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Festival Patrons: Nurturing Great Animation Worldwide

PANTONE 2736 PC

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TABLE OF LETTERS

CONTENTS 6

Ottawa 09 Honorary President: Otto Alder

Emru Townsend: In Memoriam

Television Animation Conference

SCHEDULE/HORAIRE

SPECIAL SCREENINGS

SPECIAL PRESENTATIONS

JURIES

FILMS IN COMPETITION

WORKSHOPS

110

showcases

112

TOON APPRENTICE

124

THE ANIMARKET/ L’ANIMARCHÉ

127

PARTIES

130

OTHER EVENTS

134

OIAF ‘09 artists

136

BOOK SIGNINGS

138

FILM CONTACTS

142

city map

133

Official Competition Prizes and Awards

155

FESTIVAL ORGANIZATION

159

Essays:

Seven reasons to love animation by Otto Alder in the dust and moonlight of don hertzfeldt by Chris Robinson muckers and grinders: from the nfb vault by Michael Fukushima can’t draw straight: queer perspectives in animation by Jerrett Zaroski film bilder studio: twenty years of creation and animation by Thomas Meyer-Hermann “and things were looking like a movie” by Richard O’Connor suzan pitt: dollhouses, magic and sexy asparagus by Chris Robinson quÉbec my love: an overview of contemporary independent animation in quebec by Marco de Blois a stan vanderbeek retrospective by Amid Amidi

OIAF 2009 festival reader | FIAO 09 lecteur du festival

26 30 42 47 52 56 61 70 74

CANADIAN TALENT CANADIAN CONTENT FOR CANADIANS AND THE WORLD DES CRÉATEURS CANADIENS ET DU CONTENU CANADIEN POUR LES CANADIENS ET LE MONDE ENTIER Telefilm Canada, proud partner of the 2009 Ottawa International Animation Festival Téléfilm Canada, fier partenaire du Festival international d’animation d’Ottawa 2009

The arts lift people up. We uplift artists. In 2008-2009, the Ontario Arts Council supported the work of 1,443 individual artists and 1,006 organizations in more than 200 communities across Ontario. Find out more at www.arts.on.ca.

Les arts donnent des ailes. Nous donnons du souffle aux artistes. En 2008-2009, le Conseil des arts de l’Ontario a appuyé le travail de 1 443 artistes et de 1 006 organismes dans plus de 200 collectivités de la province. Pour en savoir plus, visitez le www.arts.on.ca.

Our Government knows how important creativity and innovation are to building a dynamic Canadian culture and a healthy economy. The Ottawa International Animation Festival provides talented artists from across Canada and around the world with opportunities to showcase the originality of their works and entertain audiences of all ages and backgrounds. The festival—a meeting place for artists, industry professionals, and fans of animation—celebrates creativity and technology in the arts while contributing to the cultural vitality of the Ottawa region. On behalf of Prime Minister Stephen Harper and the Government of Canada, I would like to congratulate the Canadian Film Institute and the organizers, animators, and volunteers who have helped make this festival a success.

Notre gouvernement sait à quel point la créativité et l’innovation sont essentielles pour bâtir une culture et une économie dynamiques au Canada. Le Ottawa International Animation Festival permet aux artistes talentueux de partout au pays et dans le monde de présenter leurs œuvres originales et de divertir des publics de tous âges et de tous horizons. Le festival, un rendez-vous pour les artistes, les professionnels de l’industrie et les mordus de l’animation, célèbre la créativité et la technologie dans les arts, tout en contribuant à la vitalité culturelle de la région d’Ottawa. Au nom du Premier ministre Stephen Harper et du gouvernement du Canada, je tiens à féliciter l’Institut canadien du film, les organisateurs, les animateurs et les bénévoles qui ont contribué au succès de ce festival.

The Honourable / L’honorable James Moore Minister of Canadian Heritage and Official Languages

Achieving truth and beauty through film is a noble enterprise – one that begins with a whisper of inspiration, matures through the talent and hard work of many, and ends with a moment of reckoning, when film lovers revel in a cinematic experience together. Supporting Canadian talent and creating Canadian content that engages audiences at home and abroad is a unity of purpose we all share. Bringing the industry together to admire the art form, as well as identify innovations that address some of the challenges we face as an industry is particularly encouraging – and essential within the new paradigm of multiplatform content creation and delivery. Events such as the Ottawa International Animation Festival strengthen the industry as a whole by drawing attention to Canadian productions, encouraging a diversity of voices, developing talent, and fostering creative collaboration and business deals. Most importantly, these events provide you, the festival-goer, with an opportunity to discover outstanding works. Thanks to the filmmakers who continue to push the envelope on artistic expression from a Canadian viewpoint; and congratulations to the event organizers and volunteers for your tireless efforts in delivering another important event.

Toucher à la vérité et à la beauté par l’entremise d’un film est une noble entreprise – une entreprise qui commence par un souffle d’inspiration, qui mûrit grâce au talent et au travail de nombreux artisans, et qui se termine par le moment de reconnaissance, quand les cinéphiles prennent plaisir à vivre ensemble une expérience cinématographique. Nous avons tous comme objectif d’appuyer les talents canadiens et d’interpeller les auditoires d’ici et d’ailleurs en créant du contenu canadien. Et nous retrouver comme industrie pour admirer l’expression artistique et identifier des solutions innovatrices à certains défis est non seulement encourageant – c’est essentiel dans le nouveau contexte multiplateforme de la création et de la diffusion. Des événements comme le Festival international d’animation d’Ottawa donnent de la vigueur à l’industrie dans son ensemble en attirant l’attention sur les productions canadiennes, en encourageant une diversité de voix, en développant le talent et en favorisant la collaboration créative et les relations d’affaires. Plus important encore, ces événements vous offrent, à vous festivaliers, une occasion de découvrir des œuvres exceptionnelles. Merci aux cinéastes qui continuent de repousser les limites de l’expression artistique dans une perspective canadienne. Et félicitations aux organisateurs de l’événement et aux bénévoles qui ont permis, grâce à leur travail inlassable, la tenue d’un autre événement important.

S. Wayne Clarkson Directeur général, Téléfilm Canada Directeur général, Téléfilm Canada

OIAF 2009 festival reader | FIAO 09 lecteur du festival

ONTARIO ONTARIO MEDIA DEVELOPMENT CORPORATION

CELEBRATING WORLD-CLASS ANIMATION

TOTAL DRAMA ISLAND Fresh TV

CHOP SOCKY CHOOKS Decode Entertainment Inc.

THE DATING GUY marblemedia/Blueprint Entertainment

FRANKLIN Nelvana Limited

ROLLBOTS Amberwood Entertainment

BUSYTOWN MYSTERIES Cookie Jar Entertainment

OMDC is a proud sponsor of the Television Animation Conference at the Ottawa International Animation Festival

You belong here

www.omdc.on.ca Franklin(tm) Kids Can Press Ltd. Franklin Characters (c) Paulette Bourgeois and Brenda Clark, 1986 Animated Series (c) 1997, 1998, 2000 Nelvana Limited, Neuroplanet France s.a.r.l. and Neuroplanet Luxembourg S.A., (c) 1999 Nelvana Limited, (c)2003 Nelvana Limited/Alphanim All Rights Reserved.

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7/30/09 4:10:39 PM

For over 30 years now, the Ottawa International Animation Festival has brought together filmmakers and film lovers to see the latest and most exciting advancements in animated film and video. A world leader in groundbreaking animation, the National Film Board of Canada celebrates its 70th anniversary this year. We’re honoured that the OIAF has programmed an amazing selection of new NFB productions – but our participation doesn’t end there. At our morning “Meet the Filmmakers” workshops you’ll be able to interact with the artists behind the movies. The OIAF will offer audiences a unique look into the NFB’s archives with a program of rarities. And we’re proud to present the festival’s Public Prize. To continue the animation experience, I also invite you to check out our two-disc special edition Animation Express and visit our new online Screening Room <NFB.ca>, where you can view and share over 1,000 NFB productions. Visit us at NFB.ca and start watching!

Depuis maintenant plus de 30 ans, le Festival international d’animation d’Ottawa rassemble les cinéastes et les cinéphiles à l’affût d’œuvres d’animation témoignant de fascinantes avancées techniques. Le chef de file en animation d’avant-garde qu’est l’Office national du film du Canada célèbre cette année son 70e anniversaire, et le Festival l’honore en faisant une large place à ses nouvelles productions. La participation de l’ONF prend aussi d’autres formes. Dans le cadre de ses matinées « Rencontres avec les cinéastes », il offre aux festivaliers la possibilité de s’entretenir avec les cinéastes. Le Festival propose aussi au public un programme spécial composé de petits chefs-d’œuvre puisés à même les archives de l’ONF. Enfin, c’est avec fierté que l’ONF décerne le prix du public. Pour poursuivre votre expérience en animation, ne manquez pas Animation Express, notre brillante sélection de films d’animation regroupés sur deux DVD, et visitez notre nouvel Espace de visionnage en ligne, <ONF.ca>, lequel propose plus de 1000 productions de l’ONF… à visionner maintenant.

The City of Ottawa is delighted to recognize the collaborative efforts of the OIAF staff to increase awareness of animation and to assist artists to gain exposure. Council Members congratulate the OIAF 09 organizers, sponsors, artists, volunteers and all those who have dedicated their time, energy, talents and resources to the successful organization of this important cultural event of international scope. As the elected representatives of the host city, we invite visitors to explore the numerous civic sites of historical importance, as well as the abundance of national treasures and heritage landmarks housed in Canada’s capital. We convey best wishes to all the participants for a most entertaining and very memorable festival.

Les membres du Conseil municipal d’Ottawa, représentant 898 000 résidents, souhaitent la bienvenue à tous les participants au Festival international d’animation d’Ottawa qui se déroulera au cœur de la capitale nationale du 14 au 18 octobre 2009. La Ville d’Ottawa est très heureuse de souligner les projets de collaboration du personnel du FIAO qui contribuent à mieux faire connaître l’animation et à aider les artistes à obtenir une plus grande visibilité. Les membres du Conseil municipal félicitent les organisateurs du FIAO 09, les commanditaires, les artistes, les bénévoles et tous ceux et celles qui ont consacré leur temps, leur énergie, leurs compétences et leurs ressources à l’organisation réussie de cet important événement culturel d’envergure internationale. Nous, représentants élus de la ville hôte, invitons les visiteurs à découvrir les nombreux sites municipaux d’importance historique ainsi que les trésors nationaux et les lieux patrimoniaux abondants qu’abrite la capitale nationale. Nous souhaitons à tous les participants un festival très mémorable et des plus divertissants.

City of/Ville d’Ottawa Tom Perlmutter Government Film Commissioner and Chairperson of the National Film Board of Canada Commissaire du gouvernement à la cinématographie et président de l'Office national du film du Canada

110 Laurier Avenue West, Ottawa, ON K1P 1J1/110, avenue Laurier Ouest, Ottawa ON K1P 1J1 Tel/tél. : 613-580-2400 Fax/télec. : 613-580-2495 Web : ottawa.ca

OIAF 2009 festival reader | FIAO 09 lecteur du festival

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Animation and advertising â€“ a classic combination. HBS Marketing is a proud sponsor of the Ottawa International Animation Festival.

h b s m a r ke t i n g .c o m

Ontario Media Development Corporation (OMDC) is proud to sponsor the Television Animation Conference (TAC) at the Ottawa International Animation Film Festival (OIAF) again this year. For more than 30 years, OIAF has been a place for the industry and the public to meet and celebrate this unique art form. As an agency of the Ministry of Culture, OMDC promotes innovation, investment and employment in Ontario's book, interactive digital media, magazine publishing, music, film and television industries. TAC provides an important forum for Canadian and international animation producers, broadcasters and buyers to network, discuss industry issues and do business together. Our cultural media industries play a vital role in the Province’s economy, contributing billions of dollars annually and employing thousands of Ontarians. OMDC is pleased to support this important event and we trust that the organizers and participants will enjoy another successful conference!

La Société de développement de l’industrie des médias de l’Ontario (SODIMO) est fière de parrainer une nouvelle fois la Television Animation Conference (TAC) au Ottawa International Animation Film Festival (OIAF). Depuis plus de 30 ans, l’OIAF est un lieu de rencontre de l’industrie et du public qui viennent célébrer cette forme artistique unique. Organisme du ministère de la Culture, la SODIMO promeut l’innovation, les investissements et l’emploi dans les industries ontariennes de l’édition de livres et de revues, des produits multimédias interactifs numériques, de la musique et du cinéma et de la télévision. La TAC offre une tribune importante aux producteurs canadiens et internationaux d’animation, aux radiodiffuseurs et aux acheteurs qui peuvent réseauter, discuter des enjeux propres au secteur et faire des affaires. Nos industries des médias culturels jouent un rôle important au sein de l’économie de la province et contribuent des milliards de dollars chaque année tout en employant des milliers d’Ontariennes et d’Ontariens. La SODIMO est heureuse de soutenir cet événement important. Nous souhaitons aux organisateurs et participants une conférence réussie!

It gives me great pleasure to welcome you to the 2009 edition of the Ottawa International Animation Festival. As the largest of the festivals organized by the Canadian Film Institute, the OIAF is, and will continue to be, one of the cornerstones of the Institute. Established in 1935, the CFI was to be an alternative to the typical ‘Hollywood’ fare available to the local film audience. In its 74 years of existence, the CFI has continued to do just that. From the experimental programming of Café Ex, to the weekly screenings at the Library and Archives of Canada, to special events such as the European Union Film Festival, now entering its 25th year; the Latin American Film Festival, celebrating its 14th year and a host of others, to the films that celebrate our own Canadian culture, heritage and unique filmmaking vision. Of course, we can still appreciate and enjoy the best of ‘Hollywood’, too. With our 75th anniversary on the horizon, the CFI is making strides to develop its outreach and programming, improve its infrastructure and reach an even wider audience. It is an exciting time for both the CFI and the OIAF, as we work to provide you with more programming, workshops, special screenings and presentations than ever before. Once again, welcome. We hope that you will enjoy attending this year’s Festival as much as we have enjoyed making it happen.

Sincerely/ Cordialement,

Karen Thorne-Stone President & CEO/ Présidente-directrice générale Ontario Media Development Corporation (OMDC) Société de développement de l’industrie des médias de l’Ontario (SODIMO)

Sincerely, Tom McSorley Executive Director The Canadian Film Institute

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The Canadian Animation Directory

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Yo u r comprehensive guide to the Canadian animation industry. Researched and published by the Ottawa International Animation Festival team, with help from Canadian Animation Resources, the directory is an excellent resource for animation professionals, students, independent artists, organizations, and industry leaders. It covers a broad spectrum of existing and emerging production companies, funding agencies, schools, and post-production services.

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Ottawa 09 Honorary President: Otto Alder

Emru Townsend: In Memoriam

Otto Alder, président honoraire du FIAO 2009

À la mémoire d'Emru Townsend

I met Otto in 1994 when he was part of the festival selection committee. He was opinionated, impatient, passionate and funny ("Come on," he'd say to the other committee members, "How can you keep watching this!") I liked him immediately. When I became the director a year later, Otto was among a small group of trusted advisers who helped me learn about animation and find my confidence. As I started travelling to other festivals, I got to spend a lot more time with Otto. We quickly became good friends, almost brothers. Along with Gerben Schermer of the Holland Animation Festival, the three of us routinely hung out at festivals together (at least until Gerben and I got too drunk). We've shared living spaces in Germany, Estonia, and Finland. Along the way I got to know more about his personal life, meet his amazing daughter (who has followed his footsteps in animation) and his desire to make his own films (which he has finally succeeded in doing). More than anyone, Otto was my first and most important animation teacher. He showed me beyond the doors of North American and Western European animation, introducing me to Russian and Eastern European works. And yes, indeed, it was Otto Alder who introduced me to my first Estonians. During a year in which I've struggled with the loss of my closest friend, what I appreciate most about Otto is his frankness and loyalty. When I was drinking too much. Otto never failed to tell me I behaved like an asshole. There were a few times when my insensitivity (yes, I know it's hard to believe that dear readers) caused him pain. Through the mild muck, he's remained a friend. That might be the most cherished thing I have received from Otto. So kids, we're honouring this man because he's one of the most respected and beloved animation curators and historians around; a man who has always fought the battle for the underdog indie animator, helping them find a wider, appreciative audience. We're honouring a man who has played a major role in helping shape the curatorial philosophies and approach of the Ottawa International Animation Festival. Mostly, though, I'm honouring a friend. Chris Robinson

You didn’t have to know Emru to know about Emru. You cannot mention his name in animation circles without someone breaking into a huge smile and saying, “What an amazing guy.” Emru was a respected freelance writer, founder of the print and online FPS Magazine, and a huge supporter of the Ottawa International Animation Festival; he could be counted on to attend every year. In mid-December 2007, Emru was diagnosed with leukemia and monosomy 7. Instead of retreating from the world to fight his battle, Emru became an outspoken advocate for the bone-marrow registry. Along with his sister, Tamu, and other members of his devoted family, he chronicled his treatment and worked to increase the number of registered marrow donors around the world. In particular, they championed the cause of underrepresented communities – African-Carribean, Chinese, South-Asian and people with parents of different ethnicities. Despite finding a match and undergoing a bone marrow transplant in Ottawa in September of 2008 (the day before the OIAF), Emru was unable to enter a full remission. He died peacefully on November 11, 2008. To honour the memory of Emru Townsend and to show support for his family, who continue to work on behalf of patients with leukemia and other blood disorders around the world, please take time to learn more about bone marrow donation and spread the word; contrary to what you may have heard, it is NOT a horribly painful procedure. Most donors are discharged on the same day, and are back to their normal routines in a couple of days. To become a potential donor, all you have to do is contact your local registry and provide a cheek swab or blood sample; in the US and most of Canada you can do it from home using a cheek swab kit! It’s really that simple – and yet there are over 16,000 patients worldwide waiting for bone marrow or peripheral blood stem cell transplants. One person’s actions can make a difference in the world. Emru Townsend believed that; and for him, it was true. For more information on bone marrow and peripheral blood stem cell donation, and a comprehensive list of international bone marrow registries, visit: www.healemru.com

J'ai rencontré Otto en 1994 alors qu'il faisait partie du comité de sélection du festival. Il était buté, impatient, passionné et drôle. (« Voyons, » disait-il aux autres membres du comité, « comment pouvez-vous continuer à regarder ça! ») Je l'ai aimé tout de suite. Lorsque je suis devenu directeur un an plus tard, Otto a été parmi un petit groupe de conseillers respectés qui m'ont aidé à me familiariser avec l'animation et à prendre confiance en moi. Quand j'ai commencé à voyager dans d'autres festivals, j'ai en l'occasion de passer beaucoup plus de temps avec Otto. Nous sommes rapidement devenus de bons amis, presque des frères. Avec Gerben Shermer du Festival d'animation des Pays-Bas, le trio que nous étions avait l'habitude de se tenir ensemble aux festivals (au moins jusqu'à ce que Gerben et moi ayons trop bu). Nous avons partagé des espaces de vie en Allemagne, en Estonie et en Finlande. Chemin faisant, j'en ai appris davantage sur sa vie personnelle, rencontré sa fille merveilleuse (qui suit ses traces en animation), et sur son désir de faire ses propres films (ce qu'il a enfin réussi à faire). Plus que personne, Otto a été mon premier et plus important professeur d'animation. Il m'a montré ce qu'il y avait passé les portes de l'animation nord-américaine et ouest-européenne, en m'initiant aux oeuvres russes et esteuropéennes. Et de fait, c'est Otto Alder qui m'a présenté mes premiers Estoniens. L'année où je me suis débattu avec la perte de mon ami le plus intime, ce que j'ai apprécié le plus d'Otto a été sa franchise et sa loyauté. Quand je buvais trop, Otto ne manquait jamais de me dire que je m'étais comporté comme un imbécile. Il y a des fois où mon insensibilité (oui, chers lecteurs, je sais que c'est difficile à croire) l'a blessé. Et à travers tout ce fatras, il est demeuré un ami. C'est peut-être là la chose la plus précieuse que j'aie reçue d'Otto. Alors, les enfants, nous honorons cet homme parce qu'il figure parmi les plus respectés des historiens et des programmateurs de films d'animation; parce que cet homme s'est toujours battu pour les petits cinéastes d'animation indépendants et qu'il les a aidés à trouver un auditoire plus vaste et appréciatif. Nous honorons un homme qui a joué un rôle important dans la formation des philosophies et de la méthodologie de la programmation au Festival international d'animation d'Ottawa. En ce qui me concerne, toutefois, j'honore surtout un ami. Chris Robinson

Vous n'aviez pas à connaître Emru personnellement, tout le monde en avait entendu parler. Vous ne pouvez pas mentionner son nom dans le milieu du film d'animation sans que quelqu'un dise en arborant un large sourire : « Quel type formidable ! » Emru était un journaliste pigiste respecté, le fondateur du magazine FPS sur papier et en ligne, et un immense supporteur du FIAO; chaque année, on pouvait être sûr qu'il assisterait au Festival. À la mi-décembre 2007, Emru a été diagnostiqué d'une leucémie avec monosomie 7. Au lieu de se retirer du monde pour mener bataille en solitaire, Emru est devenu un franc défenseur du registre de la moelle osseuse. Avec sa soeur Tamu et d'autres membres de sa famille dévouée, il a tenu une chronique de son traitement et travaillé à augmenter le nombre de donneurs de moelle osseuse inscrits partout dans le monde. En particulier, il a défendu la cause des collectivités sous-représentées, -- Africains des Caraïbes, Chinois, personnes d'Asie du Sud ou dont les parents sont d'ethnies différentes. Bien qu'il ait trouvé un donneur compatible et reçu une transplantation de moelle osseuse à Ottawa en septembre 2008 (le jour avant l'ouverture du FIAO), Emru n'a pu entrer en rémission complète. Il est mort paisiblement le 11 novembre 2008. Pour honorer la mémoire d'Emru Townsend et appuyer sa famille, qui continue de travailler au nom de patients ayant une leucémie et d'autres maladies du sang partout dans le monde, veuillez prendre le temps d'en apprendre davantage sur le don de moelle osseuse et de passer le mot. Contrairement à ce qu'on a pu vous en dire, ce N'EST PAS une procédure terriblement douloureuse. La plupart des donneurs reçoivent leur congé le jour même et peuvent reprendre leur train-train quotidien après deux ou trois jours. Pour devenir un donneur potentiel, il vous suffit de communiquer avec le responsable du registre local et de fournir un frottis de la joue ou un échantillon de sang. Aux États-Unis et dans la majeure partie du Canada, vous pouvez vous faire un frottis de la joue à la maison en utilisant une trousse! C'est aussi simple que ça – et pourtant plus de 16 000 patients dans le monde entier attendent une transplantation de moelle osseuse ou de cellules-souches de sang périphérique. Les gestes d'un individu peuvent changer les choses. Emru Townsend y croyait, et dans son cas, cela s'est avéré vrai. Pour de plus amples renseignements sur le don de moelle osseuse et de cellules-souches de sang périphérique, et une liste exhaustive des registres de moelle osseuse dans le monde, visitez : www.healemru.com

TELEVISION ANIMATION CONFERENCE (TAC)

CONGRÈS DE L'ANIMATION TÉLÉVISUELLE (TAC)

Wednesday October 14 and Thursday October 15 (Fairmont Château Laurier, Starz Adam Room, McDonald Room) The Television Animation Conference (TAC), the OIAF’s industry side event, is held at the Fairmont Château Laurier the first two days of the Festival. Selling out since its inaugural edition, the Conference is a specialized industry forum designed for professionals in animation content creation, development, production, distribution and marketing. The event now targets an audience of over 300 delegates, bringing together key players from North American and international markets, providing an intimate space for effective networking, practical information exchange and trade.

Les mercredi 14 et jeudi 15 octobre (Hôtel Fairmount Château-Laurier, salles Starz Adam et McDonald) Le Congrès de l'animation télévisuelle (TAC), l'événement du coté « affaires » du FIAO, a lieu à l'hôtel Fairmount ChâteauLaurier pendant les deux premiers jours du Festival. Tenu à guichet fermé depuis son édition inaugurale, le Congrès est un forum industriel spécialisé conçu pour les professionnels de la création, de l'élaboration, de la production, de la diffusion et du marketing du cinéma d'animation. L'événement cible aujourd'hui un auditoire de plus de 300 délégués, Il rassemble des acteurs clés des marchés d'Amérique du Nord et internationaux, et fournit un espace privilégié pour un réseautage, des échanges d'information pratique et des relations commerciales efficaces.

TAC 2009 HIGHLIGHTS Opening the 6th edition is Josh Selig, President and Founder of Little Airplane Productions. Selig is the Creator and Executive Producer of The Wonder Pets! on Nick Jr., Oobi! on Noggin and Go, Baby! on Playhouse Disney. David Silverman sets the tone for day two. Silverman is the Supervising Animation Director, and a producer for The Simpsons. David has also worked in features as co-director of The Road to El Dorado (Dreamworks, Monsters, Inc. (Pixar), and then as a writer and storyboard artist for Ice Age and Robots (Blue Sky). He also directed The Simpsons Movie, released in 2007. Catch a glimpse of what Canadian producers are up to at the TAC Canadian Showcase, featuring Stoked!, The Busytown Mysteries, Leon, Kid vs. Kat, Rollbots and Jimmy Two-Shoes. Festival screenings are a key way to catch up on new trends, new artists and the best work from around the world. TAC features many opportunities that cater to delegate needs, including panels, seminars and networking events. Panels and seminars explore European broadcasters, sponsored web programming, licensing for toys and videogames, feature film production and much more! Don’t miss Pitch THIS!, where two producers bravely pitch their projects to a panel of top television executives and the entire TAC audience. Participants can pre-arrange one-on-one meetings with key buyers and executive producers at Fast Track, set up meetings in the TAC Lounge, take in intimate social events such as TAC Happy Hour, the Buffet Breakfast, Coffee Breaks and OIAF Festival Parties.

POINTS FORTS DU TAC 2009 Josh Selig, président-fondateur de Little Airplane Productions, inaugurera la 6e édition. Il est le créateur et producteur exécutif de The Wonder Pets! à Nick Jr., de Oobi! à Noggin et de Go, Baby! à Playhouse Disney. David Silverman donnera le ton à? la deuxième journée. Silverman est le directeur de la supervision de l'animation et un des producteurs de The Simpsons. Il a aussi travaillé à des longs métrages en tant que directeur adjoint de The Road to El Dorado (Dreamworks) et de Monsters, Inc. (Pixar), puis comme auteur et scénarimageur pour Ice Age et Robots (Blue Sky). Il a aussi réalisé The Simpsons Movie, sorti en 2007. Ayez un aperçu de ce que font les producteurs canadiens à la Vitrine canadienne du TAC, qui met en vedette Stoked!, The Busytown Mysteries, Leon, Kid vs. Kat, Rollbots et Jimmy Two-Shoes. Les projections du Festival sont une façon importante de se mettre à jour sur les nouvelles tendances, les nouveaux artistes et les meilleures oeuvres du monde entier. Le TAC répond aux besoins des délégués de plusieurs façons, par des discussions avec des invités, des séminaires et des événements de réseautage. Les discussions et séminaires explorent les diffuseurs européens, la programmation commanditée pour l'Internet, les redevances sur les jouets et les jeux vidéo, la production de longs métrages et beaucoup plus encore! Ne ratez pas ÇA!, où deux producteurs vendent bravement leurs projets à des cadres importants de la télé et à tout l'auditoire du TAC. Les participants peuvent prendre rendez-vous d'avance avec des acheteurs importants et des producteurs exécutifs à La Voie rapide, organiser des réunions au salon du TAC et participer à des événements sociaux privilégiés, tels que le cinq-à-sept du TAC, le buffet du petit-déjeuner, les pausescafé et les soirées du FIAO.

Companies Participating in TAC 09 include: Les enterprises et organisations qui prendront part à la TAC 2009 comprennent notamment: • Algonquin College

• Frederator Studio

• Australian Guild of Screen Composers

• Gearshift Films

• Art Institute of Pittsburgh

• Animation World Network (AWN) • Bejuba!

• Little Airplane Productions

• Brazilian TV Producers

• Canadian Animation Resources • CartoonBrew

• Cartoon Network

• Children’s BBC (CBBC) • CelAction

• Channel Zero Inc.

• Cookie Jar Entertainment • Corus Entertainment • E1 Entertainment • Eggplant LF Inc.

• Elliott Animation

• Flux Animation Studio

• HIT Entertainment • Krause Brothers

• Breakthrough Entertainment

• Carbone Fleury Consultants

• Guru Studio

• Hulascope Studio Inc.

• Big Jump Productions

• Brown Bag Films (Canada)

• Fresh TV Inc.

• marblemedia • Nelvana

• Nerd Corps

• Nickelodeon Animation Studios • OCRI Global Marketing • PBS

• Pip Animation Services • Pipeline Studios Inc.

• Portfolio Entertainment Inc. • Starz Animation • TELETOON

• Treehouse and Discover Kids Canada • Tribal Nova • and more!

OIAF 2009 festival reader | FIAO 09 lecteur du festival

schedule / HORAIRE

Saturday, October 17

Sunday, October 18

9:00am

9:30am

Wednesday, October 14

Friday, October 16

as Meet the Filmmakers as Animarket

7:30am

9:00am

9:30am

9:00am

9:45am

5:30pm

10:00am

7:00pm

10:30am

9:15pm

11:00am

cl Television Animation Conference (TAC Pass Only) as Aniboutique - opens for the festival

as Meet the Filmmakers

by $9.99 *GALA

by Mary and Max *GALA

ng School Presentation: Sheridan College

by Short Competition 1 *GALA & Opening Ceremony 11:00pm

mt Opening Night Party (Passholders only)

at TAC Canadian TV Showcase cs The Stereolab at the NFB: Exploring Three Dimensions ng International Showcase 1 (Free for HS students) 12:00pm

Thursday, October 15

st Animator’s Picnic (Passholders Only)

7:30am

1:00pm

9:00am

1:45pm

11:00am

2:30pm

cl Television Animation Conference (TAC Pass Only)

Writing for Preschool and Comedy Animation The Stereolab at the NFB: Exploring Three Dimensions Canadian Film Showcase The Works of Jim Blashfield Animation Celebration

1:00pm

cs by em ng

The Stereolab at the NFB: Exploring Three Dimensions Short Competition 5 My Dog Tulip Animation Celebration

3:00pm

at cs by em ng

TAC Canadian TV Showcase The Stereolab at the NFB: Exploring Three Dimensions Short Competition 3 Coraline Suzan Pitt: Dollhouses, Magic and Sexy Asparagus

5:00pm

by Edison and Leo *GALA cs Exhibit Opening: Martha Colburn and Allyson Mitchell em Life Without Gabriella Ferri 7:00pm

at by em ng

ng School Presentation: Algonquin College ng Sch. Present: Vancouver Film School

as Meet the Filmmakers at cs by em ng

al Create Magic: Free Hands-on Workshop for Teens mc TELETOON Pyjamboree

ng School Presentation: M. Hoppenheim School of Cinema

fd TAC Happy Hour (TAC Pass Only)

Stevie Vallance: Intro to Animation Acting Workshop Mai Mai Miracle*GALA Coraline Can’t Draw Straight: Queer Perspectives in Animation

ng School Presentation: Durham College 3:00pm

ng Québec My Love: Contemporary Indies from Québec 5:00pm by International Showcase 2 6:45pm

mc The Making of Coraline A Stan VanDerBeek Retrospective My Dog Tulip *GALA Mai Mai Miracle Suzan Pitt: Dollhouses, Magic and Sexy Asparagus

9:15pm

by Short Competition 3 *GALA mc An Evening with Don Hertzfeldt em Edison and Leo ng International Showcase 1 9:45pm

at Short Competition 3 (secondary showing) 11:00pm

cs Salon des refusés (Passholders only) 11:30pm

at TELETOON Detour Pilots 2

9:15pm

at by em ng

The Horror Short Competition 2 *GALA 20 Years of Studio Film Bilder Québec My Love: Contemporary Indies from Quebec

schedule / horaire

1:00pm

cs The Stereolab at the NFB: Exploring Three Dimensions at Joseph Gilland :An Organic Approach to FX Workshop by Short Competition 2 mc Kids Competition – Television em Mai Mai Miracle ng The Making of Pixar’s Partly Cloudy 1:30pm

al Post-sync: Free Hands-on Workshop for Teens 3:00pm

by Short Competition 4 *GALA cs The Stereolab at the NFB: Exploring Three Dimensions at Starz: The Making of 9 mc A Conversation with David Silverman em 20 Years of Studio Film Bilder ng Muckers and Grinders: From the NFB Vault as Book signing: Joseph Gilland (1 hour event) 4:30pm

as Book signing: Ronnie del Carmen (45 minute event) 5:00pm

11:00am

at Meet the Makers – 6TEEN cs The Stereolab at the NFB: Exploring Three Dimensions by Short Competition 3 mc Kids Competition - Short Films em The Works of Jim Blashfield ng Mechanics and Metaphor: Designing Independent Games 12:00pm

as Book Signing: Janet Perlman (1 hour event) 1:00pm

at Kids Competition – Television cs The Stereolab at the NFB: Exploring Three Dimensions by Short Competition 4 mc Student Showcase em Mary and Max ng International Showcase 2 1:30pm

al Create Magic: Free Family Hands-on Workshop 2:00pm

as DVD Signing: Don Hertzfeldt (1 hour event) 3:00pm

at Workshop: Funding Indie films in Canada cs The Stereolab at the NFB: Exploring Three Dimensions by Short Competition 5 mc The Art of 2D: The Princess and the Frog em $9.99 ng Muckers and Grinders: From the NFB Vault 5:00pm

Canadian Film Showcase The Stereolab at the NFB: Exploring Three Dimensions Seven Reasons to Love Animation, with Otto Alder Aniboutique - closes

ng Seven Reasons to Love Animation, with Otto Alder cs The Stereolab at the NFB: Exploring Three Dimensions by Life Without Gabriella Ferri *GALA

by cs ng as

6:30pm

7:00pm

6:45pm

8:00pm

mc The Story of Pixar’s Up, with Ronnie del Carmen by Coraline *GALA

mc Closing Ceremonies by Best of the Festival mc Best of the Festival

7:00pm

at A Stan VanDerBeek Retrospective em $9.99 ng Games Beyond Genre: The Independent Gaming Scene pc The Horror pm Exhibit Opening: Mimi Wobbly and Friends

9:00pm

fd Closing Night Party (Passholders Only)

by Short Competition 5 *GALA mc An Evening With Don Hertzfeldt em My Dog Tulip ng Can’t Draw Straight: Queer Perspectives in Animation 9:45pm at Short Competition 5 (secondary screening)

at TELETOON Detour Pilots 1

as Book signing: David Levy (1 hour event)

mc Free Family Event: Meet the puppets from Coraline

9:15pm

11:30pm

Chateau Laurier Club SAW / SAW Gallery Empire Theatre - Rideau Centre Foundation Restaurant Museum of Civilization

12:30pm

10:00am

pc The Horror

cs Salon des refusés (Passholders only)

CL CS EM FD MC

at David Levy: How to be Pitch Perfect… Workshop cs Workshop: The Stereolab at the NFB by Short Competition 1 mc Kids Competition - Short Films *GALA em Mary and Max ng Student Showcase

al Free Family Hands-on workshop

9:00pm

11:00pm

LEGEND: AT Arts Court Theatre AS Arts Court Studio AL Arts Court Library BY ByTowne Cinema

11:00am

3:30pm

7:00pm

at by em ng

as Meet the Filmmakers as Animarket

MT NG PC ST PM

Métropolitain Brasserie National Gallery Parliament Ultra Club Strathcona Park La Petite Mort Gallery

11:00pm

pc Saturday Night Party (Passholders only) 11:30pm

pc TELETOON Detour Pilots 3

OIAF 2009 festival reader | FIAO 09 lecteur du festival

Seven Reasons to Love Animation Sept raisons d’aimer l’animation

PROGRAM Saturday, October 17, 5:00pm (National Gallery) Sunday, October 18, 5:00pm (National Gallery) Samedi, le 17 octobre, 17 h 00 (Musée des beaux-arts) Dimanche, le 18 october, 17 h 00 (Musée des beaux-arts) How the Mole Got His Trousers (Jak krtek ke kalhotkam prisel) [1957] Sdenek Miler | 12:00 | Czechoslovakia | Digital Source

by | par OTTO ALDER

Tale of Tales (Skazka skazok) [1979] Yuriy Norshteyn | 28:00 | USSR | 35mm Begone Dull Care [1949] Norman McLaren | 8:00 | Canada | 35mm

bons amis. Je suis très reconnaissant aux artistes pour ces créations subjectives, têtues et vivantes. Je me réjouis donc énormément de pouvoir retrouver ces fidèles compagnons animés ici, à Ottawa, avec le public du festival. Qu’il me soit permis, en conclusion, de rappeler qu’au moins deux personnes participent à la création d’une œuvre d’art. D’une part, le créateur de l’œuvre et d’autre part, le spectateur ou auditeur. Les deux pris ensemble font l’œuvre. Dans cette optique, je souhaite que ces films apportent aux spectateurs un divertissement passionnant, qui donne à penser et qui surprenne.

78 Tours [1985] Georges Schwizgebel | 4:00 | Switzerland | 35mm Balance [1989] Wolfgang and Christoph Lauenstein | 7:00 | German Democratic Republic | 35mm Film Film Film [1968] Fjodor Khitruk | 18:00 | USSR | 35mm The Comb [1986] Brothers Quay | 17:00 | UK | 35mm

very grateful to the artists for these subjective, independent and living creations. And I am immensely pleased to be able to meet these longtime animated companions here in Ottawa together with the festival audience. In conclusion, it should be remembered that at least two people take part in the creation of a work of art. On the one side there is the creator of the work, and on the other there is the viewer or listener. The two together make the work of art. From that point of view, I hope the viewers find the entertainment offered by these films to be exciting, thoughtprovoking and surprising.

On the occasion of the Ottawa International Animation Festival 2009, it is a great honour, pleasure and challenge for me, as honorary president, to be able to present a program that explains my affection for the art of animation. The reason it’s a challenge is that obviously one program cannot even begin to make us understand the phenomenon of animation or shed enough light to show, from a critical point of view, why I have such affection for this unique art form. Therefore, under the circumstances, I decided instead to make my selections more on impulse. I tried to exclude technical and aesthetic criteria, and criteria involving the history of film. In that way, seven outstanding works found their way into my program. In my opinion these works, both because of their artistic quality and because they are unique works, will do justice to the title of the program. All of these films are close to my heart, though each one for quite different personal reasons. What the seven films have in common is that when I saw them for the first time, each of them made a lasting impression on me, and today, many years later, they still have the same effect. So here are a handful of stories that I have encountered in the course of my life. Films that, without being asked, joined me on my way as companions and are still my companions today. It’s just as if they were good friends. I am

"All of these films are close to my heart, though each one for quite different personal reasons." « Tous ces films sont chers à mon coeur, pour des raisons personnelles très différentes. »

Présenter ici, dans le cadre du Festival International d’Animation d’Ottawa 2009, en tant que président honoraire, un programme qui rend compte de mon penchant pour l’art de l’animation, c’est un grand honneur, une grande joie et un grand défi. Un défi, car un programme ne saurait évidemment suffire pour faire comprendre ne serait-ce qu’approximativement le phénomène de l’animation, ni pour éclairer de façon critique ou exposer les motifs de mon penchant pour cette forme d’art singulière. C’est pourquoi, dans cette situation, je me suis décidé pour une démarche spontanée et plutôt liée au hasard dans la sélection. J’ai cherché à désactiver les critères liés à l’histoire du film de même que les critères techniques ou esthétiques. Sept œuvres se sont détachées qui ont trouvé leur voie dans mon programme. Elles devraient, à mon avis, rendre justice au titre de la sélection pour leur qualité artistique aussi bien que comme œuvres singulières. Tous ces films sont chers à mon coeur, pour des raisons personnelles très différentes. Le point commun à ces sept films est que tous m’ont impressionné à la première vision et que tous continuent de le faire encore après plusieurs années. Alors, voici une poignée d’histoires que j’ai rencontrées au fil du temps. Des films qui se sont accrochés à moi sans que je me pose de questions, qui se sont mis en chemin avec moi et qui sont encore mes compagnons aujourd’hui. Comme s’ils étaient de OIAF 2009 festival reader | FIAO 09 lecteur du festival

Love Animation??? We do!

<hg`kZmneZm^l ma^ Zkmblml Zg] hk`Zgbs^kl h_ the Ottawa Intʼl Animation Festival for another year of terriﬁc toons!

w w w . a n i m a t i o n m a g a z i n e . n e t Free Online Access • Daily E-mail Newsletter • AniMagTV • Subscriptions in Print or in Digital Format • Animation Industry Directory

In the Dust and Moonlight of Don Hertzfeldt Au clair de lune, dans la poussière de presented by/présenté par: Don Hertzfeldt by | par CHRIS ROBINSON

An Evening with Don Hertzfeldt Friday, October 16, 9:15pm (Museum of Civilization) Saturday, October 17 9:15pm (Museum of Civilization) Vendredi, le 16 octobre, 21 h 15 (Musée des civilizations) Samedi, le 17 octobre, 21 h 15 (Musée des civilizations) DVD Signing / Dédicaces de DVD Sunday, October 18, 2:00pm to 3:00pm (Arts Court – Studio) Dimanche, le 18 octobre 14 h 00 à 15 h 00 (Cour des arts – studio) The Meaning of Life [2005] 12:00 | USA | 35mm Rejected [2000] 10:00 | USA | 35mm Billy’s Balloon [1998] 6:00 | USA | 35mm Everything Will Be OK [2006] 17:00 | USA | 35mm Intermission in the Third Dimension [2003] 3:00 | USA | 35mm I am so proud of you [2008] 22:00 | USA | 35mm

The thought of Don Herztfeldt not being able to make films scares me. His films drip with violence and insanity. Hertzfeldt’s characters (Genre, Ah, L’Amour) are anguished souls simply longing to be accepted, to be loved, to be. The fierce frankness of these violent emotions are legitimate. Hertzfeldt’s work shares a strange sort of kinship with the writing of Hubert Selby jr. (The Room, Requiem for a Dream) in their unearthing of the rage of existence and madness that creeps and crawls within each of us. There are times when it howls to be unleashed upon the world. Often it spurts out in a small shout, a dirty look or a middle finger. Some do it in a bar. Some do it on a hockey rink. Don Herztfeldt does it on a piece of paper. Herztfeldt has been drawing since he smashed Lacan’s mirror and first took up image making when he was 15. “I got a VHS camera that could shoot a hackneyed version of singleframes, so I was able to teach myself some basics through high school.” After high school, Herztfeldt went to University of California, Santa Barbara. “I wanted to be Stanley Kubrick like everyone else, but live action was very expensive to tackle -- this was back when it was all 16mm -- but I realized I had unlimited, unsupervised access to their animation camera.” For the next four years at University, Hertzfeldt made four animation films. “I carried on there with animating all my

La pensée que Don Herzfeldt soit incapable de faire des films me remplit d’effroi. Ses films suent la violence et la folie. Les personnages de Herzfeldt (Genre, Ah, L’Amour) sont des âmes angoissées qui se languissent d’être acceptées, d’être aimées, d’être. La franchise féroce de ces émotions violentes est légitime. L’oeuvre de Herzfeldt entretient une étrange parenté avec les écrits de Hubert Selby Jr. (The Room, Requiem for a Dream) par son exhumation de la rage d’être et de la folie qui grouillent et rampent en chacun de nous. Il y a des fois où ça hurle pour être lâché sur le monde. Le plus souvent, ça laisse échapper un petit cri, un regard mauvais ou un doigt d’honneur. Certains le font dans un bar. D’autres font ça sur une patinoire de hockey. Don Herzfeldt le fait sur un bout de papier. Herztfeldt dessine depuis qu’il a fracassé le miroir de Lacan, et il étudie la fabrication d’images depuis l’âge de 15 ans. « J’ai eu une caméra VHS qui pouvait filmer des images uniques à l’ancienne mode, de sorte que j’ai pu m’enseigner certaines bases à l’école secondaire. » Après le secondaire, Herzfeldt est allé à l’Université de la Californie à Santa Barbara. « Je voulais être Stanley Kubrick, comme tout le monde, mais l’action en direct coûtait très cher -- c’était au temps où tout était en 16mm -- mais je me suis rendu compte que j’avais un accès illimité et non supervisé à la caméra d’animation. »

student films because you didn’t need to buy as much film; and it was possible to make a movie that way with a really minimal crew.” Oddly enough, Hertzfeldt went to film school but ended up teaching himself animation. Still, he maintains that school was very important to his development. “I’m not sure if my movies would have been very good if I hadn’t gone to film school. Studying the guts and language of movies, the history and theory, focuses your flailing about into clearer ideas on the screen. You can’t make a movie if you only understand how to draw.” Ah, L’Amour (1995) was Hertzfeldt’s debut as an animator. Hertzfeldt’s primitive and minimal black and white style is already recognizable in this short gag film about a guy whose attempts to pick up a girl are met with continual violence. It’s not until the guy says that he has money that the girl finally accepts him. Despite, or perhaps because of, the film’s misogynistic leanings, Ah, L’Amour was an instant cult hit. The film was scooped up by the Spike and Mike travelling festival and screened across the U.S. where it found sympathetic fans in horny young American men who all knew too well the bitter taste of rejection. The success of Ah, L’Amour started a trend that Hertzfeldt has maintained throughout his career. Each successive short-film is funded from money made from the previous film. “I’ve never lost money on a film and have never had to have a traditional job, never had to do commercial work out of necessity.” A major influence on Hertzfeldt’s approach to animation was Bill Plympton, arguably the most successful and famous independent animator in the world. “I saw Bill’s first few shorts when I was 12 or 13 and yeah, it was invaluable to realize there was somebody out there who’s regularly able to do this for a living, and do it on his own terms (and who doesn’t draw backgrounds either!). For a long time I think he’s been a guy that a lot of people have pointed to and said, ‘well if he’s figured out a way to do this, maybe I can too.’” Ah, L’Amour funded Genre (1996), Hertzfeldt’s weakest film, which follows a long tired line of self-reflexive films (Duck Amuck, Koko the Clown and onwards) that depict a battle between the animator and his character. This time

Pendant les quatre années d’université qui ont suivi, Herzfeldt a créé quatre films d’animation. « J’ai continué dans cette école en animant tous mes films d’étudiant parce qu’il n’était pas nécessaire d’acheter autant de pellicule, et qu’il était possible de faire un film de cette façon avec une équipe vraiment minimale. » Curieusement, Herzfeldt a étudié dans une école de cinéma mais a fini lui-même par enseigner l’animation. Bien sûr, il soutient que l’école a été très importante pour son développement. « Je ne suis pas sûr que mes films auraient été bien bons si je n’étais pas allé à l’école de cinéma. Étudier les entrailles et le langage des films, l’histoire et la théorie du cinéma concentre ton esprit vagabond en des idées plus claires sur l’écran. Tu ne peux pas faire un film si tu comprends seulement comment dessiner. » Ah, L’Amour (1995) a été le début de Herzfeldt en tant qu’animateur. On reconnaît déjà son style primitif et minimal en noir et blanc dans ce court film comique à propos d’un gars dont les tentatives pour draguer une fille sont reçues avec une violence continuelle. C’est quand le gars dit qu’il a de l’argent que la fille l’accepte enfin. En dépit de ses penchants misogynes, et peut-être à cause de ces penchants, Ah, L’Amour a remporté un succès culte instantané. Le film a été embarqué par le festival ambulant Spike and Mike et projeté partout aux États-Unis, où il a trouvé des amateurs sympathiques chez des jeunes Américains pleins de désir et qui connaissaient trop bien la saveur amère du rejet. Le succès de Ah, L’Amour a démarré une tendance que Herzfeldt a poursuivi pendant toute sa carrière. Chaque film suivant était financé par l’argent gagné par le film précédent. « Je n’ai jamais perdu d’argent avec un film et je n’ai jamais occupé d’emploi ordinaire, je n’ai jamais été obligé de faire du travail commercial par nécessité. » Bill Plympton (certains prétendent qu’il est l’animateur indépendant le plus fameux et celui qui a connu le plus de succès) a exercé une grande influence sur la méthodologie du film d’animation de Herzfeldt. « J’ai vu les premiers courts-métrages de Bill quand j’avais 12 ou 13 ans, et oui, ç’a eu une valeur incalculable de se rendre compte qu’il existait quelqu’un dans l’univers qui pouvait gagner sa vie en faisant ce boulot-là selon ses propres conditions (sans dessiner de fonds de scène non plus!). Depuis longtemps, je pense, les gens le montrent du doigt en se disant : ‘’si lui a trouvé une façon de faire ça, peut-être que je peux le faire aussi.’’ » Ah, L’Amour a subventionné Genre (1996), le film le plus faible de Herzfeldt, et Genre suit une longue file étiolée de films auto-réflexifs (Duck Amuck, Koko the Clown et ceux qui ont suivi) qui décrivent la bataille entre l’animateur et son personnage. Cette fois-ci, le personnage (Lapin) est lancé dans divers films « de genre » . Bien qu’il y ait quelques gags drôles (par exemple, Lapin se retrouve dans un film porno avec son copain), le film tombe vite à court d’idées. « J’avais 19 ans quand nous l’avons fait, c’était ma deuxième année à l’école du film, et je suivais encore à l’époque cette espèce de formule piège-gag-répartie comique. Mais c’était plaisant à faire et à l’époque, la seule chose qui me stimulait, c’était d’apprendre à faire un truc aussi long (5 minutes) et qui se tienne. » Lily and Jim (1997), une histoire à deux narrateurs à propos d’une sortie arrangée entre un homme et une femme qui ne se connaissent pas, représente le passage à une autre étape dans la carrière de Herzfeldt. Le style de dessin minimaliste est conservé, mais les dessins et l’intrigue sont beaucoup plus structurés et étoffés. Y apparaît également l’influence de l’école de cinéma sur Herzfeldt. En écho à Annie Hall, Lily and Jim est divisé en deux parties. Dans les segments en noir et blanc, chaque personnage parle de la sortie à un intervieweur

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7/16/09 3:45:44 PM

the character (a rabbit) is tossed into various genre films. Although there are a few funny gags (e.g. rabbit finds himself in a porn film with his buddy), the film quickly runs out of steam. “I was 19 when we made it, my second year in school, and was still following this kind of setup-gag-punchline formula. But, it was fun to make and at the time I was just excited to learn how to pull something off as long as 5 minutes.” Lily and Jim (1997), a he-said/she-said story about a man and woman out on a blind date, represents another step forward in Hertzfeldt’s career. The minimal drawing style remains, but the drawings and storyline are more structured and fleshed out. Hertzfeldt’s film school influence is also apparent. With echoes of Annie Hall, Lily and Jim is divided into two segments. In the black and white segments, each character talks about the date to an off-camera interviewer (or maybe it’s ‘us’ the audience). The actual date is shot with colour. The bulk of the film is slow and awkward. Some of that could be pinned on a young, inexperienced artist, but it also captures the often painful and tedious experience of dating. Throughout the date, the couple struggle to come up with something to talk about. At one point, ala Annie Hall, thought bubbles reveal what they’re really thinking during their conversations. In the end, despite having a relatively lame date (aside from Jim having to be taken to the hospital after he suffers an allergic reaction to coffee), Lily and Jim tell the audience/interviewer that they wanted to see each other again. However, their insecurities and false bravado ensure that it never happens. They remain alone. Lily and Jim revealed to audiences that there was more to Hertzfeldt than just infantile gag films. Hertzfeldt remains happy with Lily and Jim. “This was a real lucky match of casting and on-the-fly writing. I had the actors improvise a lot and they performed some miracles that we cleverly blended into my script. Once that was all locked in and the dialogue was handed off to me in giant stacks of exposure sheets, it was one of the more boring projects to sit down with and draw every night.” In the end, Hertzfeldt figures he drew over ten thousand drawings for the films! “I still have no idea how I was able to fully animate a 12 minute movie while going to school full time.” Billy’s Balloon (1998) marked a return to Hertzfeldt’s earlier gag films, but this time, with a surrealist twist that will make every precious parent cringe. A young boy sits happily with a toy and red balloon. The balloon comes alive suddenly and starts beating the shit out of the boy. This goes on for the entire film until we see other kids being tortured by their balloons. Billy’s Balloon shouldn’t work, but it does because like an Ol’ Dirty Bastard song the violence is so utterly absurd that you can’t help but laugh. After the long process of making Lily and Jim, Hertzfeldt was happy to produce a relatively fast and lighter film. “I remember it partially coming out of a dream about a boy in a field who begins to fly. I think I produced it relatively fast, maybe in 9 months. I originally had a dumb sort of punchline gag for the ending and quickly decided against it. Otherwise I think it was pretty straightforward and didn’t change drastically from start to finish. With a dash of Monty Python and a whole lot of Hertzfeldt weirdness, the Oscar-nominated Rejected (2000) is a series of fake and very absurd rejected ids and commercials. While the gruesome gags echo Billy’s Balloon and Ah, L’Amour, the freewheeling, experimental structure ultimately points towards some of the structures and themes of Hertzfeldt’s masterful trilogy. Rejected is less a series of ultra-violent gags then it is about a creator suffering a mental meltdown (at one point the title card reads: “Don’s clear and steady

situé hors champ (c’est peut-être « nous », les spectateurs). La sortie même est filmée en couleurs. Dans l’ensemble, le film est lent et pataud. À cause, en partie, de l’inexpérience d’un jeune artiste, mais aussi parce que le film rend l’expérience pénible et ennuyeuse d’une telle sortie. Tout au long de la sortie, le couple se débat pour trouver un sujet de conversation. À un certain moment, à la manière d’Annie Hall, des bulles révèlent ce que les deux pensent vraiment au cours de leurs conversations. À la fin, bien que la sortie ait été relativement ennuyeuse (à part que Jim ait dû être transporté à l’hôpital à cause d’une allergie au café), Lily et Jim disent aux spectateurs ou à l’intervieweur qu’ils veulent se revoir. Toutefois, leurs insécurités demeurent, et un faux esprit de bravade veille à ce que cette deuxième sortie n’ait jamais lieu. Ils demeurent seuls.

Lily and Jim a révélé aux spectateurs que Herzfeldt, c’était plus que des films comiques enfantins. Hertzfeldt continue d’être satisfait de Lily and Jim. « Ç’a été vraiment une chance que la distribution et l’écriture spontanée correspondent. J’ai fait beaucoup improviser les acteurs, et ils ont réalisé des miracles que nous avons intelligemment mêlé à mon script. Une fois que tout cela a été incorporé et qu’on m’a remis le dialogue dans de grandes piles de feuilles d’exposition, ce projet a été un des plus ennuyeux parce j’ai dû m’asseoir et dessiner tous les soirs. » Herzfeldt estime avoir créé en tout plus de 10 000 dessins pour les films! « Je ne comprends toujours pas comment j’ai réussi à faire l’animation d’un film de 12 minutes en allant à l’école à temps plein. » Billy’s Balloon (1998) marque un retour au genre comique des films précédents de Herzfeldt, avec une tournure surréaliste qui fera grincer tout parent guindé. Un jeune garçon est assis tout heureux avec un jouet et un ballon rouge. Le ballon s’anime soudain et commence à battre férocement le garçon. Cela dure pendant tout le film, jusqu’à ce qu’on voit d’autres enfants être torturés par leurs ballons. Billy’s Balloon ne devrait pas fonctionner, mais il fonctionne parce que, comme dans la chanson du « m. . . vieux cochon », la violence est tellement absurde qu’on ne peut s’empêcher d’en rire. Après le long processus de la fabrication de Lily and Jim, Hertzfeldt a été heureux de produire un film relativement rapide et plus léger. « Je me souviens qu’il est sorti partiellement d’un rêve à propos d’un garçon qui est dans un champ et se met à voler. Je pense l’avoir produit relativement vite, peut-être en 9 mois. Au départ, j’avais une sorte de gag be-bête pour la fin, et j’ai vite décidé que ça n’irait pas. À part cela, je pense que le film a été plutôt sans problème et n’a pas changé de façon radicale entre le début et la fin. » Avec un soupçon de Monty Python et beaucoup de bizarreries hertzfeldtiennes, Rejected (2000), qui s’est retrouvé en lice aux Oscars, est une suite de commerciaux et de marquages publicitaires faux et très absurdes. Bien que des gags effroyables fassent écho à ceux de Billy’s Balloon et Ah, L’Amour, la structure libre et expérimentale du film fait allusion en fin de compte à certains des thèmes et des structures de la magistrale trilogie de Herzfeldt. Rejected est moins une série de gags ultra-violents que l’histoire d’un

downhill state continued. Soon he was completing commercial segments entirely with his left hand.”). As the film progresses, the structure and logic becomes increasingly fragmented. Humour and absurdity give way to fear as the characters flee their creator. The film ends with the artist’s papers and characters being destroyed. Not surprisingly, the creative approach to Rejected was almost entirely experimental. “Maybe this was my Sgt. Pepper phase. Chunks were swapped around, re-animated, dialogue scenes were animated without the dialogue having been written yet... it was also my first time screwing around with in-camera effects. The sound work played the biggest role, with last minute improvisations, seemingly every other line being played backwards, more rewrites. I think almost every scene was thrown up against the wall, re-recorded and torn back down again a number of different ways. It was a very strange but exciting way to work.”

With The Meaning of Life (2005), Hertzfeldt’s films entered ambitious new territory. The films became more epic in scope and experimental in tone. The violence and humour of the earlier films are secondary, outcomes of characters struggling with existence, identity and madness. The Meaning of Life is unlike anything Herztfeldt has made before: a personal, playful and poignant take on the meaning of life. Starting with the evolution of man, Herztfeldt takes us through a world of babbling humans, aliens and, finally, a father and son alien. The creatures and their words come and go, but the one thing that remains constant is the beauty and mystery of stars and suns of the universe. The ultimate irony is that the eternal human question: “what is the meaning of life” cannot be answered in words. The Meaning of Life took Hertzfeldt almost four years to make. “I didn’t write the ending until I was two years into animating it, but other than that I think there was relatively little that changed from the first ideas to the finished product. I was happy with the finished movie but not having a pliable structure that I could play around with and rewrite and shape as I went made it frustrating and very difficult to work on. Life’s too short to lock yourself up for that long working on something called The Meaning of Life.” Everything will be OK (2006) and I am so Proud of you (2008) are two chapters from the same story (a third chapter will be forthcoming). Both films star Bill, a man with some serious personality disorder issues. Bill sees the world through small moving holes. His many, fragmented social encounters reveal a man who is paranoid, obsessed, anxious, and generally unable to connect with the world around him (even if he occasionally sees the beauty of it). He becomes increasingly fragmented and disorientated. Death and nightmares haunt him. Finally, Bill goes to see a doctor, but medication only makes Bill’s perspective increasingly disorientated, nightmarish and illogical. Reality and fantasy blur to the point where Bill collapses into a nervous breakdown. On the brink

auteur qui vit une dépression complète (à un moment donné, une carte de ciné muet affiche: « Le dépérissement de Don s’est poursuivi clairement et sans relâche. Bientôt il put faire de la main gauche des segments commerciaux complets. » À mesure que le film avance, la structure et la logique se fragmentent de plus en plus. L’humour et l’absurde cèdent la place à la peur à mesure que les personnages fuient leur créateur. Le film prend fin avec la destruction des papiers et des personnages de l’artiste. On ne s’étonnera pas que la méthode de création de Rejected ait été presque entièrement expérimentale. « C’était peut-être mon étape ‘’Sgt. Pepper’’. Des parties ont été interverties, animées de nouveau, des scènes de dialogue ont été animées avant que le dialogue soit écrit. . . C’était aussi la première fois que je jouais avec des effets ‘’in-camera’’. Le son a joué le rôle le plus important, avec des improvisations de dernière minute, chaque ligne paire était jouée en rétrograde, plus de ré-écritures. Je pense que presque chaque scène a été lancée contre le mur, ré-enregistrée et re-découpée d’une foule de façons. Ç’a été une façon très étrange mais très stimulante de travailler. » Avec The Meaning of Life (2005), les films de Herztfeldt pénètrent dans un nouveau territoire ambitieux. Ils prennent une dimension plus épique et un ton plus expérimental. La violence et l’humour des films antérieurs deviennent secondaires, en tant que résultats de personnages aux prises avec l’existence, l’identité et la folie. The Meaning of Life ne ressemble à rien de ce que Herzfeldt a fait avant: c’est un point de vue personnel, enjoué et poignant sur le sens de la vie. Débutant avec l’évolution de l’homme, Herzfeldt nous promène dans un monde d’humains balbutiants, puis d’extra-terrestres, et enfin chez un père et un fils extra-terrestres. Les créatures et leurs mondes vont et viennent, mais ce qui demeure, c’est la beauté et le mystère des étoiles et des soleils de l’univers. L’ironie ultime est qu’on ne peut pas répondre en mots à la question « Quel est le sens de la vie? » Il a fallu presque quatre ans à Herzfeldt pour créer The Meaning of Life. « Je n’ai écrit la conclusion qu’après deux ans d’animation, mais à part cela, je pense que relativement peu de choses ont changé entre les idées de départ et le produit achevé. J’étais heureux du film achevé, mais le fait que je n’aie pas de structure pliable avec laquelle je pouvais jouer et ré-écrire et re-former à mesure a rendu le travail sur ce film frustrant et très difficile. La vie est trop courte pour s’enfermer tout ce temps à travailler sur quelque chose qui s’appelle The Meaning of Life. » Everything will be Ok (2006) et I am so Proud of you (2008) sont deux chapitres de la même histoire (un troisièm! e chapitre est en chantier). Ces deux films mettent en vedette Bill, un homme qui a des troubles graves de la personnalité. Bill voit le monde à travers de petits trous en mouvement. Ses nombreuses rencontres sociales fragmentées révèlent un homme parano, obsédé, anxieux et dans l’ensemble incapable de se connecter au monde qui l’entoure (même s’il en voit la beauté à l’occasion). Il devient de plus en plus fragmenté et déboussolé. La mort et les cauchemars le hantent. Bill finit par aller voir un médecin, mais la médication ne fait que rendre le point de vue de Bill encore plus déboussolé, cauchemardesque et illogique. La ligne de démarcation entre réalité et phantasme se brouille au oint que Bill s’effondre dans une dépression. Aux portes de la mort, Bill se rétablit. Il retourne au travail. On ne lui pose aucune question. Face à toute cette souffrance, il ne se plaint jamais. Il continue, tout simplement. Everything will be Ok est une oeuvre étonnante qui réussit à offrir un point de vue intelligent, drôle et douloureux sur un humain fichu désormais incapable! d’avoir de l’allure ou de participer au monde qui l’entoure. L’emploi ingénieux

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of death, Bill recovers. He returns the work. No questions par Herzfeldt de trous en mouvement, qui rappelle les films asked. Through all his pain, Bill never complains. He just muets, met le spectateur dans les yeux même de ce pauvre goes on. Bill agité. Everything will be Ok is a stunning piece of work that Selon Herzfeldt, la trilogie tire son origine d’une histoire manages to offer an insightful, funny and painful perspective de IIe Grande Guerre qu’il a lue un jour, à propos de nazis of a fucked-up human being, no longer able to make sense of qui envahissent une ville. « Le protagoniste fait partie d’un or engage with the world around him. Hertzfeldt’s ingenious grand groupe de gens qu’on fait défiler à travers la ville et use of moving holes, reminiscent of silent films, puts the par dessus un pont, où ils seront fusillés. Cet homme-là viewer right inside the eyes of poor troubled Bill. a vécu dans cette ville toute sa vie, mais tandis qu’on le force à marcher vers la mort, il remarque des détails qu’il “Herztfeldt says that the roots of the trilogy start with a n’avait jamais vus encore dans les pavés des rues. Il voit de WWII story he once read about Nazis invading a town. “The nouvelles choses sur les visages des gens qui l’entourent, protagonist is in a large group of people who are being et qu’il connaît pourtant depuis des années. L’air a une marched through the city and across a bridge where they’re autre odeur. Les courants de la rivière ont l’air étranges et going to be shot. This man has lived in this town his entire nouveaux. Soudain, il voit le monde autour de lui pour la life, but as he’s being marched off to die he notices details première fois avec ces nouvelles lunettes, et c’est dépaysant in the cobblestone streets he’s never seen before. He sees et beau. Il faut parfois qu’un événement horrible te saisisse new things in the faces of the people around him, people par les épaules et te brasse, pour te réveiller. » he’s known for years. The air smells different. The currents in the river look strange and new. Suddenly he’s seeing the Lorsque I am so Proud of You est parti en tournée nordworld around him for the first time through these new lenses américaine en 2008, le baratin suivant a servi de remplissage and it’s disorienting and beautiful. It takes a horrible event pour la promotion: sometimes to grab you by the shoulders and shake you, to « . . . un sacré chef-d’oeuvre. Je ne peux même pas wake you up.” commencer à articuler mes pensées au sujet du film, mais il When I am so Proud of you, traveled North America in 2008, m’a donné des frissons, et je n’ai pas pu participer à la soirée the following blurb served as promotion fodder: après la projection. Il fallait tout simplement que ce soit fait. Le film a eu également le même effet sur plusieurs autres “.... a fucking masterpiece. I can’t even begin to articulate personnes ici. . . une oeuvre époustouflante, belle, my thoughts about the film but it just gave me shivers and I tragique, absurde. » wasn’t able to attend the party after the screening. Just had to be alone. It had this effect J’ai écrit ces mots dans un on a number of other people courriel à Herzfeldt quelques "I love comedy of course; some here too.... stunning, beautiful, heures après avoir vu I am tragic, absurd work.” of these films exist for no other so Proud of You. Aucun film n’a eu sur moi I wrote those words to reason than to make you laugh." d’animation un impact aussi puissant et Herztfeldt in an email a few contradictoire. L’expérience hours after watching I am so m’a rappelé ma lecture du Proud of you. No animation « J’aime la comédie, bien sûr; premier chapitre du roman film has had such a potent classique de William Falkner, « certains de ces films n’existent que and conflicting impact on me. The Sound and the Fury.» J’ai pour te faire rire. » The experience reminded trouvé ce chapitre enrageant, me of reading the first drôle, mêlant et épuisant. C’est chapter of William Faulkner’s seulement vers la fin du chapitre que je me suis rendu compte classic novel, "The Sound and the Fury". I found the chapter l’histoire était racontée par une personne ayant des infuriating, funny, confusing, and exhausting. It was only near que défectuosités mentales importantes. L’expérience de regarder the end of the chapter that I realized that the story was being I am so Proud est similaire. Cette oeuvre nous sort de notre told by a character with some serious mental defects. The expérience. Nous marchons dans les souliers d’un homme experience of watching I am so Proud is similar. It’s a work écartelé entre les segments de son passé et de son that takes us out of our experience. We walk in the shoes of a malade présent. conflicted and sick man as he drifts through the fragments of his past and present. « Un truc horrible vient de sauter au visage de Bill, et le monde lui semble très différent, triste et beau. Ce type “Bill’s been slapped in the face with something horrible and confronté à la mort n’a pas encore vraiment vécu. Son trainthe world is looking very different to him, sad and beautiful. train habituel est soudain complètement excédentaire. Tu It’s somebody facing death who hasn’t really lived yet. The commences à voir comment la mort enrichit la vie et donne routine things he’s used to doing are suddenly completely son sens à toute chose. Pour moi du moins, les déprimés, ce redundant. You begin to see how death enriches life and ceux qui dérivent en perdant leur temps, en assumant gives everything its meaning. It’s the people who drift around sont étrangement qu’ils vont vivre pour toujours. » wasting their time, weirdly assuming they’re going to live forever that are the depressing ones, to me at least.” Aussi différents que puissent être les films de Herzfeldt, les thèmes sous-jacents de la folie, de la dépression, de l’identité As different as Hertzfeldt’s films are, the underlying themes brisée, etc., sont présents dans l’ensemble de son oeuvre. of madness, depression, fractured identity, etc. run through his entire body of work. « Cela m’a toujours intéressé. J’aime la comédie, bien sûr; certains de ces films n’existent que pour te faire rire. Dans le “It’s something I’ve always been interested in. I love comedy cas d’autres projets, c’est plus comme le sucre que tu donnes of course; some of these films exist for no other reason than pour faire passer le médicament plus facilement. Un ami m’a to make you laugh. On other projects it’s used more like un jour fait remarquer que le fil conducteur de tous les films, the sugar you give to make the medicine go down easier. A au-delà de la comédie, est ‘’une angoisse tranquille ‘’. On m’a friend once pointed out that the chain between all the films, plus d’une fois appelé existentialiste, auquel cas la folie n’est beneath the comedy, is ‘quiet dread’... I’ve been called an probablement que le symptôme d’un personnage. » existentialist more than once, in which case madness is probably just a character’s symptom.”

While Hertzfelt is more interesting in storytelling than “dumping emotional baggage” on viewers, he admits that the process of animating the films can be therapeutic. “You sit all alone for months and patiently build something bigger out of thousands of almost invisible movements (doesn’t that sound kind of tai chi or something?) and it’s very good to be forced to be alone with your thoughts, which animation requires in spades. Too few people are truly alone with their thoughts anymore.” Hertzfeldt’s films are also remarkable because of the way they’re made. Aside from editing and sound mixing his films digitally, Herztfeldt uses no computers. With technology having advanced so far that animators can make quality work much quicker than at anytime in animation history, Herztfeldt is content to take his time. In fact he contends that the ‘old’ way is not necessarily difficult. “Many people like to assume that because I shoot on film and animate on paper I must be doing things ‘the hard way’, when really my last four movies would’ve been visually impossible to produce digitally, if not extremely difficult and much more expensive. There’re some things traditional cameras do much better than computers, and vice versa.” Given the increased length of his films it’s surprising to hear that Herztfeldt isn’t that interested in making a feature film. “No, features are a horse of a different color. If I were to tackle a feature alone it would probably take 20 years. I’d need a studio’s help and financial backing -- like I’m putting together now for TV -- but nobody in those feature film positions are really interested in doing hand-drawn animation anymore.” Herztfeldt is succeeding just fine making short-films. He has total creative freedom and manages to make a living off them. Few short-film animators can say that. “Why bang my head against the wall trying to conjure up something to please a studio? Just last week I read a great Martin Scorsese quote: ‘Don’t make the movies you can make, make the movies you want to make.’” Unlike Bill, Herztfeldt is a man clearly making the most of his time.

Bien que Herzfeldt s’intéresse plus à raconter une histoire qu’à « se décharger d’un bagage émotif » sur les spectateurs, il admet que le processus d’animer des films puisse être thérapeutique. « Tu es assis tout seul pendant des mois et tu construis patiemment quelque chose de plus gros à partir de milliers de mouvements presque invisibles (ça fait un peu Taï Chi, pas vrai ?), et il est très bon d’être forcé d’être seul avec tes pensées, car l’animation en demande beaucoup. Trop peu de gens sont vraiment seuls avec leurs pensées de nos jours. » Les films de Herzfeldt sont remarquables également par leur facture. Mis à part le montage et le mixage sonore, que Herzfeldt fait numériquement, il n’utilise pas d’ordinateurs. Certes, la technologie a tellement avancé que les animateurs peuvent faire des oeuvres de qualité beaucoup plus vite qu’à tout autre moment de l’histoire de l’animation, mais Herzfeldt est bien content de prendre sont temps. Il prétend, en fait, que la façon « ancienne » n’est pas nécessairement difficile. « Beaucoup de gens tiennent pour acquis que, parce que je tourne des films sur pellicule et que j’anime sur papier, je dois faire les choses ‘’à la dure’’, alors que, en réalité, il aurait été visuellement impossible de produire mes quatre derniers films numériquement, ou encore cela aurait été extrêmement difficile et beaucoup plus dispendieux. Les caméras ordinaires font certaines choses beaucoup mieux que les ordinateurs, et inversement. » Vu la plus grande durée de ses films, il est surprenant d’entendre Herzfeldt dire qu’il ne s’intéresse pas tellement aux longs métrages. « Non, les longs métrages sont une autre sorte de bête. Si je m’attaquais seul à un long métrage cela me prendrait probablement vingt ans. J’aurais besoin de l’aide et du soutien financier d’un studio -- comme ce que j’organise en ce moment pour la télé -- mais aucun responsable de long métrage ne s’intéresse plus à l’animation dessinée à la main. » Herzfeldt réussit très bien en faisant des courts-métrages. Il a une liberté de création complète et parvient à en vivre. Peu de réalisateurs de courts-métrages d’animation peuvent en dire autant. « Pourquoi me cogner la tête contre les murs à essayer de conjurer quelque chose qui plaise à un studio? La semaine dernière justement, je lisais une citation formidable de Martin Scorcese : ‘’Ne faites pas les films que vous pouvez faire, faites les films que vous voulez faire.’’ » Au contraire de Bill, Herzfeldt est un homme qui sait profiter au maximum de son temps.

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Muckers and Grinders: From the NFB Vault Récupérés des chambres fortes de l’ONF : des forces tranquilles by | par Michael Fukushima

Muckers and Grinders: From the NFB Vault Saturday, October 17, 3:00pm (National Gallery) Sunday, October 18, 3:00pm (National Gallery) Samedi, le 17 october, 15 h 00 (Musée des beaux-arts) Dimanche, le 18 octobre, 15 h 00 (Musée des beaux-arts) Lining the Blues [1939] Guy Glover | 3:18 | 35mm Bid it Up Sucker [1944] Jim McKay | 3:05 | Digital Source Cadet Rouselle [1947] George Dunning | 8:58 | Digital Source Romance of Transportation in Canada [1952] Colin Low | 11:20 | Digital Source My Financial Career [1962] Gerry Potterton | 6:30 | 35mm Alphabet [1966] Eliot Noyes | 6:13 | Digital Source Boomsville [1968] Yvon Mallette | 10:12 | 35mm Klondike Gold [1980] George Geertsen | 1:00 | Digital Source Aloud Bagatelle [1983] Don McWilliams | 6:17 | 35mm The Lump [1991] John Weldon | 7:35 | 35mm Louise [2003] Anita Lebeau | 9:57 | 35mm Walking Catfish Blues [2004] Paul Morstad | 4:03 | 35mm

The NFB is 70-years old in 2009. Cripers. A lot of films get made by a studio that’s 70-years old, that’s no lie. And because an active studio continually produces, it’s ridiculously easy to only look forward, at the newest and most wondrous of its concoctions. Even from inside that studio itself. It’s not that we don’t care about the older films, but producing and promoting new films takes up all available attention and brain activity; there’s nothing left for proper and respectful reflection. So it was with sheer delight (and only a wee bit of dread) that I accepted festival director Chris Robinson’s invitation to co-curate a retrospective of NFB “rarities”. Oh, and I mention dread not because my co-curator is Chris, but because of the prospect of poring over an NFB catalogue with, literally, tens of hundreds of animation titles. In the end, it wasn’t nearly as bad as my fecund imagination had me, well, imagining. Mostly because Chris and I decided the programme’s sub-theme would be “films that should have been seen more”, and because after this many years making and watching animation at the NFB, the nooks and crannies of my brain are cluttered with dozens of films and snippets of films that I wished I’d seen more often. Herein, then, came my chance to satisfy the esoteric-animation geek inside. Chris had clearly been thinking about this for a while (or else has great recall), because he instantly had a not-short list of two dozen films. Not feeling pressure at all, I managed to add another dozen and a half a few days after that. Then we were off to the races carrying scissors.

En 2009, l’ONF a 70 ans. Bon sang! Des tas de films sont bel et bien conçus par un studio de 70 ans. Et parce qu’un studio actif produit sans cesse, il est ridiculement facile de ne voir que ses moutures les plus récentes et les plus merveilleuses, même lorsqu’on observe le phénomène de l’intérieur. Ce n’est pas que nous manquions d’intérêt pour les films du passé, mais la production et la promotion des nouveaux films accaparent toute l’attention et l’activité cérébrale, ne laissant aucune place à une réflexion convenable et empreinte de respect. C’est donc avec le plus grand plaisir (et quelques légères appréhensions) que j’ai accepté l’invitation du directeur du festival, Chris Robinson, d’agir à titre de conservateur adjoint d’une rétrospective sur les « raretés » de l’ONF. Je précise tout de suite que mes appréhensions ne portent pas sur ma collaboration avec Chris, mais bien sur la perspective de me plonger dans le catalogue de l’ONF, qui contient littéralement des milliers de titres d’animation. Finalement, l’exercice s’est révélé beaucoup moins effrayant que ce que m’avait laissé entrevoir mon imagination fertile. D’abord et surtout parce que Chris et moi avons décidé que le programme aurait pour sous-thème « les films qu’on aurait dû voir davantage ». Ensuite, parce qu’après avoir réalisé et visionné des films d’animation durant toutes ces années à l’ONF, le moindre recoin de mon cerveau est encombré de dizaines d’œuvres et d’extraits que je souhaiterais justement avoir vus plus souvent. Voici donc ma chance de satisfaire l’accro d’animation ésotérique qui sommeille en moi. De

Lists of favourites are easy – unless you’re listing your kids. We can all whip up playlists in a heartbeat, and collating a crowdsourced favourites list is almost certain to reveal several dozen commonalities. But once you’re outside that rarified list of “must see” and into individual lists of “should see more of”, homogeneity suddenly flits away. But Chris and I – if I say so myself – pulled it off and have buffed a lively selection of gems; NFB films from almost every decade since 1939 to the noughties. I could – but I won’t – rattle off a litany of the attributes of each of the films or show off my technical animation chops by dissecting techniques and placing these films in the continuum of animation’s one hundred plus-years. The list is below, you’ve probably already seen a handful somewhere, and you’re going to watch them anyway and build your own reflections from the programme. Right? There were, however, a number of patterns I detected in the programme which I think reflect both NFB filmmaking but also Chris’ and my tastes. Whilst I’m not quite so eclectic as my wild-haired, festival-travelling colleague, I do like diversity in order to keep my fidgetiness focused. One of the NFB’s founding missions was to “show Canada to Canadians and to the world”. And wow, did those early-decade films ever deliver. Those earliest films oozed Canadiana in content, tone, delivery and look. Yes, even the drawn landscapes were proudly Canadian. To show off the country, many of those early films were also content-driven (as opposed to art-driven), but in spite of the pedagogy, there was always whimsy or fun or technique or charm or other bit of transformational fairy dust in each short, giving the audience a bit of lift from the expected and mundane. For the socialists amongst you, there are regular reminders of the left-leaning tendencies of the earliest NFB that remain, in one form or other, today. A number of the films purport to be about economics and economies, but in fact are not-so-subtle

toute évidence, Chris songeait à ce projet depuis un moment déjà (ou alors, c’est qu’il a une mémoire prodigieuse), parce qu’il a tout de suite brandi une liste de quelque vingt-cinq films. Sans ressentir la moindre pression, il va sans dire, je suis parvenu à en ajouter environ dix-huit quelques jours plus tard. Une fois cette étape franchie… nous nous sommes empressés de couper! Dresser une liste de nos favoris n’a rien de compliqué – à moins qu’il ne s’agisse de nos enfants. Tout le monde peut établir une liste de diffusion en un rien de temps et dans le cas d’un approvisionnement par la foule, il y aura vraisemblablement des dizaines de recoupements. Mais si l’on quitte cette liste raffinée des œuvres « à voir » pour se limiter à celle, plus personnelle, des œuvres « à revoir », il n’y a plus d’homogénéité qui tienne. Mais – si je peux me permettre – Chris et moi avons réussi à composer un bouquet de véritables merveilles : des films de l’ONF de presque toutes les décennies, de 1939 jusqu’à notre géniale époque. Je pourrais débiter des litanies pour faire valoir les attributs de chacun de ces films ou exhiber ma science en analysant les techniques utilisées et en situant les œuvres dans un continuum de plus de cent ans d’animation – mais je m’en garderai bien, évidemment. La liste figure ci-dessous. Le public a sans doute déjà vu certains de ces films quelque part, mais peu importe : à lui de visionner le tout et de juger de la qualité du programme, finalement. J’y ai toutefois décelé un certain nombre de tendances qui, à mon avis, rendent compte du cinéma de l’ONF, mais reflètent également les goûts de Chris et les miens. Bien que je ne sois pas aussi éclectique que mon collègue aux cheveux rebelles et fervent amateur de festivals, j’aime quand même la diversité, car elle me permet de canaliser mon agitation. L’une des missions fondatrices de l’ONF consiste à « faire connaître le Canada aux Canadiens et aux autres nations ». Et aucun doute, ces films des premières décennies du 20e siècle tiennent vraiment leurs promesses. L’esprit de Canadiana en imprègne le contenu, le ton, le débit et l’allure. Eh oui, même les paysages dessinés affichent une fierté toute canadienne. Histoire de faire valoir le pays, bon nombre de ces premiers films mettent également l’accent sur le contenu (plutôt que sur l’art), mais malgré ce parti-pris didactique, chaque court métrage comporte toujours une touche de fantaisie, de plaisir, de technique ou de charme, ou quelque poudre magique au pouvoir transformateur capable d’emporter le spectateur au-delà du prévisible et du banal. Pour les cinéphiles d’allégeance socialiste, les premiers films de l’ONF comportent des rappels constants des tendances de gauche qui demeurent encore aujourd’hui sous une forme ou une autre. Un certain nombre de ces productions censées porter sur l’économie et les économies sont en fait des critiques plus ou moins subtiles du capitalisme et du marché de consommation. Le perpétuel retour du balancier, en somme! Mais l’esprit contestataire se manifeste aussi autrement. Le jazz – la musique des révolutionnaires « in » – a toujours occupé une place de choix dans les films de l’ONF. Il en va de même dans notre sélection. À un certain moment, nous avons même droit à un trille digne de « Take Five » et à l’orthographe – parmi tous les mots possibles – d’antiestablishmentarianism. Au bénéfice des plus jeunes, rappelons que « Take Five » a été le premier succès grand public à miser sur une rythmique à cinq temps, ce qui constituait alors une innovation (selon ce qu’on m’a dit). Et vous n’aviez pas besoin de protester contre la guerre du Vietnam pour apprécier la leçon d’orthographe! De nombreuses productions suscitent quelques impressions contradictoires – nous les ressentons parfois à l’intérieur d’un même film : si j’ai été touché par la charmante naïveté et la vision du monde peu compliquée qu’affichent souvent ces films, j’y ai trouvé en revanche des éléments d’érudition qu’il

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Nurturing the arts in hundreds of communities À l’appui des arts dans des centaines de communautés

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critiques of capitalism and marketplace consumerism. Ah, the giant turning wheel always comes back around, doesn’t it? Rebellion manifests in other ways in these films too. Jazz – the music of the groovy revolutionary – has always had place of pride in NFB films. No less in this selection. In one instance, we’re even treated to a "Take Five"-esque bit of trill and given the correct spelling of, of all words, antiestablishmentarianism. For those of you too young to remember, "Take Five" was the first mainstream hit to push the quintuple time meter, innovative in its day (or so I’ve been told). And you didn’t have to be protesting the Vietnam War to appreciate the spelling lesson. A couple of contrasting sensations arose from many of the films, sometimes even in the same film. On the one hand, I was moved by the charming naiveté and uncomplicated world views of several of the films, salted regularly with erudition and learnedness not much seen in animation these days. I mean, have you recently seen many animation shorts that refer to a nation well-served by comprehensive transportation as being, “lay tamed beneath our seven-league boots”. Really. That’s the kind of writing that makes a word-geek like me shudder with delight. And there’s more. Way more. Fun, funny, colourful, charming, lush, artful, illuminating. Stuff you’d forgotten you loved. Gems of films that came out in big years and got overlooked. Sometimes watching films should just be a delight. Well, this dainty of a programme is just that. Enjoy. We did. Michael Fukushima is a producer in the NFB’s Animation Studio. Amongst other things, he’s a word-geek, an animation geek and a techno-geek. There might be more. Observe closely.

"Sometimes watching films should just be a delight." « Regarder un film devrait parfois n’être qu’un pur plaisir. » est rare d’observer aujourd’hui en animation. Avez-vous vu récemment bien des courts métrages d’animation qui, pour parler d’un pays convenablement desservi par un réseau de transport complet, ont affirmé qu’il se trouvait « apprivoisé sous nos bottes de sept lieues »? Franchement! Voilà le genre de propos qui fait frissonner de plaisir les férus des mots dans mon genre. Et il y a plus. Beaucoup plus. Des trucs amusants, rigolos, colorés, charmants, riches, astucieux, éclairants. Des trucs qu’on ne se rappelait pas avoir aimés. De petits bijoux de films parus durant une année faste et passés sous silence. Regarder un film devrait parfois n’être qu’un pur plaisir. Voilà précisément ce que vous propose ce programme de choix. Nous nous sommes délectés. À votre tour, maintenant. Producteur au Studio d’animation de l’ONF, Michael Fukushima est notamment un féru des mots, un accro de l’animation et un cybermaniaque. Mais il y a sans doute davantage… si l’on y regarde de plus près.

CAN'T DRAW STRAIGHT: QUEER PERSPECTIVES IN ANIMATION J'ARRIVE PAS À M'ALIGNER : LA PERSPECTIVE PATRAQUE DANS LE FILM D’ANIMATION by | par Jerrett Zaroski

annecy 2010 7-12 June

years

festival

international animation film festival

If Can't Draw Straight lacks the coherence of a shared voice, it's only because the films are created from so many different perspectives. As a result, this program affects each member of the audience differently. For some, it represents a range of familiar languages. For others, it begins a dialogue to understanding what queer is all about. Let's be clear, though. Queer isn't gay. Queer is what happens when we're confronted with choices that we can't answer without compromising ourselves: which bathroom door, which sex acts, which clothes to wear, what to like, what to dislike, how to walk, talk, eat, be. A knee-jerk decision for one person is a frustrating concession for another. Queer is the self-conscious answer to a cultural catch-22. If all this comes across as enigmatic – or irritating – it's because queer's power lies in its aversion to definition. You can't read queer like a sliding scale from homo to hetero. Though it gathers in communities, "queer" is rooted in a particularly personal and individualistic conception of sexuality, all wrapped up with gender, body, and the self. Theorist Eve Kosofsky Sedgwick points out how amazing it is that of all the elements we know about sexuality – "preference for certain acts, certain zones or sensations, certain physical types, a certain frequency, certain symbolic investments, certain relations of age or power, a certain

Si le programme « J'arrive pas à m'aligner » n’a pas l’unanimité cohérente d’une voix unique, c’est seulement parce que les films choisis pour ce programme ont été créés à partir de perspectives très différentes. Résultat : ce programme affecte chaque membre de l’auditoire de façon différente. Certains trouveront le registre de langue familier. Pour d’autres, il déclenchera un dialogue pour comprendre ce que c’est qu'être homosexuel. Soyons clairs cependant. Être patraque ne veut pas nécessairement dire être homosexuel. Être « patraque », c'est ce qui arrive quand nous sommes aux prises avec des choix que nous ne pouvons pas faire sans nous compromettre : quelle porte de salle de bain ouvrir, à quels actes sexuels nous livrer, quels vêtements porter, quoi aimer ou ne pas aimer, comment parler, manger, être. La décision spontanée de l'un est la concession frustrante de l'autre. Être patraque, c'est prendre conscience d'une situation culturelle sans issue. Si cela paraît énigmatique – ou enquiquinant –, c’est que la puissance du patraque réside dans son aversion pour les définitions. On ne peut pas décoder le patraque sur une échelle allant d’« homo » à « hétéro ». Bien qu'il lui arrive de se joindre à des collectivités, le « patraque » s'enracine dans une conception particulièrement individualiste et personnelle de la sexualité, laquelle est emballée dans un genre, un

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species, a certain number of participants, and so on i" – we only talk about sexual orientation as a person's desired gender, as gay or straight. To some people, queer can be gay, lesbian, bisexual, transgendered, polyamorous, asexual, or two-spirited. It's never just a question of whether we fit a certain criteria or a particular "sexual orientation", but rather how we understand ourselves and our interactions with(in) the world. It's at once unifying – a gathering place for those who are finally able to find some community – and idiosyncratic, resistant to a fixed identity. Queer draws attention to "common-sense" as a myth: confronting, deconstructing, queering conventional ideas of gender, sexuality, and the body. Queer cinema – and by extension, queer animation – is fraught with confrontation. Irony and camp are used to expose the ridiculous nature of everyday practices, assumptions, and conventions. Personal stories and dialogues challenge myths that espouse universal experience. So-called "deviant" sexual activity and bodies are celebrated and flaunted to reveal censored or ignored realities. Queer cinema takes the activism of the theory and puts it in artistic practice. To queer film and animation, filmmakers don't have to identify as queer or even be conscious of any queering they may be doing; I'm not attempting to "out" any filmmakers. A queer audience will experience films with a heightened awareness of queer issues and find themes or characters overlooked by the directors themselves. Arguably, that's pretty much the point of art: to be a unique and powerful experience for each individual person. Reception is as powerful – if not more – than the intent. There's no point debating, for example, whether or not Norman McLaren was aware of the homoerotic subtext when he made Neighbours. The film could have easily been screened as part of this program even though there isn't a right-or-wrong answer to the question "is it queer". Rather, like all films in Can't Draw Straight, the relevance of this classic NFB film comes from the multitude of messages – about war, aggression, ownership, repressed emotions, masculinity – that each viewer takes from the experience. Ultimately, such a film provides a landscape rife with issues relevant to a queer perspective. Can't Draw Straight is an attempt to show that animation can be loudly and proudly queered without resorting to familiar "Bugs-Bunny-in-Drag" curiosities. As the production and distribution of animation is increasingly accessible, films that represent a wider range of Queer perspectives are emerging; these are very real experiences and emotions we're seeing onscreen. At the same time, we don't have to turn our backs on camp humour and in-your-face sex to appreciate innovative, heartfelt approaches to animation. 1977 More than recounting a personal life story, this film fights to be heard with incredible maturity. Compared to a typical OIAF retrospective screening, Can't Draw Straight features an unusually high number of student films. I'm still trying to figure it out: is it the in-your-face, unassimilated notion of authority that comes with youth? Are these animation schools strong proponents of more personal, experimental voices? Or is a new wave of queer animation on the horizon? Hedwig and the Angry Inch 'The Origin of Love' Emily Hubley animated this segment for the film Hedwig and the Angry Inch, a superb example of Queer Cinema in and of itself. The beauty of this piece is the disillusioned irony of the animated story. Why try to define ourselves by the gender of the one who we love, when our identities are most meaningful when they come from within? As one character writes on the Berlin Wall: "Deny me and be doomed."

corps et un soi. La théoricienne Eve Kosofsky Sedgwick nous indique à quel point il est étonnant de constater que, compte tenu de tous les éléments que nous connaissons de la sexualité -- « la préférence pour certains actes, certaines zones ou sensations, certains types physiques, une certaine fréquence, certains investissements symboliques, certaines relations par rapport à l’âge ou au pouvoir, une certaine espèce, un certain nombre de participants et ainsi de suitei» --, nous ne définissons l'orientation sexuelle que par l'attraction pour une personne du même genre ou du genre opposé. Pour certains, patraque peut signifier qu'on est homo, lesbienne, bisexuelle, trans-genre, poly-amoureux, asexuel ou « deux-esprits ». La question ne se restreint jamais à savoir si nous correspondons à des critères, ou à telle ou telle ‘orientation sexuelle’, mais s'ouvre plutôt sur la compréhension de soi, et sur nos interactions avec (et dans) le monde. Cette question est tout à la fois unificatrice – c'est un lieu rassembleur pour ceux qui sont enfin capables de trouver une collectivité – et idiosyncratique, en ce sens qu'elle résiste aux identités fixes. Le patraque souligne à

Can’t Draw Straight: Queer Perspectives in Animation Thursday, October 15, 7:00 PM (National Gallery) Saturday, October 17, 9:15 PM (National Gallery) Jeudi, le 15 octobre, 19h00 (Musée des beaux-arts) Samedi, le 17 octobre, 21h15 (Musée des beaux-arts) 1977 [2007] Peque Varela | 8:12 | UK | Digital Source Hedwig and the Angry Inch ‘The Origin of Love’ [2001] Emily Hubley | 5:20 | USA | Digital Source guy101 [2005] Ian Gouldstone | 8:17 | UK | Digital Source For the Love of God [2007] Joe Tucker | 11:00 | UK | Digital Source The Kiss [2008] Giuseppe Ragazzini | 2:00 | Italy | Digital Source With What Shall I Wash? [2003] Maria Trénor | 10:11 | Digital Source Roof Sex [2003] PES | 1:04 | USA | Digital Source Tango Finlandia [2006] Hannu Lajnen and Tomi Riionheimo | 6:05 | Finland | 35mm Give AIDS the Freeze [1991] Cathy Joritz | 2:00 | Germany | 35mm Scissor Sisters ‘Don’t Feel Like Dancin’’ [2006] Andy Soup | 4:18 | UK | Digital Source Adam [1996] Andrea Stoops (Villarrubia) | 3:16 | USA | 16mm Beloved Murderer! (Geliebte Mörderin!) [1992] Heidi Kull | 7:50 | Germany | Digital Source Luscious [2006] Nina Rota | 4:48 | USA | Digital Source E4 ‘Sex Scrap’ [2007] Olly Reider | 0:11 | UK | Digital Source Carnival of the Animals (Karneval Zvirat) [2006] Michaela Pavlátová | 12:00 | Czech Republic | 35mm

gros traits que le «bon sens» est un mythe : il confronte, déconstruit, rend patraques les idées reçues sur le genre, la sexualité et le corps. Le cinéma patraque – et par extension, le film d’animation patraque – est truffé de confrontations. L’ironie et la caricature (du genre « grande folle ») sont utilisées pour exposer la nature ridicule des pratiques, hypothèses et conventions quotidiennes. Les récits et dialogues remettent en question les mythes de l'expérience universelle. Les supposées activités sexuelles « déviantes » et les corps sont célébrés pour révéler des réalités censurées ou ignorées. Le cinéma patraque s'empare du militantisme théorique pour en faire une pratique artistique. Au cinéma et dans l’animation patraques, les cinéastes n’ont pas à s’identifier en tant que patraques ou à être conscients de traiter un sujet patraque; je n'essaie pas ici de faire sortir des cinéastes du placard. Un auditoire patraque vivra les films avec une conscience plus élevée des questions patraques, et trouvera que les thèmes abordés ou les personnages mis en scène auront été négligés par les réalisateurs euxmêmes. Tel est le but de l’art, sans doute : procurer une expérience unique et puissante pour chacun. La réception est aussi puissante – sinon davantage – que l’intention. Par exemple, il ne sert à rien de débattre si Norman McLaren était conscient ou non des sous-entendus homo-érotiques lorsqu’il a réalisé Neighbours. Le film aurait facilement pu faire partie du présent programme, même s’il n’y a pas de

Guy101 This film folds a number of topics – homophobia, kink and fetish, online communities, isolation, trauma – into a kaleidoscope of technological homage. An excellent demonstration of how queer perspectives are plural and can't be pinned down, continuously overlapping and conflicting. For the Love of God Is there a greater dominant-submissive fantasy than living out a fetish for God? The Kiss The constantly shifting and slyly familiar faces create a mesmerizing testament to the sexiness of computer 'tweening. With What Shall I Wash? Queer creates spaces for people who have been traditionally marginalized within gay and lesbian communities. Its push for self-definition resists others' attempts to label what sex, gender or sexuality we are. Shouldn't we discover our identities ourselves, and only if we want to? With What Shall I Wash? is a powerful, poignant film that mourns for a lost contentment.

bonnes ou de mauvaises réponses à la question : « Est-ce que c’est patraque?» Au lieu de cela, comme tous les films du programme « J'arrive pas à m'aligner », la pertinence de ce film de l’ONF par rapport au patraque vient de la multitude des messages – à propos de la guerre, de l’agression, de la propriété, de la répression des émotions, de la masculinité – que chaque auditeur saisit à partir d’une expérience. Ultimement, un tel film fournit un contexte pour traiter des questions relatives à la perspective patraque. Le programme « J'arrive pas à m'aligner » tente de démontrer que le film d’animation patraque peut se dire ouvertement patraque sans s’en remettre à des bizarreries du genre «Bugs-Bunny en grande folle ». La production et la distribution de films d’animation étant de plus en plus accessibles, les films représentant une plus vaste gamme de perspectives patraques sont en émergence; nous voyons à l'écran des expériences et des émotions très réelles. Du même souffle, ajoutons que nous n’avons pas à tourner le dos à l’humour « grande-folle » et à la représentation évidente de la sexualité pour apprécier des approches innovatrices et sincères dans le film d’animation. 1977 Plus qu’un récit, ce film, d’une maturité incroyable, revendique et veut être entendu. En rétrospective, par comparaison avec les films habituellement projetés au FIAO, le programme « J'arrive pas à m'aligner » projette un grand nombre de films d'étudiants. Je me le demande encore : est-ce la nonassimilation de la notion d’autorité, propre à la jeunesse, qui nous saute aux yeux? Ces écoles d’animation seraient-elles de puissantes promotrices de voix plus expérimentales et plus personnelles? Ou encore est-ce une nouvelle vague de films d’animation patraques qui se pointe à l'horizon? Hedwig and the Angry Inch, ‘The Origin of Love’ Emily Hubley a animé ce segment pour le film Hedwig and the Angry Inch, qui est en soi un superbe exemple de cinéma patraque. Ce qu'il y a de beau dans cet ouvrage, c'est l’ironie désillusionnée de l’histoire animée. Pourquoi essayer de se définir à partir du genre de la personne que nous aimons quand nos identités sont plus signifiantes lorsqu’elles émanent de l’intérieur? Comme un des personnages l’écrit sur le mur de Berlin : « Vous m'ignorez? Soyez maudits! » Guy101 Ce film rassemble de nombreux sujets – homophobie, fétichisme et perversions, communautés en ligne, isolement, traumatismes – dans le kaléidoscope d’un hommage technologique. Voilà une excellente illustration de la pluralité des perspectives patraques, de l'impossibilité de les figer, de leurs recoupements continuels et de leurs oppositions incessantes. For the love of God Peut-on imaginer un rapport soumission-dominance plus grand que celui d'extérioriser un fétiche à l'égard de Dieu? The Kiss Des visages sournoisement familiers en constante mutation témoignent de façon hypnotisante de l’attrait sexuel que présente le morphisme par ordinateur. With What Shall I Wash? Le patraque crée des espaces pour des gens habituellement marginalisés au sein des communautés homosexuelle et lesbienne. La poussée du patraque en faveur d'une définition personnelle résiste aux tentatives d'autrui pour étiqueter notre sexe, notre genre ou notre sexualité. Ne devrions-nous pas découvrir notre identité nous-même, et seulement si nous le voulons? Un film puissant et poignant qui fait le deuil d’un contentement perdu.

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Roof Sex PES' premiere film makes it quite clear that its two stars are "his" and "hers", but how could you ever describe the on-screen action as "straight"? Such hot, rough, dangerous, forbidden, and very public sex is best left for upholstered furniture and the decidedly non-vanilla. Tango Finlandia Is it a furious fight between two butch guys or a romantic dance between two bears? Maybe in a bar somewhere in the countryside, such a compromise is necessary. The hinged and mechanical use of Flash is an excellent way of illustrating "going through the motions". Give AIDS the Freeze This notorious scratch-on-film example re-appropriates a televised interview with a psychologist, manipulating found footage in an attempt to shift conceptions of power and authority. Cathy Joritz's technique is classic, but its message continues to remain relevant. Scissor Sisters 'Don't Feel Like Dancin'' Overshadowing the camp and parody elements, director Andy Soup's style queers the concept of animation in general. Frame-by-frame manipulation? Hardly. Yet the layered live action and the stop-and-go fluidity presents a view of animation itself that's fresh and exciting. Adam An excellent reminder that children know exactly what is at stake when we dress them in pink or blue… but do we? Beloved Murderer! It takes considerable effort to queer film noir, a genre that's already teeming with categorical anomalies. Binaries become battlegrounds and are broken apart like cultural gaping wounds: good/bad, light/dark, truth/lies, chivalry/misogyny, madonna/whore. Carrying the torch, Beloved Murderer! blurs the lines further with a romantic downward spiral between a pair of assassins. Luscious An experiment of flesh in its abstract form, Luscious embraces the flow and motion of the body and its parts. A mesmerizing example of what animation was made for: exploring unfamiliar ideas of the familiar. E4 'Sex Scrap' Available on the Hot Head Films website, this little charmer was made as a bumper for the cheeky UK TV station E4. Bodies, motions, and environment get mixed up in eleven seconds of sexy, cartoony, gender-is-irrelevant goodness. But I guess the real question is, did this ever make it on television? Carnival of the Animals This film is mandatory animation viewing, plain and simple. It's a collection of vignettes, each a romp of sex and sexuality, animal instinct, kink, of finding our true desires, and embracing it all. A combined celebration of the body and a challenge to all humans to enjoy all sex as much as we can. Plus, the go-to place for explicit nose-in-nose fucking and bunny-eared circle jerks. Sedgwick, Eve Kosofsky. The Epistemology of the Closet. Berkley, CA: University of California Press, 1990. Page 8.

Roof Sex Le premier film de PES énonce clairement que les deux vedettes sont « la tienne » et « le tien », mais comment décrire ce qui se passe à l'écran comme étant « hétérosexuel »? Il vaut mieux se livrer à ces ébats brûlants, brutaux, dangereux, interdits et très publics sur des meubles bien capitonnés – ou n'être pas du tout glace à la vanille. Tango Finlandia Est-ce une bataille furieuse entre deux gars baraqués ou une dance romantique entre deux ours? Sans doute faut-il faire un tel compromis dans un bar à la campagne. L'utilisation pivotante et mécanique d'un « Flash » est une excellente façon d'illustrer le fait de « faire les gestes ». Give AIDS the Freeze Cet exemple connu d'égratignures sur pellicule récupère l'entrevue télévisée d'un psychologue et manipule le piétage trouvé pour essayer de changer les conceptions du pouvoir et de l’autorité. La technique de Cathy Joritz date, mais son message est encore pertinent. Scissor Sisters, ‘Don’t Feel Like Dancin’ Au delà des éléments de caricature et de parodie, le style du réalisateur Andy Soup déconstruit le concept du film d’animation en général. Y trouvera-t-on un traitement planpar-plan? Tant s'en faut! Pourtant, l’action en direct par couches et l’interruption continue de la fluidité présentent un point de vue frais et excitant sur le film d’animation. Adam ... nous rappelle que les enfants, d’emblée, savent exactement ce que cela veut dire lorsque nous les habillons de bleu ou de rose… Mais nous, le savons-nous vraiment? Beloved Murderer! Il faut déployer des efforts considérables pour rendre patraque un film noir, car le genre du film noir est déjà une anomalie. Des thèmes binaires deviennent des champs de bataille et sont démontés, telles des blessures culturelles béantes : le bien / le mal, le foncé / le pâle, la vérité / le mensonge, le chevaleresque / la misogynie, la madone / la putain. Porte-étendard de la déconstruction patraque, Beloved Murderer! efface encore plus les frontières en emportant un couple d'assassins dans une spirale romantique vers l'obscur. Luscious Expérience de la chair dans sa forme abstraite, Luscious nous dépeint le flux et le mouvement du corps et de ses parties. Cet exemple frappant illustre pourquoi le film d’animation a été créé : explorer l'inconnu dans ce que nous connaissons. E4 ‘Sex Scrap’ Disponible sur le site Internet de Hot Head Films, ce charmeur était à l’origine une pub créée pour l’impertinente station de télévision londonienne E4. Les corps, les mouvements et l’environnement s'entremêlent en 11 secondes de bonheur sexy, caricatural, peu-importe-le-genre. Mais... j’imagine que la véritable question est de savoir si ce court métrage s'est même rendu jusqu'au petit écran? Carnival of the Animals En un mot comme en dix, ce film d’animation est à voir à tout prix. Cette collection de vignettes intègre dans une arène d’ébats, sexe, sexualité, instincts animaux, perversions, quête de nos désirs réels et acceptation. C’est une célébration du corps et un défi lancé à tous les humains d’aimer le sexe autant que faire se peut. De plus, on y trouvera des pénétrations plus qu’intimes et des cercles de masturbation.

"A queer audience will experience films with a heightened awareness of queer issues and find themes or characters overlooked by the directors themselves." « Un auditoire patraque vivra les films avec une conscience plus élevée des questions patraques, et trouvera que les thèmes abordés ou les personnages mis en scène auront été négligés par les réalisateurs eux-mêmes. »

i Sedgwick, Eve Kosofsky. The Epistemology of the Closet. Berkley (CA), Un. of California Press, 1990, p. 8.

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FILM BILDER Studio: Twenty Years of Creation and Animation Studio Film Bilder : 20 ans de création et d’animation

presented by/présenté par:

by | par Thomas Meyer-Hermann

20 Years of Studio Film Bilder Thursday, October 15, 9:15pm (Empire Theatres – Rideau) Saturday, October 17, 3:00pm (Empire Theatres – Rideau) Jeudi, le 15 octobre, 21 h 15 (Cinémas Empire – Rideau) Samedi, le 17 octobre, 15 h 00 (Cinémas Empire – Rideau) The Creation (Die Schöpfung) [1996] Thomas Meyer-Hermann | 7:00 | Digital Source Rubicon [1997] Gil Alkabetz | 7:00 | Digital Source Ring of Fire [2000] Andreas Hykade | 15:00 | Digital Source The Final Solution [2004] Phil Mulloy | 24:00 | Digital Source The Runt (Der Kloane) [2006] Andreas Hykade | 10:00 | Digital Source No Room for Gerold (Kein Platz Für Gerold) [2006] Daniel Nocke | 4:00 | Digital Source TOM ‘Tom in the Woods’ [2004] Andreas Hykade | 5:00 | Digital Source TOM ‘Detective Tom’ [2004] Andreas Hykade | 5:00 | Digital Source The Bunjies [2008] Ged Haney and Andreas Hykade | 3:00 | Digital Source Mirrorland [2008] Phil Mulloy | 2:00 | Digital Source

director and animator see one another every day, the result is seamless. Yet the way we work is totally different from the industrial assembly line. Just as content, style and technique change constantly, so too does the production method and even the team. There is a mixture of experienced staff and specialists who are hired for a particular project. The core team consists of the production crew and four directors. Then there is a larger circle of animators, designers

A 20th birthday is a happy occasion. Now, at last, the birthday child belongs to the adult world and can associate with the grownups. When someone turns 20, they can feel they are at the height of their creative powers. But by now, at the very least, they should also be conscious of what they are doing. What are we doing then at FILM BILDER studio? For 20 years we have devoted ourselves to animated films of every variety. Our focus is on creation – with up-to-date and original design and storytelling. In the production stage we combine the strengths of traditional animation with advanced computer techniques. So we may use classical hand-drawn or cut-out animation, or stop-motion, or 3D computer animation, or above all, combination techniques that can’t be categorized. We subordinate style and technique to the content. In doing so we enjoy breaking new ground to obtain images that everyone hasn’t already seen. We’re based in the working-class east end of Stuttgart, on one floor of a factory where we have countless production possibilities for both graphics and film, digital and analogue. It looks like an animated-film factory – which is rather anachronistic in this time of boutique studios, high-speed Internet and Asian service studios. We prefer to have all stages of production under one roof. When the producer,

Avoir vingt ans, c’est un heureux événement. L’enfant qui fête cet anniversaire entre dans le monde des adultes et il a le droit de se mêler aux grands. Lorsqu’on a vingt ans, on peut se sentir à l’apogée de sa force créatrice. Mais c’est aussi le moment également où il faut devenir conscient de ce que l’on fait. Alors, que faisons-nous au studio FILM BILDER? Depuis vingt ans, nous nous consacrons au dessin animé sous toutes ses formes. Le point de mire est la création – contemporaine et originale, dans le dessin et dans la narration. En ce qui concerne la réalisation, nous associons les points forts de l’artisanat d’animation classique à la technique informatique avancée. Il en ressort soit du dessin animé classique, soit de l’animation en papier découpé, soit de l’animation en volume, soit de l’animation en 3D par ordinateur, soit – ce que nous aimons particulièrement – des combinaisons techniques qui n’entrent dans aucune de ces catégories. Nous soumettons le style et la technique au contenu, mais nous allons volontiers en territoire inconnu pour trouver des images qui n’ont pas déjà été vues par tout le monde. Nos activités se situent dans l’Est prolétaire de Stuttgart, sur un étage d’usine plein de ressources graphiques et filmiques, numériques et analogiques pour la production.

and technicians, from which the project team is formed as needed. For a short title sequence, we can manage with the studio’s regular staff. For a television series, the group is considerably enlarged. Often, we search all over the world for the right person for the team. What has been special since the studio was founded is our twin-track approach. The two tracks are art and commerce. Every year, in parallel with our contract productions, we make one or two artistic short films. In the last few years we have also created vehicles that travel on both tracks and bring us closer to our goal – which is to reach the widest audience with artistically individualistic projects. The TV series that we are working on or have in the planning stage at the moment are based on the uniqueness of the independent short films and, at the same time, use the professional structure and market orientation of the contract production.

Cela ressemble à une usine de films d’animation, c’est-àdire un anachronisme à notre époque de petits bureaux de production, de connexions Internet rapides et de studios de service asiatiques. Nous rassemblons de préférence toutes les étapes de la production sous un seul toit. Lorsque le producteur, le metteur en scène et l’animateur se voient tous les jours, le résultat est d’un seul jet. Le mode de travail est d’ailleurs tout sauf monotone comme le travail d’usine. De même que le contenu, le style et la technique ne cessent de changer, de même les modes de production et l’équipe varient. Un mélange de collaborateurs expérimentés et de spécialistes sont engagés pour un projet. L’outil de production et quatre metteurs en scène forment l’équipe de base du projet. S’y ajoutent, selon les exigences, plusieurs animateurs, dessinateurs et techniciens. Pour une petite séquence de titre, nous nous débrouillons avec l’équipe de base. Pour une série télévisée, le cercle s’élargit considérablement. Il nous arrive souvent de faire des recherches dans le monde entier pour trouver des collaborateurs adaptés à un projet. La particularité, dès la fondation du studio, a été le travail sur deux voies. Ces deux voies s’appellent l’art et le commerce. En parallèle à la production de commandes, un ou deux courts-métrages ont vu le jour chaque année. Ces dernières années, des moyens supplémentaires ont été créés pour avancer sur les deux voies et nous rapprocher de notre but : atteindre le grand public avec des projets sans compromis au point de vue artistique. Les séries télévisées actuellement en cours ou à venir chez nous se basent sur des créations propres aux courts-métrages indépendants tout en utilisant la structure professionnelle et l’orientation commerciale de la production de commande. En ce qui concerne la voie artistique, un grand nombre de cours-métrages indépendants sont passés de la table à dessin à l’écran de cinéma : Rubicon (1997), Yankale, Mr. Chocolate, The Creation (1996), Ring of Fire (2000), The Mondern Cyclops, Great is the Mystery of Godliness. Ces films ont attiré l’attention dans les festivals du monde entier. Ils ont recueilli plus d’une centaine de prix ces dernières années. Deux de nos nouvelles productions sont des coopérations internationales : The Final Solution (2004) avec le réalisateur londonien Phil Mulloy, et Le Corridor de JeanLoup Felicioli et Alain Gagnol, une coproduction avec le studio français Folimage. Nos dernières œuvres particulièrement ont été couronnées de succès : No Room for Gerold (2006), un court-métrage d’animation 3D de Daniel Nocke, et The Runt (2006), un dessin animé d’Andreas Hykade. En ce moment, le studio FILM BILDER devient à nouveau un atelier de courtsmétrages, puisque nous avons en chantier simultanément trois nouvelles œuvres: Milk Milk Lemonade de Ged Haney, Love & Theft d’Andreas Hykade et 12 Years de Daniel Nocke. Jamais autant de courts-métrages n’ont été produits chez nous. Vingt ans après, il apparaît encore plus nettement que la forme courte fait mieux valoir les vertus de l’animation. Et une vision optimiste se développe lentement suivant laquelle la forme courte pourrait tout de même devenir un produit rentable. Cela fonctionne certainement mieux sans intermédiaire. En privilégiant la forme courte et en offrant l’accès direct du producteur au consommateur, l’Internet nous donne alors de l’espoir. En ce qui concerne la voie commerciale, nous avons derrière nous toute une série de personnages animés qui, dans l’intervalle, ont quelquefois acquis un statut de quasi culte en Allemagne. Il y a Jay le Lion, qui présente le programme pour enfants de RTL, la principale chaîne privée en Allemagne. Il y a le parapluie dansant, qui a annoncé durant des années le bulletin météo de la chaîne publique ZDF. Il y a la fille rousse, qui est l’alter ego de Franka Potentes dans le film Run Lola Run. Il y a les dix petits maîtres-chasseurs en fête (Zehn

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On the side of the commercial track we can look back on a whole series of animated-film figures that have attained semi-cult status in Germany. There’s Jay the Lion, who presents the children’s program of Germany’s leading private broadcaster, RTL. There’s the dancing umbrella, which for years introduced the weather report on the public-service broadcaster ZDF. There’s the running redhead, who is Franka Potentes’ hand-drawn alter ego in the theatrical film Run Lola Run. There are the ten little huntsmen who kept the song by the altpunk group Die Toten Hosen in number one place on the German charts for five weeks. There’s the stick figure of the techno musician Gigi D’Agostino, the clay-animation figures of the girls’ band Tic Tac Toe, the can-can-dancing cows for Südmilch yogourt, and many more. On the artistic track, there’s been a long succession of independently produced short films which have found their way from the drafting table to the movie theatre. Rubicon (1997), Yankale, Mr. Chocolate, The Creation (1996), Ring of Fire (2000) The Modern Cyclops, Great Is the Mystery of

kleine Jägermeister) : ils ont maintenu durant cinq semaine la chanson du vieux groupe punk Die Toten Hosen en tête du hit-parade allemand. Il y a le petit homme-ligne dessiné pour le musicien techno Gigi D’Agostino ; le trio de filles en pâte Tic Tac Toe ; le cancan de vaches pour le yaourt Südmlich ; et bien d’autres encore. La situation présente du marché nous contraint néanmoins à de grands formats pour atteindre le grand public. Or, réaliser un grand format avec une idée de court-métrage fonctionne mieux en utilisant un concept de série. C’est pourquoi l’une de nos préoccupations depuis plusieurs années est la série télévisée. Ont été réalisées sous forme de mini-séries : Karl Anton, le personnage de bande dessinée notoirement sans succès, mais toujours infatigable pour devenir une vedette (7 x 30 s) ; et German Deathmatch, une adaptation du format culte de la MTV américaine « Celebrity Deathmatch » avec des marionnettes de personnalités allemandes (11 x 90 s). À ce jour, le plus grand projet de FILM BILDER a été, sous la direction d’Andreas Hykade, la quête toujours nouvelle

Godliness – all are films which have attracted attention at festivals around the globe. In the last few years, they’ve won more than 100 awards. Two of our more recent productions are international collaborations: The Final Solution (2004), with the London director Phil Mulloy, and The Corridor, by Jean-Loup Felicioli and Alain Gagnol, which is a coproduction with the French studio Folimage. The most recent works are especially successful: No Room for Gerold (2006), a computer-animated short by Daniel Nocke, and The Runt (2006), a hand-drawn animated film by Andreas Hykade. At the moment, the FILM BILDER studio is again a short-film workshop, because we have three new titles e being made at the same time: Milk Milk Lemonade by Ged Haney, Love & Theft by Andreas Hykade and12 Years by Daniel Nocke. We’ve never before done so much short-film production at the same time. After 20 years it’s becoming ever more obvious that the strengths of animation are seen to best advantage in short films. In addition there is a slowly awakening optimism that one day the short film can perhaps become a marketable product. That probably works better without an intermediary. The Internet favours the short format, and it offers a direct path from the maker to the user. That give us cause for hope. At the moment, however, the market situation requires us to work in the feature-length format if we want to reach the wider audience. Making a feature-length film from the idea for a short film is easiest to do successfully with a series concept. That’s why for several years the TV series has been an important focus for us. We’ve made the following mini-series: Karl Anton, the notoriously unsuccessful but

du plat préféré : entre 2003 à 2008, 26 séquences de cinq minutes ont été fabriquées en coproduction avec SWR [chaîne de télévision allemande] pour la série Tom & the Slice of Bread with Strawberry Jam & Honey. Cette série flash destinée à un public d’âge scolaire trouve un grand écho auprès de la chaîne allemande pour enfants Ki Ka. Sa caractéristique particulière est le concept du bi-média. La série télévisée a pour complément le site Internet Tomportal.de, où les enfants peuvent agir activement sur les événements. Dans deux films interactifs, ils peuvent aider Tom à obtenir du miel pour sa tartine de confiture de fraises. Et il y a, correspondant à chaque épisode télévisuel, un jeu en ligne où les enfants peuvent jouer aux cartes en accord avec le thème de l’épisode, contrôler un espace de navigation ou cueillir des fraises. Les petits spectateurs sont ainsi conduits de la télévision vers l’Internet et inversement. Le but est naturellement de répondre au mieux, en outre, à l’intérêt de la chaîne. Et justement, nous sommes en pourparlers pour 26 épisodes supplémentaires de la série. Pour la période qui va venir après Tom, une deuxième grande série est en préparation. The Bunjies (2008) raconte l’histoire de quatre petits lapins qui vont à l’école et jouent, après avoir fait leurs devoirs, dans le plus grand groupe rock du monde.

indefatigable would-be cartoon pop star (seven 30-second segments) and German Deathmatch, a remaking, with German celebrity dolls, of the American MTV cult-format "Celebrity Deathmatch" (eleven 90-second segments). FILM BILDER’s biggest project so far, under the direction of Andreas Hykade, involves the ever new search for a favourite food: From 2003 to 2008, as a co-production with SWR, we made 26 five-minute segments of the series Tom & the Slice of Bread with Strawberry Jam & Honey. This flash series for a preschool audience is being screened to great acclaim by the German children’s broadcaster Ki.Ka. The thing that’s special here is the two-media concept. As a supplement to the TV series there is the Internet Tomportal.de, where children can engage directly in the action. In two interactive films they can help Tom find to his slice of bread with strawberry jam and honey. And for each TV episode there’s an online game related to the theme of the episode where the children can play cards, steer a space ship or pick strawberries. In that way the little viewers are led from the television to the Internet and back. Naturally the plan is also to excite the interest of the broadcaster. At the moment we’re negotiating for a further 26 episodes in the series. And for when the Tom series is finished, we’re working on a second long series. The Bunjies is about four little school-aged rabbits who, after doing their homework, play in the world’s greatest rock-androll band. Tom and The Bunjies are two projects that come very close to our concept of art and commerce. They are original creations by ambitious artists, done in their own individual characteristic styles. At the same time, they are marketable products that are successful in the wider market. Many skeptics have considered that to be impossible. The fact that it does work is the best birthday present we could have. It gives us a real reason to celebrate and look forward to another 20 productive years. Thomas Meyer-Hermann,Founder and CEO, FILM BILDER Studio Further information: www.filmbilder.de

Tom et The Bunjies sont deux projets qui correspondent à notre conception de l’art et du commerce. En même temps, ce sont deux produits adaptés au marché et adoptés par le grand public. Les esprits sceptiques ont tenu la chose pour impossible. Le fait que cela fonctionne néanmoins, c’est pour nous le plus beau des cadeaux d’anniversaire. Ainsi, nous pouvons vraiment faire la fête et nous réjouir des vingt années fructueuses à venir. Le fondateur et chef de la direction de Studio FILM BILDER, Thomas Meyer-Hermann Les intéressés trouveront de plus amples informations à www.filmbilder.de.

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“And Things Were Looking Like A Movie” « Et les choses se mirent à ressembler à un film »

The Works of Jim Blashfield Thursday, October 15, 11:00 AM (Empire Theatres – Rideau) Sunday, October 18, 11:00 AM (Empire Theatres – Rideau) Jeudi, le 15 octobre, 11 h 00 (Cinémas Empire – Rideau) Dimanche, le 18 octobre, 11 h 00 (Cinémas Empire – Rideau)

by | par Richard O’Connor

Make art how you want to make it, soon people will be knocking on your door asking for a portrait. Jim Blashfield began making films in the early 1970s, experimenting at Portland State University’s Center for the Moving Image. These pieces ranged from optical experiments in camera to documentary -- even some drawn animation -- but always ranging back to photo collage. Self-taught, each piece a lesson in technique and technology, in an era long before every kid on the block could try their hand at filmmaking. By 1985’s Suspicious Circumstances, Jim, working out of Portland, had settled on a distinct photo cut-out technique. Roughly a decade after Xerox introduced the first color copier, full-spectrum reproductions became relatively affordable. Prior to this, the development photo-rotos printed from negative could run several dollars per image. This economy allowed Jim to create a visual universe closely akin to reality, but substantially different. This style turned out to ideally suit the nascent form of the music video. Suspicious Circumstances’ producer, Melissa Marsland, copied the address off the back of a Talking Heads album and mailed a tape, unsolicited, to the band’s management. David Byrne called immediately giving creative carte blanche -- and a month -- to animate a video for “And She Was”. On its own, in an independent narrative like Suspicious Circumstances, Jim’s imagery has a Dadaist feel: close to reality, but completely out of whack. Images are real, sort of,

Que vous pratiquiez n'importe quel genre d'art visuel, on viendra bientôt frapper à votre porte pour vous demander de faire un portrait. Jim Blashfield a commencé à faire des films au début des années 1970 en expérimentant au Center for the Moving Image de l'Université d'État de Portland. Ces essais allaient des expériences en optique au documentaire, passant même par des essais d'animation avec des dessins, mais il revenait toujours au collage de photos. Il apprenait par lui-même, chaque essai étant une leçon de technique et de technologie, à une époque bien antérieure à celle où n'importe quel mousse du quartier peut s'essayer à faire un film. Quand, en 1985, Suspicious Circumstances a été lancé, Jim, travaillant toujours à Portland, avait adopté une technique de photo-collage bien précise. Une dizaine d'années environ après que Xerox ait lancé le premier photocopieur couleur, les reproductions avec tout le spectre des couleurs étaient devenues relativement abordables. Avant cela, le développement de « photo-rotos » imprimées à partir de négatifs pouvait coûter plusieurs dollars par image. Cette économie a permis à Jim de créer un univers visuel qui ressemblait beaucoup à la réalité, tout en étant assez différent. Il s'avéra que ce style convenait idéalement à la forme naissante qu'était le vidéo de musique. La productrice de Suspicious Circumstances, Melissa Marsland, a copié une adresse citée au verso d'un album des Talking Heads et sans invitation, a posté une pellicule à la

and the viewer has to work to reconstruct a mental universe which relates to the common world, but allows for the fantasy of Jim’s animation. If you compare this to a drawn animation -- or any other technique that uses representations of objects, and not the real resemblances of photo-collage – then the drawn animation immediately signifies an alternate universe. There is no cognitive dissonance if a cartoon duck gets his beak shot off in scene two and then sings “The Marriage of Figaro” in scene three. It’s all fake to begin with. Now, begin with a man -- a photograph of a man that looks like a “real” person -- and a “realistic” set of rules is expected. Immediately, the imagery is unbalancing. Things are “real”, yes, but they are different; they are like the things and people we know in some ways, but they are not the people we know (at least not how we think we know them). The viewer must reach a communion with the film, an understanding of the world’s physics. In the music video, the soundtrack is that bridge. Kids these days, they don’t know what it was like: the scarcity of color printers; “the push it a little, snap another picture” toil of under camera film animation; the visceral tingle of MTV and those images being thrown at you in exciting, previously forbidden ways. “And She Was” struck as one of the most energizing, awesome music films broadcast. It’s wasn’t just guys playing guitars; it wasn’t a poorly lit performance of the lyrics. The video was as if the song was made out of pictures. Not only did the music bring communion between the audience and the notched visuals, the song and picture seemed to be one and the same. If the technique became more polished with The Talking Heads video, then the look reached its apex with Michael Jackson’s “Leave Me Alone”, which now stands as a monument to both the innovative era of 1980s music video and an accounting of two decades’ mass sneering at the unmistakable former prodigy. Most of Jim’s music videos were created in a somewhat stream of consciousness manner, the images pulling along the story. “Leave Me Alone” was so complicated that it was completely storyboarded beforehand. Around 50 people worked on the project over the course of roughly nine months. Still, the process was basically the same: First, a conversation with the musician, primarily to get ideas about their relationship to the song and to build a personal connection; from there, sketches and tests, followed by photography, editing, photo printing and a lot of cutting; then, a lot more testing of each item. This all culminated with around the clock under-camera animation sessions. Despite the moniker, these “videos” were shot on film, mostly on homemade animation stands. After a long stretch of commissions from chart toppers in search of innovative filmmakers to promote their singles -- Peter Gabriel, Paul Simon, Joni Mitchell, Tears For Fears, Marc Cohn (which in turn prompted Madison Avenue to come calling with commercials for Nike, Kelloggs, Pepsi and others) -- the 1990s ushered a return to personal work. The music video industry changed as MTV altered its programming. Multi-platinum acts produced ever more outlandish specialeffects heavy videos, while everyone else greatly reduced the scope of their promotions. Furthermore, the painstaking under

direction du groupe. David Byrne a rappelé immédiatement en donnant carte blanche – et une échéance d'un mois – pour créer un vidéo d'animation de la chanson « And She Was ». En soi, dans une narration indépendante telle que Suspicious Circumstances, l'imagerie de Jim produire une sensation dadaïste : proche de la réalité, mais complètement tordue. Les images sont en quelque sorte réelles, et le spectateur doit travailler à reconstruire un univers mental en lien avec le monde courant tout en tenant compte de la fantaisie que contient l'animation de Jim. Si vous comparez cela à une animation à l'aide de dessins – ou à toute autre technique qui utilise la représentation d'objets et non les véritables ressemblances qu'offre le photo-collage --, l'animation dessinée signifie tout de suite un autre univers. Il n'y a pas de dissonance cognitive lorsqu'un canard de dessin animé se fait exploser le bec à la scène deux et qu'il chante « Le mariage de Figaro » à la scène trois. C'est du toc d'un bout à l'autre. Par contre, si vous commencez avec un homme – avec la photographie d'un homme qui ressemble à une « vraie » personne --, vous vous attendez à une série de règles « réalistes ». D'entrée de jeu, l'imagerie vous déconcerte. Certes, les choses sont « vraies », mais elles sont différentes; par certains côtés, cela ressemble aux choses et aux personnes que nous connaissons, mais ce ne sont pas les choses et les personnes que nous connaissons (du moins, pas de la façon dont nous pensons les connaître). Le spectateur doit communier avec le film, trouver une compréhension de la physique du monde. Dans le vidéo musical, la piste sonore est ce pont. Les jeunes d'aujourd'hui ne savent pas ce qu'étaient : la rareté des imprimantes couleur; la corvée de « pousser l'image un petit peu et prendre une autre photo » dans l'animation avec caméra de film; les titillations viscérales des images que MTV vous jette aux yeux de façon excitante, naguère interdite. Le vidéo de « And She Was » a étonné parce qu'il était une des diffusions les plus énergisantes et les plus sensationnelles de films de musique. Ce n'était pas seulement des types qui jouaient de la guitare; ce n'était pas seulement une interprétation mal éclairée des paroles de la chanson. Le vidéo était comme si la chanson était faite d'images. Non seulement la musique suscitait-elle une communion entre l'auditoire et le rendu visuel, mais encore la chanson et l'image semblaient ne faire qu'un. Si la technique a été peaufinée avec le vidéo des Talking Heads, le look a atteint son apogée dans le « Leave Me Alone » de Michael Jackson, qui est désormais un monument dressé tant pour l'époque des innovations qu'apportaient les vidéos des années 1980, que pour le bilan des deux décennies pendant lesquelles les masses ont snobé l'immanquable ancien prodige. La plus grande partie des vidéos de Jim a été créée à la façon d'un flux de conscience, les images poussant l'histoire vers ce qui doit venir. « Leave Me Alone » était si compliqué qu'il a fallu d'abord faire un scénarimage complet. Environ 50 personnes ont travaillé au projet pendant à peu près neuf mois. Pourtant, le processus était fondamentalement le même : premièrement une conversation avec le musicien, pour connaître sa relation avec la chanson et établir une connexion personnelle; puis, à partir de là, des esquisses et des tests, suivis de photos, de montages, d'impressions de photos et de beaucoup de découpages; puis, encore plus de tests de chaque élément. Le tout a connu son apogée avec des séances d'animation sous caméra 24 heures sur 24. Malgré le terme, ces « vidéos » ont été tournés sur film, la plupart sur des lutrins d'animation bricolés. Après une longue série de commandes passées par des noms en tête du palmarès à la recherche de réalisateurs innovateurs pour promouvoir leurs tubes -- Peter Gabriel, Paul Simon, Joni Mitchell, Tears For Fears, Marc Cohn (qui

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camera techniques that had been honed to perfection soon became commonplace with the advent of the desktop computer. Bunnyheads (2007) was seeded in 1996, after a show by the sculptor Christine Bourdette. Over the next decade, numerous ideas were tried; they were efforts to understand exactly how the figures would act, what sort of protagonists they would become. In his catalogue of works, Jim Blashfield has live action, mixed media, effects films and multi-screen projections. Bunnyheads, through its technique, stands out. The mood and storytelling of the film are in line with the bulk of his work; but, there’s a crispness here that hasn’t been previously evident. This distinction in technique illuminates the earlier films and draws connections beyond differences. Bunnyheads reminds us that collage requires a mental space to be constructed, allowing for the reality of the film to play. Collage creates a new world, based on reality in communion with the viewer. When a bunny sculpture crashes or gets sliced up, it’s a visceral pain that we don’t experience with cut-out collage. The story in Bunnyheads is the same sort of meta-realism of Jim’s other animated and mixed media work; the “realism” of the characters creates a whole new effect. Just as technique has not been a barrier, neither has media. Of late, Jim has created several environmental and public art projects. The forthcoming "Riverwalk" installation for Astoria, Oregon’s waterfront revitalization, brings kinetic images to recognized sites. It projects to encompass video projection, animation, architecture, compositing, and audio design to create dreamlike spaces within the streetscape, making the ultimate leap. No longer are films morsels of heightened reality; but reality will become altered by the exotic visual and auditory experience of film.

a ensuite invité Madison Avenue à frapper à la porte afin d'avoir des commerciaux pour Nike, Kellogg's, Pepsi et autres) – les années 1990 ont amené un retour aux oeuvres personnelles. L'industrie de la vidéo musicale changeait à mesure que MTV altérait sa programmation. Les groupes et chanteurs aux multiples disques platine produisaient des vidéos de plus en plus extravagants et chargés d'effets spéciaux, tandis que tous les autres réduisaient de beaucoup l'étendue de leurs promotions. En outre, les minutieuses techniques sous caméra poussées jusqu'à la perfection sont vite devenues banales avec l'apparition de l'ordinateur personnel. Le germe de Bunnyheads (2007) a été semé en 1996, après une exposition de la sculpteure Christine Bourdette. Pendant la décennie suivante, de nombreuses idées ont été mises à l'essai; des efforts pour comprendre exactement comment les personnages agiraient, quelle sorte de protagonistes ils deviendraient. Dans son catalogue d'oeuvres, Jim Blashfield compte des films en action directe, des médias mixtes, des films à effets et des projections sur écrans multiples. Bunnyheads se démarque par la technique utilisée. L'atmosphère et la trame de l'histoire du film sont conformes à l'ensemble de l'oeuvre de Jim, mais il y a ici une fraîcheur croustillante qui n'était pas évidente auparavant. Cette différence de technique éclaire les films précédents et crée des connexions au delà des différences. Bunnyheads nous rappelle que le collage a besoin d'un espace mental pour se construire, ce qui permet à la réalité du film d'entrer en jeu. Le collage crée un nouveau monde, basé sur la réalité, en communion avec le spectateur. Quand la sculpture d'un lapin s'écrase ou se fait trancher, on ressent une douleur viscérale qu'on ne ressentirait pas s'il s'agissait de découpés. La trame de Bunnyheads rejoint le même genre de méta-réalisme que les autres oeuvres animées et en médias mixtes de Jim; le « réalisme » des personnages crée un effet totalement nouveau. Les médias n'ont pas été un plus grand obstacle que la technique. Jim a récemment créé plusieurs projets d'art environnemental et public. L'installation à venir « Riverwalk », pour Astoria, le projet de revitalisation des rives de l'Oregon, amène des images en mouvement sur des sites d'intérêt reconnu. On envisage d'y rassembler des projections de vidéos et d'animation, de l'architecture et de l'architecture composite (avec technologie), et du design audio pour créer des espaces oniriques dans la rue, afin de faire le saut ultime. Les films ne seront plus des parcelles de réalité rehaussée; la réalité sera plutôt altérée par l'expérience filmique d'un exotisme visuel et auditif.

The Works of Jim Blashfield The Tasseled Loafers [2001] | 11 minutes The Oregon Symphony commissioned original films by Jim Blashfield, Gus Van Sant, Joan Gratz and Chel White. Each film was to be an interpretation of an orchestral work, with the scores played live in concert by the symphony during the screening of the four films. This film, about a handyman with some slow-drying pipe sealant to contend with is inspired by Berlioz’ “Dream of a Witch’s’ Sabbath”. Talking Heads “And She Was” [1985] | 3.5 minutes Out of the blue we sent my film “Suspicious Circumstances” to Talking Heads and asked if we could make a video for them and they said yes. This was our first experience with music videos, made during the early experimental, idea-hungry days of MTV. Suspicious Circumstances [1984] | 10 minutes In this cut-out color Xerox animation, Herbert and Lenore’s sleep is interrupted by some dancing duck heads and a pair of flying hands bent on mischief and destruction. Paul Simon “Boy in the Bubble” [1986] | 4 minutes After ”And She Was” we made videos for Joni Mitchell’s song “Good Friends”, the dance band Nu Shooz’ “I Can’t Wait” and then Paul Simon asked us to interpret this song from his “Graceland” album. The Lone Ranger [2002] | 7.5 minutes Commissioned by the Experience Music Project, this interpretation of a piece of music by Bill Frisell creates a graphic and emotional landscape that is by turns comforting and unsettling. Michael Jackson “Leave Me Alone” [1989] | 4.5 minutes Following “Boy in the Bubble”, we made a video for Peter Gabriel and Kate Bush’s song “Don’t Give Up”. Then came the offer that could not be refused: to make a music video based on Michael Jackson’s idiosyncrasies. This treatise on the dangers of being a prisoner of our identities and the ridiculousness of dogs in business suits took a bunch of us 9 months to complete. Like “And She Was” it was entirely hand made from photo cut-outs of stills and printed movie frames stacked up and rephotographed under a 35mm movie camera, (with the glass held down by a brick) and used no digital compositing or effects whatsoever. Peace, Michael. And thanks.

Paul Simon, « Boy in the Bubble » [1986] | 4 minutes Après avoir tourné « And She Was », nous avons tourné le vidéo pour la chanson de Joni Mitchell « Good Friends », puis « I Can’t Wait » pour le du groupe Nu Shooz’. Par la suite, Paul Simon nous a demandé d’interpréter cette chanson de l’album « Graceland ».

Installations [2003 - ] | 8 minutes Beginning in about 2003 I began exploring ways of sliding images off the screen and using them to color and transform the real world. There they reappear as the cousins of shadows and hallucinations or the inhabitants of water tanks and windows. The following are excerpts from some of these installations.

Bunnyheads [2007] | 5 minutes Ce film parle d’une ruche habitée par des êtres archétypaux qui vivent dans un monde souterrain. Ce monde nous rappelle le Metropolis de Fritz Lang ainsi qu’un endroit mystérieux retrouvé sous les marches au sous-sol d’une maison. Avec la collaboration de la sculpteure Christine Bourdette.

• Dream of the Scarlet Crustaceans—(Opening) This piece, commissioned by the City of Las Vegas Arts Commission (yes, there is one) was installed on the ceiling over Las Vegas’s Fremont St. and is 44 ft. wide by 4 blocks long.

• The Equilibrium Chamber Conceived as a presence rather than a presentation, this installation consists of 20 eight hour scenes, unfolding like some manifestation of nature in an aquarium of ideas. Work in progress. Opening April 2010.

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Suspicious Circumstances [1984] | 10 minutes Dans ce film d’animation couleur faits de découpés de photocopies, le sommeil de Herbert et de Lenore est interrompu par des têtes de canards qui dansent et deux mains qui volent, le tout basé sur la malice et la destruction.

Bunnyheads [2007] | 5 minutes A film about a hive of archetypal beings who inhabit a netherworld reminiscent of both Fritz Lang’s Metropolis and a mysterious place under someone’s basement stairs. Collaboration with sculptor Christine Bourdette

• The Resurrectory A collaboration with the Liminal Performance Group. Images were combined with performers and a cadaver on a slab in the “Operating Theater” where a lecturer sang about life and decay, body snatching, and 19th century Scottish medical practices.

8 th INTERNATIONAL ANIMATION FILM FESTIVAL BADEN / SwITzERLAND SEPTEMBER 7 TO 12, 2010 www.FANTOCHE.CH

Talking Heads, « And She Was » [1985] | 3.5 minutes Entièrement par hasard, nous avons fait parvenir mon film « Suspicious Circumstances » aux membres du groupe Talking Heads et nous leur avons demandé si nous pouvions créer un vidéo pour eux. Ils ont répondu qu’ils étaient d’accord. C’est là notre première expérience de vidéo de musique; elle a été réalisée pendant la période expérimentale où la nouvelle chaîne MTV avait soif d’idées neuves.

Michael Jackson, « Leave Me Alone » [1989] | 4.5 minutes Précède « Boy in the Bubble », nous avons aussi réalisé un vidéo pour Peter Gabriel et pour la chanson « Don’t Give Up » de Kate Bush. Ensuite, s’est présentée à nous l’offre que nous ne pouvions refuser : créer un vidéo sur les idiosyncrasies de Michael Jackson. Ce traité sur les dangers de devenir prisonnier de nos identités ainsi que sur la création des personnages, par exemple des chiens en complet-cravate, a nécessité 9 mois de travail avant d’arriver à terme. Comme dans le cas de « And She Was », tout a été fait à la main à partir des découpés de photographies, de photos de plateau et d’images de pellicules imprimées empilées les unes sur les autres et photographiées à nouveau avec une caméra 35 mm (en immobilisant la lentille au moyen d’une brique). Nous n’avons utilisé aucun effet spécial, aucune composition numérique. Paix à toi, Michael, et merci!

• Running Dog with Cactus Attracted by the sound of squeaking succulents, night strollers encountered this transmogrifying installation in a store’s corner windows. Created In conjunction with the PDX Film Festival.

FANTOCHE

The Tasseled Loafers [2001] | 11 minutes L’Oregon Symphony a commandé des films originaux à Jim Blashfield, à Gus Van Sant, Joan Gratz et Chel White. Chacun des films était l’interprétation d’une pièce musicale, jouée en concert en direct par l’orchestre symphonique, où l’on projetait les quatre films comme fond d’écran. Ce film, Tasseled Loafers, inspiré du « Songe d’une nuit de sabbat » d’Hector Berlioz, a pour sujet un homme à tout faire qui doit composer avec un scellant à tuyau qui sèche trop lentement.

Installations [2003-] | 8 minutes Au début des années 80, j’ai commencé à explorer de nouvelles méthodes pour me permettre de glisser des images hors de l’écran, pour les colorer afin de les transformer dans la réalité courante. Ils réapparaissent désormais comme les cousins des ombres et des hallucinations où sont les habitants des conteneurs d’eau et des fenêtres. • Dream of the Scarlet Crustaceans (Ouverture) Cette pièce, commandée par le Conseil des Arts de la Ville de Las Vegas (Eh oui ! Celle-là même !) a été installée rue Fremont. Elle fait 44 pieds en largeur et 4 pâtés de maisons en longueur. • Running Dog with Cactus Attiré par le son et le crissement des plantes succulentes, les paniers à roulettes nocturnes font un chassé-croisé avec cette installation transmogrifique disposée contre les fenêtres dans les coins d’un magasin. Créé en conjonction avec le festival de film PDX. • The Resurrectory Oeuvre réalisée en collaboration avec le Liminal Performance Group. Des images ont été projetées tandis qu’un cadavre gisait sur une table de dissection dans le « Operating Theatre »

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17.8.2009 15:04:57 Uhr

• Ultradamp Part of an environmental center north of Seattle, this installation is a poetic interpretation of our place in a watery world. Work in progress. Opening March 2011. • Dream of the Scarlet Crustaceans The grand conclusion of the rumble on the ceiling—including explosions and a dance number. Tears For Fears “Sowing the Seeds of Love” [1990] | 5.5 minutes Following “Leave Me Alone” came this Beatle-esque homage on the nature of love and its various manifestations by the creators of “Shout” and “Everybody Wants to Rule the World”. Behind the Scenes 6 min A look at some of the processes and people involved in the making of our studio’s films, installations and music videos. Weird Al Yankovic “Pancreas” [2006] | 5 minutes This fairly recent educational essay might prove useful in preparing for your mid-term biology exam. Mystery Movie 1 minute

et qu’un lecteur chantait des chansons sur la vie et la décomposition, les enlèvements de cadavres et les pratiques médicales écossaises du 19e siècle. • The Equilibrium Chamber A été conçue pour être vue comme une présence plutôt que comme une présentation. Cette installation consiste en la présentation de scènes qui durent 28 heures. Présentée comme étant une manifestation de la nature dans un aquarium d’idées. Oeuvre en chantier. Ouverture : avril 2010. • Ultradamp Cette installation, qui fait partie d’un centre environnemental au nord de Seattle, est une interprétation poétique de notre place dans un monde entouré d’eau. Ouverture : mars 2011. • Dream of the Scarlet Crustaceans Clôture d’un événement, avec roulements de tambour, projeté sur la voûte – Comprend des explosions et un numéro de danse.

Suzan Pitt: Dollhouses, Magic and Sexy Asparagus Suzan Pitt : maisons de poupées, magie et asperges sexy by | par Chris Robinson

Tears For Fears « Sowing the Seeds of Love » [1990] | 55 minutes Cet hommage aux Beatles portant sur la nature de l’amour et ses manifestations variées est livré par les créateurs de « Shout » et de « Everybody Wants to Rule the World ». Il suivra le vidéo « Leave me Alone ». Behind the Scenes | 6 minutes Regard sur les processus et les personnes à l’oeuvre pendant le montage de nos vidéos et de nos films en studio. Weird Al Yankovic, « Pancreas » [2006] | 5 minutes Cet exposé très informatif peut servir à compléter la préparation d’un examen semestriel en biologie. Film mystère 1 minute

Suzan Pitt didn’t know it at the time, but her love of art and animation began in her childhood in her parent’s house in Kansas, Missouri: “There was a dollhouse in the dark attic where I would go to play,” says Pitt, “It was the thrill of setting the known world askew that was the most fun. I projected my self into plastic figures, chairs, lamps and various objects. It was an escape to a richer world of play and imagination.” A typical 50s teen, Pitt hung out with “flat top boyfriends,” drank and smoked as she scoured around in search of drama and purpose. When she wasn’t hanging out, she found solace in her room by drawing self-portraits and studying herself in the mirror. “I think I could affirm my person by doing this; some were nude and some were pensive portraits staring into the mirror, transferred to paper. I never showed these to anyone, even though my mother was always ruffling through my stuff to find artwork she could show her friends.” Pitt studied painting and printmaking at Cranbrook Academy of Art and graduated with a BFA in 1965. However, Pitt wasn’t pleased with the school or her studies. It took Pitt a year of introspection (and pot smoking) to find her confidence and voice again. “The lingo of art-speak can drain a person’s ability to access the inner imagination. This conflict of making and speaking has followed me through the years- on the one hand the ability to verbalize and communicate about art is valuable, particularly in a teaching context, but on the other hand the artist’s true desires, true self, has to rise privately.” Lost in thought, Pitt thought of her Kansas dollhouse and the vivid worlds and characters she had created in it as a

Suzan Pitt l’ignorait alors, mais sa passion pour l’art et le dessin animé est née alors qu’elle était enfant dans la maison de ses parents au Kansas dans le Missouri : «Il y avait une maison de poupée dans le grenier sombre où j’allais jouer.», déclare Pitt. «Le plus amusant, c’était l'excitation de mettre le monde connu à bric et à brac. Je me projetais dans des personnages en plastique, des chaises, des lampes et d’autres objets. Je m'échappais dans un monde plus riche de jeu et d'imagination. » Adolescente typique des années 1950, Pitt glandait avec ses « copains aux cheveux coupés en brosse », buvait et fumait en errant dans la vie à la recherche d'une situation dramatique ou d’un but. Lorsqu’elle ne glandait pas, elle trouvait du réconfort en se confinant dans sa chambre à y dessiner des autoportraits et à s’étudier dans le miroir. « Je croyais pouvoir ainsi m’affirmer; certains de mes portraits étaient des nus et d’autres étaient des portraits de moi en pose pensive. Je n’ai jamais montré ces portraits à qui que ce soit, même à ma mère qui furetait sans cesse dans mes affaires afin de trouver des dessins qu’elle aurait pu montrer à ses amies. » Suzan Pitt a étudié la peinture et l'estampe à la Cranbrook Academy of Art. Elle y a obtenu un bac en Beaux-Arts en 1965. Toutefois, Pitt n’était satisfaite ni du programme, ni de ses études. Elle a pris une année à se sonder (et à consommer de la mari) pour reprendre confiance en elle et retrouver sa voix. « Le jargon de l’art peut vider une personne de sa capacité à accéder à son imagination. Ce conflit entre le ‘faire’ et le ‘verbaliser’ m’a poursuivi toutes ces années. D’un côté, la capacité à communiquer et à verbaliser ses idées

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child. How could she capture that world in her art? One day it occurred to her that her painted images looked like they were in arrested movement. “They had been somewhere and were about to go somewhere. I thought of doing animation, but didn’t know anything about it. I had to make a pest of myself at various parties, suddenly switching the conversation to ask a filmmaker, ‘Could you tell me how to put sound on my film?’” While living in Minneapolis with her then husband Al Kraning, Pitt got a hold of an 8mm Bolex camera. “With the Bolex mounted on a tripod taped to the floor, I animated cut-outs, paper paintings of living stuff (twigs and sprouts and unknown vegetables) moving through real grass I had made a bed for on the floor; that was it -- an event.” When Pitt told her artist pals in Minneapolis that she was experimenting with animation, they frowned upon it. Animation wasn’t fine art in their oh-so-sophisticated minds. Pitt didn’t care. She was convinced that she’d finally found the ideal vehicle to use as an artist, an art form that could capture the complexity of identity and imagination. During the early 1970s, while teaching in Minneapolis, Pitt made a number of short animations. The first significant film is Crocus (1971), a cut-out film that anticipates many of the themes of Pitt’s later works. A nude woman examines herself in the mirror (as Pitt used to do in her bedroom years before). Aroused as she brushes her nipples, she closes the blinds and returns to the mirror. A naked man enters the room with a mighty erection. The couple begins to ‘get it on’ until they’re interrupted by a child’s voice. After the mother gets up to comfort the child, she returns to the bed. As the couple make love, a parade of images -- fruits, vegetables, a Christmas tree, moths, bird -- float through the room. Pitt articulates the difficulties of her life, specifically her failing marriage, and life as a lover, wife, mother and artist. Pitt’s use of cut-out animation creates a wooden, artificial atmosphere where marital sex has become awkward and jerky. The surreal imagery parade seems to represent the woman’s repressed fervent imagination and desires. How can she juggle the complexities of being a lover, mother and artist? Another early highlight is Jefferson Circus Songs (1973), a bizarre pixilation/cut-out film made with kids and set in a circus. The painted backdrops and settings add a theatrical dimension to the film (a medium that Pitt would explore later in her career), while the pixilated imagery, piano accompaniment and unusual environment recall silent films and anticipate the work of Canadian filmmaker, Guy Maddin. Jefferson Circus Songs took Pitt a year to complete. “It was my first time working with actors and there was little time to work with ideas. There was a great deal of pressure working in a situation like that. You have to dig down no matter what, even if everything isn’t perfect.” After Pitt’s marriage collapsed, she and her son, Blue, moved to Amsterdam for a year in 1973. “Blue rode on the back of my bicycle to his new-age school and we both lived a kind of bohemian life there, Blue dressing in fantasy clothes and me making art and trying to earn a living by teaching animation at the art school in Den Haag. There was a lot of drugs and Amsterdam was a lively place with folks camped out in the Vondel Park getting stoned, and the regular Dutch people just walking past on their way to work.” During that time Pitt started on a storyboard for what would eventually be her next film, Asparagus (1979). “I had a small show at the Stedelijk Museum of artwork for my films and had an offer from an art printing place to produce a printinstead I asked to do a book of ink drawings for Asparagus. It turned into a kind of graphic novel- during the course of

sur l’art est très valable, en particulier si on enseigne, mais, d’un autre côté, les véritables désirs de l'artiste, son vrai soi, doivent se développer en privé. » En repensant à sa maison de poupée du Kansas, en se rappelant des personnages et les mondes qu’elle avait crées, Pitt s’est mise à chercher le moyen de les saisir dans son art. Un jour, il lui est apparu que ses images peintes semblaient figées dans leur mouvement. « Mes personnages venaient de quelque part ou semblaient aller quelque part. J’ai cru bon faire du dessin animé, mais je n'en connaissais rien. Il fallait que je me rende dans des soirées en changeant soudain de sujet de conversation pour demander à un cinéaste « Pouvezvous me dire comment mettre du son sur mon film? » Alors qu’elle demeurait à Minneapolis avec son mari, Al Kraning, Pitt a mis la main sur une caméra 8 mm Bolex. «Avec une Bolex montée sur trépied et fixée au plancher par du ruban adhésif, j’ai animé des découpés, des peintures sur papier de trucs vivants (brindilles, germes et légumes inconnus) qui se déplaçaient à travers du gazon que j'avais aménagé sur le plancher; c'était ça -- j’avais créé un événement. » Quand Pitt a déclaré à ses amis artistes de Minneapolis qu’elle expérimentait avec du dessin animé, ils l'ont prise de haut, car le dessin animé n'était pas un des Beaux-Arts dans leur esprit oh, si tant tellement sophistiqué. Pitt ne s’en est pas fait pour autant. En tant qu’artiste, elle était convaincue qu’elle avait finalement trouvé le véhicule idéal, une forme d’art qui pouvait capturer la complexité de l’identité et de l’imagination. Au début des années 70, alors qu’elle enseignait à Minneapolis, Pitt a fait une série de courts métrages d'animation. Le premier film important a été Crocus (1971). C’est un film de découpés précurseur de plusieurs des thématiques qu'elle abordera plus tard. Dans Crocus, une femme nue s'examine dans le miroir (tel que le faisait Pitt seule dans sa chambre des années auparavant). Elle se stimule en s'effleurant les mamelons. Elle ferme les stores et retourne face au miroir. Un homme nu avec une érection géante entre. Le couple fait ‘l’acte’ jusqu’à ce que les ébats amoureux soient interrompus par une voix d’enfant. Après que la mère se soit levée pour aller réconforter l’enfant, elle revient au lit. Alors que le couple est à nouveau en train de faire l’amour, un défilé d’images – des fruits, des légumes, un sapin de Noël, des papillons de nuit, un oiseau – flottent dans la chambre. Pitt articule les difficultés de sa vie, particulièrement son mariage en train d'échouer, et sa vie en tant qu’amoureuse, épouse, mère et artiste. L’utilisation de découpés crée une ambiance froide et artificielle dans laquelle la sexualité conjugale devient difficile et sèche. Le défilé d'images surréelles semble représenter l’imagination fervente et les désirs réprimés de la femme : comment peut-elle jongler avec les complexités d’être à la fois amante, mère et artiste? Un autre fait saillant du début de sa carrière est Jefferson Circus Songs (1973). Ce film bizarre fait partiellement en technique de pixillation et en découpés met en scène des enfants dans un cirque. Le décor et les autres paramètres scéniques ajoutent une dimension théâtrale au film (un médium que Pitt explorera plus tard pendant sa carrière), tandis que l’imagerie en pixillation se déroule, l’accompagnement au piano et le milieu inhabituel rappelle l’époque des films muets, le film devient le précurseur d’un nouveau genre et laisse entrevoir l'oeuvre du cinéaste canadien Guy Maddin. Il a fallu une année entière à Pitt pour achever Jefferson Circus Songs. « C’était la première fois que je travaillais avec des acteurs, et il y avait peu de temps pour travailler les

Suzan Pitt: Dollhouses, Magic and Sexy Asparagus Thursday, October 15, 3:00pm (National Gallery) Friday, October 16, 7:00pm (National Gallery) Jeudi, le 15 octobre, 15 h 00 (Musée des beaux-arts) Vendredi, le 16 octobre 19 h 00 (Musée des beaux-arts) Suzan Pitt: Persistence of Vision [2006] Blue Kraning and Laura Kraning | 28:00 | USA | Digital Source Joy Street [1995] Suzan Pitt | 24:00 | USA | 35mm Asparagus [1979] Suzan Pitt | 20:00 | USA | 35mm El doctor [2006] Suzan Pitt | 23:00 | USA | 35mm

making that I worked out the design and construction for the film.” After completing the book, Pitt sent it to the American Film Institute and received her first grant. She also returned to the U.S. to accept a teaching job at Harvard. Asparagus (1979) marks Pitt’s arrival on the animation and film circuit. This bold, luscious and overwhelming work is a giant step from her earlier films. Taking some of the visual aspects of Crocus, Asparagus is a journey through the creative process of a female artist. Like Crocus, the film begins with a woman in front of a mirror. Only this time she’s about sit on the toilet and crap out some asparagus! As her lavish garden asparagus grows alongside a lavish display of fruits and vegetables, a hand reaches down and sensually strokes an asparagus. Back inside the house there is a dollhouse with no borders from the real world. Images dominate this woman’s existence, mingling, altering the universe she inhabits. There is no distinction between the real and imagined. Everything is there for the taking. The woman eventually dons a mask, packs her bag full of images, and goes out to give a performance to an audience. After the performance, the woman returns home and removes her mask. Now faceless, she performs fellatio on an asparagus. It’s less a sexual act than it is an exchange of ideas and imagery. The woman’s mouth gives and receives. It’s as though she is being re-charged, having given up herself during her performance. The pacing of the film is deliberately slow, giving the viewer a dream-like sensation. And, like a dream, you can enter the film at any point and the meaning will remain unchanged. “The film is a circle more than a straight-ahead experience,” adds Pitt, “the taking in and spewing out, the searching and the discovering, the desire and the contact, the ever-evolving acts of nature.” Like a work of free jazz, Pitt’s imagery is open to multiple interpretations. The downside of the film’s freewheeling nature is that over the years Asparagus has often been deemed a soft-porn film because of the sexual images in the film. And sure, the asparagus images are erotic, but to say that the film is solely about sex is to miss the boat by hours. “I thought of the asparagus as a beautiful symbol of sexuality,” says Pitt. “It comes out of the ground as a phallic stalk, pointy and purple green, the essence of a beautiful masculine form. But then as summer passes it stretches tall and becomes a delicate fern, seen on roadsides tilting in the wind, the essence of the feminine-like long strands of tangled hair in the breeze.” Pitt’s aim, though, was to make “a visual poem about the creative process” and take the viewer through the mind of an artist/magician as she searches for the forces that stimulate her creative existence.

idées. Il y avait beaucoup de pression dans cette situation. Il faut toujours creuser même si tout n'est pas parfait. » Après que l'échec de son mariage, son fils Blue et elle déménagent à Amsterdam pendant un an en 1973. « Je le reconduisais à son école nouvel-âge à vélo. Nous vivions là un genre de vie de bohème. De son côté, Blue s'habillait de vêtements fantastiques. Moi, je créais et j'essayais de gagner ma vie en enseignant le dessin animé à l’école d’art à Den Haag. Il y avait beaucoup de drogue à Amsterdam, c’était un endroit plein de vie où les gens, au Parc Vondel, campaient et se droguaient, et les Néerlandais ordinaires passaient tout simplement leur chemin pour se rendre au travail. » Dans l'intervalle, Pitt commence un scénarimage de ce qui allait devenir son prochain film, Asparagus (1979). « J’avais une petite exposition des dessins de mes films au musée de Stedelijk, et une imprimerie d’art m'a offert d'en produire un imprimé – au lieu de cela, j'ai demandé à pouvoir produire un livre de dessins à l'encre pour Asparagus. C’est devenu une sorte de roman illustré – tout en faisant cela, j'ai élaboré le concept et la structure du film. » Pitt a fait parvenir le livre terminé à l’American Film Institute et a reçu sa première bourse. Elle est revenue aux États-Unis pour accepter un poste d’enseignante à Harvard. Asparagus marque l’arrivée de Pitt dans le paysage du film d’animation et sur le circuit cinématographique. Ce travail d’avant-garde osé et délicieux est un pas de géant par rapport à ses films précédents. Si l’on prend certains aspects visuels de Crocus, Asparagus raconte le parcours du processus de création d’une artiste. Comme dans Crocus, une femme est assise devant un miroir. Seulement, cette fois, on la voit s’asseoir sur la toilette et déféquer des asperges! Au fur et à mesure que dans son jardin fertile poussent des asperges à côté d'une grande variété de fruits et légumes, une main descend caresser sensuellement l’une des asperges plantées en terre. De retour à l’intérieur, sur une table se trouve une maison de poupées sans frontières avec le monde réel. Les images prédominent dans l’existence de cette femme, elles modifient et altèrent l'univers qu’elle habite. Il n’y a pas de distinction entre le monde réel et le monde imaginé. On n'a qu'à se servir. Ultimement, la femme revêt un masque, remplit sa valise d’images et sort donner un spectacle. À la fin du spectacle, elle revient chez elle et enlève son masque. Désormais sans visage, elle fait une fellation à une asperge. Cette fellation n’est pas un acte sexuel en tant que tel, mais plutôt un échange d’idées et d’images. La bouche de la femme donne et reçoit. Comme si elle refaisait le plein après s’être donnée en spectacle. Le rythme du film est délibérément lent, ce qui crée une sensation de rêverie. Et comme dans un rêve, peu importe si l’on commence à regarder le film au début, au milieu ou à la fin, son sens demeure inchangé. « Le film est un cercle et une expérience en soi… », ajoute Pitt, «…ce qu'on absorbe, ce qu’on recrache, la recherche de la découverte, le désir et le contact, les gestes en constante évolution de la nature. » Comme une improvisation de free jazz, l’imagerie de Pitt est ouverte à de multiples interprétations. Par ailleurs, au fil des années, Asparagus a souvent été considéré comme un film érotique à cause des images sensuelles qui s’y trouvent. Si dans Asparagus, certaines images sont érotiques, en revanche il est tout à fait faux d’insinuer que ce film est uniquement un film de sexe. « J’ai cru que l’asperge était un beau symbole de la sexualité », déclare Pitt. « Cela dépasse du sol comme un phallus qui pointe, violet et vert. Il représente l’essence d’une belle forme masculine. À mesure que l’été passe, l’asperge grandit et devient un fruit délicat. Vu de loin, sur le bord de la route, on

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“I wanted the film to mirror the way we daydream- as Jung said, ‘Images are pregnant’: each image leading to the next, the mind unfolding, constantly giving birth. I wanted the audience to see the film unfold as if in a daydream.” The film put Pitt firmly on the map of animation and experimental filmmaking. Asparagus was extremely well received, for a short animation film. The film premiered at the Whitney Museum in its own miniature theater. Then the film was shown before David Lynch’s Eraserhead, ran for two years in New York, and then a year in Los Angeles. Re-locating to New York, Pitt found herself weary of the intense labor of animating Asparagus and turned her attention to paintings and constructions. “This was the hey-day of the art scene in New York and most of the work I did was sold to collectors during 1979-1986 or so. I had an exhibit at the Holly Solomon Gallery in lower Manhattan of all the artwork, transfigured, from the film; I made objects and plastic cut-outs and secret boxes and a waterfall of hundreds of tiny cut-outs of the cels. It was as though the film ran through its moving stage and then came to rest in bits and pieces in the gallery, laying down its meanings in concrete space.” With Blue headed to college, Pitt needed a steady job and returned to Harvard in 1986. She also started a new project. “I designed the sets and costumes, and created one hour of animation for a production of "The Damnation of Faust", by Hector Berlioz, at the Stats Opera in Hamburg. I believe this to be the first time animation was projected for opera- we produced all the images using low-down experimental film techniques, scratching on films, animated objects under the camera, animating comic books and cut-outs in layers under glass.” Incredibly, Pitt managed to juggle the opera and teaching. She would fly frequently across the Atlantic while continuing to teach her classes. Eventually, something would have to give, and it (or rather, she) did. Pitt, who has suffered from depression throughout her adult life, suffered a breakdown. “I think of it as some monster inside who devours my self and pulls me down under. I constantly have had to find ways to survive and climb back out, sometimes letting it sink me for long periods and sometimes fighting by brute force through determined work.” After months of therapy, Pitt channeled her black dog demons (Winston Churchill used to deem depression his “black dog”) into a storyboard for the film Joy Street (1995). The storyline is relatively straightforward: A suicidal woman is alone in her apartment. Just as she is about to kill herself, a cartoon mouse comes to life and saves her. After she wakes up, the mouse shows her the joy and importance of the natural world. The film ends with the woman opening up her windows as the sounds of the city come to life around her. The inspiration for the mouse came from Pitt’s son, Blue. “He had given me a tiny ceramic ashtray, probably from the 1940s, with a little generic mouse sitting on it. I thought about how there must be something very pure in the essence of life – uncorrupted, existing in pure color, like the colors of the mouse and the innocence of the childlike nature of the cartoon.” Joy Street captures the extremes of bi-polar disorder. The cartoon mouse, like Voltaire’s "Candide", is eternally optimistic and hopeful. The woman is depressed, lost in a sea of futility and neurosis. There is also an ecological aspect to the film. As the mouse shows the woman the beauty of the natural world, it becomes clear that this is something she has lost touch with living in the city.

peut l’apercevoir qui se laisse bercer par les caresses du vent, devenu essence féminine avec ses longues nattes de cheveux mêlés. » Toutefois, les objectifs de Pitt étaient de créer « un poème visuel ayant pour propos le processus de création » et de transporter l’auditeur dans l'esprit d'une artiste-magicienne en quête des forces qui stimulent son existence créatrice. « Je voulais que le film reflète la façon dont nous rêvassons – comme le dit Jung 'Les images sont enceintes' : chaque image mène à une autre, l’esprit s’ouvre et donne naissance à d’autres images d’une manière continue . Je voulais que l’auditoire voit un film qui se déroule tel que dans un rêve éveillé. » Asparagus met Pitt solidement sur la carte du cinéma d'animation et expérimental. Il a été chaudement accueilli, compte tenu qu'il s'agit d'un court métrage d'animation. Le film a eu sa première au musée Whitney dans son propre théâtre miniature. Ensuite, le film a été projeté juste avant le film de David Lynch Eraserhead, et a joué pendant deux ans à New York, puis un an à Los Angeles. Déménagée à New York, épuisée par le labeur intense qu'a été l'animation d'Asparagus, Pitt se tourne vers la peinture et les montages. « C'étaient les années folles des arts graphiques à New York, et la plupart des oeuvres que j’y ai créées ont été vendues à des collectionneurs pendant les années 1979 à 1986 environ. J’ai exposé toutes les maquettes du film à la galerie Holly Solomon dans le Lower Manhattan; j’ai fabriqué des objets en plastique, des découpés et des boîtes secrètes ainsi que des chutes de centaines de petites figurines à partir des celluloïd es. C’était comme si le film passait de la mouvance à l’immobilité, jonchant en petits morceaux dans la galerie, étalant ses significations dans un espace concret. » Blue parti à l'université, Pitt doit se trouver un emploi régulier. Elle retourne à Harvard en 1986. Elle commence aussi un nouveau projet. « J’ai conçu les décors et les costumes, et créé une heure d’animation pour une production de « The Damnation of Faust » par Hector Berlioz à l’opéra d’État de Hambourg. Je crois que c’était la première fois qu’on se servait d’un film d’animation pour constituer un décor d’opéra – nous avons produit toutes sortes d’images en utilisant des techniques d’animation expérimentales en abîmant la pellicule, en l’égratignant, en filmant des objets apparaissant au bas de l’objectif, en animant des livres de bandes dessinées et des découpés en lanières sous le verre. » Incroyablement, Pitt réussit à mener de front opéra et enseignement. Elle traversait fréquemment l’Atlantique pendant qu’elle enseignait. Ultimement, quelque chose devait céder : sa santé! Pitt fait une dépression; elle en aura souffert pendant toute sa vie d'adulte. « J’avais l’impression qu'un monstre à l’intérieur de moi me dévorait et me submergeait. J’ai dû constamment trouver des moyens de survivre et de m’en sortir. Parfois, j’ai dû laisser le monstre me submerger pendant de longues périodes, et d’autres fois j’ai dû le combattre avec une force brutale grâce à un travail acharné. » Après plusieurs mois de thérapie, Pitt sublimera les démons du « chien noir » (Winston Churchill appelait sa dépression son « chien noir ») en créant son film Joy Street (1995). La trame de l’histoire est très directe. Le personnage principal est une femme suicidaire. Elle est seule dans son appartement. Juste au moment où elle est sur le point de mettre fin à sa vie, une petite souris de bande dessinée s’anime et secoure la femme suicidaire. Lorsque la femme se réveille, la souris lui montre à quel point le monde naturel peut être joyeux et important. Le film se termine sur une

“I went to Mexico, Belize, and Guatemala on several different trips looking for rainforest. I painted watercolors and gouache paintings sitting under a tarp. All this for the adventure of entering nature at its most vibrant and intense in order to convey the magnificence of the rainforest. The time spent there became an awakening of my soul, and I became a parallel of the woman in the film; I myself was coming back to life through immersion in the natural world. A restless soul, in 1998 Pitt was on the move again, this time to Los Angeles to teach at Cal Arts in the experimental animation program. “I’ve always moved around a lot; I get tired of being in one place and I like to experience different people and places, often taking my movies-in-progress with me. I need to be charged and awakened or else I fall.” After working on a series of paintings that she never showed, Pitt began work on her next film, El Doctor (2006) In a small Mexican town, a bitter, ailing, alcoholic doctor stumbles onto the street towards his car. In a flash he is whisked away by two approaching medical attendants to the nearby hospital to heal a patient with holes throughout his body. The doctor sees no hope and lets the man die. As he walks back towards his car, a talking gargoyle admonishes the old doctor and tells him he'd be better off committing suicide. In his car, the doctor's heart begins to give way. As he approaches death, the Saint of emptiness appears to show the old man a new way of seeing life.

scène où la femme ouvre les fenêtres, et les sons de la ville s’animent autour d’elle. L'idée de la souris est venue du fils de Pitt. « Il m’avait offert un petit cendrier en céramique, datant sans doute des années 40, avec une petite souris assise dessus. J’ai pensé qu’il devait y avoir quelque chose de pur dans l’essence de la vie – non corrompue, en couleurs pures, comme les couleurs de la souris et l'innocence enfantine du dessin animé. » Joy Street capture les états extrêmes de la bipolarité. La souris animée, à l’exemple du « Candide » de Voltaire, est éternellement optimiste et remplie d’espoir. La femme est déprimée, perdue dans une mer de futilités et dans la névrose. Le film a aussi un aspect écologique. À mesure que la souris fait voir à la femme la beauté de la nature, il devient dès lors évident que la femme a perdu le contact avec ce qui est vivant à habiter en ville. « Je suis allée à Mexico, à Belize et au Guatemala plusieurs fois pour voir la forêt tropicale. J’ai peint au pastel et à la gouache sous une bâche pour vivre l’aventure d'entrer dans ce que la nature a de plus vibrant et de plus intense pour transmettre la magnificence de la forêt tropicale. Le temps passé à cet endroit a été un temps d’éveil pour mon âme. Je suis devenue en parallèle la femme du film; moi-même, je revenais à la vie par une immersion dans la nature. »

Tinged with elements of magic realism and Mexican culture, and told using vivid oil colours, American animator Suzan Pitt's latest film, El Doctor is a dazzling, haunting and poignant evocation of a man's final moments. Between Joy Street and El Doctor, Pitt primarily worked on paintings, some of which served as inspiration for her new film. "I did a series of paintings which pictured miraculous events taking place in Mexico. The characters I created for the paintings and the events which were pictured became the groundwork for the film." In particular, Pitt was fascinated with Mexico's affinity for the divine. "I have traveled there a lot and I know how deeply the possibility of the miraculous is embedded in the culture, the religious and spiritual; usually a figure or image appears to someone bringing proof that the spirit world is pushing outward into the real world to bring news of a deliverance, or a message, or a religious or divine presence." Pitt then asked her son, Blue to write a story based on her paintings. For about six months, mother and son worked on the story, and argued. "He devised a story using some of the characters which already existed and the ideas we spoke about concerning miracles and how they might be perceived and what they might mean. The frame and dialogue for animation, I felt, needed to be apparent but simple and not

Âme errante, en 1998 Pitt déménage à nouveau, cette fois à Los Angeles pour enseigner à Cal Arts, au programme de dessin animé expérimental. « J’ai toujours déménagé souvent; ça me fatigue de rester toujours au même endroit. De plus, j’aime faire l’expérience de nouvelles rencontres et de nouveaux endroits. J’apporte souvent avec moi mes oeuvres en chantier. J’ai besoin d’être rechargée et réveillée, sinon je tombe. » Après avoir travaillé à une série de peintures qu’elle n’a jamais exposées, Pitt commence à travailler à son prochain film : El Doctor (2006). Dans un petit village mexicain, un médecin amer, malade et alcoolique tombe dans la rue en se dirigeant vers sa voiture. En un instant, deux travailleurs de la santé l’emmènent à l’hôpital le plus proche pour guérir un patient qui a des trous partout dans son corps. Le médecin trouve la situation sans espoir et laisse l’homme mourir. Comme le médecin s’en retourne vers sa voiture, une gargouille lui fait des remontrances et lui dit qu’il vaudrait mieux qu'il se suicide. Il entre dans son auto, et son cœur commence à défaillir. À mesure qu'il se rapproche de la mort, la sainte de la vacuité lui apparaît pour lui montrer une autre façon de voir la vie. Le dernier film de l'animatrice américaine Suzan Pitt, teinté d’éléments de réalisme, de magie et de culture mexicaine, raconté en vives peintures à l’huile, El Doctor, est une

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needlessly instructive in the way stories sometimes are. The images and characterizations and movement alone can carry the meaning quite well in animation. But the framework of the story which Blue wrote is the basis for the film." Producing the film was a slightly more complex. Because El Doctor was shot entirely on film, and used full animation along with a number of characters, Pitt was forced to use a small crew. "I'm actually quite proud of the fact that everything was produced in the USA with local talent - except for animator Gerard Goulet (who worked on The Triplets of Belleville) who came from Montreal for 6 weeks to work on the film in LA." In voicing the characters, Pitt worked with real actors for the first time. Initially she used professional Latin actors from the Los Angeles area, but quickly ran into a strange dilemma. “The actors were trying to lose their Spanish accents in order to work in L.A., so when I asked them to speak in a Mexican accent they seemed to revert to a stereotype; so, a lot of the characters came out sounding like a taco commercial. And just the sound and enunciation of a ‘professional’ seemed wrong and affected for the story." To capture a more genuine dialect, Pitt decided to re-do the voices with recordings made in Mexico. "My friend and animator Dominique Jonard found all the people and brought

them to his house in Morelia. We did some rehearsing but not a lot. Some of the expressions and mistakes in English were left in the finished dialogue and added authenticity. We recorded in his living room with blankets on the walls and a portable DAT player." While Pitt considers El Doctor to be her first narrative film, it would be a stretch to call the film a linear narrative. Reminiscent of contemporary Estonian animation, El Doctor is full of absurd situations and almost grotesque caricatures. In that sense, El Doctor is closer to the "magic" realism of a writer like Gabriel Garcia Marquez than it is to your typical classical narrative film. Pitt is also the first to admit she was challenged by the restrictions of narrative. "When you tell a story, no matter how absurd or surrealistic it is, you have to include all the necessary elements of the story so the audience can follow it. If the character has to be shown entering a door because of the script, then the challenge is to make that little animation interesting in itself and not just another 200 drawings of the character walking in the door. I had to work very hard to not feel restricted by the requirements of the story." Another aspect of the film that breaks from a classical narrative tradition is the employment of different animation techniques to evoke a particular mood or moment in the film. "It seems that certain animation techniques because of the way they are handled and the particular characteristics of the materials involved are representative of ways of seeing or expressing. Chalk or sand by its very nature is loose, smeary, suggestive, and soft. I used sand in the scene where the doctor looks in the windshield to suggest something he was imagining, something soft and frightening appearing out of the dirt and grime of the windshield."

évocation éblouissante et poignante des derniers moments de la vie humaine. Entre Joy Street et El Doctor, Pitt a tout d’abord travaillé à des peintures dont certaines lui ont servi d’inspiration pour son nouveau film. « J’ai fait une série de peintures qui dépeignent des événements miraculeux se déroulant au Mexique. Les personnages que j’ai créés en peinture ainsi que les événements que j'ai mis en scène ont constitué la toile de fond de mon film. » En particulier, Pitt était fascinée par l'affinité de la culture mexicaine pour le divin. « J’ai voyagé beaucoup et je vois à quel point la possibilité du miraculeux est imbriquée dans la culture, le religieux et le spirituel; habituellement, une image apparaît, qui apporte la preuve que le monde spirituel rayonne sur le monde réel pour apporter la nouvelle d'une délivrance, ou un message, ou une présence religieuse ou divine. » Pitt a ensuite demandé à son fils Blue de lui écrire une histoire basée sur ses peintures. Pendant environ 6 mois, le fils et la mère ont travaillé à l’histoire et se sont disputés. « Il a conçu une histoire qui utilisait des personnages qui existaient déjà, les idées sur les miracles dont nous avions discutées -- comment ils pouvaient être perçus et ce qu’ils pouvaient signifier. Je sentais que le contexte et les animations devaient être évidents mais simples, et ne pas être inutilement truffés d’explications comme peuvent l'être certaines histoires. Dans le film d'animation, les images, les personnages et les mouvements peuvent très bien porter le sens à eux seuls. Mais la trame de l’histoire que Blue a élaborée a posé les bases du film. » La production du film a été un peu plus complexe. Parce qu'El Doctor a été entièrement filmé sur pellicule et utilisait une animation complète avec un certain nombre de personnages, Pitt a été obligée d’engager une petite équipe. « e suis assez fière du fait que tout ce qui a été produit l’a été aux ÉtatsUnis avec de la main-d'oeuvre d’ici à l’exception du cinéaste d'animation Gérard Goulet (Les triplettes de Belleville), qui est venu de Montréal pendant 6 semaines pour travailler sur le film à Los Angeles. » L’enregistrement des voix marquait la première fois où Pitt travaillait avec de vrais acteurs. Au départ, elle a utilisé des acteurs d’origine latine professionnels de Los Angeles, mais, rapidement, elle a été confrontée à un étrange dilemme : « Les acteurs essayaient de perdre leur accent latin pour travailler à Los Angeles. Or, lorsque je leur demandais de parler avec un accent latin, ils parlaient avec un accent stéréotypé; donc, beaucoup de personnages ont fini par sonner comme sortant tout droit d’une pub de tacos. Même le son et la prononciation du terme ‘professionnel’ semblaient faux et affectés dans le contexte de l’histoire. » Pour capturer un dialecte plus fidèle et plus vrai, Pitt a décidé de reprendre les voix avec des enregistrements faits à Mexico. « Mon ami l'animateur Dominique Jonard a trouvé toutes les personnes nécessaires et les a emmenées chez lui à Morelia. Nous avons répété un peu, mais pas tellement. Certaines des expressions et erreurs faites en anglais ont été laissées dans le dialogue définitif et ont ajouté de l’authenticité. Nous avons enregistré le tout dans son salon en couvrant les murs de couvertures, avec une enregistreuse DAT. » Bien que Pitt considère qu'El Doctor est son premier film à trame narrative, de là à conclure qu'El Doctor est purement narratif, il y a loin. Rappelant les films d’animation estoniens, El Doctor est plein de situations absurdes et de caricatures presque grotesques. En ce sens, El Doctor est plus près du réalisme « magique » d’un écrivain comme Gabriel Garcia Marquez que d’un film d’animation classique à trame narrative linéaire. Pitt est aussi la première à admettre

For the scene with Santa Esmeralda, the saint of Emptiness, Pitt used the services of filmmaker Naomi Uman who scratched and painted directly on 35mm film. "I asked to make her own abstract interpretation of the saint," recalls Pitt, "I told her I would accept anything she did ... so in this way she was the actress who played the part of the saint ... in that slow-motion way only animator actors understand." To give the scenes with the doctor and Caballita (the woman who thinks she's a horse) a nostalgic, old-fashioned quality, Pitt animated on paper and then stained and crushed the paper. She then drew into the wrinkled images with chalk pencils. While the meaning of El Doctor is rife with possible interpretations, the message that comes through the cranky, cynical old doctor is that we tend to create our own strife. He sees an ugly, empty world so it remains just that. In a way, El Doctor is a slightly cruel film. The doctor is only shown another vision of the world as he's dying. "I thought perhaps at the moment of death the doctor might realize that all the times he felt lousy about the world and ceased to care, he was creating the mess himself. With a different viewpoint, the world was filled with possibility and beauty," notes Pitt. "Hopelessness itself creates futility, so he imagines returning to the hospital and seeing things anew. I don't think it matters whether he was able to live this way for years or only a few seconds in his mind, it still happened." Does this moment of the divine matter in the end? Earlier in the film, the doctor says bitterly that life is nothing but a temptation, suggesting that one will never have their desires fulfilled. Is then death the satisfaction of those desires? "Well, that's an existential viewpoint, isn't it?" responds Pitt, "It doesn't matter whether the doctor was a good man or a bad man; what matters is within himself at death...he sees the totality, the universe. It's as if the Everything was giving him a smile and a nod and letting him dream away dressed in his beautiful Mariachi suit with the light blue tie and riding his favourite imagined horse, and carrying his lovely girl from long ago who still wears her Mexican dress and braids her hair in the traditional style and holds him tightly as their footsteps slip away." In the end, the doctor's life amounts to little more than a moment, but what a moment it is. "Is that all there is?" chimed Peggy Lee once upon a time. That is all, and that ain't bad (don't matter if it is). "Death," adds Pitt, is not so frightening when one believes that which we do not know clearly is larger than our small lives and therefore this large "other" will embrace our deaths with meaning." With El Doctor in the can, Pitt isn’t entirely sure when she will make another film. It seems as though she has grown somewhat frustrated with the limited rewards that come from, especially in Pitt’s case, the tedious and lengthy process of making independent animation. “The understanding and appreciation of experimental animation is so small and remote compared to famous writers, composers, painters, and others in artistic fields. Perhaps it is the lack of physical substance (as in paintings and sculptures) which makes the ephemeral time-based works of animation artists seem less ‘valuable’. Perhaps one cannot wish for more when making simple magic.”

qu’elle a dû relever les défis que posent les restrictions de la narration. « Lorsqu’on raconte une histoire, peu importe à quel point elle est absurde ou surréaliste, il faut inclure tous les éléments nécessaires pour que les spectateurs puissent suivre. Si le scénario demande que le personnage passe une porte, alors il faut s’assurer que cette animation sera intéressante en elle-même, et non pas simplement dessiner 200 autres dessins du personnage qui entre. J’ai dû travailler très fort pour ne pas me sentir limitée par les exigences de l’histoire. » L’un des autres aspects qui distingue ce film de la tradition narrative classique est l’emploi de différentes techniques d’animation pour créer un moment ou une ambiance particulière dans le film. « Il semble que certains films d’animation, par leur traitement et par la particularité des matériaux utilisés, projettent ce que l’auteur voit ou perçoit. La craie ou le sable, de par leur nature, ont peu de densité, s'étalent bien, sont très suggestifs, et doux. J’ai utilisé du sable quand le médecin regarde à travers le pare-brise de sa voiture pour montrer que quelque chose de doux et d’effrayant émergeait de la saleté et de la crasse du pare-brise. » Pour la scène avec Santa Esmeralda, la sainte de la vacuité, Pitt a recouru aux services de la cinéaste Naomi Uman, qui a égratigné et peint directement sur une pellicule de 35mm. « Je lui ai demandé de faire sa propre interprétation de la sainte, » se rappelle Pitt. « Je lui ai dit que j’accepterais tout ce qu’elle me présenterait… Ainsi, elle a été l’actrice qui a joué le rôle de la sainte… avec un mouvement au ralenti que seuls les acteurs d'un film d’animation comprennent. » Afin de donner aux scènes avec le médecin et Caballita (la femme qui croit être un cheval), une qualité nostalgique et démodée, Pitt a fait une animation sur papier, puis elle a taché et chiffonné le papier. Finalement, elle a dessiné sur le papier chiffonné des images à la craie. Si le sens d'El Doctor est truffé d’interprétations possibles, le message qui passe à travers le personnage du médecin cynique et coléreux est que l’on tend à créer ses propres conflits. Il voit un monde laid et vide, et c'est tout ce qui reste. En un sens, El Doctor est quelque peu cruel. Une autre vision du monde ne lui est montrée qu'à son agonie. « J’ai pensé que, au moment de sa mort, le médecin se rendrait peut-être compte que, chaque fois qu'il trouvait que le monde était dégueulasse et qu'il cessait de s'en préoccuper, il créait lui-même le marasme. Vu autrement, le monde est rempli de possibilités et de beautés, » ajoute Pitt. « Le désespoir lui-même crée de la futilité, alors il imagine qu'il retourne à l’hôpital et qu'il voit les choses d'un oeil neuf. Je ne crois pas qu'il soit important de savoir s’il a pu vivre ainsi pendant des années ou si cet éveil n’a duré que quelques secondes dans sa tête; ce qui importe, c’est que ce soit arrivé. »

OIAF 2009 festival reader | FIAO 09 lecteur du festival

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Est-ce que ce moment de grâce importe à la fin? Plus tôt, au début du film, le médecin déclare que la vie n’est qu’une tentation et donne à penser que les désirs ne seront jamais comblés. Alors, la mort est-elle la satisfaction de tous ces désirs? « Cela est un point de vue existentiel, n’est-ce pas? » répond Pitt. « Peu importe que le médecin ait été bon ou mauvais; ce qui importe, c’est ce qui se trouve en lui à l’heure de sa mort… Il voit la totalité, l’univers. Comme si tout lui souriait, lui faisait un signe de tête et le laissait rêver, vêtu de son merveilleux costume de mariachi, portant une cravate bleue pâle, en selle sur son cheval imaginaire préféré avec en croupe, la femme de ses rêves, ses cheveux en tresses et vêtue du costume mexicain traditionnel. Tandis qu'ils s’en vont, elle le serre fort entre ses bras. À la fin, la vie du médecin s’échelonne sur une période à peine plus longue qu’un instant, mais quel instant! » « C’est tout ce qu’il y a? » a un jour demandé Peggy Lee. « C’est tout, et ce n’est pas si mal (et peu importe si ce l’est). » « La mort, » ajoute Pitt, « n’est pas si effrayante si l’on croit que ce qu’on ne connaît pas est incommensurablement plus grand que ce qu’on connaît dans nos petites vies, et que cet ‘incommensurablement plus grand’ enveloppera notre mort de sens. » Ayant terminé El Doctor, Pitt n’est pas absolument certaine qu’elle fera un autre film. Elle semble être devenue passablement frustrée des gratifications limitées qu'apporte la création longue et fastidieuse de films d’animation indépendants. « La compréhension ou l’appréciation du film d’animation expérimental est si petite comparativement à celle dont jouissent les écrivains, compositeurs, peintres et autres créateurs de renom. Est-ce le manque de substance physique (à l’opposé de la peinture et de la sculpture) qui fait paraître moins 'valables' les créateurs des éphémères films d’animation? C'est peut-être trop souhaiter lorsqu'on fait une magie toute simple. »

Québec My Love:

Québec My Love: Contemporary Indies from QuEbec Thursday, October 15, 9:15pm (National Gallery)

An overview of contemporary independent animation in Quebec Québec My Love : Un panorama de l’animation indépendante contemporaine au Québec by | par Marco de Blois

Friday, October 16, 3:00pm (National Gallery) (Free for High School groups) Jeudi, le 15 octobre, 21 h 15 (Musée des beaux-arts) Vendredi, le 16 october 15 h 00 (Musée des beaux-arts) Chronicle Reconstructions [2009] Steven Woloshen | 3:10 | 35mm Anthropos [2009] Mathieu Tremblay | 4:00 | 35mm Chromosome XYZ [2009] Dominic-Étienne Simard | 12:35 | Digital Source Garbage Angels (Les Anges Déchets) [2008] Pierre M. Trudeau | 6:00 | 35mm Trash and No Star! [2007] Karl Lemieux and Claire Blanchet | 7:00 | Digital Source Dialogue [2008] Judith Poirier | 4:00 | Digital Source Indochine ‘Playboy’ [2009] Patrick Boivin | 3:00 | Digital Source Variations sur Marilou [2008] Félix Dufour-Laperrière | 6:00 | 35mm The Astronomer’s Dream [2009] Malcolm Sutherland | 11:14 | Digital Source The Occupant [2007] Élise Simard | 3:26 | Digital Source Passages [2008] Marie-Josée Saint-Pierre | 24:00 | 35mm

Independent Quebec animators form a category of artisans with irregular and moving contours. In the past, the independent animators and filmmakers linked to the National Film Board used to join in an association called ASIFACanada, where similar ideas prevailed. The community was then small and quite homogenous. But since that association has suspended its activities, the independents have lost a meeting place and a common cause. By the same token, the new light techniques of production and the hydridation of the arts have changed the notion of what animation is and have contributed to a diversification of the independents’ profile. The community has dispersed. Moreover, although most animators live in Montreal, a pool of creators has appeared in Quebec City. This explosion, however, has not changed the public’s interest in their films. For the benefit of those of our readers who might be less familiar with Canadian subtleties, a few lines may be in order to define what is meant here by the word “independent”. Generally, this word encompasses filmmakers whose films are not produced by the NFB. That may be a most simplistic definition, however, since, in the view of the Canada Arts Council, a State corporation devoted to the support of artistic practice in Canada, “the artist who is the motor element of a

Les animateurs indépendants québécois forment une catégorie d’artisans aux contours mouvants, irréguliers. Dans le passé, les indépendants et les réalisateurs rattachés à l’Office national du film avaient l’habitude de se réunir au sein d’une association qui s’appelait ASIFA-Canada et où prévalaient des similitudes de pensée. La communauté était alors restreinte et relativement homogène. Mais depuis que cette association a suspendu ses activités, les indépendants ont perdu un lieu où se rassembler et une cause commune. Par la même occasion, les nouvelles techniques légères de réalisation et l’hybridation des arts ont changé la notion de ce qu’est l’animation et ont contribué à diversifier le profil des indépendants. La communauté s’est dispersée. De plus, bien que la plupart vivent à Montréal, on a vu récemment apparaître un bassin de créateurs dans la ville de Québec. Il y a un éclatement qui, toutefois, n’altère en rien l’intérêt qu’on peut porter à leurs films. À l’attention des lecteurs peu familiers avec les subtilités canadiennes, il faut consacrer quelques lignes à la définition donnée ici au mot « indépendant ». De façon générale, on désigne par ce mot les cinéastes dont les films ne sont pas produits par l’ONF. Mais il s’agit là probablement de la définition la plus simpliste, car aux yeux du Conseil des arts

project and who has full editorial and creative control” is also considered as an independent. This distinction may become difficult to grasp when a producer intervenes in the creative process. In putting together this program, we have chosen the larger definition (i.e., “non-NFB”) of the word “independent”. In Quebec, the “indies” may benefit from help provided by the ACIC / FAP programs of the NFB, as well as by Canada Arts Council programs. SODEC and CALQ, two Quebec corporations, offer other ressources for animators (SODEC’s mandate targets the industry and cultural corporations, whereas CALQ is aimed at independent artists). It must however be noted that the latter two have no specific program for animation; animation is integrated in general categories such as “cinema”, “video” or “media arts”. Finally, some artists’ centres (Main Film, Vidéographe, Prim, La Bande vidéo) have of late become interested in animation. For example, the works of Pierre Hébert and of Marie-Josée Saint-Pierre are distributed by Vidéographe. Similarly, Élise Simard has directed The Occupant (2007) at Main Film. The Quebec City artists' centre, La Bande vidéo, organizes a competition of creations each year called Vidéaste recherché-e, which has an animation component. The selection suggested by the Cinémathèque québécoise presents the current state of independent production in Quebec. This overview does not pretend to offer an exhaustive picture of what is now going on. We have chosen these works because they appeared representative of more than one approach and because, taken together, they form a dynamic program. First movies are presented side by side with works by confirmed filmmakers. On the media side, we go from 35 mm film to the Web format, and from drawings to 3D. As a result of the explosion of the concept of “independence”, it is impossible to identify a direction which would give perfect consistency to this arrangement of eleven short features. At best can we point out a few connections.

du Canada, une société d’État vouée au soutien de la pratique artistique au pays, est aussi considéré comme indépendant « l’artiste qui est l’élément moteur d’un projet et qui en assure le plein contrôle éditorial et créatif ». La distinction peut devenir difficile à saisir quand un producteur intervient dans le processus de création. En composant ce programme, nous avons donc choisi d’opter pour une définition élargie (c’est-à-dire « non-ONF ») du mot « indépendant ». Au Québec, les indépendants peuvent bénéficier de l’aide des programmes ACIC et FAP de l’ONF, de même que de ceux du Conseil des arts du Canada. La SODEC et le CALQ, deux sociétés québécoises, sont également des ressources pour les animateurs (le mandat de la SODEC est orienté vers l’industrie et les entreprises culturelles, tandis que celui du CALQ vise les artistes indépendants). Il faut toutefois noter que ces organismes d’aide n’ont pas de programmes distincts pour l’animation, intégrant celle-ci dans des catégories généralistes du genre « cinéma », « vidéo » ou « arts médiatiques ». Enfin, certains centres d’artistes (Main Film, Vidéographe, Prim, La Bande vidéo) s’intéressent depuis peu à l’animation. Le travail de Pierre Hébert et de Marie-Josée Saint-Pierre, par exemple, est distribué par Vidéographe. De même, Élise Simard a réalisé The Occupant (2007) à Main Film. Quant à La Bande vidéo, ce centre d’artistes de Québec met sur pied chaque année un concours de création, Vidéaste recherché-e, qui comporte un volet animation. La sélection que propose la Cinémathèque québécoise présente un état des lieux de la production indépendante récente au Québec. Ce panorama n’a pas la prétention d’offrir un tour d’horizon exhaustif de la pratique actuelle. Nous avons choisi ces œuvres parce qu’elles nous apparaissent représentatives de plus d’une démarche et qu’elles se jumellent bien ensemble pour former un programme dynamique. Des premiers films y côtoient des réalisations de cinéastes confirmés. Et on y passe du 35 mm au Web, du dessin à la 3D. Il est impossible d’identifier un axe permettant de donner une cohérence parfaite à cet arrangement de onze courts métrages et cela découle de l’éclatement de la notion d’indépendance. Tout au plus peut-on dégager quelques rapprochements. Ainsi, si on détaillait le cheminement scolaire de chacun de ces indépendants, on remarquerait que l’École de cinéma Mel Hoppenheim de l’Université Concordia est un lieu de passage incontournable. Après des études à Concordia au début des années 1980, Steven Woloshen y est aujourd’hui à la maîtrise. Mathieu Tremblay, Dominic-Étienne Simard, Félix Dufour-Laperrière, Karl Lemieux, Claire Blanchet, Élise Simard, Marie-Josée Saint-Pierre et Pierre M. Trudeau sont tous d’anciens étudiants de Concordia (Judith Poirier a étudié le design graphique à l’Université du Québec à Montréal tandis que Patrick Boivin est entièrement autodidacte). Depuis l’automne 2008, l’Université Laval à Québec offre un baccalauréat en animation. Il faudra toutefois patienter quelques années avant de connaître l’influence exercée par cette formation dans le développement de l’animation au Québec. Il existe à l’Université Concordia un attachement à l’égard du cinéma expérimental. Ce programme en porte d’ailleurs la marque. Ainsi, auteur d’une trentaine de courts métrages, Steven Woloshen signe ici Chronical Reconstructions (2009), animant des fragments de pellicules trouvées. Depuis ses œuvres musicales festives et spectaculaires comme Ditty Dot Comma, Cameras Take Five et The Curse of the Voodoo Child, Woloshen semble amorcer un tournant dans sa création artistique : il apporte des changements esthétiques et techniques à son approche, son travail tend vers le méditatif et paraît teinté d’un sentiment d’inquiétude quant au monde. Le travail de Mathieu Tremblay, Dominic-Étienne

OIAF 2009 festival reader | FIAO 09 lecteur du festival

Thus, if you were to search the schooling details of each of those independents, you would find Concordia University’s Mel Hoppenheim Film School as unavoidable. After studying at Concordia U. in the ‘80s, Steven Woloshen is now in the master’s program. Mathieu Tremblay, Dominic-Étienne Simard, Félix Dufour-Laperrière, Karl Lemieux, Claire Blanchet, Élise Simard, Marie-Josée Saint-Pierre and Pierre M. Trudeau are all Concordia alumni (Judith Poirier has studied art design at Université du Québec à Montréal while Patrick Boivin is entirely self-taught). Since the Fall of 2008, Université Laval in Quebec City is offering an undergraduate program in animation. Of course, we will have to wait a few years before the influence of this training is felt in the development of Quebec animation. Concordia University feels a special attachment to experimental cinema. This program bears its mark as well. Thus, Steven Woloshen, who authored about thirty short features, is represented here by Chronical Reconstructions (2007), an animation of found film fragments. Since his festive and spectacular musical works such as Ditty Dot Comma, Cameras Take Five and The Curse of the Voodoo Child, Woloshen appears to have taken his artistic creation in another direction: he has brought aesthetic and technical changes to his approach, his work leans towards meditative thinking and appears imbued with a feeling of concern for the world. The works of Mathieu Tremblay, Dominic-Étienne Simard and Félix Dufour-Laperrière are at the crossroads of visual arts and movie-making; although they each have their personality and use different techniques, these filmmakers set themselves apart through the great attention they pay to textures, to sensory – and sometimes sensual – impressions, and to the exploration of sound. Marked by hybridations, the works of these heirs of Norman McLaren are enriched by the influence of a large part of the history of animation and experimental cinema, from Stan Brakhage to the Quay brothers. Tremblay’s film is entirely abstract, whereas those of Simard and Laperrière have figurative moments while fleeing sometimes towards abstraction. Two experimental movies should fall in the outsiders category because their directors are at the far frontier of animation. More “McLaren-ian” in spirit, Dialogue (2008) can be perceived as a remake of Synchromie. Indeed, this film by Judith Poirier, a graphic arts designer, consists of typographic characters printed directly on the physical film and on the optical sound track. Known for his live performances with 16 mm projectors and his multi-film approach, Karl Lemieux has co-directed with Claire Blanchet Trash and No Star! (2007), a camera-less animation offering percussive links with a musical work by Montreal duet Dreamcatcher. At the other end of the spectrum, we find filmmakers who have a chosen a more narrative approach – although the allusive and fragmented story developed by Élise Simard in The Occupant, who dives with emotion in the images of a world both childish and distant, brings her closer to the experimental stream. An innovation in the field of narratives also appears in Passages (2008) by Marie-Josée Saint-Pierre, a strong and convincing work found among the successes of an hybrid genre, the animation documentary. In this movie, which exposes the sad state of health services offered in Quebec hospitals, Saint-Pierre evokes the difficult circumstances surrounding the birth of her child at Montreal’s Hôpital St-Luc. The films presented by Malcolm Sutherland and Pierre M. Trudeau move closer to science-fiction. A true virtuoso of illustration, Sutherland has invented, in The Astronomer’s Dream (2009), a world both futuristic and archaic, metallic and organic, exotic and strangely familiar. It tells the dream of a hungry astronomer who reproduces in his subconscious the mechanical principle of the food chain. Garbage Angels (2008) by Pierre M. Trudeau is an ecological 3D animation

Simard et Félix Dufour-Laperrière se situe au carrefour des arts plastiques et du cinéma; bien qu’ayant chacun leur personnalité et ayant recours à des techniques différentes, ces cinéastes se démarquent par une grande attention portée aux textures, aux impressions sensorielles – voire sensuelles – et à l’exploration sonore. Marquées par l’hybridité, les œuvres de ces héritiers de Norman McLaren s’enrichissent de l’influence d’un large pan de l’histoire de l’animation et du cinéma expérimental, depuis Stan Brakhage jusqu’aux frères Quay. Le film de Tremblay est entièrement abstrait, tandis que ceux de Simard et de Laperrière comportent des moments de figuration tout en s’échappant parfois vers l’abstrait. Deux films expérimentaux sont à classer parmi les outsiders du fait que leurs réalisateurs se situent à la périphérie du monde de l’animation. Dans un esprit plus mclarennien, Dialogue (2008) peut être perçu comme une réactualisation de Synchromie. En effet, le film de Judith Poirier, une artiste en design graphique, consiste en des caractères typographiques imprimés directement sur la pellicule et sur la piste sonore optique. Connu pour ses performances live avec des projecteurs 16 mm et son approche cinématographique multiple, Karl Lemieux coréalise avec Claire Blanchet Trash and No Star! (2007), animation sans caméra offrant des liens percutants avec une pièce musicale du duo montréalais Dreamcatcher.

À l’autre extrémité du spectre se trouvent des cinéastes optant pour une démarche plus narrative – quoique le récit allusif et fragmenté développé par Élise Simard dans The Occupant, qui plonge avec émotion dans les images d’un monde à la fois enfantin et lointain, rapproche cette cinéaste d’un courant expérimental. Une innovation dans le domaine de la narration apparaît également dans Passages (2008) de Marie-Josée Saint-Pierre, une œuvre convaincante et forte qui figure parmi les réussites d’un genre hybride, le documentaire d’animation. Dans ce film qui dénonce l’état des soins de santé offerts dans les hôpitaux du Québec, la réalisatrice évoque les circonstances difficiles entourant la naissance de son enfant à l’Hôpital St-Luc de Montréal. Les films que présentent Malcolm Sutherland et Pierre M. Trudeau sont proches de la science-fiction. Véritable

– the film was distributed at almost the same time as WALL-E – in which pieces of garbage take part in a fun dance when they find new life at a refusal site. Having worked for many years in puppet animation, Pierre M. Trudeau is now specializing in 3D animation. Patrick Boivin’s career is atypical. A former member of the comedy collective Phylactère Cola, Boivin has not walked the path usually followed by animation filmmakers. Distributing his short features through YouTube, he first filmed real action comedy before turning to animation in an attempt to make toys move. Benefiting from the strength of YouTube’s outreach, Boivin’s movies have been seen by thousands of Internet surfers who adore his absurd humor. Earlier this year, his fame has brought him proposals to male videos from Iggy Pop and the French musical group Indochine. The rare fact that Boivin is managing to make money through YouTube dividends (given the important Interet trafic generated by his works) is worth mentioning. Also worthy of mention is the fact that some so-called independent artists (Pierre M. Trudeau, Malcolm Sutherland and Félix Dufour-Laperrière) have in the past directed one or more films at the NFB. As to Karl Lemieux and DominicÉtienne Simard, they are currently producing another project at NFB. From this we can conclude that it is the work that should be considered independent, rather that the artist. A lifetime independent artist is a rare breed indeed. This overview of contemporary independent animation in Quebec is a snapshot of what is currently going on. I happily meet these artists in the course of my work, and I am impressed by their perseverance and their enthusiasm. Which is why I am glad today to “pay them a treat”, as the Quebec saying goes. Marco de Blois Curator, Cinémathèque québécoise

virtuose de l’illustration, Sutherland invente dans The Astronomer’s Dream (2009) un monde à la fois futuriste et archaïque, métallique et organique, exotique et étrangement familier, racontant le rêve d’un astronome affamé qui reproduit dans son subconscient le principe mécanique la chaîne alimentaire. Les Anges déchets / Garbage Angels (2008) de Pierre M. Trudeau est une animation 3D à caractère écologique – le film est d’ailleurs sorti presque en même temps que WALL-E – dans laquelle des déchets prennent part à une amusante danse en retrouvant la vie dans un dépotoir. Après s’être adonné à l’animation de marionnettes pendant plusieurs années, Pierre M. Trudeau se spécialise aujourd’hui en animation 3D. La carrière de Patrick Boivin est atypique. Ex-membre du collectif comique Phylactère Cola, Boivin n’a pas suivi le parcours habituel des cinéastes d’animation. Diffusant ses courts métrages sur YouTube, il a d’abord tourné des comédies en prises de vues réelles avant d’aborder l’animation en tentant de faire bouger des jouets. Bénéficiant de la force de rayonnement de YouTube, les films de Boivin ont été vus par des milliers internautes qui adorent son humour absurde. Plus tôt cette année, cette renommée lui a valu d’être approché par Iggy Pop et le groupe musical français Indochine pour la réalisation de vidéoclips. Fait rare, Boivin réussit à faire de l’argent, recevant des dividendes de YouTube en raison de l’importance du trafic que ses œuvres génèrent. On notera que quelques-uns de ces artistes dits indépendants (Pierre M. Trudeau, Malcolm Sutherland et Félix DufourLaperrière) ont réalisé par le passé un ou plusieurs films à l’ONF. Pour leur part, Karl Lemieux et Dominic-Étienne Simard y sont actuellement en production pour un autre projet. Cela nous amène à conclure que ce sont davantage les œuvres que les artistes qui peuvent être considérées comme indépendantes. En effet, rares sont les indépendants qui le sont à vie. Ce panorama de l’animation indépendante québécoise contemporaine est un instantané de la pratique actuelle. Tous ces artistes, je les fréquente avec bonheur dans le cadre de mon travail. Leur persévérance et leur enthousiasme m’impressionnent. Voilà pourquoi je suis bien content aujourd’hui de leur « payer la traite », comme on dit au Québec. Marco de Blois Programmateur-conservateur, Cinémathèque québécoise

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A Stan VanDerBeek Retrospective

A Stan VanDerBeek Retrospective Friday, October 16, 7:00 PM (Arts Court Theatre) Saturday, October 17, 7:00 PM (Arts Court Theatre) vendredi, le 16 octobre, 19 h 00 (Cour des arts – théâtre) samedi, le 17 octobre, 19 h 00 (Cour des arts – théâtre) Science Friction [1959] 9:45 | Digital Source

by | par Amid Amidi

“The whole commercial cinema of neoreality is fundamentally pornographic and does not contribute to one’s soul. It is not sensitive. The cinema needs people of private vision. We are living in an avalanche of entertainment fallout, and how does one survive when bombarded by clumsy ideas? The film should be in the hands of poets rather than just slick, literate stylists.” —Stan VanDerBeek, 1964 Chuck Jones and Norman McLaren are fine filmmakers, but frankly, I wouldn’t mind if I never hear their names again. As an animation historian, it’s the thrill of discovery that keeps my motor running. There’s nothing more exhilarating than unearthing the work of a filmmaker who did incredible things with the animation medium. It’s especially exciting when it’s the guy whose work inspired Terry Gilliam’s cutout animation style, when it’s the guy who started doing computer animation back in 19(friggin)65!, and when it’s the guy who so believed in the communicative power of cinema

« Le cinéma commercial de la néo-réalité tout entier est fondamentalement pornographique et ne contribue pas à l’âme. Il n’est pas sensible. Le cinéma a besoin de gens qui ont une vision personnelle. Nous vivons dans une avalanche de retombées du divertissement, et comment survit-on lorsqu’on est bombardé par des idées maladroites? Le film devrait être entre les mains de poètes plutôt qu’entre celles de stylistes érudits bien astiqués. » —Stan VanDerBeek, 1964. Chuck Jones et Norman McLaren sont d’excellents réalisateurs, mais franchement, cela ne me ferait pas un pli de ne jamais entendre prononcer leurs noms à nouveau. En tant qu’historien du cinéma d’animation, c’est l’excitation, la découverte qui me tient à coeur. Il n’y a rien de plus palpitant que de découvrir l’œuvre d’un réalisateur qui a fait des choses incroyables avec le médium de l’animation. Cela est particulièrement excitant quand c’est le type qui a inspiré le style de l’animation par découpages de Terry Gilliam et celui

that he constructed a multi-screen, multi-projector theater in his backyard to carry out mad film experiments. The guy is Stan VanDerBeek. I first discovered one of Stan’s films, Science Friction (1959), during a late-night jaunt around YouTube. My expectation was that the film I found would be only the beginning. Surely, there would be all kinds of information about him scattered on-line and in print. After all, he appeared to be some kind of genius. That’s not how animation works, unfortunately. We don’t make Criterion special editions for our prized filmmakers. We don’t write biographies of pioneering figures. We don’t even bother to learn their names. VanDerBeek made eighty films (yes, eighty!) and was ignored by the animation community throughout his lifetime (Let me just put this out there for the record: he never won a single award at an animation festival. Animation art might receive respect from outsiders when—and if—we ever decide to respect it ourselves). I compiled whatever I could find about poor, undocumented Stan and did a post expressing my enthusiasm on my blog, Cartoon Brew. It’d be nice if a few readers picked up on it, but the post was mostly for myself, so I could remember his name for future reference. I figured that would be the end of it, except that Chris Robinson emailed me almost instantaneously, and all but commanded me to do this program for his festival. Nobody turns down Mr. Ottawa, and now I was in for the ride, deep in it. I started Googling VanDerBeek with a renewed sense of urgency, clicking on even the most minor of references. What I stumbled upon was almost too good to be true: a show of VanDerBeek’s artwork at a Manhattan gallery was taking place just four days after my initial blog post. What luck! It was meant to be. lt gets better: the gallery putting on the show, Guild & Greyshkul, was run by VanDerBeek’s two youngest children (artists themselves), Sara and Johannes VanDerBeek. As it turned out, they, too, were just discovering their father’s work. “When he passed away in 1984, only a few months after an initial diagnosis of cancer, there were no instructions regarding how his artworks should be cared for or organized,” Sara VanDerBeek said. “Everything was piled up in his office,

qui a commencé à faire de l’animation par ordinateur en 1965 (déjà) ! Et quand c’est le type qui a tellement cru au pouvoir communicateur du cinéma qu’il a construit un théâtre multiécrans avec projecteurs multiples dans sa cour, pour projeter des séances folles de cinéma. Ce type, c’est Stan VanDerBeek. J’ai d’abord découvert un des films de Stan, Science Friction (1959), au cours d’une « randonnée » tard le soir sur YouTube. Je m’attendais à ce que le film que je trouvais, ne serait que le commencement. Bien sûr, il y aurait toutes sortes d’informations à son sujet ici et là en ligne et sur papier. Après tout, il semble être une espèce de génie. Ce n’est pas comme ça que le cinéma d’animation fonctionne, malheureusement. Nous ne publions pas d’édition spéciale des critères pour nos réalisateurs primés. Nous n’écrivons pas de biographies de pionniers. Nous ne nous intéressons même pas à leur nom. VanDerBeek a fait 80 films (oui, 80 !) et a été ignoré par la communauté des cinéastes d’animation durant toute sa vie. (Permettez-moi de dire, pour mémoire : il n’a jamais gagné de prix dans un festival d’animation. L’art du cinéma d’animation jouira du respect des gens de l’extérieur quand -- et si -- nous décidons nous-mêmes un jour de le respecter). J’ai compilé tout ce que je pouvais trouver à propos de ce pauvre Stan non documenté et j’ai affiché un article exprimant mon enthousiasme sur mon blogue, Cartoon Brew. Ce serait bien que quelques lecteurs le développent, mais cet article était surtout pour moi, pour que je puisse me souvenir de son nom pour référence future. Je me suis dit que ce serait le point final de cette aventure, sauf si Chris Robinson m’envoyait un courriel presque sur-le-champ pour quasiment me commander de préparer ce programme pour son festival. Personne ne dit non à M. Ottawa, et maintenant j’étais de la partie, et même, j’avais les deux pieds dedans. J’ai commencé à faire des recherches sur VanDerBeek dans Google avec un sentiment d’urgence renouvelé, en cliquant sur mêmes les moins importantes références. Ce que j’ai trouvé était presque trop beau pour être vrai : une exposition des œuvres de VanDerBeek dans une galerie de Manhattan avait lieu à peine 4 jours après l’affichage de mon article sur mon blogue. Quelle chance ! Cela devait arriver. C’était le destin. Cela allait même de mieux en mieux : la galerie qui présentait l’exposition, Guild & Greyshkul, était dirigée par les deux plus jeunes enfants de VanDerBeek (eux-mêmes des artistes), Sara et Johannes VanDerBeek. Il se trouvait qu’eux-mêmes, aussi, découvraient à peine l’œuvre de leur père. « Lorsqu’il est décédé en 1984, seulement quelques mois après un diagnostic initial de cancer, il n’existait aucune instruction sur la façon dont ses œuvres devaient être conservées ou organisées », a dit Sara VanDerBeek. « Tout était empilé dans son bureau, et a été par la suite divisé entre les membres de la famille. » L’exposition jette de la lumière sur l’esprit innovateur de leur père. Il ne fait aucun doute qu’il était un cinéaste, mais il était aussi un visionnaire qui s’efforçait de marier arts visuels, technologie et communications. Toute percée technologique était matière à réflexion artistique pour VanDerBeek. Une des pièces en montre à la galerie est une recréation de sa « Murale téléphonique ». Au premier coup d’œil, c’est un assemblage de papiers 8 X 10, portant des images imprimées en noir et blanc, collées ensemble sur un mur entier. Mais il y a plus encore qui bouillonne sous la surface. VanDerBeek avait conçu cette murale en tant qu’expérience de création d’art au moyen d’un télécopieur. L’œuvre originale avait été assemblée pendant deux semaines en télécopiant des pages depuis la station de VanDerBeek au MIT au Walker Art Center à Minneapolis. Il avait rêvé que le télécopieur deviendrait

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and it was eventually split up among various family members.” The show shed light on their father’s innovative spirit. He was a filmmaker, no doubt, but he was also a visionary who strived to marry art with technology and communications. Every technological breakthrough was grist for VanDerBeek’s artistic mill. One of the pieces on display at the gallery was a recreation of his “Telephone Mural.” At first glance, it was a bunch of pieces of 8x10 paper, with crude black-and-white images printed onto them, taped together across an entire wall. But there was more bubbling beneath the surface. VanDerBeek had conceived the mural as an experiment to create art via fax machine. The original piece had been pieced together over a two-week period by faxing individual pieces of paper from VanDerBeek’s station at M.I.T. to the Walker Art Center in Minneapolis. He dreamed that the fax machine could become a tool to promote dialogue between students from different parts of the world. As was often the case, his ideas were sound, but a few steps ahead of the technology: today, in our Internet-enabled society, we instantly share graphic files with thousands around the world without a second thought. VanDerBeek was largely self-taught. A Cooper Union dropout, he began making films in the mid-1950s while painting backgrounds on the interactive children’s TV series Winky Dink and You. VanDerBeek would return to the studio afterhours and inform the night watchman that he had work to do. He would then use the animation stand and camera for his own experimental collage films and time paintings. He continued coming to the studio months after he was fired from the TV series for being non-union. His enthusiasm for the magic of cinema carries the early films more than the actual content of the work. In Dance of the Looney Spoons (1959), he makes odd combinations of spoons, forks and kitchen utensils dance around the screen via stop-motion. He was so excited by the possibilities that he would sometimes shoot as much footage as he could around a particular theme and “slice a film off like a sausage,” which explains why some of his films have titles like Wheels #1, Wheels #2 and Wheels #3. His films were Beat to the core—open-ended, spontaneous, non-conformist, pure. VanDerBeek tried just about every technique under camera. He would film paintings created frame-by-frame, animate surreal paste-ups of magazine photos, slice up existing newsreel footage and draw bits on top, create live-action segments, add the occasional bit of drawn animation, and combine his personal paintings with photographs through sophisticated cross-dissolves. It’s a wonder he didn’t have sex under camera. There is nothing slick or polished about any of this work. Most of it appears to be done in one-take. There was no time for perfection; he had a million concepts to explore and admitted to having “impatience with mechanical execution.” Breathdeath (1963) is a fifteen-minute absurdist graphic hailstorm, an anti-war screed set, in part, to Screamin’ Jay Hawkins’ “I Put a Spell on You.” In a 1964 article, a writer at Time magazine attempted in vain to describe the action he was witnessing onscreen—”A Merlin-like figure suddenly gets stuck in the back of the neck with a flying table fork. A nude appears, with two small skulls where her breasts should be. Another girl lies in bed caressing a TV set on the pillow beside her.” In the hands of a lesser experimental filmmaker, this stream-of-conscious imagery would turn into a dreary, unwatchable ego trip. In Stan’s universe, it’s compelling, can’t-take-your-eyes-away-from-the-screen filmmaking. His choice of raw filmmaking materials—newspaper photos, magazine advertisements—adds a light touch to the proceedings, as does his grab-bag use techniques.

un outil pour promouvoir le dialogue entre les étudiants de différentes parties du monde. Comme c’est souvent le cas, ses idées étaient justes, mais devançaient la technologie : aujourd’hui, dans notre société habilitée par l’Internet, nous communiquons instantanément des fichiers de graphiques à des milliers de personnes autour du monde sans même y penser. VanDerBeek était en grande partie autodidacte. Décrocheur de l’école Cooper Union, il a commencé à faire des films au milieu des années 1950 en peignant des décors pour la télé-série interactive pour enfants Winky Dink and You. VanDerBeek retournait au studio après les heures de travail et informait le gardien de nuit qu’il avait du boulot à faire. Il utilisait alors le trépied d’animation et la caméra pour faire ses propres films expérimentaux avec des collages et des peintures chronométrées. Il a continué à venir au studio plusieurs mois après avoir été congédié de la télé-série pour n’avoir pas été membre d’un syndicat. Son enthousiasme pour la magie du cinéma porte ses premiers films plus que leur contenu véritable. Dans Dance of the Looney Spoons (1959), il combine cuillères, fourchettes et ustensiles de cuisine dans une bizarre danse sur l’écran par la technique de l’arrêt de mouvement. Il était tellement enthousiasmé par les possibilités découvertes qu’il filmait parfois autant de piétage qu’il pouvait sur un thème particulier et « découpait un film comme une saucisse », ce qui explique pourquoi certains de ces films ont des titres tels que Wheels #1, Wheels #2 and Wheels #3. Ses films étaient beatniks jusqu’à l’os – ouverts, spontanés, non conformistes, purs. VanDerBeek a essayé à peu près toutes les techniques sous caméra. Il filmait des peintures créées une à la fois, animait des collages surréalistes composés de photos de magazines, découpait des pellicules existantes et dessinait dessus. Il créait des segments en action directe, ajoutait ici et là de l’animation dessinée et combinait ses propres peintures à des photos au moyen de solutions croisées sophistiquées. On se demande comment il se fait qu’il n’ait pas filmé de relations sexuelles. Il n’y a rien de délicat ou de poli dans ses œuvres. La plupart semblent avoir été tournées en une fois. Il n’avait pas le temps de chercher la perfection, il avait un million de concepts à explorer et a admis « s’impatienter à l’égard de l’exécution mécanique. » Breathdeath (1963) est une averse de grêle graphique absurde de quinze minutes, un laïus contre la guerre, avec pour fond sonore, en partie, la chanson « I Put a Spell on You » de Screamin’ Jay Hawkins. Dans un article datant de 1964, un rédacteur du magazine Time a tenté en vain de décrire l’action dont il était témoin à l’écran : « Un personnage ressemblant à Merlin est soudainement frappé à la nuque par une fourchette volante. Un nu apparaît avec deux petits crânes à la place des seins. Une autre fille couchée dans un lit caresse une télé posée sur l’oreiller à côté d’elle. » Entre les mains d’un cinéaste expérimental de moins grand calibre, cette imagerie de type monologue intérieur se serait transformé en un « ego trip » morne impossible à regarder. Dans l’univers de Stan, c’est du cinéma fascinant et hypnotisant. Son choix de matériaux bruts pour la réalisation du film, photos de journaux, annonces de magazines de même que son utilisation « fourre-tout » de techniques, donne de la légèreté au processus. VanDerBeek a prédit l’apparition des styles de remix, de Paper Rad, de Run Wrake et de la culture YouTube en général, où tout le monde pile les médias existants en une purée de formes numériques nouvelles bien astiquées. VanDerBeek n’a pas construit sa carrière seulement en réinterprétant les œuvres d’autrui. Des films tels que Mankinda (1957) et Oh (1968) montrent ses prouesses en peinture et en dessin, et trahissent une sensibilité esthétique

VanDerBeek shrewdly anticipated the remix styles of Paper Rad, Run Wrake and YouTube culture in general, in which everybody mashes up existing media into slick new digital forms. But he didn’t make his career solely by reinterpreting the works of others. Films like Mankinda (1957) and Oh (1968) display his painting and drawing prowess, betraying a finely tuned aesthetic sensibility. One of his most impressive films (at least among those I’ve seen) is See, Saw, Seams (1965). In it, he uncovers new visual worlds by painting over found photos. In his words: “Juxtaposed to what we see, is what we think we see...that is, the memory of the dream is as real as the dream itself, but it is completely different from the dream.” In 1967, VanDerBeek made the Panels for the Walls of the World (1967), a film that was commissioned by WCBS-TV for a special called Notes from the Underground. He dubbed it an “electric assemblage;” today, we’d call Stan a VJ. It is a dense video collage that mimics the barrage of sights and sounds that the average person experiences on a daily basis. To achieve the effect, he mixed eight separate video images through electronic mattes, superimpositions, pulsation effects, and various electronic means. The film had originally been planned for his Movie-Drome, a functional prototype movie theater that he constructed in his backyard in which audiences laid down around the outer edges of the dome and saw dozens of images projected around the theater’s multiple screens. Even though technological limitations of the time prevented VanDerBeek from performing his video compositions live, that’s what he was thinking. He wrote, “I envision in the future simplified image storage and retrieval systems, not to mention new image and graphic generating techniques—(via computer and videotape... at which an artist will perform an image concept by instant selection plus image interplay… this could also be an information concert… (with literal and factual information in a very compact and intense form) we have turned a corner with film and TV when images can now be treated in much the same way that music is… endlessly and variable and dynamic… stored, and in motion…for instant recall.” VanDerBeek was the subject of an early-Seventies documentary called The Computer Generation. He appears

très fine. Un de ses films les plus impressionnants (au moins parmi ceux que j’ai vus), est See, Saw, Seams (1965). Il y révèle de nouveaux mondes visuels en peignant par-dessus des photos trouvées. En ses propres mots : « Juxtaposé à ce que nous voyons est ce que nous pensons voir… c’est-à-dire que la mémoire du rêve est aussi réelle que le rêve lui-même tout en étant complètement différente du rêve. » En 1967, VanDerBeek a créé les Panels for the Walls of the World (1967), un film commandé par WCBS-TV pour une émission spéciale intitulée « Notes from the Underground ». Il appela la chose « assemblage électrique »; de nos jours, nous dirions que Stan est un VJ (vidéo jockey). Il s’agit d’un collage vidéo qui imite le barrage de sons et de vues que la personne moyenne vit quotidiennement. Pour réaliser cet effet, il a mixé huit images vidéo indépendantes au moyen de décors électroniques, de superpositions, d’effets de pulsation et divers autres moyens électroniques. Le film avait à l’origine été conçu pour son « Movie-Drome », un prototype de salle de cinéma fonctionnel qu’il avait construit dans sa cour, et où les spectateurs s’étendaient aux bords du dôme et voyaient des douzaines d’images projetées sur les multiples écrans du théâtre. Bien que les limites technologiques de l’époque aient empêché VanDerBeek d’exécuter ses compositions vidéo en direct, il y pensait déjà. Il a écrit : « Je vois dans l’avenir un stockage et un retrait simplifiés des images, pour ne rien dire des nouvelles techniques de génération d’images et de graphiques – (au moyen de l’ordinateur et de l’enregistreuse vidéo…) – grâce auxquelles un artiste “réalisera” un concept d’image en en choisissant instantanément et en faisant des interactions entre elles. Cela pourrait être un concert d’information… avec de l’information véritable et factuelle sous une forme très compacte et intense. Nous avons franchi une étape dans le domaine du film et de la télé puisque les images peuvent maintenant être traitées de façon très semblable au traitement que nous faisons de la musique … sans fin, variable et dynamique, emmagasinée et en mouvement … avec rappel immédiat. » VanDerBeek a fait l’objet d’un documentaire au début des années 70 appelé The Computer Generation. Il apparaît à l’écran, cheveux en queue de cheval, moustache de camionneur et petit foulard au cou. Il parle en phrases

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onscreen with his hair bound in a ponytail, and sporting a trucker’s mustache and a neckerchief. He speaks in mellow and measured sentences. He recognizes his role as a teacher who is trying to inform the masses of the mysterious tool known as a computer. Even though he’d been exploring the possibilities of computer animation for more than half a decade at the time of the documentary, he admitted that, “I frankly don’t understand it and I’m trying to understand it.” VanDerBeek never earned any money from his films, and survived largely on invitations and grants. In later years, he was a junkie whose drug of choice was computer hardware. He was willing to travel anywhere for his fix of digital technology and, in his lifetime, he held dozens of artist-in-residencies and teaching positions at universities and organizations, including the progressive Boston public TV station, WGBH, the Center for Advanced Visual Studies at M.I.T., CalArts, Columbia University, and everywhere inbetween from Hawaii to Wisconsin. Some of his earliest experiments with the computer—the Poem Field series—occurred in 1966 in collaboration with Kenneth Knowlton of Bell Telephone Laboratories, who had invented the BeFlix computer animation language. The films they created were in a resolution of 252x184 and were achieved by essentially turning small points of light on and off at high speeds. The films were created in eight shades of grey, with color added afterwards through an optical process. The resulting digital mosaics, with their complex geometrical patterns, looked more like a Persian carpet of the future than the glossy CG animation we’re used to seeing nowadays. He continued experimenting with the computer for the rest of his life, including Symmetricks (1972), which was made with an electronic stylus drawing tablet. VanDerBeek’s work was a catalog of ideas for the future. He was a fearless optimist who believed in the potential of technology as much as he did in the poetry of art. He radically rewrote the role of filmmakers and animators in the second half of the 20th century, and offered a roadmap for how artists can combine art, film, and technology towards the higher purpose of global visual communication. It was both his strength and weakness that he never paused long enough to achieve fluency in any particular field. Film critic Amos Vogel summed it best when he wrote VanDerBeek’s obit in 1984: “His achievements lie less in individual works than in the staggering totality of his entire endeavor: a restless, passionate search for new techniques, new media, and new concatenations.”

détendues et mesurées. Il reconnaît son rôle en tant qu’enseignant qui tente de renseigner les masses sur le mystérieux outil connu sous le nom d’ordinateur. Bien qu’il ait exploré les possibilités de l’animation par ordinateur depuis plus de cinq ans au moment du documentaire, il admet : « Franchement, je ne le comprends pas, et j’essaie de le comprendre. » VanDerBeek n’a jamais gagné d’argent avec ses films et a survécu en grande partie aux moyens d’invitations et de subventions. Plus tard, il a été « accro » de matériel d’ordinateur. Il était disposé à voyager n’importe où pour avoir sa dose de technologie numérique et de son vivant, il a occupé des douzaines de postes d’artiste en résidence et d’enseignant dans des universités et organisations, y compris à la station publique de télé progressive de Boston, WGBH, au Center for Advanced Visual Studies du M.I.T., à CalArts, à l’Université Columbia, et un peu partout entre Hawaii et le Wisconsin. Il a mené quelques-unes de ses premières expériences à l’ordinateur, la série Poem Field, en 1966 en collaboration avec Kenneth Knowlton, de Bell Telephone Laboratories, qui avait inventé le langage d’animation à l’ordinateur BeFlix. Les films qu’ils ont créés avaient une résolution de 252x184, et étaient réalisés essentiellement en allumant et en éteignant de petits points de lumière à haute vitesse. Le film était créé en huit tons de gris, la couleur étant ajoutée par la suite au moyen d’un processus optique. Les mosaïques numériques résultantes, avec leurs patrons géométriques complexes, ressemblaient davantage à un tapis de Perse de l’avenir qu’à l’animation par ordinateur rutilante que nous sommes habitués à voir de nos jours. Il a continué à expérimenter à l’ordinateur pendant le reste de sa vie; Symmetricks (1972), qui a été fait à l’aide d’une tablette à dessin avec un stylet électronique, en est un exemple. L’œuvre de VanDerBeek était un catalogue d’idées pour l’avenir. Cet optimiste sans peur croyait au potentiel de la technologie tout autant qu’à la poésie de l’art. Il a redéfini radicalement le rôle des réalisateurs et des animateurs dans la deuxième moitié du XXe siècle, et a offert un plan d’avenir sur la façon dont les artistes combineraient arts visuels, film, technologie et recherches à un sens plus élevé de la communication visuelle globale. Qu’il ne se soit jamais arrêté assez longtemps pour connaître à fond un domaine a été à la fois sa force et sa faiblesse. Le critique de cinéma Amos Vogel a le mieux résumé la chose lorsqu’il a écrit sa notice nécrologique en 1984 : « Ses réalisations résident moins dans les œuvres individuelles que dans la totalité étonnante de sa démarche : une recherche passionnée et sans relâche de nouvelles techniques, de nouveaux médias et de nouvelles concaténations… »

Vancouver Film School alumni credits include Across the Universe Geeta Basantani, Digital Compositor Alias Scott Dewis, Visual Effects Artist Babel Luis Blackaller, Storyboard Artist | Lon Molnar, Visual Effects Supervisor Battlestar Galactica Daniel Osaki, Lead Modeler Megan Majewski, 3D Animator | Alec McClymont, 3D Artist Bioshock 2 (VG) Jacob Palmer, Animator Bolt Lino Di Salvo, Supervising Animator/Voice of Vinnie Charlotte’s Web Adam Yaniv, Character Animator | Tony Etienne, Lead Lighter | Kristin Sedore, Lighter The Chronicles of Narnia: Prince Caspian Andreas Hikel, Pre-Visualization Artist | Christoph Schinko, Character Animator | Jami Gigot, Senior Layout Artist Cloverfield Nicholas Markel, Pre-Visualization Supervisor The Dark Knight Pietro Ponti, Lead CG Lighting Artist Dead Like Me Daniel Osaki, Visual Effects Artist | Alec McClymont, 3D Artist Diablo III Alvaro Buendia, Cinematic Artist | Steven Chen, Cinematic Artist District 9 Neill Blomkamp, Director | Shawn Walsh, Visual Effects Executive Producer | Jelmer Boskma, Modeler | Bernhard Kimbacher, Compositor | Julianna Kolakis, Creature Texture Painter | Adam Marisett, Visual Effects Artist | James McPhail, Visual Effects Technical Director | Dominic Cheung, Lighting Technical Director | Grant Wilson, Animator | Joey Wilson, Modeler Family Guy Michael Loya, Storyboard Artist Fantastic Four: Rise of the Silver Surfer Arun Ram-Mohan, Lighting Technical Director | Shawn Walsh, Visual Effects Executive Producer | Jessica Alcorn, Compositor Gears of War (VG) Scott Dossett, Animator G.I. Joe: The Rise of Cobra Allen Tracy, Visual Effects Editorial Supervisor | Aruna Inversin, Digital Compositor Jeremy Stewart, Senior Animator | Jelmer Boskma, Modeler The Golden Compass Adam Yaniv, Animator | Chad Moffitt, Animator Thom Roberts, Animator | Ben Sanders, Animator | Andrew Lawson, Animator | Matthias Lowry, Visual Effects | Tony Etienne, Look Development | Justin Hammond, Lighter | Pearl Hsu, Effects Technical Director | Aruna Inversin, Digital Compositor | Fion Mok, Matchmove Artist Halo 3 (VG) Bartek Kujbida, Character Animator Happy Feet Ben Sanders, Character Animator | Thom Roberts, Character Animator Harry Potter and the Prisoner of Azkaban Shawn Walsh, Color & Lighting Technical Director Harry Potter and the Order of the Phoenix Pietro Ponti, Technical Director Harry Potter and the Half-Blood Prince Harry Mukhopadhyay, Lead Effects Technical Director Hellboy II: The Golden Army Christoph Ammann, 3D Sequence Supervisor Horton Hears a Who Arun Ram-Mohan, Lighting Technical Director | Brent Wong, Modeler Hulk Geoff Richardson, Visual Effects Editor I, Robot Daniel Osaki, CGI Modeler | Megan Majewski, Pre-Visualization Ice Age: The Meltdown Ben Sanders, Character Animator | Arun Ram-Mohan, Lighting Technical Director The Incredible Hulk Shawn Walsh, Visual Effects Executive Producer | Tony Etienne, Look Development Lead The Incredibles Daniel Holland, Animator Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull Henri Tan, Creature Technical Director Iron Man Adam Marisett, Visual Effects Artist King Kong Chad Moffitt, Senior Animator King of the Hill Michael Loya, Director Kingdom of Heaven Shawn Walsh, Digital Compositor Left 4 Dead (VG) Nick Maggiore, Animator Letters from Iwo Jima Aruna Inversin, Digital Compositor Live Free or Die Hard Jessica Alcorn, Compositor Lord of the Rings Trilogy Chad Moffitt, Senior Animator Lost Scott Dewis, Visual Effects Artist Matrix: Revolutions Aruna Inversin, Digital Compositor | Shawn Walsh, Color & Lighting Technical Director Master & Commander: The Far Side of the World Robert Bourgeault, CG Artist Metal Gear Solid 4 (VG) Josh Herrig, Artist Yuta Shimizu, Artist The Mummy: Tomb of the Dragon Emperor Aruna Inversin, Digital Compositor Persepolis Marianne Lebel, Animator Pirates of the Caribbean: At World’s End Ben Sanders, Character Animator | Allen Holbrook, Animator | Aruna Inversin, Digital Compositor The Pirates Who Don’t Do Anything: A VeggieTales Movie Mike Dharney, Animation Supervisor Reign of Fire Lino DiSalvo, Animator Sin City Michael Cozens, Lead Animator Smallville Geeta Basantani, Lead Compositor Star Trek Aruna Inversin, Digital Compositor | Tom Piedmont, Digital Plate Restoration Star Wars Episode III: Revenge of the Sith Andrew Doucette, Character Animator | Nicholas Markel, Pre-Visualization Star Wars: Knights of the Old Republic (VG) Arun Ram-Mohan, 3D Artist | Jessica Mih, Level Artist Stargate: Atlantis Daniel Osaki, 3D Animator | Megan Majewski, 3D Animator | Alec McClymont, 3D Artist Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street Jami Gigot, Concept Artist Terminator Salvation Teh-wei Yeh, Lighting Technical Director | Geeta Basantani, Digital Matte Painter Transformers: Revenge of the Fallen Bryan Jones, Compositor | Aruna Inversin, Digital Compositor | Henri Tan, Creature Technical Director | Teh-wei Yeh, Digital Artist | Stephen King, Animator

VFS student work by Thiago Martins

Twilight Geoffrey Hancock, Digital Effects Supervisor Valiant Robert Bourgeault, Lighting Technical Director WALL-E Mark Shirra, Layout Artist | Bill Watral, Effects Artist | Daniel Holland, Production Artist Watchmen Lon Molnar, Visual Effects Supervisor World of Warcraft: Burning Crusade (VG) Carman Cheung, Animator Warhammer 40,000: Dawn of War II (VG) Ian Cumming, Senior Artist | Nathan Hocken, Lead Animator and many more.

special screenings TELETOON DETOUR PILOTS NOT RECOMMENDED FOR CHILDREN – ADULT THEMES NON RECOMMANDÉ POUR LES ENFANTS – THÈMES ADULTES Featuring offerings from established producers alongside companies just starting in the industry, The TELETOON Detour Pilot Project presents ten comedies spanning the broad, unique and sometimes twisted humour that Canadian creators have to offer. There’s a different schedule each night! Présentant des films de producteurs établis à côté d’animations decompagnies émergeant dans l’industrie, le projet pilote TELETOON Detour présente dix comédies qui couvrent la large palette d’humour unique et parfois tordu que les créateurs canadiens ont à offrir. Il y a un programme différent chaque soir!

TThe Wireless Family / Encore Television Production Company: (Encore Television) The Wireless Family is your typical dysfunctional and crisis prone suburban family. Ordinary challenges soon develop into extraordinary situations however, as they become unintentional participants in the Middle East peace process, an assassination attempt on the Pope and a character assassination in the NHL. La Wireless Family est par excellence la famille banlieusarde sujette aux crises. Des défis banals deviennent bientôt hors norme tandis que les membres de la famille participent malgré eux au processus de paix au Moyen-Orient, à une tentative d'assassiner le pape et à un essai de diffamation dans la LNH.

Dunce Bucket / George Elliott / A Nunchucks Pilot Inc. Production for Fresh TV Inc. Dunce Bucket is a half hour adult sketch comedy show featuring Canada's hottest new sketch troop. Comedy geniuses Lori Elliot, Terry McGurrin, Christian Potenza, Adam Reid and Renee Percy join forces to create some of animation's most memorable and insanely funny characters including Fifi & Bobo, politically incorrect chess pieces and neurotic talking stick figures. A wide of animation styles and break-neck pacing make Dunce Bucket a guaranteed gigglefest. Dunce Bucket est un spectacle comique pour adultes d'une demi-heure qui met en vedette la troupe d'improvisateurs canadienne la plus recherchée. Les génies de la comédie Lori Elliot, Terry McGurrin, Christian Potenza, Adam Reid et Renee Percy joignent leurs forces pour créer certains des personnages animés les plus mémorables et les plus fous, dont Fifi & Bobo, des pièces d'échec politiquement incorrectes, et des bâtons parlants névrosés. Avec sa foule de styles d'animation et son rythme endiablé, Dunce Bucket vous fera rire aux larmes, c'est garanti.

Programme 2

THE HORROR REALLY NOT RECOMMENDED FOR CHILDREN AT ALL ABSOLUMENT PAS RECOMMANDÉ POUR LES ENFANTS MISE EN GARDE Thursday, October 15, 9:15pm (Arts Court Theatre) Saturday, October 17, 7:00pm (Parliament Ultra Club) Saturday, October 17, 9:00pm (Parliament Ultra Club) jeudi, le 15 octobre, 21h15 (Cour des arts – théâtre) samedi, le 17 octobre, 19h00 (Parliament Ultra Club) samedi, le 17 octobre, 21h00 (Parliament Ultra Club) Beware: This program is NOT for the faint-of-heart, the squeamish, the easily frightened, the type who hides under the covers, and it is definitely not for kids. This presentation contains some of the most frightening animated films ever made. If you think that the only true scare is live-action gore, then you have another thing coming. Join us and see what happens when there are no limits to the imagination. NB/ The Ottawa International Animation Festival cannot be held responsible for any personal injury or illness that may result from attending this screening. Ce programme N’EST PAS pour les natures sensibles, les impressionnables, les personnes facilement effrayées, le type qui se cache sous les couvertures, et ce n’est décidément pas pour les enfants. Cette présentation renferme certains des films d’animation les plus effrayants qui aient jamais été faits. Si vous pensez que les seules vraies peurs peuvent être éprouvées en voyant du sang couler en prise réelle, détrompez-vous. Joignez-vous à nous et voyez ce qui arrive quand l’imagination se débride. N.B. Le Festival international d’animation d’Ottawa ne peut être tenu responsable de toute blessure ou maladie personnelle résultant d’une présence à cette projection.

Programme 1 Thursday, October 15, 11:30 pm jeudi, le 15 octobre, 23 h 30 Nerdland / Nev Bezaire / Cuppa Coffee / Full of sharp pop-culture references and with a scathing sense of humour, Nerdland follows the misanthropic adventures of a group of obsessive nerds as they try to achieve pwnage and survive in a decidedly nerd-unfriendly society. Armé de références pointues à la culture pop et d'un humour dévastateur, Nerdland suit les aventures misanthropes d'un groupe de « bolés » maniaques qui tentent d'être acceptés et de survivre dans une société qui leur est décidément hostile. Angora Napkin / Troy Little and Nick Cross / Mugisha Enterprises A unique musical bubble-gum pop trio, Angora Napkin is a band unlike any other composed of three sexy girls Beatrice, Molly, Mallory. Attracting trouble along with the macabre, the girls always seem to come out on top with the help of their impromptu peppy songs and inability to see the dark side of any situation, no matter how menacing. Trois filles sexy, Beatrice, Molly et Mallory, forment Angora Napkin, un trio de musique pop « gomme-à-mâcher » sans pareil. S'attirant ennuis et événements macabres, elles semblent toujours s'en sortir en improvisant des chansons entraînantes et en étant incapables de voir le côté noir des situations même les plus menaçantes.

Friday, October 16, 11:30 pm vendredi, le 16 october, 23 h 30 Ninjamaica / Cal Brunker / Lenz Entertainment With a cutting edge graphic look and a creative team made up of hot new comedians and musicians, Ninjamaica melds animated action adventure with biting comedy and a bumping musical soundtrack. An amnesiac Rasta with extraordinary fighting powers and an insatiable appetite sets out to rebuild his memory and reclaim his life, all while dodging bullets from his many enemies and possibly making time for a Twinkie. Avec un look à la fine pointe des arts visuels et une équipe de créateurs composée des nouveaux comédiens et musiciens les plus recherchés, Ninjamaica fusionne film d'action animé, comédie mordante et bande sonore rythmée. L'amnésique Rasta, qui a d'extraordinaires capacités de combat et un insatiable appétit, entreprend de ranimer sa mémoire et de reprendre sa vie en main tout en évitant les balles de ses nombreux ennemis et en prenant peut-être le temps d'avaler un Twinkie. Celebutard Nation / Dean Outschoorn & Darin Bristow / Nelvana Celebutard Nation places the undeserved spotlight on the scandalous exploits of four over-exposed 20-something celebrities as they stumble headfirst into the pitfalls of unwarranted fame and unearned fortune. Budding moviestar Paisley, heiress Terra, rock star spawn Kimberly and billionaire Baron, are blissfully unaware that the whole world mocks them, pities them and occasionally, in their darkest moments, wonders what it is like to be them. Celebutard Nation braque sans raison les projecteurs sur les exploits scandaleux de quatre jeunes célébrités surexposées tandis qu'elles tombent tête première dans les embûches d'une gloire injustifiée et d'une fortune imméritée. Paisley, la vedette de cinéma émergente, Terra, l'héritière, Kimberly, la vedette du rock, et Baron, le milliardaire, sont béatement inconscients de ce que le monde entier les tourne en ridicule, les prend en pitié et à l'occasion, dans les moments d'extrême déprime, se demande ce que ce serait que d'être... eux.

Programme 3 Saturday, October 17, 11:30 pm samedi, le 17 october, 23 h 30 Space Knights / Andy Coyle and Gene Fowler / Fatkat Animation Space Knights is a parody of super hero cartoons of the late 90’s. A group of slightly outdated superheroes who drive Honda Accords that when linked together, can transform into a variety of giant robots, from a pterodactyl, to a giant T-Rex, to a saber tooth tiger, the Space Knights use these and other powers to stop a never ending stream of bizarre creatures and insane villains. The irreverent comedy follows the misshapen adventures of the crime fighting team who must battle bickering and in-fighting almost as much as the external foes they face. Space Knights est une parodie des dessins animés de super-héros de la fin des années 1990. Les Space Knights, un groupe de super-héros fanés utilisent leurs Honda Accord – qui, raccordées, peuvent se transformer en une foule de robots géants, du ptérodactyle au tyrannosaure Rex en passant par le tigre à dents de sabre – et d'autres pouvoirs pour mettre un terme au flux incessant de créatures bizarres et de criminels fous. Cette comédie irrévérencieuse suit les mésaventures de cette équipe de combattants du crime, qui doit passer presque autant de temps à vider ses chamailleries et ses querelles internes qu'à livrer bataille aux ennemis de l'extérieur.

OIAF 2009 festival reader | FIAO 09 lecteur du festival

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Programme 3 Space Knights / Andy Coyle and Gene Fowler / Fatkat Animation Space Knights is a parody of super hero cartoons of the late 90’s. A group of slightly outdated superheroes who drive Honda Accords that when linked together, can transform into a variety of giant robots, from a pterodactyl, to a giant T-Rex, to a saber tooth tiger, the Space Knights use these and other powers to stop a never ending stream of bizarre creatures and insane villains. The irreverent comedy follows the misshapen adventures of the crime fighting team who must battle bickering and in-fighting almost as much as the external foes they face. Space Knights est une parodie des dessins animés de super-héros de la fin des années 1990. Les Space Knights, un groupe de super-héros fanés utilisent leurs Honda Accord – qui, raccordées, peuvent se transformer en une foule de robots géants, du ptérodactyle au tyrannosaure Rex en passant par le tigre à dents de sabre – et d'autres pouvoirs pour mettre un terme au flux incessant de créatures bizarres et de criminels fous. Cette comédie irrévérencieuse suit les mésaventures de cette équipe de combattants du crime, qui doit passer presque autant de temps à vider ses chamailleries et ses querelles internes qu'à livrer bataille aux ennemis de l'extérieur. Fugget About It / Vadim Kapridov / 9 Story Entertainment Inc It's hard for a quick-tempered goodfella who's used to always getting his way to settle for suburban life in Canada. Powerful New York under-boss, Jimmy Falcone and his family try unsuccessfully to fit in the suburban life in the witness protection program in sleepy Oakville, Ontario. Difficile pour un mafiateux vif-argent habitué à faire à sa tête de mener une vie rangée dans une banlieue canadienne. Sous-chef puissant à New York désormais inscrit au programme de protection des témoins, Jimmy Falcone et sa famille tentent sans succès de s'adapter à la vie paisible de la ville-dortoir d'Oakville, en Ontario. Chinatown Cops / Howie Shia and David Wolfe / Portfolio Entertainment A crime wave has hit Chinatown, enshrouding everything from the mom and pop laundromat to the giant dim sum restaurant in a dangerous veil of crime and corruption. Sadly, nobody cares but Officer Jay Walker and his partner Rick Xia: sexy, sensitive super cops of the Chinatown beat. They will brave any danger and suffer any humiliation to inflict their specialized brand of Ginseng Justice in order to save their home from the talons of mysterious new crime queen-pin, Honey Moon. Une vague de criminalité s'abat sur le quartier chinois et drape tout, du petit lavoir familial au « dim sum » géant, dans un dangereux linceul de crime et de corruption. Tristement, tous s'en moquent, sauf l'agent Jay Walker et son partenaire Rick Xia, des policiers baraqués et attentionnés. Ils braveront tous les dangers et souffriront toutes les humiliations pour infliger leur type spécialisé de justice « ginseng » et ainsi sauver leur foyer des griffes de la nouvelle reine du crime, Honey Moon. Drop Dead Gorgeous / Caroline R. Maria / CINEMARIA Animated in a distinctive anime-inspired style, Drop Dead Gorgeous is a fast-paced morality tale with a bloody, absurdist twist as four luscious, sex-hungry, fashion-gorged college girls moonlight as an elite troop of hired assassins. Into fashion, music, hot guys and tabloid gossip, the girls are as ruthlessly selective about who is in as they are about who is taken out.

8/17/09

Animé dans un style distinctif inspiré de l'« anime », Drop Dead Gorgeous est un conte moralisateur au rythme vif, et aux rebondissements sanguinaires et absurdes. Quatre ravissantes collégiennes assoiffées de sexe et esclaves de la mode font tueuses à gages à temps partiel. Suivant de près la mode, la musique, les beaux gars et la presse à potins, elles sont implacables dans leur choix de ce qui doit être intégré -- ou éliminé.

8:04:58 PM

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THE STEREOLAB AT THE NFB: EXPLORING THREE DIMENSIONS FREE!/ GRATUIT! Presented by the National Film Board (NFB) Commandité par l’Office national du film (ONF) Thurs 11:00am, 1:00pm, 3:00pm (Club SAW) Fri 11:00am (Club SAW) Sat 1:00pm, 3:00pm, 5:00pm (Club SAW) Sun 11:00am, 1:00pm, 3:00pm, 5:00pm (Club SAW) jeudi, le 15 octobre, 11h00, 13h00, 15h00 (Club SAW) vendredi, le 16 octobre, 11h00 (Club SAW) samedi, le 17 octobre, 11h00, 13h00, 15h00 (Club SAW) dimanche, le 18 octobre, 11h00, 13h00, 15h00 (Club SAW) Stereoscopic cinema is a medium in the making, emerging as one of the most exciting developments in today’s cinema. As the technology matures and audience expectations develop, immersive 3D will become integral to design and narrative and will create powerful, visceral experiences; part cinema and part performance.Building on a long-standing tradition of experimentation and artistry, the NFB Animation Studios present a collection of stereoscopic works that celebrate 3D as an evolving storytelling medium. The program features a range of styles and techniques, from the short film Falling In Love Again (2003), made with a high-tech IMAX technology called SANDDE(tm) (Stereoscopic Animation Drawing Device), to Facing Champlain (2008) a mixed media live action drama and animation hybrid. Média en gestation, le cinéma stéréoscopique témoigne d’une des percées actuelles les plus spectaculaires du septième art. Alors que la technologie mûrit et que les attentes du public montent d’un cran, la technologie immersive 3D englobera désormais la conception et le récit et créera des effets puissants, viscéraux, à mi-chemin entre le cinéma et la performance. Forts d’une longue tradition d’expérimentation et de production artistique, les Studios d’animation de l’ONF présentent une série d’oeuvres stéréoscopiques qui font l’éloge du 3D, ce média du récit en plein essor. Au programme, une gamme de styles et de techniques allant du court métrage Falling In Love Again (2003), issu d’une technologie de pointe IMAX baptisée SANDDE^MD (Stereoscopic Animation Drawing Device), à Facing Champlain (2008), un hybride multimédia mêlant les scènes réelles, la fiction et l’animation.

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Creating impressive masterpieces*

PricewaterhouseCoopers is proud to support this year’s Ottawa International Animation Festival recognizing leaders in the world of animation.

*connectedthinking © 2009 PricewaterhouseCoopers LLP. All rights reserved. “PricewaterhouseCoopers” refers to PricewaterhouseCoopers LLP, an Ontario limited liability partnership, or, as the context requires, the PricewaterhouseCoopers global network or other member firms of the network, each of which is a separate and independent legal entity. 5779-0909

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special presentations The Art of 2D: Walt Disney Animation Studios, The Princess and the Frog

The Making of Coraline

Pixar animation studios

Featuring Eric Goldberg, Supervising Animator Walt Disney Animation Studios return to hand drawn animation will feature a discussion with Supervising Animator, Eric Goldberg about the art of 2D Animation featuring moments from the upcoming movie, The Princess and the Frog. The setting is in the great city of New Orleans and features a modern twist on a classic tale, featuring a beautiful girl named Tiana, a frog prince who desperately wants to be human again, and a fateful kiss that leads them both on a hilarious adventure through the mystical bayous of Louisiana (www.disneyanimation.com)

Walt Disney Animation STudios

GALA - PASSHOLDER PRIORITY PRIORITÉ AUX TITULAIRES DE LAISSEZ-PASSER Friday, October 16, 6:30pm (Museum of Civilization) vendredi, le 16 octobre, 18 h 30 (Musée des Civilisations) Award-winning director Henry Selick (Nightmare Before Christmas, James and the Giant Peach) will be on hand to discuss LAIKA’s stunning new feature Coraline with Jerry Beck (Looney Tunes: The Ultimate Visual Guide). Learn more about the technical and artistic challenges of making this groundbreaking film. The first stop-motion feature to be conceived and photographed in stereoscopic 3D, Coraline was written and directed by Selick.

The Making of Pixar’s Partly Cloudy

Games Beyond Genre: The Independent Gaming Scene

Saturday, October 17, 1:00pm (National Gallery) samedi, le 17 octobre, 13 h 00 Where do babies come from? Peter Sohn answers this question in his directorial debut in the new Pixar Animation Studios short film, Partly Cloudy. Sohn will talk about the creation of a Pixar short film from start to finish and the challenges of growing an idea. With a behind-the-scenes look into production details, Sohn will talk about the tools he learned from working on other films that helped him make Partly Cloudy.

Saturday, October 17, 7:00pm (National Gallery) samedi, October 17, 7:00pm (National Gallery) This year the OIAF is joining forces with IndieCade, a likeminded organization that focuses on independent games and works to cultivate innovation and artistry in interactive media. Join IndieCade organizer Sam Roberts for a panel discussion with several independent gamemakers. The process of making games and their meaning will be discussed. The panel will also look at how to design and exploit rule sets to create emotion, gameplay, and message. Attendees will leave with a sharpened understanding of the work indie gamemakers do, and of the critical and theoretical space behind developing games.

The Story of Pixar’s Up, with Ronnie Del Carmen

A Conversation With David Silverman

Mechanics and Metaphor: Designing Independent Games

Saturday, October 17, 6:30pm (Museum of Civilization) samedi, le 17 octobre, 18 h 30 (Musée des Civilisations) Where do you get your ideas, is an often asked question that Ronnie del Carmen, story supervisor for Up, will answer on behalf of Pete Docter and his fellow Pixar storytellers. Ronnie will discuss the process of telling the story of Disney-Pixar's Up through story reels, images of the team's excursion into the wilds of Venezuela, and extensive studies of characteristics and behaviors of dogs and oversized birds, among other things! In addition, he will also profile the life and times of story artists in feature animation at Pixar as they strive to make the best movie they possibly can. As a bonus, Ronnie will also share a special sneak-preview screening of a bonus short film slated to release with the Up DVD in this fall.

Saturday, October 17, 3:00pm (Museum of Civilization) samedi, le 17 octobre, 15h00 (Musée des Civilisations)

Sunday, October 18, 11:00am (National Gallery) dimanche, October 18, 11:00am (National Gallery) This year the OIAF is joining forces with IndieCade, a likeminded organization that focuses on independent games and works to cultivate innovation and artistry in interactive media. Join IndieCade organizer Sam Roberts for a panel discussion with several independent gamemakers. The process of making games and their meaning will be discussed. The panel will also look at how to design and exploit rule sets to create emotion, gameplay, and message. Attendees will leave with a sharpened understanding of the work indie gamemakers do, and of the critical and theoretical space behind developing games.

A one on one conversation with this key member from the team behind the Simpsons. Silverman directed 22 episodes, has won four Emmys® and is the director of the The Simpsons Movie. Une conversation en tête-à-tête avec ce membre clé de l’équipe derrière les Simpson. Silverman a réalisé 22 épisodes et a remporté quatre Emmys® et il est le réalisateur du film long-métrage: The Simpsons Movie.

OIAF 2009 festival reader | FIAO 09 lecteur du festival

Juries

International Jury for Short Film Competitions

International Jury for School Showreel and Feature Film Competition

Amid Amidi is a Manhattan-based author, critic, historian and entrepreneur. His recent book, "Cartoon Modern: Style and Design in Fifties Animation" (Chronicle Books) won the prestigious 2006 Theatre Library Association Award for best English-language book about film and television. He is the co-founder of CartoonBrew.com, the most highlytrafficked animation blog on the Internet. His Ottawa 2009 goal: avoid all physical altercations with the city's oafish club bouncers.

Thomas Meyer-Hermann was born in Cologne, Germany in 1956 and studied graphic design and animation at the Academy of Arts in Stuttgart from 1977 to 1984. In 1989 he founded the well-known Studio FILM BILDER, currently celebrating it's 20th anniversary. Since 1980, Thomas has directed six prize-winning shorts. Studio Film Bilder has established itself as the go-to company in Germany for both traditional hand-drawn animation and computer-generated images. The studio has produced many award-winning films, including multiple-award winner The Runt, 2008's The Bunjies, which won honorable mention in the Best Television Animation Made for Children category (dirs. Andreas Hykade & Ged Haney) here at the OIAF, and 2000's Ring of Fire, that year's OIAF Grand Prix winner. Meyer-Hermann has also been a professor of animation at the Academy of Arts in Kassel Germany since 2000, while also giving guest seminars around the world from DFFB Berlin to the Queensland College of Art in Brisbane and the Netherlands Institute for Animation Film in Tilburg.

Jim Blashfield is known for his innovative work in animation, live-action, and combinations of the two. He is the recipient of a Grammy, a Cannes Golden Lion, and several MTV awards for the groundbreaking photo-based animated music videos his studio created for Talking Heads, Joni Mitchell, Paul Simon, Peter Gabriel, Michael Jackson, Tears for Fears, and others in the late 1980s. More recent work includes The Lone Ranger, with music by Bill Frisell, "Dream of the Scarlet Crustaceans" (a 44 ft. by 4 block long animated video installation), and "The Tasseled Loafers," a live-action/animation collaboration with the Oregon Symphony, Gus Van Sant, Chel White, and Joan Gratz. In 2006, Blashfield completed production on the stop-motion film Bunnyheads, and Pancreas, a music video for Weird Al Yankovic. He is currently finishing the short More Evidence for the Existence of an Archetypal Goat King and the multiplescreen public art installations "Hydropoetics" and "The Equilibrium Chamber." Suzan Pitt's works have pushed the boundaries of the animated film form, thriving in both the art world and in television, theatrical, and festival venues. She has had major exhibitions at the Whitney Museum of American Art, the Holly Solomon Gallery in New York, and the Stedlijk Museum in Amsterdam. She has designed two operas in Germany, which were the first operas to include animated images for the stage ("Damnation of Faust", and "The Magic Flute"). In addition, Pitt has created two large multi-media shows -- at the Venice Biennale and at Harvard University. Her animated films have won many prizes worldwide including first prize at the Atlanta Film festival and the Oberhausen Short Film Festival, along with the International Critic's prize, winning Best Short Film at the Naples Film Festival and the GOLDEN GATE AWARD at the San Francisco International Film Festival, and First Prize for Animation at the Morelia International Film Festival, Ojai Film Festival, and many others. Suzan Pitt currently teaches experimental animation at the California Institute of the Arts. She lives in Los Angeles, Mexico, and at her remote cabin in the Upper Peninsula of Michigan.

Born in 1967 in the Netherlands, Christa Moesker is a professional animator who studied graphic design at the Academie of Art Minerva in Groningen, the Netherlands, from which she graduated in 1993. Her first film, Sientje (1997) received both critical acclaim and awards from around the world. Since then, Moesker has been working as a freelance animator for different TV productions and film, while also designing characters and backgrounds for museums and educational 2D games. Marie-Josèe Saint-Pierre is an independent French Canadian filmmaker based in Montreal, Quebec. Her work demonstrates new approaches to documentary film, blurring the lines between documentary and drama. The awardwinning director and film animator has directed several short animation and documentary films including Post-Partum, Passages, and McLaren's Negatives (2007 JUTRA award winner for best animated film). She founded MJSTP Films, an animation and documentary production company, in 2004 ( www.mjstpfilms.com ). She is currently directing and producing her first feature-length animated documentary film, called Femelles, while also developing a film about Claude Jutra with the National Film Board of Canada.

kids jury The prizes for Kids Competition – TV and Kids Competition – Shorts are selected by our Kids Jury. In early fall, local children, ages 9 to 14, submit an essay about their favourite animated character. From these essays, two juries are selected. Each jury is responsible for viewing the films in either the TV or Short Film categories; they deliberate and work together to select the winner, and present the prizes at the closing ceremony.

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VIDEO INTERVIEWS

Andrew Jones (visual artist - VJ)

Bill Plympton (animator)

John Perry Barlow (cyberlibertarian)

Yannis Mallat (Ubisoft Montreal)

Alexa Vega - Darren Bousman (REPO)

Dave Stevens (MySpace Canada)

Michele Cournoyer (ONF-NFB)

Richard Vincent (Kutoka Interactive)

David Blyth (film director - New Zealand)

Biren Ghose (Kahani World)

Martine Kounouyan (digital artist - VJ)

Mathieu Raynault (matte artist RODEO FX)

www.lienmultimedia.com/video

Elu ilma Gabriella Ferrita (Life Without Gabriella Ferri) | Priit Pärn & Olga Pärn | Estonia Mai Mai Shinko to Sennen no Maho (Mai Mai Miracle) | Sunao Katabuchi | Japan

COMMISSIONED ANIMATION COMPETITION MUSIC VIDEO Mary and Max | Adam Elliot | Australia My Dog Tulip | Paul Fierlinger & Sandra Fierlinger | USA

Peripetics | Jamie Raap & Henrik Mauler | UK Postalolio | Marv Newland | Canada & USA

The Bellows March | Eric Dyer | USA Twist of Fate | Karen Aqua | USA

A Recipe For Disaster | Eric Hayes | Canada All The Time | Benjamin Woodyard | Canada

Did U see that? | Yuri Rhee, Ha Jung Kim, Hyun Jung Lee & Pual Kim | South Korea

TELEVISION ANIMATION MADE FOR ADULTS Bowery | Gary Leib | USA History of the Meat Packing District | Gary Leib | USA

Hot Seat | Janet Perlman | USA Madagascar, carnet de voyage (Madagascar, A Journey Diary) | Bastien Dubois | France

Roadrunner | Zachary Wong | USA The Paper Prince | Hamish Lambert | Canada

The Terrible Thing of Alpha-9! | Jake Armstrong | USA True Confessions | Ian Miller | USA

FILMS AND VIDEOS MADE FOR CHILDREN SHORT ANIMATION MADE FOR CHILDREN

STUDENT ANIMATION COMPETITION HIGH SCHOOL ANIMATION

MGMT 'Kids' | Christy Karacas & Ray Tintori | USA Miles Kurosky 'Dog in a Burning Building' | Fran Krause & Will Krause | USA

PROMOTIONAL ANIMATION

independent short films competition narrative short

TOM 'Tom's Band' / 'Tom and the Nice Family' | Andreas Hykade | Germany

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feature competition

Mary and Max [2008] Adam Elliot Australia | 35mm | 92:24 Animated Feature – Clay Wed., October 14, 7:00pm (ByTowne Cinema) Sat., October 17, 11:00am (Empire Theatres - Rideau Centre) Sun., October 18, 1:00pm (Empire Theatres - Rideau Centre) Spanning 20 years and two continents, Mary and Max tells of a pen-pal relationship between two very different people: Mary Dinkle (Collette), a chubby, lonely 8-year-old living in the suburbs of Melbourne, Australia; and Max Horovitz (Hoffman), a severely obese, 44-year-old Jewish man with Asperger’s Syndrome living in the chaos of New York City.

My Dog Tulip [2009] Paul Fierlinger & Sandra Fierlinger My Dog Tulip Company LLC | USA | 35mm | 83:00 Animated Feature – 2D Computer (TVPaint) Thurs.,October 15, 1:00pm (Empire Theatres - Rideau Centre) Fri., October 16, 7:00pm (ByTowne Cinema) Sat., October 17, 9:15pm (Empire Theatres - Rideau Centre) The true account of a middle-aged man’s adopting an Alsatian dog he named Tulip. To his surprise, she turned out to be the love of his life, the ideal companion he had been searching for in vain for years.

$9.99 [2008] Sponsored by The Embassy of Israel Tatia Rosenthal Sherman Pictures & Lama Films | Israel & Australia | 35mm | 75:07 Animated Feature – Clay Fri., October 16, 10:00am (ByTowne Cinema) Sat., October 17, 7:00pm (Empire Theatres - Rideau Centre) Sun., October 18, 3:00pm (Empire Theatres - Rideau Centre) The daily life of the inhabitants of a building who are all confronted with the quest of the meaning of life...

Elu ilma Gabriella Ferrita (Life Without Gabriella Ferri) [2008]

Coraline

[2009] Henry Selick LAIKA | USA | 35mm | 100:00 Animated Feature – Puppets Thurs., October 15, 3:00pm (Empire Theatres - Rideau Centre) Thurs., October 15, 7:00pm (Empire Theatres - Rideau Centre) Sat., October 17, 6:45pm (ByTowne Cinema) Coraline is the first stop-motion feature to be conceived and photographed in stereoscopic 3D. Written and directed by Henry Selick (The Nightmare Before Christmas, James and the Giant Peach), Coraline is based on the novel by Neil Gaiman. The movie includes the voices of Dakota Fanning (War of the Worlds, Man on Fire, I Am Sam), Teri Hatcher (Desperate Housewives), Ian McShane (Deadwood), John Hodgman (The Daily Show) and comedy duo Dawn French and Jennifer Saunders. Coraline debuted February 6, 2009.

Priit Pärn & Olga Pärn Eesti Joonisfilm | Estonia | 35mm | 43:47 Animated Feature – 2D Computer Thurs., October 15, 5:00pm (Empire Theatres - Rideau Centre) Sat., October 17, 5:00pm (ByTowne Cinema) A dramatic story about love, locked doors, a faceless thief, a wounded stork, a lost laptop and virtual prostitutes the O’Key sisters... There is no Gabriella Ferri, but there is almost a happy ending.

Mai Mai Shinko to Sennen no Maho (Mai Mai Miracle) [2009]

Sunao Katabuchi Madhouse Ltd. | Japan | 35mm | 95:15 Animated Feature – Cel Thurs., October 15, 7:00pm (ByTowne Cinema) Fri., October 16, 7:00pm (Empire Theatres - Rideau Centre) Sat., October 17, 1:00pm (Empire Theatres - Rideau Centre) It is 1955, when the expression “We can no longer call it post-World War II” came into existence; an exciting time for everyone, when Japan was rushing into a period of explosive economic growth.

Edison and Leo

[2008] Neil Burns Perfect Circle Productions & Infinity Features | Canada | 35mm | 76:00 Animated Feature – Puppets Thurs., October 15, 5:00pm (ByTowne Cinema) Fri., October 16, 9:15pm (Empire Theatres - Rideau Centre) In your typical family, the father is not a magnetic, amoral and womanizing genius, the deceased mother is not immortalized by a 12-metre metallic replica, the youngest son does not have electricity literally crackling through his veins, and the older son – together with his robotic wiener dog, Pickle - does not pledge to overthrow the entire family order.

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short competition 2

Sponsored by/ Commandité par Nelvana

Wednesday, October 14, 9:15pm (ByTowne) – GALA Saturday, October 17, 11:00am (ByTowne)

MGMT 'Kids' [2009] Christy Karacas & Ray Tintori | USA | Digital | 6:11 Music Video – Live Action, 2D Computer Childhood fears come alive in this video for MGMT's hit song, Kids.

The Paper Prince

[2009] Hamish Lambert | Canada | Digital | 5:47 High School Animation – Flash A young man, having a particularly bad day at work, realises that he is not exactly happy with his life as it is.

Daniel's Journey

Love on the Line [2008] G Melissa Graziano | University of California at Los Angeles (UCLA) | USA | Digital | 5:00 Graduation Animation – Cut-outs Follow the dots and dashes to a time before the Internet, even before telephones, when star-crossed lovers had to curb their raging hormones using the quickest form of communication available: the telegraph.

True Confessions

The Seed [2008] Johnny Kelly | Nexus | UK | Digital | 2:10 Promotional Animation – Cut-outs A beautiful short animation of the journey taken by a humble apple seed through the natural cycle of life.

Dried Up

Birth

[2009] Signe Baumane | Pierre Poire Productions | USA & Italy | 35mm | 12:00 Narrative Short – 2D Computer andCel Amina is 17 and pregnant. Afraid to give birth, she goes to older women for consolation and advice, but their stories scare her even more.

The Passenger [2009] Julie Zammarchi | USA | Digital | 7:00 Narrative Short – 2D Computer, Cel & Flash While traveling toward her own demise, a woman sees visions and memories unravel before her.

Sarah [2009] Caroline Attia | Z Animation | USA | Digital | 1:00 Promotional Animation – 2D Computer The main events in a little girl’s life are depicted through the duration of time elapsed for every event, from her birth up to her untimely end.

The Art of Drowning

Vaihdokas (Changeling)

Git Gob [2008] Philip Eddolls | National Film Board of Canada | Canada | Digital | 1:33 Narrative Short – Other Two beings discover another universal perspective through deep, meaningful dialogue. This life-changing realization spawns from a simple but perplexing hole in the ground.

[2008] Leena Jääskeläinen | Edith Film | Finland | Digital | 14:40 Narrative Short – 2D Computer A threat enters the beautiful world of a new-born baby and its mother.

[2009] Luis Zamora Pueyo | Luis Zamora Pueyo | Spain | 35mm | 14:18 Narrative Short – 2D Computer Daniel, a 13 year-old boy, has always thought his Dad doesn’t love him. When his Mum and Sister leave home and don’t come back he knows his Dad is the one to blame.

[2009] Ian Miller | University of the Arts | USA | Digital | 1:25 Undergraduate Animation – 2D Computer A true confession from a drug addict.

[2009] Isaiah Powers, Stuart Bury & Jeremy Casper | Kansas City Art Institute | USA | Digital | 6:09 Undergraduate Animation – 2D Computer, Animated Objects &Puppets A man does what he knows he must do to bring life to a town, even though others tell him it is pointless.

[2009] Diego Maclean | Emily Carr University | Canada | Digital | 2:07 Undergraduate Animation – Cel, Ink on Paper & Rotoscope Based on a poem by Billy Collins, a film that ponders what awaits us at the end of the line.

Q&A [2009] Mike Rauch & Tim Rauch | Rauch Brothers Animation | USA | Digital | 3:40 Narrative Short – 2D Computer, Pencil on paper, Mixed Media In February 2006, 12-year-old Joshua Littman, who has Asperger's Syndrome, interviewed his mother Sarah at StoryCorps. Their one-of-a-kind conversation covered everything from cockroaches to Sarah's feelings about Joshua as a son.

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short competition 2 Thursday, October 15, 9:15pm (ByTowne) –GALA Saturday, October 17, 1:00pm (ByTowne) jeudi, le 15 octobre, 21h15 (ByTowne) – GALA samedi, le 17 octobre, 13h00 (ByTowne)

Sponsored by/ Commandité par Pipeline Studios Inc.

Philippe Blanchard, Julian Grey, Dale Hayward & James Paterson | Head Gear Animation | Canada | Digital | 0:24 Promotional Animation – Cel Stop-Motion, 2D Computer &Pencil on Paper Milk Dots is an ad campaign that extols the benefits of drinking milk by presenting its virtues in a series of irreverent and sometimes insane spots.

Roadrunner [2009] Zachary Wong | USA | Digital | 3:10 High School Animation – Live Action, Stop Motion A bored young suburbanite dreams of skating through the streets, using only her shoes.

Hot Seat

Comcast 'Anthem 60' [2009] Alan Smith & Adam Foulkes | Nexus | UK & USA | Digital | 1:00 Promotional Animation – 3D Computer With a memorable folk ditty spelling out the surprisingly catchy refrain, ‘C.O.M.C.A.S.T,’ and encouraging the mantra of ‘Dream Big,’ this is a technicolour world where anything goes.

Milk Dots Compilation 'Teeth' [2008]

Madagascar, carnet de voyage (Madagascar, A Journey Diary) [2009] Bastien Dubois | Sacrebleu Production | France | 35mm | 11:30 Television Animation for Adults – 3D Computer Famadihana, custom Malagasy, which means 'reversal of the deaths,' gives place to important festivities, to dances and sacrifices of zebus, but demonstrates especially the importance of the ancient's cult in the Malagasy society.

[2008] Janet Perlman | Acme Filmworks | USA | 35mm | 7:00 Television Animation for Adults – 2D Computer A tale of life in the office told comically through an animated world of rabbits and their carrots.

Steve Angel, Isaac King & Paul Parvulescu | Head Gear Animation | Canada | Digital | 0:24 Promotional Animation – 3D Computer,Cel, Cut-outs & Pencil on Paper Milk Dots is an ad campaign that extols the benefits of drinking milk by presenting its virtues in a series of irreverent and sometimes insane spots.

Twist of Fate [2009] Karen Aqua | Karen Aqua | USA | 35mm | 8:40 Experimental/Abstract Animation – Pastel on paper This experimental film expresses the transformative experience of being diagnosed with a life-threatening illness.

Milk Dots Compilation 'Eyes' [2008] Steve Angel, Julian Grey & Isaac King | Head Gear Animation | Canada | Digital | 0:24 Promotional Animation – 2D Computer,Cel, Cut-outs, Pencil on Paper & Cel Stop-Motion Milk Dots is an ad campaign that extols the benefits of drinking milk by presenting its virtues in a series of irreverent and sometimes insane spots. Each spot was developed using a different animation technique and visual style.

Lögner (Lies) [2008] Jonas Odell | FilmTecknarna Animation | Sweden | 35mm | 13:30 Narrative Short – Animated Objects, Pencil on Paper, Cuts-outs & Rotoscope Three perfectly true stories about lying.

The Astronomer's Dream

[2009] Malcolm Sutherland | Independent | Canada | Digital | 11:30 Narrative Short – 2D Computer When a hungry astronomer falls asleep while working on a problem, he discovers a solution not in outer space, but in the surreal food-chain of his subconscious mind.

The Universe Cotton [2008] Ray Lei | Tsinghua University, Academy of Fine Arts | China | Digital | 4:38 Graduation Animation – 2D Computer, Flash & Ink on paper The story is a narration of a pseudoscience on a cotton plantation. The protagonist waters the cotton with music and love, resulting in such a great harvest that sky is the only way for the cotton to go.

Pellet Gunn

Danko Jones 'King of Magazines' [2008]

[2008] Tim Beckhardt | Rhode Island School of Design | USA | Digital | 2:37 Undergraduate Animation – 2D Computer, Ink on paper & Photocopies A dog, a Cyclops, and others kill some time with the help of wormholes and hobbyist self-modification.

Nullsleep 'Dirty ROM Dance Mix' [2009]

Stieg Retlin | Plasticflesh | USA | Digital | 3:59 Music Video – 2D Computer & Flash A crew of party people toss a rave on the moon, and then bend space-time.

Milk Dots Compilation 'Bones' [2008]

Nick Cross & Dave Cooper | Do It For Me Productions | Canada | Digital | 3:55 Music Video – 2D Computer Mimi Wobbly and her friends have some explosive, jiggly fun at a Chinese restaurant.

Yellow Belly End [2009] Philip Bacon | National Film and Television School | UK | Digital | 8:47 Graduation Animation – 2D Computer, 2D Drawing & Rotoscoping An enormous cliff top, blue sky, multiple deaths, and a man keeping a meticulous note of it all.

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short competition 3 Sponsored by/ Commandité par Seneca Animation Arts Centre Thursday, October 15, 3:00pm (ByTowne) Friday, October 16, 9:15pm (ByTowne) ) – GALA Friday, October 16, 9:45pm (Arts Court Theatre) Sunday, October 18, 11:00am (ByTowne) jeudi, le 15 octobre, 15h00 (ByTowne) vendredi, le 16 octobre, 21h15 (ByTowne) – GALA vendredi, le 16 octobre, 21h45 (Arts Court Theatre) dimanche, le 18 octobre, 11h00 (ByTowne)

[2009] Dustin Lincoln | Kansas City Art Institute | USA | Digital | 4:20 Undergraduate Animation – 2D Computer A lonely artist travels the city, not knowing what his purpose is. It takes a coffee lady to show him what his work is all about.

All The Time [2009] Benjamin Woodyard | Canterbury High School | Canada | Digital | 4:34 High School Animation – Cut-outs, Motion Capture & Ink on paper A character’s actions reflect the words of the song All the Time.

The Bellows March

U2 'I'll Go Crazy If I Don't Go Crazy Tonight' [2009]

Please Say Something [2009] David OReilly | David OReilly Animation | Ireland & Germany | Digital | 10:00 Narrative Short – 3D Computer A troubled relationship between a cat and mouse, set in the distant future.

Baader-Meinhof-Komplett

Must Drink More Milk

Mak the Horny Mac Daddy

Pears or Aliens [2008] Ray Lei | Tsinghua University, Academy of Fine Arts | China | Digital | 4:07 Graduation Animation – 2D Computer, Flash & Ink on paper A grotesque battle for the safety of the Earth.

David OReilly | Colonel Blimp | UK & Ireland |Digital | 4:15 Music Video – 3D Computer Several characters decide to give up on their routines and make a change in their lives.

(The Baader Meinhof Kit) [2009] Till Penzek & Jon Frickey | SFA | Germany | Digital | 2:10 Narrative Short – 2D Computer The German terrorist group Red Army Fraction came to movie theatres in 2008 in the action-filled Baader Meinhof Komplex. German movie star Moritz Bleibtreu is Andreas Baader. If you’d like to be like Andreas (or Moritz) yourself, all you need is this merchandising set, turning the "German Autumn" into a summer sale. [2009] Ian Miller | University of the Arts | USA | Digital | 1:07 Undergraduate Animation – Pencil on paper Mak is a horny guy and nothing will get in the way of his goals.

[2009] Eric Dyer | Ride Pictures | USA | Digital | 5:00 Experimental/Abstract Animation – Cinetropes Anthropomorphized concertinas play out a Sisyphean cycle of destroy-create-destroy.

[2009] Rob Shaw, Solomon Burbridge, Paul Harrod, Randy Wakerlin & Jun seo Hahm | Bent Image Lab | USA | Digital | 7:03 Promotional Animation – 2D Computer, 3D Computer, Animated Objects, Cut-outs & Puppets A collection of short shorts in which, through unconventional methods, we learn why we must drink more milk.

Cottonballs [2008] Igor Coric & Sheldon Lieberman | Bigfish.TV | Australia | Digital | 1:15 Music Video – Flash If you can dance with cottonballs, you can do anything.

Myth Labs [2008] Martha Colburn | Filmbank New World | Netherlands | Digital | 7:30 Experimental/Abstract Animation – Animated Objects Myth Labs interweaves Puritan visions, folk art, religious allegories, and victims of the current Methamphetamine epidemic.

History of the Meat Packing District [2008]

OXFAM 'Face the Music'

The Black Dog's Progress

Miles Kurosky 'Dog in a Burning Building'

Gary Leib | Twinkle LLC | USA | Digital | 1:01 Television Animation for Adults – 2D Computer & Pencil on paper A cartoon history of the Meat Packing District of NYC, part of an ongoing commission from the New York Times. The series is called Concrete Jumble, and each short animation explores a different New York City neighbourhood. Stephen Irwin | UK | Digital | 3:15 Narrative Short – 2D Computer & Ink on paper A series of flipbooks tell the sad story of the Black Dog.

Shot in the Dark

[2008]

[2009] Ian Gouldstone | Sound Films | UK | Digital | 2:30 Promotional Animation – 2D Computer A graphic, musical take on climate change and its unequal impacts on humanity.

[2009] Fran Krause & Will Krause | Krause Brothers | USA | Digital | 2:30 Music Video – 2D Computer, 3D Computer, Animated Objects, Cut-outs, Flash, Ink on Paper, Pixilation, Puppets &Cel An animated music video for Miles Kurosky's song, Dog in a Burning Building.

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short competition The 3: continued Terrible Thing of Alpha-9! [2009] Jake Armstrong | School of Visual Arts | USA | Digital | 5:45 Undergraduate Animation – 2D Computer & Flash A space bounty-hunter travels to a lonely planet to kill a terrible monster.

short competition 4 Saturday, October 17, 3:00pm (ByTowne) – GALA Sunday, October 18, 1:00pm (ByTowne) samedi, le 17 octobre, 15h00 (ByTowne) dimanche, le 18 octobre, 13h00 (ByTowne)

Peripetics

[2008] Jamie Raap & Henrik Mauler | Zeitguised | UK | Digital | 3:20 Experimental/Abstract Animation – 3D Computer A piece in six acts that each entail an imagination of disoriented systems that take a catastrophic turn, including the evolution of educational plant-body-machine models and liquid building materials

Did U see that?

Son of Dino-Orange [2008] Lansing Bruce Robertson | Independent | Canada | Digital | 5:00 Narrative Short – Animated Objects & Motion Capture Two Good Guys and The Skipper return from 2007's DINO-ORANGE (How Birds Fly). This time adventure beckons on a mysterious island, but is there love in the air? Apologies to the original King Kong.

Dialogue [2008] Judith Poirier | Canada | Digital | 4:12 Experimental/Abstract Animation – Letterpress Print on film Bringing together two different disciplines: print and cinema.

Gemeinschaft

Inukshuk [2008] Camillelvis Thery | Sip animation | France | 35mm | 8:45 Narrative Short – Ink on paper On the last polar day, on the singing ice, little man Inuk and the playful bear see their white universe transformed into the black ocean of a wide-eyed whale.

[2008] Ozlem Akin | Istanbul Bilgi University | Turkey | Digital | 3:48 Undergraduate Animation – Puppets The transformation of causeless habits into taboos.

[2009] Yuri Rhee, Ha Jung Kim, Pual Kim & Hyun Jung Lee | Korea Animation High School | South Korea | Digital | 5:05 High School Animation – Pencil on paper One silent night, a man wakes up and finds himself surrounded by water. Furniture and appliances float around his room while he remains at a loss.

Kaki King 'Air and Kilometers'

Turn your event into a masterpiece The National Gallery of Canada is world-renowned for its magnificent collections and stunning architecture. Consider the hosting your next event in one of the Gallery's exquisite event spaces and treating your guests to a private viewing of the highlights of our spectacular permanent collection or special exhibitions.

Invite your guests to explore the finest collection of Canadian art Contact the Special Events Office at (613) 991-0000 or at spevents@gallery.ca or book one of our unique guided tours through our Group Tour Reservations at (613) 990-4888 or at reservations@gallery.ca

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380, Sussex Drive, Ottawa ON K1N 9N4 www.national.gallery.ca

[2008] Ingrid Brooker | Ingrid K Brooker | Australia | Digital | 4:17 Music Video – Animated Objects A journey through an eclectic, immersive world of maps, pin wheels, and inky clouds to complement the perpetual motion of Kaki’s music.

Lebensader [2009] Angela Steffen | Filmakademie Baden-Wuerttemberg | Germany | 35mm | 6:00 Graduation Animation – 2D Computer A little girl finds the whole world in a leaf. Bowery [2008] Gary Leib | Twinkle LLC | USA | Digital | 1:41 Television Animation for Adults – 2D Computer & Pencil on paper A cartoon history of the Bowery in lower Manhattan, part of an ongoing commission from the New York Times. The series is called Concrete Jumble, and each short animation explores a different New York City neighbourhood. Dahlia [2008] Michael Langan | Langan Films and Slamdance Film Festival | USA | Digital | 3:00 Experimental/Abstract Animation – Animated Objects & Pixilation A moving portrait of the bustle and permanence of a city, Dahlia juxtaposes the stable forms and patterns of life with the frenetic behaviour of humanity, set to a driving score of vocal percussion. OIAF 2009 festival reader | FIAO 09 lecteur du festival

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short competition Magic 4: continued Cube and Ping-Pong

[2009] Ray Lei | Tsinghua University, Academy of Fine Arts | China | Digital | 4:07 Graduation Animation – 2D Computer, Flash & Ink on paper The story takes place in the city of Magic Cube, where people’s heads are made of magic cubes.

BBC 'Journey to the East'

Nick Idents [2008] Ljubisa Djukic, Ole Keune & Bettina Vogel | Dyrdee Media GmbH & Co. KG | Germany | Digital | 0:15 Promotional Animation – 2D Computer To build a story around convincing orange objects was a challenge, but once that was achieved the other two Nick colors, white and green, worked into the design naturally. This helped to give the spots a unique style while maintaining the brand.

Kaasündinud Kohustused

Laïka [2009] Guillaume Blanchet | Cheap Production | Canada | Digital | 2:56 Promotional Animation – Animated Objects Laïka was a Russian female dog. She also was picked to be the first Earthling ever sent to space - in 1957, aboard Sputnik II. What history often forgets is that the poor bitch died in the process.

[2008] Pete Candeland, Jamie Hewlett & Rob Valley | Passion Pictures | UK | Digital | 2:00 Promotional Animation – 3D Computer & Pencil on paper This is a spot for the BBC's coverage of the Beijing Olympic Games, which is based on the traditional Chinese folklore 'Journey to the West'.

(Inherent Obligations) [2008] Rao Heidmets | OÜ Nukufilm | Estonia | 35mm | 10:00 Narrative Short – 3D Computer, Pixilation & Puppets A new artistic approach to our nearest future, where the media plays an increasingly greater role in the arrangement of social life.

WWF 'Because We Are All Connected' [2009]

Celyn Brazier | Nexus | UK | Digital | 0:40 Promotional Animation – 2D Computer An llustration of the absolute reliance and connectedness of our world’s ecosystem with a wheel of life, inspired by animation from classic children’s TV programmes of years gone by.

Le Tiroir et le Corbeau (The Drawer and The Crow) [2009]

Frédérick Tremblay | Canada | Digital | 14:00 Narrative Short – Puppets A young woman imposes on a young man trying to forget another girl...

N.A.S.A. 'A Volta' [2009] Alexei Tylevich | Logan | USA | Digital | 4:20 Music Video – 3D Computer Another day, another drug deal gone wrong in this NC-17 bit of ultra violence set in 8bit isometric metropolis. Darfur Drawings PSA

[2009] Bruce Alcock | Global Mechanic | Canada | Digital | 1:00 Promotional Animation – Live action, Crayon, Type, Ink on Paper & Pencil on Paper Children's drawings from Darfur tell the awful story of a child's death at the hands of the Janjaweed

Laska (Chick)

[2008] Michal Socha | Platige Image | Poland | Digital | 5:03 Graduation Animation – 2D Computer & 3D Computer A humorous true-life story about male-female relations. Infatuation and its consequences are depicted in a ironic way: meeting a guy, dancing, having fun, a sexual act.

The Soliloquist [2008] Ma Kuang Pei | Tainan National University of the Arts | Taiwan | 35mm | 6:05 Graduation Animation – 2D Computer, Ink on paper & Pencil on Paper A heartbroken man had receives letters and packages with the wrong addressee. Unable to return those letters, he started to read them… and fell in to a fictitious love with an imaginary character.

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short competition 5 Sponsored by / Commandité par Chuck Gammage Animation Thursday, October 15, 1:00pm (ByTowne) Saturday, October 17, 9:15pm (ByTowne) – GALA Saturday, October 17, 9:45pm (Arts Court) Sunday, October 18, 3:00pm (ByTowne) jeudi, le 15 octobre, 13h00 (ByTowne) samedi, le 17 octobre, 21h15 (ByTowne) – GALA samedi, le 17 octobre, 21h45 (Arts Court) dimanche, le 18 octobre, 15h00 (ByTowne)

Unnatural History of Wallstreet [2008]

Gary Leib | Twinkle LLC | USA | Digital | 1:00 Television Animation for Adults – 2D Computer & Pencil on paper A cartoon history of Wallstreet, NY, part of an ongoing commission from the New York Times. The series is called Concrete Jumble, Each short animation explores a different New York City neighbourhood.

A Recipe For Disaster [2009] Eric Hayes | Westmount Charter School | Canada | Digital | 2:45 High School Animation – Clay & Puppets Set in rural France, the short story of a French baker who encounters numerous troubles as he gets ready for work.

Vive la Rose

Runaway

Wallace and Gromit: A Matter of Loaf and Death [2008]

[2009] Cordell Barker | National Film Board of Canada | Canada | 35mm | 9:10 Narrative Short – Other What would happen if the world were a driverless train thundering recklessly over bumpy tracks?

[2008] Bruce Alcock | National Film Board of Canada & Global Mechanic | Canada | Digital | 4:50 Narrative Short – 2D Computer, 3D Computer, Artworking & 2D Motion Capture The tale of a tragic love story set in Newfoundland. When illness takes the woman he loves, a simple man raises his voice in melancholy song as a last farewell.

Nick Park | Aardman Animations Ltd. | UK | Digital | 29:00 Narrative Short – Clay Wallace and Gromit have opened a new bakery – Top Bun – and business is booming, not least because a deadly Cereal Killer has murdered all the other bakers in town.

Man Up [2009] Edward Barrett | Royal College of Art, Animation | UK | Digital | 6:50 Graduation Animation – 2D Computer Up, left, right, round and round, but not down.

Köögi Dimensioonid (Kitchen Dimensions) [2008]

Priit Tender | Eesti Joonisfilm | Estonia | 35mm | 18:18 Narrative Short – 2D Computer Three orchestrated journeys to the unseen dimensions of an ordinary kitchen.

Audi 'Unboxed' [2009] Russell Brooke & Aaron Duffy | Passion Pictures, 1st Ave Machine | UK | Digital | 1:00 Promotional Animation – 2D Computer, 3D Computer &Pencil on paper The film opens on a large cardboard box in the middle of an empty room. An animated character, which is drawn onto the surface of the box, is engaged in the painstaking construction of a mysterious object. Postalolio [2008] Marv Newland | International Rocketship Limited | Canada & USA | 35mm | 5:02 Experimental/Abstract Animation – Watercolour Animated in traditional 2D pencil animation, traced onto blank, watercolour postcards, painted and mailed, every frame of POSTALOLIO traveled through the international post. United Airlines 'Butterfly'

[2008] Aleksandra Korejwo | USA | Digital | 0:30 Promotional Animation – Coloured salt Butterfly was directed by Aleksandra Korejwo who uniquely animates using coloured salts manipulated with the use of a condor feather and then shot directly under a camera. The spot advertises for United Airlines.

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kids competition: short films Sponsored by / Commandité par Nelvana Saturday, October 17, 11:00am (Museum of Civilization) – GALA Sunday, October 18, 11:00am (Museum of Civilization) samedi, le 17 octobre, 11h00 (Musée canadien des civilizations) – GALA dimanche, le 18 octobre, 11h00 (Musée canadien des civilizations)

Enter the Sandbox [2008] Kevin Adams | Starz Animation | Canada | Digital | 2:30 Short Animation Made for Children – 3D Computer Two toddlers who are playing in a sandbox get into a fight over a toy. The fight is through their imaginative points of view, as an ever-escalating over-the-top kung fu anime battle. Nicolas & Guillemette [2009] Virginie Taravel | Haikouk Film | France | Digital | 9:34 Short Animation Made for Children – 3D Computer In a shop that sells small characters made from plastic cords, Nicolas the Little Musician is the only fully finished one. He wakes up one day and decides to build Guillemette the Little Dancer.

Colchique [2008] Jean-Luc Greco | Les Films à Carreaux | France | 35mm | 10:00 Short Animation Made for Children – Puppets A poetic and melancholy evocation of a few fleeting moments in the life of Fernand, a little boy living with his mother, Josette, his aunt, Louise, and a playful dog, Colchique. Pravdivaya istoriya o trekh porosyatakh (The True Story of the Three Little Pigs) [2008] Konstantin Bronzit | Weston Woods Studios and Remir Productions | Russia | Digital | 8:00 Short Animation Made for Children – 2D Computer & Cut-outs This classic story is provocatively recounted from the point of view of the wolf, bringing viewers the true tale of this much maligned character.

The Mouse That Soared [2009] Kyle Bell | Kyle Bell | USA | Digital | 5:45 Short Animation Made for Children– 3D Computer A famous flying circus mouse reflects back on his humble beginnings in this highaltitude adventure in aerodynamics.

Pittanko! [2008] Motohiro Shirakawa | KOO-KI | Japan | Digital | 5:00 Short Animation Made for Children – 3D Computer Kattan and Chicchi are elementary school children of the school of shapes. One day, they break an important shape of their teacher Mr. Sun. Prick och Fläck snöar in (Spot and Splodge in Snowstorm) [2009] Uzi Geffenblad & Lotta Geffenblad | Zigzag Animation | Sweden | Digital | 8:00 Short Animation Made for Children – Other It snows outside and Spot and Splodge run about building a snowman, having a snowball fight, and making angels.

Les Escargots de Joseph (Josephs' Snails) [2009]

Sophie Roze | JPL Films | France | 35mm | 11:48 Short Animation Made for Children – Puppets Joseph is an introverted and timid little boy who collects snails.

A Film About Poo

[2009] Anne Wilkins & Emily Howells | Emily & Anne | UK | Digital | 1:30 Short Animation Made for Children – 2D Computer, Animated Objects, Cutouts, Flash, Pencil on Paper, Rotoscope & Ink on paper People make poo. They also make wee. These things can be quite fun, but what happens after that is the really important bit. This little film is here to remind you: it is about poo, and the things that you should and shouldn't do...

Katakombo

[2008] Michael Zamjatnins | Michael Zamjatnins Animationsfilm | Germany | 35mm | 7:17 Short Animation Made for Children – 2D Computer & Pencil on paper A girl loses her goldfish in the sewage system. On an adventurous exploit, she tries to save it and ends up finding a friend who lives down in the underground canals.

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kids competition: TV

aturday, October 17, 1:00pm (Museum of Civilization) – GALA Sunday, October 18, 1:00pm (Arts Court Theatre) samedi, le 17 octobre, 13h00 (Musée canadien des civilizations) – GALA dimanche, le 18 octobre, 13h00 (Cour des arts – théâtre)

Ben and Holly's Little Kingdom 'Daisy and Poppy' [2009] Mark Baker & Neville Astley | The Elf Factory | UK | Digital | 10:00 Television Animation Made for Children – 2D Computer Holly, a young Fairy Princess, is still learning how to fly and her magic doesn’t always go quite according to plan.

TOM 'Tom's Band' / 'Tom and the Nice Family'

[2008] Andreas Hykade | Studio Film Bilder | Germany | Digital | 10:00 Television Animation Made for Children – 2D Computer & Flash The further adventures of Tom and The Slice of Bread with Strawberry Jam and Honey.

Sesame Workshop 'Umbrella' [2008] Isaac King | Head Gear Animation | Canada | Digital | 0:51 Television Animation Made for Children – 2D Computer Two soggy boys must learn to share an umbrella.

Lost and Found [2008] Philip Hunt | Studio AKA Ltd | UK | Digital | 24:00 Television Animation Made for Children – 3D Computer A magical tale of loneliness and friendship based on the award-winning book by Oliver Jeffers. Sesame Workshop 'Birds' [2008] Julian Grey | Head Gear Animation | Canada | Digital | 1:26 Television Animation Made for Children – 2D Computer Birds of a different feather flock together when they realize blue and yellow make green. My Friend Rabbit 'Snowed Under' [2009]

Jason Groh | Nelvana Ltd. | Canada | Digital | 11:00 Television Animation Made for Children – 2D Computer The wide-eyed adventures of Mouse and Rabbit, best friends through thick and thin. Based on Eric Rohmann’s Caldecott Gold Medal winning book.

The Wonder Pets! 'Help the Monster'

[2008] Jennifer Oxley | Nickeloddeon & Little Airplane Productions | USA | Digital | 11:30 Television Animation Made for Children – 2D Computer & Cut-outs The Wonder Pets get a call from an unhappy Baby Monster who is throwing a tantrum and knocking over buildings in her toy city!

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Workshops Writing for Preschool and Comedy Animation $40.00 for the general public / $15.00 for passholders Thursday, October 15, 11:00am to 2:00pm (Arts Court – Theatre) Join Gemini® award-winning writer Ian James Corlett for an intensive television animation writing workshop. This 3-hour event is designed to give writers in an in-depth look at creating first rate programming for today’s highly competitive children’s entertainment market. Presenter: Ian James Corlett, President VS WERKS Intro to Animation Acting 'Drill', with Stevie Vallance Thursday, October 15, 7:00pm (Arts Court – Theatre) Emmy Award recipient Voice Director, Stevie Vallance, focuses on having F-U-N by falling on your butt in this 2-hour 'Introduction to Animation Acting' workshop. Audition monologues and improvisational exercises are provided by Stevie as she shares some of the techniques that prove that making creative choices comes from 'heart and soul' and that the 'mistakes' are what give birth to the brilliance that will land YOU the part. Her fun, fastpaced style makes Stevie one of North America's most sought after Teachers and Casting/Voice Directors. Presenter: Stevie Vallance, Casting/ Voice Director/Producer, Tooned In! Workshops How to be Pitch Perfect in The Imperfect World of Animation Development. Saturday, October 17, 11:00am (Arts Court – Theatre) There's so many misconceptions, myths, and madness clouding up the reality of what it really takes to develop, pitch, and sell an animated project. Utilizing his own ten year experience in the pitching world, along with candid advice from successful creators and leading development executives alike, author and animation director David B. Levy has put together the first useful book on the subject: Animation Development: From Pitch to Production (Allworth Press). Join us

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for a stellar industry panel on the insand-outs of pitching today and be sure to bring your questions too. Followed immediately by a book signing event. Presenter: David B. Levy, Author, Animation Producer Stereoscopic Cinema: A Medium in the Making Saturday, October 17, 11:00am (Club SAW) New technologies, immersive audience experiences and a spirit of experimentation are fuelling the fervour around 3D cinema today, and animation films are leading the pack. What makes Stereoscopy appealing to filmmakers and to animators especially? How does it work? What are some of the tools and techniques of the day? A panel of filmmakers and 3D experts present their work and discuss the joys and challenges of this developing medium. Presenter: The National Film Board (NFB) An Organic Approach to Effects Animation Saturday, October 17, 1:00pm (Arts Court – Theatre) Joseph Gilland will discuss the various elements most commonly referred to as ‘special effects’ in the old school classical animation sense of the terminology, drawing directly from his book. This includes all liquids, (a vast topic all on its own, with countless subsets of categories which I will discuss) fire and smoke, explosions, electricity, fireworks, sparks, magical ‘pixie dust’, spirits, storms, lightening, volcanoes, earthquakes, etc. Joseph will discuss the inter-related nature of many effects elements, such as smoke, water vapour, clouds, explosions and dust, all completely different effects but with very similar physics and design principles. Next up is the fundamental energy patterns that underlie all effects animation, and the extreme importance of understanding and feeling this energy’s path of action, and dissipation to final resolution. What is an ‘organic’ approach to animating special effects? Joseph Gilland will discuss the classical technique of drawing and understanding special effects animation at great length. Presenter: Joseph Gilland

The Making of 9 Saturday, October 17, 3:00pm (Arts Court – Theatre) The making of “9" - How this unique Animated Movie was made; in 9 easyto-follow-steps. Toronto based 'Starz Animation' worked for an intense 18 months to realize Shane Acker's vision for the movie '9'. '9' is a large, rich and technically complicated action-packed movie that pushes the creative expectations for an Animated Movie. Produced on a tight schedule and tighter budget, making '9' was a unique experience. Presenters: Kevin Adams, Art Director, Starz Animation and Matthew Teevan, Head of Production, Starz Animation funding indie films in canada Sunday, October 18, 3:00pm (Arts Court – Theatre) Few independent artists have the resources to fund their own films and must scrape together enough money to make their vision come alive. This discussion will explore the different funding sources that will take your idea off the page and onto the screen. Discover where to find money in Canada, what makes a strong proposal, finding an appropriate grant and what opportunities and disadvantages these grants pose.

Host of the OIAF Closing Night Party 11pm–2am

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international showcase 1

Jazzed

[2008] Anton Setola | Lumière & NIAF & Euroanima | Belgium & Netherlands | 35mm | 7:00 Narrative Short – 2D Computer Jazzed incites the audience on an introspective journey by pushing the main character, Jack, to release his most mysterious, profound and imperceptible emotions.

Friday, October 16, 11:00am (National Gallery) Free for high school groups Friday, October 16, 9:15pm (National Gallery) vendredi, le 16 octobre, 11h00 (Musée des beaux-arts) GRATUIT pour les groupes de lycée vendredi, le 16 octobre, 21h15 (Musée des beaux-arts)

Insano Jazz

[2009] Hélio Coelho | Instituto Marlin Azul | Brazil | Digital | 5:00 Experimental/Abstract Animation – Ink on paper The film shows a random story, which illustrates the soundtrack: a free jazz.

The Phantom of the Cinema

Jelly Fishers [2009] Steven Subotnick | USA | Digital | 6:45 Narrative – Pencil on paper A family of hungry mole-creatures depend on the generosity of jellyfish.

He's Barack Obama [2009] Evan Spiridellis & Gregg Spiridellis | JibJab Media Inc. | USA | Digital | 3:11 Animation Short Made for the Internet – 2D Computer & 3D Computer IT'S A BIRD! IT'S A PLANE! It's JibJab's very first satire of President Barack Obama (and he's come to save the day)!

Der Da Vinci Timecode

The Royal Nightmare

(The Da Vinci Time Code) [2009] Gil Alkabetz | Sweet Home Studio | Germany | Digital | 3:00 Experimental/Abstract Animation – 2D Computer One picture is taken apart in order to create an animated film from its fragments. Different parts of this one picture, based on similar forms, allow us to discover secret movements.

[2008] Erik van Schaaik | il luster productions | Netherlands | 35mm | 10:46 Narrative Short – 2D Computer & 3D Computer When the film breaks, the light behind the screen is turned on and the audience is witness to the struggles of a cinema-owner, the lavatory attendant, and the technician.

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[2008] Alex Budovsky | Figli Migli Productons | USA | Digital | 3:40 Narrative Short – 2D Computer This animated short tells a story of an Evil King, whose life is turned into a nightmare by a pilgrim who constantly reappears by the Royal Tower and totally 8/20/09 ignores The 6:09 King. PM Page 1

Missed Aches [2009] Joanna Priestley | Priestley Motion Pictures & Microcinema International | USA | Digital | 4:00 Narrative Short – 2D Computer “Have you ever worked very horde on a paper for English clash, just to get a very glow raid? Proofreading your peppers is a matter of the the utmost impotence!” Golpe de espejo (Coup Mirror) [2008] Claudio Diaz | ICONOANIMA | Chile | Digital | 22:50 Narrative Short – Rotoscope Eight testimonies with a common background, the Palace of the Moneda, in which young people (born between 1973 and 1989) spontaneously answer questions on the era. Their answers conjure visual contexts of each era that transform into animated cycles. Through these sincere stories, we embark on an imaginary journey from individual pasts to a collective future. The Cat Piano

[2009] Eddie White, Ari Gibson & Jessica Brentnall | The People's Republic of Animation | Australia | 35mm | 8:28 Narrative Short – 2D Computer & 3D Computer A vibrant city of singing cats is preyed upon by a shadowy figure, intent on performing its own twisted feline symphony.

Le Dilemme du Beurre (The Butter Dilemma) [2009]

Fabrice Fouquet | TeamTO | France | Digital | 6:05 Narrative Short – 2D Computer & Pencil on paper The recipe of the bun disguised as a love story -- or is it the other way around?

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Film Animation Film Production Film and Moving Image Studies

THE MEL HOPPENHEIM SCHOOL OF CINEMA cinema.concordia.ca

international showcase 2 Friday, October 16, 5:00pm (ByTowne) Sunday, October 18, 1:00pm (National Gallery) vendredi, le 16 octobre, 17h00 (ByTowne) dimanche, le 18 octobre, 13h00 (Musée des beaux-arts)

Sparni un Airi (Wings and Oars) [2009] Vladimir Leschiov | LUNOHOD Animation Studio | Latvia | 35mm | 5:38 Narrative Short –Watercolour on paper, 2D Computer A former pilot looks back over his life - The Earth, the Sky, the Woman - everything that took place on the journey from an air strip to an abandoned boat house.

Juiced and Jazzed [2009] Justin Weber | MAKE, LLC. | USA | Digital | 2:25 Narrative Short – 2D Computer & Pencil on paper Wild jazz music and dance overcome a young flapper named Lulu in prohibition-era 1920's after she stumbles upon a flask.

L'homme à la gordini

Partly Cloudy [2009] Peter Sohn | Pixar Animation Studios | USA | 35mm | 5:47 Narrative Short – 3D Computer Everyone knows that the stork delivers babies, but where do the storks get the babies from? The answer lies up in the stratosphere, where cloud people sculpt babies from clouds and bring them to life.

Krokodill

[2009] Jean-Christophe Lie | Prima Linea Productions, Piste Rouge, Dingo | France | Digital | 10:00 Narrative Short – 2D Computer End of the 70’s, an imaginary suburb, the custom is to wear neither underwear nor trousers, only orange tops. With the help of a masked rebel driving a blue R8 Gordini, Mister R and his wife plot a radical clothing revolution and the assault of monochromic orange totalitarianism.

(Crocodile) [2009] Kaspar Jancis | Eesti Joonisfilm | Estonia | 35mm | 16:38 Narrative Short –Cel The story of a former opera star who must by the will of Fate work as a Crocodile in a Styrofoam costume entertaining children in the children’s playroom of a shopping centre.

Staty tverdym

(Become Firm) [2009] Stepan Koval | Novatorfilm | Ukraine | Digital | 16:00 Narrative Short – Puppets This is what can happen to a man who fails to be what he actually is.

French Roast [2008] Fabrice Joubert | Pumpkin Factory & Bibo Films | France | 35mm | 8:15 Narrative Short – 3D Computer In a fancy Parisian Café of the sixties, an uptight businessman is about to pay the check when he finds out that he's lost his wallet. To save time he decides to order more coffee... The Machine [2009] Rob Shaw | Bent Image Lab | USA | Digital | 5:00 Narrative Short – Animated Objects The Machine is an animated fable that follows an innocently forged creation as he becomes more and more determined to consume everything in his path. Une ville: une utopie réalisée (Utopia City) [2009]

Emmanuel Bellegarde | Première Heure | France | Digital | 4:25 Narrative Short – Motion Capture The city is seen the best utopia par excellence. But what is a city? In this piece, filmed entirely with live images, a series of questions and remarks build the portrait of the ideal city.

Consoul [2009] Lasse Gjertsen | Norway | 35mm | 12:00 Narrative Short – 2D Computer & 3D Computer A man's life told in 8-bit video game graphics.

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enjoy the Fesival

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canadian showcaseIntergalactic Who's Who 'The Thursday, October 15, 11:00am (ByTowne) Sunday, October 18, 5:00pm (ByTowne)

jeudi, le 15 octobre, 11h00 (ByTowne) dimanche, le 18 octobre, 17h00 (ByTowne)

Vegetation of Zig 5'

[2009] Warren Brown | Canada | Digital | 1:48 Narrative Short – 2D Computer A singing box explicates the relationship between his own existence and his facial hair.

Swiftly [2009] Cecilia Velasco | Canada & Mexico | Digital | 2:14 Undergraduate Animation – 2D Computer & Rotoscope Based on a poem by the same name written and narrated by contemporary Canadian poet Shane Koyczan. A flowing experiment with simple use of line and contrast, Swiflty transitions us through notions of fantasy, love and separation of a dreamer within a dream.

The Spine

The Man Who Slept

[2009] Inés Sedan | Sacrebleu Prod. & L’unité centrale & National Film Board of Canada | Canada | 35mm | 11:45 Experimental/Abstract Animation – Other A young woman lovingly gazes at her husband who sleeps day and night. But the sleeping body is nothing more than an increasingly oppressive memory.

Nanu [2009] Alex Donald | Sheridan Institute | Canada | Digital | 2:35 Graduation Animation – 2D Computer A red fox realizes his position in the food chain as he struggles to survive in the bitter cold.

Xing [2009] Michael Naphan | Bravo! FACT & Orange Shorts Productions | Canada | Digital | 6:00 Narrative Short – 3D Computer Two pairs of best friends meet on a lonely stretch of Northern Ontario highway.

Animal [2009]

Peggy Baker: Four Phrases

Hazed

[2009] Howie Shia | National Film Board of Canada | Canada | Digital | 5:25 Narrative Short – Other “A primary metaphor for dance is simply transformation,” explains Peggy Baker as her image dissolves into a flurry of loose contour drawings and ink splatters.

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BIGBOX SINGSONG 'Mustache'

[2009] Carol Beecher & Kevin D.A. Kurytnik | Fifteen Pound Pink Production | Canada | Digital | 1:34 Narrative Short – 2D Computer The Intergalactic Who's Who is a series of 1:30 minute animations, absurd sci-fi "documentaries" on various fantastical creatures from the wild desert planet of Zig 5.

[2009] Chris Landreth | National Film Board of Canada & Copperheart Animation & C.O.R.E. Digital Pictures | Canada | 35mm | 11:17 Narrative Short – Other Using a twisted, beautiful, and highly original visual aesthetic, The Spine looks at the ways individuals evolve, adapt, and break.

Clifford McArdle | Sheridan College | Canada | Digital | 1:30 Graduation Animation – 2D Computer One character's existence affects another character's survival.

[2009] Matt Hammill | Guru Animation Studio& Sheridan College | Canada | Digital | 2:05 Narrative Short – 3D Computer A naive smoke-spewing factory discovers the toxic side of his own existence. Can the factory conquer his guilt in time to save the world?

Time [2008] Kwan Ho Tse | Kwan Films | Canada | Digital | 4:09 Experimental/Abstract Animation – 2D Computer We time-lapse through the architectural history of Toronto seeing familiar landmarks from the first days of black-and-white photography transforming to fullcolour modern day.

Land of the Heads [2009] Cédric Louis & Claude Barras | National Film Board of Canada & Helium Films & Télévision Suisse Romande | Canada | 35mm | 6:08 Experimental/Abstract Animation – Other Emile is an unhappy little ogre, doing a job he detests, in a world plunged into perpetual gloom. He serves a despotic mistress who loathes wrinkles, in the most extreme way...

Pearl [2008] Neely Goniodsky | National Film Board of Canada | Canada | Digital | 1:27 Narrative Short – Other A lonely old lady is sitting in giant empty room knitting. Her thoughts wander and imbed her in a magical knitted jungle of her imagination.

Batmilk

Debt [2009] Mike Weiss | Delicious Nougat | Canada | Digital | 14:13 Narrative Short – 2D Computer, Clay & Puppets While on the hunt for lucky pennies, a boy discovers the significance of change.

Clear Conscience

[2008] Brandon Blommaert | National Film Board of Canada | Canada | Digital | 1:43 Narrative Short – Other We find our ghoul at the end of a magical journey. The ghoul, with its soft exposed brain, gets yanked into a hollowed out mountain where the brains’ soft shell is penetrated and killed.

[2009] Jeremy Diamond & Luke Gustafson | Smiley Guy Studios & Duopoly | Canada | Digital | 1:46 Narrative Short – 2D Computer & Flash Tells the story of one lone man doing his part to create a greener world. Based on the art of renowned illustrator Bruce McCall.

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student showcase

Saturday, October 17, 11:00am (National Gallery) Sunday, October 18, 1:00pm (Museum of Civilization) samedi, le 17 octobre, 11h00 (Musée des beaux-arts) dimanche, le 18 octobre, 13h00 (Musée des civilisations)

Tom N Jerry [2009] Jin Sung Choi | Academy of Art University, San Francisco | South Korea & USA | Digital | 10:49 Undergraduate Animation – 2D Computer & 3D Computer Tom chases Jerry messing around the airport. And Jerry does magic to make fun of Tom.

Gary [2008] Clément Soulmagnon, Sébastien Eballard, Quentin Chaillet & Yann Benedi | Supinfocom Valenciennes | France | Digital | 7:15 Graduation Animation – 2D Computer & 3D Computer Little Gary is in love with an older girl. He clones himself in an effort to seduce her, but the clone decides to act on his own.

A dada [2008] Hélène Astier, Mathilde Le Moal, Jia Jun Shen & Bruno Pontiroli | Supinfocom Valenciennes | France | Digital | 5:00 Graduation Animation –3D Computer A woman gives birth to a tree made with the process of cadavre exquis. A project inspired by the artistic movement Dada, where nonsense makes sense and creates poetry.

Fuzzy Insides [2009] Michaela Olsen | Rhode Island School of Design | USA | Digital | 5:10 Undergraduate Animation – Animated Objects & Puppets Take a peek into the secret nightlife of the suburbs. Four stop-motion vignettes portray relationships that develop romantically and sexually, with a touch of awkwardness.

The Note [2008] Kum-byul Hwangbo | Indiestory Inc. & Hongik University | South Korea | Digital | 3:31 Graduation Animation – 3D Computer It is written on the first page of my note, “I missed my mom when I was 4.”

Fouding or Not Fouding

[2008] Youlia Rainous | ENSAD - Nicolas Bauchard | France | Digital | 5:00 Graduation Animation – Pixilation Through this experimental project consisting of some playful tasting guided by a random animation, you are invited to explore untold and surprising sensations!

Underground Psycho

Visit

[2009] Kang Min Kim | California Institute of the Arts | USA & South Korea | Digital | 6:35 Undergraduate Animation – Animated Objects, Clay, Cut-outs, Paint on Glass & Puppets The main character, who comes from a rigid monotonous city, voyages through a dream-like place. He faces an unknown city in the middle of a huge sea.

Milovan Circus [2008] Gerlando Infuso | ensav la cambre | Belgium | Digital | 8:55 Graduation Animation – Puppets Lakov, a former star of the Milovan Circus, has reconverted into a modest mime. Illusion is the make-up he puts on his mask to remember his glorious past.

What I Found in Great Aunt Nell's Closet [2009]

Inner Tubes [2009] Tim Beckhardt | Rhode Island School of Design | USA | Digital | 5:02 Undergraduate Animation – 2D Computer & Pencil on paper A frank look at tube-hole relationships.

Mammal Planet [2009] Shih-Chen Lin | TNNUA Graduate Institute of Sound and Image Studies in Animation | Taiwan | Digital | 6:35 Graduation Animation – 2D Computer This is a modern parable about greed and desire.

Bookkeeper of the Universe [2009] Andrew Gallagher | Massachusetts College of Art and Design | USA | Digital | 4:30 Undergraduate Animation – Ink on paper An I.R.S. agent audits the Bookkeeper of the Universe.

Mellissa Bouwman | USC School of Cinematic Arts | USA | Digital | 2:00 Undergraduate Animation – 2D Computer A woman gains insight about her Great Aunt Nell when she finds an old mechanical peep box in her closet.

[2008] Jean-Michel Boesch, Stéphane Chung, Sophia Chevrier, Jeremy Paoletti & Stéphane Vlavonou | GOBELINS | France | Digital | 1:30 Graduation Animation – 3D Computer A deserted subway station. A killer, a witness, a victim, a culprit?

RAAH

[2009] Sanjay Jangir | In the Name of Love & National Institute of Design | India | Digital | 7:00 Graduation Animation – 2D Computer & Pencil on paper A handicapped village boy who left his home is sitting near a railway track waiting for a morning train. While waiting, he remembers his village life, and hallucinates – with birds flying around him.

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for powerful financial incentives and pixel-perfect talent! Employing nearly 256,000 people among 5,900 technology companies in the Greater Toronto Area, Ottawa Region, Waterloo Region, City of London and Niagara Region, the Ontario Technology Corridor offers one of the world’s best educated, motivated and stable workforces.

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The Ontario Technology Corridor presents excellent growth opportunities to digital media/gaming companies, a low-risk business environment, and generous R&D tax credits that are the envy of other G-8 countries. Ontario economic incentives along with Canadian federal tax credits can cut the after tax cost of every $100 spent in R&D to less than $42.

Ontario Technology Corridor

Go Ontario Technology Corridor for pixel-perfect talent! Over the past five years nearly every film nominated for a special effects Oscar has used Ontario-developed technology. Digital media graduates from Ontario Technology Corridor colleges and universities are also prized employees at companies like Pixar Animation Studios, Electronic Arts Inc., The Walt Ontario Interactive Digital Media Tax Disney Co., and Microsoft Corp.

Go Ontario for powerful financial incentives!

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Credit – refunds 20% of production costs •

Ontario Computer Animation and Special Effects Tax Credit – 20% of labour costs

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Ontario Sound Recording Tax Credit – 20% of production/marketing costs

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Ontario Media Development Corporation (OMDC) Video Game Prototype Initiative – up to $500,000

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OMDC Interactive Digital Media Fund – up to $100,000

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Next Generation of Jobs fund – 15% of total project investment

And employment in Ontario’s entertainment and creative cluster is growing at a remarkable rate of 38% a year.

Targeted government programs The Ontario Media Development Corporation (OMDC), an agency of the Ministry of Culture, is the central catalyst for the province’s culture media cluster. Ontario government programs targeted at the digital media/gaming sector include: the Interactive Digital Media Fund, the Video Game Prototype Initiative, and the Entertainment and Creative Cluster Partnerships Fund. For more information on what Ontario has to offer, please visit www.ontariotechnologycorridor.com.

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11/09/09 7:25 AM

tac canadian TV showcase Thursday, October 15, 3:00pm (Arts Court Theatre) Friday, October 16, 11:00am (Arts Court Theatre) jeudi, le 15 octobre, 15h00 (Cour des arts -théâtre) vendredi, le 16 octobre, 11h00 (Cour des arts -théâtre)

Jimmy Two-Shoes 'Jimmy Gets A 'Stache'

[2008] Sean Scott & Jeff Barker | Breakthrough Animation, Teletoon & Jetix Europe | Canada & UK | Digital | 22:00 Television Animation Made for Children – Harmony What happens when you take an irrepressible, thrill-seeking optimist and plunk him down in Miseryville, the most miserable place on Earth?

Rollbots 'Crontab Trouble' [2008] George Elliott & Joey So | Amberwood Productions (Rollbots) Inc. & Elliot Animation | Canada | Digital | 23:12 Television Animation Made for Children – 3D Computer Spin’s rough day goes from bad to worse when he realizes his whole life is stuck in a loop, repeating the same four minutes over and over again! Leon 'Seagulls'

[2008] Ghislain Cyr & Annie Groovie | Sardine Productions Inc. | Canada | Digital | 1:00 Television Animation Made for Children – Flash The hottest Cyclops around! Leon is a character who lives in his own universe, constantly on the lookout for fun.

Busytown Mysteries 'The Numbered Papers Mystery'

[2008] Larry Jacobs | Cookie Jar Entertainment | Canada | Digital | 11:00 Television Animation Made for Children – Animated Objects Based on the classic stories of Richard Scarry, follow the adventures of Huckle and Sally Cat, Lowly Worm, Hilda Hippo, Pig Will, Pig Won’t and more as they put their minds together to solve the many daily mysteries of Busytown.

STOKED 'Welcome to Paradise, Dudes!' [2009] Faruk Cemalovic | Fresh TV | Canada | Digital | 23:00 Television Animation Made for Children – 2D Computer The groms report for duty at Surfer’s Paradise Resort, stoked for the summer of their lives! But their dreams of catching 24-7 waves are quickly met with the heinous reality of working at a tourist-y summer resort.

Kid vs Kat 'Search and De-Toy' [2008] Josh Mepham, Greg Sullivan & Rob Boutilier | Studio B Productions, YTV & Jetix Europe | Canada | Digital | 11:00 Television Animation Made for Children – Flash When 10-year old Coop’s spoilt little sister Millie brings home a mysterious stray cat, his idyllic life is turned upside-down.

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for teens FREE! TEEN HANDS-ON WORKSHOPS/ ATELIERS PRATIQUES POUR ADOS Presented by the National Film Board of Canada/ Présenté par l’Office national du film Pre-registration required / Inscription à l’avance requise (613-232-8769)

Saturday, October 17, 9:30am to 12:30pm (Arts Court Library) samedi, le 17 octobre, 9 h 30 à 12 h 30 (Cour des arts – bibliothèque) Create Magic! – Using sand and paper cutouts, you will invent an animated story on light tables. La magie de l’animation! – Création d’histoires animées sur tables lumineuses. Technique mixte (sable/papier dé coupé) Saturday, October 17, 1:30pm to 4:30pm (Arts Court Library) samedi, le 17 octobre, 13 h 30 à 16 h 30 (Cour des arts – bibliothèque) Post-sync 101 – Make your clay puppet speak up! Post-synchro 101 – Faites parler votre marionette d’argile.

FREE! ADOBE TOON APPRENTICE PASS/ GRATUIT! LAISSEZ-PASSER D’APPRENTI ANIMATEUR ADOBE

Saturday, October 17, 9:00am to 6:00pm (all venues) samedi, le 17 octobre, 9 h 00 à 18 h 00 The Festival is free for teens all day Saturday (9:00am to 6:00pm). Just pre-register for a FREE Adobe Toon Apprentice pass by visiting www.animationfestival.ca or calling 613.232.8769. There will also be a limited number of passes available at our Reception in the Arts Court during the Festival. Le Festival est gratuit pour les ados toute la journée (samedi, 9 h 00 a 18 h 00). Inscrire à l’avance pour obtenir un laissezpasser GRATUIT en allant au www.animationfestival.ca ou en appelant au 613.232.8769. Un nombre limité de laissezpasser seront disponibles.

ANIMATION SCHOOL FAIR WITH SCHOOL PRESENTATIONS/ FOIRE DES ÉCOLES D’ANIMATION AVEC PRÉSENTATIONS

Friday, October 16, 9:45am to 4:30pm (National Gallery) vendredi, le 16 octobre, 9 h 45 à 16 h 30 (Musée des beaux-arts) If you are interested in a career in animation, this is the ideal event for you. See presentations by animation schools from across the country, meet one-on-one with school representatives at their information tables in the lobby and catch two specially programmed screenings. Pre-register your group by calling 613.232.8769 Si une carrière en animation vous intéresse, voici l’évènement idéal. Voyez des présentations données par des écoles d’animation de partout au pays, rencontrezseul à seul leurs représentants à leurs tables d’information dans le hall d’entrée et voyez deux projections spécialement programmées. Inscrivez votre groupe à l’avance en appelant au 613.232.8769.

Schedule/ Programme:

9:45am–10:15am Mel Hoppenheim School of Cinema 10:30am–11:00am Sheridan College 11:00am–12:30pm Free Screening: International Showcase 1 1:00pm–1:30pm Algonquin College 1:45pm–2:15pm Vancouver Film School 2:30pm–3:00pm Durham College 3:00pm–4:30pm Free Screening: Quebec Animation Also participating/ Également participant: •Bachelor of Information Technology (Carleton University/ Algonquin College) •Herzing College, Ottawa

Meet the Makers – 6TEEN

Sunday, October 18, 11:00am (Arts Court – Theatre) dimanche, le 18 octobre, 11 h 00 (Cour des arts – bibliothèque) Ever wondered why Jonesy can’t keep a job, Jude’s so laid back and the clones are so annoying? Creators of the TELETOON hit series, 6TEEN give fans a behind the scenes look at the creation of show with a sneak peek of an upcoming episode from the final season plus an audience Q&A. Presenters: Tom McGillis, Athena Georgaklis, Jennifer Pertsch

TOON APPRENTICE WEBSITE/ SITE INTERNET POUR LES APPRENTIS ANIMATEURS

MADE POSSIBLE THROUGH A GENEROUS GRANT FROM THE ONTARIO TRILLIUM FOUNDATION/ QUI A ÉTÉ RENDU POSSIBLE GRÂCE À UN DON GÉNÉREUX OFFERT PAR LA FONDATION TRILLIUM DE L’ONTARIO What is a Toon Apprentice? A Toon Apprentice is anyone For teens, it’s information about animation schools, a of school-age who is interested in animation: watching it, place to register for the FREE Toon Apprentice Pass and learning about it and making it. Now, you can find out recommendations for the best screenings at the festival. all you ever wanted to know about animation at your very Podcasts of special Toon Apprentice programming will be own website. available for viewing in 2010. For kids, it’s about festival programming for families, where to go for FREE hands-on workshops and, in the near-future, fun games, activities and video.

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for kids & family MEET THE PUPPETS FROM CORALINE!/ RENCONTREZ LES MARIONNETTES DE CORALINE!

A free family event./ Evénement familial gratuit Sunday, October 18, 10am Museum of Civilization – Theatre lobby Dimanche 18 octobre, 10 h 00 Musée canadien des civilisations — entrée du théâtre

FREE! FAMILY HANDS-ON WORKSHOPS/ GRATUIT! ATELIERS PRATIQUES POUR TOUTE LA FAMILLE

Presented by the National Film Board of Canada/ Présenté par l’Office national du film Pre-registration required / Inscription à l’avance requise (613-232-8769) Sunday, October 18, 9:30am to 12:30pm (Arts Court Library) dimanche, le 18 octobre, 9 h 30 à 12 h 30 (Cour des arts – bibliothèque) Waste No More – A green workshop where participants will animate all sorts of used materials Atelier Vert – Animation de matieres recuperées Sunday, October 18, 1:30pm to 4:30pm (Arts Court Library) dimanche, le 18 octobre, 13 h 30 à 16 h 30 (Cour des arts – bibliothèque) Create magic! – Using sand and paper cut-outs, you will invent an animated story on light tables. La magie de l’animation! – Création d’histoires animées sur tables lumineuses. Technique mixte (sable/papier dé coupe).

FREE! GRATUIT! TELETOON PYJAMBOREE

Saturday, October 17, 9:30am (Museum of Civilization) samedi, le 17 octobre, 9 h 30 (Musée des civilisations) We’re having a pyjama party and you’re invited! Come in your favourite jammies and enjoy a big bowl of cereal with your Saturday morning cartoons, all courtesy of TELETOON. Nous avons une soirée pyjama et vous êtes invités! Amenezvous dans votre pyjama favori et savourez un bon gros bol de céréales avec vos dessins animés du samedi matin, tout ça gracieuseté de TELETOON!

Qu’est-ce qu’un apprenti animateur? Un apprenti animateur est une personne d’âge scolaire qui s’intéresse au dessin animé, qui regarde des dessins animés, qui en apprend sur le dessin animé, qui crée des dessins animés. Vous pouvez désormais trouver sur un site internet tout ce que vous auriez voulu savoir sur le dessin animé. Le site internet dévoile la programmation du festival les activités prévues pour les enfants, pour les familles, où s’inscrire pour suivre des ateliers gratuits sur le dessin animé. Également, dans un avenir rapproché, le festival prévoit des

FREE! PIXELLATION DROP-IN WORKSHOP/ GRATUIT! ATELIER LIBRE DE PIXELLATION

Presented by the National Film Board of Canada Présenté par l’Office national du film Saturday, October 10, 10:00am to 4:00pm (Rideau Centre) samedi, le 10 octobre, 10 h 00 à 16 h 00 (Centre Rideau) This workshop is guaranteed to be fun for the whole family. You become the star of a pixellated film, with the final results sent to you via e-mail. Not to be missed! Cet atelier garantit du plaisir pour toute la famille. Vous devenez la vedette d’un film pixelixé, et le résultat final vous est envoyé par courriel. Ne manquez pas ça!

FREE! ANIMATION CELEBRATION / GRATUIT! CÉLÉBRATION DE L’ANIMATION

Presented by the National Film Board of Canada and the National Gallery of Canada / Présenté par l’Office national du film et la Musée des beaux-arts du Canada Pre-registration required/ Inscription à l’avance requise (613-232-8769) Thursday, October 15, 11:00am and 1:00pm (National Gallery) jeudi, le 15 octobre, 11 h 00 et 13 h 00 (Musée des beaux-arts) Animation Celebration offers Ottawa-area elementary school children (ages 6–12) an introduction to the art of animation. This year, we take a look at the work of NFB animator Cordell Barker. Best known for his film The Cat Came Back, Mr. Barker will be present to talk to students about making animation. La Célébration de l’animation offre aux élèves des écoles primaries de la région d’Ottawa (âgés de 6 à 12 ans) une initiation à l’art de l’animation. Cette année nous jetons un regard sur l’oeuvre de l’animateur de l’ONF Cordell Barker. Mieux connu pour son film The Cat Came Back, M. Barker sera sur place pour entretenir les étudiants de la façon de faire un film d’animation.

jeux divertissants, des activités de toutes sortes et des vidéos. Le site affiche des informations destinées aux adolescents au sujet des écoles d’animation, l’endroit où l’on peut obtenir gratuitement un laissez-passer d’apprenti animateur ainsi que des suggestions pour les meilleures représentations du festival. Nous voyons à cela en préparant une programmation podcast spéciale pour les apprentis animateurs qui sera disponible en 2010.

OIAF 2009 festival reader | FIAO 09 lecteur du festival

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family events schedule Saturday, October 10, 2009 10:00am to 4:00pm

FREE Pixellation Drop-In Workshop

Thursday, October 15, 2009

11:00am 11am/ 1pm/ 3pm 1:00pm 3:00pm/ 7:00pm 7:00pm

FREE Animation Celebration (Elementary schools) The Stereolab at the NFB: Exploring 3-Dimensions * FREE Animation Celebration (Elementary schools) Coraline (not recommended for very young children) Mai Mai Miracle (Japanese w/ English subtitles)

Friday, October 16, 2009

9:30am – 4:30 pm 11:00am 11:00am 1:00pm 7:00pm

FREE Animation School Fair (High Schools) * International Showcase 1 * The Stereolab at the NFB: Exploring 3-Dimensions * Québec My Love: Contemporary Indies from Quebec * Mai Mai Miracle (Japanese w/ English subtitles)

Saturday, October 17, 2009

9:00am – 5:00pm 9:00am (all day) 9:30am – 12:30pm 11:00am 1pm/ 3pm/ 5pm 1:00pm 1:00pm 1:30pm – 4:30pm 4:30pm 6:45pm 7:00pm

Animation School Fair @ The Animarket * Adobe ® Toon Apprentice Pass (pre-registration) * Free! Teens Hands-on Workshop (pre-registration) * Kids Competition – Short Films GALA The Stereolab at the NFB: Exploring 3-Dimensions * Kids Competition – TV GALA Mai Mai Miracle (Japanese w/ English sub-titles) Free! Teens Hands-on Workshop (pre-registration) * Book Signing: Ronnie del Carmen Coraline GALA (not recommended for very young children) Games Beyond Genre: The Independent Gaming Scene*

Sunday, October 18, 2009

9:00am – 12:00pm 9:30am – 12:30pm 10:00am 11:00am 11am/ 1pm/ 3pm/ 5pm 12:00pm 1:00pm 1:30pm – 4:30pm 3:00pm

Animation School Fair @ The Animarket * Free! Family Hands-on Workshop (pre-registration) Free Family Event: Meet the Puppets of Coraline Meet the Makers – 6Teen Kids Competition – Short Films The Stereolab at the NFB: Exploring 3-Dimensions * Book Signing: Janet Perlman Kids Competition – TV Free! Family Hands-on Workshop (pre-registration) Competition 5 (Featuring Wallace and Gromit)

THE ANIMARKET/ L’ANIMARCHÉ.

Centre Rideau Centre

National Gallery Club SAW National Gallery Empire – Rideau Bytowne

National Gallery National Gallery – Auditorium Club SAW National Gallery – Auditorium Empire – Rideau

Arts Court - Studio All venues Arts Court - Studio Museum of Civilization Club SAW Museum of Civilization Empire - Rideau Arts Court – Studio Arts Court – Studio Bytowne National Gallery

Saturday, October 17, 9:00am to 5:00pm (Arts Court - Studio) Sunday, October 18, 9:00am to 12:00pm (Arts Court - Studio) samedi, le 17 octobre, 9 h 00 à 17 h 00 (Cour des arts – studio) dimanche, le 18 octobre, 9 h 00 à 12 h 00 (Cour des arts – studio) All the leading animation schools will be waiting to meet with teens interested in pursuing a career in animation. If you are an animation professional looking for work – stop by and meet with the many recruiters in attendance. While you are there, browse our Aniboutique for books, DVDs, tshirts and more.

Toutes les écoles d’animation de première classe anticipent la rencontre des spectateurs adolescents qui veulent poursuivre une carrière en dessin animé. Pendant que vous y êtes, faites vos courses à l’aniboutique où vous pourrez trouver des livres, des t-shirts et bien d’autres choses.

arts court theatre

BACHELOR OF INFORMATION TECHNOLOGY CARLETON UNIVERSITY INTERACTIVE MEDIA AND DESIGN

Arts Court - Studio Arts Court – Library Museum of Civilization Arts Court – Theatre Museum of Civilization Club SAW Arts Court - Studio Arts Court Theatre Arts Court - Library ByTowne

*Screenings and activities for teens ages 13+; not recommended for children.

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OIAF 2009 festival reader | FIAO 09 lecteur du festival

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21 February 10-12, 2010 • Hilton NY, New York

Where the kids business connects

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Our special

$1,050 Preview Rate opens August 17 This is the lowest price we’ll oﬀer all year, so take advantage and add the savings to your client entertainment budget! MARQUEE SPONSOR

Go to kidscreensummit.com to register, or call Joel Pinto at 1-800-543-4512 *Oﬀer begins August 17, 2009. To qualify for the $1,050 Preview Rate, payment in full must be received by September 25, 2009. All pricing is in US dollars. Our full registration rate is $1,395. Workshops are an additional $395. © 2009 Brunico Communications Ltd. All rights reserved. 366 Adelaide Street West, Suite 500, Toronto, Ontario, Canada, M5V 1R9. Tel: 416-408-2300. Fax: 416-408-0870. ™KidScreen is a trademark of Brunico Communications Ltd. ™KidScreen Summit title, tagline and logo are trademarks of, and the event is produced by, Brunico Marketing Inc.

Parties

Festival Event: Saturday Night Party Sat., October 17, 11pm–2am Parliament Ultra Club, 151 George Street The Saturday Party moves to the market in style… Club style! Ascend the grand staircase and enter the luxury that is Parliament Ultra Club. Be sure to impress all your new contacts with your moves on the dance floor, or spend your time on the sidelines, snuggled in the couches or perched at a cocktail table in the balcony. It’s up to you! If you’re looking for a different party experience, get your hand stamped at Parliament Ultra Club and head over to The Drink nightclub at 130 George Street, or Fat Tuesdays at 62 York Street, where cover charges are waived for passholders until 12:30am.

Festival Event: Closing Night Party Sun., October 18, 9pm–1am Foundation Restaurant, 18-b York Street Foundation’s closing party will provide a sophisticated end to a rockin’ week. Lounge, chat, dance a little to the guest DJ and enjoy tasty bites and potent drinks; a super send-off for the 2009 Festival. Until next year…

Festival Event: Salon des refusés Party 2 NIGHTS! Thurs., October 15, and Fri., October 16, 11pm-2am Club Saw, 67 Nicholas Street (Arts Court Building side entrance) Sponsored by: LAIKA Stick it to the Festival at this screening that celebrates the films that didn’t make it into the Competition or Showcase. Pick your own selection of diamonds-in-the-rough from the films we couldn’t accept this year, and hang out all night for cheap drinks. Remember to bring your rejection letter and you’ll get a free drink on LAIKA.

Chez Ani Festival Lounge Wed., October 14 & Sun., October 18, 10:30am–9:00pm Thurs., October 15 to Sat., October 17. 10:30am–1:00am Arts Court Studio, 2nd floor, 2 Daly Avenue (next to the Rideau Centre and Novotel) Chez Ani is the place where filmmakers and fans alike can get together, socialize and do business. Whether stopping in early for a coffee, grabbing a bite, or ending the night with a quiet drink or two, Chez Ani can be your default place to hang while in Ottawa. Also a convenient and casual location for meetings about festival business. Cafe Menu: Baked goods, sweet and savoury snacks. Fair trade coffee/tea, latte, cappuccino, pop (all day). Beer, wine (evenings) Festival Event: Meet the Filmmakers (with Breakfast) Thurs.,-Fri., 9:30am – 11 am; Sat.,-Sun., 9am - 11am Arts Court Theatre, 2nd floor, 2 Daly Avenue (next to Rideau Centre and Novotel) Presented by: THE NATIONAL FILM BOARD OF CANADA Meet the Filmmakers is your chance to ask the filmmakers in competition your questions, exchange comments and share your opinions about films featured the night before. Moderated by representatives from the NFB.

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Opening Night Party | Soiree de Lancement du Festival

Salon des refuses – Programme (Club SAW)

Wed., October 14, 11:00 pm Métropolitain Brasserie, 700 Sussex Drive Sponsored by: ATOMIC CARTOONS, BIG JUMP PRODUCTIONS, and SKYWRITER ENTERTAINMENT Métropolitain is a Parisian style brasserie, located on the bustling corner of Sussex and Rideau. Start the festival off right with drinks, delicious canapés, while mingling with festival artists, industry reps and animation buffs. A sophisticated atmosphere complimented by two bars offering 18 different types of beer and 88 varietals of wine and champagne, Métropolitain offers something for everyone.

Thursday, October 15, 11:00pm jeudi, le 15 octobre, 11 h 00

Friday, October 16, 11:00 pm vendredi, le 16 octobre, 11 h 00

Nurturing Great Animation Worldwide

Festival Event: Animators’ Picnic Fri., October 16, 12pm–4pm Strathcona Park, 25 Range Road Sponsored by: SPINMASTER TOYS and EGGPLANT Picnic eats & drinks galore! Strathcona Park offers some of the best green space in the city, so rain or shine, come relax in the park under the big tent for this annual festival tradition. Show your mad creative skills in the annual pumpkin carving throw-down! Though heaters and an outdoor fireplace will be provided, come dressed for crisp autumn weather (a light jacket or sweater, thin scarf and/or gloves should do the trick). Picnic buses will leave the Bytowne Theatre at 11:30am, and after that will pick-up from the Arts Court building starting at 12:15. It’s a 20 min walk to the park from the Arts Court if you want some exercise.

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Boteler

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King Edward Park F o rs e y

Bolton

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MUSEUM OF CIVILIZATION

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Major’s Hill Park

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ARTS COURT/ SAW GALLERY

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BYTOWNE CINEMA

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NATIONAL GALLERY OF CANADA | MUSÉE DES BEAUX-ARTS DU CANADA 380 Sussex Drive | 380, promenade Sussex

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CANADIAN MUSEUM OF CIVILIZATION | MUSÉE CANADIEN DES CIVILISATIONS 100 Laurier Street, Gatineau |100, rue Laurier, Gatineau

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BYTOWNE CINEMA | CINÉMA BYTOWNE 325 Rideau Street at Nelson | 325, rue Rideau, coin Nelson

Derby

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EMPIRE THEATRES - RIDEAU | CINÉMAS EMPIRE 50 Rideau Street | 50, rue Rideau

SAW GALLERYand CLUB SAW 67 Nicholas Street | 67, rue Nicholas

ARTS COURT | COUR DES ARTS 2 Daly Ave at Nicholas., 2nd floor | 2, av. Daly (coin Nicholas), 2e étage

CHATEAU LAURIER HOTEL | HÔTEL CHÂTEAU-LAURIER 1 Rideau Street | 1, rue Rideau

PARLIAMENT ULTRA CLUB 151 George Street | 151, rue George

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Blackburn

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City Hall

Gloucester

University of Ottawa

Other Events

SIWA: STUTTGART’S INCREDIBLE WORLD OF ANIMATION Arts Court Library, Take Elevator A to the Second Floor Bibliothèque de la Cour des Arts. Prendre l’ascenseur A jusqu’au deuxieme étage Wednesday, October 14 – Sunday, October 18 mercredi, le 17 octobre – dimanche, le 18 octobre

MIMI WOBBLY AND FRIENDS Galerie La Petite Mort Gallery, 306 Cumberland Hours: Daily, 11:00am to 6:00pm Heures: 11 h 00 à 18 h 00 Saturday, October 17, 7 to 10:00pm – Vernissage samedi, le 17 octobre, 19 h 00 à 22 h 00 - Vernissage The exhibit centers around presentations of the animated music video created by Dave Cooper for Danko Jones, with a great selection of original design pencil sketches from the making of the piece and related pen & ink drawings and oil paintings of the main characters made especially for display at La Petite Mort. This exhibition also features artwork by the video’s award-winning director/animator, Nick Cross. Exhibit runs from Saturday, October 17 to Thursday, October 22. Cette exposition est axée sur des présentations du vidéo de musique animé créé par Dave Cooper pour Danko Jones, avec un grand choix d’ébauches originales au crayon tirés du processus de création de l’oeuvre, de dessins à l’encre et au crayon et des peintures à l’huile des principaux personnages faits spécialement pour exposition à La Petite Mort. Cette exposition comporte aussi des oeuvres du vidéaste-animateur primé, Nick Cross. L’exposition sera tenue du samedi 17 au jeudi 22 octobre.

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THE THREE TOONERS Cube Gallery, 7 Hamilton Ave. N Hours: Wed to Sun, 10:00am to 5:00pm Heures: mercredi au dimanche, 10 h 00 à 17 h 00 Thursday, October 8 – Sunday, November 1, 10am to 5pm jeudi, le 8 octobre – dimanche, le 1ier novembre, mercredi au dimanche, 10 h 00 à 17 h 00 The Three Tooners (Ian Jeans, Andrew King and Gord Coulthart) have a combined 80+ years in the animation world, from the 70s to the present. Stepping from animation to the commercial fine art world, their pieces comment on social structure, relationships, history, and day-to-day struggles of an ever changing world. In this exhibition they reproduce some of the seminal pieces from then (the old days of cartoon), and some of their new works showing where they have taken their influences into the now. Les trois animateurs (Ian Jeans, Andrew King et Gord Coulthart) comptent ensemble plus de 80 ans d’expérience dans le monde de l’animation, des années 1970 jusqu’à aujourd’hui. Passant du monde de l’animation à celui de l’art commercial, leurs oeuvres apportent un commentaire sur la structure sociale, les relations, l’histoire et les bagarres quotidiennes dans un monde en constante mutation. Dans cette exposition, ils reproduisent certaines des oeuvres qui ont fait école dans l’temps, c’est-à-dire la vieille époque des dessins animés, et certaines de leurs nouvelles oeuvres qui montrent où en sont leurs influences dans le maintenant.

Imported all the way from Germany, this special exhibit was a huge hit during the 2009 Stuttgart Festival of Animated Film. Comprised of a collection of animation film stills printed on canvas, this is a unique opportunity to examine the artists’ work up close and personal. Featuring stills from films by Phil Mulloy (Studio Film Builder), Andreas Hykade, Studio Soi, Anna Kalus and more. Special thanks to Tobias Wengert for making the work available to the OIAF. Importée tout droit d’Allemagne, cette exposition spéciale a connu un succès fou au Festival du film d’animation de Stuttgart 2009. Constituée d’une collection de clichés de films d’animation imprimés sur toile, elle donne l’occasion unique d’examiner l’oeuvre d’un artiste de près. Elle comprend des clichés de films par Phil Mulloy (Studio Film Builder), Andreas Hykade, Studio Soi, Anna Kalus et bien d’autres. Nous remercions tout spécialement Tobias Wengert de l’avoir mise à la disposition du FIAO.

VIEWING ON-DEMAND STATIONS POSTES DE VISIONNEMENT SUR DEMANDE Arts Court – Courtroom (Elevator A to 2nd floor) Cour des arts – Salle d’audience – (Ascenseur A, jusqu’au deuxième étage) Wednesday to Sunday, 9:00am to 6:00pm mercredi au dimanche, 9 h 00 à 18 h 00 Drop by and see some of the 2,185 films that were entered in this year’s Festival, or catch programs that you missed. Passez voir quelques-uns des 2,185 films qui ont été inscrits au Festival de cette année, ou rattrapez-vous sur les programmes que vous avez manqués.

MARTHA COLBURN & ALLYSON MITCHELL Galerie SAW Gallery, 67 Nicholas Ave Hours: Tues-Sun 11:00am-6:00pm Heures: mardi-dimanche 11 h 00 à 18 h 00 Thursday, October 15, 5:00pm to 7:00pm (Reception for OIAF Passholders ONLY Jeudi, le 15 octobre, 17 h 00 à 19 h 00 (Réception RÉSERVÉE aux titulaires du laissez-passer du FIAO.) This duo exhibition of work by Martha Colburn and Allyson Mitchell is organized and presented by Galerie SAW Gallery in collaboration with the Ottawa International Animation Festival. The exhibit runs from Thursday, October 15 to Sunday, November 15. Opening party for the public: Thursday, October 15, 7:00pm to 11:00pm, with DJ Rainville. Pay What You Can. Cash Bar. Cet exposition en duo des oeuvres de Martha Colburn et Allyson Mitchell est organisée et présentée par la Galerie SAW en collaboration avec le Festival international d’animation d’Ottawa. L’exposition se déroulera du jeudi 15 octobre au dimanche 15 novembre. Soirée de vernissage ouverte au public le jeudi 15 octobre, de 19 h à 23 h, avec le DJ Rainville. Vous donnez ce que vous pouvez. Bar payant.

ANIBOUTIQUE Arts Court Studio / Cour des arts - studio Wednesday October 14 – Saturday October 17, 9:00am to 9:00pm and Sunday, October 18, 9:00am to 5:00pm mercredi, le 14 octobre – samedi, le 17 octobre, 9 h 00 à 21 h 00 et dimanche, le 18 octobre, 9 h 00 à 17 h 00 Looking for the perfect souvenir? Look no further than the festival’s own bookstore for t-shirts, mugs, posters, water bottles and animation related books and DVDs. There’s a little something for everyone’s budget. Vous cherchez le souvenir parfait? N’allez pas plus loin que la librairie du Festival pour des t-shirts, des tasses, des affiches, des bouteilles d’eau, des livres portant sur l’animation et des DVD. Il y a un petit quelque chose pour tous les budgets.

OIAF 2009 festival reader | FIAO 09 lecteur du festival

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Oiaf '09 poster

Each year, the Ottawa International Animation Festival commissions an artist to create original artwork for celebration and promotion on an international scale. The 2009 Festival Poster was designed by Montreal-based artist Theodore Ushev (http://www.ushev.com/). It is available for purchase at the Animarket at this year's Festival.

Oiaf '09 awards

"Figuring out what else your VCR can be sometimes requires a little surgery. I hate throwing things out while there is a chance of further use in them. Everyday technology contains so much intricate material. Creating the illusion of motion, life, and character is essential in my work. Like each of a paintings brush strokes, each piece is important to the final look. Small details help build character. The curve on a

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typewriter gear could complete the devious crook in a mouth if placed correctly. My final goal is to make you believe that the mass of metal you are looking at could come to life at any moment." - Tick Tock Tom Tick Tock Tom is the designer of the 2009 Ottawa International Animation Festival Awards.

book & DVD signings

Arts Court Studio / Cour des arts – studio All merchandise for signings available at the Aniboutique On peut se procurer tous les articles nécessaires aux signatures à l’Aniboutique.

メディア芸術祭 _ 雑誌広告 _ 作品展告知

SATURDAY, OCTOBER 17 SAMEDI, LE 17 OCTOBRE

オタワアニメーションフェスティバル _ カタログ

1C1/4P_178 × 58

DAVID LEVY 12:30pm to 1:30pm/ 12 h 30 à 13 h 30 David will be signing copies of his new book, Animation Development: From Pitch to Production, after his 11:00am workshop. David signera des exemplaires de son nouveau livre, Animation Development: From Pitch to Production, après son atelier de 11 h 00. JOSEPH GILLAND 3:30pm to 4:30pm/ 15 h 30 à 16 h 30 Joseph will be signing his new book, An Organic Approach to Effects Animation, after his 1:00pm workshop. Joseph signera des exemplaires de son nouveau livre, An Organic Approach to Effects Animation, après son atelier de 13 h 00. RONNIE DEL CARMEN 4:30pm to 5:15pm/ 16 h 30 à 17 h 15 Ronnie will be signing copies of Up: My Name is Dug. Ronnie signera des exemplaires de, Up: My Name is Dug.

SUNDAY, OCTOBER 18 DIMANCHE, LE 18 OCTOBRE JANET PERLMAN 12:00pm to 1:00pm/ 12 h 00 à 13 h 00 Janet will be signing her new children’s book, The Delicious Bug. Janet signera des exemplaires de son nouveau livre pour les jeunes, The Delicious Bug. DON HERTZFELDT 2:00pm to 3:00pm/ 14 h 00 à 15 h 00 Don will be signing his DVDs and posters. Don signera des exemplaires de son DVDs et affiche de film.

The 13 th Japan Media Arts Festival Japan Media Arts Festival has been an annual event since 1997 with the aim of promoting the creation and development of media arts. The Festival awards prizes for creative works in the fields of art, entertainment, animation and manga. The Festival also recognizes and rewards creative media art works and holds exhibitions, screenings of films, symposiums, and workshops, which give audiences the opportunity to experience the vanguard of media arts. The Festival in 2008 had 2,146 works applied from 44 countries and regions, and attracted over 55,000 visitors. It has become the leading media arts festival in Asia.

Award-winning Works Exhibition The National Ar t Center, Tokyo

3 -14 February 2010

http://plaza.bunka.go.jp/english/

Organizer : Japan Media Arts Festival Executive Committee

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Come and take

THE RIDE OF YOUR LIFE.

Film still from Ride in the Sky by Sarah Jargstorf.

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BBC ‘Journey to the East’ Kim Strobl Passion Pictures 33-34 Rathbone Pl. London, UK W1T 1JN Email: kims@passion-pictures.com

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Ben and Holly’s Little Kingdom ‘Daisy and Poppy’ Alexi Wheeler E1 Kids UK 120 New Cavendish Street London, UK W1W 6XX

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Colchique Eric Reginaud Les Films à Carreaux 155 rue de la Fuye Tours, France 37000

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Comcast ‘Anthem 60’ Alice Wigley Nexus Productions 113 Shoreditch High St London, UK E1 6JN

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Coraline Mark Shapiro LAIKA 1621 NW 21st 3rd Floor - Dallas Wing Portland, OR, USA 97209 Phone: 503-467-0447 Email: mshapiro@laika.com Website: www.laika.com and www. coraline.com

Cottonballs Sheldon Lieberman bigfish.tv 221 Bonney Ave Clayfield Brisbane, Queensland, Australia 4011 Phone: 61 7 3256 0100 Fax: 61 7 3256 0200 Email: info@bigfish.tv Website: www.bigfish.tv

Dahlia Michael Langan 3 Linnaean St. #32 Cambridge, MA, USA 2138 Email: michael@mlangan.org

Website: LanganFilms.com

Daniel’s Journey MÓNICA GALLEGO Agencia Audiovisual Freak SL CÁCERES, Spain Email: elisabeth@agenciafreak.com Website: www.agenciafreak.com Danko Jones ‘King of Magazines’ Nick Cross Do It For Me Productions 1618 Fisher Avenue Ottawa, ON, Canada K2C 1X6 Phone: (613) 228-7253 Email: nick@pyatyletka.com Website: www.pyatyletka.com

Darfur Drawings PSA Betty Wharton Global Mechanic 2150 Fir St. Vancouver, BC, Canada V6J 3B5

Phone: 604.733.7475 Fax: 604.733.7491 Email: frontdesk@globalmechanic.com Website: www.globalmechanic.com

Debt Mike Weiss Delicious Nougat 2360 Dundas Street West #430 Toronto, ON, Canada M6P 4B2 Email: snacks@deliciousnougat.com

Website: deliciousnougat.com

Der Da Vinci Timecode (The Da Vinci Time Code) Gil Alkabetz Sweet Home Studio Bebelstrasse 58 Stuttgart, Baden-Wuerttemberg, Germany 70193 Phone: +(49) 711 6361735 Fax: +(49) 711 636 1735 Email: gil@alkabetz.com Website: www.sunny.alkabetz.com

Dialogue Judith Poirier 4266 rue Marquette Montréal, QC, Canada H2J 3X1 Email: poirierjudith@gmail.com Did U see that? Jungwoon Kim Korea Animation High School 523-4, Korea Animation High School , Changwoo-dong, Hanam City, Kyungki-do, South Korea Email: cokoma21@nate.com Dried Up Stuart Bury Kansas City Art Institute 2839 Main St. 4 Kansas City, USA 64111 Email: sbury@kcai.edu Edison and Leo Brian Ware TVA Films 25 ON St. Toronto, ON, Canada M5A 4L6 Phone: 416-968-0002 x4631 Fax: 416-944-1741 Email: Brian.Ware@tva.ca Website: www.tvafilms.com

Elu ilma Gabriella Ferrita (Life Without Gabriella Ferri) Rutt Raudkivi Eesti Joonisfilm Roo T.9 Tallinn, Estonia 10611 Phone: +(372) 6776367 Email: rutt@joonisfilm.ee Website: http://www.joonisfilm.ee

Enter the Sandbox Josh Wexler 2950 N. Hollywood Way, 3rd Floor Burbank, CA, USA 91505 Email: josh.wexler@starz.com

Entering the Mind Through the Mouth Jin Sung Choi Academy of Art University, San Francisco 344 South Hill Blvd Daly City, California, USA CA 94014 Phone: 1-415-971-2831 Email: dakkk1@hotmail.com Website: www.brianjin.com

Fouding or Not Fouding Nicolas Bauchard ENSAD - Ecole Nationale Superieure des Arts Decoratifs 31, rue d’Ulm Paris Cedex 05, Ile de France, France 75240 Phone: 33 01 42 34 97 00 Fax: 33 01 42 34 97 87 Email: nicolas.bauchard@ensad.fr

French Roast Fabrice Joubert 3 rue du Pasteur Wagner 75011 Paris, France Email: fabriceojoubert@yahoo.fr Fuzzy Insides Michaela Olsen RISD 32 Fox Run Bedford, New Hampshire, USA 3110 Phone: (603) 493-1930 Email: molsen@g.risd.edu Website: michaelaolsen.com

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Golpe de espejo (Coup Mirror) Claudio Diaz Iconoanima Paris, 1450 Recreo Alto VIÑA DEL MAR, VALPARAISO, Chile 2580444 Email: iconoanimacion@gmail.com

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History of the Meat Packing District Gary Leib Twinkle 64 Grand St #4 New York, NY, USA 10013 Phone: 212 219 9252 Email: gary@twinkleland.com Website: www.twinkleland.com

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Inner Tubes Tim Beckhardt 204 W. Park Ave. Myerstown, Pennsylvania, USA 17067 Email: tbeckhar@g.risd.edu

Website: tbhardt.com

Insano Jazz Instituto Marlin Azul Vitória, Brazil Email: producaoima@gmail.com Intergalactic Who’s Who ‘The Vegetation of Zig 5’ Carol Beecher Fifteen Pound Pink Productions 6716 22nd Avenue N.E. Calgary, AB, Canada T1Y 1P4 Phone: (403) 541 1527 Email: 15lbpink@shawlink.ca Website: www.intergalacticwhoswho.com

Inukshuk Eric Reginaud Les Films à Carreaux 155 rue de la Fuye Tours, France 37000

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OIAF 2009 festival reader | FIAO 09 lecteur du festival

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Jazzed Ursula van den Heuvel Netherlands Institute for Animation Film St. Josephstraat 135 Tilburg, Netherlands 5017GG Phone: 0031-13-5324070 Fax: 0031-13-5800057 Email: heuvel@niaf.nl Website: www.niaf.nl

Jelly Fishers Steven Subotnick 228 Gano St. Providence, RI, USA 2906 Phone: 401.421.8984 home Email: ssubotnick@cox.net

Jimmy Two-Shoes ‘Jimmy Gets A ‘Stache’ Alethea Robinson Breakthrough Entertainment 122 Sherbourne Street Toronto, ON, Canada M5A 2R4 Phone: (416) 366-6588 ext. 222 Fax: 416-366-7796 Email: arobinson@breakthroughfilms.com Website: www.breakthroughfilms.com

Juiced and Jazzed Justin Weber MAKE 3548 Minikahda Ct Apt 2 St. Louis Park, MN, USA 55416

Phone: 320-291-5919 Email: justin@justinweberanimation.com

Kaasündinud Kohustused (Inherent Obligations) Maret Reismann OU Nukufilm Niine 11 Tallinn, Estonia 10414 Phone: +(372) 641.4307 Fax: +(372) 641.4307 Email: nukufilm@nukufilm.ee Website: http://www.nukufilm.ee

Kaki King ‘Air and Kilometers’ Ingrid Brooker 1647 Malvern Rd Glen Iris, Victoria 3146, Australia Email: ikbrooker@yahoo.com.au

Website: www.agastopia.com

Katakombo Michael Zamjatnins Michael Zamjatnins - Animationsfilm Strangnasweg 18 23909 Ratzeburg, Germany Phone: -844557 Fax: -844568 Email: michael.zamjatnins@t-online.de

Kid vs Kat ‘Search and De-Toy’ Anthony Jiwa Studio B Productions 190 Alexander Street, Suite 600 Vancouver, BC, Canada V6A 1B5 Phone: (604) 684-2363 Fax: (604) 602-0208 Email: anthony@studiobproductions.com Website: www.studiobproductions.com

Krokodill (Crocodile) Rutt Raudkivi Eesti Joonisfilm Roo T.9 Tallinn, Estonia 10611

Phone: +(372) 6776367 Email: rutt@joonisfilm.ee Website: http://www.joonisfilm.ee

Köögi Dimensioonid (Kitchen Dimensions) Rutt Raudkivi Eesti Joonisfilm Roo T.9 Tallinn, Estonia 10611 Phone: +(372) 6776367 Email: rutt@joonisfilm.ee Website: http://www.joonisfilm.ee

L’homme à la gordini Annabel Sebag premium films 130 rue de Turenne PARIS, France 75003

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Land of the Heads NFB Canada National Film Board of Canada 3155 Cote de Liesse Saint-Laurent, QC, Canada H4N 2N4 Phone: 514.283.9805/06 Fax: 514.496.4372 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation

Laska (Chick) Magdalena Matejek Platige Image Raclawicka 99 Warsaw, Poland 02-634 Email: mmatejek@platige.com Website: www.platige.com Le Dilemme du Beurre (The Butter Dilemma) Dora Benousilio Les Films d’Arlequin 23 rue Meslay PARIS, France 75003 Phone: 33 01 42 77 20 55 Fax: 33 01 42 77 20 56 Email: arlequin@wanadoo.fr

Le Tiroir et le Corbeau (The Drawer and The Crow) Frédérick Tremblay 7128 Drolet #15 Montréal, QC, Canada H2S 2T6 Email: chocolie@yahoo.com Lebensader Julia Böhnisch Filmakademie Baden-Wuerttemberg Akademiehof 10 Ludwigsburg, Germany 71638 Fax: ++49 (0) 7141 - 969 - 888

Email: julia.boehnisch@animationsinstitut.de

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Leon ‘Seagulls’ Ghislain Cyr Sardine Productions Inc. 2025 Masson Street bur. 109 Montreal, QC, Canada H2H 2P7

Phone: 414.523.4666 Fax: 514.523.1395 Email: gcyr@sardineproductions.com Website: http://www.sardineproductions. com

Les Escargots de Joseph (Josephs’ Snails) Jean-Pierre Lemouland JPL Films 31 Avenue Chardonnet Zl Sud-Est Rennes, France 35000 Phone: 33.02.99.53.16.98 Fax: 33.02.99.53.05.76 Email: jplfilms@wanadoo.fr

Lost and Found Pam Dennis Studio AKA 30 Berwick St. London, UK W1F 8RH

Phone: 44 20 7434 3581 Fax: 44 20 7437 2309 Email: pam@studioaka.co.uk Website: www.studioaka.co.uk

Love on the Line G Melissa Graziano 3595 S. Sepulvenda Blvd. #8 Los Angeles, CA 90034, USA, USA 90066 Email: animazzata@gmail.com Lögner (Lies) Linda Hamback FilmTecknarna F.Animation Renstiernasgata 12 Stockholm, Sweden 11628 Phone: 4684427300 Fax: 4684427319 Email: linda@filmtecknarna.se Website: www.filmtecknarna.com

Madagascar, carnet de voyage (Madagascar, A Journey Diary) Guilaine Bergeret Paris, France Email: adrisacrebleu@hotmail.fr Magic Cube and Ping-Pong Ray Lei Tsinghua University Rom 102 Building 27 Capital Normal University Beijing China Beijing, China 330002 Email: milk527@gmail.com

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Mai Mai Shinko to Sennen no Maho (Mai Mai Miracle) Shion Komatsu Tokyo, Japan Email: shion_komatsu@shochiku.co.jp Mak the Horny Mac Daddy Ian Miller 657 Hague Avenue, Saint Paul, MN 55104 USA, USA Email: ianmichaelmiller23@hotmail.com

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Phone: 416-408-2020 Fax: 416-408-2011 Email: leah@headgearanimation.com

Milk Dots Compilation ‘Teeth’ Leah Wesolowski Head Gear Animation 25 Brant Street 301 Toronto, ON, Canada M5V 2L9 Phone: 416-408-2020 Fax: 416-408-2011 Email: leah@headgearanimation.com

Milovan Circus Gerlando Infuso Email: gerl.ando@hotmail.com

Missed Aches Joanna Priestley Priestley Motion Pictures 1801 NW Upshur, Ste. 630 Portland, OR, USA 97209

Nanu Alex Donald 1229 Marlborough Crt 501 Oakville, ON, Canada L6H 3B6 Email: alex.donald@live.com

Website: alexdonald.blogspot.com

Nick Idents Ljubisa Djukic dyrdee Media GmbH und Co. KG Rykestrasse 2 Berlin, Germany 10405 Phone: +49(176)20760819 Email: Ljubisa@dyrdee.com Website: www.dyrdee.com

Nullsleep ‘Dirty ROM Dance Mix’ Stieg Retlin Plasticflesh 302 Quincy St. Suite 1B Brooklyn, New York, USA 11216 Phone: 973.953.2722 Email: plasticflesh@gmail.com Website: www.plasticflesh.com

OXFAM ‘Face the Music’ Ian Gouldstone 2215 Aragon Tower London, UK SE8 3AL

Phone: +44 7800 632 884 Email: contact@iwgouldstone.com

Partly Cloudy Amanda Sorena Pixar Animation Studios 1200 Park Ave. Emeryville, CA, USA 94608 Phone: 510.922.4177 Fax: 510.922.3800 Email: asorena@pixar.com

Pearl NFB Canada National Film Board of Canada 3155 Cote de Liesse Saint-Laurent, QC, Canada H4N 2N4 Phone: 514.283.9805/06 Fax: 514.496.4372 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation

Pears or Aliens Ray Lei Tsinghua University Rom 102 Building 27 Capital Normal University Beijing China Beijing, China 330002 Email: milk527@gmail.com

Website: http://www.raydesign.cn

Peggy Baker: Four Phrases NFB Canada National Film Board of Canada 3155 Cote de Liesse Saint-Laurent, QC, Canada H4N 2N4 Phone: 514.283.9805/06 Fax: 514.496.4372 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation

Pellet Gunn Tim Beckhardt 204 W. Park Ave. Myerstown, Pennsylvania, USA 17067 Email: tbeckhar@g.risd.edu

Website: tbhardt.com

Peripetics Jamie Raap Zeitguised Royal Gate Apartments, 1 Rutland Road Flat 3 London, UK E9 7TT Phone: +44 2031381474 Email: jamie@zeitguised.com Website: www.zeitguised.com

Nicolas & Guillemette Virginie Taravel 54 bd de la Saussaye 92200 Neuilly, France Email: vtaravel@yahoo.fr OIAF 2009 festival reader | FIAO 09 lecteur du festival

147

Martha Colburn (Baltimore) Allyson Mitchell (Toronto) October 15 - November 14, 2009

Galerie SAW Gallery 67 Nicholas Street, Ottawa ON, Canada K1N 7B9 Information : (613) 236-6181 www.galeriesawgallery.com

Imagine. Create. Animate.

230 Richmond St. East, Toronto, Canada 416-682-5201 - info@starz.com www.starzanimation.com ÂŠ2009 Starz Media, LLC

Galerie SAW Gallery

Presented in collaboration with the Ottawa International Animation Festival

Pittanko! Motohiro Shirakawa KOO-KI 4-11-18 Noke Sawara-ku Fukuoka-City, Fukuoka-Ken, Japan 814-0171 Phone: +81(0)928742020 Fax: +81(0)928742010 Email: koo-ki@koo-ki.co.jp Website: http://www.koo-ki.co.jp

Please Say Something David OReilly David OReilly Animation Partizan, Adalbert Str 20 Berlin, Germany 10997

Rollbots ‘Crontab Trouble’ Craig Young Amberwood Entertainment 987 Wellington St 2nd Floor Ottawa, ON, Canada K1Y 2Y1

Phone: 613-238-4567 Fax: 613-233-3857 Email: cyoung@Amberwoodanimation.com Website: www.rollbots.com

Runaway NFB Canada National Film Board of Canada 3155 Cote de Liesse Saint-Laurent, QC, Canada H4N 2N4

Phone: +49 30616714674 Email: mail@davidoreilly.com Website: www.davidoreilly.com

Phone: 514.283.9805/06 Fax: 514.496.4372 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation

Postalolio Marv Newland International Rocketship Limited 8938 Shaughnessy Street Vancouver, BC, Canada V6P 3Y5

Sarah Peter Barg Z Animation 4 Chilton Lane St.Louis, MO, USA 63141-7818

Phone: 604 738 1778 Fax: 604 736 6270 Email: mnewland@telus.net Website: marvcards.com

Pravdivaya istoriya o trekh porosyatakh (The True Story of the Three Little Pigs) Irina Margolina Studio M.I.R. Bolshaya Sadovaya 3-1-63 Moscow, Russia 123001 Phone: +7 495 250-90-88 Fax: +7 495 250-90-88 Email: margoirina@yahoo.com

Prick och Fläck snöar in (Spot and Splodge in Snowstorm) Andreas Fock Swedish Film Institute P.O. Box 27126 Stockholm, Sweden SE-102 52 Phone: +46 8 665 11 36/+46.8.665 11 34 Fax: +46 070 519 59 66 Email: andreas.fock@sfi.se Website: www.swedishfilm.org

Q&A Mike Rauch Rauch Brothers Animation 651 Hancock, #2F Brooklyn, New York, USA 11233 Phone: 1-646-267-2613 Email: m.s.rauch@gmail.com Website: rauchbrothers.com

RAAH Sanjay Jangir in the name of love sanjay jangir, NDBI, national institute of design paldi ahmedabad, gujrat, India 380007 Phone: 9898344112 Email: sanjay.svah@gmail.com

Roadrunner Zachary Wong 2 Crestwind Drive Rancho Palos Verdes, USA 90275 Fax: 310 2654607

Email: zwland@gmail.com

150

Phone: 323-251-1655 Fax: 253-550-6487 Email: peter@zanimation.TV Website: www.zanimation.tv

Sesame Workshop ‘Birds’ Leah Wesolowski Head Gear Animation 25 Brant Street 301 Toronto, ON, Canada M5V 2L9

Phone: 416-408-2020 Fax: 416-408-2011 Email: leah@headgearanimation.com

Sesame Workshop ‘Umbrella’ Leah Wesolowski Head Gear Animation 25 Brant Street 301 Toronto, ON, Canada M5V 2L9 Phone: 416-408-2020 Fax: 416-408-2011 Email: leah@headgearanimation.com

Shot in the Dark Dustin Lincoln 1404 Sharp Street Glenwood, IA, USA 51534 Email: dlincoln83@gmail.com Son of Dino-Orange Hope Peterson Video Pool Media Arts Centre 100 Arthur St. #300 Winnipeg, MB, Canada R3B 1H3 Phone: 204-949-9134 x 7 Email: vpdist@videopool.org Website: www.videopool.org

Sparni un Airi (Wings and Oars) Vladimir Leschiov LUNOHOD Animation Studio Smerla 3 Riga, Latvia LV-1006 Phone: +371 67436013 Email: vl@lunohod.lv Website: www.lunohod.lv

Staty tverdym (Become Firm) Stepan Koval Novatorfilm bul.Kolsova 18-131 Kiev, Ukraine 3194 Email: stepankoval@gmail.com

STOKED ‘Welcome to Paradise, Dudes!’ Tom McGillis Fresh TV 219 Dufferin St 212C Toronto, ON, Canada M6K 1Y9

The Man Who Slept NFB Canada National Film Board of Canada 3155 Cote de Liesse Saint-Laurent, QC, Canada H4N 2N4

Swiftly Cecilia Velasco 1340 West 12th Avenue 201 Vancouver, British Columbia, Canada V6H 1M5 Email: ceciluuu@gmail.com The Art of Drowning Diego Maclean 107 - 11 E 11th Ave Vancouver, BC, Canada V5T 2B9

The Mouse That Soared Kyle Bell 2370 SE 60th Avenue Portland, OR 97215, USA, USA Email: xylebell@gmail.com The Note Rose CHANG INDIESTORY Inc. 4Fl. BaekAk Bldg 135-4 TongIn-dong, JongRoh-gu Seoul, South Korea 110-043

Phone: 416-516-2539 Fax: 416-516-8093 Email: julie.freshtv@gmail.com Website: www.freshtvinc.com

Phone: 778 835 1695 Email: diegomaclean@gmail.com

The Astronomer’s Dream Malcolm Sutherland Independent 7550 St Denis Montreal, Quebec, Canada H2R2E6 Phone: 514-278-3952 Email: animalcolm@yahoo.ca Website: www.oneiropod.com

The Bellows March Eric Dyer University of Maryland Baltimore County 601 W. 38th Street Baltimore, MD, USA 21211 Phone: 410.455.2589 Email: dyer@umbc.edu Website: http://www.ericdyer.net

The Black Dog’s Progress Stephen Irwin Small Time inc. 51 Hargrave Mansions, Hargrave Road London, UK N19 5SR Phone: 2075020640 Email: stephen@smalltimeinc.com Website: www.smalltimeinc.com

The Cat Piano Eddie White THE PEOPLE’S REPUBLIC OF ANIMATION P.O. BOX 3484, RUNDLE MALL ADELAIDE, SOUTH AUSTRALIA, Australia 5000 Phone: +61 87120 6899 Email: eddie@thepra.com.au Website: www.thepra.com.au

The Machine Evan Stewart Bent Image Lab 2729 SE Division Portland, Oregon, USA 97202

Phone: 503.228.6206 Fax: 503.228.1007 Email: evans@bentimagelab.com Website: www.bentimagelab.com

Phone: 514.283.9805/06 Fax: 514.496.4372 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation

Phone: +(82) 2.722.6051 Fax: +(82) 2.722.6055 Email: indiestory@indiestory.com Website: http://www.indiestory.com

The Paper Prince Hamish Lambert 218 Spinnaker Drive Halifax, NS, Canada B3N 3C6 Email: hamlamb@hotmail.com The Passenger Julie Zammarchi po Box 544 506 Pleasant St Marshfield Hills, MA, USA 2051 Email: jzammarchi@verizon.net The Phantom of the Cinema Chris Mouw il Luster Productions Schoutenstraat 4 bis Utrecht, Netherlands 3513 CB Phone: 31 30 24 00 768 Fax: 31 84 7292826 Email: distribution@illuster.nl Website: http://www.illuster.nl

The Royal Nightmare Alex Budovsky Figli Migli Productions 1975 83rd Street Apt. A10 Brooklyn, NY, USA 11214

Phone: 917 547 4174 Email: budovskiy@yahoo.com Website: www.alekseybudovsky.com

The Seed Alice Wigley Nexus Productions 113 Shoreditch High St London, UK E1 6JN

Phone: 2077497500 Fax: 2077497501 Email: alice@nexusproductions.com Website: www.nexusproductions.com

The Soliloquist Ma Kuang Pei No.26, Jinfeng St. Zhongli City, Taoyuan County, Taiwan 32079 Phone: 886-0933255160 Email: qqmqqmqqmqqm@gmail.com Website: http://www.flickr.com/photos/ qqmqqm/

The Spine NFB Canada National Film Board of Canada 3155 Cote de Liesse Saint-Laurent, QC, Canada H4N 2N4 Phone: 514.283.9805/06 Fax: 514.496.4372 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation

The Terrible Thing of Alpha-9! Jake Armstrong 262 e 2nd st, #5D New York, NY, USA 10009 Email: fboywonder@gmail.com

Website: http://jakehatesyou.blogspot.com

The Universe Cotton Ray Lei Tsinghua University Rom 102 Building 27 Capital Normal University Beijing China Beijing, China 330002 Email: milk527@gmail.com

Website: http://www.raydesign.cn

The Wonder Pets! ‘Help the Monster’ Amber Beard Nickelodeon 231 W. Olive Ave Burbank, California, USA 91502 Phone: 818-736-3317 Fax: 818-736-3840 Email: amber.beard@nick.com

Time Kwan Ho Tse Kwan Films 355 Grace St. Toronto, ON, Canada M6G 3A8 Phone: 416-538-7416 Email: kwan@kwanfilms.com

TOM ‘Tom’s Band’ / ‘Tom and the Nice Family’ Sonja Waldraff Studio Film Bilder Ostend Str. 106 Stuttgart, Germany 70188 Phone: +(49) 71.148.1027 Fax: +(49) 711.489.1925 Email: studio@filmbilder.de Website: http://www.filmbilder.de

Tom N Jerry Jin Sung Choi Academy of Art University, San Francisco 344 South Hill Blvd Daly City, California, USA CA 94014 Phone: 1-415-971-2831 Email: dakkk1@hotmail.com Website: www.brianjin.com

True Confessions Ian Miller 657 Hague Avenue, Saint Paul, MN 55104 USA, USA Email: ianmichaelmiller23@hotmail.com Twist of Fate Karen Aqua 108 Pleasant St. #3 Cambridge, MA, USA 2139

U2 ‘I’ll Go Crazy If I Don’t Go Crazy Tonight’ David OReilly David OReilly Animation Partizan, Adalbert Str 20 Berlin, Germany 10997 Phone: +49 30616714674 Email: mail@davidoreilly.com Website: www.davidoreilly.com

Underground Psycho Annabel Sebag premium films 130 rue de Turenne PARIS, France 75003

Phone: 0033 1 42 77 06 39 Email: animation@premium-films.com Website: www.premium-films.com

Une ville: une utopie réalisée (Utopia City) Claire Marquet Première Heure 23 avenue bernard palissy Saint Cloud, France 92210 Phone: +33(0)1 41 12 30 00 Fax: +33(0)141 12 30 01 Email: c.marquet@premiere-heure.fr Website: www.premiere-heure.fr

United Airlines ‘Butterfly’ Lauren Sepanski Acme Filmworks 6525 Sunset Blvd. 10 Hollywood, USA 90028 Phone: (323) 464-7805 Email: frontdesk@acmefilmworks.com Website: www.acmefilmworks.com

Unnatural History of Wallstreet Gary Leib Twinkle 64 Grand St #4 New York, NY, USA 10013 Phone: 212 219 9252 Email: gary@twinkleland.com Website: www.twinkleland.com

Vaihdokas (Changeling) Otto Suuronen The Finnish Film Foundation Helsinki, Finland Email: otto.suuronen@ses.fi Visit Kang Min Kim 251 N, El Molino 251 N, EL MOLINO AVE #10 PASADENA, CA, USA 91101 Email: 30gibson@naver.com Vive la Rose NFB Canada National Film Board of Canada 3155 Cote de Liesse Saint-Laurent, QC, Canada H4N 2N4 Phone: 514.283.9805/06 Fax: 514.496.4372 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation

Phone: 617-864-3192 Fax: 617 492 1970 Email: aquak@att.net Website: http://aquak.hom.att.net

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151

Wallace and Gromit: A Matter of Loaf and Death Natalie Martin Aardman Animations Ltd Gas Ferry Road Bristol, UK BS1 6UN

WWF ‘Because We Are All Connected’ Alice Wigley Nexus Productions 113 Shoreditch High St London, UK E1 6JN

What I Found in Great Aunt Nell’s Closet Festival Assistant USC School of Cinematic Arts USA Phone: 213-740-4432 Fax: 213-740-5226

Xing Michael Naphan Orange Shorts Productions 1008A Queen Street East Suite 1 Toronto, ON, Canada M4M 1K1

Phone: 0117 307 1261 Email: natalie.martin@aardman.com Website: www.aardman.com

Email: festivalsassistant@cinema.usc.edu Website: http://cinema.usc.edu/sir

Phone: 2077497500 Fax: 2077497501 Email: alice@nexusproductions.com Website: www.nexusproductions.com

Phone: 416-904.1423 Email: mnaphan@gmail.com Website: www.osproductions.com

Yellow Belly End Hemant Sharda National Film and Television School Beaconsfield Studios, Station Road Beaconsfield, UK HP9 1LG Phone: +44.1494.731457 Email: festivals@nfts.co.uk

OIAF 2009 Official Competition Prizes and Awards The Official Competition section of the Ottawa International Animation Festival 2009 consists of works chosen by the Festival’s Artistic Director, Chris Robinson, from a field of 2,185 submissions. Along with the audience, the OIAF International Jury will view all selections presented in the Official Competition and select the Festival’s Grand Prizes and first prize in each of the categories of the competition, with the exception of the categories for Children; first prize for these categories will be selected by the Kids Jury.

At its discretion, the International Jury may also award additional special prizes. The Jury has the right to withhold an award where no entry, in its view, meets the standards for recognition. On Sunday, October 18th at 7:00 pm, the Jury will announce the award-winning films. A selection of the Festival’s award-winning films will be screened at 8:00 pm. It is the responsibility of the Jury to determine which of the award-winning productions will be screened.

The Awards

The awards have been commissioned by the Ottawa International Animation Festival. This year’s phenakistoscope awards have been designed by local artist Tick Tock Tom, with an animation originally created by George Griffin. GRAND PRIZE for Best Animated Feature Nelvana GRAND PRIZE for Best Independent Short Animation ($3000.00) HIT Entertainment GRAND PRIZE for Best Student Animation GRAND PRIZE for Best Commissioned Animation

Prizes will also be awarded for the Best Film in each of the Competition Categories: BEST Narrative Short BEST Experimental/Abstract Animation Adobe Prize for BEST High School Animation BEST Undergraduate Animation BEST Graduation Animation

BEST Promotional Animation BEST Music Video BEST Television Animation for Adults BEST Short Animation Made for Children BEST Television Animation for Children

The National Film Board of Canada Public Prize

A special prize will be awarded to the film from the Official Competitions, to be selected by the audience as the Best Film of the Festival. Voting will take place a the conclusion of all official Short and Kids Competition GALA screenings, where ballots will be distributed at the entrance to the Theatre and should be placed in one of the special ballot boxes at the end of the programme.

Canadian Film Institute Award for Best Canadian Animation

This special prize is awarded by the Executive Director of the Canadian Film Institute for the most outstanding Canadian production in competition. Thank you to all award sponsors! OIAF 2009 festival reader | FIAO 09 lecteur du festival

155

e r e wh re u t l u c il ves Arts Court

ts National Ar

chestral Centre Or trol it: Fred Cat

e Rideau Centr

in Brasserie

Metropolita

Theatre

htclub

heaven nig

Photo cred

Rideau Cana

Ottawaâ€™s Retail, Arts & Theatre District Rideau Street, east of the canal

www.downtownrideau.com

156

*bilingual option

OIAF 2009 festival reader | FIAO 09 lecteur du festival

157

list of advertisers

17 9story Academy of Canadian Cinema and Television 14 103 Acorn Partners 28 Algonquin College - Animation Television Program Anima Mundi 60 28 Animation Magazine 40 Animation World Network AnimationXPress 37 Annecy 46 Arts Court 107 Atomic Cartoons 36 Atomic Cartoons / Big Jump Productions / 16 Skywriter bachelor of Information technology 105 Bell Broadcast and New Media Fund 41 Brazilian TV Producers 12 Bridgehead 115 Budget Rent-a-car 18 Canada Council 44 Canadian Animation Resources 111 CartoonBrew 88 CELACTION 45 CICAF 68 Concordia: Mel Hoppenheim school of cinema 113 Convergence / Lien Multimédia 89 Corus Entertainment / Nelvana back cover Dainty Productions 160 Downtown Rideau 155 Empire Theatres 156 Fantoche Festival 48 Foundation 112 Fresh TV Inc. 9 Greenlight Jobs 139 HBS Marketing 13

festival organization

The Ottawa International Animation Festival is a component of the Canadian Film Institute

Canadian Film Institute Head Gear 128 158 Hiroshima hit entertainment 132 68 Holland 138 Japan Media Arts Festival 129 KidScreen 137 Laika 15 MBM Metro 152 National Gallery of Canada 149 NFB National Film Board of Canada 69, 109 OCRI Global Marketing 153 Ontario Arts Council 4 Ontario Media Development Corporation 8 Ontario Technology Corridor 121 PiP Animation Services Inc. 144 Pipeline Studios 145 Playback Magazine/Strategy Magazine 33 Price Waterhouse Cooper 83 Quality Hotel 139 QuickMobile 83 Rainmaker 141 SAW Gallery 148 SAW Video 79 Seneca Animation Arts Centre 32 Sheridan College 140 Starz Animation 149 Stuttgart 154 Telefilm Canada 5 TELETOON Canada Inc. 137 The museum of civilization 123 Total Media Systems 120 Vancouver Film School 79 Walt Disney Animation 120 World Wide Short Film Festival 60

Director: Board Of Directors: Tom McSorley (ex-officio) Patricia Burns Jack Horwitz Dan Sokolowski

Tom

OIAF ADVISORY COMMITTEE

Jerrett

Dominique

Canadian Film Institute Leaptoons Consultant Dawson City Film Festival / Independent Animator

2009 Ottawa International Animation Festival Managing Director: Artistic Director: TAC & Workshop Director: Technical Director: Director of Outreach and Administration:

Kelly

Tom McSorley

Chris

Kelly Neall Chris Robinson Azarin Sohrabkhani Jerrett Zaroski Jennifer Noseworthy

Linda Simensky Madeleine Levesque Maral Mohammadian Michael Fukushima Frank Falcone Patricia Burns Luis Lopez

PBS Freelance National Film Board of Canada (Montreal) Producer, National Film Board of Canada (Montreal) Guru Animation Studio (Toronto) Leaptoons Nelvana

Assistant we couldn’t do without: Guest Services Coordinator: Media Coordinator: Programming Assistant: Publications Assistant: Registration Coordinator: Receptionist: Special Events Coordinator: Special Projects Assistant: Volunteer Coordinator:

Dominique Forget Mary Kritz and Ben Hudson Lindsay Wellwood Barbara Boire Patrick Cross Lynn Ringer Charmian Devi Gjennifer Snider Matt Rosen (best of luck in Vancouver) and Laura Young Lindsay Morrison

Arts Court Stage Manager: ByTowne Stage Manager: ByTowne Venue Manager: Empire Stage Manager: Museum of Civilization Stage Manager: Museum of Civilization Venue Manager: National Gallery Stage Manager: National Gallery Venue Manager: Aniboutique Manager: Announcer: Driver:

Holger Böckner (imported from Germany!) Adam Bowick Barbara Boire Daniel Kaunisviita Patrick Cross Nathalie Parent Bill Alexander Fionna Wilson Carolyn Arbuckle Marc Grandmaison Joanne Castonguay

Azarin

Jennifer

Barb

Competition and Showcase Selection: Chris Robinson, with assistance from Jerrett Zaroski, Matt Rosen, Gjennifer Snider, Dominique Forget and Harrison Neall (Kids’ comp) Chris Robinson Competition and Showcase Programmer: Additional Programmers: Jerrett Zaroski, Otto Alder, Michael Fukushima, Marco de Blois, Richard O’Connor, Don Hertzfeldt, Amid Amidi, Jim Blashfield, Thomas Meyer-Hermann.

Charmian

Lynn

Festival Reader:

Editor: Jennifer Noseworthy (with many thanks to Kelly, Az and Jerrett) Writers: Chris Robinson, Jerrett Zaroski, Amid Amidi, Richard O’Connor, Thomas Meyer-Herman, Otto Alder, Michael Fukushima. Graphic Design: Bryan Dunlay (The Keeper!) with additional design by Carmel Firdawsi and Geneviève Houle Poster Illustration: Theodore Ushev Signal Film: Head Gear Animation Sponsor Logo Reel: Dainty Productions, with original music by Matt Rosen Printer: Motion Creative Printing Travel Agency: Far Horizons Travel

Lindsay

Gjennifer

Special Thanks: Betty, Jarvis and Harrison Neall, Jordan Bell, Grace Irving, Mike and Rohan, Jersey and Molly, Suzanne Auger, David “A++” Tse (who didn’t get thanked in the 08 book, and can’t be thanked enough), Bruce White and Barry Caplan of the ByTowne Cinema, Marc Bedard of the National Gallery of Canada, Nathalie Rheault and Marc Lortie at the Museum of Civilization and Andrew Bothwell at Empire Theatres. Of course, there are always a few names that get left out, but we know who you are, and we are grateful for all that you’ve done. Finally, we thank all of our hardworking volunteers; we could not do this without you!

Mary

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Bryan OIAF 2009 festival reader | FIAO 09 lecteur du festival

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