OTTAWA 10 FESTIVAL READER | LECTURE DU FESTIVAL
OCTOBER 20 - 24, 2010Reader 2010 Festival
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PRESENTING SPONSOR:
FESTIVAL PARTNERS:
SHOWCASE SPONSORS:
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MAJOR SUPPORTERS:
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PATRONS:
OFFICIAL SUPPLIERS:
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DIFFUSART.BIZ Médias & Evénements Media & Events
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TABLE OF CONTENTS SCHEDULE/HORAIRES
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LETTERS/COURRIER
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TELEVISION ANIMATION CONFERENCE/CONGRÈS DE L’ANIMATION TÉLÉVISUELLE
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SPECIAL PROGRAMMES/PROJECTIONS SPÉCIALES
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SPECIAL PRESENTATIONS/PRÉSENTATIONS SPÉCIALES
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WORKSHOPS AND OTHER EVENTS/ATELIERS ET AUTRES ÉVÉNEMENTS
98
JURIES/JURÉS
102
FILMS IN COMPETITION/COMPÉTITIONS DU FILM
104
SHOWCASES/VITRINES DU FILM
122
FAMILY SCHEDULE/HORAIRES POUR LA FAMILLE
131
TOON APPRENTICE/APPRENTI ANIMATEUR
132
ANIMATION SCHOOL FAIR/FOIRE DES ÉCOLES D’ANIMATION
135
PARTIES/FÊTES
136
FILM CONTACTS/CONTACTS DU FILM
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OFFICIAL COMPETITION PRIZES AND AWARDS/ PRIX DE COMPÉTITIONS OFFICIELLES ET TROPHÉES
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FESTIVAL ORGANIZATION AND STAFF/ ORGANISATION DU FESTIVAL ET PERSONNEL
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VENUE LOCATIONS/EMPLACEMENTS CALENDRIER DU FESTIVAL
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ESSAYS: THE GENIUS OF OSAMU TEZUKA / LE GÉNIE D’OSAMU TEZUKA BY TOM MCSORLEY
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YOU NEED TO BE ALONE SOMETIMES / IL FAUT PARFOIS SE RETROUVER SEUL BY NOBUAKI DOI
31
HANDSOAPS AND FOOLS / SAVONS ET IMBÉCILES BY CHRIS ROBINSON
40
FURNITURE OF MY MIND / MEUBLER MON ESPRIT BY GEORGE GRIFFIN
46
YEAH, WHAT SHE SAID: EMPATHETIC INNUENDO IN XX IN ANIMATION / YEAH WHAT SHE SAID : L'INSINUATION EMPATHIQUE DANS XX EN ANIMATION BY GJEN SNIDER
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LET’S GO CRAZY / TOUS EN FOLIE! BY KARL COHEN
61
DREAMS OF THE BLIND WATCHMAKER: SURREALISM AND MAGIC REALISM IN CZECH ANIMATION / LES RÊVES DE L'HORLOGER AVEUGLE: LE SURRÉALISME ET LE RÉALISME MAGIQUE DANS L'ANIMATION TCHÈQUE BY KASPAR J. SAXENA & MILADA KOVACOVA
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FOUNDATION OF SUCCESS: BRAVO!FACT AT 15! / UN SUCCÈS SUR DE SOLIDES FONDATIONS: BRAVO!FACT SOUFFLE QUINZE BOUGIES BY MICHAEL FUKUSHIMA
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CHEAP SKATES: WINNIPEG OUTSIDER ANIMATION / SYSTÈME D: L'ANIMATION À RABAIS DE WINNIPEG BY MIKE MARYNIUK
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SCHEDULE / HORAIRES Wednesday, October 20 7:30AM
CH Television Animation Conference (TAC Pass Only) 9:00AM
AS Aniboutique and Chez Ani open 5:30PM
FD TAC Happy Hour (TAC Pass Only)
Friday, October 22
11:00PM
MB Opening Night Party (Pass holders Only)
9:00AM
AS Meet the Filmmakers
Thursday, October 21
9:45AM
NG FREE School Presentation: Max the Mutt Animation School
7:30AM
10:00AM
CH Television Animation Conference
BY Short Competition 4 AS Book signing: Steven Woloshen
9:00AM
AS Meet the Filmmakers
10:30AM
9:30AM
NG FREE School Presentation: Sheridan College Institute of Technology & Advanced Learning
NG Animation Celebration 11:00AM
11:00AM
Short Competition 4 Canadian Showcase Animation Celebration Masterclass: Torill Kove
NG FREE Screening for Teens: International Showcase 2 AT Masterclass: Steven Woloshen 12:00PM
LG Animators' Picnic (Passholders Only)
Short Competition 5 International Showcase 2 Handsoaps & Fools: Atsushi Wada & Kei Oyama TV for Kids
AS Book signing: Andrew Farago 3:00PM
BY Short Competition 3 NG Furniture of My Mind AT TAC TV Showcase 4:00PM
AS DVD signing: Atsushi Wada AS Book signing: Chris Robinson 5:00PM
BY Goodbye Mister Christie - GALA CN Lipsett P.S. Exhibit opening at Canteen Gallery 6:00PM
AS Book signing: Jerry Beck 6:45PM
BY One Piece Film: Strong World - GALA 7:00PM
EM Midori-ko NG LET’S GO CRAZY
LEGEND:
AT Arts Court Theatre AS Arts Court Studio AL Arts Court Library
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Short Competition 2 - GALA Gravity Was Everywhere Back Then Czech Animation: Solve et Coagula Bravo! FACT at 15
AT The Inappropriate for Children Show
BY Short Competition 1 - GALA Opening Ceremonies
2:00PM
BY EM NG AT
11:30PM
9:15PM
BY EM NG AT
9:15PM
CS Salon des refusés (Pass holders Only)
BY The Illusionist - GALA
1:00PM
AT The Inappropriate for Children Show
11:00PM
7:00PM
BY EM NG AT
7:00PM
1:00PM
NG FREE School Presentation: Algonquin College 1:45PM
NG FREE School Presentation: Vancouver Film School 2:30PM
NG FREE School Presentation: Emily Carr University of Art & Design 3:00PM
EM Midori-Ko NG Free Screening for Teens: Student Showcase AT Canadian Showcase 5:00PM
BY Short Competition 2 NG Czech Animation: Solve et Coagula CS Californimation Exhibit opening in Galerie SAW Gallery 7:00PM
BY EM NG AT MC
Gravity Was Everywhere Back Then - GALA Goodbye Mister Christie Student Showcase Bravo! FACT at 15 Special Presentation Disney’s Tangled
9:15PM
MC The Genius of Osamu Tezuka BY Short Competition 3 - GALA AC Arts Court Courtroom BY ByTowne Cinema CN Canteen Art Shop & Gallery
CL Chateau Laurier CS Club SAW / Galerie SAW Gallery EM Empire Theatre - Rideau
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SCHEDULE / HORAIRES 9:15PM
8:30PM
NA Book signing: The Kenk Team
EM The Illusionist NG Winnipeg DIY Animation
9:15PM
9:45PM
Secret World of Japanese Indies 2 Short Competition 5 - GALA One Piece Film: Strong World Furniture of My Mind
CS Salon des refusés (Passholders only)
MC BY EM NG
11:30PM
9:45PM
AT Short Competition 3 11:00PM
AT The Inappropriate for Children Show
AT Short Competition 5 11:00PM
Saturday, October 23 9:00AM
AC Animators for Hire: Recruiting presentations AS Animation School Fair AS Meet the Filmmakers 9:30AM
MC TV for Kids – GALA I F FREE! Day-long NFB Teen Animation Workshop 11:00AM
MC BY EM NG AT
Short Films for Kids Competition - GALA Short Competition 1 Gravity Was Everywhere Back Then Student Showcase Workshop: Case Study of Stella and Sam
1:00PM
MC The Influence of Osamu Tezuka BY Short Competition 3 EM Goodbye Mister Christie NG International Showcase 1 AT Workshop: Mark Simon’s Storyboard Pro Tips & Tricks 3:00PM
MC BY EM NG AT
The Genius of Osamu Tezuka Short Competition 4 - GALA The Inappropriate for Children Show Canadian Showcase Workshop: Voice Acting with Stevie Vallance
4:30PM
MC Handsoaps & Fools: Atsushi Wada & Kei Oyama 5:00PM
TBA Saturday Night Party (Pass Holders Only)
Sunday, October 24 9:00AM
AS Meet the Filmmakers AS Animation School Fair 9:30AM
IF FREE NFB Family Workshop “Atelier McLaren” 11:00AM
MC BY NG AT
The Making of Pixar & Disney Short films International Showcase 1 XX in Animation Jen Gould DVD Launch Party
1:00PM
MC BY NG AT
Handsoaps & Fools: Atsushi Wada & Kei Oyama Short Competition 5 Secret World of Japanese Indies 1 FREE TELETOON’s Skatoony: Live Game Show!
1:30PM
IF FREE NFB Family Workshop 3:00PM
BY EM NG AT
Short Competition 1 One Piece Film: Strong World Secret World of Japanese Indies 2 Short Films for Kids Competition
5:00PM
BY Short Competition 2 NG Winnipeg DIY Animation AS Chez Ani Closes
BY International Showcase 2 NG LET’S GO CRAZY
7:00PM
6:00PM
BY Best of the Festival MC Best of the Festival
MC Closing Ceremonies 8:00PM
AS DVD signing: Caroline Leaf AS Book signing: Dave Cooper
9:00PM
7:00PM
MC BY EM NG AT NA
Secret World of Japanese Indies 1 Midori-ko - GALA The Illusionist XX in Animation Masterclass: Caroline Leaf Kenk: Animating a Graphic Novel
FD Foundation Restaurant IF Independent Filmmakers Cooperative of Ottawa
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MB Metropolitan Brasserie MC Museum of Civilization NA National Archives
FD Closing night Party (Pass holders only) NOTE: PASSHOLDERS SHOULD AIM TO ARRIVE AT LEAST 15 MINUTES IN ADVANCE OF ALL REGULAR SCREENINGS AND 30 MINUTES IN ADVANCE OF ALL PASSHOLDER PRIORITY SCREENINGS AND EVENTS NG National Gallery of Canada LG LAGO Restaurant
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It is with great pleasure that I extend my warmest greetings to everyone attending the 2010 Ottawa International Animation Festival (OIAF).
C'est avec plaisir que je salue chaleureusement tous ceux et celles qui assistent au Festival international d'animation d'Ottawa (FIAO) 2010.
Animated film has a distinguished history in Canada and has been crucial to the formation of our cinematic identity. Over the years, Canadian filmmakers have been recognized as innovators and admired for their artistic and technical achievements. Today, new technologies have opened up a world of possibilities for production, collaboration and distribution. The OIAF is ideally suited to exposing a wider audience to the leading edge of the art.
Le film d’animation a une histoire prestigieuse au Canada, et a joué un rôle fondamental dans la formation de notre identité filmique. Au fil des années, les cinéastes canadiens ont été reconnus pour leur talent novateur et admirés pour leurs réalisations artistiques et techniques. Aujourd’hui, de nouvelles technologies ouvrent un monde de possibilités à la production, la collaboration et la distribution. Le FIAO a tous les éléments requis pour faire découvrir la fine pointe du 7e art à un plus large public.
I would like to commend the Canadian Film Institute for bringing this inspiring event to the Nation’s Capital. With such a wealth of creativity on display, the festival is sure to be a resounding success. Please accept my best wishes for a most enjoyable and engaging experience.
Je tiens à féliciter l’Institut canadien du film d’avoir amené cet événement exceptionnel dans la capitale nationale. Avec un tel déploiement de créativité, le festival ne manquera pas de connaître un succès retentissant. Je vous souhaite une expérience des plus enrichissantes et agréables.
The Rt. Hon. Stephen Harper, P.C., M.P./ Le très honorable Stephen Harper
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Our Government knows just how important the arts are to the development of our communities and the vitality of our culture. The Ottawa International Animation Festival allows film artists and artisans to highlight their talent while offering the residents and visitors in the National Capital Region an excellent opportunity to discover creative and innovative animated films. On behalf of Prime Minister Stephen Harper and the Government of Canada, I would like to congratulate the Canadian Film Institute, which has helped bring the art of film to life throughout our vast country for the past 75 years. You can be proud of being an outstanding part of the dynamic cinematic landscape in Canada and beyond.
Notre gouvernement sait à quel point les arts sont importants pour l’essor de nos communautés et le dynamisme de notre culture. Le Festival international d’animation d’Ottawa permet aux artistes et artisans du cinéma de faire valoir leur talent, tout en offrant aux résidants et visiteurs de la région de la capitale nationale une belle occasion de découvrir des films d’animation créatifs et novateurs. Au nom du Premier ministre Stephen Harper et du gouvernement du Canada, je félicite l’Institut canadien du film qui contribue depuis 75 ans à donner vie au 7e art dans notre vaste pays. Vous pouvez être fiers de prendre part de si belle manière à la vitalité de la scène cinématographique d’ici et d’ailleurs.
Minister of Canadian Heritage and Official Languages
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Lass Smu Mick Don Jone Shre Peng Pete Bull Cho TRO Groe Aard Tint Stew Eige Park Luca
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Lasseter Katzenberg The Smurfs SpongeBob Phineas Mickey Bugs Warner Bros. Don Hahn Saban Chuck Jones Hanna-Barbera Dora Shrek Tom Kenny Brad Bird Penguins of Madagascar Peter Jackson Fleischer Bullwinkle Woody Homer Chomet Zarghami Disney TRON Schulz Hillenburg Groening Pixar Kenny Aardman Satrapi Stan Lee Tintin Hartman Gromit Stewie Tezuka Snoopy Get the latest news from your favorite animated and vfx names in the business daily on Eiger MacFarlane www.animationmagazine.netStone & & monthly in Parker Miyazaki George Lucas Pete Docter del Toro
All the Top Names in the Biz!
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Telefilm Canada is proud to be a part of the Ottawa International Animation Festival and to salute the extraordinary talent that this nation generates. It is events such as this one that strengthen the industry as a whole by drawing attention to Canadian productions, developing talent and fostering creative collaboration. At Telefilm, our objective is to support talent throughout Canada, and to encourage the production of content that appeals to audiences at home and abroad. Our cinema entertains, enlightens, informs and challenges; it fosters dialogue about our identity and our values. It represents us on the international stage, shapes our sense of belonging and contributes to the diversity of our society. Thank you to the organizers of the Ottawa International Animation Festival for bringing us together year after year. This event will provide festival-goers with an opportunity to discover outstanding works and to enjoy the latest in homegrown cinema. Enjoy the festival!
Téléfilm Canada est fière de participer au Festival international d’animation d’Ottawa et d’y saluer le talent extraordinaire que le Canada génère. Ces sont des événements comme celui-ci qui renforcent l'industrie dans son ensemble, en attirant l'attention sur les productions d’ici, en permettant au talent de s'épanouir et en favorisant la collaboration créatrice. Téléfilm Canada a pour objectif de soutenir les créateurs canadiens et d'encourager la production d'œuvres attrayantes pour les publics d'ici et d'ailleurs. Notre cinéma est divertissant, instructif et inspirant; il encourage le dialogue sur notre identité et nos valeurs. Il nous représente sur la scène internationale, forge notre sentiment d'appartenance et contribue à la diversité de notre société. Merci aux organisateurs du Festival international d’animation d’Ottawa de nous réunir année après année. Pour les festivaliers, cet événement est l'occasion de découvrir des œuvres remarquables et de savourer les créations les plus récentes de notre cinéma. Bon festival!
Carolle Brabant Executive Director, Telefilm Canada Directrice générale,Telefilm Canada
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The world of animation never sits still: each year brings new innovations and creative breakthroughs. For over three decades, the Ottawa International Animation Festival (OIAF) has been an invaluable forum for animation lovers and artists to see the latest the genre has to offer and gather to exchange ideas. At the National Film Board of Canada (NFB), we’ve been a leader in envelope-pushing auteur animated film since cinema legend Norman McLaren first arrived in Ottawa to found our animation unit in 1941. We’re proud to partner with OIAF again this year, and we’ll be offering a variety of ways for the public to engage with the art of animation: workshops for kids and young adults; master classes with Torill Kove, Caroline Leaf and Steven Woloshen; and meet-the-filmmaker sessions. And once again, we’re delighted to be presenting the festival’s Public Prize. When you’re done enjoying all of OIAF’s great programming, I invite you to check out hundreds of outstanding NFB animated productions at <NFB.ca> as well as on our iPhone and iPad apps. Have a great festival!
Le monde de l’animation est toujours en pleine effervescence : chaque année fait place à de fascinantes innovations et percées en matière de création. Depuis plus de trente ans, le Festival international d’animation d’Ottawa est un précieux forum qui donne aux aficionados de l’animation et aux artistes l’occasion d’observer les nouvelles tendances du genre et d’échanger leurs idées. L’Office national du film du Canada est un chef de file en animation d’auteur avant-gardiste depuis la fondation de son studio d’animation en 1941, ici même, à Ottawa, par la légende du cinéma Norman McLaren. Fier de s’associer cette année encore au Festival international d’animation d’Ottawa, l’ONF proposera aux festivaliers diverses façons de s’adonner à l’art de l’animation : des ateliers pour enfants et jeunes adultes; des ateliers de maître avec Torill Kove, Caroline Leaf et Steven Woloshen; ainsi que les Rencontres avec les cinéastes. Enfin, l’ONF est ravi de présenter une fois de plus le Prix du public. Une fois que vous aurez profité de l’excellente programmation du Festival, je vous invite à regarder d’autres animations exceptionnelles de l’ONF en ligne, sur <ONF.ca>, ainsi que sur votre iPhone et votre iPad. Bon festival!
Tom Perlmutter Government Film Commissioner and Chairperson of the National Film Board of Canada Commissaire du gouvernement à la cinématographie et président de l'Office national du film du Canada
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You demand animation. We provide.
AWNtv.com – Keeping Your World Animated The animation revolution will be televised! Industry pundit interviews and complete VFX conference sessions. Exclusive VFX shot clips. Over 1,000 independent short animated films. Feature film trailers, featurettes, webisodes, music videos, commercials and more! With extensive categorizing and curated playlists - feed your need for entertainment and immerse yourself in a captivating world of today’s top animation and VFX. Glimpse the future of online animation today! AWNtv.com – Part of the Animation World Network
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Welcome to the 2010 edition of the Ottawa International Animation Festival. As the largest of the annual festivals organized by the Canadian Film Institute, the OIAF is, and will continue to be, one of the cornerstones of the Institute.
Bienvenue à l'édition 2010 du Festival international d'animation d'Ottawa. À titre de plus grand festival annuel organisé par l'Institut canadien du film, le FIAO est et continuera d'être une des pierres angulaires de l'Institut.
Established in 1935, the CFI was created to present alternatives to the typical ‘Hollywood’ fare that dominated (and still dominates!) Canadian film screens. In its 75 years of existence, the CFI has continued to do just that, including the founding of the OIAF in 1976. From its experimental film programming of Café Ex, to regular screenings at the Library and Archives of Canada, to the European Union Film Festival and the Latin American Film Festival, to ongoing independent Canadian cinema programming, the CFI presents hundreds of films, video, and, increasingly, digital media art works every year to audiences in Ottawa, across Canada, and around the world.
Créé en 1935, l'ICF a été créé pour offrir des solutions de rechange aux films « hollywoodiens » typiques qui prédominaient (et prédominent toujours !) sur les écrans canadiens. Au cours de ses 75 ans d'existence, l'ICF s'en est tenu à sa mission, y compris en fondant le FIAO en 1976. Depuis les programmes de films expérimentaux au Café Ex jusqu'aux projections habituelles à Bibliothèque et Archives Canada, en passant par les festivals du film de l'Union européenne et de l'Amérique latine, et par ses programmes continus de cinéma canadien indépendant, l'ICF présente chaque année des centaines de films, de vidéos, et, en nombre croissant, d'œuvres réalisées pour des médias numériques, aux auditoires d'Ottawa, de partout au Canada, et dans le monde entier.
Now in our 75th year, the CFI continues to expand its public programming and educational outreach, initiating a whole new series of publications and web-based activities. It is an exciting time for both the CFI and the OIAF, as we work to develop and deliver more public programming, artist talks, workshops, special screenings, and retrospectives. Once again, welcome to Ottawa 2010!
Si l'ICF compte aujourd'hui 75 ans d'existence, il n'en continue pas moins d'étendre ses programmes publics et son rayonnement éducatif en lançant une toute nouvelle série de publications et d'activités basées dans Internet. Pour nous de l'ICF et du FIAO, c'est une période palpitante, car nous travaillons à concevoir et à livrer davantage de programmes publics, de causeries avec des artistes, d'ateliers, de projections spéciales et de rétrospectives. Encore une fois, bienvenue à Ottawa 2010 ! Je vous prie d'agréer mes salutations les meilleures.
Sincerely/ Cordialement, Tom McSorley Executive Director, The Canadian Film Institute Le directeur général, Institut canadien du film,
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Ontario Media Development Corporation (OMDC) is proud to sponsor the Television Animation Conference (TAC) at the Ottawa International Animation Film Festival (OIAF) again this year. For more than 30 years, OIAF has been a place for the industry and the public to meet and celebrate this unique art form. As an agency of the Ministry of Culture, OMDC promotes innovation, investment and employment in Ontario's book, interactive digital media, magazine publishing, music, film and television industries. TAC provides an important forum for Canadian and international animation producers, broadcasters and buyers to network, discuss industry issues and do business together. Our cultural media industries play a vital role in the Province’s economy, contributing billions of dollars annually and employing thousands of Ontarians. OMDC is pleased to support this important event and we trust that the organizers and participants will enjoy another successful conference!
La Société de développement de l’industrie des médias de l’Ontario (SODIMO) est fière de parrainer une nouvelle fois le Congrès de l'animation télévisuelle (CAT) au Festival international d'animation d'Ottawa (FIAO). Depuis plus de 30 ans, l’OIAF est un lieu de rencontre de l’industrie et du public qui viennent célébrer cette forme artistique unique. Organisme du ministère de la Culture, la SODIMO promeut l’innovation, les investissements et l’emploi dans les industries ontariennes de l’édition de livres et de revues, des produits multimédias interactifs numériques, de la musique et du cinéma et de la télévision. La TAC offre une tribune importante aux producteurs canadiens et internationaux d’animation, aux radiodiffuseurs et aux acheteurs qui peuvent réseauter, discuter des enjeux propres au secteur et faire des affaires. Nos industries des médias culturels jouent un rôle important au sein de l’économie de la province et contribuent des milliards de dollars chaque année tout en employant des milliers d’Ontariennes et d’Ontariens. La SODIMO est heureuse de soutenir cet événement important. Nous souhaitons aux organisateurs et participants un congrès réussi!
Sincerely/ Cordialement,
Karen Thorne-Stone President & CEO/ Présidente-directrice générale Ontario Media Development Corporation (OMDC) Société de développement de l’industrie des médias de l’Ontario (SODIMO)
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On behalf of Members of Ottawa City Council, representing 900,000 residents, it gives me great pleasure to extend a very warm welcome to all those participating in the Ottawa International Animation Festival, taking place in our nation’s capital from October 20th to 24th 2010. As Head of Council, I want to lend my support to the collaborative efforts of the OIAF staff to increase awareness of animation and to assist artists to gain exposure. Allow me to congratulate the OIAF 2010 organizers, sponsors, artists, volunteers and all those who have dedicated their time, energy, talents and resources to the successful organization of this important cultural event of international scope. As Mayor of the host city, I invite visitors to explore the numerous civic sites of historic significance, as well as the abundance of national treasures and heritage landmarks housed in Canada’s capital. Please accept my best wishes for a very entertaining and most memorable festival.
Au nom des membres du Conseil municipal d’Ottawa représentant 900 000 résidents, c’est avec plaisir que je souhaite la plus cordiale bienvenue à tous les participants au Festival international d’animation d’Ottawa qui se tiendra dans la capitale nationale du 20 au 24 octobre 2010. En ma qualité de chef du Conseil, je suis très heureux d’appuyer les projets de collaboration du personnel du FIAO qui contribuent à mieux faire connaître l’animation et à aider les artistes à obtenir une plus grande visibilité. Permettez-moi de féliciter les organisateurs du FIAO 2010, les commanditaires, les artistes, les bénévoles et tous ceux qui ont consacré leur temps, leur énergie, leurs compétences et leurs ressources à l’organisation réussie de cet événement culturel important d’envergure internationale. En tant que maire de la ville hôte, j’invite les visiteurs à découvrir les nombreux lieux municipaux d’importance historique ainsi que les trésors nationaux et les sites patrimoniaux abondants qu’abrite la capitale du Canada. Je vous souhaite à tous un festival très mémorable et des plus divertissants. Recevez l’assurance de mes sentiments les meilleurs.
Sincerely/ Cordialement,
Larry O'Brien Mayor /Maire
City of/Ville d’Ottawa 110 Laurier Avenue West, Ottawa, ON K1P 1J1/110, avenue Laurier Ouest, Ottawa ON K1P 1J1 Tel/tél. : 613-580-2400, Fax/télec. : 613-580-2495, Web : ottawa.ca OIAF 2010 FESTIVAL READER | FIAO 2010 LECTEUR DU FESTIVAL
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Wednesday, October 20th and Thursday, October 21st mercredi, 20 octobre et jeudi 21 octobre Fairmont Château Laurier Starz Adam Room, Canadian Room, Drawing Room and Quebec Suite / salle Starz Adam, salle Canadian, salle Drawing et suite Quebec
TELEVISION ANIMATION CONFERENCE (TAC)
CONGRÈS DE L'ANIMATION TELÉVISUELLE (TAC)
TAC, the OIAF’s industry side event, is held at the Fairmont Château Laurier the first two days of the Festival. Selling out since its inaugural edition, the Conference is a specialized industry forum designed for professionals in animation content creation, development, production, distribution and marketing. The event now targets an audience of over 300 delegates, bringing together key players from North American and international markets, providing an intimate space for effective networking, practical information exchange and trade.
TAC, un événement pour l'industrie organisé par l'OIAF en parallèle avec le Festival, a lieu au Fairmont Château Laurier durant les deux premiers jours du Festival. Affichant complet depuis sa première édition, cette conférence consiste en un forum consacré à l'industrie et conçu pour les professionnels œuvrant dans les secteurs de la création de contenu en animation, du développement, de la production, de la distribution et du marketing. L'événement attire plus de 300 délégués et réunit des figures clés des marchés nord-américains et internationaux. Il propose un endroit à la fois chaleureux et efficace pour effectuer du réseautage, partager des informations pratiques et échanger.
TAC 2010 HIGHLIGHTS 2010 is an exciting year for TAC and the OIAF, with the addition of Cartoon Connection Canada-EU running before and during TAC. This co-production forum is designed to connect Canadian producers, broadcasters and distributors to their European counterparts. TAC 2010, will be going into its 7th edition with keynotes Lisa Olfman and Emmanuèle Pétry kicking off each day. Olfman is the founding partner and co-president of Portfolio Entertainment, credited with The Cat in the Hat Knows A Lot About That! and Carl². She’s been awarded the Rotman Canadian Woman Entrepreneur of the Year and consistently ranked in Profit Magazine’s Top 100 Female Business owners list. Pétry is a seasoned professional in the TV industry including heading up Millimages’ development and coproductions, as well as opening Nelvana’s Paris office that grew to focus on development, co-production and worldwide distribution for the company. Catch a glimpse of what Canadian producers are up to at the TAC Canadian Showcase, featuring Doodlebops Rockin’ Road Show, It’s Always Sunny in Philadelphia, Stella and Sam, The Cat in The Hat Knows A Lot About That, and The Dating Guy . Festival screenings are a key way to catch up on new trends, new artists and the best work from around the world. TAC features many opportunities that cater to delegate needs, including panels, seminars and networking events. Participants can pre-arrange one-on-one meetings with key buyers and executive producers at Fast Track, set up meetings in the TAC Lounge, take in intimate social events such as TAC Happy Hour, the Buffet Breakfast, Coffee Breaks and OIAF Festival Parties.
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TAC 2010 — FAITS SAILLANTS L'année 2010 s'avère fort excitante pour le TAC et l'OIAF, grâce notamment à l'ajout de l'événement Cartoon Connection CanadaEU, qui se déroule avant et durant le TAC. Ce forum axé sur la coproduction a été conçu dans le but de permettre aux producteurs, diffuseurs et distributeurs canadiens d'établir des liens avec leurs homologues européens. TAC 2010 amorcera chaque journée de sa septième édition avec les principaux orateurs Lisa Olfman et Emmanuèle Pétry. Olfman est la partenaire fondatrice et coprésidente de Portfolio Entertainment. On lui doit notamment The Cat in the Hat Knows A Lot About That! et Carl². Elle fut nommée Femme entrepreneure de l'année par Rotman Canadian et figure régulièrement au classement des 100 femmes propriétaires d'entreprise du Profit Magazine. Pétry est une professionnelle chevronnée de l'industrie télévisuelle. Elle a notamment dirigé le développement et les coproductions de la boîte Millimages, en plus d'installer les bureaux de Nelvana à Paris, où l'on assurait le développement, la coproduction et la distribution internationale des oeuvres de l'entreprise. Venez découvrir les plus récents projets des producteurs canadiens lors du TAC Canadian Showcase. Y seront notamment présentés Doodlebops Rockin’ Road Show, It’s Always Sunny in Philadelphia, Stella and Sam, The Cat in The Hat Knows A Lot About That, ainsi que The Dating Guy. Les visionnements qui ont lieu dans le cadre du Festival s'avèrent une excellente occasion de se tenir à l'affût des dernières tendances, des nouveaux artistes et des meilleures réalisations de par le monde. TAC répond aux attentes des délégués de multiples façons, que ce soit via des tables rondes, des séminaires ou encore des activités de réseautage. Les participants à l'événement peuvent organiser à l'avance des rencontres individuelles avec les principaux acheteurs et producteurs exécutifs lors du Fast Track; tenir des réunions dans le TAC Lounge; ou encore prendre part à des activités sociales intimistes tels le TAC Happy Hour, le déjeuner buffet, les pauses café et les soirées dansantes du Festival.
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Companies Participating in TAC 2010 include: Les entreprises et organisations qui prendront part à la TAC 2010 comprennent notamment: • Amberwood Entertainment
• Gaumont - Alphanim S.A.
• Animation Magazine
• Guru Studio
• Animation World Network
• House of Cool
• Animax Entertainment
• Kavaleer Productions Ltd
• Atlantyca
• LAIKA
• BBC
• marblemedia
• Bejuba! Entertainment
• Nerd Corps Entertainment Inc.
• Big Jump Productions Inc.
• Nickelodeon
• Canadian Broadcasting Corporation (CBC)
• PBS
• Canal+
• Pipeline Studios Inc.
• CCI Entertainment
• Portfolio Entertainment Inc.
• CelAction Ltd.
• Rai Fiction
• Chapman Entertainment
• Rainmaker Entertainment Inc.
• Chuck Gammage Animation Inc.
• scopas medien AG
• Cookie Jar Entertainment Inc.
• Skywriter Media and Entertainment Group
• Corus Entertainment Inc.
• Spectra Animation
• DHX Media Ltd
• Starz Animation
• Disney Online Studios Canada
• Telefilm Canada
• Elliott Animation
• Telescreen BV
• eOne Family
• Teletoon
• Euronews (TV team)
• Turner Broadcasting System Latin America
• France Télévisions
• YTV/ Treehouse & Discovery Kids
• Fresh TV Inc.
• And Many more...
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Media Partner
100 Laurier St., Gatineau, QC | www.civilization.ca FestivalReader_2010.indd 20
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Jimmy Two-Shoes
Alfred Hedgehog Fred’s Head
Atomic Betty
Stoked
The Adventures of Artie the Ant Chop Socky Chooks
Bizou Caillou
Wapos Bay
Carl Squared
Max & Ruby
Franny et les chaussures magiques
Bo on the Go!
Toupie et Binou
Kid vs Kat
Nelly et César
Bali
Iggy Arbuckle
Total Drama Island
Turn on Canada.
Branchés sur le Canada.
turnoncanada.ca
Canadians are connecting to content wherever they are, whenever they want. That’s precisely why the Canada Media Fund is committed to championing the creation of successful, innovative, Canadian content and software applications. Whatever the platform, we want Canadians to turn on Canada.
Quel que soit le moment ou le lieu, il n’a jamais été aussi facile pour les Canadiens d’accéder aux contenus de leur choix. C’est pourquoi le Fonds des médias du Canada s’engage à favoriser la création de contenus originaux et d’applications novatrices. Peu importe la plateforme, nous voulons que les Canadiens se branchent sur le Canada.
branchessurlecanada.ca
Created by Canada’s cable and satellite distributors and the Government of Canada.
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Créé par les distributeurs de services par câble et par satellite et le gouvernement du Canada.
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JAPANESE ANIMATION / ANIMATION JAPONAISE
TIME OUT OF MIND
An extensive four part programme looking at some of the best independent work, past and present, to come out of one of the world’s most popular animation producing countries. Un programme à grande échelle en quatre parties, qui examine certaines des meilleures œuvres indépendantes du passé et du présent, provenant d’un des plus populaires pays producteurs d’animation. SPONSORED BY:
WITH THE ASSISTANCE OF THE JAPAN-CANADA FUND, A GIFT TO THE CANADA COUNCIL FOR THE ARTS FROM THE GOVERNMENT OF JAPAN
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THE GENIUS OF OSAMU TEZUKA Friday, October 22, 9:15pm (Museum of Civilization) Saturday, October 23, 3:00pm (Museum of Civilization) vendredi, le 22 octobre, 21h15 (Musée des civilisations) samedi, le 23 octobre, 15h00 (Musée des civilisations)
YOU NEED TO BE ALONE SOMETIMES: SECRET WORLD OF JAPANESE INDIES - PART 1 & 2 Saturday, October 23, 7:00pm & 9:15pm (Museum of Civilization) Sunday, October 24, 1:00pm & 3:00pm (National Gallery) samedi, le 23 octobre, 19h00 et 21h15 (Musée des civilisations) dimanche, le 24 octobre, 13h00 et 15h00 (Musée des beaux-arts) HANDSOAPS AND FOOLS: THE FILMS OF ATSUSHI WADA AND KEI OYAMA Thursday, October 21, 1:00pm (National Gallery) Saturday, October 23, 4:30pm (Museum of Civilization) Sunday, October 24, 1:00pm (Museum of Civilization) jeudi, le 21 octobre, 13h00 (Musée des beaux-arts) samedi, le 23 octobre, 16h30 (Musée des civilisations) dimanche, le 24 octobre, 13h00 (Musée des civilisations)
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THE GENIUS OF OSAMU TEZUKA LE GÉNIE D'OSAMU TEZUKA by | par Tom McSorley One of the most influential figures in postwar Japanese pop culture, Osamu Tezuka (1928-1989) occupies a unique place in Japan’s physical and philosophical reconstruction after its military defeat and an unprecedented, direct, and traumatic experience of the atomic bomb. Singlehandedly creating manga, the enormously popular Japanese comic book tradition, Tezuka expanded his creative vision to the world of animation after WWII, and is widely considered to be the godfather of the wildly successful contemporary phenomenon of anime. From a virtual infinity of manga productions (scholars estimate that he created over 150,000 pages of manga alone) to his numerous films and television animation, Tezuka’s vast body of work constitutes one of the most impressive uses of the imagination to explore and express the uncertainties and anxieties arising from a new atomic age, the waning of Japanese power, and the veritable tsunami of cultural influences thundering upon Japanese shores from the United States of America after 1945.
L'une des personnalités les plus influentes de la culture populaire japonaise d'après la IIe Grande Guerre, Osamu Tezuka (1928-1989) occupe une place unique dans la reconstruction physique et philosophique du Japon après sa défaite militaire et l'expérience directe, traumatisante et sans précédent de la bombe atomique. Tezuka, qui a créé à lui seul le manga, la tradition de bande dessinée si populaire au Japon, a élargi sa vision au monde de l'animation après la IIe Grande Guerre et est largement considéré comme le parrain du phénomène extrêmement populaire de l'anime. Depuis les mangas au nombre quasi infini (les spécialistes estiment qu'il a créé à lui seul plus de 150 000 pages de mangas) jusqu'aux nombreuses animations pour le cinéma et la télévision, la vaste œuvre de Tezuka constitue l'une des utilisations les plus impressionnantes de l'imagination pour explorer et exprimer les incertitudes et les anxiétés de la nouvelle ère atomique, le déclin du pouvoir japonais et le véritable tsunami d'influences culturelles arrivant des États-Unis d'Amérique après 1945.
Tezuka was a few months short of his 17th birthday when the cities of Hiroshima and Nagasaki became the world’s first scars of the atom bomb. An inveterate doodler and drawer as a young man, and encouraged by his parents to make images everyday about things he loved and the things that bothered him (perhaps this idea of image-making as a kind of therapy appealed to his young sensibility), Tezuka had been producing his own comics even as a pre-teen. In his teenage years, the times were extremely dangerous. Indeed, the crucible of this wartime period fuelled Tezuka’s life-long pacifism and his deep suspicion of technology. As a teenager,
Tezuka n'avait pas tout à fait 17 ans lorsque les villes d'Hiroshima et de Nagasaki sont devenues les premières cicatrices de la bombe atomique dans le monde. Gribouilleur et dessinateur invétéré dans sa jeunesse, encouragé d'ailleurs par ses parents à faire chaque jour des images de ce qu'il aimait ou le tracassait (cette idée de la production d'images comme thérapie plaisait peut-être à sa jeune sensibilité), Tezuka produisait déjà ses propres bandes dessinées à la préadolescence. La période de son adolescence a été extrêmement dangereuse. Et de fait, les difficultés du temps de guerre ont alimenté le pacifisme et la suspicion à l'égard de la
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THE GENIUS OF OSAMU TEZUKA Friday, October 22, 9:15pm (Museum of Civilization) Saturday, October 23, 3:00pm (Museum of Civilization) Aru machikado no monogatari (Tales from A Street Corner) [1962] Osamu Tezuka | 38:00 | Digital Ningyo (Mermaid) [1964] Osamu Tezuka | 9:00 | Digital Shizuku (Drop) [1965] Osamu Tezuka | 4:00 | Digital Push [1987] Osamu Tezuka | 4:00 | Digital Jumping [1984] Osamu Tezuka | 6:00 | 35mm Onboro film (Broken Down Film) [1985] Osamu Tezuka | 6:00 | 35mm he witnessed the fire-bombing of his home city, Osaka. He also absorbed the ominous reality of the atom bomb, and the Emperor of Japan’s famous radio address which stated that in defeat Japan must “endure the unendurable” and surrender. Although after the war he trained to be a medical doctor, Tezuka never went into practice, instead channeling his creativity and compassion into the production of images and drawings, both moving and still. His work reflected his profound recognition that postwar WWII Japan was a very different place from the country of his childhood; in one sense, Tezuka’s work, from all that manga to Astro Boy to Broken Down Film and beyond, can be seen as a multi-faceted confrontation with the contradictions, paradoxes, and difficulties of that difference: escapist and realist, romantic and gritty, despairing and hopeful. Like another towering figure of postwar Japanese imagemaking, Akira Kurosawa, Tezuka was attracted to the American pop culture that flooded Japan after the war, perhaps as a way of burying the recent past, as so much of the postwar Japanese society and sensibility appeared determined to do. As Kurosawa admired John Ford, so Tezuka embraced and even emulated Walt Disney. Tezuka is also known for his imaginative stories and stylized Japanese adaptations of western literature. He loved reading novels and watching films that came from the North America and Western Europe. Specific to his own manga and anime work, however, his early artistic style was largely inspired by Disney, to such an extent that Tezuka's early manga works include comic book versions of Disney movies. While deeply influenced by American studio animation, the indefatigable Tezuka also developed his own techniques, such as using more ‘cinematic’ camera angles and perspectives (dramatically and brilliantly depicted in 1984’s Jumping), as well as panning, creating the illusion of watching a live-action film. (This theme humorously depicted in the masterful modernist miniature from 1985, Broken Down Film., in which
technologie qu'il a exprimés tout au long de sa vie. Adolescent, il a été témoin de la destruction de sa ville natale, Osaka, par des bombes incendiaires. Il a aussi fait siens la menaçante réalité de la bombe atomique et le fameux discours radiodiffusé dans lequel l'empereur du Japon affirmait que, dans la défaite, le Japon devait « endurer l'inendurable » et se rendre. Bien que Tezuka ait étudié la médecine après la guerre, il ne l'a jamais pratiquée, canalisant plutôt sa créativité et sa compassion dans la production d'images et de dessins, tant statiques qu'en mouvement. Son œuvre reflète sa profonde reconnaissance de ce que le Japon d'après la IIe Grande Guerre était un pays très différent de celui de son enfance. En un sens, l'œuvre de Tezuka, de tous les mangas à Astro Boy, à Broken Down Film et au-delà, peut être vue comme les multiples facettes d'une exploration et d'une expression prodigieuses de cette différence : la fuite et la réalité, le romantique et l'impur, le désespoir et l'espoir. Tout comme Akira Kurosawa, une autre grande personnalité du cinéma japonais d'après-guerre, Tezuka était attiré, peut-être en enfouissant le passé récent (comme une si grande partie de la société et de la sensibilité japonaises d'après-guerre a semblé le faire), par la culture populaire américaine qui a déferlé sur le Japon après la guerre. De même que Kurosawa admirait John Ford, Tezuka a embrassé le style de Walt Disney et l'a même imité. Inspiré par Disney et les Fleisher Brothers, Tezuka a inventé le style distinctif « aux grands yeux » du cinéma d'animation japonais. Tezuka est aussi connu pour ses histoires débordant d'imagination et pour ses adaptations japonaises d'œuvres de la littérature occidentale. Il aimait lire des romans et regarder des films venant d'Amérique du Nord et d'Europe de l'Ouest. Toutefois, son premier style artistique a été largement inspiré par Disney (et c'est là un trait spécifique de ses mangas et de ses animes), à tel point que les premières œuvres de Tezuka incluaient des versions manga de films de Disney. Bien qu'il ait été profondément influencé par les films d'animation américains produits en studio, l'infatigable Tezuka a aussi mis au point ses propres techniques, telles une plus grande utilisation d'angles et de perspectives cinématographiques (illustrée de façon dramatique et brillante dans le Jumping de 1984), de même que de plans panoramiques, ce qui crée l'illusion de regarder un film normal. (Ce thème a été traité avec humour dans la miniature moderniste de 1985, Broken Down Film, où les éléments du film eux-mêmes menacent de se désintégrer à mesure que se déroule, aux sens propre et figuré, un western romantique.) Une autre distinction d'avec ses influences américaines réside dans ce que ses œuvres, comme celles des autres créateurs de manga de sa génération, sont parfois terre-à-terre et violentes. Tezuka évite les scènes de violence explicite dans certaines de ses créations populaires et plus tardives, telles Astro Boy. Il y a de la violence, mais elle n'est jamais présentée comme réglant les situations problématiques. De fait, presque tous les films animés de Tezuka insistent sur la stupidité de la violence et sur l'utilisation catastrophique de la technologie à des fins violentes. Nous voyons comment ces thèmes s'entretissent dans les recoupements des histoires de Tales From A Street Corner (1962), un film tentaculaire et symphonique où alternent sans effort l'histoire d'amour sentimentale et l'allégorie politique sombre en utilisant diverses techniques et styles d'animation, depuis une souris figurative façon Disney jusqu'à des affiches abstraites rappelant le constructivisme soviétique en passant par des soupçons de McLaren. Tandis qu'une petite fille perd son
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the film elements themselves threaten to disintegrate as a romantic animated Western, literally and figuratively, unspools.) Another element that distinguishes him from his American influences is that his work, like that of other manga creators of his generation, is sometimes gritty and violent, although Tezuka, unlike many creators who followed, eschewed graphic violence in some of his later and popular creations, such as Astro Boy. Violence was present, but never depicted as the answer to problematic situations. Indeed, the stupidity of violence and the catastrophic use of technology for violent ends emerge as insistent themes in almost all of Tezuka’s animated films. These themes are woven into the overlapping stories of Tales From A Street Corner (1962), a sprawling, symphonic film that alternates effortlessly between sentimental love story and dark political allegory using various animation techniques and styles, from figurative Disneyfied mice to abstract poster art reminiscent of Soviet Constructivism tinged with hints of McLaren. As the little girl loses her Teddy Bear, as the mice struggle to survive, as seeds dropped by trees get destroyed or take root, as a cartoony moth ingratiates and irritates, and as the militarist totalitarians ultimately wreak havoc, all the while Tezuka’s film affirms the tenacity of hope and its stubborn possibilities. This sense of hope against considerable also odds informs The Mermaid (1964), a parable of how one young man’s fantasy of discovering a mermaid cannot be defeated either by sceptical parents or the brutal, technological forces of a repressive government. Despite the fearsome obstacles, the determination and energy of the protagonist prevails. Shadows persist, however. Tezuka is no blind utopian. His work often contains warnings, both wildly satirical and unabashedly sincere, of how easily worlds can be destroyed, how tenuous human life can be. In both The Drop (1965) and Push (1984), Tezuka explores the extremes of deprivation and consumerism, respectively. A desperate character adrift on a raft goes mad attempting to get the last drops of water off his tattered sails in The Drop, seemingly oblivious to the fact that there is water all around him. Slyly satirical of the Japanese predilection for vending machines and automation, Push depicts a man driving through a post-apocalyptic landscape still believing that humans can get anything they want at the push of a button: a new car, a new suit, a new Earth. Tezuka imbues this cogent satire with the sinister resonances, in a now very dangerous atomic age, of the phrase ‘pushing the button,’ and illustrates the real consequences for the planet of having done just that. As the six films in this programme demonstrate, Tezuka’s animated art stands as an engaged and prolific creative act of resistance to the tyranny of the masses over the individual imagination, and a denunciation of those who would presume to dominate others by force. Paradoxically, he achieved this resistance through the popular and even populist art forms of comics and commercial animation. His work also constitutes an impassioned plea for the humane use of technology and an expression of the sanctity of life itself. This is not surprising for a man who had witnessed so much destruction in his young life and who subsequently, a hard-won pacificism driving his drawings, so nimbly navigated his way through the ruins and reconstruction of post-WWII Japan. Ultimately, perhaps Osamu Tezuka, the medical doctor who never practiced, understood that his manga and his anime could become modest instruments of healing and of hope not only for his native Japan, but also for an increasingly imperiled world.
ourson, que la souris se débat pour survivre, que les graines d'arbres sont détruites ou prennent racine, qu'une mite s'insinue dans vos bonnes grâces ou vous agace, et que les régimes totalitaires militaristes provoquent la dévastation, le film de Tezuka affirme la ténacité de l'espoir et s'entête à voir le possible. Ce sentiment d'espoir en dépit d'obstacles considérables structure aussi The Mermaid (1964), une parabole qui décrit comment ni le scepticisme des parents, ni la technologie brutale d'un gouvernement répressif ne peuvent étouffer la fantaisie d'un jeune homme de vouloir découvrir une sirène. La détermination et l'énergie du protagoniste viendront à bout de ces obstacles redoutables. Il reste néanmoins des ombres au tableau. Tezuka n'est pas aveuglé par l'utopie. Ses œuvres renferment des avertissements, tant dans la satire débridée que dans la plus grande sincérité, sur la facilité avec des mondes peuvent être détruits et sur la fragilité de la vie humaine. Dans The Drop (1965) et Push (1984), Tezuka explore respectivement une privation et une consommation extrêmes. Dans The Drop, un désespéré à la dérive sur un radeau devient fou à tenter d'attraper les dernières gouttes d'eau sur ses voiles en lambeaux, apparemment inconscient du fait qu'il y a de l'eau tout autour de lui. Satire en clin d'œil de la prédilection japonaise pour les machines distributrices et l'automation, Push décrit pour sa part un homme roulant dans un paysage apocalyptique en croyant toujours que les humains peuvent obtenir tout ce qu'ils veulent en appuyant sur un bouton : une nouvelle auto, un nouvel habit, une nouvelle Terre. Tezuka imprègne cette satire convaincante des échos sinistres, dans une ère où prévaut le danger atomique, de la phrase « Appuyez sur le bouton », et illustre les conséquences, bien réelles pour la planète, de l'avoir fait. Comme le démontrent les six films de ce programme, l'art animé de Tezuka se démarque comme étant un acte de résistance à la tyrannie des masses sur l'imagination individuelle et une dénonciation de quiconque oserait dominer autrui par la force. Paradoxalement, il a réalisé cette résistance au moyen des arts populaires que sont la bande dessinée et l'animation commerciale. Son œuvre constitue aussi un plaidoyer passionné pour une utilisation de la technologie axée sur la compassion et une expression du caractère sacré de la vie même. Cela ne surprend guère de la part d'un homme qui a été témoin de tant de destructions dans sa jeunesse et qui, après avoir conquis son pacifisme de haute lutte, a agilement navigué à travers les ruines et les chantiers de reconstruction du Japon d'après la IIe Grande Guerre. En définitive, Osamu Tezuka, le médecin qui n'a jamais pratiqué, a peut-être compris que ses mangas et animes pouvaient être, à leur modeste façon, des instruments de guérison et d'espoir, non seulement pour son Japon natal, mais encore pour le monde entier.
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YOU NEED TO BE ALONE SOMETIMES: THE PRIVATE STRUGGLES OF JAPANESE INDIES IL FAUT PARFOIS SE RETROUVER SEUL : LES DIFFICULTÉS PROPRES AUX FILMS D'ANIMATION INDÉPENDANTS JAPONAIS by | par Nobuaki Doi Japan is well known as an animation nation, but knowing the names of the Japanese animators making the annual festival circuit is no easy task. While the names of some masters and veterans come immediately to mind (Kawamoto, Kuri, Yamamura), what of Japan’s younger animators? Compared to the extensive scale of its commercial animation productions, the indie animation scene in Japan has seen little activity in recent years. As hi-quality personal computers have become widely available and some major art universities and vocational colleges have developed animation departments (undoubtedly a reflection of the country’s saturation in commercial animation; people in Japan encounter a lot of animation in their daily lives), the number of indie Japanese animators is surely on the rise. But, owing to the greater popularity enjoyed by commercial animation in Japan, the existence of indie Japanese animation is often unrecognized. There is a deep chasm between Japan’s commercial and indie animation scenes. Indie animators have to clarify, “no, I’m not making ‘anime.’ That’s a different genre.” Most do not know how to react to indie Japanese animation. They tend to find it either too arty or too difficult.
La renommée du Japon en tant que terre fertile pour l'animation n'est plus à faire. Par contre, conserver en mémoire le nom des animateurs japonais dans le cadre d'un festival n'est pas aussi simple qu'il en paraît. S'il est plus que probable que certains maîtres et vétérans soient aisément évoqués (des gens tels Kawamoto, Kuri ou Yamamura), qu'en est-il de la nouvelle génération? Comparativement à l'envergure des productions commerciales en animation, le secteur indépendant de l'animation au Japon a connu une période plutôt tranquille au cours des dernières années. La présence sur le marché d'ordinateurs personnels de plus en plus sophistiqués, jumelée aux facultés consacrées à l'animation que l'on retrouve au sein de certaines universités spécialisées en arts et autres collèges professionnels (sans doute un reflet de l'omniprésence de l'animation commerciale au Japon, où la population y est exposée sur une base quotidienne), le nombre d'animateurs indépendants dans ce pays connaît certes une tendance à la hausse. Cependant, compte tenu de la popularité prédominante de l'animation commerciale au Japon, la plupart des gens ici ne sont pas conscients de l'existence d'un secteur indépendant de
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"On the Japanese indie scene, where most filmmakers do not aspire to commercial values, the finest achievements in animation present a unique view." « Dans le secteur japonais du film indépendant, où la plupart des cinéastes n'aspirent pas à un virage commercial, les réalisations les plus réussies en sont venues à offrir un point de vue unique. » As is the case in many countries, Japanese animators find it particularly hard to find a place to keep making short animated films. Most talented student animators are forced to quit the field after graduation (which is why there are so many student works in this program.) There are many commercial studios in Japan, but few are interested in short films. As for independent animation, in my opinion the situation in Japan is worse than in other countries because animation films in general rarely obtain funding. Here, most independent animation shorts are produced privately. However, the fact that the Japanese indie scene is not strong does not necessarily mean that the work produced by independent Japanese animators does not have value. The situation is gradually changing. Some Academy Award nominations (and wins) have made many people take notice of short animated films. The introduction of animation as a major in universities and the rise in domestic competitions (coupled with more awareness about international animation festivals) has made young animators conscious of their situation. This year has seen some pioneering attempts by young animators (like the organization of screening-event TOKYO ANIMA! and the establishment of an independent label CALF) that point that these animators are working to prove their value themselves. The final push has come from Canada, with the release of Chris Robinson’s strange but beautiful book on Japanese independent animation, Time Out of Mind. Although the book does not adopt a conventional historical approach, it is the first attempt to cover the history of independent Japanese animation from the prewar period to modern times. Such a book has never been published in Japan. Let’s look closer at the private struggle of Japanese independent animators. However, I would like to clarify that I have not adopted a historical approach in my selection of films, as I am not very interested in that stance. Using the selection of films surveyed in Robinson’s book as a base, I have selected films that remain evergreen. On the Japanese indie scene, where
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l'animation. Les artistes œuvrant dans ce secteur doivent souvent préciser que ce ne sont pas des créateurs d'« Anime ». « Il s'agit d'un genre d'animation tout à fait différent du nôtre », expliquent-ils. Généralement, les gens ne savent trop comment réagir à l'animation indépendante. On la considère trop ésotérique ou encore difficile à comprendre. Au Japon, un important fossé sépare le secteur de l'animation commerciale de celui consacré aux productions indépendantes. Comme c'est le cas dans plusieurs pays, les animateurs japonais parviennent difficilement à s'établir de façon à pouvoir réaliser des courts métrages d'animation de façon régulière. La plupart des étudiants talentueux en animation se voient ainsi forcés de se réorienter dans un autre domaine après l'obtention de leur diplôme (ce qui explique pourquoi autant de films d'étudiants font partie de ma sélection). On retrouve ici de nombreux studios d'animation commerciale; cependant, trop peu d'entre eux s'intéressent au court métrage. Quant à l'animation indépendante, je crois que la situation est peut-être pire au Japon qu'ailleurs dans le monde, étant donné que les films d'animation ici ne parviennent que rarement à dénicher du financement. La plupart des courts métrages d'animation indépendants sont (devraient être) produits par des intérêts privés. Cependant, ce n'est pas parce que la situation dans le secteur de l'animation indépendante au Japon est en piteux état que les œuvres d'animation qui y sont produites n'ont en soi aucune valeur. La situation est progressivement en train de changer. Le fait que certaines productions ayant été en lice pour (et ayant remporté) un Oscar a eu pour effet que de plus en plus de gens ont été éveillés à l'existence des courts métrages d'animation (je suis certes conscient que le processus de sélection pour les candidats aux Oscars est à la fois imparfait et biaisé; quoi qu'il en soit, les Japonais demeurent envoûtés par cette statuette). L'introduction de l'animation en tant que cours à l'université et le nombre de plus en plus important de compétitions locales (le tout jumelé à la notoriété des festivals d'animation internationaux) ont permis aux jeunes animateurs de prendre davantage conscience de leur situation. L'année 2010 a été le témoin d'initiatives fort novatrices entreprises par de jeunes animateurs (comme l'organisation de l'événement TOKYO ANIMA! où ont eu lieu plusieurs visionnements, ainsi que la création de la dénomination indépendante CALF) qui viennent démontrer leur volonté à faire preuve de leur propre valeur, et ce, de façon indépendante. L'ultime percée dans ce domaine est provenue du Canada, sous la forme de l'étrange, mais tout de même magnifique livre de Chris Robinson sur l'animation indépendante au Japon, intitulé « Time Out of Mind ». Même si le livre n'aborde pas le sujet selon une perspective historique, il s'agit toutefois d'une toute première incursion dans l'histoire de l'animation indépendante, qui s'étend de l'avant-guerre à nos jours. Pourtant, cet ouvrage n'a jamais été publié au Japon. Passons maintenant à un survol des difficultés propres aux films indépendants japonais. Je tiens cependant à préciser que ma sélection de films n'a pas été effectuée selon une approche historique, cet aspect ne m'apparaissant pas particulièrement intéressant. En m'appuyant sur les sélections contenues dans le livre de Chris Robinson, j'ai choisi des œuvres qui demeurent fraîches à ce jour. Dans le secteur japonais du film indépendant, où la plupart des cinéastes
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n'aspirent pas à un virage commercial, les réalisations les plus réussies en sont venues à offrir un point de vue unique.
most filmmakers do not aspire to commercial values, the finest achievements in animation present a unique view. Just as Robinson's book contains echoes of Alice in Wonderland, while viewing the independent animations I have selected, you will enter some unique and private Japanese visions. In my opinion, the main characteristics of Japanese indies is that they are extremely personal – pure feeling. At times, you may find some of their content weird. However, you will also discover things in common with your own thoughts. In some cases, these films turn out to be an enclosed world that rejects or ignores the existence of society. In others, there is a frightening clinging to unfulfilled wishes. In still others, a Zen-like meditative feeling can be found: the purified mind suddenly connects with the universe itself. What you will experience watching these two programs is the very wide range that personal artist visions can have. Renzo Kinoshita’s Pica Don is a mixture of an ideal world and a cruel vision, both of which are characteristic in Japanese indies. “Peaceful” life during the war is depicted in close-up shots and at the same time, the view from combat aircraft make the people of Hiroshima look smaller than insects. When the atom bomb falls, it melts everyone with its heat wave. This contrast between the humanist world and the denial of it in times on war leaves the viewer traumatized, which is surely the aim of the film. The shadow of the war persisted long after it has ended. Keiichi Tanaami’s calm and beautiful film, A Gaze In Summer 1942, is deeply rooted in the animator’s childhood memories of the war. But the recording of memories in the human brain is not as accurate as the details of a photograph. The images in Tanaami’s brain are an amalgamation of actual scenes with his imagination; however, this way of remembering events serves to preserve his true feelings on war more vividly. Most of Seiichi Hayashi’s works are distinctive by virtue of their erotic content, but in his first film, Kage, the unfulfilled eroticism is more striking. A popular song of his time on the subject of breaking up gets a new meaning when combined with the images of the ghosts of a woman and man who died in the war. Eroticism is not featured heavily in the work of Japanese indie animators, but sometimes the works of animators like Hayashi and Akino Kondoh – who are an illustrator and comic book artist, respectively – pioneer in this area. Kondoh’s Ladybird’s Requiem showcases the eroticism in a young girl. The death of a ladybird haunts her imagination and she is tossed about by the expansion of her
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Tout comme le livre de Chris Robinson nous remémorait le classique « Alice in Wonderland », en visionnant les films d'animation indépendants faisant partie de ma sélection, vous serez témoins de visions à la fois uniques et privées propres aux Japonais. Il est possible que le contenu vous paraisse parfois bizarre. Par contre, d'autres éléments correspondront à votre façon de penser et de voir les choses. À mon avis, ce qui caractérise surtout les films indépendants japonais est une vision extrêmement personnelle ainsi que les sentiments à l'état pur. Parfois, il s'agit d'un monde fermé qui rejette ou ignore l'existence de la société. Dans d'autres cas, on constate l'émergence du sentiment inquiétant d'attachement associé à des souhaits privés qui demeurent non réalisés. On observe aussi une impression se rapprochant de la méditation zen, où l'esprit purifié entre soudainement en contact avec l'univers. Ces deux programmes vous permettront de constater l'étendue et la portée d'une vision privée. Permettez-moi de vous proposer ici quelques brèves descriptions. Pica Don, de Renzo Kinoshita, mélange à la fois monde idéal et vision cruelle, tous deux caractéristiques des films indépendants japonais. La vie « paisible » qui règne durant la guerre est dépeinte sous forme de gros plans et, simultanément, le point de vue des escadrilles de combat donne l'impression que les habitants d'Hiroshima sont plus petits que des insectes. La bombe atomique et sa chaleur intense font littéralement fondre la population. Le contraste entre un monde humaniste et son étouffement en temps de guerre confèrent au spectateur une vive impression de traumatisme — sans doute l'objectif de ce film. Le spectre de la guerre perdure bien au-delà de son aboutissement. A Gaze In Summer 1942, film à la fois apaisant et magnifique, est solidement enraciné dans les souvenirs d'enfance de l'animateur durant la guerre. Les souvenirs qui s'incrustent dans la mémoire du cerveau humain ne sont pas aussi précis que les images immortalisées en photo. Celles qui peuplent le cerveau de Tanaami consistent en un amalgame d'événements réels et d'autres issus de son imagination. Une telle approche dans la façon de se remémorer ces événements permet cependant de refléter avec plus d'intensité ses véritables sentiments par rapport à la guerre. La plupart des œuvres de Seiichi Hayashi se distinguent par leur contenu à saveur érotique. Par contre, la façon dont il dépeint l'érotisme insatisfaisant dans son premier film Kage s'avère particulièrement saisissante. Une chanson populaire à l'époque, qui traite de rupture, prend une tout autre signification lorsque jumelée aux images du fantôme d'une femme et d'un homme ayant péri durant la guerre (soit dit en passant, l'érotisme est plutôt déficient dans les films indépendants japonais, même si les œuvres d'animateurs tels Hayashi et Akinjo Kondoh — qui sont davantage illustrateur et artiste de bandes dessinées qu'animateurs en tant que tel — y ont contribué. Ladybird’s Requiem, de Kondoh, dépeint l'érotisme d'une fille. La mort d'une coccinelle vient constamment hanter l'imagination de la fille, qui voit ses pensées à cet effet prendre de plus en plus d'ampleur. Elle en vient alors progressivement à découvrir, de façon inconsciente, le pouvoir incontrôlable qui l'habite).
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YOU NEED TO BE ALONE SOMETIMES: SECRET WORLD OF JAPANESE INDIES Part 1
YOU NEED TO BE ALONE SOMETIMES: SECRET WORLD OF JAPANESE INDIES Part 2
Saturday, October 23, 7:00pm (Museum of Civilization) Sunday, October 24, 1:00pm (National Gallery)
Saturday, October 23, 9:15pm (Museum of Civilization) Sunday, October 24, 3:00pm (National Gallery)
Tsumiki no ie (The House of Small Cubes) [2008] Kunio Kato | 12:00 | Digital
Pica Don [1978] Renzo & Sayoko Kinoshita | 10:00 | 35mm
Cornelis [2008] Ayaka Nakata | 3:26 | Digital
Natsu no Shisen 1942 (A Gaze in Summer 1942) [2002] Keiichi Tanaami | 4:00 | 16mm
Pentalogia del mondo perduto (Five Lost Worlds) [1963] Fusako Yusaki | 9:26 | Digital Introspection [1988] Maya Yonesyo | 1:00 | 16mm Tentoumushi no otomurai (Ladybirds' Requiem) [2006] Akino Kondoh | 5:38 | Digital Heya / Keitai (Gestalt) [1999] Takashi Ishida | 7:00 | 16mm Lightning Doodle Project PiKA PiKA 2007 [2007] Tochka | 5:00 | Digital
Karma [1977] Nobuhiro Aihara | 3:00 | 16mm Oni (Demon) [1972] Kihachirõ Kawamoto | 8:00 | 35mm Maggot [2009] Saori Shiroki | 2:58 | Digital Kage (Shadow) [1968] Seiichi Hayashi | 4:00 | 16mm LOVE [1963] Yoji Kuri | 5:00 | 35mm
Lost Utopia [2007] Mirai Mizue | 5:00 | Digital
Noryo Anime Denkyu IKAMATSURI (Metempsychosis) [1993] Naoyuki Niiya | 5:31 | Digital
Baachan (Granma) [2007] Masanori Okamoto | 1:10 | Digital
Coffee Break [1977] Taku Furukawa | 3:00 | 16mm
Okonjoruri (The Magic Fox) [1982] Tadanari Okamoto | 26:00 | 16mm
Animal Dance [2009] Ryo Okawara | 5:00 | Digital
thoughts. In the process she unconsciously discovers an uncontrollable power in herself. As does Hayashi in Kage, Kihachiro Kawamoto deals with the subject of regret in his film Demon. The lady character who regrets getting older turns into a demon and the strong evil feeling stemming from this regret makes her attack her own children. Aided by his Czech mentor Jirí Trnka, Kawamoto found common ground between animation and Japanese traditional arts like Bunraku and Kabuki. The result has been his success in infusing a very Japanese feeling into his animation. Although his tone is very light, what Yoji Kuri illustrates in his Love is the possessive feeling a woman has for a man and the powerlessness he feels in regards to her. The voices only say ai (love), but does this “love” really deserve to be called that? Taku Furukawa, who once studied under Kuri, depicts the escape of an average Japanese man from the daily grind with dry humour in Coffee Break. Only coffee breaks permit the workaholic Japanese to take a little rest. A very simple and plain drawing suddenly transforms into a 3D space comprising of scattered objects and colours. Japanese indies tend to express the friction between an individual and a society as a strong feeling of hostility or ignorance, especially in the younger generation. Dong-Hun Kim’s Mr. Sakurai at a Ticket Counter ignores people altogether; the camera sees only skies and the lights emitting from them, Mr. Sakurai and a lady who makes a wrong call on
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Dream Storage [2006] Fumio Oi | 6:32 | Digital Ticket counter no Sakurai-san (Mr. Sakurai at a Ticket Counter) [2009] Dong-Hun Kim | 6:27 | Digital Kumo wo miteitara (Looking at a Cloud) [2005] Naoyuki Tsuji | 5:00 | 16mm Agitated Scream of Maggots [2006] Keita Kurosaka | 4:36 | Digital Atamayama (Mt. Head) [2002] Koji Yamamura| 10:00 | 35mm
Comme Hayashi le fait avec son film Kage, Kihachiro Kawamoto aborde le sujet du regret avec Demon. Épaulé par son maître tchèque Jirí Trnka, Kawamoto est parvenu à établir un lien entre l'animation et les arts traditionnels japonais comme le Bunkaru et le Kabuki. Il en résulte une impression japonaise des plus réussies injectée à ses oeuvres d'animation. La dame qui n'aime pas vieillir se transforme en démon, et le puissant sentiment maléfique à l'origine de cette haine la mène à attaquer ses propres enfants. Si le ton s'avère plutôt léger, Yoji Kuri dépeint toutefois dans Love la possessivité d'une femme et le sentiment d'impuissance qu'éprouve face à elle l'homme dans sa vie. Les
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voix ne font que prononcer le mot « AI » (qui signifie « amour » en japonais), mais peut-on vraiment parler ici d'amour? Taku Furukama, qui a jadis été l'élève de Kuri, dépeint la façon dont un Japonais moyen s'évade de la lourdeur du quotidien en ayant recours à un humour pince-sans-rire dans son film Coffee Break. Seule une pause café permet à un bourreau de travail japonais de prendre un peu de temps pour lui. Des dessins tout simples se transforment soudainement en un univers en trois dimensions peuplé d'objets et de couleurs variés.
him the only exceptions. It is very surprising that the world can be beautiful when impurities are expunged. Saori Shiroki aims to perplex the viewers of her films. Her silent work Maggot shows us a lonely child at play. As there are no living creatures in her world, with the exception of the child, a rabbit corpse and maggots, the world begins to be governed by Original Law, so that even the resurrection of the rabbit is not strange. It is very easy to label Keita Kurosaka’s music video for Dir en grey, Agitated Screams of Maggots, as anti-social and anti-moral, but I feel it works to revive the energy that is suppressed in our daily life. What we should be made aware of when viewing Kurosaka’s film is the great extent to which we are restricted by our lives. Naoyuki Tsuji’s Looking at a Cloud seems to be conceived from the hostility felt toward a collective life, such as school life; a cloud that swallows everyone symbolically expresses this. However, the film strangely imparts a comfortable feeling as well – on an unconscious level we all want to experience the same feelings. Privately produced indie animation tends to reflect a simpleminded attitude toward creation that can be called childish, but which can also infuse viewers with energy. Fusako Yusaki’s Pentaogia del Mondo Perduto is a brief representation of the history of the world from the birth of the Earth to the present day. It appears to be an alarm bell warning us of environmental disruption, but it is more like the filmmaker’s young passion warranted a subject of such huge scale to completely realize her desire to depict metamorphosis. In Maya Yonesho’s Introspection introspective voices from all around the world cheer the viewer up. Such utterances are not concrete and due to this, this take on a crystalline quality. In Takashi Ishida’s Gestalt, privacy is transmitted to the outside world. The film was made in a university dormitory room, in a building destined to be demolished. Ishida faced the light streaming in from the window and made his characteristic organic markings on the walls. His obsessive act of painting changed the atmosphere of the room and the film became the swan song of the building. The purity of the act of animating tends to lie in its pursuit of beauty. The father of private Japanese animation, Noburo Ofuji, was an animation genius born too soon. His films – especially his later films – are distinctive in their depiction of
Les films indépendants japonais tendent à dépeindre la friction qui se dégage de la relation entre un individu et la société dans laquelle il évolue, et qui prend la forme d'un vif sentiment d'hostilité ou d'ignorance, particulièrement en ce qui a trait à la jeune génération. Le film Mr. Sakurai at a Ticket Counter, de Dong-Hun Kim, fait entièrement fi des gens, la caméra ne révélant que le ciel et la lumière qui émane de ces gens — la seule exception étant un appel téléphonique chez M. Sakurai que loge par erreur une femme. Il s'avère fort surprenant qu'un monde où l'on efface les impuretés puisse être à ce point magnifique. Avec ses films, Saori Shiroki cherche à confondre le spectateur. Son film muet Maggot nous fait découvrir un enfant solitaire qui s'amuse. Comme aucune créature vivante ne peuple son univers hormis le jeune enfant, le cadavre d'un lapin et des asticots, son monde en vient à être gouverné par la loi originale. Il ne s'avère ainsi pas surprenant qu'on y observe la résurrection du lapin. Il est certes facile de caractériser le clip musical Agitated Scream of Maggots, réalisé pour Dir en grey, comme étant antisocial et amoral. Je crois cependant qu'il parvient à faire renaître l'énergie que nous refoulons dans notre quotidien. Ce que nous devrions constater en visionnant les œuvres de Kurosaka, c'est à quel point nous sommes restreints. Looking at a Cloud, de Naoyuki Tsuji, semble avoir été conçu en fonction de l'hostilité éprouvée envers une existence collective, telle que l'école de la vie. Ce sentiment est manifesté de façon symbolique sous forme d'un nuage qui engloutit tout un chacun sur son passage. Par contre, il s'en dégage aussi une impression des plus confortables. De façon inconsciente, nous voulons tous éprouver de tels sentiments. Les films d'animation indépendants produits par des sociétés privées tendent à refléter une attitude simpliste envers une forme de création que l'on pourrait caractériser comme étant juvénile, et qui se traduit par une certaine énergie chez le spectateur. Pentaogia del Mondo Perduto, de Fusako Yusaki, s'avère une brève représentation de l'histoire du monde, des origines de la terre à nos jours. Il semble s'agir d'un signal d'alarme nous prévenant d'éventuelles perturbations environnementales. Cependant, il est plus probable que la passion de jeunesse du cinéaste soit à l'origine d'un sujet d'une telle envergure, qui vise à l'amener à assouvir son désir de métamorphose. Dans le film Introspection de Maya Yonesho, des voix introspectives provenant de partout sur la planète viennent nous égayer. Les paroles prononcées n'ont rien de concret, et dans ce film, elles deviennent cristalliées en un grand pouvoir. Les sentiments plus privés exprimés dans le film Gestalt de Takashi Ishida sont transmis de par le monde. Cette oeuvre a été conçue dans une chambre du dortoir d'une université. L'édifice devait être démoli. Ishida observait la lumière pénétrant par sa fenêtre et a continué à parsemer ses murs des dessins organiques qui la caractérisent. Sa volonté
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obsessive de peindre a transformé l'atmosphère qui régnait dans la pièce, et le film s'est ainsi avéré une espèce d'adieu au bâtiment. La pureté caractéristique de l'animation tend à faire émerger le mensonge dans la quête de la beauté. Noburo Ofuji, le père de l'animation privée au Japon, fut un génie de l'animation né avant son temps. Ses œuvres, particulièrement les plus récentes, se démarquent de par la façon dont ils dépeignent la cupidité et l'érotisme par le biais de formes magnifiques et d'images aux courbes évidentes. Cependant, ses films n'ont fait l'objet d'aucun éloge de son vivant. Peut-être que sa faiblesse aura été de représenter dans son style d'animation des images trop magnifiques et attrayantes. greed and eroticism through the use of beautiful shapes and curvaceous images. However, he received no critical acclaim when he was alive. Perhaps his weak point was that his animations were too aesthetic, too beautiful and attractive. Ayaka Nakata’s Cornelis is an animated investigation of the possibilities of animation. The protagonist, Cornelis, divides himself endlessly and ignores the laws of physics. But strangely the film does not convey a feeling of freedom to the viewer; rather, it makes us feel uneasy. The pursuit of uniqueness in animation, which tends to lead to an expression of metamorphosis, sometimes connects to a world on a huge scale. Nobuhiro Aihara’s Karma and Fumio Ohi’s Dream Storage are purely meditative. In Karma, one drop of water includes not only the scale of the whole sea, but of the universe itself. In Dream Storage, combining algorithmbased animation with dreams and memories expands the territory of the human mind. Ryo Okawara revives the animal instinct within humans in his Animal Dance. In the film man ceases to be special and becomes a mere link in the chain of living things. The intensely underground Naoyuki Niiya reveals the existence of metempsychosis in the humid world of his Ikamatsuri. Every Japanese national has a memory of the night of annual summer festival. Niiya finds the cosmos in this memory. In watching these films, we are very alone due to their meditative nature, but at the same time, we feel as though we are part of some huge, cosmic existence. Koji Yamamura uses Rakugo and Rokyoku (traditional Japanese performances styles) in his masterpiece Mt. Head, but the scale of the film is cosmic. Yamamura forces a stingy male character and a band playing on his head to confront the world on a universal scale. Behind its comic images, Mt. Head juxtaposes modern life with the cosmos. Not all independent animations harbour a critical attitude toward the contemporary world. PiKA PiKA, conceived by Tochka, is a representation of animism in the city. Discarding the ego of the so-called artist, this project turns everyone into animators. Realizing the potential of collective life in the city, PiKA PiKA transforms the city into a carnival. Although the main subject of the film is original sin, Mirai Mizue does not seek to convey feelings of guilt in his Lost Utopia. He presents our sin to us, but never condemns it. Life and death are both sides of the same coin. Based on the feelings of optimism and
Cornelis, d'Ayaka Nakata, qui s'appuie sur des techniques d'animation sophistiquées, s'avère une étude animée des possibilités qu'offre l'animation. Le protagoniste principal, Cornelis, se divise librement et constamment tout en faisant fi des lois de la physique. Étrangement, il ne se dégage pas du film une impression de liberté. Au contraire, le spectateur se sent plutôt mal à l'aise. La quête du caractère unique de l'animation, qui tend à mener à une quelconque expression de métamorphose, en vient parfois à révéler des mondes immenses. Karma, de Nobuhiro Aihara et Dream Storage, de Fumio Ohi sont des films uniquement méditatifs. Dans Karma, une seule goutte d'eau englobe non seulement une mer entière, mais aussi tout l'univers. Dans Dream Storage, le territoire qu'occupe le cerveau humain est élargi en jumelant une animation basée sur des algorithmes à divers éléments internes tels le rêve et la mémoire. Ryo Okawara éveille l'animal qui habite l'être humain dans son film Animal Dance, où l'homme ne se démarque plus et devient plutôt un simple maillon dans la chaîne que forment les êtres vivants. L'animateur intensément marginal Naoyuki Niiya révèle l'existence de la métempsychose dans l'univers humide de son film Ikamatsuri. Tous les Japonais se souviennent de la nuit où a eu lieu le festival d'été. Niiya découvre le cosmos au coeur de ces souvenirs. De par leur nature méditative, lorsque nous visionnons ces films, nous nous sentons seuls. En même temps, nous avons l'impression de faire partie intégrante de l'immense existence cosmique. Koji Yamamura a recours au Rakugo et au Rokyoku (tous deux traditionnels au Japon) pour son chef-d'œuvres Mt.Head, même si l'envergure du film atteint un niveau cosmique. Yamamura franchit les barrières de la reconnaissance d'un homme mesquin et d'un groupe qui joue sur sa tête, et les force à confronter le monde à une échelle universelle. Derrière les images comiques se trouve dans Mt.Head la juxtaposition de la vie moderne et du cosmos. L'animation indépendante n'est pas universellement critique du monde moderne. PiKA PiKA, conçu par Tochka, s'avère une représentation de l'animisme dans la ville. Faisant fi de l'ego du soi-disant artiste, ce projet transforme chaque individu en animateur. En prenant conscience du pouvoir potentiel de la vie communautaire dans la ville, PiKA PiKA en vient à transformer celle-ci en une sorte de carnaval. Si le sujet principal du film demeure le péché originel, Mirai Mizue ne cherche aucunement à véhiculer un sentiment de culpabilité dans son oeuvre Lost Utopia. Il nous révèle notre
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péché sans jamais le condamner. La vie et la mort sont les deux faces d'une même pièce de monnaie. En éveillant des sentiments d'optimisme et de primitivisme, les films de Mizue ont un impact sur notre corps plutôt que notre esprit.
primitivism present in his films, they work on our body rather than our minds. We can find ideal relationships in these animated worlds. In Kunio Kato’s The House of Small Cubes, an old man is lonely but devotes himself to his beloved, deceased wife. The world, where every element of evil is removed, is an extreme example of the Japanese ideal of purity of soul, alone and calming. Feelings of believing and loving reach their zenith. Masanori Okamoto’s Granma presents the lovable figure of a grandmother. She does not seem to recognize the other members of the family and her grandson has no inkling of what she thinks about, as she never responds to him. However, he still accepts her existence fully. Tadanari Okamoto is a true “unsung hero” on the Japanese indie scene. Owing to the fact that most of his films have a lot of narration, to date he does not seem to have received critical acclaim on the international animation scene. Nevertheless, he undoubtedly deserves to be included in the small circle of animation masters in the animation history of not just Japan, but of the globe. Okamoto is very good at storytelling and it is very hard not to be moved by his masterpieces. However, his films are not exploitative at all. At the core of all his films lies sympathy toward the weak. In The Magic Fox, an old medium loses her powers due to old age. A little fox possessing the power to cure people cannot find food during the wintertime. Although humans and foxes are enemies in Japanese folklore (in olden times they were believed to possess evil powers and haunt humans), these two imperfect figures soon come to rely on one another and find happiness. They are destined to meet a sad ending, but Okamoto’s film still tells us much about how to live well. It urges us to accept weakness in others and devote ourselves unconditionally to those near us. While walking the path of Japanese independent animation, you’ll encounter many unique visions. Some might be familiar to you, others alien, but in either case you will come to learn there are many ways to see the world. As mentioned, there is not much demand for independent Japanese animation in the market. Nevertheless, the private struggles depicted in these films open up new possibilities concerning our daily lives. Watching indie Japanese animated films is to understand the world consists of many independent visions. You come to realize that sometimes you need to be alone and forget all the restrictions imposed by society – tread the lone path, as it is our nature to do – to find your own vision.
Dans notre monde, il est possible de bâtir une relation idéale. Dans The House of Small Cubes, de Kunio Kato, le vieil homme, quoique solitaire, se consacre tout de même à sa femme décédée. Un tel monde, où l'on a pris soin d'éliminer tout élément maléfique, s'avère un exemple extrême de la pureté de l'âme japonaise. Seul et paisible. Les sentiments associés à la foi et à l'amour atteignent ici leur apogée. Granma, de Masanori Okamoto, nous fait découvrir une grand-mère adorable. Elle ne semble pas reconnaître les autres membres de sa famille, et son petit-fils n'a aucune idée de ce à quoi elle peut bien penser, étant donné qu'elle ne lui adresse jamais la parole. Il reconnaît et accepte cependant entièrement son existence. Tadanari Okamoto est un véritable « héros méconnu » dans l'univers du film indépendant japonais. Compte tenu du fait que la plupart de ses œuvres comportent beaucoup de narration, il semble n'avoir reçu aucune critique élogieuse dans le milieu de l'animation internationale. Quoi qu'il en soit, il mérite sans l'ombre d'un doute de faire partie du cercle restreint composé des maîtres de l'animation à travers l'histoire, et ce, non seulement au Japon, mais à l'échelle du globe. Okamoto excelle à raconter des histoires, et on peut difficilement demeurer de glace en visionnant ses chefs-d'œuvres. Par contre, ses films sont tout sauf manipulateurs. Au cœur de toutes ses œuvres se trouve un sentiment de sympathie envers les plus faibles. Dans The Magic Box, une vieille médium perd tous ses pouvoirs à cause de son âge avancé. Un petit renard possédant le pouvoir magique de guérison ne parvient pas à se nourrir durant l'hiver. Même si les renards et les êtres humains sont des ennemis (autrefois, les Japonais croyaient que les renards possédaient des pouvoirs maléfiques et qu'ils venaient parfois hanter les humains), ces deux êtres « imparfaits » en viennent bientôt à se fier l'un à l'autre et à découvrir le bonheur. Tous deux sont voués à connaître un triste sort; cependant, le film d'Okamoto parvient à nous révéler beaucoup de choses sur ce qu'il faut pour vivre heureux dans notre monde contemporain. Il nous invite à accepter la faiblesse des autres et à nous consacrer de façon inconditionnelle à un être qui nous est cher. En suivant l'évolution du film d'animation indépendant japonais, vous constaterez plusieurs visions uniques. Si certaines pourront sembler familières, d'autres seront entièrement méconnues. Quoi qu'il en soit, vous en viendrez à la conclusion que l'on peut observer le monde selon plusieurs perspectives différentes. Tel que j'en ai fait mention plus tôt, la demande pour les films d'animation indépendants japonais est plutôt faible. Quoi qu'il en soit, les luttes privées qu'on y dépeint nous font parfois découvrir de nouvelles possibilités dans notre quotidien. Apprécier des films d'animation indépendants japonais, c'est comprendre que notre monde est façonné par de multiples visions indépendantes. On en vient à constater un désir de se retrouver seul à l'occasion et de laisser de côté toutes les restrictions que nous impose la société, pour plutôt suivre son chemin solitaire — ce qui reflète notre véritable nature. Il s'agit certes là selon moi d'un excellent incitatif pour visionner des courts métrages d'animation indépendants.
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HANDSOAPS AND FOOLS SAVONS ET IMBÉCILES by | par Chris Robinson Young guy sitting beside me. Dressing semi-formally in dress pants, shirt and tie. Acting a bit odd. Seems to be sniffing a lot. At first I thought he had a cold, then I notice that he’s sniffing everything around him. He notices me looking at him and says, “ Atsushi Wada. What? Whatever. He takes the top of his head off and invites me inside. I accept. He can’t draw very well. What does that even mean? What does it mean to draw well? Is there some sort of bible that says, ‘okay, here’s how it is.’ I guess there is if you ask those twit gag cartoonists. If it aint Preston Blair it aint underwear. Whatever. Those twit cartoonists are mostly robots. I know this guy named Pistol PeteY. He makes this real boring art work. Squirrels and lizards and caricatures of barely-celebrities. Heck, he reminds me of Wada’s friends. He keeps going through the same motions without ever stopping to consider that maybe there are different ways of doing IT. I don’t like guys like Pistol PeteY. They live in caves with Dinos seeing only fragments of the world, familiar shadows that keep them safe and warm on a cold winter night in January.
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Un jeune homme est assis à côté de moi. Tenue semi-formelle - pantalon de ville, chemise et cravate. Son comportement est quelque peu bizarre. Il semble renifler beaucoup. J'ai d'abord cru à un rhume, mais j'ai vite constaté qu'il reniflait tout ce qui se trouvait autour de lui. Il constate que je l'observe et dit « Atsushi Wada ». Pardon? Peu importe. Il ouvre le dessus de sa tête et m'invite à y pénétrer. J'accepte. Il ne dessine pas très bien. Et qu'est-ce que cela peut-il signifier? Que signifie en effet « bien dessiner »? Existe-t-il une sorte de bible qui définit la chose? J'imagine que oui. Du moins, si l'on se fie aux bédéistes bébêtes qui s'abreuvent de gags. If it aint Preston Blair it aint underwear. Peu importe. Ces bédéistes sont pour la plupart des robots. Je connais un mec du nom de Pistol PeteY. Il crée des oeuvres d'art passablement ennuyeuses. Des écureuils, des lézards et des caricatures représentant des semi-célébrités. Il me fait penser aux amis de Wada. Il répète sans cesse les mêmes gestes sans jamais s'arrêter pour envisager la possibilité qu'il pourrait y avoir une autre façon de LE faire. Je n'aime pas les gens comme Pistol PeteY. Ils vivent dans des grottes parmi les dinosaures et ne perçoivent que des fragments du monde qui les entoure, des ombres familières,
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HANDSOAPS AND FOOLS: ATSUSHI WADA AND KEI OYAMA Thursday, October 21, 1:00pm (National Gallery) Saturday, October 23, 4:30pm (Museum of Civilization) Sunday, October 24, 1:00pm (Museum of Civilization) Annerida Tantuelin (Dancer of Vermicular) [2004] Atsushi Wada | 6:30 | Digital Kakari (A clerk in charge) [2004] Atsushi Wada | 6:00 | Digital Hana no Hi (Day of Nose) [2005] Atsushi Wada | 9:30 | Digital Yasashii Fue Tori Ishi (Gentle whistle, bird, and stone) [2005] Atsushi Wada | 3:00 | Digital Koe ga detekita Hito (A manipulated Man) [2006] Atsushi Wada | 4:35 | Digital Souiu Megane (Well, That’s Glasses) [2007] Atsushi Wada | 6:00 | Digital Anizo [2006] Kei Oyama | 0:27 | Digital Nami [2000] Kei Oyama | 3:00 | Digital Yuki-Chan [2006] Kei Oyama | 5:00 | Digital Shinsatsu-Shitsu (Consultation Room) [2005] Kei Oyama | 9:00 | Digital Yukidoke (The Thaw) [2004] Kei Oyama | 7:00 | Digital
Wada’s voice interrupts. “A Modigliani-like woman stands and stares at us for ten seconds, then she turns her face back. I didn't want to depict the act of looking back itself, nor to show what she saw after looking back. What I wanted to express was the atmosphere or the feeling of tense the interval until she looked back has. Such interval is called ‘Ma’ in Japanese. (Japanese traditional art such as "Noh" or "Rakugo" has the same notion.) ‘Ma’ is the most important point in my works. So my work doesn't necessarily need to be animation if I can express ‘Ma’. But animation is better that live-action because in animation I can draw everything on a screen. (In live-action everything will be on a screen once I shoot.) In other words, in animation I don't have to draw anything if I don't want to! So I started to animate my scribbling-like drawings.” It’s cold here. Snow falling in Tokyo. Is that normal? I wonder if Atsushi likes people. A bunch of guys (all dressed nicely) throw rocks at a young man. Bruises cover his face but he doesnt complain. Eventually the men get bored. One of them picks up a rock and tossed it at his own face. The other men follow. Finally, the initial victim grabs a stone and follows suit. Why does a man smack an elephant, call it ‘bitch’ and call for birds to carry the massive animal off to another destination?
"'I laugh at [the] comical nature of people, who never notice the meaning of their behavior and firmly believe that repeating such stupid acts mechanically is their work. But at the same time I feel sympathy with the very same nature and feel sad. Sometimes I even feel love.'" - Atsushi Wada
« 'Je ris de la nature comique des gens, qui ne se rendent jamais compte de l'impact de leur comportement et qui croient fermement que leur travail est de répéter mécaniquement les mêmes gestes stupides. En même temps, je sympathise avec une telle nature, et cela m'attriste. Je ressens même parfois de l'amour.' » - Atsushi Wada rassurantes et chaleureuses lors des froides soirées d'hiver de janvier. La voix de Wada m'interrompt. « Une femme évoquant Modigliani se tient devant nous et nous fixe durant une dizaine de secondes. Puis, elle retourne son visage. Je ne cherchais pas à représenter l'acte de regarder derrière en tant que tel, ni de révéler ce qu'elle avait vu en regardant derrière. Ce que je voulais exprimer surtout était l'atmosphère, cette tension qui s'installe durant l'intervalle où elle regarde vers l'arrière. Un tel intervalle se dit "Ma" en japonais (l'art traditionnel japonais tel que "Noh" et "Rakugo" partagent cette notion). "Ma" s'avère l'élément le plus important de mes oeuvres. Ainsi, mon travail n'a pas nécessairement à être animé s'il est en mesure d'exprimer le "Ma". Cependant, l'animation est supérieure au film traditionnel, puisque je suis en mesure de dessiner ce que je veux à l'écran (dans un film où l'action est réelle, tout sera à l'écran une fois que je l'aurai tourné). Autrement dit, en animation, je n'ai pas à dessiner quoi que ce soit si je n'en ai pas envie! C'est ainsi que j'ai entrepris d'animer mes gribouillis ». Il fait froid ici. La neige tombe sur Tokyo. Est-ce normal? Je me demande si Atsushi aime les gens. Un groupe d'individus vêtus avec goût lance des pierres à un jeune homme. Le visage de ce dernier est tuméfié, mais il ne
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When the man rejects one of the elephants, the man is swallowed (voluntarily) by the one-time bitch. A moment passes until another man arrives and repeats the actions of the first man. Then there’s the guys (they’re all guys, arent they? maybe gals are smarter) who follow their noses. They play a form of musical chairs (except there’s no music). The man at the end of the row of chairs has his nose pinched by the man standing. Nose pinched, the man stands up and walks towards a wall, sniffs it and momentarily enters some sort of fantasy world littered with dreamlike characters and possibilities. Then it stops. The man returns to his place in the line. The game goes on. This is actually pretty funny stuff. Maybe Atsushi does like folks. Perhaps he’s just a heh-hey guy, a sort of intellectual Beavis and Butthead. Can’t help but be funny when you see a guy do a sort of partial Elaine Benes (Seinfeld reference, kids) dance that sends a half dozen or so tiny birds off with a massive elephant. Seems to see the comedy underneath the pained existence. Wada voices echoes inside his head. “I laugh at [the] comical nature of people, who never notice the meaning of their behavior and firmly believe that repeating such stupid acts mechanically is their work. But at the same time I feel sympathy with the very same nature and feel sad. Sometimes I even feel love. I think Well, that's the Glasses is the same with other films because that this film has comicality and sadness towards such people's acts, too.” A hoard of Buster Keaton’s dancing to the stilted rhythms of Igor Kovalyov. Stone faced fools swept into a life they don’t comprehend or enjoy. “When they face the absurd situation, they feel strange but at the same time they know such situation is possible even if it is strange and resign themselves to their fate. I don't think their behavior will solve any problems and I know it can be very dangerous with such acceptance, but I like it.”
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s'en plaint pas. Après un certain temps, le groupe finit par se lasser. L'un des hommes ramasse une pierre et la lance sur son propre visage. Les autres membres du groupe suivent son exemple. Enfin, la victime initiale ramasse une pierre et imite les autres. Pourquoi un homme donne-t-il une fessée à un éléphant en le traitant de « garce », pour ensuite demander aux oiseaux de transporter cet immense pachyderme vers une autre destination? Lorsque l'homme repousse l'un des éléphants, il est volontairement dévoré par celui qui fut initialement traité de garce. Après un certain moment, un autre homme se pointe et imite les gestes du premier homme. Puis il y a ces mecs (ce sont tous des mecs, n'est-ce pas? Sans doute parce que les femmes sont plus intelligentes) qui suivent leur nez. Ils jouent à une variation de la chaise musicale (sauf qu'il n'y a aucune musique). L'homme qui se trouve à la fin de la rangée de chaises se fait pincer le nez par celui qui se tient debout. Une fois son nez pincé, l'homme se lève et se déplace vers un mur, le renifle et plonge momentanément dans un univers fantaisiste rempli de personnages oniriques et de possibilités. Puis ce monde disparaît. L'homme retrouve sa place dans la file. Le jeu se poursuit. Toute cette scène est en fait très amusante. Peut-être qu'Atsushi aime les gens après tout. Peut-être est-il un ricaneur, une espèce de version intellectuelle des personnages Beavis et Butthead. On ne peut faire autrement que rire lorsqu'on voit un homme imiter en quelque sorte la danse qu'effectuait le personnage d'Elaine Benes (de la populaire série Seinfeld), danse qui finit par mener six minuscules oiseaux à s'envoler en soulevant un immense éléphant. Il semble constater l'humour qui se cache derrière l'existence douloureuse. La voix de Wada retentit dans sa tête. « Je ris de la nature comique des gens, qui ne se rendent jamais compte de l'impact de leur comportement et qui croient fermement que leur travail est de répéter mécaniquement les
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For a world that seems so absurd I wonder why it looks like the world around me. Kei Oyama Tokyo Roppongi District. Overwhelming. There’s not space enough to be anywhere. Even worse, I’m in a place where I don’t where I am. I find a hotel. Fall asleep early. Dream loud A fat ugly young woman french kisses me. She whispers “Kei Oyama. Kei Oyama.” The kisses become stronger. I feel myself being sucked inside her. I travel down her insides passing a stream of fish. Soon I see nothing but fish. Fragments of light soon appear between the fish barrage. I fight through the fish and reach the light. I slip through the thin, tight moist space and emerge into the blinding light. Fish continue to race by, knocking me down. I get up and jump aside. I turn back and look up. I see a naked woman sitting in the corner of a room. Beneath her fish enter the space I’ve just left: her vagina.
mêmes gestes stupides. En même temps, je sympathise avec une telle nature, et cela m'attriste. Je ressens même parfois de l'amour. Je crois que Well, That's Glasses se compare à d'autres films, parce que ce film en particulier met aussi en relief l'humour et la tristesse des gestes de tels gens ». Une horde de Buster Keaton qui danse au rythme guindé de la musique d'Igor Kovalyov. De pauvres idiots au visage de marbre qui se voient entraînés malgré eux dans un univers qu'ils ne comprennent ni n'apprécient. « Lorsqu'ils se retrouvent dans une situation absurde, ces gens se sentent bizarres. Mais en même temps, ils savent qu'une telle situation est possible même si elle est bizarre, et ils se résignent à leur sort. Je ne crois pas que leur comportement parvienne à résoudre quelque problème que ce soit, et je crois que le fait de se soumettre à une telle réalité peut être très dangereux. Mais j'aime ça ». Je me demande comment un monde qui paraît aussi absurde peut ressembler à ce point au monde qui m'entoure.
Mother?
Kei Oyama
Disgusted I speed slowly out of the room. I turn and race into the first room I see. A sumo wrestler lies naked on the floor watching a game show on television. A mosquito buzzes by. I call out but he doesnt hear me. He gets up and has a smoke, reads a magazine, cleans the room. The fly continues to buzz unnoticed. I can’t leave, can’t seem to move. My eyes are transfixed by the tediousness of the situation. Am I in a Chantal Akerman film? In a flash everything changes. It’s night time. I’m in a bed room. The sumo wrestler sleeps. Flies are everywhere. The floor is littered with bottles and garbage. How can he sleep? The noise of the flies is driving me crazy. I block my ears and focus on the window. I watch the light change. Occasionally something seems to walk by the window. I try to get to the window so that I can see what’s happening, but I can’t reach it. Everytime I move the window is always out of reach. Crash. Something has fallen. The sumo wrestler wakes up and puts the fallen item back in it’s place. He returns to the bed. How can he not see me? Am I a ghost? Now we’re in the dining room. There are two sumo wrestlers. They are seated at at a table drinking coffee. One Sumo wrestler leaves. The other walks back and forth anxiously. Rain pours down. Sumo wrestler returns. The other one dries his hair off. They look outside. A rainbow. Music. Dancing. Fucking on the couch. Over. What kind of dream is this? Is it a dream? It feels too much like life - minus the naked Sumo wrestlers. “They are not Sumo wrestlers,” the voice says. The voice continues: “I saw the beauty from these boring things You can feel beauty, grotesque, sadness and comicality in everyday life by staring at it more carefully. I love to give shape to the beauty that I discover. I also love to know the beauty which other people find and I never know.” I walk past the humping wrestlers towards the window. I look out and am scared shitless by the sudden appearance of a skeletal figure on the other side. His hands and face are barely visible. I float through the window and discover a young man. Together we look out the window.
Tokyo.
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District de Roppongi. C'en est accablant. Il n'y a pas de place pour exister. Pire encore, je n'ai aucune idée d'où je suis. Je déniche un hôtel. Je m'endors rapidement et rêve beaucoup. Une grosse bonne femme jeune et laide m'embrasse avec la langue. Elle soupire à mon oreille “Kei Oyama. Kei Oyama.” Ses baisers deviennent plus intenses. Je me sens aspiré à l'intérieur d'elle. Je voyage en son for intérieur, constatant un banc de poissons sur mon passage. Bientôt, je ne vois plus que des poissons. Des éclats de lumière se fraient un chemin parmi les poissons. Je me fraie à mon tour un chemin et me dirige vers la lumière. Je glisse dans un espace restreint et humide et me retrouve baigné dans une lumière aveuglante. Les poissons continuent à nager rapidement à mes côtés, et me bousculent au sol. Je me relève et me recule pour les laisser passer. Je me retourne et lève les yeux. Je vois une femme nue assise dans le coin d'une pièce. Des poissons pénètrent là où je viens d'émerger : dans son vagin. Maman? Dégoûté, je quitte lentement la pièce. Je me retourne et détale vers la première pièce que je croise. Un lutteur sumo est étendu nu sur le sol et regarde un jeu télévisé. Une mouche virevolte tout près. J'appelle le lutteur, mais il ne m'entend pas. Il se lève et fume une cigarette, lit un magazine, puis nettoie la pièce. La mouche continue à voler, incognito. Je ne peux quitter la pièce. Je n'arrive pas à bouger. Mes yeux sont rivés sur cette scène des plus ennuyeuses. Suis-je dans un film de Chantal Akerman? Du coup, tout se transforme. C'est la nuit. Je suis dans une chambre. Le lutteur sumo dort. Il y a des mouches partout. Le plancher est jonché de bouteilles et de déchets. Comment parvient-il à dormir? Le bruit des mouches me rend fou. Je me
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"'You can feel beauty, grotesque, sadness and comicality in everyday life by staring at it more carefully. I love to give shape to the beauty that I discover. I also love to know the beauty which other people find and I never know.'" - Kei Oyama
« 'On peut ressentir la beauté, le grotesque, la tristesse et l'humour dans la vie de tous les jours, en observant celle-ci de façon plus attentive. J'adore donner forme à la beauté que je découvre. J'aime aussi apprendre la beauté que d'autres gens découvrent et qui m'échappe' ». - Kei Oyama
Spring is coming. Everything is beginning to thaw. A dead dog lies in the moist snow. I watch as the boy pulls strands of hair from his head. Bored with that he grabs a goldfish from it’s bowl. The fish struggles to breath. I move closer and jump inside the darkness of the fish’s mouth. Dinner time. Cut into the food. Blood and crap seeps out. As the adults eat their faces darken. Horrified the boy and I flee to the bedroom. We stare out the window. I look at the boy. His face darkens and soon the entire room explodes into a silent blackness. Out of the darkness I see a worm. A boy pokes at it with a stick. he pauses to smash a bug on his hand. A hand grabs the boy and rushes him to a room. A woman kneels over a dying girl. The boy strokes her head gently. The boy is a man now. He sits silently in a doctor’s office. A nurse stands nearby. The man looks sad and anxious. A doctor arrives, places xrays on the lightboard. Nothing is spoken, everything is said. The man stares at the floor and scratches his knee. I look at the spot on the xray and jump through it. In a room I see a woman. Mother? Ugly scrunched up faces peer in the window. What’s so fascinating? The woman tends to my bruised knee.
couvre les oreilles et me concentre sur la fenêtre. J'observe la lueur qui change. Parfois, on semble remarquer quelqu'un qui passe devant la fenêtre. J'essaie de me diriger vers la fenêtre afin de voir ce qui se passe, mais je n'y parviens pas. Chaque fois que je me déplace, la fenêtre demeure hors de portée. Soudain, boum! Quelque chose vient de tomber. Le lutteur sumo se réveille et remet l'objet tombé à sa place. Il retourne dans son lit. Comment peut-il ne pas me voir? Suis-je un fantôme? Nous voilà maintenant dans une salle à manger. Deux lutteurs sumos s'y trouvent. Ils sont assis autour d'une table et sirotent un café. L'un des lutteurs se lève et quitte la pièce. L'autre fait les cent pas. Il semble anxieux. Une pluie s'abat. Le lutteur réapparaît. L'autre s'essuie les cheveux. Tous deux regardent à l'extérieur. Un arc-en-ciel. De la musique. De la danse. Une baise sur le sofa. Fin. Qu'est-ce que c'est que ce rêve? Est-ce bien un rêve? On aurait pourtant dit la vraie vie — sans les lutteurs sumos nus, toutefois. « Ce ne sont pas des lutteurs sumos », dit la voix. Celle-ci poursuit : « J'ai vu la beauté qui se dégage de ces situations ennuyeuses. On peut ressentir la beauté, le grotesque, la tristesse et l'humour dans la vie de tous les jours, en observant celle-ci de façon plus attentive. J'adore donner forme à la beauté que je découvre. J'aime aussi apprendre la beauté que d'autres gens découvrent et qui m'échappe ». Je passe devant les lutteurs sumos qui font l'amour et me dirige vers la fenêtre. J'y jette un coup d'oeil et suis terrorisé par l'apparition soudaine d'une figure squelettique de l'autre côté de la fenêtre. Je parviens à peine à voir son visage et ses mains. Je flotte à travers la fenêtre et constate la présence d'un jeune homme. Ensemble, nous regardons par la fenêtre. Le printemps arrive. Tout autour, la neige commence à fondre. Un chien mort repose dans la neige mouillée. J'observe le jeune garçon qui s'arrache les cheveux sur la tête. Il finit par s'ennuyer et saisit un poisson rouge dans son bol. Le poisson tente désespérément de respirer. Je me rapproche et saute dans la noirceur de la gueule du poisson. C'est l'heure du souper. Je coupe ma nourriture. Il en émerge du sang et des excréments. Alors que les adultes mangent leur repas, leur visage s'assombrit. Le garçon et moi, tous deux horrifiés, détalons vers la chambre. Nous regardons par la fenêtre. J'observe le garçon. Son visage s'assombrit et la pièce entière est bientôt envahie par une noirceur totale et totalement silencieuse. Dans la pénombre, je vois un ver. Un garçon lui donne des petits coups à l'aide d'un bâton. Il s'arrête le temps d'écraser un insecte sur sa main. Une main s'empare du garçon et l'entraîne rapidement vers une chambre. Une femme s'agenouille devant une fille à l'article de la mort. Le garçon lui caresse doucement les cheveux. Le garçon est désormais un homme. Il est assis dans le bureau d'un médecin, en silence. Une infirmière se tient debout près de lui. L'homme semble à la fois triste et anxieux. Un médecin se pointe et positionne des radiographies devant un écran lumineux. Aucun mot n'est prononcé, et pourtant, tout est dit. L'homme fixe le sol et se gratte le genou.
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A headless fat woman sits in a cubicle. A needle enters her skin. Bruises appear all over her body. Everything goes dark. A curtain rises. Two boys play a boy and dog. The dog pees. The boy collapses to the ground. The audience laughs as a stretcher comes to take the boy away. The boy returns to a doctor’s office. It’s the same scene as earlier. The curtain closes. The actor’s bow. Applause. Doctor’s office. Man scratches his knee. A voice: “When I was a child, I often imagined such scenes and cried a lot : my mother killed herself by leaping from a window or was becoming weak from heavy illness. (of course, these things happened just in my imagination.) When I was in my teen, I started to fear about my own death. And recently thinking about death of people around me started to scare me again.” That’s all I remember. I woke up sobbing, full of melancholia. I get up, piss, and make some bad hotel room coffee. What was that dream all about? It was so sad and weird and mundane, yet beautiful. Was it connected to my brother’s death? Death and illness pervaded the dreamscape. All the people in the dream were like ghosts. They seemed real and animated at the same time as though trapped between life and death. I suddenly remember the last thing that mysterious voice said before I woke up: “I feel as if I am not myself when my fear about death is getting bigger (it often happens when I try to sleep in my bed). Of course it is an illusion but it is a really weird feeling as if I am glancing Kei Oyama very very far from him and perceive him as a complete stranger. That unsettledness that these characters in your dream have is really like this strange feeling.” What’s strange too is that the characters, while always aware of their mortality, continued on, not racing to do monumental things. Instead, they just lived the life they always did. The wrestlers just carry on with those simple, seemingly uneventful parts of their day. Maybe it’s a message to stop trying to live so big and to accept the everyday, that there is life and meaning in lying on the floor and reading a magazine, a simple dance, a good fuck or smoke. Moments that might be irrelevant to others, but are individual moments, our moments. Look at the dying guy. He remembered a bruised knee and a school play. They seem trivial to me, but they are clearly everything to him. Too often we overlook and under appreciate the usual.
J'observe la tache sur la radiographie, puis bondis à l'intérieur. Dans une pièce, je vois une femme. Maman? Des visages affreux et tout écrasés observent de la fenêtre. Qu'y a-t-il de si fascinant? La femme prend soin de mon genou blessé. Une grosse femme sans tête est assise dans un cubicule. Une aiguille perce sa peau. Des ecchymoses apparaissent partout sur son corps. Tout devient soudainement noir. Un rideau se lève. Deux garçons s'amusent à imiter un garçon qui joue avec son chien. Le chien fait pipi. Le garçon s'effondre au sol. Le public rit alors que le garçon est transporté sur une civière. Le garçon est de retour dans le bureau d'un médecin. Une scène identique à celle à laquelle on a assisté plus tôt. Le rideau redescend. Les acteurs saluent le public. Des applaudissements retentissent. Nous sommes dans le bureau du médecin. L'homme se gratte le genou. Une voix dit : « Quand j'étais enfant, j'imaginais souvent de telles scènes, qui me faisaient beaucoup pleurer : ma mère qui se suicide en sautant d'une fenêtre, ou qui s'affaiblissait suite à une grave maladie (bien entendu, ce genre de drame ne se déroulait que dans ma tête). À l'adolescence, j'ai commencé à craindre ma propre mort. Et, plus récemment, la mort de ceux et celles qui m'entourent ». C'est tout ce dont je me souviens. Je me suis éveillé en sanglots et empreint d'une profonde mélancolie. Je saute du lit, fais pipi, puis me prépare un mauvais café d'hôtel. Que peut bien signifier un tel rêve? Il était à la fois si triste et si bizarre et si banal. Et pourtant si beau. Avait-il un lien avec la mort de mon frère? La mort et la maladie étaient omniprésentes tout au long du rêve. Tous les gens qui y sont apparus semblaient être des fantômes. Ils ressemblaient à la fois à de vraies personnes et à des personnages animés, comme s'ils étaient coincés quelque part entre la vie et la mort. Je me rappelle soudainement la dernière chose que la voix m'a dite avant que je me réveille : « Je me sens comme si je n'étais plus moi-même lorsque ma crainte de la mort prend de l'ampleur (chose qui survient fréquemment lorsque j'essaie de dormir dans mon lit). Bien entendu, il ne s'agit que d'une illusion. Malgré tout, la sensation est très étrange. C'est comme si j'observais Kei Oyama de très loin et le percevais comme un parfait étranger. Cette espèce d'état d'inconfort que ressentent les personnages dans votre rêve se compare à cette étrange sensation. Ce qui est étrange, aussi, c'est que ces personnages, même s'ils sont conscients de leur propre mortalité, poursuivent leur train-train quotidien au lieu de se précipiter pour réaliser de grandes choses de leur vivant. Ils vivent leur vie comme ils l'ont toujours vécue. Les lutteurs vaquent à leurs mêmes occupations simples et sans conséquences. Peut-être que le message que l'on cherche à véhiculer est qu'il faut cesser d'essayer de vivre grand et d'accepter le banal quotidien, qu'il y a un sens et une pertinence à lire un magazine étendu sur le sol, ou à savourer une belle danse, une bonne baise ou une bonne cigarette. Des moments qui peuvent paraître sans importance aux yeux des autres, mais qui demeurent des moments individuels. Nos moments à nous. C'est comme l'homme mourant. Il s'est rappelé d'un genou blessé et d'une pièce de théâtre à son école. Cela me paraissait inconséquent, mais pour lui, c'était de toute évidence le monde entier. Trop souvent, nous négligeons l'ordinaire et ne l'apprécions pas à sa juste valeur.
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FURNITURE OF MY MIND MEUBLER MON ESPRIT by | par George Griffin In Walden (1854) Thoreau said, “A man is rich in proportion to the number of things which he can afford to let alone.” And, with a bit more wit, “I had three pieces of limestone on my desk, but was terrified to find that they required to be dusted daily, when the furniture of my mind was all undusted still, and threw them out the window in disgust.” Our quintessential hippie philosopher here dusts off the Socratic maxim “the unexamined life is not worth living” and weaves in his own anti-materialist ethos of creative poverty. Furniture is the stuff with which we fill up our living and working spaces. It’s the functional, material culture, integral components for our “machine for living,” yet often taken for granted, neglected, inert, invisible. The furnished room can display complex indications of status and taste, or it can be generic, sterile, institutional. In that peculiar zone of animation where reality is always synthetic and provisional, these things can come to life as ironic, comic, ornery, adversarial, even malign actors. The films in this program interpret furniture both literally (chairs, Ikea shelving) and symbolically, like Alexander Pope’s “loads of learned lumber in his head” (language, advertising). There is often a tension between our expectations and what is actually happening in the frame and on the soundtrack. Starting with Walerian Borowczyk’s metaphorical parlor game, Renaissance, is no accident. My generation of animators may have come out of a cartoon childhood but as adults in the ‘60s the grim psychological realities of Eastern European animation, particularly from Poland, made a huge impression. Borowczyk’s background in poster design strongly
Dans son oeuvre « Walden » (1854), Thoreau disait « La richesse d'un homme est proportionnelle au nombre de choses qu'il peut se permettre de laisser de côté ». Aussi, avec un peu plus de verve, il ajoute : « J'avais sur mon bureau trois objets en calcaire, mais j'étais terrifié à l'idée de devoir les épousseter chaque jour alors que les meubles de mon esprit étaient parfaitement dépoussiérés. Alors, j'ai balancé les trois objets par la fenêtre, non sans dégoût ». Notre philosophe hippie par excellence époussette ici la maxime socratique voulant qu'« une vie qui n'est pas observée ne vaut pas la peine d'être vécue », et met de l'avant sa propre philosophie antimatérialiste favorisant la pauvreté créative. L'ameublement sert à remplir ces endroits où nous vivons et travaillons. Les meubles incarnent la culture fonctionnelle et matérielle. Ils font partie intégrante de notre « machine de vie », et pourtant, on les prend souvent pour acquis. Ils sont négligés, inertes, invisibles. Une pièce meublée peut révéler des détails complexes sur le statut et les goûts d'un individu, ou au contraire s'avérer générique, aseptisée, institutionnelle. Or, dans cette zone particulière de l'animation où la réalité demeure toujours synthétique et provisoire, les meubles peuvent prendre vie et ainsi devenir des interprètes ironiques, drôles, désagréables, conflictuels et même méchants. Les films inclus à cette programmation utilisent les meubles de façon littérale (des chaises, des étagères Ikea) ou encore symbolique, tel que les « tonnes de billots de bois dans sa tête » d'Alexander Pope (langage, publicité). On constate souvent une certaine tension entre nos attentes et ce que l'on retrouve à l'écran et sur la trame sonore.
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FURNITURE OF MY MIND Thursday, October 21, 3:00pm (National Gallery) Saturday, October 23, 9:15pm (National Gallery) Renaissance [1963] Walerian Borowczyk | 8:47 | Poland | Digital Moving Day [1936] Walt Disney | 9:00 | USA | 35mm Set in Motion [1987] Jane Aaron | 5:00 | USA | 16mm El Hotel Electrico (The Electric Hotel) [1908] Segundo de Chomon | 7:00 | Spain | Digital Roof Sex [2001] PES | 1:00 | USA | Digital Furniture Love [1990] Bill Plympton | 0:30 | USA | Digital Picnic with Weissmann [1968] Jan Švankmajer | 11:00 | Czech Republic | Digital Furniture Poetry [1999] Paul Bush | 5:00 | UK | 35mm Utopia Parkway [1997] Joanna Priestley | 4:30 | USA | Digital Construction Manual [2007] Alan D. Joseph | 3:00 | Netherlands | Digital The Chair [1967] George Dunning | 4:00 | Canada | Digital Luxo Jr. [1986] John Lasseter | 2:00 | USA | 35mm Frank Film [1973] Frank and Caroline Mouris | 9:00 | USA | 35mm
influenced his cut-out animation in Les Jeux des Anges and the Kabal films, but here he inverts the tidy accumulation of Victorian materialism with real objects captured by stopmotion. Hommage à Hy Hirsch refers to the legendary experimental animator from San Francisco living in Paris who helped Borowczyk escape Poland and gave him a place to stay and work. Renaissance perhaps refers to his newfound creative life in the West, but drenched with a mordant Middle European skepticism. In addition to being every American animator’s Oedipal parent, Walt Disney was also an incurable optimist, glossing the nastiest realities with seductive diversion. In Moving Day, a classic Depression-Era “Mickey” cartoon which still reverberates in our own melt-down economy, an eviction is about to take place, and the ever-menacing Sheriff Pete threatens to seize “yer foinitcher.” Donald does his inimitable dance with plunger attached to his butt, then Goofy, in his first starring role, performs a rubbery-limbed set-piece with upright piano on a loading ramp. The brilliant comic choreography of Fred Spencer, Al Eugster and Art Babbitt propels this cast of innocent, inventive survivors to their well-deserved deliverance. We witness the evolution of animated character from the generic pacing in a
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Furniture is the stuff with which we fill up our living and working spaces. It’s the functional, material culture, integral components for our “machine for living" L'ameublement sert à remplir ces endroits où nous vivons et travaillons. Les meubles incarnent la culture fonctionnelle et matérielle. Ils font partie intégrante de notre « machine de vie » Le fait d'amorcer le programme avec « Renaissance », le jeu de société métaphorique imaginé par Walerian Borowczyk, ne relève pas du simple hasard. Les animateurs de ma génération ont vécu leur enfance entourés de dessins animés. Par contre, lorsqu'ils ont atteint l'âge adulte durant les années 60, ils ont été fortement impressionnés par les réalités psychologiques sombres reflétées dans les films d'animation issus de l'Europe de l'Est, particulièrement ceux produits en Pologne. Le concepteur d'affiches que fut jadis Borowczyk a grandement influencé son travail d'animation de style « découpage » tel que constaté dans ses oeuvres « Les Jeux des anges » et « Kabal ». Dans ce cas-ci, par contre, il remplace le matérialisme victorien soigné par de véritables objets filmés selon la technique des prises de vues image par image. Le film « Hommage à Hy Hirsch » fait référence au légendaire animateur expérimental né à San Francisco mais établi à Paris, qui a aidé Borowczyk à fuir la Pologne et qui lui a offert un endroit pour vivre et travailler. « Renaissance » évoque peut-être la seconde vie créative dont il a joui suite à son passage à l'Ouest, même si le film baigne dans un scepticisme médioeuropéen des plus mordants. En plus d'avoir joué le rôle de parent œdipien pour tous les animateurs américains, Walt Disney fut aussi un éternel optimiste, qui ajoutait une couche de vernis attrayante aux réalités les plus désagréables. Dans « Moving Day », un dessin animé classique de Mickey Mouse datant de la Grande Dépression, mais qui demeure toujours pertinent en cette ère où notre économie s'effondre, on assiste à une expulsion imminente alors que le redoutable Shérif Pete menace de saisir « vos meubles ». Donald effectue alors son inimitable danse avec un siphon collé aux fesses. Puis, dans son premier grand rôle à l'écran, Goofy effectue un numéro de « jambes molles » avec un piano situé sur une rampe de chargement. La brillante et hilarante chorégraphie orchestrée par Fred Spencer, Al Eugster et Art Babbitt mène ce groupe d'innocents et inventifs combattants à une victoire bien méritée. Nous assistons ici à l'évolution des personnages animés, du rythme plus traditionnel caractéristique des Fleischer de l'époque des films muets où l'on exprimait la panique en tournant en rond, vers la personnalité songée
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alliant folie et pragmatisme caractéristiques de Goofy. Ce trait de caractère fut élaboré davantage dans de nombreux dessins animés de type « Comment faire » dont le récent « How to Hookup your Home Theater », réalisé en 2007.
circle panic of silent-era Fleischer to the Goof’s reflective personality of pragmatic nuttiness, a trait developed in countless “How To” cartoons, updated as recently as the 2007 How to Hookup your Home Theater. Continuing the dubious yet inevitable national character scheme we now turn to the delightful world of PES, nickname of Adam Pesapane. Instead of an ominous surrealism, we have a joyous playpen. PES brilliantly re-invents the relationships between everyday objects. They retain their autonomy while converging into an organically delirious alternative reality. Using cumbersome, overstuffed easy chairs (one of which he has suggested may have been the site of his own conception) PES shows the carnal side of an “Up on the Roof” romance: in broad daylight, a breathless, awkward, moaning “quickie.” Another chapter in the same book, one of his original Plymptoons made for MTV, before Bill became a introspective art-house auteur, involves a folie à quatre who at least seem to be aware that their naughty pursuit of illicit pleasure has a limit.
En maintenant cap sur le thème certes douteux mais tout de même inévitable des personnages nationaux, nous explorons cette fois l'univers enchanteur dépeint par PES, surnom d'Adam Pesapane. Ici, le surréalisme sinistre cède sa place à un parc pour enfants des plus joyeux. PES redéfinit de façon tout à fait brillante la relation qu'entretiennent entre eux divers objets de tous les jours. Ceux-ci maintiennent leur autonomie, tout en convergeant vers une réalité alternative à la fois organique et délirante. En ayant recours à des fauteuils rembourrés encombrants (il a même évoqué le fait que l'un d'entre eux aurait pu représenter l'endroit où il fut conçu), PES nous présente le côté charnel d'une romance de type « Làhaut sur le toit » : en plein jour, on assiste à une « baise rapide » peuplée de soupirs et de gémissements. Un autre chapitre issu du même livre, soit l'un des épisodes de « Plymptoons » que Bill a réalisé pour la chaîne MTV avant de devenir plus introspectif et axé sur le film d'auteur, dépeint une folie à quatre où les protagonistes semblent au moins conscients des limites de leur penchant pour les plaisirs illicites. Trois films, qui semblent produits sur différentes planètes, ont pour sujet principal de véritables individus interagissant avec de vrais meubles dans un environnement réel, quoiqu'en temps irréel. On appelait « trickfilms » plutôt que films d'animation les productions novatrices réalisées par Chomon, du fait qu'elles consistaient essentiellement en de véritables scènes filmées auxquelles étaient intégrés divers effets et séquences réalisées selon la technique de la prise de vues image par image. Aujourd'hui, même les scènes tournées à la manivelle où l'on assiste à divers événements à l'allure théâtrale, peuplés de gens vêtus de façon bizarre et dont le jeu est grossièrement exagéré, conservent cette espèce de saveur artificielle qui n'apparaît pas plus étrange que la vue de tous ces vêtements et fauteuils qui déambulent autour d'eux.
Chomon’s pioneering entertainments were called “trickfilms” rather than animation because they were essentially live-action interlarded with playful stop/motion effects and sequences. Yet today even the hand-cranked live scenes of stagey spectacles jammed with over-acting, funnydressed folks, retain an artificial flavor no less exotic than the skittering wardrobes and stuffy sofas that shuffle around them.
Avant de devenir auteur de livres pour enfants et productrice de l'émission Sesame Street, Jane Aaron a créé une série de films d'animation en prises de vues image par image à la fois rafraîchissants, simples et sophistiqués qui faisaient fi d'une trame narrative ou de symbolisme appuyé pour plutôt se rapprocher du jeu pur. Tout comme « Drawn to Light », « Set in Motion » n'a rien de vraiment essentiel à raconter, si ce n'est que de nous inviter à observer notre environnement quotidien selon une nouvelle perspective, où les objets s'animent de leur propre chef. Une planche à repasser, le berceau d'un bébé et un couple enlacé dans une valse forment une espèce de tableau vivant démocratique, le tout accompagné d'une musique à la fois contagieuse et discrète composée par Donald Fagen.
Before moving into authoring children’s books and producing for Sesame Street, Jane Aaron created a suite of fresh, simple, yet sophisticated stop-motion films that bypassed narrative and heavy symbolism for something close to pure play. Set in Motion, like Drawn to Light, has no urgent agenda beyond the request that we re-consider our quotidian environment in a new light—as objects possessing a life of their own. An ironing
Jan Svankmajer réinvente la technique des prises de vues image par image de façon si radicale que son nom est littéralement devenu un adjectif. « Picknick mit Weissmann », un effort plus expérimental datant de ses débuts et entouré de mystère à sauce germanique (et produit par un certain A. J. Puluj qui n'a peut-être jamais existé), révèle un jardin dans lequel se trouvent divers meubles de maison répartis ça et
Real people interacting with real furniture in real space and in unreal time is the chief concern of three films which seem to be from different planets:
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board, a baby’s crib, a young couple’s waltzing embrace form a kind of democratic tableau vivant accompanied by Donald Fagen’s infectiously unobtrusive music. Jan Svankmajer re-writes the book on stop-motion so radically that his name has become an adjective. Picknick mit Weissmann, an early experiment shrouded in Teutonic mystery, produced by the perhaps non-existent A.J Puluj, presents an autumnal backyard furnished incongruously with domestic furniture. Ominous occurrences with phonographs and drawers, interspersed with rapid accumulations of leafy piles (or pyres) suggest that this will not be a pleasant outing. Paul Bush approaches film from the realm of philosophy and literature, to create a diverse body of work, yet he is best known as a direct animator who manually scratches the surface (e.g. The Albatross, 1998). Furniture Poetry represents another side of Bush, as an alchemist of subjective consciousness. His domestic objects (the opening table reminiscent of Borowczyk’s) may be pixilated but they are stripped of all their narrative potential and reduced to a binary existence of either on or off. He tickles a proposition by Wittgenstein, similar to the question of the sound of a tree falling in a forest, and re-imagines the existence of his furniture between their visual frames—a tart antidote to continuity. Joseph Cornell’s boxes of precious reconstructions evoking a lost European culture he never experienced, a niche of American surrealism, is re-imagined in Joanna Priestley’s Utopia Parkway. The title refers both to Cornell’s home in Queens and to the impossibility of his nowhere world. The high priestess of personal animation, Priestley combines her signature card sequences of bio-morphism, sexual anxiety and exotic porcelain fauna with real environments, photographed through glass bottles and nestled in specimen boxes. Far from imitating Cornell she pays homage as well to Morandi and Arp in this witty send-up of the Victorian fascination for collecting bibelots. Alan D. Joseph’s Construction Manual is so exactly what it is that it becomes a kind of hymn to our pathetically sexed-up
là de façon incongrue. Des événements inquiétants mettant en vedette phonographes et tiroirs, le tout entrecoupé d'une accumulation rapide de tas de feuilles (ou bûchers) laissent présager un dénouement pour le moins désagréable. Paul Bush aborde les films selon un angle philosophique et littéraire, ce qui confère un aspect des plus variés à son œuvre. Il est cependant davantage connu en tant qu'animateur direct, qui gratte lui-même les surfaces avec sa main (p. ex., « The Albatros », en 1998). Le film « Furniture Poetry » révèle quant à lui une autre facette de Bush, soit celle d'un alchimiste de la conscience subjective. Les objets domestiques qu'il dépeint (la table qui s'ouvre évoque celle de Borowczyk) ne sont peut-être qu'un regroupement de pixels, mais ils sont dépourvus de tout potentiel narratif et réduits à une existence binaire — ils sont soit allumés ou éteints. Bush évoque une suggestion de Wittgenstein qui se compare à la notion de l'arbre qui tombe dans une forêt, en imaginant l'existence de ces meubles quelque part entre les images qui apparaissent à l'écran — un antidote acerbe à la continuité. Les boîtes de reconstitutions précieuses de Joseph Cornell évoquant une culture européenne disparue qu'il n'a jamais connue, une espèce de tranche de surréalisme à l'américaine, sont réinventées dans le film « Utopia Parkway» de Joanna Priestly. Le titre fait à la fois référence au lieu de résidence de Priestly dans Queens et au caractère impossible de son univers qui ne mène nulle part. Grande prêtresse de l'animation personnelle, Priestly intègre ses célèbres séquences de biomorphisme, d'anxiété sexuelle et de faune en porcelaine exotique, à des environnements réels filmés à travers des bouteilles de verre et nichés dans diverses boîtes de spécimens. Loin d'imiter Cornell, elle lui rend plutôt hommage, ainsi qu'à Morandi et Arp, avec cette délicieuse parodie de la fascination qu'éprouvaient les gens de l'époque victorienne envers les collections de bibelots. « Construction Manual », d'Alan D. Joseph, s'avère à ce point précisément ce que son titre évoque qu'il en devient presque un hymne à notre pathétique société fascinée par les
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NATIONAL GALLERY OF CANADA
Organized by the National Gallery of Canada | Meltdown, 1984, Canadian Museum of Civilization Collection, Gatineau. Photo Steven Darby © CMC
CARL BEAM
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marques et les produits jetables, tout en évitant la condescendance. Comparez ce manuel au film « The Chair », et savourez la délicieuse ironie de cet univers anglophone pêle-mêle. Ladite chaise du titre fait son apparition plus tard au cours du récit, devenant une espèce de McGuffin alors que tout autour, c'est le capharnaüm. D'abord, un tas de verbiage s'empile sur une architecture chancelante. Puis, de vagues figures peintes vacillent çà et là sans but précis. George Dunning ne fait que commencer, en expérimentant ici avec les plaisirs du langage et de la rotoscopie, exercice qui fera une nouvelle apparition plus tard lors de la scène « Lucy in the Sky with Diamonds » du film « Yellow Submarine ».
world of brand-identity and disposability, yet rendered without a whiff of condescension. Contrast this manual to The Chair for a delightful blast of ironically Anglophone mumbo-jumbo. The eponymous chair makes a late appearance acting as a kind of McGuffin, while all hell breaks loose around it. First, a load of verbiage piles itself into shaky, drunken architecture. Then loosely painted, flickery figures slide about in limbo. George Dunning is just warming up, experimenting with the pleasures of language and rotoscoping, which would re-emerge later in The Yellow Submarine’s "Lucy in the Sky with Diamonds" sequence. When MoMA honored Pixar with a full-fledged 20th anniversary show of films and art in 2005, the most memorable attractions were the hand-drawn character designs which revealed that behind all the splines and vectors lurked the DNA of the comic pencil, scratching to find the perfect arc of comic hyperbole. Side by side were wire-frame models, perhaps by Alvy Ray Smith, and rough pastel sketches by John Lasseter. Luxo, Jr. wasn’t just a cute short film, it was a hunch that the computer could be used to create empathic characters designed to look exactly, hyper-photographically, like real things: toys or furniture. The quotidian lamp has since become part of the Pixar logo, as recognizable as a silhouette of mouse ears.
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Frank Film is the most unlikely and, for me, the best animated film to win an Oscar®. Does it matter? Yes. Because it demonstrated, in 1973, that the animation world, so often burdened by an easy backslide toward professional craft, could still recognize genius. Here was a young artist who had hoarded a trove of advertising images, precisely cut, catalogued into an eccentric taxonomy of form and stored as lumber in his hyper-active mind, to be issued as art when the opportunity arose. Animation, as he explains on the track, became the trigger that allowed him to jettison conventional graphic rules. These cascading, multilayered images are our stuff, our irresistible culture of narcissistic materialism, offered as a perfect storm of aspiration and memory. The uninflected first person, autobiographical voice, threaded with Godardian selfreflexivity, is further layered with incantatory accumulations of witty puns. Twenty-five years later, Frank and Caroline Mouris released a sequel, Frankly Caroline and more are promised, but the original remains a steamroller.
Quand le MoMA a rendu hommage à Pixar en 2005 lors d'un spectacle à grand déploiement soulignant les 20 ans de la boîte, et où étaient présentés divers films et œuvres d'art, l'attraction la plus mémorable fut sans contredit les concepts des personnages dessinés à la main. On constatait alors que derrière les splines et les vecteurs bouillonnait l'ADN du crayon, dont la pointe trace la voie vers la parfaite hyperbole comique. On y retrouvait côte à côte des modèles filaires, peut-être conçus par Alvy Ray Smith, ainsi que des esquisses au pastel dessinées par John Lasseter. « Luxo Jr.» n'était pas qu'un mignon court métrage. Il s'agissait aussi d'une première démonstration que l'on pouvait avoir recours à un ordinateur pour créer des personnages empathiques évoquant, de façon réaliste et ultraphotographique, de véritables objets, soit des jouets ou des meubles. La fameuse lampe quotidienne fait depuis partie intégrante du logo de Pixar. Elle est devenue aussi familière que la silhouette des oreilles de Mickey Mouse. « Frank Film » est le plus improbable et, selon moi, le meilleur film d'animation à avoir remporté un Oscar®. Est-ce pertinent? Tout à fait. Parce qu'il a fait la preuve, en 1973, que le monde de l'animation, où l'on privilégie malheureusement si souvent le travail artistique professionnel, pouvait malgré tout reconnaître le génie. Nous étions en présence d'un jeune artiste qui avait accumulé une panoplie d'images publicitaires, toutes découpées avec précision, classifiées en une variété excentrique de formes et entreposées en tant que billots de bois dans son esprit hyperactif — le tout devant être présenté en tant qu'œuvre artistique lorsque l'occasion se présenterait. Comme il l'explique lui-même dans le film, l'animation s'est avérée l'élément déclencheur qui lui a permis de faire fi des règles de graphisme conventionnelles. Ces images en cascades à niveaux multiples représentent nos possessions, notre irrésistible culture de matérialisme narcissique, livrées sous forme d'une union parfaite entre l'aspiration et la mémoire. La voix autobiographique sans inflexions, qui s'exprime à la première personne et dont l'autoréflexion évoque Godard, est agrémentée d'une série de mots d'esprit. Vingt-cinq ans plus tard, Frank et Caroline Mouris ont réalisé une suite intitulée « Frankly Caroline ». On envisage d'autres chapitres dans cette série; l'original demeure cependant un véritable rouleau compresseur. (AUCUNE IDÉE SAUF DANS LES CHOSES) — William Carlos Williams
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YEAH WHAT SHE SAID: EMPATHETIC INNUENDO IN XX IN ANIMATION
« YEAH WHAT SHE SAID » : L'INSINUATION EMPATHIQUE DANS XX EN ANIMATION by | par Gjen Snider Snow White, Minnie Mouse, Olive Oyl, Betty Boop, Red Hot Riding Hood, Natasha Fatale, Daphne Blake and Velma Dinkley, Aurora and Maleficent, Ariel and Ursula, Belle, Jasmine, Jessica Rabbit, Jane and Judy Jetson, Marge and Lisa Simpson, Wilma Flintstone and Betty Rubble, Lucy Van Pelt and Peppermint Patty and Marcie, Smurfette, Jem and the Holograms and The Misfits, She-Ra Princess of Power, Josie and the Pussycats, Penny, and Rainbow Bright.
Snow White, Minnie Mouse, Olive Oyl, Betty Boop, Red Hot Riding Hood, Natasha Fatale, Daphne Blake et Velma Dinkley, Aurora et Maleficent, Ariel et Ursula, Belle, Jasmine, Jessica Rabbit, Jane et Judy Jetson, Marge et Lisa Simpson, Wilma Flintstone et Betty Rubble, Lucy Van Pelt et Peppermint Patty et Marcie, Smurfette, Jem and the Holograms et The Misfits, She-Ra Princess of Power, Josie and the Pussycats, Penny, et Rainbow Bright.
As a kid I watched a lot of cartoons.
J'ai regardé beaucoup de dessins animés dans mon enfance.
Weekends, after school, or on those rare lunch hours I came home for Zoodles, I watched as much animation as possible on basic 80s cable. I saw all the Disney features, read all the fairytales. I fully believed in the thrill of the imaginary adventure, and would often carry on as though my life was as colourful and exciting as the lives of my favorites. My weekly binge on Saturday mornings was only complete after catching up with the cartoon girls that I wished went to my school or lived on my block. Even today, it’s possible to still get a bit keyed up when remembering Jem and the Holograms and their arch-rivals The Misfits. My name, Jen, so similar, meant we were almost identical, except she had pink hair, fronted her own band, and
Les fins de semaine, après l'école, ou en ces rares occasions, le midi, ou je revenais pour des Zoodles, je regardais tous les dessins animés possibles sur le câble de base. J'ai vu tous les long métrages de Disney, lu tous les contes de fées. Je croyais vraiment à l'excitation de l'aventure imaginaire, et je me comportais souvent comme si mon existence était tout aussi colorée et excitante que la vie de mes personnages préférés. Ma frénésie des samedis matins n'était complète qu'après avoir regardé les filles animées qui, je l'aurais souhaité, m'accompagnaient à l'école ou vivaient dans mon quartier. Même aujourd'hui, il m'est possible de m'exciter un peu quand je repense à Jem and the Holograms
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XX IN ANIMATION: TAKING A PEEK AT WORK BY WOMEN Saturday, October 23, 7:00pm (National Gallery) Sunday, October 24, 11:00am (National Gallery) Robes Of War [2008] Michèle Cournoyer | 5:14 | Canada | 35mm Anna Blume [2009] Vessela Dantcheva | 9:02 | Denmark / Belgium | Digital I Without End [2008] Laleh Khorramian | 6:35 | USA / Iran | Digital About Socks & Love [2007] Michaela Copikova | 7:00 | Slovakia | 35mm Dinner Table [2006] Song E Kim | 2:51 | USA | Digital Stationery [2004] Monica Rho | 5:20 | Canada | 35mm Il Davos Capetel [2007] Carla Hitz | 4:38 | Switzerland | Digital Hello Antenna [2008] Veronika Samartseva & Anna Samoylovich | 4:40 | Denmark | Digital Cut [2008] Susan Justin | 4:43 | Canada | Digital Pica [2009] Irene Fuga & Rafael Sommerhalder | 5:00 | UK/Italy/Switzerland | Digital Genetic Admiration [2005] Frances Leeming | 23:10 | Canada | Digital
was an entrepreneur by day - holding it all down with the help of a pair of remote-control, micro-holographic projectors in her earrings. At 7 years old I didn’t know women like that, and in spite of the arguable value of the series to the gender politics of the time, and its origins as a part of the bonanza of cartoon/ product spin-offs that characterized the 80s cartoon renaissance, I know that the Jem character was very meaningful for me in my formative years. In 2000, Christy Marx, the American writer responsible for the Jem character, won The Animation Writers Caucus Animation Award from the Writers Guild of America for her many contributions to the field of animation writing; the first woman to win the award and only the second in its 12 year history (Linda Woolverton was honored in 2009). Marx, who developed her penchant for writing strong, kick-ass girl characters when she was in her teens created layered interpersonal relationshipdriven plot-lines for the characters in Jem that gave them interests outside of the stereotypical female concerns of motherhood and household work, allowing them to be defined as more than girlfriends or wives. The female characters on the show had dimension, which still stands out, 25 years on. It is in this spirit of influence that the XX in Animation programme has been assembled. Worlds away from the style and concerns of those childhood cartoons but carrying the same capacity to inspire and empower, the eleven independent short animated films offered here deny flat, clichéd characterizations of women and opt for a depth and
et à leur grands rivaux, les Misfits. Mon propre prénom, Jen, tellement semblable, signifiait que nous étions presque identiques sauf qu'elle avait les cheveux roses, gérait son propre orchestre et était entrepreneur le jour, faisant fonctionner tout cela à l'aide d'une paire de projecteurs micro-holographiques contrôlés à distance dans ses boucles d'oreilles. À sept ans, je ne connaissais pas de femme semblable, et en dépit de la valeur douteuse de la série au niveau des politiques de genre de l'époque, et de ses origines comme élément de la kyrielle de produits dérivés de la renaissance des dessins animés des années 1980, je sais que le personnage de Jem a été très important pour moi au cours de mon enfance. En 2000, Christy Marx, le scénariste américain responsable du personnage de Jem, a remporté le Prix de l'Animation Writers Caucus Animation de la Writers Guild of America pour ses nombreuses contributions au domaine de la scénarisation d'animation de fiction; c'était la première femme à remporter ce prix et seulement la seconde en ses 12 années d'histoire (Linda Woolverton l'avait remporté en 2009). Marx, qui a développé son penchant pour la rédaction de personnages féminins pendant son adolescence, a créé des scénarios pour les personnages de Jem qui leurs procuraient des intérêts extérieurs aux préoccupations féminines stéréotypées de la mère et du travail domestique, leur permettant de se définir autrement que comme des blondes ou des mères de familles. Les personnages de la série possédaient une dimension qui ressort toujours 25 ans plus tard. C'est en dépit de cette influence que le programme XX in Animation a été assemblé. À des mondes de distance du style et des préoccupations de ces dessins animés de mon enfance, mais possédant la même capacité d'inspirer et d'habiliter, les cinq court métrages animés indépendants offerts ici refusent la caractérisation de clichés sans relief, et optent plutôt pour une profondeur et une complexité du ton et de la technique qui constituent un défi incroyablement valorisant. Limités aux seuls films produits au cours des six dernières années, et portant sur un travail fait par des femmes (sans que ce soit exclusif) et au sujet des femmes (sans que ce soit explicite), le programme donne l'occasion de mettre de l'avant l'interrogation actuelle de l'existence des femmes présentées dans les médias et les arts. La représentation des femmes dans les films demeure depuis plus de 30 ans une préoccupation centrale des études de médias, y compris de l'animation. À l'extérieur du domaine académique, les femmes (et les hommes) qui créent des films avec des idées, des personnages ou des histoires qui suggèrent que l'existence des êtres humain est guidée par plus que des chromosomes, des hormones et leurs caractères génitaux respectifs occupent une niche séparée des intérêts grand public. Mais en reconnaissant que les « droits de la femme » sont un tenant des « droits de la personne », l'égalité des genres devient une matière qui mérite l'appui de tout le monde. Ces femmes qui racontent leurs histoires devraient recevoir le plus possible d' appuis et d'encouragements, car rien n'exerce plus d'impact sur la conscientisation des femmes et de leurs existences que lorsqu'elles racontent elles-mêmes leurs histoires. Depuis les années 1980, des scénaristes/réalisatrices et créatrices d'animation telles que Joanna Quinn, Susan Pitt, Martha Colburn, Candy Guard, Signe Baumane, Marjut Rimminen, Joanna Priestly, Janie Geiser et Ruth Lingford ont ouvert la voie aux animatrices. Avec la variété de nouvelles considérations uniquement limitées par les expériences des femmes qui leurs donnent voix, il
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complexity in tone and technique that is at once both a challenging and incredibly rewarding experience. Narrowed to include only films completed within the last six years, and focusing on work made by women (though not exclusively) about women (though not explicitly), the programme focuses on work which offers the opportunity to foreground the ongoing interrogation of the lives of women as presented in film and media arts. The representation of women on film has remained a central concern within media studies, including animation, for over thirty years. Outside of the academic realm, the women (and men) who create films with ideas, characters or stories that somehow suggest the lives of human beings are guided by more than chromosomes, hormones and corresponding genitals, often face the ongoing and difficult prejudice that ‘gender equality’ is a niche concern and separate from mainstream interests. But with recognition that ‘women’s rights’ are a tenet of ‘human rights’, gender equality becomes a matter worthy of support by all. Those women who tell their stories should be given, whenever possible, support and acknowledgment, as nothing has more impact on broadening awareness of women and women’s lives than when the stories are told by women themselves. Since the 80s, animation writers/directors/creators like Joanna Quinn, Suzan Pitt, Martha Colburn, Candy Guard, Signe Baumane, Marjut Rimminen, Joanna Priestly, Janie Geiser, and Ruth Lingford have led the way for female animators. With the variety of new considerations only limited by the experiences of the women giving them voice, there will continue to be endless opportunities for stories or ideas to further influence our comprehension and consideration of womanhood. So long as young women continue to be inspired to the animated art form, the map will grow larger and expand to the horizon and beyond. It is my claim that there is empathetic innuendo present in independent animated work by women about women, a natural connection to the ongoing and pervasive consideration of female life and its representation in popular culture. The works in XX in Animation contribute to this qualitative mapping of the continuously evolving terrain of 'future woman', exploring ideas including desire, sacrifice, isolation, mentorship, self-determination, discrimination and intimacy.
Robes Of War
Opening on the haunting whine of a Gregorian organ provides the most apt note for what will come in Michèle Cournoyer’s Robes of War, a film that explores an analogy between warfare and the corporal (bodily/physical and spiritual) self. Focusing on a single female figure draped in heavy fabric, Cournoyer works with the tension between objectification and identification as only the women’s eyes are visible throughout, visible but never open. Taking on the difficult territory of enacting what it feels like to be affected by conflict between peoples, to suffer a rage organically growing from an unapologetically empathetic response, Cournoyer’s film is one of contrasts, literally of blacks and whites. A pulsing metamorphic exploration of an ember that grows and breeds both the small light and profound darkness required for the fire of retribution to burn, Robes of War leaves us to question where we draw the line between sacrifice and control.
Anna Blume
Who are you, uncounted women? You are - are you? - Kurt Schwitters
b.ca
continuera d'y avoir d'innombrables occasions pour des histoires ou des idées pouvant influencer notre compréhension et notre étude de la féminité. Tant et aussi longtemps que des jeunes femmes continueront d'être inspirées par l'art animé, le territoire s'élargira et étendra ses horizons. Je soutiens que l'insinuation empathique est présente au niveau du travail d'animation réalisé par les femmes et pour les femmes, un lien naturel vers la considération continue et intense de la vie au féminin et de sa représentation dans la culture populaire. Les œuvres de XX en Animation contribuent au mappage du terrain en constante évolution de la « femme de l'avenir », explorant des idées comprenant le désir, le sacrifice, l'isolation, le mentorat, l'autodétermination, la discrimination et l'intimité.
Robes Of War
Débuter avec la plainte déchirante d'un orgue grégorien fournit la note la plus apte pour ce qui va suivre dans Robes of War, de Michèle Cournoyer, un film qui explore l'analogie entre la guerre et le soi corporel (physique et spirituel). En traitant d'un personnage féminin seul, drapé dans un lourd tissu, Mme Cournoyer travaille avec la tension entre l'objectification et l'identification, car seuls les yeux de la femme sont visibles tout au long du film, sans jamais s'ouvrir. Traitant du difficile territoire de démontrer ce que l'on ressent en étant touché par des conflits entre les peuples, d'éprouver une rage émanant d'une réaction empathique sans regrets, le film de Mme Cournoyer en est un fait de contrastes, littéralement de noirs et de blancs. Une exploration métamorphique pulsée d'un ambre qui se développe et produit la petite lumière et la profonde noirceur nécessaires à la combustion du feu de la rétribution, Robes of War nous fait questionner où tracer la ligne entre le sacrifice et le contrôle.
Anna Blume
Qui êtes-vous, femmes impossibles à dénombrer? Vous existez, n'est-ce pas? - Kurt Schwitters Interprétant le poème d'amour emblématique et absurde “An Anna Blume” (1919) par le poète allemand et artiste dadaïste Kurt Schwitters, Vessela Dantcheva en compagnie de Ebele Okoye créent un monde visuel vivant et une narration innovatrice distincte de l'interprétation acceptée du célèbre poème comme ode parodique à l'amour. Rendant hommage à l'œuvre de Schwitters tout en abordant également un nouveau territoire, le film aborde le matériel de façon critique et d'une perspective distinctement féminine: en supposant une relation conflictuelle entre une femme et le désir. Une escapade surréelle où les thèmes de l'identité et du désir (poursuite, consommation et séduction) attendent de tous les côtés, Anna Blume comprend une trame sonore qui relie de façon brillante une trame additionnelle à un enregistrement de 1936 de Schwitters, créant l'ambiance électrisante d'une rencontre brillante entre le désir d'être et le besoin incessant de posséder.
I Without End
Créé à l'aide d'animation image sur image, I Without End est un film profondément beau, qui débute avec deux amants pris dans un moment de passion et perdus aux yeux du monde, saisis en quelque sorte entre la vie et la mort; entre une expansion intérieure du plaisir et de la persistance externe d'une décroissance rythmique. À l'aide de personnages créés
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Interpreting the emblematic absurdist love poem “An Anna Blume” (1919) by German poet and Dada artist Kurt Schwitters, Vessela Dantcheva together with Ebele Okoye create a vivid visual world and innovative narrative distinct from the accepted interpretation of the famous poem as a parodic ode to love. Paying homage to Schwitters’ work while also taking it into new territory, the film approaches the material critically and from a distinctly female perspective: supposing there is a conflicted relationship between being a woman and being desired. A surreal escapade where themes of identity and desire (pursuit, consumption and seduction) are waiting around every corner, Anna Blume includes a soundtrack that brilliantly splices a spare musical soundtrack into a 1936 recording of Schwitters, creating a haunting and altogether dazzling setting for an encounter between the burgeoning desire to be, and the relentless desire to possess.
I Without End
Created using time-lapse animation, I Without End is a profoundly beautiful film that opens on two lovers caught in a moment of passion and lost to the world, stuck somewhere between living and dying; between an inner expanse of pleasure and the external persistence of rhythmic decay. With characters cut from orange peel, who embrace and undulate as though slowly burning, but in fact slowing drying, I Without End is at times like a sensory caress, and is the most sensual and intimate allegory for desire imaginable. The film’s title, ‘without end’ of course means to have no conclusion, but director Laleh Khorramian’s addition of ‘I’ hints at what the slowly advancing drama is building towards. Leading us to a place where we watch the demise of one of the skin-bodies, we are reminded that it is the self that desires, and that there can be no end to the throes of desire until one can successfully bring about the end of ‘I’. Watching this contradiction of an ‘unending I’ unfold/enfold organically before our eyes, we are given representation of the idea that to truly find relief from desire, the ‘I’ must be turned inside out.
About Socks & Love
In her short story about love, men and women, and dirty laundry, Michaela Copíková takes a tumble with the oddities of intimacy and cohabitation. Turning the old adage about bringing baggage to a new relationship into a lively and eerie tale, About Socks & Love presents a battle between a women and a bag full of vicious, mocking, and stinky socks as the stage for a more intense examination of coupledom. Hand-drawn, driven by a soundtrack of melancholic humming and machinelike beats, and set in a simple home with only walls, door, bed, mirror, and bathtub, Copíková’s film leaves a lot of space to read between the lines. What we find there is a somewhat bleak but realistic comment on the choice to partner up and believe in the world we devise.
à partir de pelures d'oranges, qui s'embrassent et ondulent comme s'ils brulaient lentement mais sont en train de mourir lentement, I Without End est par moments comme une caresse sensuelle, l'allégorie la plus intime imaginable pour le désir. Le titre du film, « without end », ne possède évidemment aucune conclusion, mais l'ajout de « I » par la réalisatrice Laleh Khorramian suggère le drame en train de s'établir. En nous menant à un endroit où nous sommes témoins de la disparition d'un des deux corps, on nous rappelle que c'est le « soi » qui éprouve le désir, jusqu'à ce qu'il n'y ait plus de fin aux pulsions du désir jusqu'à parvenir à la fin du « I ». En regardant cette contradiction d'un « moi sans fin » se déployer sous nos yeux de façon organique, nous regardons la représentation de l'idée que pour vraiment trouver le soulagement d'un désir, le « moi » doit être renversé.
About Socks & Love
Dans son court métrage au sujet de l'amour, des hommes, des femmes et du linge sale, Michaela Copíková aborde le sujet de l'intimité et de la cohabitation. En transformant le vieil adage au sujet des bagages apportés à une nouvelle relation en une nouvelle relation vivante et fantastique, About Socks & Love présente une lutte entre une femme et un sac rempli de bas vicieux, moqueurs et puants qui se prêtent à un examen plus détaillé du couple. Dessiné à la main, propulsé par une trame sonore de sons mélancoliques et de battements de machines, et cadré dans une simple maison munie seulement de murs, de portes, d'un lit, d'un miroir et d'un bain, le film de Copíková laisse beaucoup d'espace pour lire entre les lignes. Nous trouvons ici un commentaire terne mais réaliste du choix des partenaires et de leur foi dans le monde que nous créons.
Dinner Table
Dinner Table est une incursion rapide dans la dynamique de la relation d'une jeune femme au cerveau frustré mais créatif. Un jour comme tous les autres, une fille et un garçon sont assis à la table de la cuisine. Pendant le temps qu'il faut au garçon pour dévorer un sac de chips, nous suivons la fille alors qu'elle s'efforce, sans succès, d'entrer en conversation avec lui. En lui posant des questions désinvoltes sur ce que fut sa journée, la jeune fille réagit à l'ennui de ses réponses banales en flirtant paresseusement, puis en s'impatientant progressivement alors que nous explorons simultanément sa réaction émotive interne. La réalisatrice Song E. Kim présente l'état d'âme de la jeune fille sous forme d'astucieuses vignettes psychologiques; de visions de cygnes aux gracieuses jambes humaines, de suçons parlants et de centaures au galop. Moins des fantaisies que des représentations de la vulnérabilité de la fille, de sa prise de conscience de soi et de sa détermination, les sketches donnent forme à des sentiments inconfortables qui jaillissent normalement d'une conversation plate.
Stationery
Le monde moderne dans lequel nous vivons peut être très aliénant. Lorsque nos emplois de chaque jours nécessitent de nous pencher sur des détails qui pourraient autrement ne pas être importants, la ligne entre l'absurde et l'important peut facilement devenir floue et nous faire perdre notre équilibre. Dans son film Stationery, Monico Rho nous présente un personnage préoccupé par le fait qu'elle doit présenter à son patron un rapport relié par une trombone alors qu'il n'y en a aucun en vue - le simple prémisse d'une exploration amusante dans le monde souvent abrasif de la vie urbaine moderne et des insécurités auxquelles nous sommes confrontés. Une ani-
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Dinner Table
Dinner Table is a quick trip into the dynamics of a relationship and a young women’s frustrated but creative mind. On an ordinary day, a girl and boy sit together at a kitchen table. In the time it takes for the boy to eat a bag of potato chips, we follow the girl as she tries, unsuccessfully, to engage him in conversation. Asking casual questions about his day, the girl responds to the tedium of his awkward half-answers by lazily flirting, getting annoyed, nervous and then sullen, all while we simultaneously explore her inner emotional response. The girl’s state-of-mind is presented by director Song E. Kim in the form of clever psychological vignettes; visions of graceful human-legged flamingos, talking lollipops, and galloping centaurs. Not fantasies as much as they are depictions of the girl’s vulnerability, self-consciousness and determination, the sketches give form to uncomfortable feelings that arise from awkwardness in an all-too normal and frustratingly dull exchange.
Stationery
This modern world we live in can be quite alienating. When the jobs we do each day require focus on details that might otherwise be meaningless, the line between what is absurd and what is sensible can easily blur and throw us off balance. In her film Stationery, Monico Rho gives us a character fraught with concern over the fact that she is required to paper-clip a report for her boss, and there are no paper-clips to be found a simple premise for a witty exploration into the often abrasive world of modern urban life and the insecurities we wrestle. Crisp animation and stylish design add brash edge to an already neurosis-riddled quest for success.
Il Davos Capetel
Created using stop-motion clay animation, Carla Hitz’s Il Davos Capetel is a playful tale about how to keep the frustrating distractions of the world at bay, or at least be able to ignore them for long enough to get some work done. The title of this film translates to mean ‘Let it be’; an ironic lesson for our single female character who spends the duration of the short exasperatedly stuffing all the distractions of her world into boxes and stacking them against the wall, all just so that she might find a moment of clarity.
Hello Antenna
Hello Antenna, directed by Veronika Samartseva and Anna Samoylovich is a music video for the song written and performed by the Berlin-based singer Josepha Conrad, aka Susie Asado. A song about the relationship of young girls to their older female role-models, Hello Antenna uses cut-outs and collage imagery to create a colourful textured world where our young hero can imagine herself with the qualities she admires in her mentor, take flights of fancy, and take stock of the lessons she’s learning along the way. Using an array of paper packaging and craft materials cut on funny angles and torn at corners to create the characters and environment they desire for the narrative, Samartseva and Samoylovich nicely match their smooth dynamic stop-motion animation to the quirky and energetic pace of the music, enhancing the positive and uplifting message of respect for older women and their natural intuition: “You know everything as if you had antenna on every roof top, high-rise, car, train, elevator, airplane. And they’re keeping you informed…they’re keeping you informed, they’re keeping you informed…they’re keeping you informed…”
mation dynamique et un design stylé ajoutent du poli à cette recherche de la réussite qui devient rapidement névrotique.
Il Davos Capetel
Créé à l'aide d'animation sur argile, Il Davos Capetel de Carla Hitz est une histoire amusante qui explique comment tenir au loin les distractions frustrantes de l'existence, ou au moins d'être capable de les ignorer assez longtemps pour pouvoir effectuer un travail. Le titre du film, traduit en français, signifie « Qu'il en soit ainsi »; c'est une leçon ironique pour notre personnage féminin unique, qui passe le temps du court métrage à placer de façon exaspérante toutes les distractions de son monde dans des boîtes, pour les empiler le long d'un mur, afin de simplement pouvoir trouver des moments de lucidité.
Hello Antenna
Hello Antenna, réalisé par Veronika Samartseva et Anna Samoylovich, est une vidéo musicale pour la chanson écrite et interprétée par la chanteuse de Berlin Josepha Conrad, aka Susie Asado. Une chanson au sujet de la relation de jeunes femmes à l'endroit de leurs modèles de rôles plus âgés, Hello Antenna se sert de découpages et de l'imagerie du collage, où pour créer un monde très imagé, notre jeune héroïne peut s'imaginer pourvue des qualités qu'elle admire chez son mentor, comme faire des vols fantaisistes, et tirer profit des leçons qu'elle apprend ce faisant. À l'aide d'un réseau d'emballages de papier et de matériaux de bricolage coupés à des angles bizarres et déchirés aux coins pour créer les personnages et les environnements dont elles ont besoin pour les paroles, Samartseva et Samoylovich font bien correspondre leur animation image sur image dynamique au rythme énergique de la musique, en exaltant le message positif de respect à l'endroit des femmes plus âgées et de leur intuition naturelle: « Vos savez tout, comme si vous possédiez une antenne sur chaque toit, chaque gratte-ciel, chaque automobile, chaque train, chaque avion. Et elles vous informent... elles vous informent... elles vous informent. »
Cut
Cut, de Susan Justin, est à la fois un retour aux journées des pionnières de l'animation féministe et au mouvement vers l'avant à l'endroit des biais dans le milieu de travail. Créé en
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ONTARIO ONTARIO MEDIA DEVELOPMENT CORPORATION
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Celebrating World-Class Animation
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Cut
Cut, by Susan Justin, is both a throwback to the pioneering days of feminist animation, and a forward facing comment on bias in the workplace. Created using traditional hand drawn techniques and an Oxberry Rostrum camera, Cut is a story about a woman who decides to get a haircut but gets more than she bargained for… a pink slip and the afternoon off. Considering ongoing and highly-relevant questions about the ways in which discrimination presents itself, Cut is about not hiding who you are, even when your world doesn’t want to see things your way. A simple tale for a more sex positive future.
ayant recours à des techniques de dessin à la main traditionnelles et d'une caméra Oxberry Rostrum, Cut est l'histoire d'une femme qui décide de se faire couper les cheveux mais obtient plus qu'elle ne le demandait... un avis de renvoi et l'après-midi de congé. Traitant de questions courantes et très appropriées qui comprennent la discrimination, Cut préconise de ne pas cacher qui vous êtes, même si votre univers ne voit pas les choses comme vous. Une simple histoire pour un avenir plus positif au niveau sexuel.
Pica
The only film in the XX in Animation programme to be co-directed by a woman and a man, Irene Fuga and Rafael Sommerhalder give us Pica, a dream-like short about a women who is pregnant and contemplating her desire for a mate. To understand this film it helps to know that ‘pica’ refers to a medical condition characterized by an appetite for non-nutritive substances, derived from the Latin word for magpie (a bird known to eat almost anything). A stylish hand-drawn film with unsettling soundtrack, Pica follows a woman wandering naked around her apartment until she finds a large egg. When the bird inside the egg hatches and sets out to help her piece together the sort of partner she desires, we experience a haunting sequence of events and eerie discordant soundtrack that reveals the melancholic and obsessive conflict that exists between the women and her idea of an ideal mate.
Seul film du programme XX in Animation à être coréalisé par un homme et une femme, Irene Fuga et Rafael Sommerhalder nous présentent Pica, un court métrage au sujet d'une femme enceinte qui examine son désir de compagnon. Pour comprendre ce film, il aide de savoir que « pica » s'applique à un état médical caractérisé par un appétit pour des substances non nutritives, dérivé du mot latin pour « pie bavarde » (un oiseau connu pour manger n'importe quoi). Film stylé dessiné à la main et pourvu d'une trame sonore troublante, Pica suit une femme qui déambule nue dans son appartement jusqu'à ce qu'elle y trouve un gros œuf. Lorsqu'un oiseau éclot de l'œuf et l'aide à établir le genre de partenaire qu'elle recherche, nous sommes confrontés à l'expérience d'une séquence d'événements et à une trame sonore discordante qui révèle le conflit mélancolique et discordant qui existe entre la femme et son concept de compagnon idéal.
Genetic Admiration
Genetic Admiration
Pica
The 2005 Grand Prize winner of Images Festival, and the originating inspiration for the XX in Animation programme, Genetic Admiration is a cutout animation that takes us on a grand lampooning pilgrimage into a world where the female body is the new frontier for genetic science and the promises of pumped up procreation. In her critique of how society reveres science (specifically genetic engineering) and the ways in which we present and enact this appreciation, Frances Leeming combines sounds and images from 20th century popular culture to create dazzling, humourous, and surreal landscapes that thrill and confuse. With exaggerations in scale, movement, colour and score, and set in forums associated to public entertainment – the fair ground, the theme park, and the marine park/aquarium – Genetic Admiration is a rich, textured achievement created in the free-associative tradition of Dada-collage (a technique in visual art that reappropriates and mingles images to discover new or hidden meanings). Using what noted feminist cultural theorist Jackie Stacey calls “a burlesque combination of images”, “awkwardly animated joins” and “seemingly unskilled, childlike, stilted cut-and-paste collage techniques”, Leeming purposefully deconstructs the conventions of stop-motion with disjointed, stiff animation to clearly make the work of creating such films noticeable for the viewer; tactfully juxtaposing the evidence of the labour involved in this style of filmmaking to the work done by geneticists creating life in a lab. A subtle and cleverly crafted reveal of the curtain of privilege that hangs between the individual and the backstage of scientific expertise, Genetic Admiration is a dense and hilarious film achievement that examines ideas of what it takes to be self-determined in our age of spectacle, science, technology, commodification, and the ‘miracle’ of the gene.
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Lauréat du Grand prix 2005 du Festival Images et inspiration du programme XX in Animation, Genetic Admiration est une animation en découpage qui nous emmène dans un long pèlerinage satirique, dans un monde où le corps de la femme est une nouvelle frontière pour la science génétique et la promesse d'une procréation accrue. Dans sa critique des façons dont la société révère la science (spécifiquement le génie génétique) et dont nous présentons et vivons cette appréciation, Frances Leeming combine des sons et des images de la culture populaire du 20e siècle pour créer des paysages éblouissants, humoristiques et surréels qui enchantent et désorientent. En exagérant au niveau de l'échelle, du mouvement, des couleurs et des sons, et créée dans des forums associés au divertissement public – le champ de foire, le parc thématique, et le parc et aquarium marin – Genetic Admiration est une réalisation riche et texturée créée dans la tradition de libre association du collage Dada (une technique d'arts visuels qui se réapproprie et mêle des images pour découvrir de nouveaux messages cachés ou de nouvelles significations). En se servant de ce que la théoricienne féministe culturelle bien connue Jackie Stacey qualifie de « combinaison burlesque d'images », de « joints animés bizarres » et « de techniques de collage d'apparence enfantine », Mme Leeming déconstruit à dessein les conventions de l'arrêt sur image à l'aide d'une animation disjointe et rigide, afin de rendre le travail de création de ces films remarquables pour le public; elle juxtapose avec tact la preuve du travail requis pour ce genre de travail au travail réalisé par les généticiens qui créent la vie en laboratoire. Film subtil et bien conçu qui révèle l'existence d'un rideau de privilèges entre l'individu et l'arrière-scène de l'expertise scientifique, Genetic Admiration est une expérience de film dense et hilarante, qui étudie les idées de ce qu'il faut pour parvenir à l'auto-détermination dans notre ère de spectacles, de science, de technologie, de réification et de « miracle » du gène.
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LET’S GO CRAZY!
ANIMATION DEPICTING MENTAL HEALTH - FROM LOONEY TUNES TO NEW SHORTS THAT CONFRONT HOW OUR MINDS WORK.
TOUS EN FOLIE! ANIMATION DÉCRIVANT LA SANTÉ MENTALE - DEPUIS LES LOONEY JUSQU'AUX NOUVEAUX COURT-MÉTRAGES QUI CONFRONTENT LE FONCTIONNEMENT DE NOTRE ESPRIT.
by | par Karl Cohen “WE HAVE NOTHING ELSE TO DO, SO LET’S GO CRAZY” -from a song sung by Betty Boop in “Crazy Town,” 1932
« WE HAVE NOTHING ELSE TO DO, SO LET’S GO CRAZY » -tiré d'une chanson de Betty Boop dans « Crazy Town », 1932
Cartoon stars doing impossible things were a basic ingredient of the silent film era. American animator Tex Avery once said if a gag could be designed so it could be pulled off in a live-action film it wouldn’t be funny in a cartoon. In cartoons you can almost expect crazy things to happen. Animator Winsor McCay could ride on the back of his friend Gertie the Dinosaur in 1914 or turn a house into a flying machine (The Flying House, 1921). Felix the Cat, the silent screen’s most popular animated star, could remove his tail and use it as a walking stick or squeeze into a telephone and come out on the other end of the line no worse for wear.
Des étoiles de dessins animés faisant des choses impossibles étaient un ingrédient de base du film muet. L'animateur américain Tex Avery a un jour déjà dit qu'une blague conçue pour être utilisée dans un film avec comédiens ne serait pas amusante dans un dessin animé. Dans un dessin animé, vous pouvez vous attendre à ce que des choses folles se produisent. L'animateur Winsor McCay pouvait se promener sur le dos de son amie Gertie le dinosaure en 1914, ou transformer une maison en machine volante. (The Flying House, 1921). Félix le chat, l'étoile la plus populaire du dessin animé muet, pouvait ôter sa queue et s'en servir comme d'une canne, ou entrer dans un poteau de téléphone et ressortir sans mal à l'autre bout de la ligne.
In the early days of sound film, animated gags got even crazier. In many Betty Boop, cartoons including Crazy Town and Crazy Inventions (1933), we see ”normal” cartoon stars confronted with impossible visual images meant to delight our sense of humour. There are hundreds of other cartoons full of bizarre visual gags from the period, including Ub Iwerks’ Stratos Fear (1933, with Willie Whopper), Columbia Pictures’ Scrappy’s Trailer (1935), Disney’s Modern Inventions (1937) and Through the Mirror (1936) and Terrytoons’ Gandy Goose in Postwar Inventions (1945). Delightful craziness was also a basic ingredient of many silent and early-sound-era, live-action comedies.
Aux premiers jours du film sonore, les gags animés devinrent de plus en plus fous. Dans plusieurs dessins animés Betty Boop, y compris Crazy Town et Crazy Inventions (1933), nous pouvons voir des vedettes de dessins animés « normales » confrontées à des images visuelles impossibles qui stimulent notre sens de l'humour. Il existe des centaines d'autres dessins animés remplis de gags visuels de cette époque, y compris Stratos Fear (1933, avec Willie Whopper) de Ub Iwerks; Scrappy’s Trailer (1935) de Columbia Pictures; Modern Inventions (1937) de Disney; et Through the Mirror (1936) avec Terrytoons’ Gandy
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THE ARTS CONNECT US
LES ARTS NOUS RELIENT
In 2009-2010, the Ontario Arts Council funded 1,697 individual artists and 1,013 organizations in 236 communities across Ontario for a total of $51.8 million. To learn more, visit www.arts.on.ca.
En 2009-2010, le Conseil des arts de l’Ontario a octroyé à 1 697 artistes et 1 013 organismes de 236 communautés ontariennes des fonds de 51,8 millions de dollars. Plus de détails sur www.arts.on.ca.
The Ontario Arts Council Helps Connect the Arts to Us.
Le Conseil des arts de l’Ontario aide à nous relier aux arts.
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The word “crazy", as referring to mental illness, was a subject too serious for the film industry to depict for many decades, except for extreme cases such as criminal insanity. While the mad scientist or doctor became a mainstay of horror films, they rarely appeared in cartoons in the 1930s and ‘40s. Perhaps because these cartoons are scarce, the ones that were made are memorable. Notable examples are Stratos Fear, Disney’s The Mad Doctor (1933), Frank Tashlin’s The Case of The Stuttering Pig (1937, with a Jekyll and Hyde-type trying to kill Porky Pig), and Chuck Jones’ Water, Water Every Hare (1952, featuring an evil scientist and a big orange monster after Bugs Bunny for his brain). LOONY TOONS By the end of the 1930s the nice, somewhat normal-behaving animated character was competing for laughs with outrageously bizarre characters who were more extreme in their behavior than live-action humans in screwball comedies. Some who started their film careers as being totally wacky and irresponsible were Daffy Duck, who is first seen in Porky’s Duck Hunt (1937, directed by Tex Avery), and Walter Lantz’s Woody Woodpecker, who was introduced in the Andy Panda cartoon Knock Knock (1942; the cartoon ends with Woody in a straightjacket being carted off by orderlies). Tex Avery’s Screwy Squirrel, introduced in 1944 in Screwball Squirrel, seemed to have one purpose in life,: to outsmart his pursuer with a series of fast-paced gags that become crazier and crazier. At Columbia Pictures Sid Marcus dared to create a truly insane human character in The Mad Hatter (1940), who goes far beyond the lighthearted Mad Hatters in Fleischer’s Betty in Blunderland (1934) or Disney’s Alice in Wonderland (1951). Marcus’ swishy hat designer is kept under lock and key and wears a straightjacket when not creating masterpieces for women. These lunatic images were so extreme and stereotyped that it was probably hard to develop a variety of plots for them. While Daffy and Woody became more restrained in their behavior and Tex, after making five Screwy Squirrel films, ended the series in 1946, near the end of the 20th century crazy, somewhat insane cartoon stars reappear in what became known as “Sick and Twisted Animation.” Among the films of this new genre are John Dilworth’s Dirdy Birdy, John K’s Ren and Stimpy, Danny Antonucci’s Lupo the Butcher and Mike Judge’s Beavis and Butt-head. These and dozens of other films are sometimes more intense and extreme than the 1940s examples. TRYING TO UNDERSTAND REAL MENTAL CONDITIONS Animation depicting a person dealing with mental illness in a serious way is still rare. Possibly the oldest example is Ted Parmelle’s Tell Tale Heart (1953, UPA), which received an Oscar® nomination. It is an intense, humourless drama that stands alone as a serious animated study of the criminally insane. James Mason’s voice track and Edgar Allan Poe’s words are as powerful as Peter Lorie’s depiction of the child killer in M, yet we never see the face of the animated star of this powerful work. Nightmares of the human mind feature in Vince Collin’s independently produced Malice in Wonderland (1982). Using images suggested by Miwako Collins, his wife, we enter into what might be her subconscious. Some of her images are terrifying in this remarkably personal work, which has been viewed on YouTube over 425,000 times.
Goose dans Postwar Inventions (1945). Une délicieuse folie était également l'ingrédient de base de plusieurs comédies muettes et du début du sonore. Pendant plusieurs décennies, le mot « folie », dans le sens d'une maladie mentale, était un sujet trop sérieux pour être dépeint par l'industrie du film, sauf dans des cas extrêmes de criminologie aliénée. Bien que le scientiste ou le médecin fous soient devenus le lot de plusieurs films d'horreur destinés au grand public, on les voyait rarement dans des dessins animés des années 1930 et 1940. Peut-être parce qu'ils étaient rares, ceux qui ont été tournés sont devenus mémorables. Des exemples bien connus sont Stratos Fear; The Mad Doctor de Disney (1933), The Case of The Stuttering Pig de Frank Tashlin (1937, avec un type du genre de Jekyll et Hyde qui tente de tuer Porky Pig); et Water, Water Every Hare de Chuck Jones (1952, avec en vedette un scientiste fou et un gros monstre orange qui cherchent à s'approprier le cerveau de Bugs Bunny). LOONY TOONS À la fin des années 1930, le joli et relativement normal personnage animé concurrençait, pour les rires, des personnages bizarres plus extrêmes, dans leur comportement, que les humains figurant dans des comédies. Certains, qui ont entamé leur carrière de film en étant totalement irresponsables étaient Daffy Duck, que l'on voit pour la première fois dans Porky’s Duck Hunt (1937, réalisé par Tex Avery), et Woodpecker de Walter Lantz, qui a mis au point la lignée de dessins animés de Andy Panda Knock Knock (1942; le dessin se termine alors que Woody, dans une camisole de force, est emmené par des infirmiers). Screwy Squirrel de Tex Averys introduit en 1944 dans Screwball Squirrel, semblait avoir un but dans la vie; battre son poursuivant à l'aide d'une série de gags rapides devenant de plus en plus fous. Chez Columbia Pictures, Sid Marcus a osé créer un personnage humain vraiment fou dans The Mad Hatter (1940), qui dépasse la légèreté des Mad Hatters de Betty in Blunderland de Fleischer (1934) ou Alice in Wonderland (1951). Ces images lunatiques étaient tellement extrêmes et stéréotypées qu'il était probablement difficile de créer une variété de scénarios pour eux. Alors que Daffy et Woody devinrent plus calmes, au niveau de leur comportement, et que Tex, après avoir tourné cinq films de Screwy Squirrel, ait mis fin à la série en 1946, près de la fin du 20e siècle, des personnages aussi fous sont réapparus dans ce qui a été connu sous le nom de « Sick and Twisted Animation » (animation débile et tordue). Parmi les films de ce nouveau genre, mentionnons Dirdy Birdy de John Dilworth, Ren and Stimpy de John K, Lupo the Butcher de Danny Antonucci et Beavis and Butt-head de Mike Judge. Ces films, ainsi que des douzaines d'autres, sont parfois plus intenses et plus extrêmes que les exemples de 1940.
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TENTER DE COMRENDRE LE VÉRITABLE ÉTAT MENTAL L'animation décrivant une personne atteinte d'une véritable maladie mentale demeure encore rare. Le plus ancien exemple en est probablement Tell Tale Heart de Ted Parmelle (1953, UPA), nommé pour un Oscar®. C'est un drame intense et sans humour, qui se distingue dans une étude sérieuse d'animation de l'état mental criminel. La piste sonore des voix de James Mason et les mots d'Edgar Allan Poe sont tout aussi puissants que la description de Peter Lorie d'un enfant tueur dans M, bien que l'on n'aperçoive jamais le visage de la vedette animée de ce puissant film.
More recently a handful of independent animators have pioneered a new form of animation that takes an honest, objective look at mental health. Some try to understand its complexities, like Lorie Loeb in Rewind: lt Could Have Been Me (1993). It chronicles important incidents in a woman’s life in reverse, so we first see her as a crazy, angry bag-lady. Slowly we are revealed the experiences in her life that caused a once respectable, middle-class, employed woman to become a street person. In Camouflage by Jonathan Hodgson (2001), commissioned by the British Arts Council and Channel 4, we experience the words of children talking about parents with schizophrenia. Dutch animator Paul Driessen is presently working on a film with the National Film Board of Canada (NFB) that has a plot structure similar to Rewind. It will be the story of Oedipus, backward, told in the context of "regression" in a group therapy situation. Lipsett Diaries (2010), animated by Theodore Ushev and written by Chris Robinson, explores the work and tormented existence of Canadian experimental filmmaker, Arthur Lipsett, a hypersensitive creative genius brought low by depression and mental illness, which drove him to take his own life. Densely layered texts and images serve as the film’s main thread, pasting in phrases and images taken here and there from Lipsett’s films, while delving deep into Robinson and Ushev’s own lives to fill in gaps in Lipsett’s biography. Lipsett Diaries is not so much a biography as a free interpretation, a filmic essay on creative and mental illness. In John Dilworth’s semi-autobiographical Life in Transition (2005), we enter a surreal world full of symbolic images. At first it appears his life is going smoothly and successfully as an artist, until he goes through a dramatic, apparently traumatic period, before the artist in him can reemerge. In Rinky Dink (2009), Dilworth’s most recent, personal experimental film, he explores in quite a humorous way how individuals hide behind masks. Dilworth also dealt with this theme in his hit TV series, Courage, the Cowardly Dog, in “The Mask” episode. Adam Elliot, an Australian stop-motion animator, has created a series of portraits of dysfunctional people animated in clay. His fourth short film, Harvie Krumpet (2003), staring a man who develops Alzheimer’s disease, won an Oscar®. In his feature Mary and Max (2009), title-character Max has Asperger’s syndrome, severe anxiety attacks and other social
Les cauchemars du cerveau humain sont en vedette dans le film indépendant de Vince Collin Malice in Wonderland (1982). À l'aide d'images suggérée par Miwako Collins, sa femme, nous entrons dans ce qui pourrait bien être son subconscient. Certaines des images de cette œuvre, qui a été vue plus de 425 000 fois sur YouTube, sont terrifiantes. Plus récemment, une poignée d'animateurs indépendants ont fait œuvre de pionnier dans une nouvelle forme d'animation qui jette un coup d'œil honnête et objectif envers la santé mentale. Certains tentent d'en comprendre la complexité, comme Lorie Loeb dans Rewind: lt Could Have Been Me (1993). Il effectue à l'envers la chronique d'importants incidents dans la vie d'une femme; on la voit tout d'abord comme une vagabonde en colère. Lentement, le film nous révèle les expériences de sa vie qui ont fait qu'une femme autrefois respectable, avec travail et de classe moyenne est devenue une femme de la rue. Dans Camouflage par Jonathan Hodgson (2001), commandé par le British Arts Council et Channel 4, nous faisons l'expérience d'enfants qui discutent, dans leurs mots, de la schizophrénie de leurs parents. L'animateur hollandais Paul Driessen travaille présentement à un film avec l'Office national du film du Canada (ONF) dont la trame est semblable à Rewind. Ce sera l'histoire d'œdipe racontée à l'envers dans le contexte d'une « régression » dans une situation de thérapie de groupe. Lipsett Diaries (2010), un film animé par Theodore Ushev et écrit par Chris Robinson, explore le travail et l'existence tourmentée d'un animateur expérimental canadien, Arthur Lipsett, un génie créatif hypersensible terrassé par la dépression et la maladie mentale, qui a fini par s'ôter la vie. Des textes et des images densément étalées servent de trame principale au film, et pigent des phrases et des images tirées ici et là des films de Lipsett, tout en approfondissant les propres vies de Robinson et de Ushev afin de remplir les lacunes dans la biographie de Lipsett. Lipsett Diaries n'est pas tant une biographie qu'une interprétation libre, un essai sur la créativité et la maladie mentale. Dans Life in Transition (2005), un film semi autobiographique de John Dilworth, nous pénétrons dans un monde surréel rempli d'images symboliques. Au début, il semble que sa vie va bien et qu'il réussit comme artiste, jusqu'à ce qu'il traverse une période apparemment traumatique avant que l'artiste en lui puisse finalement émerger de nouveau. Dans Rinky Dink (2009), le film expérimental le plus récent et le plus personnel de Dilworth, il explore d'une façon fort humoristique comment les individus se dissimulent derrière des masques. Dilworth a également traité de ce thème dans sa série télé populaire, Courage, the Cowardly Dog, dans l'épisode intitulé « The Mask ».
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LET’S GO CRAZY Thursday, October 21, 7:00pm (National Gallery) Saturday, October 23, 5:00pm (National Gallery) The Case of the Stuttering Pig [1937] Frank Tashlin | 7:37 | USA | Digital Modern Inventions [1937] Jack King | 8:45 | USA | Digital Happy Go Nutty [1945] Tex Avery | 7:16 | USA | Digital The Tell Tale Heart [1953] Ted Parmelle | 7:40 | USA | Digital Malice in Wonderland [1982] Vince Collins | 4:20 | USA | Digital Beavis and Butt-head 'Lawn and Garden' (excerpt) [1993] Mike Judge | 1:17 | USA | Digital Harvie Krumpet [2003] Adam Elliot | 22:07 | Australia | 35mm Life in Transition [2005] John Dilworth | 3:56 | USA | 35mm Over and Over (and Over) Again [2009] Andy Glynne | 4:00 | UK | Digital The Spine [2009] Chris Landreth | 11:17 | Canada | 35mm
problems. Elliot’s dry humor makes his explorations of his characters’ personalities and mental states entertaining as well as insightful experiences. Chris Landreth also has a solid body of works that explore the causes of mental decay. Among them are his Oscar® winning Ryan (2004) and The Spine (2009). Landreth’s intense, sensitive portraits of self-destructive individuals, allow us to gain understanding about their lives. He calls his work “psychorealism,” animation that reflects his subjects’ conditions. Personally, I feel The Spine goes the furthest in the exploration and understanding of a serious problem. It sheds light on an issue that can be unpleasant to discuss: that not everybody has the inner strength to support the emotional needs of a depressed person. While Ryan is a remarkable and important work that fascinates us as it explains to some extent why NFB award-winning artist Ryan Larken was selfdestructive, his problems were too extreme for most viewers to closely identify with. The Spine presents a disturbing, codependent relationship that viewers may have some knowledge of from witnessing the lives of friends, family members or even themselves. Watching this film, the viewer may sense danger; it has the potential to tell us too much about people we know, or about ourselves. FINDING A THERAPEUTIC USE FOR MENTAL HEALTH ANIMATION Animation has been commissioned to assist people to understand specific mental conditions. Animated Minds (commissioned in 2003 and 2008) is a series of eight films that features eight people explaining what their conditions are like.
Adam Elliot, un animateur image par image australien, a créé une série de portraits de personnes dysfonctionnelles animées en argile. Il a remporté un Oscar® pour son quatrième court métrage, Harvie Krumpet (2003), qui met en vedette un homme souffrant de la Maladie d'Alzheimer. Dans son long métrage Mary and Max (2009), le personnage principal Max souffre du syndrome d'Asperger, de graves attaques d'anxiété et d'autres problèmes sociaux. L'humour acide d'Elliot rend son exploration des personnalités et de l'état mental de ses personnages à la fois divertissante et profonde. Chris Landreth possède également une œuvre considérable qui explore les causes de la dégénération mentale. On trouve parmi elles Ryan (2004, primé d'un Oscar®) et The Spine (2009). Les auto portraits intenses d'individus auto destructeurs de Landreth nous permettent de comprendre leurs existences. Il qualifie son œuvre de « psycho-réalisme », une animation qui reflète les conditions de ses sujets. Personnellement, je crois que The Spine va le plus loin au niveau de l'exploration et de la compréhension d'un problème sérieux. Le film met en lumière un enjeu qui peut s'avérer déplaisant à discuter: le fait que ce ne soit pas tout le monde qui possède la force intérieure nécessaire pour soutenir les besoins émotifs d'une personne déprimée. Bien que Ryan soit une œuvre remarquable et importante qui nous fascine tout en nous expliquant jusqu'à un certain point pourquoi l'artiste primé de l'ONF Ryan Larken était auto-destructeur, ses problèmes se sont avérés trop extrêmes pour que la plupart des spectateurs puissent s'y identifier de près. The Spine présente une relation dérangeante, co-dépendante, que les spectateurs peuvent reconnaître pour avoir été les témoins de la vie d'amis, de membres de leurs familles et même d'eux-mêmes. En regardant ce film, le spectateur peut sentir le danger; il a le potentiel de nous en dire trop sur des personnes que nous connaissons, ou à propos de nous-mêmes. TROUVER UNE UTILISATION THÉRAPEUTIQUE POUR L'ANIMATION EN MATIÈRE DE SANTÉ MENTALE On a eu recours à l'animation pour aider les gens à comprendre des conditions mentales spécifiques. Animated Minds (commandé en 2003 et en 2008) est une série de huit films qui mettent en vedette des gens qui expliquent leur état. Ces films «dissipent des mythes et des fausses conceptions au sujet des maladies mentales en prêtant une voix à des gens qui ont vécu différentes difficultés ». Dans Over and Over (and Over) Again (2009), animé par Salvador Maldenado et réalisé par Andy Glynn, un homme décrit son complexe obsessif/compulsif.
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The films “dispel myths and misconceptions about ‘mental illness’ by giving a voice to those who experienced these various difficulties first hand.” In Over and Over (and Over) Again (2009), animated by Salvador Maldenado, directed by Andy Glynn, a man describes his obsessive/compulsive complex. Going a step further are films being made to encourage kids to stand up to bullying. The US Department of Health and Human Services developed Stop Bullying Now.com in 2004 to help kids prevent abuse at school and on the playground. The campaign includes flash movies, games, teachers’ guides and other materials. The NFB has also produced several films that are used in conjunction with discussion groups, including Janet Perlman’s Bully Dance (2000). Animation is also now being used in clinical situations. Posttraumatic stress disorder (PTSD) has been both prevented and treated by showing soldiers computer animated scenarios of situations they will likely encounter in the future or have already experienced. The footage allows soldiers to prepare for such encounters, should they occur, or to revive their memories of repressed experiences in therapy sessions. Called “virtual therapy,” these virtual reality experiences have met with varying degrees of success. Although not made as a clinical film, Ari Folman’s powerful feature Waltz with Bashir (2008) focuses on PTSD and how he and others have suppressed traumatic memories of the 1982 invasion of Lebanon. When I interviewed Ari in 2009 he told me about both the trauma and therapeutic values he found in making it. He said at the time, “...unfortunately I don’t think films can change the world, but [they] can help. It can open people’s minds; it can make them think... As an anti-war statement, this is the most important thing for me. I hope because it is animated it will reach young audiences that still have options to decide about going into the army. By showing war in this manner, no glory, no glamour - maybe it will help them realize it is only pure bad things, nothing really tempting. This is unlike a lot of American movies that are anti-war movies, but you do want to be the guy in the movie.”
Conception 3D par Maxime Olivier Masse
FINAL THOUGHTS Adam Elliot told me not to assume all people who have what we often call mental problems see these issues in a negative light. He pointed out that some, including the real Max, Mary NAD_7.5x3:Layout 1 8/25/10 10:55 AM Page 1
En allant un peu plus loin, on trouve des films tournés pour encourager les enfants à résister à l'intimidation. Le US Department of Health and Human Services a mis au point Stop Bullying Now.com en 2004, pour aider les enfants à prévenir les abus à l'école et sur les terrains de jeux. La campagne comprend des films flash, des jeux, des guides de l'enseignant et d'autre matériaux. L'ONF a également produit plusieurs films utilisés en conjonction avec des groupes de discussion, y compris Bully Dance de Janet Perlman (2000). On a également recours à l'animation aujourd'hui dans des situations cliniques. Le trouble de stress post-traumatique (TSPT) a été à la fois empêché et traité en montrant à des soldats des scénarios animés par ordinateur de situations qu'ils rencontreront probablement dans l'avenir ou dont ils ont déjà fait l'expérience. Le métrage permet aux soldats de se préparer à de telles expériences, si elles devaient se produire, ou à revivre des souvenirs réprimés. Appelées « thérapies virtuelles », ces expériences de virtualité réelle ont remporté différents niveaux de succès. Bien qu'il ne s'agisse pas d'un film clinique, le puissant long métrage de Ari Folman Waltz with Bashir (2008) traite du TSPT et des façons dont lui et d'autres ont supprimé des souvenirs traumatiques de l'invasion du Liban en 1982. Quand j'ai interviewé Ari, en 2009, il m'a parlé du traumatisme et des valeurs thérapeutiques qu'il a ressentis en le tournant. À l'époque, il m'avait dit: « Malheureusement, je ne crois pas que les films peuvent changer le monde, mais ils peuvent aider. Ils peuvent ouvrir l'esprit des gens, ils peuvent les faire réfléchir... En tant qu'énoncé anti-guerre, c'est la chose la plus importante pour moi. J'espère que parce qu'il est animé, il va atteindre les jeunes qui ont encore l'option de décider de s'inscrire à l'armée. En leur montrant la guerre de cette façon - sans gloire ni prestige - il va peut-être les aider à réaliser que c'est mauvais, qu'il n'y a rien de vraiment attirant. C'est le contraire de plusieurs films américains qui sont contre la guerre, mais (qui font) que vous voulez quand même être le gars dans le film. » DERNIÈRES RÉFLEXIONS Adam Elliot m'a dit de ne pas croire que toutes les personnes qui ont ce qu'on appelle souvent des problèmes mentaux voient ces problèmes de façon négative. Il m'a souligné que certains, y compris le véritable Max, sur lequel était basé Mary and
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and Max was based on, see their differences from the general population as gifts. While they may not be skilled in the same ways as others, they are special in other ways and are quite content with who they are. Who, after all, has the right to determine what is “normal” in our lives?
Max, voient leur différence des autres comme un présent. Bien que leurs habiletés puissent être différentes des autres, ils sont spéciaux d'autres façons et sont heureux tels qu'ils sont. Qui, après tout, a le droit de déterminer ce qui est « normal » dans nos existences?
In the article “Mental Illness in Disney Animated Films,” by Andrea Lawson and Gregory Fouts (Canadian Journal of Psychiatry, 2004), the focus is on how mental illness has been portrayed in 34 animated Disney features. The authors found 64 negative words, including “nuts,” “crazy” and “lunatic,” used in the films, and 37 objectionable phrases, including “out of his mind’ and “not in touch with reality,” and a building with a sign on it that read “Looney Bin.” The article concludes that these depictions, whether words or images, are negative and unrealistic stereotypes that may have, over the years and given their popularity, influenced children and society in general to develop negative attitudes towards people with mental illness.
Dans l'article intitulé “Mental Illness in Disney Animated Films,” par Andrea Lawson et Gregory Fouts (Canadian Journal of Psychiatry, 2004), l'accent est placé sur la façon dont la santé mentale a été représentée dans 34 films animés de Disney. Les auteurs ont découvert 64 mots négatifs, y compris « nuts », « crazy » et « lunatic »,” utilisés dans le film, et 37 locutions douteuses, y compris « out of his mind » et un édifice avec un panneau se lisant « Looney Bin ». L'article concluait que ces descriptions, qu'il s'agisse de mots ou d'images, sont des stéréotypes négatifs et non réalistes qui peuvent, au cours des années et à cause de leur popularité, influencér les enfants et la société en général à développer des attitudes négatives à l'égard des gens atteints de problèmes de mentaux.
I expect in the future animation will play both a greater role as a tool in clinical therapy and as a way to help change the publics’ understanding of mental health. It can help create more reasonable and sympathetic attitudes. Hopefully the old films with dated images will be preserved so people can see how society has changed, for perhaps we are at the beginning of a new, more enlightened and tolerant era.
Je m'attends à ce qu'à l'avenir, l'animation joue un plus grand rôle en tant qu'outi de thérapie clinique et comme façon d'aider à changer la perception des maladies mentales par le public. Espérons toutefois que les plus vieux films aux images dépassées seront préservés, afin que les gens constatent comment la société a changé, car nous en sommes peut-être au début d'une ère nouvelle, plus compréhensive et plus tolérante.
PROGRAMME
PROGRAMME
The Case of the Stuttering Pig, directed by Frank Tashlin, 1937 (Warner Bros.), stars a criminally insane lawyer out to kill Porky Pig.
The Case of the Stuttering Pig, réalisé par Frank Tashlin, 1937 (Warner Bros.), met en vedette un avocat criminel aliéné qui a décidé de tuer Porky Pig.
Modern Inventions, directed by Jack King, 1937 (Disney). Donald Duck is driven to extreme madness by a harmless robot just trying to do his job. Happy Go Nutty, directed by Tex Avery, 1945 (MGM). Screwy Squirrel’s only purpose in life was to create fast-paced, crazy and crazier gags. The Tell Tale Heart, directed by Ted Parmelle, 1953 (UPA, James Mason narrator, Oscar® nomination), is a brilliant adaptation of Edgar Allan Poe's portrait of a criminally insane killer. Malice in Wonderland, directed by Vince Collins, 1982, is a spectacular psychedelic visualization of a mind close to spiraling out of control. Beavis and Butt-head, by Mike Judge, 1993, excerpt, one of their crazier moments. Harvie Krumpet, directed by Adam Elliot, 2003, Oscar® for Best Animated Short, 2003, is a humorous, lovingly made portrait of a dysfunctional man. Life in Transition, directed by John Dilworth, 2005, is a surreal semi-autobiographical portrait of a man confronted by his demons. Over and Over (and Over) Again, animated by Salvador Maldenado, directed by Andy Glynn, 2009. The film explains what one individual’s obsessive/compulsive complex is like. The Spine, directed by Chris Landreth, 2009, is a sensitive portrait of a married couple's self-destructive, co-dependent relationship. It explores and helps us understand the couple's emotional needs and the problems that result from their behavior.
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Modern Inventions, réalisé par Jack King, 1937 (Disney). Donald Duck est poussé à la folie extrême par des robots qui s'efforcent simplement de faire son travail. Happy Go Nutty, réalisé par Tex Avery, 1945 (MGM). Le seul but dans la vie de Screwy Squirrel était de créer des gags de plus en plus rapides et fous. The Tell Tale Heart, réalisé par Ted Parmelle, 1953 (UPA, James Mason narrateur, nomination à un Oscar ®), est une brillante adaptation du portrait qu'a fait Edgar Allan Poe d'un avocat criminel aliéné. Malice in Wonderland, réalisé par Vince Collins, 1982, est une visualisation psychédélique spectaculaire d'un cerveau prêt à déraper hors de contrôle. Beavis and Butt-head, par Mike Judge, 1993, extraits, un de leurs moments les plus fous. Harvie Krumpet, réalisé par Adam Elliot, 2003, Oscar® du meilleur court métrage animé, 2003, est un portrait humoristique et admirablement brossé d'un homme dysfonctionnel. Life in Transition, réalisé par by John Dilworth, 2005, est un portrait surréel et semi autobiographique d'un homme confronté par ses démons. Over and Over (and Over) Again, animé par Salvador Maldenado, réalisé par Andy Glynn, 2009. Le film explique le complexe d'un individu obsessif/compulsif. The Spine, réalisé par Chris Landreth, 2009, est un portrait délicat de la relation autodestructrice et co-dépendante d'un couple marié. Le film explore et aide à comprendre les besoins émotionnels du couple et les problèmes qui résultent de leur comportement.
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DREAMS OF THE BLIND WATCHMAKER:
SURREALISM AND MAGIC REALISM IN CZECH ANIMATION LES RÊVES DE L'HORLOGER AVEUGLE: LE SURRÉALISME ET LE RÉALISME MAGIQUE DANS L'ANIMATION TCHÈQUE
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by | par Kaspar J. Saxena & Milada Kovacova After viewing over 260 short animated films from the Czech region, our feelings were summed up in an internet blog comment: "What the heck's in the water over there?! And will they bottle it?" As Phillipe Moins has pointed out, the uniqueness, artistic quality, and craftsmanship of Czech animation has, like Canadian animation, an internationally respected past of being a flagship country for independent animation. Despite a current period of decline due to underfunding, the Czech legacy has been influencing auteur filmmaking internationally for decades, from Tim Burton to George Dunning, Monty Python to the Brothers Quay. To this day, Czech schools such as VSUP, FAMU, and the Film School of Zlin continue to attract animation students from around the world to be immersed in Bohemian aesthetics. There are two strands of animation in which Czechs seem to be unrivalled; one, a prolific heritage of master puppetry and stop motion animation, and the other (which this program focuses on) a persistent pursuit of various types of Surrealism, Magic Realism and transformational symbolist imagery. The surreal, the magic and the wondrous seem to have arisen here, not for the sake of a meaningless or contrived weirdness, but as timeless occurrences that have evolved naturally from the cultural landscape. What are some of the sources for the sublime qualities in Czech aesthetics?
Après avoir regardé plus de 260 courts métrages animés de la Tchécoslovaquie, nos sentiments ont été résumés par ce commentaire trouvé sur un blogue de l'internet: « Qu'est-ce qu'ils mettent dans l'eau, là-bas? Et vont-ils la mettre en bouteille? » Comme l'a souligné Phillipe Moins, le caractère unique, la qualité artistique et le savoir-faire artisanal de l'animation tchèque possèdent, tout comme l'animation canadienne, le passé international respectable d'être un pays porte-drapeau pour l'animation indépendante. En dépit d'une période actuelle de déclin causée par un manque de financement, le patrimoine tchèque a influencé pendant des décennies des cinéastes auteurs tels que Tim Burton, George Dunning, Monty Python et les Brothers Quay. Jusqu'à aujourd'hui, les écoles tchèques telles que VSUP, FAMU, et la Film School of Zlin continuent d'attirer des étudiants en animation, de partout au monde, qui désirent s'immerger dans l'esthétique bohémienne. Il existe deux courants d'animation dans lesquels les Tchèques semblent sans rivaux; le premier, un héritage prolifique de maitrise de l'animation de marionnettes image par image et le second, (sur lequel porte ce programme), une poursuite persistante de différents types de surréalisme, de réalisme magique et d'imagerie de symbolisme transformationnel. Le surréel, le magique et le merveilleux semblent avoir pris naissance ici, pas au prix d'un ridicule absurde ou artificiel, mais comme des apparitions intemporelles ayant évoluées
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A quick introduction would be simply to take a stroll through the streets of Prague to read the contradictions; breathtaking Gothic cathedrals rise like fairy tales across the river from communist tenements and glittering ultra-modern shoe stores. The contrasts imply the coexistence of historical extremes, and a certain illusion of simultaneous time. Older Czech citizens are not as quick to smile or greet strangers as the younger generations. These and other painful remnants pass daily over the faces of a population still recovering economically and spiritually from the pressures of German and Russian ideological occupations. Like the buildings, Czech animated films are time machines, but these aren’t your typical Hollywood fare. Aside from their aesthetic pleasures, these films can transport time-less coded messages to the watchful student of historical sign and symbol. There are three main historical aesthetic roots that have underpinned the uniqueness of Czech Surrealist and Magic Realist animation; Czech Surrealism, Czech folklore, and Rudolfine Alchemy. Although these cultural schools are distinct, we also find many instances where we find them naturally weaving into one another. Czech Surrealism When the Czech Surrealist movement was officially founded in 1934, Czech artists already had established distinct sensibilities from the French and Spanish Surrealist schools. Pre-surrealist traditions such as High Mannerism and allegorical imagery had been developing in Bohemia since the Renaissance. Some hallmarks of contemporary Czech Surrealist animation are the inventive use of mundane everyday actions and objects, collaged into odd comparisons to evoke multiple meanings beyond surface appearances. The absurd juxtaposing of the real and everyday with a range of political, alchemical, and folkloric symbols calls up a range of sub-conscious perceptual universes and emotions, ranging from the whimsical to the psychedelic, the erotic to the historical. Often these “special effects” are achieved with little requirement for words. It is important to remember that in Surrealism animation is used as a medium of Surrealism, not the other way around. Jan Svankmajer (possibly the most renowned living Czech animator) once stated in an interview, "I never call myself an animated filmmaker because I am interested not in animation techniques or creating a complete illusion, but in bringing life to everyday objects." For the practitioner, Surrealism is not an art movement, but a philosophical ground to view the world, a belief in Surrealism as a part of reality itself. European Magic Realism Czech Magic Realism engages modern sensibilities that often have roots in popular Czech folklore, which is uniquely situated at a juncture bridging Western and Eastern European cultures. Not unusually, Czech folklore is filled with locally spun myths and legends for every situation and season, complete with requisite forest animals, mythical creatures, archetypal humans, and a wide variety of magical and transformational devices. Many folkloric devices have passed on into contemporary animation through popular art forms such as storytelling, puppet theatre, decorative arts, and other folk arts. Animation media allowed many traditional myths and legends to come “alive” as moving graphics, and stop motion puppets. The same archetypal
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naturellement à partir du paysage culturel. Quelles sont certaines de sources des qualités sublimes de l'esthétique tchèque? Une rapide introduction consisterait à simplement se promener dans les rues de Prague afin d'en lire les contradiction; des cathédrales à couper le souffle s'élancent comme des contes de fées, de l'autre côté de la rivière, en face du territoire communiste et de magasins de souliers reluisants ultramodernes. Les édifices siègent tranquillement, accaparant leurs souvenirs tels des milliers de livres d'histoires. Les contrastes impliquent la coexistence d'extrêmes historiques, et d'une certaine illusion du temps. Les plus vieux citoyens tchèques sont moins rapide que ceux de la nouvelle génération à rire ou à accueillir les étrangers. Ces derniers, ainsi que d'autres souvenirs douloureux, passent quotidiennement sur les visages d'une population qui en est encore à se remettre, économiquement et spirituellement, de la pression des occupations idéologiques allemandes et russes. Tout comme les édifices, les films animés tchèques sont des machines à remonter le temps, mais ce ne sont pas des productions typiques d'Hollywood. En plus de leurs plaisirs esthétiques, ces films peuvent transmettre des messages codés intemporels aux étudiants attentifs des signes et des symboles historiques. Trois principales racines historiques sous-tendent le caractère unique de l'animation tchèque surréaliste et réaliste magique: le surréalisme tchèque, le folklore tchèque et l'alchimie Rudolphine. Bien que ces écoles culturelles soient distinctes, nous trouvons aussi plusieurs cas où ils se trouvent naturellement intercalés les uns dans les autres. Surréalisme tchèque Il est important de se rappeler qu'en animation surréaliste, l'animation sert de médium au surréalisme plutôt que le contraire. Jan Svankmajer, (possiblement le plus renommé animateur tchèque toujours vivant aujourd'hui), a déjà déclaré au cours d'une entrevue « Je ne me qualifie jamais de cinéaste d'animation, parce que je ne m'intéresse pas aux techniques d'animation ou à la création d'illusion complète, mais plutôt à donner vie à des objets de tous les jours.» Pour le praticien,
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SOLVE ET COAGULA: SURREALISM AND MAGIC REALISM IN CZECH ANIMATION SPONSORED BY THE EMBASSY OF THE CZECH REPUBLIC, Canada
Thursday, October 21, 9:15pm (National Gallery) Friday, October 22, 5:00pm (National Gallery) Na Tu Svatbu (Kamil Jasmín: To This Marriage) [2002] Vaclav Blin | 3:03 | Digital V lese (In the Wood) [2000] Vaclava Krejciho | 6:30 | Digital Chameleon [2005] Dora Dutkova | 3:00 | Digital Moznosti Dialogu (Dimensions of Dialogue) [1982] Jan Švankmajer | 11:16 | 35 mm The Golem [1996] Jirí Barta | 6:51 | Digital Inspirace (Inspiration) [1947] Karel Zeman | 11:25 | Digital Modra Zasterka (Blue Apron) [1965] Hermina Tyrlova | 8:00 | Digital Smysly (Senses) [2006] Veronika Bakosova | 6:46 | Digital Labyrint (The Labyrinth) [2007] Zuzana Schebestova | 5:35 | Digital Plivnuti Polibkem (Spitted by Kiss) [2007] Miloš Tomic | 11:06 | Digital Carnival De Los Animales (The Carnival of Animals) [2006] Michaela Pavlatova | 12:00 | Digital
character tropes and magical devices were adapted and evolved as staple visual vocabularies in mainstream animation. Many folkloric images can trace their origins to early Pagan and other local ethnobiological sources, from the forests and landmasses, to the plants, animals, and peoples. A lesser known, but persistent ethnobotanical symbol stands out in particular: “magic” mushrooms (especially the red and white amanita muscaria) and/or anthropomorphised mushrooms (such as red and white ladybugs or fairies and dwarves with pointed brown or red hats). The use of hallucinogenic mushrooms, used in pre-Christian rituals as transformational tools, indicate the shamanic links in contemporary Magical Realist narratives. The hallucinogenic story may signal journeys and symbolic realities beyond surface appearances, to which animation media lend themselves to especially well. For example, it was not unusual in earlier Eastern European and Russian animation to see dwarves and fairies “turning back” into mushrooms and other forest plants on the forest floor at the end of the film. The mysterious European forest, alive with verdant energies of growth and transformation is still a persistent contemporary magical storytelling space for Czechs, judging by the numbers of filmmakers who are using it. Conversely, when Magic Realism appears in Czech urban spaces, it still tends to
le surréalisme n'est pas un mouvement d'art, mais un terrain philosophique qui permet de regarder le monde, une croyance au surréalisme en tant que partie de la réalité elle-même. Lorsque le mouvement surréaliste tchèque a été officiellement créé en 1934, les artiste tchèques avaient déjà établis des sensibilités distinctes entre les écoles surréalistes françaises et les écoles espagnoles. Des traditions pré surréalistes telles que le « High Mannerism » et l'imagerie allégorique s'étaient développées en Bohême depuis la Renaissance. Certains traits saillants de l'animation tchèque surréaliste moderne sont l'utilisation inventive d'actions et d'objets mondains de tous les jours, collés à de vieilles comparaisons afin d'évoquer plusieurs significations au-delà de la surface des apparences. L'absurde juxtaposition de la réalité et du quotidien à une gamme de symboles politiques, alchimiques et folkloriques appelle une gamme d'univers et d'émotions perceptuels subconscients, qui vont de la fantaisie au psychédélique, de l'érotique à l'historique. Souvent, ces « effets spéciaux » sont réalisés en ayant recours à très peu de mots. Réalisme magique européen Le réalisme magique tchécoslovaque engage les sensibilités modernes, qui trouvent souvent leurs racines dans le populaire folklore tchèque, uniquement situé à la jonction des cultures européennes et de l'ouest. Il n'est pas rare que le folklore tchèque soit rempli de mythes locaux et de légendes convenant à plusieurs situations et saisons, complets avec des animaux de la forêt, des créatures mythiques, des humains archétypes et une grande variété de dispositifs magiques et de transformations. Plusieurs dispositifs folkloriques sont passés à l'animation contemporaine par le biais de formes d'art populaires, telles que la narration d'histoires, les théâtres de marionnettes, les arts décoratifs, et d'autres formes d'art populaire. Les médias d'animation ont permis à plusieurs mythes et légendes traditionnels populaires de « prendre vie » sous forme de graphiques en mouvement et de marionnettes filmées image par image. Les mêmes demi-séries de personnages archétypiques et de dispositifs magiques ont été adaptées et ont évolué sous forme de vocabulaire visuel de base, dans l'animation de populaire. On peut retracer l'origine de plusieurs images folkloriques aux premiers Pagans, et à d'autres sources ethno biologiques, des les forêts et les masses terrestres jusqu'aux plantes, aux animaux et aux gens. Un autre symbole ethno biologique, moins connu mais persistant, ressort en particulier: les « champignons magiques » (spécialement les amanita muscarias rouges et blanches) et/ou les champignons anthropomorphisés (tels que les coccinelles rouges et blanches, ou les fées et les nains possédant des chapeaux pointus rouges ou bruns.) Le recours aux champignons hallucinogènes, utilisés dans les rituels préchrétiens en tant qu'outils de transformation, indiquent des liens shamaniques dans les récits de réalisme magique. Les histoires hallucinogènes peuvent signaler des voyages et des réalités symboliques au-delà des apparences de la surface, ce à quoi se prête particulièrement bien le média de l'animation. Par exemple, il n'était pas rare, dans l'ancienne animation de l'Europe de l'Est et de Russie, de voir des nains et des fées se « retransformer » en champignons et en d'autres plantes de la
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forêt, sur le sol, à la fin du film. La mystérieuse forêt européenne, vivante et remplie d'énergies mystérieuses de croissance et de transformation, demeure pour les Tchèques un espace contemporain persistant de contes, si l'on en juge par le nombre de cinéastes qui y ont recours. Par contre, lorsque le réalisme magique apparaît dans l'espace urbain tchèque, il tend toujours à véhiculer une présence organique mystérieuse « forestière » qui envahit, transforme et anime l'objet ou l'environnement créé par l'homme. L'animation et l'époque Rudolfine Bien qu'il soit impossible de sous-estimer l'influence de ce qui précède sur l'animation tchèque, l'époque qui a créé les fantastiques sensibilités de cette région, séparément des autres cultures, est probablement apparue pendant le règne du Saint empereur romain (autrichien) Rudolf II (1552 - 1612).
carry a similar mysterious organic “forest-like” presence that invades, transforms, and animates the man-made object/environment. Animation and the Rudolfine Era While the above influences on Czech Animation can’t be underestimated, the era that set the fantastic sensibilities of this region apart from other European cultures likely arose from the reign of the (Austrian) Holy Roman Emperor Rudolf II (1552 1612). Emperor Rudolf, famous for his melancholy and reclusiveness, shunned politics and court intrigues for the company of artists and scientists. Although his inept political life is considered by historians a disastrous failure, Rudolf’s claim to history was significant: his development of Prague as Europe’s primary cultural and scientific centre, that launched the foundation of our modern scientific world. A notable hallmark of Rudolf’s court included the unprecedented patronage and moral support of artists, scientists, and thinkers; who were given ample time, spaces, and materials to work without financial worry to pursue their ideas without political or religious censorship. From the mid 1580s, Rudolf’s court attracted the best creative minds from across Europe, as well as a good share of fraudsters and thugs. According to historian Peter Marshall the presence of charlatans as well as genuine seekers created an atmosphere where objective reality slid off into subjective fantasy, testing beliefs of the possible and the impossible, stimulating an unprecedented growth of ideas. Some notable sources of the fantastic in Czech imagery during this era would have most certainly emerged from Rudolf’s collections. They were unparalleled in their marvels and diversity. His Kunstkammer (curiosity cabinet), galleries, libraries, gardens, and exotic game areas included everything from the known universe, from art objects, to fossils, foreign trees, rare birds, crystals, costumes, amulets, coins, medals, clocks, instruments, and books on Christian and Eastern mysticism, alchemy, geography, symbolism, mythical peoples, and oddities of nature.
L'empereur Rudolf, connu pour sa mélancolie et son isolement, portait peu d'attention à la politique et aux intrigues de la cour pour s'entourer d'artistes et de scientifiques. Bien que sa vie politique inepte soit considérée comme un échec désastreux, Rudolf occupe une place importante dans l'histoire; c'est sa transformation de Prague en tant que premier centre culturel et scientifique d'Europe qui a lancé les fondations de notre monde scientifique moderne. Une marque importante de la cour de Rudolf comprend le patronage et l'appui moral sans précédents accordés aux artistes, aux scientifiques et aux penseurs, qui ont bénéficié de beaucoup de temps, d'espaces et de matériaux pour travailler sans souci financier afin de poursuivre leurs idées sans devoir se plier à la censure politique ou religieuse. À partir du milieu des années 1580, la cour de Rudolf attira les meilleurs cerveaux créateurs de partout en Europe, de même qu'une bonne part de fraudeurs et de truands. Selon l'historien Peter Marshall, la présence de charlatans et de véritables génies créa une atmosphère où la réalité objective glissa dans la fantaisie subjective, mettant à l'essai le possible aussi bien que l'impossible, stimulant une croissance sans précédent des idées. Évidemment, une telle époque devait également stimuler une variété de légendes. On prétend que Faust vivait dans une maison de la rue Melantrichova, et que le Saint Graal était entreposé dans une pièce du Château de Prague. Certaines sources importantes de fantastique, dans l'imagerie tchèque au cours de cette époque, ont certainement émergé de la collection de Rudolf. Elles étaient sans parallèle au niveau de leur caractère merveilleux et de leur diversité. Son Kunstkammer (cabinet de curiosités), ses galeries, ses bibliothèques, ses jardins, et son aire de jeux exotiques comprenait de tout provenant de l'univers connu; aussi bien des objets d'art, des fossiles, des arbres étrangers, des oiseaux rares, du cristal, des costumes, des amulettes, des pièces de monnaie, des médailles, des horloges et des instruments que des livres sur le mysticisme chrétien et oriental, l'alchimie, la géographie, le symbolisme, les personnages mythiques et les curiosités de la nature. Ces objets étaient souvent placés en formant des juxtapositions bizarres, qui pourraient sembler absurdes aujourd'hui. L'atmosphère créée en était une de stimulation et de mystère. Comme cette époque a précédé « l'ère
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scientifique », et que plusieurs objets provenaient de terres éloignées, les catégories de classification scientifique avaient à peine débutées et n'étaient pas encore fixées. Les frontières entre le monde des animaux, des humains, et des minéraux demeuraient fluides. Naturellement, cela devait produire une terre fertile pour la croissance d'une culture surréelle et magique, regroupant les concepts de la transmigration, de la génération spontanée et de la métamorphose.
These objects would have often been placed into odd juxtapositions, that might be considered absurd today. Since this era came before the “scientific age,” and many objects came from faraway lands, the scientific categories of classification had barely begun and were not yet fixed. Boundaries between the animal, human, plant, and mineral worlds were fluid. Naturally, this would have created the grounds for a Surreal and Magical visual culture involving concepts of transmigration, spontaneous generation, and metamorphosis. There were few rigid distinctions between the arts, sciences, and theology of the time. One of Rudolf’s main goals was to seek beyond surface appearances, and look for the underlying unities and meanings of things. The influences of Neoplatonism emerged in the visual culture, as the particularities of “things” in the natural universe were represented through languages of emblems, symbols, characters, alphabets, and mathematical truths. With “no gap between things, thoughts and signs”, the world was considered to be the writings of God, anticipating interpretation by artist, scientist, and philosopher alike. Alchemical imagery influenced a number of allegorical and hybrid imaging practices. The layering or nesting of arcane meanings into images and diagrams was highly valued, as classified or precious knowledge was only made available to “initiates”. Guiseppe Archimboldo was probably the best example of the high Mannerist painters emerging from this era. His aspiration was “to disclose subtly the external appearance of nature in order to reveal the inner essence.” His work advanced a vocabulary advanced an artistic language of Physiognomy (the use of facial and physical features to indicate character and temperament) which has influenced character design throughout the history of animation. The metaphysical philosophy of Alchemy (from the coptic word Al-Kemia, meaning Black Land) arrived in Europe with the Arabs as a fragmented tradition, originating from an ancient tradition of African smelter-priests. Alchemy attracted many bright and influential adherents, Christian, Jew, and Pagan alike. The legendary ambition of the “transmutation of base metals into gold” was actually intended more as an allegory or outward sign of inner enlightenment. A core goal of Alchemy was not just the understanding and transformation of matter, but the infusion of “spirit into the material”.
À l'époque, il existait peu de distinction rigide entre les arts, les sciences et la théologie. Un des principaux objectifs de Rudolf était de regarder au-delà des apparences de surface, et de chercher les unités sous-jacentes et l'explication des choses. L'influence du néoplatonisme émerge de la culture visuelle, et les particularités des « choses », dans l'univers naturel, étaient représentées par le langage des emblèmes, des symboles, des lettres, des alphabets et des vérités mathématiques. Sans « aucune lacune entre les choses, les pensées et les signes, » le monde était considéré comme l'écrit de Dieu, anticipant son interprétation par les artistes, les scientistes et les philosophes. L'imagerie de l'alchimie a influencé bon nombre de pratiques d'illustrations allégoriques et hybrides. La superposition ou l'imbrication de significations mystérieuses dans les images et les digrammes revêtait une grande importance, car ce savoir classé ou précieux n'était communiqué qu'aux initiés. Guiseppe Archimboldo a probablement été le meilleur exemple de peintre maniériste de cette époque. Il aspirait à « révéler l'apparence extérieure de la nature, afin d'en révéler l'essence intérieure.» Son travail a permis de développer un vocabulaire basé sur la langue artistique physionomique (le recours aux caractéristiques physiques et du visage pour révéler le caractère et le tempérament), qui a influencé la création de personnages tout au long de l'histoire de l'animation. La philosophie métaphysique de l'alchimie (du mot copte Al-Kemia, qui signifie Terre Noire) est arrivée en Europe avec les Arabes en tant que tradition fragmentée, qui trouve ses origines dans une ancienne tradition des prêtres africains. L'alchimie a attiré de nombreux adhérents brillants et influents, aussi bien Chrétiens et Juifs que Pagans. La légendaire ambition de « transmuter les métaux de base en or » était en fait une allégorie, le signe extérieur d'un esprit éclairé. Un objectif de base de l'alchimie était non seulement de comprendre et de transformer la matière, mais d'infuser « un esprit dans le matériel ». Il n'est pas surprenant que des légendes telles que Le Golem aient pris naissance à Prague au cours de cette époque. Le chef rabbin Loew a créé un « Golem » (provenant dans ce cas de la tradition cabaliste et non alchimiste) afin de protéger la communauté juive à l'aide de boue de la rivière Vltava, leur donnant vie en plaçant un shemhamforash (parchemin inscrit de l'un des noms de Dieu) sous sa langue. Il est également peu surprenant que la pixilation de l'argile (en particulier dans les films de Jan Svankmajer), et d'autres matériaux et objets simples soit devenu tellement prédominant dans le vocabulaire de l'animation tchèque. On pratiquait également l'utilisation magique de diagrammes, de symboles et de nombres, ces croyances n'étaient pas nécessairement démoniaques, mais représentaient dans
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plusieurs cas d'authentiques tentatives pour manipuler les mécaniques cachées de l'univers afin d'obtenir des résultats désirés ou prévisibles, un peu de la même façon dont on se sert aujourd'hui de la technologie. En regard de ces normes, notre média moderne d'animation, qui se sert également beaucoup de combinaisons spécifiques de diagrammes, de symboles et de nombres, se classerait lui aussi dans cette catégorie de magie.
It isn’t surprising that legends such as The Golem would flourish during this era. Chief Rabbi Loew created a “Golem” (in this case from the Quabbalist, not Alchemist tradition) to protect the Jewish community with mud from the Vltava river, giving it life by placing a shemhamforash (parchment inscribed with one of the names of God) under its tongue. It is also not surprising that pixilation of clay (in particular, the films of Jan Svankmajer) and other simple everyday materials and objects would become such a prominent part of the Czech animation vocabulary. The magical uses of diagrams, symbols, and numbers were also practiced. According to Peter Marshall, these beliefs were not necessarily demonic, but were in many cases genuine attempts to manipulate the hidden mechanics of the world for desired or predictable outcomes - much the same way that technology is used today. By these standards, our modern animation media, which also make extensive use of specific combinations of diagrams, symbols, and numbers would very much fall into this category of magic. Emperor Rudolf’s fascination with artificial motion, clockworks, and mechanical “instruments with hidden properties” was to set many ideas in motion. Even machines that were clearly hoaxes, such as a bell that “could call up the dead”, or a magic mirror that could reveal the viewer’s “greatest desires” were significant because the concepts they presented predicted future imaging technologies to come. As the Magus who interpreted God’s creations became replaced by the hard logic of the Scientist and the Blind Watchmaker,
La fascination de l'empereur Rudolf pour le mouvement artificiel, pour l'horlogerie et pour les « instruments mécaniques possédant des propriétés cachées » visait à mettre plusieurs idées en mouvement. Même des machines qui étaient clairement des mystifications, comme une cloche pouvant « appeler les morts », ou un miroir magique pouvant révéler les « plus ardent désirs » de celui qui s'y réfléchit, étaient importantes parce que les rêves qu'elles suscitaient étaient précurseurs des technologies d'imageries à venir. À mesure que le Magus qui interprétait les créations de Dieu fut remplacé par la froide logique du scientifique et par l'Horloger aveugle, l'ère scientifique avait retenu (peut-être inconsciemment) son rêve abandonné d'une vie magique grâce à l'invention de ces nouvelles technologies. Bien que le média de l'animation ait été inventé dans d'autres pays, on peut soutenir que la Prague de Rudolfine a été le lieu de naissance spirituel du média de l'animation. Les technologies d'animation ont véritablement été créées à partir des rêves d'une tradition de la renaissance; un mariage de la science et des arts, la visualisation de « l'esprit dans la matière », ou « l'illusion de la vie » par une alchimie des médias mécaniques (horlogerie aux propriétés cachées) et numériques (lettres et nombres représentant toutes les formes possibles), l'utilisation commune d'un langage visuel de symboles révélant « l'essence interne cachée, » ainsi que la démonstration de la transformation visuelle et de la transmutation. L'animation tchèque et le Monde Lorsque le média de l'animation est parvenu à ce qui est aujourd'hui la République tchèque, plusieurs artistes ont été attirés par ses possibilités. Pour ceux qui s'intéressaient au surréalisme et au réalisme magique, c'était un véritable retour à la maison! L'animation tchèque s'est développée avec une aide généreuse de l'état pendant l'époque communiste. Le surréalisme et le réalisme magique étaient des genres appuyés, à condition que
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the scientific era has retained (perhaps unconsciously) its discarded magical dream life through the invention of imaging technologies. Although animation media were invented elsewhere, a case can be made for Rudolfine's Prague as the spiritual birthplace of animation media. Animation media are technologies truly created on the dreams of a Renaissance tradition; a marriage of science and the arts, the visualization of “spirit within matter” or “illusion of life” through an alchemy of mechanical (clockworks with hidden properties) and digital media (letters/ numbers representing any possible form). They commonly use a visual language of symbols designed to reveal the “hidden inner essences” and demonstration of visual transformation and transmutation. Czech Animation and the World When animation media arrived in the now Czech Republic, many artists were attracted by the possibilities. For those interested in Surrealism, and Magic Realism, it was like birds coming home to roost. Czech animation flourished with generous state funding during the Communist era. Surrealism and Magic Realism were supported genres, provided the films followed state approved themes. This censoring led many artists, Surrealists in particular, to create subversive narratives by reinventing arcane Renaissance symbolisms to make their statements. Some were more directly censored. Jan Svankmajer was prevented from making films for eight years after exposing some unflattering views of Czech life under Soviet Communism. Not surprisingly, many Czech animators earned international reputations for their inventive craftsmanship and artistry. Jiri Trnka, Hermina Tyrlova, Karel Zeman and Vlasta Pospisilova were amongst the pioneers and a new generation, Bretislav Pojar, Jan and Eva Svankmajer, Jiri Barta, and Michaela Pavlatova, are amongst their successors on the international stage. Presently, the problems faced by Czech animators after the Velvet Revolution are more dire. Censorship of the dollar has dealt a crueler blow than censorship of the state. State funding for artistic projects has mostly disappeared. Although some commercial investments come in from the US and Germany, there is little sustainability to create indigenous creative projects at home. Many highly skilled animators have been forced to leave the field, and many promising projects such as Jiri Barta’s The Golem have remained on the shelf.
les films se conforment à des thèmes approuvés par l'état. Cette censure mena plusieurs artistes, en particulier les surréalistes, à créer des narratifs subversifs en ayant recours à l'ancien symbolisme de la Renaissance pour faire passer leurs messages. Jan Svankmajer a été empêché de faire des films pendant huit ans après avoir exposé des idées peu flatteuses de la vie sous un régime communiste. Il n'est pas surprenant que plusieurs animateurs tchèques se soient mérité des réputations internationales pour leur habileté et leurs arts novateurs. Jiri Trnka, Hermina Tyrlova, Karel Zeman, Vlasta Pospisilova sont parmi les pionniers, et les artistes de la nouvelle génération, Bretislav Pojar, Jan et Eva Svankmajer, Jiri Barta, et Michaela Pavlatova sont parmi leurs successeurs. En ce moment, les problèmes auxquels font face les animateurs tchèques après la « révolution de velours» sont plus graves. La censure du dollar est devenue une forme de censure plus difficile à supporter que celle de l'état. Le financement de l'état pour des projets artistique a pratiquement disparu, et même si certains investissements commerciaux proviennent des É.-U. et d'Allemagne, il est très peu rentable de créer des projets au pays. Plusieurs animateurs de talent ont été forcés de quitter ce domaine, et plusieurs projets prometteurs tels que The Golem, de Jiri Barta, sont demeurés sur les tablettes. Les écoles d'arts tchèques, qui offrent des instructeurs de calibre mondial, sont depuis devenues les nouveaux pôles créatifs de l'animation basée sur l'art. Pour les nouvelles générations, il existe très peu d'appuis pour les élèves après avoir quitté l'environnement scolaire. La République tchèque possède un groupe de plus en plus âgé de ce qui est probablement le groupe d'animateurs de marionnettes image par image les plus doués au monde; malheureusement, ces compétences vitales sont de moins en moins transmises puisque peu de gens y voient un moyen de gagner leur vie. Alors que le temps progresse, la destinée du précieux héritage de l'animation tchèque pèse dans la balance. Toutefois, une chose demeure certaine: cet héritage n'est pas seulement précieux pour les Tchèques, et les communautés de l'animation, partout dans le monde, lui doivent plus qu'une ronde polie d'applaudissements. Les animateurs de partout au monde devraient conserver sur leurs murs un portrait de ce triste monarque, l'Empereur Rudolph...
Czech art schools, which offer world class instructors, have since become the new creative hubs for art-based animation. For the new generations, there is little support for students after they leave the school environment. The Czech Republic has an aging group of probably the most skilled stop motion puppet animators in the world, yet sadly, these vital skills are passed on less and less as puppets are no longer seen as a way to make a living. As time marches on, the fate of the valuable Czech animation legacy hangs in the balance. One thing remains clear, this legacy is not just of value to the Czech people, and the animation community worldwide owes to it far more than a polite round of applause. Animators around the world should be keeping an image of that sad monarch, Emperor Rudolf, on their walls...
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FOUNDATION OF SUCCESS: BRAVO!FACT AT 15! UN SUCCÈS SUR DE SOLIDES FONDATIONS : BRAVO!FACT SOUFFLE QUINZE BOUGIES by | par Michael Fukushima Ask most filmmakers around the world about short animation in Canada and it’s pretty certain they’ll answer “the NFB” immediately or in the next beat. Ask those same people to think of private-sector broadcasters supporting short films and they’ll probably scratch their heads and think about it for a while. They might then scuttle away muttering under their breath about “damned surveys” or throwing a “hairy eyeball” your way. But, ask a Canadian producer or filmmaker who’s been making short films the past fifteen years, and they’re quite likely to respond to both questions quickly and with the same answer: Bravo!FACT. “Bravo who?” you might ask, in this their 15th anniversary year. From their web site (www.bravofact.com): CTV Television’s Bravo!FACT (Foundation to Assist Canadian Talent) has distributed tens of millions of dollars in grants for the production of thousands of shorts across Canada. Short films and videos produced with Bravo!FACT grants have been honoured with awards and screenings at festivals including the Cannes Film Festival, Toronto International Film Festival, Sundance, the Canadian Film Centre’s Worldwide Short Film Festival, and other prestigious festivals in New York, Japan, Argentina, Italy and throughout the world; most recently during the Victory Ceremonies at the 2010 Olympics and in the Canada Pavilion at Expo 2010 in Shanghai. The shorts cover a range of subject matter and styles. Sand animation to opera; modern dance to short dramas - the variety is as endless as the creative talent in Canada. Of course, that’s just the corporate bumpf. There are several important nuggets buried in those lines. CTV Television is part of Canada’s largest private-sector broadcaster. That’s important
Si l'on abordait le sujet des courts métrages d'animation avec les cinéastes de par le monde, il y a fort à parier que l'ONF est la première chose qui leur viendrait à l'esprit. Par contre, si on demandait à ces mêmes individus d'identifier un des télédiffuseurs privés accordant leur soutien à ce genre de film, leur réponse ne serait sans doute pas aussi spontanée. On risquerait plutôt de les voir grommeler à propos de ces « foutus sondages » ou encore vous lancer un regard incrédule. Or, si l'on interrogeait un producteur ou cinéaste canadien à savoir qui réalise des courts métrages depuis les quinze dernières années, la réponse serait sans doute sans équivoque: Bravo!FACT. « Bravo qui? », diriez-vous, interloqué, alors que l'entité souligne cette année son quinzième anniversaire. Voici un bref aperçu tiré de leur site Web (www.bravofact.com) : Bravo!FACT (Foundation to Assist Canadian Talent), issu du réseau CTV Television, a consacré des dizaines de millions de dollars à la production de milliers de courts métrages partout au Canada. Les courts métrages et vidéos produits grâce aux subventions provenant de Bravo!FACT ont remporté plusieurs honneurs et été présentés lors de divers festivals, dont le Festival de Cannes, le Toronto International Film Festival, Sundance, le Worldwide Short Film Festival du Canadian Film Centre, ainsi que d'autres prestigieux festivals à New York, au Japon, en Argentine, en Italie et ailleurs dans le monde. Plus récemment, ces oeuvres ont été mises à l'honneur lors des Cérémonies de la victoire aux Jeux olympiques d'hiver 2010, ainsi qu'au pavillon canadien de l'Expo 2010 à Shanghai. Les courts métrages couvrent une panoplie de
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OPEN YOUR EYES! GET READY FOR METRO PHOTO CHALLENGE 2010!
ENTER YOUR PHOTOS OCTOBER 11 - NOVEMBER 12
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UNDER THE SUN: BRAVO!FACT AT 15 Thursday, October 21, 9:15pm (Arts Court Theatre) Friday, October 22, 7:00pm (Arts Court Theatre) I Have Seen the Future [2007] Cam Christiansen | 5:18 | Alberta | Digibeta The Stone of Folly [2001] Jesse Rosensweet | 6:00 | Ontario | Digibeta Skylight [2008] David Baas | 3:29 | Ontario | Digibeta The Facts in the Case of Mr Hollow [2007] Rodrigo Gudiño | 4:30 | Ontario | Digibeta Cattle Call [2008] Mike Maryniuk, Matthew Rankin | 3:00 | Manitoba | Digibeta The Art of Seduction: Sou [2006] Theodore Ushev | 2:25 | Quebec | Digibeta The Art of Seduction: M.O.O.D [2006] Ann Marie Fleming | 2:15 | British Columbia | Digibeta Throw it on a Fire [2006] Myron Campbell | 5:05 | Alberta | Digibeta Spare Change [2009] Laurie Gordon, Ryan Larkin | 5:56 | Quebec | Digibeta Garbage Angels [2008] Pierre M Trudeau | 4:54 | Quebec | Digibeta 5 Hole: Tales of Hockey Erotica [2009] Cam Christiansen | 4:33 | Alberta | Digibeta Tokyo/Glow [2010] Jonathan Bensimon | 1:50 | Ontario | Digibeta Fall Apart Again [2007] Jonathan Bensimon | 3:10 | Ontario | Digibeta Paradise [2006] Jesse Rosensweet | 6:00 | British Columbia | Digibeta Spring Rounds [1999] Aaron Woodley | 3:16 | Ontario | Digibeta Flutter [2006] Howie Shia | 6:00 | Ontario | Digibeta I Met the Walrus [2007] Josh Raskin | 5:10 | Ontario | Digibeta Basin Street Blues [2002] Monkmus | 3:23 | Quebec | Digibeta
because it’s not a public broadcaster with explicit sociocultural mandates. Bravo!FACT is a foundation entirely financed by that broadcaster, with a focus on talent. That’s also important because it’s investment in the future. Bravo!FACT has funded over 1400 short films in their fifteen years, making them Canada’s largest funder of short films, bar none. And they’re only interested in short films. Those commitments and that reach is almost unheard of anymore! Now, I’m biased because I love short films. Not surprising given my day job. And as part of loving short films and being an NFB producer, I can’t help but be a huge fan of anyone or any other organization that clearly loves and champions short films. There aren’t that many, to be honest. We all know that short films are
sujets et de styles, du sable animé à l'opéra, en passant par la danse moderne et les dramatiques — la variété n'a d'égal que le talent créatif canadien. Bien sûr, il ne s'agit ici que d'un sommaire enthousiaste pondu par l'entreprise. Toutefois, lorsqu'on s'y attarde, on peu constater dans ces quelques lignes des détails fort révélateurs. D'abord, le réseau CTV Television fait partie intégrante du plus important télédiffuseur canadien privé. La distinction est importante, puisqu'on ne parle pas ici d'un télédiffuseur public au mandat socioculturel clairement défini. Bravo!FACT s'avère une fondation entièrement financée par ce télédiffuseur privé, qui se consacre avant tout à mettre en valeur le talent. Cet élément revêt aussi une grande importance, puisqu'il s'agit essentiellement d'investir dans l'avenir. Bravo!FACT a financé plus de 1 400 courts métrages au cours de ses quinze ans d'existence, ce qui en fait sans équivoque le plus important bailleur de fonds canadien dans le domaine des courts métrages. Un engagement et une portée d'une telle envergure ne se constatent à peu près plus de nos jours. Certes, je dois avouer que je suis quelque peu biaisé. Je n'y peux rien, j'adore les courts métrages. Ce qui n'est certes surprenant, compte tenu de mon choix de carrière. Aussi, à titre d'amoureux de courts métrages et de producteur à l'ONF, je deviens invariablement un grand admirateur de toute personne ou organisme qui partage cette passion et qui encourage la production de courts métrages. Et pour être bien franc, leur nombre est plutôt limité. Nous savons tous que les courts métrages sont souvent perçus comme n'étant qu'une étape à franchir avant d'atteindre l'univers plus « sérieux » et « prestigieux » du long métrage, et ce, tant du côté des cinéastes que des bailleurs de fonds. Or, en ce qui me concerne, les courts métrages représentent ce que décrit si bien Edwin Carels (tel que souligné aussi par Clare Kitson) : Ils sont condensés et compacts comme une prière, ou abstraits et ouverts telle la méditation. Ils ne sont pas conçus en fonction d'un auditoire particulier, mais sont plutôt le fruit d'une foi nourrie par la passion, et d'un dialogue entre l'artiste et le moyen d'expression. Judy Gladstone, directrice générale de Bravo!FACT, ne définirait sans doute pas les courts métrages de façon aussi poétique (elle est un peu plus pragmatique que je le suis, disons). Par contre, elle et son équipe des plus efficaces sont clairement dévouées aux courts métrages, passionnées par les arts et l'art du court en particulier, et engagées envers les artistes et les producteurs. Certes, Bravo!FACT et l'ONF diffèrent sur plusieurs aspects; cependant, on constate suffisamment de points communs au niveau de la passion et de l'engagement pour assurer que nos diverses collaborations résultent en une grande compatibilité sur le plan créatif. En plus d'avoir pratiquement créé cet organisme dont le volume de productions surpasse désormais celui d'un joueur comme l'ONF, Judy (qui dirige Bravo!FACT depuis sa troisième année d'existence) jouit avec Bravo!FACT d'un atout des plus redoutables : la télédiffusion régulière à l'échelle nationale dans des millions de foyers partout au pays. Au cours des quinze dernières années, les films issus de Bravo!FACT ont été vus et appréciés par plus d'amoureux des arts et des courts métrages que je n'aurais osé l'imaginer à l'ONF. Bien entendu, tous les films n'ont pas nécessairement connu le
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too often seen as mere stepping stones to “serious” and “glamorous” feature filmmaking, for filmmakers and for funders. But short films are for me as described by Edwin Carels (and pointed to by Clare Kitson): They are condensed and compact like a prayer, or abstract and open like a meditation. They were not made with a certain audience in mind, but are the result of a passionate belief, an interior dialogue between the artist and the medium. Judy Gladstone, the executive director of Bravo!FACT, might not describe the films quite like that (she’s a bit more pragmatic than me), but she and her small, efficient team are dedicated to short films, passionate about the arts and this particular art form, and are committed to the artists and producers. There are a number of clear differences between Bravo!FACT and the NFB, but there are enough similarities in the above aims that the several times we’ve collaborated have been a pleasant creative fit. In addition to essentially creating (Judy’s been at the helm for all but the first two years) this organization that now outperforms even the NFB in terms of sheer output, Judy and Bravo!FACT have a “killer app” ace-in-the-hole: regular, nationally televised broadcasts into millions of homes across Canada. Bravo!FACT films in the past fifteen years have been seen by more lovers of art and short films than my wildest NFB fantasies could ever imagine. Sure they have hits and misses, but we all play the odds when programming films, trusting experienced instinct and faith in potential. NFB films fall flat just as often as they hit the stratosphere. And in the end, that’s really what it’s all about. Trying different things. Being seen. Changing perceptions. Affecting audiences. Bravo!FACT funds all kinds of short films, and animation is a mere subsection of their vast catalogue. I wish this retrospective was more than just animation, because some of their dance films are astonishingly transformative (Danse Macabre and Pretty Big Dig), their comedies utterly hilarious (120 Seconds To Get Elected), and yes, even a few of the dramas quite riveting. The music videos they fund definitely tend towards arty and experimental, and every single film is under six minutes, which is brilliant, given my atrophied attention span. So, strap yourselves in. Judy and I have pulled together a dozen and a half of our personal favourites from Bravo!FACT’s diverse animation collection. There’s dark and cynical stop-motion from Jesse Rosensweet in both The Stone of Folly and Paradise, counterpointed with the end of lifetime hopefulness of Spare Change, Ryan Larkin’s final film (co-created with Laurie Gordon), and Aaron Woodley’s Spring Rounds. Western Canada is artfully re-imagined by Cam Christiansen (I Have Seen the Future and 5 Hole) and Mike Maryniuk and Matthew Rankin’s Cattle Call. There are experiments in mobile phone cinema by Theodore Ushev (Sou) and Ann Marie Fleming (M.O.O.D), traditional humour-driven animation in Skylight (David Baas) and Garbage Angels (Pierre M Trudeau), and slightly mad and macabre pixelpushing in Myron Campbell’s Throw It On a Fire and The Facts in the Case of Mr. Hollow, by Rodrigo Gudiño and Vincent Marcone. Rounding out the programme are two modern-day pixilation whimsies by Jonathan Bensimon (Tokyo/Glow and Fall Apart Again), and my three most favourite (ever!) Bravo!FACT animation shorts: the mesmerizing ink drawings of Howie Shia’s Flutter, Monkmus’s magical interpretation of Kid Koala’s Basin Street Blues elegy, and Josh Raskin’s Oscar® nominated masterpiece, I Met The Walrus.
même succès, mais la programmation de films est aussi une question de hasard et d'un heureux (ou malheureux) mélange entre l'expérience, l'instinct et la foi. Même du côté de l'ONF, les courts métrages peuvent autant atteindre les plus hauts sommets que susciter l'indifférence totale. Et c'est ce qui compte le plus. Essayer de nouvelles choses. Être vus. Changer les perceptions. Et avoir un impact sur les auditoires. Bravo!FACT finance des courts métrages de tous genres, et l'animation ne compte que pour une partie de leur vaste catalogue. J'aurais d'ailleurs souhaité que cette rétrospective ne porte pas uniquement sur le secteur de l'animation, car certains de leurs films sur la danse sont tout simplement renversants (Danse Macabre et Pretty Big Dig), certaines de leurs comédies hilarantes (120 Seconds To Get Elected) et, oui, même certains de leurs drames sont résolument captivants. Quant aux vidéoclips financés par Bravo!FACT, ces derniers tendent définitivement vers l'expérimental. Aussi, tous les films sans exception ont une durée de moins de six minutes, chose que je trouve tout à fait géniale, compte tenu de ma capacité d'attention relativement limitée. Alors, attachez bien votre ceinture. Judy et moi avons assemblé une quinzaine d'oeuvres comptant parmi nos préférées, puisées à même la collection des plus variées de films animés chez Bravo!FACT. On y retrouve notamment les réalisations à la fois sombres et cyniques en animation image par image de Jesse Rosensweet, soit The Stone of Folly et Paradise. À l'autre extrémité émotive se trouvent l'espoir en fin de vie dépeint dans Spare Change, le dernier film réalisé par Ryan Larkin (en collaboration avec Laurie Gordon), ainsi que Spring Rounds de Aaron Woodley. Cam Christiansen réinvente l'Ouest canadien de façon originale dans I Have Seen the Future et 5 Hole, et Mike Maryniuk et Matthew Rankin font de même avec Cattle Call. On compte aussi des films expérimentaux conçus pour les téléphones mobiles, soit Sou de Theodore Ushev et M.O.O.D. de Ann Marie Fleming; des comédies animées plus traditionnelles comme Skylight de David Baas et Garbage Angels de Pierre M. Trudeau; ainsi que les folies macabres toutes en pixels Throw It On a Fire de Myron Campbell et The Facts in the Case of Mr. Hollow de Rodrigo Gudiño et Vincent Marcone. La programmation est complétée par deux fantaisies modernes pixellisées et réalisées par Jonathan Bensimon, soit Tokyo/Glow et Fall Apart Again, et mes trois courts métrages d'animation de Bravo!FACT préférés à vie : les dessins à l'encre hypnotiques conçus par Howie Shia dans Flutter; l'interprétation magique que fait Monkmus de l'élégie de Kid Koala dans Basin Street Blues; et enfin le chef-d'œuvre de Josh Raskin I Met The Walrus, qui a obtenu une nomination aux Oscars®.
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CHEAP SKATES: WINNIPEG OUTSIDER ANIMATION SYSTÈME D: L'ANIMATION À RABAIS DE WINNIPEG by | par Michael Maryniuk This program focuses on Winnipeg’s overlooked animators, those who chose to improvise and create animation on the cheap rather than get left behind. Defiantly DIY, these artists are armed with pencils sharpened by butter knife, lights borrowed from a friend's grow-op, Hilroy-style lined paper and grandmother's bifocals for the detailed work. The jiggly lines in these films are not for aesthetic purpose, but because the artists have spent the utility money on filmmaking supplies and, as a result, have had their heat cut off during Winnipeg’s legendary winters. However, living in a city with stores such as "Everyday Garage Sale", "Ye Olde Clip Joint", "Discount Everything" and "Chainsaws" how could you ever run low on ideas, artistic inspiration or the tools and props to carry them out? After assembling the program it became clear that most filmmakers were on some sort of vision quest exploring the psychedelic prairie traditions of Dr. Osmond in neighbouring Saskatchewan or perhaps, the victims of multiple trips to Purple City, a Winnipeg rite-of-passage that each local youth is required to experience. Purple City is essentially the act of staring for one full minute, into the bright lights that illuminate the Manitoba legislative building. The outcome is a throbbing, distorted purple visualization. The ceremony is completed by looking up to the summit of the building and gazing at the Manitoban adolescent idol, “the Golden Boy”. With roasted retinas, the image of the naked, wheat-sheath-holding golden boy is branded into their eyesight for eternity, creating some sort of Peter-Pan-vision or terminal teen-eye syndrome. Experiencing Purple City is essentially experiencing life as a DIY animator in Winnipeg. Long hours staring into a light table with dentist tool in hand, scratching images into a minuscule 16mm frame over and over again. Days on end labouring at an overhead projector in preparation for a projection performance. Weeks
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Ce programme est consacré aux animateurs négligés de Winnipeg, ceux qui optent pour l'improvisation et l'animation à rabais afin de ne pas demeurer dans l'oubli. Adeptes du faites-le-vous-mêmes, ces artistes sont armés de crayons aiguisés à l'aide d'un couteau à beurre, de lampes empruntées d'un ami, de feuilles lignées de type Hilroy et des lunettes à double foyer de leur grand-mère (pour le travail plus détaillé). Les lignes vacillantes que l'on constate dans leurs films ne sont pas le résultat d'une volonté esthétique intentionnelle. Elles s'expliquent plutôt par le fait que ces animateurs ont consacré leur maigre budget à l'achat de matériel pour faire leurs films, plutôt qu'aux services publics. Résultat : pas de chauffage durant les légendaires hivers à Winnipeg... D'un autre côté, lorsqu'on habite une ville où l'on trouve des magasins tels que Everyday Garage Sale, Ye Olde Clip Joint, Discount Everything et Chainsaws, difficile de manquer d'idées, d'inspiration artistique ou des outils et accessoires requis pour les mettre en œuvre. En élaborant le programme, il est devenu évident que la plupart des cinéastes étaient en quête d'une vision. Peut-être examinaient-ils les traditions psychédéliques du Dr Osmond en Saskatchewan. Ou peut-être encore étaient-ils victimes de leurs nombreux périples à Purple City, un rite de passage propre à Winnipeg que tout jeune se doit de traverser. Purple City consiste essentiellement à fixer pendant une longue minute les vives lumières qui illuminent l'édifice législatif du Manitoba. Résultat : pendant un certain temps, on est plongé dans un univers mauve et déformé. Et puis on termine la cérémonie en observant, au sommet de l'immeuble, notre idole d'adolescence manitobaine « Golden Boy ». Ainsi, ce « garçon doré » nu, qui tient entre ses mains un sac de blé, s'imprime dans nos rétines brûlées pour l'éternité, une espèce de vision de Peter Pan ou encore un syndrome de l'éternel adolescent.
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WINNIPEG DIY ANIMATION: IMPROVISED ART EXPLOSIONS OR CHEAP SKATES Friday, October 22, 9:15pm (National Gallery) Sunday, October 24, 5:00pm (National Gallery) 5 cents a Copy [1980] Ed Ackerman and Greg Zbitnew | 2:30 | Digital Sun Moon Stars Rain [2009] Leslie Supnet | 3:30 | Digital Daydream [1980] Alan Pakarnyk | 2:30 | Digital A bit Transcendental [2000] Patrick Lowe | 5:00 | Digital Space Diamond [2010] Myles Langlois | 4:00 | Digital Love Means Never Asking You to Shave Your Legs [1996] Paul Ulrich | 2:57 | Digital Hoe Down [1977] John Paizs | 2:10 | Digital A Miracle [2003] Daniel Barrow | 2:52 | Digital Automoto [2007] Neil and Cathy McInnis | 5:00 | Digital Courtship [2008] Alison Davis | 1:00 | Digital Kitchen Hockey [2007] Kevin Nikkel | 1:30 | Digital Untold Romance of PB&J [2007] Nathan Boey | 5:10 | Digital Extra Terrestrials Gone Wild [2010] Myles Langlois | 1:48 | Digital Apollo Gauntlet (Episode 1) [2009] Myles Langlois | 9:08 | Digital Hey Kids! [1990] Alethea Lahofer | 2:00 | Digital Hang In There [2009] Leslie Supnet | 3:19 | Digital Trafiiiiik [2007] Robert Pasternak | 1:30 | Digital The Death of Natural Language [2007] Clint Enns | 2:54 | Digital Two Taa Too [1992] Ed Ackerman | 5:00 | 35mm Artist Statement [2006] Daniel Barrow | 5:20 | Digital I Dream of Driftwood [2007] Matthew Rankin | 3:00 | Digital
spent editing and rotoscoping with a computer on your lap, slowly radiating your reproductive organs. Months at an overly-lit animation stand, oblivious to the outside world. Purple City and DIY animation both offer a way to see life in Winnipeg in a different light, a fresh, childlike, and frequently bizarre perspective on the otherwise bland place its artists inhabit, even if they are scarred for life as a result.
Or, vivre l'expérience Purple City, c'est essentiellement découvrir ce que vit un animateur du type faites-le-vous-même à Winnipeg. De longues heures consacrées à fixer une table lumineuse, accessoires de dentistes en main, à gratter sans arrêt des images dans de minuscules vignettes 16 mm. Se consacrer jour après jour à préparer une projection à l'aide d'un rétroprojecteur. Des semaines de montage et de rotoscopie à l'aide d'un ordinateur portable sur les genoux, qui irradie lentement mais sûrement vos organes reproductifs. Des mois assis à un banc d'animation trop éclairé, totalement isolé du monde extérieur. Tant Purple City que l'animation de type faites-le-vous-même permettent de voir la vie à Winnipeg sous un angle différent, un regard d'enfant, nouveau et bizarre à la fois, sur l'endroit habituellement terne où l'on habite — et ce, même si le processus laisse de profondes cicatrices. En 1979, le Winnipeg Film Group a opté pour l'acquisition d'un photocopieur plutôt que d'équipement cinématographique. Outrés, Ed Ackerman et Greg Zbitnew se sont portés volontaires pour tester/subtiliser la machine afin de voir si elle pouvait résister aux rigoureuses conditions propres à Winnipeg. Il en a résulté le film 5 Cents a Copy et un photocopieur Xerox imbibé de bière que l'on a dû mettre au rancart (façon Old Yeller). Suite au succès qu'a connu son oeuvre précédente, Ed a fait équipe avec Colin Morton pour réaliser un hommage animé à la poésie dadaïste de Kurt Schwitters, intitulé Primiti Too Taa, véritable tour de force dactylographié. Too Taa Two pourrait être considéré comme étant la version obsessive du réalisateur, une espèce de « Turducken » cinématographique (soit un poulet fourré dans un canard puis dans une dinde, et servi lors d'une célébration). Ed a méticuleusement inséré, image par image, une version 16 mm du film dans un format 35 mm, puis dans un format Imax 70 mm. Des animateurs indépendants locaux se sont regroupés durant quelques années à la fin des années 80 pour former la MSIA (Manitoba Society of Independent Animators). Ces cinéastes se sont inspirés du succès qu'a connu le film indépendant de Richard Condie, John Paizs (Hoe Down, pétillant chef d’oeuvre en 16 mm dessiné à la main) , Alan Pakarnyk (Daydream, un court métrage psychédélique et narcotique). La MSIA a en grande partie été dirigée par Neil McInnes (Automoto, avec Cathy McInnes). La société a fait l'acquisition d'un banc d'animation Oxberry (depuis relocalisé à la Quickdraw Animation Society de Calgary) et a entrepris de créer des oeuvres de grande qualité basées sur une technique d’animation traditionnelle. Paul Ullrich (Love Means Never Asking You To Shave Your Legs) a créé cette ode à sa propre incapacité à s'adapter à la femme moderne des années 90. Le film passe pour une sorte de dessin animé fétiche de bûcheron, mais met surtout en valeur le sens de l'humour si charmant et si inhabituel de Paul. Patrick Lowe était un autre animateur très impliqué au sein de la MSIA. Son film A Bit Transcendental, ressemble à un genre de triptyque-canadiendans-l'espace. Cependant, de par les efforts qu'exigeait la mise sur pied d'un organisme sans but lucratif consacré aux arts, ainsi que l'immense travail à la fois physique et mental propre à la création d'oeuvres animées, le groupe a fini par se dissoudre. Automoto réinvente et salue en même temps la création artistique et en animation. Le film aborde aussi le sujet de la renaissance. Je constate plusieurs parallèles entre le récit d'Automoto et la MSIA.
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In 1979, the Winnipeg Film Group purchased a photocopier instead of filmmaking equipment. An outraged Ed Ackerman and Greg Zbitnew volunteered to test/hijack the machine, to see if it could stand up to the rigorous conditions in Winnipeg. They emerged from their tests with the film 5 Cents a Copy and a beer-soaked Xerox machine that had to be put out of its misery Old-Yeller-style. Following the success of his previous work, Ackerman teamed up with Colin Morton to create an animated tribute to the Dadaist poetry of Kurt Schwitters, Primiti Too Taa, a typewritten tour-de-force. Too Taa Two could be called an obsessive director’s cut, a sort of filmic Turducken (a chicken stuffed into a duck then stuffed into a turkey and served in celebration). Ackerman meticulously inserted, frame-by-frame, a 16mm version of the film, into a 35mm version, into a 70mm Imax print. Local independent animators banded together for a couple of years in the late 1980s and created MSIA (the Manitoba Society of Independent Animators). The filmmakers were inspired by the independent success of Richard Condie, John Paizs (Hoe Down, the peppy, ink on 16mm hand drawn master piece) and Alan Pakarnyk’s Daydream, a psychedelic, morphing, opiatized short. MSIA was for the most part spearheaded by Neil McInnes (Automoto, with Cathy McInnes). The society purchased an Oxberry Animation Stand (now at Quickdraw Animation Society in Calgary) and began to create high-quality cell-based work. Paul Ullrich (Love Means Never Asking You To Shave Your Legs) created his ode to his own inability to adapt to the modern women of the 90’s. The film comes across as some sort of animated lumberjack fetish film, but shows that Ullrich has a charmingly unusual sense of humour. Another animator heavily involved in MSIA was Patrick Lowe (A Bit Transcendental), a sort of Canadiana-in-space triptych film. But due to the heavy workload of starting up a non-profit arts organization and the mentally and physically taxing work of animation, the group disbanded. Automoto is a re-imagining and “tip of the cap” to animation and art creation, but is also about rebirth. I see many parallels between the story of Automoto and the history of the MSIA. Working in the defiantly low-budget style of Ed Ackerman, a new generation of animators emerged in the 2000s. With no access to traditional animation equipment the animators were forced to come up with unique solutions to artistic problems. Robert Pasternak’s Traffiiiik, created entirely by rubbing Letracet, pre-computer rub on letters and borders used to bedazzle 1980s documents, onto 16mm film that Robert rescued from the bargain bin at a going out of business sale in Winnipeg. Clint Enns explores the futility of technology in The Death of Natural Language. Enns replaces the image of a crashing space shuttle with computer-coded numbers (ASCII) in a process ingeniously devised by the filmmaker. Enns spends most of his time in Winnipeg rewiring antiquated video devices and karaoke machines, one of his most successful experiments involved placing VHS tapes into a toaster with shrinky-dink-like results and incredible images. Myles Langlois (Space Diamond, Extra Terrestrials Gone Wild and Apollo Gauntlet) defied all animation odds by single-handedly producing the animated 10-episode web series Apollo Gauntlet in less than a year. Apollo Gauntlet follows a superhero into another dimension, battling evil with his magic gauntlets. The
Aux prises avec des moyens financiers limités, comme ce fut le cas pour Ed Ackerman, ce groupe d'animateurs des années 2000 n'avait pas accès à un équipement traditionnel et devait donc se débrouiller pour trouver des solutions uniques à leurs défis artistiques. Le film Traffiiiik de Robert Pasternakfut entièrement conçu en appliquant des Letracet (ce format de lettrage datant de l'ère pré-informatique des années 80, que l'on grattait et appliquait sur des documents pour leur donner du piquant) sur une pellicule 16 mm. Robert avait récupéré ces feuilles de Letracet d'un bac de liquidation dans un magasin de Winnipeg qui s'apprêtait à fermer ses portes. Clint Enns explore la futilité de la technologie avec son film The Death of Natural Language. Ici, Enns remplace l'image d'une navette spatiale qui s'écrase par des données informatiques en format ASCII, un procédé ingénieux qu'il a lui-même développé. Enns a consacré la majeure partie de son temps à Winnipeg, où il manipulait le filage de vieux appareils vidéo et de machines à karaoké. L'une de ses expériences qui a connu le plus de succès impliquait l'insertion de rubans VHS dans un grille-pain. Malgré des résultats plutôt approximatifs, il a tout de même réussi à produire des images saisissantes. Myles Langlois (Space Diamond, Extra Terrestrials Gone Wild et Apollo Gauntlet) défie toutes les lois de l'animation en parvenant à produire les 10 épisodes de la websérie animée Apollo Gauntlet en moins d'un an. Apollo Gauntlet est un superhéros qui nous entraîne dans une nouvelle dimension, où il combat le mal grâce à ses gants magiques. La série regorge de clins d'oeil à la fois intelligents et obscurs, et aussi de diverses tangentes musicales. Apollo Gauntlet se veut une représentation des plus fidèle de ce qu'aurait été Rocket Robin Hood s'il avait grandi à Winnipeg. Matthew Rankin (I Dream of Driftwood) propose une délirante note de rançon tournée en super 8 sous forme de prises de vues image par image. Le film fut assemblé à partir du lettrage de style baroque et des dénominations grandioses attribuées aux immeubles à appartements de Winnipeg. À la fois idéaliste, absurde et complètement affligé du syndrome de Stockholm, le film se veut une glorification du romantisme brûlant que ces immeubles ne parviennent pas à incarner. Rankin et ses acolytes ont été réprimandés il y a quelques années, après avoir fouillé
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series is plump with obscure wit and musical tangents. Apollo dans les bennes à ordures d'une station de télévision locale à la Gauntlet is an absolutely accurate representation of how Rocket recherche de rubans Beta. Rankin se consacre à l'archivage, à la Robin Hood would have turned out if he had grown up in Winnipeg. mythification et à la conservation d'artefacts et bâtiments de Winnipeg qui ne sont d'aucune utilité pour les banlieusards. Matthew Rankin (I Dream of Driftwood) delivers a delirious stop-motion, Super-8 ransom note, cobbled together out of the Daniel Barrow (A Miracle and Artist Statement) est un joyau de la baroque letters and grandiose names of Winnipeg apartment communauté artistique de Winnipeg. Il est actuellement en lice buildings. Idealistic, absurd, and positively insane with Stockholm pour le Sobey Art Award 2010, et un maître marionnettiste par syndrome, the film glorifies all the smouldering romance that rétroprojection. Ses oeuvres ont un attrait universel, et traitent these living spaces fail to provide. Rankin and his cronies were souvent du sentiment de rejet propre à la préadolescence, de reprimanded several years ago after dumpster-diving for Beta tristes réalités et de brillantes illusions d'optique. Son A Miracle tapes at a local television station. He is committed to archiving, est un film d'animation conçu à partir de techniques de la mythologizing and preserving Winnipeg artifacts and manipulation à la main et de feuilles transparentes en mylar, establishments that suburban Winnipeggers see no use for. réalisé pour The Hidden Cameras, groupe de musiciens gais de Toronto qui jouent du folk religieux. Artist Statement est son Daniel Barrow (A Miracle and Artist Statement) is a jewel of the œuvre la plus ouvertement honnête à ce jour. Une fois de plus, il Winnipeg arts community, current 2010 Sobey Art Award Nominee a eu recours à des technologies désuètes — le film a été conçu à and master overhead projection puppeteer. His work is universally l'aide d'un ordinateur Commodore Amiga. appealing, often focusing on pre pubescent alienation, sad truths and optical illusion wizardry. His film A Miracle is a handAlethea Lahofer (Hey Kids!) utilise l'Amiga de la belle époque et manipulated, mylar-transparency based animation created for livre des résultats époustouflants. Elle bombarde le spectateur de Toronto-based "gay church folk" musicians, The Hidden Cameras. chiens qui jappent, de squelettes qui dansent et de blueprints qui Artist Statement is Barrow’s most gratuitously honest film to date. deviennent méchants. Le film comporte une superbe trame sonore Working again with antiquated technology it was created with a créée par le concepteur sonore local Ken Gregory. Kevin Nikkel Commodore Amiga computer. (Kitchen Hockey) a recours à la technique toute simple et combien charmante de la rotoscopie afin de capturer ses enfants en train de Alethea Lahofer (Hey Kids!) uses the Amiga in its heyday with jouer. Nathan Boey (The Untold Romance of PB and J) se sert de break-neck results, visually bombarding the viewer with barking tout ce qu'il trouve dans son réfrigérateur et en fait les dogs, dancing skeletons and blueprints gone bad. The film features personnages principaux de ce conte romantique tout à fait déjanté. an incredible soundtrack by local sound artist Ken Gregory. Kevin Nikkel (Kitchen Hockey) uses a charmingly simple rotoscoping Le groupe d'animateurs sans doute le plus excitant est celui technique to document his children playing. Nathan Boey (The constitué par la nouvelle vague d'animatrices avec, comme figure Untold Romance of PB and J) works with the only things he had in de proue, l'incroyablement prolifique Leslie Supnet (Sun Moon Stars his refrigerator as the main characters in his otherworldly Rain et Hang in There). Celle-ci est parvenue à réaliser trois films romantic tale. d'animation par année au cours des trois dernières années. Elle a récolté de nombreux prix, dont le concours 48 Hour Filmmaking du Perhaps the most exciting group of animators is the new wave of Winnipeg Film Group, le meilleur film en format 8 mm lors du $100 female animators, led by the incredibly prolific Leslie Supnet (Sun Film Festival de Calgary, ainsi que le Emerging Filmmaker Award du Moon Stars Rain and Hang In There), who has completed three Winnipeg Film Group. Ses soumissions à l'événement One Take Suanimations a year for the past three years. She has won multiple per 8 de Winnipeg sont à ce point populaires qu’une deuxième difawards, such as the Winnipeg Film Group’s 48-Hour Filmmaking fusion de son film a été réclamée au projectionniste. Les oeuvres de Contest, Best Super 8mm Film at the $100 Film Festival in Calgary Supnet sont extraordinairement charmantes, novatrices sur le plan and the Emerging Filmmaker Award through the Winnipeg Film technique et fort divertissantes. Group. Her contributions to the One Take Super 8 event in Winnipeg are so popular that the projectionist has been asked to Alison Davis a été chaleureusement accueillie au sein de la play her film twice. Supnet’s films are incredibly charming, communauté artistique de Winnipeg, elle a tout récemment technically innovative and highly entertaining. migré vers le Manitoba, attirée par des loyers abordables et par une scène artistique des plus dynamiques. Son film Courtship s'est Alison Davis is a welcome addition to the Winnipeg arts communi- avéré être l'une des oeuvres les plus solides soumises dans le ty, having recently migrated to Manitoba with the promise of cheap cadre du 25e anniversaire de la cinémathèque du Winnipeg Film rent and a vibrant arts scene. Alison Davis’ film Courtship was one Group, et démontre à quel point il est possible de raconter of the strongest commissioned films for the 25th Anniversary of beaucoup de choses en relativement peu de temps. Winnipeg Film Group’s Cinémathèque, and is proof that a lot can be said in a short time period. La renaissance de l'animation à Winnipeg est bel et bien amorcée. Plusieurs cinéastes ont mis sur pied leurs propres bancs Winnipeg’s animation renaissance is well underway: several d'animation, le Winnipeg Film Group a reçu des dons de divers filmmakers have created their own animation stands, the Winnipeg équipements de la part de l’animateur légendaire George Griffin, Film Group received donated equipment from legendary animaet l'organisme a récemment récupéré un banc d'animation Oxberry tor George Griffin and recently rescued an Oxberry Master Series Master Series qui avait été laissé à la ferraille (il s'agissait en fait Animation Stand from the scrapyard (it was actually the animation du banc d'animation utilisé jadis par Cordell Barker, Richard Condie, stand that Cordell Barker, Richard Condie, Neil McInnes and Neil McInnes et Christopher Hinton). Et puis, Video Pool a donné un Christopher Hinton worked with in the 1980s), and Video Pool has second souffle à ses ordinateurs Amiga et offre même une formaresurrected their Amiga computers and is offering training on them. tion sur cet équipement. Welcome to the ‘90s, Winnipeg.
Bienvenue ou années 90,Winnipeg des années. OIAF 2010 FESTIVAL READER | FIAO 2010 LECTEUR DU FESTIVAL
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SPECIAL PRESENTATIONS PIXAR / DISNEY Short Films Sunday, October 24, 11:00am (Museum of Civilization) dimanche, le 24 octobre, 11h00 (Musée des civilisations)
The Making of Pixar ’s Day & Night With director Teddy Newton When Day, a sunny fellow, encounters Night, a stranger of distinctly darker moods, sparks fly! Despite getting off on the wrong foot, they soon discover each other’s unique qualities, realizing that each offers a different window onto the same world. The screening of Day & Night will be followed by a presentation by director Teddy Newton, who will discuss his inspiration for the film, what it took to get a green-light from the studio and the challenges posed by such a technically ambitious process.
The Making of Disney’s Tick Tock Tale With director Dean Wellins A shopkeeper closes his sleepy store of antiques one evening, little aware of the life and magic of the inventions that surround him. Silent and still by day, when night falls the store’s clocks tick, tock and chime a playful symphony. When a burglar breaks into the shop and steals several of the clocks, it is up to the tiniest clock in the store to rescue his friends and prove that nothing is too small to matter. The screening of Tick Tock Tale will be followed by a presentation by the director, Dean Wellins, who will provide a behind-the-scenes look into the production details of creating a Disney short.
Walt Disney Animation Studios: The Evolution of CG Animation PASSHOLDER PRIORITY Friday, October 22, 7:00pm (Museum of Civilization) vendredi, le 22 octobre, 19h00 (Musée des civilisations) Pushing the boundaries of animation in their latest film, Tangled, brought new challenges to Walt Disney Animation Studios’ production team. Patrick Osborne (Animator) will discuss how the team of Visual Development Artists, Modelers, Riggers and Animators came together to advance the art of CG animation for what may prove to be a high water mark for subtlety and expression in human animation.
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SPECIAL PRESENTATIONS The Influence of Osamu Tezuka With Yoshihiro Shimizu, General Manger, Tezuka Productions Co. Saturday, October 23, 1:00pm (Museum of Civilization) samedi, le 23 octobre, 13h00 (Musée des civilisations) In Japan, the art forms of manga and anime are regarded as widely influential components of the nation’s culture, due in large part to the work of Osamu Tezuka. Inspired by Walt Disney, Tezuka went on to create some of the most memorable characters in animation such as Astro Boy, Black Jack and Kimba the Lion. This lecture by Yoshihiro Shimizu, General Manager for Tezuka Productions Co., will explain the story of manga in addition to discussing other ways the Godfather of Anime came to hold this title. Yoshihiro Shimizu encountered Osamu Tezuka in 1978 during his college days and first became involved in Tezuka’s animation production as a contractor. He joined the company in 1980 and worked on the production/direction of many Tezuka projects. In 1989, he became Production Director, producing projects including Black Jack (1966), Jungle Emperor (1997), and Astro Boy (TV series/2003). He was involved as a Creative Consultant for the movie Astro Boy (2009), supervising production of the movie at-large. Shimizu has also produced the “Osamu Tezuka Exhibition” at the National Modern Museum (1990), the Osamu Tezuka Manga Museum in Takarazuka (1995), and “The Exhibition of Osamu Tezuka - past and future“ (1995). Shimizu has been General Manager of Tezuka Productions since 1999.
KENK - Animating a Graphic Novel PRODUCED IN COLLABORATION WITH THE OTTAWA WRITER’S FESTIVAL AND THE CANADIAN FILM INSTITUTE Saturday, October 23, 7:00pm (Library and Archives) samedi, le 23 octobre, 19h00 (Bibliothèque et Archives)
$15 at the door / Free for passholders KENK is a groundbreaking journalistic profile, documentary film, 304-page comic book and animation surrounding the activities of “the world’s most prolific bicycle thief” (The New York Times) Igor Kenk; built from more than 30 hours of never before-seen intimate footage taken over the year leading immediately to his arrest. For this event, the team behind KENK will gather and present the film’s many facets and discuss the unique process behind its creation, as well as offer a first look at the ongoing animation. Conceived by a producer, shot by a filmmaker, written by an acclaimed journalist, illustrated by a fine artist and now in production as a fully animated film by a top director, KENK is an entirely unique hybrid of journalism, documentary film and comic book. (This presentation will be followed by a book-signing for the graphic novel KENK, and a screening of the classic 1948 Italian neorealist film The Bicycle Thief, directed by Vittorio De Sica.)
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WORKSHOPS
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MARK SIMON: STORYBOARD PRO TIPS AND TRICKS
Saturday, October 23, 11:00am (Arts Court Theatre)
Saturday, October 23, 1:00pm (Arts Court Theatre)
samedi, le 23 octobre, 11h00 (Cour des arts - theâtre)
samedi, le 23 octobre, 13h00 (Cour des arts - theâtre)
Meet Author/Illustrator Marie-Louise Gay and the Stella and Sam Television Production team as they guide you through the process of taking a book to the screen.
Mark Simon, story artist with over 2,800 credits and author of 10 industry books will demonstrate the best and fastest way to storyboard with Toon Boom’s Storyboard Pro 2.0. Mark will share many time saving tips and production war-stories.
Venez rencontrer l’écrivaine et illustratrice Mary-Louise Gay et le reste de l’équipe de production pour la nouvelle série de télé, Stella and Sam. Ce groupe servira de guide à travers le processus de transformation d’un roman pour le grand écran.
Mark Simon, scénariste possédant plus de 2 800 références de sources et dix livres de l’industrie, fera la démonstration des meilleures et des plus faciles façons de créer un storyboard à l’aide du Storyboard Pro 2.0. de Toon Boom. Mark partagera plusieurs conseils destinés à sauver du temps, tout en parsemant sa présentation d’histoires pittoresques.
STEVIE VALLANCE: INTRODUCTION TO ANIMATION VOICE-OVER ACTING Saturday, October 23, 3:00pm (Arts Court Theatre) samedi, le 23 octobre, 15h00 (Cour des arts - theâtre) Back by popular demand - this 2-hour transformational workshop developed and presented by Emmy Award Recipient and Animation Voice Director Stevie Vallance, teaches participants how to create original voices for characters, transforming them into “toons!” De retour à la demande populaire - un atelier de transformation de deux heures créé et présenté par la directrice de voix en animation récipiendaire d’un Emmy Award, Stevie Vallance, qui enseignera aux participants comment créer des voix originales pour des personnages animés, alors qu’ils se transformeront en « toons! »
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WORKSHOPS
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2010 MASTERCLASSES PRESENTED BY THE NATIONAL FILM BOARD OF CANADA MASTERCLASS: TORILL KOVE
MASTERCLASS: STEVEN WOLOSHEN
Thursday, October 21, 11:00am (Arts Court Theatre) jeudi, le 21 octobre, 11h00 (Cour des arts - theâtre)
Friday, October 22, 11:00am (Arts Court Theatre) vendredi, le 22 octobre, 11h00 (Cour des arts - theâtre)
With her first two professional films, My Grandmother Ironed the King’s Shirts (1999), and The Danish Poet (2006), Torill Kove enjoyed critical success, with both films nominated for Academy Awards and the latter taking home Oscar®. Join Torill Kove in conversation as she discusses the sources of inspiration and influences in her work.
Veteran filmmaker and animator Steven Woloshen will discuss new and radical strategies from his latest book on handmade filmmaking titled, Recipes for Reconstruction. Participants in this master class will explore the techniques of 35mm camera-less filmmaking in a High Def world (including scratching, painting and collage directly on to the surface of clear film and black leader, as well as using 35mm found footage, photograms, loops and decay.)
Avec ses deux premiers films professionnels, My Grandmother Ironed the King’s Shirts (1999), et The Danish Poet (2006), Torill Kove a obtenu un succès critique: les deux films ont été mis en nomination pour les Academy Awards et le second a remporté un Oscar®. Joignezvous à Torill Kove alors qu’elle parlera de ses sources d’inspiration et des influences dans son travail, ainsi que des histoires derrière l’incroyable succès de ses films.
Le vétéran cinéaste et animateur Steven Woloshen parlera des nouvelles stratégies radicales sur le cinéma, en explorant les techniques du film 35mm sans caméra dans un monde de haute définition (comprenant le grattage, la peinture et le collage directement sur la surface d’une pellicule claire et noire, de même que le recours à du métrage 35mm, à des photogrammes et à des boucles).
MASTERCLASS: CAROLINE LEAF Saturday, October 23, 7:00pm (Arts Court Theatre) samedi, le 23 octobre, 19h00 (Cour des arts - theâtre) Caroline Leaf has always been a pioneering filmmaker, whose oeuvre includes classics The Street (1976), The Metamorphosis of Mr. Samsa (1977) and Two Sisters (1990). In a rare public presentation, Caroline will talk about her influences, her groundbreaking animation, and will present a demonstration of her sand-on-glass technique. Coinciding with the launch of a masterworks collection of her films, Caroline will sign the handsome new DVD boxed set prior to the session. Caroline Leaf a toujours été une cinéaste pionnière, dont les oeuvres comprennent les classiques The Street (1976), The Metamorphosis of Mr. Samsa (1977) et Two Sisters (1990). Cette présentation publique rare coïncide avec le lancement d’une collection maîtresse de ses films.
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OTHER EVENTS The Inappropriate for Children Show OBVIOUSLY INTENDED FOR ADULT AUDIENCES Thursday, October 21, 7:00pm (Arts Court Theatre) Thursday, October 21, 11:30pm (Arts Court Theatre) Friday, October 22, 11:30pm (Arts Court Theatre) Saturday, October 23, 3:00pm (Empire Theatres – Rideau) A midnight movie collection of wild and unsettling cartoons originally meant for kids but almost too strange for adults. Too violent, too sexy, too racist, and way too much! Rare and freaky animation no longer suitable for broadcast television due to content no longer acceptable: cross-dressing, smoking, drinking or just straight up bizarre ingredients contained within. If your childhood wasn’t already perverted by hours upon hours of unhinged animation, this show will make it up to you. Curated by Jerry Beck.
MEET THE FILMMAKERS PRESENTED BY THE NATIONAL FILM BOARD OF CANADA Thursday to Sunday, 9:00am to 10:45am (Arts Court Studio) Arrive and grab a muffin and cup of coffee before settling in to meet with a panel of directors from the previous night’s screenings to ask questions, exchange comments and share your thoughts.
CHEZ ANI Arts Court Studio Wednesday and Sunday, 10:30am to 5:00pm Thursday, Friday and Saturday, 10:30am to 9:00pm Festival life is busy. Steal a quiet moment and enjoy a snack and a cup of coffee, or something with a little more kick. Also a great meeting place. We’ll save you a seat.
ANIBOUTIQUE Arts Court Studio Wednesday to Saturday, 9:00am to 9:00pm Sunday, 9:00am to 5:00pm Looking for the perfect souvenir? Look no further than the festival’s own bookstore for t-shirts, mugs, posters, water bottles and animation related books and DVDs. There’s a little something for everyone’s budget.
VIEWING ON DEMAND STATIONS
OIAF Offices, Arts Court building, elevator B, 1st floor, Suite 120 Wednesday to Sunday, 9:00am to 6:00pm Drop by to see some of the 2,092 films that were entered in this year’s Festival, or catch programs that you missed.
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OTHER EVENTS
EXHIBITIONS LIPSETT. P.S.
works by Theodore Ushev Canteen Art Shop & Gallery, 238 Dalhousie Street Reception Thursday, October 21, 5:00pm to 8:00pm
BOOK SIGNINGS (Arts Court Studio) All merchandise for signings are available at the Aniboutique.
THURSDAY, OCTOBER 21 2:00pm to 3:00pm
ANDREW FARAGO Curator of the Cartoon Art Museum, will be signing his new book Looney Tunes Treasury.
4:00pm to 4:30pm
ATSUSHI WADA will be signing his newly released DVD of his animated works, 2002-2010.
4:00pm to 5:00pm
CHRIS ROBINSON will be signing his new books: Animators Unearthed and Japanese Animation: Time Out of Mind.
6:00pm to 7:00pm
JERRY BECK will be signing his new book, The 100 Greatest Looney Tunes.
For the exhibition Lipsett. P.S., Theodore continues to explore the interpretation of the ideas and the aesthetics of the film Lipsett Diaries, recreating scenes, painted over, with written texts by Chris Robinson. The exhibition Lipsett. P.S. charts a prodigious frenzy of creation, a tableau depicting an artist’s dizzying descent into depression and madness.
ANDREA STOKES 2010 OIAF Poster Artist
Canteen Art Shop & Gallery, 238 Dalhousie Street Reception: Thursday, October 21, 5:00pm to 8:00pm Andrea Stokes’ mixed media paintings are surreal creations that often display a sense of fragility and foreboding. Her most recent works portray a landscape of animals existing in human circumstances.
FRIDAY, OCTOBER 22 10:00am to 10:30am STEVEN WOLOSHEN will be signing his new book, Recipes for Reconstruction: The Cookbook For the Frugal Filmmaker.
Californimation 6:00pm to 6:30pm
CAROLINE LEAF will be signing her new DVD masterworks collection.
6:00pm to 7:00pm
DAVE COOPER will be signing Bent, his book of new drawings/paintings.
works by Pascal Campion, Mark Fiore, Dalton Grant Jr., Michael Jantze, Michael Langan, Nina Paley, Lark Pien & Mier Tang Curated by Andrew Farago, Cartoon Art Museum, San Francisco Galerie SAW Gallery, 67 Nicolas St. Hours: Wednesday to Sunday – 11:00am to 9:00pm Reception: Friday, October 22, 5:00pm to 7:00pm
8:30pm to 9:30pm
THE KENK TEAM: Alex Jansen, Jason Gilmore, Nick Marinkovich, Richard Poplack, and Craig Small will be signing copies of their graphic novel at Library and Archives Canada.
SPONSORED BY THE EMBASSY OF THE UNITED STATES OF AMERICA. A CO-PRODUCTION OF CAM AND OIAF. Californimation is an animation-video installation highlighting both professional and up-and-coming American animators who call the San Francisco Bay area their home.
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Munro Ferguson Munro Ferguson was born in New York City in 1960. He developed an interest in cartooning at a young age and made his first film by age 7. He continued to work in cartooning and make films, and in 1994, joined the NFB English Program's Animation Studio, where he wrote, directed and animated How Dinosaurs Learned to Fly (1995). In 1995, he began working for the legendary Roman Kroitor at IMAX Corporation, writing, animating and advising on the development of SANDDE™, a 3D stereoscopic animation technique. Since returning to the NFB in 1998, Ferguson has created two stereoscopic animations with SANDDE™: Falling in Love Again, 2004 Genie® award winner for Best Animated Short, and June, an elegy for his friend and mentor, artist Joyce June Wieland. In 2008 he was Animation Director for Facing Champlain, produced by the NFB for the 400th anniversary of Quebec City. Currently, he is developing Neuropolis, a 3D film about the brain, produced in collaboration with the Montreal Neurological Institute and the NFB.
Maya Yonesho Maya Yonesho was born in Hyogo, Japan, 1965. She studied Visual Design and Animation at Kyoto Saga University of Arts, which led her to work as an art teacher at a junior high school for 6 years. She returned to college to study Japanese painting and conceptual & media art at Kyoto City University of Arts. She received her MA of fine art in 1998, and began making independent films including believe in it (1998), which won the Excellence Prize from the Agency for Cultural Affairs of Japan that same year. She worked for the Eesti Joonisfilm Studio in Estonia from 2002-2003 under the Japanese Government Study Program for Promising Artists and Art Fellowships. Her films introspection (1998), believe in it (1998), learn to love (1999), countdown (2002), Üks Uks (2003), and Winer Wuast (2006) have been shown at numerous international festivals and museums around the world. She has also conducted animation workshops in Taiwan, Norway, Croatia, Israel and Poland, and has lectured at Kyoto Seika University since 2000.
Frances Leeming Frances Leeming was born in Toronto in 1951. Her work with collage re-animates the image archives of 20th century popular culture, and has been shown at home and abroad - with The Orientation Express (1987) presented internationally, including: Festival de Cine y Vídeo joven de La Habana, Cuba, Seattle Women’s Film Festival, ASIFA Animation Festival, San Francisco International Animation Festival, and Women in the Director’s Chair, Chicago, and Genetic Admiration (2005) winner of the Grand Prize at Images Festival, Toronto, and nominated for Best Animation at the Syracuse International Film and Video Festival. Her work has been purchased by The National Gallery of Canada, PBS, Channel Four UK, SBS Australia, The Women’s Television Network and for numerous university archives. Her contributions as a performance artist appear in Caught in the Act- An Anthology of Performance Art by Canadian Women (YYZ Books, 2004), and "Genetic Admiration" (chapter) appears in The Cinematic Life of the Gene, (Duke University Press, 2010). She currently teaches experimental animation and media studies in the Department of Film and Media at Queen’s University in Kingston, Ontario.
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Atsushi Wada Atsushi Wada was born in 1980 in Hyogo Prefecture, Japan. He attended Osaka Kyoiku University, Liberal Arts School, graduated in 2004, and continued as a graduate student at the Image Forum Institute of the Moving Image (Tokyo) in 2005. His award-winning animated films have been seen at festivals all over the world: worm dance hand (2003) Grand Prize winner at the Tokyo Film Festival (2004); Day of Nose (2005) competition winner of the 52nd International Short Film Festival Oberhausen (Germany) and winner Best Short film at the Norwich International Animation Festival, Part 3 (UK); Well, That’s Glasses winner of the 2007 Best of Festival award at the Ubusara 26th International Short Film Festival (Sweden), Jury Award for Best Young Animation at the Rio de Janeiro International Short Film Festival (Brazil), and competition winner at the 2008 International Short Film Festival Winterthur (Switzerland). He now works in the Animation Department of the Graduate School at the Tokyo University of Arts.
Torill Kove Torill Kove grew up in Norway and also spent some of her childhood in Nairobi, Kenya. She moved to Montréal in 1982 where she obtained a Bachelor of Arts at Concordia University and a Masters Degree in Urban Planning at McGill University, and also studied architecture at Universitè De Montréal and animation at Concordia’s Mel Hoppenheim School of Cinema. She began her animation career at the NFB as an assistant on various animation and documentary projects. Torill’s films have received numerous international awards. Her first film My Grandmother Ironed The Kings Shirts (1999) was nominated for an Academy Award, and her second film, The Danish Poet (2006), received a Genie® and an Oscar® in 2007. Torill has written and directed two animated shorts and written scripts for the TV series Dragon and for the animated short film Snails (2000), by Pjotr Sapegin. She has also illustrated 6 picture books, two of which she also wrote, and she periodically teaches part-time at the Mel Hoppenheim School of Cinema.
Michaela Pavlatova Michaela Pavlátová graduated from the Academy of Arts, Architecture and Design in Prague in 1987. Her short animation films have won numerous awards all over the world. She came to international prominence in 1991 when her short animation film Words, Words, Words was nominated for an Academy Award. In 1995, her animation short film Repete won a Golden Bear at the Berlinale. Since then she has been blending live-action with her animation. Between 1998 to 2001, she divided her time between Prague and San Francisco, where she worked as art director for the Wildbrain, Inc. In 2003, she directed her first all live-action film, the feature Faithless Games, winner of a Special Jury Mention in the New Director's Prize competition at San Sebastian IFF. In 2008 she directed another feature Deti noci / Night Owls which was awarded a Best Actor and a Best Actress at Karlovy Vary International Film Festival.
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FILMS IN COMPETITION FEATURE COMPETITION The Illusionist | Sylvain Chomet | USA One Piece Film - Strong World Munehisa Sakai | Japan
Goodbye Mister Christie | Phil Mulloy UK Gravity Was Everywhere Back Then Brent Green | USA
Midori-ko | Keita Kurosaka | Japan
INDEPENDENT SHORT FILMS COMPETITION NARRATIVE SHORT
This is love | Lei Lei | China Something Left, Something Taken Ru Kuwahata & Max Porter | USA Logorama | François Alaux, Hervé de Crécy, Ludovic Houplain & Alexandre Sauthier | France Hand Soap | Kei Oyama | Japan Tuukrid vihmas (Divers in the Rain) Priit Pärn & Olga Pärn | Estonia A Family Portrait | Joseph Pierce | UK Sinna Mann (Angry Man) | Anita Killi Norway
Wisdom Teeth | Don Hertzfeldt | USA Milk Milk Lemonade | Ged Haney Germany The External World | David O’Reilly Ireland Põgenemine (Escape) | Kristjan Holm Estonia The Tannery | Iain Gardner | Scotland Muzorama | Elsa Brehin, Raphaël Calamote, Mauro Carraro, Maxime Cazaux, Emilien Davaud, Laurent Monneron & Axel Tillement | France
ABSTRACT / EXPERIMENTAL ANIMATION Playtime | Steven Woloshen | Canada Light Forms | Malcolm Sutherland Canada BLACK MOON: ONE THOUSAND BEAMS OF RADIAL LIGHT FOR STRATA ADVANCEMENT | Brandon Blommaert | Canada
Love & Theft | Andreas Hykade Germany Little Deaths | Ruth Lingford | USA Playground | Mirai Mizue | Japan White Tape | Uri Kranot & Michal Kranot | Israel / Denmark
Tord och Tord (Tord and Tord) | Niki Lindroth von Bahr | Sweden La Formation des nuages (The Formation of Clouds) | Marie-Helene Turcotte | Canada Yellow Cake | Nick Cross | Canada Horse Glue | Stephen Irwin | UK Rondo | Yin Ko Lee | Canada Get Real! | Evert de Beijer | Netherlands
Der Kleinere Raum (The Smaller Room) | Cristobal Leon & Nina Wehrle Switzerland Sorry film not ready | Janet Perlman Canada
STUDENT ANIMATION COMPETITION HIGH SCHOOL ANIMATION The Bright the Bad and the Ugly Grade Five Stickings | Canada Tok Talk! | Mirae Lee & Yeh-yeon You South Korea
Sorry The Choir Died Years Back / The Shock Rock | CSSSA Class of 2009 | USA
Where is the love | Dae Woen Yoon & Jae woo Shin | South Korea Abstract Cut-Outs | CSSSA Class of 2009 | USA
UNDERGRADUATE ANIMATION The Burning Haus | Nils Knoblich Germany Fumiko no Kokuhaku (Fumiko’s Confession) | Ishida Hiroyasu | Japan LGFUAD | Kelsey Stark | USA
GRADUATION ANIMATION Prayers for Peace | Dustin Grella | USA Shushuka no sampo (Gathering) Akiko Omi | Japan Parade | Pierre-Emmanuel LYET | France
Line | Hyeong-ik Park & Hong-ran Yoon South Korea Night People | Matt Greenwood Australia
Sea Fever | Tom Massey & Daisy Gibbs | UK
The Henhouse | Elena Pomares | UK The undertaker and the dog | Shin Hashimoto | Japan Kuchao (A Gum Boy) | Masaki Okuda Japan
Wakaranai buta (In a pig’s eye) Atsushi Wada | Japan
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COMMISSIONED ANIMATION COMPETITION MUSIC VIDEO
Le Sexoflex ‘Twincest’ | Daniel Garcia | USA Lone Wolf ‘Keep Your Eyes On The Road’ | Ashley Dean | UK
Wettessen (Chow down) | Matthias Daenschel | Germany Blockhead ‘The Music Scene’ Anthony Schepperd | USA
PROMOTIONAL ANIMATION Coalition of the Willing | Simon Robson and coalition of the willing | UK Google Maps | Smith & Foulkes | UK Nanny McPhee and the Big Bang ‘Title Sequence’ | Paul Donnellon | UK YMCA ‘Questions’ | Isaac King | Canada
WWF ‘Heroes of the UAE’ | Josiah Newbolt & Ben Falk | UK Launch ‘Dave’ | Tom Perrett & Mark Perrett | UK Born HIV Free ‘Baby in the Sky’ Jack-Antoine Charlot (Bonzom) | France Going West | Martin Andersen & Line Andersen | New Zealand
TELEVISION ANIMATION MADE FOR ADULTS Meat Or Die (Yans! Gans!) ‘Linda’ Tai Murayama | Japan
Midtown Twist | Gary Leib | USA Ricky Gervais Show ‘Freaks’ | Craig Kellman | USA
My Neighbourhood Has Been Overrun By Baboons | Cameron Edser & Michael Richards | Australia
Holland Animation Film Festival Leader 2009 | Motomichi Nakamura USA The Surfrider Foundation ‘Rise Above Plastics’ | Aaron Sorenson USA
Ugly Americans ‘An American Werewolf in America’ | Aaron Augenblick & Devin Clark | USA / Canada
FILMS AND VIDEOS MADE FOR CHILDREN SHORT ANIMATION MADE FOR CHILDREN 1000 Times No | Tom Warburton | USA Coucou | Brigitte Archambault | Canada Cul de bouteille (Specky Four Eyes) Jean-Claude Rozec | France Diversity | Anthony Dusko | USA Don’t Go | Turgut Akaçik | Turkey La nina que tenía una sola oreja (The Girl Who Had Only One Ear)
Alvaro Leon | Spain La Traversée | Elise Simard | Canada Let Him Play | Yulia Mikushina | Russia Like A Windy Day | Michael Sporn USA Play Ball | Jennifer Oxley | USA The Lost Thing | Andrew Ruhemann & Shaun Tan | Australia
TELEVISION ANIMATION MADE FOR CHILDREN C’est du chinois | Isabelle Lenoble France Pinball Number 12 Reanimated Abbey Luck | USA Rob The Robot ‘Rocket Band’ | Phillip Stamp | Canada
Spliced ‘Helen’ | Matt Ferguson Canada The Gruffalo | Max Lang & Jakob Schuh | UK They Might Be Giants ‘Cells’ | David Cowles & Jeremy Galante | USA
The Plant | Jennifer Oxley | USA Wollmond (Knitted Nights) | Gil Alkabetz | Germany
They Might Be Giants ‘Electric Car’ Ru Kuwahata & Max Porter | USA
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FEATURE COMPETITION THE ILLUSIONIST
2010 | Sylvain Chomet | Django Films, Illusionist Ltd, Cine B, France 3 Cinema | USA 35mm | 100:00 | Animated Feature | Cel, 2D Computer (digital effects, digitally painted) Wednesday, October 20, 7:00pm (ByTowne) – GALA Friday, October 22, 9:15pm (Empire Theatres – Rideau) Saturday, October 23, 7:00pm (Empire Theatres – Rideau)
The Illusionist is a story about two paths that cross. An outdated, aging magician, forced to wander from country to country, city to city and station to station in search of a stage to perform his act meets a young girl at the start of her life’s journey. Alice is a teenage girl with all her capacity for childish wonder still intact. She plays at being a woman without realizing the day to stop pretending is fast approaching. She doesn’t know yet that she loves The Illusionist like she would a father; he already knows that he loves her as he would a daughter. Their destinies will collide, but nothing – not even magic or the power of illusion – can stop the voyage of discovery.
GOODBYE MISTER CHRISTIE
2010 | Phil Mulloy | Spectre Films | UK | Digital | 78:00 | Animated Feature | 2D Computer Thursday, October 21, 5:00pm (ByTowne) – GALA Friday, October 22, 7:00pm (Empire Theatres – Rideau) Saturday, October 23, 1:00pm (Empire Theatres – Rideau)
This new outing from provocative British filmmaker Phil Mulloy is a follow-up to The Christies, which took the 2006 OIAF Grand Prize for Best Feature. In this installment, the troubled Mr. Christie becomes embroiled in a sex scandal when he is caught on tape in the throes of passion with a French sailor. Sharp, intense dialogue is played out entirely through computerized text-to-speech synthesis, producing a shockingly visceral experience of characters that are at once disturbing and hilarious. With a minimalist aesthetic and child-like colour palette, Mulloy produces a bizarre silhouette of sexual melodrama that will leave audiences enthralled and puzzled.
ONE PIECE FILM - STRONG WORLD
2009 | Munehisa Sakai | Toei Animation Co., Ltd. | Japan | Digital | 113:00 | Animated Feature | Cel Thursday, October 21, 6:45pm (ByTowne) – GALA Saturday, October 23, 9:15pm (Empire Theatres – Rideau) Sunday, October 24, 3:00pm (Empire Theatres – Rideau)
Fresh off its record-breaking performance in Japanese theatres comes the Canadian theatrical debut of One Piece Film - Strong World. The tenth animated feature based on Eiichiro Oda’s popular Manga series drops us straight into the action as Luffy and his crew set sail for the ocean territory of East Blue. Their quest takes an unexpected turn when a mysterious flying pirate ship and band of pirates — arr, matey — appears out of the sky, piloted by none other than the legendary Golden Lion Shiki, who sends the crew on a whirlwind adventure, during which they must confront terrifying beasts and unfamiliar terrain in a battle for survival. Fans of the One Piece series will not want to miss Strong World, which was written by Oda himself in honour of the series’ 10th anniversary, while those new to the franchise will enjoy this vibrant, actionpacked adventure.
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GRAVITY WAS EVERYWHERE BACK THEN
2010 | Brent Green | Nervous Films | USA | Digital | 75:00 | Animated Feature | Pixellation Thursday, October 21, 9:15pm (Empire Theatres – Rideau) Friday, October 22, 7:00pm (ByTowne) – GALA Saturday, October 23, 11:00am (Empire Theatres – Rideau)
Leonard and Mary meet in a car crash. They fall instantly in love and live happily ever after…until Mary gets sick. Desperate to save her, Leonard decides that he can build their house into a healing machine that will cure her cancer. Inspired by the real actions of the eccentric Leonard Wood, filmmaker Brent Green brings to life this love story like no other in his first feature length film. Shot entirely on the full scale town he built in his backyard, Green combines animation and stop motion in an ethereal opus to lovers and tinkerers everywhere.
MIDORI-KO
2010 | Keita Kurosaka | Mistral Japan | Japan | Digital | 56:00 | Animated Feature Pencil on Paper Thursday, October 21, 7:00pm (Empire Theatres – Rideau) Friday, October 22, 3:00pm (Empire Theatres – Rideau) Saturday, October 23, 7:00pm (ByTowne) – GALA
More than twenty years into his career, Keita Kurosaka remains one of the most original and compelling figures on Japan’s indie animation scene. Kurosaka hits OIAF this year with his highly anticipated feature Midori-ko. A surreal vision of a 21st-century Tokyo that is rapidly approaching starvation, the film tells the story of a young woman who, while working to develop a “dream food” that will end the city’s hunger crisis, encounters a mysterious creature that transforms her life. Kurosaka’s animation emerges through conflicting expressions of motion and stillness, lightness and darkness, rest and explosion, immersing audiences in a powerful symbiosis of story, mood and image. Grotesque and dreamlike, Midori-ko possesses both a luminous and ethereal quality that gives substance to the peculiar beauty of its story and characters.
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SHORT COMPETITION 1 Sponsored by / Commandité par Nelvana Wednesday, October 20, 9:15pm (ByTowne) – GALA Saturday, October 23, 11:00am (ByTowne) Sunday, October 24, 3:00pm (ByTowne)
THE BRIGHT THE BAD AND THE UGLY
2010 | Grade Five Stickings | Reel Student Productions Grosvenor Wentworth Park School Canada | DIGITAL | 1:57 | High School Animation | Stop motion
Energy-wasting bulbs overrun the town of Squander, until a new sheriff arrives and saves the day.
LOGORAMA
2009 | François Alaux, Hervé de Crécy, Ludovic Houplain & Alexandre Sauthier | Autour de Minuit Productions | France | 35MM | 16:05 | Narrative Short Animation | 3D Computer, 2D Computer
Spectacular car chases, an intense hostage crisis, wild animals rampaging through the city and even more in Logorama!
COALITION OF THE WILLING
2010 | Simon Robson and coalition of the willing | Knife Party | UK | DIGITAL | 15:38 Promotional Animation | Other
This optimistic and principled film explores how we could use new Internet technologies to combat climate change.
PRAYERS FOR PEACE
2009 | Dustin Grella | School of Visual Arts | USA | DIGITAL | 7:38 | Graduation Animation Rotoscope, Pastel on paper, Animated Objects, Other
Prayers for Peace is a narrative stop-motion animation confronting the memory of the artist’s younger brother killed in the current conflict in Iraq.
PLAYTIME
2009 | Steven Woloshen | Canada | 35MM | 2:43 | Experimental/Abstract Animation Engraving on Film
Playtime pays homage to Canadian artist Jock MacDonald’s dedication, spirit and wonderful subject matter – both real and imaginary.
GOOGLE MAPS
2009 | Smith & Foulkes | Nexus Productions | UK | DIGITAL | 0:30 | Promotional Animation | 3D Computer
From searching a location on the Internet, Smith & Foulkes take us on a digital journey that seamlessly transforms into a physical map print-out.
SHUSHUKA NO SAMPO (GATHERING)
2010 | Akiko Omi | Tokyo University of the Arts | Japan | DIGITAL | 6:13 | Graduation Animation | Other
We see things consciously and unconsciously everyday. Our mind is like a scrapbook, gathered and stuffed with mess.
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NANNY MCPHEE AND THE BIG BANG ‘TITLE SEQUENCE’
2010 | Paul Donnellon | VooDooDog | UK | DIGITAL | 2:53 | Promotional Animation | Flash, Cut-outs, Animated Objects, 3D Computer, 2D Computer
The animated credit sequence for Nanny McPhee and the Big Bang, comprising of key moments in the film.
HAND SOAP
2009 | Kei Oyama | Aichi Art Center | Japan | DIGITAL | 16:00 | Narrative Short Animation 2D Computer
A calm yet sultry animation about a family with a growing adolescent son.
THIS IS LOVE
2010 | Lei Lei | Tsinghua University | China | DIGITAL | 3:00 | Narrative Short Animation | 2D Computer
A love story. When the lovers affectionately hug, the boy finds there is a hole in his girl’s socks.
YMCA ‘QUESTIONS’
2009 | Isaac King | Head Gear | Canada | DIGITAL | 0:30 | Promotional Animation | Cut-outs This film encourages us to go outside and get off our computers. Made with paper and, yes, a computer.
MEAT OR DIE (YANS! GANS!) ‘LINDA’
2009 | Tai Murayama | BONUS.CO.JP | Japan | DIGITAL | 1:45 | Television Animation for Adults | Rotoscope, Pixilation, Flash, Cut-outs, 3D Computer, 2D Computer
The never-ending story of an unsuccessful hunt by two hungry and hopelessly stupid dinosaurs in the New York of the future.
SOMETHING LEFT, SOMETHING TAKEN
2010 | Ru Kuwahata & Max Porter | Tiny Inventions | USA | DIGITAL | 10:15 | Narrative Short Animation | Puppets, Pixilation, Pencil on paper, Flash, Animated Objects, 2D Computer
Everyone who enters a crime scene leaves something behind and takes something away.
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SHORT COMPETITION 2 Sponsored by / Commandité par SANDDE Technology Thursday, October 21, 9:15pm (ByTowne) – GALA Friday, October 22, 5:00pm (ByTowne) Sunday, October 24, 5:00pm (ByTowne)
TOK TALK!
2010 | Mirae Lee & Yeh-yeon You | Korea Animation School | South Korea | DIGITAL | 6:00 | High School Animation | Ink on paper
There was a man who was hooked on texting. He seemed to fall in love with his cell phone…
PARADE
2009 | Pierre-Emmanuel LYET | Doncvoilà | France | DIGITAL | 8:00 | Graduation Animation | 2D Computer
A character wants to free himself from his overwhelming imagination to seduce a woman.
TUUKRID VIHMAS (DIVERS IN THE RAIN)
2010 | Priit Pärn & Olga Pärn | Eesti Joonisfilm | Estonia | 35MM | 23:21 | Narrative Short Animation | 2D Computer
This is a story about an everyday diver and a night dentist. Their kisses are always good-bye kisses. He is a diver and he has to dive. She is tired and has to sleep.
A FAMILY PORTRAIT
2010 | Joseph Pierce | fifty nine productions | UK | DIGITAL | 4:44 | Narrative Short Animation | Rotoscope
A family portrait goes horribly wrong as jealousy and suspicion bubble to the surface under the photographer’s relentless gaze.
LIGHT FORMS
2010 | Malcolm Sutherland | Canada | DIGITAL | 4:00 | Experimental/Abstract Animation 2D Computer
A fleeting experiment in the combination of light and sound.
WWF ‘HEROES OF THE UAE’
2010 | Josiah Newbolt & Ben Falk | Asylum Films & AYA | UK | DIGITAL | 2:12 | Promotional Animation | Puppets, Pencil on paper, Other, Cut-outs, Animated Objects
A beautifully crafted film, commissioned by the WWF, that follows a father and daughter as they embark on an informative journey though a newspaper world.
THE UNDERTAKER AND THE DOG
2010 | Shin Hashimoto | Tama Art University | Japan | DIGITAL | 3:40 | Graduation Animation | Ink on paper
Once upon a time, the undertaker met a pack of poor dogs. He handed them the bone that he had created…
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THE HENHOUSE
2010 | Elena Pomares | National Film and Television School | UK | DIGITAL | 6:34 Graduation Animation The Henhouse tells the story of a fox seeking a muffin that finds shelter from the rain and the noise of the city in a small café.
MIDTOWN TWIST
2009 | Gary Leib | Twinkle LLC | USA | DIGITAL | 1:06 | Television Animation for Adults | 2D Computer
The evolution of midtown Manhattan, throbbing and pulsing to the beat of the twist.
BLACK MOON: ONE THOUSAND BEAMS OF RADIAL LIGHT FOR STRATA ADVANCEMENT
2010 | Brandon Blommaert | Canada | DIGITAL | 1:18 | Experimental/Abstract Animation Clay, Animated Objects, 2D Computer
One thousand beams of radial light for strata advancement!
LAUNCH ‘DAVE’
2009 | Tom Perrett & Mark Perrett | Nexus Productions | UK | DIGITAL | 0:30 | Promotional Animation | 2D Computer
This animated spot, which highlights the need for the consumer to save energy and money, follows the character Dave, a regular Joe doing his bit in a house that just won’t cooperate.
THE BURNING HAUS
2010 | Nils Knoblich | Kunsthochschule Kassel | Germany | DIGITAL | 3:23 | Undergraduate Animation | 2D Computer
A house bursts into flames. A man beats up his woman. A superhero intervenes. But by night his subconscious mind forces the hero to challenge his passion radically.
SINNA MANN (ANGRY MAN)
2010 | Anita Killi | Trollfilm as | Norway | 35MM | 20:00 | Narrative Short Animation | Cut-outs
Sinna Mann is a film about secrets that shouldn’t be secret. When the mommy-fish dies, Boj has had enough and gets power from his own fantasy to go further.
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SHORT COMPETITION 3 Thursday, October 21, 3:00pm (ByTowne) Friday, October 22, 9:15pm (ByTowne) – GALA Friday, October 22, 9:45pm (Arts Court Theatre) Saturday, October 23, 1:00pm (ByTowne)
SORRY THE CHOIR DIED YEARS BACK / THE SHOCK ROCK
2009 | CSSSA Class of 2009 | CSSSA Animation Dept. | USA | DIGITAL | 4:25 | High School Animation | Ink on paper
Exquisite corpse animation made by 52 animation students. Exploding with energy and text!
WISDOM TEETH
2009 | Don Hertzfeldt | Bitter Films | USA | DIGITAL | 5:00 | Narrative Short Animation Pencil on paper
Wisdom Teeth is an unnecessary five-minute cartoon Don drew in 2009 in between more important things.
FUMIKO NO KOKUHAKU (FUMIKO’S CONFESSION)
2010 | Ishida Hiroyasu | Kyoto Seika University | Japan | DIGITAL | 2:22 | Undergraduate Animation | Cel
A girl confesses.
KUCHAO (A GUM BOY)
2010 | Masaki Okuda | Tokyo University of the Arts | Japan | DIGITAL | 3:48 | Graduation Animation | Ink on paper
The primary schoolboy Kuchao is a hated person in his class. When he begins to chew a piece of bubblegum, he enters the world of his imagination.
MILK MILK LEMONADE
2010 | Ged Haney | Studio FILM BILDER | Germany | DIGITAL | 15:00 | Narrative Short Animation | 2D Computer
In this disconnected world, there is a thin line between failure and success, and an even thinner line between sanity and madness.
LGFUAD
2010 | Kelsey Stark | Pratt Institute | USA | DIGITAL | 4:22 | Undergraduate Animation Pencil on paper, Ink on paper, 2D Computer, Other
Ghosts just wanna have fun!
THE EXTERNAL WORLD
2010 | David O’Reilly | David O’Reilly, Henning Kamm @ DetailFilm | Ireland | DIGITAL 15:30 | Narrative Short Animation | 2D Computer
A young boy learns to play piano in a universe of absurdity.
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RICKY GERVAIS SHOW ‘FREAKS’
2010 | Craig Kellman | Wildbrain | USA | DIGITAL | 24:42 | Television Animation for Adults 2D Computer
An animated version of the record-breaking podcast series. In season 1: episode 13, ‘Freaks,’ Karl asks what you would like to hear God say when you enter the pearly gates.
LOVE & THEFT
2010 | Andreas Hykade | Germany | DIGITAL | 7:00 | Experimental/Abstract Animation Pencil on paper
“And I’m still carrying the gift you gave / It’s a part of me now, it’s been cherished and saved / It’ll be with me unto the grave / And then unto eternity.” – Bob Dylan
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SHORT COMPETITION 4 Thursday, October 21, 11:00am (ByTowne) Friday, October 22, 10:00am (ByTowne) Saturday, October 23, 3:00pm (ByTowne) – GALA
WHERE IS THE LOVE
2009 | Dae Woen Yoon & Jae woo Shin | Gyenggi Art High School | South Korea | DIGITAL 7:02 | High School Animation | Pencil on paper
The story of a cupid who helps people find love, but can’t seem to find it for himself. Tired of searching nearby, he seeks out love at a distance and causes tragedy.
PÕGENEMINE (ESCAPE)
2009 | Kristjan Holm | Silmviburlane | Estonia | DIGITAL | 5:40 | Narrative Short Animation Pencil on paper
Breakfast has just ended in the kindergarten classroom, but one bowl of porridge hasn’t even been tasted. The methods of the strict teacher are in obvious endanger.
LINE
2010 | Hyeong-ik Park & Hong-ran Yoon | Kangwon National University | South Korea DIGITAL | 4:38 | Undergraduate Animation | Other
A sense of dissension arises between a man and a woman who are neighboring just across a thin wall.
LONE WOLF ‘KEEP YOUR EYES ON THE ROAD’ 2010 | Ashley Dean | Broken Pixel | UK | DIGITAL | 4:49 | Music Video | 2D Computer
A tribute to Peter Gabriel’s seminal video ‘Sledgehammer.’ Many scenes from the original were re-created, plus lots of new ideas were used to fit the lyrics of Lone Wolf’s ‘Keep Your Eyes On The Road.’
LITTLE DEATHS
2010 | Ruth Lingford | USA | DIGITAL | 11:00 | Experimental/Abstract Animation 2D Computer
An animated exploration of the experience of orgasm.
BORN HIV FREE ‘BABY IN THE SKY’
2010 | Jack-Antoine Charlot (Bonzom) | Passion Paris | France | DIGITAL | 2:00 Promotional Animation | 2D Computer
Plucked from its peaceful placenta by a luminescent bird-firefly (symbol of global funding), a newborn baby will be guided by this strange bird through fairytale worlds.
WAKARANAI BUTA (IN A PIG’S EYE)
2010 | Atsushi Wada | Tokyo University of the Arts | Japan | 35MM | 10:10 | Graduation Animation | Pencil on paper
There is a house. It is very ordinary house. And a man’s family lives in the house. It is a very ordinary family except that a huge pig is lying down in front of the house.
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WETTESSEN (CHOW DOWN)
2010 | Matthias Daenschel | Matthias Daenschel / TrickFilmProduktion | Germany DIGITAL | 4:00 | Music Video | Pixilation, Cut-outs, Clay
QUARK SPÄTZLE PEACH ICE CREAM LYONER HAMBURGERS CARROTS MEAT SALAMI GREEN SPELT EGGS SALMONELLAS CRACKER PIZZA BROCCOLI RHUBARB CANNELONI CHOW CHOW CHOW DOWN
GOING WEST
2009 | Martin Andersen & Line Andersen | Andersen M. Studio | New Zealand | DIGITAL 2:06 | Promotional Animation | Other
Going West was animated to show the experience of being absorbed in a good book using one’s imagination.
THE TANNERY
2010 | Iain Gardner | Axis Animation | Scotland | DIGITAL | 5:30 | Narrative Short Animation | Pencil on paper, 3D Computer, 2D Computer
A recently deceased fox has a life-after-death experience.
NIGHT PEOPLE
2009 | Matt Greenwood | Australia | DIGITAL | 6:11 | Undergraduate Animation | Other, Flash, 2D Computer
Leopold chases a mysterious girl through a bizarre forest.
UGLY AMERICANS ‘AN AMERICAN WEREWOLF IN AMERICA’
2010 | Aaron Augenblick & Devin Clark | Augenblick Studios / Cuppa Coffee Studios | USA / Canada | DIGITAL | 21:30 | Television Animation for Adults | Flash, 2D Computer
Mark tries to teach a werewolf and its victim a lesson in trust. Leonard pursues his dream of becoming a famous magician.
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SHORT COMPETITION 5 Sponsored by / Commandité par Chuck Gammage Animation Thursday, October 21, 1:00pm (ByTowne) Saturday, October 23, 9:15pm (ByTowne) – GALA Saturday, October 23, 9:45pm (Arts Court Theatre) Sunday, October 24, 1:00pm (ByTowne)
ABSTRACT CUT-OUTS
2009 | CSSSA Class of 2009 | CSSSA Animation Dept. | USA | DIGITAL | 5:00 | High School Animation | Cut-outs
Collaborative abstract cut-out animation made by our 52 animation students.
MUZORAMA
2009 | Elsa Brehin, Raphaël Calamote, Mauro Carraro, Maxime Cazaux, Emilien Davaud, Laurent Monneron & Axel Tillement | La Station Animation | France | DIGITAL | 3:15 Narrative Short Animation | 3D Computer
A journey into the world of the illustrator Muzo.
TORD OCH TORD (TORD AND TORD)
2010 | Niki Lindroth von Bahr | Sweden | DIGITAL | 11:00 | Narrative Short Animation Stop-motion and puppets
One day Tord accidentally walks into the apartment next to his own. Another person named Tord lives there.
BLOCKHEAD ‘THE MUSIC SCENE’
2010 | Anthony Schepperd | The Manimator | USA | DIGITAL | 5:21 | Music Video | 2D Computer
The official music video for Blockhead’s ‘The Music Scene’ explores levels of selfawareness through the synchronized movement of line and color.
SEA FEVER
2009 | Tom Massey & Daisy Gibbs | The Arts University College at Bournemouth | UK DIGITAL | 3:03 | Undergraduate Animation | Rotoscope, Pencil on paper, 2D Computer, Other
As death approaches, an old man struggles to recall the words of a forgotten poem. As the misplaced words return, his mind is filled with lucid imagery.
HOLLAND ANIMATION FILM FESTIVAL LEADER 2009 2009 | Motomichi Nakamura | USA | DIGITAL | 0:36 | Promotional Animation | 2D Computer
The director of this cyclical trailer made it fast-paced and detailed so that viewers would be tempted to watch it over again.
LA FORMATION DES NUAGES (THE FORMATION OF CLOUDS)
2010 | Marie-Helene Turcotte | National Film Board of Canada | Canada | 35MM | 10:06 Narrative Short Animation | Ink on paper
A delicate, sensitive evocation of burgeoning desire, La formation des nuages follows the steps of a young girl in the midst of transformation, clearly delineating that odd moment when one is no longer a child, but not yet an adult either.
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PLAYGROUND
2010 | Mirai Mizue | Japan | DIGITAL | 3:50 | Experimental/Abstract Animation | Pencil on paper, Ink on paper
The innocent world of a child. The continuous nature of life. The clash of order and chaos, unity and division. All these images are joined by improvised animation in Mirai Mizue’s Playground.
WHITE TAPE
2010 | Uri Kranot & Michal Kranot | Tindrum Animation (Israel) / The Animation Workshop (Denmark) | Israel / Denmark | DIGITAL | 02:08 | Experimental/Abstract Animation Photocopies, Pencil on paper, Other
Based on five seconds of footage from the project “Shooting Back,” which gave Palestinians video cameras to document life under occupation.
THE SURFRIDER FOUNDATION ‘RISE ABOVE PLASTICS’
2009 | Aaron Sorenson | LAIKA / house | USA | DIGITAL | 0:30 | Promotional Animation Cel, 3D Computer
Focuses on a gray whale as he swims through a plastic-polluted ocean desperate to reach the open surface.
YELLOW CAKE
2009 | Nick Cross | Do It For Me Productions | Canada | DIGITAL | 8:33 | Narrative Short Animation | 2D Computer
Tells the tale of a small town of happy little bakers driven to violence by the greed of their leader and cake-hungry fat cats.
DER KLEINERE RAUM (THE SMALLER ROOM)
2010 | Cristobal Leon & Nina Wehrle | Switzerland | DIGITAL | 2:20 | Experimental/Abstract Animation | Animated Objects
In a room there is a box. In the box there is a forest. In the forest there is a lost child. Living beings made of paper appear and vanish.
SORRY FILM NOT READY
2010 | Janet Perlman | Hulascope Studio Inc. | Canada | DIGITAL | 0:56 | Experimental/ Abstract Animation | Puppets, Cut-outs, Animated Objects, 2D Computer
A film that does not yet fully exist, using invisible animation techniques.
HORSE GLUE
2010 | Stephen Irwin | UK | DIGITAL | 7:00 | Narrative Short Animation | Ink on paper, 2D Computer
HORSE is a miniature war film that follows a frightened soldier after a bloody battle in which he is the lone survivor. GLUE tells the story of an abandoned child left to fend for himself in the woods.
RONDO
2009 | Yin Ko Lee | Canada | DIGITAL | 3:47 | Narrative Short Animation | Pencil on paper, 2D Computer
Struggles, routines and values are questioned, proving it is up to us to establish our ideal life.
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SHORT COMPETITION 5: CONTINUED GET REAL!
2010 | Evert de Beijer | CinéTé Filmproduktie BV | Netherlands | 35MM | 11:57 | Narrative Short Animation | 3D Computer, 2D Computer
A high school student is addicted to a computer game. His addiction comes at the cost of his sense of reality, until a girl in his class gives him a real kiss.
MY NEIGHBOURHOOD HAS BEEN OVERRUN BY BABOONS
2010 | Cameron Edser & Michael Richards | GooRoo Animation | Australia | DIGITAL | 4:00 | Music Video | Clay
What if you woke up one morning and baboons had overrun your neighbourhood? Would you go bananas?
FANTOCHE
9TH INTERNATIONAL ANIMATION FILM FESTIVAL BADEN /SWITZERLAND IN SEPTEMBER 2011 WWW.FANTOCHE.CH
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SHORT FILM FOR KIDS COMPETITION Sponsored by / Commandité par Nelvana Saturday, October 23, 11:00am (Museum of Civilization) – GALA Sunday, October 24, 3:00pm (Arts Court Theatre)
1000 TIMES NO
2009 | Tom Warburton | Curious Pictures | USA | DIGITAL | 1:48 | Short Animation for Children | 2D Computer
“It’s time to leave,” says Noah’s mother, but Noah shouts “NO!” And he doesn’t stop there. He tells her in Latin, Dutch, Japanese and even in Robot.
COUCOU
2010 | Brigitte Archambault | Canada | DIGITAL | 7:20 | Short Animation for Children 2D Computer
Coucou recounts the adventures of a detective on the hunt for a cuckoo bird who has escaped from his clock.
CUL DE BOUTEILLE (SPECKY FOUR EYES)
2010 | Jean-Claude Rozec | Vivement Lundi ! / Blink Productions | France | DIGITAL | 9:15 Short Animation for Children | 2D Computer
Arnold must wear glasses. He hates them and prefers the ever-changing world of his near-sightedness, a world populated by monsters, unicorns and other chimeras.
DIVERSITY
2010 | Anthony Dusko | USA | DIGITAL | 1:05 | Short Animation for Children | Ink on paper, 2D Computer
Part of the "Question of the Day" series, this film is an all-too-often-needed lesson on accepting others who are different from you.
DON’T GO
2010 | Turgut Akaçik | Anima Istanbul | Turkey | DIGITAL | 3:51 | Short Animation for Children | Other, 3D Computer
There are some things you cannot see, even with your eyes wide open. Often, these are cats’ best friends.
LA NINA QUE TENÍA UNA SOLA OREJA (THE GIRL WHO HAD ONLY ONE EAR)
2009 | Alvaro Leon | Ruben Coca, P.C. | Spain | 35MM | 13:00 | Short Animation for Children Puppets, Ink on paper, Cut-outs, Animated Objects
All children have two eyes, a nose, a mouth, two ears and ten fingers…or perhaps not? Allegra is going to discover that there are children of all kinds.
LA TRAVERSÉE
2010 | Elise Simard | Productions Dark Holiday | Canada | DIGITAL | 4:30 | Short Animation for Children | Pencil on paper, Pastel on paper, Paint on Glass, Ink on paper, Cut-outs, Cel, 2D Computer
The film follows a boy as he embarks upon a voyage into the night.
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SHORT FILM FOR KIDS COMPETITION: CONTINUED LET HIM PLAY
2009 | Yulia Mikushina | OOO M.I.R. | Russia | DIGITAL | 3:00 | Short Animation for Children Pencil on paper
A film about the catastrophic consequences of a boy’s love of music.
LIKE A WINDY DAY
2009 | Michael Sporn | Michael Sporn Animation, Inc. | USA | DIGITAL | 2:29 | Short Animation for Children | Ink on paper, 2D Computer
A young girl discovers all the things the wind can do, by playing and dancing along with it.
PLAY BALL
2009 | Jennifer Oxley | USA | DIGITAL | 1:45 | Short Animation for Children | Pencil on paper, 2D Computer
A little girl comes up with a creative solution to retrieve her ball from the center of a pond.
THE LOST THING
2010 | Andrew Ruhemann & Shaun Tan | Passion Pictures Australia | Australia | DIGITAL 15:00 | Short Animation for Children | 3D Computer
A boy finds a strange creature on a beach and decides to find a home for it in a world where everyone believes there are far more important things to pay attention to.
THE PLANT
2009 | Jennifer Oxley | USA | DIGITAL | 1:45 | Short Animation for Children | Pencil on paper, 2D Computer
A little girl comes up with a creative solution to retrieve her kite from a tall tree.
WOLLMOND (KNITTED NIGHTS)
2009 | Gil Alkabetz | Sweet Home Studio | Germany | DIGITAL | 6:30 | Short Animation for Children | Pencil on paper
An ambitious grandma wants to knit a sweater for the moon, but forgets to calculate the waning and waxing of her “customer.”
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TV FOR KIDS COMPETITION Thursday, October 21, 1:00pm (Arts Court Theatre) Saturday, October 23, 9:30am (Museum of Civilization) – GALA
C’EST DU CHINOIS
2010 | Isabelle Lenoble | Vivement Lundi ! / Blink Productions | France | DIGITAL | 3:33 Television Animation for Children | 2D Computer
The trickster dragon that accompanies Lucy everywhere loves to nick everything and anything. Whether it be her book or cat, he will return the stolen objects only if Lucy accepts his challenge: to write the Chinese ideogram for each stolen object.
PINBALL NUMBER 12 REANIMATED
2010 | Abbey Luck | USA | DIGITAL | 1:08 | Television Animation for Children | Animated Objects, 2D Computer
Remake of the classic Pinball Number 12 animation from Sesame Street, featuring music by Perrin Cloutier of the band Beirut.
ROB THE ROBOT ‘ROCKET BAND’
2010 | Phillip Stamp | Amberwood Entertainment | Canada | DIGITAL | 11:45 | Television Animation for Children | 3D Computer
Follows the adventures of Rob and his friends as they explore the fantastical planets of the Robot Galaxy, which are ripe with humour and fun. This episode is about a group that forms a rock band.
SPLICED ‘HELEN’
2009 | Matt Ferguson | Nelvana Limited | Canada | DIGITAL | 22:00 | Television Animation for Children | 2D Computer |
Spliced follows the adventures of a neighborhood of mismatched mutants as they attempt to recreate what they can only imagine a normal society to be like.
THE GRUFFALO
2009 | Max Lang & Jakob Schuh | UK | DIGITAL | 26:54 | Television Animation for Children Other
A magical tale of a mouse that takes a stroll though the woods and encounters three predators who all wish to eat him – a fox, an owl and a snake. Will the plucky mouse survive?
THEY MIGHT BE GIANTS ‘CELLS’
2009 | David Cowles & Jeremy Galante | USA | DIGITAL | 2:42 | Television Animation for Children | Flash
Video for the They Might Be Giants song ‘Cells' from Here Comes Science.
THEY MIGHT BE GIANTS ‘ELECTRIC CAR’
2009 | Ru Kuwahata & Max Porter | Tiny Inventions | USA | DIGITAL | 3:30 | Television Animation for Children | Cut-outs, 2D Computer
Electric Car is a music video from They Might Be Giants that uses mixed media animation. Animals come out of hiding as an electric car rolls silently across the landscape.
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INTERNATIONAL SHOWCASE 1 Saturday, October 23, 1:00pm (National Gallery) Sunday, October 24, 11:00am (ByTowne)
MONSTRE SACRÉ
2010 | Jean-Claude Rozec | France | DIGITAL | 9:35 | Narrative Short Animation | 2D Computer
A dragon becomes a media sensation. Wrongly assumed to be a bloodthirsty and ferocious creature, he soon finds himself lost in the urban jungle.
MUSHROOM THIEF
2010 | Joan Ashworth | Seed Fold Films | UK | DIGITAL | 7:12 | Narrative Short Animation Puppets, Pixilation
Swimming through a green meadow collecting mushrooms a girl meets her wildness in the grass. The girl wrestles with her wildness in the form of a hare.
TUSSILAGO
2010 | Jonas Odell | FilmTecknarna Fiction AB | Sweden | 35MM | 14:00 | Narrative Short Animation | Live-action, Rotoscope, 2D Computer, Pencil & ink on paper, Other
West German terrorist Norbert Kröcher was arrested in Stockholm on March 31, 1977. He was leading a group planning to kidnap Swedish politician Anna-Greta Leijon. One of the people arrested was Kröcher's ex-girlfriend, “A.” This is her story...
HOUSE BUNNY
2010 | Gina Kamentsky | Pixeltoon | USA | DIGITAL | 1:30 | Experimental/Abstract Animation | Engraving on Film
Drawn directly on film, House Bunny explores relationships between rhythm, surface and representation.
LES VENTRES (THE BELLIES)
2009 | Philippe Grammaticopoulos | Haidouk Films | France | DIGITAL | 16:40 | Narrative Short Animation | 3D Computer
In an industrialized society where men eat nothing but genetically modified food, plates reveal many surprises…
SCHLAF (SLEEP)
2010 | Claudius Gentinetta & Frank Braun | gentinettafilm | Switzerland | 35MM | 4:07 Experimental/Abstract Animation | Pencil on paper
A lullaby with closed eyes for a silent decline.
NESPAVANJE NE UBIJA (NO SLEEP WON'T KILL YOU) 2010 | Marko Meštrovic | Kreativni Sindikat & Zagreb film | Croatia | DIGITAL | 9:00 Narrative Short Animation | Pencil on paper, Other
What happens when dreams take over reality?
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TICK TOCK TALE
2010 | Dean Wellins | Walt Disney Animation Studios | USA | 35MM | 6:02 | Narrative Short Animation | 3D Computer
An exhausted shopkeeper closes his sleepy store of antique timepieces one evening, little aware of the life and magic of the inventions that surround him.
I LOVE YOU
2010 | Katy O'Connor | Flat Black Films | USA | DIGITAL | 1:47 | Experimental/Abstract Animation | Rotoscope, 2D Computer
A young couple has just begun to say, “I love you.” But does it mean anything, and is the sentiment true?
THE HARD-ONS 'IN THE END WE ALL DIE ALONE'
2010 | Mark Gravas | Kapow Pictures | Australia | DIGITAL | 4:20 | Music Video | 2D Computer
A music video set in Hell to The Hard-Ons' track 'In the End We All Die Alone.'
“One of Canada’s
hotter film events”
— VARIETY
INTERNATIONAL FILM FESTIVAL
MONTREAL
July 2011 www.fantasiafestival.com
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INTERNATIONAL SHOWCASE 2 Thursday, October 21, 1:00pm (Empire Theatres – Rideau) Saturday, October 23, 5:00pm (ByTowne)
CYMO KAY
2009 | Tim Finn | USA | DIGITAL | 1:10 | Experimental/Abstract Animation | 2D Computer
A brief, abstract meditation on the components of four color off-set printing using closeup Ben-Day dots in four hues: cyan, yellow, magenta and black.
JEAN-FRANÇOIS
2009 | Tom Haugomat & Bruno Mandyoku | CUBE CREATIVE COMPUTER COMPANY |France | DIGITAL | 5:47 | Narrative Short Animation | 2D Computer
A massive champion swimmer competes against an undertow of childhood memories.
COURS TOUJOURS
2009 | Olivier Barré & Elise Garcette | La Station Animation | France | DIGITAL | 1:48 Narrative Short Animation | 3D Computer
An intrepid creature launches itself into a frenetic race in pursuit of a bird that will lead it into some strange situations…
EGO SUM PETRUS
2010 | Julien Dexant | Les Trois Ours | France | 35MM | 4:15 | Narrative Short Animation Pastel on paper, Cut-outs
Petrus, an old poet, lives in his “poetry boutique.” He is practically a hermit, glued to his typewriter in a dark and filthy office. But cynicism and hatred have paralyzed his inspiration…
GORILLAZ 'STYLO'
2009 | Jamie Hewlett | Zombie Flesh Eaters (with Passion Pictures for animation and HSI Productions for live action) | UK | DIGITAL | 5:00 | Music Video | 3D Computer
Combining live action and animation, this music video is co-directed by Jamie Hewlett and Pete Candeland and features a guest appearance by Bruce Willis.
MUNJIAI (DUST KID)
2009 | Yumi Jung | Cinema Platform | South Korea | 35MM | 10:00 | Narrative Short Animation | Pencil on paper, 2D Computer
Cleaning every corner of her room, Eujin keeps finding dust kids. Just when she thinks she has cleaned her room and the dust kids are all gone, she comes face-toface with another one…
MM OH AH 'EL DIABLO DIGITAL'
2009 | Till Penzek & Jon Frickey | SFA | Germany | DIGITAL | 2:48 | Narrative Short Animation | 3D Computer, 2D Computer
A music video for the band MM OH AH.
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TO SWALLOW A TOAD
2010 | Jurgis Krasons | RIJA FILMS | Latvia | 35MM | 10:00 | Narrative Short Animation 2D Computer
Once some “round” intellectuals lived in a small town. They were smart, kind and successful. The reason for their success – they could swallow toads.
THE THING IN THE DISTANCE
2009 | Elliot Cowan | USA | DIGITAL | 5:34 | Narrative Short Animation | 2D Computer
Far, far on the horizon, something rears its ugly head. Or does it? Is it really there? Paranoia, obsession and hot tea are the name of the game in this new, stressful adventure.
A LOST AND FOUND BOX OF HUMAN SENSATION
2010 | Martin Wallner & Stefan Leuchtenberg | Dancing Squirrel / Lailaps Pictures Germany | DIGITAL | 14:50 | Narrative Short Animation | 3D Computer, 2D Computer
A young man’s father dies of cancer and the boy has to cope with the loss. The film begins with the funeral and shows how feelings change throughout the years.
DAY AND NIGHT
2010 | Teddy Newton | Pixar Animation Studios | USA | 35MM | 6:00 | Narrative Short Animation | 2D Computer
When Day, a sunny fellow, encounters Night, a stranger of distinctly darker moods, sparks fly! Despite getting off on the wrong foot, they soon discover each other’s unique qualities—realizing that each offers a different window onto the same world.
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CANADIAN FILM SHOWCASE
Thursday, October 21, 11:00am (Empire Theatres – Rideau) Friday, October 22, 3:00pm (Arts Court Theatre) Saturday, October 23, 3:00pm (National Gallery)
THE COLLAGIST
2009 | Amy Lockhart | Canada | DIGITAL | 2:00 | Experimental/Abstract Animation Puppets, Pencil on paper, Ink on paper, Cut-outs
This animation began while observing collage artist Marc Bell, as he endeavored to complete his work. The filmmaker interpreted and translated the beauty of toiling hands, the movement of scissors and even coffee cup spillage.
FLAWED
2010 | Andrea Dorfman | National Film Board of Canada | Canada | 35MM | 12:28 Narrative Short Animation | Pixilation, Other
Flawed is a charming little film about very big ideas. Tracing an encounter with a potential romantic partner, a girl questions her attraction to a boy and the uneasy possibility of love.
LE CIRQUE (THE CIRCUS)
2010 | Nicolas Brault | National Film Board of Canada & Folimage | Canada / France 35MM | 7:00 | Narrative Short Animation | Other
In the vestibule of a hospital room, a young boy waits to see his dying mother. The clamor and spiraling movements of bodies around him form a grotesque circus.
RAY CONDO'S CRAZY MIXED UP WORLD
2010 | Deb Dawson | Canada | DIGITAL | 4:07 | Narrative Short Animation | Flash, 2D Computer
An irreverent Flash-animated homage to the late, great Canadian musician/ bandleader, Ray Condo (a.k.a Raymond Tremblay).
O.
2010 | Jonny Ostrem | Emily Carr University | Canada | DIGITAL | 4:30 | Undergraduate Animation | 3D Computer
Comprised of a small selection from more than 150 sequences expressing a personal vision and plotting a future conceptual trajectory.
NASA 'SPACIOUS THOUGHTS'
2010 | Fluorescent Hill | Canada | DIGITAL | 4:25 | Music Video | 3D Computer, 2D Computer
A junkyard city becomes the playground for an ominous cloud and its multipersonality host.
LA TRANCHÉE (THE TRENCHES)
2010 | Claude Cloutier | National Film Board of Canada | Canada | 35MM | 6:52 | Narrative Short Animation | Rotoscope, Other
It's World War I. When the signal is given, a young recruit jumps out into a Hell of blood and fire where the earth engulfs both the living and the dead.
LES NOCTURNES
2010 | Marjorie Lemay | Mel Hoppenheim School of Cinema | Canada | DIGITAL | 1:50 Undergraduate Animation | Paint on Glass, Engraving on Film, Cut-outs
A fragment of life at night. Wild feathered and furred creatures create poetry with their movements and their cries.
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THE EMPRESS
2009 | Lyle Pisio | Canada | DIGITAL | 8:25 | Narrative Short Animation | Puppets, Animated Objects
Trevor and Martha see each other across a dingy bar and fall in love. The couple’s shyness is only overcome in a mutual dream where their shadows dance together.
BUSINESS AS USUAL
2010 | Carol Beecher & Kevin D.A. Beecher | Fifteen Pound Pink Productions | Canada | DIGITAL | 3:45 | Narrative Short Animation | 2D Computer Business as Usual is an animated calaveras to the people of Earth, a darkly comic look at life in the city in the year 2110.
INNER VIEW
2009 | Patrick Jenkins | Canada | 35MM | 2:00 | Experimental/Abstract Animation Paint on Glass
An animated homage to the art of Canadian artist Kazuo Nakamura.
SONAR
2009 | Renaud Hallée | Canada | DIGITAL | 2:40 | Experimental/Abstract Animation | Flash
A simple rhythmic cycle evolves into a complex soundscape with its own logic and language.
LITTLE THUNDER
2009 | Nance Ackerman & Alan Syliboy | National Film Board of Canada | Canada DIGITAL | 2:59 | Narrative Short Animation | Other
Follows Little Thunder as he reluctantly leaves his family and sets out on a crosscountry canoe trip to become a man.
ALAMBIC
2010 | Marie Bloch-Laine | Mel Hoppenheim School of Cinema | Canada | DIGITAL | 4:18 Graduation Animation | 2D Computer
A man confronts himself through a strange drinking experience.
ROAD REGRETS
2009 | Jon Busby | Blatant Studios | Canada | DIGITAL | 4:42 | Music Video | Animated Objects, 3D Computer, 2D Computer
This animated video for Dan Mangan’s hit single uses both 3D and 2D techniques to illustrate the story of an old Ford Model T and its adventures traversing various terrains.
LIPSETT DIARIES
2010 | Theodore Ushev | National Film Board of Canada | Canada | 35MM | 14:03 Narrative Short Animation | Pencil on paper, Other
Depicts the maelstrom of anguish that tormented Arthur Lipsett, a famed Canadian experimental filmmaker who died at the age of 49.
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STUDENT SHOWCASE Friday, October 22, 7:00pm (National Gallery) Saturday, October 23, 11:00am (National Gallery)
PAPER DREAMS
2010 | Kenneth Onulak | Rhode Island School of Design | USA | DIGITAL | 2:50 Undergraduate Animation | Pencil on paper, Cut-outs, 2D Computer Through colorful frames and cutout paper a world of dreams is realized.
MAKE, BELIEVE
2010 | Brent Young | University of the Arts | USA | DIGITAL | 4:40 | Undergraduate Animation | Rotoscope, Puppets, Pixilation, Pencil on paper, Other, Cut-outs, Clay, 3D Computer, 2D Computer
An animated documentary bringing the childhood stories of a few individuals to life.
BROKEN WAVE
2009 | Chris Allen | The Arts University College at Bournemouth | UK | DIGITAL | 2:53 Undergraduate Animation | Pencil on paper, Ink on paper, 2D Computer
“Everything we have ever done or been involved in, is there in our memory somewhere, all you need is a trigger.” – Granddad
YUBI WO NUSUNDA ONNA (WOMAN WHO STOLE FINGERS)
2010 | Saori Shiroki | Tokyo University of the Arts | Japan | DIGITAL | 4:15 | Graduation Animation | Paint on Glass
One day, a boy who separated from his mother's hand is deprived of his fingers. How does a boy who is deprived of his fingers grow up?
TIULIS (THE TULLE CURTAIN)
2009 | Darius Jarusevicius & Inna Shilina | Vilnius Academy of Arts | Lithuania | DIGITAL 6:59 | High School Animation | Ink on paper
A light tulle curtain, a metaphor for the Iron Curtain, divides the animated space in two parts, left and right. Different metamorphoses occur.
DER PRAEZISE PETER (PRECISE PETER)
2010 | Martin Schmidt | University of Art and Design Kassel, Germany | Germany | DIGITAL | 5:35 | Graduation Animation | 3D Computer
Since the birth of his junior, precise Peter has been looking forward to this day! Finally the little tyke will be introduced to the subtleties of the family ritual.
FUKU WO KIRUMADE (GETTING DRESSED)
2010 | Aico Kitamura | Tokyo University of the Arts | Japan | 35MM | 9:17 | Graduation Animation | Pencil on paper
As we get up in the morning and put on clothes, we are alive in a social system. However, even if you escape from the system, the day you have to return will come.
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VILIAM
2009 | Veronika Obertova | Academy of Fine Arts and Design, Bratislava, Slovakia DIGITAL | 7:19 | Graduation Animation | Puppets, Pixilation, Ink on paper
A story of Viliam, who lives an animated life within the real world. Childish fun turns into a problem; the problem becomes a solution. No solution is perfect though.
TERRA FIRMA
2010 | Ted Wiggin | Rhode Island School of Design | USA | DIGITAL | 5:20 | Undergraduate Animation | Pencil on paper, Cut-outs, 2D Computer
A grim fable about a mole in the grass.
SOBACHJA PLOSHCHADKA (DOG-WALKING GROUND)
2009 | Leonid Shmelkov | School-Studio “SHAR” | Russia | DIGITAL | 7:56 | Graduation Animation | Ink on paper
A little story about specific inhabitants on the dog-walking path.
THE WIND-UP LIFE
2010 | Yi-Jen Chen | Taiwan | DIGITAL | 5:07 | Graduation Animation | 2D Computer
The film depicts the connection between what we dream at night and the stress we feel during the day.
CLIMBER
2010 | Akifumi Nonaka | Tokyo University of the Arts | Japan | DIGITAL | 5:49 | Graduation Animation | Pencil on paper
Climbers grapple with a huge stone pillar, wasting their precious time.
EDGE OF THE MOUNTAIN
2009 | Clara Kim | School of the Art Institute of Chicago | USA | DIGITAL | 5:05 | Narrative Short Animation | Ink on paper, 2D Computer
Depicts the tense relationship between three beings that attempt to develop a sense of individuality while maintaining a harmonious group dynamic.
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TAC CANADIAN TV SHOWCASE Thursday, October 21, 3:00pm (Arts Court Theatre)
STELLA AND SAM
2010 | Raymond Jafelice & Dave Merritt | Radical Sheep Productions Inc. | Canada DIGITAL | 22:15 | Television Animation for Children | 2D Computer
With wild red hair and an imagination to match, nine year old Stella is truly a “star” in the eyes of her four year old brother Sam. He feels lucky to have a big sister like Stella, who does ninety-nine things a day and wouldn’t dream of leaving Sam out of the fun!
THE DATING GUY ‘24-ISH’
2010 | Jamie Whitney & Joseph Sherman | marblemedia | Canada | DIGITAL | 23:00 Television Animation for Adults | 2D Computer
An adult animated comedy featuring four friends, Mark, Woody, Sam and VJ, in their weekly hunt for love…or at least some kind of “happy ending.”
THE CAT IN THE HAT KNOWS A LOT ABOUT THAT!
2010 | Tony Collingwood | Portfolio Entertainment Inc/Collingwood O’Hare Productions Canada / UK | DIGITAL | 24:00 | Television Animation for Children | Flash, 2D Computer
In this preschool series, The Cat in the Hat whisks children off on a voyage of scientific discovery!
IT’S ALWAYS SUNNY IN PHILADELPHIA ‘A VERY SUNNY CHRISTMAS’
2009 | Andrew Horne & Fred Savage | Cuppa Coffee Studios | USA / Canada | DIGITAL 2:40 | Television Animation for Adults | Puppets
An animated segment from the show It’s Always Sunny in Philadelphia Christmas episode. Frank (Danny Devito) is knocked unconscious and has to endure his family and friends seeking their Christmas revenge for his miserable grincihiness.
DOODLEBOPS ROCKIN’ ROAD SHOW ‘RACE DAY’
2009 | Cookie Jar Entertainment | Canada | DIGITAL | 22:00 | Television Animation for Children | 2D Computer
Preschoolers can join Deedee, Rooney and Moe Doodle on their vibrant, fun-filled musical adventures. Each episode features two new original songs by the cast members of the live-action series.
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FAMILY EVENTS SCHEDULE WEDNESDAY, OCTOBER 20 7:00pm
The Illusionist (ages 12+)
THURSDAY, OCTOBER 21
ByTowne
9:45am
FREE! Animation Celebration (ages 8-12) Pre-registration required 613.232.8769
National Gallery
11:00am
FREE! Animation Celebration (ages 8–12) Pre-registration required 613.232.8769
National Gallery
FRIDAY, OCTOBER 22 9:30am
Animation School Fair Presentations Pre-registration required 613.232.8769
National Gallery
9:15pm
The Genius of Osamu Tezuka (ages 10+)
Museum of Civilization
9:15pm
The Illusionist (ages 12+)
Empire Theatre - Rideau Centre
SATURDAY, OCTOBER 23 * Family day at the Museum of Civilization 9:00am to 5:00pm
Animation School Fair
Arts Court Studio
9:30am to 4:30pm
FREE! Day-long NFB Animation Workshop for Teens Pre-registration required 613.232.8769
IFCO
9:30am
TV for Kids (ages 4-12)
Museum of Civilization
11:00am
Short Films for Kids (ages 4-12)
Museum of Civilization
3:00pm
The Genius of Osamu Tezuka (ages 10+)
Museum of Civilization
7:00pm
The Illusionist (ages 12+)
Empire Theatre - Rideau Centre
SUNDAY, OCTOBER 24 * Family day at Arts Court
(Independent Filmmakers Cooperative of Ottawa)
9:00am to noon
Animation School Fair
Arts Court Studio
9:30am
FREE! NFB Family Workshop - McLaren Workshop Pre-registration required 613.232.8769
IFCO
11:00am
FREE! Jen Gould: DVD Launch Party (ages 4-12)
Arts Court Theatre
1:00pm
FREE! Skatoony: TELETOON’s new game show! Live! (ages 8-14) To reserve a seat call 613.564.7240
Arts Court Theatre
1:30pm
FREE! NFB Family Workshop - McLaren Workshop Pre-registration required 613.232.8769
IFCO
3:00pm
Short Films for Kids Competition To reserve a seat call 613.564.7240
Arts Court Theatre
(Independent Filmmakers Cooperative of Ottawa)
(Independent Filmmakers Cooperative of Ottawa)
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ACTIVITIES FOR TEENS There are a number of activities we’ve created just for teens at this year’s Festival (but you might want to check out all the other stuff too). Unless indicated, most screenings are appropriate for teens. Nous avons créé plusieurs activités juste pour les ados cette année au Festival (mais vous voudrez sans doute aussi jeter un oeil aux autres activités). Sauf avis contraire, la plupart des représentations sont appropriées pour les spectateurs adolescents. ANIMATION SCHOOL FAIR with PRESENTATIONS at the National Gallery / FOIRE DES ÉCOLES D’ANIMATION avec PRÉSENTATIONS AU Musée des beaux-arts Friday, October 22, 9:45am to 4:30pm (National Gallery) vendredi, le 22 octobre, 9h45 à 16h30 (Musée des beaux-arts) Pre-register your group (613-232-8769) If you are interested in a career in animation, this is the ideal event for you. See presentations by animation schools from across the country, meet one-on-one with school representatives at their information tables in the lobby and catch two specially programmed screenings. Si une carrière en animation vous intéresse, voici l’événement idéal. Assistez à des présentations données par des écoles d’animation de tout le pays, rencontrez seul à seul leurs représentants à leurs tables d’information dans le hall d’entrée et participez à deux projections spécialement programmées. SCHEDULE/ PROGRAMME: 9:45am – 10:15am Max the Mutt Animation School 10:30am – 11:00am Sheridan College 11:00am – 12:30pm Free Screening: International Showcase 2 1:00pm – 1:30pm Algonquin College 1:45pm – 2:15pm Vancouver Film School 2:30pm – 3:00pm Emily Carr University 3:00pm – 4:30pm Free Screening: Student Showcase Also in attendance: Durham College Animation and Carleton’s Bachelor of Information Technology (BIT)
ANIMATION SCHOOL FAIR at the Arts Court / FOIRE DES ÉCOLES D’ANIMATION à la Cour des arts Saturday, October 23, 9:00am to 5:00pm (Arts Court – Studio) Sunday, October 24, 9:00am to 12:00pm (Arts Court – Studio) samedi, le 23 octobre, 9h00 à 17h00 (Cour des arts – studio) dimanche, le 24 octobre, 9h00 à 12h00 (Cour des arts – studio) All the leading animation schools will be waiting to meet with teens interested in pursuing a career in animation. While you are there, browse our Aniboutique for books, DVDs, t-shirts and more. Toutes les écoles d’animation de première classe préparent la rencontre des spectateurs adolescents qui veulent poursuivre une carrière dans le dessin animé. Pendant que vous y êtes, faites vos courses à l’aniboutique où vous pourrez trouver des livres, des t-shirts et bien d’autres choses.
FREE! TEEN HANDS-ON WORKSHOP / ATELIER PRATIQUES POUR ADOS Presented by the National Film Board of Canada / Présenté par l’Office national du film Pre-registration required (613-232-8769) INTRODUCTION TO ANIMATION / INTRODUCTION À L’ANIMATION Saturday, October 23, 9:30am – 4:30pm (IFCO) samedi, le 23 octobre, 9h30 à 16h30 (IFCO) An intense initiation to animation. Each team will study the steps involved in the creation of an animated short film. This will enable them to discover and explore the principles of animation. On each set, an animator from the NFB CinéRobothèque will be on hand to guide each team in this incredible endeavor. At the end of the day, each team will have created an animated short film! Journée intensive d’initiation à l’animation Tout en explorant et en découvrant les principes de l’animation, chaque équipe participera à la création d’un scénarimage, à la fabrication de personnages en pâte à modeler, puis au tournage d’un film. Pour le tournage, chaque équipe sera encadrée par un animateur de la CinéRobothèque de l’ONF. En une seule journée, les participants réussiront un tour de force : celui de créer un petit film animé!
WWW.TOONAPPRENTICE.CA
OUR NEW WEBSITE FOR KIDS & TEENS! / NOTRE NOUVEAU SITE WEB POUR ENFANTS ET ADOS!
MADE POSSIBLE THROUGH A GENEROUS GRANT FROM THE ONTARIO TRILLIUM FOUNDATION/ QUI A ÉTÉ RENDU POSSIBLE GRÂCE À UN DON GÉNÉREUX OFFERT PAR LA FONDATION TRILLIUM DE L’ONTARIO For kids, it’s about festival programming for families, where to go for FREE hands-on workshops and, in the near-future, fun games, activities and video. For teens, it’s information
about animation schools, a place to register for the FREE Toon Apprentice Pass and recommendations for the best screenings at the festival.
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ACTIVITIES FOR KIDS & FAMILY Give your family the red carpet treatment and take them to kid-friendly screenings at a world-class film festival. Mark the dates on your calendar! Déroulez le tapis rouge pour les membres de votre famille et emmenez-les voir des projections destinées aux enfants à un festival de film de classe internationale. Recherchez-les dans le calendrier!
FREE! ANIMATION CELEBRATION / GRATUIT! CÉLÉBRATION DE L’ANIMATION Presented by the National Gallery of Canada 2 Showings SOLD OUT Thursday, October 21, 9:30am and 11:00am (National Gallery) Animation Celebration offers Ottawa-area elementary school children (ages 8–12) an introduction to the art of animation. In 2010, LAIKA animation studio will take you behind-the-scenes of the Oscar-nominated Coraline (2009), the first stopmotion animated feature to be conceived and photographed in stereoscopic 3D. Experience a different perspective of Coraline’s animated world where intricate puppets and sets are meticulously hand-made and animated, frame by frame. Production puppets from the movie will be on display. La Célébration de l’animation offre aux enfants de l’école primaire (ages de 8 à 12 ans) une introduction à l’art de l’animation. En 2010, le studio d’animation LAIKA vous emmenera en arrière des scènes du film Coraline (2009), le premier film long métrage d’animation en volume ayant été conçu et photographier en 3D Stereoscopique. Venez faire l’expérience d’un different perspective au sujet du monde animer de Coraline où des marionettes et décors complexe sont créé soigneusement par main pour ensuite être animé. Les marionettes de la production seront aussi en exposition.
FREE! FAMILY HANDS-ON WORKSHOPS / GRATUIT! ATELIERS PRATIQUES POUR TOUTE LA FAMILLE Presented by the National Film Board of Canada / Présenté par l’Office national du film
McLaren Workshop / Atelier McLaren 2 Sessions: Sunday, October 24, 9:30am to 12:30pm & 1:30pm to 4:30pm IFCO - Independent Filmmakers Cooperative of Ottawa Pre-registration required (613-232-8769) Jump into the magic of animation with one of Norman McLaren’s favourite techniques: pixillation! Afterwards, you will be asked to make your own version of McLaren’s classic Le Merle (The Blackbird) - Animation of paper cut-outs on a
Le site internet dévoile la programmation du festival les activités prévues pour les enfants, pour les familles, où s’inscrire pour suivre des ateliers gratuits sur le dessin animé. Également, dans un futur proche, le festival prévoit des jeux divertissants, des activités de toutes sortes et des vidéos. Le
light table. We ask that an adult accompany every child under 10. Amazement for all guaranteed! Length of the workshop: 3 hours Initiation à l’animation en famille. Grâce à la magie de la pixillation, parents et enfants seront conquis! L’animation de papier découpé sur table lumineuse leur permettra ensuite de créer leur version 2010 du film Le Merle de Norman McLaren. Durée : 3 heures. Les enfants de moins de 10 ans doivent être accompagnés d’un parent. Émerveillement pour tous garanti!
GET YOUR SKATOONY GAME ON! Presented by TELETOON Sunday, October 24, 1:00pm (Arts Court Theatre) Join TELETOON for a FREE sneak peak of the awesome new series Skatoony followed by a super fun Skatoonyrelated interactive activity with cool prizes to be won! In what country would you find the city of Beijing? What is the season that comes before summer called? TELETOON invites kids to get their Skatoony game on during a funfilled afternoon that will include a preview of the first episode of the brand new series Skatoony. The series will then come alive for the audience with an activity that will test their Skatoony knowledge for a chance to win fun prizes! GRATUIT! Venez jeter un coup d’oeil sur la nouvelle série radicale de TELETOON, Skatoony! La présentation sera suivie par une activitié super excitante en lien avec la série/le jeu Skatoony et il y aura plein de prix à gagner! Dans quel pays se trouve la ville de Beijing? Quel est le nom de la saison avant l’été? TELETOON invite les enfants à jouer au Skatoony durant cet après-midi exceptionnel qui incluera l’avant première de la première emission de Skatoony! La série va se mettre en vie pour l’audience avec un jeu qui mettra à l’épreuve leurs connaissances avec la chance de gagner de beaux prix!!
site affiche des informations destinées aux adolescents au sujet des écoles d’animation, l’endroit où l’on peut obtenir gratuitement un laissez-passer d’apprenti animateur ainsi que des suggestions pour les meilleures représentations du festival.
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ANIMATORS FOR HIRE
Saturday, October 23, 9:00am to 3:00pm (Arts Court - Courtroom) samedi, le octobre 23, 9h00 à 15h00 (Cour des arts – Salle d'audience)
THE OIAF'S MAJOR RECRUITING EVENT OF 2010! Animators for Hire: Recruiting presentations Passholders can sign up to speed-meet with hiring studios from across North America and make the contacts they need to further their career in animation.
PARTICIPATING STUDIOS: Mercury Filmworks Nelvana Rainmaker Animation
In the morning (from 9:00am to 11:30am) participating studios will give short presentations so animators can learn more about each company and what they are looking for. Registered applicants will have their portfolios and demo reels ready for the interviews, which will take place on a oneon-one basis after the morning presentations, guaranteeing an effective recruiting experience for both studios and animators.
Walt Disney Animation Guru Studios
If you haven't signed up in advance, pop by anyway and we will try to fit you in.
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ANIMATION SCHOOL FAIR
Saturday, October 23, 9:00am to 5:00pm Sunday, October 24, 9:00am to 12:00pm (Arts Court - Studio)
samedi, le octobre 23, 9h00 à 17h00 dimanche, le octobre 24, 9h00 à 12h00 (Cour des arts – studio)
All the leading animation schools will be waiting to meet with teens interested in pursuing a career in animation. While you are there, browse our Aniboutique for books, DVDs, t-shirts and more.
Toutes les écoles d’animation de première classe anticipent la rencontre des spectateurs adolescents qui veulent poursuivre une carrière en dessin animé. Pendant que vous y êtes, faites vos courses à l’aniboutique où vous pourrez trouver des livres, des t-shirts et bien d’autres choses.
ARTS COURT THEATRE
ALGONQUIN COLLEGE
CARLETON UNIV. BACHELOR OF INFORMATION TECHNOLOGY
DURHAM COLLEGE
SHERIDAN COLLEGE
EMILY CARR UNIVERSITY OF ART & DESIGN
MAX THE MUTT ANIMATION SCHOOL
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PARTIES
OPENING NIGHT PARTY
SATURDAY NIGHT PARTY
Wed, October 20, 11:00pm – 2:00am Métropolitain Brasserie 700 Sussex Dr. Sponsored by Pip Animation
Sat, October 23, 11:00pm–2:00am Location TBA Sponsored by Mercury Filmworks
Métropolitain is a Parisian style brasserie, located on the bustling corner of Sussex and Rideau. Start the festival off right with drinks and delicious canapés while mingling with festival artists, industry reps and animation buffs. Métropolitain offers something for everyone. Highlight: A sophisticated atmosphere complimented by two bars offering 18 different types of beer and 88 varieties of wine and champagne.
ANIMATORS’ PICNIC Fri, October 22, 12:00pm – 4:30pm LAGO BAR & GRILL 1001 Queen Elizabeth Driveway Enjoy our annual picnic located this year at Lago Bar & Grill, with its wide open patio overlooking the beautiful scenery of Dows Lake. There will be an assortment of goodies to eat, along with demonstrations on pumpkin carving. Picnic buses will leave the Bytowne Theatre at 11:30am, and after that will pick-up from the Arts Court building starting at 12:00pm. Please note that it is not within walking distance from Arts Court. Highlight: Take part in our traditional pumpkin carving contest and relish in the chance to show us your mad creative skills!
The Saturday Party is the best night to party at the OIAF. Stay tuned for announcements on where and when for 2010!
CLOSING NIGHT PARTY Sun, October 24, 9:00pm – 1:00am Foundation Supper Club 18b York Street The OIAF closing party will provide a sophisticated end to a rockin’ week. Lounge, chat, dance a little to the guest DJ and enjoy tasty bites and potent drinks; a super send-off for the 2010 Festival. Until next year… Highlight: Located in one of the Capital’s beautiful heritage buildings, this hidden gem is one of Ottawa’s hottest places to eat, drink and lounge.
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PARTIES
SALON DES REFUSÉS 2 NIGHTS! Thursday, October 21, and Friday, October 22 11:00pm-2:00am Club SAW, 67 Nicholas St. (Arts Court, side enterance) Sponsored by: LAIKA Stick it to the Festival at the screenings that celebrate the films that didn’t make it into the Competition or Showcase screenings. Bring your rejection letter and you’ll get a free drink on LAIKA. Hang out all night for cheap drinks
THURSDAY NIGHT PROGRAMME, 11:00PM
FRIDAY NIGHT PROGRAMME, 11:00PM
EINSTEINABOT MULTIPLICATION ‘#1’ | Kristopher Webster | USA Ormie | Rob Silvestri | Canada Edgar | Sarah Rotella | Canada Domingueros | Nuria Gonzalez Blanco | UK To Whom Does That Vagina Belong? | Jeff Douglas | Canada Lobster Club | Milo Waterfield | UK Deus Ex Machina | Roman Urodovskikh | Switzerland EINSTEINABOT MULTIPLICATION ‘#5’ | Kristopher Webster | USA MARS! | Joe Bichard & Jack Cunningham | UK One Minute Fluidtoons on Paper | Brett Thompson | USA Through a Glass Darkly | Cherith Brown | UK Enchanted Forest | Irina Skvortsova | Canada Once Upon a Many Time | Eva Cvijanovic | Canada / Bosnia & Herzegovina Junko’s Shamisen | Sol Friedman | Canada EINSTEINABOT MULTIPLICATION ‘#10’ | Kristopher Webster | USA Cereal Mascots: Tony the Tiger | Grey Wears | USA
Mashed | Adam Fisher | USA Only By Appointment | Rene Chandler | Australia Island of the Gods | Amanda Loka | USA Perspective | Monika Rohner | UK / Switzerland Legenta Gvinis Shesaxeb | Lali Gorgaslidze & Liana Beruashvili | Georgia EINSTEINABOT MULTIPLICATION ‘#11’ | Kristopher Webster | USA Memee | Evelyn Verschoore | Belgium The Astronomer’s Sun | Simon Cartwright & Jessica Cope | UK Taranu | Ben Thomas | Canada Krawll | Mattew Wade | Canada The Origin of Creatures | Floris Kaayk | Netherlands Repuzzlecan vs Dumbocrat | Mike Tallon | USA EINSTEINABOT MULTIPLICATION ‘#12’ | Kristopher Webster | USA Death Buy Lemonade | Kyu bum Lee | Canada
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FILM CONTACTS 1000 TIMES NO Tom Warburton Warburtonlabs 4836 ben ave Los Angeles, CA, USA 91607 Phone: (347) 351 8396 Email: warburtonlabs@gmail.com Website: www.warburtonlabs.blogspot. com A FAMILY PORTRAIT Joseph Pierce fiftynine productions 20 Calais Gate, Cormont Road London, UK SE5 9RQ Phone: +44 (0) 7886 010 318 Email: josephhpierce@hotmail.com A LOST AND FOUND BOX OF HUMAN SENSATION Martin Wallner Dancing Squirrel Schmiedberg 17 Augsburg, Germany 86152 Phone: +49 (1) 7620 839 744 Email: m.wallner@dancing-squirrel.com Website: www.lostbox.de ABSTRACT CUT-OUTS Lori Damiano California State Summer School for the Arts 3358 N Baldwin St. Portland, OR, USA 97217 Phone: (559) 718 8947 Email: 1974cb360@gmail.com Website: www.csssa.org ALAMBIC Marie Bloch-Laine 5431 rue Waverly Montreal, QC, Canada H2T 2X8 Email: abl0184@gmail.com BLACKMOON: ONE THOUSAND BEAMS OF RADIAL LIGHT FOR STRATA ADVANCEMENT Brandon Blommaert 937 Regent Ave. Montreal, QC, Canada H4A 2P6 Email: brand.jan.blom@gmail.com BLOCKHEAD ‘THE MUSIC SCENE’ Anthony Schepperd 856 Cherry St. Iansdale, PA, USA 19446 Phone: (215) 205 1739 Email: afschepperd@gmail.com Website: www.theManimator.com BORN HIV FREE ‘BABY IN THE SKY’ Kim Strobl Passion Pictures 33-34 Rathbone Pl. London, UK W1T 1JN
Email: kims@passion-pictures.com Website: www.passion-pictures.com
Email: vivement-lundi@wanadoo.fr Website: www.vivement-lundi.com
BROKEN WAVE Anne Terkelsen The Arts University College at Bournemouth Wallisdown Rd. Wallisdown, Poole, Dorset, UK BH12 5HH Phone: +44 (0) 1202 363 731 Email: aterkelsen@aucb.ac.uk
CYMOKAY Tim Finn 76 Wallace St. #2 Somerville, MA, USA 2144 Email: tfinn5@yahoo.com Website: www.inanimate.com
BUSINESS AS USUAL Carol Beecher Fifteen Pound Pink Productions 6716 – 22 Avenue N.E. Calgary, AB, Canada T1Y 1P4 Phone: (403) 541 1527 Email: 15lbpink@shawlink.ca Website: www.intergalacticwhoswho. com C’EST DU CHINOIS Bruno Collet Vivement Lundi ! 11 Rue Denis Papin Rennes, France 35000 Phone: 33 0 2 99 65 00 74 Email: vivement-lundi@wanadoo.fr Website: www.vivement-lundi.com CLIMBER Hiromitsu Murakami Tokyo University of the Arts Bankokubashi Kaigi Center 3F, 4-23 Kaigan do-ri, Naka-ku Yokohama, Kanagawa, Japan 231-0002 Phone: +81 45 227 6041 Email: hiromitsumurakami@gmail.com Website: www.geidai.ac.jp COALITION OF THE WILLING Fernanda Garcia Lopez London, UK E1 6JN Email: fernanda@nexusproductions.com COUCOU Brigitte Archambault 8218 avenue de Gaspe Montreal, QC, Canada H2P 2J8 Email: archambaultbrigitte@yahoo.ca COURS TOUJOURS Olivier Barre 3 rue des Morillons Paris, France 75015 Email: bar_oliv@hotmail.com CUL DE BOUTEILLE (SPECKY FOUR EYES) Bruno Collet Vivement Lundi ! 11 rue Denis Papin Rennes, France 35000 Phone: 33 0 2 99 65 00 74
DAY AND NIGHT Chris Wiggum Pixar Animation Studios 1200 Park Ave. Emeryville, CA, USA 94608 Phone: (510) 922 4177 Email: cwiggum@pixar.com DER KLEINERE RAUM (THE SMALLER ROOM) Cristobal Leon Reinwardstraat 79 B Amsterdam, Netherlands 1093 HB Email: leondooner@gmail.com DER PRAEZISE PETER (PRECISE PETER) Martin Schmidt Bodelschwinghstrasse 15 Kassel, Hessen, Germany 34119 Phone: +49 1781 868 849 Email: martin@herrschmidt.tv Website: www.herrschmidt.tv DIVERSITY Anthony Dusko 315 Winding Way Womelsdorf, PA, USA 19567 Email: tonydusko@gmail.com DON’T GO Turgut Akaçik Anima Istanbul Maslak Mahallesi AOS 51 sok. No:6 Maslak Sisli / Istanbul, Turkey 34398 Phone: 902123462323 Email: turgutakacik@gmail.com Website: www.turgutakacik.com DOODLEBOPS ROCKIN’ ROAD SHOW ‘RACE DAY’ Brook Hefner 4100 W Alameda Blvd. 4th Floor Burbank, CA, USA 91505 Phone: (818) 955 5454 Email:bhefner@thecookiejarcompany.com Website: www.cjar.com EDGE OF THE MOUNTAIN Clara Kim 2105 W 18th PI #1R Chicago, IL, USA 60608 Email: ckimsuperstar@gmail.com
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EGO SUM PETRUS Mikhal Bak 60 rue du 19 Mars 1962 Champigny-sur-Marne, France 94500 Phone: +33 979 34 99 02 Email: mikhal.bak@gmail.com Website: www.studio-wasia.com/ promofilms/menu.html EL DIABLO DIGITAL Till Penzek SFA Simon-von-Utrecht-Str. 21/Laden Hamburg, Germany D-20359 Phone: +49 40 – 21 99 22 67 Email: post@sfa-zentrale.de Website: www.sfa-zentrale.de FLAWED NFB Canada National Film Board of Canada 3155 Cote de Liesse Saint-Laurent, QC, Canada H4N 2N4 Phone: (514) 283 9805/06 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation FUKU WO KIRUMADE (GETTING DRESSED) Hiromitsu Murakami Tokyo University of the Arts Bankokubashi Kaigi Center 3F, 4-23 Kaigan do-ri, Naka-ku Yokohama, Kanagawa, Japan 231-0002 Phone: +81 45 227 6041 Fax: +81 45 227 6042 Email: hiromitsumurakami@gmail.com Website: www.geidai.ac.jp FUMIKO NO KOKUHAKU (FUMIKO’S CONFESSION) Ishida Hiroyasu Kyoto Seika University Kyoto, Japan Email: ishidahiroyasu.tete@gmail.com Website: http://d.hatena.ne.jp/Tete/ GET REAL! Ursula van den Heuvel Netherlands Institute for Animation Film St. Josephstraat 135 Tilburg, Netherlands 5017GG Phone: 0031 13 5324070 Fax: 0031 13 5800057 Email: heuvel@niaf.nl Website: www.niaf.nl GOING WEST Martin Andersen Andersen M Studio 10 Aylesbury Suite, City View House, 463 Bethnal Green Road London, UK E2 9QY Phone: 020 7739 3918 Email: martin@andersenm.com Website: www.andersenm.com GOODBYE MISTER CHRISTIE Phil Mulloy
Spectre Films 87 Kingsmead Rd. Tulse Hill London, UK SW2 3HZ Phone: +44 208 674 5838 Fax: +44 208 674 5838 Email: philmulloy@hotmail.com Website: www.philmulloy.com GOOGLE MAPS Fernanda Garcia Lopez London, UK E1 6JN Email: fernanda@nexusproductions.com GORILLAZ ‘STYLO’ Kim Strobl Passion Pictures 33-34 Rathbone Pl. London, UK W1T 1JN Email: kims@passion-pictures.com Website: www.passion-pictures.com GRAVITY WAS EVERYWHERE BACK THEN Brent Green 31 Kutz Road Schuylkill Haven, PA, USA 17972 Email: brent@nervousfilms.com HAND SOAP Kei Oyama 2,8,8, Asagayakita / Suginami-ku Tokyo, Japan 166-0001 Phone: +81 90 8011 4602 Email: ikura1kg@yahoo.co.jp Website: www.keioyama.com HOLLAND ANIMATION FILM FESTIVAL LEADER 2009 Rozemarijn Gerritsen Holland Animation Film Festival Hoogt 4 Utrecht, Netherlands 3512 GW Phone: 0031 302331733 Email: rozemarijn@haff.nl Website: www.haff.nl HORSE GLUE Stephen Irwin Small Time Inc. 51 Hargrave Mansions, Hargrave Rd. London, UK N19 5SR Phone: 02075020640 Email: Stephen@smalltimeinc.com Website: www.smalltimeinc.com HOUSE BUNNY Gina Kamentsky Pixletoon 1 Fitchburg street B353 Somerville MA, USA Phone: (617) 623 0629 Email: ginak@pixletoon.com Website: www.ginakamentsky.com I LOVE YOU Katy O’Connor 2315 Lafayette Ave. Austin, TX, USA 78722 Phone: (512) 968-9033
Email: kittyhyjinx@hotmail.com Website: www.katyoconnor.net/iloveyou INNER VIEW Patrick Jenkins 54 Austin Terrace Toronto, ON, Canada M5R 1Y6 Phone: (416) 533 2440 Fax: (416) 533 0508 Email: pjenkins@interlog.com Website: www.interlog.com/~pjenkins IT’S ALWAYS SUNNY IN PHILADELPHIA ‘A VERY SUNNY CHRISTMAS’ Andrew Horne Cuppa Coffee Studios 53 Ontario St. Toronto, ON, Canada M5A 2V1 Phone: (416) 340-8869 Email: Andrew@cuppacoffee.com JEAN-FRANÇOIS Sellier Aurélia CUBE CREATIVE COMPUTER COMPANY 11 rue Torricelli / Espace Torricelli Paris, IDF, France 75017 Phone: 33144093609 Fax: 33144094765 Email: a.sellier@cube-creative.com Website: www.cube-creative.com KUCHAO (A GUM BOY) Hiromitsu Murakami Tokyo University of the Arts Bankokubashi Kaigi Center 3F, 4-23 Kaigan do-ri, Naka-ku Yokohama, Kanagawa, Japan 231-0002 Phone: +81 45 227 6041 Fax: +81 45 227 6042 Email: hiromitsumurakami@gmail.com Website: www.geidai.ac.jp LA FORMATION DES NUAGES (THE FORMATION OF CLOUDS) NFB Canada National Film Board of Canada 3155 Cote de Liesse Saint-Laurent, QC, Canada H4N 2N4 Phone: (514) 283 9805/06 Fax: (514) 496 6389 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation LA NINA QUE TENIA UNA SOLA OREJA (THE GIRL WHO HAD ONLY ONE EAR) Mónica Gallego Agencia Audiovisual Freak SL Gil Cordero, 17, entreplanta Caceres, Spain E10001 Phone: 34927248248 Fax: 34927770067 Email: elisabeth@agenciafreak.com Website: www.agenciafreak.com LA TRANCHÉE (THE TRENCHES) NFB Canada National Film Board of Canada 3155 Cote de Liesse
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October 2 9 - November 6
Pierre Yves Clouin (France) Marcus Coates (UK) Cindy Dumais (Québec) Terrance Houle (Canada) Manon Labrecque (Québec) Rafael Lozano-Hemmer (Canada /Spain) Laurel Nakadate (USA) Ryan Trecartin (USA)
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Art Star Video Art Biennial
www.galeriesawgallery.com
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Saint-Laurent, QC, Canada H4N 2N4 Phone: (514) 283 9805/06 Fax: (514) 496 6389 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation LA TRAVERSÉE Elise Simard 6912 St-Vallier Montreal, QC, Canada H2S 2P9 Email: elise.simard@gmail.com LAUNCH ‘DAVE’ Fernanda Garcia Lopez London, UK E1 6JN Email: fernanda@nexusproductions.com LE CIRQUE (THE CIRCUS) NFB Canada National Film Board of Canada 3155 Cote de Liesse Saint-Laurent, QC, Canada H4N 2N4 Phone: (514) 283 9805/06 Fax: (514) 496 6389 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation LES NOCTURNES Marjorie Lemay Concordia University 2496 Rachel Est., Apt. 204 Montreal, QC, Canada H2H 1R8 Phone: (514) 707 9771 Email: Marjorie.lemay@videotron.ca LE SEXOFLEX ‘TWINCEST’ Brian Mannion Bent Image Lab Portland, OR, USA Email: brianm@bentimagelab.com LES VENTRES (THE BELLIES) Phillipe Grammaticopoulos 14 rue Lejemptel Vincennes, France 94300 Email: popouloss@hotmail.com LET HIM PLAY Ksenya Valkova OOO M.I.R. Bolshaya sad. Str. 3-163 Moscow, Russia 123001 Phone: +7(495)250-90-88 Fax: +7(495)250-90-88 Email: ksushavalkova@yandex.ru Website: www.studio-mir.ru LGFUAD Kelsey Stark 293 Troutman Street, Apt. 3L Brooklyn, NY, USA 11237 Email: kstark@pratt.edu LIGHT FORMS Malcolm Sutherland Independent 1617 rue Leclaire Montreal, QC, Canada H1V 2Z5
Phone: (514) 254 5489 Email: animalcolm@yahoo.ca Website: www.oneiropod.com LIKE A WINDY DAY Michael Sporn Michael Sporn Animation, Inc. 35 Bedford St. New York City, NY, USA 10014 Phone: (212) 242 0647 Fax: (212) 242 0647 Email: msanimation@aol.com Website: www.michaelspornanimation. com LINE Rose Chang INDIESTORY Inc. 4th Floor BaekAk Bldg. 135-4 Seoul, South Korea 110-043 Phone: +82 2 722 6051 Fax: +82 2 722 6055 Email: indiestory@indiestory.com Website: www.indiestory.com LIPSETT DIARIES NFB Canada National Film Board of Canada 3155 Cote de Liesse Saint-Laurent, QC, Canada H4N 2N4 Phone: (514) 283 9805/06 Fax: (514) 496 6389 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation LITTLE DEATHS Ruth Lingford Harvard VES 78 Florence Road / 24 Quincy St. Cambridge, MA, USA 2138 Phone: (617) 388 1973 Email: lingford@fas.harvard.edu LITTLE THUNDER NFB Canada National Film Board of Canada 3155 Cote de Liesse Saint-Laurent, QC, Canada H4N 2N4 Phone: (514) 283 9805/06 Fax: (514) 496 6389 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation LOGORAMA Elsa Chevallier Autour De Minuit Productions 21 rue Henri Monnier Paris, France 75009 Phone: +33 14 281 1728 Fax: +33 14 281 1729 Email: festivals@autourdeminuit.com LONE WOLF ‘KEEP YOUR EYES ON THE ROAD’ Ashley Dean Broken Pixel 72 Dale St. York, UK Y023 1AE Email: hesleydean@aol.com
LOVE & THEFT Sonja Waldraff Studio Film Bilder Ostend St. 106 Stuttgart, Germany 70188 Phone: +49 71 148 1027 Fax: +49 711 489 1925 Email: studio@filmbilder.de Website: www.filmbilder.de MAKE, BELIEVE Brent Young 368 E Upland Ave. Absecon, USA 8205 Email: brentcyoung@gmail.com MIDORI-KO Akira Mizuyoshi MISTRAL JAPAN 5-16-6 Maehara-cho Koganei-shi Tokyo, Japan 184-0013 Phone: 81 42 380 8270 Fax: 81 42 380 8271 Email: mizuyoshi@mistral-japan.co.jp Website: www.mistral-japan.co.jp MIDTOWN TWIST Gary Leib Twinkle 64 Grand St. #4 New York City, NY, USA 10013 Phone: (917) 446 6762 Email: gary@twinkelland.com Website: www.twinkleland.com MILK MILK LEMONADE Sonja Waldraff Studio Film Bilder Ostend St. 106 Stuttgart, Germany 70188 Phone: +49 71 148 1027 Fax: +49 711 489 1925 Email: studio@filmbilder.de Website: www.filmbilder.de MONSTRE SACRÉ Jean-Pierre Lemouland JPL Films 31 Ave. Chardonnet Suite Zl Sud-Est Rennes, France 35000 Phone: 33 02 99 53 16 98 Fax: 33 02 99 53 05 76 Email: jplfilms@wanadoo.fr MUNJIAI (DUST KID) Kihyun Kim Cinema Platform No101 #390-58 Yeonnam-dong Mapo-gu Seoul, South Korea 121-867 Fax: +82 2 6280 0240 Email: sensitivebear@gmail.com MUSHROOM THIEF Joan Ashworth Seed Fold Films 13 Addington Square London, UK SE5 7JZ Phone: +44 (0) 7809 635 092 Email: joan@joanashworth.com
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MUZORAMA Elsa Chevallier Autour De Minuit Productions 21 rue Henri Monnier Paris, France 75009 Phone: +33 14 281 1728 Fax: +33 14 281 1729 Email: festivals@autourdeminuit.com MY NEIGHBOURHOOD HAS BEEN OVERRUN BY BABOONS Cameron Edser GooRoo Animations 66 Marian Road Payneham, South Australia, Australia 5070 Phone: 0400034692 Email: camedser@hotmail.com Website: www.goorooanimation.com NANNY MCPHEE AND THE BIG BANG ‘TITLE SEQUENCE’ Alice Dunseath London, UK Email: info@voodoodog.com NASA ‘SPACIOUS THOUGHTS’ Johanne Ste-Marie Fluorescent Hill 338 Saint-Antoine E. #100 Montreal, QC, Canada H2Y 1A3 Phone: (514) 938 5463 Email: info@fluorescenthill.com Website: www.fluorescenthill.com/ jofilms/ NESPAVANJE NE UBIJA (NO SLEEP WON’T KILL YOU) Andrijana Vidacek Zagreb, Croatia (Hrvatska) Email: obliqueobscene@gmail.com NIGHT PEOPLE Matt Greenwood 24 Walwa St. Mitcham Melbourne, Victoria, Australia 3132 Email: mattg3@gmail.com Website: www.eatthelight.net O. Jonny Ostrem 1925 Whyte Ave. / 202 Vancouver, BC, Canada V6J 1B4 Email: jonnyawesome@gmail.com Website: www.jonnyostrem.com ONE PIECE FILM – STRONG WORLD Kenji Ebato Toei Animation Co., Ltd. 58 Yokodera-machi, Shinjuku-ku Tokyo, Japan 162-0831 Email: ebato@toei-anim.co.jp Website: www.toei-anim.co.jp PAPER DREAMS Kenneth Onulak 2 College St. #1569 Providence, RI, USA 2903
Email: konulak@g.risd.edu Website: www.kaluno.com
Email: iliketoanimate@yahoo.com Website: www.iliketoanimate.com
PARADE Virginie Giachino Doncvoila 6, passage de la fonderie Paris, France 75011 Phone: 952621331 Fax: 957621331 Email: info@doncvoila.net Website: www.doncvoila.net
RICKY GERVAIS SHOW ‘FREAKS’ Wild Brain Entertainment 15000 Ventura Blvd. Sherman Oaks, CA, USA 91403 Phone: (818) 290 7080 Email: info@wildbrain.com Website: www.wildbrain.com
PINBALL NUMBER 12 REANIMATED Abbey Luck Awesome + Modest 260 Gates Av 3A Brooklyn, NY, USA 11238 Email: i.am.abbeyluck@gmail.com Website: www.abbeyluck.com PLAY BALL Jennifer Oxley Snowflake Films 787 Lexington Ave. / #3 New York City, NY, USA 10065 Phone: (917) 520 9028 Email: jenoxley@aol.com PLAYGROUND Mirai Mizue No Company 11-3-A102, Sasame-1 Toda-shi, Saitama-ken, Japan 335-0034 Email: mirai0714mizue@yahoo.co.jp Website: http://web.mac.com/mirai_ mizue/iWeb/MIRAIwebsite PLAYTIME Steven Woloshen 5787 rue Cartier Montreal, QC, Canada H2G 2V1 Phone: (514) 270 3563 Email: swoloshen@hotmail.com POGENEMINE (ESCAPE) Kristjan Holm Heina 21a-9 Tallinn, Estonia 10319 Phone: 3725535365 Email: holm@karabana.com Website: www.karabana.com PRAYERS FOR PEACE Dustin Grella Dusty Studio PO Box 130096 New York City, NY, USA 10013 Phone: (917) 331 4558 Fax: (212) 431 8826 Email: email@dustingrella.com Website: www.dustystudio.org RAY CONDO’S CRAZY MIXED UP WORLD Debra Dawson 2404 Guelph Street, Apt. C Vancouver, BC, Canada V5T 3P3 Phone: (604) 872 1840
ROAD REGRETS Marc Demers Blatant Studios 321 Water St. / 503 Vancouver, BC, Canada V6B 1B8 Phone: (604) 568 2085 Fax: (604) 568 2084 Email: marc@blatantstudios.com Website: www.blatantstudios.com ROB THE ROBOT ‘ROCKET BAND’ Craig Young Amberwood Entertainment 987 Wellington St., 2nd Floor Ottawa, ON, Canada K1Y 2Y1 Phone: (613) 238 4567 ext. 35 Fax: (613) 233 3857 Email: cyoung@amberwoodanimation. com Website: www.rollbots.com SCHLAF (SLEEP) Claudius Gentinetta Gentinettafilm Hermetschloostrasse 70 Zurich, Switzerland 8048 Email: mail@gentinettafilm.ch Website: www.gentinettafilm.ch SEA FEVER Anne Terkelsen The Arts University College at Bournemouth Wallisdown Rd. Wallisdown / Poole, Dorset, UK BH12 5HH Phone: 4401202363731 Email: aterkelsen@aucb.ac.uk SHUSHUKA NO SAMPO (GATHERING) Hiromitsu Murakami Tokyo University of the Arts Bankokubashi Kaigi Center 3F, 4-23, Kaigan do-ri, Naka-ku Yokohama, Kanagawa, Japan 231-0002 Phone: +81 45 227 6041 Fax: +81 45 227 6042 Email: hiromitsumurakami@gmail.com Website: www.geidai.ac.jp SINNA MANN (ANGRY MAN) Arna Bersaas Norwegian Film Institute P.O. Box 482 Sentrum, Dronningensgate 16 Oslo, Norway 105 Phone: +472 247 4500 Email: amb@nfi.no Website: www.nfi.no/english
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SOBACHJA PLOSHCHADKA (DOGWALKING GROUND) Anna Ostalskaya School-Studio “SHAR” Leningradskiy prospekt 21 Moscow, Russia 125040 Phone: +7 495 6121019 Email: sharstudia@gmail.com Website: www.sharstudio.com SOMETHING LEFT, SOMETHING TAKEN Ru Kuwahata Tiny Inventions 187 Frost St. / #3 Brooklyn, NY, USA 11211 Phone: (718) 614 4002 Email: ru@tinyinventions.com SONAR Renaud Hallée 3176 Saint-Antoine West Montreal, QC, Canada H4C 1A6 Email: rehallee@gmail.com SORRY FILM NOT READY Janet Perlman Hulascope Studio 4322 rue Fabre Montreal, QC, Canada H2J 3T6 Phone: (514) 522 8167 Email: perljan@videotron.ca Website: www.janetperlman.com SORRY THE CHOIR DIED YEARS BACK / THE SHOCK ROCK Lori Damiano California State Summer School for the Arts 3358 N Baldwin St. Portland, OR, USA 97217 Phone: (559) 718 8947 Email: 1974cb360@gmail.com Website: www.csssa.org SPLICED ‘HELEN’ Jennifer Cialini Nelvana/Corus Entertainment Corus Quay 25 Dockside Dr. Toronto, ON, Canada M5A 0B5 Phone: (416) 479 6631 Email: jennifer.cialini@corusent.com Website: www.nelvana.com STELLA AND SAM Michelle Melanson Radical Sheep Production Inc. 3 Church St., Ste. 603 Toronto, ON, Canada M5E 1M2 Phone: (416) 539 0363 ext. 23 Email: mmelanson@radsheep.com Website: www.radsheep.com TERRA FIRMA Ted Wiggin 62 Windermere Rd. Newton, MA, USA 02466 Phone: (617) 584 1245 Email: ewiggin@g.risd.edu Website: www.tedwiggin.com
THE BRIGHT THE BAD AND THE UGLY Andrew Stickings Grosvenor Wentworth Park School 4 Downing St. Halifax, NS, Canada B3M 2G4 Phone: (902) 457 8422
THE HENHOUSE Hemant Sharda Beaconsfield Studios Beaconsfield, UK HP9 1LG Phone: 1494731452 Email: festival@nfts.co.uk
THE BURNING HAUS Nils Knoblich Klosterstrasse 26 B Rees, Germany 46459 Email: mail@nilsknoblich.com Website: www.nilsknoblich.com
THE ILLUSIONIST Bob Last Django Films 12/196 Rose St. Edinburgh, UK EH2 4AT Phone: 44 1382 201112 Email: bob.l@inkdigital.co.uk Website: www.inkanimations.com
THE CAT IN THE HAT KNOWS A LOT ABOUT THAT! Julie Stall Portfolio Entertainment Inc. 110 Eglington Ave. E / 602 Toronto, ON, Canada M4P 2Y1 Phone: (416) 483 9773 Email: jstall@portfolio-ent.com Website: www.portfolio-ent.com THE COLLAGIST Amy Lockhart 204 – 609 Tecumseh Ave. E London, ON, Canada N6C 1T7 Email: aloco275@yahoo.com THE DATING GUY ‘24-ISH’ Rene d’Entremont Marblemedia 74 Fraser Ave., Ste. 200 Toronto, ON, Canada M6K 3E1 Phone: (416) 646 2711 ext. 232 Email: rene@marblemedia.com Website: www.marblemedia.com THE EMPRESS Lyle Pisio 4919 Briseboise Dr., NW Calgary, AB, Canada T2L 2G3 Phone: (403) 289 6022 Email: lilyposie@shaw.ca Website: www.lilyposie.ca THE EXTERNAL WORLD David O’Reilly Ireland Email: david@davidoreilly.com THE GRUFFALO Barney Goodland Magic Light Pictures 63 Charlotte St. London, UK, W1T 4PG Phone: +44 (0) 207 631 1800 Email: barney@magiclightpictures.com THE HARD-ONS ‘IN THE END WE ALL DIE ALONE’ Sandra Walters Kapow Pictures 6-8 Herbert St., St. Leonards, Studio 33 Sydney, NSW, Australia 2065 Phone: +612 9439 0399 Email: producer@kapowpictures.com Website: www.kapowpictures.com
THE LOST THING Kim Strobl Passion Pictures 33-34 Rathbone Pl. London, UK W1T 1JN Email: kims@passion-pictures.com Website: www.passion-pictures.com THE PLANT Jennifer Oxley Snowflake Films 787 Lexington Ave. / #3 New York City, NY, USA 10065 Phone: (917) 520 9028 Email: jenoxley@aol.com THE SURFRIDER FOUNDATION ‘RISE ABOVE PLASTICS’ Alise Munson LAIKA/house 1400 NW 22nd Ave. Portland, OR, USA 97210 Phone: (503) 276 0110 Email: festivals@laika.com Website: www.laika.com THE TANNERY Iain Gardner Iain Gardner Animation 1f2 13 Earlston Pl. Edinburgh, Scotland EH7 5SU Phone: +44 (0) 131 620 1402 Email: info@iaingardner.co.uk Website: www.iaingardner.co.uk THE THING IN THE DISTANCE Elliot Cowan 209 – 10 41st Ave., Apt. 1U Bayside, NY, USA 11361 Phone: (917) 359 0274 Email: elliotcowanimation@yahoo.com Website: www.elliotelliot.com THE UNDERTAKER AND THE DOG Shin Hashimoto 27-2-203 / sugeshiroshita Kawasaki-shi tama-ku, Kanagawa-ken, Japan 214-0007 Email: czinn49@yahoo.co.jp Website: http://web.me.com/ironica7/ shinhashimoto/HOME.html
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THE WIND-UP LIFE Yi-Jen Chen School of Visual Arts 433 Metropolitan Ave., Apt. 3R Brooklyn, NY, USA 11211 Phone: (408) 887 1148 Email: elishalan@gmail.com Website: http://ny.onemanchen.com/ THEY MIGHT BE GIANTS ‘CELLS’ David Cowles 775 Landing Road N Rochester, NY, USA 14625 Phone: (585) 490 5467 Email: dvdcowles@yahoo.com Website: www.davidcowles.net THEY MIGHT BE GIANTS ‘ELECTRIC CAR’ Ru Kuwahata Tiny Inventions 187 Frost St. / #3 Brooklyn, NY, USA 11211 Phone: (718) 614 4002 Email: ru@tinyinventions.com THIS IS LOVE Lei Lei Tsinghua University 210-3-1403 Beiyuan Rd., NO86 Chaoyang District Beijing, China 330002 Email: milk527@gmail.com Website: www.raydesign.cn TICK TOCK TALE Dean Wellins Walt Disney Animation Studios 2100 Riverside Dr. Burbank, CA, USA 91506 Phone: (818) 467 2531 Email: julia.orr@disneyanimation.com TIULIS (THE TULLE CURTAIN) Darius Jarusevicius Vilnius Academy of Fine Arts Maironio 6 Vilnius, Lithuania 8115 Email: daria.jarusevicius@gmail.com TO SWALLOW A TOAD Lina Berzina Rija Films Meness 4 Riga, Latvia LV 1013 Phone: +371 67 362656 Fax: +371 67339198 Email: info@rijafilms.lv TOK TALK! Mirea Lee Korea Animation School Email: ymrymr92@naver.com TORD OCH TORD (TORD AND TORD) Andreas Fock Swedish Film Institute P.O. Box 27126 Stockholm, Sweeden SE – 102 52
Phone: +46 8 665 11 36 / +46 8 665 11 34 Fax: +46 070 519 59 66 Email: andreas.fock@sfi.se Website: www.sweedishfilm.org
Santa Barbara, CA, USA 93117 Phone: (805) 968 7371 Email: bitterfilms@hotmail.com Website: www.bitterfilms.com
TUSSILAGO Andreas Fock Swedish Film Institute P.O. Box 27126 Stockholm, Sweeden SE – 102 52 Phone: +46 8 665 11 36 / +46 8 665 11 34 Fax: +46 070 519 59 66 Email: andreas.fock@sfi.se Website: www.sweedishfilm.org
WOLLMOND (KNITTED NIGHTS) Gil Alkabetz Sweet Home Studio Bebelstrasse 58 Stuttgart, Baden-Wuerttemberg, Germany 70193 Phone: +49 711 636 1735 Fax: +49 711 636 1735 Email: gil@alkabetz.com Website: www.sunny.alkabetz.com
TUUKRID VIHMAS (DIVERS IN THE RAIN) Rutt Raudkivi Eesti Joonisfilm Roo T.9 Tallinn, Estonia 10611 Phone: +372 6776367 Email: rutt@joonisfilm.ee Website: www.joonisfilm.ee VILIAM Veronika Obertova A. Hlinku 115 Piestany, Slovakia 92101 Email: vobertova@gmail.com WAKARANAI BUTA (IN A PIG’S EYE) Hiromitsu Murakami Tokyo University of the Arts Bankokubashi Kaigi Center 3F, 4-23 Kaigan do-ri, Naka-ku Yokohama, Kanagawa, Japan 231-0002 Phone: +81 45 227 6041 Fax: +81 45 227 6042 Email: hiromitsumurakami@gmail.com Website: www.geidai.ac.jp WETTESSEN (CHOW DOWN) Matthias Daenschel Heinrich-Roller St. 19 Berlin, Germany D-10405 Phone: 011 49 304 40 33 688 Email: mail@matthiasdaenschel.de WHERE IS THE LOVE So Hyun Cha Gyenggi art high school Bucheonsi wonmigu jung 4dong no. 1031 Bucheon, South Korea 420-847 Phone: 010 2786 7712 Fax: 032 328 0846 Email: chash103@naver.com WHITE TAPE Uri Kranot TinDrum Animation 5 Kasernevej Viborg, Denmark 8800 Email: urikranot@yahoo.com
WWF ‘HEROES OF THE UAE’ Jordan Wood Willow Pl. / 66 Manor Road New Milton, Hampshire, UK BH255EN Phone: +44 (0) 7729 201009 Email: jordanjwood@hotmail.com Website: www.imdb.com/name/ nm2662212/ MEAT OR DIE (YANS! GANS!) ‘LINDA’ Tai Murayama BONUS.CO.JP Megro 1-24-19 #503 / megro-ku Tokyo, Japan 1530063 Phone: +81 (0)3 3490 9034 Fax: +81 (0)3 3490 9034 Email: tai@bonus.co.jp Website: http://bonus.co.jp/ YELLOW CAKE Nick Cross Do It For Me Productions 1657 Erindale Cres. Oshawa, ON, Canada L1G 8A4 Phone: (215) 850 7078 Email: nikcross@hotmail.com Website: www.pyatyletka.com YMCA ‘QUESTIONS’ Leah Wesolowski Head Gear Animation 25 Brant St. / 301 Toronto, ON, Canada M5V 2L9 Phone: (416) 408 2020 Fax: (416) 408 2011 Email: leah@headgearanimation.com YUBI WO NUSUNDA ONNA (WOMAN WHO STOLE FINGERS) Hiromitsu Murakami Tokyo University of the Arts Bankokubashi Kaigi Center 3F, 4-23 Kaigan do-ri, Naka-ku Yokohama, Kanagawa, Japan 231-0002 Phone: +81 45 227 6041 Fax: +81 45 227 6042 Email: hiromitsumurakami@gmail.com Website: www.geidai.ac.jp
WISDOM TEETH Don Hertzfeldt Bitter Films 275 South Orange Ave. / G
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FORGED IN THE FLAMES OF AWESOMENESS
NOW HIRING! Kick Buttowski: Suburban Daredevil (c) The Walt Disney Company
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LIST OF ADVERTISERS ACCT ANIMA MUNDI ANIME NORTH ANIMATION MAGAZINE ALGONQUIN COLLEGE ARTENGINE ARTS COURT AWN (ANIMATION WORLD NETWORK) BELL FUND BIG JUMP BRIDGEHEAD BUDGET CANADIAN ANIMATION RESOURCES CANADIAN FILM CENTRE CANADA COUNCIL CARLETON – BIT CARTOON BREW CMF (CANADA MEDIA FUND) CONVERGENCE MAGAZINE CHUCK GAMMAGE DAINTY PRODUCTIONS DOWNTOWN RIDEAU ELLIOT ANIMATION EMPIRE THEATRES FANTASIA FESTIVAL FANTOCHE FESTIVAL FOUNDATION RESTAURANT IFCO HIROSHIMA FESTIVAL JANRO IMAGING LAB INC. J.J. SEDELMAIER KIDSCREEN
107 125 77 9 8 113 22 12 16 79 22 96 97 109 17 95 21 24 28 95 29 32 152 83 123 118 135 23 111 78 153 39
LAGO 158 LAIKA 148 MERCURY FILMWORKS 149 METRO NEWS 82 MUSEUM OF CIVILIZATION 20 NAD CENTRE 66 NATIONAL GALLERY 50 NATIONAL FILM BOARD OF CANADA 54 NELVANA BACK (OUTSIDE) OCRI 58 OMDC 59 ONTARIO ARTS COUNCIL 62 OTTAWA FESTIVALS 158 PIP 75 PIPELINE 90 PLAYBACK 91 QUALITY HOTEL 23 QUICKMOBILE 143 RADICAL SHEEP 117 RAINMAKER 94 SAW GALLERY 135 SAW VIDEO 143 SENECA COLLEGE 160 SHERIDAN COLLEFE 67 STARZ ANIMATION 70 STUTTGART FESTIVAL 118 TELEFILM 71 TELETOON BACK (INSIDE) TOTAL MEDIA SYSTEMS 115 VANCOUVER FILM SCHOOL 97 WALT DISNEY 145
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OIAF 2010 OFFICIAL COMPETITION PRIZES AND AWARDS The Official Competition section of the Ottawa International Animation Festival 2010 consists of works chosen by the Festival’s Artistic Director, Chris Robinson, from a field of 2,091 submissions. Along with the audience, the OIAF International Jury will view all selections presented in the Official Competition and select the Festival’s Grand Prizes and first prize in each of the categories of the competition, with the exception of the categories for Children; first prize for these categories will be selected by the Kids Jury.
At its discretion, the International Jury may also award additional special prizes. The Jury has the right to withhold an award where no entry, in its view, meets the standards for recognition. On Sunday, October 24th at 7:00 pm, the Jury will announce the award-winning films. A selection of the Festival’s award-winning films will be screened at 8:00 pm. It is the responsibility of the Jury to determine which of the award-winning productions will be screened.
THE AWARDS
The awards have been commissioned by the Ottawa International Animation Festival. This year’s phenakistoscope awards have been designed by local artist Tick Tock Tom, with an animation originally created by George Griffin. GRAND PRIZE for Best Animated Feature Nelvana GRAND PRIZE for Best Independent Short Animation ($3000.00) Walt Disney GRAND PRIZE for Best Student Animation GRAND PRIZE for Best Commissioned Animation
PRIZES WILL ALSO BE AWARDED FOR THE BEST FILM IN EACH OF THE COMPETITION CATEGORIES: BEST Narrative Short BEST Experimental/Abstract Animation Adobe Prize for BEST High School Animation BEST Undergraduate Animation BEST Graduation Animation
BEST Promotional Animation BEST Music Video BEST Television Animation for Adults BEST Short Animation Made for Children BEST Television Animation for Children
THE NATIONAL FILM BOARD OF CANADA PUBLIC PRIZE
A special prize will be awarded to the film from the Official Competitions, to be selected by the audience as the Best Film of the Festival. Voting will take place a the conclusion of all official Short and Kids Competition GALA screenings, where ballots will be distributed at the entrance to the Theatre and should be placed in one of the special ballot boxes at the end of the programme.
CANADIAN FILM INSTITUTE AWARD FOR BEST CANADIAN ANIMATION
This special prize is awarded by the Executive Director of the Canadian Film Institute for the most outstanding Canadian production in competition. Thank you to all award sponsors! OIAF 2010 FESTIVAL READER | FIAO 2010 LECTEUR DU FESTIVAL
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FESTIVAL ORGANIZATION The Ottawa International Animation Festival is a component of the Canadian Film Institute
Canadian Film Institute: Board Of Directors Tom McSorley (ex officio) Jack Horwitz
Executive Director of the Canadian Film Institute and Director of Programming. Joined 2007) Communications Freelancer. Jack has had a long career working in communications for the NFB and other government agencies. He most recently finished a contract with the United Way.
Patricia Burns
(Joined 2007) Patricia had a long and successful career running the studio of Canada's largest animation studio Nelvana. She is now a freelance producer currently working on the new Bob and Doug MacKenzie show.
Dan Sokolowski
(Joined 2007) Dan is an independent filmmaker and animator working and teaching in Ottawa and the Yukon.
Deborah Fallows
(Joined 2009) Deborah is Vice President of Human Resources for Cookie Jar Entertainment Inc., a leading independent producer of children’s entertainment, consumer products and educational materials.
Sandra Macdonald Jacques Menard
(Joined 2009) Past head of the Canadian Television Fund, the AV Trust and Film Commissioner at the National Film Board. (Joined 2009) Producer and director of documentary films and television programs in the private sector for many years, Jacques Ménard was also a producer and Deputy Head of French Program (Documentary) at the National Film Board of Canada (1995-2002)
Russ Mills
(Joined 2009) He rose to become publisher of the Citizen in 1986, and was soon promoted to president of the Southam Newspaper Group in 1989. Mills now serves as the Dean of the School of Media and Design at Algonquin College in Ottawa, Ontario.
Tim Plumptre
(Joined 2009) The founder and president of the Institute on Governance, a nonprofit Ottawabased think-tank.
Susan Scotti
(Joined 2009) Former Assistant Deputy Minister, Social Development Sectors Branch, Social Development Canada (SDC). Noted social policy expert.
2010 TAC Advisory Committee We work closely with these industry insiders when brainstorming the most relevant topics of discussion and improvements to our upcoming event.
Mary Bredin Ken Faier Alan Gregg Matt Hornburg Lenora Hume Luis Lopez Linda Simensky Caroline Tyre Matthew Wexler
VP Development and Acquisitions (Guru Studio) President (Nerd Corps Entertainment) Director of Original Content (TELETOON Canada) Partner/Producer (marblemedia) Executive Vice President, Production & Programming (HIT Entertainment) Director, Studio Operations (Corus Entertainment, Nelvana) VP Children’s Programming (PBS) Director of Programming (TELETOON Canada) Executive Producer (Spin Master Entertainment)
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FESTIVAL STAFF FAVORITE PLACES Canadian Film Institute Tom McSorley Jerrett Zaroski
Director: Programmer:
Ottawa International Animation Festival 2010 Tom
in a virtual graceland
Managing Director: Artistic Director: TAC & Workshop Director: Programming Coordinator: Office Coordinator:
Kelly Neall Chris Robinson Azarin Sohrabkhani Gjen Snider Dominique Forget
Technical Coordinator: Guest Services Coordinator:
Matt Rosen Petri Rantanen & Jackie Hawboldt Mylene Sayo Lynn Ringer Matt Fish Christina Byers Michelle Anne Olsen Erik Barkel Céline Metel
Media Coordinator: Registration Coordinator: TAC Assistant Special Events Coordinator: Kelly at the Children's Museum Special Projects Assistant: Volunteer Coordinator: Festival Intern
Gjen
in Tin House Court
Mylene at the Convention Centre
Arts Court Stage Manager, Day: Arts Court Venue Manager, Day: Arts Court Stage Manager, Night: ByTowne Stage Manager: ByTowne Venue Manager: Empire Stage Manager: Empire Venue Manager: Museum of Civilization Stage Manager: Museum of Civilization Venue Manager: National Gallery Venue Manager: Announcer: Driver:
Keltie Duncan Keeley Durocher David Tse Illya Klymkiw Barbora Boire Corey Staples Peter Knippel Patrick Cross Martine Forget Fionna Wilson Marc Grandmaison Petr Maur
Competition & Showcase Selection:
Chris Robinson with assistance from Gjen Snider, Matt Rosen, Dominique Forget and Harry Neall (Kids’ comp)
Competition & Showcase Programmer: Additional Programmers:
Chris Robinson Karl Cohen, Nobuaki Doi, Michael Fukushima, George Griffin, Milada Kovacova Michael Maryniuk, Kaspar Saxena and Gjen Snider
Chris
caught in the act
Azarin
in Rio... Ontario
Dominique
on Dalhousie
Matt
outside ESD (poutine!)
Lynn
with Oscar Peterson
Matt
outside Ahora (so good)
Festival Reader:
Erik
and the dancing bear
Michelle
Jackie
on Nepean Point
Editor:
Gjen Snider, Chris Robinson (with many thanks to Kelly Neall, Dominique Forget, Celine Metel, and Michelle Anne Olsen)
Writers:
Chris Robinson, Karl Cohen, Nobuaki Doi, Michael Fukushima, George Griffin, Milada Kovacova, Michael Maryniuk, Tom McSorley, Kaspar Saxena and Gjen Snider
Graphic Design:
Bryan Dunlay and Gjen Snider
Poster Illustration:
Andrea Stokes
Signal Film:
J.J. Sedelmeyer
Sponsor Logo Reel:
Dainty Productions
Printer: Travel Agency:
Motion Creative Printing Far Horizons Travel
Special Thanks: Betty, Jarvis and Harry Neall, Jersey, Bruce White and the staff at the ByTowne Cinema, Marc Bedard of the National Gallery of Canada, Yves Poirer and Claude Faucon at the Museum of Civilization, the staff at the Empire Theatres, Barbara Brunzell, Donna Williams and the staff of the Arts Court, Michael Fukushima of the NFB, and Marco de Blois of Cinémathèque Québécoise. Of course, there are always a few names that get left out, but we know who you are, and we are grateful for all that you’ve done. at the War Memorial
Finally, we thank all of our hardworking volunteers; we could not do this without you!
Christina at Beaver Tails (yum!)
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OIAF 2010 POSTER
Each year, the Ottawa International Animation Festival commissions an artist to create original artwork for celebration and promotion on an international scale. The 2010 Festival Poster was designed by Ottawa-based artist Andrea Stokes (www.pinkwagon.com). It is available for purchase at the Aniboutique at this year's Festival. Paintings and other work by Andrea are also featured at Canteen Art Shop & Gallery at 238 Dalhousie Street throughout the festival.
OIAF '10 AWARDS
"Figuring out what else your VCR can be sometimes requires a little surgery. I hate throwing things out while there is a chance of further use in them. Everyday technology contains so much intricate material. Creating the illusion of motion, life, and character is essential in my work. Like each of a paintings brush strokes, each piece is important to the final look. Small details help build character. The curve on a typewriter gear could complete the devious crook in a mouth if placed correctly. My final goal is to make you believe that the mass of metal you are looking at could come to life at any moment." - Tick Tock Tom Tick Tock Tom is the designer of the 2010 Ottawa International Animation Festival Awards.
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CITY MAP
BYTOWNE CINEMA | CINÉMA BYTOWNE 325 RIDEAU STREET AT NELSON | 325, RUE RIDEAU, COIN NELSON CANADIAN MUSEUM OF CIVILIZATION | MUSÉE CANADIEN DES CIVILISATIONS 100 LAURIER STREET, GATINEAU |100, RUE LAURIER, GATINEAU
NATIONAL GALLERY OF CANADA | MUSÉE DES BEAUX-ARTS DU CANADA 380 SUSSEX DRIVE | 380, PROMENADE SUSSEX EMPIRE THEATRES - RIDEAU | CINÉMAS EMPIRE 50 RIDEAU STREET | 50, RUE RIDEAU
SAW GALLERYAND CLUB SAW 67 NICHOLAS STREET | 67, RUE NICHOLAS
ARTS COURT | COUR DES ARTS 2 DALY AVE AT NICHOLAS., 2ND FLOOR | 2, AV. DALY (COIN NICHOLAS), 2E ÉTAGE
CHATEAU LAURIER HOTEL | HÔTEL CHÂTEAU-LAURIER 1 RIDEAU STREET | 1, RUE RIDEAU
NATIONAL LIBRARY AND ARCHIVES | BIBLIOTHÈQUE ET ARCHIVES CANADA 395 WELLINGTON STREET | 395, RUE WELLINGTON
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ESSAY BIBLIOGRAPHIES YEAH, WHAT SHE SAID: EMPATHETIC INNUENDO IN XX IN ANIMATION Christy Marx, Interview. "Jem - The Complete 1st & 2nd Seasons (1985)". DVD extras. Rhino Home Video, March 30, 2004 Stacey, Jackie. The Cinematic Life of the Gene. Durham, NC: Duke University Press, 2010.
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