Tiempo: Publicación Semanal del 25 al 28 de mayo de 2026. Editor Responsable: Simón Mercado Cheja Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nac onal del Derecho de Autor: 04-2019-012110475800-101. Número de Certificado de Licitud de Título: 15159. Número de Certificado de Licitud de Contenido 15159. Domicilio de la publicación: Boulevard Adolfo López Mateos 1817 Piso 9 Col. Merced Gómez C.P. 01600
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EN PORTADA
ZURIA VEGA & NACHO TAHHAN
Head of Editorial Content: ALEXIS FINKLER
Editorial Coordinator: RODRIGO ARAIZA, Head of Editorial Design: MANU PLASCENCIA
Photography: SERCH RAMÍREZ, Fashion Styling: RAFAEL TARACENA, Fashion Assistant: MARÍA SÁNCHEZ
Agradecemos a RESTAURANTE CURSI por todas las atenciones durante la producción de esta portada.
DETRÁS DE LAS
MIRADAS:
LA ENTRAÑABLE INTIMIDAD DE
ZURIA VEGA & NACHO TAHHAN
EN EL REGRESO DE SIETE VECES ADIÓS
Zuria - Look: Sergé Basics, Joyería: Mestiza, Zapatos: Christian Louboutin Nacho - Tank-top y pantalón: Adolfo Domínguez, Suéter: AllSaints, Zapatos: Saint Laurent
Hay obras de teatro que se ven con los ojos y hay otras que se sienten directamente en el pecho. Siete veces adiós pertenece, sin duda, al segundo grupo. Mantenerse en cartelera durante cuatro años en México se dice fácil, pero es una verdadera hazaña que ha transformado la industria teatral del país y ha creado una fuente de trabajo vital para músicos, técnicos y actores.
Sin embargo, más allá de las cifras de éxito, el verdadero milagro de este musical sucede tras bambalinas, en los camerinos, y en esa milimétrica complicidad que ocurre cuando las luces se apagan y Zuria Vega y Nacho Tahhan vuelven a encontrarse sobre el escenario.
Para ambos, este regreso no estaba en los planes iniciales. El teatro, como la vida, tiene sus propios tiempos:
"Te voy a decir la verdad: yo pensé que no iba a regresar", confiesa Zuria con una honestidad desarmante. Yo soy una persona que cierra los capítulos y los cierra de verdad. Creo que la única manera de volver a Siete veces adiós, por cómo se dieron las cosas, era con Nacho. Para mí, esta es una obra que está llena de pactos, de acuerdos, de un lenguaje no hablado entre los actores que la interpretan. Los proyectos te eligen y saben cuándo tienes que volver y cuándo te tienes que despedir".
Zuria - Look: Sergé Basics, Joyería: Mestiza, Zapatos: Christian Louboutin, Nacho - Look: Boggi, Zapatos: Christian Louboutin
La química que no se puede fingir
El gran secreto del impacto de esta puesta en escena radica en algo que ningún director puede ensayar: la verdad. Tras tres años de haber compartido escena por primera vez, Zuria y Nacho ya no solo son compañeros de reparto; son amigos entrañables que conocen los silencios, los ritmos y las batallas del otro.
En el teatro, a diferencia de otras disciplinas, se vive del encuentro puramente humano. Como bien lo describe Nacho Tahhan:
"Actuar, en mi mundo, siempre es una extensión de la amistad. Si el escenario no es un espacio para coincidir, para hacer equipo y crear algo junto a las personas que amas, la actuación se padece en lugar de disfrutarse. El teatro vive del presente, del contacto real y del milagro de encontrarte en los ojos de la otra persona".
Esta conexión hace que cada función sea una experiencia orgánica. Ambos confiesan que se conocen tanto que, al terminar una función, no hace falta hablar: saben perfectamente si el viaje emocional se logró, si alguno venía cansado, enojado o feliz. Es una sincronía instintiva donde sus mentes y corazones avanzan hacia el mismo lugar.
Aprender a soltar: el duelo en todas sus formas
Hacer este musical no es para cualquiera. Exige dar entre siete y ocho funciones a la semana, manteniendo el corazón roto a flor de piel. Zuria lo explica con claridad: no puedes salir a dar el cincuenta o el setenta por ciento porque vengas cansada. El público, que a veces va por su tercera, quinta o novena vez, lo nota. La obra te exige todo porque habla de una herida universal: el duelo.
•La ruptura de la vida: “Para mí, el dolor de un duelo es entender que la vida, como conocías que era, ya no va a ser más”, reflexiona Zuria. No importa si es el fin de una pareja, la muerte de una mascota, o la traición de un amigo. Es el abismo de lo que ya no está.
•El refugio en el corazón: Nacho, por su parte, confiesa que volver a encarnar a su personaje tras tres años de maduración personal le dio miedo. Temía haber perdido la frescura, pero encontró una lección vital: “He aprendido que la ternura puede ser un lugar mucho más radical y transformador que la racionalidad. Que ir a veces con el corazón te da muchas más chances que ir con la razón y los argumentos”.
La conjura del escenario
Si les preguntas por sus momentos favoritos, te hablan de instantes sagrados. Para Nacho, es el inicio, cuando el escenario giratorio se activa: una especie de "licuadora" que absorbe sus vidas cotidianas, sus miedos y sus cansancios, y los arroja directo a otra dimensión.
Para Zuria, la magia ocurre en el número a capela, abrazada por la potencia de los cantantes, a quienes define como el alma de la obra:
"Ese momento yo siempre lo he relacionado con el instante exacto en que el corazón se te rompe. Cuando sabes que viene ese dolor... ese hoyo negro que vas a tener que transitar. Vivirlo ahí arriba, cobijada por ellos, es devastador y hermoso a la vez".
Finalmente, cuando las luces se apagan, la obra no se queda en el teatro. Nacho confiesa, con un toque de entrañable obsesión, que camina por la calle, ve un Oxxo a la medianoche o una casa cualquiera y no puede evitar imaginar a sus personajes ahí. La nostalgia se les ha quedado impregnada en la piel.
Siete veces adiós regresa no como un producto de cartelera, sino como una experiencia viva. Con Zuria y Nacho al frente, nos recuerda desde la intimidad más pura que el dolor se transita, que el adiós es necesario y que, a pesar de todo, la vida siempre vuelve a comenzar.
Zuria - Traje: Zadig & Voltaire, Joyería: Mestiza, Zapatos: Christian Louboutin, Nacho - Look: Boggi, Zapatos: Christian Louboutin
Donde el diseño se transforma en estilo
MESTIZA
Por Rafael Taracena
MESTIZA está llevando la joyería contemporánea a otro nivel con una propuesta sofisticada, versátil y completamente atemporal. Sus piezas desmontables y combinables están diseñadas para transformarse contigo, creando nuevas formas de llevarlas según el momento, el look y la personalidad de quien las porta.
Con una visión fresca y ultra chic, la firma mexicana apuesta por un lujo más personal y auténtico, donde cada pieza se convierte en una extensión del estilo propio. Más que seguir tendencias, MESTIZA propone una nueva manera de entender la moda: libre, elegante y en constante evolución.
SERGÉ BASICS
Effortless, clean & iconic
Por Rafael Taracena
Desde la Ciudad de México, SERGÉ BASICS se ha consolidado como una de esas firmas que entienden perfectamente el poder de lo atemporal. Fundada por Ximena Martínez en 2019, la marca apuesta por un ready-to-wear minimalista donde los básicos se transforman en piezas sofisticadas, versátiles y absolutamente esenciales.
Su propuesta gira alrededor de siluetas limpias, textiles de calidad y una estética effortless que encaja perfectamente con la conversación global del quiet luxury. Más que seguir tendencias pasajeras, SERGÉ BASICS busca crear un guardarropa funcional y elegante para mujeres que entienden la moda desde la autenticidad y el estilo personal.
Con una identidad fresca y contemporánea, la firma mexicana confirma que los esenciales bien diseñados nunca pasan de moda, sino que evolucionan contigo.
El desodorante dejó de ser ese producto escondido en el baño para convertirse en un gesto íntimo, de total sofisticación. Hoy, oler bien también habla de ritual y de una belleza que ya no necesita ser obvia para sentirse poderosa.
Por Nancy Estrada
Hay productos que durante años vivieron en la categoría de lo necesario: estaban ahí, cumplían una función y nadie los miraba demasiado. El desodorante era uno de ellos. No tenía el glamour de un perfume, la promesa de una crema ni el placer visual de un lipstick nuevo. Era práctico, discreto, casi invisible.
Hoy, el lujo también puede estar en ese primer gesto después de la ducha, cuando el cuerpo todavía guarda calor y la piel se prepara para habitar el día. En ese punto exacto, el desodorante deja de ser una solución de emergencia y se convierte en una decisión estética: ¿A qué queremos oler antes incluso de elegir un perfume?
Oler bien desde el origen
La conversación ya no gira únicamente alrededor de "no sudar" o "no oler mal".
La tendencia está en construir una presencia olfativa desde las capas más íntimas: jabón, crema corporal, desodorante, fragancia. Como si el perfume ya no fuera la firma final, sino apenas el último capítulo de una historia que empezó mucho antes.
Por eso tiene sentido que productos como Donna Karan Cashmere Mist Deodorant Stick se hayan vuelto una especie de clásico silencioso: no intenta competir con un perfume, pero sí deja esa sensación limpia, suave y ligeramente empolvada que se siente más como una prenda de cashmere que como un producto funcional. También está Corpus The Botanist, con un aroma más botánico y elegante, ideal para quien busca una fórmula sensorial sin caer en lo obvio. Y si la idea es algo minimalista, de baño de hotel bonito y rutina bien pensada, Salt & Stone Santal & Vetiver tiene ese punto amaderado que convierte a un básico en pequeño ritual.
La belleza que no se presume
Lo interesante es que esta tendencia no está diseñada para ser vista. No vive en la foto del tocador ni necesita aparecer en una bolsa de prestigio. Su poder está en la experiencia privada: abrir un empaque bonito, sentir una textura más cuidada y elegir un aroma que no grite, pero acompañe.
Ahí es donde el desodorante se vuelve casi emocional. Porque todas conocemos esa seguridad silenciosa de sentirnos frescas, limpias y preparadas. No es vanidad, es presencia. Es saber que, incluso en los días de calor, de reuniones, prisas y cambios de agenda, hay algo en nuestra rutina que mantiene esa sensación.
El básico se volvió objeto de deseo
La belleza está reescribiendo el valor de los productos cotidianos. Ya no se trata solo de comprar más, sino de elevar lo que usamos a cada día. Un buen desodorante puede no parecer emocionante, hasta que entiendes que también forma parte de tu lenguaje personal. Ya no se trata de reservar los productos especiales para ocasiones especiales, sino en permitir que lo ordinario tenga intención.
GAC MOTOR X TOLUCA FC
INGENIERÍA Y PASIÓN EN MOVIMIENTO
En un movimiento que redefine la sinergia entre la industria automotriz y el deporte de alto rendimiento, GAC Motor ha anunciado oficialmente una alianza estratégica de dos años con el histórico Deportivo Toluca Fútbol Club. Con la mira puesta en el Mundial 2026, la firma automotriz se convierte en socio oficial del equipo escarlata, marcando un hito en su consolidación dentro del mercado mexicano.
Esta colaboración no es casualidad. Representa un paso fundamental en la estrategia global de marketing de GAC en América, eligiendo a México como el epicentro de su expansión internacional. Al unirse a uno de los clubes más emblemáticos del país —fundado en 1917 y poseedor de 12 títulos de Liga MX— GAC busca conectar con una base de más de 4.4 millones de aficionados que comparten los valores de excelencia y disciplina.
"Esta alianza con el Deportivo Toluca representa mucho más que un patrocinio; refleja una visión compartida basada en la excelencia, la pasión, la disciplina y una mentalidad ganadora. En GAC México estamos orgullosos de unirnos a una institución con tanta historia y conexión con la afición mexicana, mientras continuamos fortaleciendo nuestro compromiso de largo plazo con el país y su industria automotriz", comentó Savion Lau, vicepresidente ejecutivo de GAC México.
Esta unión se fundamenta en una filosofía compartida. Mientras el Toluca FC es reconocido por su resiliencia y mentalidad ganadora en la cancha, GAC destaca en el sector automotriz por su enfoque en la calidad, innovación y desempeño de alto nivel.
Como parte de este acuerdo, ambas organizaciones desarrollarán iniciativas de visibilidad de marca y experiencias exclusivas para los seguidores. El objetivo es claro: pasar de una etapa de introducción de marca a una estrategia enfocada en construir una conexión duradera con el mercado mexicano, reforzando atributos como la tecnología y la movilidad de nueva generación.
"Hoy iniciamos una alianza con GAC México que representa una visión compartida de excelencia, innovación y compromiso a largo plazo. Para el Deportivo Toluca es un orgullo sumar esfuerzos con una marca global que apuesta por el crecimiento y que comparte nuestra pasión por seguir construyendo una historia ganadora dentro y fuera de la cancha", detalló Francisco Suinaga Conde, presidente ejecutivo del Deportivo Toluca Fútbol Club.
A través de esta colaboración, GAC no solo busca presencia en los estadios, sino convertirse en un referente de confianza para el conductor mexicano, demostrando que, al igual que en el fútbol, el éxito se construye con visión y trabajo en equipo. Con esta alianza, el camino hacia el 2026 se recorre con la potencia de GAC y el corazón del Toluca.
LA NUEVA COMEDIA DE MINDY KALING QUE
NO APTOS PARA TRABAJAR
Trabajar demasiado, responder correos a medianoche, romantizar el burnout y aun así intentar tener vida social: si eso suena demasiado familiar, entonces No aptos para trabajar probablemente llegue en el momento indicado.
La nueva serie original de Mindy Kaling estrena este 2 de junio en Disney+ con una promesa bastante clara: reírse del caos emocional que implica sobrevivir a tus veinte años mientras finges que tienes todo bajo control.
La historia sigue a cinco jóvenes veinteañeros obsesionados con triunfar profesionalmente en Murray Hill, uno de los barrios más aspiracionales y glamorosos de Manhattan. Ahí, entre trabajos demandantes, ambiciones desmedidas y vidas personales apenas sostenidas con cafeína y ansiedad funcional, los protagonistas intentan encontrar algo parecido al equilibrio.
Pero detrás de la premisa laboral, No aptos para trabajar parece apuntar a algo mucho más generacional: esa extraña necesidad contemporánea de convertir el trabajo en personalidad, mientras la felicidad queda relegada a los pequeños espacios libres entre juntas, deadlines y crisis existenciales.
Y si alguien sabe cómo convertir inseguridades modernas en comedia incómodamente identificable, esa es Mindy Kaling. La creadora detrás de títulos como The Mindy Project y Never Have I Ever vuelve a explorar personajes imperfectos, ambiciosos y emocionalmente desordenados, pero ahora desde una mirada mucho más adulta y corporativa.
La producción también reúne a Charlie Grandy como showrunner y a Howard Klein en la producción ejecutiva, bajo el sello de Kaling International en asociación con Warner Bros. Television.
En pantalla, el elenco apuesta por una nueva generación de rostros que mezclan carisma, neurosis y humor ácido: Ella Hunt, Avantika, Will Angus, Jack Martin, Nicholas Duvernay y Jay Ellis encabezan una historia que parece moverse entre la sátira laboral, el caos emocional y el humor neoyorquino más neurótico. Además, la serie contará con apariciones recurrentes de figuras como Constance Wu, Victor Garber y Ego Nwodim.
Los primeros tres episodios llegarán el 2 de junio, mientras que el resto se estrenará semanalmente cada martes. Porque sí, aparentemente ni las series sobre burnout pueden soltarte todo de una sola vez.
La banda texana de alt-rock se presentará este sábado 30 de mayo en el Foro Puebla de la CDMX
INTROSPECCIÓN Y CRUDEZA EN SU NUEVO ÁLBUM DON'T SPEAK
CULTURE WARS
Después de conquistar la radio alternativa estadounidense, agotar sus primeras giras como headliners y compartir escenario con nombres como Maroon 5, Keane y LANY, la banda texana Culture Wars finalmente presenta Don't Speak, un álbum debut que lejos de buscar perfección, apuesta por la honestidad emocional.
El disco llega en un momento clave para el grupo: más de 66 millones de reproducciones globales, reconocimiento por parte de Apple Music y Shazam dentro de Fast Forward y una próxima gira mundial que incluirá sus primeras fechas como acto principal en México.
Para Alex Dugan, vocalista de la banda, el proceso detrás del álbum fue menos calculado de lo que parece. "No creo que necesariamente estuviéramos tratando de mostrar algo. Creo que simplemente estaba escribiendo música y letras que se sintieran fieles a mí mismo… Siento que eso es algo que siempre he hecho, solo que ahora soy mejor haciéndolo con el tiempo", explica.
La vulnerabilidad atraviesa canciones como Typical Ways, descrita por Dugan como "una carta llena de enojo hacia tu yo del pasado". El tema nació tras una crisis personal y terminó convirtiéndose en una forma de reconciliación. "Mi forma de lidiar con eso fue escribir esas letras durante cuatro o cinco años", cuenta. "Fue muy difícil, creo que tuve que crecer un poco para poder hacerlo correctamente".
Más que un álbum sobre rupturas o nostalgia, Don't Speak retrata el incómodo proceso de transformación personal. "Probablemente documenta una transición hacia algo nuevo", admite el cantante. "Mucho del álbum sí representa la actualidad, especialmente porque la segunda mitad fue reescrita hace relativamente poco".
En lo sonoro, Culture Wars también encontró claridad. Tras años abriendo conciertos en arenas y estadios, la banda entendió el tipo de grupo que quería ser. "Definitivamente aprendimos mucho", dice Dugan. "Tuvimos una experiencia que literalmente cambió nuestra carrera al poder tocar en arenas y estadios, y eso te enseña qué funciona y qué no".
Ahora, con Don't Speak, Culture Wars parece haber encontrado su identidad más sólida hasta ahora: himnos emocionales, guitarras expansivas y una honestidad que conecta sin artificios. Una combinación que promete explotar en vivo cuando la banda llegue a México este mes para presentarse en el Foro Puebla y Monterrey.
EL SILENCIO TAMBIÉN PUEDE INCOMODAR
FIESTA DE COMPROMISO
La oferta teatral, en su mayoría, pone carga en el diálogo, en lo que se dice sobre las tablas, pero Fiesta de compromiso apuesta por lo contrario: el cuerpo, el silencio y todo aquello que nunca se dice en una reunión familiar.
La nueva puesta en escena dirigida por Clemente Vega encontró en esa ausencia de diálogos una forma distinta —y profundamente mexicana— de contar las tensiones familiares con un elenco conformado por Elisabetha Gruener, Monica Bejarano, Aída del Río, Gaby Castillejos, Alberto Quijano y Francisco Mena.
Para la actriz Aída del Río, uno de los mayores atractivos del proyecto fue precisamente esa posibilidad de explorar otro lenguaje escénico. "Son oportunidades que tenemos muy poco los actores: investigar desde un lugar completamente diferente al teatro más tradicional", explica.
La obra sigue a una familia reunida durante la fiesta de compromiso de una de las hijas. Ahí, entre miradas, impulsos contenidos y silencios incómodos, aparecen las heridas, secretos y contradicciones que cualquier familia reconoce. "No es esta fiesta gringa de película; es una fiesta que cualquier persona en México entiende perfectamente", cuenta la actriz.
Lejos de sentirse inaccesible, la propuesta ha conectado con el público desde un lugar íntimo. Del Río recuerda que varias personas le comentaron que nunca extrañaron los diálogos porque las emociones eran completamente claras. Parte de esa conexión proviene del proceso creativo: una construcción colectiva basada en improvisaciones físicas y verbales, en la que la dramaturgia fue tomando forma durante los ensayos.
En la obra, Del Río interpreta a la oveja negra de la familia, la hermana mayor y el personaje que confronta aquello que todos prefieren callar. Un rol que, admite, también dialoga con su propia historia personal. "Soy la que cuestiona todo en mi familia. La obra me ayudó a mirarme con humor y entender ciertas dinámicas desde un lugar más liberador", confiesa.
Con humor, tensión y una exploración corporal poco común en la cartelera mexicana, Fiesta de compromiso convierte lo cotidiano en una experiencia incómodamente cercana. Porque a veces basta una mesa familiar para revelar todo lo que intentamos esconder.
Lugar: Foro Shakespeare. Zamora 7 Cuauhtémoc, Condesa. Temporada: del 17 de mayo al 12 de julio de 2026. Funciones: domingos, 20:30 h.
"CUANDO NACES MÚSICO TIENES DOS OPCIONES: O ENLOQUECES O TE SUBES AL ESCENARIO"
Con nuevos temas, clásicos reinventados y una visión más introspectiva de la vida, el cantautor mexicano asegura que su concierto en el Auditorio Nacional será mucho más que un espectáculo musical.
Por Rodrigo Araiza P.
La paciencia es una virtud que deja de serlo cuando la espera extingue las ganas de crear. Pero, en el caso de Reyli Barba, ser paciente siempre caminó de la mano del trabajo y de un innegable talento. Sin rastros de ego, reconoce que su presentación en el Auditorio Nacional, programada para este 27 de mayo, implicó una preparación constante de 36 años.
Entre clásicos de su repertorio y su nuevo álbum A Caballo, el artista chiapaneco buscará consagrarse en el Coloso de Reforma, un escenario que, aunque no es novedad en su trayectoria, todavía representa un reto.
Pleno, consciente de su existencia y de la fugacidad de la vida, Reyli nos habla de su insaciable curiosidad musical y sorprende con la imagen nítida que tiene de su último día en este plano.
¿Cómo va la preparación para el Auditorio Nacional? Llevo preparándome 36 años para este concierto. No hay nada nuevo bajo el sol: son los clásicos, tocados distinto, cantados distinto. Pero claro, ahora se viven desde otro lugar.
¿Todavía existe el nervio antes de salir al escenario?
Nunca he sido nervioso antes de un escenario. Desde niño, la primera vez que canté, jamás sentí nervios. Lo que siento es una emoción bárbara. Soy bastante adicto a ese momento, a esa sensación.
¿Cómo enfrentas emocionalmente un escenario tan imponente como el Auditorio Nacional?
Es mi foro favorito para tocar. Esta tercera vez hemos revisado todo con muchísimo detalle porque vamos a hacer algo muy teatral. Vamos a ocupar al 100% los recursos humanos del Auditorio: luces, telones, talento técnico. No llevaremos pantallas porque queremos entregarles 36 años de carrera a los seguidores.
Vamos a recorrer toda mi historia, desde que llegué a Tacubaya, pasando por el nacimiento de Elefante, hasta hoy. Tenemos montadas 36 canciones, aunque prometidas hay 24. Veremos qué pasa esa noche.
Se dice que el concierto será más una experiencia que solamente un show musical. Sí, es un viaje en el tiempo. Haciendo covers de nosotros mismos, de mi banda favorita que siempre será Elefante. Las canciones se van reconfigurando en el momento. Claro que en el Auditorio Nacional todo suena más bonito: hay mejor equipo, mejor audio y una energía impresionante con casi 10 mil personas.
Musicalmente, entre pasado, presente y futuro, ¿con cuál te sientes más conectado?
Con todos. Vivo gracias a todos ellos. Soy un privilegiado por llevar 36 años dedicado solamente a hacer música. Trabajo muchísimo, pero no se siente porque todo se vuelve entretenimiento, divertimento. Yo estoy 25 horas al día en modo artista, compositor.
¿La vida artística puede eclipsar lo humano? No, al contrario. La música te desenmascara todos los días. Componer una canción es soltarlo todo. Cuando naces músico tienes dos opciones: o enloqueces o te subes al escenario.
En tiempos donde el entretenimiento parece dominarlo todo, ¿cómo mantienes tu parte artística? No pensándolo demasiado. Sigo siendo el mismo que salió del Rancho San José el 7 de enero de 1990. Solo que ahora soy mejor cantante y mejor compositor porque pienso menos y siento más. Yo no me considero poeta ni compositor de oficio. Soy una bola de emociones. Eso es lo que ofrezco arriba del escenario.
¿Qué opinas de los artistas que priorizan más el espectáculo? Es válido. Hay quienes hacen más show , playback o coreografías y también es un trabajón. Yo no juzgo a nadie. Pero en mi caso improviso todas las noches. El setlist siempre puede cambiar porque estamos venerando la música.
¿Crees que hoy se le da más valor a la figura del cantautor? Sí, las fronteras del término cantautor se ampliaron muchísimo. Pero yo prefiero decir que soy un comunicador de emociones. Yo resuelvo mi vida cantando.
¿Concibes la vida sin música?
Yo me considero parte de la música. Dicen que el cuerpo es 72 % agua; lo demás, yo creo que es música.
Mencionaste mucho el campo y los caballos.
¿Cómo nace A Caballo?
Nace de mis raíces, de mi familia, del rancho, de mi hijo. Él me dijo: "Papá, tú eres un hombre de caballo". Y es verdad, yo nací a caballo. Antes de caminar ya montaba.
El disco es un homenaje a eso. A mi primer caballo, Confeti, al que incluso le hice mi primera canción.
¿Qué representa para ti andar a caballo?
Andar seguro, andar ligero. Cuando el caballo galopa prácticamente no toca el piso. Esa sensación de libertad es algo que llevo desde niño.
¿Qué significa la canción 16,437 días?
Son 45 años. Un día hice la cuenta aquí en esta habitación y nació la canción. Habla del amor con mi mujer, Tatiana, de seguir disfrutando el paso del tiempo juntos.
¿Alguna vez apagas esa parte creativa para simplemente dejar de pensar?
No pensar justamente es eso: entrar en un estado de hipersensibilidad creativa. Ahí me siento cómodo. Cuando dejo de estar creativo es cuando la vida empieza a pesarme.
¿Hay preguntas que todavía no has podido responderte? Claro. ¿Por qué nacemos? ¿Por qué morimos? ¿Por qué volvemos? Me encanta hacerme preguntas. Tal vez muchas no tengan respuesta, pero sigo armando el rompecabezas.
¿Qué significa para ti esta “década luminosa”?
Así la llamó el marketing y me dio risa porque no soy ningún iluminado. Pero sí estoy viviendo una etapa muy poderosa. Bajé 25 kilos, vivo sobrio y estoy en un estado de conciencia y salud maravilloso.
¿Cuál es tu relación con la muerte?
La muerte me encanta. Mi papá decía que es "el mejor día de los días". Claro, depende de cómo llegues a ella. La muerte de mi padre fue dolorosa, pero también una celebración enorme porque tuvo una vida maravillosa. Creo que la muerte es otra oportunidad para seguir creciendo, seguir entendiendo, seguir haciéndonos preguntas.
¿En qué te gustaría reencarnar?
En caballo, sin duda. Uno muy querido y muy apapachado.
Y si pudieras elegir tu último día en esta tierra, ¿cómo sería?
Cantando. En el rancho donde nací. Subiría al escenario, habría rayos en el cielo y me iría cantando. Ese sería un gran final.
"LA MÚSICA TE DESENMASCARA TODOS LOS DÍAS"
Por Rodrigo Murillo
SOMMA ROOFTOP
Instagram: @doncatadordequesos
En la terraza de una casona color rosa de la colonia Roma se encuentra Somma Rooftop, la nueva sucursal de Somma Wine Bar, un lugar que nació para tomar vino sin pretensiones y pasar una noche divertida.
La decoración te hace sentir en casa: estantes llenos de vinilos clásicos, una barra en el centro rodeada de vegetación y servilletas donde cada una tiene un mensaje distinto —como "La última y nos vamos..." o "Can I buy you a drink?"—. Siento que son esos pequeños detalles donde descubres si un lugar tiene personalidad.
Lo primero que pedimos fue una mezcalina de limón con pepino, perfecta para el calor que hace en la CDMX. Refrescante y con el balance adecuado entre el mezcal, el cítrico y lo dulce; la manera adecuada de comenzar una velada.
La carta de comida existe, pero está pensada para acompañar, no para protagonizar. Son platillos para compartir entre tragos y conversaciones: croquetas de jamón serrano, pizza, hummus y tostadas de atún.
El verdadero protagonista de Somma Rooftop es su ambiente. Una terraza en la Roma, tragos que van desde cocteles con mezcal hasta una amplia carta de vinos, y un DJ, cuya curaduría musical, en algún punto de la noche, va a hacer que te levantes a bailar sin haberlo planeado y ser el detonante de tu velada.
Cabe aclarar que si buscas un spot tranquilo para platicar, este probablemente no sea tu lugar. Pero en una ciudad donde a veces solo necesitas música, tragos y una terraza para que todo tenga sentido, Somma Rooftop tiene el combo ideal.
Somma Rooftop
Martes y domingos: 13:30 a 22:30 h
Miércoles a sábado: 13:30 a 2:00 h
Cozumel 48, Roma Norte, Ciudad de México, México, 06700
EL NUEVO HOTSPOT DE LA CDMX
ARMANDO ACOSTA Y CURSI
Detrás de este concepto que desafía las fórmulas tradicionales de la restauración, se encuentra el chef Armando Acosta y el colectivo Back of House. Una propuesta donde la nostalgia, la honestidad y el trabajo duro se sientan a la mesa.
En una industria gastronómica saturada de conceptos que replican mecánicamente las fórmulas del pasado, surge en la Ciudad de México el nuevo objeto de deseo para los amantes del buen comer. Su nombre es Cursi, un steakhouse que, lejos de la rigidez de los establecimientos tradicionales, nace de la libertad creativa, los antojos genuinos y la romantización de los recuerdos que marcan una vida.
Al frente de los fogones está el chef Armando Acosta, quien junto a un sólido equipo de socios ha logrado consolidar una propuesta con identidad propia: un lugar que no busca complacer a todo el mundo, sino conectar profundamente con quienes valoran la autenticidad.
Sin reglas y con mucha esencia: La receta de la honestidad
Para Armando Acosta, la cocina no fue un camino lineal. "Siempre fui el rebelde, nunca fui mucho de la escuela", confiesa. Inspirado por el éxito de un tío restaurantero y tras ingresar a la carrera de gastronomía casi por azar, fue en el calor real de las cocinas donde descubrió un amor incondicional por el oficio.
Ese camino, forjado entre jornadas extenuantes y ambientes de alta presión, templó su carácter y su forma de liderar hoy en día. Aprendió que para trascender hay que esforzarse, resistir y tener ganas constantes de superarse. Toda esa experiencia se vierte ahora en el menú de Cursi.
"Cursi es un steakhouse que respeta mucho lo clásico, pero llevado completamente a nuestra manera. Mezclamos influencias gringas y mexicanas sin seguir reglas estrictas, haciendo honestamente lo que se nos antoja comer y servir", concluye el chef Armando Acosta.
Esta filosofía se materializa en platillos como la milanesa de Bartola. En una época donde la obsesión por los premios y la validación externa parece gobernar la alta cocina, Acosta prefiere apostar por la nostalgia sin pretensiones. Su verdadero galardón es lograr que el comensal se desconecte del estrés diario y experimente un momento de felicidad real a través de un plato.
El poder del colectivo: La sinergia de Back of House
El éxito y la solidez de Cursi no son una casualidad; forman parte del ecosistema de Back of House, un grupo donde la especialización de cada miembro aporta una fuerza creativa única al proyecto. Aquí, la individualidad trabaja en favor de una misma identidad:
•Fran se encarga de dar vida a los espacios, la imagen y la estructura organizacional de la empresa.
•Carmen lidera con maestría toda la propuesta de bebidas y coctelería.
•Pato aporta su visión en la creación y conceptualización de los conceptos.
•Junto a ellos, Bogar, Alex, Luke, Roji y Armando terminan de amalgamar una visión empresarial y artística sumamente robusta.
Autenticidad frente a la corriente
Mantenerse fiel a esta filosofía en una metrópoli tan competitiva como la CDMX ha sido el mayor reto del equipo. En lugar de seguir las tendencias del momento, en Cursi prefieren romper las normas y defender lo que realmente les emociona.
"Sabemos perfectamente que no somos para todos, y está bien; somos para la gente que conecta con lo que hacemos", asegura el chef. Con una madurez impecable, el equipo acepta la crítica constructiva e incluso se toma el tiempo para burlarse del hate en redes sociales. Su misión es clara: demostrar que no existe una sola forma correcta de hacer las cosas en el mundo restaurantero.
El futuro se cocina a fuego vivo
Lo que viene para Armando Acosta y la familia de Back of House es ambicioso. Con planes de abrir alrededor de 11 proyectos este año, el grupo no busca simplemente expandirse por números, sino continuar sembrando conceptos con alma, carácter y una fuerte identidad dentro de la gastronomía.
Cursi es, en última instancia, una invitación a comer delicioso, a recordar y a celebrar que, a veces, salirse por completo del guion es la mejor decisión culinaria.
¿Y tú, ya estás listo para dejarte conquistar por el lado más honesto de la cocina? Visita Cursi y descubre una nueva forma de vivir el steakhouse en la CDMX.
EL TRIUNFO DE LA NOSTALGIA
The FRIENDS Experience
YA CONQUISTÓ LA CDMX Y ESTO ES LO QUE DEBES SABER
Hay ficciones que pertenecen a su época y hay otras que, sencillamente, se adueñan del tiempo. Casi treinta años después de que una camarera fugitiva vestida de novia entrara corriendo a un café de Nueva York, FRIENDS sigue demostrando que su capacidad para conectar con el público no tiene fecha de caducidad. La prueba definitiva de este fenómeno transgeneracional se vive por estos días en la capital mexicana con el reciente estreno de The FRIENDS™ Experience: The One in Mexico City.
Tras una enorme expectativa, el pasado 15 de mayo el Casino del Bosque del Lienzo Charro de Constituyentes abrió oficialmente sus puertas para transformarse en el epicentro de la nostalgia noventera. No se trata de una simple exposición de vitrinas; es un ecosistema interactivo y milimétricamente recreado por OGX Productions y Warner Bros. Discovery —operado localmente por LETSGO— que ya ha congregado a más de dos millones de personas en ciudades como Nueva York, Londres y París, y que ahora mismo está encendiendo las redes sociales en nuestro país.
La arquitectura del recuerdo: Habitar la ficción
¿Por qué seguimos obsesionados con seis amigos que hoy tendrían cincuenta y tantos años? La respuesta está en la cercanía y, sobre todo, en los espacios. El departamento de paredes moradas de Mónica y Rachel o el piso alfombrado de Joey y Chandler son, para la cultura pop, tan reconocibles como cualquier monumento histórico.
La experiencia envolvente, cuyos boletos están corriendo en la plataforma Fever desde los $230 MXN, apela precisamente a ese deseo de habitar la ficción. Quienes ya están visitando el recinto no solo se encuentran con utilería original y vestuarios que marcaron tendencia, sino que están cumpliendo el sueño de sentarse en el auténtico sofá naranja de Central Perk o recrear el accidentado traslado del sillón de Ross al grito de "¡Pivot!". Es el parque de diversiones definitivo para la generación del confort televisión.
Un fenómeno impulsado por el streaming
El éxito que está registrando la atracción en la CDMX no es casualidad. El traspaso de la serie a las plataformas de streaming —actualmente en Max— abrió las puertas a una audiencia completamente nueva. Hoy, los adolescentes devoran las 10 temporadas con la misma intensidad con la que sus padres esperaban los estrenos semanales en los años 90.
FRIENDS logró capturar una verdad universal: esa etapa de la vida en la que tus amigos son tu familia. Por ello, la temporada que se está viviendo en Constituyentes no es solo un paseo para fanáticos; es la confirmación de que la Ciudad de México se mantiene como una parada obligatoria para las experiencias culturales de gran formato a nivel mundial.
Detalles para tu visita:
Cuándo: Ya abierta al público —con múltiples sesiones programadas por día—. Al ser por tiempo limitado, se recomienda anticipar la compra.
Sede: Casino del Bosque del Lienzo Charro —Av. Constituyentes 500, Miguel Hidalgo, CDMX—.
Accesos: Disponibles a través de la app y web de Fever. El recinto cuenta con accesibilidad total para sillas de ruedas.
La ventana para habitar Central Perk será corta. En una era digital dominada por las pantallas, la oportunidad de tocar, sentarse y vivir el set de la sitcom más famosa del mundo es el plan ineludible de la temporada. Al final del día, tal como prometía su cortinilla musical, ellos siguen estando ahí para nosotros.
UNA DÉCADA DE HISTORIAS Y SABORES SIN PRISA
Por Eduardo Mares
Existen experiencias donde la cocina logra conectar con algo mucho más profundo: el territorio, la memoria y las personas detrás de cada ingrediente. Eso es precisamente lo que caracterizó la décima edición de Relish the Heritage en JW Marriott Los Cabos y Café des Artistes Los Cabos, donde Oaxaca llegó a Baja California Sur no solamente a través de sus sabores, sino desde sus tradiciones, productores y el simple hecho de compartir la mesa.
Desde la llegada, el festival tejió una sensación de cercanía. Los invitados fueron recibidos con un pequeño mercadito oaxaqueño de dulces tradicionales como el nicuatole, tejate servido al momento, tasajo, tlayudas, una barra de ostiones y almeja chocolata, además de una muestra de siete moles distintos como el amarillito, el mole rojo y el mole negro.
Entre humo, maíz y especias, también destacó un ronqueo de atún que reunió a los asistentes alrededor del producto y la técnica, casi como si se tratara de un ritual culinario improvisado.
Uno de los momentos más especiales ocurrió en el jardín botánico Wirikuta. Ahí, lejos del formato tradicional de una cena formal, la cocina existía prácticamente entre huertos, brasas y vegetación del desierto sudcaliforniano.
Thierry Blouet de Café des Artistes y Alejandro Ruiz Olmedo de Casa Oaxaca trabajaron mano a mano preparando distintas preparaciones al momento. Muy cerca, la chef Thalía Barrios de Levadura de Olla, cocinó un pipián blanco oaxaqueño acompañado de una variedad de calabacitas frescas cosechadas directamente del huerto. Todo se sintió natural, acortando distancia entre cocineros, producto e invitados.
El vino también encontró un espacio importante dentro del festival. Durante una de las degustaciones, Nicolás Lurton compartió parte de la visión detrás de los vinos de Baja California y el crecimiento que ha tenido la región en los últimos años.
A su lado, Thomas Egli presentó el trabajo detrás de Sentimenti, proyecto desarrollado junto a Karla Sandoval, donde el vino se interpreta desde una perspectiva mucho más cercana al paisaje y la sensibilidad del territorio.
El mezcal tuvo otro de los momentos más memorables del encuentro. En MarHumo, Candelaria Carreño y Ximena Ángeles guiaron una degustación protagonizadas por Tobalá Capón y Pechuga, además de infusiones como la de verbena. Más allá de las notas aromáticas o la técnica detrás de cada destilado, la experiencia permitió entender la dimensión cultural de Real Minero, un proyecto completamente liderado por mujeres donde el conocimiento y las tradiciones familiares continúan transmitiéndose entre generaciones.
Entre las actividades del festival también destacó un paseo en yate por el Mar de Cortés, donde pudimos recorrer la costa de Los Cabos mientras aparecían ballenas jorobadas a la distancia. Fue uno de esos momentos que nos recuerdan por qué la gastronomía se funde con el contexto que rodea la mesa: el paisaje, el tiempo compartido y la posibilidad de descubrir un destino desde distintos ángulos.
La noche culminante llegó con la cena de gala dedicada a Oaxaca. Ahí, Thierry Blouet, Alejandro Ruiz y Thalía Barrios construyeron un menú acompañado por los maridajes de Thomas Egli y Nicolás Lurton.
La velada transitó entre distintas interpretaciones de la cocina mexicana contemporánea, propuestas interesantes como: tostada con chicharrón llena de textura y contraste, un tamal con mejillones que unía el mar con la tradición del maíz, un atole con tomate asado de profundidad inesperada y un pulpo trabajado al fuego que parecía capturar el carácter ahumado de toda la experiencia.
Después llegó un mole negro elegante y persistente que terminó convirtiéndose en uno de los platos más comentados de la noche. Hacia el cierre, un Macaron de foie gras rompió cualquier expectativa convencional del postre y mostró esa libertad creativa que sirvió de espejo inmediato del festival.
Más allá de la cocina, Relish the Heritage dejó la sensación de haber construido algo difícil de lograr: una experiencia donde chefs, productores, vinos, destilados y territorio coincidieron sin pretensiones, convirtiendo cada momento en celebraciones de vida.
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