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TABLE OF CONTENTS TABLE DES MATIERES In Memoriam: Helen Hill, Filmmaker Extraordinaire A LA MEMOIRE D’HELEN HILL, CINEASTE EXTRAORDINAIRE

UPA Pictures: Magoo, McBoing-Boing and Modern Art UPA PICTURES: M. MAGOO, MCBOING-BOING ET L’ART MODERNE

Bawdy Politics: The Animation of Joanna Quinn POLITIQUE PAILLARDE: LE FILM D’ANIMATION DE JOANNA QUINN

10 Years of Having Their HEAD in GEAR 10 Reasons to Love Animation 10 RAISONS D’AIMER L’ANIMATION

Poetry in Motion LA POESIE EN MOUVEMENT

Saul Steinberg and Animation SAUL STEINBERG ET LE FILM D’ANIMATION

Dusan Vukotic: A Canonical Modernist of Animated Film DUSAN VUKOTIC: LE CANON MODERNISTE DU FILM D’ANIMATION

Perls of Wisdom: The Films of Janet Perlman PERLES DE SAGESSE: LES FILMS DE JANET PERLMAN

by | par

Heather Harkins

by | par

Tee Bosustow

by | par

Tom McSorley

by | par

Steve Angel & Julian Grey by | par

Hélène Tanguay

by | par

Marcel Jean

by | par

George Griffin

by | par

Hrvoje Turković

by | par

Chris Robinson

TABLE OF CONTENTS | TABLE DES MATIERES

25 29 37 42 44 51 58 70 75

TABLE OF CONTENTS TABLE DES MATIERES Sponsors PARTENAIRES

Schedule HONAIRE

Honorary President PRESIDENT HONORAIRE

Welcome BIENVENUE

Television Animation Conference CONFERENCE SUR L’ANIMATION TELEVISUELLE

Special Screenings PROJECTIONS SPECIALES

Competition Screenings PROJECTIONS DE CONCOURS

Showcase Screenings PROJECTIONS HORS-CONCOURS

TELETOON Animation Scholarship TELETOON BOURSE D’ANIMATION

Special Events EVENEMENTS SPECIAUX

Festival Organization ORGANISATION DU FESTIVAL

List of Advertisements LISTE DE PUBLICITE

Film Contacts CONTACTS DE FILM

City Map CARTE DE VILLE 6

TABLE OF CONTENTS | TABLE DES MATIERES

1 12 17 19 22 25 80 96 105 108 128 130 131 143

Working together to reach audiences En synergie avec l’industrie pour rejoindre les auditoires

Telefilm Canada: Proud partner of the Ottawa International Animation Festival Téléfilm Canada, fier partenaire du Festival international du film d’animation d’Ottawa

SCHEDULE | HORAIRE WEDNESDAY, SEPTEMBER 19

LPM

7:30 am - 5:00 pm Television Animation Conference

11:00 am Kids’ Animation Celebration

1:00 pm Kids’ Animation Celebration

5:00 pm TAC Boat Cruise

7:00 pm Feature Competition: Persepolis

9:00 pm Short Competition 1 GALA

MET

11:00 pm Opening Night Party (Passholders only)

BY NG

5:30 pm Animation Pimp Exhibition & Book Signing 7:00 pm Feature Competition: AAchi & SSipak 10 Reasons to Love Animation TAC Show and Tell 9:00 pm Short Competition 2 GALA Poetry in Motion 1 Feature Competition: Free Jimmy 11:00 pm des Refusés

SAW Salon

FRIDAY, SEPTEMBER 21

VENUES 4TH AV BAR BY CH EM HL

NAC Fourth Stage Avant-Garde Barrymore’s Music Hall Bytowne Cinema Chateau Laurier Empire Theatre Honest Lawyer

SUNDAY, SEPTEMBER 23

9:00 am Workshop: Evolution of Animation Software SAW Workshop: Activist Animation

4TH

9:00 am Workshop: Joanna Quinn Masterclass

9:30 am Meet the Filmmakers

10:00 am Free Teen Workshop

10:00 am Free Kids’ Workshop

4TH

7:30 am - 5:00 pm Television Animation Conference

9:30 am Meet the Filmmakers

9:00 am Career Day: NAD Centre

10:00 am UPA 3: The Designers

NAC

9:30 am Meet the Filmmakers

4TH

9:45 am Career Day: Max the Mutt

10:30 am Career Day: Sheridan College

4TH

THURSDAY, SEPTEMBER 20

BY NG EM

11:00 am UPA 1: The Trailblazers Joanna Quinn Retrospective School Competition 1 & 2

1:00 pm Short Competition 5 Career Day: Algonquin College Kids Competition: Television

1:45 pm Career Day: Vancouver Film School

2:30 pm Career Day: The Art Institute

BY NG

ST LOB

NAC NG EM NAC NG EM

11:00 am Workshop: Keeping it Old School: Looking Like the 40s in a Digital Age 12:30 pm - 4:30 pm Animators’ Picnic (Passholders only) 6:00 pm Animarket Grand Opening Book Signing: Michael Barrier 7:00 pm Feature Competition: Free Jimmy Saul Steinberg & Animation UPA 4: The Legacy 9:00 pm Short Competition 3 GALA Poetry in Motion 2 Feature Competition: AAchi & SSipak

NAC

1:00 pm Joanna Quinn Retrospective BY Short Competition 2 NG TELETOON Scholarship Finalists EM Dušan Vukotić Retrospective SAW Workshop: Blogging Animation

des Refusés

4TH NG

2:00 pm Workshop: Tomasz Bagiński Masterclass Free Teen Workshop

5:00 pm Chez Ani - Helen Hill Tea Party

NAC

7:00 pm Closing Ceremonies/Best of the Festival

LOB

6:00 pm DVD Signing: Pierre Hébèrt 7:00 pm UPA 1: The Trailblazers International Showcase Feature Competition: Persepolis Animated Women/Chicks’n’Giggles

9:00 pm Closing Night Party (Passholders only)

NAC NG

5:00 pm Chez Ani - Helen Hill Tea Party

SCHEDULE | HORAIRE

1:00 pm 10 Reasons to Love Animation Kids Competition - Short Films Poetry in Motion 2 Workshop: How to Make It Goofy

NAC

4:00 pm Workshop: Capturing the Abstract

EM 4TH

4TH

3:00 pm Short Competition 4 GALA BY Janet Perlman Retrospective NG Poetry in Motion 1 EM School Competition 3 SAW Workshop: Effective Storyboarding NAC

3:00 pm Canadian Showcase UPA 2: The Directors Head Gear Retrospective

2:00 pm Free Kids Workshop

11:00 am UPA 2: The Directors Short Competition 3 Canadian Showcase Dušan Vukotić Retrospective Workshop: Animation in Advertising

3:00 pm Janet Perlman Retrospective Short Competition 4 UPA 4: The Legacy Kids Competition - Television

11:00 pm SAW Salon

La Petite Mort NAC Lobby NAC Southam Hall National Gallery of Canada Novotel Hotel Rideau Locks Club SAW Strathcona Park

SATURDAY, SEPTEMBER 22

11:00 am NAC Kids Competition - Short Films GALA BY Short Competition 1 NG UPA 3: The Designers EM Head Gear Retrospective 4TH Workshop: Visual Effects and Animation SAW Workshop: Animation Screenwriting

9:00 am Workshop: Break it Down: A Music Video Spotlight

LPM LOB NAC NG NO RI SAW ST

BAR

9:00 pm Short Competition 5 GALA Saul Steinberg & Animation Feature Competition: Free Jimmy

BAR

11:00 pm Saturday Night Party (Passholders only)

NAC

NAC BY NG

OIAF 07 FESTIVAL READER | FIAO 07 LECTEUR DU FESTIVAL

Maman, 1999, by/de Louise Bourgeois, on view on the Gallery plaza/sur l’esplanade du Musée. © Louise Bourgeois

Even the building is a masterpiece Not only is the National Gallery an architectural delight, it’s home to the best of Canadian art, treasured masters and captivating retrospectives from artists like Renoir and Canada’s Joe Fafard and Tom Thomson. Don’t miss it.

Le musée lui-même est un chef-d’œuvre ! Non seulement le Musée des beaux-arts du Canada est-il une splendeur sur le plan architectural, mais on y retrouve la crème de l‘art canadien, des œuvres des grands maîtres et des rétrospectives captivantes, notamment de Renoir et des Canadiens Joe Fafard et Tom Thomson. Incontournable ! 380, promenade Sussex Drive, Ottawa 613-990-1985 national.gallery.ca musee.beaux-arts.ca

OIAF 07 HONORARY PRESIDENT: HELENE TANGUAY PRESIDENTE HONORAIRE DU FIAO 07 La singulière et inestimable Hélène Tanguay Le film d'animation, sous sa forme parfois raréfiée de cinéma d'auteur, fait partie intégrante de l'Office national du film du Canada depuis 1941. Réalisateurs et amateurs du monde entier ont vu et apprécié les animations de l'ONF, et le logo de l'ONF est reconnu et respecté partout où se pratique le film d'animation. Pendant la moitié de son histoire, l'animation à l'ONF a aussi été synonyme d'un nom, et le plus souvent elle a été connue par l'intermédiaire de la personne mémorable et captivante qui le porte : Hélène Tanguay. Hélène s'est jointe à l'unité des festivals de l'ONF en 1970 au doux âge de 17 ans, et son amour de l'animation s'est rapidement développé. En 1979, elle a découvert l'ASIFA et y est restée 19 ans à titre de bénévole passionnée et dévouée, tant au Canada qu'au Conseil international, dans ses « moments libres ». En 1994, Hélène a été mutée à notre studio à titre de directrice de la mise en marché pour les films d'animation. The singular, inestimable Hélène Tanguay Animation, in its sometimes rarified auteur form, has been an integral part of the National Film Board of Canada since 1941. Filmmakers and film aficionados around the world have seen and appreciated NFB animation and any place in the world where animation is practiced, the NFB logo is recognized and respected. For half of its history, animation at the NFB has also been synonymous with, and most often known through one memorable and captivating person: Hélène Tanguay. Hélène joined the NFB’s Festivals unit in 1970 at the sweet age of 17, quickly developing her love for animation. In 1979, she discovered ASIFA and volunteered with passion and dedication for 19 years both in Canada and on the international board in her “spare time”. In 1994, Hélène moved into our studio as Marketing Manager for Animation. Now, after almost four decades as the soul of NFB animation, Hélène is unhitching us and stepping into the next stage of her life, as a private citizen. We do expect her to drop by now and then with a sugar pie or two and hope she will continue to curate provocative lunchtime screenings of historic world animation. But mostly we will be on our own. We will struggle, deprived of her guiding hand, quick wit and frank critiques. That she has been committed, courageous, forthright and outspoken has always served us well. Passion includes fierce debate and in this Hélène has been a central force in the NFB’s ongoing reinvention of itself as a creative organization. It is not merely about speaking "truth to power", Hélène continually demonstrates the great impact and positive influence a passionate individual can have - on films, on filmmakers, on colleagues, on the organization. She has been the best friend who will always tell you the difficult truth in the interest of a better, happier result.

Aujourd'hui, après avoir été l'âme de l'animation à l'ONF pendant près de quatre décennies, Hélène se détache de nous et entre dans une nouvelle étape de sa vie, celle de simple citoyenne. Nous nous attendons bien à ce qu'elle vienne nous voir de temps en temps avec des tartes au sucre, et nous espérons qu'elle continuera à monter des projections provocantes de films d'animation historiques à l'heure du midi. Mais pour l'essentiel, nous devrons voler de nos propres ailes. Nous devrons nous débattre sans ses conseils, sans son esprit vif et sans ses franches critiques. Son engagement, son courage, son honnêteté et son franc-parler nous ont toujours bien servis. Il n'y a pas de passion sans débats enflammés, dit-on, et en ce sens, Hélène a été un moteur de la réinvention continue de l'ONF en tant qu'organisme de création. Ce n'est pas seulement « dire leurs quatre vérités aux pouvoirs en place » : Hélène a continuellement fait la preuve de l'impact et de l'influence positifs qu'un individu passionné peut avoir sur les films, les réalisateurs, les collègues, et sur l'organisation. Elle a été l'amie qui vous dira toujours une vérité difficile pour que vous arriviez à un résultat meilleur et plus heureux. Hélène n'a pas produit son propre film d'animation (du moins, pas encore), mais elle a choisi, modelé, appuyé, critiqué et promu un nombre incalculable de films et de réalisateurs, et a ainsi été une partie vitale de leur succès. Elle a affecté la vie de tant de gens par son humour, son ravissement, son choix étrange de blagues – et de pendants d'oreilles –, ses affections, sa loyauté, sa vaste expérience, la force de sa personnalité, son sens de l'histoire et son sens instinctif de la communauté. Nous lui sommes extrêmement reconnaissants de ce qu'elle ait su que son port d'attache était parmi nous. En un mot comme en mille, elle est notre amie, et nous l'aimons.

Hélène has not made her own animated film (yet), but she has selected, shaped, supported, critiqued, promoted and been a vital part of the success of more films and filmmakers than we can count. She touches the lives of so many people with her humour, her delight, her crazy taste in jokes…and earrings, her affections, her loyalty, her vast experience, the sheer force of her personality, her sense of history and her instincts about what makes a community. We are so grateful that her sense of where she belonged was in our midst. Simply put, she is our friend and we love her.

Michael Fukushima, Marcy Page & David Verrall Animation Studio, English Program, National Film Board of Canada Studio d'animation, Programme anglais, Office national du film du Canada

OIAF 07 FESTIVAL READER | FIAO 07 LECTEUR DU FESTIVAL

WELCOME

BIENVENUE

OIAF 07 FESTIVAL READER | FIAO 07 LECTEUR DU FESTIVAL

WELCOME

BIENVENUE

From urban life and dramatic landscapes, to inspiring heroes and personal struggles, all this – and more – makes for distinctive Canadian storytelling. Fittingly, the Ottawa International Animation Festival has put together a diverse program of works that spotlights Canada, and other cultures from around the world.

The National Film Board of Canada has enjoyed a special relationship with the Ottawa International Animation Festival from the very beginning. At the Festival’s inaugural edition in 1976, it was Norman McLaren—that great NFB visionary and animation pioneer—who served as its first Honorary President.

Part of celebrating outstanding Canadian productions is also recognizing the talent behind them, and the Ottawa International Animation Festival plays a valuable role in showcasing Canada’s creators and their productions.

The OIAF is now one of the world’s leading animation events, and the NFB is honoured to be a regular partner. Five NFB releases are appearing in this year’s competition—including Madame Tutli-Putli, fresh from its success at Cannes—and four films from our Hothouse mentorship program are part of the Canadian Showcase. In addition, we are sponsoring a master class with British animator Joanna Quinn in partnership with United Kingdom Trade & Investment, public encounters with filmmakers, workshops for children and the Public Prize Award for Best Animation Film.

Canadian animation continues to evolve as an art form that remains vibrant and alive by relying on the energies and ingenuity of a new generation. On behalf of the Board of Directors and staff of Telefilm, I would like to extend a warm welcome to you and invite you to discover what Canadian animation has to offer. Congratulations!

In closing, let me tip my hat to this year’s Honorary President, my former NFB colleague Helene Tanguay, whose passion for animation inspires us all. Madame President, I salute you!

WELCOME

On behalf of Members of Ottawa City Council, representing 877,000 residents, it gives me great pleasure to extend a very warm welcome to all those participating in the Ottawa International Animation Festival, being held in the nation’s Capital from September 19th to 23rd 2007. As Mayor of the City of Ottawa, I would like to lend my support to the collaborative efforts of the OIAF staff and Telefilm Canada to increase awareness of animation and to assist artists to gain exposure. Allow me to congratulate the OIAF organizers, sponsors, artists, volunteers and all those who have dedicated their time, energy, talents and resources to the successful organization of this important cultural event of international scope. As Mayor of the host city, I invite visitors to explore the numerous civic as well as national treasures and historic sites, which Canada’s capital has to offer. Please accept my best wishes for a very entertaining and memorable festival.

Vie urbaine, paysages de toute beauté, héros inspirants ou personnages confrontés à des défis personnels, tout ceci caractérise les histoires du Canada, qui offrent plus encore. Le Festival International d’Animation Ottawa propose un programme diversifié d'œuvres d'ici qui mettent en valeur le Canada et bien d'autres cultures du monde.

L'Office national du film du Canada entretient une relation spéciale avec le Festival international d'animation d'Ottawa depuis ses débuts. En effet, Norman McLaren — ce grand visionnaire de l'ONF et pionnier de l’animation — avait été nommé président honoraire de la toute première édition du Festival, en 1975.

Célébrer les productions canadiennes d’exception, c’est aussi reconnaître le talent de leurs créateurs. Ce festival joue un rôle de premier plan dans la mise en valeur des créateurs canadiens et de leurs productions.

L'ONF est honoré d’être un partenaire privilégié du FIAO, lequel s’inscrit maintenant parmi les événements incontournables de la scène mondiale de l’animation. Cette année, cinq nouveautés de l'ONF sont en compétition, dont Madame Tutli-Putli, récompensé à Cannes. De plus, quatre films issus du programme de mentorat Hothouse sont présentés dans la catégorie Programme canadien. Enfin, l'ONF commandite un atelier de maître avec l'animatrice britannique Joanna Quinn en partenariat avec United Kingdom Trade & Investment, des rencontres publiques avec des cinéastes, des ateliers pour enfants, ainsi que le prix du public du meilleur film d'animation.

L’animation canadienne continue d’évoluer, expression artistique sensible et vivante puisant à même l’énergie et l’esprit d’innovation de la nouvelle génération. Pour ces raisons, et en tant qu’investisseur culturel qui entend rapprocher les œuvres du public, Téléfilm Canada est fière d'être un partenaire du Festival International d’Animation Ottawa. Au nom du conseil d'administration et de l’équipe de Téléfilm Canada, je vous souhaite la plus chaleureuse bienvenue et vous invite à découvrir ce que vous offre l’animation canadienne.

Pour conclure, permettez-moi de saluer la présidente honoraire de cette année, Hélène Tanguay, une ancienne collègue de l'ONF, dont la passion pour l'animation est une inspiration pour nous tous. Madame la Présidente, mes hommages!

Au nom des membres du Conseil municipal d’Ottawa qui représentent 877 000 résidents, je suis ravi de souhaiter la bienvenue à tous les participants au Festival international d’animation d’Ottawa qui se tiendra dans la capitale nationale du 19 au 23 septembre 2007. En ma qualité de maire d’Ottawa, je suis très heureux d’appuyer les projets de collaboration du personnel du FIAO et de Téléfilm Canada qui contribuent à mieux faire connaître l’animation et à aider les artistes à obtenir une plus grande visibilité. Permettez-moi de féliciter les organisateurs du FIAO, les commanditaires, les artistes, les bénévoles et tous ceux qui ont consacré leur temps, leur énergie, leurs compétences et leurs ressources à l’organisation réussie de cet événement culturel important d’envergure En tant que maire de la ville hôte, j’invite les visiteurs à découvrir les nombreux trésors municipaux et nationaux et les nombreux lieux historiques qu’abrite la capitale nationale. Je vous souhaite un festival très mémorable et des plus divertissants. Recevez l’assurance de mes sentiments les meilleurs.

Félicitations!

Sincerely,

S. Wayne Clarkson

Tom Perlmutter

Executive Director, Telefilm Canada Directeur général, Téléfilm Canada

Government Film Commissioner and Chairperson of the National Film Board of Canada Commissaire du gouvernement à la cinématographie et président de l'Office national du film du Canada

WELCOME | BEINVENUE

Le maire, Larry O’Brien Mayor

BIENVENUE

Ontario Media Development Corporation is a proud sponsor of the Television Animation Conference at this year’s Ottawa International Animation Film Festival (OIAF). Ontario’s entertainment and creative cluster contributes $ 6.7 billion and 36,000 jobs annually to Ontario’s economy. Ontario’s animation industry is a global leader in innovation and an integral part of the province’s vibrant culture and economy. In addition to providing support to Ontario’s film and television industry, OMDC also promotes growth and excellence in Ontario’s television, book and magazine publishing, music and interactive digital media industries. At OMDC our motto is culture is our business. The OIAF’s Television Animation Conference ensures that festival delegates will have the opportunity to network with animators from around the world as well as explore new business channels with both domestic and foreign animation broadcasters, buyers. Congratulations to the dedicated team of programmers and staff at OIAF for putting the spotlight on animation. La Société de développement de l’industrie des médias de l’Ontario est fière de commanditer la Conférence sur l’animation télévisuelle du Festival international d’animation d’Ottawa (OIAF) de cette année. Le secteur du divertissement et de la création de l’Ontario contribue à l’économie ontarienne 6,7 milliards de dollars et 36 000 emplois par année. Le secteur de l’animation ontarien est un leader mondial en matière d’innovation et fait partie intégrante de la culture et de l’économie dynamiques de la province. Outre le soutien accordé à l’industrie cinématographique et télévisuelle de l’Ontario, la SODIMO promeut aussi la croissance et l’excellence des industries de la télévision, de l’édition de livres et de revues, de la musique et des produits multimédias interactifs numériques. La devise de la SODIMO est La culture, c’est notre affaire. La Conférence sur l’animation télévisuelle du FIAO permet aux délégués du festival de réseauter avec des animateurs du monde entier et d’explorer de nouvelles possibilités commerciales avec des radiodiffuseurs et des acheteurs canadiens et étrangers d’émissions d’animation. Nous tenons à féliciter l’équipe dévouée de programmeurs et le personnel du FIAO d’avoir mis les pleins feux sur l’animation. Sincerely, Cordialement,

Kevin Shea Chair, Ontario Media Development Corporation Président du conseil d'administration, Société de développement de l’industrie des médias de l’Ontario

Karen Thorne-Stone, President & CEO, Ontario Media Development Corporation Présidente-directrice générale, Société de développement de l’industrie des médias de l’Ontario

OIAF 07 FESTIVAL READER | FIAO 07 LECTEUR DU FESTIVAL

TELEVISION ANIMATION CONFERENCE CONFERENCE D’ANIMATION TELEVISUELLE

Wednesday, September 19 & Thursday, September 20 (Fairmont Château Laurier, Drawing Room and Québec Suite)

TAC 2007 HIGHLIGHTS

FAITS SAILLANTS DE LA CAT 2007

(Fairmont Château Laurier, Salle Drawing et Suite Québec)

TAC 07’s keynote speakers are Blair Peters, Partner and Executive Producer of Studio B Productions, the studio responsible for hits Being Ian and Class of Titans and Pascal LeNôtre of France’s renowned Folimage Studio, who will share his insights into achieving commercial success and outstanding art.

Les principaux conférenciers seront Blair Peters, associé et producteur exécutif de Studio B Productions, le studio responsable de succès tels que Being Ian et Class of Titans, et Pascal LeNôtre, du renommé studio français Folimage, qui communiqueront leur expérience en matière de réussite commerciale et de production artistique exceptionnelle.

La Conférence d’animation télévisuelle (CAT), qui a lieu parallèlement au Festival international d’animation d’Ottawa, se déroule au Château Laurier pendant les deux premiers jours du festival. Très populaire depuis ses débuts il y a trois ans, la CAT est un forum spécialisé de l’industrie destiné aux professionnels de la création de contenu, du développement, de la production, de la distribution et du marketing en animation. La conférence, à laquelle devraient prendre part quelque 250 délégués, regroupera des intervenants clés des marchés Nord-américains et internationaux et constituera un endroit idéal pour effectuer un réseautage efficace, échanger des informations pratiques et discuter affaires. Companies and organizations participating in TAC 07 include | Les entreprises et organisations qui prendront part à la CAT 2007 comprennent notamment :

PASCAL LENOTRE

Les mercredi 19 et jeudi 20 septembre

The Television Animation Conference (TAC), the OIAF’s industry side event, is held at the Château Laurier the first two days of the Festival. Selling out since its inaugural edition three years ago, TAC is a specialized industry forum designed for professionals in animated content creation, development, production, distribution and marketing. The event targets an audience of 250 delegates, bringing together key players in North American and international markets and provides an intimate space for effective networking, practical information exchange, and trade.

9 Story Entertainment Amberwood Productions Bell Broadcast and New Media Fund Bardel Entertainment Breakthrough Animation Canadian Broadcasting Corporation Cartoon Network Cookie Jar Entertainment Cuppa Coffee Studios

BLAIR PETERS

Decode Entertainment Family Channel Folimage Fuel Industries Galakids Jetix Europe Mercury Filmworks National Film Board Nelvana Nerd Corps Entertainment

Nickelodeon PBS Radio-Canada TELETOON Toon Boom Tribal Nova Studio B Productions YTV Zinc Roe and more!

TELEVISION ANIMATION CONFERENCE | CONFERENCE D’ANIMATION TELEVISUELLE

Preview Canada’s newest properties for broadcast at the TAC Show and Tell. This screening features some of the newest and greatest shows made in Canada with exclusive commentaries by the makers. Featured studios: 9 Story Entertainment, Cookie Jar Entertainment, Cuppa Coffee Studios, Decode Entertainment, Nelvana, Nerd Corps Entertainment, Smiley Guy Studios, Studio B Productions. Panels look at the producer/creator relationship, how to achieve first rate Canadian content, coproduction round-up, how to make the most of online platforms, plus a case study on Cookie Jar's Magi-Nation. Don't miss Pitch This!, featuring two producers pitching live to a panel of top television executives. Participants can make pre-arranged, face-toface meetings with key buyers and executive producers, take in intimate social events like the TAC Boat Cruise and TAC Luncheon, and get free advice from experts on all aspects of the industry at the Production Clinic.

Vous pourrez visionner à l’occasion de la CAT 2007 les plus récentes productions destinées à la télédiffusion. Cette projection de certaines des meilleures et plus récentes émissions réalisées au Canada sera accompagnée des commentaires exclusifs de leurs concepteurs. Les studios en vedette : 9 Story Entertainment, Cookie Jar Entertainment, Cuppa Coffee Animation, Decode Entertainment, Nelvana, Nerd Corps Entertainment, Smiley Guy Studios et Studio B Productions. Un groupe d’experts étudiera la relation entre producteurs et créateurs; comment produire un contenu canadien de premier ordre; les coproductions; comment tirer le maximum des plateformes en ligne; plus une étude de cas de Magi-Nation, de Cookie Jar. Ne manquez pas Pitch This!, où deux producteurs tenteront de persuader sur place un groupe de dirigeants de la télévision. Les participants pourront tenir sur les lieux des rencontres organisées à l’avance avec des acheteurs importants et des producteurs exécutifs, participer à des événements sociaux tels que la croisière et le lunch de la CAT, et obtenir des conseils gratuits de la part d’experts au niveau de tous les aspects de l’industrie en as-

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IN MEMORIAM: HELEN HILL, FILMMAKER EXTRAORDINAIRE A LA MEMOIRE D’HELEN HILL, CINEASTE EXTRAORDINAIRE by | par Heather Harkins

Helen Hill began making films as a child in Columbia, South Carolina, and continued to animate films throughout her adult life. She studied animation at Harvard University in the early 1990s, taking classes with instructors Suzan Pitt, Derek Lamb and Janet Perlman. She then earned a Masters in Fine Arts from the California Institute for the Arts in 1995, where her professors included Dr. William Moritz and Jules Engel. Hill admired German director Lotte Reiniger, a filmmaker who animated cut-out silhouettes in the feature film The Adventures of Prince Achmed (1926). Silhouettes and shadows figure prominently in several of Helen’s early films, as do teapots and chickens. Her films take an unflinching look at life and death. They also celebrate relationships, from the romance in Tunnel of Love, to the poignant familial bonds in Mouseholes, to Madame Winger’s emphatic suggestion that her audience seek out “fellow filmmakers.” After completing her graduate studies, Helen moved to Halifax, Nova Scotia, and began making films at the Atlantic Filmmakers’ Co-Operative. Chris Robinson, the artistic director of the Ottawa International Animation Festival, took an interest in Helen’s work and wrote, “Hill has fashioned a deceptively primitive body of work that is best described as quirky and unpretentious portraits of highly personal journeys into lands foreign and exotic, yet strangely familiar. Hill's most recent film, Mouseholes is a moving, comic-poetic tribute to her grandfather that merges cut-out and live-action with actual interviews between Helen and her grandfather along with snippets of dialogue from the funeral.” (Animation World Magazine, Issue 5.05, August 2000) Robinson included Mouseholes in his State of Canadian Animation programme that toured through North America, Europe, and Asia. In 1999, the Canada Council for the Arts awarded a grant to Helen that allowed her to travel from coast-to-coast across Canada, studying hand-made filmmaking techniques, including cameraless animation and hand-processing. As a result of this Combustible Countdown trip, Helen created the Recipes for Disaster cookbooklet (2001), which advised its readers to use whatever resources they could find to make films about things that they love. In discussing this project, Helen wrote, “It’s fun to handle film as a celluloid canvas rather than as a fragile carrier of images only to be handled by lab technicians… While new media moves away from film, you can move closer, learning more about its composition and possibilities. You can experiment and create the most beautiful images ever.” (AFCOOP’s Workprint, summer 1999) Helen herself used a wide variety of techniques and technologies in creating her work. “Her films were honest," said filmmaker and film professor Trixy Sweetvittles (director of Blue’s Clues and Dream Lover Fondue). "They had a warm, handmade feeling to them that reflected her in every way... There was no pretense." (Canadian Press: Friday, January 12, 2007) Helen and her husband, Dr. Paul Gailiunas, moved to New Orleans, Louisiana in 2000, but Hurricane Katrina forced them to relocate to Helen’s childhood home in Columbia, South Carolina in 2003. Despite this setback, she continued her animation art practice. Not even pregnancy could slow Helen’s productivity! Her short film Bohemian Town debuted at the Atlantic Film Festival in September of 2004, while Helen’s son Francis Pop Gailiunas made his own debut a month later.

Helen Hill a commencé à produire des films pendant son enfance à Columbia en Caroline du Sud et elle a continué à animer des films tout au long de sa vie d’adulte. Elle a étudié l’animation à Harvard University au début des années 90 où elle a suivi des cours des chargés d’enseignement Suzan Pitt, Derek Lamb et Janet Perlman. Elle a ensuite obtenu une maîtrise des beaux-arts du California Institute of the Arts en 1995 où ses professeurs incluaient le Dr William Moritz et Jules Engel. Hill admirait la réalisatrice allemande, Lotte Reiniger, une cinéaste qui animait des silhouettes découpées dans son long métrage Les Aventures du Prince Achmed (1926). Des silhouettes et des ombres sont mises en avant dans plusieurs des premiers films d’Helen, ainsi que les théières et les poulets. Ses films dressent un aperçu stoïque de la vie et de la mort. Ils célèbrent également les relations, de l’intrigue amoureuse dans Tunnel de l’amour à la suggestion emphatique de Madame Winger que son auditoire recherche des « co-cinéastes », en passant par les liens familiaux poignants de Trous de souris. Après avoir terminé ses études supérieures, Helen a déménagé à Halifax en Nouvelle-Écosse et a commencé à tourner des films à l’Atlantic Filmmakers' Cooperative. Chris Robinson, le directeur artistique du Festival international d’animation d’Ottawa, s’est intéressé au travail d’Helen et a écrit : « Hill a façonné des œuvres à l’apparence primitive trompeuse qui sont mieux décrites comme des portraits excentriques sans prétention de voyages très personnels dans des pays étrangers et exotiques, et toutefois, étrangement familiers. Le film le plus récent de Hill, Trous de souris, est un hommage comique et poétique émouvant à son grand-père qui combine des formes découpées et des scènes réelles avec de vraies entrevues entre Helen et son grand-père, ainsi que des entrefilets de dialogues lors de la sépulture. » (Animation World Magazine, édition 5.05, août 2000) Robinson a inclus Trous de souris dans son programme sur l’état de l’animation canadienne qui a fait des tournées à travers l’Amérique du Nord, l’Europe et l’Asie. En 1999, le Conseil des Arts du Canada a accordé une subvention à Helen, ce qui lui a permis de voyager d’un océan à l’autre à travers le Canada et d’étudier les techniques manuelles de cinématographie, incluant le dessin sur pellicule et le traitement manuel. Par suite de ce voyage de compte à rebours du carburant, Helen a créé le livret de cuisine Recettes pour un désastre (2001) qui conseillait à ses lecteurs d’utiliser toutes les ressources qu’ils pouvaient trouver pour réaliser des films sur ce qu’ils aimaient. En parlant de ce projet, Helen a écrit : « C’est amusant de traiter une pellicule comme une toile cellulo plutôt qu’un support fragile d’images qui ne doit être traité que par les techniciens du laboratoire. Même si les nouveaux médias s’éloignent du film, vous pouvez vous en rapprocher en en apprenant davantage sur sa composition et ses possibilités. Vous pouvez expérimenter et créer les images les plus magnifiques jamais créées. » (copie de travail de l’AFCOOP, été 1999) Helen a utilisé elle-même diverses techniques et technologies pour créer son travail. « Ses films étaient honnêtes », a déclaré le cinéaste et professeur Trixy Sweetvittles (réalisateur de Blue's Clues et Dream Lover Fondue). « Ils exprimaient un sentiment chaleureux de "fait à la main" qui sont son portrait à cent pour cent… Il n’y a aucune prétention. » (Presse canadienne, vendredi 12 janvier 2007)

OIAF 07 FESTIVAL READER | FIAO 07 LECTEUR DU FESTIVAL

In 2006, Helen held artist residencies at both the California State Summer School for the Arts in Valencia, California, as well as the New Orleans Center for Creative Arts in Louisiana. Using Super 8 film footage shot before Hurricane Katrina, she collaborated with Courtney Egan to create a new film entitled Cleveland Street Gap. Journalist Judy O’Rourke viewed the film and reported, “In Hill's nostalgic black-and-white "before" footage, neighborhood kids are seen running around, yelling, pushing scooters - and her physician husband, Paul Gailiunas, is pictured swinging one child by his hands. New Orleans-based experimental filmmaker Courtney Egan showed her version of the aftermath depicted in Hill's film, intercutting the decayed black-andwhite frames with color footage Egan shot in the same spots a couple of months ago. The contrast is great - Egan's frames are vivid but the neighborhood's vitality is gone, replaced by overgrown weeds and debris.” (“Big Easy caught on celluloid” Los Angeles Daily News: September 2, 2006) Hill garnered national American attention for her efforts to recover, restore, and screen her water-damaged films after Hurricane Katrina flooded her home. She was a guest speaker at the Orphans Film Symposium at the University of South Carolina. She also curated a programme of work for Home Movie Day New Orleans 2006 (sponsored by the Los Angeles-based Center for Home Movies), and she attracted the attention of scholar Kara van Malssen. In January 2007, Helen was working on The Florestine Collection, a film examining life in New Orleans, race relations, and exquisitely hand-made dresses (amongst other things). She had been given a Rockefeller Fellowship in support of this piece.

Helen et son mari, le Dr Paul Gailiunas, ont déménagé à la Nouvelle-Orléans dans la Louisiane en 2000, mais l’ouragan Katrina les a forcés à se reloger dans la maison d’enfance d’Helen à Columbia en Caroline du Sud en 2005. Malgré ce revers, elle a continué sa pratique d’art d’animation. Même sa grossesse n’a pas pu ralentir la productivité d’Helen ! Son court métrage Ville bohémienne a débuté lors du Festival du film de l’Atlantique en septembre 2004, alors que le fils d’Helen, Francis Pop Gailiunas, a fait ses propres débuts un mois plus tard. En 2006, Helen a tenu des résidences artistiques à California State Summer School for the Arts à Valencia en Californie, ainsi qu’au New Orleans Center for Creative Arts en Louisiane. À l’aide de métrages de film Super 8 pris avant l’ouragan Katrina, elle a collaboré avec Courtney Egan pour créer un nouveau film intitulé Brèche de la rue Cleveland. La journaliste Judy O'Rourke a vu le film et a déclaré : « Dans le métrage nostalgique en noir et blanc « avant Katrina » de Hill, on voit des enfants du voisinage courir, crier et pousser des trottinettes. Son mari, le médecin Paul Gailiunas, est filmé en train de balancer un enfant par ses mains. Le réalisateur de films expérimentaux de la Nouvelle-Orléans, Courtney Egan, lui a montré sa version des séquelles décrites dans le film de Hill, un montage alterné d’images en noir et blanc abîmées et du métrage en couleur d’Egan pris aux mêmes endroits deux mois plus tôt. Le contraste est énorme – les images d’Egan sont vivaces, mais la vitalité du voisinage est détruite et remplacée par les mauvaises herbes envahissantes et les débris. » (« Big Easy caught on celluloid », Los Angeles Daily News : le 2 septembre 2006)

IN MEMORIAM: HELEN HILL | A LA MEMOIRE D’HELEN HILL

On Thursday, January 4, 2007, Helen was murdered by an intruder in her New Orleans, Louisiana home. Before each competition programme at this year’s OIAF, we will screen one of Helen’s films. SELECTED FILMOGRAPHY | FILMOGRAPHIE SÉLECTIONNÉE : Rain Dance (danse de la pluie) [1990] Upperground Show (Spectacle à l’étage supérieur) [1991] Vessel [1992] The World's Smallest Fair (La plus petite foire du monde) [1995] Scratch and Crow [1995] Tunnel of Love (Tunnel de l’amour) [1996] Mouseholes (Trous de souris) [1999] Madame Winger Makes A Film: A Survival Guide for the 21st Century (Madame Winger fait un film : Un guide de survie pour le XXIe siècle) [2001] Bohemian Town (Ville bohémienne) [2004] Cleveland Street Gap (Brèche de la rue Cleveland) [2006] made with | réalisé avec Courtney Egan The Florestine Collection (La collection florestine) [efforts are being made to complete this work | des efforts sont déployés pour terminer cette œuvre]

For more information, please visit http://www.helenhill.org & http://helenhill.ckdu.ca

Hill a obtenu l’attention nationale des Américains pour ses efforts afin de récupérer, restaurer et visionner ses films abîmés par l’eau après l’inondation de sa maison par l’ouragan Katrina. Elle était une conférencière invitée de l’Orphans Film Symposium à University of South Carolina. Elle a également organisé un programme de travail pour Home Movie Day New Orleans 2006 (commandité par le Center for Home Movies de Los Angeles) et elle a attiré l’attention de l’érudite Kara van Malssen. En janvier 2007, Helen travaillait sur La collection florestine, un film examinant la vie dans la Nouvelle-Orléans, les relations interraciales et des robes exquises faites à la main (entre autres). Elle a été la récipiendaire d’une bourse Rockefeller pour cette œuvre. Le jeudi 4 janvier 2007, Helen a été assassinée par un intrus dans sa maison de la Nouvelle-Orléans en Louisiane. Avant chaque programme de compétition du FIAO de cette année, nous visionnerons un des films d’Helen. Pour un complément d’information, veuillez visiter http://www.helenhill.org et http://helenhill.ckdu.ca (en anglais).

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UPA PICTURES: MAGOO, MCBOING-BOING AND MODERN ART Reminiscence by Tee Bosustow

UPA PICTURES: M. MAGOO, MCBOING-BOING ET L’ART MODERNE. Mémoires par Tee Bosustow UPA Pictures, by many accounts, was the pivotal studio that brought animation into the modern age, and yet, I was totally unaware of its influence during its early years. I was born in 1938, when my father, Steve Bosustow, was working at the Walt Disney studio as a fledgling animator. Shortly after moving to the story department, he, and other workers, went out on strike, in 1941. My dad took me to Disney’s, and later I walked the picket line with him, or maybe he carried me. I don’t actually remember. I was only three, and my brother, Nick, was one. UPA got started in 1943, when I was five. I vaguely remember that their first studio was up a long flight of exterior stairs in the Otto K. Olsen building on Ivar, in Hollywood. It began as a space that Dave Hilberman and Zack Schwartz rented to do their painting, after working all day in the routine animation of the day. My dad had met them on the Disney picket line and began bringing them poster work, and finally a slide film called, Sparks and Chips Get the Blitz, a safety film for a construction firm in Long Beach. The three of them began doing animated films, with others joining them on a part time basis, for the union movement, and the war effort. I now know these films were cutting edge, but, at the time, all I remember were the neat realistic model planes from the Navy Department that my dad wouldn’t let me and Nick play with. I also remember going to political meetings with my parents. Almost ten years later they were considered subversive. And, I remember the eccentric artists, who often seemed more like large children than normal adults. I liked them a lot. They made me laugh. I didn’t realize they were changing the face of animation. The film I remember most in those early days was Brotherhood of Man. I couldn’t have been more than seven, when I first saw the film. The design didn’t faze me much, since we had books around the house with modern graphics, and my folks took us to museums to see modern art. But, I do remember liking the content of race relations because I went to an all-white school and knew kids who thought other races were inferior. So, I felt proud of my dad for making a film that debunked those race superiority myths. But, I still really had no idea UPA was revolutionary. In fact, I went through the 50s being more interested in school, girls, and the new rock and roll music, which I thought was groovy. Even when I started at UCLA in the cinema department, in 1957, when UPA was doing their

Le studio d’UPA Pictures a été selon plusieurs la charnière qui a amené l’animation cinématographique dans l’ère moderne et pourtant je n’étais pas du tout au courant de l'influence qu'il a exercée dès les premières années de son existence. Je suis né en 1938. À cette époque, mon père, Steve Bosustow, travaillait au studio Walt Disney en tant qu’animateur débutant. Peu de temps après avoir été muté au département de la scénarisation, en 1941, lui et d’autres travailleurs sont allés en grève. Mon père m’avait alors fait visiter le studio, et, peu de temps après, je me retrouvais à ses côtés au piquet de grève, ou peut-être qu’il me portait dans ses bras. Je ne me rappelle pas exactement. Je n’avais que trois ans, et mon frère Nick, seulement un an. L’UPA a débuté en 1943. J’étais alors âgé de 5 ans. Vaguement, je me rappelle que leur premier studio était tout en haut d’une série de longues marches dans l’édifice Otto K. Olsen, rue Ivar, à Hollywood. Le tout avait débuté lorsque Zack Swartz et Dave Hilberman avaient loué une salle pour faire de la peinture après avoir travaillé toute la journée en animation. Mon père les avait rencontrés au piquet de grève de Disney et avait commencé à leur présenter des travaux d’affiches et finalement, il leur a montré un film monté en diapositives intitulé : Sparks and Chips Get the Blitz. C’était un film pour la sécurité destiné à une firme de construction à Long Beach. Le trio a commencé à créer et à produire des dessins animés. D’autres se sont joints à temps partiel à l’équipe au nom du mouvement syndical et de l’effort de guerre. Maintenant, je sais que ces films étaient à la fine pointe, mais, à ce moment-là, tout ce dont je me rappelle, c’est des modèles réalistes d’avions de la Marine avec lesquels mon père nous avait interdit de jouer, mon frère Nick et moi. Je me rappelle également d’être allé à des réunions politiques avec mes parents. Presque 10 ans après, ces réunions étaient considérées comme subversives. Et, je me rappelle de ces artistes excentriques qui ressemblaient plutôt à de grands enfants qu’à des adultes normaux. Je les aimait beaucoup. Ils me faisaient rire. Je ne me rendais pas compte qu’ils étaient en train de changer le visage de l’animation. Le film dont je me souviens le plus était Brotherhood of Man. Je ne devais pas avoir plus de 7 ans lorsque j’ai vu le film pour la première fois. Les dessins ne m’avaient pas tellement marqué puisque, à la maison, traînaient partout des livres qui contenaient des illustrations modernes et que nos parents nous amenaient dans les

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CBS television series, I still didn’t get it. Few of my Cinema friends knew anything about UPA, so I guess sub-consciously it confirmed my feelings that I needn’t take UPA too seriously. I saw most of the UPA shorts, either at the studio, or at theater previews, or at screenings at our house, sometimes for staff members. I enjoyed the films, but I didn’t see many other cartoons, so I didn’t realize they were any different. What I remember most is that my dad loved his work and the people he worked with, and often would get extremely excited about certain films, or ideas for films. The Tell-Tale Heart

UPA PICTURES 1 - THE TRAILBLAZERS Thurs., Sept. 20, 11:00 am (Bytowne Cinema) Sat., Sept. 22, 7:00 pm (NAC Southam Hall)

UPA PICTURES 2 - THE DIRECTORS Thurs., Sept. 20, 3:00 pm (National Gallery) Sun., Sept. 23, 11:00 am (NAC Southam Hall)

This Overview will feature a look at the Classic films that put UPA on the international animation map, hosted by a UPA expert Tom Sito.

This Overview will feature a look at the top Directors, who guided UPA to its place in history, hosted by Mark Klausler.

Hell-Bent for Election [1944] Chuck Jones | 12:26 design: Zack Schwarts music: Earl Robinson

Flat Hatting [1946] John Hubley | 5:45 design: Zack Schwartz

Roosevelt Campaign Film for United Auto Works. First film produced by UPA (then Industrial Films) Trouble Indemnity [1950] Pete Burness | 6:25 story: Al Smalley, Bill Scott, Phil Eastman Mr. Magoo theatrical for Columbia Pictures Release. First Magoo film Directed by Peter Burness Miserable Pack of Wolves [1956] Lew Keller | 2:24 music/vocal: Mel Leven Gerald McBoing Boing Show segment, for CBS television. The Magic Fluke [1949] John Hubley | 6:53 design: Herb Klynn, Jules Engel, Bill Hurtz Fox & Crow series for Columbia Pictures Release. Gerald McBoing Boing [1951] Robert Cannon | 6:54 story: Dr. Seuss adaptation: Bill Scott & Phil Eastman Theatrical Short for Columbia Pictures Release. First Oscar for UPA Pictures (animated short). The Unenchanted Princess [1956] Fred Crippen | 3:15 design/animation: Fred Crippen narr: Edward Everett Horton Gerald McBoing Boing Show segment, for CBS television. Stag Beer [early 60s] unknown | 1:00 Burbank Studio commercial series with Mr. Magoo. Terror Faces Magoo [1959] Chris Ishii & Jack Goodford | 6:47 design: Mordi Gerstein Mr. Magoo theatrical for Columbia Pictures Release. Last theatrical Magoo, & only one produced in New York. One Wonderful Girl [1956] Rod Schribner | 4:20 animation: Rod Scribner Gerald McBoing Boing Show segment, for CBS television. The Miner’s Daughter [1950] Robert Cannon | 6:33 story: Bob Russell, Phil Eastman, Bill Scott design: Bill Hurtz Theatrical Short for Columbia Pictures Release. Madeline [1952] Robert “Bobe” Cannon | 6:39 story: Ludwig Bemelmans design: Art Heineman Theatrical Short for Columbia Pictures Release. Twirlinger Twins in Follow Me [1956] Osmond Evans | 3:26 Gerald McBoing Boing Show segment, for CBS television. When Magoo Flew [1955] Peter Burness | 6:35 design: Sterling Sturtevant story: Barbara Hammer & Ted Pierce Mr. Magoo theatrical for Columbia Pictures Release. Second UPA Oscar, first for Mr. Magoo.

UPA PICTURES

US Navy Training Film Robin Hoodlum [1948] John Hubley | 7:10 design: Herb Klynn, Jules Engel, Bill Hurtz Fox & Crow series for Columbia Pictures Release. The Lion Hunt [1956] John Whitney | 2:10 design: Ernie Pintoff music: Lyn Murry Gerald McBoing Boing Show segment, for CBS television. The Ragtime Bear [1949] John Hubley | 7:13 design: Bill Hurtz story: Millard “Butch” Kaufman Mr. Magoo theatrical for Columbia Pictures Release. The first Mr. Magoo, based on the character created by Butch Kaufman. The physical character by Hubley. Barefaced Flatfoot [1951] John Hubley | 6:52 story: Phil Eastman & Bill Scott design: Abe Liss Mr. Magoo theatrical for Columbia Pictures Release. Hubley & Burness overlapped Magoo films, with Hubley sometimes credited as supervisor on early Burness Magoos. Fuddy Duddy Buddy [1951] John Hubley | 6:53 story: Bill Scott & Phil Eastman color/design: Paul Julian Mr. Magoo theatrical for Columbia Pictures Release. Good Ol’ Country Music [1957] Ernie Pintoff | 2:50 design/anim: Fred Crippen vocal: Stan Freberg Gerald McBoing Boing Show segment, for CBS television. Rooty Toot Toot [1952] John Hubley | 7:34 color/design: Paul Julian story: John Hubley/Bill Scott Theatrical Short for Columbia Pictures Release. Piel’s Beer commercial [mid 50’s] unknown | 0:30 Bert and Harry characters created at UPA/New York voices Bob and Ray, popular NY comedians then. Fudget's Budget [1954] Robert “Bobe” Cannon | 6:54 design: T. Hee color: Jules Engel Theatrical Short for Columbia Pictures Release. Christopher Crumpet [1953] Robert “Bobe” Cannon | 6:45 story: T. Hee & Robert Cannon design: T. Hee Theatrical Short for Columbia Pictures Release. The Lost Duchess [1957] Rod Scribner | 5:56 voices: Bill Scott & Mel Leven Gerald McBoing Boing Show segment, for CBS television Willie the Kid [1952] Robert “Bobe” Cannon | 6:22 Theatrical Short for Columbia Pictures Release.

As I was entering my twenties, I even worked at UPA myself for a summer, as an apprentice in-betweener. I did most of my work for Alan Wade, but I was slow, and it was tedious work. So, I spent my lunch hours in editing, more to my liking, working with ex-Spike Jones Band members, Joe Siracusa and Earl Bennett. So, again, I was out of the “artistic” loop. I had to go all the way to France to finally understand the significance of UPA Pictures. I went to Paris to study French, and see if I could get into the Nouvelle Vague movement, which was producing ground-breaking features in the beginning of the sixties. I got close to breaking in, but didn’t get over the last couple of hurdles. But, that’s another story. The important thing for today is that almost every time I was introduced to French people, I would get, “Bo Su STOFF? Are you any relation to Steph Ahn – Bo Su STOFF?” Many French people, even those not in films, knew everything about UPA, could name all the directors and designers, and had seen almost all the films, especially the Columbia releases. I even found a book that listed the greatest filmmakers of all time, and my dad got ranked well above Disney, which delighted him to no end. So, in Paris, I began to see more UPA films and discuss them with other young film students from all over the world. Finally, in 1978, I organized a program of UPA films for the Filmex festival in Los Angeles. We had a panel discussion afterwards with many of the UPA artists, who are now gone; Jules Engel, Bill Hurtz, Herb Klynn, Art Babbitt, Dave Hilberman (actually, Dave, a wonderful fellow, is still alive), my dad, and several others. The room was packed that evening, and there and then I decided to do a documentary on UPA. I never became an animator. Tried, but wasn’t disciplined enough. So, documentaries became my chosen line of work. In the beginning, the UPA documentary went very slowly. I did a few interviews on audiotape, and began to collect information. But, it wasn’t until a few years ago that I really began to spend most of my spare hours on it. With over 60 interviews, we are getting close to finalizing a rough 90-minute feature documentary, entitled, UPA: Magoo, McBoing-Boing & Modern Art. The four programs at Ottawa are a culmination of the research and contacts I have made over the course of the last few years, while working on the UPA documentary. The Ottawa programs all feature a cross section of UPA films, so just seeing one program will give the viewer a good idea of the variety of style and content that emanated from the studio during those “golden” years, 1943 to 1960. Each program begins with a filmed introduction, hosted by a different expert, and focuses on one important element of the UPA story. The UPA story is not just contemporary design, but innovative animation, adult stories, human characters, modern music, and social consciousness. As many people have said, UPA didn’t have a “house” style, they chose a unique style to fit each project. The four UPA programs at

musées pour voir de l’art moderne. Je me rappelle aussi d’avoir aimé être mise dans un bassin de relations ethniques parce que j’avais fréquenté une école de blancs et parce que je connaissais certains de ces jeunes qui croyaient que les autres races ou ethnies étaient inférieures. Alors, j’ai ressenti de la fierté pour mon père pour avoir fait un film qui réfutait les mythes de la race supérieure. Mais je ne me rendais aucunement compte que l'UPA était révolutionnaire. En fait, j’ai passé à travers les années 50 en m’intéressant davantage à l’école, aux filles et à la nouvelle musique, le rock and roll surtout qui, je croyais, était une musique des plus entraînantes. Même lorsque j’ai commencé à l’UCLA, dans le département du cinéma, en 1957, lorsque l’UPA présentait des séries télévisées à CBS, je ne comprenais toujours pas. Très peu de mes amis du cinéma connaissait l’UPA. Alors, j’imagine que, subconsciemment, cela confirmait mon sentiment que je ne prenais pas trop au sérieux l’UPA. J’ai vu la plupart des courts métrages, au studio, pendant les pauses publicitaires des salles de cinéma ou à des soirées données pour les membres du personnel à la maison. J’ai beaucoup aimé les films, mais je n’ai pas vu beaucoup d’autres films animés. Alors, je ne me rendais pas compte à quel point ils étaient différents. Ce dont je me rappelle le plus, c’est que mon père aimait beaucoup son travail et les gens avec qui il travaillait. Et que, souvent, la création d'un film ou la mise au monde d'une idée l’enthousiasmait au plus haut point. Lorsque j’ai frappé la vingtaine, j’ai même travaillé à l’UPA pendant un été en tant qu’apprenti, pour faire le pont. J’ai fait la plupart de mon travail pour Alan Wade, mais j’étais lent, et c’était un travail pénible, alors j’ai passé mes périodes de dîner à faire du montage, qui était plus à mon goût, à travailler avec les ex-membres du groupe de musique Spike Jones Band, Joe Siracusa et Earl Bennett. Encore là, je me retrouvais à l’extérieur du « cercle artistique ». Il a fallu que j’aille jusqu’en France pour finalement comprendre la signification d’UPA Pictures. Je suis allé à Paris étudier le français et voir si je pouvais m’immiscer dans un mouvement de Nouvelle Vague qui produisait des longs métrages originaux au début des années 60. J’y ai presque fait mon entrée, mais je n’ai pas pu à cause des derniers obstacles. Mais c’est une autre histoire. Ce qui est important aujourd’hui, c’est que, à chaque fois qu’on me présentait à un Français, on me demandait « Bo Su STOFF? Avez-vous un lien de parenté avec Steph Ahn – Bo Su STOFF ». Beaucoup de Français, même ceux qui n’étaient pas dans le domaine du cinéma, connaissaient l’UPA. Ils pouvaient nommer tous les directeurs et concepteurs, et ils avaient vu presque tous ses films, particulièrement ceux présentés par Columbia. J’ai même trouvé un livre qui contenait la liste des plus grands producteurs de films de tous les temps et mon père se hissait au-delà de Walt Disney. Cela lui avait fait un immense plaisir. Alors, à Paris, j’ai commencé à voir plus de films de l’UPA et j’ai commencé à en discuter avec d'autres étudiants en cinéma venant de partout dans le monde. Finalement, en 1978, j’ai organisé un programme des films UPA pour le festival Filmex à Los Angeles. Nous avions eu, par la suite, un panel de discussions avec beaucoup d'artistes de l’UPA désormais disparus, Jules Engel, Bill Hurtz, Herb Klynn, Art Babitt, Dave Hilberman (un type magnifique, qui est encore des nôtres), mon père et plusieurs autres. Ce soir-là, la salle était pleine, et c’est à ce moment-là que j’ai décidé de tourner un documentaire

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UPA PICTURES 4 - THE LEGACY Fri., Sept. 21, 7:00 pm (Empire Cinema) Sun., Sept. 23, 3:00 pm (National Gallery) This Overview will feature a look at the Legacy that inspired animation to this very day, including the political influences, hosted by Jerry Beck. Hotsy Footsy [1952] Bill Hurtz | 6:31 design: Paul Julian color: Bob Drank & Paul Julian music: Milton “Shorty” Rogers Mr. Magoo theatrical for Columbia Pictures Release.

Gerald McBoing Boing

UPA PICTURES 3 - THE DESIGNERS Fri., Sept. 21, 10:00 am (Bytowne Cinema) Sat. Sept. 22, 11:00 am (National Gallery) This Overview will feature a look at the styles that set UPA apart from the other studios of the era, hosted by Cartoon Modern author Amid Amidi. Brotherhood of Man [1945] Robert “Bobe” Cannon | 9:30 Race Relations Film for United Auto Works. Adapted from a pamphlet that was way ahead of its time. Grizzly Golfer [1951] Pete Burness | 6:50 design: Abe Liss story: Bill Scott & Bill Dance Mr. Magoo theatrical for Columbia Pictures Release. The Unicorn in the Garden [1953] Bill Hurtz | 6:24 original story: James Thurber design: Bob Dranko Theatrical Short for Columbia Pictures Release. A Wounded Bird [1956] Fred Crippen | 3:02 design/animation: Fred Crippen music: Milton “Shorty” Rogers Gerald McBoing Boing Show segment, for CBS television More Than Meets the Eye [1952] John Hubley | 14:04 design (probably): Paul Julian Promotional film for CBS Radio. A chance to see UPA’s two top directors on same subject. It’s Time for Everybody [1953] Robert “Bobe” Cannon | 15:31 design: T. Hee & Sterling Sturtevant Promotional film for CBS Radio. A chance to see UPA’s two top directors on same subject. Old MacDonald [1956] Bob Dranko | 2:22 design: Bob Dranko music/vocals: Lyn Murry Gerald McBoing Boing Show segment, for CBS television. B/A Gas Commercial [mid-50’s] Unknown | 0:20 Most likely produced out of UPA/New York. Most of award winning UPA commercials came out of NY. How Now McBoing-Boing [1954] Robert “Bobe” Cannon | 7:10 design: T. Hee story: Bobe Cannon & T. Hee Theatrical Short for Columbia Pictures Release. The Oompahs [1952] Robert “Bobe” Cannon | 7:26 story/design: T. Hee color: Jules Engel Theatrical Short for Columbia Pictures Release. The Outlaws [1956] Osmond Evans | 3:55 design: Roy Morita vocal: Stan Freberg Gerald McBoing Boing Show segment, for CBS television. The Tell-Tale Heart [1953] Ted Parmelee | 7:40 design/color: Paul Julian adaptation: Bill Scott/Fred Grable original story: Edgar Allan Poe Theatrical Short for Columbia Pictures Release.

UPA PICTURES

Gerald McBoing Boing's Symphony [1953] Robert “Bobe” Cannon | 6:59 dir. Bobe Cannon story/design: T. Hee color design: Jules Engel & Michi Kataoka Theatrical Short for Columbia Pictures Release. The 3-Horned Flink [1957] Fred Crippen | 3:37 animation: Fred Crippen design: Jimi Murakami music/vocal: Mel Leven Gerald McBoing Boing Show segment, for CBS television. Baby Boogie [1955] Paul Julian | 5:57 design/color: Paul Julian story: Abe Liss & Leo Salkin Theatrical Short for Columbia Pictures Release. The Little Boy Who Ran Away [1956] Fred Crippen | 2:57 design/anim: Fred Crippen music: Shorty Rogers Gerald McBoing Boing Show segment, for CBS television. Trees and Jamaica Daddy [1957] 6:48 (two shorts) Hattie (Trees) director: Lew Keller song: Mel Leven Ham (Jamaica) director: Fred Crippen design: Jimi Murakami words/music: Mel Leven Open UPA intro design/anim: Rod Scribner Ham & Hattie theatricals for Columbia Pictures Release. Two by Two [1957] George Dunning | 5:05 One of few segments produced in UPA/New York. Gerald McBoing Boing Show segment, for CBS television. Ford Parts commercial [early-50’s] Unknown | 1:00 Most likely produced in LA with Ted Geisel (Dr. Seuss) and very possibly directed by Bobe Cannon. The Day of the Fox [1956] Alan Zaslove | 8:30 After starting as paint bottle washer at start of UPA, Zaslove worked way up through animation. This was his first directing project. Gerald McBoing Boing Show segment, for CBS television. Blues Pattern [1956] Fred Crippen | 1:32 design: Ernie Pintoff music: Shorty Rogers Gerald McBoing Boing Show segment, for CBS television. The Matador and the Troubadour [1957] Fred Crippen | 7:34 animation: Fred Crippen design: Jimi Murakami Gerald McBoing Boing Show segment, for CBS television. Mister Magoo’s Puddle Jumper [1956] Pete Burness | 6:17 design: Bob Dranko story: Dick Shaw Mr. Magoo theatrical for Columbia Pictures Release. Third UPA Oscar – that year UPA received ALL the nominations. Magoo Meets McBoing [1977] Abe Levitow | 4:13 story: Ron Carver What’s New Mr. Magoo television series. The Jaywalker [1956] Robert “Bobe” Cannon | 6:43 story: Edwin P. Hicks adaptation: T. Hee & Bobe Cannon design: T. Hee music: Billy May voice: Gene Bollay Gene Bollay was a local TV weatherman, who talked just as we hear on the short. He nailed the voice job. Theatrical Short for Columbia Pictures Release.

The Tell-Tale Heart Ottawa will help the viewer explore every aspect.

sur l’UPA.

The first program is THE TRAILBLAZERS, focusing on the creation of UPA and how it was able to break new ground in animation, right from the very beginning. The Trailblazers program is hosted by Tom Sito, author of Drawing the Line, which includes much of the early days of UPA, basically being formed on the 1941 picket line by disgruntled artists wanting a change in the status quo, and then the gutting of UPA, nearly a decade later, by Senator Joseph McCarthy’s HUAC hearings and the effects of the Hollywood Black List.

Je ne suis jamais devenu animateur, j’ai essayé, mais je n’avais pas assez de discipline. Alors, j'ai chois le documentaire. Au début, le projet du documentaire sur l'UPA allait à une vitesse de tortue. J’ai enregistré, sur bande audio, quelques entrevues et j’ai commencé à recueillir de l’information. Cependant, il n’y a que quelques années que j’ai réellement commencé à dépenser la plupart de mes énergies là-dessus. Avec au-delà de 60 entrevues, nous sommes sur le point de terminer à peine 90 minutes de tournage documentaire intitulé UPA : Magoo, McBoingBoing & Modern Art. Les quatre programmations d'Ottawa sont le résultat de recherches et de contacts que j’ai effectués ces dernières années pendant que je travaillais sur le documentaire de l’UPA.

The second program is THE DIRECTORS, which focuses on, not just the big three: John Hubley, Bobe Cannon and Pete Burness, but other animators and designers who got their first breaks in directing at UPA, such as: Bill Hurtz, Paul Julian, Ted Parmelee, George Dunning, Ernie Pintoff and Fred Crippen. The Directors program is hosted by animator/designer and animation collector/historian, Mark Kausler. Mark was a big hit as a panelist for the UPA Tribute at the Egyptian Theater in Hollywood, in 2006. At one point, for instance, he brought our attention to Bobe Cannon’s directorial innovations with a scene in Brotherhood of Man, that was unique in its day. The third program is THE DESIGNERS, the area that UPA is most known for, and we were able to get Amid Amidi to host it. Amid is probably the foremost authority on 50s animation design, exemplified in his remarkable book, Cartoon Modern: Style and Design in Fifties Animation. In it, he states his belief that the 50s were “the most stylish period in the history of animation”, and that UPA had more to do

Les programmations d’Ottawa présentent tous un échantillon varié de films de l’UPA, de sorte qu'une seule programmation donnera au spectateur une bonne idée de la variété, du style et du contenu qui émane du studio pendant « l'âge d’or », de 1943 à 1960. Par contre, chaque programme commence par une introduction cinématographique animée par un expert qui met l’accent sur un élément important de l’histoire de l’UPA. L’histoire de l’UPA ne se rapport pas seulement au design contemporain, mais à une animation innovatrice, aux histoires pour adultes, aux personnages humains, à la musique moderne et à la conscience sociale. Tel que beaucoup l’ont dit, l’UPA n’avait pas de « style maison », mais choisissait un style unique adapté à chaque projet. Et, les quatre programmes de l’UPA à Ottawa aideront le spectateur à ex-

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plorer chacun des aspects. Le premier programme est intitulé LES PIONNIERS. Il met l’accent sur la création de l’UPA et comment il a été en mesure d’innover en matière d’animation dès le tout début. Le programme Les Pionniers est animé par Tom Sito, l’auteur de Drawing the Line. Cette partie inclut les premières années de l’UPA, qui a été formé sur le piquet de grève en 1941 par des artistes contrariés qui voulaient changer le statu quo, et sa dissection, près de 10 ans plus tard, par les audiences du Sénateur Joseph McCarthy à la HUAC, et les conséquences de la liste noire d’Hollywood. Le deuxième programme est LES RÉALISATEURS. Il est axé sur les trois géants, John Hubley, Bobe Cannon et Pete Burness, mais d’autres animateurs et concepteurs à qui l’UPA a donné leur première chance en réalisation : Bill Hurtz, Paul Julian, Ted Parmelee, George Dunning, Ernie Pintoff et Fred Crippen. Le programme Les Réalisateurs est présenté par l’animateur, concepteur, collectionneur et historien de l'animation Mark Kausler. Mark a remporté un énorme succès en tant que paneliste lors d’un hommage à l’UPA à l’Egyptian Theater à Hollywood en 2006. À un moment donné, par exemple, il a insisté pour que nous portions attention aux innovations en réalisation de Bobe Cannon dans une scène de Brotherhood of Man, ce qui était unique en son genre à l’époque. The Unicorn in the Garden with that high-water mark than any other studio. One of the reasons may be their unique contract with Columbia Pictures, who agreed that for every Mr. Magoo UPA produced for Columbia, the studio could make any other short of their own choosing … something unheard of … before or since. The fourth, and final program is THE LEGACY, or how UPA has influenced animation to this very day. The well-respected animation director/book author/historian, Jerry Beck, and frequent presenter at Ottawa, hosts this last program. Jerry is one of the world’s leading authorities on animation history, and has been an enormous help in moving our UPA documentary forward. He has hosted two other tributes on UPA, and has been instrumental in getting contacts for interviews and collections. He’s the perfect person to wrap up the UPA story at Ottawa this year. So, even though I’m a late-comer to animation, or perhaps because of it, this is a great honor to be able to present these four programs to the Ottawa participants. It wouldn’t have been possible without Jerry, Amid, Mark, Tom, and many others too numerous to mention. The credits on the documentary may be longer than the film itself. Anyway, I hope you all enjoy watching the programs as much as we have enjoyed putting them together.

Le troisième programme portera sur LES CONCEPTEURS. C’est le domaine pour lequel l’UPA est le plus connu. Et nous avons été en mesure d’avoir avec nous Amid Amidi pour l’animer. Amid est sans doute la principale autorité en conception d’animation des années 50. On peut voir son travail dans son livre remarquable, Cartoon Modern : Style and Design in Fifties Animation. Dans ce livre, il affirme que les années 50 « ont été les années qui ont donné lieu à l’animation la plus stylisée dans l’histoire de l’animation » et que l’UPA en était en grande partie responsable, plus que les autres studios. L’une des raisons en est peut-être ce contrat unique avec Columbia qui lui permettait de produire, à chaque production de M. Magoo, une autre production son choix... Du jamais vu avant, ou après. Le quatrième programme et le programme final, c’est L'HÉRITAGE, ou comment l’UPA a influencé l’animation à ce jour. Le respecté Jerry Beck, réalisateur de films d'animation, auteur et historien qui a fréquemment fait des présentations à Ottawa, anime ce dernier programme. Jerry est l’une des autorités mondiales en matière d’histoire de l’animation et nous a fourni une aide précieuse pour mener le documentaire sur l’UPA à bonne fin. Il a animé deux autres hommages sur l’UPA et a orchestré l'obtention de contacts pour obtenir des entrevues et voir des collections. Il est l’homme idéal pour clôturer l’histoire de l’UPA à Ottawa cette année.

We’rre mo e st than juion! t a m i n a Classical & Computer Animation 3D Computer Animation & Production Illustration for Sequential Arts: Comic Books & Graphic Novels Concept Art for Animation & Video Games “Max the Mutt has the best faculty and curriculum of any school I’ve seen.” Matt Rose

Max the Mutt graduate; Associate Artist & Assistant Art Lead, Electronic Arts

“Max the Mutt is cranking out some top-notch talent at a time when industry recruiters need it most.” Paul Brown

Series Director, CORE Digital Pictures, Toronto

Même si je suis une « vocation tardive » dans le domaine de l’animation, c’est un honneur indicible pour moi de pouvoir présenter ces quatre programmes aux participants d’Ottawa. Cela n’aurait pas été possible sans la participation de Jerry, Amid, Mark et Tom, et d'innombrables autres précieux collaborateurs. La liste des crédits risquerait d’être plus longue que le film lui-même. Quoi qu'il en soit, j’espère que vous aurez autant de plaisir à regarder les programmes que nous en avons à les monter.

UPA PICTURES

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BAWDY POLITICS: THE ANIMATION OF JOANNA QUINN by Tom McSorley There’s this woman named Beryl. She’s loud, large, passionate, a bit insecure, more than a bit of a drinker, and more than a bit of a party animal. Beryl likes to get out of the house, away from the telly, go have a drink and a gab with the gals, and do things like snatch leopard skin thongs from the swaying genital bulk of male strippers. She also loves parties and weddings, and takes her video camera to one wedding and straps it onto her dog’s back while sloppily spouting film theory slogans from Leni Riefenstahl, Dziga Vertov, and Sergei Eisenstein. You know, the usual. She’s no wallflower, Beryl, and she’s not averse to moving her own body on stage, either. She works out, as she knows she is on the hefty side and not getting any younger; but, hey, she can dance and she knows how to have a good time.

POLITIQUE PAILLARDE : LE FILM D’ANIMATION DE JOANNA QUINN par Tom McSorley Il y a cette femme dénommée Beryl. Elle est tapageuse, costaude, passionnée, un peu anxieuse, elle boit un peu démesurément et aime faire la fête plus qu’à son tour. Beryl aime sortir, s'éloigner de la télé, prendre un verre et bavarder avec les filles, et saisir le cache-sexe en peau de léopard du stripteaseur pendant le balancement de son organe. Elle aime les fêtes, apporte sa caméra vidéo à un mariage et la fixe au dos de son chien pendant que négligemment, elle débite des slogans de théorie cinématographique de Leni Riefenstahl, de Dziga Vertov et de Sergei Einsenstein. Les trucs habituels, quoi. C'est pas une giroflée, Beryl, et elle ne déteste pas bouger son corps sur scène non plus. Elle s’entraîne parce qu'elle sait qu’elle fait partie du groupe des plus lourdes et qu’elle n’est plus jeune, mais, pourquoi s'en faire, elle sait danser et s’amuser. PRESENTED BY PRESENTÉ PAR

JOANNA QUINN

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Memorable characters in animation are legion. Beryl is one of them. She is also award-winning British animator Joanna Quinn’s muse, the principal and prodigious figure in a filmography that wittily and cleverly explores ideas of identity, representation, body image, and gender politics. In the animating hands of Quinn and through her irrepressible Beryl, such explorations have never been so perceptive while being so funny. Her distinctive line drawing animation style playfully interrogates how the body is represented and, by extension, how cultural biases and stereotypes distort how we see our own bodies as well as the bodies of others. Born in 1962 in Birmingham and now based in Cardiff, Wales, Joanna Quinn’s distinguished career as an animator is based on a love of the deceptively simple act of drawing lines. As she mentions in a recent interview, her career in animation began as a passion for drawing. "I always loved to draw. I was an only child so I spent quite a lot of time alone and just drawing, drawing, drawing. I didn't really plan to be an animator. It wasn't until I went to Middlesex Polytechnic and did a graphic design course that I was introduced to animation. Then of course it just seemed so fitting. When everyone else was going, 'Oh my God, how many drawings?' I was going, 'Yippee, thousands of drawings!' It just suits the way I work.’’1 Having trained at Middlesex, Quinn expanded her passion for drawing into a career, which includes extensive work in commercial advertisements, as well as in her own independent films. That career began with, to Quinn’s joyful surprise, the extraordinary success of her first film, Girls Night Out, in 1986, which unleashed upon an unsuspecting world the indomitable, unforgettable figure of Beryl. With her producer-writer partner Les Mills, she relocated to Cardiff and has been producing impressive and idiosyncratic animation ever since. From designing and animating advertisements for chocolate, cat food, airlines, and toilet paper, to adapting a literary masterpiece by Geoffrey Chaucer, Quinn’s versatile work is anchored in a respect for the subjects she animates. There is anarchy and satire here, certainly, but no contempt. In the midst of the considerable chaos and the comedy of her work, there is an adamantine core of dignity based on a recognition and a representation of what is actually there and not what one wishes was there. This is especially true of the human body -- the female body in particular -- around which almost all of Joanna Quinn’s best animation revolves, and where its politics finds expression. Quinn’s works are filled with the body’s bumps and eccentric bulges, its flatulent eruptions, its intractable processes of expansion and erosion, its vast and ever-changing array of dessication, decay and carnal delight. Part of this is a nod to traditions of English humour, which often locates its comic effects in the lower regions of the human form, but an equally important part of Quinn’s ‘body consciousness’ is precisely her argument that the body must be seen, heard, even smelled (ah, if only we could smell animation), and not idealized. These are the tangible, messy politics of the body. In the case of this animator, that body politic is primarily female. Indeed, when it comes to women and their representations in popular culture and the endless gallery of idealized body imagery foisted upon them, Quinn -- like her boisterous champion of the first, second, and third waves of feminism, Beryl -- takes no prisoners. While the loveable, antic figure of Beryl does dominate the animated dramatis personae of Joanna Quinn, she is by no

JOANNA QUINN

Dans le cinéma d'animation, les personnages sont légion. Beryl en est un. Elle est aussi la muse de l’animatrice britannique primée Joanna Quinn, le principal et prodigieux personnage d'une filmographie qui, avec beaucoup d’esprit et d'intelligence, explore les concepts de l’identité, de la représentation, de l’image corporelle et de la politique des sexes. Entre les mains animantes de Quinn et à travers son irrépressible Beryl, une telle exploration n’a jamais été aussi profonde, ni aussi drôle. Son style distinctif d'animation par dessin au trait interroge de façon enjouée les représentations du corps, et par extension comment les préjugés culturels et les stéréotypes déforment la perception de notre propre corps, aussi bien que celui des autres. Née en 1962 à Birmingham, et à l’heure actuelle installée à Cardiff, au Pays de Galles, Joanna Quinn a eu, en tant qu'animatrice, une carrière remarquable, fondée en apparence sur l’amour du geste apparemment simple de dessiner des lignes. Comme elle l’a mentionné dans une récente interview, sa carrière en animation a débuté par sa passion pour le dessin. « J’ai toujours aimé dessiner. Toute enfant, je passais pas mal de temps seule à dessiner, dessiner et encore dessiner. Je n’avais pas vraiment prévu devenir réalisatrice de films d'animation. Ce n’était pas mon ambition jusqu’à ce que j’aille à Middlesex Polytechnic et suive un cours de design graphique, qui m’a initié à l’animation. Puis, bien sûr, ça semblait fait pour moi. Quand chacun s’écriait : “Oh ! mon Dieu, combien y a de dessins !”, je répondais : “Hourra ! Des milliers de dessins.” Ça convenait à ma façon de travailler. »1 Ayant reçu sa formation à Middlesex, Quinn a élargi sa passion pour le dessin jusqu'à en faire une carrière incluant beaucoup de travaux en publicité commerciale aussi bien que dans la réalisation de ses propres films à titre d'indépendante. Sa carrière s’est amorcée, à sa grande surprise, avec le succès extraordinaire de son premier film, Girls Night Out, en 1986, lequel a lâché dans un monde qui ne s'y attendait pas l'indomptable et inoubliable Beryl. Avec son partenaire producteur et scénariste Les Mills, elle a redéménagé à Cardiff et y a produit depuis d’impressionnants et singuliers films d’animation. Depuis les dessins et publicités animées pour du chocolat ou de la nourriture pour chats, à l’adaptation d’un chef d’œuvre de la littérature de Geoffrey Chaucer, en passant par des pubs pour des compagnies aériennes ou du papier de toilette, le travail polyvalent de Quinn est ancré dans le respect du sujet qu’elle anime. Il y a de l'anarchie et de la satire, c'est certain, mais pas de mépris. Au milieu du grand chaos et de la comédie que révèle son travail, il y a un noyau fondamental de dignité, basé sur la reconnaissance et la représentation de ce qui est là en fait, et non sur ce que l’on souhaite qui y soit. Cela est vrai pour le corps humain, le corps féminin plus particulièrement, autour duquel gravitent presque tous les meilleurs films d’animation de Joanna Quinn, et où ses idées politiques trouvent leur expression. Son œuvre est remplie de courbes corporelles et de bombements excentriques, d'éruptions flatulentes, des processus insurmontables de l’expansion et de l’érosion du corps, de la vaste mais aussi toujours changeante gamme de dessèchement, de pourrissement, mais aussi de délices sensuels. C’est là en partie un salut à la tradition de l’humour britannique, qui situe souvent ses effets comiques dans les régions plus basses de la forme humaine. Mais une partie également importante de la conscience corporelle de Quinn est précisément son argument selon lequel le corps doit être vu, entendu, même senti (Ah ! Si seulement

Dreams and Desires: Family Ties

means the only strong woman to be found. There is the Wife of Bath in Quinn’s exquisite adaptation of that particular story in Chaucer’s The Canterbury Tales. She is cunning and clever, and easily confounds the knight who searches for the solution to the unanswerable question: what do women want? Further along, there are two lively and licentious women who, literally and figuratively, take control of their own representation in an artist’s studio, in Elles (1992). There is also the political powerhouse, for better and for worse, of Queen Victoria, in Britannia (1993), who, in various carnivorous and canine incarnations of imperialism, witnesses both the ascension and withering away of the British Empire. Ultimately, though, it’s Beryl who rules Britannia, and Joanna Quinn’s animation. After all, even Quinn’s and Mills’ production company is called Beryl Productions International Ltd. Her character is at once a riot of malapropisms and aimless energies as well as a proud and perceptive woman fearlessly fighting for self-respect and acceptance, whether it’s during a night out with the girls, in Girls Night Out, or entering a dance competition in Body Beautiful (1990). Beryl will not, and cannot, be denied. In the masterful, award-winning Dreams and Desires: Family Tales (2006), she takes her video camera to her friend Mandy’s raucous wedding, and somehow produces a record of the event worthy of Luis Bunuel. As Beryl gets drunker and the images become less inhibited, shall we say, the hilarity mounts as does the satirical critique of British society. Beryl argues that her work “could have been a triumph in the wedding video genre.” Actually, Beryl, it is and, like you and the animation artist who drew you into being, it is so much more.

nous pouvions sentir un film d’animation) et non pas idéalisé. Voilà les politiques tangibles et pas si nettes du corps. Dans le cas de l’animatrice Quinn, la politique du corps est d’abord féminine. En effet, quand on en vient aux femmes et à leurs représentations dans la culture populaire ainsi que dans la galerie sans fin des images idéalisées du corps qui leur est refilée, Quinn — comme sa turbulente championne des première, deuxième et troisième vagues du féminisme, Beryl — ne fait pas de prisonniers. Si l’adorable et fantaisiste personnage de Beryl domine les personnalités dramatiques animées de Joanna Quinn, elle est aussi sans contredit la seule femme forte de la bande. Il y a la Wife of Bath dans l'exquise adaptation que fait Quinn de cette page des Canterbury Tales de Chaucer. Cette « épouse » astucieuse et rusée terrasse sans peine le chevalier qui cherche une solution à la question sans réponse : « Que veulent les femmes ? » Plus tard, deux femmes vives et licencieuses prendront, au sens propre comme au sens figuré, le contrôle de leur propre représentation dans un studio artistique, dans Elles (1992). Il y a aussi le centre du pouvoir politique, pour le meilleur et pour le pire, de la Reine Victoria, dans Britannia (1993) qui, par plusieurs incarnations carnivores et canines de l’impérialisme, témoigne aussi de l’ascension et du déclin de l’Empire britannique. Mais en fin de compte, c’est Beryl et les films d’animation de Joanna Quinn qui règnent sur Britannia. Après tout, même la compagnie de production de Quinn and de Mills s’appelle Beryl Productions International Ltd. Son per-

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Dreams and Desires: Family Ties

Interview with Stella Papamichael, published, 25 May 2007, http://www.bbc.co.uk.

JOANNA QUINN

sonnage est à la fois d'une inconvenance tordante et d'une énergie gratuite autant qu’une femme fière et perceptive, intrépide qui se bat pour sans peur et sans reproche pour le respect de soi et l’acceptation, que ce soit pendant une sortie entre filles, dans Girls Night Out, ou dans un concours de danse dans Body Beautiful (1990). Beryl n'acceptera jamais qu'on lui refuse quoi que ce soit. Dans le magistral Dreams and Desires : Family Tales (2006), primé d'ailleurs, elle apporte sa caméra vidéo au bruyant mariage de son amie Mandy et s'organise pour produire un compte rendu de l’événement qui est digne de Luis Bunuel. À mesure que Beryl s'enivre, les images deviennent, disons, moins inhibées, et l’hilarité augmente, au même titre que la satire de la société britannique. Beryl prétend que son œuvre « aurait pu être un triomphe dans le genre vidéo de mariage. » En fait, Beryl, c'en est, un triomphe, et comme toi et la cinéaste d’animation qui t'a mise au monde par son dessin, bien plus encore. 1

Interview avec Stelle Papamichael diffusée le 25 mai 2007, http://www.bbc.co.uk/.

10 YEARS OF HAVING by Steve Angel & Julian Grey THEIR IN

HEAD

Head Gear is a boutique animation studio in Toronto which, by some freak of chronology, just had its 10th anniversary. It is an artist run shop which produces commercials, broadcast design, and also manages to squeeze out the odd "personal" project. Steve Angel and Julian Grey started the place in a bid to get control of their destinies and also work to push the craft. Over the years, Head Gear has assembled an amazing team of artists and broadcast professionals and has developed into a leading animation house. Head Gear has won all kinds of awards and participated in countless festivals.They have spent a decade burnishing their reputation for innovation and design and indulging in their love of snacks both sweet and salty. For both Julian and Steve, the seeds of animation were sown early. Like many other art-school enrolled kids, Julian began making animated Super 8 movies early on, trying out pixellation and cut-out, scratching on films and so on. Julian also took cues from his father, David, who taught film and animation and ran the Animation Lab at Dawson College in Montreal. David always persuaded a back-tobasics style: drawing and doodling and telling a good story. Julian eventually went Swiss and took up graphic design, where he learned some rules about composition and color and Helvetica. Though this seemed to take him off in a different direction, it continued to inform his sensibilities about collage and printmaking, which he would later study at Concordia, as well as his first forays into applied animation and later in forming a Head Gear "style". Julian moved to Toronto in 1993 to make his way in the world of illustration and design. Steve got his start as an 11 year old, taking a children's

HEAD GEAR

GEAR

animation class at the Art Gallery of Ontario. The class was taught by NFB animators and Academy Award winners Eugene Federenko and Rose Newlove. There he caught the animation bug. Steve was fed a steady diet of experimental animated films from around the world, and worked in a studio environment where the only rule was that you had to clean up the piles of eraser dust before you left. He stuck with it until he was sixteen. After a six year hiatus, he resumed animation in the fine arts program at the Nova Scotia College of Art and Design. During a summer break he conned his way into a crummy studio in Toronto where he inbetweened Toucan Sam for a Froot Loops commercial. He quickly discovered that he was useless at this kind of work. (His boss picked up on it as well and Steve found himself lugging dinette sets in the basement of a furniture store for the remainder of the summer). Steve wrote off animation as a mug's game. Following stints at McGill University, NASCAD, Parsons in New York, and an internship in the mail room at the venerable Spy Magazine, he then joined some friends to start up a magazine called Shift, where he was the art director. Then, like a moth to the flame, Steve started working at Cuppa Coffee. Then he met Julian who was trotting his portfolio around town. After some illustration gigs at Shift, he also made the leap to Cuppa Coffee. There, they both cut their teeth in the industry. This was a fecund time of experimentation with visual media, and it was here that they both began to really nurture a creative approach unhindered by the confines of the magazine or poster. They developed a loose, artful approach to animation and were given the opportunity to take chances in what had traditionally been a narrowly defined commercial art form. There was no Tony the Tiger for them. Scratching, crum-

pling, collage, spontaneity, accident and serendipity were fundamental to the look that they, along with Cuppa Coffee founders Bruce Alcock (who went on to start Global Mechanic in Vancouver) and Adam Shaheen, created. Clients like Much Music, Nickelodeon, Bell and Turner were all looking for a "new" style and Steve and Julian were happy to oblige with novel though not always "slick" visual solutions. Three years later, as directors with international accolades under their belts and blinding naivĂŠte, it was time for Steve and Julian to strike out on their own. Thus begat Head Gear Animation, and they pursued the medium in all its incarnations. Head Gear works in cel, stop-motion, claymation, traditional and digital 2D, live action, mixed media and even a l'il CG when they need it. Steve and Julian had no training in running a business but had early on established a pretty strict set of guiding principles which remain intact. As a company they did not want to fall into the same trap as others had where they start out as an innovator and then, as a result of financial necessity or faint-heartedness, slide quickly into the land of cookie-cutter hackism. It was paramount for them to maintain a degree of creative license in their work and pursue work which would further their artistic agenda. This is not an easy thing to do. People in the commercial world don't like risk. They want to know what the job is going to look like before it is done. As a result, to get a job you have to have already done something a lot like it. In time what happens is you do the same kind of work over and over and this is what you become known for. It defines you. The business imperative is that it makes it easier to get jobs but the range of jobs you can get is narrowed. Another problem is that you have all of your eggs in one creative basket. This is a dangerous proposition especially in such a fickle business, where a certain look can fall quickly out of favour. Head Gear has worked hard not let this happen. What Head Gear has tried to do is define itself by the variety of

looks it can achieve and by the fun and sophisticated sensibilities it uses to tell a story. The more good work Head Gear does, the more opportunities come its way. There are occasional stinker projects it has taken on to pay the bills, but they are not what has moved Head Gear forward. Ultimately, good work begets good work and this has allowed Head Gear to continue on a steady course. The people who populate HG are all from disparate ends of the visual arts world. Few are studio trained and most went to film or fine art school. The effect is to bring lots of non-traditional visual styles into play. Head Gear enjoys a pan-Canadian vibe with its people. Wily Head Gear veteran, Isaac King, is a director/animator from Vancouver who has been keeping it real in Toronto for seven years. He has directed work for Milk, MTV, YTV and loads of others, and whose film Puffing Away rocked the animation festival circuit last year. Also representing from the fresh coast is Drew Lightfoot who has worked at HG as a director/animator on and off for 8 years while also pursuing work as a live action and music video director and lead animator on The Corpse Bride. Hailing from Toronto is Nick Fairhead, who has worked with Steve and Julian since before the dawn of time ('96). He is a filmmaker/auteur who works as HG's most senior AfterEffects artist and inhouse conspiracy theorist. Ottawa's own Philippe Blanchard is HG's resident francophone and most resolute Dadaist. He is a director/animator who's film, Taco Monde, has left a crowds of festival goers happy in the knowledge that miracles in the form of Aztec Wayne Gretzky still can happen. The pride of Brampton, Ontario, wunderkind producer Kathryn Rawson has been keeping the wolves at bay for over a year at Head Gear. Kathryn has learned the animation business from scratch and has decoded the delicate ecosystem that is Head Gear. She will be teaching a Phd course at the University of Toronto School of Advanced Nutjob Management in the fall.

PROGRAM Thurs., Sept.. 20, 3:00 pm (Empire Theatre) Sat., Sept. 22, 11:00 am (Empire Theatre)

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10 REASONS TO LOVE ANIMATION 10 RAISONS D’AIMER L’ANIMATION

I’ll start by saying how happy I am to see on the big screen, once more and at the Ottawa festival, some of my favourite films. I’ve lost track of how many times it’s been, but I never tire of them. I am delighted to share this love and passion I’ve had all my adult life for animation films and their creators.

Carte blanche by | par Hélène Tanguay

What makes a film more, or less, loveable? I don’t know, but in my case it’s the more than 35-year connection I’ve had with the animation community. Through my earliest job — at the NFB’s Festivals Office (1972-1993) — I met and worked with people like Norman McLaren, Grant Munro, Caroline Leaf, René Jodoin, Jacques Drouin, Cordell Barker and countless others. While I’ve always loved cinema, animation became a favourite because of the people I met early on; the animation community at the NFB and, beyond that, the Canadian independent animation community and natural partners like the Cinémathèque québécoise and MSIA (Manitoba Society of Independent Animators). These first contacts with animation were via Françoise Jaubert who was head of the NFB Festivals Office at the time and also the first president of ASIFA-Canada. She was my introduction to the animation world and I was thoroughly impressed by her and her knowledge. Through Françoise, I discovered the names of Trnka, Pojar, Alexieff and so many others. The seed was clearly planted. However, my real animation mentor was the brilliant, yet notorious Louise Beaudet from the Cinémathèque québécoise. We worked together on many projects for the NFB and finally, at her request, I joined ASIFA-Canada and started what turned out to be many years of volunteer work for the association. I attended the first Ottawa Festival in 1976, but only for one day! It was for the presentation of Mindscape in the presence of the great Alexeieff. I was there at every subsequent festival, representing ASIFA-Canada and working at the many different activities ASIFA took care of, like the Public’s prize, the picnic, the workshops, and more. I was elected to the ASIFA International Board in 1985, representing AsifaCanada and its members, and meeting and working with internationally renowned filmmakers like Nazarov, Kucia, and Kinoshita. ASIFA-Canada was very dynamic at that time and there was so much being done both nationally and internationally. My love for animation grew and my involvement made it possible for me to travel and attend Annecy, Zagreb, Hiroshima and Ottawa. I have since seen thousands of films and met wonderful filmmakers and great artists everywhere.

Porky in Wackyland

PROGRAM Thurs., Sept. 20, 7:00 pm (National Gallery) Sun., Sept. 23, 1:00 pm (NAC Southam Hall)

King-Size Canary [1947] Tex Avery | Metro-Goldwyn-Mayer | 8:00

10 REASONS TO LOVE ANIMATION | 10 RAISONS D’AIMER L’ANIMATION

Suffice to say that choosing a programme of only 80 minutes has been very hard, very hard. Many films were too long, and I wanted as many films as possible. For better or worse, the films I’ve chosen here are difficult to find outside a festival event, but they are timeless; one was made close to 70 years ago and another was made just three years ago. They are all linked by my profound emotional connection to them. I know this will sound clichéd but I’m saying it anyway – they are unique and display wonderful craftsmanship. Now, I’m not a film critic, so I won’t write about the films, per se, although as people who know me know, I have an opinion about a lot of stuff. I have strong opinions about most everything…, well, you know what I mean. Anyway, the films I offer you made a permanent impression on me. I’ve seen them many times already but I’m looking forward to seeing them with you as if they were new. My first film is Mindscape by Jacques Drouin, a film made on the pinscreen in 1976. Just thinking about this film makes me emotional. From the first second to the last, I am trans-

Je commencerai par vous dire à quel point je suis ravie de voir sur le grand écran, encore une fois et au Festival international d'animation d’Ottawa (FIAO), certains de mes films favoris. Je ne sais plus combien de fois je les ai vus, mais je ne m’en fatigue jamais. Je suis enchantée de partager cet amour et cette passion que j’ai eus pendant toute ma vie d’adulte pour les films d’animation et leurs créateurs. Qu’est-ce qui fait qu'on aime plus ou moins un film ? Je ne sais pas, mais dans mon cas, c’est ma relation de plus de 35 ans avec le milieu de l’animation. Par l’entremise de mon emploi précédent — au bureau des festivals de l’ONF (1972-1993) — j’ai rencontré des gens comme Norman McLaren, Grant Munro, Caroline Leaf, René Jodoin, Jacques Drouin, Cordell Barker et d’innombrables autres, et j'ai travaillé avec eux. Même si j’ai toujours adoré le cinéma, l’animation est devenue mon genre favori à cause des personnes que j’ai rencontrées au début; le milieu de l’animation à l’ONF et au-delà, le milieu indépendant de l’animation au Canada et les partenaires naturels tels que la Cinémathèque québécoise et la MSIA (Manitoba Society of Independent Animators). J'ai établi ces premiers contacts avec l’animation grâce à Françoise Jaubert qui était la directrice du bureau des festivals de l’ONF à l'époque, ainsi que la première présidente de ASIFA-Canada. C’est elle qui m’a fait connaître le milieu de l’animation et elle m’a vivement impressionnée, ainsi que ses connaissances. Grâce à Françoise, j’ai découvert les noms de Trnka, Pojar, Alexieff et bien d’autres. La graine était manifestement plantée. Cependant, mon vrai mentor de l’animation fut la brillante et cependant célèbre Louise Beaudet de la Cinémathèque québécoise. Nous avons collaboré à de nombreux projets pour l’ONF, et en fin de compte, à sa demande, j’ai adhéré à ASIFA-Canada et commencé ce qui s’est avéré de nombreuses années de bénévolat pour l’association. J’ai participé au premier Festival international d'animation d'Ottawa en 1976, mais seulement pour une journée ! C’était pour la présentation de Le paysagiste en la présence du grand Alexeieff. J’ai participé à tous les festivals suivants pour représenter ASIFA-Canada et travailler aux nombreuses différentes activités dont ASIFA s’occupait, comme le Prix du public, le pique-nique, les ateliers et bien d’autres. J’ai été élue au conseil d’administration de l’ASIFA en 1985. Je représentais ASIFA-Canada et ses membres et je rencontrais et travaillais avec des cinéastes de renommée internationale, tels que Nazarov, Kucia et Kinoshita. ASIFA-Canada était très dynamique à cette époque-là, et il y avait tellement de réalisations à l’échelle nationale et internationale. Mon amour pour l’animation a grandi, et ma participation m’a permis de voyager et d’assister aux festivals d’Annecy, de Zagreb, d’Hiroshima et d’Ottawa. Depuis j’ai vu des milliers de films et rencontré d’extraordinaires cinéastes et d’excellents artistes partout. Qu'il me suffise de dire qu’il a été très, très difficile de choisir un programme de 80 minutes seulement. De nombreux films étaient trop longs, et je voulais autant de films que possible. Pour le meilleur et pour le pire, les films que j’ai choisis ici sont difficiles à trouver en dehors d’un événement de festival, mais ils sont intemporels; un a été réalisé il y a près de 70 ans et un autre il n’y a que trois ans. Ils sont tous reliés par mon affection profonde à leur égard. Je sais que cela fait cliché, mais je le dis quand même : ils sont uniques et ils projettent un art magnifique. Ceci dit, je ne suis pas une critique de cinéma et je n’écrirai donc pas

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sur les films, en soi, même si les personnes qui me connaissent savent que j’ai une opinion sur beaucoup de choses. J’ai des opinions arrêtées sur presque tout..., enfin, vous savez ce que je veux dire. De toute façon, les films que je vous offre m’ont marqué pour toujours. Je les ai déjà vus de nombreuses fois, mais je suis impatiente de les revoir avec vous comme s’ils étaient nouveaux.

Mindscape ported into a world of dreams and memories. In this film, it could be me, it could be you. It is my favourite film of all time. Jacques is one of the first animators I ever met at the NFB, back in 1972 and we have been close ever since, which also makes the film special. I discovered Danish filmmaker Lejf Marcussen in 1990. He was attending the Ottawa Festival to receive the well-deserved Norman McLaren Heritage Award. What a discovery for all of us. I hope you get a chance to see his other films at some point. The Public Voice is a film I show to every filmmaker I meet. With every viewing I fall into a trance and embark on a wonderful and enigmatic journey. Bon voyage to each of you in turn. For Un jour (One Day) by Marie Paccou, it’s the same thing. I met Marie in Annecy in 1998. Un jour was her first film: black and white done with tic tac toon software — really, I couldn’t believe it. Marie told me she was a fan of Caroline Leaf, and while I don’t know what Caroline thinks of Un Jour, I just love it. Short and simple, with very intimate and poignant narration. Why The Monk and the Fish by Michael Dudok de Wit? Because he has the best handshake in the world! (This is for everyone who’s had the chance of meeting this fantastic human being.) For me The Monk and the Fish is like Mindscape, but in colour. Every time I see this film, and I have seen it dozens of times, I am transported to the south of France and become a secret witness to this very intimate “affair” between the two characters. I cherish the effect this film has on me. Youri Norstein is an “incontournable”, an essential whom I’ve met many times over the years. I remember his visit to the NFB in the early 80s: to have seen – in person – the cutouts from his films in every detail, was so fabulous! I love all his films and I’m certainly not alone. What a great artist and a gentle soul. The Hedgehog in the Fog is for me the ultimate story for children. It’s both soft and mysterious at the same time. I just want to stay in that fog and adopt the little hedgehog…the mysteries of the unknown, the magic of the surprise: I love it completely. Georges Schwizgebel is another filmmaker with many films. I could have chosen a more recent one, but decided to go with 78 Tours because probably most of you will not have seen it. I love its pace, its rhythm and the colourful world Georges creates. On the other hand, I discovered Overtime by Damien Ferrié, Thibault Berland and Oury Atlan very recently and just wanted to have a chance to see it again on the big screen. Wow, what a film! I am regularly impressed by student films,

Mon premier film est Le paysagiste de Jacques Drouin, un film réalisé avec un écran d’épingles en 1976. Rien que de penser à ce film me rend émotive. De la première seconde jusqu’à la dernière, je suis transportée dans un monde de rêves et de souvenirs. Dans ce film, cela pourrait être moi, cela pourrait être vous. C’est absolument mon film favori. Jacques est un des premiers animateurs que j’ai rencontré à l’ONF en 1972 et nous avons été proches depuis, ce qui rend également ce film spécial. J’ai découvert le cinéaste danois, Lejf Marcussen, en 1990. Il assistait au Festival d'Ottawa pour recevoir le Prix du patrimoine NormanMcLaren, qu’il avait bien mérité. Quelle découverte pour nous tous ! J’espère que vous aurez la chance de voir ses autres films à un moment ou l’autre. La voix publique est un film que je montre à tous les cinéastes que je rencontre. À chaque fois que je le vois, je tombe en transe et je m’embarque dans un voyage magnifique et énigmatique. Bon voyage à vous tous ! Pour Un jour par Marie Paccou, c’est la même chose. J’ai rencontré Marie à Annecy en 1998. Un jour était son premier film : en noir et blanc réalisé avec le logiciel Tic Tac Toon... vraiment, je ne pouvais pas le croire. Marie m’a dit qu’elle était une admiratrice de Caroline Leaf, et même si je ne sais pas ce que Caroline pense de Un Jour, je l’adore. Bref et simple, avec une narration très intime et poignante. Pourquoi Le moine et le poisson par Michael Dudok de Wit? Parce qu’il a la meilleure poignée de main au monde ! (C’est pour tous ceux qui ont eu la chance de rencontrer cet individu fantastique.) Pour moi, Le moine et le poisson est comme Le paysagiste, mais en couleur. À chaque fois que je vois ce film, et je l’ai vu des dizaines de fois, je suis transportée vers le sud de la France et je deviens un témoin secret de cette «relation » très intime entre les deux personnages. Je chéris l’effet que ce film a sur moi. Youri Norstein est un « incontournable », un individu essentiel que j’ai rencontré de nombreuses fois au fil des années. Je me souviens de sa visite à l’ONF au début des années 80 : c’était si fabuleux de voir « en personne » les chutes de montage de ses films dans chaque détail ! J’adore tous ses films et je ne suis certainement pas la seule. Quel grand artiste et quelle âme douce ! Pour moi, Le hérisson dans le brouillard est l’histoire ultime pour les enfants. C’est doux et mystérieux à la fois. Je veux juste rester dans ce brouillard et adopter le petit hérisson… les mystères de l’inconnu, la magie de la surprise : je l’adore complètement. Georges Schwizgebel est un autre cinéaste aux nombreux films. J’aurais pu en choisir un plus récent, mais j’ai décidé de sélectionner 78 Tours parce que la plupart d’entre vous ne l’auront probablement pas vu. J’aime sa cadence, son rythme et le monde coloré que Georges crée. D’autre part, j’ai découvert Overtime par Damien Ferrié, Thibault Berland et Oury Atlan très récemment et je voulais simplement avoir la chance de le revoir sur grand écran. Ouah, quel film ! Je suis régulièrement impressionnée par les films d’étudiants, les premiers films, et celui-ci est tellement magique et triste en même temps. Une expérience nostalgique à vivre dans l'instant. J'ai eu tout un choc la première fois que j'ai vu Harpya par

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78 Tours by first films, and this one is just so magical and sad at the same time. A nostalgic experience to live in the moment. Harpya by Raoul Servais was a shocker to me the first time I saw it. What a weird and macabre world – funny when you don’t expect it and completely hermetic. You get sucked in and trapped just like the man (you’ll see). Harpya herself came to Montreal for an animation exhibit at the Museum of Fine Arts. She was very impressive in person, but I guess you had to know the film. Raoul Servais is a great animator. I had the chance to work with him through ASIFA International and have admired his work and immense talent for as long as I can remember. And now, why not finish this presentation with two Hollywood cartoon classics? Porky in Wackyland by Bob Clampett is first. So outrageous. So funny. I met Bob and his wife Sody in 1979 when they came to Montreal for a presentation at the Cinémathèque québécoise. I spent the evening with Louise Beaudet, Bob and Sody. He had so many wonderful stories to tell, and was such a gentleman; so talented and yet humble at the same time. Porky in Wackyland is his film I remember the most and want to share. Last but not least is Tex Avery’s King Size Canary. How can I not show a Tex Avery film? I don’t know. Louise Beaudet did a retrospective of his films (I can’t remember the year) and I remember there wasn’t enough time to laugh between the films. I also remember when he died. I was at the Ottawa Festival – at the Lord Elgin in Louise Beaudet’s room, waiting for her to get ready – and the phone rang: “Tex Avery has just passed away…”. Some dates we can never forget. I end by thanking Chris, Kelly and all the organizaters of the Ottawa Festival in making this possible for me. It’s a real treat. I hope you fall in love with the films as much as I did. Have a great festival!

Raoul Servais. Quel monde bizarre et macabre : drôle quand vous ne vous y attendez pas et complètement hermétique. Vous êtes aspiré et pris au piège tout comme l’homme (vous verrez). Harpya est venue elle-même à Montréal pour une exposition sur l’animation au Musée des beaux-arts. Elle était très impressionnante en personne, mais je suppose qu’il fallait connaître le film. Raoul Servais est un excellent animateur. J’ai eu la chance de travailler avec lui par l’entremise d’ASIFA International et j’ai admiré son travail et son immense talent depuis aussi longtemps que je me souviens. Et maintenant, pourquoi ne pas terminer cette présentation par deux dessins animés classiques d’Hollywood ? Porky à Zinzinville par Bob Clampett est le premier. Si extravagant. Si drôle. J’ai rencontré Bob et sa femme Sody en 1979 lorsqu’ils sont venus à Montréal pour une présentation à la Cinémathèque québécoise. J’ai passé la soirée avec Louise Beaudet, Bob et Sody. Il avait tant d’histoires magnifiques à raconter et il était un tel gentilhomme; si talentueux, et toutefois, humble en même temps. Porky à Zinzinville est celui de ses films dont je me souviens le mieux et que je veux partager. Enfin et surtout, Drôle de canari de Tex Avery. Comment pourrais-je ne pas montrer un film de Tex Avery ? Je ne sais pas. Louise Beaudet a dressé une rétrospective de ses films (je ne me rappelle pas de l’année) et je me souviens qu’il n’y avait pas assez de temps pour rire entre les films. Je me souviens également quand il est décédé. J’étais au FIAO – au Lord Elgin dans la chambre de Louise Beaudet où j’attendais qu’elle soit prête – et le téléphone a sonné : « Tex Avery vient de décéder... ». Certaines dates ne s'oublient jamais. Je termine en remerciant Chris, Kelly et toute l’organisation du FIAO d’avoir rendu ceci possible pour moi. C’est un vrai cadeau. J’espère que vous adorerez les films autant que moi. Passez un excellent festival !

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POETRY IN MOTION LA POESIE EN MOUVEMENT by | par Marcel Jean

Program 1

Animation in poetry : from words to images Poésie animée: des mots aux images

Program 2

Poetry in animation: the film as a poem itself Animation poétique: le film en tant que poème

Thursday, Sept. 20, 9:00 pm (National Gallery) Saturday, Sept. 22, 3:00 pm (National Gallery)

Friday, Sept. 21, 9:00 pm (National Gallery) Sunday, Sept. 23, 1:00 pm (National Gallery)

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Poetry is Child’s Play

The Old Fools

In an enlightening text published in 2003 in the Swiss magazine Focal, Pascal Vimenet ponders the relationship between poetry and animated film, first of all, pointing out that “poetry” is, itself, opaque, meaning it is difficult to describe precisely what it refers to, as the term has multiple and frequently vague definitions.

Dans un texte éclairant publié en 2003 dans la revue suisse Focal, Pascal Vimenet s’interroge sur les rapports entre la poésie et le cinéma d’animation, remarquant d’abord que le mot « poésie » est en lui-même opaque, c’est-à-dire qu’il est difficile de décrire avec précision ce qu’il désigne, les définitions du terme étant multiples et souvent vagues.

Thus, the author proceeds with much caution in trying to get to a place beyond cliché, where a link can be made between poetry and animated film. For there is a persistent cliché that frequently causes us to describe animated films as “poetic” to avoid a more precise (and more exact) description, the word “poetic” becoming synonymous with just about anything: beautiful, pleasant, light, esthetic, non linear, vague, elliptic, etc. So this is the cliché we are trying to negate through these two programs.

Ainsi, l’auteur y va-t-il de longues précautions avant de tenter de cerner ce qui, par-delà le cliché, pourrait lier la poésie et le cinéma d’animation. Car le cliché est là, tenace, qui fait qu’on qualifie souvent les films d’animation de « poétiques » pour s’épargner une description plus précise (et plus exacte), le mot « poétique » devenant synonyme d’un peu n’importe quoi : beau, agréable, léger, esthétisant, non linéaire, flou, elliptique, etc. C’est donc ce cliché que nous cherchons à combattre à travers ces deux programmes.

Consisting, basically, of films adapted from, or inspired by, poems, the first of the two programs could be seen as a kind of long introduction, as well as indisputable proof of interest by film animators in the poetic form. Indeed, the great variety of poem adaptations done by animators is revealing in the way this contrasts sharply with the relative indifference shown by live action cinema to the poem, which is seldom a source of inspiration to these filmmakers, who are more inclined to adapt novels and short stories, or even look to the theatre for inspiration.

Composé essentiellement de films adaptant ou s’inspirant de poèmes, le premier des deux programmes pourra être vu comme une sorte de longue introduction, mais aussi comme la preuve indiscutable de l’intérêt des cinéastes d’animation pour la forme poétique. En effet, la profusion des adaptations de poèmes par les animateurs est révélatrice tant elle tranche sur la relative indifférence que le cinéma de prises de vues réelles manifeste à l’égard du poème, qui n’est que très rarement une source d’inspiration pour les cinéastes, plus enclins à adapter romans et nouvelles, ou encore à s’inspirer du théâtre.

Thus, you will find in this program, samples of varied experiences, ranging from the invigorating transposition done by Ed Akerman from a phonic poem by Kurt Schwitters to the esthetic explorations of Éric Ledune, who seeks a visual equivalency to the fleeting evocations that are the basis of six classic haikus.

On trouvera ainsi, dans ce programme, un échantillon de diverses expériences, qui va de la vivifiante transposition qu’Ed Akerman fait d’un poème phonique de Kurt Schwitters aux explorations esthétiques d’Éric Ledune, qui tente de trouver une équivalence visuelle aux fugitives évocations sur lesquelles se fondent six haïkus classiques.

In the first program, entitled ANIMATION IN POETRY : FROM WORDS TO IMAGES, it will be apparent that not everyone relates to words in the same way. Some have the text appear on the screen, using it as a graphic medium (Toccafondo, Akerman, Pool), while others rely on spoken or recited text, working with voice as a musical texture (Smith, Alcock, McWilliams). The second program, POETRY IN ANIMATION: THE FILM AS A POEM ITSELF, tries to emphasize some aspects that define the “poetry” of the animated film. It finds its expres-

On remarquera, dans ce premier programme intitulé POÉSIE ANIMÉE : DES MOTS AUX IMAGES, que le rapport aux mots n’est pas le même pour tous, certains faisant apparaître le texte à l’écran, l’utilisant comme matériau graphique (Toccafondo, Akerman, Pool) tandis que d’autres misent sur le texte parlé, récité, travaillant la voix comme une texture musicale (Smith, Alcock, McWilliams). Le deuxième programme, ANIMATION POÉTIQUE : LE FILM EN TANT QUE POÈME, cherche à mettre l’accent sur certains éléments qui définissent « la poésie » du cinéma d’animation. Cela se traduit d’abord par la présence

POETRY IN MOTION | LA POESIE EN MOUVEMENT

sion through the presence of films based on metamorphosis (Accordion by Michèle Cournoyer; As People by Ursula Ferrara; Beginnings by Clorinda Warny), highly metaphorical works in which the filmmakers establish and reconcile two realities, giving rise to images that are true epiphanies, revelations, “true creations of the spirit”, with great emotional power, to use the expression of Pierre Reverdy. Stones, by Lejf Marcussen, although taking a different approach, can be related to these films. The Danish filmmaker succeeds in altering reality solely through the force of his gaze, uncovering the meaning that is buried under things, positioning himself as the one who sees, imposing, as if it were obvious, his vision. Thus, the image appears straightforwardly under the eye of the poet who becomes the revealer of the poetic reality. The vision is also at the core of the troubling apparitions in: Night on Bald Mountain by Alexandre Alexeieff, Renaissance by Walerian Borowczyk and Grace by Lorelei Pepi, three films based on a succession of intense images, three visionary works that take the spectator to the heart of an irreducible subjective experience, an emotional experience that is not dissociable from the form of each film. An incubator of images, “poetry” is also rhythm and resonance, a musical approach to words. These words burst forth in abundance from the context of classical rhetoric. This is how we can see Kaiten Mokuba by Thomas Hicks, Repete by Michaela Pavlatova and 9 in a Chimney 10 in a Bed or Hates A Strong Word by J.J. Villard. These works are, in fact, based on a series of procedures – iteration, variation, collage, etc. – that enables them to break free from traditional narrative to more effectively look at the meaning behind the images and explore their emotional potential. Finally, Monsieur Pascal, by Alison de Vere, which concludes the program, brings us back to the area of metaphor, of daring and enlightening associations. While the form in this case is more narrative and linear, the freedom of observation is nonetheless eloquent, the filmmaker refuses to submit to a superficial reality. Instead, she imposes a vision that is simultaneously eloquent and subjective, a vision with a meaning that resists interpretation.

de films reposant sur la métamorphose (Accordion de Michèle Cournoyer; As People d’Ursula Ferrara; Beginnings de Clorinda Warny), œuvres hautement métaphoriques dans lesquelles les cinéastes rapprochent et fondent deux réalités, faisant naître des images qui sont de véritables épiphanies, des révélations, des « créations pures de l’esprit » à la forte puissance émotive, pour reprendre l’expression de Pierre Reverdy. Stones, de Lejf Marcussen, quoique relevant d’une approche différente, peut être apparenté à ces films. Le cinéaste danois parvient en effet à plier le réel sous la seule force de son regard, révélant le sens enfoui des choses, se plaçant dans la position de celui qui voit et imposant l’évidence de sa vision. Ainsi, l’image apparaît simplement sous le regard du poète qui devient le révélateur de la réalité poétique. La vision est aussi au cœur des troublantes apparitions de Night on the Bald Mountain d’Alexandre Alexeieff, de Renaissance de Walerian Borowczyk et de Grace de Lorelei Pepi, trois films reposant sur une succession d’images fortes, trois œuvres de voyants qui entraînent le spectateur au cœur d’une expérience subjective irréductible, expérience émotive indissociable de la forme de chaque film. Incubateur d’images, « la poésie » est aussi rythme, résonance, approche musicale des mots. Ceux-ci y jaillissent dans leur plénitude, extraits du cadre de la rhétorique classique. C’est ainsi qu’on peut voir Kaiten Mokuba de Thomas Hicks, Repete de Michaela Pavlatova et 9 in a Chimney 10 in a Bed or Hates A Strong Word de J.J. Villard. Ces trois œuvres reposent en effet sur une série de procédés – itération, variation, collage, etc. – qui leur permettent de s’affranchir du récit traditionnel pour mieux interroger le sens des images et explorer leur potentiel affectif. Monsieur Pascal, d’Alison de Vere, qui vient clore le programme, nous ramène enfin dans le champ de la métaphore, des associations audacieuses et révélatrices. Si la forme est ici plus narrative, plus linéaire, la liberté du regard est toutefois éloquente, la cinéaste refusant de se soumettre à un réel superficiel pour plutôt imposer une vision à la fois subjective et éloquente, vision dont le sens résiste à l’interprétation.

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These two drawings of a man holding question marks, one signed “ST” and dated 1965, the other published in The New Yorker in 1961, are both by Saul Steinberg (19141999). They suggest the artist had no problem re-visiting an idea to make subtle alterations.

SAUL STEINBERG AND ANIMATION

What do we see? First, the line, rendered with a crow quill pen, contains distinctly hand-drawn artifacts, sketched spontaneously with pools, spatters, slight wiggles, and disconnected “mistakes,” yet also without a consistent or idiosyncratic style, as if to suggest anonymity. This line defines the picture’s totality: no illusion of depth through shading, scalar hierarchies, or layering. The line doesn’t contain a shape to be filled with color which would emphasize its presence; the line IS the shape. Because it doesn’t exist in nature, the line telegraphs its synthetic message through each minute nuance.

SAUL STEINBERG ET LE FILM D'ANIMATION by | par George Griffin

The man wears a business suit. He is pictured stiffly in full profile, a strategy that foregrounds his ritualized, iconic status, like an engraving on a freize. His mask-like face contains three lines, a jagged nose/chin contour like a “w” in repose, a horizontal slit for a mouth, and a vertical oval for the eye. No hair or significant detail, the very “antithesis of expressionism.” Without conventional clues from eyebrow and mouth the affect is blank; without a pupil the eye is ambiguous, perhaps inner-directed, shielded from social interaction: modern man caught like a deer in headlights. What makes the drawing work as comic art, as opposed to being merely “artistic” marks on paper, is that it has a message, a joke, a punch line, a story. It is narrative art. With his two outstretched claw-like hands the man is holding a huge lot (equal to his own mass) of question marks. He clutches them to his chest and face like holding a towering batch of groceries or laundry; he owns this stuff, but he doesn’t know quite what to do with it. The curious problem with the drawing is that it cannot be easily interpreted; it’s open-ended, caption-less, minimal, restrained, yet rich in associations. The no-answer man offers no clues to his inner state beyond slight bewilderment at his embarrassment of riches. We “get it” but are not sure why it, except to say, “That’s Steinberg.” Saul Steinberg, Man Carrying Question Marks, 1965

Saul Steinberg, Man Carrying Question Marks, 1961

Ink and pencil on paper, 12 x 8 1/8 inches Private collection © The Saul Steinberg Foundation/Artists Rights Society (ARS), New York/SODRAC, Montreal

Ink and pencil on paper, 14 1/2 x 11 1/2 inches Beinecke Rare Book and Manuscript Library, Yale University Originally published in The New Yorker, July 29, 1961 © The Saul Steinberg Foundation/Artists Rights Society (ARS), New York/SODRAC, Montreal

SAUL STEINBERG

PRESENTED BY PRESENTÉ PAR

The almost identical drawings suggest the illusive conjectural possibilities of Steinberg and animated film. What if this stoic businessman had been depicted with many more drawings, each one slightly different from the rest, subtly sequenced in linear and cyclic progressions. Would the figure sway back and forth under the heavy load? Why heavy? Yugoslavian animators would have had a comic field day with this! Maybe the punctuations are lighter than air, feathery, volatile, kinetic, exuberant. Maybe the guy reacts with: pride, disgust, pain, joy, forbearance. Maybe the ground moves; there’s an earthquake; he’s drunk; what about those eyes; what if…. As I write (February, 2007), there are three Steinberg exhibitions on view in New York City, complemented by the publication of a handsome art book, rich in biographical content, which includes many examples of his early cartoon work.1 This graphic wealth demonstrates Steinberg’s unique position in the second half of the last century as the mercurial immigrant/translator between high and low culture, between the private life of the mind and the hubbub of public experience. Like Tocqueville, Steinberg brought a European sensibility, conservative but acutely perceptive, to create an extended portrait of an American culture he clearly loved,

Ces deux dessins d’un homme qui tient des points d’interrogation, l’un signé « ST » et daté de 1965, l’autre publié dans The New Yorker en 1961, sont tous deux de Saul Steinberg (1914-1999). Ils donnent à penser que le fait de reprendre une idée pour y apporter de subtiles altérations ne posait aucun problème à l’artiste. Que voyons-nous ? Tout d'abord, la ligne, tracée à la plume d'oiseau, renferme des éléments distincts dessinés à la main, tracés spontanément avec des pâtés, des bavures, de légers tremblements et des « erreurs » déconnectées, qui n'ont aucune style cohérent ou idiosyncratique, comme pour suggérer l'anonymat. Cette ligne définit la totalité du dessin : aucune illusion de profondeur, que ce soit par des ombres, des échelles de grandeur ou des couches. La ligne ne contient aucune forme à remplir avec une couleur qui accentuerait sa présence; la ligne EST la forme. Comme elle n'existe pas dans la nature, la ligne télégraphie son message synthétique par chaque nuance du détail. L'homme porte complet-veston. On le voit carrément de profil, stratégie qui accentue son statut ritualisé d'image iconique, de gravure sur une frise. Son visage, comme un masque, est fait de trois lignes, un contour du nez et du menton en zigzag, comme un « w » au repos, une fente horizontale en guise de bouche, un ovale vertical en guise d'œil. On n'y trouve ni cheveu ou détail significatif, c'est « l'antithèse même de l'expressionnisme ». En l'absence des indices que livrent habituellement les sourcils et la bouche, l'homme paraît sans émotion; sans pupille, l'œil est ambigu, peut-être tourné vers l'intérieur, protégé de l'interaction sociale : l'homme moderne figé comme un chevreuil sous les feux d'une voiture. Ce qui rend le dessin comique et le distingue de simples marques « artistiques » sur papier, c'est qu'il porte un message, une blague, une « chute », une histoire. C'est de l'art narratif. Dans ses deux grandes paluches étendues qui ressemblent à des serres, l'homme tient une quantité énorme (égale à sa propre masse) de points d'interrogation. Il les serre contre sa poitrine et son visage comme s'il tenait un gros sac d'épicerie ou de lavage; ils lui appartiennent, mais il ne sait pas trop quoi en faire. Le problème curieux que pose le dessin est sa difficulté d'interprétation; il est ouvert, sans légende, minimal, contenu et pourtant riche en associations. L'homme sans réponse ne livre aucun indice quant à son état intérieur, sauf un léger étonnement devant les richesses qui l'encombrent. Nous « pigeons », sans savoir exactement quoi, sauf pour dire : « Voilà bien un Steinberg. » Les dessins quasi identiques suggèrent l'illusion de possibilités, de conjectures, relatives à Steinberg et au film d'animation. Que serait-il arrivé si cet homme d'affaires stoïque avait été décrit dans de nombreux autres dessins, tous légèrement différents les uns des autres, subtilement séquencés en des progressions linéaires et cycliques ? Le personnage vacillerait-il sous le fardeau ? Et pourquoi pense-t-on à un « fardeau », justement ? Les animateurs yougoslaves en auraient fait leur butin ! Les ponctuations seraient-elles plus légères que l'air, comme des plumes, volatiles, cinétiques, exubérantes ? Le bonhomme réagirait-il avec fierté, avec dégoût, avec douleur, avec joie ou avec un pressentiment de l'avenir ? Si le sol bougeait, serait-ce à cause d'un tremblement de terre, ou parce que le bonhomme est saoul ? Et puis qu'arriverait-il si ces yeuxlà... ? Au moment d’écrire ces lignes (février 2007), New York présente trois expositions sur Steinberg. Elles sont com-

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using drawing, as he often put it, as a form of writing. Although he exhibited drawings and sculpture in galleries, he will forever be associated with The New Yorker magazine which published covers and innumerable line drawings from 1941 to his death in 1999 (and continues to publish them posthumously). His popular and often plagiarized cover, “View of the World from Ninth Ave,” aptly demonstrates a comic truth about the parochial perspective of the city dweller, as well as it renders an architectural record of startling accuracy that seamlessly gives way to a reduced landscape of codes: multiple perspectives, bird’s eye view, detail and vacant impression, all bound within a human line. His first collection of drawings, “All in Line” (1945), has a line drawing of a man drawing himself embossed on the neutral buckram cover: a bold emblem of modernist self-consciousness that signals the storm of invention to follow. If Steinberg’s genius can be outlined it might go something like this: 1. There is no Steinberg “look,” no Steinberg line or flourish. His drawing style is so varied, as if invented for each concept at hand, that his work can be said to be “styleless,” even about drawing itself. And yet one can always identify his work; it has a conceptual signature. It was, as he put it, “a way of reasoning on paper.” 2. Steinberg asks us to look at things, then to look at our observing selves and our descriptive language. Automobiles, cats, war, businessmen, women, masks, cowboys, parties, the city, tourism, monuments, the artist, baseball, Mickey Mouse, the street, and above all architecture; don’t forget maps, signatures, handwriting, rubber stamps. This partial list of subjects, squeezed through Steinberg’s pen, becomes reduced, abstracted to essential, emblematic shapes, part of our all-consuming cultural river. 3. Steinberg is the only cartoonist whose work is sui generis, partaking in both fine art history and the vulgar realm of comics, never comfortable in either world. Primarily a doodler, he redefined cartooning from the satirical commentary of Hogarth and Daumier by using a modernist scalpel to peel away illustrative ornament. But he could just as easily wrangle his vast repertory of technique (photography, collage, sculpture, mechanical drawing, caricature, painterly watercolor) to his experimental practice. If he had any need for a philosophical underpinning it would be existentialism, as filtered through Buster Keaton. Saul Steinberg was a Rumanian Jew who emigrated to Milan to study architecture and publish satirical cartoons. Barely escaping fascist racial laws he landed in New York City during W.W. II, then did military service in China and Europe, before returning to the sophisticated world of midcentury art and publishing. Though he never had to forge his passport, the myth persists in his work, depicting authenticating documentation, signatures, postcards, and insightful psychological diagrams of “impostorship”— ephemera of the ultimate cosmopolitan traveler/refugee. His intellectual milieu would seem to lead him toward a democratic, left-liberal critique of American culture. But, in fact, his work always retains a social reserve even while pushing caricature into formalist abstraction. A man drawn with a soft, ambiguous pencil might share a room with ink lined

SAUL STEINBERG

plétées par la publication d’un beau livre d’art au contenu biographique riche et qui comprend plusieurs exemples de son premier travail de caricaturiste. Cette richesse graphique illustre la position unique de Steinberg pendant la seconde moitié du siècle dernier en tant qu'immigranttraducteur au tempérament vif, situé entre la grande culture et la culture populaire, entre la vie privée de l'esprit et le tumulte de l'expérience publique. Comme Tocqueville, Steinberg amène une sensibilité européenne, conservatrice mais d'une grande acuité, à créer un vaste portrait de la culture américaine, qu'il aime, de toute évidence, en utilisant « le dessin comme forme d'écriture », comme il se plaisait à le dire. Bien qu'il ait exposé dessins et sculptures dans des galeries d'art, Steinberg demeurera à tout jamais associé au magazine The New Yorker, qui a publié de lui d'innombrables pages-couvertures et dessins au trait de 1941 jusqu'à sa mort en 1999 (et qui continue à les publier à titre posthume). Sa page-couverture populaire, souvent copiée, Le monde vu de la 9e avenue, démontre on ne peut mieux une vérité comique à propos de l'esprit de clocher du citadin, tout en constituant un dossier architectural d'une exactitude étonnante passant sans heurt d'un paysage à l'autre, et qui sont tous réduits à des codes : perspectives multiples, vues à vol d'oiseau, impression de détail et de vide, tous unis par une ligne humaine. La première collection de dessins, Tous en ligne (1945), compte, en relief sur la couverture en peau de daim de couleur neutre, un dessin au trait d’un homme se dessinant lui-même: voyonsy l’emblème d’une conscience réflexive moderniste qui annonce l’orage d’invention qui suivra. Si on pouvait tracer les grandes lignes du génie de Steinberg, voici à quoi cela ressemblerait : 1.Il n'y a ni « look », ni ligne, ni fioritures manière Steinberg. Son style de dessin est si varié, comme s'il l'inventait pour chacun des concepts qu'il traitait, qu'on peut dire de son œuvre qu'elle est « sans style », même à considérer le dessin lui-même. Et pourtant, on peut toujours reconnaître son œuvre; elle a une signature conceptuelle. C'était, comme il le disait, « une façon de raisonner sur papier ».

curlicued women whose faces resemble their pointillist dresses, or a crayon-scribbled baseball player, or an organization man with a thumb-printed face, all of them studying the same indecipherable abstract painting. We are never meant to think of them as members of a political party, having ideas about Communism or racial integration. Only after the disturbances of the chaotic ‘60s and the rise of underground comix do we detect a more disturbing Steinberg view of the city: monstrous women entirely composed of legs and head, screaming sirens, machine-gun toting mice, the menace of garish duplicity. ANIMATION AND DESIGN A condensed dialectic of animated cartoon history starts with Cohl’s stick-figures and McCay’s comic naturalism synthesized to Felix and Mickey, composed of hose limbs and abstracted body, easy for a studio team to draw. This metastasizes into a storybook illustrated “realism” in design matched by a “baroque” choreography of squash and stretch. This esthetic cannot endure market and labor stress, and thus evolves into hard-edged “modernistic” design and limited animation, the chief catalyst being UPA. So ends the first half of the last century. Amid Amidi writes in Cartoon Modern that Steinberg was one of the chief influences on this new designer-driven animation in the late ‘40s and early ‘50s. He even designed two Jell-O TV spots for the UPA commercial unit in New York in 1955 . As the director of those commercials, Gene Deitch, recalls, just visiting Steinberg’s studio and seeing his clocks and rocking chairs “set his young blood surging.” The housewife-on-treadmill concept seems almost too literal for the mature Steinberg, but the unfilled linearity, disembodied hands, and screaming baby floating in domestic space, all suggest a fractured graphic style, radical for 1955. We may find the animation a bit generic, but don’t forget this was the dawn of animated advertising, just barely removed from educational and industrial films.

2.Steinberg nous demande de regarder les choses, puis de nous regarder observer, et de prendre conscience du langage de notre description. Les voitures, les chats, la guerre, les gens d'affaires, les femmes, les masques, les cow-boys, les soirées, la ville, le tourisme, les monuments, les artistes, le base-ball, la souris Miquette, la rue, et par-dessus tout, l'architecture; sans oublier les cartes, les signatures, les lettres cursives, les tampons. Cette liste partielle de sujets, comprimés dans la plume de Steinberg, est réduite, abstraite en des formes essentielles et emblématiques qui font partie de la rivière culturelle qui nous emporte.

Steinberg-inspired character design took many forms. The line became less curvilinear, more angular; anatomy became more abstract, more symbolic, more schematic. Hands could drop their silly paw-concealing gloves and assume all five digits, or even disappear altogether until needed. It became fashionable to reduce the figure to just lines and to place it in purely linear scene. Flat shapes of color or texture might float fore and aft to suggest depth, but the overall impression is kind of compressed anti-pictorialism. By denying a character any shading or color its line took on an increased burden of expression. It’s no surprise that cartoonists like R.O. Blechman, Robert Osborn, Jules Feiffer, and William Steig, who inscribed psychological states through lines both subtle and flamboyant, came into their own in the ‘50s, a period of redefinition.

3.Steinberg est le seul caricaturiste dont l'œuvre est un genre en soi, en ce qu'elle participe à la fois de l'histoire des Beaux-Arts et du monde vulgaire des bandes dessinées, et qu'elle ne se sent à l'aise ni dans l'une ni dans l'autre. Principalement griffonneur, il a redéfini la caricature satirique de Hogarth et Daumier en utilisant un bistouri moderniste pour peler l'ornemental. Mais il pouvait tout aussi bien faire intervenir son vaste éventail de techniques (photographie, collage, sculpture, dessin mécanique, caricature, aquarelle) dans sa pratique expérimentale. S'il avait besoin d'un fondement philosophique, ce serait l'existentialisme, filtré par Buster Keaton.

Even Disney designers felt the winds of change and sprang on board with the Oscar-winning Toot, Whistle, Plunk, andBoom and the earlier, less well-known Melody, both Adventures in Music directed by Ward Kimball. These literal educational illustrations, complete with a corny voices, and overbearing, cute characterizations seem far removed from the austerity of a Steinberg vision but the flavor can be tasted in countless design touches. The opening titles, a Calder mobile, is the sort of modern interior that Steinberg would use too imply a kind of sophisticated wink to the middlebrow audience (like the textbook entitled Freud). The flattened main characters and stylized backgrounds are UPA-derived but in the various illustrations and wall charts,

L'histoire de Steinberg est celle d’un Juif roumain qui émigre à Milan pour étudier l'architecture et publier des caricatures satiriques, qui échappe de justesse aux lois raciales fascistes et atterrit à New York pendant la 2e Grande Guerre, et fait son service militaire en Chine et en Europe avant d’entrer dans le monde complexe de l’art et de l’édition du milieu du siècle. Bien qu’il n’ait jamais eu à contrefaire son passeport, ce mythe persiste dans son œuvre, qui décrit l’authentification de documents, de signatures et de cartes postales, et dans les profonds dessins psychologiques sur « l’état d’imposteur » — documents éphémères du parfait voyageur-réfugié cosmopolite. Son milieu intellectuel semblerait le porter à faire une critique démocratique de type gauche libérale de la culture américaine. Mais en fait, son œuvre reste toujours socialement réservée même lorsqu'il pousse la caricature jusqu'à l'abstraction formelle. Un homme dessiné au crayon doux et ambigu partage la même pièce que des femmes en tirebouchon dessinées à l'encre, dont les visages ressemblent à leurs robes pointillistes, qu'un joueur de base-ball griffonné au crayon de cire et un cadre au visage en dactylogramme, pour étudier la même peinture abstraite indéchiffrable. Nous ne sommes jamais incités à les voir comme étant des membres d'un parti politique, ou comme ayant des idées sur le communisme ou l'intégration raciale. C'est seulement avec les perturbations des chaotiques années 1960 et la montée de la bande dessinée underground que nous détectons une vision steinbergienne plus troublante de la ville : des femmes monstrueuses composées entièrement de jambes et d'une tête, des sirènes qui hurlent, des souris faisant cracher les mitrailleuses, la menace d'une duplicité criarde. ANIMATION ET DESIGN Une dialectique condensée de l'histoire du dessin animé commence avec les personnages-bâtonnets de Cohl et le réalisme comique de McCay synthétisé en Félix et Mickey, composé de membres en boyaux et d'un corps abstrait, qu'il est facile à une équipe de dessiner. Cela se transforme dans le « réalisme » illustré d'un carnet d'animateur, auquel correspond une chorégraphie « baroque » d'écrasements et d'étirements. Comme cette esthétique ne peut résister au stress du marché et de la main-d'œuvre, elle a évolué en un design « moderniste » aux contours francs et en une animation limitée, dont le principal catalyseur a été le studio UPA. C'est ainsi que se termine la première moitié du siècle dernier. Amid Amidi écrit dans Cartoon Modern que Steinberg a été l'une des influences principales de cette nouvelle animation mue par des concepteurs à la fin des années 1940 et 1950. Steinberg a même conçu deux pubs télé pour Jell-O à la section publicité d'UPA à New York en 1955. Le réalisateur de ces pubs, Gene Deitch, se rappelle que le seul fait de visiter le studio de Steinberg, et de voir ses horloges et ses berceuses « a fait bouillir son jeune sang. » Le concept de la ménagère sur tapis roulant semble presque trop libéral pour le Steinberg de la maturité, mais la linéarité non remplie, les mains désincarnées et le bébé pleurnichard flottant dans l'espace domestique suggèrent tous un style graphique fracturé, ce qui était radical en 1955. L'animation semblera peut-être un peu générique, mais n'oublions pas qu'on était à l'aube du film de pub animé, qu'on sortait à peine des films éducatifs et industriels. Le concept de personnage inspiré par Steinberg a été multiforme. La ligne est devenue moins curvilinéaire, plus anguleuse; l'anatomie, plus abstraite, plus symbolique, plus schématique. Les mains pouvaient enlever leurs mitaines ridicules et assumer leurs cinq doigts ou même disparaître jusqu'à ce que le besoin s'en fasse sentir. Il devint à la

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e.g. “Homo Sapiens” and chalk drawing stick figures, we see a diagrammatic linearity that builds to a tour de force climax of stylistic heterogeneity in the finale. THE ANXIETY OF INFLUENCE Animation (the business between the frames) and Design (the business within the frame) have always occupied an antagonistic seesaw. When cartoon studios were Taylorized in the ‘20s, both functions split up with directors positioned as arbitrators. And since character and background design weren’t particularly dynamic or innovative during the “Golden Age,” authorship tended to be attributed to animators and writers. The new paradigm introduced by UPA, consciously referenced the world of art, literature, dance, and music. This shift reflected a broader change in the Post War visual environment of print culture as Bauhaus-influenced graphic design (Paul Rand, Herbert Bayer, Saul Bass, Alex Steinweiss) meshed with the hard-edged comic work of so many anonymous commercial illustrators like the Columbia record jacket artist Jim Flora. At UPA and other modern production studios animation as such took a back seat. Not only did repetitive cycles, held torsos, gratuitous pan backgrounds, and separated mouth actions increase the animator’s productivity, this “limitation” was rarely seized as a creative challenge, to fashion a temporal equivalent to “angular” design. As a result many viewers, uninterested in design or underwhelmed by sophisticated subtlety, may have felt cheated. As independent animators broke with the studio division of labor to meld design with the direct processes of sequence drawing and layering (collage, slashed reveals, and other paper tricks) we often consulted Steinberg’s paired down vision: only backgrounds that really mattered, replace detailed drawing with a borrowed appropriation, and above all edit, edit, edit. Of course Steinberg wasn’t the only model for cartoons drawn on one level, floating in white limbo, reduced to the barest essentials of ink and paper, but it helped to drop his name whenever a client wanted too much color, modeling, or decoration. Did Steinberg hold the animator’s art in as low regard as cartooning was in the art world? It is certainly no secret that cartoonists and illustrators, whose principal affinity is for the printed page, commonly have difficulty adapting to animation design. They often need to stop and examine a single arbitrary frame without respecting the demands of rhythm, tempo, and pacing. How many animators have watched a pencil test with a designer screeching “Wait! Wait! Stop! What’s THAT?” Would Steinberg have been any different? Aside from the Jell-O spots his brush with film was limited and problematic: background illustrations for the opening of Alfred Hitchcock’s droll The Trouble With Harry, abortive pre-production consultation on An American in Paris which ended in rancor, and an unrealized project by Charles and Ray Eames to animate Steinberg’s panorama drawing, “The City” which was exhibited in the pivotal MoMA “14 Americans” show of 1946.

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The first animated film to consciously translate a Steinberg design was also Candy Kugel’s first independent film. Inbetweening American was based on a New Yorker cover illustration of 12 mythic American personae. When she showed Steinberg the workprint he seemed to like it and even suggested future collaboration (he insisted on seeing it several times, running the moviola forward and backward,

mode de réduire le personnage à quelques lignes et de le placer dans une scène purement linéaire. Des formes plates de couleur ou de texture pouvaient flotter d'avant en arrière pour suggérer la profondeur, mais l'impression d'ensemble en est une d'anti-pictorialisme comprimé. En refusant au personnage tout dégradé ou toute couleur, sa ligne assumait un fardeau supplémentaire au plan de l'expression. Ne nous surprenons pas que des animateurs tels R.O. Blechman, Robert Osborn, Jules Feiffer et William Steig, qui ont inscrit des états psychologiques dans des lignes subtiles ou flamboyantes, soient arrivés à maturité dans les années 1950, une époque de redéfinition. Même les concepteurs de chez Disney ont senti le vent tourner et emboîté le pas avec Toot, Whistle, Plunk, and Boom, qui a remporté un Oscar, et un film antérieur moins connu, Melody, tous deux des Aventures en musique réalisées par Ward Kimball. Ces illustrations éducatives libérales, livrées avec voix mièvres et jolies interprétations surchargées, semblent bien loin de l'austérité de la vision steinbergienne, mais la saveur s'en goûte en d'innombrables touches du dessin. L'écran-titre, un mobile de Calder, est le genre d'intérieur moderne que Steinberg utiliserait pour faire un clin-d'œil sophistiqué à un auditoire de culture moyenne (comme le manuel intitulé Freud). Les personnages principaux aplatis et les décors stylisés sont dérivés d'UPA, mais dans les diverses illustrations et tableaux sur les murs, par ex. « homo sapiens » et les chiffres tracés à la craie, nous voyons une linéarité schématique qui culmine en un tour de force d'hétérogénéité dans le finale. L'ANXIÉTÉ DE L'INFLUENCE L'animation (ce qui se passe entre les images) et le dessin (ce qui se passe dans l'image) ont toujours eu un antagonisme en dents de scie. Lorsqu'on a appliqué le concept de la production à la chaîne aux studios d'animation dans les années 1920, les deux fonctions se sont séparées, avec le réalisateur pour arbitre. Et comme la conception de personnages et de décors n'étaient pas particulièrement dynamiques ou innovateurs au cours de « l'âge d'or », la paternité des œuvres avait tendance à être attribuée aux réalisateurs et aux scénaristes. Le nouveau paradigme introduit par UPA faisait consciemment référence au monde de l'art, de la littérature, de la danse et de la musique. Cette transition reflétait un changement plus vaste dans l'environnement visuel de l'imprimé de l'après-guerre à mesure que le design graphique influencé par le Bauhaus (Paul Rand, Herbert Bayer, Saul Bass, Alex Steinweiss) se mêlait aux contours francs des bandes dessinées d'un grand nombre illustrateurs commerciaux anonymes, à l'instar du concepteur de pochettes de disque chez Columbia, Jim Flora. Au studio UPA et dans d'autres studios de production, l'animation comme telle est passée au second plan. Non seulement les cycles répétitifs, les torsades, les plans panoramiques gratuits et l'activité indépendante de la bouche augmentait-elle la productivité de l'animateur, mais encore cette « limite » était rarement perçue comme étant un problème créatif, mais comme modelant un équivalent temporel au design « angulaire ». Il en a résulté que plusieurs spectateurs qui ne s'intéressaient pas au dessin ou à une subtilité sophistiquée ont peut-être sentis qu'ils n'en avaient pas pour leur argent. À mesure que les réalisateurs de films d'animation indépendants rompaient avec la division du travail en studio et fondaient le dessin sur les procédés directs du dessin de séquence et des couches (collage, déchirures révélatrices et autres trucs possibles avec du papier), ils consultaient souvent la vision dépouillée de Steinberg : ne garder que

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stopping often along the way) But when it was completed with music in 1977, he refused release permission, without explanation. Was he jealous? Did he hate it? Did he have his own plans for an animated film? Was he worried that it would somehow diminish the huge retrospective planned for the Whitney Museum later that year? By far the animated film most faithful to Steinberg’s design, it was eventually released after his death 24 years later, and then only after Steinberg Foundation board members relented. Perhaps the curmudgeonly elitist egotism which kept him from working with animation was simply a part of his promethean creative engine. STEINBERGIAN ANIMATION More than being merely an interesting cartoonist whose designs or stories might be animated, Steinberg’s work impacted the art of animation conceptually, indirectly, but profoundly, by broadening the grammar of cartooning, by portraying a new awareness of self-conscious psychology, and by constantly re-examining the codes and icons of our waking, living, modern world. He was a sponge and a filter, a condenser of cultural wisdom whose values meshed with both affluent snobs and low-life, boho/info wonks who saw his work as a kind of meta-parody. The View From Ninth Avenue, for example, boldly borrows a19th C. cartoon convention of the exalted urban viewpoint to tell a story of individual consciousness, of the delusion that our own place, our own particular utopian arcadia (or shopping mall), is the center of the universe. It’s the hubris that denies the worth of the other, yet also confesses a selfconscious complicity with its arrogance.

Drawing by George Griffin

This random jumble of Steinberg themes and techniques to which he often returned, each time with a subtle accretion or rueful twist, could be re-imagined as a schematic diagram to be filled in with specific cultural referents that never seemed too topical nor too dated. Though not an obvious influence, Steinberg is the artist I always cite as my primary inspiration, a habit formed early in life when I discovered what pictures caused my architect father to chuckle to himself. These were pictures of definitions and distinctions, where wit found parity with humor, where irony gently jostled the foundations of sentiment, where scribbles crashed the uptown party of gallery paintings. This

SAUL STEINBERG

les décors qui importent, remplacer le dessin détaillé par un emprunt et par-dessus tout, le montage. Bien sûr, Steinberg n'était pas le seul modèle de caricatures dessinées sur un seul niveau, ou flottant dans des limbes blanches, ou réduites à leur plus simple expression d'encre et de papier, mais mentionner son nom facilitait les choses chaque fois qu'un client voulait trop de couleur, de modelage ou de décoration. Steinberg tenait-il l'art de l'animateur en aussi basse estime que les bandes dessinées l'étaient par rapport au monde de l'art ? Ce n'est pas un secret que les dessinateurs de bandes dessinées et les illustrateurs, qui ont une grande affinité pour la page imprimée, ont de la difficulté à s'adapter au dessin d'animation. Ils ont souvent besoin de faire une pause et d'étudier un dessin sans respecter les exigences du rythme et du tempo. Combien d'animateurs ont regardé un test au crayon en présence d'un concepteur graphique qui criait : « Attendez, attendez ! Arrêtez ! Qu'estce que c'est ÇA ? » Steinberg aurait-il été différent ? À part les pubs pour JellO, sa rencontre avec le cinéma fut limitée et problématique : des illustrations de fond pour l’ouverture du film drôle d’Alfred Hitchcock, The Trouble with Harry, une consultation au cours de la préproduction de An American in Paris, qui n’a rien donné et s’est terminée dans la rancœur, et un projet non réalisé par Charles et Ray Eames, pour animer le dessin panoramique de Steinberg The City, qui a fait partie de l’importante exposition MOMA, 14 Americans, en 1946. Le premier film d'animation à traduire consciemment un concept de Steinberg a aussi le premier film indépendant de Candy Kugel. L' Inbetweening American est basé sur une illustration sur la page-couverture du New Yorker de douze personnages américains. Lorsque Candy Kugel a montré la copie de travail à Steinberg, celui-ci a semblé l'aimer et a même suggéré une future collaboration (il a insisté pour le voir plusieurs fois, en faisant avancer et reculer le Moviola, et en l'arrêtant souvent). Mais lorsque le film a été achevé avec musique en 1977, il en a refusé la diffusion sans explication. Était-il jaloux ? A-t-il détesté ce film ? Avait-il ses propres projets d'animation ? Craignait-il qu'il amoindrisse l'effet de l'immense rétrospective prévue au Musée Whitney plus tard cette année-là ? Ce film d'animation, de loin le plus fidèle au design de Steinberg, fut éventuellement diffusé après sa mort, 24 ans après, et seulement après que les membres de la fondation Steinberg aient cédé. L'immense égoïsme élitiste qui l'empêchait de travailler à des films d'animation n'a peut-être été qu'une manifestation de son énergie créatrice prométhéenne. L'ANIMATION STEINBERGIENNE Plus que de simples caricatures qu'on pourrait animer en suite de dessins ou sur pellicule, l'œuvre de Steinberg a eu une influence conceptuelle indirecte mais profonde sur l'art de l'animation en élargissant la grammaire de la caricature, en illustrant une nouvelle conscience de l'auto-psychologie, et en réexaminant constamment les codes et les images iconiques du monde moderne où nous vivons. Il était une éponge et un filtre, un condensateur de sagesse culturelle, dont les valeurs se mêlaient tant à celles des snobs qu'à celles des quidams de la populace, qui voyaient son œuvre comme étant une méat-parodie. La Vue de la 9e avenue, par exemple, emprunte sans vergogne à la perspective urbaine exaltée des caricaturistes du XIXe siècle pour raconter une histoire de conscience individuelle, sur l'illusion que notre propre localité, notre propre « Arcadie » utopique (ou centre commercial) est le centre

was an alternate universe: a cat with a human face which never grinned, a building inscribed by its own formal language, a car in squiggly splendor owned by a wizened cowboy, a photograph of dressy party-goers wearing paper bag masks. Sometimes the simplicity verged on the childish (though his work would never be identified “for children,” whom he often drew as wistful miniature adults). He said, “I don’t set out to make art, but to be clear.” He was a “draftsman of ideas” yet also a collector who re-cycled his vast trove of ephemera (ticket stubs, receipts, candy wrappers) as if to fill in the unconscious cracks in our visual culture. Steinberg drew every day, keeping sketchbooks, mapping his quotidian routines with clever numerical notations, even tracing the architecture of his daily quest for morning coffee, newspaper and observations of his favorite tree in his Manhattan neighborhood. Jonathan Hodgson’s 1997 Feeling My Way takes a hand-held, live-action walk to work, down bustling London sidewalks and lanes, and layers on drawing and text to compose a dense meditation on life, time, and space. That his workplace destination was Paul Vester’s Speedy Cartoons adds yet another layer of significance to this travelogue. Nedeljko Dragic’s Diary (1974) is a record of his trip to New York. The spiritual affinity of a Balkan artist to that of a Carpathian may be too elusive or vague to argue, but it’s quite clear that Steinberg’s immigrant view colored the Yugoslav’s own impressions, with perhaps a touch of Fellini thrown in for good measure. Everything is a Number is Stefan Schabenbeck’s 1967 homage to the early Steinberg of linear, Pythagorian landscapes. Its ascetic monochromatism accents the spirit of menace found in much Polish animation of this period, as if the mysterious Schabenbeck were also channeling Kafka. Daniel Szczehura’s early piece, The Diagram also plays with a human figure trapped in an oppressive maze of unreasonable, arbitrary linearity. While Steinberg’s tone was always cosmopolitan, skeptical, parodic, it lacked the particular feeling of dark desperation often found in Soviet-Bloc animation where “little men” were at the mercy of vast bureaucratic abstractions, voracious women, or pitiless fate. When the Wall showed evidence of crumbling, the gloom shifted and a more complex social critique began to emerge. Priit Paarn’s Dejeuner sur l’Herbe could then be seen as more Steinbergian in its virtuosic shifts in style and hopeful elevation of art as a healing enterprise, even if artists were being censored. In retrospect, perhaps Steinberg appealed to Americans in the 50s precisely because he brought the mordant stain of European tragedy to our sunny shore, somewhat as Freud thought on his first trip to the States that he was introducing the “virus” of psychoanalysis. Steinberg then could be seen as the answer to Rotarian boosterism: writing pictures that said obliquely, “not so fast, Mack.” Even though Steinberg’s essential mandate was that he “didn’t have to be funny” his followers clearly had other ideas. One of the more prolific is Mo Willems whose personal and commissioned work shows a strong graphic indebtedness, both directly and indirectly through the 50s mimics at UPA. Another Bad Day for Philip Jenkins [1994] collages a spare set with actual newspapers as the hapless Jenkins (whose affectless face sports a distinctly un-Steinbergian nose) enacts repetitions of dead-pan disaster. Pavel Koutsky’s 1986 Curriculum Vitae extends a favorite

du monde. C'est la démesure qui nie la valeur de l'autre tout en avouant sa complicité consciente par son arrogance. Ce méli-mélo de thèmes et de techniques, auquel il est souvent revenu, et chaque fois avec un ajout subtil ou comme un tour qu'on joue à regret, pourrait être ré-imaginé comme étant un schéma à remplir avec des références culturelles précises qui ne semblent jamais trop locales ou trop vieillies. Bien qu'il n'ait pas exercé d'influence évidente, Steinberg est le premier artiste que je cite toujours comme principale inspiration. C'est une habitude que j'ai prise tôt dans la vie quand j'ai découvert quelles images faisaient rire pour lui-même mon architecte de père. C'étaient des images de définitions et de distinctions, avec autant d'esprit que d'humour, où l'ironie secouait doucement les fondements du sentiment, où les griffonnages s'invitaient à la soirée huppée des peintures de musée. C'était un autre univers : un chat à visage humain qui ne sourit jamais, un édifice inscrit dans sa propre langue de bois, une voiture d'une splendeur dandinante propriété d'un cow-boy assagi, une photographie de gens tirés à quatre épingles pour une soirée portant des masques en sacs de papier. Parfois la simplicité se rapproche de l'enfantillage (bien qu'on ne puisse jamais étiqueter son œuvre comme étant « pour enfants », qu'il dessinait d'ailleurs comme de miniatures adultes sans souci). Steinberg a dit : « Je ne veux pas créer de l'art, mais être clair. » C'était un « dessinateur d'idées », mais aussi un collectionneur qui recyclait son vaste éventail d'articles éphémères (laissez-passer, reçus, emballages de bonbons) comme pour colmater les fissures inconscientes de notre culture visuelle. Steinberg dessinait chaque jour, gardait ses cahiers d'esquisse et marquait ses routines quotidiennes d'intelligentes notes chiffrées. Il traçait même l'architecture de sa quête quotidienne café-journal, et faisait des observations sur son arbre favori dans son quartier de Manhattan. Le Feeling My Way de Jonathan Hodgson (1997) nous mène par la main vers son lieu de travail le long des trottoirs et ruelles affairées de Londres et superpose dessins et textes pour composer une dense méditation sur la vie, le temps et l'espace. Que le lieu de travail vers lequel il se dirige soit la société Speedy Cartoons de Paul Vester ajoute un sens supplémentaire à ces chroniques de voyage. Le Journal de Nedeljko Dragic (1974) fait la chronique de son voyage à New York. L'affinité spirituelle d'un artiste des Balkans avec un des Carpates est peut-être trop ténue ou vague pour qu'on la soutienne, mais il est très clair que la perspective de l'immigrant qu'était Steinberg a coloré les impressions du Yougoslave, avec peut-être une touche de Fellini pour faire bonne mesure. Tout est chiffre est l'hommage que Stefan Schabenbeck a rendu en 1967 au premier Steinberg des paysages linéaires et pythagoriciens. Son monochromatisme ascétique accentue l'atmosphère de menace qu'on trouve dans une grande partie de l'animation polonaise de l'époque, comme si le mystérieux Schabenbeck était devenu le « channel » de Kafka. Une des premières œuvres de Daniel Szczehura, Le Diagramme, joue aussi avec un personnage humain emprisonné dans un labyrinthe oppressant de lignes déraisonnables et arbitraires. Si le ton de Steinberg a toujours été cosmopolite, sceptique, parodique, il lui manque le sentiment particulier de désespoir profond qu'on trouve souvent dans les films d'animation du bloc soviétique, où de « petits hommes » sont à la merci de vastes abstractions bureaucratiques, de

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Steinberg conceit of personal authentication via the grandiose document. A life chronicle is imagined in symbolic status icons which transcend culture. The Doodlers, Kathy Rose’s 1975 droll group self portrait of art class pandemonium, embodies the self-referential tendency of Steinberg without consciously imitating his style. It also shows how regression into children’s art, particularly “play-acting,” trying on a peculiar persona to see how it might fit, can demonstrate primitive emotional truths about the self-deceptions of identity. Evert de Beijer’s 1986 The Characters portrays a wacko couple madly pursuing their own frantic interests in what appears to be a medieval castle. But soon enough we witness these characters in surreal interactions with other “characters” of a distinctly Steinbergian provenance. One particularly lusty scene with a transparent (clear plastic?) “E” would never have made it through Steinberg’s decorous self- censorship. This particular devotion to good taste may have resulted from Steinberg’s early dependence on commissioned work for mainstream media or even his innate personal reserve. But it is consistent with the flattened mysterious introspection of his “characters.” Many of the films on this program would probably have horrified him as too broad, too active, too entertaining. We may need to wait for a new generation of shipwrecked animators or a new medium of meditative presentation to translate his vision into graphic performance. His art rejected “graphology and false bravado” by creating meta drawings which achieved the privileged state of being slightly annoyed they were just drawings. -1 “Saul Steinberg: Illuminations,” by Joel Smith. Yale University Press, New Haven. The source of many of the quotes in this article. Saul Steinberg : Illuminations, par Joel Smith. Yale University Press, New Haven. Plusieurs citations du présent article sont tirées de cet ouvrage.

femmes voraces ou d'un destin sans pitié. Quand il est devenu évident que le Mur allait s'effondrer, le « ciel noir et lourd comme un couvercle », pour pasticher Baudelaire, s'est dégagé, et une critique sociale plus complexe a commencé à émerger. Le Déjeuner sur l'herbe de Priit Pärn a pu alors être vu comme étant davantage steinbergien par la virtuosité de ses changements de style et par son espoir d'élever l'art au rang d'une entreprise de guérison, même si les artistes sont censurés. Steinberg a peut-être plu aux Américains des années 1950 parce qu'il apportait la tache mordante de la tragédie européenne sur nos rives ensoleillées, un peu comme Freud pensait, lors de son premier voyage aux États-Unis, qu'il y introduisait le « virus » de la psychanalyse. Steinberg pourrait alors apparaître comme la réponse à la pratique du battage publicitaire : « Pas si vite, Gaston. » Bien que « l'obligation d'être drôle » n'ait pas fait partie du mandat essentiel de Steinberg, ses admirateurs pensaient autrement. Un des plus prolifiques est Mo Willems, dont l'œuvre personnelle et de commande manifeste une forte filiation graphique, tant directe qu'indirecte, par les imitations de chez UPA. Another Bad Day for Philip Jenkins [1994] fait le collage d'un ensemble de rechange et de vrais journaux tandis que le pauvre Jenkins (dont le visage sans émotion porte un nez nettement non steinbergien) répète la recette d'un désastre qui n'entraîne aucune réaction. Le Curriculum Vitae de Pavel Koutsky [1986] élabore sur un thème favori de Steinberg, celui de l'autentification personnelle au moyen de ce document grandiose. La chronique d'une vie est imaginée à l'aide d'images de statut social symboliques qui transcendent toute culture. The Doodlers, un autoportrait de groupe d’une classe d’art graphique réalisé par Kathy Rose en 1975, représente la tendance auto-référentielle de Steinberg, même si son style n’a pas été imité consciemment. Ce portrait montre aussi comment la régression vers l’art enfantin, en particulier vers le jeu théâtral, qui permet d’enfiler telle ou telle persona pour voir si elle nous va, peut amener au jour des vérités primitives émotionnelles sur les auto-déceptions de l’identité. The Characters d'Evert de Beijer [1986] trace le portrait d'un couple timbré dont les membres recherchent leur propre intérêt dans ce qui semble être un château médiéval. Mais bientôt nous sommes témoins d'interactions surréalistes de ces personnages avec d'autres sortis tout droit de chez Steinberg. Une scène particulièrement juteuse avec un « E » transparent (en plastique clair ?) n'aurait jamais résisté à l'auto-censure élaborée de Steinberg. Cette vénération du bon goût vient peut-être de la dépendance précoce de Steinberg à l'égard des commandes des grands médias ou même de son sentiment de réserve inné. Mais elle concorde avec la mystérieuse introspection aplatie de ses « personnages ». Plusieurs des films de ce programme l'auraient probablement horrifié comme étant trop vastes, trop actifs, trop divertissants. Nous devrons peut-être attendre une nouvelle génération d'animateurs naufragés ou un nouveau média de présentation méditative pour traduire sa vision en performance graphique. Son art a rejeté « la graphologie et les fausses prétentions » en créant des méat-dessins qui ont atteint l'état privilégié de ressentir le léger agacement de n'être que des dessins.

The Best of Dušan Vukotić on DVD for the first time! Includes all the films in the Ottawa retrospective.

Oscar-winner Dušan Vukotić helped found the Zagreb Film Studio and a style that influenced generations of animators.

Piccolo

The Ersatz (SUROGAT)

The Playful Robot

Other classic animation available on DVD from Rembrandt Films: • The Best of Zagreb Film • The Puppet Films of Jiri Trnka • Rembrandt Films Greatest Hits

• Winky Dink and You • Plus New to DVD: The Worst Cartoons Ever Made

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At the very beginning of the 1950s, Vukotić was a full-time cartoonist at Kerempuh-a satirical newspaper published in Zagreb-which printed caricatures, humoristic and satirical texts in the spirit of early socialist politics. He contributed his caricatures to other magazines and newspapers, too. However, when Fadil Hadžić, then the chief editor of Kerempuh, initiated a short lived production of animated films (Kerempuh production and Duga film company, 19511952), Dušan Vukotić readily joined the enterprise. His first animated films, as well as the films of other animation pioneers, were made under the influence of the predominant paradigm of the time – the short films of Walt Disney. But, importantly, Vukotić’s films were done in the satirical manner of Kerempuh. The first film, How Kićo Was Born (1951), was an anti-bureaucratic satire, and the next was a straight anti-Soviet anti-propagandist political satire The Enchanted Castle in Dudinci (1952). In these first films Vukotić did not display ease with realistic Disneyesque animation; his animation and drawing skills were not up to the well-adapted classical drawing and animation style of his colleagues – brothers Walter and Norbert Neugebauer and Borivoj Dovniković. It was possibly just this maladjustment to the classical style of animation that was helpful in his successful stylistic and thematic innovations. Namely Vukotić later played a key role in the articulation of a distinctive modernist cartoon-film style at Zagreb animation.

DUSAN VUKOTIC A CANONICAL MODERNIST OF ANIMATED FILM LE CANON MODERNISTE DU FILM D’ANIMATION by | par Hrvoje Turković PROGRAM Saturday, Sept. 22, 1:00 pm (Empire Theatre) Sunday, Sept. 23, 11:00 am (Empire Theatre) The Disobedient Robot (Nestašni robot) [1956] Dušan Vukotić | 7:36 Cowboy Jimmy [1957] Dušan Vukotić | 13:48 The Great Fear (Veliki strah) [1958] Dušan Vukotić | 13:09 Revenger (Osvetnik) [1958] Dušan Vukotić | 13:11 Concerto for the Sub-Machine Gun (Koncert za mašinsku pušku) [1958] Dušan Vukotić | 13:52 Surogat (Ersatz) [1961] Dušan Vukotić | 9:24 Ars Gratia Artis [1970] Dušan Vukotić | 9:02

DUSAN VUKOTIC

PRESENTED BY PRESENTE PAR THE CROATIAN FILM CLUB ASSOCIATION & THE EMBASSY OF THE REPUBLIC OF CROATIA

When Zagreb film animation production was initiated, Vukotić, in cooperation with Nikola Kostelac, produced a series of animated commercials (1954-55: The Big Race, A Visit from Space, The Blind Mouse, etc. - about thirteen commercials in total), which became the starting products for the newly established Studio for animated film, and a stylistic template for future production: namely, producing commercials quickly and economically. Vukotić and Kostelac maximally schematized a drawing flattened the represented space in the style of modern graphic design of their time, encouraged also by the new movement of neo-geometrical art in Croatia (the EXAT ‘51 movement), animation phases in these commercials were reduced, and the figures were only partially animated – in the style of today’s television animation. It seemed that this advertising context opened up Vukotić’s mind to the drawing and animation possibilities quite different from the Disney paradigm. When Vukotić started producing autonomous animated films, he did not jump right into the modernist graphical canonization. The initial number of his succeeding animated films was made according to the traditional idea of the basic purpose of animated film. Namely, the animated films were conceived as “films for children”, with the task of presenting recognizable, stereotypical stories in a comical, gag-like manner, with the three-dimensional, perspective scenery, rounded figures and with ‘full’, realistic animation. But, the film stories Vukotić chose were mostly parodies of common genres–science fiction (Naughty Robot, Cow on the Moon), horror movies (The Big Scare), fairytales (Abracadabra) and popular westerns (Cowboy Jimmy).

Au tout début des années 1950, Vukotić était dessinateur de bandes dessinées à temps plein pour Kerempuh, un journal de Zagreb à tendance satirique qui publiait des caricatures et des textes satiriques et humoristiques dans l’esprit de la politique socialiste de l’époque. Il faisait aussi publier ses caricatures dans d’autres revues et journaux. Toutefois, lorsque Fadil Had i, alors rédacteur en chef de Kerempuh, a produit un court métrage en dessins animés (Kerempuh Production et Duga Film Company, 19511952), Dušan Vukotić s’est joint avec entrain à l’entreprise. Ses premiers films d'animation, de même que ceux d'autres pionniers dans le domaine de l’animation, ont été produits sous l’influence du paradigme prédominant du temps – les courts métrages de Disney. Mais, de façon plus importante, les films de Vukotić avaient été apprêtés aux goûts satiriques de Kerempuh. Le premier métrage, How Kićo was Born (1951), était une satire anti-bureaucratique. Et le suivant, intitulé The Enchanted Castle in Dudinci (1952), était une satire politique anti-sovièt et anti-propagande adressée sans vergogne au régime de l’époque. Dans ces premiers métrages, Vukotić n'avait pas de facilité aisance à reproduire le réalisme de l'animation disneyesque; par exemple, ses techniques d’animation et de dessin n’étaient pas à la hauteur des techniques classiques d’animation de ses collègues – les frères Walter et Norbert Neugebauer, et Borivoj Dovnikovi. Mais c'est peut-être justement cette mésadaptation au style classique d’animation qui l'a aidé à innover aux niveaux de la stylistique et de la thématique. Lorsque Zagreb film a commencé à produire des films d'animation, Vukotić, en collaboration avec Nikola Kostelac, a produit une série publicitaire animée (1954-55 : The Big Race, A Visit from Space, The Blind Mouse, etc. – environ 13 publicités en tout), qui est devenue le produit inaugural de ce studio nouvellement établi et l’archétype stylistique des productions à venir. Notamment, en produisant des publicités rapides et économiques, Vukotić et Kostelac, portés par le nouveau mouvement de l’art néogéométrique en Croatie (le mouvement EXAT ’51), ont amené le dessin à sa schématisation maximale et aplani l’espace dans le design graphique de leur temps. Les phases d’animation de ces publicités étaient réduites, et les images n'étaient que partiellement animées – dans le style actuel de l’animation télévisée. Dans le contexte des créations de publicités où il a évolué, Vukotić s’est ouvert à des possibilités de dessin et d’animation assez différentes du modèle d’animation de Disney.

Parody supplied the recognizable situations that Vukotić could play upon, exercising his animation and gag imagination, testing different visual effects, playing with the spatial nature of scenery. Moreover, his films were not aimed at pure entertainment (as American children’s cartoons), but in accordance with the socialist pedagogy of the time.

Au moment où Vukotić a commencé à produire des films animés de façon autonome, il n’a pas exploité d’emblée le modernisme au niveau des graphiques, tel que nous le connaissons. Le nombre initial de ses films d’animation a été fait selon une idée traditionnelle ou le prétexte pour lequel le film d’animation avaient été crée. À l’origine, les films d’animation étaient conçus « pour enfants », avec l'objectif de présenter des histoires-types, comiques, tournées en gags, possédant une perspective scénique tri-dimensionnelle, une animation entièrement réaliste et des personnages ayant des points de repères que l’auditoire pouvait reconnaître. Cependant, les histoires de Vukotić étaient en grande partie des parodies provenant des genres les plus connus – des parodies de sciences-fictions (Naughty Robot, Cow on the Moon), de films d’horreur (The Big Scare), de contes de fées (Abracadabra), de western populaires (Cowboy Jimmy).

With Cowboy Jimmy (1957), and especially with three films all produced in 1958 – The Big Scare, The Avenger, A

La parodie fournissait les situations reconnaissables auxquelles Vukotić pouvait appliquer son animation et son

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Surogat imagination pour les gags, en testant différents effets visuels et en jouant avec les éléments spatiaux de la scène. De plus, ses films ne visaient pas à strictement divertir un jeune public (comme les dessins animés américains destinés aux enfants le faisaient), mais suivant la pédagogie socialiste de l’époque, il guidait l'exposition d'un message obligatoire, la conclusion morale qui ironiquement, marquait cette « évasion » de l'imagination (l'imitation naive des héros occidentaux, se perdre dans le monde des histoires d'horreur, l'enchantement des contes avec les magiciens, l'amour de la science-fiction...).

Concert for a Machine Gun – Vukotić introduced a new, more radical artistic style. Graphic flatness already pervaded Cowboy Jimmy. The bodies were often animated in an “unrealistic” manner (horse's legs ‘curled’ instead of moving ot the joints like biological horse legs; there were frequent leaping transitions of figures from one position to another…). All of this became quite pronounced in The Avenger, where the spatial flatness of scenery and its occasionally almost ‘abstract’ presentation combined with the occasionally highly stylized animation, were particularly impressive. The trend reached its most radical peak in the Concert for a Machine Gun, where the characters and the scenery were systematically geometrized (reduced to basic geometrical shapes), and completely flattened (non-perspective), and animation programmatically nonrealistic, mostly rhythmically ‘choreographed’. Although these films – with the exception of The Avenger – dealt with parody (The Concert for a Machine Gun was made as a parody of a crime story), Vukotić's work took a thematic turn from children’s films to adult films (The Big Scare, The Avenger, and The Concert for a Machine Gun no longer featured children). The Avenger, was particularly important, because in it he freely adapted a notable literary work focused on psychological satirical characterization (the story was made after the Chekhov’s story), and in The Concert for a Machine Gun he turned to allegorical themes – the film was not just a parody of a gangster film, but a global critical characterization of the distortions of the contemporary capitalist, urban civilization. In Piccolo (1959), he traced a characteristic escalation of hostilities from petty neighbours' intolerance to a global confrontation; The Game (1962) featured a transformation of a game into a cataclysmic war (both films were inspired by the cold war atmosphere of his time); while Surrogate (1961) presented the contemporary world as a world of absolute surrogates. The entire thematic shift retained one mark of his children’s films – the tendency ‘to make a point’, but now the pedagogical message was replaced by the philosophical one about the state of human nature and of contemporary civilization. He kept to the traditional view of animated film as a humoristic, but previous comic and gag-like elaboration of actions and situations was replaced by the satirical and allegorically intoned elaboration, and the emphasis on the graphic based gags – gags that played with graphic aspects of the film.

DUSAN VUKOTIC

Dans Cowboy Jimmy (1957) et en particulier dans trois films produits en 1958 – The Big Scare, The Avenger, A Concert for a Machine Gun – Vukotić expose un style nouveau, plus radical et plus artistique. Justement, dans Cowboy Jimmy, un graphisme bidimensionnel prévaut, c’est-à-dire que les personnages y sont animés de manière « irréaliste ». (Par exemple, la patte d’un cheval « se courbait » au lieu de se plier aux jointures biologiques habituelles ; ses personnages sautaient souvent d’une position à l’autre...). Tout cela s’est accentué dans le film The Avenger où les scènes bidimensionnelles, presque abstraites à l’occasion, combinées à une animation hautement stylisée étaient particulièrement impressionnantes. La tendance atteint son paroxysme dans le film Concert for a Machine Gun, où les personnages sont systématiquement géométrisés (réduits à des formes géométriques de base), entièrement aplatis (aucune perspective) et où l'animation est programmée d'une façon non réaliste qui obéit principalement à une rythmique « chorégraphiée ». Quoique ces films , à l'exception de The Avenger aient été parodiques,– (Concert for a Machine Gun parodiait un crime), le travail de Vukotić a pris un tournant thématique, des films pour enfants aux films pour adultes (The Big Scare, The Avenger et The Concert for a Machine Gun ne figuraient pas parmi les titres de films animés destinés aux enfants). The Avenger est particulièrement important parce que Vukotić y adapte librement une oeuvre littéraire connue (de Tchekov) axée sur la satire psychologique, et, dans Concert for a Machine Gun, il fait appel à des thèmes allégoriques – le film n’était pas seulement une parodie de film de gangster, mais la critique des distorsions de la civilisation capitaliste urbaine contemporaine. Dans Piccolo (1959), il dépeint l’escalade des hostilités, d'une intolérance anodine entre voisins jusqu'à une confrontation mondiale. Dans The Game (1962) il transforme un jeu en une guerre cataclysmique (ces deux films avaient été inspiré par l’ambiance que faisait planer à l'époque la guerre froide), tandis que, dans Surrogate (1961), Vukotić présente le monde contemporain comme l'univers abolu des « substituts ». Malgré le changement radical de thématique, les films pour adultes de Vukotić ont conservé un trait de ses films pour enfants, la « démonstration ». Mais le message pédagogique avait désormais cédé la place à un plus philosophique qui traitait de l’état de la nature humaine et de la civilisation contemporaine. Il s’en tient à la conception traditionnelle de l’animation, soit celle d'être humoristique, mais l'action et les situations comiques sont remplacés par une composition satirique et allégoriquee, et il accentue l'aspect graphique des gags.

In fact, these two – the thematic turn and the focus on graphics – were inter-dependent. The best way to deal with the abstract, symbolic and metaphorical ideas was to use the abstraction and stylization potentials of animated film. The reduction of forms and animation and their stylization served these symbolizing purposes. The characters were more important as symbolic figures than realistic ones – they were presented in geometrical distortions; their limbs were not animated as bodily extensions with organic and psychological expressiveness, but as mechanical, detachable appendices, just symbolizing the general nature of the movement and typicality of character’s reactions. Action scenes often became simply motives for rhythmic toying with Modrian type or Klee type geometrical patterns. In fact, tracking the ‘story’ of a film ceased to be of main importance – film stories were ultimately simplified because the whole point of this graphic game was to stimulate a comprehension of an abstract, philosophical, and primarily moralist, point of the particular film. At that period, Vukotić's fertility and authority canonized this modernist style, and turned it into a general approach in the Studio of animated film, and among his colleagues. Vukotić was not the only cartoonist at Zagreb film, not alone in the described stylistic enterprise. He was accompanied by the fertile creativity of the stylistically individual, but philosophically close opus of Vatroslav Mimica, and by other authors influenced by this new impressive and successful style (Kostelac, Dragutin Vunak, Ivo Vrbanić, Vladimir Tadej, Zvonimir Lončarić etc.). Even when Vukotić and Mimica turned from animated films to feature films in the mid-60s, their canonical example remained influential among the "second wave" authors of Zagreb animated films of the mid-60s and on (e.g. Borivoj Dovniković, Aleksandar Marks, Vladimir Jutriša, Zlatko Grgić, Boris Kolar, Nedjeljko Dragić, etc). It remained influential even when they questioned some premises of the ‘first wave’ author’s world.

était d’utiliser le potentiel d’abstraction et de stylisation du film d’animation. La réduction des formes et de l'animation, et leur stylisation, servait cet objectif de symbolisme. Les personnages étaient plus importants comme figures symboliques que comme personnages réalistes s'ils étaient présentés sous des formes géométriques distordues; leurs membres n’étaient pas animés comme des extensions du corps ayant une expressivité organique et psychologique, mais comme des appendices mécaniques détachables symbolisant le mouvement naturel typique des réactions caractéristiques. Les scènes d’action devenaient souvent le prétexte pour jouer de façon rythmique avec des patrons géométriques à la Modrian ou à la Klee. En fait, « cerner l’intrigue » devenait secondaire puisque les histoires étaient ultimement simplifiées, le but de ce jeu graphique étant de stimuler la compréhension d’une morale abstraite et philosophique du film. Pendant cette période, la fécondité et l'autorité de Vukotić ont fait de ce style moderniste un canon, et en ont fait l'approche principale du studio zhagregin et de ses collègues. Vukotic n’était pas le seul animateur à Zagreb film, et pas le seul dans l’entreprise stylistique décrite précédemment. Il était entouré de créateurs artistiques prolifiques, tels que Vatroslav Mimica et d’autres auteurs influencés par la mouvance de ce style nouveau et impressionnant (Kostelac, Dragutin Vunak, Ivo Vrbani, Vladimir Tadej, Zvonimir Lonari, etc.). Bien que certaines des prémisses du monde des auteurs de la « première vague » aient été remises en question, lorsque Vukotic et Mimica sont passés de l’animation aux longs métrages, au milieu des années 1960, leur méthode innovatrice est demeurée une source d’influence importante pour les auteurs de la « deuxième vague » à Zagreb film à partir des années ‘60 et bien au-delà de ces années. (par ex., Borivoj Dovnikovi, Aleksandar Marks, Vladimir Jutriša, Zlatko Grgi, Boris Kolar, Nedjeljko Dragi, etc).

The animated opus of Zagreb film during the 1950s and 1960s was perceived as an extraordinary group deviation from the prevailing tradition of animated film that ruled the world cinema and international festivals at that time, but ‘deviation’ that was so much in the spirit of the growing modernist sensibility of the international cultural milieu, that it was immediately recognized as paradigmatic for the ‘art’ branch of world animation. The festival critics singled the Zagreb group out by christening it ‘the Zagreb school of animation’, and festivals awarded their numerous films; their fertile and versatile but stylistically recognizable output.

Le corpus des films d'animation de Zagreb film des années 1950 et 1960 a été perçu comme étant une extraordinaire déviation de groupe du modèle d’animation qui dominait le monde et les festivals internationaux de l’époque. Mais cette déviation s’inscrivait tellement dans l'esprit de la sensibilité moderniste du milieu culturel international qu'elle a été immédiatement reconnue comme étant le « paradigme » du volet « artistique » du monde de l'animation. Les critiques de festivals ont baptisé le groupe d’animateurs de Zagreb « École d’animation de Zagreb », et les festivals ont primé leurs nombreux films, ainsi que leur production féconde et multivalente, au style immanquable.

Although the socialist politicians in Ex-Yugoslavia felt certain unease when faced with the “abstract humanism” (and “abstract graphism”) of these films, they tolerated it because of its general international success. The films were used as a showcase of the liberal variant of the socialist Tito’s politics.

Les politiciens socialistes de l’ex-Yougoslavie n’ont pas été sans ressentir un certain malaise face à « l’humanisme abstrait » (et au « graphisme abstrait ») de ces films. Ils les ont toléré à cause de leur succès international et les ont utilisés comme vitrime pour illustrer la variante libérale des politiques du socialiste Tito.

The world success of the ‘school’, and the canonization of the role of Vukotić in it was sanctified by the most famous award – the Oscar that was given to Vukotić's film Surrogate in 1962

Le succès mondial de « l’école » et la « canonisation » du rôle de Vukotic en son sein a été sanctifiée par le prix international le plus prestigieux qui soit – un Oscar lui a été remis par The American Academy of Motion Picture Arts and Sciences pour son film Surrogate en 1962.

En fait, le changement de thématique et l’accent mis sur les graphiques sont interdépendants. La meilleure façon de gérer les idées abstraites, symboliques et métaphoriques

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PERLS OF WISDOM PERLES DE SAGESSE by | par Chris Robinson

PROGRAM Saturday, Sept. 22, 3:00 pm (Bytowne Cinema) Sunday, Sept. 23, 3:00 pm (NAC Southam Hall) Lady Fishbourne's Complete Guide to Better Table Manners [1976] Janet Perlman | National Film Board of Canada | 35mm | 6:00 Why Me? [1978] Janet Perlman and Derek Lamb | National Film Board of Canada | 9:25 The Tender Tale of Cinderella Penguin [1981] National Film Board of Canada | 35mm | 9:56 My Favorite Things That I Love [1994] 3:56 Dinner for Two [1996] National Film Board of Canada | 35mm | 7:12 Bully Dance [2000] National Film Board of Canada | 35mm | 10:14 Penguins Behind Bars (excerpt) [2003] National Film Board of Canada | Betacam SP Green Screen Show ‘Shakespeare’ [2004] ACME Filmworks | 3:30 Invasion of the Space Lobsters [2005] National Film Board of Canada | Bestcam SP | 6:47 The Nose [2007] DVD | 2:00 Special thanks to the National Film Board of Canada, Cinemathque Quebecoise and Janet Perlman for providing prints for this screening.

Like so many animators, Janet Perlman never envisioned herself as an animator: “Ever since I was a child I’ve loved cartoons, but that had no relation to anything I wanted to do. And I went to Art school planning to be a starving artist.” Perlman eventually landed at Montreal’s School of Fine Arts. One of the mandatory courses was animation. “I truly didn’t understand animation at all. I drew, for the first assignment I drew a pan. I drew the same character over and over and over again. It just floated across the screen. I just didn’t get it. I mean, you know, I just didn’t even understand it.” Eventually Perlman did “get it” enough to land a job at the National Film Board of Canada (NFB). Her first opportunity came on an NFB series called Poets on Film, designed to promote Canadian poetry. Perlman made two films The Bulge (1977) and Hazel Bough (1977), both of which are simply drawn films that show a hesitancy and lack of confidence that are normal hallmarks of a young artist. “I have never been able to relate to most poetry, as I often don't understand it. So I decided to just go with that and find poems to illustrate absolutely literally. You know, the wrong thing to do. They let me do two of them, as I was very fast. One month for each poem.” Lady Fishbourne ‘s Complete Guide to Better Table Man-

Comme tant d'autres réalisateurs de films d'animation, Janet Perlman ne s'est jamais vue comme telle. « J'aime les dessins animés depuis mon enfance, mais cela n'a eu aucun rapport avec ce que je voulais faire. Je suis allée à l'École des Beaux-Arts en prévoyant devenir une artiste fauchée. » Perlman a finalement atterri à l'École des Beaux-Arts de Montréal. Le cours d'animation était un des cours obligatoires. « Je ne comprenais vraiment rien à l'animation. J'ai dessiné, comme premier travail, un elfe. J'ai dessiné le même personnage encore et encore. Il flottait d'un point à l'autre de l'écran. Je ne “pigeais” pas. Je veux dire, vous savez, que je ne comprenais même pas. » Mais Perlman avait « pigé » suffisamment pour décrocher un emploi à l'Office national du film du Canada (ONF). Sa première occasion lui est venue d'une série intitulée Poètes sur film [Poets on film], conçue pour promouvoir la poésie canadienne. Perlman a fait deux films, The Bulge (1977) et Hazel Bough (1977), qui sont simplement dessinés, et qui manifestent des marques d'hésitation et de manque de confiance propres à une jeune artiste. « Je n'ai jamais été capable d'avoir un rapport avec la poésie, car souvent, je ne la comprends pas. Alors j'ai décidé d'accepter ce fait et de trouver des poèmes à illustrer absolument littéralement. Vous savez, ce qu'il ne faut pas faire. Ils m'ont laissé en faire deux, parce que j'étais très rapide. Un mois pour chaque poème. » Lady Fishbourne‘s Complete Guide to Better Table Manners a été son son film suivant à l'ONF. Dans ce film, à propos de quatre personnages plutôt étranges qui s'assoient pour prendre un repas et décident de briser toutes les règles du savoir-vivre à table, nous voyons les premiers aperçus de l'amour de Perlman pour la parodie. « Ma première pensée pour tenter de développer une idée de film est : “Qu'est-ce qu'il ne faudrait pas faire ?” Cette méthode fonctionne bien dans mon cas. Dans ce film, je prends toutes les règles, et les personnages font tout de travers. Il se trouve que c'est exactement ce que veut voir l'auditoire. Les enfants aiment voir qu'on enfreint des règles. » À mesure que Perlman révèle gentiment l'absurdité des bonnes manières et critique légèrement la structure des classes sociales, les gags deviennent moins drôles et ironiquement, le film finit par éduquer les spectateurs aux bonnes manières à table. À cette époque, Perlman était liée avec le producteur et réalisateur de films d'animation Derek Lamb. Elle et lui ont décidé de travailler ensemble à l'idée d'un homme à qui on vient d'annoncer qu'il ne lui reste que quelques minutes à vivre. « Cette idée lui trottait en tête depuis un moment. Il y avait travaillé avec d'autres gens du studio et avait fait un scénarimage, il avait jonglé avec, il avait demandé à des acteurs d'improviser sur l'idée, cela prenait forme, et il m'a demandé de faire un essai d'animation ou d'illustration.

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The End. Nesbitt Spoon, the character, will actually die as soon as the film ends. Why Me? also contains some remarkable acting (another trademark of Lamb’s period at the NFB) that made Perlman’s life a bit easier. “It was my first all lip sync film. The film was easy for me because of the great performances. I wasn't at the recordings, and so I was not influenced by the visual performance, which I think for this film was a liberating thing. The key to this was working with the track on tape right beside my animation table. I played it constantly to accurately interpret the performance.” Then came the penguins. “The first thing I did with penguins was to illustrate a fact I did for the National Film Board about U.S./Canada relations. There was a section that outlined how little Americans know about Canada. I illustrated the fact there are no penguins in Canada, which meant I could draw a lot of penguins. Penguins are a special and fun animation challenge because they have no waists, legs, eyebrows, and their mouth is also a nose. Penguins work best when they are completely inappropriate.”

Lady Fishbourne's Complete Guide to Better Table Manners ners was Perlman’s next film for the NFB. In the film, about a quartet of rather strange looking characters who sit down for a meal and proceed to break all the rules of table etiquette, we see the first glimpses of Perlman’s distinctive love of parody. “My first thought in trying to develop a film idea is: What would be the wrong thing to do? This approach works well for me. In this film, I take all the rules and the characters do everything wrong. As it happens, this is exactly what audiences want to see. Kids love to see rules broken.” While Perlman gently reveals the absurdity of etiquette and lightly criticizes class structures, the gags eventually tire and, ironically, the film actually ends up educating the viewers about table manners.

Alors j'ai fait un scénarimage, il a aimé ça, et je me suis retrouvée à en faire l'animation et le montage. Essentiellement, j'ai fait l'animation comme si j'en étais l'auteure. »

By this time Perlman was romantically involved with NFB producer and animator, Derek Lamb and the two decided to work together on an idea about a man being told he had just minutes to live. “It was an idea that he had around for a while. He had been working with these other people in the studio and storyboarding it and playing around with it and he had actors improvise with the idea and it was finally jelling and he asked if I might take a stab at animating it or illustrating it. So I did a storyboard, he liked it and I ended up doing the animation and the editing. Basically I animated it like any of my own films.”

Pourquoi Moi ? contient aussi un jeu d'acteurs remarquable (une autre caractéristique de la période Lamb à l'ONF), ce qui a facilité la vie de Perlman. « Ce fut mon premier film tout en post-synchro. J'ai eu de la facilité à faire ce film à cause des merveilleuses performances. Comme je n'ai pas assisté aux enregistrements, je n'ai pas été influencée par la performance visuelle, ce qui, je crois, a été une libération dans le cas de ce film. La clé a été de travailler avec la bande sonore juste à côté de ma table d'animation. Je la faisais jouer constamment pour interpréter exactement la performance. »

The result was Why Me? (1978) a remarkable work of art that exemplifies what the NFB does so well: create timeless films that are both educative and personal. In telling the story of Nesbitt Spoon, an average joe who finds out that he has only minutes to live, Lamb and Perlman seamlessly blend comedy and tragedy. There is also a self-reflexive level that echoes Duck Amuck and foreshadows Chris Landreth’s

Puis les manchots sont arrivés.

JANET PERLMAN

Le résultat fut Why Me? (1978), une œuvre d'art remarquable qui illustre ce que fait si bien l'ONF : des films intemporels à la fois éducatifs et personnels. En racontant l'histoire de Nesbitt Spoon, un bonhomme moyen qui découvre qu'il n'a que quelques minutes à vivre, Lamb et Perlman mêlent sans heurt comédie et tragédie. Il y a aussi un niveau auto-réflexif qui fait écho à Duck Amuck et laisse entrevoir le The End de Chris Landreth. Le personnage Nesbitt Spoon mourra en effet dès que le film sera terminé.

« La première chose que j'ai faite avec les manchots fut d'illustrer, pour l'Office national du film, un fait au sujet des relations canado-américaines. Il y avait une section qui soulignait le peu de connaissances que les Américains avaient du Canada. J'ai illustré le fait qu'il n'y a pas de man-

The idea for the Tender Tale of Cinderella Penguin (1981) also started as a reaction to Disney films. “I don't like the automatic pairing of virtue and beauty in fairy tales and Disney films. I have never had a desire to do that kind of animation. Disney would have put penguins in Antarctica. I kept them in medieval England. Penguins are perfect for Cinderella because she was beautiful and good, while her sisters were ugly and bad. If everyone was a penguin and then they'd all be just birds.” For reasons that need not concern at this time, Perlman and Lamb left the NFB in 1982 to pursue their own projects. After working for a time on a series of short sport cartoons, Lamb took a job at Harvard and the two animators moved to Cambridge, Massachusetts. It was during this period that Perlman made, arguably (and I dare you to argue with me), her most successful and truest film, My Favourite Things that I Love (1994). This improv session is an artistic explosion of unabashed pleasure, beauty and ugliness. It’s one big ‘fuck it all’ film where Perlman dumps everything on the table and says, “hey, this is my life, this is who I am, this is what I like.” Perlman returned to educational projects and the NFB in the mid-1990s (and moved back to Montreal in 1998). She decided to pitch a film idea to the new Executive Producer of English animation, Barrie Angus McLean. “Barrie had a project that we found interesting: conflict resolution. I said okay and proposed a series of films and went to do seminars and things and there’s a whole world of people out there interested in this sort of thing in terms of conflict resolution and mediation, anger management and all these things. And I thought they had a lot of interesting things to say.” Perlman developed parameters for the series. The characters had to be non-human and no language could be used. This would ensure that the films weren’t culturally or racially specific. “The inspiration came from fables, such as Aesop's. You don't tell someone that they're being childish and bitter, you tell them there's this fox who decided some grapes were sour.” In Dinner for Two (1996) - the first tongue-wrestling movie

chots au Canada, ce qui signifiait que je pouvais dessiner plein de manchots. Dessiner des manchots présente un défi particulièrement amusant au plan de l'animation parce qu'ils n'ont pas de taille, pas de jambes, pas de sourcils et que leur bec est aussi un nez. Le dessin d'un manchot est le plus efficace quand il est tout à fait inapproprié. » L'idée de Tender Tale of Cinderella Penguin (1981) a aussi commencé en tant que réaction aux films de Disney. « Je n'aime pas l'appariement automatique de la vertu et de la beauté, ni dans les contes de fée, ni dans les films de Disney. Je n'ai jamais souhaité faire ce genre d'animation. Disney aurait situé les manchots dans l'Antarctique. Je les ai situés dans l'Angleterre médiévale. Les manchots conviennent très bien pour une histoire de Cendrillon parce qu'elle était belle et bonne, tandis que ses sœurs étaient laides et méchantes. Si tout le monde est manchot, alors ils ne sont que des oiseaux. » Pour des raisons qui n'ont pas d'importance en ce moment, Perlman et Lamb ont quitté l'ONF en 1982 pour poursuivre leurs propres projets. Après avoir travaillé un certain temps à une série de dessins animés pour des sports, Lamb a trouvé un emploi à Harvard, et les deux animateurs ont déménagé à Cambridge, au Massachusetts. C'est pendant cette période que Perlman a fait ce que d'aucuns estiment être son film le plus vrai et le plus réussi, My Favourite Things that I Love (1994). Cette séance d'improvisation est une explosion artistique de plaisir sans contrainte, de beauté et de laideur. C'est un film « fourre-tout » où Perlman vide tout sur la table et dit : « Hé, voici ma vie, voici qui je suis, voici ce que j'aime. » Perlman est retournée à la création de projets éducatifs, et à l'ONF, au milieu des années 1990 (et elle s'est réinstallée à Montréal en 1998). Elle a décidé de vendre une nouvelle idée de film au producteur exécutif de l'animation anglaise, Barrie Angus McLean. « Barrie avait un projet que nous trouvions intéressant : le règlement des différends. J'ai dit d'accord, j'ai proposé une série de films, et je suis allée donner des séminaires. Plein de gens sont intéressés par le règlement des différends et la médiation, la gestion de la colère et tout ce bataclan. Et j'ai pensé qu'ils avaient plein de choses intéressantes à dire. » Perlman a élaboré des paramètres pour la série. Les personnages ne devaient pas être des humains, et aucune langue ne devait être utilisée. Cela assurerait que les films ne comportent aucune référence culturelle ou raciale. « L'inspiration m'est venue des fables, par exemple celles d'Ésope. Vous ne dites pas à quelqu'un qu'il fait l'enfant et qu'il est amer, vous lui dites qu'un certain renard a décidé que les raisins étaient amers. » Dans Diner pour deux (1996) – le premier film de combat de langues jamais réalisé – deux caméléons se battent à coups de langue à propos d'un article de nourriture. Au bout du compte, les deux perdent la bataille au profit d'un crapaud qui à son tour, décide de partager le morceau entre les trois comparses. Au contraire du film semblable, mais cynique, de McLaren, Neighbours, Diner pour deux se termine avec l'espoir que le conflit sera réglé sans que les gens ne doivent être donnés en pâture aux vers de terre. Bully Dance (2000) transporte le conflit dans la cour d'école et adopte un style visuel très différent des films précé-

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ever made -two chameleons tongue fight over a peace of food. Eventually they both lose the food to a frog who in turn decides to divide the morsel between the three of them. Unlike McLaren’s similar but cynical Neighbours, Dinner for Two ends with hope that conflicts can be resolved without people being fed to the worms. Bully Dance (2000) moves the conflict to the schoolyard and has a very different visual style than any of Perlman’s previous films. Using African musical and design influences that are reminiscent of American animator Karen Aqua, Perlman aptly portrays the school yard as both a close knit tribe and a menacing jungle of bully terrorism. “Bully Dance was partly influenced by my working in computer [animation] for the first time. After years of cleaning dust off cells, now I wanted to counter the perfect digital look with manually placed dust and debris. I like Aqua’s visual style very much, and it so happens that we were both taking the same African dance classes in Cambridge and we've been friends for years. Many aspects of the story come from those dance classes.” For her next work, Perlman returned to her beloved penguins. In 1989, she had written a graphic novel called Penguins Behind Bars. “I wanted to do some penguins so, and I wanted to do some inappropriately cast characters, so then someone said I should do this prison/penguin thing which turned into a graphic novel with penguins behind bars and it just seems to keep on coming back.” Perlman and partner Judith Gruber Stitzer proposed the story as to the Cartoon Network who liked the idea and approved it as a TV special. Penguins Behind Bars is a playful ode to film noir and women’s prison films. In what must be the first film with lesbian penguins this “fish out of water story” shows life in prison from the perspective of an innocent bird who gets caught up with the wrong man and finds herself in prison. With less funding available for short films, Perlman has switched gears a bit and is currently trying to develop Penguins Behind Bars into a regular series. “There just isn’t funding enough for short films and I don’t get many commercials so I thought that my best bet would be a series, and essentially I think I have good ideas and a lot of staying power in terms of doing it so, see it through…I want, ideally, to make a living and do something that I had fun doing. It’s terrifying to make a series. Something crazy about getting on that treadmill and having it keep going and going where I can’t get off it and another script is coming in the door and another storyboard and there’s a whole pile of them but I feel like I have to do that or try to do that because these one-off things aren’t steady enough, you know?” While Perlman worked on a trailer for the potential series, she made Invasion of The Space Lobsters for the NFB and the Canadian Labour Congress (who wanted to a film made about using clear language in negotiations). Again, Perlman returns to her beloved B-movies for inspiration, this time from sci-fi flicks of the 1950s. When space lobsters land on the earth, miscommunication almost leads to the destruction of the planet. It’s only when humans take time to listen that they begin to understand that the lobsters have in fact come in peace. “I’d been wanting to do a science fiction movie and thought

JANET PERLMAN

dents de Perlman. Au moyen d'influences musicales africaines et de dessins rappelant l'animatrice américaine Karen Aqua, Perlman décrit la cour d'école comme étant à la fois une tribu aux liens étroits et une jungle menaçante par le terrorisme qu'exercent ses fiers-à-bras. Bully Dance a été en partie influencé par mon initiation à l'animation par ordinateur. Après avoir passé des années à épousseter des celluloïdes, je voulais maintenant contrer le look numérique parfait par de la poussière et des débris placés manuellement. J'aime beaucoup le style visuel d'Aqua, et il se trouve que nous avons suivi les mêmes cours de danse africaine à Cambridge, et nous sommes amies depuis des années. Plusieurs aspects de l'histoire viennent de ces leçons de danse. » Pour cette œuvre, Perlman est retournée à ses manchots bien-aimés. En 1989, elle avait écrit un roman en images intitulé Penguins Behind Bars. « Je voulais faire quelques manchots, et des personnages mal adaptés, alors quelqu'un a dit que je devrais faire ce truc de manchots en prison, qui est devenu un roman en images, et tout ça n'arrêtait pas de me revenir. » Perlman et sa partenaire Judith Gruber Stitzer ont proposé l'histoire au réseau Cartoon Network, qui a aimé l'idée et l'a approuvée comme un spécial télé. Penguins Behind Bars est une ode enjouée au film noir et aux films de femmes en prison. Dans ce qui est sans doute le premier film de manchotes lesbiennes, cette histoire de « poissons hors de l'eau » montre la vie en prison du point de vue d'une oiselle innocente qui se lie avec un mauvais garçon et se retrouve en prison. Moins de financement étant disponible pour des courts métrages, Perlman a un peu changé de vitesse et tente de développer Penguin Behind Bars sous forme de série régulière. « Il n'y a tout simplement pas assez de financement pour les courts métrages, et je n'ai pas beaucoup de pubs, alors j'ai pensé que le mieux que j'aurais à faire serait une série. Essentiellement je crois que j'ai de bonnes idées et beaucoup de persistance pour les réaliser et les mener à terme... Dans l'idéal, je voudrais pouvoir gagner ma vie de cette façon et faire quelque chose que j'ai du plaisir à faire. Il est terrifiant de faire une série. Il y a quelque chose de fou à monter sur ce tapis roulant et à continuer de le faire fonctionner encore et toujours, à ne pas pouvoir en descendre, et voici un autre scénario qui vient d'entrer et un autre scénarimage, et il y en a tout un tas, mais je sens que je dois le faire parce que les trucs à un coup n'arrivent pas assez régulièrement, vous savez ? » Tandis que Perlman travaillait à une bande-annonce pour la série potentielle, elle a fait Invasion of the Space Lobsters pour l'ONF et le Congrès du travail du Canada (qui voulait qu'un film soit fait sur l'utilisation de langage clair dans les négociations). Encore une fois, Perlman est retournée chercher de l'inspiration dans ses chers films de la série B, cette fois, des films de science-fiction des années 1950. Lorsque les homards de l'espace atterrissent sur la planète Terre, une mauvaise communication entraîne presque la destruction de la planète. C'est seulement lorsque les humains prennent le temps de comprendre qu'ils découvrent que les homards sont en fait venus en paix.

Invasion of the Space Lobsters well, how could this be a science fiction movie? I first proposed something that was a little bit odder then it ended up being. I guess they noticed that not enough of their message ended up being in it because it was a really, really bad science fiction movie. It ended up being a huge compromise but I tried to make it so it wasn’t a horrible film in the end. I had a lot of fun with it, but it ended up being an oddity.”

proposé quelque chose d'un peu plus étrange. Je suppose qu'ils ont remarqué que le film ne contiendrait pas assez de leur message parce que c'était vraiment un très mauvais film de science-fiction. Cela a fini par être un énorme compromis, mais j'ai tenté de faire en sorte que ce ne soit pas un film épouvantable. J'ai eu beaucoup de plaisir à le faire, mais en fin de compte, c'est une curiosité. »

You’d think after 16 years of being in this animation community I’d know better than to ask this question, but since I’m never quite sure why I’m still here, I can’t help but always wonder what drives these artists, whose work is seen by relatively small amounts of people and who remain virtually unknown to anyone outside the animation world.

On penserait que, après avoir passé 16 ans dans le milieu de l'animation, j'aurais l'intelligence de ne pas poser cette question, mais comme je ne sais toujours pas avec certitude pourquoi j'y suis encore, je ne peux m'empêcher de me demander ce qui motive ces artistes, dont les œuvres sont vues par un nombre relativement restreint de spectateurs et demeurent presque inconnues à l'extérieur du milieu de l'animation.

“I really enjoy all the aspects of it because if at any given point there’s a subject that interests me, or some craft I wish to pursue, I can. It can all be animation. If I just got tired of animation, you can always re-invent it to do something else with it, so it’s a medium that can change and accommodate anything you want to do. I feel very comfortable with animation.” Sounds good enough to me.

« J'en aime vraiment tous les aspects parce que si un sujet ou une technique m'intéresse, je peux l'explorer. Tout peut être animation. Si vous vous en lassez, vous pouvez toujours la réinventer et en faire autre chose. C'est donc un média qui peut changer et s'adapter à tout ce que vous voulez faire. Je me sens très à l'aise en animation. » Je n'ai rien à redire.

« Je voulais faire un film de science-fiction et j'ai pensé : “Comment en faire un film de science-fiction ?” J'ai d'abord

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INTERNATIONAL JURY JURY INTERNATIONAL JURY FOR INDEPENDENT, STUDENT & COMMISSIONED BRUCE ALCOCK (CANADA)

Bruce was born in Newfoundland, Canada. After studies at University of Toronto Bruce then moved to Barcelona, where he apprenticed with animator Dirk Van de Vondel. For the past 15 years he has worked internationally as a commercial director. He continues to develop an all-media approach to production: live action, CGI, drawings, photo-animation, film scratching, clay: experimental animation in a commercial context. Bruce's latest short film At the Quinte Hotel has enjoyed a successful run of over 50 film festivals worldwide and won a number of awards. Bruce est né à Terre-Neuve, au Canada. Après avoir étudié à l'Université de Toronto, il déménage à Barcelone, où il devient l'apprenti de l'animateur Dirk Van de Vondel. Ces 15 dernières années, il a travaillé dans le monde entier en tant que réalisateur de films commerciaux. Il continue d'élaborer une approche omni-médias à l'égard de la production, comprenant action directe, CGI, dessins, photo-animation, grattage de pellicule, pâte à modeler, en somme de l'animation expérimentale dans un contexte commercial. Son dernier court métrage, At the Quinte Hotel, a connu du succès et remporté plusieurs prix au cours d'une tournée internationale de 50 festivals.

RUTH LINGFORD (UNITED KINGDOM | ROYAUME-UNI) Ruth was born in London, and has been making short films since 1992. She taught for seven years at the Royal College of Art and the National Film and Television School in England. Since Sept 2005, she has been teaching at Harvard, where she is Professor of the Practice of Animation. Her films are dark and disturbing, though she herself is quite nice. Ruth, qui est née à Londres, fait des courts métrages depuis 1992. Elle a enseigné sept ans au Royal College of Art et à la National Film and Television School en Angleterre. Depuis septembre 2005, elle enseigne la pratique du film d'animation à Harvard. Ses films sont sombres et perturbants, bien qu'elle-même soit assez gentille.

JOANNA QUINN

(UNITED KINGDOM | ROYAUME-UNI)

Joanna has made 7 animated films and countless commercials, winning over 70 awards, including 3 Emmys and 4 Baftas. Two of her films, have received Oscar nominations. Joanna has been honoured with retrospectives of her work throughout the world. For the last 15 years she has been producing TV commercials for the UK, North American and Mexican markets. These include commercials for Charmin, Whiskas and United Airlines. Her latest film Dreams and Desires - Family Ties won the OIAF 06 Grand Prize for Best Independent Film. Joanna a réalisé 7 films d'animation et des pubs sans nombre, raflant au passage plus de 70 prix, dont 3 Emmys et 4 Baftas. Deux de ses films ont été mis en nomination aux Oscars. On lui a fait l'honneur de rétrospectives de son oeuvre dans le monde entier. Ces 15 dernières années, elle a produit des pubs télé pour les marchés du R.-U., de l'Amérique du Nord et du Mexique. De ce nombre, notons des commerciaux pour Charmin, Whiskas et United Airlines. Son dernier film, Dreams and Desires - Family Ties, a remporté le Grand Prix du meilleur film indépendant au FIAO 06.

JURY FOR FEATURE, SCHOOL & NEW MEDIA TOMASZ BAGINSKI

(POLAND | POLOGNE)

Tomek was born in 1976 in Białystok in Poland and studied architecture at the Warsaw Institute of Technology. He has worked at Platige Image (a Polish post-production house) since 1998, and is now art director. In 2003, his film The Cathedral was nominated for an Oscar in the Best Animated Short category. His next film, Fallen Art, won numerous awards including the BAFTA for Best Animated Short. Tomek est né en 1976 à Bialystok en Pologne et a étudié l'architecture à l'Institut de technologie de Varsovie. Il travaille chez Platige Image (une maison de post-production polonaise) depuis 1993, où il est maintenant directeur artistique. En 2003, son film La Cathédrale a été mis en nomination aux Oscars dans la catégorie du meilleur court métrage d'animation. Son film suivant, Fallen Art, a remporté de nombreux prix, dont le BAFTA pour le meilleur court métrage d'animation.

ALBERT HANAN KAMINSKI

(BELGIUM/ISRAEL | BELGIQUE/ISRAËL)

Albert was born in Brussels, Belgium in 1950. A graduate of the Bezalel Academy of Art & Design Graphic Design department where he currently teaches an advanced course on 2D animation. Before completing a post-graduate degree at the Rijksacademie of Visual Arts in Amsterdam (1981), he wrote and directed his first short, Little Hirik (1979). Albert has worked on a number of TV series, most notably as a director of films for Sesame Street between 1982-93. A recipient of many grants and prizes, including the Golden Telix award (Germany), Albert continues to write and direct for television and feature film. Albert est né à Bruxelles, en Belgique, en 1950. Il est diplômé du département de conception graphique de la Bezalel Academy of Art & Design, où il enseigne un cours de niveau avancé en animation 2D. Il a rédigé et dirigé son premier court métrage, Little Hirik (1979), avant d'obtenir un diplôme supérieur à l'Académie royale des Arts visuels d'Amsterdam (1981). Albert a travaillé à plusieurs séries télévisées, la plus connue étant sans doute Sesame Street, dont il a dirigé la cinématographie de 1982 à 1993. Récipiendaire de plusieurs bourses et prix, dont le prix Telix d'or (Allemagne), Albert continue à écrire et à réaliser pour la télévision et pour des longs métrages.

HRVOJE TURKOVIC

(CROATIA | CROATIE)

A professor at the Academy of Dramatic Arts, Zagreb, Hrvoje graduated in Philosophy and Sociology at Zagreb University followed that with a M.A. in Cinema Studies at NYU and then Ph.D. in Philology again at Zagreb University. Since 1965, he has published a large number of film and TV criticism, essays, studies, and book collections. He is a supervising editor for the academic film magazine Croatian Cinema Chronicle, president of Croatian Film Club’s Association, and a member of Croatian ASIFA. Professeur à l'Académie des arts dramatiques de Zagreb, Hrvoje a obtenu un diplôme en philosophie et sociologie à l'Université de Zagreb, puis une M.A. en études cinématographiques à l'Université de New York et enfin un Ph.D. en philologie encore une fois à l'Universtié de Zagreb. Depuis 1965, il a publié un grand nombre de critiques, d'essais et d'études sur le film et la télévision et dirigé la publication de collections sur ces sujets. Il supervise la révision de la revue universitaire Chroniques du cinéma croate. Il est président de l'Association des cinés-clubs croates et membre de l'ASIFA de Croatie.

INTERNATIONAL JURY | JURY INTERNATIONAL

OIAF 07 OFFICIAL COMPETITION

COMPETITION OFFICIEL FIAO 07

PRIZES AND AWARDS PRIX ET RECOMPENSES The Official Competition section of the Ottawa 07 International Animation Festival consists of works chosen by the Festival’s selection committee from a field of 2078 submissions.

Les œuvres de la compétition officielle du Festival International d’Animation d’Ottawa 07 ont été choisi par le comité de sélection du Festival parmi les 2078 films proposés.

Pre-Selection: Chris Robinson Final Selection: Chris Robinson with lots of input from André Coutu, Azarin Sohrabkhani, Jerrett Zaroski, Kelly Neall, Jarvis Neall (Kids categories)

Pré la sélection: Chris Robinson Sélection: Chris Robinson, André Coutu, Azarin Sohrabkhani, Jerrett Zaroski, Kelly Neall, Jarvis Neall (concour pour enfants)

The OIAF 07 International Jury will view, along with the audience, all films and videos presented in the Official Competition and select the Festival’s Grand Prizes and first prize in each of the categories of the competition.

Les membres du jury international du FIAO 07 visionneront avec les spectateurs tous les films et vidéos présentés au concours officiel et choisiront les Grands Prix du Festival et les Premiers Prix dans chacune des catégories du concours.

At its discretion, the International Jury may also award additional special prizes. The Jury has the right to withhold an award where no entry, in its view, meets the standards for recognition. On Sunday, September 23 at 7:00 pm at the National Arts Centre, the Jury will announce the award-winning films. A selection of the Festival's award-winning productions will be screened at 8:00 pm. It is the responsibility of the Jury to determine which of the award-winning productions will be screened.

À sa discrétion, le jury international peut aussi remettre des prix spéciaux supplémentaires. Le jury se réserve le droit de retenir un prix, si à son avis aucune entrée ne satisfait aux normes de reconnaissances. Le dimanche, 23 septembre à 19 h, au Centre National des Arts, le jury annoncera les films primés. Une sélection des productions primées au Festival sera présentée à 20 h. Le jury a la responsabilité de déterminer quelles productions primées seront présentées.

THE AWARDS The awards have been chosen and commissioned by the Ottawa International Animation Festival. This year’s phenakistoscope awards have been designed by Ontario artist Elly MacKay, with an animation originally created by George Griffin.

Nelvana Grand Prize for Best Independent Short Animation ($3000) Bioware Grand Prize for Best Student Animation ($1000) Grand Prize for Best Commissioned Animation Prizes will also be awarded for the Best Film in each of the Competition Categories:

Mercury Filmworks Prize for Best Animated Feature Animation School Showreel AniBoom Prize for Best Animation Short Made for the Internet Narrative Short Animation Under 35 Minutes Experimental / Abstract Animation Under 35 Minutes Adobe Prize for Best High School Animation (Adobe Premiere and Photoshop Elements Bundle awarded to winner) Undergraduate Animation Graduate Animation Promotional Animation Music Video Television Animation for Adults Short Animation Made for Children Television Animation for Children NATIONAL FILM BOARD OF CANADA PUBLIC PRIZE A special prize will be awarded to the film from the Official Competition selected by the audience as the Best Film of the Festival. Voting will take place at the conclusion of all official Short and Kids Competition screenings where ballots will be distributed at the entrance to the Theatre and should be placed in one of the special ballot boxes at the end of the programme. CANADIAN FILM INSTITUTE AWARD FOR BEST CANADIAN ANIMATION This special prize is awarded by the Executive Director of the Canadian Film Institute to the most outstanding Canadian production in competion.

LES PRIX Les prix ont été choisis et commandités par le Festival International d’Animation d’Ottawa. Cette année les trophées ont été concus par une artiste ontarienne, Elly Irvine, d’après une image créée originalement par George Griffin.

Grand prix Nelvana : animation indépendante court métrage ($3000) Grand prix Bioware : animation étudiante ($1000) Grand prix : animation commanditée Des prix seront aussi remis pour le meilleur film dans chacune des catégories de la compétition.

Prix Mercury Filmworks, animation long métrage Présentation d’animation étudiante Prix AniBoom, animation court métrage produit pour Internet Oeuvre courte narrative moins de 35 minutes Oeuvre expérimentale ou abstraite moins de 35 minutes Prix Adobe, animation d’étudiants du secondaire Étudiant du premier cycle universitaire Étudiant du deuxième cycle universitaire Film promotionnel Vidéo musical Émission de télévision animé pour adultes Animation court métrage pour enfant Animation télévision pour enfants PRIX DU PUBLIC DE L’OFFICE NATIONAL DU FILM DU CANADA Un prix spécial sera remis à un film du concours officiel que le public aura choisi comme étant le meilleur film du Festival. Le vote aura lieu à la fin de toutes les présentations de films courts métrages et de films pour enfants. Les scutins seront distribués à l’entrée du théâtre et devraient être placés dans des boîtes de scrutin à la fin du programme. PRIX DE L’INSTITUT CANADIEN DU FILM, MEILLEUR ANIMATION CANADIENNE Ce prix spécial sera présenté par le directeur exécutif de l’Institut canadien du film au film le plus distingué parmi les sélections de la compétition.

THANK YOU TO ALL AWARD SPONSORS

OIAF 07 FESTIVAL READER | FIAO 07 LECTEUR DU FESTIVAL

FILMSINCOMPETITION FEATURE FILM

SCHOOL COMPETITION

Bezalel Academy for Art and Design (Israel) National Film & Television School (UK) Royal College of Art (UK)

NEW MEDIA COMPETITION ANIMATION SHORT MADE FOR THE INTERNET

INDEPENDENT SHORT FILMS COMPETITION NARRATIVE SHORT ANIMATION

EXPERIMENTAL ABSTRACT ANIMATION

FILMSENCONCOURS

Head | Felix Dufour-Laperriere & DominicEtienne Simard | Canada Lightning Doodle Project 2007 (PIKA PIKA 2007) | Takeshi Nagata & Kazue Monno | Japan, Canada & USA

STUDENT ANIMATION COMPETITION HIGH SCHOOL ANIMATION

UNDERGRADUATE ANIMATION

GRADUATION ANIMATION

COMMISSIONED FILMS COMPETITION PROMOTIONAL ANIMATION

FILMS IN COMPETITION | FILMS EN CONCOURS

FEATURE

COMPETITION

MUSIC VIDEO

PERSEPOLIS [2007]

Vincent Paronnaud & Marjane Satrapi 2.4.7. Films | France | 35mm | 95:00

Cel, 2D Computer

Wed., Sept. 19, 7:00 pm (Bytowne Cinema) Sat., Sept. 22, 7:00 pm (Empire Cinema) Poignant coming-of-age story of a precocious and outspoken young Iranian girl that begins during the Islamic Revolution.

TELEVISION ANIMATION FOR ADULTS

AACHI & SSIPAK (AACHI WA SSIPAK) [2006] Bum-Jin Joe JTeam Studio | South Korea | 35mm | 90:00

3D Computer, 2D Computer

Thurs., Sept. 20, 7:00 pm (Bytowne Cinema) Fri., Sept.. 21, 9:00 pm (Empire Cinema) They’ll laugh in your face and hand you a Juicybar!

FILMS VIDEOS MADE FOR CHILDREN TELEVISION ANIMATION MADE FOR CHILDREN

FREE JIMMY (SLIPP JIMMY FRI) [2006]

Christopher Nielsen Storm Studio | Norway, UK | 35mm | 82:00

3D Computer Thurs., Sept. 20, 9:00 pm (Empire Cinema) Fri., Sept. 21, 7:00 pm (NAC Southam Hall) Sat., Sept. 22, 9:00 pm (Empire Cinema) Four lowlife antiheroes are uprooted from their mean streets to work in a declining Russian touring circus. The star attraction is Jimmy, an elephant kept happy on a cocktail of drugs.

SHORT ANIMATION MADE FOR CHILDREN

CONCOURS DE LONG METRAGES

SCHOOL

COMPETITION CONCOURS DES ECOLES

Each school will present a 40 minute compliation of films completed within the past school year.

Screening 1:

Thurs., Sept. 20, 11:00 am (Empire Theatre) Bezalel Academy for Art and Design (Israel) National Film & Television School (UK)

Screening 2:

Sat., Sept. 22, 3:00 pm (Empire Theatre) Royal College of Art (UK)

OIAF 07 FESTIVAL READER | FIAO 07 LECTEUR DU FESTIVAL

COURT METRAGES

SHORT

COMPETITION

Wednesday, Sept. 19, 9:00 pm (Bytowne Cinema) GALA Saturday, Sept. 22, 11:00 am (Bytowne Cinema)

THE FISH [2006] Kyoung-Mi Park Kyounggi High School of Arts | South Korea | Beta SP | 3:00 High School Animation Paint on Glass One summer day, a girl stays in and mails a letter.

COURT METRAGES

SHORT

COMPETITION

PRESENTED BY PRESENTE PAR

PRESSURE COOKER (COCOTTE MINUTE) [2006] Thibault Berard, Sylvain Marc, Loïc Miermont, Amandine Pécharman, Nathalie Robert & Romain Vacher GOBELINS, l'école de l'image | France | Beta SP | 1:29

Undergraduate Animation 3D Computer

In a restaurant kitchen, a hen tries to survive a race organized by the chefs.

THE WAIF OF PERSEPHONE [2006]

FOR THE LOVE OF GOD [2007]

Nick Cross Do It For Me Productions | Canada | Beta SP | 12:26 Narrative Short Animation 2D Computer

Joe Tucker NFTS | UK | Beta SP | 11:00 Graduation Animation Stop Motion

A modern version of a classic fable. Persephone, the goddess of spring, is abducted to the underworld.

Graham lives with his tyrannical Mother and their pet Jackdaw in a Christian bookshop, trapped in the seedy outskirts of a decaying nowhere town.

OOIOO 'UMO' [2007]

BEN & JERRY'S PINTS PERSONIFIED 'TUMBLE' [2006]

Shoji Goto Japan | Beta SP | 3:37 Music Video Pencil on paper, Puppets, 3D Computer, 2D Computer

Mark Gustafson LAIKA/house | USA | Beta SP | 0:15 Promotional Animation Puppets, Animated Objects, 3D Computer, Motion Capture

Forest creatures dedicate their music and dance to end the desertification of the Earth.

Ben & Jerry’s Ice Cream takes on a new, humanized personality.

5 ALIVE 'ECHO' [2006]

RUNNING IN DARKNESS [2007]

Julian Grey Head Gear Animation | Canada | Beta SP | 0:30 Promotional Animation Cel, Puppets, Animated Objects, Rotoscope, Stop Motion, Live Action

Alan Jennings Massachusetts College of Art | USA | Beta SP | 2:15 Undergraduate Animation Paint on Glass

Five different, five-second scenarios linked by transitions that follow the consumption

A film exploring different experiences with Alzheimer's Disease.

of 5 Alive.

COME ON STRANGE [2006] Gabriela Gruber Germany | 35mm | 3:40 Experimental/Abstract Animation Pencil on paper, Gouache A film about very vivid images, a not so vivid subject, and the question "What?"

ASIENCE 'HAIRY TALE' (ASIENCE 'KAMI WA ONNA NO INOCHI') [2007] Kazuto Nakazawa Production I.G | Japan | Beta SP | 1:00 Promotional Animation 2D Computer A story of forbidden love in ancient Japan culminates in a dance of myriads of red maple leaves.

ADJUSTMENT [2006]

DADDY I'M SCARED [2006]

Ian Mackinnon Royal College of Art | UK | Beta SP | 6:30 Graduation Animation

Tijmen Hauer Netherlands | Beta SP | 3:48 Experimental/Abstract Animation

Animated Objects, 2D Computer, Live Action, Flipbooks, Time-Lapse, CGI A diarist searches for flickers of hope in a drama of emotional and technical obsession.

An iconoclastic video piece consisting of thirteen different children's cartoons layered over each other.

KEY LIME PIE [2007]

GOLDEN AGE [2007]

Trevor Jimenez Sheridan College | Canada | Beta SP | 3:32 Graduation Animation 2D Computer

Aaron Augenblick Augenblick Studios | USA | Beta SP | 23:00 Television Animation for Adults 2D Computer, Flash

Mitch's Life is driven by his obsession for key lime pie, in this spin on the film noir genre.

A dark comedy revealing the sordid lives of eccentric cartoon characters from yesteryear.

THE OLD, OLD, VERY OLD MAN [2007] Elizabeth Hobbs Spellbound Animation | UK | Beta SP | 6:38 Narrative Short Animation Ink on Tile 152-year-old Thomas Parr is taken to meet King Charles I, who orders a celebration of his longevity.

SHORT COMPETITION 1 | COMPETITION COURT METRAGES 1

OIAF 07 FESTIVAL READER | FIAO 07 LECTEUR DU FESTIVAL

COMPETITION 2 COURT METRAGES

SHORT

Thursday, Sept. 20, 9:00 pm (Bytowne Cinema) GALA Saturday, Sept. 22, 1:00 pm (Bytowne Cinema)

LOVE IS MOVING [2007]

COURT METRAGES

SHORT

COMPETITION

PRESENTED BY PRESENTE PAR

8848 [2006]

Sumin Oh, Hyunjung Jung, Yuna Choi, Gabi Jo & Soyun Park | South Korea | Beta SP | 4:10 High School Animation 2D Computer

Grégory Jennings, Maëlys Faget & Kevin Franczuk Supinfocom Valenciennes | France | Beta SP | 5:34 Graduation Animation 3D Computer

Two people buy dogs at a pet shop, trying hard to win the hearts of the ones they love.

A young boy remembers the relationship he used to have his father, who died a couple of years earlier on Mount Everest.

DOG'S PAVLOV [2006]

POWERSHARES 'ESCAPE AVERAGE' [2007]

Igor Coric Freelens Arts | Serbia | Beta SP | 1:44 Animation Short Made for the Internet Flash

Dave Wasson Acme Filmworks | USA | Beta SP | 0:30 Promotional Animation Flash

An experiment that went right.

A financial advisor uses his intelligence to escape average.

WALLY WARNING 'NOMONKEY' [2007]

BUNNYHEADS [2007]

Harry Flosser Harry Flosser Studios | Germany | Beta SP | 4:00 Music Video Flash

Jim Blashfield USA | Beta SP | 5:00 Narrative Short Animation Animated Objects

Workaholic-Gray-Monkey-Civilization will be penetrated by this motley funny NoMonkey song.

A strange hive of archetypal beings inhabit a netherworld reminiscent of both Fritz Lang's Metropolis and some mysterious place under someone's basement stairs.

PARADISE [2007]

SLEEPING BETTY (ISABELLE AU BOIS DORMANT) [2007]

Jesse Rosensweet Copperheart Entertainment | Canada | Beta SP | 7:54 Narrative Short Animation Puppets

Claude Cloutier National Film Board of Canada | Canada | 35mm | 9:25 Narrative Short Animation Ink on paper

Adultery, bowling, corporate treachery... The life of this tin toy.

A parody of anachronism and the absurd, this version of "Sleeping Beauty" stars Prince Charles, Henry VIII, an alien and a Canadian dragon.

ADMINISTRATORS [2006]

SNEAUX 'HUMAN SKATEBOARD' [2007]

Roman Klochkov K.A.S.K Hogeschool Gent | Belgium | Beta SP | 6:37 Graduation Animation Pencil on paper, 2D Computer

PES USA | Beta SP | 0:30 Promotional Animation Pixilation

A representation of the absurdity of bureaucracy in times of disasters.

PES creates a "Human Skateboard"

DUST ECHOES 2 'MERMAID STORY' [2006]

ALL THAT REMAINS [2006]

James Calvert Australian Broadcasting Corporation | Australia | Beta SP | 5:00 Animation Short Made for the Internet Cut-outs, 2D Computer, Flash

Stephanie Maxwell & Michaela Eremiasova USA | Beta SP | 5:54 Experimental/Abstract Animation

An old songman feels neglected by his family, so he wanders into the bush and is drawn to a lake inhabited by mermaids.

OREGON LOTTERY 'BEST DEALS EVER MADE: ALASKA' [2007] Aaron Soreson LAIKA/house | USA | Beta SP | 0:30 Promotional Animation Cel, 2D Computer Ad campaign for 'Deal or No Deal' Scratch It Tickets, sold only in Oregon.

Cut-outs, Animated Objects, Pixilation, Engraving & Painting on Film A chaotic yet tightly choreographed abstract portrayal of figurative matter in perpetual decay.

HARVEY BIRDMAN, ATTORNEY AT LAW 'THE DEATH OF HARVEY BIRDMAN' [2007] Rich Ferguson-Hull Cartoon Network | USA | Beta SP | 21:48 Television Animation for Adults Flash In this series finale, Harvey Birdman must use his true superpowers to defeat a villain and save the day!

IT'S JERRYTIME! 'THE STRANGE TRIP' [2006] Orrin Zucker Ozone | USA | Beta SP | 3:40 Animation Short Made for the Internet 2D Computer Jerry goes on vacation to Gettysburg and has strange encounters.

SHORT COMPETITION 2 | COMPETITION COURT METRAGES 2

OIAF 07 FESTIVAL READER | FIAO 07 LECTEUR DU FESTIVAL

COURT METRAGES

SHORT

COMPETITION

Friday, Sept. 21, 9:00 pm (NAC Southam Hall) GALA Sunday, Sept. 23, 11:00 am (Bytowne Cinema)

HERBERT [2007] Aven Fisher King's View Academy | Canada | Beta SP | 5:00 High School Animation Clay A chameleon wants to see a 3D movie at the Imax but sadly learns that chameleons cannot see in three dimensions.

SHORT

COMPETITION

PRESENTED BY PRESENTE PAR

A MAGICAL MOLE [2007] Ting Yu Huang, Hou Cheng You, Yan Jin Wun, Lin Tzu Ling, Syu Bi Chung, Lin Yu Jie, Huang Ren Wei & Cai You Huei Taiwan | Beta SP | 7:05 | Ink on paper

Undergraduate Animation

A 'mole' (skin spot) creates the connection between the human psyche and its surroundings.

T.O.M. [2006]

EXIT 2 [2006]

Tom Brown & Daniel Gray

Satoshi Tomioka Kanaban Graphics | Japan | Beta SP | 1:05 Animation Short Made for the Internet 3D Computer

International Film School of Wales | UK | Beta SP | 2:57

Graduation Animation 2D Computer

The journey of a young boy.

The excitement and desperation of a cat racing towards the exit revisits the concept of the original 'Exit.'

L'EAU LIFE [2007]

I MET THE WALRUS [2007]

Jeff Scher Fez Films, originally published in TimesSelect | USA | Beta SP | 2:35 Animation Short Made for the Internet Rotoscope

Josh Raskin I Met the Walrus Inc. | Canada | 35mm | 5:10 Narrative Short Animation Cel, Ink on paper, 2D Computer, Rotoscope

People and water.

FRANZ KAFKA'S A COUNTRY DOCTOR (FRANZ KAFKA'S INAKA ISHA) [2007]

In 1969, a 14-year-old armed with a reel-to-reel tape deck snuck into John Lennon's hotel room for a chat.

CRAVENDALE 'LAST GLASS' [2007]

Koji Yamamura | Japan | 35mm | 21:00 Narrative Short Animation Cel

Pic Pic Andre Nexus Productions | UK, Belgium | Beta SP | 0:40 Promotional Animation Animated Objects

A hapless country doctor describes with breathless urgency a nighttime summons to attend a young patient.

When cyclist, pirate and cow realize that they only have enough milk to fill one glass, the three housemates organize an impromptu game of musical statues.

CRAVENDALE 'OUT OF STOCK' [2007]

MARATHON [2006]

Pic Pic Andre Nexus Productions | UK, Belgium | Beta SP | 0:40 Promotional Animation Animated Objects

Kaspar Jancis Eesti Joonisfilm | Estonia | 35mm | 13:29 Narrative Short Animation 2D Computer

Three unique and distinct characters – cyclist, pirate and cow -- visit the supermarket only to find that the last carton of Cravendale has been sold.

A highly anticipated sports event is taking place in a small city, but nobody knows where the finish is.

APNÉE [2007]

ENERGY! (ENERGIE!) [2007]

Claude Chabot France | Beta SP | 4:00 Experimental/Abstract Animation 2D Computer

Thorsten Fleisch Germany | 5:06 Experimental/Abstract Animation 3D Computer, High Voltage Discharges on Photopaper

A photographer tries to capture an embarrassing moment in the life of someone in the public eye. He doesn't realize that time is working against him.

High voltage discharges on photographic paper create a vision of an electricity planet.

TV ON THE RADIO 'ME-I' [2007]

TEAT BEAT OF SEX [2007]

Chris Smith, Jesse Casey, Michelle Higa & Daniel Garcia | Super | USA | Beta SP | 3:16

Signe Baumane USA | Beta SP | 4:00 Narrative Short Animation Cel

Music Video

Animated Objects, 3D & 2D Computer, Live Action A look at the fantastic life of an ordinary pigeon, trying to enjoy a pleasant dream.

COURT METRAGES

Short lectures on sex given by a knowing woman. Very entertaining. Very informative.

TEK JANSEN 'EPISODE 2' [2006]

COCA-COLA 'VIDEOGAME' [2006]

Dan Madia & J.J. Sedelmaier J.J. Sedelmaier Productions, Inc. | USA | Beta SP | 4:25 Television Animation for Adults 2D Computer

Smith & Foulkes Nexus Productions | UK | Beta SP | 1:00 Promotional Animation 3D Computer

Tek Jansen fights intergalactic evil with his wide array of weapons and brilliant intelligence. The girls like him too!

Ray is a menacing computer game tough guy, but following a swig of Coca-Cola, we follow him on an unexpected rampage of love and kindness, rather than random violence and theft.

SHORT COMPETITION 3 | COMPETITION COURT METRAGES 3

OIAF 07 FESTIVAL READER | FIAO 07 LECTEUR DU FESTIVAL

COURT METRAGES

SHORT

COMPETITION

Saturday, Sept. 22, 3:00 pm (NAC Southam Hall) GALA Sunday, Sept. 23, 3:00 pm (Bytowne Cinema)

SHORT

COMPETITION

PRESENTED BY PRESENTE PAR

DEADY [2007]

DECLARATION OF LOVE (PRIZNANIE V LUBVI) [2006]

Darang Choi, Hoyjin Boe, Solmee Kim, Eunbyul Gho & Heejin Ahn Korea Animation High School | South Korea | Beta SP | 7:15

Dmitry Geller Studio A-Film | Russian Federation | 35mm | 12:00 Narrative Short Animation Flat-Figure

High School Animation 2D Computer

Daddy has a boss who always picks on him, he lives under his wife's thumb and his children are always asking for favours. His life is going from bad to worse.

Now we are older, we tend to distance ourselves from our youth.

JOHN AND KAREN [2007]

A-Z [2007]

Matthew Walker Arthur Cox Ltd. | UK | Beta SP | 3:30 Television Animation for Adults 2D Computer

Sally Arthur ArthurCox | UK | Beta SP | 3:20 Narrative Short Animation Ink on paper, 3D Computer, 2D Computer, Flash

John the polar bear tries to apologize to Karen the penguin.

Mrs. P gets lost in London, so we don't have to. Thanks, Mrs. P!

BETON [2006]

SAINTE-BARBE [2007]

Ariel Belinco & Michael Faust Undergraduate Animation 2D Computer

Claude Barras & Cédric Louis Hélium Films & National Film Board | Canada, Switzerland | Beta SP | 7:30 Narrative Short Animation

The day-to-day life of a military world is disturbed by the appearance of a black kite behind its high walls. The army, annoyed by its presence, decides to solve the problem.

Léon and his grandfather Ulysses are inseparable, and one of the things Léon loves most about his grand-père is his full, wild, rambunctious and enchanting beard.

Bezalel Academy for Art and Design | Israel | Beta SP | 6:00

COCA-COLA 'INSPIRATION' [2006]

DOXOLOGY [2007]

James Price Transistor Studios | USA | Beta SP | 0:30 Promotional Animation Cel, Ink on paper, Photocopies, Cut-outs, Animated Objects, 2D Computer, Rotoscope

Michael Langan Rhode Island School of Design | USA | 35mm | 6:10 Undergraduate Animation

What is it that makes you think the way you do?

COURT METRAGES

Animated Objects, Pixilation, Composited/Time Remapped Live Action Footage An exploration of the relationship between the terrestrial and the celestial via singing tennis balls.

EFRAT BEN ZUR 'EVERY DAY' (EFRAT BEN ZUR 'KOL YOM') [2007] Idan Vardi, Assaf Benharroch & Tal Zubalsky Piano Piano Studio | Israel | Beta SP | 4:02 Music Video 2D Computer

DEERHOOF 'WRONG TIME CAPSULE' [2007]

A journey of a broken-hearted woman that ends with complete disintegration

Singer Satomi Matsuzaki and the rest of Deerhoof are in danger of being literally consumed by dreams of fortune and the consumer culture.

Martha Colburn Netherlands, USA | Beta SP | 3:00 Music Video Collage

MILK TEETH [2007]

NOKIA 'FITS YOU' [2006]

Tibor Banoczki National Film and Television School | UK | Beta SP | 11:22 Graduation Animation Cut-outs, 3D Computer

Dirk Van de Vondel Global Mechanic | Canada | Beta SP | 0:30 Promotional Animation 3D Computer, 2D Computer

A young boy follows his sister into a field as she sneaks out to see her boyfriend.

Through the film's expressive painterly style, be drawn through a flowing transformation that highlights the features of a new phone - all dancing to the beat of a Brazilian score.

NATIONAL LOTTERY 'THE BIG WIN' [2006]

RIP 'EVIL EYE' [2006]

Marc Craste Studio AKA | UK | Beta SP | 1:00 Promotional Animation 3D Computer

Bruno Collet Vivement Lundi! | France | Beta SP | 2:02 Television Animation for Adults Puppets, Clay

A story of generosity, where lottery winner Milo is given a bag of smiles which he hands out to all his loved ones.

Night after night, a killer gets into the same room determined to kill the occupant. This serial-killer's stupidness and unbelievable clumsiness, however, prevents him from achieving his goal.

MAUVAIS TEMPS [2006]

FOREST MURMURS [2006]

Jean-Loup Felicioli & Alain Gagnol Folimage-Valence Production | France | 35mm | 5:17 Narrative Short Animation Cel

Jonathan Hodgson UK | Beta SP | 12:30 Narrative Short Animation Live Action, Mixed Media

An unlucky driver gets a flat tire in a particularly weird neighbourhood.

An exploration of into Epping Forest's sinister history sparks off a journey into the dark side of the artist's mind.

SHORT COMPETITION 4 | COMPETITION COURT METRAGES 4

OIAF 07 FESTIVAL READER | FIAO 07 LECTEUR DU FESTIVAL

COURT METRAGES

SHORT

COMPETITION

Thursday, Sept. 20, 1:00 pm (Bytowne Cinema) Saturday, Sept. 22, 9:00 pm (NAC Southam Hall) GALA

COURT METRAGES

SHORT

COMPETITION

PRESENTED BY PRESENTE PAR

FREEDOM FIGHTERS [2007]

USAVICH 'EPISODE 1' [2006]

Kevin Pohl Willowbrook High School | USA | Beta SP | 3:15 High School Animation Engraving on Film

Satoshi Tomioka Kanaban Graphics | Japan | Beta SP | 1:30 Television Animation for Adults 3D Computer

A fusion of 16mm film that exemplifies those who see the true beauty in every facet of life.

1962. Putin and Kirenenko are prisoners in Russia. This is the story of their happy daily life.

LAPSUS [2007] Juan Pablo Zaramella JPZtudio | Argentina | Beta SP | 3:30 Narrative Short Animation 2D Computer Never underestimate the power of the dark side.

PEARCE SISTERS [2007] Luis Cook Aardman Animations | UK | Beta SP | 8:00 Narrative Short Animation 2D Computer A bleak tale of love, loneliness, guts, gore, nudity, violence, smoking and cups of tea.

NUCKIN' FUTS! THE JIBJAB YEAR IN REVIEW [2006] LIGHTNING DOODLE PROJECT 2007 (PIKA PIKA 2007) [2007] Takeshi Nagata & Kazue Monno TOCHKA | Japan, Canada & USA | Beta SP | 5:00 Experimental/Abstract Animation Flashlight animation The second film of The Lightning Doodle Project.

XBOX 'GUITAR HERO 2' [2007] Pete Candeland Passion Pictures | UK | Beta SP | 0:30 Promotional Animation 3D Computer, 2D Computer A guitar-playing rocker saves the world from an approaching meteor.

MOODBOT [2006] Rob Shaw Bent Image Lab | USA | Beta SP | 2:00 Music Video Animated Objects A playful film about a little girl and a robot with a bad attitude.

FRAMING (BILDFENSTER / FENSTERBILDER) [2007] Bert Gottschalk Germany | 35mm | 6:00 Experimental/Abstract Animation Mixed Media, Drawings on Found Footage The single frames of 8 millimetre-films are compared with windows in building-facades of a city.

ZUNE 'ENDLESS COOKIE' [2006] SSSR Passion Pictures | UK | Beta SP | 1:00 Animation Short Made for the Internet Pastel on paper, Pencil on paper, Puppets, Animated Objects, 3D Computer, 2D Computer A little girl shares a never-ending cookie with a stranger.

What do Britney Spears, Google and Iran have in common? They all contributed to one heck of a crazy 2006!

HEAD [2006] Felix Dufour-Laperriere & Dominic-Etienne Simard Noir Sur Blanc Animation | Canada | Beta SP | 4:00 Experimental/Abstract Animation Pixilation, 2D Computer, Engraving on Film, Ink on Film Short memories from America. Created from manipulated found footage.

TEK JANSEN 'EPISODE 3' [2006] Dan Madia & J.J. Sedelmaier J.J. Sedelmaier Productions, Inc. | USA | Beta SP | 4:16 Television Animation for Adults 2D Computer Tek Jansen fights intergalactic evil with his wide array of weapons and brilliant intelligence. The girls like him too!

GREENPEACE 'MAN AND WHALE' [2007] Koji Yamamura, Whit Friese & Hidekazu Sato Japan | 35mm | 2:00 Promotional Animation Ink on paper, Pencil on paper Gazing at a picture of a whale drawn as a child, a principal is swept away with sentiment into a flashback from the past.

LUX 'PROVACATEUR' [2006] Chel White & Ray Di Carlo Bent Image Lab | USA | Beta SP | 1:20 Promotional Animation Animated Objects, 3D Computer, 2D Computer A young woman goes from nice to naughty in this satirical TV commercial for soap.

BATTLE OF THE ALBUM COVERS [2006] Rohitash Rao & Abraham Spear Ugly Pictures | USA | Beta SP | 2:41 Animation Short Made for the Internet 2D Computer

MADAME TUTLI-PUTLI [2007]

Famous animated album covers battle to the death.

Chris Lavis & Maciek Szczerbowski

EVERYTHING WILL BE OK [2006]

National Film Board of Canada | Canada | 35mm | 17:21

Narrative Short Animation Puppets, 3D Computer, 2D Computer

Adrift between real and imagined worlds, Madam Tutli-Putli is drawn into an undertow of mystery and suspense.

Grevan Spiridellis JibJab Media Inc. | USA | Beta SP | 2:04 Animation Short Made for the Internet Animated Objects, 2D Computer, Flash, Stop Motion

SHORT COMPETITION 5 | COMPETITION COURT METRAGES 5

Don Hertzfeldt Bitter Films | USA | 35mm | 17:00 Narrative Short Animation Pencil on paper, Animated Objects, Pixilation, experimental camera techniques A series of dark and troubling events forces Bill to reckon with the meaning of his life -- or lack thereof.

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DES ENFANTS

KIDS

COMPETITION

Court métrages Short films

Saturday, Sept. 22, 11:00 am (NAC Southam Hall) GALA Sunday, Sept. 23, 1:00 pm (Bytowne Cinema)

DES ENFANTS

KIDS

COMPETITION

Court métrages Short films

PRESENTED BY PRESENTE PAR

ASTON'S STONES (ASTONS STENAR) [2007]

GOT TO DO A WEE-WEE (MUSS MAL PIPI) [2006]

Lotta Geffenblad & Uzi Geffenblad Sweden | 35mm | 9:00 Short Animation Made for Children Ink on paper

Alexandra Schatz SWR | Germany | Beta SP | 2:15 Short Animation Made for Children Cut-outs

Aston develops a habit of adopting lonely stones to take back home.

Having to do a wee-wee is a serious issue. As long as we are a baby wearing a nappy, it's easy. But after that...

CAT AND BEAR (KOYANG-I-WA GOM) [2007]

A SUNNY DAY (EIN SONNIGER TAG) [2007]

Seong-Yoon Jo & Se-Heon Jo ALICEEXP | South Korea | Beta SP | 8:00 Short Animation Made for Children 2D Computer

Gil Alkabetz Sweet Home Studio | Germany | 35mm | 6:17 Short Animation Made for Children Ink on paper, 2D Computer

A re-telling of the folk tale of why the cat was not included among the twelve Zodiac animals.

The sun rises every morning, but today it discovers that it's not welcome as it had hoped to be.

THE ELEPHANT (PILA) [2006] Milena Klebanov Bezalel Academy for Art and Design | Israel | Beta SP | 6:05 Short Animation Made for Children Cut-outs An elephant hopes that looking like others will help her fit in and be loved. However, she learns that there will always be someone who appreciates her for what she is unique and wonderful.

ZHIHARKA [2006]

KIDS

COMPETITION

Télévision Television

Thursday, Sept. 20, 1:00 pm (Empire Theatre) Sunday, Sept. 23, 3:00 pm (Empire Theatre)

POCOYO 'DANCE OFF' [2007]

“Pilot” Moscow Animation Studio | Russian Federation | Beta SP | 13:11

Guillermo Garcia & Alfonso Rodriguez Zinkia Entertainment & Granada International | Spain, UK | Beta SP | 7:00 Television Animation Made for Children 3D Computer

Based on the Urals fairytale. A fox is trying to capture a little girl named Zhiharka for food. She can kidnap the girl, but can't eat her.

A series about the captivating adventures of Pocoyo, an inquisitive and fun loving boy.

Oleg Usinov Short Animation Made for Children 2D Computer

DHARMA DREAMEATER [2007] Edda Kristindottir & Rasmus Møller The Animation Workshop | Denmark | Beta SP | 4:43 Short Animation Made for Children 3D Computer A tiny witch flies around on her magic vacuum cleaner, rescuing children from their nightmares.

GUMMY CHASE (HISTOIRE À LA GOMME) [2006] Eric Blesin Zorobabel | Belgium | 35mm | 14:40 Short Animation Made for Children Puppets Every day, Gaspard goes to school and tries to get Léontine's attention. Each time his shyness and his clumsiness seem to be insurmountable obstacles, but today will be different...

POLAR BEAR DELIVERY [2007] Bora Moon Sheridan Collage | Canada | Beta SP | 2:05 Short Animation Made for Children Pencil on paper, 2D Computer A polar bear delivers an orphan girl to her new parents.

NIGHTMARE AT SCHOOL (CAUCHEMAR À L'ÉCOLE) [2007] Catherine Arcand National Film Board of Canada | Canada | 35mm | 8:43 Short Animation Made for Children Pencil on paper A story of a child who is at first debilitated by anxiety, but then becomes hopeful and brave with the help of his peers.

DES ENFANTS

KIDS COMPETITION | COMPETITION DES ENFANTS

RUBY GLOOM 'ONCE IN A BLUE LUNA' [2006] Robin Budd Nelvana Limited | Canada | Beta SP | 22:46 Television Animation Made for Children 2D Computer Ruby and friends camp out to catch a glimpse of the legendary monster that only appears once in a blue luna.

SHAUN THE SHEEP 'STILL LIFE' [2007] Chris Sadler Aardman Animations | UK | Beta SP | 7:00 Television Animation Made for Children Puppets The farmer takes up oil painting and is determined to paint a masterpiece, but Shaun and Co decide to have a go.

FOSTER'S HOME FOR IMAGINARY FRIENDS 'SQUEEZE THE DAY' [2006] Craig McCracken Cartoon Network Studios | USA | Beta SP | 30:00

Television Animation Made for Children

Flash When Bloo is left home alone, Mac comes by and the two try to squeeze as much fun into one day as possible.

NORABBITS' MINUTES 'EPISODE 4' [2006] Yuichi Ito I.TOON Ltd. | Japan | Beta SP | 3:00 Television Animation Made for Children Puppets, Clay Mini fakes sick to have Nora go out to get medicine. Meanwhile, a surprise birthday present for Nora is being prepared...

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INTERNATIONAL

VITRINE DU FILM

SHOWCASE INTERNATIONAL

Saturday, Sept. 22, 7:00 pm (National Gallery)

VITRINE DU FILM

SHOWCASE INTERNATIONAL

CYBER [2007]

THE ANTS [2007]

Stefan Eling Stefan Eling Moving Pictures | Germany | Beta SP | 5:04 Ink on paper

Guo Yuanyuan GuoPengZi Studio | China | Beta SP | 8:20 2D Computer

A short trip on an easychair.

A horrific reflection of life: just like the ants.

DOWN THE ROAD [2007]

ARK (ARKA) [2007]

Rune Christensen Ja Film | Denmark | Beta SP | 15:56 3D Computer, 2D Computer, Flash

Grzegorz Jonkajtys Poland | 35mm | 8:00 3D Computer

Henry picks up a mysterious hitchhiker who claims to possess psychic powers and discloses a surprising knowledge of Henry’s innermost thoughts.

An unknown virus has destroyed almost the entire human population. Oblivious to the true nature of the disease, the only remaining survivors escape to the sea...

CROW MOON [2006]

THE FOXHOLE MANIFESTO [2007]

Selina Cobley Red Kite Animations | UK | Beta SP | 4:45 Pencil on paper

Nick Fox-Gieg Netherlands | Beta SP | 4:10 Flash

A flock of roosting crows, black as night themselves, are threatened by advancing shadows at dusk.

An adaptation of a poem by Jeffrey McDaniel, who has some ideas for a few appropriately modern gods.

THE LOST PUPPET (AROOSAK GOMSHODE) [2006]

HOW TO HOOK UP YOUR HOME THEATER [2007]

Moin Samadi Raiavin Entertainment | Iran | Beta SP | 7:00 3D Computer

Kevin Deters & Stevie Wermers-Skelton Walt Disney Animation Studios | USA | 35mm | 6:29 2D Computer

A marrionette loses his way in a park and tries to find his way to his puppeteer, by following a jingle bell he hears...

Desperate to watch the Big Game, Goofy heads to his local electronics store to tackle every consumer’s nightmare – selecting the perfect home theater system and worse, trying to hook it all up.

BREAKOUT (L'EVASION) [2007] Arnaud Demuynck Les Films du Nord | France, Belgium | 35mm | 8:00 Ink on paper, Pencil on paper, 2D Computer While a man is in prison, his cellmate is tortured almost to death. When the jailer comes back, a surprise is waiting for him.

MERMAID [2007] Lisa Barcy USA | Beta SP | 16:45 Sand, Cut-outs The tragi-comic tale of Carl and Doris, and the squid that comes between them.

BLIND MAN'S EYE [2007] Matthew Talbot-Kelly Glimpse Digital Ltd. | Ireland | 35mm | 6:00 Animated Objects, 3D Computer, 2D Computer A blind man sits by a river on his favorite bench, under his favorite tree. As the sun shines, evocative sounds play around him and we begin to follow him into his memories.

VIOLETA (VIOLETA, LA PESCADORA DEL MAR NEGRO) [2006] Anna Solanas & Marc Riba I+G Stop Motion | Spain | 35mm | 9:00 Puppets Violeta's favourite thing is to fish into the darkest depths.

INTERNATIONAL

INTERNATIONAL SHOWCASE | VITRINE DU FILM INTERNATIONAL

CANADIAN VITRINE DU FILM

SHOWCASE CANADIEN

Thurs., Sept. 20, 3:00 pm (Bytowne Cinema) Sun., Sept. 23, 11:00 am (National Gallery)

SHOWCASE CANADIEN

PRESENTED BY PRESENTE PAR

ONE [2007]

ROY G BIV [2007]

Diego Stoliar National Film Board of Canada | Canada | Beta SP | 1:04 2D Computer

Dale Hayward National Film Board of Canada | Canada | Beta SP | 1:24 2D Computer, Watercolour on Paper

A minimalist piece about the origin of life.

A simple film with basic elements combined together, showing a normal thing occur in a point of view, off to the left-hand-side-of-regular approach.

DROP [2007]

B-BOY BOMB BREAKING [2007]

David Seitz Mel Hoppenheim School of Cinema | Canada | Beta SP | 3:29 Cel, Ink on paper, Paint on Glass

Joey Adrian MacNeil Canada | Beta SP | 0:43 Photography, Stencil Graphitti

An exploration of the peculiar presence of cycles in nature. They conspire in the growth of a liquified tree.

Against a soundtrack of break-beats, breakdance battling is represented through animated graffiti art.

KAT FIGHT [2007]

MONDO CONDO [2007]

Casper Konefal Sheridan College | Canada | Beta SP | 2:25 Ink on paper

Sarah Lazarovic Long Live Irony Pictures | Canada | Beta SP | 5:00 2D Computer, Rotoscope

A fast-paced short film about love, grannies, cats and commies.

A documentary about condo development in Toronto.

STARBOY [2007]

YEAR OF THE POLYGON [2007]

James MacSwain Atlantic Filmmakers Cooperative | Canada | Beta SP | 4:00 Photocopies, Cut-outs, Animated Objects

Zane Kozak, Tim Dormady & Yurie Rocha

A Hollywood advertisement director is rudely interrupted by the Babyheads who transform the lead character, Starboy, into one of their own.

Dude, a pompadour-ed self-styled rebel, takes us on a tempo-laden tour of Mega Excellent City, a grand space full of new opportunities for the aspiring technocrat.

THE TOURISTS [2007]

FAMILY PICTURE [2007]

Malcolm Sutherland Canada | Beta SP | 3:00 Ink on paper

Nathan Boey Concordia University | Canada | Beta SP | 4:10 Stop Motion on Flatbed Scanner

Guru Animation Studio | Canada | Beta SP | 1:50

3D Computer

Another transient day at the beach.

A closer look at the director's family through pictures created frame by frame on a flatbed scanner.

CUMULUS [2007]

THE MAGIC PROJECTOR [2007]

Maya Ersan National Film Board of Canada | Canada | Beta SP | 1:18 Cutouts, drawings on paper with computer rendering

Christopher Walsh York University | Canada | Beta SP | 15:00 Puppets, Cut-outs

Have you ever felt like you're walking with a black cloud above your head? An accumulation of encounters between such black clouds.

An exploration of what it means to say goodbye.

ASSEMBLED [2006]

JOHN'S UNTILTED CLOCK [2007]

Becka Barker Canada | 35mm | 5:02 Engraving on Film

Mi-Hyang Park Emily Carr Institute of Art and Desgin | Canada | Beta SP | 4:08 Pencil on paper, 2D Computer

A not-so-average trip to the movies, anxieties and comfort in mass solitude, made without a camera.

AUTOMOTO [2007] Neil McInnes & Cathy McInnes Winnipeg Film Group | Canada | Beta SP | 4:52 Animated Objects A writer wants a companion and enlists his robotic inventions to make it happen.

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CANADIAN VITRINE DU FILM

CANADIAN SHOWCASE | VITRINE DU FILM CANADIEN

A surrealistic depiction of how one's character is influenced by interactions with others.

THE FLOUR FACE BALLAD (LA BALLADE DES ENFARINÉS) [2006] Julie Rocheleau Productions Anamnésiques | Canada | Beta SP | 11:50 Ink on paper Pierrot, who sells his own blood for a living, falls in love with Colombine, a mechanical maid.

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CANADIAN VITRINE DU FILM

SHOWCASE CANADIEN POLKA [2006] Rodolfo Collado Vancouver Film School | Canada | Beta SP | 5:25 Pencil on paper, 2D Computer A shy young girl tries to talk with an interesting stranger every day at the bus stop, because she feels inexplicably attracted to him. She fails repeatedly... then chance steps in.

THE OCCUPANT [2006] Elise Simard Canada | Beta SP | 3:26 Cel, Ink on paper, Cut-outs 'The further away you go, the closer to home you get... It is true by way of geography...'

LONG LIVE FILM (VIVE LE FILM) [2006] Madi Piller Pix Film Productions | Canada | 35mm | 2:25 Cel, Ink on paper, Photocopies, Engraving on Film, Paint on Film, Cooking Film, Photocopies on Film A celebration of the film medium and its capacity to preserve memories, which centers on a photograph of the filmmaker's Romanian grandparents at their engagement party in 1927.

BALLOONS [2007] Jonas Brandão National Film Board of Canada | Canada | Beta SP | 1:15 2D Computer Two little men float freely in the deep blue sky, tied to balloons. But then each decides the sky belongs to him.

TELETOON ANIMATION SCHOLARSHIP TELETOON BOURSE D’ANIMATION Saturday, Sept. 22, 1:00 pm (National Gallery) The winning films of the TELETOON Animation Scholarship will be announced Saturday, September 22 at 1:00 pm at the National Gallery of Canada. | Les films gagnants de la Bourse en animation pour les étudiants canadiens TÉLÉTOON seront annoncés samedi, le 22 septembre à 13 h au CNA.

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ANIMARKET TRADE SHOW FOIRE COMMERICAL ANIMARCHE

OTHER EVENTS AUTRES EVENMENTS ANIMATED WOMEN YOU MUST BE 19 OR OLDER TO ATTEND

Sat., Sept. 22, 7:00 pm (Barrymore’s Music Hall) Five of the top women animators working today will be at Barrymore's for a OIAF / LadyFest co-presentation. Signe Baumane (New York), Joanna Quinn (UK), Janet Perlman (Montreal), Ruth Lingford (UK) and newcomer Jessica Borutski (Ottawa) will introduce and screen one of their favourite films. The program will be followed at 8:30pm by "Chicks and Giggles", a stand-up show featuring Holly Prazoff (winner of MTV Canada's Yo Mamma and frequent video on trial guest) and Inessa Frantowski (member of the Canadian Comedy Award nominees, The Sketchersons). $5 cover (free for OIAF and LadyFest passholders)

ANIMATORS FOR HIRE

ANIMATEURS A EMBAUCHER Sat., Sept. 22 (NAC, Upper Lobby)

GRAND OPENING Friday, Sept. 21, 6:00 pm - 9:00 pm Saturday, Sept. 22, 10:00 am - 9:00 pm Sunday, Sept. 23, 10:00 am - 4:00 pm The Animarket is the Festival’s signature tradeshow, taking place in the lobby of the National Arts Centre through the weekend. This year will feature Animation schools from across Canada including Algonquin College, the Art Institutes, La Cité Collégiale, Concordia University, Max the Mutt™ Animation School, National Art and Design Center, Seneca College, Sheridan College, and Vancouver Film School. Bring your portfolios to meet with Disney Feature Animation, Blue Sky Studios, Nelvana, and Nerd Corps Entertainment who are all looking for new talent. Visit TELETOON and Side Effects Software to catch a glimpse of the latest animation shows and software. Don’t miss the GRAND OPENING on Friday, September 22 from 6pm – 7pm! L’animarché est la foire commerciale du Festival, où seront démontrés ce qu’il y a de mieux en technologie, production et apprentissage de l’animation. Venez visiter les meilleures écoles d’animation du pays et des companies come Disney, TÉLÉTOON, et Nelvana.

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GRANDE OUVERTURE! Vendredi, le 22 septembre: 18h à 19h Samedi, le 23 septembre: 10h à 21h Dimanche, le 24 septembre: 10h à 16h

Booths A B C D E F G H I J K L M N O P Q R S T

Mel Hoppenheim School of Cinema (Concordia University) Adobe Animation Community Booth Seneca: Animation Arts Centre Max the Mutt Animation School Algonquin College AniBOOM Nelvana Nerdcorps Entertainment Blue Sky Studios Rainmaker Entertainment Inc. Mecury Filmworks Walt Disney Animation Studios Side Effects Software Mytoons Animation BeanstockTV La Cité collégiale Sheridan College Vancouver Film School Centre NAD The Art Institutes

ANIMARKET TRADE SHOW | FOIRE COMMERCIAL ANIMARCHE

This new event offers a unique recruiting opportunity for recent graduates and veteran animators alike. Passholders can sign up to speed meet with hiring studios from across North America and make the contacts they need to further their career in animation. Participating studios include Disney Feature Animation, Blue Sky Studios, Rainmaker Animation and Nerd Corps Entertainment. Registered applicants will have their portfolios and demo reels ready for the interviews, guaranteeing an effective recruiting experience for studios and animators. Ce nouvel événement offre aux compagnies une opportunité unique pour embaucher des gradués récents en même temps que des animateurs expérimentés. Détenteurs de laissez-passers peuvent s'incrire à des mini-entrevues avec plusieurs studios de l'Amérique du Nord pour créer des contacts dans leurs futurs projets d'animation. Disney Feature Animation, Blue Sky Studios, Rainmaker Animation et Nerd Corps Entertainment y seront. Les applicants inscrits auront leurs portfolios et leurs demos prêts aux entrevues. Ceci guarantie une expérience effective pour les studios en temps que les animateurs.

ADOBE YAK SHACK LE MOULIN A PAROLES

Ever wanted to tell us to our face what you REALLY think of the OIAF? Well, now's your chance (except for the face part). The Yak Shack is the Festival's 30th Anniversary Magic Video Memoir Machine. Visit the ADOBE Yak Shak in the Animarket and tell the world why you love animation. Careful...it might talk back...but probably not. Avez-vous déjà voulu nous dire entre quatre yeux ce que vous pensez VRAIMENT du FIAO? Eh bien, en voici l’occasion, sauf pour les quatre yeux ! Le Moulin à paroles est la machine à mémoire vidéo magique du 30ième anniversaire du Festival. Prenez garde... il se pourrait que le Moulin rouspète !... Allez donc savoir !

FREE! CAREER DAY GRATUIT! JOURNEE DES CARRIERES Thurs., Sept. 20, 9:00 am to 4:30 pm (National Gallery) If you are interested in a career in animation, this is the ideal event for you. Spend a day at the National Gallery sitting in on presentations by animation schools from across the country, plus catch two specially programmed screenings. Meet one-on-one with school representatives at their information tables in the lobby. Une occasion en or pour ceux et celles qui aspirent à faire carrière en animation. Pendant toute une journée, au Musée des beaux-arts, vous assisterez aux présentations d’écoles d’animation de partout au Canada ainsi qu’à deux projections spéciales ; vous rencontrerez ensuite en personne des représentants de ces écoles, aux tables d’information situées dans le hall d’entrée. 9:00 am National Art and Design Centre (Montreal, QC) 9:45 am Max the Mutt (Toronto, ON) 10:30 am Sheridan College (Toronto, ON) 11:00 am 12:00 pm 1:00 pm 1:45 pm 2:30 pm 3:00 pm

Free Screening: Joanna Quinn Retrospecitve Lunch Algonquin College (Ottawa, ON) Vancouver Film School (Vancouver, BC) The Art Institutes (Toronto, ON) Free Screening: UPA 2 - The Directors

ANIBOUTIQUE Wed., Sept. 19 – Thurs., Sept. 20 (Arts Court Courtroom) Fri., Sept. 21, 10:30 am – Sun., Sept. 23, 9:00 pm (National Arts Centre) For your souvenir cravings the Aniboutique will be open for business in the lobby of the National Arts Centre. Come and get your OIAF posters, t-shirts, books, mugs, videos and other animation related merchandise. Pour satisfaire vos envies de souvenirs, l’Aniboutique sera ouverte dans le hall d’entrée du Centre national des Arts. Venez prendre vos t-shirts, livres, tasses, vidéos et autre marchandise reliée au FIAO et à l’animation.

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PARTIES | EVENEMENTS SOCIAUX

OPENING NIGHT PARTY SOIREE DE LANCEMENT DU FESTIVAL Wed., Sept. 19, 11:00 pm (Métropolitain Brasserie) PRESENTED BY GURU STUDIO

The OIAF and Guru Studio are pleased to host this year's Opening Night event at Metropolitain Brasserie, 700 Sussex Dr. This upscale Parisian-style Brasserie is conveniently located near the Lord Elgin and the NAC, and is a beautiful venue for our first party of the Festival. We look forward to seeing you there! Le FIAO et Guru Studio sont heureux d’être les hôtes de la soirée de lancement de cette année à la Brasserie Métropolitaine, 700, promenade Sussex. Cette brasserie de grande classe au style parisien, idéalement située près du Lord Elgin et du CNA, constitue un somptueux décor pour notre première célébration du festival. Nous espérons vous y voir!

THE ANIMATION PIMP EXHIBIT Private Reception (for passholders only) RECEPTION PRIVEE Thurs., Sept. 20, 4:00 pm - 5:30 pm (La Petite Mort Gallery) A private reception will be held at La Petite Mort Gallery, 306 Cumberland St., to celebrate the Ottawa opening of "The Animation Pimp - An Exhibition of Works by Andreas Hykade". Festival Passholders are invited to preview the exhibition prior to its public opening at 5:30 pm. Chris Robinson will be present between 5:30 pm and 6:30 pm to read from his new book, The Animation Pimp, and to sign copies. Exhibit will be open from 11:00 am to 6:00 pm daily. Closed Monday & Tuesday. Special Festival Hours: Thursday, Sept. 20 open until 10:00 pm. Une réception privée aura lieu à la galerie La Petite Mort, 306, rue Cumberland, afin de célébrer l’ouverture à Ottawa de « The Animation Pimp - An Exhibition of Works by Andreas Hykade ». Les détenteurs de laissez-passer pour le festival sont invités à prendre connaissance de l’exposition avant son ouverture publique à 17h30. Chris Robinson sera présent de 17h30 à 18h30 pour lire des passages de son nouveau livre The Animation Pimp et autographier des exemplaires.

ANIMATORS’ PICNIC PIQUE-NIQUE DES ANIMATEURS Fri., Sept. 21, 12:30 pm to 4:00 pm (Strathcona Park)

SATURDAY NIGHT PARTY PARTY DU SAMEDI SOIR Sat., Sept. 22, 11:00 pm (Barrymore's Music Hall) PRESENTED BY BOOMSTONE ENTERTAINMENT

Once again, the OIAF and Boomstone Animation present this 'must attend' party at Ottawa's legendary live venue, Barrymore's Music Hall, 323 Bank Street. Barrymore's was built as a vaudeville theatre in 1914. Over the years, it has come to be recognized as one of the largest and most sought after venues in Canada for live performances. In 1997, it was voted Club Venue of the Year by Canada's music industry weekly publication, The Record. With most of the original decor intact, Barrymore's is still a grand old theatre, and doesn't have a bad seat in the house. Cette année encore, le FIAO et Boomstone Animation présentent ce party à ne pas manquer au légendaire Barrymore's Music Hall, 323, rue Bank. Barrymore's a été construit en 1914 pour servir de théâtre de vaudeville. Au fil des ans, il s’est mérité la réputation d’être un des emplacements les plus vastes et les plus recherchés pour les interprétations en direct. En 1997, il a été déclaré Club Venue of the Year par The Record, publication canadienne hebdomadaire du monde de la musique. Avec son décor original pratiquement intact, Barrymore's demeure un vénérable vieux théâtre qui ne comporte aucun « mauvais » siège.

CLOSING NIGHT PARTY SOIREE DE CLOTURE DU FESTIVAL Sun., Sept. 23, 9:00 pm (The Honest Lawyer) This year's closing party is going to be a blast! You name it, we'll have it: Dance Dance Revolution, Bowling, Billiards, Karaoke, and much more! We're taking over the Honest Lawyer, 141 George Street, for dancing, singing and celebrating the end of another successful year. This is your chance to exchange stories, get out your last hurrah and say goodbye to friends, old and new, until you see them again in 2008. La soirée de clôture de cette année promet d’être explosive! Vous y trouverez tout ce que vous aimez : de la danse, des quilles, du billard, du karaoké et beaucoup plus encore! Nous prendrons d’assaut le restaurant The Honest Lawyer, 141, rue George, pour une soirée de danse et de chansons, et pour marquer la fin d’une autre année réussie. Vous y trouverez l’occasion d’échanger des histoires, de fêter une dernière fois et de dire au revoir à vos collègues, nouveaux ou de longue date, d’ici à notre prochaine rencontre en 2008.

PRESENTED BY THE CARTOON NETWORK

CHEZ ANI

The Animators’ Picnic is a Festival favorite. This event is free for all full passholders (weekend and day passes do not apply). Have lunch and take part in the world-famous pumpkin carving contest in Strathcona Park. Buses depart from the Bytowne Cinema after the 10 am screening and at the National Arts Centre starting at 12:30pm. The picnic is for full TAC and Animapass holders only.

We've chosen this new Bauhaus-type art bar as our Festival drinking hole and meeting place. You will see Soviet-era propaganda posters and Kandinsky prints from Russia scattered all over its yellow and red walls. As one local magazine put it, "Avant Garde is as much a drinking and eating establishment as it is an ode to design, art and history."

Le pique-nique des animateurs est un des événements préférés du festival. Gratuit pour tous les détenteurs de laissez-passer généraux (les laissez-passer d’un jour et de fin de semaine ne se qualifient pas). Venez luncher avec nous et prendre part au célèbre concours de découpage de citrouilles au parc Strathcona. Les autobus quitteront le cinéma Bytowne après la projection de 10h00 et le Centre national des arts à partir de 12h30. Ce pique-nique est offert exclusivement aux détenteurs de laissez-passer TAC et Animapass.

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ANIMARKET TRADE SHOW | FOIRE COMMERCIAL ANIMARCHE

Nightly starting Wed., Sept. 19, at 5:00 pm until 2:00 am throughout the Festival (Avant Garde Bar and Gift Shop)

Nous avons choisi ce nouveau bar artisitique de style Bauhaus comme « point d'eau » et lieu de rencontre du Festival. Vous y verrez, disposés partout sur ses murs jaune et rouge, des affiches de propagande de l’ére soviétique et des gravures de Kandinsky venant de Russie. Comme le disait un magazine local, « Le bar "Avant-Garde" est autant un établissement pour aller boire et manger qu’une ode à la conception, à l’art et à l’histoire. »

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Perfect trainings for visionary artists

- 3D Animation and Visual Effects for Film and Television (French program)

- Design and Digital Art for video games (English program)

1-514-288-3447 www.nadcentre.com

TECHNOLOGY FORUM

WORKSHOPS & PANELS

Joanna Quinn’s Dreams and Desires

VISUAL EFFECTS AND THE ROLE OF THE ANIMATOR Saturday, Sept. 22, 11:00 am - 12:30 pm (NAC Fourth Stage) This panel will focus on the changing role of the animator in visual effects. A sequel to last year’s panel on the role of the animator in the gaming industry, the main aim of the panel is to discuss what exactly visual effects animation is and why one would want to work in that field. Specific topics that will be covered include the increased use of motion capture, "invisible effects" animation, and what new skill sets animators should have. This will be a crash course on what/why/how of visual effects and what makes it different from more traditional animation jobs. Panelists: Larry DeFlorio (Rainmaker Animation), Lon Molnar (Intelligent Creatures)

THE EVOLUTION OF ANIMATION SOFTWARE Saturday, Sept. 22, 9:00 am - 10:30 am (NAC Fourth Stage) This panel will look at how animation technology has evolved in order to meet the constant needs of today's artists. Panelists will discuss their personal history with software development and the relationship it has to artistic demand. They will also highlight the new directions software is heading in. Panelists: Kim Davidson (Side Effects Software), Erik Goulet (Softimage), Steve Bowie (MyToons.com)

BREAK IT DOWN: A MUSIC VIDEO SPOTLIGHT Friday, Sept. 21, 9:00 am - 10:30 am (NAC Fourth Stage) Beginning long before MTV’s launch in 1981, music-centered film has always been a playground for artistic and technical innovation. Meticulous editing, timing and design visually capture the tone and atmosphere of music. A workshop based on music video production, speakers will share their stories on entering the industry, time and budgeting, editing and design and explore the differences between short films and the music video. Speakers: TBA

ACTIVIST ANIMATION Saturday, Sept. 22, 9:00 am – 10:30 am (Arts Court, Club SAW) “It is no longer enough today to lock ourselves in our studios and produce culture. We must engage in our world in as many ways as possible.” (MacPhee and Reuland, Realizing the Impossible) A panel designed to facilitate a discussion on using animation for social change. This program brings together artists who made a difference. Join the panellists in exploring the diverse and provocative ways animation is used as activism and how you can get involved. Speaker: Firdaus Kharas (Peabody Award recipient)

KEEPING IT OLD SCHOOL: LOOKING LIKE THE 40S IN A DIGITAL AGE PRESENTED BY WALT DISNEY ANIMATION STUDIOS

Friday, Sept. 21, 11:00 am - 12:30 pm (NAC Fourth Stage) Marlon West, Visual EFX Supervisor and Artistic Coordinator for “How To Hook Up Your Home Theater,” takes us behind the scenes of this new Goofy short and explains how the filmmakers used a paperless system to recreate the look of the 1940s Goofy Classics. Come learn how Disney filmmakers were able to avoid the digital handiwork that defined the effects animation of Disney’s recent features. Speaker: Marlon West (Walt Disney Animation Studios)

MEET THE FILMMAKERS PRESENTED BY THE NATIONAL FILM BOARD OF CANADA

Everyday beginning Thurs., Sept. 20, 9:30 am - 10:30 am (Novotel Hotel) You have just seen their films compete against some of the best new animated works internationally. Here is your chance to sit down with the directors to ask questions, exchange comments and share your thoughts over morning coffee. Please visit the festival website for a complete list of filmmakers in attendance. Moderated by: Michael Fukushima, Marc Bertrand and Marcy Page (National Film Board of Canada)

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TECHNOLOGY FORUM | WORKSHOPS

WRITING VISUALLY: ANIMATION SCREENWRITING Saturday, Sept. 22, 11:00 am – 12:30 pm (Arts Court, Club SAW) You have a great idea for an animated series. Now, you have to get it down on paper. Take advantage of our guest professional writer and learn about the basics of screenwriting, this workshop will take you from formatting your "Writer's Draft” to overcoming the dreaded "writer's block". A must attend workshop for aspiring writers and animators! Speakers: TBA

BLOGGING ANIMATION Saturday, Sept. 22, 1:00 pm – 2:30 pm (Arts Court, Club SAW) They give us the news on upcoming projects, a glimpse into forgotten films, and candid insight into animation. They are animation bloggers, a new wave of critics shaping film analysis and critique. A panel of experts will evaluate the role of these contributors in relation to traditional criticism, authority of voice and advancing unseen works. Is this new dialogue reminiscent of the golden age of Cahier du Cinema? Do audiences value and merit the opinions of these writers? How effective, if at all attempted, are bloggers in educating and informing audiences on fringe work? Bring forth your opinion and get ready to discuss. Speakers: Michael Barrier (Michaelbarrier.com), Jerry Beck (Cartoon Brew), Ward Jenkins (Drawn!), Mark Mayerson (Mayerson on Animation). Moderated by: Maral Mohammadian (National Film Board of Canada)

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Tomasz Baginksi’s Fallen Art

How to Hook Up Your Home Theater

EFFECTIVE STORYBOARDING: BEYOND THE BASICS

HOW TO MAKE IT GOOFY

Saturday, Sept. 22, 3:00 pm – 4:30 pm (Arts Court, Club SAW) Interpreting scripts, framing effectively, understanding cinematic composition, expressing emotions, maintaining fluidity, meeting the needs of writers, directors and layout artist, this is a day in the life of a storyboard artist. A workshop based on audience demand and created for artists with knowledge in the rudiments of the process, this program will delve into the skills, knowledge and vision needed to effectively execute storyboards. Speakers: TBA

JOANNA QUINN MASTERCLASS PRESENTED BY THE NATIONAL FILM BOARD AND UK TRADE AND INVESTMENT

PRESENTED BY WALT DISNEY ANIMATION STUDIOS

Sunday, Sept. 23, 1:00 pm – 2:30 pm (Empire Cinema) The directors of the latest animated antics of Disney's most dim-witted character will discuss Goofy's return to the cartoon short form, as well as provide astute insight into the pros and cons of the national health care system and its direct effect on the deconstruction of post-modern society. Warning: Those seated in the first six rows of the presentation may get wet. Speakers: Kevin Deters (Co-Director, Co-Writer), Stevie Wermers-Skelton (Co-Director, Co-Writer), Mark Henn (Animator), Marlon West (EFX Supervisor) & Tamara Boutcher (Producer).

Sunday, Sept. 23, 9:00 am - 10:30 am (NAC Fourth Stage)

TOMASZ BAGINSKI MASTERCLASS

Since her bold splash onto the world stage in 1987 with the Annecy hit Girls’ Night Out, Joanna Quinn has arguably been one of the United Kingdom’s most successful animation filmmakers. While audiences may not always know it’s her work, Quinn’s presence on festival screens and home televisions is ubiquitous. From her ads of the Charmin toilet paper bear to her multi-award winning short, Dreams and Desires: Family Ties, Joanna Quinn is everywhere. Please join Quinn and NFB producer Michael Fukushima in rollicking conversation.

Sunday, Sept. 23, 2:00 pm – 3:30 pm (NAC Fourth Stage)

Speaker: Joanna Quinn (Beryl Productions International) Moderator: Michael Fukushima (National Film Board of Canada)

SOFT CEL: ANIMATION ART AND ADVERTISING Sunday, Sept. 23, 11:00 am – 12:30 pm (NAC Fourth Stage) We’ve all seen them before and remember them vividly, compelling characters, absurd settings, and stunning creativity in short spots that stick with us for years - yes we’re talking about commercial animation. A panel of award winning artists will gear up to discuss the ins and outs of this industry, including working with ad agencies, maintaining artistic integrity, inevitable constraints and why they love it. Speakers: Bruce Alcock (Global Mechanic), Steve Angel (Head Gear), Frank Falcone (Guru Studio), J.J. Sedelmaier (J.J. Sedelmaier Productions) Moderated by: Richard O’Connor (Asterisk)

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PARTIES | EVENEMENTS SOCIAUX

PRESENTED BY THE EMBASSY OF THE REPUBLIC OF POLAND

Nominated for an Oscar in 2002 and winning a BAFTA in 2006, Polish animator, Tomasz Baginski’s first two films have positioned him as a force to be reckoned with. Join Baginski as he discusses the origins and making of his short films The Cathedral and Fallen Art in an intimate and interactive Masterclass. Speaker: Tomasz Baginski

CAPTURING THE ABSTRACT Sunday, Sept. 23, 4:00 pm - 5:30 pm (NAC Fourth Stage) Capturing the Abstract surveys the relationship between animation, technology and structure. From manipulating apparatus to the symbolic relationship with the medium, this study places technology in the context of animation’s structural elements. Finely married in experimental film, these tools sometimes shed light on and reveal unexpected or otherwise hidden content. This session is about exploration, come prepared to share your ideas. Speaker: Ellen Besen (Zachary Schwartz Institute For Animation Filmmaking)

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BOOK & DVD SIGNINGS

SALON DES REFUSES PRESENTED BY LAIKA

Thursday, Sept. 20 & Friday, Sept. 21, 11:00 pm (Arts Court, Club SAW)

CHRIS ROBINSON - THE ANIMATION PIMP Thurs, Sept. 20, 5:30 pm - 6:00 pm (La Petite Mort Gallery) For five years, Robinson’s monthly column in AWN magazine, The Animation Pimp, offered a provocative look at the world of animation, from the nuts and bolts of running a festival to such far-flung topics as aesthetics, sex, alcoholism, and the author’s own life. These essays have been compiled in one volume, and Chris Robinson will be present to read from and sign copies of his new book.

MICHAEL BARRIER - THE ANIMATED MAN: THE LIFE OF WALT DISNEY Friday, Sept. 21, 6:00 pm - 7:00 pm (NAC – Lobby) In his compelling new biography, noted animation historian Michael Barrier avoids the well-traveled paths of previous biographers, who have tended to portray a blemish-free Disney or to indulge in lurid speculation. Beginning in 1969, two and a half years after Disney's death, Barrier recorded long interviews with more than 150 people who worked alongside Disney, some as early as 1922. Barrier juxtaposes Disney's own recollections against the memories of those other players to great effect. What emerges is a portrait of Walt Disney as a flawed but fascinating artist, one whose imaginative leaps allowed him to vault ahead of the competition and produce work that even today commands the attention of audiences worldwide.

PIERRE HEBERT - THE SCIENCE OF MOVING IMAGES Saturday, Sept. 22, 5:00 pm - 6:00 pm (NAC - Lobby) Complex, plentiful, atypical, the work of Pierre Hébert is imposing. More than 20 films are included in this box of three DVD: abstracted short films, political films, expérimentaions rising from multidisciplinary spectacles, in addition to the first full-length film of animation produced with the ONF: The human plant. Complexe, foisonnante, atypique, l'oeuvre de Pierre Hébert est imposante. Plus de 20 films sont inclus dans ce coffret de trois DVD : courts métrages abstraits, films politiques, expérimentaions découlant de spectacles multidisciplinaires, en plus du premier long métrage d'animation produit à l'ONF : La plante humaine.

BOOK & DVD SIGNINGS | SALON DES REFUSES

So, your entry was rejected, eh? Not to worry, we haven't screened a bunch of Oscar® Award-winning films, either. The Salon des Refusés has an illustrious history, beginning in the 1860s, when entries by artists of the nascent realist and impressionist movements were rejected for exhibition at the Salon de Paris. The resultant complaints of bias led French emperor Napoleon III to allow the rejected works to be displayed in a separate exhibition. Not that we'd compare Chris Robinson to Napoleon III... In the interest of fairness, we are giving animators an opportunity to screen their rejected films during the 2007 Festival. If you're saying to yourself, "Hey! I think my film is great! I think people should see my film," then bring a DVD copy of your film and your rejection letter to Club SAW on Thursday or Friday evening. Maybe, just maybe, your name will be pulled from the barrel. And maybe you'll win an Oscar®.

ANIMATION RESOURCE CENTRE CENTRE DE RESSOURCES EN ANIMATION On-going throughout the Festival (Arts Court, Suite 120) Located on the “First Floor” of Arts Court adjacent to the OIAF office is the Animation Resource Centre. With more than 8000 short films from all over the world including most films screened at previous festivals, Festival attendees can view any film along with any of 2078 entries on the blue couch and faux fur armchairs! Situé au « 1er étage » de la Cour des Arts à côté du bureau du FIAO se trouve le Centre de ressources en animation. Comprenant plus de 8 000 courts métrages de partout dans le monde, y compris la plupart des films projetés au festival précédent, les participants au Festival peuvent voir n’importe quel film de même que n’importe laquelle des 2078 entrées sur le sofa bleu et les fauteuils en fausse fourrure !

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OIAF YOUTH OUTREACH

With the help of the TELUS Community Board, the OIAF has several initiatives this year designed to educate local youth about the art of animation. | Avec l’aide du Comité d’investissement communautaire TELUS, le FIAO offre cette année plusieurs manifestations destinées à renseigner les jeunes de la région sur l’art de l’animation.

THE TOON APPRENTICE LECTURE SERIES

LA SERIE DE CONFERENCES D’APPRENTISSAGE TOON In May, June and September each year, Festival staff travel to area high schools to give a one-hour presentation to students. The presentation aims to introduce the students to the ‘artistic’ side of animation by showcasing a variety of clips from acclaimed Canadian and international films that use an array of techniques and styles. Chaque année en mai, juin et septembre, le personnel du festival visite des écoles secondaires de la région pour donner aux élèves une présentation d’une heure. Ces présentations ont pour but d’initier les élèves à l’aspect artistique de l’animation, en leur présentant une variété d’extraits de films canadiens et étrangers acclamés, qui font appels à différents techniques et à différents styles.

THE ADOBE TOON APPRENTICE PASS

LAISSEZ-PASSER D’APPRENTISSAGE TOON ADOBE Teens can apply for a FREE Adobe Toon Apprentice pass valid for all screenings and the Animarket Trade Show at the National Arts Centre on Saturday, September 22. Les ados peuvent demander un laissez-passer Adobe GRATUIT, valable pour toutes les projections et pour la Foire commerciale Ani-marché, au Centre national des Arts le samedi 22 septembre.

ANIMATION CELEBRATION CELEBRATION DE L’ANIMATION

PRESENTED BY THE NATIONAL GALLERY OF CANADA

Wed., Sept. 19, 11:00 am – 12:00 pm and 1:00 pm – 2pm (National Gallery of Canada) Animation Celebration offers Ottawa-area elementary school children (ages 5-12) an introduction to the art of animation. Oscar® Nominated animator Janet Perlman will screen her film Bullydance and lead a discussion about the issue it raises. La Célébration de l’animation offre aux élèves des écoles primaires de la région d’Ottawa (âgés de 5 à 12 ans) une initiation à l’art de l’animation. L’animatrice récipiendaire d’un Oscar(MD) Janet Perlman présentera son film Bullydance et animera une discussion sur les questions qu’il soulève.

WORKSHOPS FOR KIDS AND TEENS ATELIERS POUR ENFANTS ET ADOLESCENTS

On the weekend of the Festival, we offer kids and teens free hands-on workshops presented by the National Film Board and hosted by the National Gallery of Canada. Présentés par l’Office national du film et le Musée des beaux-arts du Canada. Les ados pourront également mettre la main à la pâte en participant aux d’apprentis animateurs GRATUITS qui auront lieu le dimanche 23 septembre.

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YOUTH OUTREACH

HELEN HILL FUNDRAISER Donate to the Francis Pop Education Fund Helen Hill was a much beloved member of the animation community. She was also a wife and mother. Her untimely death, earlier this year, has left a space that cannot be filled. To honour Helen’s memory, we will be selling one of her favourite treats: cotton candy. We will have a cotton candy machine at this year’s Animators’ Picnic (Friday, Sept, 21). Sales will be by donation, with a suggested minimum of $5.00. All donations over $100.00 will be recognized on the OIAF Website. All funds raised will be deposited in the Francis Pop Education Fund, a trust fund established for Helen’s son. Please make your cheque out to: The Ottawa International Animation Festival. Write “Francis Pop” in the memo, and we will make a lump-sum deposit into the trust account.

FESTIVAL ORGANIZATION ORGANISATION DU FESTIVAL The Ottawa 07 International Animation Festival is organized by the Canadian Film Institute. | Le festival international d’animation d’Ottawa 07 est organisé par l’Institut canadien du film. CANADIAN FILM INSTITUTE | INSTITUT CANADIEN DU FILM Executive Director | Directeur : Tom McSorley

Tom

BOARD OF DIRECTORS: Tom McSorely Jack Horwitz Patricia Burns Dan Sokolowski Doug Rimmer

Chris

Canadian Film Insitute United Way Leaptoons Independent filmmaker-animator Library and Archives Canada

OTTAWA 07 INTERNATIONAL ANIMATION FESTIVAL FESTIVAL INTERNATIONAL D’ANIMATION D’OTTAWA 07 Kelly a.k.a. Killer

Managing Director | Direction gènèrale : Kelly Neall Artistic Director | Directeur artistique : Chris Robinson

André

TAC & Workshop Director | Coordinatrice des CAT et ateliers : Azarin Sohrabkhani Technical Director & Graphic Designer | Directeur technique et execution graphiques : André Coutu OIAF ADVISORY COMMITTEE: Dan Sarto Animation World Network Frank Falcone Guru Studio Frank Taylor Title Entertainment Inc. Linda Simensky PBS Madeleine Lévesque 9 Story Entertainment Maral Mohammadian National Film Board of Canada Michael Fukushima National Film Board of Canada Patricia Burns Leaptoons Tom Knott LAIKA Entertainment

Azarin

Programming Assistant | Assistant Programmation : Jerrett Zaroski Guest Services Co-ordinator | Coordinatrice de services d’acceuil : Kelly Moreno Special Events Co-ordinator | Activités spéciales : Jennifer Noseworthy Media Liaison | Liaison au medias : Angela Abbott Animarket & Sponsorship Coordinator | Coordinatrice Animarché : Josh Goldberg Office Manager | Coordonnatrice du Bureau : Catherine Bain Registration Coordinator | Coordination des accréditations : Tyler Platt Volunteer Coordinator : Lisa Sopher

Catherine

Jerrett

Jennifer

Bytowne/National Arts Centre Stage Manager | Ménagère de location des Bytowne/Centre National Des Arts : Jerrett Zaroski National Gallery Stage Manager | Ménagère de location de Musée des Beaux-Arts du Canada : Bill Alexander/Fionna Wilson Accountants | Comptables : Rose Angelo Interns | Interne : Olivier Benas, George Hack Translation | Traduction : Coopérative de traduction COTRAD Selection | Sélection : Pre-Selection: Chris Robinson Final Selection: Chris Robinson with lots of input from André Coutu, Azarin Sohrabkhani, Jerrett Zaroski, Kelly Neall, Jarvis Neall (Kids categories)

Angela

Josh

Competition & Showcase Programmer | Compétition et « Meilleur Programmateur du Reste » : Chris Robinson Additional Programmers | Programmation complémentaire : Marcel Jean, Hélène Tanguay, Hrvoje Turković, George Griffin, Tee Bosustow FESTIVAL READER | LECTURE DU FESTIVAL Editor | Editeur : Chris Robinson Writers | rédacteurs: Tee Bosustow, George Griffin, Marcel Jean, Tom McSorley, Chris Robinson, Hélène Tanguay, Hrvoje Turković Graphic Design and Conception | Conception et execution graphiques : André Coutu

Kelly

Tyler

Poster Illustration & Key Art | Illustration de l’affiche et art clé : Oscar Grillo Signal Film | Indicatif : Jonas Odell/FILMTECKNARNA Printers | Imprimeur : Creative Motion Printing Travel Agent | Agent de voyage : Evan Frank, Far Horizons Travel Special Thanks | Remerciements spéciales : Betty, Jarvis and Harrison Neall, Peter Piening, Jordan Bell, Muttley Von Barkenstein, Iryna Volochay, Anne Benoit of the National Gallery, Bruce White and Barry Caplan of the Bytowne, Simone Deneau, Peter Kealey and Michel Dozois at the National Arts Centre, and all the party venue operators.

Olivier

Photography by André Coutu

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FESTIVAL ORGANIZATION | ORGANISATION DU FESTIVAL

Lisa

LIST OF ADVERTISERS

FILM CONTACTS | CONTACTS DE FILM 84

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Academy of Canadian Cinema and TV 11 Adobe Systems Incorporated 142 Algonquin College 141 Animation Magazine 133 Animation Reporter 35, 52, 69 Animation World Network 41 Arts Court 121 Audio Postproduction Spr Inc. 57 Bell Broadcast and New Media Fund 56 Blue Sky 136 Boomstone Entertainment Inc. 144, 145 Breakthrough Animation 60 Cartoon Brew 14 Cartoon Network 115 Centre NAD 125 China Cartoon Industry Forum 61 Chuck Gammage Animation 114 CTV 137 Convergence / Lien Multimédia 98 Cuppa Coffee Studios 140 Decode 125 Embassy of Israel 18 Embassy of Poland 7 Empire Theatre 103 Foreign Affairs 16 Fuel Industries 10 Guru Studio 99 Hatch Studios 105 Hiroshima Animation Festival 127 Hotel Indigo 52 Intelligent Creatures

110 48 35 132 49 2, 3 15 Back 53 8 129 114 107 126 97 69 127 18 102 104 64 135 125 9 5 124 106 41 123 111 124 120

Kidscreen LAIKA Max the Mutt Animation School Mercury Filmworks Mytoons.com National Film Board of Canada National Gallery of Canada Nelvana Limited Nerdcorps OMDC The Ottawa Citizen Pipeline Playback Magazine Production Hub Rainmaker Animation Rembrandt Films Renderosity SAW Video Seneca Sheridan College Side Effects Software Stuttgart Animation Festival Taiwan Animation Festival Telefilm TELETOON Total Media Systems UPA Legacy Vancouver Film School Visionfest Walt Disney Animation Studios World Wide Short Film Fest Zagreb Festival of Animated Films

LIST OF ADVERTISEMENTS

8848 Annabel Sebag Premium Films 130 rue de Turenne Paris France 75003 Phone: +(33) 14-277-0639 Email: animation@premium-films.com Website: www.premium-films.com

A Magical Mole Ting Yu Huang Taichung Taiwan Email: yuto107@hotmail.com

A Sunny Day (Ein sonniger Tag) Gil Alkabetz Sweet Home Studio Bebelstrasse 58 Stuttgart, Baden-Wuerttemberg Germany 70193 Phone: +(49) 711-636-1735 Fax: +(49) 711-636-1735 Email: gil@alkabetz.com Website: www.sunny.alkabetz.com

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5 Alive 'Echo' Leah Wesolowski Head Gear Animation 35 McCaul Street, #301 Toronto, ON Canada M5T 1V7 Phone: 416-408-2020 Fax: 416-408-2011 Email: leah@headgearanimation.com

A-Z Sally Arthur Arthur Cox 16 Whitehouse St. Bristol UK BS3 4AY Phone: +(44) 117-953-9788 Email: sally@worldofarthurcox.com Website: www.worldofarthurcox.com AAchi & SSipak (AAchi Wa SSipak ) STUDIO2.0 6th Fl., Mediacorp Bldg., 997-10, Daechi-dong, Gangnam-gu Seoul South Korea 135-502 Phone: +(82) 22-107-5495 Fax: +(82) 2-562-5943 Email: int@studio2.co.kr Adjustment Jane Colling Royal College of Art, Animation Dept. Kensington Gore London UK SW7 2EU Phone: +(44) 207-590-4512 Fax: +(44) 207-590-4510 Email: jane.colling@rca.ac.uk Website: www.rca.ac.uk/animation Administrators Roman Klochkov Victor Braeckmanlaan, 118 Ghent BELGIUM 9040 Email: roman.klochkov@telenet.be Website: www.myspace.com/romanimator

All That Remains Stephanie Maxwell 6 Bridgewood Dr. Fairport, New York USA 14450 Fax: 585-475-7575 Email: sampph@yahoo.com Website: www.rit.edu/~sampph

The Ants Guo Yuanyuan China Shanghai Pudong Dongming Road 383, Lane #13, Room 101 Shanghai CHINA 200125 Email: xiongxiong_1979@126.com

Apnée Marion Lucas Autour De Minuit Productions 21 rue Henri Monnier Paris France 75009 Phone: +(33) 14-281-1728 Fax: +(33) 14-281-1729 Email: festivals@autourdeminuit.com

Ark (Arka) Marta Staniszewska Platige Image Raclawicka 99 Warsaw POLAND 02-634 Phone: +(48) 22-844-6474 Fax: +(48) 22-898-2901 Email: ms@platige.com Asience 'Hairy Tale' (Asience 'Kami wa Onna no Inochi') Francesco Prandoni Production I.G. Minami Bldg., 3-22-31 Minami-cho, Kokubunji-shi Tokyo Japan 185-0021 Fax: +(81) 42-323-9400 Email: francesco@production-ig.co.jp Website: www.production-ig.com

100 Assembled Becka Barker Kyunghee Apt. Bldg. 903, Eupnae-ri, Shinchang-myeon, 903 Asan-si, Chungcheongnam-do South Korea 336-778 Phone: +(82) 106-779-0194 Fax: +(82) 41-530-1381 Email: becka_barker@yahoo.com 94

Aston's Stones (Astons stenar) Petter Mattsson Swedish Film Institute P.O. Box 27126 Stockholm Sweden SE-102 52 Phone: +(46) 8-665-1100 Fax: +(46) 8-666-3698 Email: petter.mattsson@sfi.se Website: http://www.swedishfilm.org

100 Automoto Neil & Cathy McInnes audzilla 924 Palmerston Ave. Winnipeg, MB Canada R3G 1J9 Phone: 204-949-8324 Fax: 204-949-0057 Email: audzilla@mts.net

101 B-Boy Bomb Breaking Joey Adrian MacNeil 7 Maple St. Dartmouth, NS Canada B2Y 2X2 Email: joeyadrianmacneil@yahoo.ca

104 Balloons Madeleine Belisle National Film Board of Canada 3155 Cote-de-Liesse Saint-Laurent, QC Canada H4N 2N4 Phone: 514-283-9805x6 Fax: 514-496-4372 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation 93

Battle of the Album Covers Heather Salazar Curious Pictures 440 Lafayette St. 6th Floor New York, NY USA 10003 Phone: 212-674-1400 Fax: 212-674-0081 Email: hsalazar@curiouspictures.com

Ben & Jerry's Pints Personified 'Tumble' Alise Munson LAIKA/house 1400 NW 22nd Ave. Portland USA 97210 Phone: 503-276-0110 Email: amunson@laika.com Website: www.laika.com

Beton Naama Arazi Bezalel Academy for Art and Design 24046 Mount Scopus Jerusalem Israel 91240 Phone: +(97) 22-589-3340 Fax: +(97) 22-589-3335 Email: animation@bezalel.ac.il Website: www.bezalel.ac.il

Bezalel Academy for Art and Design Naama Arazi Bezalel Academy for Art and Design 24046 Mount Scopus Jerusalem Israel 91240 Phone: +(97) 22-589-3340 Fax: +(97) 22-589-3335 Email: animation@bezalel.ac.il Website: www.bezalel.ac.il

Blind Man's Eye Matthew Talbot-Kelly Glimpse Digital Ltd. 25 Temple Lane Dublin Ireland Dublin 2 Phone: +(35) 31-633-0350 Email: mtk537@mac.com

Breakout (L'evasion) Francois Ladsous Les Films du Nord 27 avenue Jean Lebas Roubaix France 59100 Phone: +(33) 32-011-1130 Fax: +(33) 32-011-1131 Email: smr@euroanima.net

OIAF 07 FESTIVAL READER | FIAO 07 LECTEUR DU FESTIVAL

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Bunnyheads Jim Blashfield Blashfield Associates 1801 N.W. Upshire Portland, Oregon USA 97209 Phone: 503-228-0570 Email: jbstudio@spiritone.com

Cat and Bear (Koyang-i-wa Gom) Min Jung Choi Seoul Animation Center 8-145 Jung gu, Yejang dong Seoul South Korea 100-250 Phone: +(82) 23-455-8359 Fax: +(82) 23-455-8369 Email: midori14@naver.com Website: www.ani.seoul.kr

Coca-Cola 'Inspiration' Mary Traina Transistor Studios 636 Broadway, #1200 New York USA 10012 Phone: 212-405-5090 Fax: 212-405-5091 Email: mary@transistorstudios.com Website: www.transistorstudios.com Coca-Cola 'Videogame' Diane Chan Nexus Productions Ltd. 113-114 Shoreditch High St. London UK E1 6JN Phone: +(44) 207-749-7500 Fax: +(44) 207-749-7501 Email: diane@nexusproductions.com Website: www.nexusproductions.com

100 Cumulus Madeleine Belisle National Film Board of Canada 3155 Cote-de-Liesse Saint-Laurent, QC Canada H4N 2N4 Phone: 514-283-9805x6 Fax: 514-496-4372 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation 96

Cravendale 'Last Glass' Diane Chan Nexus Productions Ltd. 113-114 Shoreditch High St. London UK E1 6JN Phone: +(44) 207-749-7500 Fax: +(44) 207-749-7501 Email: diane@nexusproductions.com Website: www.nexusproductions.com Cravendale 'Out of Stock' Diane Chan Nexus Productions Ltd. 113-114 Shoreditch High St. London UK E1 6JN Phone: +(44) 207-749-7500 Fax: +(44) 207-749-7501 Email: diane@nexusproductions.com Website: www.nexusproductions.com Crow Moon Catherine Elliott Red Kite Productions Ltd 89 Giles St. Edinburgh, Scotland UK EH6 6BZ Phone: +(44) 131-554-0060 Fax: +(44) 131-553-6007 Email: info@redkite-animation.com Website: www.redkite-animation.com

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Daddy I'm Scared Ralph McKay Sixpack Film Americas Box 914, 609 W Galveston St. Marfa, TX USA 79843 Phone: 432-729-4554 Email: amovie@sbcglobal.net Website: www.sixpackfilm.com

100 Drop David Seitz Montreal, QC Canada H2T2V4 Email: dseitz@gmail.com

Deady Jung Woon Kim Korea Animation High School Hanam South Korea Email: cokoma21@nate.com

Declaration of Love (Priznanie v lubvi) Valentina Khizhnyakova Studio A-Film 50 "zh" Lienin Straase Ekaterinburg Russian Federation 620075 Phone: +(73) 43-350-0094 Fax: +(73) 43-350-0094 Email: a-film@sky.ru Website: a-film12@isnet.ru

Down the Road Kirstine Dollerup JA Film Klosterport 4E, 3. Sal Aarhus C. 8000 Denmark Phone: +(45) 7-026-0270 Email: kirstine@jafilm.dk Website: www.jafilm.dk

Cyber Stefan Eling Stefan Eling Moving Pictures Moltkestrasse 99 Cologne Germany D-50674 Email: info@eling.com Website: www.eling.com

Come on Strange Gabriela Gruber Planckstraße 22 Berlin Germany 10117 Email: gabrielagruber@web.de

Deerhoof 'Wrong Time Capsule' Ralph McKay Sixpack Film Americas Box 914, W Galveston St. Marfa, TX USA 79843 Phone: 432-729-4554 Email: amovie@sbcglobal.net Website: www.sixpackfilm.com Dharma Dreameater Louise Bergholt Sørensen The Animation Workshop Kasernevej 5 Viborg Denmark 8800 Phone: +(45) 8-725-5400 Fax: +(45) 8-725-5411 Email: OWFestival@animwork.dk Website: www.animwork.dk Dog's Pavlov Igor Coric Freelens Arts Bozidara Knezevica 2, Visnjicka Banja Belgrade Serbia 11000 Phone: +(381) 64-137-7707 Email: igor.coric@gmail.com Website: igor.coric.googlepages.com

FILM CONTACTS | CONTACTS DE FILM

101 Family Picture Nathan Boey 4468 Girouard Montreal, QC Canada H4A 3E4 Email: foursecondfocus@yahoo.ca Website: www.myspace.com/ nathanboey 84

Doxology Michael Langan Upper Playground 1179 Hayes St, Apt. 3 San Francisco, California USA 94117 Email: MLangan@risd.edu Website: www.langanportfolio.com

101 The Flour Face Ballad (La ballade des enfarinés) Julie Rocheleau Les films de la Champlure / Productions Anamnésiques 2620 Hogan Montreal, QC Canada H2K 2T6 Phone: 514-598-8459 Email: jrocheleau@mac.com

Dust Echoes 2 'Mermaid Story' Ivana Rowley Australian Broadcasting Corporation 120 Southbank Boul. Southbank, Victoria Australia 3006 Phone: +(61) 39-626-1987 Fax: +(61) 39-626-1983 Email: rowley.ivana@abc.net.au Website: www.abc.net.au/dustechoes

Efrat Ben Zur 'Every Day' (Efrat Ben Zur 'Kol Yom') Idan Vardi Piano Piano Animation 8 Finless St. Tel Aviv Israel 62265 Email: idanfree@gmail.com Website: www.myspace.com/ pianopianoanimation

The Elephant (Pila) Milena Klebanov Moscow Russian Federation Email: milena.klebanov@gmail.com Energy! (Energie!) Thorsten Fleisch Seestrasse 107 Berlin Germany 13353 Phone: +(49) 304-502-3072 Email: snuff@fleischfilm.com Website: www.fleischfilm.com Everything Will Be OK Don Hertzfeldt Bitter Films 275 South Orange Ave., Unit G Santa Barbara, CA USA 93117 Fax: 805-967-5755 Email: bitterfilms@hotmail.com Website: www.bitterfilms.com Exit 2 Diane Chan Nexus Productions Ltd. 113-114 Shoreditch High St. London UK E1 6JN Phone: +(44) 207-749-7500 Fax: +(44) 207-749-7501 Email: diane@nexusproductions.com Website: www.nexusproductions.com

The Fish Kyoung-Mi Park Kyounggi High School of Arts 1031, Jung4-Dong, Wonmi-Gu Buchon-Si, Kyounggi-Do South Korea 420-847 Fax: +(82) 32-320-0875 Email: vnddjs@naver.com

For the Love of God Hemant Sharda National Film & Television School Beaconsfield Studios, Station Rd. Beaconsfield, Buckinghamshire UK HP9 1LG Phone: +(44) 149-473-1457 Fax: +(44) 149-467-4042 Email: festivals@nftsfilm-tv.ac.uk Website: www.nftsfilm-tv.ac.uk Forest Murmurs Jane Colling Jane Colling Distribution 24 Banyard Rd. London UK SE16 2YA Phone: +(44) 207-231-1106 Email: jane@janecolling.co.uk Foster's Home For Imaginary Friends 'Squeeze the Day' Lori Lane Cartoon Network Studios 300 N. 3rd St. Burbank, CA USA 91748 Phone: 818-729-4317 Email: lori.lane@turner.com Website: www.cartoonnetwork.com

The Foxhole Manifesto Wanda Vanderstoop Vtape 401 Richmond St. W, Suite 452 Toronto, ON M5V 3A8 Canada Phone: 416-351-1317 Fax: 416-351-1509 Email: wandav@vtape.org Website: www.vtape.org or www.fox-gieg.com Framing (Bildfenster / Fensterbilder) Bert Gottschalk Auguststrasse 86 Berlin Germany D-10117 Phone: +(49) 304-171-5879 Fax: +(49) 304-171-5879 Email: bert-bert@gmx.de Franz Kafka's A Country Doctor (Franz Kafka's Inaka Isha) SHOCHIKU Tokyo Japan Email: ibd@shochiku.co.jp

Free Jimmy (Slipp Jimmy fri) Stine Oppegaard Norwegian Film Institute Dronningens Gate 16, PO Box 482 Sentrum Oslo NORWAY 0105 Phone: +(47) 2-247-4500 Fax: +(47) 2-247-4597 Email: stine.oppegaard@nfi.no

Freedom Fighters Kevin Pohl Willowbrook High School Villa Park USA Email: tracypohl114@msn.com

Golden Age Aaron Augenblick Augenblick Studios 45 Main St., #521 Brooklyn, New York USA 11201 Phone: 718-855-9226 Fax: 718-855-9227 Email: aaron@augenblickstudios.com Website: www.augenblickstudios.com

Got To Do A Wee-Wee (Muss mal Pipi) Andrea Kienzler Suedwestrundfunk Familiy Programme Baden-Baden Germany 76522 Fax: +(49) 7-221-929-6220 Email: andrea.kienzler@swr.de

Greenpeace 'Man and Whale' Atsuko Kubota Beacon Communications K.K. Tokyo Japan Email: atsuko.kubota@beaconcom.co.jp

Gummy Chase (Histoire à la gomme) Caroline Nugues Zorobabel Rue de la Victoire, 132 St. Gilles Brussels BELGIUM 1060 Phone: +(32) 2-534-2434 Fax: +(32) 2-534-2434 Email: zorobabel@zorobabel.be Website: www.zorobabel.be

Harvey Birdman, Attorney at Law 'The Death of Harvey Birdman' Nikki Giles Cartoon Network 1050 Techwood Drive NW, NC1 0209E Atlanta, GA USA 30318 Phone: 404-575-6211 Fax: 404-885-4312 Email: nikki.giles@turner.com Website: www.adultswim.com

Head Felix Dufour-Laperriere Noir sur Blanc 7646 Boyer Montreal, QC Canada H2R 2R8 Email: felixdlap@yahoo.ca Website: www.felixdufourlaperriere. blogspot.com

Herbert Sam Fisher 2537 Windsor St. Halifax, NS Canada B3K 5C2 Phone: 902-494-8309 Email: silver.leaf@ns.sympatico.ca

15. INTERNATIONALES TRICKFILM FESTIVAL FESTIVAL OF ANIMATED FILM STUTTGART ’08 MAY 01 – MAY 06 2008

www.ITFS.de

AniMovie Tricks for Kids Animated Series Young Animation Under Commission International Competition

WELCOME TO THE ANIMATED FILM FAMILY Register for our newsletter on www.itfs.de

gGmbH

How to Hook Up Your Home Theater Emily Hoppe Walt Disney Animation Studios 500 S. Buena Vista St. FAS L117 Burbank, CA USA 91521-4823 Phone: 818-460-8936 Fax: 818-460-9202 Email: emily.hoppe@disney.com

I Met the Walrus Josh Raskin Play Airways 683a Bloor St. W Toronto, Ontario Canada M6G 1L3 Email: josh@playairways.com Website: www.playairways.com

It's JerryTime! 'The Strange Trip' Orrin Zucker Ozone 41 Lynn Rd. Needham USA 02494 Phone: 781-449-6282 Fax: 781-449-7343 Email: ozonetv@aol.com Website: www.itsjerrytime.com John and Karen Sarah Cox Arthur Cox Ltd. 16 Whitehouse St. Bristol, Avon UK BS3 4AY Phone: +(44) 117-953-9788 Fax: +(44) 117-953-9788 Email: sarah@worldofarthurcox.com

101 John's Untilted Clock Moving Images Distribution 402 West Pender St, #606 Vancouver, BC Canada V6B 1T6 Phone: 604-684-3014 or 1-800-684-3014 Fax: 604-684-7165 Email: mailbox@movingimages.ca Website: www.movingimages.ca 100 Kat Fight Casper Konefal 4445 Calgary Trail, #200 Edmonton, AB Canada T6H 5R7 Email: casper_konefal@hotmail.com 84

138

Key Lime Pie Trevor Jimenez Sheridan College 1297 Marlborough Ct, 1503 Oakville, ON Canada L6H 2S1 Email: trevjimenez@hotmail.com L'eau Life Jeff Scher Fez Films 30 Main Street, Apt. 2D Brooklyn, NY USA 11201 Phone: 646-262-7557 Fax: 212-966-7255 Email: jscher@fezfilms.net Lapsus Juan Pablo Zaramella JPZtudio Riglos 735, 1B Capital Federal ARGENTINA 1424 Fax: +(54) 114-923-7484 Email: juanpablo@zaramella.com.ar Website: www.zaramella.com.ar

Lightning Doodle Project 2007 (PIKA PIKA 2007) Takeshi Nagata Tochka Factory (Independent Creative Unit) 9-5-1 22, Simorenjaku Mitaka-city, Tokyo Japan 181-0013 Fax: +(81) 42-243-7741 Email: eleqitel@tochka.jp Website: www.tochka.jp/mt/ archives/about/

104 Long Live Film (Vive le film) Madi Piller Pix Film Productions 140 Three Valleys Dr. Toronto, ON Canada M3A 389 Phone: 416-443-0474 Email: madip@rogers.com Website: www.awn.com/tais 96

The Lost Puppet (Aroosak Gomshode) Moin Samadi #76 Taheri St., Jordan Ave. Tehran, Tehran IRAN 1966865343 Phone: +(98) 212-204-6841 Fax: +(98) 212-204-6841x7 Email: moooooin777@yahoo.com Website: www.raiavin.com Love is Moving Jung Woon Kim Korea Animation High School Hanam South Korea Email: cokoma21@nate.com

Madame Tutli-Putli Madeleine Belisle National Film Board of Canada 3155 Cote-de-Liesse Saint-Laurent, QC Canada H4N 2N4 Phone: 514-283-9805x6 Fax: 514-496-4372 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation

Moodbot Chel White Portland USA Email: karap@bentimagelab.com

National Film & Television School Hemant Sharda National Film & Television School Beaconsfield Studios, Station Rd. Beaconsfield, Buckinghamshire UK HP91LG Phone: +(44) 149-473-1457 Fax: +(44) 149-467-4042 Email: festivals@nftsfilm-tv.ac.uk Website: www.nftsfilm-tv.ac.uk

Marathon Kaspar Jancis Eesti Joonisfilm Roo 9 Tallinn Estonia Email: mrjancis@hotmail.com Mauvais temps Dominique Templier Valence France Email: d.templier@folimage.fr Mermaid Lisa Barcy 4213 N. Albany Chicago, IL USA 60618 Phone: 773-539-4148 Email: lisabarcy@hotmail.com

FILM CONTACTS | CONTACTS DE FILM

Milk Teeth Tibor Banoczki Flat 3, 22a Maygrove Rd. London UK NW6 2EB Phone: +(44) 774-653-1805 Email: tiborbanoczki@yahoo.com Website: www.domesticinfelicity.com

101 Mondo Condo Sarah Lazarovic Long Live Irony Pictures 390 Montrose Ave Toronto, ON Canada M6G 3H1 Phone: 416-531-1055 Email: sarah@longliveirony.com Website: www.sarahL.com

Lux 'Provacateur' Chel White Portland USA Email: karap@bentimagelab.com

101 The Magic Projector Christopher Walsh 101A 27th St. Toronto, ON Canada M8W 2X6 Email: chriswalsh@rogers.com Website: www.walshanimation.com 89

National Lottery 'The Big Win' Pam Dennis Studio AKA 30 Berwick St. London UK W1F 8RH Phone: +(44) 207-434-3581 Fax: +(44) 207-437-2309 Email: pam@studioaka.co.uk Website: www.studioaka.co.uk/jojo Nightmare at School (Cauchemar à l'école) Madeleine Belisle National Film Board of Canada 3155 Cote-de-Liesse Saint-Laurent, QC Canada H4N 2N4 Phone: 514-283-9805x6 Fax: 514-496-4372 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation Nokia 'Fits You' Betty Wharton Global Mechanic 2150 Fir St. Vancouver, BC Canada V6J 3B5 Phone: 604-733-7475 Fax: 604-733-7491 Email: frontdesk@globalmechanic.com Website: www.globalmechanic.com NORABBITS' MINUTES 'Episode 4' Yuichi Ito I.TOON #301 4/24 Kaigan-dori, Naka-ku Yokohama, Kanagawa Japan 231-0002 Phone: +(11) 81-45-222-6255 Fax: +(11) 81-45-662-9763 Email: itoon@mu2.so-net.ne.jp

Nuckin' Futs! The JibJab Year in Review Grevan Spiridellis JibJab Media Inc. 228 Main St., #4 Venice, California USA 90291 Phone: 310-314-4375 Fax: 310-664-1972 Email: joey@jibjab.net Website: www.jibjab.com

104 The Occupant Elise Simard 1687 Barrette Montreal, QC Canada H2J 1E4 Email: elise.simard@gmail.com 84

The Old, Old, Very Old Man Elizabeth Hobbs Spellbound Animation 2 All Nations House, 2 Martello St. London UK E8 3PF Email: lizzy@spellboundanimation.co.uk Website: www.spellboundanimation.co.uk

100 One Madeleine Belisle National Film Board of Canada 3155 Cote-de-Liesse Saint-Laurent, QC Canada H4N 2N4 Phone: 514-283-9805x6 Fax: 514-496-4372 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation 84

OOIOO 'UMO' Shoji Goto Nara Japan 630-0261 Email: utaaar@gaia.eonet.ne.jp Oregon Lottery 'Best Deals Ever Made: Alaska' Alise Munson LAIKA/house 1400 NW 22nd Ave. Portland USA 97210 Phone: 503-276-0110 Email: amunson@laika.com Website: http://www.laika.com Paradise Madeleine Belisle National Film Board of Canada 3155 Cote-de-Liesse Saint-Laurent, QC Canada H4N 2N4 Phone: 514-283-9805x6 Fax: 514-496-4372 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation Pearce Sisters Kerry Drumm Aardman Animations Gas Ferry Road Bristol UK BS1 6UN Email: festivals@aardman.com Persepolis Tom Alexander Mongrel Media 109 Melville Ave. Toronto, ON Canada M6G 1Y3 Phone: 416-516-9775 Fax: 416-516-0651 Email: tom@mongrelmedia.com Website: www.mongrelmedia.com

Pocoyo 'Dance Off' Pedro Bernar Zinkia Entertainment Infantas 27, 1° Madrid, Madrid Spain 28004 Phone: +(34) 91-524-0365 Fax: +(34) 91-524-0737 Email: pedro.bernar@zinkia.com Website: www.zinkia.com

Ruby Gloom 'Once in a Blue Luna' Michelle Chee Nelvana Limited 135 Liberty Street, #101 Toronto, ON Canada M6K 1A7 Phone: 416-535-0935x3130 Fax: 416-530-2832 Email: michelle.chee@corusent.com Website: www.nelvana.com

Polar Bear Delivery Bora Moon 1815 Baseline Rd, #206 Ottawa, ON Canada K2C 0C5 Email: moonbora@gmail.com

Running in Darkness Alan Jennings 1076 Chandler Rd. West Berlin, Vermont USA 05663 Email: alan_jnnngs@yahoo.com

Sainte-Barbe Madeleine Belisle National Film Board of Canada 3155 Cote-de-Liesse Saint-Laurent, QC Canada H4N 2N4 Phone: 514-283-9805x6 Fax: 514-496-4372 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation

Shaun the Sheep 'Still Life' Kerry Drumm Aardman Animations Gas Ferry Road Bristol UK BS1 6UN Email: festivals@aardman.com

Sleeping Betty (Isabelle au bois dormant) Madeleine Belisle National Film Board of Canada 3155 Cote-de-Liesse Saint-Laurent, QC Canada H4N 2N4 Phone: 514-283-9805x6 Fax: 514-496-4372 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation

Sneaux 'Human Skateboard' Sarah Phelps PES Productions 60 West 129th St, Suite 7D New York, NY USA 10027 Phone: 917-589-2539 Email: sphelps@eatpes.com Website: www.eatPES.com

104 Polka Theresa Trinh Vancouver Film School 198 West Hastings St, #200 Vancouver, BC Canada V6B 1H2 Phone: 604-631-3004 Fax: 604-685-5822 Email: theresat@vfs.com Website: www.vfs.com 87

Powershares 'Escape Average' Rebecca Battle Acme Filmworks 6525 Sunset Blvd., Garden Suite 10 Hollywood, CA USA 90028 Phone: 323-464-7805 Fax: 323-464-6614 Email: pr@acmefilmworks.com Website: www.acmefilmworks.com

Pressure Cooker (Cocotte minute) Geoffrey Zaoui Talantis Films Paris France Email: digital@talantisfilms.com

RIP 'Evil Eye' Bruno Collet Vivement Lundi! 11. Rue Denis Papin Rennes France 35000 Phone: +(33) 29-965-0074 Fax: +(33) 29-965-0374 Email: vivement-lundi@wanadoo.fr

101 ROY G BIV Madeleine Belisle National Film Board of Canada 3155 Cote-de-Liesse Saint-Laurent, QC Canada H4N 2N4 Phone: 514-283-9805x6 Fax: 514-496-4372 Email: festivals@nfb.ca Website: www.nfb.ca/animation 83

Royal College of Art Jane Colling Royal College of Art, Animation Dept. Kensington Gore London UK SW7 2EU Phone: +(44)207-590-4512 Fax: +(44) 207-590-4510 Email: jane.colling@rca.ac.uk Website: www.rca.ac.uk/animation

100 Starboy James MacSwain 2125 Brunswick St. Halifax, NS Canada B3K 2Y4 Phone: 902-423-3880 Fax: 902-492-2125 Email: ac276@chebucto.ns.ca 88

t.o.m. Tom Brown Holbrook's Films 2 Faulkner Rd, Flat 4 Newport UK NP20 4PD Email: tom@brownian-motion.com

Teat Beat of Sex Signe Baumane 165 William St., 2nd Floor New York USA 10038 Email: signe69@earthlink.net

OIAF 07 FESTIVAL READER | FIAO 07 LECTEUR DU FESTIVAL

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88 93

Tek Jansen 'Episode 2' & ‘Episode 3’ JJ Sedelmaier JJ Sedelmaier Productions, Inc. 199 Main Street, #10 White Plains, NY USA 10601 Phone: 914-949-7979 Fax: 924-949-2082 Email: TrishJJSP@aol.com Website: www.jjsedelmaier.com

100 The Tourists Malcolm Sutherland 2056 Valois Montreal, QC Canada H1W 3M5 Phone: 514-527-3623 Email: animalcolm@yahoo.ca 88

TV on the Radio 'Me-I' Chris Smith Mixtape Club 41 Powers St. Brooklyn, NY USA 11211 Phone: 401-578-3134 Email: chris@dooeydecibel.com Website: www.mixtapeclub.com Usavich 'Episode 1' Diane Chan Nexus Productions Ltd. 113-114 Shoreditch High St. London UK E1 6JN Phone: +(44) 207-749-7500 Fax: +(44) 207-749-7501 Email: diane@nexusproductions.com Website: www.nexusproductions.com

Violeta (Violeta, la pescadora del mar negro) Anna Solanas I+G Stop Motion C/ Sant Cristofol, 13 baixos Barcelona Spain 08012 Phone: +(34) 93-238-9234 Email: anna@violeta.tv Website: www.violeta.tv

XBox 'Guitar Hero 2' Kim Strobl Passion Pictures 33-34 Rathbone Place London UK W1T 1JN Phone: +(44) 207-323-9933 Fax: +(44) 207-323-9030 Email: kims@passion-pictures.com Website: www.passion-pictures.com

The Waif of Persephone Nick Cross Do It For Me Productions 1618 Fisher Ave. Ottawa, ON Canada K2C 1X6 Phone: 613-228-7253 Email: nick@pyatyletka.com Website: www.pyatyletka.com

101 Year of the Polygon Skye Bjarnason Guru Animation Studio, Ltd. 110 Spadina Ave, #500 Toronto, ON Canada M1N 2K4 Phone: 416-599-4878 Email: skye@gurustudio.com

Wally Warning 'NoMonkey' Harry Flosser Harry Flosser Studios Justus-von-Liebig-Ring 11b - ATE LIERHAUS KIM Krailling/Munich, Bayern Germany D-82151 Phone: +(49) 89-893-2286 Fax: +(49) 899-218-5511 Email: info@harryflosser.com Website: www.harryflosser.com

Zhiharka Oleg Usinov Pilot Animation Studio Moscow Khohlovsky per. D16/1, Str. 1 Moscow Russian Federation 109028 Email: festival@pilot-film.com Website: www.pilot-film.com

Zune 'Endless Cookie' Kim Strobl Passion Pictures 33-34 Rathbone Place London UK W1T 1JN Phone: +(44) 207-323-9933 Fax: +(44) 207-323-9030 Email: kims@passion-pictures.com Website: www.passion-pictures.com

CITY MAP | CARTE DE VILLE

NAC Fourth Stage | La quatrième scène du CNA Queen at Elgin Street | à l’angle des rues Elgin et Queen 53 Elgin Street

Arts Court | Cour des arts 2 Daly Ave at Nicholas., 2nd floor | 2, av. Daly, coin Nicholas, 2e étage

Empire Theatre, Rideau Centre 50 Rideau Street (Top level, Rideau Centre)

Avant Garde 135 ½ Besserer Street | 135 ½, rue Besserer

Honest Lawyer 141 George Street | 141, rue George

Barrymore’s Music Hall 323 Bank Street | 323, rue Bank

La Petite Mort Gallery | Galerie la petite mort 306 Cumberland Street | 306, rue Cumberland

Bytowne Cinema | Cinéma Bytowne 325 Rideau Street at Nelson | 325, rue Rideau, coin Nelson Chateau Laurier Hotel | Hôtel Château-Laurier 1 Rideau Street | 1, rue Rideau

Métropolitain Brasserie 700 Sussex Drive | 700, promenade Sussex

National Arts Centre (NAC) | Centre national des arts (CNA) Queen at Elgin Street | à l’angle des rues Elgin et Queen 53 Elgin Street National Gallery of Canada | Musée des beaux-arts du Canada 380 Sussex Drive | 380, promenade Sussex Novotel 33 Nicholas Street | 33, rue Nicholas Rideau Locks Between the Parliament Buidlings and the Château Laurier Strathcona Park 25 Range Road

OIAF 07 FESTIVAL READER | FIAO 07 LECTEUR DU FESTIVAL

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