GRAN ANUARIO INTERNACIONAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO 2020: EDICIÓN MADRID

GRAN ANUARIO INTERNACIONAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO 2020: EDICIÓN MADRID

Editado por Grupo Editor Vision Net Guto Ajayu Ediciones

© Obra: GRAN ANUARIO INTERNACIONAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO 2020: EDICIÓN MADRID Primera edición: Marzo, 2020 © Autor: VV.AA Dirección de proyecto, recopilación y estructuración de textos: Augusto Mendoza Mendieta Gestión cultural: Zdenka Mendoza Mendieta Revisión y corrección de textos: Lilian Farías Diseño de portada y contraportada: Carla Torrez Introducción: Eduardo Jáudenes de Salazar Comentario I: Nunci de León Comentario II: José Luis Marchante Araque Trabajo curatorial: Guto Ajayu Ediciones ISBN: 978-84-18170-14-0 Depósito Legal: M-8611-2020 © Editado por LIBER FACTORY www.liberfactory.com Trabajo editorial: Grupo Editor Vision Net C./ San Ildefonso 17, local, 28012 Madrid. España. Tlf: 0034 91 3117696 // Email: pedidos@visionnet.es www.visionnet-libros.com

ÍNDICE

Agradecimientos .....................................................................................................................................................................7 Prólogo de Eduardo Jáudenes de Salazar..........................................................................................................9 Comentario de Nunci de León ...................................................................................................................................13 Comentario de José Luis Marchante Araque ..................................................................................................15 Artistas ..........................................................................................................................................................................................17 Salustiano ...................................................................................................................................................................... 19 Mamani Mamani ....................................................................................................................................................... 23 Fabricio Lara ................................................................................................................................................................ 27 Kristorn .............................................................................................................................................................................31 Gema Muñoz Jandra ............................................................................................................................................. 35 José Teniente Torres ............................................................................................................................................39 Adriana Arévalo ........................................................................................................................................................ 43 Domínguez ...................................................................................................................................................................46 Paola Cabrera..............................................................................................................................................................51 Nacho Corazón Salvaje....................................................................................................................................... 54 Lola Remesal ..............................................................................................................................................................59 Zdenka María ..............................................................................................................................................................63 Alicia Machimbarrena ..........................................................................................................................................67 Gotasi .................................................................................................................................................................................71 Elena Roig ..................................................................................................................................................................... 75 Delgado Ramírez .....................................................................................................................................................79 Esther Tenedor..........................................................................................................................................................83 Juan Francisco Gallego ......................................................................................................................................87 Knorke Leaf ................................................................................................................................................................. 91 Sharon Pérez...............................................................................................................................................................95 5

Mauricio Suårez ........................................................................................................................................................99 Ruth Untoria...............................................................................................................................................................103 Adriana la boliviana..............................................................................................................................................107 Li Blanco........................................................................................................................................................................111 Elena Krasnova........................................................................................................................................................ 115 Teresa VS .................................................................................................................................................................... 118 Ariel Camino ..............................................................................................................................................................123 Jatun Juk´ucha .........................................................................................................................................................126 Mlou ..................................................................................................................................................................................131 Manuel de Hueso ..................................................................................................................................................135

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AGRADECIMIENTOS

Este proyecto tiene como finalidad: el fortalecimiento para seguir la lucha. Nacer artista es un privilegio, y elegir dedicarse al arte es difícil. Es un mundo donde muchas veces se camina a ciegas y todo se aprende durante la marcha, rendirse no es una opción. Con esta publicación los artistas crecen y tienen un arma más para defenderse en el campo de batalla. Personalmente veo a los creadores como guerreros. Por ser pieza clave en este proyecto, quiero agradecer a Dios, por ser mi guía. A nuestra lista de 30 artistas, de impecable calidad, sueños, logros y metas. La que se puede dividir en nuestros 3 invitados, ellos son Salustiano, Mamani Mamani y Fabricio Lara; y en nuestros 27 artistas, tan talentosos y prometedores, ellos son Kristorn, Gema Muñoz Jandra, José Teniente Torres, Adriana Arévalo, Domínguez, Paola Cabrera, Nacho Corazón Salvaje, Lola Remesal, Zdenka María, Alicia Machimbarrena, Gotasi, Elena Roig, Delgado Ramírez, Esther Tenedor, Juan Francisco Gallego, Knorke Leaf, Sharon Pérez, Mauricio Suárez, Ruth Untoria, Adriana la boliviana, Li Blanco, Elena Krasnova, Teresa VS, Ariel Camino, Jatun Juk´ucha, Mlou y Manuel de Hueso. Además quiero agradecer a Leo Zelada por la idea, a Eduardo Jáudenes de Salazar por escribir el prólogo del libro, a Nunci de León y José Luis Marchante Araque por los comentarios del libro, a Zdenka Mendoza Mendieta por la gestión cultural, a Lilian Farías por la ayuda en corrección de textos, a Carla Torrez por el trabajo de diseño gráfico, a Visión Libros por abrir las puertas de su editorial para realizar este proyecto y a tantos otros que nos apoyaron desde el inicio.

No sin antes despedirme, agradecerte a ti, lector. Hasta el próximo año, vendremos con más fuerza.

Augusto Mendoza Mendieta CEO de Guto Ajayu Ediciones

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AUGUSTO MENDOZA MENDIETA (Guto Ajayu) CEO de Guto Ajayu Ediciones Ph: Andrés Sarranz

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PRÓLOGO

Este GRAN ANUARIO INTERNACIONAL DE ARTE CONTEMPORANEO 2020: EDICIÓN MADRID está creado por Augusto Mendoza Mendieta, gestor cultural y director del proyecto, para fortalecer el currículum del artista, que hoy en día es muy importante en su carrera, con una publicación de GUTO AJAYU EDICIONES, la Editorial VISION LIBROS y con una presentación oficial en RAMSÉS LIFE, de Madrid. Un buen número de personalidades artísticas, en total 30. Diversos estilos que van del hiperrealismo al abstracto pasando por el expresionista, surrealista, impresionista, realismo, realismo mágico… Artistas de bodegón, paisajistas, figurativos… Fotógrafos, dibujantes, pintores, escultores, ilustradores… Artistas españoles, bolivianos, mexicanos, argentinos, noruegos, ecuatorianos, rusos. Una cosa en común: la calidad. El arte de calidad es un lugar donde todos nos encontramos para ser más humanos, más cercanos y más felices. Lo cual demuestra que la finalidad del arte no entiende de fronteras, es universal. Este libro es un gran anuario no porque lo digamos nosotros, sino lo decimos nosotros porque es un gran anuario. El arte de los artistas aquí reseñados es ese arte que consiste en la necesidad de dejar el río correr, abriéndose paso entre las piedras y no siempre llegando al mar. Hacen que el mundo del arte mejore pues los artistas se guían por la luz de la verdad, que es la salud física y mental, que les hace dedicar tiempo al progreso del arte con voluntad de avanzar. La intención de los artistas es que el espectador descubra por sí sólo. Por eso el artista no impone sino que integra al espectador en su obra. El arte es inconsciente hasta que uno lo vuelve consciente. Por eso el artista crea desde su inconsciente para, con la razón, hacerlo consciente. Las artes plásticas son la expresión de la mirada. Viendo las obras de los artistas aquí contenidos, me recuerda el cuento de El Emperador de Japón que quiere tener un pájaro pintado en su casa, pregunta por el mejor dibujante, le informan sus asesores adecuadamente, habla con el elegido y este le pide 9

-Necesito una casa en el campo y 20.000 yenes. Vuelve dentro de un año. Pasa el año y El Emperador va a por su pájaro, el dibujante le dice -Necesito otra casa más grande, 40.000 yenes y un año más. El Emperador acepta refunfuñando. Pasa este segundo año y El Emperador recibe la siguiente repuesta: -Necesito una casa aún más grande, 80.000 yenes y un año más… se queda parado, exhausto y de un solo trazo con rapidez y creatividad dibuja el pájaro más bello que ha conocido la humanidad. Se lo muestra al Emperador y le dice: -A veces hacen falta diez años para ver y un segundo para pintar. La finalidad principal de este libro es fortalecer el currículum de los artistas, es lo más importante de un proyecto que comienza este año pero será todos los años, así que tiene proyecciones de adquirir más y más prestigio. De los 30 artistas, hay tres invitados especiales, honoríficos y ya consagrados, a los cuales les reconocemos que ayudan a dar prestigio al proyecto, que son: 1. SALUSTIANO: artista de España, hiperrealista, con un toque mágico. 2. MAMANI MAMANI: artista de Bolivia, mostrando la cultura andina con colores vivos. 3. FABRICIO LARA: artista de Bolivia, gran referente latinoamericano del realismo mágico. Los 27 artistas restantes son: 4. KRISTORN, artista noruego surrealista, expresionista y que presenta una monocromía con gran dramatismo. 5. GEMA MUÑOZ JANDRA, fotógrafa española, con un trabajo realista-mágico y personajes fantásticos. 6. JOSÉ TENIENTE TORRES, artista mexicano abstracto, con arte colorista e intenso. 7. ADRIANA ARÉVALO, artista argentina realista, principalmente de bodegones y retrato. Transmite paz y tranquilidad. 8. DOMÍNGUEZ, artista español paisajista e impresionista, donde predominan los ocres y una atmósfera única. 9. PAOLA CABRERA, artista boliviana abstracta, con mucho sentimiento en el trazo. 10. NACHO CORAZÓN SALVAJE, artista español figurativo, con obra pop-histórica e influencia estética del tatuaje. 11. LOLA REMESAL, artista española abstracta, con mucho contenido conceptual y técnicas inusuales.

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12. ZDENKA MARIA, fotógrafa boliviana, que muestra la cultura andina en obra con grandes contrastes de claro-oscuro. 13. ALICIA MACHIMBARRENA, artista española multidisciplinar, con escultura semifigurativa y fotografía con instalaciones efímeras. Transmite conexión y libertad. 14. GOTASI, pintor ecuatoriano figurativo, creador del Piramidismo cromático con Ernesto Rocha Ríos, técnica novedosa y colorista. 15. ELENA ROIG, pintora española figurativa, que busca la belleza con realismo y retrato femenino. 16. DELGADO RAMIREZ, pintor español realista, con obra que reboza sentimiento y positividad. 17. ESTHER TENEDOR, pintora y escultora española que presenta figuración en la escultura e impresionismo en la pintura, dando importancia a lo femenino. 18. JUAN FRANCISCO GALLEGO, pintor español abstracto, con obra formada de estructuras visuales y sugerentes. 19. KNORKE LEAF, pintora y muralista boliviana figurativa, que recoge las raíces y costumbres andinas (arte con contenido social y ecológista) con colores vivos en sus murales. 20. SHARON PÉREZ, pintora boliviana realista, con temática reivindicativa afroboliviana. 21. MAURICIO SUAREZ, pintor mexicano realista, con obra expresionista y dramática. 22. RUTH UNTORIA, pintora española realista mágica, presentando obra basada en la naturaleza y la Madre Tierra. 23. ADRIANA LA BOLIVIANA, ilustradora boliviana de personajes fantásticos, que nos remiten a la niñez. Su obra transmite delicadeza. 24. LI BLANCO, pintora boliviana que cultiva el costumbrismo andino con realismo mágico en sus obras, resaltando sus raíces andinas. 25. ELENA KRASNOVA, pintora rusa que busca la belleza a través del realismo del retrato femenino. 26. TERESA VS, pintora española que plasma escenas renacentistas e icónicas de la pintura sobre chaquetas de cuero, mezclando a los grandes maestros con lo kitsch y lo pop urbano. 27. ARIEL CAMINO, dibujante boliviano, presentando un realismo mágico tenebrista, escenas monocromáticas o pocos colores. 28. JATUN JUK´UCHA, artista boliviana que recoge personajes deformados con un toque oscuro y bizarro. Obra muy psicológica

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29. MLOU, artista española con un estilo expresionista abstracto dominado por el action painting, mostrando el orden dentro del caos en la naturaleza. 30. MANUEL DE HUESO, artista español abstracto, con colores ocre y ciertos paisajes con colores muy luminosos.

El GRAN ANUARIO INTERNACIONAL DE ARTE CONTEMPORANEO 2020: EDICIÓN MADRID, es una obra de referencia, imprescindible para conocer a los artistas y su trayectoria. Un libro que no puede faltar en ninguna biblioteca de arte que se precie.

© Eduardo Jáudenes de Salazar Director de Diarionews.com y crítico de arte

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Unas pocas palabras para el Gran Anuario 2020. Hace falta energía para embarcarse en un proyecto editorial llamado Gran Anuario 2020. Hace falta aunar muchas sinergias para reunir fondos y embarcarse en este proyecto ilusionante que será ya parte esencial del currículum de los treinta artistas que lo integran. Unos artistas, que ya tienen una obra de la que sentirse orgullosos, tanto como para que uno de sus cuadros forme parte de este Gran Anuario 2020. Augusto Mendoza algo ha visto en ellos que le ha impulsado a darles el espaldarazo definitivo que los puede propulsar hacia adelante. Creo que les ha visto el valor y de esto hay mucha carencia en el arte en general y en el mercado en particular. “Hace falta valor”, como dice la canción, pero también sabemos que cuando alguien tiene clara una meta, parece que las piedras del camino se apartan. Les deseo a todos una gran fortuna en esta empresa para que la realidad supere a las expectativas.

Nunci de León Doctor en Filología. Escritora de teatro. Cronista de cine y teatro

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Una persona joven, pero a la vez avezado en la cultura, tiene un gran proyecto, cuando lean estas líneas ya será una realidad, se trata de Augusto Mendoza Mendieta, llevándolo a buen puerto en colaboración con la editorial Visión Libros, siendo el resultado el libro que tienen en sus manos. Gran Anuario Internacional de Arte Contemporáneo 2020: Edición Madrid, y con un gran propósito, seguir en años sucesivos. Este anuario está enfocado y creado, para profesionales de las BBAA, bibliotecas públicas y privadas, galerías de arte, museos, casas de cultura, sala de exposiciones, marchantes y artistas. Cuenta con grandes colaboradores dentro del mundo cultural y artístico. El libro consta de 140 páginas dedicadas a 30 artistas de siete países distintos y todos los estilos, tres de ellos ya consagrados como lo son: Roberto Mamani Mamani (Cochabamba, Bolivia 1962). Pintor consagrado con un gran triunfo y uno de los mejores cualificados en la actualidad de su país, con una trayectoria muy importante y amplia, su estilo muy personal y colorista. Salustiano García Cruz (Sevilla, España 1965). Pintor de trayectoria ascendente, más conocido y admirado fuera de nuestro país, aunque en honor a la verdad está subiendo peldaños, el pintor de los rojos y negros. Fabricio Lara Saravia (Oruro, Bolivia 1966). Pintor, escultor y dibujante, tiene un buen currículum, moviéndose en varios estilos que abarca desde la figuración a una abstracción llena de pureza. Los 27 restantes, son pintores, fotógrafos etc., de momento abriéndose camino dentro de las artes plásticas, emergiendo poco a poco. Les pido disculpas por no mencionar sus nombres, pero no quisiera cansar al lector. Desde estas líneas les auguro un rotundo éxito a todos, y particularmente al creador del anuario.

José Luis Marchante Araque. Miembro de las Asociaciones, Internacional, Española y Madrileña de Críticos de Arte.

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ARTISTAS

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SALUSTIANO (Sevilla, España 1965)

Estudió Bellas Artes en la Universidad de Sevilla, España y comenzó una carrera meteórica, logrando mostrar su trabajo en museos, galería y ferias de arte por todo el mundo. Con innumerables reportajes y entrevistas en medios de comunicación, más de una treintena de museos e instituciones exponen sus pinturas (en Nueva York, Miami, Chicago, Atlanta, Malibú, Houston, Texas, Toronto, Londres, Zurich, Berlín, Estocolmo y Ciudad de México entre otras) y tiene más de 60 apariciones en ferias de talla mundial como por ejemplo Art Basel (Miami,) Art Forum (Berlín), Scope Art Fair (Londres y Miami), Art Cologne (Colonia), Armory show (Nueva York), ARCO (Madrid,) Toronto International Art Fair, KIAF international Art Fair (Seúl), MODERN (Múnich), Moscow International Art Fair (Moscú), DIVA Art Fair (Nueva York), entre muchas otras. Organizaciones como la Fundación “Dalái Lama”, “Women Together”, el Banco de Microcréditos Mundial (fundación dirigida por el premio Nobel de la Paz Muhammad Yunus) o la Fundación “Cisneros” lo han invitado a colaborar con sus diversos proyectos humanitarios-culturales. Su temática se centra en el retrato, el cual presenta un impecable y terso tratamiento de las superficies. Combina una estética renacentista y una inquietante y magnética actitud, producto de las miradas que despiden sus personajes, los cuales se ubican sobre fondos de un solo color, cualidad que realza la atención sobre sus figuras de acabado perfecto. Sus personajes posan vanidosos y manifiestan un culto a la belleza clásica. ¿Cómo es el proceso creativo de Salustiano? Nos cuenta que “se crea al tener la idea. Yo busco la idea. Me pongo a pensar en algo y ese algo me lleva a otra cosa. Y esa cosa me lleva a una bifurcación y entonces elijo izquierda o derecha. Voy eligiendo que contar. Y luego, cómo contarlo. Crear es como contar algo a alguien. Estás feliz si has sido capaz de transmitir esa idea.” Su obra pretende ser como un espejo, reflejando nuestros propios anhelos y pensamientos, teniendo al artista como intérprete y relator.

Instagram: @salustiano.co Web: www.salustiano.com

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Territorio de ternura I Ă“leo sobre lienzo 130 cm de diĂĄmetro

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Territorio de ternura II Ă“leo sobre lienzo 130 cm de diĂĄmetro

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ADRIANA ANEIVA GUERRA

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MAMANI MAMANI (Cochabamba, Bolivia 1962)

Mamani Mamani es quechua de nacimiento y de sangre aymara (etnias indígenas). Artista autodidacta que ha desarrollado su plástica a partir de la visión y sentimientos originarios de su pueblo, una tierra vibrante, vital, llena de colores, carácter, texturas y emociones. Desde 1983 ha realizado más de 103 exposiciones, de ellas 77 individuales. Su obra ha merecido numerosos premios y distinciones nacionales e internacionales. Las cuales se encuentran en colecciones privadas de Argentina, Brasil, Ecuador, Colombia, Venezuela, Cuba, México, Canadá, Estados Unidos, Japón, Alemania, Dinamarca, España, Holanda, Australia, Italia, Francia e Inglaterra. Su pintura es figurativa, representa a la cultura andina con colores intensos y un amplio tratamiento de luces y sombras. En sus trabajos encontramos dioses, personajes y animales andinos. Recobra la paleta de los tejidos altiplánicos y la mística ancestral con una estética contemporánea. Su filosofía obedece a la Cosmovisión Andina, la cual predica el “buen vivir” (Suma qamaña) como alternativa de vida, regido por un respeto, amor y defensa hacia la Madre Tierra (Pachamama) y la unión de los pueblos. Esta filosofía surge con un aire nuevo frente al paradigma occidental. Su obra nos llama a reflexionar sobre el sentido de la vida y nos presenta una opción y una filosofía llenas de armonía. Los pueblos indígenas y originarios nos invitan a retomar el camino del bien común, de la comunidad como una unidad, como una vía posible para la humanidad y como estrategia para la defensa de la vida en la tierra. Nos cuenta que su abuela fue la que lo “hizo espiritualmente un ser artista”, con sus enseñanzas de respeto y unidad con el entorno natural. Para él, el arte no está hecho para reglas y significa plena libertad. En sus palabras: “Algunos niños me preguntan, Roberto, ¿por qué pintas caballos azules? y les respondo que pinten del color que quieran porque va a ser su caballo y va a ser único. Mi abuela me decía que los colores fuertes eran para ahuyentar los malos espíritus y no quedarse en la oscuridad.”

Web: www.mamanimamani-bolivia.blogspot.com

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Quirqui ángel Acrílico sobre lienzo 120 x 90 cm 25

Inal Mama Pastel Sobre Papel 70 x 50 cm 26

ADRIANA ANEIVA GUERRA

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FABRICIO LARA (Oruro, Bolivia 1966)

Cursó Bellas Artes en la Universidad Mayor de San Andrés UMSA (La Paz, Bolivia). Pertenece a la segunda generación de artistas en su familia, por lo que profundizó su formación desde niño en los talleres artísticos familiares. Al día de hoy tiene más de treinta exposiciones individuales en América, Europa y Asia. Representó a Bolivia en exposiciones internacionales en diferentes Museos e Instituciones, así también como en Ferias Internacionales como ARCO (España), Arte Américas (USA) , Art New York (USA), Art Las Vegas (USA), Arte BA (Argentina), World Art Tokyo / Art Fair Tokyo (Japón). Obtuvo más de treinta premios nacionales e internacionales, tanto en la especialidad de Dibujo, como la de Pintura, Escultura, Cerámica; Fotografía y Pintura Mural; además cuenta con numerosas publicaciones y ha aparecido en diversos medios de comunicación. Gran representante del Realismo Mágico latinoamericano, su pintura linda entre la figuración y la abstracción. Está inspirada en las culturas precolombinas y primigenias del ser humano. Sus estudios de las paletas reducidas de colores tierra y quebrados de estas culturas lo llevaron a un sutil y consumado manejo del color, con pequeñas variantes que denotan gran control de la temperatura en la coloración. Para componer sus creaciones, primero distribuye los valores de color, los claros, oscuros y medias tintas, para luego subordinar la figuración a la libre composición primera. Esto otorga libertad y espontaneidad a su obra. La finalidad es que el espectador de la obra de Fabricio tenga la sensación de ver escenas de un lejano pasado místico, o como el propio artista afirma: “el objetivo en primera instancia es el de poder transmitir una sensación ya sea pétrea, acuosa, lítica, solar, rupestre o cósmica...y transportarme o transportar al espectador a diversos contextos, galaxias y/o universos”.

Web: www.fabriciolara.com Instagram: @fabriciolara10 Email: fabrilara@yahoo.com

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Amazonas II AcrĂ­lico sobre tela 200 x 200 cm

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Sideral I AcrĂ­lico sobre tela 200 x 510 cm

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Foto: Alberto Hernรกndez

ADRIANA ANEIVA GUERRA

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KRISTORN (Bergen, Noruega 1972)

Kristoffer Storjohann, mejor conocido como “Kristorn” en el mundo artístico, estudió Bellas Artes en la facultad de la Universidad de Salamanca en España y en la universidad Kunsthochschule Weisensee, en Berlín. Fue profesor de pintura en el Pakow Kunst Akademie en Berlín y goza de varias exposiciones colectivas e individuales en la capital alemana y en Madrid. Kristorn dibujó mucho desde su infancia, llenando los libros del colegio, la lista de la compra y todos los papeles sueltos que encontraba; sintiendo desde pequeño que dibujar era una manera de soñar despierto y encontrar una realidad. A la hora de estudiar Bellas Artes, Kristorn experimentó una conexión única y diferente con las artes, especialmente con la pintura, en la cual vio una causa, una meta, una lucha por la cual militar. Dejó de ser un juego despreocupado y se convirtió en un asunto serio, profesional. Buscando la originalidad y la autenticidad en su trabajo, dejó la enseñanza para centrarse en su propia exploración artística y dibujar bocetos (que serían la base para sus futuras pinturas) en un cuaderno que llevaba con él por Berlín, sin la limitación de tener que estar en un taller. Los motivos urbanos, mundanos y tecnológicos de la ciudad nutrieron poco a poco su creación, centrándose con el tiempo en el manejo del blanco y negro, emulando y representando los radicales contrastes de las grandes metrópolis. En este proceso creativo estructuró un estilo pictórico marcado, claramente identificable en sus temáticas que rozan en un surrealismo-industrial, tecnológico y dramático, que nos recuerda en su estética al Expresionismo Alemán. Prescindir del color le dio una gran libertad compositiva, pudo ser más espontáneo y otorgó un toque caótico a su obra, la cual cae finalmente dentro de un orden creado por puntos de fuga, planos definidos y escenas dominadas por los grandes contrastes que tanto marcan a la pintura monocroma.

Web: www.kristorn-art.com Email: kristorn@web.de

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Warrior Tinta china sobre lienzo 130 x 195 cm

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Stratosphere Tinta china sobre lienzo 97 x 130 cm

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ADRIANA ANEIVA GUERRA

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GEMA MUÑOZ JANDRA (Madrid, España 1968)

La cámara la acompañó desde muy temprana edad, siendo una fiel y vital compañera en su desarrollo artístico. Con diecinueve años terminó los estudios de imagen y sonido, para luego entrar en terreno profesional. Gema cursó sus estudios de Imagen y Sonido en el IORTV (Instituto de RTVE) y CICI, realizando prácticas como operador de cámara y foto fija. Su inicio en el mundo de la imagen llegó de la mano de productoras de publicidad y televisiones privadas. Desde 1990 a la actualidad, desarrolla su trabajo como editora de postproducción de vídeo en “Mediaset” (empresa de comunicación televisiva), lo que le ha permitido realizar colaboraciones en campañas publicitarias como foto fija y ayudante de fotografía, caminos que le ayudaron a forjar los conocimientos necesarios para su labor artística paralela. Como artista llama a su obra fotográfica “Fotografías de sentimientos”, porque su trabajo plantea poder transmitir la diversidad de reacciones que provocan los sentimientos en las personas a través de imágenes. Este universo sentimental es claro en sus fotografías creativas, llenas de imágenes serenas, que hablan a través del blanco y negro. Gema se especializa en el retrato, utilizando como gran aliado la plasticidad de la luz, para lograr un impacto en el espectador. Su filosofía en la fotografía se basa en el sublime ciclo artístico que comienza en la cámara y termina con la reacción del público ante las obras; y, en sus palabras: “Si mi fotografía consigue no dejar indiferente al espectador, habré dado un gran paso en este camino que tanto me completa”.

Instagram: @gemamjandra Email: gemag28@gmail.com

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Fragilidad, la mรกscara de la fortaleza (Serie FEELINGS) Cรกmara รณptica sobre papel fotogrรกfico 60 x 40 cm 37

Ausencia, leve locura (Serie FEELINGS) Cรกmara รณptica sobre papel fotogrรกfico 60 x 40 cm 38

ADRIANA ANEIVA GUERRA

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JOSE TENIENTE TORRES (Monterrey, Nuevo León, México 1991)

Afincado en Madrid desde el año 2010, Teniente Torres es Técnico Superior de Artes plásticas y Diseño en Escultura por la Escuela de Arte La Palma de Madrid. Proveniente de una familia de artistas y artesanos, en el año 2015 se unió al Estudio Taller de pintura “ConTacto”, espacio que pertenece al Centro sociocultural “La Tabacalera” de Lavapiés en Madrid, sitio donde ha desarrollado prolíficamente su obra. Fue cofundador del colectivo artístico-mexicano “Pachucos” y cofundador de la Galería Independiente Tabacalera, donde participó en diferentes proyectos nacionales e internacionales, posicionando a esta galería como un referente expositivo en el Barrio de Lavapiés. Asimismo, realiza proyectos alternativos de docencia y cuenta con un total de 70 exposiciones, entre muestras individuales y colectivas. Su trabajo llegó a ser calificado como “neo-constructivista mexicano”, ya que nos sumerge en un mundo abstracto lleno de colores intensos y formas entreveradas. En su trabajo están siempre presentes los colores de su tierra, de igual manera están la tonalidad y el dinamismo propios de la paleta estética latinoamericana. Una combinación de arte abstracto y psicodélico con colores eléctricos y elementos étnicos, llenos de juegos visuales que cautivan al espectador, llevándolo por una serie de laberintos y líneas sin aparente orden; pero que obedecen, finalmente, a una estructura pensada, que juega con el recorrido visual y las siluetas. Todo esto crea una obra potente, cuya finalidad, – según el artista-, es trascender lo perceptual y lo emotivo, para poder llegar a lo desconocido y sentir la libertad que siente Teniente al pintar.

Instagram: @josetenientetorres Email: josetenientetorres@gmail.com

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ABN Ă“leo sobre fibra de vidrio y madera 135 x 120 cm

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Futuro Ă“leo sobre madera 110 x 90 cm

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ADRIANA ANEIVA GUERRA

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ADRIANA ARÉVALO (Córdoba, Argentina 1962)

Desde su infancia se relacionó a las artes. Se dedicó durante años a la docencia como profesora de danzas clásicas, españolas, latinoamericanas y flamenco; además de estudiar filosofía y diseño de interiores. Desde el año 2010 comenzó su formación artística en la galería de arte “Cerrito” con el profesor Israel Gómez Prax, la cual continuó con el pintor Juan Manuel Jaimes Roy. A la fecha cuenta con diversas exposiciones individuales y colectivas en Argentina, Chile, Uruguay, España, Italia y Estados Unidos. La obra de Adriana tiene como principales temáticas el bodegón y el realismo anatómico, trabajando siempre la estética en las formas y presentando piezas con un aire refinado y delicado. Destacando las texturas y un cuidado estudio del color, nos muestra escenas con fuertes contrastes de luces y sombras, siempre con especial énfasis en la representación de las telas que rodean las imágenes de naturaleza muerta. La inspira lo simple y busca el sentido trascendental de lo cotidiano, de las pequeñas cosas. La belleza de las frutas y de los objetos que forman parte de la vida diaria, alimentan su creación; estos objetos toman protagonismo y redescubren su atractivo, adquiriendo un aura nueva y especial. La intención de Adriana es aportar con su obra de manera positiva en el espectador, mediante la revalorización de los pequeños detalles.

Instagram: @adriart27 Facebook: Adriana Arévalo Email: adriana05much@live.com

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El coleccionista Ă“leo sobre lienzo 60 x 50 cm

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Recuerdos Ă“leo sobre lienzo 55 x 45 cm

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ADRIANA ANEIVA GUERRA

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DOMÍNGUEZ (Martos, Jaén, España 1962)

La trayectoria internacional de José Domínguez Hernández (conocido como “Domínguez” en el mundo artístico) está avalada por un centenar de muestras en América y Europa; con obras en más de treinta museos e instituciones de once países (como podrían ser Holanda, Rumania, Portugal, Colombia, España y otros). Posee una gran lista de homenajes, entre los que destacan ser Miembro de la Sociedad Nacional de Bellas Artes de París, un homenaje a su trayectoria internacional en el museo de arte latino de California y la Medalla de Oro a la trayectoria internacional por Asociación Española de Profesionales de la imagen, por ejemplo. Entre sus premios más rutilantes podríamos citar el Gran Premio “Lorenzo Medici” en Florencia, el Premio al prestigio internacional de la Academia Cultural El Marzocco (Italia), el Diploma de Honor de la Asociación de artistas plásticos de Perú; el Gran Premio Santa María delle Arti en Turín o el Premio Internacional “Claudio León Sempere” en Buenos Aires, entre otros. La temática dominante en la obra de Domínguez es el paisaje urbano con influencia impresionista, con un marcado manejo de la espátula en sus creaciones, las cuales captan de especial manera la mística de las grandes ciudades, mediante escenas citadinas dominadas por tonalidades sepias, que sin previo aviso mueven nuestra sensibilidad con pinceladas rojas, azules y blancas; estratégicamente ubicadas entre puntos de fuga y perspectivas. Este tratamiento en el color de sus obras y su particular estudio tonal, otorgan a sus piezas un aire noble y nostálgico, que nos remite a un pasado remoto pero cercano, rozando lo onírico. Su sello pictórico se fortalece al tener un desarrollo artístico constante, pero siempre encaminado y delimitado dentro de su definido estilo, permitiendo así, madurar su método creativo y su técnica Para Domínguez pintar es una necesidad básica, casi adictiva, a la cual él llama una “bendita adicción”. En sus obras, intenta transmitir la espiritualidad de la vida misma, remitiéndonos a escenas familiares con sus paisajes pero diferentes en su manifestación pictórica, así como sentir una doble pero única realidad.

Web: www.josedominguezpintorartistico.blogspot.com Email: josedominguez41@gmail.com

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Gran Manzana Ă“leo sobre lienzo 116 x 81 cm 49

Reflejos en Viena Ă“leo sobre lienzo 116 x 81 cm 50

ADRIANA ANEIVA GUERRA

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PAOLA CABRERA (La Paz, Bolivia 1971)

Desde sus primeros años tuvo la inquietud de crear. Posteriormente estudió la Carrera de Artes y Arquitectura en la Universidad Mayor de San Andrés en La Paz, Bolivia, donde aprendió técnicas de escultura, pintura y cerámica. Sus deseos siempre fueron manejar diferentes técnicas que le permitan expresar sus inquietudes en el uso del color y la creación de nuevos mundos. Paola es una artista diversa, que trabaja utilizando diferentes medios. Ha desarrollado una especial predilección hacia las técnicas mixtas, utilizando pinturas acrílicas, pasteles y objetos inusuales encontrados, en la búsqueda por desarrollar texturas en sus composiciones. Reside actualmente en California, Estados Unidos, donde desarrolla un trabajo con un enfoque ecológico y ambientalista, ya que busca materiales reciclables para contribuir de alguna manera a la preservación del planeta. Esta conexión por la naturaleza y sus infinitas formas, en combinación con un nexo sentimental y muy expresivo con su trabajo, la han llevado por el camino de la abstracción, decantándose por el Expresionismo Abstracto; creando universos llenos de formas imposibles y tonos tierra, que nos remiten a los desiertos y mesetas altiplánicas de su lugar de origen. La identidad y sus raíces culturales andinas están siempre latentes en sus obras, creando un diálogo interesante entre la cultura andina y la corriente abstracta occidental, mostrándonos una colaboración entre dos mundos.

Instagram: @paocabrerart Facebook: La Pao Email: paolitacabrera@hotmail.com

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Angustia AcrĂ­lico sobre lienzo 60 x 40 cm

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When I’m not afraid Acrílico sobre tabla 30 x 60 cm

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ADRIANA ANEIVA GUERRA

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NACHO CORAZÓN SALVAJE (San Lorenzo del Escorial, España 1982)

Ignacio Sánchez Millán, mejor conocido como “Nacho Corazón Salvaje” en el mundo artístico, tuvo desde niño un lápiz en sus manos y una hoja de papel cerca; siendo determinante la motivación y apoyo de sus padres para desarrollar su creatividad. Comenzó su viaje artístico con copias a carboncillo de maestros renacentistas como Leonardo Da Vinci o Miguel Ángel, continuó con el noble y primitivo arte cerámico y la decoración de azulejo, aprendiendo el complejo mundo de los esmaltes. En el año 2013 decidió emigrar a Santiago de Chile, donde se introdujo en el mundo del tatuaje, el cual, al ser un estilo muy particular y un modo de vida propio, cambió su concepción del arte y su técnica para siempre. Comenzó a crear pinturas con líneas gruesas y sólidas, rodeadas de colores intensos y saturados, que corresponden intrínsecamente a la estética del tatuaje tradicional, línea predilecta de Nacho. Su obra tiene una marcada línea iconoclasta, con una clara desacralización de las figuras religiosas e históricas al utilizar elementos del Arte Pop, otorgando a las piezas un aire kitsch e irónico. El nombre “Corazón Salvaje” responde a la intensidad y pasión que el artista quiere mostrar al espectador; una forma de pintar, una doctrina de vida potente y vehemente, que impresiona al ver su obra llena de contrastes y una imponente paleta. Estas obras pueden verse en la Tatuajería “Corazón Salvaje”, en el icónico barrio de Malasaña en Madrid. La filosofía de “Corazón Salvaje” es un juego con la intensidad de la vida y las máximas vitales, o como bien retratan sus propias palabras: “Amar la vida y entender la muerte me suele resultar más difícil que crear una obra de arte”.

Instagram: @nachocorazonsalvaje Instagram tatuajería: @tatuajeriacorazonsalvaje Email: nachosanchezmillan@gmail.com

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Delirios de grandeza Ă“leo sobre lienzo 80 x 60 cm

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Bueno y canalla Ă“leo sobre lienzo 80 x 60 cm

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ADRIANA ANEIVA GUERRA

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LOLA REMESAL (Lora del Río, Sevilla, España 1952)

El arte fue parte de su vida desde niña, despertó en ella una gran inquietud, ya fuera dibujando sobre cualquier superficie o retratando a la gente que encontraba a su alrededor. Fue también determinante para su vocación, pasar veranos observando la labor pictórica del artista Miguel Sandoval, quien vivía cerca a su casa familiar. Después tomó clases de Historia del Arte con Luis Santamaría, catedrático de la Universidad Complutense de Madrid. Lola es fundadora del grupo de artes plásticas “IADE´E”, cofundadora del grupo de artes plásticas “FOR-ART”. Además fue comisaria y directora durante dos años de la sala de exposiciones “4ºSET”. Cuenta con numerosas exposiciones en ciudades como Burgos, Madrid, Valencia y Málaga. Asimismo ha sido galardonada con el Premio Nacional de la Fundación “Miguel Sandoval” en Sevilla, el Premio Cartel del Carnaval “Torrejón de Ardoz”, entre otros. También ha participado en ferias internacionales de arte en Málaga y Singapur. Su icónico mural monocromático en fibra de vidrio “La Ilustración”, en el Centro Cultural “Las Fronteras” en Torrejón de Ardoz (España), en conmemoración del 25° aniversario de la caída del muro de Berlín, es una de las grandes muestras de su obra. Su trabajo artístico abarca todas las técnicas y una extensa búsqueda con materiales y temáticas, creando con la pintura, la escultura o el grabado. Su obra -abstracta y abstracta-figurativa- experimenta con texturas y colores, ya sea utilizando diversos soportes (cartón, metal o incluso esculturas de madera reciclada) o en el uso de variados materiales en el grabado para crear juegos ópticos y un constante estudio de tonalidades nuevas. Sin miedo a trabajar con materiales nuevos, emplea el color en planos con veladuras y transparencias, atravesadas por líneas delicadas, contrastando con siluetas figurativas. Su técnica nos remite a la estampa japonesa por su gracilidad y ligereza. Lola define su trabajo como “un estilo contemporáneo”, ya que su obra está en constante movimiento, buscando una renovación, un sentimiento nuevo y ese sello personal, tan anhelado por los artistas.

Web: www.lolaremesal.wordpress.com Email: lolaremesal@gmail.com

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Destrucción de Alepo Mixta, ácidos y acrílico sobre cartulina 50 x 70 cm

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Babel (II) Mixta, ácidos y acrílico sobre cartulina 70 x 50 cm

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ADRIANA ANEIVA GUERRA

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ZDENKA MARÍA (La Paz, Bolivia 1993)

Zdenka tuvo un “ojo especial” para captar momentos e imaginar composiciones desde temprana edad, trasladando finalmente esta inquietud a la fotografía, la cual le permitió inmortalizar estas escenas y comenzar su sendero artístico. Pasando por diversas temáticas, su obra se puede considerar como documental, con un toque artístico. La visión social de esta fotografía pretende mostrar las condiciones de vida de algún segmento de la sociedad, las que con el trabajo de Zdenka se ven embellecidas, a través de la presentación de la cultura andina boliviana, que resalta las costumbres, la esencia y la mística que envuelve los Andes. Su obra comunica el concepto que las tradiciones aún permanecen, ya sea de maneras prácticas o adaptadas a la contemporaneidad, pero siguen acompañando el imaginario y el sentir colectivo. Sus fotografías exponen una clara preponderancia del enfoque narrativo, en su mayoría tomadas con un ángulo frontal, equilibradas con un buen balance de los pesos estéticos y con fuertes contrastes de las tonalidades de los textiles y ropajes de sus personajes retratados, producto de su marcado sello de edición digital. Sus piezas crean una sensación atmosférica árida, que en combinación con la mística de su temática, presentan el resultado ideal para reflejar el sentir melancólico y “lejano” del habitante boliviano de la montaña, que se mantiene intacto a través de las generaciones. Esta necesidad y compromiso con su entorno local, viene de la empatía, la ilusión y el orgullo que Zdenka siente al retratar la cultura de su tierra en escenas cotidianas, en los pequeños momentos. Define su fotografía como una “expresión pura del alma. Sin escudos, sin máscaras”, remarcando la proyección y sinergia mutuas entre sus fotografías y ella, dando como resultado un libro abierto para el espectador.

Web: www.zdenkamaria.com Instagram: @zdenkamariaph Email: zdenkamariaz@gmail.com

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MÍSTICA AYMARA (Fotografía a una mujer aymara realizando una mesa ritual) Fotografía digital con edición digital 51 x 38 cm

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NUEVA FLOR (niña aymara de pollera en la Isla del Sol, Lago Titicaca) Fotografía digital con edición digital 51 x 38 cm

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ADRIANA ANEIVA GUERRA

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ALICIA MACHIMBARRENA (Madrid, España 1961)

Con estudios en escultura en la Escuela de Cerámica de Moncloa (Madrid) y habiendo seguido cursos de dibujo, serigrafía, fotografía; pintura y grabado, Alicia maneja todas las técnicas artísticas. Cuenta con 61 exposiciones colectivas, entre las cuales sobresale una muestra en la sede de la Organización de las Naciones Unidas (ONU) en Ginebra, en el año 2017. Además, tiene 10 exposiciones individuales , entre las cuales destacan “Arte Comparte 1” y “#Arte Comparte 2”, ambas en el año 2019, las cuales forman parte del proyecto artístico-social “Arte Comparte”, creado por Alicia para favorecer a personas necesitadas, cuyo objetivo es crear un sentido de responsabilidad y conciencia social con el arte como herramienta. Pondera el arte como voz social, busca enfatizar la participación del artista usando su creación como medida para visibilizar la fragilidad que existe en la sociedad. De la venta de sus obras, destina un porcentaje a las asociaciones “AMI-3” (Asociación para personas con discapacidad), La Fundación “Theodora” (Fundación para niños hospitalizados) y “The Power ONG” (Proyecto creado para ayudar a elevar la calidad de vida de los habitantes de la cadena montañosa “Atlas” en Marruecos). Es una artista “axial” o muy diversa, ya que, trabajando los monotipos en el grabado, el barro refractario y piezas rotas en cerámica; retazos de imágenes para una composición fotográfica o la recreación de pequeñas partes formando un todo en la pintura, Alicia expresa sus inquietudes artísticas jugando con la metáfora y el concepto de la capacidad de unir fragmentos, de lo reversible de algo roto en algo unido; de cómo la creatividad puede arreglarlo todo; ya que todo está unido y conectado entre sí. Su espontaneidad artística va unida a lo que ella llama “inspiración divina”, a la “Divinidad del Universo”, un poder superior que canaliza el arte a través de ella. Expresa que, al igual que sus obras fragmentadas, las personas fragmentadas pueden renovarse, renacer y conectarse con el todo.

Web: www.aliciarte.es Email: alidamsfom@hotmail.com

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Mujer maquinando Cerรกmica en barro refractario 57 x 42 x 22 cm

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Esquiador doméstico Fotografía analógica de composición de objetos 1536/2048 pixeles

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ADRIANA ANEIVA GUERRA

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GOTASI (Ambato, Ecuador 1970)

Pintor ecuatoriano con una dilatada carrera artística producto de su obra realista andina. Estuvo siempre dedicado a una implacable búsqueda pictórica, en el afán por descubrir algo nuevo, que lo defina y lo identifique. Finalmente, junto con el aclamado muralista y pintor mexicano Ernesto Ríos Rocha (quien en el año 2009 ingresó en El libro Guiness de los récords al realizar en Mazatlan (México), el mural más grande del mundo realizado por una sola persona, titulado “Desarrollo histórico, económico y turístico del Mar de Cortés”), fundaron el llamado “Piramidismo cromático”, estilo que presenta cuadros con una atmósfera homogénea pero de amplia riqueza visual, otorgada por una estructura multicolor. Esa configuración está formada por un tejido de pequeñas formas escalonadas y pirámides entrelazadas, delimitadas con claras líneas puntillistas compuestas de pequeños triángulos, para finalmente estructurar imágenes. Este estilo compone una investigación sensorial, matemática y geométrica, ya que juega con los planos, el movimiento, los ritmos y las vibraciones, siempre conservando su carácter piramidal. La paleta usada en estas piezas sigue patrones y secuencias por sectores, llevando al espectador de la luz a la sombra y de la calidez a los colores fríos. Este concepto de dualidad es un guiño al pensamiento animista andino, el cual concibe a la existencia como relatividad cíclica, donde el bien y el mal o la vida y la muerte son lo mismo y todo da vueltas en círculos eternos. El manifiesto del “Piramidismo cromático” busca un renacimiento de la creatividad del ser humano, frente a una contemporaneidad que nos abstrae de la creación y nos adormece, convirtiéndonos en espectadores de la realidad. Su estética se basa en los colores vivos dentro de una estructura multicolor; tiene la versatilidad de poder trabajar cualquier temática pictórica, ya sea el retrato, la naturaleza muerta o incluso la abstracción.

Instagram: @arte_gotasi Facebook: Gonzalo Tayo Silva Gotasi Web: www.gotasi.com Email: maestrogotasi@gmail.com

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Monalisa (versiรณn Piramidista cromรกtica) ร leo sobre lienzo 145 x 99 cm

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Muñeca Andina Óleo sobre lienzo 95 x 85 cm

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ADRIANA ANEIVA GUERRA

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ELENA ROIG (Palma de Mallorca, España 1972)

Artista autodidacta, sus inicios fueron cercanos a la literatura, volcando sus sentimientos por medio de palabras. Su conexión con la pintura surgió de una manera repentina e inesperada: a partir de una tragedia personal, esta disciplina artística se presentó como una salida para manifestar el abatimiento y la zozobra que la imbuían, ya que a través de las imágenes lograba expresar lo que no podía con su escritura. Producto de este intenso proceso emocional-creativo, comenzó con una pintura monocroma, adhiriendo progresivamente color a su trabajo. A la fecha, tiene varias exposiciones colectivas e individuales en ciudades como Palma de Mallorca y Barcelona. Además ha obtenido varios premios a nivel europeo, de igual manera cuenta con críticas notables por su obra. Tiene un trabajo realista donde prima la femineidad, expresado en líneas onduladas y bien definidas. Las mujeres en sus obras transmiten arranques de sinceridad, en medio de miradas nostálgicas y atmósferas suaves –producto de una paleta de pocos colores-, mostrándonos que, “las pinturas son pinceladas del alma”. En una constante búsqueda de la belleza, su obra celebra la sensualidad, la suavidad y la sutileza. Elena enaltece a la mujer y todo lo que significa serlo: “cada mujer es diferente, pero todas ellas cautivadoras (…) son madres, esposas; abuelas, hijas, amigas compañeras (…)” Al ser criada cerca del océano, su serie pictórica llamada “Las Marinas”, inevitablemente muestra escenas marítimas, exhibiendo nuevamente su estética romántica con paisajes, en los cuales capta los diferentes momentos de la marea y la naturaleza en las costas mallorquinas. Para Elena, “el arte es el lenguaje donde todos los sentidos se expresan libremente y quienes lo perciben los interpretan y sienten de maneras distintas”. Siente una liberación especial al crear, canalizando sus emociones en cada pieza y mostrando al espectador sus sentimientos. Espera que los espectadores se conmuevan al ver su obra, ya que, para ella, “la pintura es la expresión y liberación del alma que se deja ver”.

Web: www.ouverd.org/artistas Instagram: @elenaroig2018 Facebook: Elena Roig Santiago Email: elena-roig@hotmail.com

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La belleza de su mirada AcrĂ­lico sobre lienzo 3d 160 x 130 cm

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Altiva ante el deseo AcrĂ­lico sobre lienzo 3d 190 x 130 cm 78

ADRIANA ANEIVA GUERRA

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DELGADO RAMIREZ (Badajoz, España 1963)

Afincado en Málaga, Nicolás Delgado Ramírez, manifestó su inclinación hacia las artes a los 14 años, y se formó en la escuela de Artes y Oficios -“Adelardo Covarsí”- de Badajoz. Por diez años pintó prolíficamente y dejó la pintura por razones personales; retomándola en el año 2012. A la fecha, con una agitada agenda artística, formó parte de la Feria Internacional de arte Contemporary Art Ruhr en Essen (Alemania) 2019, la Feria de Arte Internacional de Luxemburgo 2019 y lleva realizadas exposiciones en Portugal y por todo el territorio español. Él define su obra como -“clásica/impresionista”-, debido a su temática realista –que engloba retratos, paisajes, animales-, con la clara huella del pincel en las manchas de color. Su paleta transmite la viveza de la naturaleza o la espiritualidad y el alma de los personajes que elije retratar -especialmente en la expresión de las miradas-. Las texturas de sus piezas nos generan una sensación atmosférica especial adentrándonos en la escena que nos presenta sobre la tela-, dicha sensación nos transmite una especie de alegría y positivismo implícitos en la ejecución, destilando honestidad. El buen manejo de los planos, perspectiva y la impresión estacional de sus pinturas, nos condiciona a recorrer con la mirada cada detalle y cada mancha lograda sobre el lienzo. Crea cada obra con mucha paciencia, poniendo especial atención en los detalles, siempre tratando de cristalizar sus sensaciones y emociones en cada pincelada. Este sentir interior se ve reflejado en sus palabras: -“El arte en la pintura representa un sentimiento único, extraordinario y exclusivo”-. Quiere transmitir emociones con sus obras, esa serenidad y esa paz que tanto caracteriza su creación, siempre positiva y auténtica. El espectador de las piezas de Delgado Ramírez, extrae esta sensibilidad suya y se queda observando cada una de sus obras, disfrutando la armonía, la templanza, la especial tonalidad de sus colores y esas sensaciones que cada uno percibe en su pintura y que él transmite de tan buena y particular manera

Web: www.delgadoramirez.com Instagram: @delgadoramirez_art Facebook: Nicolás A. Delgado Ramírez Página de Facebook: @delgadoramírez63 Email: nicolasd3@hotmail.com

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JesĂşs de Nazaret Ă“leo sobre lienzo 81 x 65 cm

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Efecto floral Óleo sobre lienzo 81 x 100 cm

Piedras en la playa de Huelín, Málaga Óleo sobre lienzo 81 x 100 cm 82

ADRIANA ANEIVA GUERRA

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ESTHER TENEDOR (Caldes de Montbui, Barcelona 1969)

Con una formación en diseño de ropa, grabado, escultura, joyería y pintura, Esther es una artista con un amplio recorrido en las diferentes técnicas artísticas. Cuenta con diez exposiciones individuales en España; más de 70 exposiciones colectivas entre España, Italia y China; además de premios y reconocimientos a nivel europeo a su trabajo artístico. Asimismo su obra se encuentra en colecciones de importantes instituciones y universidades en ciudades como Barcelona, Cádiz, Valencia, Galicia, Winchester, Roma e incluso en el Vaticano. En su amplia trayectoria creativa, destaca una primera etapa surrealista, donde tuvo influencias de la pintura de Dalí, el cine de Buñuel, la arquitectura de Gaudí y la poesía de Lorca. A la fecha su obra se centra en la estética del Realismo Mágico, con la mujer y la femineidad como temáticas principales. Su trabajo reivindica a la figura femenina y su importancia. Además se centra en su relevancia en la sociedad y la cultura, mostrando féminas y elementos que emanan fuerza pero a la vez tranquilidad, producto de una pesquisa por encontrar la belleza y lo apacible. Sus esculturas de bronce y metal rompen con la rigidez de sus materiales y están llenas de movimiento, marcado por sinuosas y onduladas líneas –herencia de su formación como diseñadora de moda-, acompañadas de una estética primitivista –la cual nos remite fácilmente a la escultura africana- y en muchas piezas, de una textura que muestra los rastros del modelado bruto en arcilla, a la manera de Giacometti. Su pintura, con un claro toque impresionista, es una continuación de esta estética llena de gráciles curvas y la exaltación de lo femenil; con figuras que muchas veces rozan lo abstracto, fundiéndose con fondos y tonos de color en degrade. Al pintar siente paz y la alegría de poder comunicarse a través del idioma universal que significa el arte; busca que el espectador se pueda conectar con ese mensaje; se reconforte y se sienta bien.

Web: www.esthertenedor.com Email: et-69@hotmail.com

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Serenidad Terracota con pรกtinas y base de hierro 57 x 30 x 25 cm

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Cรกlidos ร leo sobre lienzo 146 x 114 cm

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ADRIANA ANEIVA GUERRA

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JUAN FRANCISCO GALLEGO (Madrid, España 1975)

Juan Francisco es profesor de Lengua y Literatura Castellana y con estudios en poesía y arte contemporáneos. Viene desarrollando diferentes proyectos educativos en la Comunidad de Madrid, que intentan acercan a los jóvenes al arte contemporáneo. Como artista plástico fundó el colectivo artístico “MARGEN 16: Estudio Abierto” El artista crea un diálogo entre la poesía y el ámbito plástico, nombrando a sus obras “poemas visuales”, ya que estructura sus obras como estructuraría un poema. Con un trabajo abstracto geométrico, que nos podría remitir a Kandinsky o a Joan Miró en alguna pieza, el artista crea una atmósfera ordenada dentro del caos. Las obras tienen equilibrio en las formas, junto a la tensión que proporciona la relación entre los diferentes colores y las sutiles fugas arquitectónicas. Con piezas marcando perspectiva y profundidad en medio de su particular universo, las líneas, el color y la gestualidad de sus primeros planos forman masas expansivas o centrífugas que parecen salirse del cuadro y tratan sobre la tensión entre el dibujo y el color. Juan Francisco pretende mostrar una serie de metáforas donde los recuerdos, sensaciones y experiencias vívidas se articulan en una tormenta estética, mostrándonos el íntimo mundo del artista con una cadencia especial; o cómo él diría: “Quiero que mi obra manifieste una fuerza que se arraigue principalmente en el ritmo, en su manejo para lograr un efecto sugestivo. Creo que esa sugestión empieza cuando la pintura, digerida por los espectadores, desencadena una suerte de fuerzas anímicas que emiten unos efectos de los que no pueden escapar, aunque no se comprendan del todo. Esas sugestiones derivan del poder sensible del color, de las formas y su articulación rítmica. Por tanto, lo que pretendo, en definitiva, es operar sobre el objeto artístico y buscar la realidad profunda de esa abstracción que se esconde tras su apariencia”

Instagram: @nortedecespedes Email: nortedecespedes@hotmail.com

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Alzado de Ruina AcrĂ­lico, gesso y pigmento sobre dibond 137 x 94 cm

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Reivindicación de la caída Acrílico, óleo, pastel y carboncillo sobre algodón tratado 200 x 165 cm

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ADRIANA ANEIVA GUERRA

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KNORKE LEAF (La Paz, Bolivia 1985)

Knorke tiene formación académica en Bellas Artes con especialidad en Grabado en la Universidad Mayor de San Andrés (UMSA) en La Paz, Bolivia. Se especializó en Arte Urbano, Muralismo e Ilustración artística, cuenta en su palmarés haber participado en intervenciones, premios, competiciones, bienales y festivales en Bolivia, Brasil, Argentina; Perú, Chile, Estados Unidos; Nicaragua, Francia, Italia; Alemania, Dinamarca, Japón; Canadá, Paraguay y Sudáfrica; ganando rápido reconocimiento a nivel internacional. Fue la directora creativa, diseñadora y ejecutora del primer Macro Mural de Bolivia en la ciudad de La Paz (proyecto social de 18.000 mts2), llamado El Qhathu (El Mercado) en el Barrio de Chualluma y participó en las ilustraciones del disco de Maguín Díaz “El Orisha de la Rosa”, con nominaciones en los Latin Grammy Awards del año 2017. Con un trabajo comprometido con la conciencia social, los saberes indígenas, el feminismo, la sensibilización y concienciación ambiental, Knorke es la primera artista gráfica urbana transdisciplinaria femenina de Bolivia. Con una obra con aire realista-mágico, su pintura mural y sus ilustraciones muestran una crítica al sistema establecido, una llamada al cambio y a la reflexión; una resistencia canalizada en una explosión creativa. En medio de un festival de colores sugestivos y llamativos, las definidas formas y cuidadas líneas de su trabajo muestran personajes antropomorfos con miradas inocentes y animales con miradas desafiantes, como un recordatorio de que todos pertenecemos y respondemos a una sola entidad, a un núcleo. Se pueden ver en sus piezas patrones y simbología indígenas, homenajes a la naturaleza y una sublime exaltación de la empatía. Cuando Knorke pinta, siente inmensa emoción, alegría y una sensación de autodeterminación o libertad, buscando expresar -como ella declara- “desobediencia, vida y resiliencia”. A la hora de pintar murales, disfruta especialmente el proceso de interactuar con la gente y entender sus percepciones al ver como una nueva obra “nace” en las calles.

Instagram: @knorke_leaf Facebook: Knorke Leaf Email: leafknorke@gmail.com

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Libertad Spray sobre muro 10.000 x 600 cm

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Kausay (océano de energía) Spray acrílico y lentejuelas sobre muro 100 x 300 cm

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ADRIANA ANEIVA GUERRA

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SHARON PÉREZ (La Paz, Bolivia 1989)

Sharon Pérez Sillerico es una artista plástica y diseñadora gráfica afroboliviana. Realizó su Licenciatura en la Carrera de Artes en la Universidad de San Andrés (UMSA) y fue becaria del programa de inglés “Martin Luther King” de la Embajada de los Estados Unidos en Bolivia (2010). Realizó un diplomado en curaduría de Arte en la Universidad Nuestra Señora de La Paz y también un diplomado en violencias estructurales en la Universidad Salesiana de La Paz; actualmente cursa un posgrado de especialización en Estudios Afrolatinoamericanos y Caribeños en la red CLACSO. Durante los últimos años ha realizado exposiciones individuales y colectivas en Bolivia. Sharon promueve los derechos del pueblo afroboliviano; con intervenciones sobre muebles, puertas, ventanas y retratos sobre metal. Su trabajo busca resignificar elementos encontrados mediante retratos de gente afro, creando analogías entre la historia afroboliviana y la revalorización de sus derechos y su cultura. Esta metáfora sobre la transformación y la visibilización, pretende también remitirnos a la histórica diáspora africana hacia las Américas, ya que, al utilizar puertas y ventanas, simboliza entradas a nuevos paradigmas, a nuevas ideas. Su patrón estético y protagónico es la anatomía realista, así como fuertes contrastes claroscuros, acompañados por vestimentas de bailes folclóricos “afros” que muestran su identidad y herencia cultural. Haciendo un análisis crítico sobre la violencia estructural histórica y rescatando y revalorizando las tradiciones culturales afrobolivianas y afroamericanas en conjunción con el ancestralismo precolombino, su obra se encarga de observar de adentro hacia afuera, convirtiéndose en una sublime e introspectiva búsqueda para construir su identidad.

Instagram: @afrobolivianart Facebook:: Sharon Pérez Artista Plástica Email: sharondisart7@gmail.com

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Ajayu AcrĂ­lico y pastel sobre metal 170 x 125 cm

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Musa AcrĂ­lico y pastel sobre metal 90 x 40 cm

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ADRIANA ANEIVA GUERRA

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MAURICIO SUÁREZ (Celaya, Guanajuato, México 1990)

De la mano de la maestra Constanza Camberos Othón, Mauricio comenzó su formación como pintor y dibujante en la carrera de Diseño Industrial, cursada en la Universidad Autónoma de Guadalajara; y continuando con su desarrollo académico, participó en el curso de Pintura y Diseño de la Academia de Artel AD’A 3 en la ciudad de Florencia, Italia, con los maestros Sonia De Franceschi y Julia Wakabayashi; este curso le ayudó a expandir sus horizontes estéticos y fue determinante para su futuro desarrollo artístico. Convivir con la condición de estrabismo y sufrir diversas operaciones de la vista desde niño, han marcado su vida y obra en una forma singular. Su inspiración proviene de la empatía y conexión con su abuelo Marco Esquivia s, quien al sufrir de ceguera, también posee una especial percepción de la vida. Estas circunstancias llevaron al artista a crear una obra que refleja de manera inmediata sus sentimientos, con intensos contrastes y un violento dinamismo, con pinceladas expresivas, gestuales y una atmosfera lóbrega. El artista considera que su obra también obedece a una sensibilidad hacia la energía que le transmiten las demás personas, la cual lo lleva a percibir los detalles de la gente que lo rodea; convirtiéndolos en una gran fuente creadora para su desarrollo pictórico.

Instagram: @mauriciosuareze Web: www.mauriciosuareze.tumblr.com Email: mauriciosuarez10@gmail.com

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Nacimiento Ă“leo sobre tela en madera 140 x 110 cm

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Son como son Ă“leo sobre tela en madera 140 x 110 cm

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ADRIANA ANEIVA GUERRA

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RUTH UNTORIA (Madrid, España 1981)

Atraída por el Arte y la Belleza con la que está creada La Existencia y La Naturaleza en cada uno de sus detalles, decide enfocar su vida a formar parte de esa armonía y equilibrio con la creación que procede de lo no visible y se hace materia a través de sus manos. Durante el 2017 y 2018 ha estado trabajando en esta obra onírica, “El verdadero sendero del corazón” en donde se unen el Medio Mundo (mundo de la materia) y el Mundo Entero (unión del mundo material y el espiritual). Ha señalado hacia algo más allá y más acá de las apariencias. Algo que se puede representar a veces como trascendiendo totalmente este mundo y otras simplemente iluminándolo y haciéndonoslo visible por primera vez. Se puede observar como materializa la grandeza y fuerza de sus visiones, sueños y conceptos expresivos, que se ven clarificados en la expresión y uso del color, de la imagen, de la magia, de una realidad que va más allá de la imaginación para convertirse en un elenco de transmisión, emociones y preguntas al que observa dejando de ser el observador para adentrarse en la obra y formar parte de esa misma experiencia. La presencia de símbolos, conjunto dispar de clásico conocido y sueños, junto con una memoria desgarrada interna de algo perdido, se superponen e interactúan en el color de la tela que parecen coincidir para emerger y dejar grabado en el subconsciente del que lo observa algo no conocido, para integrarlo sin conceptos establecidos y compartir dicha realidad creando una nueva memoria colectiva de belleza y conocimiento mágico. Uno de los aspectos que destaca es la manera de entender la forma con el fondo en cohesión con la naturaleza y los seres que habitan en ella.

Web: www.ruthuntoria.com Instagram: @ruth_untoria Email: cieloytierra_niusta@hotmail.com

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Ayer, HOY, mañana Óleo sobre lienzo 162 x 114 cm

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Sobre el ocĂŠano Ă“leo sobre lienzo 114 x 162 cm

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ADRIANA ANEIVA GUERRA

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ADRIANA LA BOLIVIANA (La Paz, Bolivia 1995)

Con aptitudes artísticas desde pequeña, Adriana salió de Bolivia muy joven para estudiar Publicidad y Diseño Gráfico en Estados Unidos, en The Savannah College of Art and Design, lo cual fue determinante para ampliar sus horizontes y abrir su mentalidad a nuevos paradigmas. En Estados Unidos trabajó como User Experience Designer, con lo cual comprendería el sentido artístico de lo cotidiano, ya que debía entender el comportamiento humano en relación con proyectos y crear experiencias interactivas. Exploró los diferentes enfoques para resolver un problema específico; lo que le permitió ejercitar su músculo creativo. Con una obra multifacética, una parte de su trabajo comprendió una visión exploratoria sobre las diferencias de las diversas culturas, empleando materiales experimentales y haciendo uso de instalaciones con colores vibrantes. Logró así plasmar el sentido artístico y trascendental de lo momentáneo, de lo simple, de lo cotidiano. Esta búsqueda implacable por la sencillez y la simplicidad de la vida la llevó a simplificar su temática pictórica hasta llegar a la inocencia, a esa candidez llena de ternura pueril, tan propia de los infantes. Al conocer el proceso conceptual que sufrió su obra, desde la complejidad multicultural hasta la inmediatez de una imagen simplificada; la ternura y el discurso subyacente de sus piezas nos transportan mentalmente a crear una analogía con las filosofías orientales, las cuales nos enuncian nociones antinómicas como el “perderse para encontrarse” o “vaciar el alma para llenarla”; llevándonos finalmente al convencimiento de que, en lo simple se puede encontrar lo complejo; al igual que el significado velado de lo cotidiano.

Web: www.adrianalaboliviana.com Instagram: @adrianalaboliviana Email: adrianalaboliviana@gmail.com

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From broken hearts to heart breakers Instalaciรณn 600 x 300 x 300 cm 109

QMANTASIร ANI Instalaciรณn 300 x 400 x 280 cm

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ADRIANA ANEIVA GUERRA

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LI BLANCO (La Paz, Bolivia 1980)

Li Blanco se destacó desde la niñez en el dibujo y la pintura. En su juventud fue aceptada como discípula del artista y ceramista, Ricardo Thompson Uriona en el “Estudio Cerámico Valle de la Luna” en La Paz, Bolivia. Posteriormente cursó estudios de Bellas Artes en la Academia Nacional de Bellas Artes (ANBA) y Diseño Gráfico en la Universidad Mayor de San Andrés (UMSA) en La Paz. Su carrera artística se compone de diversas muestras individuales y colectivas a lo largo y ancho de Bolivia, mostrando dibujos, pinturas, esculturas y murales. Su obra tiene como principales temáticas a la anatomía, la mujer y la cotidianeidad; siempre con un tinte social, tomando colores típicos de la paleta andina y siguiendo una línea surrealista fantástica, llena de escenas costumbristas, dando un toque místico y etéreo a las piezas en sus degradados de tono, texturas que se esfuman y su armonía en el color. Como toda artista comprometida totalmente con la sentimentalidad visiva de su obra, Blanco es un libro abierto en su expresión artística, plasmando, como ella diría: “sus emociones, sentimientos, anhelos y sucesos cotidianos de su vida”. Sus obras nos remiten poéticamente a la vida cándida y nostálgica, propia de las zonas campestres de los Andes bolivianos. Cuando pinta, Li dice experimentar una “sensación trascendental, un desdoblamiento fundido en la inspiración, una libertad especial”; conceptos que nos ayudan a entender las líneas onduladas y el aire místico de sus obras.

Facebook: Li Blanco Email: aidilblanco@hotmail.com

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Entretejiendo melodĂ­as Ă“leo sobre tela 80 x 120 cm

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Bailarines Acuarela sobre papel 47 x 67 cm

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ELENA KRASNOVA (Chishinau, Moldavia 1971)

Oriunda de Moldavia y naturalizada rusa, Elena tuvo interés hacia el arte desde muy temprana edad. Después de recibir educación en Diseño gráfico, realizó la carrera de Enseñanza en Bellas Artes en la Universidad Pedagógica de Poltava, en Ucrania; para finalmente establecerse en Madrid, donde desempeña la labor de artista profesional y profesora de pintura y artes. Ha participado en diversas exposiciones en Madrid, Berlín y Hamburgo; su labor artística se especializa en la pintura y el dibujo. Con un gran dominio de las diferentes técnicas pictóricas, su obra es una continua investigación, pasando por el lápiz, el pastel y el óleo. Su estilo figurativo mezcla el realismo con gráciles pinceladas impresionistas; buscando siempre un aire que denote belleza, encanto y elegancia. En sus obras se pueden encontrar temáticas anatómicas, florales y paisajes con una apostura noble y calmada. Elena nos revela que busca constantemente nuevas experiencias y nuevas técnicas, en una incansable pesquisa estética y sentimental. En medio de este proceso, experimenta una felicidad cuando se pierde en las formas, en los colores y se funde con la psicología de su modelo a retratar. Busca expresar la vida en sí misma con sus señoriales piezas. Esa idílica idea la atrae enormemente: como parte de esta poética y como un ritual muy personal, suele pasearse por el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza en Madrid, en busca del retrato del holandés Rembrandt para contemplar su calidad, o como diría la propia artista: “admirar su maestría de expresar la vida”.

Instagram: @alionarte Email: elena_kras@hotmail.com

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Nefertiti de Nigeria Medidas 55 x 33 cm Ă“leo sobre lienzo 117

Anastasia 60 x 50 cm Ă“leo sobre lienzo

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TERESA V.S. (Madrid, España 1965)

Teresa Valcárcel se formó como diseñadora de moda, estilista y patronista. Tuvo siempre presente una inclinación natural y una fascinación por las artes, que decidió unir con su otra pasión: la moda. Su pintura tiene un contexto y una presentación diferentes y atrevidos. Con una filosofía pop muy urbana, traslada las pinturas de algunos de los más grandes maestros de la historiad del arte, a ser parte de la contemporaneidad de una manera completamente irreverente en chaquetas de cuero. Mediante interpretaciones de las icónicas pinturas de artistas como Klimt, Caravaggio o Da Vinci, Teresa transforma su sentido original, agregándole un toque kitsh, con un aire que exalta la libertad estética contemporánea. Su trabajo no solo está centrado en trasladar piezas maestras a transitar por las calles, sino también a resignificar el sentido mismo de “usar” arte en la ropa. En un mundo donde estamos acostumbrados al uso de arte urbano en las prendas de vestir; el ver ropajes convertidos en piezas únicas, pintadas al óleo y presentando renombradas escenas clásicas de la historia del arte, tienen una lectura y un simbolismo especiales. Las palabras de Caravaggio “No deben sólo mirar mis cuadros, no deben sólo contemplarlos, deben sentirlos” toman sentido literal más que nunca con la obra de Teresa, que se volvió parte de la vida diaria de sus coleccionistas. Movida por esta particular combinación de arte y textil, crea la marca y la boutique “Holy Guns”, en el castizo barrio de La Latina, en Madrid, combinando una vez más lo histórico con lo actual. Su trabajo figurativo-realista muestra un dedicado uso en lo claroscuro, la expresión, la anatomía y las paletas renacentistas, manieristas o simbolistas. Sorprende cómo capta el realismo psicológico de Caravaggio, la intensidad en la paleta de dorados de Klimt y el dominio de las técnicas compositivas al representar escenas renacentistas. Teresa pinta con paciencia y con pasión, sintiendo al arte como su razón de ser, como el único camino posible.

Web: www.holyguns.es Instagram: @holyguns_store Email: teresa@holyguns.es

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Metamorfosis Ă“leo sobre cuero Medidas variables 121

Holofernes Ă“leo sobre cuero Medidas variables 122

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ARIEL CAMINO (El Alto, Bolivia 1988)

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Mayor de San Andrés (U.M.S.A.) en La Paz, Bolivia, Juan Ariel Camino Aparicio es un apasionado por su profesión, quien se considera a sí mismo como un observador crítico respecto a la sociedad actual y desea aportar con su creatividad a su entorno. Ha tenido diversas participaciones en exposiciones colectivas y varios premios en Bolivia por su labor artística. Su obra surrealista tiene un toque tenebrista, que revela una crítica y un desafío a diversos aspectos del ser humano y su papel histórico; por defecto, la sociedad, la religión y las costumbres tienen gran peso en su obra, la cual se compone de alegorías y referencias a lugares y hechos históricos, todas ellas con una fuerte carga metafórica, que nos lleva inmediatamente a la reflexión y a la observación de nuestro contexto contemporáneo. Su creación presenta un gran manejo técnico de la anatomía humana y los puntos de fuga, logrando atractivas perspectivas y una gran sensación de profundidad. El punto fuerte de su trabajo artístico es el dibujo, el cual suele constar de líneas delgadas, que enmarcan las figuras y las composiciones con suaves y cuidados tratamientos a lápiz, especialmente en las superficies, sombras y texturas, dando una sensación de levedad, que contrasta de especial manera con el toque lóbrego de sus dibujos. Asimismo, sus figuras parecen flotar, ya que los fondos de sus obras suelen ser límpidos, aprovechando el color y la textura del papel, su soporte habitual. Ariel siente paz interior extrapolando sus sentimientos y su percepción del mundo en su obra, siempre con el propósito de llegar a la introspección y ponderación del contexto existencial en el público. Esta investigación y cuestionamiento de las máximas socio-históricas constituyen la culminación del proceso creativo para él.

Página de Facebook: Ariel Camino – El Turco Email: turcobot4@gmail.com

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El decĂĄlogo de Mefisto BolĂ­grafo y grafito sobre papel 100 x 70 cm 125

La sĂŠptima palabra Grafito y pastel sobre papel 100 x 70 cm 126

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JATUN JUK´UCHA (Tarija, Bolivia 1988)

Silvia Eugenia Álvarez Araníbar, desarrolla su arte bajo el seudónimo de Jatun juk´ucha (“Rata” en el idioma nativo boliviano Quechua), producto de la unión mística e identificación con este animal sojuzgado, que da lugar a una analogía reivindicatoria de la sensibilidad y el talento de este ser y de la artista. Este lineamiento, junto con una serie de tragedias personales, al igual que la convivencia diaria con diversas condiciones mentales-médicas personales, marcó de gran manera la vida y la producción artística de Jatun. Tuvo inclinación hacia las artes desde temprana edad; a los once años comenzó a formarse en la Escuela de Bellas Artes en Tarija, Bolivia. También pasó por la Academia Nacional de Bellas Artes y la facultad de Bellas Artes de la Universidad Mayor de San Andrés (UMSA), ambas en La Paz, Bolivia. Ganó los primeros premios del Salón Anual de Artes de la UMSA, tanto en la especialidad de grabado como en cerámica. En el año 2018 fundó en La Paz el espacio cultural Awarmatu (“rosa” en Quechua), en honor a su difunta abuela Rosa, quien fue la persona que inculcó el gusto por las artes en Jatun. Este espacio tiene una labor experimental artística con enfoque de conciencia animalista mediante la creatividad. Tiene una obra onírica, que linda entre el Realismo mágico y el Surrealismo, con formas quiméricas y figuras humanas imposibles, delatando la influencia de artistas como el cubano Roberto Fabelo o la inglesa Leonora Carrington. Sus composiciones, en su mayoría grabados y dibujos, suelen ser monocromas, con fondos vagos o neutros, combinadas con tenebrosas figuras realizadas con líneas delgadas y delicadas, que en repetición continua sobre el papel forman volúmenes. Sus temáticas invitan al análisis profundo, removiendo las fibras sensibles e incómodas del carácter, ya que sus piezas están llenas de mensajes ocultos, evocaciones filosóficas, señales muy íntimas de la artista e intensas cargas emotivas y psicológicas. Siente euforia y libertad al crear, al tratarse de un momento intenso y muy personal. Entre la tormenta creativa que envuelve a Jatun, logra comunicar de potente manera sus ideas con sus creaciones, las cuales suelen envolver al público en profundas cavilaciones.

Instagram: @jatunjukucha Email: jatunjukucha@gmail.com

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PolitiquĂ­tos Grabado sobre papel 40 x 32 cm 129

Inadaptado Tinta sobre papel 64 x 49 cm 130

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MLOU (Zaragoza, España 1956)

Criada en Suiza, María Luisa Pérez Guio volvió a España hace diez años para comenzar una inesperada pero anhelada carrera artística, bajo el pseudónimo de “MLou”. Aunque pintar siempre fue su deseo, fue finalmente en el pueblo de Castelnou (Teruel, España), donde comenzó a formarse en la pintura y empezó una profunda relación con el acrílico. Comenzó por el realismo, pero terminó decantándose por un estilo expresionista abstracto, que descubriría de una manera especial: “paseando a mis perros quise reproducir el orden desordenado de la naturaleza y ponerlo en colores...y comencé…” Sin conocimiento previo de la obra del norteamericano Jackson Pollock, MLou inició un intenso período pictórico, en el cual hace uso del dripping o action painting, derramando pintura por la superficie del lienzo, con un estilo lleno de dinamismo y potencia, transmitiendo movimiento y velocidad, con el fin de plasmar ese “orden desordenado” que percibió en sus paseos por el campo. Otra particularidad es que, los títulos de sus obras suelen ser numéricos, de la misma manera que los títulos de las pinturas de Pollock. El recorrido visual en las piezas de Mlou, lleva nuestra mirada de arriba hacia abajo o de izquierda a derecha indistintamente, revelando lentamente cierta estructura formada por diversos patrones, los cuales, aunque disfrazados de un aparente caos inicial, finalmente disipan el desconcierto y dan lugar a un universo íntimo y personal. Después de comenzar a enseñar su obra, inmediatamente llamó la atención de coleccionistas y comenzó a exponer en Suiza, Francia y por toda España; seguido de una serie de publicaciones y entrevistas en revistas, periódicos y televisión. A la fecha cuenta con dos publicaciones en el diccionario de arte “Galarte” y “Mujeres con arte en el siglo XXI”. Mlou pinta obedeciendo a su imperiosa necesidad de expresar su particular visión del mundo que la rodea; y espera que el espectador perciba esa simbiosis dicotómica que significa en sí misma la naturaleza.

Facebook: Mlou Gallery Email: mlougallery@gmail.com

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513 AcrĂ­lico sobre tela 50 x 70 cm

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521 AcrĂ­lico sobre tela 97 x 116 cm

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MANUEL DE HUESO (Granada, España 1956)

Su entorno familiar artístico fue determinante para definir su forma de ver la vida. Artista desde niño, comenzó su carrera pictórica con 14 años, presentando dos años después su primera muestra individual. Estudió en la Facultad de Bellas Artes Alonso Cano (Granada), Bellas Artes y Derecho en la Universidad Complutense de Madrid y prosa poética. Es un experto conferenciante y cuenta con más de 30 exposiciones en España e internacionales, siendo la más reciente (octubre de 2019) la Bienal Internacional del Museo De Arte Contemporáneo de Melilla, patrocinada por la UNESCO y con Manuel como ponente y artista expositor. Sus obras se exponen en importantes museos y ya recibido diferentes premios y reconocimientos como ser la Medalla de plata de la ciudad de Puerto Llano o el Arcón de Oro, Arte y Gastronomía, entre otros. Su trabajo tuvo un claro entronque dentro del contexto histórico de España durante la dictadura de Francisco Franco, ejerciendo una posición como objetor de conciencia, con obras rebeldes en su concepto y mensaje, que lo llevaron a enfrentar censura y prisión. A finales de la década de 1970 la censura oprimía a artistas, escritores y periodistas. Manuel se alió al grupo lírico creador “Poesía 70”, nacido en su natal Albaicín, para abrir caminos de expresión por España. Su estilo pictórico tiene una relación intrínseca con lo matérico y lo ancestral. Las texturas y las técnicas mixtas sobre insospechados soportes dominan su obra, mayormente abstracta y regida por paletas de colores quebrados, cargadas de reflexiones históricas, instando a un carácter reaccionario y crítico. Su obra busca caminos no transitados por el arte, pero con una formación desde el respeto al dibujo e instrucción académica. Manuel ve el arte “como un acto de creación que dignifica al ser humano, elevándolo a un nivel muy superior” y ve al artista como un portavoz, que, a la par de sensibilizar su ética, imparte buenos y positivos augurios, que sirven a la mejora de la sociedad. Su poética y profunda visión del arte llega al público al ver sus creaciones, enfrentándolos con su realidad.

Web: www.manueldehueso.webnode.es Facebook: Manuel de Hueso Email: vidaynaturaleza4026@gmail.com

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Simbiosis en el espejo de agua y plata TĂŠcnica mixta sobre lienzo 105 x 105 cm

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Rizomas, colaboración orgánica Técnica mixta sobre lienzo 100 x 150 cm

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