El debut contemporáneo de Maria Grazia Chiuri para la colección Fendi Cruise 2027. Una oda a la elegancia romana, las siluetas intercambiables y la artesanía de lujo que mira al pasado para proyectarse hacia el futuro.
20. EVENTOS STELLAR SOCCER HOUSE
Stellantis revoluciona la emoción del balompié y el entretenimiento premium en un santuario inmersivo donde el deporte y la tecnología automotriz se fusionan a lo largo de sus ocho marcas icónicas.
16. BEAUTY
OUT OF THE VANITY
El maquillaje rompe las barreras del tocador para mudarse a tu bolso y convertirse en una declaración de estilo portátil. De los estuches-joya de Guerlain y Christian Louboutin a los encantos portátiles de Rhode.
22. CINE
BELINDA SE UNE A PIXAR
La cantante nos revela los secretos detrás de Lilypad, el primer juguete tecnológico de Toy Story 5, y el reto de dotar de alma a una tableta robótica.
30. ENTREVISTA
OLIVER TREE
El irreverente e impredecible rapero estadounidense desglosa su odisea musical grabada a lo largo de 80 países y el aislamiento mental que sufrió tras vivir un año haciendo música en la Antártida.
32. BUEN COMER
MARNE
De una barra de especialidad en la San Miguel Chapultepec a dos templos culinarios bajo la dirección del chef Pancho Ibáñez. El destino ideal donde la masa madre y los productos de temporada detienen el paso del tiempo.
Tiempo: Publicación Semanal del 22 al 25 de junio de 2026. Editor Responsable: Simón Mercado Cheja Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nac onal del Derecho de Autor: 04-2019-012110475800-101. Número de Certificado de Licitud de Título: 15159. Número de Certificado de Licitud de Contenido 15159. Domicilio de la publicación: Boulevard Adolfo López Mateos 1817 Piso 9 Col. Merced Gómez C.P. 01600
Imprenta: Litográfica Ingramex, S.A. de C.V, Centeno 195, Col. Valle del Sur, C.P. 09819, Iztapalapa, CDMX. Distribución: MARKETING PEOPLE S.A. DE C.V. Rómulo O’farril No. 434 Col. Olivar de los Padres C.P. 01780. www.marketingpeople.com.mx. Publicación registrada en el Padrón Nacional de
Editorial Coordinator: RODRIGO ARAIZA, Head of Editorial Design: MANU PLASCENCIA Fotografía: SERCH RAMÍREZ, Fashion Styling: RAFAEL TARACENA
Fashion Assistant: ANDY FINKLER, Grooming: DANI CASILLAS
Locaction: BASTIAN SPAZIO
Agradecemos a BASTIAN SPAZIO por todas las atenciones durante la producción de esta portada
Traje: WELTON & SONS, Look portada: MANCANDY
NO MÁS DE LO MISMO. TRANSICIÓN POR CONVICCIÓN.
LASSO
Por Rodrigo Araiza P.
El ejercicio de crear consiste en reinventarse y no replicar fórmulas. Es un aprendizaje constante con mucha experimentación para descubrir lugares con los que ni siquiera soñaste. Este es un proceso que Lasso atraviesa en la música.
Como cantante y compositor, el artista venezolano busca nuevos horizontes sonoros pero sin perder esencia. El resultado ha sido fantástico y satisfactorio para el cantautor que alista el lanzamiento de un álbum del que ya suenan algunos tracks como P0rn0grafía y ¡¡¡Feliz Aniversario!!!
Detrás del personaje extravagante que domina el escenario como si hablara con una sola persona en la intimidad, habita un alma introvertida que huye de las multitudes, encuentra refugio en el silencio absoluto de sus viajes y combate la neurosis cotidiana a través del diseño de videojuegos y la calidez de su entorno.
¿Por qué elegiste la música como opción de vida?
Creo que cualquier persona que se dedique al arte te dirá que no hay escapatoria con respecto a la necesidad de crear. Yo intenté por mucho tiempo alejarme de la música, pero es algo que escapa de mi preferencia; me toca hacerlo porque si no, siento que no puedo existir. Este es un negocio muy duro, ingrato e itinerante y a veces se siente más como una carga que como un trabajo, pero no me veo haciendo otra cosa. La necesito para vivir.
Si no te hubieras dedicado a la música, ¿qué otras opciones tenías en mente?
Ninguna en mi vida. Estudié Ingeniería de Sistemas y lo único que me faltó fue la tesis; nunca la hice, pero en la facultad todavía me están esperando desde hace una década para que la entregue. Me hubiese gustado tener el título, pero no creo que me hubiera dedicado a ejercerlo. De niño tenía el sueño de hacer videojuegos o trabajar en algo relacionado con la creatividad tecnológica, pero la verdad es que no me gustan las rutinas ni ir a una oficina. Me cuesta mucho, a mí me gusta el cambio constante.
¿Dirías que, al menos para ti, es más fácil hacer un álbum entero que una tesis?
Una tesis es mucho más difícil de hacer que un álbum, simplemente porque no tengo ni idea de por dónde empezar a pensar; para mí es un tema de lejanía. Que me pidan una tesis es como si me dijeran que fuera a una clase de baile. Con un disco tienes la misión de hacer canciones con música, aunque a veces pasas por baches donde simplemente no te provoca escribir. En la música te puedes sentar y componer mil canciones, pero si ninguna conecta con la gente, no sirve de nada. Toda tu carrera está parada sobre la opinión de personas que no conoces alrededor del mundo y eso da mucho miedo.
Lasso, estás viviendo un momento de transición muy importante en tu carrera, ¿cómo te sientes en esta etapa?
Hoy en día me encuentro en un verdadero momento de transición. Actualmente tengo mucha claridad con respecto a lo que quiero hacer, lo que deseo sacar y cómo quiero sonar. Creo que este es uno de los momentos con mayor lucidez que he tenido en toda mi vida.
¿A qué se debe este cambio de dirección?
Sentía que estaba haciendo mucho de lo mismo; sentía que estaba sacando la misma canción año tras año. Por ello, lo que hicimos para este proyecto fue buscar un grupo de temas que son mucho más enérgicos. Normalmente mi línea editorial va por el camino de las baladas y las canciones de despecho, pero este nuevo disco rompe con eso.
¿Te costó trabajo este cambio artístico o tú mismo te rehusabas a hacerlo?
Siento que como artista siempre tienes el deber de reinventarte y de buscar caminos diferentes. Normalmente tus fanáticos quieren que saques la misma canción una y otra vez porque son temas que ya se amarraron a ciertas partes de sus vidas y les hacen sentir lo mismo que la primera vez que te escucharon. Sin embargo, para la evolución de un proyecto, es vital pensar fuera de la caja. Es importante sonar un poco diferente con el tiempo, para que de repente escuches tu tema de hoy, lo compares con una canción que tenías hace seis años y realmente se refleje un crecimiento en todos los sentidos.
Tu primer sencillo de 2012 fue No pares de bailar. ¿Qué tanta diferencia hay entre tus inicios y tu propuesta actual?
Aquella era una canción basada en una sección de vientos, era como un reggae pop con un violín muy particular. Siento que he crecido muchísimo como compositor y también como cantante; he descubierto matices en mi voz que antes no conocía. Creo que aprendí a cantar mejor y ahora sé proyectar muy bien los sentimientos que quiero transmitir. Cuando empiezas, tienes un grado de inocencia que es muy bonito, pero ahora siento que poseo un mayor control de lo que hago y de lo que quiero proyectar cuando hablo.
Uno de tus lanzamientos recientes lleva por título P0rn0grafía. ¿Cómo llegaste a ese concepto, sabiendo que a muchas personas todavía les asusta esa palabra?
Siento que los cantantes de pop, en general, tenemos menos libertades que los cantantes de reguetón en el sentido de las temáticas. Una palabra que a mí me puede sonar completamente fuera de mi línea editorial, para un cantante de música urbana puede ser una canción totalmente normal. En el caso de este título, la canción vino armada así desde mi cabeza; la línea "tu boca con la mía como pornografía" me apareció completa en el cerebro y así la plasmé. Es increíble cuando logras aterrizar cosas que vienen desde muy adentro y que no sabes explicar el porqué.
Tu sencillo más nuevo es ¡¡¡Feliz Aniversario!!!, ¿de dónde surge este track?
Nace de una idea muy sencilla: si una relación terminó porque no era la correcta para alguna de las dos personas, ¿por qué la fecha de la ruptura tendría que recordarse con tristeza? A veces nos aferramos tanto a la nostalgia que olvidamos celebrar que ambos tienen una nueva oportunidad de encontrar algo que sí funcione. La canción juega con esa contradicción; es una canción de desamor, pero vista desde un lugar mucho más ligero, casi festivo. En vez de llorar por lo que no fue, propone brindar por el hecho de que ya no estamos perdiendo el tiempo con la persona equivocada.
Look: CABALLERIA
¿El álbum ya tiene título oficial y qué nos puedes adelantar de él?
Todavía no tiene título, pero sé que lo vamos a lanzar a finales de año. Va a tener once canciones. Tenía mucho tiempo haciendo duetos y quería volver a mi esencia, así que decidí que me tocaba hacer temas en solitario; el disco tendrá una sola colaboración. No diría que es mi álbum más personal, pero sí es el proyecto donde más trabajo he puesto y donde tuve la mayor cantidad de temas en preselección: escribí un poco más de 200 canciones, de ahí quedaron unas 30 y finalmente seleccionamos las once que irán escuchando poco a poco.
No tengo problemas con la soledad ni con estar dentro de mi propia cabeza”
Como compositor, ¿has entrado en baches de creatividad y cómo sales de ellos?
Nunca he tenido un momento en el que no pueda escribir una canción por completo. He tenido problemas sobre qué dirección tomar cuando siento que me estoy repitiendo, pero nunca me he quedado en blanco. Ahora, el secreto está en que he escrito mil canciones malas y diez buenas; ese es el rango real. Me gusta pasar mucho tiempo en el estudio porque para mí lo importante es el acto de crear, funcione o no a nivel profesional. Es un tema de disciplina y constancia. Si vas al estudio diez veces, tal vez te encuentres con la inspiración una sola vez o ninguna; pero si vas cien veces, seguro te toparás con ella unas diez veces y de ahí saldrán las canciones que sí funcionan.
¿Tu lado artístico, define quién eres como ser humano o consideras que son dos cosas separadas?
Yo creo que una capa alimenta a la otra. Yo necesito hacer música, no puedo no hacerla. Soy una persona completamente musical y toda mi vida está condicionada alrededor de ello. La música siempre irá primero con respecto a todo y es algo con lo que ya hice las paces. Toda persona que esté conmigo —mi familia, mis amigos, mi novia— tiene que entender que la música siempre va a ser mi prioridad y cuando se comprende eso, todo es mucho más fácil.
¿Te has sentido vulnerable al mostrar canciones nacidas desde un lado tan personal?
Claro, sobre todo porque mis canciones son muy honestas y hablan de momentos tan específicos que la gente no alcanza a dimensionar todo el contexto. A veces me da mucha pena con las personas que me conocen íntimamente; por ejemplo, me da pudor que mis padres lean una letra y descubran que me sentía de cierta forma. Las canciones que exploran mis zonas más oscuras son las que más pena me da mostrar.
¿Y cómo manejas el contraste de estar frente a miles de personas en un show y luego bajarte del escenario para estar en la soledad de tu habitación de hotel?
Me gustan las dos cosas. No tengo problemas con la soledad ni con estar dentro de mi propia cabeza. A la multitud en los shows la trato como si fuera una sola persona; es la única manera de dominar un escenario masivo, porque si me pongo a pensar en la cantidad real de gente, me paralizo. Le hablo al público como cuando le hablas a la cámara en una historia de Instagram, de tú a tú. Así me siento muy tranquilo y así lo he llevado siempre.
¿Cómo procuras tu higiene mental para mantenerte cuerdo en esta industria?
Es complicado, pero la clave es saber desconectarse de la ansiedad que te genera tener una carrera artística. El peso de tener que sacar contenido todo el tiempo, revisar los números de las plataformas, lidiar con las expectativas de tu equipo de trabajo, de la disquera y de la gente... todo es muy loco. En mi caso, el papel que juegan mi novia y mis seres queridos es muy importante porque me ayudan a aterrizar y a olvidarme de todo el ruido.
Cuando no estoy con ellos, mi gran vía de escape son los videojuegos. Juego mucho en línea con un amigo a un juego llamado Rust. Los dos somos malísimos, de verdad somos una basura jugando, pero nos reímos muchísimo construyendo nuestra casa virtual e intentando evitar que los demás jugadores nos la destruyan; siempre nos tiran todo y tenemos que volver a empezar de cero. Para mí, más que mejorar en el juego, la meta es la experiencia social de convivir y reírme con alguien. De niño jugaba mucho a The Legend of Zelda y me identificaba con Link; él era mi amigo cuando no tenía amigos en la vida real. Los videojuegos siempre han sido mi refugio.
FENDI FORWARD
Por Rafael Taracena
Hay debuts que redefinen una casa de moda y el de Maria Grazia Chiuri para Fendi Cruise 2027 es uno de ellos. En su primera colección para la maison romana, la diseñadora italiana presenta una visión sofisticada y profundamente contemporánea que convierte al guardarropa en una declaración de identidad, libertad y evolución.
La propuesta gira en torno a una idea clara: una moda capaz de vestir por igual a hombres y mujeres a través de piezas intercambiables, líneas depuradas y una elegancia que trasciende categorías. Camisas que dialogan con pantalones como si fueran una sola prenda, siluetas precisas y un lenguaje estético que apuesta por la versatilidad como nuevo lujo.
La artesanía, ADN indiscutible de Fendi, cobra protagonismo en cada detalle. El icónico material pergamena reaparece en contraste con piel negra tachonada en una renovada Baguette , mientras que trench coats intervenidos con franjas de piel, cuero brillante, encajes plateados y bordados de lentejuelas aportan una dimensión táctil y luminosa a la colección.
Más allá de la ropa, Cruise 2027 se construye como un universo narrativo. Inspirada en Histoire d’Eau, el legendario fashion film impulsado por Karl Lagerfeld para Fendi en 1977, Chiuri imagina una nueva heroína que recorre una Roma onírica envuelta en negro absoluto, plumas y una poderosa feminidad que oscila entre la realidad y la fantasía.
El resultado es una colección que mira al pasado para proyectarse hacia el futuro. Una oda a la excelencia italiana, al poder transformador de la moda y a una nueva visión de comunidad resumida en el mantra que guía esta etapa de Chiuri: menos yo, más nosotros.
THE NEW LOUBOUTIN MAN
Por Rafael Taracena
Si alguien podía darle una nueva energía al universo masculino de Christian Louboutin, era Jaden Smith. Para Otoño-Invierno 2026, el creativo transforma un castillo francés del siglo XVII en el escenario de una fantasía contemporánea donde el lujo se siente menos rígido y mucho más personal.
La campaña reúne a distintas generaciones en un mismo espacio, creando un diálogo entre tradición y rebeldía. Entre salones de inspiración aristocrática, jardines geométricos y una atmósfera cinematográfica que parece suspendida entre el sueño y la realidad, emerge un nuevo hombre Louboutin: seguro, expresivo y completamente libre de etiquetas.
Las piezas clave de la colección desde el calzado escultórico hasta los accesorios de piel, cinturones y gafas de sol construyen siluetas con una actitud atemporal que mezcla sofisticación francesa y energía contemporánea. Nada se siente forzado; todo parece surgir de manera instintiva.
THE ART OF RACING, THE CRAFT OF LUXURY
Por Rafael Taracena
Cuando la velocidad se encuentra con la alta relojería, el resultado lleva el sello de Chopard. Con motivo de la Mille Miglia 2026 la legendaria carrera que Enzo Ferrari bautizó como “la más bella del mundo” la casa suiza presenta dos nuevas creaciones que celebran casi cuatro décadas de pasión por el automovilismo: el Mille Miglia GTS Power Control Grigio-Blu 2026 Racing Edition y el Mille Miglia Classic Chronograph Raticosa.
La estrella de la temporada es el GTS Power Control Grigio-Blu, una edición limitada de apenas 250 piezas cuya esfera azul grisácea evoca el asfalto de las pistas de carreras. Fabricado en Lucent Steel, el exclusivo acero reciclado de la firma, combina una estética robusta y contemporánea con la precisión de un movimiento automático certificado por el COSC y una reserva de marcha de 60 horas.
Por su parte, el nuevo Chronograph Raticosa rinde homenaje a uno de los tramos más emblemáticos de la Mille Miglia. Con una elegante esfera color cáscara de huevo, detalles vintage y una correa de piel perforada que se inspira en los guantes de conducción clásicos, la pieza captura la nostalgia y el romanticismo de la edad dorada del automovilismo.
Más que relojes, ambas creaciones representan el ADN de Chopard: excelencia mecánica, diseño impecable y una conexión auténtica con el universo de las carreras. Un homenaje al tiempo, la velocidad y al arte de vivir con estilo.
LA NUEVA FORMA DE LLEVAR EL LUJO
The Vanity
El maquillaje ya no solo vive en el tocador, ahora se cuelga en la bolsa, se personaliza, aparece en selfies de espejo y convierte el retoque en una pequeña declaración de estilo.
Por Nancy Estrada
Antes, cargar maquillaje era una cuestión práctica: un bálsamo perdido en la bolsa, un perfume mini “por si acaso” o un polvo compacto para salvar el día. Ahora la belleza salió del baño y empezó a formar parte del outfit. Ya no importa únicamente qué producto usas, sino cómo lo llevas, cómo se ve y qué dice de ti antes incluso de abrirlo. Ahí entra una nueva generación de objetos de deseo: productos que funcionan, sí, pero que también se sienten como piezas coleccionables. Los Lip Case de Rhode, por ejemplo, entendieron perfecto esta idea: el lip treatment deja de ser algo que guardas y se vuelve algo que traes pegado al celular, como si fuera un charm más. Lo mismo pasa con los Rouge Stiletto Les Nudes de Christian Louboutin, que parecen más una escultura pequeña que un lipstick; o con los balms de Hermès, cuyos empaques tienen ese aire de objeto precioso que no quieres esconder.
Cuando el empaque también seduce
Hay productos que entran por la fórmula y otros que primero entran por los ojos. La Floral Engraving Phoenix Makeup Palette de Florasis, los Lip Suede de Westman Atelier, los compactos de Les Beiges de Chanel o los Rouge G de Guerlain, con sus estuches casi joya, pertenecen a esa categoría de belleza que se disfruta desde antes de tocar la piel.
También están los perfumes sólidos y miniaturas que parecen secretos de bolso, como los de Diptyque, Glossier You Solid o las piezas de Officine Universelle Buly, una casa parisina que volvió deseable la idea de llevar belleza como si fuera un objeto de otro tiempo. De hecho, sus peines se han convertido en una especie de souvenir de lujo: tienen distintos modelos según el tipo de pelo y pueden personalizarse con el nombre grabado, lo que los vuelve más cercanos a una pieza de tocador antiguo que a un simple peine.
El nuevo lujo es sacarlo de la bolsa
Retocarse ya no se siente como un gesto escondido. Aplicarte un lip oil en el elevador, peinarte con un peine personalizado antes de entrar a una comida o perfumarte en el coche tiene algo de escena íntima, pero visible. Es belleza portátil, sí, aunque también es identidad.
Quizá por eso estos productos nos gustan tanto: porque acompañan. No solo prometen color, brillo o aroma; también construyen un momento. La belleza no siempre está hecha para quedarse en casa. A veces está diseñada para viajar contigo, colgarse de tu bolsa y recordarte, en medio del día, que hasta el retoque más pequeño puede sentirse como estilo.
Joe & The Juice
CONQUISTA UN NUEVO HOTSPOT EN LA CDMX
Hay lugares que nacen para convertirse en parte de la rutina de una ciudad. Esos espacios donde el café sabe mejor, las reuniones se alargan, las conversaciones fluyen y siempre hay alguien entrando o saliendo con un jugo en la mano. Joe & The Juice pertenece a esa categoría de lugares que, más que una cafetería, terminan formando parte del estilo de vida de quienes buscan experiencias auténticas. Ahora, la marca danesa continúa escribiendo su historia en la Ciudad de México con la apertura de una nueva ubicación en Arcos Bosques.
Con esta cuarta sucursal en la capital, Joe & The Juice reafirma el éxito de un concepto que ha conquistado algunas de las ciudades más importantes del mundo gracias a una fórmula que combina café de especialidad, jugos preparados al momento, una propuesta gastronómica fresca, diseño escandinavo y una energía que invita a quedarse.
Desde su fundación en Copenhague en 2002, la marca ha construido una identidad reconocible alrededor del mundo. Lejos del formato tradicional de una cafetería, Joe & The Juice propone espacios donde el diseño, la música y la gastronomía conviven de manera natural, convirtiéndose en puntos de encuentro para creativos, emprendedores, viajeros y amantes de un estilo de vida urbano. No es casualidad que hoy cuente con más de 400 sucursales en Europa, Asia y Estados Unidos.
Su llegada a Arcos Bosques representa un paso natural dentro de su crecimiento en México. Rodeado de oficinas, restaurantes y una comunidad que vive la ciudad a un ritmo dinámico, este nuevo espacio se integra perfectamente a una zona donde las pausas también forman parte del día. Ya sea para comenzar la mañana con un café, hacer una reunión informal, tomar un smoothie después del entrenamiento o disfrutar un lunch ligero, el nuevo Joe & The Juice está pensado para convertirse en uno de esos lugares a los que siempre se quiere regresar.
El menú mantiene algunos de los favoritos que han convertido a la marca en un fenómeno internacional.
Sin embargo, gran parte de la experiencia sucede más allá del menú. Su arquitectura de inspiración escandinava, los materiales naturales, la iluminación cálida y una atmósfera relajada crean un ambiente que invita tanto a trabajar como a desconectarse por un momento. Aquí el diseño no es un elemento decorativo, sino parte esencial de la experiencia, convirtiendo cada visita en un reflejo de ese lifestyle contemporáneo que la marca ha sabido construir alrededor del mundo.
La expansión de Joe & The Juice en México continúa de la mano de la alianza entre Allux y Grupo Dinar, quienes impulsan el crecimiento de la marca con una visión enfocada en llevar conceptos internacionales de alto nivel a los espacios más relevantes del país.
En una ciudad donde constantemente aparecen nuevas propuestas gastronómicas, pocos lugares consiguen convertirse en verdaderos hotspots. Joe & The Juice lo ha logrado apostando por una experiencia que combina diseño, comunidad, bienestar y buena comida en un mismo lugar. Su nueva apertura en Arcos Bosques confirma que, más que una cafetería, es uno de esos espacios que rápidamente se integran al mapa de los lugares imprescindibles para vivir la ciudad.
STELLAR SOCCER HOUSE
PASIÓN EN MOVIMIENTO
Existen experiencias que nacen para acompañar un solo momento y otras mucho más ambiciosas, las cuales logran capturar la emoción colectiva que lo define todo.
Son pocas las experiencias que consiguen capturar la esencia de un momento y Stellar Soccer House, presentada por Stellantis, lo logra. En este lugar, el fútbol se convierte en el alma de una propuesta envolvente y vanguardista que llega para transformar la pasión por el monarca de los deportes en un sofisticado recorrido donde la tecnología, el entretenimiento y la interacción en tiempo real son los grandes aliados.
Más que una simple activación temporal, este espacio se consolida como el punto de encuentro definitivo para quienes entienden que el balompié es una experiencia estética que va mucho más allá de los noventa minutos reglamentarios. Porque el fútbol no solo se juega en la cancha, se vive en el ritual de la previa, en la adrenalina que suspende cada jugada, en la complicidad de una mesa compartida entre amigos y en esos pequeños instantes que terminan convirtiéndose en recuerdos inolvidables.
EVENTOS
Es precisamente esa energía vibrante la que inspira un ecosistema minuciosamente diseñado para sorprender a visitantes de todas las edades.
Del 15 de junio al 15 de julio, Stellar Soccer House abrirá sus puertas para ofrecer un santuario donde el deporte se fusiona orgánicamente con la innovación. A lo largo del recorrido, los asistentes descubrirán pabellones temáticos inspirados en las ocho marcas icónicas que integran el universo Stellantis.
Cada zona ha sido concebida para despertar la curiosidad y fomentar la participación a través de dinámicas interactivas de alta gama, escenarios inmersivos y retos de precisión, velocidad y destreza que desafían los sentidos de los participantes.
La propuesta destaca, sobre todo, por su capacidad única de personalizar la visita. Desde túneles futuristas de iluminación envolvente y zonas fotográficas pensadas para la era digital, hasta desafíos de destreza diseñados para generar momentos entrañables; cada rincón invita a competir, interactuar y descubrir nuevas formas de conectar con el ADN del grupo automotriz.
Si bien la tecnología juega un papel fundamental dentro de esta narrativa visual, lo que verdaderamente distingue y eleva a esta propuesta es su poder para generar emociones reales. La satisfacción de superar un reto, la euforia de compartir una victoria con amigos y el acto de capturar una fotografía perfecta en un escenario envolvente, se entrelazan de forma natural.
Hoy el entretenimiento premium se vive, no solo se mira. Y esta casa lo entiende: crea espacios que se habitan, se sienten y dejan de ser un simple escenario para convertirse en parte de la experiencia. Stellar Soccer House demuestra que el fútbol funciona como el lenguaje universal definitivo: una fuerza capaz de conectar personas, entrelazar generaciones y definir un estilo de vida.
RESERVA TU LUGAR
Stellar Soccer House estará disponible hasta el 15 de julio. Para ser partícipe, regístrate en:
BELINDA SE UNE A PIXAR
“TOY
STORY ES DE MIS PELÍCULAS FAVORITAS DE TODOS LOS TIEMPOS”
Por Olman Castro
Belinda se incorpora a Toy Story prestando su voz y capacidad interpretativa al primer juguete tecnológico de esta saga: Lilypad. Personaje cuya intención es desbancar a los juguetes tradicionales, un contexto muy actual que nos hace maratvillarnos y reír, pero también reflexionar.
Platicamos con la cantante y actriz para conocer más detalles de su participación en una de las historias más entrañables del cine, la construcción de su personaje y otros secretos dentro de Toy Story 5
Desde el 2019 no sabíamos de todos ellos juntos y ahora con Toy Story 5 tenemos más aventuras y personajes nuevos como el tuyo. ¿Qué sientes al ser parte de esta historia?
He disfrutado muchísimo todo este proceso, desde que creamos la voz de Lilypad hasta el domingo en que vi la película completa. Tengo muchos sentimientos hacia este proyecto: alegría, agradecimiento, nostalgia… y diversión, porque me reí muchísimo al verla y en el estudio grabándola. Todo ha sido hermoso, desde que estábamos tratando de encontrar la voz porque Lilypad es única, es muy ocurrente, es muy divertida. Entonces, la disfruté mucho.
Ahora que hablas del trabajo de interpretación, comparado con otros proyectos de doblaje, hoy estás dando vida a una tableta que por su fisonomía tiene muy pocos elementos de expresividad.
Claro por eso el trabajo con su voz fue tan importante. Por ser un objeto tecnológico tiene ciertas limitaciones, pero, de repente, cuando se le sale su carácter o lo cómico, se le ve su verdadera personalidad. Ella es muy ocurrente. A mí me encanta cuando le dice “Jessica” a Jessie porque obviamente a ella no le gusta que le digan su nombre completo. También me encantó que es muy lista, inteligente y, a la vez, tierna. Al final dices: “la quiero tener porque es lo máximo”.
Señalas cómo al final conoceremos a una Lilypad muy distinta a la que nos presentan al inicio de la historia. ¿Con qué te quedas de este personaje?
Me quedo con lo divertida que es, porque a mí la primera parte de la historia me encanta, que es cuando la vemos que de repente es medio malvada, cuando es muy ocurrente y sarcástica. Y al final, pues. Obviamente. te gana el corazón. Me gusta que tiene todos estos matices y que a través de la historia vas viendo su evolución. Creo que eso es algo muy importante en un personaje para poderlo ir conociendo y entendiendo mejor. Esa profundidad y evolución se agradece mucho en un personaje.
¿Hubo alguna presión extra para que tu voz no sonara a una Siri o Alexa por lo mismo que es una voz “tecnológica”?
Justo lo que se quería era encontrar esta voz que fuera neutra y sí, un poquito más robótica por ser una tablet, pero cada vez que se enoja o cada vez que se le ocurre algún chiste, se le sale cómo ella es y suena diferente. Y es por eso que pudimos crear una Lilypad con muchos matices, le dimos una gran personalidad.
¿Cuáles eran los juguetes con los que no conectaste, los que nunca te gustaron?
Fíjate que a mí sí me encantaban todos los juguetes, o sea, no te puedo decir un juguete que no me gustara porque a todos les encontraba algo. Me gustaba mucho Barbie, los muñecos bebés y no es porque ahora esté en Toy Story, pero sus marcianitos me encantaban. Tenía uno que se iluminaba y que hablaba. Esos marcianitos me parecían increíbles. Y más recientemente, cuando salió Forky, lo fui a comprar corriendo porque lo amé. Es que Toy Story es de mis películas favoritas de todos los tiempos.
Toy Story 5 nos presenta muchos temas importantes para reflexionar como el uso extremo de pantallas en niños o el bullying cibernético, pero el mensaje de liderazgo femenino sobresale bastante.
Me encanta la fuerza que tiene Jessie en esta película; creo que toma una actitud increíble. Es que ella es lo máximo: tiene un corazón enorme. Al final tú te das cuenta de que la intención de los juguetes es hacer a los niños felices. Cada vez que los personajes recuerdan el momento en que jugaban con sus niños, es algo muy entrañable, te toca el corazón y te dan ganas de llorar.
A mí esto me pasa cada vez que veo alguna película de Toy Story, desde la 1 hasta la 5, todas te tocan porque te hacen volver a sentir y volver a vivir momentos de tu vida que te marcaron, esos instantes en los que fuiste completamente feliz y de una forma tan sencilla e inocente, como cuando jugabas con tus juguetes favoritos. ¡Espero que Lilypad se quede en el corazón de todo el público!
LA FUERZA FEMENINA DE LA HISTORIA
IRÁN CASTILLO
Como Jessie, la actriz refuerza la valentía y coraje de las mujeres.
Por Olman Castro
Con el estreno de Toy Story 2, en 1999, conocimos a Jessie, personaje que añadió una fuerte perspectiva femenina y una de las subtramas más emotivas de esta querida saga de animación.
Desde ese momento, Irán Castillo prestó su voz a Jessie, la tierna e inquieta vaquerita de juguete, a quien conoceremos mucho más en Toy Story 5, como nos lo adelantó la propia actriz mexicana.
“Siento que en esta nueva película se concluye la historia de Jessie del pasado. Entonces eso es muy conmovedor. Veremos su lado más vulnerable porque hay escenas muy sensibles y es que ella es muy amorosa. A mí siempre me conmueve mucho ver la forma en la que ama a los niños con los que está y que hace lo que sea con tal de verlos felices”.
En una de las escenas más emocionantes de esta nueva entrega de Toy Story, vemos a Jessie como un claro ejemplo de liderazgo femenino: “Toy Story 5 le da mucha importancia al poder femenino y esto se agradece mucho. En las anteriores películas, los líderes habían sido Woody y Buzz. Entonces, es bonito que ahora ella tenga la batuta. Aparte que toma el poder y lo hace con mucho amor, porque así es ella, pero también tiene mucha valentía y coraje. Eso es admirable y un gran ejemplo para los niños”.
Al ser uno de los personajes más apreciados, Jessie es parte de momentos emotivos y en esta nueva entrega, apunta Irán, tiene varios y muy lindos: “Pero creo que mi favorito es cuando ella llega al árbol y se da cuenta de lo que hay ahí escrito, además de lo que encuentra. Eso la hace entender muchas cosas. Grabando esa escena lloré varias veces porque me conmovió muchísimo, porque es un momento muy importante en su propia historia”.
Durante la película, se escucha una frase corta pero contundente: “los juguetes murieron, la tecnología ganó”, ya que con la llegada de la tableta Lilypad el tipo de juguetes que solíamos ver en Toy Story se transforman.
Al respecto, Irán Castillo reflexiona: “La tecnología ha sido un pesar para muchos y una bendición para otros. Siempre hay como dos bandos. A mí lo que me gusta de esta película es que nos muestra una comunión entre las dos partes. Y eso se me hace muy bonito. Al final, hay un mensaje muy lindo que nos hará reflexionar mucho porque una mirada entre un ser humano y otro, como estamos nosotros ahorita al hablar, es invaluable. Aunque no hay que olvidar que la tecnología también nos sirve y ayuda muchísimo. No la podemos evadir, entonces es saber convivir con ella de la mejor manera posible”.
Actualmente, es impensable y casi imposible mantenernos alejados de cualquier artículo tecnológico, un tema que abre el debate sobre el asunto de la crianza, en ese sentido, la actriz nos comparte:
“A mi hijo el más chiquitito casi no le presto el celular o le doy pantallas, realmente es muy poco lo que las usa; aunque sí lo dejo que vea pelis, obviamente, todas las de Disney. Pero sí, hay que prestarle mucha atención porque el cerebro de los niños más pequeños todavía no está tan desarrollado para exponerlos a tanta tecnología”.
CREAR Y CONMOVER SIN TEMOR AL PASO DEL TIEMPO
ANDREW STANTON
El guionista y director explica que los animadores de Pixar son actores tímidos y él es uno de ellos.
Por Rodrigo Araiza P.
Andrew Stanton ha sido clave para que Toy Story se haya impregnado en la cultura popular del mundo entero. Como guionista y director su trabajo es fundamental y la quinta entrega de la saga también cuenta con su visión.
Desde que se involucró en la aclamada historia hace poco más de treinta años, Andrew ha hecho de este espacio animado, su hogar, un lugar seguro que lo mantiene en contacto con su niño interior.
Han pasado ya más de tres décadas desde el estreno de la primera entrega de Toy Story. ¿Cómo logras mantener viva esa conexión después de tantos años?
Sí, ha sido un largo tiempo. De hecho, considero que ayuda mucho el hecho de que pase tanto tiempo entre cada película. Cuando estoy ocupado haciendo otras cintas y proyectos, el cerebro tiene la oportunidad de "cocinar" algo distinto. De ese modo, el regreso se vuelve fresco y emocionante otra vez; es como tener la oportunidad de visitar tu hogar, volver a ver a la vieja familia y recorrer los lugares a los que solías ir. En realidad, se siente muy cómodo.
En lo personal, ¿consideras que Toy Story es tu hogar?
En el plano cinematográfico, sí, Toy Story lo es. Lo quiera o no, es mi hogar. Es el sitio donde comencé, la primera película en la que trabajé y en la que aprendí absolutamente todo lo que sé.
¿Qué recuerdos guardas de aquel primer día de producción de la película original? Recuerdo perfectamente lo emocionados que estábamos todos. Ninguno de nosotros había hecho una película antes y mucho menos habíamos estado a cargo de un proyecto de esa magnitud. Esa emoción inicial fue tan genuina que nos duró los cuatro años enteros que tomó completarla. Incluso cuando pasamos por momentos muy difíciles, como ocurre en la mayoría de las producciones, creo que ni siquiera lo resentimos porque la emoción era más fuerte.
La tecnología es tema central en esta nueva entrega, ¿visualizas un mundo donde la inteligencia artificial reemplace por completo a los seres humanos?
No quiero que eso suceda y no creo que nadie lo desee. Siempre he sido un gran fanático de la ciencia ficción, por lo que puedo imaginar un escenario descabellado en el que algo así ocurra, pero espero que no sea el caso. Es difícil saberlo con certeza; la inteligencia artificial puede significar muchas cosas y es una herramienta multifacética. Es como cuando la humanidad inventó el fuego: puede quemarte o puede darte calor, todo depende de lo que hagas con él. Realmente funciona más como un espejo del usuario y del uso que se decida darle. No le tengo miedo a la tecnología; le tengo miedo a las personas que puedan utilizarla de forma incorrecta.
¿Qué cualidades de los niños crees que los adultos jamás deberíamos perder?
Tengo mucha suerte de trabajar en un estudio donde nadie ha madurado por completo. Todos recordamos nuestra infancia, nos comportamos de manera inmadura todo el tiempo y eso nos ha mantenido jóvenes. Creo que el sentido del juego —ya sea jugar literalmente en el suelo o simplemente mantener una actitud lúdica ante la vida— es una de las mayores ventajas de estar vivos. Es algo con lo que ojalá todos puedan empoderar a sus hijos: la capacidad de imaginar es una herramienta que tienes disponible en todo momento. En lo personal, agradezco mucho haberme aburrido tanto cuando era niño, porque eso me obligó a usar mi mente todo el tiempo y me ha hecho muy feliz a lo largo de toda mi carrera.
¿Y cómo mantienes viva esa conexión con tu niño interior hoy en día?
Escribir es lo que realmente hace eso por mí. Trabajar en el cine, hacer películas, es un deporte de equipo. Básicamente consiste en montar un espectáculo en el patio trasero de tu casa y esa dinámica es la que me mantiene encendido.
¿Qué se siente ver a tantas generaciones distintas conectar con los mismos personajes que creaste hace años?
Es una locura y es algo que jamás planeas. Recuerdo que cuando hicimos la primera película, nuestro mayor deseo era entrar en ese selecto club de películas que no solo se ven en el momento de su estreno, sino que se recuerdan años después. Solíamos decir: "Estamos aquí para intentar hacer películas para los nietos", con la idea de durar tanto que incluso tú te convirtieras en abuelo y se la estuvieras mostrando a las nuevas generaciones. Ahora yo soy abuelo y le muestro mis películas a mi nieto, y mi hijo le muestra Toy Story, Bichos y Nemo. Es una sensación estremecedora, porque al final lo único que quieres es crear una obra que siga conmoviendo a la gente incluso después de que la cultura haya cambiado y las personas hayan crecido.
¿Qué pueden aprender los adultos de una película como esta?
Bueno, espero que disfruten de una buena historia. Siempre intentamos encontrar verdades que nos hablen a todos, sin importar el país, la edad o el género. Si lo hicimos bien, la historia conectará contigo. En el caso de esta nueva entrega, espero que toque fibras sensibles sobre lo que significaba hacer un amigo o lo aterrador que podía llegar a ser el proceso de entablar una amistad. Al final, se trata del efecto que puedes causar en los demás; incluso si solo conoces a alguien por un período muy corto, la forma en que impactas su vida —ya sea positiva o negativamente— es algo sumamente poderoso.
¿Qué es lo que más disfrutas de trabajar con los animadores del estudio?
En la vida real trabajo con actores todo el tiempo e incluso, en la animación considero que los animadores son, en esencia, actores tímidos. Yo mismo estuve a punto de ser actor en mis inicios, así que para mí, siempre estoy rodeado de ellos. Ese es el verdadero gozo de hacer cine. Puede que sus rostros no siempre sean visibles para el mundo exterior, pero sigo teniendo una conversación profunda con otros artistas sobre el personaje, sus motivaciones y la historia. Por eso hago esto.
¿Cómo te sientes al ver el enorme impacto que tiene el universo de Toy Story en la cultura popular de México?
Siempre me asombra cuando vengo aquí. He visitado México para promocionar otras películas y no importa a dónde mire, no pasa mucho tiempo antes de que vea a Woody, a Buzz o a Jessie. Esta franquicia está arraigada en la cultura mexicana de una forma más profunda que en casi cualquier otra parte del mundo y es algo impresionante. Significa el mundo entero para mí. Ver a los niños en las calles con los disfraces de los personajes... es algo que nunca se ha ido. Me parece una de las cosas más hermosas del mundo.
¿Qué sigue en el futuro para la saga de Toy Story?
La verdad es que no lo sabemos. Ese es el gran secreto: nunca lo sabemos. Ponemos absolutamente todo lo que tenemos en la película que estamos filmando en ese momento y una vez que terminamos, cerrarnos el ciclo. Después, pasa el tiempo suficiente y alguien llega y dice: "¿Y si hacemos otra?". Comenzamos a lanzar ideas y pasamos un período muy largo pensando en ello. Así que no estoy diciendo que no habrá más en el futuro, pero tampoco aguantaría el aliento por un buen rato. Curiosamente, con cada película que hemos hecho, siempre pensamos que estábamos filmando el capítulo final.
Por Rodrigo Araiza P.
El cantautor inaugura su faceta como solista con Historias dedicadas, un reencuentro sonoro con experiencias que lo marcaron de manera personal.
Cuando el éxito es consecuencia de un trabajo en equipo, emprender un camino en solitario es un riesgo que no todos están dispuestos a correr. Pero Pablo Preciado, integrante de Matisse, tiene una actitud temeraria impulsada por su inagotable pasión musical.
Compositor de temas famosos en voz de Alejandra Guzmán, Carín León y Reik, Pablo sintió la necesidad de escribir para él y reencontrarse consigo mismo en el escenario. El álbum Historias Dedicadas es el resultado de esta búsqueda.
El temor de mostrarse vulnerable es latente, pero la sensación de refrendar sus creaciones sobre el escenario es mayor. Ser honesto y coherente no es opcional para Pablo, es una ley de vida que atraviesa su trayectoria musical, la que hoy inaugura una faceta como solista, más no en soledad.
PABLO PRECIADO
¿Desde cuándo tenías la idea de hacer un proyecto en solitario?
“EL HECHO DE PARARME SOLO EN EL ESCENARIO NO ME ASUSTA”
Hace poco me lo preguntó mi mamá y caí en la cuenta de que el 80% de la idea de este disco —con sus canciones— ya tenía unos tres o cuatro años guardada. Sin embargo, la idea de sacar algo solista siempre fue mi sueño primario. Mi mamá me recordó que cuando fui a ver a Alejandro Sanz aquí en Guadalajara, en el Estadio 3 de Marzo, salí diciendo: "Yo quiero hacer eso". Así que, aunque este disco, Historias dedicadas, cobró forma en los últimos tres años, el concepto original estuvo sembrado en mi mente desde hace muchísimo tiempo.
Cuando perteneces a un proyecto tan exitoso, popular y bien recibido como Matisse, la idea de ser solista podría verse lejana. ¿Experimentaste algún sentimiento de culpa o traición?
Para nada. Román, Melissa y yo tenemos una relación íntimamente estrecha y nos llevamos maravillosamente bien. Evidentemente, pasamos por varios obstáculos antes de llegar a este nivel de confianza y de absoluta libertad que hoy tenemos, el cual está basado en el amor y el respeto. Ellos ya sabían que yo traía esta espinita rondando.
Cuando compusiste este disco, ¿tenías en mente un concepto central o descubriste el hilo conductor hasta que viste todas las canciones terminadas?
Lo primero que se me ocurrió fue el título: dedicadas . En Matisse tengo la bendición de hacer música, al igual que para otros artistas, pero en mi vida personal pasé por procesos naturales que me marcaron, como separarme en plena pandemia y vivir un divorcio, dolores y pérdidas. Como diría Fito Páez, experimenté "el amor después del amor". Todo eso me fue doliendo y comencé a escribir canciones desde mi propia necesidad, sin pensar en nadie más.
Me fui encontrando con que ya tenía 15 o 20 canciones de diferentes vivencias. En algún momento intenté moverlas para que otros artistas las grabaran, pero la respuesta de varios de ellos fue: "Esto está increíble, pero se siente demasiado personal". Ahí entendí que el hilo conductor era la historia viva. No todo es acerca del divorcio, pero una gran parte sí.
El segundo hilo conductor es que todas las canciones del disco son las maquetas originales del día en que las escribí. Hay temas de hace cinco, cuatro o tres años, pero dejé la toma idéntica de ese día. Historias dedicadas una oda a la producción perfecta o la mezcla más fina técnicamente hablando. Tiene errores, pero quise mantener la carga emocional exacta que imprimí en ese instante imperfecto en producción para centrarme únicamente en el mensaje y en la historia.
Esas canciones que intentaste colocar con alguien más y que al final regresaron a ti, ¿te hicieron reflexionar sobre la idea de que, a veces, las canciones te escogen en lugar de que tú las escojas a ellas?
Me encanta pensar que sí. Hace muchos años Leonel García me dijo que las canciones realmente no son de uno, que uno es simplemente el emisario o el conductor de un mensaje que ya está ahí afuera. Me pareció bellísimo. Definitivamente estas doce canciones me encontraron a mí. Todo tiene su destino y todo encuentra su camino, pero estos temas tenían que ser defendidos por mi propia voz.
Al escuchar ahora estas piezas de distintas épocas y circunstancias, ¿llegas a desconocerte o a extrañar a la persona que las escribió en ese momento?
Fíjate que sí me pasa con alguna que otra. Justo hoy por la mañana me puse a leer la letra de una canción y a revisar mensajes de personas que me escribían diciendo que se habían separado en la misma época. Me puse a pensar en cuándo me había separado yo y busqué el archivo; la canción nació el 22 de febrero de 2018. Al leerla, no es que me desconozca a mí mismo, pero lo que sí agradezco profundamente es que hoy desconozco ese dolor. Ya no habito ese lugar donde me sentía desahuciado, solo y perdido. Bendito sea Dios que ya no estoy ahí.
En esencia sigo siendo la misma persona intensa y sensible, pero lo que me resulta extraño hoy en día es la vulnerabilidad hablada. Escribir canciones vulnerables es fácil, pero hablarlo e interpretarlo de frente es lo incómodo.
¿Te sientes nervioso de enfrentarte al público sin el respaldo de tus compañeros?
El hecho de pararme solo en el escenario no me asusta. Estamos planeando un concierto en el Lunario para el mes de agosto. La única condición que puse es que solamente seremos mi guitarra, un piano y yo; quiero un estilo muy de trovador, al desnudo o como decimos en Sonora: "al bichi". Estar ahí limpio no me incomoda, al contrario, me ilusiona mucho regresar a la raíz.
Lo que sí me da cierta cosa es cantar las canciones en sí. Me da pendiente conmoverme de más y terminar llorando en el escenario. En mi naturaleza suelo ser un poco más reservado y duro con mis sentimientos y me visualizo ahí sentado contando estas historias tan personales y me genera cierta incomodidad tener que revivirlas.
“Escribir canciones vulnerables es fácil,
“Para mí, la libertad es lo máximo”
El famoso rapero y productor rompió los moldes del pop tradicional como un escape logístico y terminó transformándose en una figura de optimismo hacia el futuro de la humanidad.
Días antes del trágico accidente que terminó con la vida de Oliver Tree, platicamos con él sobre su álbum más reciente: la manera en que fue concebido en distintas latitudes del mundo y los espacios donde encontró la inspiración necesaria para cada track.
La experiencia de viajar, descubrir culturas ajenas, conectar con gente nueva y experimentar con la gastronomía local evocó un cóctel de emociones y sensaciones que el músico estadounidense plasmó en su obra. Un legado sonoro que permanece, desafía las reglas de la industria y trasciende.
Grabaste Love You Madly Hate You Badly en muchos lugares, desde África hasta Afganistán.
¿Cómo afectó al núcleo de tu álbum el navegar por culturas y entornos tan diferentes?
Creo que, en todo el proceso de hacer el álbum en estos lugares tan distintos, el sonido base nunca cambió; no empezó a sonar más a este o aquel país. Lo que realmente hizo fue permitirme conectar con otros seres humanos. Logró que algo tan mundano como grabar —que típicamente se hace en un estudio sin ventanas donde te sientes como en una prisión— se convirtiera en una experiencia de vida. Me conectó con personas de todos los ámbitos para encontrar inspiración. El simple hecho de hacer preguntas, escuchar a la gente y conocer a la humanidad, me dio más optimismo por nuestro futuro del que jamás hubiera soñado.
A diferencia de muchos artistas que hoy tienen renombre, tú escribiste y produjiste por completo todo este cuerpo de trabajo mientras viajabas. ¿Cuáles fueron las mayores ventajas creativas y las peores pesadillas logísticas?
Diría que el mejor lado de todo esto fue poder sentirme inspirado cada día por comida nueva, gente nueva, nuevas energías, culturas y cosas diferentes a mi alrededor, lo que hizo que la inspiración fuera infinita. Pero la parte difícil fue lograr que la calidad no sonara horrible. Usé una interfaz que costaba unos 150 dólares, un micrófono barato y un teclado miniatura. Fue todo un reto lograr una buena calidad; yo mismo tuve que masterizar esas voces para intentar que sonaran remotamente aceptables. No es que sea un mal ingeniero de audio, es solo que el equipo era sumamente primitivo, mucho peor que el que tenía cuando hacía música en la preparatoria. Mantener y capturar el sonido de un estudio real mientras grabas en habitaciones de hotel fue muy complicado.A
La canción principal del álbum se titula Fuck the Whole World. Sonora y líricamente, ¿qué hace que este tema específico sea el ancla definitiva de los conceptos que exploras en esta época?
Suena un poco mal cuando lo piensas: vas viajando por el mundo y de repente dices "al diablo con el mundo". Pero en realidad no se trata de eso. La historia detrás de la canción es simplemente amar tanto a alguien que nada más importa. Estar con una persona tan especial que, cuando el mundo entero está en tu contra, sabes que tienes a alguien a tu lado, alguien en tu esquina que te respalda. Esa es una de las cosas más hermosas de estar enamorado o de conectar con otro ser humano: saber que están ahí para ti cuando más lo necesitas.
El álbum viene acompañado de un largometraje documental donde se te ve haciendo música en la Antártida. ¿Qué te impulsó a ir a un entorno tan extremo y cómo se tradujo el aislamiento del Polo Sur en tu música?
Sí, siempre quise ir a la Antártida; era un sueño desde que era niño. Nunca había tenido la oportunidad, pero encontré una opción trabajando como DJ en barcos de cruceros. Así pude ir un par de veces, pero el periodo largo fue al principio. Fue una experiencia bastante extraña; estuve allí durante un año y básicamente me volví loco. Me convertí en un teórico de la conspiración y mis padres tuvieron que ir a rescatarme para que me fuera de ahí. Fue una experiencia hermosa, pero muy retadora y difícil para mi salud mental; sin embargo, marcó el inicio de una odisea épica. No me arrepiento de nada y diría que ha sido una de las experiencias más peculiares de toda mi vida.
Se te ha descrito como un artista que diseña su propio plano para empaquetar y vender cultura pop en la era del internet. ¿Consideras que tu personaje de internet y tus memes están separados de tu música, o todo forma parte de una enorme pieza de arte performance?
Sí, diría que todo podría estar ligado a una enorme pieza de arte performance, aunque mantengo la música de una forma muy seria y auténtica; la compongo desde un lugar diferente. Pero el marketing es una parte enorme de todo esto. La única manera en la que puedo justificar pasar, tal vez, el 80% de mi tiempo haciendo marketing, es convirtiéndolo en arte performance, intentando poner un espejo para mostrar lo ridícula que se ha vuelto la sociedad.
¿Alguna vez te has sentido atrapado por la expectativa de tener que ser siempre impredecible?
No, en lo personal ese es el punto de todo el proyecto. Cuando tenía 18 años estaba firmado con un sello discográfico y me pedían una y otra vez que hiciera las mismas canciones. Creo que mi mayor temor como artista es quedar atrapado y que se espere que haga siempre lo mismo. Aunque he tenido éxito con ciertos sonidos o fórmulas que serían fáciles de replicar y me darían una mayor probabilidad de éxito comercial, no podría ser feliz haciendo eso. Sería demasiado aburrido; se sentiría demasiado como un trabajo normal. Para mí, la libertad es lo máximo.
“Esa es una de las cosas más hermosas de estar enamorado o de conectar con otro ser humano: saber que están ahí para ti cuando más lo necesitas”
Su cocina celebra los productos de temporada mediante procesos sumamente cuidados, entregando sabores que resultan cercanos, reconfortantes y profundamente intensos.
Por Rodrigo Araiza P.
Cuando encuentras un restaurante donde el comer no se limita a la ingesta del menú, se agradece, y Marne pertenece a esta categoría. De entrada el sitio es acogedor, con iluminación natural de día y tenue por la noche, ideal para un date
El génesis de Marne fue una barra de café, y aunque evolucionó a panadería y restaurante, conserva ese ADN tan peculiar: calidez en la atención y productos de calidad, que tras pasar por la cocina se transforman en platillos notables, llenos de color y sabor.
El menú
Las opciones son distintas dependiendo del horario: en la tarde-noche, uno de los imperdibles para abrir apetito es la Tostada de Sikil Pak. Las palabras no le hacen justicia al collage de sabores que encuentras en una preparación que pareciera simple, pero que sorprende con sus texturas, acidez y picor.
Si bien hay ingredientes muy tradicionales de la gastronomía mexicana como el sikil pak, propio de la península de Yucatán, también hay opciones de corte internacional como el risotto de cangrejo con toques de chile fresno y macadamia.
Aunque, personalmente, los mejillones con refrito son dignos de una mención especial. Este platillo es una paleta de sabores en el que destacan la mantequilla negra, la hoja santa y el limón amarillo; por su parte, el aceite que los baña es el complemento perfecto de una hogaza de masa madre.
Una experiencia culinaria de este nivel no estaría completa sin el postre y aquí hay tres opciones, una muy distinta a la otra: pannacota con coco, melón y shiso, flan de vainilla y pan francés con cerezas y sour cream
Y para hacer honor a su origen cafetero, una taza de esta bebida no está de más, pues aparte de los tradicionales americano y capuchino, tienen filtrados y ninguno de ellos decepciona.
Cocina con historia
Desde su nacimiento en 2020, Marne ha trazado una evolución orgánica fascinante. Un viaje que comenzó inspirado en el aroma del café de especialidad y el misticismo de la panadería artesanal, hasta consolidarse en dos propuestas distintas que conviven en perfecta armonía. Su filosofía es tan sofisticada como transparente: crear espacios cálidos pensados para la comunidad, donde un servicio cercano y una experiencia gastronómica de honestidad brutal se convierten en la excusa perfecta para detener el tiempo. El idilio surgió como una pequeña y discreta barra de café, cuyo único deseo era acompañar la perfección de cada taza con el crujir de un pan recién horneado; sin embargo, durante el complejo periodo de restricciones sanitarias, el horno de la casa cobró un protagonismo inesperado.
Los paladares más exigentes comenzaron a identificar a Marne como el referente definitivo de panadería artesanal en la zona. Este crecimiento natural e inevitable impulsó la apertura de un santuario mayor en la emblemática colonia San Miguel Chapultepec, hoy aclamado como Marne Panadería. El éxito no se detuvo ahí, abriendo paso al desarrollo de un segundo espacio dedicado a una propuesta culinaria mucho más amplia, fluida y versátil: Marne Restaurante.
En el centro de esta orquesta de sabores se encuentra la dirección gastronómica del chef Pancho Ibáñez, cuya firma aporta una equilibrada dosis de creatividad, rigor técnico y una visión contemporánea.
Marne Panadería
Dirección: C. Gobernador Ignacio Esteva 35, San Miguel Chapultepec I Secc, Miguel Hidalgo, 11850 Ciudad de México, CDMX
Horarios: Lunes a viernes: 8:00 h – 21:00 h
Sábados y domingos: 9:00 h – 21:00 h
Marne Restaurante
Dirección: Av Sonora 92, Roma Nte., Cuauhtémoc, 06700 Ciudad de México, CDMX
Horarios: Lunes a domingo: 8:00 h – 22:00 h
Viajar no significa únicamente desplazarte de un punto a otro, alrededor hay muchos factores que impactan de manera directa en tu experiencia. El hospedaje, por ejemplo, es una decisión que no debe tomarse a la ligera, y si en tus planes está viajar a Lima, Perú, tenemos no la mejor opción, sino LA OPCIÓN.
Más allá de la decoración meticulosamente diseñada para aportar personalidad y estilo al hotel, nhow Lima es más que un lugar para hospedarte, recientemente añadió una razón más para convertirse en el nuevo hotspot de la región: Poolbar by Handshake
Ubicado de forma privilegiada en el piso 13 del hotel nhow Lima , este espacio abrió oficialmente sus puertas a mediados de mayo con una meta muy clara: convertirse en el epicentro definitivo del entretenimiento, el diseño y la vida nocturna de la ciudad.
Un choque de titanes: nhow + Handshake Speakeasy
¿Por qué nos emociona tanto esta apertura? Muy sencillo. Esta joya en las alturas es el resultado de una colaboración de ensueño con Handshake Speakeasy, el aclamado bar que se ha consolidado en el codiciado puesto N.º 1 del ranking de los mejores bares de América según la prestigiosa lista The World's 50 Best Bars.
Traer este ADN creativo a Perú responde a una jugada sumamente audaz. Como bien menciona Rodrigo Urraca, fundador de Handshake Speakeasy, el consumidor contemporáneo ya no solo busca un trago; busca una experiencia completa, coherente y estimulante donde la técnica más rigurosa se ponga al servicio del puro disfrute. En ese sentido, Lima es el lienzo perfecto gracias a su avanzada cultura gastronómica y su apertura total a nuevos lenguajes sensoriales.
Alta gastronomía líquida: del laboratorio al primer sorbo
Olvídate de las barras tradicionales y los cócteles predecibles. En Poolbar by Handshake, la carta de bebidas se estructura bajo procesos que parecen sacados de un laboratorio de alta cocina: técnicas meticulosas de clarificación, destilación y carbonatación. Este nivel técnico premium les permite jugar con una precisión milimétrica en texturas, aromas e ingredientes, logrando que cada trago sea una obra de arte equilibrada y sorprendente desde el primer sorbo.
Lo mejor de todo es que el menú dialoga directamente con su entorno. Fieles al respeto por el ingrediente, incorporan insumos locales dentro de su desarrollo creativo, entrelazando de manera orgánica la innovación líquida con la rica identidad gastronómica del país.
¿El plan ideal? Vivirlo de sol a sol
Concebido bajo el ecosistema de "nuevos mitos, nuevos ritos" del hotel nhow Lima, la versatilidad es otra de las grandes cartas de este hotspot. Está diseñado para mutar junto con el ritmo de la ciudad a lo largo del día. Puedes dejarte caer por la tarde para relajarte junto a la piscina, presenciar un sunset espectacular con vistas panorámicas que cortan la respiración o sumergirte de lleno en la energía magnética de la noche limeña rodeado de buena música, arquitectura propositiva y una atmósfera internacional inigualable.
EL NUEVO SANTUARIO DE LA MIXOLOGÍA EN LIMA
POOLBAR BY HANDSHAKE
Como bien lo resume Marcela Neira, gerente general de nhow Lima, la ambición de este oasis urbano es elevar el estándar de la vida nocturna local y consolidarse, sin rodeos, como el mejor bar de la ciudad.
Tanto si vas en plan de huésped como si eres un local buscando redescubrir tu propia ciudad con un toque chic, Poolbar by Handshake es ese espacio que no solo se visita; es un lugar que se habita, se comparte en redes y se disfruta intensamente. Prepara el outfit, reserva tu lugar y déjate sorprender por la nueva forma de vivir el lujo líquido en Lima. ¡Salud!
Poolbar by Handshake
Dirección: C. Atahualpa 155, Miraflores 15074, Perú Horario: De jueves a sábado, de 8:00 a. m. a 1:00 a. m.
EL DESTINO CREATIVO
QUE ESTÁ REDEFINIENDO EL OESTE AMERICANO
DENVER
VIAJES
Por: Mariana Dávila
Con más de 300 días de sol al año, una oferta cultural en constante crecimiento y las Montañas Rocosas a solo unos minutos de distancia, Denver se ha convertido en uno de los destinos más interesantes de Estados Unidos.
Y es que la ciudad simplemente lo tiene todo. Museos de primer nivel, una gastronomía dinámica, barrios con identidad propia y múltiples opciones para disfrutar al aire libre, ofreciendo una experiencia que equilibra perfectamente cultura, entretenimiento y naturaleza.
La diversidad de Denver en su máxima expresión
La riqueza cultural de Denver se refleja en sus museos y espacios dedicados al arte, la historia y la preservación del patrimonio.
Entre los imperdibles, si tienes pensado visitar esta enigmática ciudad, se encuentra el majestuoso Art Museum, considerado uno de los museos de arte más importantes entre Chicago y la Costa Oeste. Su prestigio internacional se debe, en gran medida, a sus colecciones de arte indígena americano y del Oeste estadounidense, además de sus espacios dedicados al arte contemporáneo y sus innovadoras propuestas arquitectónicas.
Para quienes desean comprender mejor el pasado de la región, History Colorado Center ofrece más de quince exposiciones interactivas que narran la evolución histórica del estado y sus comunidades, pero si eres amante del arte moderno, encontrarás una visita imprescindible en el Clyfford Still Museum, que alberga cerca del 90 % de la obra del influyente expresionista abstracto Clyfford Still.
La oferta cultural también incluye el Museum of Contemporary Art, pionero en la ciudad como espacio dedicado exclusivamente al arte contemporáneo, el American Museum of Western Art, cuya colección reúne más de 600 obras que retratan la evolución del imaginario del Oeste americano y el Molly Brown House Museum, antigua residencia de Margaret “Molly” Brown, sobreviviente del Titanic y destacada activista social.
Denver Pride 2026: una celebración de inclusión y comunidad
Además de su riqueza cultural, Denver se distingue por su compromiso con la diversidad. Este mes, la ciudad celebra una nueva edición de Denver Pride, una de las festividades LGBTQ+ más importantes de Estados Unidos.
Lo que comenzó en 1974 como una reunión de apenas medio centenar de personas en Cheesman Park se ha transformado en una celebración de alcance nacional que reúne a miles de participantes cada año. Organizado por The Center on Colfax, Denver Pride 2026 se extenderá durante todo el mes de junio con una programación que incluye encuentros comunitarios, actividades culturales, eventos familiares y grandes celebraciones abiertas al público.
La edición de este año busca reforzar el papel de Denver como uno de los destinos más inclusivos de los Estados Unidos, ofreciendo actividades accesibles para residentes y visitantes, muchas de ellas gratuitas, reafirmando el compromiso de la ciudad con la comunidad LGBTQ+ y sus aliados.
Entre museos de clase mundial, espacios naturales, gastronomía innovadora y una vibrante agenda cultural, Denver demuestra que es mucho más que la puerta de entrada a las Montañas Rocosas. Después de recorrerla, queda claro que uno de sus mayores atractivos es la facilidad con la que permite pasar de una experiencia a otra: de una galería a una terraza, de un jardín botánico a una cervecería artesanal o de una caminata urbana a un espectáculo en Red Rocks. Esa versatilidad, sumada a una atmósfera auténtica y sin pretensiones, es lo que ha convertido a Denver en uno de los destinos más interesantes de Estados Unidos para quienes buscan cultura, estilo de vida y conexión con la naturaleza, en un mismo viaje.
DOBLE PANTALLA EN PRO DEL GAMING Y LA PRODUCTIVIDAD
Con estos lanzamientos, ASUS refuerza su apuesta por equipos que buscan adaptarse a las nuevas dinámicas de trabajo y entretenimiento, donde la productividad, la creatividad y el rendimiento ya no compiten entre sí, sino que conviven en una misma pantalla, o mejor dicho, en dos.
