DESDE 1993 No. 366 / NOVIEMBRE / 2024
Con esta nueva exposición, Macedo Hernández consolida su posición como una figura de atención del arte contemporáneo en el Perú, imprescindible para quienes buscan entender la evolución y la expresión del arte actual en el país.
San Cristóbal
VI Individual
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CONTENIDO
Nº 366 - NOVIEMBRE / 2024
01
Nuestra carátula / RENAN CEPEDA / Fotografía 02
EDGAR MACEDO / Pintura / Canal Museal 06
ELINA BROTHERUS / “Reglas de Juego” / Fotografía y Video / CC PUCP 16
ROSAMAR CORCUERA / Cerámica / Entrevista 20
GEORGES CRIBLEZ / “Resonancias” / Ecos en papel vivo / Museo Amano 28
PEDRO EGOAVIL / Entrevista / Pintura
36
RENAN CEPEDA / “Bucólica” / Entrevista / Fotografía
44
ORQUESTA SINFÓNICA DE LA UNM / “La Araucana” de JOSÉ BERNARDO ALCEDO/ Concierto
48
Datos para artistas y aficionados del arte
49
MIGUEL ÁNGEL VELIT / Escultura
50
ELINA BROTHERUS/ Fotografía / CC PUCP
Director: David Aguilar Carvajal / Director emérito: Merlín Marrau
Página web y tejidos en redes: Lucía Aguilar Valdizán
Colaboradores: Marilena Cane, Federico Cisneros, Guillermo Ayala, Gonzalo Aguilar Valdizán, Ana María Urrutia
Consejo de inspiración supra dimensional: Leopoldo La Rosa, César Bolaños, Edgar Valcárcel, A. Guevara Ochoa, Ricardo Morales S.J., Giuseppe Bellini, Mauro Acuña García, F. De Szyszlo, Eduardo Moll, Guido Del Castillo
Derechos reservados. davidaguilar.guiadearte@gmail.com www.guiadeartelima.org / Depósito legal: 2004-5009
DAVID AGUILAR / Director
Apreciadas/os suscriptoras(es):
En esta edición No. 366, presentamos en nuestra carátula, una obra del premiado fotógrafo brasileño RENAN CEPEDA. EDGAR MACEDO, es un joven pintor del que compartimos dos de sus buenas propuestas. ELINA BROTHERUS, es una aclamada artista visual finlandesa, cuya exposición estará abierta hasta el 31 de enero del 2025, en el CC PUCP. Entrevistamos al paso, a ROSAMAR CORCUERA, quien regresa de una apretada agenda en Cuba, España, y ahora, en la Bienal de Trujillo. GEORGES CRIBLEZ, estrena 9na. exposición individual titulada “Resonancias”, en el Museo Amano. Conversamos con el pintor PEDRO EGOAVIL , quien regresa de exitosa muestra en Arequipa. El escultor MIGUEL ÁNGEL VELIT, acaba de rendir tributo a la ciudad de Chincha, con una escultura que cohabita ya en una de sus calles. La Orq. Sinfónica de la Universidad Nacional de Música, distinguió como profesor honorario al maestro Wilfredo Tarazona. Finalmente, les recordamos que en Arte: ¡Siempre lo mejor, es bueno!
David Aguilar / Director GAL
BROTHERUS / “Fill with own imagination”
“REGLAS DE JUEGO”
Curaduría : JUAN CURTO, MINNA GALERÍA DEL CC PUCP / Hasta
/ Fotografía y video
domingo 31 de enero de 2025
El Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica, en el marco de su 30 aniversario, junto a la Fundación BBVA y en coorganización con la Embajada de Finlandia en el Perú, presentan la exposición
Elina Brotherus: Reglas de juego, bajo la curaduría de Juan Curto, Minna Luoma y Ana Osorio.
Esta exposición de fotografía y video, muestra la obra de Elina Brotherus, una de las artistas visuales más aclamadas e influyentes en Europa
en la actualidad y que por primera vez la tendremos en nuestra ciudad y en toda Latinoamérica.
La exposición explora la identidad femenina a través del autorretrato, no desde el narcisismo, sino desde la generosidad de mostrarse al desnudo moral y físicamente.
La muestra estará abierta al público de manera gratuita hasta el domingo 31 de enero de 2025, de lunes a domingo de 10:00 a.m. a 10:00 p.m. en la Galería del Centro Cultural PUCP, ubicada en avenida Camino Real 1075 en San Isidro.
La exposición contará con más de 70 piezas a modo de antología representando diversos periodos de su obra desde los años 90 hasta la actualidad.
En el montaje se plantean tres ejes temáticos: autobiografía y representación de la mujer en la fotografía contemporánea, la artista y el personaje en su entorno, y arquitectura y figura. El primero, gira sobre el carácter decididamente feminista en la obra de Brotherus y la reivindicación
del papel de la mujer en el arte y en la sociedad. El segundo, sobre su trabajo investigando la historia del arte y la práctica de los artistas que la han precedido, desde el apropiacionismo como herramienta. El tercero y último, nos muestra su relación con la arquitectura y el arquitecto como autor, con su propia presencia articulando el espacio. Como nos menciona Juan Curto, Director de la galería Cámara Oscura de Madrid y uno de los curadores de la muestra, “precisamente un artista tiene éxito cuando logra esa conexión tan especial con el observador, ese pequeño destello de emoción o epifanía en que yo soy tú y tú eres yo”, y Brotherus lo logra con creces.
Elina Brotherus (Helsinki, Finlandia, 1972) Es una de las artistas contemporáneas más reconocidas e influyentes. Su trabajo en fotografía y video ha ido alternando enfoques autobiográficos e históricos del arte. Sus primeras series sobre experiencias subjetivas dieron paso a obras que tratan la figura humana y el paisaje, la relación entre el artista y el modelo. En su práctica actual, está revisando las
partituras de eventos de Fluxus y otras instrucciones escritas para el arte orientado a la performance de los años 50 y 70. Otro tema reciente es la arquitectura: Brotherus fotografía casas privadas diseñadas por arquitectos importantes, asumiendo roles de varios personajes imaginarios. Su presencia tranquila insufla vida a estos espacios icónicos del patrimonio arquitectónico.
Elina Brotherus vive y trabaja
Sunflowers) / 70 x 96 cm _ 80 x 110 cm. / 2016
en Helsinki, Finlandia y Avallon, Francia. Tiene una maestría en Fotografía de la Universidad de Arte y Diseño de Helsinki (ahora Universidad Aalto) y una maestría en Química de la Universidad de Helsinki. Comenzó a exponer internacionalmente en 1997. Sus obras se encuentran en colecciones públicas que incluyen el Centro Pompidou de París, el Museo de Arte Contemporáneo Kiasma de Helsinki, el Moderna Museet de Estocolmo, el Museo
Folkwang de Essen, Museum of Fine Arts of Houston, entre otros por nombrar algunos.
Jueves 21 de noviembre | 5:00 p.m. | Ingreso libre. Capacidad limitada.
A cargo de Carlo Trivelli (curador independiente y periodista cultural)
Jueves 5 de diciembre | 5:00 p.m. | Ingreso libre. Capacidad limitada.
A cargo de Ana Osorio (curadora)
Jueves 12 de diciembre | 5:00 p.m. | Ingreso libre. Capacidad limitada.
A cargo de Ana Osorio (curadora)
Lamp / 120 x 90 cm / 2019
Es una de las artistas peruanas contemporáneas más talentosas, ha creado un universo artístico propio lleno de belleza, originalidad y misterio.
Se inspira en el arte tradicional peruano, en sus mitos, sus leyendas, sus ritos, sus raíces ancestrales.
Su obra podría surgir de las profundidades marinas, de los lagos andinos, de los ríos amazónicos. Un mundo paralelo habitado por mascarones de proa, deidades marinas, ángeles fugados del cielo, máscaras guardianas, caracolas humanas, etc.
Realza en su trabajo, el valor de lo femenino, ya que la mujer, es un elemento que siempre retrata; sirenas, mujeres montaña, mujeres maíz, espíritus de plantas mágicas personificados con rostros.
DAVID AGUILAR: ¿Consideras que tu propuesta creativa ha sido alimentada por la mirada mágica de la poesía de tu padre?
ROSAMAR CORCUERA: Sí, claro que sí, yo me he alimentado e inspirado mucho en la poesía de mi padre.
D.A: ¿Cuál es tu personaje más querido que has creado?
R.C. Yo considero que a veces uno tiene mayor cariño por algunos. En mi caso, hay uno en especial, que es un mascarón de proa. Fue el primero que hice, inspirado en la poesía de Pablo Neruda.
D.A: ¿Alguno de tus personajes te ha inspirado temor?
R.C. Más que temor, alguno me ha sorprendido. Tengo una serie de máscaras que hice cuando tenía 26, 27 años. Son muy fuertes; una, en particular, es un hombre gritando, es una máscara guardiana.
D.A: ¿Cómo definirías tu estética?
R.C. Siempre me hago esa pregunta. En realidad, creo que hay un lenguaje personal que ha ido definiéndose con el tiempo, como que es representativo de mi obra.
D.A: ¿Cómo percibes el desarrollo de la cerámica en nuestra ciudad?
R.C. El desarrollo de la cerámica en Lima, ha ido creciendo muchísimo, cada vez somos más ceramistas. También existe una feria de ceramistas, y cada vez hay más talleres donde uno puede aprender. Lo que nos falta es una escuela nacional de cerámica.
D.A: ¿Cómo fue tu agenda en Cuba, cómo será la de Madrid
y luego qué viene?
R.C. Estoy yendo, a fines de noviembre a Madrid, para hacer una pieza de barro en el escenario, junto al grupo colombiano Terciopelados. No hace mucho he regresado de Cuba, donde presenté el Noé Delirante, por sus 60 años, editado por La Casa de las Américas. Estuve también pintando un mural, en homenaje a la poesía de mi padre. En diciembre, participaré en la Bienal de Trujillo.
D.A: En dos palabras, ¿qué significan Chaclacayo y Barranco para ti?
R.C. Chaclacayo: soledad y creación. Barranco: el mar y el Pasaje la Poesía.
“Siempre me interesó el arte holístico sin grandes y complejas composiciones, buscando armonizar los espacios entre las plantas, tratando de captar su resonancia. El color es el que utilizo mucho más que el dibujo al que eludo voluntariamente, buscando crear una sensación coloreada y un estado de relajación como una suerte de manchas que desconectan al cerebro de su raciocinio, manchas que la imaginación completa”.
Georges Criblez
“Pedro Egoavil ha decantado bien las enseñanzas de las escuelas flamenca, española y francesa.
Estudiándolas con detenimiento ha logrado una forma propia de mirar soñando cuando pinta, y de soñar pintando cuando mira.
Incorporó primero las plantas y las flores a sus bodegones de frutas, y ahora, inserta el paisaje, las más de las veces imaginario.
De este modo Egoavil explora, se renueva, no se detiene en su búsqueda incesante por dotar de vida a la naturaleza muerta”
Arturo Corcuera (Octubre de 1994)
DAVID AGUILAR: Tienes una voluntad ejemplar con la práctica del bodegón.
La práctica de la pintura, como cualquier otra disciplina, requiere una voluntad firme, con convicción.
A pesar de que se cree, que este género ha perdido su vigencia; no es así, pues mientras existamos y compartamos en una mesa familiar, ésta nos remite a los elementos del bodegón, por lo que cada cuadro plantea una serie de problemas que hay que evaluar en este campo de experimentación y solución.
En este sentido, se debe comprender que la inmanencia de las cosas, donde los objetos más triviales adquieren su nobleza, como es en cada fruta, jarrones, flores y otros objetos. Siendo así, esta presencia, es motivo de contemplación respecto a lo significativo de la materia, lo cual se evidencia en lo trascendente y perecedero de lo humano en eventos cotidianos.
D.A: ¿Existe algún itinerario para recorrer visualmente tus bodegones?
El recorrido visual, es captar el
mensaje mediante los elementos de la sintaxis visual, como la composición que debe representar la naturalidad y elegancia, o el encuentro de colores y su disposición en el cuadro, permite distinguir la calidez o el frío de cierto tono de color. Al respecto, se asemeja a la música con la vibración; por lo que a través de un color primario nos da una nota de alegría, y, en un color gris nos marca un sosiego en la composición. Un color de interés específico, marca
la nota cantable, que sin éste, el cuadro sería aburrido y monótono. El artista tiene la disposición de jugar con los planos de color, que nos permite observar la profundidad o la tercera dimensión, donde algún objeto o cosa es el protagonista, mientras otros objetos están en planos secundarios que también cumplen un rol importante en la modulación de matices, donde existen espacios que buscan que el espectador imagine respecto a la continuidad de la línea o valor, que no se encuentra definido, sino sugerido, creando un misterio trascendente.
D.A: ¿Has experimentado, alguna vez, hacer uno en blanco y negro?
P.E: No, no obstante, he realizado cuadros monocromos, cabe decir, en una gama determinada. Por ejemplo, con colores terrosos, desde el marrón oscuro, naranjas hasta el ocre con muchos matices; el artista trabaja en gamas diferentes, en razón de su estado anímico, y lo refleja en su pintura. Esto le permite no sólo experimentar, sino además de encontrar otras expresiones dentro de las miles de variaciones de grises que existe y tiene el arte.
D.A: ¿Qué ingredientes tienen los bodegones de Pedro Egoávil?
P.E: Los elementos que están presentes en mis cuadros tienen un sello propio. Cada cuadro esconde una serie de técnicas que el estudioso del arte debe descubrir. Voy dejando pistas en cada de uno ellos como un signo distintivo. Muchos de ellos se remiten a nuestras mesas hogareñas, y si éstos están en consonancia con la apreciación de
otras personas con este tipo de arte, entonces estoy cumpliendo con el encargo social.
D.A: ¿Cuándo expondrás alguna serie de bodegones dedicados a los frutos del Perú?
P.E: En el año 1994, en Santiago de Chile, presenté una exposición individual titulada “Frutos Peruanos”, donde no sólo estaban los frutos ancestrales. Hoy, nuestro país produce otros frutos que también merecen nuestra atención, por lo que busco su reconocimiento de éstos en mis composiciones, como son el pacae, la chirimoya, la lúcuma, el pepino y otras frutas. Es importante hacer una serie de pinturas con frutos peruanos olvidados que no están en los mercados y que son importantes para la gastronomía; muchos de ellos son silvestres y no son conocidos en las mesas de los peruanos. Pinto también paisajes de nuestra diversidad como país, y son inéditos en mi carrera profesional.
D.A: ¿Qué significa haber sido profesor de la ENSABAP?
P.E: Como ex docente de la ENSABAP, me quedo con haber aportado a la juventud que sueña con ser un gran artista y un buen profesional. Encontrarme con alumnos egresados y que me saluden afectuosamente, compartiendo sus experiencias en esta profesión, me reconforta.
Fotografías
nocturnas e infrarojas de sus viajes al Perú y el mundo
DAVID AGUILAR: ¿Cómo así los peregrinos del Qoylluriti forman parte de BUCÓLICA?
BEATRÍZ CANALES: Bucólica Perú, es parte del gran proyecto Bucólica Mundo, que comienza en el 2014. Su concepto es registrar, con la técnica del infra rojo, las relaciones armónicas entre el ser humano y su geografía, el entorno donde les toca habitar, relaciones que producen belleza, sustentabilidad, y donde se desarrolla un vínculo simbólico. El Qoylluriti, inicialmente, era otro proyecto derivado del proyecto Kalunga del Brasil. Sin embargo, con el devenir de los años entendimos que era el mismo concepto, armonía con el entorno, belleza, simbolismo.
D.A: Como curadora de esta muestra, ¿cuál ha sido el reto más grande que has tenido?
B.C.L: Sin duda, la elección de las fotografías que componen la muestra, porque la producción es muy vasta. Tenemos fotografías de quince años. Las elegidas para la muestra son las que mejor dialogan entre sí, cada una tiene una historia y características muy particulares, todas con objetos fotográficos muy determinados, orientados al patrimonio cultural.
D.A: En tu interacción con el público, ¿qué consideras ha sido lo más destacado, y cuál ha sido la pregunta más recurrente que te han hecho?
B.C.L: Aquí, sin duda, es la incredulidad del público, de que se trata de fotografía pura y no algo manipulado desde la computadora, porque las técnicas son muy inusuales, tanto el “Light Painting”, Pintura con Luz, como la fotografía infraroja. Es una sorpresa para la gente cuando entiende, en la explicación, que es fotografía purísima.
D.A: ¿Estás satisfecha con lo logrado, funcionó lo que buscabas?
B.C.L: Estamos muy contentos. La exposición quedó lindísima. Ha sido un gran placer trabajar con Gredna Landolt, su equipo, y el embajador Hernando. Sin duda son excelentes profesionales. Sabemos que trabajar
con cultura en el Perú, es difícil. Hay que ser muy tenaz y claro en la importancia de la cultura para la defensa de la vida con algo de belleza. La belleza no es un lujo; es un derecho. La vida es más precaria si no hay belleza. Así que es un mérito del equipo, en conjunto.
DE
DE PUCCINI CON LA ORQUESTA Y CORO DE LA UNM JUNTO AL CORO NACIONAL DEL PERÚ
El lunes 25 de noviembre la Universidad Nacional de Música (UNM) presentará el concierto “La Misa de Gloria” de Giacomo Puccini, a las 7:30 p.m. en el Teatro NOS PUCP (Av. Camino Real 1037, San Isidro).
Contará con la participación de la Orquesta Sinfónica y Coro General de la UNM, así como del Coro Nacional del Perú -en calidad de invitado especial- todos con la dirección del maestro Wilfredo Tarazona.
Interpretarán la obra La Araucana del compositor peruano José Bernardo Alzedo (1788-1878) y la famosa Misa de Gloria del italiano Giacomo Puccini (1858-1924).
Será un concierto de ingreso libre para el público en general, que podrá asistir hasta completar el aforo. La Araucana es una composición que refleja la transición del Perú hacia una identidad postcolonial, fusionando la música clásica europea con elementos autóctonos de la región; mientras que la obra Misa de Gloria es una misa compuesta para orquesta y coro a cuatro voces con solistas de tenor y barítono, siendo una obra sacra que fusiona la majestuosidad de la música religiosa con la intensidad emocional que caracteriza las óperas de Puccini.
Será una gran oportunidad para escuchar este repertorio especial a cargo de dos
Emblemáticos elencos de la Universidad Nacional de Música, conformados por sus estudiantes de la Sección de Estudios Superiores; junto al más importante coro de nuestro país, como lo es el Coro Nacional del Perú, elenco que en su haber tiene conciertos en los principales escenarios del Perú y el extranjero.
Licenciado del Conservatorio Nacional de Música y director de la Orquesta Sinfónica de dicha institución. Siguió estudios de dirección de orquesta en Brasil y Venezuela.
Fundador de los Sistemas de Orquesta y Coros Infantiles y Juveniles en el Perú, que se convirtió en Orquestando, exitoso programa del Ministerio de Educación del cual es su director musical. Ha dirigido la Orquesta Sinfónica Nacional y las orquestas sinfónicas de Trujillo, Piura, Arequipa y Cusco; además en México, Ecuador, Brasil, Colombia, Bolivia e Inglaterra.
Invitado frecuente de festivales en América y Europa, ha sido condecorado por el Congreso de la República; con la medalla de Lima por la Municipalidad de Lima Metropolitana y por el Estado Peruano con las Palmas Magisteriales en el Grado de Educador. Fue declarado Personalidad Meritoria de la Cultura por el Ministerio de Cultura del Perú.
Tienda especialista en materiales de arte, diseño, escritura y papelería. Representantes de las marcas Tombow, Schmincke, da Vinci, Kaweco, SMLT Art, Cretacolor, Legami, Dr. Ph Martin's y Rosa Teléfono: 942 749 593
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“ L a Combi ”
MIGUEL ÁNGEL VELIT, reconocido escultor peruano, dona a la ciudad de Chincha, obra escultórica como testimonio artístico y de agradecimiento, a la ciudad de sus ancestros italo - peruanos.
CC PUCP / Hasta el 31 de enero de 2025
