2. Bijenale slikarstva i gostujuća izložba Vienna Calling

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UVOD - Tomislav buntak INTRO - Tomislav buntak INTRO - Tomislav buntak

Zagreb – Beč: udahnut je novi život vezi s bogatom tradicijom - Georg Christian Lack Zagreb-Wien: Einer traditionsreicher Verbindung neues Leben einhauchen - Georg Christian Lack Zagreb – Vienna: breathing new life into a link with a long tradition- Georg Christian Lack

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Vienna Calling umjetnici Vienna Calling Künstlerinnen und Künstler Vienna Calling Artists

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Vienna Calling - Theresia Hauenfels Vienna Calling - Theresia Hauenfels Vienna Calling - Theresia Hauenfels

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2. Bijenale slikarstva 2nd Biennale of Painting 2. Malerei - Biennale

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Kultura oka - kultura slike - Željko Marciuš Die Kultur des Auges - Die Kultur des Bildes - Željko Marciuš Eye culture – painting culture - Željko Marciuš

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BIJENALE U POTRAZI ZA (MEDIJSKOM) SLIKOM - saša pavković Biennale auf der Suche nach dem (Medien) BilD - saša pavković BIENNALE LOOKING FOR A (MEDIA) IMAGE - saša pavković

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IMPRESSUM

* Detalj / Detail / detail

2. bijenale slikarstva sastoji se od dvije cjeline: međunarodni program Vienna calling koji predstavlja dvanaestero suvremenih austrijskih slikara i slikarica te program hrvatske selekcije koji predstavljaju 54 slikara i slikarica svih generacija s radovima koji su dovršeni u razdoblju posljednje dvije godine.

Gostujuća izložba zamišljena je kao predstavljanje odabranog segmenta suvremene slikarske produkcije gostujuće zemlje ili veće umjetničke scene pa je i odabir prepušten kustosu koji je napravio selekciju autora koji po njegovom mišljenju predstavljaju reprezentativni presjek bečke scene. Drugi dio izložbe zamišljen je kao širi presjek suvremene slikarske produkcije u Republici Hrvatskoj koji daje realan uvid u trenutno stanje, kvalitetu i interes prema slikarstvu kao likovnom postupku koji prenosi tradicionalan likovni izraz u suvremenu likovnu produkciju i ostvaruje interes publike. Sukladno s tim, radovi su odabrani na temelju raspisanog javnog natječaja, a određeni broj autora direktno je pozvan od strane komisije koja je sastavljena od priznatih, prepoznatih hrvatskih slikara. Naravno, mogu se otvarati pitanja o relevantnosti izložbe koja na šarolik način prikazuje situaciju, može se raspravljati o načinu odabira i spretnosti ovakvog koncepta koji nema cutting edge zamisao u oblikovanju prostora i koncepta izložbe.

Pristup prepoznavanju slikarske produkcije ima različite polazišne točke za slikara, kustosa i publiku.

Osoban, intenzivan pristup, sudbinski i neophodan u svakodnevnom proživljavanju životne punine koji proživljava slikar koji djeluje iz iskonske potrebe stvaratelja koji ne zna objektivne razloge potrebe za djelovanjem; kustosa koji oboružan znanjem teorije s distance promatra gotovo djelo i publike koja doživljava slikarstvo, često u razmeđu imitacije i osjetilnosti koje pobuđuju slikarska djela.

Izložba prikazuje široki raspon suvremene slikarske scene. Mogu se postavljati pitanja poput: je li to ponuda za kupce i tržište kojeg gotovo nema ili je često u sivoj zoni? Istovremeno, ako se ne predstavi, kako će javnost uopće znati što postoji ili je, pak, dovoljna samo digitalna slika, umanjena na zaslonu kao vizualna informacija pa nije ni potrebno sučeliti se sa slikom uživo, osjetiti njezinu materijalnu stvarnost, tišinu i muklost koja ju okružuje?

Svakako, postoji razlika u očekivanjima od slikara i neslikara koji se nalaze pred slikom pa se često postavlja pitanje je li uopće važan drhtaj koji materija oblikuje u završenom dijelu, slici i može li se mjeriti s aktualnom političkom ili ekonomskom situacijom?

Je li broj posjetilaca, npr. njih više tisuća, pokazatelj lagodnosti slikarstva, njegovog etabliranja kao mogućeg ulaganja koje će dobrim odabirom u nekoj 4

budućnosti donijeti obitelji dobar prihod ili njegova ljepuškastost i dekorativnost, bez obzira što većina djela ne odiše vedrinom ujedno i znak da suvremene umjetničke prakse još uvijek ne komuniciraju u tradicionalno oblikovanom izložbenom prostoru atraktivnom za široku publiku kao kad agitiraju vezano uz javni prostor i format svoje aktivnosti? Je li u glavama široke javnosti još uvijek patina romantičnog poimanja umjetničkog produkta kao ukrasa građanske obitelji pa se naša „neosviještena“ publika ovdje zaustavlja, a mi je ovakvom izložbom „ohrabrujemo“ da se ne razvija progresivno prema suvremenijim idejama i potrebama suvremenih društvenih mijena?

Naravno, moguće je i pitati se o svrsishodnosti ove izložbe, no odluka za pokretanje bilo kakvog projekta ovisi o pokretačima, što u ovom slučaju znači strukovnoj udruzi; društvu kojemu je temeljni cilj promovirati vrijednost i zanimljivost likovnog izraza, posebno onoga u kojemu sudjeluje velik broj stvaratelja te koji je jasno prepoznat u društvu u kojem djeluje.

Slikarstvo je zasigurno temeljna disciplina. Izložba je temelj za sustavno dvogodišnje predstavljanje slikarske scene, mjesto realne procjene o vitalnosti ili zatvorenosti, susret različitih generacija na jednom mjestu i njihove međusobne procjene, edukacija o pozitivnim i negativnim aspektima, kako za profesionalnu javnost, učeničko-studentsku populaciju, tako i za širu publiku, budući da se na jednom mjestu susreće realnost postojeće kvalitete. Sustavni način javne prezentacije temeljni je način razvoja i dugoročne brige za održavanje kvalitete, ali može biti i pokazatelj nekvalitete produkcije, no ako djela nisu javno predstavljena i međusobno uspoređena već smo unaprijed izgubili, nismo pokazali ni volju ni sposobnost; osigurali mjesto ocjene i sagledavanja, a ni želju za promjenom makar u jednom dijelu koji oblikuje dio suvremene likovno-vizualne produkcije u Republici Hrvatskoj.

talnost. S druge strane, pet mladih pozvanih slikarica znak su pojave velikog broja slikarica mlađe generacije koje su završile akademije u tijeku, ako to možemo tako nazvati, ovog zadnjeg vala popularnosti slikarstva posljednjih deset godina. Kao i njihovi muški kolege iz generacije studirale su u vrijeme kad je slikarstvo jedan od najvećih trendova na svjetskoj likovnoj sceni, što im je u konačnici dalo dodatno ohrabrenje, odlučnost i upornost u slikanju.

Ukupno 14 od 16 slikarica ulazi u dobnu granicu do 35, čak većina i do 30 godina. Martina Grlić medijski je najpoznatija u svom melankoličnom svijetu sjećanja u kojemu koristi akromatske palete. Dvije slikarice s ambicioznim nastupom - Vanja Trobić i Ivona Jurić razvijaju osoban jezik. Radovi Vanje Trobić, koja je izrazito prisutna na sceni posljednje dvije godine, oslanjaju se na šamanske, simboličke prizore te na prijemčivost suvremene tradicije ilustracije murala uz dinamičko korištenje formata štafelajne slike.

Kod Ivone Jurić nailazimo na slojeve koji izlaze jedan preko drugog razvijajući intimističku kvalitetu prostora slike, no ne skrivaju snagu i odlučnost uranjanja u osobni svijet motiva koji stoje pomaknuti od središta visoke kvalitete spoja osobnog izraza i tehnike izvedbe. Željka Cupek i Lea Popinjač napravile su hrabri odmak od figuracije i zašle u prostor slike gradeći osoban znak te osobnu strukturu slike.

Hrvatska selekcija sastoji se od dvije cjeline - prvu čine pozvani autori: Boris Bućan, Đuro Seder, Zlatko Keser, Nikola Koydl, dok drugoj pripadaju autorice: Martina Grlić, Ivona Jurić, Lea Popinjač, Vanja Trobić i Željka Cupek. Povjerenstvo za izbor radova sastoji se od sljedećih članova: Dalibor Jelavić, Zlatan Vrkljan, Zoltan Novak, Josip Zanki i Tomislav Buntak.

Ivana Vulić javnosti se predstavila odličnom serijom figurativnih kompozicija bogato slikanih prizora koje smo imali priliku vidjeti i na ovoj izložbi. Gordana Meštrović prisutnija je na sceni od Natalije Borčić, Ivane Koren, Marije Koruge, Andreje Muse, Patricije Purgar, Valentine Supanz, Alme Trtovac, no sve one, zajedno s već navedenima, čine izrazito zanimljivu, potencijalom bogatu generaciju slikarica koje se ne mogu spominjati u kontekstu ženskog rukopisa, već jedino unutar univerzalnog osobnog slikarskog izraza koji nosi novu kvalitetu likovnoj sceni. Marijana Birtić i Gordana Bakić Vlahov, koje pripadaju nešto starijoj generaciji, predstavile su se javnosti zapaženim izložbama njegujući osobne poetike, stvarajući osobne pejzaže. Dva nezaobilazna rada na izložbi su i pejzaž praznih krajobraza Marijane Birtić te slikarska instalacija Gordane Bakić koja iznosi sliku ispred površine zida uranjajući u prostor ili uvlačeći prostor u sliku.

Boris Bućan, Đuro Seder, Zlatko Keser i Nikola Koydl u svojim su zrelim godinama nastavili aktivnu izlagačku i slikarsku djelatnost pokazujući vitalnost i stvaranje kontinuiteta domaće slikarske scene zadnjih 50 godina, spajajući nizove pitanja, osobnih kriza i sumnji s vitalnim slikarskim jezikom i osobnim poniranjem u osebujnost slikarskog istraživanja koje bez obzira na vremenski tok zadržava svoju vi-

Generacija mlađih slikara kreće se od poznatih: Zlatana Vehabovića, Sebastijana Dračića, Pavla Pavlovića, Stjepana Šandrka, Stipana Tadića, Fedora Fischera, Marka Zemana, Mirana Blažeka do najmlađih i manje prisutnih na sceni: Mohamada Davida Shrema, Grgura Akrapa, Ivana Markovića, Ivana Prerada, Lava Paripovića, Mateja Kneževića, Želimira Borčića, Adama Atile, Marka Zubaka, Ivice

Kurtza, Ivice Gabrića. Niz talentiranih umjetnika, među kojima su i zvijezde naše mlade slikarske scene, predstavljeni su uglavnom figurativnim prizorima visoke kvalitete, uz monumentalne apstraktne kolaže Marka Zemana.

Josip Dražen Pavić i Ivan Lovreković motivom i načinom te zajedničkim slikanjem rada nalaze se po strani od suvremene slikarske scene.

I za kraj ostaje široka grupacija srednje generacije hrvatskih slikara, poznatih u likovnoj javnosti, koji su svojim izložbama oblikovali scenu zadnjih dvadeset godina, a zadnje su dvije godine aktivno bili i njezini sudionici. Lovro Artuković, jedan od javnosti najpoznatijih slikara, predstavlja se slikom monumentalnih dimenzija koja je prvi put izložena izvan Laube, zatim Duje Jurić koji se kreće unutar organiziranog prostora slike; Matko Vekić s čvrstim i monumentalnim slikama; Bojan Šumonja s razigranim slikama super heroja; Robert Paulette s autoportretima; Davor Krelja s jasnim slikama zaustavljenog pokreta te serijom niza manjih formata monokromatske skale; Ivica Malčić samo s tri pojedinačne slike propitkuje svoje granice; Danko Friščić slika ekspresivnim i pomaknutim šarmom; Viktor Daldon koristi ekspresivni znak te Davor Mezak koji stvara nervoznim potezima i namazima.

Tomislav Buntak

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Die zweite Biennale besteht aus zwei Einheiten: das internationale Programm Vienna Calling, das von zwölf österreichischen Gegenwartsmalern und - Malerinnen dargestellt wird und das Programm der kroatischen Selektion, das von 54 Maler und Malerinnen aller Generationen, die ihre Werke in den letzten zwei Jahren beendet haben, dargestellt wird. Die Gastausstellung wurde als eine Darstellung des ausgesuchten Segments der gegenwärtigen malerischen Produktion oder einer größeren künstlerischen Szene ausgedacht, sodass auch die Auswahl der Kuratorin, die die Selektion der Positionen, die ihrer Meinung nach einen repräsentativen Ausschnitt der Wiener Szene darstellen, überlassen wurde. Der zweite Teil der Ausstellung wurde als ein umfassenderer Querschnitt der gegenwärtigen malerischen Produktion in der Republik Kroatien ausgedacht. Er gibt einen realen Einblick in den momentanen Zustand, in die Qualität und das Interesse an der Malerei als ein malerisches Verfahren, das den traditionellen malerischen Ausdruck in die gegenwärtige malerische Produktion überträgt und die Interessen des Publikums erfüllt. Damit übereinstimmend, wurden die Werke aufgrund eines öffentlich ausgeschriebenen Wettbewerbes ausgesucht, während einige Künstler direkt von der Kommission, die aus anerkannten und bekannten kroatischen Malern besteht, eingeladen wurden. Es können natürlich Fragen über die Relativität der Ausstellung gestellt werden, die auf eine verschiedenartige Weise die Situation darstellt. Man kann auch über die Selektionsweise und die Geschicklichkeit dieses Konzeptes diskutieren, das über keine cutting edge Gedanken in der Raumgestaltung und der Ausstellungskonzeption verfügt Der Zutritt zur Erkennung der malerischen Produktion hat unterschiedliche Ausgangspunkte für den Maler, den Kurator und das Publikum. Der persönliche intensive Zutritt, schicksalhaft und unerlässlich in dem alltäglichen Durchleben der Lebensfülle, die ein Maler erlebt, der aus einem ursprünglichen Bedürfnis des Schöpfers handelt und der keine objektiven Gründe für die Handelsnotwendigkeit kennt; den Kustos, der mit Theorie-wissen bewaffnet das entstandene Werk aus der Distanz beobachtet und das Publikum, das die Malerei oft in einem Grenzgebiet zwischen der Imitation und der Sinnlichkeit, die durch die malerischen Werke erweckt werden, beobachtet.

Die Ausstellung stellt eine umfangreiche Spannweite der gegenwärtigen malerischen Szene dar. Es können folgende Fragen gestellt werden: Ist das ein Angebot für die Käufer und den Markt, die kaum existieren oder sich oft in einem grauen Feld befinden? Gleichzeitig, wenn sie sich nicht präsentiert, wie soll die Öffentlichkeit überhaupt wissen, was existiert und was nicht, oder genügt ein digitales verkleinertes Bild auf einem Bildschirm als eine visuelle Information, sodass es gar nicht notwendig ist, sich mit dem Bild direkt auseinanderzusetzen, um seine materielle Wirklichkeit, die Stille und die Heiserkeit, die das Bild umgibt, zu fühlen?

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Es existiert ohne Zweifel ein Unterschied zwischen den Erwartungen eines Malers und eines Nicht-Malers, die vor einem Bild stehen, sodass oft die Frage gestellt wird, ob das Zittern, das die Materie in dem letzten Teil und dem Bild formt, notwendig ist, und ob es mit der gegenwärtigen politischen oder ökonomischen Situation verglichen werden kann. Ist die Zahl der Besucher, z.B. mehrerer Tausenden, ein Zeichen der Gemütlichkeit der Malerei, ihres Etablierens als eine mögliche Investition, die durch eine gute Auswahl einer Familie ein gutes Einkommen in der Zukunft erbringen wird, oder ihrer Niedlichkeit und Dekoration, auch wenn der größte Teil der Werke mit keiner Heiterkeit atmet, ist das gleichzeitig ein Zeichen, dass die gegenwärtige künstlerische Praxen in einem traditionell gestalteten Ausstellungsraum, das für das große Publikum attraktiv ist, immer noch nicht untereinander kommunizieren, wie wenn sie im Bezug auf den öffentlichen Raum und den Format ihrer Aktivität agieren? Besteht in den Köpfen der breiten Menschenmassen immer noch die Patina der romantischen Auffassung des künstlerischen Produkts als einen Schmuck der bürgerlichen Familie, sodass unseres nicht zum Bewusstsein-kommendes Publikum hier stehen bleibt? Dazu „ermutigen“ wir das Publikum mit solcher Ausstellung, sich nicht weiter progressiv in die Richtung der gegenwärtigen Ideen und Bedürfnisse der gegenwärtigen gesellschaftlichen Veränderungen zu entwickeln. Natürlich, ist es möglich, sich Fragen über den Sinn dieser Ausstellung zu stellen, aber die Entscheidung für die Anregung eines Projekts hängt von den Anstiftern ab, was in diesem Fall die Handwerkskammer bedeutet; das Hauptziel dieser Gesellschaft ist es, die Werte und die Bedeutung des malerischen Ausdrucks ins Bewusstsein zu rücken; besonders jene Ausdrücke, an deren Entstehung eine große Zahl von Schöpfern beteiligt ist und das in der Gesellschaft, in der es wirkt, besonders erkannt wird.

Die Malerei ist mit Sicherheit die Hauptdisziplin. Die Ausstellung ist die Grundlage für die systematische zweijährige Darstellung der malerischen Szene, ein Ort der realen Schätzung der Vitalität oder Geschlossenheit, der Begegnung verschiedener Generationen auf einem Platz und ihrer gegenseitigen Schätzung, die Edukation über positive und negative Aspekte, wie für eine professionelle Öffentlichkeit, die Schüler- Studentenpopulation, aber auch für ein breiteres Publikum, da auf einem Ort die Realität der existierenden Qualität aufeinander trifft. Die systematische Weise der öffentlichen Präsentation ist die Grundlage der Entwicklung und der langfristigen Sorge um die Qualitätserhaltung, aber sie kann auch ein Zeichen einer Produktion schlechter Qualität sein. Doch wenn die Werke nicht öffentlich dargestellt und miteinander verglichen werden, haben wir schon im Voraus verloren, weil wir keinen Willen und keine Fähigkeit gezeigt haben; wir versichern den Ort der Bewertung und des Beobachtens, und den Wunsch zur Veränderung, wenn auch nur in einem Teil der die gegenwärtige malerisch-visuelle Produktion in der Republik Kroatien gestaltet.

Die kroatische Selektion besteht aus zwei Einheiten - zur ersten Einheit gehören bekannte Autoren wie: Boris Bućan, Đuro Seder, Zlatko Keser, Nikola Koydl, während zu der zweiten Einheit folgende Autorinnen gehören: Martina Grlić, Ivona Jurić, Lea Popinjača, Vanja Trobić und Željka Cupek. Die Kommission für die Auswahl der Werke besteht aus folgenden Mitgliedern: Dalibor Jelavić, Zlatan Vrkljan, Zoltan Novak, Josip Zanki und Tomislav Buntak.

Boris Bućan, Đuro Seder, Zlatko Keser und Nikola Koydl haben in ihren reifen Jahren die aktive, erläuternde und malerische Tätigkeit fortgesetzt, indem sie die Vitalität und die Erschaffung der Kontinuität der einheimischen malerischen Szene der letzten 50 Jahren gezeigt haben.

Sie verbinden eine Reihe von Fragen, persönlichen Krisen und Zweifeln mit der vitalen malerischen Sprache und dem eigenen Versinken in die Vielfalt der malerischen Erforschung, die unabhängig von dem Zeitablauf ihre Vitalität beibehaltet. Auf der anderen Seite, fünf junge eingeladene Malerinnen sind ein Zeichen der Erscheinung einer großen Anzahl der Malerinnen der jüngeren Generation, die die Akademie im Gange beendet haben, wenn man das so sagen kann, der letzten Popularitätswelle der Malerei in den letzten zehn Jahren. Genauso wie ihre zeitgenössische männliche Kollegen haben sie in der Zeit studiert, in der die Malerei zu den größten Trends in der Malerei-Weltszene gehörte. Das hat ihnen am Ende eine zusätzliche Ermutigung, Entschlossenheit und Entschiedenheit in der Malerei gegeben. 14 von insgesamt 16 Malerinnen sind jünger als 35, und die meisten von ihnen sind jünger als 30 Jahre. Martina Grlić ist, durch ihre melancholische Welt der Erinnerungen, in der sie achromatische Paletten benutzt, die bekannteste Malerin in den Medien.

Zwei Malerinnen mit einem ambitionierten Auftreten - Vanja Trobić und Ivona Jurić - entwickeln ihre eigene Sprache. Die Werke von Vanja Trobić, die die letzten zwei Jahre in der Szene außerordentlich anwesend ist, lehnen sich an schamanische und symbolische Auftritte und an die Zugänglichkeit der gegenwärtigen Tradition der Wandmalereine an, indem sie dynamische Formate der Staffelei-Bilder benutzt. Bei Ivona Jurić stoßt man auf Schichten, die eine aus der anderen austreten, und auf diese Weise eine vertraute Qualität des Bildraumes entwickeln. Aber sie verdecken nicht die Kraft und die Entschlossenheit des Eintauchens in die persönliche Welt der Motive, die von dem Mittelpunkt einer hohen Qualität der Verbindung des persönlichen Ausdrucks und der technischen Ausführung weggerückt sind. Željka Cupek und Lea Popinjača haben einen mutigen Schritt von der Figuration gemacht und sie sind in den Bildraum eingetreten, indem sie einen persönlichen Zeichen und eine persönliche Bildstruktur aufgebaut haben.

Ivana Vulić hat sich der Öffentlichkeit durch eine hervorragende figurative Komposition reich gemalter Auftritte präsentiert, die man auch auf dieser Ausstellung sehen konnte. Gordana Meštrović ist in der Szene prä-

senter als Natalija Borčić, Ivana Koren, Marija Koruga, Andreja Musa, Patricija Purgar, Valentina Supanz, und Alma Trtovac, aber sie alle bilden zusammen mit den schon erwähnten Malerinnen eine äußerst interessante an Potenzial reiche Generation der Malerinnen, die nicht im Kontext der weiblichen Handschrift erwähnt werden können, sondern nur innerhalb eines universalen persönlichen Ausdrucks, der zur einer neuen Qualität der malerischen Szene beiträgt. Marijana Birtić und Gordana Bakić Vlahov, die der etwas älteren Generation angehören, haben sich der Öffentlichkeit durch beachtliche Ausstellungen präsentiert, indem sie persönliche Landschaften gestalten. Zwei unerlässliche Werke auf der Ausstellung sind die Landschaft leerer Gegenden von Marijana Birtić und die malerische Installation von Gordana Bakić, die das Bild vor die Wandfläche herausträgt und sie in den Raum eintaucht oder den Raum in das Bild einzieht.

Die Generation der jüngeren Maler bewegt sich von den bekannten: Zlatan Vehabović, Sebastijan Dračić, Pavle Pavlović, Stjepan Šandrka, Stipan Tadića, Fedor Fischer, Marko Zeman, Miran Blažeka zuden jüngeren und in der Szene weniger anwesenden: Mohamad David Shrema, Grgur Akrapa, Ivan Markovića, Ivan Prerada, Lav Paripović, Matej Knežević, Želimir Borčić, Adam Atila, Marko Zubak, Ivica Kurtza, Ivica Gabrić.

Eine Reihe von talentierten Künstlern, zu denen auch die Prominenten unserer jüngeren malerischen Szene gehören, werden meistens durch figurative Auftritte einer hohen Qualität und durch monumentale abstrakte Kollagen von Marko Zeman dargestellt.

Josip Dražen Pavić und Ivan Lovreković befinden sich, durch ihre Motive, Weisen und dem gemeinsamen Malen der Arbeit außerhalb der gegenwärtigen malerischen Szene.

Am Ende bleibt noch eine große Gruppe der mittelaltrigen Generation der kroatischen Maler, die in der malerischen Öffentlichkeit durch ihre Ausstellungen die Szene der letzten zwanzig Jahre gebildet haben und auch in den letzten zwei Jahren aktiv in ihr teilgenommen haben. Lovro Artuković, einer von den bekanntesten Malern in der Öffentlichkeit, stellt sich durch das Bild von monumentalen Dimensionen, die zum ersten Mal, außerhalb der Laube ausgestellt wurde, dar, weiter Duje Jurić, der sich innerhalb des organisierten Bildraumes bewegt; Matko Vekić mit festen und monumentalen Bildern; Bojan Šumonja mit verspielten Bildern der Superhelden; Robert Paulette mit Selbstporträts; davor Krelja mit klaren Bildern der aufhaltenden Bewegung und einer Reihe kleiner Formate monochromatischer Skala; Ivica Malčić erkundigt seine Grenzen durch drei Bilder; Danko Friščić malt mit einem expressivem und verändertem Scharm; Viktor Daldon benutzt das expressive Zeichen und Davor Mezak schafft seine Werke mit nervösen Strichen und Aufstrichen.

Tomislav Buntak 7

The 2nd Biennale of Painting consists of two parts: the international Vienna Calling programme showcasing twelve contemporary Austrian painters, and the Croatian selection programme presenting 54 painters of all generations with works completed in the last two years. The guest exhibition is envisaged as a presentation of a select segment of the contemporary painting production of the guest country or a bigger art scene, so the selection has been left to the curator who chose the authors who, in his opinion, represent a representative cross-section of the Vienna scene. The other part of the exhibition is envisaged as a broader cross-section of the contemporary painting production in Croatia, giving a realistic insight into the current state and quality of, as well as interest in painting as an artistic procedure, which brings a traditional artistic expression into the contemporary art production and captures the interest of the public. Thusly, the works have been chosen though a public competition, and a number of authors have been invited directly by a committee made up of renowned and distinguished Croatian paintings. Of course, the relevancy of an exhibition presenting the situation in such a varied way could be questioned, and the manner of selection and the convenience of such a concept lacking a cutting edge idea in the design of the exhibition space and concept could be discussed.

The approach to recognising painting production has different starting points for the painter, the curator and the public. The personal, intensive approach, fateful and necessary in the daily experience of the fullness of life experienced pa a painter acting out of the primal need of the creator who doesn’t know the objective reason for his need to act; the curator who, armed with theoretical knowledge looks at a finished work from a distance, and the public that experiences painting, often at the border between imitation and sensitivity inspired by paintings.

The exhibition showcases the board range of the contemporary Croatian painting scene. One could ask questions like: is it aimed at the buyers and the market, which is almost nonexistent or frequently in a grey zone? At the same time, if it is not presented, how will the public even know what there is, or is a digital image, downsized on a screen as visual information enough, so that it is not necessary to face a painting in real life, feel its material reality, the silence and quiet that surrounds it?

Of course, there is a difference in expectations between a painter and a non-painter standing in front of a painting, so the question is often posed whether the tremor that the matter forms in a finished 8

work, a painting even matters, and can whether it can compare with the current political or economic situation? Is the number of visitors, e.g. several thousand of them, an indication of the comfortable situation painting’s in, of its establishment as a possible investment that will bring in a good profit in the future if well chosen, or is its attractiveness and decorativeness, despite the fact that the majority of works are not cheerful, also an indication that the contemporary artistic practices still don’t communicate in a traditional exhibition space attractive to a wider public as well as when the agitate in relation to the public space and the format of their activity?

Do the heads of the wider public still contain the patina of the romantic idea of the painting product as a decoration of a bourgeois family, so our “unenlightened” public stops there and, by doing this exhibition, we “encourage” them not to develop progressively toward more modern ideas and the needs of contemporary social change? Of course, one can question the appropriateness of this exhibition, but the decision to start any kind of project lies with the initiators, which, in this case, means a professional association, whose principal goal is to promote the value and interest in artistic expression, especially the one bringing together a large number of creators, and which is clearly recognised in the society it is active in.

Painting is surely a basic discipline. The exhibition is a base for the biannual presentation of the painting scene, a place of realistic evaluation of its vitality or insularity, a meeting of different generations in one place and their mutual assessment, an education about the positive and negative aspects for the professional public, student population, as well as a wider audience, since it’s the one place where one can encounter the reality of the existing quality.

The systematic manner of public presentation is the basic way of developing and maintaining quality in the long term, but it can also be an indication of the lack of quality production, but if the works aren’t publicly presented and compared, we’ve admitted defeat in advance, we’ve displayed neither the will nor the ability; we haven’t secured a place of evaluation and taking stock, or the desire for change in at least a part of the visual arts production in Croatia.

The Croatian selection consists of two parts – the first one is made up of invited authors: Boris Bućan, Đuro Seder, Zlatko Keser, Nikola Koydl, while the other consists of the women authors: Martina Grlić, Ivona Jurić, Lea Popinjač, Vanja Trobić and Željka Cupek. The work selection committee consists of the following members: Dalibor Jelavić, Zlatan Vrkljan, Zoltan Novak, Josip Zanki and Tomislav Buntak.

Boris Bućan, Đuro Seder, Zlatko Keser and Nikola Koydl have continued their active exhibition and painting activity in their mature years, showing the vitality and continuity of the Croatian painting scene in the last 50 years, combining series of questions, personal crises and doubts with an animated painting expression and personal delving into the peculiarity of painting exploration, which has kept its vitality despite the passage of time. On the other hand, the five young invited women painters represent a the large number of younger women painters that have graduated from the Academy during the last wave of popularity of painting in the last ten years. Like their male peers, they studied at a time when painting was one of the biggest trends on the world art scene, which in the end brought them additional encouragement, determination and persistence in painting. 14 out of the 16 women painters are younger than 35 years, the majority of them are even younger than 30. Martina Grlić is the most known to the media, with her melancholy world of remembrance in which she uses achromatic palettes. The two painters with an ambitious approach - Vanja Trobić and Ivona Jurić are developing a personal expression. The works by Vanja Trobić, who has been very present on the scene in the last two years, rely on shamanistic, symbolic scenes, as well as the accessibility of the contemporary mural tradition with the dynamic use of the easel painting format. In Ivona Jurić’s work, we find overlapping layers that develop the painting space’s intimate quality, but don’t hide the power and determination of delving into a personal world of motifs, which stand off-centre of the high quality of the combination of personal expression and painting technique. Željka Cupek and Lea Popinjač took a brave step away from figuration and delved into the painting space, building a personal sign and a personal painting structure.

Ivana Vulić introduced herself to the public with an excellent series of figurative compositions of richly painted scenes that we had an opportunity to see at this exhibition too. Gordana Meštrović has been more present on the scene than Natalija Borčić, Ivana Koren, Marija Koruga, Andreja Musa, Patricija Purgar, Valentina Supanz, Alma Trtovac, but all of them, together with the abovementioned, make and extremely interesting, promising generation of women painters that cannot be mentioned in the context of female expression, but only within the universal personal painting expression that brings new quality to the art scene. Marijana Birtić and Gordana Bakić Vlahov, belonging to a somewhat older generation, presented themselves to the public with notable exhibitions, nurturing personal poetics, creating per-

sonal landscapes. Two of the stand-out works at this exhibition are Marijana Birtić’s empty landscape and Gordana Bakić’s painting installation, which brings the painting in front of the wall surface, diving into space and drawing the space into the painting.

The generation of young painters starts with the well-known: Zlatan Vehabović, Sebastijan Dračić, Pavle Pavlović, Stjepan Šandrk, Stipan Tadić, Fedor Fischer, Marko Zeman, Miran Blažek; ranging to the youngest and less present on the scene: Mohamad David Shreim, Grgur Akrap, Ivan Marković, Ivan Prerad, Lav Paripović, Matej Knežević, Želimir Borčić, Adam Atila, Marko Zubak, Ivica Kurtz, Ivica Gabrić.

A series of talented artists, including the stars of our young painting scene, has been presented mainly with high-quality figurative scenes, along with Marko Zeman’s monumental abstract collages.

Josip Dražen Pavić and Ivan Lovreković, with their motif and manner, as well as their joint painting stand apart from the contemporary painting scene.

And finally, there is the wide group of the middle generation of Croatian painters, known to the arts public, who have shaped the scene with their works in the last twenty years and spent the last two years as its active participants.. Lovro Artuković, one of the painters best known to the public, presents a monumentally sized painting shown for the first time outside of Lauba; Duje Jurić moves within the organised space of the painting; Matko Vekić with his strong and monumental paintings; Bojan Šumonja with his playful superhero paintings; Robert Paulette with his self-portraits; Davor Krelja with his arrested motion paintings and a series of smaller monochromatic formats; Ivica Malčić is questioning his limits with just three individual paintings; Danko Friščić paints with an expressive and off-kilter charm; Viktor Daldon uses and expressive sign, and Davor Mezak creates with nervous strokes and coats.

Tomislav Buntak

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Zagreb – Beč: udahnut je novi život vezi s bogatom tradicijom Veza između Zagreba i Beča stoljećima je obilježena bliskom suradnjom u području umjetnosti. Beč je oduvijek za Zagreb bio važno mjesto umjetničke usporedbe i inspiracije, kako u području književnosti, arhitekture, glazbe, tako i u području slikarstva.

Upravo je na prijelazu stoljeća kreativna razmjena između ova dva grada bila iznimno plodna, a njeni su tragovi vidljivi i danas.

Izložba „Vienna Calling“, koju je u okviru ovogodišnjeg Bijenala hrvatskog slikarstva podržao Austrijski kulturni forum Zagreb i koja predstavlja dvanaest poznatih umjetnica i umjetnika iz Beča, dio je tradicije intenzivne umjetničke razmjene između ova dva grada. Međutim, kroz ovu izložbu ne predajemo se pogledu u prošlost, već želimo ovdje i sada, u 21. stoljeću, dati impuls oživljavanju povijesno čvrstih veza između ovih dvaju gradova te njihovom postavljanju na nove, suvremene temelje.

Izložba se bavi aktualnim tendencijama slikarske prakse u Beču u čijoj su osnovi prostorno veliki momenti, promjena perspektive i konteksta.

Kroz partnerstvo s Bijenalom hrvatskog slikarstva posjetitelji imaju jedinstvenu priliku vidjeti umjetnička djela poznatih imena suvremene hrvatske i bečke slikarske scene poput Lovre Artukovića, Martina Schnura ili Christiana Eisenbergera, zajedno, pod krovom HDLU-a. Stoga, izložba nas poziva na umjetnički dijalog i međusobno upoznavanje. „Vienna Calling“, u godini pristupanja Hrvatske Europskoj uniji, nije samo simbolički pozdrav Hrvatskoj iz Beča, već i poziv za širenje umjetničke razmjene između te dvije zemlje u srcu Srednje Europe.

Zahvaljujem svim umjetnicama i umjetnicima koji sudjeluju na izložbi, kustosici dr. Theresiji Hauenfels, Hrvatskom društvu likovnih umjetnika, Ministarstvu kulture Republike Hrvatske, gradu Zagrebu, Wiener osiguranju, kao i svim ostalim partnerima koji su pomogli realizaciji ovog jedinstvenog projekta.

Georg Christian Lack Direktor Austrijskog kulturnog foruma Zagreb

Zagreb - Wien: Einer traditionsreicher Verbindung neues Leben einhauchen Die Verbindung Zagreb - Wien ist durch ein über Jahrhunderte gewachsenes künstlerisches Naheverhältnis geprägt. Ob im Bereich der Literatur, der Architektur, der Musik oder der Malerei – Wien war für Zagreb immer e������������������������������� in wichtiger künstlerischer Bezugs-und Inspirationsort. Gerade um die Jahrhundertwende fand zwischen den beiden Städten ein äußerst fruchtbarer kreativer Austausch statt, dessen Spuren bis heute nachwirken.

Die vom österreichischen Kulturforum Zagreb geförderte Ausstellung „Vienna Calling“ im Rahmen der diesjährigen kroatischen Malerei-Biennale, bei der sich zwölf namhafte Malerinnen und Maler aus Wien vorstellen, steht daher in einer Tradition des intensiven künstlerischen Austauschs zwischen den beiden Städten. „Vienna Calling“ schwelgt dabei aber nicht in einer Rückschau in die Vergangenheit, sondern will einen Impuls geben, um die historisch feste Verbindung zwischen den beiden Städten im Hier und Jetzt des 21. Jahrhunderts auf ein neues zeitgemäßes Fundament zu stellen.

Die Ausstellung befasst sich mit aktuellen Tendenzen in der malerischen Praxis in Wien, wobei raumgreifende Momente, Veränderungen und die Einbeziehung des Kontextes im Mittelpunkt stehen.

Durch die Partnerschaft mit der kroatischen MalereiBiennale erhalten die Besucher die einmalige Gelegenheit, Kunstwerke bekannter Namen der zeitgenössischen kroatischen und Wiener Malereiszene wie Lovro Artuković, Martin Schnur oder Christian Eisenberger gemeinsam unter dem Dach der HDLU zu sehen. Die Ausstellung lädt uns somit zu einem künstlerischen Dialog und zu einem gegenseitigen Kennenlernen ein. Im Jahr des kroatischen EU-Beitritts ist „Vienna Calling“ damit nicht nur symbolischer Gruß aus Wien an Kroatien, sondern zugleich auch Einladung zu einem Ausbau des künstlerischen Austauschs der beiden Länder im Herzen Mitteleuropas.

Mein Dank gilt allen teilnehmenden Künstlerinnen und Künstlern, der Kuratorin Dr. Theresia Hauenfels, der HDLU, dem kroatischen Kulturministerium, der Stadt Zagreb sowie der Wiener Versicherung und allen weiteren Partnern, die zur Realisierung dieses einzigartigen Projekts beigetragen haben.

Zagreb – Vienna: breathing new life into a link with a long tradition The link between Zagreb and Vienna is marked by a close relationship in the field of arts, which has developed through the centuries. Whether in literature, architecture, music or painting – Vienna has always been an important place of artistic comparison and inspiration for Zagreb. At the turn of the centuries, this cultural exchange between the two cities was exceptionally fruitful, and its traces are still visible.

This makes the exhibition “Vienna Calling“, part of this year’s Biennial of Croatian Painting, supported by the Austrian Cultural Forum Zagreb, and presenting twelve renowned artists from Vienna, a part of the tradition of intensive cultural exchange between the two cities. However, “Vienna Calling” isn’t content with looking back; it wants to give impulse to the reviving of the historically strong ties between the two cities here and now, in the 21st century and putting them on new, contemporary foundations.

The exhibition deals with the current tendencies of painting practice in Vienna, highlighting spatially big moments, changing perspectives and context.

Through the partnership with the Biennale of Croatian Painting, the visitors get a unique opportunity to see the works by the renowned names of the contemporary painting scenes in Croatia and Vienna, such as Lovro Artuković, Martin Schnur or Christian Eisenberger together under the roof of HDLU. So the exhibition invites us to have an artistic dialogue and get to know each other. In the year of Croatia’s joining the European Union, the exhibition “Vienna Calling” is not just a symbolic greeting from Vienna to Croatia, but also a call for the expansion of artistic exchange between the two countries in the heart of Central Europe.

I would like to thank all the artists participating in the exhibition, the curator Dr. Theresie Hauenfels, the Croatian Association of Artists, the Ministry of Culture of the Republic of Croatia, the City of Zagreb, Wiener Insurance and all other partners who helped realise this unique project.

Georg Christian Lack Director of the Austrian Cultural Forum Zagreb

Georg Christian Lack Direktor des österreichischen Kulturforums Zagreb 10

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Vienna Calling umjetnici Vienna Calling K端nstlerinnen und K端nstler Vienna Calling Artists

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U godini pristupanja Hrvatske Europskoj uniji Austrija je pod nazivom „Vienna Calling“ pozvana kao gostujuća zemlja na ovogodišnje Bijenale slikarstva.

Naziv izložbe referira se na poznatu istoimenu pjesmu bečkog pop-ekscentrika Falca, a može se pronaći i u jednom dijelu teksta knjige „Hrvatska povijest“ Ive Goldsteina koja govori o revolucionarnom vremenu 1848/49 godine, ali u potpuno drugačijem kontekstu: ����������������������������������������� „Disturbances throughout Europe had political repercussions in Zagreb. Croatian politicians sent a committee to Vienna calling on the Emperor to convoke the Croatian Sabor, and demanding preservation of the territorial integrity of Croatia and its closer links with Austrian crown lands.”

Ta promjena značenja, u kojoj pojam „Vienna“ od subjekta postaje objekt, može se iščitati kao namjera kustosice Theresije Hauenfels da predstavi 12 umjetničkih pozicija. Radi se o promjeni perspektive, o promjeni značenja izjave ili obojenog prostora u okviru konteksta, o slikarstvu koje generiraju umjetnici i umjetnice koji se svojim radovima razračunavaju s prostorom – arhitektonskim teritorijem koristeći slikarske tehnike, a pri čemu sebe stalno ne definiraju kao slikaricu ili slikara.

Težište je na figuraciji. U djelu „Display“ Martina Schnura portretirajuća se osoba udvostručava kao refleksija. Izobličeno zrcaljenje, koje se mijenja od vanjskog prema unutarnjem prostoru te koje je prezentirano na zasebnoj slici u desnom kutu, objektivno je predstavljeno. Ista osoba može se pronaći i na slici u izložbi. Naslov „Imobillie“ Martina Schnura odnosi se na ležeći položaj portretirajuće osobe kao i na pojam „nekretnine“. Sanjarska i od stvarnosti odbjegla sekvenca naglašava se neuobičajenim pozicioniranjem figure u gradskom prostoru.

Alfredo Barsuglia konfrontira posjetitelje izložbe s Memento mori. Tko se popne u njegovu konstrukciju sličnu mrtvačkom sanduku, čija je unutrašnjost obložena ljubičastom svilom, legne na trbuh i usmjeri pogled prema dole, iskusiti će slikoviti susret s nezaustavljivim propadanjem i prolaznosti. Granice između vlastite slike i naočigled umrle osobe ne rasplinjuju se samo slikovito. Alfredo Barsuglia naziva svoju instalaciju „I was once what you are“ - morbidno na bečki način. Objekt obavijen crnim kabelima podsjeća na pupčanu vrpcu, dok drvena špilja postaje transformatorom.

No, u izložbi osobno Ja nije ograničeno samo na sebe. Tematiziraju se i isprepletenost međusobnih veza i stvaranje grupa. U „Mettingu“ Karen Holländer međusobno se susreću osobe iz privatnog i radnog okruženja - među njima se nalaze i sama slikarica kao i njezin muž slikar Martin Schnur. Njiho14

va kći lebdi iznad pravog konopa koji je crvene boje kao i haljina mlade žene. Figure su precizno izrezane i preslikane na drvo te umnožene.

Jedan prošireni autoportret pokazuje i Hans Scheirl: u djelu “Family” sjedi na fotelji s vlastitom obitelji, među kojima se nalazi i njegova partnerica Jakob Lena Knebl. Usredotočeni pogled kojim se u dijalogu međusobno gledaju povezuje grupu i „ pobuđuje k gledanju“ (Christian Morgenstern). Kao slika u slici vidi se zlatno jaje. Ono je obješeno kao objekt ispred platna na istoj razini u odnosu na pozadinu kao u obojanoj situaciji. U kontrastu s finim duktusom, kojim Hans Scheirl ispunjava svoje figure, nalazi se ekspresivna crno-bijela gesta u gornjem lijevom isječku slike.

Dorothea Golz na svojim digitalnim slikama preuzima poznata dijela iz povijesti umjetnosti, kao npr. od Holbeina ili Vermeera i transformira ih u scenarije koji se odigravaju u sadašnjici. U radovima iz serije, koji su izabrani za izložbu, neposrednost pogleda prati stupanj otkrivanja tijela: povučena „Gospa s plavom bluzom“, „Djevojka na prozoru“ sa zakopčanom košuljom i plahim pogledom usmjerenim prema promatraču, obavijena transparentnim gornjim odjevnim dijelom i na kraju, „Anna von Cleve“ - četvrta supruga engleskog kralja Henrika VIII., čije je lice tadašnji francuski poslanik okarakterizirao kao „odrješito“, na pročelju s golim poprsjem.

U potpunoj golotinji Jakob Lena Knebl inscenira svoje tijelo, svoju kožu potpuno preslikanu u stilu relevantnih pozicija klasične moderne 20.st. Umjetnik na taj način prikazuje originalno djelo, bilo od Pieta Mondriana, Oskara Schlemmera ili Kazimira Maljeviča, da bi istodobno prekinuo uzvišeno značenje. Promjenjivost Jakoba Lena Knebla, čije nastupanje ima kultni karakter, u svojoj se reinkarnaciji treba dokazati kao niz koji se prikazuje na zidu izložbene prostorije. Format pri tome uvijek ostaje konstantan: vlastita tjelesnost.

Jedan od klasičnih žanrova slikarstva, koje je francuski arhitekt i teoretičar umjetnosti Andre Felibien sredinom 17. stoljeća definirao, a koji je također uz portrete zastupljen na ovoj izložbi je krajolik. Norbert Trummer je u svom igranom filmu „Krajolik sa sivim čapljama“ prikazao tumaranja kroz krajolik u istočnoj Štajerskoj, uzduž rijeke Feistriritz, gdje je umjetnik proveo svoje djetinjstvo. Pojedinačne slike na drvetu, koje označavaju jednu povijesnu tehniku slikarstva ikona, danas su digitalizirane. Vidi se priroda, njezina flora i fauna među kojom vladaju prividno apstraktne kompozicije koje su, međutim, ipak stvarna podloga slike.

Marlene Hausegger bojama obrađuje vlastite fotografije gradskog krajolika. Ove intervencije koje su često geometrijske, ali uvijek s individualnim jezikom oblika, istodobno predstavljaju razmišljanja o realnim zahvatima u javnom prostoru. Kod sudaranja dvaju tipova prebivališta – sa šatorom iznad kulise - umjetnica se igra sa opažanjem mjerila. Na fasadi se nalazi kapljica boje, magente, u kutu jednog pro¬zora. Na jednoj drugoj slici Marlene Hausegger ponavlja slijed svijetla na jednom zidu kao nestajanje kroz vertikalnu crtu od žute prema narančastoj boji. Lebdeća obješenost radova u precizno oblikovanom metalnom stalku, koji kao okvir tvori različite kutove, podcrtava prostornu sklonost.

Na geometrijskim slikama velikog formata Erica Kressingera arhitektonske se strukture pojavljuju u obliku objekata. Za Zagreb je nastao rad namijenjen središnjem prostoru Meštrovićevog paviljona: „Lichten“ se sastoji od pet elemenata koji su na površini različito pozicionirani i pokazuju kružni isječak. Obuhvaćen je mesingom, istim materijalom koji se 1930. godine koristio u izložbenom prostoru za svijetleća tijela. Žuta, crvena, plava i crna boja koje je Eric Kressinger nijansirao bijelom bojom, kroz refleksiju upadajućeg svijetla generiraju se na bijelim stražnjim stranama kao i na metalnim trakama samostalne prostorije boja.

prostoru koja nastaje kroz pohranjivanje boja i postaje mjestom mogućih projekcija. Umjetnik koji vješto mijenja medij i sirovinu rado prkosi očekivanim stajalištima. Karakteristika Christiana Eisenberga je bojanje bez kista. Kod njegovih „slika kapi“ jedna slika boja drugu kroz direktno tehničko utiskivanje.

Neobrađena lica, koja podsjećaju na maske, kroz svoje udvostručavanje generiraju glavu Janusa.

I tako se pitanje tendencija u slikarskoj praksi u Beču u 2013. godini može predstaviti kroz dijaloge tj. kroz promatranje mnogostrukih pristupa te usporediti s razmišljanjem francuskog strukturalista Jacquesa Lacana (1901.-1981.) u njegovom tekstu „Što je jedna slika/tableau: „Ne vodi li pitanje onome, što sam ja nazvao „kišom kistova slikara“? Zar ne bi ptica koja slika jednostavno ostavila perje, zmija svoje ljuske, ne bi li se stablo jednostavno oslobodilo lišća koje pada na pod?“ Theresia Hauenfels

Igra s arhitektonskim prostorijama i promjena perspektiva metode su kojima se služi Aurelia Gratzer. U njezinom slikarstvu, u kojemu se može utvrditi preciznost matematičkih analiza u nastajanju slike, umjetnica stvara novo prostorno uređenje pomoću polja boja. Na „Vienna Callingu“ vanjski je prostor - pogled između zgrada na jedan dio neba – suprotstavljen kompleksu unutarnjih prostora u obliku kutija.

Jednaka vrijednost, koju Aurelia Gratzer u svojim kompozicijama daje pojedinačnim elementima slike, za promatrače neizbježno proizlazi iz preispitivanja opažanja i navika promatranja.

Kod Johanne Binder bojane površine ne napuštaju okvir slike samo simbolički. Monokromatski slojevito nanosi boju sve dok materijal ne razvije vlastiti život i u toj novoj gustoći ne postane tijelom. Boja se skida, tvori nabore i osamostaljuje se u autarkičnoj materijalnosti. Kroz nastajanje pukotina površina nalikuje koži i pokazuje, tiho i nadasve poetički, njezinu profinjenu povredljivost. U aranžmanu za izložbu u Zagrebu Johanna Binder postavlja naglasak na zelenu, žutu, bijelu i plavu boju. Polazeći od pravokutnih oblika izvornih nositelja slike, boje se ljušte iz geometrijskih u gipke oblike.

Obojani se „okvir“, kod Christiana Eisenberga, suprotstavlja neodređenoj površini u unutrašnjem 15

Unter dem Titel „Vienna Calling“ wurde Österreich an der diesjährigen Malerei-Biennale als Gastland eingeladen, im Jahr des kroatischen Beitritts als neuer Mitgliedsstaat der Europäischen Union. Der Ausstellungstitel, den der Gastgeber HDLU, die kroatische Künstlervereinigung, in Anlehnung an den bekannten gleichnamigen Song des Wiener PopExzentrikers Falco gefunden hat, lässt kann in einer Textstelle aus Ivo Goldsteins Kroatischer Geschichte über die revolutionäre Zeit von 1848/49 wiedergefunden werden, doch in einem komplett anderen Zusammenhang: „Disturbances throughout Europe had political repercussions in Zagreb. Croatian ���������������� politicians sent a committee to Vienna calling on the Emperor to convoke the Croatian Sabor, and demanding preservation of the territorial integrity of Croatia and its closer links with Austrian crown lands.”

Dieser Bedeutungswandel einer Wortgruppe in einem Kontext, in dem der Begriff „Vienna“ vom Subjekt zum Objekt wird, kann als Analogie gelesen werden zur Intention der Schau, in der zwölf Positionen vorgestellt werden. Es geht um die Veränderung der Perspektive den Bedeutungswechsel einer Aussage oder auch einer Farbfläche im Rahmen des Kontextes, um Malerei, die von Künstlerinnen und Künstlern generiert wurde, die sich malerischer Techniken bedienen, ohne sich durchgehend auf die Selbstdefinition als Malerin oder Maler festzulegen, in jedem Fall aber um Arbeiten, die sich mit dem Raum – dem architektonischen Territorium – auseinandersetzen.

Auffällig ist ein gewisser Schwerpunkt im Hinblick auf Figurationen. Im „Display“ von Martin Schnur verdoppelt sich der Porträtierte als Reflexion. Die verzerrte Spiegelung, die vom Außen- zum Innenraum wechselt, ist auf einem eigenen Bild, wird auf Winkel liegend präsentiert wurde, objekthaft dargestellt. Die gleiche Person findet man auf einem weiteren Bild in der Ausstellung: Mit dem Titel „Liegenschaft“ bezieht sich Martin Schnur sowohl darauf, dass der Porträtierte liegend abgebildet wird als auch auf die Begrifflichkeit der „Immobilie“. Das Traumhafte, Realitätsentrückte der Sequenz wird durch die ungewöhnliche Positionierung der Figur im Stadtraum betont.

Alfredo Barsuglia konfrontiert die Besucher und Besucherinnen der Ausstellung mit einem Memento mori. Wer in die von ihm entworfene sargähnliche Konstruktion mit purpurfarbenem Samt hineinklettert, erfährt eine spiegelbildliche Begegnung mit der Unaufhaltsamkeit des Verfalls und der Vergänglichkeit. Die Grenzen zwischen dem eigenen Bild und dem eines offenbar Verstorbenen verschwimmen nicht nur sinnbildlich. „I was once what you are“ nennt Alfredo Barsuglia seine Installation. Schön ��������������������� Wienerisch morbid eben. Die schwarze Verkabelung des Objektes 16

erinnert an eine Nabelschnur, die Holzhülle wird zum Transformator.

Doch in der Ausstellung ist das Ich nicht nur auf sich selbst zurückgeworfen. Beziehungsgeflechte und Gruppenbildungen werden thematisiert. Bei „Meeting“ von Karen Holländer treffen Menschen aus dem persönlichen und dem Arbeitsumfeld der Künstlerin aufeinander: auf einer Drehscheibe, in Form bemalter Figurenquerschnitte auf Sperrholz, darunter die Malerin selbst, aber auch ihr Mann, der Maler Martin Schnur. Die gemeinsame Tochter schwebt über einem echten Seil, das rot ist wie das Kleid der jungen Frau.

In der Vervielfachung der auf Holz abgebildeten und exakt ausgeschnittenen Figur wird der Bewegungsablauf des „Balanceaktes“ wiedergegeben.

Ein erweitertes Selbstporträt zeigt auch Hans Scheirl, der die Klasse für kontextuelle Malerei an der Wiener Akademie der bildenden Künste leitet, mit seiner „Family“ die auf einer Couch sitzt, darunter befindet sich auch seine Partnerin Jakob Lena Knebl. Der zentrierte Blick, mit dem sich die Abgebildeten im Dialog mit dem betrachtenden gegenüber begeben, eint die Gruppe, „erwacht zu einem Schauen“ (Christian Morgenstern). Als Bild im Bild ist ein goldenes Ei zu sehen. Dieses wird realiter als Objekt vor die Leinwand gehängt, auf gleiche Höhe im Verhältnis zum Hintergrund wie in der gemalten Situation. In Kontrast zum feinen Duktus, mit dem Hans Scheirl seine Figuren ausführt, steht die expressive Geste in Schwarz-Weiß am linken oberen Bildabschnitt.

Bei ihren digitalen Gemälden übernimmt Dorothee Golz wichtige Werke aus der Kunstgeschichte, etwa von Holbein oder Vermeer und transformiert diese zu Szenarien, die sich in der Gegenwart abspielen.

In der für die Schau ausgewählten Arbeiten aus der Serie geht die Direktheit des Blickes mit dem Grad an Enthüllung des Körpers einher: in sich gekehrt die „Madonna mit der blauen Bluse“ in einer zugeknöpften Bluse / mit einem zaghaften Blick zum Betrachter das „Mädchen am Fenster“ in ein nahezu transparentes Oberteil gehüllt / und zuletzt unerschrocken, frontal, mit nacktem Oberkörper „Anne van Cleve“, vierte Gemahlin des englischen Königs Heinrich VIII., deren Antlitz schon der damalige französische Gesandte als „resolut“ bezeichnet haben soll.

In völliger Nacktheit inszeniert Jakob Lena Knebl ihren Körper, seine Haut komplett übermalt im Stil der relevanten Positionen der klassischen Moderne des 20. Jahrhunderts. Die (männlichen) Ikonen trägt sie revueartig als Maskerade: der Künstler verleibt sich damit das Auratische des Originalwerks ein, ob nun von Piet Mondrian, Oskar Schlemmer oder Kasimir Malewitsch, um zugleich die überhöhte Bedeutung ironisch zu brechen. Die Wandelbarkeit von Jakob

Lena Knebl, dessen Performances Kultcharakter haben, wird in ihrer Reinkarnation als berühmtes Bild unter Beweis gestellt, als Abfolge, die an die Wand des Ausstellungsraumes projiziert wird. Das Format bleibt dabei immer konstant: die eigene Leiblichkeit.

Von den klassischen Genres der Malerei, die der französische Architekt und Kunsttheoretiker André Félibien Mitte des 17. Jahrhunderts definierte, ist in der Ausstellung „Vienna Calling“ neben dem Porträt auch die Landschaft vertreten. Norbert Trummer zeigt mit seinem Trickfilm „Landschaft mit Graureiher“ Streifzüge durch eine Auenlandschaft in der Oststeiermark, entlang des Flusses Feistritz, wo der Künstler seine Kindheit verbracht hat. Die Einzelbilder in Eitempera auf Holz, einer historischen Technik für Ikonenmalerei, wurden digitalisiert. Dazwischen herrschen scheinbar abstrakte Kompositionen die jedoch die wahre Bildunterlage darstellen.

Bei Marlene Hausegger werden eigene Fotografien von Stadtlandschaften mit Farbe überarbeitet. Diese Interventionen, oftmals geometrisierend, aber immer in individualisierter Formensprache, stellen zugleich Überlegungen zu realen Eingriffen im öffentlichen Raum dar. Beim Aufeinandertreffen von zwei Behausungstypen – mit einem kulissenartigen Haus – spielt die Künstlerin mit der Wahrnehmung des Maßstabes. An der Fassade befindet sich ein Farbtropfen in Magenta im Augenwinkel eines Fensters. In einem anderen Bild wiederholt Marlene Hausegger den Lichtverlauf an einer Wand als eine Auflösung, durch einen vertikalen Streifen von Gelb bis Orange. Die schwebende Hängung der Arbeiten in einem präzis geformten Metallgestell, das als Rahmen unterschiedliche Winkel bildet, unterstreicht den räumlichen Ansatz.

Architektonische Strukturen treten bei Eric Kressnig in seinen großformatigen geometrischen Bildern in Form von Objekten auf. Für Zagreb entstand eigens eine Arbeit für den Zentralraum des MeštrovićPavillons: „Lichten“ besteht aus fünf Elementen, die – an der Grundfläche jeweils unterschiedlich positioniert – einen kreisrunden Ausschnitt aufweisen. Dieser ist mit Messing eingefasst, dem gleichen Material, das auch in den 30er jahren des 20. Jahrhunderts im Ausstelungshaus für die Beleuchtungskörper. Die von Eric Kressnig mit Weiß abgetönten Farben Gelb, Rot, Blau und Schwarz generieren durch die Reflexion des einfallenden Lichtes an den weißen Rückseiten wie auch an den Metallbändern eigenständige Farbräume.

Das Spiel mit architektonischen Räumen und Wechsel von Perspektiven sind Methoden die Aurelia Gratzer benutzt. In ihren Malereien, deren Präzision mathematische Analysen beim Bildaufbau vermuten lassen, schafft die Künstlerin neue räumliche Ord-

nungen mittels Farbfeldern. Bei „Vienna Calling“ ist ein Außenraum – ein Blick zwischen Hochhäusern auf ein Stück Himmel – einem komplex verschachtelten Innenraum gegenübergestellt. In der Gleichwertigkeit, die Aurelia Gratzer den einzelnen Bildelementen ihrer Kompositionen zugesteht, ergibt sich für die Betrachterinnen und Betrachter unweigerlich eine Hinterfragung von Wahrnehmung und Sehgewohnheiten.

Den Rahmen des Bildes verlassen bei Johanna Binder die Farbflächen nicht nur symbolisch. Monochrom trägt sie die Farbe in Schichten so lange auf, bis das Material ein Eigenleben entwickelt und in dieser neuen Konsistenz zum Körper wird. Die Farbe löst sich ab, bildet einen Faltenwurf und verselbständigt sich in autarker Stofflichkeit. In ihrer Rissigkeit gleicht die Oberfläche der Haut und zeigt ihre sublime Verletzlichkeit still und überaus poetisch. Im Arrangement für die Ausstellung in Zagreb setzt Johanna Binder Akzente auf Grün, Gelb, Weiß, Magenta und Blau. Ausgehend von der rechteckigen Form des ursprünglichen Bildträgers schälen sich die Farben aus der Geometrie zu flexiblen Formen.

Ein gemalter „Rahmen“ am Bildrand kontrastiert bei Christian Eisenberger mit einer indefiniten Fläche im Binnenraum, die durch die Überlagerung von Farben entsteht und zu einem Ort möglicher Projektionen wird. Der facettenreiche Künstler, der fließend Medium und Werkstoff wechselt, bricht gerne mit Erwartungshaltungen. Einen Pinsel zu malen ist Kennzeichen von Christian Eisenberger. Bei seinen „Tropfbildern“ malt durch die technische Einwirkung quasi ein Bild das andere. Wüste Gesichter, die an Masken erinnern, generieren in ihrer Verdoppelung einen Januskopf. Das Moment der Spiegelung führt zugleich auch an den Beginn des kurzen Überblicks über die Positionen der Ausstellung „Vienna Calling“ zurück.

Und so lässt sich die Frage nach Tendenzen in der malerischen Praxis im Wien des Jahres 2013 in Anbetracht der vielfältigen Zugänge mit Überlegungen des französischen Strukturalisten Jacques Lacan (1901-1981) in seinem Aufsatz „Was ist ein Bild/Tableau“ in Dialog setzen: „Führt die Frage nicht ganz nahe an das, was ich den „Regen des Malerpinsels“ genannt habe? Würde ein Vogel, der malte, nicht einfach seine Federn lassen, eine Schlange ihre Schuppen, würde ein Baum sich nicht einfach seiner Blätter, die zu Boden regneten, entledigen?

Theresia Hauenfels 17

Under the title “Vienna Calling”, Austria has been invited as the guest country at this year’s painting biennale in the year of Croatia’s accession to the European Union. The title of the exhibition chosen by the host HDLU, the Croatian Association of Artists, with a nod to the eponymous song by the Viennese pop-eccentric Falco, can be found in a part of the text of Ivo Goldstein’s History of Croatia about the revolutionary times of 1848/1849m but in a completely different context: “Disturbances throughout Europe had political repercussions in Zagreb. Croatian politicians sent a committee to Vienna calling on the Emperor to convoke the Croatian Sabor, and demanding preservation of the territorial integrity of Croatia and its closer links with Austrian crown lands.”

This change of the meaning of a group of words in the context where the term “Vienna” goes from being the subject to being the object can be seen as analogous to the curator Theresie Haufenfels’ intention to present 12 artistic positions. It is a change of perspective, a change of meaning, statement or the coloured space within the context of painting, generated by artists that use painting techniques without defining themselves as painters, but deal with space – the architectural territory in their work.

There is a certain tendency toward figuration. In the work “Display” by Martin Schnur, the portrayed person is doubled like a reflection. The deformed reflection, changing from the outer toward inner space ad presented in a separate picture in the right corner is objectively presented. The same person can be found in the painting at the exhibition: the title “Imobillie” by Martin Schnur refers to both the prone position of the portrayed person and the term for real estate. The dreamy and unreal sequence is highlighted by the unusual positioning of the figure in urban space.

Alfredo Barsuglia confronts the visitors with his Memento mori. Whoever climbs into his coffin-like construction, with its interior lined with purple silk, lies face-down and looks down, will experience a picturesque encounter with deterioration and transience. The borders between one’s own picture and an obviously dead person don’t dissolve just figuratively. Alfredo Barsuglia calls his installation “I was once what you are”. It is morbid in a very Viennese way. The object bound by black cables reminds us of an umbilical cord, while the wooden cave becomes a transformer.

However, at the exhibition, the personal “I” isn’t limited to itself. The intervowenness of personal relationships and group forming are also explored. In Karen Holländer’s “Meeting”, people from the priva18

te and work environment meet: a number of figures painted on thin boards on a rotating plate, including the author and her husband Martin Schnur. Their daughter is floating above a real rope, which is red as is the young woman’s dress.

Another artist displaying an expanded self-portrait is Hans Scheirl, who teaches the contextual painting class at the Vienna Academy of Fine Arts, with his work “Family”, in which he sits in an easy chair with his own family, including his partner Jakob Lena Knebl. The focused way in which the painted persons look at each other connects the group and “entices to look” (Christian Morgenstern). As a picture within a picture, there is a golden egg. It is hanging as an object in front of the canvas, at the same level in relation to the background as in the painted situation. In contrast to the fine flow with which Hans Scheirl fills his figures, there is an expressive black and white gesture in the upper left cutout of the painting.

In her digital paintings, Dorothea Golz takes famous works from the history of art, like Holbein or Vermeer, and transforms them into scenarios taking place today. In the works from the series chosen for the exhibition, the directness of the gaze is consistent with the degree of baring the body: the reserved “Madonna with a Blue Blouse”, “Girl in the Window” with a buttoned up shirt and a fearful gaze directed at the observer; with a transparent top, and finally Anne of Cleves, the fourth wife of Henry VIII of England, whose face was described by the French ambassador as “stern”, brave with bare breasts.

technique of painting icons, are digitalised today.

One can see the nature, flora and fauna, dominated by seemingly abstract compositions, which are, however, the real background of the picture.

Johanna Binder accentuates green, yellow, white and blue. Starting with the rectangular shapes of the original painting surface, the paints peel and go from geometrical to flexible shapes.

Marlene Hausegger works with colours on her own photographs of city landscapes. These interventions are frequently geometrical, but always use an individual form language, while representing thoughts about real interventions into the public space.

By contrasting two types of dwellings – with a tent above the set – the artist plays with the perception of scale. On the facade there is a drop of magenta colour in a corner of a window. In another painting, Marlene Hausegger repeats a sequence of lights on a wall as a disappearance through a vertical line from yellow to orange. The works float suspended from a carefully formed metal structure, which, as a framework, has various angles, thus underlining the special tendency.

Christian Eisenberg contrasts the painted “frame” with the undefined surface in inner space, created by applying paint and becomes a place of possible projections. The artist, who skilfully changes his medium and materials, gladly goes against the expected notions. What characterises Christian Eisenbergis painting without a brush. In his “drop paintings”, one painting paints the other through direct technical impression. The unfinished faces, which look like masks, are doubled and thus create a Janus’ head.

In large-format geometric paintings by Eric Kressinger, architectural structures appear in the form of objects. For Zagreb, he created a work meant for the central space of the Meštrović Pavillion: “Lichten” consists of five elements differently positioned on the surface and showing a circular cut-out. It’s covered with brass, the same material that was used for lights in the exhibition space in the 1930s. Yellow, red, blue and black, which Eric Kressinger nuanced with white, are generated on the white rear sides as well as the metal tapes through the reflection of incoming light.

Totally nude, Jakob Lena Knebl poses with her skin completely painted in the style of the classic 20th century modern art. She wears male icons as a masquerade of a troop review: in this way, the artist quotes the auratic part of the original work, whether it is Piet Mondrian, Oskar Schlemmer or Kazimir Malevich, while at the same time breaking away from its exalted meaning. . The changeability of Jakob Lena Knebl, whose performances have cult character, needs to prove itself in its reincarnation as a series shown on the wall of the exhibition room. The format remains constant throughout: her own body.

Play with architectural spaces and perspective changes are the methods used by Aurelia Gratzer.

In her paintings, in which we can detect the precision of mathematical analyses in the creation of the painting, the artist creates a new spatial order using colour fields. In “Vienna Calling”, the outside space – the view of a part of the sky through the buildings – contrasted with a complex of inner spaces in the form of boxes. The same value assigned by Aurelia Gratzer to individual elements of the painting in her compositions, inevitably stems from the questioning of perception and observation habits for the observers.

Of the classic painting genres, as defined by the French architect and art theorist Andre Felibien in mid 17th century, besides portraits, landscapes are also represented at the “Vienna Calling” exhibition.

In his live action film “Landscape with Grey Heron”, Norbert Trummer shows his wandering through the landscape of eastern Styria, along the river Feistriritz, where the artist spent his childhood. The individual paintings on wood, which represent a historic

In Johanna Binder’s work, the painted surfaces don leave the picture frame just symbolically. She puts down monochromatic layers of paint until the material develops a life of its own and becomes an object through its thickness. The paint peels, makes folds and becomes independent in its autarkic materiality.

With the appearance of cracks, the surface looks like skin and shows, quietly and poetically, its refined vulnerability. In the arrangement for the Zagreb show,

So, the question of tendencies in painting practice in Vienna in 2013 can be posed through dialogues, i.e. through observing manifold approaches, and compared with the thoughts of French structuralist Jacques Lacan (1901-19801) in his text “What is a painting/tableau”: “Doesn’t the question lead to what I called “a rain of paint brushes”? Wouldn’t a bird just shed its feathers, a snake its scales, wouldn’t a tree just get rid of the leaves falling on the ground?”

Theresia Hauenfels

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Alfredo Barsuglia I once was what you are, 2013 Instalacija, drvo, voda, akril na platnu 180 x 70 x 90 cm

I once was what you are, 2013 Installation, Holz, Wasser, Acryl auf Leinwand 180 x 70 x 90 cm

I once was what you are, 2013 installation, wood, water, acrylic on canvas 180 x 70 x 90 cm

Alfredo Barsuglia rođen je 1980. u Grazu (Austrija), živi i radi u Beču.

Izlagao je na brojnim međunarodnim izložbama, između ostalog, u MUMOK-u (Beč), Leopold Museumu (Beč), MAK Centeru (Los Angeles), CAFA Art Museumu (Peking) i na Četvrtom bijenalu u Moskvi. Barsuglia odlazi u rezidenciju MAK-Schindler u Los Angelesu 2006. godine, 2008. u Joshua Tree Highlands, a 2012. odlazi u rezidenciju u Judenburg.

Godine 2007. dobio je “Nagradu Grada Graza” za poticanje umjetnosti; 2010. Štajerska stipendira njegov odlazak u New York. Iste godine dobiva i nagradu Humanic Art Award, a 2011. dobio je nagradu Walter Koschatzky i Arlberg Hospiz Art Award. Dobitnik je Theodor Körner Art Award (2013.) i stipendije ateljea BMUKK-a za Rim. Od 2009. do 2011. Barsuglia djeluje kao gostujući kritičar na Institutu Pratt (New York).

Alfredo Barsuglia, geboren 1980 in Graz, lebt und arbeitet in Wien.

Alfredo Barsuglia was born 1980 in Graz (Austria), currently lives and works in Vienna.

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Barsuglias Arbeiten wurden unter anderem im MUMOK (Wien), Leopold Museum (Wien), MAK Center (Los Angeles), CAFA Art Museum (Peking) oder auf der 4th Moscow Biennale gezeigt. Barsuglia war ein MAKSchindler Artist in Residence in Los Angeles 2006, sowie ein Joshua Tree Highlands Artist in Residence 2008 und ein Artist in Residence in Judenburg 2012. 2007 erhielt er den Kunstförderungspreis der Stadt Graz, 2010 ein Auslandsstipendium des Landes Steiermark für New York, sowie den Humanic Kunstpreis; 2011 den Walter Koschatzky Ankerennungspreis und Arlberg Hospiz Kunstpreis. 2013 erhielt er den Theodor-Körner-Preis und 2014 das Atelierstipendium des BMUKK für Rom. Zwischen 2009 und 2011 war Barsuglia Guest-Critic am Pratt Institute (New York).

Barsuglia’s work was shown in numerous international exhibitions, including MUMOK (Vienna), Leopold Museum (Vienna), MAK Center (Los Angeles), CAFA Art Museum (Beijing) or at the 4th Moscow Biennale.

Barsuglia was a MAK-Schindler Artist in Residence in Los Angeles in 2006 as well as a Joshua Tree Highlands Artist in Residence in 2008 and an Artist in Residence in Judenburg in 2012. In 2007 he received the Art Award of the City of Graz. In 2010 Barsuglia received a Foreign Scholarship by the Provincial Government of Styria for New York, as well as the Humanic Art Award; in 2011 the Walter Koschatzky Recognition Award and the Arlberg Hospiz Art Award. For 2013 he received the Theodor Körner Art Award and for 2014 the Foreign Studio Scholarship by the BMUKK for Rome.

Between 2009 and 2011 Barsuglia was invited as a guest critic at Pratt Institute (New York).

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Johanna Binder Untitled (yellow), 2013 Akril na platnu 80 x 100 x 4,5 cm

Untitled (yellow), 2013 Acryl auf Leinwand 80 x 100 x 4,5 cm

Untitled (yellow), 2013 acrylic on canvas 80 x 100 x 4,5 cm

Untitled (magenta), 2013 Akril 50 x 10 x 5 cm

Untitled (magenta), 2013 Acryl 50 x 10 x 5 cm

Untitled (magenta), 2013 acrylic 50 x 10 x 5 cm

Untitled (green), 2013 Akril 26,5 x 22 x 7,5 cm

Untitled (green), 2013 Acryl 26,5 x 22 x 7,5 cm

Untitled (green), 2013 acrylic 26,5 x 22 x 7,5 cm

Untitled (yellow), 2013 Akril 35 x 30 cm

Untitled (yellow), 2013 Acryl 35 x 30 cm

Untitled (yellow), 2013 acrylic 35 x 30 cm

Untitled (white), 2013 Akril na platnu 35 x 30 cm

Untitled (white), 2013 Acryl auf Leinwand 35 x 30 cm

Untitled (white), 2013 acrylic on canvas 35 x 30 cm

Johanna Binder diplomirala je 2013. na Sveučilištu za primijenjenu umjetnost u Beču. Od 2009. sudjeluje na brojnim izložbama u zemlji i inozemstvu: solo - „Tragflächen“, Herminengasse 1, Beč (AT), „The Essence“, Künstlerhaus, Beč (AT), „Aufstellung“, Skulpturinstitut, Beč (AT), „JCE Biennale“, Klaipeda Exhibition Hall (LT), „Situaktion“, Krinzinger Projekte, Beč (AT), „JCE Biennale“, Kunsthaus Hamburg (DE), Werkschau, AUSARTEN[], Beč (AT)- solo, „JCE Biennale“, La Fabrique, Paris (FR), „Fear“, Galerija Hrobsky, Beč (AT)... Dobitnica je nekoliko stipendija za svoj rad, kao što su rezidencija Paliano/Rim koju sponzorira grad Salzburg i stipendija Kulturfonds.

Johanna Binder erhielt 2013 ihr Diplom an der Universität für angewandte Kunst in Wien. Seit 2009 nimmt sie teil an zahlreichen Ausstellungen im In- und Ausland: „Tragflächen“, Herminengasse 1, Wien (AT) - solo, „The Essence“, Künstlerhaus, Wien, „Aufstellung“, Skulpturinstitut, Wien (AT), „JCE Biennale“, Klaipeda Exhibition Hall (LT), „Situaktion“, Krinzinger Projekte, Wien (AT), „JCE Biennale“, Kunsthaus Hamburg (DE), Werkschau, AUSARTEN[], Wien - solo (AT) „JCE Biennale“, La Fabrique, Paris/FR, „Fear“, Galerie Hrobsky, Wien (AT)... Sie erhielt mehrere Stipendien wie das Auslandsatelierstipendium für Paliano/Rom vom Land Salzburg und ein Arbeitsstipendium des Kulturfonds Stadt Salzburg.

Johanna Binder graduated from the University of applied arts in Vienna in 2013. Since 2009 she participates in numerous exhibitions in Austria and abroad: „Tragflächen“, Herminengasse 1, Vienna (AT) - solo, „The Essence“, Künstlerhaus, Vienna (AT), „Aufstellung“, Skulpturinstitut, Vienna (AT), „JCE Biennale“, Klaipeda Exhibition Hall (LT), „Situaktion“, Krinzinger Projekte, Vienna (AT), „JCE Biennale“, Kunsthaus Hamburg (DE), Werkschau, AUSARTEN[], Vienna solo (AT) „JCE Biennale“, La Fabrique, Paris (FR), „Fear“, Galerie Hrobsky, Vienna (AT).... She received several scholarships for her work, such as a residency for Paliano/Rome by the city of Salzburg and a working grant by Kulturfonds Salzburg.

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Christian Eisenberger Untitled, 2013 Akril na platnu 120 x 100 cm

Untitled, 2013 Acryl auf Leinwand 120 x 100 cm

Untitled, 2013 acrylic on canvas 120 x 100 cm

Christian Eisenberger rođen je 1978. u Semriachu u Štajerskoj. Živi i radi u Beču. Godine 1999. upisuje slikarstvo na Ortweinu u Grazu. Od 2000. do 2004. studirao je na Sveučilištu primijenjenih umjetnosti u Beču (klasa Brigitte Kowanz).

Christian Eisenberger, ist 1978 in Semriach (Steiermark) geboren. Er lebt und arbeitet in Wien.

Christian Eisenberger was born 1978 in Semriach, Styria (Austria), lives and works in Vienna. 1999 studied painting at Ortwein school, Graz, 2000-2004 studied at the University of Applied Arts, Vienna (class: Brigitte Kowanz). Solo Exhibitions: 2012 TEAPOT @ Armory Show, NY, Columbo Art Biennale , 2011 “Christian Eisenberger: HYPERKOLLABORATIVE HYPOTHESENRELEKTOR 9975/22928/12100”, ES contemporary art gallery, Meran (IT) “art.1800”, Pablo’s Birthday Gallery, NYC (USA), “Running Sushi”, Teapot Gallery, Köln (DE), 2010 “IMG3171PSD”, Konzett Gallery, Wien (AT) Group Exhibitions: 2012 “Der Nackte Mann, Lentos Kunstmuseum Linz (AT), “Malerei: Prozess und Expansion”, MUMOK, Vienna, “Street and Studio”, Kunsthalle Wien, Vienna, Triennale Linz 1.0, “Gegenwartskunst in Österreich”, Lentos Kunstmuseum Linz (AT).

Pojedinačne izložbe: 2012. TEAPOT @ Armory Show, NY, Columbo Art Biennale, 2011., “Christian Eisenberger: HYPERKOLLABORATIVE HYPOTHESENRELEKTOR 9975/22928/12100”, ES contemporary art gallery, Meran (IT) “art.1800”, Galerija Pablo’s Birthday, NYC (USA), “Running Sushi”, Galerija Teapot, Köln (DE); 2010. “IMG3171PSD”, Galerija Konzett, Beč (AT).

Grupne izložbe: 2012. “Der Nackte Mann”, Lentos Kunstmuseum Linz (AT), “Malerei: Prozess und Expansion”, MUMOK, Beč, “Street and Studio” Kunsthalle Wien, Triennale Linz 1.0, “Gegenwartskunst in Österreich“, Lentos Kunstmuseum Linz (AT).

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1999 Ortwein Schule Graz, Graz, 20002004 Universität für Angewandte Kunst, Wien (Klasse Brigitte Kowanz).

Einzelausstellungen: 2012 TEAPOT @ Armory Show, NY, Columbo Art Biennale , 2011 “Christian Eisenberger: HYPERKOLLABORATIVE HYPOTHESENRELEKTOR 9975/22928/12100”, ES contemporary art gallery, Meran (IT) “art.1800”, Galerie Pablo’s Birthday, NYC (USA), “Running Sushi”, Galerie Teapot, Köln (DE), 2010 “IMG3171PSD”, Galerie Konzett, Vienna. Group Exhibitions: 2012 “Der Nackte Mann”, Lentos Kunstmuseum Linz (AT), “Malerei: Prozess und Expansion”, MUMOK, Vienna, “Street and Studio”, Kunsthalle Wien, Triennale Linz 1.0, “Gegenwartskunst in Österreich”, Lentos Kunstmuseum Linz (AT).

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Dorothee Golz Madonna mit der blauen Bluse, 2011 C-Print/muzejsko staklo 90 x 67 cm Ed. 7 Ustupila Galerie Charim, Beč

Madonna mit der blauen Bluse, 2011 C-Print/Museumglas 90 x 67 cm Ed. 7 Courtesy Galerie Charim, Wien

Madonna mit der blauen Bluse, 2011 C-Print/museum glass 90 x 67 cm Ed. 7 Courtesy Galerie Charim, Vienna

Dorothee Golz rođena je 1960. u Mülheimu (Njemačka). Od 1988. živi u Beču. Godine 1986. diplomirala je u Školi dekorativnih umjetnosti u Strasbourgu. Paralelno je studirala etnologiju i povijest umjetnosti u Freiburgu. Fotografija i crtež, kao i skulpture, njezina su najvažnija sredstva izražavanja. Sudjelovanjem na documenta X (1997.) u Kasselu, gdje je pokazala svoju skulpturu “Hohlweit”, kao i svoje crteže, postala je međunarodno poznata. Dobila je više nagrada, između ostalog, i ovogodišnju “Nagradu Grada Beča”.

Izlagala je u Europi, Sjevernoj Americi i Aziji. U prosincu 2013. priredila je veliku samostalnu izložbu u Taxispalais - Galerie des Landes Tirol u Innsbrucku.

Dorothee Golz ist 1960 in Mülheim an der Ruhr, Deutschland, geboren.

Seit 1988 lebt sie in Wien. 1986 erhielt sie ihr Diplom an der Ecole Nationale Supérieur des Arts Plastiques in Straßburg. Parallel dazu studierte sie Ethnologie und Kunstgeschichte in Freiburg. Photografie und Zeichnung, sowie skulpturale Arbeiten sind ihre wichtigsten künstlerischen Aussdrucksmittel. International bekannt wurde sie durch ihre Teilnahme an der documenta X im Jahr 1997, wo sie ihre Skulptur “Hohlwelt“, sowie ihre Zeichnungen zeigte. Sie hat mehrere Preise erhalten. Unter anderem erhielt sie dieses Jahr den “Preis der Stadt Wien“. Sie hatte Ausstellungen in Europa, der USA und Asien.

Dorothee Golz was born in Mülheim (Germany) but lives and works in Vienna since 1988. She graduated from the School of Decorative Arts in Strasbourg in 1986 while studying history of art in Freiburg. Photography and drawing as well as sculptural works are important methods of artistic expression for Golz. She gained international fame after participating in documenta X. She received several awards for her work such as the “Prize from the City of Vienna”. She has exhibited in Europe, USA and Asia.

In December 2013 she had a large solo exhibition in the “Taxispalais - Galerie des Landes Tirol“, Innsbruck.

Im Dezember 2013 hatte sie eine große Personale im Taxispalais – Galerie des Landes Tirol in Innsbruck.

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Aurelia Gratzer Mono, 2012 Akril na molinu 150 x 100cm Privatna zbirka, Linz Ustupila Brunnhofer Galerie, Linz

Mono, 2012 Acryl auf Molino 100 x 150 cm Privatsammlung Linz Courtesy Brunnhofer Galerie

Mono, 2012 acrylic on molino 150 x 100cm Private Collection, Linz Courtesy Brunnhofer Galerie, Linz

Papillon 2, 2012 Akril na molinu 150 x 100cm Privatna zbirka, Linz Ustupila Brunnhofer Galerie, Linz

Papillon 2, 2012 Acryl auf Molino 150 x 100cm Privatsammlung, Linz Courtesy Brunnhofer Galerie, Linz

Papillon 2, 2012 acrylic on molino 150 x 100cm Private Collection, Linz Courtesy Brunnhofer Galerie, Linz

Papillon 3, 2012 Akril na molinu 150 x 100 cm Privatna zbirka, Beč Ustupila galerija bechter kastowsky, Beč

Papillon 3, 2012 Acryl auf Molino 150 x 100 cm Privatsammlung, Wien Courtesy bechter kastowsky galerie, Wien

Papillon 3, 2012 acrylic on molino 150 x 100 cm Private Collection, Vienna Courtesy bechter kastowsky galerie, Vienna

Aurelia Gratzer rođena je 1978. u Hartbergu (Štajerska). Od 1997. do 2003. studira matematiku na Sveučilištu u Beču, nakon čega upisuje pedagoški smjer na Akademiji likovnih umjetnosti u Beču. Od 1999. do 2004. studira slikarstvo i grafiku na Akademiji likovnih umjetnosti u Beču. Živi i radi u Beču.

Aurelia Gratzer, 1978 geboren in Hartberg / Steiermark, 1997–2003 Studium Mathematik LA Universität Wien, Studium Bildnerische Erziehung, Akademie der bildenden Künste, Wien, 1999 – 2004 Studium Malerei und Grafik, Akademie der bildenden Künste, Wien. Lebt und arbeitet in Wien.

Aurelia Gratzer, 1978 born in Hartberg (Austria). 1997–2003 studies at Department of Mathematics, University of Vienna, Austria, Art Education at Academy of Fine Arts Vienna, 1999–2004 studies at Vienna Painting and Graphic Department, Academy of Fine Arts, lives and works in Vienna (Austria).

Pojedinačne izložbe: 2013. Dusk, Galerija Brunnhofer, Linz (AT), Malerei!, Galerija Bechter Kastowsky, Beč; 2011. Malerei, Galerija Hunchentoot, Berlin (DE), Shaft, Strabag Art Lounge, Beč; 2008.

Toxic 43 – part I / part II, sa Ch. Schirmerom, Galerija Bugdahn und Kaimer, Düsseldorf (DE).

Einzelausstellungen: 2013 Dusk, Galerie Brunnhofer, Linz (AT), Malerei!, Bechter Kastowsky Galerie, Wien, 2011 Malerei, Galerie Hunchentoot, Berlin (DE), Shaft, Strabag Art Lounge, Wien; 2008 Toxic 43 – part I / part II, mit Ch. Schirmer, Galerie Bugdahn und Kaimer, Düsseldorf (DE).

Solo exhibitions: 2013 Dusk, Galerie Brunnhofer, Linz (AT), Malerei!, Bechter Kastowsky Gallery, Vienna (AT), 2011 Malerei, Galerie Hunchentoot, Berlin (DE), Shaft, Strabag Art Lounge, Vienna (AT), 2008 Toxic 43 – part I / part II, with Ch. Schirmer, Galerie Bugdahn und Kaimer, Duesseldorf (DE).

Grupne izložbe: 2013.

Eröffnungsausstellung Museum Angerlehner, Thalheim (Wels, AT) 10 Jahre LENTOS, Lentos Kunstmuseum, Linz (AT), 2011. West Price, West Collection, Oaks, Pennsylvania (USA), Nagrada Anton Faistauer, Galerija Traklhaus, Salzburg (AT).

Gruppenausstellungen: 2013 Eröffnungsausstellung Museum Angerlehner, Thalheim bei Wels (AT), 10 Jahre LENTOS, Lentos Kunstmuseum, Linz (AT), 2011 West Price, West Collection, Oaks, Pennsylvania (USA), Anton Faistauer Preis, Galerie im Traklhaus, Salzburg (AT).

Group exhibitions: 2013 Eröffnungsausstellung Museum Angerlehner, Thalheim/Wels (AT), 10 Jahre LENTOS, Lentos Kunstmuseum, Linz (AT), 2011 West Price, West Collection, Oaks, Pennsylvania (USA), Anton Faistauer Price, Galerie Traklhaus, Salzburg (AT).

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Marlene Hausegger Untitled, 2013 instalacija (fotografija/metal/drvo)

Untitled, 2013 Installation (Fotografie/Metall/Holz)

Untitled, 2013 installation (photography/metal/ wood)

Marlene Hausegger studirala je na Sveučilištu za primijenjenu umjetnost u Beču, diplomirala je 2010. godine. Od 2004. sudjeluje na brojnim izložbama u zemlji i inozemstvu. Sudjelovanje u brojnim rezidencijalnim programima (Beograd, Rim, Tirana, New York, Montepellier) utjecalo je na specifičnost mjesta i javnog prostora u njenim radovima.

Marlene Hausegger studierte an der Universität für Angewandte Kunst, Wien (Diplom 2010) und ist seit 2004 an zahlreichen Ausstellungen im Inund Ausland beteiligt. Die Teilnahme an vielen Residency-programmen (Belgrad, Rom, Tirana, New York, Montpellier) hat einen großen Einfluss auf ihre ortsspezifischen Arbeiten im öffentlichen Raum. Ausgewählte Ausstellungen: SOLO: Projektraum Viktor Bucher (2012/2011), Stedelijk Museum ‘s-Hertogenbosch (2013), Schützenmattpark, Basel (2013), Art Brussels (2013), Weltkunstzimmer, Düsseldorf (2013), Forum Frohner Museum, Krems (2011), Triennale Linz, Museum LENTOS (2010), Biennial of Young Artists, Skopje (2009).

Marlene Hausegger, graduated from the University of Applied Arts Vienna in 2010, Marlene Hausegger participated since 2004 in numerous exhibitions in Austria and abroad.

Living and working at numerous residency programs (Belgrade, Rome, Tirana, New York, Montpellier) she finds herself engaging with the changing locations, resulting in works that are site-specific and determined by the public space. Selected exhibitions: SOLO: Gallery Viktor Bucher, Vienna (2012/2011), Stedelijk Museum ‘s-Hertogenbosch (2013), Schützenmattpark, Basel (2013), Art Brussels ( 2013), Weltkunstzimmer, Düsseldorf (2013), Forum Frohner Museum, Krems (2011), Triennale Linz, Museum LENTOS (2010), Biennial of Young Artists, Skopje (2009).

Izabrane izložbe: SOLO Galerija Viktor Bucher, Beč (2012. /2011.), Stedelijk Museum ‘s-Hertogenbosch (2013.), Schützenmattpark, Basel (2013.), Art Brussels (2013.), Weltkunstzimmer, Düsseldorf (2013.), Muzej Forum Frohner, Krems (2011.), Triennale Linz, Muzej LENTOS (2010.), Biennial of Young Artists, Skopje (2009.).

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Karen Holländer Open End, 2013 Akril na lesonitu 190 x 37 x 33,5 cm Ustupila galerija bechter kastowsky, Beč

Open End, 2013 Acryl auf Hartfaserplatte, 190 x 37 x 33,5 cm Courtesy bechter kastowsky galerie, Wien

Open End, 2013 acrylic on hard board 190 x 37 x 33,5 cm Courtesy bechter kastowsky galerie, Vienna

Karen Holländer rođena je 1964. u Tübingenu u Istočnoj Njemačkoj. Od 1983. do 1984. studirala je slikarstvo u Parizu na Académie Penninghen, te od 1984. do 1989. na Akademiji likovnih umjetnosti u Beču. Diplomirala je 1989. Živi i radi u Beču.

Karen Holländer, 1964 geboren in Tübingen, BRD, studierte Malerei in Paris an der Académie Penninghen 1983-1984 und in Wien 1984-1989 an der Akademie der bildenden Künste, Wien, 1989 Diplom, lebt und arbeitet in Wien.

Karen Holländer, born 1964 in Tübingen (Germany), studied painting in Paris at the Académie Penninghen 1983-1984 and in Vienna 1984-1989 at the Academy of Fine Arts, graduated 1989, lives and works in Vienna.

Grupne izložbe: 2013.

Eröffnungsausstellung des Museums Angerlehner, Wels; 2011. „Sesshaft“ Galerija Steinek, Beč; 2010. „Haar“, Galerija Wolfrum, Beč; 2006. Zbirka Essl, „Österreichische Kunst 1900 -2000“.

Gruppenausstellungen: 2013 Eröffnungsausstellung des Museums Angerlehner, Wels,

Pojedinačne izložbe: 2013. Galerija Bechter Kastowsky, Beč; 2012. Galerija Schafschetzy, Graz; 2012. Galerija Schauraum 35/00, Krems; 2008.

Galerija EMB, Triesen.

Einzelausstellungen: 2013 Galerie Bechter Kastowsky, Wien, 2012 Galerie Schafschetzy, Graz, 2012 Galerie Schauraum 35/00, Krems, 2008 Galerie EMB, Triesen.vv

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2011 „Sesshaft“ Galerie Steinek, Wien, 2010 „Haar“, Galerie Wolfrum, Wien, 2006 Sammlung Essl, „Österreichische Kunst 1900-2000“.

Group exhibitions: 2013 Eröffnungsausstellung des Museums Angerlehner, Wels, 2011 „Sesshaft“, Steinek Gallery, Vienna , 2010 „Haar“, Wolfrum Gallery, Wien, 2006 Sammlung Essl, „Österreichische Kunst 1900-2000“. Solo shows: 2013 Bechter Kastowsky Gallery, Vienna, 2012 Galerie Schafschetzy, Graz, 2012 Galerie Schauraum 35/00, Krems, 2008 Galerie EMB, Triesen (Liechtenstein).

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Jakob Lena Knebl pablo, 2012 Uokvireni digiprint 57 x 41 cm photo: Georg Petermichl

pablo, 2012 digiprint gerahmt 57 x 41 cm Foto: Georg Petermichl

pablo, 2012 digiprint framed 57 x 41 cm photo: Georg Petermichl

Jakob Lena Knebl živi i radi u Beču.

Jakob Lena Knebl lebt und arbeitet in Wien

Jakob Lena Knebl lives and works in Vienna

Ausstellungen (selection): “Schwule Sau”, KÖR, Wien (2013); OT, “An eye of the Disposition of a Cloud”, Salzburger Kunstverein, (2013); “Faceless”, Freiraum, Wien (2013); ”Erfinde dich selbst”, Kunstverein Wolfsburg, (2013); ”The only performances that make it all the way”, Künstlerhaus Graz, (2013); Contemporary Art Fair, Istanbul (2013); “Reflecting Fashion”, Mumok, Wien (2012); female takeover, Ve.Sch, Wien (2012); Beauty Contest, MUSA, Wien (2012); ”Wiener Glut”, KIT, Düsseldorf (2011); ”Beauty Contest”, ACF, New York (2011); ”Transgression”, Gallery Beers Lambert, London (2010).

Exhibition (selection): “Schwule Sau”, KÖR, Wien (2013); OT, “An eye of the Disposition of a Cloud”, Salzburger Kunstverein, (2013); “Faceless”, Freiraum, Wien (2013); ”Erfinde dich selbst”, Kunstverein Wolfsburg, (2013); ”The only performances that make it all the way”, Künstlerhaus Graz, (2013); Contemporary Art Fair, Istanbul (2013); “Reflecting Fashion”, Mumok, Wien (2012); female takeover, Ve.Sch, Wien (2012); Beauty Contest, MUSA, Wien (2012); ”Wiener Glut”, KIT, Düsseldorf (2011); ”Beauty Contest”, ACF, New York (2011); ”Transgression”, Gallery Beers Lambert, London (2010).

Izložbe (selekcija): “Schwule Sau”, KÖR, Beč (2013.); OT, “An eye of the Disposition of a Cloud”, Salzburger Kunstverein (2013); “Faceless”, Freiraum, Beč (2013.); “Erfinde dich selbst”, Kunstverein Wolfsburg, (2013.); “The only performances that make it all the way”, Künstlerhaus Graz, (2013); Contemporary Art Fair, Istanbul (2013.); “Reflecting Fashion”, Mumok, Beč (2012.); female takeover, Ve.Sch, Beč (2012.); Beauty Contest, MUSA, Beč (2012.); “Wiener Glut”, KIT, Düsseldorf (2011.); “Beauty Contest”, ACF, New York (2011.); “Transgression”, Galerija Beers Lambert, London (2010.).

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Eric Kressnig Lichten, 2013 Akril, primorski bor, mjed, pet elemenata à 104 x 104 x 52 cm

Lichten, 2013 Acryl, See-Kiefer, Messing, fünf Elemente à 104 x 104 x 52 cm

Lichten, 2013 acrylic, martime pine, brass, five elements à 104 x 104 x 52 cm

Eric Kressnig studirao je slikarstvo i grafiku na Akademiji likovnih umjetnosti u Beču. Diplomirao je 2001. godine. Od 1998. sudjeluje na različitim izložbama / stipendijama: 2013. COCA Constructive Open Concrete Abstract artmark galerie Vienna / XX Galerija Leonhard Graz / Galerija Schwerpunkt Druckgraphik u Traklhausu, Salzburg; 2012. Realität und Abstraktion 2 – Konkrete und reduktive Tendenzen ab 1980., Muzej Liaunig Neuhaus / Suha / Jesuitenfoyer, Beč / BILD. IM BILD.UMS BILD HERUM, Rittergallery Klagenfurt / Montag ist erst Übermorgen, Akademija likovnih umjetnosti u Beču; 2011.

Stipendija Rudolf Hradil, Salzburg / Streng Geometrisch MMKK Klagenfurt; 2010. Artist in Residence Jahresausstellung atelierfrankfurt Frankfurt am Main; 2009. augmented Galerie Strickner, Beč; 2008. Prints for Leroy Neiman Centre, Columbia University, New York; 2007. Cité Internationale des Arts Paris...

Eric Kressnig, Studium der Malerei und Grafik an der Akademie der bildenden Künste, Wien Diplom 2001.

Seit 1998 diverse Ausstellungen/ Stipendien: 2013 COCA Constructive Open Concrete Abstract artmark galerie Wien / XX Galerie Leonhard Graz / Schwerpunkt Druckgraphik Galerie im Traklhaus Salzburg / 2012 Realität und Abstraktion 2 – Konkrete und reduktive Tendenzen ab 1980 Museum Liaunig Neuhaus/ Suha / Jesuitenfoyer Wien / BILD. IM BILD.UMS BILD HERUM Rittergallery Klagenfurt / Montag ist erst Übermorgen Akademie der bildenden Künste Wien / 2011 Rudolf Hradil Stipendium Salzburg / Streng Geometrisch MMKK Klagenfurt / 2010 Artist in Residence Jahresausstellung atelierfrankfurt Frankfurt am Main / 2009 augmented Galerie Strickner Wien / 2008 Prints for Leroy Neiman Centre, Columbia University, New York / 2007 Cité Internationale des Arts Paris...

Eric Kressnig studied painting and printmaking at the Academy of Fine Arts in Vienna. He graduated in 2001.

Since 1998 he participates in various exhibitions / scholarships: 2013 COCA Constructive Open Concrete Abstract artmark gallery (Vienna) / XX Leonhard Gallery Graz / Schwerpunkt Druckgraphik Gallery in Traklhausu, Salzburg / 2012 Realiy and Abstraction 2 - Concrete and Reductive Tendencies from 1980 at Museum Liaunig Neuhaus / Suha / Jesuitenfoyer, Vienna / BILD.IM BILD.UMS BILD HERUM, Rittergallery Klagenfurt / Montag ist erst Übermorgen Academy of Fine Arts in Vienna / 2011 Rudolf Hradil Scholarship, Salzburg / Streng Geometrische MMKK Klagenfurt / 2010 Artist in Residence Jahresausstellung atelierfrankfurt Frankfurt am Main; 2009 augmented Strickner Gallery, Vienna / 2008 Prints for Leroy Neiman Centre, Columbia University, New York / 2007 Cité Internationale des Arts Paris...

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Hans Scheirl My family, 2013 Instalacija, akril na platnu 230 x 280 cm

My family, 2013 Installation, Acryl auf Leinwand 230 x 280 cm

My family, 2013 installation, acrylic on canvas 230 x 280 cm

Hans Scheirl (nekada Angela) studirao je od 1975. do 1980. na Akademiji likovnih umjetnosti u Beču. Od 1981. do 1982. radi za “Wednesdays at A´s” u NY. Od 1978. do 1985. sudjeluje na performativnim glazbenim eksperimentima 8’ oder 9’ i ‘Ungünstige Vorzeichen’. Između 1979. i 1998. izradio je 50-ak kratkometražnih i 2 dugometražna filma. Scheirl 16 godina živi i radi u Londonu gdje je 2003. magistrirao likovnu umjetnost na Central Saint Martins Collegeu.

Godine 2006. dobiva državnu stipendiju za likovnu umjetnost. Od jeseni 2006. predaje “Kontekstualno slikarstvo” na Akademiji likovnih umjetnosti u Beču. Godine 2012. od grada Beča dobiva nagradu za likovnu umjetnost. Priredio je brojne nacionalne i inozemne izložbe, te filmske projekcije (website: hansscheirl.jimdo.com).

Hans Scheirl (früher Angela) studierte 1975-80 an der Akademie der Bildenden Künste Wien. 1981-82 arbeitete sie für den wöchentlichen Performanceabend „Wednesdays at A´s“ in NYC. Von 1978 bis 1985 nahm sie beteiligt an den performativen Musikexperimenten von‚ 8 oder 9‘ und, Ungünstige Vorzeichen‘.

Zwischen 1979 und 1998 entstanden ca. 50 Kurzfilme und 2 Langfilme.

Scheirl lebt und arbeitet 16 Jahre in London, wo er 2003 den Master of Arts der Bildenden Kunst am Central Saint Martins College abschcloß.

2006 empfing er das österreichische Staatsstipendium für Bildende Kunst.

Seit Herbst 2006 ist er Professor für „Kontextuelle Malerei“ an der Akademie der Bildenden Künste in Wien. 2012 erhielt er den Preis für Bildende Kunst der Stadt Wien. Er macht zahlreiche Ausstellungen und Filmscreenings im In- und Ausland (webseite: hansscheirl.jimdo.com).

Hans Scheirl (formerly Angela) studied at the Academy of Fine Arts Vienna 1975-80. Scheirl worked for the weekly performance event „Wednesdays at A‘s“ in NYC from 1981-82. From 1978-85 Scheirl was part of the performative musical experiments of ‚8 oder 9‘ and ‚Ungünstige Vorzeichen‘. Between 1979 and 1998 Scheirl made 50 short films and 2 feature-films. He lives and works in London for 16 years, where he graduated as Master of Fine Arts at Central Saint Martins in 2003. 2006 Scheirl received the Austrian State Fund for Fine Arts. Since 2006 he is professor for ‚Contextual Painting‘ at the Academy of Fine Arts Vienna. He received the 2012 Prize for Fine Arts from the City of Vienna. Participant in numerous national and international exhibitions and filmscreenings (website: hansscheirl.jimdo.com).

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Martin Schnur Display #7, driftin‘back, 2013 Ulje na aluminiju 200 x 255 x 250 cm Ustupila galerija bechter kastowsky, Beč

Display #7, driftin‘back, 2013 Öl auf Aluminium 200 x 255 x 250 cm Courtesy bechter kastowsky galerie, Wien

Display #7, driftin‘back, 2013 oil on aluminium 200 x 255 x 250 cm Courtesy bechter kastowsky galerie, Vienna

Liegenschaft, 2013 Ulje na platnu 264 x 204 cm Ustupila galerija bechter kastowsky, Beč

Liegenschaft, 2013 Öl auf Leinwand 264 x 204 cm Courtesy bechter kastowsky galerie, Wien

Liegenschaft, 2013 oil on canvas 264 x 204 cm Courtesy bechter kastowsky galerie, Vienna

Martin Schnur rođen je 1964. u Austriji. Godine 1990. diplomirao je na Akademiji likovnih umjetnosti u Beču. Od 1990. sudjeluje na brojnim izložbama. Pojedinačne izložbe: 2013. „Vorspiegelung“ Muzej Essl, Klosterneuburg; 2013. „Erstpräsentation der Sammlung Angerlehner“, Muzej Angerlehner, Wels; 2008. „Schein“, Belvedere, Augarten Contemporary, Beč. Grupne izložbe: 2012. „Der nackte Mann“, Kunstmuseum Lentos, Linz; 2011. „Ringturmkunst“, Sammlung Vienna Insurance Group, Muzej Leopold, Beč; 2011. „Realität und Abstraktion“, Muzej Liaunig, Koruška.

Martin Schnur, 1964 geboren in Österreich, 1990 Diplom an der Akademie der bildenden Künste, Wien seit 1990 Teilnahme an zahlreichen Ausstellungsbeteiligungen sowie Einzelausstellungen, darunter 2013 „Vorspiegelung“, Einzelausstellung im Essl- Museum, Klosterneuburg, 2013 „ Erstpräsentation der Sammlung Angerlehner“ im Museum Angerlehner, Wels, 2008 „Schein“, Einzelausstellung im Belvedere, Augarten Contemporary, Wien.

Ausstellungsbeteiligungen: 2012 „Der nackte Mann“, Kunstmuseum Lentos, Linz, 2011 „Ringturmkunst“, Sammlung Vienna Insurance Group, Leopold- Museum, Wien, 2011 „Realität und Abstraktion“, Museum Liaunig, Kärnten.

Martin Schnur, born 1964 in Austria, graduated 1990 from the Academy of Fine Arts, Vienna, since 1990 numerous exhibition participations and solo shows, inter alia 2013 „Vorspiegelung“, solo show EsslMuseum, Klosterneuburg (AT), 2013 „Erstpräsentation der Sammlung Angerlehner“, Museum Angerlehner, Wels (AT), 2008 „Schein“, solo show, Belvedere, Augarten Contemporary, Vienna; exhibition participations: 2012 „Der nackte Mann“, Kunstmuseum Lentos, Linz, 2011 „Ringturmkunst“, Sammlung Vienna Insurance Group, Leopold- Museum, Vienna, 2011 „Realität und Abstraktion“, Museum Liaunig, Carinthia, Austria.

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Norbert Trummer Landscape with Grey Heron, 5 min tehnika: slikanje na drvu, digitalna fotografija, animacija režija: Norbert Trummer glazba: der schwimmer

Landscape with Grey Heron, 5 min Technik: Malerei auf Holz, Digitalfotografie, Animation, Regie: Norbert Trummer Musik: der schwimmer

Landscape with Grey Heron, 5 min technique: painting on wood, digital photography, painting, animation, direction: Norbert Trummer music: der schwimmer

Norbert Trummer rođen je 1962. u Leibnitzu. Studirao je od 1980. do 1987. slikarstvo na Akademiji likovnih umjetnosti u Beču.

Izložbe u zemlji i inozemstvu: „Krumlovsommer“, Neue Galerie Studio Universalmuseum Joanneum, Graz (2003.); „Ballkünstler“, Museum der bildenden Künste, Leipzig (2006.); „Filme auf Fichtenholz“, Galerija Altnöder, Salzburg (2007.); „Another Tomorrow“: Young video art from the collection of the Neue Galerie, Slought Foundation, Philadelphia (2008.); „Spotlight“, Museum der Moderne, Mönchsberg, Salzburg (2009.); „Jenseits des Sehens Beyond Seeing“, Muzej Stift Admont; „medien.kunst.sammeln“, Kunsthaus Graz, Universalmuseum Joanneum, Graz (2012.).

Norbert Trummer, geboren 1962 in Leibnitz; 1980-1987 Studium der Malerei an der Akademie der bildenden Künste in Wien; Ausstellungen im In- und Ausland: „Krumlovsommer“, Neue Galerie Studio Universalmuseum Joanneum, Graz (2003); „Ballkünstler“, Museum der bildenden Künste, Leipzig (2006); „Filme auf Fichtenholz“, Galerie Altnöder, Salzburg (2007); „Another Tomorrow“: Young video art from the collection of the Neue Galerie, Slought Foundation, Philadelphia (2008); „Spotlight“, Museum der Moderne, Mönchsberg, Salzburg (2009); „Jenseits des Sehens - Beyond Seeing“, Museum Stift Admont; „medien.kunst.sammeln“, Kunsthaus Graz, Universalmuseum Joanneum, Graz (2012).

Norbert Trummer was born 1962 in Leibnitz and studied 1980-87 painting at the Academy of Fine Arts in Vienna; he participated in numerous exhibitions in Austria and abroad: „Krumlovsommer“, Neue Galerie Studio Universalmuseum Joanneum, Graz (2003); „Ballkünstler“, Museum der bildenden Künste, Leipzig (2006); „Filme auf Fichtenholz“, Galerie Altnöder, Salzburg (2007); „Another Tomorrow“: Young video art from the collection of the Neue Galerie, Slought Foundation, Philadelphia (2008); „Spotlight“, Museum der Moderne, Mönchsberg, Salzburg (2009); „Jenseits des Sehens - Beyond Seeing“, Museum Stift Admont; „medien.kunst.sammeln“, Kunsthaus Graz, Universalmuseum Joanneum, Graz (2012).

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2. Bijenale slikarstva 2nd Biennale of Painting 2. Malerei - Biennale 44

Kultura oka - kultura slike Izgleda da problem sa slikom i slikarstvom danas nije taj, što je ona izgubila prvotnu funkciju prirodne čarolije - estetsku i etičku; fizičku i metafizičku; spoznajnu i značenjsku; stvorenu vizualnim alatima i znakovima kojima propituje ili tumači svijet oko sebe, već što se njezina aparatura u kulturi oka od moderne epohe do postindustrijskog informacijskog vremena, mehaničkom i digitalnom revolucijom proširila gotovo na sve vidljivo i znano, osjetilno i emotivno. Umorno oko promatrača 21. stoljeća toliko je zasićeno vizualnim informacijama da mozak i um više ne razlikuju virtualnu od stvarnosne 3D zbilje.

Danas klasičnu sliku promatramo u mreži takvih i raznolikih slika te njezina eventualna inflacija proizlazi iz beskrajne slikovitosti: od TV i filmskih slika do svemirskih slika satelitskih teleskopa. Zbog toga, već i njezino lociranje u vremenu i prostoru predstavlja golemi problem, kao i njezino tumačenje.

Michaudovo pitanje - Tko danas uopće još slika?može se preformulirati u; Što danas slika nije i je li njezina egzistencija vezana uz konvenciju muzeja i galerije, odnosno kome danas još trebaju slike? Time zalazimo u pitanje mogućnosti slobode, mogućnosti slobode izbora, ukusa, obrazovanja i odgoja, ali i u ekonomske pretpostavke takvog odabira. Pitanje nije - Gledate li?- već -Što gledate?- a to što se gleda i, eventualno, vidi neraskidivo je povezano s kulturom oka. Stvara li siromašno društvo siromašnu umjetnost ili je kriza pretpostavka za zdraviji odnos prema svijetu i umjetnosti? Je li u neoliberalnom kapitalizmu, odnosno, njezinim primitivnim hrvatskim oblicima slika samo roba ili loša roba koja u našim mjerilima nema nikakvu ili vrlo malu vrijednost? Ako je pojedincu ugrožena egzistencija, naravno, on tada nije u istoj poziciji s pojedincem koji posjeduje višak vrijednosti. No to ne mora imati veze s ukusom, što, pak, vodi ka pitanju: Djeluje li i kako djeluje ekonomija na umjetnost i temeljne čovjekove potrebe i slobode?

Kroz ta i mnoga druga neodgovorena pitanja zrcale se vidovi imaginarnoga slikarskoga mozaika.

Slike. Ljudi ih vole ili ne vole - na osnovnoj razini estetike; sviđanja ili nesviđanja vlastite subjektivne psihološke skale: od ljepote do ružnoće, straha i mržnje prema slici, što svjedoči povijest tabua i svih ikonoklazama: od Bizanta, židovstva, djelomične zabrane unutar katoličanstva, reformacije, islama, totalitarnih sustava i izopačene umjetnosti odstranjene od fašizma i komunizma do rušenja komunističkih ikona nakon pada željezne zavjese, kao i rata u Iraku, ali i ikonoklazma potpuno apstrahirane završne moderne u nemogućnosti slike. Ne treba 46

zaboraviti ni autocenzuru i cenzuru stvaratelja i promatrača u današnjim razvijenim sustavima. Dobar primjer je šok i zabrana koju je izazvala nedavna izložba o nagome muškome tijelu (Beč – Leopold Museum, 2012) gdje su na plakatima opasne zone nagog tijela prekrivene pravokutnicima, što govori o tabuu seksualnosti, pogotovo muške. Sjetite se, Darwinu je trebalo 20 godina da objavi teoriju evolucije - Porijeklo vrste...

Mitchell u zapažanjima ikonologije (Ikonologija, slika - riječ - ideologija, 1986) u razlikovanju ideje i slike, koje se međusobno pretaču, razlaže pojam slike na grafičke (od crteža do slike), mentalne, verbalne, i opažajne slike. Ulazi u zagonetnosti jezika i slikovnosti poimajući sliku nekom vrstom jezika s dihotomijom jezičnog u slikovnome i slikovnoga u jeziku, zapravo, u prikriveni jezik znakova i simptoma u kojem slika više nije “savršen, transparentan medij kroz koji se stvarnost može reprezentirati razumu”. Prema tome, slike prikrivaju svoja značenja - “stvaraju varljive dojmove prirodnosti i providnosti i skrivaju neproziran, iskrivljen, arbitraran mehanizam reprezentiranja, proces ideološkog mistificiranja”. Kad promišljamo slikovnost - “govorimo o slikama (…), optičkim iluzijama, kartama, dijagramima, snovima, priviđenjima, prizorima, projekcijama, pjesmama, primjerima, sjećanjima, čak i idejama kao slikama (...)”. Slika je i odraz i sličnost i kopija, ali i zrcalo i projekcija, kao i pojava, vrsta, san i sjećanje, ideja i fantazija, metafora i opis: vizualna i verbalna, ovisno s koje strane teleskopa promatrate sliku. Unutar takve vizualne umreženosti dugog niza trajanja: od špiljskog slikarstva do slikarstva 21. stoljeća, od pogleda na svijet do ideologije i fetiša robe, od analogne do virtualne slike i simulacije, od projekcije do mita od čistome oku i distanci prema vidljivom, promatramo i pokušavamo tumačiti sliku i slikarstvo. Uvidom u beskrajnu slikovitost danas slika kao medij izgleda klasično bez obzira na alat, način, stil i estetiku - poput knjige ili akustične gitare. Ali unutar konvencije slikarstvo je uvijek simptom duha vremena. U prostoru između tog okvira moguće je ukazati na opću tipologiju građe salona i moguću vitalnost slike. Većina djela, što je simptomatično za nove generacije slikarstva, stvara slike kao odraze, sličnosti s 3D svijetom i njegovom društvenom vizualizacijom, pa i njegovom zrcalnom slikom uz analogije s fotografijom. Hoćemo li to zvati novi realizam, poput Gavrilovića, ili novi-novi realizam, ili slikarstvo hiper-hiper realizam, odrednice koje kroz slikarske naočale odražavaju estetiziranu hiper-hiper zbilju, ali i simulakrume iz kojih se često krije veliko ništa u ludoj, ali površnoj ljepoti svijeta, manje je važno. Slika je tu simbol savršene estetike

u rasponima osobnih kritičkih skala. U tu grupu pripadaju najveći niz radova od Tadića do Šandrka te od Gabrića do Martine Grlić. Drugi tip je blizak prvome, ali ga krasi zavidna, ali i ljudski nesavršena ruka, pa i ekspresije, mračnijih ugođaja i propitivanja Vekića, Šumonje, Paullete, Vehabovića, Fischera i Dračića. Slika je i tu odraz, ali često prosijan kroz deziluzionističko sito. Treću tipološku grupu čine radovi koji propituju ljepotu ružnoće lošim slikarstvom u često mozaičnim slikarskim konceptima: Malčić, Zubak i Zeman. Četvrtu skupinu čine apstrahirane slike konceptualne neo-geometrije Jurića, op-geometrije Sobote do različitih vidova ekspresivnih i obojenih apstrahiranja i načina materije Borića i Leje Popinjač, crnih polja Blažeka, Akrapa i Željke Cupek. Petoj skupini u kojoj se miješaju ekspresivno i apstrahirano pripadaju Friščić i Mezak, ali i slikarski bardovi Seder i Keser, kao i Gordna Bakić Vlahov koja prodire i u prostornu sliku. Svoje slike-zagonetke u maniri homo ludensa stvara Boris Bućan.

Nisu spomenuti svi autori, ali tipologija pokriva vidljive simptome od hiper-iluzije i mistifikacije, preko raznolikih deziluzionizma ostvarenih sličnim sredstvima, do slika materije i svijeta iz materije. Široki raspon; od savršene slike, do one posve nesavršene. Željko Marciuš

Die Kultur des Auges - Die Kultur des Bildes Es scheint, als ob das Problem mit dem Bild und der Malerei heute nicht darin liegt, dass sie die ursprüngliche Rolle der Natur-Magie verlor: ästhetisch und ethisch, physisch und metaphysisch, kognitiv und bedeutend, mit visuellem Werkzeug geschaffen und mit den Zeichen, mit denen sie die Welt um sich herum hinterfragt und erklärt, sondern dass sich ihre Apparatur in der Kultur des Auges von der modernen Epoche bis zum postindustriellem InformationsZeitalter durch eine mechanische und digitale Revolution auf alles Sichtbare und Bekannte, Sinnliche und Emotive verbreitet hat. Das erschöpfte Auge des Betrachters des 21. Jahrhunderts ist so sehr mit visuellen Informationen gesättigt, dass das Gehirn und der Verstand die virtuelle von der 3D Wirklichkeit nicht unterscheiden können. Heute betrachten wir das klassische Bild in dem Netz solcher und verschiedener Bilder, und ihre unendliche Inflation geht aus dem endlosen Bildlichen hervor: von den Fernseh - und Spielfilmbildern bis zu den Weltraumbildern der Satelliten-Teleskope. Deshalb stellt schon seine Einordnung in Zeit und Raum genau so wie seine Deutung ein großes Problem dar. Die Frage von Michaud „Wer malt denn heute überhaupt noch?“ kann reformuliert werden in die Frage: „Was ist heute ein Bild nicht und ist ihre Existenz mit der Konvention der Museen und Galerien verbunden bzw. wer braucht überhaupt heute noch Bilder?“ Damit gehen wir in die Frage der Freiheitsmöglichkeit, Auswahlmöglichkeit, Vorliebe, Bildung und Erziehung, aber auch der ökonomischen Annahme einer solchen Auswahl über. Die Frage ist nicht: „Beobachten Sie?“ , sondern: „Was beobachten Sie?“, und das, was beobachtet und eventuell gesehen wird, ist unzertrennlich mit der Kultur des Auges verbunden. Schafft eine arme Gesellschaft eine arme Kunst oder ist die Krise eine Voraussetzung für eine gesündere Beziehung gegenüber der Welt und der Kunst? Ist in einem neoliberalen Kapitalismus bzw. seinen primitiven kroatischen Formen ein Bild nur eine Ware oder schlechte Ware, die nach unserem Maßstab keine oder eine sehr geringe Bedeutung hat? Wenn die Existenz eines Individuums gefährdet ist, dann ist diese Person natürlich in einer anderen Lage als jemand, der einen Überschuss an Werten besitzt? Aber das muss nicht mit dem Geschmack verbunden sein; was weiter zur Frage führt: „Beeinflusst die Ökonomie die Kultur und die grundlegenden menschlichen Bedürfnisse und Freiheiten und auf welche Weise beeinflusst sie die Kultur?“ Durch diese und viele andere unbeantwortete Fragen spie47

geln sich die Sichten des imaginären malerischen Mosaiks wider.

Bilder. Die Menschen mögen sie oder mögen sie nicht auf der Grundebene der Ästhetik; das Gefallen oder Nicht-Gefallen der persönlichen psychologischen Skala: von der Schönheit bis zur Hässlichkeit, Angst und Hass gegenüber dem Bild, von dem die Geschichte des Tabus und des Ikonoklasmus zeugt: von Byzanz, Judentum, einem Teilverbot im Christentum, Reformation, Islam, Totalitären Systemen und der entstellten Kunst, die vom Faschismus und Nationalsozialismus entsorgt wurde, bis zum Fall der kommunistischen Ikonen nach dem Fall des Eisernen Vorhangs, so wie dem Krieg in Iran, aber auch dem Ikonoklasmus der völlig abstrahierten Postmoderne in der Unfähigkeit des Bildes. Mann soll auch die Zensur und Auto-Zensur des Schöpfers und Betrachters in den heutigen entwickelten Systemen nicht vergessen. Ein gutes Beispiel dafür ist der Schock und das Verbieten der Ausstellung eines nackten Männerkörpers (Wien, Leopold Museum, 2012), wo auf den Plakaten die gefährlichen Gebiete des nackten Körpers mit Dreiecken bedeckt wurden, was von einem Tabu der Sexualität und besonders der männlichen Sexualität spricht. Erinnern sie sich, dass Darwin 20 Jahre warten musste, um seine Theorie der Evolution zu veröffentlichen - Die Entstehung der Arten ...

Mitchell zerteilt in den Bemerkungen der Ikonologie (Iconology: Image, Text, Ideologie, 1986) in der Unterscheidung von Bildern, die sich gegenseitig umgießen, den Begriff des Bildes auf Grafiken (von einer Zeichnung bis zum Bild), mentale, verbale und bemerkte Bilder. Er geht in das Mysteriöse der Sprache und das Bildliche, indem er das Bild durch eine Art von Dichotomie des Sprachlichen in dem Bildlichen und des Bildlichen in der Sprache auffasst bzw. in eine gedeckte Sprache der Zeichen und Symptome, in der das Bild kein „perfektes, transparentes Medium ist, durch das sich die Wirklichkeit dem Verstand repräsentieren kann“. Demnach verdecken die Bilder ihre Bedeutungen, „bilden Täuschungseindrücke des Natürlichen, der Vorsehung und verdecken einen undurchsichtigen, gekrümmten, arbiträren Mechanismus des Repräsentierens, den Prozess der ideologischen Mystifikation“.

Wenn wir über das Bildliche denken „sprechen wir von Bildern [...], optischen, Illusionen, Karten, Diagrammen, Träumen, Vorahnungen, Projektionen, Liedern, Beispielen, Erinnerungen und sogar Ideen als Bildern [...].” Das Bild ist eine Wiederspieglung, Ähnlichkeit und Kopie, aber auch ein Spiegel, eine Projektion, eine Erscheinung, eine Sorte, ein Traum und Erinnerungen, eine Idee und eine Fantasie, eine 48

Metapher und eine Beschreibung: visuell und verbal; es hängt davon ab, von welcher Seite des Teleskops man das Bild betrachtet. Eine lange Dauer innerhalb einer solchen visuellen Vernetzung: von der Grotten- Malerei bis zur Malerei des 21. Jahrhunderts, von einer Weltanschauung bis zur Ideologie und den Warenfetischen, vom analogen zum virtuellen Bild und Simulation, von einer Projektion bis zum Mythos des reinen Auges und von einer Distanz bis zum Sichtbaren beobachten wir und versuchen, Bilder und die Malerei zu deuten. Durch einen Einblick in die völlige Bildhaftigkeit sieht ein Bild heute als ein Medium klassisch aus, trotz dem Werkzeug, der Art, dem Stil und der Ästhetik wie ein Buch und eine akustische Gitarre. Aber innerhalb der Konvention ist die Malerei immer ein Symptom des Zeitgeistes. Im Raum zwischen diesem Rahmen ist es möglich auf eine Gesamttypologie der Salonkonstruktion und mögliche Bildvitalität aufmerksam zu machen. Der größte Teil der Werke, was symptomatisch für die neue Generation der Malerei ist, schafft Bilder als Umrisse, Ähnlichkeiten mit der 3D Welt, ihrem gesellschaftlichen Visualisieren und mit ihrem reflektierenden Bild neben Analogien zur Fotografie.

Ob wir das als neuen Realismus, wie Gavrilović, oder Neo-Neo Realismus oder die Malerei des Hyperrealismus benennen, ist weniger bedeutend; Merkmale, die durch die Brille eines Malers eine ästhetisierte Hyper-Hyper Realität reflektieren, aber auch virtuelle Wirklichkeiten, hinter denen sich oft ein großes Nichts in einer verrückten, aber oberflächlichen Schönheit verbirgt. Das Bild ist hier ein Symbol der perfekten Ästhetik in Spannweite der persönlichen kritischen Abstufungen. Zu dieser Gruppe gehören auch die meisten Werke von Tadić bis Šandrik und von Gabrić bis Martina Grlić. Der zweite Typ steht dem ersten sehr nahe, aber ihn schmückt eine begehrenswerte und menschlich nicht perfekte Hand, aber auch Expressionen dunkler Atmosphären und Erkundigungen von Vekić, Šumonja, Paulleta, Vehabović, Fischer und Dračić. Das Bild ist hier ein Abriss, das oft durch ein illusionistisches Sieb gesiebt wird. Die dritte typologische Gruppe umfasst Werke die die Schönheit der Hässlichkeit durch eine schlechte Malerei in oft mosaikartigen malerischen Konzepten hinterfragen: Malčić, Zubak und Zeman.

Die vierte Gruppe besteht aus abstrahierten Bildern der konzeptuellen Neo-Geometrie von Jurić, Op-Geometrie von Sobota, bis zu verschiedenen Auffassungen des expressiven und gemalten Abstrahierens und Materienarten von Borić und Leja Popinjača, den schwarzen Feldern von Blažek Akrapa und Željka Cupek. Zur fünften Gruppe, in der sich das Expressive und das Abstrahierte vermischen,

gehören Friščić und Mezak, die Malereipoeten Seder und Keser und Gordana Bakić Vlahov, die auch in das räumliche Bild eindringt. Boris Bućan schafft seine Rätsel-Bilder in der Manier des homo ludens.

Es sind nicht alle Autoren erwähnt worden, aber die Typologie umfasst sichtbare Symptome von der Hyper-Illusion und Mystifikation, den unterschiedlichen Desillusionen, die sich durch ähnliche Mittel verwirklichen, bis zu den Bildern der Materie und der Welt aus der Materie. Eine breite Spannweite; von einem perfekten- bis zum nicht ganz perfekten Bild. Željko Marciuš

Eye culture – painting culture It seems that the problem with painting today is not that it has lost it’s erstwhile function of a natural magic – aesthetic and ethical; physical and metaphysical; cognitive and meaningful; created with visual tools and signs with which it questions or interprets the world around it, but the fact that its apparatus in the eye culture has, from the modern age to the post-industrial information age, spread, via the mechanical and digital revolution, to almost everything that’s visible and known, sensory and emotive. The weary eye of the 21st century observer has been so saturated with visual information that the mind no longer distinguishes the virtual from the actual 3D reality. Today, we look at a classic painting within a network of such and various pictures and its possible inflation comes from the endless images: from TV and motion pictures to space images from satellite telescopes. That’s why it’s very placement in time and space presents a huge problem, as does its interpretation. Michaud’s question –Who even paints today? – can be rephrased as: What isn’t a painting today, and is its existence tied to the museum and gallery convention, or who even needs paintings today? With it, we delve into the question of the possibility of freedom, the possibility of freedom of choice, taste, education and upbringing , but also in the economic aspects of such a choice. The question is not – Do you look? – but – What do you look at?- and that which is looked at and, possibly, seen is inexorably linked to the eye culture. Does a poor society create poor art or is the crisis a prerequisite for a healthier attitude toward the world and art? Are paintings in neo-liberal capitalism, or its primitive Croatian counterpart, just merchandise or poor merchandise that, by our standards, has no or very little value? If an individuals livelihood is at stake, he’s, naturally, not in the same position as an individual with disposable income. But this needn’t have anything to do with taste, which leads to the question: Does the economy affect art and people’s basic needs and liberties and how does it affect them? These and many other unanswered questions reflect the types of imaginary painting mosaic.

Paintings. People either like them or they don’t – at the basic level of aesthetics, liking or disliking according to their own subjective psychological scale: from beauty to ugliness, fear and hatred toward a painting, as witnessed by the history of taboos and all sorts of iconoclasm: from the Byzantium, Judaism, the partial prohibition within Catholicism, Reformation, Islam, totalitarian systems, the deranged

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art removed by fascist and communist regimes to the demolition of communist icons after the fall of the Iron Curtain, as well as the war in Iraq, but also the iconoclasm of the totally abstract late modern art in the impossibility of painting. One should not forget the self-censorship and censorship by creators and observers in today’s developed systems. A good example is the shock and ban caused by a recent exhibition about the nude male body (Vienna – Leopold Museum, 2012), where the dangerous zones of the nude body where covered with rectangles, which speaks a lot about the taboo on sexuality, especially male sexuality. Remember, it took Darwin 20 years to publish his theory of evolution – On the Origin of Species…

In his observation about iconology (Iconology, Image – Word – Ideology, 1986) in the distinguishing between the overlapping idea and image, Mitchell divides the term image into the graphical (from drawing to painting), mental, verbal and perceptual images. He delves into the mysteries of language and pictorial expression by seeing image as a kind of language with the dichotomy of linguistic in the pictorial and the pictorial in language, actually, a hidden language of signs and symptoms in which an image is no longer a “perfect, transparent medium through which the reality can be represented to the mind”. Accordingly, the images conceal their meanings – and “create deceitful impressions of naturalness and transparency and conceal the nontransparent, twisted, arbitrary mechanism of representation, the process of ideological mystification”.

When we think about something pictorial – “we’re talking about images (…), optical illusions, maps, diagrams, dreams, fancies, scenes, projections, songs, examples, memories, even ideas as images (…)”. An image is a reflection, a similarity and a copy, but also a mirror and projection, as well as an occurrence, kind, dream and memory, idea and fantasy, metaphor and description: visual or verbal, depending on from which end of the telescope you’re looking at the image. Within such a visual network spanning such a long time: from cave painting to the painting of the 21st century, from worldview to ideology and merchandise fetish, from the analogue to the virtual image and simulation, from projection to the myth about the clear eye and the distance from the visible, we observe and try to interpret an image and painting. With insight into the endless forms of pictorial expression, today, painting as a medium looks classical regardless of the tools, manner, style or aesthetics – the same as a book or an acoustic guitar. But within the convention, painting is always a symptom of the spirit of the time. In the space

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within this framework, it is possible to point to the general typology of the constitution of a salon and the possible vitality of the painting. The majority of works, symptomatically for the newer generations of painting, create paintings as reflections, similarly to the 3D world and its social visualisation, and even with its mirror image with the analogy to photography. Whether we call it new realism, like Gavrilović, or new-new realism, or hyper-hyper realist painting, the determinants that reflect an aestheticised hyper-hyper reality through the prism of panting, but also simulacra that often hide a big nothing, is less important I the mad, but superficial beauty of the world. Here, the painting is a symbol of perfect aesthetics within the range of personal critical scales.

This group contains the greatest number of works, form Tadić to Šandrk, and from Gabrić to Martina Grlić. The other type is closely related to the first, but it is distinguished by an impressive, but humanly imperfect hand, as well as the expressions of gloomy moods and questions by Vekić, Šumonja, Pauletta, Vehabović, Fischer and Dračić. Here, the painting is also a reflection, but often sieved through a disillusionist sieve. The third typological group is made up of works exploring the beauty of ugliness through poor painting in frequently mosaic painting concepts: Malčić, Zubak and Zeman. The fourth group consists of the abstracted paintings of conceptual neo-geometry of Jurić, op-geometry of Sobota, all the way to the various types of expressive and coloured abstractions and matter of Borić and Leja Popinjač, black fields of Blažek, Akrap and Željka Cupek. The fifth group, which mixes the expressive and the abstract, contains Friščić and Mezak, as well as painting bards Seder and Keser, along with Gordana Bakić Vlahov, who encroaches on spatial painting too. Boris Bućan creates his riddle-paintings in the manner of the homo ludens.

Not all authors have been mentioned, but the typology covers the visible symptoms from hyper-illusion and mystification, through various disillusionisms created with similar means, to the paintings of matter and the world consisting of matter. A broad range; from the perfect painting to the entirely imperfect one . Željko Marciuš

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Grgur Akrap

Veliki i mali igrači, 2013.

Ulje i enkaustika na platnu 120 x 90 cm i 18 x 20 cm

Big and small players, 2013 Öl und Enkaustik auf Leinwand 120 x 90 cm und 18 x 20 cm

Big and small players, 2013 Oil and hot wax on canvas 120 x 90 cm and 18 x 20 cm

Temu životnog putovanja, pokušaja bijega od nepredvidive stvarnosti u okvir u kojemu svijet postaje pregledna površina Grgur Akrap prikazuje geografskim kartama.

Mjerenjem svijeta i njegovim mapiranjem pokazuje neizvjesnost koju bilježi oznakama na karti i legendama. Njihov nečitljiv odnos i međusobna igra progovaraju o kontrastu između naše predodžbe stvarnosti i njenog pravog stanja.

Des Thema der Lebensfahrt, des Versuches des Davonlaufen von einer unvorhersehbaren Realität in einem Rahmen in dem die Welt zu einer übersichtlichen Fläche wird, stellt Grgur Akrap mit geographischen Karten dar. Durch die Weltmessung und ihre Darstellung durch Mappen zeigt er die Unvorhersehbarkeit, die er durch Zeichen auf der Karte und Legenden notiert. Ihre unlesbare Beziehung und das gegenseitige Spiel sprechen über den Kontrast zwischen unserer Realitätsvorstellung und ihrem eigentlichen Zustand.

The subject of a life’s journey, an attempt of escape from the unpredictable reality into a framework where the world becomes a clear surface is presented by Grgur Akrap via geographical maps. By measuring and charting the world, he shows the uncertainty that he marks using map signs and keys. Their illegible relationship and interplay speaks about the contrast between our notion of reality and its real state.

Slika „Veliki i mali igrači” predstavlja autorov duhoviti komentar na relativne vrijednosti koje vladaju hrvatskom likovnom scenom.

Parafraziranjem ideja velikih, svjetskih igrača te stvaranjem likovnog izražaja „malih igrača“ zatvara se krug neinventivnosti i oponašanja.

Pretvaranje likovnosti u modu vodi do nekreativnih imitacija i ispraznih likovnih floskula.

Grgur Akrap rođen je 1988. u Zagrebu.

Diplomirao je 2013. na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu na nastavničkom odjelu.

Das Bild „Große und kleine Spieler“ stellt einen humoristischen Kommentar des Autors über die relativen Werte, die auf der kroatischen bildnerischen Szene herrschen, dar. Durch das Paraphrasieren der Ideen der großen Weltspieler und durch die Schaffung des bildnerischen Ausdrucks der „kleinen Spieler“ schließt sich der Kreis des Mangels an Erfindungsgabe und des Nachahmens. Die Verwandlung des Bildnerischen in eine Mode führt zu nicht erfindungsreichen Nachahmungen und zur leeren bildnerischen Floskel.

The painting “Big and Small Players” represents the artist’s witty commentary on the relative values that dominate the Croatian art scene. With the paraphrasing of the ideas of big, world players and the creation of the artistic expression of “small players”, the circle of uninventiveness and imitation closes.

The transformation of art into fashion leads to uncreative imitations and hollow artistic phrases.

Grgur Akrap was born in 1988 in Zagreb. He graduated in 2013 at the Academy of Fine Arts in Zagreb.

Grgur Akrap ist 1988 in Zagreb geboren. Er hat 2013 an der Akademie der bildenden Kunst auf Lehramt in Zagreb diplomiert.

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Lovro Artuković Apolon i Marsija (Trijumf novih medija nad slikarstvom), 2009.-2011.

Ulje na platnu 270 × 360 cm

Apollon und Marsyas (Triumph der neuen Medien über die Malerei), 2009-2011 Öl auf Leinwand 270 × 360 cm

Apollo and Marsyas (Triumph of the new media over painting), 2009-2011 Oil on canvas 270 × 360 cm

Na monumentalnom platnu postavljena je kazališna scena podijeljena u tri sekvence koje se međusobno isprepliću. Nazočnost i sudjelovanje antičkih bogova Apolona i Marsije na kazališnim daskama sugerira sakralnu temu smještenu u okvir svjetovnog. Lovro Artuković zagovornik je trijumfa slikarstva nad novim medijima. Naglašava sugestivnost, mogućnost slojevite i različite (re)interpretacije slikarstva tijekom vremena, potvrđujući tako njegovu trajnu moć, privlačnost i potencijal.

Auf der monumentalen Leinwand ist die dargestellte Theaterszene in drei Sequenzen, die sich gegenseitig verflechten, verteilt. Die Anwesenheit und Teilnahme der Götter Apolon und Marsia aus der Antike auf den Theaterbühnen suggeriert das sakrale Thema, das sich in den Rahmen dem Weltlichen befindet. Lovro Artuković ist der Befürworter des Sieges der Malerei über die neuen Medien.

Er betont die Suggestivität, die Möglichkeit der unterschiedlichen und mehrschichtigen Interpretation der Malerei im Laufe der Zeit. Auf diese Weise bestätigt er die Kraft, die Anziehungskraft und das Potential der Malerei.

A theatre set, divided into three intertwined sequences, has been put on a monumental canvas. The presence and participation of ancient gods Apollo and Marsyas on the theatre stage suggest a sacral theme situated within the framework of the profane. Lovro Artuković is an advocate of the triumph of painting over the new media. He stresses suggestiveness, the possibility of a multifaceted and different (re) interpretation of painting during time, thus confirming its lasting power, attraction and potential.

Lovro Artuković rođen je 1959. u Zagrebu. Devet je godina radio na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu kao docent, a od 2003. seli se u Berlin, gdje i danas djeluje kao samostalni umjetnik. Izlagao je na brojnim samostalnim i skupnim izložbama.

Lovro Artuković ist 1959 in Zagreb geboren. Neun Jahre hat er als Dozent an der Akademie der bildenden Kunst in Zagreb gearbeitet, und 2003 ist er nach Berlin ausgewandert, wo er heute noch als selbstständiger Künstler tätig ist. Er hat an zahlreichen selbstständigen und gemeinschaftlichen Ausstellungen teilgenommen.

Lovro Artuković was born in 1959 in Zagreb. For nine years, he worked as a lecturer at the Academy of Fine Arts in Zagreb, and in 2003, he moved to Berlin, where he is still active as a freelance artist. He has displayed his works at numerous solo and group exhibitions.

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Adam Atila Ferris wheel, 2013.

Ulje na platnu 100 x 160 cm

Ferris wheel, 2013 Öl auf Leinwand 100 x 160 cm

Ferris wheel, 2013 Oil on canvas 100 x 160 cm

Hotel, 2013.

Ulje na platnu 100 x 160 cm

Hotel, 2013. Öl auf Leinwand 100 x 160 cm

Hotel, 2013.

Oil on canvas 100 x 160 cm

Adam Atila slika opustošenost prostora kao posljedicu černobilske katastrofe. Avetinjska atmosfera podvučena je mjestima koja su nekad vrvjela ljudima i životom. Sve je zamrlo, a gusti oblaci koji se nadvijaju nad pejzažem aludiraju na još uvijek prisutnu radioaktivnost. Odsustvo ljudske prisutnosti ukazuje na dugotrajnu stigmatizaciju mjesta.

Atila Adam zeichnet die Gelassenheit des Raumes als die Folge der Katastrophe von Tschernobyl. Die gespenstische Atmosphäre herrscht über Orte die einst voller Leute und Leben waren. Alles ist ausgestorben und die dichten Wolken die sich über die Landschaft erstrecken deuten auf die immer noch anwesende Radioaktivität hin. Die Abwesenheit der menschlichen Anwesenheit zeigt das langanhaltende Stigmatisieren des Ortes.

Atila Adam paints the desolation of space as the consequence of the Chernobyl Disaster. The ghostly atmosphere is underlined by places that were once teeming with people and life. Everything has died and the thick clouds overlooking the landscape allude to the still present radioactivity. The absence of humans points to the long-term stigmatization of the place.

Adam Atila rođen je 1984. u Osijeku.

Diplomirao je 2013. na Umjetničkoj akademiji u Osijeku u klasi profesora Vladimira Freliha.

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Atila Adam ist 1984 in Osijek geboren.

Er hat 2013 an der Kunstakademie bei Professor Vladimir Freliha in Osijek diplomiert.

Atila Adam was born in 1984 in Osijek.

He graduated in 2013 at the Academy of Arts in Osijek in the class of Professor Vladimir Frelih.

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Gordana Bakić Vlahov Pokusni rad 3, 2013.

Akril na drvu, platnu i papiru Promjenjive dimenzije

Trial work 3, 2013 Acryl auf Holz, Leinwand und Papier Maße änderbar

Trial work 3, 2013 Acrylic on wood, canvas and paper Changeable dimensions

Prostorni imaginarij Gordane Bakić vizualni su kolopleti u polju oko centralno postavljene forme, koja se potom raspada i gubi svoju prijašnju kompaktnost izlazeći iz svoje dvodimenzionalnosti. Slike su tako unutar granice ili pak dovedene do ambijentalnog ushita pejzaža slikarske instalacije, oblikujući sferu materijalnog i organskog. Akcent čine predmeti transformirani iz stanja otpada i odbačenosti u elemente kreativnog rada.

Die räumlichen Imaginationen von Gordana Bakić sind visuelle Wirbel im Bereich um die zentral gestellte Form, die dann zerfällt und ihre frühere Kompaktheit, durch das Ausgehen aus ihrer Zweidimensionalität, verliert. Die Bilder befinden sich so innerhalb der Grenzen oder werden bis zur Begeisterung mit dem Ambiente der Landschaft der malerischen Installation, gebracht.

Dabei bilden sie die Sphäre des Materiellen und Organischen. Die Betonung liegt auf Gegenständen die aus dem Müll und der Zurückweisung in Elemente der kreativen Arbeit transformiert sind

Gordana Bakić’s spatial imaginarium consists of visual whirlwinds in a field around a centrally placed form, which then falls apart and loses its former compactness, abandoning its twodimensionality. Thus the paintings are within the limit or brought to the environmental delight of the landscape of a painting installation, forming the sphere of the material and organic. The accent is on objects transformed from a state of refuse and abandonment into elements of creative work.

Gordana Bakić rođena je 1972. u Zagrebu. Diplomirala je 2001. u klasi profesora Zlatka Kesera. Sudjelovala je na brojnim skupnim te na nekoliko samostalnih izložbi. Nagrađivana je za svoj rad.

Gordana Bakić ist 1972 in Zagreb geboren. Sie hat 2001 bei Professor Zlatko Kesser an der Akademie der bildenden Kunst diplomiert. Sie hat an zahlreichen und einigen selbstständigen Ausstellungen teilgenommen.

Gordana Bakić was born in 1972 in Zagreb. She graduated in 2001 in the class of Professor Zlatko Keser. She has participated in numerous group and several solo exhibitions. She has received awards for her work.

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Marijana Birtić Šuškanje 2, 2012.

Ulje na platnu 150 x 140 cm

Rustling 2, 2012 Öl auf Leinwand 150 x 140 cm

Rustling 2, 2012 Oil on canvas 150 x 140 cm

Slike Marijane Birtić kontrastiraju fragmente pejzaža predmetima koji su u njih odbačeni. Taj otpad poput uljeza u šumskom ambijentu remeti njegov mir i iskonski sklad aludirajući na prolaznost te devastaciju prirode.

Die Bilder von Marijana Birtić kontrastieren Fragmente der Landschaft durch Gegenstände, die in sie eingeworfen sind. Dieser Müll abgeworfen, wie ein Eindringling, in dem Waldambiente ihren Frieden und die ursprüngliche Harmonie.

Dabei macht sie Anspielungen an die Vergänglichkeit und die Naturvernichtung.

Marijana Birtić’s paintings contrast the fragments of landscapes with objects that have been inserted into them. This refuse, like an intruder in a forest environment, disturbs its peace and primordial harmony, alluding to transience and the devastation of nature.

Marijana Birtić rođena je u Gelsenkirchenu. Diplomirala je na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu, nastavnički odjel.

Sudjelovala je na više samostalnih i grupnih izložbi te je autorica nekoliko radova u javnim prostorima. Predaje na Školi primijenjene umjetnosti i dizajna u Zagrebu.

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Marijana Birtić ist in Gelsenkirchen geboren. Sie hat an der Akademie der bildenden Kunst auf Lehramt diplomiert. Sie hat an mehreren selbstständigen Ausstellungen und Gruppenausstellungen teilgenommen und sie ist die Autorin einiger Werke in den öffentlichen Räumen.

Sie unterrichtet an der Schule der angewandten Kunst und Design in Zagreb.

Marijana Birtić was born in Gelsenkirchen. She graduated from the Academy of Fine Arts in Zagreb.

She has participated in a number of solo and group exhibitions and has authored several works in public spaces. She teaches at the School of Applied Arts and Design in Zagreb.

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Miran Blažek Ritual, 2013.

Ulje na platnu 580 x 300 cm

Ritual, 2013 Öl auf Leinwand 580 x 300 cm

Ritual, 2013 Oil on canvas 580 x 300 cm

Tema vizualne interpretacije svijeta kao slike i simbola na univerzalnoj arhetipskoj osnovi u slikarstvu Mirana Blažeka podloga je na kojoj autor bilježi mentalnu sliku kao rezultat meditativne katarze. Ritual slikanja jest pretvorbeni proces u kojemu izostaje iluzija i narativna dimenzija.

Repetitivnim ritualnim nanošenjem boje na platno postupno nestaje autorov potez pretvarajući se u univerzalnu antropometriju. Tek na rubnim dijelovima platna očitavaju se tragovi ruku koji naglašavaju skulpturalni dio rada. Tim ritualom površina platna teži biti spomenikom i obrnuto.

Das Thema der visuellen Weltinterpretation als Bild und Symbol auf einer universalen archetypischen Grundlage in der Malerei von Miran Blažek ist die Grundlage, auf der der Autor ein mentales Bild als ein Ergebnis der meditativen Katharsis notiert.

Das Ritual der Malerei ist ein Verwandlungsprozess in dem die Illusion und die narrative Dimension ausbleiben. Durch ein wiederholtes Anreihen der Farbe auf die Leinwand verschwindet schrittweise der Strich des Autors und verwandelt sich in das universale Anthropometrische. Nur an den Randgebieten der Leinwand sind die Spuren der Hände, die den skulpturalen Teil des Werks betonen, bemerkbar. Durch dieses Ritual strebt die Fläche der Leinwand zu einem Denkmal und umgekehrt.

The theme of visual interpretation of the world as a painting and symbol on a universal archetypal basis in the art of Miran Blažek is a surface on which the author records a mental image as a result of a meditative catharsis. The ritual of painting is transformational process devoid of illusion and narrative dimension. The repetitive ritual application of paint on canvas makes the artists stroke gradually disappear, turning it into a universal anthropometry. Only on the edges of the canvas there are traces of hands, accentuating the sculptural part of the work. Through this ritual, the canvas surface strives to be a monument and vice-versa.

Miran Blažek rođen je 1983. u Osijeku.

Završio je Akademiju likovnih umjetnosti u Zagrebu. Sudjelovao je na skupnim kao i na samostalnim izložbama te je nagrađivan za svoj rad.

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Miran Blažek ist 1983 in Osijek geboren. Er hat an der Akademie der bildenden Kunst in Zagreb diplomiert.

Er hat an gemeinschaftlichen und selbstständigen Ausstellungen teilgenommen und Preise gewonnen.

Miran Blažek was born in 1983 in Osijek. He graduated from the Academy of Fine Arts in Zagreb. He has taken part in group, as well as solo exhibitions and won awards for his work.

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Natalia Borčić Dodir 2, 2013.

Ulje na platnu 130 x 130 cm

Touch 2, 2013 Öl auf Leinwand 130 x 130 cm

Touch 2, 2013 Oil on canvas 130 x 130 cm

Natalia Borčić svojim slikarstvom evocira misao upoznavanja svijeta i samog sebe kroz dodir na svim razinama: misaonim, duhovnim i tjelesnim. Dodir majke, ljubavnika, prijatelja otkriva našu ljudskost, snažno je potvrđujući. Varirajući boje u prikazu ljudske kože, na granici racionalnog i iracionalnog sugerira razne dodire; od hladnih i toplih, nježnih i grubih, vlažnih i suhih, mirnih i brzih do površnih i sporih. Dodirom komuniciramo, s njim sve započinje, kao što i s njim završava naš dijalog sa svijetom.

Natalija Borčić evoziert mit ihrer Malerei den Gedanken des Weltkennenlernens und des Kennenlernens von sich selbst auf allen Ebenen: geistigen, physischen und psychischen. Die Berührung der Mutter, des Liebhabers und des Freundes enthüllt und bestätigt unsere Menschlichkeit. Durch das Variieren der Farben bei der Darstellung der menschlichen Haut, an der Grenze zwischen dem Rationalen und Irrationalen suggeriert sie verschiedene Berührungen: von kalten bis warmen, sanften bis groben und von ruhigen und schnellen bis zu oberflächlichen und langsamen. Durch die Berührung kommunizieren wir, mit ihr beginnt alles und durch sie endet unser Dialog mit dieser Welt.

With her painting, Natalija Borčić evokes the thought of discovering the world and oneself through touch on all levels: reflective, spiritual and corporeal. The touch of a mother, lover, friend reveals our humanity, strongly confirming it. By varying colours in the depiction of human skin, on the border between rational and irrational, it suggests various touches; cold and warm, gentle and rough, moist and dry, still and quick.

As well as superficial and slow. We communicate through touch; it all begins with it, and our dialogue with the world ends with it.

Natalia Borčić rođena je 1989. na otoku Visu. Diplomirala je 2013. na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu u klasi profesora Matka Vekića. Izlagala je na samostalnoj kao i na grupnim izložbama.

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Natalija Borčić ist 1989 auf der Insel Vis geboren. 2013 hat sie an der Akademie der bildenden Kunst bei Professor Matko Vekić in Zagreb diplomiert. Sie hat selbstständige und gemeinschaftliche Ausstellungen gehabt.

Natalia Borčić was born in 1989 on the island of Vis. She graduated in 2013 at the Academy of Fine Arts in the class of Professor Matko Vekić. She has exhibited at a solo show as well as a number of group ones.

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Želimir Borić Otok Pag 1, 2012.

Voštani gvaš 50 x 70 cm

Island of Pag 1, 2012 Wachs, Gouache 50 x 70 cm

Island of Pag 1, 2012 Wax gouache 50 x 70 cm

Otok Pag 3, 2012.

Voštani gvaš 50 x 70 cm

Island of Pag 3, 2012 Wachs, Gouache 50 x 70 cm

Island of Pag 3, 2012 Wax gouache 50 x 70 cm

Slike Želimira Borića nadahnute su mediteranskim svijetom, u ovom slučaju otokom Pagom. Njegov je izraz proživljen i donesen u sintezi geometrizma i transfiguracije.

Prikazuje prostor apstrakcija i asocijacija, doživljaja i emocija u obrisima postojanja.

Die Bilder von Želimir Borić sind von der mediterranen Welt inspiriert, in diesem Fall von der Insel Pag. Sein Ausdruck ist erlebt und in der Synthese von Geometriemus und Trans-figuration entstanden. Er stellt den Raum der Abstraktionen und Assoziationen, der Erlebnisse und Emotionen in Abrissen des Daseins dar.

Želimir Borić’s paintings are inspired by the Mediterranean, the island of Pag in particular. His expression is experienced and comes in a synthesis of geometry and transfiguration.

It shows the space of abstractions and associations, experiences and emotions in the outlines of existence.

Želimir Borić rođen je 1943. u Splitu.

Diplomirao je slikarstvo na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu u klasi profesora Josipa Biffela. Studirao je slikarstvo na Visokoj školi umjetnosti Ateneum u Helsinkiju te na Academy of Fine Arts u Bloomingtonu (Indiana, SAD). Sudjelovao je na brojnim izložbama u zemlji i inozemstvu te aukcijama u dobrotvorne svrhe.

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Želimir Borić ist 1943 in Split geboren.

Er hat an der Akademie der bildenden Kunst bei Josip Biffel in Zagreb diplomiert. Er hat Malerei an der Kunsthochschule Ateneum in Helsinki und auf Academy of Fine Arts in Bloomingtonu (Indiana, SAD) studiert. Er hat an zahlreichen selbstständigen und gemeinschaftlichen Ausstellungen im Land und Ausland und auf Auktionen für gute Zwecke teilgenommen.

Želimir Borić was born in 1943 in Split. He graduated with a degree in painting at the Academy of Fine Arts in Zagreb in the class of Professor Josip Biffel. He studied painting at the Ateneum Academy of Arts in Helsinki and the Academy of Fine Arts in Bloomington (Indiana, USA). He has participated in numerous exhibitions at home and abroad, as well as charity auctions.

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Boris Bućan Žena koja piški, 2012.

Ulje na platnu 140 x 140 cm

Peeing woman, 2012 Öl auf Leinwand 140 x 140 cm

Peeing woman, 2012 Oil on canvas 140 x 140 cm

Jelenjak, 2012.

Ulje na platnu 140 x 140 cm

Jelenjak, 2012 Öl auf Leinwand 140 x 140 cm

Jelenjak, 2012 Oil on canvas 140 x 140 cm

U badekostimu, 2012.

Ulje na platnu 140 x 140 cm

In a swimming suit, 2012 Öl auf Leinwand 140 x 140 cm

In a swimming suit, 2012 Oil on canvas 140 x 140 cm

Sladoled, 2012.

Ulje na platnu 140 x 140 cm

Ice cream, 2012 Öl auf Leinwand 140 x 140 cm

Ice cream, 2012 Oil on canvas 140 x 140 cm

Žena sa psom i konjem, 2012.

Ulje na platnu 140 x 140 cm

Woman with a dog and a horse, 2012 Öl auf Leinwand 140 x 140 cm

Woman with a dog and a horse, 2012 Oil on canvas 140 x 140 cm

Dva jastuka i konji, 2012.

Ulje na platnu 140 x 140 cm

Two pillows and horses, 2012 Öl auf Leinwand 140 x 140 cm

Two pillows and horses, 2012 Oil on canvas 140 x 140 cm

Bilježenjem ikonografije svoje svakodnevice te poigravanjem s dvosmislenošću prikazanog, Boris Bućan nas poziva na angažirano promatranje i iščitavanje.

Domišljatost pretvorbe, izvrtanje i slojevitost viđenja izoštrava naša osjetila otvarajući put poniranju i razotkrivanju svekolikih značenja.

Durch das Notieren der Ikonographie seines Alltags und durch das Tänzeln mit der Zweideutigkeit des Dargestellten lädt uns Boris Bućan zu einem engagiertem Beobachten und Auslesen. Die Erfindungsgabe der Umwandlung, die Umdrehung und die Schichtigkeit des Sehens schärfen unsere Sinne durch das Eröffnen des Wegs des Versenkens der unterschiedlichsten Bedeutungen.

By recording the iconography of his daily life and playing with ambiguity of the displayed, Boris Bućan invites us to actively observe and interpret.

The ingenuity of transformation, the inversion and multifacetedness of the view sharpens our senses opening the way for diving into and uncovering of meanings in their totality.

Boris Bućan rođen je 1947. u Zagrebu.

Diplomirao je 1972. na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu.

Dobitnik je brojnih nagrada i priznanja za svoj rad u zemlji i inozemstvu.

Autor je mnogobrojnih samostalnih izložbi te je sudjelovao na brojnim skupnim izložbama u zemlji i inozemstvu. Od 2006. redoviti je član Hrvatske akademije znanosti i umjetnosti.

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Boris Bućan ist 1947 in Zagreb geboren. Er hat 1972 an der Akademie der bildenden Kunst in Zagreb diplomiert. Er hat zahlreiche Preise und Auszeichnungen im Land und Ausland gewonnen. Er ist Autor zahlreicher selbstständiger Ausstellungen und hat an vielen gemeinschaftlichen Ausstellungen im Land und Ausland teilgenommen.

Seit 2006 ist er ein regelmäßiger Mitglied der kroatischen Akademie der Wissenschaft und Kunst.

Boris Bućan was born in 1947 in Zagreb. He graduated at the Academy of Fine Arts in Zagreb in 1972. He has won numerous awards and recognitions for his work at home and abroad. He has been the author of numerous solo exhibitions and participated in many group exhibitions at home and abroad. He has been a regular member of the Croatian Academy of Sciences and Arts since 2006.

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Željka Cupek Monsterosa 2, 2013 Ulje na platnu 173 x 173 cm

Monsterosa 2, 2013 Öl auf Leinwand 173 x 173 cm

Monsterosa 2, 2013 Oil on canvas 173 x 173 cm

Željka Cupek stvara svijet poput ružičnjaka prepunog neobičnog bilja, mitskih i zbiljskih stvorenja.

Njezin svijet mjesto je kontemplacije o stvaranju i propasti, o svjetlu i tami emotivnog naboja i simbolične dubine, u čijem ozračju motiv ruže nije stereotip ljepote, već njegova suprotnost. Opetovanim rastakanjem forme umjetnica ukazuje na propast i nestajanje u katarzičnom procesu do mjesta najkoncentriranije energije crnog kruga.

Željka Cupek schafft die Welt als einen Rosengarten, der voll mit ungewöhnlichen Pflanzen und mythischen und realen Geschöpfen ist. Ihre Welt ist ein Ort der Kontemplation über das Schaffen und den Untergang, über das Licht und die Dunkelheit der emotionalen Ladung und der symbolischen Tiefe, in deren Stimmung das Motiv der Rose kein Stereotyp der Schönheit ist, sondern sein Gegensatz.

Željka Cupek creates a world like a rose bed full of unusual plants, mythical and real creatures. Her world is a place of contemplation about creation and ruin, light and darkness of the emotional charge and symbolic depth, in the atmosphere of which the rose motif is not a stereotype of beauty but its opposite. By the repeated dissolution of form, the artist points to ruin and disappearance in a cathartic process to the place of the most concentrated energy - the black circle.

Željka Cupek rođena je 1986. u Zagrebu. Diplomirala je 2013. na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu. Održala je dvije samostalne i sudjelovala je na nekoliko skupnih izložbi.

Mit einem wiederholbarem Zerlegen der Form deutet die Künstlerin auf den Zerfall und das Verschwinden in einem katarrhalischen Prozess bis zu einem Ort in dem die meisten konzentrierten Energie konzentriert ist – dem schwarzen Kreis.

Željka Cupek was born in 1986 in Zagreb, She graduated in 2013 at the Academy of Fine Arts in Zagreb. She has had two solo shows, as well as participated in several group shows.

Željka Cupek ist 1986 in Zagreb geboren. 2013 hat sie an der Akademie der bildenden Kunst in Zagreb diplomiert. Sie hat zwei selbstständige und einige gemeinschaftliche Ausstellungen gehabt.

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Viktor Daldon n, 2009.-13.

Ugljen, akril, sprej na platnu 190 x 180 cm

n, 2009.-13.

Zeichenkohle, Acryl, Sprayfarbe auf Leinwand 190 x 180 cm

n, 2009.-13.

Charcoal, acrylic, spray on canvas 190 x 180 cm

Slika Viktora Daldona polje je krhotina misli u koje ugljenom, akrilom i sprejom u slojevima unosi pojmove i dnevne zapise ekspresivnog znaka.

Njegovo je djelo nezavršen stvaralački proces, stanje struje svijesti kojemu se među slojevima mogu razabrati različiti uzorci i tragovi te elementi vizualnog kaosa koji ulazi u njegov vidokrug.

Das Bild Feld von Viktor Daldon ist ein Feld von Scherben der Gedanken, in die er mit Kohle, Acryl und Sprühdose Begriffe und tägliche Aufzeichnungen des expressiven Zeichens einfügt. Sein Werk ist ein unvollendeter Entstehungsprozess, ein Brainstorming, in dem sich zwischen den Schichten verschiedene Muster und Spuren des visuellen Chaos, der in seinen Blickwinkel kommt, erkennen lassen.

Viktor Daldon’s painting is a debris field into which he inserts terms and expressive daily writings, using charcoal, acrylic and spray paint in layers. His work is an unfinished creative process, a state of the stream of consciousness, where, among the layers, one can make out different patterns and traces, as well as the elements of visual chaos coming into his field of vision.

Viktor Daldon rođen je 1972. u Dubrovniku. Diplomirao je 2001. na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu u klasi Eugena Kokota.

Sudjelovao je na brojnim skupnim i samostalnim izložbama.

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Viktor Daldon ist 1972 in Dubrovnik geboren. Er hat 2001 an der Akademie der bildenden Kunst bei Eugen Kokota diplomiert. Er hat an zahlreichen selbstständigen und gemeinschaftlichen Ausstellungen teilgenommen.

Viktor Daldon was born in 1972 in Dubrovnik. He graduated in 2001 at the Academy of Fine Arts in Zagreb in the class of Eugen Kokot. He has displayed his works at numerous solo and group exhibitions.

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Sebastijan Dračić Measuring the World, 2013.

Ulje na platnu 150 x 200 cm

Measuring the World, 2013 Öl auf Leinwand 150 x 200 cm

Measuring the World, 2013 Oil on canvas 150 x 200 cm

Beelzebub, 2012.

Ulje na platnu 140 x 180 cm

Beelzebub, 2012 Öl auf Leinwand 140 x 180 cm

Beelzebub, 2012 Oil on canvas 140 x 180 cm

Sebastijan Dračić bavi se temama osobnog i univerzalnog, pojedinca i društva, negacijom života kroz ratna razaranja u rasponu od apsolutnog zla do ljubavi. Teme samotnih atmosfera sivila napuštenog grada i šume, tjeskobna su predskazanja neizvjesne budućnosti i opasnosti koja vreba.

Demonsko biće rata „Beelzebub“ metafora je univerzalnosti ratne destrukcije u ime profita koja pretvara sve gradove u jedinstveni grad ruševina.

Sebastijan Dračić beschäftigt sich mit Themen des Persönlichen und Universalen, des Einzelnen und der Gesellschaft und der Negation des Lebens durch Kriegszerstörungen im Umfang von der absoluten Bösartigkeit bis zur Liebe. Die Themen der weltfremden Atmosphäre und der Graue der verlassenen Städte und Wälder sind bedrückende Vorahnungen der ungewissen Zukunft und Gefahr die auf uns lauert.

Sebastijan Dračić is dealing with subjects of the personal and the universal, individual and society, and the negation of life through war destruction, ranging from absolute evil to love. The themes of solitary atmospheres of greyness of and abandoned city and forest are anxious premonitions of the uncertain future and the lurking danger. The demonic war creature “Beelzebub” is a metaphor for war destruction in the name of profit, which transforms all cities into a single city of ruins.

Sebastijan Dračić rođen je 1980. u Zagrebu. Diplomirao je 2006. slikarstvo na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu u klasi profesora Zlatka Kesera. Izlagao je na brojnim samostalnim i skupnim izložbama u zemlji i inozemstvu.

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Sebastijan Dračić ist 1980 in Zagreb geboren. Er hat Malerei 2006 an der Akademie der bildenden Kunst bei Zlatko Keser in Zagreb diplomiert. Er hat an zahlreichen selbständigen und gemeinschaftlichen Ausstellungen teilgenommen.

Sebastijan Dračić was born in 1980 in Zagreb. He graduated in 2006 at the Academy of Fine Arts in Zagreb in the class of Professor Zlatko Keser. He has displayed his works at numerous solo and group exhibitions at home and abroad.

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Fedor Fischer Bez naziva, 2012.

Ulje na platnu 120 x 180 cm

Untitled, 2012 Öl auf Leinwand 120 x 180 cm

Untitled, 2012 Oil on canvas 120 x 180 cm

Bez naziva, 2012.

Ulje na platnu 120 x 180 cm

Untitled, 2012 Öl auf Leinwand 120 x 180 cm

Untitled, 2012 Oil on canvas 120 x 180 cm

Promatrajući scenografiju filma Ivane Jurić „Soba“, Ferdor Fischer se suočio sa stravom prikazanih lutaka.

Njihovim oživljavanjem na platnima te prenošenjem u drugi medij katarzično rješava svoju tjeskobnost fiksirajući njihovu hororičnost i jezu.

Während Fedor Fischer das Bühnenbild des Films „Zimmer“ von Ivana Jurić beobachtete, musste er sich mit dem Schrecken der dargestellten Puppen auseinandersetzen. Mit ihrem Wiedererleben auf der Leinwand und dem Übertragen in ein anderes Medium löst er sich katharsisch von seinem Schrecken durch das Fixieren ihres Schreckens und ihrer Grausamkeit.

Watching the scenery of Ivana Jurić’s film “The Room”, Fedor Fischer faced the horror of the shown dolls. By bringing them to life on his canvases and transferring them to another medium, he cathartically rids himself of anxiety, fixing their horror and eeriness.

Fedor Fischer rođen je 1975. u Zemunu.

Diplomirao je na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu u klasi profesora Zlatka Kesera. Izlagao je na brojnim skupnim i samostalnim izložbama u zemlji i inozemstvu.

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Fedor Fischer ist 1975 in Zemun geboren. Er hat an der Akademie der bildenden Kunst bei Zlatko Keser diplomiert. Er hat an zahlreichen Ausstellungen im Land und Ausland teilgenommen.

Fedor Fischer was born in 1975 in Zemun. He graduated at the Academy of Fine Arts in Zagreb in the class of Professor Zlatko Keser. He has displayed his works at numerous solo and group exhibitions at home and abroad.

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Danko Friščić Tajna Snage Duha – Vepar stoji sam, 2013.

Ulje na platnu 120 x 600 cm

Secret of the power of the spirit – The boar stands alone, 2013. Öl auf Leinwand 120 x 600 cm

Secret of the power of the spirit – The boar stands alone, 2013.

Oil on canvas 120 x 600 cm

Danko Friščić istražuje fenomene izmjenjivog fokusa slike i „osjećaja“ brzine i vremena pri njihovoj percepciji i konzumaciji. Eksperimentiranjem nelinearnosti, nečitkosti i efekata prijelaznih, liminalnih stanja stvara intenzivna snovita platna živih boja.

Manipulira fokusima i oštrinama, a pritom i brzinama i pravcima kretanja oka promatrača kojeg postavlja na poliptih različitosti istoga.

Danko Friščić erforscht die Phänomene des wechselbaren Brennpunktes des Bildes, der „Gefühle“ der Zeit und der Geschwindigkeit während ihrer Perzeption und ihres Gebrauchs.

Durch das Experimentieren der Nichtlinearität, der Unlesbarkeit und der Effekte der wechselbaren Zustände schafft er intensiv beabsichtigte Leinwände der lebhaften Farben. Er manipuliert mit Brennpunkten und den Schärfen, dabei auch mit der Geschwindigkeit und den Richtungen der Augenbewegungen des Beobachters, den er auf die Unterschiedlichkeit des Gleichen stellt.

Danko Friščić explores the phenomena of the alterable image focus and the “feeling” of speed and time during their perception and consumption. By experimenting with nonlinearity, illegibility and the effects of transitory, liminal states, he creates intensive dreamy brightly coloured canvases. He manipulates foci and acuities, as well as speeds and directions of the eye movement of the observer, who he places on the polyptych of differentness of the same.

Danko Friščić rođen je u Zagrebu.

Diplomirao na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu gdje je postao i docentom. Izlagao na mnogim samostalnim i skupnim izložbama u zemlji i inozemstvu.

Danko Friščić ist in Zagreb geboren.

Er hat an der Akademie der bildenden Kunst in Zagreb diplomiert, wo er auch zum Dozent wurde. Er hat zahlreiche selbstständige und gemeinschaftliche Ausstellungen im Land und Ausland gehabt.

Danko Friščić was born in Zagreb. He graduated at the Academy of Fine Arts in Zagreb, where he became a lecturer. He has displayed his work at numerous solo and group exhibitions at home and abroad.

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Ivica Gabrić Nova metafizika 2, 2012.

Ulje na platnu 150 x 100 cm

New metaphysics 2, 2012 Öl auf Leinwand 150 x 100 cm

New metaphysics 2, 2012 Oil on canvas 150 x 100 cm

Ivica Gabrić istražuje principe stvarnosti nižući različite vrste predmeta i stavljajući ih u međusobnu relaciju. Poigravajući se s predmetima iz svakodnevice te onima „iznad fizikalnog svijeta“ propituje pojmove kojima ljudi razumiju svijet i vlastito postojanje.

Ivica Gabrić erforscht die Prinzipien der Wirklichkeit durch das Aneinanderreihen von verschiedenen Sorten der Gegenstände und ihre Positionierung in ein gegenseitiges Verhältnis. Sie spielt mit Gegenständen aus dem Alltag und mit den „die sich außerhalb der physischen Welt befinden“ und hinterfragt Begriffe mit denen die Menschen die Welt und das eigene Dasein verstehen.

Ivica Gabrić explores the principles of reality by stringing different kinds of objects and putting them in a relation to each other. Playing with everyday objects and those “above the physical world”, he questions the terms used by people to understand the world and their own existence.

Ivica Gabrić rođen je 1967. u LipaDuvnu.

Ivica Gabrić was born in 1967 in LipaDuvno.

Ivica Gabrić ist 1967 in Lipa - Duvno geboren.

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Martina Grlić Jadran 2, 2013.

Ulje na platnu 100 x 120 cm

Jadran 2, 2013 Öl auf Leinwand 100 x 120 cm

Jadran 2, 2013 Oil on canvas 100 x 120 cm

Jadran 3, 2013.

Ulje na platnu 100 x 120 cm

Jadran 3, 2013 Öl auf Leinwand 100 x 120 cm

Jadran 3, 2013 Oil on canvas 100 x 120 cm

Gubitak ikonografske društvene simbolike identiteta radničke klase doveo je do nove neoliberalne i globalne društvene rekonstrukcije u kojoj se neutralizira njena uloga i potencijal. Martina Grlić na svojim slikama akromatske palete, prikazuje tvorničke hale, žene u sklopu proizvodnog procesa čija mirnoća i udubljenost u posao reflektira egzistencijalnu sigurnost. Raspad velikih tvornica, središta industrijske proizvodnje i radničke klase ilustrira propast ideologije jedne nacije i promjene njene društvene strukture.

Der Verlust der ikonographischen Gesellschaftssymbolik der Identität der Arbeiterschicht hat zur neuen neoliberalen und globalen Gesellschaftsrekonstruktion geführt, in der ihre Rolle und Potential neutralisiert werden. Martina Grlić stellt auf ihren Bildern der achromatischen Palette Fabrikenhallen und Frauen im Zusammenhang des Produktionsprozesses dar. Ihre Gelassenheit und Vertiefung in die Arbeit reflektieren ihre existenzielle Sicherheit. Der Zerfall von großen Fabriken, dem Mittelpunkt der industriellen Produktion und der Arbeiterschicht, illustriert den Untergang der Ideologie einer Nation und den Wechsel ihrer gesellschaftlichen Struktur.

The loss of the iconographic social symbolism of working class identity lead to a new neoliberal and global social reconstruction, which neutralized its role and potential. In her achromatic paintings, Martina Grlić shows factory floors, women as part of the production process, whose calm and engrossment in their work reflects existential security. The ruin of big factories, centres of industrial production and of the working class illustrates the downfall of the ideology of a nation and changes to its social structure.

Martina Grlić rođena je u Zagrebu 1982. Diplomirala je 2009. na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu u klasi profesora Zlatka Kesera i Duje Jurića. Aktivno izlaže i sudjeluje na hrvatskoj suvremenoj likovnoj sceni.

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Martina Grlić ist 1982 in Zagreb geboren. 2009 hat sie an der Akademie der bildenden Kunst bei Professor Zlatko Keser und Duje Juric in Zagreb diplomiert. Sie nimmt aktiv an der kroatischen Malerei -szene der Gegenwart teil.

Martina Grlić was born in Zagreb in 1982. She graduated in 2009 at the Academy of Fine Arts in Zagreb in the class of Professors Zlatko Keser and Duje Jurić. She actively exhibits and participates in the Croatian contemporary art scene.

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Duje Jurić Gelipter, 2012.

Akrilik na platnu 200 x 150 cm

Gelipter, 2012 Acryl auf Leinwand 200 x 150 cm

Gelipter, 2012 Acrylic on canvas 200 x 150 cm

Reducirani oblikovni i slogovni jezik akrilika na platnu Duje Jurića ispisuje organizirani prostor slike.

Jurićeva geometrijska morfologija poziva na njeno dešifriranje i iščitavanje tekstualnih poruka među matricama linija. Riječ je o ironijskom autoportretu sa svim negativnim konotacijama koje pojam „gelipter“ u sebi sadrži.

Die reduziert gestaltete Silben Sprache der Acryl auf der Leinwand von Duje Jurić schreibt den organisierten Raum des Bildes aus.

Seine geometrische Morphologie lädt zum Dechiffrieren und Auslesen der textuellen Mitteilungen zwischen den Matrizen der Linien ein. Die Rede ist von einem ironischen Autoporträt mit allen negativen Konnotationen die man unter dem Begriff „gelipter“ versteht, die Rede.

Duje Jurić’s reduced design and stylistic language of acrylic on canvas marks the organized space of the painting. Jurić’s geometric morphology calls to be deciphered and the textual messages between the line matrices read. It is and ironic self-portrait with all the negative connotations that the term fool contains.

Duje Jurić rođen je 1956. u Rupama.

Diplomirao je 1981. na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu.

Redovni je profesor na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu.

Izlagao je na sedamdeset samostalnih i stotinu pedeset skupnih izložbi u Hrvatskoj i inozemstvu i više je puta nagrađivan za svoj rad.

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Duje Jurić ist 1956 in Rupe geboren.

1981 hat er an der Akademie der bildenden Kunst in Zagreb diplomiert.

Er ist zur Zeit regelmäßiger Professor an der Akademie der bildenden Kunst in Zagreb. Er hat an 70 selbstständigen und über 100 gemeinschaftlichen Ausstellungen in Land und Ausland teilgenommen und mehrere Preise für seine Arbeit bekommen.

Duje Jurić was born in 1956 in Rupe. He graduated in 1981 at the Academy of Fine Arts in Zagreb. He has displayed his works at 70 solo and 150 group exhibitions in Croatia and abroad, and has received awards for his work a number of times.

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Ivona Jurić Koš, 2013. ulje na platnu 150 cm x 130 cm

Waste basket, 2013. Öl auf Leinwand 200 x 310 cm

Waste basket, 2013. oil on canvas 150cm x 130cm

Ivona Jurić bilježi titraje osjetilnih senzacija izgorjelog autobusa na Velebitu u jeku ljetnog dana, spaljenog koša u ružičnjaku, osušenog sijena među runolistima, prožimajući na taj način zgarište mirisom vječne prirode, zapravo smrt sa životom.

Riječ je o kombiniranju geografski nepovezanih pojmova stavljenih u određeni kontekst - pejzaž. Crtež odabire kao najiskreniji izraz kojim dočarava filter misli i vlastito shvaćanje zbilje.

Ivona Jurić notiert das Flattern der Sensationen der Sinnen des verbrannten Busses in Velebit an einem sommerlichen Tag, des verbrannten Korbs im Rosengarten und des ausgetrockneten Heus zwischen den Edelweißen und durchdringt auf diese Weise die Brandstätte mit dem Duft der ewigen Natur, bzw. dem Tod mit dem Leben.

Dabei geht es um das Kombinieren von geografisch verbindbaren Begriffen, die in einem bestimmten Kontext gestellt sind - die Landschaft.

Sie wählt die Zeichnung als den ehrlichsten Ausdruck, mit dem sie den Filter der Gedanken und der eigenen Realitätswahrnehmung herbeizaubert.

Ivona Jurić records the vibrations of sensory sensations of a burnt bus on Velebit in the middle of a summer day, a burnt basket in a rose bed, dried hay among edelweiss, thusly permeating the site of fire with the scent of eternal nature, death with life, actually. It is a combination of geographically unrelated terms put in a particular context - the landscape.

She chooses drawing as the most sincere expression with which she evokes a thought filter and her own understanding of reality.

Ivona Jurić rođena je 1987. u Zagrebu.

Diplomirala je 2010. slikarstvo na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu u klasi profesora Duje Jurića.

Trenutno radi u Osnovnoj školi Julija Klovića kao učiteljica likovne kulture.

Sudjelovala je na brojnim skupnim i četiri samostalne izložbe.

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Ivona Jurić ist 1987 in Zagreb geboren.

Sie hat 2010 Malerei an der Akademie der bildenden Kunst bei Professor Duje Jurić in Zagreb diplomiert. Zur Zeit unterrichtet sie das Zeichnen an der Hauptschule Julija Klovića . Sie hat an zahlreichen gemeinschaftlichen und vier selbstständigen Ausstellungen teilgenommen.

Ivona Jurić was born in 1987 in Zagreb.

She graduated with a degree in painting at the Academy of Fine Arts in Zagreb in the class of Professor Duje Jurić. She currently teaches art in the Julije Klović Primary School. She has participated in numerous group and four solo exhibitions.

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Zlatko Keser Strepnja (Preobražaj poremećenog uma), 2013.

Ulje i jajčana tempera na platnu 238 x 190 cm

Foreboding (Transformation of a deranged mind), 2013 Öl und Eitempera auf Leinwand 238 x 190 cm

Foreboding (Transformation of a deranged mind), 2013 Oil and egg tempera on canvas 238 x 190 cm

Ekspresivna uvjerljivost slika Zlatka Kesera izražava autentični stvaralački nemir. Svojim djelima naznačuje dijalektiku uranjanja u ništavilo noćnih mora i strahova.

Ponovnim izranjanjem iz mračne dubine postojanja svjedoči da iza vida i privida leži sloj nedogleda i nedohvata.

Die expressive Überzeugung der Bilder von Zlatko Keser bildet die authentische schöpferische Unruhe ab. Mit seinen Werken bezeichnet er die Dialektik des Niedersenkens in das Nichts der Alpträume und Ängste. Durch das Wieder-auftauchen aus dunkler Tiefe des Daseins zeugt er davon, dass hinter dem Sehen und Schein eine Schicht des Unerreichbaren und des Ewigen liegt.

The expressive cogency of Zlatko Keser’s paintings expresses an authentic creative restlessness.

With his works, he adumbrates the dialectics of diving into the nothingness of nightmares and fears.

Emerging again from the dark depth of existence, he testifies that beyond sight and illusion, there is a layer that cannot be seen or reached.

Zlatko Keser rođen je 1942. u Zagrebu.

Studirao je na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu i diplomirao slikarstvo u klasi profesora Otona Postružnika. Od 1971. do 1975. suradnik je Majstorske radionice Krste Hegedušića. Godine 1986. postaje docent na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu, izvanredni profesor 1991., a redoviti profesor 1995. Za redovitog člana Hrvatske akademije znanosti i umjetnosti izabran je 2004. godine.

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Zlatko Keser ist 1942 in Zagreb geboren. Er hat an der Akademie der bildenden Kunst in Zagreb studiert und die Malerei bei Professor Oton Postružnik diplomiert. Von 1971 bis 1975 ist er Mitarbeiter der Meisterwerkstatt von Krsto Hegedušić gewesen. 1986 ist er zum Dozenten an der Akademie der bildenden Kunst in Zagreb geworden, 1991 außerordentlicher Professor und 1995 ordentlicher Professor. 2004 ist er zum ordentlichen Mitglied der kroatischen Akademie der Wissenschaft und Kunst gewählt.

Zlatko Keser was born in 1942 in Zagreb. He studied at the Academy of Fine Arts in Zagreb and graduated with a degree in painting in the class of Professor Oton Postružnik. From 1971 to 1975, he was a member of Krsto Hegedušić’s master workshop.

In 1986, he became a lecturer at the Academy of Fine Arts in Zagreb, an associate professor in 1991 and a professor in 1995. In 2004, he was elected a regular member of the Croatian Academy of Sciences and Arts.

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Matej Knežević Napola puna, 2012.

Akril na drvetu 120 x 120 cm (1x); 40 x 40 cm (9x)

Half full, 2012 Acryl auf Holz 120 x 120 cm (1x); 40 x 40 cm (9x)

Half full, 2012 Acrylic on wood 120 x 120 cm (1x); 40 x 40 cm (9x)

Sveopći pesimizam koji je zavladao našom svakodnevicom poslužio je Mateju Kneževiću kao okvir za stvaranje drugačije percepcije. Je li čaša polupuna ili poluprazna stvar je odabira i prihvaćanja realnosti. Nizom čaša s vodom Knežević osvješćuje stanje u kojem jesmo te potiče na promjenu negativne perspektive i umjereni optimizam.

Der allgemeine Pessimismus, der über unseren Alltag herrscht hat Matej Knežević als ein Rahmen für die Bildung einer andersartigen Perzeption gedient. Ob ein Glas halbvoll oder halbleer ist, ist eine Frage der Auswahl und der Akzeptirrung der Wirklichkeit. Mit einer Reihe von Gläsern schafft Knežević einen Zustand, in dem wir uns befinden und regt uns zu einer Veränderung der negativen Perspektive und des mäßigen Optimismus an.

The all-encompassing pessimism that has engulfed our everyday life was used by Matej Knežević as a framework for creating different perception. Whether the glass is half-full or half-empty is a matter of choosing and accepting reality.

Using a series of glasses with water, Knežević makes us aware of the state we are in and stimulates us to change the negative perspective and embrace moderate optimism.

Matej Knežević rođen je 1983. u Slavonskom Brodu. Diplomirao je 2008. na Medicinskom fakultetu u Zagrebu. Izlagao je na samostalnim i grupnim izložbama.

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Matej Knežević ist 1983 in Slavonski Brod geboren. Er hat 2008 Medizin in Zagreb diplomiert. Er hat selbstständige und gemeinschaftliche Ausstellungen gehabt.

Matej Knežević was born in 1983 in Slavonski Brod. He graduated at the Faculty of Medicine in Zagreb in 2008.

He has exhibited at solo and group exhibitions.

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Ivana Koren Maja, 2013.

Ulje na platnu 200 x 310 cm

Maja, 2013. Öl auf Leinwand 200 x 310 cm

Maja, 2013 Oil on canvas 200 x 310 cm

Ivana Koren prenosi trag trenutne emocije koju bilježi na trajnijem mediju, s ciljem konzerviranja sjećanja zbog konstantnog straha za njegovim nestajanjem. Motiv zida simbolično odražava samu autoricu, dok su šareni natpisi njene preokupacije koje su je oblikovale. Njezini radovi nas uvode u intiman svijet realističnih prikaza dragih joj osoba, koji se nadovezuje na priču o prijateljstvu.

Ivana Koren überträgt die Spur der momentanen Emotion durch das Notieren auf ein langanhaltendes Medium, mit dem Ziel ihrer Konservierung, wegen der ständigen Angst vor ihrem Verschwinden. Das Motiv der Wand reflektiert die Autorin selbst, während bunte Aufschriften ihre Beschäftigungen, die sie bilden, darstellen. Ihre Arbeiten führen uns in eine intime Welt der realistischen Aufzeichnungen der Personen die sie mag. Sie binden sich an die Geschichte über die Freundschaft an.

Ivana Koren records the trace of momentary emotion in a more durable medium, with the aim of conserving memory because of the constant fear of its perishing. The wall motif symbolically reflects the artist herself, while the multi-coloured signs are the preoccupations that have formed her.

Her works take us into an intimate world of realistic depictions of persons dear to her, adding to the story of friendship.

Ivana Koren rođena je u Zagrebu 1989. Apsolventica je slikarstva na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu u klasi profesora Zlatka Kauzlarića-Atača. Dosad je samostalno izlagala dva puta u Zagrebu te je sudjelovala na brojnim skupnim izložbama i radionicama.

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Ivana Koren ist 1989 in Zagreb geboren. Sie ist zur Zeit Absolventin der Malerei an der Akademie der bildenden Kunst bei Professor Zlatko Kauzlarić- Atač in Zagreb. Bis her hat sie zwei selbstständige Ausstellungen in Zagreb und zahlreiche gemeinschaftliche Ausstellungen und Werkstätte gehabt.

Ivana Koren was born in Zagreb in 1989. She is a final year student of painting at the Academy of Fine Arts in Zagreb in the class of Professor Zlatko Kauzlarić-Atač. Up to now, she has had two solo exhibitions in Zagreb and participated in many group exhibitions and workshops.

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Marija Koruga Sto lica u stolici, 2013.

Jajčana tempera, akrilik, ulje na platnu; triptih 130 x 80cm (130 x 240 cm)

A hundred faces in a chair, 2013 Eitempera, Acryl, Öl auf Leinwand; Triptychon 130 x 80cm (130 x 240 cm)

A hundred faces in a chair, 2013 Egg tempera, acrylic, oil on canvas; triptych 130 x 80cm (130 x 240 cm)

Svojim slikama Marija Koruga istražuje tematiku odnosa prirode i kulture. Prazne stolice u prirodi podrazumijevaju odsustvo čovjeka, no s druge strane, one su ljudski proizvod i kreativno djelo. Floralni i faunalni elementi sugeriraju tendenciju stapanja s prirodom te otkrivanje novih načina uzajamne komunikacije i opažanja.

Marija Koruga erforscht durch ihre Bilder die Thematik des Verhältnisses zwischen Natur und Kultur.

With her paintings, Marija Koruga explores the subject of the relationship between nature and culture. Empty chairs in nature assume the absence of man, but on the other hand, they are a human product and a creative work. Floral and faunal elements suggest the tendency to merge with nature and to discover new ways of communication and observing.

Marija Koruga rođena je 1988. u Zagrebu. Magistrirala je 2012. slikarstvo na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu u klasi profesora Zlatka Kauzlarića-Atača. Sudjelovala je na brojnim skupnim i imala dvije samostalne izložbe.

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Lehre Stühle in der Natur symbolisieren die Abwesenheit des Menschen, aber auf der anderen Seite sind sie ein menschlicher Produkt und ein kreatives Werk. Die Elemente der Flora und Fauna sind eine Anspielung auf die Tendenz des Verschmelzens mit der Natur und die Erforschung der neuen Wege der gegenseitigen Kommunikation und Bemerkung.

Marija Koruga ist 1988 in Zagreb geboren. Sie hat ihre Magisterarbeit 2012 in Malerei auf der Akademie der bildenden Kunst bei Professor Zlatko Kauzlarić-Atača in Zagreb gemacht. Sie hat zwei selbstständige und mehrere gemeinschaftliche Ausstellungen gehabt.

Marija Koruga was born in 1988 in Zagreb. In 2012, she graduated painting at the Academy of Fine Arts in Zagreb in the class of Professor Zlatko Kauzlarić-Atač. She has participated in numerous group shows and had two solo exhibitions.

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Nikola Koydl Objekt (XY), 2007.

Akril i ulje na platnu 170 x 120 cm

Object (XY), 2007 Acryl und Öl auf Leinwand 170 x 120 cm

Object (XY), 2007 Acrylic and oil on canvas 170 x 120 cm

Eksplozivno-kolorističkim apstrakcijama Nikola Koydl u svojim slikama stvara spoj egzaktnog i neodređenog, organskog i geometrijskog kao rezultat unutarnje predodžbe o formi. Slikovni jezik ne podliježe zakonima fizike, već je isključivo u domeni umjetnikove vizije vlastitog kozmičkog zakona.

Durch explosiv koloristische Abstraktionen schafft Nikola Koydl in seinen Bildern eine Verbindung des Egzakten und Unbestimmten, des Organischen und Geometrischen als ein Resultat der inneren Formvorstellung. Die Bildsprache unterliegt keinen Regeln der Physik, sondern sie ist ausschließlich innerhalb der Domäne der künstlerischen Vision der eigenen kosmischen Regel.

With explosively colourful abstractions in his paintings, Nikola Koydl creates a combination of the exact and the undetermined, the organic and the geometrical, as a result of an internal notion of form. The pictorial language is not subject to the laws of physics, but falls exclusively in the domain of the artist’s vision of his own cosmic law.

Nikola Koydl rođen je 1939. u Karlovcu.

Akademiju likovnih umjetnosti završio je 1962. u klasi Đure Tiljka u čijoj majstorskoj radionici djeluje od 1962. do 1969. Sudjeluje na velikom broju kolektivnih izložbi, a od 1984. pa do umirovljenja radi kao profesor na Akademiji likovnih umjetnosti.

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Nikola Koydl ist 1939 in Karlovac geboren. Die Akademie der bildenden Kunst hat er bei Professor Đure Tiljka beendet. In seiner Meisterwerkstatt hat er von 1962 bis 1969 gewirkt. Er hat an zahlreichen gemeinschaftlichen Ausstellungen teilgenommen und seit 1984 bis zur Rente als Professor an der Akademie der bildenden Kunst gearbeitet.

Nikola Koydl was born in 1939 in Karlovac. He graduated from the Academy of Fine Arts in 1962 in the class of Đuro Tiljak, in whose master workshop he was active from 1962 to 1969. He has participated in numerous collective exhibitions, and from 1984 until retirement, he worked as a professor at the Academy of Fine Arts.

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Davor Krelja Paleolit, 2012.

Ulje na platnu / papitu cca. 330 x 600 cm

Palaeolithic, 2012 Öl auf Leinwand/ Papier cca. 330 x 600 cm

Palaeolithic, 2012 Oil on canvas/ paper cca. 330 x 600 cm

Paleolit Davora Krelje izgrađen je u prvom planu od slika zaustavljenog pokreta te niza fotografija zidnih slika monokromatske skale u pozadini, koje zajedno stvaraju monumentalnu simboličku stijenu ljudskih sjećanja u kojoj obitavaju zoomorfni oblici, čovjekolike prikaze i fantazmi.

Das Paläolithikum von Davor Krelja ist in erster Linie aus Bildern angehaltener Bewegungen und einer Reihe von Fotografien der Wandbilder der monochromatischen Skala im Hintergrund gebaut.

Sie bilden zusammen einen monumentalen symbolischen Felsen der menschlichen Erinnerungen, in denen zoomorphe menschenähnliche Erscheinungen und Fanatismen wohnen.

Davor Krelja’s Palaeolithic has been constructed from stop motion images in the foreground and a series of monochromatic photographs of murals in the background, which jointly create a monumental symbolic wall of human memories, inhabited by zoomorphic forms, human-like wraith and phantasms.

Davor Krelja rođen je 1960. Diplomirao je 1985. slikarstvo na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu u klasi profesora Ferdinanda Kulmera.

Sudjelovao je na 20 samostalnih i 22 skupne izložbe.

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Davor Krelja ist 1960 geboren. Er hat 1985 Malerei an der Akademie der bildenden Kunst in Zagreb bei Professor Ferdinand Kulmera diplomiert. Er hat an 20 selbständigen und 22 gemeinschaftlichen Ausstellungen teilgenommen.

Davor Krelja was born in 1960. He graduated with a degree in painting from the Academy of Fine Arts in Zagreb in 1985, in the class of Professor Ferdinand Kulmer. He has participated in 20 solo and 22 group exhibitions.

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Ivica Kurtz Pukovnik Kurtz 1, 2012.

Ulje na platnu 140 x 200 cm

Colonel Kurtz 1, 2012 Öl auf Leinwand 140 x 200 cm

Colonel Kurtz 1, 2012 Oil on canvas 140 x 200 cm

Slikajući tijelo žene u vodenom ambijentu Ivica Kurtz mu superponira oblik kao vlastitu umjetničku strategiju. Time zauzima poziciju na razmeđi prepuštanja vremenu i prostoru te hermetične predodžbe samodostatnosti linearne scene iz filma „Apokalipsa danas“ redatelja Francisa Forda Coppole iz 1979. godine.

Indem er den Körper der Frau in einem Wasserambiente malt, überlagert Ivica Kurtz die Form als eine eigene Kunststrategie. Damit nimmt er die Position an der Kreuzung der Überlassung der Zeit und dem Ort und der hermetischen Vorstellung der Selbstgenügsamkeit der linearen Szene aus dem Film „Apokalypse heute“ von dem Regisseur Francis Ford Coppola aus dem Jahr 1979 ein.

Painting the body of a woman in a watery environment, Ivica Kurtz superimposes the form as his own artistic strategy. Thus he takes a position on the border between surrendering to time and space and the hermetic notion of the selfsufficiency of the linear scene from the film “Apocalypse Now” by director Francis Ford Coppola from 1979.

Ivica Kurtz rođen je 1974. u Slavonskom Brodu. Diplomirao je 2006. na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu u klasi profesora Igora Rončevića. Asistent je na Umjetničkoj akademiji u Osijeku.

Ivica Kurtz ist 1974 in Slavonski Brod geboren. Er hat 2006 an der Akademie der bildenden Kunst bei Professor Igor Rončevićan in Zagreb diplomiert. Er ist Assistent an der Kunstakademie in Osijek.

Ivica Kurtz was born in 1974 in Slavonski Brod. He graduated in 2006 at the Academy of Fine Arts in Zagreb in the class of Professor Igor Rončević.

He is an assistant lecturer at the Academy of Arts in Osijek.

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Ivica Malčić Oksidirana umjetnost, 2013.

Akrilik i kolaž na iverici 37,3 x 25,6 cm

Oxidised art, 2013 Acryl und Collage auf Sperrholzplatte 37,3 x 25,6 cm

Oxidised art, 2013 Acrylic and collage on plywood 37,3 x 25,6 cm

Ivica Malčić svojim radovima zaustavlja vrijeme unoseći u njih svoje parole, razmišljanja i osjećaje. U slike ubacuje tekstualni sadržaj - poruke, s ciljem ostvarivanja bolje komunikacije s promatračem te kako bi njegova umjetnost ostala „čitka“. Slike postaju riječi i obrnuto, a slikarska površina svojevrsnim ironičkim dnevničkim zapisom.

Ivica Malčić hält in seinen Werken die Zeit auf und bringt in sie seine Parolen, Gedanken und Gefühle ein.

In die Bilder fügt er einen textuellen Inhalt ein - Mitteilungen, mit dem Ziel eine bessere Kommunikation mit dem Beobachter zu erreichen und damit die Reinheit der Kunst zu behalten. Die Bilder werden zu Wörtern und umgekehrt, und die Bildfläche wird zu einer ironischen Tagesbuchaufzeichnung.

With his works, Ivica Malčić stops time, entering his slogans, thoughts and feeling into them. Into his paintings, he inserts textual content - messages, with the aim of achieving a better communication with the observer, and so that his works remain “legible”. Paintings become words and vice-versa, and the painting surface becomes a sort of an ironic diary entry.

Ivica Malčić rođen je 1964. u Zagrebu.

Diplomirao je 1996. na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu u klasi profesora Šuteja. Intenzivno izlaže te je do sada imao 18 samostalnih i više skupnih izložbi.

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Ivica Malčić ist 1964 in Zagreb geboren. 1996 hat er an der Akademie der bildenden Kunst bei Professor Šutej in Zagreb diplomiert. Er ist aktiv tätig und bisher hat er 18 selbstständige und mehrere gemeinschaftliche Ausstellungen gehabt.

Ivica Malčić was born in 1964 in Zagreb. He graduated in 1996 at the Academy of Fine Arts in Zagreb in the class of Professor Šutej. He exhibits his works intensively, and has had 18 solo and a number of group exhibitions up to now.

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Ivan Marković Prijatelji, 2013.

Ulje na platnu 250 x 350 cm

Friends, 2013 Öl auf Leinwand 250 x 350 cm

Friends, 2013 Oil on canvas 250 x 350 cm

Ivan Marković svoju je sliku posvetio trenutku prijateljstva. Premda se čini da taj trenutak iz središta promatranja polako odlazi prema margini, slikom dominira razdraganost likova zbog topline prijateljskog zagrljaja.

Ivan Marković hat sein Bild dem Augenblick der Freundschaft gewidmet. Obwohl es so scheint als ob dieser Augenblick aus dem Mittelpunkt des Beobachtens langsam zur Randbemerkung wird, dominiert im Bild die Heiterkeit der Gestalten wegen der Wärme der freundschaftlichen Umarmung.

Ivan Marković dedicated his painting to the moment of friendship. Although it seems that this moments is slowly moving from the focus toward the margins, the painting is dominated by the characters’ delight because of the warmth of the friendly embrace.

Ivan Marković rođen je 1988. u Zagrebu. Trenutno je polaznik 5. godine slikarstva u klasi profesora Zoltana Novaka. Izlaže na skupnim izložbama.

Ivan Marković ist 1988 in Zagreb geboren. Zur Zeit ist sie auf dem 5. Jahr der Malerei bei Professor Zoltan Novak. Sie nimmt an gemeinschaftlichen Ausstellungen teil.

Ivan Marković was born in 1988 in Zagreb. He is currently a 5th year student of painting in the class of Professor Zoltan Novak. He displays his work at group exhibitions.

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Mitar Matić Prije skoka 7, 2012.

Ulje i bitumen na platnu 160 x 180 cm

Before the jump 7, 2012 Öl und Bitumen auf Leinwand 160 x 180 cm

Before the jump 7, 2012 Oil and bitumen on canvas 160 x 180 cm

Mitar Matić pokušava zadržati sliku „na rubu boje” baveći se njenim nedostatkom kako bi isprovocirao boje unutarnjih energija. Princip komplementarnosti ne djeluje isključivo između pojedinih boja, već i unutar ukupne količine. Zanimaju ga bjelina i odnosi unutar nje, te forma i pokušaj njenog zadržavanja na granici „rasipanja“. Dinamičnost je postignuta zadržavanjem forme na granici; s obzirom na temu spavača, rub je ključni pojam.

Mitar Matić versucht das Bild „am Rande der Farbe“ zu behalten, indem er sich mit ihrem Mangel beschäftigt, um die Farben der inneren Energien zu provozieren. Das Prinzip der Komplementarität wirkt nicht nur ausschließlich zwischen einigen Farben, sondern auch innerhalb der gesamten Menge.

Mitar Matić is trying to keep painting “on the edge of colour”, using its lack to provoke the colours of inner energies. The principle of colour complementarity does not function exclusively between individual colours, but also within the entire quantity. He is interested in whiteness and the relations within it, as well as its form and the attempt to keep it on the verge of “dissipation”.

The dynamics have been achieved by keeping the form on the edge; considering the subject of the sleeper, the edge is the key term.

Mitar Matić rođen je 1981. u Rijeci.

Diplomirao je slikarstvo 2005. godine u klasi profesora Gorkog Žuvele na Umjetničkoj akademiji u Splitu. Dosad je izlagao na sedam samostalnih i brojnim skupnim izložbama u zemlji i inozemstvu.

Er interessiert sich für die Weisheit und für die Beziehung innerhalb von ihr, die Form und den Versuch ihres Behaltens an der Grenze „ des Zerstreuens“. Die Dynamik ist durch das Behalten der Form an der Grenze erreicht; im Bezug auf das Thema des Schläfers, ist der Rand der Schlüsselbegriff.

Mitar Matić ist 1981 in Rijeka geboren.

2005 hat er an der Akademie der bildenden Kunst bei Professor Gorki Žuvela in Split diplomiert. Bis jetzt hat er sieben selbstständige und zahlreiche gemeinschaftliche Ausstellungen gehabt.

Mitar Matić was born in 1981 in Rijeka. He graduated with a degree in painting in 2005 in the class of Professor Gorki Žuvela at the Academy of Arts in Split. Up to now, he has exhibited at seven solo and numerous group shows at home and abroad.

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Gordana Meštrović Kako bi bilo super…, 2012.

Ulje na platnu 160 x 210 cm

Wouldn’t it be great…, 2012 Öl auf Leinwand 160 x 210 cm

Wouldn’t it be great…, 2012 Oil on canvas 160 x 210 cm

Samo da malo odspavam, 2012.

Ulje na platnu 160 x 210 cm

Just let me get some sleep, 2012 Öl auf Leinwand 160 x 210 cm

Just let me get some sleep, 2012 Oil on canvas 160 x 210 cm

Nadrealni prizori Gordane Meštrović sugeriraju unutarnje odvajanje od vanjskog te stvaranje emocionalnoga svijeta u kojem vlada sigurna, ugodna atmosfera. Naglašena atmosferičnost i impresije udaljene od konkretne stvarnosti, ukazuju na autoričinu tendenciju k eskapizmu te potencijal za vizualiziranje intimnih i posve individualiziranih simboličkih prizora.

Surrealistische Szenen von Gordana Meštrović suggerieren die Trennung des Inneren von dem Äußeren und die Bildung einer emotionalen Welt, in der eine sichere und angenehme Atmosphäre herrscht. Die betonte Atmosphärik und Impressionen die von der konkreten Realität entfernt sind, deuten auf die Tendenz der Autorin zum Eskapismus und zum Potential für die Visualisierung intimer und völlig individueller Szenen.

Gordana Meštrović’s surreal images suggest internal separation from the outside, and the creation of an emotional world with a safe, pleasant atmosphere. Distinct atmospherics and impressions removed from concrete reality point to the artist’s tendency toward escapism and potential for visualizing intimate and totally individualized symbolic scenes.

Gordana Meštrović rođena je 1974. u Zagrebu. Diplomirala je 2004. na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu u klasi profesora Ante Rašića.

Izlagala je na nekoliko samostalnih i skupnih izložbi.

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Gordana Meštrović ist 1974 in Zagreb geboren. 2004 hat sie an der Akademie der bildenden Kunst bei Professor Ante Rašić in Zagreb diplomiert. Sie hat einige selbstständige und gemeinschaftliche Ausstellungen gehabt.

Gordana Meštrović was born in 1974 in Zagreb. She graduated in 2004 at the Academy of Fine Arts in Zagreb in the class of Professor Ante Rašić. She has displayed her works at several solo and group exhibitions.

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Davor Mezak Jabuka, 2013.

Akrilik na platnu 50 x 40 cm

Apple, 2013 Acryl auf Leinwand 50 x 40 cm

Apple, 2013 Acrylic on canvas 50 x 40 cm

Slike Davora Mezaka sastavni su dio procesa i promišljanja videoinstalacija. Proizlaze iz skica za instalacije u procesu njihova nastajanja te kreiraju suodnos i dinamiku dvaju dimenzija stvarajući dojam instalacije koja izlazi iz dvodimenzionalne slike nervoznih poteza i namaza.

Die Bilder von Davor Mezak sind ein Bestandteil des Prozesses und der Überlegung der Video-Installation.

Sie gehen aus den Entwürfen für die Installation im Prozess ihres Entstehens hervor und bilden das Verhältnis und die Dynamik zweier Dimensionen. Dabei bilden sie den Eindruck einer Installation die aus zweidimensionalen Bildern der nervösen Schritte und Aufstriche herausgeht.

Davor Mezak’s paintings are a constitutive part of the process and deliberation of video installations.

They stem from the sketches used in the process of making installation and create the relationship and dynamics of two dimensions, creating the impression of an installation coming out of a two-dimensional painting of nervous strokes and coats of paint.

Davor Mezak rođen je 1968. u Zagrebu.

Diplomirao je 1995. na Akademiji likovnih umjetnosti u klasi profesora Ante Kuduza. Sudjelovao je na više od 20 samostalnih i 100 skupnih izložbi.

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Davor Mezak ist 1968 in Zagreb geboren. 1995 hat er an der Akademie der bildenden Kunst bei Professor Ante Kuduza in Zagreb diplomiert. Er hat mehr als 20 selbstständige und 100 gemeinschaftliche Ausstellungen gehabt.

Davor Mezak was born in 1968 in Zagreb. He graduated in 1995 from the Academy of Fine Arts in the class of Professor Ante Kuduz. He has participated in more than 20 solo and 100 group exhibitions.

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Andrea Musa The road never traveled, 2013.

Akrilik na platnu 70 x 200 cm

The road never travelled, 2013 Acryl auf Leinwand 70 x 200 cm

The road never travelled, 2013 Acrylic on canvas 70 x 200 cm

Slika Andree Muse rezultat je njene fascinacije prirodom, kretanjem, vremenom i prostorom. Nastoji prizvati i vizualizirati vjetar, sjećanje, misli, tišinu, protok vremena. Na taj način zbližava unutarnji i vanjski prostor uhvaćen u slikama koje su stvarne i nestvarne te koje odražavaju fizičku i mentalnu sferu.

Das Bild von Andrea Musa ist das Ergebnis ihrer Faszination mit Natur, Bewegung, Zeit und Raum. Sie versucht den Wind, die Erinnerungen, die Gedanken, die Stille und den Zeitverlauf herbeizurufen und zu visualisieren. Auf diese Weise verkürzt sie die Entfernung des Außen- und Innenraumes die in ihren Bildern festgehalten werden, die real und nicht-real sind und die die physische und mentale Sphäre widerspiegeln.

Andrea Musa’s painting is the result of her fascination with nature, movement, time and space. She is attempting to invoke and visualize wind, memory, thoughts, silence and passage of time. In this way, she brings closer the internal and external space in paintings that are both real and unreal, and that reflect both the physical and mental spheres.

Andrea Musa rođena je 1979. u Frankfurtu. Slikarstvo je diplomirala na baselskoj Akademiji Assenza u Švicarskoj 2002. Dobitnica je više nagrada i priznanja. Sudjelovala je na brojnim samostalnim i skupnim izložbama u zemlji i inozemstvu.

Andrea Musa ist 1979 in Frankfurt geboren. Die Malerei hat sie 2002 an der Akademie Assenza in Basel in der Schweiz diplomiert.

Sie hat mehrere Preise und Auszeichnungen gewonnen und an zahlreichen selbstständigen und gemeinschaftlichen Ausstellungen teilgenommen.

Andrea Musa was born in 1979 in Frankfurt. She graduated with a degree in painting at the Assenza Academy in Basel, Switzerland in 2002. She has been awarded a number of prizes and recognitions.

She has participated in numerous solo and group exhibitions at home and abroad.

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Lav Paripović Medo, 2012.

Ulje i vosak na platnu 195 x 130 cm

Teddy bear, 2012 Öl und Wachs auf Leinwand 195 x 130 cm

Teddy bear, 2012 Oil and wax on canvas 195 x 130 cm

U životinjskom svijetu Lava Paripovića obitavaju zec i medvjed, svatko u svom stiliziranom staništu. Dvije su to različite ekspresije životinjskih osobina; jedne plahe i šćućurene u skrovištu, druge propete na dvije noge u trenutku pune rike. Baš kao i među ljudima, plahi i odvažni, slabiji i snažni, nose svoje osobine kao sudbinu i prepoznatljivost.

In der Tierwelt von Lav Pripović wohnen ein Hase und ein Bär, jeder in seinem stilisierten Wohnraum. Das sind zwei verschiedene Expressionen der Tiereigenschaften; eine scheue und sich duckende in ihrem Wohnraum und die andere auf beiden Beinen ausgestreckte im Augenblick des vollen Gebrülles.

In Lav Paripović’s animal world, there dwell a hare and a bear, each in its stylized habitat. They are two different expressions of animal characteristics; one fearful and huddling in its hiding place, the other erect on hind legs and roaring. Just like among humans, the fearful and the courageous, the weak and the strong carry their characteristics as their fate and identification.

Lav Paripović rođen je 1989. u Zagrebu.

Student je diplomskog studija slikarstva na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu u klasi Zoltana Novaka. Izlagao je na nekoliko skupnih izložbi.

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Genau wie zwischen den Menschen tragen scheue und mutige, schwächere und stärkere ihre Eigenschaften wie einen Schicksal und Erkennungswert.

Lav Pripović ist 1989 in Zagreb geboren. Er studiert Malerei an der Akademie der bildenden Kunst in Zagreb bei Zoltan Novak. Er hat an einigen gemeinschaftlichen Ausstellungen teilgenommen.

Lav Paripović was born in 1989 in Zagreb. He is studying for a master’s degree in painting at the Academy of Fine Arts in Zagreb in the class of Zoltan Novak. He has displayed his works at several group exhibitions.

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Robert Pauletta Portret mrtvog umjetnika, 2012.

Ulje na platnu 180 x 240 cm

Portrait of a dead artist, 2012 Öl auf Leinwand 180 x 240 cm

Portrait of a dead artist, 2012 Oil on canvas 180 x 240 cm

Autoportretima mrtvog umjetnika i gladi Robert Pauletta problematizira poziciju umjetnika u današnjem društvu. Nemimetičkim kolorizmom maskira osjećaj vlastite tjeskobe te upućuje na nezavidnu situaciju umjetnika u svijetu u kojemu su druge vrijednosti prevladale.

Durch Selbstportraits des gestorbenen Künstlers und des Hungers problematisiert Robert Pauletta die Position des Künstlers in der heutigen Gesellschaft. Mit Hilfe von Nicht-mimetischen Kolorieren maskiert er das Gefühl der eigenen Bedrängnis und deutet auf die nicht beneidenswerte Lage der Künstler in der Welt, in der andere Werte gelten.

With his self-portraits of the dead artist and hunger, Robert Pauletta explores the position of the artist in today’s society. With non-mimetic colourism, he masks his own feeling of anxiety points to the unenviable position of the artist in a world dominated by other values.

Robert Pauletta rođen je 1961. u Premanturi. Diplomirao je slikarstvo 1985. na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu u klasi profesora Ferdinanda Kulmera. Aktivno sudjeluje na umjetničkoj sceni te je održao 80-ak samostalnih izložbi u zemlji i inozemstvu, te stotinjak skupnih izložbi.

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Robert Pauletta ist 1961 in Premantura geboren. Er hat 1985 an der Akademie der bildenden Kunst in der Klasse von Professor Ferdinand Kulmera diplomiert. Er ist auf der künstlerischen Szene aktiv und hat über 80 selbstständige Ausstellungen im Land und Ausland und über 100 gemeinschaftliche Ausstellungen gehabt.

Robert Pauletta was born in 1961 in Premantura. In 1985, he earned a degree in painting at the Academy of Fine Arts in Zagreb in the class of Professor Ferdinand Kulmer. He is active on the art scene and has had some 80 solo exhibitions at home and abroad, as well as about a hundred group exhibitions.

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Josip Dražen Pavić i Ivan Lovreković Crna svjetlost 2, 2013.

Ulje na platnu 120 x 160 cm

Black light 2, 2013 Öl auf Leinwand 120 x 160 cm

Black light 2, 2013 Oil on canvas 120 x 160 cm

Magičan svijet Dražena Josipa Pavića i Ivana Lovrekovića ključa simboličnim značenjima. Srcoliki oblici, ključ i ključanica, jabuka, cvijet, poput razasutih simbola iz snova privlače u svoj zagonetni svemir. No privlačnost srcolikog carstva iza sebe skriva i mračnu stranu crne svjetlosti koja prodire i vreba.

Die magische Welt von Dražen Josip Pavić und Ivan Lovreković ist voll mit symbolischen Bedeutungen.

Herzförmige Formen, Schlüssel und Schlüsselloch, Apfel und Blume ziehen uns wie zerstreute Symbole aus dem Traum in ihre rätselhafte Welt an. Aber die Anziehungskraft des herzförmigen Reiches verbirgt auch eine dunkle Seite der schwarzen Leuchte, die durchdringt und lauert.

The magical world of Dražen Josip Pavić and Ivan Lovreković is teeming with symbolic meanings. The heartlike shapes, key and keyhole, apple and flower like strewn dream symbols attract us into their mysterious universe, But the attractiveness of the heart-shaped empire leaves behind a dark side of black light that penetrates and stalks.

Ivan Lovreković rođen je u Pitomači 1959. Dražen Josip Pavić rođen je u Bosanskom Šamcu 1961. Kao nedjeljivi slikarski tandem stvaraju zajedno od 1982. i suautori su svih slika, nastalih od te godine nadalje. Dosad su imali brojne samostalne i skupne izložbe u zemlji i inozemstvu.

Ivan Lovreković ist 1959 in Pitomača geboren. Dražen Josip Pavić ist 1961 in Bosanski Čamac geboren.

Von 1982 wirken sie zusammen wie ein untrennbares Tandem und sind Autoren aller Bilder die seit diesem Jahr entstanden sind. Bisher haben sie viele selbstständige und gemeinschaftliche Ausstellungen gehabt.

Ivan Lovreković was born in Pitomača in 1959. Dražen Josip Pavić was born in Bosanski Šamac in 1961. As an inseparable painting pair, they have been creating together since 1982, and have co-authored all of their paintings created since that year. They have had numerous solo and group exhibitions at home and abroad.

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Pavle Pavlović Fab Five, 2013.

Ulje na platnu 150 x 130 cm

Hare, 2012 Öl auf Leinwand 100 x 80 cm

Fab Five, 2013 Oil on canvas 150 x 130 cm

Izloženi radovi Pavla Pavlovića rezultat su autorovog nastojanja da zabilježi one aspekte čovjekova bića koji prelaze granice empirijom određenog svijeta, te se prikazuju kao stanja nesvjesnog i nespoznatljivog.

U tom nastojanju suočava se sa samim sobom i na drugim razinama egzistencije, u dimenziji nadrealnog i oniričkog.

Die ausgestellten Werke von Pavle Pavlović sind das Ergebnis seines Vorhabens. Er will die Aspekte des menschliches Wesens notieren, die die Grenze durch die Empirie der betreffenden Welt überschreiten und die als Zustand des Unbewussten und Unbegreiflichen dargestellt werden.

Bei diesem Vorhaben setzt er sich mit sich selbst auch auf anderen Stufen der Existenz, in der Dimension des Surrealistischen, auseinander.

Pavle Pavlović’s displayed works are the result of the artist’s attempt to record those aspects of the human being that transcend the limits of the empirically defined world and are manifested as states of the unconscious and the unfathomable.

In this striving he faces himself on other levels of existence, in the dimension of the surreal and oneiric.

Pavle Pavlović rođen je 1983. u Beogradu. Godine 2010. diplomirao je slikarstvo pod mentorstvom profesora Zoltana Novaka na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu. Sudjelovao je na samostalnim, kao i na skupnim izložbama.

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Pavle Pavlović ist 1983 in Beograd geboren. 2010 hat er an der Akademie der bildenden Kunst bei Zoltan Novak in Zagreb diplomiert.

Er hat an selbstständigen und gemeinschaftlichen Ausstellungen teilgenommen.

Pavle Pavlović was born in 1983 in Belgrade. In 2010, he graduated with a degree in painting under the mentorship of Professor Zoltan Novak at the Academy of Fine Arts in Zagreb.

He has participated in solo as well as group exhibitions.

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Lea Popinjač Ružičnjaci, 2012.

Akril na platnu 180 x 190, 3 x triptih

Rose beds, 2012 Acryl auf Leinwand 180 x 190, 3 x triptych

Rose beds, 2012 Acrylic on canvas 180 x 190, 3 x triptych

Francuski ružičnjaci, 2012.

Akril na platnu 180 x 190, 3 x triptih

French rose beds, 2012 Acryl auf Leinwand 180 x 190, 3 x triptych

French rose beds, 2012 Acryl auf Leinwand 180 x 190, 3 x triptych

Ciklus triptiha Lee Popinjač inspiriran je putovanjem u Indiju te priziva mističnost i kolorističku rapsodiju hinduističkih svetkovina. Ružičnjaci dočaravaju vatromet otisnutih boja u nepravilnim i ritmički različito naglašenim improvizacijama. Motiv autorica proživljava i prerađuje u unutarnju sliku i boju kreirajući iz te pretvorbe, kao pečate proživljenih emocija, čudesne harmonije ružičnjaka.

Das Zyklus des Triptychons von Lea Popinjač ist durch ihre Reise nach Indien und durch das Herbeirufen des Mystizismus und der koloristischen Rhapsodie der hinduistischen Feiertage inspiriert.

Lea Popinjač’s triptych cycle was inspired by a journey to India and invokes the mysticism and colourful rhapsody of Hindu ceremonies.

The rose beds evoke the fireworks of printed colours in irregular and rhythmically differently accented improvisations. The artist experiences the motif and transforms it into internal image and colour, creating wonderful rose bed harmonies from this transformation, like stamps of experienced emotions.

Lea Popinjač rođena je 1981. u Zagrebu. Nakon završenog studija Modnog dizajna na Tekstilnotehnološkom fakultetu diplomirala je 2012. na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu u klasi prof. Zlatana Vrkljana. Izlagala je na nekoliko skupnih i jednoj samostalnoj izložbi.

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Die Rosengärten zaubern das Feuerwerk der abgedruckten Farben in ungleichen und rhythmisch verschiedenen Improvisationen herbei. Das Motiv durchlebt die Autorin und formt es in ein inneres Bild und Farbe um. Innerhalb dieser Verwandlung kreiert sie als Stempel der erlebten Emotionen die zauberhaften Harmonien eines Rosengartens.

Lea Popinjač ist 1981 in Zagreb geboren. Nachdem sie Mode-Design an der Texstil-tehnologischen Universität 2012 beendet hat, hat sie 2012 an der Akademie der bildenden Kunst in Zagreb bei Professor Zlatan Vrkljan diplomiert.

Sie hat einige selbstständige und eine gemeinschaftliche Ausstellung gehabt.

Lea Popinjač was born in 1981 in Zagreb. After completing the study of Fashion Design at the Faculty of Textile Technology, she graduated from the Academy of Fine Arts in Zagreb in the class of Professor Zlatan Vrkljan in 2012. She has displayed her works at several group shows and a single solo show.

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Ivan Prerad Miranga te Kakara, 2013.

Ulje na platnu 180 x 250 cm

Miranga te Kakara, 2013 Öl auf Leinwand 180 x 250 cm

Miranga te Kakara, 2013 Oil on canvas 180 x 250 cm

Ivan Prerad temom kartografije prikazuje objekte, ali i samu stvarnost određenog područja u kojemu se taj objekt nalazi. Geografskim jezikom izohipsi te etnološkom kartografijom iscrtava stvarne prostore, nekoć i tjelesno proživljene.

Oživljavanjem napuštenih zdanja stvara emocionalnu topografiju ranih sjećanja, pustolovnih putovanja i iskustava.

Ivan Prerad zeigt durch das Thema der Kartographie Objekte, aber auch die Wirklichkeit des betreffenden Raumes in dem sich das Objekt befindet. Durch die geographische Sprache der Isohypsen und der ethnologischen Kartographie zeichnet er reale Räume, die einst physisch auch erlebt waren.

Ivan Prerad uses the subject of cartography to show objects, but also the very reality of the certain area where the object is located. Using the geographical language of contour lines and ethnological cartography, he charts real spaces, which used to be experienced bodily. By bringing abandoned structures back to life, he creates an emotional topography of early memories, adventurous journeys and experienced.

Ivan Prerad rođen je 1988. u Zagrebu.

Student je prve godine diplomskog studija slikarstva u klasi profesora Zoltana Novaka. Samostalno je izlagao i sudjelovao na više skupnih izložbi i likovnih radionica.

Durch das Wiedererleben der verlassenen Bauten schafft er eine emotionale Topographie der frühen Erinnerungen, abenteuerlichen Reisen und Erlebnisse.

Ivan Prerad ist 1988 in Zagreb geboren. Er ist zur Zeit im ersten Jahr bei Professor Zoltan Novak an der Akademie der bildenden Kunst.

Er hat selbstständige und mehrere gemeinschaftliche Ausstellungen und Werkstätte gehabt.

Ivan Prerad was born in 1988 in Zagreb. He is studying for a master’s degree in painting in the class of Professor Zoltan Novak. He has exhibited solo and participated in a number of group shows and workshops.

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Patricija Purgar Bez naziva, 2012.-13.

Akril na platnu 140 cm x 215 cm

Untitled, 2012-13 Acryl auf Leinwand 140 cm x 215 cm

Untitled, 2012-13 Acrylic on canvas 140 cm x 215 cm

Napušteni industrijski prostori Patricije Purgar dokumentiraju odsutnost ljudi i života. Praznina je razapeta između stropova, skela i zabačenih hodnika. Jedino svjetlost još prodire mijenjajući vizure i dojmove vlastitom poetikom.

Verlassene Industrieräume von Patricija Purgar dokumentieren über die Abwesenheit der Menschen und des Lebens. Die Leere ist zwischen den Decken, der Skala und der abgelegenen Gänge aufgespannt.

Nur das Licht dringt noch durch und verändert dabei die Ausblicke und Eindrücke durch ihre eigene Poetik.

Patricija Purgar’s abandoned industrial spaces document the absence of people and life. The void stretches between ceilings, scaffolding and remote corridors. Only the light still penetrates, changing the views and impressions with its own poetics.

Patricija Purgar rođena je 1990. u Zagrebu. Diplomirala je 2013. na Akademiji likovnih umjetnosti pod mentorstvom profesora Zoltana Novaka. Izlagala je na samostalnoj te nekoliko skupnih izložbi.

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Patricija Purgar ist 1990 in Zagreb geboren. Sie hat 2013 an der Akademie der bildenden Kunst bei Zoltan Novak diplomiert. Sie hat an einer selbstständigen und einigen gemeinschaftlichen Ausstellungen teilgenommen.

Patricija Purgar was born in 1990 in Zagreb. She graduated in 2013 at the Academy of Fine Arts under the mentorship of Professor Zoltan Novak. She has displayed her work at a solo and several group exhibitions.

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Đuro Seder Ponovno optužen, 2013.

Ulje na platnu 160 x 130 cm

Accused again, 2013 Öl auf Leinwand 160 x 130 cm

Accused again, 2013 Oil on canvas 160 x 130 cm

Slike Đure Sedera u sebi nose sakralnu naraciju kristološkog ciklusa. Ekspresivnom kromatikom vizualiziraju suštinu duhovne umjetničke poruke utjelovljujući sakralnu dramu. Nadahnut biblijskim motivima, osobito likom Krista, propituje krajnje mogućnosti čovječnosti doživljavajući religiozno kao produbljeno ljudsko.

Die Bilder von Đuro Seder tragen in sich die sakrale Narration des christologischen Zyklus. Durch expressive Chromatik visualisieren sie die Kernbedeutung der geistigen künstlerischen Botschaft. Sie verkörpern das sakrale Drama. Durch biblische Motive inspiriert, besonders durch die Person von Christus, hinterfragt er die Endmöglichkeiten der Menschlichkeit. Dabei erlebt er das Religiöse als das vertiefte Menschliche.

Đuro Seder’s paintings carry in them a sacral narration of a Christological cycle. With expressive chromatics, they visualize the essence of a spiritual artistic message, embodying sacral drama. Inspired by biblical motifs, especially the figure of Christ, he questions the ultimate possibilities of humaneness, experiencing the religious as profoundly human.

Đuro Seder je rođen 1927. u Zagrebu.

Diplomirao je 1951. na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu u klasi profesora Antuna Mezdijca, a slikarstvo je specijalizirao kod profesora Marina Tartaglie. Od 1983. radi kao profesor na Akademiji likovnih umjetnosti. Bio je član grupe Gorgona, a od 2000. redoviti je član Hrvatske akademije znanosti i umjetnosti.

Đuro Seder ist 1927 in Zagreb geboren. 1951 hat er an der Akademie der bildenden Kunst bei Professor Antun Mezdijac in Zagreb diplomiert, und die Malerei bei Professor Marin Tartaglia spezialisiert. Seit 1983 arbeitet er als Professor an der Akademie der bildenden Kunst. Er ist Mitglied der Gruppe Gorgona gewesen, und seit 2000 ist er regelmäßiger Mitglied der kroatischen Akademie der Kunst.

Đuro Seder was born in 1927 in Zagreb.

He graduated in 1951 at the Academy of Fine Arts in Zagreb in the class of Professor Antun Mezdijac, and specialized in painting with Professor Marin Tartaglia. Since 1983, he has worked as a Professor at the Academy of Fine Arts. He was a member of the Gorgona group, and since 2000, he has been a regular member of the Croatian Academy of Sciences and Arts.

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Mohamad David Shreim Room of creation, 2013.

Ulje na medijapanu 181 x 181 cm

Room of creation, 2013 Öl auf MDF-Platte 181 x 181 cm

Room of creation, 2013 Oil on MDF 181 x 181 cm

S ciljem tematiziranja napetosti između realnosti i osobnog doživljaja okoline Mohamad David Shreim reprezentira vlastiti interijer; atelje, kao mjesto stvaranja. Na taj način, soba stvaranja prezentira kreativni proces u odnosu na plošnost materije.

Razotkrivajući nam svijet svoje intime, preokupacija i strahova, tematizira pitanja postojanja i identiteta u odnosu na društveni i fizički svijet.

Mit dem Ziel der Thematisierung der persönlichen Abgespanntheit zwischen der Realität und des persönlichen Erlebnis der Umwelt repräsentiert Mohamed David Shreim den eigenen Interieur; das Atelier als einen Ort der Schaffung. Auf diese Weise präsentiert das Zimmer der Entstehung einen kreativen Prozess im Bezug auf die flächenmäßige Materie. Er thematisiert die Fragen des Daseins und der Identität im Bezug auf die Gesellschaft und die physische Welt, indem er die Welt seiner Intime, seiner Beschäftigungen und Ängste enthüllt.

With the aim of exploring the tension between the reality and the personal experience of the environment, Mohamad David Shreim presents his own interior; his atelier, as a place of creation. In this way, the room presents the creative process in relation to the flatness of matter.

Revealing the world of his intimacy, preoccupations and fears, he poses the questions of existence and identity in relation to the social and physical world.

Mohamad David Shreim rođen je 1986. u Dubrovniku. Diplomirao je 2012. na Akademiji likovnih umjetnosti na Odsjeku slikarstva u klasi profesora Zlatka Kauzlarića-Atača. Sudjelovao je na više skupnih i samostalnih izložbi.

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Mohamed David Shreim ist 1986 in Dubrovnik geboren. Er hat 2012 Malerei an der Akademie der bildenden Kunst bei Professor Zlatko Kauzlarić-Atača in Zagreb diplomiert.

Er hat an mehreren selbstständigen und gemeinschaftlichen Ausstellungen teilgenommen.

Mohamad David Shreim was born in 1986 in Dubrovnik. He graduated painting at the Academy of Fine Arts in the class of Professor Zlatko Kauzlarić-Atač. He has participated in a number of group and solo exhibitions.

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Damir Sobota Anticipation, 2013.

Ulje na platnu 150 x 400 cm

Anticipation, 2013 Öl auf Leinwand 150 x 400 cm

Anticipation, 2013 Oil on canvas 150 x 400 cm

Damir Sobota otkriva promatraču svekolike mogućnosti percepcije boja i oblika, dubina i mogućih pokreta, kao kad promatramo svoj unutarnji svijet iza spuštenih kapaka. Dinamika, vrtložnost te igre boja i oblika potiču ugodne emocije i uzbuđenja prizivajući asocijaciju arhetipskog nesvjesnog.

Damir Sobota verrät dem Beobachter zahlreiche Möglichkeiten der Perzeption der Farben und Formen, der Tiefen und der möglichen Bewegungen, als würden wir unsere Innenwelt hinter geschlossenen Augen beobachten. Die Dynamik, das Wirbeln und das Spiel der Farben und Formen wecken angenehme Emotionen und Aufregungen, indem sie die Assoziation des archetypischen Unbewussten herbeirufen.

Damir Sobota reveals to the observer all of the possibilities of perception of colours and forms, depths and possible movements, as when we are watching our internal world behind closed eyelids. Dynamics, vorticity and the play of colours and forms stimulate pleasant emotions and excitement, invoking the association of the archetypal unconscious.

Damir Sobota rođen je 1988. u Zagrebu. Diplomirao je 2013. na Akademiji likovnih umjetnosti u klasi profesora Šimraka. Izlagao je samostalno i na skupnim izložbama.

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Damir Sobota ist 1988 in Zagreb geboren. 2013 hat er an der Akademie der bildenden Kunst bei Professor Šimrak in Zagreb diplomiert. Bis jetzt hat er selbstständige und gemeinschaftliche Ausstellungen gehabt.

Damir Sobota was born in 1988 in Zagreb. He graduated in 2013 at the Academy of Fine Arts in the class of Professor Šimrak. He has exhibited solo and in groups.

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Valentina Supanz Utopija triptih, 2012.-13.

Akrilik na medijapanu 81 x 185 cm

Utopia triptych, 2012-13 Acryl auf MDF-Platte 81 x 185 cm

Utopia triptych, 2012-13 Acrylic on MDF 81 x 185 cm

Sjećanja iz djetinjstva i mašta poslužili su Valentini Supanz kao nadahnuća u bijegu u djetinjstvo. Imaginacijom mijenja prostore u kojima živi pretvarajući ih u nadrealnu priču nesputanu vanjskim zbivanjima, čime stvara svoju utopiju i mjesto bezbrižnosti s kojim se mnogi mogu poistovjetiti.

Die Fantasie und die Erinnerungen aus der Kindheit haben Valentina Supanz als eine Inspiration für die Flucht in ihre Kindheit gedient. Durch Imagination verändert sie Orte in denen sie lebt und verwandelt sie in surrealistische Geschichten die von Geschehnissen aus der Außenwelt befreit sind. Dadurch schafft sie ihre eigene Utopie und den Ort der Unbekümmertheit, mit dem sich viele identifizieren können.

Childhood memories and imagination served Valentina Supanz as inspirations in the escape into childhood. She uses imagination to change the spaces she lives in, transforming them into a surrealist story unencumbered by outside events, thus creating her own utopia and a carefree place a lot of people can identify with.

Valentina Supanz rođena je 1986. u Zagrebu. Diplomirala je 2012. na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu u klasi Zlatka KauzlarićaAtača. Izlagala je na tri samostalne i dvije grupne izložbe.

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Valentina Supazs ist 1986 in Zagreb geboren. 2012 hat sie an der Akademie der bildenden Kunst bei Professor Kauzlarić-Atača in Zagreb diplomiert.

Sie hat drei selbstständige und zwei gemeinschaftliche Ausstellungen gehabt.

Valentina Supanz was born in 1986 in Zagreb. She graduated in 2012 at the Academy of Fine Arts in Zagreb in the class of Professor Kauzlarić-Atač. She has exhibited her works at three solo and two group shows.

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Stjepan Šandrk Čuvar (g. Kralj), 2013.

Ulje na platnu 540 x 390 cm

Guard (g. Kralj), 2013 Öl auf Leinwand 540 x 390 cm

Guard (g. Kralj), 2013 Oil on canvas 540 x 390 cm

Nezaobilazna ličnost u posjetama HDLU-u je portir, gospodin Kralj.

Izrazito ga je realistično naslikao Stjepan Šandrk, ističući njegovu dvostruku ulogu: ulogu portira i ulogu slikarskog subjekta. Uniforma sugerira službenu dužnost čuvanja Galerije i njenog postava, dok direktan portirov pogled s platna u publiku zatvara uzajaman promatrački proces. Na taj je način, revitalizirajući stvarnost, slikarskom izvedbom postignuta inverzija promatrača u ono što se promatra; subjekta u objekt.

Eine unvermeidliche Persönlichkeit bei den HDLU-u- Besuchen ist der Portier, der Herr König. Stjepan Šandrak hat ihn besonders realistisch gezeichnet. Er betonnte seine Doppelrolle: die Rolle als Portier und als Subjekt der Malerei. Die Uniform suggeriert die dienstliche Pflicht der Galerieüberwachung und ihrer Besatzung, während der direkte Blick des Portiers aus der Leinwand in das Publikum den gegenseitigen Beobachtungsprozess verschließt.

Durch die Relativierung der Wirklichkeit ist durch eine malerische Technik die Inversion des Beobachters in das was er beobachtet erreicht; des Subjekts in das Objekts.

When visiting HDLU, one cannot avoid Mr. Kralj, the doorkeeper. He has been very realistically painted

by Stjepan Šandrk, pointing out his dual role: the role of the doorkeeper and the role of a painting subject. The uniform suggests the official duty of guarding the Gallery and its contents, while the doorkeeper’s direct gaze from the canvas into the audience completes the mutual viewing process. In this way, by revitalizing the reality, the painting achieves the inversion of the viewer into the viewed; the subject into object.

Stjepan Šandrk rođen je 1984. u Osijeku. Diplomirao je 2006. na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu u klasi profesora Igora Rončevića, te trenutno završava poslijediplomski doktorski studij slikarstva. Dosad je imao 14 samostalnih i preko 50 skupnih koncepcijskih izložbi u zemlji i inozemstvu. Više je puta nagrađivan za svoj rad.

Stjepan Šandrak ist 1984 in Osijek geboren. Er hat 2006 an der Akademie für bildende Kunst bei Professor Igor Rončević in Zagreb diplomiert und beendet zur Zeit sein Doktorstudium der Malerei. Bisher hat er über 14 selbstständige und 50 gemeinschaftliche konzeptuelle Ausstellungen im Land und Ausland gehabt. Er hat mehrmals eine Auszeichnung für seine Arbeit bekommen.

Stjepan Šandrk was born in 1984 in Osijek. In 2006, he graduated at the Academy of Fine Arts in Zagreb in the class of Professor Igor Rončević, and he is currently completing his postgrad doctoral study of painting.

Up to now, he has had 14 solo and more than 50 group conceptual exhibitions at home and abroad. He has received a number of awards for his work.

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Bojan Šumonja Spiderman the saviour, 2011.

Ulje na platnu 200 x 200 cm

Spiderman the saviour, 2011 Öl auf Leinwand 200 x 200 cm

Spiderman the saviour, 2011 Oil on canvas 200 x 200 cm

U atmosferi bezizlaznosti i beznađa u društvu Bojan Šumonja konstruira i pronalazi rješenje koje može donijeti isključivo superjunak. Aludirajući na bespomoćnost ljudskog stada motivom ovce Šumonja poziva superjunaka pop kulture 20. stoljeća Spidermana, kao ironični izlaz iz krize. Slika „Bez naziva“ nadahnuta je osjećajem praznine i osamljenosti ovješene nad bezdanom.

In der Atmosphäre der Aussichtslosigkeit und der Hoffnungslosigkeit in der Gesellschaft konstruiert und findet Bojan Šumonja eine Lösung, die ausschließlich ein Superheld bringen kann. Durch Anspielungen auf die Unbeholfenheit der menschlichen Herde durch das Motiv des Schafs lädt er den Superheld der Popkultur des 20. Jahrhunderts Spiderman, als einen ironischen Ausweg aus der Krise, ein.

In an atmosphere of futility and hopelessness in society, Bojan Šumonja constructs and finds a solution that can be implemented exclusively by a superhero. Alluding to the helplessness of the human flock with the sheep motif, Šumonja invokes the 20th century pop culture superhero Spiderman as an ironic way out of the crisis. The painting “Untitled” was inspired by the feeling of emptiness and loneliness overlooking the abyss.

Bojan Šumonja rođen je 1960. u Puli.

Diplomirao je 1984. na Accademia di Belle Arti di Venezia na Odjelu skulpture u klasi profesora Tramontina. Izlagao je na preko 200 skupnih i 90-tak samostalnih izložbi u zemlji i inozemstvu.

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Bojan Šumonja ist 1960 in Pula geboren. Er hat 1984 an der Accademia di Belle Arti di Venezia Skulptur bei Professor Tramontina diplomiert. Er hat an über 200 gemeinschaftlichen und über 90 selbständigen Ausstellungen im Land und Ausland teilgenommen.

Bojan Šumonja was born in 1960 in Pula. He graduated in 1984 from the sculpture department of the Accademia di Belle Arti di Venezia in the class of Professor Tramontino.

He has displayed his work at more than 200 group and some 90 solo exhibitions at home and abroad.

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Stipan Tadić Samoubojstvo u Zadru, 2012.

Ulje i jajčana tempera na dasci 79,9 x 43,2 cm

Suicide in Zadar, 2012 Öl und Eitempera auf Holzplatte 79,9 x 43,2 cm

Suicide in Zadar, 2012 Oil and egg tempera on board 79,9 x 43,2 cm

Figurativno slikarstvo Stipana Tadića ima jak prizvuk referiranja na stare majstore te evociranja naslijeđa povijesti umjetnosti te donosi priču o trenucima u kojima žena i njeno tijelo postaju objektom žudnje i nasilja.

Manire starih majstora u Tadićevoj reinterpretaciji prikazuju žene tragičnih sudbina povezane nasilnim aktom. Brutalnost i eksplicitnost prikazanog naglašavaju Tadićev smisao za provokaciju te ironičkoparodijsku kritičku angažiranost.

Die figurative Malerei von Stipan Tadić hat einen starken Beiklang des Referierens an alte Künstler und des Wiederbelebens des Kunstgeschichtserbes. Außerdem präsentiert er eine Geschichte, über Augenblicke in denen die Frau und ihr Körper zum Objekt der Sehnsucht und der Gewalt wurden. Die Manieren der alten Meister zeigen in seiner Uminterpretation Frauen mit einem tragischen Schicksal und Frauen die mit einem Gewaltakt verbunden sind.

Die Brutalität und die Explizitheit des Dargestellten heben den Sinn für Provokationen und das parodistischkritische Engagement von Tadic hervor.

Stipan Tadić’s figurative painting has a strong whiff of referring to the old masters and evoking the legacy of art history, and brings the story of the moments when a woman and her body become the objects of desire and violence. The manner of old masters as reinterpreted by Tadić shows women with tragic fates connected by a violent act. The brutality and explicitness of the display stresses Tadić’s aptitude for provocation and ironic-parodic critical activism.

Stipan Tadić rođen je 1986. u Zagrebu.

Diplomirao je 2011. na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu u klasi profesora Kauzlarića-Atača. Dobitnik je nekoliko nagrada, sudionik na više samostalnih i skupnih izložbi.

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Stipan Tadić ist 1986 in Zagreb geboren. Er hat 2011 an der Akademie der bildenden Kunst bei Professor Kauzlarić-Atača in Zagreb diplomiert.

Er hat einige Preise bekommen und an selbstständigen und gemeinschaftlichen Ausstellungen teilgenommen.

Stipan Tadić was born in 1986 in Zagreb. He graduated in 2011 at the Academy of Fine Arts in the class of Professor Kauzlarić-Atač. He has won several awards and participated in a number of solo and group exhibitions.

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Vanja Trobić Dijelovi tripriha iz serije Mjesta moći / S onu stranu zbilje:

Teile des Triptychons aus der Serie Places of power / Beyond reality:

Parts of the triptych from the series Places of power / Beyond reality:

Mjesta Moći, 2013.

Akril, ink-jet transfer i ulje na platnu 130 x 170

Places of Power, 2013 Acryl, Ink-Jet Transfer und Öl auf Leinwand 130 x 170

Places of Power, 2013 Acrylic, ink-jet transfer and oil on canvas 130 x 170

Traces, 2013 Acryl, Ink-Jet Transfer und Öl auf Leinwand 130 x 170

Traces, 2013 Acrylic, ink-jet transfer and oil on canvas 130 x 170

Vanja Trobić problematisiert die ideologische Unterordnung des Menschen den materiellen Sphären, den Mangel der Geistigkeit, die Identitätsbildung der einzelnen Person und der Gesellschaft und die Ungleichmäßigkeit, die als Folge der überall anwesenden Technophilie und der Naturentfremdung entsteht.

Sie beschreibt die Verlorenheit in einer apokalyptischen Atmosphäre des eigenen Umfelds. Dabei sucht sie ständig nach einer Ruhe in einer chaotischen Welt. Zu den Beschäftigungen der Autorin gehören Orte, Räume und Landschaften der metaphysischen Sphäre in die sie das Bewusstsein, das Unterbewusstsein oder das, was sich an ihrer Grenze befindet, einbaut.

Vanja Trobić explores the ideological subordination of human beings to material spheres, the lack of spirituality, the development of the identity of the individual and society, as well the imbalance that occurs as the result of the omnipresent technophilia and alienation from nature. She describes the sense of being lost in the apocalyptic atmosphere of one’s own surroundings, endlessly searching for peace in a chaotic world. The artist is preoccupied with places, spaces and landscapes of the metaphysical sphere in which she instils consciousness, subconsciousness and that which lies between them.

Tragovi, 2013.

Akril, ink - jet transfer i ulje na platnu 130 x 170

Vanja Trobić problematizira ideološku podređenost čovjeka materijalnim sferama, pomanjkanje duhovnosti, razvoj identiteta pojedinca i društva te neravnotežu koja nastaje kao posljedica sveprisutne tehnofilije i otuđenja od prirode. Opisuje izgubljenost u apokaliptičnoj atmosferi vlastitog okruženja, tragajući neprestano za smirajem u kaotičnom svijetu. Autoričina su preokupacija mjesta, prostori, krajolici metafizičke sfere u koje ugrađuje svijest, podsvijest ili ono na njihovoj granici.

Vanja Trobić rođena je 1987. u Zagrebu. Diplomirala je 2012. slikarstvo na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu u klasi profesora Zoltana Novaka. Izlagala je na osam samostalnih izložbi te sudjelovala na više skupnih izložbi. Autorica je nekoliko murala u javnim prostorima u Hrvatskoj.

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Vanja Trobić ist 1987 in Zagreb geboren. 2012 hat sie die Malerei an der Akademie der bildenden Kunst in Zagreb bei Zoltan Novak diplomiert.

Sie hat acht selbstständige und mehrere gemeinschaftliche Ausstellungen gehabt. Sie ist die Autorin einiger Wandmalereien in den öffentlichen Räumen in Kroatien.

Vanja Trobić was born in 1987 in Zagreb. She graduated at the Academy of Fine Arts in Zagreb in the class of Professor Zoltan Novak in 2012. She has had eight solo shows and participated in a number of group exhibitions. She is the author of several murals in public spaces in Croatia.

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Alma Trtovac Šuma, 2012.

Akrilik na platnu 300 x 500 cm

Forest, 2012.

Acryl auf Leinwand 300 x 500 cm

Forest, 2012.

Acrylic on canvas 300 x 500 cm

Polaznu točku u radu Alme Trtovac predstavlja simulacija procesa gubitka vida. Pritom, posebna pozornost usmjerena je na svijet unutarnje vizualizacije koja nastupa nakon osljepljenja. U uvjetima sljepoće vizualna percepcija još uvijek postoji, ona se miješa sa sjećanjima, unutarnjim vizijama, snovima i fantazijama, iako su se uvjeti promijenili kao i realitet oslijepjele osobe. Spoznajna kartografija u novim uvjetima zahtijeva koordinaciju konkretnih podataka s apstraktnim prostorom kojim se slijepa osoba kreće.

Den Ausgangspunkt in dem Werk von Alma Trtovac stellt die Simulation des Sehessverlustprozesses dar. Dabei ist besondere Aufmerksamkeit der Welt des inneren Visualisierens, das nach dem Erblinden entsteht, geschenkt.

Unter den Umständen der Erblindung besteht die visuelle Perzeption immer noch, sie verbindet sich mit Erinnerungen, inneren Visionen, Träumen und Phantasien, obwohl sich die Umstände und die Realität der erblindeten Person verändert haben.

Die bewusstmachende Kartographie fordert in den neuen Umständen die Koordination der konkreten Informationen mit abstraktem Raum, durch den sich die blinde Person bewegt

The simulation of the process of the loss of sight represents the starting point in the work of Alma Trtovac.

Whereby, special attention has been directed to the world of internal visualization that occurs after going blind. In the conditions of blindness, visual perception still exists, it is mixed with memories, internal visions, dreams and fantasies, even though the conditions have changed, as well as the reality of the blinded person. In the new conditions, cognitive cartography demands a coordination of concrete data with the abstract space through which the blind person moves.

Alma Trtovac rođena je 1988. u Zagrebu. Diplomirala je 2012. na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu u klasi profesora Zoltana Novaka. Dosad je izlagala na par samostalnih te na brojnim izložbama i radionicama u zemlji i inozemstvu.

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Alma Trtovac ist 1988 in Zagreb geboren. Sie hat 2012 an der Akademie der bildenden Kunst bei Professor Zoltan Novak in Zagreb diplomiert. Bisher hat sie an einigen selbstständigen und zahlreichen Ausstellungen und Werkstätten im Land und Ausland teilgenommen.

Alma Trtovac was born in 1988 in Zagreb. In 2012, she graduated from the Academy of Fine Arts in Zagreb in the class of Professor Zoltan Novak.

Up to now, she has displayed her work at a couple of solo and numerous group exhibitions and workshops at home and abroad.

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Zlatan Vehabović The Lightbearer #1, 2013.

Ulje na platnu 210 x 170 cm

The Lightbearer #1, 2013 Öl auf Leinwand 210 x 170 cm

The Lightbearer #1, 2013 Oil on canvas 210 x 170 cm

Motivi razdvojenosti i ljubavi kitolovca i njegove žene u pjesmi My Donal škotskog autora Owena Handa, avanturizam surove prirode mora s primjesom utjecaja twainovskog mita te ideja autonomnog prostora određenog vlastitim pravilima, izvan dosega i uređenja društva (Foucaultova heterotopija) ključni su u iščitavanju izloženih slika Zlatana Vehabovića. Rad kitolovca na brodu, tj. moru, primjer je heterotopije koji romantično možemo usporediti i sa specifičnom izolacijom slikarskog kreativnog poziva.

Von kardinaler Bedeutung in dem Auslesen der Bilder von Zlatan Vehabović sind die Motive der Getrenntheit und der Liebe des Walfängers und seiner Frau im Lied My Donal von schottischen Autor Owen Hand, die Abenteuerlichkeit der brutalen Natur des Meeres mit einem Zusatz von Einflüssen des Twainagischen Mythos und die Idee des autonomen Raumes, der durch eigene Gesetze bestimmt ist und sich außerhalb der Gesellschaftsregelung befindet. Die Arbeit des Walfängers am Boot, bzw. auf dem Meer ist ein Beispiel der Heterotopie, die wir romantisch mit einer Isolation des malerischen kreativen Rufs vergleichen können.

The motifs of separation and love between a whaler and his wife in the song My Donal by Scottish author Owen Hand, the adventurism of the cruel nature of the sea with a touch of Twainian myth and the ideas of autonomous space defined by one’s own rules, out of the reach and order of society (Foucault’s heterotopia), are key for interpreting Zlatan Vehabović’s paintings on display. A whaler’s work on the ship and the sea is an example of heterotopia, which we can also romantically compare to the specific isolation of the creative calling of a painter.

Zlatan Vehabović rođen je 1982. u Banja Luci. Diplomirao je 2006. na Akademiji likovnih umjetnosti.

Sudjelovao je na brojnim samostalnim i skupnim izložbama u zemlji i inozemstvu. Dobitnik je mnogih nagrada i priznanja. Njegova djela nalaze se u zbirkama u Hrvatskoj i inozemstvu.

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Zlatan Vehabović ist 1982 in Banja Luka geboren. 2006 hat er an der Akademie der bildenden Kunst diplomiert. Er hat mehrere selbstständige und gemeinschaftliche Ausstellungen gehabt und zahlreiche Preise und Auszeichnungen bekommen. Seine Werke befinden sich in Werksammlungen im Land und Ausland.

Zlatan Vehabović was born in 1982 in Banja Luka. He graduated in 2006 at the Academy of Fine Arts. He has participated in numerous solo and group exhibitions at home and abroad. He is the winner of many awards and recognitions. His works are part of collections in Croatia and abroad.

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Matko Vekić Drugi kat 2, 2013.

Ulje i lak na platnu 220 x 165 cm

Second floor 2, 2013 Öl und Lack auf Leinwand 220 x 165 cm

Second floor 2, 2013 Oil and varnish on canvas 220 x 165 cm

Slikama Matko Vekić oblikuje prostore unutar prostora stvarajući dojam nadrealnih, nestalnih polja. Ljudska zatočenost u nakupinama kolektivnog sjećanja čini nas robovima tog naslijeđa iz kojeg ne možemo pobjeći i u kojemu se neminovno i bespomoćno koprcamo. Scene ikonografije ljudske povijesti utiskuju u nas sličan pečat ukalupljujući naše postojanje.

Durch Bilder formt Matko Vekić Räume innerhalb von Räumen und schafft auf diese Weise den Eindruck der surrealen und nicht konstanter Felder. Die menschliche Gefangenschaft in einer Anhäufung von kollektiven Erinnerungen macht uns zu Sklaven dieses Erbes, aus dem wir nicht entfliehen könne und in dem wir uns unbeholfen und unvermeidlich zappeln. Die Szenen der Ikonographie der menschlichen Geschichte drücken in uns einen ähnlichen Stempel ein und machen unseres Dasein unveränderlich.

In his paintings, Matko Vekić gives form to spaces within spaces, creating an impression of surreal, impermanent fields. Human imprisonment in the accumulations of collective memories makes us slaves to this heritage, which we cannot escape and in which we inevitably and helplessly struggle. The scenes of the iconography of human history impress into us a similar stamp, putting are existence into a mould.

Matko Vekić rođen je 1970. u Zagrebu.

Godine 1995. diplomirao je slikarstvo na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu. Godine 2007. postaje docent, a 2011. izvanredni profesor na Akademiji u Zagrebu. Sudjelovao je na brojnim samostalnim, kao i na skupnim izložbama u zemlji i inozemstvu.

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Matko Vekić ist 1970 in Zagreb geboren. 1995 hat er Malerei an der Akademie der bildenden Kunst in Zagreb diplomiert. 2007 ist er zum Dozenten, und 2011 zum unregelmäßigen Professor auf der Akademie in Zagreb geworden. Er nahm an zahlreichen selbstständigen und gemeinschaftlichen Ausstellungen im Land und Ausland teil.

Matko Vekić was born in 1970 in Zagreb. In 1995, he graduated with a degree in painting at the Academy of Fine Arts in Zagreb. In 2007, he became an assistant professor, and in 2011, and associate professor at the Academy in Zagreb. He has participated in numerous solo and group exhibitions at home and abroad.

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Ivana Vulić Deset na plaži, 2013.

Akrilik na plaži 100 x 125 cm

Ten on the beach, 2013 Acryl auf Strand 100 x 125 cm

Ten on the beach, 2013 Acrylic on beach 100 x 125 cm

Ivana Vulić vizualizira neidealizirana ljudska tijela, premazana ljekovitim blatom, koja uprizoruju suvremena stremljenja ka zdravlju i ljepoti.

S druge strane, mazanje blatom djeluje poput atavističkog rituala regeneracije tijela i duha. Tijela poput glinenih skulptura povezanih blatom sugeriraju našu iskonsku jednakost i put smrtnika koji u svojoj krajnjoj točki završava u blatu.

Ivana Vulić visualisiert nicht idealisierte menschliche Körper, die mit heilsamen Schleim überdeckt sind. Sie verkörpern das gegenwärtige Streben nach Gesundheit und Schönheit. Auf der anderen Seite wirkt das Einschmieren mit heilsamen Schleim als ein Ataven-Ritual der Regeneration des Körpers und der Seele. Die Körper als Ton- Skulpturen, die durch den Schleim verbunden sind suggerieren unsere ursprüngliche Gleichheit und den Weg der Sterblichen bis zum Endpunkt, der in Schleim endet.

Ivana Vulić visualises unidealized human bodies, coated in healing mud, which showcase contemporary tendencies toward health and beauty.

On the other hand, coating with mud acts like an atavistic ritual of regeneration of body and spirit. The bodies, like clay sculptures linked by mud, suggest our primordial equality and the journey of the mortals that finally ends in mud.

Ivana Vulić rođena je 1978. Nakon završenog Studija industrijskog dizajna pri Arhitektonskom fakultetu 2002. upisuje slikarstvo na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu.

Studirala je u klasi profesora Đure Sedera te diplomirala pod mentorstvom profesora Duje Jurića.

Izlagala je na brojnim samostalnim i skupnim izložbama.

Ivana Vulić ist 1978 geboren. Nachdem sie das Studium des industriellen Designs an der Architektonischen Universität 2002 beendet hat, hat sie das Studium der bildenden Kunst in Zagreb angefangen. Sie hat bei Professors Đure Sedera studiert und ihre Diplomarbeit bei Professor Duje Jurić gemacht. Sie hat selbstständige und einige gemeinschaftliche Ausstellungen gehabt.

Ivana Vulić was born in 1978. After getting a degree in industrial design at the Faculty of Architecture in 2002, she enrolled at the Academy of Fine Arts in Zagreb. She studied in the class of Professor Đuro Seder and graduated under the mentorship of Duje Jurić. She has exhibited her works at numerous solo and group shows.

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Marko Zeman Black Page (3 dijela), 2013.

Kolaž 205 x 220 cm

Black Page (3 parts), 2013 Collage 205 x 220 cm

Black Page (3 parts), 2013 Collage 205 x 220 cm

Monumentalni apstraktni kolaži Marka Zemana snažan su vizualni i ikonički model sustavno provedene uporabe samo jednog znaka i/ ili motiva. Pomoću ponavljanja geometrijskog grafizma cik-cak ili V znaka dosljednošću rastera gradi uravnoteženu površinu dočaravajući niz fragmenata realiteta kaotične svakodnevice.

Monumentale abstrakte Collage von Marko Zeman sind ein starkes und an-konisches Model der systematisch durchgeführten Benutzung von nur einem Zeichen und /oder Symbol. Durch das Wiederholen der geometrischen Grafik Zickzack oder des V Zeichens baut er mit einem konsequenten Raster eine ausgeglichene Fläche und zaubert auf diese Weise eine Reihe von Fragmenten der chaotischen alltäglichen Realität her.

Marko Zeman’s monumental abstract collages are a powerful visual and iconic model of implemented use of only a single sign and/or motif. By repeating the geometrical zig-zag or V graphic signs with a raster-like consistency, he builds a balanced surface, evoking a series of fragments of the reality of the chaotic everyday.

Marko Zeman rođen je 1975. u Zagrebu. Studirao je slikarstvo na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu u klasi Zlatka Kesera.

Diplomirao je 2010. pod mentorstvom Zoltana Novaka. Izlagao je na četiri samostalne i brojnim skupnim izložbama.

Marko Zeman ist 1975 in Zagreb geboren. Er hat an der Akademie der bildenden Kunst bei Professor Zlatko Keser in Zagreb studiert und 2010 mit Hilfe von Mentor Zoltan Novak diplomiert. Er hat an vier selbstständigen und zahlreichen gemeinschaftlichen Ausstellungen teilgenommen.

Marko Zeman was born in 1975 in Zagreb. HE studied painting at the Academy of Fine Arts in Zagreb in the class of Zlatko Keser. He graduated in 2010 under the mentorship of Zoltan Novak. He has displayed his work at four solo and numerous group exhibitions.

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Marko Zubak Komarac, 2013.

Kombinirana tehnika na platnu 240 x 120 cm

Mosquito, 2013 Kombinierte Technik auf Leinwand 240 x 120 cm

Mosquito, 2013 Combined technique on canvas 240 x 120 cm

Proces raspadanja, rastakanja na dijelove, koji je prljav i težak, tematika je kojom se bavi Marko Zubak. Usprkos stvaranju dojma destrukcije i apokalipse, umjetnik, barem privremeno, pokušava zaustaviti neizbježni proces raspadanja. Iznenada zaustavljen komarac na slici prekida autorov tijek misli i stvaralački čin te svojim krhkim tijelom i žrtvom postaje subjektom posvete umjetničkog djela.

Das Prozess des Zerfalls, des Auftauens auf Teile, das schmutzig und schwer ist, ist die Thematik mit der sich Marko Zubak beschäftigt.

Trotz der Bildung des Eindruckes der Destruktion und der Apokalypse versucht der Autor, wenn auch nur vorübergehend, den unaufhaltsamen Prozess des Zerfalls aufzuhalten. Eine Stechmücke die sich auf dem Bild aufhält, unterbricht die Gedankenreihe und den Entstehungsprozess des Autors und wird mit ihrem zerbrechlichen Körper und als Opfer zum Subjekt der Widmung des künstlerischen Werks.

The process of decay, of falling to pieces, both dirty and difficult, is the subject pursued by Marko Zubak. In spite of creating an impression of destruction and apocalypse, the artist is, at least temporarily, trying to stop the inevitable process of decay. Suddenly, a mosquito stopped on the painting interrupts the artist’s train of thought and creative act, and with its fragile body and sacrifice becomes the dedication of the art work.

Marko Zubak rođen je 1979. u Zagrebu.

Diplomirao je 2006. na Facultad de Bellas Artes de Barcelona. Sudjelovao je na brojnim samostalnim i skupnim izložbama u zemlji i inozemstvu.

Marko Zubak ist 1979 in Zagreb geboren. Er hat 2006 auf Facultad de Bellas Artes de Barcelona diplomiert. Er ist an zahlreichen Ausstellungen im Land und Ausland teilgenommen.

Marko Zubak was born in 1979 in Zagreb. In 2006, he graduated at the Facultad de Bellas Artes de Barcelona.

He has displayed his works at numerous solo and group exhibitions at home and abroad.

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BIJENALE U POTRAZI ZA (MEDIJSKOM) SLIKOM Bijenale slikarstva, nova likovna institucija pokrenuta 2011. godine, pravu potvrdu smisla postojanja dobiva zapravo tek svojim drugim ovogodišnjim izdanjem. Prije dvije godine, naime, uglavnom po kuloarima, jer kod nas je malo onih koji su spremni javno kritički promišljati, o Bijenalu se govorilo mahom dvojako: dio se promatrača pitao je li potrebna još jedna likovna manifestacija, uz već niz anala, bijenala, trijenala, salona, nagradnih izložbi koje kod nas postoje već godinama; drugi su s odobravanjem pozdravili mogućnost da se i slikari jednom okušaju u ravnopravnoj konkurenciji jer su, navodno, na gore navedenim likovnim okupljanjima oni gurnuti na marginu, budući da ondje dominiraju autori koji se izražavaju kroz tzv. suvremenije medije - video, instalacije, performanse. Zalaganje za Bijenale slikarstva pojačavali su tezom kako se u nas posljednjih godina pojavila izuzetno nadarena generacija mladih slikarica i slikara pa je tim važnije otvoriti im dodatni izlagački i medijski prostor...

Osobno bih na takva dvojaka promišljanja o smislu Bijenala iznio nekoliko opaski: prvo, iako u duelu mladi vs. stariji & etablirani gotovo apriorno stojim na strani mladih, mislim da ta pomalo razvikana „nova“ generacija baš i nije tako iznimna (po motivima i temama vlastitog slikarstva, a ti elementi nisu nebitni unutar realističkog prosedea kojeg rabi najveći dio njih, ti se mladi ljudi ponekad čine potpuno nesvjesni vremena i prostora u kojem žive); drugo, držim da ekspanzija festivala, bijenala ili „tjedana ovoga i onoga“ u hrvatskoj kulturi samo stvara hiperprodukciju „umjetnina“ koja je prerijetko potkrijepljena odgovarajućom kvalitetom i smislom, no opet, last but not least, pojavu Bijenala slikarstva u jesen 2011. ne smatram suvišnom, te nakon solidnog debija s nekakvom sam vedrom znatiželjom očekivao njegovo „potvrđujuće“ drugo izdanje. Kada su me iz čelništva HDLU-a zamolili da napravim određeni televizijski rezime proteklog dvogodišnjeg razdoblja, dobio sam prigodu da neka vlastita i tuđa promišljanja potkrijepim malim uranjanjem u prošlost.

Videomaterijal na koji zainteresirani posjetitelji Bijenala mogu „baciti oko“ pri dolasku ili na izlasku s 2. Bijenala slikarstva osobni je pregled najznačajnijih samostalnih slikarskih izložbi održanih u hrvatskim, većinom, zagrebačkim galerijama, koje su u dvije godine snimili i priloge o njima objavili u „Vijestima iz kulture“ kolege novinari Hrvatske televizije. Ovaj 25-minutni arhivski materijal uključuje dvadesetak 156

izložbi umjetnika, od kojih se dobar dio plasirao i na ovogodišnje Bijenale, što znači da su samostalne izložbe bile lijepa priprema za odmjeravanje s kolegama - da podsjetim, na natječaj organizatora pristiglo je čak 147 prijava a čast sudjelovanja na izložbi dobilo je tek 43 slikarica i slikara. Iako je televizija medij koji je naizgled puno važniji za memoriranje nestalne, neponovljive, vremenski ograničene (kazališna predstava ili likovni performans) i/ili prostorne umjetnosti (kiparstvo, instalacije), dok se slikarstvo može dovoljno dobro „pamtiti“ i u dvodimenzionalnim medijima novina ili kataloga, televizijsko arhiviranje zanimljivih izložbi također je neophodan dio suvremene medijske baštine. Nakon što posjetitelj Bijenala pogleda, primjerice, slike Roberta Paulette, Bojana Šumonje, Mitra Matića, Marijane Birtić ili Matka Vekića, pregledom ovog video arhiva može provjeriti i kako su te ili slike iz istih ciklusa izgledale u društvu ostalih radova istih autora na njihovim samostalnim izložbama, održanima 2011., 2012. godine, a koje su kolege novinari Hrvatske televizije snimili u Puli i Zagrebu.

Današnje slikarice i slikari često su u dvojbama o smislu i mogućnostima njihovog likovnog izraza, poglavito zato što nas digitalne snimke bombardiraju sa svih strana, u svakom trenutku. Slikarstvo, ta u fizičkom smislu dvodimenzionalna umjetnost, čini se ponekad nedostatnim anakronizmom u vremenima multimedije, no sofisticirani promatrači dobro znaju da dubinskim promatranjem tog drevnog spoja boje i platna itekako mogu nadići ograničenja medija i u slikama otkriti mnoge nove dimenzije. Stoga, ova ˝bijenalna˝ televizijska selekcija ima namjeru biti jedan osobni ograničeni doprinos traganjima za tim prikrivenim dimenzijama.

Saša Pavković

Biennale auf der Suche nach dem (Medien) BilD Die Biennale der Malerei, eine neue bildnerische Institution, die 2011 in den Gang gesetzt wurde, bekommt die wahre Bestätigung ihres Sinnes erst mit ihrer zweiten diesjährigen Ausgabe. Nämlich, bei uns wurde vor zwei Jahren, über die Biennale, hauptsächlich in den geschlossenen gesellschaftlichen Kreisen zweiseitig gesprochen, weil bei uns nur sehr wenige bereit sind öffentlich kritisch zu überlegen: ein Teil der Beobachter fragte sich, ob noch eine bildnerische Manifestation notwendig ist, da bei uns eine Reihe von Annalen, Biennalen, Triennalen, Ausstellungsräumen und Preisausstellungen schon seit Jahren existiert; die anderen haben die Möglichkeit, dass sich auch Maler in einer gleichberechtigten Konkurrenz versuchen, mit Befürwortung begrüßt, weil sie angeblich an den oben genannten bildnerischen Versammlungen an die Marginale geschoben werden, da dort Autoren dominieren, die sich durch die sogenannten gegenwärtigen Medien w. z. B. Video, Installationen und Performanzen - ausdrücken.

Das Einsetzten für die Biennale der Malerei haben sie mit der These unterstützt, dass bei uns in den letzten Jahren eine sehr talentierte Generation der jungen Maler und Malerinnen erschienen ist, weshalb es noch wichtiger ist, dieser jungen Generation einen zusätzlichen Ausstellungs- und Medienraum zu geben ...

Persönlich würde ich zu diesen zweiseitigen Überlegungen über den Sinn der Biennale einige Anmerkungen machen: erstens, obwohl ich in dem Duell der Jüngeren gegen die Älteren und etablierten fast apriorisch auf der Seite der Jüngeren stehe, denke ich das diese ein wenig berüchtigte “neue” Generation nicht so besonders ist (im Bezug auf Motive und Themen der eigenen Malerei, und diese Elemente sind nicht ganz unbedeutend innerhalb des realistischen Prosedee, den der größte Teil von ihnen benutzt, diese jungen Leute scheinen manchmal nicht bewusst zu sein, in welcher Zeit und in welchem Raum sie leben); zum zweiten, bin ich der Meinung, dass die Expansion von Festivals, Biennalen und “die Wochen von diesjenigen und desjenigen” in der kroatischen Kultur zu einer Überproduktion “der Kunstwerke” führt, die sehr selten durch ihre Qualität und ihren Sinn bestätigt ist, aber trotzdem, last but not least, halte ich das Erscheinen der Biennale der Malerei im Herbst 2011 nicht überflüssig, und nach einem soliden Auftreten habe ich mit einer heiteren Neugier auf ihre “ bestätigende” zweite Ausgabe gewartet. Als mich die Vertreter des HDLU gebeten haben, dass ich eine Fernsehzusammenfassung über den vergangenen zweijährigen Zeitraum mache, habe ich die Gelegenheit bekommen,

dass ich einige meine und fremde Überlegungen durch ein kleines Eintauchen in die Geschichte begründe.

Das Videomaterial, dass die beteiligten Besucher beim Hinein- und Ausgehen sehen können, ist ein persönlicher Überblick der bedeutendsten selbstständigen malerischen Ausstellungen, die in kroatischen Galerien bzw. zum größten Teil in den Galerien von Zagreb abgehalten wurden und über die auch die Kollegen Journalisten des kroatischen Fernsehers Beilagen in “Nachrichten der Kultur” in zwei Jahren veröffentlicht haben. Dieses 25- Minuten langes Archivmaterial umfasst circa zwanzig Künstlerausstellungen, von den sich ein großer Teil auf die diesjährige Biennale platziert hat. Das heißt, dass die selbstständigen Ausstellungen eine schöne Vorbereitung für das Abmessen mit Kollegen ist - um zu erinnern, auf den Wettbewerb des Organisators sind 147 Anmeldungen gekommen, von denen nur 43 Maler und Malerinnen die Ehre der Teilnahme auf der Ausstellung bekommen haben. Obwohl der Fernseher ein Medium ist, das allem Anschein nach viel wichtiger für das Memorieren der unbeständigen, unwiederholbaren, zeitlich abgegrenzten (Theateraufführung oder malerische Performance) oder räumlichen Kunst ist (Bildhauerei, Installationen), während sich Malerei auch gut durch zweidimensionale Medien der Zeitungen oder Kataloge “einprägen” kann, ist das Fernseharchivieren der interessanten Ausstellungen der Biennale ein wichtiger Bestandteil des gegenwärtigen Medienerbes. Nachdem ein Zuschauer z.B. die Bilder von ���� Roberto Pauletti, Bojana Šumonje, Mitro Matić, Marijana Birtić oder Matko Vekić anschaut, kann er durch das Anschauen dieses Videoarchivs überprüfen, wie diese Bilder oder Bilder aus dem gleichen Zyklus in der Gesellschaft anderer Arbeiten der gleichen Autoren auf ihren selbstständigen Ausstellungen aus den Jahren 2011 und 2012 ausgesehen haben. Dieses Videoarchiv haben die Kollegen Journalisten des kroatischen Fernsehers in Pula und Zagreb gefilmt.

Heutige Maler und Malerinnen zweifeln oft an den Sinn und den Möglichkeiten ihres malerischen Ausdrucks, besonders weil wir von allen Seiten und in jedem Augenblick von digitalen Aufnahmen bombardiert werden. Die Malerei, diese in physischem Sinne zweidimensionale Kunst, scheint manchmal ein ungenügender Anachronismus im Zeit der Multimedia zu sein, aber sophistizierte Beobachter wissen genau, dass sie durch ein tiefes Beobachten dieser altertümlichen Verbindung der Farbe und der Leinwand die Begrenzungen der Medien erheben können und in den Bildern viele neue Dimensionen entdecken können. Deshalb, stellt diese „Biennale“ Fernsehselektion einen persönlichen begrenzten Beitrag, während des Suchens nach den verdeckten Dimensionen dar.

Saša Pavković

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BIENNALE LOOKING FOR A (MEDIA) IMAGE The Biennale, a new art institution launched in 2011, has actually got the real confirmation of its real raison d’être only this year with its second edition. Two years ago, mainly behind the scenes, because few people in the scene are prepared to be publically critical, there were two lines of talk about the Biennale: some of the observes wondered whether another art manifestation is needed, along with all the annuals, biennials, triennials, salons and prize exhibitions that have existed for years; others welcomed the opportunity for painters to face off in fair competition, because they had been, allegedly pushed to the margins of the said art gatherings, since these were dominated by artists that express themselves through the so-called more contemporary media video, installations, performances. They strengthened their advocacy of the Biennale with the claim that an exceptionally gifted generation of young painters has emerged in recent years, and that it was important to open additional exhibition and media space for them....

Personally, I would like to express a few thoughts about these two opinions about the meaning of the Biennale: even though, in this duel between the young and the older & established, I support the young out of principle, I think that this somewhat notorious “new” generation isn’t so exceptional (judging by the motifs and themes of their own paintings, and these elements are not unimportant within the realist expression used by the majority of them, these young people sometimes seem totally unaware of the time and space that they live in); secondly, I think that the inflation of festivals, biennials or “weeks of this or that” in Croatian culture only creates a hyperproduction of “artworks”, which is all too rarely supported by appropriate quality and meaning, but still, last but not least, I don’t find the appearance of the Biennale on the fall of 2011 as superfluous, and, after a solid debut, I’ve been expecting its second, “confirming” edition with optimistic curiosity. When HDLU asked me to make a kind of television summary of the last two years, I got the opportunity to support some of my and other people’s thoughts with a little dive into the past.

by the reports of the Croatian Television in “Culture News” in the last two years. This 25-minute archive footage includes some twenty exhibitions by artists a good number of whom have qualified for this year’s Biennale, which means that the solo exhibitions were a nice preparation for facing off against their colleagues - let me remind you that there were 147 applications for the competition, and only 43 painters will have the honour of participating in the show. Although television seems to be a much more important medium for memorising the impermanent, unrepeatable, temporally limited art (theatre show or art performance) and/or spatial art (sculpture, installation), while painting can be sufficiently well documented in two-dimensional media like newspapers and catalogues, television archiving of interesting exhibitions is also a necessary part of the contemporary media heritage. After a visitor at the Biennale sees paintings by, for example, Robert Pauletta, Bojan Šumonja, Mitar Matić, Marijana Birtić or Matko Vekić, by viewing this video archive, he or she can also check how these paintings, or others from the same cycles, looked accompanied by other works by the same authors at their solo exhibitions held in 2011 and 2012, and which were recorded by the reporters of the Croatian Television in Pula and Zagreb.

The painters of today are often in two minds about the meaning and possibilities of their artistic expression, chiefly because we are being bombarded by digital images from all sides and every moment.

Painting, this physically two-dimensional art, at time seems as and insufficient anachronism in the time of multimedia, but sophisticated observers know that in-depth viewing of this ancient combination of paint and canvas can thoroughly transcend the limitations of the media and reveal new dimensions in the paintings. So, this “biennial” TV selection intends to be a personal, limited contribution to the search for these hidden dimensions.

Saša Pavković

The video material that the visitors of the Biennale can see when arriving or leaving from the 2nd Biennale of Painting is a personal overview of the most important solo painting exhibitions held in Croatian, mostly Zagreb galleries, recorded and talked about 158

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Nakladnik / Verleger / Publisher Hrvatsko društvo likovnih umjetnika / Kroatische Gesellschaft der bildenden Künstler / Croatian Association of Fine Artists Trg žrtava fašizma 16, 10 000 Zagreb hdlu@hdlu.hr, www.hdlu.hr Za nakladnika / Für den Verleger / For the publisher Josip Zanki, predsjednik / Präsident / president Ravnateljica / Direktorin / Director Gaella Alexandra Gottwald (2010.-2014.)

Ivana Andabaka (2014. - ) Upravni odbor HDLU 2013. / Verwaltungskomitee KGK 2013 / Executive board of the CAA in 2013 Josip Zanki (predsjednik / Präsident / president), Tomislav Buntak (dopredsjednik / Vicepräsident / vice president), Fedor Vučemilović (dopredsjednik / Vicepräsident / vice president), Gordana Bakić, Ivan Fijolić, Koraljka Kovač Dugandžić, Anita Kuharić Smrekar 2. Bijenale slikarstva i izložbu Vienna Calling podržali su: Ministarstvo kulture Republike Hrvatske, Austrijski kultur� ni forum, Wiener Osiguranje i Grad Zagreb Die 2. Biennale und die Ausstellung Vienna Calling wurde von dem Kulturministerium der Republik Kroatien, dem Kulturforum Österreischs, der Wiener Versicherung und der Stadt Wien unterstützt.

2nd Biennale of Painting and the Vienna Calling Exhibition are kindly supported by: the Ministry of the Culture of the Republic of Croatia, Austrian Cultural Forum, Wiener Insurance and the City of Zagreb.

Organizacijski odbor 2. Bijenala slikarstva / Organisationskomitee der 2. Malereibiennale / Organizing Committee of the 2nd Biennial of Painting: Josip Zanki (predsjednik HDLU / Präsident der KGK / president of CAA), Tomislav Buntak (dopredsjednik HDLU /��������������������������������������������������������������������������������������������������� Vicepräsident der KGK���������������������������������������������������������������������������� / vice president of CAA), Gaella Alexandra Gottwald (ravnateljica HDLU /��� Direktorin der KGK / director of CAA), Ivan Fijolić (član Upravnog odobora HDLU / Verwaltungskomiteemitglied der KGK/ bord member of CAA), Koraljka Kovač Dugandžić (članica Upravnog odbora HDLU / Verwaltungskomiteemitglied der KGK / board member of CAA), Vesna Kusin (zamjenica gradonačenika Grada Zagreba / Stellvertreterin des Bürgermeisters von Zagreb / deputy mayor oft he City of Zagreb), Eva Brunović (voditeljica Službe za muzejsko-galerijsku i likovnu djelatnost Ministarstva kulture Republike Hrvatske / Leiterin des Amtes für Mussen, Galerien und die malerische Tätigkeit des Kulturministeriums der Republik Kroatien / head of the Service for Museum, Gallery and Visual Art Activities oft he Ministry of Culture of the Republic of Croatia) i Sara Čičić (pomoćna kustosica HDLU / Hilfskuratorin der KGK / assisstant curator at CAA).

IZLOŽBA / EXHIBITION/ AUSSTELLUNG: Žiri 2. bijenala slikarstva / Jury der 2. Malereibiennale / Jury of the 2nd Biennial of Painting Dalibor Jelavić, Zlatan Vrkljan, Zoltan Novak, Josip Zanki, Tomislav Buntak Pozvani umjetnici / Eingeladene Künstlerinnen und Künstler / Invited artists: Boris Bućan, Željka Cupek, Martina Grlić, Ivona Jurić, Zlatko Keser, Nikola Koydl, Lea Popinjač, Đuro Seder, Vanja Trobić Odabrani umjetnici / Ausgewählte Künstlerinnen und Künstler / Selected artists: Grgur Akrap, Lovro Artuković, Adam Atila, Gordana Bakić Vlahov, Marijana Birtić, Miran Blažek, Natalia Borčić, Želimir Borić, Viktor Daldon, Sebastijan Dračić, Fedor Fischer, Danko Friščić, Ivica Gabrić, Duje Jurić, Matej Knežević, Ivana Koren, Marija Koruga, Davor Krelja, Ivica Kurtz, Ivica Malčić, Ivan Marković, Mitar Matić, Gordana Meštrović, Davor Mezak, Andrea Musa, Lav Paripović, Robert Pauletta, Josip Dražen Pavić i Ivan Lovreković, Pavle Pavlović, Ivan Prerad, Patricija Purgar, Mohamad David Shreim, Damir Sobota, Valentina Supanz, Domagoj Sušac, Stjepan Šandrk, Bojan Šumonja, Stipan Tadić, Alma Trtovac, Zlatan Vehabović, Matko Vekić, Ivana Vulić, Marko Zeman, Marko Zubak Vienna Calling umjetnici / Vienna Calling Künstlerinnen und Künstler / Vienna Calling Artists: Alfredo Barsuglia, Johanna Binder, Christian Eisenberger, Dorothee Golz, Aurelia Gratzer, Marlene Hausegger, Karen Holländer, Jakob Lena Knebl, Eric Kressnig, Hans Scheirl, Martin Schnur, Norbert Trummer Kustosica izložbe Vienna Calling / Kuratorin der Ausstellung Vienna Calling / Curator of the Vienna Calling Exhibition: Theresia Hauenfels Likovni postav / Künstlerische Gestaltung / Exhibition design Tomislav Buntak Likovni postav Vienna Calling / Künstlerische Gestaltung Vienna Calling / Exhibition design Vienna Calling Theresia Hauenfels

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Stručne suradnice / Fachgemäße Mitarbeiterinnen / Professional associates Sara Čičić Duvnjak, Tea Hatadi Suradnica na projektu / Projektmitarbeiterin / Project collaborator Mia Orsag Tehnički postav izložbe / Technische Ausstellungsgestaltung / Technical set-up Mihael Pavlović, Grgur Akrap, Josip Tirić Otvorenju izložbe nazočila je veleposlanica Republike Austrije u Republici Hrvatskoj, Mag. Andrea Ikić-Böhm. / Die Botschafterin der Republik Österreich in Kroatien, Mag. Andrea Ikić-Böhm, nahm an der Eröffnung der Ausstellung teil. / The Ambassador of the Republic of Austria in the Republic of Croatia, Mag. Andrea Ikić-Böhm, assisted at the opening of the exhibition.

KATALOG / KATALOG / CATALOG: Urednica / Redaktorin / Editor Tea Hatadi, Tomislav Buntak Stručna suradnica / Fachgemäße Mitarbeiterin / Professional Associate Sara Čičić Duvnjak Suradnica na projektu / Projektmitarbeiterin / Project collaborator Ida Blažičko Uvod / Einleitung / Introduction Tomislav Buntak Georg Christian Lack Zagreb – Beč: udahnut je novi život vezi s bogatom tradici­jom Zagreb – Wien: Einer traditionsreicher Verbindung neues Leben einhauchen Zagreb – Vienna: breathing new life into a link with a long tradition Predgovor Vienna Calling / Vorwort Vienna Calling / Preface Vienna Calling Theresia Hauenfels Predgovor / Vorwort / Preface Željko Marciuš Kultura oka - kultura slike Die Kultur des Auges -– Die Kultur des Bildes Eye culture – painting culture Tekst HRT / Text HRT / Text HRT Saša Pavković Bijenale u potrazi za (medijskom) slikom Biennale auf der Suche nach dem (Medien) Bild Biennial looking for a (media) image O umjetnicima 2. Bijenala slikarstva / Über die Künstler der 2. Malereibiennale / About the artists of 2nd Biennial of Painting Marijana Paula Ferenčić Engleski prijevod i lektura / Englische Übersetzung und Lektur / English translation and proofreading Janko Pukanić Njemački prijevod / Deutsche Übersetzung / German translation Marija Uršić Hrvatski lektura / Kroatische Lektur / Croatian proofreading Mirna Vidić Fotografije likovnog postava i reprodukcija / �������������������������������������������������������������������� Photographien der bildnerischen Gestaltung und Reproduktion / ������ Photo� graphs of the exhibition design and reproductions Igor Juran Fotografije likovnog postava Vienna Calling / Photographien der bildnerischen Gestaltung der Ausstellung Vienna Calling / Photographs exhibition view Vienna Calling Uwe Hauenfels

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© kod umjetnica i umjetnika, autora i autorica © bei den KünstlerInnen und den AutorInnen © at the artists and to the authors Grafičko oblikovanje i prijelom kataloga / Graphische Gestaltung und Kataloggestaltung / Graphic design and layout Zdravko Horvat Tisak / Druck / Printed by Cerovski Print Boutique Naklada / Verlag / Copies 250 CIP zapis je dostupan u računalnome katalogu Nacionalne i sveučilišne knjižnice u Zagrebu pod brojem 000915955.

Der Barcode für dieses Buch ist in der National- und Universitätsbibliothek in Zagreb unter der Nummer erhältlich 000915955.

A CIP catalogue record for this book is available from the National and University Library in Zagreb under 000915955.

ISBN: 978-953-6508-99-0