Booklet SCOPE 2017 // HEITSCH GALLERY

HEITSCH

HEITSCH GALLERY Reichenbachstraße 14 80469 Munich Germany

SCOPE BASEL BOOTH B03 Webergasse 34 4058 Basel Switzerland Platinum First View - 13.6. (10 am - 1 pm) VIP and Press Preview - 13.6. (1 - 4 pm) Public Opening - 13.6 . (4 - 7 pm) 14.6. - 17.6. (11 am - 8 pm) 18.6. (11 am - 6 pm) scope-art.com

Office + 49 89 269 49 11 0 GER + 49 160 727 61 54 heitschgallery.com

ART PAMPELONNE BOOTH C15 Route de L’Épi 83350 Ramatuelle France Vernissage - 29.6. (10 am - 1 pm) Public Opening - 29.6. (2 - 9 pm) 30.6. - 1.7. (12 - 9 pm) 2.7. - 17.6. (12 - 8 pm) artpampelonne.com

HEITSCH GALLERY

EN

Since 1994 Joerg Heitsch runs his gallery in Munich to feature international contemporary art. With the opening of Joerg Heitsch Gallery GmbH at the Lake Tegernsee with a sculpture garden in 2013 the focus on figurative and abstract painting was opened towards contemporary sculpture. The gallery intends to promote primarily young talents who reflect on modern issues and redefine art history in order to give them a chance to enter prominent private and public collections.

DE

Seit 1994 betreibt Jörg Heitsch die Galerie für internationale zeitgenössische Kunst in München am Gärtnerplatz mit der Entwicklung und Umsetzung von Kulturkonzepten an der Schnittstelle von Kunst, Kommunikation & Markt. Mit der Eröffnung einer Dependance am Tegernsee mit Skulpturengarten im Herbst 2013 wurde der Fokus von figurativer und abstrakter Malerei auf die zeitgenössische Bildhauerei ausgeweitet.

Das besondere Engagement der Galerie gilt zeitgenössischen Künstlern, die moderne Inhalte vermitteln und die die Kunstgeschichte neu ausloten.

ES

Desde 1994 Joerg Heitsch está a cargo de su galería en Múnich para dar a conocer artistas contemporáneos internacionales. Con la apertura de Joerg Heitsch Gallery GmbH en el lago de Tegernsee con un jardín repleto de esculturas en el año 2013, el repertorio característico de la galerá con pintura figurativa y la pintura abstracta, abrió camino a la escultura. La galería tiene como objetivo promover jóvenes talentos que reflejan temáticas de interés actuales, como una redefinición de la historia del arte, buscando darle una oportunidad a los artistas de entrar en colecciones privadas y públicas internacionales.

NEW MASTERS

EN

NEW MASTERS is a brand-new exhibition concept for art and intercultural communication on a global level. Emerging and cutting-edge artists whose art is deeply rooted in art history present their artworks in dialog with the Old and Modern Masters. The exhibiting artists originate from a variety of countries and were selected by curator Joerg Heitsch.

DE

NEW MASTERS ist ein brandneues Ausstellungskonzept für Kunst und interkulturelle Kommunikation auf einem internationalen Level. Aufstrebende und bereits etablierte Künstler, deren Kunst tief in der traditionellen Kunstgeschichte verwurzelt ist, präsentieren ihre Kunstwerke im Dialog zu den Alten Meistern und den großen Namen der Moderne. Die vertretenen Künstler stammen aus einer Vielzahl von Ländern und wurden vom Münchner Kurator Jörg Heitsch ausgewählt.

ES

NEW MASTERS es un nuevo concepto expositivo de arte y comunicación intercultural en un nivel internacional. Emergentes y ya establecido artistas, cuya obra tiene una gran influencia de la historia del arte, presentan sus obras en dialogo con los clásicos y modernos maestros.Los artistas expuestos provienen de distintos paises y son seleccionados por el curador Joerg Heitsch.

VS

RAFAEL SOTO

YOSHIYUKI MIURA

VS

VICTOR VASARELY

ANTONIO MARRA

VS

LUCIO FONTANA

ANGELA GLAJCAR

VS

ERIC ORR

DIRK SALZ

VS

CRAIG KAUFFMAN

CHRISTIANE GRIMM

VS

DANIEL BUREN

ROLAND HELMER

VS

LUCAS BLOK

BARNETT NEWMAN

VS

GIOVANNI BATTISTA PIRANESI

SLAVA SEIDEL

VS

ROBERT RAUSCHENBERG

MARCUS JANSEN

VS

RODIN

MOTO WAGANARI

Yoshiyuki Miura (JP) EN

Yoshiyuki Miura’s works may be considered a systematizing regulation to the omnipresent chaos. With his sculptures and installations the Japanese artist reflects on the relation of space and time. He leads force and counterforce in order to bring them into a balanced state of tension and release. Miura creates objects which play with our perception of three-dimensionality and intrigue us by their extraordinary simplicity, precision and beauty.

DE

Yoshiyuki Miuras Werke lassen sich als ordnender Eingriff in das allgegenwärtige Chaos begreifen. In seinen Skulpturen und Rauminstallationen reflektiert der japanische Künstler das Verhältnis von Raum und Zeit. Er lotet Kraft und Gegenkraft aus und bringt sie in einen harmonischen Zustand von Spannung und Ausgleich. Miura kreiert Objekte, die sich durch eine außergewöhnliche Ästhetik, Einfachheit und Präzision auszeichnen und die mit der Wahrnehmung von Dreidimensionalität spielen.

ES

Las obras del artista japonés Yoshiyuki Miura se pueden considerar como un intento de de regulación sistemática de la omnipresencia del caos. Con sus esculturas e instalaciones el artista refleja la continua relación entre espacio y tiempo. Él contrapone elementos opuestos en tensión guiándolos a un estado perfecto de equilibrio.

De esa forma, Miura crea objetos que juegan con nuestra percepción de lo tridimensional y maravilla al público con la relativa simpleza e inconfundible belleza y precisión de sus obras.

1 - Gelbe Arbeit, 2017. 30 x 30 x 15 cm. Edelstahl farbig lackiert, Holz, LED Lampe / Nylonschnur, Lack Farbe, LED Beleuchtung / hilos de nylon, lacado, iluminación LED 2 - Ellipsoid gelb, 2016. 50 x 50 x 20 cm. Stainless steel, painted color, wood, LED lamp / Nylonschnur, Lack Farbe, LED Beleuchtung / hilos de nylon, lacado, iluminación LED 3 - Wandarbeit Gelb, 2017. 180 x 50 x 18 cm. Painted nylon thread, metal, wood / Nylonschnur, Lack Farbe / hilos de nylon, lacado 4, 5- Wandarbeit Rot / Wandarbeit Gelb, 2015. 280 x 30 cm. Painted nylon thread, metal, wood / Nyloschnur, Lack Farbe / hilos de nylon, lacado 6 - Rote Pyramide, 2015. 200 x 200 x 200 cm. 4489 wires, painted nylonthread / 4489 Stahldrähte. rot lackiert, Nylonschnur / 4489 hilos de nylon, lacado

Antonio Marra (IT) EN

Antonio Marra’s abstract works are truly fascinating due to their surprising change of form and colour. Each of his multi-perspective paintings contains several other pictures which reveal themselves by circling around the canvas. Step by step the spectator is drawn into a vivid and dynamic kaleidoscope of shape and color. Marra’s art is a surprising experience of unique visual and dimensional effects. The painter has come to his very own style reflecting and redefining the techniques of Op-art and Orphism.

DE

Antonio Marras abstrakte Arbeiten üben durch ihren verblüffenden Wandel von Form und Farbe eine außergewöhnliche Faszination aus. Jedes seiner multi-perspektivischen Gemälde enthält stets mehrere Bilder, die sich als ein lebendiges, bewegtes Kaleidoskop mit jedem Schritt verändern. Marras Kunst wird zum überraschenden Erlebnis, indem sie uns einzigartige visuelle und räumliche Effekte erfahren lässt. Der Maler hat zu einem ganz eigenen Stil gefunden, der die Techniken von Op-Art und Orphismus reflektiert und durch neue Varianten erweitert.

ES

Los cuadros abstractos de Antonio Marra conquistan por su fascinante ilusión óptica, que sorprende por el cambio de color y forma que suscitan sus obras. Cada obra con su multitud de perspectivas contiene a su vez más de un motivo abstracto, que se revela en el momento que el espectador se mueve paralelamente delante del cuadro, ofreciendo distintas e infinitas visiones del mismo lienzo.

Así el espectador es atraído en un caleidoscopio vivo repleto de colores. El arte de Antonio Marra está repleto de sorpresas visuales y efectos espectaculares. El artista ha llegado a crear su propio estilo artístico redefiniendo las técnicas de los artistas del Op-art y el orfismo.

1 - Wer ist hier eigentlich blind, 2016. 120 x 120 cm. Acrylic on canvas / Acryl auf Leinwand / acrílico sobre lienzo 2 - Burnout? Nie gehört!, 2015. 100 x 100 cm. Acrylic on canvas / Acryl auf Leinwand / acrílico sobre lienzo 3 - Wir füttern uns gegenseitig, 2016. 50 x 50 cm. Acrylic on canvas / Acryl auf Leinwand / acrílico sobre lienzo

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left side, front side, right side linke Seite, Vorderseite, rechte Seite lado izquierdo, vista central, lado derecho

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Angela Glajcar (DE) EN

Angela Glajcar’s paper sculptures are hanging or floating in the air. Even though they seem light and delicate, they show a strong sculptural presence. Terforation is the title of Angela Glajcar’s cubic pieces. The staggered arrangement of the vertically hung series of sheets of white paper with torn edges, produces cave-like recessions. These extend into the depth of the sculpture. The sharp ridges and deep caverns evoke associations with glacial or rock formations while light and shadow fall onto the surface of the sheets, enlivening the interior of the oblong structure. The viewer is led into fascinating rooms of harmony and silence.

DE

Angela Glajcar verbindet Gegensätze. Ihre Papierskulpturen schweben frei im Raum oder bilden massive Blöcke. Sie wirken vom Material her leicht und zart, zeigen aber eine starke skulpturale Präsenz.

Terforation nennt Angela Glajcar die Kuben aus weißen Papieren.

Ihre streng geometrische Form wird aufgebrochen durch gerissene Kanten oder verschieden große Öffnungen. Durch die Staffelung der Papiere entstehen Hohlräume von einer enormen räumlichen Tiefe. Licht und Schatten machen diese lebendig. Assoziationen an gezackte Grate und das Innere tiefer Höhlen, an Gletscher- oder Felsformationen werden geweckt. Der Betrachter taucht ein in faszinierende Räume von vollkommener Harmonie und Ruhe.

ES

Las esculturas de papel de Angela Glajcar normalmente cuelgan del techo y flotan en el aire. Parecen delicadas y ligeras, pero sin embargo tienen una presencia extremadamente pesada. Terforation tiene el título de sus obras cúbicas. Las obras compuestas por distintas capas verticales de papel blanco colgantes, con cortes y roturas produce una sensación escenográfica de profundidad, como si se tratase de una cueva. Sus obras nos recuerdan a formaciones rocosas o glaciares, que en conjunto con la luz es capaz de desarrollar distintas estructuras. Así, el espectador es transportado a fascinantes espacios cargados de harmonía y silencio.

1 - Paperwall 2013-022, 2013. 46 x 66 x 11 cm. Paper 400g / Papier 400g / Papel 400g 2 - Corum 2015-052, 2015. 140 x 104 x 50 cm. Glass fabric 200g / Glasgewebe 200g / Fibra de vidrio 200g 3 - Terforation 2014-080, 2014. 159 x 117 x 26 cm. Paper 400g, metal support/ Papier 400g, gerissen, Halterung aus Metall / papel 400g recortado, soporte de metal

Dirk Salz (DE) EN

Dirk Salz works on paintings whose most striking feature is their high-gloss surface.

These are the result of the usage of multi-layered epoxy resins coated with pigments and the sealing with polyurethane varnish. The images of Dirk Salz always aim at the experience of the temporality of seeing. They demand an active viewer, who takes the time to move back and forth, in front the initially closing works, in order to open up their complexity. Thus, the phenomenon of reflection in an integral part of Salz’s works: optically as the mirroring property of the picture surfaces, as a reflection-aesthetic as the reflection of the viewer on his own visual experience.

DE

Dirk Salz arbeitet an Gemälden, deren auffälligstes Merkmal ihre hochglänzenden Oberflächen sind. Diese kommen durch den Einsatz mehrschichtig aufgetragener, mit Pigmenten versehener Epoxidharze und die Versiegelung mit Polyurethanlack zustande. Die Bilder von Dirk Salz zielen immer auf die Erfahrung der Zeitlichkeit des Sehens. Sie fordern einen aktiven Betrachter, der sich die Zeit nimmt, sich vor den sich zunächst verschließenden Arbeiten hin und her, vor und zurück zu bewegen, den Blick jeweils neu zu fokussieren, um sich so langsam ihre Komplexität zu erschließen. Reflektion ist bei diesen Arbeiten also in zweierlei Form im Spiel: optisch als die Spiegelungseigenschaft der Bildoberflächen, rezeptionsästhetisch als die Reflexion des Betrachters auf seine eigene Seherfahrung.

ES

Los trabajos pictóricos de Dirk Salz son sobre todo reconocibles por el acabado en brillo que reciben sus obras. Estos son el resultado del uso de resina epoxi cubierto por pigmentos y el uso de barniz de poliuterano. Las imágenes de Dirk Salz siempre buscan captar las experiencia temporal de la propia visión. Demandan de esa forma un espectador activo, que se tome su tiempo para poder vislumbrar las obras desde todas las perspectivas posibles, para que su complejidad se pueda ir aclarando paulatinamente. El reflejo de uno mismo en su obra representa una parte importante, ya que no sólo es un reflejo físico, ya que nos vemos reflejados, si no que el espectador ve reflejado su propia acción de espectador, viéndose como parte de la obra.

1 - #2103, 2015. 160 x 30 x 12 cm. Pigments and resin on multiplex Pigmente und Harz auf Multiplex / pigmentos y resina sobre multiplex 2 - #1956 , 2012. 100 x 100 x 8 cm. Pigments and resin on multiplex and aluminium Pigmente und Harz auf Multiplex und Aluminium / pigmentos y resina sobre multiplex y aluminio 3 - #2230 , 2017. 160 x 140 x 12 cm. Pigments and resin on multiplex Pigmente und Harz auf Multiplex / pigmentos y resina sobre multiplex 4 - #1979, 2012. 120 x 100 x 9 cm. Pigments and resin on multiplex Pigmente und Harz auf Multiplex / pigmentos y resina sobre multiplex 5 - #2162 , 2016. 100 x 90 x 8 cm. Pigments and resin on multiplex Pigmente und Harz auf Multiplex / pigmentos y resina sobre multiplex

Slava Seidel (RU)

EN

The magic compositions by the Russian painter Slava Seidel visualize a world shifting between truth and illusion. Her sepia-ink drawings depict surreal scenes in stupendous architectural settings which create a feeling of tension, vertigo and dynamic. The artist masters to depict even the most complex architectural structures in contortion - despite the challenging ink-technique which does not allow any later corrections. Seidel‘s technical precision is just as remarkable as her imaginary gift which takes us to unknown, fantastic realities.

DE

Die magischen Kompositionen der russischen Malerin Slava Seidel visualisieren eine Welt zwischen Wahrheit und Illusion. Ihre Zeichnungen in Sepiatusche zeigen surreale Szenen vor beeindruckender Architektur-Kulisse, die ein Gefühl von Schwindel, Spannung und Dynamik provozieren. Sogar in Verzerrung meistert die Künstlerin die Darstellung der komplexer Architekturformen - trotz der anspruchsvollen Tuschetechnik, die keine späteren Korrekturen erlaubt. Seidels technische Präzision ist ebenso bemerkenswert wie ihr Talent zur Bildimagination, das uns in unbekannte, phantastische Realitäten entführt.

ES

Las composiciones mágicas de la pintora rusa visualizan un mundo entre la realidad y la ilusión. Sus dibujos en tinta sepia muestran escenas surrealistas en frente de una arquitectura impactante. Incluso en la deformación en curvatura la artista supera la presentación de las formas arquitectónicas más complejas – a pesar de la técnica de tinta desafiante que no permite correcciones posteriores.

1 - Zwei Zylinder, 2017. 70 x 50 cm. Sepia ink and watercolor on paper Sepiatusche und Aquarell auf Papier / tinta sepia y acuarela sobre papel 2 - Ausblick, 2016. 130 x 150 cm. Oil and Sepia ink on canvas Öl und Sepiatusche auf Leinwand / óleo y tinta sepia sobre lienzo 3 - Fractured, 2017. 130 x 150 cm. Oil and Sepia ink on canvas Öl und Sepiatusche auf Leinwand / óleo y tinta sepia sobre lienzo 4 - Fenster, 2017. 100 x 70 cm. Sepia ink and watercolor on paper Sepiatusche und Aquarell auf Papier / tinta sepia y acuarela sobre papel 5 - Edge of Illusion, 2016. 100 x 70 cm. Sepia ink and watercolor on paper Sepiatusche und Aquarell auf Papier / tinta sepia y acuarela sobre papel

Christiane Grimm (DE)

EN

Christiane Grimm’s artworks are composed out of different glass panels and other reflective materials, which are arranged in such a manner that the light is refracted, thus, creating an pictorial world that absorbs the spectator.

Grimm’s artwoks posses a poetic quality, they are illusionistic architectures made up out of luminous planes which are seemingly floating. It is nearly impossible to locate the different surfaces within the room.

Moreover, optical illusions dampen the viewer’s spatial perception and create an open field between painting, plastic and architecture.

DE

Christiane Grimm gestaltet ihre Bildobjekte meist als Räume aus verschiedenen Gläsern und Materialien, die sie so anordnet, dass die Durchbrechung des einen durch das andere eine kalkulierte und zugleich vitale Bildwelt erzeugt. Es sind poetische Gebilde und Scheinarchitekturen aus lichten, schwebenden Flächen – unbunt oder farbig. Die Anordnung der einzelnen Elemente unterwandert jeden Versuch einer eindeutigen perspektivischen Zuordnung. Zusätzlich irritieren optische Effekte die räumliche Wahrnehmung und kreieren ein offenes Feld zwischen Malerei, Plastik und Architektur.

ES

Christiane Grimm diseña sus artefactos la mayoría de las veces como espacios construidos con distintos tipos de cristales y materiales, ordenándolo de tal forma, que genera una composición única calculada y a la vez vital. Son composiciones prácticamente líricas con inspiraciones arquitectónicas hechas de luz y superficies flotantes. Estas composiciones de los elementos intenta romper la perspectiva en múltiples posibles puntos de fuga. De esa forma se crean vibrantes efectos ópticos del espacio creado, dando lugar a un nuevo estilo artístico que combina pintura, instalación y arquitectura.

1 - Verdelith, 2016. 30 x 30 x 8 cm. Mixed media and plexiglas Mischtechniken und Plexiglas / Técnica mixta y plexiglás 2 - It´s running deep, 2015. 60 x 60 x 10 cm. Mixed media and plexiglas Mischtechniken und Plexiglas / Técnica mixta y plexiglás 3 - Mellow, 2015. 60 x 60 x 10 cm. Mixed media and plexiglas Mischtechniken und Plexiglas / Técnica mixta y plexiglás

on canvas bre lienzo

Roland Helmer (DE) EN

Since the 1960s, Roland Helmer develops his constructive and concrete works with the utmost consequence. His abstract-geometric early works shows clear forms, quiet areas and are limited to a maximum of 7 or 8 bright colors. The variety of shapes is reduced in later work on narrow and wide lines in a vertical and horizontal screen layout. The color palette expands on certain issues by blends and underpainting with white and black. In painting concrete and constructive, he is one of those painters who bring a personal picture as part of an imaging system.

DE

Seit den 60er Jahren entwickelt Roland Helmer seine konstruktiv- konkreten Arbeiten mit größter Konsequenz. Sein abstraktgeometrisches Frühwerk zeigt klare Formen, ruhige Flächen und beschränkt sich auf maximal 7 oder 8 leuchtende Farben. Die Formenvielfalt reduziert sich im Spätwerk auf schmale und breite Linien in einem senkrechten und waagrechten Bildaufbau. Die Farbpalette erweitert sich bei bestimmten Themen durch Abmischungen und Untermalungen mit Weiß und Schwarz.

ES

Desde los años sesenta desarrolla Roland Helmer sus obras constructivas y concretas. Sus primeras obras geométricas abstractas representan claras formas, áreas extensas y se limita al uso de un máximo de siete u ocho colores vivos. Conforme va pasando el tiempo el artista sus formas se reducen a diseños a lineas de distintos grosores, ya sea dispuestas de forma horizontal o vertical. La paleta de colores, sin embago, se expande por medio de la superposición del color blanco o negro. Como pintor constructivista, es uno de esos artistas que es capaz de construir una visión personal dentro de un mundo completamente geométrico.

1 - Zwei Dinge - rot, 2015. 140 x 100 x 5 cm. Acrylic and vinyl on canvas Acryl und Vinyl auf Leinwand / acrílico y vinilo sobre lienzo 2 - V 50 - 2015 Umlaufende gelbe Linie , 2016. 80 x 80 x 14 cm. Acrylic and vinyl on wood Acryl und Vinyl auf Holz / acrílico y vinilo sobre tabla 3 - V62 - bunt/unbunt, diagonal-hellgelb, 2015. 50 x 50 x 8,5 cm. Acrylic and vinyl on wood Acryl und Vinyl auf Holz / acrílico y vinilo sobre tabla

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Marco Casentini (IT) EN

Marco Casentini’s works explore the spatial dynamics of color, texture and shape. He is inspired by designs of urban spaces and reflects on geometrical and architectural questions. By decoding environments and urban structures that he perceives immediately, he deconstructs and interprets designs of architects, engineers and town planners. Casentini´s use of radiant, bright or strong colors is stimulated by southern Californian or Mexican paintings of houses and dematerializes their architectural surfaces.

DE

Marco Casentini erkundet in seinen Arbeiten räumliche Dynamiken von Farbe, Textur und Form. Seine von der Gestaltung des städtischen Raumes inspirierten Werke spiegeln sein Interesse an Geometrie sowie Architektur und eröffnen dem Betrachter mit ihrer leuchtenden, hellen Farbpalette die Stimmung der lebendigen Häuseranstriche Südkaliforniens und Mexikos. Er dekodiert die architektonischen Oberflächen und das, was er unmittelbar wahrnimmt – das kann zum Beispiel eine Achterbahn sein –, indem er die Entwürfe von Architekten, Ingenieuren und Stadtplanern dekonstruiert und neu interpretiert. Monochromatische Werke, die Casentini aus seinen europäischen Erfahrungen generiert, weisen dunklere Farben mit ihren Variationen im Farbton auf.

ES

Marco Casentini explora en su trabajo distintas dinámicas espacios de color, textura y forma. Él se deja inspirar por diseños urbanísticos y dejándose ver en sus obras su interés por la geometría y la arquitectura. El artista de esa forma codifica distintos ambientes y estructuras urbanas que se van desmaterializando y deconstruyendo en su obra a forma de distintos espacios planos repletos de color. Sus obras se ven intensamente influenciadas por artistas californianos o la pintura mejicana.

1 - You are so far from me, 2016. 60 x 30 cm. Oil on canvas / Öl auf Leinwand / óleo sobre lienzo 2 - The sisters, 2016. 90 x 90 cm. Acrylic on coloured mirrow and plexiglas Acryl auf farbigem Spiegel auf Plexiglas / acrílico sobre espejos tintados y plexiglás.

3 - Landscape in red, 2016. 90 x 90 cm. Acrylic on coloured mirrow and plexiglas Acryl auf farbigem Spiegel auf Plexiglas / acrílico sobre espejos tintados y plexiglás.

Lucas Blok (US) EN

Lucas Blok’s paintings emanate and pulsate with a quiet complexity. One first sees the vivid color fields arranged in geometric tautness, then the subtleties in color and shape begin to work. The pristine surfaces of Blok’s paintings seem to vibrate: dominant shapes appear to dematerialize; color chords register their optical strength; phantom colors migrate or surge across the picture plane. The artist ushers the viewer into a world of color relationships that play on optical nerves and emotions alike. Adjacent color areas harmonize or generate delicate discords that become, like musical compositions, harmony, rhythm, discord, balance.

DE

Lucas Bloks Gemälde pulsieren und verströmen eine ruhige Komplexität. Der Künstler führt den Betrachter in eine Welt von Farbverhältnissen, die optischen Nerven und Emotionen gleichermaßen ansprechen. Zunächst erscheinen die lebendigen Farbfelder in geometrischer Strenge angeordnet, um sich dann in einem Spiel aus Form und Farbe vollends zu entfalten. Die unberührten Flächen von Bloks Gemälden vibrieren: dominante Formen scheinen sich zu entmaterialisieren; Farb- Akkorde erstrahlen in ihrer optischen Stärke; Phantomfarben wandern quer über die Bildebene. Benachbarte Farbflächen harmonisieren oder erzeugen zarte Dissonanzen, die wie musikalische Kompositionen zu Harmonie, Rhythmus, Zwietracht oder Gleichgewicht werden.

ES

Las pinturas de Lucas Blok emanan una complexidad innata. El artista guía al espectador a un mundo repleto de distintos matices.

La obra de Blok empieza introduciéndonos en campos repletos de color y forma. La perfecta superficie de la obra de Block vibra: formas dominantes de los cuadros parecen desmaterializarse; colores quiméricos parecen trasladarse de una zona otra del cuadro.

El artista guía al espectador dentro de un mundo repleto de colores que juega de la misma forma con nuestro sentido óptico y con nuestras emociones. Áreas de colores adyacentes armonizan o generan delicados contrastes que se transforman en una delicada composición cercana a una pieza musical.

1 - Untitled, 2007. 137,5 x 137,5 cm. Acrylic on canvas / Acryl auf Leinwand / acrílico sobre lienzo

Marcus Jansen (US)

EN

Marcus Jansen is considered a pioneer in the “urban” form of expressionism. He started doing art in the early 1980s in Germany during an ongoing graffiti art movement from New York City after being introduced to graffiti artist WEST ONE. Jansen was raised bilingual by a father from Germany and Mother from the West Indies and was educated in Germany. In the late 1990’s he managed to merge his own history, political/social commentary and background from the worlds he grew up in and from what was called “graffiti” to crossover of contemporary expressionism or neo-expressionism in paintings by the likes of Robert Rauschenberg and

Jean-Michel Basquiat.

DE

Marcus Jansen gilt als einer der Pioniere einer neuen „urbanen“ Form des Expressionismus. Er begann in den 80er Jahren damit, sich in der Graffiti Szene einen Namen zu machen, wo er u.a. WEST ONE nacheiferte. Jansen wurde zweisprachig von seinem deutschen Vater und seiner west-indischen Mutter aufgezogen und ging in Deutschland zur Schule. In den ausgehenden 90er Jahren entwickelte er seinen unverwechselbaren neo-expressionistischen „Crossover“ Stil, der im klassischen Expressionismus fußt und sich auf Künstler wie Robert Rauschenberg und Jean-Michel Basquiat bezieht. Themen von Jansens oft großformatigen Arbeiten sind seine eigene Herkunft, Pop-Kultur und die politische/soziale Entwicklungen.

ES

Marcus Jansen es considerado uno de los pioneros del expresionismo „urbano“. Él empezó haciendo arte a principios de los años 80 en Alemania durante el movimiento del grafiti proveniente de Nueva York, después de ser introducido por el artista urbano WEST ONE. Jansen fue creció en la familia hablando dos idiomas.

Su padre es de origen alemán y su madre de origen indiano. A finales de los años 90 él consiguió usar todo aquel bagaje histórico y político social que le acompañó, el mundo del grafiti con el expresionismo contemporáneo y el neoexpresionismo pictóricos, al estilo cercano de Robert Rauschenberg y Jean-Michel Basquiat.

1 - The Rescue Ring I found close by, 2015. 274 x 224 cm. Oil and mixed media on canvas / Öl und Mischtechniken auf Leinwand / óleo und técnica mixta sobre lienzo 2 - Divine Clouds, 2016. 23 x 30 cm. Oil on paper / Öl auf Papier / óleo sobre papel 3 - Gap, 2016. 23 x 30 cm. Oil on paper / Öl auf Papier / óleo sobre papel 4 - Contemplating , 2016. 23 x 30 cm. Oil on paper / Öl auf Papier / óleo sobre papel 5 - The Rock In My Hand, 2015. 183 x 213 cm. Oil and mixed media on canvas / Öl und Mischtechniken auf Leinwand / óleo und técnica mixta sobre lienzo 6 - The Hunted, 2016. 183 x 213 cm. Oil and mixed media on canvas / Öl und Mischtechniken auf Leinwand / óleo und técnica mixta sobre lienzo 7 - Dreams Between War and Beach, 2016. 61 x 61 cm. Oil on canvas / Öl auf Leinwand / óleo sobre lienzo

Moto Waganari (DE)

EN

Lutz Wagner aka Moto Waganari creates transparent network-sculptures which outline a delicate body frame. By illuminating his sculptures the artists multiplies his three-dimensional objects by a two-dimensional shadow revealing the immaterial alter ego of every figure. His characters seem to visualize a surreal, parallel world filled with surprise and enigma. Moto Waganari’s sculptures seduce the spectator with their appealing beauty and sophisticated weightlessness.

DE

Lutz Wagner aka Moto Waganari entwirft transparente Gitternetz-Skulpturen, die sich als schwerelose Körperhüllen vor dem Auge des Betrachters abzeichnen. Inszeniert als Lichtinstallationen werden die dreidimensionalen Figuren um ein zweidimensionales Schattenbild erweitert und erhalten ein immaterielles Alter Ego. Seine Wesen visualisieren eine surreale Parallelwelt, die voller Rätsel und Überraschungen steckt. Moto Waganaris raffinierte Kunstwerke bestechen durch formale Schönheit und filigrane Leichtigkeit.

ES

Lutz Wagner (también conocido como Moto Waganari) crea figuras transparentes formadas por delicadas lineas. Iluminando sus figuras el artista multiplica el efecto tridimensional de la obras, revelando el alter ego inmaterial de cada efigie. Sus personajes parecen visualizar un mundo surrealista paralelo, lleno de sorpresas y enigmas. Las esculturas de Moto Waganari seducen al espectador con su intensiva apariencia y su sofisticada ligereza.

1 - Thinker red edition, 2017. 16 x 21 x 31 cm. SLS, Polyamide / SLS, Polyamid / SLS , Poliamida 2 - Big Jumpers 2017, 2015. 200 x 55 x 50 cm. SLS, Polyamide / SLS, Polyamid / SLS , Poliamida 3 - Woman Dance 01, 2016. 13 x 15 x 42 cm. SLS, Polyamide / SLS, Polyamid / SLS , Poliamida

HEITSCH