Edifica #34 - Junio 2022

NO. 34 JUNIO 2022

ARQUITECTURA

MODERNISTA

EDIFICA

CONTENIDO

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ESPECIAL DE JUNIO

ARQUITECTURA MODERNISTA/ aRT NOUVEAU

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URBANISMO

111 West 57th

BY SHOP

URBANISMO

The Brooklyn Tower

BY SHOP

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INTERIORISMO

HERRERÍA MODERNISTA INTERIORISMO

LOS VITRALES ART NOUVEAU TRAVELLING

TEMPLO SAGRADA FAMILIA TRAVELLING

GRAN HOTEL CIUDAD DE MÉXICO TRENDING

ANTONI GAUDÍ TRENDING

LA BELLE EPOQUE POP

ILUSTRACIÓN ART NOUVEAU POP

ART NOUVEAU EN EL MUNDO MÁGICO

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EDIFICA Tendencia Inmobiliaria, es una revista digital mensual, en español, enfocada al sector inmobiliario. Este número fue editado por Ilustre Editorial en Zapopan, Jalisco, México, Junio 2022.

EDITORIAL

FEBRERO 2022 JUNIO 2022 Estamos de vuelta y listos para compartir contigo una nueva edición de EDIFICA, esta vez, centrándonos en uno de los temas más interesantes dentro del mundo arquitectónico y es El Art Nouveau llega a nuestras páginas este mes para embellecer con el moderprecisamente el auge inmobiliario, arquitectónico y de infraestructura que el Mundo Árabe nismo de la Belle está demostrando anteEpoque el mundonuestros moderno.más interesantes artículos arquitectónicos,

dándote la bienvenida una vez más a tu más confiable fuente de información arquitectónica y cultural, EDIFICA. conocemos a detalle van-de Analizamos mediante diferentes artículosEl el mes boomde demayo arquitectura moderna que los la países guardia modernista o “Art Nouveau”, estilo multidisciplinario que tuvo su auge Oriente Próximo están viviendo en las últimas décadas, fenómeno que los ha colocado en la enmundial el mundo occidental a finales delysiglo XIX, trayendo uno los estilos mira tanto por sus maravillosas modernas ciudades,consigo como por su de apertura para la inversión extranjera,más el turismo y el lujo de quelahoy en día caracteriza a la región de la península arquitectónicos reconocibles historia. arábiga.

Conocemos las características del Arte Nuevo nacido en París, sus elementos más

Viajando por lascomo principales de yriqueza árabe como Catar, los abordamos Emiratos Árabes reconocibles el usonaciones de vitrales la herrería artesanal, y claro, la Unidos y Arabia Saudita, te compartimos algunos de los proyectos arquitectónicos más vida de uno de los más grandes exponentes del modernismo catalán, Antoni sorprendentes que justo ahora se efectúan entre las áridas tierras desérticas de la península.

Gaudí, cuya obra más importante está cada vez más cerca de ser concluida a un Desde impresionantes complejos médicos altamente tecnológicos, pasando por los lujos de del fallecimiento delDhabi arquitecto naturalista. lassiglo ciudades emiratos de Abu y Dubái, hasta llegar a la moderna ciudad del mañana al norte de Arabia Saudita, EDIFICA te llevará este mes por la fascinante tierra de Medio Oriente Siendo sinónimo de mucho deriqueza lo que petrolera acontecióy en cambioaplicación de siglos XIX y XX, la para conocer los orígenes de su su el posterior mediante el Art Nouveau ofrece información que seguramente interesarte, que infraestructura y la nos tecnología, que ha llevado a la región árabe podrá a convertirse en el y próximo hemos recopilado en nuestra más reciente edición para tu deleite ávido de conoepicentro arquitectónico del siglo XXI.

cimiento artístico y cultural. Sin más, te dejamos probar las mieles del modernis-

Esperando que tey maravilles de igual forma nosotroslectura. conociendo la innovación arquitecmo elegante vegetal deseándote unaque excelente tónica que el mundo árabe trae entre manos, te dejamos conocer de primera mano sus más ambiciosos proyectos deseándote una excelente lectura.

Miguel Garfias

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The Brooklyn Tower La empresa automotriz incursiona en Bosque Real con un complejo corporativo de lujo al estilo de sus vehículos ultramodernos.

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no de los barrios más famosos de Nueva York comienza a percibir un crecimiento vertical que hoy en día está representado por el que será el rascacielos más alto al oeste de Long Island. Donde los expertos ya prevén un boom vertical en los próximos 10 años, hoy ya se levanta en todo su esplendor el edificio más moderno de Brooklyn, diseñado por el despacho arquitectónico neoyorquino SHoP, responsables de los más innovadores e impresionantes rascacielos que hoy se alzan en el panorama de Nueva York.

El proyecto lleva por título The Brooklyn Tower y representa el inicio de una época dorada de verticalización en Brooklyn, el cual, no solamente comprende una edificación de uso residencial de lujo, sino que ofrece una alternativa vertical moderna para otro tipo de público con viviendas más asequibles que permitirá una habitabilidad digna para los ciudadanos al oeste de Long Island. SHoP pone en práctica una vez la idea de aprovechar el espacio disponible en la ciudad a partir de un edificio histórico, siendo en esta ocasión, el Dime Saving Bank la edificación que marcará el acceso al moderno rascacielos que evoca nuevamente un revival del estilo arquitectónico Deco.

Dime Saving Bank, la puerta de acceso SHoP ha implementado el uso de un edificio histórico como acceso de su más innovador proyecto vertical con la finalidad de revitalizar el antiguo banco y ofrecer una nueva perspectiva para el uso de edificios de valor histórico, una mezcla que ya se implementó en Manhattan en otro de los proyectos más impresionantes de la firma neoyorquina: el 111 West 57th Street. Su diseño se inspira principalmente de la forma hexagonal del Dime Saving Bank a sus pies, el cual marca el punto de inicio para el levantamiento de la enorme estructura que continúa las líneas hexagonales hacia el cielo de Nueva York.

La iniciativa de utilizar el antiguo banco de Brooklyn pretende renovar el edificio neoclásico original convirtiéndolo en parte importante de la obra, conectando el pasado histórico de Brooklyn con su nueva modernidad arquitectónica que hoy ya se levanta mediante el acero, el cristal oscuro y el color cobre de la estructura que sostiene la torre más alta al este de Nueva York.

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Lujo y Estilo The Brooklyn Tower logra una fusión perfecta entre la modernidad y el neoclásico pasado del edificio original, utilizando el mármol blanco que cimenta la edificación en el interiorismo del rascacielos, complementándolo con elementos metálicos y otros acabados que de nueva cuenta hacen guiños al estilo Deco renaciente.

El interiorismo de las residencias, los estudios y amenidades denota lujo, elegancia y exclusividad. Si bien el edificio ofrece viviendas de lujo, existen en él productos inmobiliarios más asequibles que hacen del edificio una alternativa de vivienda para los habitantes de Brooklyn que no ostentan el poder adquisitivo digno de la Billionare’s Row de Manhattan.

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El edificio cuenta con diferentes accesos, que van desde la entrada principal por medio del antiguo banco y su entorno neoclásico en perfecto estado; el área de retail a un costado, o el acceso residencial al más puro estilo Deco, mientras que entre sus amenidades destaca una piscina justo en el tejado del Dime Saving Bank, terraza con vistas panorámicas del horizonte de Nueva York y cafés, restaurantes y un área comercial de lujo.

Con 93 pisos y poco más de 324 metros de altura, The Brooklyn Tower y su ubicación privilegiada ha llegado para marcar un hito en la historia de la edificación vertical de Long Island, donde se espera un auge de verticalización en los próximos años que la torre Deco de Brooklyn lidere como el edificio más alto la siguiente década.

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Revival Deco Sea una tendencia naciente o una simple coincidencia por parte de sus diseñadores, The Brooklyn Tower proyecta una apariencia moderna de lo que sería la arquitectura Deco en la era contemporánea, puesto que su apariencia, acabados y estructura exponen una rigidez y conceptualización que roza los elementos de art Deco que proliferan en la Gran Manzana un siglo atrás. SHoP parece poseer dicha tendencia que otros proyectos actuales exponen con sutileza, donde las estructura se engalanan mediante acabados brillantes dorados y cobres que en combinación con el uso de abundante cristal nos recuerdan al estilo arquitectónico que para muchos sigue poseyendo el título de la mejor vanguardia arquitectónica de la era moderna.

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111 West 57th Street La edificación en Nueva York se moderniza a través de su pasado histórico.

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URBANISMO urbanismo uestionarse qué sería necesario para modernizar aún más la edificación en la ciudad de Nueva York seguramente nos llevaría a pensar en cientos de implementaciones tecnologías y sustentables que hoy en día dominan el mercado inmobiliario.

Pero más allá de la innovación estructural existe también un fenómeno que adquiere relevancia con uno de los edificios más recientes de la Gran Manzana. La historia nos sirve para aprender, siendo siempre un perfecto punto de partida para crear el mañana, principio que dentro de la industria inmobiliaria funciona de manera perfecta para conectar la modernidad arquitectónica con el pasado histórico de una ciudad con resultados innovadores.

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La ciudad de Nueva York es el bastión arquitectónico vertical por excelencia, repleto de toda clase de edificios modernos cuyos diseños y conceptos superan al anterior. En este sentido, ¿cómo podría sobresalir una nueva edificación en un mundo de rascacielos? La respuesta la tiene el edificio 111 West 57th Street, el más reciente edificio de la firma arquitectónica SHoP, cuyo concepto parte de las mismas raíces de la antigua ciudad de Nueva York, utilizando uno de los edificios históricos más antiguos de la Gran Manzana para edificar todo un rascacielos de moderna apariencia que hoy sobresale en el horizonte frente a Central Park.

STEINWAY HALL El angosto rascacielos que hoy se alza en el horizonte de Mahattan surge de uno de los edificios más antiguos de Nueva York, cuya historia se remonta a la venta de Pianos por parte de la empresa Steinway & Sons. El edificio ubicado en la avenida 57th tuvo diferentes usos y modificaciones a lo largo de su historia, permaneciendo como un edificio de carácter histórico hasta la década pasada, cuando finalmente fue elegido para ser la puerta de acceso del que sería uno de los proyectos más ambiciosos jamás edificados en la Gran Manzana.

Si bien el edificio principal del Steinway Hall es la entrada principal al nuevo rascacielos, este no fue modificado en absoluto, puesto que el rascacielos 111 West fue levantado en uno de los terrenos traseros de la antigua casa de pianos. El proyecto reunió el talento de tres desarrolladoras distintas, la firma arquitectónica neoyorquina SHoP quienes se encargaron del diseño del rascacielos, y el despacho interiorista Studio Sofield, quienes decoraron de manera única el interior del moderno edificio.

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urbanismo HISTORIA Y MODERNIDAD COLISIONAN El reto para edificar el concepto del edificio 11 West de la calle 57th residió en la forma de mezclar el histórico edificio Steinway Hall con el poderoso e intimidante rascacielos representante de la modernidad del Manhattan contemporáneo. Y aunque el edificio 111 posee una apariencia moderna y vanguardista, su diseño recuerda ligeramente los elementos Art Deco, logrando concebir una versión moderna de dicho estilo en pleno siglo XXI. Los detalles dorados, cobre y el abundante uso de cristal hacen de la moderna edificación un guiño inmobiliario a uno de los estilos predominantes del asado de la Gran Manzana.

El edificio de 91 pisos destaca más allá de sus elegantes acabados exteriores por su altura y forma, pues se trata de uno de los edificios más delgados del horizonte de Manhattan, cuya forma se hace cada vez más delgada conforme asciende su estructura casi escalonada. Su uso es residencial, contando con amenidades de carácter elegante y lujoso entre las que destacan dormitorios de elegante decoración interior, baños y cocinas donde el lujo de acabados como el mármol oscuro y los tonos cobres y dorados evocan al pasado Deco de toda una ciudad.

Otros recintos que ofrece el rascacielos es un Gran Salón para eventos, una terraza, una piscina, y un porche privado para el acceso al edificio, todo lo anterior utilizando el interiorismo de Sofield que mezcla los tonos crema con el negro y el dorado en medio de una fantasía Deco neoyorquina en pleno 2022. La edificación en Nueva York se redefine mediante el aprovechamiento del espacio disponible, ofreciendo propuesta arquitectónica modernas e innovadoras como es el caso del 111 West 57th Street, cuyo concepto no solamente rescata la historia, sino que ofrece una nueva perspectiva sobre la edificación moderna renovando estilos del siglo XX con éxito, logrando propuestas de altura que son tanto funcionales como estéticamente únicas. ¿Estaremos viendo el renacer del Art Déco casi un siglo después? Habrá que ver…

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Art Nouveau La vanguardia artistica que marcaria el cambio de siglo en busca de modernidad en todos los sentidos.

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l cambio de siglo representa para una sociedad un acontecimiento sin precedentes. Ante un evento así, se nos presenta la incertidumbre de lo que el futuro traerá consigo, razón por la cual el ser humano tiende a anticiparse a la nueva realidad, siendo un excelente medio para hacerlo el espectro artístico y sus vanguardias.

A finales el siglo XIX, las artes estaban centradas en la corriente clásica y las tradiciones arquitectónicas del arte académico y sus estilos, por lo cual, y ante la inminente llegada del nuevo siglo, nace en Francia un movimiento que buscaba anticiparse al cambio por medio de las vanguardias artísticas, buscando un nuevo estilo a favor de la modernidad que traería el nuevo siglo, incorporando nuevos elementos estructurales y ornamentales que terminarían por concebir todo un fenómeno artístico que marcaría el puente entre el siglo XIX y el siglo XX. El Art Nouveau (Nuevo Arte) o Modernismo en los países hispanohablantes, se convertiría en la vanguardia con la cual las sociedades occidentales representarían el futuro próximo, rompiendo cualquier relación con los estilos tradicionalistas del siglo XIX, experimentando con nuevas formas de concebir el arte y la arquitectura inspirados fuertemente en la naturaleza y al arte oriental, especialmente el japonés, al tiempo que nuevos materiales entraban al juego de la edificación ofreciendo nuevas apariencias y formas que terminarían por marcar un antes y un después en la belle epoque.

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El siglo XIX en el hemisferio occidental del mundo significó una era de tradiciones y estilo clásico representado principalmente por el Reino Unido y su periodo victoriano, donde el descubrimiento y la preservación cultural moldearon una época de avances, conocimiento y una recatada sociedad tradicional y elitista. Dentro de las artes predominan los estilos clásicos que evocan al pasado clásico del mundo, reviviendo culturas como la griega y la romana y edificando mediante revivals como el neogótico o el neoclásico.

Muchos artistas e intelectuales de la época, cansados de la tendencia académica que caracterizaba a la Belle Epoque, deciden experimentar en la forma de concebir el nuevo arte del próximo siglo dos décadas antes de que este se hiciera presente. En ese momento, el arte servía plenamente como una forma de entretenimiento, al servicio de las instituciones o de la elite más que ser parte de la vida misma de las personas, uno de los puntos de partida del nuevo movimiento vanguardista que surgiría en Europa y rápidamente llegaría a los Estados Unidos.

Para el Art Nouveau, vanguardia con la que sería conocida esta tendencia modernista, el arte debía volver a ser parte de la vida cotidiana de las personas en medio de una era de voraz industrialización, regresando a la labor artística para implementarla en el entorno como resistencia ante la maquinaria industrial del siglo XIX. El diseño textil, la ilustración, la joyería, el interiorismo y la arquitectura serían los principales exponentes dentro de la ola modernista que pronto impregnaría el mundo occidental en la búsqueda de una identidad orgánica, artística, vanguardista, y claro, más humana.

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Esta tendencia moderna y orgánica haría uso de uno de los más grandes y visibles exponentes deL mundo del arte, la arquitectura, llevando la presencia del Nuevo Arte nacido en Francia al espectro de la edificación. Contrario a las línea rígidas y perfectas del neoclásico, el estilo ecléctico y la arquitectura académica del siglo XIX, el Modernismo, como fue conocido este movimiento en el mundo hispanohablante, se caracterizó por revolucionar mediante el uso de formas orgánicas, curvas y una tendencia por imitar a la naturaleza en todos los sentidos.

Hojas, enredaderas, flores, aves, insectos y elementos naturales, son solo algunos de los recursos que el Art Nouveau busca plasmar en la ornamentación arquitectónica y estructural en su edificación, convirtiendo los entornos en lugares dignos de la fantasía y lo surrealista. Para ello, implementa nuevos métodos estructurales y materiales, como el hierro forjado con formas sinuosas y curvas, el hormigón, los grandes paneles de vidrio y el uso de mosaicos altamente decorativos.

Las formas en la arquitectura modernista son de ensueño, emulando una naturaleza que se ha convertido en material de edificación, siendo estructural y decorativa al mismo tiempo. Las líneas son curvas, con arcos y formas asimétricas, siendo un elemento característico el hierro forjado y la implementación de vitrales, siendo estos últimos completas obras de arte coloridas. Los mosaicos enriquecen aún más las estancias mediante hermosos arreglos florales y patrones coloridos siempre buscando la presencia de la naturaleza y las formas orgánicas en el entorno.

Los vestigios de esta vanguardia aún prevalecen en el mundo moderno, siendo hoy objetos completamente artísticos de gran valor histórico, cuya presencia radica principalmente en Europa con algunos remanentes en el continente Americano. Uno de los más grandes exponentes del modernismo arquitectónico en España es el famoso arquitecto Antoni Gaudí, cuya obra es uno de los grandes exponentes del movimiento que sirvió como puente artístico entre siglos. Ilustración, joyería, mobiliario y arquitectura, solo basta con echar un vistazo a las grandes obras del Art Nouveau para dejarse maravillar por su estilo de ensueño.

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Herrería en el Modernismo El hierro finamente trabajado caracteriza el interiorismo del Modernismo del siglo XX.

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INTERIORISMO

entro del Art Nouveau, o del Modernismo como lo conocemos en los países de habla hispana, existen características que hacen identificable este estilo arquitectónico mediante su interiorismo, elementos que forman parte de la esencia misma de la vanguardia del trabajo manual y artístico del cambio de siglo. Uno de ellos es la herrería que sirve a las estancias tanto de manera funcional y estructural como decorativa y ornamental, donde el trabajo minucioso de los metales logra generar formas únicas que terminan por complementar la identidad del modernismo arquitectónico.

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Sabemos que para el Art Nouveau la naturaleza es el punto de partida como inspiración principal, por lo que el metal debe transformarse a sí mismo mediante su maleabilidad, logrando adquirir y adoptar formas imposibles de manera convencional. Los metales representan la fuerza y la rigidez de los elementos naturales más sólidos del planeta, pero que aún así logran ser moldeados a la voluntad del ser humano y su sed artística, teniendo en este periodo de la historia del arte y la arquitectura un auge en su manipulación artesanal.

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EL ARTE IMITANDO A LA NATURALEZA El modernismo arquitectónico siguió los mismos lineamientos de la vanguardia en general, que buscaban llevar el arte a la vida cotidiana, que, aplicándose a la arquitectura, terminaría por ser un complemento ornamental de la Belle Epoque. Para ello, uno de los principales recursos en ser aprovechados fue la implementación de la herrería de forma tanto estructural como decorativa, ofreciendo esta última un sinfín de posibilidades ornamentales.

El metal adquiere entonces una nueva función y claramente una nueva apariencia. Si en el pasado el acero y otros materiales metálicos funcionaban como mero armazón, en el modernismo llegaron a protagonizar los entornos, teniendo como fuente de inspiración la naturaleza misma, trabajándose para imitar mediante las formas orgánicas, curvas y en espiral las raíces, plantas, tallos, flores y demás elementos dignos del entorno natural, como si la vegetación se hubiese petrificado y solidificado con la dureza del hierro forjado.

ENREDADERAS DE HIERRO La aplicación del hierro forjado imitando a la naturaleza se convertiría rápidamente en un recurso popular en el interiorismo de finales del siglo XIX, aplicándose prácticamente en cualquier lugar posible. En el urbanismo, los trabajos de herrería decoran parques, plazas, mobiliario urbano, farolas y accesos al transporte público como lo fueron las entradas a los andenes del tren subterráneo en las principales ciudades de Europa.

En cuanto al interiorismo, los trabajos de herrería se utilizaron para la elaboración de barandales, cancelería, protecciones para ventanales y puertas de acceso, todo lo anterior elaborado por artesanos capaces de moldear la forma del hierro fundido y lograr generar propuestas artísticas que simulan la naturaleza misma con el más mínimo detalle, haciendo de estos meros usos protectores y estructurales unos decorativos, capaces de maravillar a la vista y complementar el entorno de fantasía digno del Art Nouveau.

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FORMAS UNICAS

Entre sus principales motivos y formas destacan las hojas de flores y plantas a detalle, siempre emulando tallos crecientes que se enroscan y de los cuales florece una bella flor que ha dejado a su paso hojas de hierro. Esta función ornamental buscaba llevar la elegancia a los lugares a través del artesanal trabajo de moldear el hierro, el cual muchas veces se complementa con el uso del vidrio, logrando formas y apariencias aún más impactantes.

Hoy en día es normal ver trabajos de cancelería y barandales con arreglos de este tipo, trabajo que no se aprecia lo suficiente teniendo en mente que el minimalismo vuelve a ser la tendencia arquitectónica e interiorismo del siglo XXI. Basta con apreciar los hermosos y finamente elaborados trabajos de herrería del modernismo para conocer el porqué de su popularidad, un recordatorio de que hasta el más duro de los materiales puede doblegarse ante la voluntad artística del ser humano para concebir obras de belleza única. ¿Muy poético? Así es el Art Nouveau.

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Vitrales en el Art Nouveau Una de las aplicaciones artísticas más impresionantes del Art Nouveau

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El objetivo principal del movimiento artístico del arte nuevo, modernismo o Art Nouveau, era llevar el arte a la vida cotidiana de las personas y en el máximo de formatos posibles. Dentro de esta vanguardia encontramos que sería dentro del interiorismo el Art Nouveau tendría su apogeo, encontrando en la decoración de los entornos un lienzo en blanco para revolucionar la forma de hacer arte, extendiendo su alcance a nuevos materiales y formatos. Un ejemplo de esta expansión modernista es la resurrección misma del arte de vitrales, práctica popularizada en la edad media con fines religiosos dentro de la arquitectura, que no vería su regreso hasta el siglo XIX con un fin estético y decorativo.

El uso de vidrio en el arte tuvo un auge a finales del siglo XIX de la mano del Art Nouveau, donde su aplicación iría desde la arquitectura a la joyería, teniendo un especial protagonismo en el uso de vitrales coloridos y complejamente diseñados, disciplina que se convertiría en otra más de los representantes del Art Nouveau, con grandes exponentes como Louis Comfort Tiffany, considerado uno de los grandes precursores de la vanguardia en Estados Unidos.

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El arte de los vitrales El manejo del vidrio como elemento arquitectónico no es un suceso propio del modernismo de cambio de siglo, sino una práctica que se remonta a la Edad Media, altamente expuesta en la arquitectura gótica de la época medieval. Su uso religioso serviría para decorar las iglesias, exponiendo por medio del vidrio pintado pasajes y figuras religiosas que embellecieron tanto los exteriores de los centros de culto cristiano como los interiores, proyectando hermosos juegos de luz colorida a través de los cristales de múltiples colores, haciendo del entorno uno más místico.

Si bien fue un elemento recurrente en la edad media tanto ornamental como religioso, quedó en desuso por muchos años, siendo varios siglos más tarde que su regreso al mundo artístico y arquitectónico se daría de la mano de quienes pretendían devolver la belleza de esta disciplina al entorno humano, trayendo los vitrales a la vida moderna a finales del siglo XIX en medio de una época de reencuentro artesanal, esta vez, con una finalidad meramente decorativa y con diseños centrados en la naturaleza y las formas orgánicas.

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Louis comfort tiffany Dentro del movimiento modernista sobresale un nombre que suele ser sinónimo del propio movimiento Art Nouveau: Louis Comfort Tiffany. Diseñador, joyero y artista prodigioso, el heredero de la compañía familiar de joyería Tiffany & Co., se convertiría en uno de los precursores del arte vidriero en Estados Unidos, llevando el movimiento Nouveau al diseño de joyería, lámparas y vitrales, potencializando el uso del vidrio pintado y pigmentado al grado de convertirlo en toda una característica propia del movimiento modernista.

Su trabajo con el vidrio se haría mundialmente famoso, tanto por su increíble trabajo diseñando lámparas, siendo una de las más famosas y gran exponente del mobiliario Art Nouveau su lámpara “Dragonfly”; como por sus espectaculares y coloridos vitrales, siendo todo un referente dentro del mundo de los vitrales.

Color y motivos florales El vitral Art Nouveau prácticamente cruzó fronteras, teniendo en Europa y Norteamérica sus principales bastiones de exposición.

Sus principales características posicionan al color y a los motivos orgánicos y florales como los elementos obligados dentro de los vitrales Art Nouveau, creando composiciones que hoy se consideran completas obras artísticas de la talla de las grandes obras pictóricas y escultóricas del mundo.

Desde ventanales residenciales hasta completos muros y techos de vidrio pintado, los vitrales Art Nouveau son completas maravillas artísticas que hoy en día siguen cautivando la mirada de los espectadores de todo el mundo. En nuestro país existen diversos vitrales que significan todo un tesoro nacional del pasado modernista, destacando entre ellos el techo vitral de Gran Hotel de México, el Cosmovitral Jardín Botánico, y los hermosos vitrales que decoran uno de los pasillos del Castillo de Chapultepec, traídos desde París por encargo del propio Porfirio Diaz.

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Gran Hotel Ciudad de México La gran joya modernista de México hoy es uno de los hoteles más lujosos y bellos de la capital mexicana.

a ciudad de México ha sido testigo de la llegada de muchos de los estilos arquitectónicos europeos en vanguardia, fenómeno que ha hecho que la colección arquitectónica de la capital mexicana sea tan rica y diversa gracias a esta constante incursión de estilos de edificación a lo largo del tiempo. El porfiriato fue un periodo que abarcó diversas vanguardias dentro de la arquitectura en nuestro país que van desde los estilos academicistas como el neoclásico, pasando por el modernismo del cambio de siglo, hasta llegar incluso a los inicios del Art Deco, siendo el más predominante, tanto en la arquitectura como en el estilo de vida de la sociedad capitalina el modernismo o Art Nouveau, mismo que tiene como protagonistas las grandes plazas y parques de la ciudad, los edificios gubernamentales y culturales, y por supuesto, los grandes almacenes departamentales al mero estilo europeo.

Destaca de esto último la incursión de los grandes almacenes en la Ciudad de México, teniendo como grandes exponentes al Palacio de Hierro o Liverpool, tiendas departamentales que revolucionarán la forma de comercializar y exhibir mercancía a la sociedad mexicana del siglo XIX, pero que no se comparan a lo que fue uno de los más grandes almacenes de la capital, el centro mercantil, almacén revestido por el Art Nouveau que hoy prevalece como uno de los hoteles más hermosos de todo el país, el Gran Hotel de la Ciudad de México, una joya modernista detenida en el tiempo.

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El Centro Mercantil El Porfiriato buscaba imitar mucho de lo que ocurría en Europa en cuestión social en medio de una época de industrialización y modernización urbana. Si bien existían grandes brechas sociales en esta época, la modernización orquestada por Porfirio Diaz trajo consigo grandes avances que hicieron de la Ciudad de México un bastión de oportunidad en cuanto al comercio, siendo los grandes almacenes una fuente confiable para la compra de productos de todo tipo, claro está, todo ello vestido con la elegancia misma predominante en ciudades como París o Liverpool.

El modernismo vería en este fenómeno una oportunidad perfecta para arribar a la capital mexicana de manera elegante y lujosa, decorando los grandes almacenes departamentales de la Ciudad de México mediante sus innovadores elementos de herrería, nuevas tecnologías de edificación y diseños arquitectónicos elegantes que convertían poco a poco a la ciudad en una capital al nivel europeo, una obsesión porfiriana.

Destaca en esta época la aparición de un edificio en especial, cuya posición privilegiada junto al actual zócalo capitalino, lo convirtió en la opción número uno para la comercialización y adquisición de productos de todo tipo, así como la administración mercantil de marcas e importaciones. Se trató del centro Mercantil, almacén inaugurado por el propio Porfirio Diaz, el cual ofrecería una alternativa comercial para la sociedad mexicana envuelta en una apoteosis modernista en todos los sentidos. El edificio ubicado con innovadores cimientos y estructuras para su época se vería decorado con un exterior de estilo neoclásico que albergaría en su interior una maravilla modernista al nivel de París.

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El Gran Hotel

Palacio Modernista El Centro Mercantil contaba con todos los lujos y tecnologías propios de su época: líneas telegráficas y telefónicas, diseño interior Art Nouveau de motivos florales y naturalistas, incursión del hierro estructural, y la gran novedad tecnológica, la implementación de dos elevadores, siendo junto a Palacio Nacional y el Castillo de Chapultepec (residencia de Porfirio Diaz) los únicos recintos con este tipo de avance tecnológico en México.

Ropa, joyería, electrodomésticos, artículos de lujo y mucho más estaría al alcance de los mexicanos desde su inauguración en 1899 hasta la mitad del siglo XX, donde por poco se vio comprometida su existencia debido a la modernidad cambiante donde los grandes centros comerciales comenzaban a construirse en el país. Su diseño Art Nouveau pronto fue amenazado con demolerse, siendo su rescatista Howard Johnson, empresario estadounidense que lo adquiere para convertirlo en un Hotel de lujo inaugurado en 1968, mismo que mantendría su hermosa arquitectura y diseño modernista intactos y pasaría a ser conocido como Gran Hotel Ciudad de México.

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Adaptando su enorme espacio, su posición privilegiada en pleno centro histórico junto al zócalo, sus atributos arquitectónicos y su importancia histórica, el Gran Hotel pasaría a convertirse en todo un éxito de hospedaje que prevalece hasta nuestra actualidad. Su estilo Art Nouveau es su garantía más grande de éxito, atrayendo a todo tipo de huéspedes nacionales e internacionales que buscan maravillarse con su diseño atemporal, donde la herrería modernista, los elevadores de otra época y el impresionante techo de vitral multicolor estilo Tiffany diseñado por el francés Jacques Gruber, garantizan toda una experiencia de hospedaje en la Ciudad de México.

Visitarlo es toda una experiencia que resalta las maravillas arquitectónicas y la elegancia de una época pasada, donde el Art Nouveau parisino aún reviste los interiores del Gran hotel, desde la entrada custodiada por un portero de uniforme rojo, hasta su enorme lobby abovedado por el vitral multicolor. Sus elevadores aún son funcionales, una experiencia imperdible para los amantes del siglo XIX, operados por botones que hacen del hospedaje todo un viaje en el tiempo. Su elegancia y diseño lo ha convertido en patrimonio de la humanidad, digno de locación para películas, cortometrajes, sesiones fotográficas y la visita de celebridades que buscan impresionarse mediante esta máquina del tiempo hotelera. Con precios accesibles y una ubicación perfecta, el Gran Hotel mantiene sus puertas abiertas para vivir una experiencia más allá de la comodidad de un buen hotel.

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El Templo Expiatorio de la Sagrada Familia Una de las construcciones más anticipadas de la historia humana está próxima a ver su conclusión después de 140 años de construcción.

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a ciudad de Barcelona cuenta con uno de los tesoros arquitectónicos más anticipados del planeta, edificación que aún sin estar completamente concluida, no deja de atraer a miles de visitantes alrededor del mundo para contemplar su maravilla arquitectónica obra del maestro del modernismo catalán: Antoni Gaudí. Con sus altas torres de ensueño, sus fachadas y esculturas de formas adelantadas a su época y el misterio e historia que envuelve su construcción, el Templo Expiatorio de la Sagrada Familia es una de las edificaciones más increíbles jamás concebidas por el ser humano, siendo la mente del visionario amante de la naturaleza Antoni Gaudí, la principal responsable de tan surreal obra de ensueño.

La Sagrada Familia de Gaudí es hoy uno de los atractivos turísticos más visitados de Europa, maravillando a los espectadores mediante su composición arquitectónica inconclusa, misma que expone el estilo modernista de comienzos del siglo XX en todo su esplendor, con un diseño exterior de formas hasta entonces imposibles y fantásticas, como con un interior en el que dominan los colores y las columnas dignas de la impresión 3D contemporánea. Una edificación tan única y enigmática merece ser conocida a profundidad, por ello, exploramos las características que han hecho de la Sagrada Familia de Gaudí uno de los edificios más impresionantes de la era moderna.

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Un Templo Expiatorio en Barcelona

Gaudí y la edificación eterna

Tal vez surgida de una necesidad religiosa más, la actual basílica de la Sagrada Familia de Barcelona parece no tener mucha relevancia en sus orígenes, por lo cual podemos decir que su protagonismo internacional y arquitectónico viene puramente de su arquitecto, su diseño y su histórica y prolongada edificación. Cimentada en uno de los terrenos que forman parte del Ensanche de Barcelona, el templo se contemplaba bajo un estilo arquitectónico Neogótico, el cual aún puede percibirse en las primeras construcciones del proyecto, realidad que cambiaría completamente con la llegada de Gaudí para tomar las riendas del proyecto en 1883, siendo el joven arquitecto de 31 años el responsable de dotar a la construcción de una apariencia orgánica y naturalista tan característica de su estilo.

Si bien Gaudí edificó múltiples edificios durante su prodigiosa carrera, la Sagrada Familia fue su más grande obsesión, llegando a dedicar sus últimos años de vida enteramente a cuidar su construcción y afinar todo tipo de detalles. Desaliñado, pronto adoptaría el taller de la construcción como su morada durante sus últimos momentos de vida, esto con la finalidad de estar atento a la edificación del complejo, y teniendo en cuenta su edad, dejar una serie de maquetas para la conclusión de su obra tras su muerte. Este trágico evento llegaría en 1926, de la mano de un accidente de tranvía que lo dejaría morir en las calles de Barcelona confundido por un indigente más de la ciudad.

El proyecto religioso tendría como principal financiamiento las aportaciones voluntarias, una de las razones de sus múltiples paros durante su construcción, realidad que hoy está muy lejos de ser la misma. A pesar de ello, Gaudí dedicaría su vida entera a tratar el proyecto como lo que sería su obra maestra, por lo cual depositaría en él todo su potencial y estilo, mismo que partiría del origen mismo de todo lo existente, la naturaleza del mundo. Para él, las formas rectas y angulosas del neogótico y otros estilos rígidos de la arquitectura discrepaban de la naturaleza misma del entorno, por lo cual abogaba por las formas curvas, orgánicas y naturalistas para diseñar la que sería su obra más compleja e impresionante.

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La tragedia perseguiría al proyecto años después de la partida del arquitecto, con el estallido de la guerra civil española y el ataque a los talleres del templo, donde los anarquistas destruirían todos los planos y maquetas elaborados por Gaudí, dejando sin referencias a quienes pretendían seguir con la construcción. Sería hasta los años 50 cuando se retomaría el proyecto para buscar concluir su edificación, esta vez, aprovechando los nuevos materiales de construcción y la nueva tecnología arquitectónica disponibles. Con paros por falta de recursos, de materiales, o por eventos sociales, la construcción se extendería hasta el siglo XXI, teniendo aquí un punto a su favor con la llegada de nuevas tecnologías que aceleraron en gran manera el proyecto y acercarán su diseño a lograr la visión original del maestro arquitecto Gaudí.

TRAVELLING Maravilla Arquitectónica Modernista Antoni Gaudí es considerado el amo y señor del modernismo catalán, uno de los principales exponentes de la arquitectura modernista en el mundo del Art Nouveau, impregnando todos y cada uno de sus proyectos y edificaciones con su toque fantástico de formas naturales y florales, uso de formas geométricas orgánicas y partiendo siempre de la filosofía de una edificación natural ajena a toda rectitud estructural. En la Sagrada Familia esta no fue la excepción, sino más bien, su apoteosis modernista. El uso de columnas, arcos y torres que desafían toda estructura concebida hasta entonces son tal vez la principal característica de este proyecto religioso, puesto que su diseño tendría como origen la propia experimentación de Gaudí para lograr aterrizar conceptos tan innovadores mediante la prueba y error en su taller.

Repleta de pasajes bíblicos, el diseño de la Sagrada Familia se rodea de vitrales coloridos dignos del modernismo, la implementación de esculturas religiosas y del uso de mosaicos de piedras coloridas que marcan el estilo de Gaudí en cada rincón de la edificación, con un interior que envuelve a los visitantes en un mundo de espiritualidad atenuado por los colores proyectados a través de los vitrales y por las altas columnas orgánicas que buscan emular un bosque verde y fondo en piedra blanca que pareciera haber sido diseñada por una computadora moderna. No por nada la Sagrada Familia es hoy una completa maravilla de la arquitectura moderna, edificación que le ha llevado más de 140 años, cuya conclusión está prevista para el año 2026, todo gracias a los avances tecnológicos que han acelerado tanto su edificación, la abundancia de materiales modernos, y su capacidad contemporánea de financiarse a sí misma mediante el turismo. La obra maestra del modernismo en Europa está próxima a ver su finalización a un siglo del fallecimiento de su arquitecto, toque que le da a la edificación un dato curioso más a su impresionante acervo histórico arquitectónico.

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Antoni Gaudí La vanguardia modernista no podría explicarse, sin uno de sus más importantes protagonistas

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al vez el más grande exponente del modernismo arquitectónico es Antoni Gaudí, visionario arquitecto catalán que revolucionó la forma de concebir la disciplina de la edificación a finales del siglo XIX mediante una visión que se inspiró profundamente en la naturaleza del mundo. Su legado es tan único e innovador que hoy es considerado en su mayoría patrimonio de la humanidad, exponiendo uno de los estilos arquitectónicos más bellos de la historia moderna, el modernismo, donde las formas florales, el naturalismo y un estilo de edificación visionaria digna de los softwares modernos hacen del toque de Gaudí algo completamente adelantado a su época, evidenciando su genio arquitectónico.

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Observador de la Naturaleza Gaudí nació el 25 de junio de 1852 en una familia de artesanos trabajadores de calderos, razón por la cual lograría adquirir una noción por las dimensiones digna de un arquitecto a corta edad. La infancia de Gaudí estuvo marcada por una serie de enfermedades que lo mantenían la mayor parte del tiempo inmóvil observando la perfección de la naturaleza a su alrededor, momentos donde naciera su obsesión por las formas naturales la cual regirá definitivamente su visión arquitectónica una vez dedicado a su profesión, siempre anteponiendo que las formas naturales eran la clave para una edificación original digna de los orígenes del mundo y de Dios.

Con una filosofía que se centraba en respetar los patrones de la naturaleza y

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sus leyes, Antoni Gaudí consideraba a la naturaleza su gran maestra y motivadora para llevar a cabo sus estudios de arquitectura, visión que lo llevaría a la ciudad de Barcelona para formarse como todo un arquitecto, pagando sus estudios profesionales gracias a diversos empleos que le permitieron completar dicha formación. Durante su carrera demostró ser un estudiante irregular que al mismo tiempo ya demostraba una visión y genialidad poco común en el entorno arquitectónico. Este espíritu diferente ajeno al repetitivo perfil de los egresados le hizo merecedor de su título universitario en 1878, saliendo al mundo a renovarlo con sus ideas arquitectónicas naturalistas en medio de una ola de modernismo en Europa.

El Padre del Modernismo Nacimiento un legado

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La genialidad de Gaudí le permitió llevar a cabo grandes proyectos aún mientras estudiaba su carrera, pero una vez titulado, su empresa realmente inició, dispuesta a cambiar el concepto arquitectónico estético de la época.

Estableció su propio despacho en Barcelona, donde desarrolló su característico estilo, época donde conocería a uno de sus grandes amigos, Eusebi Güell, personaje importante para la industria nacional que le permitiría a Gaudí emprender una gran cantidad de proyectos importantes en medio de un trato que iría más allá de una relación de trabajo y mecenazgo y se convertiría en una verdadera amistad.

Su amplia carrera dejaría como legado grandes edificaciones e intervenciones caracterizadas por su peculiar estilo modernista de motivos naturales y formas orgánicas, entre los que destacan la Torre Bellesguard, el parque Güell, la Casa Milá (la pedrera, y por puesto su más grande obra arquitectónica próxima a ser terminada: la Sagrada Familia de Barcelona. Su vida sería tan cambiante como su desarrollo arquitectónico, pasando de ser todo un dandi barcelonés, a convertirse en un anciano desaliñado obsesionado con su último y más grande proyecto, apariencia con la que sería encontrado muerto tras un accidente de tranvía en 1926 a la edad de 73 años.

La arquitectura de Gaudí se caracterizaría por ser innovadora y de formas que entonces se consideraban imposibles, hoy dignas de ser concebidas por un software de diseño moderno. Gaudí apostaba todo por retratar la naturaleza en sus edificaciones, impregnandose en la forma de los edificios, en su decoración y en la estructura misma que se alejaba completamente de la edificación tradicional de formas rectas y academicistas, algo digno de todo modernista. Implementó materiales, diseños y conceptos nuevos en su forma de diseñar y construir, que jugaban con el color y la estructura ofreciendo completas obras de arte funcionales a modo de edificaciones, siendo el catalogo perfecto de su estilo modernista la basílica de la Sagrada Familia de Barcelona, edificio que recopila todos y cada uno de los elementos característicos del arquitecto más famosos del modernismo catalán.

Visionario, innovador, temerario y apasionado, Antoni Gaudí demuestra la dedicación de un artista destinado a cambiar al mundo mediante el arte y sus dones creativos, logrando generar un legado único para el mundo que demuestra las maravillas que alguien con fe en su trabajo y respeto por el entorno natural pueden concebir. Su obra consideraba adelantada a su época hoy son sinónimos de modernismo, destinos obligados para los viajeros del mundo que buscan conocer este arte fantástico del modernismo arquitectónico y dejarse maravillar por las formas naturalistas, los motivos florales, los colores en vitrales y mosaicos, el misticismo vibrante del genio de uno de los arquitectos más grandes de la historia humana.

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Belle Epoque

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xistió una época en el mundo occidental caracterizada por la prosperidad y la paz entre naciones, una época anterior a los grandes conflictos bélicos del siglo XX que marcarían un episodio oscuro en la historia humana. Esta época vio de primera mano avances tecnológicos sin precedentes, el progreso de la industria occidental y un auge de cultura y descubrimiento que hoy en día es conocido por diferentes nombres según el país donde se narre la historia de este periodo de la historia conocido como la Belle Epoque o Época Bella, episodio histórico que abarca desde el final de la guerra franco-prusiana en 1871 y concluye en el trágico inicio de la Primera Guerra Mundial en 1914, representando la belleza pacífica de una época anterior a los horrores bélicos característicos del nuevo siglo.

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La época Victoriana, la Paz Armada, la Segunda Revolución Industrial, El Porfiriato; la Belle Epoque se reconoce por mucho nombres que engloban el país y la situación social y política acontecida en sus respectivos territorios, pero que en común tienen las mismas características sociopolíticas, económicas, tecnológicas y artísticas, siendo este periodo el auge del Art Nouveau, la exploración del mundo exterior por parte de los grandes imperios europeos, y testigo de grandes avances tecnológicos como el telégrafo y la aparición de los barcos a vapor, el ferrocarril, el automóvil, la aviación y el teléfono.

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EL PROGRESO OCCIDENTAL

La Belle Epoque caracteriza el periodo de transición del mundo occidental a la modernidad caracterizada por el avance tecnológico y el progreso humano, teniendo como principales motores la ciencia, el capitalismo y el progreso mismo del mundo con miras a alcanzar una realización de superioridad industrial, social y política ante el resto del mundo. Es en esta época donde los grandes imperios y reinos de Europa buscan extender sus dominios y compartir su estilo de vida occidental con otras naciones mediante el colonialismo de África y otras zonas del mundo, práctica que les haría acreedores de recursos y mano de obra para sostener la hegemonía de las grandes naciones, siendo la principal el Imperio Británico, el gran ejemplo a seguir.

En esta época las sociedades se transformaron en favor de la cultura, la moda, las nuevas tradiciones, el poderío económico familiar y por supuesto, las artes, siendo este periodo el gran surgimiento del “Arte Nuevo”, mejor conocido como Art Nouveau o modernismo, que llegaría para transformar las vanguardias en favor de la naturaleza, la belleza humana (principalmente la femenina) y una arquitectura renovada con miras a la modernidad del siglo XX que se alejaba de los estilos clásicos predominantes en el siglo XIX.

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El periodo de paz a caracterizó por los a cos, industriales, la p la exploración del

anterior al siglo XX se avances tecnológipromoción cultural y mundo moderno.

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EL PORFIRIATO EN MEXICO

Si bien en Europa la Belle Epoque fue conocida por muchos nombres y similar en características, en nuestro país este periodo de la historia coincide con el Porfiriato, momento de la historia nacional donde el General Porfirio Diaz gobernaba el país impulsando la modernidad nacional introduciendo en nuestro territorio los más recientes avances europeos, siendo el ferrocarril, el telégrafo y las líneas telefónicas los más destacables. Por otro lado, Diaz ironicamente era gran admirador de Francia y su cultura, por lo que las tendencias artísticas, arquitectónicas, de moda y estilo parisinas se hicieron presentes en el estilo de vida de la alta sociedad mexicana, siguiendo la tendencia europea en todo momento hasta el estallido de la Revolución mexicana en nuestro país y la Primera Guerra Mundial en Europa.

Romanizado en muchos medios audiovisuales y literarios, la Belle Epoque suele ser sinónimo de la época victoriana británica, donde el descubrimiento, la exploración, la ciencia, y las vanguardias artísticas dieron forma a uno de los periodos de mayor avance en la historia humana marcado por una paz bastante prolongada que lamentablemente desembocará en una serie de conflictos de gran escala que darían inicio a la realidad del siglo XX. Analizar la Belle Epoque y admirar sus interesantes detalles siempre es una buena forma de conocer el periodo de transición entre los siglos XIX y XX, donde el espíritu humano buscó alcanzar la iluminación en base a la ciencias y explorar un universo de oportunidades artísticas como nunca antes.

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Ilustracion en el

Art Nouveau

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Uno de los estilos de ilustración más hermosos jamás concebidos.

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l arte de la ilustración es sin duda una de las disciplinas artísticas más versátiles que existen, tan cambiante como útil en diversos aspectos, que van desde su uso comercial hasta uno meramente decorativo. A finales del siglo XIX surge como parte del movimiento modernista o Art Nouveau un estilo de ilustración tan icónico y hermoso que hoy en día sigue maravillando por su composición, su belleza, y que incluso sigue replicándose mediante las nuevas herramientas para hacer arte del siglo XXI. La ilustración modernista o arte modernista se caracteriza principalmente por ser muy ornamental, siempre sin caer en el exceso o abuso de los elementos decorativos que en este estilo podemos identificar por seguir formas orgánicas, líneas ondulantes y ser dinámico y sumamente asimétrico. Ajeno a cualquier estilo academicista del siglo XIX, el modernismo buscaba precisamente ser diferente a las tendencias clásicas predominantes en Europa, buscando una línea más moderna y joven que representase la modernidad próxima al cambio de siglo.

Rompiendo cualquier tendencia existente durante la Belle Epoque, el Art Nouveau surgiría como bandera contra la industrialización de la vida del siglo XIX, buscando devolver las artes y la atención de las sociedades del mundo al trabajo artesanal, teniendo como principal fuente de inspiración la naturaleza misma y sus formas orgánicas, vegetales y exponiendo la belleza de la figura femenina como uno de sus más grandes exponentes estéticos.

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POP renovando las artes La Belle Epoque, periodo caracterizado por el progreso humano en el mundo occidental y la transición entre el siglo XIX y el siglo XX, trajo consigo un auge en la forma de concebir las artes multidisciplinarias, desde la arquitectura hasta la joyería, siendo el movimiento modernista el principal exponente de la búsqueda por renovar la labor artística a finales del siglo XIX, mismo que abogaba por una nueva visión más fresca, juvenil y naturalista, donde el arte dejará de ser regido por reglas establecidas en las academias y se convirtiera en algo más experimental y creativo que permitiera una verdadera libertad artística.

En este sentido, el modernismo adquirió rápidamente popularidad, una que comenzó a darle una verdadera forma estética que hoy podemos identificar fácilmente. Dentro de esta vanguardia, aparece un estilo de ilustración único, excepcionalmente elaborado y que recopila gran parte de los elementos característicos que identifican al Art Nouveau, cuya finalidad, más allá de ser decorativa, sentó las bases para hacer de la ilustración un recurso comercial para llamar la atención de los consumidores de toda clase de productos y servicios.

Naturaleza, figura femenina y sentido ornamental Para el modernismo, la naturaleza es el punto de partida, siendo las formas orgánicas y de líneas onduladas y asimétricas la clave del éxito de una buena composición Art Nouveau. Los motivos florales y vegetales son el componente perfecto en la ilustración modernista, el cual tiende a completar el protagonismo de la figura femenina en este tipo de trabajo ilustrativo.

La ilustración Art Nouveau expuso la belleza de las mujeres como el centro de atención al cual las flores y la naturaleza decorativa solamente potencializan para lograr una composición perfecta. Las mujeres se representan poderosas, bellas, ataviadas por joyería y vestidos hermosos simulando ser diosas y reinas, un empoderamiento que funcionó tanto para lograr una obra de arte perfectamente bella, como para atraer la atención del público masculino y generar una tendencia de imitación por parte de su audiencia femenina.

Su composición está repleta de elementos perfectamente ubicados sin llegar al exceso, donde la asimetría de lo expuesto hace aún más llamativa la obra artística rompiendo con el academicismo predominante de la época. Este tipo de ilustración resultaría ser completamente intrépido e innovador, causando fascinación y siendo adoptado rápidamente por el mundo de la moda que vería en esta forma de ilustrar una oportunidad comercial para exponer las tendencias del momento por medio de posters publicitarios.

Hoy, los artistas del siglo XXI siguen reinterpretando este bello estilo de ilustración aplicado a diversos personajes y usos, ya sea como mero arte digital o siendo utilizado para campañas publicitarias, portadas de libros, o incluso como arte para materiales musicales. El éxito de la ilustración modernista es innegable, tanto es así que se mantiene vigente como sinónimo de belleza y elegancia, todo un ejemplo de lo icónico que llegó a ser el modernismo del siglo XIX.

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El Art Nouveau en el Mundo Mágico Las precuelas del mundo mágico de Harry Potter exponen los años 20 con el Art Nouveau aún visible en el entorno.

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a saga de Harry Potter es una de las franquicias cinematográficas más grandes y exitosas de la historia del cine, universo que no se queda en la gran pantalla, y mucho menos en los libros en los cuales está inspirada esta historia, sino que va más allá expandiendo este universo mágico a otros formatos, toda clase de productos, parques temáticos, etc. La última película del joven mago se estrenó en 2011, hace ya más de una década, en lo que se pensó sería el final de un fenómeno cinematográfico y cultural mundial, pero el mundo mágico creado por J K Rowling y promovido por Warner Bros, estaría lejos de terminar ahí.

Hoy, existe una nueva franquicia cinematográfica spin off del mundo mágico de Harry, ubicada muchas décadas atrás, donde ni Harry ni sus amigos aún no han nacido y los únicos conectores hacia su mundo son el Profesor Dumbledore, Hogwarts, y, por su puesto, el mismo mundo mágico. Nos referimos a Animales Fantásticos, la nueva serie protagonizada por Eddie Redmayne quien da vida al magizoólogo Newt Scamander en medio de una nueva historia ubicada en los años 20 del siglo pasado, teniendo gran parte de la historia la presencia constante de uno de los estilos artísticos de la época que hacen aún más precisa su ubicación temporal: el Art Nouveau.

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MINALIMA Gran parte de la maravilla visual que ofrecen las películas de Harry Potter y hoy las de la saga de Animales fantásticos en sus 3 entregas hasta la fecha, se debe al impresionante trabajo que el departamento de arte lleva a cabo para lograr crear esta atmósfera mágica que rodea al universo de Rowling, ya sea mediante maquillaje, props, maquetas, escenarios, sets y claro, el diseño gráfico, que en esta marca que ahora conocemos como Wizarding World, siempre ha tenido un protagonismo único.

Los responsables detrás del departamento de arte gráfico para las películas de Harry Potter y actualmente la tentativa pentalogía de Animales Fantásticos , son nada más y nada menos que Miraphora Mina y Eduardo Lima, dos diseñadores gráficos británicos que hoy son mejor conocidos como MINALIMA, el estudio responsable de generar el maravilloso material gráfico impreso que vemos en las películas sobre el mundo mágico.

Ambos trabajaron en la saga del joven mago, siendo los autores detrás del Mapa del Merodeador, el Diario el Profeta, las cubiertas de todos los libros mencionados en las películas, empaques de productos y mucho más, artefactos tan icónicos que los han convertido en pieza indispensable en la gran maquinaria que es hoy el Wizarding World, razón por la cual, su participación dentro de las nuevas películas de Newt Scamander es tan obligada como todo un acierto.

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AÑOS 20 MINALIMA conoce muy bien su oficio, tanto así que su tienda/estudio en Londres ofrece una cantidad enorme de artículos relacionados a HP y a otras obras literarias de fantasía con su mágico toque experto en diseño gráfico. Por ello, su participación en Animales Fantásticos ha logrado garantizar el éxito en la ambientación temporal en la que se desarrolla esta nueva serie de historias.

La primera película nos lleva a Nueva York en 1926, periodo donde el Art Nouveau y su sucesor el Art Deco coexisten en la gran manzana.

A lo largo de esta historia y sus posteriores secuelas, el Art Nouveau está presente en todo momento, desde los periódicos a los pósters en las calles, los anuncios en las tiendas e incluso en la arquitectura del mundo mágico del siglo XX, teniendo una fuerte presencia en la segunda película (“Los Crímenes de Grindelwald”), cuando la historia nos muestra a la capital francesa, París, y podemos conocer el interior del ministerio de magia francés, con un indudable estilo Nouveau haciendo honor a la ciudad que vio nacer esta vanguardia artística en Europa. Y el vestuario no es la excepción, pues la moda incluso en el mundo mágico nos muestra el estilo Nouveau en el limbo entre lo Decó o el modernismo de inicios del siglo XX. Los detalles Art Nouveau están a la vista en la saga de Animales fantásticos, siendo tal vez más identificables ahora que conoces el estilo y donde puedes identificarlo en el mundo mágico. Uno de los grandes aciertos de esta saga es tal vez la posibilidad de conocer el mundo exterior de la magia, viajando a diferentes ciudades más allá de Inglaterra y presenciar que, incluso en el mundo de los magos y las brujas, la vanguardia más hermosa y naturalista existe para embellecer el entorno del mundo mágico, en gran medida, gracias el ingenio creativo de MINALIMA y Stuart Craig.

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REFERENCIAS 111 West 57th Street -111 West 57th Street Page -Arch Daily -New York Im By

La ilustración en el Art Nouveau -Significados -Cultura genial

Antoni Gaudí -Wikipedia -Casa Batlló

El Templo Expiatorio de la Sagrada Familia -Wikipedia -Ingeniería real

Art Nouveau -Historia Arte -Más de Arte -Wikipedia

The Brooklyn Tower -The Brooklyn Tower -Arch Daily -SHoP

Gran Hotel Ciudad de México -Gran Hotel Ciudad de México -Rizoma -CDMX Secreta

Vitrales en el Art Nouveau -Spiegato -J M Bonet -Turiméxico

Herrería en el Modernismo --My modern Met -Arch Daily La Belle Epoque -Wikipedia -Gaceta UNAM -Muy Interesante

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