한다. 그들이 공간 내 가구와 요소들

을 직접 제작하기로 선택한 것은 단순히 물리적

인 환경을 조성하는 것뿐만 아니라, 예술계의 구

조와 역학을 재정의하는 것이기도 하다. ArtShift

의 작가들이 자신들의 공간을 스스로 만드는 선

택은 예술 커뮤니티 내에서의 자율성과 주체성을

주장하는 것이다. 기존의 갤러리나 기관에 의존

하기보다는, 그들은 스스로 행동에 나서며 전통

적인 규범과 권력 구조에 도전하는 DIY 정신을

구현하고, 기존 구조에서 벗어나 새로운 길을 개

척하고 있다.

Q. 이 공간을 만든 목적과 이유는 무엇인가요?

A. 저희는 원래 미국에서 활동했어요. 현재 예술

계에서 갤러리와 예술가들이 맺고 있는 관계를

넘어, 독립적인 시스템을 만들고 싶었기 때문에

이곳에 와서 갤러리와 쇼룸으로 사용할 수 있는 우리만의 공간을 만들었어요.

Q. 왜 을지로에서 이런 공간을 만들기로 결정했 나요?

A. 예술가들이 작업을 하려면 임대료가 적당해야 하는데, 을지로가 이 조건에 가장 잘 맞았어요. 또 한, 을지로에는 많은 예술가들의 작품이 모여 있

어 일종의 예술 허브를 형성하고 있어요. 저희는

Initial Integrity and Obstinacy as an Artist

The owners’ response about wanting to create their own independent system beyond the traditional relationship between galleries and artists aligns closely with the self-build stance of ArtShift. By opting to construct their own furniture and elements within the space, they are not only creating a physical environment but also redefining the very structure and dynamics of the art world. In choosing to build their own space, the owners of ArtShift are asserting their autonomy and agency within the art community. Rather than relying on established galleries and institutions, they are taking matters into their own hands, embodying a DIY ethos that challenges conventional norms and power dynamics, breaking-away from traditional structures and forging a new path forward.

Q. What was the purpose and reason for creating this space?

A. We originally operated in the United States. Wanting to create our own independent system beyond the relationship galleries and artists have in the current art world, we came here to create our own space, to be used as both a gallery and a showroom.

Q. Is there a reason why you chose this place, Euljiro, to create such a space?

A. Firstly, for artists to work, the rent needs to be affordable, and Euljiro was the best fit for that condition. Additionally, many artists’ works are gathered in Euljiro, forming a kind of art hub. We came here to participate in that art hub.

https://m.blog.naver.com/PostList.naver?blogId=dswoong84&tab=1&trackingCode=blog_bloghome

WHAT IF 전아영 작가

예술가이자 공동 소유주인 전아영 작가의 작품은 ArtShift 공간에서 처음으로 전시된 작품 중 하나 였다. 그녀의 작품은

MOTHER OF ALL THE EVILS

Artist and Co-owner, Ah-Young Jeon, works was one the first to be exhibited in the ArtShift space. Aspects of the sociological are closely linked to the concepts behind her works. The striking colours that are present in Ah-Young’s work resonate with the viewer through simplicity of design, while strongly relating to the concepts present. Her works are often displayed in large canvases and their archives.

AH-YOUNG JEON Exhibition

ZACH ROBERTS Exhibition

Initial Integrity and Obstinacy as an Artist

ZACH ROBERTS 작가

https://www.instagram.com/z_wro

Layered composition - large scale oil on canvas , view other slides for details.

전아영 작가의 남편이자 Artshift의 공동 소유주

이며 예술가인 Zachary Roberts도 자신의 작품

을 자주 전시한다. 그의 작품은 삶의 자율성과 관

련된 개념을 자주 다룬다. 그의 작품은 그녀와 달

리 흑백 드로잉 기법에 집중하며, 정교한 디테일

과 형태로 관객을 매료시킨다.

Graphite on paper - layered composition

Now the husband of Ah-Young Jeon, also an Artist and Co-owner of ArtShift, Zachary Roberts frequently exhibits his works as well. Aspects of autonomy of life are often linked to the concepts behind his works. Unlike Ah-Young, Zach heavily focuses on the black and white drawing technique with intricate details and forms that captivate the audiences.

1. 사진 설명 필요

2. 사진 설명 필요

3. 사진 설명 필요

Initial Integrity and Obstinacy as an Artist

ⓒArtshift all rights reserved.

Variation #2로 넘어가면, 소유주들은 오른쪽 끝

에 있던 길고 좁은 작업 테이블을 재구성하여 늘

어나는 방문객들을 위한 추가 좌석 공간으로 활

용했다. 또 다른 길고 좁은 책상을 평면도의 중심

에 배치했는데, 이번에는 재료와 도구를 원형 그

대로 보여주는, “워크숍” 같은 전시 공간으로 활

용하면서 상품들을 스마트하게 배치했다. 이 배

치 조정은 ArtShift 공간의 기능성과 미적 매력

을 모두 향상시키기 위한 것이었다.

Moving onto the 2nd variation, they had repurposed the long, thin workshop table on the far right into more seating area for the visitors to accompany the rising number of guests. Another long thin desk was placed in the heart of the floor plan, but this time it served as the “workshop” like exhibit, showing materials and tools in a raw form and also placing the merchandises in a smartly manner. This layout adjustment aimed to enhance both the functionality and aesthetic appeal of the ArtShift space.

1. 사진 설명 필요

2. 사진 설명 필요

3. 사진 설명 필요

Initial Integrity and Obstinacy as an Artist

ⓒArtshift all rights reserved.

때때로 ArtShift는 다양한 아티스트들의 음악 공

연을 개최하기도 했다. 이때는 대부분의 가구를

2층 창고로 옮겨 기존 공간을 무대가 되는 공간

으로 만든다. 공연은 좌측 평면도의 중앙 부분에 서 진행되며, 관객들은 공간 왼쪽에 줄지어 앉는

다. 비록 공간은 작지만, 분위기 있는 조명과 장애 물 없는 공간을 통해 분위기와 미적 감각이 진정 으로 돋보인다.

At times, ArtShift also hosted musical performances from varying artists. When this is done, most furniture is moved away, most likely into their upstairs storage areas, creating an ultimate floor plan turning it into a stage. The performance would take in the central part of the floor plan with the audiences seated in rows on the left side of the space. Though it is a minimal area, the ambience and aesthetic are truly highlighted through mooded lightings and the lack of obstacle objects.

Stage 2

Starting to Blur the Boundaries

ArtShift가 발전함에 따라 창립자들은 관객의 피

드백의 가치를 인식하기 시작했다. 이 피드백은

비즈니스 측면에서뿐만 아니라, 그들의 예술에

담긴 메시지를 전달하고 해석하는 데에도 중요 한 역할을 했다. 창립자들은 예술적 고집을 조금

씩 내려놓기 시작했고, 관객과의 대화와 상호작

용이 창작물 형성에 중요하다는 것을 인정했다. 이러한 협력과 개방성으로의 전환은 예술가와 관

객 사이의 깊은 연결감을 키우고, 전체적인 경험

을 향상시켰다.

As ArtShift evolved, the founders began to recognize the value of feedback from their audience. This feedback was not only essential from a business perspective but also crucial for communicating and translating the messages embedded within their art. They started to loosen their grip on their artistic obstinacy, acknowledging the importance of dialogue and interaction with their audience in shaping their creative output. This shift towards greater collaboration and openness fostered a deeper sense of connection between artists and audience, enhancing the overall experience.

Q. 이 지역에 위치하면서 겪는 어려움은 무엇인 가요?

A. 공간이 숨겨져 있어 대부분의 방문객들이 자

발적으로 방문하기보다는 ArtShift를 찾기 위해 의도적으로 오시게 돼요. 그래서 저희를 찾아 5층 까지 올라오신 후에 ‘와’ 하는 반응이 없으면 저희 는 실패하는거죠.

1. 골목에서 바라본 Artshift 건물 외관의 모습

2. 건물 앞 골목에서 을지로 대로 방향을 바라본 모습

Starting to Blur the

Q. What’s a challenge you face for being place in this area?

A. Due to our hidden placement of space most visitors come with the intention of visiting ArtShift more than spontaneously, so after hunting down and walking up 5 floors if that wow-factor is absent, we’re doomed.

ⓒArtshift all rights reserved.

ArtShift의 소유주들은 방문객들을 창작 과정에

적극적으로 참여시키며 예술가와 관객 사이의 경

계를 허물고 있다. 그 대표적인 예시로 테이블을

사용하여, 테이블을 단순한 객체에서 역동적인

캔버스로 변모시킴으로써 창작자와 관찰자 간의 구분을 흐릿하게 만든다.

방문객들은 예술적 여정에 적극적으로 참여하여, 공간의 변화무쌍한 모습을 함께 만들어가며 창작 경험에 대한 공동의 주인의식을 키워간다. 이러

한 방식으로 소유주들은 전통적인 역할과 위계질

서를 초월하여, 예술가와 관객이 유동적이고 포

용적인 방식으로 협력하고 함께 창작하는 공간

을 만들어낸다.

The owners of ArtShift blur the boundaries between artist and audience by actively involving visitors in the creative process, using the table as a prime example. This practice transforms the table from a passive object into a dynamic canvas, blurring the distinction between creator and observer.

Visitors become active participants in the artistic journey, contributing to the everchanging landscape of the space, fostering a sense of shared ownership over the creative experience. In this way, the owners transcend traditional roles and hierarchies, creating a space where artists and audience members collaborate and co-create in a fluid and inclusive manner. Starting

Artshift 공간을 처음 설계하고 계획할 때, 모든 것이 하나의 캔버스 처럼 보였고, 저희가 마주하는 빈 곳마다 저희의 예술적 면모를 그려 내고 싶었어요

When we first designed and planned for the Artshift space, everything seemed like a canvas, we wanted to paint and express our artistic side on anything blank we come across ”

As we started to use the tables as a canvas as well, all-nighter to paint these tables in a forest-leaf realised this was a turn off to the customers as it take pictures of their coffee on those tables for SNS (the table) was too over powering the photo, making that experience.

시작하면서 저희는 굉장히 신이 났어요. 한 번

밤새도록 칠하며 큰 자부심을 느꼈죠. 그

시각적으로 부담이 되는 것임을 깨달았어

올릴 때, 테이블이 배경으로 너무 강렬

이 경험을 통해 많은 것을 배웠어요

well, we got pretty excited. One time I spent an concept and was super proud. However I soon was too much on the eyes. Especially when they SNS they would quickly give up , as the backdrop making it unattractive to the eye. We learnt alot from experience. “

처음 공간을 파란색으로 칠할 때, 저희는 영업 시간에 영향을 주고

싶지 않아서 밤에 작업을 했어요. 하지만 다음 날, 날이 밝았을 때 햇 빛 때문에 색상이 완전히 다르게 보인다는 것을 깨달았어요. 그래서

전부 다시 칠해야 했고, 이번에는 자연광에서 색상을 제대로 볼 수 있도록 낮에 작업을 했어요 ” “

When we first painted the room blue we had painted it during the night as we did not want to distrup opening hours. However, when the next day came we realised that the colour looked totally different. Hence we had to repaintit allover, only this time, during the day so we would be able to truly see its full colour in the natural light ” “

어두운 녹색으로 공간을 칠한 후, 저희가 저희 컨셉에 갇힌 듯한 느 낌을 받았어요. 특정한 방 색상에서 작업을 하다 보면, 무의식적으로 그 벽 색상과 작품을 맞추려는 경향이 있음을 깨달았죠. 그래서 현재 는 덜 대담한 색상 팔레트를 사용하는 것이 좋겠다고 느꼈어요 ” “

Not after long painting the place dark green (one of their previous looks), we felt trapped in our concept. Such as, if we had a specfic room colour and was working on our own art projects, we’d realise that we would subconciously try to match our artwork with the wall colours at that time. Thus prompting for a less bold colour- palette for the moment ”

해요 ”

It’s on of the most popular spots within the space. The customers send lot of their time observing the archivings while waiting for their drink or after finishing it

좌측 히트맵은 이 변형의 평면도 레이아웃일 때 공간 내의 순환과 공간 점유도를 보여준다. 히트

맵 하단에 배치된 히트 맵 스케일 바를 통해, 순 환이 밀집할수록 맵의 빨간색이 짙어진다는 것을 알 수 있다. 이 히트맵을 통해, 가장 밀집된 지역

중 하나가 입구 옆의 포스터 아카이빙 구역임을 확인할 수 있다.

Here the heat map shows the circulation and spatial occupany within the space when the floorplan layout was like this variation. With the Heat Map Scale bar allocated below it, we can see the denser the circulation gets, the redder the map gets as well. Here we can identify that one of the densest area in next to the entrance where the archiving of posters happen.

1. Archiving, poster walls

Stage 3 Fully Blurred Boundaries

최종 단계에서는 예술가와 관객 사이의 경계가

완전히 허물어진다. ArtShift의 창립자들은 포용

성과 개방성을 받아들여 방문객들을 창작 과정

에 초대한다. 이는 예술 작업 세션 중에 공간을 개방하여 방문객들이 비하인드 작업을 직접 목 격하고, 예술적 경험에 대한 공동의 주인의식을

촉진하는 것을 포함할 수 있다. 남아 있던 예술 가로서의 고집을 내려놓음으로써, 그들은 창의성 이 협력적이고 공동의 노력이 되는 공간을 만든 다. 이러한 몰입적인 접근은 창작자와 관객 사이 의 경계를 흐리게 하여 전통적인 갤러리 경험을

변화시킨다.

In the final stage, the boundaries between artist and the audience are fully dissolved. The founders of ArtShift embrace a sense of inclusiveness and openness, inviting visitors into their creative process. This may involve opening up the space during art-making sessions, allowing visitors to witness the behind-thescenes work and fostering a sense of shared ownership over the artistic experience. By relinquishing their remaining obstinacy as artists, they create a space where creativity is a collaborative and communal endeavour. This immersive approach blurs the lines between creator and spectator, transforming the traditional gallery experience.

Q. ArtShift를 만들면서 배운 점이나 깨달은 점 은 무엇인가요?

A. 저희는 방문객들과의 상호 발전적인 관계를

깨달았어요. 예술가들은 보통 자신의 세계에서

작업하지만, 여기에서는 대중의 피드백이 솔직하 고 중요해요. 예를 들어, 우리는 예술 작품을 가

구에 통합하면 공간이 향상될 것이라고 생각했지 만, 사람들은 그것에 관심을 가지지 않았죠.

ArtShift는 창의성, 공동체, 그리고 공간적 역량

의 실타래를 엮어내는 예술적 혁신의 등대처럼

떠오르고 있다. 진실성과 자율성의 원칙에 기반

을 둔 이 역동적인 공간은 기존의 경계를 초월하

여 예술적 표현이 번창할 수 있는 안식처를 제공 한다. 사려 깊은 공간 디자인과 창의성을 육성하

려는 확고한 헌신을 통해, ArtShift는 예술과 문

화의 영역에서 공간적 역량의 변혁적 힘을 구현 하고 있다.

ArtShift emerges as a beacon of artistic innovation, weaving together the threads of creativity, community, and spatial agency. Founded on principles of integrity and autonomy, this dynamic space transcends conventional boundaries, offering a sanctuary where artistic expression thrives. Through a journey marked by thoughtful spatial design and a steadfast commitment to fostering creativity, ArtShift embodies the transformative power of spatial agency in the realm of art and culture.

PHASE 1. Initial Building

PHASE 2. Plain Canvas

PHASE 4. Trial Purple Room

ArtShift embodies a ritual of change, where every transformation becomes a testament to the fluidity of creativity and the power of adaptation. Through constant evolution and a commitment to blurring boundaries, ArtShift creates a space where both artists and audience members are active participants in the ongoing narrative of artistic exploration and discovery. Ritual of Change

PHASE 3. Submerged Blue Room

PHASE 6. White Grid Room

PHASE 5. Mint Forest Room

ArtShift는 전통적인 갤러리와 달리, 예술가와 관

객 사이의 기존 경계를 넘어서는 독특한 공간을

만들어냈다. 이 곳에서는 창작 과정에서의 적극

적인 참여와 혐업이 환영받을 뿐만 아니라 권장

되기도 한다. 따라서 작업 공간의 개방성과 카페

의 통합, 그리고 상품의 기여를 통해 전시와 자연

스럽게 어우러지며 Artshift 내에서 경계가 흐려

지는 경험을 만들어냈다. ArtShift는 변화의 의

식을 구현하며, 매번의 변형이 창의성의 유연성

과 적응의 힘을 증명한다. 끊임없는 진화와 경계

를 흐리는 데 대한 노력을 통해, ArtShift는 예

술적 탐구와 발견의 지속적인

관객이 모두

ArtShift diverged from traditional galleries by forging a unique space that transcends the conventional divide between artists and audience, fostering an environment where.active participation and collaboration in the creative process are not only welcomed but encouraged. Hence, through the openess of workspace, integration of cafe and contribution of merchanise yet seamlessly blending with the overall exhibition that has created this blurring of booundary within ArtShift. ArtShift embodies a ritual of change, where every transformation becomes a testament to the fluidity of creativity and the power of adaptation. Through constant evolution and a commitment to blurring boundaries, ArtShift creates a space where both artists and audience members are active participants in the ongoing narrative of artistic exploration and discovery.

전통적인 갤러리의 모습

Artshift의 모습

WORKING

예술가의 고집을 완전히 내려놓 고 경계를 흐리며, 창작 과정과 작품을 공개한다

Truly letting go of that artist obstinacy to blur the boundaries, opening up their work and creative process

CAFE

카페를 운영함으로써 순수 전시 공간을 방문하는 부담을 줄이고 편안함을 더한다

The inclusion of cafe lightens the pressure of visting a purely exhibition space, brings comfortability

방문객들은 예술가의 작품이 담 긴 상품을 가져가며 상호 연결감 과 소속감을 느낀다

Vistors feel a mutal connection and a sense of inclusionafter taking home a merchandise with thr artist’s work

COMMERCIAL EXHIBITION

작품이 바닥에 닿도록 하는 등 전 시된 예술 작품을 공간 내에 오나 전히 녹여낸다

Truly weaving the exhibited arts within the space, such as letting artworks touch the ground

우리는 경계를 흐리는 데 집중하고 있어요. 예술 과 디자인이 자연스럽게 어우러지는 매끄러운 경험을 추구하죠. 단순히 독점적인 갤러리 공간

을 만드는 것이 아니라, 일상 생활의 다양한 요

소를 포함하는 포용성을 지향해요. 예술계에서

는 종종 모든 것이 흑백으로 보이지만, 우리는

다양한 회색조를 제공하며 선택과 뉘앙스를 제

안해요. 상업적 측면을 예술적 비전과 통합함으 로써, 문화적 지속 가능성을 보다 실현 가능하게 만드는 것을 목표로 해요 ”

“ 물론, 대형 갤러리는 모든 것을 갖출 수 있지만, 우리는 더 작은 규모에서 그 개념을 선도하고 있 어요. 우리는 예술가를 순수하고 손대지 못하는 존재로 여기는 전통적인 관념에 도전하고, 탐색 과 실험의 자유를 받아들이고 있어요. 이는 예술 계에서의 우리의 경험에 의해 추진되는 여정으 로, 끊임없이 제약이 가해져요. 하지만 자유에는 책임이 따르며, 그것이 벅차게 느껴질 수도 있지 만, 감수할 가치가 있는 위험이에요. ” “

We’re all about blurring boundaries here. We strive for a seamless experience where art and design merge effortlessly. It’s not just about creating an exclusive gallery space; it’s about inclusivity, incorporating different elements of daily life. In the art world, things are often seen as either black or white, but we’re all about the shades of gray, offering options and nuance. By integrating commercial aspects with artistic vision, we aim to make cultural sustainability more attainable ”

Sure, big galleries can afford to have it all, but on a smaller scale, we’re pioneering that concept. We’re challenging the traditional notion of artists as pure, untouchable figures and embracing the freedom to explore and experiment. It’s a journey fueled by our experiences in the art world, where limitations are constantly imposed. Yet, with freedom comes responsibility, and while it may seem daunting, it’s a risk worth taking ”

중재를위한 촉매제

희미해진 경계

미국에서 예술가 활동을 시작한 부부

는 갤러리와 예술가들 간의 기존 관계에 대한 환

멸을 느끼고 한국으로 오게 되었다. 그들은 이

러한 기존 관계에서 벗어나 새로운 예술 시스템

을 만들고자 했다. 처음에는 그들의 공간을 갤러

리로 사용하면서, 전통적인 예술에 도전하는 그

들의 비전을 담은 이름을 걸었다. 그들은 전시된

작품뿐만 아니라 공간 자체도 하나의 예술 작품

으로 여겼다. 그러나 한국인들에게 갤러리를 편

하게 방문하고 예술을 감상하는 문화적 마인드

가 부족하다는 것을 인식하고, 카페 공간이 필수

적이라는 것을 알게 되었다. 시간이 지나면서, 그

들은 갤러리라는 중개자 없이 예술과 관객 사이

에서 직접적으로 소통하려는 시도가 결국 그들

이 탈피하고자 했던 구조를 재창조하고 있음을

깨달았다. 예를 들어, 그들은 카페 테이블에 자신

들의 그림과 유사한 모티프의 그림을 그렸다. 그

들은 이 테이블을 아름답고 예술적이라고 생각

했지만, 고객들은 이 테이블을 배경으로 사진 찍

지 않는다는 것을 알게 되었다. 고객들에게 제공

된 예술이 그들이 의도한 방식으로 받아들여지

지 않았던 것이다. ArtShift 공간에는 예술가와

관객 간의 관계뿐만 아니라, 사업가와 고객 간

의 관계도 존재한다. 두 작가는 빠르게 다채로

재클린

전체 과정을 하나의 예술적 경험으로 제안한다. 공간

시를 준비하기 위해 잠시 문을 닫고 리노베이션

을 한 후, 인기가 시들해졌다. 이제 그들은 더 이

상 전시 교체를 위해 문을 닫지 않는다. 공간의

일부를 점진적으로 수정하고, 진행 중인 창작 과

정을 대중에게 보여준다. 사람들은 이 과정을 더 흥미롭게 여긴다. 그들은 더 이상 주제에 얽매이

지 않고, 필요하다면 벽을 다시 칠하고 기존의 캐비닛을 해체한다. 어제의 작업대는 오늘의 카 페 테이블이 되고, 오늘의 카운터 선반은 내일

사라질 수도 있는 것이다. 갤러리라는 중개자 없

이 관객과 만나는 그들의 예술 세계는 ArtShift 공간 속에 완전히 녹아든다. 공간 자체가 하나의

예술 작품이며, 예술을 창작하는 과정도 하나의

예술 작품이다. 예술 작품은 벽에 걸린 그림이거 나 귀여운 자석과 열쇠고리 등의 형태로 나타난 다. 그들은 경계를 신중하게 정의한다. 고객들은 공간의 분위기에 몰입해 벽에 걸린 작품을 감상 하고, 커피와 간식을 즐긴다. 예술가들은 같은 공 간에서 창작 활동을 하며, 과정을 공개하고 공간

을 변화시키며 음료와 상품을 판매한다. 예술가 와 사업가의 경계는 예술가의 마음속에서 흐려

지고, ArtShift 공간은 이 끊임없이 변화하는 상

태를 나타내는 것처럼 보인다. ArtShift는 예술

가와 관객 간의 경계를 흐리며, 통합과 협업의

운 테이블을 베이지색으로 덮어 고객들이 공간

을 더 즐길 수 있도록 했다. 마치 마법처럼, 고객

들은 다시 테이블 위의 음료를 찍어 SNS에 업로

드하기 시작했다. 원래 부부는 매년 교대로 공간

을 관리하고 그림의 주제를 선택했었다. 한 사람

이 전시를 할 때, 다른 사람은 자신의 작품을 전

시할 수 없었고 다음 해까지 기다려야 했다. 1년

후 전시를 교체할 때가 전시 작품들의 인기가 최

고조에 달한 시기와 우연히 맞물렸다. 다음 전

Catalysts of Spatial Agency Blurring the Boundaries

Jacqueline SH Kim

A couple who started their careers as artists in the United States came to Korea a er feeling disillusioned with the existing relationship between galleries and artists. They sought to break away from these established relationships and create a new art system. They initially used their space as a gallery, hanging the name that embodied their vision to challenge conventional art. They considered not only the displayed artworks but also the space itself as a work of art. Aware that Koreans lacked a cultural mindset to comfortably visit galleries and view art, they knew a café space was essential. However, over time, they realized that they were inadvertently recreating the very structure they wanted to escape when trying to communicate directly between art and audience without an intermediary gallery—where artists merely display finished pieces and viewers passively accept them. For instance, they painted pictures on café tables with motifs similar to their paintings. While they saw these tables as beautiful and artistic, they noticed that customers eventually stopped taking photos of them. The art provided to customers was not being absorbed in the way the artists had hoped. In the ArtShift space, there is not only a relationship between artists and viewers but also between entrepreneurs and customers. The artist quickly covered the colorful tables with beige to make the space more enjoyable for the guests. Like magic, guests started taking photos of their drinks on these tables and uploading them to social media. Originally, the couple alternated annually between managing the space and selecting the themes for their paintings. If one was exhibiting, the other could not display their work in the space and had to wait until the next year. When it was time to change exhibitions after a year, it coincidentally was when guest popularity was at its peak. After temporarily closing for renovations to prepare for the next exhibition, they found that the popularity had waned. Now, they no longer close for

exhibition changes. They gradually modify parts of the space and show the ongoing creative process to the public. People find it more interesting to see this process. If they felt confined within a theme after a year, they now unhesitatingly repaint the walls and dismantle existing cabinets. Yesterday’s workstations become today’s café tables, and today’s counter shelves might disappear tomorrow. Their artistic world, which meets the audience without the intermediary of a gallery, melts entirely into the ArtShift space. The space itself is a work of art, and the process of creating art is also an artwork. Artworks take the form of paintings hung on walls or cute magnets and keyrings. They tread carefully in defining boundaries. Customers immerse themselves in the ambiance of the space, viewing artworks on the walls, and spending time tasting coffee and snacks. Artists create within the same space, exposing the process and transforming the space while selling beverages and merchandise. The boundaries between artist and entrepreneur blur in the artist’s mind, and the ArtShift space seems to represent this constantly changing state of mind. ArtShift blurs the boundaries between artist and audience, suggesting that the entire process of integration and collaboration is an artistic experience.

자립건축. 自立建築.

Investigation of architecture for the subjective life| No. 02

ART X SHIFT

기획

이재원, 김자경(에이쿱, acoop.kr)

고대웅(작은도시이야기, www.chngdoo.com/services-7)

인터뷰 및 자료 제공

인터뷰 날짜 및 장소

리서치

전아영, Zach Roberts(아트쉬프트, www.artxshift.com)

2024년 3월 27일, 아트쉬프트

연세건축 studio X_UNIT 2 (arch.yonsei.ac.kr)

겸임교수 이재원, 송원서, 유시영, JACQUELINE SHIN AH KIM

책 디자인 및 드로잉

책 디자인 및 구성 총괄

JACQUELINE SHIN AH KIM, 송원서

이재원