OIAF 2012 Program Book

PROUD TO SUPPORT THE

OTTAWA

INTERNATIONAL

ANIMATION FESTIVAL 2012 23 Fraser Ave, Toronto, ON M6K 1Y7 9story.com

TABLE OF CONTENTS / TABLE DES MATIÈRES FESTIVAL SCHEDULE / HORAIRE DU FESTIVAL LETTERS / COURIER

20

TAC

26

JURY/JURÉS

28

OIAF 2012 OFFICIAL COMPETITION PRIZES & AWARDS/ PRIX DE COMPETITIONS OFFICIELLES ET TROPHÉES

30

FILMS IN COMPETITION/ COMPÉTITIONS DU FILM

32

COMPETITIONS/ LES COMPÉTITIONS ?

34

SHOWCASES/ LES VITRINES DU FILM ?

36

SPECIAL SCREENINGS/ PROJECTIONS SPÉCIALES

66

TALKS AND PROFESSIONAL DEVELOPMENT DAY/ DISCUSSIONS ET JOURNÉE POUR LE DÉVELOPPEMENT PROFESSIONELLE

105

KIDS AND TEENS?

111

OTHER EVENTS/AUTRES ÉVÉNEMENTS

113

PARTIES/ SOIRÉES (PASSHOLDERS ONLY?)

115

RECRUITING AND ANIMARKET / RECRUTEMENT ET L’ANIMARCHÉ

117

POSTERS AND AWARDS?

2

16

120

FILMS CONTACTS/ CONTACTS DES FILMS

121

FESTIVAL ORGANIZATION & STAFF /ORGANIZATION DU FESTIVAL ET PERSONNEL

126

CITY MAP/ CARTE DE LA VILLE

127

WWW.ANIMATIONFESTIVAL.CA

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I N T E R NAT IO NA L FI L M FE ST I VA L July 2013 Montreal www.fantasiafestival.com

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OCT. 10 > 21, 2012

14

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OIAF 2012 FESTIVAL READER / FIAO 2012 LECTEUR DU FESTIVAL

15

2012 FESTIVAL SCHEDULE / HORAIRE DU FESTIVAL

2012 FESTIVAL SCHEDULE / HORAIRE DU FESTIVAL

DAY 3 - FRIDAY, SEPTEMBER 21, 2012

DAY 1 - WEDNESDAY, SEPTEMBER 19, 2012 TIME

NAME OF SCREENING

VENUE

8:30 am

TAC: Animation Business Conference (TAC Pass Only)

Chateau Laurier

RATING

9:00 am

9:00 am

Aniboutique and Chez Ani open

Arts Court Studio

7:00 pm

Screening: Feature Competition 1: Arrugas – Gala

ByTowne Cinema

14+

Screening: Short Competition 1 – Gala

ByTowne Cinema

14+

Opening Ceremonies

ByTowne Cinema

9:15 pm

TIME

9:30 am

Opening Night Party (passholders only)

DAY 2 - THURSDAY, SEPTEMBER 20, 2012 NAME OF SCREENING

VENUE

8:30 am

Television Animation Conference (TAC Pass Only)

Chateau Laurier

9:00 am

Chez Ani opens – Meet the Filmmakers Breakfast

Arts Court Studio

Meet the Filmmakers – Competition 1

9:30 am

11:00 am

1:00 pm

3:00 pm

16

Meet the Filmmakers – Short Competition 2

Arts Court Theatre

Toon Apprentice Day for Teens Free School Presentation: Sheridan College. (Pre-register 613-2328769)

National Gallery

ByTowne Cinema

14+

Toon Apprentice Day for Teens: Bachelor of Information Technology (Pre-register 613-232-8769)

National Gallery

Talk: Barry Purves Masterclass

Arts Court Theatre

14+

Free School Screening: Canadian Student Showcase

National Gallery

14+

12:00 pm

Animator’s Picnic (Passholders only)

Strathcona Park

1:00 pm

Toon Apprentice Day for Teens: VanArts

National Gallery

1:30 pm

Free Screening for Teens: International Student Showcase

National Gallery

14+

Screening: Canadian Showcase

Arts Court Theatre

14+

Screening: Ralph Bakshi: Heavy Traffic

National Gallery

Mature

4:45 pm

Screening: Feature Competition 2 Consuming Spirits – Gala

National Gallery

14+

6:00 pm

AniMarket Grand Opening FREE

NAC Foyer

11:00 am

Arts Court Theatre

Animation Celebration (free event for elementary school students. Pre-register 613.232.8769)

National Gallery

Talk: Whoa! What!? Experimental Influence in the Commercial Realm

Arts Court Theatre

14+

Screening: Ralph Bakshi: Fritz the Cat

ByTowne Cinema

Mature

Screening: Canadian Showcase

Empire Rideau

14+

Animation Celebration (free event for elementary school students. Pre-register 613.232.8769)

National Gallery

All ages

All ages

3:00 pm

Screening: Intersections: Experimental 3D Animation

Arts Court Theatre

14+

Screening: Short Competition 5

ByTowne Cinema

14+

Screening: YouTubular

Empire Rideau

14+

Screening: International Student Showcase

National Gallery

14+

Screening: TV for Kids Competition

Arts Court Theatre

All ages

Screening: International Showcase

ByTowne Cinema

14+

Screening: International Student Showcase

Arts Court Theatre

14+

Screening: YouTubular

Empire Rideau

14+

Screening: Feature Competition 3: Le Tableau - Gala

NAC Theatre

All Ages

Screening: Ralph Bakshi: Fritz the Cat

National Gallery

Mature

Screening: Short Competition 3 - Gala

NAC Theatre

14+

Talk: Full Steam Ahead: The Art and Life of Ward Kimball

Arts Court Theatre

14+

Screening: International Showcase

Empire Rideau

14+

Screening: Run Wrake

National Gallery

14+

11:00 pm

Student Party (Passholders Only)

Club SAW

11:30 pm

Comedians in Animation

Arts Court Theatre

Screening: Feature Competition 4: Babeldom

Empire Rideau

14+

Screening: Ralph Bakshi: Coonskin

National Gallery

Mature

National Gallery

All ages

6:15 pm

Hotel Transylvania

ByTowne Cinema

All ages

Screening: Ralph Bakshi: Wizards

Arts Court Theatre

Mature

Screening: Karen Aqua

Empire Rideau

All ages

Talk: This Way Up: The Mastery of Smith and Foulkes

National Gallery

All ages

Screening: Canadian Student Showcase

Arts Court Theatre

14+

Screening: Short Competition 2 -Gala

ByTowne Cinema

14+

Screening: Comedians and Animation

Empire Rideau

14+

Screening: Barry Purves

National Gallery

14+

Salon des refusés (Passholders only)

Club SAW

11:00 pm

NAC Foyer

RATING

Talk: The Making of Le Tableau

9:15 pm

Arts Court Studio

Aniboutique and Reception

National Gallery

10:30 am

5:00 pm

7:00 pm

Chez Ani opens – Meet the Filmmakers Breakfast

RATING

Toon Apprentice Day for Teens Free School Presentation Algonquin College (Pre-register 613-232-8769)

Hard Rock Café

TIME

VENUE

Screening: Short Competition 4

10:00 am 11:00 pm

NAME OF SCREENING

Screening and Q & A

WWW.ANIMATIONFESTIVAL.CA

7:00 pm

9:00 pm

9:15 pm

OIAF 2012 FESTIVAL READER / FIAO 2012 LECTEUR DU FESTIVAL

14+

17

2012 FESTIVAL SCHEDULE / HORAIRE DU FESTIVAL

2012 FESTIVAL SCHEDULE / HORAIRE DU FESTIVAL

DAY 4 - SATURDAY, SEPTEMBER 22, 2012 TIME

9:00 am

NAME OF SCREENING

VENUE

Chez Ani opens – Meet the Filmmakers Breakfast

Arts Court Studio

Animarket, Aniboutique and Reception Opens

NAC Foyer

DAY 5 - SUNDAY, SEPTEMBER 23, 2012 RATING

14+

Professional Development: Coming to a Theatre Near You

NAC Studio

9:30 am

Meet the Filmmakers – Short Competition 3

Arts Court Theatre

All ages

10:30 am

Ubisoft’s Splinter Cell Blacklist and Performance Driven Animation

NAC Theatre

14+

10:45 am

Professional Development: Industry Etiquette 101

NAC Studio

14+

Talk: NFB Hothouse: Stepping Stones

Arts Court Theatre

14+

Screening: Short Competition 2

Empire Rideau

14+

Screening: Short Films for Kids Competition – Gala

National Gallery

All ages

12:30 pm

Talk: One-on-One with Ralph Bakshi

NAC Theatre

Mature

12:45 pm

Screening: Feature Competition 2: Consuming Spirits

Empire Rideau

14+

Professional Development: Character Design Masterclass with Phil Rynda

NAC Studio

14+

Arts Court Theatre

14+

National Gallery

14+

NAC - Studio

14+

11:00 am

1:00 pm

Talk: Full Steam Ahead: The Art and Life of Ward Kimball Screening: Short Competition 3

2:30 pm

Professional Development: 85 Minutes of Hell: Storyboarding for Features

TIME

NAME OF SCREENING

VENUE

Chez Ani opens – Meet the Filmmakers Breakfast

Arts Court Studio

Aniboutique and Reception

NAC Foyer

9:30 am

Meet the Filmmakers Comp 4 & Kids Shorts

Arts Court Theatre

10:30 am

Talk: The Making of ParaNorman with Chris Butler

NAC Theatre

Meet the Filmmakers (Comp 5 and TV for Kids)

Arts Court Theatre

Screening: Feature Competition 1: Arrugas

Empire Rideau

14+

Screening: Barry Purves

National Gallery

14+

Talk: From Scorsese to Nolan: Creating Visual Effects That Serve Story

NAC Theatre

All ages

Screening: Karen Aqua

Arts Court Theatre

All ages

Screening: Short Films for Kids Competition

Empire Rideau

All ages

Screening: Run Wrake

National Gallery

14+

Arts Court Theatre

All ages

Empire Rideau

14+

NAC Theatre

All ages

National Gallery

14+

9:00 am

11:00 am

12:30 pm

1:00 pm

Adobe Youth Voices Screening Screening: School Showreel

3:00 pm

4:00 pm

5:00 pm

7:00pm

9:00 pm

9:15 pm

11:00 pm

18

Screening: TV Made for Kids Competition

Arts Court Theatre

All ages

Screening: ParaNorman

Empire Rideau

All ages

Screening: Short Competition 4 - Gala

NAC Theatre

14+

Talk: This Way Up: The Mastery of Smith and Foulkes

National Gallery

14+

Professional Development: Writing Masterclass with Butch Hartmann

NAC Studio

14+

Screening: Ralph Bakshi: Coonskin

National Gallery

Mature

Screening: Intersections: Experimental 3D Animation

Arts Court Theatre

14+

Screening: Ralph Bakshi: Wizards

Arts Court Theatre

Mature

Screening: Short Competition 1

Empire Rideau

14+

Screening: Feature Competition 4: Babeldom - Gala

NAC Theatre

14+

Screening: Short Competition 5 - Gala

NAC Theatre

14+

Screening: Comedians in Animation

Arts Court Theatre

14+

Screening: Feature Competition 3: Le Tableau

Empire Rideau

All ages

Screening: Ralph Bakshi: Heavy Traffic

National Gallery

Mature

Screening: Karen Aqua (11:30 pm)

Arts Court Theatre

All ages

Saturday Night Party (Passholders only)

Ritual Nightclub

WWW.ANIMATIONFESTIVAL.CA

3:00 pm

Talk: Behind-the-Scenes of Walt Disney Animation Studios' Paperman, Making-of Pixar's Partysaurus RexScreening Comedians and Animation

RATING

All ages

3:30 pm

AniMarket Closes

NAC Foyer

5:00 pm

Canadian Student Showcase

Arts Court Theatre

14+

7:00 pm

Closing Ceremonies

NAC Theatre

14+

8:00 pm

Best of the Festival Screening

NAC Theatre

14+

9:00 pm

Closing Night Party (passholders only)

Arts Court Studio

OIAF 2012 FESTIVAL READER / FIAO 2012 LECTEUR DU FESTIVAL

19

I am pleased to extend my warmest greetings to everyone attending the 2012 Ottawa International Animation Festival (OIAF).

C’est avec plaisir que je salue chaleureusement tous ceux et celles qui assistent au Festival international d’animation d’Ottawa de 2012 (FIAO).

Animation is one of the oldest forms of story telling. Through ancient cave art and Egyptian hieroglyphs, to the birth of cinematography, up to the 3D computer”generated images of today, animation has been one of the most popular ways to bring a story to life for viewers. Over the years, this festival has offered a wonderful opportunity for filmmakers and fans of animation to share the wonders of animated film. Now the largest festival of its kind in North America, the OIAF is a major media event attracting submissions and visitors from around the world.

L’animation est l’une des plus anciennes façons de raconter. Des œuvres picturales préhistoriques aux hiéroglyphes, en passant par l’avènement du cinéma, jusqu’à l’apparition des images en 3D créées par ordinateur, l’animation a toujours été l’un des moyens les plus populaires de donner vie aux histoires. Au fil des ans, le Festival a offert aux cinéastes et amateurs de films d’animation la formidable occasion de partager les merveilles de cet univers cinématographique. Désormais le plus grand festival du genre en Amérique du Nord, le FIAO est un événement médiatique d’envergure qui attire des œuvres et des visiteurs des quatre coins du monde.

I would like to commend the Canadian Film Institute for bringing this inspiring event to the Nation’s Capital. With such a wealth of creativity on display, this year#s festival is sure to be a resounding success.

On behalf of the Government of Canada, I offer my best wishes for a most enjoyable event.

Je remercie l’Institut canadien du film de tenir cet événement inspirant dans la capitale nationale.

Cette année, autant de créativité ne promet pas moins qu’un succès retentissant.

Welcome to the 2012 Ottawa International Animation Festival.

Bienvenue au Festival international d’animation d’Ottawa de 2012.

Our Government recognizes that arts and culture play a vital role in strengthening our communities and boosting our economy. Each year, we invest in our audio-visual sector through Telefilm Canada, the National Film Board of Canada, the Canada Council for the Arts, and tax credits. We are pleased to provide support for the Ottawa International Animation Festival, which contributes to the cultural industry’s success by highlighting the talent of Canadian animation artists and drawing a diversity of film lovers to the nation’s capital.

Notre gouvernement sait que les arts et la culture jouent un rôle essentiel quand il est question d’assurer le dynamisme de nos communautés et de notre économie. Chaque année, nous investissons dans le secteur canadien de l’audiovisuel par l’entremise de Téléfilm Canada, de l’Office national du film du Canada, du Conseil des Arts du Canada et de différents crédits d’impôt. Nous sommes heureux d’appuyer le Festival international d’animation d’Ottawa, qui contribue à notre industrie culturelle en faisant valoir le talent de nos animateurs et en attirant les amateurs du genre dans la capitale nationale.

On behalf of Prime Minister Stephen Harper and the Government of Canada, I would like to thank everyone involved with the Ottawa International Animation Festival and to congratulate this year’s award winners.

Au nom du premier ministre Stephen Harper et du gouvernement du Canada, je remercie tous ceux et celles qui assurent la tenue du Festival international d’animation d’Ottawa. Félicitations aux lauréats de cette année.

Au nom du gouvernement du Canada, je vous souhaite un festival des plus agréables.

The Hon. James Moore / Le très honorable James Moore The Rt. Hon. Stephen Harper / Le très honorable Stephen Harper

20

P.C., M.P.

Minister of Canadian Heritage and Official Languages Ministre du Patrimoine canadien et des Langues officieles

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OIAF 2012 FESTIVAL READER / FIAO 2012 LECTEUR DU FESTIVAL

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Dear industry colleagues and friends,

Chers collègues et amis de l’industrie,

Telefilm Canada is proud to be associated with the Ottawa International Animation Festival, an event that clearly illustrates the many creative, distribution and promotion platforms available to Canadian creations today.

Téléfilm Canada est fière de s’associer au Festival International d’Animation d’Ottawa, une claire illustration des nombreuses plateformes de création, de diffusion et de promotion dont bénéficient aujourd’hui les créations canadiennes.

As we can see in audiovisual markets and festivals at home and abroad, Canada is playing in the big leagues, with innovative talent, an openness to partnerships and leading expertise that are earning great admiration and translating into concrete results.

Comme on le voit dans les marchés et festivals de l’audiovisuel au pays et à l’étranger, le Canada joue dans la cour des grands, grâce à son sens de l’innovation, son ouverture aux partenariats et son savoir-faire qui suscitent l’admiration et qui traduisent par des résultats concrets.

At Telefilm this is great news, since the success of Canadian content is our primary purpose. Our funding and promotion programs support dynamic film companies and talented creative artists everywhere in Canada. We are all working together to make sure Canadian stories are in the spotlight, both here at home and internationally.

Congratulations to the organizers of the Ottawa International Animation Festival. I wish you all an exciting event full of new discoveries and contacts.

À Téléfilm, nous en sommes très heureux, puisque la réussite du contenu canadien constitue notre objectif principal. Nos programmes de financement et de promotion appuient des entreprises dynamiques et des créateurs de talent partout au pays. Nous travaillons tous ensemble pour que les histoires canadiennes soient bien en vue, ici et sur la scène internationale.

Félicitations aux organisateurs du Festival International d’Animation d’Ottawa. Je vous souhaite de belles découvertes et des rencontres fructueuses.

As the largest of the annual festivals organized by the Canadian Film Institute (CFI), the OIAF is one of the cornerstones of the Institute. Founded in 1935, the CFI is Canada’s oldest non-profit, non-governmental cultural organization dedicated to the moving image.

Now in its 77th year, the CFI continues to present the best of Canadian and international cinema as an alternative to our Hollywood-dominated screens.

From its experimental film programming in the Café Ex series, to the European Union and Latin American, Baltic-Nordic, Israeli, and Indian Film Festivals, to ongoing Canadian cinema series, the CFI presents hundreds of films, videos, and digital media art works to audiences in Ottawa, across Canada, and around the world. It also publishes critical and educational works on Canadian and international film.

Since founding the OIAF in 1976, the CFI has developed the Festival into one of the world’s most important animation events, offering a bold mix of art and industry, and featuring not only daring, adventurous programming, but also developing and promoting the vital commercial dimensions of international animation. The staff of the 2012 edition of the Festival is to be congratulated for once again presenting a remarkably rich, diverse, and engaging array of screenings, retrospectives, workshops, and animation industry panel discussions.

On behalf of the Board of Directors and staff of the Canadian Film Institute, I wish you an enriching, rewarding, productive, and, of course, fun OIAF 2012.

Bienvenue à l’édition 2012 du Festival international d’animation d’Ottawa. À titre de plus grand festival annuel organisé par l’Institut canadien du film, le FIAO est et continuera d’être une des pierres angulaires de l’Institut.

Créé en 1935, lICF a été créé pour offrir des solutions de rechange aux films “hollywoodiens” typiques qui prédominaient (prédominent toujours!) sur les écrans canadiens. Au cours de ses 77 ans d’existence, l’ICF s’en est tenu à sa mission, y compris en fondant le FIAO en 1976. Depuis les programmes de films expérimentaux au Café Ex jusqu’aux projections habituelles à Bibliothèque et Archives Canada, en passant par les festivals du film de l’union européenne et de l’Amérique latine et par ses programmes continus de cinéma canadian indépendant, l’ICF présente chaque année des centaines de films, de vidéos, et, en nombre croissant, d’oeuvres réalisées pour des médias numériques, aux auditoires d’Ottawa, de partout au Canada, et dans le monde entier.

Si l’ICF compte aujourd’hui 77 ans d’existence, il n’en continue pas moins d’étendre ses programmes publics et son rayonnement éducatif en lançant une toute nouvelle série de publications et d’activités basées dans Internets. Pour nous de l’ICF et du FIAO, c’est une période palpitante, car nous travaillons à concenvoir et à livrer davantage de programmes publics, de causeries avec des artistes, d’ateliers, de projections spéciales et de rétrospectives.

Encore une fois, bienvenue à Ottawa 2012! Je vous prie d’agréer mes salutations les meilleures.

Sincerely / Cordialement, Carolle Brabant Executive Director, Telefilm Canada Directrice générale, Téléfilm Canada

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Tom McSorley Executive Director, The Canadian Film Institute Le Directeur général, Institut canadien du film

OIAF 2012 FESTIVAL READER / FIAO 2012 LECTEUR DU FESTIVAL

23

Ontario Media Development Corporation (OMDC) is proud to sponsor the Television Animation Conference (TAC) at the 2012 Ottawa International Animation Film Festival (OIAF) again this year. OIAF is a must on the festival circuit for animators around the world to showcase their work. In support of our creative industries, TAC provides an important forum for Canadian and international animation producers, broadcasters, distributors and buyers to network, discuss industry issues and do business together.

As a leader in helping to build Ontario’s creative economy, OMDC provides a range of innovative programs and funding for the book and magazine publishing, interactive digital media, music, and film and television industries. Ontario’s creative media companies have developed a thriving, multi-billion dollar industry and represent a wealth of opportunity.

In Ontario “We’ve got it going ON!” Our creative media industries – animators, filmmakers, music labels and performers, content creators, app developers and festivals -- are leading the world in innovative ideas and critical acclaim.

OMDC is pleased to continue to support this festival and applauds all of the organizers, volunteers and participants for making this conference a great success.

Cette année à nouveau, la Société de développement de l’industrie des médias de l’Ontario (SODIMO) est fière de parrainer la Television Animation Conference (TAC) lors du Festival international d’animation d’Ottawa (FIAO) 2012. Pour les animateurs du monde entier, le FIAO est un incontournable du circuit des festivals, où ils peuvent venir présenter leur travail. À l’appui des industries de la création, la TAC constitue un forum majeur pour les producteurs, diffuseurs, distributeurs et acheteurs d’animation canadiens et étrangers, leur permettant de faire du réseautage, de débattre des enjeux de l’industrie et de faire des affaires ensemble.

En tant que leader œuvrant à la construction de l’économie créative de la province, la SODIMO propose tout un éventail de programmes et de financements innovants aux industries du cinéma et de la télévision, de l’édition de livres et de revues, de l’enregistrement sonore et des produits multimédias interactifs numériques. Les sociétés ontariennes du secteur des médias créatifs sont à l’origine d’une industrie florissante multimilliardaire qui offre une multitude de possibilités.

En Ontario, « ON met la culture en marche! » Nos industries des médias de la création – animateurs, cinéastes, maisons de disques et artistes, créateurs de contenu, développeurs d’applications et festivals confondus – occupent le devant de la scène mondiale en termes d’idées novatrices et d’éloges de la critique.

La SODIMO est ravie de renouveler son soutien en faveur de ce festival, et félicite l’ensemble des organisateurs, bénévoles et participants, qui sont les artisans du vif succès que rencontre la conférence.

Veuillez agréer l’expression de mes sentiments les meilleurs.

Sincerely / Cordialement,

On behalf of Members of Ottawa City Council, it gives me great pleasure to extend a very warm welcome to all those participating in the Ottawa International Animation Festival, taking place in the heart of our nation’s capital from September 19th to 23rd 2012.

Au nom des membres du Conseil municipal d’Ottawa, c’est avec plaisir que je souhaite la plus cordiale bienvenue à tous les participants au Festival international d’animation d’Ottawa qui se tiendra au cœur de la capitale nationale du 19 au 23 septembre 2012.

As Head of Council, I want to lend my support to the collaborative efforts of the OIAF staff to increase awareness of animation and to assist artists to gain exposure through screenings, competitions, exhibits, workshops and the Television Animation Conference.

En ma qualité de chef du Conseil, je suis très heureux d’appuyer les projets de collaboration du personnel du FIAO qui contribuent à mieux faire connaître l’animation et à aider les artistes à obtenir une plus grande visibilité par l’entremise des projections, des compétitions, des expositions, des ateliers et du congrès d’animation télévisuelle.

Allow me to congratulate the OIAF 2012 organizers, sponsors, artists, guest speakers, volunteers and all those who have dedicated their time, energy, talents and resources to the successful organization of this important cultural event of international scope and the largest of its kind in North America.

As Mayor of the host city, I invite visitors to explore the Ottawa Sports Hall of Fame in the Heritage Building at City Hall, as well as the Ottawa Art Gallery at Arts Court, housing works by members of the Group of Seven.

Please accept my best wishes for a very entertaining and most memorable festival.

Permettez moi de féliciter les organisateurs du FIAO 2012, les commanditaires, les artistes, les conférenciers d’honneur, les bénévoles et tous ceux qui ont consacré leur temps, leur énergie, leurs compétences et leurs ressources à l’organisation réussie de cette importante manifestation culturelle d’envergure internationale et la plus grande de son genre en Amérique du Nord.

En tant que maire de la ville hôte, j’invite les visiteurs à découvrir le Temple de la renommée des sports d’Ottawa, situé dans l’édifice historique de l’hôtel de ville, ainsi que la Galerie d’art d’Ottawa, à la Cour des Arts, où sont exposées des œuvres des membres du Groupe des Sept.

Je vous souhaite à tous un festival très mémorable et des plus divertissants.

Recevez l’assurance de mes sentiments les meilleurs.

Sincerely / Cordialement,

Karen Thorne-Stone

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President & CEO Ontario Media Development Corporation (OMDC) Présidente-directrice générale Société de développement de l’industrie des médias de l’Ontario (SODIMO)

Mayor / Maire

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OIAF 2012 FESTIVAL READER / FIAO 2012 LECTEUR DU FESTIVAL

Jim Watson

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TAC

WEDNESDAY, SEPTEMBER 19 & THURSDAY, SEPTEMBER 20 MECREDI 19 SEPTEMBRE ET JEUDI 20 SEPTEMBRE FAIRMONT CHÂTEAU LAURIER

TAC

TAC

The Television Animation Conference (TAC) is North America’s only event that lets you pitch, network and keep up with industry trends, while giving you access to the most creative, original and innovative animation out there. This animation business forum is designed for professionals in content creation, development, production, distribution and marketing. TAC brings together key players in North America and international markets and provides a forum for active networking, practical information exchange, and trade in a comfortable and intimate environment. TAC runs the first two days of the OIAF, September 19-20, 2012.

Le Congrès de l’animation télévisuelle est le seul événement nord-américain permettant de se rencontrer, développer son réseau et être au fait des dernières tendances de l’industrie de l’animation, tout en ayant accès aux formes d’animation les plus créatives, originales et innovantes.

Ce marché de l’animation est destiné aux professionnels de la création de contenu, du développement, de la production, de la distribution et de la commercialisation.

Le Congrès de l’animation télévisuelle rassemble les acteurs clés des marchés nord-americains et internationaux et offre un endroit dédié à la rencontre, l’échange d’information et au commerce dans une ambiance agréable et intimiste.

Le Congrès de l’animation télévisuelle se déroule les deux premiers jours du Festival International d’Animation d’Ottawa, les 19 et 20 septembre 2012.

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OIAF 2012 FESTIVAL READER / FIAO 2012 LECTEUR DU FESTIVAL

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INTERNATIONAL JURY FOR SHORT PROGRAM, STUDENT AND COMMISSIONED ANIMATION

INTERNATIONAL JURY FOR ANIMATED FEATURE FILMS AND SCHOOL SHOWREELS

MIKE FALLOWS

BARRY PURVES

Mike has been working in the animation industry for over 30 years. Graduating in 1976 from Sheridan College with a classical animation degree, he began his career with Hanna Barbera animating on both Scooby Doo and the Flintstones. Since then he has worked as animator, overseas supervisor, storyboard artist, timing director and animation director for several of the world’s top studios, including Walt Disney, Marvel, Hanna Barbara and Nelvana.

Barry has been involved with animation for thirtyfour years, working on such series as Wind in the Willows, and Rupert Bear, as well as his own award winning films, Next, Screen Play, Rigoletto, Achilles, and Gilbert and Sullivan, and was involved with Mars Attacks! and King Kong. Two new short films were released in 2011, Plume and Tchaikovsky.

Mike travaille dans l’industrie de l’animation depuis plus de 30 ans. Diplômé en animation classique du collège Sheridan en 1976, il a commencé sa carrière chez Hanna Barbera à animer Scooby Doo et Les Pierres-à-feu. Depuis, il a travaillé comme animateur, superviseur outre-mer, artiste de scénarimage, directeur du minutage et réalisateur de l’animation pour plusieurs des plus grands studios du monde, dont les studios Disney, Marvel, Hanna Barbera et Nelvana.

Barry fait de l’animation depuis 34 ans. Il a travaillé à des séries telles que Wind in the Willows et Rupert Bear, de même qu’à ses propres films primés, tels que Screen Play, Rigoletto, Achilles et Gilbert and Sullivan.

Il a de plus participé à Mars Attacks! et King Kong.

Il a lancé deux nouveaux courts métrages en 2011, Plume et Tchaikovsky.

J.J. SEDELMAIER

HISKO HULSING

J.J. is the President/Director of J. J. Sedelmaier

Hisko majored in painting and animation at the art academy of Rotterdam in 1995. During an apprenticeship in the “Bratri v Triku” studio in Prague, he started working on his first animated film Harry Rents a Room. Hisko’s second film Seventeen was invited to numerous festivals, such as Annecy, Telluride, Montreal and Seattle, and won several awards.

Productions, Inc and is responsible for many of the most talked about broadcast entertainment productions of the past two decades – the launch season of MTV’s Beavis and Butt-Head, SNL’s Saturday TV Funhouse series with Robert Smigel (“The Ambiguously Gay Duo”, “The X-Presidents”, etc.), Cartoon Network/Adult Swim’s Harvey Birdman - Attorney at Law, the “Tek Jansen/Alpha Squad Seven” series for The Colbert Report, and over 500 TV commercials, animation and design pieces.

J.J. est PDG de J. J. Sedelmaier Productions, Inc. On lui doit la production de plusieurs des émissions de divertissement qui ont fait le plus parler d’elles au cours des deux dernières décennies – la première saison de Beavis and Butt-Head à MTV, la série Saturday TV Funhouse de Saturday Night Live avec Robert Smigel (« The Ambiguously Gay Duo », « The X-Presidents », etc.), le Harvey Birdman – Attorney at Law de Cartoon Network/Adult Swim, la série « Tek Jansen / Alpha Squad Seven » pour The Colbert Report, et plus de 500 pubs télé, animations et éléments de design.

Hisko obtient un diplôme en peinture et animation de l’académie des Beaux-Arts de Rotterdam en 1995. Au cours d’un apprentissage au studio « Bratri v Triku » à Prague, il commence à travailler à son premier film d’animation, Harry Rents a Room. Hisko a été invité à présenter son deuxième film, Seventeen, dans plusieurs festivals, tels que ceux d’Annecy, Telluride, Montréal et Seattle. Seventeen a remporté plusieurs prix.

IZABELA RIEBEN SARAH MULLER Sarah is currently Head of CBBC Acquisitions and Drama Development. Passionate about both drama and animation, her commissioned projects include Spirit Warriors, Dr Who - Dreamland, Halfmoon Investigations, My Almost Famous Family, Tracy Beaker Returns, Strangehill High, Sadie J, Wolf Blood,Just William and Muddle Earth.

Sarah dirige actuellement le service des acquisitions et du développement de dramatiques à Children’s BBC (CBBC). Passionnée de dramatiques et de films d’animation, elle a réalisé sur commande, entre autres, Spirit Warriors, Dr Who – Dreamland, Halfmoon Investigations, My Almost Famous Family, Tracy Beaker Returns, Strangehill High, Sadie J, Wolf Blood, Just William et Muddle Earth.

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Izabela is responsible for acquisition and programming for the French Speaking Swiss National TV (TSR) Children’s Department.She implements programming policies for young audiences, identifies products for editorial needs, and attends key international markets.

Izabela a la charge des acquisitions et de la programmation pour le service pour enfants de la Télévision suisse romande (TSR), service qui diffuse 40 heures par semaine, à 90 % des films d’animation. Elle met en œuvre des politiques de programmation pour les jeunes auditoires, trouve des produits correspondant aux objectifs de la Direction et participe à d’importants marchés internationaux .

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OIAF 2012 OFFICIAL COMPETITION PRIZES AND AWARDS/ OIAF 2012 — PRIX ET TROPHÉES LORS DE LA COMPÉTITION OFFICIELLE

The Official Competition section of the Ottawa International Animation Festival 2012 consists of works chosen by the Festival’s Artistic Director, Chris Robinson and Tom McSorley, Keltie Duncan and Hélène Tanguay from an OIAF record 2,377 submissions.

La section Compétition officielle du Ottawa International Animation Festival 2012 est composée d’oeuvres choisies par Chris Robinson, directeur artistique du Festival, et Tom McSorley, Keltie Duncan and Helene Tanguay parmi 2,377 soumissions reçues.

Along with the audience, the OIAF International Jury will view all selections presented in the Official Competition and select the Festival’s Grand Prizes and first prize in each of the categories of the competition, with the exception of the categories for children; first prize for these categories will be selected by a local Kids Jury.

Le jury international de l’OIAF visionnera, tout comme le public, chacune des oeuvres sélectionnées en Compétition officielle, pour ensuite attribuer le Grand Prix du Festival ainsi qu’un premier prix dans chacune des catégories de la compétition, à l’exception de celle des oeuvres pour enfants. Dans ce dernier cas, un jury composé d’enfants attribuera le premier prix.

At its discretion, the International Jury may also award additional special prizes. The Jury has the right to withhold an award where no entry, in its view, meets the standards for recognition. On Sunday, October 23rd at 7:00 pm, the Jury will announce the award-winning films. A selection of the Festival’s award-winning films will be screened at 8:00 pm. It is the responsibility of the Jury to determine which of the award-winning productions will be screened.

À sa seule discrétion, le jury international pourra décerner des prix spéciaux additionnels. Le jury se réserve aussi le droit de n’attribuer aucun prix s’il juge qu’aucune oeuvre soumise en compétition dans une quelconque catégorie ne se montre à la hauteur des standards de qualité qui méritent reconnaissance. Le dimanche, 23 octobre à 19 h, le jury dévoilera le nom des oeuvres qui remportent un prix. Quelques films parmi les lauréats seront présentés à compter de 20 h. Le jury a la responsabilité de déterminer les oeuvres qui seront choisies pour cette projection.

THE AWARDS/ LES TROPHÉES The OIAF awards are designed by local artist Tick Tock Tom, with an animation originally created by New York animator, George Griffin.

Les trophées phénakistiscopes remis cette année ont été conçus par l’artiste local Tick Tock Tom. L’animation fut créée par George Griffin.

Nelvana GRAND PRIZE for Independent Short Animation

GRAND PRIZE for Commissioned Animation

Walt Disney GRAND PRIZE for Student Animation

OIAF 2012 OFFICIAL COMPETITION PRIZES AND AWARDS/ OIAF 2012 — PRIX ET TROPHÉES LORS DE LA COMPÉTITION OFFICIELLE

CATEGORY PRIZES/PRIX CATÉGORIES Narrative Short

Promotional Animation

Experimental/Abstract Animation

Music Video

Adobe Prize for High School Animation

Television Animation for Adults

Undergraduate Animation

Short Animation Made for Children

Graduation Animation

Television Animation for Children

THE NATIONAL FILM BOARD OF CANADA PUBLIC PRIZE A special prize will be awarded to the film from the Official Competitions, to be selected by the audience as the Best Film of the Festival. Voting will take place a the conclusion of all official Short and Kids Competition GALA screenings, where ballots will be distributed at the entrance to the Theatre and should be placed in one of the special ballot boxes at the end of the programme.

Un prix spécial sera remis à un film en Compétition officielle, que le public aura choisi comme étant le meilleur film du Festival. Les votes auront lieu à la fin de chaque projection officielle lors du Short and Kids Competition GALA. Les bulletins de vote seront distribués à l’entrée de la salle et devront être déposés dans l’une des boîtes à cet effet à la fin de la projection.

CANADIAN FILM INSTITUTE AWARD FOR BEST CANADIAN ANIMATION This special prize is awarded by the Executive Director of the Canadian Film Institute for the most outstanding Canadian production in competition and Canadian showcase screenings.

Ce prix spécial est remis par le directeur exécutif de l’Institut canadien du film à la meilleure production canadienne sélectionnée en compétition officielle et aux vitrines du film canadien.

BEST CANADIAN STUDENT ANIMATION AWARD This new prize at the OIAF is awarded by the OIAF Selection Committee for the most outstanding Canadian student production in competition and Canadian Student Showcase.

Le nouveau prix au FIAO est remis par notre comité de sélection pour leur choix de production la plus remarquable de la part d’un étudiant canadien sélectionnée en compétition officielle et aux vitrines du film étudiant canadien.

OTTAWA MEDIA JURY PRIZE Our 2nd new prize this year is awarded by members of the Ottawa-Gatineau media for their pick as the most outstanding production in the Short Competition screenings.

Notre deuxième prix spéciale est remis par les membres des médias de la région d’Ottawa-Gatineau pour leur choix de production la plus remarquable sélectionnée en Compétition officielle.

OUR INAUGURAL MEDIA JURY INCLUDES / LES MEMBRES DE NOTRE JURY INAUGURAL DE MÉDIAS. Peter Simpson, the Ottawa Citizen’s arts-editor-at-large

Fateema Sayani, culture columnist and contributing editor, Ottawa Magazine

Denis Armstrong, Arts Columnist, The Ottawa Sun Sandra Abma, an Ottawa –based journalist with the CBC

Thank you to all award sponsors!

Merci à tous les commanditaires des prix!

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FILMS IN COMPETITION

FILMS IN COMPETITION

FEATURE COMPETITION

COMMISSIONED ANIMATION COMPETITION

Arrugas | Ignacio Ferreras | Spain

Consuming Spirits | Chris Sullivan | USA

Babeldom | Paul Bush | UK

Le Tableau | Jean-Francois Laguionie | France, Belgium

INDEPENDENT SHORT FILMS COMPETITION NARRATIVE SHORT ANIMATION

PROMOTIONAL ANIMATION ABSOLUT Vodka ‘Blue Ice’ | Takeshi Nagata & Kazue Monno

Kinder Chocolate ‘Inventions’ | Russell Brooke | UK

| Japan

Koodo ‘Skydive’ | Rob Shaw | USA, Canada

Apple | Lesley Barnes | UK

Melissa | Cesar Cabral | Brazil

ArtCircles ‘Van Gogh to Rothko in 30 Seconds’ | Michael Lan-

gan | USA

Persol ‘A Year of Sun’ | Kevin Dart, Stephane Coedel & Ryan Goodwin-Smith | UK

A Morning Stroll | Grant Orchard | UK

Le Viande + L’Amour | Johanna Rubin | Sweden

Coca-Cola ‘Spirit of the Euro’ | Carlos Lascano | USA

Animation Hotline | Dustin Grella | USA

Paula | Dominic Etienne Simard | Canada

Red Bull ‘Music Academy World Tour’ | Pete Candeland | USA

HKA Finance ‘Ecofaubourgs’ | Pierre Emmanuel Lyet | France

Boy | Steven Subotnick | USA

Plume | Barry Purves | France

Sea Suburb | Eleonore Goldberg | France

Jamie’s Dream School | Marc Reisbig & Geraldine McCarthy

Car Crash Opera | Skip Battaglia | USA

Pythagasaurus | Peter Peake | UK

| UK

World Wildlife Fund ‘100% Renewable Energy’ | Amica Kubo &

Cee Cee’s Bedtime Stories | Noelle Melody & Joy Vaccese |

Rossignols en Décembre (Nightingales in December) | Theodore

Tori | Japan

USA

Ushev | Canada

Cheap Joke | Ian Miller | USA

The Banker | Phil Mulloy | UK

Fresh Guacamole | PES | USA

The Great Rabbit | Atsushi Wada | France

I Saw Mice Burying a Cat | Dmitry Geller | China

The Monster of Nix | Rosto Rosto | France

It’s Such a Beautiful Day | Don Hertzfeldt | USA

The People Who Never Stop | Florian Piento | Japan, France

Burrus | France

Junkyard | Hisko Hulsing | Netherlands, Belgium

The Pub | Joseph Pierce | UK

Moones ‘Better Energy’ | Peter Sluszka | USA

Kali the Little Vampire | Regina Pessoa | Canada, Portugal;

Tram | Michaela Pavlatova | France, Czech Republic

France; Switzerland

Una Furtiva Lagrima | Carlo Vogele | Luxembourg, USA

MUSIC VIDEO Kottarashky & The Rain Dogs ‘Demoni’ | Theodore Ushev |

m+a ‘My Super8’ | Rino Stefano Tagliafierro | Italy

Canada, Bulgaria & Germany

Primus ‘Lee Van Cleef’ | Chris Smith | USA

Ignatus ‘Le Soleil Chante’ (Ignatus ‘The Sun Sings’) | Delphine

M. Ward ‘The First Time I Ran Away’ | Joel Trussell | USA

TELEVISION FOR ADULTS Coffee Nerves New York | Gary Leib | USA

EXPERIMENTAL/ABSTRACT ANIMATION

KILO ‘TINAMV1’ | Adnan Popovic | Austria

Superjail! ‘Stingstress’ | Christy Karacas & Mike Carlo | USA

Portlandia ‘Zero Rats’ | Rob Shaw | USA

Choros | Michael Langan & Terah Maher | USA

Old Man | Leah Shore | USA

Down With the Dawn | Run Wrake | UK

Rivière au Tonnerre (Thunder River) | Pierre Hébert | Canada

Dreams | Keiichi Tanaami | Japan

Sunny Afternoon | Thomas Renoldner | Austria

Lay Bare | Paul Bush | UK

Viewpoint | Sae-byul Hwangbo | South Korea

Modern No.2 | Mirai Mizue | Japan

STUDENT ANIMATION COMPETITION

FILMS AND VIDEOS MADE FOR CHILDREN SHORT ANIMATION FOR CHILDREN Au Coeur de L’hiver | Isabelle Favez | Switzerland

Stick Up For Your Friends | Anthony Dusko | USA

Beethoven’s Wig | Alex Hawley & Denny Silverthorne |

Thank You | Pendleton Ward & Thomas Herpich | USA

Canada

The Fox and the Chickadee | Evan DeRushie | Canada

Caleb’s Woods | Joshua Durst | USA

The Goat Herder and His Lots and Lots and Lots of Goats | Will

HIGH SCHOOL ANIMATION

From Point A to Point Z | Karl Staven | USA

Rose | UK

Amigo do Peito (My Best Friend) | Tania Duarte | Portugal

Paper Man 2 | David Borish | Canada

Grand Prix | Marc Riba & Anna Solanas | Spain

Why Do We Put Up With Them? | David Chai | USA

Cor | Ana Linnea Lidegran Correia | Portugal

The Bean | Hae Jin Jung | South Korea

My Strange Grandfather | Dina Velikovskaya | Russia

La Soif du Monde (Thristy Frog) | Collective: 12 children | Belgium

TELEVISION ANIMATION FOR CHILDREN

UNDERGRADUATE ANIMATION

Adventure Time ‘Jake vs. Me-Mow’ | Pendleton Ward | USA

Gum | Noam Sussman | Canada

New Everyday | Africanus Okokon | USA

DoronCoron | Yuichi Ito | Japan

I Am Tom Moody | Ainslie Henderson | UK

Peacemaker Mac – The Island of Dispute | Yotam Cohen | Israel

Justin Time 2 ‘The Thirsty Garden’ | Harold Harris | Canada

Reizwäsche (Reizwaesche) | Jelena Walf & Viktor Stickel |

Michel | Dewi Noiry, Pauline Pinson & Ivan Rabbiosi | France, Luxembourg

International Father’s Day | Edmunds Jansons | Latvia

Germany

Organopolis | Nieto Nieto | France Petits Joueurs (Small Gamers) | Bruno Collet | France

GRADUATION ANIMATION Baboon | Einar Baldvin | USA

From Dad To Son | Nils Knoblich | Germany

Ballpit | Kyle Mowat | Canada

Herr Hoppe und der Atommüll (Herr Hoppe and the Nuclear Waste) | Thorsten Löffler & Jan Lachauer | Germany

Crazy For It | Yutaro Kubo | Japan Fat | Yohann Auroux Bernard, Gary Fouchy & Sébastien

De Oliveira Bispo | France

Regular Show ‘Eggscellent’ | JG Quintel | USA TOM und die Bienenkoenigin (TOM and the Queen Bee) | An-

dreas Hykade | Germany

Hogan | Peter Millard | UK Kara no tamago (A Wind Egg) | Ryo Okawara | Japan Night of the Loving Dead | Anna Humphries | UK

ANIMATION SCHOOL SHOWREEL Tokyo University of the Arts | Japan

Supinfocom | France

National Film and Television School | UK

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FEATURE COMPETITION / LONG MÉTRAGE EN COMPÉTITION

FEATURE COMPETITION / LONG MÉTRAGE EN COMPÉTITION

ARRUGAS (WRINKLES)

CONSUMING SPIRITS

LE TABLEAU (THE PAINTING

BABELDOM

(NORTH AMERICAN PREMIERE/ PREMIÈRE NORD-AMÉRICAINE)

(CANADIAN PREMIERE / PREMIÈRE CANADIENNE)

(NORTH AMERICAN PREMIERE/UNE PREMIÈRE NORD-AMÉRICAINE)

(CANADIAN PREMIERE/ PREMIÈRE CANADIENNE)

MATURE AUDIENCES ONLY / PUBLIC AVERTI SEULEMENT

JEAN-FRANCOIS LAGUIONIE/AXIA FILMS INC./ FRANCE/76:00

PAUL BUSH/UNITED KINGDOM/ANCIENT MARINER/81:00

Friday, September 21, 4:45pm (National Gallery) - GALA Saturday, September 22, 12:45pm (Empire Theatres Rideau)

SUITABLE FOR ALL AGES/ CONVIENT POUR TOUT PUBLIC

MATURE AUDIENCES ONLY / PUBLIC AVERTI SEULEMENT

Vendredi 21 septembre, 16h45 (Musée des beaux-arts) - GALA Samedi 22 septembre, 12h45 (Cinéma Empire - Rideau)

Friday, September 21, 7:00pm (National Arts Centre) - GALA Saturday, September 22, 9:15 (Empire Theatres - Rideau)

Thursday, September 20, 3:00pm (Empire Theatres - Rideau) Saturday, September 22, 7:00pm (National Arts Centre) – GALA

Meet three characters who live in a rust belt town called Magguson and work at its local newspaper. Earl Gray, whose soporific gardening-advice radio show always seems to have heavy hidden messages about his views on life; Gentian Violet, a single woman who opens the film by running over a nun and hiding her body; and Victor Blue, a newspaper paste-up man with the smallest, pettiest ambitions, like getting his institutionalized mother to grant him the title to the family pickup truck he frequently drives drunk.

Vendredi 21 septembre, 19h00 (Centre National des Arts) - GALA Samedi 22 septembre, 21h15 (Cinéma Empire - Rideau)

Jeudi 20 septembre, 15h00 (Cinéma Empire - Rideau) Samedi 22 septembre, 19h00 (Centre National des Arts) - GALA

In an unfinished painting, live characters are classified into three groups: Toupins (a French pun: tout peints, All Done), who have been fully painted, Pafinis (Halfies), who are missing some coulour, and Reufs (Roughs), who are nothing more than simple sketches.

Babeldom is a city so massive and growing at such a speed that soon, it is said, light itself will not escape its gravitational pull.

IGNACIO FERRERAS/PERRO VERDE & CROMOSOMA/SPAIN/89:00 MATURE AUDIENCES ONLY / PUBLIC AVERTI SEULEMENT

Wednesday, September 19, 7:00pm (ByTowne Cinema) - GALA Sunday, September 23, 11:00am (Empire Theatres - Rideau) Mercredi 19 septembre, 19h00 (Cinéma ByTowne) - GALA Dimanche 23 septembre, 11h00 (Cinéma Empire - Rideau) Based on Paco Roca´s award winning comic book, this moving tale follows the friendship between Emilio and Miguel, two aged gentlemen shut away in a care home.

Emilio, who is new to the home and in the early stages of Alzheimer’s disease, is aided by Miguel and other residents to avoid ending up on the feared top floor of the home, known to residents as the “lost causes” floor.

Their wild plan infuses their otherwise tedious day-to-day routine with humour, adventure and tenderness. Others might see their lives as ending, but for Emilio and Miguel, life is just beginning.

Basée sur la bande dessinée primée de Paco Roca, cette histoire émouvante raconte l’amitié d’Emilio et de Miguel, deux vieux messieurs placés dans un foyer. Emilio, qui vient d’arriver, en est aux premiers stades de l’Alzheimer.

Il est aidé par Miguel et d’autres résidents, qui rusent pour éviter d’être envoyés au dernier étage, celui des « causes perdues ». Leur plan saugrenu insuffle humour, aventure et tendresse à leur quotidien routinier et plat. Si pour certains la vie va se terminer, pour Emilio et Miguel, elle a à peine commencé.

CHRIS SULLIVAN/ CHRIS SULLIVAN /USA/130 MIN.

At first, they appear to be acquaintances. But as the film unfolds, we find they have a long diabolical history, revolving around social service intervention and foster care, romance and hatred. An auto accident one dark and inebriated night causes a crack in the memory vault of these intimate strangers.

Consuming Spirits references both alcohol and divine power, and most characters walk shakily between self-medication and self-poisoning, making the film feel like both a profound realization and a bad trip.

Ce film nous fait rencontrer trois personnages qui travaillent au journal d’une banlieue délabrée appelée Magguson : Earl Gray, dont l’émission radio soporifique de conseils sur le jardinage cache mal des sous-entendus sur sa conception de la vie, Gentian Violet, une célibataire qui ouvre le film en renversant une religieuse et en cachant son cadavre, et Victor Blue, un metteur en page aux ambitions des plus mesquines et limitées, comme celle d’obtenir de sa mère institutionnalisée qu’elle lui cède la propriété de la camionnette familiale qu’il conduit souvent quand il est paf.

Au début, on les prend pour des copains. Mais à mesure que le film progresse, nous découvrons qu’ils partagent une longue et diabolique histoire ponctuée d’interventions des services sociaux et d’aide à l’enfance, et d’épisodes de romance et de haine. Par un sombre soir de soûlerie, un accident de voiture lézarde la chambre forte des souvenirs de ces étrangers intimes.

Vu son titre, qui fait référence tant à l’alcool qu’à des êtres surnaturels, et que la plupart des personnages titubent de l’auto-médication à l’auto-empoisonnement, ce film peut être compris comme l’accomplissement d’une destinée profonde ou comme un mauvais trip.

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Realizing that the painter won’t return, the Toupins seize power and take control, on the grounds of their superior beauty, banishing the Pafinis and enslaving the Reufs.

Ramo, a young Toupin and his Pafini companion, Lola, set off on a quest to bring the painter back to his table to complete his work. But while on his journey, Ramo discovers other worlds that live in other paintings, learning that the world beyond their own frame is richer and more diverse than they ever imagined. Returning from their adventure, they must persuade the others to learn acceptance, to see the bigger picture and to realize that everyone is, in their own way, a unique work of art.

In ancient times they talked of a city in which you could meet yourself at birth and on your deathbed. If a city ever existed in which the past and the future were united with the present, it would exist now, and forever.

This mesmerizing and provocative science-fiction documentary is an elegy to urban life, set against the backdrop of a city of the future. Assembled from film shot in modern cities all around the world and collected from the most recent research in science, technology and architecture.

La ville de Babeldom est si immense et sa croissance, si rapide, que bientôt, dit-on, la lumière elle-même succombera à son pouvoir d’attraction.

Dans une peinture inachevée vivent trois groupes de personnages : les Toupins, qui ont été entièrement peints, les Pafinis, à qui il manque de la couleur, et les Reufs, ou esquisses.

Les Anciens parlaient d’une ville où chacun pouvait se rencontrer à sa naissance et à sa mort. Une ville où le passé et l’avenir seraient unis au présent existerait maintenant et à jamais.

Se rendant compte que le peintre ne reviendra pas, les Toupins font un coup d’État. Se fondant sur leur plus grande beauté, ils bannissent les Pafinis et asservissent les Reufs.

Ce documentaire de science-fiction, qui hypnotise autant qu’il suscite réflexion, est une élégie de la vie dans une ville de l’avenir. Juxtaposant des séquences tournées dans des villes modernes du monde entier, il incorpore les dernières recherches en science, technologie et architecture.

Ramo, un jeune Toupin et sa compagne Pafinie, Lola, partent en quête du peintre pour le ramener à son chevalet finir son œuvre. Dans cette quête, Ramo et Lola découvrent des mondes qui vivent dans d’autres peintures et apprennent que le monde au-delà de leur propre tableau dépasse en richesse et en diversité tout ce qu’ils ont jamais imaginé.

Au retour de leur aventure, ils doivent persuader les autres d’apprendre l’acceptation, d’élargir leur perspective et de prendre conscience que chacun, à sa façon, est une œuvre d’art unique.

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SHORT COMPETITION 1

SHORT COMPETITION 1: CONT’D

SPONSORED BY / COMMANDITÉ PAR

MELISSA

INTENDED FOR MATURE AUDIENCES / RECOMMANDÉ POUR UN PUBLIC AVERTI

2011 | Cesar Cabral | Coala Filmes | Brazil | DIGITAL | 1:00 | Promotional Animation | Other

Wednesday, September 19, 9:15pm (ByTowne Cinema) - GALA Saturday, September 22, 7:00pm (Empire Theatres - Rideau) Mercredi, 19 septembre, 21h15 (Cinéma ByTowne) - GALA Samedi 22 septembre, 19h00 (Cinéma Empire – Rideau)

Melissa is composed of animation created with more than 350,000 sticky notes on the Melissa Gallery storefront in San Paolo.

PAPER MAN 2

SUNNY AFTERNOON

2012 | David Borish | Glebe Collegiate Institute | Canada | DIGITAL | 4:37 | High School Animation | Photocopies, Pencil on paper, Cut-outs

2012 | Thomas Renoldner | Austria | DIGITAL | 6:50 | Experimental/Abstract Animation | Pencil on paper, Other

Watch this little paper boy go on an adventure in a world much too big for himself, for a second time!

LE VIANDE + L’AMOUR (MEAT + LOVE) 2011 | Johanna Rubin | Swedish Film Institute | Sweden | DIGITAL | 1:00 | Narrative Short Animation | Animated Objects

Sunny Afternoon is a self-portrait that brings a 20-year film project to an end.

KINDER CHOCOLATE ‘INVENTIONS’ 2012 | Russell Brooke | Passion Pictures | UK | DIGITAL | 0:30 | Promotional Animation | 2D Computer A commercial for Kinder Chocolate.

The essence, the very crescendo, the embrace, the kiss.

LAY BARE

CAR CRASH OPERA

2012 | Paul Bush | Ancient Mariner | UK | DIGITAL | 6:00 | Experimental/Abstract Animation | Other

2012 | Skip Battaglia | Rochester Institute of Technology | USA | DIGITAL | 7:45 | Narrative Short Animation | Pencil on paper, Pastel on paper, Ink on paper

‘It is only shallow people who do not judge by appearances’ wrote Oscar Wilde. Lay Bare is a composite portrait of the human body, revealing it as it is only rarely seen in the most intimate relationships we have with our family or our lovers - erotic and comic, beautiful and vulnerable.

IGNATUS ‘LE SOLEIL CHANTE’ (IGNATUS ‘THE SUN SINGS’) 2011 | Delphine Burrus | Ignatub | France | DIGITAL | 4:00 | Music Video | Puppets, Motion Capture, Cut-outs, Animated Objects

Car Crash Opera is constructed as an homage to that paragon of American cinematic art form staples -- the car crash film. But this is sung as an opera in a contemporary constructed extravaganza, a CAR-toon.

APPLE 2011 | Lesley Barnes | Picasso Pictures | UK | DIGITAL | 0:40 | Promotional Animation | 3D Computer, 2D Computer Life, Death and an Apple.

Ignatius, on his tricycle, rides through a landscape inspired by the shape of a woman’s body. He sings “the sun sings, the birds are bright, the grass smiles and life is green.”

I AM TOM MOODY

KALI THE LITTLE VAMPIRE

2012 | Ainslie Henderson | Edinburgh College of Art | UK | DIGITAL | 7:00 | Undergraduate Animation | Puppets

2012 | Regina Pessoa | National Film Board of Canada | Canada, Portugal; France; Switzerland | 35MM | 9:25 | Narrative Short Animation | 2D Computer

A surreal trip through the subconscious of a stifled singer as he struggles to stand on stage and sing.

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This is the story of a boy unlike other boys who dreams of finding his place in the world. He will have to face up to his personal demons and overcome his fears to find at last the way to the light.

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SHORT COMPETITION 1: CONT’D

SHORT COMPETITION 2

PERSOL ‘A YEAR OF SUN’

FOR MATURE AUDIENCES / POUR UN PUBLIC AVERTI

2011 | Kevin Dart, Stephane Coedel & Ryan GoodwinSmith | Passion Pictures | UK | DIGITAL | 1:00 | Promotional Animation | 2D Computer

Thursday, September 20, 9:15pm (ByTowne Cinema) - GALA Saturday, September 22, 11:00am (Empire Theatres- Rideau) Jeudi 20 septembre, 21h15 (Cinéma ByTowne) - GALA Samedi 22 septembre, 11h00 (Cinéma Empire – Rideau)

A commercial for Persol sunglasses.

DOWN WITH THE DAWN 2012 | Run Wrake | Sclah Films | UK | DIGITAL | 8:00 | Experimental/Abstract Animation | Animated Objects, 2D Computer For three weeks in November 2011, I underwent a series of tests that resulted in a diagnosis of cancer. That period inspired this film.

LA SOIF DU MONDE (THRISTY FROG) 2011 | Collective: 12 children | Camera-etc | Belgium | DIGITAL | 4:52 | High School Animation | Cut-outs A frog is so thirsty that she drinks all the water of the planet! She becomes enormous and there is no water on Earth anymore…

BABOON 2012 | Einar Baldvin | USA | DIGITAL | 2:30 | Graduation Animation | Other “By all accounts, it was a bad day to punch a clown in the head.”

ANIMATION HOTLINE 2011 | Dustin Grella | Dusty Studio | USA | DIGITAL | 5:30 | Narrative Short Animation | Other Anonymous messages on the artist’s voicemail provide the content a series of insightful, sometimes bizarre, micro-shorts.

PYTHAGASAURUS 2011 | Peter Peake | Aardman Animations Ltd. | UK | DIGITAL | 3:52 | Narrative Short Animation | 3D Computer Bumbling cavemen Ig and Uk awake to find a volcano on their doorstep. Could their only hope be a dinosaur who’s good at maths?

ARTCIRCLES ‘VAN GOGH TO ROTHKO IN 30 SECONDS’ 2012 | Michael Langan | USA | DIGITAL | 0:39 | Promotional Animation | Other

NIGHT OF THE LOVING DEAD 2012 | Anna Humphries | National Film and Television School | UK | DIGITAL | 7:00 | Graduation Animation | Other Lovesick teenager Nigel still mourns the death of his beautiful girlfriend Felicity. But when he accidentally brings her back from the dead on a lonely Valentine’s Eve – along with a few extras – their undying love comes under strain.

UNA FURTIVA LAGRIMA

A kinetic adventure from Impressionism to Abstract Expressionism in promotion of ArtCircles, the curated art app for iPad from Art.com.

THE BANKER 2012 | Phil Mulloy | Spectre Films | UK | DIGITAL | 3:00 | Narrative Short Animation | 2D Computer Mr Christie has joined the Mayan End of the World Society.

2011 | Carlo Vogele | Luxembourg, USA | DIGITAL | 3:08 | Narrative Short Animation | Pixilation The last journey of a fish who carries his deathsong from his sale at the fishmarket all the way into the frying pan.

FAT THE PEOPLE WHO NEVER STOP 2012 | Florian Piento | Digital Garden Inc. | Japan, France | DIGITAL | 3:30 | Narrative Short Animation | 3D Computer, 2D Computer

2011 | Yohann Auroux Bernard, Gary Fouchy & Sébastien De Oliveira Bispo | Premium Films | France | DIGITAL | 5:40 | Graduation Animation | 3D Computer A small isolated farm is hit by a strange phenomenon. The farmer’s life is changing and he must adapt in his own way to this strange new world…

The People Who Never Stop is the story of a crowd who never stop, for the best and the worst.

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SHORT COMPETITION 2: CONT’D INTERNATIONAL FATHER’S DAY 2012 | Edmunds Jansons | Atom Art | Latvia | DIGITAL | 5:00 | Undergraduate Animation | 2D Computer For people Father’s Day is a celebration, but for one small bird it is an ordinary working day and his concerns are the same as any other: to get food for his family.

KOODO ‘SKYDIVE’ 2011 | Rob Shaw | Bent Image Lab | USA, Canada | DIGITAL | 0:30 | Promotional Animation | 3D Computer Koodo ‘Skydive’ finds El Tabador ready to parachute out of an airplane while screaming about Koodo’s great cell service.

SHORT COMPETITION 2: CONT’D ROSSIGNOLS EN DÉCEMBRE (NIGHTINGALES IN DECEMBER) 2011 | Theodore Ushev | Mtd:films | Canada | DIGITAL | 3:00 | Narrative Short Animation | Other What if the Nightingales were working, instead of singing and going south? Is the innocence the only savior of birds songs? There are no nightingales in December... what is left is only the history of our beginning, and our end.

THE MONSTER OF NIX 2011 | Rosto Rosto | Autour De Minuit Productions | France | DIGITAL | 30:00 | Narrative Short Animation | 3D Computer All is going well in the enchanting village of Nix…until the day a monster appears, devouring everything in its path.

Young Willy must face this threat. Alone.

TRAM 2012 | Michaela Pavlatova | Sacrebleu Productions | France, Czech Republic | DIGITAL | 7:00 | Narrative Short Animation | 2D Computer It’s the humdrum daily routine for Tram’s conductress.

And yet, on that day, following the jolts and the road’s vibrations to the rhythm of the tickets inserted in the ticket-stamping machine, the conductress gets turned on and the vehicle gets erotic.

HKA FINANCE ‘ECOFAUBOURGS’ 2012 | Pierre Emmanuel Lyet | Doncvoilà Productions | France | DIGITAL | 2:07 | Promotional Animation | 2D Computer Tom decided to move to an “Ecofaubourg”. He introduces us to a neighbourhood that offers a completely new kind of lifestyle!

THE PUB 2012 | Joseph Pierce | 59 Productions | UK | DIGITAL | 07:45 | Narrative Short Animation | Rotoscope, 2D Computer Kemi lives and works in the murky slipstream of a North London pub. As the booze flows, the line between who belongs behind and in front of the bar becomes increasingly blurred.

MODERN NO.2 2011 | Mirai Mizue | CaRTe bLaNChe | Japan | DIGITAL | 4:15 | Experimental/Abstract Animation | Pencil on paper, Pastel on paper We went for it without any hesitation.

We’ve formed the world at a quickening pace.

What on earth is this world that we’ve created?

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SHORT COMPETITION 3

SHORT COMPETITION 3: CONT’D

FOR MATURE AUDIENCES / POUR UN PUBLIC AVERTI

ABSOLUT VODKA ‘BLUE ICE’

Friday, September 21, 9:00pm (National Arts Centre) - GALA Saturday, September 22, 1:00pm (National Gallery) Vendredi 21 septembre, 21h00 (Centre National des Arts) - GALA Samedi, 22 septembre, 13h00 (Musée des Beaux-Arts)

2011 | Takeshi Nagata & Kazue Monno | CaRTe bLaNChe | Japan | DIGITAL | 2:10 | Promotional Animation | Pixilation

THE BEAN

FROM DAD TO SON

2011 | Hae Jin Jung | South Korea | DIGITAL | 5:11 | High School Animation | Cut-outs

2012 | Nils Knoblich | Germany | DIGITAL | 5:16 | Graduation Animation | Puppets, Cut-outs

A young girl named Yondu embarks on a fantastic adventure with her ‘bean’ friends

A prisoner receives the message that his old father needs help with tilling the field. In his desperate situation the prisoner suddenly has an idea.

CEE CEE’S BEDTIME STORIES ‘THE FIRST TIME CEE CEE DID ACID’

CRAZY FOR IT

2012 | Noelle Melody & Joy Vaccese | Twins Are Weird | USA | DIGITAL | 2:11 | Narrative Short Animation | Flash

2012 | Yutaro Kubo | Japan | DIGITAL | 3:30 | Graduation Animation | Ink on paper

Cee Cee candidly recalls the days of her wild youth.

Everyone has impulses which happen suddenly in their life.

GUM

MOONES ‘BETTER ENERGY’

2012 | Noam Sussman | Sheridan College | Canada | DIGITAL | 1:00 | Undergraduate Animation | 2D Computer

2012 | Peter Sluszka | Hornet Inc | USA | DIGITAL | 4:18 | Music Video | Puppets, Pixilation, Motion Capture, Clay, Animated Objects, 2D Computer

Your mother warned you about swallowing your gum.

Now see what happens.

Shipwrecked on an iceberg floating in the Arctic seas, the band tries to make fire and play music using instruments made from flotsam while they desperately try to find help.

PRIMUS ‘LEE VAN CLEEF’

HOGAN

2012 | Chris Smith | Chris Lenox Smith LLC | USA | DIGITAL | 3:24 | Music Video | Flash, Cut-outs, 3D Computer, 2D Computer

2012 | Peter Millard | Royal College of Art | UK | DIGITAL | 1:28 | Graduation Animation | Pencil on paper

Westerns would have been more fun if the bad guy won!

Hello Hulk Hogan, dont worry we will be OK in the end.

JUNKYARD

KARA NO TAMAGO (A WIND EGG)

2012 | Hisko Hulsing | il Luster Productions | Netherlands, Belgium | DIGITAL | 18:00 | Narrative Short Animation | Rotoscope, Other, 3D Computer

2012 | Ryo Okawara | Tokyo University of the Arts | Japan | DIGITAL | 10:30 | Graduation Animation | Ink on paper

A man is being robbed and stabbed by a junkie and in that last second before he dies, a youth friendship flashes before his eyes.

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Made for alcohol drink brand, ABSOLUT.

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A Wind Egg is about a family that runs a chicken farm.

The boy hankers after birds and his little sister keeps an eye on him. The father loves eggs. The mother loves somebody else. In the family fixture, each member stays there with bias or secrets.

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SHORT COMPETITION 3: CONT’D HERR HOPPE UND DER ATOMMÜLL (HERR HOPPE AND THE NUCLEAR WASTE) 2011 | Thorsten Löffler & Jan Lachauer | Filmakademie Baden-Württemberg, Institut für Animation, Visual Effects und Digitale Postproduktion | Germany | DIGITAL | 4:17 | Graduation Animation | 3D Computer

SHORT COMPETITION 4 FOR MATURE AUDIENCES / POUR UN PUBLIC AVERTI

Friday, September 21, 10:00am (ByTowne Cinema) Saturday, September 22, 3:00pm (National Arts Centre) - GALA Vendredi 21 septembre, 10h00 (Cinéma ByTowne) Samedi, 22 septembre, 15h00 (Centre National des Arts) - GALA

A barrel of nuclear waste drops into the living room of Herr Hoppe, an average suburban German. He has to get rid of it.

COR SUPERJAIL! ‘STINGSTRESS’ 2012 | Christy Karacas & Mike Carlo | Titmouse, Inc. | USA | DIGITAL | 13:24 | Television Animation for Adults | 2D Computer With the help of Jared and Charise, the Warden must “rise” to the occasion to take back Superjail from the Mistress and Stingray.

2011 | Ana Linnea Lidegran Correia | Portugal | DIGITAL | 3:47 | High School Animation | Flash, Animated Objects, 2D Computer Once upon a time there was a paint brush. Apparently, it had been forgotten by it’s owner, and for that, it was still wet with ink. Suddenly a little ink drop falls from it...

REIZWÄSCHE (REIZWAESCHE) OLD MAN 2012 | Leah Shore | USA | DIGITAL | 5:40 | Experimental/ Abstract Animation | Rotoscope, Puppets, Pixilation, Photocopies, Pencil on paper, Pastel on paper, Paint on Glass, Other, Ink on paper, Flash, Cut-outs, Clay, Cel, Animated Objects, 2D Computer For more than 20 years, Charles Manson has refused to communicate directly with the outside world...until now.

These are the actual never before heard phone conversations between Canadian best selling author Marlin Marynick and Charles Manson.

CHEAP JOKE

2012 | Jelena Walf & Viktor Stickel | Filmakademie BadenWürttemberg, Institut für Animation, Visual Effects und Digitale Postproduktion | Germany | DIGITAL | 1:03 | Undergraduate Animation | Other Petja and Pasha sit impatiently as Aunt Mascha hangs her laundry to dry. The two rascals follow her impudently, clothes pin for clothes pin, her massive butt progressing down the line...

SEA SUBURB 2012 | Eleonore Goldberg | France | DIGITAL | 1:00 | Promotional Animation | Ink on paper Dancers take to the screen to give us a very short hip hop modern jazz performance.

2011 | Ian Miller | USA | DIGITAL | 1:00 | Narrative Short Animation | 2D Computer Eddie tells George a bad cheap joke.

CHOROS 2011 | Michael Langan & Terah Maher | USA | DIGITAL | 13:00 | Experimental/Abstract Animation | Other A chorus of women are borne from the movements of a single dancer in this dreamlike “pas de trente-deux.”

BALLPIT 2012 | Kyle Mowat | Sheridan College | Canada | DIGITAL | 01:45 | Graduation Animation | Pixilation, Flash, Animated Objects, 2D Computer Life struggles to assert and organize itself within a harsh and shifting environment.

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SHORT COMPETITION 4: CONT’D

SHORT COMPETITION 4: CONT’D

YA VIDEL KAK MISHY KOTA HORONILI (I SAW MICE BURYING A CAT)

WORLD WILDLIFE FUND ‘100% RENEWABLE ENERGY’

2011 | Dmitry Geller | China, Russia | DIGITAL | 5:45 | Narrative Short Animation | 2D Computer

2012 | Amica Kubo & Tori | Japan | Japan | DIGITAL | 2:45 | Promotional Animation | 2D Computer

This story begins romantically, continues as a farce, turning into a thriller, but ends up as a high tragedy.

A campaign for using renewable energy completely in the future .

KOTTARASHKY & THE RAIN DOGS ‘DEMONI’

THE GREAT RABBIT

2012 | Theodore Ushev | Mtd:films | Canada, Bulgaria, Germany | DIGITAL | 3:45 | Music Video | Other

2012 | Atsushi Wada | Sacrebleu Productions, CaRtebLaNChe | France | DIGITAL | 7:00 | Narrative Short Animation | Pencil on paper

On the first day after the first Sunday after the first spring rain, a Red Cat is sitting on the roof of an old house. She is waiting, watching the full moon race across the sky.

And the house? What’s inside? Demons? Witches?

Once we called the noble, profound and mysterious existence The Great. We have moved with the time, our thought and consciousness have changed. And yet, what makes us still calling it The Great ?

PLUME

COFFEE NERVES NEW YORK

2011 | Barry Purves | DARK PRINCE | France | DIGITAL | 14:42 | Narrative Short Animation | Puppets, 3D Computer

2012 | Gary Leib | Twinkle | USA | DIGITAL | 2:02 | Television Animation for Adults | Pencil on paper, Ink on paper, 3D Computer, 2D Computer

A winged man, a fall, a hostile encounter, a life changed forever...

JAMIE’S DREAM SCHOOL 2012 | Marc Reisbig & Geraldine McCarthy | Passion Pictures | UK | DIGITAL | 1:00 | Promotional Animation | 2D Computer An animation for an on-air trailer for the new Channel 4 series Jamie’s Dream School.

A tribute to the awesome power, utility and influence of coffee in a crowded city.

RIVIÈRE AU TONNERRE (THUNDER RIVER) 2011 | Pierre Hébert | Vidéographe inc. | Canada | DIGITAL | 7:56 | Experimental/Abstract Animation | Other An intense exercise of looking at a rockface shot near the waterfalls of Rivière au tonnerre, on the North Shore of the St-Lawrence river. A meditation about opacity, about the fissures that can open up anything, any situation on the infinity of meaning.

DREAMS 2011 | Keiichi Tanaami | CaRTe bLaNChe | Japan | DIGITAL | 6:00 | Experimental/Abstract Animation | Pencil on paper, Pastel on paper, Ink on paper A collage piece edited extensively utilizing vast library of memories collected over a long time.

M+A ‘MY SUPER8’ 2011 | Rino Stefano Tagliafierro | Rino Stefano Tagliafierro | Italy | DIGITAL | 4:50 | Music Video | Other Nestled in the elegant setting, cuckoo clocks, wolves and deer heads, the ratio of love/hate relationship between two beautiful, lifeless sisters is told through both soft and mechanical loop movement showing kisses, hair pulling, whispers and sticking in a memory suspended in time.

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SHORT COMPETITION 5

SHORT COMPETITION 5: CONT’D

FOR MATURE AUDIENCES / POUR UN PUBLIC AVERTI

NEW EVERYDAY

Thursday, September 20, 1:00pm (ByTowne Cinema) Saturday, September 22, 9:00pm (National Arts Centre) - GALA Jeudi, 20 septembre, 13h00 (Cinéma ByTowne) Samedi, 22 septembre, 21h00 (Centre National des Arts) - GALA

2012 | Africanus Okokon | Rhode Island School of Design | USA | DIGITAL | 06:11 | Undergraduate Animation | Rotoscope, Pencil on paper, Other, Cel A dog owner combs her hair after a shower.

AMIGO DO PEITO (MY BEST FRIEND) 2011 | Tania Duarte | AGÊNCIA - Portuguese Short Film Agency | Portugal | DIGITAL | 3:07 | High School Animation | Other “My friend is POWER/ My friend is BREAK/ My friend is SHUT DOWN/ My friend is SAVE!/ We talk with our eyes and see with our fingers./ We think out loud in our dreams and fears ... “

RED BULL ‘MUSIC ACADEMY WORLD TOUR’ 2012 | Pete Candeland | Passion Pictures | USA | DIGITAL | 2:38 | Promotional Animation | 2D Computer Mother New York in partnership with Passion Pictures have created the first global campaign for Red Bull Music Academy World Tour.

BOY 2011 | Steven Subotnick | USA | DIGITAL | 1:45 | Narrative Short Animation | Ink on paper, 2D Computer Three letters in search of a boy.

PAULA 2012 | Dominic Etienne Simard | National Film Board of Canada | Canada | 35MM | 10:29 | Narrative Short Animation | Pencil on paper, 2D Computer A pulsating portrait of a mixed-use, working-class neighbourhood where young families cross paths with prostitutes, their interactions leaving unpredictable ripples in the motley fabric of urban life.

M. WARD ‘THE FIRST TIME I RAN AWAY’ 2012 | Joel Trussell | USA | DIGITAL | 3:17 | Music Video | 2D Computer

PEACEMAKER MAC – THE ISLAND OF DISPUTE

A young runaway has a strange encounter with a character in the woods who seems to be some reflection of himself.

2011 | Yotam Cohen | Bezalel Academy of Arts & Design | Israel | DIGITAL | 4:39 | Undergraduate Animation | Pencil on paper

A MORNING STROLL

Peacemaker Mac arrives at the Island of Dispute to settle a lands conflict. He tries his usual methods: handshakes, peace accord-like ceremonies and even a separation barrier.

After realizing that he only escalated the already aggressive situation, his real concern becomes his untarnished resume…

2011 | Grant Orchard | STUDIO AKA | UK | DIGITAL | 6:47 | Narrative Short Animation | Flash, 3D Computer, 2D Computer When a New Yorker walks past a chicken on his morning stroll, we’re left to wonder which one is the real city slicker.

COCA-COLA ‘SPIRIT OF THE EURO’ 2011 | Carlos Lascano | Bent Image Lab | USA | DIGITAL | 0:45 | Promotional Animation | 3D Computer The “Spirit” of the football-obsessed fan acting as our guide through a city that is crazy excited for the Eurocup!

PORTLANDIA ‘ZERO RATS’ 2011 | Rob Shaw | Bent Image Lab | USA | DIGITAL | 3:01 | Television Animation for Adults | Puppets, Animated Objects Fred Rat, Carrie Rat and a third rat friend, John, plot their pillaging strategy while assessing the strengths, weaknesses, opportunities and threats involved in getting their food. With help from an unsuspecting grocery clerk, the rats’ dreams of a world with zero packaging foods rival that of Charlotte’s Templeton at the county fair, but their exuberance overrules their good sense and their adventure ends with comical results.

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VIEWPOINT 2011 | Sae-byul Hwangbo | KIAFA [Ani SEED] | South Korea | DIGITAL | 7:00 | Experimental/Abstract Animation | Rotoscope, Pencil on paper, 3D Computer Her wounds of the heart act as an organic, growing mass of hair, entwining her body.

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SHORT COMPETITION 5: CONT’D

SHORT FILM COMPETITION FOR KIDS

KILO ‘TINAMV1’

SPONSORED BY / COMMANDITÉ PAR

2011 | Adnan Popovic | Austria | DIGITAL | 4:00 | Music Video | Animated Objects

SUITABLE FOR ALL AGES / CONVIENT POUT TOUT PUBLIC

The structure of the song “Melody” by the Viennese electronic duo KILO (Florian Bogner and Markus Urban) is translated into pictures.

Saturday, September 22, 11:00am (National Gallery) - GALA Sunday September 23, 1:00pm (Empire Theatres - Rideau) Samedi, 22 septembre, 11h00 (Musée des Beaux-Arts) - GALA Dimanche, 23 septembre, 13h00 (Cinéma Empire – Rideau)

FRESH GUACAMOLE

STICK UP FOR YOUR FRIENDS

2012 | PES | PES Productions | USA | DIGITAL | 1:40 | Narrative Short Animation | Animated Objects

2011 | Anthony Dusko | USA | DIGITAL | 0:43 | Short Animation for Children | Ink on paper

Familiar objects are made into fresh guacamole.

A short film about a friend sticking up for another friend who just wants to dance.

IT’S SUCH A BEAUTIFUL DAY

GRAND PRIX

2011 | Don Hertzfeldt | Bitter Films | USA | DIGITAL | 23:00 | Narrative Short Animation | Rotoscope, Pencil on paper, Other, Animated Objects, 2D Computer

2011 | Marc Riba & Anna Solanas | I+G Stop Motion | Spain | DIGITAL | 8:00 | Short Animation for Children | Puppets

Bill finds himself in a hospital struggling with memory problems, in this third and final chapter to Don Hertzfeldt’s Everything will be OK trilogy.

Cloudless sky. Vehicles on the grid. Blas, Ivan and Hector take their places. This is about to start! Ready, steady...

THE FOX AND THE CHICKADEE 2012 | Evan DeRushie | Canada | DIGITAL | 7:35 | Short Animation for Children | Puppets, Cut-outs A starving fox and a cunning chickadee find themselves in a standoff that quickly turns into a battle of wits.

CALEB’S WOODS 2012 | Joshua Durst | USA | DIGITAL | 4:13 | Short Animation for Children | Flash Two characters bond over the shared discovery of the music inherent in their world.

MY STRANGE GRANDFATHER 2011 | Dina Velikovskaya | Russian State University of Cinematography n.a. S.A.Gerasimov (VGIK) | Russia | DIGITAL | 8:40 | Short Animation for Children | Puppets A creative person often seems weird, funny and a little bit crazy. Even his friends and family do not always understand him, and often feel ashamed of him. But sometimes he can create a real miracle – merely from garbage.

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SHORT FILM COMPETITION FOR KIDS: CONT’D BEETHOVEN’S WIG

SUITABLE FOR ALL AGES / CONVIENT POUR TOUT PUBLIC

2012 | Alex Hawley & Denny Silverthorne | Smiley Guy Studios | Canada | DIGITAL | 1:56 | Short Animation for Children | Flash, 2D Computer

Thursday, September 20, 3:00pm (Arts Court Theatre) Saturday, September 22, 3:00pm (Arts Court Theatre) - GALA Jeudi, 20 septembre, 15h00 (Cour des arts - theâtre) Samedi, 22 septembre, 15h00 (Cour des arts - theâtre) - GALA

The world famous composer is having a serious bad hair day. In fact, sometimes it seems like his wig has a life of its own, and worse, is intent on global domination.

THE GOAT HERDER AND HIS LOTS AND LOTS AND LOTS OF GOATS 2012 | Will Rose | Astley Baker Davies | UK | DIGITAL | 7:12 | Short Animation for Children | Flash

ORGANOPOLIS 2011 | Nieto | Autour De Minuit Productions | France | DIGITAL | 2:30 | Television Animation for Children | Animated Objects

A day in the life of a goat herder and his flock of goats as they travel up and down the mountains of Spain.

Nico and Luis are school buddies. During recess, Nico insults Luis, who is left surprised and shocked. The jibes spread throughout his organs and body, which reflects humourously on how best to respond.

FROM POINT A TO POINT Z

TOM UND DIE BIENENKOENIGIN (TOM AND THE QUEEN BEE)

2012 | Karl Staven | University of the Arts | USA | DIGITAL | 5:00 | Short Animation for Children | Pixilation These people are so excited to be able to move in such amazing ways from the letter A to the letter Z.

AU COEUR DE L’HIVER (IN THE HEART OF WINTER) 2012 | Isabelle Favez | Swiss Effects | Switzerland | 35MM | 7:19 | Short Animation for Children | 2D Computer

2011 | Andreas Hykade | Studio Film Bilder | Germany | DIGITAL | 5:00 | Television Animation for Children | Flash The bees can´t help Tom this time, because they wait for the queen bee to arrive. Tom doesn´t care. All he wants is a slice of bread with strawberry jam and honey, until the queen bee finally arrives …

REGULAR SHOW ‘EGGSCELLENT’ 2011 | JG Quintel | Cartoon Network | USA | DIGITAL | 11:00 | Television Animation for Children | Other

Five creatures living in the forest are looking for food for the winter.

Mordecai and Rigby go to a restaurant where you can win a cool hat if you eat a twelve egg omelet in an hour.

Rigby really wants the hat so he goes for it...

WHY DO WE PUT UP WITH THEM?

DORONCORON

2012 | David Chai | San Jose State University | USA | DIGITAL | 2:30 | Short Animation for Children | Ink on paper, 3D Computer

2012 | Yuichi Ito | Television Kanagawa Inc. | Japan | DIGITAL | 3:00 | Television Animation for Children | Sand, Puppets, Clay, Animated Objects, 3D Computer

An animated poem about a little stinker I love.

DoronCoron is a boy made of dirt who comes alive in an unexpected way.

THANK YOU

JUSTIN TIME 2 ‘THE THIRSTY GARDEN’

2011 | Pendleton Ward & Thomas Herpich | Cartoon Network | USA | DIGITAL | 10:33 | Short Animation for Children | Other

2012 | Harold Harris | Guru Studio | Canada | DIGITAL | 10:30 | Television Animation for Children | Flash

A snow golem is attacked in the forest by his species’ mortal enemy, a pack of fire wolves, who accidentally leave a cub behind after their retreat. The golem’s solitary life is then thrown comically into chaos as he attempts to care for the cub while fighting danger to reunite the cub with its family.

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TV FOR KIDS COMPETITION

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The water has stopped flowing in Olive’s lush hanging gardens! Justin and Squidgy must help her find the source of the problem before it’s too late.

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TV FOR KIDS COMPETITION: CONT’D

SCHOOL COMPETITION

MICHEL 2012 | Dewi Noiry, Pauline Pinson & Ivan Rabbiosi | FOLIMAGE STUDIO | France, Luxembourg | DIGITAL | 11:00 | Television Animation for Children | 2D Computer Michel is beloved by his parents and splits his time between his family, school and neighborhood; in short, he’s an ordinary child ... or so it seems.

PETITS JOUEURS (SMALL GAMERS) 2012 | Bruno Collet | Vivement Lundi ! | France | DIGITAL | 1:40 | Television Animation for Children | Animated Objects Good evening London! In a few minutes you’ll be able to attend a new event of the summer Olympics, but get down, because our games take place in the blades grass, 1/50th to-scale, and the athletes are toys.

SCHOOL COMPETITION: RISD / TOKYO UNIVERSITY OF THE ARTS INTENDED FOR MATURE AUDIENCES / RECOMMANDÉ POUR UN PUBLIC AVERTI

Sunday, September 23, 3:00pm (Empire Theatres – Rideau)

ADVENTURE TIME ‘JAKE VS. ME-MOW’ 2011 | Pendleton Ward | Cartoon Network | USA | DIGITAL | 11:00 | Television Animation for Children | Other Wildberry Princess has been targeted by the Guild of Assassins and asks Finn and Jake for protection. But a tiny feline assassin named Me-Mow crawls up Jake’s nose an threatens to poison Jake unless he kills Wildberry! What’s a dog to do?

Dimanche, 23 septembre, 15h00 (Cinéma Empire – Rideau)

SUPINFOCOM | France TBA

NATIONAL FILM AND TELEVISION SCHOOL | UK Buy Buy Baby | Gervais Merryweather Head Over Heels | Timothy Reckart Left Kick | Jonathan Topf Night of the Loving Dead | Anna Humphries

TOKYO UNIVERSITY OF THE ARTS | Japan Kara no tamago (A Wind Egg) | Ryo Okawara Massuguna michide samishii (I Am Alone, Walking on the Straight Road) | Masanori Okamoto Shukatsu Kyousoukyoku (Recruit Rhapsody) | Maho Yoshida Hana to yome (Flower and Steam) | Eri Kawaguchi Yugeshou (Sunset Flower Blooming) | Yuanyuan Hu

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FESTIVAL EVENT: MEET THE FILMMAKERS / ÉVÉNEMENT DU FESTIVAL : RENCONTREZ LES CINÉASTES PRESENTED BY / PRÉSENTÉ PAR ARTS COURT THEATRE, STUDIO / 2 DALY AVE, 2ND FLOOR Thurs. September 20 – Sun. September 23 9:30am - 10:45am THÉÂTRE DE LA COUR DES ARTS, STUDIO, 2, AV. DALY, 2E ÉTAGE Du jeudi 20 septembre jusqu'au dimanche 23 septembre - 9 h 30 à 10 h 45

Meet the Filmmakers is your chance to ask the filmmakers in competition your questions, exchange comments and share your opinions about films featured the night before.

Continental breakfast items including coffee and tea (provided by Bridgehead) will be available to purchase each morning from 9:00am at Chez Ani in the Arts Court Studio next to the theatre. To get here, enter the Arts Court building from Daly Ave. and take elevator B to the top floor. À « Rencontrez les cinéastes », vous aurez l’occasion de poser des questions aux cinéastes en lice, d’échanger des commentaires et de faire connaître vos opinions sur les films projetés la veille.

De la nourriture pour le petit déjeuner sera disponible à acheter au café Chez Ani, dans le studio de la cour des arts, à côté du théâtre, tous les matins commençcant dès 9h00. Pour vous rendre à cet endroit, prenez l'entrée de Daly Avenue et prenez l'ascenseur B jusqu'au niveau le plus haut.

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INTERNATIONAL SHOWCASE

INTERNATIONAL SHOWCASE: CONT’D

FOR MATURE AUDIENCES / POUR UN PUBLIC AVERTI

BORERLINE (BORDERLINE)

Thursday, September 20, 3:00pm (ByTowne Cinema) Friday, September 21, 9:15pm (Empire Theatres – Rideau) Jeudi, 20 septembre, 15h00 (Cinéma ByTowne) Vendredi, 21 septembre, 21h15 (Cinéma Empire – Rideau)

2011 | Dustin Rees | Gerd Gockell Filmproduction | Switzerland | DIGITAL | 7:10 | Narrative Short Animation | Pencil on paper, 2D Computer A border guard tries to take his own life, but not all barriers can be crossed.

PAPERMAN 2012 | John Kahrs | Walt Disney Animation Studios | USA | DIGITAL | 6:31 | Short Animation for Children | 3D Computer, 2D Computer Paperman follows the story of a lonely young man in midcentury New York City, whose destiny takes an unexpected turn after a chance meeting with a beautiful woman on his morning commute.

LA NORIA (THE WATERWHEEL) 2012 | Karla Castañeda, Luis Téllez, Gilberto Cervantes, Ignacio López Tarso, Ana Ofelia Murguía & Sandra Arteaga | Mexico | DIGITAL | 7:38 | Narrative Short Animation | Puppets In a small town, time stops for a parent who has lost his son.

LA DETENTE 2011 | Pierre Ducos & Bertrand Bey | Autour De Minuit Productions | France | DIGITAL | 8:30 | Narrative Short Animation | 3D Computer At the bottom of a trench during World War I, a paralyzed soldier tries to escape the horrors he sees by transposing the war into a world of toys.

SUMO 2011 | Laurène Braibant | France, Belgium | DIGITAL | 6:00 | Narrative Short Animation | Other Two giant bodies, almost naked, slowly advance towards a circle of clay. This graphic experience highlights the expressive nature of a sumo wrestling ritual.

SUUR MAJA (BIG HOUSE) 2011 | Kristjan Holm | Karabana | Estonia | DIGITAL | 10:24 | Narrative Short Animation | Photocopies, Pencil on paper One totally ordinary warm summer night, the residents of a totally ordinary apartment happen to gather in the yard.

A citizen of questionable motives takes advantage of the situation.

GALIM SUSITIKTI, GALIM NESUSITIKTI (WE MAY MEET, WE MAY NOT) 2011 | Skirmanta Jakaite | Lithuania | DIGITAL | 7:45 | Narrative Short Animation | 2D Computer A story of miscommunication between mother and daughter, where a fear to confront reality leads to tragic consequences.

SYMPATHY FOR THE FISH 2011 | Richard O’Connor | Ace & Son Moving Picture Co. LLC | USA | DIGITAL | 2:00 | Narrative Short Animation | Cel

BIGSHOT

A holiday gift turns into a hospital trip.

2012 | Maurice Huvelin | France | DIGITAL | 4:44 | Narrative Short Animation | Pencil on paper, 2D Computer “The swans sing before dying. Certain people would do well to die before singing.”

- Samuel Taylor Coleridge`

FERAL 2012 | Daniel Sousa | USA | DIGITAL | 12:46 | Narrative Short Animation | Pencil on paper, Other, Flash, 2D Computer A wild boy is found in the woods by a solitary hunter and brought back to civilization. Alienated by a strange new environment, the boy tries to adapt by using the same strategies that kept him safe in the forest.

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INTERNATIONAL STUDENT SHOWCASE

INTERNATIONAL STUDENT SHOWCASE: CONT’D

FOR MATURE AUDIENCES / POUR UN PUBLIC AVERTI

IN DREAMS

Thursday, September 20, 1:00pm (National Gallery) Friday, September 21, 7:00pm (Arts Court Theatre) Jeudi, 20 septembre, 13h00 (Musée des Beaux-Arts) Vendredi, 21 septembre, 19h00 (Cour des Arts Theâtre)

2011 | Samuel Blain | UK | Northumbria University | DIGITAL | 3:57 | Undergraduate Animation | Rotoscope, Other, Motion Capture, 3D Computer, 2D Computer

BOO YANG MAN FLOATER 2011 | Tae youb Kang | KIAFA [Ani SEED] | South Korea | DIGITAL | 3:47 | Undergraduate Animation | Pencil on paper, Cut-outs, 2D Computer This is the story of Floater, who possess the ability to levitate objects. One day he played around with levitating a teddy bear, then went outside and sent up all the objects he saw.

In Dreams is a profound and experimental documentary focusing on the weirdest and most vivid dreams of normal individuals.

NUREK (THE DIVER) 2011 | Agata Gorzadek | Indeks Film Studio | Poland | DIGITAL | 10:56 | Graduation Animation | 2D Computer The underwater and surface worlds as seen by the diver.

Laundry out to dry, an aquarium, a broken cup, and the face of a beautiful woman.

KITH 2011 | Marika Cowan | Rhode Island School of Design | USA | DIGITAL | 2:24 | Narrative Short Animation | Other Kith = kindred.

SEPTEMBRE (SEPTEMBER) 2012 | Thibault Chollet | France | DIGITAL | 2:51 | Graduation Animation | Rotoscope, Pencil on paper, Clay, 2D Computer A journey.

TUUTU NALJAHAMMAS (TUTU FUNNYTOOTH) 2011 | Mattias Mälk | Estonian Academy of Arts | Estonia | DIGITAL | 7:41 | Undergraduate Animation | 2D Computer

TŠIKID TEEL (CHICKS ON THE HIGHWAY)

Tutu, an elderly clown with only one tooth, is throwing his 90th birthday party. But with welcomed guests comes an unwelcomed plan, and Tutu’s party isn’t the only thing in danger.

2012 | Helen Unt | Estonian Academy of Arts | Estonia | DIGITAL | 5:03 | Graduation Animation | Pencil on paper, Cut-outs, 2D Computer

IF YOU’RE PUSHED HARD ENOUGH

Two girls stop their car to pee but the car rolls away from the road. A hero sees they need help and takes off to solve their problems.

2012 | Sean Solomon | California Institute of the Arts | USA | DIGITAL | 2:06 | Undergraduate Animation | Pencil on paper

ROOTS OF THE HIDDEN

An animated documentary about my parents.

2011 | Elizabeth Sevenoaks | The Arts University College at Bournemouth | UK | DIGITAL | 4:55 | Undergraduate Animation | Cut-outs A surreal and poetic meditation on personal discovery and the acceptance of one’s identity.

EL DELIRIO DEL PEZ LEÓN (LIONFISH DELUSION) 2012 | Quique Rivera | California Institute of the Arts | Puerto Rico, USA | DIGITAL | 3:53 | Graduation Animation | Puppets, Other An unsettling tale of greed and hierarchy in the caribbean reefs.

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MY FACE IN SPACE 2012 | Tom Jobbins | National Film and Television School | UK | DIGITAL | 9:00 | Graduation Animation | Other 1977: NASA sent a Golden Record into space. It encapsulated some of the greatest achievements of humankind, as well as a few friendly faces. Larry’s face is one of them, and he hopes this will propel him to the status of Earth Ambassador - an event he manages to convince others will come true. However one person isn’t fooled – his girlfriend – who gives him an ultimatum: Me or Space?

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INTERNATIONAL STUDENT SHOWCASE: CONT’D

CANADIAN STUDENT SHOWCASE

SEWING WOMAN

RECOMMENDED FOR 14+ / SUGGÉRÉ POUR PLUS 14 ANS ET PLUS

2012 | Jin Woo | Kaywon School of Art & Design | South Korea | DIGITAL | 3:06 | Graduation Animation | Other

Thursday, September 20, 9:15pm (Arts Court Theatre) Sunday, Septembre 23, 5:00pm (Arts Court Theatre) Jeudi, 20 septembre, 21h15 (Cour des Arts Theâtre) Dimanche 23 septembre, 17h00 (Cour des Arts Theatre)

There is a woman who never stops sewing.

BALLPIT

CHOCOLATE BACON 2012 | Asavari Kumar | California Institute of the Arts | USA | DIGITAL | 4:10 | Graduation Animation | Rotoscope, Pencil on paper, Flash, Animated Objects, 3D Computer, 2D Computer A portrait of my experiences in the first year of grad school, presented through a series of conversations recontextualised by abstracted characters.

38 - 39 DEGREES CELSIUS 2011 | Kang Min Kim | California Institute of the Arts | USA, South Korea | DIGITAL | 7:52 | Graduation Animation | Puppets, Cut-outs, Animated Objects, 2D Computer A man enters an old bathhouse where, induced by the intense heat and steam, he relives a memory of his father’s and ignites a his desire to rid his father of a birthmark they both share.

2012 | Kyle Mowat | Sheridan College | Canada | DIGITAL | 01:45 | Graduation Animation | Pixilation, Flash, Animated Objects, 2D Computer Life struggles to assert and organize itself within a harsh and shifting environment

COINS 2012 | Sharron Mirsky | Mel Hoppenheim School of Cinema | Canada | DIGITAL | 1:20 | Undergraduate Animation | Pastel on paper A recollection of a childhood experience of personal triumph.

VERNAL EQUINOX 2012 | Haiwei Hou | Sheridan College | Canada | DIGITAL | 1:30 | Undergraduate Animation | Pencil on paper, Ink on paper, 3D Computer, 2D Computer On top of a frozen lake, a legendary warrior confronts the god of winter. This god devoured the spirit of spring and thus the world has lived in darkness for centuries. An epic battle ensues between man and god.

THE DAISY 2012 | Agathe Bray-Bourret | Mel Hoppenheim School of Cinema | Canada | DIGITAL | 3:10 | Undergraduate Animation | Pencil on paper, Ink on paper, 2D Computer A young woman is looking to single out love in a world of abundance of possibilities and sexual promiscuity.

THE MEEK THE MAD AND THE MISINFORMED 2012 | Andrew Miller | Ryerson University | Canada | DIGITAL | 07:35 | Undergraduate Animation | Puppets, 2D Computer A dark comedy about a downtrodden butler armed only with meagre pay and seriously bad luck, has a mishap with his mean old boss and can only watch as his life spins out of control. This is one mess he can’t clean up so easily.

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CANADIAN STUDENT SHOWCASE: CONT’D

CANADIAN STUDENT SHOWCASE: CONT’D

IN ALL FORMS

BURROW

2012 | James Hebers | Emily Carr University of Art + Design | Canada | DIGITAL | 4:38 | Undergraduate Animation | Puppets, Pixilation, Other, 2D Computer

2011 | Federico Gutiérrez | Vancouver Film School | Canada, Mexico | DIGITAL | 2:38 | Undergraduate Animation | Pencil on paper, Ink on paper

In All Forms uses stop-motion, and experimental animation techniques to create an experience through the struggle of creation and evolution.

An uninhibited couple is immersed in the absurd night of the umbelicus.

A TEA TIME CONVERSATION

TENGRI

2012 | Frédérick Letendre-Cyr | Mel Hoppenheim School of Cinema | Canada | DIGITAL | 2:38 | Undergraduate Animation | 2D Computer

2012 | Alisi Telengut | Mel Hoppenheim School of Cinema | Canada | DIGITAL | 5:34 | Undergraduate Animation | Pastel on paper, Other

Man, breaking up can be though sometimes.

Wind burial, influenced by Shamanism, is an old traditional Mongolian ritual. It consists of setting and carrying the dead on a cart to somewhere far until the cart meets a bump or a crooked road and the corpse falls on the ground naturally.

SWIFT

MOPEYS

2012 | Kristen Campbell | Emily Carr University of Art + Design | Canada | DIGITAL | 4:39 | Undergraduate Animation | Puppets, Cut-outs

2012 | Miang Tassniyom | Vancouver Film School | Canada | DIGITAL | 2:36 | Undergraduate Animation | Pencil on paper

Fia wants to traverse the forest, but it seems that everything is moving so much faster than her...

An evening’s stroll turns into a cornucopia of imagery and delight.

LIKE THIS

SNORE TRAIN

2012 | David Martineau-Lachance | Mel Hoppenheim School of Cinema | Canada | DIGITAL | 03:25 | Graduation Animation | Rotoscope

2012 | Kamil Chajder | Mel Hoppenheim School of Cinema | Canada | DIGITAL | 1:46 | Undergraduate Animation | Puppets

Rumi’s poem in a contemporary way.

A man can’t fall asleep on a train.

NECTAR

GUM

2012 | Pascal Laquerre | Mel Hoppenheim School of Cinema | Canada | DIGITAL | 5:30 | Undergraduate Animation | 2D Computer

2012 | Noam Sussman | Sheridan College | Canada | DIGITAL | 1:00 | Undergraduate Animation | 2D Computer Your Mother warned you about swallowing your gum.

A drover and his holy cow are dragging an old relic across a valley, heading towards a sun that ever stands still on the horizon. Along the way, the man slowly realizes that his beloved colossus is afflicted with a terrible addiction.

108 PHRENG RDOG (108 PRAYER BEADS) 2012 | Han han Li | Mel Hoppenheim School of Cinema | Canada | DIGITAL | 8:20 | Graduation Animation | Sand, Pencil on paper, Ink on paper, 2D Computer This project explores movement, rhythm, metamorphosis through the theme of cosmic dance. The film uses visual symbols that are mainly inspired by the ancient and living cultural traditions of North East Asia, Central Asia, and the Himalayan regions.

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CANADIAN SHOWCASE

CANADIAN SHOWCASE: CONT’D

NOT RECOMMENDED FOR YOUNG CHILDREN / NON RECOMMANDÉ POUR LES JEUNES ENFANTS

MY LITTLE UNDERGROUND

Thursday, September 20, 11:00am (Empire Theatres – Rideau) Friday, September 21, 3:00pm (Arts Court Theatre) Jeudi, 20 septembre, 11h00 (Cinéma Empire – Rideau) Vendredi, 21 septembre, 15h00h (Cour des Arts Theâtre)

2012 | Élise Simard | National Film Board of Canada | Canada | DIGITAL | 6:39 | Narrative Short Animation | Pencil on paper, Other, 2D Computer On some journeys, through our darkest spaces, we rediscover our closest, dearest guides. And rediscover love.

TITLE SEQUENCE FOR THE SHAPE OF REX 2012 | John Halfpenny | Chuck Gammage Animation Inc. | Canada | DIGITAL | 3:22 | Promotional Animation | 2D Computer This is the title sequence for a new independent liveaction feature. The original brief aimed to describe compulsive attraction and the tragic results that sometimes occur from the charged atmosphere that is created.

SOMNIUM 2011 | Noah Wohl & Nima Ehtemam | Handmade | Canada | DIGITAL | 2:42 | Narrative Short Animation | 3D Computer Somnium, which is Latin for dream, reaches out to all people as a modern creation myth.

MACPHERSON 2012 | Martine Chartrand | National Film Board of Canada | Canada | DIGITAL | 10:51 | Narrative Short Animation | Paint on Glass In Quebec during the early 1930s, young poet Félix Leclerc befriended Frank Randolph Macpherson, a Jamaican chemical engineer. A jazz fan, and a university graduate who worked for a pulp and paper company, Macpherson inspired Leclerc, who wrote a song about the log drives and entitled it “MacPherson” in honour of his friend.

AMAQQUT NUNAAT (THE COUNTRY OF WOLVES) 2011 | Neil Christopher | Inhabit Media Inc. | Canada | DIGITAL | 11:37 | Narrative Short Animation | Ink on paper, Cut-outs, 2D Computer In Amaqqut Nunaat, two brothers find themselves adrift on broken sea ice while out hunting for seal. They drift in the darkness for many days, until the ice they are on settles on the shore of a strange and distant land.

BIG MOUTH 2012 | Andrea Dorfman | National Film Board of Canada | Canada | DIGITAL | 8:16 | Short Animation for Children | Cut-outs Trudy is the quintessential honest kid who skips through her young life pointing out the obvious, moles and all.

LE GRAND AILLEURS ET LE PETIT ICI (HERE AND THE GREAT ELSEWHERE) 2012 | Michèle Lemieux | National Film Board of Canada | Canada | DIGITAL | 14:25 | Narrative Short Animation | Other Lost in a reverie, a man reels with sudden, piercing awareness of his own state of being.

HOTHOUSE 7 ‘SICK’ 2011 | Candace Couse | National Film Board of Canada | Canada | DIGITAL | 1:26 | Narrative Short Animation | Other, Animated Objects The body is a magnificent system, but its harmony can be interrupted - sometimes by subversive agents within.

C’EST LA VIE: THE CHRIS J. MELNYCHUK STORY

ANIMATED SELF-PORTRAITS 2012 | Madi Piller | Pix Film Productions | Canada | DIGITAL | 8:40 | Experimental/Abstract Animation | Other Animated self-portraits of 84 exceptional Canadian artists made with one premise: Each artist to provide 12 drawings of themselves on paper for me to animate as a loop under a 35mm film camera.

2011 | Karilynn Thompson, Micheal Welchman, Leslie Bell, Alan Ferguson, Richard Reeves, Kim Anderson, Melanie Aikenhead, Ola Birch, Ross Gibb, Caitlind Brown, Ryan McClure Scott, Brian Batista, Jessi Schroeyers, Tyler Frederick, Sitji Chou, Kristen Campbell, Jennifer Vallis, Katie Burns, Noëlle Shaw & RJ Taylor | Quickdraw Animation Society | Canada | DIGITAL | 07:00 | Narrative Short Animation | Sand C’est La Vie: The Chris J. Melnychuk Story documents the award-winning animator’s (Alien, Zap Girl Makes Toast) battle with tongue cancer. Building on live footage from Chris’s last, unfinished film, C’est La Vie was created posthumously through the collaboration of 19 animators from Quickdraw Animation in Calgary, Canada.

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SPECIAL SCREENINGS

SPECIAL SCREENINGS: CONT’D BARRY PURVES: THE PUPPETMASTER Thursday, September 20, 9:15pm (National Gallery) Sunday, September 23, 11:00am (National Gallery) Jeudi 20 septembre, 21h15 (Musée des beaux-arts) Dimanche 23 septembre, 11h00 (Musée des beaux-arts)

EARLY WORKS REEL (VARIOUS) 5:00| DIGITAL

NEXT (1989) 5:14 | 35MM

SCREENPLAY (1993) 11:11 | 35MM

RIGOLETTO (1993) 29:00| 35MM

ACHILLES (1995) 11:00 | DIGITAL

GILBERT AND SULLIVAN (1998) 16:00 | 35M

BARRY PURVES: THE PUPPETMASTER BARRY PURVES, MARIONNETTISTE By/par Chris Robinson Puppets and dolls have always freaked me out.

When I was quite young, I encountered a Raggedy Anne doll on the dark streets of Toronto. That creepy dead alive face scared the shit out of me.

They seem to live on that border between life and death, between the inanimate and animate. I’m obviously not alone in my fear. Chucky and The Puppetmaster were popular horror films about evil dolls and puppets. A few days ago I heard an old radio show called Dimension X. This particular episode dealt with aliens who posed as children’s dolls in an attempt to takeover the world. I figure that the fear of puppets and dolls is somehow linked to our fear of death. I saw my first dead person a few years ago and, well, it creeped me out. That sensation of dead alive returned.

Now what does all this have to do with Barry Purves? Well, the British animator is among the most acclaimed puppet animators in the world.

His passion, care and attention to detail and movements has produced eerily realistic puppets who convey such powerful emotions that the viewer often forgets that they’re watching animation.

Purve’s acclaimed short films (including the 1993 Oscar nominee Screen Play) are influenced by greek mythology, literature, opera and theatre.

Through his human-like puppets, Purves explores issues of sexuality, identity, mortality and passion while attempting to understand the complexities of human relationships and emotions.

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Les marionnettes et les poupées m’ont toujours flanqué la frousse. Quand j’étais enfant, j’ai rencontré une poupée de chiffon Raggedy Ann dans les rues sombres de Toronto. Cet apeurant visage de mort-vivant m’a foutu une sacrée peur. Elles semblent vivre à la frontière de la vie et de la mort, entre l’inanimé et l’animé. Je ne suis pas évidemment le seul qu’elles font frémir. Chucky et The Puppetmaster étaient des films d’horreur populaires à propos de poupées et de marionnettes diaboliques. Il y a quelques jours, j’ai écouté une vieille émission intitulée Dimension X. L’épisode traitait d’extra-terrestres ayant l’apparence de poupées d’enfant qui tentaient de contrôler le monde.

Je suppose que notre peur des marionnettes et des poupées a un lien avec notre peur de la mort. J’ai vu mon premier mort il y a quelques années, et…. ça m’a donné la chair de poule. La sensation de mortvivant revenait.

Qu’est-ce que cela a à voir avec Barry Purves ? Eh bien, l’animateur britannique compte parmi les marionnettistes d’animation les plus estimés au monde.

Sa passion, son soin, sa rigueur à reproduire les détails et le mouvement ont produit des marionnettes étrangement réalistes qui transmettent des émotions tellement fortes que le spectateur en oublie souvent qu’il regarde un film d’animation.

Les courts métrages acclamés de Purves (dont Screen Play, nominé aux Oscars de 1993) sont influencés par la mythologie grecque, la littérature, l’opéra et le théâtre. À travers ses marionnettes à apparence humaine, Purves étudie la sexualité,

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Born in Woodbridge, Suffolk, England, Purves had what he called a “pretty creative childhood.” His parents took him to the theatre and movies. He participated in plays at school and throughout his teens was involved with a variety of productions under the charge of British composer, Benjamin Britten.

After studying Drama and Greek Civization at Manchester University in the mid-1970s, Purves worked in theatres for a couple years, primarily as a stage manager. While working at a theatre in Scotland Purves met Mark Hall, who with partner, Brian Cosgrove, were running an animation studio called Cosgrove Hall Films. Frustrated with the lack of creativity of his theatre work, Purves was given a job audition by Hall. Purves had no puppet animation experience but had done some drawn and cut-out animation. Hall was impressed with Purves work and hired him.

Purves worked for Cosgrove for nine years. During that time he worked on a number of TV productions including Chorlton and The Wheelies and The Wind and The Willows. My first solid nine years there,” says Purves, “were the most exciting.

When Mark and Brian were still there, it was very much hands on, creating a wonderful, friendly, experimental and encouraging atmosphere. We all seemed to be inventing it as we went along. I loved Cosgrove Hall’s integrity about standards, and story telling, and character, and a ‘classic’ feel.

In 1986, Purves “was getting itchy feet to do something different,” so he left Cosgrove Hall and started working at Aardman Animation studio in Bristol. He worked on a pilot for a proposed

l’identité, la mortalité et la passion tout en essayant de comprendre les complexités des relations humaines et des émotions.

Né à Woodbridge, dans le Suffolk, en Angleterre, Purves a eu ce qu’il a appelé « une enfance très créative ». Ses parents l’emmenaient au théâtre et au cinéma. Il a participé à des pièces de théâtre à l’école, et pendant toute son adolescence, il a participé à toute une gamme de productions sous la direction du compositeur britannique Benjamin Britten.

Après avoir étudié la civilisation et le théâtre grecs à l’université de Manchester au milieu des années 1970, Purves a travaillé dans des théâtres pendant quelques années, surtout à titre de régisseur.

Purves a rencontré Mark Hall alors qu’il travaillait dans un théâtre en Écosse. Hall dirigeait avec son partenaire Brian Cosgrove le studio d’animation Cosgrove Hall Films. Frustré par la manque de créativité de son travail au théâtre, Purves a passé une audition devant Hall. Purves n’avait pas d’expérience en animation avec des marionnettes, mais avait fait des dessins animés et de l’animation avec des formes découpées. Hall fut impressionné par le travail de Purves et l’a embauché.

Purves a travaillé neuf ans pour Cosgrove. Pendant ce temps, il a travaillé à plusieurs productions télé dont Chorlton and The Wheelies et The Wind and The Willows. « Les premières neuf années complètes que j’y ai passées, » dit Purves, « ont été les plus passionnantes. Quand Mark et Brian étaient encore là, c’était très “mains-à-la-pâte”, ce qui créait une atmosphère merveilleuse, amicale, expérimentale et encourageante. Nous semblions tous l’inventer à mesure que nous avancions. J’aimais l’intégrité de Cosgrove Hall à l’égard des normes, ainsi que la façon de raconter, les personnages et l’allure classique. » En 1986, Purves « avait la bougeotte et voulait faire quelque chose de différent. » Il a donc quitté Cosgrove Hall et a commencé à travailler chez Aardman Animation studio à Bristol. Il a travaillé à un projet-pilote d’animation pour enfants, Hamilton Mattress (film qu’il finira par tourner en 2001) et a fait des dessins animés pour plusieurs publicités.

Chez Aardman Animations, Purves a eu la chance de faire son propre film en 1989. Le poste de télé britannique Channel 4 a passé commande au studio pour faire une série avec synchronisation labiale. Le poste voulait des films qui jouaient avec la langue (un de ces films, le Creature Comforts de Nick Park gagnera un Oscar comme meilleur court-métrage d’animation). Purves a choisi comme sujet William Shakespeare, mais avec une touche quelque peu inattendue. « J’ai choisi le langage visuel et corporel comme thème, » se rappelle Purves. « Je ne suis pas fou des expressions du visage (pour autant que les marionnettes aient de bons yeux). Je préfère me concentrer sur le mouvement corporel élégant que les marionnettes à armature permettent si

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SPECIAL SCREENINGS: CONT’D children series, Hamilton Mattress (he’d eventually make this film in 2001) and animated a number of commercials.

While at Aardman Animations Purves finally had a chance to make his own film in 1989. The British TV station, Channel 4 commissioned the studio to make a Lip Sync series. They wanted films that played with language (one of the films, Nick Park’s Creature Comforts would win an Oscar for Best Animation Short). Purves choose William Shakespeare as his subject, but with a bit of a twist. “I chose to use visual and body language as my theme,” recalls Purves. “I’m not particularly keen on facial expressions (as long as the puppets have good eyes). I’d rather concentrate on elegant body movement that armatured puppets allow so well. Next became a film about trying to use the body/puppet in as many different ways as possible.”

In this dizzyingly fast paced and clever film, Shakespeare appears on stage for an apparent audition. Without words, he frantically performs parts from all of his plays (no, I didn’t count, but Purves assures me every play is represented). The character’s movements are as graceful and fluid as a dancer. The face so realistic that would swear you’re observing a real human head. Of course, you are left with the question, why is Shakespeare auditioning? Who is he auditioning for? After the performance, Shakespeare eagerly awaits his judgement. After deliberating, the critic (who is actually St. Peter, heaven’s door man) laughs and says, “What fools these mortals be.” Shakespeare, it seems, has been auditioning his life – and has apparently failed.

Having Shakespeare perform his plays for St. Peter is a hilarious idea, but to then force him to pantomime his plays is a sweet dash of bastardly brilliance. Even more incredible is that these two ideas were not in Purve’s original plans and only came about because of financial restraints.“ Next started out as wanting to something about the Shakespeare plays. I had wanted a sizeable cast of characters, but the budget only allowed for one decent puppet, and the emphasis then shifted towards Shakespeare himself.” At one point, Purves was even considering having a cast of famous actors each read a line of Shakespeare’s, but the high cost of copyright put that idea to death. Who says having a small budget is a bad thing?

Purves worked at Aardman for a couple of years before leaving to start his own production company, Bare Boards in 1992 with Glenn Holberton.

“It was probably one of the two big career mistakes I made by not staying at Aardman, though I left when there was a bit of a quiet period. If I had stayed I might not have made my own films, but I would certainly have worked on some exciting projects. His other mistake? Not accepting to work on Gollum for Peter Jackson’s The Lord of the Rings film.

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SPECIAL SCREENINGS: CONT’D bien. Next est devenu un film sur l’utilisation la plus variée possible du corps de la marionnette. » Dans ce film intelligent au rythme étourdissant, Shakespeare apparaît sur scène pour ce qui semble être une audition. Sans dire un mot, il joue frénétiquement des extraits de toutes ses pièces (je n’ai pas compté, mais Purves m’assure que chaque pièce est représentée). Les mouvements du personnage sont aussi gracieux et fluides que ceux d’un danseur. Le visage est si réaliste que vous jureriez que vous observez une véritable tête humaine.

Bien sûr, on se demande pourquoi Shakespeare passerait-il une audition... Et devant qui ? Après le spectacle, Shakespeare attend avec impatience la décision. Après délibération, le critique (qui est en fait saint Pierre, le portier du paradis) pouffe de rire et dit : « Que ces mortels sont fous ! » Il semble que Shakespeare ait passé – et échoué – une audition basée sur sa vie.

Que Shakespeare joue ses pièces pour saint Pierre est hilarant, mais le forcer à mimer ses pièces dénote une touche drôlement brillante. Le plus incroyable, c’est que ces deux idées n’étaient pas dans le plan original de Purves et qu’elles ont surgi à cause de contraintes budgétaires. « Next a débuté comme volonté de faire quelque chose sur les pièces de Shakespeare. Je voulais une distribution importante, mais le budget ne permettait qu’une marionnette correcte. C’est ainsi que l’accent a été mis sur Shakespeare lui-même. » À un moment donné, Purves a même envisagé de faire lire un vers de Shakespeare par de grands acteurs, mais le coût élevé des droits d’auteur a tué cette idée. Qui a dit qu’il était mauvais d’avoir un petit budget ?

Purves a travaillé chez Aardman deux ou trois ans avant de quitter pour démarrer en 1992 sa propre compagnie de production, Bare Boards, avec Glenn Hoberton. « C’était là probablement une des deux erreurs professionnelles que j’aie commises, de ne pas rester chez Aardman, bien que je suis parti pendant une période relativement creuse. Si j’étais resté, je n’aurais peut-être pas réalisé mes propres films, mais j’aurais certainement travaillé à des projets passionnants. » Son autre erreur ? Refuser de travailler sur Gollum pour le Lord of the Rings de Peter Jackson.

Un des premiers projets de Purves pour Bare Boards a été Screen Play (1992). Screen Play est présenté comme une pièce de kabuki japonais.

Une scène tournante repose au milieu du cadre.

Un narrateur y entre et raconte l’histoire d’amants ** interdits qui bravent leurs familles pour être ensemble. La caméra demeure cependant statique, ce qui donne au spectateur l’impression de voir une pièce de théâtre en direct.

Au moment où il semble que la pièce va connaître un dénouement heureux, une hideuse créature masquée fait irruption sur scène, tranche la tête du narrateur et ouvre une autre scène pour prendre les amants en chasse. La scène est inondée de sang

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One of Purves first projects for Bareboards was Screen Play (1992) Screen Play is presented as a Japanese kabuki play. A revolving set sits in the middle of the frame. A narrator enters the scene and tells a tale of forbidden lovers who go against their families to be together. Throughout the tale, moving screens trigger the change in scenes.

The camera, though, remains stagnant, giving the viewer the feeling of be audience members in a live performance.

Just when it looks the story has ended happily, a hideously masked creature breaks through the screen, slices the narrator’s head off and then opens another screen to hunt down the lovers.

Blood and guts flood the screen. The creature kills the male lover before being killed by the woman.

Alone, the woman then takes her own life. In an instant, Purves’ stylish, sexy (the lovers appear nude and make love. Yes, the male puppet even has a penis with pubes) and romantic tale turns into a Quentin Tarantino bloodbath. As the bloodshed unfolds, Purves also switches the audience’s perspective. The camera comes alive and brings the viewer right smack into the action. Our distant, objective distance is shattered as we become participants in the carnage. After everyone is suitably dead, the camera pulls back to reveal another screen, which is further seen as part of a film set and ultimately the camera pulls back to markedup script in a binder. Finally, we see the hand mark a check on the script and close the binder. The film strip flickers into darkness.

With Screen Play, Purves was taking the concept of visual language to another level. “Screen Play,” he says, “became about using as many different forms of visual language as possible, from the coded language of Sign language, to the cultural language of Kabuki.”

As for the stagnant camera, Purves says, “the long sustained shot not only reflects a theatrical story telling it is also about having an adrenalin whilst filming. I like the challenge of such long sustained shots. I don’t really enjoy very short shots where the performance is created through editing. I want to see the performance.”

In the early 1990s, the BBC commissioned a series of animation films that would be based on operas.

The intent was to introduce operas to a more general audience (and perhaps show some folks that animation can indeed be used for mature purposes?). Although the series was largely a failure – most of the films were poorly adapted and animated – Purve’s Rigoletto was, by far, the stand out.

Verdi’s sinister tale of debauchery, murder and a doomed father and daughter is a perfect fit for Purves’ sensibilities. The depth and detail of Purve’s sets and character design captures the dirty, vile decadence of this world and its people.

et d’entrailles. La créature tue l’amant avant d’être elle-même tuée par l’amante, qui, désormais seule, s’enlève la vie. En un instant, le conte élégant, érotique (les amants sont nus et font l’amour; la marionnette mâle a même un pénis avec du poil pubien) et romantique se transforme en un bain de sang à la Quentin Tarantino. À mesure que le sang coule, Purves change aussi le point de vue de l’auditoire.

La caméra prend vie et amène le spectateur au beau milieu de l’action. Notre distance objective est mise en pièces tandis que nous participons au carnage. Quand tout le monde est bel et bien mort, la caméra se retire pour révéler un autre écran, qu’on découvre comme étant une partie de la scène de tournage, puis vers un scénario annoté dans un cahier à anneaux. Enfin, nous voyons une main approuver le scénario et fermer le cahier. La pellicule tremblotte et se fond au noir.

Avec Screen Play, Purves faisait passer le concept de langage visuel au niveau supérieur. « Le propos de Screen Play, » dit-il, « est devenu celui d’utiliser autant de formes différentes de langage visuel que possible, depuis le langage codé des signes jusqu’au langage culturel du kabuki. » Pour ce qui est de la caméra fixe, dit Purves, « non seulement le plan prolongé reflète-t-il une narration théâtrale, mais aussi l’adrénaline du tournage.

J’aime relever le défi que pose ces longs plans soutenus. Les plans très courts où le jeu des personnages est créé par le montage ne me plaisent pas tellement. Je veux voir le jeu des personnages. » Au début des années 1990, la BBC a commandé une série de films d’animation basée sur des opéras. On voulait élargir l’auditoire de l’opéra (et peut-être montrer à certains que l’animation peut être utilisée à des fins plus adultes ?). Bien que la série ait connu dans l’ensemble un échec – la plupart des films ayant été mal adaptés et animés – le Rigoletto de Purves fait exception, et de loin.

Le conte sinistre de débauche et de meurtre, le destin tragique d’un père et de sa fille qu’on trouve chez Verdi convenaient parfaitement à la sensibilité de Purves. La profondeur et le sens du détail que Purves apporte à la conception des décors et des personnages saisissent la décadence vile et sale de cet univers et des gens qui y vivent.

Le jeu de caméra de Purves, qui passe des plans en zoom aux suivis à la Ophuls et aux plans diagonaux à la Batman, suggère un enfer suffocant et opprimant.

Quelque riche que soit ce film, par moments la maîtrise technique semble l’emporter sur l’animation et la narration. Purves admet que, s’il avait l’occasion de refaire Rigoletto, ce serait « moins littéral ».

Pourtant, ce film demeure un des plus populaires de Purves. « Rigoletto obtient encore de grandes réactions, » ajoute Purves, « et semble émouvoir les gens. C’est certainement un film riche et

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SPECIAL SCREENINGS: CONT’D Purves’ camera work, shifting between startling zooms, graceful Ophuls tracking shots, and unsettling tilted “Batman” shots suggests a suffocating, oppressive hell.

As rich as the film is, at times it begins to feel that technique and craft are overshadowing the animation and story. Purves admits that if he had a chance to re-make Rigoletto it would be “less literal.” Yet, the film remains one of Purves’ most popular films. “Rigoletto still gets a huge response,” adds Purves, “and seems to move people.

It is certainly a rich lavish film, and I enjoyed working with such a dark storyline and troubled characters.

In his next film, Achilles (1995), Purves turned to Greek mythology for inspiration. In what has to be the first gay male soft porn puppet film, Purves’ film looks at the repressed passions the war hero carries for Patroclus.

In Greek mythology, the handsome Achilles was the hero of the Trojan (serendipitous pun) War and the great warrior of Homer’s war epic, The Illiad. In Homer’s novel, Patrcolus and Achilles have a deep, intimate relationship. Distraught by Patrcolus’ death (at the hands of the Trojan leader Hector), Achilles goes apeshit, rescinds his vow not to fight in the Trojan War and goes on a rampage that ends with the murder of Hector. Achilles is subsequently killed by Paris.

Purves’ Achilles largely focuses on Achilles’ struggle accepting his love for Patroclus. He rejects Patroclus’ obvious advances – likely out of fear of what his men will think. Later, as he struggles to feelings, he loses himself in a soft porn fantasy where all his desires and passions come to life in a tender, sensual love scene with Patroclus.

Once again, Purves uses no dialogue (except for Derek Jacobi’s narration) and relies solely on body language to express the anguished desires of Achilles. As with Screen Play, Purves places a stage at the centre of the frame (this time a decaying circular stone) for the “actors” to perform their play. This strategy allowed Purves to move away from the abundant sets of Rigoletto, so that the viewer can focus more on the characters and animation. To further separate the two main characters from the rest of the cast, Purves gave them the look of cracked white statues.

Purves remains pleased with Achilles. “Achilles,” he says, “is the film I think I got right. It started out as a film about Orpheo and Eurydice, and related characters who looked where they should not have looked. I wanted to work with a Greek chorus, again using the idea of body language extended to a large group, having large choreographed movement.”

When time constraints limited the amount of work Purves could do, he turned his focus to the inti70

SPECIAL SCREENINGS: CONT’D somptueux, et j’ai aimé travailler sur une histoire aussi sombre et des personnages aussi troublés. » Dans son film suivant, Achilles (1995), Purves s’est inspiré de la mythologie grecque. Dans ce qui deviendra le premier film porno animé avec des marionnettes mettant en scène des homosexuels, Purves étudie les passions réprimées que le héros guerrier éprouve pour Patrocle.

Dans la mythologie grecque, le beau Achille est le héros de la guerre de Troie et le grand guerrier de l’épopée d’Homère, l’Iliade. Dans le roman d’Homère, Patrocle et Achille ont une relation profonde et intime. Perturbé par la mort de Patrocle (aux mains du héros troyen Hector), Achille perd le nord, renie son vœu de ne pas se battre dans la guerre de Troie, et débute un saccage qui se terminera par le meurtre d’Hector. Achille sera ensuite tué par Paris.

L’Achilles de Purves est largement axé sur la bataille intérieure d’Achille pour accepter son amour pour Patrocle. Il rejette les avances évidentes de Patrocle – vraisemblablement par peur de ce que ses hommes pourraient penser. Plus tard, tandis qu’il se débat avec ses émotions, il se laisse aller à une fantaisie porno où tous ses désirs et passions s’animent dans une scène d’amour tendre et sensuelle avec Patrocle.

Encore une fois, Purves n’utilise aucun dialogue (mise à part la narration de Derek Jacobi) et s’appuie seulement sur le langage corporel pour exprimer les désirs angoissés d’Achille. Comme dans Screen Play, Purves place une scène au centre de l’image (cette fois une pierre circulaire en mauvais état) où les « acteurs » jouent. Cette stratégie permet à Purves de s’éloigner des décors somptueux de Rigoletto, afin que le spectateur puisse se concentrer sur les personnages et sur l’animation. Pour accentuer encore la distinction entre les deux personnages principaux et le reste de la distribution, Purves leur donne l’allure de statues blanches craquelées.

Purves demeure satisfait de son Achilles. « Achilles, » dit-il, « est le film que je pense avoir fait comme il faut. Il a eu d’abord pour sujet Orphée et Eurydice, et des personnages qui ont regardé là où ils n’auraient pas dû. Je voulais une œuvre avec un chœur grec, en utilisant encore une fois l’idée du langage corporel, mais étendu à un grand groupe ayant un large mouvement chorégraphié. » Quand des contraintes de temps ont limité la quantité de travail que Purves pouvait y investir, il s’est concentré sur la relation intime entre Achille et Patrocle. « Cela a été un autre défi pour moi. Je voulais faire un film érotique en utilisant des marionnettes, avec des scènes sensuelles qui étaient prises au sérieux. J’essayais de repousser les limites de ce que peuvent faire les marionnettes. » Au milieu des années 1990, Purves a goûté

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mate relationship between Achilles and Patroclus.

“This was another challenge for me. I wanted to make an erotic film using puppets, with sensual scenes that were taken seriously. I was trying to push what puppets can do.”

In the mid-1990s, Purves had a brief taste of Hollywood when he was hired as the Animation Director of Tim Burton’s 1950s’ inspired sci-fi film Mars Attacks!. Under Purves’ direction, elaborates sets were built “We spent months working on bizarre little Martian gestures and ways of moving,” Purves recalled to Wendy Jackson of Animation World Magazine in 1997. “The animation tests were looking good and suitably creepy.” Then Warner Bros decided that it made more sense to use computers. In a flash, nine months of painstaking puppet work was tossed and Purves was out of a job.

“Mars Attacks!” adds Purves, “happened at the time when technology was exploding forth, and seemed, I guess, the more economical way to go, and the computer graphics did things we certainly could not have done. Of course I was sad not to have been involved with the CG Martians, (what fantastic creations they were – when I was involved I was trying to model them on Norma Desmond) and maybe I simply wasn’t good enough, but I don’t think that the film was the death of stop motion as most people feared it might be. I think it was more the start of CG showing what it does best, and thus leading stop motion to show what it does best.”

Purves returned home and began work on a new film. In the vein of Next, Gilbert and Sullivan: The Very Models (1998) features Gilbert and Sullivan starring in an opera about the period after they were introduced by Richard D’Oyly Carte (who is the third character in the film). As D’Oyly Carte sits on his bed, Gilbert and Sullivan play an assortment of male and female roles from their operas.

The film has the feel of a dream. Gilbert and Sullivan are of a ghostly pale (reminiscent of Achilles and Petrolus). The two men spend most of their time squabbling like a pair of children as D’oyly tries to keep them together with promises of fame and fortune. The film follows the relationship of the three men through to Gilbert and Sullivan’s death. Carte dances and falls back on his bed exhausted. The dream (or nightmare) is over.

Gilbert and Sullivan was first and foremost a tribute to two artists that Purves had loved since an early age, “I love the relationship between Gilbert and Sullivan. To call them friends would be generous, but in spite of their coldness, they did work together brilliantly producing such masterpieces.

The glue that kept these two men together was D’Oyly Carte and I was pleased to make a film that acknowledges his contributions to these works.”

Purves was also interested in the conflict between doing commercial and personal work. Swayed by their fame and fortune, the duo were content to

brièvement au monde hollywoodien quand il a été embauché par Tim Burton comme chef de l’animation pour le film Mars Attacks!, inspiré de la science-fiction des années 1950. Sous la direction de Purves, des décors élaborés ont été construits. « Nous avons passé des mois à travailler sur de bizarres petits gestes et modes de déplacement des Martiens, » se rappelle Purves dans l’article de Wendy Jackson dans le magazine Animation World en 1997. « Les tests d’animation avaient de l’allure et étaient convenablement apeurants. » Puis, la société Warner Bros a décidé qu’il était plus sensé d’utiliser des ordinateurs. En criant lapin, neuf mois de travail éreintant ont été jetés à la poubelle et Purves s’est retrouvé sans emploi. « Mars Attacks! », ajoute Purves, « est survenu à un moment où la technologie connaissait des avancées explosives, et semblait la voie la plus économique. Les graphiques d’ordinateur ont fait des choses que nous n’aurions certainement pas pu faire. Bien sûr, il était triste de ne pas participer à la création des Martiens informatisés (quelles créations fantastiques ils ont été – quand j’y participais, j’essayais de les modeler d’après Norma Desmond), et peut-être que je n’étais tout simplement pas assez bon, mais je ne pense pas que ce film ait signé l’arrêt de mort de l’animation par arrêt de mouvement, comme plusieurs l’ont craint. Je pense que cela a plutôt été la première démonstration de ce que l’infographie peut faire de mieux, ce qui, par ricochet, a mené l’arrêt de mouvement à montrer ce qu’il peut faire de mieux. » Purves retourne chez lui et commence à travailler à un nouveau film. Dans la veine de Next, Gilbert and Sullivan: The Very Models (1998) met en vedette Gilbert et Sullivan dans un opéra portant sur la période après que Richard D’Oyly Carte (le 3e personnage du film) les ait présentés l’un à l’autre. Tandis que D’Oyly Carte est assis sur son lit, Gilbert et Sullivan jouent divers rôles d’hommes et de femmes tirés de leurs opéras. Le film donne une impression de rêve. Gilbert et Sullivan sont pâles comme des fantômes (ce qui rappelle Achille et Patrocle). Les deux hommes passent le plus clair de leur temps à se disputer comme des enfants tandis que D’Oyly Carte tente d’éviter leur rupture avec des promesses de gloire et de fortune. Le film suit la relation des trois hommes jusqu’à la mort de Gilbert et Sullivan. D’Oyly Carte danse et tombe épuisé sur son lit. Le rêve (ou cauchemar) est terminé.

Gilbert and Sullivan a été d’abord et surtout un hommage à deux artistes que Purves aimait depuis l’enfance. « J’aimais la relation entre Gilbert et Sullivan. Il serait trop fort de les appeler des amis, mais, en dépit de la froideur qu’ils exprimaient l’un pour l’autre, ils ont brillamment collaboré à la production de chefs-d’œuvre. D’Oyly Carte était la colle qui les unissait, et j’ai eu plaisir à faire un film qui reconnaît ses contributions à ces œuvres. » Purves s’intéressait aussi au conflit entre les œuvres personnelles et les œuvres de commande. Emporté

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SPECIAL SCREENINGS: CONT’D keep churning our popular commercial fare rather than explore more risk-taking and personal works.

By this time in his career, Purves knew first hand about these struggles. He had the aborted experience with Mars Attacks and it was becoming clear that Channel 4 (who almost single-handedly gave birth to and maintained a thriving independent animation scene in England in the 1980s and 1990s) would no longer be funding short form animation.

In fact, Gilbert and Sullivan remains Purves’ last independent film.

As successful and acclaimed as Purves’ films have been, there have been people in the animation world who have criticized his work for being too theatrical. “I find it odd that my work is criticised for being theatrical,” says Purves. “I really don’t feel comfortable seeing animation in a bubble isolated from the other arts. Like opera, ballet, and theatre it’s a medium that revels in its very falseness. It works best when we are aware of the medium. As we watch a dancer making beautiful shapes and movements, we are also aware of how she is pushing her body over perceived limits and defying gravity, so I think animation works well when we see the technique. I really am so allergic to the literal, and don’t see the point. I don’t see the point of animation when we try to copy real life.

Ironically, this has been another criticism of Purves’ work. Some have criticized his work has being too realistic. Why spend so much time creating realistic looking puppets when you could just work with humans?

“I come on very defensive when I hear this criticism,” admits Purves. “My films are not in any way realistic. Two Greek statues having sex in a spotlight on a stone arena watched by a chorus of masked figures is hardly realistic, BUT it is credible and that is the difference. The movement of the puppets of Achilles is hardly realistic but borders on choreography. The movement in my films may be smooth, sometimes at least, and that’s what people may confuse with realism, but realistic it is not, no more than a dancer or an actor on a stage.

Or maybe it is the assumption that because I use human based characters then they are realistic, but actually Shakespeare is not very realistic, proportionally certainly, and Gilbert and Sullivan are total caricature.”

Purves has only made one more film since Gilbert and Sullivan, the children’s TV special, Hamilton Mattress about an Aardvark drummer who hopes to make it the big city. Purves did not write the special, and while it seems miles away from his personal films, he was pleased with the experience. “Hamilton Mattress was practically the last of the big TV specials to be commissioned before the broadcasters lost enthusiasm for animation, and it was an absolute joy to work with a great 72

SPECIAL SCREENINGS: CONT’D par la gloire et la fortune, le duo était heureux de continuer à produire des œuvres commerciales populaires plutôt que de prendre des risques à explorer des voies plus personnelles. À ce moment de sa carrière, Purves avait une expérience de première main de ces combats. Il avait connu l’expérience avortée de Mars Attacks et il devenait clair que Channel 4 (qui, presque à lui tout seul, a créé et maintenu une scène d’animation indépendante en Angleterre dans les années 1980 et 1990) ne financerait plus de courts-métrages d’animation.

En fait, Gilbert and Sullivan demeure le dernier film indépendant de Purves.

Bien que les films de Purves aient connu le succès et aient été acclamés, certaines personnes du monde de l’animation ont critiqué l’aspect trop théâtral de son œuvre. « Je trouve curieux que mon œuvre soit critiquée pour sa théâtralité, » dit Purves. « Voir l’animation comme séparée des autres arts me met mal à l’aise. Comme l’opéra, le ballet et le théâtre, c’est un média qui se délecte de sa fausseté même. L’animation donne les meilleurs résultats quand nous sommes conscients du média.

En même temps que nous voyons une danseuse faire de belles formes et de beaux mouvements, nous sommes conscients qu’elle pousse son corps au-delà des limites perçues et qu’elle défie la gravité. Je pense donc que l’animation donne les meilleurs résultats quand nous voyons la technique.

Je suis tellement allergique au littéral, je n’en saisis vraiment pas pourquoi on en ferait. Je pense que l’animation est inutile si elle essaie de copier la vie réelle. » Ironiquement, certains ont reproché aux œuvres de Purves d’être trop réalistes. Pourquoi passer tant de temps à créer des marionnettes si réalistes quand il suffirait de travailler avec des humains ? « Je passe sur la défensive quand j’entends cette critique, » admet Purves. « Mes films ne sont aucunement réalistes. Deux statues grecques qui ont des rapports sexuels sous le feu des projecteurs dans une arène de pierre, et sous les yeux d’un chœur de personnages masqués, peut difficilement être considéré comme réaliste, MAIS c’est plausible : voilà la différence. Le mouvement des marionnettes d’Achilles a peu à voir avec la réalité, mais il confine à la chorégraphie. Le mouvement de mes films peut être fluide, parfois à tout le moins, et voilà ce que les gens prennent à tort pour du réalisme. Mais le mouvement de mes marionnettes n’est pas réaliste, pas plus que ne l’est un danseur ou un comédien sur scène. Ou bien on suppose que mes personnages sont réalistes parce qu’ils sont basés sur des êtres humains, mais en fait Shakespeare n’est pas très réaliste, certainement à en juger par les proportions, et Gilbert et Sullivan sont une caricature totale. »

budget, and a fantastically creative crew.”

A common theme that runs through Purves’ films is a sense of failure and disappointment. None of his characters gets what they desire. These days, Purves finds himself in a similar situation. “I fear I am actually no nearer to getting a film made than I was a few years ago. It does scare me that I’m going to spend the rest of my career talking about animation rather than being a practitioner.” Without the funding necessary to make more independent shorts, he has taken on Television work like Rupert the Bear and designed a Christmas show.

“Funders seem happier to give what limited funds there are to first time animators – and why not, as what a great break that is, but it is sad to see something for which there clearly is an appreciative audience not being exploited. I do worry what will happen to all these animators we are so busy training.”

You would think that being internationally renowned as one of the masters of animation, Purves’ would have no trouble finding funding.

“Isn’t that odd? I really don’t see myself as being terribly successful, as I have certainly not got to the stage where my name or my work might give a script any credibility. And certainly financially my career definitely can’t be viewed as successful. Thirty years of filmmaking doesn’t open any special funding doors. But I do recognise that I’ve done a decent variety of work and some of it still holds up well today, and that most importantly to me, most of it has been quite unique and hopefully, quite classy and with a certain integrity.”

Samuel Beckett’s line, “I can’t go on, I’ll go on,” might best describe indie animators like Purves.

No matter how dour things become, they somehow find a way to keep on. This almost belligerent determination emanates from a deep-seeded passion that animators absorb from their art. “The joy of touching a puppet will never diminish,” says Purves. “I’m thrilled to have had the chance to make films that possibly were different. I’ve been told again and again that I am too idiosyncratic. I sort of take that as a compliment.”

pas écrit cette émission spéciale, mais l’expérience lui a plu, bien que le sujet semble très éloigné de ceux de ses films personnels. « Hamilton Mattress a quasiment été la dernière des grandes émissions spéciales commandées par les diffuseurs avant qu’ils se désintéressent de l’animation. Ç’a été une joie absolue de travailler avec un grand budget et une équipe à la créativité fantastique. » Les thèmes de l’échec et de la déception reviennent dans tous les films de Purves. Aucun de ses personnages n’obtient ce qu’il désire. En ce moment, Purves lui-même vit cette situation. « Je crains ne pas être plus près de faire faire un film que je ne l’étais il y a quelques années. La perspective de passer le reste de ma carrière à parler d’animation plutôt que d’en faire m’effraie. » Sans le financement nécessaire pour faire d’autres courts-métrages indépendants, il a accepté du travail pour la télévision, comme Rupert the Bear, et conçu un spectacle de Noël. « Ceux qui financent semblent plus heureux de donner le peu de fonds qu’il y a à de nouveaux venus – et pourquoi pas, puisque c’est une occasion formidable –, mais il est triste de voir quelque chose pour lequel il y a de toute évidence un auditoire appréciatif demeurer non exploité. Je m’inquiète de ce qui arrivera à tous ces animateurs que nous sommes si occupés à former. » On pourrait penser que la réputation internationale de Purves comme un des maîtres de l’animation lui donnerait un accès facile à du financement. « C’est étrange, n’est-ce pas ? Je ne me vois pas comme ayant connu de grands succès, et je ne suis certainement pas arrivé à l’étape où mon nom ou mon œuvre pourrait donner de la crédibilité à un scénario. Et certainement, sur le plan financier, ma carrière ne peut être considérée comme un succès. Trente ans de réalisation cinématographique n’ouvrent aucune porte particulière pour le financement. Mais je reconnais que j’ai fait une gamme décente d’œuvres, dont certaines se défendent encore bien aujourd’hui. Et ce qui est le plus important pour moi, c’est que la plupart de ces œuvres étaient assez uniques et assez élégantes, du moins je l’espère, et qu’elles ont été créées avec une certaine intégrité. » La phrase de Samuel Beckett, « Je n’en peux plus, je continue, » est peut-être la meilleure description qu’on puisse donner des animateurs indépendants comme Purves. Quelque grave que la situation soit devenue, ils trouvent le moyen de poursuivre. Cette détermination presque belligérante émane d’une passion profonde, que les animateurs absorbent de leur art. « La joie de manipuler une marionnette ne diminuera jamais, » dit Purves. « Je suis très heureux d’avoir eu l’occasion de faire des films possiblement différents. On m’a dit encore et encore que je suis trop original. Je le prends un peu comme un compliment. »

Purves n’a fait qu’un film depuis Gilbert and Sullivan, le spécial télé pour enfants Hamilton Mattress, qui traite d’un batteur d’Aarvark qui espère connaître le succès dans la métropole. Purves n’a

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SPECIAL SCREENINGS: CONT’D

SPECIAL SCREENINGS: CONT’D WE NEED THE EGGS: COMEDIANS AND ANIMATION Thursday, September 20, 9:15pm (Empire Rideau) Friday, September 21, 11:30 pm, (Arts Court Theatre) Saturday, September 22, 9:15 pm, (Arts Court Theatre) Sunday, September 23, 3:00 pm, National Gallery Jeudi 20 septembre, 21h15 (Empire Rideau) Vendredi 21 septembre, 11h30 (Cour des Arts – théâtre) Samedi 22 septembre, 21h15 (Cour des Arts – théâtre Dimanche 23 septembre, 15h00 (Musée des beaux-arts)

LOUIS CK CARTOON (2007)

BILL BURR: EQUAL RIGHTS (2004)

AARON AUGENBLICK | USA | 2:05 | DIGITAL

AARON AUGENBLICK | USA | 2:00 | DIGITAL

BOB AND MARGARET: A NIGHT IN (EXCERPT) (1998)

CHELSEA PERETTI - MOM AT THE MOVIES (2004)

JAMIE WHITNEY, DAVID FINE, ALISON SNOWDEN CANADA | 1:52 | DIGITAL

AARON AUGENBLICK | USA | 1:14 | DIGITAL

THE GREAT COGNITO (1982)

STAND UP (2008) JOSEPH PIERCE | USA | 7:00 | DIGITAL

WILL VINTON | USA | 4:03 | DIGITAL

GEORGE CARLIN: DRAWING ON MY MIND (1984)

DR. KATZ, PROFESSIONAL THERAPIST: WISDOM TEETH (1999) TOM SNYDER | USA | 21:49 | DIGITAL

BOB KURTZ | USA | 5:00 | DIGITAL

CONFESSIONS OF A STAND UP COMIC (1993)

CHRISTMAS SHOES (2009) BRIAN MUSIKOFF | USA | 7:49 | DIGITAL

JOHN CANEMAKER | USA | 9:00 | DIGITAL

WE NEED THE EGGS: COMEDIANS AND ANIMATION OÙ SONT LES ŒUFS ? LES COMIQUES ET L’ANIMATION

THE CRITIC (1963)

THANK YOU MASK MAN (1971) JEFF HALE | USA | 8:00 | DIGITAL

ERNEST PINTOFF | USA | 3:00 | DIGITAL

By / Par Chris Robinson

MIKE BIRBIGLIA: GAY CATS (2004)

THE DEAD COMIC (2007) JOHN SCHNALL | USA | 7:02 | DIGITAL

AARON AUGENBLICK | USA | 1:00 | DIGITAL

To be a real philosopher, one must be able to laugh at philosophy.

Se moquer de la philosophie, c’est vraiment philosopher.

BLAISE PASCAL

BLAISE PASCAL

No comedian is on stage to make people laugh.

You’re on stage because you’re damaged and you need love from strangers.

DANA GOULD

Aucun comédien n’est sur scène pour faire rire des spectateurs. Vous êtes sur scène parce que vous êtes abîmé et que vous avez besoin que des étrangers vous aiment.

DANA GOULD

The best comedy comes from the losses, not the wins, in your life.

DAVE ATTELL

“You should smile more.”

Début des années 1990. Montréal. Je marche. Une femme passe.

Pause.

« Vous devriez sourire plus. »

“What? Why?”

Pause.

“Why not!? Isn’t it better to smile through life?”

« Hein ? Pourquoi ? »

Inside I rolled my eyes. Outside I feigned agreement.

« Pourquoi pas !? Ne vaut-il pas mieux vivre sa vie en souriant ? »

Figured it would get me into her pants.

Au-dedans de moi, je la trouvais bête. À l’extérieur, j’ai feint d’être d’accord.

Didn’t.

J’imaginais que cela pouvait m’amener dans son lit.

Frown.

Motte.

I didn’t smile again until I got ball cancer.

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Froncement de sourcils.

Not Really My Pops was a Brit.

Je n’ai plus souri jusqu’à ce que j’aie le cancer des couilles.

He loved comedy, especially the crude stuff.

Enfant, je riais beaucoup.

Sunday was comedy day.

Pas vraiment, mon père était britannique.

La meilleure comédie vient des pertes, et non des gains, de la vie.

DAVE ATTELL

Early 1990s. Montreal. Walking. Woman strolls by.

As a kid I laughed a lot.

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Mornings we listened to Dr. Demento.

Il aimait la comédie, en particulier les trucs crus.

Evenings we watched Monty Python (I’d also seen Holy Grail).

Dimanche était le jour de la comédie.

I was pretty young. Maybe 7 or 8.

Le matin, nous écoutions Dr. Demento.

I had no idea what was going on in Python shows except that it was really silly, funny, and the animation parts caused me laughfarts (a rare condition wherein intense laughter stimulates a series of short, rapid farts).

Le soir, nous regardions Monty Python (j’ai aussi vu le Saint Graal).

Derek and Clive, Steve Martin, Richard Pryor, Eddie Murphy, SNL. Then I heard George Carlin’s “Seven Words You Can Never Say on Television” at age 10.

Shit Piss

J’étais assez jeune, peut-être 7 ou 8 ans.

Je n’avais aucune idée de ce qui se passait dans les films de Monty Python, seulement que c’était idiot, drôle, et que les parties animées me faisaient péter à force de rire (condition rare dans laquelle un rire intense provoque une série de petits pets rapides).

Derek et Clive, Steve Martin, Richard Pryor, Eddie Murphy, Saturday Night Live.

Puis, à l’âge de 10 ans, j’ai entendu « Les sept mots à ne jamais prononcer à la télé » de George Carlin.

Fuck OIAF 2012 FESTIVAL READER / FIAO 2012 LECTEUR DU FESTIVAL

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SPECIAL SCREENINGS: CONT’D

SPECIAL SCREENINGS: CONT’D

Cunt

Merde

Cocksucker

Pisse

Motherfucker

Baise

Tits

Touffe

Mindblowing.

Suce

I made certain that adults, peers, and authority figures were aware that I was armed with this seven-word arsenal.

Cul

“Hey Dad, you’re a tit shit!”

Une révélation.

“Mr. Wilson, you’re a shitfucker.”

Didn’t go over too well.

Je me suis assuré que les adultes, mes pairs et les figures d’autorité sachent bien que j’étais armé de cet arsenal de sept mots.

I tasted mom’s new soap bars often.

« Hé, p’pa, t’es une merde ! »

Also got to know the principal quite well.

« Baise mon cul, monsieur Wilson. »

A very nice man.

Ça n’a pas trop bien passé.

He threw chalk at me and kept me late a lot.

J’ai souvent goûté aux nouvelles barres de savon de maman.

Nichons

I think he was a pedophile.

Je suis aussi devenu intime avec le principal.

He’s dead now.

Un très chic type.

I hope.

At 15, a friend and I had rented a vhs tape (I think it was vhs) of Richard Pryor’s concert film, Live on The Sunset Strip. Two years earlier, in 1980, Pryor made the headlines for snorting cocaine, lighting himself on fire and running aflame down the street. During the show Pryor joked openly about this harrowing moment before concluding the piece by lighting a match and saying, “What’s that? Richard Pryor running down the street.” The audience ROARED with laughter.

Holy fuck! I remember the shock as I watched this bit. He’s making fun of this horrible moment. The guy almost died and here he is telling jokes about it…and shit… people are laughing!! I had a small sack of shit for a brain at 15 (it’s an inch bigger today, 30 years later) so I couldn’t articulate what it all meant. I just thought it was cool. Everything could be laughed at and joked about. I don’t think I fully understood this joke until I faced some traumas of my own years later.

Being exposed to comedy was like having an allaccess pass to a secret room in the adult world (well... that, along with the 70s hard core mags filled with hairy bushes and scar-faced women that Not Really My Pops stored under his bed and the liquor bottles left unlocked in the living room cabinet). Wow...this is what goes on!?!?!?

And they called us kids naughty!

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Il me lançait des craies et il me flanquait plein de retenues.

Je pense qu’il était pédé.

Il est mort maintenant.

J’espère.

L’année de mes 15 ans, un ami et moi avons loué un ruban VHS (je pense que c’était en VHS) du film de Richard Pryor en spectacle, Live on The Sunset Strip.

Deux ans plus tôt, en 1980, Pryor avait fait la une pour avoir reniflé de la coke, s’être mis le feu et avoir couru en flammes dans la rue. Pendant le spectacle, Pryor s’est moqué de ce moment atroce, puis a conclu le segment en allumant une allumette et en disant : « C’est quoi, ça ? C’est Richard Pryor qui court dans la rue. » Les spectateurs ont EXPLOSÉ de rire.

Sainte baise ! Je me souviens du choc que ça m’a fait de regarder cette partie. Le type en est presque mort, et le voilà qui tourne ça en blague… et m… les gens rient ! À 15 ans, j’avais un petit sac de merde comme cerveau (il s’est agrandi d’un pouce depuis, en 30 ans), alors je ne pouvais pas articuler tout ce que cela voulait dire. J’ai seulement pensé que c’était cool. On pouvait rire et blaguer de tout. Je ne crois pas avoir compris tout le sens de cette blague avant d’avoir vécu moi-même des traumatismes plusieurs années plus tard. Être exposé à de la comédie, c’était comme avoir le

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Carlin, Pryor, Python and early SNL showed me a different world; one that could be ridiculed and scorned, laughed at and farted at or simply told to get fucked.

No one, no thing should be taken seriously.

I took that lesson seriously.

Comedians were, and are, the real teachers, social critics and philosophers (hell, many young people get their news today from two newshows parodies, The Daily Show and The Colbert Report.

Comedy performances are among the few places where we can hear ugly, uncomfortable truths about ourselves, our culture, society, and the world we live in.

passe-partout d’une pièce secrète dans le monde des adultes (eh bien... ça, oui, et puis les magazines de fesses des années 1970 remplis de touffes et de femmes balafrées que Pas-Vraiment-Mon-Papa cachait sous son lit, et les bouteilles de « fort » dans le cabinet du salon laissé déverrouillé). Hou là…. c’est ça, qui se passe!?!?!?

Et ils nous traitaient, nous, de polissons !

Carlin, Pryor, Python et le premier Saturday Night Live m’ont montré un monde différent, un monde qu’on pouvait tourner en ridicule et en dérision, dont on pouvait rire, à qui on pouvait faire des pets ou qu’on pouvait tout simplement envoyer se faire foutre.

Rien ni personne ne devrait être pris au sérieux.

Today, Louis CK (who appears in this programme courtesy of Aaron Augenblick) is the heir to Carlin.

Whether it’s his blunt complaints about his kids or his savage attacks on how idiotic today’s technologically-spoiled generation has become, Louis CK speaks our silences. And when we hear him ridiculing his young daughters, calling them asswipes etc, we laugh because we are thinking the same damn thing. It’s not that we don’t love our kids. Of course we do. But Louis shows us that we are allowed to have a fucking laugh sometimes... release some of the tension by admitting that there are times we’d like to tell the kids what asses they can be. When my wife and I separated last year, I ended up showing our eldest son episodes of CK’s TV show Louie because he deals with the theme of divorce in a down to earth, thoughtful, and extremely funny manner. My ex had signed out some ‘Kids and Divorce’ educational dvd from the library but later said it was a piece of chicken poop. Our son learned more from Louis CK about divorce. What Louis made clear was that divorce doesn’t have to be this big secretive and harrowing ordeal. Hell, divorce parties appear to be the ‘in’ thing nowadays. CK’s “everyman” comedy pricks holes in assumed truths that we’ve inherited from earlier generations. By laughing and mocking them, he shows us that these so-called ‘truths’ are nothing more than myths. They need not be so precious and intransigent. We are the makers and breakers of society’s codes and morals. Like fashion, many of our so-called truths are ephemeral and subject to change.

I’ve never completely lost touch with comedy per se, but it wasn’t until OIAF 10 that I remembered and realized just how important comedy has been in my life. Joel Frenzer and Alan Foreman were at the festival interviewing attendees for an animation podcast. When I sat down for my interview I fully expected a typical, straightforward thing.

What I got was ...well ...it was just fucking awesome. I quickly realized that we were going on some non-linear improvised thrill ride. I came away from that interview drunk. I’d just written a column for a weekly newspaper about comedians’ bios, and it suddenly became clear to me that the

J’ai pris cette leçon au sérieux.

Les comiques ont été et sont encore les véritables enseignants, critiques sociaux et philosophes (parbleu, beaucoup de jeunes s’informent aujourd’hui en écoutant deux parodies de bulletins de nouvelles, The Daily Show et The Colbert Report). Les spectacles de comédie sont parmi les rares endroits où on peut entendre des vérités désagréables ou grinçantes au sujet de nous, de notre culture, de notre société et du monde où nous vivons.

De nos jours, l’héritier de Carlin, c’est Louis CK (nous remercions Aaron Argenblick d’avoir gracieusement permis à CK de participer à notre programme). Que ce soit ses plaintes crues à propos des enfants ou ses attaques sauvages contre la stupidité d’une génération contemporaine abêtie par la technologie, Louis CK dit nos silences. Et quand nous l’entendons tourner ses filles en ridicule, en les traitant de papier-cul, etc., nous rions parce que nous pensons pareil. Bien sûr, nous aimons nos enfants. Mais Louis nous montre que nous pouvons nous permettre de rire d’eux de temps en temps…. de libérer un peu de la tension en admettant qu’il y a des fois où nous aimerions dire aux enfants à quel point ils sont cons.

Quand mon épouse et moi nous sommes séparés l’an dernier, j’ai fini par montrer à notre aîné des épisodes de l’émission télé Louie de CK parce qu’il traite du thème du divorce d’une façon terre-à-terre, réfléchie et extrêmement drôle. Mon ex avait emprunté à la bibliothèque un DVD éducatif sur « les enfants et le divorce », mais elle a dit plus tard que ça valait de la crotte de poule. Notre fils en a appris plus sur le divorce en écoutant Louis CK. Ce que Louis rendait clair, c’est qu’il n’était pas nécessaire de faire du divorce un gros obstacle atroce plein de secrets.

Parbleu, les soirées de divorce ont l’air « in » de nos jours. La comédie pour « Monsieur Tout-le-Monde » de CK crible de trous ce que nous pensons être des vérités, mais que nous avons en fait héritées des générations qui nous ont précédé.

En en riant et en s’en moquant, il nous montre que ces soi-disant « vérités » ne sont que des « mythes ».

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SPECIAL SCREENINGS: CONT’D world of comedy had always had a huge impact on my life, writing, and programming.

When a cancer diagnosis followed a few months afterwards, I dove head first into comedy histories, memoirs, cds, podcasts, concerts etc. I was somewhat surprised to find that a majority of comedians were dark, troubled people. Reading a steady amount of stories about addictions, mental illnesses and crappy childhoods, I felt a connection. This was a world I understood only too well.

I frequently relied on humour to get through the muck whether it was dealing with loss and grief (looking at my grandfather’s freshly dead body, I laughed at his nose hairs and admired his full head of hair... when my best friend died, I brought a cowbell up with me during the eulogy so I could remember what an ass he was sometimes), my own addiction and mood issues, or cancer. I had ball cancer. How the fuck can you NOT laugh at that? My balls? Really?! That’s how I’m going to die? Well... umm... yeah... that is pretty funny.

“Having to overcome unhappiness,” says comedian Billy Connolly, “ gives you a desire to manifest happiness just to get above your own darkness – even if it means involving people you don’t know.”

That doesn’t mean ‘don’t worry, be happy.”

Do worry, but laugh your ass off.

Especially at my funeral.

SPECIAL SCREENINGS: CONT’D Pas besoin de prendre de si grands airs et d’être si intransigeants. Nous faisons et cassons les codes et la morale de la société. Comme la mode, beaucoup de nos soi-disant vérités sont éphémères et sujettes à changement.

Je n’ai jamais complètement perdu contact avec la comédie, mais ce n’est qu’avec le FIAO 2010 que je m’en suis souvenu et que j’ai pris conscience de son importance dans ma vie. Joel Frenzer et Alan Foreman étaient au festival à interviewer des participants à une balado-diffusion sur le cinéma d’animation.

Quand je me suis assis pour mon entrevue, je m’attendais au truc habituel, direct. Ce que j’ai eu…. eh bien…. ç’a été extraordinaire en titi. Je me suis vite rendu compte que nous étions embarqués sur des montagnes russes non linéaires improvisées. Je suis sorti saoul de cette entrevue. Je venais d’achever pour un hebdomadaire un article sur des biographies de comiques, et j’ai soudain vu clairement l’immense influence que le monde de la comédie avait toujours eu sur ma vie, mon écriture et ma programmation.

Quand un diagnostic de cancer a suivi quelques mois plus tard, j’ai plongé tête première dans des histoires de la comédie, des mémoires de comiques, des CD, des balado-diffusions, des concerts, etc. J’ai été quelque peu surpris de découvrir que les comiques sont pour la plupart des gens ténébreux et troublés. À force de lire des histoires de toxicomanies, de maladies mentales et d’enfances malheureuses, j’ai senti une connexion. Je ne comprenais que trop bien ce monde-là. Je me suis fréquemment appuyé sur l’humour pour traverser des moments difficiles, qu’il s’agisse de pertes ou de deuils (quand j’ai regardé le corps fraîchement décédé de mon grand-père, j’ai ri des poils dans son nez et admiré sa crinière... Quand mon meilleur ami est mort, j’ai apporté une cloche à vache à l’eulogie pour me rappeler à quel point il pouvait être con parfois), de mes propres problèmes de toxicomanie et d’humeurs, ou le cancer. J’avais le cancer des testicules. M..., comment NE PAS en rire ?

Mes testicules ? Vraiment ?! C’est comme ça que je vais crever ? Eh ben…. hum…. ouais…. c’est plutôt drôle. « Je ne pense pas qu’on naisse avec, » dit Billy Connolly dans le livre Sandistas. « Je pense que c’est un concours de circonstances – certaines plus difficiles que d’autres. Devoir surmonter un malheur vous donne envie de manifester du bonheur simplement pour surmonter votre propre côté ténébreux – même si cela veut dire embarquer des gens que vous ne connaissez pas. » Cela ne veut pas dire : « T’inquiète pas, sois heureux. » Inquiète-toi, mais ris à en péter.

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INTERSECTIONS: EXPERIMENTAL ANIMATION IN THE THIRD DIMENSION INTERSECTIONS : L’ANIMATION EXPÉRIMENTALE EN 3D By / Par Keltie Duncan Can something imaginary be considered realistic?

Can something be believable if it doesn’t actually exist? Computer-synthesized visuals are realistic and yet are complete fantasy. Featuring works of animators working specifically in this grey zone, the films of Intersections draw attention to the smallest details found in our world: to texture, to surface, and to the simple movements of everyday objects and organisms. By imagining movements, textures and environments using 3D animation techniques, but within the traditions of experimental filmmaking, the films in Intersections invite passive reflection on our lived reality rather than the active pursuit of it.

The aim of this programme is to point to areas of differentiation between the real and the realistic, and to likewise identify points of intersection between animation art and industry as well as analog and digital filmmaking techniques. These points of convergence highlight the exciting potential found in the increasingly creative conversations between these often conflicting worlds.

Peut-on considérer qu’un objet imaginaire est réaliste ?

Peut-on croire en quelque chose qui n’existe pas ?

Les images synthétisées par ordinateur sont réalistes, et pourtant elles relèvent de la plus totale fantaisie.

Regroupant des films d’animateurs travaillant spécifiquement dans cette zone grise, Intersections attire l’attention sur les plus petits détails de notre monde : la texture, la surface et les mouvements simples des objets et organismes quotidiens. En imaginant ces mouvements, textures et milieux à l’aide de techniques d’animation 3D tout en respectant les traditions du cinéma expérimental, les films d’Intersections vous invitent à une réflexion passive sur notre vécu plutôt qu’à une quête active de ce vécu.

Ce programme a pour but de montrer des zones de différenciation entre le réel et le réaliste, et de trouver des recoupements entre l’art et l’industrie de l’animation de même qu’entre les techniques de réalisation analogiques et numériques. Ces points de convergence soulignent le potentiel passionnant des conversations de plus en plus créatives entre ces deux mondes souvent en conflit.

Experiment!

Expérimentez !

Many animators at their earliest stages begin by simply experimenting and creating, developing a feel for working with the medium of motion and gaining footing in the art of movement. For some, this remains the crux of their practice and any steps taken during experimentation lay the foundation for an experimental animation canon. For others, the skills that grow out of this period of play are applied to much larger commercial projects, such as televi-

À leurs débuts, plusieurs animateurs commencent simplement en expérimentant, en se familiarisant avec l’art du mouvement et en assimilant ses fondements.

Pour certains, cela reste l’essentiel de leur pratique, et toutes les étapes franchies pendant la période d’expérimentation posent le fondement d’un standard de l’animation expérimentale. D’autres appliquent les habiletés acquises pendant cette période de jeu à des

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SPECIAL SCREENINGS: CONT’D sion or feature film. Intersections blurs the divide between animation art and industry, pushing the point at which visual art diverges from commercial art much further along in the creative process.

3D computer animation, though known more for its commercial popularity and success, has a strong presence in the experimental animation milieu.

Intersections showcases notable and creative uses of 3D that explore and push boundaries of the medium outside of common applications, especially as a means to simulate accurately or recreate reality; whether that means creating a believable but imagined object, or photorealistic representations of familiar ones.

Through unconventional combinations, new and unexpected results can emerge from within commercially familiar ground and redefine where the edge lies in “cutting edge.” Such experiments can then feed back into the mainstream and influence others painting with the same artistic “brush,” regardless of the intended audience. An example is Larry Cuba, whose personal experiments prior to Calculated Movements (1985) led to his innovative work in Star Wars Episode IV: A New Hope (Lucas, 1977).

Technical Innovation Experimental film and animation, as in any mode of experimentation, takes a specific aspect of a medium or technique - for example the zoom in live action films or the loop in animation - and pushes its boundaries to their fullest potential by focusing solely on that one technique and thus limiting the film to one specific exercise. Such explorations by independent artists, including those who work on larger budget productions, set new limits within which the mainstream can exist by using the techniques and innovations discovered at play to bring new qualities to many subsequent applications of the technique or medium.

The films in Intersections include uses of 3D digital that intersect with 2D analog, of abstract filmmaking traditions that intersect with more commercial applications, and of instances of familiar movements intersecting with unfamiliar objects. I am drawn to works in which the presence of the artist’s hand is perceptible, regardless of technique. The digital image is still being explored and honed as an artistic tool and my preference leans toward those uses that acknowledge its limitations. I believe this involves dialing back slightly on the expectations laid upon its shoulders to be “realistic” and instead embracing the medium for exactly what it is: another medium of creative simulation. Isn’t that why all animation is so special?

Life Versus Reality In its early uses, 3D computer animation was celebrated for its attempts to reproduce “life” as accurately as possible. As the software and technicians improved over time, the goal became for each 80

SPECIAL SCREENINGS: CONT’D projets commerciaux beaucoup plus vastes, tels un film pour la télévision ou un long métrage. Intersections brouille la frontière entre l’art et l’industrie de l’animation et repousse beaucoup plus loin dans le processus créateur la ligne où l’art visuel diverge de l’art commercial.

subsequent use of the technique to out-do the last, and to ultimately expose the truth that, in fact, each previous attempt had yet to meet expectations. This cycle persists to this day, and without this need to improve, there would be no progress.

Bien que l’animation en 3D à l’ordinateur soit mieux connue à cause de sa popularité et de ses succès dans le milieu commercial, elle est aussi très présente dans le milieu de l’animation expérimentale. Intersections montre des utilisations remarquables et créatrices de la 3D qui explorent et repoussent les frontières du média loin des applications communes, en particulier comme moyen de simuler ou recréer exactement la réalité, qu’il s’agisse de la création d’un objet vraisemblable mais imaginé, ou de représentations photo-réalistes d’objets familiers.

“The real world” is most accurately captured through photographic means, but “life” is something else altogether. In the case of Intersections, one such instance of “life” is that of believable motion represented within imaginary, digital environments. Life is a quality, an essence, and can be simulated and portrayed through the creation of movement. Any animation technique has the ability to create the illusion of “life,” but the trouble lies in trying to create the illusion of reality.

En employant des combinaisons non conventionnelles, on peut faire émerger des résultats nouveaux et inattendus de territoires connus en animation commerciale et ainsi repositionner la pointe de la « fine pointe ». De telles expériences peuvent alors avoir une rétroaction sur le courant principal et influencer d’autres artistes qui peignent avec le même « pinceau » artistique, sans égard à l’auditoire visé. Prenons pour exemple Larry Cuba, dont les études qu’il avait menées avant Calculated Movements (1985) ont abouti à son travail innovateur dans Star Wars Episode IV: A New Hope (Lucas, 1977).

These films, each in their own way, embrace “life” in this sense of the word – that is, they acknowledge the imperfection and impossibility of accurately recreating reality by creating something uniquely specific to the art of computer simulation. This is done intentionally, as a conscious aesthetic choice, and treating the inherent visual quality of the digital as just another texture in among all others. While computers are inherently designed to simulate perfection, through the imposition of the artist’s hand and acceptance of its limitations, a computer’s computation can be given imperfect beauty.

L’innovation technique

Digital Versus Analog

L’animation et le film expérimentaux, comme tout mode d’expérimentation, peuvent prendre un aspect bien précis d’un média ou d’une technique – par exemple le zoom dans les films en direct ou la boucle en animation – et repousser ses limites jusqu’à son plus grand potentiel en se concentrant sur cette seule technique, et ainsi limiter le film à un exercice précis. De telles études d’artistes indépendants, dont ceux qui travaillent au sein de productions à budget plus important, définissent de nouvelles limites à l’intérieur desquelles le courant principal peut désormais exister en utilisant ces techniques et innovations découvertes par jeu, et apporter de nouvelles qualités à des applications subséquentes de cette technique ou de ce média.

The elephant in the room when discussing digital advancements is the fear that any progression toward digital innovation often means putting more and more distance between its analog roots.

However, by replicating certain aesthetic qualities of analog filmmaking, digital cinema displays a knack for replicating the imperfect elements that it has been accused of “correcting” rather than attempting to capture the real, perfectly.

brée pour ses tentatives de reproduire la « vie » aussi exactement que possible. À mesure que logiciels et techniciens s’amélioraient, le but de chaque utilisation subséquente était de surpasser la précédente pour, en bout de ligne, amener au jour la vérité, à savoir que chaque tentative précédente n’avait pas encore répondu aux attentes. Ce cycle perdure encore, mais sans ce besoin d’amélioration, il n’y aurait aucun progrès. « Le monde réel » est saisi le plus exactement par la photo, mais saisir la « vie », c’est autre chose. Dans le cas d’Intersections, un tel exemple de vie sera celui d’un mouvement vraisemblable représenté dans des milieux imaginaires et informatisés. La vie est une qualité, une essence, et on peut la simuler et l’illustrer par la création d’un mouvement. Toute technique d’animation peut créer l’illusion de la « vie »; le difficile, c’est de créer l’illusion de la réalité.

Chacun à leur manière, ces films embrassent la « vie » en ce sens qu’ils reconnaissent l’imperfection et l’impossibilité de recréer exactement la réalité en créant une chose qui n’appartient qu’à l’art de la simulation informatique. C’est fait exprès, c’est un choix esthétique conscient, un choix qui traite la qualité visuelle inhérente au numérique comme une texture parmi tant d’autres.

Bien que, par nature, l’ordinateur soit conçu pour simuler la perfection, on peut donner à ses computations une beauté imparfaite en acceptant ses limites et en lui imposant la main de l’artiste.

Le numérique contre l’analogique

Les films d’Intersections comprennent des utilisations de la 3D numérique qui font un tuilage avec des utilisations de la 2D analogique, des traditions de réalisation abstraite qui recoupent des applications plus commerciales, et parfois, des mouvements familiers qui chevauchent des objets inconnus. Peu importe la technique, les œuvres où on sent la main de l’artiste m’attirent. On en est encore à étudier et à raffiner l’image numérique comme outil artistique, et ma préférence va aux usages qui reconnaissent ses limites. Je crois que cela suppose un léger recul par rapport aux attentes de « réalisme » et la reconnaissance du média pour ce qu’il est : un autre média de simulation créatrice. N’est-ce pas justement pourquoi toute animation est si spéciale ?

For example, by simply replicating the quality of an animation shot on twos or threes and removing the use of automatic key framing, an animated film gains a new sense of life from the very imperfection of missing movement. The result injects character into films created with analog, frame-by-frame animation techniques.

Another example of analog carry-forward is the manipulation of frame rate. By producing a moving image at 24 frames-per-second the filmmaker drapes a veil between the crisp, hyper-real digital image and, if we can say that life is experienced at infinite frames-per-second, the viewer’s connection to real life.

La vie contre la réalité

3D allows for the infinite manipulation of all aspects of creating a film. I am interested in 3D experimentation that keeps a filmic relationship, and which is able to self-impose interesting boundaries within a “sky’s the limit” environment.

À ses débuts, l’animation informatisée en 3D fut célé-

Play!

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Quand on discute des progrès du numérique, la peur que toute innovation signifie qu’on s’éloigne encore plus de ses racines analogiques est un problème inavoué.

Toutefois, en reproduisant certaines qualités esthétiques de la réalisation analogique, le cinéma numérique démontre une facilité à reproduire les éléments imparfaits qu’on l’a accusé de « corriger » plutôt qu’une tentative de saisir parfaitement le réel.

Par exemple, simplement en reproduisant la qualité d’un plan d’animation à deux et à trois, et en enlevant l’utilisation du cadrage automatique sur le sujet, un film d’animation acquiert une nouvelle sensation de vie à partir de l’imperfection même que cause le mouvement manquant. Le résultat injecte du caractère dans des films créés par des techniques d’animation analogiques image-par-image.

Un autre exemple de report analogique est la manipulation du nombre d’images par seconde. En produisant une image en mouvement à 24 images par seconde, le cinéaste tire un voile entre l’image numérique claire hyper-réelle et, si nous admettons que la vie est vue à un nombre infini d’images par seconde, la connexion du spectateur avec la vie réelle.

La 3D permet une manipulation infinie de tous les aspects de la création d’un film. Je m’intéresse aux études en 3D qui maintiennent la relation cinématographique et qui peuvent s’imposer des limites intéressantes dans un milieu aux possibilités infinies.

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SPECIAL SCREENINGS: CONT’D

SPECIAL SCREENINGS: CONT’D

It is important to emphasize that at the heart of exploration and the cornerstone of innovation is the element of play. Some films included in Intersections are no more than 30 seconds long and are purely and simply experiments. These short burst films, as with each film in this program, exude a pure feeling of celebration around the limitless potential of experimentation, and carry an important essentialist quality found in all animation that I love – that of life, in the sense discussed here; not in the sense of reality, but rather of some inexplicable essence that lies rooted in the real world and is communicated through the animated image, and an abstract one at that.

Jouez !

These films are challenging to watch, though not in the confrontational sense of the word. Rather, these films require that you quiet your mind and open your senses to simply experiencing the many facets of 3D animated motion. This programme is about allowing yourself to become absorbed and mesmerized; to close down the parts of yourself that deal with the demands of the real world and “see” with those that run from them.

C’est un défi de regarder ces films, mais non dans le sens provocateur du mot. Ces films demandent plutôt que vous apaisiez votre esprit et que vous ouvriez vos sens à la simple perception des multiples facettes du mouvement animé en 3D. Ce programme vous propose de vous laisser aller à être absorbé et fasciné, à déconnecter les parties de vous-même qui répondent aux exigences du monde réel et à « voir » avec celles qui le fuient.

Special thanks to Brandon Blommaert for his input.

Un merci tout particulier à Brandon Blommaert pour ses idées.

Il est important de souligner que le jeu est au cœur de l’exploration, et qu’il est la pierre angulaire de l’innovation. Certains films inclus dans Intersections durent à peine 30 secondes et ne sont que des études.

Mais de ces « éclats » de films, comme de tous les films du présent programme, émane une pure sensation de célébration du potentiel illimité de l’expérimentation, et ils portent une qualité essentielle à tous les films que j’aime – la vie, au sens discuté ici, non au sens de réalité, mais comme essence inexplicable enracinée dans le monde réel, communiquée par l’image animée, abstraite de surcroît.

By / Par Keltie Duncan with Ken Field

INTERSECTIONS Thursday, September 20, 1:00pm (Arts Court Theatre) Saturday, September 22, 5:00pm (Arts Court Theatre) Jeudi 20 septembre, 13h00 (Cour des Arts - théâtre) Samedi 22 septembre 17h00 (Cour des Arts - théâtre)

CALCULATED MOVEMENTS

20 HZ

LARRY CUBA 1985 | 06:00

RUTH JARMAN AND JOE GERHARDT 2012 | 04:59

MAGNETIC MOVIE

LET’S FACE SYMMETRY

RUTH JARMAN AND JOE GERHARDT 2009 | 04:47

PABLO GOSTANIAN 2011 | 00:32

DUST BREEDINGS

GANTZ GRAF

JAN GOLDFUSS 2011 | 02:51

ALEX RUTTERFORD 2002 | 03:58

DROPLETS | SIMON FIEDLER

TOPOLOGIES (EXCERPT)

2011 | 02:45

QUAYOLA 2012 | 02:28

MIMIC | LUCIO ARESE 2012 | 01:46

MATTER (EXCERPT)

GRAU | ROBERT SEIDEL

QUAYOLA 2012 | 03:07

2004 | 10:01

LES OBJETS IMPOSSIBLES – OBJET 2 (EXCERPT)

PERIPETICS | ZEITGUISED

PEDRO MARI AND NATAN SINIGAGLIA 2011 | 02:00

2009 | 03:20

PRESS+ | BENJAMIN DUCROZ SURFACE DETAIL | TOM BEDDARD 2011 | 03:10

MEMO ATKEN 2011 | 05:20

200 NANOWEBBERS

LIGHT | DAVID PARKER CARLOS VERON

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At once personal and universal, the animated short films of Karen Aqua offer a tactile glimpse into the philosophies and experiences of a dynamic and creative woman. Aqua’s films document the artist’s playful self-exploration, undertaken to find her own unique place within the universal spectrum of human existence.

À la fois personnels et universels, les courts métrages de Karen Aqua offrent un aperçu tactile des pensées et expériences d’une femme dynamique et inventive. Ses films documentent une autoexploration enjouée de l’artiste, auto-exploration entreprise pour trouver sa propre place sur le spectre universel de l’existence humaine.

Though Aqua lost her ten-year battle with cancer on May 30th , 2011, her films reveal and maintain a strong connection to the vibrant voice of the filmmaker who made them, and as such become a patchwork portrait of Aqua herself. The films in this retrospective exude the pure essence that was Karen Aqua, and allow her very bright spirit to leap off the screen.

Bien qu’Aqua ait perdu sa bataille de dix ans contre le cancer le 30 mai 2011, ses films révèlent et maintiennent une connexion forte avec la voix encore pleine de vie de leur réalisatrice, et en tant que tels, ils deviennent un portrait en courtepointe d’Aqua elle-même. Les films de cette rétrospective exhalent la pure essence de la personne que fut Karen Aqua et permettent à son esprit des plus brillants de s’affranchir de l’écran.

About Karen Aqua À propos de Karen Aqua Karen Aqua began making animated films after her graduation from Rhode Island School of Design in 1976. Her award-winning films have been screened nationally and internationally, including at the New York Film Festival, and at international animation festivals in Zagreb, Hiroshima, Ottawa, and Annecy, as well as museums and universities.

SIMPLE HARMONIC MOTION STUDY #5D

2010 | 01:27

2011

REMEMBERING KAREN AQUA EN SOUVENIR DE KAREN AQUA

RUTH JARMAN AND JOE GERHARDT 2009 | 02:46

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She received film production grants from the American Film Institute, Massachusetts Council on the Arts and Humanities, New England Film/ Video Fellowship Program, New Forms Regional Initiative, Massachusetts Cultural Council, and the Puffin Foundation, and has been artist-in-residence at The MacDowell Colony, Djerassi Foundation,

Karen Aqua a commencé à faire des films d’animation après l’obtention de son diplôme à la Rhode Island School of Design en 1976. Ses films primés sont été projetés aux É.-U. et à l’étranger, entre autres au Festival du film de New York, dans les festivals d’animation internationaux de Zagreb, Hiroshima, Ottawa et Annecy, et dans des musées et des universités.

Elle a reçu des bourses de production cinématographique de l’American Film Institute, du Massachusetts Council on the Arts and Humanities, du New England Film / Video Fellowship Program, de la New Forms Regional Initiative, du

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SPECIAL SCREENINGS: CONT’D Millay Colony, Roswell Artist-in-Residence Program, Atlantic Center for the Arts, and Fundacion Valparaiso (Spain).

Aqua was a Lecturer in Animation at Boston College from 1984-1991, and Animation Instructor at Emerson College in 1987. She has served as a juror for major animation and film festivals in the US and Canada, and has presented one-person screenings of her work at museums and universities around the US, including the Boston Museum of Fine Arts, Institute of Contemporary Art (Boston), California Institute of the Arts, Dartmouth College, and University of Oregon. As well, beginning in 1990, Aqua produced, directed, and animated 22 segments for the acclaimed Sesame Street television program.

Artistic Impressions Karen Aqua’s earlier films document a time of self-discovery and lay bare the process of defining oneself through artistic exploration. These films are more explicitly subjective, providing glimpses into specific questions Aqua seems to have had about herself and her artistic process, and how the two inform each other.

Her very graphic style is reminiscent of ancient runes and symbols, even in the films that do not directly deal with older civilizations. As the graduate of a design education, Aqua’s films reflect the evolving visual styles of the many years that span her career, and serve to document her own lived time in much the same way she does for past generations.

SPECIAL SCREENINGS: CONT’D Massachusetts Cultural Council et de la fondation Puffin, et a été artiste en résidence à la MacDowell Colony, à la fondation Djerassi, à la Millay Colony, au Roswell Artist-in-Residence Program, à l’Atlantic Center for the Arts et à la Fundacion Valparaiso (Espagne).

In Ground Zero / Sacred Ground, Aqua looks at contemporary impacts of nuclear testing on nearby remnants of a past civilization. This film looks all the way back to early ancestors to answer larger questions about the human condition hundreds of years afterward, and raises more questions about humanity at large and how each new cycle of existence is influenced by those gone by.

Similar questions are asked in films like Vis-à-Vis, where an animator is shown attempting to create a film through moments of daydreaming and selfreflection.

Aqua a enseigné l’animation à Boston College de 1984 à 1991 et à Emerson College en 1987. Elle a siégé comme juge dans de grands festivals de films (pas seulement d’animation, d’ailleurs) aux É.-U. et au Canada, et a présenté des projections uniques de ses œuvres dans des musées et universités partout aux É.-U., dont le musée des BeauxArts de Boston, l’Institute of Contemporary Art (Boston), le California Institute of the Arts, Dartmouth College et l’université de l’Oregon. De plus, à compter de 1990, elle a produit, réalisé et animé des segments pour Sesame Street, l’émission de télévision bien connue.

Many of Aqua’s films contain visual metaphors for the journey and accumulation of human experience. Each one holds a sense of magic and whimsy, and often reveals a love and longing for the allure of the exotic. Through the portrayal of distant creatures and locales, Aqua imparts an admiration for adventure that extends into an appreciation of those little everyday moments that compose our lives. Aqua’s films inspire common bravery and encourage daily adventures so as not to miss one opportunity.

Impressions artistiques Ses premiers films documentent un temps d’autodécouverte et dévoilent le processus de l’auto-définition par l’exploration artistique. Ces films sont plus explicitement subjectifs, en ce qu’ils donnent des aperçus des questions qu’Aqua semblait se poser à propos d’elle et de son processus artistique, et sur la façon dont les deux s’informent mutuellement.

Vis-à-Vis is also directly referenced in Experimental Animation: Origins of a New Art by Robert Russett and Cecile Starr. This book was first published in 1976 to formally catalogue a budding and underacknowledged art form one technique at a time, and the second edition includes mention of Aqua, framed as being among a group of strong, “liberated” female animators practicing in the late 1970s and early 1980s, (Russett & Starr, 20). Cecile Starr says in this seminal text that Aqua’s films are among those “concerned with serious feelings and true experiences” but, as has been my experience with her body of work, Aqua finds the truth of her existence more through a bright, light-hearted approach than through one with more serious tones (ibid).

Son style très imagé rappelle les anciens runes ** et symboles, même dans des films qui ne traitent pas d’anciennes civilisations. Les films d’Aqua, une diplômée d’éducation en design, reflètent

KAREN AQUA Thursday, September 20, 7:00pm (Empire Rideau) Saturday, September 22, 11:30pm (Arts Court Theatre) Sunday, September 23, 1:00pm (Arts Court Theatre)

Her films are filled with color and rhythmic energy, and fueled by exotic sounds that were often composed and performed by her husband, musician Ken Field. At a time when so much animation is made possible using computers, Karen Aqua’s films stand out; they are created entirely from drawings done by hand.

Jeudi 20 septembre, 19h00 (Empire Rideau) Samedi 22 septembre 23h30 (Cour des Arts - théâtre) Dimanche, 23 septembre 13h00 (Cour des Arts - théâtre)

PENETRALIA (1976)

GROUND ZERO/SACRED GROUND (1997)

4:00 | DIGITAL

9:00 | DIGITAL

HEAVENLY BODIES (1980)

AFTERLIFE (2001)

3:00 | 35MM

9:00 | DIGITAL

VIS-À-VIS (1987)

ANDALUZ (2004)

7:00 | DIGITAL

6:00 | DIGITAL

YOURS FOR THE TAKING (1984)

SENSORIUM (2007)

7:00| DIGITAL

5:00 | DIGITAL

NINE LIVES (1987)

TWIST OF FATE (2009)

7:00 | DIGITAL

9:00 | DIGITAL

KAKANIA (1989)

TAXONOMY (2011)

4:00 | DIGITAL

4:00 | DIGITAL

Karen Aqua’s innovative films occupy a unique place in the world of independent and experimental animation. Created from exceptionally refined and colorful drawings, Aqua’s style is characterized by extraordinary hand-drawn visual transformations and compelling subject matter, exploring themes of culture, ritual, and the human condition. Aqua stated, “I strive to create films which are more poetry than prose, making visible the invisible.”

Aqua’s films are alive with wild, exotic imagery from nature that lends a very rich visual and emotional tone to her work. Seashells, palm trees, and wild animals pervade and ground her work. Her films are so vividly personal that watching them

PERPETUAL MOTION (1992) 5:00 | DIGITAL

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comment ses styles visuels ont évolué pendant sa longue carrière, et ils servent à documenter son propre vécu de la même façon qu’elle documente les générations passées.

Dans Round Zéro / Sacres Round, Aqua étudie les effets actuels de tests nucléaires sur un peuple voisin, vestige d’une civilisation passée. Ce film remonte jusqu’à leurs aïeux pour répondre à des questions plus vastes sur la condition humaine des siècles après. Il soulève aussi d’autres questions sur l’humanité en général et la façon dont chaque nouveau cycle de vie est influencé par les cycles passés. Des questions semblables sont posées dans des films comme Vis-à-Vis, qui montre un animateur tentant de créer un film par des moments de rêve éveillé et d’auto-réflexion.

Beaucoup de films d’Aqua renferment des métaphores visuelles du parcours et de la sédimentation du vécu humain. Chaque film transmet un sentiment de magie et de fantaisie, et révèle souvent un amour et un désir de l’allure exotique. En dessinant le portrait de créatures et de lieux lointains, Aqua transmet une admiration pour l’aventure qui s’étend à l’appréciation des petits moments qui composent notre vie. Les films d’Aqua inspirent un « courage ordinaire » et incitent à vivre le quotidien comme une aventure pour ne rater aucune des occasions qu’il offre.

Une référence directe à Vis-à-Vis apparaît dans Expérimental Animation: Origin of a New Art, par Robert Russett et Cecile Star. Ce livre a d’abord été publié en 1976 pour cataloguer officiellement, une technique à la fois, une forme d’art débutante et méconnue. La deuxième édition comprend une mention d’Aqua, décrite comme faisant partie d’un groupe d’animatrices fortes et « libérées » ayant exercé leur art à la fin des années 1970 et au début des années 1980 (Russett & Starr, 20). Cecile Starr affirme dans ce texte déterminant que les films d’Aqua comptent parmi ceux qui « s’intéressent à des sentiments sérieux et à des expériences vraies ». D’après ma propre fréquentation de son œuvre, je dirais plutôt qu’Aqua trouve la vérité de son vécu davantage par une approche lumineuse et légère que par une approche aux tonalités plus sérieuses (ibid).

Ses films sont pleins de couleurs et d’énergie rythmique, et sont mus par des sons exotiques souvent composés et exécutés par son mari, le musicien Ken Field. À un moment où tant de dessins animés sont rendus possibles par l’utilisation des ordinateurs, les films d’Aqua se démarquent en ce qu’ils sont entièrement créés à partir de dessins faits à la main.

Les films innovateurs de Karen Aqua occupent une place unique dans le monde de l’animation indépendante et expérimentale. Créé de dessins aux couleurs et au raffinement exceptionnels, le style d’Aqua se caractérise par des transformations visuelles tracées à la main et par des sujets

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SPECIAL SCREENINGS: CONT’D feels like learning about her life philosophy from Aqua herself. Each one carries whispers from the woman who made them; they raise, in my mind’s eye, glimpses of a nurturing, open, loving, perceptive, intelligent, warm and endlessly inquisitive person.

Her later films maintain self-reflexivity, again paralleling the creative process to the process of living and dealing with life’s inevitable questions. In Afterlife, a film in which Aqua reacts to her diagnosis, cancer becomes just another part of daily living to be examined and prodded with Aqua’s unique vision and perspective. The body features quite prominently throughout all of Aqua’s filmography, from the very beginning through her changing relationship to her own body, so she was well-equipped to deal with the subject of cancer in her films. True to form, Aqua did so in a way that is sensitive and highly subjective; as cancer is itself.

Through chronicling the life of one of animation’s most skilled practitioners and prolific champions, the films of Karen Aqua document an era and tradition of the artform seen less and less frequently.

Self-exploration through animated film means that these films are both self-portrait and autobiography, painting the picture of a woman keenly missed by those who knew her and, in a way, introducing her to those who wish they could have.

SPECIAL SCREENINGS: CONT’D fascinants, qui explorent les thèmes de la culture, du rituel et de la condition humaine. « Je m’efforce de créer des films qui sont davantage de la poésie que de la prose, et qui rendent l’invisible visible, » a dit Aqua.

Ses films sont pleins d’une imagerie naturelle, sauvage et exotique qui donne un ton visuel et émotionnel très riche à son œuvre. On trouve partout dans son œuvre coquillages, palmiers et animaux sauvages, qui fondent son œuvre. Ses films sont si personnels qu’à les regarder, on croirait apprendre d’Aqua elle-même sa philosophie de la vie.

Chaque film est un chuchotement de la femme qui l’a réalisé, et laisse entrevoir une personne nourricière, ouverte, aimante, sensible, intelligente, chaleureuse et d’une curiosité sans fin.

Ses films plus tardifs maintiennent une autoréflexion, établissant encore un parallèle entre le processus créateur, et celui de vivre et de réagir aux questions inévitables de la vie. Dans Afterlife, un film où Aqua réagit à son diagnostic, le cancer devient tout simplement un autre aspect du quotidien, qu’Aqua examine et sonde avec sa vision et sa perspective uniques. Le corps a occupé dès le départ une place de premier plan dans la filmographie d’Aqua, par le changement de sa relation avec son propre corps, de sorte qu’elle était bien équipée pour traiter du cancer dans ses films. Fidèle à elle-même, Aqua l’a fait d’une manière sensible et très subjective, comme peut l’être le cancer…

En documentant la vie d’une praticienne des plus habiles et d’une championne des plus prolifiques de l’animation, les films de Karen Aqua documentent une époque et une tradition que l’on voit de moins en moins souvent. Une auto-exploration à travers ces films signifie qu’ils sont et l’auto-portrait, et l’auto-biographie d’une femme qui manquera vivement aux gens qui l’ont connue; d’une certaine façon, ces films la présentent à ceux et celles qui auraient souhaité la connaître.

RALPH BAKSHI By / Par Morgan Miller

Excerpts from an Interview that originally appeared in Bomb Magazine.

April, 2010.

Ralph Bakshi retired from working in the film industry in the late ’90s and now concentrates on painting and mixed-media work in his New Mexico home. The titles of these new constructions reference New York street names in south Brooklyn (where Bakshi grew up) and lower Manhattan, and the pieces resemble pieces of doorways, decaying furniture, the shards of a bygone New York City.

You could argue that Bakshi has always been a collage artist. Even when he was directing animated feature films in the ’70s, works like Fritz the Cat, Heavy Traffic, and Coonskin—he incorporated live action footage, still photographic backgrounds, experimented with rotoscoping and nonfiction audio, all set against soundtracks spanning nearly every American musical genre.

I remember a conversation with Bakshi a few years ago where he remarked how frustrating it can be to have a finished product, that once a film is done, you miss the fun or the collaboration that comes with its process. Recently, talking about the progression of themes in his work, specifically from a slow pan across an urban trash heap set against Billie Holiday’s “Yesterdays” in Fritz the Cat to now painting on decaying wooden surfaces, he said, “It’s done in different styles, but it’s all one long movie.”

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Extraits d’une entrevue parue à l’origine dans Bomb Magazine en avril 2010.

Ralph Bakshi a pris sa retraite de l’industrie du film à la fin des années 1990. Il centre désormais son travail sur la peinture et sur les médias mixtes dans son foyer au Nouveau-Mexique. Les titres de ces nouvelles constructions font référence à des noms de rue des quartiers South Brooklyn (où Bakshi a grandi) et Lower Manhattan, et ses ?uvres ressemblent à des éléments de cadres de porte, de meubles en décomposition, aux restes d’un New York révolu.

L’argument que Bakshi a toujours été un artiste du collage pourrait se défendre. Même lorsqu’il réalisait des longs métrages d’animation dans les années 1970, des ?uvres comme Fritz le Chat, Heavy Traffic et Coonskin – il incorporait des collages d’action directe, des photos en fond de scène, il expérimentait avec la rotoscopie et les sons du monde réel en les opposant à des pistes sonores couvrant presque tous les genres de la musique américaine.

Je me souviens d’une conversation que j’ai eue avec Bakshi il y a quelques années, au cours de laquelle il faisait remarquer combien il pouvait être frustrant d’avoir un produit fini, que, une fois le film terminé, le plaisir et la collaboration qui accompagnait le processus lui manquaient. Récemment, en parlant de la progression des thèmes dans son ?uvre, en particulier de la façon dont il est passé du panoramique lent sur un amas de rebuts urbains pendant que jouait le Yesterdays de Billie Holiday dans Fritz le Chat à la peinture sur des surfaces de bois en décomposition,

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SPECIAL SCREENINGS: CONT’D

SPECIAL SCREENINGS: CONT’D

RALPH BAKSHI FRITZ THE CAT (1972)

COONSKIN (1975)

78MIN |35MM Thursday, September 20, 11:00am (ByTowne Cinema) Friday, September 21, 7:00pm (National Gallery) Jeudi 20 septembre, 11h00 (Cinéma ByTowne) Vendredi 21 septembre, 19h00 (Musée des beaux-arts)

89MIN |35MM Thursday, September 20, 3:00pm (National Gallery) Saturday, September 22, 5:00pm (National Gallery) Jeudi 20 septembre, 15h00 (Musée des beaux-arts) Samedi 22 septembre, 17h00 (Musée des beaux-arts)

HEAVY TRAFFIC (1973)

WIZARDS (1977)

77MIN |35MM Friday, September 21, 3:00pm (National Gallery) Saturday, September 22, 9:15pm (National Gallery) Vendredi 21 septembre, 15h00 (Musée des beaux-arts) Samedi 22 septembre, 21h15 (Musée des beaux-arts)

80MIN | DIGITAL Thursday, September 20, 7:00pm (Arts Court Theatre) Saturday, September 22, 7:00pm (Arts Court Theatre) Jeudi 20 septembre, 19h00 (Cour des Arts - théâtre) Samedi 22 septembre, 19h00 (Cour des Arts - théâtre)

Morgan Miller: What I immediately notice in looking at your work is a thematic progression dealing with mortality and lineage, a narrative of generational change, the conflicts, fears, and angst involved when one generation surrenders or gives way to another. It’s there in that very first sequence of Fritz the Cat when you use what sounds to me like a non-fiction audio recording: you animated a bunch of blue-collar workingclass guys sitting on a construction beam during their lunch break, talking about their “bourgeois” daughters. I think one of the guys says, “You’re living with some guy, what do you mean you’re living with some guy?” It’s a very late-’60s frustration with the younger counterculture, and this segues into a sequence of college-age girls in Washington Square Park being seduced by Fritz, a swaggering young pseudo-intellectual who personifies what the older guys were wary of. Those were actual guys you recorded yourself I assume?

il a dit : « C’est fait dans des styles différents, mais c’est le même long métrage. »

Ralph Bakshi: Yeah. What I actually did was go out into the street and ask a couple construction workers if they’d come up to my office. I paid them $50 each, I had a bottle of Scotch, and I had this Nagra reel-to-reel tape recorder. I asked them what was bothering them, what they were unhappy about, and all this stuff came out. And we had a great time. There was hours of that stuff.

I wanted Fritz the Cat to feel real, and it felt like I had to do this in order to believe the material. So I recorded all kinds of things on the Nagra, like street noises, to make it feel realistic. You see, I was influenced by still photography at the time more than anything, more than any animation.

Robert Frank’s The Americans, things like that.

Powerful stuff. I made tons and tons of tapes. Lots of material I didn’t use. I was young and had no idea what I was doing. If I still had them, I’d give them to you—I’m serious. When I went to have the film mixed, the sound engineers gave me all kinds of crap about the tracks not being professionally recorded; they didn’t even want to mix the noise of bottles breaking in the background, street noise, tape hiss, all kinds of shit. They said it was unprofessional, but I didn’t care.

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Morgan Miller – Ce que je remarque d’entrée de jeu quand je regarde votre ?uvre, c’est une progression thématique qui parle de mortalité et de descendance, une narration des changements générationnels, les conflits, les peurs et l’angoisse qui se font jour quand une génération passe la main ou s’efface devant une autre. C’est là, dans la toute première séquence de Fritz le Chat, quand vous utilisez ce qui me semble être un enregistrement audio du monde réel : vous avez animé une bande d’ouvriers assis sur une poutre de construction pendant leur pause déjeuner, qui parlent de leurs filles « bourgeoises ». Je pense qu’un des types dit : « Tu vis avec un garçon, comment ça, tu vis avec un garçon ? » C’est la frustration de la fin des années 1960 à l’égard de la contre-culture des jeunes, et cette séquence débouche sur une autre, des collégiennes à Washington Square séduites par Fritz, un jeune pseudo-intellectuel fanfaron qui incarne ce que les plus vieux craignaient. J’imagine que vous avez enregistré vous-même de vrai types ?

Ralph Bakshi – Oui. Je suis allé dans la rue et j’ai demandé à deux ou trois travailleurs de la construction s’ils viendraient à mon bureau. Je les ai payés 50 $ chacun. J’avais une bouteille de scotch et un magnétophone à bobine Nagra. Je leur ai demandé ce qui les embêtait, ce qui les rendait malheureux, et tout ça est sorti. Et nous avons eu du bon temps.

L’enregistrement dure des heures. Je voulais que Fritz le Chat sonne vrai, et il semblait que je devais faire ça pour croire au matériel. Alors j’ai enregistré toutes sortes de trucs avec la Nagra, comme des bruits de rue, pour que ça ait l’air réaliste. Tu vois, à l’époque, j’étais influencé par la photo de plateau, plus que par n’importe quoi d’autre, plus que par n’importe quel dessin animé. The Americans de Robert Frank, des trucs comme ça. Des trucs puissants.

J’ai enregistré des tonnes de rubans. Beaucoup de matériel que je n’ai pas utilisé. J’étais jeune et je ne savais pas ce que je faisais. Si je les avais encore, je vous les donnerais – je suis sérieux. Quand je suis allé faire mixer le film, les ingénieurs du son m’ont pris à partie parce que les pistes n’avaient pas été enregistrées professionnellement. Ils ne voulaient même pas

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MM: The scene with the three rabbis in Fritz the Cat; the oldest rabbi needs a pair of glasses to read the Torah, but then he’s bullied by the two younger ones not to wear glasses. “I’m not so young anymore!” he says, and the argument goes back and forth. That also sounds like a natural recording. Where did that come from?

RB: In retrospect, I think I was trying to make the film more personal. Being Jewish and making a feature film, though it was based on something else, I felt like I had an opportunity to do that. I eventually got to go further with Heavy Traffic, Coonskin, American Pop, and Hey Good Lookin’.

But I didn’t know if I would be able to make another picture after Fritz the Cat, so I felt at the time that the rabbis were a way to get something of myself in the picture. I listened a lot to my family; I recorded my father, my uncle, and my cousin, and all of their voices are in the picture. I animated them for that scene. I found that to be tremendously satisfying. They were the kinds of guys who would take their spectacles off before reading a prayer.

MM: You worked at Terry Toons from a young age just after graduating the School of Industrial Art in New York, and I’ve often heard you say that you got sick of “cats chasing mice,” with all the repetitive Saturday morning fare you were doing pre-Fritz. Was there any animation at that time you felt inspired by and influenced by?

RB: Max Fleischer’s work more than anyone else.

His cartoons from the ’30’s and ’40s. The films with Cab Calloway, with Louis Armstrong. They’re mind boggling. Those films are great art; they really hold up and are astonishing even today. Even some of those early black and white Popeyes he did with his brother Dave are incredible. He had the best studio in the business, Fleischer. Another Jew from Brooklyn. Same neighborhood as me. I almost fell on the floor when I read he came from Brownsville. Much better than Disney. I hated Disney.

MM: You have quite a few father-son conflicts in your films. The shady, crime-affiliated Angie and his virginal son Michael who he always seems disappointed with in Heavy Traffic. The street hooligan Crazy Shapiro verses his father the cop in Hey Good Lookin’.

RB: Growing up in Brownsville, it was very hard to hide what I was doing. My specific sensibilities of being an artist at that point, a cartoonist, had to be hidden. You had to carry yourself around guys on the block who didn’t understand it. My father and mother came to me once very worried. My father was a very quiet guy, but he would say he was very concerned about my drawing and how I would make a living. So I was always hiding what I was doing, and then it became the bigger issue of hiding it from my father. The neighborhood was very rough and there were various characters in

mixer le bruit de fond des bouteilles qu’on brisait, le bruit de la rue, le grésillement du ruban, toutes sortes de m... Ils ont dit que ce n’était pas professionnel, mais je m’en moquais.

MM : La scène avec les trois rabbins dans Fritz le Chat : le plus vieux des rabbins a besoin de lunettes pour lire la Torah, mais il est forcé par les deux plus jeunes à ne pas porter de lunettes. Il dit : « Je ne suis plus si jeune ! », et la discussion va de l’un à l’autre.

Cela aussi ressemble à un enregistrement naturel.

D’où cela vient-il ?

RB : Rétrospectivement, je pense que j’essayais de rendre le film plus personnel. Étant Juif et faisant un long métrage, bien qu’il ait été basé sur quelque chose d’autre, j’ai senti que j’avais comme l’occasion de le faire. Je suis ensuite allé plus loin dans Heavy Traffic, Coonskin, American Pop et Hey Good Lookin’. Mais je ne savais pas si je serais capable de faire un autre film après Fritz le Chat, alors j’ai pensé à l’époque que les rabbins étaient une façon de mettre quelque chose de moi dans le film. J’écoutais beaucoup les membres de ma famille; j’ai enregistré mon père, mon oncle et mon cousin, et toutes leurs voix sont dans le film. Je les ai animés pour cette scène. J’ai trouvé cela extraordinairement satisfaisant. Ils étaient du genre à enlever leurs lunettes avant de lire une prière.

MM: Vous avez travaillé à Terry Toons à un jeune âge, juste après avoir obtenu votre diplôme de la School of Industrial Art à New York, et je vous ai souvent entendu dire que vous en aviez jusque-là “des chats qui chassaient les souris”, avec tout le tralala répétitif du samedi matin que vous faisiez avant Fritz. Y avait-il à cette époque des dessins animés qui vous inspiraient et vous influençaient ?

RB: Les œuvres de Max Fleischer, plus que n’importe qui d’autre. Ses dessins animés des années 1930 et 1940. Les films avec Cab Calloway, avec Louis Armstrong. Ça dépasse l’entendement. Ces films sont du grand art; ils tiennent le coup et sont étonnants encore aujourd’hui. Même certains des Popeye qu’il a faits en noir et blanc avec son frère Dave sont incroyables. Fleischer avait le meilleur studio de l’industrie.

Un autre Juif de Brooklyn. Même quartier que moi.

Je me suis presque effondré quand j’ai appris qu’il venait de Brownsville. Bien meilleur que Disney. Je détestais Disney.

MM : Il y a bon nombre de conflits père-fils dans vos films. Le ténébreux Angie aux affaires louches et son fils virginal Michael, dont il semble toujours déçu, dans Heavy Traffic. Le voyou Crazy Shapiro face à son père flic dans Hey Good Lookin’.

RB : Quand on grandissait à Brownsville, il était très difficile de cacher ce qu’on faisait. Ma sensibilité d’artiste, à ce moment-là, de bédéiste, devait être cachée. Je devais fréquenter des gars du quartier qui n’y comprenaient rien. Mon père et ma mère sont venus un jour me voir, très inquiets. Mon père était peu bavard de nature, mais il m’a dit que mes dessins et

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SPECIAL SCREENINGS: CONT’D the neighborhood, so my father became a combination of a lot of different things that I saw. I put a lot of different things into the character Angie in Heavy Traffic. I had a long personal issue with sex and so Michael trying to be a man in Heavy Traffic was very personal also.

MM: When you talk about “guys on the block,” I’m assuming these were the basis of the characters in Hey, Good Lookin’ or the sort of guys you depict mercilessly beating each other with chains in Heavy Traffic.

RB: Oh, no question about it. I wouldn’t call these people necessarily racist, or intentionally cruel, but they were very stupid. Uneducated. When I was going to art school, I had to hide drawings in my shirt because of the kind of neighborhood it was. The era I grew up in was the era of the street gang, you see. Gangs, leather jackets, chains. They thought you could be famous by joining a gang.

You could get your picture in the paper and be written up as one of the most violent men in the world. So yeah, I witnessed bad scenes. A guy would hit another guy with a chain. Usually one guy would run away, they wouldn’t necessarily keep hitting each other like in Heavy Traffic. But nowadays they have guns, automatic weapons.

Just the other day, 21 people were murdered in Chicago. In one day. All these automatic weapons, it’s just escalated and become something else entirely.

MM: You introduce black characters in Fritz the Cat. In the scenes where Fritz goes to “bug out” in Harlem, he develops a friendship with Duke, the old black guy. Then it progresses in Heavy Traffic and in Coonskin, where all the leading characters are black.

RB: This was the civil rights era. Yeah, it was something I always wanted to do. The neighborhood I grew up in was very black and Jewish, and also Italian, but mainly Jewish and black. I went to school with mostly black boys. I lived in Washington at one point in my childhood, and that was even more black. You know, there were black soldiers in World War II who guarded Italian prisoners, and the Italians were allowed to eat in restaurants while the blacks weren’t. During my youth, white people like Bob Dylan got involved with black issues through songs like “Blowin’ in the Wind.” Martin Luther King and Malcolm X had come along, and if you were a thinking man, you couldn’t escape the issue that blacks were excluded from so many parts of society. It was very much a cause in my day for black people to get the right to vote. In those days, you had governors trying to prevent black people from going to school. It was a real eye opener for us that those things were happening; in Brooklyn, we had no idea the extent of how blacks were excluded from going to school and voting and everything else. It was horrific. So recognizing the black experience was a very important thing. And now we have a 90

SPECIAL SCREENINGS: CONT’D ma capacité de gagner ma vie l’inquiétaient. Je cachais tout le temps ce que je faisais, mais alors c’est devenu plus compliqué de le cacher à mon père. Le quartier était très dur, et il y avait divers personnages dans le quartier; alors mon père est devenu une combinaison de bien des choses que j’ai vues. J’ai mis beaucoup de trucs différents dans le personnage d’Angie dans Heavy Traffic. J’ai eu longtemps des questionnements sur ma sexualité, de sorte que Michael, qui essaie d’être un homme dans Heavy Traffic, est très personnel aussi.

MM : Quand vous parlez de “gars du quartier”, je suppose qu’ils ont servi de base aux personnages de Hey, Good Lookin’, ou qu’ils sont le type de gars dont vous décrivez la bataille sans merci à coups de chaînes dans Heavy Traffic.

RB : Oh, ça ne fait aucun doute. Je ne dirais pas de ces gens-là qu’ils sont nécessairement racistes ou intentionnellement cruels, mais ils sont très stupides.

Sans éducation. Quand j’allais à l’école d’art, je devais cacher mes dessins dans ma chemise, vu le genre de quartier que c’était. L’époque où j’ai grandi était l’époque des gangs de rues, vous voyez. Les gangs, les vestes de cuir, les chaînes. Ils pensaient devenir célèbres en se joignant à un gang. Vous auriez votre photo dans le journal avec un article comme quoi vous étiez l’un des hommes les plus violents au monde. Alors, oui, j’ai été témoin de scènes violentes. Un gars en frappait un autre avec une chaîne. En général, un des deux s’enfuyait. Ils ne continuaient pas à se taper dessus comme dans Heavy Traffic.

Mais aujourd’hui ils ont des fusils, des armes automatiques. L’autre jour, justement, 21 personnes ont été tuées à Chicago. En une journée. Avec toutes ces armes automatiques, il y a escalade, et c’est devenu toute autre chose.

MM : Vous présentez des personnages noirs dans Fritz le Chat. Dans les scènes où Fritz va « lâcher son fou » dans Harlem, il devient l’ami de Duke, un vieil homme noir. Puis, cela se développe dans Heavy Traffic et dans Coonskin, où tous les protagonistes sont des Noirs.

RB : C’était l’époque des droits civiques. Oui, j’ai toujours voulu faire ça. Le quartier où j’ai grandi était très noir et très juif, mais aussi italien, mais surtout juif et noir. Mes camarades d’école étaient surtout des Noirs. J’ai vécu à Washington à un certain moment de mon enfance, et il y avait encore plus de Noirs.

Vous savez, il y avait des soldats noirs qui gardaient des prisonniers italiens, mais les Italiens avaient la permission de manger dans des restaurants, pas les Noirs. Dans ma jeunesse, des Blancs comme Bob Dylan ont pris parti pour des enjeux de Noirs, par des chansons comme « Blowin’ in the Wind ». Martin Luther King et Malcolm X sont arrivés, et si vous y réfléchissiez un tant soit peu, vous ne pouviez éviter le problème que les Noirs soient exclus de tant de secteurs de la société. Le droit de vote des Noirs était une cause très importante quand j’étais jeune.

En ce temps-là, des gouverneurs d’État essayaient d’empêcher les Noirs d’aller à l’école. Tout ce qui se

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black president, which is even more fucking amazing.

MM: There are so many different asides to the main plot in Coonskin. You have the old man rummaging through the trash, picking through the things white people throw away. You have the Malcolm the Cockroach sequence, which I think is probably the most memorable, haunting part of the film. Seated against an empty dark background, she describes the relationship she formed with a Cockroach and the heartbreak of his leaving her.

RB: One of the problems then with being a black father and trying to hold a family together was economic. I think it’s still true today. It’s very hard to get a decent-paying job. So I wrote this poem about being a black man and not being able to support your family and having to leave, and how the woman felt about that. She just basically doesn’t want to be hurt anymore. The actress who came in to read it started crying. It was a very important moment. She nailed it, and certainly understood what the words meant. It was a poem that I wrote about the black experience. And I animated it. If you take away the animation, it’s a poem. I’ve got 30 or 40 Malcolm the Roach poems in my house. The style of animation I used for it was very primitive, like an early comic strip.

There were a lot of poems I wrote for the picture.

Juxtaposing personal social commentary into the films and running abstract personal moments underneath the narrative on top, this type of montage or collage, is really close to painting.

MM: Technically, there are a lot of different mediums you mix into Coonskin and Heavy Traffic: live action, still photography, even different styles of animation. The Malcolm sequence has it’s own color scheme: the red and blue silhouettes.

Michael even has his own little universes within Heavy Traffic, which become cutaways.

RB: Yeah, that’s all about trying to find the believability of what the film is about. Movies basically bore me. I don’t see very many movies. But I loved being able to try things, like making photographic backgrounds. I roamed New York and Brooklyn at night, taking thousands of photographs. A lot of the montage comes from Sergei Eisenstein; he really caught my eye when I was very young with Alexander Nevsky and Battleship Potemkin. He’s a little stiff by today’s standards, but his compositions, the way he cut films, and the way he emotionally sets them up was incredible.

MM: Your new paintings are collages also, using all sorts of different textures and surfaces.

RB: The paintings are probably my final step.

I’ll probably die after this. Everyone calls them abstract. But I think they represent the most realistic vision that I’ve ever had of the city. Basically they’re made with cement, nails, and wood. I had

passait alors nous a ouvert les yeux; à Brooklyn, nous n’avions aucune idée de l’ampleur du problème, à quel point on empêchait les Noirs d’aller à l’école, de voter, et tout le reste. C’était atroce. Alors, il a été très important de reconnaître le vécu des Noirs. Et maintenant, nous avons un président noir, ce qui est encore plus foutrement remarquable.

MM : Il y a tant d’aspects à l’intrigue de Coonskin.

Il y a le vieil homme qui fouille dans les rebuts, qui ramasse les choses que jettent les Blancs. Il y a la séquence de Malcolm la coquerelle, qui, je pense, est la partie la plus mémorable, la plus obsédante du film. Assise devant un fond noir et vide, elle décrit sa relation avec une autre coquerelle et comment elle a eu le coeur brisé à son départ.

RB : Donc, un des problèmes d’être un père noir et de tenter de garder ensemble les membres de la famille est économique. Je pense que c’est encore vrai aujourd’hui. Il est très difficile de trouver un emploi qui paye raisonnablement bien. Alors j’ai écrit ce poème sur le fait d’être un Noir, de n’être pas capable de pourvoir aux besoins de sa famille et de devoir partir, et les sentiments de la femme à ce sujet. De base, elle ne veut plus souffrir. L’actrice qui est venue lire ce poème en a eu les larmes aux yeux. Ç’a été un moment très important. Elle l’a récité à la perfection et a certainement compris le sens des mots. C’était un poème que j’ai écrit à propos du vécu des Noirs.

Et j’en ai fait un film d’animation. Si vous enlevez l’animation, c’est un poème. J’ai chez moi de 30 à 40 poèmes sur le thème « Malcolm la coquerelle ».

Le style d’animation que j’ai utilisé était très primitif, comme les premières bandes dessinées. J’ai écrit beaucoup de poèmes pour ce film. La juxtaposition d’une critique sociale personnelle à un film et la présence d’un courant de moments personnels abstraits sous une narration principale, ce genre de montage ou de collage est très proche de la peinture.

MM : Au plan technique, vous mélangez beaucoup de médias différents dans Coonskin et Heavy Traffic: de l’action directe, de la photo, et même divers styles d’animation. La séquence de Malcolm a son propre schéma de couleurs : les silhouettes rouge et bleu.

Michael a même ses propres petits univers au sein de Heavy Traffic, qui deviennent des parties à découper.

RB : Oui, ç’a tout à voir avec une tentative pour trouver la crédibilité du sujet du film. De base, je trouve les films plats. Je ne regarde pas beaucoup de films.

Mais j’ai aimé être capable d’essayer des choses, comme créer des fonds de scène à l’aide de photos.

J’ai parcouru New York et Brooklyn la nuit et pris des milliers de photos. Beaucoup du montage vient de Sergeï Eisenstein; son Alexandre Nevski et son Cuirassé Potemkine m’ont très impressionné quand j’étais petit. Il est un peu empesé selon les normes actuelles, mais ses compositions, son montage et la préparation émotive dans ses films étaient incroyables.

MM : Vos nouvelles peintures sont aussi des collages, elles utilisent toutes sortes de textures et de surfaces

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SPECIAL SCREENINGS: CONT’D worked from photographs, painted landscapes of streets, all the traditional stuff, but this goes all the way home. This goes into exactly what I think the city might be about, this city that I love.

When painting materials and what they are about are made of are the same thing, I think there is a certain truth there. I think I’ve finally gotten to the point Pollock spoke of when he said, “The materials are everything.” I had never understood what he meant, but I get it now. I love Pollock and de Kooning and Chaim Soutine and how they used materials. So I’m painting the city using the materials the city is made of. Using these materials to me is home, and it makes me feel very relaxed. As far as I’m concerned, I feel it’s a final step for me, that everything has lead to this moment.

MM: You seem very attracted to garbage! The Billie Holiday music montage sequence in Fritz the Cat when the camera pans slowly across a trash heap in an abandoned lot in Harlem… at first you see broken bottles, syringes, and then it becomes more personal old photos, then entire old photo albums, people’s memories just sitting in the trash. Later, garbage becomes the introduction of Hey, Good Lookin’ where personified pieces of garbage talk to each other about life after death.

Even when you moved into the fantasy realm in Wizards, you maintain bleak futuristic worlds built on garbage. It occurs to me that it’s a metaphor for mortality, but not just that; maybe also a metaphor for what a generation throws away and what might be discovered by the next. Or what might just be forgotten.

RB: I like that, Miller! I’m dead serious about this: who we are, who we used to be, what we’ve been through, what we’ve become, it’s very important.

We’re all part of a long trail. The scene in Heavy Traffic where the mother is walking through the photographs looking at her uncles, my family’s up there. My ancestors. Faded walls, old wood, old paint, every fleck of paint is another story, not to be discarded. Stuff like Kindle is so cold. It’s great for reading I guess, but texture and being able to touch stuff is so important. The past is to be learned from and to respect. Too much of it is thrown away out of shallowness or for things that are new and cheap. In Hey, Good Lookin’, this poor garbage thinks it’s going to go speak to God, but it’s just going into an incinerator. You know what I’m saying?

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SPECIAL SCREENINGS: CONT’D différentes.

RB : Les peintures sont probablement ma dernière étape. Probablement que je mourrai après ça. Tout le monde les dit abstraites. Mais je pense qu’elles représentent la vision la plus réaliste que j’aie jamais eue de la ville. À la base, elles sont faites de ciment, de clous et de bois. J’ai travaillé à partir de photos, de peintures de paysages de rue, tous les trucs habituels, mais ceci sonne vrai. Cela dit exactement ce qu’est, je pense, le propos de la ville, cette ville que j’aime. Quand les matériaux de la peinture et son sujet sont faits de la même matière, je pense qu’il y là une certaine vérité. Je pense que je suis enfin arrivé au point dont Pollock parlait quand il a dit : “Les matériaux sont tout.” Je n’avais jamais compris ce qu’il voulait dire, mais maintenant je pige. J’aime Pollock, de Kooning, Chaim Soutine, et la façon dont ils ont utilisé les matériaux. Alors, maintenant, je peins la ville en utilisant les matériaux dont la ville est faite. Quand j’utilise ces matériaux, je me sens chez moi, très relax. En ce qui me concerne, je sens que c’est une étape finale pour moi, que tout a mené à ce moment.

MM : Vous semblez très attiré par les rebuts ! Ce montage de la musique de Billie Holiday dans la séquence de Fritz le Chat quand la caméra fait un panoramique lent sur un amas de rebuts dans un terrain abandonné de Harlem... au début on voit des bouteilles brisées, des seringues, puis ça devient plus personnel : de vieilles photos, puis des albums photos au complet, des souvenirs laissés là dans les rebuts. Plus tard, les rebuts servent d’introduction à Hey, Good Lookin’, quand des éléments de rebuts personnifiés se parlent de la vie après la mort. Même quand vous passez au royaume de la fantaisie dans Wizards, vous maintenez des mondes futuristes désolés construits sur des rebuts. Il m’est venu à l’esprit que c’était une métaphore de la mortalité, mais pas seulement ça; c’est peut-être aussi une métaphore de ce que jette une génération et qui pourrait être découverte par la suivante. Ou tout simplement de ce qui pourrait être oublié.

RB : Hé, Miller, là, tu parles ! Je suis très sérieux à ce propos : qui nous sommes, qui nous étions, les difficultés que nous avons surmontées, ce que nous sommes devenus, c’est très important. Nous faisons tous partie d’un long sentier. La scène dans Heavy Traffic où la mère marche à travers ses photos en regardant ses oncles, ma famille est là. Mes ancêtres.

Les murs affadis, le vieux bois, la vieille peinture, chaque craquelure de peinture est une autre histoire, à ne pas jeter. Les trucs comme Kindle sont si froids.

C’est parfait pour la lecture, j’imagine, mais la texture et la capacité de toucher sont si importants. Le passé existe pour en tirer des leçons et pour le respecter.

On jette beaucoup trop de choses par superficialité ou pour faire place à la nouveauté et à la mauvaise qualité. Dans Hey, Good Lookin’, ce pauvre rebut pense qu’il va parler à Dieu, mais il s’en va tout simplement à l’incinérateur. Vous voyez ce que veux dire ?

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RUN WRAKE: MEATHEADS, RABBITS AND THE DAWN RUN WRAKE : TÊTES EN ESCALOPE, LAPINS ET AUBES By / Par Chris Robinson Watching a Run Wrake animation is like tapping into the unconsciousmind of some extremely high musical genius. Utilizing bold line drawings, Wrake connects a barrage of imagery from diverse media and loops it with a brilliant sense of rhythm.

It’s not surprising that this Royal College of Art graduate has found success interpreting inventive musical artists such as Gang of Four, Howie B, Oasis and Future Sound of London. In addition he’s done MTV IDs, commercials, illustrative work and visuals for U2’s PopMart and Vertigo tours. Most recently Wrake has taken on narratives with the highly successful short films Rabbit (2006) and The Control Master (2008).

Wrake was born John Wrake in the Republic of Yemen in 1965. His father was an army chaplain, and the Wrake family moved to Sussex, England when Run (he earned the nickname just after relocating) turned 11.

Run Wrake’s earliest — or at least most memorable — encounter with animation came in the 1970s. Wrake recalls seeing an episode of the UK TV show The Old Grey Whistle Test. “They used to play album tracks cut to grainy old black and white animation that looked like the Fleischer Brothers.” Animation had entered Wrake’s consciousness, but it would be a while before he seriously considered it as a career. Most of Wrake’s days were spent fishing, digging up old bottles and collecting material — little did he know that his hoarding would eventually inspire his art.

“Found material has always been a big part of my

Voir une animation de Run Wrake, c’est brancher une table d’écoute sur l’inconscient d’un très grand génie musical. Au moyen de dessins à gros traits, Wrake connecte et met en boucle avec un brillant sens du rythme une pluie d’images provenant de divers médias. Ne nous étonnons pas que ce diplômé du Royal College of Art ait connu le succès à interpréter des compositeurs inventifs tels que Gang of Four, Howie B, Oasis et Future Sound of London. De plus, il a fait des indicatifs, des pubs et des illustrations pour MTV, ainsi que des éléments visuels pour les tournées PopMart et Vertigo du groupe U2. Tout récemment, Wrake s’est mis à la narration avec les courts métrages à succès Rabbit (2006) et The Control Master (2008).

Wrake, de son vrai nom John Wrake, est né dans la République du Yémen en 1965. Son père était aumônier militaire, et la famille a déménagé dans le Sussex, en Angleterre, quand Run (il s’est valu ce surnom après la relocalisation) avait 11 ans.

La première rencontre de Run Wrake avec l’art de l’animation – ou du moins la rencontre la plus mémorable – a eu lieu dans les années 1970. Wrake se rappelle avoir vu un épisode de l’émission de télé britannique The Old Grey Whistle Test. « Ils avaient l’habitude de faire jouer des plages de longs-jeux pendant la projection de vieux dessins animés en noir et blanc granuleux qui ressemblaient à ceux des Fleisher Brothers. » Wrake avait

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SPECIAL SCREENINGS: CONT’D

SPECIAL SCREENINGS: CONT’D

RUN WRAKE Friday, September 21, 9:15pm (National Gallery) Sunday, September 23, 1:00pm (National Gallery) Vendredi 21 septembre, 21h15 (Musée des beaux-arts) Dimanche 23 septembre, 13h00 (Musée des beaux-arts)

ANYWAY (1990)

TRIAMINIC - WOLF (2006)

4:00 | DIGITAL

0:30 | DIGITAL

JUKEBOX (1994)

TRIAMINIC - FROG (2006)

5:00 | DIGITAL

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WE HAVE EXPLOSIVE (1996)

DISNEY PLAYHOUSE (2007)

3:55 | DIGITAL

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M2 EUROPEE INTRO (1998)

CONTROL MASTER (2008)

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MUSIC FOR BABIES (1996)

MUSICMAN - PIMPING (2005)

6:00 | DIGITAL

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M ALSO STANDS FOR (1996)

MUSICMAN - BUG (2005)

0:30 | DIGITAL

0:05 | DIGITAL

BUTTMEAT (1996)

MUSICMAN – BURN (2005)

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SHOWBIZ SET (2002)

MUSICMAN - SKATE (2005)

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TAKE YOUR PARTNER (1998)

MUSICMAN -EDPHONES (2005)

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COCA COLA COMMERCIAL - EASTER (2000)

JUST A MINUTE (2009) 1:00 | DIGITAL

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DOWN WITH THE DAWN (2012)

U2 – ROY (1997)

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U2 - SBS (2012)

WHAT IS THAT (2000)

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THE CHARLATANS - TRY AGAIN TODAY (2004)

MEAT STREET (2011) 2:35 | DIGITAL

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RABBIT (2005) 8:50 | DIGITAL

work. I can’t pass a junk shop without stopping.”

After secondary school, Wrake signed up for graphics at the Chelsea College of Art and Design.

Although Wrake was heavily influenced by Dada graphics, he says that music was his primary artistic inspiration. “I was doing graphic design but buying and listening to a lot of music, and animation was a way of combining the two.” The idea of merging music and animation was inspired by a foundation class taught by an artist who had made a video for the band Art of Noise. “That was the real catalyst. It was very collage- y — cut very tightly to the beat — and it just really appealed to me, that combination of sound and image tightly synchronized, so that was the real turning point.”

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certes pris conscience que l’animation existaient, mais il lui faudrait un bon moment encore avant qu’il la considère comme possibilité de carrière.

Wrake passait la plupart de ses journées à pêcher, à ramasser de vieilles bouteilles et à accumuler des trucs – il ne savait pas encore que cette manie de l’accumulation serait pour lui une source d’inspiration. « Le matériel trouvé a toujours constitué une grande partie de mon travail. Je ne peux pas passer devant une boutique de bric-àbrac sans y entrer. » Son secondaire terminé, Wrake s’inscrit en arts graphiques au Chelsea College of Art and Design. Bien qu’il ait été fortement influencé par le mouvement dada, la musique a été selon lui sa

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At Chelsea, Wrake made the student film Interest (1987). Wrake’s love of beats and morphing imagery is already present in this fast- moving groove feast. “I just bought a pile of 10p off cut pads from a printers, and made it up as I went along, the bleed through the paper from the marker pens used providing alternative to a lightbox. The track was added after.”

After graduating from Chelsea, Wrake went on to the prestigious Royal College of Art (RCA).

The experience at RCA was a pivotal one. “Chelsea had no facilities really, all the fi lms I made there were shot and edited in camera, super 8 and 16 mm, and then telecine’d to tape and music added. So, most importantly RCA introduced me to the picture- sync machine, enabling the planning of picture and its relation to a broken down soundtrack. I learned how you can break down sound and create a map of the soundtrack so you knew exactly which frame the beat would hit, and that was the real revelation for me — that you could create images to perfectly replicate the music.”

Wrake’s graduation film, Anyway (1990), follows the same path as Interest but the images are more vibrant and alive. Crowded frames of surreal images jump through the frames. “Anyway started with the soundtrack, put together using the record and pause buttons on a Teac 4- track tape recorder and my record collection. Th e animation was created again sans storyboard, but with the brokendown track as a guideline. Hand- drawn, cut and paste artwork shot and cut on 16 mm film.”

Aside from the Dada influence, collage art and the work of Keith Haring inspired Wrake’s early films.

Wrake loved the power and vibrancy of these artists: “It just leaps out at you off the wall. That’s what I like. Things that leap out and kick you in the teeth.” Following his graduation from RCA, Wrake landed a gig doing title sequences for a series of fi lm documentaries produced by Jonathan Ross.

He then made the music promo Cadillac (1991) for Gang of Four before creating one of his masterworks to date, Jukebox (1994).

Jukebox is a stream- of- consciousness masterpiece littered with wild beats (including bits of Curtis Mayfield’s Move on Up) and array of looped, drawn and collage imagery that ranges from the surreal to pop culture. Watching Jukebox is a bit like spending the night in a dance club: it’s an upbeat, fractured ride through a world of paranoia, fear and joy.

One of the most striking images from Jukebox is the meathead character — who appears in many of Wrake’s films. “The meathead thing started as the metaphor for the fear of someone being confronted with a dog, but has become more about the fact that we’re all just living meat beneath our labels.”

principale source d’inspiration. « Je faisais des arts graphiques, mais j’achetais et j’écoutais beaucoup de musique, et l’animation était une façon de combiner les deux. » L’idée de fusionner musique et animation lui est venue dans une leçon sur les fondements de l’animation donnée par un artiste qui avait fait un vidéo pour le groupe Art of Noise. « Ç’a été le véritable catalyseur. C’était très “collage” – découpé très nettement en fonction du rythme – et cette combinaison de sons et d’images étroitement synchronisés m’a plu énormément, de sorte que ç’a été le véritable point tournant. » Au collège Chelsea, Wrake réalise Interest (1997).

Son amour des rythmes et des images qui se transforment est déjà présent dans cette fête de plages musicales à cadence rapide. « J’ai simplement acheté une pile de blocs-notes faits de rognures chez un imprimeur et j’ai imaginé le film en le faisant, les couleurs des surligneurs qui déteignaient à travers le papier faisant office de boîte à lumière. La piste sonore a été ajoutée par la suite. » Après avoir obtenu son diplôme du collège Chelsea, Wrake poursuit ses études au prestigieux Royal College of Art (RCA). Son expérience au RCA est marquante. « Le collège Chelsea n’avait pour ainsi dire pas d’équipement. Tous les films que j’y ai faits ont été tournés et montés avec une caméra super 8 ou 16 mm. Je les transférais ensuite sur bande à l’aide d’un télé-ciné, puis j’ajoutais la musique. Donc, l’événement le plus important au RCA a été mon initiation à une machine de synchronisation d’images, ce qui permettait de planifier le film et sa relation avec une piste sonore découpée. J’y ai appris comment découper des sons et comment créer une carte sonore pour savoir exactement sur quelle image le rythme allait tomber. Ç’a été une vraie révélation pour moi – qu’on puisse créer des images pour reproduire parfaitement la musique. » Le film de sortie de Wrake, Anyway (1990), suit le même parcours qu’Interest, mais les images sont plus vivantes. Des cadres d’images surréelles sautent à l’écran. « Anyway a débuté par la bande sonore, que j’ai assemblée en utilisant les boutons “enregistrer” et “pause” d’une enregistreuse Teac à 4 pistes et ma collection de disques. Encore une fois, l’animation a été créée sans scénarimage, mais en utilisant le découpage sonore comme guide. J’ai fait les dessins à la main, je les ai coupés et collés, et le résultat a été filmé et monté sur un film 16 mm. » Outre l’influence dadaïste, c’est l’art du collage et l’œuvre de Keith Haring qui ont inspiré les premiers films de Wrake. Wrake aimait la puissance et la vitalité de cet artiste : « Ça rebondit sur les murs et ça vous saute dessus. C’est ce que j’aime.

Des trucs qui sautent de nulle part et vous arrivent en plein sur la gueule. » Après l’obtention de son diplôme du RCA, Wrake a décroché un contrat pour faire les séquences de titre pour une série de

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SPECIAL SCREENINGS: CONT’D The initial idea behind Jukebox came from a W. H. Auden poem, “As I came out one evening”. After two years of “blood, sweat and tears,” Wrake got bored with the project and abandoned it in favour of a more off - the- cuff approach.

documentaires produits par Jonathan Ross. Il a ensuite fait la promo musicale Cadillac (1991) pour le groupe Gang of Four avant de créer ce qui demeure à ce jour un de ses chefs-d’œuvre, Jukebox (1994).

Jukebox was well received on the festival circuit, but the most signifi cant viewer was musician Howie B. “Howie saw Jukebox and we went out for dinner and hit it off . The appeal was the similarity in the creation of our respective work at the time namely loops.” The meeting led to a string of collaborations between the two artists including Wrake’s next short film, Music For Babies (1996).

Jukebox est un chef-d’œuvre de flux de conscience truffé de rythmes sauvages (dont des extraits du Move on Up de Curtis Mayfield), et de toute une panoplie d’images en boucle, dessinées ou collées, qui vont du surréel à la culture pop.

Regarder Jukebox, c’est un peu comme passer la nuit dans un club de danse : c’est un voyage énergisant et fracturé dans un monde de paranoïa, de peur et de joie.

Commissioned by Howie B and Polydor Records, Music for Babies follows the visually explosive Jukebox with a narrative loosely based on the experience of being a new father. Beginning with the birth of a child and fl owing into a series of images containing child and parent motifs, the rhythm of the film is more subdued here than in Jukebox.

Fear and paranoia are replaced by bouts of calmness, restlessness and repetition. Image and music are so tightly interwoven that it seems impossible for one to exist without the other.

With a signature style in place, Wrake found ample work over the next decade. Aside from illustrations and various commercials, Wrake made videos for Howie B (Butt Meat, Maniac Melody), Robbie Robertson (Take Your Partner by The Hand) and Future Sound of London (We Have Explosive). While Wrake enjoys the creative challenge of working with clients, he admits that the experience can be creatively frustrating. “In an ideal world I would have the money to just make independent films, but alas I need to make a living.

One of Wrake’s most unique jobs was creating visuals for U2’s PopMart tour in 1997. “It was a great job, great experience all round. Came about through Catherine Owens, who was overseeing the production of visual material for Popmart, getting reels from RCA and giving me a call. Willie Williams, show designer, had a fairly clear idea of which Lichtenstein paintings he wanted animated, though not how. In some ways creating stuff for live performance goes right back to my earliest work in that there are no defi nite sync points, as the way the song is performed diff ers each time, so you have the element of chance much more than in a promo.” U2 was so pleased with Wrake’s work they brought him back to do visuals during their Vertigo tour in 2005.

In 2006, Wrake’s animation took a drastic turn away from freewheeling, abstract imagery towards work that was more structured and narrative driven.

You know those Dick and Jane books, eh? They tell the adventures of two little kids and their dog Spot (See Spot Run). They live in a carefree and innocent world. The illustrations, like the text, are 96

SPECIAL SCREENINGS: CONT’D

Une des images les plus frappantes de Jukebox est le personnage à la « tête en escalope », qui apparaît d’ailleurs dans plusieurs films de Wrake. « Cette histoire de “tête en escalope” a commencé comme métaphore de la peur d’être confronté à un chien, mais elle en est venue à représenter le fait que, derrière nos étiquettes, nous ne sommes que de la viande vivante. » L’idée de Jukebox vient d’un poème de W. H. Auden, « As I came out one evening ». Après deux ans à suer sang et eau sur ce projet, Wrake en a eu marre et a passé à une approche plus originale.

Jukebox a été bien reçu dans le réseau des festivals, mais son spectateur le plus important a été le musicien Howie B. « Howie a vu Jukebox, nous sommes sortis souper et nous nous sommes entendus comme des larrons en foire. L’attrait a été la similitude de notre approche dans la création de nos œuvres respectives à l’époque, à savoir les boucles. » Cette rencontre a mené à une série de collaborations entre les deux artistes, dont le court métrage suivant de Wrake, Music for Babies (1996).

Commandé par Howie B et la société de disques Polydor, Music for Babies poursuit l’explosion visuelle de Jukebox au moyen d’une narration basée librement sur l’expérience d’être un nouveau papa. S’ouvrant sur la naissance d’un enfant et enchaînant par une série d’images contenant des motifs parent-enfant, le rythme du film est moins trépidant que celui de Jukebox. La peur et la paranoïa sont remplacées par des périodes de calme, d’agitation et de répétition. L’image et la musique y sont si étroitement liées qu’il semble impossible que l’une existe sans l’autre.

Wrake ayant enfin trouvé son propre style, il eut beaucoup de boulot au cours de la décennie suivante. Mises à part les illustrations et certaines pubs, Wrake a fait des vidéos pour Howie B (Butt Meat, Maniac Melody), Robbie Robertson (Take Your Partner by The Hand) et Future Sound of London (We Have Explosive). Si Wrake aime relever les défis créatifs que pose le travail de commande, il admet que l’expérience peut aussi être frustrante. « Dans un monde idéal, j’aurais l’argent

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clear and simple. I don’t recall reading them as a kid, but my son Jarvis certainly read them — might have been the first book he read. Typically (of my juvenile leftovers anyway), I inevitably began to think dirty, dark thoughts about these puritanical little darlings: “See Jane do Dick” and assorted clever stuff like that.

Across the blue, in England, a chap named Geoffrey Higham was a book illustrator who created similar books. Wrake, perhaps fuelled by the same unsavoury imaginings I had about Dick and Jane, decided to take Higham’s original illustrations and turn them into a bizarre little film called Rabbit.

From the appearance of the first word, “muff,” we know we’re in for something different. A Dickand- Jane- type boy and girl kill a rabbit running in a field. Th ey take the dead animal home, cut it up, and out pops a mysterious little idol. Seems that this creepy little freak can change flies into diamonds, so as they dream of becoming wealthy, the devilish little duo decide to exploit the situation and entice the idol to create more diamonds.

When their greed goes too far, however, the boy and girl pay the price for their wicked ways (I won’t spoil the delicious ending).

The story alone is nothing special, but combined with Wrake’s clever use of Higham’s original illustrations — complete with accompanying text to describe every image in the film (just in case you want to brush up on your reading) — Rabbit becomes a disturbing and sinister atmosphere that recalls David Lynch’s Blue Velvet.

The roots of the film go back a couple of years: while setting up a new studio, Wrake stumbled across some abandoned items at the bottom of a drawer. “In the early eighties, I found a few dusty old envelopes containing a selection of fifties educational stickers in a junk shop. They settled themselves at the bottom of a drawer for 20 years, until I rediscovered them.”

The idea for the film came from this collection of educational stickers created by Higham. “They have an innocence about them, partly because they are for children, but also because they come from a seemingly more innocent time, and I thought it would be interesting to present them as they have perhaps grown up, in an age where greed is often regarded as a virtue.”

Wrake laid out the hundreds of illustrations in order to find a potential storyline. He found the inspiration in the “I is for the idol” sticker. “I thought that it was an odd choice to illustrate the letter ‘i’ for children, it stuck out from the rest. I knew that I wanted to incorporate some drawn morphs into the film, and this led to the idea of the idol having magical powers of transformation. I was a big fan of the Moomins (books by Tove Jansson) as a child, and loved the Hobgoblin’s hat, which changed any object placed in it into something

nécessaire pour ne faire que des films indépendants, mais hélas, je dois gagner ma vie. » Un des boulots les plus uniques de Wrake a été de créer des éléments visuels pour la tournée PopMart de U2 en 1997. « Ç’a été un boulot formidable, une expérience extraordinaire d’un bout à l’autre. Cette commande m’est arrivée par l’intermédiaire de Catherine Owens, qui supervisait la production de matériel visuel pour le spectacle PopMart. Elle a obtenu des bobines de RCA et m’a passé un coup de fil. Willie Williams, le concepteur du spectacle, avait une idée assez claire quant aux peintures de Lichstentein qu’il voulait animer, mais il ne savait pas comment faire. D’une certaine façon, créer des trucs pour un spectacle en direct remonte à mes toutes premières œuvres, en ce sens qu’il n’y a pas de points fixes de synchronisation, parce que l’interprétation d’une chanson est à chaque fois différente, de sorte que le facteur chance est beaucoup plus présent que dans une promo. » Le travail de Wrake a tellement plu à U2 que le groupe l’a redemandé pour faire les éléments visuels de leur tournée Vertigo en 2005.

En 2006, l’animation de Wrake a pris un virage radical, qui l’a éloigné de l’imagerie libre et abstraite et rapproché des œuvres plus structurées davantage au service d’une narration.

Vous connaissez les livres de Dick et Jane, non ?

Ils racontent les aventures de deux enfants et de leur chien Spot (See Spot Run). Ils vivent dans un monde sans souci et naïf. Les illustrations, comme le texte, sont claires et simples. Je ne me rappelle pas en avoir lu quand j’étais petit, mais mon fils Jarvis en a certainement lu – c’est peut-être même le premier livre qu’il ait lu. Le drôle de type que je suis devenu (ce qui reste de mes années d’enfance, en tout cas) a inévitablement commencé à avoir des pensées impures et sombres à propos de ces deux petits chéris puritains : « Voyez comment Jane a pris Dick » et autres pensées tordues du même genre.

De l’autre côté du Grand Étang, en Angleterre, un illustrateur de livres du nom de Geoffrey Higham créait de tels livres. Wrake, peut-être mû par les mêmes imaginations douteuses que j’ai eues à propos de Dick et Jane, a décidé de prendre les illustrations originales de Higham et de les transformer en un petit film bizarre intitulé Rabbit.

Dès que le premier mot, « muff » [manchon.

NdTr], apparaît, nous savons que nous allons assister à quelque chose de différent. Un garçonnet et une fillette, qui ressemblent à Dick et Jane, tuent un lapin qui court dans les champs. Ils rapportent l’animal mort à la maison, ils le débitent, et il en sort une mystérieuse petite idole. Ce personnage terrifiant semble pouvoir changer des mouches en diamants. Comme les deux diablotins rêvent de devenir riches, ils décident d’exploiter la situation et d’amener l’idole à créer plus de diamants.

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SPECIAL SCREENINGS: CONT’D else, I think this may have been an influence also.”

With the concept in place, Wrake then scanned the original illustrations into Photoshop and layered them into movable body parts, and animated in Adobe After Effects CS4.

We love to mock and scorn old educational films (in the mid- 1990s I stumbled upon a horde of old 16 mm educational films dealing with proper social etiquette, work behaviour, etc. . . . I screened the films at a local bar and people loved them in this ironic, detached way) or innocent creations like Dick and Jane. Is it because we’ve become a cynical generation that has lost touch with rituals or just a symptom — whatever the era — of becoming an adult and losing that childhood innocence and naivety?

“I guess in every age,” says Wrake, “what has gone before is treated as somehow less important/relevant than the present culture by the majority of people. Often true, so much culture is intrinsically linked to the events and mindset of its time. However, the human condition never really changes at its most fundamental level, which is why the paintings of the Renaissance or the music of Mozart are as relevant today as they were in their time.

We may think we are more advanced because we have cars with satellite navigation computers and endless TV channels, but emotionally we are the same as ever.”

Wrake, though, was less interested in scorning the past than in placing them within the realities of the modern world. “In an age where the slow exhaustion of resources by an ever expanding population is becoming an inevitable reality, the simple nature of the illustrations and their content, and the world they represent, don’t seem so foolish.

The effectiveness and uniqueness of Rabbit stems from the clash between Higham’s righteous dreamworld and the truth of human nature; we know that such a virtuous world does not and cannot exist.

We laugh, but it’s really quite sad.

Rabbit was a massive success on the animation and festival circuit. Encouraged by the response, Wrake took another stab at narrative and found images. Commissioned by Veer to promote their CSA Images collection of vintage stock art, Wrake made the quirky sci-fi parody The Control Master (2008).

Extending the themes of Rabbit, Wrake takes a variety of innocent- looking art images from around the 1940s and 1950s and turns them on their head. Halftone City is an innocent and peaceful American town, and its inhabitants are comfortably living the good life of the American dream. What the citizens of Halftone don’t realize 98

SPECIAL SCREENINGS: CONT’D Toutefois, quand leur cupidité les entraîne trop loin, le garçon et la fille doivent payer le prix de leur comportement déréglé. (Je ne gâterai pas votre joie de découvrir la délicieuse conclusion.)

En soi, l’histoire n’a rien de spécial. Mais combinée à l’usage intelligent, par Wrake, des illustrations originales de Higham – qui demeurent intactes et comportent un texte d’accompagnement décrivant chaque image du film (au cas où vous voudriez dépoussiérer vos habiletés de lecture) – Rabbit s’imprègne d’une atmosphère perturbante et sinistre qui rappelle le Blue Velvet de David Lynch.

Les racines de ce film remontent à quelques années. Tandis qu’il montait un nouveau studio, Wrake a découvert des objets abandonnés au fond d’un tiroir. « Au début des années 1980, dans une boutique de bric-à-brac, j’avais trouvé de vieilles enveloppes poussiéreuses qui contenaient une série de collants éducatifs des années 1950. Elles étaient restées au fond d’un tiroir pendant 20 ans, jusqu’à ce que je les redécouvre. » L’idée du film est venue de cette collection de collants éducatifs créés par Higham. « Ils étaient auréolés d’innocence, en partie parce qu’ils étaient destinés à des enfants, mais aussi parce qu’ils venaient d’une époque apparemment plus naïve.

J’ai pensé qu’il serait intéressant de les présenter comme s’ils avaient grandi, à une époque où la cupidité est souvent considérée comme une vertu. » Wrake a étalé ces centaines d’illustrations pour trouver une continuité potentielle. Il a trouvé l’inspiration sur l’étiquette « I is for the idol » [« I est pour l’idole. » NdTr.]. « J’ai trouvé ce choix étrange dans une illustration de livre pour enfants; cela tranchait par rapport au reste. Je savais que je voulais incorporer des dessins transformés dans le film, et cela a engendré l’idée d’une idole qui avait des pouvoirs de transformation magiques.

Enfant, j’aimais beaucoup les Moomins (des livres par Tove Jansson), et le chapeau du farfadet Hobgoblin, qui transformait tout objet qu’on y plaçait; je pense que cela a pu aussi être une influence. » Une fois le concept en place, Wrake a scanné les illustrations originales dans Photoshop et en a séparé les calques en parties du corps mobiles, et animé le tout avec Adobe After Effects CS4.

Nous aimons ridiculiser les vieux films éducatifs (au milieu des années 1990, je suis tombé sur un tas de vieux films 16 mm traitant des bonnes manières, du civisme, du comportement à adopter au travail, etc. J’ai projeté ces films dans un bar local, et les gens les ont aimés de cette manière ironique et détachée), ou encore les créations naïves comme Dick et Jane. La cause en est-elle que nous soyons devenus une génération cynique qui a perdu contact avec les rituels, ou est-ce seulement le symptôme – peu importe l’époque – que nous sommes devenus adultes et avons perdu l’innocence et la naïveté de l’enfance ?

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is that Dorothy Gayne, a mild-mannered blonde, secretly protects the citizens of Halftone from evildoers. When the evil Doctor Moire gets his mitts on a powerful new gun and shrinks Dorothy, what will the people of Halftone do? Who will save them from Doctor Moire?

While The Control Master is original, engaging and entertaining, the film lacks the often brilliant, playful absurdity of Wrake’s earlier works. The majority of Wrake’s films demand repeat viewings: each experience offers a new revelation. This isn’t the case with The Control Master. Like a good piece of Hubba Bubba, Control Master is momentarily sweet and sumptuous, but then the flavour wears out, the gum is tossed, the moment forgotten. In November 2011, a moment never to be forgotten.

Wrake begins a series of tests that will hopefully explain why he is coughing up blood. The agony and uncertainty of the wait pushes him to find a distraction through animation. The result is Down with the Dawn (2012), a film that Wrake must surely wish he didn’t have to make.

“It was really just a need to do something to try and distract me from the agonizing uncertainty that my initial symptoms presented. Cancer was deemed an unlikely cause. During those three weeks I was unable to think about anything else, and despite desperately wanting to believe that ‘it was just an infection’, as doctors and statistics suggested, it was impossible not to assume the worst, and I think it was the sheer terror of that that created a need to do something to distract me.

Three weeks after first going to the doctor, a biopsy confirmed the worst.

Cancer.

« Je suppose que la plupart des gens d’une époque traitent ce qui est arrivé avant eux comme moins important ou moins pertinent que la culture actuelle. Cela est souvent vrai, puisqu’une grande partie d’une culture est intrinsèquement liée aux événements et à la mentalité de son époque. Mais au niveau le plus fondamental, la condition humaine ne change jamais vraiment : c’est pourquoi les peintures de la Renaissance ou la musique de Mozart sont aussi pertinentes aujourd’hui qu’elles l’étaient de leur temps. « Nous pourrions nous penser plus évolués parce que nos voitures ont des ordinateurs de navigation par satellite et que nous pouvons accéder à un nombre illimité de postes de télé, mais au plan émotif, nous sommes toujours les mêmes. » Cependant, Wrake s’est moins intéressé à dénigrer le passé qu’à le replacer dans les réalités du monde moderne. « À une époque où le lent épuisement des ressources par une population en constante croissance devient une réalité inévitable, il n’est pas si fou de montrer la nature simple de ces illustrations et de leur contenu ainsi que le monde qu’elles représentent. » L’efficacité et l’unicité de Rabbit vient du choc entre le monde onirique moral de Higham et la véritable nature humaine; nous savons qu’un monde aussi vertueux n’existe pas et ne peut pas exister.

Nous rions, mais en vérité, c’est triste à pleurer.

Rabbit a fait un malheur dans les réseaux des films d’animation et dans les festivals. Encouragé, Wrake a fait un autre essai de narration avec des images trouvées. Pour s’acquitter d’une commande de Veer qui voulait promouvoir sa collection de vieilles images stockées, « CSA Images », Wrake a fait la parodie excentrique de sciencefiction The Control Master (2008).

A horror I was already breathing.

Down with the Dawn read for me like a secret code for a club that both of us joined against our will.

A black screen littered with spots of white like a peaceful starry night. A faint red light interrupts the serenity of the moment. The light expands swiftly, a calm night forgotten. The red spot swiftly grows and expands before transforming into purple-bluish tone. The menace roams across horizons until it finally grows into a series of large red cells. The cells expand more rapidly, eventually overwhelming the screen, pushing all into darkness.

Accompanied by Howie B’s hypnotic and haunting song of the same name, Down with the Dawn conveys the terror and uncertainty of the wait and the random path of cancer, of life, of death.

I wondered if Run was hesitant about sharing such

Allant au-delà des thèmes de Rabbit, Wrake prend une gamme d’images stockées bien inoffensives des années 1940 et 1950, et les retourne en leur contraire. Halftone City est une ville américaine simple et paisible, et ses habitants vivent bien à l’aise dans « le rêve américain ». Ce qu’ils ignorent, c’est que Dorothy Gayne, une douce blonde aux manières délicates, les protège en secret des esprits malfaisants. Quand le vilain Doctor Moire met la patte sur un puissant nouveau fusil et rapetisse Dorothy, que vont faire les gens de Halftone ?

Qui les sauvera du vilain Doctor Moire ?

Bien que The Control Master soit original, engageant et divertissant, il lui manque l’absurdité enjouée et parfois brillante des œuvres antérieures de Wrake. La majorité des films de Wrake exigent qu’on les regarde plusieurs fois, car chaque visionnement révèle quelque chose de neuf. Ce n’est pas le cas pour The Control Master. Comme un bon morceau de chewing-gum, Control Master est par moments doux et somptueux, mais quand la

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SPECIAL SCREENINGS: CONT’D a deeply personal and traumatic moment from his life. “I was actually, yes. To be honest, treatment took over my life and I didn’t think much about it all for a while. For me, it had served its purpose and helped get me through that period of horrible uncertainty.”

After a successful surgery, Wrake initially planned to post the film online, but was unsure if something so personal and abstract would resonate with an audience. He moved forward though when he considered that almost everyone these days has been touched by cancer directly or, more likely, indirectly. “I felt that so long as the synopsis clarified the film’s genesis, then the resonance might exist after all.”

SPECIAL SCREENINGS: CONT’D saveur s’affadit, on jette le morceau et on oublie la sensation qu’il a provoquée.

En ce moment, Wrake suit à nouveau un nouveau parcours. Non seulement est-il récemment devenu père pour la première fois, mais il s’aventure aussi sur un terrain plus commercial : « Je fais pour Disney une courte pièce qui tente d’encourager les enfants d’âge préscolaire à économiser l’eau, ou plus vraisemblablement, à embêter leurs parents à ce sujet ! » Avec un peu de chance, les enfants du monde entier savoureront bientôt une « tête en escalope » pour la première fois.

In early July 2012, Run emailed me (we’d be in semi-regular contact casually sharing our cancer and chemo experiences) to say that the cancer returned during chemo and is now incurable. He was surprisingly calm and clear-headed when he wrote: “I am currently undergoing no treatment, concentrating instead on living one day at a time, and making the most of every second. The doctor’s surprise at the return of the cancer proves that nobody really fully understands the disease, so as far as the future is concerned...who knows?”

YOUTUBULAR By / Par Matt Rosen

A week ago (July 23rd), I got word that I was clear and clean of cancer – for the moment. I initially reacted with anger, guilt and bitterness.

Go figure.

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SPECIAL SCREENINGS: CONT’D

SPECIAL SCREENINGS: CONT’D YOUTUBULAR Thursday, September 20, 1:00pm (Empire Theatres - Rideau) Friday, September 21, 7:00pm (Empire Theatres - Rideau) Jeudi 20 septembre, 13h00 (Théâtre Empire Rideau) Vendredi, 21 septembre 19h00 (Théâtre Empire Rideau)

POWERTHIRST 1 PICNICFACE | 2007 | 1:23

STAR WARS: RETOLD (BY SOMEONE WHO HASN’T SEEN IT) JOE NICOLOSI | 2009 | 3:43

GEORGE WASHINGTON BRAD NEELEY | 2009 | 2:24

SCHFIFTY-FIVE *******UNKNOWN | 2004 | 2:06

STRONG BAD EMAIL ‘DRAGON’ *******UNKNOWN | 2004 | 3:30

THE DISTURBING ADVENTURES OF JAKE & STUGGY D. RICH SIBBLIES | 2006 | 2:53

POWERTHIRST 2 PICNICFACE | 2007 | 2:07

DOCK ELLIS & THE LSD NO-NO JAMES BLAGDEN | 2009 | 4:32

APOLLO GAUNTLET ‘BELLENUS BLADE’ MYLES LANGLOIS | 2010 | 8:38

NEW BOOTS / HIP HOP DANCE ********UNKNOWN | 2005 | 2:48

THE PROFESSOR BROTHERS ‘HISTORY LESSON (JFK)’ BRAD NEELEY | 2009 | 2:43

SALAD FINGERS ‘FRIENDS’ DAVID FIRTH | 2008 | 4:02

BADGERS WEEBL | 2008 | 1:14

LOOK AT ME NOW (LITERAL MS PAINT) **********UNKNOWN | 2011 | 3:27

POWERTHIRST 3: POWERMOST PICNICFACE | 2010 | 1:20

BRODYQUEST NEIL CICIEREGA | 2010 | 4:02

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BARRY PURVES’ TCHAIKOVSKY: FRAME BY FRAME/NOTE BY NOTE / LE TCHAÏKOVSKI DE BARRY PURVES IMAGE PAR IMAGE, NOTE PAR NOTE RECOMMENDED FOR 14+ / SUGGÉRÉ POUR PLUS 14 ANS ET PLUS

Friday, September 21, 11:00am (Arts Court Theatre) Vendredi 21 septembre, 11h00 (Cour des Arts Théâtre) Master puppet animator, Barry Purves, takes us through the fascinating origins and development of his latest film, Tchaikovsky. With the Tchaikovsky puppet at his side, Purves will screen the entire film before taking us behind the scenes with a special ‘making of” film. He will discuss the musicality of the film, and how a limited budget -- and this was limited -- can often reinforce creativity.

Purves will also illuminate the challenges of his approach to giving a genuine sense of this monumental artist and his music in a mere thirteen minutes.

L’animateur maître de la marionnette, Barry Purves, nous pilote à travers les origines et le développement fascinants de son dernier film, Tchaikovsky. Avec la marionnette de Tchaïkovski à ses côtés, Purves projettera tout le film avant de nous emmener en coulisses avec un « making of » bien particulier. Il discutera de la musicalité du film et de la façon dont un budget limité – car ce budget était limité – peut souvent renforcer la créativité. Purves donnera aussi des éclairages sur les défis qu’a posée l’approche qu’il a utilisée pour faire véritablement connaître cet artiste monumental et sa musique en seulement treize minutes.

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HOTEL TRANSYLVANNIA SCREENING AND Q&A/ PROJECTION DE HOTEL TRANSYLVANNIA SUIVIE D’UNE PÉRIODE DE QUESTIONS SUITABLE FOR ALL AGES / CONVIENT POUR TOUT PUBLIC

Thursday, September 20, 6:15pm (ByTowne Cinema) Jeudi 20 septembre, 18h15 (Cinéma ByTowne) Welcome to Hotel Transylvania, Dracula’s lavish five-stake resort, where monsters and their families can live it up, free to be the monsters they are without humans to bother them. On one special weekend, Dracula has invited some of his best friends – Frankenstein and his wife, the Mummy, the Invisible Man, the Werewolf family, and more – to celebrate his beloved daughter Mavis’s 118th birthday. For Drac, catering to all of these legendary monsters is no problem – but everything could change for the overprotective dad when one ordinary guy stumbles on the hotel and takes a shine to Mavis. Director, Genndy Tartakovski will be hosting a Q&A after the film screening.

Bienvenue à l’Hôtel Transylvania, le luxueux centre de villégiature cinq-épées où les monstres et leur famille peuvent vivre la belle vie et laisser libre cours à leur nature sans humains autour pour les embêter. Un week-end, Dracula, en bon pèrepoule, invite ses meilleurs amis – dont Frankestein et son épouse la Momie, l’Homme invisible et la famille Loup-Garou – à célébrer le 118e anniversaire de sa fille Mavis. Drac n’éprouve aucun problème à satisfaire tous ces monstres légendaires – jusqu’à ce qu’un excursionniste ordinaire arrive à l’hôtel et s’entiche de Mavis. Le réalisateur Genndy Tartakovski animera une période de questions après la projection.

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TALKS / DISCUSSIONS

TALKS / DISCUSSIONS

WHOA, WHAT?: EXPERIMENTAL INFLUENCE IN THE COMMERCIAL REALM

BEHIND-THE-SCENES OF PARANORMAN/ DANS LES COULISSES DE PARANORMAN

RALPH BAKSHI: ONE ON ONE/ ENTREVUE EN DIRECT AVEC RALPH BAKSHI

RECOMMENDED FOR 14+ / SUGGÉRÉ POUR PLUS 14 ANS ET PLUS

Sunday, September 23, 10:30am (National Arts Centre Theatre)

MATURE AUDIENCES ONLY / PUBLIC AVERTI SEULEMENT

Dimanche, 23 septembre, 10h30 (Centre National des Arts)

Saturday, September 22, 12:30pm (National Arts Centre Theatre)

Jeudi 20 septembre, 11h00 (Cour des Arts Théâtre)

When a small town comes under siege by zombies, who can it call? “Norman!”

Samedi, 22 septembre, 12h30 (Centre National des Arts)

Experimental and commercial animation are often discussed in terms of what sets them apart, but what do they have in common? Where can the strengths of one inform and improve parts of the other? Join guest panelists with feet in both worlds as they wade into the waters between art and industry.

From Focus Features and LAIKA, the companies behind the Academy Award-nominated animated feature Coraline, comes the comedy thriller ParaNorman. Following Coraline, ParaNorman is the second stop-motion animated feature to be made at LAIKA in 3D, unifying the two stunning art forms to tell an all-new frightfully funny, magically emotional, and hilariously spooky story. Co-Director Chris Butler shares the creative process behind the stop-motion animated feature ParaNorman, from refining cutting-edge technology to creating a record number of detailed pieces, he shares how the film takes stop-motion animation to a whole new level.

A rare opportunity for audiences to listen to this year’s special guest, the legendary animator Ralph Bakshi, talk about his life in art. Interviewed

by Morgan Miller (There’s a Dead Crow Outside, Vacuum Attraction), this very special session will explore Bakshi’s work from a fine art perspective, as well as examining the progression of themes and techniques in his films: generational conflicts; the uses of garbage and trash as metaphors; and the prominent use of montage and idiosyncratic, irreverent, and even subversive juxtapositions.

Following the interview, Bakshi will take questions from the audience. If there’s one event that you cannot miss this year, this is it.

Quand une petite ville est assiégée par des zombies, qui peut-on appeler ? « Norman ! »

Une rare occasion pour l’auditoire d’entendre l’invité spécial de cette année, l’animateur légendaire Ralph Bakshi, s’entretenir de sa vie artistique avec Morgan Miller (There’s a Dead Crow Outside, Vacuum Attraction). Cette séance très spéciale étudiera l’œuvre de Bakshi du point de vue des Beaux-Arts tout en examinant la progression des thèmes et des techniques dans ses films : les conflits de génération, l’utilisation des déchets et ordures comme métaphores et l’usage prééminent du montage et de juxtapositions idiosyncratiques, irrévérencieuses et même subversives. Après l’entrevue, Bakshi répondra aux questions de l’auditoire. S’il y a un événement à ne pas manquer cette année, c’est bien celui-ci.

Thursday, September 20, 11:00am (Arts Court Theatre)

Les films animés de catégories commerciale et expérimentale sont souvent examinés et comparés par rapport à ce qui les différencie, mais qu’ont-ils en commun ? En quoi les forces d’une catégorie peuvent-elles améliorer et nourrir certaines parties de l’autre ? Rejoignez des invités avec les pieds plantés dans les deux mondes, pour discuter des rapports entre art et industrie.

SpeakerS/ Conférenciers: Christy Karacas,Michael Langan, Malcolm Sutherland

Le suspense comique ParaNorman nous vient de Focus Features et de LAIKA, producteurs de Coraline, le long-métrage d’animation nominé aux Academy Awards, ParaNorman est ainsi le 2e film d’animation image par image réalisé en 3D par LAIKA, qui a unifié ces deux formes d’art formidables pour raconter une histoire horriblement drôle, aux émotions magiques, où on se tord de rire autant que d’effroi. Le coréalisateur Chris Butler a participé à sa création. Du raffinement d’une technologie de pointe à la création d’un nombre record d’éléments de détail, il nous dit comment ParaNorman hisse l’animation image par image à un niveau inédit.

Speaker/ Conférencier: Chris Butler

THIS WAY UP : THE MASTERY OF SMITH AND FOULKES/ L’EXTRAORDINAIRE MAÎTRISE DE SMITH ET FOULKES RECOMMENDED FOR 14+ / SUGGÉRÉ POUR PLUS 14 ANS ET PLUS

Thursday, September 20, 7:00pm (National Gallery) Saturday, September 22, 3:00pm (National Gallery) Jeudi 20 septembre, 19h00 (Musée des beaux-arts) Samedi 22 septembre, 15h00 (Musée des beauxarts) Britain’s leading animation directors, Alan Smith and Adam Foulkes, don’t make straightforward commercials. Having directed as a team for over a decade, their curriculum vitae includes spots for some of the world’s most iconic brands, including: Coke, Comcast, Motorola, Orange, Robinsons, the Department for Transport and Virgin Atlantic. On the big screen, they created the animated opening sequence for Lemony Snicket’s A Series of Unfortunate Events for Dreamworks. Their own short movie This Way Up was nominated for an Oscar at the 81stAcademy Awards.

Join Smith and Foulkes as they screen a selection of their work, present case studies of selects films and take part in a Q&A with the audience.

Les chefs de file britanniques de la réalisation de films d’animation Smith et Foulkes ne font pas de pubs ordinaires. Ayant réalisé des films en tandem depuis plus d’une décennie, leur c.v. comprend des pubs pour certaines des marques les mieux connues au monde : Coke, Comcast, Motorola, Orange, Robinsons, le ministère des Transports de la G.-B. et Virgin Atlantic. Au grand écran, ils ont créé pour Dreamworks la séquence d’ouverture de Lemony Snicket: A Series of Unfortunate Events.

Leur propre court métrage This Way Up a été mis en nomination pour un Oscar aux 81e Academy Awards. Les deux remarquables créateurs cinématographiques que sont Alan Smith et Adam Foulkes seront présents pendant tout le FIAO. Rejoignez Smith et Foulkes pour une sélection de leurs oeuvres, études de cas actuels de films sélectionnés et une discussion avec le public.

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TALKS / DISCUSSIONS

FULL STEAM AHEAD: THE LIFE AND ART OF WARD KIMBALL/ EN AVANT TOUTE ! : LA VIE ET L’ŒUVRE DE WARD KIMBALL SPONSORED BY / COMMANDITÉ PAR RECOMMENDED FOR 14+ / SUGGÉRÉ POUR PLUS 14 ANS ET PLUS Friday, September 21, 9:15pm (Arts Court Theatre) Saturday, September 22, 1:00pm (Arts Court Theatre) Vendredi 21 septembre, 21h15 (Cour des Arts - Théâtre) Samedi 22 septembre, 13h00 (Cour des Arts - Théâtre) One of Disney’s Nine Old Men and a bona-fide master of character animation, Ward Kimball (1914-2002) was among the most iconoclastic artists who worked during the Golden Age of Hollywood animation. The animator of Jiminy Cricket, Lucifer the Cat and the Dumbo crows, Kimball was heralded by some Disney colleagues as the studio’s “artistic conscience,” vilified by others for being “completely out of sympathy” with the Disney films, and hailed by Walt Disney himself as “the one artist who works for me I call a genius.”

What made Kimball’s animation so funny and memorable?

What did Kimball do that made him such a controversial figure within the Disney studio? What can animators today learn from his work?

Using never-before-seen artwork and film footage from Kimball’s archives, author and historian Amid Amidi will explore all of these questions and more in this unique lecture based on his book “Full Steam Ahead!: The Life and Art of Ward Kimball” (Chronicle Books, 2012).

Un des neuf sages de Disney, mais maître de plein droit de l’animation de personnages, Ward Kimball (1914-2002) a compté parmi les artistes les plus iconoclastes de l’Âge d’Or de l’animation hollywoodienne. Animateur du grillon Jiminy, du chat Lucifer et des corbeaux de Dumbo, Kimball a été proclamé la « conscience artistique » du studio par certains de ses collègues de chez Disney, raillé par d’autres comme « n’ayant aucune sympathie » pour ses films et salué par Disney lui-même comme « l’artiste qui travaille pour moi que j’appelle un génie. » Qu’est-ce qui a rendu l’animation de Kimball si drôle et si mémorable ? Qu’a fait Kimball pour susciter tant de controverse au studio Disney? Que peuvent apprendre de son œuvre les animateurs d’aujourd’hui ? À l’aide d’œuvres et de pellicules jamais vues tirées des archives de Kimball, l’auteur et historien Amid Amidi étudiera ces questions et d’autres encore dans sa conférence unique basée sur son livre, Full Steam Ahead!: The Life and Work of Ward Kimball (Chronicle Books, 2012).

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TALKS / DISCUSSIONS

NFB HOTHOUSE: STEPPING STONES/ LE HOTHOUSE DE L’ONF: UN TREMPLIN RECOMMENDED FOR 14+ / SUGGÉRÉ POUR PLUS 14 ANS ET PLUS

SPOTLIGHT ON PIXAR’S PARTYSAURUS REX AND WALT DISNEY ANIMATION STUDIOS’ PAPERMAN

THE MAKING-OF LE TABLEAU / LE MAKING-OF DU TABLEAU

Saturday, September 22, 11:00am (Arts Court Theatre)

Sunday, September 23, 3pm (National Arts Centre Theatre)

Samedi 22 septembre, 11h00 (Cour des Arts Théâtre)

Dimanche 23 septembre, 15h00 (Centre National des Arts)

Jeudi 20 septembre, 17h00 (Musée des beaux-arts)

THROWING A PARTY! PIXAR'S "PARTYSAURUS REX" FOLLOWED BY A SPECIAL "MAKING-OF"

Join director Jean-François Laguionie and writer Anik Leray for an in-depth conversation about the innovative and beautifully crafted tale of an unfinished painting whose artist has abandoned his incomplete creations.

Animation producer Michael Fukushima pulls back the curtain on the NFB’s flagship emerging filmmaker program, Hothouse, with a panel of Hothouse alumni, including Oscar®-nominated Patrick Doyon. Co-created by Fukushima in 2002, Hothouse has successfully developed skills, confidence and professional insight in young animators aspiring to become auteur filmmakers. The alumni— Doyon, Rachel Peters, Dale Hayward, Malcolm Sutherland—dissect Hothouse’s gruelling 12-week schedule and the secrets behind their proposals shining amongst the multitude, and discuss how the Hothouse and NFB experiences furthered their career ambitions, both as filmmakers and in the marketplace.

Speakers: Rachel Peters, Dale Hayward, Malcolm Sutherland, Patrick Doyon, Michael Fukushima En compagnie d’un groupe d’anciens participants à Hothouse, le producteur de films d’animation Michael Fukushima lève le voile sur ce programme vedette de l’ONF destiné aux cinéastes de la relève, qu’il a contribué à créer. Hothouse a vu le jour en 2003, et a permis à de jeunes animateurs souhaitant faire des films d’auteur de développer leurs compétences, d’accroître leur confiance et d’élargir leur perspective sur le plan professionnel.

Les anciens — le finaliste aux Oscars Patrick Doyon, Rachel Peters, Dale Hayward, Malcolm Sutherland — décortiquent l’horaire infernal de 12 semaines du programme Hothouse, parlent des éléments qui ont fait ressortir leurs propositions du lot et expliquent comment l’expérience Hothouse et l’ONF ont aidé à l’atteinte de leurs aspirations de carrière, tant dans le milieu du cinéma que sur le marché

In this screening and presentation, animator Mark Walsh will screen his Pixar directorial debut, "Partysaurus Rex" and discuss the challenges, inspirations - and the dancing! - that went into the making of this new Toy Story Toon.

Pour cette projection et discussion, animateur Mark Walsh présentera son début comme directeur pour Pixar: “Partysaurus Rex”, pour discuter les défis, les inspirations, et les mouvements de dance!

Thursday, September 20, 5:00pm (National Gallery)

Joignez-vous au réalisateur Jean-François Laguionie et à la scénariste Anik Leray pour une conversation en profondeur sur le conte innovateur et bellement ciselé d'une peinture inachevée par son peintre.

BEHIND-THE-SCENES OF WALT DISNEY ANIMATION STUDIOS' NEW SHORT, PAPERMAN/ LES ROUAGES DU NOUVEAU COURT MÉTRAGE DES STUDIOS D'ANIMATION DISNEY, PAPERMAN First-time director John Kahrs shares the use of a groundbreaking new technique that seamlessly merges computer-generated and hand-drawn animation techniques, taking the art of animation in a bold new direction with Paperman. Created by a small, innovative team working in the Walt Disney Animation Studios, Paperman pushes the animation medium in an exciting new direction.

Le réalisateur John Kahrs, dont c'est le premier film, nous explique l'utilisation, dans Paperman, d'une nouvelle technique révolutionnaire qui fusionne sans heurt les techniques d'animation par ordinateur et du dessin à la main, et qui imprime ainsi à l'art de l'animation une toute nouvelle direction. Créé par une petite équipe innovatrice travaillant à Walt Disney Animation Studios, Paperman donne au média de l'animation une nouvelle orientation passionnante.

Conférenciers: Rachel Peters, Dale Hayward, Malcolm Sutherland, Patrick Doyon, Michael Fukushima

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ACTIVITIES FOR TEENS / ACTIVITÉS POUR LES ADOS Saturday, September 22, 9:00am to 6:00pm (all venues) samedi, le 22 septembre, 9h00 à 18h00 (tous endrois)

There are a number of activities just for teens at this year’s Festival(but you might want to check out all the other stuff too). Unless indicated, mostscreenings are appropriate for teens.

FROM SCORSESE TO NOLAN: CREATING VISUAL EFFECTS THAT SERVE STORY / DE SCORSESE À NOLAN : CRÉER DES EFFETS VISUELS QUI SERVENT LE RÉCIT

UBISOFT’S SPLINTER CELL BLACKLIST AND PERFORMANCE DRIVEN ANIMATION

RECOMMENDED FOR 14+ / SUGGÉRÉ POUR PLUS 14 ANS ET PLUS

Saturday, September 22, 10:30pm (National Arts Centre Theatre)

Sunday, September 23, 12:30pm (National Arts Centre Theatre)

Samedi 22 septembre, 10h30 (Centre National des Arts)

Dimanche 23 septembre, 12h30 (Centre National des Arts)

Founded in September 2010, Ubisoft Toronto is one of Canada’s most recent game development studios currently hard at work on Tom Clancy’s Splinter Cell Blacklist, releasing in Spring 2013. The biggest and most ambitious Splinter Cell game to date, a core element showcased for the first time in Blacklist is a more filmic pipeline adapted to create immersive, high-quality cinematics to support and deliver the deep and rich story of the game.

Director David Footman will guide the audience through an in-depth view on his approach to interactive storytelling that relies on innovative techniques combined with state-of-the art facilities at Ubisoft Toronto. He will take attendees through his approach with a focus on total trust in actor performance and a return to classical filming tools and sets to create a new level of quality with Splinter Cell Blacklist.

New Deal Studios was founded in 1995 by visual effects supervisors Matthew Gratzner and Ian Hunter, and producer Shannon Gans. Since its creation, the company has been responsible for creating some of the industry’s most iconic imagery to date: the tumbler vs garbage truck battle for The Dark Knight; the mountain hospital explosion at the end of Inception; the opening aerial drop in The Dark Knight Rises; the Beverly Hills crash sequence in The Aviator; the Lighthouse in Shutter Island; and the historically accurate train crash in Hugo. These images were also all the created for two of this century’s most respected and talented directors, Christopher Nolan (The Dark Knight, Inception, The Dark Knight Rises) and Martin Scorsese (Shutter Island, The Aviator, Hugo). Join New Deal Studios supervisors Matthew Gratzner and Ian Hunter as they talk about creating these and other iconic effects and what it takes to bring the visions of these amazing directors to life.

RECOMMENDED FOR 14+ / SUGGÉRÉ POUR PLUS 14 ANS ET PLUS

New Deal Studios a été fondé en 1995 par les superviseurs d’effets spéciaux Matthew Gratzner et Ian Hunter, et la productrice Shannon Gans. Depuis sa création, la compagnie a eu la charge de créer certaines des imageries les plus typiques à ce jour : la bataille entre le « Tumbler » et le camion de rebuts dans The Dark Knight; l’explosion de l’hôpital de montagne à la fin d’Inception; la descente aérienne au début de The Dark Knight Rises; la séquence de l’écrasement à Beverley Hills dans The Aviator; le phare dans Shutter Island; l’écrasement historiquement exact du train dans Hugo. Ces images ont aussi été créées pour deux des réalisateurs les plus respectés et les plus talentueux du siècle, Christopher Nolan (The Dark Knight, Inception, The Dark Knight Rises) et Martin Scorsese (Shutter Island, The Aviator, Hugo). Joignez-vous aux superviseurs de New Deal Studios Matthew Gratzner et Ian Hunter tandis qu’ils nous parlent de la création de ces effets visuels, entre autres, et ce qu’il faut pour donner vie aux visions de ces réalisateurs extraordinaires.

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Nous avons créé plusieurs activités juste pour les ados cette année au Festival (mais vous voudrez sans doute vérifier aussi les autres activités). À moins d’avis contraire, toutes les représentations sont appropriées pour les spectateurs adolescents.

SCHEDULE

The Festival is free for teens all day Saturday (9:00am to 6:00pm). Just pre-register for a FREE Adobe Toon Apprentice pass by visiting www. animationfestival.ca or calling 613.232.8769. There will also be a limited number of passes available at our Reception in the Arts Court during the Festival.

Le Festival est gratuit pour les ados toute la journée (samedi, 9h00 a 18h00). S’nscrire à l’avance pour obtenir un laissez-passer GRATUIT en allant au www.animationfestival.ca ou en appelant au 613.232.8769. Un nombre limité de laissezpasser seront disponibles. www toonapprentice.ca

9:30 AM

Toon Apprentice Day for Teens - Sheridan

10:00 AM

Toon Apprentice Day for Teens - Algonquin College

10:30 AM

Toon Apprentice Day for Teens – BIT

11:00 AM

Free Screening: Canadian Student Showcase

1:00 PM

Toon Apprentice Day VanArts

1:30 PM

Free Screening: International Student Showcase

TOON APPRENTICE DAY FOR TEENS Friday, September 21, 9:30am to 3:00pm (National Gallery of Canada) Vendredi le 21 septembre, de 9h30 jusqu'à 15h00 (Musée des beaux- arts) PRE-REGISTER YOURSELF OR YOUR GROUP CALL 613.232.8769 / FAITES CERTAIN D'ENREGISTRER VOTRE GROUPE EN AVANCE! SVP APPELEZ 613-232-8769 POUR COMPLÈTER VOTRE RÉSERVATION.

High School students interested in animation won’t want to miss this free day-long event. See some amazing animation from around the world and catch presentations by animation schools.

Les étudiants au niveau secondaire ne voudront pas manquer cet événement gratuit qui dure la journée longue! Venez jetter un coup d’oeil sur de l’animation extraordinaire venant des quatres coins du monde en plus des présentations de la part des écoles d’animation.

HANDS-ON TEEN WORKSHOP Adobe, the OIAF, One World Arts and Algonquin College are working together to present a free intensive four day workshop for local Ottawa teens!

Running over the weekends of September 8 -9 and 15-16, this workshop guarantees knowledge and creativity!

Free the Children will be on hand to discuss issues that affect the youth of the world today. Using this information as their inspiration, teens will be using Adobe software to go through the filmmaking process and create a short animated film.

Pre-registration is required. Please call 613-2328769 to reserve your spot today!

Adobe, le FIAO, One World Arts et le collège Algonquin travaillent ensemble pour vous présentez un atelier gratuit intensif pour les ados locaux de la région d'Ottawa! Cet atelier prend place les fins de semaine, du 8 au 9 septembre et encore une fois de 15 au 16 septembre. On vous garantie un éducation de la créativité au long de ces quatre sessions!

L'organisation Free the Children sera sur place pour discuter des problèmes qui affectent les jeunes d'aujourd'hui. En utilisant cette nouvelle information comme forme d'inspiration, les ados vont utiliser le logiciel Adobe pour créer un courtmétrage animé!

Inscription à l’avance requise. SVP nous donner un coup de fil au 613-232-8769 pour sauvegarder votre place!

FREE! ADOBE TOON APPRENTICE PASS / GRATUIT! LAISSEZ-PASSER D’APPRENTI ANIMATEUR ADOBE OIAF 2012 FESTIVAL READER / FIAO 2012 LECTEUR DU FESTIVAL

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KIDS' STUFF / TRUCS POUR ENFANTS

OTHER EVENTS / AUTRES ÉVÉNEMENTS

FESTIVAL LOUNGE : CHEZ ANI

ANIBOUTIQUE

ARTS COURT STUDIO, 2 DALY AVE., 2ND FLOOR

ARTS COURT STUDIO / COUR DES ARTS - STUDIO

Wednesday September 19th 10:30am – 6:00pm / mercredi le 19 septembre, de 10h30 jusqu’à 18h00

ACTIVITIES FOR KIDS & FAMILY KIDS STUFF Give your family the red carpet treatment and take them to kid-friendly screenings at a world-class film festival.

Mark the dates on your calendar!

PRESENTED BY THE NFB. PRE-REGISTRATION REQUIRED / INSCRIPTION À L’AVANCE REQUISE (613-232-8769)

TRUCS POUR ENFANTS Déroulez le tapis rouge pour les membres de votre famille et emmenez-les voir des projections destinées aux enfants à un festival de film de classe internationale.

Recherchez-les dans le calendrier!

FREE! ANIMATION CELEBRATION / GRATUIT! CÉLÉBRATION DE L'ANIMATION

Thursday, September 20, 9:30am and 11:00am (National Gallery) Jeudi, le 20 Septembre, 9:30h et 11h00 (Musée des beaux-arts) Pre-register your class or group for this free event happening at the National Gallery on Thursday, September 20. There will a presentation at 9:30am and another at 11:00pm. While you are there - plan a visit for your group at the Gallery by calling 613-990-4888 Inscrivez d'avance votre classe ou votre groupe à cet événement gratuit qui aura lieu au Musée des Beaux-Arts le jeudi 20 septembre. Il y aura une présentation à 9 h 30 et une autre à 11 h. Et puisque vous serez là -- prévoyez une visite du Musée par votre groupe en composant le 613-990-4898.

Thursday. September 20th 9:00am – 9:30pm / jeudi le 20 septembre, de 9h00 jusqu’à 21h30 Fri. September 21st – Sat. September 22nd 9:00am–midnight / du vendredi 21 au samedi 22 septembre, de 9h00 jusqu’à minuit Sun. September 23rd 9:00am – 4:00pm / dimanche 23 septembre, de 9h00 à 16h00 Chez Ani is the place where filmmakers and fans alike can get together, socialize and do business – with wireless internet access! Whether stopping in early for a coffee, grabbing a bite or ending the night with a quiet drink or two, Chez Ani can be your go-to place to hang while in Ottawa.

Chez Ani est l’endroit où cinéastes et amateurs peuvent se rencontrer, tisser des liens et parler affaires – avec un accès Internet sans fil ! Que vous y passiez tôt le matin pour prendre un café, pendant la journée pour avaler une bouchée ou en fin de soirée pour vous relaxer avec un verre ou deux, Chez Ani peut être votre port d’attache pendant que vous êtes à Ottawa.

Wednesday to Thursday - 9:00am to 9:00pm mercredi jusquà jeudi - 9h00 à 21h00 NAC FOYER/ FOYER DU CNA Friday to Saturday - 9:00am to 9:00p vendredi et samedi - 9h00 à 21h00 Sunday - 9:00am to 7:00pm dimanche - 9h00 à 19h00 Looking for the perfect souvenir? Look no further than the Festival’s own bookstore for t-shirts, mugs, posters, water bottles and animation related books and DVDs. There’s a little something for everyone’s budget.

Vous cherchez le souvenir idéal ? Vous trouverez à la librairie du Festival des t-shirts, des tasses, des affiches, des bouteilles d’eau, des livres sur l’animation et des DVD. Il y a un petit quelque chose pour tous les budgets

ANIMATION CELEBRATION Animation Celebration offers Ottawa-area elementary school children (ages 8–12) an introduction to the art of animation. The 2012 edition presents Warner Bros.

Animation and Merrie Melodies director and character designer Jessica Borutski. Borutski will go behind-thescenes of the Looney Tunes character redesign for The Looney Tunes Show and directing the 2-minute music videos, Merrie Melodies.

La célébration de l’animation offre aux étudiants au niveau primaire (âges 8 à 12) une introduction au côté artistique de l’animation. Pour l’édition 2012, on vous présente Jessica Borutski, la directrice du court-métrage Merrie Melodies et la responsable pour reconcevoir les personnages de Warner Bros. Animation. Borutski vous amène à l'arrière-scène de la transformation des personages de l'émission des Looney Tunes, et elle va aussi discuter sa direction du vidéoclip : Merrie Melodies.

Speaker/Animatrice: Jessica Borutski

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WWW.ANIMATIONFESTIVAL.CA

VIEWING-ON-DEMAND / POSTES DE VISIONNAGE SUR DEMANDE: This year, OIAF is offering a special small screening venue for any of the 2012 festival’s 2,377 entries. Submissions can be screened on-demand from 11:00am until 9:00pm Wednesday to Saturday and 11am to 4pm on Sunday during the Festival. The screening room has limited space and is run on a first-come-first-screened basis.

Cette année, le FIAO offre un petit lieu de projection spécial où on peut voir chacun des plus de 2 377 films inscrits au Festival 2012. Pendant le festival, ces films peuvent être visionnés sur demande de 11 h à 21 h du mercredi au samedi et de 11 h à 16 h le dimanche. La salle de projection compte peu de sièges et fonctionne selon le principe du premier arrivé, premier servi.

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OTHER EVENTS / AUTRES ÉVÉNEMENTS

FOR PASSHOLDERS ONLY

SHELDON COHEN BOOK SIGNING

STUDENT PARTY

Friday, September 21, 6:00pm – 7:00pm (NAC – Foyer) Vendredi, le 21 septembre, 18h00 – 19h00 (Foyer - CNA)

DOWNLOAD OUR APP

Come meet and greet renowned animator and illustrator Sheldon Cohen! He will be signing copies of his book This Sweater is for You!

ANIMATIONFEST

The Sweater is one of the most beloved animated films of all time. Based on Roch Carrier’s short story, also known as “The Hockey Sweater,” the film is about hockey, the clash of cultures, and a harkening to bygone times. Now 30 years later, the animator and illustrator of the story, Sheldon Cohen, delves into the notebooks, photographs, and memories to re-create the process he undertook to make The Sweater and his other work.

Un événement qui vous donne la chance de rencontrer et jaser avec l’animateur et desinateur Sheldon Cohen! Il sera présent pour dédicacé des copies de son livre : This Sweater is for You! The Sweater (Le Chandail) est un des films animés le mieux-aimés de tous temps. Basé sur l’histoire courte de Roch Carrier, aussi connue sous le nom “The Hockey Sweater”, le film a comme sujet le hockey, l’affrontement des cultures et la compréhension des temps passés. Maintenant, 30 ans plus tard, l’animateur et dessinateur de l’histoire, Sheldon Cohen plonge à travers ses anciens cahiers de notes, ses vieilles photos et ses souvenirs pour réinventer le processus dont il a pris pour créer Le Chandail et ses autres oeuvres.

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Sponsored by: Club Saw 67 Nicholas St (Arts Court Side Entrance) Friday, September 21st 11:00pm - 2:00am Come and check out new student films from Algonquin College, Sheridan, Bachelor of Information Technology and VanArts.

Venez voir les nouveaux films des étudiants inscrits dans nos écoles partenaires. Recontrez d’autres étudiants autour d’une bière pas chère!

for an on-the-go schedule, maps and our You Can't Unsee This Stuff Cam. Send your "You Can't Unsee This Stuff" reaction shot photo to ottawaevents@cbc.ca If you see it on CBC TV during the 6pm weather, you win an Animation Six-Pack.

WWW.ANIMATIONFESTIVAL.CA

SALON DES REFUSÉS Sponsored by: Club Saw 67 Nicholas St (Arts Court Side Entrance) Thursday, September 20th 11:00pm - 2:00am Stick it to the festival at this screening that celebrates the films that didn’t make it into the competition or showcase screenings. Remember to bring your rejection letter and you’ll get a free drink on LAIKA.

PARTIES FESTIVAL EVENT: OPENING NIGHT PARTY Hard Rock Café / www.hardrock.com 73 York Street Wednesday, September 19st, 11:00pm – 2:00am Sponsored by / Commandité par:

Hard Rock Café is conveniently located in the middle of the ByWard Market. Two floors of fun await TAC and Festival passholders! Have a free drink and snacks courtesy of one of Ottawa’s leading animation companies.

Le Hard Rock Café est facilement accessible, situé au centre du Marché By. Deux étages de plaisir attendent les titulaires de laissez-passer du CAT et du Festival ! Le premier verre et les amuse-gueules sont aux frais d’une des principales compagnies d’animation d’Ottawa.

Hang out all night for cheap drinks.

Envoyez braire le Festival durant cette projection de films qui ont été refusés à la Compétition et la Vitrine. Assurez-vous pas d’apporter votre lettre de refus : LAIKA vous paiera un verre.

Et pourquoi pas y passer toute la soirée ? La boisson n’est pas chère.

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POUR LES TITULAIRES DE LAISSEZ-PASSER SEULEMENT

PROFESSIONAL DEVELOPMENT AND RECRUITING

FESTIVAL EVENT: ANIMATORS’ PICNIC

SCHEDULE

FESTIVAL EVENT: SATURDAY NIGHT PARTY

Strathcona Park Corner of Laurier and Charlotte Friday Sept 21, 11:30am–4:00pm

Ritual Nightclub 137 Besserer Street Saturday September 22, 11:00pm–2:00am

Sponsored by / Commandité par:

Sponsored by / Commandité par:

Enjoy our annual picnic located in Strathcona Park, Ottawa’s picturesque green spot on the Rideau River. There will be an assortment of goodies to eat plus the world famous pumpkin carving contest.Picnic buses will leave the ByTowne Cinema starting at 11:30am and from the Arts Court building starting at 12:00pm. Please note that the park is about a 25 minute walk from Arts Court.

See map on back cover.

Profitez de notre pique-nique annuel situé au parc Strathcona, la pittoresque enclave de verdure d’Ottawa sur la rivière Rideau. Il y a aura toutes sortes de bonnes choses à manger, avec en plus le concours de sculpture de citrouilles de renommée internationale. Les autobus pour le pique-nique quitteront le cinéma ByTowne à 11 h 30, puis des départs de l’édifice de la Cour des Arts seront assurés à partir de 12 h. Veuillez noter que le parc est à environ 25 minutes de marche de la Cour des Arts.

Animators go wild at this insane dance party held this year at Ritual Nightclub. There’s a quiet area too for people that just want to chat. Have free drinks on one of Ottawa’s largest animation studios.

Les animateurs se lachent à cette soirée de danse déjantée qui a lieu cette année au Ritual Nightclub.

Il y a aussi une zone tranquille pour les gens qui veulent seulement jaser. Le premier verre et les amuse-gueules sont aux frais d’une des principales compagnies d’animation d’Ottawa..

FESTIVAL EVENT: CLOSING NIGHT PARTY Arts Court Studio 2 Daly Ave, 2nd Floor Sunday September 25, 9:00pm–1:00am Last but not least, the closing party is the perfect way to end the Festival. Come. Lounge, chat, and drink at this a super send-off for the 2012 Festival.

Until next year…

La dernière soirée n’est pas des moindres : cette soirée de clôture est la façon parfaite de finir le Festival. Paressez, jasez et trinquez à ce superbe adieu au Festival. À l’année prochaine...

SATURDAY, SEPTEMBER 22 – NAC STUDIO 9:00 am – 10:00 am Coming Soon to a Theatre Near You 10:45 am – 11:45 pm Industry Etiquette 101 1:00 pm – 2:00 pm

Character Design

2:30 pm – 3:30 pm

85 Minutes of Hell: Storyboarding for Features

4:00 pm – 5:00 pm

Writing Masterclass with Butch Hartman

SAMEDI 22 SEPTEMBRE – STUDIO DU CNA 9:00 – 10:00

Bientôt dans un cinéma près de chez vous

10:45 – 11:45

Savoir-vivre 101 dans l'industrie de l'animation

13:00 – 14:00

Conception de personnages

14:30 – 15:30

85 minutes d'enfer : le scénarimage d'un long métrage

16:00 – 17:00

Classe de maître en rédaction avec Butch Hartman

créer un long métrage d'animation – les obstacles à la création, les problèmes de production et la gloire infinie.

INDUSTRY ETIQUETTE 101/SAVOIR-VIVRE 101 DANS L'INDUSTRIE DE L'ANIMATION Join David Skwarczek and a panel of industry savvy speakers will share some insight into industry etiquette from breaking the ice with an exec, to investigating career opportunities. Panelists will also discuss inopportune moments to avoid.

This panel is guaranteed to help get those nervous butterflies out of your system and help you confidently head into the world of animation … or at least point you in the right direction.

Joignez-vous à David Skwarczek et à une table ronde de conférenciers avisés de l'industrie qui donneront des conseils sur le savoir-vivre dans l'industrie, depuis la façon de briser la glace avec un dirigeant jusqu'à la recherche de possibilités de carrière. Les participants à la table ronde discuteront aussi du choix du bon moment. Cette table ronde vous aidera sûrement à vous débarrasser de votre trac et à mettre le cap avec confiance sur le monde de l'animation c ou au moins à vous indiquer la voie à suivre.

DESCRIPTIONS AND DETAILS/ DESCRIPTIONS ET DÉTAILS COMING SOON TO A THEATRE NEAR YOU: THE STRESSFUL ADVENTURES OF BOXHEAD & ROUNDHEAD/ BIENTÔT DANS UN CINÉMA PRÈS DE CHEZ VOUS: LES AVENTURES STRESSANTES DE BOXHEAD ET ROUNDHEAD Only a maniac would consider animating a feature film single-handedly. In past several years that dementia has spread from patient zero (Bill Plympton) to a growing number of carriers (Chris Sullivan, Nina Paley, Phil Mulloy, Nick Cross). Elliot Cowan discusses his near solo effort to create a feature length animated film - the creative hurdles, the production problems and the infinite glory.

Seul un maniaque envisagerait d'animer seul un long métrage. Ces dernières années, cette démence s'est répandue du patient zéro (Bill Plympton) à un nombre croissant de porteurs (Chris Sullivan, Nina Paley, Phil Mulloy, Nick Cross). Elliot Cowan discute de son effort presque solitaire pour

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PROFESSIONAL DEVELOPMENT AND RECRUITING

PROFESSIONAL DEVELOPMENT AND RECRUITING

CHARACTER DESIGN MASTERCLASS/ MASTER CLASS EN CRÉATION DE PERSONNAGES – PHIL RYNDA

WRITING MASTERCLASS WITH BUTCH HARTMAN/ CLASSE DE MAÎTRE EN RÉDACTION AVEC BUTCH HARTMAN

ANIMARKET TRADE SHOW / FOIRE COMMERCIALE ANIMARCHÉ

This class will focus on the tools needed to become a successful Character Designer. The drawing fundamentals of volume, shape, and gesture will be covered. As well as the concepts of, appeal, personality, and overall visual communication. The mark of a great character designer is the ability to "design WITH character".

Creator, animator and executive producer, Butch Hartman will be sharing his dos and don’ts of animation and comedy writing. Familiar with major studios, he’ll offer insights into creating a successful pitch and how to get it noticed. Hartman’s best known for creating The Fairly OddParents, Danny Phantom and T.U.F.F. Puppy, as well voicing various characters on Family Guy and taking on various roles on Johnny Bravo, Powerpuff Girls and many other successful animated projects.

Phil Rynda is an Emmy Award winning Character Designer. Most recently he was Production Designer on Disney TV's "Gravity Falls" as well as the Lead Character Designer for the first 2 seasons of Cartoon Network's "Adventure Time".

Ce cours sera centré sur les outils nécessaires pour devenir un brillant (dessinateur/character designer). Les fondamentaux du dessin des volumes, formes et gestes seront abordés, mais également les concepts du charme, de la personnalité et, bien sûr, de la communication visuelle. Ce qui distingue un grand dessinateur est précisément sa capacité à dessiner avec personnalité.

Phil Rynda est un dessinateur primé aux Emmy Awards. Plus récemment il a été (designer de production/chef décorateur) pour la série télévisée Disney « Gravity Falls », mais également le principal dessinateur des deux premières saisons de la série « Adventure Time » de Cartoon Network.

Créateur, animateur et directeur exécutif, Butch Hartman communiquera les choses à faire et à ne pas faire en animation et en rédaction de comédie.

Connaissant bien les grands studios, il offrira des conseils sur la création d'un boniment de vente réussi et la façon de le faire remarquer. Hartman est mieux connu pour avoir été le créateur de The Fairly Odd Parents, Danny Phantom et T.U.F.F. Puppy ainsi que la voix de divers personnages dans Family Guy, et pour avoir tenu divers rôles dans Johnny Bravo, Powerpuff Girls et plusieurs autres projets d'animation à succès.

85 MINUTES OF HELL: STORYBOARDING FOR FEATURES/85 MINUTES D'ENFER : LE SCÉNARIMAGE D'UN LONG MÉTRAGE Director of the ‘Cloudy 2: Revenge of the Leftovers’, Kris Pearn, talks about the process of storyboarding for feature animated films, using his Head of Story role and experience on ‘Cloudy With a Chance of Meatballs’ as a case study."

"Directeur du film " Cloudy 2: Revenge of the :Leftovers", parle de la démarche de créer un scénarimage pour des longs métrages d'animation en utilisant "Cloudy with a Chance of Meatballs" comme exemple. " 118

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The OIAF's signature AniMarket is a weekend tradeshow showcasing the best in animation technology, production and education. It is an excellent opportunity to learn more about modern animation and to see some of the exciting work being created across the continent... and it is open to everyone! Information booths will be set-up in the NAC Theatre lobby from Friday September 21 at 6pm until to Sunday September 23 at 3:30pm.

Experts will be on-hand to meet with the public and answer any number of questions. Come and see what the animation world has to offer!

ANIMATORS FOR HIRE / ANIMATEURS À LA RECHERCHE D’UN EMPLOI Pre-register at www.animationfestival.ca to meet with our recruiters in attendance on Saturday, September 22.

Inscrivez-vous à l’avance sur www.animationfestival.ca afin de pouvoir rencontrer nos recruteurs présents le samedi 22 septembre.

While you are there, visit our Aniboutique for a selection of animation books, dvds and Festival souvenirs.

L'Animarché, une caractéristique du FIAO, est une foire commerciale qui se déroule pendant le weekend. Il présente ce qu'il y a de mieux en technologie, production et apprentissage de l'animation.

C'est une excellente occasion d'en apprendre plus sur l'animation moderne et voir certaines des œuvres enthousiasmantes qui sont créées partout sur le continent. Qui plus est, l'Animarché est ouvert à tous! Des kiosques d'information seront installés à l'entrée de la salle de théâtre au CNA du vendredi 21 au dimanche 23 septembre. Des experts seront à disposition pour rencontrer le public et répondre à une foule de questions. Venez voir ce que le monde de l'animation a à offrir!

Profiter de votre présence à l’Animarché pour faire un tour dans notre Aniboutique et découvrir sa sélection de livres sur l’animation, de dvds et de souvenirs du Festival.

EXHIBITORS INCLUDE / PARMI LES PARTICIPANTS VOUS RENCONTREREZ : : Production Companies / Des sociétés de production: Nelvana, NFB Schools / Des écoles: Sheridan, Algonquin College, Bachelor of Information Technology (BIT), VanArts Software Technology / Des sociétés de développement: Celaction, Wacom

OIAF 2012 FESTIVAL READER / FIAO 2012 LECTEUR DU FESTIVAL

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ABOUT THE ARTIST AND AWARDS

FILM CONTACTS / CONTACTS DU FILM 108 Phreng Rdog (108 Prayer Beads) Contact: Han han Li Montreal, Quebec, Canada Email: mali_han@hotmail.com 38 - 39 Degrees Celsius Contact: Kang Min Kim24370 newhall ave #5, newhall, CA,91321 USA Email: 30gibson@naver.com Website: www.seulmin.com

OIAF ’12 POSTER Each year, the Ottawa International Animation Festival commissions an artist to design our Festival poster. The Festival grants the artist free reign and encourages the design of unique and provocative works of art.

Chaque année, le Festival international d’animation d’Ottawa commande la conception d’une affiche à un artiste. Le Festival lui laisse toute liberté et encourage la conception d’œuvres uniques et provocatrices.

Celebrated Japanese animator, Koji Yamamura, designed the poster for Ottawa 2012. Yamamura’s name will be familiar to regular festival attendees, as his work has already been featured in competition at Ottawa, most notably taking home the 2007 Grand Prize for his animated short A Country Doctor.

Le célèbre animateur japonais Koji Yamamura a conçu l’affiche du FIAO 2012. Les participants réguliers au Festival auront déjà reconnu son nom, puisque de ses œuvres ont été projetées dans des compétitions du FIAO, et qu’il a remporté le Grand Prix 2007 pour son court métrage d’animation A Country Doctor.

“Drawing a poster for Ottawa12 is a great honour for me,” said Yamamura.

« Dessiner une affiche pour le FIAO 2012 est un grand honneur pour moi, » dit Yamamura. « Cette image a été faite à partir d’une esquisse inutilisée de Muybridge’s Strings. Cette esquisse a servi de base à la création du personnage Zeno, qui pense à la division infinie du temps. »

“This image was made from an unused sketch from Muybridge’s Strings. This sketch was the basis for the creation of the character Zeno, who is thinking about the infinite split of time”

OIAF ’12 AWARDS Everyday technology contains such intricate material.

There’s beauty to be found in it’s functionality. I take elements from discarded and found objects and reshape it into metal figures, creatures, and expressions.

My goal in my work is to create something that has character, motion, and life. Five years ago a commission for the first set of OIAF Awards introduced me to a world that has amazed me with it’s creativity. The Awards are as unique and individual as the animation it celebrates. It is an honour creating them each year.

Les techonologies quotidiennes contiennent beaucoup de matériaux complexes. Il y a de la beauté à être trouvé dans leur fonctionalité. Je prends certains éléments d’objets abandonnés et trouvés pour ensuite les transformés en figures, creatures et expressions métalliques.

J’ai comme but dans le domaine de mon travail, de créer quelque chose avec de la personalité, de la motion et de la vie. Il y a cinq ans passes, j’ai pour la première série des prix commissionés pour le FIAO, stupéfié avec ça créativité. Les prix sont aussi unique que les films animés qui se font

OIAF 12 SIGNAL FILM BY EN MASSE AND SEE CREATURE During the 2011 OIAF, Montreal-based art initiative EN MASSE and friends created a 6’ by 16’ mural during the festival weekend, while SEE CREATURE Animation documented and animated the creation. Since then, See Creature has taken all that footage, added to it and created the 2012 festival signal film with an “A capella” soundtrack completed by Bryant Vance. En Masse contributing artists: Rupert Bottenberg, Fred Casia, Dave Cooper, Dale Hayward, Pascal Rodrigue, Carlos Santos, Malcolm Sutherland, and Jason Wasserman. Stop motion: Igor Boudnikov, Isaac King, and Sylvie Trouvé. Film direction and after effects: Dale Hayward & Sylvie Trouvé. 2D animation: Igor Boudnikov, Raoul Olou.

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Lors du festival FIAO de 2011, l’initiative montréalaise d’art EN MASSE et leurs amis ont crée une murale de 6’ x 16’ alors que SEE CREATURE documentait et animait ce tableau. À partir de cette documentation, See Creature a retravaillé les images et a ajouté une trame sonore “ `a capella” par Bryant Vance, afin de créer la bande-annonce pour l’édition du festival 2012. Les artistes de En Masse qui ont contribué : Rupert Bottenberg, Fred Casia, Dave Cooper, Dale Hayward, Pascal Rodrigue, Carlos Santos, Malcolm Sutherland and Jason Wasserman. Stop motion : Igor Boudnikov, Isaac King et Sylvie Trouvé. Direction et After Effects : Dale Hayward et Sylvie Trouvé. Animation 2D : Igor Boudnikov, Raoul Olou.

WWW.ANIMATIONFESTIVAL.CA

A Morning Stroll Contact: KAYE LAVENDER STUDIO AKA 30 BERWICK STREET, LONDON, W1F 8RH UK Email: kaye@studioaka.co.uk A Tea Time Conversation Contact: Frédérick Letendre-Cyr 2755 dezery, app1, Montreal, Quebec,h1w 2s6 Canada Email: letendrecyr@gmail.com Website: www.weveallbeenthere.com

Arrugas Contact: Gladys 6 sales C/ Real Baja #18 Piso IC, Madrid, 28220 Spain Phone: +34 911 723 734 Email: festivals@6sales.es Website: www.6sales.es ArtCircles ‘Van Gogh to Rothko in 30 Seconds’ Contact: Michael Langan c/o Elizabeth Forsyth 1419 Madrona Dr., Seattle, WA, 98122 USA Email: info@langanfilms.com Website: http://langanfilms.com Au Coeur de L’hiver Contact: Isabelle Favez Swiss Effects Thurgauerstrasse 40, Zürich, 8050 Switzerland Phone: +41 79 206 33 20 Email: isabelle.favez@gmx.ch

ABSOLUT Vodka ‘Blue Ice’ Contact: Takeshi Imae CaRTe bLaNChe, Paris, France Email: entry@c-a-r-t-e-blanche.com Website: http://c-a-r-t-e-blanche.com/

Babeldom Contact: Paul Bush Ancient Mariner 3 Inglis St, London, SE5 9QT UK Email: paul@paulbushfilms.com Website: www.paulbushfilms.com

Adventure Time ‘Jake vs. Me-Mow’ Contact: Brooke Keesling Cartoon Network 300 N. Third Street, Burbank, California, 91502 USA Phone: 818-729-4370 Email: brooke.keesling@turner.com

Baboon Contact: Einar Baldvin Los Angeles, California, USA Email: baronsitron@gmail.com Website: https://vimeo.com/einarbaldvin/ videos

Amaqqut Nunaat (The Country of Wolves) Contact: Laura Legge Inhabit Media Inc. 146A Orchard View Blvd., Toronto, ON, M4R 1C3 Canada Phone: 647-344-3540 Email: laura@inhabitmedia.com Amigo do Peito (My Best Friend) Contact: Liliana Costa AGÊNCIA - Portuguese Short Film Agency Auditorio Municipal, Pr da Republica, Vila do Conde, 4480-715 Portugal Phone: 00351252646683 Email: liliana@curtas.pt Animated Self-Portraits Contact: Madi Piller Pix Film Productions 140 Three Valleys Dr., Toronto, ON, M3A 389 Canada Phone: 416-996-2610 Email: madip@rogers.com Website: www.awn.com/tais Animation Hotline Contact: Dustin Grella Dusty Studio PO Box 130096, New York, NY, 10013 USA Phone: 917-331-4558 Fax: 212-431-8826 Email: email@dustingrella.com Website: www.dustystudio.org Apple Contact: Lacyn Clarke Picasso Pictures 9-11 Broadwick Street, London, W1F 0DB UK Phone: 02074379888 Email: lacyn@picassopictures.com Website: www.picassopictures.com

Ballpit Contact: Kyle Mowat 589 Talbot St., 21, London, ON, N6A 2T2 Canada Email: mowat.kyle@gmail.com Beethoven’s Wig Contact: Jonas Diamond Smiley Guy Studios 444 Bathurst St., Studio 2, Toronto, ON, M5T 2S6 Canada Phone: 416.979.8800 x221 Fax: 416.979.2227 Email: jonas@smileyguy.com Website: http://www.smileyguy.com Big Mouth Contact: Élise Labbé National Film Board of Canada 3155 Cote de Liesse, Saint-Laurent, QC, H4N 2N4 Canada Phone: 514.283.9133 Fax: 514.496.6389 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation Bigshot Contact: Maurice Huvelin 5, rue Manufacture, Orléans, 45000 France Phone: 33611862193 Email: maurice.huvelin@gmail.com Boo Yang Man Floater Contact: Hyeseung Yoo KIAFA [Ani SEED] 2F 282-6 Ahyeon-Dong, Mapo-Gu, Seoul, 121-859 South Korea Phone: +82-2-313-1030 Fax: +82-2-313-1039 Email: kiafanews@naver.com Website: http://www.kiafa.org

Borerline (Borderline) Contact: Gerd Gockell Gerd Gockell Filmproduction Pelikanstr. 8, Luzern, 6004 Switzerland Phone: +41-77-486 86 16 Email: gerd.gockell@anigraf.org Website: www.anigraf.org Boy Contact: Steven Subotnick 228 Gano St., Providence, RI, 02906 USA Phone: 401.421.8984 home Email: ssubotnick@cox.net Burrow Contact: Federico Gutiérrez 1924 Barclay Street, 1004, Vancouver, BC,V6G 1L3 Canada Phone: 6044407385 Email: jfederico.go@gmail.com Website: http://federico-gutierrez.com C’est La Vie: The Chris J. Melnychuk Story Contact: Karilynn Thompson Quickdraw Animation Society 351 11 Ave SW, #201, Calgary, Alberta, T2R 0C7 Canada Phone: 403-261-5767 Fax: 403-261-5644 Email: programming@quickdrawanimation.ca Website: www.quickdrawanimation.ca Caleb’s Woods Contact: Joshua Durst Providence, Rhode Island, USA Email: JoshuaDurstArt@gmail.com Car Crash Opera Contact: Skip Battaglia Rochester Institute of Technology 105 Meredith Avenue, Rochester, NY,14618 USA Phone: 585.244.9350 Fax: 585.475.7575 Email: skipb@frontiernet.net Website: http://www.rit.edu/~cfbpph/ Cee Cee’s Bedtime Stories Contact: Noelle Melody Twins Are Weird 32-84 37th Street, Astoria, NY, 11103 USA Email: noey@twinsareweird.com Website: http://www.twinsareweird.com Cheap Joke Contact: Ian Miller 164 Madison Street, Brooklyn, NY 11216, USA Email: ianmichaelmiller23@hotmail.com Chocolate Bacon Contact: Asavari Kumar California Institute of the Arts, 24700 McBean parkway, Valencia, CA, 91355 USA Email: asavarikumar@alum.calarts.edu Website: www.cargocollective.com/sugarcoated, www.sugarcoated.in Choros Contact: Michael Langan c/o Elizabeth Forsyth 1419 Madrona Dr., Seattle, WA, 98122 USA Email: info@langanfilms.com Website: http://langanfilms.com Coca-Cola ‘Spirit of the Euro’ Contact: Holly Petersen Bent Image Lab 2729 SE Division St., Portland, Oregon, 97202 USA Phone: 503-228-6206 Email: hollyp@bentimagelab.com Website: www.bentimagelab.com

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FILM CONTACTS / CONTACTS DU FILM Coffee Nerves New York Contact: Gary Leib Twinkle 64 Grand St #4, New York, NY, 10013 USA Phone: 917 446 6762 Email: gary@twinkleland.com Website: www.twinkleland.com Coins Contact: Sharron Mirsky 5223 Rue Saint-Urbain, Montreal, Quebec, H2T 2W8 Canada Email: sharronmirsky@yahoo.ca Consuming Spirits Contact: Chris Sullivan School of the Art Institute of Chicago 112 so michigan , fvnma department , Chicago ill , ill, 60603 USA Phone: 312 345 3802 Email: csullivan@saic.edu Website: https://vimeo.com/16781367 Cor Contact: Ana Linnea Lidegran Correia Porto, Portugal Email: linnealidegran@gmail.com Crazy For It Contact: Yutaro Kubo Atugi, Japan Email: yutaro960@gmail.com Demoni Contact: Theodore Ushev Mtd:films 5685 Gatineau, 10, Montreal, QC,H3T 1X6 Canada Phone: (514) 737-4779 Email: theodore@ushev.com Website: www.ushev.com DoronCoron Contact: Kazuyuki Kondo Television Kanagawa Inc. 2-23 Otamachi, Naka Ward, Yokohama, Kanagawa,231-8001 Japan Phone: +81-45-651-1713 Fax: +81-45-662-7899 Email: doroncoron.filmfest@gmail.com Down With the Dawn Contact: Run Wrake Sclah Films Hornbrook cottage, Appledore Road, Woodchurch, Kent,tn26 3tj UK Phone: +44(0) 1233 860 842 Email: info@runwrake.com Website: www.runwrake.com Dreams Contact: Takeshi Imae CaRTe bLaNChe Paris, France Email: entry@c-a-r-t-e-blanche.com Website: http://c-a-r-t-e-blanche.com/ Eat the Danger Contact: Paul Ruttledge Ballina, Co. Mayo, Ireland Email: paulruttledgecool@gmail.com Ecofaubourgs Contact: Virginie Giachino Doncvoilà productions 6 passage de la fonderie, Paris, 75011 France Phone: +33952621331 Fax: +33957621331 Email: festivals@doncvoila.net

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El Delirio del Pez León (Lionfish Delusion) Contact: Quique Rivera San Juan, Puerto Rico Email: cocobale@gmail.com Fat Contact: Annabel Sebag Premium Films 130 rue de Turenne, PARIS,75003 France Phone: 0033 1 42 77 06 39 Email: animation@premium-films.com Website: www.premium-films.com Feral Contact: Daniel Sousa 172 Glenwood Avenue, floor 2, Pawtucket, RI,02860 USA Phone: 401-569-7052 Email: ddansousa@hotmail.com Website: http://www.danielsousa.com Fresh Guacamole Contact: Sarah Phelps PES Productions Santa Monica, CA, USA Phone: 917-589-2539 Email: sarah@eatpes.com Website: http://www.eatPES.com From Dad To Son Contact: Nils Knoblich Motzstrasse 2c, Kassel, 34117 Germany Email: mail@nilsknoblich.com Website: www.nilsknoblich.com From Point A to Point Z Contact: Karl Staven University of the Arts 320 S. Broad Street, Terra Building 1501B , Philadelphia, PA,19102 USA Phone: 215.717.6552 Email: karlstaven@hotmail.com Galim susitikti, galim nesusitikti (We May Meet, We May Not) Contact: Skirmanta Jakaite polocko 45-4, Vilnius, Lithuania, 01205 Lithuania Phone: 37068296568 Email: skirmanta@gmail.com Geidai Animation Showreel (Geidai Animation Showreel ) Contact: Hiromitsu Murakami Tokyo University of the Arts Bankokubashi Kaigi Center 3F, 4-23 Kaigan do-ri, Naka-ku, Yokohama, Kanagawa,231-0002 Japan Phone: +81 45 227 6041 Fax: +81 45 227 6042 Email: hiromitsumurakami@gmail.com Website: http://www.geidai.ac.jp/ Grand Prix Contact: Marc Riba I+G Stop Motion C/ Sant Cristòfol 13 Baixos, Barcelona, 08012 Spain Phone: +34932389234 Fax: +34932389234 Email: info@stopmotion.cat Gum Contact: Chris Somerville Sheridan College 1430 Trafalgar Road, Oakville, ON, L6H 2L1 Canada Phone: 905-845-9430 Email: christopher.somerville1@sheridanc. on.ca

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FILM CONTACTS / CONTACTS DU FILM Herr Hoppe und der Atommüll (Herr Hoppe and the Nuclear Waste) Contact: Vera Angstenberger Filmakademie Baden-Württemberg, Institut für Animation, Visual Effects und Digitale Postproduktion Akademiehof 10, Ludwigsburg, 71638 Germany Phone: +49 - 7141 - 969856 Fax: +49 - 7141 - 969888 Email: Vera.Angstenberger@filmakademie. de Website: www.filmakademie.de, www. animationsinstitut.de Hogan Contact: Peter Millard Royal College of Art (Student) Flat B, 5 Bushey Hill Road, London, SE5 8QF UK Phone: +44 07984849252 Email: petermillard87@hotmail.co.uk Website: www.vimeo.com/petermillard Hothouse 7 ‘Sick’ Contact: Élise Labbé National Film Board of Canada 3155 Cote de Liesse, Saint-Laurent, QC, H4N 2N4 Canada Phone: 514.283.9133 Fax: 514.496.6389 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation I Am Tom Moody Contact: Ainslie Henderson ECA 9 flat 8, Macdowal Road, Edinburgh, Edinburgh, EH9 3ED UK Phone: 07973867681 Email: ainslieainslie@gmail.com Website: ainsliehenderson.com I Saw Mice Burying a Cat Contact: Gavin Liu Changchun, China Email: animationfa@126.com If You’re Pushed Hard Enough Contact: Sean Solomon 25762 Olivas Park, Valencia, CA, USA Email: seanmichaelsolomon@gmail.com Website: www.seanmichaelsolomon.com Ignatus ‘Le Soleil Chante’ (Ignatus ‘The Sun Sings’) Contact: Jerome Rousseaux Ignatub 13, rue du docteur Potain, Paris, 75019 France Phone: 331 42 03 20 97 Email: ignatub@noos.fr Website: www.ignatub.com In All Forms Contact: James Hebers 1250 Burnaby Street, 506, Vancouver, Britsh Columbia,V6E 1P6 Canada Phone: 778-837-3222 Email: james.hebers@gmail.com Website: jameshebers.com In Dreams Contact: Samuel Blain Avalon, Ghyll Road, Scotby, Carlisle, Cumbria, CA4 8BT UK Phone: 07512015018 Email: mail@samuelblain.com Website: samuelblain.com International Father’s Day Contact: Sabine Andersone Atom Art Terbatas 49/51 - 12, Riga, LV1011 Latvia Phone: 00 371 67612709

Email: sabine@atomart.lv Website: www.atomart.lv It’s Such a Beautiful Day Contact: Don Hertzfeldt Bitter Films PO BOX 66271, Austin, TX, 78766 USA Phone: 512 323 2330 Email: bitterfilms@hotmail.com Website: www.bitterfilms.com Jamie’s Dream School Contact: Cecile Barou Passion Pictures 33-34, Rathbone Place, London, W1T1JN UK Email: cecile@passion-pictures.com Website: www.passion-pictures.com Junkyard Contact: Chris Mouw il Luster Productions Schoutenstraat 4 bis, Utrecht, 3512 GB Netherlands Phone: 31 30 24 00 768 Fax: 31 84 7292826 Email: distribution@illuster.nl Website: http://www.illuster.nl Justin Time 2 ‘The Thirsty Garden’ Contact: Mary Bredin Guru Studio 110 Spadina Ave , Suite 500, Toronto, Ontario, M5V 2K4 Canada Phone: 416-599-4878 Fax: 416-628-6926 Email: mary.bredin@gurustudio.com Kali the Little Vampire Contact: Élise Labbé National Film Board of Canada 3155 Cote de Liesse, Saint-Laurent, QC, H4N 2N4 Canada Phone: 514.283.9133 Fax: 514.496.6389 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation Kara no tamago (A Wind Egg) Contact: Hiromitsu Murakami Tokyo University of the Arts Bankokubashi Kaigi Center 3F, 4-23 Kaigan do-ri, Naka-ku, Yokohama, Kanagawa, 231-0002 Japan Phone: +81 45 227 6041 Fax: +81 45 227 6042 Email: hiromitsumurakami@gmail.com Website: http://www.geidai.ac.jp/ Kinder Chocolate ‘Inventions’ Contact: Cecile Barou Passion Pictures 33-34, Rathbone Place, London, W1T1JN UK Email: cecile@passion-pictures.com Website: www.passion-pictures.com Kith Contact: Marika Cowan Email: mcowan@risd.edu Koodo ‘Skydive’ Contact: Holly Petersen Bent Image Lab 2729 SE Division St., Portland, Oregon,97202 USA Phone: 503-228-6206 Email: hollyp@bentimagelab.com Website: www.bentimagelab.com

La Detente Contact: Amandine Boué Autour De Minuit Productions 21 rue Henri Monnier, Paris, 75009 France Phone: +(33) 14.281.1728 Fax: +(33) 14.281.1729 Email: festivals@autourdeminuit.com Website: http://blog.autourdeminuit.com La Noria (The Waterwheel) Contact: Karla Castañeda Callejon del quijote, Guadalajara, JAL, 45110 Mexico Email: karlajacinta@gmail.com La Soif du Monde (Thristy Frog) Contact: Dimitri Kimplaire Camera-etc Rue de Visé, 490, Liège-Wandre, Liège, B-4020 Belgium Phone: +32 4 253 59 97 Fax: +32 4 252 56 31 Email: dimitri.kimplaire@camera-etc.be Website: www.camera-etc.be Lay Bare Contact: Paul Bush Ancient Mariner 3 Inglis St, London, SE5 9QT UK Email: paul@paulbushfilms.com Website: www.paulbushfilms.com Le grand ailleurs et le petit ici (Here and the Great Elsewhere) Contact: Élise Labbé National Film Board of Canada 3155 Cote de Liesse, Saint-Laurent, QC, H4N 2N4 Canada Phone: 514.283.9133 Fax: 514.496.6389 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation Le Tableau Contact: Armand Lafond Axia Films Inc. 5941, 102, Montreal, Quebec, H2G 2R6 Canada Phone: 514-884-5447 Email: armandl@axiafilms.com Website: www.axiafilms.com Le Viande + L’Amour Contact: Mirja Hildbrand Swedish Film Institute Email: mirja.hildbrand@sfi.se Website: www.sfi.se Like This Contact: David Martineau-Lachance 3679 ave. Mont-Royal Est, Montréal, Québec, H1X 3H3 Canada Email: monsieurjoko@gmail.com MacPherson Contact: Élise Labbé National Film Board of Canada 3155 Cote de Liesse, Saint-Laurent, QC, H4N 2N4 Canada Phone: 514.283.9133 Fax: 514.496.6389 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation Melissa Contact: Analia Tahara Coala Filmes Avenida Atlantica, 982, SANTO ANDRE, SAN PAOLO, 09060 001 Brazil Phone: 55 11 44262182 Fax: 55 11 44262182 Email: analia@coalafilmes.com.br Website: www.coalafilmes.com.br

Michel Contact: JEREMY MOURLAM FOLIMAGE STUDIO La Cartoucherie-Rue de Chony, BOURGLES-VALENCE, 26500 France Phone: +330475784868 Fax: +330475430692 Email: j.mourlam@folimage.fr Website: www.folimage.com Modern No.2 Contact: Takeshi Imae CaRTe bLaNChe, Paris, France Email: entry@c-a-r-t-e-blanche.com Website: http://c-a-r-t-e-blanche.com/ Moones ‘Better Energy’ Contact: Greg Halama Hornet Inc 116 W Houston Street, 4th Floor, New York, NY,10012 USA Phone: 917.351.0520 x14 Email: ghalama@hornetinc.com Mopeys Contact: Miang Tassniyom 1238 Burrard st., 503, Vancouver,V6Z 3E1 Canada Email: numiang@hotmail.com My Face in Space Contact: FESTIVALS DEPARTMENT NATIONAL FILM AND TELEVISION SCHOOL BEACONSFIELD STUDIOS, STATION ROAD, BEACONSFIELD, HP9 1LG UK Phone: +44.1494.731452 Email: festivals@nfts.co.uk My Little Underground Contact: Élise Labbé National Film Board of Canada 3155 Cote de Liesse,Saint-Laurent, QC, H4N 2N4 Canada Phone: 514.283.9133 Fax: 514.496.6389 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation My Strange Grandfather Contact: Dina Velikovskaya Russian State University of Cinematography n.a. S.A.Gerasimov (VGIK) 6/1, Dirizhabelnaya st., 58, Dolgoprudny, Moscow region,141700 Russia Email: divelik@list.ru My Super8 Contact: Rino Stefano Tagliafierro Rino Stefano Tagliafierro via Decembrio 19/a, Milan, Italy, 20137 Italy Phone: +39 349 5783345 Email: mail@rinostefanotagliafierro.com Website: http://www.rinostefanotagliafierro.com National Film and Television School Showreel Contact: FESTIVALS DEPARTMENT NATIONAL FILM AND TELEVISION SCHOOL BEACONSFIELD STUDIOS, STATION ROAD, BEACONSFIELD, HP9 1LG UK Phone: +44.1494.731452 Email: festivals@nfts.co.uk Nectar Contact: Pascal Laquerre Mel Hoppenheim School of Cinema 4234 Iberville, Montreal, Québec, H2H 2I6 Canada Phone: 514 623-4339 Email: pascal.laq@gmail.com Website: https://vimeo.com/user2760951

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FILM CONTACTS / CONTACTS DU FILM New Everyday Contact: Africanus Okokon Rhode Island School of Design 2 College St. Box #1298, Providence, Rhode Island, 02903-2717 USA Email: aokokon@risd.edu Night of the Loving Dead Contact: FESTIVALS DEPARTMENT NATIONAL FILM AND TELEVISION SCHOOL BEACONSFIELD STUDIOS, STATION ROAD, BEACONSFIELD, HP9 1LG UK Phone: +44.1494.731452 Email: festivals@nfts.co.uk Nurek (The Diver) Contact: Agata Gorzadek Siewierska 11/11, Warsaw, 02-360 Poland Email: gorzadek@wp.pl Old Man Contact: Leah Shore Leah Shore 471a 5th ave, 1, brooklyn , ny,11215 USA Phone: 2156352927 Email: leah@leahshore.com Website: www.leahshore.com Organopolis Contact: Amandine Boué Autour De Minuit Productions 21 rue Henri Monnier, Paris, 75009 France Phone: +(33) 14.281.1728 Fax: +(33) 14.281.1729 Email: festivals@autourdeminuit.com Website: http://blog.autourdeminuit.com Paper Man 2 Contact: David Borish 137 Howick Street, Ottawa, Ontario, K1M 0G9 Canada Phone: 613 240 8374 Email: davidbb99@hotmail.com Website: www.wix.com/davidbb99/davidborish Paperman Contact: Michael Gortz Burbank, USA Email: michael.gortz@disneyanimation.com Paula Contact: Élise Labbé National Film Board of Canada 3155 Cote de Liesse, Saint-Laurent, QC, H4N 2N4 Canada Phone: 514.283.9133 Fax: 514.496.6389 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation Peacemaker Mac - The Island of Dispute Contact: Department of Screen Based Arts Bezalel Academy of Arts & Design Bezalel Academy of Arts & Design Mount Scopus campus P.O. Box 24046, Jerusalem, 91240 Israel Phone: 972 2 5893340 Fax: 972 2 5893335 Email: festivals-liaison@bezalel.ac.il Website: www.bezalel.ac.il Persol ‘A Year of Sun’ Contact: Cecile Barou Passion Pictures 33-34, Rathbone Place, London, W1T1JN UK Email: cecile@passion-pictures.com Website: www.passion-pictures.com

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Petits Joueurs (Small Gamers) Contact: Charlotte de la Gournerie Vivement Lundi !

11. Rue Denis Papin, Rennes, 35000 France Phone: 33 0 2 99 65 00 74 Fax: 33 0 2 99 65 03 74 Email: vivement-lundi@wanadoo.fr Website: www.vivement-lundi.com Plume Contact: Wendy Griffiths DARK PRINCE 5 passage Piver, PARIS, 75011 France Phone: +33 613 04 62 80 Email: wendyg@darkprince.fr Website: http://darkprince.fr Portlandia ‘Zero Rats’ Contact: Holly Petersen Bent Image Lab 2729 SE Division St., Portland, Oregon, 97202 USA Phone: 503-228-6206 Email: hollyp@bentimagelab.com Website: www.bentimagelab.com Primus ‘Lee Van Cleef’ Contact: Chris Smith Chris Lenox Smith LLC 112 Greenpoint Avenue Suite 1B, Brooklyn, NY,11222 USA Phone: 347-248-1402 Email: chris@mixtapeclub.com Website: www.chrislenoxsmith.com Pythagasaurus Contact: Anna Harding Aardman Animations Ltd. Gas Ferry Road, Bristol, BS1 6UN UK Phone: +44 (0)117 984 8485 Email: anna.harding@aardman.com Website: www.aardman.com Red Bull ‘Music Academy World Tour’ Contact: Cecile Barou Passion Pictures 33-34, Rathbone Place, London, W1T1JN UK Email: cecile@passion-pictures.com Website: www.passion-pictures.com Regular Show ‘Eggscellent’ Contact: Brooke Keesling Cartoon Network 300 N. Third Street, Burbank, California, 91502 USA Phone: 818-729-4370 Email: brooke.keesling@turner.com Reizwäsche (Reizwaesche) Contact: Vera Angstenberger Filmakademie Baden-Württemberg, Institut für Animation, Visual Effects und Digitale Postproduktion Akademiehof 10, Ludwigsburg, 71638 Germany Phone: +49 - 7141 - 969856 Fax: +49 - 7141 - 969888 Email: Vera.Angstenberger@filmakademie. de Website: www.filmakademie.de, www. animationsinstitut.de Rivière au Tonnerre (Thunder River) Contact: Videographe Vitheque Vidéographe inc.

4550 Rue Garnier, Montréal, Québec, H2J 3S7 Canada Phone: 1-514-521-2116 p225 Fax: 1-514-521-1676 Email: cmorissette@videographe.qc.ca Website: www.videographe.qc.ca

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FILM CONTACTS / CONTACTS DU FILM Roots of the Hidden Contact: Anne Terkelsen The Arts University College at Bournemouth Wallisdown , Poole, Dorset, BH12 5HH UK Phone: 4401202363731 Email: aterkelsen@aucb.ac.uk

Supinfocom Showreel Contact: Annabel Sebag Premium Films 130 rue de Turenne, PARIS, 75003 France Phone: 0033 1 42 77 06 39 Email: animation@premium-films.com Website: www.premium-films.com

Rossignols en Décembre (Nightingales in December) Contact: Theodore Ushev Mtd:films 5685 Gatineau, 10, Montreal, QC,H3T 1X6 Canada Phone: (514) 737-4779 Email: theodore@ushev.com Website: www.ushev.com

Suur Maja (Big House) Contact: Kristjan Holm Karabana Heina 21a-9, Tallinn, 10319 Estonia Phone: +3725535365 Email: holm@karabana.com Website: www.karabana.com

Sea Suburb Contact: Eleonore Goldberg 405, 1ere Avenue, Verdun, Quebec, H4G 2V6 Canada Email: eleonoregoldberg@gmail.com Septembre (September) Contact: Thibault Chollet 23 rue de l’Eglise, Antony, 92160 France Email: thibaultchollet@gmail.com Sewing Woman Contact: Rose Chang INDIESTORY Inc. 4Fl. BaekAk Bldg 135-4, TongIn-dong, Jongno-gu, Seoul, 110-043 South Korea Phone: +(82) 2.722.6051 Fax: +(82) 2.722.6055 Email: indiestory@indiestory.com Website: http://www.indiestory.com Snore Train Contact: Kamil Chajder 14-5982 Av du Parc, Montreal, QC, H2V 4H3 Canada Phone: 5142097842 Email: kamilchajder@yahoo.ca Somnium Contact: Noah Wohl Handmade 5657 Bannantyne, Verdun, Quebec, H4H 1G8 Canada Phone: 5148035212 Email: noah@handmadecreative.ca Stick Up For Your Friends Contact: Anthony Dusko 315 Winding Way, Womelsdorf, Pennsylvania, 19567 USA Email: tonydusko@gmail.com Sumo Contact: Mikhal Bak 60 rue du 19 Mars 1962, Champigny-surMarne, 94500 France Phone: (+33) 979 34 99 02 Email: mikhal.bak@gmail.com Website: http://www.studio-wasia.com/ promofilms/menu.html Sunny Afternoon Contact: Thomas Renoldner Hauptstrasse 59/2/6, Vienna, 1140 Austria Phone: 0043-699-12727561 Email: t.renoldner@asifa.net Superjail! ‘Stingstress’ Contact: Christine Pastorino Titmouse, Inc. 129 W. 27th Street, 8th Floor, New York, NY,10001 USA Phone: 646-666-3350 Email: christine.pastorino@titmouse.net Website: www.titmouse.net

Swift Contact: Kristen Campbell Vancouver, BC, Canada Email: hkrisc@gmail.com Sympathy For the Fish Contact: Richard O’Connor Ace & Son Moving Picture Co. LLC 134 W. 26th Street, 603, New York, NY,10001 USA Phone: (212) 255-8880 Email: richard@aceandson.com Website: www.aceandson.com

The Goat Herder and His Lots and Lots and Lots of Goats Contact: Will Rose Astley Baker Davies Flat 3 111 Hopton Road, London, Sw162el UK Phone: 07967811337 Email: willrose67@hotmail.com The Great Rabbit Contact: Camille Condemi Sacrebleu Productions 10 bis rue Bisson , Paris, 75020 France Phone: +33 1 42 25 30 27 Email: distribution@sacrebleuprod.com The Meek the Mad and the Misinformed Contact: Suraj Singh Kool Koala Productions 29 Lavery trail, Toronto, Canada Email: koolkoalaproductions@gmail.com The Monster of Nix Contact: Amandine Boué Autour De Minuit Productions 21 rue Henri Monnier, Paris,75009 France Phone: +(33) 14.281.1728 Fax: +(33) 14.281.1729 Email: festivals@autourdeminuit.com Website: http://blog.autourdeminuit.com

Tengri Contact: Alisi Telengut Concordia University, Mel Hoppenheim School of Cinema 1455 De Maisonneuve Blvd. West, Montreal, Quebec,H3G 1M8 Canada Email: alsabcdefg@hotmail.com Website: http://vimeo.com/user3561872

The People Who Never Stop Contact: Florian Piento Digital Garden Inc. Meguro Tairamachi Hinomaruryou 1-26-6, Room 101 , Tokyo, 152-0032 Japan Email: florian.piento@gmail.com Website: www.florianpiento.com

Thank You Contact: Brooke Keesling Cartoon Network 300 N. Third Street, Burbank, California, 91502 USA Phone: 818-729-4370 Email: brooke.keesling@turner.com

The Pub Contact: Joseph Pierce 59 Productions Unit 101, 37 Cremer Street, London, E2 8HD UK Email: info@josephpierce.co.uk Website: www.josephpierce.co.uk

The Banker Contact: Phil Mulloy Spectre Films Waterside, Wheatleys Eyot, Lower Sunbury, Middlesex,TW16 6DA UK Phone: 01932766149 Email: philmulloy@hotmail.com Website: http://www.philmulloy.com

TINAMV1 Contact: Adnan Popovic Fendigasse 30/8, Vienna,1050 Austria Email: adnan.popovic@gmail.com

The Bean Contact: Hae Jin Jung Bucheon, South Korea Email: lidelia@naver.com The Daisy Contact: Agathe Bray-Bourret 1283 rue Bernard O., #3, Montreal, Quebec,H3T-1R9 Canada Phone: 514.561.6330 Email: spagathe@gmail.com Website: http://agathebb.wordpress.com/, or : http://vimeo.com/user3589833 The First Time I Ran Away Contact: Joel Trussell 17516 Lemay St, Los Angeles, CA, 91406 USA Phone: 818.536.8788 Email: joeltrussell@hotmail.com Website: http://www.joeltrussell.com The Fox and the Chickadee Contact: Evan DeRushie 243A Dovercourt Road, Toronto, ON, M6J 3C9 Canada Email: evan.derushie@gmail.com Website: www.evanderushie.com

Tšikid Teel (Chicks on the Highway) Contact: Helen Unt Tallinn, Estonia Email: helenunt@gmail.com Una Furtiva Lagrima Contact: Carlo Vogele 1260 Masonic Ave, #2, San Francisco, CA, 94117 USA Phone: 001 5109225160 Email: carlovogele@gmail.com Vernal Equinox Contact: Haiwei Hou 1300 Marlborough Crt., Unit 521, Oakville, ON, L6H 2S2 Canada Email: houvv@hotmail.com Website: http://haiweihou.blogspot.com Viewpoint Contact: Hyeseung Yoo KIAFA [Ani SEED] 2F 282-6 Ahyeon-Dong, Mapo-Gu, Seoul, 121-859 South Korea Phone: +82-2-313-1030 Fax: +82-2-313-1039 Email: kiafanews@naver.com Website: http://www.kiafa.org Why Do We Put Up With Them?

Contact: David Chai San Jose State University 1260 Salvatore Drive, San Jose, California, 95120 USA Phone: 408-813-8919 Fax: 408-323-1492 Email: davechai@earthlink.net Website: www.thunderbeananimation.com World Wildlife Fund ‘100% Renewable Energy’ Contact: Amica Kubo Japan 5-2-16 Takaha, Iida, Nagano, 395-0051 Japan Fax: +81 265 53 9055 Email: lovesamical@gmail.com Website: http://lovesamical.com/

Title Sequence for the Shape of Rex Contact: John Halfpenny Chuck Gammage Animation Inc. 202 Woodycrest Ave., Toronto, ON,M4J 3C3 Canada Phone: 416-422-5241 Email: halfsmail@rogers.com TOM und die Bienenkoenigin (TOM and the Queen Bee) Contact: Bianca Just Studio Film Bilder Ostend Str. 106, Stuttgart, 70188 Germany Phone: +(49) 71.148.1027 Fax: +(49) 711.489.1925 Email: studio@filmbilder.de Website: http://www.filmbilder.de Tram Contact: Camille Condemi Sacrebleu Productions 10 bis rue Bisson , Paris, 75020 France Phone: +33 1 42 25 30 27 Email: distribution@sacrebleuprod.com Tuutu Naljahammas (Tutu Funnytooth) Contact: Mattias Mälk Tallinn, Estonia Email: mattias.maelk@gmail.com

OIAF 2012 FESTIVAL READER / FIAO 2012 LECTEUR DU FESTIVAL

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FESTIVAL ORGANIZATION & STAFF

CITY MAP / CARTE DE LA VILLE

From left to right: Kelly Neall, Chris Robinson, Azarin Sohrabkhani, Dominque Forget, Jerrett Zaroski, Carrado di Bello, Jessica Guse, Jill Montagne, Joan Mweu, Keltie Duncan, Kujang Kandanu, Pauline Launoy, Jeremy Maclaine, Sam Kabbara, Shu Zhang, Susan Sloan, Tom McSorley, Michael Peterson

FESTIVAL ORGANIZATION The Ottawa International Animation Festival is a component of the Canadian Film Institute

CANADIAN FILM INSTITUTE Director: Tom McSorley Programmer: Jerrett Zaroski

Managing Director: Kelly Neall

Competition and Showcase Selection: Chris Robinson, Tom McSorley, Keltie Duncan, Hélène Tanguay

Artistic Director: Chris Robinson

Competition and Showcase Programming: Chris Robinson

TAC & Workshop Director: Azarin Sohrabkhani

Additional Programmers: Keltie Duncan, Matt Rosen

Office Manager: Dominique Forget Technical Coordinator: Keltie Duncan

Festival Reader:

• Susan Scotti, Chair (joined 2009)

Media & Marketing Coordinator: Jeremy Maclaine

• Michael Leong, Treasurer (joined 2011)

Editors: Chris Robinson & Dominique Forget

Interim TAC Coordinator: Michael Peterson

• Claude Faubert (joined 2011)

Office Assistant: Kujang Kandaru

• Peter Fleming (joined 2011) • Velma McColl (joined 2012)

Sponsorship Assistant: Jennifer Hyde, Joan Mweu

Writers: Keltie Duncan, Chris Robinson, Matt Rosen, Morgan Miller, Dominique Forget

• Russell Mills (joined 2009)

Programming Assistant: Corrado di Bello

Poster Illustration: Koji Yamamura

• Frank Taylor (joined 2012)

Volunteer Coordinator: Susan Sloan

Signal Film: En Masse

Box Office Coordinator: Shu Zhang TAC Assistant: Sam Kabbara

Sponsor Logo Reel: Dainty Productions, Inc.

Workshop Assistant: Jessica Guse

Printer: Motion Creative Printing

Special Events Coordinator: Christine Utnans, Jill Montague

Travel Agency: Far Horizons Travel

BOARD OF DIRECTORS

2012 TAC ADVISORY COMMITTEE We work closely with these industry insiders when brainstorming topics of discussion and improvements to our upcoming event.

• Mary Bredin, VP Development & Acquisitions (Guru Animation Studio) • Vince Commisso, Co-Founding Partner, President & CEO (9 Story Entertainment) • Chris Dainty, President (Dainty Productions Inc.) • Clint Eland, President/Executive Producer (Mercury Filmworks) • Sarah Etherden, Communications Manager (Teletoon Canada Inc.) • Ken Faier, President (Nerd Corps Entertainment Inc.) • Frank Falcone, Creative Director (Guru Animation Studio) • Jennifer McCauley, Account Executive (Turner Entertainment) • Rick Morrison, President (Big Jump Productions) • Terry Rotsaert, Head of Production (Cookie Jar Entertainment) • Julie Stall, VP Production (Portfolio Entertainment Inc.) • Rebecca Swift, Production Coordinator (9 Story Entertainment)

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2012 OTTAWA INTERNATIONAL ANIMATION FESTIVAL

Guest Services Coordinator: Sandra Robertson, Sham Gunawardena Intern: Pauline Launoy Interns: Lotis-Mae Abogadie, Cici Huang, Makhaila Burke Arts Court Stage Manager Day: Patrick Dolan Arts Court Venue Manager Day: Keeley Durocher Arts Court Stage Manager Evening: Arts Court Venue Manager Evening: Empire Stage Manager: Corrado di Bello Empire Venue Manager: ByTowne/ NAC Stage Manager: Patrick Cross ByTowne/NAC Venue Manager: Clémence Bragard National Gallery Venue Manager: Adriana Cull Bartender: Drivers: Ashley Culp

WWW.ANIMATIONFESTIVAL.CA

Graphic Design: Bryan Dunlay

Special Thanks: Jennifer Zaret, Brooke Kessling, Matt Rosen, Carolyn Coutney (Ottawa Festivals), Richard O’ Connor, Lee Demarbre (Mayfair Theatre), Morgan Miller, Eddie Bakshi, Run Wrake, Koji Yamamura, Dale Hayward, Betty, Jarvis and Harry Neall, Tom Knott, Michael Fukushima, Patricia Burns, Xavier Forget of the National Arts Centre, Bruce White of the ByTowne Cinema, Marc Bedard of the National Gallery of Canada, Dean Leland at Empire Theatres, Donna Williams at Arts Court Foundation.

Of course, there are always a few names that get left out, but we know who you are, and we are grateful for all that you’ve done.

Finally, we thank all of our hardworking volunteers; we could not do this without you!

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ByTowne Cinema (325 Rideau) Empire Theatre Rideau Centre National Arts Centre (53 Elgin) National Gallery of Canada (380 Sussex) Chateau Laurier Arts Court Trio Restaurant at the Novotel Ritual Nightclub (137 Besserer) Avant-Guarde Bar (135 Besserer) Smokes Poutinerie (407 Dalhousie) Pita Pit (373 Dalhousie) The Black Tomato (11 George) Market Organics (126 York) Gabriel Pizza (175 Rideau) Domus Café (87 Murray) Sidedoor (20 York) Darcy McGees (44 Sparks) Bridgehead (96 Sparks) Lapointe Seafood (55 York Street) Kinki (41 York Street) Mambo (77 Clarence) The Courtyard Restaurant (21 George) Oz Café (361 Elgin) Bridgehead (224 Dalhousie) Mama Grazzi’s (2 George)

Approximate Walking Times / Durée approximative de marche ByTowne Cinema - Arts Court / Empire ............................................15min ByTowne Cinema - National Gallery .................................................. 30min ByTowne Cinema - National Arts Centre ......................................... 30min Arts Court / Empire - National Gallery ...............................................15min Arts Court / Empire - National Arts Centre ......................................15min National Gallery - National Arts Centre ............................................ 30min

OIAF 2012 FESTIVAL READER / FIAO 2012 LECTEUR DU FESTIVAL

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July/August 2012 (No. 222)

June 2012 (No. 221)

Ice Age Delivers A Fourth Chapter Inside Cartoon Network’s Hot Summer The World of Black Dynamite The VFX of The Amazing Spider-Man

The Making of Pixar’s Brave The Zoosters Are Back in Madagascar 3 The Charms of Ernest and Celestine Annecy 2012’s Highlights

April/May 2012 • 25th Anniversary Special (No. 220)

March 2012 (No. 219)

Sail Away with Aardman’s The Pirates! Movie A Special Sneak Peek at Nick’s The Legend of Korra Disney XD Spins a new Spidey Toon The Best of MIPTV Surveying the Italian Animation Scene 25 TV Shows that Defined the Zeitgeist

Visiting Ghibli’s The Secret World of Arrietty Dr. Seuss’ The Lorax Strikes Back Short and Sweet: Doyon’s Dimanche and Orchard’s A Morning Stroll Meet The Hub’s Transformers Rescue Bots

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