DIRECTOR DE MODA RAFAEL TARACENA rtaracena@estilodf.tv
24. MÚSICA
SAM SMITH: CUATRO NOCHES DE LIBERTAD Y ALTA COSTURA
La fuerza artística multiplatino anuncia su íntima residencia To Be Free en el Auditorio Nacional de la CDMX en colaboración con Vivienne Westwood.
34.
VIAJES
SELVA MAYA: EL SECRETO MÍSTICO DE VALLADOLID Un viaje sensorial e inspirador al Cenote Saamal y un recorrido por el corazón de la gastronomía yucateca.
EDITORA DE BELLEZA NANCY ESTRADA nestrada@estilodf.tv
FOTÓGRAFO SERGIO RAMÍREZ sramirez@estilodf.tv
DIRECCIÓN DE RP MICHELLE BECKER mbecker@estilodf.tv
DIRECCIÓN DE RP
Y ALIANZAS COMERCIALES MARIANA DÁVILA mdavila@estilodf.tv
Tiempo: Publicac ón Semanal del 3 al 5 de julio de 2026. Editor Responsable: Simón Mercado Cheja Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2019-012110475800-101. Número de Certificado de Licitud de Título: 15159. Número de Cer
CARTA EDITORIAL
ay historias que revelan de lo que somos capaces cuando el talento y la disciplina se encuentran; la de Isaac Hernández es una de ellas. Más que un bailarín extraordinario, es un mexicano que ha convertido cada escenario en la prueba de que los sueños no entienden de fronteras cuando se persiguen con pasión, entrega y una determinación a toda prueba.
En un momento en que necesitamos ejemplos que calen hondo, Isaac encarna una verdad sencilla pero poderosa: el éxito no llega por casualidad. Detrás de cada aplauso hay años de sacrificio, de constancia y de una profunda convicción por representar a México con orgullo. Su historia conmueve porque es auténtica; porque habla de una familia que creyó en un sueño y de un hombre que nunca dejó de creer en sí mismo.
En EstiloDF siempre hemos apostado por contar historias que trasciendan la noticia del momento. Historias que nos hagan sentir, admirar y tener presente que nuestro país está lleno de personas que dejan huella en el mundo con su talento y su calidad humana. Isaac Hernández es justo eso: la elegancia del arte, la fuerza de la perseverancia y el orgullo de poner el nombre de México en lo más alto.
Esta portada celebra una vida dedicada a la danza y al mismo tiempo, invita a creer que los sueños más grandes pueden nacer en cualquier rincón de nuestro país. Cuando el talento se combina con trabajo, humildad y pasión, la excelencia abre caminos en lugar de cerrarlos.
Bienvenidos a una nueva edición de EstiloDF, donde ponemos la mirada en quienes nos inspiran a mirar más alto y nos confirman que el mayor orgullo de México es, y seguirá siendo, su gente.
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LA HUMILDAD HABITA EL ÉXITO
Por Rodrigo Araiza P.
En quince años de trayectoria periodística he tenido oportunidad de lanzar cientos de preguntas a personalidades de ámbitos diversos: actores, actrices, músicos, chefs, escritores, cantantes, futbolistas y filántropos. Pero el encuentro con Isaac Hernández es inédito.
Una personalidad artística con reconocimiento internacional desata mil y un ideas en la cabeza; no sabes con qué te enfrentarás o de qué humor estará. Y aunque uno se prepara para este tipo de momentos, la incertidumbre nunca desaparece.
A la sesión con Isaac llegué cauteloso por la falsa humildad de celebridades que usan la fama como carta de presentación. Pero la ansiedad generada se desvaneció desde el primer cruce con el bailarín mexicano. Un tipo introvertido, pero respetuoso y gentil. De semblante serio, más nunca engreído. Alguien a quien el éxito no le genera efectos secundarios.
Disciplina y talento se conjuntan en Isaac, ejemplo para una generación que gracias a Despertares, —producción que encabeza y que este año llega a la décima segunda edición—, descubrió el arte escénico.
Esta producción no solo es consecuencia del triunfo y proyección internacional de Isaac Hernández, también es resultado del amor que le tiene a México y de su intención por democratizar el arte, ahuyentando cualquier estereotipo de solemnidad de estas expresiones artísticas.
A pesar de haber sido reconocido con el llamado "Oscar de la danza", el Prix Benois de la Danse, galardón más importante del ballet a nivel mundial, Isaac no tiene un solo gramo de presunción y creo que es ahí donde reside su verdadera victoria: triunfar con humildad.
Pieza: DANA GULIAS
El próximo 29 de agosto podremos vivir la duodécima edición de Despertares en el Auditorio Nacional. Cuando anunciaste la primera, ¿te imaginabas llegar tan lejos con este proyecto?
Cada edición ha sido tan compleja y difícil de lograr que, al principio, era muy complicado siquiera imaginar que el proyecto duraría más de una década. Por eso, cada año que logramos concretarlo se siente casi como un milagro. Todavía me sigo sorprendiendo de cuánto he cambiado como artista, de cómo se ha transformado mi vida personal y de cómo ha evolucionado la vida cultural de este país; es sumamente interesante ver pasar el tiempo a través de un proyecto que tienes que ir adaptando a los diferentes públicos.
Algo que llama mucho la atención de Despertares es el acercamiento que le das a la gente hacia las bellas artes, despojándolas de esa solemnidad o rigidez que a veces aleja al público.
Es primordial que el público se sintiera respetado; que cuando dijéramos que íbamos a traer lo mejor del mundo a un escenario mexicano, el resultado fuera exactamente ese. Por otro lado, me gustaba la idea de erradicar ese mito de que se necesita ser un experto o un erudito para poder apreciar el ballet. Cuando tratas al espectador con respeto y pones algo de verdadera calidad sobre el escenario, la gente lo identifica de inmediato. Tal vez sea la primera vez en su vida que ven algo así y puede que no entiendan el trasfondo técnico, pero reconocen que están viviendo un momento excepcional e irrepetible.
¿Cómo fue el proceso de ser bailarín a productor de tus propios espectáculos?
Fue una transición que tenía que suceder por necesidad. Al principio empezamos este proyecto con algunos socios comerciales, pero era muy difícil transmitirles la verdadera dimensión de lo que queríamos lograr y por qué era tan importante arrancar con esa magnitud. Estábamos tomando muchísimos riesgos y era natural que para ellos fuera difícil asumir ese peligro sin entender a fondo la naturaleza del ballet. Así que, casi por default, si queríamos darle continuidad al proyecto y seguir haciéndolo realidad, tuvimos que desarrollar nuestras propias herramientas y producirlo nosotros mismos.
¿De dónde surge esa intensa necesidad de producir en tu propio país y mostrarle el arte a la gente a través de tu mirada?
Nació como un deseo muy natural de tener presencia en mi país y poder compartir mi trabajo con el público mexicano. Sin embargo, ese propósito cambió muy rápido. Al final, el beneficio de estar expuesto a estos grandes artistas internacionales lo estaba viviendo al mismo tiempo que el público. Traerlos a México me inspiraba, me motivaba y renovaba mi energía creativa. Quise que otras personas tuvieran acceso a ese bienestar.
En una sociedad actual que vive tan distraída por la tecnología, quería consolidar un espacio de conexión real donde las familias pudieran reunirse a compartir una experiencia humana.
Artísticamente hablando, ¿cuál dirías que es tu principal motivación en el día a día?
La búsqueda de la excelencia. Siempre lo he asumido como un gran compromiso, primero con mi propio talento, pero también con mi profesión y con el público. He tenido la fortuna de recibir oportunidades y de poseer talento para lo que hago; por lo tanto, es mi responsabilidad desarrollarlo al máximo y ver qué tan lejos puedo llegar con esto. Poder soñar, imaginártelo y luego verlo materializado, es un privilegio absoluto hoy en día y esa es mi mayor motivación.
En este despertar artístico que viviste, ¿hubo alguna figura clave que te impulsara a desarrollarlo?
Sí, totalmente. Al principio de mi carrera la figura clave fue mi padre. Su pasión por el ballet, por las artes y por buscar la manera de hacerlas accesibles para cambiar la vida de las personas, fue lo que sembró todo en mí.
Así como tu padre fue tu guía, hoy en día hay miles de jóvenes que te ven a ti como un modelo a seguir. ¿Cómo vives este ejercicio de responsabilidad al transmitir tu conocimiento?
Es un ejercicio interesante y, sobre todo, de mucha responsabilidad. Cuando te encuentras en una posición de visibilidad donde la gente pone atención a lo que dices, a cómo te comportas como profesional y como individuo en la vida pública, tienes que actuar con una conciencia absoluta. Para mí ha sido muy valioso entender esto desde muy chico. Cuando salí de México, sabía que las personas que conocían mi trabajo en el extranjero estaban descubriendo una versión de mi país muy diferente a los clichés que tenían en mente y eso me hacía sentir orgulloso. Es exactamente lo mismo que siento cuando regreso a México a montar estos proyectos, a hablar con los jóvenes o a dar clases magistrales.
La disciplina es primordial para alcanzar el éxito y la excelencia. En tu caso, ¿siempre fuiste una persona disciplinada o tuviste que ir construyendo ese hábito?
Nadie nace siendo disciplinado; es algo que se tiene que trabajar todos los días. Sin duda, es mucho más fácil desarrollarla cuando haces algo que te apasiona profundamente. Para mí, el ballet se convirtió en algo muy personal, íntimo e importante, por lo que mantener el compromiso y el amor hacia lo que hago me resulta natural. La disciplina se vuelve un hábito con los años.
¿Te consideras alguien perfeccionista?
Para muchas cosas sí, definitivamente. Creo que para el ballet clásico necesitas obligatoriamente esas características y en mi entorno de trabajo suelo ser muy perfeccionista. Sin embargo, también he aprendido a darme permiso de no serlo en otras áreas de mi vida. Eso me regala una maravillosa sensación de libertad y me permite aceptar con madurez que no siempre las cosas salen exactamente como se planean.
¿Qué implicaciones físicas y emocionales tiene mantenerse en un nivel competitivo tan alto durante tantos años?
Las implicaciones son totales, tanto físicas como mentales. Este es un trabajo que te exige un compromiso corporal absoluto en cada ensayo y, al mismo tiempo, conlleva una demanda psicológica y emocional muy grande. Mantenerse arriba significa realizar un trabajo constante de introspección y cuidado en ambas áreas.
Ante tanta exigencia, ¿cómo procuras tu higiene mental para mantener el equilibrio?
Me refugio muchísimo en la música clásica; voy constantemente a conciertos de piano, a la ópera y a ver mucho teatro. Para mí, vivir la vida rodeado de un alimento cultural que sea activo, rico y variado es la mejor manera de resetear la mente.
Y en los momentos de recreación y esparcimiento que no tengan absolutamente nada que ver con el arte, ¿qué te gusta hacer?
Me gustan mucho los deportes; disfruto jugar tenis, jugar golf, leer y viajar por el puro placer de conocer, no solo por compromisos de trabajo.
¿Cuál dirías que ha sido el mayor sacrificio que has tenido que hacer para llegar hasta este punto de tu carrera?
Haber dejado a mi familia a los doce años de edad para irme a estudiar a Filadelfia. En su momento, debido a mi juventud, no lo percibía como un sacrificio real porque estaba emocionado por bailar, pero conforme han pasado los años, entiendo que separarte de los tuyos a esa edad es una de las cosas más difíciles que he tenido que hacer para construir una carrera profesional.
A donde quiera que vas, representas con orgullo a México. ¿Cómo te sientes con ese rol de embajador cultural en los grandes escenarios internacionales?
Siempre estuve muy consciente de la responsabilidad que significaba ser, en muchas ocasiones, el único mexicano en esos grandes recintos mundiales. Cuando estaba en el extranjero, mucha gente me decía: "Quédate allá, haz tu carrera fuera; en México es imposible, en México no hay público para el ballet y estás perdiendo el tiempo". Yo sentía un gran orgullo cuando la gente me veía bailar en el escenario y gracias a mi desempeño, disciplina y rigor técnico, descubrían otra versión de México.
¿Te sientes profeta en tu propia tierra?
Sí, yo sí me siento profeta en mi propia tierra. Creo que es el resultado directo de la filosofía con la que nació Despertares: la idea de compartir con el público mexicano, de construir y de generar una influencia positiva en la sociedad. Creo que los jóvenes tenemos la responsabilidad de aportar activamente al desarrollo de nuestro país y de nuestra cultura.
Por otro lado, también has expandido tus horizontes incursionando en la actuación y otros proyectos de vanguardia. ¿De dónde surge esta inquietud por diversificarte?
Mi inquietud por el cine nace de dos lugares. El primero es que necesito retarme constantemente; no hay nada que me aterre más en la vida que la complacencia o el sentirme demasiado satisfecho con lo que ya logré. Cuando un gran reto me genera miedo, mi respuesta automática es decir: "Sí, lo voy a hacer porque tengo la capacidad de lograrlo".
Eso ha hecho que mi trayectoria sea una de las más interesantes y dinámicas dentro de la danza. El segundo motivo es la posibilidad de llevar mi profesión a nuevas plataformas cinematográficas para conectar con públicos que jamás han pisado un teatro de ballet.
Después de tantos logros, ¿cuál es tu definición personal del éxito?
Una vida plena. No creo que el éxito se pueda medir por un logro indefinido o un premio específico; es un conjunto de cosas. Para mí, el éxito es poder mirar atrás en el futuro y tener la certeza de que viví una vida plena, tanto en el plano profesional como en el personal. A eso es a lo que me llevan mis decisiones de cambiar de país cada tres años y de seguir retándome con nuevos proyectos.
¿Cuál es tu mayor miedo en este momento de la vida?
Profesionalmente hablando, las lesiones físicas; es el gran temor de cualquier bailarín. En el plano personal, es un miedo compartido por la mayoría de los padres: el bienestar y la felicidad de mi hija.
¿Cómo desearías que te recordaran en cincuenta o cien años?
Me gustaría que me recordaran como una persona que llevó su talento, sus posibilidades y sus oportunidades al máximo de sus capacidades; alguien que supo ver más allá de su propia felicidad para construir un legado duradero y abrir puertas para el progreso de las nuevas generaciones.
The Future Is
Slim?
Por Rafael Taracena
Mientras gran parte de la industria sigue atrapada en el espectáculo, la viralidad y la necesidad constante de producir momentos para las redes sociales, Prada eligió una ruta distinta para Spring/Summer 2027: la contención.
La colección presentada por Miuccia Prada y Raf Simons no buscó impresionar mediante artificios ni exageraciones. En cambio, propuso algo mucho más desafiante para la moda contemporánea: encontrar emoción en la normalidad. Camisetas sencillas, pantalones estrechos, cazadoras de cuero, blazers precisos y prendas aparentemente comunes desfilaron sobre la pasarela como un recordatorio de que la innovación no siempre pasa por inventar algo nuevo, sino por replantear lo que ya existe.
La decisión más notable fue el regreso de una silueta ajustada. Después de años dominados por el volumen extremo y el oversize convertido casi en uniforme global, Prada plantea una pregunta incómoda para la industria: ¿Estamos entrando al fin de la era de las proporciones exageradas?
Sin embargo, el verdadero mensaje de la colección no estaba en el corte de los pantalones. Estaba en la actitud. Prada parece cuestionar una moda cada vez más obsesionada con el impacto inmediato y reivindica el valor de las prendas que construyen identidad más allá de una temporada. No hubo nostalgia, pero tampoco una obsesión por el futuro. Hubo algo más interesante: una búsqueda de claridad.
Frente a una época donde el lujo suele confundirse con exceso, logotipos o ruido visual, Prada vuelve a demostrar por qué sigue siendo una de las pocas casas con la capacidad de marcar el rumbo de la conversación. Mientras muchos diseñan para hacerse visibles, Miuccia Prada y Raf Simons diseñan para hacer pensar… y en la moda actual, eso sigue siendo un acto profundamente revolucionario.
DISTRITO FASHION
A LEGEND THEN, AN ICON NOW, FOREVER DESIRED
Por Rafael Taracena
Existen bolsos que siguen tendencias, otros que las crean, y luego, está la Baguette de FENDI.
En una era donde la moda parece obsesionada con la nostalgia, FENDI reafirma que algunos íconos nunca se fueron. Para su nueva campaña Fall/Winter 2026-27, la casa italiana celebra el legado de la legendaria Baguette con un mensaje tan simple como poderoso: la verdadera relevancia nace de la autenticidad.
Nacida a finales de los noventa como una pequeña rebelde en medio del minimalismo dominante, la Baguette desafió las reglas con color, textura y personalidad. No era solo un accesorio; era una declaración de identidad, y casi tres décadas después, sigue siendo exactamente eso.
La nueva campaña reúne a un elenco tan diverso como magnético: Sarah Jessica Parker, Bang Chan, Emma D’Arcy, Jessica Alba, Sophie Thatcher, MINA, Ren Meguro e Iris Law, entre otros. Fotografiados por Bibi Borthwick y acompañados por la energía pop de Fame is a Gun de Addison Rae, cada protagonista interpreta la Baguette a su manera, convirtiéndola en una extensión de su propia personalidad.
Por supuesto, el momento más irresistible llega con Sarah Jessica Parker. Porque, seamos honestos, hablar de la Baguette es hablar de Carrie Bradshaw, y sí, FENDI recupera el guiño que marcó a toda una generación: It’s not a bag, it’s a Baguette
Bajo la dirección creativa de Maria Grazia Chiuri, quien firma su primera colección para FENDI, el bolso regresa a su silueta original y al código que lo convirtió en objeto de culto. Una vuelta a sus raíces que demuestra que la real esencia del lujo no consiste en reinventarse constantemente, sino en seguir siendo deseable sin pedir permiso.
En la moda, hay algunas historias de amor que nunca terminan, simplemente, encuentran nuevas formas
Por Rafael Taracena
Hay fragancias que acompañan un momento y otras que terminan definiendo una personalidad. Aventus, de Creed, pertenece a la segunda categoría.
Con su nueva campaña Leave Your Mark, la icónica casa de perfumería celebra más de quince años de una creación que ha trascendido tendencias para convertirse en un verdadero símbolo de confianza, carácter y sofisticación, ya que el lujo más atractivo nunca es el que hace más ruido, sino el que deja huella sin intentarlo.
Detrás de su éxito se halla una artesanía impecable: ingredientes seleccionados directamente de productores de confianza, procesos tradicionales de elaboración y una exquisita fórmula donde brillan la bergamota de Calabria, el icónico acorde de piña, la pimienta rosa, el abedul ahumado y el pachuli, creando una estela tan elegante como inolvidable.
Inspirado en el espíritu conquistador de Alejandro Magno, Aventus nació para quienes entienden que el real estilo no consiste en seguir el momento, sino en crear uno propio.
Al final, la pregunta no es qué perfume llevas, sino qué recuerdo dejas cuando ya no estás en la habitación.
EL ARTE DE OLER INOLVIDABLE
Un perfume puede decir más de un hombre que cualquier accesorio. No se ve, pero se queda: en la ropa, en la memoria y en la forma en la que alguien ocupa un lugar.
Por Nancy Estrada
Hay hombres que tienen una manera de entrar a un espacio sin hacer ruido, pero dejando algo en claro. En ocasiones es la postura, otras la ropa, y muchas otras es el perfume. Me gusta pensar en la fragancia como ese último gesto antes de salir: no adorna, sino acompaña.
Oler a alguien, no a tendencia
Un perfume puede ser limpio sin ser plano, intenso sin sentirse pesado y elegante sin parecer demasiado producido. Para quienes buscan algo pulido, Bleu de Chanel sigue siendo ese clásico moderno que funciona porque tiene presencia sin gritar. Si la idea es algo más sofisticado, Dior Homme Intense tiene esa mezcla de iris, ámbar y madera que se siente mucho más lujoso, casi como un traje bien cortado.
Fragancias con carácter
También hay perfumes que cuentan una historia distinta. H24 de Hermès tiene algo verde, metálico y contemporáneo, perfecto para quien prefiere oler fresco, pero no común. Replica Jazz Club de Maison Margiela va hacia un mood más nocturno, con ese aire cálido de ron, vainilla y madera que se queda en la piel como una conversación larga. Y para quienes aman los aromas más envolventes, Oud Wood de Tom Ford es una apuesta intensa, elegante y muy segura de sí misma.
Pero si queremos salirnos de lo esperado, hay joyas que se sienten menos obvias y mucho más personales. Another 13 de Le Labo es de esos perfumes que parecen fusionarse con la piel: almizclado, limpio, raro en el mejor sentido. Mixed Emotions de Byredo juega con té, mate, grosella negra y maderas, como una fragancia para alguien que no quiere oler igual que todos. Wonderwood de Comme des Garçons es literalmente un manifiesto de maderas: seco, profundo, artístico, y I Don’t Know What de D.S. & Durga funciona casi como un filtro invisible que no busca protagonismo, pero hace que todo huela mejor.
Una firma invisible
Elegir perfume no debería ser un acto automático. Es casi una forma de editarse: decidir qué parte de ti quieres que llegue primero y cuál quieres que se quede después. Porque una buena fragancia no solo huele bien; también construye recuerdo.
EL MAQUILLAJE COMO GALERÍA
PIGMENT
Hay piezas de belleza que parecen guardar luz antes de tocar la piel: pequeños objetos de color, textura y deseo que convierten el tocador en una galería íntima, donde cada empaque, pigmento y reflejo cuenta una historia propia.
Por Nancy Estrada
Existen productos que dan ganas de abrir con calma. Primero los miras, los giras un poco, sientes el peso del empaque y casi te preguntas si de verdad quieres pasarles una brocha encima. Me gusta cuando el maquillaje provoca eso: cuando no solo promete color o brillo, sino una experiencia completa.
Cuando la fórmula también cuenta una historia
Creo que lo más interesante pasa cuando el maquillaje no separa forma y fondo. No basta con que un empaque sea bonito si la fórmula no acompaña, ni con que el pigmento funcione si todo lo demás se siente genérico. Hay piezas que logran unirlo todo: color, textura, diseño, gesto. Productos que parecen pensados por alguien que entiende la belleza como lenguaje visual, no solo como resultado.
Las Mothership de Pat McGrath Labs tienen esa intensidad de backstage, pasarela y editorial: metálicos profundos, reflejos casi líquidos y tonos que cambian dependiendo de la luz. Lightwork de Danessa Myricks Beauty lleva esa idea a un lugar más experimental, con pigmentos multicromáticos que hacen que el párpado parezca una superficie en movimiento.
El lujo también está en el empaque
En labios, hay objetos que entienden perfectamente esa idea de belleza coleccionable. Dries Van Noten Beauty convierte sus lipsticks en pequeñas piezas de moda con estuches recargables inspirados en textiles. Rouge Premier de Dior, con su estuche de cerámica y metal bañado en oro, parece más joya que maquillaje, y 31 Le Rouge de Chanel, con su empaque de vidrio facetado, confirma que un lipstick también puede tener estructura, peso y presencia.
Piezas para contemplar
También están esos productos que no necesitan gritar lujo para sentirse especiales. La Bouche Rouge trabaja con estuches de piel recargables que parecen accesorios hechos para durar. Fara Homidi Beauty, con su Essential Lip Compact y Essential Face Compact, tiene una estética limpia, muy lujosa, pesada, entre el objeto de artista y el kit perfecto de maquillista. Y Baume Essentiel de Chanel cierra la idea desde la sutileza: no parece iluminador, parece luz húmeda atrapada en la piel.
Estos productos recuerdan que la belleza también puede empezar antes del espejo. A veces empieza justo en ese segundo en el que abres algo y piensas: esto no solo se usa, también se contempla.
& DESIGN
ANASOFÍA GATICA
Actriz, amante de la música, lectora voraz y observadora incansable, Ana Sofía Gatica ha construido una carrera marcada por la sensibilidad y una genuina fascinación por las historias, tanto las que interpreta frente a la cámara como las que descubre en la vida cotidiana.
En un momento profesional de constante crecimiento, la actriz se prepara para nuevos retos mientras reflexiona sobre los proyectos que han definido su trayectoria, la importancia de mantenerse abierta al aprendizaje y la manera en que el arte sigue moldeando su visión del mundo.
ARTISTA POR CONVICCIÓN, SOÑADORA POR ELECCIÓN
Entre recomendaciones de libros, confesiones sobre sus hábitos creativos y reflexiones sobre el futuro, Ana Sofía revela una personalidad tan auténtica como inquieta, convencida de que la mejor forma de avanzar es nunca dejar de explorar.
¿Cómo descubriste tu talento para la actuación?
La verdad soy ese cliché de "desde chiquita". Mi abuelo fue cantante y mi abuela actriz, así que crecí rodeada de música, cine y arte. Mi mamá cuenta que la primera vez que me llevó al teatro le dije: "Cuando sea grande, tú me vas a venir a ver aquí". Lo tomó como una ocurrencia infantil, pero poco después empecé a tomar talleres y me lo tomé muy en serio.
Desde los 14 o 15 años me clavé completamente. Nunca dudé. Nunca quise estudiar otra cosa. Mi mamá me decía que tal vez podía dedicarme al diseño porque me gusta pintar, pero yo siempre respondía lo mismo: quería actuar y hacer teatro.
¿Cuál ha sido el proyecto que más satisfacciones te ha dado hasta ahora?
Es difícil elegir porque cada proyecto me ha dejado algo distinto. Pero si pienso en el que me enseñó a actuar, sin duda fue La obra que sale mal. Fue mi primer proyecto profesional y me enseñó disciplina, timing, compañerismo y lo que significa formar parte de una compañía durante cinco años.
Yo era la más joven del elenco y todavía ni siquiera había entrado a la carrera. Sentía que tenía que estar a la altura de actores con muchísima experiencia. Ese proyecto ocupa un lugar muy especial en mi corazón.
¿Qué proyectos vienen para ti este año?
Estoy grabando una telenovela que se llama El renacer de Luna. Nunca había trabajado en este formato y ha sido una experiencia completamente distinta. Es otro ritmo y otra forma de contar historias. Estoy muy contenta con este proyecto y aunque quizá venga algo de teatro más adelante, por ahora estaré concentrada en esta producción.
¿Qué canciones han definido tu último mes?
Hay tres que he escuchado muchísimo. Star, de Rusowsky y Mori; Alone in Kyoto, de Air, y Perreo llorando, de Tokischa.
¿Qué series te han atrapado recientemente?
Vi dos veces Los años nuevos, de Rodrigo Sorogoyen. Me parece una obra maestra; el capítulo nueve me atravesó emocionalmente. Es una de esas series en las que piensas: "Esto es exactamente el tipo de proyecto que me gustaría actuar".
También estoy viendo Big Mouth. No la había visto y me está encantando. Toca temas complejos, incluso políticos, desde la comedia. Me parece una serie muy inteligente.
¿Alguna película que recomiendes?
En el camino, de David Pablos. Me gustó muchísimo porque encuentra un punto medio entre el cine comercial y el cine de autor. Además, retrata con mucha ternura una historia de amor entre dos hombres, algo que pocas veces vemos representado desde ese lugar tan humano y sensible.
¿Qué libro te ha marcado recientemente?
Acabo de terminar Just Kids, de Patti Smith, y me obsesioné. Me fascinó conocer su relación con Robert Mapplethorpe y entender cómo funcionaba ese círculo artístico del Nueva York de los setenta. Es un libro que habla de arte, amor, amistad y creación de una manera muy poderosa.
¿Tienes alguna bebida favorita?
El café. Amo el latte y el capuchino, pero para mí es más importante de dónde viene. Me encantan las cafeterías de especialidad y mi lugar favorito es Cucurucho. Está cerca de donde vivo y hacen el mejor.
¿Alguna obra de teatro que recomiendes?
Azul Bosques, de David Gaitán, en La Capilla. Es una distopía donde el gobierno regula la vida sexual de las personas. Está increíble y la recomiendo muchísimo.
¿Has descubierto algún hobby recientemente?
Sí. Mi personaje en la telenovela toca el bajo y yo no sabía tocarlo, así que empecé a tomar clases. Estoy completamente enganchada. Lo mejor es que estoy aprendiendo con el bajista de Belafonte Sensacional, una de mis bandas favoritas.
¿Cuál fue el último concierto al que asististe?
The XX en el Pepsi Center. Me encantó.
Si pudieras ser alguien más por 24 horas, ¿quién serías?
Mi perra. Me encantaría saber cómo percibe el mundo o incluso mi sobrina cuando tenía dos años. Me interesa mucho entender otras formas de conciencia más que vivir la vida de una celebridad.
¿Cuál es tu mayor miedo actualmente?
Que mis papás se mueran.
¿En qué animal te gustaría reencarnar?
En una libélula. Tengo una conexión muy extraña con ellas. Aparecen constantemente en mi vida, incluso en lugares donde no debería haber libélulas. Siento que tenemos algo pendiente.
CUATRO NOCHES DE LIBERTAD Y ALTA COSTURA
¡Prepara el guardarropa y la voz! El Auditorio Nacional está a punto de convertirse en el epicentro de la elegancia, la vulnerabilidad y el talento pop más deslumbrante. Sam Smith, la fuerza artística multiplatino y ganadora de premios los GRAMMY®, BRIT, Golden Globe y Oscar, ha elegido a la Ciudad de México como la próxima parada de su exclusiva e íntima serie de residencias mundiales: To Be Free: Mexico City
La cita será a lo largo de cuatro noches espectaculares en agosto de 2026: el 17, 18, 20 y 21. Tras agotar entradas en recintos históricos como el club Warsaw de Brooklyn —donde compartió escenario con estrellas de la talla de Ed Sheeran y Brandi Carlile— y el emblemático Castro Theatre de San Francisco junto a Hozier y Kim Petras, Sam llega a nuestro país para
El arte de ser libre… y vulnerable
Esta residencia toma su nombre de To Be Free, el poderoso sencillo acústico de Sam que la crítica ya califica como una de sus composiciones más impactantes en años. La canción es un himno que explora cómo abrazar la vulnerabilidad para encontrar la verdadera libertad, acompañada por las potentes voces de TwoCity Chorus.
Si su catálogo ya es impresionante —con himnos globales como Unholy y cuatro álbumes aclamados: In the Lonely Hour, The Thrill of It All, Love Goes y Gloria—, estas noches en el Coloso de Reforma prometen texturas sonoras y una atmósfera teatral que se quedarán grabadas en la memoria de la ciudad.
Moda con causa: El toque Vivienne Westwood
Para los amantes del estilo de vida y la moda, hay una sorpresa irresistible. Sam continúa su idilio creativo con la legendaria casa Vivienne Westwood. El director creativo Andreas Kronthaler ha diseñado una camiseta de edición limitada que solo se podrá conseguir dentro de los shows en México. ¿Lo mejor? Todas las ganancias se destinarán a The Pink House, la fundación de Sam dedicada a apoyar y empoderar a la comunidad LGBTQIA+. Música, alta costura y filantropía en una sola prenda.
CUESTIÓN DE ESTILO
Con más de 56 mil millones de reproducciones globales, Sam Smith no es solo un ícono pop; ostenta además dos Récords Guinness: uno por la permanencia de su álbum debut en el Top 10 británico y otro por llevar, por primera vez en la historia, un tema de James Bond —Writing's on the Wall— al número uno en el Reino Unido.
ÍCONO
EL ARTE COMO ESTILO DE VIDA
Por Alexis Finkler
Hablar de Ana Tejeda es referirse a una mujer que ha hecho del arte una forma de conectar ideas, personas y emociones. Como fundadora y directora de la galería que lleva su nombre, ha impulsado un espacio que apuesta por el talento contemporáneo y por la creación de experiencias que acercan la cultura a nuevos públicos.
Con una visión que trasciende la exhibición de obras, su trabajo ha contribuido a proyectar artistas en la escena internacional y a fortalecer el diálogo entre el arte y la sociedad. Conversamos con ella sobre su trayectoria, los retos del mercado del arte y la misión que guía cada paso de su galería.
¿En qué momento descubriste que querías dedicar tu vida al arte y qué te llevó a abrir tu propia galería?
El arte siempre estuvo presente en mi vida como una forma de entender el mundo. Con el tiempo descubrí que lo que más me apasionaba no era únicamente contemplar las obras, sino crear puentes entre los artistas y la sociedad. Abrir mi propia galería nació de la convicción de que el arte puede generar conversaciones, cuestionar nuestras certezas y transformar la manera en la que habitamos nuestro tiempo. Comenzar este proyecto en plena pandemia fue un reto enorme, pero también confirmó que el arte es una necesidad y no un lujo.
En un mercado del arte cada vez más global, ¿qué papel consideras que juega el talento mexicano en la escena internacional?
México tiene una de las escenas artísticas más sólidas y vibrantes del mundo. Contamos con artistas de enorme calidad y con una tradición cultural extraordinaria. El reto no está en el talento, sino en seguir construyendo plataformas que permitan que ese talento dialogue de tú a tú con instituciones, coleccionistas y museos internacionales. Creo profundamente que México tiene mucho que aportar a las discusiones contemporáneas sobre identidad, memoria, territorio y justicia social.
Además de exhibir obras, tu galería genera experiencias alrededor del arte. ¿Qué importancia tiene crear espacios que acerquen la cultura a más personas?
Es fundamental. Una galería no debería ser únicamente un espacio de venta, sino un lugar donde las personas puedan emocionarse, aprender, debatir y sentirse parte de una comunidad. Cuando el arte se convierte en una experiencia compartida, deja de percibirse como algo distante o exclusivo. Me interesa construir una programación que invite a la conversación y permita que nuevos públicos descubran que el arte también habla de ellos.
te ha marcado y por qué?
Una de las iniciativas de mayor significado ha sido acompañar la trayectoria internacional de Marina Vargas. Ver cómo una artista representada por una galería mexicana llega primero al Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y, posteriormente, participa en una exposición en el Museo del Louvre demuestra que el trabajo constante, la visión a largo plazo y las alianzas institucionales pueden abrir caminos extraordinarios. Más allá del logro profesional, es muy emocionante contribuir a que voces contemporáneas, con discursos relevantes, obtengan el reconocimiento que merecen.
¿Qué tendencias observas actualmente en el arte contemporáneo y cuáles crees que definirán los próximos años?
Estamos viviendo un momento de profunda revisión histórica. Hay un interés creciente por recuperar narrativas que durante mucho tiempo permanecieron invisibilizadas, especialmente las de mujeres, artistas latinoamericanos y comunidades históricamente excluidas. También observo un diálogo cada vez más sólido entre el arte, la ciencia, la tecnología, el medio ambiente y la espiritualidad. Más que tendencias estéticas, creo que veremos un arte cada vez más comprometido con generar preguntas sobre el mundo que estamos construyendo.
Si pudieras resumir tu misión como galerista en una sola idea, ¿cuál sería el legado que te gustaría dejar en el mundo del arte?
Me gustaría que Galería Ana Tejeda fuera recordada como una plataforma que impulsó carreras con visión internacional y que contribuyó a transformar la manera en que entendemos el arte contemporáneo. Mi misión es acompañar a artistas que desafían las narrativas dominantes y ayudar a construir un ecosistema donde el arte sea una herramienta de reflexión, diálogo y transformación social. Si logramos que una obra cambie la perspectiva de una persona, ya estaremos generando un impacto. Detrás de la galerista y promotora del arte, ¿quién es Ana Tejeda? ¿Qué personas, momentos o experiencias son los que más inspiran y dan equilibrio a tu vida?
Antes que galerista, soy una persona profundamente curiosa. Me inspira viajar, conocer otras culturas, conversar con personas que piensan distinto y descubrir historias que amplían mi forma de ver el mundo. Mi hijo es mi mayor motor y quien me recuerda todos los días la importancia de construir un legado con sentido. También encuentro equilibrio en mi familia, en mis amigos y en esos momentos de calma que me permiten detenerme a observar. Creo que dirigir una galería exige mucha sensibilidad, y esa sensibilidad se alimenta tanto de las grandes experiencias como de los pequeños instantes cotidianos.
“CADA SEGUNDO CUENTA”
THE BEAR
Caos de plato fuerte, esperanza de postre
El caos vuelve como plato principal de la quinta y última temporada de la serie. El ADN de la historia está ligado al estrés y a la ansiedad que generan las expectativas absolutamente carentes de satisfacción.
Si hay algo que nos deja claro la travesía del chef Carmy es que, no importa qué tan grande sea el éxito profesional, la realización personal no está garantizada. No está mal dejar de hacer algo que supuestamente amabas, incluso, no es un error darte cuenta de que nunca lo amaste.
Adaptarse a las constantes crisis para sobrevivir es ley en The Bear. Cada personaje enfrenta dudas y miedos que los hacen titubear y casi desistir. Pero, de algún modo, desde Sydney y Carmy hasta Marcus, Tina y Ebra —los protagonistas, porque todos lo son—, encuentran un camino de redención.
Las motivaciones del reparto coral son distintas, pero hay algo en común que los mantiene unidos: el sentido de pertenencia. Pese a las extenuantes jornadas en el restaurante, de lidiar con escasos recursos y de la tensión diaria para diseñar un menú distinto, los involucrados entregan lo mejor de sí.
The Bear es una serie que cumple con el objetivo de entretener, pero genuinamente se ha convertido en una historia que, sin importar cuántas veces la repitas, siempre tiene algo que decir(te).
Tan es así que el final de la serie es emocionalmente épico, tanto en el ámbito colectivo como en el individual. Después de un panorama gris, la esperanza asoma y los tejidos sociales parecen regenerarse desde un lugar muy honesto, en el que cada uno se reencuentra consigo mismo.
Tras cinco temporadas con episodios llenos de tensión, dinámicas tóxicas y trastornos, uno aprende que a veces no importa si tienes la mejor actitud y das tu mejor versión: si las cosas no salen como lo planeas, no siempre tiene que ver contigo, sino con las circunstancias.
SINOPSIS
La quinta y última temporada retoma la historia la mañana después de que Sydney (Ayo Edebiri), Richie y Natalie “Sugar” (Abby Elliott) descubren que Carmy (Jeremy Allen White) ha abandonado la industria gastronómica, dejándoles el restaurante a ellos. Sin dinero, con la amenaza de una venta y una tormenta torrencial en camino, los nuevos socios deberán unirse con el resto del equipo para lograr un último servicio, con la esperanza de finalmente obtener una estrella Michelin. Al final, aprenderán que lo que hace “perfecto” a un restaurante quizá no sea la comida, sino las personas.
MOSCAS
Por Rodrigo Araiza P.
En contraste con el ideal de una infancia plena, un gran número de niños y niñas enfrentan esa etapa con situaciones complejas que no son naturales a su edad. Moscas, la película más reciente de Fernando Eimbcke, hace un emotivo retrato de la inocencia, la fantasía y el drama en tiempos de crisis para un menor de edad.
La profundidad del blanco y negro se apoya en una narrativa rica en matices, que el reparto transforma en emoción pura. Las interpretaciones de Teresita Sánchez, Bastian Escobar, Hugo Ramírez y Enrique Arreola tejen un collage de sensaciones que da solidez a la historia.
Eimbcke y Teresita, director y actriz, respectivamente, son piezas fundamentales de Moscas; ambos nos hablan de su experiencia personal y profesional en el filme que ya está disponible en los cines de México.
Fernando Eimbcke: La fantasía como refugio contra el dolor
¿Cómo fue la elección del reparto para contar esta historia y así lograr que calzara tan bien con los personajes que ya habías trazado?
Creo que haber hallado a Bastian Escobar fue un milagro. Lo encontró Marco Aguilar, el director de casting, después de una búsqueda en Oaxaca, en Tehuantepec, y lo de Teresita Sánchez fue otro milagro. Yo ya la había notado en las películas de Nico Pereda, pero cuando la vi en La camarista de Lila Avilés, fue cuando decidí que quería trabajar con ella. De hecho, el guion lo reescribimos pensando en Teresita.
¿Cuánto tiempo tenías con esta historia en la cabeza?
Esta historia se escribió hace 22 años. Habíamos terminado el ciclo de Temporada de patos, nuestra primera película, y Alejandro González Iñárritu la vio, le gustó y me invitó a participar en una serie de televisión de varios capítulos con distintos directores. Yo escribí este capítulo. Al final no hubo un acuerdo con la televisora y el proyecto se quedó en el cajón. Hace como cuatro años me encontré el archivo, lo leí, le escribí a Alejandro y me dijo: "Pues es tuya".
UNA PELÍCULA DE SOLEDAD Y ESPERANZA
Era un guion de 45 cuartillas y lo llevamos a 120. La ventaja es que ya teníamos la estructura dramática, lo que faltaba era trabajar la estructu ra emocional y la profundidad de los personajes. Fue un placer, y además ese tiempo me ayudó a madurar como director y a mejorar cosas que hacían falta.
¿Cuáles dirías que son los temas y emociones que forman la columna vertebral de Moscas
Creo que la amistad y la generación de vínculos. Si me extiendo un poco más, es el viaje del personaje de Olga, quien tiene pavor a estrechar cercanía por vivencias pasadas muy dolorosas. La vida la obliga a generar uno nuevo y, a través de él, vuelve a encontrar su capacidad para amar. Eso es lo bonito de la película.
¿Con qué te gustaría que se quede la gente al salir de ver
Estoy seguro de que es una película que toca el corazón. Suena a cliché, pero es la historia de un personaje al que le cuesta mucho amar y siendo tocado por un niño. Creo que los niños son seres iluminados. adultos, necesitamos volver a conectar con nuestra parte infantil, precisamente, con el juego, la fantasía, la amistad y el amor.
De algún modo, la película también toca esas responsabilidades que a veces los niños tienen que asumir por su contexto, no porque quieran.
Sí, a veces se romantiza la infancia pensando que no debe haber sufrimiento o situaciones difíciles, pero la realidad es que todos tenemos infancias complejas por una u otra razón. No podemos proteger a los niños de todo el dolor del mundo, pero como adultos sí es nuestra responsabilidad compartir con ellos formas de lidiar con él, y una de ellas es la fantasía.
SINOPSIS
Cuando Olga se ve obligada a alquilar una habitación de su piso a un padre de familia, entabla un vínculo insólito con su hijo de nueve años y, de forma inesperada, sus vidas se entrelazan.
Teresita Sánchez: "Moscas llegó en el momento ideal”
¿En qué punto de tu vida te llega esta historia y este personaje?
Siento que llegó en el momento preciso. Cuatro años antes yo ya había recibido una invitación de Fer, que incluso era para otra historia. Estaba feliz de tener una oportunidad con un director así. Pasaron cuatro años entre aplicar, comunicarnos, dejarnos de hablar, volvernos a encontrar y compartir mucho, porque Fer es un hombre muy generoso para dar información, referencias y datos. Llegó en el momento ideal.
¿De qué te habló originalmente la historia de Olga?
A mí me habla de una persona complejísima, de esas que existen y pululan en nuestro perímetro, en México y en toda Latinoamérica. Me habla del prejuicio, de la manera en que podemos dar por sentado cómo es alguien o catalogarla como "repulsiva" sin conocer sus motivos, su historia o su dolor original. A mí me tocan mucho esos temas.
Hay una gran diferencia entre estar sola y sentirse sola, ¿cierto?
Totalmente. Te puedo contar, por ejemplo, que mi esposo murió hace tres años. Yo estaba muy acostumbrada a la soledad porque él era un hombre muy solitario, muy de su quehacer. Yo solía ir al cine, pasear con mis amigos o al parque a comerme un helado, siempre sola, y no me sentía así. Ahora, aún sin él aquí, tengo muchas actividades conmigo misma y las disfruto enormemente.
Pero hay gente que al vivir esta circunstancia experimenta una desolación y sufre mucho. Olga quizás no se sentía sola en su rutina, pero cuando entabla esta relación con el niño, se da cuenta de que realmente lo estaba. Darte la oportunidad de abrirte y platicar te trae lo que no estabas permitiendo que entrara. Abres la puerta, conoces a alguien y tu perspectiva cambia un montón. El niño le regresa a Olga esa capacidad de sentir algo por alguien más. ¿Quién vive mejor la vida que un niño?
Exacto, el niño vive y está sobre el momento, ¿y quién mejor que un niño de la edad de Cristian —interpretado por Bastian— para regalarte lo que es ser y estar, sin preguntarte nada más? Le da a Olga la posibilidad de volver a voltear a ver la vida.
¿Cómo le describirías Moscas a la gente?
Siento que es una historia humana que te regala un cachito de esperanza, porque demuestra que los cambios pueden suceder, incluso en una vida que pareciera seguir completamente inmóvil.
EL EPICENTRO DE LA DANZA CONTEMPORÁNEA EN MÉXICO
DESPERTARES 2026
El próximo 29 de agosto, Despertares, el proyecto cultural que reúne en un mismo escenario a lo más destacado de la danza internacional, celebrará su duodécima edición en uno de los recintos más emblemáticos del país: el Auditorio Nacional. Lo que comenzó como un sueño audaz se ha consolidado, a lo largo de once ediciones previas, como un catalizador ineludible de la excelencia artística.
Este formato se distingue por su capacidad para acercar al público mexicano a propuestas de altísimo nivel, trayendo producciones y colaboraciones de vanguardia que hoy se desarrollan en los escenarios más prestigiosos del planeta. A través de su trayectoria, Despertares ha funcionado como el hogar de world premieres —colaboraciones inéditas donde los artistas comparten escena por primera vez en la historia—.
Nombres icónicos como Roberto Bolle, Alina Cojacaru, Natalia Osipova, Tiler Peck, María Kochetkova, Marie-Agnès Gillot y Germain Louvet han grabado sus huellas en este escenario. Asimismo, prácticamente todas las compañías de danza más grandes y relevantes del mundo han tenido presencia en la gala, posicionándola como un referente de entretenimiento cultural con alcance internacional y una identidad profundamente contemporánea.
Debuts históricos en la escena nacional
La edición 2026 reafirma ese espíritu visionario de relevancia y prestigio mundial que ha definido al proyecto desde su origen. Durante la conferencia de prensa realizada en el Lunario del Auditorio Nacional, se revelaron algunos de los momentos más esperados de esta nueva entrega.
Entre las grandes sorpresas destaca la llegada por primera vez a México de Kristián Mensa, conocido mundialmente en el entorno del arte urbano y los museos como Mr. Kriss. Este bailarín, ilustrador y artista visual de origen checo ha ganado reconocimiento internacional gracias a su fascinante capacidad para fusionar el breakdance con la danza experimental y el movimiento contemporáneo.
A esta fiesta del movimiento se suma el debut en el país de Bayley Taps, bailarín originario de Nueva Zelanda y un auténtico especialista en tap dance. Su estilo es aclamado en las capitales culturales debido a su energía desbordante, su imponente presencia escénica y su forma creativa de reinterpretar el tap, combinando una técnica pulcra y entretenimiento puro con movimientos de alto ritmo y una marcada teatralidad.
El misticismo francés de Yoann Bourgeois
Finalmente, otro de los platos fuertes y de los anuncios que más suspiros robó entre los entusiastas de las artes escénicas es la presentación de la pieza Approach 17. Opening —con el sugerente subtítulo The unreachable suspension point—. Se trata de una producción firmada por la prestigiosa Yoann Bourgeois Art Company.
Esta presentación marcará un hito absoluto, pues significa la primera vez que una obra del destacado y aclamado artista conceptual francés Yoann Bourgeois se exhibe formalmente en la República Mexicana. Bourgeois es mundialmente famoso por desafiar las leyes de la física, la gravedad y el equilibrio en montajes que desdibujan la frontera entre el circo, la danza y la poesía visual.
Con una cartelera de este calibre, Despertares no solo cumple doce ediciones de existencia, sino que refrenda la promesa de ser la ventana más sofisticada, innovadora y emocionante para mirar el arte de la danza desde México.
Para garantizar que la experiencia sea redonda y totalmente cómoda, el complejo cuenta con instalaciones de primer nivel. Al llegar, los visitantes disponen de estacionamiento, vestidores, regaderas —cuyo uso es obligatorio antes de ingresar al agua—, casilleros para resguardar pertenencias y hermosos jardines ideales para caminar y relajarse.
Sabores con herencia yucateca
Más allá del místico cenote, la experiencia en Selva Maya se saborea. Para redondear el día, la hacienda ofrece diariamente un exquisito buffet regional. Es un festín diseñado para deleitar a los paladares más exigentes con sabores auténticos y puramente tradicionales de la gastronomía mayense, convirtiendo el almuerzo en un viaje culinario de recetas ancestrales.
Ya sea que llegues en auto propio, a través del transporte público local, en taxi o como parte de un tour, Selva Maya es el recordatorio de que el lujo no está en la opulencia, sino en la capacidad de conectar con la tierra, la historia y la paz del entorno natural.
SELVA MAYA
Existe un punto en la península de Yucatán donde el tiempo parece detenerse para rendir tributo a la naturaleza. Muy cerca del pulso colonial y el encanto histórico de Valladolid —resguardado en las inmediaciones de una antigua hacienda ganadera— se levanta la Hacienda Restaurante Selva Maya. Este destino es mucho más que una parada en el camino: es un santuario diseñado minuciosamente para abrazar al viajero con la magia mística del sureste mexicano.
Su ubicación es privilegiada: a tan sólo cinco minutos del centro histórico de la ciudad y a un costado del periférico, ofrece un acceso sumamente sencillo, de hecho, se ha convertido en ese rincón imprescindible y en la pausa perfecta dentro de las rutas turísticas que conectan con la emblemática zona arqueológica de Chichén Itzá.
Cenote Saamal: Un chapuzón al alma de la tierra
El verdadero corazón azul de este complejo turístico es el Cenote Saamal. Al descender, te encuentras frente a un impresionante cenote semiabierto. Sus majestuosas paredes de piedra caliza y el exuberante follaje tropical que lo rodea cautivan la mirada de inmediato; sin embargo, el espectáculo visual lo corona una imponente cascada artificial que vierte sus aguas suavemente desde lo alto, creando un velo refrescante que envuelve todo el ambiente en una neblina mística.
Con una profundidad que supera los 50 metros, nadar en sus aguas cristalinas es una experiencia tan emocionante como segura, gracias al uso obligatorio de chaleco salvavidas. Flotar al centro del cenote ofrece una panorámica irrepetible: mirar hacia arriba es encontrarse con el cielo azul enmarcado por enormes raíces colgantes que caen como hilos de historia natural, regalando una estampa digna de fotografía.
EL SECRETO MÍSTICO DE VALLADOLID
MODO FÚTBOL
¡TRIUNFO, SABOR Y MARIACHI!
Fotos y Texto por Janeth Fernández
En esta tercera edición de Modo Fútbol, la emoción continuó con el esperado enfrentamiento entre México y República Checa; un partido que reunió a la afición para compartir la intensidad de cada minuto en un ambiente lleno de emoción y sorpresas.
Influencers, invitados especiales y ganadores de dinámicas han tenido la oportunidad de formar parte de esta experiencia exclusiva dentro de la tradicional cantina “La Imperial”, un espacio que se ha convertido en el punto de reunión perfecto para disfrutar del fútbol.
Alrededor de cada partido, no ha faltado la compañía de la innovación, la tecnología y la comodidad que ofrecen las nuevas camionetas Peugeot en sus diferentes versiones 3008 y 5008, así como el inconfundible sabor de las papas Chip’s Toque Maestro, disponibles en sus ya conocidos sabores al parmesano y sal con pimienta, además, la velada sorprendió a todos con una nueva propuesta para conquistar el buen gusto: la combinación de cilantro y limón. Sin dejar de lado las burbujas y la frescura del agua mineral Perrier, la pieza perfecta para complementar el sabor de las bebidas.
Matracas, silbatos, porras y un sinfín de gritos marcaron el ritmo tras el primer gol del equipo tricolor frente a Chequia. La euforia se apoderó del lugar en cuestión de segundos; las sillas quedaron vacías mientras los asistentes se pusieron de pie de un salto para abrazarse, corear el nombre del equipo y vivir intensamente el arranque del encuentro.
La energía fue contagiosa y apenas daba inicio una tarde que prometía muchas más emociones. Entre la adrenalina del partido y el gran ambiente que se respiró en "La Imperial", los invitados también aprovecharon para inmortalizar la experiencia en el photo opportunity, convertido en uno de los espacios favoritos, donde cada uno de los asistentes posaron con entusiasmo para capturar el recuerdo de una ocasión donde la pasión pambolera fue desbordante.
Mientras los jugadores aprovechaban la pausa del encuentro para hidratarse y recibir indicaciones desde el estadio GNP, en la sucursal de la colonia Nápoles la experiencia dio continuidad alrededor de la mesa.
Los asistentes disfrutaron de una selección de dips y bebidas especialmente elegidos para elevar cada bocado y mantener el gran ambiente que se vivía durante el partido. Entre las propuestas gastronómicas destacaron dips con originales combinaciones como alcachofa con parmesano, guacamole con chapulines y jamón serrano con pimientos salteados, opciones creadas para resaltar el sabor y la textura ondulada de las papas Chip’s Toque Maestro .
El match perfecto de los bocadillos fueron cócteles como el Saint Central, el Moji-Club y las refrescantes Palomitas, preparados con el sello burbujeante de Perrier, los cuales conquistaron a los presentes con su frescura y originalidad. Así, cada pausa del partido se transformó en una oportunidad para compartir, brindar y disfrutar de una experiencia que fue mucho más allá de los 90 minutos sobre la cancha.
El segundo gol de México desató la locura. El recinto estalló en aplausos, abrazos y cánticos que reflejaron la ilusión de ver al Tricolor ampliar la ventaja. Mientras el sonido de una trompeta rompió el bullicio, seguido por las notas de una guitarra, un violín y un violonchelo, un grupo de mariachis arribó por las escaleras para transformar la celebración en una auténtica fiesta mexicana. Clásicos como Hermoso Cariño, El Son de la Negra y México Lindo y Querido hicieron que los asistentes dejaran sus lugares para cantar, bailar y ondear la bandera con gran orgullo.
El ambiente alcanzó su punto más alto cuando cayó el tercer gol, sellando la victoria del conjunto nacional entre una ovación que parecía no tener fin… y se extendió al icónico Ángel de la Independencia de la avenida Reforma.
LOS MINIONS TOMAN REFORMA
En sus marcas, listos, ¡banana!
La Ciudad de México está a punto de recibir una invasión amarilla. Este domingo 5 de julio se celebrará la primera edición de Minions Run CDMX 2026, una experiencia deportiva y familiar inspirada en los entrañables personajes que han conquistado a distintas generaciones alrededor del mundo.
Más que una competencia, el evento busca reunir a corredores, familias y fanáticos de todas las edades en una jornada donde el ejercicio y la diversión serán los protagonistas. Con la energía característica de Kevin, Bob y Stuart como inspiración, la carrera promete transformar una de las avenidas más emblemáticas de la capital en un escenario lleno de sonrisas, convivencia y espíritu festivo.
La cita será en Paseo de la Reforma, con salida y meta a la altura de la Estela de Luz. Los participantes podrán elegir entre tres modalidades: una caminata recreativa de 3 kilómetros, ideal para disfrutar en familia; una carrera de 5 kilómetros para quienes buscan un reto accesible, y una prueba de 10 kilómetros dirigida a corredores más experimentados.
La jornada arrancará a partir de las 6:30 de la mañana y contará con un cupo limitado de 7 mil 500 participantes. Además de promover la actividad física, la iniciativa busca convertir el recorrido en una celebración colectiva donde el deporte se combine con la cultura pop y el entretenimiento.
Los competidores de las distancias de 5 y 10 kilómetros podrán aspirar a formar parte de la ceremonia de premiación, que reconocerá a los tres primeros lugares absolutos de las ramas femenil y varonil; por su parte, la caminata de 3 kilómetros mantendrá un carácter completamente recreativo, privilegiando la experiencia y la convivencia por encima de lo competitivo.
Con una propuesta que mezcla deporte, diversión y nostalgia, Minions Run CDMX 2026 se perfila como una de las experiencias más originales del verano. Una invitación perfecta para salir a correr, compartir en familia y demostrar que, al menos por un día, todos nos podemos contagiar un poco de la alegría irreverente de los Minions.
BITÁCORA CULINARIA EN TRES TIEMPOS
MOMIJI
Los platos de Momiji combinan tres principios esenciales: creatividad que sorprende, profundo respeto por los ingredientes y técnicas depuradas que reflejan la herencia multicultural de sus chefs.
Por Rodrigo Araiza P.
La primera impresión de Momiji dista de cualquier centro de consumo. Situado en una casa de Lomas de Chapultepec y con apenas 11 mesas, este speakeasy culinario es uno de los secretos mejor guardados de la CDMX.
En Momiji, la mesa es una especie de mapa sobre el que desfilan platillos diseñados por los chefs Cristina Hanhausen y Raymundo Pérez, inspirados en la cocina japonesa, italiana, panameña y, por supuesto, mexicana.
La combinación de sabores y texturas no solo exhibe la gran técnica de los chefs, sino el conocimiento de los ingredientes para que, sin importar su origen, se vinculen armónicamente y no sean un experimento fallido.
Gyosas rellenas de ricota y hierbas o ravioles de shiitake confitado con hongos frescos son ejemplos del ingenio gastronómico de Cristina y Raymundo. Desde el primer bocado, resulta interesante el ensamble de sabores que, sin protagonismo, cada uno resalta.
Momiji Fried Chicken merece una mención aparte. Es una de las entradas favoritas de los asiduos y de acuerdo con el chef Pérez, se inspiró en un pollo frito que probó en Atlanta, Estados Unidos. En su versión, Raymundo usa muslo de pollo frito con salsa de gochujang, furikake de pollo y tártara casera. Literal, para chuparse los dedos.
Asimismo, en el menú —que se agradece no sea inmenso, pero sí, sustancioso— destaca la Terrina de Chamorro, una preparación compleja que a simple vista luce exquisita. Se trata de un chamorro confitado servido con tare de guajillo, ensaladilla aromática y tortillas, porque un buen bocado sabe mejor en taco.
Hace no mucho escuché la frase “Para el postre, hay otro estómago”, y para redondear la experiencia, la opción recomendada por los propios chefs es el Chawanmushi: un suave flan con crema de cardamomo, jarabe de sake, avellana y nori. Sin duda, sabe mucho mejor de lo que se lee.
Cada opción del menú tiene una historia, y tanto Cristina como Raymundo siempre están dispuestos a contarla, no solo a través del paladar, sino de palabra.
HACK
La mixología es parte de la personalidad de Momiji y se compone de bebidas frescas que integran gin, yuzu y sake, o bien, mezcal, umeboshi y limón amarillo.
Dirección: Sierra Madre 216, Lomas de Chapultepec
Horarios: Miércoles a sábado de 14:00 a 22:00 h y domingo de 14:00 a 18:00 h
Redes Sociales: @momiji_mx
LA NUEVA CASA DE LAS IDEAS
CLOSER HOUSE
Closer House, ubicada en la colonia Hipódromo Condesa, nace con la intención de convertirse en un lugar donde el diseño, el arte y la hospitalidad convergen para dar vida a experiencias memorables.
Más que una sede para reuniones o celebraciones, este nuevo proyecto apuesta por crear un entorno capaz de inspirar conversaciones, impulsar ideas y reunir a personas con intereses afines en torno a la creatividad, la cultura y la innovación. Su propuesta contempla desde lanzamientos de marca, sesiones fotográficas y producciones editoriales, hasta workshops, experiencias gastronómicas, exposiciones y encuentros privados.
La filosofía detrás de Closer House parte de una premisa sencilla: en tiempos donde la inmediatez suele desplazar la imaginación, los espacios también pueden convertirse en catalizadores de nuevas ideas. Cada rincón de la casa ha sido concebido para estimular la curiosidad y favorecer la colaboración entre disciplinas.
El interiorismo, desarrollado por Dirk Jan Kinet, es uno de los elementos más distintivos del proyecto. Colores intensos, texturas cuidadosamente seleccionadas, mobiliario seleccionado de forma meticulosa y una marcada influencia del diseño contemporáneo crean una atmósfera sofisticada y acogedora. Destacan especialmente los revestimientos murales de la firma francesa Casamance, que aportan profundidad visual y personalidad a cada ambiente.
La experiencia se complementa con una colección de arte que reúne obras de destacados creadores mexicanos, entre ellos el surrealista Pedro Friedeberg y el reconocido Francisco Toledo, junto con piezas de artistas contemporáneos y trabajos provenientes de la histórica Academia de San Carlos. El resultado es un recorrido donde arte, arquitectura y diseño dialogan de manera natural.
Closer House se compone de diversos espacios con personalidad propia. Desde salas concebidas para reuniones creativas y encuentros ejecutivos, hasta una terraza rodeada de vegetación y un bar pensado para extender las conversaciones más allá de la agenda formal. Cada ambiente ha sido diseñado para adaptarse a diferentes formatos sin perder coherencia estética.
Cuando las experiencias importan tanto como los lugares que las albergan, Closer House se presenta como una nueva dirección para quienes buscan algo más que un espacio: un escenario donde las ideas, la creatividad y las conexiones humanas convergen en un contexto a su altura.
