Taylor Wessing #013 PORTRAIT by Galerie Holthoff

Reinhard Voigt A.R. Penck

Svenja Maaß

Annette Meincke-Nagy

Markus Lüpertz

Jared Bartz Peter Buechler

Paula Stein Claudia Spielmann Rudi Kargus Bernd Uhde Martin Bronsema Swaantje Güntzel Gepa Hinrichsen Christian Hahn

Taylor Wessing #013 Portrait

Cornelius Schlieper Frederick Vidal

Bernhard Prinz Annette Streyl Petra Maendler Till Brönner Annette von Keudell Edith Held Konstanze Habermann Matthias Zinn Friederike Just Jenny von Portatius Eiko Borcherding

Reinhard Voigt A.R. Penck Annette Meincke-Nagy Jared Bartz Peter Buechler

Paula Stein Claudia Spielmann Rudi Kargus Bernd Uhde Martin Bronsema Swaantje Güntzel Gepa Hinrichsen Christian Hahn

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Svenja Maaß Markus Lüpertz Cornelius Schlieper Frederick Vidal

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Bernhard Prinz Annette Streyl Petra Maendler Till Brönner Annette von Keudell Edith Held Konstanze Habermann Matthias Zinn Friederike Just Jenny von Portatius Eiko Borcherding

Taylor Wessing #013 Portrait 12 14 16 18 20 22 24 26

Reinhard Voigt Nach einer Ausbildung zum Keramiker studierte Reinhard Voigt von 1965 bis 1971 an der Hochschule für bildende Künste Hamburg, u. a. bei Hans Thiemann, David Hockney und Gotthard Graubner. Er stellte in der Galerie M. E. Thelen in Köln aus und war in der Ausstellungsreihe ›14 × 14‹ der Kunsthalle Baden-Baden (1968 bis 1973) neben Palermo, Georg Baselitz und Gerhard Richter vertreten. 1978 wanderte er nach New York aus, zog 1985 nach Los Angeles, 2000 in den Norden des Bundesstaates New York und kehrte 2017 nach Berlin zurück. Voigt blieb stets dem an der Akademie entwickelten Raster treu, an dem er Form, Abstraktion, Figuration, Duktus, Farbklang und Schönheit auslotet; 2023 fand eine umfassende Überblicksausstellung am Neuen Museum Nürnberg statt. Seine Werke befinden sich u.a. im Museum of Modern Art, New York, im Kunstmuseum Stuttgart und in der Bank of America Collection, London. Er lebt und arbeitet in Berlin.

›Portrait A.H.‹, 1969 Öl auf Leinwand 120 × 100 cm 44.000 Euro

A. R. Penck A. R. Penck (1939–2017) zählt zu den bedeutendsten deutschen Künstlern. Er arbeitete als Maler, Grafiker und Bildhauer, zu DDR-Zeiten lebte er lange in Dresden, bis er 1980 in die BRD übersiedelte. Seine künstlerischen Kommentierungen des gesellschaftlichen und politischen Lebens schufen eine unverwechselbare, eigensinnige

Sprache. Da ihm die DDR die Aufnahme an den staatlichen Kunsthochschulen mehrfach verweigerte, hatte er kaum Zugang zu den rationierten Malmaterialien. Ein markantes Zeugnis dieser Phase ist sein ›Skizzenbuch‹ (ca. 1957–1959), in dem er mit Kohle ausdrucksstarke Portraits direkt auf bedruckte Buchseiten zeichnete. Das

›Ohne Titel‹ aus der Serie ›Skizzenbuch‹, 1957/59 Kohle auf bedruckten Buchseiten Blatt: 24 × 16 cm, Rahmen: 40 × 30 cm je 3.000 Euro

bewusste Überlagern und Verfremden der Texte stellte einen radikalen Akt der Zweckentfremdung und des ästhetischen Protests dar, der bereits seine spätere Entwicklung von grafischen Bildchiffren und stark reduzierten visuellen Symbolen sowie allgemein verständlichen Standart-Formen ankündigte. Von 1989 bis 2005 war er

Professor für Freie Grafik an der Kunstakademie Düsseldorf. Seine Arbeiten sind in zahlreichen Museen und Sammlungen zu sehen.

Annette Meincke-Nagy Die Bildhauerin Annette Meincke-Nagy stellt in ihren Arbeiten den Menschen und das Menschsein in den Fokus ihres Schaffens. Ihre plastischen Bildfindungen sind eine Hommage an die Schönheit und Würde der menschlichen Physiognomie. Die Ursprünge der Künstlerin liegen in der Portraitmalerei, mit der sie sich während ihres Kunststudiums in Budapest und später an der Hochschule in Hamburg intensiv beschäftigt hat. Von der Malerei zur Plastik geht es ihr darum, dem Wesen des Menschseins Gestalt zu geben. Das langsame Entstehen jeder Skulptur ist durch die Technik des schichtweisen Aufbauens begründet und verleiht ihnen eine Aura der Stille und Kontemplation. Ihre Plastiken bestehen aus einem Papier-Quarz-Leim-Gemisch. Die Künstlerin lebt und arbeitet in Hamburg.

›Mit Trockenhaube‹, 2026

Zellulose, Quarzsand, Pigmente, Öl 44 × 15 × 15 cm 2.200 Euro

Jared Bartz Mit hoher Genauigkeit schält Jared Bartz seine Skulpturen aus dem Material – die handwerkliche Präzision und Klarheit stehen dem Offenen des Produktionsprozesses gegenüber. Der Künstler arbeitet mit Kettensäge, Trennschleifer oder Presslufthammer, dadurch sind seine Werke von grob belassenen Oberflächen geprägt. Mit diesen Texturen zeichnet Bartz; sie verleihen seinen Skulpturen eine physische Kraft und unverwechselbare Lebendigkeit. »Ich versuche, sichtbar zu machen, was uns ausmacht, dabei beschäftigt mich besonders der Kopf. Ich möchte das Wesentliche durch Übersteigerungen oder Abstrak tionen sichtbar machen. Warum Köpfe, warum Portraits? Weil sie schauen – reden – hören – schweigen. Weil sie mir zu Reflexion und eigenem Ausdruck verhelfen. Weil sie stets ein Gegenüber für mich sind. Weil sie mich, trotz jahrelanger Beschäftigung mit der Thematik, nicht loslassen, mich immer wieder auf andere Art mit meinem Erleben und Erlebten konfrontieren. Dabei interessiert mich im Prozess immer weniger die exakte Wiedergabe menschlicher Züge. Vielmehr sucht und findet sich eine Gestalt, die eine Nähe von sichtbarer und unsichtbarer Welt erahnen lässt.«

›beech 1200‹, 2024

Bronze, gewachst, Edition 5 + 2 AP 117 × 57 × 73,5 cm 42.000 Euro

Peter Buechler Ein Mädchen aus der Biedermeierzeit, schwarzhaarig, still. Vergrößert von einem kleinen, gefundenen Ölbild; Digitalprint auf Aluminium, Eichenholzrahmen, Museumsglas. Das Glas schützt nicht nur – es schafft Distanz. Dahinter sitzt sie, unerreichbar, wie hinter einer Scheibe aus Zeit. Die Platten sind beschossen. Ein Assistent hat sie mit einer 9-mm-Waffe bearbeitet: einmal in die Stirn, einmal in den Hals. Die Löcher sind da, sichtbar, und doch übersieht man sie leicht.

›Dead Girl 1 und 2‹, 2021

4c Digital Print auf Aluminium, beschossen, gerahmt mit Museumsglas 91,5 × 81,5 × 4 cm 9.400 Euro

Genau darin liegt die Spannung: zwischen bürgerlicher Ruhe und Gewalt, zwischen 1850 und heute. Entdeckt der Betrachter die Einschüsse, kippt die Situation. Das Bild wird zur Konstruktion, die Realität zur Inszenierung. Man prüft auf Authentizität – und stolpert über die Versatzstücke einer fein säuberlich gebauten Fiktion. Hier, in diesem Moment des Erkennens, liegt der konzeptionelle Kern: die Störung als Mittel, die Illusion als Spiegel. Ein leiser Geniestreich.

Paula Stein Die Portraits bewegen sich zwischen Zeigen und Verstecken: Sie legen Körperlichkeit, Alter und Unvollkommenheiten offen, während Hände und Gesten zugleich als Schutz und Verbergung dienen. Zwischen dem, was sichtbar wird, und dem, was sich dem Blick entzieht, er-

zählt sich die Wahrheit einer Person – nicht als perfekte Oberfläche, sondern als etwas Widersprüchliches, Verletzliches und Echtes.

›Gewachsen‹, 2022 Tusche auf Papier 40 × 30 cm

›Gespielt‹, 2022

Tusche auf Papier 40 × 30 cm ›Geblickt‹, 2021

Tusche auf Papier 40 × 30 cm je 950 Euro

›Gezeichnet‹, 2021 Tusche auf Papier 40 × 30 cm

›Geprägt‹, 2021

Tusche auf Papier 40 × 30 cm

Claudia Spielmann Am 22.1.1995 stieg ich in der Deutschen Botschaft der Bundesrepublik in Tokio nachts auf einen Kopierer. Außer mir und einem Freund war die ganze Botschaft menschenleer. Eigentlich war ich von einem weiteren Freund gebeten worden, für seine Kunstzeitschrift (Plantsüden) meine Hände irgendwie abzubilden. Ich entschloss mich

aber, auch meinen Fuß zu zeigen. Und da ja nun mal niemand in der Botschaft war, habe ich den Akt der Selbstdarstellung mit einem Amtsstempel amtlich gemacht. Die Aktion als solche und das entstandene Bild bin bis heute ich. Die Arbeit heißt ›Von Kopf bis Fuß‹.

›Von Kopf bis Fuß 1/6, 2/6, 4/6‹, 1995/2026 Büttendruck, collagiert und bemalt 50 × 40 cm je 2.400 Euro

Rudi Kargus Ein eindringlicher Blick, festgehalten in markanten, pastosen Pinselstrichen: Rudi Kargus porträtiert den norwegischen Weltautor Karl Ove Knausgård in seinem typischen, expressiv-figurativen Malstil. Das Porträt lebt von einer tiefen geistigen Verwandtschaft. Kargus fand durch Knausgårds literarische Essays einen völlig neuen Zugang zu einem gemeinsamen Idol: Edvard Munch. Inspiriert von Munchs emotionaler Wucht und Knausgårds Blick darauf, fängt der Maler die Melancholie und existentielle Tiefe des Autors ein. Ein Kunstwerk, das die kreative Symbiose dreier Künstler feiert.

›Karl Ove‹, 2017 Öl auf Leinwand 60 × 50 cm Privatsammlung

Bernd Uhde In den Arbeiten von Bernd Uhde verdichten sich Landschaften zu geometrischen Mustern. Dabei basieren die Arbeiten aus dem Gesamtkomplex von Naturund Kultur-Ansichten, die Uhde unter dem Begriff AirRealArt subsumiert hat, auf ganz konkreten Erscheinungen. Wie sämtliche Bilder des Fotografen mittels Hubschrauber, Flugzeug oder Heißluftballon aus ca. 200 bis 1000 Metern Höhe aufgenommen, repräsentieren seine Bilder eingefangene Momente, herausgelöst aus einer Wirklichkeit, von Menschenhand geschaffen. Laut Uhde geht es hier allerdings nicht um die Dokumentation einer festgelegten Topografie. Vielmehr fungiert eine vorgefundene Situation – ganz im Sinne eines visuellen Ready-mades – als Auslöser für Kompositionen, die über den Blick des Künstlers erfasst und umgesetzt werden. Uhdes Augenblicke lassen Asphaltparkdecks und Baustellen, Dächer und Gleisstrecken zu Ornamenten des heutigen Lebens mutieren. Spuren von Tieren werden zu Ornamenten, Bahngleise zu Kathedralen. Uhde lenkt die Aufmerksamkeit der Betrachterinnen und Betrachter auf Grundstrukturen menschlicher Anwesenheit.

›Madonna‹, 2013

ditone-Print, kaschiert im Schattenfugenrahmen Edition 5 + 2 AP, 150 × 100 cm 3.800 Euro

Martin Bronsema Horten, schneiden, reißen, knicken, kleben. Druckerzeugnis für Druckerzeugnis ensteht durch diese auferlegte Beschränkung gewollt kein neuer bildnerischer Habitus. Die besten Collagen sind die zweiteiligen, sagt der Künstler. Und: erst horten, dann Kaufhauskette.

»Es ist hilfreich, sich auf klare Konzepte zu beschränken, weil man sonst im endlosen Ozean der Optionen und Möglichkeiten zu ertrinken droht!« Vince Clarke »… Albernheit ist manchmal eine angemessene Reaktion auf eine verquere Welt.« Wolfgang Tillmanns

›o.T.‹, 50/1977, 2025 Collage, 7,8 × 6,9 cm

›Geld im Schuh 2‹, 10/1976, 2025 Ausriss, Ausschnitt, 6,2 × 5,5 cm

›Wissenschaft zensiert‹, 2024 Collage, 8,7 × 9 cm

›Frau im Mond, doppelt‹, 2024 Collage, Filzstift,13,4 × 15,5 cm

350 Euro

›o.T.‹, 19/1979‹, 2025 Collage, 7,4 × 6,4 cm

›Hemingway‹, 12/1980, 2025 Collage 7,7 × 6,3 cm

350 Euro

Swaantje Güntzel Diamond Painting nach einem Still aus einem TikTok-Video, in dem eine Influencerin während eines ›Lappland‹-Urlaubs ein Rentier ›Gassi‹ führt. Die Arbeit untersucht die Bildkultur des overtourism und die Rolle von TikTok bei der Reproduktion touristischer Sehnsuchtsbilder: Orte, Aktivitäten und Begegnungen werden zu wiederholbaren Motiven und Erfahrungen. Zugleich thematisiert die Arbeit, wie Selfies das klassische Portrait verändert haben. Die portraitierte Person ist heute zugleich Bildproduzentin, Modell und Distributorin. Landschaft wird dabei zur Kulisse der Selbstinszenierung während standardisierte Posen und algorithmische Bildwelten das vermeintlich individuelle Portrait zunehmend reproduzierbar machen. (Der Begriff ›Lappland‹ wird bewusst als touristische Vermarktungsbezeichnung verwendet und kritisch verstanden, insbesondere in Bezug auf Sápmi.)

›Rentiergassi‹, 2026

div. Kunststoffe, Unikat 131,5 × 78,5 cm 12.000 Euro

Gepa Hinrichsen Gepa Hinrichsen galt lange als Deutschlands beste Texterin. Sie veröffentlichte 2016 das mittlerweile vergriffene Büchlein ›Zwischen Selbstzweifel und Größenwahn‹. Und fand während der Coronazeit zur Malerei. Ihre Gemälde oszillieren irgendwo zwischen Kippenberger und Francis Bacon, wirken gekonnt ungekonnt und sind oft – zum Klauen – komisch. Kaufen kann man Gepas Originale nämlich nicht. Die Künstlerin weigert sich seit Jahren standhaft, auch nur ein Bild zu veräußern. Nicht nur Galeristen raufen sich die Haare.

›Alles gut‹, 2026

Öl, Eitempera, Acryl und Zwirn auf Leinwand 173 × 143 cm unverkäuflich

Christian Hahn Es gibt wenige Bilder, an denen ich so lange und intensiv gearbeitet habe wie an dem Bild ›Vater‹. Das Gemälde bezieht sich auf zwei Bilder von Otto Dix, ›Bildnis der Eltern I‹ und ›Die Eltern des Künstlers II‹, die er 1921 bzw. 1924 gemalt hat. Otto Dix ist einer der Lieblingsmaler meines Vaters. Dass die Umsetzung ein so langwieriger und schmerzhafter Prozess wurde, lag sicherlich daran, dass ich sowohl Otto Dix als auch meinem Vater gerecht werden wollte.

›Vater‹, 2013

Öl auf Leinwand 180 × 150 cm 15.000 Euro

Svenja Maaß Svenja Maaß’ Arbeiten sind weniger klassische Portraits als vielmehr Störungen und Neuverhandlungen des Portraithaften: Menschliche oder nicht selten tierische Figuren erscheinen bei Maaß nicht als psychologisch eindeutig identifizierbares Individuum, sondern als wandelbares, widersprüchliches Bildzeichen. Ihre Malerei verbindet präzise Figuration mit surrealer Verschiebung und unterläuft damit gerade jene Codes, über die Portraits in der Regel Identität herstellen.

Foto: Helge Mundt

›casual friday‹, 2024 Öl auf Nessel 220 × 180 cm 7.600 Euro

Markus Lüpertz Der ›David‹ von Markus Lüpertz aus dem Jahr 2021 ist eine monumentale Kaltnadelradierung auf feinem Büttenpapier, die durch ihre außergewöhnlichen Maße von 220 × 130 cm eine fast skulpturale Präsenz entfaltet. In diesem Werk, einem handsignierter Einzelabzug, widmet sich der renommierte deutsche Neoexpressionist der antiken und biblischen Mythologie, bricht jedoch radikal mit den traditionellen Sehgewohnheiten. Anstatt den biblischen Helden David in klassischer, makelloser Manier zu glorifizieren, zeigt Lüpertz eine kraftvolle, fast archaische Figur voller Ambivalenz. Der abgeschlagene Kopf des Riesen Goliath in seiner Hand wirkt kaum größer als sein eigener, wodurch das klassische Narrativ des triumphierenden Überwinders hinterfragt wird. Die rohe Physis der Kaltnadeltechnik, bei der die Linien direkt in die Platte gerissen werden, überträgt sich spürbar auf das weiche Papier und macht das Großformat zu einem herausragenden Beispiel für Lüpertz’ aktuelles grafisches Schaffen, das die Grenzen zwischen feiner Grafik und wuchtiger Körperlichkeit auflöst.

›DAVID‹, 2021

Unikater Einzelabzug, E. A., signiert und gerahmt Kaltnadelradierung auf Büttenpapier, 220 × 130 cm 21.000 Euro

Cornelius Schlieper In den Portraits-Arbeiten seiner Serie ›Sticky Paintings‹ spielt Cornelius Schlieper gekonnt mit Illusionen: Geklebt oder gemalt? Konstruiert oder dekonstruiert? Scheinbar zufällig fügen sich seine Bildelemente zu Portraits zusammen, die eine starke visuelle Kraft entfalten und gute Laune machen.

›Hey!‹, 2023

Acryl auf Holzmalgrund 80 × 60 cm 2.500 Euro

Frederick Vidal ›Partitur‹ zeigt den Körper als Träger von Zeichen. Durch die extreme Haltung wird der Hals zur Fläche, der Körper zum Objekt der Betrachtung. Die Haut ist von Tätowierungen überzogen, in denen sich Notenlinien, Ornamente und figurative Motive zu einem Muster aus Einschreibungen verbinden. Der Titel Partitur greift die musikalische Notation der Tätowierung auf und lässt den Körper zugleich als Partitur eines Lebens erscheinen – als eine Geschichte, die sich über Entscheidungen und Erfahrungen in die Haut eingeschrieben hat. Die vorgegebene Pose verwandelt den Körper in eine skulpturale Form, in der persönliche Einschreibung und fotografische Inszenierung ineinandergreifen. Die Haltung eröffnet eine Ansicht des Tattoos, die der alltäglichen Wahrnehmung weitgehend entzogen bleibt. Was am Körper gewöhnlich durch Bewegung, Kleidung und wechselnde Perspektiven nur fragmentarisch sichtbar ist, wird hier zu einer zusammenhängenden Fläche entfaltet. Die Tätowierungen erscheinen dadurch zugleich als persönliche Zeichen, Rhythmus und Bildstruktur. Das Tattoo wird dabei nicht nur zum Ornament, sondern auch zum exzessiven Akt der Festlegung – zu einer weitreichenden Entscheidung über den eigenen Körper, die einen Lebensweg markiert und persönliche Geschichte sichtbar werden lässt. So entsteht ein Portrait, das Identität nicht über Gesicht oder Blick beschreibt, sondern über Körper, Oberfläche und die Entscheidungen, die sich in ihn eingeschrieben haben.

›Partitur‹, 2015

C-Print im Schellackrahmen, Passepartout rückseitig auf Glas gemalt, Edition 3 + 2 AP 120 × 100 cm 4.600 Euro

Bernhard Prinz Bernhard Prinz setzt sich in seinen Arbeiten dezitiert mit dem Medium der Fotografie und kunsthistorischer Kanonbildung auseinander, sowie dem Wechselspiel von indexikalischer Abbildhaftigkeit, fiktiven Inszenierungsstrategien und kollektiem, visuellem Gedächtnis. Es entstehen genau konzipierte Werke, in Szene gesetzte Portraits von jungen Menschen, die herausgelöst aus Umgebung und Kontext, weit über die individuelle Persönlichkeit hinaus auf das kulturell Prägende verweisen. Seine ästhetisch aufgeladenen Fotografien spielen mit der Faszination der Zeichen und ihrer Wirkung auf ein im Unterbewusstsein gespeichertes Empfinden.

›Ohne Titel (Maid1)‹, 2013

Lambda-Print, auf Dibond kaschiert, unter Glas gerahmt, Edition 3/3 123 × 103 cm Kunstsammlung Taylor Wessing

Annette Streyl Ein kleines antiquarisches Buch über Portraitzeichnungen des berühmten Renaissancemalers Hans Holbein d. J. (1497–1543) inspirierte Annette Streyl vor über 10 Jahren zu einer großen Werkserie von Steinskulpturen und Holzreliefs. Umrisse dieser kunsthistorischen Vorlagen überträgt sie auf dunkel beschichtete Multiplexplatten. Nach und nach werden Schichten abgetragen, teilweise geglättet und manchmal bemalt. In diesem Beispiel jedoch war die rosa Farbe in den einzelnen Leimschichten der Holzplatte vorhanden. Konsequent beschäftigt sie sich mit architektur- und kunsthistorischen Themen und Vorbildern, die sie aus dem urbanen oder ikonografischen Wahrnehmungszusammenhang herauslöst und durch paradoxe Größen- oder Materialverschiebungen oder überraschende Kombinationen in die Gegenwart transponiert und zu neuen, eigenständigen Bildwerken umformt. In einem gegenläufigen Verfahren wird bei Streyl Großes klein und Hartes weich, Altes neu oder genau umgekehrt. In jedem Fall überrascht es.

›o.T.‹, (aus der Reihe ›Museum für Arme‹, nach Hans Holbein d. J.), 2015/2026 Siebdruckplatte partiell farbig gefasst 165 × 115 × 2 cm 6.900 Euro

Petra Maendler Meine Bilder zeigen die Schönheit des Lebens, die sich oft in kleinen, flüchtigen Momenten offenbart. In der Arbeit ›Lucy‹ wird diese Flüchtigkeit auf besondere Weise erfahrbar. Das Bild zeigt keine Person und ist doch ein Portrait. Die Enzianblüten in der Vase wurden mir von einer Freundin geschenkt. Zwei Tage später ist sie plötzlich und unerwartet gestorben. Die Blumen sind die letzte Erinnerung, die mir von ihr geblieben ist – ein kleines Stück ihrer Existenz. So wird das Bild zu einem indirekten Portrait. Es zeigt meine Freundin nicht über ihr Gesicht oder ihren Körper, sondern über etwas, das mit ihr verbunden ist. Die Blumen werden zum Stellvertreter ihrer Person und tragen eine Spur ihrer Anwesenheit in sich. Die diffuse, verwaschene und unscharfe Darstellung verweist auf die Flüchtigkeit der Erinnerung. Die Person ist nicht mehr greifbar; ihre Anwesenheit wird zunehmend immateriell. Auch die Blumen, die noch in der Vase lebendig waren, sind mittlerweile verwelkt. Was bleibt, ist das Bild – und mit ihm die Erinnerung an einen Menschen. Die Arbeit wirft die Frage auf, wie ein Mensch in der Erinnerung anderer weiterexistiert und inwiefern Identität auch durch die Wahrnehmung anderer geprägt wird. In einer Zeit, in der Portraits durch digitale Bilder, soziale Medien und KI zunehmend inszeniert und verändert werden können, steht ›Lucy‹ für eine andere Form des Portraits. Es geht nicht um eine möglichst genaue oder eine geschönte Abbildung eines Menschen, sondern um das, was von ihm bleibt: eine Spur, eine Erinnerung, ein Teilchen verblassender Identität.

›Lucy‹, 2026

Übermalung: Druck, Buntstift und Aquarell auf Papier 50 × 35 cm Preis auf Anfrage

Till Brönner Das großformatige Porträt des US-amerikanischen Schauspielers und Jazz-Pianisten Jeff Goldblum aus dem Jahr 2018 ist eine wegweisende Arbeit im fotografischen OEuvre von Till Brönner. Mit den beeindru ckenden Maßen von 150 × 100 cm entfaltet das Werk eine enorme visuelle Präsenz im Raum und demonstriert Brönners tiefes Gespür für den intimen, analogen Moment innerhalb der Porträtfotografie. Die Aufnahme entstand in einer historisch und kulturell aufgeladenen Kulisse: den legendären Capitol Studios in Los Angeles. Zu dieser Zeit kreuzten sich die Wege der beiden Künstler auf rein musikalischer Ebene, als Till Brönner als Gastmusiker an den Aufnahmen zu Goldblums gefeiertem Jazz-Debütalbum The Capitol Studios Sessions mitwirkte. Brönner, der als einer der erfolgreichsten deutschen Jazz-Trompeter gilt und seine Kamera als ständigen Begleiter auf Reisen nutzt, nutzt hier seinen exklusiven Insider-Status. Seine doppelte Identität als Musiker und Fotograf ermöglicht ihm einen unvoreingenommenen, vertrauensvollen Zugang zu seinen Subjekten, der klassischen Studiofotografen oft verwehrt bleibt. Im Zentrum des Bildes steht Goldblum, der für seinen eklektischen, eleganten Modestil bekannt ist. Er trägt einen markanten Photoanzug, der durch Brönners meisterhafte Lichtführung und den bewussten Einsatz von kontrastreicher Bildsprache skulptural betont wird. Brönner verzichtet auf inszenierte Posen und fängt stattdessen die charismatische, nahbare Aura des Hollywood-Stars in einer Momentaufnahme ein. Das Werk ist somit weit mehr als die Dokumentation einer prominenten Persönlichkeit; es ist das visuelle Zeugnis einer tiefen künstlerischen Synergie zwischen zwei Musikern, die durch die Linse einer Leica-Kamera festgehalten wurde.

›Jeff Goldblum‹, 2018

Abzug auf Barytpapier, aufgenommen mit einer Leica, weiss gerahmt, Edition 3 + 1 AP 150 × 100 cm 16.500 Euro

Annette von Keudel Die Serie ›Verkennung‹ arbeitet mit analogen Portraits. Im Dialog mit einer KI durchlaufen diese Bilder unterschiedliche Deutungs- und Generierungspro zesse. Die physische Spur des analogen Bildes trifft auf ein technisches System, das mit kulturell geprägten Bildmustern operiert. Die Person bleibt dieselbe, das Bild von ihr verliert seine Eindeutigkeit. Was sich verschiebt, ist nicht die Identität, sondern ihre Lesbarkeit. Erkennen bleibt eine Form der Deutung. In ›Verkennung‹ trifft der menschliche Blick auf einen algorithmischen.

›Verkennung I-IV‹, 2025

analoge Fotografie, KI, Edition 2 + 1 AP 60 × 40 cm je 2.000 Euro

Edith Held Die Fotografin Edith Held, geboren im Schwarzwald, führt uns, mit Seele, Zartgespür und Gegenwärtigkeit ausgestattet, nahe an das Leben und die Menschen heran. Das Tragische hat sein Komisches, in jedem Ernst liegt auch Leichtigkeit. Humor ist der Schlüssel, mit dem Edith Held uns eine Welt aufsperrt, die wir sonst nicht sehen könnten. Anders wirklich als in der Realität. Jede ihrer Inszenierungen spiegelt Wahrhaftigkeit zurück und doch bleibt das allerletzte Geheimnis gewahrt. Ganz so, als schaue man in ein Märchenbuch. Edith Helds Bilder führen keinen Monolog, sie sprechen mit uns und erzählen Geschichten, die lange nachhallen. Edith Held lebt und arbeitet in Berlin.

›Rocky Stallone‹, 2008

finde art print, Edition 8 + 2 AP Holzrahmen mit Museumsglas,100 × 65 cm 2.100 Euro

›Orchard‹, 2019

Fotografie, gerahmt, Edition 1/3 + 1 AP 130 × 100 cm 2.500 Euro

Demjenigen, der dieses Werk erwirbt, sind ewige Erleuchtung und wahres Glück versprochen.

Matthias Zinn Die Serie ›Fictional Portraits‹ reflektiert Erscheinung und Ausdruck des Menschen in unserer Zeit, indem sie Portraits ›erfindet‹. Das Bild entwickelt sich, wie immer in Zinns Schaffen, vollkommen aus dem malerischen Prozess heraus. Die Kraft der Formen entsteht bewusst aus deren freier Erfindung, die sich im Bild schließlich zu figürlicher Präsenz verdichtet und Charaktere erzeugt, die wir zu kennen meinen. Matthias Zinn betrachtet die Malerei als einen Prozess, durch den die heutige Welt vom Medium selbst aufgenommen und transformiert wird. Für ihn geht die Form dem Werk nicht voraus, sondern entsteht aus dem dynamischen Wechselspiel zwischen dem Maler und dem Gemälde. Wie Konrad Bitterli (Direktor des Kunstmuseums Winterthur) in seinem Essay über den Künstler feststellt: »… es ist die Malerei, die den Dingen Gestalt verleiht und sie zu verdichteten, ikonischen Bildern kristallisieren lässt …«. Zinn beschreibt diesen Prozess als die Schaffung einer ›dritten Realität‹ – einer Realität, die der äußeren, objektiven und der inneren, subjektiv erlebten Realität eine weitere, künstliche Realität hinzufügt. Diese dritte Realität entspringt der inneren Wahrnehmung und verleiht ihr wiederum eine physische Form – weshalb sie laut Zinn einer Erfahrung von ›Wahrheit‹ oder ›Authentizität‹ am nächsten kommt.

›Ohne Titel‹, aus Serie ›Fictional Portraits /2‹, 2021– 2024 Öl auf Leinwand 115 × 90 cm 8.000 Euro

Friederike Just Im Mittelpunkt ihres künstlerischen Schaffens steht der Mensch in seiner ganzen Vielschichtigkeit. Mit einem feinen Gespür für das Menschliche, einem unverwechselbaren Blick und einer subtilen Ironie erkundet Friederike Just die Spannungsfelder zwischen Individuum und Gesellschaft. Ihre Malerei ist unmittelbar, ausdrucksstark und von großer emotionaler Intensität. Sie macht innere Zustände sichtbar und eröffnet neue Perspektiven auf menschliche Eigenheiten, Verletzlichkeit und Wider-

sprüche. Dabei verbindet sie kritische Beobachtung mit Empathie, Ernsthaftigkeit mit Humor und schonungslose Offenheit mit einer tiefen Wertschätzung für die Vielfalt menschlicher Existenz. Ihre Bilder laden dazu ein, hinter die äußere Erscheinung zu blicken und den Menschen in seiner Einzigartigkeit, Stärke und Zerbrechlichkeit neu zu entdecken. Friederike Just lebt und arbeitet in Süddeutschland und Italien.

›Golden‹, 2026

›Kippe‹, 2025

1.600 Euro

1.900 Euro

Öl und Goldpuder auf Leinwand 40 × 30 cm

Öl auf Leinwand 50 × 40 cm

Jenny von Portatius Das Portrait ist für mich eine besondere Form des Sehens, eine Projektionsfläche. Eine Betrachtung, die nicht darauf aus ist, die dargestellte Person psychologisch zu erklären oder festzulegen. Meine Portraits sind Bilder von Zeit, von einem Augenblick. Sie ermöglichen eine inten-

sive und intime Aufmerksamkeit und bleiben zugleich offen. Fließende Linien, Farben, Fehler und Zufälle können etwas sichtbar machen, das im direkten Sehen verborgen bleibt. So entsteht ein Bild, in dem sich etwas gerade erst formt und Präsenz erzeugt.

›next generation‹, 2024 Aquarell auf Papier Blatt 40 × 60 cm, Rahmen 55 × 84 cm

›friends‹, 2025 Aquarell auf Papier Blatt 30 × 40 cm, Rahmen 45 × 54 cm

3.560 Euro

1.980 Euro

Eiko Borcherding In altmeisterlicher Manier beherrscht Eiko Borcherding alle Techniken im Umgang mit dem Zeichenstift. Variantenreich zaubert er Kompositionen aus dem Reich des Symbolischen und Märchenhaften, aber auch von unheilvollen Geschehnissen aus der Natur, von Flora und Fauna auf das Papier. Der gewählte Bildausschnitt ist Teil der künstlerischen Gestaltung und bricht mit klassischen Perspektiven. Der präzise Strich, die feine Schraffur gehören genauso selbstverständlich zu Eiko Borcherdings Repertoire wie auch die Drucktechniken der Radierung oder Monotypie. Tierwelten, aufwendige Blumengebinde, Faltenwürfe schwerer Stoffe und Kostüme bilden sich dekorativ oder in ästhetischer Überhöhung auf dem Papier heraus. Fel-

›Ohne Titel‹, 2009

Foto- und Kaltnadelradierung Edition 20, Platte 26,5 × 20,5 cm Rahmen 50 × 40 cm 280 Euro, 360 Euro (mit Rahmen)

le, das Federkleid von Vögeln, die einzelnen Fasern von Blattwerk und Geäst bleiben detailliert erkennbar. Malerische Effekte entstehen allein durch farbliche Schattierungen und Tönungen – nicht durch das Lavieren, sondern die immer feinteiliger werdende Schraffur. Ausgewählte Papiere, auch solche mit Gebrauchsspuren, vermitteln die Anbindung an die Geschichte kunsthistorischer Vorbilder. Wie ein Kartograf markiert Eiko Borcherding die künstlerischen Gebiete auf dem Papier. Mit seinen auf Bildträgern montierten Collagen bricht er bestehende Systeme auf, um neuartige Organismen und wieder etwas Lebendiges herzustellen. Eiko Borcherding gehört zu den aktuell wichtigsten Zeichnern seiner Generation. Dr. Annette Baumann, Hamburg

›Ohne Titel‹, 2020

Bleistift auf Papier Blatt 90 × 70 cm, Rahmen 100 × 80 cm 3.800 Euro

Kuration Galerie Holthoff Fischers Allee 70 22763 Hamburg www.galerie-holthoff.de mail@galerie-holthoff.de Ausstellungsort Taylor Wessing Hanseatic Trade Center Am Sandtorkai 41 20457 Hamburg www.taylorwessing.com Idee/Konzept: Taylor Wessing und Galerie Holthoff Gestaltung: Büro für Belange und Angelegenheiten, Hamburg Druck: RESET ST. PAULI Druckerei GmbH, Hamburg Ausstellungsdauer Oktober 2026 – März 2027 Termine für Führungen durch die Ausstellungen finden Sie unter www.galerie-holthoff.de Titel Annette Streyl, ›o.T.‹, (aus der Reihe ›Museum für Arme‹, nach Hans Holbein d.J.), 2015/2026

Auflage: 250 Hamburg, Oktober 2026