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Laboratorio Editorial Itinerante - Issue #2

escuelapablogimenez.com

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L A B O R A T O R I O I T I N E R A N T E E D I T O R I A L

STAFF VISIBLE _Docentes: Pablo Giménez Pia Supervielle Pablo Izmirlián Andres Amodio Paula Moore _Coordinación: Federico Perdomo _Estudiantes: Manuela Coutinho Florencia Rodríguez Fransisca Lamboglia Marina O’neill Florencia Sasson Sabrina Calcagno Romina Oper Alexia Ibargoyen Ignacio Noya Emma Ferro _ The Talks: Pedro Saldías Mima Zamall Rod Aguilera Nicole Ossandón Matías Hernán Esteban Pomar Noli Provoste (Hugo y José) Juan Pablo Fuentes Nomoda (Nacha Aliaga/ Laura Parraguéz) Jaime Ramírez Cristóbal Miranda Sebastián Román _Editorial central: Fotografía: Mairo Mora Labbé Beauty: Constanza Oyarzún Modelos: Almendra del Moral Javier Sánchez Ravello Indumentaria: Matías Hernán Mima Zamall Rod Aguilera _Fotoreportaje Gen We: Fotografía: Luis Tache Beauty: Nicolás Ampuero Influencers: Emanuel Fuentealba León Fabián Zamorano Camila Luna Francisca Chekal André Cocteau Indumentaria: Propia de los influencers y E.N.D. _Agradecimientos especiales: Estudio Matanga END (Espacio Nacional de Diseño)

AGOSTO/ SETIEMBRE 2018 SEMESTRE EDITORIAL PRODUCCIÓN Y COMUNICACIÓN DE MODA

Nuestro Laboratorio itinerante, Visible, pisó tierra transandina. Un debe que no podía esperar mucho más, y con todas las expectativas aterrizamos y rápidamente fueron superadas. El módulo Editorial de la carrera que tiene como proyecto final, la entrega de esta revista, conlleva un largo camino que tanto estudiantes, docentes y coordinadores emprendemos y planificamos al milímetro. Durante el proceso, hemos ido armando nuestro propia pared de visualización con infinitos post it, una exhaustiva investigación que nos fue revelando una escena repleta de talentosos exponentes que han compartido su singular talento y visión de una escena que para muchos de este lado de la cordillera, se mantenía invisible. Revelar, unir, compartir, conocer y vivenciar fueron y son los pilares de este ensayo periodístico, que llega a su segunda edición gracias a la convicción e involucramiento de los docentes a cargo; Pablo Izmirlían, Pía Supervielle, Paula Moore, Andrés Amodio y quien deja estas líneas con el mayor agra-

miento hacia ellos. Federico Perdomo se lleva otro especial y cálido clap clap a su humana coordinación. Destaco en especial a los estudiantes involucrados, quienes han podido materializar tanto trabajo en un puñado de páginas con estilo, gran visión y ensayo más que profesional. Esta publicación es un proyecto ambicioso, lo sabemos, pero es proporcional al talento y pasión de cada uno de los colegas chilenos involucrados, quienes han compartido con nosotros su singular visión, talento y gran calidez. Nos trajimos todo el cariño y a través de estás páginas le devolvemos el nuestro. ¡Gracias a todos! Pablo Giménez Director Integra_Escuela Pablo Giménez

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WORK

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contenidos.

editorial

+ Pedro Saldías + Mima Zamall + Rod Aguilera

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martes + Matías Hernán + Nicole Ossandón + Esteban Pomar

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jueves + Noli Provoste

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viernes + Juan Pablo Fuentes + Jaime Ramírez + NoModa + Sebastián Román + Cristóbal Miranda

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MIMA ZAMALL MATÍAS HERNÁN

NOLI PROVOSTE NOMODA

ROD THE LABEL ESTEBAN POMAR

NICOLE OSSANDÓN JUAN PABLO FUENTES

THE TALKS

Es director de contenidos de la agencia Raya, Chile. Co-fundador de Anormalmag.com y ex director de la Revista Detalle. Tiene más de diez años de experiencia en el área de marketing digital, y hoy es director de marketing de E.N.D. Chile (Espacio Nacional de Diseño).

PEDRO SALDÍAS

¿De qué manera llegaste al mundo del marketing? Me di cuenta en el colegio que mi único don era hablar, fue entonces que dije voy a estudiar relaciones públicas, porque es lo más similar a hablar y conversar. Pero, la realidad es que son los periodistas quienes ocupan esta área y en Chile o estudiás periodismo o publicidad. Así que, finalmente, me decidí por estudiar publicidad. Empecé a trabajar en el área de estrategias de las marcas, o mejor conocido por planning. A partir de ese momento comencé a trabajar en distintas agencias de publicidad, y, por gustos personales, evidentemente opté más por el lado del diseño y la moda. ¿Cómo definirías tu vínculo con la moda? Mi vínculo tiene que ver más con el mundo de las tendencias, comencé a ver la moda desde otra perspectiva. Entiendo la moda como un ejercicio político, social y cultural, para mí tiene mucha más dimensión que el vestuario, la tendencia.

Producción General: Pedro Saldías Fotografía: Rocío Aguirre Styling: Matías Hernán Maquillaje: Niky Ossandón Director de arte: Herán Kael Retoque: Francisco Vargas

the talks /

¿Qué te incentivó a convertirte en director de contenidos? Anormal Magazine, un proyecto personal de una revista de arte, pensada para artistas. Una plataforma para artistas independientes y anormales porque no eran proyectos comerciales. Fue la primera oportunidad que tuve de vincularme y darme cuenta que la autogestión funciona. Este proyecto me sirvió de base para poder generar luego contenido, un contenido más editorial y digital. Para mí fue un ejercicio de hacer todo en una sola cosa. ¿Qué dificultades encontraste en el área de marketing y branding en tus comienzos?

“Me di cuenta en el colegio que mi único don era hablar…”

Cuando yo empecé a trabajar en el mundo digital y de la publicidad más relacionada con la moda, en agencias internacionales, con retail y todo, lo que me pasó fue que no sabía si de verdad estaba haciendo efecto con el cliente. Es decir, por más que hiciera una producción increíble no estaba pensando en el segmento de compra. Entonces, tuve que aprender a hacer una diferencia entre el branding, y lo que quería vender. Mi objetivo no era

vender, sino que posicionar a la marca. ¿Qué aspectos crees esenciales para dichas áreas? Doy clases de moda y marketing en la Universidad Católica de Chile, y una de las cosas que enseño, en principio, es el planeamiento, porque muchas veces al comienzo de un proyecto no se sabe por dónde empezar. Hay que capitalizar el contenido, generarlo y generar redes de contacto. Cuando nace una marca, debe haber un posicionamiento para así poder vender. También es súper importante la estrategia detrás, el trasfondo; entender al consumidor, qué hace y no hace, cuál es la oportunidad en el mercado. Asimismo, formar una buena venta del discurso es fundamental. La construcción de branding, la hago en relación a la historia de los trabajadores, quiénes son las personas que trabajan detrás y qué tienen que contarle al mundo de lo que hacen. Que cada uno cuente sobre sus propias pasiones, de lo que viven, en fin, lo que hacen. ¿De qué manera lograste destacar en tu trabajo?

Saber de lo que está pa-

sando; iba a todos los cursos de arte, convenciones, galerías de arte, ferias, todas las cosas gratis que encontrara, porque no podía pagarlas. ¿Y sabés qué? Eso me ayudó mucho, porque en el momento en que me enfrenté a personas con las que no hablaba el mismo idioma, yo sabía mucho más de lo que estaba pasando en Santiago de Chile que ellos. Y eso, del “qué está pasando” fue y es un diferenciador que me sirve de mucho.

“Todo lo que una persona puede imaginar, otros lo pueden hacer realidad.” En nuestra empresa tomamos como lema esta famosa frase de Julio Verne que quiere decir, que, si pensamos que somos 6 mil millones de personas, y haces una idea, pero no la ejecutas rápido, se pierde. Y de eso se trata el contenido, de la contingencia, de lo que está pasando, de la audiencia y sobretodo, impactar de una forma nueva.

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Las agencias nos vemos en el desafío constante de ver de qué manera usamos algo que tenemos todos los días, constantemente y con ello hacer algo nuevo y en beneficio de la marca. Es importante ver cómo se posiciona una marca no a través del beneficio del producto, sino que a través de la experiencia y lo que yo voy a sentir con la marca. Y evidentemente el contenido tiene que ver con eso, con cómo voy a conectar esas emociones con el producto. Entonces, hablamos de contenido y de una nueva forma de hacer contenido, una nueva generación de contenido.

de moda, evidentemente Instagram es mucho más relevante, pero, no hay que olvidar también la masa que compra, que en el fondo sí está en Facebook. El ideal de posts según nuestra agencia es de 2 o 3 máximo por semana, es fundamental la conciencia sobre las métricas del fanpage. Éstas nos ayudarán a saber qué horario de publicación tiene mejor o peor resultado, cuáles son las publicaciones que tienen de menor a mayor éxito y las puedo comparar con la competencia.

¿Qué recomendaciones darían para tener un buen manejo de redes? Lo primordial es llegar a un punto en común y buscar inflexiones con el cliente. El armado de estrategia es importante para poder ir jugando, y que la marca sea más fresca, siempre teniendo en cuenta marcas referentes de ello. Lo que debemos diferenciar es el contenido de Instagram, versus el contenido de Facebook. Entonces ahí también es importante la estrategia. Si una marca de retail quiere posicionarse en un segmento más joven

MIMA ZAMALL Con veintiséis años, Mima Zamall ya es graduada de la carrera de Diseño de Vestuario y desde hace poco más de un año se está formando para ser Estilista y Directora de Arte. También tiene su propia marca de indumentaria y, en paralelo, trabaja como diseñadora y estilista en diversos proyectos. Bajo la frase “ser es el acto más rebelde”, Zamall diseña para aquellos jóvenes que se atreven a ser ellos mismos sin ataduras.

a los jóvenes. Creo que son las personas que más se atreven a ser ellos mismos, porque siento que las otras personas tienen trancas anteriores. ¿Qué valor tiene la indumentaria en tus composiciones y en tus proyectos editoriales? Cuando hago dirección de arte trato de componer en general, no fijarme solo en el vestuario. Mientras que cuando hago editoriales sí, porque al hacer dirección de arte todos los elementos cumplen un rol dentro del cuadro, entonces al final el vestuario cumple su función principal que es solo cubrir ciertas partes. ¿Qué es lo que te saca horas de sueño?

“Creo que nunca hay que renunciar a lo que uno es, no hay que adaptarse a la gente, la gente tiene que adaptarse a ti, porque ese es tu estilo y si lo sigues te van a querer igual.” ¿Cómo comenzó tu vínculo con la moda? Comencé accidentalmente, reemplazando a una amiga en algunas fotos. Fue después de la tercera editorial que pensé “esto me gusta, me lo voy a tomar enserio, me lo voy a tomar igual que como si estuviera haciendo una colección de vestuario” y entonces recree mi propio proceso creativo.

¿En qué te inspirás? Me inspiro en el arte, porque creo que uno al hacer editoriales pierde el tiempo en fijarse solo en fotos de moda y creo que hay que ir más allá; fijarse en el arte, o en tus propias expresiones, en la música, en las películas, esas son las cosas que tienen que inspirarte.

¿Creás tus propios textiles?

¿De dónde nacen los conceptos que elegís para el eje de las colecciones?

Sí, yo misma hago los prints a mano y diseño en Illustrator. Comienzo el desarrollo análogo y después lo paso a digital, creo mis propias telas. Me gusta dar valor a través del textil.

En general tengo una frase que me representa a mí y a mi marca que es: “ser es el acto más rebelde”; en base eso busco inspirarme en la gente de Santiago. Lo que más me ayuda es observar

En realidad lo que más me apasiona siempre es el diseño, pero no es algo que me llena completamente porque como somos diseñadores independientes no podemos hacer como las grandes marcas colecciones crucero, colecciones seguidas, entonces esos espacios vacíos los tengo con el estilismo; es más automático, los desarrollo en un mes, y siento que además me nutre más el ojo. ¿Hasta dónde llevás tu vida privada a las redes con tu trabajo? Me gusta mostrar parte de mi vida porque estamos acostumbrados a no saber cómo son en las empresas. Prefiero involucrar al público en mi vida también. Porque eso también es parte de mi trabajo, cuando yo voy a una fiesta, esa fiesta me inspira y me permite crear cosas que luego podrían llegar a comercializarse.

¿Cómo percibís el panorama actual de la moda en Chile? Aquí es un poco frustrante, lo que la gente espera del diseño es lo mismo que esperan del retail pero con otra etiqueta. Todavía estamos en una búsqueda, o ese público nos busca a nosotros. Igualmente existen personas que se quieren vestir distinto, que compran la idea y que se atreven con los colores, que es lo que más cuesta acá en Chile, la gente no sale del gris, del negro, del café… ¿Cuál creés que es el punto de conexión entre el arte y el diseño textil? Mi tesis la basé en esa conexión, la relacioné con la sinestesia de los no-sentidos. Quise hacer una representación abstracta del arte. Sin tener conocimiento, como yo estudié diseño, quise hacer mi propia representación sobre los sentidos a través de la pintura y la relacioné con los movimientos de danza. En realidad creo que tiene que ser una apreciación súper personal, eso es lo que valora la gente cuando uno muestra algo que es desde lo más interior suyo, compartir ese tipo de gesto, le da valor a tu trabajo más que a algo tan tecnicista o que viene de algo que ya hemos visto. ¿Qué proyectos tenés a futuro? Actualmente estoy haciendo mi página para vender por ahí, porque al usar solo la plataforma de Instagram, puede verse un tanto informal, además que ahora que tengo más público y es un deber formalizarlo.

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ROD THE LABEL

Rod tiene 23 años, es diseñador de indumentaria, estilista de moda y director de arte. Se considera una especie de director creativo, debido a su buen manejo de la estética.

¿Qué aspectos debe de tener en cuenta un diseñador para triunfar? Siento que lo más importante es tener un manejo integral y global de todo el universo de imagen porque el vestuario es un gran arte, pero si no sabes cómo comunicarlo, o cómo venderlo en el cuerpo, queda un poco pausado. ¿Qué conceptos te inspiran?

La libertad, el escepticismo, lo experimental, romper las reglas, la exclusividad, la noche, la ciudad, las nuevas generaciones, el tecno, el arte digital y el arte contemporáneo. La imagen de no-gender, todos los géneros incluidos en un mismo universo.

¿Qué buscas proyectar en tus trabajos? Lo más importante que quiero proyectar es la libertad y lo hago mediante el vestuario, la personalidad y la estética. Lo que se ve reflejado en la dualidad de género, en lo trasgresor y en lo llamativo. En mi última colección la libertad la representé mediante lo traslúcido, y por eso creé pantalones y chaquetas transparentes. También me gusta reflejar el concepto de rebeldía mediante el sistema visual que aplico en editorialy lo complemento con el tema gráfico y la geometría. ¿A qué se debe el nombre de tu marca? “Rod” por mi nombre y “Lab” porque creo que es un laborato-

rio textil y me gusta experimentar con los textiles que voy creando. Me gusta adaptarme a nuevos sistemas o utilizar sistemas antiguos, y llevarlos a lo contemporáneo ¿Cómo fue el proceso creativo de tu primera colección? Mi primera colección, en 2015, fue UN-GENDER. Me inspiré en el estrés de la ciudad y en Santiago de Chile.Tomé fotografías de la arquitectura de Santiago y recorrí Vitacura, un lugar rodeado de edificios modernos y contemporáneos. Trabajé con estas mismas fotos en illustrator, Photoshop. Me guié por la espontaneidad y hacía lo que me gustaba estéticamente y lo que creía que era mejor. En base a estas imágenes fui creando patrones digitales que me inspiraron para crear cortes para el vestuario.

¿Tenés algún referente? Me inspira mucho Mima porque siento que funciona muy bien tener un conocimiento previo de la persona. También me inspira la gente, me gusta mucho ir a fiestas de electrónica y ver qué persona llama la atención, cómo se viste, qué hace, qué estudia. Me gusta la gente que sale de lo convencional, ya sea nacional o internacional. ¿Trabajás en conjunto? Sí, de hecho, hicimos una editorial junto a Mima llamada Classclown. Nos inspiramos en los payasos de la clase. Desarrollamos el vestuario, lo cambiamos de la genealogía que estaba, los calcetines iban en las manos y el pantalón en el cuello. Quisimos sacar un poco lo convencional, como nos gusta, salirnos de lo que la gente se puede imaginar. ¿Cuál es tu visión de las redes sociales? En 2018 creo que internet es un semillero de nuevas identidades porque constantemente vemos imágenes diferentes, y creo que ver tanta variedad de cosas nos hace buscar nuestra propia identidad. Antes teníamos muy poca información en comparación a lo que tenemos hoy, y eso nos hace pensar un poco más en qué queremos proyectar, aunque sea más difícil.

NICOLE OSSANDÓN

Niki, así se hace llamar la make up artist y hairstylist chilena, quien se define como una persona súper visceral tanto en su trabajo como en su vida privada. Niki es gran amiga del exitoso fotógrafo uruguayo Franco Schicke, con quien ha trabajado en repetidas ocasiones. Y afirma de Franco “Es de esas personas con las que puedo tener una idea y él a través de sus imágenes hacerla realidad.” Siempre he creído que la creatividad la tenemos todos los seres humanos, lo que cambia es la forma en la que la desarrollamos. El trabajo que yo hago es un trabajo súper creativo porque es lo que siempre he necesitado, la manera de poder encontrar una inspiración. 29

¿Cómo desarrollaste tu interés por el maquillaje? Llegué al maquillaje de una manera súper inesperada, me vine hace 10 años a vivir a Santiago con la intención de estudiar fotografía, estudié dos años y me di cuenta de que no era realmente lo que me gustaba. Entonces salí de las clases, no le avisé a nadie en mi casa, mis papás juraban que yo seguía

estudiando fotografía y me dediqué a hacer vida social, a vivir la vida loca, a tener miles de amigos. Hasta que un día, uno de esos amigos que fui haciendo en el camino me ofreció la posibilidad de ser modelo de unas clases de maquillaje, de una maquilladora que a mí me gustaba mucho. Y así empezó todo, en las demostraciones me fui dando cuenta de que había algo que me gustaba y seguí yendo, hasta que me convertí en su asistente. Y siento que como asistente aprendí más de lo que en cualquier escuela me hubiesen enseñado. Ya desde antes me gustaba el maquillaje, pero nunca vi en ello un nicho para poder vivir de eso o siquiera estudiarlo, porque de la ciudad de la que yo vengo que es un lugar muy pequeño, la posibilidad de dedicarse al arte no existía.

¿Qué aspectos creés esenciales para lograr un buen desempeño en tu área? Ser maquilladora, ser fotógrafo, ser estilista, ser modelo, requiere no solamente ejecutar bien tu trabajo, sino también aprender a trabajar bien en equipo. La forma en la que te relacionas con las personas es de suma importancia, al igual que mantener una buena energía, y una constante disposición. Lo que yo hacía —y que me sirvió de mucho— era ser súper observadora, atenta y con la mejor disposición. Y con todo lo que iba aprendiendo, ir probando. La capacidad de adaptación también hay que tenerla en cuenta, si logras hacer lo que quieres con los pocos recursos que hay en Chile o Uruguay, cuando viajes a otro país te desempeñarás mejor. ¿De qué manera definirías tu estilo como maquilladora? Cuando empecé tenía esa idea de generar un estilo propio, pero después entendí que no quiero encerrarme en uno solo. Yo, como Niki Ossandón, siempre he querido salirme un poco de lo con-

vencional y generar un material que me represente desde la naturalidad y desde esa búsqueda de la experimentación a través de los materiales, colores, texturas y volumen. Siento que me divido en dos áreas; lo súper natural, como saber potenciar la naturalidad en una piel bonita, y que la gente se sienta cómoda con eso. Y la parte que me vuela la cabeza, todo este lado experimental, que me gusta desde el hecho de poder generar un personaje. Siento que el maquillaje y el cuerpo no tienen límites, siento que limitarte a un material y limitarte a un solo espacio es limitar tu creatividad. Aquí ni en ninguno de los lugares del mundo en los que he podido desarrollar mi carrera. Para poder sostener mi vida económicamente necesito trabajar en publicidad, finalmente hacer lo que ellos quieren. Para poder tomarme estas “licencias” o estos viajes que, en el fondo, son como ir a abrir mi currículum. Ir, hacer mi trabajo e invertir en esto. Muchas veces termino generando material tanto para revistas como para mis redes sociales. Y más que nada para hacerme feliz e ir vibrando con lo que estoy haciendo.

¿Cómo definirías tu proceso creativo? Por lo general tiene que ver con experimentar, dejar fluir, perder el miedo a equivocarse, observar a la gente y ver qué está pasando, buscar referentes. Es muy importante tener referentes para que puedas comunicarle a tu equipo lo que quieres. Sin convertir este uso de referentes en copias, ya que el ser creativo te da la capacidad de poder hacer algo que se diferencie del otro. Tu inspiración puede ser de cualquier cosa en absoluto. En el último viaje que hice a New York, decidí qué hacer con las modelos en ese mismo momento, es decir, no había un plan. Dentro del tema del maquillaje hice lo que me nació en ese momento. Dependiendo de la persona que llegaba, yo decidía lo que iba a hacer.

NOLI PROVOSTE José Noli y Hugo Provoste son una dupla de fotógrafos de moda que buscan hacer la diferencia. Trabajaron para editoriales, tanto comerciales como independientes. Entre ellas se encuentra la aclamada revista chilena Cosas Couture. Su trabajo suele destacarse sobre todo por la temática de la sexualidad masculina. 33

“Nos dimos cuenta de que nos complementamos y decidimos formar Noli Provoste.”

¿Cómo comenzaron? José: Nos conocimos hace muchos años, llevamos 14 años de pareja y 12 años trabajando juntos. Todo comenzó cuando yo vivía en Mendoza, Argentina y Hugo vivía acá. Empezamos en una página que se llama Flickr. En ese momento, ambos practicábamos fotografía como hobbie. Hugo estudiaba arquitectura, yo ingeniería

civil, y así empezamos a hacer trabajos colaborativos uno con el otro, cuando yo viajaba para acá hacíamos fotos juntos, cuando Hugo viajaba para allá también hacíamos fotos. Cada uno tenía una idea y, de esa manera, la íbamos formando. Nos dimos cuenta de que nos complementamos y decidimos formar Noli Provoste. Hugo tenía siempre un

mismo encuadre, una misma imagen, con una sola percepción y así fue siempre. Yo, en cambio, empecé a investigar un poco más, fui probando con distintos encuadres, lo que me ayudó, porque terminamos usando más fotos mías que las que había hecho Hugo. A partir de ahí, me quedé como fotógrafo de Noli Provoste y Hugo como director de arte.

¿Cómo es su metodología de trabajo? Estamos acostumbrados a establecer una base previa que sea lo más abierta y amplia posible, con el fin de poder jugar con completa libertad el día de la foto. Cuando tratamos de restringir mucho, generalmente no resultan tan bien las cosas. Esto sucede por la cantidad de factores que influyen en el resultado final de la foto, desde la actitud del modelo hasta los repentinos cambios que pueden darse. Mi participación es súper indefinida, se podría decir que soy una especie de director de fotografía, meto la cuchara e hilo un poco más la situación. Pero, mi cargo no tiene una etiqueta y tampoco me ha importado, nunca nos ha definido, porque finalmente en el momento de estar trabajando, estamos tan fusionados que no nos ponemos a trabajar desde el rol que cada uno cumple. Sino asumo que esa foto es tanto mía como de él, a pesar de que él sea el fotógrafo. ¿Cómo surgen las editoriales independientes? Hugo: Las editoriales independientes las armamos porque queremos,

porque nos gusta, porque tenemos el concepto, tenemos la idea y empezamos a buscar a ver dónde la mandamos. Muchas veces hablamos con Esteban Pomar o con algún otro productor de moda, con Nicole Ossandón o algún otro maquillador y empezamos. El formato digital hoy en día nos permite jugar mucho más, podemos publicar online y de alguna manera tener una libertad editorial y creativa mayor que la del mundo local impreso editorial. Muchas veces pasa que cuando estamos dos meses con mucha campaña, con mucho trabajo, llega un momento en que la cabeza no te da más y necesitas escaparte porque te das cuenta que creativamente te está matando. Es por eso que siempre optamos por estas salidas para volver a hacer lo que realmente nos gusta. ¿Qué relación tienen con el diseño independiente? José: Desde el comienzo de nuestra carrera hace ya prácticamente 10 años, el diseño independiente ha sido nuestro nicho, fue el modo en que nosotros podíamos comenzar a experimentar y crear piezas visuales que nos ayudaran también a entender nues-

tro trabajo. En algún momento nos dimos cuenta de que nos gustaba mucho, teníamos mucha libertad en eso y hasta el día de hoy nos pasa lo mismo, siempre que llega algún diseñador independiente, para nosotros es un desafío súper rico, porque nos permite descansar de todo este mundo comercial y adentrarnos dentro del mundo del diseño, que es muy distinto y hermoso. ¿Qué pueden decir acerca del fenómeno WOM? hacer cuatro situaciones de besos homosexuales y Hugo: A nosotros nos ninguna de esas fotos ha ha tocado hacer muchas logrado ver la vía pública campañas de WOM, una por censura, porque no marca que hay acá, de te- lo aceptan, porque a las lefonía, es una marca que organizaciones gubernavende aire, vende gigas, mentales no les gusta. Y vende planes como cual- es muy curioso, porque quier otra, pero la gracia a la marca sí le permiten de esta marca es que des- mostrar un beso lésbico de un principio su estrate- pero no uno homosexual. gia fue utilizar el lenguaje Ya han logrado tres camde la moda para hablarle a pañas de dos mujeres sus usuarios. besándose, pero no han Es una marca de telefo- logrado sacar ninguna de nía como si fuera Movistar dos hombres. Ahí uno se o Claro pero llega a otro da cuenta del sexismo, del público y también habla filtro, de lo gubernamende otros temas. Lo intere- tal y de la publicidad. Que sante es que se atreve a no tiene que ver con la hablar de cosas que nadie marca en sí, sino que tiene más habla y eso a noso- que ver con el filtro por el tros nos ha dado cierta li- que tiene que pasar para bertad, y es el motivo por mostrar su publicidad. el que censuran a la mar- Esta marca se sustenta en ca constantemente. Con el sexismo unilateral, en el esta misma nos ha tocado sexismo tanto masculino

como femenino, pero el filtro solamente pasa por el sexismo hacia el lado machista, y no el feminista.

¿Cómo es la experiencia de tener su propio estudio? Hugo: Es hermosa y difícil. Comenzamos con el propósito de hacer algo más. Matanga era eso, abrir una nueva puerta y una nueva ventana a ver las cosas de distinta manera y albergar todos los profesionales que funcionan o que juegan las mismas reglas. Pero al mismo tiempo se vuelve tan agotador que llega un momento en el que dices: “¿Qué quiero hacer? Creo que quiero seguir sacando fotos solamente, no quiero seguir gastando energías en esta batalla”. Pero después de agobiarnos pasan cosas muy hermosas con el estudio y las personas que trabajan allí, los resultados finales nos hacen decir: “Está bien, hay que seguir”. Y en eso estamos. ¿Qué significó para ustedes el proyecto de Conejo? José: Conejo era una vía de escape, nuestra ansiedad de poder hacer editorialmente lo que teníamos ganas de hacer, nuestra visión, como nosotros veíamos nuestra propia fotografía, y además, encontrar colegas que respiraran y vivieran desde la misma tecla, desde el mismo modo de ver las cosas, para nosotros era maravilloso y hermoso. Pusimos mucho tiempo, ánimo, dinero y energía en este proyecto que tuvimos que dejar ir, ya que nos dimos cuenta de que esta idea existía solamente con nosotros, si nosotros salimos de ese plan, no había nadie que lo sustentara. Igualmente está en stand by, no cerramos la posibilidad a nada, de hecho queremos que vuelva.

MATÍAS HERNÁN Desde el futuro, al futuro.

Es diseñador y director creativo de sus su marca homónima como también de Doble Tag y The Remix. Con aclamadas pasarelas, publicaciones de nivel internacional, destacadas colaboraciones con el retail y ganador de la tercera temporada de Project Runway Latin América. Irrumpe desde sus comienzos en la industria de la moda chilena para convertirse en un claro referente de diseño a nivel internacional.

¿Qué podés decir acerca de las marcas en las que estás trabajando? Está Matías Hernán que nació en 2011 y siempre ha sido un poco referente de vanguardia y experimentación. Partiendo desde la materia, el textil es bien importante dentro de la marca, siempre hay una veta muy experimental en procesos constructivos de aglomerados textiles, desde sobreimpresiones, tratamientos digitales, sublimación, hasta corte a láser e impresiones en 3D. Voy jugando con los detalles y hago que estas técnicas potencien la prenda. The Remix nació en 2015, tiene un vuelco más urbano y mucho más actual que responde a las necesidades de la generación en la que yo estoy. Y la tercera marca se llama Doble Tag que nació como un laboratorio creativo en 2016 junto a Paulo Méndez, y lo que busca es hacer un cruce de técnicas y de conocimientos para llegar a algo que no es muy esperado en moda, ahondo en danza, música, cine, arte y pintura.

Si hay algo que te destaca es el uso de materiales textiles no convencionales ¿De dónde surge el interés? Crecí escuchando que era raro y que estaba mal lo que estaba haciendo; crecí en un entorno un poco controlado por la Iglesia y las creencias, por eso siempre —de alguna forma— voy en contra de lo que está normado. También tiene que ver con el rupturismo, el generar cosas nuevas, nuevos cruces. Siempre que hay un no, para mí la respuesta es: ¿Por qué no? A la hora de empezar con tu proceso creativo, ¿de dónde surge la inspiración? Trabajo a partir de la música. Mi padre era DJ y tengo recuerdos de acompañarlo a poner música y quedarme dormido en la caseta desde los diez años. Llevo como cuatro años bailando, dejé de cantar hace unos seis y hace cuatro meses retomé a partir de ese universo creativo que me genera la música. 43

A la hora de empezar con tu proceso creativo, ¿de dónde surge la inspiración? También me inspira la tranquilidad que me entregan técnicas de meditación, actualmente tomo una de improvisación que parte de un trance de respiración consciente y hace que tu cuerpo entre en un estado de relajación tal, que te empiezas a soltar. Estos procesos que voy viviendo como la meditación, bailar, cantar, escuchar música, me tienen en un constante cruce de técnicas y conforman mi “vómito” que se transforma en pasarela. Mi ropa siempre tiene tecnología, sexo, deporte, algún rasgo obsesivo compulsivo metido en el detalle y por sobretodo mucha liberación. Para poder tener un resultado óptimo en la creación, tienes que tener un equilibrio y esas cosas me han llevado a tener un proceso creativo que no viene a partir de una referencia gráfica, sino de algo muy sensorial y personal. 44

¿Cómo ves el panorama de la moda en Chile?

Va creciendo, lo que pasa es que no está la cultura inserta en el inconsciente de la gente, no hay una cultura de consumo, no hay una cultura de respeto, no hay una cultura de saber cuánto tiempo lleva hacer algo, saber cuánto vale, no hay normativas, no hay fondos a los que podamos apelar constantemente. Es decir, existen, pero hay que darle una vuelta muy rara para que financien algo que tenga que ver con moda, y finalmente, el trasfondo lo ven como algo comercial y no algo que tenga que ver con la cultura ni el arte. Está la cultura del consum masivo, del retail; la gente

no sabe cómo vestirse, no sabe identificar su tipo de cuerpo, entonces van a la tienda miran el maniquí y se lo compran sabiendo que lo más probable es que se vean ridículos, sólo por tenerlo y tener la necesidad de sentirse aceptados por la masa, aceptan comprar algo que atenta contra su identidad. Tampoco está la noción de que la carrera de vestuario se estudia, que dura cinco años, que hay un trabajo de moldería, construcción, técnica, y conocer los materiales. No se valora el tiempo, ni el material, ni la mano de obra.

ESTEBAN POMAR

Esteban Pomar con una grata sonrisa nos cuenta sobre sus trabajos; desde los 17 años forma parte del mundo de la moda desde diferentes áreas. Logró ocupar el rol de fotógrafo, estilista, productor de moda y director creativo. Actualmente se dedica a la producción de moda. En los últimos años realizó editoriales para revistas chilenas, argentinas, ecuatorianas y brasileras.

¿Cuál fue tu primer vínculo con la moda?

Comencé tomando fotos de looks de gente en la calle y trabajaba como fotógrafo, cosa que no soy. Mientras que, en paralelo, estudiaba diseño gráfico y tenía un blog propio en los que mostraba coolhunting y streetstyle. Esos trabajos me llevaron a conocer la industria y relacionarme con muchos diseñadores, uno de estos contactos que hice en el proceso me llevó a colaborar con un blog de moda que se llama vistelacalle.com. Gracias a que el equipo era muy reducido, tuve que empezar a ejecutar varias cosas y a colaborar cada vez más en el blog. Mi primera oportunidad fue cuando un maquillador, junto al fotógrafo Jon Jacobsen, me invitaron a participar en una editorial que estaban planeando. Ahí fue cuando me di cuenta de que me quería dedicar a esto. Cuando comencé estaba todo muy estandarizado, demoré años en lograr entrar a lo que es el mercado, sin sumar que me costó mucho encontrar que las personas comprendieran un poco mi visión. Todo era muy clásico, mucha gente del medio veía mi trabajo y les parecía raro y distinto.

Anecdóticamente, muchas personas que al principio no aceptaban trabajar conmigo porque me veían raro, fueron las mismas que tiempo después me contactaron porque querían que formara parte de sus producciones. ¿Cómo es el trabajo del stylist? Un stylist desarrolla sus propuestas de estilismo en base a una estética, un concepto, una tendencia, un contexto y función. Para mí el mismo estilista tiene la libertad de desarrollar su propia estética para una editorial de manera amplia, elige los colores de ropa que va a utilizar, cómo las va a combinar y qué sentido les va a dar. Personalmente me gusta mucho centrarme en una paleta de color, trabajar en base a una gama corta que tenga sintonía. Primero comienzo con un concepto, la idea principal de lo que quiero hacer. Luego hago una búsqueda de referentes, ya que es un gran apoyo para poder comunicar y expresar tu idea. Después, armo un equipo de trabajo con las personas indicadas que puedan potenciar la propuesta. Hago una presentación y una bajada de la idea, lo que es súper importante,

ya que es la manera con la que fundamentás lo que quieres obtener, al resto del equipo. Y el último paso previo a desarrollar la producción es conseguir el vestuario acorde y lograr organizar el equipo para que todo se dé bien.

¿Qué te inspira a la hora de crear una producción de moda? Mi inspiración va de la mano de lo que me va pasando en el momento, de las personas con las que estoy; de repente una idea de alguna foto nace en una junta de amigos, en una conversación o en la calle. Me suele pasar de ver una combinación de colores que me parece atractiva, le tomo una foto enseguida y hago una producción de moda en base a eso. En general mis trabajos no intentan transmitir un mensaje explícito. Al contrario, busco componer y crear una imagen para que luego el espectador logre interpretar la imagen de la

manera que desee. También entiendo que no copiar es un gran diferenciador ante el resto. Al tener las referencias en todo momento a tu alcance, terminan siendo una gran contaminación, tanto positiva como negativa. Es bueno usarlas pero sin plagiar, el diferencial es ser original. Copiar es la salida más fácil y se puede copiar bien pero termina sin tener gracia. Es importante presentar algo nuevo y único, porque del resto ya hay mucho y ¿para qué hacer más? Todas las personas tienen creatividad, todas las personas la expresan de manera distinta, a cada persona la mueve cosas diferentes, y eso es lo que uno debe plasmar en su trabajo. Lo que me mueve es crear una imagen y con ella intentar con eso cambiar un poco la visión de la industria. Pensar en algo más allá de la tendencia o de lo que hay que mostrar, no caer en ese tipo de imagen que se repite en diferentes plataformas. En el fondo vemos lo mismo infinitas veces, 49

tal vez con algún toque distinto, pero no deja de ser la misma idea replicada. Creo que uno se puede destacar mucho más por generar algo individual y mucho más creativo, sin dejar de colaborar con otros. Muchas veces me pasa que al investigar me encuentro piezas de diseño que me parecen peculiares y que puedo usar para alguna editorial, entonces contactó a su creador y puedo viajar hasta el final de Santiago para adquirirla, con el fin de lograr que la editorial quede única. Es algo que me gusta mucho: poder potenciar a la gente que está estudiando y necesita fotos buenas para poder validar su trabajo creativo.

¿Qué hacés cuando ne- Estoy empezando a dosificar, no hacer cosas cesitas desconectarte? porque sí, ya que sino Me cuesta mucho des- me desgasto yo y el traconectarme, constante- bajo termina perdienmente estoy pensando do mi esencia. En base en cosas relacionadas al a eso, decidí tomarme trabajo y hasta termina este año para armar lo siendo un poco castiga- que quiero hacer a fudor. En el último tiempo turo. he tratado de cortar un Igualmente sé que quiepoco con eso porque ro irme un tiempo al exhace mal, uno tiene que tranjero, es uno de mis tener tiempos para res- principales proyectos, pirar. La manera en la además de intentar salir que intento lograrlo es de mi zona de confort y mirando vídeos de músi- empezar a crear producca, no miro series ni pe- ciones que no sean solo lículas. Estoy muy raya- de moda. Quiero abrir do con el pop coreano, mi cabeza a otras ideas, es demasiado obsesivo, no me quiero limitar. y cada vez que necesito Siento que venimos de distraerme le pongo play una generación super a un montón de videos. cerrada y condicionada Aprecio mucho el arte, por muchas cosas. Perel concepto de la pro- sonalmente soy fan y ducción, la escenografía. siento mucho amor por Los vídeos me envuelven la libertad, por el indiy me relajan, es lo único vidualismo, me gustaque logra apagar mi ca- ría que el ser humano pueda ser lo más libre beza. posible, que nada lo de¿Tenés algún proyecto a tenga y lo censure. Estoy 200% en contra de futuro? la censura y de las cosas Muchos, pero este año que te limitan. Entienha sido un año para rees- do que mi misión como tructurarme, he seguido alguien que está genehaciendo producciones rando arte, imágenes y de moda, pero he toma- propuestas, es aportar do ciertas precauciones y fomentar el desarrollo del individualismo y la para cuidar de mí. libertad. 51

CRISTÓBAL MIRANDA Cris, ¿cómo es formar parte de Nomoda? Puntualmente para mí es muy enriquecedor estar en este espacio. Yo partí mi marca en noviembre del año pasado, pero sin la idea de que era una marca, sino que era un creador con la necesidad de crear, de hacer. Entonces encontrarme con ellas, que también comparten esa necesidad de crear, fue genial. Me dije interiormente “¡Pucha qué lindo haber logrado esa conexión con alguien que no conozco!” El apoyo de las chicas ha significado para mi el enriquecimiento de la marca, aprender cómo llevar todas mis ideas y necesidades sentimentales a la comercialización. Ha sido un camino de aprendizaje, me cuesta decir que soy una marca, porque en verdad soy un diseñador que hace por necesidad de hacer. ¿Cómo trabajas? ¿Qué es lo que haces? En la tesis 2016 decidí trabajar con la reinterpretación contemporánea de las tradiciones textiles andinas y la percepción de género precolombina que dio a la conquista española. Al investigar sobre esto me di cuenta de que había todo un tema muy abierto, con mucho respeto hacia el otro, existía el transgénero, donde es admitido

en el ámbito social económico y político. A partir de este mundo, y de prendas donadas por amigos y familiares, comencé a diseñar prendas sustentables para todo el que la quiera usar. No están destinadas para hombres o mujeres, al que le guste que las vista. Pero siempre respetando el cuidado del medio ambiente e intentando contaminar lo menos posible, porque la tierra no es tuya, es del que viene después de ti. Dentro de Nomoda siento que puedo caerme sin miedo, porque aquí la gente me va a ayudar a levantarme de nuevo; que es lo que estamos haciendo entre todos, el que se cae recibe ayuda de los otros, para luego si en algún momento nosotros nos caemos poder recibir lo mismo.

SEBASTIÁN ROMÁN ¿Ya habías estado en algún punto de venta antes de entrar a Nomoda? Estuve en varios puntos de venta pero en ninguno me sentí cómodo como aquí. Al no encontrar un lugar que me gustase completamente, empecé a buscar y encontré el proyecto de las chicas y me encantó. Este es mi gran punto de venta, donde genero ingresos de manera externa, las otras ventas son de personas que quieren reutilizar sus prendas y me piden que se las intervenga. ¿Cómo trabajás? ¿Qué es lo que hacés? Anteriormente trabajaba en una línea demasiado artística que, en el fondo, considero que esas prendas son las que luego se transforman en desusos, debido a su poca versatilidad. Por lo tanto mi foco cambió a crear productos que, si bien tuvieran una línea más ran ser de uso cotidiano. Mi idea partió de crear una colección upcycling, que esa prenda desechada fuese una nueva prenda con el mismo o diferente uso, para luego si es desechada, poder re diseñarla. Generando así un ciclo sin fin.

muladora que se les hace más fácil darlo que conservarlo. El jean es una gran problemática, es muy versátil pero genera mucho daño ambiental ya que es lo que más abunda por ser lo más común y deseado por todos. Por lo tanto, creo que el upcycling no solo va ligado a lo ambiental, sino que también a lo social, entiendo que van muy de la mano. ¿Para qué público creas tus prendas? Al igual que Cris, también hago ropa uni género, no pienso si es para mujer u hombre a la hora de diseñar. La ropa es una prenda y quien la compre le da la característica que desee, lo cual me resulta mágico.

¿Cómo obtenés los recursos para crear tus prendas? Los recursos los adquiero de la donación o de gente acu-

NOMODA Las chicas de Nomoda, Ana Laura y “Nacha”, hablan del tema por primera vez a un público presente. Nacha comenta que esta locura apodada Nomoda se llama así ya que el objetivo es —tal como lo expresa el nombre— no vender moda, es vender indumentaria con valor. Esta “idea loca”, como lo define Ana Laura, comenzó siendo ellas dos, pero se transformó en un gran grupo de creativos. ¿Qué es Nomoda?

Nacha: Este proyecto partió como una idea de Juan Pablo Fuentes. Nos propuso la idea y junto a Nacha decidimos tomar el riesgo y atrevernos a llevarla adelante. Este es un espacio y plataforma creativa que tiene como objetivo crear lazos más allá de vender. La base es tomar marcas nacionales y contactos con el fin de hacerles match para que este proyecto crezca y se fomente el diseño en nuestro país. El objetivo inicial siempre fue crear un espacio seguro y confiable para el diseñador, que pueda sentirse cómodo y con libertades a la hora de exponer sus creaciones. En principio nos cerramos a diseñadores de indumentaria, pero al ver la repercusión del espacio, varios fotógrafos, artistas, modelos, agencias y personas del rubro-

se empezaron a acercar con ánimo de colaborar. A causa de eso, nos terminamos transformando en una linda plataforma colaborativa. ¿Qué han logrado con Nomoda? Nacha: Que las marcas se miren y no sean competencia, que trabajen en conjunto sin ego, que se miren entre ellas y entiendan que se puede competir sin pensar en destruir a la marca de al lado, al contrario, se ayudan a crecer mutuamente trabajando en conjunto. Porque en eso se basa nuestro proyecto, en la colaboración entre todos, mismo a nosotras. Esta idea fue un desafío enorme, comenzamos sin saber de contabilidad, nos tuvieron que ayudar a cobrar, y eso es lo bueno, refregarle a todos que si te sacás el ego se puede crecer y ganar plata en conjunto. ¿Cómo es el modelo de negocios? Ana Laura: El modelo de negocios que tenemos es sin alquiler, las marcas que están aquí nos pagan una mantención con la que pagamos los gastos básicos. La idea es que todos puedan ofrecer sus productos en este espa-

cio, por eso les cobramos menos, pero la única condición es que ellos tienen que venir ocasionalmente a vender sus productos. Lo que nos parece genial, porque no hay mejores vendedores de sus piezas que ellos mismos, nadie va a poder explicar y definir al producto mejor que su creador.

Fueron un descubrimiento para nosotras, además de que confiaron en nosotros cuando el proyecto estaba absolutamente en pañales.

El mayor objetivo de este proyecto es que las personas colaboren unas con otras, ¿buscan otro objetivo? Nacha: Además de ser una plataforma que busca la empatía y colaboración, buscamos sacar ese prejuicio de que el jefe es más, e intentar reforzar las relaciones humanas, los vínculos. Esto es mayoritariamente para los millennials, a los de cuarenta les cuesta más adaptarse a esta idea, algunos tienen el ego muy alto, se creen los jefes de sus marcas y que no necesitan ayuda. Por lo tanto apuntamos al público fresco, esa generación que da valor a lo sensorial y traspasa lo superficial. Lo mismo pasa con los creativos que exponen acá, tienen una mentalidad más abierta, entienden que esto se trata de colaboración y lo comparten. Seba y Cris son un gran ejemplo.

JUAN PABLO FUENTES Juan Pablo Fuentes, diseñador nato, fundador de Cómodo Chile y escritor del libro “Diseño de productos”. Basado en el diseño nacional y los nuevos creativos. Crea más adelante, la segunda versión del libro, pero esta vez con respecto al diseño de vestuario. El que trata temas desde la contemporaneidad, nuevos emprendedores y oficinas nacionales que han surgido en los últimos 15 años.

Este año la empresa chilena Masisa, que desarrolla materiales a partir de madera y tiene un material aglomerado, nos encargó que con cuatro diseños nuevos de Europa generáramos una propuesta de indumentaria con papel. Fue entonces que hicimos un trabajo con ropa usada, a la que le integramos distintas materialidades con ese papel, manejándolo como un material textil.

JAIME RAMÍREZ

Jaime es diseñador gráfico y docente en la Escuela de Diseño de la Universidad Diego Portales y en la Universidad de Santiago UNAC. Desde el área del diseño gráfico, fue trasladándose hacia el mundo de la moda. Junto a su compañera Gabriela Olivares, diseñadora de indumentaria, tienen un estudio donde desarrollaron la marca Réplica. Actualmente el diseñador está tomándose un año libre, con el fin de realizar un maestría en Antropología, orientado al desarrollo simbólico que hubo en Chile entre la moda y la sociedad a finales del siglo XX y principios del siglo XXI. Estuve en Buenos Aires la semana pasada y me sorprendí viendo el diseño latinoamericano. Lo que llamamos diseño de autor comienza a tener los primeros resultados a finales de los 90, lo que me parece muy atractivo, al igual que tratar de identificar que fue lo que pasó.

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