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Índice Programa general

Junio 2012 Presentación .................................................................................. 7 Conferencias .................................................................................. 8 Programas Domingo 10 • Programa 1 ........................................................................ 9 Sala Principal, Palacio de Bellas Artes 12:15 horas

• Programa 2 ........................................................................ 15 Sala Manuel M. Ponce, Palacio de Bellas Artes 17 horas

Lunes 11 • Programa 3 ........................................................................ 19 Sala Xochipilli, ENM 17 horas

• Programa 4 ........................................................................ 26 Sala Xochipilli, ENM 20 horas

Martes 12 • Programa 5 ........................................................................ 30 Sala Xochipilli, ENM 17 horas

• Programa 6 ........................................................................ 35 Sala Xochipilli, ENM 20 horas

Miércoles 13 • Programa 7 ........................................................................ 40 Auditorio Blas Galindo, Cenart 17 horas

• Programa 8 ........................................................................ 46 Auditorio Blas Galindo, Cenart 20 horas


Jueves 14 • Programa 9 ........................................................................ 51 Auditorio Blas Galindo, Cenart 17 horas

• Programa 10 ..................................................................... 55 Auditorio Blas Galindo, Cenart 20 horas

Viernes 15 • Programa 11 ..................................................................... 61 Auditorio Blas Galindo, Cenart 17 horas

• Programa 12 ..................................................................... 66 Auditorio Blas Galindo, Cenart 20 horas

Sábado 16 • Programa 13 ..................................................................... 71 Sala Manuel M. Ponce, Palacio de Bellas Artes 12 horas

• Programa 14 ..................................................................... 76 Auditorio Blas Galindo, Cenart 18 horas

Domingo 17 • Programa 15 ..................................................................... 81 Auditorio Silvestre Revueltas, CNM 12:15 horas

• Programa 16 ..................................................................... 86 Sala Manuel M. Ponce, Palacio de Bellas Artes 17 horas

Lunes 18 • Programa 17 ..................................................................... 90 Sala Manuel M. Ponce, Palacio de Bellas Artes 19:30 horas

Martes 19 • Programa 18 ..................................................................... 96 Sala Manuel M. Ponce, Palacio de Bellas Artes 19:30 horas

Miércoles 20 • Programa 19 ....................................................................100 Sala Manuel M. Ponce, Palacio de Bellas Artes 19:30 horas


Jueves 21 • Programa 20 ....................................................................106 Salón de Recepciones, Museo Nacional de Arte 19:30 horas

Viernes 22 • Programa 21 ....................................................................110 Sala Manuel M. Ponce, Palacio de Bellas Artes 19:30 horas

Sábado 23 • Programa 22 ....................................................................115 Sala Manuel M. Ponce, Palacio de Bellas Artes 12 horas

• Programa 23 ....................................................................121 Sala Manuel M. Ponce, Palacio de Bellas Artes 18 horas

Domingo 24 • Programa 24 ....................................................................126 Auditorio Blas Galindo, Cenart 18 horas

Viernes 15 y domingo 17 • Programa 25 ....................................................................131 Teatro Degollado, Guadalajara 20:30 y 12:30 horas

Jueves 26 • Programa 26 ....................................................................133 Aula Magna Alfonso Cravioto Mejorada, UAEH 19 horas

Viernes 29 • Programa 27 ....................................................................135 San Pedro Museo de Arte, Puebla 19 horas

Índice de compositores

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Índice de obras ............................................................................141 Sedes .....................................................................................................144 Directorios .....................................................................................145


Presentación

Sonido luminoso Heráclito expresó que “somos siempre los mismos, pero siempre diferentes”. En la modernidad, Albert Einstein confirmó –y demostró– que la energía no desaparece, sólo se transforma. De la misma manera, el Foro Internacional de Música Nueva “Manuel Enríquez” cumple esta ocasión treinta y cuatro años de ediciones ininterrumpidas y, como todo evento de sus características y duración, ha sido objeto de planteamientos que, a fin de cuentas, lo han fortalecido. Sobre todo en sus tres más recientes emisiones, el Foro se ha constituido con mayor impulso en testimonio de una relevante proyección nacional e internacional del arte musical de nuestros días, en donde el trabajo creativo de los compositores mexicanos permite la certeza de percepción respecto del pueblo que somos: un país altamente musical. Prueba de dicho posicionamiento lo encontramos, por ejemplo, en la creciente –y sorprendente– demanda de obras provenientes de cualquier parte del mundo. El FIMNME continúa siendo el espacio más significativo de nuestro país que nos permite acercar con experiencia de piel a la música contemporánea –nuestra música–. Así, con el antecedente del año pasado de la Orquesta Filarmónica de Jalisco, esta vez el Foro tendrá nuevamente una extensión de sus actividades en Guadalajara, sumándose en sus respectivas entidades la Orquesta Sinfónica del Estado de Puebla y la Orquesta Sinfónica de la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo. Asimismo, ante la necesidad de ofrecer una suerte de homenaje a compositores mexicanos y extranjeros de particular trayectoria y aportación al arte de los sonidos y los silencios, y por ello, establecido como nueva modalidad en el Foro XXXIII, esta vez se incluyen dos importantes conciertos monográficos: Elliot Carter y Joaquín Gutiérrez Heras. Es necesario poner de relieve que por primera ocasión en la historia del Foro, y por su característica internacional, la Comisión de Selección ha sido integrada por compositores de origen mexicano y extranjero retomando, también, el criterio primigenio de cambio escalonado de sus miembros con el objeto de propiciar continuidad, coherencia y al mismo tiempo novedad y frescura con la intención de una praxis plural y diversa. Finalmente, queda aquí expresado nuestro agradecimiento a todos quienes con entrega, entusiasmo y pasión contribuyen para la realización del XXXIV Foro Internacional de Música Nueva “Manuel Enríquez”: compositores, directores, ensambles y solistas, miembros de la Comisión de Selección así como el equipo de apoyo. El alcance de la música es el mismo de nuestra alma: no desaparece, sólo se transforma, ¡brillante, pequeña gran luz! Eduardo Soto Millán Director artístico Junio de 2012

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Conferencias Sala Adamo Boari Palacio de Bellas Artes 18 horas Lunes 18 “Técnicas y objetos instrumentales. Tradición, instrumentos y sonidos” Hugo Morales

Martes 19 “Joaquín Gutiérrez Heras: arquitecto, músico, compositor, cinéfilo, maestro, amigo” Juan Arturo Brennan

Miércoles 20 “Evocación y fantasía. La voz de Graciela Agudelo” Graciela Agudelo

Jueves 21 “Reimaginando otro mundo: una mirada occidental a la Antigua China” Lawrence Moss

Viernes 22 “La poética en el proceso de la composición musical”

María Granillo y eight blackbird

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Programa 1 Sala Principal Palacio de Bellas Artes

Domingo 10 de junio, 12:15 horas Ana Paola Santillán Alcocer Némesis (2008)** 9’ Juan Trigos Concierto para cuatro guitarras y orquesta (2010)** 20’ Intermedio Jae-moon Lee Seven Days / Stained Glass / Mirror (2007)*

23’

Jorge Vidales Guerra y deploración (2010)* 16’ Fanfarrias-Celebración Funerales De Profundis Elegía-Deploración *Estreno mundial **Estreno en México

Orquesta Sinfónica Nacional José Luis Castillo, director huésped Cuarteto Mexicano de Guitarras Arturo Hernández Maldonado Roberto González López Francisco Villegas Guevara Falú Domínguez Maldonado

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Compositores Ana Paola Santillán Alcocer (México, 1972) Inició sus estudios en el CIEM con María Antonieta Lozano, Gerardo Tamez y Alejandro Velasco. Obtuvo la licenciatura en composición, con distinción, por el Trinity College London bajo la tutoría de Vincent Carver. Con el apoyo de la beca Fulbright-García Robles, obtuvo la maestría con honores en la Rice University. Actualmente estudia el doctorado en composición en McGill University, gracias a la Beca para Estudios en el Extranjero Fonca-Conacyt. Sus obras han sido ejecutadas por el Canadian Contemporary Ensemble, el Het Trio, el Cuarteto Carlos Chávez, el New York New Music Enesemble y Speculum Musicae. Con el apoyo de la UNESCO fue compositora en residencia en el VCCA 2005. Su obra Némesis fue elegida para el 57th International Rostrum of Composers de la UNESCO 2010. Resultó ganadora del Programa de Comisión de Obra del SNFM de Conaculta y obtuvo mención honorífica en el concurso para la New England Philharmonic. Némesis En la astronomía, la hipótesis de Némesis deduce que nuestro sol posee una estrella compañera, aún no detectada, llamada “Némesis”. Cuando la órbita de esta estrella se aproxima a nuestro sistema solar, su gravedad perturba la Nube de Oort, la cual es, hipotéticamente, una masa esférica de cometas y asteroides radicada a un año luz dentro de los límites del sistema solar. Dichas perturbaciones dirigen un gran número de estos cometas y asteroides a través del sistema solar, presentado algunos impactos en la Tierra, tales como el suceso K-T (Kreidezeit-Tertiary), ocurrido hace 65 millones de años. Durante dicho acontecimiento se registró la extinción de un gran número de especies de dinosaurios e invertebrados. La pieza describe musicalmente este intrigante fenómeno cósmico. Está dividida en tres principales secciones: Némesis en donde la música es firme y misteriosa; la Nube de Oort etérea y melódica; y la sección K-T rítmica y poderosa.

Juan Trigos (México, 1965) Compositor y director de orquesta, creador del “folklore abstracto”. Su música se ha presentado en Europa y América. Entre sus obras más representativas encontramos Magnificat guadalupano, Missa Cunctipotens, Genitor Deus, 6 Ricercares de Cámara, la Sinfonía Nº 1 y la creación de un nuevo género llamado “ópera de hemoficción”. Presentó y dirigió su ópera De cachetito raspado en el Festival Internacional Música y Escena (México, 1999), en el 22 Music Biennale Zagreb (Croacia 2003), el XXXI Festival Internacional Cervantino (Guanajuato, 2003) y el XXV Foro Internacional de Música Nueva “Manuel Enríquez” (México, 2003). Mis dos cabezas piensan peor que una, se estrenó en Europa y en México en 2005. Ha impartido cursos y talleres de composición y conferencias sobre su música en Europa, Canadá, Estados Unidos y México. Su música ha sido ejecutada en varias ciudades de los siguientes países:

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Argentina, Costa Rica, Guatemala, México, Canadá, Estados Unidos, Alemania, Croacia, España, Francia, Gran Bretaña, Holanda, Italia, Rusia y Suiza. Es actual miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte en México y compositor asociado del Canadian Music Centre desde junio de 2006. Como director se ha especializado en música del siglo XX y en particular en música contemporánea. Ha trabajado con numerosos coros, ensambles y orquestas sinfónicas en Canadá, Estados Unidos, Europa y México. Fue director titular de la Orquesta de Cámara de Bellas Artes, miembro fundador y director de la Sinfonietta de las Américas, director principal de la Camerata de las Américas y director de la Eastman Broadband. Concierto para cuatro guitarras y orquesta Esta obra es parte de la estética del compositor llamada “Folklore abstracto”. Fue escrita en 2010 por encargo de la Orquesta Sinfónica Tito Schipa, de Lecce, Italia, quien la estrenó. Consta de siete movimientos que tienen como base un mismo material musical. Utilizando el principio de la variación y un concepto cercano a la relectura donatoniana en cada uno de los movimientos, el material original viene reinterpretado de manera diversa, modificando la estructura interna y, por consecuencia, el carácter y articulación musical. Las cuatro guitarras solistas están concebidas como un solo organismo que alterna con la orquesta que a su vez se divide en diferentes grupos (o combos) de instrumentos, que se funden entre sí para lograr un sonido peculiar y atípico. El diálogo constante entre solistas y orquesta, la pulsación continua, las articulaciones musicales bien definidas, así como el color de los instrumentos particularmente elegidos, dan unidad a esta forma concertante que encuentra, de modo abstracto, cierto parentesco con el Concerto grosso italiano.

Jae-moon Lee (Corea, 1982) Nació en Seúl. Estudió música y composición en la Universidad Cung-ang de Corea, y posteriormente en el Birmingham Conservatoire, en el Reino Unido, gracias a una beca; actualmente estudia en el Royal Northern College of Music. Fue ganador del Premio de Composición “Reina Sofía”, en España, y uno de los premiados en el International Composer Pyramid del Reino Unido y Francia, 2011. De 2008 a 2009 fue vicedirector musical del ballet Prince Ho-Dong en el Ballet Nacional de Corea. En 2009 el Korean Arts and Culture Fund lo seleccionó para un intercambio internacional y fue miembro del jurado en el 27 Premio de Composición “Reina Sofía”. En 2010 trabajó como arreglista de Coral Millenium de España y la Orquesta Filarmónica de Seúl. Sus obras se han interpretado por las orquestas: de la Radio y la Televisión Españolas, la Ganham Symphony, la Pusan Festival Symphony, la Seoul Classical Players, la Birmingham Conservatoire, la Royal Northern College of Music; el Thumb Ensemble, Ensemble Sori, Birmingham Contemporary Music Group y el Schubert Ensemble, y tiene encargos futuros de la Orquesta Sinfónica de Barcelona y el Coral Millenium, en España. Seven Days/ Stained Glass/ Mirror Está basada en el Génesis. Describe los primeros siete días del comienzo del mundo. Incluye imágenes que he tenido sobre la creación del mundo, y la energía y la misteriosa fuerza de la naturaleza, así como elementos imaginarios que surgen de esto y se despliegan de

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maneras multilaterales. Tres dimensiones existen en la pieza y están todas conectadas. La dimensión realista, basada en el texto de la Biblia, la dimensión del cristal manchado, y la dimensión de espejo que ha sido extraída y separada de los sonidos imitados. Los días también están conectados, trascendiendo espacio y tiempo, a través de conversiones entre las dimensiones. Estas interacciones entre estructuras son el comienzo del cielo, la tierra, el océano, la luz, el agua, el sol, la luna y las estrellas, y también los sonidos relistas e imágenes de la naturaleza incluyendo varias imágenes de la vida.

Jorge Vidales (México, 1969) Compositor egresado de la Escuela Nacional de Música de la UNAM. Cursó la licenciatura en composición en el taller de Federico Ibarra, graduándose con mención honorífica. Entre sus maestros cabe señalar a Mario Lavista y Gabriela Ortiz. Fue acreedor de la beca Jóvenes Creadores, otorgada por el Fonca. Es miembro de la facultad de la Escuela de Música Vida y Movimiento y de la facultad de la Escuela Superior de Música del INBA. Sus obras se han interpretado en los principales foros de música de concierto en México, así como en Estados Unidos, Italia y Latinoamérica. Ha recibido premios y distinciones en diversos concursos internacionales de composición. Su catálogo comprende obras para instrumentos solistas, música de cámara, música vocal, coral y orquestal. Guerra y deploración La obra constituye una reflexión y una condena de las diferentes facetas de la guerra, así como de las reacciones humanas que la acompañan. El primer movimiento, Fanfarrias-Celebración, evoca la pompa marcial que se utiliza como estimulante para encender el ardor guerrero; el segundo movimiento, Funerales, es un canto solemne a los soldados caídos, en crudo contraste con el aire triunfalista anterior; el tercer movimiento, De Profundis, retrata la maldad, desesperación y culpa que la guerra deja a su paso, afectando a vencedores y vencidos, y el último movimiento, Elegía-Deploración, representa el opuesto a la celebración inicial. Los materiales del primer movimiento reaparecen despojados de su espíritu triunfal para transformarse en un lamento desolado. Sólo quedan el dolor y el vacío. Al final, el fantasma de la guerra reaparece en un último clímax cuyos ecos se esfuman lentamente.

Intérpretes José Luis Castillo El director de la Orquesta de Cámara de Bellas Artes reside en México desde 1997. Nació en Valencia, España, donde inició los estudios de composición, análisis y dirección de orquesta para continuarlos en Salzburgo, Luxemburgo y París. Ha dirigido el estreno mundial de más de un centenar de obras, además de las primeras audiciones en Latinoamérica de algunos de los principales compositores de finales del siglo XX: Andriessen, Donatoni, Francesconi, Gervasoni, Halffter, Manoury, Murail, Nishimura, Pesson, Rihm, Trojan y Zimmermann, entre otros.

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Es director musical de la Camerata de las Américas desde 2001. Ha dirigido en Austria, Alemania, Argentina, Canadá, España, Estados Unidos, Italia, Japón, Lituania y México. Fue director titular de la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato entre 1997 y 2005. Ha sido director artístico de Instrumenta de 2005 a 2010 y, desde 2008, ocupa la cátedra de composición de la Escuela Superior de Música del INBA. Cuarteto Mexicano de Guitarras Está conformado por cuatro experimentados músicos que cuentan con una amplia trayectoria como compositores, musicólogos e intérpretes de guitarra que se formaron en la Escuela Superior de Música del INBA, el Conservatorio del Pozuelo, Madrid, España, y en la Escuela Nacional de Música de la UNAM. Ha realizado estudios con músicos entre los que destacan: Leo Brouwer, David Russell, Pepe Romero, Costas Cotsiolis, Wolfgang Leandle, Roberto Sierra, Franco Donatoni, Juan Carlos Laguna, Mario Lavista, Ana Lara y María Granillo, entre otros. Se ha presentado en las principales salas de la Ciudad de México y de provincia, incluyendo las salas Nezahualcoyotl, Carlos Chavez y Manuel M. Ponce; el auditorio Blas Galindo y Radio UNAM; y en el extranjero en conciertos realizados en España, Francia, Colombia, Perú, Estados Unidos y Paraguay. Sus integrantes han recibido becas del Fonca, Focaem, Fundación UNAM, Sedesol y México en Escena. El Cuarteto tiene como propósito difundir el repertorio iberoamericano de nueva creación, sumando su propuesta artística a las ya existentes en colaboración con importantes compositores de diversos países; asimismo, contribuir con transcripciones de música que nunca haya sido interpretada por ensambles de guitarra; buscando de esta manera expandir las posibilidades sonoras de este tipo de ensamble mediante la creación de nuevo repertorio. Orquesta Sinfónica Nacional Es la agrupación musical más representativa de nuestro país. Su primer antecedente es la Orquesta Sinfónica de México, fundada por el maestro Carlos Chávez en 1928. Con la creación del Instituto Nacional de Bellas Artes en 1947, la Sinfónica de México se convirtió, primero, en Sinfónica del Conservatorio Nacional de Música y, finalmente, en la Orquesta Sinfónica Nacional. Ha obtenido diversos reconocimientos, entre ellos la nominación al Grammy Latino 2002 al Mejor Álbum Clásico y el premio Lunas del Auditorio en 2004 como mejor espectáculo clásico.  La han encabezado, entre otros, Moncayo, Herrera, Mata, Cárdenas, Flores, Savín y Diemecke. Figuras legendarias la han dirigido, como Monteux, Bernstein, Stravinski, Solti, Copland, Penderecki, Klemperer, Celibidache, Villa-Lobos y Dutoit. Los solistas que ha presentado incluyen a algunos de los más grandes músicos de nuestros días, como Arthur Rubinstein, Yo-Yo Ma, Rostropovich, Carlos Prieto,

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Jessye Norman, Frederica von Stade, Kiri Te Kanawa, Francisco Araiza, Plácido Domingo y Joshua Bell, por nombrar sólo algunos. Participa continuamente en los festivales de México en el Centro Histórico, el Internacional Cervantino y el Internacional de Música de Morelia. Con Ramón Vargas dieron el concierto de entrada del milenio en la Plaza de la Constitución. Su trayectoria internacional es muy amplia. Sobresale su constante apoyo en difundir el repertorio sinfónico mexicano y latinoamericano.  Bajo la batuta de su actual director, Carlos Miguel Prieto, en febrero de 2008 concluyó la más reciente gira internacional. Catorce conciertos en las salas más reconocidas de Europa: la Tonhalle en Düsseldorf y Gewandhaus de Leipzig en Alemania; Concertgebouw en Ámsterdam, Holanda; Theatre du Chatelet en París, Francia y Palais Des Beaux Arts en Bruselas, Bélgica, entre otras, les valieron ovaciones del exigente público europeo. Primer concertino Luis Samuel Saloma; segundo concertino Shari Mason; violines I Mykyta Klochkov*, Isabel Arriaga, Iryna Dovgal, Martín Corona, Nancy Cortés, Rogelio Guerrero, Serguei Laevski, Moisés Laudino, Rimma Matioukova, Cuauhtémoc Morales, Francisco Pereda, Olga Pogodina, Abel Romero, Igor Ryndine, Pablo A. Martínez, Karina Cortés;  violines II Marta Olvera*, Omar Guevara**, En­riqueta Arellanes, Andrés Castillo R., Emilio Cornejo, Ana María Ezaine, Ángel Jain, Gabriel Olguín, Luz Ángela Ortiz, Laura Ramírez, Luis En­rique Ramos, Adalberto Téllez, Arturo Lehi Rodríguez Ramos; violas Mikhail Tolpygo*, Paul Abbott**, César Busta­mante, Alexander Bruck, Mauricio Chabaud, Luis Antonio Castillo, Fran­cisco Chavero, Jorge Delezé, Laura Loranca, Alejandro Torres, Judith Reyes, Bogdan Zawistowski; violonchelos Vitali Roumanov*, Alan Durbecq**, Alma Rosa Bernal, Alejandra Galarza, María Valle, Ga­briela Oliva, Jorge González, Gustavo González Z., Serguei Louzanov, Sona Poshotyan, Ivan Koulikov, Salomón Guerrero ****; contrabajos Valeria Thierry*, Abe­lardo López**, Álvaro Porras, Víctor Arámburu, Martín Arista, Mario Hernández, Enrique Palma, Alejandro Hernández Cadengo, Armando Rangel; flautas Julieta Cedillo*, Evangelina Reyes*, Elena Guevara**, Horacio Puchet; flauta y piccolo Gildardo Mojica**; oboes Luis Delgado*, Alejandro Tello*, Norma Puerto de Dios; oboe y corno inglés Daniel Rodríguez**, Rolando Cantú**; clarinetes Austreberto Pérez*, Eleaonor Weingartner*, J. Antonio Martínez; clarinete y clarinete requinto Rodolfo Mojica**; clarinete y clarinete bajo Genaro Xolalpa**; fagotes Wendy Holdaway*, Cecilia Rodríguez*, Carolina Lagunes; fagot y contrafagot Ernesto Martínez** cornos Carlos Torres*, Javier León**, Artemio Núñez, David Antonio Velázquez P., Martín Duran Flores, Iván Domínguez; trompetas Francisco López,* J. Ramón Sandoval*, Edmundo Romero**, Manuel Ruiz; trombones Félix Méndez*, Fernando Islas*, Hernando Castro; trombón bajo Misael Clavería**; tubas Roberto Garamendi*, Armando Santiago*; timbales Julián Romero*, José Hernández**; percusiones Juan Carlos del Águila, Alejandro Reyes piano y celesta Diego Ordax*; arpa Baltazar Juárez*   *Principal     **Principal adjunto     *** Periodo meritorio     **** Músico invitado Directora ejecutiva Claudia Hinojosa; subdirector de producción y operación Alejandro Ventura Sánchez; Promoción Izkrah Pinto; Enlace Artístico Isabel Oliver; Personal Raúl Neri; Recursos Financieros y Materiales Abraham Núñez; bibliotecaria Sara Romero; asistentes teatrales Miguel Ángel Ortega, Arturo Sosa Montes, Misael Torres

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Programa 2 Sala Manuel M. Ponce Palacio de Bellas Artes

Domingo 10 de junio, 17 horas Elliott Carter Woodwind Quintet (1948) 8’ Allegretto Allegro giocoso Gra (1993)* 5’ Retracing II (2009)* 2’ Eight Etudes and a Fantasy (1949) Maestoso Quietly Adagio possibile Vivace Andante Allegretto leggero Intensely Presto Fantasy - tempo giusto

23’

Intermedio Scrivo in Vento (1991) 5’ Retracing (2002)* 3’ Esprit Rude/Esprit Doux (1985)

4’

Inner Song (1992)* 5’ Nine by Five (2009)* 8’ *Estreno en México

Quinteto de Alientos de la Ciudad de México Asako Arai, flauta Joseph Shalita, oboe Fernando Domínguez, clarinete Wendy Holdaway, fagot Paul Miller, corno

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Compositor Elliott Carter (Estados Unidos, 1908) Uno de los compositores estadounidenses más reconocido internacionalmente. Ha sido ganador del Premio Pulitzer dos veces, además de recibir reconocimiento oficial por parte de los gobiernos de Francia, Italia, Alemania y Estados Unidos. Continúa muy activo profesionalmente a sus 103 años. Ha escrito más de 130 obras, 40 de ellas en la última década. Sus obras recientes incluyen Boston Concerto (2002), Three Illusions for Orchestra (2004), Flute Concerto (2008) y un concierto para piano Interventions (2008), que fue estrenado para celebrar su centenario en el Carnegie Hall con James Levine, Daniel Barenboim y The Boston Symphony Orchestra en diciembre de 2008. Woodwind Quintet En 1948, cuando varios intérpretes de alientos me pidieron escribir un quinteto de alientos, decidí componer una obra para agradar a Nadia Boulanger con quien había estudiado. Por esta razón, traté de captar el encanto especial de los compositores franceses del estilo de Poulenc. Aproveché la individualidad de los sonidos de los instrumentos del quinteto y convertí en una virtud su inhabilidad de mezclarse completamente. Gra Quiere decir “jugar” en polaco. Fue escrita como un tributo a mi querido amigo Witold Lutoslawski para conmemorar su octogésimo cumpleaños. Durante los 25 años que he conocido a Witold, siempre he admirado su trabajo y su graciosa personalidad. Esta pieza combina características que cambian juguetonamente, basadas en un mismo material, y me recuerda las muchas visitas que realicé con él a Estados Unidos y Polonia. Retracing II Se deriva de la parte del corno del Quinteto para piano y alientos escrito en 1991. En dicha obra, la parte del corno está escrita para combinar con los otros instrumentos. En Retracing II, se simplifica la escritura y se juntan varias secciones. Eight Etudes and a Fantasy La obra empezó como boceto para un curso de instrumentación que impartía Carter en Columbia University en Nueva York. Escribió estas piezas cortas para demostrar a los alumnos el rango de posibilidades disponibles de los instrumentos de alientos, imponiendo condiciones formales estrictas en cada estudio. A partir de esto, Carter desarrolló una pieza para usarse fuera de clase, creando una obra que se ha vuelto parte del repertorio estándar para cuarteto de alientos. Maestoso explora registros de cada instrumento, requiriendo la ejecución de saltos grandes en unísono, pares o en imitación. En el segundo estudio, una línea melódica suave y rápida aparece idénticamente en cada instrumento, yuxtaponiéndose para “sonar como sonidos de pájaros”. Adagio es simplemente un acorde de Re Mayor para enfatizar los diferentes timbres de los instrumentos. Vivace tiene un motivo que consta de dos notas que representa una experimentación juguetona con el ritmo. En Andante, el registro regresa como el enfoque principal, esta vez en los extremos: fagot y oboe en el registro alto, flauta y clarinete en el bajo. Después, en el Allegretto leggero, efectos colorísticos como trinos, trémolos, frullatos y trinos armónicos son yuxtapuestos por medio de repeticiones. El timbre es explorado más rigurosamente en el séptimo estudio cuando el cuarteto toca una sola nota, el sol 5. Presto presenta un flujo constante

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de semicorcheas marcadas por arranques en el registro alto. En la Fantasía, se juntan todas las ideas previas en un marco fugal, unificando los estudios. Scrivo in Vento Está dedicada al flautista y amigo Robert Aitken. Toma su título de un poema de Petrarca quien vivió en Avignon de 1326 a 1353. La flauta se usa para presentar ideas musicales y registros contrastantes, sugiriendo la naturaleza paradójica del poema. Retracing Es una exploración del rango del fagot a través de trémolos y saltos extremos. Fue estrenado en 2002 por el fagotista Peter Kolkay. Esprit Rude/Esprit Doux Fue escrita para celebrar el sexagésimo cumpleaños de Pierre Boulez en marzo de 1985. El título se refiere a la pronunciación de palabras clásicas griegas que empiezan con una vocal o una R. Con esprit rude, la vocal inicial está precedida por una H no muda, mientras con esprit doux, la vocal inicial no está precedida por una H. Por ejemplo, en el griego, el sexagésimo año se escribe como hexekoston ethos donde la épsilon inicial de la primera palabra se pronuncia con esprit rude mientras la épsilon de la segunda palabra se pronuncia con esprit doux. La obra inicia y termina con el motivo: Si-bemol Do La Mi B(O) Ut La E(Z) Como se muestra arriba, al usar los nombres franceses y alemanes de las notas, se deletrea el apellido de Pierre Boulez. Inner Song Es la segunda parte de mi trilogía para oboe y arpa que fue compuesta para mis queridos amigos y grandes músicos Ursula y Heinz Holliger. Está basada en las dos últimas stanzas de Sonette an Orpheus de Rainer Maria Rilke. Cada una de las secciones de la trilogía fue escrita para una ocasión especial. Inner Song fue compuesta para un festival de música de Stefan Wolpe en Witten, Alemania, en 1992. Está dedicada a Heinz Holliger quien la estrenó. Nine by Five Fue comisionada por Juilliard y compuesta para el New York Woodwind Quintet. Carter terminó la obra en diciembre de 2009, y la nombró Nine by Five (Nueve por cinco) porque los cinco miembros del quinteto tocan nueve instrumentos - flauta y piccolo, oboe y corno inglés, clarinete y clarinete en Mib, fagot y contrafagot, corno. Carter dice: “Recordé que una obra que me gusta mucho es Tre per Sette de Goffredo Petrassi donde tres intérpretes tocan siete instrumentos. Cuando me propusieron componer para un quinteto de alientos, pensé que sería interesante hacer algo similar”. La obra es mayormente lineal y tiene secciones de solos y dúos. Solamente en una sección lenta en la mitad de la obra, se tocan los cinco instrumentos juntos. Carter controla las selecciones interválicas de cada instrumento, tratándolas como leitmotifs.

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Intérpretes Quinteto de Alientos de la Ciudad de México Es uno de los grupos de cámara mas reconocidos en México. Sus discos Nueva música mexicana (1995), Imágenes latinoamericanas (1998), Visiones panamericanas (2001) y Sueños de una América (2006) son ejemplo de la dedicación del grupo para promover y difundir en el mundo la composición mexicana. Como parte de este reto, ha realizado varias giras: a Italia en 1998, presentando por primera vez en Europa la nueva música mexicana; y en 2000 a Estados Unidos, con una serie de conciertos promovidos por el Fund for Culture México/USA. La lista de obras comisionadas y dedicadas al Quinteto sigue creciendo y está compuesta por las obras de los compositores más destacados de la música contemporánea mexicana. Los miembros del Quinteto tienen una intensa actividad como solistas, recitalistas y músicos de orquesta. Son miembros de tres de las más importantes orquestas mexicanas: la Sinfónica Nacional, la Filarmónica de la Ciudad de México y la Sinfónica del Estado de México, y forman parte del profesorado en tres conservatorios. La experiencia internacional de sus integrantes le da al Quinteto una calidad singular en su enfoque artístico, en especial en lo que se refiere a la música nueva.

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Programa 3 Sala Xochipilli Escuela Nacional de Música de la UNAM Lunes 11 de junio, 17 horas

Tomás Barreiro La noche de las ranas (2009) 6’ Milton Estévez Guitarra… guitarra… (1984) 12’ I Cantaleta II Guitarra... guitarra... III Cantaleta y final Tomás Marco 10’ Tarots (1991) Le diable La mort La maison de Dieu La force Carlos Martínez Larrauri, guitarra Intermedio Guillermo de Mendía   Altsakah (2011)* 11’ Ernesto Cordero Dinga y mandinga (1993) 8’   Alberto Núñez Palacio  Milonga feroz* 12’ *Estreno mundial

Roberto Limón, guitarra Pablo Martínez Bourguet, viola Iván Manzanilla, percusiones Rafael Urrusti, flauta Luz María Frenk, violonchelo

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Compositores Tomás Barreiro (México, 1976) Se desempeña tanto en el campo de la ejecución instrumental como en la composición y la enseñanza musical. Es parte del Terceto de guitarras de la Ciudad de México. Su obra La noche de Takemitsu ganó el segundo premio en el Toru Takemitsu Composition Award, en Tokio, en 2008. Terminó la maestría de guitarra clásica en el Conservatorio de San Francisco, Estados Unidos, gracias a una beca Fulbright-García Robles, la beca de estudios en el extranjero del Fonca y la beca Edward G. Stotsenberg del mismo conservatorio. Sus maestros fueron David Tanenbaum y Dusan Bogdanovic. Estudió la licenciatura en composición, ejecución y pedagogía en el Centro de Investigación y Estudios de la Música (CIEM). Sus maestros fueron Gerardo Tamez, Antonio López y Gonzalo Salazar. Actualmente participa en diversos proyectos de cine, teatro y televisión como compositor y guitarrista. La noche de las ranas Es una obra que usa principios retóricos para articular sus partes como discurso musical. Tiene seis secciones, y en una de ellas se hace mención a la canción folk Macochi Pitentzin. El lenguaje armónico se deriva de clusters y la pieza hace uso de artefactos comunes en la literatura de guitarra moderna como los armónicos, rasgueos y algo de percusión. Es una obra evocativa que hace referencia a la palabra noche como una meditación sobre la muerte y enfatiza la nota si en homenaje a Bach, quien adoraba la nota si menor.

Milton Estévez (Ecuador, 1947) Ha recibido títulos de la Ecole Normale de Musique de París, la Université de París 1, Panteón-Sorbonne, el Conservatorio Nacional de Música de Quito, Ecuador, y la Universidad Central del Ecuador. Asistió a seminarios de análisis musical del Conservatoire National Supérieur de Musique de París; electroacústica e informática musical en el Centre Européen pour la Recherche Musicale de Metz; y realizó estudios de posgrado de musicología en la Université de París 4, Sorbonne. Enseñó composición, orquestación, análisis musical e informática musical (1985-1994), guitarra clásica y análisis formal (197080) en el Conservatorio Nacional de Música de Quito. Fundó el Festival Ecuatoriano de Música Contemporánea y la serie Música de Nuestro tiempo, que dirigió de 1985 a 1994. Permaneció como compositor visitante en la Universidad de Louisville y como compositor residente en la Universidad Spalding, Louisville, Estados Unidos. Guitarra... guitarra... Constituye a la vez una evocación y un virtual punto de partida. Evocación por cuanto fue compuesta cuando el autor se había alejado de la ejecución profesional de la guitarra y se planteaba un reencuentro con ella en otro plano, la composición. Aparece la exploración extensiva e intensiva de los recursos instrumentales menos obvios o

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convencionales pero inequívocamente propios del instrumento, se usa aquí no como ornamento fortuito, sino como material creativo orgánico del discurso musical. La asimetría es empleada profusamente para delinear la personalidad rítmica de la pieza. La obra comienza con una larga introducción-refrán, destinada a intercalarse, bajo aspectos nuevos cada vez, entre diferentes partes del conjunto proyectado. Luego sigue una de las piezas que resume lo fundamental de la propuesta en perspectiva. La tercera parte presenta un borrador de lo que sería el movimiento conclusivo del proyecto. Recibió la primera mención en el Concurso Internacional de Composición Rodrigo Riera, Caracas, 1997.

Tomás Marco (España, 1942) Nació en Madrid. Estudió violín y composición, a la par que derecho. Amplió estudios musicales en Francia y Alemania y entre sus profesores destacan Pierre Boulez, György Ligeti y Karlheinz Stockhausen, Bruno Maderna o Theodor Adorno. Es autor de diversos libros y artículos sobre música contemporánea española y Premio Nacional de Música de España. Fue profesor de nuevas técnicas del Conservatorio de Madrid y profesor de historia de la música de la Universidad Nacional de Educación a Distancia. Ha publicado varios libros y dictado cursos en instituciones y universidades de Europa y América. Ha ejercido la crítica musical en varios medios. Fue director del Centro para la Difusión de la Música Contemporánea creando su laboratorio de electroacústica y el Festival Internacional de Alicante, cuyas primeras once ediciones dirigió. Desde 1993 es miembro numerario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. En 1998 fue nombrado doctor honoris causa por la Universidad Complutense de Madrid. Como compositor es autor de cinco óperas, un ballet, siete sinfonías, música coral y de cámara. En la actualidad se dedica exclusivamente a escribir música y sobre música. En 2002 recibió el Premio Nacional de Música por el conjunto de su obra compositiva. Tarots Le diable. Lujuria, envidia, egoísmo. Figura andrógina y semidesnuda, coronada de cuernos y alada con extremidades de murciélago. La guitarra lo pinta con síncopas sustentadas en lo más bajo de su mundo sonoro, sobre las que se alzan acordes fugaces de ricas disonancias. Los tratadistas musicales del Medioevo, reconocieron en la cuarta aumentada, el prohibido “Diabolus in musica” intervalo incantable, condenado. La mort. Muerte o metamorfosis, puerta del Paraíso o del Infierno. Las dos cuerdas más graves, cruzadas sobre el sexto traste con el dedo índice de la mano izquierda percutidas, conjuran un sonido ultraterreno. Una obscura y decidida escala (escalera) descendente interrumpe el sonido de la campana fúnebre… La maison de Dieu. Una agitada construcción de semicorcheas que con complicados andamiajes tratan de subir y sólo caen en forma vertiginosa. La force. La guitarra alterna compases binarios y ternarios, parejas de notas ligadas y sueltas aumentan su volumen, en un movimiento que crece en potencia mas no en velocidad, hasta desencadenar toda la fuerza de los acordes rasgueados.

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Guillermo de Mendía (México, 1955) Estudió la carrera de composición en la Escuela Nacional de Música de la UNAM, obteniendo la licenciatura con mención honorífica, la medalla Gabino Barreda y la medalla al Mejor Estudiante de México, bajo la dirección de Juan Antonio Rosado. Paralelamente cursó edición y síntesis musical MIDI por computadora con Antonio Fernández Ros y Jorge Pérez Delgado, técnica vocal con Enrique Jaso, conjuntos corales con Jorge Medina y dirección de orquesta con Armando Zayas. Sus obras han sido estrenadas en recintos como el Palacio de Bellas Artes, la sala Nezahualcóyotl y la sala Carlos Chávez, entre otros. Ha dirigido desde 1984 los coros Yam-Gig y Dan-Yell de los CCH Naucalpan y Vallejo, de la UNAM. En 1995 ingresa al Instituto de Liturgia Música y Arte “Cardenal Miranda”, impartiendo las cátedras de Cultura Musical, Historia de la Música, Composición y Formas Instrumentales y Vocales. En 2009, impartió un curso de composición, arreglo e interpretación en Inglaterra, invitado por Rebecca Edwards, directora de la Somerset Dulcimer Orchestra. Altsakah Obra escrita en tres movimientos, rememorando el barroco: Preludio, fuga y rondó, en este caso alla cubana. El primero tiene una forma libre, en ningún momento pretende instaurar un tema, tiene partes con arpegios que piden virtuosismo en un ambiente atonal dodecafónico. El segundo está escrito tal y como lo marcan los canones tradicionales en su aspecto formal con el mismo lenguaje que el preámbulo. El tercero, como en las formas preclásicas de la danza se incorporaban a la suite, se agrega como movimiento final con las características de la danza y el canto cubanos. Está dedicada a Roberto Limón.

Ernesto Cordero (Puerto Rico, 1946) Estudió guitarra con Jorge Rubiano. En 1963 ingresó al Conservatorio de Música de Puerto Rico y continuó sus estudios en el Conservatorio Real de Música de Madrid hasta 1971. Realizó estudios de posgrado en composición con Roberto Canggiano en Roma y con Orbón Juliano en Nueva York. Es profesor en los departamentos de composición y guitarra de la Universidad de Puerto Rico desde 1971. Además de sus actividades como compositor, artista y maestro, fue director musical del Festival Internacional de Guitarra de Puerto Rico de 1980 a 1997. Como compositor ha escrito conciertos para violín y guitarra, así como trabajos de cámara para guitarra. Dinga y mandinga Dinga es una deformación fonética de la palabra inca o sea indio y mandinga es una de las tribus africanas que habitaron Puerto Rico después de la conquista española. Es muy popular en Puerto Rico el refrán que dice: ”el que no tiene dinga tiene mandinga”. Esto podría interpretarse como “el que no tiene de indio tiene de negro”. En este cuarteto el compositor pretende plasmar musicalmente ese sincretismo. Fue compuesta en 1993 y está dedicada al guitarrista Roberto Limón y el ensamble Atril 5, quienes la estrenaron en la Ciudad de México en 1996.

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Alberto Núñez Palacio (Argentina, 1941) Reside en México desde los años setenta. Es compositor residente de la Orquesta Sinfónica de Baja California y profesor de armonía y composición en el Conservatorio de Baja California. Estudió en el Conservatorio Nacional de Argentina. Ha escrito obras para orquesta, guitarra y música de cámara. Es un connotado intérprete de bandoneón, instrumento para el cual ha escrito numerosas obras. Milonga feroz La milonga es un ritmo de influencia africana, nacido junto al tango en el siglo XlX en los arrabales de Buenos Aires. Esta obra es una recreación, una pieza exigente en el plano técnico interpretativo tanto para la guitarra como para la viola. Está tratada con un criterio urbano contemporáneo, representativo del vertiginoso Buenos Aires de hoy. Está dedicada a Roberto Limón y Laura Klugherz.

Intérpretes Carlos Martínez Larrauri Nació en la Ciudad de México. En 2000 ingresó a la Escuela Nacional de Música de la UNAM, donde estudió bajo la guía de Juan Carlos Laguna. Como concertista ha ofrecido recitales para diversos centros culturales tanto en la Ciudad de México como en el interior de la República. También ha sido invitado a festivales de guitarra como: Festival de la Guitarra Clásica de Morelos, Semana Internacional de Guitarra de la UNAM, Festival Internacional de Guitarra de Taxco y el Festival Internacional de Guitarra Guitarromanía, entre otros. Ha tomado cursos de perfeccionamiento con Denis Azabagic, David Tanembaum, Eduardo Fernández, Franz Halász, Judicaël Perroy, Ricardo Cobo, Eduardo Isaac, Martha Masters, Giampaolo Bandini Paolo Pegoraro, Ricardo Gallén y Juan Francisco Padilla. Participó con la Orquesta del Teatro de Bellas Artes en el estreno de la ópera Ambrosio; también ha participado con la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México, la Orquesta Filarmónica de la UNAM y la Orquesta Sinfónica Sinaloa de las Artes. Roberto Limón Se ha presentado como solista con las principales orquestas de México, así como con las orquestas sinfónicas de San Antonio, Pensacola, Pacific Symphony y San Diego, en Estados Unidos; y la de Cámara Estatal de Leningrado, la Filarmónica de Seúl, la Sinfónica Nacional de Cuba, la Filarmónica de Montevideo, la Sinfónica de Lituania y la Sinfónica de la República Checa. Su interés por la música de cámara lo ha llevado a participar con el Cuarteto Latinoamericano, el Cuarteto Carlos Chávez y el Post-Classical Ensemble de Washington. Diversos compositores le han dedicado su obra: Leo Brouwer, Jorge Morel, Joaquín Clerch, Manuel Enríquez, Joaquín Gutiérrez Heras,

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Alberto Núñez Palacio, Ernesto Cordero, Manuel de Elías y Meyer Kupferman. De 1998 a 2008 fue director general de la Orquesta de Baja California. Su grabación de obras para orquesta y guitarra Tango mata danzón mata tango fue nominada en la categoría de mejor álbum clásico en la segunda entrega de los Grammy Latino y ganó el premio a mejor álbum clásico de 2001 por la Unión de Críticos de Música y Teatro. En 1989 ingresó por concurso al grupo de Concertistas de Bellas Artes de la Coordinación Nacional de Música. Es fundador y director artístico del Festival Hispanoamericano de Guitarra, el cual a la fecha ha realizado XVII ediciones. Pablo Martínez Bourguet Inició estudios de violín con su padre. Continuó estudiando con Natalia Gvozdetskaya en la Escuela “Vida y Movimiento”. En 1992 ganó el primer lugar en el concurso de la Escuela Nacional de Música de la UNAM. Ha tomado clases magistrales con Fredell Lack y Leon Spirer. Desde 1997 se integró al Cuarteto de la Ciudad de México; ha participado en diversas temporadas con la Orquesta Juvenil Mundial en giras por Suiza, Holanda, Alemania, Luxemburgo, Israel, Japón, Filipinas y Corea. En 1998 fue violín principal y solista de la Orquesta Carlos Chávez. Ese mismo año fue ganador del Premio Estatal de la Juventud “Luis Donaldo Colosio”, otorgado por el gobierno del estado de Oaxaca. En 1999 ganó el Premio Nacional de la Juventud por trayectoria artística. Ese mismo año fue becario del Fonca. De 1999 a 2003 estudió con Michael Kugel, en el Conservatorio de Maastricht, Holanda, y en el Real Conservatorio de Gante, Bélgica. Fue viola principal de la Orquesta Sinfónica Nacional y actualmente toca en la sección de primeros violines de dicha orquesta. Iván Manzanilla Nació en la Ciudad de México. Cursó la licenciatura en percusiones en la UNAM, y recibió la medalla Gabino Barreda. Posteriormente estudió en la Universidad de California, San Diego, con el percusionista Steven Schick, donde cursó maestría y doctorado en artes musicales. Ha recibido distintos reconocimientos, entre ellos el primer lugar en el Cuarto Concurso de Interpretación Musical Wolfgang Amadeus Mozart de la UNAM, el primer premio de Concurso de Música de Cámara de la UNAM, el Premio de la Unión de Críticos de Música y Teatro del INBA, y el Stipendienpreis en el 42 Internationalen Ferienkursen für Neue Musik, 2004, de Darmstadt, Alemania. Es miembro de Duplum Duo con el clarinetista Fernando Domínguez, y del trío SRM con Peter Schmid y Jerry Rojas.

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Rafael Urrusti Realizó sus estudios musicales en la Escuela Nacional de Música de la UNAM y en el Conservatorio Nacional de Música. Fue discípulo de Héctor Jaramillo, Luis Cueva, Brenda Sakofsky, Judith Johanson, James Walker y James Dower. Recibió cursos de perfeccionamiento con Alain Marion, Kurt Redel, James Galway, András Adorján, William Bennett, Elena Durán, Geoffrey Gilbert y Colin Fleming. Fue miembro fundador de la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México y primera flauta y jefe de sección de la Orquesta Sinfónica Nacional, puesto que desempeñó hasta 1999. Ha sido solista en varias ocasiones en orquestas como la Sinfónica del Estado de México, de Cámara de Bellas Artes y la Sinfónica Nacional. Compositores nacionales y extranjeros le han dedicado obras; ha hecho varios estrenos nacionales y mundiales, así como grabado y compuesto para cine y televisión. Es integrante del Quinteto de Alientos de Bellas Artes, de la Coordinación Nacional de Música y Ópera del INBA. Luz María Frenk Estudió con Erika Duke, Guillermo Helguera, Oleg Wolkoff, Marie Hixova y Sally van den Berg. Asistió a cursos de perfeccionamiento y clases magistrales con maestros como Christine Walewska, Yo-Yo Ma y Mstislav Rostropovich. También fue alumna de Richard Markson en London College of Music, donde desarrolló una intensa actividad en música de cámara y como primer violonchelo de la sinfónica de esa institución. A su regreso ocupó el puesto de violonchelista asistente de principal de la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México por seis años. Formó parte de la Orquesta Sinfónica de Minería y de la Orquesta Sinfónica Nacional. Ha participado en radio y televisión, así como en festivales internacionales como el Cervantino y el de Morelia, tanto con agrupaciones sinfónicas como de cámara. Desarrolla una intensa actividad en la música de cámara, así como en la producción de discos.

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Programa 4 Sala Xochipilli Escuela Nacional de Música de la UNAM Lunes 11 de junio, 20 horas

Igmar Alderete Acosta Cuarteto núm. 2 Gismonteando (2010)* La fiesta de los amigos Historias del abuelo La danza de los recuerdos El baile final

20’

Mauricio Beltrán Miranda Elegía (1991) 7’ José Julio Díaz Infante Tamales oaxaqueños (2011)**

9’

Luis Fiestas Intro y salseado (2009)* 10’ Juan David Garduño Cinco miniaturas (2011)*

5’

*Estreno mundial **Estreno en México

Cuarteto de Cuerdas José White Silvia Santamaría, violín I Carla Benítez, violín II Sergio Carrillo, viola Orlando Espinosa, violonchelo

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Compositores Igmar Alderete Acosta (Cuba, 1969) Nació en La Habana. Nacionalizado español desde 2000. Inició los estudios musicales de violín en el Conservatorio Elemental de Música “Manuel Saumell” con Alla Tarán; continuó en el Conservatorio Alejandro García Catúrla y finalizó en el Conservatorio de Nivel Medio-Superior “Amadeo Roldán”, bajo la tutela de Emilio Estrada. Formó parte de la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba y la Orquesta de Ópera y Ballet del Gran Teatro García Lorca de La Habana. Desde 1994 forma parte de la Orquesta Sinfónica de Córdoba. Es en 1999 que se vuelca de lleno como arreglista y compositor dentro de la música clásica. En 2011 estrenó en Alemania su obra Cuarteto de colores; el B3: Brouwer Trío grabó su obra Trío no. 1 Brouweriano en Los Ángeles, Estados Unidos, y en junio estrenó la sinfonía no. 1 Influencias, obra encargo de la Fundación AEOS y la Orquesta de Córdoba. Cuarteto núm. 2 Gismonteando Está dedicado a Egberto Gismonti. Es una obra basada en anécdotas, historias y vivencias que el autor ha querido reflejar en cuatro movimientos. Cada uno tiene su propia identidad y van transcurriendo por diversos ritmos, armonías y melodías afrocubanos, latinoamericanos y en especial brasileños. Esta obra transmite sentimientos de felicidad acompañada de nostalgia, alegría con lamento, lejanía y acercamiento, valores humanos, todos a través de la música. Desde el punto de vista del compositor, colores y matices naturales para el deleite y disfrute del oyente.

Mauricio Beltrán Miranda (México, 1964) Estudió composición con Arlene Sierra y David Loeb, y análisis con Carl Schachter, D. Loeb y Robert Cuckson. Ha recibido tutorías con Judith Weir, Michael Berkeley, Kenneth Hesketh y Hywet Davies, y ha participado en seminarios y talleres especiales con Michael Finnissy, Simon Holt, Arnold Whitall, Schubert Ensemble, London Sinfonietta, London New Music Players y BBC National Orchestra of Wales. En 2005 recibió la beca para estudios de posgrado de alta calidad otorgada por el Promep (SEP) para realizar un doctorado en composición en la Universidad de Cardiff (Reino Unido). De 1991 a 1994 realizó una maestría en composición en el Mannes College de Nueva York gracias a una beca otorgada por la UNAM. Ha presentado obras en Estados Unidos, España, Reino Unido y México en festivales como el Internacional Cervantino, el Foro Internacional de Música Nueva “Manuel Enríquez” y el Ibero-American Music Festival de Nueva York. Fue ganador del concurso Comisión de Obra para Orquesta Sinfónica Juvenil 2009 organizado por el Sistema Nacional de Fomento Musical. Desde 1997 es profesor e investigador de tiempo completo en la Universidad Autónoma de Querétaro.

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Elegía Fue compuesta en 1991 (revisada en 2011), y está dedicada a la memoria de mi buen amigo Leonardo L. Cabrera. Las dos partes en las que se divide la pieza están estrechamente relacionadas entre sí. El material contemplativo de Lamento adquiere un carácter nervioso y contrastante cuando es expuesto de manera fragmentada y muy veloz en la primera parte de la pieza, Evocaciones. La obra puede entenderse como la muestra de dos maneras distintas de recordar un mismo evento trágico y doloroso.

José Julio Díaz Infante (México, 1973) Nació en la Ciudad de México. Ha desarrollado su carrera en los ámbitos de la composición y la pedagogía musical. Es licenciado en música teórica por el Trinity College de Londres y por el CIEM de México en composición y pedagogía musical; entre sus maestros se encuentran María Antonieta Lozano, Víctor Rasgado y Gerardo Tamez; ha tomado clases magistrales con Chen Yi y Louis Andriessen, entre otros. Fue director académico de la Escuela de Música del Estado de Hidalgo, y desde 1998 es profesor en el CIEM. Ha participando en diversos seminarios y congresos de educación artística en Europa, Sudamérica y México. Su música ha sido interpretada en Francia, República Checa, Estados Unidos y México por ensambles como los cuartetos Latinoamericano, Parker y Miró; así como por la Orquesta Sinfónica Nacional, entre otros. Actualmente es becario Fulbright-García Robles, y radica en Estados Unidos realizando estudios de posgrado en la Universidad de Louisville con Marc Satterwhite. Tamales oaxaqueños Desde hace mucho tiempo, uno de los sonidos más característicos de la Ciudad de México es el de los pregones de los vendedores ambulantes. Esta antigua tradición, lejos de desaparecer se ha adaptado a los tiempos modernos; tal es el caso de los vendedores de tamales oaxaqueños, quienes manejan sus bicicletas por toda la ciudad, y que en vez de gritar utilizan una grabadora que con una pequeña bocina repite el pregón una y otra vez. La pieza está inspirada en este pregón y en el imaginario de los sonidos que acompañan a los tamaleros en su recorrido diario por la ciudad. La obra pretende llevar un poco del sabor de la Ciudad de México a la sala de concierto, además de rendir homenaje a estos personajes que mantienen viva la tradición y de alguna forma ayudan a dar identidad a una ciudad tan diversa.

Luis Fiestas (Perú, 1966) Nació en Piura. En 1983 estudió en el Conservatorio Nacional de Lima con Juan González, Francisco Pereda y Dominique Daverio. Cuatro años después estudió en la Musikhochschule de Stuttgart, Alemania, y más tarde en el Mozarteum de Salzburgo, Austria, con Ruggiero Ricci. Desde 1991 reside en Finlandia y es miembro permanente de la Orquesta de la Ópera Nacional de Finlandia en Helsinki. Ha compuesto alrededor de cien obras para diferentes ensambles, especialmente para cuarteto de cuerdas. En 1998 formó el cuarteto nuevAmerica, con el cual se dedica a fomentar su propia música y con quien a grabado tres discos.

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Intro y salseado Es una obra que nace bajo la influencia del latin jazz. No es jazz, pero su forma libre y de carácter improvisador lo acercan a él. Requiere de un nivel avanzado de interpretación por cada instrumentista, por lo que considero que es también una obra fuertemente pedagógica. Con este tipo de obras he deseado mantener viva nuestra música popular.

Juan David Garduño (México, 1984) Estudió en el Conservatorio de Música del Estado de México, especializándose en jazz y guitarra clásica. En 2007 cursó el taller de composición del Conservatorio Nacional de Música (CNM) bajo la tutela de Juan Fernando Durán y Armando Luna. En 2008 inició estudios en la misma institución a nivel licenciatura e ingresó al taller de música electrónica con Salvador Torre. Actualmente continúa sus estudios en el CNM. Ha escrito música para performances, instalaciones y teatro para la Universidad Autónoma del Estado de México. Cinco miniaturas Formas sencillas, táleas y fantasías mundanas son los elementos de las 5 miniaturas, en dónde los instrumentistas las construyen en diferentes espacios de tiempo, una evocación de cada fantasía. “La imaginación, libre de las trabas del miedo se convirtió en una imaginación con visión. Y el acto intrínseco y absoluto, era su significado y portador de su propia pasión”.

Intérpretes Cuarteto de Cuerdas José White Ganadores en 2000 del primer premio dentro del Tercer Concurso Nacional de Música de Cámara, de Salamanca, Guanajuato. Ha participado en cursos para cuartetos de cuerda con el Cuarteto Penderecki y el violonchelista Paul Katz, en Canadá. Actualmente trabaja bajo la tutela de Jerry Horner. En México se han presentado en el Festival Internacional Cervantino, en el Foro Internacional de Música Nueva “Manuel Enríquez”, en ciclos de música contemporánea en el Museo Nacional de Arte y en el Festival de Música de Cámara de San Miguel de Allende. En 2004 realizaron su primera gira de conciertos por Estados Unidos, y en 2006 por Europa. Han compartido el escenario con Jerry Horner y Christine Vlak, Luis Humberto Ramos, Thomas Jones, Roberto Limón, Rodrigo Neftalí, Horacio Franco, Marta García Renart, Ana María Tradatti, May Phang, Bozena Slawinska, Juan Hermida, el Cuarteto Latinoamericano y el Cuarteto Penderecki, entre otros. Han sido maestros en residencia durante el Festival de Música de Cámara “Aguascalientes” de 2005 a 2009. Han recibido en dos ocasiones consecutivas el apoyo que otorga el Fonca dentro del marco México en Escena, así como becas estatales.

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Programa 5 Sala Xochipilli Escuela Nacional de Música de la UNAM Martes 12 de junio, 17 horas

Nebojša Jovan Živković Quasi una sonata (2001)**

16’

Armando Luna Partita (2011)*

12’

Intermedio Arturo Márquez Tempo a lamento (2001)

5’

Eric Sammut Zapping Trio (2003)**

9’

Daniel González Hernández Cuarteto (2011)*

5’

*Estreno mundial **Estreno en México

Baquetofonía Max Carreón Aguilar Javier Sánchez Zamora Javier Pérez Casasola José Antonio Sánchez Cristobal Duane Cochran, piano Carmen Morales, clarinete David Sánchez García, contrabajo

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Compositores Nebojša Jovan Živković (Serbia, 1962) Su trabajo se ha vuelto estándar en el repertorio mundial de la percusión contemporánea. Sus obras sinfónicas son ejecutadas por orquestas como: la Sinfónica Nacional de Estados Unidos; de Concierto BBC, Londres; de Santa Cecilia, Roma; Sinfónica de Hiroshima y la Northern Sinfonia en Newcastle. Ha compuesto muchas piezas para ejecutantes jóvenes, en particular, la serie Funny Mallets son de las obras para instrumentos de percusión de teclado mayor vendidas en el mundo entero. Ha tocado con las sinfónicas de Múnich, de la Radio de Hanover, de la Radio de Eslovenia y Nacional de Costa Rica; las filarmónicas de Bochum, Bielefeld, Stuttgart, Belgrado, Eslovenia y muchas otras; en salas como la Konzerthaus en Vienna, el National Recital Hall en Taipei y el Nybrokajen en Estocolmo. Además de sus actividades como compositor y concertista, imparte clases maestras y seminarios en Europa, Asia, México y Estados Unidos. Quasi una sonata ¿Qué es lo que hace al piano un instrumento de percusión, y, por otra parte, que hace a la percusión poder ser un instrumento melódico? Escribir una pieza musical para percusiones es suficientemente complicado y además agregarle un acompañamiento en el piano lo convierte en algo más que un reto. La música hecha por las percusiones puede ser fácilmente relegada a la ya muy tradicional sección rítmica una vez que el piano comienza a sonar. Por lo tanto, sentí que un dueto de esta naturaleza debía ser un real compañerismo de igualdad para ambos artistas. Para un percusionista compositor como yo, no hay sonidos nuevos; por lo regular no hay sorpresa, y desafortunadamente no encuentro “impacto” en música nueva para percusión. Todo ha sido escuchado antes. Cuando un compositor se siente libre de la presión de crear lo “nuevo y nunca antes escuchado”, es cuando puede componer básicamente música. El reto está en las diferencias finas, en el modo energético o atmosférico que puede ser alcanzado y particularmente coloreado con la vasta variedad de instrumentos de percusión. Esta pieza fue comisionada por Evelyn Glennie, quien la estrenó, junto con Emanuel Ax en el piano, en el Wigimore Hall de Londres en 2001.

Armando Luna (México, 1964) Originario de Chihuahua. Comienza su formación con Juan Manuel Medina Díaz. En 1980 ingresó al Conservatorio Nacional de Música como discípulo de Salvador Jiménez y Gonzalo Ruiz. En 1984 entró al taller de composición con Mario Lavista. En 1989 cursó la maestría en composición guiado por Leonardo Balada, con una beca de la Universidad Carnegie Mellon, Pittsburgh. Fue compositor residente de la Orquesta Sinfónica “Carlos Chávez” y la Orquesta Sinfónica Nacional. Titular en cátedras de composición, análisis, armonía e instrumentación del Conservatorio Nacional de Música y el Conservatorio del Estado de México. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de México.

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Partita Escrita por encargo de José Antonio Sánchez Cristóbal, dentro del programa del Sistema Nacional de Creadores. La obra consta de diez movimientos: Elegía I, Tocata, Vals, Elegía II, Burleska, Polka, Elegía III, Salsa, Ragtime y Elegía IV, los cuales son explotados en interés tímbrico y rítmico al estilo particular del compositor.

Arturo Márquez (México, 1950) Nació en Sonora. A los 16 años empezó a estudiar violín, tuba, trombón y piano, con lo cual comienza a componer con un acompañamiento de armonía intuitivo. En 1976 ingresó al taller de composición del INBA donde estudió con Joaquín Gutiérrez Heras, Héctor Quintanar, Federico Ibarra y Raúl Pavón; en 1980 el gobierno de Francia le otorgó una beca de perfeccionamiento en la Cité des Arts de París con Jacques Castérède. Obtuvo el segundo lugar en el Concurso Nacional de Composición “Felipe Villanueva”, y trabajó como investigador y coordinador de Difusión en el Cenidim, en México. Entre 1988 y 1990 asistió al Instituto de Artes de California, becado por la Fundación Fulbright, donde estudió con Morton Subotnick, Mel Powell, Lucky Mosko y James Newton. En 1994 la OFUNAM le encargó una obra, y escribió Danzón 2 para orquesta, que se estrenó en marzo de ese año, con Francisco Savín como director. Es parte del Sistema Nacional de Creadores desde 1994. Tempo a lamento Es un juego de palabras sobre las lagunas de Cempoala-(mento), obra con la cual se denuncia el deterioro que sufren dichas lagunas. Escrita en estilo de son, cuya dotación es de tres marimbistas y percusión de acompañamiento, se ejecuta en marimba de concierto, pero utiliza recursos de marimba tradicional como la distribución de voces en la melodía y la ejecución de bajo y armonía por un solo marimbista. Obra dedicada y estrenada por Baquetofonía en el V Festival Latinoamericano de Arpas.

Eric Sammut (Francia, 1968) Nació en Toulouse. Comenzó sus estudios en su ciudad natal, y los continuó en el Conservatoire National de Musique de Lyon. Fue percusionista principal de la Orchestre de l’Opéra National de Lyon. Desde 1998 es timbalista de la Orchestre de París. Ganador de varios concursos de interpretacion y de ejecucion como los de Luxemburgo, Stuttgart y el Leigh Howard Stevens Marimba de Nueva York. Es maestro del Conservatoire Supérieur de Musique de París y del Conservatoire National de Région de Toulouse. Zapping Trio Para marimba, clarinete y contrabajo, es una sorpresiva y fresca combinación de sonidos. Pieza requerida para ser ejecutada por los participantes del Paris Marimba Competition llevada a cabo en Les Journées de la Percussion 2003. Este trabajo es rítmica y armónicamente conmovedor y provee retos para todos los involucrados.

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Daniel González Hernández (México, 1990) En 2005 ingresó al Centro de Educación Artística “Ignacio Mariano de las Casas”, donde es seleccionado para asistir a cursos del Oregon Festival of American Music, al mismo tiempo que termina el bachillerato en música, arte y humanidades. En 2009 ingresó al Centro de Investigación y Estudios de la Música donde actualmente cursa la licenciatura en composición con María Antonieta Lozano, Enrico Chapela y Miguel Salmon del Real. Cuarteto Esta obra busca explorar las diferentes sonoridades que se pueden obtener con la interacción de instrumentos de percusión. Las percusiones complementadas con el piano forman ostinatos que, basados en una colección de notas, se van yuxtaponiendo creando nuevas texturas.

Intérpretes Baquetofonía Es el título de una obra escrita por el marimbista Zeferino Nandayapa que da identidad al grupo. Los objetivos de éste son estrenar y difundir las obras más importantes del catálogo de música escrita para percusiones. Han sido asesorados por Enrique García Barrios, Veronique Lacroix y Sophie Goury. Ganaron el primer lugar en los concursos nacionales de música de cámara organizados por la Escuela Nacional de Música de la UNAM en 2005, por el Conservatorio Nacional de Música en 2006, y el segundo lugar en el concurso organizado por el Centro Cultural Ollin Yoliztli en 2007. Participaron en festivales y concursos en Alemania, Estados Unidos, Bélgica y Rusia. De las presentaciones en el país destacan las de la III Semana Internacional de las Percusiones, el V Festival Internacional de Cuernavaca, el XXVII y XVIII Foro de Música Nueva “Manuel Enríquez”, y las colaboraciones en proyectos culturales con el Instituto Mexicano de la Juventud, la Secretaría de Cultura del Distrito Federal y el Conaculta. Duane Cochran Nació en Detroit, Estados Unidos. Es egresado de la Universidad de Michigan. Llegó a México hace 32 años. Ofreció su primer recital a los 10 años. A los 11 tocó un concierto de Haydn con la Orquesta Sinfónica de Detroit. Fue violinista de la Filarmónica de la Ciudad. Formó parte de la Orquesta de Cámara de la Universidad Veracruzana, la Orquesta Sinfónica de Xalapa, la Orquesta Sinfónica del Estado de México, Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México, y es integrante de la OFUNAM desde hace dieciocho años.

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Carmen Morales Comenzó sus estudios de música en el Conservatorio de Música del Estado de México. A los 15 años ingresó al Conservatorio Nacional de Música de México cursando clarinete con Marino Calva. Participó en el Congreso Internacional de Clarinete y Saxofón 2005, en Acapulco, con maestros como Phillipe Cuper, Robert Walzel y Miles Ishigaki. En 2006 participó con la Columbia Union College Orchestra en la gira por Argentina y Brasil. En 2009 asistió al Festival Internacional de Bandas realizado en Trípoli, Libia, con la Banda Sinfónica de Marina. Actualmente cursa el último año de la licenciatura en clarinete con Iván Cruz. En los últimos años ha tomado clases con reconocidos maestros con Martín Escalona y Jacob de Vries. David Sánchez García Inició sus estudios de contrabajo en 1998 en la Escuela Nacional de Música de la UNAM, bajo la tutela de Luis Antonio Rojas, posteriormente estudió con Mario Ernesto Martínez Figueroa y Nikola Popov. Se ha especializado en la ejecución de su instrumento con Klaus Stoll, Eddie Gómez, Joële Léandre y Stefano Scodanibbio. Fue becario de la Orquesta Sinfónica “Carlos Chávez”. Obtuvo el título de licenciado instrumentista-contrabajo. Recientemente grabó y coprodujo el disco Chimeco de FAS trío. También ha realizado tres giras internacionales con su ensamble de cuerda el Quinteto Anáhuac.

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Programa 6 Sala Xochipilli Escuela Nacional de Música de la UNAM Martes 12 de junio, 20 horas

Mauricio Rodríguez Net (2004) 5’ Nadir Vassena 11 fragili giochi della notte (2000)**

8’

Franco Donatoni Nidi II (1992)** 8’ Intermedio Calliope Tsoupaki Charavgi (1994)** 10’ Fausto Romitelli Seascape (1994) 10’ Moritz Eggert Außer Atem (1994)** 10’ **Estreno en México

Mónica López Lau, flautas de pico

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Compositores Mauricio Rodríguez (México, 1976) Nació en Torreón, Coahuila. Realizó estudios de piano, etnomusicología y la licenciatura en composición musical en el Laboratorio de Creación Musical que dirige Julio Estrada en la Escuela Nacional de Música de la UNAM. Concluyó su maestría en sonología y estudios en composición y programación musical en el Conservatorio Real de La Haya, Holanda, bajo la supervisión de Clarence Barlow, Konrad Boehmer y Paul Berg. Durante 2005-2006 asistió a los cursos de composición electroacústica en el Centre Iannis Xenakis en París, Francia. Actualmente realiza estudios de doctorado en la Universidad de Stanford, California con Brian Ferneyhough como tutor. Su escritura musical está influida por procesos de representación gráfica, por una concepción multiparamétrica del sonido y de la estructura musical, por técnicas de la música electrónica y de procesamiento algorítmico y por la experimentación, entendida como método fundamental de construcción. Net El material acústico de esta pieza se basa en tres pequeños módulos sonoros: un glissando, un trino, y una progresión melódica, que se mezclan y se transforman con la técnica del flatterzunge como un elemento de unificación. Estos módulos han sido ordenados tratando de imitar el propio mecanismo de la lengua, pero en este caso, haciendo énfasis al sonido primitivo que se encuentra dentro del sistema de comunicación de alto nivel de algunos animales.

Nadir Vassena (Suiza, 1970) Estudió composición con Bruno Zanolini en Milán, y con Johannes Schöllhorn en Friburgo. En 1993 tomó el curso de composición de Brian Ferneyhough en Royaumont. Ha sido invitado a numerosos festivales de música contemporánea, y ha recibido varios premios, como el de la Radio de Alemania Occidental en Colonia 1992, el del Instituto de Nueva Música de la Academia de las Artes de Berlín 1994 (primer lugar ex aequo), y en el Concurso Mozart en Salzburgo 1997. Le fue otorgado el premio de la Fundación Christoph Delz. Estudió en la Akademie Schloss Solitude en Stuttgart en 20002001, en la Höfgen Denkmalschmiede/Margarethen Fundación en 2002, y fue miembro del Instituto Suizo de Roma 2002-2003. Es profesor de composición y análisis en el Conservatorio della Svizzera Italiana, y es miembro de la junta directiva desde 2004. Junto con Mats Scheidegger, dirige la Tage für Neue Musik Zürich. 11 fragili giochi della notte Es una obra escrita para flauta de pico renacentista, constituida por once pequeñas piezas caracterizadas por su ánimo juguetón. Los elementos que utiliza el compositor son glissandi, microtonos, posiciones alternativas, flatterzunge y dinámicas que hacen de esta obra un mosaico de colores, texturas y formas musicales típicas de la flauta de pico.

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Franco Donatoni (Italia, 1927-2000) Nació en Verona. Comenzó a estudiar violín a los siete años en la Academia de Música de su ciudad natal. Posteriormente estudió en el Conservatorio de Milán y en el Conservatorio de Bolonia. Es uno de los compositores italianos más destacados de su generación, junto con sus contemporáneos Berio y Nono. Estudió con Ettore Desderi, Liviabella y Pizzetti. Fue profesor en los conservatorios de Turín, Milán y Bolonia, y desde 1960 en la Accademia Musicale Chigiana de Siena. Su influencia temprana fue Bartók, junto con su compatriota Petrassi. Hasta ellos se podría rastrear su vibrante y distintivo estilo rítmico y su preocupación por el color instrumental. Sus composiciones han sido dirigidas por Claudio Abbado, Pierre Boulez, Bruno Maderna, Salvatore Accardo, Alain Meunier y muchos otros. Nidi II Se basa en la técnica tradicional de la variación. Una característica típica de su estilo, en el que su firma personal es claramente evidente aquí. El uso frecuente de trinos, frases cortas con finales abruptos, así como frecuentes pausas, que al mismo tiempo interrumpen el flujo, sirven para aumentar la tensión. La estructura compositiva es austera, los escasos medios de expresión dan a la pieza una indiferencia fría determinada. Comienza como si saliera de la nada, un temblor sonoro con textura pianissimo y termina, después del aumento gradual y constante en el volumen, en un pasaje de salvajes explosiones de manera fortissimo.

Calliope Tsoupaki (Grecia, 1963) Estudió piano y teoría musical en el Conservatorio Hellinicon en Atenas y composición con Yannis Ioannithis. Continuó sus estudios con Louis Andriessen en el Conservatorio Real de La Haya, donde se graduó en 1992. Después de terminar sus estudios se estableció en Ámsterdam y comenzó su carrera como pianista y compositora. Sus obras han sido interpretadas en Europa y Estados Unidos en festivales internacionales de música. En 1993 vivió y trabajó en Budapest en una residencia en la Fundación Pépinières para jóvenes artistas. Desde 2007 enseña composición en el Koninklijk Conservatorium de La Haya, Holanda. Charavgi Es una palabra griega que significa el comienzo de la madrugada. Es una pieza que no sólo quiere dar un simple sentimiento que evoca el final de la noche en un sentido romántico, sino que también hace frente a un material musical que sufre una transformación y termina exactamente en el momento de su pleno florecimiento, como la aurora termina en el momento de la salida del sol.

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Fausto Romitelli (Italia, 1963-2004) Obtuvo su diploma de composición en el Conservatorio de Milán “Giuseppe Verdi” y posteriormente se especializó en la Academia Chigiana de Siena y en la Scuola Civica de Milán. En 1991 se mudó a París para estudiar nuevas tecnologías y cursar informática de la música en el IRCAM, instituto en el cual colaboró de 1993 a 1995. Sus obras han sido ganadoras de varios premios en concursos internacionales en Ámsterdam, Frankfurt, Graz, Milán, Estocolmo y Siena. Sus composiciones se han interpretado en numerosos festivales europeos tales como: Ars Musica, Bruselas; Saison Ircam-InterContemporain, París; Saison Musicale du Centre Pompidou, París; Gaudeamus Festival, Ámsterdam; Gulbenkian Festival, Lisboa; Filarmonisch Season, Bruselas y Festival de Otoño, Madrid, entre otros. Han interpretado sus obras orquestas y ensambles como: L’Itinéraire, Courtcircuit, InterContemporain, 2E2M, Rictus, Ensemble Musiques Nouvelles, Hungarian Radio Children’s Choir, Hungarian Radio Orchestra y la Orchestre Philarmonique de Radio France. Obtuvo comisiones por: el Ministerio de Cultura Francés, Romaeuropa Festival, Radio France, IRCAM, Ictus y L’Itinéraire, entre otros. Seascape En esta pieza mi intención fue presentar una interpretación de la dialéctica de la consonancia y disonancia, tono y ruido, tensión y relajación, duración de la línea vocal (inhalar-exhalar) y la armonía de las frecuencias que existen en cada línea. El modelo está sometido a procesos de aceleración, transformación, adiciones, alteraciones de la simetría hasta que el contraste alcance el punto de partida.

Moritz Eggert (Alemania, 1965) Comenzó sus estudios de piano y composición en 1975 en el Conservatorio Dr. Hoch en Frankfurt con Wolfgang Wagenhaeuser y Kühnl Claus; estudió en la Escuela Superior de Música de Frankfurt con Leonard Hokanson y en la Hochschule für Musik und Theater München con Wilhelm Killmayer. Más tarde continuó sus estudios de piano con Raymund Havenith y Lallinger Dieter, y de composición con Hans-Jürgen von Bose, en Múnich. En 1992 pasó un año en Londres como estudiante de posgrado de composición con Robert Saxton en la Guildhall School of Music and Drama. Como compositor ha sido galardonado con el premio de composición de la Osterfestspiele Salzburgo, la Schneider/ Schott, el Förderpreis Siemens para jóvenes compositores, y el premio de Zemlinsky. En 2003 se convirtió en miembro de la Bayerische Akademie der Schoenen Kuenste. Außer Atem La posibilidad de tocar dos flautas de pico simultáneamente por un intérprete siempre me interesó. No sólo me parecía que esta técnica aún no se había utilizado plenamente, sino que también estaba buscando un cierto tipo de intensidad que sólo un intérprete humano puede alcanzar. En esta pieza se logra a través de la manipulación de grandes cantidades de aire. La obra utiliza tres tipos de flautas de pico: soprano, contralto barroco y contralto renacentista, que se interpretan

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en diferentes combinaciones entre ellas y de manera individual. El limitado uso de notas —por el hecho de tocar con una sola mano— es utilizado para construir un mundo armónico específico que está profundamente relacionado con los instrumentos utilizados.

Intérpretes Mónica López Lau Inició sus estudios musicales con Horacio Franco en la Escuela Nacional de Música de la UNAM. Posteriormente estudió en el Conservatorium van Amsterdam con Walter van Hauwe donde obtuvo el título de Bachelor of music en 2004. En 2007 terminó la maestría en el curso de perfeccionamiento para flauta de pico Diplôme de concert en el Conservatoire de Lausanne, Suiza, con Antonio Politano especializándose en música contemporánea. En 2008 obtuvo con honores el título de Triennio sperimentale di primo livello de música electrónica en el Conservatorio di Musica Benedetto Marcello di Venezia bajo la cátedra de Alvise Vidolin. Se dedica tanto a la música barroca como a la música contemporánea, colaborando en México, Holanda, Suiza, Italia, Alemania, Francia y Suecia. Ha participado en importantes festivales y centros musicales, entre ellos: Mei Festival 2004, La Haya, Holanda; Manca Festival 2006, Niza, Francia; IV Encuentro Internacional de Música Antigua, México; Portello River Festival 2008, Padua, Italia; Föreningen Levande Musik 2008, Gotemburgo, Suecia; y el XXXII Foro Internacional de Música Nueva “Manuel Enriquez”, entre otros. Entre los compositores que le han dedicado obras están: Mauricio Rodríguez, Juan Pablo Medina, Federico Costanza, Davide Sibilla, Alessio Rossato, Paolo Squarzon, Franco Venturini y Roberto Girolin. Actualmente es coordinadora de la Academia de Música Antigua de la Escuela Superior de Música del INBA, donde enseña música de cámara e imparte el taller de flauta de pico.

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Programa 7 Auditorio Blas Galindo Centro Nacional de las Artes Miércoles 13 de junio, 17 horas

Felipe de Almeida Ribeiro ...das ilusões que nunca nos enganam ao nos mentirem sempre... (2009)**

12’

Ana Lara Solipse (2010)

10’

Javier Álvarez I Le repas du serpent - II Retour à la raison (2004) 11’ Iracema de Andrade, violonchelo Intermedio Miguel Bustamante Ferraz 2008 (2008)**

6’

Einojuhani Rautavaara April Lines (1970-revisión 2006)**

9’

Pēteris Vasks Little Summer Music (1985)** 11’ Breit, klangvoll Nicht eilend Energisch Traurig Heiter Breit, Klangvoll **Estreno en México

Víctor Manuel Morales, piano Mariana Hernández, violín

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Compositores Felipe de Almeida Ribeiro (Brasil, 1975) Estudiante de doctorado en composición en la State University of New York en Buffalo, bajo la supervisión de Cort Lippe. En 2008 obtuvo la maestría en la University of Victoria, Canadá, en donde estudió composición con Dániel Péter Biró y Gordon Mumma, y música por computadora con Andrew Schloss. Entre 2000 y 2005 estudió en la Universidade Federal do Paraná, Brasil, y la Escola de Música & Belas Artes do Paraná, Brasil con Rodolfo Coelho de Souza, Mauricio Dottori y Orlando Fraga. Su música ha sido tocada en América y Europa, en festivales como June in Buffalo; Experimental Studio, Alemania; Bartók Festival, Hungría; Península Arts Contemporary Music Festival, Inglaterra; Happening Festival of New Music and Media, Canadá; VI Festival Contemporâneo Pelotas y la I Bienal Música Hoje, Brasil. Ha participado en talleres con Helmut Lachenmann, Brian Ferneyhough, Chaya Czernowin, Vinko Globokar, György Kurtág, Wolfgang Rihm, Marco Stroppa, Vykintas Baltakas, Murray Schafer, Klaus Lang, Detlef Heusinger y Mark-André. … das ilusões que nunca nos enganam ao nos mentirem sempre… Escrita en 2010, el título es una cita de un poema del poeta portugués Fernando Pessoa. La obra invita al escucha a experimentar sonidos que no revelan su esencia en un sentido referencial claro. A pesar de que el violonchelo es un elemento catalizador auditivo en la obra, el resultado sónico viene de los altavoces que circundan a la audiencia. Los sonidos instrumentales son modificados por la computadora y proyectados en diferentes interpretaciones a través de cada bocina en la sala. El violonchelo y la computadora se combinan de esa manera para transformarse en un único y complejo instrumento.

Ana Lara (México, 1959) Nació en México. Estudió composición en el Conservatorio Nacional de Música con Daniel Catán y Mario Lavista y en el Cenidim con Federico Ibarra. De 1986 a 1989 realizó estudios de composición en la Academia de Música de Varsovia, Polonia, gracias a una beca del gobierno polaco. Es maestra en etnomusicología por la Universidad de Maryland, Estados Unidos. Fue compositora residente de la Orquesta Sinfónica Nacional (1993-1994). Coordinó la programación de música contemporánea del Festival Internacional Cervantino de 2006 a 2009. Es fundadora y directora artística del Festival Internacional Música y Escena desde 1998. Su obra abarca desde la música para instrumentos solistas, de cámara, sinfónica y coral hasta música coreográfica y teatral. Se ha hecho acreedora a las becas Jóvenes Creadores (1989-1990), al Programa de Intercambio de Residencias Artísticas México-Estados Unidos (1995), al Sistema Nacional de Creadores (1994-1997, 1998-2001 y 2005-2008) y a la Residencia Artística de la Fundación Rockefeller en Bellagio, Italia (2000).

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Solipse Ego solus ipse podría traducirse como “solamente yo existo”, vocablo que viene de solipsismo que es la creencia metafísica en la que uno puede estar seguro solamente de la existencia de su propia mente y todo lo que nos rodea sólo puede ser conocido a través del propio yo. En esta obra he utilizado únicamente los materiales del violonchelo, para elaborar la parte electrónica transformándola de distintas maneras, de tal forma que el universo sonoro de la pieza es en realidad, la emanación, por así decirlo, del mundo sonoro del instrumento. Una conversación entre el cello transformado y el cello acústico. Fue un encargo del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras y el CUBE Contemporary Music Ensemble.

Javier Álvarez (México, 1956) Realizó estudios de composición musical con Mario Lavista y con John Downey. Continuó estudios superiores en el Royal College of Music, y de doctorado en la City University, en Londres, Inglaterra. Además de ser invitado a importantes centros de investigación musical, como el Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique y le Groupe de Recherches Musicales en Francia, tiene en su haber una amplia trayectoria académica y docente en centros de reconocido prestigio, como el Royal College of Music, el Guildhall School of Music and Drama en Londres, y como catedrático en composición en la Universidad de Hertfordshire. En 2004 se sumó al proyecto educativo de la Escuela Superior de Artes de Yucatán en México, fue rector del Conservatorio de las Rosas de Morelia. Ha recibido encargos de festivales como el de Otoño de Varsovia, Agora, Tanglewood, Hudders-field, Darmdstadt, Ojai, Présences-Radio France, Bergen, Música/Strasburg y Cervantino, que han sido interpretadas por Miguel Bernat, Vinko Globokar, Philip Mead, Luis Julio Toro, y de orquestas y ensambles, como Lontano, el Slagwerkgroep den Haag, Nuevo Contemporáneo, el New London Chamber Choir, Ictus, London Sinfonietta, el Cuarteto Latinoamericano y el Ensemble Intercontemporain. I Le repas du serpent — II Retour à la raison Obra en dos movimientos. El primero sonoriza un cortometraje de autor anónimo, realizado en 1908, para la Enciclopedia Gaumont. La narrativa se desarrolla en torno a una serpiente devorando a un indefenso conejo. La naturaleza documental de este corto sería impecable de no ser por la presencia de otros espectadores, quienes –como reflejo directo de nosotros– observan voyeurísticamente detrás de una vitrina de cristal. Como si fuera una metáfora sónica de nuestra complicidad, la música intenta exponer nuestras miradas escudriñadoras ante el evento que se desenvuelve frente a nuestros ojos. En un ambiente microtonal, el violonchelo teje una línea, la cual, como reptil, se enreda al interior del espacio virtual propuesto por la electroacústica. El segundo movimiento musicaliza un cortometraje de Man Ray de 1923. En éste, la secuencia de eventos ha sido abstraída de su origen causal y la calidad pulsante del claroscuro genera un caleidoscopio a la vez angular y orgánico, cargado de energía cinética. Ésta es una película esencialmente musical que sugiere una banda sonora que propulse su ritmo y paso acelerados. En un sentido más amplio, la música actúa aquí como un personaje adicional, a través del cual el violonchelo y la electroacústica se funden aportando humor, dinámica y gestualidad.

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Miguel Bustamante (Bolivia, 1948) Comenzó sus estudios musicales con su abuela, María Parrondo. Discípulo de Manuel Carra en el Conservatorio Superior de Música de Madrid, amplió estudios con Paul Badura Skoda, Eduardo del Pueyo, Rosa Sabater y Federico Mompou, entre otros. Fue asesor musical de Radio Clásica de RNE entre 1974 y 2007. Como tal participó en infinidad de grabaciones y transmisiones musicales y fue productor musical de más de medio centenar de discos compactos del sello RTVE Música. Responsable en 1986-1987 del Servicio de Educación Musical de la Comunidad de Madrid, participó en la gestación de los Conservatorios de la Comunidad de Madrid y, simultáneamente, creó y dirigió los Ciclos de Cursos sobre Enseñanza Profesional de la Música. Es autor de Diabolus in música, Sismo I e Interludio, para piano; Trío de cuerda nº 1; Quasi una cadenza, original para violín solo, con versiones posteriores para viola y para violonchelo solos; cuarteto para flauta, violín, viola y violonchelo, Scarlattiano; Ferraz 2008, para violín y piano; y Perseveranza, para orquesta de cuerda. Sus obras se han interpretado en España, Alemania, Portugal, Italia, Gran Bretaña, Estados Unidos, México y Cuba. Ferraz 2008 Concede protagonismo tanto al violín como al piano. Tiene forma libre, si bien elaborada de manera que los diversos temas y su desarrollo mantienen entre sí una relación que pretende ser lógica y fácilmente comprensible. Es una de mis obras con mayor aproximación a la música popular, en ciertos momentos al jazz y en otros al tango, éste casi siempre interrumpido abruptamente. Pero esta cercanía no significa una renuncia a mi lenguaje personal, sino más bien un diferente modo de interrelacionar ambos mundos.

Einojuhani Rautavaara (Finlandia, 1928) Estudió en la Academia Sibelius con Aarre Merikanto, antes de que Jean Sibelius lo recomendara para una beca de la Juilliard School de Nueva York. Allí recibió lecciones de Vincent Persichetti, Roger Sessions y Aaron Copland. Sus composiciones incluyen ocho sinfonías, conciertos, trabajos corales, sonatas, cuartetos de cuerda, además de óperas biográficas incluyendo Vincent (1987), Aleksis Kivi (1996) y Rasputin (2003). Algunos trabajos tienen partes para cinta magnética: Cantus Arcticus (1972) y Unicornio verdadero y falso (1971), cuya versión final es para tres recitadores, coro, orquesta y cinta. Sus últimos trabajos son orquestales, incluyendo el Libro de visiones (2003–2005), la Trilogía Manhattan (2003–2005) y Antes de los íconos (2005). En 2005 escribió la obra para violín y piano Paisajes perdidos, encargado por el violinista Midori Goto. Sus obras son grabadas por los sellos Ondine y Naxos. April Lines Refleja simplemente que la música fue compuesta durante la primavera, empezando en abril de 1970 y terminando en abril de 2006. Durante esos 36 años la primera e inconclusa versión estuvo perdida y olvidada. La encontré y vi la oportunidad de completarla. Los fuertes contrastes entre las diferentes texturas sonoras pudieran ser interpretados como los cambios de estado durante el mes más cruel.

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Pēteris Vasks (Letonia, 1946) Se formó como contrabajista y desempeñó ese puesto en varias orquestas de Letonia antes de entrar en el Conservatorio Estatal en Vilna, en Lituania, para estudiar composición. El primer estilo de Vasks debe mucho a los experimentos en música aleatoria de Lutoslawski, Penderecki y Crumb. Más tarde, incluyó elementos en la música popular de Letonia. Sus obras son muy claras y comunicativas y con un sólido sentido de la armonía. Pasajes líricos pueden ser seguidos por disonancias agitadas, o interrumpidos por secciones sombrías. Está influenciado por todo lo relacionado con el medio ambiente, hecho que se percibe en sus obras, como el Cuarteto de cuerdas Nº 2 (1984). Otras obras importantes incluyen Cantabile (1979), Música dolorosa (1984) y Bass Trip (2003) para contrabajo solista. Tiene cinco cuartetos para cuerda: el cuarto y el quinto fueron escritos para el Kronos Quartet. Ganó el premio Herder Viena en 1996 y el Gran Premio de la Música de Letonia en 1997, este último por su concierto de violín Tala Gaisma (1997). Little Summer Music Ofrece una excelente ilustración de los conceptos estilísticos del compositor, pues contiene elementos del folclor letón así como secciones con base en la música aleatoria. Los elementos aleatorios de la pieza dan sensación de libertad, así como de improvisación entre ambos instrumentos, lo cual logra también con las secciones no alineadas rítmicamente, como al principio de la obra. Otros movimientos, como el tercero y quinto, son muy ricos rítmicamente y están basados en danzas y melodías folclóricas.

Intérpretes Iracema de Andrade Originaria de Río de Janeiro, Brasil. Es doctora en interpretación musical con mención honorífica por la UNAM, con especialidad en el repertorio para violonchelo y medios electrónicos. En Inglaterra realizó estudios musicales avanzados en el London College of Music, en donde obtiene el Fellowship Diploma y el Advanced Studies Certificate, así como en la Thames Valley University, en donde recibe el grado de maestría en interpretación musical. Asimismo, obtuvo la licenciatura en música en la Universidade de São Paulo, Brasil. Ha sido integrante de la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México y ha colaborado con la Orquesta Sinfónica de Minería. Es fundadora e integrante del Ensamble Cello Alterno con el cual realiza una intensa labor musical impulsando la creación y difusión de obras para dos violonchelos y piano. Su producción discográfica consta de los discos Electro-Acústico: obras para violoncello y sonidos electroacústicos (2010), Cello Alterno: música de compositores mexicanos para dos violoncellos y piano (2009) y En torno al violonchelo (2006). Actualmente es becaria del programa Creadores Escénicos 2011 del Fonca. Desde 2000 se desempeña como docente en la Escuela Superior de Música del INBA.

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Víctor Manuel Morales Graduado con honores en la Escuela Nacional de Música de la UNAM, actualmente realiza un posgrado en interpretación del órgano en la misma institución. Se ha presentado en foros como la Sala Silvestre Revueltas, la Sala Carlos Chávez, el Teatro de las Artes, el Auditorio Blas Galindo, el Museo Nacional de Arte y el Palacio de Bellas Artes, entre otros. El II Festival de Música de Guanajuato “Ecos y Sonidos”, el Festival Camaríssima 2010, el XVIII Festival Internacional del Órgano Barroco y el XXXIII Foro Internacional de Música Nueva “Manuel Enríquez” han sido algunos de los festivales en donde ha tenido presencia; además de realizar conciertos y grabaciones para la radio y televisión tanto mexicana como extranjera. Su reciente producción discográfica From the Edge of Time, con el flautista Pablo Hidalgo Wong, incluye Toccata de Edgar Ordóñez, Sonata para flauta y piano de Lluís Benejam, Orbit No. 2 op. 102 de Alan Hovhaness y la primicia de Spiegel im Spiegel de Arvo Pärt, en su versión para flauta alto y piano, concedida por Universal Edition al intérprete. Mariana Hernández Comenzó sus estudios de violín a los 7 años de edad como alumna de Frasin Cristian Vlad. En 2005 ingresó al nivel licenciatura en la Escuela Superior de Música (ESM), bajo la cátedra de Frasin Cristian Vlad y por tres años consecutivos ganó la beca que otorga la SEP a estudiantes destacados. Fue concertino y solista de la Orquesta Juvenil de la ESM. En 2009 ganó el primer lugar y el premio a la mejor interpretación de música mexicana en el V Concurso Nacional de Música de Cámara organizado por la Escuela Superior de Música como integrante del dúo Minushk al lado de su hermana, Andrea Hernández, al piano. Se ha presentado como solista con las orquestas: Sinfónica de la Escuela Nacional de Música de la UNAM, Sinfónica Juvenil “Carlos Chávez”, Sinfónica de Aguascalientes, Juvenil de la Escuela Superior de Música y de Cámara de Jóvenes Solistas de la que actualmente es concertino. Ha tomado clases magistrales con Dimitri Berlínsky, Soria Shikhmurzaeva, Richard Markson, Jan Talich, Cuarteto Amernet, Philippe Quint, Cuarteto Artis, Scott Yoo, Jon Nakamatsu y William Wolfram, entre otros. En 2011 fue invitada para participar en el 27th Summer Music Festival of Colorado College. Actualmente prepara su titulación en la ESM con Frasin Cristian Vlad.

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Programa 8 Auditorio Blas Galindo Centro Nacional de las Artes Miércoles 13 de junio, 20 horas

Frank Wiley Cavernas (1982) 9’ Rodrigo Sigal Blood Stream (2003)** 9’ William Penn Tres ensayos (1973)** 9’ Glenn Smith Forowen 3 (1979)**

4’

Intermedio David Sampson Vísperas (1995)**

7’

Jorge Sosa A Well Organized Disaster (2011)**

10’

**Estreno en México

Jeffrey Jacob Meyer, tuba Mary Elizabeth Thompson, piccolo Oscar Sánchez, percusiones

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Compositores Frank Wiley (Estados Unidos, 1949) Es director de la Orquesta y del New Music Ensamble de la Universidad de Estatal de Kent. Enseña composición, dirección y música del siglo XX. Estudió composición con Donald Erb y Roger Hannay, y dirección de orquesta con Thomas Briccetti. Estudió en la Universidad de Carolina del Norte en Chapel Hill donde obtuvo la licenciatura como intérprete de órgano y una maestría en composición. Recibió el doctorado en composición por el Cleveland Institute of Music y la Case Western Reserve University. Ha recibido becas y premios de la National Endowment for the Arts, el Ohio Arts Council, el Kent State University Research Council, la American Society of Composers y el American Music Center. Su música ha sido interpretada en Estados Unidos, Europa, Asia y Australia. Cavernas Fue compuesta en 1982, comisionada por Ronald Bishop. Se estrenó en el Museo de Arte de Cleveland. La pieza contiene técnicas extendidas como multifónicos, coloración vocal del sonido (que a veces imitan el sonido del didgeridoo) y el pedal flutter. La música está compuesta por tres movimientos continuos: I Poderosa y dramática, II Lento y III Muy rápido y rítmico-Muy lento.

Rodrigo Sigal (México, 1971) Tiene un doctorado en composición musical con medios electroacústicos de la City University de Londres, Inglaterra, y la licenciatura en composición del Centro de Investigación y Estudios Musicales (CIEM), de México, y por varios años formó parte del taller de composición de Mario Lavista, además de haber estudiado con Denis Smalley, Javier Álvarez, Franco Donatoni, Judith Weird, Michael Jarrel, Alejandro Velasco y Juan Trigos, entre otros. Actualmente realiza un posdoctorado en la Escuela Nacional de Música de la UNAM, y está a cargo del Centro Mexicano para la Música y la Creación Sonora. Desde 1991 ha trabajado como compositor, ingeniero de sonido y grabación en su estudio particular en México, Londres y Santiago en obras para danza, video, radio y televisión, y fue el coordinador del Laboratorio de Música por Computadora en el CIEM de 1994 a 1998. Blood Stream La pieza explora las posibilidades tímbricas de la tuba y genera una corriente sonora con contrastes de intensidad. La obra es un intento por definir los límites entre el intérprete y el mundo real creados por la tecnología. Trata de crear un contexto en donde todo es válido. Está dedicada a Jesús Jara y fue creada en el estudio del compositor y en el Gabinete de Música Electroacústica de Cuenca, con apoyo de los laboratorios del LIEM (Madrid) y Phonos (Barcelona).

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William Penn (Estados Unidos, 1943) Es el jefe de grabaciones de la Universidad de Arizona en Tucson, Estados Unidos; ha producido discos para EMI, Warner Music, Universal Music y SONY Europa. Recientemente compuso la música de obra The Fitzgeralds, basada en la vida de Scott y Zelda Fitzgerald, protagonizada por Alec Baldwin en Nueva York. Ha compuesto música para el Festival Shakespeare de Nueva York, el Eliot Feld Ballet, las orquestas sinfónicas de Atlanta e Indianápolis y el Festival de Música de Aspen; además de escribir música para teatro, cine y televisión. Sus obras se han interpretado en salas de concierto como el Lincoln Center, el Carnegie Hall y el Kennedy Center, entre muchas otras en Estados Unidos y el extranjero. Tres ensayos Esta pieza fue escrita para Gene Pokorny, y se estrenó en el Primer Simposio Internacional de Tuba en la Universidad de Indiana en 1973. Está dedicada a Barney Childs, que inspiró su composición.

Glenn Smith (Estados Unidos, 1946) Recibió la licenciatura y la maestría en artes de la Universidad de California, Hayward; y el doctorado en música por la Universidad de Indiana. Enseña teoría musical, composición m u s i c a l y a r re g l o s . H a e s c r i t o m á s d e cuatrocientas piezas, incluyendo obras para coro, de cámara y orquestales; música de jazz y electrónica; y música para danza, video, cine y televisión. Sus composiciones han sido interpretadas en Estados Unidos, Canadá y Europa, incluyendo comisiones de conjuntos, instituciones y solistas. Algunas de sus composiciones más recientes se centran en la música para la curación y las aplicaciones terapéuticas, un tema sobre el que imparte conferencias, seminarios y talleres. Forowen 3 Forowen 1 fue escrita para flauta alto y tuba en 1973. Más tarde escribí Forowen 2 para flauta y tuba y Forowen 3 para piccolo y tuba, dedicadas a John y Lori Turk. La verdadera razón de esta serie es explorar la relación entre estos instrumentos aparentemente diversos.

David Sampson (Estados Unidos, 1951) Recibió una beca del New Jersey State Council on the Arts en 2006. Ha merecido becas y apoyos del NEA, la American Academy of Arts and Letters, la Barlow Endowment, la Jerome Foundation, el Cary Trust y la Dodge Foundation, entre otros. Tiene títulos otorgados por el Curtis Institute of Music, el Hunter College, la Manhattan School of Music y la Ecole d’ Art Americaines, donde estudió composición con maestros como Karel Husa, Henri Dutilleux y John Corigliano; y trompeta con Gerard Schwarz, Gilbert Johnson, Robert Nagel y Raymond Mase. Su música es publicada por Editions BIM, Hickman Pulications, Cantate Press

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y David Sampson Music. Ha formado parte del Board of the Composers Guild de New Jersey y la Bergen Foundation. Fue compositor en residencia de la Colonial Symphony Orchestra de 1998 a 2007. Vísperas Fue escrita en 1995 para Scott Mendoker. El título se deriva de un servicio en la iglesia Anglicana conocido como vísperas en el que la mayor parte de la liturgia es cantada y generalmente se presenta por la tarde. Mi intención era presentar la tuba de una manera lírica y grave. La textura electrónica que acompaña apoya la tuba con los motivos que crecen y cambian con el tiempo. El sentido general de la música es la meditación.

Jorge Sosa (México, 1976) Radica actualmente en Nueva York. Es profesor adjunto en el Empire State College de la State University of New York. Ha sido profesor de composición y teoría en Elmhurst College en Chicago y LeMoyne-Owen College, en Memphis. En 2008 obtuvo el grado de doctor en música por la Universidad de Missouri, en Kansas City. Concluyó la maestría en composición en el Mannes College of Music de Nueva York en 2005. Su música de cámara ha sido interpretada en foros de México, Estados Unidos y Europa, incluyendo conciertos en París, Dublín, Sofía, Barcelona, Londres y Nueva York, y en varios festivales de música nueva como el Foro Internacional de Música Nueva “Manuel Enríquez”, el Electronic Music Midwest y el New York Electronic Music Festival. A Well Organized Disaster Fue originalmente compuesta para trombón y percusión. El compositor hizo el arreglo de la obra para tuba y percusión, a petición de Jeffrey Meyer.

Intérpretes Jeffrey Jacob Meyer Reside en la Ciudad de México, y es instructor en línea del Highland Community College. Ha sido maestro del Instituto Superior de Música del Estado de Veracruz, el Instituto de Música de Cleveland y el Centro de Música Luzerne. Ha tocado con las orquestas Sinfónica de Xalapa, Filarmónica de la Ciudad de México, Sinfónica de Springfield y Sinfónica de Mansfield; el Quinteto de Metales de Kent y el Conjunto de Alientos de Eastman, entre otros. Tiene un doctorado en artes musicales del Instituto de Música de Cleveland, una maestría en dirección orquestal y tuba por la Universidad Estatal de Kent y una licenciatura en música del Conservatorio de Música Eastman. Mary Elizabeth Thompson Ver página 95

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Oscar Sánchez Comenzó a estudiar piano con Irma Contreras Echevarría a los cinco años, posteriormente ingresó a la Escuela Nacional de Música de la UNAM para continuar sus estudios de piano con Ramón Mier García; formó parte del Coro de Niños Cantores de la misma institución, bajo la batuta de Patricia Morales, con quien realizó giras nacionales y al extranjero. Más tarde fue aceptado en la cátedra de piano de Paolo Mehlo. En el nivel medio superior, comenzó la carrera de percusionista. Actualmente forma parte del Ensamble Nuevo de México y participa con la Orquesta Sinfónica de Coyoacán, entre otras.

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Programa 9 Auditorio Blas Galindo Centro Nacional de las Artes Jueves 14 de junio, 17 horas

Georgina Derbez ¡Qué alta va la luna! (Lucía…) (2011)*

11’

Arístides Llaneza A la sombra del azul (2011)*

10’

Intermedio Ignacio Baca Lobera Quantum Leap II (2011)* 12’ Philippe Manoury Last (1997)** 7’ *Estreno mundial **Estreno en México

Duplum Duo Fernando Domínguez, clarinetes Iván Manzanilla, percusiones

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Compositores Georgina Derbez (México, 1968) Inició estudiando piano con Marta García Renart. Continuó piano en la Escuela Superior de Música con Ana María Tradatti, y composición con Arturo Márquez; y clases privadas de composición y análisis con Ana Lara. Se graduó con mención honorífica de la Escuela Superior de Música en 2000. Asistió a cursos en España, Francia y Alemania con maestros como Toshió Hosokawa, Klaus Huber, Mauricio Sotelo, José Manuel López López, Brian Ferneyhough, Chaya Czernowin, Theo Loevendie, Roberto Sierra. Sus obras han sido tocadas en Francia, Alemania, España, Brasil, Italia, Holanda, Dinamarca, Canadá y Estados Unidos. Sus piezas son para instrumentos solistas, grupos de cámara y orquesta sinfónica. Fue becaria del Fonca en el programa de Jóvenes Creadores en dos ocasiones, actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores y tutora del programa Jóvenes Creadores. Es maestra de composición y contrapunto de le Escuela Superior de Música. Fue curadora de Puentes, Nuevo Festival Hispano Mexicano de Música Contemporánea 2009. Ha colaborado en el Festival Internacional de Música y Escena como coordinadora académica. ¡Qué alta va la luna¡ (Lucía...) Esta pieza toma como material inicial una obra anterior compuesta originalmente para guitarra, transformando sus materiales y añadiendo partes nuevas. Las dos partes centrales son casi cadenzas, la primera para clarinete, la segunda para marimba, de un carácter lírico y a la vez virtuoso. La última parte lleva al dúo a un clímax de registro y velocidad, seguido de un epílogo donde se susurra una línea de un texto de Lorca que da parte al título, “¡Qué, alta va la luna!” Está dedicada a Lucía Domínguez y fue escrita con el apoyo del SNCA.

Arístides Llaneza (México, 1974) Su formación musical la realiza en el Mannes College of Music y el Queens College de Nueva York, en la Schola Cantorum de París y en el Sonic Arts Research Centre de Belfast, Irlanda del Norte. Sus maestros fueron Narcis Bonet, Sydney Hodkinson, Stephen Jaffe, Anthony Kelley, Philip Lasser y Scott Lindroth. Su música ha sido presentada en la Sala Nezahualcoyotl, el Music Institute of Chicago, el E-Werk de Friburgo y el National Concert Hall de Dublín; y en festivales como Encounters With the Music of Our Time, Milestones, June en Buffalo, Música Nueva y Foro Universal de las Culturas, en Monterrey, Festival Internacional de Arte Contemporáneo de León y Festival Cultural de Mayo en Guadalajara. En 2010 fue compositor residente del X Festival Sinkro en Vitoria-Gasteiz, España. En 2007 fue uno de los ganadores del Concurso Nacional de Composición convocado por Conarte. Otros premios incluyen el William Klenz Composition Prize, Premio Chihuahua y, en tres ocasiones, la beca David Alfaro Siqueiros. De 1999 a 2006 recibió la beca Graduate School Fellowship de la Duke University. Es fundador y actual curador del área de música contemporánea del Festival Internacional Chihuahua.

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A la sombra del azul Busca explorar el mundo sonoro sugerido por dicho título, tomando el fenómeno visual de la sombra como modelo para componer un discurso musical que yuxtapone objetos sonoros reales y sus reflejos (¿quizá imaginarios?). A su vez el color azul, proveniente de la obra de Darío, la cual tiene un papel importante en el imaginario sonoro de mi obra), sirve como un filtro que colorea la armonía y sugiere un mundo sonoro, melódico y gestual específico. La escritura emplea una notación no tradicional con el fin de crear un discurso rítmico y melódico fluido, con énfasis en la generación de procesos y la improvisación del detalle por parte de los intérpretes, creando así la sensación de flotar sobre el tiempo, mas no delimitarlo de forma rígida.

Ignacio Baca Lobera (México, 1957) Se inició en la música de manera autodidacta. Estudió composición con Julio Estrada en la UNAM, y posteriormente con Joji Yuasa, Jean-Charles François y Brian Ferneyhough en la University of California en San Diego, obteniendo los títulos de maestría y doctorado en composición musical. Su música se ha tocado en México, Estados Unidos, Alemania, Japón, Suiza, Suecia, Austria, Francia, Reino Unido, Colombia, Rumania, Dinamarca, Holanda y Ucrania. Ha sido compositor invitado de los Cursos Internacionales de Música Contemporánea en Darmstdat, Alemania. Fue seleccionado tres veces para los festivales internacionales ISCM de Suiza, México y Rumania. Ha recibido encargos del Festival Internacional Cervantino (FIC), la UNAM y el INBA así como de diversos grupos y solistas. Actualmente es docente en la Universidad Autónoma de Querétaro, donde imparte las clases de composición, análisis y música electrónica. De 1997 a 2003 y de 2005 a 2008 fue becario del Sistema Nacional de Creadores del Fonca. Ha participado en el Foro Internacional de Música Nueva “Manuel Enríquez”, el FIC, el Musik im Schömer-Haus de Austria, y los festivales Primavera en La Habana y Radar de México, entre otros. Fue compositor en residencia en la Universidad de Aveiro, Portugal, en 2008. Quantum Leap II Es una continuación de la exploración sonido/ruido que me ha interesado desde hace varios años. En esta pieza, en particular, se propone la deconstrucción de la identidad de los instrumentos. La obra está compuesta y dedicada al Duplum Duo.

Philippe Manoury (Francia, 1952) Se formó en composición en la École Normale de Musique de París, con Gérard Condé y Max Deutsch. Ingresó después en el Conservatoire National Supérieur de Musique de París, donde estudió con Ivo Malec y Michel Philippot. Asistió a la clase de análisis de Claude Ballif. Tomó cursos de composición asistida por ordenador con Pierre Barbaud y en 1980 se incorporó al IRCAM. A los 19 años, sus obras eran ya interpretadas en los principales conciertos y festivales de música contemporánea.

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En 1988, su obra Júpiter ganó el premio de la Société des auteurs, compositeurs et éditeurs de musique a la mejor creación contemporánea. La informática musical es una herramienta fundamental en su trabajo de composición. Desde 2004 ejerce como profesor de la Universidad de California en San Diego, donde enseña composición, análisis musical y procesamiento en tiempo real de la señal. Last Fue escrita para Armand Angster y Emmanuel Séjourné. Ambos instrumentos, tan diferentes entre sí, encuentran un ámbito común en las figuras rítmicas y los estilos de ejecución. La obra comienza con un recitativo del clarinete bajo que será interrumpido en distintos momentos por elementos contrastantes. Este recitativo es la base de toda la obra.

Intérprete Duplum Duo Se presentó por primera vez durante los cursos de música contemporánea en Darmstadt, Alemania en 2004. Desde entonces, ha actuado en el Festival Internacional Cervantino, el Festival Internacional Chihuahua, el Foro Internacional de Música Nueva “Manuel Enríquez”, El Colegio Nacional de México, Instrumenta Oaxaca, el Festival Puentes 2010; y en Morelia, en donde fue grupo residente del Conservatorio de las Rosas en 2006. En 2011 fue invitado a participar en el proyecto anual del Asian Youngs Musicians’ Connection, organización que tiene como fin la difusión de la música de compositores jóvenes de Asia y Estados Unidos, en San Bernardino. Además del repertorio tradicional, ha experimentado, con el uso de nuevas tecnologías, la improvisación, así como el teatro musical. En sus ocho años de existencia ha generado repertorio específico para su instrumentación por compositores mexicanos y de otras nacionalidades como Ignacio Baca Lobera, Rodrigo Sigal, Verónica Tapia, Georgina Derbez, Alejandra Hernández, Carole Chargueron, José Luis Castillo, Joao Pedro Oliveira, Chong Kee Yong, entre otros. Ha impartido cursos específicos dirigidos a jóvenes compositores e instrumentistas mexicanos.

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Programa 10 Auditorio Blas Galindo Centro Nacional de las Artes Jueves 14 de junio, 20 horas

Sandra Lemus Hernández Sin título (2010) 8’ Chen Yi Romance de Hsiao y Ch’in (1998)

5’

Hébert Vázquez Venus Express (2009)

15’

Ensamble Cello Alterno Iracema de Andrade, violonchelo Edgardo Espinosa, violonchelo Edith Ruiz, piano Intermedio Charles Wuorinen Ave Maria... Virgo Serena (2007)**

5’

Toru Takemitsu Between Tides (1993)** 18’ Kevin Puts Simaku (1996)**

8’

**Estreno en México

Ensamble Tamayo Shari Mason, violín Jacob DeVries, clarinete Gregory Daniels, violonchelo Ana María Tradatti, piano

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Compositores Sandra Lemus Hernández (México, 1982) Nació en Morelia. Realizó su bachillerato musical en el Conservatorio de las Rosas bajo la guía de Germán Romero. Ha tomado cursos con compositores e intérpretes con Helmut Lachenmann, Tristan Murail, Teodoro Anzellotti, José Luis Castillo, Ignacio Baca Lobera, Hébert Vázquez, Ricardo Zohn-Muldoon, Carlos Sánchez-Guitérrez, Yan Maresz, Luca Francesconi y Emmanuel Nunes, entre otros. Sus obras han sido interpretadas en diversos festivales en México, Estados Unidos y Austria, por los ensambles Ossia, L’instant Donné, el Ensamble de las Rosas, la Camerata de las Américas, International Contemporary Ensemble, Platypus y Cello Alterno. Ha sido beneficiaria del Programa de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico de Michoacán en 2006-2007 y 2008-2009 y del Fonca en 2007. Fue ganadora de la Condecoración al Mérito Juvenil Morelia 2008 en el Ámbito Artístico-Cultural y primer lugar del Concurso Estatal de Composición. Sin título El título de ésta obra hace referencia directa a mi actual situación académica. La obra, escrita en 2010, resultó ganadora del primer lugar del Concurso Estatal de Composición del Estado de Michoacán, certamen que se llevó a cabo como parte del VI Festival Internacional de Música Contemporánea de Morelia. Fue estrenada por el Ensamble Cello Alterno. En la pieza se propone un discurso que evita, de manera tangencial, las nociones explícitas de pulso y métrica, dando lugar a la creación de ambientes de carácter contemplativo.

Chen Yi (China, 1953) Nació en Guangzhou. Comenzó sus estudios musicales a los tres años. Concluyó la licenciatura y maestría en el Conservatorio Central de Beijing y más tarde realizó estudios de doctorado en la Columbia University de Nueva York. Entre sus profesores de composición, destacan Mario Davidovsky y Wu Zu-qiang y Alexander Goehr. Ha escrito obras comisionadas por destacados intérpretes como Yehudi Menuhin, Yo-Yo Ma, Evelyn Glennie, y las orquestas Sinfónica de Singapur, de Cámara de Stuttgart y Filarmónica de la BBC. Asimismo, ha sido apoyada por las fundaciones Koussevitzky, Rockefeller y Guggenheim. Fue profesora en el Conservatorio Peabody de Baltimore y actualmente es profesora distinguida de composición en la Universidad de Missouri en Kansas City. Romance de Hsiao y Ch’in Fue compuesta originalmente para dos violines y orquesta de cuerdas, en 1995. Está dedicada a Yehudi Menuhin y fue estrenada en 1996, como parte de una gala en el Lincoln Center de Nueva York. La obra está escrita para instrumentos occidentales que reproducen el sonido y el estilo del Hsiao y del Ch’in, instrumentos tradicionales chinos. El primero es en realidad una flauta vertical de bambú en la que se interpretan melodías de gran lirismo mediante líneas delicadas, adornos y largos silencios.

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El Ch’in es una cítara de siete cuerdas con una historia de más de 2000 años y que cuenta por supuesto con un vasto y sustancial repertorio, además de una larga tradición interpretativa dentro de la historia de la música tradicional china. Esta versión fue creada en 1998.

Hébert Vázquez (Uruguay, 1963) Estudió composición con Mario Lavista, Lukas Foss, Leonardo Balada y Stephen Chatman. Posee un doctorado en composición por parte de la Universidad de la Columbia Británica en Canadá. Ha obtenido varios premios y distinciones nacionales e internacionales a lo largo de su carrera, entre los que destaca una reciente beca de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation en 2008. Actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Sus obras han sido grabadas por el cuarteto Arditti, Onix Ensamble, Ensamble 3, Gonzalo Salazar, Salvador Torre, el Cuarteto de Guitarras Manuel M. Ponce, Juan Carlos Laguna, Norio Sato, Versus 8 y Olga Chkourak. Autor de libros y artículos analíticos, se desempeña desde 2000 como profesor de tiempo completo de la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo. Venus Express Es el nombre de una sonda que la Unión Europea lanzó a Venus en 2005 y cuya misión concluirá en 2012. Los objetivos principales de la misión son estudiar la superficie del planeta en detalle, así como las interacciones entre ésta y su atmósfera. Sin embargo, el título de la pieza dedicada a Cello Alterno se abre a un sinnúmero de interpretaciones; me atrae particularmente la de un posible servicio erótico expedito. El discurso de la pieza, tan flexible como las lecturas semánticas de su título, acoge diversos referentes sonoros; yo podría sugerir el del rock, la vanguardia, la gestualidad posdonatoniana y el minimalismo.

Charles Wuorinen (Estados Unidos, 1938) Entre sus reconocimientos están la beca de la Fundación MacArthur y el Premio Pulitzer. Sus composiciones incluyen obras para orquesta, música de cámara, solistas, ballet y teatro. Sus obras más recientes incluyen It Happens Like This, estrenada en el Festival de Tanglewood en 2011, Time Regained, para Peter Serkin, James Levine y la Orquesta de la Ópera Metropolitana, la Octava sinfonía, para la Orquesta Sinfónica de Boston y Metagong para dos pianos y dos percusiones. Se le ha descrito como un compositor maximalista, por escribir música lujosa con eventos, líricos y expresivos, llamativamente dramáticos. Sus obras se caracterizan por armonías potentes y artesanía elegante, que ofrecen una liga a la música del pasado y una visión de un rico futuro musical. Ha trabajado con algunos de los más importantes intérpretes de nuestra época y sus obras reflejan el gran virtuosismo de sus colaboradores. Sus obras han sido grabadas en casi una docena de sellos discográficos incluyendo Naxos, Albany Records, Tzadik y Col Legno. Es integrante de la Academia Americana de Artes y Letras y de la Academia Americana de Artes y Ciencias.

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Ave Maria… Virgo serena Originalmente es un motete para coro mixto de cuatro partes, escrito en Milán en 1484/85 por Josquin des Prez, compositor franco-flamenco del Renacimiento, considerado el más famoso compositor europeo entre Guillaume Dufay y Giovanni Pierluigi da Palestrina. Quizá es su composición más famosa y hoy en día la más cantada. Wuorinen hizo el arreglo en 2007 para los conciertos de reunión del cuarteto Tashi y está dedicado al pianista del grupo, Peter Serkin.

Toru Takemitsu (Japón, 1930-1996) Nació en Tokio. Debutó a los 20 años. Toshi Ichiyanagui lo instruyó sobre el avant-garde europeo de Messiaen, Nono y Stockhausen, y Fumio Hayasaka lo introdujo al mundo de la música del cine y lo puso en contacto con Akira Kurosawa para quien compuso muchas partituras. Enseñó en la Universidad de Yale, y recibió invitaciones de residencias de universidades en los Estados Unidos, Canadá y Australia. Su trabajo temprano muestra influencias de Schoenberg y Berg, sin embargo las composiciones de su segunda fase creativa reflejan su preocupación por el Impresionismo francés, particularmente Debussy. En 1950 utilizó una grabadora para crear collages musicales de sonidos “reales”. A principios de los años 1960 aparecieron dos nuevos elementos en sus obras: por un lado, música japonesa tradicional en forma de yuxtaposición intencional de las culturas occidental y oriental y, por otro lado, la representación musical de fenómenos naturales. Recibió los premios Prix Italia, el Los Angeles Film Critics, de Música de la UNESCO-IMC, Grawemeyer de Composición Musical y el Glenn Gould. Fue integrante honorario de la Academia de las Artes de la República Democrática Alemana, la Academia Americana de Artes y Letras, del Ordre des artes et des letters y de la Academia Real de Música en Londres. Between Tides Se construye primariamente de seis intervalos ascendentes: segundo menor, cuarto, tercero mayor, tercero mayor, tercero menor. La palabra tides del título, mientras surgiere el movimiento del océano, también se puede interpretar como las estaciones, o como algo extremadamente multiforme, como, por ejemplo, los jardines del Japón antiguo podrían verse en su totalidad como alusiones –al universo, como metáforas del mar. No hay nada aquí que pueda llamarse un cambio o contraste dramático, pero de principio a fin se somete a un cambio lento, apareciendo y desapareciendo sin cesar, a fin de que no se pueda reconocer que un determinado cambio ha ocurrido en un determinado lugar. En esta obra es importante la gradación del cambio en el color, y por esta razón las especificaciones de la presión del arco para el violín y el violonchelo son dados con el propósito de interpretación. Fue compuesta para el Berliner Festspiele para ser interpretado por Pamela Frank, Yo-Yo Ma y Peter Serkin a quienes fue dedicada.

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Kevin Puts (Estados Unidos, 1972) Su obra ha sido comisionada e interpretada por orquestas de los Estados Unidos, incluyendo la Filarmónica de Nueva York, las sinfónicas de Baltimore, Cincinnati, Detroit, Atlanta, Houston y Minnesota; así como la Orquesta Tonhalle de Zurich, Suiza; además de ensambles de cámara como el Cuarteto Miró, el Trío Eroica, eighth blackbird, el Ensamble de Música Nueva de Pittsburgh y la Sociedad de Música de Cámara del Lincoln Center. Ha escrito conciertos para Makoto Nakura, Michael Shih, Bill Jackson y Yo-Yo Ma; un concierto para piano comisionado por la Orquesta de Cámara de Los Ángeles en 2008 estrenado por Jeffrey Kahane. Ha recibido premios y becas de la Academia Americana en Roma, la Fundación Guggenheim, la Academia Americana de Artes y Letras, BMI y ASCAP. Ha sido compositor residente de Young Concerts Artists, las sinfónicas de California y Fort Worth, la Orquesta de Cámara de Los Ángeles, el Festival Vail Valley, Music from Angel Fire y la Bach Dancing and Dynamite Society. Estudió composición y piano en la Eastman School of Music y la Universidad de Yale. Desde 2006 es miembro del departamento de composición del Peabody Institute en Baltimore. Simaku Escribí esta obra en 1996 para el Elm City Ensemble mientras asistía al programa de becas en Tanglewood. En ese momento estaba interesado en la música repetitiva en la que los patrones cambian de varias maneras a través del tiempo. Por ejemplo, una melodía lírica de violín poco a poco se convierte –se infecta– por el bullicio rítmico de los demás instrumentos, que a su vez pierden gradualmente las notas de sus patrones ocupados en favor de notas más largas. La tonalidad de la música también constantemente se aleja y regresa de las teclas blancas del principio. La obra lleva el nombre del compositor albanés Thoma Simaku.

Intérpretes Ensamble Cello Alterno Formado en 1996. Desde sus inicios, uno de sus objetivos centrales ha sido la creación de repertorio nuevo. El ensamble ha estrenado obras de compositores mexicanos como Mario Lavista, Gonzalo Macías, Federico Ibarra, Gabriela Ortiz, Ana Lara y Carlos Sánchez Gutiérrez, entre otros, además de estrenar en México obras de autores como Einojuhani Rautavaara, Renato Lemos, Eduardo Bértola y Ernest Mahle. Fue becario del Fonca en 2003, 2005 y 2008. Se ha presentado en las salas más importantes de la Ciudad de México. Ha participado en varias ediciones del Foro Internacional de Música Nueva “Manuel Enríquez”, en el XXXV Festival Internacional Cervantino, y el IV y VI Festival Internacional de Música Contemporánea de Morelia. En 2010 fue el ensamble dedicatario del Concurso Estatal de Composición de Morelia, participando como jurado y estrenando las obras finalistas. Se ha presentado en festivales como Discantus y Camaríssima. Sus integrantes llevan a cabo una intensa labor

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interpretativa, de investigación y docente que los ha llevado a tocar a lo largo de todo el país, además de Estados Unidos, Canadá, Argentina, Brasil, Cuba, Colombia, Venezuela, Reino Unido, España y China. Ensamble Tamayo Se formó en 2009. Sus programas mezclan obras para el ensamble entero con otras combinaciones o con músicos invitados, dándoles a sus presentaciones una variedad, texturas y periodos de música desde la antigua hasta la más contemporánea. Shari Mason concluyó sus estudios de licenciatura tanto en la Escuela Nacional de Música de la UNAM como en la Escuela de Música “Vida y Movimiento”. Realizó sus estudios de maestría en la Indiana University Jacobs School of Music y actualmente es concertino de la Orquesta Sinfónica Nacional y asistente de concertino de la Orquesta Sinfónica de Minería. Jacob DeVries se tituló en la Universidad de Louisiana en Baton Rouge e hizo su maestría en la Shepard School of Music de la Universidad Rice de Houston, Estados Unidos. Actualmente es clarinete principal en la Orquesta Sinfónica de Minería y clarinete asistente/clarinete piccolo en la Filarmónica de la Ciudad de México. Gregory Daniels obtuvo su licenciatura en la Universidad de Tennessee y la maestría en el Cleveland Institute of Music, en Estados Unidos. Es integrante de la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México y la Orquesta Sinfónica de Minería. Ana María Tradatti estudió en el Conservatorio de Córdoba y la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Córdoba, Argentina; obtuvo su licenciatura en la Academia de Música de Filadelfia y la maestría en la Escuela de Música de Manhattan, Estados Unidos. Imparte clases en la Escuela Superior de Música del INBA y es pianista del Trío Neos.

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Programa 11 Auditorio Blas Galindo Centro Nacional de las Artes Viernes 15 de junio, 17 horas

Alejandro Castaños Matching (2006)** 8’ Hugo Morales Enclosure (2008)** 8’ Martín Jaroszewicz Lago Argento (2009)** 10’ Aldo Aranda, percusiones Intermedio Iván Naranjo Máquina Esquiza I y II (2010)**

12’

Sergio Luque My life has been filled with terrible misfortune; most of which never happened (2004)**

9’

Alejandro Romero Fractis umbraculis (2011)* 10’ José Luís Castillo, director invitado *Estreno mundial ** Estreno en México

Liminar Willfrido Terrazas, flauta Saúl Sánchez Zea, clarinete Pedro Salvador Velasco, percusiones José Luis Hurtado, piano Julian Martínez, Carlo Prieto, violines Alexander Bruck, viola Jorge Amador, violonchelo Jonathan Méndez, contrabajo invitado

Compositores

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Compositores Alejandro Castaños (México, 1978) Realizó estudios de teoría y composición en el CIEM, el Conservatorio Real de La Haya, el IRCAM en París y en los talleres de Juan Trigos e Ignacio Baca Lobera. Ha recibido encargos de la Sociedad de Música de Cámara de Luxemburgo, el ensamble Concorde de Irlanda y de la Radio Nacional Alemana. Finalista del concurso Gaudeamus en Ámsterdam, Holanda, su obra se ha ejecutado por reconocidos intérpretes en los principales foros y festivales de música nueva. Actualmente es becario del programa Jóvenes Creadores del Fonca. Matching Este trabajo utiliza un intérprete y una proyección de video simultánea como referencia para explorar la sincronización in/out. La composición se propone subrayar el virtuosismo del ejecutante, la noción de la comprensión y la extensión del tiempo y las posibilidades rítmicas y el resultado del contrapunto entre el sonido y la imagen.

Hugo Morales (México, 1979) Estudió en el Centro de Investigación y Estudios de la Música de México. En 2002 se traslada a Holanda para continuar sus estudios, que finaliza en 2009 obteniendo la licenciatura y maestría con honores en sonología y composición en el Real Conservatorio de La Haya y el Instituto de Sonología, respectivamente. En 2011 obtuvo el grado de doctor en composición por el Centre for Contemporary Music Practice de la Brunel University en Londres. Como compositor y ejecutante se ha presentado en Grecia, Rusia, Holanda, Francia, Inglaterra, Suiza, España, México, Taiwan, Corea y Alemania. Su música ha sido interpretada por ensambles como el Cuareteto Arditti, el Ensemble Intercontemporain y el Cuarteto Latinoamericano. Enclosure Esta obra explora la relación en la producción de sonidos generados en base a una técnica de ejecución combinada con tecnología; pretende extraer y expandir las posibilidades y concepciones de un rudimentario pero fascinante instrumento latinoamericano como es el cajón. Sonidos que intentan crear una metáfora espacial, llevando el espacio de ejecución hacia una resonante caja de madera usando amplificación y difusión del sonido que normalmente es inaudible y otras veces creando una máquina de interacción digital que expande la técnica de ejecución hacia una casi coreografía llevada a acabo por el ejecutante.

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Martín Jaroszewicz (Argentina, 1979) Comenzó sus estudios en el Conservatorio Manuel de Falla, donde cursó teoría musical y guitarra clásica. En 2000 viajó a Estados Unidos donde llevó a cabo estudios de composición y música electrónica, así como de improvisación y nuevas tecnologías en la Universidad Northridge de California con Liviu Marinescu. Ha sido premiado en diversas ocasiones por sus composiciones y creaciones de instrumentos electrónicos. Actualmente cursa el doctorado en composición digital con Paulo Chagas en la Universidad Riverside de California. Lago Argento 800 pies debajo de la superficie del desierto de Chihuahua se encuentra un lago rodeado de paredes de plata. Mineros de “La Platosa” extraen sus minerales día y noche todo el año. Con el apoyo de una beca de investigación otorgada por la Universidad Irvine de California, viajé a la ciudad de Bermejillo para capturar los más preciosos sonidos desde el corazón de esta mina. Esta obra fue realizada procesando la grabación de video y sonidos para recrear el surrealismo del lugar.

Iván Naranjo (México, 1977) Estudió composición con Germán Romero y Ron Kuivila, Alvin Lucier y Anthony Braxton. Su música ha sido tocada en Europa y América, en festivales como: Internacional de Música Contemporánea de Michoacán, Visiones Sonoras, Impresiones Sonoras, Three Generations Festival, Instrumentos Solos y el Simposio Internacional de SuperCollider, entre otros; por reconocidos ensambles y solistas como el International Contemporary Ensemble, Flux Quartet, Ensamble 3, Alexander Bruck, Wilfrido Terrazas y el Trío Skalenos. Ha recibido becas y apoyos del SECREA, Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras, Fonca y State of Connecticut/Baden Württemberg. Escribe regularmente sobre música contemporánea y experimental para las revistas La Tempestad y Letras Libres en línea. Máquina Esquiza I y II Esta serie es una colección de obras-módulo. En ocasiones, a través de diferentes procesos de transformación, dos o más obras convergen en un mismo espacio de posibilidades. Las piezas tienen en común, además de estas ocasionales convergencias, una escritura precisa pero con aperturas a espacios de mayor libertad, donde es posible suspender el flujo temporal y decidir el devenir inmediato de la obra. Cada una de las piezas puede ser tocada de manera independiente o en combinación con una o más de ellas. La serie permanece abierta y está lejos aún de ser terminada.

Sergio Luque (México, 1976) Actualmente cursa un doctorado en composición en la Universidad de Birmingham con Jonty Harrison y Scott Wilson. En 2006 recibió un master en sonología, con mención honorífica y especialización en composición, por parte del

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Instituto de Sonología del Real Conservatorio de La Haya, donde estudió con Paul Berg y Kees Tazelaar. En 2004 obtuvo un master en composición por el Conservatorio de Rotterdam, donde estudió con Klaas de Vries y René Uijlenhoet. En 2001 recibió una licenciatura en composición del Centro de Investigación y Estudios Musicales de México, donde estudió con Kavindu Alejandro Velasco, Vincent Carver y Víctor Rasgado. De 2000 a 2003, tomó clases de composición con Ignacio Baca Lobera. Su música ha sido interpretada en Europa, América y Oceanía. My life has been filled with terrible misfortune; most of which never happened El título de esta obra fue tomado de los diarios del filósofo Michel de Montaigne. Fue a partir de esta frase que surgió la forma de la pieza: una secuencia de momentos y espacios que empiezan a transformarse, con la ayuda de electrónica en tiempo real, en algo amenazante y de mayor tamaño, pero que no es más que una ilusión: un espejismo que se desvanece una y otra vez.

Alejandro Romero (México, 1970) Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Realizó sus estudios musicales en la Escuela Superior de Música con Arturo Márquez y de forma particular con Ana Lara, Hilda Paredes y Hébert Vázquez. Tomó cursos de composición con Franco Donatoni y Roberto Sierra. Su música ha sido interpretada en el Foro Internacional de Música Nueva “Manuel Enríquez”, el Primer Encuentro Universitario de la Composición en México, la Primera Convención Internacional de Flauta Transversa de la Escuela Nacional de Música de la UNAM e Instrumenta Oaxaca, entre otros. Entre los intérpretes de sus obras están Onix Ensamble, el Cuarteto de la Ciudad de México y las filarmónicas de Guanajuato, Querétaro y de la Ciudad de México. En el extranjero, su música se ha tocado en Alemania, Austria, Francia, Canadá por agrupaciones como el Platypus ensamble, el trío Kunsbacka, Eva Zöllner y Elodie Guillot. Es profesor de composición y orquestación en la Escuela Superior de Música. Fractis umbraculis La obra fue escrita dentro del marco del Sistema Nacional de Creadores de Arte, Fonca-Conaculta en 2011. Los umbráculos, en esencia, son zonas de sombra que guardan la fragilidad de aquellos entes sensibles a la luz. Su representación más común es la de una estructura con techo plano. La imagen de esta estructura rompiéndose, es una imagen que palidece ante cualquier intento de aprehenderla. La idea de umbráculos rotos también se desdobla en el espacio en forma de huella, como un rastro disperso en el piso evoca un pasado inmediato. Ritornello de un fenómeno en transición, es decir, de una imagen que se estira casi completa hasta el aquí y el ahora, que no es presente ni tampoco pasado inmediato; en todo caso, hablamos de un instante idealizado, pero tan sublime, tan cercano a la idea de lo sagrado, que el acto del fractis umbraculis, la imagen, su sonido que recorre todo espacio cercano, se eterniza en el borde, en la zona fronteriza entre la ficción y el recuerdo.

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Intérpretes Aldo Aranda Inició sus estudios musicales en la Escuela Superior de Música del INBA y posteriormente en la Escuela Nacional de Música de la UNAM con Gabriela Jiménez Lara. Cursó estudios de maestría en marimba en el Conservatorio Real Flamenco en Amberes, Bélgica, con Ludwig Albert, y composición con Wim Henderickx. Es graduado en percusión contemporánea y sonología en el Real Conservatorio de La Haya, Holanda. Fue becario del Conaculta y el Fonca. Como intérprete ha estrenado más de veinte piezas diversas de compositores de América Latina, Asia y Europa, además de trabajar intensamente en comisiones para percusión, marimba y grupos de cámara. Ha colaborado con compositores, ensambles y directores como Louis Andriessen, Heiner Gobbels, Erich Sleichem, Peter Adriansz, Raúl Tudón, Gabriela Ortiz, Asko-Shoenberg ensemble, Ensemble LOOS, Troubleyn y Cora Bos-Kroese, entre otros. Fue percusionista con la Orquesta Filarmónica Flamenca durante la temporada 2004-2005. Ha sido invitado por diferentes orquestas en México, como la Orquesta de Cámara de Bellas Artes, la Orquesta del Teatro de Bellas Artes y la Sinfónica Carlos Chávez. Como solista ha tocado con ensambles en los festivales: Visiones Sonoras 2010, en Morelia, Gaudeamus Music Week 2008 en Ámsterdam, Arhusfestival, en Dinamarca, y el Internacional de Teatro, en Aviñón. Liminar Es un ensamble de músicos mexicanos de trayectoria nacional e internacional dedicados a la música contemporánea. Su instrumentación es variable, y está enfocado en la colaboración con compositores vivos, además de la creación de un repertorio con la música del siglo pasado que sigue siendo sorprendente e innovadora. Las líneas de programación del ensamble son principalmente tres: la música de las vanguardias artísticas del siglo XX, la música mexicana contemporánea más propositiva y la música experimental, en la tradición que parte de la obra de John Cage, y en las intersecciones de la composición y la improvisación. Nació en ocasión de una residencia en el Centro de las Artes de San Luis Potosí, en 2011. José Luis Castillo Ver página 12

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Programa 12 Auditorio Blas Galindo Centro Nacional de las Artes Viernes 15 de junio, 20 horas

Gilberto Moreno Ramos Sonetos de agua (2011)* 15’ Diana Syrse Valdés Red in Volatile Blue (2008-revisión 2012)*

13’

Intermedio Gabriel Pareyón Mokhäh ¡te ra mänto! (2004)**

14’

Douglas Tarnawiecki Entelequia II (2004)* 10’ *Estreno mundial **Estreno en México

Ensamble Nuevo de México Irina Toledo Rocha, directora huésped Miguel Salmon Del Real, director artístico Yadira Guevara, flautas Saúl Sánchez Zea, clarinetes y saxofones Omar Guevara, violín Román Castillo, viola Irene Carrasco, violonchelo Carlos Salmerón, piano Oscar Sánchez, percusión Mateo Ruiz Zarate, corno francés invitado

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Compositores Gilberto Moreno Ramos (México, 1988) Originario de Colima. Estudió guitarra con Jaime Irigoyen Infante; armonía, contrapunto y análisis con Eliseo Enciso, y piano con Olga Sevriogova. Cursó el bachillerato en artes y humanidades con especialidad en música en el Centro de Educación Artística “Juan Rulfo” de Colima. En 2010 recibió la beca del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes, por medio de la Secretaria de Cultura del Estado de Colima en la categoría de Jóvenes Creadores. Actualmente cursa estudios de licenciatura en composición bajo la guía de Leonardo Coral en la Escuela Nacional de Música de la UNAM. Su música se ha presentado en diferentes festivales a nivel nacional en Colima, Zacatecas y la Ciudad de México. Sonetos de agua Obra inspirada en el ciclo de poemas Sonetos de agua de Giselda Álvarez. Cada uno de los cinco movimientos que la integran se corresponde con cada uno los cinco poemas que forman el ciclo. El elemento que funciona como eje rector en toda la obra se encuentra representado por dos ideas rítmico-melódicas contrastantes que evocan el juego erótico que viven los personajes en los poemas. La figura femenina que declama y la presencia masculina del sujeto amado: el mar. Por su lenguaje esta obra cíclica nos recuerda la estética de los compositores impresionistas. En su estructura imita la construcción silábica y estrofita de los sonetos. Fue compuesta con el apoyo del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Colima 2010.

Diana Syrse Valdés (México, 1984) Compositora, arreglista y cantante. Realizó sus estudios de composición y canto en la Escuela Nacional de Música y cursa la maestría en la Indiana University en Bloomington y en el California Institute of the Arts. Ha estudiado composición con Gabriela Ortiz, Don Freund, Luis Pastor y Wolfgang Von Schweinitz. Sus composiciones han sido presentadas en Francia, Rusia, Alemania, México, Costa Rica, Venezuela y Estados Unidos. Ha recibido varios reconocimientos como el Merit Based Dean´s Award de la Indiana University y la beca para estudios en el extranjero del Fonca. Ha sido seleccionada como compositora para participar en festivales internacionales como el Foro Internacional de Música Nueva “Manuel Enríquez” 2006-2010; y en el Saarburg Music Festival in Saarbrücken, Alemania, como cantante. Fue miembro de Vox LaTina, el trío Maskensamble y Túumben Paax con quienes realizó giras alrededor de la república mexicana y ganó la beca de Artes por todas Partes y Coinversiones del Fonca. Sus obras han sido comisionadas y grabadas por diversos artistas como Alejandro Moreno, el Trío Coghlan, El Cofre, Túumben Paax, Isabel Beteta, Luis Mora y Olivia Abreu, entre otros. Red in Volatile Blue Es una obra que junta los colores más utilizados por Rufino Tamayo, traduciéndolos a un lenguaje sonoro. La pieza se usa en la sinestesia en la cual cada uno de los instrumentos interviene de forma tal que van

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creando un cuadro con pinceladas de gestos, frases y matices. Cada uno de los temas representa un color diferente con características particulares del estilo de Tamayo como rojo sarcástico, azul misterioso y blanco ligero; además de hacer algunas referencias a cuadros del artista. Así, los ejecutantes pueden darle un aire específico a cada pasaje imaginándose que están dentro de la mente del pintor. En cuanto a los temas, éstos se van presentando uno por uno y poco a poco se van combinando entre sí hasta formar el cuadro completo, comienza desde un color con un brillo y matiz definido hasta la creación de nuevos colores o temas como resultado de la mezcla de los anteriores, así pues, el tema del amarillo presentado por el clarinete se combina con el tema azul de la flauta y juntos desembocan en un solo de piano “verde juguetón”, creando un nuevo color dentro de la pieza; cada tema tiene un carácter y una razón de ser relacionada con el color que le corresponde y cada uno de los instrumentistas tiene esta indicación en las particellas, involucrándolas más íntimamente con la imagen que utilicé para componer la obra.

Gabriel Pareyón (México, 1974) Doctorado en musicología por la Universidad de Helsinki. Durante 2008 y 2009 residió en Manchester, Inglaterra, dedicándose al desarrollo de su tesis doctoral, y colaborando con el Northern Royal College of Music. Recibió licenciatura y maestría en composición musical del Conservatorio Real de La Haya, bajo la guía de Clarence Barlow. Diplomado en composición por la Escuela Superior de Música del INBA. Durante cuatro años perteneció al Taller de Composición del Conservatorio Nacional de Música bajo la dirección de Mario Lavista. Fue primer lugar en el Concurso Mundial de Composición para Saxofón en Ljubljana, 2006; segundo lugar en la Bienal de Composición “Piotr Jurgenson” del Conservatorio Tchaikovsky de Moscú en 2003, y tercer premio en el Concurso Internacional de Composición “Andrzej Panufnik” de Cracovia, 2001. En 2003 miembros de la Orquesta Sinfónica de Brandenburgo ofrecieron un concierto integral con sus obras en la Biblioteca Nacional de Berlín. A partir de 2011 es profesor asociado del Programa de Posgrado de la Escuela Nacional de Música de la UNAM y profesor honorario del Departamento de Música de la Universidad de Guadalajara. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Mokhäh ¡te ra mäntho! No es del todo extraño que esta partitura se intitule así (Hola, ¡te saludo de nuevo!, en lengua hñähñu u otomí), considerando por una parte mi interés en las lenguas nativas de México, mis largos periodos de aislamiento durante mis años de estudio en Holanda y, por otra parte, mi creciente convicción de que el saludo es una forma de encantamiento mágico que, procedente de una época preverbal, todavía perdura en las sociedades humanas. La idea de preverbalidad es, de hecho, fundamental en esta composición, que pretende elaborar un estado de pensamientos musicales cíclicos que favorezcan la sensación de retorno a un punto inicial. Formalmente, la obra fue planeada como construcción de una armonía rotacional simple, pseudotonal, para cíclicamente emprender su deconstrucción atonal. La instrumentación fue propuesta desde un principio para un ensamble de solistas, el cual interpreta, en un modo recurrente, una forma de “diálogo de saludos” entre cada una de sus partes. Se estreno en Alemania en 2008, y hasta ahora no había sido interpretada en México. La partitura está dedicada a mi amigo, el cornista mexicano Pantaleón Mendoza-Jänsch.

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Douglas Tarnawiecki (Perú, 1948) Se graduó de la Escuela Nacional de Música del Perú en composición y dirección coral. Obtuvo una beca Fulbright que le permitió continuar sus estudios en la Eastman School of Music, de la cual se graduó en 1977 con la maestría en composición. Desde 1988 vive en México donde es el director del Ensamble Coral de Coyoacán, del Ensamble Vocal Tawayra y del Coro de la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la UNAM. En 2002 recibió el primer premio en el 7º Concurso Nacional de Composición Coral del Sistema Nacional de Fomento Musical, y en la versión 2004 del mismo concurso, obtuvo el tercer premio. En 2005 se presentó su obra Piedra, viento, agua con texto de Octavio Paz, obra comisionada para el 3er. Festival Internacional de Música Contemporánea organizado por la embajada de España en Perú. Sus composiciones han sido tocadas en Alemania, Francia, España, Argentina, Perú, Colombia, México y Estados Unidos. Entelequia II Es una obra en un solo movimiento, en la cual los primeros compases generan un gradual entretejido de diversas escalas pentatónicas que se manifiestan en diversas culturas tradicionales. La composición está representada por diversas danzas que son interrumpidas a modo de interludios con partes musicales muy contrastantes. Este entretejido va mostrando, escondiendo y abriendo nuevas sonoridades en el discurso musical, y así, éste conduce el flujo musical a una plenitud climática en la cual los diversos elementos melódicos, rítmicos y tímbricos se encuentran, chocan y se funden entre sí, y que finalmente, como una ola que se disuelve al llegar a la orilla, caen en el silencio, intuyendo la creación de una nueva ola, una respiración.

Intérpretes Irina Toledo Rocha Graduada del Instituto Superior de Artes en Ciudad de La Habana, Cuba, en dirección orquestal, bajo la tutela de Jorge López Marín. Recibió cursos con Jae John Lee, Francesco Belli y Ronald Zollman. Fue nombrada directora adjunta de la Orquesta Sinfónica de Villa Clara en 2005, en 2010 directora titular, y en 2011 directora general de esta institución. Participó en las ediciones II, III, IV de los Festivales Nacionales de Orquestas Sinfónicas. Ha realizado conciertos en calidad de directora invitada con las Orquestas Sinfónicas de Camagüey, Holguín y Oriente; asimismo, ha incursionado en la conducción de diferentes agrupaciones de cámara. En 2010 participó con la Orquesta Sinfónica de Villa Clara en el 22 Festival Internacional de Ballet de La Habana. En 2011 compartió escena con la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Harvard. Cursó la maestría en música, perfil dirección de orquestas, en el Instituto Superior de Artes.

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Ensamble Nuevo de México Desde 2009 ha realizado sesenta y un estrenos mundiales de cincuenta y un compositores radicados en diversas partes del mundo. Dichas obras, escritas expresamente para el Ensamble Nuevo de México y su director y fundador Miguel Salmon Del Real son el resultado de la colaboración directa entre creadores y ejecutantes. Conformado por solistas, asiduos músicos de cámara y miembros principales de sección de diversas orquestas sinfónicas del país, el Ensamble busca abordar, primordialmente, obras de estreno de autores vivos, que a través de una colaboración conjunta entre compositores e intérpretes coadyuven a la construcción de un repertorio tanto nuevo como innovador y a su materialización artística por medio de la ejecución más auténtica.

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Programa 13 Sala Manuel M. Ponce Palacio de Bellas Artes

Sábado 16 de junio, 12 horas John Harbison Mirabai songs (1983)** 17’ Mario Stern Cinco miniaturas (2011)*

6’

Luigi Dallapiccola Quattro liriche di Antonio Machado (1948)** 7’ Intermedio Fernando Cataño Sueño mexicano (2011)* 11’ Kaija Saariaho Quatre Instants (2003)** 20’ *Estreno mundial **Estreno en México

Karla Muñoz Arias, soprano Dmitri Dudin, piano

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Compositores John Harbison (Estados Unidos, 1938) Ha recibido numerosos premios y distinciones, entre los que se incluyen: el premio Genius de la Fundación McArthur, el premio Pulitzer y el premio Heinz de Artes y Humanidades. Ha compuesto música para la mayoría de las instituciones musicales de su país, incluyendo el Metropolitan Opera (para quien escribió The Great Gatsby), la Ópera Lírica de Chicago, la Filarmónica de Nueva York, la Sinfónica de Chicago, la Sinfónica de Boston, la Filarmónica de Los Ángeles, la Sociedad de Música de Cámara del Lincoln Center y los festivales de Santa Fe y Aspen. Su trabajo incluye cuatro cuartetos de cuerdas, cinco sinfonías, un ballet, tres óperas y un gran número de obras para orquesta de cámara y para coro. Mirabai songs La poesía religiosa extasiada de Mirabai fue escrita en el siglo XVI en la India. Cuando ella tenía 27 años, su marido fue muerto en la guerra. Mirabai rechazó morir en la pira de entierro de su marido, como era la costumbre. En cambio, ella dejó a su familia, escribió poemas a Krishna y los cantó y bailó en las calles.

Mario Stern (México, 1936) De 1964 a 1966 comenzó la carrera de composición con Harald Genzmer, alumno de Hindemith, en la Escuela Estatal de Música en Munich; de 1968 a 1970 siguió dicha carrera con Henri Dutilleux en la Escuela Superior de Música de París. De 1987 a 1991 fue presidente de la Liga de Compositores de Música de Concierto de México. En 1990 obtuvo una beca de creación artística del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes. En julio de 2000 obtuvo un apoyo del mismo organismo para la publicación de su libro y disco Improvisaciones infantiles. En octubre de dicho año obtuvo el grado de doctorado en composición musical de la Atlantic International University. En 2011 su obra As I lay dying, para octeto de saxofones, fue elegida para tocarse en los Días Mundiales de la Música en Zagreb, Croacia. Es profesor en la Escuela Nacional de Música de la UNAM. Cinco miniaturas Las cinco miniaturas son de diferentes épocas: Desenterrando y Cancioncita son muy antiguas. Reminiscencia, como su nombre lo indica, tiene elementos antiguos, pero en un contexto nuevo. Alternancia y Matutino fueron escritas en 2011. A pesar de las diferentes épocas, ninguna de las miniaturas ha sido tocada por pianista alguno.

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Luigi Dallapiccola (Italia, 1904-1975) A partir de 1918 siguió estudios musicales en Trieste, y más tarde en Florencia, en donde conoció a Alban Berg y fue alumno de Alfredo Casella hasta 1925. Nombrado profesor de piano y de composición del Conservatorio de Florencia, desde 1950 también impartió cursos en Estados Unidos. Sus primeras composiciones, inscritas en la amplia corriente de la música moderna, están influidas por Debussy, Mahler, Schoenberg, Stravinski, Berg y Busoni. Sus primeras obras maestras son los Tres laudes (1936-1937) y la ópera Vuelo nocturno (1937-1939), basada en la novela Vol de nuit de Antoine de Saint-Exupéry. Su obra enlaza la de los compositores veristas, como Puccini, con la de los vanguardistas de los años cincuenta, representados por Luigi Nono, Luciano Berio y el propio compositor. Otros trabajos dignos de mención son Cuaderno musical de Annalibreria, Chacona, intermedio y adagio e Hinos. Música para tres pianos. Quattro liriche di Antonio Machado Esta obra se destaca por el manejo innovador de la armonía, forma y fijación del texto de Machado, donde encontramos como su poesía se aleja de la concepción modernista de que ésta es meramente forma y la suma de las artes. No importa tanto la forma, la musicalidad, la buena rima, si no se cuenta nada íntimo y personal. El verbo es lo más importante, porque expresa el tiempo, la temporalidad que él considera esencial.

Fernando Cataño (México, 1928) Nació en la Ciudad de México. Contrabajista y compositor egresado del Conservatorio Nacional de Música; alumno de José Luis Hernández, Blas Galindo, Juan León Mariscal, José Pablo Moncayo, José Rocabruna y Rodolfo Halffter. Fue asesor de la Coordinación General del INBA, coordinador Nacional de Música y Coros del IMSS, asesor y coordinador de los talleres de música de las 16 delegaciones del Departamento del D.F., miembro de la Sociedad Mexicana de Música Nueva, la Sociedad Mexicana de Geografía y Estadística del Instituto Mexicano de Ciencias y Humanidades, y de la Asociación de Escritores y Artistas Españoles. Sueño mexicano Fue escrita y estrenada originalmente en 2011, sin embargo, el compositor ha hecho una revisión dando por resultado esta pieza que, sin duda, constituye una de las más representativas de su pensamiento musical actual. El compositor ha expresado que fue concebida y realizada de manera sincrética, y no es sino base de un formato medular que ha venido desarrollando. Su perfil técnico desborda un discurso de ricos giros tanto rítmicos y melódicos como armónicos. A la vez, se trata de una obra en donde el título no es sino, quizá, —al fin, abstracto—, una mera referencia de una (posible) esperanza colectiva. Eduardo Soto Millán

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Kaija Saariaho (Finlandia, 1952) Estudió en la Sibelius Academy con Paavo Heininen. Con Magnus Lindberg, entre otros, fundó el grupo progresivo Ears Open. Continuó sus estudios, primero en Freiburg con Brian Ferneyhough y Klaus Huber, y después en cursos de verano en Darmstadt; y desde 1982 en el Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique (IRCAM) en París, ciudad donde reside actualmente. En el IRCAM desarrolló técnicas de composición usando la computadora y adquirió experiencia de trabajar con cintas y música electrónica en vivo. Esto influyó en su manera de escribir para orquesta, con énfasis en formar masas de sonido que se transforman lentamente. Su música siempre muestra preocupación por el espectro de sonido, textura, microtonos y la extensión de sonido que empieza desde tono puro hasta ruido. Quatre instants Se me ocurrió la idea de contrastar imágenes destiladas en momentos breves pero intensos. Esta es la razón del título. El ciclo está escrito para soprano y piano. Encontrar en el piano los colores que yo escuchaba en mi cabeza y traducir un amplio rango de emociones a simples líneas vocales fue muy parecido al trabajo de un joyero, construyendo una pieza diminuta y muy detallada con la ayuda de una lupa. Comencé por buscar textos en finlandés, sin embargo, no encontré nada que pudiera ajustarse a las ideas que yo tenía y pronto me resolví por Amin Maalouf, con cuya escritura yo ya estaba muy familiarizada. El me proporcionó varios poemas breves, de los cuáles escogí tres y escribió un cuarto especialmente para mí, basado en el material de los primeros tres. Ésta se convirtió en la canción final, que cierra el ciclo, regresando al narrador al humor expectante del inicio, pero con recuerdos de todo aquello por lo que ha pasado. Sus palabras y frases cortas son códigos que ocultan un mundo de experiencias, colores, aromas. Yo me he empeñado en traducir estas sensaciones en un lenguaje musical.

Intérpretes Karla Muñoz Arias Inició sus estudios en 1992 con Antonio González. Es licenciada en canto por la Escuela Superior de Música del INBA, donde estudió bajo la tutela de Maritza Alemán. Ha participado en las óperas: Carmen, La flauta mágica, Trouble in Tahiti, Teseo, La serva padrona, y en las obras de oratorio y música de cámara: Requiem de Fauré, Misa en Re Mayor de Dvořák y Stabat Mater de Pergolesi. Junto al ensamble Tempus Fugit ha hecho la primera grabación latinoamericana de Pierrot Lunaire op. 21 de Arnold Schönberg gracias al apoyo del Fonca. En 2009 participó en Moctezuma II/La guerra sucia, montaje teatral a partir de la ópera Montezuma de K. Graun y en Die Zauberflöte en Cuernavaca. Fue becaria de FOECA-Sinaloa 1998-1999, de SIVAM en 20032005. Se ha presentado en los festivales: de Culturas San Cristóbal 2009, de Música Barroca de San Miguel de Allende 2010, Internacional de Chihuahua 2010 y el Foro Internacional de Música Nueva “Manuel Enriquez” 2011. Ha trabajado con maestros como: Horacio Franco, Gordon Campbell, Enrique Patrón de Rueda, José Areán, y, entre otros. Desde enero de 2011 es integrante del Coro de Madrigalistas el INBA.

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Dmitri Dudin Nació en Ekaterinburgo, Rusia. Inició sus estudios musicales a los cinco años. Entre 1982 y 1990 estudió en el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú composición, piano y musicología. Terminó el curso de composición musical con Tíjon Jrénnikov, y tomó clases con Edison Denísov. Reside en México desde 1990, y ha trabajado como arreglista, pianista y profesor de materias musicales. Entre sus obras destacan: Concierto de cámara (1997), encargado y estrenado por la Orquesta de Baja California; Concierto para violín y orquesta (2003), encargado y estrenado por la Orquesta de Cámara de Bellas Artes y Ludi Geminorum (Juegos de gemelos) concierto para 3 violas (2010). Ha compuesto obras para orquesta sinfónica, orquesta de cámara, piano solo y otros instrumentos; además de música para teatro y cine; colabora como orquestador y arreglista con diversas orquestas y ensambles. Como pianista ha participado en numerosos recitales con solistas mexicanos y extranjeros. En el área de la música popular, compone para espectáculos de cabaret y variedades. Ha acompañado a Eugenia León, Margie Bermejo, Susana Zabaleta y Betsy Pecanins.

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Programa 14 Auditorio Blas Galindo Centro Nacional de las Artes Sábado 16 de junio, 18 horas

Alejandro Casales Ante Meridiem 5.1 (2011)* 12’ Wan Yuk Bun Nei Lau (2011)* 4’ Ernesto Illescas Peláez Birdcage on Stuff (2009)**

8’

Héctor Ulises Vera Rodríguez Fractalidad (2011) 5’ Rafael Rentería Hernández Gravedades (2011) 7’ Luis Paul Millán Naturaleza acusmática (2011) 8’ Manuel Ramos Negrete David y Goliat (2008)

9’

*Estreno mundial **Estreno en México

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Compositores Alejandro Casales (México, 1974) Ha cursado seminarios y talleres de especialización con Carlos Montemayor, Francis Dhomont, Gustavo Artigas, Rodrigo Sigal, Santiago Ortiz, Fabián Jiménez Gatto, Peter Campus y Humberto Jardón, por mecionar algunos. Su obra sónica ha sido publicada por el centro Music & Recherche de Bélgica, el Centro de Música y Artes Sonoras de Morelia, Michoacán, la Universidad del Claustro de Sor Juana, por Steve Torthon y Syncrosound Studios de Malasia. Ha sido reconocido en el Concurso Internacional-Metamorphoses V, Music & Recherches en Bélgica. Obtuvo el primer lugar del Premio Visiones Sonoras-Yamaha, a la mejor obra de un compositor mexicano. Ha sido seleccionado en festivales internacionales como: el EMU Fest del Conservatorio de Santa Cecilia, Italia; la 6ª Internacional de Artes Electrónicas de Taiwán, China; las Jornadas Argentinas de Música Contemporánea de la Universidad Nacional de Córdoba; el Zeppelin de Barcelona, España; el Primavera en La Habana, Cuba, y el de Artes y Humanidades de la Universidad del Norte de Carolina, Estados Unidos. Ha sido el principal organizador del Festival Internacional La Ira Sónica. Ante Meridiem 5.1 Es creada a partir de un flujo de movimientos que se grabaron con el Cuarteto Latinoamericano y con una disposición de elementos diferentes que se traducen en un trabajo delicado que tiene como resultado un agradable conjunto de frecuencias. Donde la libertad de nuevas interpretaciones no se limita. Así, el efecto de la percepción de esta obra se crea a partir de cuatro aspectos: movimiento; el estudio de las frecuencias; el tiempo; y la alineación temporal. El trabajo final es una sincronización con un sentido de inminencia. Una descomposición. La obra se ha creado con una cinta del Cuarteto Latinoamericano y un conjunto de nuevos sonidos transformados en síntesis utilizando procesos estocásticos, estudios de doppler, eco, los cambios de pulso, estudios de descomposición y los estudios de frecuencia de resonancias, entre otras cosas. Además de una dedicada mezcla equilibrada que en general que permite al oyente escuchar distintas calidades de sonido, profundidad y una sensación completamente nueva del espacio.

Wan Yuk Bun (China, 1983) Comenzó sus estudios musicales en 2003 en Hong Kong, composición con Joe Leung Kong Pan, y guitarra clásica con Su Long-Ming. A partir de 2010 estudia en el programa Life Long Learning de la Janacek Academy of Music and Perfoming Arts en Brno, República Checa, con especialización en composición, bajo la tutela de Omar Rojas, y guitarra con Vladislav Blaha y Matej Freml. Durante su estadía en la República Checa ha asistido a diferentes talleres y conferencias, incluyendo el 15th Annual Percussion Workshop Symposium en Trstenice y el Brno International Guitar Festival en 2011.

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Nei Lau (Moribundo) Flotando en la profundidad en estado semilíquido, rodeado de oscuridad interminable; el mundo entero es silencioso, excepto por el sonido de la corriente que golpea las cosas. Solo puede seguir el curso, sin nada más que hacer ¿A dónde va? Nadie lo sabe… De pronto aparece una brisa congelada y vuelve al mundo aún más frío, gélido. Llega al parteaguas completamente congelado. La colisión es inminente. La corriente arrastra todo. La gravedad sumerge todas las cosas, reventando todo. Pasa el tiempo y una pieza rota comienza a flotar, comienza un nuevo viaje entre las ondas… ¿A dónde ira?

Ernesto Illescas Peláez (México, 1977) Estudió la licenciatura en composición en el CIEM con María Antonieta Lozano, Alejandro Velasco, Guadalupe Sotres y Tomás Barreiro, entre otros. Entre 1999 y 2003 formó parte del Taller de Composición y Análisis de Víctor Rasgado. Gracias a la beca Delta cursó la maestría en composición en el Conservatorio de Ámsterdam, y realizó estudios de sonología en el Real Conservatorio de la Haya en Holanda. Fue becario en dos ocasiones del programa Jóvenes Creadores del Fonca. Realizó la residencia Prácticas de Vuelo en el CMMAS en Morelia. Su música ha sido interpretada en México y en el extranjero por artistas y grupos como: Quinteto de Alientos de la Ciudad de México, Asko Ensemble, Ensamble Signos, Nieuw Ensemble, Het Trio, Goeyvaerts Trio, Duane Cochran y Ear Massage, entre otros. Birdcage on Stuff Esta pieza surgió como resultado del trabajo de diseño sonoro realizado para la simulación de vida del Proyecto Ouroborus. Dado que dicha simulación es de una naturaleza generativa (a partir de algoritmos predeterminados y condiciones iniciales aleatorias), no tenía control más que sobre el algoritmo de síntesis y la interpretación de datos informáticos en el plano sonoro. Esta pieza surge como una reacción a esta falta de control. Para realizarla, tomé los algoritmos de síntesis ya diseñados y el autómata de celdas sobre el que corre la simulación. Con estos elementos y condiciones iniciales fijas di forma a la presente pieza.

Héctor Ulises Vera Rodríguez (México, 1985) Estudió piano y música en el INBA y después se adentró en la composición. Actualmente termina la carrera de composición en la Escuela Nacional de Música de la UNAM (ENM) bajo la cátedra de Julio Estrada. Cursó un seminario de técnicas de grabación en la ENM. Trabajó en diversos estudios de grabación como ingeniero de mezcla y productor, incursionando en el arte sonoro y medios electrónicos. Presentó una obra en el Festival Internacional Cervantino como becario del programa Prácticas de Vuelo 2011, y en ese mismo año fue becario del festival Visiones Sonoras del CMMAS en Morelia. Fractalidad La propuesta se basa en una transformación paulatina de sonoridades que se presentan como texturas sonoras que van lentamente cambiando en una atmósfera unificada representando las diversas texturas y colores de la naturaleza. Obra creada bajo el programa Jóvenes Creadores 2011 del CMMAS en Morelia, estrenada en el Festival Internacional Cervantino 2011.

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Rafael Rentería Hernández (México, 1987) Nació en la Ciudad de México. Inició sus estudios musicales a los 10 años. Actualmente cursa composición bajo la supervisión de Ignacio Baca Lobera. Ha tomado clases de composición con Enrique Marín, Rafael Miranda Huereca, Christoph Ogiermann, Jesús Rueda y José Manuel López López; de guitarra con Pablo Gómez y flauta con Wilfrido Terrazas. Su música ha sido interpretada por el Trío Bergamasque, Carmina Escobar, el Cuarteto de Cuerdas Domingo Novelo y Wilfrido Terrazas. Fue seleccionado para participar en el festival Tsunami de Buenos Aires, y fue finalista en obra electrónica con medios alternativos en el concurso Transitio 2009. Fue becario del programa Jóvenes Creadores 2010 de Instituto Queretano de la Cultura y las Artes, del programa de fortalecimiento Practicas de Vuelo, el Programa de Creación de Música para Percusión con Nuevas Tecnologías y del Programa Centro Occidente del CMMAS, 2011. Gravedades Esta obra genera aceleraciones que se enfocan hacia una constante transformación y distorsión del espacio-tiempo. La obra misma es la fuente de atracción de esta aceleración que generan los materiales, del modo que ellos representan y experimentan una aceleración dirigida dentro de la obra.

Luis Paul Millán (México, 1984) Nació en Querétaro. Inicio sus estudios musicales en el Conservatorio de Música J. Guadalupe Velázquez. Es egresado de licenciatura en composición musical de la Universidad Autónoma de Querétaro, bajo la tutela de Ignacio Baca Lobera. Sus obras las han interpretado Wilfrido Terrazas, Mosaik Ensamble, Edgardo Espinoza, Omar Hernández-Hidalgo y el ensamble Taller Sonoro, entre otros. Su catálogo incluye piezas para instrumento solo, ensambles y mixtas. Fue seleccionado para el taller Escritura Contemporánea para Cuarteto de Cuerdas, impartido por el Cuarteto Arditti, Festival RADAR 2007, el XXXI FIMNME 2009 y 2010 y FIC 2009. Se le otorgó el PECDA que otorga el IQCA y Conaculta en la categoría Jóvenes Creadores. Obtuvo el primer lugar en el Concurso Nacional de Composición del VI Festival Internacional de Música Contemporánea de Michoacán 2010. Naturaleza acusmática La pieza plantea una metáfora de como lo sonoro de la vida natural y artificial, nos envuelve a cada momento y su organización se torna en una obra acusmática, creada al momento. ¡Stop! Detenerse a escuchar el entorno para apreciar la multiplicidad sonora que captamos segundo a segundo.

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Manuel Ramos Negrete (México, 1974) Nació en Puebla. Realizó sus estudios de composición en la Escuela de Música de la Universidad Autónoma de Puebla con Gonzalo Macías y Felipe Ledesma, así como la maestría en composición electroacústica en el Conservatorio de Música de Montreal con Yves Daoust. Asimismo, ha tomado cursos con Natasha Barret y Paul Rudy. En 1996 ganó el concurso de composición “Isaías Noriega de la Vega” convocado por la Universidad Autónoma de Puebla, y participó en el Primer Encuentro Universitario de la composición en la UNAM; en 1998 participó en el ciclo de conciertos de música joven organizado por el CNCA. Ha sido becario del Fonca en el programa Jóvenes Creadores ediciones 2001 y 2007; en 2005 fue finalista del XXXII Concurso Internacional de Música y Arte Sonoro de Bourges, Francia. Participó en el ciclo de conciertos México-Quebec Carnet de Voyage. Fue seleccionado para participar en el festival y estancia de creación Orford 2008 en Quebec, Canadá. Ha compuesto música para teatro, cine y radio. Compone música mixta y acusmática, e imparte cursos de composición en diversas universidades de Puebla. Su música se ha tocado en México, Canadá y Francia. David y Goliat Obra compuesta entre 2007 y 2008 con apoyo del Fonca programa Jóvenes Creadores. Se estrenó en la feria de Muñoztla, Tlaxcala. La obra está inspirada y es una analogía del pasaje homónimo de la Biblia.

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Programa 15 Auditorio Silvestre Revueltas Conservatorio Nacional de Música Domingo 17 de junio, 12:15 horas

Alicia Urreta Homenaje a cuatro 8’ Emmanuel Sejourne Concerto pour vibraphone et orchestra à cordes (1999)**

21’

Intermedio Anthony Green Instinct (2008)* 9’ Jesús Villaseñor Por regiones 11’ *Estreno mundial **Estreno en México

Orquesta de Cámara de Bellas Artes Rodrigo Macías, director huésped David Vázquez Esquivel, vibráfono

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Compositores Alicia Urreta (México, 1930-1987) Nació en el puerto de Veracruz. Compositora y pianista. Estudió en el Conservatorio Nacional de Música. Alumna de Brendel, Flavigny, Iglesias y de la Rocha. Especialista en composición de música electrónica y electroacústica en la Schola Cantorum de París. Profesora de acústica en el IPN (1975). Pianista titular de la Orquesta Sinfónica Nacional (1975). Coordinadora general de la Compañía Nacional de Ópera del INBA. Coordinadora de música de la Casa del Lago. Directora de Actuaciones Musicales de la UNAM. Fundadora de la Camerata de México. Compuso, entre otras obras, una ópera de cámara, cinco ballets, piezas para instrumentos solistas, una cantata, música incidental y música para cine. Homenaje a cuatro La mayor parte de la música que comprende el catálogo de obras de Alicia Urreta no sólo constituye testimonio de su personalidad. Se trata de la proyección artística de una creadora cuya obra no padece fronteras que aparten el resultado de su trabajo con la autenticidad de un pensamiento, en donde es posible encontrar el gesto de una verdadera intención propositiva emancipada de estereotipos, dando libertad de lenguaje, pragmatismo y frecuentes diseños de texturas y sonoridades altamente expresivas, dramáticas, que dan cuenta de su personalidad humanitaria y mística, cuyas afinidades refrendan parentesco, por ejemplo, con George Crumb y Béla Bartók. Esta obra lo confirma, y, también, de alguna manera, otras de sus -tal vez insospechadas- progenies artísticas: Arnold Shoenberg, Maurice Ravel y George Bizet. Eduardo Soto Millán

Emmanuel Sejourne (Francia, 1961) Después de estudiar piano, violín, historia de la música y análisis en el Conservatorio de Estrasburgo, descubre las percusiones y particularmente la música contemporánea y la música improvisada. Después de estudiar percusión se especializa en vibráfono y marimba. Desde 1981 ha sido intérprete y compositor de obras para estos instrumentos. Ha compuesto música para teatro, televisión y ballet. Sus obras para percusiones han sido interpretadas por Bob Van Sice, Nancy Zeltsman, Marta Klinasara, Katarzyna Mycka, Jean Geoffroy y el Amsterdam Percussion Group, entre otros. Su obra Concerto pour vibraphone et orchestra à cordes fue compuesta para la Orchestre d’Auvergne, y ha sido interpretada por las orquestas de cámara de Laussane, Filarmónica de Luxemburgo, de Kozsalin y de Novosibirk. Concerto pour vibraphone et orchestre à cordes Compuesto para el primer concurso internacional francés de vibráfono. La orquesta tiene un concepto estéreo, con un acomodo en espejo, un quinteto de cuerdas del lado izquierdo y otro quinteto del lado derecho, que irán intercalándose junto con el vibráfono durante todo el concierto. Consta de dos movimientos contrastantes, el primero es modal, muy dulce, que incursiona en un lenguaje jazz, y el segundo está construido sobre una escala octatónica en un lenguaje contemporáneo para darle un carácter enérgico y agresivo.

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Anthony Green (Estados Unidos, 1984) Ha trabajado con compositores como David Liptak, George Crumb y Steve Reich. Como compositor ha recibido comisiones de grupos y ensambles como: ALEA III, el Zukovsky String Quartet, el Playground Ensemble, el Ossia New Music Ensemble y Alarm Will Sound, entre otros. Sus obras electrónicas se han interpretado en Estados Unidos, España y Venezuela. Recientemente se interpretó en España su obra Scintillation II en la Conferencia IC[CM]. Instinct Fue compuesta en tres días. La pieza está enfocada en la reorquestación, recombinación y replaneación. La introducción, así como ciertas armonías son constantemente reorquestadas. Los patrones de la pieza a menudo se extienden, disminuyen o se superimponen para crear nuevas texturas a partir de diferentes combinaciones de patrones. Por último, puesto que la pieza fue escrita tan rápido, la progresión armónica se compuso por instinto. En cualquier caso, siempre encuentro maneras de ir contra mis instintos. Esta pieza es mi tercer trabajo usando notación especial en la que los intérpretes están libres para tocar la música en la medida en que el tempo varíe hasta alcanzar el siguiente compás. La obra fue estrenada por la Freisinger Chamber Orchestra en Boston, Estados Unidos, en 2008.

Jesús Villaseñor (México, 1936) Nació en Uruapan, Michoacán. Inició su formación musical con Gregorio Oceguera en clases de solfeo y violín. Más tarde estudió con José Pablo Moncayo, Herbert Froelich, Jesús Estrada, en el Conservatorio Nacional de Música. Formó parte de la Orquesta Sinfónica del Conservatorio e integró el Taller de Composición Musical bajo la dirección y enseñanza de Carlos Chávez y Rodolfo Halffter. Como compositor ha creado una gran cantidad de piezas que abarcan todos los géneros musicales; ha ejecutado obras dentro y fuera del país. Entre los encargos recibidos, destacan la música para la inauguración de la nueva Basílica de Guadalupe y para la inauguración del Museo Virreinal. Como investigador ha trabajado en la Sección de Investigadores Musicales del INBA; ha impartido clases en la Escuela Superior Nocturna de Música, en la Casa del Lago y en diversos institutos de enseñanza superior del país, como el Conservatorio Nacional de Música. Ha colaborado en la organización de conciertos en la Sección de Música del Departamento de Difusión Cultural de la UNAM. Es miembro de la Liga de Compositores de México y dedica su tiempo principalmente a la creación musical. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fonca. Por regiones Esta obra obedece a un sentimiento experimentado cuando yo era niño al viajar hacia la huasteca potosina y era: la mutación de los distintos paisajes vividos y que todos ellos me hablaban de una variedad peculiar, ensanchando mi existencia con su aliento. Atonalismo y libertad están presentes en todo su desarrollo.

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Intérpretes Rodrigo Macías Ha dirigido las orquestas: Sinfónica Nacional, Filarmónica de la Ciudad de México, del Teatro de Bellas Artes; las filarmónicas de Querétaro, Jalisco y Zacatecas; las sinfónicas de Xalapa, Aguascalientes, San Luis Potosí y Mérida; y de Cámara de Bellas Artes. Debutó en 2004 en Europa con el Divertimento Ensemble de Milán y en 2007 en el Festival Cervantino de Guanajuato con la Camerata del Desierto. En 2008 hizo su debut operístico con Tosca de Puccini en Guadalajara y desde entonces ha dirigido en el foso Payasos de Leoncavallo en Zacatecas, Bastian y Bastiana de Mozart y Don Pasquale de Donizetti, ambas en la UNAM. Es fundador y director de la Orquesta de Texcoco, con la que ha realizado estrenos de jóvenes compositores mexicanos. Después de iniciar su formación musical de manera privada, estudió en el Instituto Cardenal Miranda de la Ciudad de México y en el Conservatorio Giuseppe Verdi de Milán en Italia. Sus principales maestros han sido Xavier González, Sandro Gorli y Juan Trigos. Su música ha sido interpretada en México, Estados Unidos e Italia, en el Festival Internacional Cervantino y el Foro Internacional de Música Nueva “Manuel Enríquez”. Fue director asistente de la Orquesta Filarmónica de la UNAM. David Vázquez Esquivel Cursó el ciclo propedéutico de la Escuela Nacional de Música (ENM) con Alfredo Bringas Sánchez y la licenciatura en instrumentista en percusiones de la ENM bajo la cátedra de Juan Gabriel Hernández Calderón y Alfredo Bringas Sánchez. Fue integrante de la Orquesta Percutoris. Participó en el Festival de Jóvenes Marimbistas en el Conservatorio Nacional de Música en 2004. Ha tomado cursos y clases magistrales con el Ensamble Tambuco, Lester Rodríguez, Víctor Mendoza, Iván Manzanilla, Juan Ernesto Laya, Steven Shick y Pedro Carneiro, entre otros. Obtuvo la beca de la Fundación Turquois para realizar estudios en el Conservatorio de Música de Mónaco con Christian Hammouy, Patrick Méndez y Phillipe Serra en 2008-2009. Orquesta de Cámara de Bellas Artes Hace más de medio siglo, surgió una de las agrupaciones musicales mexicanas que con más ahínco y constancia ha dedicado sus esfuerzos a difundir y explorar la música orquestal de cámara. Se trata de una agrupación que en sus orígenes fue llamada Yolopatli –vocablo náhua que significa “cura para el corazón”- y que se formó con discípulos de las cátedras de Imre Hartmann y Joseph Smilovitz en el Conservatorio Nacional de Música. En 18 de octubre de 1956, este ensamble ofreció un

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concierto con la suite Don Quijote de Georg Philipp Telemann, e inició un largo recorrido, marcado por un imparable espíritu de exploración y evolución. Ya entrada la década de los sesenta y a instancias de Luis Sandi, cambia de nombre a Orquesta de Cámara de Bellas Artes, con el que se le conoce hasta la fecha y que, sin lugar a dudas, se ha consolidado como sinónimo de pasión y calidad musical. Desde la integración de su primer elenco hasta nuestros días, han pasado por sus filas una pléyade de músicos talentosos como Ramón Vargas, Gil Shaham, Bella Davidovich, Paul Badura-Skoda, Jorge Federico Osorio, Pascal Rogé, Manuel Barrueco, y Alexander Markov entre otros, sumados al ímpetu que le han impreso sus directores artísticos: Hermilo Novelo, José Guadalupe Flores, Manuel de Elías, Ildefonso Cedillo, Francísco Savín, Luis Samuel Saloma, Enrique Barrios, Juan Trigos, Jesús Medina y actualmente José Luis Castillo. Su presencia internacional, como atestiguan sus presentaciones en Alemania, Brasil, Estados Unidos y Portugal, así como sus incontables giras en el interior de la República, además de su compromiso didáctico y social, permiten a la Orquesta de Cámara de Bellas Artes ser considerada como referente musical en el ámbito artístico de nuestro país. Orquesta de Cámara de Bellas Artes José Luis Castillo, director artístico Consuelo Bolívar Galindo, primer concertino; Rosendo Monterrey Cosio, segundo concertino; Carlos Ramírez Guzmán, Francisco Arias Esquivel, Jaime Ríos Pérez, Pastor Solís Guerra, violines primeros; Vera Olegovna Koulkova, José Manuel del Águila Cortés, David Guzmán Rodríguez, José Alfredo Vega Morales, Luis Demetrio Ramos Olvera, Jorge Chaparro González, violines segundos; Mikhail Kouznetsov Fiodorova, Arturo Rebolledo Díaz, Ricardo David Orozco Buendía, Irina Vezhakina, violas; Fabiola Flores Herrera, José de Jesús Guzmán Ruvalcaba, Ángel Romero Ortiz, Luz del Carmen Águila y Elvira, violonchelos; Marco Antonio Villafán García Torres, Alberto Eduardo Franco González, contrabajos; Abraham Alvarado Vargas, piano Rafael Luna, gerente; Alejandra Silva, administradora; Alberto Mercadé, difusión y relaciones públicas; Javier Caro, jefe de personal; José Chavarría, Alexis Santana, bibliotecarios; Ramón Rábago, Mario A. Herrera, Alfonso Rosas, técnicos; Eugenia Sánchez, Teresa Radillo, secretarias; Pilar Peimbert, Ixchel Rivera, J. Eduardo Rosas, Carolina Delgado, asistentes; Rubén Huerta, chofer; Hazel Delgado, gestor

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Programa 16 Sala Manuel M. Ponce Palacio de Bellas Artes

Domingo 17 de junio, 17 horas Cosimo Colazzo Arco (2000)** 13’ Silvestre Revueltas Música de feria (1932) 9’   Michael Matthews String Quartet no. 4 (2011) Leonardo Coral 10’ Formas acuáticas (1999)  **Estreno en México

Orquesta de Cámara Idée Fixe Erik Sánchez, Mariana Valencia, Karina Cortés, Abel Romero Carlos Arias, Mariana Hernández, violines Miguel Alcántara, Erika Ramírez, violas Luz del Carmen Águila, Adriana Carrasco, violonchelos Armando Rangel, contrabajo Cuarteto Arcano Erik Sánchez, violín I Mariana Valencia, violín II Miguel Alcántara, viola Luz del Carmen Águila, violonchelo

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Compositores Cosimo Colazzo (Italia, 1964) Comenzó sus estudios en Conservatorio de Lecce, titulándose como licenciado en piano en 1983. Después obtuvo títulos en composición en el Conservatorio de Roma, y en dirección de orquesta en el Conservatorio de Milán. Estudió con Salvatore Sciarrino, Pierre Boulez, Peter Eotvoss, Luigi Nono. Cuenta con una basta producción que incluye: óperas, música para orquesta, grupos de cámara, música coral y piano. Ha ganado entre otros premios el Concorsi nazionali di composizione, “Siae” de Roma, Concorsi internazionali di composizione “Icons”, de Turín, 1995, Musica Nova de Sofia, 1998, y Edvard Grieg de Oslo, 2003. Su música se ha tocado en Italia, Estados Unidos, Japón y Sudamérica. Desde 1997 es coordinador artístico del festival Mondi Sonori, promovido por el Conservatorio de Música “Bonporti” de Trento, institución de la cual es director desde 1995. Arco Un ataque enérgico y con ritmo, con todos los instrumentos activos, en el forte. Para algunas secciones, se introduce una línea aguda, de figuras largas y sostenidas, de denso entramado. De ahí un extenderse lento, un discurso más aéreo, que se propone a las diversas partes, y abruma las articulaciones estrechas de la mecánica rítmica. Acerca al oyente a sí mismo, lo envuelve con abstracción, con lentas revelaciones, yendo a menos, a la nada, al vacío.

Silvestre Revueltas (México, 1899-1940) Nació en Durango. Desde niño mostró gran interés por la música. Estudió en el Conservatorio Nacional de Música, y completó su educación musical en el Chicago College of Music. Estudió violín con José Rocabruna y composición con Rafael J. Tello. En 1917 se mudó a Estados Unidos para estudiar en el St. Edward College en San Antonio Texas, y después en Chicago hasta 1924. Junto con Carlos Chávez, organizó los primeros conciertos de música contemporánea en México en 1924 y 1925, eventos que tuvieron gran impacto, presentando música completamente desconocida para la gente de la capital. En 1929 Chávez le ofrece el puesto de director asistente de la Orquesta Sinfónica de México, que mantuvo hasta 1936. Trabajando juntos promovieron de gran forma la música mexicana, ofreciendo excelentes programas que incluían obras de los más prominentes compositores del momento. Al mismo tiempo Revueltas comenzó una exitosa carrera como compositor, con obras como Cuauhnahuc (1930), Esquinas (1931), Ventanas y Colorines (1932), Janitzio (1933), Caminos (1934), Homenaje a Federico García Lorca (1936), Itinerarios (1937) y Sensemayá (1938). Esta serie de obras constituye un vívido ejemplo de su extraordinaria contribución al género del poema sinfónico mexicano, con composiciones que muestran originalidad y frescura, junto con una gran maestría técnica. Ocupó posiciones importantes en la vida musical de México y escribió música para películas. La celebración del éxito de La noche de los mayas precipitó su enfermedad y posteriormente su muerte el 5 de octubre de 1940.

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Música de feria Consiste en un movimiento continuo que se divide en dos secciones. Después de un inicio violento, la primera sección avanza con ideas contrastadas. Aquí Revueltas expone todos los trucos para instrumentos de cuerdas de su época. Añade color con pizzicati y la textura se espesa aún más dando autonomía rítmica y melódica a dos de los cuatro instrumentos. Un puente que emplea armónicos nos lleva a una lenta serenata, el corazón de la obra. A continuación viene un scherzo aderezado con glissandi a la Bartók –de hecho la pieza entera es una postal que Bartók podría haber escrito a casa desde México–. El material de la primera sección regresa y conduce a un final frenético.

Michael Matthews (Canadá, 1950) Su música ha sido interpretada en todo el mundo. Recientemente Groundswell premió su obra Six Poems of Novica Tadić. La Manitoba Chamber Orchestra estrenó su composición The Language of Water en 2006. En ese mismo año estrenó The Skin of Night en el World Saxophone Congress en Ljubljana. En 2005 presentó en el Festival Internacional Cervantino Away, Tear Away y supervisó el estreno de su ópera de cámara Prince Kaspar, y dirigió a la Orquesta Filarmónica de Belgrado con su Concierto para cello. En 2002 fue lanzada la grabación de su Symphony No. 1 para TNC Records. Fue compositor en residencia de Saskatoon Symphony Orchestra (2002-2004). Es doctor en composición por la North Texas University, donde estudió con Larry Austin. Dirige el estudio de música por computadora y es profesor de composición de la University of Manitoba. Estrenará obras próximamente en Montreal, Italia, México y Estados Unidos. String Quartet No. 4 Tiene una duración variada. Ideas recurrentes se juntan para formar un todo. La obra se caracteriza por un penetrante sentido de añoranza. Fue comisionada por el Penderecki Quartet para su temporada 2011-2012, con apoyo financiero del Manitoba Arts Council. El estreno mundial se llevó a cabo en 1 de junio de 2011 en la Wilfrid Laurier University, en Canadá, como parte del QuartetFest 2011.

Leonardo Coral (México, 1962) Estudió con Federico Ibarra en la Escuela Nacional de Música de la UNAM (ENM). Se graduó con mención honorífica. Su tesis de maestría, asesorada por María Granillo, consiste en el ballet sinfónico Ciclo de vida y muerte, obra que estrenó la Orquesta Sinfónica Nacional en el XXXIII Foro de Música Nueva “Manuel Enríquez” bajo la dirección de José Luis Castillo. Ha compuesto más de cien obras y se han ejecutado en México, Europa, Estados Unidos, Canadá, Asia, Australia y Latinoamérica. Ha recibido diversos apoyos del Fonca. En 2001 y 2010 ingresó al Sistema Nacional de Creadores. Su música aparece en 13 discos. Las principales orquestas y ensambles nacionales han estrenado sus obras sinfónicas y de cámara. Destacados solistas: María Teresa Frenk, Mauricio Náder, Juan Carlos Laguna, Gonzalo Gutiérrez, Krisztina Deli, Omar Hernández-Hidalgo han presentado sus conciertos para piano, guitarra y viola. También tiene conciertos para clarinete, violonchelo y flauta, dedicados a Fernando Domínguez, Ignacio Mariscal, Alejandro

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Escuer. A Michael Tsalka le ha dedicado obras para clavecín, órgano y pianoforte. Actualmente compone un concierto para violín dedicado a Hugo Ticciati que será estrenado en Estocolmo en 2013. Ha obtenido los premios Melesio Morales, Sistema de Fomento Musical y SACM. Imparte clases en la ENM y en la Escuela Ollin Yoliztli. La OFUNAM le encargó y estrenó en 2010, bajo la dirección de Bojan Sudjic, Águila real, con motivo del bicentenario de México como país independiente. Formas acuáticas La obra tiene cinco movimientos contrastantes en los que se busca la mayor intensidad expresiva posible a partir de un mínimo de elementos. El primer movimiento presenta un fuerte y vertiginoso impulso rítmicocontrapuntístico que evoca la impetuosidad implacable de las aguas; el segundo movimiento se balancea como un mar apacible, sugestivo y onírico; el tercer movimiento es un remolino obsesivo e inquieto, en un principio gira con suavidad y posteriormente lo hace con gran energía y vigor; en el interludio existe una gran calma que desemboca al quinto movimiento, el cual contiene elementos presentados en el primero y finaliza el ciclo de manera rauda y enérgica.

Intérpretes Orquesta de Cámara Idée Fixe Es un proyecto independiente que apuesta por el compromiso, talento y calidad de un grupo de músicos mexicanos. Está integrada por músicos destacados, miembros de importantes agrupaciones como las orquestas: Sinfónica Nacional, OFUNAM, del Teatro de Bellas Artes, de Cámara de Bellas Artes, del Instituto Politécnico Nacional y Sinfónica de Minería. Cuarteto Arcano Formado en 2002, sus integrantes son miembros de las principales agrupaciones sinfónicas mexicanas. Inició sus estudios de cuarteto con Elzbieta Krengiel, continuándolos en Madrid en la Escuela Superior de Música Reina Sofía. Recibió además instrucción de Jorge Risi, Manuel Suárez, Lorenzo González, Martha García Renart, Erick Schumsky, Zvi Maschkowski, Stephanie Chase, Sadao Harada y de ensambles de talla internacional como el Trío Borodin y los cuartetos de Tokio, Leipzig, Jerusalén, Vermeer, American, Scampa, St. Petersburg, Casals, Ives y Latinoamericano, entre otros. Se ha presentado en foros como la Bethanienklooster, Ámsterdam; la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid; Izumi Hall, Osaka; el Palacio de Festivales de Cantabria, Santander; el Centro Cultural Manuel de Falla, Granada; el Palacio del Marqués de Salamanca, y en México, en el Palacio de Bellas Artes, el Museo Nacional de Arte, el auditorio Blas Galindo, el Conservatorio Nacional de Música, el Conservatorio de las Rosas de Morelia, el centro cultural Ollin Yoliztli y las salas Carlos Chávez y Manuel M. Ponce. Obtuvo el primer premio del Primer Concurso Nacional de Cuartetos de Cuerda. Ha sido beneficiario de becas y apoyos de instituciones como la Fundación Carolina y la Fundación Albéniz en España, y en México de la OFUNAM, el Fonca y el Gobierno del Distrito Federal.

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Programa 17 Sala Manuel M. Ponce Palacio de Bellas Artes

Lunes 18 de junio, 19:30 horas Jean Angelus Pichardo Lifestream (2011) 5’ Forrest Pierce House on Fire (2003)**

5’

Caleb Burhans A Moment for Elliott Smith (2006)**

6’

Greg Pattillo Three Beats for Beatbox Flute (2011)**

6’

Mary-Elizabeth Thompson, flauta Intermedio Arvo Pärt Scala cromatica (2007)** 2’ Reza Vali Kord Kalligraphy no. 9 (2003)*

7’

Héctor Quintanar El rincón de los recuerdos (2006)

9’

Mark-Anthony Turnage Two Vocalises (2001)**

5’

Juan Manuel Abras Milonga Meets Malambo (2011)*

5’

*Estreno mundial **Estreno en México

Trío de las Américas Misa Ito, piano Jackeline González, violín Juan Hermida, violonchelo

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Compositores Jean Angelus Pichardo (México, 1984) Comenzó sus estudios de composición con Lucía Álvarez en la Escuela Nacional de Música de la UNAM donde actualmente cursa el último año de la licenciatura con Gabriela Ortiz. Entre sus maestros están Jorge Vidales y Luca Belcastro. Ha realizado música para teatro en colaboración con Humberto Robles. Sus obras han sido interpretadas por Alejandro Escuer, el Cuarteto Tetraktys, Túumben Paax y el Ensamble Nuevo de México, entre otros. Recientemente fue beneficiario del Programa Prácticas de Vuelo 2011, organizado por el CMMAS, además de ser becario del Programa Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico FOCAEM 2011 en la categoría de Jóvenes Creadores. Lifestream Es un discurso que surge de la ensoñación, de la reflexión y la nostalgia por la fuente de energía que la naturaleza provoca en los seres humanos, esa corriente vital que sin percatarnos emana por nuestro cuerpo, y que con el tiempo se ha ido debilitando, hasta desgastarse, extinguiéndose con ella nuestra capacidad de asombro. Por medio del recuerdo, comienzan a formarse imágenes que permiten crear un velo de sensaciones, emociones que sólo la fuerza de la naturaleza puede despertar en el ser humano; la música se forma a base de cuadros, mosaicos que se adentran en este discurso contemplativo hasta perderse en el tiempo. Está dedicada a Alejandro Escuer, y fue escrita gracias al apoyo del Programa Prácticas de Vuelo 2011 del CMMAS.

Forrest Pierce (Estados Unidos, 1972) Sus obras se han interpretado en salas de concierto de todo el mundo, así como por intérpretes como: Brave New Works; los Intérpretes de Cámara de la Sociedad de Música Nueva/ISCM; la serie de música de cámara BMOP; DuoSolo; las orquestas de cámara de Portland y Kansas City; las sinfónicas de Indianápolis y Walla Walla; el Concord Ensamble; el Ensamble de Música Nueva de Seattle; el Ensamble Coral de Boston y numerosos solistas. Fue compositor residente del Ensamble de Música Nueva de Seattle y fundador y director artístico del Portland’s Friends of Rain Contemporary Ensamble. Enseña en la facultad de música de la Universidad de Kansas. Estudió en las universidades de Puget Sound, de Minnesota y de Indiana. House on Fire Es una obra inspirada en la preocupación por la desesperada atracción a las cosas que amenazan con consumirnos; es una descripción musical de la parábola de la senda blanca de la obra Pure Land Budddism escrita por Shan-Tao. Fue encargada y estrenada por el flautista canadiense Paolo Bortolussi.

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Caleb Burnhans (Estados Unidos, 1980) Compositor, violinista y cantante. Ha grabado para sellos como Nunsuch, Harmonia Mundi France, Universal, Virgin, Naxos y Oxford Press, entre otros. Como compositor, su música ha sido interpretada en América y Europa y ha recibido comisiones de la Orquesta Sinfónica de Albany, Bill Kalinsko, Abby Fischer, Payton MacDonald, Tarab Cello ensamble, James Hirschfeld y Yuki Numata. Ha Trabajado con compositores como La Monte Young, Lou Harrison, Philip Glass, Steve Reich, George Crumb, Brian Ferneyhough, David Liptak, Joseph Schwantner y Augusta Read Thomas, entre otros. A Moment for Elliott Smith Obra dedicada al cantante y compositor americano Elliott Smith. Su principal instrumento fue la guitarra, pero fue más conocido por su distintivo estilo vocal. Comenzó su carrera solista en 1994 y saltó a la fama cuando su canción Miss Misery, de la película Good Will Hunting, fue nominada a un premio Oscar en 1998. En vida grabó cinco álbumes y cuenta con tres más de manera póstuma. Smith murió trágicamente en 2003 a los 34 años.

Greg Pattillo (Estados Unidos, 1977) Es reconocido mundialmente por su redefinición del sonido de la flauta. Después de obtener su maestría en el Instituto de Música de Cleveland, fue flautista principal de la orquesta Sinfónica de Guangzhou, China; además de ser miembro fundador de la Collaborative Arts Insurgency en San Francisco, Estados Unidos. Vive en Nueva York donde participa con el Project Trio, ensamble de intérpretes de géneros diversos con raíces en la música clásica. Three Beats for Beatbox Flute Fue comisionada por la National Flute Association Convention de 2011. Escrita específicamente para reducir la brecha entre el estilo de flauta tradicional y el creciente arte del beatbox humano. Para preparar esta obra el intérprete tendrá que aprender a hacer una colección de sonidos beatbox independiente de la flauta. Así, el tono de los distintos sonidos beatbox debe coincidir con el del instrumento. Esta obra tiene que ser interpretada tal y como está escrita, sin improvisaciones.

Arvo Pärt (Estonia, 1935) Estudió composición en el Conservatorio de Tallin, Estonia; después fue ingeniero de grabación con la Radio de Estonia. Durante su carrera escribió música para cine y teatro. Fue el primer compositor estonio en emplear el serialismo hacia 1960. Después comenzó a hacer uso de la técnica del collage en obras como Collage sobre BACH. Causó una gran controversia con su obra Credo de 1968, que fue prohibida en la antigua URSS. Pärt participó en los periodos de silencio contemplativo. En 1977 compuso tres obras con una nueva técnica, que él

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mismo diseñó, llamada tintinnabula, y siguen siendo sus obras más selectas: Fratres, Cantus in memoriam Benjamin Britten y Tabula Rasa. Emigró a Berlín en 1980, donde compuso textos religiosos. Pärt ha recibido numerosos honores y premios, entre ellos la elección a la Academia Americana de Artes y Letras. Scala cromatica Fue escrita para Wiener Klaviertrio quién la estrenó en Musikverein, Viena, el 29 de noviembre de 2007. Está dedicada al crítico musical, Bálint András Varga. La obra está basada en su nombre.

Reza Vali (Irán, 1952) Comenzó sus estudios en el Conservatorio de Música de Terán. En 1972 estudió en Austria educación musical y composición en la Academia de Música de Viena. Una vez graduado, se mudó a Estados Unidos y continuó sus estudios en la University of Pittsburgh, recibiendo un doctorado en teoría musical y composición, en 1985. Es profesor de la School of Music de la Carnegie Mellon University desde 1988. Ha recibido la Andrew W. Mellon Fellowship y el premio del Austrian Ministry of Arts and Sciences. Ha escrito por comisión para la Pittsburgh Symphony Orchestra, la Boston Modern Orchestra Project, el Pittsburgh New Music Ensemble, el Kronos Quartet y los Seattle Chamber Players. Sus composiciones han sido interpretadas por la Pittsburgh Symphony, la Seattle Symphony, la Baltimore Symphony, la Memphis Symphony y Orchestra 2001. Su música se ha tocado en varios países de Europa, Chile, México, Hong Kong y Australia y ha sido grabada por los sellos Naxos, New Albion y ABC Classics labels. Kord Kalligraphy No. 9 El material musical de la composición es totalmente derivado de la música tradicional persa. La afinación, ritmo, forma, así como construcciones polifónicas (imitación, inversión, retrogresión) que se relacionan con el sistema modal pérsico, el Dástagâh. El modo básico de la caligrafía persa es el modo de Shoor, el cual consta de dos tetracordes entrelazados por la nota de paso re como la finalis (la tónica). El orden descendente es: D, C, Bp, A y la serie ascendente es: D, Ep, F, G, A. El “Bp” y el “Ep” significa que estos dos campos son de un cuarto de tono más bajo que B y E, respectivamente.

Héctor Quintanar (México, 1936) Compositor y director de orquesta. Discípulo de eminentes maestros. Sus obras han sido grabadas por la UNAM, New Series Records, entre otros. Fue jefe del Departamento de Música de la UNAM y de la Secretaría Técnica del Departamento de Música del INBA; fundador del Laboratorio de Música Electrónica del Conservatorio Nacional de Música, de la Sociedad de Música Contemporánea, entre otros. Dirigió la Orquesta Filarmónica de la UNAM. Miembro del Sistema Nacional de Creadores del Conaculta. Es catedrático de la Escuela Superior de Música del INBA y de la Escuela de Música de la Universidad de Guanajuato.

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El rincón de los recuerdos Forma parte de una serie de composiciones que actualmente incluyen: dos de veinte piezas, para violín y piano y tres de piano solo. En estas composiciones no existe ningún afán especulativo, sólo lo que el oído y la percepción emotiva me indican. Son producto de las influencias musicales que he recibido durante mi vida y que me han impactado: desde Bach hasta Debussy. Ahí están, en el cajón de los recuerdos, y el que de vez en cuando abro y me sirvo de ellos para tratar de escribir sin “presiones estéticas” y hacer “música agradable”.

Mark-Anthony Turnage (Reino Unido, 1960) Estudió con Oliver Knussen y John Lambert en Londres, y con Gunther Schuller en Tanglewood. En sus obras combina los lenguajes clásicos y de jazz, el modernismo y la tradición. Ha trabajado como compositor en asociación con la Orquesta Sinfónica de Birmingham, la Ópera Nacional de Inglaterra y la Orquesta Sinfónica de la BBC. En la actualidad es compositor en residencia de la Orquesta Filarmónica de Londres y la Orquesta Sinfónica de Chicago. Entre los directores que han interpretado sus obras están Simon Rattle, Andrew Davis, Knussen Oliver y Leonard Slatkin. Ha colaborado con músicos de jazz como John Scofield, Peter Erskine y Joe Lovano; con los solistas Evelyn Glennie, Christian Lindberg y Yuri Bashmet, el Ensemble Modern, la London Sinfonietta y el Nash Ensemble. Graba para las compañías Decca, Deutsche Grammophon, EMI, Chandos, LPO, Black Box y Onyx. Two Vocalises Éstos son un ejemplo de piezas que el autor ha compuesto para sus amigos y de manera personal. La primera fue escrita para Gill, Don y Stewart, y la segunda para el chelista, Stephen Isserlis para ser incluida en Unbeaten Tracks for cello and piano. Más íntimo y tierno que en sus composiciones para orquesta, estas pequeñas obras son inmediatamente accesibles y gratificantes. Fueron estrenadas en 2001 en la Sinagoga de Uilenburg, Ámsterdam, por Doris Hochscheid al chelo y Frans van Ruth en piano.

Juan Manuel Abras (Argentina, 1975) Discípulo de Penderecki y Schwertsik. Realizó estudios superiores y de posgrado en el Conservatorio Manuel de Falla de Buenos Aires, la Academia de Música de Cracovia y la Universidad de Música y Artes Escénicas de Viena. Recibió cursos y seminarios de Stockhausen, Lachenmann, Rihm y Müllenbach. Es director de orquesta y pianista. Ha recibido premios y becas como el Grafimuse de Bruselas 2011; el Ciudad de Viena a la música de cine 2010, del Fondo Nacional de las Artes de Buenos Aires 2005 y el In Memorian Erich Kleiber de Berlín 2004, entre otros. Sus obras han sido interpretadas en Holanda, España, Francia, Alemania, Polonia, Finlandia, Estados Unidos, Canadá y Argentina. Ha sido director artístico y musical de diversas orquestas argentinas. Actualmente es profesor en el Conservatorio Superior de Música de Buenos Aires “Astor Piazzolla”, y miembro invitado del Instituto de Investigación Musicológicas “Carlos Vega”.

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Milonga Meets Malambo Es una obra caracterizada por insertar elementos de la música rural y urbana del Río de la Plata en el ámbito de la música clásica, dentro de una escritura frecuentemente neoatonal y neododecafónica. Esta obra incorpora a su título el nombre de dos danzas argentinas: la milonga y el malambo. La forma en que se crean y relacionan las secciones que albergan el diálogo musical establecido por el violonchelo y el piano a lo largo de esta obra es articulada y desarticulada a partir de una técnica de disolución de sus elementos constitutivos, espaciados rítmicamente hasta que pierden conexión audible entre sí. Lo inverso vale en cuanto a la presentación de las secciones, que son preparadas por la aparición aislada de esos mismos elementos. Mediante esta técnica el autor urde y rasga sendos tejidos musicales que acaban interpenetrándose.

Intérpretes Mary-Elizabeth Thompson Flautista especializada en música de cámara con recientes actuaciones en la Ciudad de México; Nueva York, Missouri, Kansas y Tennessee, Estados Unidos. Ha encargado y estrenado música nueva de diversos compositores; ha participado en festivales como el New York City Electroacoustic Music Festival y el Foro Internacional de Música Nueva “Manuel Enríquez”. Grabó un disco con música del compositor Jorge Sosa. Obtuvo un doctorado en artes musicales por la Universidad de Kansas. Actualmente tiene la beca Fulbright-García Robles, dedicada a la investigación posdoctoral de la música contemporánea mexicana para flauta en la UNAM. Trío de las Américas Formado en Puebla en 1997, es hoy una presencia decisiva en el ámbito musical nacional, difundiendo el repertorio para trío desde el siglo XVIII hasta nuestros días, incluyendo obras escritas específicamente para el Trío por Brian Banks, Gabriela Ortiz, Horacio Uribe, Ricardo Zohn Muldoon y José Luis Hurtado. Se ha presentado en la Temporada Cultural de la Universidad de las Américas, Puebla, el Festival Internacional Cervantino, el Foro Internacional de Música Nueva “Manuel Enríquez”, el Festival Internacional de Puebla, el Coloquio Musical de Zacatecas, el Festival Internacional de Mazatlán, el Festival Internacional de Música Nueva Siglo XXI de Xalapa y Discantus en Puebla. En Estados Unidos, el grupo ha recibido invitaciones de la Universidad de Cincinnati, de la Texas Christian University y del Segundo Festival Internacional de Música Latinoamericana en Forth-Worth, Texas. Realiza también una intensa actividad pedagógica en la Universidad de las Américas en Puebla. Se hizo acreedor al apoyo del Conaculta-Fonca, dentro del programa de apoyo a grupos profesionales de las artes escénicas México en Escena, 2004-2006, 2007-2009 y colaboró en el proyecto Prácticas de Vuelo 2009 con el CMMAS en Morelia. Ha grabado tres discos: Alusiones, 2 tríos y México Siglo 21 para Quindecim Recording. Ha sido solista de las Texas Christian University Orchestra y de la Orquesta Sinfónica del Estado de Puebla.

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Programa 18 Sala Manuel M. Ponce Palacio de Bellas Artes

Martes 19 de junio, 19:30 horas Joaquín Gutiérrez Heras (1927-2012) Variaciones sobre una canción francesa Dúo para flauta en sol y violonchelo Sonata simple

Quinteto para clarinete y cuerdas Trío de alientos

Cuarteto de cuerdas núm. 2 María Teresa Frenk, piano Rafael Urrusti, flauta Luz María Frenk, violonchelo Gerardo Ledezma, fagot Carmen Thierry, oboe Manuel Hernández, clarinete Cuarteto Carlos Chávez Beata Kukawska, violín Omar Guevara, violín Pablo Martínez Bourguet, viola Alain Durbecq, violonchelo

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Compositor Joaquín Gutiérrez Heras (México, 1927-2012) Realizó estudios de arquitectura en la UNAM, mismos que abandonó para dedicarse a la música. En esta disciplina su formación fue autodidacta, aunque posteriormente ingresó al Conservatorio Nacional de Música en 1950, donde tuvo como maestros a Rodolfo Halffter y Blas Galindo. Gracias a una beca del gobierno francés, estudió en el Conservatorio de París, con Olivier Messiaen, entre otros. Otra beca, la Rockefeller, le permitió continuar su formación en la Julliard School de Nueva York. Perteneció al grupo Nueva Música de México, y, al margen de su labor como compositor, fue profesor de varias instituciones; ha dictó conferencias y publicó diversos artículos. De igual forma escribió música para teatro y cine, destacando su trabajo con Jaime Humberto Hermosillo, que le valió varios premios: Diosa de Plata por El cumpleaños del perro (1974), Ariel por Naufragio (1977) y Ariel y Diosa de Plata por El corazón de la noche (1983). Joaquín Gutiérrez Heras ha sido uno de esos casos en los que llegar al encuentro con su obra, es llegar verdaderamente al conocimiento del artista. La suya es una música de oficio riguroso, austera, concisa, de una muy depurada precisión arquitectónica en donde es posible comprobar que el compositor fue siempre cauteloso y radicalmente celoso respecto de lo que a fin de cuentas fue su propio arquetipo, al margen de cualquier influencia que no viniera a cuenta –precisamente– de esa estricta posición estética que le permitiera, sin embargo, aplicar con toda soltura diversas estrategias técnicas que habrían de llevar a buen resultado cada uno de sus cometidos creativos. Así, con el presente programa biográfico, el escucha podrá además apreciar claridad y sobriedad como dos de los continuos ejes en la obra del compositor poblano. Eduardo Soto Millán

Intérpretes María Teresa Frenk Reconocida pianista mexicana, realizó sus estudios musicales en el Conservatorio Nacional de Música y en la Hochschule der Künste (hoy Universidad de las Artes) de Berlín, Alemania. Su carrera la ha llevado a presentarse en México, Centro y Sudamérica, Estados Unidos, Austria, Alemania, España, Francia, Inglaterra y Japón. Su actividad se centra principalmente en la música de cámara y también ofrece recitales. Ha actuado como solista con la mayoría de las orquestas mexicanas de renombre. Una de sus facetas es la interpretación de música mexicana de concierto, en su mayoría de estreno, y ha grabado varios discos con este repertorio. Por la antología pianística El siglo XX en México Vol. 1, obtuvo el reconocimiento de la Asociación de Cronistas de Teatro y Música, en 1997. Formó parte del Trío México, de 1998 a 2003. Ese

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mismo año obtuvo el reconocimiento Juana Ramírez de Asbaje de la UNAM. Estuvo al frente de la Coordinación Nacional de Música y Ópera del INBA (CNMO) en 2009. Actualmente es parte del grupo de Concertistas de la CNMO y profesora de piano y música de cámara en la Escuela Nacional de Música de la UNAM. Rafael Urrusti Ver página 25 Luz María Frenk Ver página 25 Gerardo Ledezma Realizó estudios musicales en México, Estados Unidos, Austria y Holanda, con Lazar Stoychev, Harlod Goltzer, Milan Turkovich y Joep Terwey. Ha sido miembro de la Orquesta Sinfónica del Estado de México y de la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México. Fue becario de la Filarmónica de la UNAM y del Aspen Music Festival. Como solista, se ha presentado con orquestas como la Filarmónica de la UNAM y La Camerata. Asimismo, ha formado parte del Quinteto de Alientos Adomián, Solistas de México, Sinfonietta Ventus, La Camerata, Netherland Double Reed Ensemble y Plenty Powerful. Fue becario del Fonca en 1998. Como integrante de la Sinfonietta Ventus recibió apoyo del Fonca y del Fideicomiso para la Cultura México-Estados Unidos, y con ello ha ofrecido conciertos en Pittsburgh, Chicago, Nueva York, y en los foros más importantes de la Ciudad de México. En la actualidad, es fagot principal de la OFUNAM, maestro en la Escuela Superior de Música del INBA y miembro del Quinteto de Alientos de Bellas Artes de la Coordinación Nacional de Música y Ópera del INBA. Carmen Thierry Primera oboísta titulada en México, en 1988, por la Escuela Nacional de Música de la UNAM, donde fue acreedora a la mención honorífica. En 1985, ganó el Concurso Nuevos Valores de Bellas Artes y desde entonces ha sido solista de la Orquesta de Cámara de Bellas Artes. En 1990 y 1991, fue seleccionada para representar a México en el Pacific Music Festival, en Sapporo y Tokio, Japón, donde tocó bajo las batutas de Leonard Bernstein, Michael Tilson Thomas, Neeme Järvi y Christoph Eschenbach. En 1993, fue distinguida con una beca y diploma al mérito por la Accademia Chigiana de Siena, Italia, donde estudió con Hansjörg Schellenberger. Fue becaria del Fonca en 1995, para realizar estudios de oboe barroco con Joyce Alper, que la ha llevado a colaborar con el Texas Baroque Ensemble en Austin; Capella Cervantina, Concierto Barroco y, recientemente, con la Capella Guanajuatensis y Capella Universalis. Es miembro de la ahora Orquesta Barroca Capella Cervantina, que dirige Horacio Franco. Nuevamente con apoyo del Fonca, el Gobierno de Canadá y el INBA realizó dos residencias artísticas en The Banff Centre for the Arts, en Canadá, que le valió la grabación de su primer disco compacto, Oboemia, música mexicana para oboe solo. Es catedrática de la Escuela Nacional de Música de la UNAM, integrante del grupo Concertistas de Bellas Artes y del Quinteto de Alientos de Bellas Artes de la Coordinación Nacional de Música y Ópera del INBA.

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Manuel Hernández Clarinetista principal de la Orquesta Filarmónica de la UNAM, miembro de Concertistas de Bellas Artes, integrante del Cuarteto de Clarinetes Ánemos, profesor de clarinete en la Escuela Nacional de Música de la UNAM. Originario de Oaxaca, inició sus estudios musicales en 1988. Se graduó con honores del Conservatorio de Versalles y de la Escuela Nacional de Música de la UNAM. Ha sido merecedor de premios y reconocimientos en concursos nacionales e internacionales entre los que destacan: premio de honor en los concursos de Música y Arte Dramático Leopoldo Bellan de París, 2004, y Concurso Europeo de Música en Picardie, 2002; mención honorífica en el III Concurso Internacional de Música de Buenos Aires, 1998, primer lugar como mejor intérprete de la Escuela Nacional de Música de la UNAM, 1996. Ha actuado como solista con las orquestas Filarmónica de Querétaro, Sinfónica Carlos Chávez, de Cámara de Bellas Artes, de Cámara Mayo de Buenos Aires, de Baja California, Cuarteto de Cuerdas de la Ciudad de México y OFUNAM. Ha sido clarinetista principal en la Orquesta Sinfónica Juvenil del Estado de Veracruz y en la Orquesta del Teatro de Bellas Artes, en donde acompañó a grandes figuras como Plácido Domingo, Rolando Villazón, Anna Netrebko, Ramón Vargas y Francisco Araiza, además de haber participado con las orquestas Sinfónica Carlos Chávez, de Cámara de Bellas Artes, Camerata de las Américas y Sinfónica de Minería. Cuarteto Carlos Chávez Fue fundado en 1994. En la temporada 2012 Quindecim Records, lanzó un disco doble del Cuarteto, con toda la obra musical para cuerdas de Carlos Chávez. Sus discos anteriores incluyen Samuel Zyman. Dos temperamentos, los Cuartetos de Brahms, y los Cuartetos mexicanos desconocidos, volúmenes 1, 2 y 3. Ha estrenado comisiones de obras de Jesús Echevarría, Samuel Zyman, Marco Aurelio Alvírez y Alberto Núñez Palacios. Fungió como cuarteto residente en 2009-2010 en el Festival Internacional de Música de Cámara de San Miguel de Allende. En alianza artística con el director de escena Cesar Piña, creó producciones como El niño Revueltas, Don Quijote y El cascanueces. Entre los premios y reconocimientos recibidos destacan: las becas otorgadas por el Fonca 1997, 2000 y 2007 y la Unión Mexicana de Críticos de Teatro y Música en 1998. Participó en el Festival Internacional de Música y Danza en Lublin, Polonia; y fue invitado a Estados Unidos por la embajada mexicana en Washington, D.C. para presentar una serie de conciertos en el Instituto Cultural Mexicano y en el Millenium Stage del Kennedy Center. En 2011 presentó un espectáculo con la Suite huasteca en Nueva Jersey, en una coreografía para ballet clásico creada por David Fernández, comisionado por The New Jersey Ballet Company. Su proyecto artístico más reciente incluyó una semana de residencia en la Universidad Colgate, Estados Unidos, con el título Journeys and Passages, estrenando Mictlán, Poema ceremonial de Jesús Echevarría.

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Programa 19 Sala Manuel M. Ponce Palacio de Bellas Artes

Miércoles 20 de junio, 19:30 horas Felipe Pérez Santiago Pronto desapareceremos (2003)**

7’

Diego Lozano Verduzco El tianguis (2011)* 7’ Rafael Miranda Huereca Cintas de sorpresas (2003)* 10’ Graciela Agudelo Cantos de viento y agua (2012)* Lilia Vázquez Kuntze A Cristo sacramentado, día de comunión (1995) 20’ *Estreno mundial **Estreno en México

Solistas Ensamble del INBA Christian Gohmer, director huésped

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Compositores Felipe Pérez Santiago (México, 1973) Estudió en el Centro de Investigación y Estudios Musicales (CIEM) y en la Associated Board of the Royal Schools of Music de Londres. Fue becado por el Fonca. Estudió la licenciatura y la maestría en el Conservatorio de Rotterdam, Holanda. Ganador de diversos premios: de residencia del Instituto de Música Electroacústica de Bourges, Francia; de composición del Kronos Quartet, de música para danza de la Fundación Onassis, Grecia, y una nominación al Ariel por parte de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas de México. Ha sido compositor residente en distintos países e instituciones: Holanda, Alemania, Francia, Estados Unidos y Polonia. Ha trabajado con las orquestas Filarmónica de Rotterdam y Sinfónica Nacional Checa, los coros de Cámara de Holanda y de la Comunidad de Madrid, el Octeto Ibérico de Violoncellos y el Kronos Quartet, entre otros. Fundó The Mal’Akh Ensemble. Su trabajo comprende música de concierto, danza, ópera, cine, video e instalaciones multimedia; y ha sido comisionada e interpretada en más de treinta países en salas como el Palacio de Bellas Artes de México, la Sala Tchaikovsky en Moscú, el Theatre de la Ville en París, la Ópera de Sidney, el Auditorio Nacional de Madrid y el Carnegie Hall de Nueva York. Pronto desapareceremos Está basada en un poema náhuatl y fue escrita por encargo del Coro de Estudiantes de Holanda. La pieza usa como base melodías tradicionales de la India que se desarrollan con un lenguaje contemporáneo. Cuando me pidieron la obra no sabía que texto usar y estuve buscando en todo tipo de literatura y poesía algo que me gustara y que se adaptara a una obra para coro grande, debía ser interpretada en varias iglesias, y culminar con una presentación en la catedral de Ámsterdam. Busqué algo con sentido espiritual pero sin caer en los típicos textos sacros. Yo aún vivía en Holanda y en un viaje que hice a México me topé en la calle con un libro de recetas de día de muertos. Siendo la cocina otra de mis pasiones lo compré, y para mi sorpresa ahí estaba este poema y su traducción. Decidí usar ese texto pues me pareció perfecto en duración, en contenido y en musicalidad, y al final incluí a la soprano solista para darle un toque más dramático y virtuoso.

Diego Lozano Verduzco (México, 1988) Estudió la licenciatura en composición LTCL Music Composition del Trinity College London y en el Centro de Investigación y Estudios de la Música (CIEM), donde tomó clases con María Antonieta Lozano, Guadalupe Sotres, Tomás Barreiro, José Julio Díaz Infante, Enrico Chapela y Víctor Rasgado. En 2009 obtuvo el certificado Grade & Theory of Music y en 2010 el certificado Musical Theory, Criticism & Literature. Estudió guitarra, piano, percusiones, entrenamiento auditivo y armonía en el programa infantil-juvenil del CIEM de 2003 a 2006. Su obra El escape del barón, para ensamble de cámara, ha sido presentada en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes, el Teatro de las Artes del Cenart y en la Universidad Anáhuac del Norte, interpretada por el Ensamble Tempus Fugit.

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El tianguis Está basada en la idea de recrear un recorrido por un tianguis de la Ciudad de México. Para lograr esto, me di a la tarea de escuchar, analizar, estudiar y grabar ciertos elementos que forman parte del espíritu del tianguis mexicano: gritos, invitaciones, frases, gestos, ofertas, murmullos, silbidos, aires cómicos y los modos de los vendedores. Estos elementos constituyen el material musical de la pieza, de donde surgen las ideas melódicas. La obra explora algunas técnicas vocales extendidas como: glisando, portamento, silbidos, recitación, habla, murmullo y la exploración de ciertas vocales y sus posibilidades fonéticas. Se incluyen extractos del poema “Tianguis” de José Juan Tablada, con la idea de transmitir poéticamente la esencia del mercado y darle mayor unidad a la obra.

Rafael Miranda Huereca (México, 1973) Doctor en filología inglesa por la Universidad Autónoma de Barcelona, es maestro de composición, electrónica y microtonalidad en el Rotterdam Conservatorium, y licenciado en composición por el Conservatorio de Música del Estado de México (COMEM). Fue catedrático en la UAEM, en el COMEM y otras instituciones, e impartió varios cursos de microtonalidad. Sus obras han sido estrenadas por la Orquesta Sinfónica Nacional, la Orquesta de Aguascalientes, el Nieuw Ensemble y diversos solistas en diferentes festivales en Francia, Bulgaria, Holanda y México. Becario del Fonca, Focaem y Conacyt en múltiples ocasiones. Creador de obra multidisciplinaria que involucra sus conocimientos en cyberpunk, oneiropunk, estudios culturales y artes visuales, así como técnicas de avanzada en diversos instrumentos y electrónica. Cintas de sorpresas Escrita en una estructura simétrica dividida en tres partes que reflejan la composición de La Muerte de Artemio Cruz de Carlos Fuentes, la obra fue diseñada siguiendo ciertas herramientas derivadas del uso de la electrónica (LFOs, delays, filtros, buzz, modulaciones) y pretende envolver de sonido a la audiencia al estar el coro colocado alrededor de la misma. El número tres divide al coro en 12 voces y realiza una fórmula que sigue los patrones presentados por la letra que deriva de Muerte sin fin de Gorostiza, de la novela de Fuentes y de la poesía ascética de San Juan de la Cruz. El carácter de la obra, aunque tendiendo a lo monolítico, se transforma gradualmente para pasar por ciertos estados de humor relacionados con los diversos momentos estructurales de la obra. La técnica utilizada varía desde el serialismo de los franco-flamencos hasta los experimentos con la electrónica y la técnica extendida para la voz.

Graciela Agudelo (México, 1945) Cursó la carrera de pianista en la Escuela Nacional de Música de la UNAM (ENM); estudió composición en el Taller de Creación Musical del INBA y en el Conservatorio Nacional de Música. Fue becada por el Internationales Musikinstitu Darmstadt en Alemania. Dedicada a la educación musical infantil, es autora del Método GAM de Iniciación Musical para Niños, 1998. Ha publicado diversos

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artículos, ensayos y cuentos en importantes revistas culturales. Dirigió la revista oficial de la ENM y es autora del libro El hombre y la música, 1998. Fue productora asociada del programa Hacia una nueva música en Radio UNAM. Es fundadora de Onix Ensamble, grupo instrumental dedicado a la difusión de la música de cámara actual. Ha escrito varias obras para orquesta sinfónica, de cámara, para cuerdas, música para teatro, televisión y producciones didácticas, entre otras. Es miembro fundador de la Sociedad de Música Nueva, donde ha ocupado cargos directivos. Estuvo a cargo de la Secretaría de Difusión de la ENM. Es presidenta del Consejo Mexicano de la Música y miembro asociado al Conseil International de la Musique UNESCO/París. Ha sido becaria del Programa de Apoyo a Proyectos y Coinversiones Culturales del Fonca, en las categorías Creadores, Intelectuales y Artistas; y es miembro el Sistema Nacional de Creadores de Arte. Cantos de viento y agua “Cantos”, en la acepción que define cualquier composición lírica, y en este caso, coincide con que también se trata de canciones; por cierto, basadas en un género poético japonés de gran prosapia: el haiku. Forma poética cuyos temas predominantes son la naturaleza y el discurrir de la vida, y que se caracteriza por su sencillez, su naturalidad, su estructura de 17 sílabas dispuestas en tres versos de cinco, siete y cinco; y, especialmente, por su brevedad, que contiene dos imágenes tan contemplativas como sutilmente contrastantes. Esta deliciosa estructura, que llegada a occidente ha sido cultivada por distinguidos poetas, como Ezra Pound, Jorge Luis Borges, Mario Benedetti; y en México José Juan Tablada, Efrén Rebolledo y el mismo Octavio Paz, entre otros, ha sido también fuente de inspiración de músicos y pintores. Para mí, haber conjugado la literatura y la música en la creación de esta forma breve, sutil y contrastante, con su peso y (des)equilibrio silábico, con sus imágenes poéticas, con su deliciosa nostalgia, ha sido, más que un interesante reto a la fantasía y el constructivismo, un verdadero agasajo profesional…; oportunidad que agradezco a la Coordinación Nacional de Música y Ópera del INBA, que me comisionó su creación, para ser estrenada en el Foro Internacional de Música Nueva “Manuel Enriquez” edición 2012.

Lilia Vázquez Kuntze (México, 1955) Estudió composición con Mario Lavista y Hector Quintanar y como becaria del Cendim con Federico Ibarra. En Francia continuó sus estudios con Franco Donatoni e Iannis Xenakis. Obtuvo en Alemania las licenciaturas en teoría musical y composición bajo la dirección de Diego Feinstein. Tomó cursos de composición con Leo Brouwer, Alcides Lanza, Wladimierz Kotonzky, Rodolfo Halffter. Obtuvo el segundo lugar en el Concurso José Pablo Moncayo organizado por la OFUNAM con su obra Encuentros. Ha sido becaria del Fondo para la Cultura y las Artes del Estado de México y miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Sus obras se han interpretado en festivales de México, Francia, Alemania, Estados Unidos, Italia, Bélgica, España y Cuba. Desde 1994 es catedrática del Conservatorio de Música del Estado de México. En la actualidad es nuevamente miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte.

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A Cristo sacramentado, día de comunión Esta obra fue escrita con el apoyo del Fonca y participó en el Concurso Nacional “Sor Juana Inés de la Cruz” en la categoría para coro mixto, organizado por el Instituto de Cultura del Estado de México, haciéndose acreedora del primer lugar. El texto alude al amor apasionado de Sor Juana profesado hacia la figura del Cristo, en donde la autora cuestiona su intenso sentir, concluyendo con una frase que dice “…luego es amor no celos lo que en vos miro”. La elección del material va unida a la intención de expresar la dualidad del texto entre lo místico y lo profano. Esto me hizo pensar en un material sonoro que evocara dichos contrastes, los cuales van desde el manejo de líneas modales, que se densifican verticalmente y alcanzan expresiones dramáticas, a través de la superposición de los diferentes planos sonoros hasta la utilización de estructuras, a base de células interválicas y rítmicas, que se van permutando y transformando durante el desarrollo del discurso musical. Lo anterior con el objetivo de unificar la dualidad de ambos contextos expresados en la exaltación del texto de Sor Juana.

Intérpretes Christian Gohmer Licenciado en canto por la Escuela Superior de Música del INBA. Ha estudiado dirección con Enrique Diemecke, Digna Guerra y Alain Paris. Ha asistido a cursos de la Orquesta Barroca de Friburgo, el ensamble Recherche y Diavolus in Musicae, entre otros. Es director artístico y fundador de Tempus Fugit, con quien ha estrenado obras de más de treinta compositores mexicanos y actuado en diversas ediciones del Foro Internacional de Música Nueva “Manuel Enríquez”, en ciclos de conciertos del Colegio Nacional, el Foro de Música Nueva de Monterrey, en el Encuentro Nacional de Jóvenes Creadores del Fonca y el Festival Internacional Chihuahua, entre otros. También es director y fundador del ensamble vocal instrumental Mester de Juglaría. De 2005 a 2009 fue director artístico de la Orquesta Sinfónica de la Escuela Superior de Música. Debutó como director huésped con la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México en 2011; además ha dirigido como invitado las sinfónicas de Puebla y de la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo. Ha fungido como director asistente en producciones como Rusalka de Dvorâk, Fidelio de Beethoven, La vida breve de Manuel de Falla, Death in Venice de Benjamin Britten y La bohème de Puccini, entre otras, con la Compañía Nacional de Ópera de Bellas Artes, trabajando con directores como Nicksa Bareza, Christopher Franklin, Iván Anguélov, Sebastien Rouland, Enrique Diemecke y Enrique Patrón de Rueda. Solistas Ensamble del INBA Fue fundado en 1984 por el maestro Rufino Montero, quien fungió como titular hasta 2009, año en que se retiró recibiendo las medallas Mozart y de Bellas Artes. Ha tenido como directores huésped a maestros de la talla de Erika Kubacsek, James Demster, Horacio Franco, Josep Cabré,

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Samuel Pascoe, Linus Lerner, Maurizio Baldin y Pablo Varela. En sus conciertos realizados con la Orquesta de Cámara de Bellas Artes el grupo ha actuado bajo la dirección de Luis Herrera de la Fuente, Samuel Saloma, Jesús Medina, Juan Carlos Lomónaco, Enrique Barrios y Guillermo Salvador. También ha contado con la colaboración de la Orquesta Sinfónica de la Secretaría de Marina Armada de México, bajo la dirección del capitán maestro Francisco Hernández. El grupo tiene como propósito desarrollar una actividad musical que abarca las principales etapas de la música vocal, enfocándose en esta nueva etapa en el repertorio de oratorio y ópera de cámara. Se ha distinguido ampliamente tanto por sus interpretaciones de música antigua como de música contemporánea. Fue el primer grupo que se dio a la tarea de difundir nacional e internacionalmente la música virreinal mexicana y latinoamericana (siglos XVI a XVIII), música romántica de los compositores mexicanos del siglo XIX, así como la música popular del siglo XX y la de compositores mexicanos del presente. Ha realizado producciones discográficas con obras de compositores del llamado movimiento nacionalista de México: Blas Galindo, Carlos Chávez y Silvestre Revueltas, así como de Carlos Jiménez Mabarak. En los últimos años ha estrenado óperas de los maestros Roberto Bañuelas y Federico Ibarra, y ha tenido como directores de escena a Ragnar Conde, Rubén Herrera, Jorge Pais, Jaime Razzo y Moisés Manzano, por mencionar algunos. Solistas Ensamble del INBA Xavier Ribes, director artístico Ángeles Arévalo, Violeta Dávalos, Graciela Díaz Alatriste, Martha Molinar, Lorena von Pastor, Angelina Rojas, Ekaterina Tikhontchouk, sopranos; Grace Echauri, Itia Domínguez, Tamara Kontseva, Linda Saldaña, Zayra Ruiz, mezzosopranos; Rubén Cosme, Gustavo Cuautli, Mauricio Esquivel, Mario Hoyos, Héctor Jiménez, Gerardo Reynoso, tenores; Enrique Ángeles, Ricardo Galindo, Iván Juárez, barítonos; Emilio Carsi, Sergio Meneses, Luis Gabriel Rodarte, bajos; Eric Fernández, pianista Guillermo Rodríguez, jefe de personal; Rolando Rivera, bibliotecario;Marco Antonio Barrera asistente; Carmen Sosa, auxiliar administrativo

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Programa 20 Salón de Recepciones Museo Nacional de Arte

Jueves 21 de junio, 19:30 horas Mario Lavista Cuicani (1985) 11’ Lawrence Moss Tang Tales (2007)* 12’ Pablo Sandoval Coronado Autorretrato I (2009)*

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Juan Pablo Contreras Silencio en Juárez I Madre dolorosa II Corrido III Liturgia IV La injusticia

22’

*Estreno mundial

Onix Ensamble Alejandro Escuer, flauta y dirección artística Fernando Domínguez, clarinete Abel Romero, violín Edgardo Espinosa, violonchelo Edith Ruiz, piano

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Compositores Mario Lavista (México, 1943) Nació en la Ciudad de México. En los últimos años ha trabajado en estrecha colaboración con algunos notables instrumentistas interesados en la exploración y la investigación de las nuevas posibilidades técnicas y expresivas que ofrecen los instrumentos tradicionales. En 1987 le otorgaron la beca de la Fundación Guggenheim para escribir su ópera en un acto Aura, basada en el relato de Carlos Fuentes, y fue nombrado miembro de la Academia de Artes. En 1991 recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes y la medalla Mozart, y dos años después el Conaculta lo distinguió como creador emérito. Ingresó a El Colegio Nacional en 1998. Ha sido invitado como profesor de composición y análisis en la Indiana University, el Atlantic Center for the Arts de Florida y la University of Chicago; ha impartido conferencias y seminarios en Cornell University, University of California at San Diego, University of Wisconsin, Western Carolina University, McGill University, University of California at Santa Barbara, Florida International University y la Illinois Wesleyan University, entre otras. Actualmente imparte las cátedras de composición, análisis y lenguaje musical del siglo XX en el Conservatorio Nacional de Música y es director de Pauta, cuadernos de teoría y crítica musical. Cuicani (Cantor en tolteca). Utiliza las técnicas extendidas de la flauta y el clarinete como un medio expresivo para construir una música en la que los elementos sonoros se van desencadenando de tal manera que la percepción temporal de la obra es circular, como si ésta girara sobre sí misma, dándonos a la vez una sensación de estatismo y de constante movimiento. El sonido se convierte así en una entidad, donde incluso el origen de éste se vuelve indistinto y los instrumentalistas, los instrumentos así como las técnicas empleadas pasan a un segundo plano.

Lawrence Moss (Estados Unidos, 1927) Nació en Los Ángeles. Obtuvo un doctorado de la University of Southern California en 1957. Ha sido maestro de composición en: Mills College, Yale University y la University of Maryland, donde le fue otorgado el premio Distinguished Scholar/Teacher en 1982. Ha recibido encargos y comisiones de: Fromm Commission, Chamber Music Society of Baltimore, Kindler Foundation of Washington, D.C.; National Endowment for the Arts, el Festival de Otoño de Varsovia, Polonia, y la Barlow Foundation, entre otros. Fue becario de la Guggenheim Foundation y la Fulbright Association. Sus obras han sido interpretadas por artistas como Phyllis Bryn-Julson, Harry Sparnaay, Esther Lamneck y Chris Gekker; además de agrupaciones como la Baltimore Symphony, Theater Chamber Players, Continuum, Speculum Musicae, Left Bank Concert Society, Verge Ensemble, the New Juilliard Ensemble of New York y San Francisco Contemporary Music Players. Su ópera The Brute representó a Estados Unidos en el International Youth Festival de Bayreuth en 1971. Fue

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invitado del Festival de Música Electrónica de Bourges en 1989, del American Music Festival de la British Royal Academy en 1990 y del Rockefeller Center en Bellagio, Italia. Tang Tales Fue escrita para Alejandro Escuer y el Onix Ensamble. La inspiración para la pieza es la poesía de la dinastía Tang de China. Los primeros sonidos de Spring Dawn nos transmiten la imagen de un amanecer, con aves trinando por todos lados, seguido de una sección fortissimo a media pieza, que cierra de modo triste. En Early Morning Meditation vemos los rayos del sol penetrando en oscuro bosque de bambú. Passing Beauties comienza con una suave descripción de unas cortesanas paseando a la orilla de un lago. En el cuarto movimiento Evening Flute Song escuchamos la dolorosa nostalgia de un plebeyo, un joven recluta que vigila desde su puesto en la Gran Muralla. Su tristeza se refleja en el solo de flauta, que es la única parte “china” de la obra. En el final, Saying Goodbye, dos amigos se despiden por última vez. Su angustia da paso a un amanecer tranquilo, mientras la larga noche termina.

Pablo Sandoval Coronado (Perú, 1982) Músico compositor egresado del Conservatorio Nacional de Música de Lima, Perú. En la actualidad cursa estudios de posgrado en la Escuela Nacional de Música de la UNAM. Su producción musical incluye obras desarrolladas a partir de la búsqueda de una expresión sonora basada en textos extramusicales como la poesía y las imágenes. Cuenta con amplia experiencia en la creación de repertorio musical para niños, traducido en canciones de amplia variedad de géneros y fusiones musicales de vertiente popular. Del mismo modo, ha participado en la creación de propuestas sonoro-musicales que dialogan en el espacio escénico (teatro-danza). Ha sido director musical del Ensamble de Instrumentos Tradicionales del Perú y de Eco ensamble-contemporáneo. Actualmente es coordinador del proyecto Germina.Cciones… Primaveras Latinoamericanas. Autorretrato I Nace de la expresiva y silenciosa imagen de El grito de Edvard Munch. La obra, en su recorrido dialéctico, de oposiciones y contradicciones, intenta dibujar los contornos de un paisaje emocional y contrastante. Es la narrativa de un viaje sinuoso por el mundo interno de un personaje imaginario, que al igual que el de la obra de Munch, recurre al grito urgente y confuso, esta vez un grito hecho de sonido.

Juan Pablo Contreras (México, 1987) Originario de Guadalajara. A los doce años ingresó a la Orquesta Juvenil de Zapopan. En 2002 comenzó sus estudios como tenor con Engelberto Aguilar y de composición con Hermilio Hernández, con quien descubrió su verdadera pasión por la composición. En 2006, recibió una beca para realizar estudios musicales en el California Institute of the Arts, donde se recibió como licenciado en composición y continuó sus estudios como tenor. Entre sus maestros de composición destacan Richard Danielpour, Michael Pisaro y Daniel Cátan. Su música de

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concierto ha sido interpretada por conjuntos como el Formalist Quartet, Inauthentica Ensemble, la Orquesta de CalArts y por artistas en Francia, Suecia, Polonia, Estados Unidos y México. Actualmente cursa la maestría en composición en la Manhattan School of Music bajo la tutela de Nils Vigeland. Silencio en Juárez La inspiración de esta obra nació del trágico acontecimiento que ocurrió el 23 de noviembre de 2010, donde quince adolescentes fueron asesinados en Ciudad Juárez, México. Madre dolorosa está escrito desde la perspectiva de una de las madres que perdió a su hijo en esta matanza. El movimiento es un retrato musical del himno católico Stabat Mater Dolorosa que medita sobre el sufrimiento de María al contemplar a Jesucristo en la cruz. Corrido es una narración musical de las memorias de uno de los testigos presentes en este asesinato. La melodía del corrido se encuentra entrelazada entre memorias de balazos y gritos desesperados implorando piedad. Liturgia evoca una misa católica donde las familias de las víctimas lamentan la pérdida de sus seres queridos. Cada instrumento ofrece una elegía, mientras escuchamos las campanadas de iglesia en el piano. La injusticia es una cruda representación de la realidad que México está enfrentando hoy en día. Un pasaje nostálgico cerca del final de la obra nos hace recordar a las víctimas de manera afectuosa. Sin embargo, la música nos transporta a la realidad, misma que nos asegura que si estos asesinatos siguen sucediendo de manera constante, no nos quedará más que un eterno Silencio en Juárez.

Intérprete Onix Ensamble Fue fundado en 1995 por Alejandro Escuer. Favorece géneros que fusionan la música clásica con otras músicas y estéticas del mundo, propiciando puentes de comunicación y nuevos caminos de expresión característicos de las tendencias eclécticas, multiculturales y posmodernas de la actualidad. Estableció el Premio Internacional Onix de Composición Intercultural. Ha estrenado decenas de obras, muchas de ellas dedicadas al ensamble, trabajando por doce años consecutivos en grabaciones, presentaciones y cursos académicos en México y el extranjero, incluyendo viajes y giras a Estados Unidos, Canadá, Europa, Sudamérica y Asia. La agrupación ha recibido el apoyo y reconocimiento del Fonca (Programa México en Escena, Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales en varias ocasiones); cuenta con una nominación al Grammy Latino por su disco Planos; reconocimientos especiales y apoyo de la Coordinación Nacional de Música y Ópera del INBA, de la UNAM y su Escuela Nacional de Música; el Festival Internacional Cervantino y la Gaudeamus Foundation, entre otras organizaciones nacionales e internacionales. Ha sido generador directo e indirecto de una amplia gama de proyectos tanto institucionales como independientes, incentivado la fundación de propuestas y grupos cuya hermandad de espíritu afianza un futuro certero para la música de México y su posicionamiento a nivel nacional e internacional. Ha grabado para Actus, Quidecim Recordings y Urtext Digital Classics.

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Programa 21 Sala Manuel M. Ponce Palacio de Bellas Artes

Viernes 22 de junio, 19:30 horas David Lang These Broken Wings (2007) 15’ One Two (passacaille) Three Pablo Rubio Vargas 20 segundos (2007) 8’ María Granillo Mousai (2012)* 12’ Intermedio Andy Akiho Erase (2011) 10’ Timothy Andres Crashing Through Fences (2009)

6’

Stephen Hartke Meanwhile: Incidental Music to Imaginary Puppet Plays (2007) 18’

*Estreno mundial

eighth blackbird Tim Munro, flautas Michael J. Maccaferri, clarinetes Yvonne Lam, violín y viola Nicholas Photinos, violonchelo Matthew Duvall, percusiones Lisa Kaplan, piano

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Compositores David Lang (Estados Unidos, 1957) Ganador del premio Pulitzer de música 2008. Sus proyectos recientes incluyen una comisión para Paul Hillier y el Theatre of Voices del Carnegie Hall, una obra para la London Sinfonietta, con trabajo visual del director de cine inglés Peter Greenaway, una ópera para el Kronos Quartet y un concierto para percusión y orquesta para Evelyn Glennine. Otros trabajos incluyen una ópera en colaboración con el artista visual Mark Dion y la Ridge Theater Company titulada Anatomy Theater, y una reescritura completa de la ópera de Beethoven, Fidelio. These Broken Wings Los tres movimientos de esta pieza se concentran en tres diferentes retos físicos y musicales. El primero requiere de un brío increíble así como de intensa concentración. Gestos tristes y descendentes dominan el lento segundo movimiento. En el último quise hacer música que bailara y avanzara, intentando alentar a que los músicos lo hagan también.

Pablo Rubio Vargas (México, 1984) Nació en Aguascalientes. Se inició en la música de forma autodidacta. En 2001 ingresó al propedéutico de música en la Escuela de Bellas Artes de Querétaro. En 2004 inició estudios de licenciatura en composición musical con Mauricio Beltrán y posteriormente con Ignacio Baca Lobera. En 2006 obtuvo el estímulo a la creación y desarrollo artístico del estado de Aguascalientes 2006-2007. Fue finalista en el Tercer Festival Internacional de Música Contemporánea de Michoacán 2007. En 2009 fue seleccionado por el Centro Nacional de las Artes para el taller de composición impartido por Juan Trigos. Es miembro de diversas agrupaciones como los colectivos Kaoss y Paracaídasalrevés; es director del cuarteto de guitarras Yagale. Su música ha sido ejecutada en distintos festivales. Ha trabajado con reconocidos ejecutantes como Wilfrido Terrazas, Ensamble Tres, Franklin Cox, Lisa Cella, Horacio Franco, Alex Bruck, entre otros. 20 segundos Extrae su nombre debido a la idea compositiva de sólo generar 20 segundos de material sonoro el cual tiene un comportamiento simétrico. Utilizo diversos procesos para extender el material original, esta extensión implicó variar el timbre. La obra esta conformada por cuatro secciones, cada una de éstas es una distinta variación del material original. La interacción entre cello y flauta esta basada en crear relaciones paralelas rítmico-tímbricas que tienen como meta puntos focales donde coinciden en altura.

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María Granillo (México, 1962) Realizó la licenciatura en composición en la Escuela Nacional de Música de la UNAM, fue integrante del Taller Nacional de Composición dirigido por Daniel Catán, Julio Estrada, Federico Ibarra y Mario Lavista. Realizó un posgrado en composición en el Guildhall School of Music and Drama en Londres, Inglaterra, y posteriormente obtuvo la maestría en composición en la University of York, Inglaterra, con especialidad en música electroacústica. En 2006 obtuvo el doctorado en composición en la University of British Columbia, Canadá. Sus obras abarcan todos los géneros así como música original para teatro, cine y danza, y han sido interpretadas por destacados intérpretes y agrupaciones musicales en México, Estados Unidos, Canadá, Inglaterra, Dinamarca, Francia, España, Alemania y Rusia, siendo objeto de numerosas distinciones, como la medalla Mozart 1996, la beca Jóvenes Creadores que otorga el Fonca y el Concurso Nacional de Composición Coral, entre otros. Actualmente pertenece al Sistema Nacional de Creadores. Es profesora titular de composición en la Escuela Nacional de Música de la UNAM desde 1993. Mousai La escribí durante enero y febrero de 2012 gracias a un encargo de la Coordinación Nacional de Música y Ópera de Bellas Artes. Mousai es la transliteración de la palabra musas, seres mitológicos a los que se les adjudicaba el poder de inspirar la creación de la literatura, la ciencia y las artes, particularmente los distintos tipos de poesía, la danza y la música. Está dividida en tres movimientos, cada uno de los cuales está conformado, a su vez, por la imagen musical de tres musas: el primero es un homenaje a Calíope, Erato y Thalía; el segundo a Polimnia, Térpsicore y Melpómene, y el tercero a Clío, Urania y Euterpe. Mi punto de partida fue una investigación sobre las características de cada musa, su representación iconográfica y su área de influencia. Tal investigación da origen a las características musicales de cada una de las nueve secciones contrastantes de la obra. Está dedicada al ensamble eighth blackbird.

Andy Akiho (Estados Unidos, 1979) Entre los premios que ha obtenido están el Horatio Parker de la Yale School of Music, un ASCAP Morton Gould Young Composers y un Brian M. Israel. Sus obras han aparecido en el programa de televisión News Hour with Jim Lehrer y usadas por organizaciones como Meet the Composer, Bang on a Can, American Composers Forum y The Society for New Music. Sus composiciones se han interpretado en los recintos más famosos de Nueva York. Como percusionista ha actuado con numerosos ensambles. Es graduado de la University of South Carolina, la Manhattan School of Music y la Yale School of Music. Estudia un doctorado en Princeton. Cursó estudios de composición con Julia Wolfe, Christopher Theofanidis, Ezra Laderman, Martin Bresnick, and David Lang.

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Erase Es un mecánico asalto virtuoso. El compositor ha convertido al piano y al vibráfono en un nuevo y extraño súperinstrumento logrando que los intérpretes usen técnicas no tradicionales. Ligas de hule, tarjetas de crédito y varas de madera se usan para crear este mundo sonoro único. Esta obra ganó el primer premio en el Finale National Composition Contest 2011, un programa del American Composers Forum en asociación con MakeMusic, Inc. y eight blackbird.

Timothy Andres (Estados Unidos, 1985) Sus obras mezclan una formación en música clásica con diversos intereses: naturaleza, artes gráficas, tecnología, cocina y fotografía. Un ávido pianista desde temprana edad, se enfoca primordialmente al repertorio de sus contemporáneos. Su primer disco Shy and Mighty fue lanzado en 2010 por el sello Nonesuch. Estudió la licenciatura y la maestría en Yale. Además de su labor musical, es diseñador gráfico y de web. Crashing Through Fences Está escrita para dos de los instrumentos más agudos: piccolo y glockenspiel. Me interesé en crear un contraste entre estos timbres tan dispares y una melodía larga, proyectada sobre una dulce secuencia armónica. Ésta es una pieza íntima casi incomoda –los dos instrumentos interactúan dubitativamente al principio, luego con un arrojo creciente–. Y en momentos dados, se patean salvajemente entre sí.

Stephen Hartke (Estados Unidos, 1952) Su música refleja la diversidad de su formación musical, del medioevo a la polifonía renacentista, a una síntesis personal de diversos elementos de música popular y oriental. Sus obras han sido interpretadas por orquestas como: la New York Philharmonic, la National Symphony Orchestra de Estados Unidos, la BBC Philharmonic y la Moscow State Philharmonic Orchestra, entre otras. Escribió la ópera The Greater Good, or the Passion of Boule de Suif, para la Glimmerglass Opera. En 2004 recibió el Charles Ives Living Composers Award de parte de la American Academy of Arts and Letters. Su música ha sido grabada por sellos como ECM New Series, EMI Classics y Naxos American Classics. Es profesor de composición en la University of Southern California. Meanwhile: Incidental Music to Imaginary Puppet Plays Fue comisionada por eight blackbird y la Barlow Foundation y nominada al premio Pulitzer de música en 2008. Nace de mi fascinación por varias formas de música asiática de cámara y de teatro; para preparar esta pieza estudié videos de obras para marionetas, desde bunraku japonés, elegantes y elaboradas, hasta marionetas de agua vietnamitas, marionetas de sombras indonesas y turcas y teatro de cámara clásico birmano. La obra tiene sus raíces en estos modelos asiáticos. El piano está preparado casi toda la pieza para sonar apagado como un salterio vietnamita. La viola está afinada un semitono más abajo para cambiar su timbre y abrirle camino a un nuevo set de armónicos naturales para interactuar, a veces microtonalmente, con los del violonchelo. El orden de las percusiones incluye 18 sonidos de maderas, más cuatro cencerros, dos platillos pequeños, un

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gong de agua y un set de bongos. Hay tres flexatones cuyo tono es parecido al de los pequeños gongs javaneses. La pieza se toca en un solo movimiento con seis diferentes secciones: Procession, Fanfares, Narration, Spikefiddlers, Cradle-songs y Celebration.

Intérpretes eighth blackbird El sexteto de Chicago combina la delicadeza de un cuarteto de cuerdas con la energía de una banda de rock y la audacia de una compañía de teatro experimental. Ha colaborado con compositores como Missy Mazzoli, Bruno Mantovani, Mark Anthony Turnage y Joseph Schwantner. Ha grabado tres discos en los sellos Nonesuch, ASO Media y Cedille Records. En la temporada 2011-2012 fue dos veces a Australia, haciendo sus debut en el Sydney Opera House y el Brisbane Festival, y tocando con las orquestas sinfónicas de Melbourne y Tasmania; además se presentará en Nueva York, Kansas City, Ithaca y la Ciudad de México. En la temporada 2010-2011 pasó más de doscientos días en gira, tocando en recintos como el Carnegie Hall, el London’s Barbican Centre, la Biblioteca del Congreso de Washington D.C., Stanford Lively Arts, la Universidad de Texas en Austin y la Eastman School of Music; además de compartir escenario con las orquestas sinfónicas de Cleveland, Atlanta, Toronto, Vermont, West Michigan y del Cabrillo Festival. El grupo es ensamble en residencia en las universidades de Richmond y Chicago, y en el otoño de 2012 tomará la misma posición en el Curtis Institute of Music de Filadelfia. Ha grabado cuatro discos con el sello Cedille Records. Fue ganador de dos premios Grammy: en 2008 como mejor interpretación de música de cámara por strange imaginary animals, y en 2012 como mejor interpretación por un ensamble por Lonely Motel: Music from Slide. El nombre del ensamble proviene de la octava estrofa del evocativo y aforístico poema de Wallace Stevens Thirteen Ways of Looking at a Blackbird (1917).

Por seguridad física y legal de los artistas y para comodidad de la audiencia, no se permiten cámaras y otros aparatos de grabación en la sala durante la presentación. Representante: David Lieberman-Artist Representative P.O. Box 10368 Newport Beach, CA 92658 (714) 979 4700 info@diartists.com

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Programa 22 Sala Manuel M. Ponce Palacio de Bellas Artes

Sábado 23 de junio, 12 horas John Cage Tres piezas de Sonatas and Interludes para piano preparado (1946-1948) Sonata II Interlude IV Sonata V

7’

Henry Cowell Arpa eólica 3’ Alejandro Gómez-Villagómez Profundo insaciable (2002)

6’

Manuel Enríquez Para Alicia (1970) 4’ George Crumb Cuatro piezas de Makrokosmos Vol. II (1973) 12’ I Morning Music (Genesis II) II The Mystic Chord IX Cosmic Wind V Ghost-Nocturne: for the Druids of Stonehenge (Night-Spell II) Eddie Mora ye´ Sule´ (2011) 10’ Elbio Barilari Toccata gaucha (2010) 20’ Mauricio Náder, piano La presentación de este recital es posible gracias al apoyo del Programa de Creadores Escénicos del Fonca

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Compositores John Cage (Estados Unidos, 1912-1992) Fue un importante compositor, instrumentista, filósofo, teórico musical, poeta, artista, pintor, aficionado a la micología y a su vez recolector de setas estadounidense. Pionero de la música aleatoria, de la música electrónica y del uso no convencional de los instrumentos musicales, Cage fue una de las figuras principales del avant-garde de la posguerra. Los críticos le han aplaudido como uno de los compositores estadounidenses más influyentes del siglo XX. Su obra fue decisiva para el desarrollo de la danza moderna, principalmente a través de su asociación el coreógrafo Merce Cunningham. Entre sus maestros estuvieron Henry Cowell y Arnold Schoenberg, pero la principal influencia sobre el trabajo de Cage se encuentra en diferentes culturas orientales. A través de sus estudios de filosofía india y el budismo zen a finales de los años cuarenta, Cage llegó a la idea de la música aleatoria o música controlada por azar, que comenzó a componer en 1951. El I Ching se convirtió en la herramienta compositiva habitual de Cage durante el resto de su vida. Tres piezas de Sonatas and Interludes Para la ejecución de esta emblemática obra del repertorio vanguardista para piano, el compositor determina de una manera muy específica los puntos en los que el pianista debe de “preparar” el piano a través de la colocación de tornillos de diferentes características en algunas de las cuerdas del piano, permitiendo que el timbre natural de las mismas cambie radicalmente. *

Henry Cowell (Estados Unidos, 1897-1965) Compositor, teórico musical, pianista, profesor, editor y empresario estadounidense. Su contribución al mundo de la música fue resumida por Virgil Thomson, quien escribió a inicios de los años cincuenta: “La música de Henry Cowell cubre un amplio rango tanto en expresión como en técnica que el de otro compositor cualesquiera. Sus experimentos comenzaron tres décadas atrás en ritmo, en armonía y en sonoridades instrumentales; fueron considerados por muchos como desquiciadas. Hoy son la Biblia de los jóvenes y aun, para los conservadores, 'avanzadas’... Ningún compositor de nuestra época ha producido un cuerpo de obras tan radicales y tan normales, tan penetrantes y tan comprensibles. Agréguese a esta masiva producción su larga e influyente carrera como pedagogo, y los logros de Henry Cowell se harán todavía más impresionantes. No hay otra persona como él. El ser tanto fecundo como adecuado es dado a pocos”. Arpa eólica Es otra de las obras que Cowell escribió con la técnica del “string piano”. De acuerdo con el mismo compositor: “Una arpa eólica es una pequeña arpa que los niños hacen de hilos de seda tensados en una rama en forma de arco. Una vez que esta arpa es colgada en un lugar en donde sopla el viento, los hilos producen sonidos de acuerdo a

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la fuerza y dirección del viento”. Durante la obra, una mano debe de oprimir las teclas del piano silenciosamente, mientras que la otra rasga las cuerdas suavemente para hacer vibrar las cuerdas del instrumento.*

Alejandro Gómez-Villagómez (México, 1965) Nació en Río Bravo, Tamaulipas. Estudió en Francia con Nunes, Ivo Malee, Philippe Leroux, Ferneyhough, Lachenmann, Harvey, Grisey, Manoury, Murail, Reynolds, Marc-André Dalbavie; así como los seminarios de Boulez y los cursos de la Academie d’été IRCAM. Recibió el apoyo Jóvenes Creadores 1990, el del Centro de Compositores (CeCoNL) 2000 y 2001, Creadores 2003 y 2005, y SNCA 2004. Recibió el premio a las Artes Auditivas 2010 por la Universidad Autónoma de Nuevo León (UANL). Su obra Shmola, elegida por el COMUS 2007, representó a México en la Tribuna Internacional de Música Contemporánea. El Ensamble Intercontemporáneo estrenó su obra Y la verdad os hará libres en el XXXVI Festival Cervantino. Fundó el Festival Internacional de Música Contemporánea de Monterrey, es profesor en la Facultad de Música de la UANL y fue coordinador del CeCoNL. Ha colaborado como jurado y tutor en el Fonca y actualmente reside en Francia. Profundo insaciable Compuesta en 2002, busca una utilización no convencional del piano, así como una búsqueda sonora de los diferentes armónicos que las cuerdas pueden producir al ser rasgadas o rozadas directamente, así como al ser percutidas sobre las teclas de manera normal. El título se refiere, metafóricamente, al hecho de que la obra se desarrolla dentro del registro grave del instrumento (“profundo”) durante toda la duración de la obra (insaciable).

Manuel Enríquez (México, 1926-1994) Su trayectoria abarcó todos los campos del quehacer musical y en todos ellos destacó como creador, administrador, así como promotor de música contemporánea. Numerosos organismos nacionales e internacionales como el Ministerio de Cultura de Francia, el Festival Otoño de Varsovia, el Instituto Nacional de Bellas Artes, el Festival Internacional Cervantino, la Secretaría de Educación Pública y la UNAM le comisionaron la composición de piezas. Recibió, entre otros reconocimientos, la condecoración al mérito artístico de la República de Polonia, el premio Jalisco, el premio Elías Souraski, el Premio Nacional de Arte y la medalla Mozart. Entre muchos de los cargos que le fueron confiados, figuran el de director del Conservatorio Nacional de Música, director del Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información Musical y director de Música del INBA. Fue vicepresidente del Consejo Internacional de la Música de la UNESCO, miembro ejecutivo de la Comisión de Artes y Letras del Conaculta, miembro de número de la Academia de Artes de México y del Seminario de Cultura Mexicana. Fue coordinador-fundador del Foro Internacional de Música Nueva que lleva su nombre y presidente de la Promotora de Compositores de Música de Concierto, así

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como integrante de la Junta Directiva de la Sociedad de Autores y Compositores de México. Fue profesor de la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA). Su obra abarcó todos los géneros: sinfónico, de cámara, vocal y coral, música electroacústica, música para cine, teatro y ballet. Para Alicia A pesar de que en algunos momentos el compositor opta por usar el piano de una manera convencional, en esta obra hace uso de técnicas no convencionales, como la ejecución armónicos, notas apagadas (que se logran al percutir una tecla del piano al mismo tiempo que con la otra mano se “apaga” la cuerda correspondiente para modificar el timbre del instrumento) y otros efectos que se ejecutan directamente sobre las cuerdas, tales como pizzicati, el rasgado de cuerdas con las manos y con un peine y una regla metálica.

George Crumb (Estados Unidos, 1929) Comenzó a componer desde muy joven. Estudió música en la Universidad de Illinois y brevemente en Berlín, antes de regresar a estudiar a Estados Unidos en la Universidad de Michigan. Aunque sus partituras y grabaciones se venden bien, Crumb se ha ganado la vida sobre todo como profesor. Su primer trabajo fue en un colegio de Virginia, antes de llegar a ser profesor de piano y de composición en 1958. En 1965 comenzó una larga asociación con la Universidad de Pennsylvania, llegando a ser profesor Annenberg de Humanidades en 1983. Ha recibido varios premios, incluyendo el Pulitzer en 1968 por su obra orquestal Echoes of Time and the River y el premio de Composición Musical Príncipe Pierre de Mónaco en 1989. Hasta la fecha, Crumb continúa componiendo. Makrokosmos El título de esta obra hace referencia a los seis libros de Mikrokosmos para piano de Béla Bartók; aunque Crumb también ha reconocido tener influencia de Claude Debussy, las técnicas que él emplea son muy diferentes a las usadas por estos dos compositores. Compuestas en 1973, las doce piezas del Volumen II del Makrokosmos están escritas para piano solo y hacen alusión directa a los signos zodiacales. A través de la obra utiliza magistralmente tanto el uso del piano preparado como el de diversas “técnicas extendidas”, o “técnicas no convencionales”. En algunos momentos requiere, por ejemplo, que se coloquen hojas de papel, que se ejecuten pizzicati sobre las cuerdas, que se froten las cuerdas con escobetas metálicas y muchos recursos más. En algunas secciones, el pianista incluso debe de cantar, silbar y murmurar frases textuales. *

Eddie Mora (Costa Rica, 1965) Realizó estudios en el Conservatorio Castella, en la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica y en el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú. Ha sido reconocido con el Premio Nacional en Composición Aquileo J. Echeverría, el Premio ACAM (Asociación de Compositores y Autores Musicales) de Costa Rica y en 2007 con el Premio en Composición Musical Áncora. Ha participado en diferentes festivales

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de música contemporánea, entre ellos el Otoño Moscovita en Rusia, el Festival de La Habana, el I Taller Latinoamericano de Composición, Cuba, el XXXI Foro de Música Nueva “Manuel Enríquez” en México, el CDMC en Madrid, y en el V Festival de Música Contemporánea de Morelia, entre otros. Recientemente tuvo a su cargo la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico. Es director artístico de la Orquesta Sinfónica Municipal de Heredia y miembro del Ensamble Contemporáneo Universitario. Desde 2002 es director del Seminario de Composición Musical en la Escuela de Artes Musicales y funge como decano de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Costa Rica. ye´ Sulé De acuerdo con el pensamiento tradicional bribri, las almas son creadas en el inframundo por los espíritus llamados Sula´ (originadores). Éstas representan al mismo tiempo misiones asignadas a las personas y cualidades que les permitirán cumplir con aquello para lo cual han sido destinadas. Si las personas cumplen satisfactoriamente con su misión, cuando mueren, sus almas regresan al mundo de los originadores. Cuando quienes mencionan a Sula´ en sus cantos consideran que se están refiriendo a una sola entidad femenina, ye´ Sulé se traduce como “mi originadora”.

Elbio Barilari (Uruguay, 1953) Nació en Montevideo. Desde 1998 está radicado en Estados Unidos, donde es profesor en la Universidad de Illinois en Chicago; tiene su propia banda de jazz y colabora frecuentemente con músicos como Paquito D’Rivera, Danilo Pérez, John Faddis y Orbert Davis, entre otros. Dentro de la música clásica, sus obras orquestales y de cámara han sido tocadas en el Grant Park Festival, el Ravinia Festival, la Lyric Opera de Chicago, el Chicago Cultural Center y el Art Institute of Chicago, así como en otras ciudades de Estados Unidos como Nueva York, San Francisco, Phoenix y Miami. En su país ha colaborado frecuentemente con la Orquesta Filarmónica de Montevideo, bajo la dirección de Leo Brouwer, Federico García Vigil y Fernando Condon, entre otros. También colabora permanentemente con el Conjunto de Cámara Nacional. Toccata gaucha Se basa en las tradiciones del folclor rural del Río de la Plata. Esa es el área de extensión de la cultura gauchesca. Los ritmos son mayormente en 6/8, 3/8 y 3/4, aunque hay variedades en 2/4, como la milonga, en la que coexisten el metro en 2 con las acentuaciones en 3. También hay formas híbridas, como la danza llamada “el cuando”, donde una sección lenta en 3/4 es seguida por una rápida en 2/4. Lo ritmos utilizados en esta pieza son: pericón, gato, milonga, triste, chacarera, cielito y malambo. La obra funciona a manera de una sonata en tres movimientos, con el segundo de ellos, el lento, comenzando sin interrupción al final del primero (attacca). Técnicas no tradicionales, como el uso de golpes dentro de la caja y las cuerdas del piano, así como apoyar una cadena metálica directamente sobre las cuerdas son empleadas para aumentar las posibilidades tímbricas y como manera de reproducir la modalidad percusiva de varias de las danzas en las que está basada. * Notas de Mauricio Náder

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Intérprete Mauricio Náder A partir de sus actuaciones en las Semanas de Música de la Fundación Príncipe de Asturias en 1994, su presencia se ha hecho notable en importantes escenarios de 20 países del continente Americano, Europa, Asia y Medio Oriente. A los 19 años debutó en el Palacio de Bellas Artes como solista de la Orquesta Sinfónica Nacional. Fue seleccionado para tocar para el presidente Felipe Calderón, para el príncipe de Asturias don Felipe de Borbón y para el presidente de Francia Nicolas Sarkozy durante sus visitas oficiales a México. En 1996 obtuvo el primer lugar en el Concurso Internacional de Piano Bartók-Kabalevsky, en Estados Unidos, y recibió una medalla conmemorativa del Milenio de Austria; en 2008 recibió el reconocimiento a la Máxima Distinción en el Ibla Grand Prize-World Music Competition en Italia, y el Primer Lugar en la V Bienal de Piano en México. Su trabajo se puede apreciar en casi una veintena de discos compactos que resaltan una de sus características principales: su capacidad de abordar un inmenso repertorio que abarca desde la música barroca hasta la contemporánea, desempeñándose con la misma facilidad como solista, en música de cámara y como acompañante de cantantes. Ha sido juez de diversos concursos de piano de México, Estados Unidos y Sudamérica y desde 2006 es director académico/ profesor de piano del Centro Mexicano de Posgrado en Música. Desde 2004 es miembro del grupo de Concertistas de Bellas Artes de la Coordinación Nacional de Música y Ópera del INBA.

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Programa 23 Sala Manuel M. Ponce Palacio de Bellas Artes

Sábado 23 de junio, 18 horas José Alberto Sánchez Ortiz Fractus (2011)* 13’ Manuel de Elías Tríptico-Homenaje a Shostakovich (1993-1994) 10’ I Preámbulo II Capricho III Artificios Carlos Carrillo Hombres necios (2009)

10’

Intermedio Eduardo Caballero La unidad de lo múltiple y concordia de lo discordante- Filolao (2011)**

Manuel Martínez Burgos Dichosa edad y siglos dichosos (2011)

8’

10’

*Estreno mundial **Estreno en México

Trío Morelia Ludwig Carrasco, violín Irene Carrasco, violonchelo Laura Carrasco, piano° Héctor Sosa, contratenor °Beneficiaria del Programa de Fomento a Proyectos

y Coinversiones Culturales 2011 del Fonca

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Compositores José Alberto Sánchez Ortiz (México, 1987) Sus maestros han sido María Antonieta Lozano, Víctor Rasgado, Gerardo Tamez y Tomás Barreiro. Ingresó al Centro de Investigación y Estudios de la Música en 2007 donde obtuvo la licenciatura en teoría musical. En 2008 su obra Ometeotl, realizada con el apoyo del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Hidalgo, fue seleccionada como la pieza ganadora del 2nd Young Composers Competition de la Orquesta Filarmónica de las Américas; esta misma composición fue seleccionada en 2010 por el Consejo de la Música en México para representar al país en la Tribuna Internacional de Compositores en Lisboa, Portugal, en la categoría de menores de 30 años. Actualmente se desempeña como compositor independiente y es profesor en la Escuela de Música del Estado de Hidalgo. Fractus El caos no es aleatorio, está determinado por las condiciones y su entorno. Esta pieza esta construida alrededor de dos principios fundamentales: las formas fractales y la teoría del caos. Los elementos musicales construyen estructuras que en sus diferentes dimensiones guardan características similares, se expanden y se contraen para darle forma a la obra. El orden de la interpretación de las secciones intermedias es decidido por los intérpretes, decisión que cambiará el discurso musical. Además, dentro del aparente caos de los diferentes eventos sonoros, éstos guardan una relación entre sí, generándose unos a otros y donde cualquier modificación en dicho proceso tendría consecuencias catastróficas.

Manuel de Elías (México, 1939) Estudió piano y composición con su padre y amplió sus conocimientos en diversas disciplinas en el Conservatorio Nacional de Música y en la Escuela de Música de la UNAM; posteriormente continuó su preparación en Estados Unidos y Europa. Fue director asistente de la Orquesta Sinfónica Nacional, director artístico y fundador de la Sinfónica de Veracruz y de la Filarmónica de Jalisco y director titular de la Orquesta de Cámara de Bellas Artes. Es miembro de número de la Academia de Artes, distinguido con la primera emisión de la medalla Mozart; creador emérito por el Sistema Nacional de las Artes y presidente fundador del Colegio de Compositores Latinoamericanos de Música de Arte. En 2000 fue organizador del XI Foro de Compositores del Caribe y presidente del jurado del premio Tomás Luis de Victoria. En 2001 fue designado miembro del Consejo Consultivo del Festival Internacional Cervantino. En 2004 fue invitado como jurado de la primera edición del Premio Latinoamericano de Composición que organiza la Casa de las Américas en La Habana, Cuba. Cuenta con más de ciento ochenta obras de los más variados géneros. Destacan doce Sonantes para orquesta, Concertante para violín y orquesta, Concierto coyoacanense para guitarra y orquesta y Canciones del ocaso para mezzosoprano y orquesta. Con motivo de su septuagésimo aniversario y cincuenta y cinco años de trayectoria como compositor y director de orquesta, fue objeto de varios reconocimientos en México y en el extranjero.

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Tríptico - Homenaje a Shostakovich En 1994 fui invitado a dirigir la Orquesta Sinfónica de Aguascalientes en donde conocí y tuve como solista al violonchelista Viacheslav Ponomarev, con quien establecí una excelente relación. Conversamos ampliamente en torno a su instrumento, recorrimos autores y países y entre todo esto, nació la idea de crear este homenaje. Ponomarev fue un infatigable colaborador que siguió puntualmente el proceso de elaboración de la obra y propuso digitaciones y precisiones técnicas para la interpretación. Lógicamente, él fue quien tocó la obra en su estreno en la Sala Carlos Chávez de la UNAM. Después ha sido interpretada por varios violonchelistas como Amparo del Riego –quien además grabó la obra para el Colegio de Compositores Latinoamericanos de Música de Arte­– o Ivan Koulikov, quien trabajó la partitura con Ponomarev, y otros solistas de diferentes países, que han adoptado la obra dentro de su repertorio permanente. La partitura está compuesta por tres movimientos: Preámbulo, Capricho y Artificios. A lo largo de la obra están presentes algunos de los “gestos musicales” característicos de célebre compositor homenajeado.

Carlos Carrillo (Puerto Rico, 1968) Nació en San Juan. Estudio en la Eastman School of Music, la Universidad de Yale y la Universidad de Pennsylvania, en donde obtuvo un doctorado. Sus maestros incluyen a Tania León, Joseph Schwantner, Christopher Rouse, Roberto Sierra, Geroge Crumb y Steve Mackey. Su música ha sido programada y estrenada en numerosos festivales y series de conciertos internacionales, contando entre sus intérpretes a grupos como la American Composers Orchestra, la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico, la Filarmónica de Los Ángeles, y otros. Entre sus reconocimientos están: el BMI Student Composer Award, la beca Charles Ives de la Amercan Academy of Arts and Letters y el Aaron Copland Prize, entre otros. En 2004 se unió al personal docente de la Universidad Depauw en Indiana, Estados Unidos. Hombres necios La obra nace por encargo del Trío Morelia dentro del proyecto Diálogos con Latinoamérica y fue realizada gracias al apoyo de la Ernst von Siemens Music Foundation. Se basa en textos de Sor Juana Inés de la Cruz. Es una obra que explora las resonancias y texturas cristalinas del violín, cello y piano, a las que se suma el timbre característico y singular de un contratenor. Por medio de diversos elementos rítmicos, melódicos y armónicos que retornan a lo largo de la pieza, en ocasiones de manera idéntica y en algunas otras con ligeras variantes, se construye un discurso sonoro sugerente que sirve de cauce a la riqueza literaria de las palabras.

Eduardo Caballero (México, 1997) Estudió guitarra y composición en la Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey con Ramiro Guerra y José Luis Wario. Continuó sus estudios en el Centro de Compositores de Nuevo León, lal IMPULS-Ensamble Academie Composition Class en Graz, Austria, y en el Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS). Ha tomado clases magistrales de composición con José Luis Castillo, Beat

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Furer y Emanuel Nunes. Ha tomado clases de música electrónica con Rob Worby, Rodrigo Sigal, Carlos López Charles, David Cope y Daniel Brown. Ha recibido las becas de Jóvenes Creadores Fonca 2008-2009, del Centro de Compositores de Nuevo León 2001 y 2005 y Practicas de Vuelo 2010. Fue seleccionado para participar en el Encuentro de Compositores Injuve (2001, 2002, 2004 y 2008) en Málaga, España; en las residencias artísticas Millay Colony of the Arts Nueva York (2006) y CMMAS residencia artística (2010). Actualmente realiza una maestría en composición en el Vermont College in Fine Arts, Estados Unidos. La unidad de lo múltiple y concordia de lo discordante - Filolao Filolao define la armonía como “la unidad de lo múltiple y la concordia de lo discordante”. La armonía está presente en todo porque la oposición de los elementos, igualmente, está en todo. Si afirman que todo es número, entonces, todo es armonía, porque cualquier número es una armonía de lo impar y de lo par. Ahora bien, la expresión más evidente de la armonía universal está en las relaciones musicales, en consecuencia, la naturaleza de la armonía es revelada por la música. De allí que los pitagóricos toman las relaciones musicales por modelo de todas las armonías del universo.

Manuel Martínez Burgos (España, 1970) Nació en Madrid. Estudió composición, dirección de orquesta, musicología, pedagogía y guitarra en el Conservatorio Superior de Música de Madrid. Continuó sus estudios en Darmstadt y Nueva York con Stockhausen, Rihm, Huber y Babbitt. Es doctor en historia y ciencias de la música por la Universidad Autónoma de Madrid. Ha recibido premios entre los que destacan los primeros lugares en los concursos Isan Yung 2009, Corea; Villa de Madrid 2006 y Frederic Mompou 2000. Sus obras han sido interpretadas y grabadas por prestigiadas formaciones, tanto nacionales como internacionales. Ha compaginado su labor compositiva e investigadora con la docente. Desde 2001 ocupa una cátedra de armonía en el Departamento de Composición del Real Conservatorio Superior de Madrid, institución de la que es, en la actualidad, vicedirector. Dichosa edad y siglos dichosos Así comienza el llamado Discurso de la Edad de Oro en el capítulo XI de la primera parte de Don Quijote de la Mancha, época mítica en la que, según la tradición literaria, los hombres eran felices. El autor ha tomado estas nociones para crear una obra que no sigue una trama lineal sino que asume lo insondable de las mismas. En este sentido, la principal idea de la pieza descansa en el contraste entre las palabras de Don Quijote, plenas de significado, y su público: unos cabreros y su escudero que poco o nada entienden de tales pensamientos. La obra es una reflexión musical sobre la imaginación, ese espacio emplazado en ningún lugar donde habitan las ideas que, no obstante, alimenta nuestra existencia y la dota de sustancia, tanto que puede que sea su propia esencia. Fue ganadora del II Concurso Internacional “Eulalio Ferrer” 2011.

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Intérpretes Trío Morelia Desde su formación, en 1987, se ha presentado en la mayor parte de la república, así como en Estados Unidos, Alemania, España, Italia, Japón, República Checa y Liechtenstein. Destacan sus actuaciones en la Pinacoteca Virreinal, la Sala Manuel M. Ponce, Corcoran Gallery of Art en Washington, D.C. y el Shizuoka Culture Hall de Japón, el Foro Internacional de Música Nueva “Manuel Enríquez”, Biennal Florence, Italia, Artes no Camiño, España, Bayreuth Festspieltreffen e Iberoamerican Chamber Music Series. Sus integrantes han estudiado en Morelia y la Ciudad de México; en la Shenandoah University en Virginia, North Carolina School of the Arts, Temple University en Pensilvania, y en la Eastman School of Music de Nueva York. Ha recibido los apoyos del Fonca, Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Michoacán, Fondazione Accademia Musicale Chigiana, Ernst von Siemens Musikstiftung, Universidad Michoacana, el Semans Arts Fund y la Fulbright Foundation. Ganó en dos ocasiones el concurso internacional Bach-Händel Festival en Virginia y recibió el Premio Génesis por su sobresaliente trayectoria. Se ha presentado con la Orquesta de Cámara de la Universidad Michoacana, NCSA Percussion Ensemble, las sinfónicas de Aguascalientes, de Michoacán y de Yucatán, además de haber realizado estrenos musicales en México y en el extranjero. Varios compositores han escrito obras dedicadas al Trío, entre ellos Mario Lavista, Nidia Koppisch, Carlos Carrillo, y Alejandro Rutty. Desde 2006 desarrolla el proyecto permanente Diálogos con Latinoamérica, impulsado por la fundación Ernst von Siemens de Alemania. Héctor Sosa Originario de Tampico. Es considerado el primer contratenor mexicano. Inició su carrera como tenor en las temporadas de ópera del Teatro de Bellas Artes. Ha participado en los estrenos mundiales de las óperas mexicanas La güera, de Jiménez Mabarak; Ambrosio, de José Antonio Guzmán; y en 1999 tuvo a su cargo el rol protagónico en El pequeño príncipe, de Ibarra, en su estreno en México. Se ha desempeñado como pianista y director de orquesta en el Taller de Ópera de la Escuela Superior de Música del INBA, de donde egresó. Ha participado en las clases magistrales de Charles Brett, Magda Olivero, Zeger Vandersteene, Gilda Cruz-Romo y Erika Kubacsek. Durante dos décadas, ha interpretado la cantata Carmina Burana de Orff, con todas las orquestas del país, y bajo la conducción de destacados directores como Luis Herrera de la Fuente, Francisco Savín, Sergio Cárdenas, Enrique Diemecke, y Enrique Patrón de Rueda, entre otros. Obtuvo el premio a la mejor interpretación en el Concurso Nacional de Canto “Carlo Morelli”, en 1995, y en 1998, el primer lugar en el mismo certamen. Además ha sido becario del Fonca 1997 y 2001. En 2002 cantó con la Orquesta Sinfónica de Costa Rica interpretando la Cantata núm. 54 de Bach y Carmina Burana. Es fundador del dueto Contravoce, especializado en ópera barroca y bel canto. Actualmente es catedrático de la Academia de Canto en la Escuela Superior de Música del INBA.

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Programa 24 Auditorio Blas Galindo Centro Nacional de las Artes Domingo 24 de junio, 18 horas

Marcela Rodríguez Segundo concierto para piano y orquesta (2011) 17’ Marco Cecchetti Ecos (2011)* 16’ Alejandro Luis-Castillo Tabás (2006)** 16’ Salvador Torre Ventanas (2010)*

10’

*Estreno mundial **Estreno en México

Orquesta Sinfónica Juvenil Carlos Chávez Miguel Salmon Del Real, director huésped Carlos Salmerón, piano

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Compositores Marcela Rodríguez (México, 1951) Nació en la Ciudad de México. Entre sus maestros se encuentran María Antonieta Lozano, Leo Brouwer y Julio Estrada, entre otros. Comenzó escribiendo música para teatro. Su obra comprende solos para diversos instrumentos, canciones, música de cámara, sinfónica y dos óperas: La Sunamita y Séneca o todo nos es ajeno; una de sus obras más importantes es el oratorio Requiem mexicano, basado en el libro La visión de los vencidos de Miguel León-Portilla. Sus obras han sido interpretadas por las orquestas: Simón Bolívar de Venezuela, Sinfónica de Atenas, Sinfónica de Houston, Sinfónica de Córdoba, España, American Composers de Nueva York, de Cámara de Cataluña, OFUNAM, Sinfónica Nacional de México y Filarmónica de la Ciudad de México, entre otras. En 2011 estrenó su ópera Las cartas de Frida con la Compañía de Ópera de Heidelberg, Alemania. Es la directora de Puentes, festival de música contemporánea entre México y España. Fue curadora del festival Mexarte-Berlín y jurado en varios concursos internacionales de composición en México, Colombia y España. Segundo concierto para piano y orquesta Este concierto esta concebido en un solo movimiento, pero contiene tres partes dramáticas, es decir, empieza en un carácter apasionado y rápido, después pasa a una parte lenta y contemplativa, para terminar de manera rítmica y fortísima.

Marco Cecchetti (México, 1984) Es licenciado en técnicas composicionales ante el Centro de Investigación y Estudios de la Música (CIEM) y ante el Trinity College de Londres. Ha sido parte de la plantilla docente del CIEM. En 2010 y 2009 sus obras Secreto de secretos y Jugamos fuera del tiempo... fueron seleccionadas para ser interpretadas en el XXXI y XXXII Foro Internacional de Música Nueva “Manuel Enríquez” respectivamente. Li-Pó fue estrenada en diversos foros de la República Checa y México en 2008. En 2007 obtuvo el diploma de asociado ante el Trinity College de Londres y en 2006 el diploma en teoría de 8º nivel ante The Associated Board of the Royal Schools of Music. Ecos El nombre de esta obra representa muy precisamente su esencia. Por un lado retomo las ideas principales de una pieza que compuse anteriormente llamada Ecos morfológicos para guitarra, las que vuelvo a trabajar, profundizando en ellas. Y por otro lado, la idea musical contenida en la obra en sí, es una estilizada abstracción del fenómeno del eco, en la que tumultuosas sonoridades luminosas desencadenan una serie de respuestas que van perdiendo su fuerza y devienen cada vez más obscuras.

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Alejandro Luis-Castillo (México, 1971) Graduado de la Universidad de Indiana en Bloomington con una doble maestría en composición y en música por computadora. Recibió la beca Fulbright-García Robles, la School of Music Merit Scolarship de la Universidad de Indiana y fue becario del Fonca, así como de la SEP. Ha participado en los festivales: Internacional de Guitarra de Taxco; Internacional Bartók, en Szombathely, Hungría; en las emisiones XXIV, XXV y XXVI del Foro Internacional de Música Nueva “Manuel Enríquez”; Spaziomusica, en Cagliari, Italia, y en el 80 aniversario de la Escuela Nacional de Música de la UNAM (ENM), entre otros. Ha dictado conferencias en Budapest, Bogotá, Ciudad de México y Chihuahua. Fue maestro de la Escuela Superior de Música entre 1999 y 2002. Actualmente es maestro del ITESM Campus Santa Fe y académico de la ENM. Tabás Concebida como un híbrido entre el concierto de orquesta y el paisaje sonoro, es una obra que se nutre de la tradición musical en un sentido posmoderno y aunque no usa citas directamente, algunos de sus elementos evocan la intensidad y las amplias líneas de violín del Brahms sinfónico, las obstinadas y fijas entradas de los trombones de Varése y de Debussy, el tratamiento de los metales en Cicconia y una pléyade de amorfas texturas cromáticas que devienen del concepto de hemiola generalizada de Ligeti. El resultado es una obra donde el color se convierte en el eje conductor y donde el simbolismo musical juega una parte importante para decifrar el mensaje oculto en la obra.

Salvador Torre (México, 1956) Es compositor flautista y profesor, egresado de los conservatorios Nacional de Música de México y de Boulogne y Pantin en Francia, obteniendo las más altas menciones en composición, flauta, composición electroacústica, pedagogía musical y recientemente master en creación musical en la Sorbona de París. Ha participado también en las actividades y cursos del Instituto de Investigaciones Acústicas y Musicales de París. Ha sido compositor residente en el Conservatorio de Música de Montreal, Canadá. Sus obras han sido interpretadas en Francia, Alemania, Inglaterra, Canadá, Japón, Eslovenia y Chile, y en México en el Festival Internacional Cervantino, el Foro Internacional de Música Nueva “Manuel Enríquez” y el Festival del Centro Histórico, y han sido grabadas a través de una decena de discos. Ha representado a México, entre otros festivales, en la Tribuna Internacional de Compositores 2000 de la UNESCO en Holanda, en los Festivales Internacionales World Music Days en Japón 2001 y en Eslovenia 2005. Es catedrático del Conservatorio Nacional de Música de México y miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Ventanas La idea es la del instante, puntual y momentáneo, que luego se despliega o estira en el tiempo. Este instante puede ser tomado bajo su aspecto discreto como la mínima presencia de energía temporal,

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o en su aspecto violento como condensación y descarga de energía temporal compacta. El instante puede tener varios tratamientos, según se tome como ente mínimo, o se desglose, se abra en sus elementos constitutivos formando ventanas alargándose en el tiempo. Verticalidades y horizontalidades que van de muy densas a casi vacías, nos van mostrando los elementos internos de los cuales están constituidas estas ventanas. Por ejemplo las ventanas de estructura rarificada o vacías tienen diferentes grados de espera o tiempo expectante, silencios activos que fungen como elemento unificador de la pieza. La forma de la pieza en su totalidad es perfectamente simétrica, una gigantesca ventana con sus dos grandes batientes compuesta de pequeñas ventanas reflejadas en el tiempo y en espacio musical.

Intérpretes Miguel Salmon Del Real Ha dirigido orquestas, ensambles y coros en México, Holanda, República Checa, Francia y Alemania. Durante su periodo de formación en Europa (2002-09) estrenó cerca de cincuenta obras, entre ellas la ópera Le voisin de Thomas Myrmel en Ámsterdam en 2006, codirigida con Lucas Vis. En 2009 recibió el grado de maestría en dirección orquestal por el Conservatorio de Ámsterdam y la licenciatura en composición por el Conservatorio de La Haya en 2005 bajo la tutela de Barlow y Ayres. Realizó estudios adicionales de composición algorítmica, psicoacústica e interpretación de música antigua. Otros cursos de dirección incluyeron a maestros como Spanjaard, Haitink, van Beek, Nagy, Parkai, Valade, Jaarvi y Panula. En 2002 se tituló en dirección coral y orquestal, musicología y composición en el Instituto “Cardenal Miranda” con el padre Xavier González; además de completar el taller de estudios polifónicos con HernándezMedrano y estudios humanísticos con Ernesto de la Peña. Fue seleccionado bajo concurso mundial por Pierre Boulez (2005) y por Peter Eötvös (2007) para tomar parte activa en sus cursos maestros de dirección orquestal de la Academia del Festival de Lucerna. En México ha dirigido las orquestas: filarmónicas de Sonora y Jalisco; sinfónicas de Hidalgo, Puebla, Coyoacán, Juvenil de Zacatecas, Juvenil Carlos Chávez, de la Escuela Superior de Música (ESM), el coro de la ESM, y los ensambles Nuevo de México y Xicamiti con los cuales ha realizado, como director titular, más de sesenta estrenos. Carlos Salmerón Pianista graduado de la Academia Musical Yamaha y de la Escuela Superior de Música del INBA; prosiguió su formación en la Escuela Superior de Música Reina Sofía y en el Instituto Internacional de Música de Cámara, en Madrid, España. Fue alumno de Guadalupe Villar, Gustavo Rivero e Irina Shishkina. Realizó sus estudios de posgrado en piano con Dimitri Bashkirov y Claudio Martínez Mehner en la Escuela Superior de Música Reina Sofía, y la especialidad en música de cámara con Ralf Gothoni y Eldar Nebolsin, ambos en Madrid, España. Obtuvo el tercer premio del VI Concurso Nacional de Piano “Angélica Morales-Yamaha” 2009 y fue semifinalista en el 10º Concurso Internacional de Música de Cámara Trio di Trieste, Italia. Fue becario de

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la Fundación Carolina y del Fonca para la realización de sus estudios de posgrado. Se ha presentado en el Palacio de Bellas Artes y el Cenart, en México; el Auditorio Nacional de Madrid, la Sala Tripcovich en Trieste, Italia y en la Bayerischer Rundfunk en Múnich, Alemania. Forma parte del grupo de Concertistas de la Coordinación Nacional de Música y Ópera del INBA. Orquesta Sinfónica Juvenil Carlos Chávez Es la agrupación cúspide del Sistema Nacional de O rq u e s t a s p ro m o v i d a por el Sistema Nacional de Fomento Musical del Conaculta. Está conformada por jóvenes de 15 a 32 años de edad, quienes se encuentran en proceso de formación musical; que realizan una actividad que los prepara para su incorporación al campo profesional de la música, proporcionándoles los conocimientos y el adiestramiento necesarios a partir de la experiencia artística dentro de la agrupación orquestal. Hasta la fecha, esta agrupación es un semillero que provee de talento joven a todas las orquestas profesionales de nuestro país. Una misión que ha sido reforzada con la creación del Programa OrquestaEscuela, el cual es un modelo formativo alterno a los modelos educativos tradicionales que da respuesta a la necesidad de formación real y efectiva de músicos nacionales competentes en el terreno orquestal. A 20 años de haber sido creada, la Orquesta está integrada por dos elencos, el primero que agrupa a jóvenes hasta de 24 años de edad; y el elenco A en donde participan instrumentistas hasta de 32 años de edad. Sin importar el elenco al cual pertenezcan, estos jóvenes trabajan en su mejoramiento profesional, para lo cual reciben cursos, talleres y clases magistrales de los más destacados músicos de prestigiadas orquestas nacionales y extranjeras.

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Programa 25 Teatro Degollado Guadalajara, Jalisco

Viernes 15 de junio, 20:30 horas Domingo 17 de junio, 12:30 horas Marco Cecchetti Ecos (2011) 16’ Alejandro Luis-Castillo Tabás (2006) 16’ Salvador Torre Ventanas (2010)

Manuel Cerda Concierto para clarinete y orquesta Orquesta Filarmónica de Jalisco Miguel Salmon del Real, director huésped Sócrates Villegas, clarinete

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10’


Compositores Manuel Cerda Cruz (México, 1949) Nació en Jalisco. Ingresó al Instituto Musical Rosalío Ramírez de Guadalajara, después continuó sus estudios en la Escuela de Música Sacra con el padre Aréchiga, Domingo Lobato, Javier Hernández y Víctor Manuel Amaral, entre otros. Es invitado a formar parte de la Orquesta de Arturo Xavier González, quien lo nombra arreglista de la misma. Después de un viaje de estudios en el extranjero, colabora escribiendo y arreglando obras para niños en la Orquesta del Departamento de Educación Pública de Jalisco. Su obra incluye sonatas y conciertos para diversos instrumentos, piezas para orquesta sinfónica, en forma clásica, romántica, impresionista, politonal y serial. Desde 1997 imparte las cátedras de contrapunto, composición, fuga y orquestación en el Departamento de Música de la Universidad de Guadalajara.

Intérpretes Miguel Salmon del Real Ver página 129 Orquesta Filarmónica de Jalisco Por iniciativa de José Rolón, en 1915, se estableció el punto de partida para la que en el futuro sería la Orquesta Sinfónica de Guadalajara. Ésta tuvo como titulares a Leslie Hodge, Abel Eisemberg, Helmut Goldman, Eduardo Mata, Kenneth Klein, Hugo Jan Huss y Francisco Orozco. En 1988 la Orquesta Sinfónica de Guadalajara cambia de nombre a Orquesta Filarmónica de Jalisco, teniendo como titulares a Manuel de Elías, José Guadalupe Flores, Guillermo Salvador y Luis Herrera de la Fuente, además de contar con directores invitados como György Vashegyi, Klauspeter Seibel y Guido Maria Guida, entre otros. Han participado con ella solistas de renombre internacional como Paul Badura-Skoda, Claudio Arrau, Henryck Szeryng, Plácido Domingo, Kurt Rydl, Alfred Brendel, Bernard Flavigny, Ramón Vargas, Luciano Pavarotti, Joaquín Achúcarro, Lilya Zilberstein y Juan Diego Florez, entre otros. Sócrates Villegas Pino Es titulado del Conservatorio Nacional de Música de México (CNM); continuó sus estudios de postgrado en el CNR de Versalles, Francia, con Philippe Cuper. Fue ganador del 1er premio en el Concurso Nacional de Clarinete, México; el 1er premio en el 15 Concurso Europeo de Música en Picardie, Francia; y 1er premio por cuatro años consecutivos en los concursos: Música de Cámara, Solistas, Instrumentos de Alientos Madera y Mejor Interpretación dentro del CNM, entre otros. Ha participado y estrenado obras en los festivales de música contemporánea Manuel Enríquez, Contempo e Iberoamericano. Actuó en el Festival Internacional Cervantino y el West Coast Clarinet Congress y el Festival de Música de Aspen en Estados Unidos, donde estudió con Joaquín Valdepeñas.

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Programa 26 Aula Magna Alfonso Cravioto Mejorada Ceuni, UAEH Pachuca, Hidalgo Viernes 29 de junio, 19 horas

Marco Cecchetti Ecos (2011) 16’ Alejandro Luis-Castillo Tabás (2006) 16’ Salvador Torre Ventanas (2010)

10’

Jorge Vidales Guerra y deploración (2010) 16’ Fanfarrias-Celebración Funerales De Profundis Elegía-Deploración Orquesta Sinfónica de la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo Armando Vargas Guevara, director

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Compositores Armando Vargas Inició sus estudios musicales y de dirección de orquesta con su abuelo Alberto C. Guevara, y estudio violín con Pedro Cortinas, Elisabeth Schaerly, Robert Simanzky y Nancy Schechter. Hizo su debut como director de orquesta a los 16 años al frente de la Sinfónica de la Universidad Autónoma de Tamaulipas. Ha sido director huésped de las orquestas: de Cámara de la Universidad de Michoacán, de la Universidad de Guanajuato, Sinfónica del Valle de Texas, Sinfónica del Estado de México, sinfónicas de Matanzas y Camagüey, Cuba, Sinfónica Nacional de Guatemala y de Cámara de Bellas Artes, entre otras. Desde 2004 es director titular de la Orquesta Sinfónica de la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo, A. C. Ha trabajado y colaborado con músicos como: Fernando García Torres, Armando Merino, Rodolfo Ritter, Román Revueltas, Cuauhtémoc Rivera, Assaf Kolerstain, Leopoldo Téllez, Rafael Jiménez, Laszlo Frater, Lourdes Ambriz, María Luisa Tamez, Enrique Patrón de Rueda y Enrique Bátiz, entre otros. Ha dirigido La flauta mágica, El elixir de amor, Tosca, El cascanueces y Carmina Burana. Orquesta Sinfónica de la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo Es el resultado de un proyecto especial de Gerardo Sosa Castelán en su gestión como rector de la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo. Actualmente cuanta también con el patrocinio de la Fundación Hidalguense, A. C. La orquesta ha recibido la visita de destacados directores huésped y solistas, entre ellos: James Demester, Arturo Quezadas, Guillermo Salvador, Gina Enríquez, Alfredo Mendoza, Enrique Bátiz, Mario Benzecry, Alfredo Ibarra, Fernando Lozano y Román Revueltas, entre otros. Se ha presentado en Tulancingo, Huejutla, Singuilucan, Tepeji del Río y Molango, en Hidalgo, y en diversos foros en la Ciudad de México como: el Cenart, la sala Nezahualcóyotl y el Palacio de Bellas Artes, así como en Puebla, Tlaxcala, Morelos, Veracruz, Quintana Roo, Tamaulipas y Nuevo León.

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Programa 27 San Pedro Museo de Arte Puebla, Puebla

Jueves 26 de julio, 19 horas Marco Cecchetti Ecos (2011) 16’ Alejandro Luis-Castillo Tabás (2006) 16’ Salvador Torre Ventanas (2010)

10’

Jorge Vidales Guerra y deploración (2010) 16’ Fanfarrias-Celebración Funerales De Profundis Elegía-Deploración Orquesta Sinfónica del Estado de Puebla Alfredo Ibarra, director

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Intérpretes Alfredo Ibarra Se graduó como director en el Conservatorio Nacional de Música, donde fue alumno de Istvan Horvath. Posteriormente hizo estudios de postgrado en el Conservatorio de Maastricht, Holanda, con Antón Kersjes y en Munich, Alemania, con Sergiu Celibidache. Fue director invitado principal de la Orquesta Filarmónica de Ingolstadt, Alemania. Ha dirigido orquestas sinfónicas de México y de Europa como la Avanti-Kapel de Maastricht, Holanda y la de Santa Cecilia de Roma. También ha dirigido ópera. Durante 10 años fue el director artístico de la Orquesta Sinfónica de Michoacán. Fundó la Orquesta Ars Viva en la Ciudad de México y ha sido director artístico de las orquestas: Sinfónica de Naucalpan, de la Escuela Superior de Música, del Teatro de Aguascalientes y de la Escuela de Música de la Universidad de Zacatecas. Fue director titular del Coro de la UNAM. Actualmente es director de la Orquesta Sinfónica del Estado de Puebla y de la Orquesta Sinfónica de Coyoacán. Orquesta Sinfónica del Estado de Puebla Se fundó el 5 de mayo de 2002. En 2011, como u n a e v i d e n t e m u e s t ra del interés de la actual administración por el arte y la cultura, se realizó una reestructuración integral de la agrupación, incorporando a ella músicos nacionales y extranjeros de gran nivel, llegando a su conformación actual de 80 músicos, lo que le ha permitido posicionarse a la par de las orquestas más importantes de México. Entre las personalidades del mundo musical que han colaborado con la orquesta en todas las diversas expresiones musicales se cuentan: Fernando de la Mora, Eugenia León, John Rutter, Horacio Franco, Corky Siegel, Gonzalo Romeu, Natasha Korzakova y el Maricahi Vargas de Tecalitlán. La orquesta ha sido dirigida por la batuta de Enrique Diemecke, Román Revueltas, Fernando Lozano, Jesús Medina, Joshua Zona, Alfredo Ibarra y Alondra de la Parra.

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Ă?ndice de compositores Ă?ndice de obras Sedes Directorio

05:38.165

05:38.166


Índice de compositores

Ín

Abras, Juan Manuel ......................................................... 94 Agudelo, Graciela ............................................................ 102 Akiho, Andy ........................................................................ 112 Alderete Acosta, Igmar ..................................................... 27 Almeida Ribeiro de, Felipe ............................................... 41 Álvarez, Javier .................................................................... 42 Andres, Timothy ............................................................... 113 Baca Lobera, Ignacio ......................................................... 53 Barilari, Elbio .................................................................... 119 Barreiro, Tomás ................................................................ 20 Beltrán Miranda, Mauricio ................................................ 27 Burhans, Caleb ................................................................. 92 Bustamante, Miguel ......................................................... 43 Caballero, Eduardo ........................................................... 123 Cage, John ....................................................................... 116 Carrillo, Carlos .................................................................. 123 Carter, Elliott ..................................................................... 16 Casales, Alejandro ........................................................... 77 Castaños, Alejandro ........................................................ 62 Cataño, Fernando ............................................................ 73 Cecchetti, Marco .............................................................. 127 Cerda, Manuel .................................................................. 132 Colazzo, Cosimo .............................................................. 87 Contreras, Juan Pablo ..................................................... 108 Coral, Leonardo ............................................................... 88 Cordero, Ernesto .............................................................. 22 Cowell, Henry ................................................................... 116 Crumb, George ................................................................ 118 Dallapiccola, Luigi ............................................................ 73 Derbez, Georgina ............................................................ 52 Díaz Infante, José Julio .................................................... 28 Donatoni, Franco .............................................................. 37 Eggert, Moritz ................................................................... 38 Elías de, Manuel ............................................................... 122 Enríquez, Manuel ............................................................. 117 Estévez, Milton ................................................................. 20 Fiestas, Luis ....................................................................... 28 Garduño, Juan David ....................................................... 29 Gómez-Villagómez, Alejandro ....................................... 117 González Hernández, Daniel .......................................... 33 Granillo, María .................................................................. 112 Green, Anthony ................................................................ 83 Gutiérrez Heras, Joaquín ................................................ 97 Harbison, John ................................................................. 72 Hartke, Stephen ................................................................ 113 Illescas Peláez, Ernesto .................................................... 78

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Jaroszewicz, Martín ......................................................... 63 Lang, David ...................................................................... 111 Lara, Ana .......................................................................... 41 Lavista, Mario ................................................................... 107 Lee, Jae-moon ................................................................. 11 Lemus Hernández, Sandra ............................................. 56 Llaneza, Arístides ............................................................ 52 Lozano Verduzco, Diego ................................................ 101 Luis-Castillo, Alejandro ................................................... 128 Luna, Armando ................................................................ 31 Luque, Sergio .................................................................. 63 Manoury, Philippe .......................................................... 53 Marco, Tomás .................................................................. 21 Márquez, Arturo .............................................................. 32 Martínez Burgos, Manuel ............................................... 124 Matthews, Michael .......................................................... 88 Mendía de, Guillermo .................................................... 22 Millán, Luis Paul ............................................................... 79 Miranda Huereca, Rafael ................................................ 102 Mora, Eddie ..................................................................... 118 Morales, Hugo ................................................................. 62 Moreno Ramos, Gilberto ................................................ 67 Moss, Lawrence ............................................................... 107 Naranjo, Iván .................................................................... 63 Núñez Palacio, Alberto ................................................... 23 Pareyón, Gabriel .............................................................. 68 Pärt, Arvo .......................................................................... 92 Pattillo, Greg .................................................................... 92 Penn, William ................................................................... 48 Pérez Santiago, Felipe .................................................... 101 Pichardo, Jean Angelus .................................................. 91 Pierce, Forrest .................................................................. 91 Puts, Kevin ........................................................................ 59 Quintanar, Héctor ........................................................... 93 Ramos Negrete, Manuel ................................................ 80 Rautavaara, Einojuhani ................................................... 43 Rentería Hernández, Rafael ........................................... 79 Revueltas, Silvestre ......................................................... 87 Rodríguez, Marcela ......................................................... 127 Rodríguez, Mauricio ........................................................ 36 Romero, Alejandro .......................................................... 64 Romitelli, Fausto ............................................................... 38 Rubio Vargas, Pablo ........................................................ 111 Saariaho, Kaija ................................................................. 74 Sammut, Eric .................................................................... 32 Sampson, David .............................................................. 48

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Sánchez Ortiz, José Alberto ............................................ 122 Sandoval Coronado, Pablo ............................................. 108 Santillán Alcocer, Ana Paola ............................................ 10 Sejourne, Emmanuel ....................................................... 82 Sigal, Rodrigo ................................................................... 47 Smith, Glenn ..................................................................... 48 Sosa, Jorge ....................................................................... 49 Stern, Mario ...................................................................... 72 Takemitsu, Toru ................................................................. 58 Tarnawiecki, Douglas ....................................................... 69 Torre, Salvador .................................................................. 128 Trigos, Juan ....................................................................... 10 Tsoupaki, Calliope ............................................................ 37 Turnage, Mark-Anthony ................................................... 94 Urreta, Alicia ..................................................................... 82 Valdés, Diana Syrse .......................................................... 67 Vali, Reza ........................................................................... 93 Vasks, Pēteris ..................................................................... 44 Vassena, Nadir .................................................................. 36 Vázquez Kuntze, Lilia ........................................................ 103 Vázquez, Hébert ............................................................... 57 Vera Rodríguez, Héctor Ulises ........................................ 78 Vidales, Jorge ................................................................... 12 Villaseñor, Jesús ............................................................... 83 Wiley, Frank ....................................................................... 47 Wuorinen, Charles ........................................................... 57 Yi, Chen ............................................................................. 56 Yuk Bun, Wan .................................................................... 77 Živković, Nebojša Jovan .................................................. 31

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Índice de obras

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11 fragili giochi della notte ............................................ 36 20 segundos .................................................................... 111 A Cristo sacramentado, día de comunión .................... 104 A la sombra del azul ....................................................... 53 A Moment for Elliott Smith ............................................. 92 A Well Organized Disaster ............................................. 49 Altsakah ........................................................................... 22 Ante Meridiem 5.1 .......................................................... 77 April Lines ........................................................................ 43 Arco .................................................................................. 87 Arpa eólica ...................................................................... 116 Außer Atem ..................................................................... 38 Autorretrato I ................................................................... 108 Ave Maria... Virgo Serena ............................................... 58 Between Tides ................................................................. 58 Birdcage on Stuff ............................................................ 78 Blood Stream ................................................................... 47 Cantos de viento y agua ................................................ 103 Cavernas .......................................................................... 47 Charavgi .......................................................................... 37 Cinco miniaturas (Programa 4) ...................................... 29 Cinco miniaturas (Programa 13) .................................... 72 Cintas de sorpresas ........................................................ 102 Concerto pour vibraphone et orchestra à cordes ....... 82 Concierto para clarinete y orquesta .............................. 132 Concierto para cuatro guitarras y orquesta .................. 11 Crashing Through Fences .............................................. 113 Cuarteto ........................................................................... 33 Cuarteto de cuerdas núm. 2 .......................................... 97 Cuarteto núm. 2 Gismonteando .................................... 27 Cuatro piezas de Makrokosmos Vol. II .......................... 118 Cuicani .............................................................................. 107 ...das ilusões que nunca nos enganam ao nos mentirem sempre... .................................................. 41 David y Goliat .................................................................. 80 Dichosa edad y siglos dichosos .................................... 124 Dinga y mandinga ........................................................... 22 Dúo para flauta en sol y violonchelo ............................ 97 Ecos .................................................................................. 127 Eight Etudes and a Fantasy ............................................ 16 El rincón de los recuerdos ............................................. 94 El tianguis ......................................................................... 102 Elegía ................................................................................ 28 Enclosure .......................................................................... 62 Entelequia ........................................................................ 69 Erase ................................................................................. 113

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Esprit rude/Esprit doux .................................................... 17 Ferraz 2008 ....................................................................... 43 Formas acuáticas ............................................................. 89 Forowen 3 ......................................................................... 48 Fractalidad ........................................................................ 78 Fractis umbraculis ............................................................ 64 Fractus ............................................................................... 122 Gra ..................................................................................... 16 Gravedades ....................................................................... 79 Guerra y deploración ....................................................... 12 Guitarra… guitarra… ....................................................... 20 Hombres necios ................................................................ 123 Homenaje a cuatro ........................................................... 82 House on Fire .................................................................... 91 Inner Song ......................................................................... 17 Instinct ............................................................................... 83 Intro y salseado ................................................................. 29 Kord Kalligraphy no. 9 ...................................................... 93 La noche de las ranas ....................................................... 20 La unidad de lo múltiple y concordia de lo discordante- Filolao...................................................... 124 Lago Argento .................................................................... 63 Last ..................................................................................... 54 Le repas du serpent- Retour à la raison ......................... 42 Lifestream .......................................................................... 91 Little Summer Music ......................................................... 44 Máquina Esquiza I y II ....................................................... 63 Matching ............................................................................ 62 Meanwhile: Incidental Music to Imaginary Puppet Plays ................................................... 113 Milonga feroz .................................................................... 23 Milonga Meets Malambo ................................................. 95 Mirabai songs ................................................................... 72 Mokhäh ¡te ra mänto! ....................................................... 68 Mousai ............................................................................... 112 Música de feria ................................................................. 88 My life has been filled with terrible misfortune, most of which never happened ...................................... 64 Naturaleza acusmática ..................................................... 79 Nei Lau .............................................................................. 78 Némesis ............................................................................. 10 Net ...................................................................................... 36 Nidi II .................................................................................. 37 Nine by Five ....................................................................... 17 Para Alicia .......................................................................... 118 Partita ................................................................................. 32

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Por regiones ..................................................................... 83 Profundo insaciable ........................................................ 117 Pronto desapareceremos ............................................... 101 Quantum Leap II ............................................................. 53 Quasi una sonata ............................................................ 31 Quatre Instants ................................................................ 74 Quattro liriche di Antonio Machado ............................. 73 ¡Qué alta va la Luna! (Lucía…) ........................................ 52 Quinteto para clarinete y cuerdas ................................. 97 Red in Volatile Blue ......................................................... 67 Retracing ......................................................................... 17 Retracing II ....................................................................... 16 Romance de Hsiao y Ch’in ............................................. 56 Scala cromatica ............................................................... 93 Scrivo in Vento ................................................................. 17 Seascape ......................................................................... 38 Segundo concierto para piano y orquesta ................... 127 Seven Days/ Stained Glass/ Mirror ................................ 11 Silencio en Juárez .......................................................... 109 Simaku ............................................................................. 59 Sin título ........................................................................... 56 Solipse ............................................................................. 42 Sonata simple .................................................................. 97 Sonetos de agua ............................................................. 67 String quartet no. 4 ......................................................... 88 Sueño mexicano ............................................................. 73 Tabás ................................................................................ 128 Tamales oaxaqueños ...................................................... 28 Tang Tales ........................................................................ 108 Tarots ................................................................................ 21 Tempo a lamento ............................................................ 32 These Broken Wings ....................................................... 111 Three Beats for Beatbox Flute ........................................ 92 Toccata gaucha ............................................................... 119 Tres ensayos .................................................................... 48 Tres piezas de Sonatas and Interludes ......................... 116 Trío de alientos ................................................................ 97 Tríptico-Homenaje a D. Shostakovich ........................... 123 Two Vocalises .................................................................. 94 Variaciones sobre una canción francesa ....................... 97 Ventanas .......................................................................... 128 Venus Express ................................................................. 57 Vísperas ........................................................................... 49 Woodwind Quintet ......................................................... 16 ye´ Sule´ ............................................................................ 119 Zapping Trio .................................................................... 32

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Sedes Palacio de Bellas Artes

Av. Juárez y Eje Central Lázaro Cárdenas Centro Histórico C.P. 06050 Tel.: 5512 2593

Centro Nacional de las Artes Río Churubusco 79 Col. Country Club C.P. 04120 Tel.: 4155 0000

Escuela Nacional de Música de la unam Xicoténcatl 126 Col. Del Carmen Coyoacán C.P. 04100 Tel.: 5688 3308

Conservatorio Nacional de Música Presidente Mazaryk 582 Col. Polanco C.P. 11560 Tel.: 5280 6347

Museo Nacional de Arte Tacuba 8 Centro Histórico C.P. 06000 Tel.: 5130 3468

Teatro Degollado

Belén, Zona Centro Guadalajara, Jalisco Tel.: (0133) 3001 2345

San Pedro Museo de Arte 4 Norte 203 Centro Histórico C.P. 72000, Puebla, Puebla Tel.: (222) 246 5858

Ceuni, UAEH

Av. Universidad s/n Col. Santiago Jaltepec Pachuca, Hidalgo Tel: (771) 717 2000

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Directorios Conaculta

Consuelo Sáizar Presidenta

Instituto Nacional de Bellas Artes Teresa Vicencio Álvarez Directora general

Sergio Ramírez Cárdenas Subdirector general José Luis Gutiérrez Ramírez Director de Difusión y Relaciones Públicas Jaime Ruiz Lobera Coordinador Nacional de Música y Ópera Eloisa Almazán Navarro Subcoordinadora Nacional de Música y Ópera Roberto Mejía Murillo Gerente de Grupos Artísticos Coordinación Nacional de Música y Ópera Gabriela Peláez Herrera Logística Coordinación Nacional de Música y Ópera Francisco Orozco Gerente del Palacio de Bellas Artes Miguel Fernández Félix Director del Museo Nacional de Arte

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XXXIV FIMNME

Eduardo Soto Millán Director artístico Carlos Cruz de Castro (España) Juan Pablo Medina (México) Roberto Medina (México) Comisión de selección Antonio Russek Asistencia técnica

Centro Nacional de las Artes Víctor Manuel González Esparza Director general

Carlos Arturo Briz Figueroa Director de Programación Artística

Conservatorio Nacional de Música

Karl Paul Bellinghausen Zinser Encargado del despacho de la Dirección

Escuela Nacional de Música de la UNAM Francisco José Viesca Treviño Director

Teatro Degollado

María Graciela Guzmán de León Directora

San Pedro Museo de Arte

María Fernanda Matos Moctezuma Directora

Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo Humberto Augusto Veras Godoy Rector

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Notas


XXXIV Foro Internacional de Música Nueva "Manuel Enríquez" 2012  

Programa de las obras seleccionadas para el XXXIV Foro Internacional de Música Nueva "Manuel Enríquez" 2012, que se llevará a cabo del 10 al...