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MAJOR SUPPORTERS PARTENAIRES PRINCIPAUX

FESTIVAL PATRONS PATRONS DU FESTIVAL

OFFICIAL SUPPLIERS

FOURNISSEURS OFFICIELS

DIFFUSART.BIZ Médias & Evénements Media & Events

TAB LE O F CO NTE NTS TAB L E D ES MATI E R E S Skip Man Motion SKIP L’HOMMME EN MOUVEMENT

by/par Chris Robinson

p 25

Jonas Odell: REVOLVER BANG BANG!

by/par Tom McSorley

p 32

Michael Sporn

by/par Richard O’Connor

p 36

Don’t Throw Out Your Television NE JETEZ PAS VOTRE TÉLÉ!

by/par Jerrett Zaroski

p 40

The New Wave of Japanese Animation NOUVELLE VAGUE D’ANIMATIONS JAPONAISES

by/par Michael Fukushima

p 46

Cuisine d’animation: The Best of Swedish Animation LE MEILLEUR DE L’ANIMATION SUISSE

by/par Duscha Kistler

p 50

Canadian Animation: looking for a place to happen L’ANIMATION CANADIENNE CHERCHE SA PLACE

by/par Chris Robinson

p 58

Brainwashed!!! Cartoons That Tell Us What to Think ALERTE AU LAVAGE DE CERVEAUX!!! DES DESSINS ANIMÉS NOUS DISENT QUOI PENSER

by/par Karl F. Cohen

p 66

Richard Williams The Animator’s Survival Kit – Animated & Who Framed Roger Rabbit?

by/par Darren Stevens

p 70

Visual/Audio: Interpretations of Sound INTERPRÉTATIONS DU SON

by/par Scott Birdwise

p 74

There’s a Party in My Tummy: the Yo Gabba Gabba Revolution IL Y A UNE FETE DANS MA BEDAINE: LA REVOLUTION YO GABBA GABBA

by/par Chris Robinson

p 80

TABLE OF CONTENTS

TAB LE O F CO NTE NTS TAB L E D ES MATI E R E S Schedule

p 16

Welcome

p 20

Television Animation Conference

p 22

Honorary President

p 24

Special Screenings

p 25

Competition Screenings

p 88

Showcase Screenings

p 112

TELETOON Animation Scholarship

p 117

Industry Day / Workshops / Panels

p 118

Special Events

p 122

Festival Organization

p 138

List of Advertisers

p 146

Film Contacts

p 147

City Map

p 159

TABLE OF CONTENTS

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OAC

Supporting cutting-edge artists in Ontario! The Ontario Arts Council (OAC) is proud to support the Ottawa International Animation Festival, an important vehicle for showcasinig innovative animators. OAC also provides grants to individual Ontario-based animation, video, film and media artists. GRANTS TO MEDIA ARTISTS

MEDIA ARTS FESTIVALS

DEADLINES

Emerging November 17, 2008

Operating March 16, 2009

Mid-Career and Established October 1, 2008 and April 15, 2009

Projects September 15, 2008 and March 16, 2009

Pour appuyer les artistes de pointe de l’Ontario ! Le Conseil des arts de l’Ontario (CAO) est fier d’appuyer le Festival international d'animation d'Ottawa, important moyen de mise en valeur des animateurs innovants. Le CAO prévoit aussi des subventions aux animateurs, cinéastes, vidéastes et artistes médiatiques ontariens. FESTIVALS D’ARTS MÉDIATIQUES

DATES LIMITES

Artistes en début de carrière 17 novembre 2008

Subventions de fonctionnement 16 mars 2009

Artistes en milieu de carrière et artistes établis 1er octobre 2008 et 15 avril 2009

Projets 15 septembre 2008 et 16 mars 2009

For more information Mark Haslam Media and Visual Arts Officer Ontario Arts Council 151 Bloor Street West, 5th fl. Toronto, ON M5S 1T6

CAO

SUBVENTIONS AUX ARTISTES MÉDIATIQUES

Renseignements Mark Haslam Responsable des arts médiatiques et visuels Conseil des arts de l’Ontario 151, rue Bloor Ouest, 5e étage Toronto (Ontario) M5S 1T6

416-969-7453 | mhaslam@arts.on.ca | www.arts.on.ca

S C H E D U L E | H O RAI R E WEDNESDAY, SEPTEMBER 17 Free! Animation Celebration screenings for Elementary School children (ages 6-12) at the National Gallery of Canada 11 am and 1 pm. Pre-register classes by calling 613-232-8769 7:30 am CH Television Animation Conference continues till 5:30 pm 11:00 am NG Animation Celebration 1:00 pm NG Animation Celebration 7:00 pm BY Feature Competition: Waltz with Bashir

5:00 pm EM Kids Competition – TV SAW Exhibit opening - Visual/Audio Book Signing Chris Robinson, Ballad of a Thin Man: Sinners, Saints and Ryan Larkin 7:00 pm BY Feature Competition: Terra GALA NG Skip Battaglia Retrospective EM Aardman Animations 9:00 pm BY Short Competition 2 GALA NG Swiss Animation Retrospective EM Feature Competition: Idiots and Angels

9:00 pm BY Short Competition 1 GALA

11:00 pm OJH Guru Studio and Eggplant Collective Thursday Night Party Passholders only

11:00 pm HS Atomic Cartoons and Big Jump Productions Opening Night Party Passholders only

FRIDAY, SEPTEMBER 19

THURSDAY, SEPTEMBER 18 Free! Presentations for high school students at the National Gallery of Canada, 9 am – 4:30 pm. Pre-register 613-2328769 7:30 am CH Television Animation Conference continues till 5:30 pm 9:00 am NG Animation School Fair: Centre NAD FREE 9:30 am NO Meet the Filmmakers 9:45 am NG Animation School Fair: Max the Mutt Animation School FREE 10:30 am NG Animation School Fair: Sheridan College FREE 11:00 am BY Canadian Film Showcase NG Christopher Mills Retrospective FREE for teens EM School Competition: Rhode Island School of Design (USA) & Royal College of Art (UK) 1:00 pm BY Short Competition 5 NG Animation School Fair: Algonquin College FREE EM The New Wave of Japanese Animation 1:45 pm NG Animation School Fair: Vancouver Film School FREE 2:30 pm NG Animation School Fair: Concordia University 3:00 pm BY Looking for a Place to Happen: Vancouver NG Jonas Odell Retrospective FREE for teens EM Brainwashed!: Animation Propaganda

9:00 am SAW Workshop: Experimental Animation Techniques 9:30 am NO Meet the Filmmakers 10:00 am BY Feature Competition: Sita Sings the Blues 11:00 am SAW Workshop: Daniel Barrow Masterclass 12:30 pm - 4:00 pm BE Cartoon Network Animator’s Picnic Passholders only. Picnic buses leave from the Bytowne at 11:30 am then from the Arts Court at 12:30 pm. 5:00 pm BY International Showcase 6:15 pm FREE Animation Shuttle bus service begins. 7:00 pm BY Who Framed Roger Rabbit? NG Daniel Barrow live performance EM Feature Competion: Idiots and Angels CIV The New Wave of Japanese Animation 9:00 pm BY Short Competition 3 GALA NG Skip Battaglia Retrospective EM Feature Competition: Terra CIV Looking for a Place to Happen: Calgary/Halifax 11:00 pm SAW LAIKA's Salon des refusés Party Passholders only

EVERYDAY EVENTS CHEZ ANI CAFE open 9:00 am to 1:00 am @ Club SAW ANIMATION BOOK FAIR open 9:00 am to 9:00 pm (4:00 pm on Sunday) @ Arts Court Library

BY ByTowne Cinema NG National Gallery EM Empire Theatres - Rideau Centre CIV Museum of Civilization OJH Ottawa Jail Hostel BE Billings Estate

SCHEDULE

S C H E D U L E | H O RAI R E SATURDAY, SEPTEMBER 20 Free workshops and screenings for Teens at National Gallery. Pre-register at www.animatonfestival.ca or call 613 232-8769. A limited number of passes will be available at the door. 8:30 am NG Animation School Fair continues till 5:00 pm CH Industry Recruiting Fair continues till 5:00 pm preregistration required 9:00 am NG Workshop: Animation Education Report Card CH Workshop: Portfolio Workshop (Industry Day) 9:30 am NO Meet the Filmmakers NG FREE Teen Workshop - Create Magic! (Studio) continues till 12:30 pm Pre-registration required 11:00 am CIV Kids Competition - Short Films GALA BY Short Competition 1 NG Ubisoft: Animating for Videogames EM Yo Gabba Gabba Retrospective NG Workshop: Now a Major Motion Picture CH Workshop: Animation Writing 1:00 pm CIV Michael Sporn Retrospective BY Short Competition 2 NG TELETOON Scholarship Finalists EM School Competition 3 & 4: Massachusetts College of Art and Design (USA) & Supinfocom (France) NG Workshop: Adobe - Creating with Purpose CH Workshop: ReBoot ReBorn 1:30 pm NG FREE Teen Workshop – Post Synch 101 (Studio) continues till 4:30 pm Pre-registration required 3:00 pm BY Short Competition 4 GALA CIV Kids Competition – TV GALA NG Making of Pixar's Presto and Disney's Glago's Guest EM Brainwashed!: Animation Propaganda NG Workshop: In Conversation with Jonas Odell CH Workshop: Character Idol 4:30 pm AC Book Signing – Chris Robinson, Canadian Animation: Looking for a Place to Happen (Library)

SUNDAY, SEPTEMBER 21

Free! Family workshops at the National Gallery of Canada 9:30 am and 1:30 pm. Pre-register 613-232-8769 9:00 am NG Workshop: Behind the Aardman Curtain 9:30 am NO Meet the Filmmakers NG FREE Family Workshop – Waste no more (Studio) continues till 12:30 pm Pre-registeration required. 10:00 am AC Book Signing – Ellen Besen: Animation Unleased 11:00 am CIV Michael Sporn Retrospective BY Short Competition 3 NG Canadian Showcase EM Who Framed Roger Rabbit? NG Workshop: Finding Character in Your Characters 1:00 pm BY Jonas Odell Retrospective CIV Kids Competition - Short Films NG Looking for a Place to Happen 4: Montreal EM Who Framed Roger Rabbit? NG Workshop: Toon Boom: Paperless Animation 1:30 pm NG FREE Family Workshop – Create Magic! (Studio) continues till 4:30 pm Pre-registeration required. 3:00 pm CIV Aardman Animations BY Short Competition 4 NG Swiss Animation EM Feature Competition: Sita Sings the Blues NG Workshop: Animation Makes Me Laugh: Ha! 5:00 pm BY Feature Competition: Terra 7:00 pm CIV Closing Ceremonies 8:00 pm CIV Best of the Festival BY Best of the Festival 9:00 pm HS Closing Night Party Passholders only

7:00 pm BY Feature Competition: Idiots and Angels NG Looking for a Place to Happen: Toronto/ Ottawa EM Feature Competition 1: Waltz with Bashir (Repeat) CIV Richard Williams: Animator’s Survival Kit BAR Blue Toons: Erotic Animation 9:00 pm BY Short Competition 5 GALA NG Christopher Mills Retrospective EM Feature Competition: Sita Sings the Blues CIV International Showcase BAR Blue Toons: Erotic Animation 11:00 pm BAR PIP Saturday Night Party Passholders only

SAW SAW Gallery CH Chateâu Laurier BAR Barrymore’s HS Helsinki Nightclub AC Arts Court NO Novotel

OIAF 08 FESTIVAL READER | FIAO 08 LECTEUR DU FESTIVAL

We acknowledge the financial support of the Government of Canada through the Department of Canadian Heritage Trade Routes Program

Nous reconnaissons l’appui financier du gouvernement du Canada par l’entremise du ministère du Patrimoin canadien du programme des Routes commerciales

The Ottawa International Animation Festival is organized by the Canadian Film Insititute.

Le festival international d’animation d’Ottawa est organise par l’Institut canadien du film. 18

OIAF 2008 FESTIVAL READER

WE LCO M E

Achieving truth and beauty through film is a noble enterprise – one that begins with a whisper of inspiration, matures through the talent and hard work of many, and ends with a moment of reckoning, when film lovers revel in a cinematic experience together. Supporting Canadian talent and creating Canadian content that engages audiences at home and abroad is a unity of purpose we all share. Bringing the industry together to admire the art form, as well as identify innovations that address some of the challenges we face as an industry is particularly encouraging – and essential within the new paradigm of multiplatform content creation and delivery. Events such as the Ottawa International Animation Festival strengthen the industry as a whole by drawing attention to Canadian productions, encouraging a diversity of voices, developing talent, and fostering creative collaboration and business deals. Most importantly, these events provide you, the festival-goer, with an opportunity to discover outstanding works. Thanks to the filmmakers who continue to push the envelope on artistic expression from a Canadian viewpoint; and congratulations to the event organizers and volunteers for your tireless efforts in delivering another important event.

Toucher à la vérité et à la beauté par l’entremise d’un film est une noble entreprise – une entreprise qui commence par un souffle d’inspiration, qui mûrit grâce au talent et au travail de nombreux artisans, et qui se termine par le moment de reconnaissance, quand les cinéphiles prennent plaisir à vivre ensemble une expérience cinématographique. Nous avons tous comme objectif d’appuyer les talents canadiens et d’interpeller les auditoires d’ici et d’ailleurs en créant du contenu canadien. Et nous retrouver comme industrie pour admirer l’expression artistique et identifier des solutions innovatrices à certains défis est non seulement encourageant – c’est essentiel dans le nouveau contexte multiplateforme de la création et de la diffusion. Des événements comme le Festival international d’animation d’Ottawa donnent de la vigueur à l’industrie dans son ensemble en attirant l’attention sur les productions canadiennes, en encourageant une diversité de voix, en développant le talent et en favorisant la collaboration créative et les relations d’affaires. Plus important encore, ces événements vous offrent, à vous festivaliers, une occasion de découvrir des œuvres exceptionnelles. Merci aux cinéastes qui continuent de repousser les limites de l’expression artistique dans une perspective canadienne. Et félicitations aux organisateurs de l’événement et aux bénévoles qui ont permis, grâce à leur travail inlassable, la tenue d’un autre événement important.

B I E NV E N U E

Every year, Canada’s capital becomes the world capital of animation, thanks to the hard work and vision of the Ottawa International Animation Festival. At the National Film Board of Canada, we’ve been there since the very beginning: the beginning of the Festival in 1975, and the very birth of Canadian animation, when a young Norman McLaren first arrived in Ottawa back in 1941. Canada’s public producer is committed to providing animators with a unique creative laboratory, where they have the resources to experiment, take risks and to create something truly wonderful. This year, we’re back with another outstanding selection of films. We’re also hosting a master class, panel discussions and workshops, joining with BravoFACT! to curate Japanese Spotlight, and presenting the National Film Board of Canada Public Prize for Best Animated Film. Most importantly, we’re continuing to work with new artists to ensure that Canada remains the destination for trailblazing animation art, for years to come.

Chaque année, la capitale nationale du Canada devient la capitale mondiale de l’animation grâce à la vision et au travail accompli du Festival international d’animation d’Ottawa. L’Office national du film du Canada est présent depuis le début du Festival, en 1975, et depuis la naissance de l’animation canadienne, laquelle coïncide avec l’arrivée du jeune Norman McLaren à Ottawa, en 1941. Le producteur public du Canada met tout en œuvre pour offrir aux animateurs un laboratoire de création unique mettant à leur disposition les ressources nécessaires pour expérimenter, prendre des risques et créer des œuvres remarquables. Cette année, l’ONF propose une fois de plus une brillante sélection de films, un atelier de maître, des tables rondes et divers ateliers ainsi que l’événement Japanese Spotlight qu’il organise en association avec BravoFACT!. Il décerne aussi le prix du public récompensant le meilleur film d’animation. Et surtout, l’ONF continue à collaborer avec de nouveaux artistes afin que le Canada demeure la destination de choix pour l’animation d’avantgarde, et ce, pour de nombreuses années à venir.

Tom Perlmutter S. Wayne Clarkson Executive Director, Telefilm Canada Directeur général, Téléfilm Canada

WELCOME | BEINVENUE

Government Film Commissioner and Chairperson of the National Film Board of Canada Commissaire du gouvernement à la cinématographie et président de l'Office national du film du Canada

WE LCO M E

On behalf of Members of Ottawa City Council, representing 888,000 residents, it gives me great pleasure to extend a very warm welcome to all those participating in the Ottawa International Animation Festival, being held in the nation’s Capital from September 17th to 21st 2008. As Head of Council, I want to lend my support to the collaborative efforts of the OIAF staff to increase awareness of animation and to assist artists to gain exposure. Allow me to congratulate the OIAF 08 organizers, sponsors, artists, volunteers and all those who have dedicated their time, energy, talents and resources to the successful organization of this important cultural event of international scope. As Mayor of the host city, I invite visitors to explore the numerous civic as well as national treasures and historic sites, which Canada’s capital has to offer. Please accept my best wishes for a very entertaining and memorable festival.

Au nom des membres du Conseil municipal d’Ottawa représentant 888 000 résidents, je suis ravi de souhaiter la bienvenue à tous les participants au Festival international d’animation d’Ottawa qui se tiendra dans la capitale nationale du 17 au 21 septembre 2008. En ma qualité de chef du Conseil, je suis très heureux d’appuyer les projets de collaboration du personnel du FIAO qui contribuent à mieux faire connaître l’animation et à aider les artistes à obtenir une plus grande visibilité. Permettez-moi de féliciter les organisateurs du FIAO 08, les commanditaires, les artistes, les bénévoles et tous ceux qui ont consacré leur temps, leur énergie, leurs compétences et leurs ressources à l’organisation réussie de cet événement culturel important d’envergure En tant que maire de la ville hôte, j’invite les visiteurs à découvrir les nombreux trésors municipaux et nationaux et les nombreux lieux historiques qu’abrite la capitale nationale.

B I E NV E N U E

Ontario Media Development Corporation is a proud sponsor of the Television Animation Conference at this year’s Ottawa International Animation Festival (OIAF). As an agenc of the Ministry of Culture, OMDC promotes innovation, investment and emplyment in Ontario’s music, film and television, book and magazine publishing and interactive digital media industries. Ontario’s cultural media industries are important contributors to the Privince’s economy and initiatives such as this provide opportunities for festival delegates to network with their peers from around the world and to explore ne business partnerships. OMDC is pleased to support thi simportant event that recognizes and celbrates the wealth of talen in Ontario’s groing animation industry La Société de développement de l’industrie des médias de l’Ontario (SODIMO) est fière de commanditer une nouvelle fois la Television Animation Conference qui aura lieu dans le cadre de l’édition 2008 du Ottawa International Animation Festival (OIAF). En tant qu’organisme du ministère de la Culture, la SODIMO promeut l’innovation, les investissements et l’emploi dans les secteurs ontariens de la musique, du cinéma et de la télévision, de l’édition de livres et de magazines et des produits multimédias interactifs numériques. Les industries des médias culturels de l’Ontario contribuent de façon significative à l’économie de la province, et des initiatives comme celle-ci offrent l’occasion aux délégués de réseauter avec leurs pairs du monde entier et de nouer de nouveaux partenariats commerciaux. La SODIMO est heureuse de soutenir cet événement important qui reconnaît et célèbre la richesse des talents au sein de la florissante industrie ontarienne de l'animation. Nous adressons toutes nos félicitations à l’équipe dévouée de programmeurs et de membres du personnel de l’OIAF! Sincerely, Cordialement,

Je vous souhaite un festival très mémorable et des plus divertissants. Recevez l’assurance de mes sentiments les meilleurs. Sincerely, Le maire,

Larry O’Brien Mayor

Kevin Shea Chair, Ontario Media Development Corporation Président du conseil d'administration, Société de développement de l’industrie des médias de l’Ontario

Karen Thorne-Stone, President & CEO, Ontario Media Development Corporation Présidente-directrice générale, Société de développement de l’industrie des médias de l’Ontario

OIAF 08 FESTIVAL READER | FIAO 08 LECTEUR DU FESTIVAL

TE LEVIS ION AN I MATI ON CON FE R E NC E CONFERENCE D’ANIMATION TELEVISUELLE

Wednesday, September 17 & Thursday, September 18 (Fairmont Château Laurier, Starz Ballroom, MacDonald Room and Québec Suite)

Les mercredi 17 et jeudi 18 septembre (Fairmont Château Laurier, Starz Ballroom, Salle MacDonald et Suite Québec)

The Television Animation Conference (TAC), the OIAF's industry side event, is held at the Fairmont Château Laurier the first two days of the Festival. Selling out since its inaugural edition, the Conference is a specialized industry forum designed for professionals in animation content creation, development, production, distribution and marketing. TAC celebrates its 5th anniversary this year by expanding its venues, audience and programming, becoming the ideal event to make your first connections for the TV market season. The event now targets an audience of 350 delegates, bringing together key players from North American and international markets, providing an intimate space for effective networking, practical information exchange and trade.

La Conférence de l'animation télévisuelle (CAT), l'événement du FIAO qui s'adresse à l'industrie, a lieu à l'hôtel Fairmount Château-Laurier au cours des deux premières journées du Festival. Un succès affichant complet depuis sa première édition, le congrès est un forum spécialisé de l'industrie conçu pour les professionnels de la création, de l'élaboration, de la production et du marketing de contenu d'animation. Le CAT célèbre son 5e anniversaire cette année en augmentant le nombre de lieux où il se tient, son auditoire et sa programmation, et devient ainsi l'événement idéal pour établir vos premières connexions de la saison de mise en marché pour la télé. L'événement cible maintenant un auditoire de 350 délégués et réunit des acteurs clés des marchés nord-américains et internationaux. Il offre un espace intime pour mener un réseautage efficace, échanger de l'infirmation de façon pratique et faire des affaires. Companies and organizations participating in TAC 08 include : Les entreprises et organisations qui prendront part à la CAT 2008 comprennent notamment : Aardman Animation Amberwood Entertainment Astral Media/Family Channel Atomic Cartoons Bell Broadcast and New Media Fund Blueprint Entertainment Breakthrough Entertainment Brown Bag Films Cartoon Network

CCi Entertainment Chuck Gammage Animation Inc. Cogeco Program Development Fund Cookie Jar Company Corus Entertainment Cuppa Coffee Animation Fresh TV Fox Broadcasting GALAKIDS

TELEVISION ANIMATION CONFERENCE

Guru Studio Jetix Europe Marblemedia Mercury Filmworks Nerd Corps Entertainment Nickelodeon PBS Polygon Pictures Radio-Canada TELETOON and more!

TAC 2008 HIGHLIGHTS

POINTS SAILLANTS DU CAT 2008

Opening this milestone edition is Brown Johnson, President of Animation at Nickelodeon, MTVN Kids and Family Group. Johnson is responsible for supervising the creative direction of contemporary classics such as SpongeBob Squarepants, The Fairly OddParents and Back at the Barnyard. Matthew Senreich and Seth Green set the tone for day two. Together they are the creators of the Emmy-award winning series Robot Chicken, on the Cartoon Network Adult Swim block.

Brown Johnson, président de l’animation, MTVN Kids and Family Group, ouvrira cette édition jalon. M. Johnson a la charge de superviser la direction de la création de classiques contemporains tels que SpongeBob Squarepants, The Fairly OddParents et Back at the Barnyard. Matthew Senreich et Seth Green donneront le ton de la deuxième journée. Ils ont créé ensemble la série Robot Chicken, qui se trouve dans le bloc Adult Swim du Cartoon Network.

Catch a glimpse of what Canadian producers are up to at the TAC Canadian TV Showcase, featuring The Backyardigans, Chop Socky Chooks, Edgar and Ellen, Life's a Zoo, Pucca and Storm Hawks. Festival screenings are a key way to catch up on new trends, new artists and the best work from around the world. With this year's expanding audience, TAC has more events to cater to delegate needs including panels, seminars and networking events. Panels and seminars explore tween content creation, new adult animation, funding sources, making money with shorts, the Japanese market and much more. Don't miss Pitch THIS!, where two producers bravely pitch their projects to a panel of top television executives and the entire TAC audience. Participants can pre-arrange one-on-one meetings with key buyers and executive producers at Fast Track, set-up meetings in the TAC Lounge, take in intimate social events such as the new TAC Happy Hour, the Buffet Breakfast, Coffee Breaks and OIAF Festival Parties. Thank you to | Merci de : 9 Story Entertainment, Amberwood Productions, Bell Broadcast and New Media Fund, Breakthrough Animation, Decode Entertainment, Brazilian TV Producers Association, the Canadian Consulate in Sao Paulo, the Department Of Canadian Heritage TV, Trade Routes, the Department of Foreign Affairs, Fresh, Jetix, Marblemedia, Nelvana, the Ontario Media Development Corporation, Pipeline Studios, Telefilm Canada and Starz.

Ayez un aperçu de ce que font les producteurs canadiens à la Vitrine de la télé canadienne au CAT, qui mettra en vedette The Backyardigans, Chop Socky Chooks, Edgar and Ellen, Life's a Zoo, Pucca et Storm Hawks. Les projections du Festival sont une façon importante de se mettre à jour sur les nouvelles tendances, les nouveaux artistes et les meilleures oeuvres du monde entier. Pour tenir compte de l’augmentation de son auditoire cette année, le CAT offre davantage d’événements répondant aux besoins des délégués, dont des panels, des séminaires et des événements de réseautage. Les panels et séminaires exploreront la création de contenu pour les pré-adolescents, la nouvelle animation pour adulte, les sources de financement, la façon de faire de l’argent avec des courts métrages, le marché japonais et plus encore. Ne manquez pas « Vendez-moi ça ! », où deux producteurs courageux feront la promotion de leur projet devant un panel de cadres supérieurs de la télé et tout l’auditoire du CAT. Les participants peuvent organiser à l’avance des rencontres en personne avec des acheteurs et des cadres supérieurs clés à la « Voie rapide » ou encore des rencontres dans le salon du CAT, participer à des événements sociaux intimes tels que le 5 à 7du CAT, le petit déjeuner au buffet, les pauses-café et les soirées du FIAO.

OIAF 08 FESTIVAL READER | FIAO 08 LECTEUR DU FESTIVAL

OIAF 08 HONORARY PRESIDENT: FRANKI E REM LEY

Dear Clydes, Curly said I should write something for your club. I like basketweaving because basket is funny thing. There is clothes baskets, laundry baskets and most people have bread baskets, some baskets are very strong, but others are wicker. Then there is bon voyage baskets to keep bon voyages in. Baskets is like pottery only looser. And that’s what I like about basket weaving. Have fun fillin’ em and if you need some extras, I know a guy. Frankie Remley

Cher Clydes, Curly a dit que je devrais écrire quelque chose pour ton club. J'aime tresser des paniers parce que les paniers sont drôles. Il y a des paniers à linge, des paniers à linge sale, la plupart des gens ont des paniers à pain, certains paniers sont très forts et d'autres sont plus faibles. Puis, il y a les paniers "bons voyages" pour les souhaits de "bon voyage". Les paniers sont comme la poterie, mais en plus lâche. Voilà ce que j'aime du tressage de paniers. Amusez-vous à les remplir, et si vous avez besoin d'extras, je connais quelqu'un. Frankie Remley

HONORARY PRESIDENT

SKIP MAN MOTION SKIP, L'HOMME EN MOUVEMENT

BY | PAR CHRIS ROBINSON

PROGRAM: Thursday, Sept. 18, 7:00 pm (National Gallery) Friday, Sept. 19, 9:00 pm (National Gallery) Boccioni's Bike [1981] 8:38 | 16mm Parataxis [1980] 3:04 | 16mm How the Frog's Eye Sees [1984] 6:30 | 16mm

From his name to life and films, everything about Rochester animator Skip Battaglia speaks movement. Battaglia, an avid hiker and runner, is the perennial traveller, always moving, searching, finding and feeling. His films reflect this hunger for movement and new perspectives. In Battaglia’s world, to stand still is to stagnate and to die. To move is to be eternally in motion, mentally, spiritually and physically. When we move, we learn to see differently and become more in sync with our environment. Battaglia’s first meaningful encounter with animation came while he was studying literature in college. “There was a teacher, he was in the English department but he was teaching a film course and he had a short film he was projecting on the wall of his office in 16 mm. Bruce Baile’s Castro Street - an experimental film – and I looked at that and came into it in the middle and said, ‘What is that?’ I said, ‘Play that again.’ I looked at that and it just, Bruce Baile’s name at the

Depuis son nom jusqu'à sa vie et ses films, tout ce qui se rapporte à l'animateur de Rochester Skip Battaglia parle de mouvement. Excursionniste et coureur passionné, il est l'éternel voyageur, toujours en mouvement, en recherche, à trouver et à ressentir. Ses films reflètent son appétit de mouvement et de nouvelles perspectives. Dans le monde de Battaglia, rester sur place, c'est stagner et mourir. Bouger, c'est l'éternel mouvement, mentalement, spirituellement et physiquement. Lorsqu'on bouge, on apprend à voir les choses différemment et à mieux se synchroniser avec son milieu. Battaglia a fait sa première rencontre importante avec le monde de l'animation alors qu'il étudiait la littérature à l'université. « Il y avait un prof, il était dans le département d'anglais, mais il donnait un cours de cinéma. Il projetait un court-métrage en 16 mm sur le mur de son bureau. Bruce Baile's Castro Street – un film expérimental. Je l'ai regardé, et arrivé au milieu j'ai dit : “Qu'est-ce que c'est ça ? Fais-le

OIAF 08 FESTIVAL READER | FIAO 08 LECTEUR DU FESTIVAL

bottom and I thought, ‘I didn’t know you could make a film by yourself.’ You know, I thought you needed accountants and a factory system to make a film. I thought it was a very beautiful, different sort of film.” Born in Buffalo, New York, Battaglia’s dad was part-owner of a drive-in movie theatre. “I used to show up in my pyjamas, you know, and make it through the cartoons and probably fall asleep in the back seat. And so there was always that experience of, you know, movies were something. My mother would sell the tickets and make the popcorn and my father would run the projector and I would fall asleep.” After studying English literature at Boston College, Battaglia worked a variety of jobs, including editing interviews for a German television show (despite not speaking German), working in a steel plant and high school teacher. In 1975, Battaglia came to Rochester, NY through a grant he received to set up a film equipment co-op to serve upstate New York. “I travelled around to different counties teaching community groups how to use film equipment in anticipation of what was going to happen with cable, where, you know, there would be community channels and people would be running around with video cameras and you would be able to get everything on the air.” Battaglia, like so many independent animators, stumbled into animation by chance. While taking his Master’s at Syracuse University, he stumbled upon an animation camera in a back room of the school. “It was a television facility, but the Oxberry was no longer much used for TV graphics. An adjunct teacher had an animated TV graphics course. I offered to become his teaching assistant. After graduation, the teacher let me have a key to the room if I would shoot only Tuesday nights [the evening when he taught]. I shot maybe only every 2-3 weeks. I would finish a day's work in Rochester [I had begun to teach part time], pack up the car with materials and drawings, drive the 76 miles to SU, load the camera, shoot till 1 or 2 am, unload, drive back to Rochester - getting breakfast along the way - get home at 4 or 5 am, appear at part-time work Wednesday at noon. That’s how I started with animation. It was very exciting.” Animation attracted Battaglia because of its poetic possibilities. “I had a view of film which was poetic, that you could make a film like you could write a poem or like a writer would make a book. The joy of being able to make something, like a poet, where you’re responsible for every image, I only started doing that after I turned 30. I lost a job. I said, ‘Well I’ve got time, I don’t have money. I’ll draw a film.’ ”

Jouer encore une fois.” J'ai regardé ça et juste là..., il y avait le nom de Bruce Baile en bas, et j'ai pensé : “Je ne savais pas qu'on pouvait faire un film par soi-même.” Vous savez, je pensais que vous aviez besoin de comptables et d'un système d'usine pour faire un film. J'ai pensé que c'était un film très beau, d'un genre très différent. » Battaglia est né à Buffalo (NY), où son père était co-propriétaire d'un cinéma en plein air. « J'avais l'habitude d'y aller en pyjama, vous savez, et de regarder les dessins animés, puis je m'endormais sur le siège arrière. De sorte qu'il y avait toujours cette expérience que les films étaient quelque chose. Ma mère vendait les billets et faisait cuire le maïs soufflé, mon père faisait tourner le projecteur, et je m'endormais. » Après avoir étudié la littérature anglaise à Boston College, Battaglia a fait tous les métiers, dont monteur d'interviews pour une émission de télé allemande (même s'il ne parle pas l'allemand), ouvrier dans une aciérie et enseignant d'école secondaire. En 1975, Battaglia est venu à Rochester (NY) grâce à une bourse qu'il avait reçue pour fonder une coopérative d'équipement de film desservant le nord de l'État de New York. « J'ai voyagé dans divers comtés pour enseigner à des groupes communautaires comment utiliser l'équipement de film en prévision de qui se passerait avec le câble, vous savez, il y aurait des postes communautaires et les gens courraient partout avec des caméras vidéo, et vous pourriez tout mettre en ondes. » Battaglia, comme tant de réalisateurs indépendants de films d'animation, est arrivé au dessin animé par hasard. Alors qu'il faisait sa maîtrise à l'Université de Syracuse, il a trouvé une caméra d'animation dans un entrepôt de l'école. « C'était un truc pour la télé, mais l'Oxberry n'était plus tellement utilisé pour les graphiques télé. Un professeur adjoint donnait un cours sur les graphiques télé. Je lui ai offert de devenir son assistant d'enseignement. » « Après l'obtention de mon diplôme, ce prof m'a permis d'avoir la clé de cette pièce à la condition d'aller tourner seulement les mardi soirs (le soir où il enseignait). Je tournais peut-être seulement toutes les 2-3 semaines. Je finissais une journée de travail à Rochester (j'avais commencé à enseigner à temps partiel), je remplissais l'auto de matériel et de dessins, roulais les 76 milles menant à l'Université de Syracuse, je tournais jusqu'à 1 ou 2 heures du matin, je rembarquais mes affaires, - et roulais à nouveau jusqu'à Rochester – en prenant un petit déjeuner en route – je rentrais à la maison vers 4 ou 5 heures du matin, et me pointais à mon boulot à temps partiel à midi. C'est comme ça que j'ai commencé à faire du film d'animation. C'était très emballant. »

And that film was Boccioni’s Bike (1981), an astonishing debut about a bike ride. Inspired by futurist art, Battaglia explores the rhythms of the bike ride from various perspectives. The film begins with a segment of a bicyclist beginning his ride. As he moves and gets more into the flow of his motion, the images break apart, becoming more abstract. Anyone who creates or exercises knows that feeling of getting in the zone, of being so in tune with the motion of your body and surroundings that you lose yourself. Everything momentarily becomes one.

L'animation a attiré Battaglia à cause de ses possibilités poétiques. « J'avais la vision d'un film poétique, que vous pouviez faire un film comme vous écrivez un poème ou un écrivain, son livre. La joie de pouvoir faire quelque chose, comme un poète, où vous êtes responsable de chaque image, j'ai seulement commencé à faire ça la trentaine passée. J'ai perdu un emploi. J'ai dit : “Eh bien, j'ai du temps, je n'ai pas d'argent. Je vais dessiner un film.” »

Boccioni’s Bike took Battaglia three years to make, “cause I threw out a year and a half of stuff. I didn’t know where it was going and I was reading some futurist materials about the films that still are around. There are only two of the

Ce film fut Boccioni's Bike (1981), un début étonnant au sujet d'une promenade à vélo. Inspiré par l'art futuriste, Battaglia explore les rythmes de la promenade à vélo depuis des perspectives diverses. Le film commence par un

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futurist films that are still in collections. And they would take their films and shoot ‘em black and white and they would dye them blue. So the films would be black and blue and when asked why they did that, they said because they wanted the film to indicate a state of mind. I said, “Wow, this is great. This is what I’m drawing. I’ve channelled futurism.” Initially, the images were rotoscoped, but as Battaglia became more confident in his drawing, he stopped rotoscoping altogether. “I picked out a very simple movement, a rotational movement, and once I learned that I stopped rotoscoping. That’s why I first threw out the first year and a half of drawings and only kept a couple of them. Partly because it was so obviously rotoscoped and I had begun to learn the movement. The other reason was that I didn’t know about pigments and uh, materials to work with and so I was using crayons, which was very flat on the surface of the paper and didn’t photograph well. So, as I started experimenting with how things photographed, I realized I couldn’t do work with crayons. I had to use pencils and ink. It would take into the paper. ‘Cause I wanted the surface of the paper.” To get the chaotic sound of clinking objects and to create the film’s rhythm, Battaglia invited some neigbours over, gave them various tools and got them drunk. “I had bought an 1867 house for $18,000. I was living in it and I was redoing the electricity and everything in the house, so I had all these tools around in the garage. It was like this and we drank a lot of red wine and went in there and we started just pounding tools around. And then I took it on audio tape and I edited it and saw how it went with the film and that gave me a sound track that I could continue drawing on, and once I had the audio track down and had it planned out what I was going to do kind of rhythmically and acoustically, then the rest of the drawing on the film took ten months with everything else I did.” For a guy who had not only never made an animation film before, but had never really even drawn, Boccioni’s Bike is a revelation, a poetic masterpiece that reveals animation’s ability to take the viewer on an abstract journey through the subconscious to give voice to the daily unseen of our lives. While he was making Boccioni’s Bike, Battaglia started work on a very different film, Parataxis (1980). “A Xerox copier was available at the George Eastman House, available for artists to use. I always wanted to make a film with a Xerox machine.” Using a mixture of live-action footage and photocopies, Battaglia shows us a seemingly straightforward image of a man observing a beautiful woman in a fabric shop. As he watches her roam about the shop, we hear a man’s voice (we presume it is the same man) talk about the woman, his memory, and why he doesn’t approach her. She leaves the store, the two never making contact. The scenario is repeated a second and third time only sound and image have been rearranged. The idea for the film’s concept came from a variety of sources including poet Joseph Brodsky and Orson Welles’ film Citizen Kane. “I was teaching Citizen Kane. I was teaching a film history course every year and I realized that I was going to have to teach Citizen Kane every year of my stupid life. And the character Bernstein says, “Well, memory’s a funny thing.” And so I took the quote from him, about the woman that he saw and hardly a week passes he doesn’t remember her, about a woman he saw forty years ago. And then a line

segment où le cycliste commence sa promenade. À mesure qu'il bouge et qu'il est absorbé dans le flux de son mouvement, les images se brisent et deviennent plus abstraites. N'importe qui qui crée ou s'exerce connaît cette sensation d'entrer dans la zone, d'être tellement en accord avec le mouvement de votre corps et avec l'entourage que vous vous perdez. Tout devient un pendant un instant. Il a fallu à Battaglia trois ans pour faire Boccioni's Bike, « parce que j'ai jeté un an et demi de matériel. Je ne savais pas où le film s'en allait et je lisais du matériel futuriste sur les films qui existent encore dans des collections. Ils filmaient leurs films en noir et blanc puis ils les teignaient en bleu. De sorte que les films étaient en noir et bleu, et lorsqu'on leur 0demandait pourquoi ils avaient fait ça, ils disaient que c'était parce qu'ils voulaient que le film exprime un état d'esprit. J'ai dit : « Waou, c'est formidable. C'est ce que je dessine. J'ai canalisé en moi le futurisme. » Au départ, les images ont été tournées en rotoscopie, mais une fois que Battaglia a pris de l'assurance, il a cessé de le faire. « J'ai choisi un mouvement très simple, un mouvement de rotation, et une fois que je l'ai eu appris, j'ai cessé de faire de la rotoscopie. C'est pour cela que j'ai jeté la première année et demie de dessins et n'en ai conservé que quelquesuns. En partie parce que la rotoscopie était trop évidente et que j'avais commencé à apprendre le mouvement. L'autre raison est que je ne connaissais rien aux pigments ni euh, aux matériels avec lesquels travailler et que j'utilisais des crayons de cire, ce qui donnait un truc très plat sur la surface du papier et ne se photographiait pas bien. Alors, à mesure que j'expérimentais avec la façon dont les choses se photographiaient, je me suis rendu compte que je ne pouvais faire des œuvres avec des crayons de cire. Il fallait que j'utilise des crayons et de l'encre. Cela entrait dans le papier. Parce que je voulais la surface du papier. » Pour obtenir le son chaotique d'objets clinquants et créer ainsi le rythme du film, Battaglia a invité des voisins chez lui, leur a donné divers outils et les a saoulés. « J'avais acheté une maison de 1867 pour 18 000 $. J'y vivais et je refaisais l'électricité et tout dans la maison, de sorte que j'avais plein d'outils dans le garage. C'était comme ça, nous avons bu beaucoup de vin rouge et nous sommes entrés dans le garage et nous avons commencé à cogner les outils partout. Puis, j'ai pris une bande audio et j'ai fait des épissures, et j'ai vu comment ça s'adaptait au film, et ça m'a donné une bande sonore à partir de laquelle je pourrais continuer à dessiner. Puis, une fois que j'aie eu terminé la bande sonore et planifié ce que j'allais faire aux plans rythmique et acoustique, j'ai pris dix mois à faire le reste des dessins, avec tout ce que je faisais d'autre. » Pour un homme qui non seulement n'avait jamais fait de film d'animation avant, mais qui en outre n'avait jamais fait de dessin, Boccioni’s Bike est une révélation, un chef-d'œuvre poétique qui révèle la capacité de l'animation à emmener le spectateur dans un voyage abstrait dans l'inconscient afin de donner une voix à ce qu'on ne voit pas dans notre quotidien. Pendant qu'il travaillait à Boccioni’s Bike, Battaglia a commencé à travailler à un film très différent, Parataxis (1980). « Un photocopieur Xerox avait été mis à la disposition des artistes à la maison George Eastman. J'ai toujours voulu faire un film avec une machine Xerox. » En utilisant un mélange de piétage d'action en direct et de

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from Brodsky’s autobiography, “Am I the story I tell myself?” Battaglia then tossed in some other lines, grabbed a notebook, and wrote them down. “Then I took the lines and I wrote them on index cards and then I shuffled them. I was going to call the film “Shuffle” and maybe I should have. Um, and I did eight shuffles and read it into a microphone and shuffled them again and I took the best four sequences that seemed to tell a story. Later, I arranged the imagery with the soundtrack and realized I only needed three passes and not four. Cause I wanted the film to end when people say, ‘Oh, we got this figured out.’” While Parataxis couldn’t be more visually different from Boccioni’s Bike, the concept continues Battaglia’s fascination with making the invisible, visible and giving voice to the unseen everyday workings inside us. As Paul Auster once wrote, memory is the second time an event happened. It’s the first time we are telling it from our perspective. Each time we remember an event, something changes, however minute. How The Frog’s Eye Sees (1984) finds Battaglia again dealing with movement and perspective, this time through the eyes of a frog. The viewer is dumped into a pond. We pass through weeds, flies buzz around us until a red tongue lashes out, and there is silence. There are long moments of waiting, and sitting as the gentle wind caresses the weeds. Finally, we’re immersed in the dark blue of the water. Snippets of a fish appear. There is a flash of red. Then there is nothing. Frog’s Eyes sees (pun intended) Battaglia combining elements of cartoons, nature films and abstract imagery (the images of the flies buzzing and almost exploding on the screen transforms into a non-figurative dance of sound and motion) to create, essentially, an almost an existentialist film. There is life, then there’s nothing. During this time, Battaglia started his career at the Rochester Institute of Technology (RIT), where he remains today. He’d been teaching film history at St. John Fisher college when he was approached by filmmaker Howard Lester. Lester was in charge of a newly formed film program at RIT and he asked Battaglia to join him. Many artists admit that there are times when the students

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photocopies, Battaglia nous montre une image apparemment sans détour d'un homme qui observe une belle femme dans un magasin de tissus. Tandis qu'il la regarde se déplacer dans le magasin, nous entendons une voix d'homme (nous présumons qu'il s'agit du même homme) parler de la femme, de ses souvenirs, et de la raison pour laquelle il ne s'en approche pas. Elle sort du magasin sans que les deux n'aient établi le contact. Le scénario se répète ne deuxième et une troisième fois, et seuls le son et l'image ont été remaniés. L'idée du film est venue de sources variées dont le poète Joseph Brodsky et le film d'Orson Welles Citizen Kane. « Citizen Kane faisait partie du cours d'histoire du cinéma que je donnais chaque année, et je me suis rendu compte que j'allais devoir enseigner Citizen Kane chaque année de ma foutue vie. Et le personnage de Bernstein disait : “Eh bien, la mémoire est un truc étrange.” Je lui ai donc emprunté cette citation à propos de la femme qu'il a vue, et à peine s'étaitil écoulé une semaine qu'il ne se rappelait plus d'elle, à propos d'une femme qu'il avait vue il y a quarante ans. Puis une phrase de l'autobiographie de Brodsky : “Suis-je l'histoire que je me raconte ?” » Battaglia y a ensuite jeté quelques autres phrases, il a pris un cahier et il les a notées par écrit. « Puis, j'ai pris les phrases, je les ai écrites sur des fiches et je les ai mêlées. J'allais appeler le film “Brassage” et j'aurais peut-être dû. Hum, j'ai brassé huit fois et je les ai lues dans un micro, puis je les ai brassées à nouveau, et j'ai pris les quatre meilleures séquences qui semblaient raconter une histoire. Plus tard, j'ai synchronisé l'imagerie avec la bande sonore, et je me suis rendu compte que je n'avais besoin que de trois répétitions, et non de quatre. Parce que je voulais que le film se termine au moment où les gens se disaient : “Oh, je vois; j'ai compris.” » Bien que Parataxis soit on ne peut plus différent de Boccioni’s Bike, son concept continue de manifester la fascination de Battaglia pour rendre l'invisible visible et à donner une voix aux rouages qui tournent quotidiennement en nous. Comme l'a un jour écrit Paul Auster, le souvenir est la deuxième fois qu'un événement se produit. Chaque fois que nous nous rappelons un événement, quelque chose, même d'infime, change.

actually teach the teachers by bringing in fresh perspectives about art and technology. That’s not quite the case with Battaglia. “Well, with computers, I’m not intuitive about a computer and for this generation, they’re much more intuitive about it, so I pick up tricks about technique, but that’s not really my interest. I’ve learned a lot about my students, but not about animation. I wish that they would teach me more.” Like his films, Battaglia’s life is about movement. When he’s not running, he’s hiking across the U.S. Battaglia began hiking in 1964. On his most recent hike in 2007, Battaglia spent 222 days hiking across the U.S. landscape. “When you’re running or hiking, you feel you’re seeing more somehow because it’s the fascination of the landscape propelled past you as you’re engaging it.” Geologic time (1989) is a direct result of Battaglia’s hiking experience. A dazzling landscape of clouds, mountains and land rushes by. It’s an overwhelming experience. The images leave as quickly as they enter. There’s little time to savour them before they’re gone. Suddenly, a man and woman appear, trees fall, buildings explode on the landscape. In an instant, the landscape, the sounds of nature are gone. “That’s from hiking. That’s from getting stoned and sitting on top of mountains and looking at landscape. Sometimes I swear I could see the curvature of the earth. I started to paint then and I was curious about painting landscape and I wanted a film that was rather painterly.” The theme of man and industry destroying nature is not a particularly new one, but Battaglia does a decent job of avoiding clichés. The ending is sudden, yet from a hiking experience it seems to make sense. For days, weeks, months, there is nothing but trees, grass, clouds, mountains, rivers. Then, in an instant, it’s gone, replaced by skyscapers, gas stations, and hotels. In Restlessness (1994), Battaglia delves inside himself for inspiration. Photocopied images of a sleeping naked man race on the screen. The man is still but anxious. Various images appear, seemingly from inside the man. A runner, houses, collapsing houses, a woman, colliding bodies, maps and, most notably, snakes. This diaristic film takes us inside the mind of an artist so that we (and he) can see what imagery is rampant within his subconscious. “I carried in my dreams, so I kept a dream journal. Also, I was camping out in the desert in Nevada. And it was a public camp area, cause there was water there and they had a concrete block privy and, with poured concrete floor and I’d walk in and there would be a painted snake on the concrete floor. And that’s just to tell people to watch out, there might be snakes in here, come in, out of the heat. And I knew that painted snake was there every time. And every time I walked in there, something inside of me jumped. Something just jumped and I said, ‘Geez I’m afraid of snakes. What is this?’ So, I use the idea of the snake and the whole thing is designed to maintain the imagery of the snake. It’s like the roots to tie everything together.” Snakes and frogs aren’t the only creatures that have inspired Battaglia’s work. In the lighthearted film, Taki Dom (1997) - a collaboration with Julie Ann Jergens and Dan Pejril chickens take the stage. Made as a music video for vocal trio called F’loom, chickens – in whole and in part – flash manically across the screen to the accompaniment of the trio’s vocal instruments.

Dans How The Frog’s Eye Sees (1984), Battaglia traite à nouveau de mouvement et de perspective, mais cette fois vus par les yeux d'une grenouille. Le spectateur est jeté dans un étang. Nous passons à travers des joncs, des mouches volent autour de nous jusqu'à ce qu'une langue rouge frappe, puis le silence. Il y a de longs moments d'attente, assis tandis qu'un vent doux caresse les joncs. Enfin, nous sommes immergés dans le bleu foncé de l'eau. On entrevoit un poisson. Il y a un éclat rouge. Puis plus rien. Frog's Eyes voit (jeu de mots intentionnel) Battaglia combiner des éléments de dessins animés, de films de nature et une imagerie abstraite (les images qui volent et explosent quasiment sur l'écran se transforment en une danse non figurative de son et de mouvement) pour créer essentiellement un film quasi existentiel. Il y a de la vie, puis il n'y a plus rien. Pendant ce temps, Battaglia a démarré sa carrière au Rochester Institute of Technology (RIT), où il demeure encore aujourd'hui. Il enseignait à au collège St. John Fisher quand le réalisateur Howard Lester a pris contact. Lester avait la charge d'un programme de film nouvellement créé au RIT et a demandé à Battaglia de se joindre à lui.

Plusieurs artistes admettront qu'il y a des moments où ce sont les étudiants, en fait, qui enseignent aux professeurs en leur présentant des perspectives nouvelles sur l'art et la technologie. Ce n'est pas totalement vrai dans le cas de Battaglia. « Eh bien, le travail avec les ordinateurs ne me vient pas intuitivement, et en ce qui concerne cette génération-là, cela leur est beaucoup plus intuitif, alors je glane des trucs techniques, mais ce n'est pas vraiment ce qui m'intéresse. J'ai beaucoup appris de mes étudiants, mais pas au sujet de l'animation. Je souhaite qu'ils m'en apprennent davantage. » Comme ses films, la vie de Battaglia se rapporte au mouvement. Quand il ne court pas, il fait des excursions partout aux É.-U. Battaglia a commencé à faire des excursions en 1964. Au cours de sa plus récente excursion, en 2007, Battaglia a passé 222 jours à faire des excursions dans la grande nature partout aux États-Unis. « Lorsque tu cours ou que tu fais une excursion, tu sens que tu vois plus, d'une certaine façon, parce que tu éprouves la fascination de voir le paysage être propulsé derrière toi tandis que tu te lances dedans. » Geologic Time (1989) vient tout droit des excursions de Battaglia. Un paysage éblouissant de nuages, de montagnes et de terre passe à toute vitesse. L'expérience est envahissante. Les images passent aussi vite qu'elles sont arrivées. Il y a peu de temps pour les savourer avant qu'elles ne soient parties. Tout à coup apparaissent un homme et une femme, des arbres tombent, des édifices explosent dans le paysage. En un instant, le paysage, les sons de la nature sont partis. « Cela vient des excursions. Cela vient d'être défoncé et de s'asseoir au somment des montagnes et de regarder le paysage. Parfois, je jurerais que je peux voir la courbure de la Terre. J'ai commencé à peindre à ce momentlà, je souhaitais peindre des paysages et je voulais un film qui fasse plutôt pictural. »

Le thème de l'homme et de l'industrie détruisant la nature n'est pas particulièrement neuf, mais Battaglia se débrouille pour éviter les lieux communs. La fin arrive soudainement, mais pourtant, du point de vue d'un excursionniste, elle a du sens. Pendant des jours, des semaines, des mois, il n'y a rien que des arbres, de l'herbe, des nuages, des montagnes, des rivières. Puis, en un instant, c'est parti, remplacé par des gratte-ciel, des postes d'essence et des hôtels.

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“I got five rings of paper, copier paper and two dead chickens and some buckets of acrylic, acrylic paint and I got a couple of students and we took over a studio and we just painted the chickens, pounded them on the paper, tore off a wing, painted it… pounded it on a couple of sheets of paper.” Wait, did he say “dead chickens?” Yes, he did. Turns out that although it’s illegal (at least in New York state) to buy an unplucked chicken, Battaglia found a farm that would do it for him. “I had to do it really early in the morning. The farmer’s wife went behind the barn and cracked the necks.“ The entire film was made in about three hours. Three more hours were spent sitting around drinking coffee, “cause we realized what we were going to do with these dead chickens (tearing them apart and everything and painting them) and that they smelled like, you know, chicken fat and stuff.” ‘Nuff said. Following Second Nature (“My cartoon film”) and an unsuccessful attempt (More True Shit, 2003) to make a computer film, Battaglia returned to his pencils and made his masterwork, Crossing the Stream (2006). The premise of Crossing the Stream is as simple as they come. A man takes his horse across a stream. Yet, within that simple story is a magnificent, mind-blowing evocation of movement and spirituality. As the man and the horse hit the water, Battaglia takes us on a stoner/Zen trip. All consciousness is lost. Accompanied by the sounds of water and Tibetan singing bowls, water, animal, man, artist and viewer become one. It’s like those moments when you’re jogging (or driving for you slackers) and you’ve run about half a mile, when you suddenly seem to wake and can’t really remember the last half mile because you’re so intoned with the movement and rhythm of your body. This is the experience of watching the scene in Crossing the Stream. As though hypnotized, you don’t even realize it’s happened until it’s over. In the end, the man and the horse walk on and you wonder what the fuck that was all about and can you do it again, please?

Dans Restlessness (1994), Battaglia plonge en lui-même pour y chercher de l'inspiration. Des images photocopiées d'un homme nu endormi courent sur l'écran. L'homme est immobile, mais anxieux. Diverses images apparaissent, venant apparemment du dedans de l'homme. Un coureur, des maisons, des maisons qui s'écroulent, une femme, des corps qui entrent en collision, des cartes et notamment, des serpents. Ce film façon journal intime nous emporte dans l'esprit de l'artiste pour que que nous (et lui) puissions voir quelle imagerie habite de façon endémique dans son subconscient. J'étais transporté dans mes rêves, de sorte que je tenais un journal de mes rêves. De plus, je campais dans le désert du Nevada. C'était une aire de camping public parce qu'il y avait de l'eau et il y avait des toilettes en béton, avec un plancher en béton. J'y entrais et on avait peint serpent sur le plancher de béton. Et cela disait aux gens de prendre garde, qu'il pouvait y avoir là des serpents qui y seraient entrés pour fuir la chaleur. Et je savais que ce serpent peint était là chaque fois. Et chaque fois que j'y entrais, quelque chose au dedans de moi sursautait. Quelque chose sursautait et et je disais : “Diable, j'ai peur des serpents. Qu'est-ce que c'est ça ?” Alors j'ai utilisé l'idée du serpent et tout ça est conçu pour maintenir des images de serpent . » Les serpents et les grenouilles ne sont pas les seules créatures à avoir inspiré Battaglia dans son œuvre Dans le film léger Taki Dom (1997) – une collaboration avec Julie Ann Jergens et Dan Pejril -, des poulets occupent la scène. Produit en tant que vidéo musical pour un trio vocal nommé F'loom, des poulets, entiers et en pièces, apparaissent à répétition partout sur l'écran avec accompagnement musical des instruments du trio. « J'ai cinq classeurs à anneaux remplis de papier, du papier à télécopieur et deux poulets morts, des seaux d'acrylique, de la peinture acrylique. Avec deux ou trois étudiants, nous occupons un studio et nous peinturons les poulets, nous les cognons sur le papier, nous déchirons une aile, nous la peinturons... et nous la cognons sur deux ou trois feuilles de papier. » Attendez... A-t-il dit « poulets morts » ? Il l'a dit.

Currently, Battaglia is finishing up a new film called Car Crash Opera. “It’s eight minutes. I want to criticize the car crash film by making a cartoon of it at first, but the second half of the film is after the car crash. The first two and a half minutes is developing the characters and then I got about a two minute car crash which is a lot of red pencil and ink , but then I’ve got this whole trail off of voices and it gets rather mournful. I want to criticize the form itself and then end with a little joke.” While Battaglia’s films certainly fall into the realm of abstract or experimental animation, they’re not cold, pretentious and devoid of personality. Battaglia’s works are ambitious but always warm, personable and often funny. This is a man who enjoys his work, and more importantly, clearly enjoys life and extracts everything he can from it.

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Il se trouve que, bien que ce soit illégal (du moins dans l'État de New York) de vendre un poulet non déplumé, Battaglia a trouvé une ferme qui ferait ça pour lui. « J'ai dû y aller très tôt le matin. La fermière est allée derrière la grange et leur a cassé le cou. » Le film entier a été tourné en trois heures à peu près. Nous avons passé trois autres heures assis à boire du café, « parce que nous avons pris conscience de ce que nous allions faire avec ces poulets morts (les déchirer et tout, et les peinturer), et de ce que ça sentait, vous savez, le gras de poulet et les autres machins. » Suffit. Après Second Nature (« mon film de dessins animés ») et une tentative infructueuse de film par ordinateur (More True Shit, 2003), Battaglia est retourné à ses crayons et a produit son chef-d'œuvre, Crossing the Stream (2006).

L'argument de Crossing the Stream est on ne peut plus simple. Un homme fait passer un ruisseau à son cheval. Pourtant, dans cette simple histoire se trouve une évocation magnifique et envoûtante du mouvement et de la spiritualité. Au moment où l'homme et son cheval entrent dans l'eau, Battaglia nous fait vivre un voyage zen ou « parti ». Toute conscience est perdue. Accompagnée par les sons de l'eau et des bols chanteurs tibétains, l'eau, l'animal, l'homme, l'artiste et le spectateur deviennent un. C'est comme ces moment où vous faites du jogging (ou que vous y conduisez vos paresseux) et que vous avez couru environ un demi-mille, et vous semblez tout à coup vous réveiller et ne plus pouvoir vous souvenir de ce dernier demi-mille parce que vous êtes tellement en harmonie avec le mouvement et le rythme de votre corps. Telle est l'expérience de regarder la scène de Crossing the Stream. Comme hypnotisé, vous ne vous rendez compte que c'est arrivé qu'après que c'est fini. À la fin, l'homme et le cheval poursuivent leur marche, et vous vous demandez : « Diable, qu'est-ce c'était ça, et pouvez-vous le refaire, s'il vous plaît ? »

Battaglia termine actuellement un nouveau film intitulé Car Crash Opera. « Il dure huit minutes. Je veux faire une critique des films d'accident d'auto en commençant par en faire une caricature, mais la deuxième partie du film se déroule après l'accident. Les premières deux minutes et demie développent les personnages, puis j'ai un accident d'auto pendant environ deux minutes, qui est composé de beaucoup de crayon et d'encre rouge, puis j'ai toute cette partie d'échos de voix qui devient plutôt triste. Je veux faire une critique de la forme ellemême puis terminer par une petite blague. » Bien que les films de Battaglia puissent certainement être classés dans le domaine de l'animation abstraite ou expérimentale, ils ne sont ni froids, ni prétentieux, ni dénués de personnalité. Les œuvres de Battaglia sont ambitieuses, mais toujours chaleureuses, personnelles et souvent drôles. Voilà un homme qui aime son travail, et ce qui est plus important encore, qui aime la vie et en tire tout ce qu'il peut.

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J O NAS O D E LL:

REVOLVERBANGBANG! BY | PAR TOM MCSORLEY

PRESENTED BY | PRÉSENTÉ PAR

PRESENTED BY | PRESENTÉ PAR THE SWEDISH FILM INSTITUTE AND THE NATIONAL FILM BOARD OF CANADA

PROGRAM: Thursday, Sept. 18, 3:00 pm (National Gallery) Sunday, Sept. 21, 1:00 pm (ByTowne Cinema) Revolver [1993] 7:54 Lies [2008] 14:00 Best Friend Plank [2002] 2:15 Franz Ferdinand 'Take Me Out' [2004] 4:02 U2 'Window in the Skies' [2006] 4:01 Goldfrapp 'Strict Machine' [2003] 3:47 The Hours 'All in the Jungle' [2007] 4:02 Audio Bullys 'Shot You Down' [2005] 3:48 Erasure 'Come Up and See Me' [2003] 3:29 Feeder 'Feeling a Moment' [2005] 4:14 Mad Action 'Smile' [2004] 4:01 Family & Friends [2002] 12:20 Never Like the First Time! [2005] 14:30

You already know a lot about Sweden. You really do. Sweden in inescapable. Just look around. Elements of the remarkable Swedish sensibility can be discovered in a number of places. Surprisingly, perhaps, given Sweden’s relatively modest size, these elements are very easy to find, because many of them are world famous. One element is discovered in the philosophically searching and internationally renowned cinema of Ingmar Bergman; more tangibly, perhaps, another resides in the ubiquitous, efficient, pragmatic Swedish products manufactured by IKEA, Volvo, and Saab; in other international arenas , still another is literally embodied in the cool atheletic fires of tennis icons Bjorn Borg and Stefan Edberg, and hockey legends Borje Salming, Nicklas Lidstrom, and Daniel Alfredsson; and, in arguably the most spectacular example, in the enormous popularity of the music of ABBA (although I’d take The Soundtrack of Our Lives over that acronym band anyday). While slightly more modest in terms world domination, the multi-faceted animation work of Jonas Odell incorporates all of these same aspects of Swedish cultural output: pragmatism, craftsmanship, and passion. The specifically ‘Swedish’ elements, combined with a vital and vibrant internationalism that, in a sense, has always informed the world of animation, make the multiaward winning Odell one of the most important figures in contemporary world animation. Born in 1962, Odell is one of the founding members of Filmtecknarna, a prolific and renowned animation company based in Stockholm, founded in 1981 by Odell, Lars Ohlson and Stig Bergqvist. All students at the time, they shared a common interest in drawing and animating and decided to band together and combine their energies. All their time was spent at the animation desk and many films were produced, mostly independent short films, but when commercial television arrived in Sweden some two decades ago, Filmtecknarna’s intelligent, unusual, and entertaining animation found a place in this rapidly expanding television market. That combination of independent and commercial work has been the company’s, and particularly Jonas Odell’s, trademark ever since. It is in his independent works that we can, at one level, locate Odell's auteurist animator persona, but it has to be admitted that that persona is also present in the commercial work, too. Winner of the Golden Bear for Best Short Film at the 2006 Berlin International Film Festival, Never Like The First Time!

Vous en connaissez déjà beaucoup sur la Suède. Puisque je vous le dis ! On n'échappe pas à la Suède ! Vous n'avez qu'à regarder autour de vous. Des éléments de la remarquable sensibilité suédoise se retrouvent un peu partout. De manière surprenante peut-être, à considérer la dimension relativement modeste de la Suède, ces éléments sont très faciles à trouver, parce que plusieurs d'entre eux ont une réputation internationale. Un élément se retrouve dans le cinéma philosophiquement scrutateur et mondialement reconnu d'Ingmar Bergman; plus tangiblement peut-être, un autre élément réside dans l’omniprésence des produits suédois efficaces et pragmatiques manufacturés par IKEA, Volvo, et Saab. Dans d'autres arènes internationales, un autre a littéralement pris corps dans les feux athlétiques de ces icônes du tennis que sont Bjorn Borg et Stefan Edberg, les légendes du hockey que sont Borje Salming, Nicklas Lidstrom et Daniel Alfredsson. Et, dans l'exemple dont on peut raisonnablement penser qu'il est le plus spectaculaire, dans l'énorme popularité de la musique d'ABBA (j'aurais choisi « The Soundtrack of Our Lives » plutôt que cet acronyme). Bien que légèrement plus modeste au point de vue de la domination mondiale, l'oeuvre d'animation à facettes multiples de Jonas Odell incorpore tous ces même aspects ressortissant à la culture suédoise : pragmatisme, travail bien fait et passion. Les éléments spécifiquement « suédois », combinés à un internationalisme vital et vibrant qui, dans un sens, a toujours été présent dans le monde de l'animation, fait d'Odell, gagnant de nombreux prix, une des figures les plus importantes du monde de l'animation internationale contemporaine. Né en 1962, Odell est un des membres fondateurs de Filmtecknarna, une compagnie d'animation prolifique et reconnue basée à Stockholm, fondée en 1981 par Odell, Lars Ohlson et Stig Bergqvist. Tous trois étudiants à l'époque, ils partageaient un intérêt commun, dessiner et animer, et décidèrent de se regrouper et de combiner leurs énergies. Ils passaient tout leur temps à la table d'animation et produisirent plusieurs films, surtout des courts métrages indépendants, mais lorsque la télévision commerciale arriva en Suède il y a environ vingt ans, l'animation intelligente, peu commune et divertissante de Filmtecknarna trouva rapidement sa place dans le marché en pleine expansion qu'offrait la télévision. Cette combinaison de travail indépendant et commercial a depuis été la marque de commerce de la compagnie et plus particulièrement de Jonas Odell. C'est dans son travail indépendant que l'on peut, à un certain niveau, placer la personnalité « d'animateur de répertoire » d'Odell, mais on doit admettre que cette personnalité est aussi présente dans ses oeuvres de commande. Gagnant de l'Ours d'Or pour le meilleur court-métrage au Festival international du film de Berlin, Never Like The First Time ! est basé sur des interviews réels de quatre personnes à propos de leur première expérience sexuelle. Chaque interview est animé dans un style différent, mettant l'emphase sur la nature humoristique, pensive, troublante ou réellement belle de l'expérience décrite. Dans une veine collective similaire, les cinq histoires de Family and Friends explore l'étrangeté des mondes des adultes vus depuis une perspective d'enfants. Aussi drôle que triste, ce travail de perception articule, comme Bergman l'a fait à sa façon, les intensités et les absurdités souvent embarrassante de la vie de famille, et ouvre ces obscurs volumes d'histoires réprimées de familles pour en lire quelques chapitres. La Fourmi Atomas est une critique de la complicité de l'animation avec l'idéologie de la

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is based on actual interviews with four people about their first sexual experience. Each interview is animated in a different style, emphasizing the humorous, wistful, disturbing, or indeed beautiful nature of the experience described. In a similar collective vein, the five stories in Family and Friends explore the strangeness of adult worlds from a child’s perspectives. As funny as it is sad, this perceptive work articulates, as Bergman did in his own way, the often perplexing intensities and absurdities of family life, and opens those obscure volumes of repressed family history to read a few chapters. atom ant is a critique of animation's complicity with Cold War ideology and a not so tacit approval of the arms race. Odell’s kinetic short incorportates Hanna-Barbera animation stylings with snatches of the original soundtrack with its toddler war cry, ‘Up and at'em, Atom Ant!'. It detonates any notion that animation in general is innocent or neutral, and raises relevant, incisive questions about the politics of commercial animation. Even his earlier collaborative pieces Odell made with fellow Filmtecknarnans Stig Bergqvist, Martti Ekstrand have a political dimension and explore dark, absurdist themes. Exit (1990) offers a mordant satire on how the entertainment industry exploits and deforms us, while 1993’s Revolver (also with Lars Ohlson), is a Fleischer-meets-Beckett black and white meditation on repetition in modern society. The independent, non-commercial dimension of Jonas Odell’s animation reveals him to be an astute and acute observer of his own art form, the idiosyncracies and absurdities of our existential predicament, and the idiocies of humankind. As a member of an animation studio that does much commercial work to pay its bills, Odell is of necessity a chameleon, a pragmatic chameleon. Even a brief sampling of Odell's varied work in advertising reveals how talented a chameleon he is, for the intelligence and low-key humour evident throughout his independent work is also present. Moreover, his versatility is considerable, as his range of animation styles is impressively broad, shifting and shifting to suit to the product being sold. In Moms Online, for example, his simple

JONAS ODELL: REVOLVER BANG BANG!

guerre froide et une approbation pas si tacite de la course aux armements. Les courts métrages cinétiques d'Odell incorporent un style d'animation à la Hanna-Barbera à des bribes de la piste sonore originale avec son cri de guerre d'enfant, « En avant, Atomas ! ». Cela fait exploser toute notion voulant que l'animation en général soit innocente ou neutre et soulève des questions corollaires et incisives sur les politiques de l'animation commerciale. Même les premières pièces qu'Odell a faites en collaboration avec ses comparses de Filmtecknarnan, Stig Bergqvist et Martti Ekstrand, ont une dimension politique et explorent des thèmes noirs tendant vers l'absurde. Exit (1990) offre une satire mordante de l'industrie du divertissement et la façon dont elle nous exploite et nous déforme, alors que Revolver, qui date de 1993 et qu'il a produit aussi avec Lars Ohlson, est une méditation en noir et blanc à la Fleischer-rencontre-Beckett sur la répétition dans la société moderne. La dimension indépendante, noncommerciale de l'animation de Jonas Odell nous le révèle comme étant un observateur fin et intense de sa propre forme d'art, des manies et des absurdités de notre position existentielle singulière, et des idioties de l'humanité. En tant que membre d'un studio d'animation qui fait pas mal de travail commercial pour payer ses factures, Odell est un caméléon par nécessité, un caméléon pragmatique. Même un bref échantillon des diverses commandes de publicité d'Odell révèle à quel point ce caméléon est talentueux, parce que l'intelligence et l'humour discret, évidents dans son travail indépendant, y sont aussi présents. De plus, sa polyvalence est considérable, de par la gamme impressionnante des styles d'animation dont il ne cesse de changer pour s'adapter au produit en vente. Dans Moms Online, par exemple, mères et enfants sont dessinés simplement (oui, presque à la façon d'un enfant) tout d'un trait sur fond de couleur définissante saisissante, et cela convient parfaitement au sujet (conseils pour élever un enfant). Dans le style d'animation sur celluloïd pour un bonbon suédois, transformé ici en une petite voiture rapide, Odell évoque ces séquences

(yes, almost child-like) line drawn mothers and children against bold block colour backgrounds fits the subject matter (advice about child rearing) perfectly. In the cell-style animation for a Swedish candy, here rendered as a speedy small car, Odell evokes those anarchic Warner Bros. chase sequences. In one, he even has the candy car miss a turn, go off the road, and slide past the sprocket holes – are you watching, Mr. Tezuka? – before resuming the breakneck pursuit. In a Swedish ad for the aptly-named Joker grocery store chain, he subtly satirizes the Swedish middle-class with colourful mixed media. The range of styles employed in station identification spots for Cartoon Network run the gamut from line drawings to cell to computer animation. His ads for IKEA, BMW, Virgin Atlantic, and other high profile clients yield similar stylistic variances and equal amounts of invention and wit. The other commercial side of his work, and again subject to dictates of his clients (who, unlike the clientele for the ad spots, at least are fellow artists), are Jonas Odell's often sublime music videos. In a sumptuous visual array best described as Lichtenstein-meets-Warhol-meets-Magritte Yellow Submarinesque dreamy pop art psychedelic melancholia, is the video made for the band, Mad Action, Smile. The agit-prop Soviet Constructivist motifs, as well as architectural drawings and 1920s-style man-machine visuals propel further the already propulsive Franz Ferdinand song, Take Me Out. The natural and the technological also collide and collapse into each other in Strict Machine, a MacLarenesque split screen wonder made for the band, Goldfrapp. Another stunning example is the Windows In The Sky video for U2. Odell’s stark and soaring monochromatic computer-manipulated technique of swirling still photographs and sending them through an ever-shifting myriad of spatial and temporal portals is mesmerizing in its ability to match and even enhance the experience of the song. These are but four examples of Odell’s prodigious collection of videos, all commissioned, all subject to the input of others, and somehow, all Odell. Now that’s a chameleon. Art? Industry? Either-or? In between? In Odell's work, these hoary distinctions can be disregarded. His work both confounds and affirms the auteur theory. Even in his most commercial pieces we can perceive his artistry, his signature; in the independent pieces, this signature is, of course, more pronounced. Auteur theories aside, Jonas Odell is an animation artist of the highest order who knows how to change, adjust, and cleverly balance his multi-media forms of animation to fit the task at hand. Perhaps he reflects the new Sweden, progressive and internationalist, or perhaps he’s simply the latest to walk successfully along that art and commerce tightrope, imagining and drawing as he goes, honing his craft, doing his job. How Swedish. After all, even Ingmar Bergman admitted that he was ultimately a craftsman first, a filmmaker who hoped his films would be like a good table or chair, that would last and be useful to people. How Swedish. Under such an august metaphor, Jonas Odell can proudly sit on the furniture he’s made so far, and it is our luck that he's invited us to join him.

de poursuites anarchiques à la Warner Bros. Dans l'une d'elles, il a même fait en sorte que la voiture-bonbon rate une courbe, effectue une sortie de route et glisse à côté des trous qui entraînent la pellicule – vous regardez, Mr. Tezuka ? – avant de reprendre sa poursuite casse-cou. Dans une annonce suédoise pour la chaîne d'épicerie au nom approprié de Joker, il satirise subtilement la classe moyenne suédoise à l'aide d'un média-mixte coloré. Les styles employés pour les spots d'identification de la chaîne Cartoon Network couvrent toute la gamme de styles, du dessin tout d'un trait, à celui du celluloïd jusqu'à l'animation par ordinateur. Ses annonces pour IKEA, BMW, Virgin Atlantic, et autres clients de grande envergure manifestent des variances de style similaires et autant d'invention et d'esprit. L'autre côté commercial de l'oeuvre de Jonas Odell, toujours soumis aux diktats précis de ses clients (qui, à la différence de la clientèle pour les spots publicitaires, sont au moins des confrères artistes), est composé de vidéos de musique souvent sublimes. On a le mieux décrit le somptueux déploiement visuel du vidéo fait pour le groupe Mad Action, Smile, comme étant la rencontre de Lichtenstein, Warhol, Magritte, Yellow Submarine, d'un pop art visionnaire et d'une mélancolie psychédélique. Les motifs des agitateurs-propagandistes constructivistes soviétiques de même que les dessins architecturaux et le style visuel homme-machine des années 1920 propulsent encore plus loin la chanson déjà « propulsante » de Franz Ferdinand, Take Me Out. Le naturel et le technologique entrent en collision et s'effondrent l'un dans l'autre dans Strict Machine, une merveille d'écrans séparés « à la MacLaren » réalisée pour le groupe Goldfrapp. Un autre exemple frappant est le vidéo Windows In The Sky pour U2. La technique monochromatique manipulée par ordinateur raide et surgissante d'Odell qui consiste à faire tourbillonner des photographies et à les faire passer par une myriade toujours changeante de portails spatiaux et temporels est hypnotisante par sa capacité à suivre et même embellir l'expérience de la chanson. Ce ne sont là que quatre exemples de la collection prodigieuse des vidéos d'Odell, tous créés sur commande, tous soumis aux idées des autres, mais d'une façon ou d'une autre, tous du Odell. Ça, c'est un caméléon. Art? Industrie? L'un ou l'autre, ou les deux? Entre les deux? Dans le cas des travaux d'Odell, ces vénérables distinctions peuvent être laissées de côté. Ses travaux à la fois démentent et confirment la théorie de l'auteur. Même dans ses pièces les plus commerciales nous pouvons percevoir son style artistique, sa signature; dans les pièces indépendantes, cette signature est, comme de raison, plus prononcée. Théories d'auteur mises à part, Jonas Odell est un artiste de l'animation du plus haut niveau, qui sait comment changer, ajuster et brillamment équilibrer ses formes multi-média d'animation pour mener à bien la tâche qu'on lui a confiée. Reflète-t-il la nouvelle Suède, progressive et internationaliste, ou est-il simplement le tout dernier à réussir à marcher sur la corde raide de l'art et du commerce, imaginant et dessinant tout en avançant, perfectionnant son métier et faisant son boulot. Comme c'est suédois. Après tout, même Ingmar Bergman a admis qu'il était en fin de compte surtout un homme de métier, un cinéaste qui espérait que ses films seraient comme une bonne table ou une bonne chaise, qui dureraient et rendraient service aux gens. Comme c'est suédois. Avec une métaphore aussi auguste, Jonas Odell peut fièrement s'asseoir sur les meubles qu'il a construits jusqu'ici, et nous avons la chance qu'il nous ait invités à nous joindre à lui.

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M I C H AE L S P O R N BY | PAR RICHARD Oâ€™CONNOR

PROGRAM: Saturday, Sept. 20, 1:00 pm (Museum of Civilization) Sunday, Sept. 21, 11:00 am (Museum of Civilization) The Man Who Walked Between the Towers [2005] 10:17 | Beta SP The Marzipan Pig [1990] 26:23 | Beta SP Doctor DeSoto [1984] 10:15 | Beta SP The Hunting of the Snark [1989] 18:54 | Beta SP Preview reel of miscellaneous works | 8:00 | Beta SP

Turning off Seventh Avenue onto a tiny street, then another even tinier street, the New York of now – of the Real Housewives and the Gossip Girls, of the luxury condos and highrise hotels – recedes. The crassness of reality draws back, pulling forward thoughts of New York as we want it to exist. In our imagination, Audrey Hepburn is sipping coffee at the corner café and Gene Kelly swings from every lamppost; Bob Dylan is busking in the subway and Joey Ramone incites teenaged riots down the street. On this storyboard storybook street an innocuous, easily missed sign in a passageway next to a fortune teller – where a psychic fat cat suns in the window, tail snuggling a crystal ball with a deck of tarot cards as a pillow - marks the way: “Michael Sporn Animation”. A short tunnel leads to a garden – maybe Audrey Hepburn will drop a serenade from the surrounding fire escapes. At the end of the garden is (knock loudly) Michael Sporn’s studio. Conspicuously absent its own cat to match stripes the gatekeeper’s (his previous space had an amiable feline resident), the large semi-subterranean space has a comfort, a warmth that fits with the films made there. The previous space on Broadway, now most likely a bank or an American Apparel outlet, had the practical, efficient feel of a Henry Ford operation. As a producer, Michael is practical and efficient, but here, here in this low-lit grotto, in this bustling part of the city that real estate speculation and corporate clap trap seem to have forgotten, he has found himself in a sort of Bauhaus in which the hand hewn careful construction of his work is matched with an urban rusticity that has also disappeared from our landscape. Michael walks through the studio filled with a mixture of moviolas, Macintosh computers and lightboxes. He’s all bushy, unruly hair. He’s all still eyes and lips that turn unexpectedly warm and smile with ease - looking every bit the part of an animator. Not surprisingly, a little like the Unabomber too, another solitary spirit out of place in the Walmart economy. With such a ranging intellect, I would prefer to talk with Michael about anything instead of the mundane simplicity of animation. Our first ever conversation was at a dinner following a tribute to Tissa David at New York’s Museum of Modern Art. He confessed that he read several books a week, usually devouring the work of a single author in the matter of a month. He modestly attributed this to insomnia. Other insomniacs are pros at Grand Theft Auto and channel changing. At that time he was burning through John Updike. Updike, inspired by James Thurber, had wanted to be a cartoonist; writing novels, it turns out, was easier. At that first conversation, just like now sitting across from the studio’s picnic style lunch table, Michael’s mind ranged the arts and sciences, always pulling back to animation –politics and animation, literary adaptations, Flash as a production tool

De Seventh Avenue, je tourne dans une ruelle, puis dans une autre plus petite, et le New York actuel – celui des Real Housewives et des Gossip Girls, des condos de luxe et des grands hôtels – s'efface. La grossièreté de la réalité se retire, ramenant à l'avant-scène les idéaux d'un New York comme nous voulons qu'il soit. Dans notre imagination, au café du coin Audrey Hepburn sirote un café, et Gene Kelly se balance à chaque lampadaire; Bob Dylan chante dans le métro et Joey Ramone provoque des émeutes chez les ados en bas de la rue. Dans cette rue de conte de fée une enseigne innocente, facile à manquer, dans un passage près de l'antre d'une diseuse de bonne aventure – où un gros chat doué du don de voyance prend un bain de soleil dans la fenêtre, sa queue serrant une boule de cristal et un jeu de tarot lui servant d’oreiller – indique le chemin : « Michael Sporn Animation ». Un petit tunnel mène à un jardin – peut-être que du haut des escaliers de sauvetage qui nous entourent, Audrey Hepburn s'élancera dans une sérénade. Au bout du jardin se trouve (cogner fort) le studio de Michael Sporn. Ostensiblement absent, son chat ne peut apparier les raies du cousin gardebarrière (son local précédent avait un aimable félin en résidence), le grand local à demi sous-terre dégage un confort, une chaleur qui s'accorde avec les films produits ici. Le local précédent sur Broadway, devenu probablement une banque ou un magasin American Apparel, donnait un sentiment de commodité et d'efficacité à la Henry Ford. Comme producteur, Michael est pratique et efficace, mais ici, ici dans cette grotte mal éclairée, dans cette partie mouvementée de la ville que la spéculation immobilière et les coups de théâtre corporatifs semblent avoir oublié, il s'est retrouvé dans une sorte de Bauhaus où la construction méticuleusement taillée-main de son oeuvre est accouplée à une rusticité urbaine qui a aussi disparu de notre paysage. Michael se déplace dans le studio rempli d'un mélange de Moviolas, d'ordinateurs Macintosh et de visionneuses. Il est tout en cheveux indisciplinés et en broussailles. Il est tout yeux et lèvres fixes qui s’animent subitement avec chaleur et sourient aisément - correspondant en tous points à l'image qu'on se fait d'un animateur. Et il n'est pas surprenant qu'il soit, un peu comme l’Unabomber, un esprit solitaire qui n'a pas sa place dans une économie de type Walmart. Face à un si vaste intellect, je préférerais m'entretenir avec Michael de n'importe quoi à part la banale simplicité de l'animation. Notre toute première conversation eut lieu à un dîner suite à à un hommage à Tissa David au Musée d'art moderne de New York. Il me confessa qu'il lit plusieurs livres par semaine, dévorant habituellement toute l'oeuvre d'un seul auteur dans l'espace d'un mois. Modestement, il attribue cela à son insomnie. D'autres insomniaques sont des professionnels du Grand Theft Auto et du surf sur les chaînes de télé. Sa passion du moment était John Updike. Updike, inspiré par James Thurber, avait voulu être un dessinateur de bd ; mais finalement, écrire des romans s'avéra plus facile. Lors de cette première conversation, tout comme maintenant alors que nous sommes assis à la table à manger façon pique-nique du studio, les idées de Michael allaient des arts aux sciences, mais revenaient toujours à l'animation – à la politique et l'animation, aux adaptations littéraires, à Flash comme outil de production (à éviter, selon lui), à la saisie du mouvement et à ses faiblesses. Quoi qu'on fasse pour l'éviter, l'animation occupe inextricablement sa façon de penser.

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(to be avoided, in his opinion), motion capture and its shortcomings. No matter how you try to avoid it, animation is inextricably tied up in his thought system. Intelligence – book learning – is simple to relate to. Anybody can pick up a second hand “Rabbit, Run” and a study guide and join the book club conversation. Experience is a sharper fanged monster. What librarian, even one who knows every decimal of Dewey’s system, can claim to have stood side by side with Tolstoy as he plotted “War and Peace” or Dickens rhapsodizing on the French Revolution? There’s no way to phrase this, other than to just say it: I’m slightly (…just a little…) jealous of Michael’s career. That dinnertime conversation took place a few years after we were first introduced. There was something daunting, slightly intimidating about his resumé, something so cool in his demeanor that made him seem unapproachable. In the early 70s, John Hubley hired him as an intern. In short order he graduated (or was demoted) to production manager, taking large responsibilities for the films from “Everybody Rides the Carousel” to the Letter Man series for Children’s Television Workshop’s “Electric Company”. Letter Man, along with several shorts produced by Hubley and animated by Tissa David rank with the most compelling and charming short films. After Hubley’s passing he moved on to New York’s next legendary production, Richard Williams’ “Raggedy Ann and Andy”. Several years with John Hubley would teach anybody how to make films, and several months woodshedding with Williams and his assembled team of masters could teach anyone a few things about how to animate. Michael often claims that he primarily does “work for hire” – making films for other people on other people’s dime. While that may be true in an economic sense – in much the same way that Richard Williams’ best work, it could be argued, is his commercial work, or that without CBS, Hubley never would have produced “Everybody Rides the Carousel” – Michael’s works for hire all bear his personal touches and are as “independent” as animation gets with regard to style and substance Amongst these notable commissions are two adaptations of William Steig books, the Academy Award nominated “Doctor Desoto” and 1988’s “Abel’s Island”. Adapting a complex and ironic artist like William Steig can be particularly difficult. The story and the illustration all have to make sense on different levels of intellectual engagement. These pieces demonstrate a rare ability to understand inner tonalities of an illustrated story and translate that feeling to film. The credit list of “Abel’s Island” is a snapshot of influential East Coast animators. Rob Marianetti, John Dilworth, Doug Compton, Lisa Crafts, Tissa David, Steve Dovas all contributed to this (and other) films, thus perpetuating the cycle of influence and education that has made animation in New York an easily identifiable yet qualitatively indescribable art form. Two centerpieces of this program, “The Marzipan Pig”, and “The Man Who Walked Between the Towers” share the same softness and stylistic integrity demonstrated in Michael’s two William Steig films. Much of that can be attributed to the touch of Tissa David who has worked closely with Michael since his time with Hubley. Levity, respect, inquisitiveness – a space opens in these films, as though the artists are in

MICHAEL SPORN

Il est facile d'avoir un rapport avec l’intelligence – par l’apprentissage livresque . N'importe qui peut ramasser un « Rabbit, Run » usagé et son guide d'étude, et se joindre à la conversation du club des bibliophiles. L'expérience est un monstre aux crocs plus aiguisés. Quel bibliothécaire, même un qui connaîtrait chaque décimale du système Dewey, peut se vanter de s'être tenu aux côtés de Tolstoï alors qu'il préparait « Guerre et Paix » ou de Dickens composant une rhapsodie sur la Révolution française ? Il n'y a pas de façon de l'exprimer autrement que de simplement le dire : je suis quelque peu (…juste un peu…) jaloux de la carrière de Michael. Cette conversation à l'heure du dîner a eu lieu quelques années après que nous ayons été présentés. Il y a quelque chose de gênant, d'un peu intimidant à propos de son curriculum vitae, quelque chose de si « branché » dans sa façon d'être qu'il semblait inabordable. Au début des années 1970, John Hubley l'engagea comme stagiaire. Rapidement il fut promu (ou rétrogradé) au poste de gérant de production, devenant largement responsable des films allant de « Everybody Rides the Carousel » à la série Letter Man dans « Electric Company », du Children’s Television Workshop. Letter Man, ainsi que d'autres court-métrages produits par Hubley et animés par Tissa David, compte parmi les courts-métrages les plus charmants et les plus irrésistibles. Après le décès de Hubley, il passa à « Raggedy Ann and Andy » de Richard Williams qui devint la nouvelle production légendaire de New York. Plusieurs années passées avec John Hubley apprendraient à n'importe qui comment faire des films, et plusieurs mois à trimer avec Williams et son équipe de maîtres en montreraient à quiconque sur l'animation. Michael prétend souvent qu'il fait surtout du « travail sur commande » – produisant des films pour d'autres avec leur argent. Alors que cela peut s'avérer vrai au sens économique, on pourrait prétendre, dans le même sens que les meilleures oeuvres de Richard William sont ses oeuvres commerciales ou que sans CBS, Hubley n'aurait jamais produit « Everybody Rides the Carousel », que les oeuvres commandées à Michael sont imprégnées de sa touche personnelle et sont aussi « indépendantes » que le film d’animation peut l'être en ce qui a trait au style et à la substance. Parmi ces commandes célèbres, il y a deux adaptations de livres de William Steig : « Doctor Desoto », mis en nomination pour un Oscar, et « Abel’s Island », produit en 1988. Adapter l’oeuvre d’un artiste aussi complexe et ironique que William Steig peut s'avérer particulièrement difficile. Le scénario et l'illustration doivent pouvoir tous deux avoir un sens à des niveaux intellectuels différents. Ces oeuvres démontrent une habileté rare à comprendre les tonalités internes d'une histoire illustrée et à transposer cette impression sur pellicule. Le générique d’« Abel’s Island » est un instantané d'animateurs influents de la côte est américaine. Rob Marianetti, John Dilworth, Doug Compton, Lisa Crafts, Tissa David, Steve Dovas ont tous contribué à ce film (et à d'autres), perpétuant ainsi le cycle d'influence et d'éducation qui a fait de l'animation à New York une forme d'art facilement reconnaissable, bien qu'elle soit qualitativement indescriptible. Deux pièces centrales de ce programme, « The Marzipan Pig » et « The Man Who Walked Between the Towers » ont la même douceur et la même intégrité de style que les deux films William Steig de Michael. Tout cela peut être en grande

communion with the material and we are all brought privy to their understanding of the world. “The Hunting of the Snark” also anchors the Festival’s program selections. This film was completed over the span of several years and was animated entirely by Michael in between projects. A Lewis Carroll poem recited by James Earl Jones, the film leaves off with a looming question, its characters teetering on the verge of new age. It’s almost certain they’ll all be devoured, a fate the film’s director has managed to avoid as the brighter-than-neon signs of “progress” encroach. Richard O’Connor is a producing partner of Asterisk in New York. He hopes that he is intimidating.

partie attribué à la main de Tissa David qui a travaillé en collaboration avec Michael depuis l'époque où il était avec Hubley. Légèreté, respect, curiosité – un espace s'ouvre dans ces films, comme si les artistes communiaient avec le matériel et qu'ils nous mettaient dans le secret de leur compréhension du monde. « The Hunting of the Snark » est aussi un point de référence pour les sélections de la programmation du Festival. La réalisation de ce film s'est étendue sur plusieurs années, et il fut animé entièrement par Michael entre d'autres projets. Un poème de Lewis Carroll récité par James Earl Jones, le film s'arrête sur une question en suspens, ses personnages titubant aux abords d'un nouvel âge. Il est presque certain qu'ils seront tous dévorés, un sort que le réalisateur a réussi à éviter alors qu'empiètent, plus brillants que des néons, les signes du « progrès ». Richard O’Connor est un associé de production chez Asterisk à New York. Il espère être intimidant.

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D O N’T TH R OW O UT YO U R

TE LEVISION NE JETEZ PAS VOTRE TÉLÉ ! BY | PAR JERRETT ZAROSKI 101 USES FOR A SPARKLER (CHRISTOPHER MILLS RETROSPECTIVE) Thursday, Sept. 18, 11:00 am (National Gallery) Saturday, Sept. 20, 9:00 pm (National Gallery) The Acorn 'Flood Pt. 1' [2008] 4:32 Buck 65 'Dang' [2008] 2:35 Secret Machines 'The Road Leads Where It's Led' [2005] 4:05 Rush 'Far Cry' [2007] 5:16 Broken Social Scene 'Stars and Sons' [2003] 4:48 The Working Title 'The Mary Getaway' [2006] 4:16 Ron Sexsmith 'All In Good Time' [2006] 3:29 I'm sorry to tell you, but ignoring popular culture isn't the solution. You might try to get rid of the crap that's on TV by pulling the plug, cure the theatres of trashy films by limiting yourself to film co-ops, but the world just goes on without you. There's another option, but it's a daunting task to sort through everything out there. For every hundred hours of trash TV, there's at least one hour of inspiring art to be gleaned from the massive pile of commercials, shows and music videos available. MTV is probably up to about 10 different stations by now, and damned if I know which one actually plays music videos.

Interpol 'PDA' [2002] 3:17 Vendetta Red 'Shatterday' [2003] 2:49 The Tragically Hip 'Vaccination Scar' [2005] 2:58 Blue Rodeo 'C'mon' [2007] 3:37 Tegan and Sara 'Monday Monday Monday' [2002] 3:15 Raising the Fawn 'Gwendolyn' [2004] 4:24 Modest Mouse 'Float On' [2004] 3:31 Secret Machines 'The Leaves are Gone' [2005] 4:06

Excusez-moi de vous l’affirmer, mais ignorer la culture populaire n’est pas la solution. Vous pouvez essayer de vous débarrasser des conneries que l’on nous présente à la télé, d’éliminer les films nuls en vous limitant aux coopératives de films, mais sachez que la terre continuera à tourner sans vous. Il y a une autre option, la tâche effrayante que faire le tri parmi tout ce qui se trouve de disponible. Dans le fatras de chaque centaine d’heures de mauvaise télé, il y a au moins une heure d’art inspirante qui demande à être glanée parmi la pile massive des pubs, émissions et vidéos de musique disponibles. MTV en est probablement rendu à 10 chaînes différentes à l’heure qu’il est, et je serais bien mal foutu de savoir laquelle passe effectivement les vidéos de musique.

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We know of a few directors and animators to look for when channel surfing, but just like those great indie bands that gain an audience purely by word of mouth, you pretty much have to stumble across them by accident. Christopher Mills' work makes a great starting point and will let you kill two birds with one stone: it's a combination of quality animation and great music you may have never seen or heard before. Mills' resume is stocked with videos, commercials, films, drawings and even a colouring book. Best of all, he's not trash TV. Mills grew up in the far suburbs of Toronto, and spent a good chunk of his youth playing with a video camera, an unlikely toy for kids at that time. A string of homemade horror movies made him and a friend real-life producers when their films were shown on the local cable access station (where he later landed a job, which, as Mills puts it, "seemed a pretty cool thing to do at 16"). He joined the A/V club after hearing about a guy who "would play records on the school PA system while he missed geography class." It was during this crucial time that Mills began to create his first music videos. A year at Sheridan, time with a video cooperative out West in Winnipeg and a number of videos and live projections later, Mills moved back to Ontario. His employment at a record store in downtown Toronto provided plenty of opportunities to film some pretty famous artists, "documenting the many instore appearances and performances they had there. Ozzy, Mariah Carey, Oasis, Outkast, Yo Yo Ma, Marilyn Manson, Stereolab, Yo La Tengo, Fugees, etc." So where do you go from there? Mills is pretty succinct: "Went to Ryerson. Took Media Arts again to try to build a reel. Found out that if you drop classes early enough, they refund your OSAP [student loan] with a cheque. I dropped most of my classes, and bought a camera, a computer and a big bag of 'shrooms." With such potent inspiration, more music videos followed, and as it sometimes happens, someone noticed his work: "I started attracting directors and production companies. I hooked up with one of 'em, and started doing videos 'by the book'." All this time, Mills hadn't yet played with animation, but like many animators early in their careers, the medium he started out in became frustrating. Live action video and film simply had too many constraints. Animation allowed him to remove a lot of those limitations and let his ideas roam. After playing around with After Effects and getting an animation gig where he found himself clearly over his head, Mills buried himself in an instruction manual and barely slept for a month straight. His first video released after this experience is a claustrophobic flee through a Big Brother dystopia, for Interpol's PDA.

Nous connaissons bien sûr quelques réalisateurs et animateurs à chercher quand nous surfons les postes, mais comme ces orchestres indépendants qui se bâtissent un public purement de bouche à oreille, vous devez pratiquement tomber dessus par accident. Les oeuvres de Christopher Mills sont un bon point de départ et vous feront faire d’une pierre deux coups; elles combinent animation de qualité et excellente musique, que vous n’aurez probablement jamais vue ni entendue auparavant. Le curriculum de Mills regorge de vidéos, de pubs, de films, de dessins et comprend même un livre à colorier. Le meilleur dans tout cela, c’est que ce n’est pas de la télé-poubelle. Mills a grandi dans les lointaines banlieues de Toronto, et a passé une grosse partie de sa jeunesse à jouer avec une caméra vidéo, un jouet singulier pour des enfants à l’époque. Une kyrielle de films d’horreur amateurs ont fait de lui et de son copain de vrais producteurs lorsque leurs films passèrent à la télé par câble locale (où son copain s’est déniché un emploi, ce qui, aux dires de Mills, « paraissait une chose pas mal cool à faire à 16 ans »). Il s’est joint au club A / V après avoir entendu dire qu’un type « pouvait faire jouer des 33 tours sur le système de diffusion interne de l’école pendant qu’il séchait son cours de géographie. » Ce fut à cette époque cruciale que Mills commença à créer ses premiers vidéos de musique. Un an à Sheridan, une coopérative vidéo dans l’ouest, à Winnipeg, et une certaine quantité de vidéos et de projections publiques plus tard, Mills revient s’installer en Ontario. Son emploi dans un magasin de disques au centre-ville de Toronto lui fournit maintes occasions de filmer des artistes assez célèbres, « à documenter leurs apparitions nombreuses en magasin et les représentations qu’ils ont donné... Ozzy, Mariah Carey, Oasis, Outkast, Yo Yo Ma, Marilyn Manson, Stereolab, Yo La Tengo, Fugees, etc. » Alors, après, où aller? Mills est pas mal succinct: « Suis allé à Ryerson. Ai pris Media Arts à nouveau pour essayer de me bâtir une “bobine”. Ai découvert que si vous abandonnez un cours assez tôt, ils vous remboursent votre prêt étudiant par chèque. Ai abandonné presque tous mes cours, et acheté une caméra, un ordinateur et un gros sac de “shrooms” (champignons magiques). » Avec une inspiration aussi puissante, d’autres vidéos de musique ont suivi et, comme il arrive parfois, quelqu’un a remarqué son travail : « J’ai commencé à attirer des réalisateurs et des compagnies de production. Je me suis accroché à l’une d’entre elles, et j’ai commencé à faire des vidéos “selon les règles de l’art. » À cette époque, Mills n’a pas encore joué avec l’animation mais, comme plusieurs animateurs en début de carrière, il trouve bientôt frustrant le médium avec lequel il a débuté. Les vidéos et films d’action en direct étaient tout simplement trop contraignants. L’animation lui a permis de lever beaucoup de ces limites et de laisser libre cours à ses idées.

Each video led to more—more job offers, music videos, commercials, production companies. Currently working for the Toronto-based Vision Film Co., Mills has so many videos under his belt, both live action and animated, that it's too many for him to count: "I'm building new shelves as soon as I get some time off. It's mostly music videos (they're generally my favourite thing to do), but sometimes I get to do other things, too... projections, commercials, short films... I have yet to grow up and do a feature."

Après s’être amusé avec After Effects et avoir obtenu un projet d’animation, où il s’aperçût clairement qu’il avait avalé un trop gros morceau, Mills se plongea dans un manuel d’instructions et dormit à peine pendant tout un mois. Le premier vidéo qu’il sortit après cette expérience est une fuite claustrophobique à travers une utopie tordue à la Big Brother, pour le PDA d’Interpol.

"I've started making documentaries about bands," he adds casually. His various videos for Canadian rock legends The Tragically Hip evolved into the animated documentary Macro-

Chaque vidéo l’amenait à plus — plus d’offres d’emploi, de vidéos de musique, de pubs, de compagnies de production. Travaillant actuellement pour Curious Pictures de Toronto,

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Mills a tant de vidéos sous sa ceinture, d’actions en direct et animées, qu’il ne les compte plus : « Je me construis de nouvelles tablettes dès que j’ai du temps libre. Ce sont surtout des vidéos de musique (c’est généralement mon dada), mais parfois, j’ai d’autres choses à faire... projections, pubs, courts métrages... Il me reste encore à devenir une grande personne et à tourner un long métrage. » « J’ai commencé à faire des documentaires sur des groupes, » ajoute-t-il avec désinvolture. Ses divers vidéos pour les légendes canadiennes du rock, The Tragically Hip, ont évolués vers le documentaire animé Macroscopic. Invité à l’origine à préparer des toiles de fond en direct pour les spectacles du groupe, le travail de Mills le mena à une expérience en performance musicale, à une collision de séquences de tests pour fonds de scène, à des performances de tournée, en direct et d’animation. Il a aussi travaillé à diverses formes d’art visuel, telles ses sculptures réalisées en collaboration présentant des dessins enfermés dans des blocs d’émail ressemblant à de la glace. D’autres esquisses ont été assemblées en un livre à colorier pour les amis et mis à disposition durant ses expositions d’art pour que les spectateurs puissent jouer dedans.

scopic. Originally invited to prepare live backdrops to their shows, Mills' work led to an experiment in musical performance, a collision of behind-the-scenes sound check footage, live tour performances and animation. He's also worked on various forms of visual art, such as his collaborative sculptures featuring drawings encased in enamel blocks resembling ice. Other sketches were gathered into a colouring book for friends and left out during art shows for audiences to play in. 101 Uses for a Sparkler is a selection of Christopher Mills' music videos, a genre of film where it's clear his heart lies: "My ideas literally, always come from music... The exploration is usually about finding a certain truth in the imagery that falls out of music for me. I usually try to go with my gut when a strong image comes out of a song." The program opens with a video for the Ottawa-based band The Acorn, entitled Flood Part 1. Mills sets the mood right away, as your eyes follow an airborne penny, drifting slowly until it suddenly slams into a glacier, setting off a chain reaction of epic proportions. Pretty soon, we're taken on a fantastic voyage with our protagonists fleeing a massive flood as they travel across land, sea, air and space. It's a thrilling and vaguely spiritual setup to the rest of the program, a life-long work-in-progress that Mills refers to as "the ultimate mix-tape". Perhaps the best way to describe Mills' technique is "mixed media", as broad as that term is. There's the familiar glint of After Effects present in his music videos, but it's likely the most reliable tool in his vast and ever-changing arsenal. His use of 3D animation to create landscapes is particularly curious, and hearkens back to the days of early medical models, virtual reality and flight simulators. Rendered in low-res textures, oceans, buildings and fields overlap edges or split at the seams, and lack both in framerate and polygons. Mills' use of 3D comes across as quite crude, but his almost exclusive use of it for landscapes suggests a view of a rigidly structured yet fragile world. 2D objects and photos, often em-

101 Uses for a Sparkler est une sélection de vidéos de musique de Christopher Mills, le genre où bat son coeur, de toute évidence : « Mes idées me viennent littéralement toujours de la musique... L’exploration consiste habituellement à trouver une certaine vérité dans ces images que je vois sortir de la musique. Habituellement j’essaie de suivre mon instinct quand une image forte sort d’une chanson. » Le programme débute avec un vidéo pour le groupe d’Ottawa The Acorn, intitulé Flood Part 1. Mills donne le ton en partant, alors que nos yeux suivent une pièce d’un cent en vol, planant lentement jusqu’à ce que soudain elle se flanque dans un glacier, déclenchant une réaction en chaîne de proportions épiques. Presque aussitôt, nous sommes transportés dans un voyage fantastique avec les protagonistes fuyant une inondation massive par voie de terre, par la mer, dans les airs et dans l’espace. C’est une mise en scène palpitante et vaguement spirituelle pour le reste du programme, un travail en cours de toute une vie que Mills appelle « l’ultime bandemixte ».

La meilleure façon de décrire la technique de Mills est sans doute « médias-mixtes », au sens le plus large de l'expression. L’étincelle familière d’After Effects est présente dans ses vidéos de musique, et c’est probablement l’outil le plus fiable de son arsenal si vaste et si changeant. Sa façon d’utiliser l’animation 3D pour créer des paysages est particulièrement curieuse et ramène la conversation aux jours des premiers modèles médicaux, de la réalité virtuelle et des simulations de vol. Présenté en des textures à basse résolution, océans, édifices et champs chevauchent les bords ou « déchirent les coutures », et tant les « images par seconde » que les polygones font défaut. Mills a une façon d’utiliser le 3D qui apparaît pas mal crue, mais sa façon de l’utiliser presque exclusivement pour les paysages suggère une vision d’un monde rigoureusement structuré mais pourtant fragile. Les objets et les photos en 2D, qui souvent étreignent leurs qualités style « farfadet » plates et rétros, peuplent les mondes 3D d’une manière qui nous frappe comme étant à la fois appropriée et anormale. Non limité par son talent d’artiste numérique, Mills dessine aussi à la main d’une manière très détaillée mais souvent monochrome — des découpures dans un monde découpé. Son mélange de l’animation et de l’action en direct présente une relation complexe, où les deux di-

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bracing their flat and retro "sprite"-like qualities, populate the 3D worlds in a way that strikes one as both fitting and unnatural. Not limited by digital artistry, Mills also draws by hand in a manner that is highly detailed but often monochromatic— cut-outs in a cut-out world. His blend of animation with live action presents a complex relationship, where the two dichotomies are easily interdependent. Through the power of green screen, people are rendered in jarring 2D and tossed around by Mills like the rest of his objects. His experience with film and video is clearly evident; experiments with analog and digital feedback, pixilation and speed manipulation are prevalent. With such heavy use of technology, it's fascinating how Mills' worlds, teeming with life and discovery, feel far from mechanical. This may be, in part, due to Christopher Mills' repeated efforts throughout 101 Uses for a Sparkler to break down technology. Toys, phones and machinery are taken apart and examined as a collection of parts. His mixed-media construction extends this concept to the creation of the video itself: "I tend to think that seeing different materials and pieces brought into the making of one thing makes [it] continuously interesting with repeated views." Nested arrays of objects and their parts are densely layered and with each viewing, the music videos offer new details to discover. "On one job," Mills offers, "we made 10,000 drawings, then cut them out with scissors, then blew them against a house with a giant wind machine..." The effect, seen in The Tragically Hip's Vaccination Scar, is breathtaking. I'll admit, it's hard not to be overwhelmed by some of Christopher Mills' videos. Objects spin, dance and soar within a world of severe spatial depth. Sometimes the virtual (and real) camera has such a wide lens, and objects are pulled so close into the frame, you might turn fish-eyed yourself. To be up-close and personal with the subject and still able to see so much of the landscape can be both claustrophobic and liberating (Mills attributes this look to spending "too much time staring into ViewMasters" when he was young) —now, just imagine it on the big screen. While his animation itself tends to be highly kinetic, this energy is compounded by the camera, which flits back and forth, shaking and careening in a constant exploration of the world he's created, as if it's always seeing it for the first time. With so much visual complexity and continuous action, Christopher Mills' videos practically beg to be watched again. Fortunately, the entire genre of music videos thrives on this form. In an industry where repeat viewing is king—especially when it's voluntary—it’s not hard to see how he's been turning heads both in the animation industry and in the art worlds. When I asked Mills why he thinks his particular works give him commercial appeal, he replied "I don't mean any harm, and I like having fun. In a past life, I would've enjoyed being a cuckoo clock maker. Who doesn't like cuckoo clocks?" No one, that's who. He would have made a killing. Jerrett Zaroski is the Technical Director for the Ottawa International Animation Festival and a graduate of Carleton University’s Film Studies Bachelor of Arts program.

chotomies sont facilement interdépendantes. Par le pouvoir de l’écran vert, Mills présente aux gens des 2D discordants et bousculés comme le reste de ses objets. Son expérience du film et de la vidéo est manifeste; les expériences avec la rétroaction analogue et numérique, « pixilation » et manipulation de la vitesse sont prévalent. Avec une utilisation aussi importante de la technologie, il est fascinant de voir à quel point les mondes de Mills font équipe avec la vie et la découverte et semblent si éloignés de la mécanique. Cela pourrait, en partie, être dû aux efforts répétés de Christopher Mills pendant le tournage de 101 Uses for a Sparkler pour démolir la technologie. Jouets, téléphones et machines sont démontés et examinés comme une collection de pièces. Son montage de médias-mixtes élargit ce concept à la création du vidéo lui-même: « J’ai tendance à penser que d’avoir vu différents matériaux et morceaux incorporés à la fabrication d’une chose [la] rend continuellement intéressante par des visionnements répétitifs. » Des étalages d’objets entassés et leurs morceaux sont densément empilés, et à chaque visionnement, les vidéos de musique offrent de nouveaux détails à découvrir. « Dans une oeuvre, » nous dévoile Mills, « nous avons fait 10 000 dessins. Nous les avons ensuite découpés avec des ciseaux, puis nous les avons soufflés sur une maison à l’aide d’un gigantesque ventilateur... » L’effet, vu dans Vaccination Scar du groupe The Tragically Hip, est à couper le souffle. Je dois l’admettre, il est difficile de ne pas être comblé par certains vidéos de Christopher Mills. Les objets tournent, dansent et s’élancent dans un monde d’une rigoureuse profondeur spatiale. Parfois la caméra virtuelle (et réelle) a une lentille à si grand angle, et les objets sont tirés si près dans le cadre, que vous pourriez vous retrouver vous-même avec des yeux en angle ultra-grand. Se rapprocher du sujet et être personnel tout en demeurant capable de voir autant de paysage peut être à la fois claustrophobique et libérateur (Mills attribue ce regard à avoir passé « trop de temp à regarder fixement dans des ViewMasters » lorsqu’il était jeune) — maintenant, essayez juste d'imaginer la chose sur grand écran. Alors que son animation même tend à être hautement cinétique, cette énergie est redoublée par la caméra qui bouge rapidement d’avant en arrière, qui brasse et zigzague en une constante exploration du monde qu’il a créé, comme si c’était toujours la première fois qu'on le voit. Avec tant de complexité visuelle et d’action continuelle, les vidéos de Christopher Mills implorent presque d’être revus. Heureusement, c'est l'essence même du genre vidéo de musique. Dans une industrie où le visionnement à répétition est roi — en particulier la répétition volontaire — il n’est pas difficile de voir comment Mills fait tourner les têtes à la fois dans l’industrie de l’animation et dans les divers milieux artistiques. Quand j’ai demandé à Mills pourquoi il pense que ses travaux particuliers lui donnent un attrait commercial, il a répondu : « Je ne veux faire aucun mal et j’aime avoir du bon temps. Dans une autre vie, j’aurais beaucoup aimé être un horloger pour fabriquer des coucous. Qui n’aime pas les coucous ? » Personne. Il aurait fait fureur. Jerrett Zaroski est le directeur technique du Festival international d’animation d’Ottawa et possède un Bacc. ès Arts du programme de filmologie de l’Université Carleton.

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THE NEW WAVE OF JAPANESE ANIMATION NOUVELLE VAGUE Dâ€™ANIMATIONS JAPONAISES BY | PAR MICHAEL FUKUSHIMA

PROGRAM: Thurs., Sept. 18, 1:00 pm (Empire Theatres - Rideau) Friday, Sept. 19, 7:00 pm (Museum of Civilization) Nakedyouth [2006] Kojiro Shishido | 9:56 | Beta SP The Last Breakfast (Kanashii asagohan) [2006] Hiroco Ichinose | 2:27 | Beta SP Good bye, good bye, see you tomorrow. Good bye, good bye, good luck. (Sayonara baibai matakiteasita, sayonara baibai genkidene) [2006] Junpei Fujita | 1:50 | Beta SP Monsieur Greenpeas (Ryokutama-shinshi) [2005] Yasuo Kurita | 2:00 | Beta SP A Song of Horse Mackerel (Yakizakana-no-uta) [2004] Yusuke Sakamoto | 4:28 | Beta SP Pika Pika 2007 [2007] Tochka | 4:59 | Beta SP The Continent of the Whale (Kujira tairiku) [2007] Takorasu | 3:05 | Beta SP Hai and Low [2004] Seiji Morishita | 3:48 | Beta SP The Thaw (Yukidoke) [2004] Kei Oyama | 6:45 | Beta SP OH HISSE [2005] Hikaru Yamakawa | 5:35 | Beta SP Kotatsuneko [2005] Jun Aoki | 1:18 | Beta SP Dancer of Vermicular (Annerida tantuenen) [2004] Atsushi Wada | 6:11 | Beta SP around [2007] Ryu Kato | 3:10 | Beta SP Bloomed Words (Ohanashi-no-hana) [2006] Amica Kubo | 2:10 | Beta SP Shimomomo [2002] Saeko Akagi | 3:20 | Beta SP Franz Kafka's A Country Doctor (Franz Kafka's Inaka Isha) [2007] Koji Yamamura | 21:00 | Beta SP A confession: yep, I’m prone to bouts of shades-of-gray melancholia, and have even caught myself being wistful, despite knowing deeply its futility. But I also understand that those wells of romantic ambivalence influence my taste in films. All of which makes me an emotionally connected fan of Japanese animation. Not anime necessarily, but auteur short form animation from my ancestral homeland; there are clear strains of banal, undetermined uncertainty in many of the Japanese shorts I see. But my enjoyment of them is sporadic and infrequent, much like my moments of gourmet ice cream indulgence. I suspect I perceive Japanese animation not unlike most people, even animation festival regulars. There are big anime features like Tekkon Kinkreet, Paprika or the latest Miyazaki opus, and there are stellar shorts by Japanese masters like Yamamura or Kawamoto, and crowd faves Tochka (amongst many). But apart from the occasional student film at Hiroshima or CG extravaganza at SIGGRAPH, it feels like a vast swathe of Japanese auteur animation is missing from international screens. I know the films are being made because I’ve met the filmmakers in Japan and their champions at festivals regularly. So why do I so seldom get to see the actual films, without someone pressing a fresh DVD into my ever-greedy hands (preferably along with a bowl of handchurned, buttery frozen delight)? This feels most urgent for younger filmmakers who’ve yet to establish their reputations on the world stage. There’s an entire generation of filmmakers who are going to be overlooked by the animation world, meaning Japanese auteur animation could find itself in a catch-up situation within a decade. The irony doesn’t just leave a bitter aftertaste; despite the hyperbolic flair, I do think it’s a tragedy in the making. A century and a half after being opened to the wider world by Commodore Perry, Japan’s short-form animation might become entirely domestic, isolated from the wider world and left languishing as a result.

Une confession; ouaip! Je suis porté aux accès de mélancolie grisâtre et je me suis même pris à être nostalgique, malgré qu’au fond je sache que c’est futile. Mais je comprend aussi que ces puits d’ambivalence romantique influencent mes goûts côté films. Tout cela fait de moi un amateur des animations japonaises en prise sur ses émotions. Pas nécessairement des « animés », mais de la forme court métrage d’animation de répertoire du pays de mes ancêtres; il existe des tendances claires d’une incertitude banale, indéterminée dans plusieurs des courts métrages japonais que je vois. Mais mon engouement pour eux est sporadique et peu fréquent, un peu comme mes moments d’auto-indulgence pour la crème glacée gourmet. Je soupçonne que je ne perçois pas l’animation japonaise différemment de la plupart des gens, même les habitués des festivals d'animation. Il y a de grosses productions d'animation comme Tekkon Kinkreet, Paprika ou la dernière oeuvre de Miyazaki, et il y a de brillants courts métrages par des maîtres japonais comme Yamamura ou Kawamoto, et les favoris des foules dont Tocha (parmi tant d'autres). Mais, mis à part les quelques films d'étudiants à Hiroshima ou la CG extravaganza au SIGGRAPH, on a l'impression que tout un lot de films d'animation de répertoire japonais est absent des écrans internationaux. Je sais que les films sont produits puisque j'ai rencontré régulièrement les cinéastes au Japon ainsi que leurs champions à des festivals. Alors pourquoi m'arrive-t-il si rarement de voir les films eux-mêmes à moins que quelqu'un ne vienne fourrer un DVD dans mes mains avides (de préférence accompagné d'un bol d'un délice gelé, à la consistance de beurre et barraté à la main) ? Ça semble être plus urgent pour les jeunes cinéastes qui doivent encore bâtir leur réputation sur la scène mondiale. Toute une génération de cinéastes sera négligée par le monde de l'animation, et ce faisant, le film d'animation de répertoire japonais risque de se retrouver en situation de rattrapage d'ici dix ans. L'ironie ne laisse pas seulement un arrière-goût amer; malgré mon penchant pour l'hyperbole, je crois vraiment qu'une tragédie se prépare. Un siècle et demi après avoir été présenté au monde entier par le Commodore Perry, le Japon et ses courts métrages d'animation pourraient redevenir entièrement intérieurs, isolés du reste du monde et finir abandonnés et languissants. Peut-être que le nouvel « ambassadeur de l'animé », Doraemon, parrainé par le gouvernement du Japon, aidera réellement à la promotion sur la scène internationale. Peut-être pas. Ou du moins, pas avec le sous-ensemble de courts métrages d'auteur qui me fascine. Donc, quand j'ai eu la chance de co-présider un échange cinématographique culturel qui visait à amener au Canada un programme de courts métrages d'animation de cinéastes japonais - la plupart débutant à peine leur carrière, avec deux vétérans pour compléter la projection - j'en ai eu l'eau à la bouche juste un peu. D'une part, ce n'est pas tous les jours qu'un producteur de l'ONF peut choisir des projections. D'autre part, mes collaborateurs sont tous exceptionnels. Au Canada, c'est Judy Gladstone, directrice générale de Bravo!FACT, et les directeurs du Festival international d'animation et du Festival international du court-métrage de Toronto : Chris Robinson et Eileen Arandiga, respectivement. Au Japon ce fut Hiromi Ito d'Office H et l'ambassade canadienne à Tokyo. Un auguste panel composé de réalisateurs d'animation, de producteurs et de distributeurs japonais compilèrent une liste exhaustive de titres et de cinéastes, à par-

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Maybe Japan’s newly-announced, government-sponsored “anime ambassador”, Doraemon, will really help with international promotion. Maybe not. Or at least, not with the subset of auteur short films that fascinate me. So, when I had the chance to co-curate a cultural film exchange that would bring a programme of animation shorts by Japanese filmmakers to Canada – most of them just starting their careers, with two veterans to round out the screening – I drooled just a little bit. For one thing, curating screenings isn’t the sort of thing an NFB producer gets to do every day. For another, my collaborators are all outstanding. In Canada, it’s Judy Gladstone, executive director of Bravo!FACT, and the directors of the Ottawa International Animation Festival and Toronto’s Worldwide Short Film Festival; Chris Robinson and Eileen Arandiga, respectively. In Japan, it was Hiromi Ito of Office H and the Canadian Embassy in Tokyo. An august panel of notable Japanese animation directors, producers and distributors assembled a comprehensive list of highly recommended titles and filmmakers, from which the programme shown here in Ottawa and this past June in Toronto was curated by Judy Gladstone and me. Some of the Japanese panel were filmmakers Koji Yamamura and Taku Furukawa, producer Shuzo Shiota and distributors Mie Ide and Rumi Ono. The first part of the exchange saw a dozen and a half animation shorts by Canadian filmmakers screen at the Tokyo International Film Festival, and then at the Canadian Embassy in Tokyo and the Kyoto International Manga Museum. The films were all collaborations between the NFB and Bravo!FACT in one form or other, and were primarily by younger filmmakers. The programme here in Ottawa is an eclectic mix and sometimes a bit uneven, given that many are first or second films. But they mostly share qualities that attract me to films: clearly heartfelt; shaded in emotional tones of gray melancholy; morally ambiguous; affecting. Several of them captured me with their whimsy, others with deep portent. A couple are brilliant technical exercises, but most pull the viewer along with engrossing, if not entirely comprehensible, narratives. I love the idea of exchange, be it cultural or economic or anything else. It implies sharing and cross-pollination. It signifies expansion of horizons and understandings. It’s what makes international film festivals like Ottawa so damned important and amazing. We get to meet filmmakers and artists from faraway lands who have culture and beliefs that soothe or challenge our own; we talk, we share food and drink, we debate. We feed our human needs for interaction. And equally as importantly, as filmmakers ourselves, we experience how cinema and animation are crafted differently – and the same – in the hands and through the eyes of others by getting the chance to see their films. There’s nothing quite like that combination of film and filmmaker encounter to change us – with luck, only for the better.

tir de laquelle Judy Gladstone et moi avons choisi le programme présenté ici à Ottawa et en juin dernier à Toronto. Le panel japonais était composé en partie des cinéastes Koji Yamamura et Taku Furukawa, du producteur Shuzo Shiota et des distributeurs Mie Ide et Rumi Ono. La première partie de l'échange vit une douzaine et demie de courts métrages d'animation par des cinéastes canadiens projetés au Festival international du film de Tokyo puis à l'ambassade canadienne de Tokyo et au musé International Manga de Kyoto. Les films étaient tous des collaborations, sous une forme quelconque, entre l'ONF et Bravo!FACT, et étaient faits principalement par des cinéastes plus jeunes. Le programme d'ici, à Ottawa, est un mélange éclectique et parfois un peu inégal, étant donné que plusieurs sont des premiers ou deuxièmes films. Mais ils ont en commun surtout les qualités qui m'attirent vers les films : ils viennent clairement du coeur, ombrés de tons émotionnels d'une grise mélancolie; moralement ambigus; touchants. Plusieurs d'entre eux m'ont conquis par leur bizarrerie, d'autres par la profondeur de leur présage sinistre. Deux ou trois sont de brillants exercices techniques, mais la plupart entraînent les spectateurs par des narrations qui, à défaut d'être entièrement compréhensibles, sont captivantes. J'aime l'idée de l'échange, qu'il soit culturel, économique ou autre. Cela suppose le partage et la pollénisation croisée. Cela signifie élargissement des horizons et des compréhensions. C'est ce qui rend les festivals du film international comme celui d"Ottawa si diablement importants et renversants. Nous y rencontrons des cinéastes et des artistes provenant de pays éloignés avec des cultures et des croyances qui calment ou remettent en question les nôtres; nous parlons, nous partageons nourriture et boissons, nous discutons. Nous nourrissons nos besoins humains d'interaction. Et ce qui est tout aussi important, étant nousmêmes cinéastes, nous faisons l'expérience du façonnage à la fois différent et semblable du cinéma et du film d'animation dans les mains et à travers les yeux des autres en ayant la chance de voir leurs films. Il n'y a vraiment rien de tel que cette combinaison de rencontres de films et de cinéastes pour nous changer - et avec de la chance, uniquement pour le mieux. Ce programme est une co-présentation de l'Office national du film du Canada et de Bravo!FACT (fondation pour aider le talent canadien), et le projet Échange de films d'animation Canada-Japon (CJAX). Il fait partie du 80e anniversaire des relations diploma tiques Ja pon- Ca na da q ue l'on célèbre en 200 8. Le financement a été généreusement octroyé par la Japan Foundation. Michael Fukushima est un producteur du studio d'animation de l'Office national du film du Canada; il en vit et il en mange.

This progra mme is a co-presentation of the National Film Board of Canada and Bravo!FACT ( Foundation to Assist Canadia n Ta lent), and the Can ada-Ja pan Animation Exchange project (CJax). It is part of the 8 0th Anniversary of Ja pan- Cana da D iplomatic Relations being celebrated in 200 8. Funding has been generously provided by the Japan Foundation. Michael Fukushima is a producer in the Animation Studio of the National Film Board of Canada, who lives and breathes this stuff.

THE NEW WAVE OF JAPANESE ANIMATION

CUISINE D’ANIMATION THE BEST OF SWISS ANIMATION LE MEILLEUR DE L’ANIMATION SUISSE BY | PAR DUSCHA KISTLER

PR E SE NTE D BY | PRÉS E NTÉ PAR

PRESENTED BY | PRESENTÉ PAR SWISSFILMS PROGRAM: Thursday, Sept. 18, 9:00 pm (National Gallery) Sunday, Sept. 21, 3:00 pm (National Gallery) Herr Würfel [2004] Rafael Sommerhalder | 7:21 | 35mm Poldek [2004] Claudius Gentinetta | 11:02 | 35mm Nosferatu Tango [2001] Zoltan Horvath | 12:48 | 35mm Jeu [2006] Georges Schwizgebel | 3:50 | 35mm Bonne journée, Monsieur M. [1999] Samuel & Frédéric Guillaume | 6:00 | 35mm Wolkenbruch [2005] Simon Eltz | 6:08 | 35mm Banquise [2005] Claude Barras & Cédric Louis | 6:45 | 35mm Rush [2004] Claude Luyet | 3:00 | 35mm Tartes aux pommes [2006] Isabelle Favez | 9:50 | 35mm Hang Over [2004] Rolf Brönnimann | 8:00 | 35mm Switzerland is certainly not somewhere that would be readily associated with producing animation films, despite the fact that certain exponents of the art such as Georges Schwizgebel or Isabelle Favez have enjoyed continued success with their works at international festivals for years. In comparison to other countries, this small nation until recently brought very few animation films onto the market each year. However, since the creation of its own course in animation at the Lucerne College of Art & Design in 2002, important foundations have been laid for boosting the stature of animation film in Switzerland. The winds of change have been blowing ever since; output has been noticeably boosted by a strong new crop of confident film-makers. What's more Fantoche means Switzerland is able to boast its very own animation film festival, which has given the national scene an important platform since 1995, bringing it to the attention of the international sector. The creative forces behind animation film-making in Switzerland are for the most part individually and independently organized. However, with the Swiss Animation Film Group, the country has an important association, which supports the production and promotion of Swiss animation film-making and provides film-makers with an important network. The Swiss Animation Film Group was founded in 1969 and is set to celebrate its 40th anniversary in 2008. The 'Cuisine d’animation' project has been created to mark the occasion and a DVD will be produced containing the best of Swiss animation film-making of the past 20 years. It is due to be launched in June 2008 and is intended to aid the showcasing and circulation of Swiss animation at home and abroad. A jury made up of Duscha Kistler (Fantoche Animation Film Festival, artistic direction), Simon König (Swiss Films, distribution and promotion of shorts) and Roland Cosandey (film historian and lecturer) selected 14 from among several hundred films in two phases. The films chosen stood out on the basis of their artistic and technical quality, stylistic content and good entertainment value. The selection highlights the varied nature of Swiss animation film-making – from the old technique of celluloid and acrylic paint, to classic animation with puppets, to digital 2D or 3D animation – bringing established film-makers and new talent together on one platform. A selection of the 14 best animation films made in Switzerland over the past 20 years will be presented at the Ottawa International Animation Festival in September 2008.

La Suisse n'est certainement pas un pays qu'on associe d'emblée à la production de films d'animation, même si les oeuvres de certains représentants de cet art, tels Georges Schwizgebel ou Isabelle Favez, ont connu un succès continu lors de festivals internationaux pendant des années. Par comparaison avec d'autres pays, cette petite nation a jusqu'à récemment mis chaque année sur le marché bien peu de films d'animation. Toutefois, depuis la création de son propre cours d'animation au collège d'art et de design de Lucerne en 2002, la Suisse a posé des bases importantes pour que le film d'animation gagne en stature. Les vents du changement ont soufflé depuis lors, et la production a été remarquablement augmentée par une nouvelle moisson de réalisateurs au métier sûr. Qui plus est, Fantoche signifie que la Suisse peut organiser son propre festival de films d'animation, et ainsi fournir aux auteurs nationaux une importante plate-forme et attirer l'attention du secteur international. Les forces créatrices derrière la réalisation de films d'animation en Suisse sont pour la plupart organisées par des indépendants. Toutefois, avec le Swiss Animation Film Group, le pays dispose désormais d'une association importante qui appuie la production et la promotion du film d'animation en Suisse et met un important réseau à la disposition des réalisateurs. Le Swiss Animation Film Group a été fondé en 1969 et s'apprête à célébrer son 40e anniversaire en 2008. Le projet « La Cuisine de l'animation » a été créé pour marquer l'événement, un DVD contenant les meilleurs films d'animation suisses des derniers 20 ans sera produit. Il doit être lancé en juin 2008 et vise à promouvoir la projection et la diffusion de l'animation suisse au pays et à l'étranger. Un jury composé de Duscha Kistler (direction artistique, Festival du film d'animation Fantoche), de Simon König (Swiss Films, distribution et promotion de courts métrages) et de Roland Cosandey (historien du film et conférencier) a choisi, en deux étapes, 14 films par plusieurs centaines. Les films choisis se démarquent par leur qualité artistique et technique, leur contenu stylistique et leur valeur en tant que divertissement. La sélection souligne la nature variée du film d'animation suisse – depuis la vieille technique du celluloïd et de l'acrylique jusqu'à l'animation classique avec marionnettes, en passant par l'animation en 2D et en 3D – et rassemble sur un même plateau réalisateurs établis et nouveaux talents. Une sélection des 14 meilleurs films d'animation réallisés en Suisse au cours des 20 dernières années sera présenté au Festival international d'animation d'Ottawa en septembre 2008. Jeu (Play) Un jeu musical et visuel qui se construit et se détruit au rythme rapide du Scherzo du Concerto pour piano no 2 de Serge Prokofiev. Poldek Une petite histoire d'horreur peu ragoûtante à propos d'un petit chien, Poldek, et d'une vieille dame pauvre, avec beaucoup de séquences d'action. Bonne Journée, Monsieur M. Le ronflement bien sonore du cochon empêche les gens du voisinage de jouir d'un sommeil bien mérité. Le lendemain matin, la bête, qui ne s'y attend pas, devient victime de mesures compréhensibles.

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Jeu (Play) A musical and visual game which builds and destroys itself on the speed rhythm of Serge Prokofiev’s Scherzo to piano Concerto No. 2. Poldek An unsavoury little horror-story about a small dog Poldek and a poor old lady, with a lot of action sequences. Bonne Journée, Monsieur M. A noisily snoring pig robs the neighbourhood of it’s wellearned sleep. The morning after, the unsuspecting beast becomes a victim of understandable measures. Hang over After a wild party at his place, Klaus tries to get rid of his hangover, while his little dog desperately tries to get something to eat. Tartes aux pommes (Apple Pie) A baker falls in love with her neighbour, the butcher. But the hunter’s greedy dog upsets her attempts to get closer to him. Herr Würfel (Mr. Würfel) Mr. Würfel has a great passion. He loves decisions. He loves them so much that it took him more than three years, to choose a new bicycle. But one fine morning, Mr. Würfel has exactly one second to make the decision of his life. Rush Rush: Sudden movement of a crowd in the same direction. The final effort of a runner. Print of a film before editing. Cloudburst A big boy is bullying a smaller one. Then a catapulted stone triggers a bizarre event that interrupts the fight and changes the balance of power between the boys. A poetic cartoon film with an innovative soundtrack. Banquis (Ice Floe) An overweight girl, suffers from the way other people look at her and from summer heat. She dreams of a better life among the penguins on an ice floe...

Hang over Après une folle soirée qu'il a tenue chez lui, Klaus essaie de se débarrasser de son lendemain-de la-veille, tandis que son petit chien essaie désespérément d'obtenir quelque chose à manger. Tartes aux pommes (Apple Pie) Une boulangère tombe amoureuse de son voisin, le boucher. Mais le chien envieux du chasseur perturbe ses tentatives de rapprochement. Herr Würfel (Mr. Würfel) M. Würfel est habité par une grande passion. Il aime prendre des décisions. Il aime tellement ça qu'il lui a fallu plus de trois pour choisir un nouveau vélo. Mais un bon matin, M. Würfel a exactement une seconde pour prendre la décision de sa vie. Rush Rush [en anglais] : Mouvement soudain d'une foule dans une même direction. Effort final d'un coureur. Développement d'un film avant le montage. Cloudburst (Averse*) Un gros garçon en tabasse un plus petit. Puis, une pierre qu'on a catapultée provoque un événement bizarre qui interrompt la bagarre et change le rapport de forces entre les garçons. Un dessin animé poétique avec piste sonore innovatrice. Banquise (Ice Floe) Une fille grassette souffre de la façon dont les gens la regardent et de la chaleur de l'été. Elle rêve d'une vie meilleure parmi les pingouins sur une banquise... Nosferatu Tango Un maringouin tombe profondément en amour avec un vampire. Liés par les mêmes désirs, toujours à la recherche de sang frais, ils plongent dans un monde étrange, baroque et dangereux.

Nosferatu Tango A mosquito falls deeply in love with a vampire. Bound by the same desires, always in search for fresh blood, they plunge into a strange, baroque and dangerous world.

CUISINE D’ANIMATION: THE BEST OF SWISS ANIMATION

CANADIAN ANIMATION: looking for a place to happen L'ANIMATION CANADIENNE CHERCHE SA PLACE

BY | PAR CHRIS ROBINSON

VANCOUVER PROGRAM: Thursday, Sept. 18, 3:00 pm (ByTowne Cinema) 63:00 mins. At the Quinte Hotel [2005] Bruce Alcock | 3:38 | 35mm Fish Don’t Talk [2004] Rick Raxlen | 11:00 | Beta SP Path [2004] Marilyn Cherenko | 2:00 | Beta SP About Face [2000] Marilyn Cherenko | 5:30 | Beta SP Your Name in Cellulite [1995] Gail Noonan | 6:00 | 35mm Bob’s Birthday [1993] David Fine & Alison Snowden | 12:00 | 35mm Room 710 [2005] Ann Marie Fleming | 8:00 | 35mm Beijing Flipbook [2003] Marv Newland | 2:30 | 35mm Pink Komkommer [1991] Marv Newland | 11:00 | 35mm CALGARY/HALIFAX PROGRAM: Friday, Sept. 19, 9:00 pm (Museum of Civilization) 60:00 mins. Mr. Reaper’s Really Bad Morning [2004] Kevin Kurytnik & Carol Beecher | 17:00 | 35mm When the Day Breaks [1999] Wendy Tilby & Amanda Forbis | 9:40 | 35mm Sea Song [1999] Richard Reeves | 4:00 | 35mm Damaged Goods [2005] Don Best | 2005 | 4:30 | Beta SP Sexxxy Doll [2001] Ed Beals | 3:00 | Beta SP Pustulations [2002] Lisa Morse | 8:00 | 16mm Olive Prepares [2007] Siloën Daley | 15:00 | 16mm Tunnel of Love [1996] Helen Hill | 4:00 | Beta SP Starboy [2007] James MacSwain | 4:00 | Beta SP BOOK SIGNING: Saturday, Sept. 20, 4:30 pm (Arts Court Library)

In 2007, Chris Robinson traveled across Canada to meet with some of the country's leading independent animation filmmakers. Along the way, Robinson muses about the animation art form in Canada and his own relationship to the scene and personalities, many of whom are friends and colleagues. As he travels from place to place he carries along his own private (and sometimes not-so private) struggles with insomnia, depression, identity, cab drivers, hobos and nobos and the shocking murder of animator Helen Hill, whose life and work embody many of the themes that colour these conversations. With the intimate detail of a diary, Canadian Animation: Looking for a Place to Happen weaves together history, memoir and dream into a mesmerizing and candid portrait of Canadian animation, art, doing, drifting and dying.

TORONTO/OTTAWA PROGRAM: Saturday, Sept. 20, 7:00 pm (National Gallery) 63:00 mins. Villanelle [1988] Elizabeth Lewis | 4:30 | 16mm Man versus Geometry [2004] Patrick Jenkins | 2:30 | Beta SP The Skateboarder [2006] Patrick Jenkins | 5:53 | Beta SP Nukie’s Lullaby [1985] Jonathan Amitay | 3:30 | 16mm Oh Dad! [1986] Jonathan Amitay | 4:00 | 16mm The Village of Idiots [1999] Eugene Fedorenko & Rose Newlove | 12:00 | 35mm Portrait of Lydia [1964] John Straiton | 9:00 | 16mm Steam Ballet [1968] John Straiton | 4:00 | 16mm The End [1995] Chris Landreth | 1995 | 6:00 | 35mm Waif of Persephone [2006] Nick Cross | 12:00 | Beta SP MONTREAL PROGRAM: Sunday, Sept. 21, 1:00 pm (National Gallery) 64:00 mins. Showa Shinzan [2002] Alison Loader | 12:56 | 35mm June [2003] Munro Ferguson | 6:45 | Beta SP Black Soul [2000] Martine Chartrand | 9:47 | 35mm Flux [2002] Chris Hinton | 7:40 | 35mm My Favourite Things That I Love [1994] Janet Perlman | 3:48 | 35mm How Wings are Attached to the Backs of Angels [1996] Craig Welch | 11:05 | 35mm Sou [2006] Theodore Ushev | 3:00 | Beta SP From the Big Bang to Tuesday Morning [2000] Claude Cloutier | 5:53 | 35mm

En 2007, Chris Robinson a voyagé d'un bout à l'autre du Canada pour rencontrer certains des principaux créateurs indépendants de cinéma d'animation. Chemin faisant, il réfléchit sur cette forme d'art au Canaada et à sa propre relation avec le milieu et ses personnalités, dont plusieurs sont des amis et collèegues. De lieu en lieu, il transporte avec lui ses combats personnels (parfois pas si privés que ça) avec l'insomnie, la dépression, l'identité, les chauffeurs de taxi, les truands et les anonymes, et l'assassinat choquant de la cinéaste d'animation Helen Hill, dont la vie et l'oeuvre donne forme à plusieurs des thèmes qui colorent ces entretiens. Avec les détails d'un journal intime, L'animation canadienne cherche sa place entretisse histoire, souvenirs et rêve dans un portrait époustouflant et candide de l'animation canadienne, de l'art, du faire, de la dérive et de la mort.

The following texts are excerpts from the book (which is being launched at the OIAF).

Les textes qui suivent sont extraits du livre lancé par le FIAO.

VANCOUVER

Lesya phones me early the next morning to suggest that I take the Aqua Bus to Emily Carr School (where I’m giving a talk to some of the animation students). She’s almost insistent, says it’s faster than a bus and cheaper than a cab. Ok, ok, I’ll take the waterbus. It turns out to be pretty cool. It’s a small covered boat that picks you up at a designated ‘bus’

Lesya me téléphone tôt le lendemain matin pour suggérer que je prenne l'Aqua Bus jusqu'à l'école Emily-Carr (où je m'adresserai à certains des étudiants en animation). Elle insiste presque, affirme que c'est plus rapide que l'autobus et moins cher que le taxi. D'accord, d'accord, je prendrai l'Aqua Bus. Il se trouve que c'est assez joli. Un petit bateau couvert

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stop. Beats walking across that bridge again. Now…the downside of the waterbus is that there’s a dense fog out today. There’s maybe 10ft of visibility, if that. Still, it has its charm. Like being in a swamp scene from a bad horror flick. After about 10-15 minutes, the boat loses its charm. The driver is puttering along. I’m pretty sure I could walk faster than this boat is moving. Not sure if it’s because of the fog or if this is the normal speed. Despite leaving early, I end up late for the lecture. Thanks Lesya.

vous prend à un « arrêt d'autobus » désigné. C'est mieux que de retraverser ce pont-là à pied. Le mauvais côté... c'est qu'il y a une brume à fendre au couteau aujourd'hui. La visibilité est de 10 pi. à peu près, au max. Néanmoins, ç'a son charme. Comme d'être dans une scène de marécage dans un mauvais film d'horreur. Après 10-15 minutes, le charme du bateau s'est eventé. Le conducteur passe dans le ronron du moteur. Je suis sûr que je pourrais marcher plus vite que ce bateau n'avance. Mais je ne sais pas si c'est à cause de la brume ou si c'est sa vitesse habituelle. J'arrive en retard au cours même si je suis parti en avance. Merci Lesya.

VANCOUVER FILMS: At the Quinte Hotel, Fish Don’t Talk,

Path, About Face, Your Name in Cellulite, Bob’s Birthday, Room 710, Beijing Flipbook, Pink Komkommer.

CALGARY Carol Beecher picks me up at the airport. We drive to Quickdraw so that I can get the key to the pad. Then I drop my stuff off and get settled in, while Carol goes and gets Kevin. We head out for Indian food. After the meal, we go back to Carol’s mom’s place (where they’re living now). The place smells like my grandparent’s house. It’s a strong and surprising sensation that I haven’t felt in years. I taste my childhood. I was walloped with an equally potent whiff of the past a few years earlier while I was chewing Dubble Bubble gum in the winter. The combination of the gum and the bitterly cold day transported me back to walks in the brisk winter air to the nearest corner store to buy packs of hockey cards (each pack contained a stick of gum). This is nice. I feel good.

VANCOUVER FILMS: At the Quinte Hotel, Fish Don’t Talk, Path,

About Face, Your Name in Cellulite, Bob’s Birthday, Room 710, Beijing Flipbook, Pink Komkommer.

CALGARY Carol Beecher me ramasse à l'aéroport. Nous roulons jusqu'à Quickdraw pour que je puisse prendre la clé de ma chambre. Je dépose mes affaires et m'installe pendant que Carol va chercher Kevin. Nous nous dirigeons vers un restaurant indien. Après le repas, nous retournons chez la mère de Carol (où ils vivent maintenant). L'endroit sent comme chez mes grandsparents. C'est une sensation forte et surprenante que je n'ai pas ressenti depuis des années. Je goûte mon enfance. J'ai été transporté par une odeur aussi forte du passé quelques années auparavant pendant que je mâchais de la gomme à mâcher Dubble Bubble en hiver. La combinaison de la gomme à mâcher et du froid mordant de cette journée m'a ramené aux marches que je faisais dans l'air froid de l'hiver pour acheter des paquets de cartes de hockey (chaque paquet contenait un bâtonnet de gomme à mâcher).

CANADIAN ANIMATION: LOOKING FOR A PLACE TO HAPPEN

CALGARY FILMS: Mr. Reaper’s Really Bad Morning, When the Day Breaks, Sea Song, Damaged Goods.

C'est un bonne sensation. Je me sens bien. CALGARY FILMS: Mr. Reaper’s Really Bad Morning, When the Day Breaks, Sea Song, Damaged Goods.

HALIFAX So we finally land in Halifax. Fuck me… a one way cab costs $53! Guess I could share with someone. Forget it. I’ll take a shuttle. I buy a ticket for the shuttle but learn that I just missed one and have to wait another hour. FUCK! Worth it in the end ‘cause the shuttle driver is a treat. He’s a fusion of Bill Murray and Hunter Thompson. “I’ll collect tickets in about seven minutes,” he says in a semi-mumble. It’s a mumble with no emotion. Guy seems pretty balanced. I love the precision of his words “About seven minutes.” Most people would be more general and say 5, 10 or 15 minutes. He’s short, balding with sunglasses. Looks a bit like Paul Schaeffer. He offers to take me right to my hotel (which isn’t on the list of stops). Nice that he offers. I like when he tells one woman that to reach her hotel, she’s gotta walk one block from the strip club. Another woman enters, catches the end of the strip club monologue and looks a bit alarmed. He’s got a short, choppy voice. Very concise and economical. He plays Guns ‘n Roses on the radio. My pleasure comes only from knowing that Maral would love this. For the entire ride he plays only G&R. Oh…but get this… scribbled on his left hand are the words: “Shit 4 brains it’s February.” HALIFAX FILMS: Sexxxy Doll, Pustulations, Olive Presents,

Tunnel of Love, Starboy.

TORONTO On one hand, I’m happy to go and see some good friends there. On the other, industry dominates, so there aren’t many indie animators to speak with. Rented a car and made it to Toronto in under 4 hours! Not bad. No kids. No wife. All road, baby. First stop is Hayden and Melissa’s house. Hayden used to work for the festival. One of the funniest people I know. Also has an espresso machine. Plans change a bit when I arrive. Hayden says I have to leave on Wednesday (it’s now Sunday) cause his rich parents are coming and he’s ashamed of me. Shit, this means I have to make nice with Dave after telling him why Hayden’s place was so much better than his. Hayden, Melissa and I have a good time though. We buy pink cookies and watch Dave Chappelle (Charles Murphy, for the record, is much funnier than his more famous brother Eddie) on his fancy-ass flat screen TV. TORONTO FILMS: Villanelle, Man versus Geometry, The Skate-

boarder, Nukie’s Lullaby, Oh Dad!, The Village of Idiots, Portrait of Lydia, Steam Ballet, The End.

OTTAWA I said that Toronto was the weakest of the indie animation communities, but in truth, my own home, Ottawa, holds that honour. Yes, Ottawa does host the major North American animation festival. Yes, Ottawa was home to Norman McLaren (his ground-breaking film Neighbours was made in Ottawa) and the NFB for about 15 years. Yes, Ren and Stimpy creator, John Kricfalusi came from Ottawa. Yes, Ottawa has had a steady industry presence since the 1970s, but beyond that

HALIFAX Nous atterissons enfin à Halifax. Zut! ... un aller en taxi coûte 53 $ ! Je suppose que je pourrais partager avec quelqu'un. Oublie. Je prends une navette. J'achète un billet pour la navette, mais j'apprends que je viens de la manquer et que je dois attendre une heure de plus. Re-zut ! Ç'en vaut la peine en fin de compte parce que le conducteur de la navette est un régal. Il est une fusion de Bill Murray et de Hunter Thompson. « Je prendrai les billets dans environ sept minutes », dit-il en marmonnant à moitié. C'est un marmonnage sans émotion. Le type a l'air plutôt équilibré. J'aime la précision de ses mots : « environ sept minutes ». La plupart des gens seraient plus généraux et diraient 5, 10 ou 15 minutes. Il est petit, avec une calvitie débutante, et porte des lunettes de soleil. Ressemble un peu à Paul Schaeffer. Il offre de me déposer à mon hôtel (qui n'est pas sur la liste des arrêts). C'est gentil à lui d'offrir. J'aime bien quand il dit à une femme que pour se rendre à son hôtel, elle devra marcher un coin de rue à partir du club d'effeuilleuses. Une autre femme entre, entend la fin du monologue sur le club d'effeuilleuses et prend une mine un peu inquiète. Elle a une voix brève, hachurée. Très concise et économe. Il fait jouer Guns 'n Roses sur le radio. Je jouis de savoir que Maral adorerait ça. Pendant tout le voyage, il ne fait jouer que Guns 'n Roses. Oh, mais... faut pas rater ça, sur sa main gauche sont écrits les mots : « Cerveau de m..., on est en février. » HALIFAX FILMS: Sexxxy Doll, Pustulations, Olive Presents,

Tunnel of Love, Starboy.

TORONTO D'une part, je suis heureux d'y aller et d'y voir quelques bons amis. D'autre part, l'industrie est dominante, alors je ne pourrai pas parler avec beaucoup d'animateurs indépendants. Loué une voiture et gagné Toronto en moins de 4 heures ! Pas mal. Pas de femme, pas d'enfants. Rien que la route, bébé. Premier arrêt chez Hayden et Melissa. Hayden travaillait jadis pour le Festival. Un des types les plus rigolos que je connaisse. A aussi une machine à faire du café espresso. Les plans changent un peu quand j'arrive. Hayden dit que je dois quitter mercredi (nous sommes dimanche) parce que ses riches parents viennent et qu'il a honte de moi. Zut, ça veut dire que je devrai être gentil avec Dave après lui avoir dit que chez Hayden, c'était tellement mieux que chez lui. Hayden, Melissa et moi passons néanmoins du bon temps ensemble. Nous achetons des biscuits rose et regardons Dave Chappelle (Charles Murphy, incidemment, est beaucoup plus drôle que son frère plus connu Eddie) sur sa télé tape-à-l'oeil à écran plat. TORONTO FILMS: Villanelle, Man versus Geometry, The Skate-

boarder, Nukie’s Lullaby, Oh Dad!, The Village of Idiots, Portrait of Lydia, Steam Ballet, The End.

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there’s just been no indie animation community. Sure, there has been a smattering of individuals here and there, including Sharon Katz and Brian McPhail (who made a couple of funny, twisted stop motion films in the 1990s), but the output has been thoroughly disappointing given the history and ongoing presence of animation in Canada’s Capital. As successful as the Ottawa International Animation Festival has become, I feel our big failure has been an inability to generate an active interest in animation and inspire local artists/kids to make animation.

OTTAWA

Arriving in Montreal. There’s my favourite sight, The Farine Five Roses sign. It’s a big old factory and the red neon sign is a lonely beacon from a time gone. Then there’s Costco. I wonder if that wingnut old goalie, Gilles Gratton works there. He thought he was a Spanish Conquistador in a past life. Also had one of the coolest goalie masks ever.

J'ai dit que Toronto abritait la plus faible des collectivités de producteurs indépendants, mais en vérité, ma propre ville, Ottawa, détient cet honneur. Oui, Ottawa héberge le principal festival d'animation en Amérique du Nord. Oui, Ottawa a été le foyer de Norman McLaren (son film pionnier Neighbours / Voisins a été fait à Ottawa) et de l'ONF pendant environ 15 ans. Oui, Ren et Stimpy, et le créateur John Kricfalusi sont venus d'Ottawa. Oui, l'industrie a une présence continue à Ottawa depuis les années 1970, mais en dehors de cela, il n'y a tout simplement pas eu de collectivité d'animateurs indépendants. Bien sûr, il y a eu des grappes d'individus de temps en temps, dont Sharon Katz et Brian McPhail (qui ont fait deux films drôles et tordus à arrêt de mouvement dans les années 1990), mais la production a été véritablement décevante étant donné l'histoire et la présence continue de l'animation dans la capitale du Canada. Malgré le succès qu'est devenu le Festival international d'animation d'Ottawa, je pense que notre gros échec a été l'incapacité de susciter un intérêt actif envers l'animation et d'inspirer des artistes locaux ou des jeunes à faire de l'animation.

MONTREAL FILMS: Showa Shinzan, June, Black Soul, Flux,

OTTAWA FILM: Waif of Persephone.

MONTREAL

My Favourite Things that I Love, How Wings are Attached to the Backs of Angels, Sou, From the Big Bang to Tuesday Morning.

MONTRÉAL Arrivée à Montréal. Je vois ma vue préférée, le panneau-affiche Farine Five Roses. C'est une grosse et vieille usine, et le panneau au néon est un phare solitaire d'une époque disparue. Ensuite, il y a un Costco. je me demande si le vieux gardien de buts un peu gaga Gilles Gratton y travaille. Il pensait avoir été un conquistador dans une vie antérieure. Portait aussi un des masques les plus « cool » que j'aie jamais vus. MONTREAL FILMS: Showa Shinzan, June, Black Soul, Flux,

My Favourite Things that I Love, How Wings are Attached to the Backs of Angels, Sou, From the Big Bang to Tuesday Morning.

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BRAINWASHED!!! CARTOONS THAT TELL US WHAT TO THINK ALERTE AU LAVAGE DE CERVEAUX !!! DES DESSINS ANIMÃ‰S NOUS DISENT QUOI PENSER !

BY | PAR KARL F. COHEN

PROGRAM: Thursday, Sept. 18, 3:00 pm (Empire Theatres - Rideau) Saturday, Sept. 20, 3:00 pm (Empire Theatres - Rideau) Brotherhood of Man [1946] Robert "Bobo" Cannon | 11:00 Sinking of the Lusitania [1918] Winsor McCay | 9:00 Felix all Puzzled [1925] (unknown) | 3:00 Porky Pig in Wholy Smoke [1938] Frank Tashlin | 7:00 Sunshine Makers [1935] Burt Gillett and Ted Eshbaugh | 8:00 Peace on Earth [1939] Hugh Harman | 9:00 Short Vision [1955] Peter Foldes | 7:00 Bugs Bunny in Bond Rally [1943] Robert McKimson | 2:30 Marine ad [late 1950s] (unknown) | 1:00 Bugs Bunny Dr. Pepper ad [late 1960s] (unknown) | 1:00 Bullwinkle cereal ad [1960s] Jay Ward (producer) | 0:30 Ike for President [1950s] Roy Disney (producer) | 2:30 Destination Earth [unknown] John Sutherland (producer) | 14:00 Lucky Strike ads [late 1940s] (unknown) | 1:00 Murial Cigars ad [late 1940s] Shamus Culhane | 1:00 Hubley ad [unknown] (unknown) | 1:00 Jiffy Pop Popcorn ad [unknown] (unknown) | 1:00 Mapo cereal ad [unknown] (unknown) | 1:00 We expect animation to be enjoyable entertainment, but some of it also contains messages intended to influence our opinions or to motivate us in other ways. These films can take many forms, from hard-hitting propaganda to extremely subtle inferences that can be just as effective. The messages can be about things you approve of, assume to be true or they can be outright lies (cigarettes are recommended by doctors). Some of the most successful of these films are so enjoyable that you may not realize that they have left lasting impressions in your brain. This survey of classic animated propaganda will tell you whom to hate, who to vote for, to buy war bonds, not to smoke, what foods to eat and drink, etc. You may leave the screening craving products that haven’t been available in stores for many decades. You may feel angry about the atomic bomb, or leave understanding that our world can be hypocritical. We taught citizens to love thy neighbour regardless of their race or religion, but to despise them if they believe in communism. Some of the films to be shown are delightful and feature cartoon celebrities like Porky Pig, Bugs Bunny, Felix the Cat, the Flintstones and Bullwinkle J. Moose. Others try to scare audiences in order to achieve their objective. Hopefully, the show will give you new insights into how media is used to manipulate our thoughts- to brainwash the public using mass communication methods. The program begins with one of the most controversial films ever made, The Brotherhood of Man, directed by Robert “Bobe” Cannon. At the close of WWII the United Auto Workers knew Detroit was going to open factories in the South and that the industry would need an integrated work force. The film was made by some of Hollywood’s most innovative talent, including the founders of the UPA studio. While you may look at the film and say it is a wonderful expression of equality and freedom, US Congressmen were certain it was full of lies. Many were racists from southern states and openly denounced black people as inferior beings. This was the 1940s and the civil rights movement had not begun. In 1946, Congress stopped the US Army from distributing this film abroad as a tool to combat Hitler’s teachings about a white

Nous nous attendons à ce que les films d'animation soient un spectacle agréable, mais certains d'entre eux contiennent des messages visant à influencer nos opinions ou à nous motiver à agir dans un certain sens. Ces films peuvent prendre plusieurs formes, allant de la propagande directe aux inférences extrêmement subtiles qui peuvent être tout aussi efficaces. Les messages peuvent porter sur des sujets que vous approuvez ou supposez être vrais, ou ils peuvent être carrément mensongers (par ex. que les cigarettes sont recommandées par les médecins). Les plus efficaces de ces films sont si agréables que vous pouvez ne pas réaliser qu'ils ont laissé une impression durable dans votre cerveau. Cette étude de la propagande animée classique vous dira qui haïr, pour qui voter, d'acheter des « bons » de la Victoire, de ne pas fumer, quoi manger et quoi boire, etc. Vous pourriez sortir de la projection avec le besoin fou d’un produit qui n’est plus disponible en magasin depuis des décennies. Vous pourriez être en colère à propos de la bombe atomique ou quitter en ayant compris à quel point notre monde peut être hypocrite. Nous avons appris à nos citoyens à aimer leur prochain sans égard à la race ou à la religion, mais de les détester s'ils croient au communisme. Certains des films présentés sont charmants et mettent en vedette des célébrités telles que Porky Pig, Bugs Bunny, Félix le chat, les Pierre-à-feu et Bullwinkle J. Moose. D'autres essaient de faire peur aux spectateurs pour atteindre leur objectif. Nous espérons que ce spectacle vous donnera un nouvel aperçu de la façon dont les médias sont utilisés pour manipuler nos pensées – pour laver le cerveau du public en se servant de moyens de communication de masse. Le programme débute par un des films les plus controversés jamais tournés, The Brotherhood of Man, réalisé par Robert « Bobe » Cannon. À la fin de la 2e Grande Guerre, le syndicat des Travailleurs unis de l’automobile savait que Détroit allait ouvrir des usines dans le Sud et que l'industrie nécessiterait une main-d’oeuvre intégrée. Le film fut produit par quelques-uns des talents les plus innovateurs d'Hollywood, dont les fondateurs du studio UPA. On peut regarder le film et dire que c'est une merveilleuse expression d'égalité et de liberté, mais des sénateurs américains se sont persuadés qu’il était cousu de mensonges. Plusieurs d'entre eux, des racistes des États du Sud, dénoncèrent ouvertement les Noirs comme étant des êtres inférieurs. Nous sommes alors dans les années 1940, et le mouvement pour les droits civils n'a pas encore commencé. En 1946, le Congrès a empêché l'armée américaine de distribuer ce film à l'étranger pour combattre l'enseignement d'Hitler au sujet de la super-race blanche. Plus tard, le Congrès et d'autres groupes attaquèrent, condamnèrent et bannirent le film, non pas pour son message, mais parce que des gens soupçonnés d'être communistes y avaient travaillé comme producteurs et comme scénaristes (Ring Lardner Jr., Maurice Rapf et Phil Eastman) ! Leurs noms furent tous mis sur la liste noire. Dans les derniers jours de la 1ère Grande Guerre (1918), Winsor McCay, le créateur de Gertie le Dinosaure (1914), lança The Sinking of the Lusitania, la première propagande animée d'envergure à être projetée sur écran. Le film nous présente d’abord quelques-unes des innocentes victimes célèbres du désastre, puis il nous montre avec moult détails sordides ce que l'équipage méchant et anonyme du sousmarin allemand a fait. Ça vous arrache le coeur de voir les gens tomber du bateau vers leur mort, y compris une mère qui se noie en serrant son bébé sur sa poitrine. Si une propagande réussit dans une culture, les gens répètent le message sans le remettre en question. Dans Félix le Chat : Felix All Puzzled (1925), le scénario reflète la croyance populaire aux É.-U. voulant que la vie en URSS était af-

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super race. Later, Congress and other groups attacked, condemned and banned the film, not for its message, but because suspected communists had worked on the production as scriptwriters (Ring Lardner Jr., Maurice Rapf and Phil Eastman)! All were blacklisted. In the last days of World War I (1918), Winsor McCay, the creator of Gertie the Dinosaur (1914) released The Sinking of the Lusitania, the screen’s first powerful animated propaganda. First, it introduces us to some of the famous innocent victims of the disaster, and then it shows us in graphic detail what the evil faceless German submarine crew did. It tears at your emotions as we see people falling off the ship to their death, including a mother drowning while clutching her baby to her chest. If propaganda is successful in a culture, people repeat the message without questioning it. In, Felix the Cat: Felix All Puzzled (1925), the plot reflects the common belief in the US that life in the USSR was awful after the revolution. For the millions of poor peasants liberated by the revolution there must have been hope for a better life, even if it didn’t turn out that way. I suspect the newly freed population viewed life differently than it was depicted by the US press and by this film. On a more cheerful note, The Sunshine Makers, directed by Burt Gillett and Ted Eshbaugh in 1935 for Van Beuren (a long forgotten New York studio), teaches us to have positive attitudes, to be happy and to drink a magical white liquid that comes in a bottle. When hippies saw the film in the late 1960s they were sure this mood elevating liquid was sunshine acid (LSD), but if you read the end credit it mentions that a company named Bordon’s brought you this message. Audiences in the 1930s probably knew Bordon’s made milk products. Gillett was also the director of The Three Little Pigs (1933). It was one of Disney’s most popular shorts and its theme song, “Who’s Afraid of the Big Bad Wolf,” told America not to be afraid of the mean old wolf, The Great Depression. At Warner Bros.‚ Frank Tashlin directed Porky Pig in Wholly Smokes (1938), a surreal musical nightmare intended to scare kids into avoiding tobacco products. It isn’t known why the film was made as there was very little public information about the dangers of smoking in the late 1930s. (All I was told growing up in the 1950s is that smoking will stunt your growth.) Tobacco’s link to cancer wasn’t known then, but the message that children (not adults) shouldn’t smoke comes across loud and clear. Historians say that in the 1930s the only country with a strong anti-smoking campaign was Nazi Germany. As Hitler invaded Austria, Poland and other countries, MGM gave the American public an anti-war message. Peace on Earth, directed by Hugh Harman, was MGM’s Christmas film for 1939. It was nominated for an Oscar and Harman later said it was the only film ever nominated for a Nobel Peace Prize. Upon the US entering WW II, Warner Bros., like most of the big studios, started churning out propaganda films. Bugs Bunny’s Bond Rally (Robert McKimson, 1942), was an inyour-face reminder to buy victory war bonds. An uncensored print will be shown (banned on TV in the US). Possibly the most rare work in the program is Short Vision by Peter Foldes, 1955. It looks at the dangers of the new technology that ended WW II. The film was made in England and was distributed briefly to theaters in the US. It may be the ultimate horror film. For unintentional humour and stupid logic, sit back and enjoy

BRAINWASHED!!!

freuse après la Révolution. Pour les millions de pauvres paysans russes libérés par la Révolution il devait y avoir l'espoir d'une vie meilleure, même si en fin de compte, ça ne s'est pas produit. Je soupçonne que la population nouvellement libérée voyait la vie différemment de ce qui était dépeint par la presse américaine et par ce film. Sur une note plus joyeuse, The Sunshine Makers, réalisé par Burt Gillett et Ted Eshbaugh en 1935 pour Van Beuren (un studio de New York oublié depuis belle lurette), nous enseigne à avoir des attitudes positives, à être joyeux et à boire un liquide magique blanc présenté en bouteille. Quand les hippies ont vu le film à la fin des années '60 ils étaient sûrs que ce liquide exaltant était de l'acide (LSD), mais si vous lisez le générique à la fin il est mentionné qu'une compagnie nommée Bordon’s vous a présenté ce message. Les spectateurs des années 1930 savaient probablement que Bordon’s était une laiterie. Gillett réalisa aussi The Three Little Pigs (1933). C'était un des court-métrages les plus populaires de Disney, et sa chanson thème, « Who’s Afraid of the Big Bad Wolf », disait aux Américains de ne pas avoir peur du grand méchant loup, la Grande Dépression. Chez Warner Bros.‚ Frank Tashlin réalisa un Porky Pig dans Wholly Smokes (1938), un cauchemar musical surréaliste visant à convaincre les enfants par la peur d'éviter les produits du tabac. On ne sait trop pourquoi ce film a été produit puisqu'il y avait très peu d'information publique sur les dangers de la fumée à la fin des années 1930. (Tout ce qu'on m'a dit dans les années 1950 où j'ai grandi est que fumer stoppait la croissance.) Le lien entre le tabac et le cancer n'était pas encore fait à l'époque, mais le message que les enfants (pas les adultes) ne devraient pas fumer passe clair et net. Les historiens disent que dans les années 1930 le seul pays à faire une vraie campagne anti-tabac fut l'Allemagne nazie. Pendant qu'Hitler envahissait l'Autriche, la Pologne et d'autres pays, MGM livrait un message anti-guerre au public américain. Peace on Earth, réalisé par Hugh Harman, fut le film de Noël de MGM pour 1939. Il fut mis en nomination pour un Oscar, et Harman dira plus tard que ce fut le seul film à jamais être mis en nomination pour un prix Nobel de la Paix. Au moment où les É.U. entraient dans la 2e Grande Guerre, Warner, comme la plupart des gros studios, commença à produire des films de propagande en série. Bugs Bunny’s Bond Rally (Robert McKimson, 1942) rappelait sans nuance d'acheter des « bons »de la Victoire. Une épreuve non censurée sera projetée (il est interdit de la diffuser à la télé aux É.¬¬U.). L'oeuvre la plus rare du programme est peut-être Short Vision de Peter Foldes, qui date de 1955. Le film jette un regard sur les dangers de la nouvelle technologie qui mit fin à la 2e Grande Guerre. Il a été produit en Angleterre et distribué brièvement dans les cinémas aux É.-U. Ce pourrait être l’ultime film d'horreur. Par contre, pour de l'humour involontaire et une logique stupide, assoyez-vous et amusez-vous bien en regardant Ike for President, une pub télé datant de 1952. L'annonceur nous dit de ne pas essayer de comprendre ce que les candidats représentent; il vous suffit de savoir que Ike est l'homme pour qui tout bon Americain vote. Alors joignez-vous à la foule, suivez le mouvement et chantez les louanges de Ike ! Vous pourriez quitter le cinéma en chantant : « J'aime Ike, tu aimes Ike, tout le monde aime Ike. » Roy Disney en était le producteur, et on présume que des artistes de chez Disney y ont travaillé.

Ike for President, a TV commercial from 1952. The announcer tells us not to try and figure out what the candidates stand for; all you need to know is that Ike is the man all good Americans are voting for. So join the crowd, follow the bandwagon and sing praise to Ike! You may leave the theatre humming, “I like Ike, you like Ike, everybody likes Ike.” Roy Disney was the producer and presumably Disney artists worked on it. In Europe many people call TV ads propaganda. See rare 1950s and early ‘60s ads featuring Bugs Bunny, Bullwinkle and other characters hawking all kinds of products. Ads directed by John Hubley will also be shown. Destination Earth, a rarely seen cold war short by John Sutherland, 1956, will conclude the program. This expensive Technicolor production promotes the benefits of capitalism, democracy and oil production. It also shows us what life is like under an evil dictator (we can assume the unnamed dictator is a communist). Sutherland, a former Disney employee, opened John Sutherland Productions in 1945, a company best known for their big budget anti-communist, pro-Wall Street “educational films” that were shown in schools, churches and by civic groups. While the films being shown are old, don’t assume animated propaganda is a thing of the past. Today the world is full of innocent looking message films. An Iranian studio is believed to be behind anti-Israel films that may still be seen on the Internet that suggest to kids that it is cool to become a suicide bomber. Planned Parenthood has successfully used animation to promote their cause, but at least one of their films was so offensive to pro-life people their protest got it taken off the Internet. Anti-bullying campaigns using animation have been developed in Canada, the US and in other countries for use in schools. The National Rifle Association uses an animated Eddy Eagle as its mascot. The US Army has developed cool computer games aimed at young people as recruitment tools. Animation has been used in anti-drug campaigns, to convince kids not to smoke and to warn about the dangers of drinking. TV commercials use computer-generated images to seduce us into craving the latest automobiles and other products. The point is that mass media, from TV to iPhones, is bombarding us with messages paid for by governments, corporations, non-profits, political causes and other groups and individuals to promote their beliefs. Animated propaganda can be a good or bad thing. The main thing is for all of us to recognize it and realize that somebody out there is trying to manipulate and influence what we think.

En Europe bien des gens disent que les pubs télé sont de la propagande. Voyez les rares annonces des années 1950 et du début des années 1960 mettant en vedette Bugs Bunny, Bullwinkle et d’autres personnages, où ils colportent toutes sortes de produits. Des annonces réalisées par John Hubley seront aussi projetées. Destination Earth, un court-métrage de John Sutherland, 1956, sur la guerre froide, rarement vu, viendra clore le programme. Cette production dispendieuse en Technicolor fait la promotion des avantages du capitalisme, de la démocratie et de la production de pétrole. Il nous montre aussi comment est la vie sous le joug d'un dictateur (nous pouvons présumer que le dictateur anonyme est un communiste). Sutherland, un ex-employé de Disney, démarra les Productions John Sutherland en 1945, une compagnie mieux connue pour ses films à gros budget, anti-communistes, pro-Wall Street, des « films éducatifs » présentés dans les écoles, les églises et par des groupes de citoyens.

Même si les films présentés sont vieux, n’allez pas présumer pas que la propagande animée est chose du passé. Aujourd'hui le monde est plein de films à messages à l'allure innocente. On croit qu'un studio iranien est derrière les films anti-Israël qui peuvent toujours être visionnés dans l'Internet et qui donnent à penser aux enfants que c'est «cool» de devenir une bombe-suicide. « Planned Parenthood » a utilisé avec succès l'animation pour promouvoir sa cause, mais au moins un de ses films était si insultant envers les anti-choix que leurs protestations l'ont fait enlever de l'Internet. Des campagnes contre l'intimidation recourant au film d'animation furent développés au Canada, aux É.U. et dans d'autres pays pour usage dans les écoles. La National Rifle Association utilise un Eddy Eagle animé comme mascotte. Comme outils de recrutement, l'armée américaine a développé des jeux d'ordinateurs « cool » ciblant les jeunes gens L'animation a été utilisée lors de campagnes anti-drogue pour convaincre les jeunes de ne pas fumer et pour les prévenir des dangers de l’alcool. Les pubs télé utilisent des images générées par ordinateur pour nous convaincre qu'on a besoin de la dernière voiture et autres produits de consommation. L’argument du programme est que les médias de masse, de la télé aux iPhones, nous bombardent de messages payés par les gouvernements, les grandes sociétés, les organismes à but non-lucratif, les causes politiques et d’autres groupes et individus pour promouvoir leurs croyances. La propagande animée peut être bonne ou mauvaise. Le principal est pour nous tous de le reconnaître et de prendre conscience que quelqu'un quelque part essaie de manipuler et d'influencer ce que l'on pense.

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RICHARD WILLIAMS THE ANIMATOR’S SURVIVAL KIT - ANIMATED &

WHO FRAMED ROGER RABBIT? PRESENTED BY | PRESENTÉ PAR

BY | PAR DARREN STEVENS

PRESENTED BY | PRESENTÉ PAR CHUCK GAMMAGE ANIMATION

ANIMATOR’S SURVIVAL KIT PRESENTATION Saturday, Sept. 20, 7:00 pm (Museum of Civilization) WHO FRAMED ROGER RABBIT? Friday, Sept. 19, 7:00 pm (ByTowne Cinema) RICHARD WILLIAMS IN ATTENDANCE

Sunday, Sept. 21, 11:00 am & 1:00 pm (Empire Theatres - Rideau)

It’s weird looking back 20 years ago – My career was just starting, I never imagined being married, and it was still a few years before my wonderful daughter was born. It was 1988. The year the Soviets left Afghanistan; Jimmy Swaggart sinned and admitted to being with prostitutes. The Summer Olympics were in Seoul, South-Korea – Remember Canadian Ben Johnson setting a new World Record in the 100 meter dash ...and then getting caught for steroids afterward. That was when Bobby McFerrin told everyone "Don't Worry, Be Happy"; at the same time, coincidentally, that Prozac was introduced as an anti-depressant. Long before downloading, it was the first time ever that CDs had outsold vinyl ...U2’s Joshua Tree was the album of the year and I was rockin’ out to Def Leppard, Whitesnake and Guns & Roses – Yeah, I had a mullet. Gassing up the car was pretty inexpensive & movie tickets were around $3.50. That was important cause I used to go to the movies quite a bit back in the 80s. I remember seeing posters promoting a new cartoon movie coming out in the summer ...Who Framed Roger Rabbit? I remember asking – Who is Roger Rabbit? I never heard of him – he’s not Mickey or Donald, or Bugs or even Bullwinkle. Who was this rabbit I never heard of & why does he have his own movie? TV entertainment shows were talking about how this upcoming movie was an ‘incredible mix of live action and cartoon’. Well, I’m a cartoon fan - I’ve seen cartoons in live action films before ...Tom & Jerry dancing & swimming with Gene Kelly & Ester Williams, there was Mary Poppins, even Bedknobs & Broomsticks. They were good, but you could still tell it was a cartoon. What’s all this hype about? Skeptical, I went to the theatre, sat and I watched. To this day, I’m still not sure of what exactly happened, but something did. As the Maroon Cartoon had ended after Roger blowing his line for the 23rd time, with the director & characters walking off screen, I was moved. There I was in a packed movie theatre and I totally lost myself in the movie, the story ...and yes, the characters. Roger and Baby Herman interacting with people in a way I’ve never seen or imagined possible! It totally blurred my sense of reality ...I honestly believed that somewhere there were toons living in a world alongside humans. It was amazing. I talked about it, other people talked about it. How groundbreaking it was! How unbelievable and how incredibly special it was. How did they do it??? How did they make me - us, believe that these toons were real? I remember my grandmother once questioned that they must have used little actors in costumes, or maybe puppets. I went looking - and I found Richard Williams Toronto born, but British based Richard Williams has won 3 Oscars, 3 British Academy Awards and over 250 other international awards. It was Williams - he was the creative mind behind the animation of the worldwide smash success Who Framed Roger Rabbit?

Ça fait bizarre de regarder 20 ans en arrière. – Ma carrière venait de débuter, je n’ai jamais imaginé être marié, et c’était quelques années avant que ma merveilleuse fille vienne au monde. Nous sommes en 1988. L’année où les soviétiques quittèrent l’Afghanistan, et où Jimmy Swaggart pécha et admit avoir rendu visite à des prostituées. Les jeux d’été se déroulaient à Séoul, en Corée du sud – rappelez-vous le Canadien Ben Johnson établissant un nouveau record mondial au 100 mètres ... pour ensuite se faire prendre avec des stéroïdes. C’est aussi l’année où Bobby McFerrin nous chantait à tous « Don't Worry, Be Happy ! »; à la même période, pure coïncidence, le Prozac fut mit sur le marché comme antidépresseur. Bien avant les transferts par Internet, pour la toute première fois les CDs se vendaient plus que les 33 tours ... Joshua Tree de U2 était l’album de l’année et je rockais au son des Def Leppard, Whitesnake et Guns & Roses – Ouais, j’avais un mulet. On faisait le plein pour presque rien et aller au cinéma coûtait $3,50. C’était important, car j’allais au cinéma pas mal souvent dans les années 1980. Je me souviens d’avoir vu des affiches annonçant pour l'été la sortie d’un nouveau film de bande dessinée ... Who Framed Roger Rabbit ? Je me souviens d’avoir demandé – Qui est Roger Rabbit? Je n’avais jamais entendu parlé de lui – Ce n’est pas Mickey, ni Donald, ni Bugs, ni même Bullwinkle. Qui était ce lapin dont je n’avais jamais entendu parler et pourquoi avait-il son propre film? Les critiques de la télé parlaient de ce film comme étant un « incroyable mélange d’action d’êtres vivants et de bande dessinée ». Hé bien, je suis un fan de B.D. – j’ai vu des B.D. dans des films d’action avant ... Tom et Jerry dansant et se baignant avec Gene Kelly et Ester Williams, il y a eu Mary Poppins, même Bedknobs et Broomsticks. Ils étaient bons, mais on pouvait quand même voir que c’était une B.D. Pourquoi y avait-il tout ce battage ? Sceptique, je me rendis au cinéma, je m’assis et je regardai. À ce jour, je ne suis pas sûr de ce qui s’est passé exactement, mai il s’est passé quelque chose. Alors que la B.D. éblouissante se terminait après que Roger ait eu manqué sa réplique pour la 23ème fois, que le directeur et les personnages quittaient l’écran, j’étais ému. Je me trouvais là, dans un ciné plein à craquer et je m’étais totalement perdu dans le film, dans le scénario ... et oui, dans les personnages. Roger et Baby Herman interagissant avec de vraies personnes d’une façon que je n’avais jamais vue ou imaginée comme possibilité ! Ça avait totalement brouillé mon sens de la réalité ... Je croyais honnêtement que quelque part il y avait des personnages de B.D. qui vivaient dans un monde aux côtés des êtres humains. C’était renversant. J’en parlais, d’autres gens en parlaient. À quel point c’était innovateur ! Combien c’était invraisemblable et incroyablement spécial. Comment y sont-ils arrivés ??? Comment ont-ils pu me - nous, faire croire que ces personnages de B.D. étaient réels ? Je me rappelle qu’une fois ma grand-mère avait fait valoir comme objection qu’ils avaient dû sûrement utiliser des petits acteurs costumés, ou peut-être des marionnettes. Je me suis mis à chercher - et j’ai trouvé Richard Williams. Né à Toronto mais installé en Angleterre, Richard Williams a remporté 3 Oscars, 3 prix de la British Academy et plus de 250 autres prix internationaux. C’était Williams – il était l’esprit créateur derrière l’animation de l’écrasant succès mondial Who Framed Roger Rabbit ? Il compte plus de 50 ans dans le domaine de l’animation, entre autres, The Return of the Pink Panther, The Pink Panther Strikes Again, What's New Pussycat, James

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During his more than 50 years in the animation business which includes The Return of the Pink Panther, The Pink Panther Strikes Again, What's New Pussycat, the James Bond Casino Royale, The Charge of the Light Brigade, the Oscar winning A Christmas Carol, and also holds the record for the longest production time for a motion picture in history with The Thief and the Cobbler - 31 years from 1964 until 1995. Williams has been one of the true innovators and serves as the link between the Golden Age of animation by hand and the new computer animation successes. Perhaps even more important has been his dedication to passing along his knowledge to a new generation of animators so that they in turn can push the medium in new directions. In the 1990s he gave the Richard Williams' Animation Masterclasses around the world to participants from studios such as Disney, Pixar, ILM, Dreamworks/PDI and Warner Bros followed by the best-selling The Animators Survival Kit book (2001). Williams' current project is a 16-DVD boxed set, which brings together his legendary Masterclasses with his best-selling book to create The Animator’s Survival Kit – Animated. These DVDs are for professionals and students and cover the knowledge of the underlying principles of sophisticated animation which apply to any style or approach to the medium, including computer, classical, games, stop motion and internet animation. The Animator's Survival Kit - Animated is about how things move, and specific work methods used to make characters live, breathe, think and give a sustained commanding performance. Williams demonstrates his points with drawing, performance and over 350 specially animated examples - many from his best-selling book, intercut with his 4 day Masterclass filmed at Blue Sky Studios in New York. There’s no denying that the legendary Williams has made tremendous contributions to the world of animation...and continues to do so. More importantly to me – He drew Roger Rabbit! He’s the one who directed and designed Roger and Jessica Rabbit, Baby Herman and all the new characters in that amazing blockbuster. Years, later I still enjoy watching it time and time again with my daughter. I’m sure, in the future she will continue to enjoy it with her family. Personal attention to every little detail allows Williams to make us feel young and alive by making characters that are so real, we believe in them. For that alone...I, and the world are grateful. And I’m still afraid of The Dip!

Richard Williams will be in attendance to screen excerpts from the The Animator's Survival Kit – Animated series as well as clips from previous work including Who Framed Roger Rabbit?, The Charge of the Light Brigade, The Return of the Pink Panther, and then take part in a question and answer session moderated by New York animator/historian John Canemaker. In addition, Williams will also be attending a special 20th Anniversary showing of Who Framed Roger Rabbit?

RICHARD WILLIAMS

Bond Casino Royale, The Charge of the Light Brigade et A Christmas Carol, gagnant d’un Oscar. Il détient aussi le record du temps de production le plus long de l’histoire pour un film avec The Thief and the Cobbler - 31 ans de 1964 à 1995. Williams fut l’un des vrais innovateurs et sert de lien entre la période dorée de l’animation manuelle et les nouveaux succès d’animation par ordinateur. Un fait encore plus important peut-être fut son dévouement à transmettre ses connaissances à une nouvelle génération d’animateurs pour qu’à leur tour il puissent pousser le médium dans de nouvelles directions. Dans les années 1990, il présenta ses « Classes de maître en animation » dans le monde entier à des participants venant de studios tels que Disney, Pixar, ILM, Dreamworks/PDI et Warner Bros, puis en 2001, le best-seller The Animators Survival Kit. Williams travaille actuellement à un boîtier de 16-DVD, combinant ses classes de maître légendaires et son best-seller pour créer The Animator’s Survival Kit – Animated. Ces DVD s'adressent aux professionnels et aux étudiants, et couvrent les principes fondamentaux d'une animation sophistiquée s’appliquant à tout style ou approche du médium, incluant l'ordinateur, l'animation classique, les jeux, la prise de vue image par image et l'animation Internet. The Animator's Survival Kit - Animated explique comment les choses bougent, et les méthodes spécifiques utilisées pour faire vivre les personnages, les faire respirer, penser et livrer une performance imposante soutenue. Williams appuie ses arguments par ses dessins, sa performance et plus de 350 exemples spécialement animés – plusieurs provenant de son best-seller, entrecoupés de ses 4 jours de classe de maître filmés aux studios Blue Sky de New York.

Nul ne peut nier que le légendaire Williams a contribué de façon extraordinaire au monde de l'animation... et qu'il continue de le faire. Le plus important pour moi est – qu’il ait dessiné Roger Rabbit ! C'est lui qui a dirigé et conçu Roger et Jessica Rabbit, Baby Herman et tous les nouveaux personnages de cette superproduction. Des années plus tard, j’ai toujours plaisir à le regarder encore et encore avec ma fille. Je suis sûr que, plus tard, elle continuera à s’en divertir avec sa famille. Une attention personnelle à chaque petit détail a permis à Williams de nous faire sentir jeunes et vivants en créant des personnages qui sont si réels que nous en venons à y croire. Rien que pour cela... moi, et tout le monde, lui sommes reconnaissants. Et j’ai toujours peur de « The Dip » ! Richard Williams assistera à la présentation d’extraits de sa série The Animator's Survival Kit – Animated et de ses anciennes œuvres incluant Who Framed Roger Rabbit?, The Charge of the Light Brigade, The Return of the Pink Panther, et par la suite il prendra part à une période de questions et réponses avec pour modérateur l’animateur et historien de New York, John Canemaker. De plus, Williams assistera à une présentation spéciale marquant le 20ème anniversaire de la sortie du film Who Framed Roger Rabbit?

fantoche 09

7 th International Animation Film Festival September 8 to 13, 2009 Baden/Switzerland www.fantoche.ch, mail@fantoche.ch

VISUAL/AU DIO :

INTERPRETATIONS OF SOUND INTERPRÃ‰TATIONS DU SON

BY | PAR SCOTT BIRDWISE

VISUAL / AUDIO Exhibit open Wednesday to Sunday 9:00 am to 1:00 am (Club SAW)

Et bien des choses étranges peuvent arriver Ici dans le cirque frais, petit Une fois que tu as passé par le processus Une fois que tu es perdu dans la nature

Grand opening Thursday, Sept. 18, 5:00 pm (Club SAW)

extrait de Conspiracy of Owls par Robert Pollard

DANIEL BARROW (live performance) Friday, Sept. 19, 7:00 pm (National Gallery) And many strange things can happen Here in the fresh circus, child Once you have gone through the process Once you are lost in the wild from Conspiracy of Owls by Robert Pollard The live art and installation components of Visual/Audio represent many intriguing intersections between the visual and the aural, animation and sound. To explore these relationships, one could begin by examining the technical details of a given conjunction of the aural and the visual, how, say, the traces of sound and image are imprinted on the surface of digital tape, or whatever other means by which image and sound are recorded. Alternatively, away from such technical concerns, one could describe the vast system of cultural references that the artworks of Visual/ Audio interface with. The intersection of cultures and industries explicit in these works, for example, contemporary rock music and experimental animation, generates an almost limitless dialogue between the different forms of media, their respective fan bases and cultures, as well as their phenomenal properties, their affects. In this light, the aspect of Visual/Audio I would like to focus on here involves a kind of philosophical approach to how these works, each in its own distinctive way, create a space for the viewer/listener to recognize the mutual imbrications of the visual and the aural. That is, in my description of each of the works, I will consider how they engage in a process of gesture, for it is within and through the gesture that these works open a space for the reflection on the Visual/Audio. Each of these works invite the attentive viewer/listener to reflect on the seemingly paradoxical space where animation is heard and music is seen.

And many strange things can happen DRIFT Presented in the gallery, Drift is the ongoing audiovisual collaboration between New York City-based artists Lee Ranaldo (of Sonic Youth fame) and Leah Singer. The duo have been performing Drift since the early nineties, remixing and reconfiguring its sound, imagery and execution over many performances. In the performance, which runs just under an hour, Ranaldo recites fragments of poetry and pieces of observations, culled from over twenty years of travelling across America and elsewhere, over lustrous layers of guitar feedback, loops, and percussion. Singer manipulates a vast collage of images – a tickertape parade, train tracks, a decayed film image now abstract – with an analytic projector, weaving together various strands of reality and dream images into an impressionistic tapestry. So many ruins of Americana – or Americana as ruins – run through Drift; most notable, perhaps, is Ranaldo’s haunting evocation of his wandering voyage through the empty streets of New York City in the aftermath of 9/11. Together, Ranaldo and Singer, the audio and the visual, engage in a synesthetic dance of sorts, a

L'art vivant et les composantes de l'installation Visual/Audio représentent plusieurs intersections intrigantes entre le visuel et l'auditif, l'animation et le son. Pour pouvoir explorer ces relations, on pourrait commencer par examiner les détails techniques d'une conjonction donnée de l'auditif et du visuel, comment, par exemple, les traces du son et de l'image sont imprimés sur la surface de la pellicule digitale, ou toute autre moyen par lequel l'image et le son sont enregistrés. Alternativement, loin de tels soucis techniques, on pourrait décrire le vaste système de références culturelles avec lesquelles les oeuvres d'art visuel/audio s'interfacent. L'intersection de cultures et d'industries spécialisées dans ces travaux, par exemple la musique rock contemporaine et l'animation expérimentale, génèrent un dialogue presque illimité entre les différentes formes de médias, leurs bases respectives d'admirateurs et de cultures, aussi bien que leurs propriétés étonnantes et leurs phénomènes affectifs. Vu sous ce jour, l'aspect du Visuel/Audio sur lequel j'aimerais me concentrer ici présuppose une sorte d'approche philosophique à savoir comment ces oeuvres, chacune à sa manière, créent un espace où le spectateur/auditeur peut reconnaître les imbrications mutuelles du visuel et de l'auditif. C'est-à-dire que, dans ma description de chacune des oeuvres, je vais considérer comment ils entrent dans un processus de gestuelle, parce que c'est de l'intérieur et à travers la gestuelle que ces oeuvres ouvrent un espace pour la réflexion sur le visuel/audio. Chacune de ces oeuvres invite le spectateur/auditeur attentif à réfléchir à l'espace apparemment paradoxal où l'animation est entendue et la musique est vue. Et bien des choses étranges peuvent arriver

Drift Présenté dans la galerie, Drift est la collaboration audiovisuelle continue entre les artistes de New-York, Lee Ranaldo (bien connu pour sa participation à Sonic Youth) et Leah Singer. Le duo exécute Drift depuis le début des années quatre-vingt-dix, remixant et reconfigurant ses sons, imageries et exécutions dans leurs nombreux spectacles. Dans cette représentation, qui dure un peu moins d'une heure, Ranaldo récite des morceaux choisis de poésie et des bribes d'observations, tirés de plus de vingt ans de voyages à travers les États-Unis et ailleurs, accompagnés de brillantes couches de rétroaction acoustique à la guitare, de sons enregistrés en boucle et de percussions. Singer manipule un abondant collage d'images – un défilé de bandes télégraphique, de rails, une image décrépite de film devenu abstrait – à l'aide d'un projecteur analytique, tissant l'un dans l'autre divers fils de réalité et d'images de rêves en une tapisserie impressionniste. Tant de ruines d'americana – ou d'americana en tant que ruines – défilent à travers Drift; dont le plus notoire, peut-être, est l'évocation obsédante par Ranaldo de son voyage errant de par les rues vides de New York suite au 9/11. Ensemble, Ranaldo and Singer, l'audio et le visuel, entrent dans une sorte de dance synesthétique, une étrange gestalt de ruines. La gestuelle de Ranaldo pinçant sa guitare et poussant son souffle pour former ses mots sont étrangement répercutés dans les images, la gestuelle manuelle de Singer opérant le projecteur. Singer utilise la lumière pour conjurer des images; Ranaldo projette des images en mots et en sons. Ensemble, par la communion de leurs gestuelles, ils animent les ruines.

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strange gestalt of ruins. Ranaldo’s gestures of plucking the guitar and pushing out breath to form his words are uncannily echoed in the images, the manual gestures of Singer operating the projector. Singer uses light to conjure images; Ranaldo projects images in words and sounds. Together, in the gesture between them, they animate the ruins.

Here in the fresh circus, child A MIRACLE & EVERY TIME I SEE YOUR PICTURE I CRY Winnipeg artist Daniel Barrow’s two contributions are an illuminating representation of his larger body of work. For over a decade, Barrow has been working with an overhead projector, manipulating his exquisite drawings on mylar sheets with what he calls “manual animation.” As he maneuvers his drawings, Barrow narrates tales of innocence lost and a future uncertain. A Miracle (2003), Barrow’s dreamlike visualization of a young boy’s fantastic experimentation with shadow puppets, is set to the music of Toronto indie sensations The Hidden Cameras. Within the limited time of a music video, the artist manages to evoke both the wonders of childhood and the tragedies of growing up. Every Time I See Your Picture I Cry (2008), recently awarded the 2008 Images Festival Prize at its premiere and the piece Barrow is performing live for the 2008 OIAF, powerfully and touchingly takes up many of his ongoing methods and concerns. Thematically, Every Time combines Barrow’s interests in collecting and archiving with his ongoing investigations into the workings of narration, verbal and textual. In the performance, Barrow narrates a story about a lonely garbageman who begins to assume the impossible task of compiling the intimate details of all the citizens of his city into a massive phonebook. This phonebook, akin to Barrow’s own artistic practice, is situated in the precarious intersection between the public and the personal, the formal and the informal. Compounding the impossible nature of this task, however, is the presence of a serial killer, who, following the garbageman-artist’s efforts, murders his subjects as soon as they are entered into the phonebook. Formally, the presentation of Barrow’s work, from the manual gestures that form and deform his animations - his hands moving fluidly to animate the layers of images, orchestrating a moving tapestry - to the temporal nature of his narrative and live performance (involving music), reinforces his focus on the fleeting nature of dreams and happiness in his stories. From garbage, ephemera, and things forgotten, to narratives hinged between the past and the future and spoken in the present, Barrow’s art is a hand-to-hand engagement with apparatuses of memory and creation as well as an acknowledgement of inevitable loss. That it takes time for Barrow, or, rather, that Barrow takes the time, to share this with his audience is where redemption is found.

VISUAL / AUDIO

Ici dans le cirque frais, petit

A MIRACLE & EVERY TIME I SEE YOUR PICTURE I CRY Les deux contributions de l'artiste de Winnipeg Daniel Barrow sont une représentation lumineuse de l'ensemble de son oeuvre. Pendant plus de dix ans, Barrow a travaillé avec un rétroprojecteur, manipulant ses dessins exquis sur feuilles de mylar en ce qu'il appelle “l'animation manuelle.” Tout en manoeuvrant ses dessins, Barrow raconte des histoires d'innocence perdue et de futur incertain. A Miracle (2003), la représentation songeuse de Barrow de l'expérimentation fantastique d'un jeune garçon avec des marionnettes en jeux d'ombre, est mis en musique au son des The Hidden Cameras, un groupe « indie » qui fait sensation à Toronto. Dans le peu de temps que dure un vidéo de musique, l'artiste parvient à évoquer à la fois les merveilles de l'enfance et les tragédies de la croissance. Every Time I See Your Picture I Cry (2008), qui a récemment reçu le prix 2008 du Images Festival lors de sa première,est la pièce que Barrow joue live pour le FIAO 2008, aborde d'une façon puissante et touchante plusieurs de ses méthodes et soucis perpétuels. De par sa thématique, Every Time combine l'intérêt de Barrow pour les collections et les archives à ses recherches continues sur les fonctionnements de la narration verbale et textuelle. Dans la représentation, Barrow raconte une histoire à propos d'un vidangeur esseulé qui commence à assumer la tâche impossible de recueillir les détails intimes de tous les citoyens de sa ville dans un annuaire gargantuesque. Cet annuaire, apparenté à la propre pratique artistique de Barrow, est située à l'intersection précaire entre le public et le personnel, l'officiel et l'officieux. L'impossible nature de cette tâche est rendue encore plus complexe, toutefois, est la présence d'un tueur en série qui suit les efforts du vidangeur-artiste et assassine ses sujets aussitôt qu'ils sont inscrits dans l'annuaire. Formellement, la représentation de l'oeuvre de Barrow, de la gestuelle manuelle qui forme et déforme ses animations - ses mains bougeant fluidement pour animer les couches d'images, orchestrant une tapisserie (é)mouvante – à la nature temporelle de sa performance narrative et en direct (supposant de la musique), ramène en force son centre d'attention sur la nature éphémère des rêves et du bonheur dans ses histoires. Des rebuts éphémères et choses oubliées à la narration pivotant entre le passé et le futur, et dite dans le présent, l'art de Barrow est un corps-àcorps avec les dispositifs de la mémoire et de la création aussi bien qu'une reconnaissance de la perte inevitable. Que cela prenne du temps à Barrow, ou plutôt que Barrow prenne le temps, de partager cela avec son public, c'est là que se trouve la rédemption.

Once you have gone through the process THE PIT BAR, DAWSON CITY The Pit Bar, Dawson City (2004), Toronto-based artist Allison Hrabluik’s digital video, stars and is set to the music of acclaimed rock group The Constantines. The piece, however, is far from a conventional music video; rather, it combines meticulous stop-motion animation with a miniaturized threedimensional simulation of the actual “Pit Bar” in Dawson City, Yukon. It is worthwhile to briefly describe her process. The Constantines, who at the time had never performed in Dawson City, actually performed in Hrabluik’s studio in Toronto. After extracting her performers from the video via photography and cutting them into discrete shapes, Hrabluik then places the performers on her miniature set to be animated with stop-motion photography. Each variation in the movement of the performers is in fact a different photograph. This complex and painstaking process produces the ingenious and marvelous effect of her work. The artist has said that part of her intention was to demystify the image of the Yukon as simply a post-gold rush society that lives in a cultural and geographical wilderness. Hrabluik’s work does indeed question that romantic and oversimplified notion of the Great White North. However, The Pit Bar also highlights a certain correspondence between how music moves people and how (stop-motion) animation, in turn, moves its subjects. The minute details of movement in the performers is rendered in the minute (re)creation of the (non)event, thus capturing something of what art critic Kevin Temple refers to as our “inner experience and the impressions that little moments leave on us.” The beauty of Hrabluik’s The Pit Bar resides in the fact that it is animation itself – human and photographic – that the viewer perceives.

Once you are lost in the wild GOOD SONG & WHO I AM AND WHAT I WANT David Shrigley is a well-known visual artist currently residing in Glasgow. His work is known for its absurd humour and cutting observations on life as well as its distinctive, off-thecuff style of line drawing. It often combines minimalist drawings of grotesque and contorted figures with witty and sardonic lines of text that, ostensibly at least, have little to do with the image. In this, there seems to be a kind dialogue or dance in Shrigley’s animation between the demands of narrative, figuration, and form, on the one hand, and chance, abstraction, and spontaneity on the other. Part of the dynamic energy of Shrigley’s art is how it delicately plays on the precipice between form and the formless. This artful balance also manifests itself in what critic Elaine Liddle considers to be Shrigley’s concern with “moments when private whim slips into public ridicule, when the individual becomes the peculiar.” Much of the ridiculous and absurd truth in Shrigley’s work comes from his representation of the disjunction between one thing, perhaps banal “public order” or the demands of narrative, and another, the pleasures of frivolity, say, or the spontaneous and creative energy of the animated line. Good Song (2004) is an animation set to the music of Blur with Shynola. Basically, in the three minutes of the video, a love affair between two forlorn animals – a squirrel and an insectlike man – takes a tragic turn that ends in both their deaths. A poignant everyday truth it depicts is how one person’s dream can become another’s nightmare, how one person’s pleasure another’s pain. At the end of Good Song, a man with a weedblower proceeds to interrupt various situations (a man golfing, a plane flying into buildings, a person building a house of cards). The intrusive instrument not only cre-

Une fois que tu as passé par le processus

THE PIT BAR, DAWSON CITY The Pit Bar, Dawson City (2004), le vidéo numérique de l'artiste torontois Allison Hrabluik, met en vedette et reprend la musique du groupe rock acclamé The Constantines. La pièce, toutefois, est loin d'être un vidéo de musique classique; elle combine plutôt une animation méticuleuse par arrêt de mouvement avec un simulacre miniaturisé tri-dimensionnel du vrai « Pit Bar » de Dawson City au Yukon. Il vaut la peine de décrire brièvement le processus. The Constantines, qui à l'époque n'avaient jamais donné de spectacle à Dawson City, l'ont plutôt fait dans les studios de Hrabluik à Toronto. Après avoir extrait ses musiciens du vidéo au moyen de la photographie et les avoir découpés en formes séparées, Hrabluik les a placés ensuite sur son plateau miniature pour les animer par photographie en arrête de mouvement. Chaque variation dans le mouvement des musiciens est en fait une photographie différente. Ce procédé complexe et soigneux produit l'effet ingénieux et merveilleux de son oeuvre. L'artiste a dit qu'une partie de son intention était de démystifier l'image du Yukon comme étant simplement une société d'après la ruée vers l'or qui vit dans une région culturellement et géographiquement sauvage. L'oeuvre de Hrabluik remet en effet en question cette notion romantique et trop simplifiée que l'on a du Grand Nord. Toutefois, The Pit Bar met aussi en relief une certain relation entre la façon dont la musique fait bouger les gens et la façon dont l'animation (en arrêt de mouvement) fait à son tour bouger ses sujets. Les détails minutieux des mouvements des musiciens sont exprimés par la minutieuse (re)création de l'événement (ou du non-évènement), capturant ainsi une chose à laquelle le critique d'art Kevin Temple réfère comme étant notre « expérience intérieure et les impressions que les petits moments laissent sur nous. » La beauté de The Pit Bar de Hrabluik réside dans le fait que c'est l'animation elle-même – humaine et photographique – que le spectateur perçoit. Une fois que tu es perdu dans la nature

GOOD SONG & WHO I AM AND WHAT I WANT David Shrigley est un artiste visuel de renom qui vit présentement à Glasgow. Son travail est reconnu pour son humour absurde et ses observations tranchantes sur la vie aussi bien que par le style distinctif, improvisé, de ses dessins au trait. Cela combine souvent des dessins minimalistes de figures grotesques et tordues avec des lignes de textes facétieux (pour ne pas dire fallacieux !) et sardoniques qui semblent au premier abord avoir peu de rapport avec l'image. Dans tout ceci, il semble y avoir un genre de dialogue ou de danse dans l'animation de Shrigley entre les exigences du narratif, du figuratif et de la forme stylistique, d'une part, et d'autre part, la chance, l'abstraction et la spontanéité. Une partie de l'énergie dynamique de l'art de Shrigley est la manière dont il joue délicatement au bord du précipice entre la forme et l'absence de forme. Cet équilibre adroit se manifeste aussi dans ce que la critique Elaine Liddle considère être le soucis de Shrigley des « moments lorsque la lubie privée tombe dans le ridicule public, lorsque l'individuel devient le particulier. » Dans l'oeuvre de Shrigley, une grande part de la vérité ridicule et absurde vient de sa représentation de la disjonction entre une chose, peut-être le banal “ordre public” ou les exigences du narratif, et une autre, les plaisirs de la frivolité, disons, ou l'énergie spontanée et créative de la ligne animée. Good Song (2004) est une animation sur la musique de Blur avec Shynola. Fondamentalement, dans les trois minutes du vidéo, une histoire d'amour entre deux animaux perdus – un écureuil et un homme qui ressemble à un insecte – tourne à une tragédie qui se termine par la mort des deux protagonistes. Une vérité poignante de tous les jours dépeint com-

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ates a certain kind of disturbance in the world of the story (or is the man with the weedblower the actual “hero” of the story?), but it also produces a shrill sound that affects the listener’s ability to hear Blur’s music. In this confrontation between different forms, the viewer is sensitized to the potential of the one to affect the other, in multiple senses. The 8minute Who I am and what I want (2005), produced in collaboration with Chris Shepard, tells the story of a misanthropic boy named Pete. Pete narrates the tale of his own abandonment of civilization for the wilderness, with the depraved animated drawings undercutting the pretenses of the rational explanation spoken in the voiceover. The play between the voiceover (audio) and animation (visual), then, gestures toward the unfinished nature of the relationship between experience and meaning, showing and telling. It is nothing less, really, than the experience of art as such.

ARTIST PROFILES LEE RANALDO Ranked by Rolling stone as the 33rd best guitarist of all time, Lee Ranaldo is an artist, writer, musician, producer and a member of the noise art rock band, Sonic Youth. Among Ranaldo's solo records are Dirty Windows, a collection of spoken texts with music and Amarillo Ramp (for Robert Smithson). His books include Road Movies, a full-length book of writings on Moroccan travels and music, as well as a book of poems, Lengths & Breaths. Recent visual work has been included in exhibitions at the Hayward Gallery in London, the Sydney Museum of Contemporary Art and Mercer Union in Toronto. Ranaldo has edited a volume of tour journals from the 1995 Lollapalooza Tour written by Thurston Moore, Beck, Stephen Malkmus, Courtney Love, and others. LEAH SINGER Leah Singer's work spans many visual disciplines from printed matter to film. Her live manipulated film performances have taken her around the world where she performs along with musicians. Her film and artwork have been featured at the Centre George Pompidou in Paris, PS 1 in New York and Colette in Paris. In Japan, she created the product launch for tasse tasse at Marui Dept. Stores in Tokyo and the Christmas 2001 campaign for Matsuya Ginza. She was also commissioned by NIKE in 2001 to design the runner’s maps for the New York City Marathon, winning her a highly respected award. DANIEL BARROW Daniel Barrow is a Winnipeg-based media artist, working in performance, video and installation. He has exhibited widely in Canada and abroad. Recently, Barrow has exhibited at The Museum of Contemporary Art (Los Angeles), New Langton Arts (San Francisco), and The Contemporary Art Gallery (Vancouver). Since 1993, Barrow has used an overhead projector to relay ideas and short narratives. Specifically, he creates and adapts comic book narratives to a "manual" form of animation by projecting, layering and manipulating drawings on mylar transparencies. Barrow variously refers to this practice as "graphic performance, live illustration, or manual animation." ALLISON HRABLUIK Allison Hrabluik is from Calgary, Alberta and currently lives in Toronto, Ontario. Her work has been shown in solo and group exhibitions, and film festivals across Canada and internationally. Recent exhibitions include TBA at Mercer Union, Toronto (2004), What the World is Like with the Words we Like with

VISUAL / AUDIO

ment le rêve de l'un peut devenir le cauchemar de l'autre, comment le plaisir de l'un est la douleur de l'autre. À la fin de Good Song, un homme muni d'un souffleur -déchiqueteur se met à interrompre diverses situations (un homme jouant au golf, un avion qui se plante dans des édifices, une personne bâtissant un château de cartes). L'instrument importun ne cause pas seulement une certaine perturbation dans le monde de l'histoire (à moins que l'homme au souffleur soit en réalité le « héros » de l'histoire ?), mais il produit aussi un son perçant qui affecte la capacité de l'auditeur à entendre la musique de Blur. Dans cette confrontation entre différentes formes, le spectateur est sensibilisé au potentiel que l'un affecte l'autre, dans plusieurs sens. Who I am and what I want (2005), d'une durée de 8 minutes, produit en collaboration avec Chris Shepard, raconte l'histoire d'un garçon misanthrope nommé Pete. Tandis que Pete narre le récit de son propre abandon de la civilisation en faveur de la contrée sauvage, des dessins animés dépravés démentant les explications prétendument rationnelles de la narration. Le jeu entre la narration (l'audio) et l'animation (le visuel) indique donc la nature inachevée de la relation entre l'expérience et la signification, entre montrer et raconter. Ce n'est rien de moins, en réalité, que l'expérience de l'art comme tel. Profil des artistes LEE RANALDO Le magazine Rolling Stone l'a classé au 33e rang des meilleurs guitaristes de tous les temps. Lee Ranaldo est un artiste, auteur, musicien, producteur et un membre du groupe rock de l'art du bruit, Sonic Youth. Parmi les albums solos de Ranaldo notons Dirty Windows, une collection de textes lus sur de la musique, et Amarillo Ramp (pour Robert Smithson). Ses livres incluent Road Movies, un livre pleine longueur d'écrits sur les voyages et la musique du Maroc, de même qu'un livre de poèmes, Lengths & Breaths. Ses oeuvres visuelles ont fait partie d'expositions à la galerie Hayward de Londres, au musée d'art contemporain de Sydney et à Mercer Union de Toronto. Ranaldo a aussi édité un volume rassemblant des carnets de la tournée 1995 de Lollakalooza, rédigés par Thurston Moore, Beck, Stephen Malkmus, Courtney Love, et d'autres. LEAH SINGER L'oeuvre de Leah Singer couvre plusieurs disciplines visuelles, de l'imprimé au film. Ses spectacles de manipulations de film en direct l'ont transportée d'un bout à l'autre de la planète où elle donne ses spectacles accompagnée de musiciens. Ses films et ses oeuvres d'art ont été présentés au Centre George Pompidou de Paris, à PS 1 de New York et chez Colette à Paris. Au Japon, elle conçu le lancement du produit « tasse tasse » aux magasins à rayons Marui de Tokyo pour la campagne de Noël 2001 pour Matsuya Ginza. NIKE lui a aussi commandé en 2001 la création de cartes pour les coureurs du marathon de New York, ce qui lui a mérité un prix très respecté. DANIEL BARROW Daniel Barrow est un artiste des médias de Winnipeg qui travaille dans les domaines du spectacle, de la vidéo et des installations. Il a beaucoup exposé au Canada et à l'étranger. Récemment, Barrow a exposé au musée d'art contemporain de Los Angeles, au New Langton Arts de San Francisco et à la galerie d'art contemporain de Vancouver. Depuis 1993, Barrow utilise un rétroprojecteur pour transmettre ses idées et ses courtes narrations. Plus spécifiquement, il crée et adapte les textes de bandes dessinées au moyen d'une sorte d'animation « manuelle » en projetant, empilant et manipulant des dessins sur des feuilles de transparent. Barrow désigne sa pratique par les expressions « performance graphique », « illustration vivante » ou « animation manuelle ».

Zin Taylor at Catriona Jeffries Gallery, Vancouver, BC (2004), and Toronto Goes Downtown, Downtown Artspace, Adelaide, Australia (2004). Allison’s videos have recently been screened for Artboat as part of Art Chicago through Threewalls Gallery, Chicago, IL (2004), and as All Set: Two Model Videos by Allison Hrabluik on CBC Radio 3 (2004). DAVID SHRIGLEY David Shrigley graduated from Glasgow School of Art in 1991. His art and sculptures have been exhibited throughout the world in 24 solo shows including London Underground and Beck's Futures, and he has had more than 20 books published of his drawings. He currently lives in Glasgow.

This exhibit is made possible through a donation from the Imperial Tobacco Canada Foundation.

ALLISON HRABLUIK Allison Hrabluik est de Calgary, en Alberta, et vit actuellement à Toronto, en Ontario. Ses oeuvres ont été exposées en solo et en groupe, et dans des festivals de films à travers le Canada et dans le monde. Au nombre de ses expositions récentes notons TBA, au Mercer Union de Toronto (2004), What the World is Like with the Words we Like, avec Zin Taylor, à la galerie Catriona Jeffries de Vancouver, en C-B (2004), et Toronto Goes Downtown, au Downtown Artspace d'Adélaïde en Australie (2004). Les vidéos d'Allison ont été récemment projetées pour Artboat dans le contexte de Art Chicago, par l'intermédiaire de la Threewalls Gallery de Chicago, en Illinois, en 2004, et en tant que All Set: Two Model Videos par Allison Hrabluik à la troisième chaîne de radio de CBC en 2004. DAVID SHRIGLEY David Shrigley a obtenu son diplôme de la Glasgow School of Art en 1991. Son art et ses sculptures ont été exposés partout dans le monde en 24 expositions en solo incluant London Underground et Beck's Futures, et il a publié plus de 20 livres de ses dessins. Il vit présentement à Glasgow.

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There’s a Party in my Tummy: the Yo Gabba Gabba revolution Il y a une fête dans ma bedaine : la révolution Yo Gabba Gabba BY | PAR CHRIS ROBINSON

Sat., Sept. 20, 11:00 am (Empire Theatres - Rideau) We will be screening the best of Yo Gabba Gabba, compiled by the show’s creators and producers. Every being strives after pleasure, and it is in pleasure that happiness consists. – Epicurus There's a party in my tummy! (So yummy! So yummy!) Carrots in my tummy! (Party-Party!) – Brobee the green monster As a parent and the Artistic Director of an animation festival, I get to see a lot of TV animation for kids. Sounds pretty enviable, doesn’t it? Well, it is when you stumble upon godsends like the shows Yo Gabba Gabba or Jack’s Big Music Show (okay, Jack is only animation in spirit). Otherwise, it’s a pretty hellish experience being forced to hear god-awful music and watch screaming adult-voiced kids, bad animation, idiotic storylines, and annoying dialogue, writing, and plots that read like they’re were made by a factory of Ned Flandersis clones. Trifles, “that are nothing at all, yet a nothing that’s everything.” They lack an “overflowing abudance, that je ne sais quoi which might even be the soul.” Yo Gabba Gabba is something completely different. It’s a fresh and inspired crash of generations and cultures that fuses retro sensibilities, dance culture and, incredibly, fun. Not since Pee-Wee’s Playhouse has there been a show that is so cool and fun and different that it appeals to both adults and children. Yo Gabba Gabba also has elements of vintage Sesame Street, U.P.A., and Electric Company. Viewers are approached as though they have minds. They are allowed to engage on their own terms with the show’s various segments. Moderated by a bright orange attired and wigged DJ name Lance, Gabba (a nod to The Ramones) is like taking ecstasy and going to a rave (something I never did. Too much happiness scared me). Along the way you meet a quarter of friendly monsters, learn to draw from a guy from the new wave band Devo, do some dancing with Elijah Wood and other kids, watch some strikingly original animation (done by the likes of Joel Trussell, Nick Cross and other indies). In short, Gabba is about joy. Sure, there are lessons learned about life, but they are not hammered into the child (or parent). The characters don’t shout at you like you’re an idiot. The obnoxiousness of so much of kids’ TV is nowhere to be found in this paradise. As there was with Pee Wee, there’s something refreshingly naïve and innocent about Gabba and that’s why it’s so successful. It’s not consciously trying to be hip. It’s just made by people who are having fun and making things they enjoy and love. And that’s the THING. You watch this show and realize what a fucking joy it is to be alive, especially if you're a kid. That’s precisely why adults love the show too. It transports us back to a pretty fantastic time when every day was an adventure of imagination, creativity and play. Like Jack’s Big Music Show, Yo Gabba Gabba took me out of my seat. The music, stories and characters were alive and fun. It’s like hearing a rocking sermon from the Rev. Charlie Jackson, who

Chaque être est à la poursuite du plaisir, et c'est dans le plaisir que consiste le bonheur. Il y a une fête dans ma bedaine ! (C'est si bon ! C'est si bon !) Des carottes dans ma bedaine ! (C'est la fête ! C'est la fête !) – Brobee le monstre vert En tant que parent et directeur artistique d'un festival d'animation, j'ai à regarder beaucoup d'animations-télé pour enfants. Cela semble être un travail enviable, n'est-ce pas ? Hé bien, ce l'est lorsque vous tombez sur des aubaines comme Yo Gabba Gabba ou Jack’s Big Music Show (ok, Jack n'est qu'une animation en esprit). Pour le reste, l'expérience est plutôt infernale, puisque vous êtes obligé d'écouter de la musique affreuse et de regarder des gamins criards dont les voix sont imitées par des adultes, de la mauvaise animation, des histoires idiotes, ainsi que du dialogue agaçant, des textes et des intrigues qui se lisent comme s'ils étaient faits dans une manufacture de clones de Ned Flandersis. Des bagatelles, « qui ne sont rien du tout, et pourtant ce rien est tout. » Ils sont dépourvus de cette « abondance débordante, ce je ne sais quoi qui pourrait être l'âme. » Yo Gabba Gabba est complètement différent. C'est un conflit de générations et de cultures frais et inspiré qui fusionne les sensibilités ré! htro, la culture de la danse et, oh surprise !, le plaisir. Depuis Pee-Wee’s Playhouse il n'y avait pas eu d'émission si branchée, si amusante et si différente qui plaise tant aux adultes qu'aux enfants. Dans Yo Gabba Gabba on retrouve des éléments des vieux Sesame Street, de U.P.A. et d'Electric Company. On aborde les spectateurs comme s'il avaient une tête. On leur permet de prendre part aux divers segments de l'émission à leur propres conditions. Avec comme modérateur un DJ au costume et à la perruque orange vif nommé Lance, voir Gabba (un clin d'oeil à The Ramones) c'est comme prendre de l'ecstasy et aller à un rave. (Une chose que je n'ai jamais faite. Trop de bonheur me fait peur.) Chemin faisant, vous faites connaissance avec un quartier de gentils monstres, vous apprenez à dessiner d'un type de la bande nouvelle vague Devo, vous faites quelques pas de dance avec Elijah Wood et d'autres enfants, vous regardez de l'animation d'une originalité frappante (fait par des types comme Joel Trussell, Nick Cross et d'autres indépendants). Bref, Gabba c'est de la joie. Bien sûr, on y apprend des leçons de vie, mais elle ne sont pas pilonnées dans la tête de l'enfant (ou du parent). Les personnages ne vous crient pas après comme si vous étiez un idiot. Le caractère désagréable de tant d'émissions de télé pour enfant ne se retrouve pas dans ce paradis. Comme c'était le cas avec Pee Wee, il y a dans Gabba une innocence et une naïveté rafraîchissante, et c'est pourquoi c'est un si gros succès. Ça ne cherche pas à être « hip ». C'est simplement fait par des gens qui ont du plaisir à faire ce qu'ils aiment. Et ils l'ont, l'AFFAIRE. Vous regardez cette émission et vous réalisez à quel point il fait bon vivre, en particulier si vous êtes un enfant. C'est précisément ce pourquoi les adultes aussi aiment l'émission. Ça nous ramène à une époque pas mal fantastique ou chaque jour était une aventure sortie de notre imagination, de notre créativité, de nos jeux. Tout comme Jack’s Big Music Show, Yo Gabba Gabba m'a fait lever de ma chaise. La musique, les histoires et les personnages étaient vivants et amusants. C'est comme

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after watching Gabba said: "Well if you need it, Gabba’s got it. It’s got everything thing you need. It’s got everything a poor man need." The crappy state of most kids’ TV animation makes you wonder if the creators were ever children. Maybe they had miserable childhoods and decided to have revenge on humanity by creating a steady stream of puerile, droning and agonizing screams and visions that feel more like a sampler from a life in hell, than a life here and now. Yo Gabba Gabba has a soul. It makes you want to get off your ass and live. Isn’t that everything?

écouter un sermon endiablé du Rév. Charlie Jackson, qui après avoir regardé Gabba, aurait dit: « Si vous cherchez quelque chose, Gabba l'a. Vous y trouverez tout ce dont vous avez besoin. Vous y trouverez tout ce dont un pauvre homme a besoin. » Les cochonneries que sont la plupart des animations de télé pour enfants vous font vous demander si les créateurs ont déjà été des enfants. Peut-être ont-ils eu une enfance difficile et ont-ils décidé de se venger contre l'humanité en créant une suite sans fin de cris et de visions puériles, bourdonnantes et agonisantes qui ressemblent plus à un aperçu de la vie en enfer que de la vie ici et maintenant. Yo Gabba Gabba a une âme. Ça te donne le goût de te lever de sur ton derrière et de vivre. N'est-ce pas suffisant ?

THERE’S A PARTY IN MY TUMMY

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special presentations AARDMAN ANIMATIONS

AARDMAN ANIMATIONS

SPONSORED BY U.K. TRADE & INVESTMENT & THE NATIONAL FILM BOARD OF CANADA

Thursday, Sept. 18, 7:00 pm (Empire Theatres) Sunday, Sept. 21, 3:00 pm (Mus. of Civilization)

Le Jeu. 18 sept., 19 h (cinémas Empire) Le Dim. 21 sept., 15 h (Musée des civilisations)

There’s more to Aardman Animations than Chicken Run and Wallace and Gromit (although that alone would be enough). Come and see why this studio has won multiple Oscars® for its innovative and entertaining stop-motion work!

Aardman Animations, c'est plus que Chicken Run et Wallace and Gromit (bien que ces deux-là pourraient suffire). Venez voir pourquoi ce studio a gagné de multiples Oscars® pour son travail innovateur et divertissant en arrêt de mouvement !

THE MAKING OF PIXAR'S PRESTO AND DISNEY'S GLAGO'S GUEST

LA FABRICATION DU PRESTO DE PIXAR ET DU GLAGO'S GUEST DE DISNEY

Saturday, Sept. 20, 3:00 pm (National Gallery)

Le Sam. 20 sept., 15 h (Musée des Beaux-Arts)

Go behind the scenes to see the creative process that went into the making of Pixar and Disney’s latest shorts.

Allez en coulisses voir le processus créateur que Pixar et Disney ont infusé dans leurs derniers courts métrages.

BLUE TOONS: A NIGHT OF NAUGHTY ANIMATION

LES « TOONS » BLEUS : UNE SOIRÉE D’ANIMATION OSÉE

Saturday, Sept. 20, 7:00 pm (Barrymore’s) Saturday, Sept. 20, 9:00 pm (Barrymore’s)

Le Sam. 20 sept., 19 h (Barrymore’s) Le Sam. 20 sept., 21 h (Barrymore’s)

Cartoons gettin’ down & dirty! Artists have been making "dirty" animation since the beginning of the artform. Leave your morals at the door and take a walk on the wild side at this international screening, programmed by Ottawa's own maverick filmmaker Lee Demarbre. Featured works are sometimes erotic, sometimes pornographic and there will be some that completely cross the boundary of good taste.

Les artistes ont produit des dessins animés osés depuis les tout débuts de cette forme d’art. Laissez votre morale à la porte et venez explorer ce côté plus audacieux de cette projection internationale programmée par le réalisateur chevronné d’Ottawa Lee Demarbre. Les œuvres présentées seront parfois érotiques, parfois pornographiques et certaines franchiront allègrement la limite du bon goût.

SPECIAL PRESENTATIONS

WHO FRAMED ROGER RABBIT?

SPONSORED BY CHUCK GAMMAGE ANIMATION

Friday, Sep. 19, 7:00 pm (ByTowne Cinema)

Le ven. 19 sept. à 19 h (cinéma Bytowne)

RICHARD WILLIAMS IN ATTENDANCE

RICHARD WILLIAMS SERA PRÉSENT

Sunday, Sep. 21, 11:00 am & 1:00 pm (Empire Theatre Rideau)

Le dim. 21 sept. à 11 h et 13 h (cinéma Empire du Centre Rideau)

In honour of the 20th anniversary of Who Framed Roger Rabbit?, the Festival is proud to present a rare opportunity to see this breakthrough film on the big screen. Roger Rabbit won four Academy Awards, including a special achievement award to its animation director, Richard Williams. Blending traditional animation with live-action sequences, the film was ground-breaking, highly influential and most of all, wildly entertaining. The movie features detective Eddie Valiant (Bob Hoskins) who is called in by Roger Rabbit to investigate possible adultery by his ultra sexy wife Jessica - “I'm not bad, I'm just drawn that way" Rabbit (Kathleen Turner). It's a classic film noir plot, except it's funny and there's a whole load of cartoon characters involved! Bugs Bunny, Mickey Mouse, Woody Woodpecker and Betty Boop are among some of the many cameos you'll see.

En l'honneur du 20e anniversaire de Who Framed Roger Rabbit?, le Festival est fier de présenter une rare occasion de voir sur grand écran ce film qui a franchi tant d'obstacles. Roger Rabbit a remporté quatre Oscars, dont un prix spécial de réalisation à son directeur de l'animation, Richard Williams. Mêlant l'animation traditionnelle à des séquences d'action d'acteurs vivants, le film était innovateur, il a exercé une grande influence et surtout, il est follement amusant. Le film met en vedette le détective Eddie Valiant (Bob Hoskins) à qui Roger Rabbit a demandé d'enquêter sur la possibilité que son épouse ultra sexy, Jessica - “J'suis pas mal, on m'a juste dessinée comme ça" - Rabbit (Kathleen Turner) ait commis un adultère. C'est un scénario de film noir classique, sauf que c'est drôle et qu'il met en scène tout un lot de personnages de dessins animés ! Bugs Bunny, Mickey Mouse, Woody Woodpecker et Betty Boop figurent parmi quelques-uns des nombreux camées que vous y verrez.

DANIEL BARROW – EVERY TIME I SEE YOUR PICTURE I CRY

Friday, Sep. 19, 7:00 pm (National Gallery of Canada)

Le ven. 19 sept. à 19 h (Musée des Beaux-Arts du Canada)

Using an overhead projector, Daniel Barrow manipulates drawings on mylar sheets with what he calls “manual animation.” As he maneuvers his drawings, Barrow narrates tales of innocence lost and future uncertainty. Daniel Barrow will present his art live.

À l'aide d'un rétro-projecteur, Daniel Barrow manipule des dessins sur feuilles de mylar au moyen de ce qu'il appelle « l'animation manuelle ». Tout en manœuvrant ses dessins, Barrow raconte des histoires d'innocence perdue et d'incertitudes quant à l'avenir. Daniel Barrow présentera son art en direct.

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I NTE R NATI O NAL J U RY

J U RY I NTE R NATI O NAL

MARCO DE BLOIS (CANADA) Since 1999, he has been the curator of animation cinema at the Cinémathèque québécoise, His work consists of enriching the film and artefact collections and of bringing these to the fore-front for retrospectives and exhibits He signed a reflective text on the debuts of animation in the work directed by Marcel Jean, . He teaches animation history and aesthetics at Laval University in Quebec City.

MARCO DE BLOIS (CANADA) Depuis 1999, il est conservateur du cinéma d’animation à la Cinémathèque québécoise, Son travail consiste à enrichir les collections de films et d’artefacts et à mettre celles-ci en valeur à l’occasion de rétrospecIl a signé un texte de réflexion sur les débuts de l’animation dans l’ouvrage dirigé par Marcel Jean. Il enseigne l’histoire et l’esthétique de l’animation à l’Université Laval à Québec.

HEATHER HARKINS (CANADA) Heather Harkins is an animator from idyllic Halifax, Nova Scotia, Canada, where she is an active member of the Atlantic Filmmakers' CoOperative. She has curated short film screenings for venues in the Netherlands, the U.S. and Canada, while her own animation has screened on four continents. "Hard Time" Harkins recently won the inaugural Helen Hill Award from the Linda Joy Media Arts Society.

HEATHER HARKINS (CANADA) Heather Harkins est une animatrice de la ville idyllique de Halifax (Nouvelle Écosse), au Canada, où elle est membre active de la Atlantic Filmmakers' CoOperative [coopérative des producteurs de films de l'Atlantique]. Elle a préparé des projections de courts-métrages pour des jurys en Hollande, aux É-U. et au Canada, et ses propres animations ont été vues sur les quatre continents. Surnommée “Hard Time” Harkins, elle a récemment remporté le prix inaugural Helen-Hill de la Linda Joy Media Arts Society. Elle donne aussi d'excellentes causeries pour redonner de l'entrain aux artistes découragés — demandez-lui si vous en avez besoin.

DUSCHA KISTLER (SWITZERLAND) Duscha Kistler is an art historian and a film scientist. Her passion for film, art and film festivals eventually brought her to animated film, and to Fantoche, an international festival for animation that takes place every two years in Baden (near Zurich). As the programme director she organises and coordinates the entire programme for the festival and decides where the emphasis should be in terms of content.

DUSCHA KISTLER (SUISSE) Duscha Kistler, est une historienne de l'art et une scientifique du film. Elle s’engagea bientôt dans le Videoex, un festival de films expérimentaux de Zurich. Sa passion pour les films, l'art et les festivals de films l'ont éventuellement amenée aux films animés, et à Fantoche, un festival international de l'animation qui a lieu tous les deux ans à Baden (près de Zurich). À titre de directrice de la programmation, elle organise et coordonne le programme de tout le festival et décide du contenu à souligner. En plus de Fantoche,

AMICA KUBO (JAPAN) Amica Kubo graduated from Tokyo Polytechnic University in March, 2007, where she participated, as an undergraduate, in the production of the NintendoDS software Bioum for in-store distribution. Her independent animation short films are Bloomed Words and Go! Moo Coaster. Amica has produced music videos, ads, short animation and illustration for clients such as NHK, HP Japan and Nissan. She also creates original animations and illustrations around the world.

AMICA KUBO (JAPON) Amica Kubo a obtenu son diplôme de l'Université polytechnique de Tokyo en mars, 2007, où elle a participé, comme étudiante, à la production du logiciel Bioum pour le NintendoDS, destiné à la distribution en magasin. Ses courtsmétrages d'animation indépendants sont Bloomed Words et Go! Moo Coaster. Amica a produit des vidéos de musique, des annonces, des courts-métrages d’animation et des illustrations pour des clients tels NHK, HP Japon et Nissan. Elle crée aussi des animations et des illustrations originales à travers le monde.

CHRISTOPHER MILLS (CANADA) Christopher Mills is best known for his video work for Modest Mouse, The Tragically Hip, The Secret Machines, and Interpol–combining live action with animation in a style he describes as, "Rumpled Country Art Doctor Antiques Lover Who Thinks Out Of The Box Yet Imagines Vast Worlds Inside It." Christopher has created visual work for the Art Gallery of Ontario as well as for The Tragically Hip's stadium concert tour in Christopher has received many awards for his music video work, including "Best Breakthrough Video.”.

CHRISTOPHER MILLS (CANADA) Christopher Mills est mieux connu pour les montages vidéos qu’il a produits pour Modest Mouse, The Tragically Hip, The Secret Machines, et Interpol — combinant l'action en direct à l'animation dans un style qu'il décrit comme étant “un médecin de campagne fripé qui aime les antiquités et pense en dehors des sentiers battus tout en imaginant des mondes immenses chemin faisant. Christopher a créé une oeuvre visuelle pour le Musée des Beaux-Arts de l'Ontario et aussi pour la tournée de concerts dans des stades des The Tragically Hip en 2005. Christopher s'est vu remettre plusieurs prix pour ses vidéos de musique, dont “Best Breakthrough Video.”

JONAS ODELL (SWEDEN) Jonas Odell formed Filmtecknarna in 1981 together with Lars Ohlson and Stig Bergqvist. His early films as director include The Man Who Thought with his Hat, and Exist. More recent productions are the short films Revolver, Never Like the First Time, TV series such as Alice in Plasmaland, as well as a number of commercials and a PSA for the Anti Drug Foundation of America. Jonas has also directed animation for music videos for Madonna and Five.

JONAS ODELL (SUÈDE) Jonas Odell a fondé Filmtecknarna en 1981 avec Lars Ohlson et Stig Bergqvist. Les premiers films qu'il a réalisés comprennent The Man Who Thought with his Hat, et Exist. Ses productions plus récentes sont les courtsmétrages Revolver, Never Like the First Time, des séries pour la télé, telles, ainsi que quantité de commerciaux et un ** PSA ** pour la Anti Drug Foundation of America. Jonas a aussi réalisé l'animation des vidéos de musique pour Madonna et Five.

INTERNATIONAL JURY

O IA F 0 8 O F F I C IA L C O M P ET I T I O N

CO M P ETIT I O N O F F I C I E L F IAO 07

PR I Z E S AN D AWAR DS PR IX ET R E CO M PE N S E S The Official Competition section of the Ottawa 08 International Animation Festival consists of works chosen by the Festival’s selection committee from a field of 2150 submissions.

Les oeuvres de la compéofficielle du Festival International d’Animation dOttawa 08 ont été choisi par le comité de sélection du Festival parmi les 2150 films proposés.

Pre-selection: Chris Robinson Final Selection: Chris Robinson with lots of input from Azarin Sohrabkhani, Jerrett Zaroski, Kelly Neall, Jarvis Neall (Kids categories) and Matt Rosen.

Pré la sélection : Chris Robinson Sélection : Azarin Sohrabkhani, Jerrett Zaroski, Kelly Neall, Jarvis Neall (concour pour enfants) et Matt Rosen.

The OIAF International Jury will view, along with the audience, all films and videos presented in the Official Competition and select the Festival’s Grand Prizes and first prize in each of the categories of the competition. At its discretion, the International Jury may also award additional special prizes. The Jury has the right to withhold an award where no entry, in its view, meets the standards for recognition. On Sunday, September 21st at 7:00 at the Museum of Civilization, the Jury will announce the award-winning films. A selection of the Festival’s award-winning productions will be screened at 8:00 pm. It is the responsibility of the Jury to determine which of the award-winning productions will be screened. THE AWARDS The awards have been chosen and commissioned by the Ottawa International Animation Festival. The year’s phenakistoscope awards have been designed by local artist Tick Tock Tom, with an animation originally created by George Griffin. Nelvana Grand Prize for Best Independent Short Animation ($3000) Mytoons Grand Prize for Best Student Animation Grand Prize for Best Commissioned Animation Prizes will also be awarded for the Best Film in each of the Competition Categories: Best Animated Feature Animation School Showreel Narrative Short Animation Under 35 Minutes Adobe Prize for Best High School Animation Undergraduate Animation Graduate Animation Promotional Animation Music Video Television Animation for Adults Short Animation Made for Children Television Animation for Children NATIONAL FILM BOARD OF CANADA PUBLIC PRIZE A special prize will be awarded to the film from the Official Competition, selected by the audience as the Best Film of the Festival. Voting will take place at the conclusion of all official Short and Kids Competition screenings where ballots will be distributed at the entrance to the Theatre and should be placed in one of the special ballot boxes at the end of the programme. CANADIAN FILM INSTITUTE AWARD FOR BEST CANADIAN ANIMATION This special prize is awarded by the Executive Director of the Canadian Film Institute for the most outstanding Canadian production in competition. THANK YOU TO ALL AWARD SPONSORS

Les members du jury international du FIAO 08 visionneront avec les spectateurs tous les films et vidéos présentés au concours officiel choisiront les Grand Prix du Festival et les Premiers Prix dans chacune des catégories du concours. A sa discrétion, le jury international peut aussi remettre des prix spéciaux supplémentaires. Le jury se réserve le droit de retenir un prix, si à son avis aucune entrée ne satisfait aux normes de reconnaissances. Le dimanche, 21 septembre à 19h, au Musée de la Civilisation, le jury annoncera les films primés. Une sélection des productions primées au Festival sera présentée à 20h. Le jury a la responsabilité de déterminer quelles productions primées seront présentées. LES PRIX Les prix ont été choisis et commandités par le Festival International d’Animation d’Ottawa. Cette année les trophées ont été conçus par une artiste ontarienne, Tick Tock Tom d’après une image crée originalement par George Griffin. Grand Prix Nelvana : animation indépendante court métrage (3000$) Grand Prix Mytoons : animation étudiante Grand Prix : animation commanditée

Des prix seront aussi remis pour le meilleur film dans chacune des catégories de la compétition. Animation long métrage Presentation d’animation étudiante Œuvre courte narrative moins de 35 minutes Œuvre experimentale ou abstraite moins de 35 minutes Prix Adobe, animation d’étudiants du secondaire Étudiant du premier cycle universitaire Étudiant du deuxième cycle universitaire Film promotionnel Vidéo de musique Émission de télévision animée pour adultes Animation court métrage pour enfant Animation télévision pour enfants PRIX DU PUBLIC DE L’OFFICE NATIONAL DU FILM DU CANADA Un prix spécial sera remis à un film du concours officiel que le public aura choisi comme étant le meilleur film du Festival. Le vote aura lieu à la fin de toutes les présentations de films courts métrages et de films pour enfants. Les scrutins seront distribués à l’entrée du théâtre et devraient êtres placés dans des boîtes de scrutin à la fin du programme. PRIX DE L’INSTITUT CANADIEN DU FILM, MEILLEUR ANIMATION CANADIENNE Ce prix spécial sera présenté par le directeur exécutif de l’Institut canadien du film au film le plus distingué parmi les sélections de la compétition. MERCI À TOUS NOS COMMANDITAIRES

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F I L M SINC C O M P E TI T I O N

F I L M SENC CO N CO U R S

FEATURE COMPETITION

H I G H SC H OO L A N I M AT I O N

SCHOOL COMPETITION MassArt (USA) Rhode Island School of Design (USA) Royal College of Art (UK) Supinfocom (France)

STUDENT ANIMATION COMPETITION

FILMS IN COMPETITION

F E ATU R E

CO M PETITI O N CO N CO U R S DE LO NG M ETRAG ES WALTZ WITH BASHIR

[2008]

Ari Folman Bridgit Folman Film Gang | Israel | 35mm | 90:00 Rotoscope, Other, 2D Computer Wed., Sept. 17, 7:00 pm (Bytowne) Sat., Sept. 20, 7:00 pm (Empire Theatres) Ari dreams of being chased by 26 dogs. Struck by a feeling that his dream rises out of the Lebanon War of the early eighties, Ari delves deeper into the mystery, and his memory begins to creep up in surreal images...

TERRA [2007] Aristomeris Tsirbas Snoot Entertainment | USA | 35mm | 78:51 3D Computer Thurs., Sept. 18, 7:00 pm (ByTowne) Fri. Sept. 19, 9:00 pm (Empire Theatres) Sun., Sept. 21, 5:00 pm (ByTowne) Terra is a reverse alien invasion story.

SITA SINGS THE BLUES [2008] Nina Paley Nina Paley Productions | USA | 35mm | 81:30 Rotoscope, Watercolour on paper, Flash, Cut-outs, 2D Computer Fri., Sept. 19, 10:00 am (Bytowne) Sat., Sept. 20, 9:00 pm (Empire Theatres) Sun., Sept. 21, 3:00 pm (Empire Theatres) Three hilarious shadow puppets narrate both ancient tragedy and modern comedy in this beautifully animated interpretation of the Indian epic Ramayana.

IDIOTS & ANGELS [2008] Bill Plympton Plymptoons | USA | 35mm | 78:00 Pencil on paper Thurs., Sept. 18, 9:00 pm (Empire Theatres) Fri., Sept 19, 7:00 pm (Empire Theatres) Sat., Sept. 20, 7:00 pm (ByTowne) "Idiots and Angels" is a dark comedy about a man's battle for his soul.

SCHO OL

C O M P ET IT I O N C O N C O U R S D E S E C O L E S

Each school will present a 40 minute compliation of films completed within the past school year.

SCREENING 1:

SCREENING 2:

Thurs., Sept. 18, 11:00 am (Empire Theatres)

Sat., Sept. 20, 1:00 pm (Empire Theatres)

Rhode Island School of Design School (USA) Royal College of Art (UK)

Massachusetts College of Art and Design (USA) Supinfocom (France)

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CO U R T M ETR AG E S

S H O RT

CO M P E TI TI O N

SHORT COMPETITION 1

Wednesday, Sept. 17, 9:00 pm (Bytowne Cinema) GALA Saturday, Sept. 20, 11:00 am (Bytowne Cinema)

PRESENTED BY | PRÉSENTÉ PAR

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CO M P E TI TI O N 2 CO U R T M ETR AG E S

S H O RT

SHORT COMPETITION 2

Thursday, Sept. 18, 9:00 pm (Bytowne Cinema) GALA Saturday, Sept. 20, 1:00 pm (Bytowne Cinema)

PRESENTED BY | PRÉSENTÉ PAR

Donʼt you wish youʼd put your ad here? Contact us to discuss your customized sponsorship and advertising package for the 2009 edition of the Ottawa International Animation Festival. sponsorship@animationfestival.ca / 613-232-8769 93

CO U R T M ETR AG E S

SH ORT

CO M P E TI TI O N

SHORT COMPETITION 3

Friday, Sept. 19, 9:00 pm (ByTowne Cinema) GALA Sunday, Sept. 21, 11:00 am (Bytowne Cinema)

PRESENTED BY | PRÉSENTÉ PAR

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CO U R T M ETR AG E S

SH ORT

CO M P E TI TI O N

SHORT COMPETITION 4

Saturday, Sept. 20, 3:00 pm (ByTowne Cinema) GALA Sunday, Sept. 21, 3:00 pm (ByTowne Cinema)

PRESENTED BY | PRÉSENTÉ PAR

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CO U R T M ETR AG E S

SH ORT

CO M P E TI TI O N

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SHORT COMPETITION 5

Thursday, Sept. 18, 1:00 pm (ByTowne Cinema) Saturday, Sept. 20, 9:00 pm (ByTowne Cinema) GALA

PRESENTED BY | PRÉSENTÉ PAR

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D ES E N FAN TS

KI DS

CO M P ETITI O N

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COURT MÃ‰TRAGES SHORT FILMS

KIDS COMPETITION: SHORT FILMS

Saturday, Sept. 20, 11:00 am (Civilization) GALA Sunday, Sept. 21, 1:00 pm (Civilization)

PRESENTED BY | PRÉSENTÉ PAR

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D E S E N FAN TS

KI DS

CO M P E TI TI O N

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TÉLÉVISION TELEVISION

KIDS COMPETITION: TELEVISION

Thursday, Sept. 18, 5:00 pm (Empire Threatres) Saturday, Sept. 20, 3:00 pm (Civilization)

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I N TE R N ATI O N A L

VI T R I N E D U F I L M

S H OWCAS E I NTE R NATI O NAL

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INTERNATIONAL SHOWCASE

Friday, Sept. 19, 5:00 pm (ByTowne) Saturday, Sept. 20, 9:00 pm (Civilization)

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C AN AD I AN V I T R I N E D U F I L M

Thurs., Sept. 18, 11:00 am (ByTowne Cinema)

S H OWCAS E CANAD I E N Sun., Sept. 21, 11:00 am (National Gallery)

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CANADIAN SHOWCASE

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TELETOON ANIMATION SCHOLARSHIP TELETOON BOURSE D’ANIMATION Saturday, September 20, 1:00 pm (National Gallery) Le Samedi 20 septembre, 13h (Musée des Beaux-Arts) The winning films of the TELETOON Animation Scholarship will be announced at the screening. Les films gagnants de la Bourse en animation pour les étudiants canadiens TÉLÉTOON seront annoncés à la projection du film.

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i nd us tr y d a y ANIMATORS FOR HIRE The OIAF's main recruiting event will take place this year at the prestigious Chateau Laurier on Saturday, September 20th, as part of "Industry Day". Passholders can sign up to speed meet with hiring studios from across North America and make the contacts they need to further their career in animation. Registered applicants will have their portfolios and demo reels ready for the interviews, guaranteeing an effective recruiting experience for studios and animators.

Détenteurs de laissez-passers peuvent s'incrire à des minientrevues avec plusieurs studios de l'Amérique du Nord pour créer des contacts dans leurs futurs projets d'animation. Les applicants inscrits auront leurs portfolios et leurs demos prêts aux entrevues. Ceci guarantie une expérience effective pour les studios en temps que les animateurs.

PORTFOLIO WORKSHOP Sat., Sept. 20, 9:00 am – 10:30 am (Renaissance Room, Chateau Laurier) Bring your portfolio to this workshop to have your work reviewed publicly by people who look at reels for a living. Learn tips on how to present your work, how to approach an interview, and what shoes to wear. NOTE: This is not a call for job applications; it’s a workshop on presenting yourself as an artist.

ANIMATION WRITING Sat., Sept. 20, 11:00 am – 12:30 pm (Renaissance Room, Chateau Laurier) Learn the ins and outs of writing for animation from an industry professional. This workshop will give you the tools you need to get your idea out there. Arrive prepared to take notes and ask questions.

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INDUSTRY DAY | MASTERCLASSES

REBOOT REBORN: REVIVING A CLASSIC Sat., Sept. 20, 1:00 pm – 2:30 pm (Renaissance Room, Chateau Laurier) Rainmaker Entertainment is bringing back its classic series ReBoot in a big way - as a feature film. But a lot has changed in the 15 years since ReBoot was launched as the first ever CG animated series on television. So the challenge is how to stay true to the series’ groundbreaking reputation, satisfy existing fans, and engage new ones? If you’re Rainmaker, you do something no one’s ever done before - you ask the fans to develop it with you, and we’ll show you exactly how we did just that.

CHARACTER IDOL Sat., Sept. 20, 3:00 pm – 4:30 pm (Renaissance Room, Chateau Laurier) Come pitch your own original, fun, fresh, lovable character to a panel of industry veterans. Pre-registration for this event is required.

PARTICIPATING COMPANIES: COMPAGNIES PARTICIPANTES : Nelvana, Pipeline Studios, Studio B, Laika, Walt Disney Animation Studios, Blue Sky, Longtail Studios, Kratt Brothers Company and Starz.

m a s t e rc l a s s e s IN CONVERSATION WITH JONAS ODELL

DANIEL BARROW MASTERCLASS

Sat., Sept. 20, 3:00 pm – 4:30 pm (Lecture Hall, National Gallery of Canada)

Fri., Sept. 19, 11:00 am - 12:30 pm (Club SAW, Arts Court)

Jonas Odell has been a star in the animation pantheon since the early 1990s with his seminal opus, Revolver. His most recent festival favourite, Never Like the First Time caps over a decade of groundbreaking animation. Specializing in films that meld live action into various mixed media animation techniques, his propensity for creative cross-over is mirrored in the diversity of his oeuvre. Odell is much sought-after commercially, having won an MTV Music Award and a Grammy nomination for his music videos. As one of the founders of always-innovative studio FilmTecknarna, he's done ads and idents for clients around the world. Conversation hosted by NFB producer Michael Fukushima and presented in partnership with the Swedish Film Institute.

Winnipeg-based artist Daniel Barrow uses obsolete technologies to relay written, pictorial and cinematic narratives centering on the practices of drawing and collecting. Specifically, he creates and adapts comic book narratives to "manual" forms of animation by projecting, layering or manipulating drawings on overhead projectors or, more recently, antiquated digital paint programs. Since 1993, Barrow has used an overhead projector to relay ideas and short narratives. He variously refers to this practice as "graphic performance or manual animation." Join film academic Scott Birdwise for an in depth discussion with Barrow about his process, context and ideas of archive. This event compliments Barrow’s live performance “Every Time I See Your Picture I Cry” (2008), taking place at the National Gallery Auditorium (Friday, September 19, 7pm)

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wo r k s h o p s EXPERIMENTAL ANIMATION TECHNIQUES

FINDING THE CHARACTER IN YOUR CHARACTERS

Fri., Sept. 19, 9:00 am – 10:30 am (Club SAW, Arts Court)

Sun., Sept. 21, 11:00 am – 12:30 pm (Lecture Hall, National Gallery of Canada)

This workshop looks at animation and the endless discoveries that can be made while exploring the medium. Join animator and educator Skip Battaglia to discuss the concepts and techniques of experimental animation.

Disney animator Eric Goldberg gives a workshop on how to create animated characters who have strong, definable personalities. Goldberg will talk about the use of timing, weight, posture, walks, and a host of other techniques for getting the most out of animated performances.

ADOBE: CREATING WITH A PURPOSE Sat., Sept. 20, 1:00 pm – 2:30 pm (Lecture Hall, National Gallery of Canada) Demonstrating the power of technology to engage middleand high-school age youth, Adobe Youth Voices (AYV) provides breakthrough learning experiences using video, multimedia, digital art, web, animation, and audio tools that enable youth to explore and comment on their world. Join AYV Media Mentor Tyler Platt to watch animation pieces by young people from around the world, participate in hands on activities, and learn how Adobe tools can help you with your next project idea.

TOON BOOM TIPS AND TRICKS Sun., Sept. 21, 1:00 pm – 2:30 pm (Lecture Hall, National Gallery of Canada) This workshop illustrates the benefits of working paperless within one single application. It covers the content creation process, advanced morphing, inverse kinematics and glue capabilities, as well as the impressive multi-plane scene planning and complete compositing tools to ultimately output to HD format.

UBISOFT: ANIMATING FOR GAMES Sat., Sept. 20, 11:00 am - 2:30 pm (Auditorium, National Gallery of Canada) What challenges do animators face when working in the gaming industry? This workshop, hosted by Ubisoft, will examine some of the differences between animating for film and animating for games. Using Prince of Persia and Assassin's Creed as examples - it will take you through the workflow of videogame production.

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WORKSHOPS | PANEL DISCUSSIONS

p a ne l d i sc us si ons ANIMATION EDUCATION REPORT CARD

BEHIND THE AARDMAN CURTAIN

Sat., Sept. 20, 9:00 am – 10:30 am (Lecture Hall, National Gallery of Canada)

Sun., Sept. 21, 9:00 am – 10:30 am (Lecture Hall, National Gallery of Canada)

Get the inside scoop on how animation school curricula fares in the real world. Are institutions giving graduates the tools they need to survive and meet the needs of an everchanging animation industry? Listen in on the debate with representatives from top schools and productions houses from Canada and the states.

Aardman Animations has almost single-handedly redefined stop-motion animation and shrunk the gap between audience and art in animation. Helen Brunsdon, head of shorts development and manager for television production, will pull back the curtain on the Aardman emerald palace and talk about some of the lever-pulling and winch-hoisting that goes into the creation of their brand of "magic".

NOW A MAJOR MOTION PICTURE Sat., Sept. 20, 11:00 am -12:30 pm (Lecture Hall, National Gallery of Canada) Literature has served as the starting point for animated films since the first fairy tale stories played the silver screen. Crossing both children's fare and general audiences (Watership Down, A Scanner Darkly) from shorts to features (The Man Who Walked Between the Towers, Persepolis), the animated adaptation has advantages and pitfalls that live action filmmaking does not approach. Join moderator Richard O’Connor and his fellow panelists to tackle this topic.

ANIMATION MAKES ME LAUGH: HA! Sun., Sept. 21, 3:00 pm- 4:30 pm (Lecture Hall, National Gallery of Canada) Are you the only one laughing at your work? Is all the giggling happening behind your back? If so, you need to come to this discussion. Catch the final panel of Ottawa 08 where speakers will discuss comedy, what works, what fails miserably, and some key elements to making people LOL.

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a c t i v i t i e s fo r t e e n s There are a number of activities we've created just for teens at this year's Festival (but you might want to check out all the at thisstuff year's Festival (but you might want to check out all other too). the other stuff too).

THURSDAY, SEPTEMBER 18

SATURDAY, SEPTEMBER 20

ANIMATION SCHOOL FAIR WITH SCHOOL PRESENTATIONS

It’s free all day (9-5) for teens at the National Gallery. Just pre-register for an Adobe Toon Apprentice pass by visiting www.animationfestival.ca or calling (613) 232-8769. There will also be a limited number of passes available at the door.

If you are interested in a career in animation, this is the ideal event for you. See presentations by animation schools from across the country, meet one-on-one with school representatives at their information tables in the lobby and catch two specially programmed screenings. National Animation and Design Centre (NAD Centre) 9:45 am - 10:15 am Max the Mutt Animation School 10:30 am - 11:00 am Sheridan College 11:00 am - 12:30 pm Free Screening Christopher Mills Retrospective 1:00 pm - 1:30 pm Algonquin College 1:45 pm - 2:15 pm Vancouver Film School 2:30 pm - 3:00 pm Concordia University 3:00 pm - 4:30 pm Free Screening Jonas Odell Retrospective

Come and see screenings and presentations, such as UBISOFT's Animating for the TELETOON scholarship screening, and the Making of Pixar and Disney's new short films.

9:00 am - 9:30 am

ALSO ATTENDING: Cité Collégiale, Seneca Animation Arts Centre, Centenial College

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ACTIVITIES FOR TEENS

The Animation School Fair is set up all day and features all the leading animation schools from across Canada.

FREE! TEEN HANDS-ON WORKSHOPS PRESENTED BY THE NATIONAL FILM BOARD OF CANADA AND THE NATIONAL GALLERY OF CANADA

Saturday, September 20, 9:30 am to 12:30 pm (National Gallery Studio) Create Magic! - Using sand and paper cutouts you will invent an animated story on light tables. Saturday, September 20, 1:30 pm to 4:30 pm (National Gallery Studio) Post synch 101 - Make your clay puppet speak up.

a ct iv it é s p o u r l es a do s Nous avons créé plusieurs activités juste pour les ados cette année au Festival (mais vous voudrez sans doute vérifier aussi cette année au Festival (mais vous voudrez sans doute vériles autres activités). fier aussi les autres activités).

LE JEUDI 18 SEPTEMBRE

LE SAMEDI 20 SEPTEMBRE

FOIRE DES ÉCOLES D'ANIMATION AVEC PRÉSENTATIONS

C'est gratuit toute la journée de 9 h 00 à 17 h 00 pour les ados au Musée des Beaux-Arts. Vous n'avez qu'à vous inscrire à l'avance pour obtenir un laissez-passer d'apprentianimateur Adobe en allant au www.animationfestival.ca ou en appelant au (613) 232-8769. Un nombre limité de laissez-passer seront disponibles à l'entrée.

Si une carrière en animation vous intéresse, voici l'évènement idéal. Voyez des présentations données par des écoles d'animation de partout au pays, rencontrez seul à seul leurs représentants à leurs tables d'information dans le hall d'entrée et voyez deux projections spécialement programmées. Inscrivez votre groupe à l'avance en appelant au (613) 2328769 09 h 00 à 9 h 30 09 h 45 à 10 h 15 10 h 30 à 11 h 00 11 h 00 à 12 h 30 13 h 00 à 13 h 30 13 h 45 à 14 h 15 14 h 30 à 15 h 00 15 h 00 à 16 h 30

National Animation and Design Centre (NAD Centre) Max the Mutt Animation School Collège Sheridan Projection gratuite – Rétrospective Christopher Mills Collège Algonquin Vancouver Film School Université Concordia Projection gratuite – Rétrospective Jonas Odell

AUSSI EN ATTENDANCE : Cité Collégiale, Seneca Animation Arts Centre, Centenial College

Venez voir les projections et présentations, telles Animer pour les jeux vidéos par UBISOFT, la projection sur la bourse d'études de TELETOON, la création de Pixar et les nouveaux courts métrages de Disney. La Foire des écoles d'animation s'installe pour la journée et représente toutes les meilleures les écoles d'animation au Canada.

GRATUIT! ATELIERS PRATIQUES POUR ADOS PRÉSENTÉS PAR L'OFFICE NATIONAL DU FILM DU CANADA ET LE MUSÉE DES BEAUX-ARTS DU CANADA

Le samedi 20 septembre de 09 h 30 à 12 h 30 (Studio du Musée des Beaux-Arts) Créez de la magie! – À l'aide de sable et de coupures de papier sur des tables lumineuses vous inventerez une histoire animée. Le samedi 20 septembre de 13 h 30 à 16 h 30 (Studio du Musée des Beaux-Arts) Post synchro 101 - Faites parler votre marionnette d'argile.

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kids’ stuff trucs pour enfants Give your family the red carpet treatment and take them to kid -friendly screenings at a world-class film festival. While you’re at the Museum of Civilization, do our drop-in Manga craft outside the theatre. Pre-registration is required for the following free events (613-232-8769)

FREE! ANIMATION CELEBRATION PRESENTED BY THE NATIONAL GALLERY OF CANADA

Wednesday, Sept. 17, 11:00 am – 12:00 pm and 1:00 pm – 2:00 pm (National Gallery of Canada) Animation Celebration offers Ottawa-area elementary school children (ages 6-12) an introduction to the art of animation. This year, Oscar-nominated and Emmy-award-winning artist Michael Sporn will present a couple of his favourite films.

FREE! FAMILY HANDS-ON WORKSHOPS PRESENTED BY THE NATIONAL FILM BOARD OF CANADA AND THE NATIONAL GALLERY OF CANADA

Sunday, Sept. 21, 9:30 am -12:30 pm (National Gallery Studio) Waste no more - A green workshop where participants will animate all sorts of used materials. Sunday, Sept. 21, 1:30 pm to 4:30 pm (National Gallery Studio) Create magic! - Using sand and paper cutouts you will invent an animated story on light tables.

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KIDS’ STUFF

Déroulez le tapis rouge pour les membres de votre famille et emmenez-les voir des projections destinées aux enfants à un festival de film de classe internationale. Pendant que vous vous trouvez au Musée des Civilisations, essayez notre artisanat « Drop-in Manga » à l'extérieur du cinéma. Vous devez vous inscrire à l'avance au (613-232-8769) pour les évènements gratuits suivants.

GRATUIT! CÉLÉBRATION DE L’ANIMATION PRÉSENTÉE PAR LE MUSÉE DES BEAUX-ARTS DU CANADA

Mercredi 17 septembre, de 11 h 00 à midi et de 13 h 00 à 14 h 00 (au Musée des beaux-arts) La Célébration de l’animation offre aux élèves des écoles primaires de la région d’Ottawa (âgés de 6 à 12 ans) une initiation à l’art de l’animation. Cette année, Michael Sporn, lauréat d’un Emmy et mis en candidature pour un Oscar, présentera quelques-uns de ses films préférés.

GRATUIT ! ATELIERS PRATIQUES POUR TOUTE LA FAMILLE PRÉSENTÉ PAR L'OFFICE NATIONAL DU FILM DU CANADA ET LE MUSÉE DES BEAUX-ARTS DU CANADA

Le dimanche 21 septembre de 9 h 30 à 12 h 30 (Studio du Musée des Beaux-Arts) Atelier Vert – Animation de matières récupérées Le dimanche 21 septembre de 13 h 30 à 16 h 30 (Studio du Musée des Beaux-Arts) La magie de l’animation! – Création d’histoires animées sur tables lumineuses. Technique mixte (sable/papier découpé)

other events ANIMATION BOOK FAIR Daily 9:00 am to 9:00 pm (Sunday at 4:00 pm) Come and check out great animation and anime books at the Arts Court Building (2 Daly Ave - Library). Toronto's Labyrinth bookstore will be on hand as well as the Festival's own Aniboutique.

VISUAL/AUDIO: INTERPRETATIONS OF SOUND Open daily, 9:00 am to 1:00 am (SAW Gallery) Official Opening, Thurs., Sept. 18, 5:00 pm Featuring the works of Lee Ranaldo and Leah Singer, Daniel Barrow, Allison Hrabluik and David Shrigley, Visual/Audio explores the use of sound in animation, ranging from live experimentation to commissioned videos. The exhibit aims to manifest the significance and impact of sonic art in visual work. As an event that fosters the development and growth of animation talent and art, it is vital to value, promote and showcase the role audio plays in animated film. Also featuring the works of Theodore Ushev and Tick-Tock Tom.

VIEWING ON DEMAND STATIONS (ARTS COURT) Daily 9:00 am to 9:00 pm ( Sunday at 6:00 pm) Drop by and see some of the 2000+ films that were entered in the Festival this year or catch programs you missed.

SALON DU LIVRE DE L'ANIMATION Tous les jours de 9h à 21h (Dimanche à 16h)

Venez jeter un coup d'œil à nos beaux livres sur l'animation et le dessin animé à l'édifice de la Cour des Arts (2, av. Daly – à la bibliothèque). La librairie Labyrinth de Toronto sera sur place ainsi que l'Aniboutique du Festival.

VISUEL ET AUDIO : INTERPRÉTATIONS DU SON Tous les jours de 9 h à 13 h (Galerie SAW). Ouverture officielle le jeudi 18 sept. à 17 h.

Présentant les œuvres de Lee Ranaldo et Leah Singer, Daniel Barrow, Allison Hrabluik et David Shrigley, Visuel et Audio explore l'utilisation du son en animation, de l'expérimentation en direct aux vidéos commandés. L'exposition vise à manifester l'importance et l'impact de l'art du son dans les œuvres d'art visuel. En tant qu'événement qui encourage le développement et la croissance du talent et de l'art de l'animation, le Festival trouve vital de mettre en valeur, promouvoir et démontrer le rôle que l'audio joue dans les films animés. Comprendra aussi les œuvres de Theodore Ushev et de Tick-Tock Tom.

POSTES DE VISIONNEMENT SUR DEMANDE (COUR DES ARTS) Tous les jours de 9h à 21h (Dimanche à 18h)

Allez-y et voyez quelques-uns des 2 000 films et plus qui ont été soumis au Festival cette année, ou encore les programmes que vous avez manqués.

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p a rti e s . . . No sleep for you at OIAF 2008. Parties are open to anyone with a pass valid for that day.

ANIMATOR’S PICNIC

OPENING NIGHT PARTY

Friday, Sept. 19, 12:30 pm to 4:00 pm (Billings Estate)

HOSTED BY ATOMIC CARTOONS AND BIG JUMP PRODUCTIONS

Wednesday, Sept. 17, 11:00 pm to 2:00 am (Helsinki Night Club) We’re kicking off this festival in style. Downstairs, dance the night away to a hot DJ and sip a signature Atomic or Big Jump cocktail, or hit up a shooter girl for a special shot! For those who like something a little quieter, head upstairs to the intimate lounge or wander out to the candlelit patio that faces a heritage cobblestone courtyard. There’s a little something for everyone. 19+. Must show I D.

HOSTED BY CARTOON NETWORK

This one is so good we shut down the Festival for the afternoon and double decker bus our passholders to the Cartoon Network Picnic. Get outside and feast on a barbecue cooked up by the folks at Lone Star Texas Grill as you stroll about the grounds of the Billings Estate, a National Historic Site. Try your hand with a knife and enter the world famous Pumpkin Carving Contest, or simply enjoy some of the most inventive gourd designs ever created. All ages. Must be 19+ to consume alcohol.

SALON DES REFUSÉS PARTY JAIL BREAK!

PRESENTED BY LAIKA

HOSTED BY GURU STUDIO AND EGGPLANT COLLECTIVE

Friday, Sept. 19, 11:00 pm to 1:00 am (Arts Court, Club SAW)

Thursday, Sept. 18, 11:00 pm to 2:00 am (Ottawa Jail Hostel) Enjoy some jailhouse rock (couldn’t resist) with local funk/disco band the Hammerheads as we take over the Ottawa Jail Hostel for the craziest party you’ve ever been to. Sip cocktails on death row, share some gallows humour with your friends, and take a peek at the ghost cam. When you get home you can tell everyone you partied so hard you ended up in the slammer! 19+. Must show ID.

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PARTIES

Stick it to the Festival with this screening and party that celebrates the films that did not make it in Competition or Showcase! Bring your rejection letter for a free drink on LAIKA. Hang out and have more cheap drinks on the tented outdoor patio or in the club. 19+. Must show I D.

. . . a n d m o re p a r t i e s lectures et dédicaces de

SATURDAY NIGHT PARTY

CHEZ ANI CAFÉ

HOSTED BY PIP ANIMATION SERVICES INC.

Wednesday, Sept. 17 through Sunday, Sept. 21, 9:00 am to 1:00 am (Club SAW)

Saturday, Sept. 20, 11:00 pm to 2:00 am (Barrymore’s Nightclub)

The Saturday Night Party at the legendary Barrymore’s (323 Bank Street) is, for many, a huge Festival highlight. Barrymore’s was built as a vaudeville theatre in 1914. Over the years, it has come to be recognized as one of the largest and most sought after venues in Canada for live performances. With most of the original décor intact, Barrymore’s is still a grand old theatre, and doesn’t have a bad seat in the house. This party is not to be missed! 19+. Must show ID.

Chez Ani has always been the place for filmmakers and fans alike to socialize and do business. Open early, you can start your day with a coffee on our outdoor patio. Closing late, you can make this your favourite drinking hole while you’re in Ottawa. It’s a quieter option for those who aren’t in the mood for a really big party, but don’t want to sit in a hotel room watching cable. Take some time to explore the Visual/Audio Installation, as well as Theodore Ushev’s illustrations from Chris Robinson’s new book, and sculptures by this year’s award designer, Tick-Tock Tom. All ages. Must be 19+ to consume alcohol.

CLOSING NIGHT PARTY

Sunday, Sept. 20, 9:00 pm to 2:00 am (Helsinki Nightclub)

Wind down – or wind up - at the Closing Night Party, held in the same venue where the week began. This time, our hosts will be cooking up a homestyle barbecue on the patio, with corn on the cob, ribs and other late summer treats. Downstairs, we invite only the bravest, most talented, and just plain goofy to join China Doll for karaoke, get dressed up and model in a blindfold make-up show, and enjoy our Closing Night signature cocktails. For the rest of you, you’ll want to be there to take pictures, trust us. 19+. Must show ID.

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book readings & si g ni ng s lectures et dédicaces de livres Canadian author, and OIAF Artistic Director Chris Robinson will be reading from and signing copies of his two latest books:

CANADIAN ANIMATION: LOOKING FOR A PLACE TO HAPPEN Saturday, Sept. 20, 4:30 pm (Arts Court - Library)

L'auteur canadien et directeur artistique du FIAO, Chris Robinson, lira des passages de ses deux derniers livres et signera des dédicaces

CANADIAN ANIMATION: LOOKING FOR A PLACE TO HAPPEN Le samedi 20 sept. À 16 h 30 (la Cour des arts - Biblioteque)

In 2007, Chris Robinson traveled across Canada to meet with some of the country's leading independent animation filmmakers. With the intimate detail of a diary, Canadian Animation: Looking for a Place to Happen weaves together history, memoir and dream into a mesmerizing and candid portrait of Canadian animation, art, doing, drifting and dying

BALLAD OF A THIN MAN: SINNERS, SAINTS AND RYAN LARKIN Thursday, Sept. 18, 5:00 pm (SAW Gallery) Ballad of a Thin Man explores Larkin’s life, work, and times. In the course of chronicling Larkin’s rise and fall, the author makes connections to his own life and contemplates what it means to take responsibility for one’s life and actions. PLUS, animator Ellen Besen will sign copies of her new book:

ANIMATION UNLEASHED: 100 PRINCIPLES EVERY ANIMATOR, COMIC BOOK WRITER, FILMMAKER, VIDEO ARTIST, AND GAMER SHOULD KNOW Sunday, Sept. 21, 10:00 am (SAW Gallery - Library) Animation Unleashed reveals key principles of making animation say what you want it to say. Useful for both professionals and beginners, these principles will help you harness the full power of this exciting and ever expanding medium.

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BOOK READINGS & SIGNINGS

En 2007, Chris Robinson a voyagé à travers le Canada afin de rencontrer quelques-uns des plus grands de l'animation indépendante au pays. Écrit à la manière d'un journal intime détaillé, Canadian Animation: Looking for a Place to Happen entretisse histoire, mémoire et rêve dans un portrait hypnotisant et franc de l'animation canadienne : l'art, agissant, dérivant et mourant.

BALLAD OF A THIN MAN: SINNERS, SAINTS AND RYAN LARKIN Le jeudi 18 sept. à 17 h (Galerie SAW) Ballad of a Thin Man explore la vie de Larkin, son œuvre et son époque. Tout au long de la chronique de la “grandeur et décadence' de Larkin, l'auteur dresse des parallèles avec sa propre vie et contemple ce que cela comporte d'assumer la responsabilité de sa propre vie et de ses actions.

a r t i st s This year's Ottawa International Animation Festival poster was designed by Ottawa artist HOWIE TSUI.

L’affiche du Festival international d’animation d’Ottawa a été conçue par l’artiste d’Ottawa HOWIE TSUI.

Howie Tsui spent much of his formative years bouncing from Hong Kong to Nigeria and then to Thunder Bay. He received his BFA from the University of Waterloo in 2002 and relocated to Ottawa where he currently divvies his time between art projects and performing in the indie folk band, The Acorn. His work has been exhibited in Mexico, Australia, US and Canada. A recipient of funding support from the City of Ottawa, the Ontario Arts Council and the Canada Council for the Arts, Tsui's work has appeared in such publications as Beautiful/Decay, MIX Magazine and Faesthetic, and can be found in the Canada Council Art Bank Collection.

Howie Tsui a passé une bonne partie de ses années de formation à rebondir de Hong Kong au Nigeria, puis à Thunder Bay. Il a reçu son BFA de l’Université de Waterloo en 2002, et s'est relocalisé à Ottawa, où il partage actuellement son temps entre des projets artistiques et la performance au sein du groupe folk indépendant The Acorn.

In 2008, Tsui will be participating in the Symposium of Contemporary Art of Baie-Saint-Paul. A collection of Tsui’s work will be released by Islandsfold, as well, he will be exhibiting at Le Gallery in Toronto. He’s currently working on a new series entitled Horror Fables that will debut at the Carleton University Art Gallery in 2009. You can visit his website at www.howietsui.com.

130

ARTISTS

Ses œuvres ont été exposées au Mexique, en Australie, aux États-Unis et au Canada. Récipiendaire d’un appui financier de la Ville d’Ottawa ainsi que des Conseils des arts de l’Ontario et du Canada, Tsui a vu ses œuvres publiées dans des publications telles que Beautiful/Decay, MIX Magazine et Faesthetic. On trouvera aussi de ses œuvres dans la collection de la Banque d'œuvres d'art du Conseil des Arts du Canada. En 2008, Tsui participera au Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul. Une collection de ses œuvres sera en outre publiée par Islandsfold, et il exposera à Le Gallery à Toronto. Il travaille actuellement à une nouvelle série intitulée Horror Fables qui débutera à la galerie d’art de l’Université Carleton en 2009. Vous pouvez visiter son site Internet à www.howietsui.com.

TICK TOCK TOM

“And Skinner would tell her that these boards were immortal, inert as stone, proof against moisture and ultraviolet and every form of decay, that they were destined to litter the planet, hence it was good to reuse them, work them when possible into the fabric of things, a resource when something needed to be durable.” - William Gibson, “All Tomorrows Parties”

« Et Skinner lui disait que ces planches étaient immortelles, aussi inertes que la pierre, à l’épreuve de l’humidité et des ultraviolets et de toute forme de détérioration, qu’elles étaient destinés à joncher la planète, en sorte qu’il était bon de les réutiliser, de les incorporer lorsque c’était possible dans la matière des choses, une ressource quand il fallait que quelque chose dure. » - William Gibson, « All Tomorrows Parties »

ARTIST’S STATEMENT:

ÉNONCÉ DE L’ARTISTE : My sculptures are a mosaic of scrap metal. They are meant to present the idea of life within lifeless material. The creature or object presented may cause the initial curiosity, but it is the natural intricacies of the material that attracts attention. Tick Tock Tom is the designer of the 2008 Ottawa International Animation Festival Awards. You can see his sculpture as part of the Visual/Audio exhibit at Club Saw, open Wednesday through Sunday, 9 am to 1 am.

Mes sculptures sont une mosaïque de métal de rebut. Elles sont conçues pour représenter l’idée de la vie au sein d’un matériau sans vie. La créature ou objet présenté peut susciter au départ de la curiosité, mais ce sont les complexités naturelles du matériau qui attirent l’attention. Tick Tock Tom est le concepteur des prix du Festival international d’animation d’Ottawa 2008 . Vous pouvez voir ses sculptures à l’exposition Visual / Audio au Club Saw, ouvert du mercredi au dimanche de 9 h à 1 h du matin.

OIAF 08 FESTIVAL READER | FIAO 08 LECTEUR DU FESTIVAL

131

Creative license. Take as much as you want with Adobe® Creative Suite® 3.

WEB PREMIUM, MASTER COLLECTION

ADOBE® CREATIVE SUITE® 3

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S:9.25 in

©2008 Adobe Systems Incorporated. All rights reserved. Adobe, the Adobe logo, and Creative Suite are trademarks or registered trademarks of Adobe Systems Incorporated in the United States and/or other countries.

T:10 in

B:10.5 in

S:9.25 in

FESTIVAL ORGANIZATION ORGANISATION DU FESTIVAL The Ottawa International Animation Festival is organized by the Canadian Film Insititute. | Le festival international d’animation d’Ottawa est organise par l’Institut canadien du film.

Tom

CANADIAN FILM INSITUTE | INSTITUTE CANADIEN DU FILM

Chris

Executive Director | Directeur : Tom McSorley BOARD OF DIRECTORS Tom McSorley Canadian Film Institute Jack Horowitz Consultant Patricia Burns Leaptoons Dan Sokolowski Independent filmmaker-animator Doug Rimmer Library and Archives Canada

OTTAWA 08 INTERNATIONAL ANIMATION FESTIVAL FESTIVAL INTERNATIONAL D’ANIMATION D’OTTAWA 08

Kelly

Managing Director | Direction generale : Kelly Neall Artistic Director | Directeur artistique : Chris Robinson

Jerrett

TAC & Workshop Director | Coordinatrice des CAT et ateliers : Azarin Sohrabkhani Technical Director | Directeur technique : Jerrett Zaroski Office Manager | Directeur de bureau : Jennifer Noseworthy OIAF ADVISORY COMMITTEE | COMITÉ CONSULTATIVE : Linda Simensky Senior Director of Children’s Programming, PBS (USA) Madeleine Levesque Freelance Ann Marie Fleming Filmmaker, Global Mechanic (Vancouver) Maral Mohammadian Assoc. Producer, National Film Board of Canada (Montreal) Michael Fukushima Producer, National Film Board of Canada (Montreal) Frank Falcone Creative Director, Guru Animation Studio (Toronto)

Azarin

Programming Assistant : Matt Rosen TAC Assistant : Dominique Forget Sponsorship Assistant : Alexandra Trottier Guest Services Coordinator : Keeley Durocher Special Events Coordinators : Lisa Soper / Nancy Lawless Media Coordinator : Joshua Dunn Marketing Coordinator : Rachel Moore Registration Coordinator : Rick Tremblay Box Office Coordinator : Quan Wu Volunteer Coordinator : Lindsay Morrison Receptionist : Barbara Holman

Keeley

Jennifer

Quan

ByTowne Stage Manager | Ménagére de location de ByTowne : Matt Rosen National Gallery Stage Manager | Ménagére de location de Musée des Beaux-Arts: Bill Alexander Empire Venue Manager | Ménagére de location de Empire : Noreen Legault Civilization Stage Manager | Ménagére de location de Civilizationse : Patrick Cross TAC Technical Assistant | Adjoint technique de CAT : Patrick Cross Competition and Showcase Selection | Sèlection : Chris Robinson, with assistance from Jerrett Zaroski, Matt Rosen, Kelly Neall and Jarvis Neall (Kids’ categories) Competition and Showcase Programmer | Compétition et “Meilleur Programmateur du Rest” : Chris Robinson

Josh

Matt

Additional Programmers | Programmation complémentaire: Azarin Sohrabkhani, Karl F. Cohen, Duscha Kistler, Kevin Lee (Yo Gabba), Helen Brunsdon (Aardman)

FESTIVAL READER | LECTURE DU FESTIVAL Editor | Editeur : Jennifer Noseworthy with Chris Robinson and Kelly Neall Writers | rédacteurs : Chris Robinson, Jerrett Zaroski, Darren Stevens, Tom McSorley, Richard O’Connor, Michael Fukushima, Karl F. Cohen, Scott Birdwise.

Dominique

Graphic Design and Conception | Conception et execution graphiques : André Coutu Additional Design | Conception additionnelle : Jennifer Noseworthy, Kelly Neall, Marc Grandmaison

Alexandra

Poster Illustration & Key Art | Illustration de l’affice et art clé : Howie Tsui Signal film | Indicative : FAKE STUDIO Sponsor Logo Reel : Dainty Productions Printer | Imprimeur : Creative Motion Printing Travel Agency : Far Horizons Travel

Lindsay

Special Thanks | Remerciements spéciales: Betty, Jarvis and Harrison Neall, Jordan Bell, Grace Irving, Jersey, Molly and Rufus, The Real Darren Stevens, Marc Grandmaison, Marie-Eve Woodland, Kelly Moreno, Bruce White and Barry Caplan of the ByTowne, Marc Bedard of the National Gallery of Canada, Nathalie Rheault at the Museum of Civilization, Andrew Bothwell at Empire Theatres, all of the amazing party venue operators and staff and, most importantly our volunteers. We couldn’t do it without you! © 2008 Ottawa International Animation Festival | Festival international d’animation d’Ottawa ISBN 978-0-919096-43-1

138

FESTIVAL ORGANIZATION

Frankie

FESTIVAL ORGANIZATION | ORGANISATION DU FESTIVAL

142

FILM CONTACTS | CONTACTS DE FILM

LI ST O F ADVE RTI S E R S 109

Story Entertainment

135

Guru Studio

13 9

Academy of Canadian Cinema and Television

10 6

HBS Marketing

156

Hotel Indigo

132

Adobe

Japan Media Arts Festival

Algonquin College

107

Kidscreen

Anima Mundi

141

Laika

Animation Magazine

158

Live 88.5

133 64

Animation World Network (AWN)

116

Annecy

113

Arts Court

Atomic Cartoons

143

Audio Postproduction SPR Inc.

129

Bell Fund

Blue Sky

12 13 6 61 111

Brazilian TV producers / Canadian Consulate in Sao Paulo Breakthrough Entertainment Budget Cartoon Brew

CCI Entertainment

Centennial College

152

Chuck Gammage Animation

CICAF - China International Cartoon & Animation Festival

13 9

Concordia University

Convergence / Lien MultimĂŠdia

CTV Ottawa

Cuppa Coffee

14 0 19 137 5

Dainty Productions Department of Foreign Affairs Downtown Rideau

Longtail Studios

153

Massarts

105

Max the Mutt

14 8

Mercury Filmworks

14 9

Metro

144

Mytoons

116

NAD

1,2 9 Front Cover 14 8 45 157

National Film Board of Canada National Gallery of Canada Nelvana Ontario Arts Council Ontario Media Development Corporation Academy Awards PIP Animation Services

Pipeline Studios Inc.

Playback

135

ProductionHUB, Inc

142

Quality Hotel

Rainmaker Entertainment Inc.

SAW Gallery

142

SAW Video

73 145 98

Seneca College Sheridan College Starz Animation

Empire Theatres

Back Cover

Teletoon

Fake Studio

103

Museum of Civilization

FANTOCHE

Festival du nouveau cinema

134

Vancouver Film School

143

FPS Magazine

102

Walt Disney Animation Studios

110

Fresh TV

134

World Wide Short Film Festival

146

LIST OF ADVERTISERS

Toon Boom Technologies

FI LM CONTACTS | CO NTACTS D E FI LM 1st Date Nils Knoblich Motzstraße 2 c Kassel, Germany 34117 Email: nilsknoblich@web.de 7 Days of the Week Sean McBride 38 McGuinness Blvd Brooklyn, NY USA 11222-4005 Phone: 215-802-1469 Email: heyseanmcbride@yahoo.com Website: www.seanmcbride.com About Bigmouse Arefyev Konstantin Centre of National Film 125445, Moscow, Valdaiskiy proezd, 16 Moscow, Russia Phone: 7 (495) 455-92-13 Fax: 7 (495) 455-92-13 Email: kvaref@gmail.com Website: www.cnf.ru Angel afoot Carsten Bunte Studio Soi GmbH & Co. KG Königsallee 43 Ludwigsburg, Germany 71638 Phone: +49 (0) 7141-9743670 Fax: -125131 Email: contact@studiosoi.de Website: www.studiosoi.de The Ascent of Man Jonas Diamond Smiley Guy Studios 444 Bathurst St., Studio 2 Toronto, ON Canada M5T 2S6 Phone: 416.979.8800 x221 Fax: 416.979.2227 Email: jonas@smileyguy.com Website: www.smileyguy.com Baerenbraut Julia Böhnisch Filmakademie Baden-Wuerttemberg Mathildenstr. 20 Ludwigsburg, Germany 71638 Fax: ++49 (0) 7141 - 969 - 888 Email: ahiwi1@animationsinstitut.de Website: www.animationinstitut.de Berni's Doll Yann Jouette 1 Square Verdun Paris, France 78010 Email: yann.jouette@gmail.com Big Baby 'Rookie' Robert Marianetti Wachtenheim / Marianetti Inc 341 Grand Blvd. Scarsdale, NY USA 10583 Phone: 914.725.6835 Fax: 914.725.6835 Email: studio@wmanimation.com Website: www.wmanimation.com

Blind Spot Carolina Alckmin Talantis Films 36 Rue Milton Paris, France 75009 Phone: +33 1 45 26 13 02 Fax: +33 1 45 26 18 02 Email: digital@talantisfilms.com Website: www.talantisfilms.com Blueberry Eye 'Bru Bru Dance' Yuichi Ito I.TOON #301 4-24 Kaigan-dori Naka-ku Yokohama, Kanagawa Japan 231-0002 Phone: 011-81-45-222-6255 Fax: 011-81-45-662-9763 Email: itoon@mu2.so-net.ne.jp Box Alice Wigley Nexus Productions 113 Shoreditch High St London, UK E1 6JN Phone: 02077497500 Fax: 02077497501 Email: alice@nexusproductions.com Website: www.nexusproductions.com The Bunjies Andreas Hykade Studio Film Bilder Ostendstrasse 106 Stuttgart, Germany 70188 Phone: +(49) 711 481027 Fax: +(49) 711 4891925 Email: andreas@hykade.de Website: http://www.hykade.de C'est toujours la même histoire (It's Always the Same Story) Virginie Giachino Doncvoilà 130, rue Saint Maur Paris, France 75011 Phone: +(33) 9.5374.8060 Email: info@doncvoila.net Website: www.doncvoila.net Camera Obscura Annabel Sebag Premium Films 130 rue de Turenne Paris, France 75003 Phone: 0033 1 42 77 06 39 Email: animation@premium-films.com Website: www.premium-films.com Casa de Máquinas (Power House) Maria Leite Rua Antonio Torres 146/303 Belo Horizonte, Minas Gerais Brazil 31030-130 Fax: +55 31 34827965 Email: maryfontes@gmail.com

Cats' Gathering Fumina Koike NHK (Japan BRd.casting Corporation) 2-2-1 Jinnan, Shibuya-ku Tokyo, Japan 150-8001 Phone: +81-3-5455-5873 Fax: +81-3-3466-2811 Email: koike.f-ge@nhk.or.jp Cattle Call Mike Maryniuk Winnipeg Film Group 100 Arthur St 304 Winnipeg, Manitoba Canada R3B 1H3 Phone: 204-925-3455 Email: mike2kazoo@hotmail.com Chainsaw Dennis Tupicoff Jungle Pictures 112 Wellington St St Kilda, Victoria Australia 3182 Phone: +61 3 95101880 Fax: +61 3 95291079 Email: info@junglepictures.com.au Website: www.junglepictures.com.au Clorox 'Turtle' Kim Strobl Passion Pictures 33-34 Rathbone Place London, UK W1T 1JN Phone: +44 207 323 9933 Fax: +44 207 323 9030 Email: kims@passion-pictures.com Website: www.passion-pictures.com The Comic That Frenches Your Mind Bruce Bickford Seattle, USA Email: bickford.bruce@gmail.com Website: www.brucebickford.com The Control Master Run Wrake Sclah Films Hornbrook Cottage Appledore Rd. Woodchurch, Kent UK TN26 3TJ Phone: +44(0) 1233 860 842 Email: info@runwrake.com De Zwemles (The Swimming Lesson) Ursula van den Heuvel Netherlands Institute for Animation Film St. Josephstraat 135 Tilburg, Netherlands 5017GG Phone: 0031-13-5324070 Fax: 0031-13-5800057 Email: heuvel@niaf.nl Website: www.niaf.nl The Depose of Bolskivoi Hovhannes Will Inrig Email: winrig@sympatico.ca

OIAF 08 FESTIVAL READER | FIAO 08 LECTEUR DU FESTIVAL

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dEVOLUTION Candy Kugel Buzzco Associates Inc. 33 Bleecker St., Suite #5A New York, NY USA 10012 Phone: 212 473 8800 Fax: 212 473 8891 Email: info@buzzzco.com Website: www.buzzzco.com Dialogos Ülo Pikkov Eesti Joonisfiilm Ristiku 15-8 Tallinn, Estonia 10612 Phone: +(372) 6267182 Fax: +(372) 677.4122 Email: ylo@joonisfilm.ee DINO-ORANGE (How Birds Fly) Lansing Bruce Robertson 1-224 Kennedy Winnipeg, Manitoba Canada R3C 1T1 Phone: 204 946-5767 Email: lansingb@mts.net Drux Flux Madeleine Belisle National Film Board of Canada 3155 Cote de Liesse Saint-Laurent, QC Canada H4N 2N4 Phone: 514.283.9805/06 Fax: 514.496.4372 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation El Empleo (The Employment) Patricio Plaza 525 bis Nº 1781 La Plata, Buenos Aires Argentina 1900 Email: pakuplaza@yahoo.com.ar Website: pakuplaza.blogspot.com ElectroFlux Rose Bond Rose Bond Moving Pictures 4380 SW 86th Ave Portland, OR USA 97225 Phone: 503 957-7589 Fax: 503 297-1954 Email: rosebond@aracnet.com Website: www.rosebond.com En Agosto (In August) Andrés Barrientos Dia-Fragma, Fabrica de Peliculas CL 67 # 4A-67 Bogota, Cundinamarca Colombia 11001 Phone: +(571)7507492 Fax: +(571)7507492 Email: locambie@gmail.com Website: www.UstedEstaAqui.com En attendant (Waiting For) Richard Negre 8 rue de la grande chaumière Paris, France 75006 Phone: 33.1.46.33.41.83 Email: richardnegre@yahoo.fr Website: www.richardnegre.com

150

FILM CONTACTS

Ergo Dorottya Szorenyi Magyar Filmunio Phone: +36 1 351 77 60 Fax: +36 1 352 67 34 Email: dorotea.szorenyi@filmunio.hu Website: www.filmunio.hu The Fall Kim Anderson 3412 Parkdale Blvd., #404 Calgary, AB Canada T2N 3T4 Phone: 403.451.7990 Email: pilesofbones@yahoo.ca FedEx 'Carrier Pigeon' David Hulin Email: andrea.atwater@framestore.com Forming Game Madeleine Belisle National Film Board of Canada 3155 Cote de Liesse Saint-Laurent, QC Canada H4N 2N4 Phone: 514.283.9805/06 Fax: 514.496.4372 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation Glago's Guest Emily Hoppe Walt Disney Animation Studios 500 S. Buena Vista St. FAS L117 Burbank, California USA 91521-4823 Phone: 818-460-8936 Fax: 818-460-9202 Email: emily.hoppe@disney.com Great Ambition Malcolm Sutherland 7550 St Denis Montreal, Quebec Canada H2R2E6 Phone: (514)278-3952 Email: animalcolm@yahoo.ca Guardian 'Rhythm Of Life' Leah Wesolowski Head Gear Animation 25 Brant St., #301 Toronto, Ontario Canada M5V 2L9 Phone: 416-408-2020 Fax: 416-408-2011 Email: leah@headgearanimation.com Website: www.headgearanimation.com HA'AKI Madeleine Belisle National Film Board of Canada 3155 Cote de Liesse Saint-Laurent, QC Canada H4N 2N4 Phone: 514.283.9805/06 Fax: 514.496.4372 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation The Heart of Amos Klein Uri Kranot TinDrum Animation 12 Yaakov Cohen st. Ramat Hasharon, Israel 47213 Email: urikranot@yahoo.com

Holicday Jung Woon Kim Korea Animation High School Hanam, South Korea Email: cokoma21@nate.com Hungu Madeleine Belisle National Film Board of Canada 3155 Cote de Liesse Saint-Laurent, QC Canada H4N 2N4 Phone: 514.283.9805/06 Fax: 514.496.4372 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation I am so proud of you Don Hertzfeldt Bitter Films 275 South Orange Ave., Suite G Santa Barbara, CA USA 93117 Email: bitterfilms@hotmail.com Website: www.bitterfilms.com I Can Add Adam Sacks 628 E20th St, Apt 6h NY, NY USA 10009 Email: adam.sacks@gmail.com I Slept With Cookie Monster Kara Nasdor-Jones Email: karanasdorjones@yahoo.com Website: www.karanasdor-jones.com Idaho Lottery 'Twister' Rebecca Battle Acme Filmworks 6525 Sunset Blvd., Garden Suite 10 Hollywood, CA USA 90028 Phone: 323.464.7805 Fax: 323.464.6614 Email: pr@acmefilmworks.com Website: www.acmefilmworks.com Idiots & Angels Bill Plympton Plymptoons 153 W27th St. #1005 New York, NY USA 10001 Phone: 212.741.0322 Fax: 212.741.5522 Email: plymptoons@aol.com The Idiot Stinks Helder K. Sun umba jumba 645 N. Dillon St. Los Angeles, USA 90026 Fax: 323-578-5216 Email: heldersun@gmail.com Website: www.helderksun.com Intergalactic Who's Who 'The Pork 'n' Being' Carol Beecher Fifteen Pound Pink Productions 6716 22nd Ave N.E. Calgary, AB Canada T1Y 1P4 Phone: (403) 541 1527 Email: reaper@nucleus.com Website: www.mrgeorgereaper.com

Intergalactic Who's Who 'The Praepredatorprae' Carol Beecher Fifteen Pound Pink Productions 6716 22nd Ave N.E. Calgary, AB Canada T1Y 1P4 Phone: (403) 541 1527 Email: reaper@nucleus.com Website: www.mrgeorgereaper.com Jugglers Niven Wilson PO BOX 563 Downieville, California USA 95936 Email: dhsnwilson@yahoo.com Keith Reynolds Can't Make It Tonight Candi Smith Arthur Cox 16 Whitehouse St Bristol, UK BS3 4AY Email: info@worldofarthurcox.co.uk Website: www.worldofarthurcox.com KJFG No. 5 Dominika Szarka Studio Baestarts Szinhaz u. 5-9. Budapest, Hungary H-1014 Fax: +3613758574 Email: dominika.szarka@studiobaestarts.com Kodomo no Keijijogaku (A Child's Metaphysics) Koji Yamamura Yamamura Animation, Inc. 4-14-4-205 Kasuya Setagaya-ku Tokyo, Japan 157-0063 Phone: +81-3-3309-7101 Fax: +81-3-3309-6476 Email: info@yamamura-animation.jp Website: www.yamamura-animation.jp Kudan Koichi Yamagishi Links DigiWorks Inc. 2-14-1 Higashi-Gotanda, Shinagawa-ku Tokyo, Japan 141-0022 Phone: +81-3-5420-6138 Fax: +81-3-5420-6139 Email: zak49717@lion.zero.ad.jp Website: www.linksdw.com/index_e.html L'hiver de Léon (Leon in Wintertime) Madeleine Belisle National Film Board of Canada 3155 Cote de Liesse Saint-Laurent, QC Canada H4N 2N4 Phone: 514.283.9805/06 Fax: 514.496.4372 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation La maison en petits cubes (The House of Small Cubes) Miho Ohshima Robot Communications Inc. 3-9-7,Ebisu-minami, Shibuya-ku Tokyo, Japan 1500022 Fax: 81-3-3760-1248 Email: ohshima@robot.co.jp

La Vita Nuova Arnaud Demuynck Les Films du Nord 27 Ave Jean Lebas Roubaix, France 59100 Phone: +33(0)320111130 Fax: +33(0)320111131 Email: info@euroanima.net

Maraka Robert Marianetti Wachtenheim / Marianetti Inc 341 Grand Blvd. Scarsdale, NY USA 10583 Phone: 914.725.6835 Fax: 914.725.6835 Email: studio@wmanimation.com

Labyrinth Patrick Jenkins 54 Austin Terrace Toronto, ON Canada M5R 1Y6 Phone: (416) 533-2440 Fax: (416) 533-0508 Email: pjenkins@interlog.com Website: www.interlog.com/~pjenkins

MassArt 2008 Animation School Showreel Flip Johnson Massachusetts College of Art and design 621 Huntington Ave Boston, MA USA 02115 Phone: 617-879-7648 Email: flipjohnson@rcn.com

Les oiseaux, le vent, l'orage Éloi Ménard 6386, de Lorimier Montréal, Québec Canada H2G 2P4 Email: eloimenard@hotmail.com Let Me Do This One Dominic-Etienne Simard DESanimations 2057 Théodore Montréal, QC Canada H1V 3C1 Phone: 514-252-9197 Email: des@dominicetiennesimard.com Website: www.dominicetiennesimard.com A Letter To Colleen Andy London London Squared Productions 327 Saint Nicholas Ave, Suite 3J New York, NY USA 10027 Phone: 212 665 3343 Email: andyandcarolyn@mac.com Website: www.londonsquared.net Lightspeed Champion 'Dry Lips' Stephen Irwin small time inc. 51 Hargrave Mansions, Hargrave Rd. London, UK N19 5SR Email: stephen@smalltimeinc.com Website: www.smalltimeinc.com Like Me, Only Better Jane Colling Royal College of Art, Animation Dept. Kensington Gore London, UK SW7 2EU Phone: +44 (0) 207 590 4512 Fax: +44 (0) 207 590 4510 Email: jane.colling@rca.ac.uk Website: www.rca.ac.uk/animation Lost Utopia Mirai Mizue 9-4-402,Somechi 2-chome Chofu, Tokyo Japan 182-0023 Fax: 0424-40-0430 Email: mirai0714mizue@yahoo.co.jp Website: web.mac.com/mirai_mizue /iWeb/MIRAIwebsite Malchik (Boy) Dmitry Geller Studio "A-Film" 50 Lenin Str. Ekaterinburg, Russia 620075 Phone: 34 32 55 00 911 Fax: 34 32 55 0094 Email: a-film21@isnet.ru

Media & Diversity 'HIV / AIDS' Vessela Dantcheva Fin Film bul. Evlogi Georgiev 111 Sofia, Bulgaria 1504 Phone: +359 2 9444445 Email: fin_film@hotmail.com Website: www.finfilm.tk Mika 'Lollipop' Kim Strobl Passion Pictures 33-34 Rathbone Place London, UK W1T 1JN Phone: +44 207 323 9933 Fax: +44 207 323 9030 Email: kims@passion-pictures.com Website: www.passion-pictures.com Milk Dots Campaign Compilation Leah Wesolowski Head Gear Animation 25 Brant St, #301 oronto, Ontario Canada M5V 2L9 Phone: 416-408-2020 Fax: 416-408-2011 Email: leah@headgearanimation.com Min bestemor Beijing (My Grandmother Beijing) Arna Bersaas Norwegian Film Institute P.O. Box 482 Sentrum, Dronningensgate 16 Oslo, Norway 0105 Phone: +472.247.4500 Fax: +472.247.4597 Email: amb@nfi.no Website: www.nfi.no/english Mishonok i Lis (The Little Mouse and the Fox) Olga Chernova The 29-th February Company Ekaterinburg, Russia Email: olllch@mail.ru Mitsubishi 'Safer in a Wild World' Eddie White The People's Republic of Animation P.O. Box 177, Kensington Park Adelaide, South Australia 5068 Phone: +6188331 1446 Email: eddie@thepra.com.au Website: www.thepra.com.au

OIAF 08 FESTIVAL READER | FIAO 08 LECTEUR DU FESTIVAL

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The Mixy Tapes Madeleine Belisle National Film Board of Canada 3155 Cote de Liesse Saint-Laurent, QC Canada H4N 2N4 Phone: 514.283.9805/06 Fax: 514.496.4372 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation Mon petit frère de la lune (My Little Brother From the Moon) Guilaine Bergeret Sacrebleu Productions 23 rue Bisson Paris, France 75020 Phone: +33 1 42 25 30 27 Fax: +33 1 53 75 25 91 Email: guilaine@sacrebleuprod.com Website: www.sacrebleuprod.com MTV 'Fresh' Leah Wesolowski Head Gear Animation 25 Brant St. 301 Toronto, Ontario Canada M5V 2L9 Phone: 416-408-2020 Fax: 416-408-2011 Email: leah@headgearanimation.com Website: www.headgearanimation.com Muto Andrea Martignoni Via Rialto 20 Bologna, Italy 40124 Email: andrea_martignoni@fastwebnet.it Net10 'Agent' Adam Modiano World Leaders Entertainment 159 West 25th St., 9th Floor New York, New York USA 10001 Phone: 212-695-7373 Fax: 212-695-4195 Email: a.modiano@wleaders.com Website: www.wleaders.com Nishimatsuya 'Mimi in Wonderland' Yuichi Ito I.TOON #301 4-24 Kaigan-dori Naka-ku Yokohama, Kanagawa Japan 231-0002 Phone: 011-81-45-222-6255 Fax: 011-81-45-662-9763 Email: itoon@mu2.so-net.ne.jp The Nose Neil Burns Wind-up Pictures 20 Wyndham St Toronto, Ontario Canada M6K 1R7 Phone: 416 435 0405 Email: neilburns@sympatico.ca Website: www.windup.ca Oktapodi Carolina Alckmin Talantis Films 36 Rue Milton Paris, France 75009 Phone: +33 1 45 26 13 02 Fax: +33 1 45 26 18 02 Email: digital@talantisfilms.com

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FILM CONTACTS

Operator (Operator) Candi Smith Arthur Cox 16 Whitehouse St Bristol, UK BS3 4AY Email: info@worldofarthurcox.co.uk Website: www.worldofarthurcox.com Optical Percussion Gerd Gockell Anigraf Manteuffelstr.4 Hannover, Germany 30163 Phone: +49 160 92 64 75 01 Email: whats-her-name@t-online.de Oxfam 'Roar' (Oxfam 'Roar') Kim Strobl Passion Pictures 33-34 Rathbone Place London, UK W1T 1JN Phone: +44 207 323 9933 Fax: +44 207 323 9030 Email: kims@passion-pictures.com Website: www.passion-pictures.com Pecatum Parvum Jane Colling Royal College of Art, Animation Dept. Kensington Gore London, UK SW7 2EU Phone: +44 (0) 207 590 4512 Fax: +44 (0) 207 590 4510 Email: jane.colling@rca.ac.uk Website: www.rca.ac.uk/animation People from The Dark Years 'Bates' John Halfpenny 202 Woodycrest Ave. Toronto, ON Canada M4J 3C3 Email: halfsmail@rogers.com Presto Amanda Sorena Pixar Animation Studios 1200 Park Ave. Emeryville, CA USA 94608 Phone: 510.922.4177 Fax: 510.922.3800 Email: asorena@pixar.com Quidam Dégomme (A Sheep on the Roof) Rémy Schaepman Email: rsquidamdegomme@gmail.com Race Across the Rainbow Jackson He Email: pecanoutcast@gmail.com Rains (L’ondee) Madeleine Belisle National Film Board of Canada 3155 Cote de Liesse Saint-Laurent, QC Canada H4N 2N4 Phone: 514.283.9805/06 Fax: 514.496.4372 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation

Refreny (Refrains) Wiola Sowa ul.Mysliwska 72/36 Cracow, Poland 30-718 Email: wiolasowa@wp.pl The Replicants 'User' Marion Lucas Autour De Minuit Productions 21 rue Henri Monnier Paris, France 75009 Phone: +(33) 14.281.1728 Fax: +(33) 14.281.1729 Email: festivals@autourdeminuit.com Retouches Madeleine Belisle National Film Board of Canada 3155 Cote de Liesse Saint-Laurent, QC Canada H4N 2N4 Phone: 514.283.9805/06 Fax: 514.496.4372 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation Returning Round Malcolm Sutherland 7550 St Denis Montreal, Quebec Canada H2R2E6 Phone: (514)278-3952 Email: animalcolm@yahoo.ca Rhode Island School of Design School Showreel Rebecca Paiva Rhode Island School of Design 2 College St. Providence, RI USA 02903 Phone: 401-454-6233 Fax: 401-454-6356 Email: rpaiva@risd.edu Royal College of Art School Showreel Jane Colling Royal College of Art, Animation Dept. Kensington Gore London, UK SW7 2EU Phone: +44 (0) 207 590 4512 Fax: +44 (0) 207 590 4510 Email: jane.colling@rca.ac.uk Website: www.rca.ac.uk/animation Rybka (The Tiny Fish) Sergei Ryabov Nedelina Str., Bld 22, Apt 93 Schelkovo, Moscow region Russia 141100 Email: sergei_ryabov@mail.ru Sápmi Jan Lachauer Email: delaque@gmx.de Saturday Night Live 'The Ambiguously Gay Duo #11' J.J. Sedelmaier JJ Sedelmaier Productions, Inc. 199 Main St., #10 White Plains, NY USA 10601 Phone: 914.949.7979 Fax: 924.949.2082 Email: TrishJJSP@aol.com Website: www.jjsedelmaier.com

Seemannstreue (Sea Dog's Devotion) Ralph McKay Sixpack Film Americas Box 914609 W Galveston 609 W. Galveston St. Marfa, TX USA 79843 Phone: 4327294554 Email: amovie@sbcglobal.net Website: http://www.sixpackfilm.com

Syötti (Bait) Tomi Malkki The Dead Will Rise -studio Ulvilantie 29/3 A 201 Helsinki, Finland 00350 Phone: +358405843759 Email: malakias@grancanaria.fi

Sita Sings the Blues Nina Paley Nina Paley Productions, LLC 415 W. 44th St. #20 New York, NY USA 10036 Phone: 212-757-7786 Email: nina@ninapaley.com Website: www.ninapaley.com

Terra Aristomenis Tsirbas Snoot Entertainment 5225 Wilshire Blvd. 218 Los Angeles CA USA 90036 Phone: 323-937-0808 Fax: 323-937-0550 Email: charding@snoot.com Website: http://www.snoot.com

Skhizein Wendy Griffiths Dark Prince 5 passage Piver Paris, France 75011 Phone: +33 613 04 62 80 Email: wendyg@darkprince.fr Website: darkprince.fr

Thé Noir (Black Tea) Dora Benousilio Les Films d'Arlequin 23 rue Meslay Paris, France 75003 Phone: 33 01 42 77 20 55 Fax: 33 01 42 77 20 56 Email: arlequin@wanadoo.fr

Sony Bravia 'Play-Doh' Kim Strobl Passion Pictures 33-34 Rathbone Place London, UK W1T 1JN Phone: +44 207 323 9933 Fax: +44 207 323 9030 Email: kims@passion-pictures.com Website: www.passion-pictures.com

This Way Up Alice Wigley Nexus Productions 113 Shoreditch High St London, UK E1 6JN Phone: 02077497500 Fax: 02077497501 Email: alice@nexusproductions.com Website: www.nexusproductions.com

Stomach Boy Leo Lillrank Almvagen 53 Stockholm, Sweden 18734 Taby Email: studio-okto@hotmail.com

Trek Neels Britz 552 Masson St. Oshawa, Ontario Canada L1G 5A3 Phone: 416 935 4748 Email: neelsbritz@yahoo.ca

Streetcar Named Perspire Joanna Priestley Priestley Motion Pictures 1801 NW Upshur, Ste. 630 Portland, OR USA 97209 Phone: (503) 274-2158 Fax: (503) 274-2158 Email: joanna@primopix.com Website: www.primopix.com Superjail! 'Combaticus' Vanessa Riegel Augenblick Studios 20 Jay St., M7 Brooklyn, New York USA 11201 Phone: 718-855-9226 Email: vanessa@augenblickstudios.com Website: www.augenblickstudios.com Supinfocom School Showreel Annabel Sebag premium films 130 rue de Turenne Paris, France 75003 Phone: 0033 1 42 77 06 39 Email: animation@premium-films.com Website: www.premium-films.com

Triumphant Campaigns Of Captain Cudney Kyle Marshall Mercury filmworks Ottawa, Canada Email: milly4monkeys@gmail.com Último 'Spong Ice' Bolos Quentes Design Rua Santo Ildefonso nº34 - 1ºandar Porto, Portugal 4000-463 Phone: +351 220 155 808 Email: bolosquentes@gmail.com Website: bolosquentes.sollec.org The Upstate Four Fran Krause Animation Cowboys Inc. 164 Madison St. Brooklyn, NY USA 11216 Phone: (917) 741-6086 Email: frankrause@hotmail.com Website: www.frankrause.com Waltz with Bashir Yael Nahlieli Email: yael.na@gmail.com

Wanted Emily Carr University of Art + Design + Media 1399 Johnston St., Granville Island, 190B Vancouver, BC Canada V6H 3R9 Phone: 604 862 3802 Email: mediagrads@eciad.ca Website: http://www.eciad.ca Wanted Woonki Kim Electric Circus Chun-ui Techno Park 202-1305, Won-mi-gu Bu-Cheon, South Korea 420120 Phone: +82-32-623-0135 Fax: +82-32-623-0136 Email: ch10@paran.com Was denkst Du über Arm und Reich? (Things you Think 'Poor and Rich') Fee Zingler WDR Appellhofplatz 1 Cologne, Germany 50667 Phone: +49 221 220 4481 Fax: +49 221 220 4549 Email: fee.zingler@wdr.de The Weatherman William Becher 12 Hillsborogh Flats, Hotwell Rd., Bristol, UK BS84SW Phone: +44 (0)1454 859000 Email: will_becher@hotmail.com Website: www.maninmidair.co.uk Western Spaghetti Sarah Phelps PES Productions 60 West 129th St., Suite 7D New York, NY USA 10027 Phone: 917.589.2539 Email: sarah@eatpes.com Website: http://www.eatPES.com Woods Idan Vardi 8 Finless st. Tel Aviv, Israel 62265 Email: idanfree@gmail.com Website: www.myspace.com/ pianopianoanimation The Yellow Bird Tom Schroeder 541 Otis Av. Saint Paul, MN USA 55104 Phone: 651 917-3228 Email: tschroeder@mcad.edu Website: http://www.kachew.com Yo Gabba Gabba! 'Be Nice to Animals' Kangaroo Alliance 685 King Ave Athens, GA USA 30606 Phone: 706-353-3782 Email: kang-roos@kangarooalliance.com Website: www.kangarooalliance.com

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Yo Gabba Gabba! 'Charlie C' Joel Trussell 2005 Wildberry Court Knoxville, TN USA 37932 Phone: 865.539.1130 Email: joeltrussell@hotmail.com Website: www.joeltrussell.com Yo Gabba Gabba! 'Dancin' Jamie Mason 110 Keewatin Ave, #309 Toronto, Ontario Canada M4P 1Z8 Phone: 416-901-5450 Email: hobodivine@hotmail.com Yo Gabba Gabba! 'Hello Goodbye' Aaron Stewart 99 S. Elliot Pl. #2 Brooklyn, NY USA 11217 Email: bendablerubber@mac.com Yo Gabba Gabba! 'Hey Come and Play' Jesse LeDoux Gru-Ne #203 1-32-4 Hakusan Bunkyo-ku Tokyo, Japan 113-0001 Phone: 206-801-1723 Email: info@ledouxville.com Yo Gabba Gabba! 'I Found Love' Bran Dougherty-Johnson P.O. Box 379 Shelter Island Heights, NY USA 11965-0379 Phone: 631-749-1469 Email: bran@growdesignwork.com

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FILM CONTACTS

Yo Gabba Gabba! 'Look Both Ways' Arthur Jones 672 Driggs Brooklyn, NY USA 11211 Phone: 773-704-3559 Email: arthur@byarthurjones.com Yo Gabba Gabba! 'Pick It Up' Willy Hartland 140 north 8th St., #3r Brooklyn, New York USA 11211 Phone: 718-486-7962 Email: whartland@mac.com Website: willyhartland.com Yo Gabba Gabba! 'This is What the Summer Brings' Joel Trussell 2005 Wildberry Court Knoxville, TN USA 37932 Phone: 865.539.1130 Email: joeltrussell@hotmail.com Website: www.joeltrussell.com Yo Gabba Gabba! 'Toot Your Horn' Parker Jacobs 2520 Pellisier Place Whittier, CA USA 90601 Phone: 562-695-8325 x247 Email: parker@yogabbagabba.com Website: www.yogabbagabba.com Yo Gabba Gabba! 'Train Ride' Jonathan Garin Panda Panther 184 Duane St., 2nd Floor New York, NY USA 10013 Phone: 212.460.9300 Email: jon@pandapanther.com Website: www.pandapanther.com

C ITY MAP | CARTE D E VI LLE Boulevard Maisonneuve

Boulevard des Allumettieres

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Mall Museum of Civilization Cha Canadian | Musée Canadien des Civilization BILLINGS ESTATE BUS #97, 1, 7, 5 100 Laurier Street | 100, rue Laurier

Cabot St.

Empire Theatres - Rideau Centre | Cinémas Empire - Centre Rideau 50 Rideau Street (top floor) | 50, rue Rideau (dernier étage) Arts Court and SAW Gallery | Cour des arts et Galerie de SAW 2 Daly Ave at Nicholas, 2nd floor | 2, av. Daly, coin Nicholas, 2e étage Novotel 33 Nicholas Street | 33, rue Nicholas

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Foundation 18B York Street | 18B, rue York

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Both passholders and ticket buyers can take the free Animation Shuttle Bus. Hop on or hop off at any screening venue!

Fri., Sept. 19 from 6:15 pm to 11:00 pm Sat., Sept. 20 from 10:15 am to 11:00 pm Sun., Sept. 21 from 10:15 am to 10:00 pm 160