CONTEXT NY - BOOKLET // HEITSCH GALLERY

CONTEXT NY BOOTH C400 Pier 94 - 55th Street 10019 New York USA 03.5. (5 - 8 pm) 04.5 - 07.5. (12 - 8 pm) 07.5 - 07.5. (12 - 6 pm) contextnyfair.com

HEITSCH GALLERY Reichenbachstrasse 14 80469 Munich Germany Office + 49 89 269 49 11 0 GER + 49 160 727 61 54 US + 1 718 53 66 506 heitschgallery.com

JOERG HEITSCH GALLERY

EN

Since 1994 Joerg Heitsch runs his gallery in Munich to feature international contemporary art. With the opening of Joerg Heitsch Gallery GmbH at the lake Tegernsee with a sculpture garden in 2013 the focus of figurative and abstract painting was opened towards contemporary sculpture. The gallery intends to promote primarily young talents who reflect on modern issues and redefine art history in order to give them a chance to enter prominent private and public collections.

DE

Seit 1994 betreibt Jörg Heitsch die Galerie für internationalezeitgenössische Kunst in München am Gärtnerplatz mit der Entwicklung und Umsetzung von Kulturkonzepten an der Schnittstelle Kunst, Kommunikation & Markt. Mit der Eröffnung einer Dependance am Tegernsee mit Skulpturengarten im Herbst 2013 wurde der Fokus von figurativer und abstrakter Malerei auf die zeitgenössische Bildhauerei ausgeweitet.

Das besondere Engagement der Galerie gilt zeitgenössischen Künstlern, die moderne Inhalte vermitteln und die die Kunstgeschichte neu ausloten.

ES

Desde 1994 Joerg Heitsch está a cargo de su galería en Múnich para dar a conocer artistas contemporáneos internacionales. Con la apertura de Joerg Heitsch Gallery GmbH en el lago de Tegernsee con un jardín repleto de esculturas en el año 2013, el repertorio característico de la galerá con pintura figurativa y la pintura abstracta, abrió camino a la escultura. La galería tiene como objetivo promover jóvenes talentos que reflejan temáticas de interés actuales, como una redefinición de la historia del arte, buscando darle una oportunidad a los artistas de entrar en colecciones privadas y públicas internacionales.

NEW MASTERS

EN

NEW MASTERS is a brand-new exhibition concept for art and intercultural communication on a global level. Emerging and cuttting-edge artists whose art is deeply rooted in art history present their artworks in dialog with the Old and Modern Masters. The exhibiting artists originate from a variety of countries and were sleected by curator Joerg Heitsch.

DE

NEW MASTERS ist ein brandneues Ausstellungskonzept für Kunst und interkulturelle Kommunikation auf einem internationalen Level. Aufstrebende und bereits etablierte Künstler, deren Kunst tief in der traditionellen Kunstgeschichte verwurzelt ist, präsentieren ihre Kunstwerke im Dialog zu den Alten Meistern und den großen Namen der Moderne. Die vertretenen Künstler stammen aus einer Vielzahl von Ländern und wurden von Münchner Kurator Jörg Heitsch ausgewählt.

ES

NEW MASTERS es un nuevo concepto expositivo de arte y comunicación intercultural en un nivel internacional. Emergentes y ya establecido artistas, cuya obra tiene una gran influencia de la historia del arte, presentan sus obras en dialogo con los clásicos y modernos maestros.Los artistas expuestos provienen de distintos paises y son seleccionados por el curador Joerg Heitsch.

VS

YOSHIYUKI MIURA

RAFAEL SOTO

VS

ANTONIO MARRA

VICTOR VASARELY

VS

ALBERT PALEY

JOHN CHAMBERLAIN

VS

ANGELA GLAJCAR

LUCIO FONTANA

VS

MOTO WAGANARI

KEITH HARING

VS

CRAIG ALAN

REMBRANDT

VS

MOTO MEDARDUS WAGANARI

J. B. TIEPOLO

Yoshiyuki Miura (JP) EN

Yoshiyuki Miura’s works may be considered a systematizing regulation to the omnipresent chaos. With his sculptures and installations the Japanese artist reflects on the relation of space and time. He leads force and counterforce in order to bring them into a balanced state of tension and release. Miura creates objects which play with our perception of three-dimensionality and intrigue us by their extraordinary simplicity, precision and beauty.

DE

Yoshiyuki Miuras Werke lassen sich als ordnender Eingriff in das allgegenwärtige Chaos begreifen. In seinen Skulpturen und Rauminstallationen reflektiert der japanische Künstler das Verhältnis von Raum und Zeit. Er lotet Kraft und Gegenkraft aus und bringt sie in einen harmonischen Zustand von Spannung und Ausgleich. Miura kreiert Objekte, die sich durch eine außergewöhnliche Ästhetik, Einfachheit und Präzision auszeichnen und die mit der Wahrnehmung von Dreidimensionalität spielen.

ES

Las obras del artista japonés Yoshiyuki Miura se pueden considerar como un intento de de regulación sistemática de la omnipresencia del caos. Con sus esculturas e instalaciones el artista refleja la continua relación entre espacio y tiempo. Él contrapone elementos opuestos en tensión guiándolos a un estado perfecto de equilibrio.

De esa forma, Miura crea objetos que juegan con nuestra percepción de lo tridimensional y maravilla al público con la relativa simpleza e inconfundible belleza y precisión de sus obras.

1 - Gelbe Arbeit, 2017. 30 x 30 x 15 cm. Edelstahl farbig lackiert, Holz, LED Lampe / Nylon-schnur, Lack Farbe, LED Beleuchtung / hilos de nylon, lacado, iluminación LED 2 - Ellipsoid Feuerrot, 2016. 30 x 30 x 15 cm. Edelstahl farbig lackiert, Holz, LED Lampe / Nylon-schnur, Lack Farbe, LED Beleuchtung / hilos de nylon, lacado, iluminación LED 3 - Wandarbeit Feuerrot, 2016. 180 x 50 x 18 cm. Painted nylon thread, metal, wood / Nylon-schnur, Lack Farbe / hilos de nylon, lacado 4, 5- Wandarbeit Rot / Wandarbeit Gelb, 2015. 280 x 30 cm. Painted nylon thread, metal, wood / Nylon-schnur, Lack Farbe / hilos de nylon, lacado 6 - Rote Pyramide, 2015. 200 x 200 x 200 cm. 4489 wires, painted nylonthread / 4489 Stahldrähte. rot lackiert, Nylonschnur / 4489 hilos de nylon, lacado

Victor Vasarely (FR)

EN

Victor Vasarely (1906-1997) is considered as one of the founders of the Op-Art movement. Through the juxtaposition of geometric patterns and vivid color schemes, he creates surprising, often irritating visual effects. Thus, his artworks possess an illusionist quality as it seems that the geometric forms vibrate and protrude from the flat canvas.

DE

Victor Vasarely (1906 - 1997) zählt zu den Mitbegründern der OpArt. Durch den geschickten Einsatz abstrakter Formmuster und geometrischer Farbfiguren werden beim Betrachter überraschende, bisweilen irritierende visuelle Effekte erzeugt. Seine Arbeiten besitzen demnach auch eine illusionistische Qualität, da es scheint, als würden sie vibrieren und aus dem planen Bildträge herausragen.

ES

Victor Vasarely (1906 - 1997) es considerado uno de los fundadores del movimeinto Op-Art. Por medio de la yustaposición de distintos motivos y vivos colores, crea sorprendetes, a veces incluso irritantes, efectos visuales. Así, su trabajo posee una cualidad ilusionista que hace que las formas geométricas vibren y sobresalgan de la superfecie plana del lienzo.

1 - Cheyt-E, 2016. 52,5 x 49,8 cm. acrylic on paperboard / Acryl auf Karton / acrílico sobre cartulina

Antonio Marra (IT) EN

Antonio Marra’s abstract works are truly fascinating due to their surprising change of form and colour. Each of his multi-perspective paintings contains several other pictures which reveal themselves by circling around the canvas. Step by step the spectator is drawn into a vivid and dynamic kaleidoscope of shape and colour.

Marra’s art is a surprising experience of unique visual and dimensional effects. This painter has come to his very own style reflecting and redefining the techniques of Op-art and Orphism.

DE

Antonio Marras abstrakte Arbeiten üben durch ihren verblüffenden Wandel von Form und Farbe eine außergewöhnliche Faszination aus. Jedes seiner multi-perspektivischen Gemälde enthält stets mehrere Bilder, die sich als ein lebendiges, bewegtes Kaleidoskop mit jedem Schritt verändern. Marras Kunst wird zum überraschenden Erlebnis, indem sie uns einzigartige visuelle und räumliche Effekte erfahren lässt. Der Maler hat zu einem ganz eigenen Stil gefunden, der die Techniken von Op-Art und Orphismus reflektiert und durch neue Varianten erweitert.

ES

Los cuadros abstractos de Antonio Marra conquistan por su fascinante ilusión óptica, que sorprende por el cambio de color y forma que suscitan sus obras. Cada obra con su multitud de perspectivas contiene a su vez más de un motivo abstracto, que se revela en el momento que el espectador se mueve paralelamente delante del cuadro, ofreciendo distintas e infinitas visiones del mismo lienzo.

Así el espectador es atraído en un caleidoscopio vivo repleto de colores. El arte de Antonio Marra está repleto de sorpresas visuales y efectos espectaculares. El artista ha llegado a crear su propio estilo artístico redefiniendo las técnicas de los artistas del Op-art y el orfismo.

1 - Leere erträgt mein Gemüt nicht, 2016. 120 x 150 cm. Acrylic on canvas / Acryl auf Leinwand / acrílico sobre lienzo 2 - Sehn-Sucht, 2016. 120 x 120 cm. Acrylic on canvas / Acryl auf Leinwand / acrílico sobre lienzo 3 - Wer ist hier eigentlich blind, 2016. 120 x 120 cm. Acrylic on canvas / Acryl auf Leinwand / acrílico sobre lienzo

*

left side, front side, right side linke Seite, Vorderseite, rechte Seite lado izquierdo, vista central, lado derecho

*

left side, front side, right side linke Seite, Vorderseite, rechte Seite lado izquierdo, vista central, lado derecho

*

left side, front side, right side linke Seite, Vorderseite, rechte Seite lado izquierdo, vista central, lado derecho

Albert Paley (US)

EN

Albert Paley is the first metal-sculptor who was awarded the prestigious “Institute Honor” by the American Institute of Architects.

Paley’s art fascinates the spectator thanks to the juxtaposition of art and architecture. During his extensive career, Paley has realized more than 50 site-specific sculptures both for companies and out in the public sphere. His vocabulary of forms combines curved shapes and ornamental elements derived from art nouveau coalescing into sculpture which could not be any more impressive.

DE

Albert Paley ist der erste Metall-Bildhauer, dem vom American Institute of Architects die “Institute Honor” verliehen wurde. Die Faszination von Paleys Kunst rührt von der meisterhaften Symbiose von Kunst und Architektur. Sowohl von öffentlichen Institutionen und Firmen beauftragt, hat Paley mehr als 50 ortspezifische Arbeiten verwirklicht. Sein Formenvokabular setzt sich aus großen, geschwungenen Flächen und ornamentalen, jugendstilhaften Elementen zusammen, die sich zu einem beeidruckenden Ganzen fügen.

ES

Albert Paley es el primer escultor de metal que fue galardonado con el premio “instituto Honoi” por el Instituto of Architects. El arte de Paley fascina al espectador gracias a la yuxtaposición de arte y arquitectura. Durante su extensa carrera, Paley ha realizado mas de 50 esculturas “in-situ” para empresas privadas o para la esfera pública. Su vocabulario de formas está compuesto por formas curvilineas y distintos elementos ornamentales derivados del art noveau, combinadas en esculpturas colosas.

1 - Envious Composure, 2013. 556 x 229 x 213 cm. Steel / Stahl / Acero.

2 - Arched progression (drawing), 2007. Graphite on paper / Graphit auf Papier / Grafito sobre papel.

3 - Arched progression, 2007. 172 cm. Steel / Stahl / Acero.

4 - Languorous Repose, 2007. 450 cm. Steel / Stahl / Acero.

Angela Glajcar (DE) EN

Angela Glajcar’s paper sculptures are hanging or floating in the air. Even though they seem light and delicate, they show a strong sculptural presence. Terforation is the title of Angela Glajcar’s cubic pieces. The staggered arrangement of the vertically hung series of sheets of white paper, with torn edges, produces cave-like recessions. These extend into the depth of the sculpture. The sharp ridges and deep caverns evoke associations with glacial or rock formations while light and shadow fall on the surface of the sheets, enlivening the interior of the oblong structure. The viewer is led into fascinating rooms of harmony and silence.

DE

Angela Glajcar verbindet Gegensätze. Ihre Papierskulpturen schweben frei im Raum oder bilden massive Blöcke. Sie wirken vom Material her leicht und zart, zeigen aber eine starke skulpturale Präsenz.

Terforation nennt Angela Glajcar die Kuben aus weißen Papieren.

Ihre streng geometrische Form wird aufgebrochen durch gerissene Kanten oder verschieden große Öffnungen. Durch die Staffelung der Papiere entstehen Hohlräume von einer enormen räumlichen Tiefe. Licht und Schatten machen diese lebendig. Assoziationen an gezackte Grate und das Innere tiefer Höhlen, an Gletscher- oder Felsformationen werden geweckt. Der Betrachter taucht ein in faszinierende Räume von vollkommener Harmonie und Ruhe.

ES

Las esculturas de papel de Angela Glajcar normalmente cuelgan del techo y flotan en el aire. Parecen delicadas y ligeras, pero sin embargo tienen una presencia extremadamente pesada. Terforation tiene el título de sus obras cúbicas. Las obras compuestas por distintas capas verticales de papel blanco colgantes, con cortes y roturas produce una sensación escenográfica de profundidad, como si se tratase de una cueva. Sus obras nos recuerdan a formaciones rocosas o glaciares, que en conjunto con la luz es capaz de desarrollar distintas estructuras. Así, el espectador es transportado a fascinantes espacios cargados de harmonía y silencio.

1 - Terforation 2014-080, 2014. 159 x 117 x 26 cm. Paper 400g, metal support/ Papier 400g, gerissen, Halterung aus Metall / papel 400g recortado, soporte de metal 2 - Paperwall 2013-022, 2013. 155 x 73 x 51 cm. Paper 400g / Papier 400g / Papel 400g 3 - Paperwall 2016-10, 2016. 38 x 35,5 x 11,5 cm. Paper 200g / Papier 200g / papel 200g

Keith Haring (US)

EN

With his distinctive pictorial language, Keith Haring has become an integral part of pop culture. His artworks are representative of New York City’s street culture of the 1980s and can be regarded as protest pieces against the conservatism of the Reagan era. Keith Haring’s canvases are populated by his iconic characters painted with bold lines and vivid colors, expressing various aspects of the human condition such as birth, death and sexuality.

DE

Dank seines unverkennbaren Stils ist Keith Haring ein fester Bestandteil der Pop-Kultur. Um den Reaktionismus der Reagan-Ära anzuprangen, bildete er die NYC Straßenkultur der 80er Jahre mit seinen Arbeiten ab. Seine ikonischen “characters” bevölkern die Leinwände und erzählen von Geburt, Tod und Sexualität.

ES

Con sus distintivo lenguaje pictórico, Keith Haring se ha convertido en una parte integral de la cultura pop. Sus obras de arte son representativas de la cultura callejera de Nueva York de los años 80 y pueden ser percibidas como obras activistas en contra de la política conservadora de Reagan. Los lienzos de Keith Haring estan repletos por sus figuras icónicas, hechas con lineas gruesas y colores vivos, las cuales relatan aspectos de la condición humana: vida, muerte, sexualidad o la guerra.

1 - Baby with red background, 1980. 37,5 x 40,5 cm. Marker on paper / Marker auf Papier / rotulador sobre papel 2 - LA2/Keith Haring, 1983. 79 x 100 cm. Ink on paper / Tusche auf Papier / Tinta sobre papel 3 - Computer brain, 1983. 79 x 100 cm. Marker on paper / Marker auf Papier / rotulador sobre papel

Moto Waganari (DE)

EN

Lutz Wagner aka Moto Waganari creates transparent network-sculptures which outline a delicate body frame. By illuminating his sculptures the artists multiplies his three-dimensional objects by a two-dimensional shadow revealing the immaterial alter ego of every figure. His characters seem to visualize a surreal, parallel world filled with surprise and enigma. Moto Waganari’s sculptures seduce the spectator with their appealing beauty and sophisticated weightlessness.

DE

Lutz Wagner aka Moto Waganari entwirft transparente Gitternetz-Skulpturen, die sich als schwerelose Körperhüllen vor dem Auge des Betrachters abzeichnen. Inszeniert als Lichtinstallationen werden die dreidimensionalen Figuren um ein zweidimensionales Schattenbild erweitert und erhalten ein immaterielles Alter Ego. Seine Wesen visualisieren eine surreale Parallelwelt, die voller Rätsel und Überraschungen steckt. Moto Waganaris raffinierte Kunstwerke bestechen durch formale Schönheit und filigrane Leichtigkeit.

ES

Lutz Wagner (también conocido como Moto Waganari) crea figuras transparentes formadas por delicadas lineas. Iluminando sus figuras el artista multiplica el efecto tridimensional de la obras, revelando el alter ego inmaterial de cada efigie. Sus personajes parecen visualizar un mundo surrealista paralelo, lleno de sorpresas y enigmas. Las esculturas de Moto Waganari seducen al espectador con su intensiva apariencia y su sofisticada ligereza.

1 - Baby Prayer black, 2012. 31 x 23 x 18 cm. SLS, Polyamide / SLS, Polyamid / SLS , Poliamida 2 - Big Jumpers 2017, 2015. 200 x 55 x 50 cm. SLS, Polyamide / SLS, Polyamid / SLS , Poliamida 4 - Balance, 2017. 45 x 17 x 27 cm. SLS, Polyamide / SLS, Polyamid / SLS , Poliamida 4 - Thinker red edition, 2017. 16 x 21 x 31 cm. SLS, Polyamide / SLS, Polyamid / SLS , Poliamida 5 - Thinker, 2016. 16 x 21 x 31 cm. SLS, Polyamide / SLS, Polyamid / SLS , Poliamida

Craig Alan (US)

EN

Craig Alan‘s collections run the gamut from abstract expressionism to haunting, graphic realism, each one a reflection of its creator‘s unique vision. He is most well-known for his Populus series, which drew inspiration from a balcony overlooking Orange Beach, Alabama where patrons enjoying a wedding party seemed to form the shape of an eye where they stood. Craig explains, „Inspiration begins with a ‚What if...‘ as I consider alternate imagery, surfaces, effects, results, etc. It comes from the past in conjunction with now. Like a bolt of lightning.“ Since the epiphany, his Populus series is now home to dozens of celebrities and icons of all ages.

DE

Geboren 1971 in San Bernardino in Kalifornien führte der Weg von Craig Alan in jungen Jahren nach New Orleans und schließlich an die Universität von Alabama. Schon als Student erregte er Aufsehen. Preise und Auszeichnungen für seine künstlerischen Arbeiten bedeuteten keinen Stillstand, sondern vielmehr Anreiz, neue Ausdrucksformen in der Mixed-Media-Technik zu entwickeln. Ausgangspunkt seiner auf Holz und Leinwand realisierten Werke sind zunächst eigene Fotoaufnahmen von Menschengruppen. Durch aufwendige Bildauflösungen und optische Veränderungen entstehen anschließend unterschiedliche Choreografien, die oft Porträts bedeutender Künstlerpersönlichkeiten zum Vorbild haben.

ES

Craig Alan nació en el año 1971 en San Bernardino, California. A edad muy temprana se trasladó a Nueva Orleans y terminó accediendo a la Universidad de Alabama. Siendo estudiante consiguió ya multitud de seguidores, galardones y premios, hecho le animaría a continuar su trabajo como artista y empezar su carrera profesional e investigar su propio estilo dentro de la técnica mixta. El punto de partida de sus pinturas sobre tabla o lienzo son la elaboración de masas multitudinarias realizadas con extrema precisión. Por medio de un efecto óptico y la propia perspectiva del público, los cuadros terminan dando lugar a retratos de personajes archiconocidos, muchos de ellos artistas o actores de fama mundial.

1 - Samo (Basquiat), 2016. 122 x 122 cm. acrylic on canvas / Acryl auf Leinwand / acrílico sobre lienzo 2 - Jasper Johns, 2017. 92 x 92 cm. acrylic on canvas / Acryl auf Leinwand / acrílico sobre lienzo 3 - Rembrandt, 2016. 152 x 122 cm. acrylic on canvas / Acryl auf Leinwand / acrílico sobre lienzo

Medardus (CH)

EN

Camille Hagner aka Medardus developes his painting cycles by searching for clues in the past. For his oil paintings the artist combines motives of historical paintings or photographs with his own picture imaginations and creatures as well as with contemporary topics such as technology or aerospace. Hagner creates ambivalent, strange visual spaces, in which humans, animals and machines merge to timeless views. The artist lives and works in Switzerland.

DE

Der Künstler Medardus, der mit vollem Namen Camille Medardus Hagner heißt, entwickelt seine Gemäldezyklen mittels Spurensuche in der Vergangenheit. Für seine Ölgemälde kombiniert der Künstler Motive historischer Gemälde oder Fotografien mit eigenen Bildimaginationen und Geschöpfen sowie zeitgenössischen Themenbereichen aus Technik oder Raumfahrt. Medardus erschafft ambivalente, fremdartige Bildräume in denen Mensch, Tier und Maschine zu zeitlosen Ansichten verschmelzen. Der Maler lebt und arbeitet in der Schweiz.

ES

Camille Hagner, también conocido como Medardus, desarrolla sus series pictóricas buscando en el pasado. En sus pinturas al óleo el artista combina motivos clásicos de la pintura renacentista y barroca, fotografías antiguas y su propia imaginación, así cómo motivos sacados del mundo de la ciencia ficción, como aeronaves o robots.

Medardus crea ambivalentes y extraños espacios visuales, en los cuales humanos, animales y máquinas emergen en visiones absolutamente atemporales. El artista vive y trabaja en Suiza.

1 - Bot, 2016. 90 x 120 cm. Oil on canvas / Öl auf Leinwand / óleo sobre lienzo 2 - The Rest of the Robots, 2016. 90 x 115 cm. Oil on canvas / Öl auf Leinwand / óleo sobre lienzo 3 - Ship of Shadows, 2016. 160 x 120 cm. Oil on canvas / Öl auf Leinwand / óleo sobre lienzo

We express our sincere gratitude to Thomas Modern Gallery Munich Saphira & Ventura Gallery New York / SĂŁo Paulo Albert Paley Studios New York for their friendly collaboration and support of NEW MASTERS