Luz y tinta 57 by Moldeando la luz

N潞 57 - Abril 2016

Fot贸grafo del mes: Rolando Lir贸n FuentesEl Arte Nude Master Class CometCon 2016

Jorge Alonso Molina

Contenido

Año VI.- Núm. 57 - Abril 2016 PROMOTOR José Luis Cuendia, “Guendy” DIRECTOR Francisco Trinidad

Fotógrafo del mes: Rolando Lirón Fuentes

COLABORADORES Eugenio R. Meco, Pepe Haro Castaño, Ma Bernarda Ballesteros, Carlos Flaqué Monllonch, Glyn Griffits, Ricardo González “Completu”, Salvatore Grillo, Javier Madroñero, Narciso del Río, Juanjo Gallardo, Monchu Calvo, Antonio Ramón Ferrera, Cristina Capracci, Gustavo Velázquez, Cora Coronel, Justín del Barrio, Arturo de las Liras, Juan José Alonso, Ilona Gogh, Jan Puerta, Albino Suárez, Gloria Soriano, Ildefonso Robledo, José Manuel Gonzalo, José Mª Ruilópez, Juan Depunto, Juan José Pascual, Viviana Genta, Nadima, Antonio Martínez, Ángeles Pereira Perera, Claudio Serrano.

Francisco Trinidad

por José Luis Cuendia, “Guendy”

DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA José Luis Cuendia

CometCon 2016

Arte Nude Master Class Jorge Alonso Molina

por Francisco Trinidad............................................................................................. 23

María Muñoz

por Eugenio R. Meco................................................................................................. 33

Cuando las canas se juntan

por F.T........................................................................................................................... 45

Amores

por Gloria Soriano...................................................................................................... 49

Aunque me voy, no te olvido

por Monchu Calvo...................................................................................................... 51

Las minas de Cástulo y Linares

por Juan Depunto....................................................................................................... 53

Los poderes

por Gloria Soriano...................................................................................................... 63 por Juanjo Pascual

Ortopedia en la fotografía

DIRECTORA DE COMUNICACIÓN Lola González

por Ricardo González “Completu”......................................................................... 71 Alex Castro........................................................................................... 77

DISEÑO y MAQUETACIÓN Francisco Trinidad

por Claudio Serrano................................................................................................... 85 Diferentes estilos de fotógrafo......................................................... 93

www.moldeandolaluz.com

por Ilona Gögh............................................................................................................ 99

La nieve y la sonrisa

Fotógrafos Húngaros contemporáneos

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Moldeando la Luz es miembro de la Royal Photographic Society Nuestra foto de portada: Monchu Calvo

Presentación La fotografía exige una práctica

José Luis Cuendia, “Guendy”

Luz y Tinta

Este mes tenemos la suerte y el privilegio de que nuestro Director haya podido entrevistar a Jorge Alonso Molina. Su entrevista fue realizada en dos ocasiones, la primera en su estudio y la segunda en una fraternal comida en el restaurante La Mina, de Colloto, Asturias, donde pudimos compartir mesa y mantel en torno a este gran profesor de fotografía. La mesa cuadrada, como si se tratara de una partida de parchís, situaba en cada uno de sus lados a Jorge, Paco, Maylin, su cuarto lado lo ocupaba yo, escuchando atento todas y cada una de las disquisiciones dialécticas que este gran maestro de la luz nos regalaba. Después de esta agradable velada nos dirigimos a mi casa, donde tomamos unos gin-tonic, Jorge sin el Gin, y allí en mi modesto estudio de fotografía nos siguió regalando sus preciados conocimientos. Aquella noche, una vez en la cama intentaba pasar la moviola de todo lo hablado durante el día, llegué a la conclusión de que antes de nada sería preciso una vez más contestar la pregunta que yo mismo me hacia una vez más. ¿qué es la fotografía?. Supongo que una buena respuesta algo nos aclararía el asunto. Porque la fotografía son muchas cosas. Puede que hasta sea una diferente para cada persona que la ve, o que la intenta leer, y para quien la observa quizás vea cosas diferentes en ella, según el día, el estado de ánimo o la edad con que se acerca a contemplar la escritura de la luz. Así pues, al igual que en el cine, se habla de las películas, deberíamos de hablar de las fotos y de las personas que las observan, las admiran o las critican. Al leer una foto es evidente que cada observador puede hacer una lectura muy personal y subjetiva. Porque en la fotografía al igual que ocurre con otras disciplinas artísticas existe una práctica que desmonta a diario las teorías generales de la fotografía. A la fotografía también le sientan mal los mandamientos. Y sin embargo… Y sin embargo puede que existan unas reglas de juego. Lo que es seguro es que existe La Regla del Juego, la fotografía perfecta, excelente o ejemplar (estos tres adjetivos deberíamos aprender a dosificarlos, porque no todo es perfecto, excelente o ejemplar). He oído en muchas ocasiones que las reglas se han hecho para romperlas, y puedo estar de acuerdo con ello, pero…, siempre que quienes las rompan las conozcan y las dominen a la perfección. Escribir sobre fotografía siempre ha sido una necesidad vital, y hoy, con la gran cantidad de libros que se publican, nos obligan a diferenciar entre los que aportan algo nuevo y los oportunistas que solo hacen repetirnos lo obvio, de la misma manera que abunda la profusión de los halagos fáciles, cuando lo que se necesita son criticas constructivas, la única herramienta útil para la corrección de nuestros errores. Los buenos libros es necesario que sigan saliendo a la luz. Sobre todo para establecer una correa entre generaciones de nuevos y jóvenes fotógrafos, para que Ansel Adams, Henri Cartier-Bresson, Robert Capa, Sebastião Salgado, Robert Doisneau, Peter Lindbergh, Helmut Newton y Annie Leiboviz entre otros muchos más… (la lista puede ser larga), y estos sigan siendo modernos cincuenta, sesenta, o setenta años después. Un mes más, Luz y Tinta intenta aportar su pequeñito grano de arena a este maravilloso mundo de la luz, también de la tinta, y siempre gracias a su magnifico equipo de colaboradores. Que la disfrutéis.

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Fot贸grafo del mes de Marzo

Si algo sorprende de Moldeando la luz es la pacífica y enriquecedora convivencia de fotógrafos consagrados, con una notable obra a sus espaldas, con fotógrafos en muchos casos noveles o con una trayectoria no tan consolidada, lo que propicia enriquecimiento mutuo. Otra de las características de Moldeando es la presencia de fotógrafos que aportan sus obras muy espaciadamente con fotógrafos que participan casi a diario, subiendo las tres fotos de rigor y dejando muestra frecuente de su presencia. Este es el caso de Rolando Lirón Fuentes que, desde que subiera su primera foto, allá por febrero de 2012, ha subido hasta el día en que escribo, 26 de febrero, ha subido 972, lo que supone más de una foto cada dos días en todo este tiempo, es decir, una regularidad muy notable de alguien que, según sus palabras, se considera únicamente aficionado. Claro que su afición es generosa. Cuando uno se adentra en su amplia galería, sobre todo si lo hace por orden cronológico, partiendo de aquellas fotos que subiera en febrero de 2012, se aprecia que su ámbito de interés es extenso y que su visor se abre a cuanto pueda abarcar la vista de su autor. Ya en aquellas primeras fotos nos mostró imágenes tomadas en Egipto, Barcelona, Laredo, Santander, Castro Urdiales…, un abierto abanico de posibilidades que combina lo próximo y lo lejano, el mundo cotidiano y cuanto se puede captar en sus muchos viajes; una inmersión total, pues, es sus muchos puntos de interés. Esta sería, creo yo, la principal característica de la obra de Rolando Lirón: la conjunción de lo próximo y lo lejano, la convivencia de lo que se ve a diario o se puede ver frecuentemente con aquello que quizás solo se ve una vez en la vida. El balance de sus viajes nos lleva de Estambul a Nueva York, de Londres a Venecia o de El Cairo a La Habana, pero también a los paisajes de la Liébana o de Potes, de Laredo —siempre presente— o de Pedraza… escenarios tan dispares, tan distintos, aunque Lirón Fuentes parece buscar siempre lo mismo. No desdeña los monumentos que busca y degusta todo turista —cómo resistirse a la atracción de

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Rolando Lirón Fuentes

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Francisco Trinidad

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la torre Eiffel de París, la cúpula de Brunelleschi en Florencia o el puente Rialto de Venecia—, pero ahonda un poco más y se pierde por las calles y busca rincones que dan vida a las ciudades, mezclando a voluntad escenas diurnas y nocturnas, interiores o exteriores… Es curioso que una de sus constantes es el ‘retrato’ —permítaseme la licencia— de ventanas y escaparates, unas veces por la propia belleza o la rareza arquitectónica que destaca y muchas otras porque a su través se aprecia una luz o una escena familiar, un rastro de la vida que se desarrolla al margen de la magnificiencia de los monumentos. Y en este sentido tanto acude a la arquitectura popular en los pueblos o en perdidos núcleos rurales como en la presencia cosmopolita de sus viajes. Este sincretismo entre lo cotidiano y lo insólito le lleva también a combinar, además de las ciudades y los pueblos, el mar y la montaña, los hombres y mujeres que pululan por las calles de las ciudades y los animales que en el campo viven ajenos al paso del fotógrafo, así como los aperos de labranza, siempre silenciosos y generalmente arrumbados en viejas construcciones de piedra, con el mundo bullanguero de los mercadillos o las terrazas ciudadanas, plenas de ruidos de la más variada estirpe. Por no decir, claro está, la arquitectura popular con la ostentosa de las capitales. Lógicamente, en todas las estaciones del año. Como la propia vida. A veces, aislando la realidad, se cuela en sus fotos un detalle: una hoja otoñal en el suelo, un paragüero, un reflejo en un escaparate…, como buscando la esencia de la vida en esos bodegones espontáneos o en esas escasas fotos de cursos de agua con efecto seda, como diciendo que tras el viajero curioso anida quizás la voluntad artística del fotógrafo.

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Momentos de la sesi贸n de fotos con Ekaterina Vladi

Arte Nude Master Class El pasado mes de Marzo en plena efervescencia de las tradicionales fallas valencianas, se celebraba en Denia una nueva sesión de la prestigiosa NUDE MASTER CLASS PHOTO. Nude Master Class Photo parte de la idea de mostrar la profesionalidad y belleza de las modelos rusas principalmente. Ellas sin lugar a ninguna duda son en estos momentos las verdaderas protagonistas, porque son las mejores del mundo en el desnudo artístico. Como muy bien se dice en la página de Nude Master Class Photo, han nacido para posar ante una cámara. “La nueva generación de modelos rusas se destaca por combinar la belleza tradicional de los rostros afilados del Cáucaso con un exotismo resultado del crisol reciente de la Federación Rusa. Princesas eslavas de hipnótica belleza destinadas a subsistir a la sobresaliente generación del top models como, como ya se ha visto anteriormente con Kristina Yakimova, Oksana Chucha, Olga Alberti, Lada Brik y en esta ocasión con Ekaterina Vladi. Ekaterina Vladi es una modelo muy conocida en nuestra red social gracias a los trabajos de fotógrafos de renombre internacional como Shibina Nadegda (Nadima) y Andrew Lucas, entre otros. Sin lugar a dudas fue una magnifica experiencia, la organización, el lugar, los compañeros de cámara que durante dos días compartimos la experiencia con una modelo de lujo, así como las clases a las que pudimos asistir en torno al gran maestro ruso Sean Archer, que ya impartiera un Master Class en pasadas ediciones. Cuando uno asiste por primera vez a uno de estos eventos, con anterioridad y antes de asistir te preguntas ¿con qué me voy a encontrar? Mi amigo Jorge Alonso

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por José Luis Cuendia, “Guendy”

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Los participantes en el Nude Master Class de Denia. Marzo 2016

Molina, profesor de fotografía durante más de 35 años y uno de los mejores fotógrafos que viven en Asturias, tiene un dicho que en principio si no se argumenta bien puede resultar un tanto fuerte: “La actual democratización de la fotografía, está acabando con ella”. Luego puntualiza que una vez toque fondo, quedará lo que verdaderamente sea técnicamente digno de mencionar, considerar y admirar. Estamos padeciendo un largo sarampión, ya hay más de 1.200 millones de teléfonos móviles haciendo fotos, el número total de fotos en Facebook es 12.000 veces mayor que la cantidad de archivos fotográficos conservados en la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos, un ejemplo revelador y como este se podrían citar cientos. El huracán Sandy dio lugar a la publicación de 1,3 millones de fotos en Instagram, diez fotos por segundo. Estamos ante la mayor explosión de la fotografía de todos los tiempos. Es evidente que en la mayoría de estas fotos su temática es social, pero no es menos cierto que es una forma más de documentar la historia. Hoy el verdadero arte de la fotografía, el revelado del cuarto oscuro, verdadero nido de la cultura y el arte fotográfico, ha dejado de usarse, de la misma manera que que no se ven películas mudas. La manera de poder entender y comprender la fotografía, la base de los verdaderos conocimientos fotográficos hoy es considerado más o menos “moda retro”. Pero como bien dice Jorge, todo tiene su principio y su fin, esta democratización de la fotografía llegará a un punto donde inevitablemente parará y quedará lo que verdaderamente merezca la pena conservar, es cierto, que hoy se pueden capturar momentos de nuestras vidas que antes simplemente desestimábamos, hoy las capturamos en exceso, y puede ser muy interesante, pero muy alejado de lo que es el arte fotográfico. Es imposible que tantos millones de fotografías sean dignas de pasar a la historia de la fotografía colectiva, no irán más allá de la rutina particular de cada cual, por muy internacionales que sean los escaparates virtuales que

a través de las redes sociales se ofrecen al mundo entero. La gran idea, la gran foto, no está en las cámaras, está en la persona que la realiza, y estas como siempre ha sido serán contadas. Porque el arte es algo muy diferente. Annie Leibovitz, la fotógrafa galardonada con el Premio Príncipe de Asturias en Comunicación y Humanidades, nos contaba en su declaración de amor a la fotografía: “La amo. La fotografía siempre ha sido lo primero” y en la charla que nos ofreció en el auditorio del Niemeyer de Avilés nos dijo: “Sería una mujer muy feliz si consiguiera cinco o seis excelentes fotos todos los años”. Vale más una tarde de charla con Jorge Alonso Molina que la lectura de una docena de libros de fotografía con los que ahora nos atiborran las librerías. Se han escrito más libros sobre fotografía en los últimos 10 años que en los 75 años anteriores. Y es que todo está basado en la misma proporción, ante los millones de cámaras, de iPhones y smartphones, llegan en su ayuda miles y miles de libros, cursos, sesiones, masters, etc. Y es aquí donde nace una nueva ONG (lucrativa) a unir a las conocidas (No lucrativas) como Médicos Sin Fronteras, Periodistas Sin Fronteras, Bomberos Sin Fronteras, en este caso se trata de la nueva: “Fotógrafos Sin Vergüenza“, que se aprovechan de la buena voluntad de las miles y miles de personas que ante la facilidad de apretar el disparador en cámaras y teléfonos, sienten la curiosidad por saber más sobre el mundo de la fotografía. Así nacen nuevas tendencias, nuevos “ismos”, etc. De forma miserable está ocurriendo con los libros de fotografía como con los de cocina, como no hay derechos de propiedad intelectual sobre los platos clásicos, todo el mundo puede hacer su libro de cocina, y sorprendernos con su “fabada asturiana” con un toque de eneldo, para diferenciarla de la clásica de nuestras madres o abuelas, y así hasta completar un amplio plagio de recetas de toda la

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Momentos del Master impartido por Sean Archer, dentro del ciclo de Master Nude Class creados por el Foto/ creativo Gonzalo Villar.

Atentos a los clase sobre los trabajos de fotográficos bajo la técnica de Sean Archer.

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vida, con el toque personal del nuevo cocinero editorial; ¿y por qué no, la tortilla española con sabor a caracoles? Por ello, es muy difícil escoger el grano entre tanta paja, y no es de extrañar que antes de participar en el Nude Photography Master Class dirigidos por Gonzalo Villar, tuviera mi personal dosis de escepticismo. Una vez vivida esta experiencia, sencillamente decir que es algo de elogiar y digno de destacar, empezando por el buen ambiente, por la libertad a la hora de realizar tu trabajo, por las clases teóricas, y lo más importante la calidad a la que se elevan estos master cuya temática es el desnudo artístico, al contar con las mejores modelos del mundo. A partir del próximo mes, el fotógrafo vasco, el vizcaíno Luis Ibáñez nos deleitará con las fotos de las anteriores Nude Master Class, donde al lado del Manager and Creativity Direction Gonzalo Villar actúa como Photographers Direction. Ahora os dejo con las fotos de mi tocayo José Luis Maylin y con las mías propias. Ha sido un verdadero placer y honor formar parte junto a otros seis fotógrafos españoles de este Nude Master Class, teniendo bajo el disparo de nuestras cámaras a la magnifica Ekaterina Vladi.

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Jorge Alonso Molina Efectivamente, según nos cuenta Guendy en la Presentación de este número, fueron dos los encuentros que mantuvimos con Jorge Alonso Molina. El primero, en su propio estudio, fue una toma de contacto inicial en la que Jorge nos sumergió, de paradoja en paradoja, en un mundo de imágenes, de sus propias imágenes y en un mundo de sensaciones. Con un lenguaje que a veces quiere ser llano y a veces críptico, que se mueve siempre en los aledaños de la desmitificación, nos llevó en volandas de la fotografía a la pintura y del dibujo a la fotografía, y de la luz al arte y del arte a la luz, pasando unas veces por la cámara fotográfica y otras por el laboratorio, deteniéndose siempre en el resultado: las fotos de gran formato que pueblan las paredes de su estudio, todas ellas muy similares a las que ilustran este artículo. Tras aquella inmersión a pecho descubierto en el mundo tan personal de este fotógrafo y profesor de fotografía —Maestro Fotógrafo Honorario de la FEPFI, profesionales de la imagen—, salimos al bar de la esquina, pedimos una de sidra y charlamos durante una hora. Y charlando seguimos en nuestro segundo encuentro, una comida a cuatro en la que volvimos al mundo de la paradoja y del misterio de la imagen. En la primera de las entrevistas tomé notas de muchas de sus reflexiones, y serán las que traslade a continuación como antesala de una entrevista más articulada que publicaremos en el próximo número, mientras que en la segunda me contenté con sumergirme en sus palabras y disfrutar de la charla. Y es que una de las propuesta de Jorge Alonso es que, para iniciarse en el mundo de la fotografía, en primer lugar hay que conocer el lenguaje. Y él, podemos dar fe, domina como nadie el lenguaje fotográfico y el verbal, con lo que resulta una delicia disfrutar de sus palabras y dejarse envolver por sus muchas sugerencias. La primera de las propuestas de Jorge Alonso es que las fotografías hay que verlas en papel. Por eso en el primer encuentro nos llevó de pared a pared, de cuadro en cuadro, de foto en foto, recurriendo a veces a catálogos y folletos, explicándonos su visión de la fotografía. Una visión que tiene mucho de paradójica, sobre todo cuando se escucha por primera vez, pero que, una vez se reflexiona sobre ella, obedece a una lógica muy meditada, ensayada en años de profesor, y que, si he entendido bien su propuesta, se asienta en dos o tres máximas que, cual aforismos

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por Francisco Trinidad

Jorge Alonso Molina nació en la Habana en 1954 y es fotógrafo profesional desde 1976. Cuenta con multitud de exposiciones individuales y colectivas y ha sido galardonado con la Mención de Honor de Internacional Photographic, Medalla de la Federación Internacional de Arte Fotográfico, y Mención de Honor del Foto Club Buenos Aires. Ha sido juez especialista de 2008 a 2010 de la Federación Española de Profesionales dela Imagen (FEPFI). El propio autor explica así su forma de entender la fotografía: “En cada imagen me pienso. Ni veo ni miro en palabras, la escritura se transforma prisionera de la imagen, se tiende un puente de historias que amanecen en mis ojos y me atan a lugares que creía ya olvidados, me discuto y mis ideas me piensan. Entre un follaje de espejos los sentidos se dispersan, me golpeo en cada esquina, me sumerjo en cada imagen, y ellas mismas me devuelven a los bordes de los sueños”.

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En http://queverdeasturias.com/bimenes/exposiciones-y-fotografia/21620-fotografias-de-jorge-alonso-molina-xii-encuentros-fotograficos-de-gijon.html

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bien entendidos, pespuntean su visión de la fotografía, aquella que luego traslada a sus propias creaciones. Jorge Alonso parte en primer lugar de que la fotografía es luz y lo ejemplifica de manera brillante reflexionando sobre el hecho de que las primeras imágenes que produjo la humanidad nacieron en una cueva para satisfacer la necesidad de documentar lo que tenemos alrededor. Esa ausencia de luz de la cueva, iluminada en todo caso por antorchas y candiles de llama vacilante, da entera dimensión de las prehistóricas pinturas rupestres y nos sumerge de lleno en las exigencias de la moderna fotografía, ayudada por flashes, focos, sensores de alta sensibilidad… Todo ello para conformar la luz a nuestro gusto y adaptarla a nuestras necesidades. Ya en esta primera reflexión encontramos los dos elementos cardinales de la idea fotográfica de Jorge Alonso Molina: luz y arte. Y una de sus reflexiones más acendradas y que con más vigor defiende es que la cámara fotográfica no es sino la evolución de un pincel, de modo que la cámara viene a ser, son sus palabras, un pincel supersofisticado. Por eso esta reflexión sobre las pinturas rupestres y por eso otra de sus reflexiones, que puede parece paradójica en un primer momento, pero que es de una lógica incuestionable: Francisco de Goya fue el primer repor-

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tero gráfico. Goya traslada a sus pinturas hechos que acaban de suceder, con los Fusilamientos del 2 de Mayo como obra más recordada. Y lo traslada a sus lienzos y pinceles porque carecía de este moderno pincel que es la cámara fotográfica. La última de las reflexiones que he recogido para articular el pensamiento de Alonso Molina, no es sin embargo la menos importante, sino quizás la que sirve para dar cuerpo y forma a sus propias creaciones. La imagen, nos dice, nace en el cerebro y de ahí, vía foto, vía pintura, vía dibujo, incluso vía lenguaje, llega a esa fusión de dibujo, pintura y fotografía que define las fotografías que ilustran este artículo. Quizás, y aquí supongo que mi asimilación es excesivamente cómoda, porque sus fotos nacen de aquel apotegma que Goya antepuso a su serie negra y a la que subyace un explícito contenido moral: “El sueño de la razón engendra monstruos.” Estos monstruos que Jorge nos propone en sus fotografías son un híbrido de fotografía y pintura, pero también escritura, en el que se apuesta principalmente por el color —siempre tonos oscuros, recordando el mundo de la caverna en que nacen—, macerado y matizado a veces por el Photoshop y apuntando a un mundo de sueños y de espejos que convergen en los márgenes más difusos de la realidad. No quisiera pasarme de listo, y resulta fácil cuando uno se sumerge en este mundo de imágenes soñadas y entrevistas antes de trasladarlas al papel, pero este mundo de sueños y de espejos puede recordar, y no creo que de manera lejana, el conocido ensayo de Jacques Lacan El estadio del espejo como formador de la función del yo, en el que, como en las fotografías de Jorge Alonso Molina, la visión del “Otro” en el espejo hace posible identificar el propio “yo”. Y no me cabe duda de que Jorge se busca en todas y cada una de sus fotos para acabar encontrando el mundo que le rodea.

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María Muñoz Cuando la gente dice que una imagen vale más que mil palabras, tiene razón, pero una imagen bien hecha vale mucho más. Es un momento que sucede en una fracción de segundo y que nunca volverá a repetirse. Es una ventana a un mundo en el otros no reparan nunca a no ser que vean tus fotografías. Para mi, es un medio para mantener una memoria pictórica de mi vida. No dejo de considerar fascinante que yo mismo sea capaz de olvidar una experiencia o un evento y que, con tan solo mirar una fotografía, pueda transportarme de nuevo al momento en cuestión. Puedo sentir la brisa en mi cara, percibir el perfume de mi tierra bajo mis pies, saborear el salitre del aire marino, evocar las mismas emociones que sentí al pulsar el disparador. Es una experiencia muy poderosa. Lo mismo me ha ocurrido con esta sesión con María Muñoz. No era esta la primera vez que posaba para mi esta bella criatura, pues ya habíamos trabajado juntos el pasado verano, y según sus palabras había quedado muy contenta. Pero ahora se trataba de algo muy especial, pues al margen de motivarme, encendía mis pasiones y sentimientos encontrados; se trataba de hacer una sesión en unos de los templos del cante flamenco , ni más ni menos, que en la “Venta de Vargas”. Uno de sus propietarios es amigo mío, y conocido entre sus amigos como “Lolo Picardo”, además le estoy eternamente agradecido por que puso a mi disposición los salones de tan prestigioso restaurante para realizar la sesión de fotos. Hoy la Venta de Vargas ha recogido el prestigio ganado a través de los años, fundada en 1921, con su patrimonio flamenco, y que puede considerarse de igual categoría que el de su rama gastronómica. Se puede decir sin temor a equivocarse que las fotos tomadas en el interior de la Venta de Vargas a María Muñoz, están realizadas en la Universidad del flamenco de Cádiz, y eso impone un poco, aquí han actuado y casi vivido artistas de la talla de Chato de la Isla, Alvarito de la Isla, Manolo Caracol, Lola Flores, Manuel Monge, Camarón de la Isla y un largo etcétera de personalidades del mundo del “cante jondo”, esa categoría estética que se adquiere cuando el cante adquiere su

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por Eugenio R. Meco

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máxima expresividad, su máxima hondura, es como si se quisiera decir que se ha llegado a lo jondo (al fondo). Es La Venta de Vargas un lugar donde reside el arte y los propios artistas se sienten embriagados del duende que desprenden sus azulejos de Mensaque Como no se me me iban a tropezar todos mis sentimientos y emociones en esta sesión, si hasta la madre de Maria Muñoz le hizo los trajes que luce en todas las fotos. La fotografía sigue siendo algo más que solo composición, y de ella intento cubrir tanto como he podido y puedo dentro de los confines de mi propio mundo y de la gente que me rodea, mis gentes. Este trabajo es sencillamente otro punto de partida. Y lo que es más importante, nos divertimos, y ninguno de los que hemos participado en esta historia nos hemos olvidado de seguir sonriendo

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_________________________ Algunas expresiones han sido extraídas de http://ventadevargas.es/historia/

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Cuando las canas se juntan por F.T.

Estaba terminando de leer el periódico local, y de paso sacudiéndose el tedio de una mañana lluviosa y áspera, cuando, en la agenda diaria, vio el título de aquella conferencia —“La presencia de Cervantes en la Generación del 98”— y el nombre del conferenciante: Aquilino Aguilera y Bermúdez. No sabría decir qué vio primero si el título o el nombre o ambos yuxtapuestos en su esfera de interés. El título era realmente sugestivo y, aunque ya jubilada, como profesora que había sido de Literatura, aunque de Instituto, le atraía lo suficiente como para haber leído todos los detalles: lugar, hora y, por supuesto, el conferenciante, que inmediatamente comenzó a ocupar su pensamiento. Aquilino Aguilera. Había sido su gran amor de juventud y ahora que reaparecía quizás, tras el cendal de la sorpresa, podría pensarse que se reavivaba alguno de los rescoldos que el tiempo había ido conservando en los pliegues más velados de la memoria. A partir de ese momento comenzó a buscar en Internet detalles de su biografía, mientras en sus recuerdos se superponían imágenes de aquel amor que durante un par de años les había mantenido en duermevela. Se habían conocido en la Facultad de Letras, ambos amantes de la Literatura y dispuestos a comerse el mundo. Habían intimado en los bares de la movida madrileña, cuando Malasaña parecía el ombligo del universo, y habían certificado su sintonía en el camastro de un piso de estudiantes que Aquilino compartía con otros tres compañeros y el habitual desorden. Luego siguieron meses de placidez y amor despreocupado hasta que una mañana de julio, dos años después, sus destinos comenzaron a bloquear lo que hasta entonces no se había preocupado ni del futuro ni de sus posibilidades. Él se fue a Salamanca con una beca predoctoral que lo mantuvo ocupado otro par de años y ella recaló en su Sevilla natal como profesora interina en un colegio de monjas y en Sevilla se instaló definitivamente una vez superadas las correspondientes oposiciones de adjunto de Instituto.

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Quererse no tiene horario ni fecha en el calendario cuando las canas se juntan.

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Al principio el correo y algún viaje esporádico a Madrid les mantuvieron unidos, pero luego cada uno buscó los abrazos de otra persona para alimentar su necesidad de amor. Cuando vio su nombre en el periódico como conferenciante, hacía más de treinta y cinco años que no se veían. Por eso rebuscó compulsivamente en Internet. Aquilino Aguilera Bermúdez era un reputado catedrático de la Universidad de Salamanca con múltiples publicaciones sobre la literatura del siglo de Oro y numerosas ediciones de clásicos. Recordaba que en su biblioteca tenía algunas de ellas, pero lo que realmente buscaba en la web eran sus fotos. El rostro aquel que le devolvían sus recuerdos nada tenía que ver con las diversas fotografías que iba viendo de los múltiples actos en que había participado en los últimos años. Aquella sonrisa juvenil con que subrayaba sus besos en nada se parecía al gesto reconcentrado que generalmente aparecía tras un micrófono. Y aquel flequillo siempre movido por el viento que ella recordaba había dejado paso a una generosa calva que hacía más luminosos sus inolvidables ojos azules. Mecida por este vaivén de sensaciones se dirigió por la tarde a la sala donde pronunciaría su conferencia con el tiempo justo para sentarse en una de las últimas filas y dedicarse a mirarlo atentamente, gestos y movimiento, cadencia de voz y acento, durante los cincuenta minutos que habló. No sabría resumir lo que dijo, que en aquel momento no importaba, pero podría describirlo físicamente con exactitud. Aunque ninguna de las características que pudiera describir le recordaba ni de lejos a quien durante dos años se había entrometido en sus sueños para posteriormente, y durante un tiempo que no sabría acotar, propiciar sus lágrimas más amargas. Al finalizar la conferencia, dejó que se fuera apartando el grupo de quienes se habían acercado a felicitarle, y se acercó a él entre una bruma de recuerdos y sentimientos encontrados. Él no pudo reconocerla lógicamente, pero, una vez que ella se presentó, se fundieron en un abrazo cálido como dos viejos colegas que se reencontraran al cabo de los años. “Al borde del Alzheimer”, remachó él. Tras la conferencia, Aquilino tenía el compromiso de cenar con los organizadores. Tomaron previamente unas cervezas, momento en el que ella se encontró perdida entre las sensaciones del reencuentro y la evanescencia de una conversación a la que había sido invitada por la insistencia de él, treinta y tantos años más tarde de su último encuentro. Así que, en cuanto lo vio oportuno, se despidió discretamente. Aquilino entonces salio a la calle, la tomó del brazo y la invitó a comer al día siguiente. “Para recordar los viejos tiempos”, dijo. “Para ahuyentar los viejos fantasmas”, pensó ella.

Había sido su gran amor de juventud y ahora que reaparecía quizás, tras el cendal de la sorpresa, podría pensarse que se reavivaba alguno de los rescoldos que el tiempo había ido conservando en los pliegues más velados de la memoria.

—Tú eliges el restaurante y yo pago la cuenta —dijo, con una suficiencia y una desenvoltura que a ella, más que hiriente, le pareció estúpida. ***

Fotografías de Rolando Lirón Fuentes

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Fiel a sus costumbres, ella llegó un cuarto de hora antes. Para la ocasión, había elegido una vieja taberna del barrio de Triana en la que se combinaba una acertada restauración del local primitivo con una cocina que a nadie dejaba indiferente por la sabia combinación de tradición y vanguardia en sus fogones. Él llegó como veinte minutos tarde sobre la hora en que habían quedado, bufando y quejándose de no sé cuantos tiquismiquis del taxista y la formalidad de los sevillanos. Le dio dos besos apresurados, pidió en la barra un vino de la Ribera del Duero que no tenían y que elevó el diapasón de sus quejas y se sumergió de lleno en un recuento exhaustivo de sus desencuentros con Sevilla, con su cultura y con sus gentes. Cuando se quejaba de la estrechez de la calle Argote de Molina y de un coche mal aparcado con el que había tropezado, ella indicó la conveniencia de comenzar la comida. Pasaron al comedor, que a Aquilino le pareció de una decoración sobrecargada, con excesiva presencia del flamenco, y ella sugirió que compartieran unos entrantes y se pidieran luego un segundo. Él eligió el vino, tras marear al camarero con varias peticiones de vinos y añadas que no tenían. Cuando por fin encontró uno a su gusto, lo encontró sin embargo a una temperatura poco adecuada. Durante los dos entrantes que compartieron —ensalada de queso de cabra con cebolla caramelizada y paté al vino de naranja—, aprovecharon ambos para ponerse al día de sus vidas durante aquellos años en que no se habían visto. Él lógicamente se lamentó de la endogamia universitaria, del escaso nivel de sus colegas, de las bajas remuneraciones y del apocado interés investigador de los jóvenes. Y cuando les sirvieron el segundo plato, que decidieron compartir también, un solomillo relleno de jamón y foie al Pedro Ximénez, él se quejó del punto del solomillo y de la consistencia de la salsa. Y prosiguió quejándose de aquello y de lo otro y nuevamente de la temperatura del vino y de la miga del pan y del hecho incontrovertible de que los camareros españoles adolecen de calidad y de que… Cuando les sirvieron el canutillo de queso fresco con membrillo que habían pedido como postre, ella, harta de quejumbres y lamentos y de aquella insufrible hostilidad hacia el mundo entero, miró su reloj como si realmente tuviera prisa, cogió su bolso precipitadamente y casi sin despedirse se metió en un taxi al que dio la dirección de su casa, aunque se bajó cuatro o cinco manzanas adelante y siguió caminando mientras recordaba los momentos juveniles que había compartido con Aquilino Aguilera, aquel viejo cascarrabias que seguramente estaría más contrariado por la extraviada deriva de la vida en general que por haber sido plantado desconsideradamente antes de haber terminado la comida.

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Amores por Gloria Soriano

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Llega jadeante a la esquina y ve dos autobuses sin conductor y con los motores apagados. Solo uno de ellos le interesa. No hay pasajeros haciendo cola. En la pantalla del mástil junto a la marquesina, destellan en minutos las frecuencias. El de la línea 45 no sale hasta dentro de un cuarto de hora. Tiene tiempo. Aunque reduce el paso para recorrer los últimos metros, sigue con la respiración entrecortada. En la parada se detiene y espera sin dejar de mirar hacia ese punto por donde supone que aparecerá el conductor: la puerta de un café donde se entonan los chóferes en los ratos muertos. Les había observado muchas veces. Conocía turnos y horarios como si los hubiera organizado ella misma. Las manos en los bolsillos del abrigo rojo juegan con unas monedas. Los metales entrechocan pero no se oye el ruido. Solo los latidos de su corazón traspasan piel y ropa. Duda. Tal vez debería regresar a casa. No, está decidido. Hoy será el día. Lleva tiempo planeándolo. La idea la persigue, el deseo la hostiga, el pecho le estalla. No puede guardar más el ardor que siente. Lo ve salir del bar y acercarse al autobús con la cartera al hombro. Los rizos le caen bajo la gorra. Espera en guardia junto a la puerta como si estuviera ante el pasillo alfombrado por donde él ha de pisar. Antes de que se eleve sobre los peldaños y se pierda en la cabina del conductor, le abraza y le besa hasta quitarle el aliento. Siente su frio y se aparta. Lo deja ir. El motor rezonga. Como estatua de piedra escucha el zumbido del autobús cada vez más lejos, cada vez más débil, y el rojo del abrigo se pierde en el espejo retrovisor.

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Aunque me voy, no te olvido El viaje en caballo hasta Laviana había sido largo. Amarrada a los arneses llevaba aquella vieja maleta que sus padres tenían guardada en el desván, de cuando se casaron. Luego una bolsa, donde una madre con los ojos llorosos, había apretado un pan recién amásado y unos chorizos, que junto con alguna lata de conserva, constituían las reservas alimenticias para un viaje que sabían largo. En Laviana amarró el caballo en la plaza de La Pontona, frente a la cárcel, con aquellas siniestras ventanas cuadriculadas con barrotes de hierro, de la que había escuchado muchas historias, y ninguna buena. Lo subiría un vecino por la tarde. No le costó mucho el decidir a marcharse. En casa eran muchos, y la tierra no daba para todos, a pesar de dedicarle muchas horas y trabajo. El futuro pintaba mal, y en casa ya habían hablado de ello. No quedaba más que irse y confiar en que las nuevas tierras le permitieran sobrevivir, incluso enviar algo de dinero para sus padres. Otro amigo un poco mayor, vecino de la misma aldea, ya había emprendido el camino de América un año antes, y en sus cartas hablaba muy bien de Argentina. Había que trabajar mucho, pero se ganaba plata (decía él) y le animaba a irse, comentaba en las escasas cartas que enviaba a su casa, asegurándole que allí había futuro, porque era un país joven y abundaban las oportunidades. Le quedó grabado lo de la “plata”, cuando aquí lo máximo que vio fue algún céntimo de cinc o un gastado billete de cinco pesetas. La última vez que bajó a Laviana unos grandes carteles anunciaban viajes a ultramar, Cuba, Méjico y Buenos Aires, y que el agente arreglaría todos los papeles. Su padre pidió prestado al comerciante de Coballes el importe del pasaje, y para sobrevivir algo de tiempo, vendió con gran pena la Galana, y se marchó de casa para no estar allí, mirándole a los ojos cuando el tratante la llevase. La mejor vaca que tenía. En el tren que le condujo a Gijón entabló amistad con un muchacho algo mayor que él, y que también embarcaba, pero su destino era Montevideo. Agradeció la compañía, y su reciente amigo también. Por lo menos el miedo y la incertidumbre seria compartidos, y eso, en un largo viaje como iba a ser este, era muy valioso. El puerto del Musel les hizo abrir los ojos con asombro. Nunca habían visto el mar, y aquella inmensidad de agua que parecía no tener fin no acababan de adaptarla a sus cabezas. Y luego aquel enorme barco adosado al muelle, con unas chimeneas que expulsaban un humo negro que lentamente se elevaba al cielo. De

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por Monchu Calvo

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su costado pendía una plataforma inclinada que apoyaba en el suelo, y por ella, como hormiguitas, subían hombres y mujeres, incluso algunas con niños en sus regazos. En cubierta se veía mucha gente, entre viajeros y marinería. En un balcón superior, un hombre con poblada barba, chaqueta azul de botones dorados y una gorra de plato, daba instrucciones a sus marineros. Luego le dijeron que era el capitán. El barco se llamaba Alfonso XIII, y los llevaría al nuevo mundo. Con ellos embarcaban viajeros de fuera de Asturias, de León y de Zamora, y luego la mayoría de muchos pueblos asturianos. Gente joven, en la mejor edad de trabajar y de criar hijos, y sin embargo produciendo una sangría demográfica que despobló Asturias de sus mejores hombres y mujeres, como nosotros. Hoy, pasados los años, vemos aquel fenómeno migratorio como un cataclismo que modificó el mapa de nuestros pueblos de forma muy severa. Por una parte, vaciándolo de vecinos y lastrando su futuro, y por otra parte, retornando de la mano de los emigrantes, una importante contribución económica que palió en muchos casos la penuria de las casas de donde marcharon, incluyendo las grandes aportaciones que hicieron en obras para la comunidad vecinal, principalmente en materia de enseñanza, promoviendo la construcción de escuelas, incluso aportando fondos para el salario de los maestros. Lavaderos, capillas y caminos, incluso carreteras, se construyeron gracias al capital de nuestros emigrantes que nunca olvidaron por lejos que estuvieran, las casas, los prados y las montañas de su juventud. En muchos de los dinteles de algunas puertas, leemos el nombre del vecino que gracias a su aportación hizo posible la construcción de esa obra, como homenaje a su filantropía y llevar siempre en su corazón el humilde terruño que le vio nacer. Otros muchos, la mayoría, no tuvieron la suerte de enriquecer, lo que pasa que los nombrados son los que retornan con riqueza, incluso algunos con ostentación. Allá saben bien la suerte de los otros. En un próximo escrito narraremos el viaje de nuestros aventureros a sus países de acogida. Las penurias de la travesía y la llegada a Buenos Aires. Mi abuelo hizo ese viaje y de él recogí estos recuerdos. En aquel país tengo sangre de mi sangre, y por eso lo siento como mío.

Imilce en Baeza

Las minas de Cástulo y Linares por Juan Depunto Para cantar por tarantas hay que nacer en Linares y escuchar cómo las cantan los mineros cuando salen.

Me llamo Imilce y fui princesa de la Oretania. Mi padre, el Rey Mucro, me prometió en matrimonio con Aníbal Barca, hijo del general cartaginés Amílcar Barca que a la sazón andaba conquistando los territorios ibéricos, con el fin de sellar la paz y… cobrar la rica dote de nuestra mejor mina de plata. Vivíamos en Cástulo, la capital y más grande ciudad de nuestro reino, que se extendía desde Sierra Morena al sur, hasta limitar por el norte con el río Guadiana, siendo el límite suroriental el de los territorios de la Bastetania y el suroccidental el de la Turditania. Éramos íberos, aunque una parte de nuestro pueblo, la del norte, estaba mezclada con germanos. Mi marido terminó sustituyendo a su padre y me llevó a vivir a la Nueva Cartago, vuestra Cartagena actual, donde estableció la capitalidad cartaginense de

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(Vieja taranta cantada en el acto del cierre de la mina de La Cruz en 1991, la última activa)

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la península. Dicen que él había nacido en Cartago, la de África, en vuestra actual Túnez, pero no es cierto. Cuando mi suegro Amílcar Barca desembarcó en la Gadir fenicia (la actual Cádiz), casó con Ibérica, mi suegra, y al poco nació su hijo mayor, Aníbal, lo que ocurrió en Ayamonte (cerca de la actual Huelva)1. Otra cosa es que lo mandaran a estudiar y formarse en las fuentes griegas de la vieja Cartago. Nuestro territorio era rico en minas, como buena parte de la península ibérica, uno de los motivos por los que ha sido tan codiciada y repetidamente conquistada por pueblos extranjeros. Los primeros pobladores de esta zona vinieron en el 3.000 antes de Cristo, en mitad de la era de los metales, buscando el cobre. Luego, casi agotado éste, prevaleció la plata mezclada con el plomo, con la que finalmente llegamos a vuestros días en los que ya se acabó la actividad minera, no tanto por falta de yacimientos como por lo innecesario y peligroso del plomo. Cerca de estos yacimientos fueron estableciéndose los primeros pobladores, llegando a constituir finalmente la población de Cástulo, al sur de las minas y a una legua de la actual Linares, por su posición estratégica en la margen derecha sobre el río Guadalimar. Este río, que desemboca en el Guadalquivir, entonces era navegable (lo fue hasta después del siglo IV d.C.) y por tanto vía de entrada de invasiones y de salida de los minerales. El mineral se traía hasta Cástulo en donde se fundía, habiéndose encontrado en la ciudad numerosas escorias que lo atestiguan. Luego era embarcado en el Guadalimar. Quiero destacar la importancia de esta ciudad comentándoles que llegó a tener una extensión equivalente a la de 50 campos de ese juego de pelota que ustedes llaman futbol y que tanto les divierte. Este tamaño está en correspondencia con su gran necrópolis, en la que se están excavando desde los primitivos sepulcros en los que se incineraba al cadáver en mi época íbera, a los más modernos romanos del siglo I d.C. en los que se practicaba la inhumación. Por supuesto estaba fortificada, con gruesas murallas y múltiples torreones. Los restos actuales pertenecen en su mayor parte a la época romana, es decir, desde el siglo III a.C. al IV d.C., en que cayó el Imperio y se despobló la ciudad; aunque la razón principal de este abandono fue el traslado del obispado a la cercana población de Baeza. Del siguiente periodo visigodo aún no se han encontrado muchos vestigios. Llama la atención, como en tantas ciudades romanas, el alto nivel de urbanización, con acometida de aguas y evacuación de las residuales. De la herencia romana destaca un mosaico, de los más grandes del Imperio. Este mosaico se llama “De los Amores”, por los motivos que lo componen, 1 Información secreta en curso de cuyas fuentes informaré en su momento.

Castillo de Cástulo

lo descubristeis recientemente, en 2012. De considerables dimensiones (12 por 6 metros), los motivos geométricos enmarcan escenas mitológicas en el centro, el Juicio de Paris y el mito de la diosa Selene y Endimión; se completa con motivos animales, alegorías de las cuatro estaciones y amorcillos (angelotes amorosos). De una gran calidad y esmerada elaboración con teselas pequeñas vidriadas, propias del Alto Imperio, llaman la atención sus colores rojos, azules y verdes; estos colores tienen la peculiaridad de haberse utilizado para esta gran obra entre los siglos I-II d.C., época en la que los mosaicos se componían en blanco y negro. Fue un anticipo al color, como le ocurrió a vuestra fotografía que surgió casi tan al principio como el blanco y negro, aunque tardó muchas décadas en generalizarse por razones técnicas y económicas. Sé que no debería difundir estas cosas porque al mosaico le puede pasar como le ocurrió a mi compañera la Dama de Baza, que terminó en Madrid, quedando en su cuna una copia… Tras la invasión visigoda, los siguientes pobladores fueron los árabes, que ocuparon las zonas de la ciudad más alejadas del río, pues ya dejó de ser navegable, y lo que les importaba era estar más cerca de los manantiales de agua para beber que de las minas que apenas explotaron; si mantuvieron el castillo de vigilancia del que queda una hermosa torre almohade. Finalmente se funda la ciudad de Linares que debe su nombre a un lugar de descanso, perteneciente a la vía militar romana, llamado Linarium. Se halla por primera vez el nombre de Linares en 1155, durante el reinado de Alfonso VII. Con la cercanía de las minas y por impulso real, se reanuda de nuevo la actividad minera que en gran parte terminó incorporándose a la Corona y Patrimonio Real. La primera regulación por Ley la promulgó en 1387 Don Juan I en Briviesca: “…todos los vecinos y moradores de las ciudades, villas y lugares destos Reynos, y eclesiásticas personas, pudiesen buscar, catar y cavar, en sus tierras y heredades, mineras de oro y plata, y azogue, y estaño y de otros metales”.

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Fundición en la zona de La Cruz

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Fundición en la zona de la Cruz

La siguiente regulación es de 1559, la “Pragmática de Valladolid”, que en 1563 fue modificada y tras ella sustituida por las Ordenanzas de la “Novísima Recopilación” en 1584, que duraron hasta la Ley de Minas de 1825. Hasta tiempos recientes, las minas no solían tener más nombre que el del paraje en el que se encontraban (como la de la “Venta de los Palacios” o la de la “Cuesta de la Parrilla”), constando así en los registros que comienzan a realizarse a partir de 1565. Desde que se fueron encontrando filones de mineral más lejos de los originarios, esta denominación topográfica se prestaba a difícil identificación, por lo que surgieron los nombres propios de los pozos (como “Cristo del Valle” o del “Calvario”). Dado que muchos nombres se repetían, a partir de la Ley de Minas de 1825 se exigió a los registradores una mayor precisión y detalles. Una de las minas más antigua e importante fue la llamada “Arrayanes”. Debido a haber sido propiedad el Estado, se disponen de ella bastantes e interesantes datos, como su origen, anterior a la ciudad de Cástulo, a la que abasteció. De época romana es su fundición llamada del “Cerro de las mancebas”. Se tiene documentación detallada, sobre todo a partir de la época de Juan I (1387), que se puede consultar5. Esta mina tuvo uno de los mayores accidentes en 1858, como consecuencia de una importante tormenta. Perecieron por la inundación de agua y escombros 17 mineros. No fue el único de los accidentes mortales que tuvo esta mina. Se conserva el nombre del último de sus trabajadores, el operario Pedro Díaz Vela, que se jubiló en 1989 al cumplir los 65 años sin que fueran atendidos sus deseos de una digna y merecida prejubilación, que vino a ser un agravio comparativo respecto a la generosidad que mostró el Estado en otras zonas del país. Otras minas famosas de la zona fueron “Pozo Ancho”, “La Cruz” (de las más antiguas y la más rica en cobre), “Los Quinientos”, “Cañada Incosa”, “Los Salidos”, “Alamillos”, “El Mimbre-San Miguel” (donde se situaban los famosos “Pozo San Vicente” y “El Calvario”), “Coto La Luz” (que contuvo uno de los más ricos filo-

nes), “La Encarnación”, “Matacabras” (con el Pozo S. José de 510 m), “El Cobre”, “San Juan”, “Palazuelos”, “Valdeinfierno” y “La Tortilla”. La Fundición de “La Tortilla”, de 1885, fue la más avanzada e importante del distrito minero y la única de Europa que completaba en sus dependencia todo el proceso de obtención del plomo. Desde allí se cargaba en ferrocarril que llegaba a sus instalaciones. En su entorno se ha construido un inacabado museo-centro de visitantes e interpretación. Curiosos los nombres de alguna minas, como “Libertad” (de 1913), “Fraternidad” (de 1915), “Democracia” (de 1916 y reinscrita en 1947) e “Igualdad” (de 1929). Los minerales que se extraían eran la muy abundante galena (sulfuro de plomo cuya variedad argentífera podía llegar al 10% de plata), las piritas (sulfuros de hierro) y los sulfuros de cobre (calcopirita o pirita de cobre) fundamentalmente. La más polémica de las fundiciones de plomo fue la de “San Luis” por diversas razones, fundamentalmente los “nocivos humos”, según informe de la época, que se agravaban por la cercanía a la ciudad, cerca del paseo de la Virgen de Linarejos. Conforme en el siglo XIX fue creciendo la actividad minera de Linares, se produjo un importante impacto social y fue necesaria más mano de obra. Ésta en un principio provino de mineros de zonas en extinción como las de Gádor en Almería (también de plomo). Entonces comenzaron a aparecer problemas de vivienda para los mineros, por no disponer la población de suficiente número de ellas, lo que les hacía hacinarse en lugares poco higiénicos y adecuados, prefiriendo pasar su tiempo en la calle y lugares de diversión que podían permitirse, dado el mayor salario de estos obreros respecto a los agrícolas. Así fueron apareciendo alojamientos en los centros de trabajo, que, aunque también hacinados, al menos evitaban los largos desplazamientos, que en muchas de las épocas del año se tenían que hacer además de noche. Aunque se ganara para

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Matacabras

malvivir, las condiciones laborales eran de extrema dureza e insalubridad, lo que recoge bien esta taranta:

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Madrugar y trasnochar subir y bajar la cuesta ganar poquito jornal. Esto a mi no me trae cuenta, a la mina no voy más.

A finales del siglo XIX comenzó en esta zona la lenta pero inevitable decadencia de la minería, que no ocurrió solo por el agotamiento de los filones o el encarecimiento de su extracción por el aumento progresivo de la profundidad (algunos pozos como el de S. Vicente superaron el millar de metros), también por

La Mimbre - San Miguel

Pozo San Vicente las fluctuaciones del mercado, que bajaban el precio del mineral hasta hacerlo incompatible con su rentabilidad. Lo que en un principio fue un avance con la introducción de la maquinaria, también supuso eliminar mano de obra y encarecer la extracción por el precio de la propia maquinaria en sí misma y por el de la energía necesaria para moverla. La energía que se utilizó al principio de la industrialización fue el vapor, para cuya producción se necesitaban ingentes cantidades de madera o carbón que fueron desarbolando la zona. En 1849 se instaló en Pozo Ancho la primera máquina de vapor para bombeo. Al vapor lo sustituyó la electricidad. Inicialmente la producción de la misma se realizaba lo más cerca posible del consumo, es decir, de las minas y fundiciones, porque era muy caro su transporte y se producían en el mismo importantes pérdidas. Esta es una de las razones de las fábricas de electricidad locales, como la Compañía Linarense de Electricidad que en 1921 montó la central eléctrica “El Arquillo”, cercana a la estación de ferrocarril de LinaresBaeza y del cauce del Guadalimar. Al principio fue solo hidráulica, pero tras el aumento de la demanda y la disminución del caudal del río en verano (¡un río que había sido navegable!) se reconvirtió en térmica. Para bajar y subir los mineros y el mineral por los pozos se construían a la entrada de los mismos unas grandes infraestructuras en las que se instalaban las poleas para accionar esa especie de ascensores, que son las jaulas de los mineros. Me refiero a las cabrias o castilletes. Se utilizaban en un principio los llamados malacates, gruesos cilindros en los que se enrollan las cuerdas de las que colgaba la jaula-ascensor; eran accionados por animales de tiro o por tornos de accionamiento humano. Luego fueron sustituidos por maquinaria (de vapor primero y electricidad después) situada en una cercana casa de máquinas. Los primeros castilletes eran de mampostería o de piedra, como el del pozo San Vicente en la mina S.Miguel, que con sus 1008 metros de profundidad es el más profundo de España2. Por cierto que cuando se estaban realizando las operaciones de clausura, en marzo de 1967, se produjo el terrible accidente que aún hoy se recuerda en la población como si hubiera sido ayer: Subiendo los seis últimos mineros en la jaula el cable de tracción se partió a escasos 70 metros de la superficie, precipitándose los mineros al fondo del pozo y falleciendo. También había cabrias de madera, pero a partir de mediado el siglo XIX solo se construyeron metálicas. Uno de estos castilletes se ha colocado en una de las rotondas de entrada a la ciudad, otro en la Escuela de Minas de Linares y otro en la Escuela de Minas de Almadén (Ciudad Real).

la mina de oro de TauTona, en Johannesburgo (Sudáfrica), con 3.900 metros; se terminó en 2008. El pozo natural más profundo del mundo es el “Miao Keng”, en la provincia de Chongqing (China); su profundidad es de 509 metros y fue descubierto en septiembre de 2006.

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2 El pozo minero más profundo del mundo es el “Western Deep Number 3”, en

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Fundición San Luis

Como actividad residual a la minería nos encontramos con “Los Terreros”. Antiguamente el plomo se extraía calentando el mineral mezclado con leña, mientras una corriente de aire trasformaba el azufre de la galena en ácido sulfuroso y dejaba libre al plomo. Esto requería una gran cantidad de madera y además producía muy bajo rendimiento, quedando gran cantidad de plomo en las escorias, hasta un 30% de metal. El campo minero quedó sembrado de estas escorias constituyendo los terrenos llamados “Terreros”; cuando avanzó la técnica, a partir de 1860, se pudo producir la explotación de estos escoriales. El trabajo en estos terrenos venía a ser tan duro como el de la mina, estando encargado a adolescentes portadores de arneses de esparto con una gaveta llena de estas tierras que le cargaban sobre sus flacas espaldas adultos más fuertes. A finales del siglo XX la actividad minera ya no era sostenible. A la caída de los precios del mercado y el duro trabajo de la mina y de los terreros se añadió la difusión del conocimiento (siempre peligrosa para el capital) respecto a los avances de la medicina que demostraron la relación con los problemas respiratorios, principalmente la silicosis, y la toxicidad del plomo para el organismo, lo que llevó a dejarlo de utilizar en cañerías, perdigones de caza, etc. Los mineros de la zona viendo como caían los compañeros dejaron de interesarse por sus minas y prefirieron emigrar. Finalmente fueron siendo sustituidos por obreros pakistaníes, que fueron el grueso de la mano de obra de estas tierras. Aún hoy habiendo pasado más de 25 años del cierre de la última mina, la de La Cruz, en 1991, se ven por la ciudad de Linares a los pakistaníes que se quedaron y sus descendientes con sus inconfundibles indumentarias. No es recomendable visitar el interior de las minas, salvo que se vaya acompañado de expertos que sepan cuales se encuentran en mejor estado. Hay desprendimientos, profundidades considerables y abundantes víboras. Las minas, abandonadas, no están todavía preparadas para este interesante turismo de profundidades; es más, el nuevo centro de acogida al visitante de “La Tortilla” y su correspondiente museo están inacabados porque les pilló la crisis; si se puede visitar el tradicional Centro de interpretación del paisaje minero y su pequeño museo, en la que fue antigua y bella estación de ferrocarril de Madrid. Sí es muy recomendable, al terminar las agotadoras jornadas de visitar las múltiples minas, pasear por el centro de Linares y entrar en sus tabernas (muchas de ambiente taurino) en las que obsequian con abundantes tapas incluidas en el precio de la bebida. Un acto de reposición inevitable.

-------------------------Referencias bibliográficas: 1. Aníbal, en https://es.wikipedia.org/wiki/Anibal. Consultada en febrero 2016. 2. Araujo, Concha. Cástulo, en http://www.eldiario.es/andalucia/pasaporte 3. http://www.linares28.es/2012/08/31/descubren-en-castulo-un-mosaico 4. Sola, Ana, en http://www.ideal.es/agencias/20130505/mas-actualidad/ cultura/castulo-Mosaico 5. Gutiérrez Guzmán, F. Las minas de Linares, apuntes históricos. Ed. Col. Ings. Tc. de Minas. ISBN 84-930339-1-X. Linares 1999. 599pp. 6. Díaz Delgado, M y Civanto Redruello, AJ. Reproducción infográfica de un castillete minero del distrito de Linares. IV Congreso Internacional sobre Patrimonio Geológico y Minero. Utrillas-2003. S-4, C-05, pp.549-558 7. Bloger Pacote en: http://linaresindustrialyminera.blogspot.com.es/p/minas.html 8. Quiero agradecer al Dr. Juan Díaz Oller, ilustre linarense, el haberme dedicado tres días de su tiempo en acompañarme e ilustrarme acerca de este, en otro tiempo, emporio minero.

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Escuela de Minas de Linares

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Los poderes por Gloria Soriano Qué Kezzin me perdone por lo que voy a decir. Miro su foto y veo a España. Ya sé que lo de aquí es más de vodevil, amén de otras diferencias. Ni los curas ni Rajoy llevan las sayas largas, y los de rojo peinan coleta, pero mantienen ese aire de novia despechada. Todos juntos compartiendo escena. ¡Menudo panorama! Entre ellos ni se miran, ni se hablan. Por su pose desconfiada, rayando el desprecio, se nota bien que son rivales. En lo más alto, aunque caído del azul divino de las mayorías, está él, no se cansa de decirlo. En tierra el soldado apuesto asido a una espada para luchar una guerra de misiles. Y ella, la más bella, la esperada, la deseada, reclama caprichosa los diamantes para hacer su revolución, para cambiar el mundo, aunque ese mundo no pueda abarcar ni a Europa, y defiende su ideario con soberbia de mal agüero, la misma que ha sembrado de dictadores la historia. En el escalón más bajo, el de siempre: el pueblo llano feliz por un día, aquél en el que derrocó a los poderes mayoritarios, hoy desconcertado suplica como un niño a sus padres, que no se divorcien, que lleguen a un acuerdo. •••

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20.12.2015 - Elecciones generales 04.03.2013 – Fallida sesión de investidura para la formación de nuevo gobierno 08.03.2016 – Fecha de creación de la reseña Tal vez de aquí a un mes, cuando se publique la revista Luz y Tinta, la situación en España haya cambiado, pero la foto de Kezzin seguirá siendo de plena actualidad.

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Vanesa, Kumi y Akira como Raishin Akabane del anime machine doll, Akemi Homura devil de la pelicula de madoka magic , Katarina, del juego League of Leguends

CometCon 2016 Parece que fue ayer cuando celebrábamos CometCon 2015, pero ya ha pasado un año desde entonces. La edición 2016 tuvo lugar los días 5 y 6 de marzo. Pero hasta llegar a su celebración pasó un año de arduo trabajo por parte de la organización, así como colaboraciones con otras asociaciones para diversos eventos. Este año nos enfrentábamos a un gran reto en la cuarta edición, dada la afluencia que hubo el año pasado en el Auditorio Príncipe Felipe (14.000 personas en los dos días que duró la convención), la celebración de esta edición sería en el Palacio de Exposiciones y Congresos Ciudad de Oviedo (conocido como PEC por los foráneos). Era un entorno nuevo, bajo la estética del arquitecto Santiago Calatrava, espacioso, iluminado, bien comunicado y con un salón de actos con capacidad para 2.200 personas. Pero ¿qué es CometCon? Es una Convención Juvenil de Cultura y Ocio Alternativo de Asturias, un evento gratuito con múltiples temáticas entre las que incluye la ciencia ficción, cómic, literatura, música, cosplay, videojuegos, juegos de mesa, rol, baile, artesanía, coleccionismo, cine, televisión, concursos, talleres, torneos, conferencias, proyecciones, mesas redondas, gymkhanas, conciertos, presentaciones, firmas, proyectos, espectáculos, monólogos... una programación completa durante dos días intensos donde se pudo disfrutar también de la presencia de varios invitados especiales nacionales e internacionales. Cada edición es una edición diferente, viva, se busca que, aunque tenga una estructura definida, sea a la vez innovadora y única cada año. Esta innovación es lo que hace que cada vez atraiga a más visitantes. Los que han venido en otras ediciones quedan encantados, hablan de ella y animan a más personas a venir a conocerla. El apoyo a los jóvenes artistas y artesanos es uno de los principios por los que se rige CometCon por lo que en hubo más puestos artesanales a parte de una gran variedad de tiendas de toda España.

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por Juanjo Pascual

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Izquierda, Nekosandra Cosplay como Annie Invernal, del videojuego League of Legends

Este proyecto fue posible por la estrecha colaboración del Ayuntamiento de Oviedo, de todo el equipo técnico y directivo de la Oficina de Congresos, así como de la extensa lista de empresas, asociaciones, colaboradores y participantes que cooperan cada año para hacer que CometCon despegue cada vez con más impulso. Lo cual hay que agradecer a todos ellos. El invitado internacional de esta edición fue Pierre Alexandre Geraert, un cosplayer francés especializado en armaduras. Gran amante del recreacionismo, la robótica, el trabajo del cuero y la fabricación de accesorios. Papa Cosplay se convirtió en 2015 en ganador del primer premio del concurso de cosplay de la Blizzcon, el evento internacional de la desarrolladora Blizzard Entertainment, con su impresionante armadura de Marine Medieval de Starcraft II. La cual trajo a este evento. Dicha armadura pesaba en torno a los 25 kilogramos. Esta fue su primera visita a España como invitado especial del área de cosplay de CometCon’16. Dio una charla-taller sobre trabajo con cuero, transmitió sus experiencias en las mesas redondas sobre cosplay y fue jurado internacional del concurso Cosplay Stage. M O R G A N E design (cosplayer sevillana) como invitada nacional nos sorprendió con todas sus facetas artísticas, dibujante, diseñadora, moldeadora, fotógrafa y cosplayer, destacando en todo lo que hace y muy bien sea dicho de paso. En su página de Facebook, Morgane ofrece imágenes, contenidos y tutoriales de: Modelado en resina, pintura, diseño, ilustración, fotografía y edición fotográfica, cosplays y creación de piezas para cosplay. Askal Cosplay, grupo formado por la pareja de cosplayers españoles Astron y Kali, también formó parte de los invitados nacionales. Ganadores de la representación española junto con Taku para el concurso internacional European Cosplay Gathering - ECG (París 2016). Fueron los presentadores del Concurso de cosplay, con una presentación muy dinámica, ganándose al público, haciéndolo participar

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Derecha, Vilhelm Byte como Jacob Frye del videojuego Assassin’s Creed Syndicate

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Nota que se puede poner como texto a parte: “Viner viene de vine una aplicación de iphone que graba videos de seis segundos, ha creado tendencia dentro de los jóvenes y empresas como nueva alternativa para compartir contenido en las redes sociales” Enlaces de interés: Papa Cosplay: https://www.facebook.com/Papa-Cosplay-308461022660458 MORGANE desing: https://www.facebook.com/CosplayDesignMORGANE Askal Cosplay: https://www.facebook.com/AskalCosplay Topper Jart Cosplay: https://www.facebook.com/toppercosplay Cristian y Cristina: https://m.facebook.com/wcsteamspain/?__mref=message_bubble Fuentes: www.CometCon.es https://www.facebook.com/CometCon.Asturias

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Papa Cosplay con su armadura del juego StarCraft II

e incluso dando juego a los fotógrafos ya que de repente Kali se tumbó en el suelo y dijo algo así como “chicos preparad vuestras cámaras” y empezó a posar para nosotros. También participaron en diversas actividades, así como en mesas redondas y charlas de cosplay. Cristian y Cristina son dos cosplayers españoles nacidos en Huesca y Murcia respectivamente, pero afincados en Huesca desde hace años. En el Salón del Manga de Barcelona (noviembre de 2015), Cristian y Cristina actuaron con sus cosplays de Tsunade y Jiraiya, del popular manga y anime Naruto, llevando además el sapo gigante Gama. Su dinámica y espectacular actuación les valió la representación española para la World Cosplay Summit de 2016, un gran concurso de cosplay que se celebra anualmente en Nagoya (Japón). Y para cerrar el apartado de invitados de cosplay hay que mencionar a Topper y Taku, dos cosplayers madrileños miembros del portal web nacional de noticias, eventos y actualidad del mundo del cosplay EsCosplay, además Topper es el representante de España para el concurso internacional Eurocosplay 2016, de Londres, y Taku participará también como representante español, junto con la pareja de cosplayers Askal Cosplay. Topper y Taku dieron cobertura completa del concurso y actividades de cosplay del evento, y participaron en diversas actividades, mesas redondas y talleres con los demás invitados. También se contó con la participación del grupo de jóvenes animadores, creadores y humoristas y youtubers V de Vombilla (su nombre es así a posta con” V”). Participaron con un buen número de actividades tanto para mayores como para los más pequeños de la familia. Concurso de habilidades, trivials, gymkhanas, juegos... todo ello con una temática y ambientación características, que en esta ocasión fue sobre superhéroes. Pero hubo muchos más invitados, Terafobia (escritora y youtuber), Loulogio (artista, humorista y youtuber), Outconsumer (Periodista, gamer y youtuber), Dayoscript (Periodista, crítico y youtuber), Señor Serpiente (Youtuber de videojuegos), Kibadubs (Actor de doblaje en youtube), Manuel Ortega Lasaga (Director de cine), Fukuy (Profesor y diseñador de videojuegos), Viners (Dnez, DaniArgü, Dddiegggo, Aldo Basi). Esta edición ha sido increíble en los dos días 25.500 personas asistieron al evento. El sábado alrededor de las 15:00 se completó el aforo del PEC (5.200 personas), tal afluencia de público provocó una larga cola de unos 500 metros aproximadamente. Hubo personas que llegaron a esperar noventa minutos para poder entrar, pero la espera mereció la pena. El sábado asistieron 16.000 personas, el domingo 9.500. Fue un duro trabajo para todo el equipo y un reto que logró superarse. Ver como disfrutaban niños, padres y abuelos fue la mejor recompensa que podíamos tener. Los locales de restauración del centro comercial situado debajo del PEC quedaron muy contentos por esta afluencia de público.

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Ortopedia en la fotografía KELDA – SIOCORE – OTING –WALIMEX - OPTEKA – ROKINON Empezando así una conversación, pocos sabemos de lo que va a tratar esta vez el apartado de Luz y Tinta, pero si continuo con MIKATON –PENTAX – SONY – PANASONIC – OLIMPUS – SAMYANG – TOKINA – SIGMA – TAMRON – CANON – NIKON. Ya nos va a sonar a objetivos. Salvo que tengamos un conocido al que preguntar y que sepa de lo que van los objetivos, todos compramos la réflex y el famoso 18-55 mm a f/3.5 (porque nos lo han impuesto comercialmente) y nos vamos para casa con unas ganas locas de abrir la caja y empezar a disparar más que Rambo en la película y a lo que sea, al cuadro del salón, al perro, a la pareja esa que siempre nos dice “¡No me saques fotos con estos pelos y en pijama¡”. Y volvemos al perro, el que lo tenga. ¿Por qué las primeras marcas nos quieren espetar este tipo de angular, si para corto es largo, para largo es corto y para retratos ya empieza en aperturas de 3.5? La pregunta de siempre es: “¿que objetivo me aconsejas comprar?” La respuesta es la todos: “¿qué fotos te gusta hacer?” Y siempre es la misma respuesta del que quiere comprar: “de todo”. Y además, como ya somos ‘expertos’ en el tema le decimos que la focal fija y un f/2.8, que los grandes angulares y los cortos y si las aperturas son para una cosa y... hasta que nos hacen callar diciéndonos: “venga, chaval, ya vale de bacileos, ¿cuál?” 18-200, el mejor. El 18-200 mm. Esto es la realidad, y no me lo negará nadie. Aquí nosotros ya somos de otra pasta y ya llegamos a hablar de focales como verdaderos expertos (todos menos yo). Conozco “fotógrafos” que han comprado objetivos, por el precio alto al que se lo vendieron pero que realmente no saben lo que compraron hasta que lo sacaron

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por Ricardo González “Completu”

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a la calle y vieron que servía para corto, medio, largo o retratos. Ya después nos vienen comentando que era lo que ellos querían. Uno de los objetivos mas preferidos por los profesionales de la BBC (Bodas, Banquetes y Comuniones) es el famoso 24-70 mm a f/2.8, porque les da un margen de alejamientos y cercanía relativa hacia sus propósitos del momento. Para puntuales enfoques en largas distancias, cada vez nos acercamos mas a los teleobjetivos de mirar a Marte y ahora están saliendo para usuarios de a pie, los famosos 150-600 mm. Con lo de los retratos, ya lo tenemos claro del todo, los fijos se llevan la corona de laurel. A los antiguos técnicos de la fotografía, era fácil pillarlos con las palmas de las manos abiertas delante de los ojos y recortando encuadres. Sencillamente, miraban el ángulo de plano a retratar, según qué objetivo portaba. Cuando abrimos imagen desde el objetivo, siempre valoramos en principio la distancia de la horizontal para luego hacer la foto. Unas revistas atrás, comentaba de un maestro que explicaba como podíamos relacionar las medidas de ángulos con el entorno, pero ahora también tenemos que saber lo que llevamos entre manos. Un objetivo fijo de 50 mm, tiene un ángulo de visión horizontal de 40º. Un 35 mm fijo abre 63º. El 24-70 mm desde 74 a 84º. El 70-300 mm de 29 a 34º. Un 10-22 mm de 97 a 107º. El 11-16 mm de 104 a 82. Y ya los denominados ojos de pez en formatos de 10,5 a 8 mm que abren hasta los 180º. Ahora ya tenemos una referencia en que pensar, cuando queramos hacer una fotografía del tipo de sea. Cuando alguien como yo, al que le gusta el montaje fotográfico y aquellos que nos llama la atención por lo inusual, nos lleva a un determinado objetivo muy particular y en mi caso perseguía un 8 mm fijo y la pregunta era ¿qué más hace que sacar jorobas a las fotos?, porque eso era lo que había visto en todas las fotos que hay en Internet. Bueno, esas y las otras que hacían una foto con un humano con cabezón distorsionado, un ángulo de coche deforme o la típica de una plaza o el interior de una iglesia con las paredes y techos torcidos. Todas las marcas tienen este tipo de objetivos pero desde mi primer punto de vista son “barriles” que no valen para tomas profesionales, así que tuve que valorar que si lo compraba era para divertirme, no como rentabilidad. Las escasas opiniones sobre estos temas en Internet están más hacia que este tipo de ojo de pez no admite flash, no tiene contactos para automáticos, son caros, difíciles de enfoque, los baratos son solo manuales, etc. Los precios van desde 2.200 € del 11-24 a f/4, hasta los 110 € de una marca que no la conocen ni en la misma casa de ellos y, que quienes lo compraron vertieron muchas quejas. Mi valoración fue que, viendo que tengo algunos conocimientos de PhotoShop, creo que me lo puedo pasar bien, haciendo este tipo de fotos con un 8 mm y aper-

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Conozco “fotógrafos” que han comprado objetivos, por el precio alto al que se lo vendieron pero que realmente no saben lo que compraron hasta que lo sacaron a la calle y vieron que servía para corto, medio, largo o retratos. Ya después nos vienen comentando que era lo que ellos querían.

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turas de 180º, que es la visión humana sin mover la cabeza, es el ángulo de visión de izquierda a derecha. Ejem, ejem... Menos un amigo mío que tiene una protuberancia nasal abundante, y que mientras hizo la mili en la marina lo llamaban “Timonel”, que este tiene que mover la cabeza 90º dos veces para los 180º. Para quienes no tengan este tipo de juguete, y quisieran saber más sobre él, diré que si durante la visión se baja la máquina, se hace una curva cóncava por abajo. Si se sube, hace una curva conversa en la parte de arriba. Colocando la horizontal en el medio, sale bastante bien pero los laterales se nos vienen encima. Los planos desde cerca tienen que ser desde muy cerca, y para un ejemplo pongo la foto del dinosaurio que fue tomada casi rozando el hocico del muñeco. (Por detrás de él se puede ver la curva, pero en este caso no molesta). La mesa y el motor son otro ejemplo de acercamiento y todo el ancho de vista que me interesaba, para un trabajo que tengo que entregar en breve para una promoción de empresa. La foto del gimnasio, está sin retocar porque me pareció más interesante su entrega así, ya que llama más la atención. Ahora si lo que nos interesa es modificar el horizonte solo tenemos que seguir las instrucciones de la imagen que aporto de mi pantalla de PhotoShop con los pasos de EDICIÓN/ TRANSFORMAR/ DEFORMAR., con una guía central que nos valdrá como referencia de horizontes. ¡Ah, que lo de “ deformar”, no es mágico, que hay que tirar hacia abajo o hacia arriba y, si queda sin espacio arriba o abajo, hay que reformar con TRANSFORMACION LIBRE. Creo que todo esto queda perfectamente reflejado en las dos fotos en una, con una visión de 180º y rectificados el horizonte.

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Por cierto que mi 8 mm, es totalmente manual y que tiene dos anillos en el objetivo, uno para variar el ajuste de enfoque y otro para cerrar o abrir el diafragma. O sea que, como los antiguos y sus locas máquinas de fotos. Al final tengo un objetivo que me da buenos ratos y además lo puedo aprovechar para mis trabajos. Ahora quienes hemos leído esto, al ir por la calle, iremos pensando sin mover la cabeza y con el rabillo de un ojo hacia la izquierda y después con el otro hacia de derecha, eso de “estoy viendo en 180º, como lo que comentaban en Luz y Tinta 57 y el ojo de pez”.

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Alex Castro

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Al igual que en anteriores números, seguimos con los trabajos de diferentes autores en relación con el cuerpo. Este mes nos acompaña con sus trabajos Alex Castro, que ha creado un bestiario de la era Photoshop, haciendo un revoltijo de especies y despertando al animal que todos llevamos dentro. En esta serie, Regresiones, el diseñador mexicano Alex Castro mezcla cabezas de animales con torsos humanos. Las imágenes son increíbles, naturales y un poco inquietantes. Estas fotos, que han sido destacadas en la portada de la vanguardista revista Picnic, muestran personajes como, por ejemplo, un mono ataviado con una sudadera, un cuervo con un traje resplandeciente y hasta un elegante avestruz adornado con collares de cuentas. Aquí y allá, aparece una mano o un brazo humano. Alex demuestra tener un impresionante dominio tanto del retrato clásico (encuadre, iluminación, tonos y expresión, todos están ahí) como de la manipulación digital contemporánea. Al fusionar monos, pájaros, ciervos y demás con bustos humanos, dota a estas bestias de emociones que no pasarían desapercibidas en los retratos de animales tradicionales. De forma bella y sutil, Alex nos recuerda que no estamos tan lejos del mundo natural y que, de hecho, a lo mejor no somos la única especie capaz de pensar de forma contemplativa.

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La nieve y la sonrisa por Claudio Serrano

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Como siempre, las fotos de Nadima vienen envueltas en ese halo poético que despierta los sentidos y hace mirar por las ventanas del alma más allá del horizonte, más acá de los propios pensamientos. Sorprende de estas fotos la sonrisa de los protagonistas de esta historia de nieve, quizás porque el subconsciente asimila la nieve con esos parajes y paisajes de dureza total, en los que resulta difícil desplazarse, en los que la vida es más dura si cabe que en otros lugares y en los que sus protagonistas sufren el rigor del clima en carne viva. La literatura nos da muestras suficientes de esta dureza en las obras de Gorki, incluso en aquel romántico correo del Zar que nos pintara Julio Verne desde su imaginación desbordada. Pero es quizás aquel poema de Nicanor Parra en el que resalta toda la crudeza de la nieve y su historia, aquel mundo de Siberia asociado al dolor de la represión: “Empieza/a/ caer/ otro/ poco/ de/ nieve”, nos recuerda las palabras del joven Pushkin, para a continuación poner su dedo en todas las llagas: “Como si fuera poca/ toda la nieve que ha caído en Rusia/ desde que el joven Pushkin/ asesinado por orden del zar/ en las afueras de San Petersburgo/ se despidió de la vida...” Y sin embargo los modelos de estas fotos de Nadima tienen abierta la sonrisa. Quizás porque disfrutan de juegos en la nieve. Acaso porque, como el poeta Antonio Machado, imaginan la vida más allá de la nieve, más allá del invierno: “Al borrarse la nieve, se alejaron/ los montes de la sierra,/ la vega ha verdecido/ al sol de abril, la vega tiene la verde llama,/ la vida, que no pesa;/ y piensa el alma en una mariposa,/ atlas del mundo, y sueña.” Sueña quizás también la nieve en el fin del invierno o en el calor del hogar y el samovar pleno de té humeante. Y por supuesto, en la primavera que ya anuncian los ciruelos en flor. Por eso la sonrisa, como premonición de un nuevo mundo.

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Diferentes estilos de fotógrafo ¿Cuál es la diferencia entre un fotógrafo comercial, un fotógrafo editorial y un fotógrafo publicitario? Veo que estos términos se utilizan mucho por ahí, algunas veces, dos juntos, algunas veces, uno solo y algunas veces, los tres. ¿Son similares o hay entre ellos grandes diferencias? *** La manera fácil de diferenciar fotografía publicitaria y comercial de fotografía editorial es esta: La publicitaria y la comercial “venden algo” La editorial “dice” algo. Analicémoslas un poco y añadamos un poco más a la mezcla. Conocer la diferencia entre los géneros puede ayudar a definir qué hacer cuando sales al mundo y vendes tu trabajo.

Se especializa típicamente en el tipo de fotografía que se ve en anuncios impresos o en carteles o como parte de una campaña de Internet. El camino tradicional para conseguir trabajo, consiste en ser contratado por una agencia de publicidad, aunque muchos fotógrafos publicitarios trabajan directamente para los departamentos de ventas y marketing en compañías que necesitan fotos para vender un producto o servicio. Ejemplo; la agencia que trabaja para una determinada marca de pantalones vaqueros, te pedirá que consigas imágenes para una compañía internacional de publicidad. Tu trabajo entonces estará en la Web, en revistas y en los laterales de los autobuses vendiendo la determinada maraca de pantalones. La fotografía publicitaria es típicamente impecable y bien producida. Las imágenes pueden no ser necesariamente fotos de un producto o servicio actual. Puede estar creando imágenes que simplemente transmitan el sentimiento o estado de ánimo que representa el producto o el servicio. El equipo, típicamente, estará formado por el fotógrafo, el director creativo, el director artístico, los asistentes del fotógrafo, los asistentes de producción, un productor, peluquería, maquillaje y los

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Fotógrafo publicitario. (foto1)

Foto 1. Esta imagen de Luis Gil, no es una persona o un producto en particular. Es más un trabajo sobre la luz, color y sentimiento. Yo consideraría usar esta imagen en mi portafolio si tuviera una cita con un cliente publicitario, pero me gustaría emparejarla con otra foto que compartiera la misma paleta de color y “sensación”. No dudaría en ponerla en un libro si tuviera una cita con un cliente comercial o corporativo.

modelos. Los diseñadores gráficos y retocadores trabajan con el equipo para llevar la imagen desde el concepto hasta la imprenta. Fotógrafo Comercial. (foto 2) Es similar a un fotógrafo publicitario, la clientela es más amplia y los encargos, en general, no involucran tanto como un trabajo publicitario. Dicho sencillamente, el fotógrafo comercial está al servicio del mundo comercial. Esto puede consistir en hacer retratos de la junta de directores o en fotografiar una nueva planta de producción o los productos que la compañía fabrica. Equipos y presupuestos generalmente son más pequeños, pero no siempre es el caso. Las fotos que tomas pueden terminar siendo publicidad de las compañías para las que trabajas. Una compañía determinada puede pedirte que fotografíes a su presidente, la fiesta de la oficina por Navidad o hacer fotos del interior y exterior de sus nuevas tiendas, para luego usarlas en su sitio Web o en la documentación interna de la empresa. La fotografía comercial tiende a ser muy sencilla en estilo. Le falta la gran producción que conlleva la fotografía publicitaria, pero no acaba de tener la sensación espontánea del fotoperiodismo y del trabajo documental. La “fotografía corporativa” con mucha facilidad encaja en la categoría comercial, pero puede ser muy diferente de lo que un fotógrafo se define asimismo especialmente como un fotógrafo corporativo. Se trata más de un “nicho” dentro de la fotografía comercial.

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Fotoperiodista/ Fotógrafo documental.

Yo voy a soltar esto porque algunas veces te puedes encontrar perdido en medio de estas clasificaciones, especialmente , el fotoperiodista un día puede llegar un sombrero de fotoperiodista y al otro día un sombrero editorial. El fotoperiodismo es fotografía rotundamente no dirigida. Eres más como una mosca en una pared que parte de un proceso donde diriges a los sujetos sobre lo que tienen que hacer. Puedes utilizar un pequeño flash aquí y allí, pero no estás usando paneles difusores en este trabajo. Tus encargos pueden abarcar desde deportes a retratos característicos (fotos del día a día, como niños jugando en una boca de incendios un caluroso día de verano) a historias a largo plazo sobre un problema de la comunidad o de una persona concreta. Y tu estás allí como un contador de historias o como un observador, intentando mantener la apariencia desde un punto de vista imparcial. La fotografía documental es un pariente cercano del fotoperiodismo, pero algunas veces hay un poco más de espacio para la expresión y la dirección creativa. Alguno me podría colgar de un mástil por decir esto, pero la fotografía documental puede implicar un poco más de iluminación. Puede involucrar retratos dirigidos. Puede ser un disparo de gran formato y pueden ser copias de virado al selenio. El objetivo final es decir algo, no vender algo. Fotógrafo editorial. (foto 3)

Foto 2.

Generalmente, la fotografía editorial se está disparando para revistas y secciones de los periódicos. Un fotógrafo de prensa (fotoperiodista) no es un fotógrafo editorial y viceversa. Como fotógrafo editorial a menudo hace retratos; sin embargo, puede incluir fotos de viajes, de comida, de arquitectura, etc. Si Conde Nast fuera a producir una historia sobre Francisco Trinidad, que es el director ejecutivo de una revista de fotografía de Internet, te pedirá fotografiar a Francisco Trinidad para su revista. El editor también puede pedir imágenes de la oficina Francisco Trinidad o de Luz y Tinta. Imagina que una revista podría hacer una historia sobre la cultura corporativa de Google y contratarte para fotografiar la gente, el espacio y los detalles de esa cultura. Aquí te pones un poco el sombrero de fotoperiodista/fotógrafo documental/ fotógrafo editorial. O imagina que la revista Time te encarga ir a las oficinas centrales para fotografiar a su presidente para un articulo que están escribiendo ellos. El estilo de la fotografía editorial está entre el fotoperiodismo y el trabajo documental con un poco de comercial incluido. Lo editorial puede resultar impecable como lo publicitario pero con más iluminación, mas equipos y más retoque. O puede ser muy sencillo y sólo ser un fotógrafo, el sujeto, una fuente de luz, y sin retoque. Generalmente, los encargos editoriales implican al fotógrafo, quizá

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Esta foto de Albert Watson, fotógrafo escocés muy conocido por sus fotos de moda, celebridades y la fotografía artística, y cuyo trabajo está presentado en galerías y museos de todo el mundo, fotografió a Steve Paul Jobs, Informático y empresario estadounidense. Padre del primer ordenador personal y fundador de Apple Computer, probablemente la empresa más innovadora del sector. Esta imagen es una especie entre comercial/corporativa/editorial. Se hizo para la portada de un libro de Walter Isaacson, este libro es una publicación editorial de Simon & Schuster, por tanto es algo comercial. El sujeto es Steve Paul Jobs, más conocido como Steve Jobs, fue un empresario y magnate de los negocios del sector informático y de la industria del entretenimiento estadounidense fundador de Apple, NeXT, por tanto se puede considerar un trabajo comercial. Se puede observar cómo estos subgéneros pueden ir juntos. Al final es un retrato editorial/comercial.

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a un asistente y al sujeto. Tratas con gente corriente en estos encargos, en vez de contratar a gente con talento para hacer de sujeto. La razón por la que se mezclan los estilos publicitario, comercial, editorial y documental es porque dependen del estilo del cliente final. Puedes encontrar un estilo editorial de retratos en el mundo publicitario. Puedes encontrar retratos impecables y muy bien producidos en encargos de revistas y puedes encontrar enfoques documentales en trabajos de revistas comerciales. A un fotógrafo comercial se le puede pedir fotografiar una nueva instalación de una fábrica con un estilo documental. Del tipo “un día en la vida de” con luces y asistentes y todo lo que puede haber alrededor dirigiendo este “veraz” momento , o el fotógrafo de hecho puede ir a capturar momentos realmente auténticos. Sin embargo, en el mundo comercial no puede disparar una imagen que parezca como fotoperiodismo, aunque esté iluminado y dirigido completamente. Cosas como la fotografía de moda o de música llenan el hueco entre estos estilos. Un fotógrafo de moda puede realizar un encargo editorial y una campaña publicitaria en la misma semana. Un fotógrafo de música puede disparar lo que un fotógrafo editorial o fotógrafo comercial. Un fotoperiodista puede iluminar un retrato para un encargo y, a continuación, disparar una foto de comida en una mesa y, después, seguir con el equipo local de fútbol en un campeonato. Los fotógrafos se ponen ellos mismos estas etiquetas para comunicar a la gente lo que ellos disparan y cómo disparan. Uno puede colocarse directamente en el campo “editorial” en cuanto al tipo de trabajo que realizas y el estilo de trabajo al que disparas. Puedes moverte hacia lo documental más fácil que hacia el impecable estilo publicitario. Para disparar el trabajo publicitario que te gustaría hacer, necesitarás encontrar clientes a los que les guste una mezcla de editorial/documental; muchos estilos encajan ahí. Personalmente admiro el estilo sencillo. Con una producción básica. Equipos pequeños. Que se puedan mover con la iluminación y la dirección en busca de momentos auténticos y espontáneos con bastante facilidad. Que también puedan manejar equipos numerosos y disponer de un productor. Esto te permitirá tomar encargos de publicidad, pero el estilo con el se dispare en esos trabajos pertenecerá al campo editorial. Dentro de este estilo también se pueden realizar trabajos comerciales u otros más sencillos.

Foto 3 El fotoperiodismo versa más sobre momentos y el fotógrafo es como un observador en lugar de un director o colaborador con sujetos. El fotógrafo asturiano Joaquín Bilbao, desgraciadamente fallecido a principios del 2015, fue testigo de los momentos más importantes de la historia de Asturias en las últimas décadas. La foto la tomó a otra gran persona que tampoco está ya con nosotros, se trata del cántabro Manuel Preciado que falleció en el verano de 2012. El momento capta a Preciado, entrenador del Sporting de Gijón, rodeado de periodistas tras lograr el ascenso a primera con el Sportin. Sin duda una foto maravillosa para los sportinguistas, en un momento de mucha alegría.

Foto 4 Daniel Carbonell Heras, conocido artísticamente como Macaco (Barcelona, 6 de agosto de 1972) es un cantante español. En sus orígenes como músico callejero en las ramblas de Barcelona recluta a músicos de diversos países como Brasil, Camerún, Venezuela o España, y arranca su propio proyecto multicultural bautizándolo con el nombre de su apodo: “Macaco”. Su música es una mezcla de rumba, reggae y funk con acentos electro de música hispanoamericana y de rumba. Canta en diferentes idiomas, entre ellos el español, portugués, francés, inglés, catalán e italiano.1

Wikipedia

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‘Historias Tattooadas’ de Macaco que hizo vibrar la plaza de la catedral en las fiestas de San Mateo de Oviedo en 2015. Fue fotografiado durante el concierto por Guendy. Para mi este es un típico trabajo editorial.

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Fotógrafos Húngaros contemporáneos Károly György Tamás por Ilona Gögh

Entrevista realizada en Budapest al Presidente del ABFA (Asociación Ad Hoc de Centro de Fotografía Creativa de Budapest) el 16 de marzo de 2016, durante un encuentro de paseo fotográfico por la Isla Margarita. (Foto y entrevista por Ilona Gögh)

Siendo niño, no sé cómo, la cámara fotográfica de la familia siempre llegó parar a mis manos… Ya no recuerdo bien-bien de qué marca fue aquella, pero fijo que tenía una estructura super sencilla. De esa manera me vi obligado a aprender la correlación entre la apertura, velocidad de obturación y la sensibilidad… Hacíamos muchas excursiones, pero yo lo que más esperaba durante esas

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—Cuéntame brevemente sobre ti… ¿Cómo fueron los comienzos tuyos con la fotografía?

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salidas fue la posibilidad de hacer fotografías. Finalmente, al cumplir los diez años, mis padres me regalaron una cámara Smena Symbol, de marca soviética, una cámara compacta con un objetivo fijo de 40mm, f/4 de diafragma, nada de medición de luz, ni más lujos… Con esta cámara y fotografiando cuantos acontecimientos familiares, comenzó ese amor. —Explícame algo sobre tus fotos, cuáles son tus temas favoritos…? Solía comentar respecto a mis temas favoritos que lo son las construcciones derruidas, abandonadas y las mujeres bonitas y agraciadas…- o al revés. Me gusta cambiar el carácter de las personas por medio de las luces, o para explicarme mejor, rescatar aquellas facetas suyas que tal vez hacía tiempo habían olvidado ya. En una sesión de retratos me paso con la conversación previa, como mínimo, las mismas horas que con los actos de disparo efectivos, ganando de esta forma más probabilidades de capturar algunas migas más de la personalidad de mi modelo, y en mis fotos pongo todo mi empeño en reforzar aquellos signos positivos de la personalidad que creo haber descubierto. Me agradan también aquellas fotos basadas puramente en juegos de luces y sombras, sobre todo en las que se muestran también las propiedades materiales de las luces. —¿Tus ejemplos en la historia de la fotografía…? Ansel Adams. Practicaba el uso de las luces de forma consciente, y levantó su voz contra la eventualidad de los disparos. Junto a la visión artística, cobra no menos importancia el alto conocimiento de la profesión fotográfica y su uso en la práctica. Los registros fotográficos no es que “han salido bien”, sino hay que realizarlos bien, decía. El sistema de zonas por ejemplo es su mérito imprescindible, al mismo tiempo que sus fotos crearon una visión completamente nueva, que desde aquella vez muchos siguen intentando copiar.

Lo mismo hago uso de los medios modernos y como de los arcaicos. Estoy usando principalmente una cámara digital DSRL, pero con frecuencia le echo mano también a mi base analógica, de esa actualmente tengo una sola, pero es compatible con mi equipamiento digital que me permite el uso de objetivos comunes. Lamentablemente, por razones de tiempo y costes prevalecen los trabajos digitales, pero aún hoy queda una capa –tal vez más exigente-, que destina su dinero para cubrir los gastos de la tecnología analógica también. De todos modos, a veces también hago uso de mi primera cámara analógica, principalmente para cubrir bodas, ya que se puede lograr con ella una tomas retro muy agradables sin trucos algunos.

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—¿Con qué equipos y técnicas trabajas..?

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—Tu participación en exposiciones, premios, diplomas…? Hasta el momento no dedicaba interés en ellos… Hace unos años que empecé meditar en que habría que crear algo también para la posterioridad, porque hasta ahora fotografiaba principalmente para clientes, o para mi familia y amigos, es decir la fotografía jugaba un papel de trabajo u ocio en mi vida, pero ya llegó la hora de tomar algo más serio los factores artísticos de la fotografía. Por otro lado, no me es nada ajeno la autoexpresión artística; pintaba y dibujaba durante años, se editó también un poema mío en una prestigiosa revista literaria…

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—¿Cómo nació la asociación por ti dirigida (ABFA)...?

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Al comienzo de fortalecer la línea de creación artística me di cuenta de la necesidad de crear un grupo que es como se presta probabilidad para el desarrollo. Conocer diferentes puntos de vista, analizar otras visiones de cada uno de los temas es lo que amplía los propios límites. Otra de las razones fue percatarme de que también resulta mucho más fácil también ir navegando en grupo en aguas internacionales que cabalgar de caballero de La Mancha, con ayudante, pero en realidad solitario. Se encuentran más fácil los caminos correctos, se es más fuerte teniendo una base detrás, con quien contar y los que ahuyentan a uno si no se es completamente compatible con la realidad… Me reuní con algunos amigos y colegas, hemos conversado largamente sobre el tema..., ellos pensaron igual.

—¿Tus proyectos respecto al futuro…? Los fines de nuestra organización son los míos propios. Exposiciones comunes, apoyo mutuo en el desarrollo profesional, participación en foros técnicos, y todo lo demás con la que poder elevar el nivel profesional de la organización y de cada uno de sus miembros, ese es el fin. En mis próximos planes está realizar un curso de retoque digital, una exposición y realizar muchas alegres salidas fotográficas. Considero importante las relaciones con otras organizaciones, no podemos reducirnos territorialmente y de ninguna manera quedar estrechos... Puedo entregar mucho a futuras generaciones en cuestiones técnicas, y aprendo mucho también de ellos, sobre todo el enfoque de diferentes escalas de valores. Esto es un juego donde todos salimos ganando. Links donde se puede visionar fotos de Károly György Tamás

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https://drive.google.com/file/d/0B1rX5UH-VCtuNTgyeklJSUNzU2M/ view?usp=drive_web https://drive.google.com/file/d/0B1rX5UH-VCtuU3lfWG5pREg4a2s/ view?usp=drive_web http://abfa.hu/taglista/karoly-gyorgy-tamas/ http://tomhawk.eu/

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TambiĂŠn pudier

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Juanjo Gallardo

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