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CONTENIDO

EDITORIAL Editorial.......3 Staff...........4 Basil Gogo's Bela Lugosi...5 The Hobbit......6 Basil Gogo's Hombre Lobo...8 Django Unchained...10 ARTÍCULO Videojuegos: Sexo + Violencia...12 Basil Gogo's King Kong...17 Silver Linings Playbook...18 Hiroshima........20 ARTÍCULO La Mafia va a Hollywood (1ra parte)....22 El Último Gol.....34 Mamá..............36 Basil Gogo's Poster Godzilla Vs Cosmic Monster..............41 Persiguiendo Historias con Cine Entrevista con Orlando Charria....42

Saludos amigos y amigas del Cineclub Cinexkrúpulos. Hace un poco más de dos meses que hicimos la convocatoria para incorporar gente interesada en unirse a nuestro proyecto de revista digital sobre cine. Desde un principio se acordaron plazos de entrega y tareas que la gran mayoría de los convocados encararon con seriedad y cumplimiento. De modo que lo que usted querido lector, está a punto de leer es el fruto de la combinación de muchas cosas entre ellas, esfuerzo conjunto, colaboración participativa, ocio productivo, pero sobre todo es producto de la pasión que cada uno de los integrantes de éste equipo editorial, posee para con la máquina de hacer sueños. No quiero extenderme mucho, sólo quiero agradecer a todos los que hicieron esto posible, también quiero extender las gracias a usted por tomarse el tiempo de leer esto, espero que las reseñas, los artículos y el contenido en general sean del agrado suyo; de igual forma quiero invitar a que nos escriban para que nos hagan sugerencias o críticas, o para nos pidan que hablemos sobre esta o aquella película, escriba para darnos las gracias, o para mentarnos la madre, pero escriba, no importa para lo que sea, su opinión es importante para nosotros. En el presente número contamos con las reseñas de películas incluidas en nuestra programación habitual, pero también incluimos críticas a títulos nuevos. En nuestra sección de artículos, lea sobre la violencia y el sexo en los videojuegos; también entérese sobre la oscura relación entre Hollywood y la mafia, en un suculento artículo de 12 páginas. Finalmente apreciado lector lo dejo para que pase la página con el botón izquierdo de su ratón. Gracias nuevamente, espero no olviden ser felices haciendo lo que les venga en gana. ATT: Jorge Andrés Trejos Iturregui Director Editorial


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De

regreso a un mundo de aventuras y fantasías Por: Abdénago López

De la mano del director Peter Jackson llega casi 10 años después, la tan esperada precuela de “El Señor de los Anillos”. Pocos libros más amados y comentados existen, por tanto las expectativas eran más que altas. El hobbit no es una precuela que espanta, es una bonita cinta de aventuras, entretenida y agradable de ver. Aún con eso, está lejos de ser la gran obra maestra que supuso el trabajo de toda la vida de J.R.R.Tolkien, o la adaptación trabajada y fiel en todo lo posible que sÍ fueron sus predecesoras. Pienso que esta película debería haber sido más modesta y sencilla, después de todo, se trataba de adaptar un libro mucho más pequeño que la trilogía principal. La película no se hace pesada en ningún momento, pero su larga duración gasta un poco la trama (yo no suelo pausar una película, creo le resta emoción y “magia” a la experiencia, pero entre gaseosa y gaseosa durante 2 horas y 40 minutos, la naturaleza empieza a hacer llamadas que no se pueden dejar en espera) También está el tema de las escenas de acción, que a diferencia de las batallas masivas o duelos cuerpo a cuerpo

o persecuciones tradicionales, están llenas de efectos de movimiento, caídas y demás, es decir, efectos que se nota que son para aprovechar las prescindibles novedades del 3D, que en lo personal no me llama nada la atención, salvo por muy contadas excepciones. Y añadimos a todo esto el tema de la adaptación, me refiero a algunos detalles resultan del todo excesivos. Tal y como lo han contado, tomándose muchas licencias y varios cientos de millones de dólares de presupuesto; sí puede dar para otra película más, pero ¿Para tres? ¿En serio? ¿Están seguros? Sigo pensando que, y no se me ocurre qué van a contarnos en la tercera. No todos los años tenemos la suerte de ver un espectáculo de fantasía tan ambicioso, destinado a todos los públicos. No otra aburrida historia romántica de vampiros para adolescentes o una simplona animación producto del plagio de una vieja historia basado en un cuento infantil para los más pequeños. Aprecio este estreno y los que están por llegar. Pero tengo claro que lo que mantiene a flote ‘El hobbit:

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Un viaje inesperado’, lo que la convierte en algo más que una muy costosa fiesta de disfraces y efectos especiales, es el reparto. No debe ser fácil interpretar en una producción de esta magnitud, rodeado de fondos verdes y de monstruos inexistentes, o que suenen auténticos los diálogos de los enanos o los elfos, pero este elenco es formidable. T h o r i n hablando de lealtad, G a n d a l f confesando a Galadriel que tiene miedo, Gollum descubriendo que ha perdido lo que más le importa, Bilbo hablando sobre el hogar; Nos insertan en la historia casi pudiendo sentirnos como un héroe buscando recuperar las minas de moria, esta debe

ser la mejor característica de la película. Después de todo lo que les he contado, debo admitir que la película me agradó, me entretuvo, y esa era la única

función

que

debía

cumplir.

La mejor parte fue sin duda el comienzo: todo un regreso a la Tierra Media, aderezado con toques de “La Comunidad del Anillo”; donde volvemos a encontrarnos con caras conocidas

como Elijah Wood, o Ian Holm, la inigualable fotografía de sus predecesoras mostrándonos paisajes fabulosos y fantásticos que sólo de la imaginación de J.R.R.Tolkien podrían haberse materializado. Y no nos falta la famosa frase “en un agujero en el suelo de un bosque, vivía un hobbit”. La misma frase que J.R.R.Tolkien escribió. Luego todo se precipita un poco. Ian Holm da paso a Martin Freeman, que nos interpreta a un joven Bilbo, un hobbit que a pesar de amar su felicidad doméstica y su hogar, se ve embarcado, por medio de Ian McKellen quien representa de nuevo su brillante papel de Gandalf uno de los cinco magos humanos, en toda una aventura. Y desde ahí, se van sucediendo los distintos escenarios que se


recorren en el libro bosques, valles, praderas, los trolls que se convierten en piedra con los primeros rayos de sol, la ciudad élfica de Rivendel (donde volvemos a toparnos con más caras queridas, como Hugo Weaving como Elrond, Cate Blanchett como Galadriel o Christopher Lee como Saruman) Nos tomamos un descanso para recopilar algo de información (e ir al baño) y regresamos enseguida a la aventura. El bosque, la cueva de los trasgos entre tantas caras conocidas que regresan, no podía faltarnos la de Andy Serkins, dando vida a la peculiar criatura Gollum gracias a la técnica de captación de movimientos, en una escena

que nos devuelve todo el sabor clásico de Tolkien, y que a mí me resultó de lo más entretenido; se trata de el concurso de acertijos con que Bilbo consiguió arrebatar el Anillo Único de las manos de Gollum. “¿Que tengo en el bolsillo?”. ¡Momento espectacular, sin duda!. Después, una batalla final donde Bilbo tiene la ocasión de demostrar su valor como miembro de esta búsqueda, y un avance de lo que nos espera en la siguiente entrega. Así que, un gran viaje, aventura, un ritmo trepidante, caras que regresan y un buen rato entretenido para pasar viendo esta peli.

Sabía usted que: El Hobbit es el primer libro de JR Tolkien en exponer su universo mitológico y fantástico. Tolkien empezó a escribirlo como una historia para sus hijos. Pero sus amigos le alentaron para que lo publicara. El éxito fue tanto que el público demandó una segunda entrega, así nació su trilogía de libros del señor de los anillos. Peter Jackson no fue el primero en llevar el Hobbit a la gran pantalla. En 1977 se realizó un tv filme animado sobre el Hobbit producido por Warner Bross y Walt Disney.

Portada libro

Portada película animada

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Por: Javier Montes

Django Desencadenado El Sigfrid que Cruza el Infierno por su Brunilda

Las eternas historias de Tarantino para explicarnos en forma simple de que tratara la película, me explico, En Asesinos Por Naturaleza(Natural Born Killers 1994) La historia de la serpiente, que en pocas palabras explica el cinismo de la película al abogar de que la naturaleza es algo de lo que no se puede huir, o en Bastardos Sin Gloria (Inglourious Basterds 2009), en su épico inicio donde el coronel Hans aporta a la película su cínica historia sobre las ratas y lo incómodas que son y que sin razón justificada acabamos por su naturaleza de plaga, para justificar el exterminio Judío, ¿Cómo Olvidar la historia de lo que le pasó al hombre que le dio el masaje de pies

presentarnos la trama central en esa agradable escena donde Django y el Doctor Schultz intercambian palabras alrededor de una fogata, donde nos hablan de la mitología Alemana y un Sigfrid un valiente que cruzó el infierno por su amada, para rescatarla, …¡EXACTO!... Tenemos ante nosotros la trama de la película y ya sabemos qué esperar, y tenemos expectativas, ¿Será que Tarantino Volvió a Salirse con la suya?

a la esposa de Marcellus Wallace en Pulp Fiction (Pulpp Fiction 1994)? En esa sencilla historia nos dan a entender el ritmo que tendrá la película de ofensa y venganza en repetidas ocasiones, para darnos el marco de ese bajo mundo en que Django nos invita a ver el nos sienta Tarantino. panorama de un Estados Unidos pre a Abraham Lincoln donde la esclavitud es algo aceptable y lo peor permitido en la sociedad sureña de el país ya mencionado, en un principio con esta carga emocional bastante fuerte, nos encontramos sumergidos en la piel del protagonista, 1 negro entre 1000, Que sabe algo, y ese saber, lo libera, de manos de un Caza Recompensas que se hace Pero nuestra atención debe centrarse llamar el Doctor Schultz, En uno en Django, ¿Por qué? Nuevamente de esos personajes entrañables Quentin Tarantino hace gala de que Tarantino tiene el vicio de su estilo y no pierde su esencia al presentarnos y como si fuera droga,

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hacernos adictos a ellos, personajes con una riqueza no solo actoral sino una personalidad y ocurrencias que merecen un aplauso de pie, ya sea un Doctor Schiltz, un Coronel Hans, Wayne Gale y su programa de asesinos, Bitrix Kido y su venganza, o Vincent Vega empatado con Butch en una constante pelea en el bajo mundo por sobrevivir, pero en esta oportunidad nos sirve un Caza Recompensas alemán que se gana la vida llevando cuerpos a la justicia, y hace la analogía con los que venden esclavos, con la conveniente diferencia de que el doctor aborrece la Esclavitud, libera a Django, le da dinero y comparte con el su labor, y sus ganancia, le enseña y le da herramientas para cumplir su cometido, que casi en todas las películas de Tarantino destaca: La Venganza. Entonces nuestro Silencioso Protagonista en un principio acepta ayudar al Doctor, lo único que le importa es rescatar a su amada, si, es una película de amor, que bien podría haber caído en el cliché ¡pero no lo hizo!, que grato descubrir eso, no ocultaré que lo temía, pero Tarantino encuentra la

solución a ello, en vez de poner a Django a hablar y hablar de que la extraña y quiere venganza, lo cual aburriría al espectador y quemaría el personaje tipo Xander, En La casa de los dibujos: “Estoy en una contienda interminable por rescatar a mi novia” , Tarantino Tuvo la magistral decisión de hacer de Django un personaje silencioso, y de mirada de venganza, en vez de hablador y obsesivo, y nos regaló estupendos planos de la esposa de Django en la cabeza de él, con forme avanzaba la historia, así nos creaba tensión y ansiedad porque Django alcanzara su sueño, su amada.

Pero como sazón especial y distintivo de la película Odiaremos mas al mayordomo que al propio dueño de la casa, ósea odiaremos mas a Stephen que a Candie, ¿Cómo olvidar ese épico Final? Django de verdad se descarga toda su ira al final con el mayordomo, por lo general en las películas de Tarantino notamos que cada Villano hace de las suyas tantas veces que al final junto con el protagonista deseamos su cruenta muerte, y en Cruzó el infierno, y al final nos Django no hay excepción. encontramos con otro excelente villano creado por Tarantino, ¿Quieres una comedia cínica, con Calvin Candie, no es un nazi, no alto contenido social, ético, moral, es el dueño de la mafia, no es un y hasta punto de partida para dueño de los medios, no es un Bill, diversos debates? ¿Deseas sentir no. Es un Esclavista, excelente rencor de cabeza ajena? ¿Deseas movida por parte de Quentin una prodigiosa banda sonora que Tarantino, Donde notamos con el te introduzca en míticas secuencias? pasar de los años que no quema la ¿Ansias una película con un ritmo estética de sus personajes y menos dosificado de Violencia, excelentes sus ocupaciones, que al mero estilo diálogos, metáforas, simbologías y de Homer Simpson son muy demasiada Sátira? ¿Te gustan los Simpsons? Esta es, tu película. variadas.

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Positivamente, uno diría que los videojuegos son una herramienta útil no solo para aprender idiomas sino que también uno puede saber cómo defenderse en cualquier situación. Sin embargo, el mundo de los videojuegos es también el dichoso paraíso donde dos factores especiales lo reinan como el sexo y la violencia, y aquí en este articulo se mencionará la influencia de estos en algunos títulos destacados. Iniciando con el contexto violento, que es el ingrediente principal para estas recetas virtuales, podemos recordar anteriormente

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que el mundo del Salvaje Oeste, las películas de acción, incluso horror y la pornografía, a medida se involucraban dentro de los personajes y ambientes virtuales. Una idea que a los productores de videojuegos les llegaría a la mente, como el “Shoot ‘Em Up”, que literalmente se traduce del inglés como “mátalos a tiros”, o “dispárales”, y solo consiste en apuntar a los objetivos con armas de fuego, o ya sea dentro de vehículos aéreos y terrestres.

El Shoot ‘Em Up lo podemos destacar en juegos que se chocan en la realidad del mundo, tales como “Grand Theft Auto”, “Max Payne” y “Red Dead Revolver”, los tres pertenecientes a la compañía de juegos Rockstar Games, donde el primer título ha recibido muchísimas críticas negativas por parte de los especialistas en psicología y bienestar en la sociedad, afirman que los niños de seis años en adelante, tienen la tendencia a ser delincuentes, debido a sus influencias violentas.

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Una versión en común “GTA San Andreas”, a pesar de ser la entrega más vendida, a mediados de la primera década del 2000, es lo que todavía los niños mantienen jugando en los hogares y/o locales de videojuegos. Dejando como una evidencia, que los mismos jugadores lo toman como no solo objeto de conversación, sino que la actitud de los personajes principales, son tomadas como modelo a seguir, casos de robos y homicidios reales se han reportado, y precisamente basados en


este juego bélico, además son los retos. La mayoría de originar pandillas. de los “gamers” ven estas consolas como la mina de oro del “Shoot ‘Em Up”. Devolviendo el tiempo, la Este mismo género también era de las consolas “NES” se ha enrolado con demás y “SNES”, juegos de títulos como “Resident misión como “Sunset Evil”, “Dino Crisis” y Riders” (Konami), “Devil May Cry”, de la “Contra” (Konami), “Super también famosa compañía Metroid” (Nintendo), de juegos CAPCOM, “Super Turrican” (Seika), e incluyendo a “Silent entre otros, se consideraron Hill” (Konami), donde las como el boom de la era de balas de diferente calibre los tiradores, siendo la principal atracción del mundo del arcade, varios aficionados también afirman que el objetivo no solo era obtener el mayor puntaje ni contar cuanta munición se invierte, arrasan con criaturas como sino que lo que se considera Zombies, Dinosaurios, es el mayor nivel de Monstruos Mitológicos y dificultad, cuando el juego Criaturas Deformes, a la es más difícil, mayores hora de sentir el gusto por

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tener en la mano consolas como PlayStation y XBOX, y en este conjunto de juegos se involucran en el género del Gore (escenas sangrientas) en atmosferas solitarias y si es el caso, post – apocalípticas, por ejemplo que el mundo se ve expuesto a una guerra biológica, existe un mundo paralelo que sería la puerta al cielo o al infierno. Saliendo de la violencia (no del todo), ahora nos centraremos en el siguiente factor, el sexo en los videojuegos, refiriéndonos al punto del gusto por personajes tanto femeninos como masculinos. Aquí en especial los videojuegos de lucha son los más apetecidos, además de algunos juegos


de acción y misión, como Tomb Raider, cuya protagonista, Lara Croft, sea el personaje más aclamado por los jugadores, una mujer cuya belleza es indescriptible, y una personalidad que no retrocede ante nada, con habilidades para caminar y escalar terrenos difíciles de cruzar, visitando diferentes partes del mundo por buscar tesoros raros, considerándose la versión femenina de Indiana Jones, sin olvidar el desempeño que hizo Angelina Jolie en dos live action (películas basadas en videojuegos y animaciones con actores reales). Otro juego que mencionamos anteriormente, Resident Evil, opta con otro set de personajes femeninos que llaman la atención son tales como Claire Redfield, Jill Valentine, Ada Wong, Excella Gionne, Sheva Alomar, Rebecca Chambers,

etc. siendo estas figuras el lado “hot” para aniquilar zombies y demás armas biológicas, los personajes femeninos de Resident Evil son también aclamados por los gamers, en el sentido que la misma audiencia siente gusto por su apariencia física. CAPCOM opta por tener un sinnúmero de personajes femeninos tanto como en juegos de lucha como en juegos de acción. Gracias a esto el internet sigue abasteciendo sets de imágenes oficiales para publicar a sus fans.

Puesto que CAPCOM, se ha consolidado por tener el punto de partida en poner personajes femeninos en la saga de Street Fighter, considerando a la luchadora Chun Li como la primera dama de los juegos de lucha, cuyas técnicas como la “Patada Relámpago” y “Patada Ciclón”, deja a los jugadores muy atónitos, más adelante aparecerían otros personajes como Cammy, C Viper, Sakura Kasugano, y muchos otros. Otros juegos que pueden destacarse como Mortal Kombat, Dead Or Alive, Tekken y King Of Fighters, Los juegos de lucha son la también siguen la corriente mayor atracción para los con crear féminas muy fans de los videojuegos. seductoras, nos fijamos en

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caras como las de Kitana, Helena Douglas, Nina Williams y Mai Shiranui, esta última se considera como el personaje más sexy de los juegos de lucha. Los personajes femeninos de los juegos de lucha, muchos de estos poseen prendas de vestir formales, deportivas, hasta incluso provocativas, sin ignorar que hasta se les puede ver luchando en traje de baño, como en el caso de Dead Or Alive. Los diseñadores crean dichos personajes para versiones futuras según las peticiones de los fans, quienes invertirían aparte de más cien mil pesos en estos juegos llenan la mente con dicha galería de imágenes. No todo es reino de violencia, existen juegos interactivos que pueden instruir al jugador así como pruebas de inteligencia, estrategia, y deportivos, en especial el contexto del futbol, viendo cómo KONAMI ha dejado una gran huella

con una colección desde International Superstar Soccer hasta Pro Evolution Soccer. Este futbol virtual es el más deseado por todos los jugadores en los locales de videojuegos. Además del futbol los juegos de plataformas como Mario, Zelda y Sonic fomentan aun más la diversión en la audiencia infantil, aunque para los mayores, sus misiones son grandes retos por asumir. Reflexionando con lo previamente dicho, la violencia y el sexo en los juegos es cosa imparable, es lo que aun la sociedad fomenta y las mismas compañías de juegos lo van plasmando en la pantalla, y los personajes preferidos de

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la gente son los actores principales. De modo que los videojuegos es uno de los negocios más redondos en el mercado de la tecnología. Ahora es cuestión de esperar la conquista de las nuevas consolas XBOX 720, Wii U y PlayStation 4 en los hogares colombianos.


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Por: Juan Fernandez

¿Qué? ¿Me estas tomando del pelo?, ¿Domingos?, Yo amo los Domingos yo vivo para los domingos, por lo general voy a los estrenos los Domingos y me gusta estar en primera fila, al decir primera fila me refiero a la fila F silla 1 en la izquierda y en la esquina, y bueno,no pude ir el domingo, ES UNA DESGRACIA, ¿Por qué ?, ¿Por qué?, (me calmé y dije) que se va a hacer, vamos a ver El Lado Bueno de las Cosas (Silver Linings Playbook) otro día a cualquier hora, en cualquier fila y en cualquier sillay veremos que tal, ya no me importara mas como los domingos, no volverá a ser igual, y así fue. Ooops perdonen mi inicio creo que fue un poco raro, bueno ¿En qué íbamos?, Ah! si, cuando vi la película, ¿Con que me encuentro?, Vaya película,

vaya reparto y vaya guion, hay que admitirlo fue un poco extraño ver una película romántica y dramática con sus toques de comedia con unos personajes tan raros, a Pat (Bradley Cooper) con su pequeño problema obsesivo - compulsivo, que por cierto después de venir de hacer comedias como Qué Paso Ayer? (The Hangover 2009) y tomar este papel un poco mas serio no le fue nada mal y a Tiffany (Jennifer Lawrence) con su mala fama en el barrio es una combinación para una película de este genero un poco extraña (debe de ser por la costumbre). Debido a ser extraña es que su director David O. Russell dio en el blanco con esta película y con el reparto ni que hablar, los dos ya mencionados

sumados con Robert de Niro y Jackie Weaver hicieron una química pura en cada cuadro en que apareciera alguno de ellos y fueron ellos los que le dieron el nivel que tiene la película, y era obvio que alguno tenia que ser premiado y ¿Quién tuvo un interpretación magistral?, Jennifer Lawrence, sin más ni menos para mi y creo que muchos una gran merecedora de ese Oscar a mejor actriz. Pero volviendo a la película fue interesante ver un filme en la que toda propuesta de angustia, locura, amor, obsesiones y demás cosas atrape tanto, con tantas cosas similares a la película Eterno Resplandor de una Mente sin Recuerdos (Eternal Sunshine of

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the SpotlessMind 2004), donde ambas propusieron algo distinto y gustaroncon interpretaciones excelentes, son estas comedias románticas las que quedan grabadas por siempre y que valen la pena recordar cómo las escenas románticas entre Cooper y Jennifer tan bien ambientadas,donde el tiempo se detenía al ver este par de “actorazos” con una madurez única, trasmitiendo todo tipo de sentimientos y haciendo aun mas creíble la historia. Lo único que queda por agregar es que si el final no hubiera sido tan predecible tendría un poco mas de merito ¿Por qué estas películas siempre terminan así?, ¿Por qué si son un genero de drama romántico no deciden hacer su final con drama?, ¿Por

qué eligen siempre el romanticismo?, vamos, si deciden darle un aire fresco al guión y algo que atrape al publico por lo menos sorprendan en definitiva con el final. Aunque no nos digamos mentiras, después de todo lo que había pasado era justo que terminaran juntos, pero hubiera sido genial ver la cara de todos saliendo de la sala de cine al ver visto un final que no se esperaban. Es bueno ver que personas que tienen problemas como estos o similares se sientan identificadas y más aun que nosotros mismos de alguna forma u otra nos involucremos en la historia e imaginemos un “mundo paralelo” en donde todo lo que gira en esos instantes es la película, su situación y nada más. Es de esas películas que generan 2

tipos de pensamientos, uno que acabe rápido para saber si el final de todo lo que se desarrolla en nuestra mente o en ese “mundo paralelo” será el final de lo que estamos viendo, y dos que no se acabe la película para seguir viendo como la vida de estas dos personas y los que lo rodean se ven afectadas y van saliendo adelante dejando atrás todos sus problemas y superándose para un bien mayor. Pero ¿Adivina qué?, el Domingo es mi día favorito, DE NUEVO. Todo es suerte y pasa por algo así que… (Creo que estoy terminando como la película). En fin creo y sin temor a equivocarme que para los amantes de este género esta película los enamorará pues cada segundo pasa algo que te deja aferrado a querer ver más.


Una historia que desborda la imaginación de cualquier creador de historias, todo porque está basada en testimonios reales aportados y llevados al manga por el caricaturista japonés KeijiNakazawa, autor de la obra original Hadashi no Gen, y de otras más como ShōnenGaho, Bokura; donde Nakazawa y un grupo de sobrevivientes dan memoria a un suceso imborrable en la mente de millones de personas, aquel 6 de Agosto de 1945, la ciudad de Hiroshima, Japón, sería víctima de la

Hiros

Por: Pacho Ruiz caída de la bomba atómica que durante la Segunda Guerra Mundial dejó en el pueblo nipón miles de consecuencias devastadoras y absurdamente terribles. Es ese el escenario en donde el pequeño Gen Nakazawa, un niño de no más de 12 años deberá luchar y prevalecer, viviendo con sus padres y sus hermanos; donde la trama salta de los dibujos impresos al cine en una recreación que si bien se queda corta para describir la agonía vivida por los cientos de miles que sucumbieron ante la radioactividad y devastación producida por la bomba; no obstante el director logra poner en secuencia los sucesos que marcaron

la vida del autor y darles una cohesión donde la mordaz catástrofe es sólo un personaje más de la historia. Gen, cuya principal característica es el andar descalzo en busca de aventuras al lado de su hermano Shinji Nakazawa, vive en Hiroshima, aún sin conocer el oscuro destino que le espera, deberá superar los obstáculos producidos por el constante temor a un ataque aéreo por parte de los aviones americanos, por ello, deberá esforzarse por conseguir comida, vivir humildemente y mantenerse con lo poco que sus padres podían ofrecerle. A partir de allí, la historia “explota” y la presión y el silencioso pánico que se vive entre las calles de su ciudad tomará forma de misil y caerá de manera imprevista, una tarde soleada del 6 de Agosto de 1945; después de aquel fatal hecho, la historia se llena de matices conmovedores y emocionalmente estremecedores, donde el dolor y la agonía de miles de personas se ve reflejada en los dibujos animados que Masaki trae a la pantalla grande.


shima

Hadashi no Gen El infortunio es, sin duda alguna, el elemento esencial de la historia, donde los hechos más impactantes se desenvuelven en una cadena, un dominó donde las lágrimas, la tragedia y la tristeza son el contraste entre lo que fue la vida de muchos antes y después de la catástrofe

ocurrida. Pese a todo, Gen y su madre pudieron sobrevivir milagrosamente a la explosión y por ello, sus días de sol veraniego y charlas matinales se transformarán en pilas de escombros malolientes, miles

de personas agonizando en las calles, con sus cuerpos desfigurados, humo y polvo en todos los puntos cardinales y un hedor a muerte que no opacará las ganas de Gen para salir adelante frente a las escenas

de desesperación y dolor que provocará la explosión del artefacto nuclear. La historia recuerda en ciertos puntos a películas como El Día Después (The Day After, 1983) y El Puño de

la Estrella del Norte (Fist of the North Star, 1986), donde la zozobra de los sobrevivientes y las escenas de destrucción inminente tienen en común la terrible enseñanza que todo aquello que signifique agonía humana plasmada en Hiroshima (Hadashi no Gen) ocurrió alguna vez. Por ello, la historia seguirá su curso en una disparidad donde la esperanza de vida supera la hediondez de la guerra, una adaptación animada que puede revolver hasta las lágrimas o en caso de no hacerlo, dejará muy en claro que la locura y la sed de destrucción del ser humano es completamente enferma y que ninguna guerra ha servido para acabar con el hambre o para salvaguardar al mundo de la miseria y la violencia. Cabe resaltar, que Hiroshima (Hadashi no Gen) tiene una secuela; no la posterior caída de otra bomba en Nagasaki a pocos días de haber ocurrido la previamente narrada, sino la versión de Akio Sakai de 1986, titulada Hiroshima 2 (Hadashi no Gen 2, 1986).


Por: Jorge Andrés Trejos

Preludio criminal La historia de Hollywood y la Mafia, es tan antigua como la relación existente entre la iglesia y el diablo, de hecho, me atrevo a decir que la primera, no podía haber existido sin el segundo y viceversa. Lo interesante, es la dualidad, la metáfora y la verdadera realidad de la palabra Hollywood. Si traducimos el término al castellano sonaría algo como: bosque sagrado, bosque santo. El icónico letrero de Hollywood, fue en realidad

producto de acortar el aviso publicitario de la urbanización H O L LY W O O D L A N D , dicho aviso fue construido en 1923, y posteriormente cuando la máquina de sueños estaba propiamente funcionando en california, se hizo común que la gente llamara HOLLYWOOD a ese Olimpo terrenal; un lugar por el que transitan dioses y diosas de carne y de hueso.

gánsteres. Sujetos de traje, sombrero y como adorno una flor en el bolsillo de su camisa, dispuestos a controlar los placeres del bajo mundo: alcohol, drogas, apuestas y sexo. Pensándolo bien, las similitudes entre el gánster o la estrella de cine no son tan abismales, ambos gozaban de la admiración pública, asistían a las mismas fiestas, algunos artistas inclusive fueron apadrinados por la mafia, como por ejemplo el célebre Johnny ojos azules, mejor conocido como Frank Sinatra.

Pero así como todo cielo tiene su infierno, todo Olimpo ha de tener su tártaro poblado de tristemente célebres demonios, o como en el caso de la mafia, hablaríamos en términos de Es

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conocido

que

Johnny


Fontane, el personaje de la película El Padrino, que consigue un papel gracias a la patadita de la buena suerte del padrino, está inspirado en Sinatra, pues se cree que la mafia, le ayudó a conseguir su papel en el filme que lo haría ganador de un OSCAR, por la película De Aquí a la Eternidad (From Here to Eternity 1953). Pero esto lo veremos mucho más adelante, ya que éste artículo se divide en dos partes, y por ahora nos detendremos en la génesis gánster, la época de la ley seca y de la depresión, los negros años 20 y 30, así que será mejor que usted lector, se relaje y me acompañe, quiero mostrarle donde todo pudo haber comenzado; CAPISCE?. Hollywood: No todo lo que brilla es oro A principios del siglo XX HOLLYWOOD fue invadida por toda una serie de empresarios y productores cinematográficos, inmigrantes de la costa oeste de Estados Unidos. Todos buscaban iniciar una nueva máquina de sueños, que simbólicamente representara la consecución del sueño americano, todo y gracias a la ilusión de un mundo proyectado sobre una gran pantalla. Sin embargo, la verdad es que la mayoría de estos empresarios, habían huido de la ley de patentes de película cinematográfica,

propiedad del inventor Thomas Edison y su compañía MPPC, la compañía de patentes de película. Dueños del derecho de creación y además del derecho de explotación comercial, que obligaba a que todas las salas de proyección, salas de cine o gente que utilizara celuloide, debía de pagar un impuesto a la compañía de Thomas Edison. Los que se oponían eran el blanco de todo tipo de presiones como mayores impuestos, sabotaje, incendios que producían muertes ocasionales. De tal modo que la soleada california era un lugar de ensueño y además ubicado bastante lejos del control de patentes de MPPC. Allí se erigieron las compañías que se hacían llamar independientes entre ellas la primerísima de todas; la FOX, con William Fox a la cabeza, pionero además de los circuitos de cine. Lo anterior, puede ser evidenciado en el siguiente párrafo tomado del libro, Cultura Libre de Lawrence Lessig. “En el verano de 1909 el movimiento

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independiente estaba en su punto álgido, con productores y dueños de cines usando equipo ilegal y celuloide importado para crear su propio mercado underground (Subterráneo). Con el país experimentando una tremenda expansión en el número de cines, la Compañía de Patentes reaccionó contra el movimiento independiente creando una subsidiaria fuertemente armada, conocida como la Compañía General del Cine, para bloquear la entrada de independientes sin licencia. Con tácticas de coacción que


se han hecho legendarias, la subsidiaria confiscó equipo ilegal, suspendió la continuidad del suministro de producto a los cines que mostraban películas sin licencia, y monopolizó de hecho la distribución con la adquisición de todos los mercados estadounidenses de películas, excepto por uno que era propiedad del independiente William Fox, quien desafiaba al Trust (pacto de confianza) incluso después de que su licencia fuera revocada”1. Con todo lo dicho está claro que Hollywood fue inventado a partir de la utilización de celuloide pirata. Resulta entonces irónico que en la actualidad la FOX, WARNER y demás compañías batallen contra la piratería de cine en Internet, deberían mirar al pasado y al menos reconocer que ellos también fueron piratas en algún tiempo. Muy bien, no es posible hablar de un preciso comienzo de la relación entre Hollywood y la mob; (pronúnciese como mab, expresión en inglés y diminutivo utilizado de manera muy frecuente para referirse a la mafia). Pero sí podemos hablar de sus primeros flirteos. Antes de que Hollywood fuera la meca del cine, más de la quinta parte de películas se rodaban en Chicago, la verdad es que algunos de los propietarios de las mayors (grandes compañías de cine) como Carl Laemmle fundador de Universal, Adolph Zukor fundador de la Paramount o Leo Spitz presidente de la RKO provenían de la ciudad descrita por el literato HG Wells como: “una oscura mancha bajo el cielo.” Chicago fue famosa por ser la capital del crimen, cuna de políticos sin escrúpulos, policía corrupta, juegos de azar, prostitutas, drogas, alcohol, las guerras entre bandas de gánsteres con varios matones a sueldo entre sus nóminas atemorizaban a la ciudad entera.

seguida de la aprobación de la enmienda de la prohibición de alcohol que se volvió ley el 20 de enero de 1920, ayudó a consolidar el surgimiento de la mafia como reyes del crimen organizado, cuya estructura era financiada por el dinero de drogas, extorsión, pero más especialmente por el contrabando de alcohol. Pues resulta que en aquella época, las estrellas de cine, millonarios y el público en general, gastaban en alcohol la colosal suma de 5.000 millones de dólares al año. Este dato lo confirma el escritor Norte Americano Tim Adler quien ha hecho el cálculo aproximado en su libro Hollywood y La Mafia, asegurando que los Gánsteres, se embolsillaban más o menos el 5% del producto interno bruto nacional de Estados Unidos. La prohibición del alcohol ayudó a popularizar la idea de que los Capone y Lucky van a Hollywood Gánsteres eran una especie de Robin Hoods, dispuestos a violar la ley para entregar placer al Por otro lado la instauración de la ley Volstead pueblo en litros y litros de diversión con sabor o la ley seca aprobada el 27 de octubre de 1919,

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a cerveza y whiskey. Antes de continuar, me gustaría referirme al hecho de que la primera ola de la mafia en Estados Unidos, estuvo conformada por familias principalmente de origen Italo-americano; de ahí que a medida que avancemos en este relato nos encontraremos con nombres como: Genovese, Gambino, Luciano, Luchesse, Rosselli, entre otros. La mayoría de estas familias provenían de la isla de Sicilia; a comienzos de 1900 el 25% de la población emigró a Estados Unidos, al llegar a Manhattan, la mayoría de Italianos encontraron trabajo cooperando con criminales de poca monta, otros se unieron a la organización del partido demócrata, acostumbrado a recibir votos a cambio de favores, una práctica por desgracia utilizada en el ámbito de la política actual; esta práctica era parecida a lo que se hacía en Nápoles y Sicilia, allí la política de los favores se conocía como política maccheroni. Por otro lado el crimen organizado en Italia recibía el nombre de camorra en Nápoles, y mafia en Sicilia; los mafiosos se llamaban a sí mismos como los hombres respetables o como la organización. Al interior de dichas familias operaba un código de honor y una estructura de poder de tipo piramidal. Por paradójico que pueda sonar y tal como sucedería en un culto, estas organizaciones acostumbraban realizar un rito de iniciación que incluía sacrificio de sangre o algún tipo de acción para demostrar que sí se podía ingresar a la mob. Además toda la organización sería controlada por un capo de tutti capi. O sea, por un capo entre todos los capos, quien era la cabeza de una cadena de mando integrada por miembros de menor rango y poder dentro de la organización. En cuanto a los Estados Unidos, y

más especialmente Nueva York; allí reinaba el sindicato, nombre que recibía la panda conformada por gánsteres como Lucky Luciano, Bugsy Siegel, Meyer Lansky o Frank Costello. Mientras que en Chicago, reinaba la organización; nombre de la pandilla del sur de Chicago, liderada por quizás el gánster más infame de todos los tiempos, Alphonse Gabriel Capone, sus amigos le llamaban Al; Al Capone. Sus enemigos le llamaban Scarface (cara cortada); ya que una profunda cicatriz producto de una cuchillada, adornaba su mejilla izquierda. Capone nació el 17 de enero de 1899, su familia inmigró desde los barrios bajos de Nápoles Italia, a los barrios bajos de Nueva York. Su monarquía criminal se extendió por una década, iniciando en los 20 y terminando en la era de la depresión americana, a principios de los 30. Se presume que hombres de la organización de Capone habrían financiado el circuito de salas de cine adquiridas por John


Kennedy, padre del futuro presidente de Estados Unidos JFK y de su hermano, el candidato presidencial RFK. Kennedy banquero de profesión, siempre vio al cine como un negocio de mucho potencial, sorprendió a todo el mundo cuando compró una pequeña compañía que producía películas de serie B, la FBO (Film Booking Office of America). K e n n e d y también sería uno de los pioneros en implantar el sistema de negocio que las grandes compañías de Hollywood adoptarían durante las décadas siguientes. Dicho sistema consistía en tener el control de la producción, distribución y exhibición de todas las películas. Este sistema se conoció después como el Star System (Sistema de Estrellas).

Pero además, Kennedy también había descubierto el potencial del sonido en el cine, muy a pesar de que la gente renegaba de la artificiosidad y falsedad de agregar sonido a las películas mudas, no obstante, luego de que Kennedy asistió a un pase de la primera película sonora, El Cantante de Jazz (The Jazz Singer 1927) pidió

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dinero prestado a la mafia para iniciar una de las primeras cadenas de cine sonoro en Estados Unidos, su socio, David Sarnoff, era el propietario de Radio Corporation Of America, poseía la infraestructura necesaria para ello. Su negocio de salas de cine sonoras les hizo todavía más millonarios. No obstante, el padre del futuro presidente de Estados Unidos, t a m b i é n contrabandeaba licor a Estados Unidos desde Canadá, donde sí era legal el alcohol, de hecho en 1926, se cuenta que el mismo Capone y Kennedy padre, se reunieron para debatir sobre sus rutas de contrabando, incluso existen recibos de importación en la aduana canadiense y que incluyen el apellido de Kennedy y Capone. Precisamente sería Kennedy el encargado de llevar el alcohol a la fiesta de integración de


su clase de la universidad de Harvard en 1922, sus compañeros le llamaban jocosamente como nuestro principal contrabandista. Antes de que la mafia se instalara propiamente en Hollywood, ya había algunos estudios que estaban involucrados en negocios turbios. Como el prostíbulo de propiedad de la MGM. Administrado por la actriz Billie Bennett. La especialidad de la casa era ofrecer a los clientes prostitutas que lucían como estrellas de cine, por ejemplo se ofrecían las dobles de Joan Crawford, Ginger Rogers o Marlene Dietrich. Esta historia es retratada por el escritor James Ellroy en su novela que lleva el mismo título de la película, L.A.Confidential, salvo que en el libro la historia se desarrolla en los 50, mientras que el burdel de MGM en la mitad de la década de los 20. Por otra parte, la relación de la mafia y Hollywood no se dio solamente a partir del alcohol o las drogas, para finales de la década de los años 30, Hollywood era el mayor cuarto negocio en los Estados Unidos, con activos capital en forma de cines, estudios y otros inmuebles que sobrepasaban los 1500 millones de dólares. Un promedio de cien millones de Norte Americanos visitaban las 21.000 salas de cine existentes, a pesar de que la depresión hizo que las mayors

se apretaran el cinturón, nunca dejaron de producir películas, y el público jamás dejó de ir al cine, jamás dejó de comprar esos tickets que les permitían evadirse de su propia realidad. El glamur del plástico Hollywood pero sobre todo el capital fluctuante y sonante, fue lo que más llamó la atención los mafiosos, ya que vieron en las películas una forma fácil de lavar dinero, hacer extorsiones y chantajes Me gustaría precisar que en realidad todo ese aparente glamur que destilan los gánsteres ha sido tomado del cine, siendo entre otras cosas la trilogía el Padrino de Francis Ford Coppola la principal encargada de mitificar el arquetipo del gánster como un tipo con clase y estilo, tal como don Vito Corleone, el personaje encarnado por Marlon Brando, un intachable patriarca, protector de mujeres y niños, un hombre de familia, encargado de administrar la ley de un código moral inquebrantable. Pero lo cierto es

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que la mayoría de los gánsteres no eran más que una pandilla de mal hablados, algunos no habían pisado jamás una escuela, su aparente elegancia llegó por un lado cuando enriquecieron sus arcas y por otro cuando copiaron al pie de la letra el estilo y forma de vestir de actores de películas de Gánsteres de los 30 y 40 como James Cagney, Humphrey Bogart o George Raft. Éste


último, bailarín de profesión incursionó en el cine debido a sus contactos con la mafia; alcanzaría la fama interpretando papeles de Gánsteres. Es precisamente gracias a su papel “Rinaldo” en Cara Cortada (Scarface 1932) que alcanzó su fama, interpretando al gorila de confianza de Capone. Aunque Cara Cortada no fue el primer filme en contar una historia desde el punto de vista del gánster, ya Mervyn LeRoy se le había adelantado con su Litle Ceasar (Hampa Dorada 1931) Scarface, Cara Cortada si fue la primera en contar la historia de Al Capone. Escrita bajo el seudónimo de Armitage Trail, utilizado por el escritor Maurice Coons. Quien nunca llegaría a ver el estreno, ya que murió de un infarto mucho antes de que se terminara el rodaje. El productor ejecutivo de la película era nada más que el multimillonario aviador y personaje público Howard Hughes, recordemos que Martin Scorssese rodó una película biográfica llamada El Aviador, con DiCaprio como Hughes, pues sí, se trata del mismo personaje. Howard Hughes tenía un olfato increíble para los negocios, estaba totalmente convencido que el público iría a ver películas sobre los gánsteres al cine, así que negoció los derechos de la novela y ofreció

25.000 dólares a Howard Hawks para dirigirla. Hawks contrató los servicios de Ben Hecht, un reconocido periodista, escritor y guionista para que escribiera el guión cinematográfico, una tarde, Hecht recibió la visita de unos sujetos de traje y sombrero, eran los hombres de Capone, querían saber si la película era o no sobre Al Capone, Hecth les dijo que no, pero cuando los gorilas de Capone se marcharon preguntaron al salir ¿si la película no trata sobre Al Capone, por qué se llama cara cortada? Hecht los engañó diciendo que sólo se trataba de un ardid publicitario que el departamento de promoción había montado, para hacer creer al público que verá una película de Capone, cuando en verdad no es así. El personaje de Capone en la película se llama Tony Camonte, interpretado por Paul Muni, la película fue un éxito instantáneo, Capone quedó tan complacido que incluso adquirió una copia de la película en 35 milímetros. Hollywood: La cosa es Nuestra Ahora, los gánsteres no sólo contrabandeaban alcohol en los 30, como falsamente lo ha perpetuado, otra vez, la película el Padrino, la verdad es que la cocaína fue el polvo hocus pocus entre las estrellas de cine, Tim Adler lo


cuenta con pelos y señales en su obra Hollywood y La Mafia, veamos: “Según la tradición popular del cine, los camellos (los expendedores de coca) que solían frecuentar los platos cinematográficos llevaban apodos, The Man (el hombre), en la Paramount, Mr Fix It (el señor manitas) en la Fox y el conde en el estudio de Mack Sennet (apodado por muchos como el mejor comediante de su generación).”2 La coca resultó otra mina de oro, es así como la panda de Capone controlaba el negocio ilícito del alcohol y la panda de Lucky Luciano de Nueva York, era la dura para mover a las sales de blanca nieves. Luciano había trepado al poder, asesinando a su propio padrino; para mantenerse al mando, organizó una sangrienta estrategia, ordenó una serie de asesinatos que se conocieron como la noche de las vísperas sicilianas, nombre inspirado en la matanza de Franceses en Sicilia en 1282, de he hecho los compositores Donizetti y Verdi han escrito óperas sobre dicho suceso. Continuando con Luciano, su poder y fortuna aumentó tras la legalización del Alcohol, luego de que el presidente Roosevelt cediera ante la presión pública y política de algunos sectores, que esperaban que la legalización del alcohol, produjera 300 millones que serían inyectados en la depresiva economía, y así fue; Estados Unidos, financieramente anduvo mejor después de derogar la prohibición del alcohol el 5 de Diciembre de 1933. Al principio de los 30, Al Capone ya no gozaba del mismo poder que tuvo la década anterior, finalmente fue puesto tras las rejas por enriquecimiento ilícito y por evasión de impuestos. De aquel hombre que ganaba 10 millones de dólares a la semana y gastaba más de 30 millones de dólares al año en sobornos a la policía de chicago, no quedó ni la sombra. Su crónica adicción a la cocaína, lo hicieron un hombre verdaderamente impulsivo.

Resulta irónico que Capone no hubiera sido arrestado ni por haber sido el responsable de la infame Masacre de San Valentín o por haber contrabandeado mililitros de cerveza, manufacturada en su propio laboratorio, un sistema que copiarían los gánsteres que expendían heroína y coca. La Masacre de San Valentín había sido un golpe estratégico y militar comandado por Jack McGurn un sub alterno de Capone, la intención era liquidar a Bugs Moran el jefe de la pandilla del ala norte de Chicago, en guerra con Capone desde hace años atrás por obtener el control del alcohol. No obstante este golpe alarmó a las familias de Nueva York, que pensaban que tal vez, Capone podría empezar una guerra. Lucky Luciano y Johnny Torrio programaron una reunión a la que invitaron a los gánsteres más importantes, dicha convención se llevó a cabo del 13 al 16 de mayo de 1930. El territorio escogido fue Atlantic City y el hotel President. Tim Adler también recoge este acontecimiento en su libro y lo describe bastante bien: “Esa primera noche, los señores del crimen se sentaron en la sala de conferencias del hotel

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en mesas de caoba, bajo una lámpara de araña de cristal. La Delegación de Nueva York se sentó en un extremo, encabezada por Lucky Luciano, Johnny Torrio, Frank Costello, Bugsy Siegel flanqueaban a Luciano. Al Capone y su delegación –Frank Nitti, Jake “Greasy Thumb”3 Guzik y Frank Rio- se sentaron cerca del otro extremo. Torrio y Costello hablaron primero, llamando a la unidad, poniendo las cosas en el terreno de los negocios. En concreto la guerra entre bandas de Chicago debía terminar. Luciano se puso de pie para hablar. Pidió una comisión nacional con cada familia representada. A partir de entonces, la comisión sería la que aprobaría cualquier crimen.”4 Como quien dice, Habemus cosa nostra; o así parece que nació la más grande estructura del crimen organizado en los Estados Unidos. Con Capone tras las rejas condenado por evasión de impuestos, con una fosa nasal perforada por el abuso de la cocaína, con sífilis, gonorrea, pero además con cuadros de demencia producto de la sífilis, el gran capo del

mafia tuvo que agregar un nuevo número a su repertorio, el tráfico de drogas, la prostitución y las apuestas no eran suficientes. Pero la mafia nunca perdía su toque criminal, la nueva estrategia de la mob era tomar el control de los sindicatos de trabajadores de hollywood, integrado por camarógrafos, luminotécnicos, sonidistas, decoradores de interiores, hasta por proyeccionistas y sus asistentes de sonido, un cargo que se dice fue creado estrictamente por la mafia, recordemos que en la época de cine mudo, las películas se acompañaban o con una orquesta que tocaba en vivo durante las proyecciones o con un fonógrafo que sonaba como fondo.

alcohol pasó sus últimos años recluido en la prisión donde años más tarde encerrarían a otros presos famosos como Charles Manson, el gurú del LSD Timothy Leary, o el mafioso Salvatore Bonnano. Capone salió de prisión en enero de 1939, pasó los restantes años de su vida padeciendo de ataques de paranoia, pues creía que le asesinarían en cualquier momento, murió de un derrame Era precisamente este el cerebral el 27 de enero de 1947. oficio del cual se encargaba el Con el alcohol legalizado, la asistente de sonido, de operar el fonógrafo durante la proyección. C u a n d o finalmente se le pudo agregar la banda de sonido a la película de 35 mm, este cargo fue totalmente innecesario, pero hay de aquellas salas que se negaran a


utilizar un asistente de sonido, pagarían las consecuencias; se les cobraría impuestos más caros por parte del sindicato, o serían el blanco de sabotajes y vandalismo, con bombas fétidas, incendios o saqueos nocturnos a las salas para destruir el equipo de proyección, las sillas o las cortinas. El plan de los gánsteres consistía en apoderarse del control de todas las salas de cine del país. ¿Cómo lo harían? Fácil, por la fuerza. La operación de extorsión a los cines de Chicago fue idea

de William Morris Bioff, conocido en el bajo mundo como Willie Bioff y de su socio George Browne, el jefe del sindicato de tramoyistas, el Chicago Stagehands Local #2. El tramoyista en el argot del cine, es un término que se refiere al conjunto de operarios que se necesitan para manejar el equipo de una sala de cine; proyeccionistas, las personas que abren y cierran el telón, los que operan los reflectores etc. Bioff por su parte era conocido por ser un tipo duro, repartía palizas a los propietarios de tiendas que se negaran a pagar la vulgar llamada vacuna, un dinero que daba a cambio de supuesta protección contra sus negocios. Este modelo fue acogido por George Browne quien

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contrató a Bioff como el gorila encargado de dar las palizas a los gerentes de los cines que se negaran a pagar su vacuna semanal. La oficina de tramoyistas o el local #2 era además una filial de la IATSE, sigla de International Alliance of Theatrical Stage Employees, en español podría sonar quizás como la Alianza internacional de trabajadores de salas de teatro, el presidente de la Chicago IATSE, era otro gánster, de nombre Tommy Malloy. En Chicago la IATSE tenía más de cuatrocientos miembros, más de la mitad estaban sin trabajo. Este sindicato estaba infestado de gánsteres por doquier. La IATSE tenía sucursales en Cincinnati, Nueva York, San Luis y el sur de California. Sí los dueños de las salas de cine no cooperaban con la cuota de 5 dólares a la semana, los


trabajadores entrarían a paro, presionados especialmente por la mano dura de Bioff. Un propietario de una sala de cine que se negó a pagar la extorsión fue apaleado por el mismo Bioff, el sujeto murió horas más tarde en el hospital. Otra modalidad de estafa consistía en presionar a los trabajadores de la industria para que se afiliaran al sindicato de la IATSE, se creó un fondo de ahorro para los días de huelga que se sacaba de los sueldos de los trabajadores, pero obviamente este dinero iba a parar a los bolsillos de Malloy, Bioff y Browne. Del mismo modo, y siguiendo los pasos de Capone la IATSE creó un comedor de beneficencia, el B&B, para alimentar a los empleados que estuvieran sin trabajo. El negocio era redondo teniendo en cuenta que el botín era repartido sólo entre tres. Sin embargo, pronto la organización se daría cuenta de lo que Bioff y compañía habían venido haciendo a sus espaldas. Una noche mientras Browne y Bioff celebraban en un bar llamado el Club 100, su estafa de 19.000 dólares a Balabn & Katz, la cadena de cines más grande de Chicago. Con los Martini bien subidos a la cabeza, su hazaña llegó a oídos del administrador del bar, Nick Circella, primo de Al Capone; Circella llamó a Frank Nitti, quien heredó de Capone la jefatura de la organización de chicago y lo puso al tanto del potencial que tenía la estafa a los propietarios de salas de cine. Notti, a su vez convocó otra reunión con Luciano en Chicago, la agenda del día, trataría el tema de si le perdonarían o no la vida a Bioff y Browne a cambio de que explicaran cómo funcionaba la estafa a los cines, también se acordó que de ahora en adelante existiría un solo sindicato cinematográfico la IATSE, Browne sería el presidente y Bioff se marcharía a Hollywood, con Johnny Rosseli, un íntimo de Capone, quien sería el sujeto al mando en Los Angeles, en donde la IATSE tenía pocos miembros. En tiempo record y gracias a las tácticas intimidatorias utilizadas por la mafia, los

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miembros llegaron a ser más de 20.000. Tarde o temprano las mayors como Warner, Paramount, Fox o Universal terminaron pagando altas sumas de dinero a los gánsteres para evitar que sus trabajadores entraran en una huelga, el plan estaba completo, la mafia controló los cines a los sindicatos; tenía a Hollywood donde quería. Con el tiempo Bioff y Rosselli se codeaban con la crema de los estudios, inclusive su fuerza bruta se había vuelto indispensable para la MGM, quien solicitó los servicios del gorila de Rosselli. El poco apreciado Will Hays, conocido por ser el creador del código de censura o código Hays, fue el intermediario entre MGM y la IATSE, necesitaban encontrar cuanto antes las copias de una película porno titulada The Casting Couch, supuestamente protagonizada por Joan Crawford una de las actrices más populares de su generación, y que

en esa época era la estrella principal de la MGM. Unos extorsionistas habían llamado al estudio solicitando una fuerte suma de dinero a cambio de no desatar un escándalo, aunque, la actriz que aparecía en la película tenía cierta semejanza con Crawford era históricamente imposible que se tratara de ella, pues en realidad la película había sido rodada en 1920, justo cuando la actriz debió ser una adolescente. No obstante, fuera o no Crawford, el estudio era consciente del daño económico que podría causar un escándalo de esa magnitud. Por lo que Rosselli se reunió con los extorsionistas y les dijo que los matarían a todos si no entregaban los negativos de la película, Rosselli recibió como pago 25.000 grandes, se cree que Joan Crawford tuvo que devolver el dinero con la que la MGM, había hecho el pago al gánster para adquirir los negativos de la película. De hecho la MGM tuvo que comprar todas las copias existentes de la película Porno. El anterior es otro de los mitos más oscuros de la historia entre Hollywood y la Mafia, espere en nuestra próxima entrega el final de este rápido maratón por las cloacas de la meca del cine, prepárese a leer sobre el famoso cantante que era en realidad un correo de la mafia, el actor que recibió este o aquel papel gracias a un empujoncito de este o aquel mafioso, sabían ustedes que la mafia produjo la película más taquillera en toda la historia del cine? No? Pues le recomiendo nos lea en nuestra próxima edición, Arrivederci! Bibliografía: 1.Cultura Libre, Lawrence Lessig , Pag 70 2.Hollywood y La Mafia, Tim Adler Pag 63 3.Pulgar grasiento 4.Hollywood y La Mafia, Tim Adler Pag 44

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Por: Israel Espinoza

El Último Gol Két félidö a pokolban El partido de la Muerte Innumerables son las películas que plantean

el argumento de un encuentro deportivo entre convictos y guardias, sin embargo Match en el infierno (Kétfélidö a pokolban) es una rareza así como un hito del cine arte. La película nos pone en la situación en la que Hitler, el Führer alemán cumple años, por lo que debe de haber una gran celebración, sin embargo la compañía de teatro del frente alemán no puede asistir, por lo tanto los alemanes se dan a la tarea de organizar un partido de futbol entre prisioneros de guerra (en su mayoría húngaros) y los soldados alemanes. La tarea de reclutar a los prisioneros le es asignada a Onodi Dio un reconocido y talentoso jugador de futbol quien exige a los alemanes más ración de alimentos

y la posibilidad de poder entrenar. Entrenando ven la posibilidad de escapar y lo hacen, pero finalmente son atrapados. El partido se lleva a cabo de todos modos, por lo que los prisioneros ven en él la oportunidad de ser perdonados y no ser ejecutados. Esta película tiene un gran encanto, pues está basada en hechos reales, así que este partido realmente sí ocurrió en el marco de la Segunda Guerra Mundial el cual no fue reconocido por la FIFA. Los protagonistas en este caso eran prisioneros Ucranianos (no húngaros como lo plantea la película) muchos de ellos exjugadores del equipo Dinamo de Kiev fundado a partir de la unión de la policía de Ucrania y el Ejército Rojo de la Unión Soviética, el cual era patrocinado por el Estado. El 22 de junio de 1941 Alemania invade la Unión Soviética por lo que muchos jugadores del Dinamo de Kiev fueron reclutados en el Ejército Rojo para defender a la Unión Soviética de la invasión Nazi, finalmente ante el éxito inicial de la Wehrmacht en Ucrania muchos de ellos fueron tomados como prisioneros de guerra. El equipo de jugadores conformado en su mayoríapor ex jugadoresdel Dinamo de K i e v ( M y k o l a Tr u s e v y c h , M i k h a i l S v y r i d o v s k i y, Mykola Korotkykh, Oleksiy


Klimenko, Fedir Tyutchev, Mikhail Putistin, Ivan Kuzmenko y Makar Goncharenko) y tres del Lokomotiv de la misma ciudad (Vladimir Balakin, Vasil Sukharev y Mikhail Mielnizhuk), adoptó el nombre de FC Start quienes disputaron el partidocontra soldados de la Wehrmacht El FC Start ganó todos los partidos de la liga en su mayoría por goleada: 21 de julio 6-2 enfrentado la Guarnición Húngara, 5 de julio 11-0 contra la guarnición rumana, 12 de julio 9-1 contra el e1equipo de trabajadores del ferrocarril militar, el 19 de julio 6-0 contra PGS de Alemania, el 19 y 21 de junio contra MSH Wal de Hungría con resultados de 5-1 y 3-2 y finalmente el 6 de agosto contra el Flakelf de Alemania sacó un resultado de 5-1. El Flakelf pidió la revancha y esta se dio el 9 de agosto, en la cual el árbitro fue un oficial alemán de las Walffen-SS (en el caso de la película fue un oficial italiano) como era de esperar los alemanes optaron por un juego sucio y ventajoso sin ningún tipo de

vergüenza ante el salvaje juego al cual sometían a los Ucranianos. Pese a que muchas fuentes anónimas advirtieron a los jugadores del FC Start de que perdieran el partido por posibles castigos, pese a la advertencia,éstos jugaron de una manera apasionada dando lo mejor de sí. Finalmente en el clímax del partido con un marcador de 5-3 en el segundo tiempo, un defensor tomó la pelota y en vez de disparar al arco rival, pateó hacia la tribuna (flamante humillación a quienes eran sus verdugos que se jactaban de su supremacía Aria). La culminación de esta historia (al contrario de la película en que la totalidad del equipo es asesinado en el mismo campo de juego por las ametralladoras alemanas) es la muerte de Mykola Korotkykh bajo tortura por la Gestapo, el resto fueron enviados al campo de concentración Syret en donde tres de ellos (van Kuzmenko, Oleksey Klimenko, y el portero Mykola Trusevich) fueron finalmente asesinados en 1943.

Sabía usted que John Houston rodó su propia versión del partido de la muerte en 1981?. Su película se llamó Escape a la Victoria (Escape To Victory 1981). El reparto de la película estab integrado por personajes de primera línea: Michael Cain, Silvester Stallone y el mismo rey del Fútbol, Edson Arantes do Nascimento, mejor conocido como Pelé.


Por: Jorge Andrés Trejos

Mamá es una película de horror sobrenatural apadrinada por Guillermo del Toro. Una idea original realizada en un cortometraje en 2008, por dos hermanos de origen argentino, Bárbara y Andrés Muschietti. Mamá es la historia de dos hermanitas desaparecidas, que son encontradas 5 años después en una alejada cabaña cerca a un lugar llamado Clifton Forge. Nadie se explica cómo pudieron sobrevivir durante todo ese tiempo, pero lo cierto es que las niñas al parecer vivieron bajo el cuidado de un espectro fantasmagórico al que llaman mamá.

de todos los horrores y de todas las bendiciones.”1 Por otro lado haber tenido una niñez relativamente dura al lado de unos hermanos brabucones que constantemente le pegaban, le marcaron de por vida, de ahí que sus películas puedan ser una forma inconsciente de terapia personal con la que intenta superar los duros recuerdos y las emociones que estos le provocan, ampliamente padecidas por los personajes de su mundo cinematográfico.

Hablemos ahora del reparto, responsable de gran parte del mérito de este cuento de hadas siniestro. Antes de ir con las niñas, que han estado No me sorprende que Del Toro haya roto su fenomenales, quiero hablarles de los actores adultos. chanchito, para colocar sus verdes dólares en este proyecto. Recordemos que el cine del mexicano, se ha caracterizado por contar historias con niños huérfanos o abandonados y que son atemorizados por seres sobrenaturales o por espeluznantes caserones. Recientemente le preguntaron a Del Toro por qué el interés en el corto Original de Mamá, su respuesta fue la siguiente: “Como productor o director me siento muy atraído hacia las historias de huérfanos, a las relaciones de padre/ hijo, madre/hijo, yo creo que la familia es la fuente

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La actriz revelación del 2012, la peli roja natural Jessica Chastain, nominada al Oscar como mejor actriz por el film Objetivo Bin Laden (Zero Dark Thirty 2012), se transforma totalmente para interpretar al personaje Annabel; una peli negra punkera que deberá cambiar de estilo de vida, para hacer las veces de madre adoptiva de las niñas. Junto a ella está el actor Nikolaj CosterWaldau en dos papeles, Lucas el padre de las niñas pero muere al inicio del film y el segundo es Jeffrey su hermano gemelo, novio de Annabel y padre adoptivo de las niñas. Dentro de toda esta trama sobrenatural, tenemos al científico, el doctor Dreyfuss, interpretado por Daniel Kash. Es precisamente el galeno el primero en empezar a develar el oscuro misterio. Finalmente, tenemos a las niñas, Victoria interpretada por la pequeñina Megan Charpentier, que ya vimos en la última entrega de Resident Evil, su personaje es el de una niña de unos 8 años, es medio ciega, así que sólo puede ver bien con anteojos, su hermana, Lilly quizás 4 años menor que ella es interpretada por la adorable niña Isabelle Nélisse, sus personajes son absolutamente creíbles, destaco el maquillaje y la dirección Andrés Muschietti.

estilo de dirección, los movimientos de cámara, los planos, la ambientación, el tono silencioso y de suspense que logra captar son por así decirlo muy del universo Del Toro, pero no se le puede quitar el crédito al director, que además es el guionista. A propósito de este tema, en los créditos también figura el nombre de otro co-guionista Neil Cross esto explica que 3 plumas con cerebro escriben mucho mejor. Por ejemplo me pareció genial que hayan incorporado el tema de los niños ferales o salvajes, ya tratado en otras películas como El Pequeño Salvaje (L’enfant sauvage 1970) de François Truffaut, que ilustra el famoso caso de Víctor de Aveyron, un niño que fue criado por monos en el siglo XVIII, algo parecido a la novela Tarzán de Edgar Burroghs. Así como el pequeño Victor, las niñas de la película vivieron en completo aislamiento, privados del contacto y del lenguaje humano, por eso la única palabra que pronuncian antes de iniciar su resocialización es mama (sin tilde y en ingles suena verdaderamente

Ahora bien, es innegable que Mamá luce como un film que pudiera fácilmente tener la firma de Guillermo Del Toro, no sólo por la temática, como ya lo hemos señalado, también por el

Notas: 1.Fuente de la entrevista en inglés: http://news. moviefone.ca/2013/01/17/guillermo-del-toromama-interview_n_2489756.html


I. No juzgar a la gente es más difícil de lo que te imaginas

Por: Rafael Bossio

El acto de registrar la vida de Alfred Kinsey, en sí mismo, se convierte en un evento para la discusión sobre las miles de interpretaciones que podrán llegar a gestarse, desde las posiciones más democráticas, respondiendo a las necesidades sociales. Hasta las más arcaicas e individuales, que atienden posiciones de orden moral y religioso, y nunca se asoman a la comprensión holística de nuestra especie. Acto de rebeldía, tal vez, sin proponérselo este es un protagonista que se interesó en su vida por todo aquello que reflejaba la diferencia, lo inusual, por aquello que no se desprendía de lo habitual, lo frecuente, lo normal. Toda una revolución, la vida de Alfred Kinsey (Liam Neeson) nos pasa entre retazos, descubriendo, desde su relación familiar: deseoso de una comunicación más real, término perdido en la solitud de la investigación universitaria. Una madre amorosa se ve sin voluntad esperando que el tiempo suceda; un hermano alejado de sí mismo, como el propio Kinsey. Y un padre monopolio, todo lo tenía planeado, dispuesto arreglar lo inhumano. La historia no la hacen los culpables, sino aquellos que desean ser inocentes. Y para lograr la inocencia, se resuelve el estudio del problema Estudios sistemáticos a gran escala sobre comportamiento sexual, logrando concluir en 1948, con el informe Kinsey, sobre el comportamiento sexual en el hombre. Y cinco años después con el comportamiento sexual en el hombre.

romper con el mismo. Cada vez que una película se cierra en la pantalla de cristal y se abre en el pensamiento, emerge la pregunta acerca de lo que representa toda esa red de imágenes en movimiento. Siproyecta un hombre, una idea o un problema; primera indagación, se cuestiona la película hasta encontrar cual fue la excusa y cual la visión.

como Kinsey, desde lo audiovisual también procuremos defenderla esperanza vital de otros, para crear desde su mirada el encuentro con un mundo nuevo.

Este filmees una entrevista que circula por la vida de PROK (PROfesor K-insey) desde una juventud construida bajo las enseñanzas Hoyaparece revitalizada, y muy del metodismo (denominaciones bien contextualizada, la historia de cristiana del protestantismo), un hombre con ideas y problemas, una historia con fragmentos e individuos que sostienenla narración y la tensión.Reconociendoun sujeto invisible en la historia de ¿Y esto que significa? La las generaciones posteriores a perspectiva. La imposibilidad para los 80, nuestra generación, por instituir nuestros actos naturales ejemplo. Y que gracias a la magia y biológicos. El canon que busca del cine se resignifica, para que así


respuestas en un camino perdido. Como caminando en el desierto, en medio de fuertes vientos, nuestros débiles pasos impresos en la arenadesaparecen, hasta hacernos creer que nunca hemos sido. Y de esta manera nuestro espíritu se convierte en un fantasma que se esfuerza por llegar a algún oído sordo. No es difícil ver en nuestro tiempo el “miedo” que representa la guerra, desde los medios, nuestros líderes derraman líneas y líneas enteras en discursos que reconocen la paz y la calma como el estado natural de las cosas. Que todo debe iniciar y concluir en el dialogo. Aunque ellos practiquen otras maneras, ocultando o desapareciendo las voces que nos gritan a diario que volteemos a mirar. Pero el alienante mundo televisivo es más atractivo.

asistimos a las contradicciones que nos conduce el dogma religioso, encubriendo la luz de lo evidente -el cuerpo- con las sombras deuna realidad imaginada y opuesta -el alma-.Un paradigma tan solo imaginado, que interpreta centímetro a centímetro una realidad que más que física y tangible, es la que vivimos. Es notable la soledad, la fuerza vital

que Prok fue consiguiendo desde joven, todas aquellas imágenes unidas, para la descripción de su estimulo por la naturaleza. Nunca estuvo solo, soledad no se refiere a no sentir a los otros; Soledad es ni siquiera buscar sentirlo, y tal vez aquello le permitió ver las necesidades naturales, que muchos otros desconocen y, ni siquiera, permiten manar. Sobre todo, porque su evidencia se resuelve en la paciencia del que quiere descubrir. También la religión se muestra como el suspiro de un animal agobiado, que pretende escapar de esa sociedad que intenta reprimir cualquier deseo que procure la emancipación de lo natural, de un cuerpo que busca las

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Con Kinsey descubrimos que existe un miedo más complejo, que nos interesa como sociedad humana, este miedo se encuentra oculto dentro de cada práctica cultural que asumimos como normal (supuesto de validez) y que nos termina reduciendo a individuos que asumen un rol o perfil sin tratar de indagar o escuchar esa imaginación que resignifica la forma como asumimos nuestras vidas. Sentados, frente a frente, cada uno en su silla, mirándose como dos buenos amigos, de esta manera aparecerán los secretos más íntimos que hasta la década de los cuarenta nadie estaba dispuesto, por un lado a preguntar y por otro, nadie estaba preparado a ser públicos. La historia sexual de más de cien mil norteamericanos permiten la investigación sobre las prácticas sexuales del país que hoy creemos el más liberal y con las mayores libertades.


Así pues, después del holocausto, emerge un mundo bipolar, la unión soviética contra los estados unidos de américa. Comunistas contra capitalistas. La lucha por las ideologías, la competencia por los medios de producción y su desarrollo para los mercados y los consumidores.

II. Porque la sociedad ha interferido “Piensen en las repercusiones, de que todos los seres vivos fueran diferentes, la diversidad seria el hecho irreducible de la vida. Solo las diferencias son reales.” Homogeneidad, esa es la palabra que reduciría a toda una década. 1945 finaliza la segunda guerra mundial, y estado por estado, comienza la configuración del hermano mayor, el gran estado, que regule a los demás y no permita que nuevas confrontaciones se lleven a cabo. La ONU, organización de las naciones unidas, que reemplazaba a la Sociedad de Naciones, que dejaba a Europa como sede, y llegaba a su actual tierra, América (NORTE), New York. La libertad, theamericanway of life, la nueva meta.

Vemos en el film Kinsey (Kinsey 2004) como la música también nos remonta a la época. El swing fue el ritmo más dominante, durante la primera mitad de los 40´s. Aun cuando la Segunda Guerra Mundial tenía al mundo convulsionado. Sin embargo, ya a fines de los años 40s, se vio la decadencia de este género, en el mismo momento que artistas como Frank Sinatra emergían, llevando la música a géneros como el bebop, jazz y rock ´n´ roll, que dominarían la década siguiente III. Me pase la infancia acostado. Sistemáticamente todo el reconocimiento que se extiende por la no tan corta carrera de Bill Condon no se deba aKinsey (Kinsey 2004), “tal vez” sus calidades como director y guionista giran en torno a la realización de la taquillera saga de crepúsculo (TheTwilight Saga: BreakingDawn 2011), de las cuales este director tuvo la posibilidad de adaptar para dos largometrajes.

También será mucho más conocido por haber conseguido el OSCAR por mejor guion adaptado con una de sus mejores películas, Dioses y Monstruos (Gods and Monsters1998) que además estuvo sorprendente con Esta es una nueva etapa, que construye la patria, la la valiosa actuación de IanMckellen. Actuación que nación. Políticamente cada país mira para sí mismo estuvo nominada en los OSCAR, en los Globo de Oro y económicamente cada industria procura mejorar su y San Sebastián. mercado, es decir cada quien creando su identidad. Eso por el lado americano, puesto que Europa aún no Aun así uno de los filmes más recordados sea Chicago se ha levantado de una guerra devastadora. Prueba de Rob Marshall (Chicago 2002) donde queda nominado de ello lo encontramos en el movimiento neorrealista a mejor guion adaptado, tanto en los OSCAR como en que genera toda una cinematografía de la posguerra. los GLOBO DE ORO. Y continuando con la magia de Destrucción y degradación de lo humano. Alemania los musicales, pero ahora si como director y guionista, año cero (Germania, annozero 1948) la futilidad de terminamos con Dreamgirls (Dreamgirls 2006). Un la vida, ejecutada la escena en la que un joven que film que como todas sus producciones dan cuenta de la reconoce lo que queda de su ciudad, decide lanzarse grandeza de Bill Condon para llevar de lo literario a la desde un complejo de apartamentos destruido para pantalla grande las grandes historias que han caminado morir.Alterno a esto, y minando toda la ideología del con él, desde el papel hasta la mirada de la cámara. totalitarismo, aparece Ser o No Ser (To Be orNotTo Be 1942)una perfecta comedia que se burla de todo el Parece que Bill Condon se la pasó toda su infancia catastrófico movimiento que nos había dejado con toda como AL KINSEY, acostado. Releyendo cada texto, la destrucción humana y material en plena mitad de cada acto dramático y cada historia. Para que en otra época quizás como esta se transformen esas suntuosas siglo. letras en actos perfectos, en la poesía de la imagen.

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Persiguiendo historias con Cine: Entrevista con Orlando Charria El Personaje de la primera entrevista que publicaremos en esta nueva sección titulada “Persiguiendo historias de Cine” es el Ingeniero Orlando Charria, un gomoso del cine y cómo el mismo suele decir, un súper fan de la ciencia ficción. De donde proviene su afición a la robótica, su otra pasión desbordante. Pero mejor dejemos que sea el mismo Orlando, quien le cuente a los lectores sobre sus libros de robótica para niños y sobre su visión de por qué el cine debería implementarse como complemento de actividades académicas. Quién es Orlando Charria? Orlando Charria: Soy una persona a la que le gusta sentirse joven aunque ya no lo sea. Siempre he sido muy inquieto por tratar de estudiar lo que he podido aprender y hasta donde me de la fuerza de querer aprender. He participado en diversas áreas, como el área técnica, recientemente en el área ambiental, he escrito libros, tengo mis propias historias, he producido proyectos para industria, pero últimamente he intentado moverme en áreas que tengan incidencia social. Cómo empieza su afición al Cine? Orlando Charria: Desde niño! Yo creo que todos en la vida hemos crecido viendo películas. La magia del cine para nosotros fue bastante importante. Poder ir los domingos al cine y ver una película con tus amigos, la magia de la pantalla grande cambió todas las expectativas. Después de eso, digamos, vivimos la época de la modernidad, cuando empezó a llegar el Beta el VHS; cambio un poco la cosa ya que empezamos a ver las películas en casa. Pero el concepto ya estaba arraigado en nosotros. Para mí en particular el cine debe ser diversión; últimamente he tratado de alejarme de las películas de temas violentos, porque pienso que una va

evolucionando. Me gusta mucho las comedias, porque considero que de eso se trata, de reírse, el cine debe de poder sacarte de la realidad. Después de un tiempo, tuve la oportunidad de viajar y quise saber cómo era que se escribía un guión y me puse a estudiar; así que averigüé y dio la casualidad de que en ese momento había un curso en la ciudad de Miami, para escritura de guión, dictado por un guionista famoso, Tom Musca (ED. Co guionista de la película Lecciones Inolvidables (Stand and Deliver 1988), me divertí muchísimo, de hecho tengo algunas cosas escritas, pero eso es algo que dejo de lado de momento. En qué tomos se divide los libros que están próximos a salir sobre robótica para niños? Orlando Charria: Bueno el proyecto de robótica para niños empezó cuando decidí escribirle un libro de robótica para mi hijo, para desarrollar más la creatividad en él. Cuando vivíamos en Estados Unidos en la escuela se acordaba que los padres debían de pasar un tiempo leyendo en compañía de sus hijos. Hay

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que llenar planillas de lo que uno lee. Entonces como yo estaba en esa rutina de todos los días leerle algo a él. Decidí leerle sobre robótica pero no encontraba texto que hablaran en forma simple para los niños. Entonces decidí escribir un solo texto, pero después era tan grande que decidí partirlo en dos, pero vi que se podía partir todavía más y saqué cuatro libros. El primero es fundamentos de la robótica, el segundo es los Robots del Cine, el tercero es de dibujos animados de la televisión y el cuarto sobre robots industriales. En su labor de docente, bajo qué parámetros utiliza el cine en sus clases? Orlando Charria: Muchos de los ejemplos que coloco son muy dados al cine. Además pienso que el cine es un lenguaje universal, todos de algún modo tienen una referencia al cine. Si uno da ejemplos de la vida diaria, los puede encontrar, pero no con la magia que los muestra el cine. Entonces estoy en clase y pregunto quién ha visto esta o aquella película; y muchos ya la han visto pero si no, la van a querer ver. Entonces esto desarrolla en ellos la necesidad de buscar información a través del cine.

docente no tiene ese propósito usted no lo está haciendo bien. Entonces el cine lo que posibilita es enseñar realidades a las personas que en otras circunstancias no las podría conocer. Por ejemplo cuando las películas enseñan hambrunas, la gente reacciona muy diferente, entonces si el cine un mensaje y una manera de preparar ese información, mucho mejor a cuando uno enseña una sola imagen de por ejemplo la misma hambruna. Entonces poder Entonces usted considera que sería mostrar una visión desde varios puntos de importante incluir al cine dentro de vista es vital que se implemente en los centros los ejes temáticos de la escuela o educativos. de algunos planes académicos en ámbito universitario? Cuáles son sus películas favoritas? Orlando Charria: Indudablemente, el cine representa una manera de entregar información a la gente de manera masiva. Pero hay que tener cuidado con la manera en cómo se manipula la información. Y lo que yo digo como educador es que uno a los estudiantes no les puede enseñar el tema, tiene que enseñarles a pensar. La mentalidad de un educador debe de ser que el alumno supere al maestro, si usted como

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Orlando Charria: Me gustan mucho las películas animadas para niños, como por ejemplo Wally, Horton Hears a Who?. En ese tipo de películas no existe una predominancia de la violencia, y nos ayuda a educar a los niños sobre el mundo que les estamos entregando. A mí también me gusta mucho Viaje a las Estrellas, logré conseguir en algún tiempo hasta la serie completa, también me gusta La Guerra de las Galaxias.


CINECLUB E-ZINE#4  

Revista digital sobre cine desarrollada por estudiantes de la unviersidad tecnológica de Pereira. Ésta revista es un proyecto impulsado por...

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