ANDRÉS OBREGÓN Entre letras, emociones y una voz que conecta, vive uno de los momentos más auténticos de su historia.
DEL 5 AL 7 DE OCTUBRE DE 2026
DIRECTORIO
GRUPO SIMJOR, SC DIRECCIÓN EDITORIAL
ALEXIS FINKLER afinkler@estilodf.tv
12. DISTRITO FASHION
CROMA: LIGHT, COLOR, DESIRE Adolfo Domínguez presenta su propuesta Primavera-Verano 2027 en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, celebrando medio siglo de historia a través de la luz, el color y la ciencia aplicada al diseño.
DIRECCIÓN CREATIVA
16. BEAUTY
AFTER DARK: VESTIDA DE SOMBRA, LISTA PARA CELEBRAR Propuestas de dark glam y técnicas de maquillaje ahumado con KIKO Milano para deslumbrar en las celebraciones de Halloween y Día de Muertos.
MANUEL PLASCENCIA mplascencia@estilodf.tv
COORDINADOR EDITORIAL
RODRIGO ARAIZA raraiza@estilodf.tv
CORRECTOR
MARIO ESTRADA mestrada@estilodf.tv
DIRECTOR DE MODA
20. WISHLIST
EL MUNDO DE COCO LLEGA PARA CELEBRAR EL DÍA DE MUERTOS Crocs x Disney & Pixar rinden homenaje a las tradiciones mexicanas con una edición especial del amado Classic Clog.
RAFAEL TARACENA rtaracena@estilodf.tv
24. ENTREVISTA
DANIEL GIMÉNEZ CACHO: "LOS HÁBITOS ARRAIGADOS NO SE QUITAN SOLO CON IR A TERAPIA" Una charla íntima con el actor sobre la vulnerabilidad, el perdón y las cuatro décadas de oficio que respaldan su monólogo Nocturno. Halloween y Día de Muertos.
EDITORA DE BELLEZA
NANCY ESTRADA nestrada@estilodf.tv
DIRECCIÓN DE RP
MICHELLE BECKER mbecker@estilodf.tv
DIRECCIÓN DE RP Y ALIANZAS COMERCIALES
MARIANA DÁVILA mdavila@estilodf.tv
28. MÚSICA
CUARTETO DE NOS: "NO ES UN VIAJE NOSTÁLGICO PARA DESENTERRAR ALGO MUERTO" Roberto Musso reflexiona sobre los 20 años del icónico álbum Raro, su live session transmedia y su esperado show en el Palacio de los Deportes.
32. TELÓN
LA GAVIOTA La reinvención de la obra maestra de Antón Chéjov en el Foro Lucerna con un elenco de primer nivel y un ritmo lleno de comedia y humanidad.
GERENTES COMERCIALES
LESLLY NOVOA lnovoa@estilodf.tv
LAURA ESPÍNDOLA lespindola@estilodf.tv
LLÁMANOS: (55) 5281-3898
34. VIAJES
NUEVE DESTINOS QUE VALE LA PENA DESCUBRIR Una ruta por los Pueblos Mágicos de Nayarit. De volcanes e islas a la cultura surf de Sayulita y la historia viva de las Islas Marías.
36. BUEN COMER
RICHARD HART: EL DESAFÍO DE RENACER EN MÉXICO El célebre panadero británico detrás de Green Rhino nos habla sobre resiliencia, la nobleza del trabajo en equipo y el amor por la gastronomía mexicana.
Tiempo: Publicación Semanal, del 5 al 7 de octubre de 2026. Editor Responsable: Simón Mercado Cheja. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2019-012110475800-101. Número de Certificado de Licitud de Título: 15159. Número de Certificado de Licitud de Contenido 15159. Domicilio de la publicación: Boulevard Adolfo López Mateos 1817 Piso 9 Col. Merced Gómez C.P. 01600. Imprenta: Litográfica Ingramex, S.A. de C.V, Centeno 195, Col. Valle del Sur, C.P. 09819, Iztapalapa, CDMX. Distribución: MARKETING PEOPLE S.A. DE C.V. Rómulo O’farril No. 434 Col. Olivar de los Padres C.P. 01780. www.marketingpeople.com.mx. Publicación registrada en el Padrón Nacional de Medios Impresos. Titular de la publicación Grupo Simjor, S.C. www.estilodf.tv
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EN PORTADA ANDRÉS OBREGÓN Head of Editorial Content: ALEXIS FINKLER Editorial Coordinator: RODRIGO ARAIZA, Head of Editorial Design: MANU PLASCENCIA Photography: DIEGO ALANIS, Fashion Styling: RAFAEL TARACENA Fashion Assistant: MARÍA SÁNCHEZ Grooming: DANI CASILLAS Location: PINCHE GRINGO BBQ Agradecemos a PINCHE GRINGO BBQ por todas las atenciones durante la producción de esta portada
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Look: COS
ENTREVISTA
VIVIR, SENTIR Y ENTENDER QUE TODO PASA
ANDRÉS OBREGÓN Por Alexis Finkler
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ENTREVISTA
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ENTREVISTA
La música de Andrés Obregón siempre ha tenido algo de diario personal. Sus canciones hablan de lo que duele, lo que permanece, lo que se transforma y también de esos momentos que simplemente hay que aprender a vivir. Hoy, el cantautor atraviesa una etapa distinta: más equilibrada, consciente del momento y abierta a explorar emociones que van mucho más allá del amor y su ausencia. Con un nuevo capítulo musical en marcha y la mirada puesta en uno de los escenarios más importantes de su carrera, Andrés habla sobre su evolución, las canciones que todavía lo conmueven, su manera de convertir los sentimientos en música y la persona que queda cuando se apagan los reflectores. En este nuevo proyecto se percibe una faceta diferente de ti. ¿Qué versión de Andrés encontramos en esta etapa? Creo que es una versión mucho más equilibrada. Mis anteriores discos habían estado un poco más en el lado nostálgico, triste y también romántico, pero siento que este habla de distintos sentimientos de la vida. No solamente del amor y el desamor, sino del amor desde otros lugares, de vivir la vida, cada latido y cada segundo sabiendo que todo pasa. Lo bueno pasa, lo malo pasa y nosotros somos solo un instante en el universo. Tus canciones suelen partir de experiencias muy personales. ¿Hay alguna que todavía te cueste cantar? Sí. Creo que hay dos canciones que me cuestan, pero de una manera bonita, porque llevan un sentimiento mucho más intenso: Raro y La Leyenda. Son dos canciones que me recuerdan a seres queridos que han partido de este mundo y, cuando las canto en vivo, son las que sacan más lagrimillas. ¿Qué tan difícil es transformar algo que te dolió tanto en una canción? No creo que sea algo difícil, sino algo muy bonito, porque es una manera de materializar lo que uno está sintiendo. Cuando puedes convertir ese sentimiento en una canción, se convierte en una fotografía del momento y eso lo hace mucho más llevadero, mucho más tangible. Puedes abrazar ese sentimiento, llorar lo que tengas que llorar, soltar lo que tengas que soltar, escuchar esa canción, cantarla y vivir todo a flor de piel. Es una manera de expresarlo para que no se quede solamente atorado en el corazón. Estás por llegar al Auditorio Nacional. ¿Qué representa para ti pisar un escenario de esta magnitud? Es un sueño grandísimo que he tenido casi desde que tengo memoria. Desde la primera vez que estuve de niño en el Auditorio Nacional, creo que en mi mente se implantó ese sueño. En ese momento parecía imposible, era algo muy lejano y yo pensaba: "No sé cómo se le hace, pero ojalá algún día pueda estar aquí". Estar ya teniendo un concierto en el Auditorio es un sueño y el 23 de octubre va a ser otro sueño cumplido cuando estemos cantando ahí todas esas canciones a las que la gente les ha agarrado cariño. Estamos preparando un show que creo que va a ser inolvidable para cualquier persona que asista.
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Look: PDA BRAND
ENTREVISTA
ENTREVISTA
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Camisa Y Jeans: PDA BRAND Abrigo: ALLSAINTS
ENTREVISTA
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ENTREVISTA
En una industria que cambia constantemente, ¿cómo has logrado evolucionar sin perder tu esencia? Desde hace tiempo tomé como bandera de mi proyecto componer, producir y hacer todo desde algo que realmente quiera expresar y desde cómo lo quiera decir. Obviamente tengo influencias de lo que escucho, de lo que me gusta y de cómo quiero transmitir las cosas, pero esa es mi bandera. Voy evolucionando conforme evoluciona mi vida. También cambia la música que escucho, la música que consumo y las experiencias que tengo. Todo eso va creando canciones que evolucionan conmigo y con las vivencias de cada etapa. Fuera de la música, los escenarios y las redes sociales, ¿quién es Andrés? Justo ayer le pregunté a ChatGPT que me describiera en una palabra y me describió como "inquieto". Creo que soy una persona inquieta, que le da demasiadas vueltas a todo lo que le pasa, desde lo más simple hasta lo más complejo de mi vida. Soy una persona que todavía trata de entenderse, que busca aprender a disfrutar cada minuto de la vida, vivir cada vez más el presente, amar mejor, querer mejor y expresar mejor lo que siente. Creo que todavía estoy descubriendo quién soy. Hubo un momento en el que pensé que ya me conocía y después descubrí que había muchas cosas que todavía no sabía de mí. Creo que así podría describirme. Si pudieras ponerle a este momento de tu vida el título de una canción, ¿cuál sería y por qué? Le pondría el título de la primera canción que escribí, justo cuando tenía nueve años. Esta etapa de mi vida creo que podría llamarse así: “La vida es preciosa”.
Y quizá esa frase resume mejor que ninguna otra el punto en el que se encuentra Andrés Obregón: disfrutando el camino sin dejar de hacerse preguntas, transformando cada experiencia en música y entendiendo que crecer también significa aprender a habitar el presente. Con el Auditorio Nacional en el horizonte y nuevas canciones por compartir, el siguiente capítulo de su historia parte de una certeza sencilla pero poderosa: todo pasa, pero hay momentos que vale la pena convertir en canción. 11
DISTRITO FASHION
CROMA: LIGHT, COLOR, DESIRE Por Rafael Taracena
¿Y si el color no fuera realmente color? Croma, la propuesta Primavera-Verano 2027 de Adolfo Domínguez, parte de esa paradoja para convertir la luz, la percepción y el movimiento en materia de deseo. Presentada en Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, la colección deja constancia de que la teoría también puede verse y, sobre todo, vestirse bastante bien. Aquí el color no solo aparece, sino que también se transforma: organza, tafetán, popelín y garza construyen siluetas ligeras, sutiles e irisadas; vestidos, camisas y faldas se desarman y se vuelven a armar a partir de pañuelos, mientras patchworks geométricos y bordados de lentejuelas reproducen el efecto hipnótico de un caleidoscopio. El resultado tiene algo de experimento científico y mucho de fantasía fashion. La paleta tampoco vino a pasar desapercibida: lima, rosa palo, mandarina, oliva, rojo y amarillo irrumpen sobre tonos naturales. Es como si el guardarropa hubiera decidido que la discreción estuviera, por un momento, sobrevalorada. El escenario hizo el resto. En el invernadero del Palacio de Cristal de Arganzuela, las prendas convivieron con la música de Pablo Alborán y Los Sara Fontán, dando origen a una atmósfera en la que la naturaleza, el sonido y la moda formaron parte de la misma ecuación.
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Pero la verdadera historia de Croma comenzó lejos de la pasarela. El concepto nació en Ágora, el laboratorio creativo de Adolfo Domínguez, y se desarrolló en un taller de tintes orgánicos: minerales, frutas y otras materias primas se pusieron a trabajar sobre fibras y pigmentos para ver cómo la materia altera la luz. Una investigación que se convierte en ropa, porque hasta la ciencia puede tener un buen día de styling. Después de catorce años fuera de la pasarela madrileña, Adolfo Domínguez regresó el año pasado con Zenit y ahora vuelve por segundo año consecutivo con Croma, justo en un momento especialmente significativo: la firma celebra medio siglo de historia. Cincuenta años, pero sin intención alguna de vestirse de nostalgia. Está bien vestir de color, pero lograr que alguien se pregunte cómo es que acabas de hacer que la luz se vea así… es otra historia.
DISTRITO FASHION
HIS BAG, HIS RULES
Por Rafael Taracena
El bolso masculino ya no es ese objeto que se esconde detrás de una mochila ni el accesorio que aparece únicamente cuando hay algo que cargar. Ahora quiere protagonismo, y la moda, claramente, está de acuerdo. De Louis Vuitton a Prada, Bottega Veneta, Loewe y Fendi, las grandes casas están llevando el bag game masculino a un territorio mucho más sofisticado: totes de proporciones generosas, siluetas arquitectónicas, bolsos cruzados, pieles suaves y diseños que juegan deliberadamente con la frontera entre lo masculino y lo inesperado.
El resultado es una nueva generación de bolsos que no complementan el look: lo dirigen. Un tote XL puede darle una lectura relajada a la sastrería; un pequeño crossbody puede romper la rigidez de un abrigo impecable; mientras una pieza escultórica puede convertirse en ese detalle que hace que todo el outfit tenga sentido. Y es justo ahí donde se encuentra el nuevo fashion statement: el bolso dejó de hablar de funcionalidad para gritar de gusto. Sin duda, el accesorio más interesante del hombre moderno ya no está en su muñeca, sino en su mano.
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DISTRITO FASHION
THE SMELL OF A WELL-DRESSED MAN Por Rafael Taracena Existe algo particularmente atractivo en un hombre que puede pasar de unos tenis a un traje —y hacer que ambos parezcan igual de naturales—. Sebastián Zurita juega en ese territorio: el de la ropa que acompaña el ritmo, no el que dicta las reglas. Entre entrenamiento, juntas, viajes, proyectos creativos y noches que piden un poco más de actitud, su rutina tiene ese carácter híbrido que hoy define al menswear. No se trata de tener un uniforme para cada versión de sí mismo, sino de conseguir que todas hablen el mismo idioma.
Ahí entra Original Penguin, que vuelve a encontrarse con Zurita para llevar su universo un paso más allá de la ropa con Premium Blend. La fragancia, creada por el master perfumer Harry Frémont, mezcla un aroma oceánico con una presencia que perdura; el frasco frost y su tapa de cera, que se inspira en una botella de whiskey, hacen el resto. Un buen look puede llamar la atención, pero el perfume correcto consigue que pregunten quién acaba de entrar.
DISTRITO FASHION
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BEAUTY
VESTIDA DE SOMBRA, LISTA PARA CELEBRAR
After dark: Con las fiestas de Halloween y Día de Muertos en puerta, las sombras oscuras vuelven al tocador. El dark glam tiene el dramatismo que piden estas noches y mucho espacio para hacerlo a nuestra manera. Por Nancy Estrada
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Hay algo muy disfrutable en arreglarse para una fiesta que permite exagerar. Te quedas un rato más frente al espejo, pruebas el labial que a menudo ignoras y permites que el delineado llegue un poco más lejos. El maquillaje empieza a ser parte de la diversión cuando todavía estamos en casa y hay tiempo para ensayar otra versión del look.
LA MIRADA PONE EL TONO Un ahumado oscuro tiene algo de personaje de película: cambia la expresión y hace que hasta el vestido más sencillo se vea distinto. Para construirlo, conviene concentrar el color cerca de las pestañas y difuminarlo hacia afuera, dejando que pierda fuerza al acercarse a la ceja. El lápiz cremoso ayuda a dibujar esa primera sombra; una brocha pequeña suaviza después los bordes. Lo interesante aparece al mezclar texturas. Los acabados mates y metalizados de la paleta Glamour Multi Finish de KIKO Milano dan pie a ese juego: profundidad en la parte externa del ojo y un destello sobre el párpado. La luz aparece al parpadear y cambia con cada movimiento. Con unas pestañas marcadas, el efecto está completo.
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BEAUTY
UN ROSTRO ENTRE LUCES La piel luminosa le sienta bien a este maquillaje. Una base ligera, corrector solo donde hace falta y rubor en crema dejan un acabado fresco alrededor de los ojos intensos. El contorno puede marcar los pómulos, siempre bien difuminado, para que las sombras del rostro acompañen a las del párpado. Si la idea es incorporar detalles de calavera para una fiesta de Día de Muertos, vale la pena dibujarlos sobre esa base y decidir qué zonas tendrán más trabajo. Así, los trazos alrededor de los ojos o la boca conservan su forma y se aprecian mejor. Hacer una prueba unos días antes también ayuda a calcular cuánto tiempo necesitaremos para arreglarnos.
EL ÚLTIMO TOQUE En los labios, un tono profundo con brillo suma esa terminación casi lacada que se ve tan bien de noche. Podemos definir el contorno con cuidado y dejar que la luz se concentre en el centro. Ojos y boca admiten intensidad al mismo tiempo: probarlo suele resolver más dudas que cualquier regla y en octubre todo está permitido. Antes de salir, conviene mirar el conjunto con la ropa y los accesorios puestos. Tal vez sobren unos aretes o falte otra capa de máscara. Un último ajuste, el labial a la bolsa y a disfrutar de la fiesta.
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WISHLIST
EL MUNDO DE COCO LLEGA PARA CELEBRAR EL DÍA DE MUERTOS
CROCS X Disney Por Aran Martell
Las tradiciones mexicanas se viven en cada detalle, sobre todo el Día de Muertos, y vaya que Crocs lo tiene presente, pues más allá de la comodidad, este año ha decidido unirse a Disney y Pixar para celebrar esta icónica fecha. Este 2026 las reuniones familiares, la música, la rica gastronomía y los recuerdos del 1 y 2 de noviembre estarán presentes en cada par del amado "cocodrilo", pero de una manera única, esto gracias a la inspiración de una película que llegó a todo el mundo: Coco. La silueta Classic Clog de Crocs ha sido la elegida para esta colaboración que está inspirada en el mundo de Miguel y su familia para celebrar la cultura mexicana, y sí, en cada detalle podrás encontrar algo de la ofrenda, el pan de muerto, el cempasúchil, las catrinas y hasta el papel picado. Para México la tradición del Día de Muertos, que se pasa de generación en generación, es un recuerdo constante de dónde venimos y hacia dónde vamos, de sentir cerca a nuestros seres queridos que han trascendido, y que Coco de alguna manera nos dejó en claro, razón por la que estos Crocs tienen mucho significado. A través de una combinación de storytelling, autoexpresión y diseño, la colección lleva el espíritu de la película que vio la luz en 2017, pues Miguel y Papá Héctor están presentes en cada par, así como varios detalles y exclusivos Jibbitz, charms que te permiten personalizar tu calzado. Lo mejor es que el Classic Clog Disney y Pixar Coco ya se encuentra disponible en todas las tiendas Crocs, así que te recomendamos darte prisa porque esta bella colaboración del "otro mundo" no tardará en agotarse. Y como diría Miguel: "Recuérdame…", porque algunas historias nunca se quedan atrás, las llevamos con nosotros.
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Fotos: Janeth Fernández
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EVENTOS
LA NUEVA ERA DE LA COCINA EN CASA Con tecnología All Metal Drive
OSTER
Oster está de manteles largos. Con un evento al que acudieron invitados especiales como Claudia Lizaldi, la marca presentó su nueva línea de licuadoras y freidoras de aire, creada para quienes disfrutan experimentar en la cocina y buscan llevar sus recetas a otro nivel, sin sacrificar calidad, durabilidad, versatilidad ni tecnología. El lanzamiento llega en un momento clave para la firma, que continúa incorporando innovación para acompañar a las familias mexicanas en el espacio más vivo del hogar: la cocina.
Para celebrar esta nueva etapa, Oster reunió a la chef Linda Cherem y al conductor Roberto Carlo en una experiencia gastronómica donde la tecnología no solo se contó, sino que se puso a prueba. Los protagonistas de la jornada fueron la licuadora Vortex Plus y la freidora de aire Ultra Crisp XL, dos aliadas que combinan diseño, funcionalidad y potencia pensada para hacer más sencilla —y mucho más creativa— la experiencia de cocinar en casa. Durante la presentación, Aldo López, Gerente Sénior de Oster, destacó los atributos que distinguen a esta nueva generación de licuadoras. Entre ellos se encuentra su sistema “All Metal Drive”, diseñado completamente en metal para ofrecer mayor resistencia a todo tipo de ingredientes, desde los duros y fibrosos hasta preparaciones espesas, frías o calientes. El sistema Vortex ha sido probado con hasta 10 mil ciclos de uso, lo que permite que el producto dure por años. Además, su motor reversible permite que las cuchillas cambien de dirección cuando un ingrediente se atasca, logrando un molido uniforme. Todo se complementa con una jarra ultra resistente a choques térmicos, libre de rayaduras y no guarda olores. Por su parte, la también Gerente Sénior de Oster, Paula Manhey, presentó la freidora de aire Ultra Crisp XL, una propuesta centrada en mayor espacio para una cocción perfecta. Su bandeja extendida acomoda los alimentos eficientemente y favorece un flujo de aire homogéneo. Irá mucho más allá de las clásicas papas a la francesa: la Ultra Crisp XL permite recalentar, deshidratar y hornear, convirtiéndose en la herramienta definitiva para resolver desde la comida cotidiana hasta los antojos espontáneos, manteniendo la facilidad de uso y limpieza de la marca. Más que la presentación de una línea de productos, el evento se convirtió en una demostración de cómo el diseño, la potencia y la versatilidad transforman la cocina en una experiencia para disfrutar todos los días.
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y formatos XL, la icónica marca renueva sus alianzas en el hogar para transformar la rutina diaria en un momento de goce y creatividad.
LIFESTYLE
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ENTREVISTA
DANIEL GIMÉNEZ CACHO "LOS HÁBITOS ARRAIGADOS NO SE QUITAN SOLO CON IR A TERAPIA" Con más de cuatro décadas de trayectoria, el reconocido actor y director mexicano enfrenta uno de los desafíos más cercanos y exigentes de su carrera con el monólogo Nocturno. Fotos: Germán Velasco Texto: Rodrigo Araiza P.
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"SI MAÑANA YA NO DESPERTARA, ME IRÍA SATISFECHO; HICE MUCHÍSIMAS COSAS, ME HE PODIDO REALIZAR Y TENGO UNA GRAN FAMILIA" Un par de horas antes de que Daniel Giménez Cacho diera función de Nocturno, el monólogo que protagoniza, nos recibió en su camerino: una especie de guarida que utiliza para conectar consigo mismo y darse valor para enfrentar uno de los retos más imponentes de su carrera, la cual suma poco más de cuarenta años.
formado como actor, donde he recibido las lecciones más importantes y donde he conocido a mis grandes maestros: Juan José Gurrola, Luis de Tavira, José Luis Ibáñez, Jesús Rodríguez... Nocturno es una obra unipersonal de una intensidad y atención absolutas. ¿En qué radica para ti la complejidad de este montaje?
El actor y director no da nada por sentado, no va sobrado en confianza ni subestima riesgos. Ante la inminencia del escenario, admite que los nervios son inevitables, pero se rehúsa a dejar que lo gobiernen.
Hay varios niveles. El primero es la memoria técnica, pero el verdadero reto es que uno mismo es su peor enemigo. Con esta obra me he puesto muy nervioso y he sentido mucho miedo, aun después de 41 años de trayectoria. Agarré este personaje de una manera profundamente personal porque ya me venía cuestionando sobre mi propia vulnerabilidad. Como hombres, estamos educados bajo el patriarcado para no mostrar sentimientos, no quebrarnos y resolver todo. Yo ya estaba en una crisis personal por situaciones familiares y, de repente, el director Guillermo Heras trae esta obra que es vulnerabilidad pura.
La experiencia respalda su talento, que en su caso se convierte en un goce para quienes contemplan su trabajo en escena. Sobre todo en una puesta como Nocturno, donde la precisión de los detalles construye un drama íntimo. A lo largo de hora y media, Daniel defiende con maestría la narrativa humana de la pérdida, el amor, la memoria y la posibilidad de reconciliarse con uno mismo, invitando sutilmente al perdón, sin importar la magnitud del dolor ocasionado.
¿Esa coincidencia entre tu vida personal y el texto modificó tu forma de encarar el personaje?
¿Con cuánta anticipación sueles llegar al teatro antes de dar función?
Totalmente. Coincidió con lo que andaba viviendo y me hizo tomarlo de forma muy personal, enriqueciendo el texto con mi propia experiencia, mi relación con mi padre, con mi madre y conmigo mismo. Salir a vulnerarme directamente frente a las personas me mueve distinto que interpretar a un personaje con máscara o caracterización. Aquí hay una interpelación directa al público y una búsqueda de autenticidad no impostada. Esa sensación me puso nervioso; me hacía pensar: "¿Y si te tiemblan las piernas?, ¿y si se te olvida?". Pero a la vez es sumamente interesante porque me demuestra que no doy nada por ganado.
Llego unas tres horas antes. Son tres horas para prepararme más la función, que dura alrededor de hora y media, una hora y media directa, sin pausas, sin intermediarios: solo yo en el escenario. Después de más de cuarenta años de carrera, ¿qué lugar ocupa el teatro en tu vida y en tu formación? El teatro ocupa un lugar fundamental; es el espacio donde me he
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ENTREVISTA En Nocturno también se habla del peso del tiempo, del arrepentimiento y de la muerte. Al mirar el camino recorrido, ¿qué reflexiones tienes sobre esta etapa de tu vida?
Además de la carga emocional, ¿cuál es la exigencia técnica para sostener un monólogo tan intenso? Estar lo más presente posible. Suena fácil, pero es dificilísimo estar con la mente aquí y ahora, en este presente único e irrepetible. Si lo logras, se vuelve algo muy vivo que da gusto ver en el teatro. Por otro lado, técnicamente exige un ritmo muy preciso: si te columpias en cada emoción fuerte, la obra dura tres horas, pero tampoco puedes soltar el texto como ráfaga. Hay que encontrar el punto medio.
Te agarra en un momento donde ya te has estado preparando. Pensando de manera optimista, considero que me quedan unos 25 años por delante; ya estás viendo el último acto. Eso te vuelve más exigente con el tiempo: ¿cómo quiero pasar este último tramo?, ¿a qué vine a este mundo? Ya no quieres perder el tiempo y debes medir la energía para planear bien los tiros. Si mañana ya no despertara, me iría satisfecho; hice muchísimas cosas, me he podido realizar y tengo una gran familia.
¿Cómo te sientes emocionalmente al bajar del escenario tras cada función?
SINOPSIS
Termino contento, con la satisfacción del reto cumplido, como haber cruzado un canal nadando o haber subido una montaña. Para mí es un privilegio porque me da la oportunidad de profundizar en el tema de la vulnerabilidad noche tras noche. Los hábitos arraigados no se quitan solo con ir a terapia; poder pasar por ahí cada función me da la oportunidad de ir sanando muchas cosas.
A los 17 años, un trágico accidente cobra la vida de su hermana pequeña y fractura de forma irreversible el universo de un joven prodigio del piano. La devastación familiar es inmediata: un padre incapaz de perdonar y una madre que pierde el juicio. Forzado a huir a Nueva York para rehacer su existencia, el protagonista abandona la música y se refugia en las letras, la noche y el silencio para intentar digerir la culpa y el duelo.
Hablando de esa sanación, la obra aborda con fuerza la relación con el padre. ¿Cómo ha sido tu propio proceso con ese vínculo a lo largo de tu vida?
La aclamada obra del dramaturgo estadounidense Adam Rapp llega por primera vez a México bajo la dirección de Francisco Franco Alba y producción de Alejandro Gou y Guillermo Wiechers.
Ha pasado por muchos estadios: desde la rebeldía de juventud donde decía "voy a hacer todo menos ser como ese señor", hasta un proceso de perdón y reencuentro muy lindo. Mi papá era muy autoritario y violento, pero con el tiempo te das cuenta de la cantidad de cosas que traes de él. Reconocerlo es hermoso. En la película Familia, de Rodrigo García, interpreto a un patriarca y siento que ahí le hice un homenaje a mi padre. De la rebeldía al homenaje hay un trayecto de madurez.
Temporada Centro Cultural Teatro 2. Viernes 20:00 h · Sábados 18:00 y 20:30 h · Domingos 18:00 h.
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"NO ES UN VIAJE NOSTÁLGICO PARA DESENTERRAR ALGO MUERTO"
CUARTETO DE NOS La banda uruguaya conmemora 20 años de su icónica producción Raro con cinco fechas especiales, incluyendo el Palacio de los Deportes de la CDMX el próximo 21 de noviembre. Por Rodrigo Araiza P.
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MÚSICA Toda banda con una trayectoria memorable tiene al menos un álbum que marcó un parteaguas, un trabajo que no envejece. Para Cuarteto de Nos, Raro es esa producción.
Al retomar un clásico, ¿cuál fue el criterio técnico y artístico para entregar una propuesta fresca?
Lejos de apelar a la añoranza vacía, la agrupación uruguaya conmemora este aniversario con una propuesta transmedia que rompe con el formato tradicional de estudio y se complementa con el anuncio de su gira cápsula internacional Así soy yo.
Lo básico para nosotros es no aburrirnos; que cada proyecto tenga una novedad para no hacerlo sin ganas. En lo sonoro, quisimos que la sesión tuviera un audio de primera toma, un sonido crudo y real sin casi correcciones, como si estuvieras sentado al lado nuestro durante un ensayo. En una época donde el oído está tan acostumbrado al perfeccionismo y a la afinación exacta, esa crudeza le da un valor muy interesante.
Fieles a su impronta creativa, la banda presenta un mini film ambientado en el mítico "apartamento de Raro". La cámara coloca al espectador en la perspectiva en primera persona del mismísimo personaje de la portada, quien despierta tras su fiesta de cumpleaños entre un desorden de globos, vasos vacíos y restos de la fiesta.
Para este festejo decidieron armar un formato exclusivo de solo cinco shows especiales en ciudades clave como la Ciudad de México, Santiago, Bogotá, Buenos Aires y Montevideo. ¿Por qué?
A través de sus ojos, el público recorre los rincones de un espacio repleto de guiños al universo del Cuarteto y easter eggs ocultos que dedican a sus seguidores más fieles. Con una producción sonorizada en mezcla Dolby Atmos para garantizar una atmósfera totalmente envolvente, esta entrega muestra por qué dos décadas después el concepto detrás de Raro sigue más vigente que nunca.
Nos pareció fascinante hacer cinco shows únicos que la gente solo podrá ver una vez en la vida, al estilo de los happenings de los años 90. Tienen una puesta en escena totalmente diferente a las giras anteriores, con un setlist enfocado en profundizar en los temas de Raro y en canciones de discos intermedios que hace tiempo no tocamos.
Con este ejercicio, Cuarteto de Nos confirma que el pasado es digno de traerse al presente y al mismo tiempo recuerda la importancia de mantener intacto aquello que detonó el origen del exitoso grupo hace casi cuatro décadas. "Sería imposible sostener esto sin disfrutarlo y sin tener un grupo humano que te contenga. Somos 14 personas viajando desde Uruguay entre músicos y equipo técnico, y siempre apostamos más por la calidad humana que por la técnica", se sincera Roberto Musso, voz y miembro fundador del grupo. ¿Cómo gestionan el ritmo de las giras para no pasar tanto tiempo lejos de casa? Tratamos de acotar las giras para que no sean tan extensas. Intentamos no estar fuera más de 15 o 20 días a lo mucho y volver a Montevideo antes de salir de nuevo. Todos tenemos hijos y esa es quizás la única parte complicada; lo demás es un disfrute constante. Con el proyecto conmemorativo por los 20 años de Raro y sus live sessions, ¿de dónde sacan la creatividad para reinventarse y no repetir la misma fórmula?
¿Y ya están trabajando en nueva música?
Me alegra escuchar eso porque es algo que siempre está en el norte de la banda; está impreso en nuestro ADN el intentar cambiar siempre sin perder la esencia 'cuartetera'. Raro fue la piedra fundamental que nos abrió las puertas fuera de Uruguay. Aunque cuando cumplió 15 años estábamos en pandemia, nos pareció importante revisitarlo hoy desde el presente de la banda. No es un viaje nostálgico para desenterrar algo muerto, porque son canciones vivas que el público joven sigue cantando en los shows. De ahí nació la idea de la live session y la gira Así soy yo.
Sí, siempre nos ganan los proyectos a futuro. De hecho, seguramente el próximo año nos pongamos a grabar porque ya hay material nuevo. Casi seguro que el año que viene habrá un nuevo lanzamiento del Cuarteto. México se ha convertido en uno de los bastiones más importantes para la banda. ¿Cómo perciben esa conexión con el público de este país? Es impresionante. Imagínate que Uruguay es un país de tres millones de habitantes; todo entra en un barrio de la Ciudad de México. Más del 50 % de nuestros oyentes en plataformas son de México. Hemos tocado en 34 ciudades mexicanas a lo largo de los años y en cada lugar aprovechamos para caminar, conocer y conectar con su gente. El público mexicano, especialmente los adolescentes y jóvenes que se suman al Cuarteto, tiene una energía increíble.
En la live session ambientaron el set en el departamento del icónico personaje del álbum Raro. ¿Cómo fue construir ese universo visual? Quisimos darle una mirada fuera de lo común. Recreamos el departamento del personaje —que en el vinilo original aparecía en fotos en una cocina y un living descuidado de nerd— como si no hubieran pasado 20 años y siguiera en la misma decadencia. Es como un cumpleaños fallido donde la banda toca en su sala. Además, llenamos el espacio de referencias y guiños a otras canciones y personajes para jugar con la inteligencia de los fans.
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CINE
MADRE SINIESTRA
EL RITUAL DE LA INOCENCIA Y EL HORROR DOMÉSTICO
La nueva cinta de Rob Savage no busca el susto fácil, sino explorar, a través de una figura antológica del horror moderno, las fisuras emocionales al interior de la familia. Madre Siniestra (Other Mommy), la nueva apuesta cinematográfica producida por James Wan y dirigida por el británico Rob Savage (Host, The Boogeyman), se posiciona como una de las experiencias de horror más perturbadoras del año.
LA PÉRDIDA DE LA INOCENCIA
El filme sigue la historia de Bela, una niña de siete años que entabla una relación con una entidad ancestral y amorfa capaz de imitar con precisión la apariencia física de su propia madre.
A diferencia de los convencionalismos del género, Madre Siniestra se cuenta desde la perspectiva de la pequeña Bela, interpretada por la revelación infantil Arabella Olivia Clark. Esa elección convierte la película en una alegoría sobre el descubrimiento de la madurez: percatarse de que los padres llevan vidas complejas, fracturadas y ajenas a sus hijos.
La ganadora del Óscar Jessica Chastain asume un doble reto actoral: dar vida a la madre trabajadora y terrenal de Bela, y simultáneamente encarnar a la madre siniestra, una manifestación demoníaca que apela al amor, la inocencia y las emociones más profundas de la infancia para infiltrarse en el hogar.
"Lo que vuelve tan aterradora a la madre siniestra es la idea de que un progenitor sea sustituido por algo letal. Te plantea la pregunta de si estás mirando a un monstruo o al lado más oscuro de tu propia madre, y el no poder distinguirlo sugiere que todos llevamos algo de oscuridad dentro", reflexiona Jessica Chastain. El elenco principal se complementa con Jay Duplass como el padre que sostiene el hogar, Karen Allen como la abuela Ruth, Arian Moayed como el tío Frank y Dichen Lachman como la investigadora paranormal Lois Anthony.
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ARTESANÍA VISUAL Y EFECTOS PRÁCTICOS Fiel al estilo de Rob Savage, la producción apostó por el terror físico mediante un elaborado diseño de prótesis y dobles de riesgo en lugar de abusar de los efectos digitales. Para dar vida a las distintas fases del monstruo, Chastain colaboró junto a contorsionistas y dobles sobre zancos de más de dos metros de altura, creando un lenguaje corporal arácnido e inquietante. Asimismo, el diseño de producción a cargo de Jeremy Woodward construyó secuencias como una claustrofóbica piscina de 65 mil pelotas de plástico y una habitación al revés acondicionada sin pantallas verdes. La fotografía de Lowell A. Meyer, inspirada en la nitidez clásica de The Shining y el cine de Lynne Ramsay, logra que cada rincón de la casa se sienta tan tangible como amenazante.
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Fotografía: Alberto Hidalgo
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TELÓN LA VITALIDAD DE UN CLÁSICO
Más de un siglo después de su estreno, La Gaviota, una de las obras más célebres de Antón Chéjov, vuelve a dejar en evidencia que los conflictos del corazón humano continúan pese al correr del tiempo. Amores no correspondidos, la sombra de los sueños rotos, la búsqueda implacable de la vocación y el deseo imperioso de sentirnos reconocidos conviven en la nueva y vibrante versión adaptada y dirigida por Cristian Magaloni. Con temporada hasta el 25 de octubre de 2026 en el Foro Lucerna de la CDMX, esta producción a cargo de Ana Kupfer, Pablo Perroni, Sergio Mingramm y el propio Magaloni reúne un gran elenco encabezado por Mariana Giménez, Boris Schoemann, Roberto Beck, Assira Abbate, Pablo Perroni, Lourdes Gazza, Julio César Luna, José Ramón Berganza, Ana Kupfer y Ditmara Náder. ESCENARIO VIVO, COMEDIA Y LÍMITES EMOCIONALES Lejos de la imagen solemne o nostálgica con la que tradicionalmente se aborda al dramaturgo ruso, esta representación teatral apuesta por la vitalidad, el dinamismo coral y un agudo sentido del humor que retrata las contradicciones de la vida familiar. En una casa junto al lago durante un verano, lo que inicia como una reunión íntima se transforma en un mapa de viejos rencores y pasiones cruzadas.
Para el actor Roberto Beck, quien interpreta a Konstantin Treplev —el joven artista incomprendido que lucha por encontrar su propia voz a la sombra de su madre, la famosa actriz Arkádina—, asumir este clásico representó un reto técnico y visceral de alto nivel. "Encontrar la forma de contar textos de hace muchos años y descubrir de qué están hechos y por qué siguen resonando con la gente es un reto que siempre vale la pena. Creo que esta obra sigue vigente porque habla mucho de querer pertenecer, del sentir que tu vida no es lo que tú crees que debería ser. Depositas todas tus esperanzas en el amor o en el reconocimiento, y cuando eso se pierde, uno siente que la vida colapsa", comparte Beck. El montaje exige una precisión coreográfica en la que todos los personajes habitan el espacio de forma activa, incluso cuando la palabra no les pertenece. Esta dimensión coral se traduce en un desgaste físico y emocional absoluto para los actores, quienes transitan por matices que van desde la euforia desmedida hasta las profundidades más oscuras del desamor. "Treplev vive todo a flor de piel: ama al máximo, se enoja y se frustra muy fácil. Intentamos hacer a alguien que pudiera estar dentro de un espectro maniacodepresivo, capaz de tocar momentos de euforia pero también las zonas más oscuras. FUNCIONES Foro Lucerna (Lucerna 64, Juárez, CDMX). Hasta el 25 de octubre de 2026. Viernes 20:30 h, sábados 19:00 h y domingos 18:00 h.
Aunque la cabeza sabe que es actuación, el cuerpo lo resiente. Pero lo lindo es que al terminar la función nos vamos a cenar tacos con el elenco, y eso nos ayuda a salir de ese lugar", añade el actor entre sonrisas. EL ARTE COMO ESPEJO Y SANACIÓN La puesta en escena apela directamente a la empatía del espectador contemporáneo. Las dinámicas de los lazos sanguíneos, los amigos que se vuelven parte del hogar y el miedo a la mediocridad convierten a esta adaptación en un reflejo cotidiano. "Yo le recomendaría esta obra a todas las personas que de pronto sientan que no encuentran su lugar en el mundo o que su vida no es como les gustaría, pero también a quien se quiera pasar un buen rato con la dinámica familiar. Eso es lo que hace que Chéjov siga vivo: son obras para todo el mundo", concluye Beck. La Gaviota se consolida como una de las apuestas imprescindibles de la cartelera en la capital: una invitación a recordar que, aunque el entorno cambie, las preguntas sobre el amor, la familia y la felicidad siguen siendo exactamente las mismas.
LETRAS
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VIAJES
Pensar en Nayarit casi inevitablemente conduce al mar, a sus playas, atardeceres y a ese espíritu relajado que ha convertido la costa en uno de los destinos favoritos del Pacífico mexicano. Pero basta alejarse un poco de la arena para descubrir otra cara del estado: una hecha de volcanes, pueblos construidos durante la Colonia, antiguas civilizaciones, manglares, islas y tradiciones que siguen marcando la identidad de sus comunidades.
Para quienes prefieren viajar con la naturaleza como eje, Amatlán de Cañas dispone de aguas termales, cascadas y paisajes montañosos que invitan a caminar, explorar y desconectarse; mientras tanto, Compostela, fundada en el siglo XVI, conserva construcciones y templos que hablan de su pasado, además de atractivos naturales y sitios arqueológicos a su alrededor.
Sus nueve Pueblos Mágicos —Ahuacatlán, Amatlán de Cañas, Compostela, Ixtlán del Río, Jala, Mexcaltitán, Puerto Balleto, San Blas y Sayulita— representan nueve maneras completamente distintas de recorrer Nayarit. Aquí el viaje puede comenzar entre montañas y terminar frente al Pacífico.
Después llega uno de los cambios de escenario más inesperados: Mexcaltitán. Esta pequeña población asentada sobre una isla conocida como la “Venecia Mexicana”, porque durante la temporada de lluvias algunas de sus calles se transforman en canales. A la experiencia se suma la leyenda que relaciona a la isla con el mítico Aztlán, origen de los mexicas antes de su llegada al Valle de México.
Al sur, Ahuacatlán conserva ese encanto de los sitios donde el tiempo parece avanzar a otro ritmo. A los pies del volcán El Ceboruco, su historia está ligada al antiguo Camino Real que conectaba San Blas con Guadalajara. Templos coloniales, plazas y sabores locales como las tostadas de pata, las tortas de “Chago” y la tradicional cajeta de mango hacen que conocerlo sea también hacerlo a través de su cocina.
Más cerca del Pacífico aparece San Blas, donde naturaleza e historia conviven. El Fuerte de la Contaduría recuerda la relevancia estratégica que tuvo este antiguo puerto, mientras que los recorridos por los manglares de La Tovara permiten descubrir otro paisaje entre aves, reptiles y vegetación. La parada finaliza con mariscos frescos y pescado zarandeado.
Muy cerca, Jala cambia nuevamente el escenario. Sus calles empedradas, casonas y arquitectura religiosa conviven con un paisaje dominado por El Ceboruco. Aquí, además, el maíz forma parte de la identidad local: cada agosto se celebra la Feria del Elote Gigante, una tradición alrededor de las extraordinarias dimensiones que alcanza este cultivo en la región.
Sayulita representa el lado más global y desenfadado de esta ruta. El surf sigue siendo parte esencial de su personalidad, pero el destino también se recorre a través de galerías, murales, artesanías, mercados de arte huichol, restaurantes y pequeños espacios que han construido una identidad propia alrededor del diseño, la cultura y la vida frente al mar.
El pasado se vuelve todavía más evidente en Ixtlán del Río, hogar de la zona arqueológica de Los Toriles. Entre sus vestigios destaca un singular templo circular, razón suficiente para incluir este punto en una ruta que permite acercarse al legado prehispánico del estado antes de volver a sus calles y construcciones novohispanas.
Y para cerrar con un destino fuera de lo convencional está Puerto Balleto, en las Islas Marías. Lo que durante más de un siglo se ligó al ámbito penitenciario se ha transformado en un espacio dedicado a la conservación y al turismo sostenible, rodeado por un territorio insular donde la naturaleza dicta el ritmo del viaje. Así, Nayarit da constancia de que no necesita elegir entre montaña y mar, historia y naturaleza o tradición y nuevos estilos, pues todo esto converge en un mismo itinerario.
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EL DESAFÍO DE RENACER EN MÉXICO
RICHARD HART
Después de una aclamada trayectoria en Dinamarca y Estados Unidos, el célebre panadero británico convirtió a la Ciudad de México en su hogar. En esta charla íntima, el creador de Green Rhino habla sobre la superación de dificultades, la nobleza de los ingredientes orgánicos, la cultura del trabajo con amor y la redención a través de la gastronomía.
Por Rodrigo Araiza P.
La fama en la gastronomía tiene sus riesgos, y en el caso de Richard Hart no ha sido la excepción: si bien ha enfrentado tropiezos, sus aciertos van mucho más allá. Arribar a un país distinto al de su cultura britanica para emprender un negocio de pan era una apuesta riesgosa, sobre todo en un contexto en el que la mayoría de los mexicanos nos consideramos expertos en las delicias que acompañan nuestros desayunos y cenas. Green Rhino (Tonalá 121, Roma Nte.) cumple un año en la CDMX. Desde su apertura provocó un furor tal, que las filas para probar sus creaciones le daban vuelta a la calle. Hoy, con un flujo consolidado y planes de abrir una segunda sucursal en la capital chilanga, el chef —considerado uno de los mejores panaderos del mundo— tiene mucho que contar. En breves minutos, pero sin prisa y con suma disposición por compartir su historia, Hart se sentó con nosotros en una de las mesas de Green Rhino para conversar sobre cómo los giros personales han impactado directamente en su trayectoria profesional.
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BUEN COMER En una ciudad con tantas opciones gastronómicas, ¿qué hace que tu panadería destaque? Diseñé la panadería como cocina abierta a propósito: quiero que la gente vea que podemos divertirnos trabajando. El ambiente es fundamental. Construí esta panadería para mi equipo; si mi personal está feliz, mis clientes van a estar felices. Escuchamos la música que queremos, nos reímos y lidero a mi equipo con cariño. Habiendo sido chef en los años 90 y 2000, viví en cocinas muy duras y creo que hay otra forma de hacer las cosas: romper el ciclo y hacer comida hermosa con cuidado y amor. Además, estoy obsesionado con los ingredientes. Toda mi harina es orgánica porque la harina convencional está cubierta de glifosato, un químico tóxico. Si no le darías un vaso con veneno a tus hijos, ¿por qué alimentarías a la gente con eso? Compro vegetales orgánicos, conozco el origen de la mantequilla, la leche y usamos chocolate mexicano comprando cacao a un precio justo para los productores. Quien viene a mi panadería tiene la certeza de que come alimentos hechos con integridad. Hace tiempo enfrentaste una controversia en redes sociales por un malentendido. ¿Cómo superaste un momento tan difícil? Fue lo más desgarrador que he vivido después de mi divorcio; nunca había experimentado tanto odio. Alguien publicó una frase fuera de contexto en Instagram que sonaba muy mal, y aunque no era verdad, en internet se convirtió en una 'verdad'. Me dolía mucho que me llamaran "colonizador" o "gentrificador" cuando estoy tratando de hacer exactamente lo contrario: mis empleados trabajan 5 días a la semana, tienen 20 días de vacaciones al año y busco darles una mejor calidad de vida. El odio no solo me dolió a mí, sino a todo mi equipo, pero nadie se fue; todos se quedaron porque somos una familia. A pesar de recibir mensajes agresivos, sé que cuando la gente viene y ve el amor con el que trabajamos y cuidamos a nuestro equipo, entiende quiénes somos realmente.
"PODRÍA VIVIR EN CUALQUIER OTRO LUGAR, PERO QUIERO ESTAR AQUÍ PORQUE AMO ESTE PAÍS" A pesar de esos tragos amargos, ¿qué es lo que te hace sentir que perteneces a México? Podría vivir en cualquier otro lugar, pero quiero estar aquí porque amo este país. Siento que la gente mexicana es increíblemente cálida, generosa y acogedora; te invitan a su casa con su familia. Yo soy igual, me gusta cuidar a la gente. Además, me encanta la comida de calle: mis tacos favoritos son los de birria en 'El Compita' (en Monterrey y Puebla), amo las tortillas de maíz nixtamalizado y disfruto muchísimo ir a los mercados locales. ¿Cuál ha sido tu mayor satisfacción y el aprendizaje más grande en este tiempo? La mayor lección es tener cuidado con lo que dices en los pódcast porque la gente puede distorsionarlo, y mi mayor satisfacción es que mi equipo se haya quedado conmigo y sigamos creciendo. Estamos por abrir nuestra segunda tienda en Polanco. Mi sueño es que la empresa genere más para pagarle aún mejor a mi personal; quiero tener a los lavaplatos mejor pagados de México. Para cerrar, tuviste una participación indirecta, pero muy especial en la aclamada serie The Bear. ¿Cómo fue esa experiencia? Lionel (Boyce), el actor que interpreta a Marcus en la serie, vino a mi panadería en Dinamarca para prepararse antes de que The Bear existiera. Tuve dos semanas para enseñarle a actuar como un verdadero panadero en la cocina. Tuvimos una gran conexión y fue increíble ver cómo la serie se volvió un éxito mundial. En la segunda temporada, cuando el personaje viaja a Copenhague y visita mi panadería, fue un guiño y un homenaje hermoso que aprecié muchísimo. Asimismo, reflexionó sobre el poder de las redes sociales y el peligro de tomarlas como única fuente de información. Hizo referencia a la polémica que por un momento lo colocó como el enemigo público de los mexicanos, y de la cual salió adelante gracias a su honestidad y resiliencia. Tras compartir el pan, recorrer las estaciones de Green Rhino y dejar que el aroma a fermento despertara los sentidos, descubrimos que este proyecto no es un esfuerzo individual, sino un concepto que se construye en equipo, en el que cada elemento cuenta. ¿Qué te motivó originalmente a mudarte y abrir un proyecto en México? Vino de un momento de mi vida en el que era realmente necesario. Vivía en Dinamarca con mi primera esposa e hijos. En un solo año, ella se los llevó de vacaciones a Estados Unidos y nunca regresó. Nuestro matrimonio estaba en un punto difícil, pero fue devastador para todos. Pasaron un par de años y yo estaba roto; es imposible ser padre desde el otro lado del mundo con zonas horarias tan distintas. Tenía una amiga en la Ciudad de México a la que visitaba seguido, y me dijo: "Ven aquí, desde aquí puedes ver a tus hijos cada mes muy fácilmente". Supe que tenía que hacerlo. Mi panadería en Copenhague era muy exitosa y fue una locura decirle a mis socios que me iba, pero ellos, como padres, lo entendieron. La razón por la que nació Green Rhino fue, en esencia, para estar cerca de mis hijos. Comenzar en una nueva ubicación siempre trae desafíos. ¿A qué obstáculos te enfrentaste al lanzar Green Rhino? Toma tiempo entender a la comunidad y los gustos de la gente. Cuando me mudé de Estados Unidos a Dinamarca, aprendí muy rápido que debes pertenecer al lugar donde estás. Al llegar a México ya tenía eso en mente: necesitaba entender lo que a la gente le gusta comer, como los sabores frutales y dulces. También tuvimos retos de logística: un primer local que no funcionó por temas de permisos, lo cual nos retrasó un par de años. Pero ese tiempo me sirvió para ir a muchos mercados, entender las estaciones y descubrir ingredientes como la guayaba o la papaya local, que tienen un sabor natural e increíble que no existe en Europa.
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BUEN COMER
TACO EN SEIS TIEMPOS
RUTA DE TAQUERÍAS ICÓNICAS EN LA CDMX Por Rodrigo Murillo Instagram: @doncatadordequesos Si hay algo que no puede faltar en la Ciudad de México son los tacos. Como buen mexicano, uno sabe que nunca es un mal momento para comer uno. Así que, cuando nos invitaron a un tour por seis taquerías icónicas de la capital chilanga, fue imposible negarnos. Nos trepamos a un camión de ruta decorado con los tradicionales rótulos multicolor para avanzar por la ciudad. La primera parada fue El Compita, un puesto de lámina en la colonia Roma especializado en birria estilo Tijuana que tiene un sabor que se queda. La quesabirria destaca por su carne suave, un queso impecable y una tortilla doradita que cruje. Imposible no querer repetir, pero había que guardar espacio para lo que venía. Avanzamos hasta el Centro Histórico para visitar la Fonda Mi Lupita Mole Nupcial Artesanal. Te reciben meneando el mole en una olla gigante; una joya escondida, con un balance justo entre dulzor y picante que te obliga a dejar el plato limpio. Incluso ofrecen un pastel de mole que funciona como postre. De ahí nos fuimos a un clásico: Los Cocuyos, un sitio visitado por el mismísimo Anthony Bourdain. Pedimos el de suadero con longaniza y el infaltable al pastor: un spot que no falla.
En la Santa María la Ribera visitamos Tacos Virginio. Nos recibieron con un agua fresca de horchata con aguacate y una obra de arte: tortilla nixtamalizada bañada en frijoles con camarón, castacán y verdolaga. Estaba tan espectacular que me lo terminé antes de reparar en el color de la salsa; un taco que se debe probar al menos una vez en la vida. En la colonia San Rafael fuimos a Tavo, todo en cochinita, proyecto fundado por Tavo, de Panteón Rococó. Le entramos a un tostón de plátano macho bien frito con cochinita suave y una salsa de habanero muy picante pero adictiva. Cerramos en Tacos La Romita, ubicados dentro de una casona en la Roma. Aunque el lugar tiene pinta de restaurante de cinco estrellas, que no te engañen las apariencias: las salsas ¡vaya que pican!, y su taco de milanesa es sublime. De postre disfrutamos un flan napolitano decorado con flores, que fue el cierre dulce de la jornada. Tras este recorrido, Microbiot Fit fue el gran aliado para alivianar el estómago y garantizar una buena digestión: el hack definitivo para cerrar el itinerario y recordar lo afortunados que somos de contar con una de las cocinas más ricas del mundo.
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OCT 24, PALACIO DE LOS DEPORTES | CDMX
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MESES sin intereses