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53 $100.00 MX

PORTADA: MARISABEL GÓMEZ VÁZQUEZ | FIGURAS DEL INTERIORISMO: NARRATIVA DE LOS ESPACIOS | PERSONALIDADES DEL DISEÑO | MACROTENDENCIAS: VERTICALIDAD E HISTORIA POR MANUEL HERRERA


KOHLER LLEGA A DESIGN WEEK MEXICO 2019 CON “EXPERIENTIAL LUXURY” Del 3 al 27 de octubre Kohler participa en DESIGN HOUSE 2019, plataforma creativa de DESIGN WEEK interviniendo espacios de prestigiados arquitectos con su tendencia Experiential Luxury: Sanitarios Inteligentes, Duchas Digitales, así como con Smart Home que conecta con la voz ducha, tina, taza, espejo y grifo. Kohler estará presente en los despachos más destacados de arquitectura: DUCOLAB / OLGA HANONO / COMITÉ DE PROYECTOS / MARQCO / KAST STUDIO + THIERRY JEANNOT + STUDIO PANEBIAN.CO / AD HOC / VA STUDIO / VIEYRAARQUITECTOS / VERTEBRAL / C CUBICA Design House ubicada en Aguiar y Seijas 140, Lomas de Virreyes, CDMX.

Interceramic Tel. 01800 - 725 1010 Zenth Tel. (55) 1209 1969 LA.KOHLER.COM kohler.com/experientialluxury i. @kohlermexico / @kohlerlatinam f. kohlermexico / KohlerLatinAmerica


Directora General

CONSEJO EDITORIAL

Editora en Jefe Greta Arcila

Presidencia honoraria

greta.arcila@glocal.mx

Gina Diez Barroso

Asistente de dirección

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Caly Pérez

Ar turo Aispuro Coronel

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Editora

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Portada de autor Homenaje a Marisabel Gómez Vázquez Arte por Jorge Medina

Beata Nowicka Diseñador

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Sagrario Saraid

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Redacción Adriana Onofre

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Eduardo Rodríguez M. eduardo.rodriguez@glocal.mx

Samuel Rodríguez redaccionprint@glocal.mx Coordinador de video Edgardo Dander Colaboradores

Contacto glocal.mx info@glocal.mx Manchester 13, piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, Ciudad de México. Teléfono 52(55) 55.33.68.18

Lisa Heller Jorge Medina Rober to Zamarripa

Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: octubre-noviembre 2019. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013041513043400-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: ALFESA Comercialización y Logística SA de CV, Calle Corona # 23 Int. 1, Col. Cervecera Modelo, C.P. 53330. Naucalpan, Estado de México. Tel. (01.55) 53193020. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V., Caravaggio 30, Col. Mixcoac, C.P. 03910. Del. Benito Juárez. Ciudad de México. Tel. 5611-9653.

Portada Macrotendencias Verticalidad e Historia por Manuel Herrera Arte por Jorge Medina Foto: Paco de los Monteros Material: Moonshadow black 59.3 x 119cm. Colección Geotech. Marca FIRENZE Moda: Vestido, GUILLERMO JESTER | Body, CYNTHIA BUTTENKLEPPER | Zapatos, MILA MILU | Collar Cosmos, ROMOHERRERA


México, destino mundial de diseño Y por fin llegó el mes en el que todos los actores del mundo creativo exponen ideas, proyectos, nuevas colecciones. Mes en el que museos, galerías y showrooms dan cabida a la cada vez más grande comunidad creativa y también reciben a todo el público interesado en el diseño. Finalmente, después de varias décadas de trabajo por parte del empresariado dedicado a la construcción, industria privada, arquitectos, interioristas, diseñadores, académicos, asociaciones, galerías, medios especializados, proyectos comunales e individuales, e inclusive entidades federativas y gubernamentales, se ha logrado un objetivo que todos anhelaban: hacer de México un destino de diseño; un país en el que todos los ojos del mundo dedicado a este tema sepa que hay fechas que ya debe considerar para visitar. Por lo anterior, en esta edición buscamos hablar con los personajes que a través de proyectos de valor nos dan a conocer lo que hay detrás de cada plataforma creativa. Meses atrás, Emilio Cabrero –director de Design Week Mexico– me platicó que ‘la semana de diseño’ estaba por convertirse en ‘el mes del diseño’ por lo vasto del programa generado por ellos, más el resto de festivales y exposiciones que han surgido en torno a la comunidad creativa y a la ciudad. El año pasado, Rosario Almeida –directora de proyectos especiales en Interceramic– también nos compartió que estaba naciendo Obra Blanca, exposición

organizada por los empresarios tanto mexicanos como internacionales. Por su parte, Expo CIHAC dio también noticias de crecimiento y reestructuración de la mano de empresarios de Oriente y Europa. En otro momento, Ricardo Lozano –director ejecutivo del AMD– me compartió los cambios y de cómo este año buscarían impulsar a los diseñadores, otorgando reconocimientos por su propuesta, además de que más museos se sumarían para mostrar el trabajo de estudiantes y profesionales. Platicamos también con directores de importantes ferias que no suceden en este lapso de tiempo, pero que son un referente obligado como Zélika García –fundadora de ZsONAMACO– y creadora de ZsONAMACO Diseño, que bajo la curaduría de Cecilia León de la Barra se ha convertido en un lugar que cada febrero logra conjuntar galerías locales e internacionales mostrando arte-objeto de muchísima calidad. Por su parte, Andrea Griborio –directora de Mextrópoli– habló de cómo su fórmula apuesta por intervenir las calles para llevar el discurso de la arquitectura a todo tipo de público. Para nuestra portada miramos hacia adentro y buscamos a la arquitecta Marisabel Gómez Vázquez, heredera de talento y mujer empresaria quien con su propuesta ha logrado crear el interiorismo de más de 350 hoteles de las cadenas hoteleras más importantes de México y el mundo. En todos estos proyectos ha dejado un poco de sí, claro está; pero más que nada ella busca crear espacios llenos de emoción, cultura local y arte para lograr que los visitantes recuerden el lugar y regresen una y otra vez, pero que se lleven en su memoria mucho de la esencia propia del entorno en donde está cada uno de ellos. ¡Gracias por leernos! GRETA ARCILA Editora en jefe

glocaldesign

@glocal_design

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Greta Arcila

@gretaarcila

@arcilagreta


Contenido 02 DIRECTORIO 03 EDITORIAL 09 AGENDA 12 MISCELÁNEA ACTUAL 14 Table | OKU 16 Host | Allegro Isora Tenerife 18 Showroom | Alfonso Marina 20 Autos | Toyota Camry

22 LUMINARIA

Plant Chandelier 24 TALLER

49

DISEÑO + CIUDAD

29 CROMÁTICO

44 Plaza del Migrante

32 SU ESPACIO

49 ENFOQUE

42 Estadio de los Diablos Rojos

Pedro Friedeberg

Marisabel Gómez Vázquez

36 DISEÑO + EMPRESA

ENTREVISTAS

Philippe Nigro + Glass Lab 38 DISEÑO + HISTORIA

Fritz Hansen (Poul Kjærholm)

62 OEO 66 Constance Guisset &

Amelie Du Passage

Foto Alejandro Torres

Hybrid 2020


FIGURAS DEL INTERIORISMO 70 Andrés Gutiérrez 72 Azul Celeste 74 Santiago Cuaik 76 Bibiana Huber 78 MOB Studio PERSONALIDADES DEL DISEÑO 80 Greta Arcila | Macrotendencias 82 Marco Coello | DWM 84 Ricardo Lozano | AMD 86 Celia Navarrete | Expo CIHAC 88 Fernando Lozano | Obra Blanca 90 Ana Paula Orozco | Campamento Foto Paco de los Monteros

92 Zélika García | ZsONAMACO 94 Andrea Griborio | Mextrópoli

97

97 MACROTENDENCIAS

Firenze + Manuel Herrera 106 TENDENCIAS GLOCAL

RESIDENCIAL 118 Casa Terreno | Fernanda Canales 124 Casa en la Piedra | Jorge

Hernández de la Garza

130 Casa Orizaba | Manada + Ludens 134 Casa Luzia | Saavedra Arquitectos 140 Casa Genius Loci | Gabriela

Carrillo Valdez + Tescala

COLUMNAS 146 Juan Carlos Baumgartner

124

Foto Onnis Luque

147 Homero Hernández 148 ENGLISH TEXT 152 OBJETO GLOCAL


Din blinde passager (your blind passenger). Foto Anders Sune Berg

A GEN DA

La exposiciĂłn de Eliasson cuenta con obras Ăşnicas, realizadas para la muestra.


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AGENDA

OLAFUR ELIASSON: IN REAL LIFE

Foto Anders Sune Berg

Hasta el 5 de enero del 2020 Olafur Eliasson ha sido celebrado internacionalmente como uno de los artistas más importantes y excitantes de la actualidad. Ahora, por primera vez, el público del Reino Unido podrá descubrir la gama completa de su práctica a lo largo de tres décadas, la cual incita continuamente a los espectadores a pensar en la naturaleza de la percepción. La exposición, que reúne alrededor de 40 obras, algunas realizadas específicamente para esta muestra, ofrece experiencias imperdibles y muestra cómo Eliasson hace énfasis en algunos de los temas más urgentes de la actualidad. TATE MODERN Bankside SE1 9TG Londres, Reino Unido tate.org.uk

Beauty

CUBA: LA SINGULARIDAD DEL DISEÑO Hasta el 2 de febrero del 2020 Como parte de los festejos de los 500 años de fundación de la ciudad de La Habana, y como país invitado en Design Week México, esta exhibición muestra los esfuerzos e ideas del diseño cubano en pos de la construcción física e ideológica de la Cuba revolucionaria. Con la curaduría de Jimena Acosta e Inbal Miller, esta muestra presenta una serie de objetos –carteles, documentos, mobiliario y planos– que hablan de la necesidad del diseño y el arte en la transformación de la sociedad en búsqueda de la equidad económica y social.

Newton

WILLIAM BLAKE Hasta el 2 de febrero del 2020

MUSEO DE ARTE MODERNO Paseo de la Reforma y Gandhi Bosque de Chapultepec I Sección, CDMX mam.inba.gob.mx

TATE BRITAIN Millbank, Westminster Londres, Reino Unido tate.org.uk/visit/tate-britain

Fotos cor tesía

Butaca Mondrian, Luis Antonio Ramírez Jiménez

William Blake fue un pintor, grabador y poeta visionario, además de un acérrimo defensor del papel fundamental del arte en la sociedad y de la importancia de la libertad artística. Creó algunas de las imágenes más icónicas de la historia del arte británico y ha sido una inspiración para artistas, músicos, escritores e intérpretes de todo el mundo durante más de dos siglos. Esta ambiciosa exposición reunirá más de 300 obras notables y redescubrirá a Blake como artista visual del siglo xxi.


AGENDA

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FÄRG. EL RACIONALISMO ESPONTÁNEO DE WALDEMAR SJÖLANDER Para muchos artistas, México siempre ha sido un lugar al que recurrir en búsqueda de nuevas ideas, de inspiración y, en el caso de Waldemar Sjölander (desde 1946 hasta su muerte), para huir de la monocromía artística nórdica, para esto se muestra la amplitud de técnicas con las que trabajó: gouache, óleo, acuarela, escultura, litografía, dibujo y cerámica. “Toparse con el Istmo de Tehuantepec y las ricas formas que acompañaban los colores de la vestimenta propia de su población le abrió una puerta a un complejo universo de experimentación”, explica Paola Duarte, curadora de la exhibición.

Foto.Tim Nighswander

Hasta el 10 de noviembre

Anni Albers, Study Camino Real

IN A CLOUD, IN A WALL, IN A CHAIR: SIX MODERNISTS IN MEXICO AT MIDCENTURY

Foto Araceli Limón

Hasta el 12 de enero del 2020

Gotemburgo

MUSEO DE ARTE CARRILLO GIL Av. Revolución 1608 San Ángel, CDMX museodear tecarrillogil.com

Entre 1940 y 1970, México fue el común denominador y el punto de encuentro de seis artistas y diseñadoras. Esta exhibición muestra cómo Clara Porset, Lola Álvarez Bravo, Anni Albers, Ruth Asawa, Cynthia Sargent y Sheila Hicks trabajaron para forjar relaciones interculturales dialogando con distintas voces e ideas y cómo respondieron a una época de transformación cultural y económica a través del diseño y el arte. El trabajo individual de cada una comprende desde mobiliario y diseño de interiores hasta escultura, textiles, fotografía y grabado. ART INSTITUTE CHICAGO 111 South Michigan Avenue, Chicago, Estados Unidos artic.edu

FRITZIA IRÍZAR. MAZATLANICA Hasta el 5 de enero del 2020

Foto Archivo AMA

A través de distintos formatos, Irízar cuestiona e investiga sobre la permanencia y el valor (social y económico) del oro, los diamantes y las perlas, así como de la tensión entre lo animal y lo humano. “El trabajo de Irízar pone en cuestión los paradigmas de nuestra experiencia sensible. Si bien se ha insistido en el sujeto como forma privilegiada de lo vivo, la artista parte del objeto para cuestionar las jerarquías y buscar poéticas de la existencia más allá de la supremacía de lo humano”, dice Virginia Roy, curadora de la exhibición.

Video Sin título (Sin aliento) 2019, Fritzia Irízar.

MUSEO UNIVERSITARIO DE ARTE CONTEMPORÁNEO Insurgentes Sur 3000 Centro Cultural Universitario, CDMX muac.unam.mx


MISCELÁNEA

CRIOLLO Cacao

Inspirada en el colorido mexicano y el diseño danés de mediados del siglo xx, Criollo es la primera colección bajo la firma poblana Cacao, conformada por el despacho de arquitectos MX TAD y el diseñador italiano, Luca Mariolini. La colección de diez piezas de mobiliario y diez accesorios para el hogar exalta el valor del trabajo artesanal local a través de los materiales: madera, acero y lana tejida a mano, que se complementan con terrazo y mármol. El nombre de la colección proviene de una de las tres principales variedades del cacao y retrata la realidad creativa y productiva del país.

Foto Yohan Lopez & José Bermúdez

designcacao.mx

PIRWI OBJETOS Moisés Hernández + Pirwi

La editora de diseño mexicano presenta su primera colección de objetos. Las piezas fueron diseñadas por Moisés Hernández, quien siempre ha estado atraído por los objetos cotidianos y para su colaboración con Pirwi hizo una exploración de materiales, nuevos procesos, diferentes técnicas y acabados, con un carácter lúdico y casual. Basta poner como ejemplo el Caballito, inspirado en Luis Barragán y su pasión por los equinos, la pieza cerámica integra colores, texturas y contrastes propios de la arquitectura del Pritzker mexicano. moises-hernandez.com pirwi.com.mx

Foto Paris Barrera & Diego Berruecos, Cor tesía Pirwi

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MISCELÁNEA

FAUNA José Bermúdez + Vrokka

Es un proyecto que rinde tributo a animales que están en peligro de extinción o ya extintos, a través de piezas decorativas, siendo una abstracción de la forma esencial del Axolote mexicano, la Guacamaya Azul y el Oso de Anteojos. El objetivo es que las piezas sirvan como herramienta para concientizar sobre la situación actual de estos animales y propagar medidas de cuidado medioambiental. Para su fabricación, se eligieron procesos de tipo artesanal aplicados a maderas como el roble o el nogal que hacen al objeto único en su tipo.

Foto Rodrigo Chapa

jose-bermudez.com vrokka.com

LAGO SECO Mestiz

Liderado por el arquitecto Daniel Valero, este proyecto renueva su colección sumando nuevas piezas hechas por un variado grupo de maestros artesanos provenientes de diferentes regiones de México, todos expertos en técnicas únicas y de gran calidad. Lago Seco es una celebración a la tradición en el uso de fibras naturales, como: palma, tule, jonote y otras que exaltan su belleza en combinación con materiales industriales. La colección está integrada por la silla Palmo, el bolso Mafí, tepetates y canastos diversos. mestiz.mx

Fotos cor tesía de las marcas

COFRÁN Armando Franco Rovira

Clásicos Mexicanos, curado por Aldo Solano Rojas y Mónica Landa, presenta la colección de mobiliario que el arquitecto mexicano diseñara en 1955 mientras trabajaba en la fábrica de diseño artesanal e industrial coordinada por el artista José Chávez Morado. Cofrán es prueba de la colaboración entre arquitecto, artesano-obrero – responsable de replicar el diseño– y cooperación familiar, pues la tapicería con correas fue desarrollada por el padre de Franco, quien era diseñador de zapatos. La serie se compone de tres asientos y una cama, que coinciden en materiales y escala, bajo ciertas variaciones en modulación. clasicosmexicanos.mx

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ACTUAL | TABLE

Fotos Pepe Escarpita

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MADERA y concreto OKU | Michan Architecture | Ciudad de México

Un nuevo concepto de restaurante japonés que no le teme a la fusión y propone mezclas interesantes de ingredientes para salirse de lo tradicional: nigiris con trufa y foie gras, sashimis mexicanizados con toques de cilantro y salsa picante y tostadas de gyoza con chile y alguno de los pescados del día. A esta propuesta gastronómica se suma un diseño arquitectónico con tintes contemporáneos, el cual genera un diálogo entre elementos expresivos y la simplicidad de los materiales, que se usaron en su forma más cruda como madera de encino, concreto aparente, terrazo negro y pequeños tintes de latón. Su combinación crea una atmósfera cálida y en tonos sepia, la cual aborda la relación entre arquitectura y ambiente, explorando los conceptos tradicionales japoneses de bienestar y relajación. De hecho, el nombre OKU tiene muchos significados; entre ellos hay uno que quiere decir: dar y recibir de corazón, que es lo que ofrece el restaurante. El proyecto estuvo a cargo de Michan Architecture, un laboratorio de arquitectura

e investigación experimental con sede en la Ciudad de México, fundado en 2010. Isaac Michan Daniel, director del estudio, platica que el elemento central del restaurante es el sushi bar, que con sus dos focos ilumina una barra sostenida por un par de estructuras que, en conjunto, forman parte de un trío que se utiliza para puntuar diferentes áreas del espacio. “La estructura formal del espacio aparece como una cueva facetada que se corta y se deforma para adaptarse a las necesidades del lugar; es un espacio cuevoso con geometrías limpias que genera una sensación de confort y escala", dice Michan Daniel enfatizando que aunque el techo cambia constantemente, éste unifica una variedad de áreas como la terraza al aire libre y algunas zonas de asientos. Las paredes exteriores de OKU comprenden paneles de vidrio de piso a techo; una cuenta con múltiples listones verticales de madera de roble que proporcionan sombra mientras que la otra pared de vidrio atraviesa el comedor principal para separarlo de una habitación solar cerrada. –MLA

Prado Sur 125 Lomas Virreyes Ciudad de México @oku.mx


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ACTUAL | HOST

VIBRANTE, enérgico y colorido Allegro Isora | Ilmiodesign | Tenerife, Islas Canarias Corbani y Spada relatan que el proyecto consistía en la renovación del hall, el lobby bar, el restaurante y las zonas exteriores, incluyendo una enorme piscina al centro del espacio. Para inspirarse en la remodelación, combinaron la frescura que desprende la firma Allegro con la exuberancia y la alegría del estilo Memphis. “Mezclamos colores, texturas y materiales para crear una atmósfera mágica y ecléctica, con una paleta cromática llena de rosas, azules, amarillos y verdes, colores que transmiten una fuerza y vitalidad”. Como complemento a estas tonalidades, y para evitar la saturación visual, las paredes y mobiliario son más neutros, además de que se incluyeron elementos cerámicos creados por el propio estudio. “El resultado integral es un proyecto enérgico, ingenioso y armónico, claro exponente del optimismo, la diversión y el colorismo elevado a la máxima potencia”, concluyen los interioristas que complementan su trabajo con obras de arte y propuestas de diseño gráfico. –ALM

ilmio.design Av. la Gaviota Playa La Arena Santa Cruz de Tenerife, España

Fotos Eduardo Conde

Michele Corbani y Andrea Spada se conocieron profesionalmente en Salamanca, mientras participaban en el programa Erasmus que apoya la gestión y movilidad de estudiantes y profesores universitarios en Europa; ahí formaron el binomio perfecto llamado: Ilmiodesign, ‘Il mio’ para enfatizar el valor de sus orígenes italianos, así como para recalcar la autoría y versatilidad de sus diseños, y ‘Design’ porque es la tarea que llevan intrínseca en su sangre milanesa. Desde que unieron su talento e inquietudes, el despacho –que ahora suma una decena de colaboradores– ha desarrollado proyectos residenciales, de hoteles y restaurantes; entre los más recientes está la remodelación de las áreas comunes del hotel Allegro Isora (antes conocido como Barceló Varadero) a tan sólo 10 minutos a pie de la playa de La Arena, en el sudoeste de Tenerife, la más grande de las Islas Canarias de España. El resultado es un hotel vibrante, enérgico y muy colorido, perfecto para pasar unas vacaciones diferentes.

GLO


Series

AU RA , H IMAL AYAS & R O DENO

Himalayas Makalu Black

Himalayas Pumori Gray

Himalayas Annapurna White

La colección Essence of Life ofrece una fórmula estética que incorpora los cánones de tendencia en línea con el gusto moderno y actual. Tres series que se combinan hábilmente en una mezcla bien equilibrada entre mármol, piedra y madera.

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ACTUAL | SHOWROOM

Fotos cor tesía

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Santuarios arquitectónicos Alfonso Marina | Materia | Carolina del Norte

Hablar de Alfonso Marina es abordar una historia que se remonta a 1971, año en que surge su primera línea de mobiliario, una colección atemporal que desde entonces resaltaba por su manufactura y cuidado por el detalle: “Aún usamos técnicas y procesos antiguos con herramientas que se fabrican en nuestro taller, lo que nos da una flexibilidad para desarrollar mobiliario de gran calidad y carácter”, comenta Isabel Marina, directora creativa de la marca. Casi 50 años después, Alfonso Marina conserva las características que la convirtieron en una de las empresas más importantes en el mundo del mobiliario e inaugura su nuevo showroom en High Point, uno de los mercados más importantes de diseño de muebles en Carolina del Norte. Pero regresar al circuito de High Point necesitaba de un concepto especial que hiciera de este nuevo espacio un lugar en el que se rindiera homenaje a la maestría ebanista de la marca. “Quisimos diseñar un espacio que

se alejara de la típica solución de un showroom desarrollado a través de ‘viñetas’ estériles, casi habitacionales”, comenta Gustavo Carmona, fundador de Materia, que se encargó del diseño y ejecución del proyecto. “La idea era crear un espacio que fuese de lo más obscuro a lo más iluminado –platica Carmona–, generando expectativa, mostrando poco a poco las piezas sobre nichos donde se rinde homenaje al trabajo artesanal y la materialidad”. Arquitecto y empresa encontraron un punto en común en la expresividad de los materiales y el mobiliario, los largos pasillos enfatizan los elementos con los que fueron construidos: cantera, concreto pulido y finas maderas”. Con la idea del santuario en mente, el vestíbulo resuelto en madera se convierte en la antesala de lo sagrado a través de una sucesión de espacios que exaltan cada detalle de las colecciones de Alfonso Marina, ebanistería, herrajes y tallados que se han perfeccionado con el paso del tiempo. –AO

200 Steele Street Suite 108 High Point, Carolina del Norte alfonsomarina.com materiarq.com


pisos | azulejos | tinas de baĂąo | griferia porcelanatos nacionales e importados

Vasconcelos 390 Ote. Col. del Valle, Garza GarcĂ­a N.L. C.P. 66220 Tel. (52) 81 - 8356.6940 bydsa@prodigy.net.mx www.bydsa.co

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ACTUAL | AUTOS

Toyota goes green La marca japonesa trabaja en tecnología eléctrica para los autos híbridos en el segmento de los sedanes.

Hablar de Camry es hablar del primer auto de Toyota que aterrizó en México –en 2002– y se hizo de prestigio por su seguridad, elegancia y comodidad; sin embargo, se había quedado atrapado en el tiempo en cuestiones de diseño… hasta ahora. La octava generación de Toyota Camry nos trae al tercer híbrido de la marca al mercado nacional, con un diseño más fluido y divertido que renueva la línea en su totalidad, y sobre todo, una opción híbrida muy bien lograda en la sensación de manejo. En tiempos en los que los motores eléctricos son demanda del consumidor joven y consciente, la marca japonesa no podía quedarse atrás con su sedán insignia: Camry que se subió al tren verde con mucha categoría.

LÍNEAS DE EXPRESIÓN Lo primero a destacar es la plataforma TNGA (nueva arquitectura global de Toyota), que obliga a un diseño más ligero y dinámico que favorece el manejo y también conlleva cambios en su apariencia. El diseño es audaz y elegante. Esto lo logran con líneas fluidas que privilegian su carácter aerodinámico hacia el cofre: la mirada agresiva se consolida con los estilizados y largos faros LED cual si los ojos se concentraran en el objetivo central: la parrilla alta, coronada con el escudo de Toyota en acentos azules. Abajo, la gran parrilla negra presume las ventilas en líneas horizontales para controlar delicadamente el flujo de aire al interior del auto; pero sobre todo,

Fotos cor tesía de la marca

Texto GABRIELLA MORALES-CASAS


ACTUAL | AUTOS

Ficha técnica Motor: Potencia 208 hp (combinado) y 149 lb-pie.

La octava generación de Camry es la más espectacular y eficiente de la cartera Toyota.

es un statement: esa presencia que busca imponer autoridad y atraer miradas. El diseño frontal lo logra y hace olvidar al viejo Camry de hombres maduros. Es una nueva generación, es un coche más actual. En cuanto a las líneas traseras, lo más novedoso está en cómo se dibuja una suave curva desde el poste hasta la cajuela para hacerlo más dinámico y darle un look juvenil. La fascia trasera es bitono con reflejantes verticales en los extremos. La versión híbrida regala tonos especiales: blanco, plata, gris metálico, negro, rojo, ágata metálico y grafito. Este cambio en la línea trasera sacrifica espacio dentro del maletero e incluso en la altura del cielo del vehículo, aunque se compensa con sus 4.88 metros de largo, que al interior nos regala un tablero infinito forrado de piel sintética y un display de 10 pulgadas con acabados piano con brillo espacial, en el que es posible no solo conectar Apple CarPlay, sino consultar la información detallada del estado

del auto, e inclusive, del uso de energía del mismo, incluyendo la música… Cuenta con nueve bocinas JBL con subwoofer de sonido envolvente. Por cierto, el celular puede recargarse sin cable gracias al sistema qi, además de las entradas USB. CARACTERÍSTICAS DEL MOTOR Lo más valioso del proyecto Camry 2020: su motor eléctrico MG2 aunado a un motor Dynamic Force de ciclo Atkinson 2.5 litros que se “conecta” con una batería de Níquel Metal Hidruro (NiMH), con una poderosa transmisión HSD (Hybrid Synergy Drive) de seis cambios simulados a una caja CVT, esto se traduce en castellano en un manejo más audaz y de rápida aceleración que le permite ser más eficiente en cuanto al uso de gasolina. El motor eléctrico trabaja prácticamente todo el tiempo en modo Electric Vehicle y promete una eficiencia de 20 km/l en carretera, lo cual es una grandiosa opción a la hora de elegir un auto híbrido, divertido y elegante, que además luce renovado. Toyota Camry 2020 regresa sin miedo a nada. toyota.mx

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LUMINARIA

Ramas ILUMINADAS en el techo “Nuestro cerebro no está on todo el tiempo; por eso, la inspiración siempre nos toma por sorpresa”. —KRANEN/GILLE Entrevista GRETA ARCILA, enviada Nueva York

Fotos cor tesía

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LUMINARIA

EL FOTÓGRAFO alemán Karl Blossfeldt creía que las plantas debían ser valoradas como una estructura totalmente artística y arquitectónica; por eso, su trabajo como profesor y artista se inspiró en la naturaleza y los seres vivos. Muchas de sus imágenes tomadas en primer plano descubren al espectador las formas en que crecen las plantas, algo que ha despertado la curiosidad del dúo de diseñadores Jos Kranen y Johannes Gille, fundadores de Kranen/ Gille –un estudio centrado en el diseño de objetos para interiores con sede en Den Bosch en los Países Bajos–, quienes han retomado el trabajo de Blossfeldt y siguiendo sus pasos diseñaron Plant Chandelier para Moooi. Se trata de una luminaria audaz y cuyo diseño impone su presencia en cualquier espacio; hecha de acero galvanizado con acabados en dorado, la estética geométrica y lineal de esta pieza simula una estructura parecida a las ramas de las plantas, entrelazadas y combinadas en un efecto wigwam (redondo y abovedado) que son bañadas por los rayos del sol, lo cual crea una metáfora visual resaltada por una estética industrial. Presentada durante NYCxDesign de este año, Gille platica que Plant Chandelier “es un reflejo de la naturaleza orgánica y aleatoria de las ramas de las plantas que crecen y se extienden en diferentes direcciones, pero con un diseño atemporal y hecho a medida para Moooi, una marca con la que hemos trabajado recientemente y con quien compartimos nuestra filosofía de crear piezas con los resultados más bellos cuando se trata de combinar la artesanía con la naturaleza y las formas impredecibles que aparentemente brotan de la nada. En su anatomía industrial, la pieza se describe como una lámpara que puede colgarse en el centro de un comedor o una sala de estar y, como no tiene restricciones por el uso de cables o alambres, puede fluir y florecer elegantemente hacia el techo con sus ocho LED de estado sólido colocadas sobre una estructura metálica real, iluminando el espacio elegido con facilidad.”

“No existe un lugar ideal para buscar inspiración, ésta puede suceder en cualquier sitio. Sólo necesitamos no dejar que se hunda”.

Plant Chandelier de Kranen/Gille para Moooi es una solución en iluminación que impone su presencia en cualquier espacio.

Kranen y Gille se conocieron cuando estudiaban en la Design Academy Eindhoven, donde empezaron a hacer un nombre con su trabajo, diseñando piezas únicas para museos y galerías. Hace poco han empezado a colaborar con Moooi para crear una serie de propuestas producidas industrialmente. “Moooi no nos dice qué hacer ni cómo trabajar, pero sí escucha lo que queremos hacer para tratar de hacer realidad nuestros sueños como diseñadores”, platica Gille al explicar que Plant Chandelier es parte de una pequeña colección de varios diseños plant, desarrollados originalmente para el Museo NoordBrabants en los Países Bajos. kranengille.com moooi.com

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TALLER

Reclamando la CALIDAD Ini Archibong & Sé lanzaron la segunda parte de Collection IV, Below The Heaven’s, en la que evoca emociones a través de materiales nobles y naturales. Texto ITAYEDZIN ARAGÓN

Fotos FRANCK JUERY

CUANDO SÉ comenzó en 2007, su director y fundador, Pavlo Schtakleff, tenía un objetivo: recuperar el glamour y la calidad de los muebles del siglo xx y convertirse en una firma con presencia innovadora en el mundo del diseño de lujo contemporáneo. Para lograrlo, Pavlo comenzó a invitar a algunos diseñadores destacados para desarrollar colecciones completas, con ello reclutó al francés Damien Langlois-Meurinne, al español Jaime Hayon, a la eslovena Nika Zupanc y más recientemente, al suizo nigeriano-americano Ini Archibong, quien es un diseñador egresado de L’École Cantonale d’Art de Lausana, Suiza. Él indica que sus diseños parten de un proceso espiritual, de ahí que sus colecciones hagan referencia al cielo y sus evocaciones etéreas y terrenales. La firma Sé, con su ubicación central en Londres, fabrica todas sus piezas a través de toda Europa, gracias a ello ha construido una colección que se acerca a piezas expuestas en una galería de arte con el objetivo de servir como ejemplo de alta artesanía, con atención fina a los detalles y acabados, impregnados en materiales naturales. Bajo su dirección, cada diseñador ha aportado su propia sensibilidad y carácter. Todas las piezas de Sé son producto de colaboraciones exigentes, son expresivas, táctiles e ingeniosas, invitando a la mirada y al tacto, además de comprometer emociones y pensamiento. El nombre Below The Heaven’s hace referencia a la inspiración de Archibong para ambas partes de la Colección: la

Una silla tipo trono y un sofá inusual son algunas de las piezas que integran la segunda parte de la colección de Ini Archibong para la marca de muebles Sé.


Ini Archibong es un diseñador egresado de L’École Cantonale d’Art de Lausana, Suiza.


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TALLER

interacción eterna entre el cielo y la tierra, la primera parte fue celestial y se asomaba al cielo, mientras que la segunda parte es más terrestre y monumental. “Me inspiraron especialmente las formas monolíticas en piedras monumentales”, compartió el diseñador. Las nuevas piezas logran un equilibrio armonioso con la exuberancia de la primera parte. La mancuerna ha sabido aprovechar la calidad de manufactura de diversos talleres que incluyen trabajo en vidrio soplado, ejemplificado en las lámparas Moirai, que en conjunto hacen la función de un candelabro. Las pantallas en tres tamaños están hechas en fino cristal coloreado en siete diferentes colores y pulido a mano en Suiza, que combinan con la estructura hecha de bronce. Por otro lado, destaca el sofá Oshun, de líneas curvas que parece ser una nube en la tierra, ideal como asiento de descanso, parecido a un santuario personal. Oshun está hecho con una estructura de acero tubular laqueado y diferentes cojines tapizados con suaves textiles o pieles. Por su configuración, el sofá puede personalizarse y recrear desde un carácter serio hasta la combinación más soñadora y romántica. Finalmente, los nuevos diseños completan Collection IV con 22 piezas en total, entre sillas, sofás, mesas y lámparas, que sin duda serán los clásicos del futuro por sus formas atemporales, estética curvilínea y espíritu lúdico. se-collections.com designbyini.com

“Al diseñar Collection IV quise que la firma llevará al límite sus exploraciones en materiales” –INI ARCHIBONG


CROMĂ TICO

Foto Tessa Ross-Phelan / cor tesĂ­a Comex

Libres y conectados con la naturaleza

Compuesto por matices audaces, Emilia [083-04] es un rosa sombreado con toques sutiles de amarillo que rememoran el barro y la naturaleza.

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CROMÁTICO

ESTAMOS EN LA RECTA FINAL del 2019 y los expertos de Comex ya se preparan para develar las tendencias de color que dominarán el año siguiente. Por eso, creemos que es un buen momento para resaltar los atributos que hicieron de Emilia [083-04] la tonalidad estandarte de este año, cuya esencia demuestra el incremento de una feminidad poderosa, la valoración por la humanidad y un retorno hacia lo natural, lo local y lo artesanal. Emilia es un rosa suavemente sombreado que evoca al barro con tonalidades de amarillos y marrones, su selección como el color para este 2019 estuvo inspirada en el trabajo con las manos y el uso de materiales locales que invitan a celebrar nuestras raíces, cultura e historia, honrando el pasado, pero mirando hacia las oportunidades del futuro. Sus matices audaces lo convirtieron en el color perfecto para propiciar el interiorismo de ambientes relajantes y acogedores, o bien, para crear fondos coloridos y complementarios a la verdosa vegetación autóctona. A partir de la importancia de lo que significaba la palabra: Expresión en los quehaceres de la vida diaria fue que se crearon las tendencias en color 2019 de Comex, las cuales dejaron atrás los entornos industriales y enérgicos expresados con el color vibrante: Locura [245-06], para dar paso a lo más natural, humano, sustentable y apacible con Emilia. La Expresión ayuda a protestar, respetar y relacionarnos como personas; de tal modo que la inspiración de las tendencias en color 2019 se fundamenta en crear atmósferas en las que ser humanos haga más sensibles a las personas en conexión y comunicación con su contexto. Como es su costumbre, Comex se encargó de reunir a un panel del gremio creativo –diseñadores, arquitectos, interioristas, artistas plásticos y diseñadores de modas– para seleccionar las cuatro tendencias de color de este año; de esta dinámica surgieron: Hiperlocal, Accionismo, Endé-

Emilia

083-04

Emilia [083-04] es un color ideal para espacios relajantes y acogedores, o fondos coloridos que complementa a la vegetación autóctona.

mico y Reflejo, cada una creada como un vehículo perfecto para conectar con lo vivo y tener experiencias sensoriales. Dentro de las diversas paletas de colores de estas cuatro tendencias, los tonos rosados estuvieron presentes con el objetivo de reflejar feminidad y desafiarnos a usar estos colores sin prejuicios. Esta presencia de tonalidades rosadas refleja la valoración por lo humano, auténtico, sutil y favorable, que son parte de los simbolismos que envuelven al 2019. Hiperlocal –donde el pasado es una inspiración y el futuro una guía que celebra la cultura, la comunidad y la colaboración– es la tendencia de la cual se desprende Emilia, que resalta dentro de estos tonos por ser un rosado oscuro que evoca al barro y remite al tono rosa horneado de la tierra. Gracias a su tinte de un amarillo sutil se convierte en un color con expresión auténtica. De esta manera –como color protagonista– es perfecto para propiciar ambientes cálidos, relajantes y acogedores. Disfrutemos la magia de Emilia, pues aún cuando la cuenta regresiva para la llegada del 2020 ha comenzado y no dudamos que Comex y su nuevo equipo de expertos en color estén a punto de sorprendernos con sus innovadoras propuestas; no debemos perder de vista el objetivo principal de este tipo de ejercicios, hechos para combatir el miedo al uso del color en los proyectos creativos. comex.com.mx

Ar te Jorge Medina "sincuerdo"

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Banca, Tone Series por SOHYUN YUN l Paneles Acústicos, Arc por Stone Designs para BLA STATION l Cucharas, L3CDF por Ferréo l Babin para PULPO︱fondo DECOSS


Las calles de la colonia Roma albergan el recinto personal del maestro Pedro Friedeberg.


SU ESPACIO

Excéntrico, irreverente e iconoclasta PEDRO FRIEDEBERG repudia la ausencia

de ornamento y fantasía; su arte está lleno de simbolismos. Su casa en la Ciudad de México devela esa excentricidad. Entrevista MARTHA LYDIA ANAYA

Fotos JOSÉ MARGALEFF

“UN MUSEO PERSONAL sin espacios en blanco, ecléctico y pleno de líneas, colores y símbolos”: es la frase que sirve como la descripción más acertada de la casa de Pedro Friedeberg, un hombre con una imaginación desbordada, que desde los inicios de su carrera siempre se preocupó por desafiar a la mediocridad y que ha realizado, como buen surrealista, hazañas plásticas impensables. Al entrar a su casa-taller en una de las calles más antiguas de los barrios con más carácter en la Ciudad de México, la colonia Roma, es prácticamente imposible no sentirse atrapado por el simbolismo que develan pinturas, muebles, ornamentos y un sinfín de cosas, objetos de diseño y obras de arte que Friedeberg ha puesto en cada rincón de su espacio personal; es un coleccionista nato y lo mismo atesora candiles de herrería hechos en San Miguel de Allende que mobiliario estilo Imperio y piezas que él mismo ha diseñado, como su icónica Mano-Silla y su dibujo arquitectónico inspirado en la creación de composiciones inusuales que expresan ironía y exceso. Cada uno de estos objetos hace referencia a su genialidad, a su curiosidad, a su afán por observar a la gente e interpretar al mundo que lo rodea; nada sobra y todo está en el lugar perfecto, pues como él mismo lo atribuye: “Cada pieza y objeto me han ayudado a crear un lenguaje propio lleno de reflexiones simbólicas, y con éstos lo que quiero es invitar a los espectadores a meterse emocionalmente en lo que representan”. Hay cuadros, esculturas antiguas, códices aztecas, muebles anticuados, juguetes de diversas épocas, piezas y utensilios de madera, candelabros, decenas de pinceles y pinturas de colores, un sinfín de manuscritos, cartas, timbres y sellos, y todos ellos hacen referencia a temas como el catolicismo, el hinduismo, lo oculto e incluso a la simplicidad de la vida con sus buenos y malos momentos.

La Mano-Silla ha sido replicada en múltiples ocasiones, con algunas variaciones en su tamaño, color y material.

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Desde su primera exposición individual, la obra de Friedeberg se caracterizó por un estilo propio muy definido. En 1961 se integra al grupo denominado Los Hartos liderado por Mathias Goeritz.

La Mano-Silla es una soberbia pieza surrealista creada por Friedeberg en 1962; la idea surgió como una broma, pero luego fue reconocida como arte-objeto.

Friedeberg relata que lleva muchos años viviendo en esa casa: “Tantos que ya no recuerdo cuántos. La compré hace tiempo y después de un par de años pude adquirir la casa contigua, para unir ambas construcciones y hacer una sola residencia, respetando la arquitectura original del inmueble. Sería el más complacido si lograra extender aún más la propiedad con otras casas de la misma calle. Hoy, la ciudad ha cambiado mucho, se ha vuelto más bulliciosa; pero esta calle aún conserva su particular tranquilad y la disfruto mucho al caminarla por las tardes cuando estoy en la Ciudad de México. Mi espacio favorito es la biblioteca-estudio en donde he ido coleccionando libros antiguos de literatura en francés, inglés, alemán y de poesía. También atesoro las obras de arte que me han regalado amigos y artistas que admiro como Bridget Tichenor o Leonora Carrington”. Y es que Friedeberg pertenece a un grupo de artistas surrealistas del siglo xx, que en México incluyen a Gunther Gerzso, Mathias Goeritz, Alice Rahon, Kati Horna, Leonora Carrington, Remedios Varo y Paul Antragne, que se agruparon bajo el nombre de Los Hartos y que destacaron por ser originales, excéntricos, irreverentes e iconoclastas. “Cuando estoy en la Ciudad de México –cuenta el artista–, no me dejo guiar por rutinas; todos mis días son diferentes y varían según ‘la secuencia de los horrores o los sucesos’ –comparte el creador con cierto tono de sarcasmo en sus comentarios y poniendo en evidencia su excéntrica personalidad–. Me gustaría pintar o esculpir todo el tiempo, pero aunque quisiera no lo puedo hacer ni me dejan; el teléfono suena a cada rato y siempre hay pendientes por atender, gente que recibir o asuntos que resolver, la agenda siempre está llena”. Por eso, los viajes son la oportunidad más espontánea que tiene Friedeberg para conectarse con la inspiración y la curiosidad que siempre lo han acompañado. “Me gusta conocer lugares y platicar con las personas, sobre todo con aquellas que salen de los patrones establecidos. Recuerdo que cuando era más joven me divertía mucho con las tertulias que se organizaban en mi casa, a las que venían gente como Antonio Souza (que era un auténtico fenómeno), Chucho Reyes, Fito Best Maugard, Miguel Covarrubias e incluso María Félix (que nunca me impactó como actriz, pero que era bellísima y de conversación intensa, ocurrente e impositiva). Y de lugares, prefiero recomendar los que sobresalen por su arte como la Iglesia de Santa María Tonantzintla en Puebla y el Museo Frederic Marès en Barcelona”, concluye Friedeberg, dejándonos con la sensación exquisita de querer seguir explorando su espacio y descubrir los secretos del pasado que guarda en él. @pedrofriedeberg


SU ESPACIO

Su faceta de escultor es una de las caracterĂ­sticas mĂĄs reveladoras del artista. En este rubro Friedeberg se ha destacado por el uso persistente de extremidades del cuerpo humano como manos, ojos y pies, a las que ha convertido en enormes objetos de culto.

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DISEÑO + EMPRESA

Diseño francés, expertise americano “Trabajar con los artesanos del vidrio fue una experiencia única. No es sólo un intercambio creativo, sino también un intercambio cultural”. — PHILIPPE NIGRO Entrevista GRETA ARCILA, enviada París y Nueva York

A LO LARGO de tres años, WantedDesign ha fomentado el intercambio creativo entre Francia y los Estados Unidos a través de una serie de proyectos colaborativos en los que se mezclan diseño, arte y artesanía: Oui Design, un juego de palabras interesante que, al igual que la iniciativa, combina los dos extremos del atlántico; un esfuerzo conjunto de la Embajada Francesa a través de Servicios Culturales y la fundación FACE. Una de las expresiones más interesantes del Oui Design es Transatlantic Creative Exchange, una exposición que ocurre en el marco de WantedDesign Brooklyn y que muestra el resultado de las residencias artísticas y el trabajo colaborativo ente cuatro diseñadores y el mismo número de fabricantes. Gracias a esta iniciativa surgió una interesante dupla formada por el diseñador francés Philippe Nigro y Glass Lab, un programa dirigido por Rob Cassetti, director del Corning Museum of Glass. “Como French New Yorkers, el apoyo a la creatividad francesa y al diseño estadounidense siempre ha sido esencial para nosotros, desde el primer año de WantedDesign”, explican Odile Hainaut y Claire Pijoulat, fundadoras de la feria, “cuando el Consulado de Francia compartió con nosotros su proyecto de lanzar una iniciativa totalmente dedicada al diseño francés en los EE.UU. estábamos encantadas; el programa sería inicialmente de dos años, pero nos alegra mucho que estemos por cumplir cinco años en 2020”, finalizan.

La experimentación fue el punto central del proceso de creación. Philippe Nigro, un diseñador multidisciplinario, casualmente debía trabajar con el material menos explorado en su quehacer artístico: el vidrio. Y no solo eso, la técnica de vidrio soplado fue todo un reto para él: “Envié los bocetos de las piezas semanas antes de la residencia de cinco días en Nueva York, sin embargo, nunca pensé que el proceso fuese tan complicado. Me enfrenté a factores desconocidos para mí como la temperatura a la que se debe fundir y enfriar el vidrio y la manera en que el color cambia de caliente a frío. Factores que determinan la pieza final”, comenta Philippe. Esta no es la primera vez que Nigro se enfrenta al trabajo con vidrio. En su trayectoria han

Fotos cor tesía WantedDesign / foto Ikonproductions

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DISEÑO + EMPRESA

Cada pieza induce a un proceso complejo que fusiona elementos separados para lograr el resultado deseado.

existido colaboraciones con Venini y Baccarat, empresas con un alto cuidado por los acabados y la perfección, lo que representa quizás, la diferencia más importante del trabajo realizado con Glass Lab. Las técnicas artesanales dan resultados inesperados y piezas únicas. Una total sorpresa para el diseñador y los mismos artesanos, comentan Odile y Claire: “La colección se desarrolló en solo una semana de trabajo. Philippe impulsó a los vidrieros a experimentar con nuevas técnicas y asumir riesgos”. El resultado fue una colección de piezas en vidrio soplado con tonalidades que, en palabras del diseñador: “están inspiradas en colores latinos, naranjas, amarillos y matices cálidos”. Las formas son muy distintas y responden a un proceso de ensamblaje donde el vidrio se funde en piezas separadas que, en conjunto, crean cuerpos cilíndricos superpuestos y recipientes con una gama cromática sumamente diversa. wanteddesignnyc.com philippenigro.com

Al trabajar con vidrio era importante tomar en cuenta la transparencia, los cambios de color y el reflejo de la luz.

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DISEÑO + HISTORIA

Obsesión MINIMALISTA Arquitecto, diseñador, danés: POUL KJÆRHOLM dedicó su vida a diseñar mobiliario con mimbre, piel o lona combinados con metales esbeltos. Texto ITAYEDZIN ARAGÓN

El sillón PK31 fue diseñado por Poul Kjærholm en 1958, aproximadamente. Foto Egon Gade

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Retrato cor tesía Fritz Hansen

DISEÑO + HISTORIA

NACIDO EN enero de 1929 en Østervrå, un pequeño pueblo en Dinamarca; Poul Kjærholm con tan sólo quince años se formó como ebanista con el maestro Th. Grønbech en la ciudad vecina de Hjørring para luego asistir a la Real Academia Danesa de Bellas Artes en Copenhague, también conocida como Escuela Danesa de Artes y Oficios, fue ahí donde comenzó a desarrollar piezas eliminando toda ornamentación innecesaria en favor de la función, dejando atrás modas y resolviendo cada pieza con una lectura intensa de las cualidades de cada material que utilizó. En la Escuela, Poul estudió junto a Hans J. Wegner, quien más adelante también se convertiría en un renombrado diseñador, pero fueron Charles y Ray Eames, Ludwig Mies van der Rohe y el minimalista radical holandés Gerrit Rietveld, quienes realmente inspiraron a Poul a depurar sus propuestas a la mínima y más funcional expresión, tanto en forma, producción y estética. Todavía siendo estudiante, Poul Kjærholm demostró su talento, experimentando con nuevos materiales y tecnologías, su silla PK0 es un claro ejemplo, pues sus primeros bocetos y prototipos fueron desarrollados en 1950, utilizando madera contrachapada moldeada a compresión, aunque no fue sino hasta 1997 que la silla se produjo por Fritz Hansen en una serie limitada; el mueble desafió todas las visiones del diseño tradicional de la época. En 1952, el mismo año en que Poul terminó sus estudios en la Escuela Danesa de Artes y Oficios, trabajó para la firma Fritz Hansen, después de que su tesis de maestría, la PK25, fuera exhibida en el Museo de Artes y Oficios, y que Søren Hansen, el director ejecutivo de Fritz Hansen, la viera para quedar intrigado por el impresionante e innovador diseño. La PK25 también es conocida como la silla Element, para desarrollarla Kjærholm estaba decidido a reducir el diseño a una sola pieza de cada material: la estructura de acero

“Lo importante es expresar la personalidad del material, no la mía”. —Poul Kjærholm

continuo se dobla a partir de una sola hoja, sin juntas ni uniones. El asiento y respaldo comparten una sola cuerda que se enrolla alrededor de tres extremos de la estructura, entrelazándose en la parte baja del respaldo. En ella se observa una de las cualidades más sólidas de Poul: unir la artesanía tradicional con la producción industrial. Para 1955 Poul Kjærholm ya trabajaba formalmente con el fabricante de muebles Ejvind Kold Christensen, comenzando el período más productivo de su carrera, pues ese y los años siguientes serían clave para su práctica, se pusieron en producción muchos de sus diseños, incluyendo el de la silla PK22, históricamente comparada con la silla Barcelona (diseñada por Mies van der Rohe en 1929). Durante esos años Poul mantuvo activa su curiosidad para optimizar cualidades tanto de producción como de ergonomía, ampliando esa búsqueda en la tumbona PK24 de 1965 y en el sillón PK20 en 1967, donde se ejemplifica su estilo elegante y depurado.

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DISEÑO + HISTORIA

Sin saberlo, los diseños de Kjærholm se convirtieron en el detonante de una nueva etapa para el mobiliario danés, que hasta ese entonces únicamente se fabricaba en madera, Kjærholm introdujo guiños a materiales industrializados como el uso del metal, por ejemplo, con el taburete PK91, que es una interpretación industrial de un diseño plegable de Kaare Klint de 1930. En 1982, dos años después de la prematura muerte de Poul Kjærholm, la firma Fritz Hansen se hizo cargo de la producción de sus diseños, que hasta entonces habían sido fabricados exclusivamente por E. Kold Christensen. Aunque la relación entre Fritz Hansen y Kjærholm fue breve, en ella se pudieron desarrollar bocetos y modelos para varias sillas que son producidas actualmente y consideradas clásicas. Hoy en día, la firma mantiene una estrecha y cálida relación con la familia Kjærholm, quienes rigen los derechos de todos los diseños originales y que se producen ahora con los mismos estándares de calidad que antes. Durante su carrera, Kjærholm diseñó piezas de mobiliario exclusivo, cada uno fue una búsqueda hacia el minimalismo y la obsesión por el lenguaje franco de los materiales naturales e industriales, combinación característica en sus proyectos pues, al despegar la industrialización, él sintió que Dinamarca sólo podría destacar si sus productos eran técnicamente superiores a sus contrapartes artesanales tradicionales, así encontró nuevas formas de unir tradición e innovación. fritzhansen.com kjaerholms.dk

PK25, 1951

1948

Kjærholm se formó como aprendiz de ebanista en el taller Gronbech.

En muchos de sus diseños Kjærholm combinó sólo dos materiales: acero y mimbre.

Fotos objetos Egon Gade / cor tesía Fritz Hansen

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Poul Kjærholm trabajando en la PK22, diseñada en 1956, cuyo soporte es una variante de la PK25, su silla elemental.

PK33, 1959

1951

Diseño de la butaca PK25, su estructura está hecha de una sola pieza de acero, el asiento y respaldo son de una sola cuerda.

PK9, 1960

1952

Terminó sus estudios en la Escuela Danesa de Artes y Oficios en Copenhague; al mismo tiempo trabajó para Fritz Hansen.

1958

Sus diseños fueron aclamados en la exposición Formes Scandinaves en París y su silla PK22 ganó el Premio Lunning.

1959

Diseñó el banco trípode PK33, peculiar por sus ensambles que consisten en unir la parte superior y las patas con anillos de goma.


DISEÑO + HISTORIA

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Kjærholm frente a la PK25, diseñada en 1951, como proyecto final en la Escuela Danesa de Artes y Oficios en Copenhague.

Diseñado en 1965, el sillón PK24 está inspirado en el período rococó y la chaise longue francesa -silla larga- que presentaba la misma curva y tamaño.

PK80, 1957

1965

Se produjo la primera serie de su icónico sillón PK24, que destaca por sus líneas fluidas.

PK20, 1968

1973

Fue nombrado director del Instituto de Diseño de la Real Academia Danesa de Bellas Artes.

1976

Trabajó como profesor en el Instituto de Diseño, hasta su muerte en 1980.

PK61, 1956

1982

Todos los diseños de Poul fueron relanzados por Fritz Hansen, a excepción del modelo PK0.

1997

Se produjo la edición limitada de 600 piezas del afamado modelo PK0.


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DISEÑO + CIUDAD

Analogía entre lo PREHISPÁNICO y lo moderno El nuevo Estadio de los Diablos Rojos crea cohesión en una escala masiva a partir de innovaciones estructurales y materiales que crean contraste. Entrevista MARTHA LYDIA ANAYA

Fotos RAFAEL GAMO

El techo aerodinámico es una expresión directa de los requisitos estructurales del inmueble.


DISEÑO + CIUDAD

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Las formas del Estadio hacen referencia a la historia antigua de la Ciudad de México y al mismo tiempo actúan como una herramienta de orientación para los visitantes.

Retos del proyecto: la cimentación, por estar en un terreno con agua y el izaje de la cubierta, por sus dimensiones. “EL REGRESO de la Fórmula Uno a México fue el detonante para hacer el Centro Deportivo Alfredo Harp Helú (el nuevo Estadio de los Diablos Rojos) en la Ciudad de México, aunque la idea de tener un estadio propio venía de muchos años atrás, desde que se tenía la inquietud de buscar la comodidad de los fanáticos al béisbol y de evitar que se condicionara el calendario a otros eventos. Así, la planeación del estadio empezó a finales del 2014”, cuenta el arquitecto Alonso de Garay, director de Taller ADG que en colaboración con FGP-Atelier se encargaron de llevar a cabo este parque deportivo ubicado dentro del macrocomplejo de Magdalena Mixhuca, que se usó durante los Juegos Olímpicos de 1968 y en donde se corrió de nueva cuenta la competencia automotriz del Gran Premio de la Fórmula Uno. FGP-Atelier y Taller ADG hicieron mancuerna para el concurso del Nuevo Aeropuerto de la Ciudad de México (NAICM), combinando fortalezas en distintos campos. “Esta colaboración

–enfatiza de Garay– fue similar para el proyecto del Estadio de los Diablos Rojos, para el que los equipos de los dos talleres y despachos trabajaron en conjunto para desarrollar el concepto del proyecto. El diseño de la cubierta es de FGP-Atelier y está basado en la idea de crear un gran foro cubierto en donde la experiencia supera la idea tradicional del contenedor”. Alonso de Garay de Taller ADG propuso el uso de referencias prehispánicas en el diseño del basamento; mientras que, en contraste, Francisco González Pulido de FGP-Atelier se inspiró en la ligereza y la tecnología integrada para el diseño de la cubierta y la estructura híbrida de acero, prefabricados y concreto, que se percibe en los puentes que conectan las pirámides a la tribuna y los palcos. Las plantas arquitectónicas fueron diseñadas en colaboración entre las dos oficinas; se basaron en la modularidad del techo y en que las pirámides debían continuar con la misma lógica y claridad organizacional.

Taller ADG fue también el principal encargado del diseño de paisaje y de las plazas públicas que rodean parte del Estadio –en colaboración con Entorno–, además del interior del recinto deportivo debido a que requería de un conocimiento y sensibilidad local, y de una intensa coordinación con el dueño del espacio. De Garay hace hincapié en que independientemente de las distintas líneas de diseño de ambos despachos de arquitectura, la visión del proyecto del Estadio de los Diablos Rojos siempre estuvo alineada durante el proceso. “Hemos trabajado con un objetivo en común: la creación de arquitectura de valor y la generación de un impacto positivo en el equipo de los Diablos, sus dueños y directivos, el complejo deportivo Magdalena Mixhuca y el béisbol en general. El resultado es: una arquitectura única y singular, en la que el espacio abierto es tan imporante como el espacio construido”. talleradg.com fgp-atelier.com


Espacios con รกreas verdes, sombras para el descanso y postales visuales provocan que la gente quiera caminar por la plaza, cercana al Centro Histรณrico de la ciudad de Veracruz.


DISEÑO + CIUDAD

Sentir la ORILLA Plaza del Migrante se inspira en la “teoría de bordes”, provocando una suerte de espacio discontinuo, intersticial, un tejido entre dos elementos. –Taller DIEZ 05 Texto ITAYEDZIN ARAGÓN

Fotos LUIS GORDOA

UBICADA en la popularmente llamada Playa Regatas en Veracruz, Ver., Plaza del Migrante es un parque urbano que retoma el concepto del limes, voz singular del latín que significa 'límite'. Su recorrido, de casi 200 metros lineales, se abre hacia el mar con una vista directa al océano, aprovechando la circulación de grandes embarcaciones por la zona del puerto comercial y la presencia de monumentos históricos como la fortaleza de San Juan de Ulúa. La Plaza del Migrante fue desarrollada en una superficie aproximada de una hectárea, en ella se contemplan espacios definidos por texturas, vegetación, mobiliario, sombras y visuales. Con su diversidad se recrea un espacio discontinuo que al mismo tiempo plantea una especie de tejido en el que se revalora su contexto original, además de apropiarse de la idea del movimiento continuo, propia del oleaje marítimo. Su recorrido no lineal está habitado por pausas y ritmos sincopados que en conjunto forman un complejo urbano, haciendo referencia a uno de los barrios emblemáticos de la ciudad, el barrio de la Huaca, donde sus construcciones originales guardan un colorido particular, propio de las arquitecturas del golfo. Al encontrarse a orillas del mar, la plaza es un agente vivo pues responde a los fenómenos naturales como el oleaje y los vientos de norte que añaden características sensoriales diversas. En este sentido, se propusieron especies vegetales considerando las condiciones climáticas adversas del puerto de Veracruz. Al ser un espacio público se integraron elementos urbanos, que sirven como islas de descanso, miradores o sombras, elementos escultóricos que provocan un ritmo y acotamiento físico al lenguaje visual del conjunto y sirven de remansos para disfrutar las vistas hacia el mar. El proyecto liderado por el arquitecto Manuel Herrera Gil de Taller DIEZ 05, sirve además como preámbulo de un complejo a gran escala de regeneración urbana que integrará el espacio abierto con dos edificios: el Pabellón del Mar y el Museo de la Música del Mar, ubicados en los márgenes de esta misma plaza. tallerdiez05.com

La experiencia de "sentir la orilla" revalora el contexto original en el que se encuentra Plaza del Migrante, apropiándose de la idea del movimiento continuo del oleaje marítimo; por eso, su recorrido no es lineal sino pausado y de ritmos discontinuos.

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Fotos cor tesía

ADVERTORIAL

EL CATÁLOGO DE LAMOSA OFRECE UNA GRAN VARIEDAD DE TONALIDADES Y FORMATOS EN MADERAS CERÁMICAS Y PORCELANICAS QUE TE PERMITIRÁN ESTAR EN TENDENCIA, DÁNDOLE UN TOQUE CÁLIDO Y NATURAL A CUALQUIER ESPACIO.


ADVERTORIAL

Pisos y Muros comprometidos con el bienestar de los ecosistemas Para enfrentar la pérdida de los bosques, Lamosa ha desarrollado un programa de reforestación que involucra la siembra de árboles y la creación de esculturas.

LAMOSA DESARROLLÓ UN PROGRAMA DE REFORESTACIÓN EN EL QUE SEMBRARÁN AL MENOS 500 ÁRBOLES EN UN TRANSCURSO DE TRES AÑOS.

Lamosa está consciente de que el cuidado del medio ambiente es un tema cada vez más relevante y considera de suma importancia que todos debemos tomar acciones puntuales para ayudar a resolver los retos a los que nos enfrentamos y reforestemos nuestro planeta, porque es aquí donde la vida sucede. En tan sólo 15 años. la Tierra ha perdido más de medio millón de kilómetros cuadrados de bosques y se estima que en México desaparecen alrededor de 155 mil hectáreas por año. Para contribuir a revertir este problema, Lamosa desarrolla un programa de reforestación en el que siembra al menos 500 árboles en un transcurso de 3 años. Esta iniciativa es llevada a cabo al adquirir pisos de maderas cerámicas y porcelánicas Lamosa, ya que un porcentaje de cada compra ayudará a continuar con estos programas y a que se hagan aún más grandes. La empresa desarrolla esta acción de la mano de la asociación civil Reforestación Extrema, quienes se encargan de apoyar a la compañía a gestionar y ejecutar esta iniciativa de forma correcta y sustentable a largo plazo. Con el objetivo de darle más énfasis al programa, también colaboró con el reconocido artista Sergio Rodríguez, quien creó –con materiales de Lamosa– una serie de esculturas abstractas que representan árboles. Estas esculturas estarán en zonas de alto tráfico

peatonal, para lograr que más personas conozcan las acciones que ejecuta la empresa y, a su vez, reflexionen sobre los cambios para mejorar al planeta. Lamosa está comprometida con el cuidado del ambiente, por eso mejora sus procesos y materiales, para lograr reducir y minimizar día con día el impacto ambiental. Una de las iniciativas dentro del ramo industrial es el desarrollo de un sistema operativo enfocado en bajar los niveles de emisión de carbono en los procesos operativos, logrando ofrecer a sus clientes productos de construcción sustentables y duraderos. Actualmente, la fabricación de sus productos se hace a través de tecnología que recicla materiales de proceso evitando la pérdida de estos en grandes cantidades. De igual manera, rehusa grandes cantidades de agua y calor de hornos para la fabricación de sus productos, aprovechando al máximo los recursos naturales con los que cuenta. Cada día toma decisiones para hacer que sus productos sean sustentables y cumplan con la certificación LEED y la normatividad mexicana. Como empresa, sigue demostrando a través de acciones claras su compromiso con la protección del medio ambiente. lamosa–revestimientos.com


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ENFOQUE

Diseño sensorial “De mi papá heredé la cualidad valiosísima por la curiosidad”. –MARISABEL GÓMEZ VÁZQUEZ. Entrevista GRETA ARCILA, enviada Guadalajara

Retrato ALEJANDRO TORRES

Durante casi 40 años, la arquitecta Marisabel Gómez Vázquez, fundadora y directora de AI Arquitectora de Interiores, se ha especializado en proyectos de hotelería.

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ENFOQUE

En el hotel Viceroy Los Cabos, el uso de celosías ayuda a crear ambientes confortables.

“Ser mujer aporta muchísimo a la sensibilidad en el diseño. Tenemos radares para percibir lo que algunos no pueden ver.”


ENFOQUE

“DESDE NIÑA mi papá, don José Manuel Gómez Vázquez Aldana, construyó en mí un carácter muy recio. Siendo él todo un personaje y uno de los grandes nombres de la arquitectura en Guadalajara, con una carrera muy importante y un sinnúmero de reconocimientos, el ejemplo y las enseñanzas que tengo de él son sin duda un privilegio”, relata emocionada Marisabel Gómez Vázquez quien nació en el seno de una familia arquitectónica y desde pequeña estuvo rodeada de un contexto artístico que la empapó de curiosidad y la inquietud permanente por seguir aprendiendo. “Mi vida siempre ha sido muy emocionante sobre todo porque mi papá nos ha mantenido en retos todo el tiempo. A veces hace muchas bromas que luego no son tan simpáticas, pero que a mis hermanos y a mi nos han obligado a reflexionar muchísimo en los momentos que tenemos que tomar decisiones. En su personalidad como arquitecto y artista, él realmente tiene muchas facetas (urbanista, pintor, torero, poeta, es emprendedor, empresario, promotor y aún mucho más); recuerdo que me mandaba flores al colegio en eventos de fin de cursos y yo tenía que acercarme a recogerlas frente al director.

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Le decía: ¿por qué me haces eso papá? y él –muy firme y resuelto–, me respondía: para que le pierdas el miedo al ridículo. Ese es mi papá y así fue construyendo mi carácter y el de mis cinco hermanos, con quienes he logrado hacer un gran equipo de trabajo tanto en lo personal como en lo profesional.” Entre las anécdotas que la arquitecta comparte están aquellas de los típicos domingos familiares en que se la pasaban acuareleando. “Las condiciones eran: tu raqueta, tenis y chorros de pinturas, que alguien llevaba junto con los blocks de papel. Así, los días se convertían en grandes tardes de convivencia, con charlas interminables sobre arte y muchos otros temas más relajados, además de un sinfín de momentos de muchas risas y alegría. Cuando crecí y empecé a acompañar a mi papá a hacer sus recorridos de obra fue cuando me di cuenta de que había heredado de él la cualidad valiosísima por la curiosidad, por entender para qué se hacen las cosas y porqué se toman ciertas decisiones. Esas ‘miguitas de análisis’ se fueron dando de forma muy lógica y natural no sólo en mi proceso de vida sino también como parte del proceso creativo de diseño que hoy ha definido mi trabajo como arquitecta de interiores.”

Fotos cor tesía

ENTRE ARQUITECTURA INTERIOR Y PER SE Para Gómez Vázquez todo es comunicación. “El lenguaje visual, lo que hacemos, la ropa que nos ponemos, los colores que escogemos, lo que acomodamos o diseñamos en un ambiente o en un espacio; absolutamente todo transmite un mensaje. No es casualidad, así como nada tampoco va a llegar por accidente. Por eso, siempre me ha interesado mucho analizar los mensajes y observar los elementos alrededor para saber cuáles son los que me ayudan a expresar lo que quiero decir.” Cada una de las habitaciones está diseñada para un perfil específico de huésped.


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ENFOQUE

La colaboración con los artistas se ve reflejada en distintas piezas como cojines bordados, vajillas u objetos de cerámica en AC Hotel by Marriott Guadalajara.

Pero cómo comprender la diferencia entre arquitectura interior y la arquitectura per se, sobre todo cuando vivimos en un país en el que el interiorismo aún se entiende más como una tarea de decoración y no como un quehacer que requiere una formación que lo soporte. “Todo tiene un porqué, desde la luz hasta las texturas y las formas –dice Gómez Vázquez– y, en ese sentido, creo que debemos ponerle la seriedad que se merece”. “Nuestro despacho nació así: AI Arquitectura de Interiores. La decisión fue de mi papá. De hecho, uno de los primeros proyectos que realizamos fue alguno de los hoteles de la cadena Fiesta Americana; en ese entonces, mi padre y mi tío Jaime estaban al frente del equipo, yo aún estaba estudiando, pero recuerdo que nos dimos cuenta

de que para atender el tema de diseño de interiores en hotelería se necesitaba una especialidad. En aquellos tiempos, teníamos en la oficina un departamento de decoración, que así se llamaba, y justamente caímos en la idea de que eso tenía que cambiar, pues el interiorismo era parte integral del proyecto al complementar la propuesta previamente diseñada por el arquitecto”. “Nos percatamos de que un proyecto –particulamente de hotelería– se concibe a partir de las limitaciones estructurales de la arquitectura a la cual se va integrando el diseño de su interior. Todos los plafones, la distribución de los espacios, el funcionamiento de las diversas áreas, cómo se comunican las cocinas con los restaurantes o cómo está el back-of-the-house (que se refiere al funcionamento operativo interno de los hoteles)

en sinergia con el front-of-the-house (que es todo lo que el huésped toca, visita, camina y vive) es arquitectura de interiores. Ahí es donde se subraya una línea muy clara sobre cómo las arquitecturas se comunican y se complementan”. Esta es la esencia que fundamenta los orígenes de AI Arquitectura de Interiores, el cual surgió en los ochenta en sociedad con una empresa americana que se llamaba Graham & Solano, radicada en Boston y que en aquella época estaba en el top de las más importantes en el mundo. La arquitecta cuenta que los dos equipos desarrollaron varios proyectos en conjunto y estuvieron asociados por un tiempo, después vinieron los años de crisis y las devaluaciones que provocaron que la mancuerna se terminara. “Seguimos siendo grandes colegas y amigos. Lo más relevante de


Fotos cor tesía

ENFOQUE

En un edificio histórico en La Habana vieja, en Cuba, el hotel Saratoga representa la participación activa y la aportación de toda la gente que trabaja en el desarrollo de un proyecto.

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Un diseño contemporáneo, limpio y de líneas finas caracteriza el interiorismo de The Cape A Thompson Hotel Luxury Lifestyle en Los Cabos, BC.


Foto Thomas Hart Shelby

ENFOQUE

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esa etapa es que aprendimos mucho de cómo hacer arquitectura, incluso me fui a vivir a Boston una temporada para aprender el arte y oficio de la arquitectura interior”, cuenta Gómez Vázquez. ¿Y cómo funciona la arquitectura interior? –le preguntamos a la arquitecta, a lo que ella responde de manera muy asertiva: “Un proyecto de arquitectura interior para un hotel se puede llevar hasta 300 planos, sólo de arquitectura interior. Así es cómo funciona este quehacer, sin descartar que desde un principio todos los equipos deben de involucrarse con el proyecto; desde que está naciendo conceptualmente y apenas está diseñándose su volumetría hasta cuando se involucran los arquitectos para pensar en el space planning y en cuál va a ser la mejor distribución para poner el restaurante, el lobby o los espacios de convivencia”. Estos detalles son los que al final del día le brindan una experiencia completa a los turistas y húespedes en un espacio de hospitalidad. “Dónde va y qué tipo de restaurante va a ser o si será un lugar de especialidad que trabajará mañana, tarde y noche, es sólo una parte integral de todos los temas que es importante revisar para organizar la manera cómo un huésped va a vivir su experiencia en un hotel”, corrobora la creativa haciendo énfasis en que efectivamente la arquitectura de interiores es una especialidad en sí misma. Y precisamente es ese conocimiento y especialización lo que han hecho que la empresa y equipo (que ahora dirige Marisabel Gómez Vázquez) esté presente en las grandes ligas de las grandes cadenas hoteleras en el mundo como despacho enfocado en arquitectura interior. En el 2020 el despacho cumplirá 40 años. Un acontecimiento que congratula a Marisabel porque ella estuvo ahí desde los inicios hasta que finalmente se fue haciendo responsable de la operación de la oficina. “En el transcurso de los años he visto cómo se han ido complementando la firma de arquitectura con la parte de diseño de interiores”, dice con gran satisfacción.


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ENFOQUE

VIVENCIA DENTRO DE LOS ESPACIOS Uno de los temas más importantes en la arquitectura de interiores es la experiencia. Finalmente, el usuario elige el hotel dónde se va a hospedar por sus ambientes y por la vivencia que va a tener dentro de sus espacios. Esa parte sensorial, Gómez Vázquez y su equipo la dominan a la perfección, tan es así que al día de hoy sus proyectos de interiorismo comprenden más de 270 hoteles y resorts en Guadalajara, la República Mexicana y Latinoamérica para cadenas y marcas internacionales como Ritz Carlton, Four Seasons, JW Marriott, Marriott, Hyatt, Hilton, One & Only, Starwood, Westin, Sheraton, Aloft, Nikko, Accor, Novotel, Aloft, NH, Continental, Vice-

roy, Wyndham, IHG, Fiesta Americana y Pueblo Bonito, entre otras muy importantes. Además de proyectos recientes como el hotel Viceroy Riviera Maya, el Hotel Real Arenas República Dominicana, el JW Marriott Santo Domingo y el Tryp Albrook Panamá, entre los más destacados. Teniendo un portafolio tan vasto, ¿cómo ha sido el acercamiento con clientes tan únicos y diferentes en sus requerimientos y necesidades? La arquitecta es enfática al responder: “La manera en que se hace el diseño de los hoteles ha cambiado mucho. En los 80 y principios de los 90 era un orgullo decir: ‘fui al Marriot en Hong Kong y me sentí tan a gusto como en el Marriot de Washington’, es decir, se presumía el poder identificar

El estilo en The Cape A Thompson Hotel Luxury Lifestyle remite a la arquitectura mexicana de mediados del siglo xx, pero con un resultado más contemporáneo.


Fotos cor tesía Foto Rafael Gamo

La atención al detalle y hacia las necesidades y sensibilidad de los huéspedes hace sinergia con el diseño de habitaciones modernas y confortables.


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ENFOQUE

Para la arquitecta Marisabel Gómez Vázquez es muy importante representar la esencia de México en todos sus proyectos a través de objetos artesanales, como bordados, marquetería o textiles.


ENFOQUE

La exigencia de calidad, así como la integración de la naturaleza son esenciales en cualquier proyecto.

Fotos cor tesía

El respeto a las culturas locales ha permitido al despacho de AI Arquitectura de Interiores evolucionar y avanzar.

los mismos ambientes en lugares con estándares de calidad cada vez más exigentes y precisos en cuanto a comodidad. Sin embargo, en el presente ya no se siguen los estándares estéticos sino que todo funciona alrededor de los sentimientos y emociones de las personas dentro de un espacio de hospitalidad.” “Las cadenas de lujo exigen cada vez más que la experiencia sensorial de sus huéspedes sea redonda; si están en Hong Kong, París, Nueva York, Cancún o San Miguel de Allende se trata de hacerlos sentir en ese lugar y no en otro, pues cada uno de estos sitios es diferente en cultura, en actividades, en paisajes, en costumbres y en comunidades. Para nosotros, por ejemplo, uno de nuestros grandes retos ha sido cómo vender un estilo mexicano y, en ese afán, hemos descubierto que México es un abanico de atmósferas polifacéticas, capaz de conquistar y satisfacer al más exigente de los visitantes”. Ahí está la magia de AI Arquitectura de Interiores, que ofrece desde ese estilo de un México de arquitectura contem-

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poránea del que nos sentimos orgullosos hasta aquel de época mid-century como el del hotel Thompson de Los Cabos, que ha sido un parteaguas en el diseño de interiores de las cadenas de hoteles internacionales establecidas en el país. “Eso es lo maravilloso de este trabajo; no hay bien o mal ni algo que esté equivocado o sea lo más acertado, lo que existe son soluciones infinitas para armar las experiencias que el huésped está esperando y de lo que se trata es de evolucionar en ese círculo de relacionar lo global con lo local. Creo que no debemos cerrarnos a la curiosidad de investigar sobre la artesanía, la mano de obra y los materiales que hacen único a cada lugar. La gente de todo el mundo está ávida de conocer todo eso y, particularmente, nosotros en México tenemos la fortuna de vivir en un país riquísimo en el tema artesanal y de los grandes maestros”, concluye la arquitecta. ainteriores.com.mx


ADVERTORIAL

Optimizando espacios

Foto cor tesía PM Steele

PM Steele presenta el primer showroom para sistemas de almacenaje en México.

Los espacios bien utilizados se traducen en ahorros para las empresas, pues en la medida de que éstas cuenten con un inventario bien organizado, catalogado y en excelentes condiciones su materia prima o insumos necesarios para la operación de su giro, menores serán sus mermas y mejores resultados obtendrán en eficiencia, entrega de producto e impacto con sus clientes. Consciente de esta necesidad, PM Steele presenta su primer showroom de sistemas de almacenamiento, el cual se describe como una innovadora plataforma de exhibición para que el cliente entienda cómo funcionan y se aplican este tipo de soluciones para resolver problemáticas muy particulares de su negocio. La idea de crear este showroom surgió de la inquietud por optimizar el piso de la planta baja del edificio corporativo de la empresa en la Ciudad de México. Había varias propuestas para ocupar ese espacio, pero finalmente se visualizó como una muy buena oportunidad para apropiarse del lugar e instalar una nave en donde conjuntar desde soluciones de mobiliario para espacios de trabajo hasta sistemas de almacenamiento, racks, archivo móvil y estantería. Hasta ahora no hay nada parecido en México, pues los clientes suelen ir a los centros de distribución (que por lo general se encuentran alejados de las oficinas centrales de las empresas), a conocer los productos que especifican y seleccionan a través de catálogos. En este showroom se mejora la experiencia del usuario al darle la oportunidad de conocer todas las soluciones que tiene la compañía en el tema de almacenaje en tamaño real. El cliente puede probar las capacidades de los equipos y diseñar la solución que mejores resultados le brinde con base en las necesidades propias de su negocio y bajo la asesoría de expertos. Es una experiencia única e interactiva

ESTE SHOWROOM SE INTEGRA A LA PLATAFORMA DE EXHIBICIÓN DE SOLUCIONES DE MOBILIARIO PARA ESPACIOS DE TRABAJO CON LAS QUE CUENTA LA EMPRESA.

Miguel de Cervantes Saavedra 183. Col. Granada, CDMX

entre el cliente y el producto, que le permite elegir desde el rack hasta el mobiliario de archivo móvil y estantería más apropiado y funcional para mantener desde materias primas hasta productos listos para su comercialización. Los espacios no nada más se deben cuantificar como superficies planas, sino que también es importante sacarles provecho en todo lo que se pueda almacenar hacia arriba. En cuanto al diseño y fabricación de sistemas de almacenaje, PM Steele ha trabajado desde hace algunos años en alianza con la empresa Ar Racking, con quienes han conformado un vasto portafolio de soluciones de alta calidad que son el resultado de un constante análisis y desarrollo tecnológico; así, el resultado es un servicio especializado y diseñado como ‘traje a la medida’ para cada cliente. PM Steele se enfoca a soluciones de mobiliario para oficinas y sistemas de almacenamiento. pmsteele.com.mx


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ENTREVISTA

Buscando un balance Entrevista ITAYEDZIN ARAGÓN, enviada Milán

“Sin importar de qué tipo de proyecto se trate, su diseño debe tener un propósito; si no lo tiene, pensamos que no debemos hacerlo”. –OEO Studio


Foto Marie Louise Munkegaard

ENTREVISTA

Thomas Lykke y Anne-Marie Buemman son diseĂąadores daneses; actualmente dividen su prĂĄctica entre Copenhague y Tokio.

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En su versión de techo, Hotaru resalta por sus formas redondeadas y femeninas.

Fotos cor tesía

Hotaru está inspirada en las tornamesas análogas, de ahí surge el brazo que sostiene la pantalla semiesférica.


ENTREVISTA

LOS DISEÑADORES Thomas Lykke y Anne-Marie Buemann fundaron OEO Studio, con sede en Copenhague, Dinamarca y una oficina externa en Tokio, Japón. Hablamos con ellos, celebrando el lanzamiento de la lámpara Hotaru, que en japonés significa: luciérnaga, diseñada para la firma Stellar Works, con sede en Shanghái, China. Thomas habló sobre el despacho: “El estudio tiene 17 años, trabajamos en tres áreas del diseño: hacemos arquitectura de interiores, diseño de producto e innovación de marca. A lo largo de los años nos hemos involucrado en el lanzamiento de varias marcas, con Stellar Works por ejemplo, y también hemos diseñado muchos restaurantes, Inua es el más reciente. Hemos estado presentes en Japón y Asia por más de diez años, por la cantidad de proyectos que desarrollamos ahí. En general, tenemos proyectos en todos lados a pesar de que somos un estudio modesto.” La ubicación en Japón no es una casualidad, ya que el estudio tiene un apasionado amor por su cultura, su estética, sus rituales, su comida y su gente. “Elegimos a Japón porque creemos que estéticamente coincide con el estilo danés, en algunos de nuestros proyectos podemos combinar ambas culturas, construir un puente entre lo escandinavo y lo japonés, buscando un balance. Considero que ambos comparten valores estéticos y creo que tiene que ver con la sencillez, esa depuración en donde ambos coinciden también está enfocada a los detalles, que suelen liberarse de ornamentaciones, pero resaltando las cualidades materiales y de destreza artesanal”. Hablamos sobre cómo el diseño se está internacionalizando y Thomas coincide: “comenzamos a ver algunos proyectos tal vez un poco planos y todo comienza a verse un poco igual, especialmente si los diseñadores ven lo que está en tendencia, por ejemplo si resuena lo que es el diseño danés pues intentarán hacer diseño danés, lo cual es muy raro, es como si nosotros empezáramos a hacer diseño latinoamericano, simplemente podremos utilizar ciertas ideas que interpretemos como latinoamericanas, pero la realidad es que nosotros como diseñadores debemos mantenernos fieles a nosotros mismos y a nuestras raíces, no estoy diciendo que no puedas inspirarte del trabajo de otros porque eso también es importante, lo que trato de decir es que si todos empezamos a hacer lo mismo pues será muy aburrido. Es importante que los diseñadores siempre traten de hacer algo único. Sería una pena que el diseño se convirtiera en algo aburrido, ya no tendría ningún sentido. Considero que el rol del diseñador por supuesto tiene que

“En el estudio encontramos inspiración en todos lados sin dejar de ser escandinavos.” –Thomas Lykke, OEO Studio.

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ver con pensar en el contexto global, sobre todo en la parte del uso de recursos y el impacto que tiene en la naturaleza, pero también es importante hacerlo con un estilo propio y ofrecerle algo importante al mundo en términos de singularidad.” La relación del estudio con Stellar Works se remonta a antes de su fundación, ya que ellos colaboraron en la creación de la firma, “en ese entonces no había ninguna firma de diseño en China, sólo se hablaba de que era un país que hacía copias y eso ha cambiado por completo, actualmente hay muchos diseñadores muy buenos provenientes de China, además de una cantidad potente de firmas que están demostrando lo que pueden hacer en materia de diseño sin necesidad de reproducir copias. Entonces, el objetivo al desarrollar Stellar Works con Yuichiro Hori, era crear una firma de diseño originaria de China de nivel mundial. Eso fue en 2011, desde entonces hemos estado en contacto con ellos, ahora con la dirección creativa de Neri&Hu nos invitaron a diseñar una nueva colección de lámparas, llamadas Hotaru, de hecho, nunca habíamos diseñado lámparas antes y en el mercado ya existen muy buenos productos, así que, si teníamos que hacer una nueva lámpara, teníamos que hacer algo verdaderamente bueno, con un propósito claro o algún factor interesante.” Aunque Hotaru parece ser muy simple, se trata de un objeto con una forma muy característica y un significado profundo, pues “está inspirada en cómo durante la era digital no podemos olvidarnos de lo análogo y la interacción que tenemos con este tipo de objetos”. Lykke comenta que retomaron como ejemplo las tornamesas, pues cuando colocas un disco en ellas hay movimiento tanto del usuario como del objeto, “entonces si ves la versión de mesa de Hotaru puedes ver que hay un brazo y que ese tipo de interacción es necesaria, aunque parece verse muy masculina e industrial, se trata de un objeto ligero y delicado.” Si bien, producir una lámpara más parece ser innecesario, OEO Studio considera que el buen diseño “se trata de hacer menos, hacerlo mejor y duradero, eso es ser sustentable pues si se trata de un objeto de buena calidad tendrá una vida de uso prolongada, más allá de tener sólo mercancía para hacer dinero rápido y usar un objeto sólo por una temporada y comprar otro y otro, eso no es bueno para nadie. Debemos detenernos y analizar a la industria, tal vez encontremos que hay que hacer las cosas un poco diferentes, nosotros como diseñadores somos responsables de que eso ocurra”, finalizan. oeostudio.com stellarworks.com


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ENTREVISTA

Constance Guisset fundó su estudio de diseño en el 2009, especializándose en diseño, arquitectura interior y escenografía.


ENTREVISTA

La belleza del tiempo “Cuando el resultado me sorprende, sé que es un buen proyecto.” –CONSTANCE GUISSET

Retrato cor tesía Constance Guisset Studio / foto ©Petite Friture

Entrevista SANDRA MONTIEL, enviada Milán

PETITE FRITURE es una firma editora de diseño por colaboración fundada en 2009, desde entonces ha desarrollado proyectos sin seguir una línea estética específica. Tuvimos la fortuna de entrevistar a Amélie du Passage, fundadora de Petite Friture y a la diseñadora Constance Guisset, quienes han desarrollado varios proyectos juntas. Constance cuenta: “Cuando conocí a Amélie, me propuso que diseñara la colección de lámparas Vertigo, se trata de mi primer diseño editado por un tercero, y para Petite Friture era la primera colección que se producía. Decidí colaborar con Amélie pues tenemos los mismos ideales; ahora, ella ha construido algo muy sólido de manera independiente y yo también he diseñado por mi cuenta, de vez en cuando nos reunimos para desarrollar algo nuevo, yo creo que algunos de mis mejores diseños son los que he desarrollado con Petite Friture.”

Las mesas Francis son una interpretación de los espejos homónimos, diseñados por Guisset en el 2011.

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ENTREVISTA

Para Amélie, “el núcleo de Petite Friture es el diseñador, pues las ideas vienen de ellos. En el desarrollo de productos, nosotros somos muy claros en términos económicos y de producción, pero también mantenemos un diálogo de respeto por las ideas de los diseñadores”. Ambas presentaron la colección de mesas Francis durante el Salone del Mobile en Milán; las mesas son una referencia a los espejos homónimos. “Los espejos Francis surgieron cuando visité el estudio de Francis Bacon en Dublín, Irlanda; por supuesto no era el estudio original, sino una reconstrucción, recuerdo que todos los espejos tenían manchas, una prueba del tiempo que ha pasado, lo cual considero es hermoso, así que quise hacer algo pero creando algo nuevo, como una versión positiva con color”, platica Guisset. El proceso para desarrollar los espejos requirió un trabajo intenso, muchas veces Constance los presentaba recargados horizontalmente en el piso, así Amélie le dijo: “deberíamos hacer mesas con ellos”, así fue como surgió el proyecto. Guisset relata: “quise que las mesas fueran extremadamente claras en términos de forma, simples pero que pudieran mostrar lo que está pasando en su superficie. Lo que me gusta de la idea de un espejo, es que tiene misterio, puedes ver el futuro o el pasado, hay algo de magia en ellos”.

“Es emocionante presentar un producto, pues toma tiempo desarrollarlo y su lanzamiento implica una retroalimentación.” —AMÉLIE DU PASSAGE

Parte de la expresividad de las mesas Francis radica en los reflejos, pues en palabras de Constance, “se convierten en una especie de estanque, pues al colocar algo sobre ellos puedes sentir que ese otro objeto está navegando, por eso elegí colores más acuáticos para acercar el objeto al mar. De hecho, las mesas dan la sensación de estar hechas a mano, aunque se trata de un objeto industrial.” Para Francis, Constance hizo las acuarelas a mano, “me tomó mucho tiempo encontrar el equilibrio que quería obtener, al principio quería cubrir toda la superficie, pero me di cuenta de que de esa forma no iba a servir, al final se convirtió en un objeto que me sorprendió pues superó mis expectativas. Al principio trabajé la acuarela en papel, en una dimensión especifica pues sé que controlando el tamaño puedo controlar el resultado, es algo que requiere mucha concentración, hice los trazos para que se vieran naturales, no quería que fueran artificiales, al principio no estaban hechos para ser mesas así que tuve que transformarlos, porque cuando tomas un objeto planeado como arte y quieres que sea otra cosa tiende a perder fuerza, entonces tienes que hacer que funcione y eso es más trabajo.” Las mesas consisten en una base laqueada en color blanco o negro que soportan un espejo que fue tratado especialmente, pues los colores delicados y difusos son una impresión embebida en el espejo, gracias a ello se puede observar cierta profundidad. Para terminar, preguntamos a Constance sobre el camino que el diseño está trazando, “estamos en un momento en el que buscamos manufactura humana, creo que la industria puede combinarse con la artesanía. Se trata de hacer del mundo un lugar mejor, es un ciclo en el que necesitamos cambiar el juego y hacer desarrollos más justos, encontrar un balance”, concluye la diseñadora. constanceguisset.com petitefriture.com

Fotos ©Petite Friture

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Las superficies de las mesas parecen un estanque misterioso, donde los colores se funden con el espejo.


FIGURAS DEL INTERIORISMO

Narrativa de los ESPACIOS ¿Cuáles son las claves para crear proyectos auténticos de interiorismo? Cinco talentosas figuras comparten su proceso creativo y experiencias. Textos

MARTHA LYDIA ANAYA

“Los espacios minimalistas, solemnes y grises son lindos, pero no son propios de nuestra cultura”. –Andrés Gutiérrez TEN, Condesa

Fotos cor tesía

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“Soy aficionado a crear paletas de color, aunque la principal característica de mi estudio está en la forma en la que conceptualizamos”. –Andrés Gutiérrez

Sensaciones y sentimientos “Me gusta ser arriesgado y no temerle a la caducidad ni al color. Hago diseño prestándole atención a las emociones”. –ANDRÉS GUTIÉRREZ.

SIEMPRE QUE LLEGA un proyecto nuevo a su mesa de trabajo, la primera pregunta que se le ocurre a Andrés Gutiérrez –fundador de A-G Studio– es: ¿En qué me voy a inspirar? “Con esa curiosidad comienza la aventura y una vez elegido el tema y la tendencia que voy a utilizar le doy rienda suelta a la investigación en libros, revistas, internet y cualquier fuente que tenga disponible para empaparme del tema. Luego viene la creación de la famosa paleta de color y de materiales, de las que surgen las ideas claves generales para desarrollar un proyecto”, comparte el diseñador quien se dejó llevar por su veta emprendedora al sentirse inspirado por las palabras de su colega Héctor Galván durante una conferencia cuando

Arriba: Estudio Botánico, Design House 2018. Abajo: Përgamo

recién había terminado el proyecto de interiores del Hotel Básico en Playa del Carmen. Gutiérrez tenía 20 años en ese entonces, pero recuerda que escuchar a Galván en aquel pódium y conocer su proyecto en diapositivas, fue lo que despertó su interés por hacer interiorismo. Relata que la idea de emprender la tuvo desde siempre; por eso, cuando terminó la universidad lo único que tenía claro era que quería hacer interiorismo de una forma distinta. “En mi rebeldía de esa época también sabía que no quería tener un jefe. Así, que empaqué mis cosas y me mudé de León, Guanajuato (donde vivía) a la Ciudad de México, en donde tomé algunos cursos que me ayudaran a seguirme preparando y comencé a venderme como diseñador freelance de espacios. Así nació: A-G Studio, con muchas ganas de desafiarme a mi mismo y de hacer las cosas bien”, cuenta Gutiérrez cuyo proyecto más icónico y el que ha catapultado su carrera es: Ignacia Guest House, un bed & breakfast en la colonia Roma que trabajó con el despacho Factor Eficiencia. “Le tengo mucho cariño a Ignacia Guest House porque, además de que está puesto todo mi esfuerzo y corazón ahí,

es un proyecto de remodelación arquitectónica e interiorismo que ha recibido muchos premios y publicaciones alrededor del mundo, incluso en sus habitaciones se han hospedado personas que son mi inspiración, como Patricia Urquiola y Björk.” Actualmente, el diseñador está trabajando en el interiorismo de un par de hoteles en San Miguel de Allende, uno de ellos apenas va arrancando y el otro (Casa Hoyos) está a punto de entregarlo. También tiene planeado lanzar su propia colección de mobiliario/arte-objeto, en la cual se ha ocupado más de dos años, pero que aún sigue puliendo hasta sentirse conforme con los resultados. Para él, lo más importante al momento de diseñar los interiores para un espacio ya existente recae en: respetar la arquitectura del lugar, sobre todo si se trata de un inmueble con valor histórico, artístico o patrimonial; hacer uso de la psicología del color como elemento clave para la afabilidad del espacio, y arriesgar un poco sin perder el sentido del humor que caracteriza los lugares de un país cálido como lo es México. andresg.mx


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FIGURAS DEL INTERIORISMO

Expresar lo mexicano “Los elementos clave para cualquier espacio son las texturas e iluminación; lograr que el lugar armonice y elegir cada material con ojo crítico”. –AZUL CELESTE.

Espacios abiertos, tonos neutros y el contacto con la naturaleza son elementos vigentes en interiorismo.

SOFÍA ZARAGOZA Y ANDREA BORQUEZ estaban por graduarse de la universidad cuando decidieron fundar su propio despacho de interiorismo: Azul Celeste, que nació en el 2016. “Estudiamos juntas y además de ser buenas amigas, siempre hicimos muy buen equipo de trabajo. Compartíamos el gusto y pasión por el diseño y siempre nos llamó mucho la atención el interiorismo. Ese mismo año, todavía en la universidad, se nos presentó la oportunidad de remodelar un edificio de oficinas en Guaymas, Sonora: Edificio MA y después de los buenos resultados que obtuvimos con éste y otros pequeños proyectos, decidimos oficialmente abrir nuestro propio despacho”, platica Andrea Borquez haciendo una particular pausa y énfasis en la anécdota que dio origen al peculiar nombre de la oficina. “Al

pensar cómo nos llamaríamos –relata–, siempre pensamos que queríamos un nombre muy mexicano; en ese momento y con mucha visión soñábamos con que algún día nuestros proyectos alcanzarían otros continentes y que desde donde sea que fuera se pudiera reconocer que éramos un despacho mexicano. Fue así como decidimos llamarnos: Azul Celeste”. Borquez agrega que el Edificio MA definitivamente es uno de sus proyectos más icónicos. “Era un inmueble que nos pidieron remodelar, se encontraba en muy mal estado y estaba protegido por el INAH, pues se encuentra en el Centro Histórico de la ciudad de Guaymas, Sonora. El resultado fue muy positivo. pues se logró un contraste muy interesante entre lo viejo y lo nuevo, y logramos obtener algunos premios y publicaciones. Con orgullo puedo decir que fue el inicio de lo que estaba por venir”. En residencial, otro de los proyectos con el que las jóvenes emprendedoras han quedado

muy satisfechas es: Casa IC. “Fue nuestro primer trabajo grande de tipo residencial y afortunadamente tuvimos mucha libertad de diseño; fue un reto muy interesante para nosotras al ser el primero en esta gama”, cuentan Zaragoza y Borquez, quienes consideran que el mercado sonorense apenas empieza a invertir en proyectos de interiores. “Tomando esto en cuenta, creemos que la gente en Sonora busca lo atemporal, muebles que perduren con el tiempo, tonos neutros y formas clásicas. De esta manera dejan juego a los accesorios y al arte para dar más vida y color. Sentimos que todavía se van más hacia lo práctico y por eso buscan materiales duraderos; además, es muy importante siempre pensar en la exposición al ambiente ya que por acá vivimos en un clima bastante caluroso”. azulcelestemx.com

Retrato Alexander Potiomkin / Fotos cor tesía

Arriba: Casa LJ. Abajo: Departamento BZ


“Estamos trabajando en proyectos residenciales en Sonora, aunque también tenemos casas en otros estados”. –Andrea Borquez Casa LJ


Hunan Artz

Fotos cor tesía

“Es importante interpretar al arquitecto constructor del ‘cascarón’ de una obra original para descubrir sus intenciones y diseñar algo en diálogo con su exterior”. –Santiago Cuaik


FIGURAS DEL INTERIORISMO

Izq: Oficinas Cuaik. Der: Sylvestre Artz

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Cuaik Arquitectos recién ha empezado a crecer en el gremio de los hoteles y ésta es una etapa que los reta y entusiasma mucho.

Arriesgar al diseñar “A los mexicanos les gustan los espacios coloridos y los muebles con texturas diferentes, pero sin llegar a ser radicales”. –SANTIAGO CUAIK HASTA EL MOMENTO, los restaurantes son los proyectos más icónicos que ha realizado Cuaik Arquitectos, un despacho fundado en el 2010 y que arrancó con pequeños proyectos para familiares y amigos. El arquitecto Santiago Cuaik, director del equipo, platica que recién han empezado a crecer en el gremio de los hoteles y ésta es una etapa que los reta y entusiasma mucho. “Lo que hoy en día –dice–, nos tiene más emocionados en el despacho es el desarrollo de hoteles, es un área que hasta hace un año era completamente nueva para nosotros y que hoy tiene a una buena parte del equipo trabajando. Por lo pronto, no buscamos expandirnos como tal; queremos mantener el despacho cómo está, creemos que un equipo chico y bien consolidado puede generar cosas mucho mejor pensadas y más personales.” Para Cuaik, su propuesta no está casada con ningún estilo arquitectónico en particular sino

que busca entender las necesidades de los clientes, pero siempre yéndose un paso más allá con proyectos un poco más arriesgados y materiales y mobiliarios originales. “Creo que la clave es entender al usuario a fondo. Conocer que quiere y cuál es el estilo de vida que quiere llevar. En segundo lugar considero que es importante saber interpretar al arquitecto que construyó el ‘cascarón’ de la obra original y descubrir cuáles eran sus intenciones, para así diseñar algo que pueda dialogar con su exterior.” Por lo general, este proceso creativo arranca con la elaboración de un mood board; una junta con el cliente para que le comparta al equipo qué es lo que le inspira, qué busca en el sitio y cómo se imagina que se podría vivir o trabajar ahí. A partir de eso, el siguiente paso es la realización del programa arquitectónico, para el que es imprescindible saber cuáles son las necesidades del cliente y ayudarle a aterrizarlas y materializarlas.

“Una de las cosas más divertidas y laboriosas que nos ha pasado es que tres veces la pareja de clientes para la que estábamos proyectando su residencia se embarazaron de gemelos, y eso nos hizo cambiar el mismo número de ocasiones todo el proyecto desde el programa arquitectónico”, cuenta Cuaik a manera de anécdota. En opinión del arquitecto egresado de la Universidad Anáhuac: “Hoy en día, por las diversas plataformas de decoración que existen y el impacto inmediato de las redes sociales, la diferencia entre tendencias de interiorismo ha dejado de ser tan marcada y de alguna manera se ha globalizado; aún así, creo que al mercado mexicano le gustan los espacios coloridos, los muebles con texturas diferentes y que el diseño sea un tanto más arriesgado aunque sin llegar al punto de ser radical.” Hablar de tendencias acota el campo de proyección, pero siempre hay elementos que se pueden haber tenido olvidados y que regresan. “Actualmente, por ejemplo, a los arquitectos de interiores nos gusta mucho usar plantas en interiores y eso lo veo como una tendencia que no deberíamos dejar pasar”, concluye Cuaik. cuaik.com


El interiorismo de hoy busca un contraste entre texturas y formas: mármoles con mucha veta y colores inusuales, barros con superficies irregulares, mobiliario con geometrías arquitectónicas y materiales al desnudo. Casa Calabasas

Entre grises y materiales al desnudo

Fotos cortesía

“Lo espontáneo del diseño recae en la flexibilidad de su metodología creativa”. –BIBIANA HUBER.


FIGURAS DEL INTERIORISMO

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Casa Calabasas

B-Huber se ha enfocado sobre todo a proyectos de hospitalidad con hoteles boutique y de marcas internacionales, además de casas privadas de lujo en Guadalajara, restaurantes y bares.

B-HUBER se funda en el 2009 cuando Bibiana Huber reúne a un pequeño equipo de trabajo para participar en el concurso de diseño para desarrollar el proyecto El Hotelito Desconocido en Costa Alegre, Jalisco. Sus inquietudes fueron representar a México a través de una propuesta de interiorismo y diseño de piezas con una fuerte influencia en la mano de obra artesanal del país. Parte de sus fuentes de inspiración se resumen en el contexto, las líneas y materiales de la arquitectura mexicana contemporánea, que se destaca por su contraste de texturas y colores que van desde los grises cálidos hasta las terracotas y verde olivos, de los mármoles a las piedras más porosas, de los metales brillantes a los óxidos.

“En cada proyecto –platica la diseñadora industrial egresada del Tec de Monterrey Guadalajara– buscamos representar la mezcla precisa de estilos, enalteciendo nuestro trabajo creativo y el de muchos otros diseñadores, artistas y artesanos nacionales e internacionales. La diversidad hace que cada proyecto sea único; por eso, analizo las necesidades, limitantes, características y puntos potenciales de cada propuesta, y posteriormente genero una lluvia de ideas y bocetos hasta llegar al balance perfecto entre diseño y producción. Para mí, lo espontáneo del diseño es la flexibilidad en la metodología creativa”, dice. Desde su punto de vista, los elementos clave para crear un buen interiorismo (que vaya en armonía con la parte de arquitectura) “es generar suficiente sinergia y contraste entre los materiales arquitectónicos y el resto; ubicar suficientes puntos de luz ambiental cálida; jugar con las proporciones de elementos bajos y altos, y referenciar siempre el proyecto de interiorismo a su contexto”.

Este proceso creativo es lo que está detrás de proyectos como El Hotelito Desconocido, cuyas piezas de diseño exclusivo involucran técnicas artesanales que crean ambientes inspirados en las cartas de la lotería mexicana y se entremezclan con el entorno ecológico del lugar en donde se encuentra; y Del Carmen Hotel, que refleja la magia expresiva de los surrealistas de la ruptura mexicana en combinación con la arquitectura de una casona que vivió la libertad creadora de esa época y que ahora engalana el Centro Histórico de Guadalajara. Y ya que hablamos de la capital del estado de Jalisco, Huber piensa que “el mercado tapatío se encuentra en una etapa de transición en su percepción del diseño hacia tendencias y marcas cada vez más internacionales, muy influenciada por la diversidad y cultura de diseño de la Ciudad de México, Nueva York y el resto del mundo. Por lo tanto, creo que existe la necesidad de un diseño menos convencional y más cosmopolita, pero sobre todo accesible”. b-huber.com


Los muebles de MOB son un proyecto permanente; su Colección Sexta, si bien tiene unas 20 piezas nuevas, es un ente vivo y en camino de proyectos actuales.

Brillos, acentos y silencios “No creo en tendencias, las personas nos identificamos con los objetos y con lo que un espacio puede aportarnos”. –JESÚS IRIZAR “CREAR CREDIBILIDAD en un mercado fértil que acostumbraba identificar la palabra diseño como sinónimo de lujo inalcanzable”, esa fue la filosofía detrás de MOB, nacido en el año 2000 como iniciativa de un equipo de cuatro diseñadores industriales mexicanos: Cecilia León de la Barra, Óscar Nuñez, Enrique García y Jesús Irizar, todos egresados de la Universidad Iberoamericana y con inquietudes muy similares. “Nos encantaban los objetos, principalmente los de uso en la vida cotidiana y que te acompañan en los quehaceres diarios: muebles”, recuerda Jesús Irizar –director del despacho–, enfatizando que en aquel entonces el pequeño grupo decidió aventurarse en la virgen industria del diseño en México, cuando no habían muchas propuestas y el país apuntaba su mirada a los productos importados. “Había una gran oportunidad, una amplia ‘cancha de juego’ en la que al mismo

tiempo de aprender, podíamos abrirnos paso con las bondades de nuestra disciplina. Así, creamos la primera de seis colecciones de mobiliario que hemos desarrollado a lo largo de estos 19 años”. Durante este tiempo ha pasado de todo: desde los momentos divertidos hasta las etapas retadoras y que han dejado mucho aprendizaje. Por mencionar algunas situaciones al azar, Irizar comparte cuando, por fin, pudieron instalar su fábrica después de 15 años de hacer maquilas externas. “Esto nos abrió los ojos y pudimos entender otra realidad de la industria en México: cómo hacer empresa y la trascendencia que esta idea tiene en miras de tener un proyecto estable.” “Nuestro país –agrega el creativo– ha generado lo suficiente como para presumir una identidad propia, es un territorio lleno de diversidad cultural que está igualmente conectado con el mundo a nivel de información. En la parte en la

que no tenemos una ventaja en comparación con los otros países es en la estabilidad económica; aquí es difícil emprender, los proyectos urgen y el tiempo de desarrollo dentro del mundo del diseño en México es casi nulo. No nos falta historia ni elementos de identificación cultural, imaginación o creatividad, lo que necesitamos es un marco estable para consolidar proyectos trascendentes”. En interiorismo cuando se habla de proyectos trascendentes se involucra el uso del espacio y la arquitectura existente como los ingredientes necesarios para que se pueda crear un concepto, sin ellos es difícil encontrar una narrativa. “Ésta tiene que ver con la serie de personajes que protagonizan la historia que ese espacio pretende contar; por eso, tener un concepto claro debe ayudarnos a colar entre un sinnúmero de opciones la paleta de materiales y de color para aplicarse. Los pasos siguientes en este proceso creativo son los momentos de angustia versus alegría y cualquier emoción que queramos contar en esta historia, entiéndase como brillos, acentos y silencios que de un momento a otro, de una pieza a otra, de un muro a otro, generan un ritmo que da equilibrio o desequilibrio a una composición. En este marco, la luz en toda su gama, sus calidades y presencias es una herramienta que genera una atmósfera y cuando el usuario se encuentra dentro de ésta puede recibir los beneficios de un interiorismo”. mob.com.mx

Fotos Luis PM / Foto Jaime Navarro / Retrato cor tesía

Izq: Hotel Presidente Intercontinental Cozumel. Der: Ben & Frank Polanco


Los elementos que componen un espacio cuentan historias, que se identifican o contraponen. Es como mezclar notas musicales y si el resultado es autĂŠntico no depende de una tendencia. Restaurante ChapulĂ­n


El mundo creativo y sus personajes Entrevistas MARTHA LYDIA ANAYA

Macrotendencias nace como un proyecto integral que involucra arquitectura, moda y diseĂąo.


PERSONALIDADES DEL DISEÑO

MACROTENDENCIAS

PIONERA Y EMPRESARIA

Foto José Margaleff / Retrato Ana Hop

“La escena de diseño que hoy se vive tiene una efervescencia sumamente rica y debemos de aprovechar que todos queremos crecer para bien”. –GRETA ARCILA

EL MUNDO DEL DISEÑO en México ha madurado y como parte de esta historia han surgido instituciones, ferias, eventos y líderes, que con sus propuestas, inquietudes e ideas han contribuido al desarrollo integral de la plataforma de las industrias creativas. En este contexto, Macrotendencias nace con la intención de compartir una experiencia de diseño con las audiencias de Glocal Design Magazine. “Surgió como un espacio en un medio impreso en el que, a través de producciones editoriales muy completas, convivieran todas las disciplinas creativas que son parte del contenido nato de la revista impresa: diseño arquitectónico, diseño industrial, diseño de producto, arte objeto, diseño de moda y diseño de joyería. Queríamos que el público en general, aquel que no está inmerso en el entorno creativo, se percatara de que toda decisión hecha en su día a día está tomada bajo un criterio de diseño imperceptible e intrínseco, pero sumamente inteligente”, platica Greta Arcila, fundadora y directora general de Glocal Design Magazine. “No todos estamos conscientes –agrega– de que usamos o adquirimos algo porque nuestra intuición nos encamina a decidirnos por un objeto bien diseñado. La responsabilidad de la industria es crear piezas, materiales y accesorios que brinden una experiencia integral de diseño. Por eso nuestra inquietud por sumar a quienes están detrás de esta tarea e invitarlos a experimentar con materiales ajenos a ellos, para que de esa investigación surgieran objetos e instalaciones que traspasaran su fin cotidiano”. Hasta ahora este proyecto se ha visto enriquecido con la colaboración de arquitectos, diseñadores y despachos reconocidos en el gremio como Germán Velasco –editor de sección por un tiempo–, Lorena Vieyra, Gustavo Carmona, AdHoc, Joel Escalona, Juan Pablo Serrano, ArqMov, Jimena Fernández, Chris-

Greta Arcila, fundadora y directora general de Glocal Design Magazine.

tian Vivanco, AmoAto y de manera más reciente con Manuel Herrera. “El resultado ha sido muy gratificante, pues a pesar de que los inconvenientes no han faltado, las historias, anécdotas y aprendizaje que como equipo hemos recabado son superiores. Es evidente el talento y la iniciativa que existe en México por investigar, proponer y experimentar”, comenta la emprendedora y empresaria haciendo hincapié en la evolución del concepto con el nacimiento de Salón Macrotendencias, que surge precisamente de la necesidad por compartir los proyectos hechos con las empresas y diseñadores. “Al ser la comunidad creativa muy ágil y hábil, estamos seguros de que la colaboración más cercana con la industria no sólo contribuirá a consolidar un mercado sino que también servirá como punta de lanza para crear proyectos de valor para México, un país en donde queremos que ‘lo bien hecho’ también lleve la impronta de ‘lo bien diseñado’. También buscamos abrir una conversación real tanto con creativos locales como internacionales para posicionar a México como un destino de diseño y así sumarnos a la labor conjunta que se reparte entre las diversas plataformas, eventos y ferias que apoyan a las industrias creativas”, concluye. glocal.mx

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PERSONALIDADES DEL DISEÑO

DESIGN WEEK MÉXICO

DECANOS EN EL GREMIO

Jaime H. Encontra, Andrea Cesarman, Emilio Cabrero y Marco Coello, fundadores y directores de Design Week Mexico.

Fotos cor tesía

“Mantener un programa con una calidad de primer nivel ha hecho que Design Week Mexico sea un evento fuerte y esperado cada año por mucha gente”. –MARCO COELLO, socio fundador de DWM.


PERSONALIDADES DEL DISEÑO

“EN ESTOS ONCE AÑOS que tenemos con el proyecto, Design Week Mexico (DWM) se ha posicionado como una plataforma de gestión de proyectos culturales y de ciudad para las industrias creativas”, afirma enfático Marco Coello, director y fundador de esta plataforma que, sin duda, ha consolidado la colaboración de un colectivo enorme de arquitectos, diseñadores, estudiantes, urbanistas, artistas, curadores, productores de mobiliario y objetos, y público en general, cuyo trabajo en conjunto definitivamente ha transformado la escena del diseño en México durante la última década. “Para nosotros –dice Coello– es un honor haber empezado con este evento, que fue pionero en el gremio; somos los decanos y nos sentimos muy agradecidos y afortunados de haber iniciado este viaje fantástico con toda la gente que ahora apoya y espera las actividades que se integran a DWM cada año. La gran noticia de la edición vigente es que a partir de este 2019 ya no sólo será una semana de programa sino un mes completo dedicado al diseño.”

Hablar de diseño es referir una herramienta que aporta valor a las industrias creativas cuyo potencial es enorme en nuestro país. Hace 10 años, la escena era completamente diferente (con escasas iniciativas), hoy hay más propuestas ‘de mexicanos para mexicanos’ que, de alguna manera, enaltecen la identidad y el patrimonio tangible e intangible que tenemos como país. “Esta diversidad y ver cómo el diseño se ha convertido en una herramienta de transformación y de cambio para mejorar la calidad de vida de los habitantes de la ciudad, es lo que nos ha empujado a ampliar DWM más allá de sólo una semana de actividades”, explica Coello quien considera que lo que ha enriquecido muchísimo el programa es no olvidar que la feria está dirigida al público en general, empezando con los estudiantes que montan sus estructuras efímeras en los espejos de agua del Parque Lincoln en Polanco hasta los grandes arquitectos y diseñadores que exponen su obra e imparten talleres y conferencias. “Cuando yo estudié arquitectura hace 35 años jamás hubiera soñado con diseñar y ejecutar un

Cada edición, Design Week Mexico nos sorprende con plataformas como Visión y Tradición, en donde se presentan piezas hechas entre diseñadores industriales y maestros artesanos.

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proyecto de este tipo en el espacio público, gracias a nuestra plataforma he visto crecer y desarrollarse a diferentes generaciones de diseñadores y arquitectos, y esa es una de las experiencias que más me entusiasma y enriquece”, cuenta Marco como parte de las anécdotas que ha vivido a lo largo de los años. “Para mí –agrega–, este es el legado de DWM.” En los once años que llevan de estar organizando este gran evento, el mayor de los retos que han enfrentado es el paso por varias gestiones de gobierno. “Cada administración tiene sus condicionantes, su espíritu y su filosofía de llevar las cosas, lo que no ha sido nada fácil para el equipo, pues muchas veces ha sido como volver a empezar y a explicar qué es y de qué trata DWM. Cada vez que hay un cambio de dirección en algún museo o de un alcalde, significa que tenemos que pedir nuevos permisos, hacer otros trámites o hablar nuevamente con los vecinos para lograr que los proyectos se lleven a cabo”. designweekmexico.com


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PERSONALIDADES DEL DISEÑO

ABIERTO MEXIC ANO DE DISEÑO

ABRIR EL DEBATE

“El hecho de que la industria vea el diseño como un eslabón importante de su operación y que el gobierno se asocie con estas instancias genera integración e innovación.” –RICARDO LOZANO, director ejecutivo del AMD.

Retrato cor tesía / Fotos Diego Padilla

Ricardo Lozano, director ejecutivo del festival Abierto Mexicano de Diseño (AMD).


PERSONALIDADES DEL DISEÑO

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Plataformas como Archivo Moda Mexicana se sumaron a las exposiciones organizadas por el AMD en el 2018.

LA SÉPTIMA EDICIÓN del festival Abierto Mexicano de Diseño (AMD) ocurre en octubre de este 2019 y lo que ha aportado esta plataforma al quehacer de las industrias creativas es: apertura al debate en el sentido de ser autocríticos y cuestionar lo que se está haciendo. “Estábamos muy acostumbrados a los eventos de diseño que funcionaban muy bien a nivel comercial, pero el AMD ha venido a refrescar y a dar una sacudida a lo que está pasando a nivel público. Hemos logrado llevar el diseño a audiencias más amplias, lo cual es interesante en el camino de generar una cultura de diseño y de no quedarnos nada más entre nosotros –los diseñadores– y la gente con un cierto poder adquisitivo y que puede comprar objetos de diseño”, dice Ricardo Lozano, director ejecutivo del festival Abierto Mexicano de Diseño, sin dejar de hacer énfasis en que este festival ha cambiado los paradigmas de cómo se vive el diseño, pues ha creado espacios para que distintos diseñadores que no se conocen comúnmente puedan tener la oportunidad de mostrar y difundir su trabajo. “Nuestra convocatoria es inclusiva y a nivel nacional, quien se inscribe es sometido a

un comité curatorial que revisa los proyectos y si cumple con las características solicitadas puede ser parte del festival”. Lozano está convencido de que hay un público cada vez más conocedor, más ávido de diseño y de mejores espacios. “Nosotros ya tenemos un mercado-base que son los estudiantes y los mismos diseñadores, pero también hay gente que viene de otros estados y de otros países para ver lo que está pasando en México. Creo que el tema de las audiencias se ha redistribuido; mucho tienen que ver los eventos de diseño que ocurren durante las mismas semanas en el mes de octubre en la ciudad y sus alrededores, los cuales han hecho que la gente se interese cada vez más en el tema. De rebote, las personas van a uno y otro de estos eventos, presentaciones, conferencias y exposiciones, y al final terminan recorriendo la ciudad en busca de experiencias”. “Para la edición de este año del AMD estamos manteniendo los pabellones como un mecanismo para organizar la información y las propuestas gráficas, industriales y de arquitectura. Antes estaba todo por todos lados y ahora estamos tra-

tando de agruparlo. Nuestra exposición central en Bellas Artes está dedicada al tema: ‘Popular’, cuyo curador invitado es Mario Ballesteros y la idea es que ésta cuestione qué es lo popular y qué es el diseño con más de 100 piezas expuestas”. Claro que como ya es tradición, el festival estará en sitios icónicos del Centro Histórico de la Ciudad de México. “La organización de un festival de este tamaño implica un reto enorme. Poco a poco nos hemos ido organizando mejor. Recuerdo que la primera edición fue muy divertida, pero también caótica; con errores que casi nos cuestan la cancelación del evento. Hoy, hemos logrado depurar y limpiar desde la planeación hasta la producción, ejecución y las personas encargadas de llevar a cabo todas las actividades; sabemos que el festival se ha consolidado y que si la gente va al Centro y hace filas enormes para entrar a un espacio es porque lo estamos haciendo bien”, concluye Lozano. abier todediseno.mx


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PERSONALIDADES DEL DISEÑO

EXPO CIHAC

EVENTO ICÓNICO

“Cuando hay crisis es el momento de que las empresas inviertan aún más en tecnología, promoción y difusión.” –CELIA NAVARRETE, directora de Expo CIHAC.

Fotos cor tesía

Celia Navarrete, directora de portafolio de construcción en UBM y presidenta de Expo CIHAC


PERSONALIDADES DEL DISEÑO

En ediciones anteriores de Expo CIHAC, Mármoles Arca presentó un pabellón concebido para habitar el espacio público de la Ciudad de México.

EXPO CIHAC es un evento icónico y la industria lo reconoce. Los mismos expositores concuerdan en que es una plataforma de tradición e innovación hecha para crear puentes de comunicación entre fabricantes y proveedores de la industria de la construcción, además de desarrollar nuevos productos o introducir propuestas al mercado. “Llevamos 31 años realizando este evento sin perder el paso edición tras edición y aunque hemos pasado por diversas circunstancias, como diferentes administraciones de gobierno y situaciones complicadas en el país, esta exposición se mantiene vigente y continúa con sus objetivos. Recuerdo que hace dos años atravesamos por la difícil situación del terremoto ocurrido en la Ciudad de México, lo que provocó que muchas empresas se volcaran a buscar cómo ayudar en la reconstrucción de las colonias afectadas; en esa ocasión, los ponentes iban a platicar sobre diseño e interiorismo, pero muchos de ellos optaron por cambiar su discurso para expresar su apoyo y sumarse a las tareas de rescate de las comunidades”, relata Celia Navarrete González, directora de portafolio de construcción en UBM y presidenta de Expo CIHAC. “En ese entonces –agrega–, uno de los pilares fue el arquitecto Félix Villaseñor, que fue presidente del Colegio de Arquitectos Mexicanos y salió a liderar distintas obras de reconstrucción. Las mismas empresas pudimos hacer ese reencuentro con la sociedad para servir de una manera mucho más creativa y pública, pero sobre todo para demostrar nuestra fortaleza”. Navarrete González reitera que Expo CIHAC se ha consolidado como un punto de encuentro para perso-

nalidades de diferentes disciplinas. “No solamente es un evento para arquitectos sino también para ingenieros, proyectistas, constructores, desarrolladores y público en general entusiasta por estos temas. El objetivo es que todos, de manera conjunta, expresemos nuestra visión sobre un país que en el presente es completamente distinto, pues de traer una inercia de crecimiento en una industria pujante y líder, como lo es la construcción; hoy vivimos una contracción bastante marcada en términos de renovación, lo que se traduce en cierre de proyectos, permisos detenidos u obras paradas o limitadas”. Por eso, la edición de este 2019 viene con un programa de contenido completamente diseñado para reactivar dicha industria, al cual se ha sumado un grupo interesante de arquitectos, ingenieros y creativos con el afán particular de reconocer aquellas obras que se han creado bajo distintas líneas sustentables y que aportan un valor social y de diseño al lugar en donde están ubicadas. “Esta cuestión de poder incluir diferentes temas de diseño o ‘de concreto y cemento’ no es casualidad, es una consecuencia de escuchar a nuestros visitantes, de atender intereses de grupos segmentados y de detectar perfiles con los que se puede realizar networking”, comenta la empresaria para quien contar con expertos de distintas disciplinas en un mismo foro es una oportunidad tangible e invaluable para discutir y evaluar cuáles son las herramientas necesarias para detonar oportunidades y hacer que la industria de la construcción retome su crecimiento. expocihac.com

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PERSONALIDADES DEL DISEÑO

OBRA BLANC A EXPO

Foto cor tesía

CREAR FOROS ESPECIALIZADOS

Fernando Lozano Assad, presidente del Consejo Cerámico de Norteamérica capítulo México (TCNA).

“Obra Blanca Expo se suma como una plataforma especializada en la industria de construcción enfocada en los acabados; hay un mercado cautivo con un potencial enorme”. –FERNANDO LOZANO ASSAD, presidente de TCNA.


PERSONALIDADES DEL DISEÑO

EN EL MES DE OCTUBRE suceden diferentes eventos en la Ciudad de México relacionados con la industria de la construcción, la arquitectura y el diseño. Son fechas esperadas con antelación por la comunidad creativa y por el público en general que cuenta con diversas opciones de ferias para conocer y recorrer. Con su primera edición en este 2019, Obra Blanca Expo se suma a esta agenda de eventos organizados para el sector. Fernando Lozano Assad, presidente del Consejo Cerámico de Norteamérica capítulo México (TCNA, por sus siglas en inglés), platica que este es un foro especializado y dirigido a la industria de la construcción con enfoque en los acabados que opera bajo el soporte de cinco pilares importantes: pabellones temáticos en cerámicos y porcelánicos, conferencias, networking de negocios, innovaciones y tendencias. “Este evento complementa las ferias existentes en el mercado dedicadas a la ferretería y a temas de infraestructura; la nuestra se dirige a la parte final de la construcción que son los acabados. Más que una exposición, queremos convertirnos en un punto de encuentro en donde no sólo vean stands sino que también funcione como un sitio para que creadores de productos, fabricantes de pisos, productores de acabados, constructores e interioristas interactúen entre sí, pues finalmente ellos son los que buscan y especifican este tipo de aplicaciones para sus proyectos. Para nosotros, es una oportunidad para transmitir conocimiento de manera directa, sobre todo considerando la gama de posibilidades actuales en el mundo de los acabados y del diseño. Nuestro objetivo es poner en una sola plataforma tanto las soluciones puntuales que se fabrican en México como los productos que son de alta gama a nivel internacional; no sólo queremos escuchar a un arquitecto o interiorista decir que se siente inspirado, sino que también buscamos acercar a los otros actores de la industria a la tecnología de los acabados”, explica Lozano Assad. La idea es que creadores, diseñadores de producto, arquitectos, constructores, desarrolladores inmobiliarios e inversionistas puedan platicar uno a

Grandes ponentes internacionales como Rafael Moneo (Premio Pritzker 1996) y Benedetta Tagliabue (jurado del Premio Pritzker) se presentan en la primera edición de Obra Blanca Expo.

uno y al mismo tiempo maximicen su tiempo con una experiencia de visita diferente. “El logro más importante –resalta el empresario– es habernos puesto de acuerdo para ver reunidas a las industrias de acabados, de importación, de distribución, de muebles para baños y de llaves, de materiales de instalación, de equipos de cocina y de proveeduría en un mismo lugar.” Relata que fue hace unos 10 años que surgió la idea de crear Obra Blanca Expo: “Era un proyecto en el que explorábamos –como industria– tener una exposición y decidimos arrancar con un pabellón muy especializado para acabados dentro de otra feria de la industria de la construcción. Después de un análisis, detectamos que el mercado en México e incluso los visitantes de otros países requerían de un punto de encuentro enfocado a las necesidades de este sector en específico; un lugar en donde pudieran conocer y experimentar con los nuevos productos, aplicaciones y sistemas de instalación. Así surgió Obra Blanca Expo, que en estos momentos está arrancando y con la que queremos demostrar que empresas y hombres de negocios seguimos invirtiendo en productos de alta tecnología, a pesar de que este ha sido un año muy complicado para la industria de las grandes construcciones por el cambio de sexenio y las políticas que están en transición en muchos aspectos del sector. Si bien no ha habido nuevas o grandes edificaciones recientes, nuestro papel es no bajar la guardia y seguir impulsando la inversión, remodelación y renovación de una industria que mueve a la economía nacional”, concluye Lozano Assad. obrablancaexpo.com

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PERSONALIDADES DEL DISEÑO

C AMPAMENTO

Fotos cor tesía

DESCENTRALIZAR LAS FERIAS

Virginia Jáuregui, Karla Vázquez, Kenya Rodríguez y Ana Paula Orozco, fundadoras de Campamento-Feria de Diseño Mexicano.

“La búsqueda de recursos y el montaje y producción generan inevitables crisis en la organización de una feria de diseño”. –ANA PAULA OROZCO, fundadora de Campamento-Feria de Diseño Mexicano.


PERSONALIDADES DEL DISEÑO

EN GUADALAJARA no existían espacios de exhibición y convivencia creados entre diseñadores hasta que surgió Campamento-Feria de Diseño Mexicano en el 2018, que promueve la importancia del diseño como agente cultural, económico y de transformación social. “Me atrevería a decir que en ningún otro lugar del país había una feria formal comercial que reuniera toda la creatividad con respecto al diseño. Hoy, Campamento ha funcionado para exhibir a estudiantes, para comercializar a estudios más establecidos y, sobre todo, para que los diseñadores tengan un punto de encuentro, convivan y platiquen sobre los temas que les interesan”, platica Ana Paula Orozco quien junto con Karla Vázquez, Kenya Rodríguez y Virginia Jáuregui se animaron a emprender y a arrancar esta plataforma que vincula a la comunidad creativa con todo tipo de públicos. “Al haber una feria como ésta en Guadalajara –dice Orozco–, siento que no sólo motivamos a la industria creativa a hacer más cosas sino que también generamos más networking y contribuimos a la unión del gremio, con el afán de

conocernos entre nosotros, ser una comunidad y liberar nuestra creatividad y la de la ciudad misma. En pocas palabras: potencializamos el talento.” Por eso, “los valores que nos mueven son la difusión y el apoyo a los diseñadores mexicanos. Cada edición de Campamento tratamos de aportar un programa nuevo y de enseñarle a la gente que el diseño va más allá del objeto. También tenemos un plan académico que estamos tratando de incrementar cada año, con invitados y espacios en donde puedan exponer y mostrar el diseño en todas sus facetas. Esto sin descartar el programa social a través del cual estamos generando un acervo de consulta pública y gratuita para la que invitamos a diseñadores, arquitectos y artistas a que nos recomienden y donen libros que marcaron su carrera, lo cual funciona como una especie de puente para acercar al público general al trabajo que hacen los diseñadores”, agrega Karla Vázquez, también fundadora de Campamento-Feria de Diseño Mexicano. Las jóvenes emprendedoras coinciden en que,

Brújula, Linterna, Fogata y Cartografía es el nombre de las distintas plataformas que integran Campamento, con las que abarcan desde exposiciones hasta charlas y recorridos arquitectónicos.

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a pesar de contar con tan sólo dos ediciones y estar en preparativos del tercer evento para el año 2020, la feria se ha agrandado muchísimo. “Hemos crecido un 50% en todas las áreas: en convocatoria, en diseñadores emergentes, en trayectorias e incluso en los tipos de programas que tenemos. Acervo Campamento que, por ejemplo, es un proyecto que nació en la segunda edición y que queremos crecer invitando a nuevas caras y talentos mexicanos a colaborar en el mundo del arte, de la arquitectura y del diseño en México”. “Para nosotras, lo más importante es hacerle ver al público en general que el diseño está en todos lados y que todos estamos viviendo con el diseño todos los días; es algo que nos interesa a todos sin importar nuestra profesión, nivel socioeconómico o edad. Hay diseño desde la silla en la que te sientas hasta los zapatos que usas, el coche que manejas o tu casa”, concluyen las diseñadoras. campamentodediseno.com


PERSONALIDADES DEL DISEÑO

ZsONA MACO

EPICENTRO DEL ARTE INTERNACIONAL

Fotos cor tesía

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Zélika García, fundadora y directora de ZsONAMACO

“Galerías, artistas, anticuarios y coleccionistas encuentran un catalizador importante en ZsONAMACO”. –ZÉLIKA GARCÍA, fundadora y directora de ZsONAMACO.


PERSONALIDADES DEL DISEÑO

El objetivo principal de ZsONAMACO es promover el coleccionismo de manera especializada en el país.

ZsONAMACO ha creado un espacio que ofrece un intercambio cultural y comercial para la difusión del arte, el diseño, la fotografía y las antigüedades, lo que favorece que sucedan nuevas cosas y que se creen contenidos, piezas y colecciones. “Al reunir a tantos expositores a nivel internacional, éste se ha convertido en un catalizador importante al propiciar el desarrollo de nuevas propuestas, así como su difusión. La feria se ha consolidado como un impulsor del talento nacional e internacional generando diversas oportunidades dentro del mundo creativo”, coinciden Zélika García, fundadora de ZsONAMACO y Cecilia León de la Barra, directora del pabellón de Diseño, una plataforma que se ha consolidado como parte integral del evento y que en este 2020 cumplirá 10 años como un referente importante dentro de la industria de diseño con un público cautivo que cada año asiste para conocer nuevas propuestas y tendencias. El objetivo central de este evento se enfoca en promover el coleccionismo. “La

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industria cultural ha crecido muchísimo en México; este evento desde sus inicios surgió con el objetivo de fomentar el coleccionismo de manera especializada en el país brindando un espacio en donde galerías y artistas tengan la oportunidad de proyectarse internacionalmente. En cada una de nuestras ediciones, buscamos traer propuestas de todo el mundo a un público que cada vez se ha mostrado más interesado en el arte, y con propuestas no sólo me refiero a obras de arte, sino también al hecho de acercar a la gente a diferentes perspectivas con las conferencias que presentamos cada año”, explica García. Otro propósito de la feria es propiciar las actividades culturales en la ciudad, lo que ha sucedido con la agenda paralela que ocurre durante la ‘Semana del Arte ZsONAMACO’, convirtiendo a la Ciudad en el epicentro del arte internacional. La directora de ZsONAMACO Diseño, Cecilia León de la Barra, suma sus comentarios al enfatizar que una parte esencial de la evolución de la sección bajo su curaduría es que ésta no sólo se ha convertido en un pasillo para expositores consolidados en la industria, “también es un escaparate para las propuestas jóvenes que sabemos son las promesas del diseño a futuro”. En cuanto a las novedades que se esperan para la siguiente edición de la feria en febrero próximo, una de las principales es la que involucra a las cuatro ferias: Arte Contemporáneo, Diseño, Foto y Salón, las cuales se llevarán a cabo, por primera vez, de forma simultánea e independiente. Zélika recuerda que lo primero que la inspiró para organizar un evento de este tipo fue Expo Arte y su constante cercanía con el arte a través de museos como MARCO en Monterrey. “Cuando Expo Arte dejó de llevarse a cabo, supe que era necesario crear un nuevo espacio para las propuestas artísticas que estaban surgiendo en el país. Fue así como organicé ‘Muestra 1’ en Monterrey en el año 2003, que posteriormente se convirtió en la feria de arte más importante de Latinoamérica. La inspiración para realizar la feria cada año la encuentro en la enorme propuesta artística que existe en México y en el mundo. Este es el motor que mueve cada una de nuestras ediciones” La creación de esta historia ha sido una experiencia muy satisfactoria. “Soy – afortunada por trabajar en lo que me apasiona. Siempre ha significado un gran reto que nunca he dejado de disfrutar”, finaliza García. zsonamaco.com


PERSONALIDADES DEL DISEÑO

MEXTRÓPOLI

HABLAR DE LA CIUDAD

Andrea Griborio, directora de Mextrópoli, Festival Internacional de Arquitectura y Ciudad.

“No podemos hablar de arquitectura sólo entre arquitectos; es necesario involucrar a la ciudad y que la gente entienda que el buen diseño ayuda a mejorar los lugares que habitamos”. –ANDREA GRIBORIO, directora de Mextrópoli.

Retrato Ana Hop

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Foto Ar turo Arrieta / Foto Rafael Gamo

DE UNA MANERA U OTRA, todos somos adictos a las grandes urbes y curiosamente una de las singularidades de Mextrópoli, Festival Internacional de Arquitectura y Ciudad es que habla de la ciudad desde el punto de vista de la arquitectura; por lo tanto, los temas que aborda siempre están vinculados a la construcción de la ciudad y lo que preocupa no solamente a los arquitectos, diseñadores y creativos sino también a la ciudadanía. “Desde sus inicios, en cada edición de este festival –comparte Andrea Griborio, directora de Mextrópoli– hablamos de vivienda, movilidad, espacio público y los recursos naturales, como el agua; a cada uno le damos un énfasis y enfoque particular. Son esos grandes temas recurrentes que ‘tocan la ciudad’ y que desde nuestra perspectiva queremos trascender en este mundo de lo creativo, el diseño y la arquitectura para conectarnos con la sociedad”. En ese sentido, uno de los objetivos que siempre ha perseguido Mextrópoli es que no solamente sean los arquitectos y los diseñadores los que hablen, sino que también se puedan involucrar en la mesa y en sus foros a autoridades, líderes de opinión, exalcaldes, artistas, escritores e incluso cronistas de la ciudad. “Es abrir el foro de discusión y entender que la ciudad es demasiado importante como para pensar que sólo los urbanistas podemos resolver sus problemas o que le podemos dejar la responsabilidad entera a los políticos y autoridades. Nos interesa que este festival sea ese espacio en el que nos sentamos desde académicos hasta estudiantes, ciudadanos y otros actores de la sociedad con la finalidad de volcar nuestras ideas sobre cómo generar y conformar un espacio mejor para habitar”, enfatiza la arquitecta de origen venezolano y que ha impartido clases de proyectos arquitectónicos en su país natal además de Guatemala y México. Para ella, los valores que están detrás de este importante festival giran alrededor de los alcances que tiene la creatividad. “En los orígenes de Mextrópoli –hace 14 años– organizamos un congreso con un enfoque de ‘arquitectos para arquitectos’, en el que nos la pasamos muy bien y hubo mucha creatividad desbordada en los foros y en los eventos, pero que finalmente se trató de una experiencia guardada dentro de un gremio. Nos dimos cuenta de que lo que realmente queríamos era trascender las paredes físicas o virtuales de ese gremio para llevar el tema de la arquitectura y de la ciudad a una mesa mucho más plural. De ahí, la idea de apropiarnos del espacio público, no solamente con los pabellones sino también con recorridos, eventos y foros de discusión para debatir sobre movilidad urbana y cómo deben ser la vivienda social y colectiva o los espacios

abiertos para cualquier ciudadano que quiera entender mejor el lugar que habita”. Hoy, lo que tiene Mextrópoli es que a través de sus más de 100 actividades, cada una atiende a distintas audiencias con talleres enfocados a estudiantes de arquitectura y diseño; actividades en el espacio público; pabellones e instalaciones enfocadas a la ciudadanía y otros eventos como conferencias que tienen como público principal a los arquitectos y a la gente interesada en la cultura. “No podemos hablar de un festival de arquitectura y ciudad si no pensamos en los espacios públicos. Por ejemplo, el cine es una de las artes más poderosas para contarle a cualquier persona la historia de una ciudad. Nuestro público somos todos y siempre contaremos con una diversidad de temas”, finaliza Griborio comentando que para su edición en curso estarán reflexionando sobre la crisis climática y los cambios que está sufriendo el territorio que habitamos. mextropoli.mx

Presentado en Mextrópoli 2019, Tezontle Ludens de SUMA Estudio se inspiró en la experiencia colectiva y el mapa visual de la Ciudad de México.


Twentieth and Twenty-First Century Collectible Design December 4–8, 2019/ Miami Beach, USA/ @designmiami #designmiami designmiami.com

Necklace and rings/ Wendy Ramshaw/ Courtesy of Didier Ltd


MA C RO TEN DEN CIAS Blusa, ALEJANDRA QUESADA | Top, BERNARDA | Aretes, ROMOHERRERA Anillo Anémonas #1, ROMOHERRERA


Vestido, GUILLERMO JESTER | Body, CYNTHIA BUTTENKLEPPER | Zapatos, MILA MILU | Collar Cosmos, ROMOHERRERA


MACROTENDENCIAS

Material Moonshadow black 59.3 x 119cm. Colecciรณn Geotech. Marca FIRENZE

VERTICALIDAD E HISTORIA A TRAVร‰S DE LA ESENCIA DE LA ARQUITECTURA MEXICANA Fotos PACO DE LOS MONTEROS Locaciรณn Espacio CDMX

Producciรณn Glocal Design Magazine

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MACROTENDENCIAS

Material Moonshadow black 59.3 x 119cm. Colecciรณn Geotech. Marca FIRENZE


Vestido, GUILLERMO JESTER | Body, CYNTHIA BUTTENKLEPPER | Anillo Amonite, ROMOHERRERA | Collar Cosmos, ROMOHERRERA


Top, BERNARDA | Aretes Decรณ, ROMOHERRERA | Collar Cecilia Dorada, ROMOHERRERA


MACROTENDENCIAS

Vestido, MARIA PONCE | Collar Algas Pardas, ROMOHERRERA

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Modelo: Jimena de Aparicio para @newicon Styling: Jorge Maceo @jorge_maceo Grooming: Cinthia Martínez @cin.makeup Producción: manada.mx

Blusa, ALEJANDRA QUESADA | Top, BERNARDA | Pantalón, CYNTHIA BUTTENKLEPPER | Anillo Anémonas #1, ROMOHERRERA | Aretes Decó, ROMOHERRERA| Zapatos, MILA MILU


MACROTENDENCIAS

VERTICALIDAD E HISTORIA

Agradecemos a Espacio CDMX por facilitarnos sus instalaciones para la sesión fotográfica.

Ta ll e r D i e z 0 5 + F i re nze

De origen griego, una estela se proyecta desde su base manifestando su materialidad pétrea, un monumento que se erige con una función geográfica e histórica. Esta intención simbólica, pero arquitectónica fue el principio básico para el trabajo del arquitecto Manuel Herrera Gil, fundador del despacho veracruzano Taller Diez 05. La estructura nació de un viejo boceto, guardado cautelosamente en sus cuadernos de estudio e inspirado en el estilo constructivo de Mathias Goeritz con su arquitectura emocional y el diseño escenográfico de Gunther Gerzso donde predominan las perspectivas y los planos. “El concepto de la pieza retoma los orígenes de la arquitectura en México: excavaciones y grietas como elemento esencial de la arquitectura prehispánica. Estelas que se adhieren a la superficie y marcan una idea de tiempo y espacio”, comenta el arquitecto. En el acabado opaco de los porcelanatos de Firenze el diseño encontró la expresividad natural que se deseaba para la pieza. “La variedad gráfica del producto, sus luces y sombras se adecuaron perfectamente a lo que Manuel estaba buscando. Además, la estructura transmite la resistencia del producto, una de sus principales cualidades”, agrega Alan Flores, marketing y asesor de producto en Firenze. El proceso de creación partió desde los trazos y bocetos más básicos, una conjunción de ideas donde la visión del arquitecto buscaba ser respetada y entendida por todos los involucrados; geometrías y esqueletos resistentes para soportar una estructura que, como objetivo primordial, pudiese interactuar con su entorno. Explica el arquitecto: “Tratamos de entender la materialidad de las piezas de porcelánicos y explotarlas de una manera escultórica, más que utilitaria. Quisimos que el producto se mostrara como es,

"Estelas que se adhieren a la superficie y marcan una idea de tiempo y espacio". –Manuel Herrera Gil, fundador de Taller Diez 05.

donde todas las partes fuesen expuestas de manera honesta, cada corte y cada orilla”. La estructura final se levanta en tres planos a distintas alturas; una abertura al centro de cada volumen permite que exista una interacción con la pieza: pequeñas ventanas que por momentos hacen del volumen un espacio transparente y habitable. “Decidimos hacer un soporte de acero ligero con una base de placa de metal donde esta suerte de navajas de piedra se insertaran de manera perfecta. La pieza en sí es un ejercicio intuitivo que surgió de los bocetos de Manuel, rescatado para llevarlo a la realidad, lo que lo hace verdaderamente interesante”, comenta Alejandro Tapia, director de Manada. “Trabajar en este proyecto me impulsó a replantear la manera en que conceptualizo las ideas. Lo escultórico de la pieza me dio la pauta para pensar en elementos muy gráficos como las grietas, la topografía de México y su arquitectura como manifestaciones muy primarias, pero transportadas a lo contemporáneo”, finaliza Manuel Herrera Gil. tallerdiez05.wixsite.com firenzeworld.com

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Sútil disparidad En un mundo lleno de contrastes es tiempo de tocar las emociones de manera franca y transparente con piezas sinuosas, a la vez que la sutileza y fuerza del color se hace presente con degradé de gran impacto visual. Arte JORGE MEDINA

Curaduría SANDRA MONTIEL

Arriba: Lámpara de pared No. 159 por James Stumpf para AVOIRDUPOIS | Mesa Set No.5 por MÜSING–SELLÉS | Lámpara de mesa Neotenic por JUMBO | Silla Tube por BARI ZIPERSTEIN. Página derecha: Florero Kink por Rachel Griffin para EARNEST STUDIO | Silla Bold por Big-Game para MOUSTACHE | Sofá lounge Neotenic por JUMBO.


TENDENCIAS GLOCAL

TUBULAR FLEXIBLE La belleza del arte-objeto reside en el tiempo y dedicación que dejan sus creadores en cada pieza, escucharlos hablar de sus proyectos es oír una historia con alma, misma que toma vida al ser expuesta y de ahí comparada por personas que buscan identificarse con ese objeto. Coleccionistas de todo el mundo buscan formas suaves y flexibles, objetos con fuerte presencia y personalidad ¿y qué mejor que utilizar formas sinuosas para lograr un diálogo fino y emocional? Bien, pues entremos en ese suave discurso que nos dan estas piezas de autor.

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TENDENCIAS GLOCAL

DEGRADÉ Hace 5 años comenzamos a ver en ferias internacionales, a cuenta gotas, cómo el uso del color en tonos estridentes tomó fuerza. Sin embargo, nuevas generaciones y diseñadores alternativos buscaron un término medio y se vieron aún más arriesgados: aplicaron distintos colores en una misma pieza, pero con la sutil presencia del degradé, logrando una transición suave y progresiva y con mucha fuerza visual. Hoy, el degradé es una tendencia mundial y parte de firmas en alianza con diseñadores como Foscarini, Swarovski, Glas Italia, Coalesse, Gandia Blasco y muchas otras.


TENDENCIAS GLOCAL

Pรกgina izquierda: Lรกmpara de piso Uptown por Ferruccio Laviani para FOSCARINI | Mesa Bisel por Patricia Urquiola para GLAS ITALIA | Colecciรณn Rock de ATELIER SWAROSKI | Mesa Gaby de CHAPEL PETRASSI. Pรกgina derecha: Mesas L.A. Sunset por Patricia Urquiola para GLAS ITALIA | Silla Blend por SOHYUN YUN | Florero On my way por ELISSA MEDINA | Fondo: Intarsi en The Shapes of Water por Sabine Marcelis para FENDI

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ADVERTORIAL

Earthenware

Foto cor tesía Formica

Orange Felt

Naturaleza y tecnología La nueva colección SurfaceSet® 2020 de la marca Formica® ofrece a los diseñadores 30 superficies decorativas para personalizar interiores comerciales.


ADVERTORIAL

Son “líneas difusas” las que inspiran a SurfaceSet® 2020, una colección de nuevos diseños decorativos Formica® con vetas, sólidos y estampados, que facilita a los diseñadores de interiores y arquitectos la creación de espacios comerciales hermosos y funcionales. “Nuestro equipo de expertos se entrevistó con cientos de arquitectos y diseñadores para determinar cuáles eran los elementos generadores de tendencias entre lo natural, humano y tecnológico”, explica Renee Hytry Derrington,VP de diseño global en Formica Corporation. “Creamos SurfaceSet® 2020 para ayudar a los profesionales a apropiarse de las nuevas tendencias e incluimos soluciones que promueven diseños funcionales capaces de transmitir la calidez del mundo natural, los cuales se pueden aplicar en diversos espacios”. Las tendencias en las que se divide Colección SurfaceSet® 2020 son: Sin Fronteras, Diseño Estructural y Fluidez, cada una con soluciones de diseños útiles y modernos.

SIN FRONTERAS Una combinación de elementos básicos y calidez natural dan a esta gama una sensación familiar de seguridad y un toque de fascinación y aventura. Los tonos verdes naturales y terracotas contrastan con explosiones de azul cielo y crean una armoniosa conexión con el mundo natural. Natural Recycled Kraft y Black Recycled Kraft: Utilizando pulpa 100% reciclada y aditivos naturales como bagazo de granos de café se produjeron para ser una auténtica versión laminada de papel Kraft. La Serie Recycled Kraft goza de Certificación FSC Reciclado y FSC 100%. Layered White Sand, Layered Sand y Layered Black Sand: Son diseños inspirados en una arquitectura a gran escala de tierra comprimida. Se molieron varios granos de arena y se colocaron en capas dentro de una plantilla lineal para convertirse en un nuevo gráfico.

Blond Cedar

Blond Cedar, Raw Cedar y Noir Cedar: Esta sencilla estructura de cedro sin nudos es el primer pino que se añade a la gama de superficies Formica. Planked Raw Oak y Planked Coffee Oak: Rescatados de un viejo almacén hawaiano, estos robles atemperados por el sol tienen tablones suaves de 4 pulgadas y nudos dispersos, lo que llena de calidez los espacios contemporáneos. Los nuevos colores de las pinturas reflejan la preferencia de los diseñadores por las opciones luminosas en lugar de las oscuras. Earthenware y Algae: Lo natural se encuentra con lo contemporáneo, puesto que el exterior es llevado a los interiores a través de tonalidades inspiradas en la naturaleza.


ADVERTORIAL

Green Felt

Blue Felt

DISEÑO ESTRUCTURAL Estructura y sofisticación se reúnen en esta tendencia futurista que combina diseños sintéticos con materiales naturales. Serie Felt (Natural Gray Felt,Yellow Felt, Orange Felt, Green Felt, Azul Felt): La serie felt en gris y colores nítidos es perfecta para cocinas y espacios residenciales modernos. Inspirado en tejidos de fieltro está mejorado con una textura tipo papel, que combina lo visual con la sensación táctil. White Washed Birchply y Black Birchply: Una madera contrachapada con revestimiento de abedul se ha convertido en el material protagónico para uso en muebles e interiores. Moonstone, Night Forest y Night Shade: Los clásicos gris y negro se modernizan al añadirles una gota de color para proyectos interiores.

FLUIDEZ

Fotos cor tesía Formica

Esta gama evoca un enfoque sensorial del mundo digital en el contexto de la naturaleza con posibilidades creativas en tonos suaves y etéreos, como beiges ligeros, pasteles y efectos tornasolados. Aluminum y Stainless: Un diseño realista de metal perfectamente acoplado con un acabado relajante para crear una versión de HPL durable de metal que se puede usar en trabajos de carpintería, así como en aplicaciones para mesas y cubiertas. Cream Softwood, Greige Softwood y Walnut Softwood: Esta veta con teñido apenas perceptible es ideal para aplicaciones que necesitan la “sensación” de madera. Liquid Glass, Blush y Solar Orange: Colores unidos mejorados con acabados brillantes difuminan la línea entre naturaleza y tecnología.

Blush

Aluminum


ADVERTORIAL PISOS Y RECUBRIMIENTOS

CONTINUIDAD ENTRE ATMÓSFERAS Y USO DE MATERIALES ¿Cuáles son los factores a considerar para el desarrollo de la arquitectura e interiorismo de una casa como parte de su estilo?


ADVERTORIAL PISOS Y RECUBRIMIENTOS

ESPACIOS EN CONEXIÓN: INTERIOR Y EXTERIOR Interceramic El estilo se ve reflejado en muros, pisos, ornamentación, paleta de colores, etcétera y un punto clave en el desarrollo del espacio (claro, si el estilo lo permite), es la continuidad en pisos interiores y exteriores. Por ejemplo, en una casa donde se busca generar una atmósfera orgánica y con mucha naturalidad, los grandes ventanales y la continuidad en el uso de materiales ayudan enormemente a conectar el interior con el exterior, y a que desde dentro de la habitación se pueda tener el contacto permanente con la naturaleza. DIVERSOS MODELOS POR TEMPORADA

Para una noche cálida de otoño o una tarde invernal, se puede crear un ambiente con alto valor de continuidad arquitectónica en donde se pueda disfrutar del confort del interior, con la visibilidad de lo que se tiene afuera. Ventanales grandes, pisos uniformes, muros con recubrimientos en tonalidades de tendencia y que hagan match con lo colocado en la superficie, decoración que cree un ambiente de comodidad y sentimiento hogareño. Paleta de colores: terracota, ocre, marrón. Para una tarde de primavera o verano en donde la terraza formará parte de la con-

Colección Essence of Life Líneas Aura, Himalayas & Rodeno

vivencia, haciendo juego con los interiores. Atmósfera agradable con colores vibrantes, recubrimientos decorados a manera de acento, haciendo juego con una adecuada selección de pisos más sencillos en cuanto a texturas, pero con acabados que permitan el juego entre ambientes. Decoración lúdica y llamativa que actúe como punto focal pues éste tendrá la función de ser el remate de una perspectiva o de un conjunto. Sin importar cuál sea el estilo o personalidad que se le busque dar a un espacio, es muy importante que vaya acorde a las necesidades de quien tendrá la fortuna de crear momentos en ese espacio día con día. Un arquitecto manipula la forma para generar distintas sensaciones.Y es muy importante recordar que la experiencia de cada persona, en un mismo lugar, siempre será diferente dependiendo del contexto de cada uno. Por esto es que hay que tratar de hacer la mejor elección en pisos y recubrimientos que son la base para lograr cualquier ambiente, puesto que estos no serán cambiados tan fácilmente como lo es la decoración del espacio. En Interceramic se cuenta con muchas opciones que funcionan tanto para interiores como exteriores permitiendo que se creen atmósferas con una continuidad excepcional.

Fotos cor tesía de las marcas

interceramic.com

La forma más adecuada para generar la continuidad entre una atmósfera y otra es la utilización de la misma línea de piso cerámico. Esto hará que se pierda la sensación de diferenciación y separación en ambos lugares.


ADVERTORIAL PISOS Y RECUBRIMIENTOS

Al adquirir pisos de maderas cerámicas y porcelánicas Lamosa contribuyes con nuestro programa de reforestación.

NUEVA COLECCIÓN LAMOSA GRAN FORMATO 2020

Lamosa siempre busca ofrecer los diseños más vanguardistas e innovadores. Así nace Gran Formato, una extensión de línea creada para diferenciar su portafolio, brindando un mayor valor en cada pieza. Estos productos vienen a partir de 60x60; su gran tamaño permite crear superficies más uniformes, haciendo que los espacios se vean más amplios. Además, la gráfica de esta línea es superior, ya que fue creada para simular las texturas que se encuentran en la naturaleza, como mármol o maderas, de la forma más fiel posible. Con los productos de Gran Formato, el usuario tiene la confianza de estar eligiendo lo más innovador en tecnología, tendencias y acabados.

MADERAS

Los tablones de madera de Lamosa toman como inspiración las texturas, acabados y colores de la madera natural.  El portafolio de maderas ofrece una gama de tonos neutros y atemporales, fácil de adaptarse a cualquier estilo y espacio. Generan un efecto de calma, tranquilidad y calidez que envuelve los espacios. lamosa–revestimientos.com


ADVERTORIAL PISOS Y RECUBRIMIENTOS

Imagen superior izquierda: Mixwood 20x90cm color Nogal Imagen inferior derecha: Chalet Wood 20x90cm Gris


Expel il idunturibus iderum voluptiatur rempor sitaqui volor sum at.s eaquissit unt di opta nis et et quaerio nserro elita

La casa se ubica en la planicie de una montaĂąa a casi tres horas de la Ciudad de MĂŠxico.


RESIDENCIAL

Refugio vernรกculo CASA TERRENO | FERNANDA CANALES ARQUITECTURA | ESTADO DE Mร‰XICO Fotos RAFAEL GAMO

El proyecto remite a las antiguas haciendas y conventos; es un homenaje a las tradiciones locales gracias al uso del tabique rojo y la vegetaciรณn regional.

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Desde el exterior, la casa parece una fortaleza que convive de manera armĂłnica con el paisaje y con el sitio, creando una nueva topografĂ­a.


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RESIDENCIAL

Las cubiertas abovedadas ayudan a regular la temperatura interior, a la vez, que crean una secuencia de espacios.

LOS PATIOS, herencia de la arquitectura mediterránea, siempre han formado parte de la arquitectura mexicana desde tiempos coloniales; éstos ayudan a distribuir mejor los espacios y a tener iluminación y ventilación natural favorables. Este proyecto rescata la figura del patio, como eje rector, en un sitio donde llueve a diario por seis meses y en donde la temperatura alcanza los 30 grados centígrados. El programa arquitectónico se desarrolla en un solo nivel, dispuesto alrededor de cuatro patios, “el primero, de forma curva, funciona como espacio de transición entre el exterior y la casa; el segundo, de mayor tamaño y en la posición central de la casa, marca la transición desde las zonas más privadas hasta las más públicas; el tercero, en un nivel más bajo, es un espacio velado que conduce hacia las terrazas en la azotea; y el cuarto conforma una especie de casa en sí misma para la zona de servicio”, explica la arquitecta Fernanda Canales. Debido al emplazamiento del proyecto y a la condición del contexto circundante, la casa se diseñó bajo dos cualidades, contradictorias pero necesarias: privacidad y apertura. Cada espacio tiene acceso hacia alguno de los patios y una conexión franca hacia el exterior, esto brinda una ventilación cruzada, permitiendo la regulación de la temperatura de forma natural y enmarcando las vistas hacia la vasta vegetación. “Esto genera una casa que se percibe a través de secuencias y aperturas muy variadas, a veces por medio de celosías que aportan

privacidad, otras de amplios ventanales que se ocultan dentro de los muros para convertir los espacios interiores en terrazas durante algunas horas y también por medio de ventanas que son cuadros para enmarcar el exterior”, subraya Canales. La materialidad se conforma de tres elementos predominantes: tabique, madera y concreto. Desde el exterior, la casa simula ser una fortaleza de tabique rojo que se funde visual y cromáticamente con el paisaje; desde el interior, se ve la madera –en puertas, ventanas y mobiliario– y el concreto en los elementos estructurales y en las cubiertas; las habitaciones, el estudio y la sala-comedor de bóveda de cañón y los demás espacios –cocina, pasillos y servicios– de losa maciza para permitir terrazas ajardinadas. Las cubiertas abovedadas y las terrazas verdes dialogan y crean una concordancia entre la topografía y la vegetación del sitio, emplazando el proyecto como un objeto artificial conectado y nutrido del contexto y de la historia regional. “Me gusta cómo la casa se esconde en el sitio, prácticamente desaparece y, sin embargo, es una casa que da la sensación de estar siempre muy abierta, volcándose hacia el exterior”, enfatiza la arquitecta. En cuestión de sustentabilidad, la casa produce energía a través de paneles solares y capta agua pluvial, de forma que la interacción con el exterior es mínima. fernandacanales.com


RESIDENCIAL

Los patios, además de vestibular el proyecto, crean distintas atmósferas durante el día, lo que hace que la casa se vista en total concordancia con el sitio.

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RESIDENCIAL

Identidad pétrea CASA EN LA PIEDRA | JORGE HERNÁNDEZ DE LA GARZA | CDMX

Un gran muro de piedra se convierte en la figura principal y en una conexión sincera con el entorno natural. Fotos JORGE HERNÁNDEZ DE LA GARZA

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Un impresionante muro de piedra es el remate visual perfecto para los espacios comunes y las habitaciones.


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RESIDENCIAL

EL CONTACTO con el entorno natural es uno de los puntos más importantes a considerar al momento de diseñar un proyecto residencial, sobre todo por los efectos positivos en la salud física y mental de quienes lo habitan. Esto sucede en un terreno accidentado y pedregoso al norte de la Zona Metropolitana, donde se desplanta un proyecto conectado materialmente a su topografía y a su contexto natural inmediato. “El principal reto al diseñar esta casa fue adaptarnos a la topografía de un terreno ascendente por lo cual tuvimos que escalonar la casa acompañando la pendiente natural del terreno, el cual remata con un muro de piedra en la parte posterior. La geometría de volúmenes de concreto apilados es el resultado de un proceso no sólo de diseño sino también de una lógica constructiva”, explica el arquitecto Jorge Hernández de la Garza, director y fundador del despacho de arquitectura que lleva su nombre. Este juego geométrico de volúmenes surgió después de 8 meses de pláticas y reuniones con los clientes –amigos del arquitecto– y “se planteó con una doble intención; por un lado, en la fachada frontal se levantan una serie de cajas superpuestas con mínimas aperturas con la finalidad de brindar la mayor privacidad posible, por el otro, en la fachada posterior se buscó dar la mayor transparencia posible hacia el gran muro de piedra”, enfatiza Hernández de la Garza. En el primer volumen, semienterrado en el sitio, se encuentran los servicios; el segundo, a nivel del jardín, contiene los espacios públicos: sala, comedor, cocina y terraza, con una co-

Las áreas comunes –sala, comedor y cocina– tienen una conexión franca con el jardín y con el muro de piedra.

nexión franca al jardín. Finalmente, los espacios privados –tres habitaciones con vestidor y baño– ocupan el tercer volumen. Cada una de las habitaciones tiene terraza, ya sea hacia el jardín o hacia la fachada. Una impresionante pared de piedra natural, de 15 metros de altura, remata las vistas interiores, dando un sentido de arraigo e identidad, además de privacidad a todos los usuarios. La materialidad toma un papel predominante dentro del proyecto, en donde la solidez del concreto se complementa, por un lado, con la naturalidad de la madera–presente en diversos espacios como la cocina, las habitaciones y la fachada, lo que ayuda a crear un ambiente cálido y familiar, y por el otro, con la fuerza del acero en las circulaciones verticales y pasillos. El vidrio refuerza la sensación de transparencia y amplitud que se da a través de los volúmenes y permite la óptima entrada de luz natural a todos los espacios y las vistas a los jardines. Para el arquitecto, una de las mejores experiencias al momento de realizar la obra fueron: “las visitas de obra con los clientes y ver como día a día se levantaban los muros que posteriormente se convertirían en espacios habitables.” El contraste entre la aspereza del muro de piedra y la uniformidad de los volúmenes de concreto, hacen de este proyecto un ejemplo de cómo un elemento arquitectónico puede convivir y conjugarse con su entorno. hernandezdelagarza.com


El volumen superior, a pesar de su materialidad, parece flotar sobre el jardĂ­n.


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RESIDENCIAL

Simbiรณsis arquitectรณnica CASA ORIZABA (PROGRESSIVE HERITAGE) | MANADA + LUDENS | CDMX

Fotos JAIME NAVARRO

La sinergia entre lo histรณrico y lo contemporรกneo se materializan en esta casa ubicada en las calles de la colonia Roma.


Al utilizar la madera, se crean espacios cálidos y hogareños. Usada en interiores remite a las clásicas cabañas nórdicas.


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RESIDENCIAL

Gracias a la cubierta cerrada, la luz entra a los espacios de forma difuminada evitando el contacto directo con los espacios.


RESIDENCIAL

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La estructura anexa se posa sobre el proyecto histórico como un par de insectos.

EXISTE UNA ÉPOCA en la historia de México que tiene ejemplos grandiosos y variados de arquitectura residencial, sobre todo en las colonias alrededor del Centro Histórico: el Porfiriato. Ejemplos que, hoy en día, se han ido perdiendo entre las múltiples edificaciones contemporáneas. Los esfuerzos actuales de un puñado de arquitectos recaen en la adaptación y la reutilización de estas residencias para que vuelvan a tener un sentido y uso urbano. Para este proyecto se juntaron las experiencias y habilidades de dos despachos mexicanos: MANADA y Ludens, de forma que surgiera un proyecto integral y respetuosamente adaptado a la construcción existente. “Juntos producen estrategias que permiten construir en paralelo estructuras eficientemente articuladas que abren espacio a escenarios abiertos que no quedan totalmente definidos, sino simplemente potencializados”, explica el arquitecto Iván Hernández Quintela, fundador de Ludens. La finalidad del proyecto es adaptar y anexar una nueva estructura habitable, como una extensión para los usuarios, en la parte posterior y encima de la casa porfiriana. Este anexo revitaliza y protege lo histórico mientras propone nuevos espacios y recorridos. Es precisamente este recorrido algo en que los despachos hicieron hincapié: “La escalera que conecta la casa existente con las nuevas estructuras se tuerce para aprovechar las diferentes perspectivas de la casa. El primer tramo coloca al sujeto frente a un patio de triple altura, repleto de plantas.

Un segundo tramo se asoma a un pino monumental. El tercero hace evidente la presencia de la estructura principal: su lámina galvanizada contrasta con el resto de la casa en cuanto a que parece perderse al reflejar el cielo”, comenta Hernández. Con usos nuevos y distintos, la nueva estructura comprende en planta baja un gimnasio; en el primer nivel una habitación con baño y en el segundo nivel (la azotea de la casa porfiriana) una habitación principal con baño, vestidor y terraza. El diseño surgió con el concepto de un par de insectos posados sobre la estructura, “se puede pensar en los nuevos volúmenes como un par de abejas que se anexan a la casa: viven sobre ella, pero también le proporcionan algo de vuelta.” En cuanto al uso de materiales, se buscó la ligereza como principal beneficio además del aislamiento térmico y acústico. “Los volúmenes principales de la abeja se perciben como casas de campo urbanas. Su interior está recubierto en su totalidad con madera. La atmósfera resultante remite, sutilmente, a las cabañas de países nórdicos. En el exterior, los volúmenes se recubren con lámina galvanizada. Las abejas dejan de sentirse como una imposición, ofrecen a cambio un recubrimiento más eficiente a la casa. Se produce una simbiosis. La casa existente da soporte, los nuevos volúmenes ofrecen protección acústica y térmica”, enfatiza Hernández Quintela. manada.com.mx interferencia.me


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RESIDENCIAL

Privacidad al natural CASA LUZIA | SAAVEDRA ARQUITECTOS | ESTADO DE MÉXICO Fotos ONNIS LUQUE


Como una grieta, la torre de piedra separa y vestibula los espacios.


CUANDO HABLAMOS de arquitectura residencial siempre imaginamos un proyecto en una gran metrópoli y en un entorno de velocidad y dinamismo, sin embargo, poco a poco los arquitectos han buscado –y encontrado– espacios alejados de todo el caos urbano. En esta búsqueda, el bosque de Avándaro, en el Estado de México, es el escenario principal de una obra franca y concisa enfocada en respetar y aprovechar la topografía y la vegetación. La residencia se desplanta dentro de una zona boscosa y con pendiente, situación un tanto complicada sobre todo porque se encuentra en el camino natural del agua en temporada de lluvias. Por esta razón se tomó la decisión de enterrar el proyecto en un extremo para volarlo en el otro gracias a una estructura de acero, de

forma que no obstruyera la dinámica natural del sitio y dotándolo de una conexión directa con el contexto y creando, a su vez, una terraza-patio. Una de las premisas principales del proyecto fue diseñar para dos situaciones distintas: una pareja con hijos jóvenes o para dos parejas jóvenes. El programa arquitectónico responde a esto dejando las habitaciones y los baños a los extremos, concediéndoles privacidad e increíbles vistas al bosque; quedando los espacios públicos y de convivencia –sala, comedor y cocina– al centro, definidos por una impresionante torre de piedra natural a doble altura que, como una grieta, abre el volumen central y divide los espacios. La ubicación de esta casa le confiere cierta responsabilidad en lo relacionado a los materiales y al estilo


El proyecto se entralaza con la naturaleza responsable y respetuosamente.

regional, sobre este tema “podríamos dividirlo en dos partes. La primera tiene que ver con el reglamento de construcción de Valle de Bravo, en el que procuran un estilo estético y por lo tanto ya existe una generalidad vernácula. La segunda es una particularidad que tiene que ver específicamente con una piedra que se mina al este de Valle de Bravo y que se utiliza con frecuencia para hacer bardas. A nosotros nos pareció interesante usar esa arquitectura y transformarla de una barda a un muro”, explica el arquitecto Rodrigo Saavedra, director de Saavedra Arquitectos. Gracias a los materiales, el proyecto parece difuminarse en el entorno y pasar casi desapercibido. La madera y la piedra, utilizadas en interior y exterior, así como

las cubiertas (dos sencillas losas de concreto recubiertas de teja de barro) otorgan identidad, arraigo y calidez al proyecto; sólo donde se requiere iluminación natural y donde se quieren vistas hacia el bosque, la madera se sustituye por amplios ventanales corredizos. Para Rodrigo Saavedra: “es un proyecto redondo. Me parece que conceptual y volumétricamente se lograron materializar las ideas. Es un proyecto que cuando lo veo me da la sensación de que así debía ser y esa siempre es una buena señal.” saavedraarquitectos.com


La madera brinda a los residentes una sensaciรณn de calidez y de arraigo con el bosque y con la historia del lugar.


El volumen se entierra para aprovechar la topografĂ­a, creando terrazas y patios.


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RESIDENCIAL


Identidad y espíritu regio CASA GENIUS LOCI | GABRIELA CARRILLO VALDEZ + TESCALA | NUEVO LEÓN Fotos THE RAWS

Con vistas hacia la imponente topografía de Monterrey, este proyecto recupera y se conecta con su entorno natural de forma honesta y sensible.


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La paleta de color neutra y monocroma, en recubrimientos y mobiliario, permite que los tonos verdes y marrones del exterior tomen presencia en los interiores.

SIEMPRE que se diseña un proyecto arquitectónico se debe pensar en la relación que éste tendrá con el contexto natural y con la historia del sitio donde se realizará. Esto tiene relación con un término que ha sido utilizado, por siglos, en la arquitectura y el diseño: Genius Loci, concepto definido como el “espíritu del lugar”. Esta expresión intenta explicarnos la conexión intrínseca de los objetos con su entorno y la necesidad de respetarlo y aprovecharlo. En este sentido, el equipo conformado por la arquitecta Gabriela Carrillo y el despacho mexicano tescala, diseñaron una casa inspirada en la topografía –el Cerro de Chipinque, la Sierra de las Mitras, el Cerro del Mirador y, por supuesto, el Cerro de la Silla– y la vegetación, una serie de históricos nogales: “antes de llegar, la presencia inmediata de la Sierra de las Mitras se hace presente, una vez ahí, un oleaje de nogales aún con fronda reducen de manera determinante la temperatura del sitio y dibujan en el piso una intensa sombra sobre la tierra

cruda del terreno virgen.” explica la arquitecta. Siguiendo unos lineamientos de diseño específicos y con la premisa principal de difuminar los límites entre interior y exterior, el programa arquitectónico se desarrolla a partir de tres espacios predominantes: social, social festivo e íntimo. Un punto importante en el diseño fue el aprovechamiento de la morfología y los beneficios de los nogales, los cuales, dependiendo de la temporada, crean juegos interesantes de luz y sombra. Además “cada espacio disfruta de vistas a todas direcciones, con excepción a las colindancias, acompañados de terrazas que acolchonan lo mismo la intimidad del interior como la oportunidad de crear varios ambientes.” En tres niveles, el proyecto se desenvuelve de forma orgánica a través de un pasillo central, flanqueado por un lado por el patio y los espacios sociales, y por el otro por la cocina, el family room y los servicios. En planta alta se encuentran todos los espacios íntimos, en donde “cada espacio está acompañado


RESIDENCIAL

siempre de un exterior inmediato –terrazas– y de un exterior lejano -vista a las montañas- que enmarca el paisaje.” enfatiza la arquitecta Carrillo. El último espacio –social festivo– se desarrolla en la azotea con una vista de 360° hacia las montañas, en contacto con los históricos nogales y delineado por un cuerpo de agua que ayuda a la regulación de la temperatura y permite disfrutar de los espacios lejos del asoleamiento regiomontano. En lo referente a la protección del sol dentro del proyecto, ésta se da gracias a las aperturas en distintos espacios que, en palabras de la arquitecta Carrillo: “dejan pasar el viento, evitando en la medida de lo posible el uso del aire acondicionado; permiten el paso de la luz, pero contienen gradualmente los rayos del sol y conectan a los habitantes de la casa con el lugar en donde se encuentran.” tallerdearquitectura.com.mx tescala.com

La conexión entre exterior-interior es una de las premisas principales para la comunicación de los espacios con el contexto natural y la historia del sitio en donde se encuentra la residencia.

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RESIDENCIAL Los nogales ayudan a crear distintos ambientes durante el dĂ­a, ademĂĄs de generar hermosas vistas y servir como protectores del clima.

Las imponentes vistas a las montaĂąas refuerzan la identidad y el arraigo de los habitantes de la casa.


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COLUMNA

Diseño y el futuro de la hotelería Por JUAN CARLOS BAUMGARTNER Ilustración ZAMARRIPA

VIAJAR es sin duda una de las actividades más importantes de los seres humanos, hoy en día ¿a quién no le gusta desconectarse del día a día y vivir nuevas experiencias en nuevos lugares? La tendencia en soluciones de bajo costo, entre otros factores, ha forzado a crear alternativas más creativas y atractivas que hace algunos años eran inexistentes. De acuerdo con la consultoría de BDO, para las generaciones millennial y Z el diseño es y será uno de los factores más importantes en su decisión de donde hospedarse; el mismo estudio argumenta que la influencia más poderosa en la selección de un alojamiento son las recomendaciones de boca en boca, que representan un 65% en su toma de decisión, siendo uno de los factores más potentes en la comunicación: el diseño del espacio. TENDENCIA 1 | UN NUEVO VIAJERO: MILLENNIALS Una de las grandes influencias en los cambios en la forma de viajar son los millennials (nacidos entre 1980 y 2000), individualistas, curiosos y conectados globalmente se han convertido en el centro de atención para la industria hotelera. En los siguientes 5 a 10 años, los millennials serán la generación que más gaste en la industria turística y esto aún es un gran reto para todo el ecosistema, pues no estamos preparados para alojar a dos grupos generacionales completamente distintos a los que estábamos acostumbrados: millennials y gen Z. TENDENCIA 2 | EL FUTURO ES FEMENINO La segunda tendencia mas importante es el peso que las mujeres tienen en la industria. El 75% de las mujeres entre 16 y 23 años han viajado o planean viajar a backpack en comparación con el 67% de hombres. Esto, además es particularmente interesante porque las mujeres le dan mayor

@zamarripa.mx

peso al diseño en la toma de decisiones cuando se trata de seleccionar hospedaje. En los últimos 5 años se han incrementado en 88% las reservaciones en hoteles hechas por mujeres viajando solas. No sólo las mujeres están viajando más que los hombres, sino que también están generando una demanda de servicios particulares y adicionalmente están optando por reservar más en hostales que los hombres. TENDENCIA 3 | DISEÑO BASADO EN EVIDENCIAS Este concepto no es un tema nuevo, aunque en muchas ocasiones no era una estrategia o práctica común en la industria de la hotelería. Hoy ya no basta con hacer espacios funcionales y con un wow factor, los nuevos tipos de viajeros están acostumbrados a soluciones mucho más sofisticadas en tecnología, diseño y customización.

Es emocionante vivir el momento presente porque todo está por cambiar.

Veremos cómo en esta industria cada día comenzarán a aparecer soluciones resultantes de equipos interdisciplinarios en los que los espacios estarán analizados y diseñados desde múltiples ángulos; no será suficiente con diseñar un espacio “instagrameable”, el equipo de diseño tendrá que entender que el poder de las redes sociales está en la capacidad de la arquitectura de convertirse en parte de una conversación y aportar un social currency al usuario del espacio. Veremos cómo los diseñadores harán uso de tecnologías para redondear las experiencias y cómo el diseño utilizará conocimientos producidos por la neurociencia en temas de generación de memorias, percepción, estética, etc. Es así como veremos una revolución en la mentalidad de los hoteleros, de los viajeros y por supuesto de los encargados del diseño; pruebas de este tipo de soluciones ya las encontramos en cadenas como NH que ha cambiado su estrategia y comienza a hacer una nueva arquitectura de autor en sus hoteles en México y en el mundo. En este contexto y como ya alguna vez lo he mencionado: Es emocionante vivir el momento en el que vivimos porque todo está por cambiar.

@baumgarj


COLUMNA

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La especialización del diseño Por HOMERO HERNÁNDEZ Ilustración ZAMARRIPA

EN SU MOMENTO la Bauhaus nos ofreció una primera visión de los oficios relacionados con el diseño, construyendo interesantes interacciones entre ellos. A 100 años de su fundación por el arquitecto Walter Gropius, es buen momento para reflexionar acerca de la dinámica que ha tenido el diseño y su enseñanza en nuestro país. El diseño es el proceso previo de configuración mental, en la búsqueda de una solución en cualquier campo. Habitualmente se usa en el contexto de la industria, ingeniería, arquitectura, comunicación y, en general, en todas aquellas disciplinas que demandan creatividad. Sus procesos y metodologías han permeado transdisciplinarmente en la educación y en los negocios. Incluso en las dos últimas décadas, el design thinking se ha vuelto una metodología popular que potencializa la creatividad en el ámbito empresarial. Tim Brown, director de IDEO es uno de sus principales promotores junto con la Escuela de Diseño de Stanford, donde se estudian los procesos creativos de los diseñadores como si fueran las semillas de la creatividad que otras disciplinas necesitan. Históricamente, el quehacer del arquitecto implicaba realizar procesos de diseño en todas sus escalas. Al arquitecto siempre se le habían encomendado tareas tan diversas como diseñar una silla, un mueble, un letrero, una casa o inclusive una ciudad. Afamados arquitectos como Pedro Ramírez Vázquez, tuvieron la gran oportunidad de abrir brecha en las aún incipientes disciplinas del diseño gráfico y del diseño industrial por ahí de la década de los sesenta, comenzando de esta manera la especialización del diseño y dejándole a los arquitectos exclusivamente el diseño de los espacios habitables. En las últimas décadas una gran cantidad de especialidades del diseño han proliferado, así como la apertura de nuevas escuelas enfocadas

Los tiempos en los que el arquitecto ejercía el diseño en todas sus escalas como un gran todólogo, ya no regresarán. al estudio de las mismas. Si bien las carreras relacionadas con el diseño tienen una estructura de cuatro años, la carrera de arquitectura o diseño arquitectónico, o diseño del espacio habitable, se encuentra en el punto medio de la escala de todos los diseños, por lo que su formación es de 1 año más y a menudo, con ayuda de algún posgrado, ya sea especialidad o maestría, o por medio de cursos y certificaciones, los arquitectos logran intervenir en algún otro de los campos del diseñador. Tan solo en los dos últimos años, en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Comunicación de la Universidad La Salle hemos complementado nuestra oferta de Diseño Gráfico y Arquitectura con nuevas disciplinas relacionadas con el Diseño de Ambientes y con el Diseño de Productos. El impacto ha sido muy positivo dado que dichas

@zamarripa.mx

licenciaturas tuvieron buena aceptación y una matrícula suficiente para iniciar. Cabe destacar que el evento internacional de diseño promovido por el arquitecto Emilio Cabrero y su equipo, para lograr que la Ciudad de México fuera nombrada sede del World Design Capital 2018 fue un referente que hizo visible la importancia del diseño tanto en nuestro país como en el mundo. Además de exposiciones y eventos, esta designación permitió convertir la antigua estación del trenecito de Chapultepec en un centro de exposiciones de diseño. Los tiempos en los que el arquitecto ejercía el diseño en todas sus escalas como un gran todólogo, ya no regresarán. El desarrollo del diseño en nuestro país sigue creciendo y la gama de aplicaciones también, con sus consecuentes especializaciones para todos los profesionales interesados. Es un buen momento para seguirlo impulsando desde las instituciones que nos dedicamos a formar diseñadores.

@HomeroHdez


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COVER STORY PÁG. 49 DESIGN AS SENSORIAL EXPERIENCE “People have changed their consumer habits, focusing what they look for these days on feelings and emotions. That is the premise that guides designers of hospitality solutions.” –Marisabel Gómez Vázquez, founder and director of AI Arquitectura de Interiores

“Ever since I was little, my father, José Manuel Gómez Vázquez Aldana, worked on building a very strong character in me. As he himself was quite a character and one of the big names in architecture in Guadalajara, with a very important career and countless awards, I truly feel privileged to have his example and the lessons he taught me,” Marisabel Gómez Vázquez tells us, clearly moved. She was born into an architectural family and from a very early age was surrounded by an artistic context that filled her with curiosity and an endless desire to continue learning. “My life has always been very exciting, especially because my father has consistently provided plenty of challenges. At times, he makes a lot of jokes, not all of which are so nice, but they’ve gotten my siblings and me to reflect carefully when we have to make decisions. As an architect and artist, he really has many facets: urban planner, painter, bullfighter, poet; he’s an entrepreneur, businessman, promoter and a lot more. I remember that he would send me flowers at school to celebrate end of semester events, and I would have to go to pick them up from the principal. When I would ask him: “Why do you do that to me, Dad?” his very firm, decisive answer was: “So you lose your fear of embarrassment.” That is my father, and that’s how he went about building my character and that of my five siblings, with whom I’ve put together a great work team both personally and professionally.” Among the anecdotes the architect shares are those about the family’s typical Sundays painting watercolors. “The conditions were: your racket, sneakers and tons of paints that somebody brought, along with sketch pads. Those days turned into terrific, fun afternoons together, with endless discussions on art, as well as other more laid-back subjects, plus loads of laughter and happiness. When I grew up and started to go with my father on his work site visits I realized that I had inherited from him that incredibly valuable quality of curiosity, to understand what things are done for and why certain decisions are

made. Those ‘crumbs of analysis’ gradually took shape very logically and naturally, not only in the process of my life but also as part of the creative design process that has now defined my work as an interior architect.” BETWEEN INTERIOR ARCHITECTURE AND ARCHITECTURE PER SE For Gómez Vázquez, everything is communication. “Visual language, what we do, what we wear, the colors we choose, what we arrange or design within an environment or a space; absolutely everything sends a message. It’s not chance, just as nothing is ever going to appear by accident. That’s why I’ve always been drawn to analyzing messages and observing surrounding elements to find out which ones help me express what I want to say.” But how can we grasp the difference between interior architecture and architecture per se, especially when we live in a country in which interior design is still understood more as a decorating task and not a job that requires training? “There is an explanation for everything, from the light to textures and forms –Gómez Vázquez says– and, with that in mind, I believe we must give it the attention it deserves.” “That’s how our firm, AI Arquitectura de Interiores, started. It was my father’s decision. In fact, one of the first projects we did was one of the Fiesta Americana hotels. Back then, my father and my uncle Jaime led the team. I was still a student, but I remember that we realized that undertaking interior hotel design required specialization. In those days, the office had a decorating department. That’s what it was called, and we got the idea that that had

to change, since interior design was an integral part of the project by complementing the plans previously designed by the architect.” “We discovered that the basis of a project –particularly in the hotel sphere– emerges out of the structural limitations of the architecture that the interior design is incorporated with. All the false ceilings, the distribution of spaces, the functioning of the different areas, the way kitchens are connected to restaurants and how the back of the house (referring to hotel internal operational functioning) is in synergy with the front of the house (everything guests touch, visit, walk around and experience) is interior architecture. That is where a very clear line is underscored with regard to how architectures communicate and complement each other.” That is the essence at the very root of AI Arquitectura de Interiores, which emerged in the 1980s jointly with an American company called Graham & Solano, located in Boston and one of the world’s largest firms at the time. The architect reports that the two teams collaborated on several projects and were associated for a while. However, then came years of crisis and devaluations that brought the partnership to an end. “We continue to be great colleagues and friends. The most significant thing about that period is that we learned a lot about how to do architecture. I even went to live in Boston for a while to learn the ins and outs of interior architecture,” Gómez Vázquez relates. And how does interior architecture work? –we ask the architect, who responds assertively: “An interior architecture project for a hotel can require as many as 300

Foto Thomas Har t Shelby

Interview Greta Arcila, Guadalajara correspondent


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plans, in interior architecture alone. That’s how it works, without forgetting that from the outset all teams must be involved with the project; from the time it is taking shape conceptually and its volumetry is barely being designed to when the architects get involved in thinking about space planning and how to best distribute locations for the restaurant, the lobby and public spaces.” At the end of the day, those are the details that provide the tourists and guests in a hospitality space with a complete experience. “Where it goes and what type of restaurant it is going to be or if it will have a specialty or will be open morning, afternoon and night, is just one integral part of all the topics it is important to go over to organize the way guests are going to experience a hotel,” confirms the creative, emphasizing that in effect interior architecture is a specialty of its own. And it is precisely that knowhow and specialization that have put the company and team (now headed by Marisabel Gómez Vázquez) into the big leagues as a firm focused on the interior architecture of the world’s major hotel chains. In 2020, the firm will celebrate its 40th anniversary, an occasion that Marisabel looks forward to since she was there from the beginning and gradually took charge of the operation of the office. “Over the years, I have seen how the architecture firm and the interior design side have complemented each other,” she says with enormous satisfaction. EXPERIENCE WITHIN SPACES One of the major topics in interior architecture is the experience. In the end, users choose the hotel where

they are going to stay because of its ambiences and the experiences to be had within its spaces. Gómez Vázquez and her team are experts in that sensorial part, so much so that today their interior design projects include over 270 hotels and resorts in Guadalajara, the rest of Mexico and Latin America for such international chains and brands as Ritz Carlton, Four Seasons, JW Marriott, Marriott, Hyatt, Hilton, One & Only, Starwood, Westin, Sheraton, Aloft, Nikko, Accor, Novotel, Aloft, NH, Continental, Viceroy, Wyndham, IHG, Fiesta Americana and Pueblo Bonito, among other major ones. In addition are recent projects like the Viceroy Riviera Maya, the Hotel Real Arenas Dominican Republic, the JW Marriott Santo Domingo and the Tryp Albrook Panama, among the most outstanding ones. Having a vast portfolio, what is it like approaching clients that are so unique and different in their demands and needs? Gómez Vázquez responds emphatically: “The way of doing hotel design has changed tremendously. In the 80s and early 90s, statements like ‘I went to the Marriott in Hong Kong and felt just as good as at the Washington Marriott,’ were made with pride. In other words, being able to identify the same atmospheres in places with ever more demanding and precise standards of quality in terms of comfort warranted boasting. But now, rather than esthetic standards, what is important is that everything runs around the feelings and emotions of people in a hospitality space.” “Deluxe chains demand ever more rounded out sensorial experiences for their guests; if they are in Hong Kong, Paris, New York, Cancún or San Miguel de Allende, the idea is to make them feel that they are there and nowhere else, as each one of these places is different in terms of culture, activities, landscapes, customs and communities. In our case, for instance, one of our big challenges has been how to sell a Mexican style, and striving for that, we have discovered that Mexico is an array of multifaceted atmospheres that can win over and satisfy the most demanding visitors.” That is where a lot of the magic of AI Arquitectura de Interiores is, offering a range from the style of a Mexico with contemporary architecture that makes us proud to that of the mid-century period as in the Thompson in Los Cabos, a milestone in interior design of international hotel chains operating in the country. “That’s what’s so wonderful about this work; there’s no good and bad or anything that’s mistaken or right on the mark. Instead, there are infinite solutions to offer the experiences guests are expecting, and the idea is to evolve in that circle of relating, bringing global and local together. I don’t think we should shut ourselves off from the curiosity of investigating the handicrafts, workforce and materials that make each place unique. People from

all over the world are avid to learn about all that, and particularly here in Mexico we are fortunate to live in a country that is so rich in terms of artisanry and great masters,” the architect concludes.

INTERIOR DESIGN FIGURES PÁG. 70 SENSATIONS AND FEELINGS “I’m a risk taker and am not afraid of color or trends being in or out. I do today’s design for today, always paying attention to sensations and feelings.” –Andrés Gutiérrez Whenever a new project shows up on his work table, the first question that Andrés Gutiérrez –founder of A-G Studio– thinks of is: Where will I get my inspiration? “That kicks off the adventure, and once the theme and tendency I’m going to use are defined, I delve right into researching in books, magazines, Internet and whatever source is available to learn all about the subject. Then comes creating the famous material design palette from which the key overall ideas for developing a project emerge,” explains the designer, who followed his entrepreneurial leanings when the words of his colleague Héctor Galván inspired him during a conference the latter gave when he had recently finished the interior design project at the Hotel Básico in Playa del Carmen. Gutiérrez was 20 at the time but recalls that listening to Galván on that podium and watching slides of his project sparked his own interest in interior design. He shares that he had always had the idea of working on his own, so when he got his degree, the only thing he was sure about was that he wanted to do interior design in a different way. “Part of my rebelliousness at that time was also knowing that I didn’t want to have a boss. So, I packed up my things and moved from León, Guanajuato (where he lived) to Mexico City, where I took some courses to get further training and started to market myself as a freelance designer of spaces. And so A-G Studio came to life, with a great need to challenge myself and do things right,” says Gutiérrez, whose most iconic project and the one that thrust his career forward is Ignacia Guest House, a bed & breakfast in the Roma district he worked on with the firm Factor Eficiencia. “I really love Ignacia Guest House because, besides the fact that all my effort and heart went into it, it is a remodeling and interior design project that has won numerous awards and been the subject of publications the world over. And people like Patricia Urquiola and Björk, who I admire and inspire me, have even stayed there.”


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The designer is currently working on the interior design of a couple of hotels in San Miguel de Allende. One of them is just getting started, and the other (Casa Hoyos) is about to be finished. He also plans to launch his own furniture/art-object collection, which he has been working on for over two years but is still polishing up until he is completely satisfied with the results. Most important to him when designing interiors for an existing space is respecting the architecture, especially if it is a building with historic, artistic or patrimonial value; using psychology of color as a key element in making the space friendly, and risking a little without losing the sense of humor typical of places in a warm country like Mexico. “Minimal, solemn, grays spaces are always attractive, but I don’t think they are inherent to our culture and, therefore, are not necessarily where we will feel best.”

PÁG. 72 EXPRESSING MEXICANNESS “The key elements for any space are textures and lighting, ensuring that the place is in harmony with its surroundings and choosing each material with a critical eye.” –Azul Celeste Sofía Zaragoza and Andrea Borquez were about to graduate from the university when they decided to open their own interior design firm: Azul Celeste, founded in 2016. “We studied together, and besides being good friends, we always worked very well as a team. We shared a love and passion for design and were particularly drawn to interior design. That same year, still in the university, we got the chance to remodel an office building in Guaymas, Sonora: Edificio MA, and given the positive results of that and other small projects, we officially decided to open our own office,” Andrea Borquez says, pausing to emphasize how they came up with the unusual name of the firm. “When discussing what to call ourselves, we always thought we wanted a very Mexican name. At that time and with a lot of foresight, we dreamed that some day our projects would reach other continents and that no matter where we worked, our firm should be recognized as Mexican. That’s how we decided to call ourselves Azul Celeste.” Borquez adds that Edificio MA is definitely one of their most iconic projects. “It was a building we were asked to remodel that was in very bad condition, and located in the Historic Downtown area in the city of Guaymas,

Sonora, it was protected by the National Institute of Anthropology and History (INAH). The result was very positive, as an interesting contrast was created between old and new, and we won some awards and were featured in publications. We can proudly say that it was the beginning of what was to come.” Another residential project that the enterprising young women have felt particularly satisfied with is Casa IC. “It was our first big residential job, and luckily we had a lot of design freedom. It was a very interesting challenge for us, being the first in this area,” explain Zaragoza and Borquez, who consider that the market in Sonora is just beginning to invest in interior projects. “Taking this into account, we think that people in Sonora look for something timeless, furniture that stands the test of time, neutral tones and classic forms. They leave room for accessories and art to add more life and color. We feel that they still lean toward practicality and thus want durable materials. Plus, it is always very important to think about exposure to the outdoors, since the climate we live in around here is quite hot.”

PÁG. 74 DARING DESIGNS “Mexicans like colorful spaces, furniture with different textures and for the design of the space to be daring, yet not to the point of being radical.” –Santiago Cuaik Up to now, restaurants have been the most iconic projects done by Cuaik Arquitectos, a firm founded in 2010 with small projects for relatives and friends. Architect Santiago Cuaik, director of the team, tells us that they have recently started growing in the field of hotels, a challenging and very exciting period. “What we are especially excited about these days, in the office, is hotel development, an area that was completely new for us a year ago and now keeps a good part of the team working. For the moment, we are not looking to expand as such; we want to keep the office as it is, thinking that a small, well established team can produce things that are better thought out and more personal.” Cuaik’s approach is not married to any architectural style in particular. Instead he tries to understand client needs, though always going one step beyond with somewhat bolder projects and unique materials and furniture. “I think the key is thoroughly understanding users, knowing what they want and what kind of lifestyle

they want to have. Secondly, I consider it important to learn how to interpret the architect who put up the original structure and discover his intentions, so as to be able to design something that can converse with its exterior.” Generally, this creative process starts off by making a mood board through a meeting with the client so he shares with the team what inspires him, what he is looking for at the site and how he imagines he could live or work there. From there, the next step is coming up with the architectural program, for which it is essential to find out client needs and help define them and then make them happen. “One of the funniest and toughest things that has happened to us is that three times the client couple whose home we were designing found out they were having twins, making us change the entire project, beginning with the architectural program, the same number of times,” Cuaik relates anecdotally. The architect, graduate of Anáhuac University, thinks that: “These days, given the various decorating platforms and the immediate impact of social media, the difference between interior design trends is no longer as marked and the field has somehow globalized. Even so, I think that the Mexican market likes colorful spaces, furniture with different textures and for the design of the space to be daring, yet not to the point of being radical.” According to Cuaik, talking about trends narrows the field of projection, though there are always elements that may have been forgotten yet come back. “Right now, for instance, interior architects really like to use plants indoors, which I see as a trend that we shouldn’t ignore.” “At the moment, Mexican interior designers are growing as we hadn’t seen for a long time. There is a large area of opportunity that I think they are going after, and competition is constantly greater, which makes all of us improve. Also with building restoration, architects are rethinking how we do architecture,” Cuaik concludes.

PÁG. 76 AMIDST GRAYS, TERRACOTTA AND OLIVE GREENS “To me, design spontaneity is flexibility in creative methodology.” –Bibiana Huber B-Huber was founded in 2009, when Bibiana Huber put together a small work team to compete for the Hotelito Desconocido design project in Costa Alegre, Jalisco. She was concerned with representing Mexico


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through an interior decoration and design proposal using pieces strongly influenced by the country’s artisanal workforce. Some sources of inspiration are reflected in the context, lines and materials of contemporary Mexican architecture, which stands out for its contrast of textures and colors that go from warm grays to terracotta and olive greens, from marbles to the most porous stones, from shiny metals to oxides. “For every project –says the industrial designer and graduate of the Tec de Monterrey, Guadalajara– we try to represent a precise combination of styles, spotlighting our creative work and that of many other national, as well as international, designers, artists and artisans. Since diversity makes each project unique, I analyze the needs, limitations, features and potential points of each proposal and subsequently do brainstorming and sketches to arrive at the perfect balance between design and production. To me, design spontaneity is flexibility in creative methodology.” From her point of view, the key elements in creating a good interior design (in harmony with the architecture) “is to create sufficient synergy and contrast between the architectural materials and the rest; locate sufficient points of warm ambient light; play with the proportions of high and low elements, and always relate interior design projects with their context.” This creative process is behind projects like the Hotelito Desconocido, whose exclusive design pieces involve artisanal techniques that create environments inspired in cards from the traditional bingo-like lotería mexicana game and merge with the surrounding nature; and Del Carmen Hotel, which reflects the expressive magic of the surrealists in the Mexican rupture movement combined with the architecture of a mansion that enjoyed

the creative freedom of that period and now embellishes the Historic Center of Guadalajara. And speaking of the capital of the state of Jalisco, Huber thinks that: “The market in Jalisco is in a period of transition in terms of its perception of design, moving towards ever more international trends and brands, highly influenced by the diversity and culture of design in Mexico City, New York and the rest of the world. Consequently, I think what is needed is less conventional and more cosmopolitan, but above all affordable design.”

PÁG. 78 THE NARRATIVE OF SPACES “I don’t believe in trends. I think people have a need to identify with objects, to go with the sensations a space can provide us.” –Jesús Irizar “To create credibility in a fertile market used to defining the word ‘design’ as a synonym of unattainable luxury.” That was the philosophy behind MOB, begun in the year 2000 as an initiative of a team of four Mexican industrial designers: Cecilia León de la Barra, Óscar Nuñez, Enrique García and Jesús Irizar, all Iberoamericana University graduates with very similar concerns. “We loved objects, mainly those used every day and that are with you during your daily activities: furniture,” recalls Jesús Irizar – director of the firm–, emphasizing that back then the small group decided to venture into the unexplored design industry in Mexico, when there were not many proposals and the country looked more towards imported products. “There was a great opportunity, a large ‘field of play’ in

which, while learning, we could make our way using the advantages of our discipline. So, we created the first of six furniture collections that we have developed over these 19 years,” the designer tells us. During that time, all kinds of things have happened: from fun incidents to challenging phases that have made us learn. To randomly mention some situations, Irizar shares when they were finally able to set up their factory/ workshop after 15 years of outsourcing. “That opened our eyes and helped us understand another reality of the industry in Mexico: how to make a company and the importance of this idea with a view to having a stable project and understanding how to make products industrially and what we as a country have to achieve that.” “Our country –the creative adds– has generated sufficiently to boast an identity of its own. It is a land of cultural diversity that is similarly connected to the world at the information level. Where we do not have an advantage compared with other countries is economic stability. Starting up here is difficult. Projects are needed, yet developing time within the design world in Mexico is practically nil. We don’t lack history or cultural identification elements, imagination or creativity. What we need is a stable framework for consolidating major projects.” When you talk about major projects in interior design, that implies use of space and existing architecture as necessary ingredients for being able to create a concept, without which it is difficult to find a narrative. “This has to do with the series of individuals at the center of the story that the particular space wants to tell. So, having a clear concept should help us to sift out from among the countless options the material design palette to apply to it. The next steps in this creative process are the moments of anxiety vs. joy and any emotion that we want to tell in the story, be it as sparkles, accents or silences that from one moment to the next, from one piece to another, from one wall to another produce a rhythm that provides composition balance or imbalance. In this whole framework, light in its full range, its qualities and presences, is a tool that creates an atmosphere, and when users are within an atmosphere they can receive the benefits of an interior design treatment.”


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OBJETO GLOCAL

Delicadeza traslúcida The Society Collection | Neri&Hu | Paola C.

convivencia de la mesa. The Society Collection, básicamente es una familia en la que cada miembro tiene su propio rasgo distintivo y al mismo tiempo mantiene cierta afinidad cromática y material con el resto de las piezas. La geometría simple se enriquece con los colores cálidos en las piezas de vidrio y metal que están destinadas a reunir a las familias de verdad. neriandhu.com paolac.com

Fotografía cor tesía | Dirección de ar te Böjte—Bottari

Durante la recién edición de Maison & Objet en París, Francia, la firma italiana Paola C presentó —sumado a los nuevos diseños de Jaime Hayón y (a+b) dominoni, quaquaro— la primera colección de objetos para mesa diseñada por Neri&Hu, el estudio fundado por Lyndon Neri y Rossana Hu, quienes desde su estudio en Shanghái han realizado principalmente proyectos arquitectónicos, ellos mismos fueron nombrados diseñadores del año en 2015 por la organización de Maison & Objet Asia. En su proyecto The Society Collection, Lyndon y Rossana partieron de la idea de crear objetos que favorezcan el encuentro entre las personas, así las piezas funcionales en la colección celebran la

The Society Collection celebra la convivencia de la mesa, como la acción de preparar y degustar té.


PREMIO NOLDI SCHRECK 2019 Inscribe tu proyecto a la próxima edición que celebra lo mejor de la arquitectura e interiorismo en México. Consulta la convocatoria: glocal.mx

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Glocal Design Magazine No. 53 Portada por/Cover by Marisabel Gómez Vázquez  

Portada/Cover: Marisabel Gómez Vázquez / Figuras del Interiorismo: Narrativa de los espacios / Personalidades del diseño / Macrotendencias:...

Glocal Design Magazine No. 53 Portada por/Cover by Marisabel Gómez Vázquez  

Portada/Cover: Marisabel Gómez Vázquez / Figuras del Interiorismo: Narrativa de los espacios / Personalidades del diseño / Macrotendencias:...