Glocal Design Magazine No. 47 Portada por/Cover by Patricia Urquiola

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CURIOSIDAD, TOLERANCIA Y LIBERTAD: PATRICIA URQUIOLA | SALÓN MACROTENDENCIAS | 10 AÑOS DESIGN HOUSE | MACROTENDENCIAS: CONTEXTURAS SERRANO MONJARAZ

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Directora General

CONSEJO EDITORIAL

Editora en Jefe Greta Arcila

Presidencia honoraria

greta.arcila@glocal.mx

Gina Diez Barroso

Asistente de dirección

Consejeros honorarios

Caly Pérez

Ar turo Aispuro Coronel

caly@glocal.mx

Miguel Ángel Aragonés Jorge Arditti

Editora

Ar turo Arditti

Mar tha Lydia Anaya

Juan Carlos Baumgar tner

mar tha@glocal.mx

Fernando Camacho Nieto

Portada Patricia Urquiola por Jorge Medina

Carmen Cordera Editora de arte

Héctor Esrawe

Sandra Montiel

Jorge Gamboa de Buen

sandra.montiel@glocal.mx

Juan Manuel Lemus Beata Nowicka

Diseñadora

Carlos Pascal

Ximena Polanco

Gerard Pascal Ariel Rojo

Editor Macrotendencias

Sagrario Saraid

Germán Velasco Contabilidad Editora web

Víctor Villareal

Itayedzin Aragón itayedzin@glocal.mx

Gerente comercial Eduardo Rodríguez M.

Redacción

eduardo.rodriguez@glocal.mx

Adriana Onofre redacciongdm@glocal.mx Coordinación de video Eduardo Ramírez eduardo.ramirez@glocal.mx

Contacto glocal.mx info@glocal.mx Manchester 13, piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, Ciudad de México.

Teléfono 52(55) 55.33.68.18

Colaboradores Jorge Medina José Margaleff Lisa Heller Anabel Aguirre

Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: octubre-noviembre 2018. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013041513043400-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Comercializadora GBN S.A. de C.V., Calzada de Tlalpan 572, despacho C-302, colonia Moderna, delegación Benito Juárez, 03510, México, D.F., Tel. 5618-8551. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V., Caravaggio 30, Col. Mixcoac, C.P. 03910. Del. Benito Juárez. México, D.F. Tel 5611-9653.

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El gran maratón de Diseño del 2018 Cada página de Glocal Design Magazine cuenta tantas historias que si cada elemento del equipo hiciera un recuento del tiempo invertido en cada nota o en cada artículo, podríamos editar un libro de más de 1,000 páginas cada año. Nuestra publicación nació con la intención de contar historias de diseño, pero al pasar de los años nos percatamos de que el apoyo al gremio creativo era poco; por lo tanto, tomamos la decisión de lanzarnos al vacío e ir más allá. Así, creamos un concepto editorial único en México con el fin de establecer cadenas de valor y crecimiento entre el gremio empresarial y el creativo a través de ejercicios en los que todos ganamos: diseñador, industria y espectador. El diseñador conoce de cerca los nuevos materiales que genera la industria al manipularlos y llevarlos al extremo en un proyecto creativo; la industria se enriquece al ver cómo los hacedores de la escena diseñística crean algo único en donde el brief fue experimentar para crear una experiencia visual en la que el único usuario será un modelo portando lo más avant-garde del diseño textil; y finalmente, el lector, al recibir un material editorial exclusivo –y por lo tanto coleccionable–, que lo ayuda a comprender que todo es diseño y que en cada momento, sin saberlo, toma una decisión de diseño… sí, todo ese concepto es MACROTENDENCIAS.

Al ver que ese ejercicio crecía más cada vez y que los resultados eran dignos de presentarlos a todo el público, nace Salón Macrotendencias: un espacio en donde se tiene la misma intención de hacer vibrar a los espectadores, pero esta vez a través de las voces de personajes muy distintos entre sí, pero únicos en propuesta; sí, es otro experimiento de diseño de Glocal Design Magazine, ya les contaremos el resultado, y si es bueno, el siguiente año volveremos con más ya que al estar prospectando este concepto, se abrieron puertas inimaginables. ¿Y quién mejor para esta portada y para ser nuestra madrina de Salón Macrotendencias?

Nadie como Patricia Urquiola, una mujer que sabe que en el límite está el camino para llegar más lejos. Arquitecta de formación y renacentista de corazón, aprendió la perfección y la excelencia del detalle en el maestro Achille Castiglioni, considerado padre del diseño italiano de hoy, y con el gran Vico Magistretti abrazó el diseño objetual. Como casa editorial nos enorgullece que ella sea nuestra portada de autor y como pertenecientes al gremio del diseño, creemos que no hubo mejor época para venir ya que verá la efervescencia del diseño mexicano con grandes eventos que promueven y exponen a los talentos que México tiene el día de hoy. Sí, visita Salón Macrotendencias durante el World Design Capital en la semana de Design Week México al tiempo de que sucede también el Abierto Mexicano de Diseño y la industria se conjunta en Expo CIHAC ¡Mejor, imposible! Ya les contaremos en nuestras redes y sitio web sobre todas las actividades. No dejen de seguirnos que tendremos mucho qué contar.

GRETA ARCILA Editora en jefe

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Greta Arcila

@gretaarcila

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DIEZ AÑOS

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10–14 oct 2018 wdccdmx2018.com

Contenido 02 DIRECTORIO 04 EDITORIAL 11 AGENDA 14 MISCELÁNEA 18 LIBRO

Brick Buildings TECHNO 20 Symbol

24 TALENTOS NACIONALES

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Frame 26 TALENTOS INTERNACIONALES

44 LUMINARIA

Slash

Ula Light

ACTUAL 28 Host | City Centro CDMX 30 Shopping | Ikal 32 Showroom | David Pompa 34 Cultura | MNA 36 Table |BreAd 38 TALLER

CGN + Odabashian 42 TEXTIL

Dupuis + Caralarga

48 DISEÑO + CIUDAD

MMAC Juan Soriano 52 DISEÑO + EMPRESA

Sonos + Nasdaq 54 DISEÑO + HISTORIA

Alexander Girard 58 DESTINO DISEÑO

Centro Histórico CDMX 62 SU ESPACIO

Louis Vuitton

Foto Marco Craig

22 Smeg

66 ENFOQUE

Patricia Urquiola SALÓN MACROTENDENCIAS 82 Alberto Martínez | CuldeSac 84 Juan Carlos Baumgartner 86 Emiliano Godoy 88 José Luis Navarro 90 Emilio Cabrero 92 Victor Márquez 95 CROMÁTICO

98 ESPECIAL PISOS Y RECUBRIMIENTOS

Foto José Margaleff

Ignacio Cadena 125

104 DESIGN HOUSE 125 MACROTENDENCIAS FIRENZE + SERRANO MONJARAZ

Recorrido histórico-visual por su 10 Aniversario

131 MACROTENDENCIAS FORMICA DECOMETAL 134 TENDENCIAS GLOCAL COLUMNAS 138 Homero Hernández 139 Raúl Alfaro Segovia 140 ENGLISH TEXT

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Foto Héctor Muñoz

144 OBJETO GLOCAL

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Simplemente lo mejor

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Fotos cor tesía

Beyond the surface cuestiona los procesos de producción detrás del artista

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AGENDA

BEYOND THE SURFACE Hasta el 18 de agosto Christien Meindertsma presenta su primera exposición en solitario, misma que cuestiona los métodos de producción y consumo del diseño, así como nuestra manera de relacionarnos con el objeto final del proceso. Esta muestra profundiza en la creación del producto y el trabajo del artista detrás de ello; el valor de la industria local y los efectos de las cadenas de producción globalizadas con el propósito de crear una conversación crítica a favor de un cambio positivo en nuestros hábitos de consumo.

VITRA DESIGN MUSEUM GALLERY Charles-Eames Str.2 79576, Weil am Rhein, Alemania design-museum.de

CHIPPENDALE’S DIRECTOR: THE DESIGNS AND LEGACY OF A FURNITURE MAKER Hasta el 27 de enero del 2019 Para conmemorar el 300 Aniversario del nacimiento del ebanista inglés Thomas Chippendale –autor del exitoso libro The Gentleman and Cabinet–, el Metropolitan Museum of Art presenta una colección de obras que combina los bocetos originales del diseñador y una selección de muebles americanos y británicos inspirados en su estética. La exhibición invita a la reflexión sobre el impacto de su trabajo en la carpintería arquitectónica antigua y contemporánea.

HITCHCOCK, MÁS ALLÁ DEL SUSPENSO Hasta el 13 de enero del 2019 Bajo la curaduría de Pablo Llorca, la vida y obra del “maestro del suspenso” se expone en la Galería de la Cineteca Nacional, partiendo desde una mirada global a las claves esenciales de su cine. Esta muestra exhibe los procesos de creación del artista y su lenguaje cinematográfico para lo que se han dispuesto cinco módulos con más de 200 piezas que incluyen revistas, libros originales, carteles y archivos de video.

THE MET 1000 Fifth Avenue 10028, Nueva York, EU metmuseum.org

CINETECA NACIONAL Av. México Coyoacán 389 Col. Xoco, Benito Juárez, Ciudad de México cinetecanacional.net

AGENDA

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FAKE NEWS AND TRUE LOVE: FOURTEEN STORIES BY ROBERT BAINES Hasta el 3 de marzo del 2019 El Museo de Artes y Diseño (MAD) de Nueva York presenta esta exposición que, a través de una colección de joyería, evidencia la naturaleza y la influencia que tienen las noticias falsas y los titulares sensacionalistas en las historias colectivas; mismas que mezclan la realidad y la ficción, alterando nuestra percepción de los hechos. Esta colección de anillos, collares y brazaletes simula una discusión alrededor de lo que es real o no en 14 fake news que van desde la llegada del hombre a la luna hasta la supuesta infidelidad del presidente John F. Kennedy.

FASHIONED FROM NATURE Hasta el 27 de enero del 2019 Esta exposición reúne el trabajo de diseñadores de renombre comprometidos con la moda sostenible y el medio ambiente, reutilizando materiales y apostando por fibras de origen natural. Invita a replantearnos el impacto de la industria textil y la constante demanda de materias primas en el mundo natural mediante los procesos de construcción, fabricación, uso y desecho de las prendas. Los visitantes, además, pueden explorar los efectos invisibles de la moda actual y las tendencias del futuro a través de dos instalaciones interactivas.

MAD 2 Columbus Circle Nueva York, EU madmuseum.org

VICTORIA & ALBERT MUSEUM Cromwell Road London SW7 2RL, Reino Unido vam.ac.uk

MACHINES À PENSER Hasta el 25 de noviembre

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Esta exposición explora la correlación entre las condiciones de exilio, escape y retirada con lugares físicos o mentales que favorecen la reflexión, el pensamiento y la producción intelectual. Machines à penser se centra en tres grandes filósofos del siglo XX: Theodor W. Adorno, Martin Heidegger y Ludwig Wittgenstein. Los dos últimos compartieron una necesidad de aislamiento intelectual durante toda la vida: Heidegger pasó largos periodos de su vida en una cabaña aislada en la aldea de Todtnauberg en el Bosque Negro en Alemania, mientras que Wittgenstein se retiró en varias ocasiones a una cabaña de montaña situada en un fiordo en Skjolden, Noruega.

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MISCELÁNEA

FLORETE Joel Escalona En esta pieza que combina las técnicas tradicionales de la artesanía mexicana y la estética moderna, Joel Escalona en colaboración con el maestro artesano Napoleón Pérez Pamat, forman un híbrido con vistazos claros hacia un florero, pero que por momentos remite a lo que puede ser un arma finamente tallada. Fabricado totalmente de cobre, el diseño Florete muestra en su base un patrón de diamantes que escala hasta la parte superior del florero, coronada con una superficie lisa que fusiona de manera perfecta ambas texturas.

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Foto cor tesía de las marcas

joelescalona.com

MISCELÁNEA

JIA Atelier de Troupe Fabricada en madera de roble macizo, con elementos sumamente ligeros, la silla Jia está pensada para un ambiente sofisticado y cómodo que resalta su forma angular. El modelo de venta es quizá tan especial como su diseño; el Atelier ofrece la posibilidad de personalizar su pieza más allá de lo convencional, tapizando el cojín y el respaldo con tela provista por el propio cliente. La pieza está disponible en distintas maderas, desde el roble natural, hasta el robusto nogal. atelierdetroupe.com

COLIMA Comité de proyectos La silla baja y la mesa de café que componen la colección Colima han sido cuidadosamente diseñadas e inspiradas en los estímulos de la vida diaria. La mesa es de madera sólida de Huanacaxtle y su base, en forma de media luna, ha sido fabricada en terrazo negro con chispas de latón y piedra color rosa. La silla presume un respaldo en mimbre de bejuco tejido con acabado natural, el asiento está finamente forrado con terciopelo que le aporta una sensación cómoda y suave. comitedeproyectos.mx

TRIPOLINO Editions Milano Diseñada por Cristina Celestino para Editions Milano, la colección de mesas Tripolino está integrada por cuatro piezas que han sido nombradas según su tamaño y que se inspiran en el mobiliario decorativo utilizado en los salones de la antigua burguesía. Cada una de las piezas destaca por su cuidado uso del mármol en la encimera; el toque especial se lo otorgan los delicados flecos que cuelgan en el borde de la mesa y que acarician el piso creando la ilusión de que la estructura completa descansa sobre ellos. editionsmilano.com

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LIBRO

LADRILLO por ladrillo Desde espacios culturales hasta instalaciones recreativas, las baldosas de arcilla son un material presente en la historia.

recuerda la quimérica Torre Roja de Giorgio de Chirico, pintada en 1913). Algunos de estos proyectos son la carta de presentación de nuevos talentos como el argentino Diego Arraigada o el vietnamita Nguyen Hai Long, aunque también están los arquitectos de renombre como Tadao Ando y Peter Zumthor.

Los edificios incluidos en esta serie muestran la gran variedad de usos que han tenido las pequeñas piezas de arcilla cocida, las cuales se han usado como uno de los materiales de construcción más duraderos y extendidos en el mundo desde sus primeros vestigios de fabricación en el año 7,500 a.C. Sorprenden también por su resistencia, durabilidad y versatilidad estética, la cual se evidencia en 100 Contemporary Brick Buildings al destacar los usos creativos e increíblemente atractivos de un material tan básico.

Así, los proyectos mostrados prueban que la creatividad humana se mueve hacia adelante y hacia arriba, ladrillo por ladrillo. –MLA taschen.com

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Una investigación bibliográfica que abarca los últimos 15 años de historia arquitectónica y sus edificos más impactantes.

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Con la acertada cita: “La arquitectura comienza cuando juntas cuidadosamente dos ladrillos” de Mies Van Der Rohe abren las páginas de 100 Contemporary Brick Buildings (Taschen, 2017), una edición compuesta por dos tomos que abarcan toda la gama de formas, tamaños y propósitos que puede tener el ladrillo en la arquitectura.

Es el editor en jefe de la revista Connaissance des Arts, Philip Jodidio, quien recorre el mundo a través de la investigación bibliográfica para reunir los edificios de ladrillo más impactantes de los últimos 15 años. Desde Argentina hasta Nueva Zelanda, Jodidio hace una acertada y cuidadosa selección desde proyectos residenciales a pequeña escala (como Brick House, de Christi Azevedo, con sede en San Francisco, hasta una sala de calderas convertida con una superficie liliputiense de 8.6 metros cuadrados) hasta edificios municipales y educativos (como el Wexner Center for the Arts de 1989 de Peter Eisenman en la Universidad Estatal de Ohio, la forma segmentada, similar a un castillo, que

Dos tomos en los que se reúnen los proyectos más emblemáticos hechos con ladrillo alrededor del mundo, lo que muestra la gama de formas de este material.

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TECHNO

Audio en estilo VINTAGE

Inspirada en las consolas de Hi-Fi (alta fidelidad) de los años 50’s, Modern Record Player integra la electrónica tradicional de la vieja escuela con la modernidad y capacidades de la tecnología inalámbrica. Es una pieza de mobiliario de diseño personalizado que busca enriquecer la conexión emocional entre la música y el oyente; se integra a una colección lanzada por Symbol Audio, un fabricante de muebles que desde el 2012 ha puesto en el escenario sus consolas de audio y gabinetes de almacenamiento de LP de vinilo con la idea de valorar la artesanía y la construcción reflexiva en muebles para el hogar.

Symbol Audio es un proyecto desarrollado por Blake Tovin, fundador y director creativo de Tovin Design Limited, un estudio de licencias de diseño de muebles ubicado en Nueva York, Estados Unidos. Su inquietud era materializar su gusto e interés por la música, pero con un estilo vintage; de ahí su inspiración para crear piezas hechas a mano y combinadas con tecnología.

Particularmente Modern Record Player se describe como un tocadiscos moderno, pues además de su diseño excepcional también incluye soluciones de almacenamiento y conectividad wifi diseñadas para esconder los accesorios digitales. Fue finalista de los Premios NYCxDESIGN 2018, en donde a algunos conocedores les recordó el icónico diseño Braun SK55 de Dieter

Fotos cor tesía Symbol Audio

Un tocadiscos que reinterpreta la tradicional consola estereofónica de mediados de siglo, pero con el toque de la tecnología inalámbrica.

Bajo una ornamentación simple, la música cobra vida a través de un tocadiscos de estilo vintage.

Un diseño sencillo que rememora a las consolas de música de los años 50's.

Rams, especialmente por su interpretación completamente en blanco. En su parte frontal comparte un altavoz con controles muy sencillos para evitar el exceso de ornamentación, también incluye un amplificador AB de clase personalizada que alimenta altavoces diseñados a medida y crossovers (cada uno desarrollado en colaboración con Morel, una compañía con una historia legendaria en el desarrollo de audio).

Un detalle que no puede pasar desapercibido es su plataforma giratoria que ofrece un plato de acrílico que flota sobre un sistema de aislamiento trifásico diseñado para evitar vibraciones no deseadas. –MLA symbolaudio.com

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TECHNO

Fotos cor tesía Smeg

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Tecnología ITALIANA en la cocina Acero, cristal, aluminio y latón se convierten en electrodomésticos que fusionan la estética con la funcionalidad.

Estética, sencillez y tecnología de vanguardia convierten los electrodomésticos de Smeg en piezas de diseño.

Desde hace 70 años, los electrodomésticos Smeg interpretan el estilo de vida contemporáneo bajo una concepción vanguardista de la fusión entre tecnología y diseño; un quehacer que han logrado gracias a la colaboración con artistas y arquitectos como Renzo Piano, Guido Canali, Mario Bellini, Franco Maria Ricci y recientemente Dolce & Gabbana.

Simone Tassoni, director de operaciones de Smeg en México –quien lleva unos 8 años viviendo en nuestro país y se confiesa enamorado por nuestra cultura y la calidez de su gente– platica que la compañía nació en una región de Italia: Reggio Emilia, donde radican marcas como Ferrari, Lamborghini, Maserati y Ducati, que tienen sus plantas a unos pocos kilómetros de las instalaciones de la empresa. Curiosamente, esa misma región es tierra de los productos gastronómicos italianos más emblemáticos como el Parmigiano Reggiano y Prosciutto di Parma; lo que al final creó la agradable coincidencia de unir la mejor tecnología italiana con la buena comida”. De ahí que los productos de Smeg sean más que un simple electrodoméstico y se conviertan en piezas estéticas hechas con ma-

teriales, como acero, cristal, aluminio y latón, en combinación con tecnología de vanguardia. Para su fabricación, la compañía fundada en 1948 por Vittorio Bertazzoni, cuenta con laboratorios certificados e ingenieros altamente calificados y especializados en la manipulación de cada uno de los materiales. Esto les permite exprimir las cualidades de cada componente hasta llegar al fondo de las características que necesitan, como duración, seguridad, flexibilidad de uso y amenidad. Tassoni relata que todos sus hornos, máquinas de café, cocinas, lavavajillas, lavadoras y congeladores son sometidos a severas pruebas de control durante el proceso de producción.

Además, gracias a diferentes soluciones de programación, cada electrodoméstico responde a lo que los usuarios esperan de un equipo de cocina, pero sin perder el respeto por la sencillez.

“Hoy contamos con una oferta excepcional que hemos reforzado con la línea Portofino, así como con Sicily is my love en colaboración con Dolce & Gabbana”, concluye Tassoni que a principios de año inauguró el primer showroom de la marca en la colonia Roma de la Ciudad de México. –MLA smeg.com.mx

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NUEVOS TALENTOS

Diseño que CONECTA En tiempos modernos la tendencia es apostar por un trabajo creativo que lo abarque todo: sustentabilidad, creatividad y funcionalidad.

El diseño JNT consiste en dos recipientes que se abrazan y se complementan: una jarra y un florero.

Texto

ADRIANA ONOFRE

mos intereses”. De esta manera –en ese mismo año– surge Frame Design Studio con el propósito compartido de crear productos pensados en una escala local, que fuesen conscientes del cuidado de su entorno, así como de todo el proceso que implica su fabricación.

“Los dos estamos muy interesados en el diseño sustentable y en el fairtrade. Buscamos que las cosas sean hechas en un ámbito local, por una cuestión ecológica y para dar trabajo y activar la economía de nuestro entorno”, explican los creativos. Ejemplo de ello es su línea Ixtlán, un conjunto de muebles infantiles que fue proyectado luego de realizar una profunda investigación en las comunidades de la Sierra de Juárez en Oaxaca, cuyos materiales se extrajeron de manera responsable. Uno de sus objetivos en común es ofrecer con sus piezas, una reinterpretación del mobiliario antiguo y tradicional. Por ejemplo, en Chapultepec, colección especial creada en cola-

boración con la Galería Mexicana de Diseño, el estudio retoma los códigos formales del mobiliario de los años sesenta y los dota de la sensación de relajación y dinamismo que proporciona el bosque a sus visitantes.

A futuro, Taina y Jeremy visualizan trabajos enfocados en el medio ambiente, apoyados en la economía circular; proyectos que les permitan experimentar con nuevos materiales y donde la concepción y el quehacer del diseño pueda ser transformado. framedesignstudio.com Fotos cor tesía Frame Design Studio

LA PALABRA Frame surge de la combinación de dos palabras: Francia y México. Al mismo tiempo, representa la esencia del proyecto: un estudio de diseño multicultural creado por la diseñadora mexicana Taina Campos y Jeremy Godel, diseñador francés.

El estudio aprovecha sus diferencias para crear piezas que, en la combinación de sus técnicas y materiales, encuentren un punto en común que sea funcional para el usuario. “Nuestro trabajo se distingue por combinar dos culturas. Este proyecto fusiona dos visiones del diseño y del mundo; distintas maneras de hacer las cosas: la forma más estricta, francesa y la mexicana, que es más colorida, un poco más improvisada y divertida”, comenta Taina.

Ambos diseñadores se conocieron mientras trabajaban en París, en 2015. “Nos dimos cuenta de que nos entendíamos muy bien trabajando, que teníamos el mismo estilo de diseño y los mis-

NUEVOS TALENTOS

El sistema de repisas Rail cubre las necesidades de organización para la vida contemporánea.

El escritorio JHR está inspirado en el mobiliario del siglo xviii y hace referencia al diseñador Jean Henri Riesener.

Reloj Memphis, inspirado en el movimiento de diseño homónimo.

Set de lámparas Ensemble, hechas con madera certificada y materiales locales; de producción mexicana.

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NUEVOS TALENTOS

CAUCHO, CEMENTO Y MÁRMOL Texto MARTHA LYDIA ANAYA

“Cada producción tiene una nueva oportunidad para mejorar nuestro proceso y refinar las piezas”.

Foto Charlie-Schuck, retrato por Sophie Mathewson

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NUEVOS TALENTOS

Foto Charlie-Schuck

“Lo más difícil de dar vida a SLASH OBJECTS es la fabricación de las piezas. Hemos tenido que asumir riesgos y encontrar soluciones cuando las cosas no salen según lo previsto”: ARIELLE ASSOULINE-LICHTEN.

“ESTABA TRABAJANDO en el diseño de un gimnasio para un desarrollo de lujo y tenía varias muestras de materiales sobre mi escritorio cuando puse especial atención en el caucho multicolor que se iba a usar en los pisos, lo tomé entre mis manos y lo miré detenidamente comparándolo con las otras propuestas que había en la mesa; algunos de esos materiales eran de alta gama, como el bronce, y al combinarse con el caucho descubrí que se veían realmente muy bien, fue entonces que comencé a pensar qué más podría hacer con esas opciones”, cuenta la arquitecta y diseñadora Arielle Assouline-Lichten, fundadora de la firma de diseño multidisciplinar Slash Projects que está detrás de la marca de muebles y productos Slash Objects.

“Creo que me encontraba en un momento de creatividad estancada –continúa platicando Assouline-Lichten– y por eso quise experimentar con materiales industriales sobrantes, como el caucho. No fue nada fácil, pues al principio ningún fabricante quería venderme este material en escalas pequeñas; después de todo, las alfombras, borlas, taburetes, manteles individuales y otras piezas que comencé a idear requieren de mucho menos metros cuadrados que los pisos para una cadena de gimnasios”. Finalmente, la creativa logró persuadir a un empresario en Pensilvania para comprarle una orden más pequeña de su producto. A partir de ahí, más la suma de ingredientes clave como ingenio, curiosidad y mucho trabajo fue que Assouline-Lichten creó su primer lote de prototipos para Sight Unseen Offsite en el 2016. El lanzamiento fue todo un éxito, lo que la colocó en el top del diseño americano.

Al día de hoy, la arquitecta diseña objetos tan variados como mesas, espejos, portavasos y trípticos, así como una gran cantidad de proyectos personalizados. Además del caucho, ha agregado cemento y mármol a sus opciones de materiales y ha abierto sus procesos al concepto de reciclaje debido a los problemas de escala a los que se ha topado para conseguirlos. “Muchos de los fabricantes de mármol, por ejemplo, cuentan con desechos de grandes trabajos, por lo que he adaptado mis diseños a lo que puedo hacer con esos residuos para no tener que comprar una losa”, dice la diseñadora, quien ha hecho de esta parte su forma de transformar la manera en que las personas experimentan el mundo y conceptualizan el espacio que las rodea. “Slash Objects es la consecuencia de crear diseños innovadores que obligan a cuestionar lo que pensábamos que sabíamos sobre el mundo. Los objetos se fabrican con un material sostenible, creando productos elegantes para el hogar sacados de piezas industriales que se han vuelto a trabajar para lograr un efecto nuevo”, concluye Assouline-Lichten. slashobjects.com

Los proyectos recientes de Assouline-Lichten son: Coexist Collection que ganó lo mejor de NYC x Design y la colección Dark Spring de Coexist Collection lanzada en la tienda Retrosuperfuture.

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ACTUAL | HOST

Hostales históricos City Centro CDMX | Hoteles City Express | Ciudad de México

trataba de la misma construcción que por años había llamado mi atención por su espléndida fachada y que veía durante mis habituales caminatas por el Centro de la ciudad. Otra de las coincidencias fue que al presentar el proyecto ante la junta directiva, resultó que el abuelo de uno de los directores fue el arquitecto de ese hotel; más casualidades no podía haber, por lo que tuvimos luz verde y ahora además de éste, se suman City Centro Oaxaca, San Luis Potosí (cuya apertura está planeada a finales del 2018) y muy pronto el de Puebla”. Para su renovación, el equipo de Hoteles City Express investiga la cronología de los edificios con la asesoría del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) y de arquitectos especializados en el tema de restauración; el punto focal es: lograr proyectos arquitectónicos que ayuden a descubrir épocas históricas de las ciudades más notables de México con el plus de que sean una opción de hospedaje para viajeros, que además del turismo también les gusta el diseño. –MLA

República de Uruguay 45 Centro Histórico, Ciudad de México cityexpress.com

Fotos cor tesía City Express | Arriba: City Centro Oaxaca

A tan sólo 5 cuadras del Zócalo de la Ciudad de México y a menos de 1 kilómetro de Bellas Artes se encuentra City Centro CDMX, el nuevo concepto trendy de Hoteles City Express que se desarrolla dentro de un edificio de estilo gótico inspirado en el Palacio Ducal de Venecia.

“Siempre hemos tenido el interés por entrar a los centros históricos de las ciudades más importantes de México, el problema es que no hay terrenos disponibles en esos lugares que permitan la construcción de un hotel desde cero. Fue por eso que nos dimos a la tarea de buscar edificios históricos que pudiéramos transformar en hoteles, pero sin romper con su relevancia histórica e impacto arquitectónico”, cuenta Javier Arce, director de desarrollo de Hoteles City Express quien también comparte la anécdota de cómo descubrieron el inmueble de la ciudad de México: “Lo encontramos –dice– por una persona que había comprado el edificio y nos llamó para conocerlo; cuando fuimos a verlo, grata fue mi sorpresa al darme cuenta de que se

ACTUAL | SHOPPING

Fotos Mauricio Salas

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Diseño Independiente Ikal | All Arquitectura | Ciudad de México

Ikal fue diseñado por el equipo de All Arquitectura, quienes crearon una concept store sobre avenida Masaryk, ícono citadino de la exclusividad y el lujo, donde el número 340 abrirá paso a pequeñas marcas que generan objetos de alta calidad y propuesta creativa. El acceso a la tienda queda enmarcado por una gran fachada blanca, conformada por una retícula de cubos blancos, que dejan entrever el interior plagado de objetos de uso cotidiano para niños, jóvenes y adultos.

El diseño de esta celosía estuvo inspirado en la pureza y funciona como un lienzo, listo para hospedar nuevos contrastes de texturas y colores, dependiendo de las necesidades de la tienda.

Al interior, Ikal es una extensión de la fachada, el diseño es un guiño sutil al estilo mínimo japonés, que en conjunto con el uso de materiales y texturas propias del diseño nacional logran crear una agradable experiencia de compra. El mobiliario, diseñado en específico para el espacio se apoya en el proyecto de

iluminación realizado por Light Team, a cargo de Gustavo Avilés, Brenda Castillo y Verónica Martínez. Por su parte All Arquitectura contó con la colaboración de Rodrigo Miranda, Alejandro Benoso, Elena Zambra, Claudia Vitellozzi, Josemaría Quintanilla, Salvador Guardado y Alondra Méndez.

Los espacios están dispuestos para crear una experiencia que envuelva a sus visitantes, a través de 270 m2 distribuidos en varios niveles, comenzando por el nivel de acceso y su escaparate temporal, que se acopla a las tendencias. En la parte superior, se desarrolla una pop-up store, que podrá ser utilizada por las mismas marcas que se encuentran a la venta o como un espacio de intervención para cualquier agente creativo. La intención es que Ikal, más allá de ser un vibrante espacio de retail se convierta también en uno de los mayores nodos culturales de Polanco. –IA

Masaryk 340 Polanco, CDMX all-arquitectura.mx ikalstore.com

La ca l i d a d y tu esti l o p e rd u ra n e n e l ti e m p o.

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*A mayor exposición a la luz solar, puede degradar el tono del acabado.

ACTUAL | SHOWROOM

Fotos cor tesía

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ACTUAL | SHOWROOM

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Espacio MATERIAL Studio David Pompa | Ciudad de México

Studio David Pompa Colima 264 Roma Norte, CDMX davidpompa.com

Desde 2013, Studio David Pompa ha estado presente dentro del ámbito del diseño de luminarias, losetas y mobiliario en México y Austria, desde entonces su showroom ubicado en la colonia Roma ha sido el foco de atención para adentrarse a las colecciones creadas por su equipo de diseñadores, ingenieros y fabricantes establecidos en ambos países. Después de estos cinco años, el showroom ha sido renovado bajo el concepto The material space para ofrecer una experiencia mucho más completa alrededor de los materiales que conforman cada pieza, siendo éste su origen.

The material space es una serie de composiciones creadas a partir de cantera rosa, barro negro, talavera, latón, vidrio soplado, PVC, cobre y ónix, materia prima que se ha implementado en los diseños de Pompa. Los materiales se exponen antes de su transformación junto a productos terminados para exhibir la relación que existe entre ellos y permitir que quien busque una pieza de David Pompa entienda sobre los procesos que cada uno requiere.

El recorrido del espacio se divide en tres partes: el área de recepción que da la bienvenida con una gran barra hecha en barro negro y objetos realizados con este material. En la segunda área se revela un gran espacio cuyas esquinas están dedicadas a diferentes materiales y acabados, entre ellos un gran volumen de ónix, una placa de latón en bruto, una composición de cantera y bloques de madera que conviven con el azul de la talavera. El tercer y último espacio contiene discos de bronce y cobre alineados uno encima de otro, enmarcando lámparas de los mismos materiales e iluminando un espacio de reflexión.

La experiencia dentro del showroom es de colores, texturas, reflejos, contraste y sobre todo calidez, cualidades que nos acercan a la identidad de la marca y que además nos adentran a sus procesos creativos que combinan tecnología y tradición artesanal. –AS

ACTUAL | CULTURA

Foto Ricardo Escobio

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Patrimonio restaurado Fuente monumental | Kärcher + Praxair + Powerwash | Ciudad de México

La fuente monumental, conocida como ‘El Paraguas’, que se ha convertido en una referencia artística en el patio central del Museo Nacional de Antropología ha sido reabierta a los visitantes después de haber estado inhabilitada durante varias semanas por trabajos de mantenimiento y restauración.

La singular cubierta se limpió por primera vez desde la construcción del museo, hace 54 años, hasta ahora que el Patronato del Museo Nacional de Antropología bajo la supervisión y colaboración del INAH y el Museo Nacional de Antropología coordinaron nuevos trabajos de renovación para los 4,554.90 m2 que integran el plafón de perfiles de aluminio del techo de ‘El Paraguas’.

La técnica de limpieza consistió en la aplicación de hielo seco bajo presión controlada con el objetivo de eliminar manchas y suciedad incrustadas en la superficie, sin afectar la forma ni características originales del material.

El proyecto se realizó gracias a la filantropía cultural de Kärcher, Praxair y Powerwash, empresas expertas en tareas de limpieza, producción de gases y personal técnico. Kärcher lleva 38 años aportando su experiencia

como especialista en limpieza en más de 100 proyectos de restauración en todo el mundo, siendo ‘El Paraguas’ el primer monumento que limpia en México; Praxair se mantiene a la vanguardia en innovación tecnológica para la producción de gases industriales y medicinales, por lo que, su colaboración consistió en la restauración de la icónica pieza sin dañar su estructura ni emitir residuos contaminantes a la atmósfera; y finalmente, Powerwash aportó la mano de obra calificada para realizar trabajos en alturas para inmuebles.

La limpieza del Paraguas abona a los esfuerzos del INAH y el Patronato por impulsar iniciativas que fortalezcan el Museo Nacional de Antropología. “Es evidente la necesidad de crear alianzas para proteger y conservar el patrimonio cultural e histórico. Este proyecto representa el más claro ejemplo de la suma de esfuerzos. Estamos orgullosos del resultado, muy agradecidos con nuestros patrocinadores y muy motivados para seguir trabajando a favor del Museo”, concluye la doctora Stacey Symonds, presidenta del Patronato del Museo Nacional de Antropología. –ALM

Paseo de la Reforma y Gandhi S/N Chapultepec Polanco, Miguel Hidalgo 11560, Ciudad de México mna.inah.gob.mx

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MIL MIL

IED AT WORLD DESIGN CAPITAL MEXICO 2018

ied.edu ied.edu ied.edu MILANO MILANO| BARCELONA | BARCELONA| CAGLIARI | CAGLIARI| COMO | COMO| FIRENZE | FIRENZE| MADRID | MADRID| RIO | RIODE DEJANEIRO JANEIRO| ROMA | ROMA| SÃO | SÃOPAULO PAULO| TORINO | TORINO| VENEZIA | VENEZIA MILANO | BARCELONA | CAGLIARI | COMO | FIRENZE | MADRID | RIO DE JANEIRO | ROMA | SÃO PAULO | TORINO | VENEZIA

ACTUAL | TABLE

COSTRAS crujientes y monocromía BreAd | Cadena + Asociados Concept Design | México Sin duda, el pan es un básico en la alimentación, pero no por ello deja de ser un vehículo para cuidar los detalles y desarrollar un ambiente digno para cada hogaza, bollo o bizcocho, que lo mismo reúnen a las familias que a los amigos, para disfrutar de sus aromas, texturas y sabores en compañía.

Haciendo énfasis en esta premisa, Ignacio Cadena conceptualizó el espacio dedicado a BreAd Arboledas, la segunda ubicación de esta panadería famosa entre los regiomontanos que gustan del sourdough, los granos orgánicos, veganos y la clásica panadería francesa. En el espacio de 215 m2 destacan los colores naturales, como si se tratara de una visión sin pretensiones de cómo debe ser un espacio de degustación que alimenta al cuerpo y de cierta forma relaja la vista. Destaca una barra en L en la que se realiza venta de panadería, una pequeña estación de cafetería, dos grandes estaciones para comensales y un rinconcito de mercado en el que se pueden adquirir productos lácteos, mermeladas, untables, dulces y snacks.

El recorrido exterior fluye a través de mobiliario de Los Patrones, un estudio de diseño y producción también ubicado en la Sultana del Norte. Entre los colaboradores del proyecto también destacan Los Originales Contratistas, quienes se encargaron de producir las composiciones de la cornisa exterior y los cuadros decorativos del interior en los que se muestran utensilios de cocina, panes y enseres para mesa cubiertos por un gran lienzo y fijados con resina. El equipo de Cadena + Asoc. Concept Design dedicado al proyecto estuvo integrado por Paulina Bichara, Alberto Yapor y Jesús Naranjo.

A diferencia de la monocromía de las áreas de degustación y compra-venta, el área de horneado destaca por sus azulejos de pasta, siendo el corazón latente de BreAd Panaderos y mostrando que se trata del foco vivo del espacio por los dibujos multicolor en sus paredes, espacio central que rompe con la monocromía dominante. –AMG

Fotos The Raws

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Parque Arboleda. Av. Roble 660 local 101e San Pedro Garza García, Nuevo León, México cadena-asociados.com breadpanaderos.com

La atmósfera monocromática de BreAd captura la pasión de sus panaderos y contagia el deleite de sus creaciones.

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TALLER

HILOS HISTÓRICOS Casa Gutiérrez Nájera y Odabashian llevan a cabo Tejiendo historias de diseño. Perspectivas contemporáneas desde la Ruta de la Seda, exposición que emana de las rutas comerciales alrededor de la seda y su comercio.

Texto ARIADNA SÁNCHEZ

Pórtico por Todomuta

Fotos cortesía CGN / Odabashian / Héctor Muñoz

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TALLER

EL PROYECTO se ha desarrollado desde hace dos años, en él se ha involucrado a profesionales relacionados con el diseño, ubicados en diferentes disciplinas y áreas geográficas, quienes fueron invitados a crear un tapete, tomando en cuenta su historia personal, su lugar de origen y cómo se equiparaba a la famosa Ruta de la Seda. Los participantes fueron: la diseñadora venezolana Johanna Boccardo, el arquitecto y diseñador mexicano Bernardo Gómez-Pimienta, el estudio de arquitectura y diseño español 31/20 conformado por Pablo Lujambio y Cristina Pou, los artistas españoles Laura Molina y Sergio Herrera de Todomuta, el arquitecto, diseñador y museógrafo mexicano Carlos Torre Hütt y el arquitecto, fotógrafo y director creativo Jacobo.

Casa Gutiérrez Nájera —galería de diseño dedicada a la investigación y difusión de dicha disciplina en la ciudad de Querétaro— y Odabashian —empresa mexicana de tapetes fundada en 1921— se encargaron de convocar, producir y finalmente, exhibir en el Museo Regional de Querétaro los seis lienzos que de diferentes maneras abordan la idea de origen, conexión y tejido, tratando de contar una historia mucho más profunda en cada diseño.

La historia de Odabashian está íntimamente ligada al Medio Oriente, sus tejidos se llevan a cabo bajo la maestría artesanal nepalí utilizando técnicas milenarias que implican el trabajo detallado de cada nudo tibetano con lana neozelandesa y seda, sin embargo, tratan de renovar la idea que se tiene de los tejidos a mano colaborando con artistas, diseñadores y arquitectos contemporáneos.

Los tejidos que se usan para representar conceptos e ideas se hacen bajo técnicas que implican la concentración y dedicación de varios involucrados, algunos tapetes se hacen con técnicas tibetanas en telar vertical, que se hace nudo por nudo y el tejedor

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El proceso de tejido es completamente manual, incluyendo el hilado, cardado, teñido, tejido y la preparación final

lo completa sin necesidad de cortarlo, es una mejora a la técnica tradicional que es mucho más lenta, después se corta el textil para darle el acabado final para darle la profundidad con texturas a diferentes largos, definiendo dibujos intrincados, por ejemplo en Pórtico, el tapete diseñado por Todomuta, quienes se inspiraron en el siglo xv y cómo una puerta sirve de umbral entre la oscuridad sevillana y la luminosidad del “Nuevo Mundo”. Hay una diferencia tangible entre técnicas de tejido, hay telares con lanzadera, que consisten en atravesar el ancho del tapete con los hilos línea por línea; también existe la técnica del kilim, en el que se teje como si fuera una bolsa de petatillo, se hace con telar horizontal y con lana que va siguiendo el trazo de un dibujo en escala 1:1 para producir una alfombra plana, sin pelo. Los dibujos para tapete se hacen en cuadriculas enormes, donde cada cuadro representa un nudo,

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TALLER

el tejedor generalmente tiene el dibujo frente a él y sabe qué lana escoger en función del diseño, incluso hay talleres en los que los tejedores se agrupan para trabajar dirigidos por una persona que dice en voz alta la frecuencia y cantidades de los colores, como si se tratara de una orquesta.

Sobre los colores es importante señalar que la lana se tiñe en grandes cantidades con pigmentos sintéticos y naturales que se extraen de raíces, hierbas o minerales, originalmente se hacían sólo con extractos minerales y vegetales que se convertían en el secreto familiar pasado celosamente de generación en generación.

Tejiendo historias de diseño. Perspectivas contemporáneas desde la Ruta de la Seda cumplirá su exhibición en Querétaro para luego ser llevada al Centro Cultural de España en México y posteriormente hacer itinerario a España, tratándose quizá de un regreso a la Ruta de la Seda. casagutierreznajera.com odabashian.com

El tapete Pórtico es una cartografía imaginaria creada por Todomuta, quienes se inspiraron en carabelas y texturas mármol.

En cada tapete se reinterpretan las rutas e interconexiones culturales que existen entre América y España, tomando en cuenta el origen de cada firma.

TALLER

Johanna Boccardo toma en consideración la diversidad cultural y genética presente en su propia cultura para el tapete Clan.

Izq. Basado en un mapa del año 1759, el tapete Querétaro histórico —diseño de Carlos Torre Hütt— representa las 152 manzanas que en aquel momento conformaban la ciudad.

Der. Inspirados en la pérdida de calidad que se genera entre copias, el estudio 31/20 diseñó Tilos Glitch, un tapete que además retoma el patrón de una vieja alfombra familiar.

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TEXTIL

La OTRA CARA del textil

Como parte de la restructuración de propuesta que DUPUIS ha estado desarrollando los últimos tres años, se ha creado la colección Dupuis x Caralarga, una serie de cinco piezas ornamentales.

Texto ANA MARÍA GALVIS

Fotos cor tesía Dupuis

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TEXTIL

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Las piezas armadas a mano, están hechas con hilo 100% de algodón crudo almidonado, material con el que Caralarga crea objetos contemporáneos.

Materiales naturales como madera e hilos de algodón crudo se usan para crear exclusivas piezas de joyería.

CARALARGA es un taller reconocido por su diseño de joyería textil; el proyecto creado por Ana Holschneider está ubicado en la ciudad de Querétaro, donde se desarrollan pulseras, collares, aretes y demás accesorios personales de las manos de sus artesanas, quienes hacen cada una de las piezas a mano. Valorando este trabajo y calidad creativa, la marca Dupuis impulsa un proyecto en conjunto como parte de sus iniciativas para desarrollar colecciones con diseñadores mexicanos que sobresalen por la propuesta, calidad y estilo de sus productos.

La Fábrica Hércules, una textilera que data de 1846 en Querétaro es el espacio en donde Caralarga toma las hebras de hilo de algodón crudo, y potencia sus bondades para crear piezas auténticas, elegantes y con una sutil esencia mexicana. De esa personalidad y tras nueve meses de trabajo, la marca de joyería crea una colección de 5 piezas para Dupuis, hechas a través de un proceso puramente artesanal con materiales naturales manipulados por Ale, quien hace los trabajos de carpintería y por

Soco, quien teje los hilos para crear penachos modernos y mariposas albinas.

Las cinco piezas de arte objeto están conformadas por: Aldeana, pieza de madera en forma de herradura con aplicación y tejido de hilo de algodón; Atrapa brujas, un aro de madera que sostiene un tejido de hilo de algodón; Caja de mariposas albinas, una especie de insectario textil que recuerda a las colecciones botánicas de antaño; Caja doble crin que contiene dos collares de la colección Crines y, finalmente Caja con pavorreal cuyo contenido asemeja la cola desplegada de un pavorreal.

Las piezas fueron diseñadas para darle vida a cualquier espacio que busque transmitir un ambiente natural, atemporal y a la vez sofisticado; le dan un giro a la ornamentación textil, pues por sus características se trata de objetos únicos. caralarga.com.mx dupuis.com.mx

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LUMINARIA

La ARTESANÍA hecha luz

Objetos cotidianos que reflejan lo que es México: sillas de Oscar Hagerman, mobiliario de Studio Roca y las luminarias Eva en peltre negro y Bonita (de pie) de Colorindio.

Palma, peltre y talavera son algunos de los materiales que se transforman en objetos luminosos y hablan de nuestras tradiciones y técnicas milenarias.

Entrevista MARTHA LYDIA ANAYA

Fotos PAULINA CAMPOS HIERRO

LUMINARIA

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Bonita, Eva, Juana y Nula (de izq a der) interpretan la luz a través de la artesanía mexicana.

Artesanos mexicanos enriquecen la creación de luminarias hechas con materiales locales.

POR SU MEZCLA de técnicas y diseños indígenas y europeos, la artesanía tradicional es una parte valiosa de la identidad de nuestro México. Pero, ¿cómo resaltar toda la magia de la artesanía mexicana a través de la luz? Mónica Bárcena Mastretta, fundadora de Ula Light, se ha encargado de tejer esta historia a través de acercarse a aquellas comunidades que rescatan tradiciones como el tejido y bordado basado en técnicas milenarias para elaborar piezas hilo por hilo y en máquina de pedal o que incluso manipulan materiales como la palma, el peltre, el vidrio soplado y la talavera, para transformar nuestras raíces culturales en objetos luminosos.

“Después de un largo camino en el sector de la hospitalidad y de realizar diversos proyectos ‘hechos a la medida’ para restaurantes y tiendas departamentales, hemos recopilado nuestras mejores luminarias, integrando a varios artistas y co-creadores, para hablar de los orígenes artesanales mexicanos a través de la luz”, platica Bárcena Mastretta. Así, las piezas: Frida, Bonita, Quetzal, Sol, Oceáno Mar, Venus, Eva, Prisma, Juana y Nula exhiben la exquisita mano de obra de los artesanos de 12 comunidades indígenas con las que Ula Light metafóricamente hace un viaje por los rincones de México para hablar de lo que somos y sabemos hacer. Los estados de Chiapas, Oaxaca, Puebla, Yucatán y la misma la Ciudad

de México se ven retratados a través de las diferentes formas, texturas y colores que se revelan en estas luminarias. Frida, por ejemplo, es una colaboración con la empresa Fábrica Social cuyas artesanas bordan en máquina de pedal diseños como pájaros y flores; Sol es una pieza diseñada por Sofía Arredondo, la cual parte de la sencillez de un círculo (el Sol) que comienza a cobrar vida a través de sus materiales e interacción con la luz; Océano Mar es un homenaje a una de las plumas favoritas de Bárcena Mastretta, el escritor Alessandro Baricco y su novela homónima Océano Mar en la que uno de los personajes pinta el mar con agua de mar y Juana es una lámpara creada por Jonathan Basquett que está elaborada a mano y se fabrica en el taller oaxaqueño de Xaquixe, la cual gusta mucho porque las burbujas se quedan atrapadas en el vidrio. Pero, éstas son sólo una muestra de lo que nos hace únicos a los mexicanos, “lo interesante es que empresas dedicadas a crear propuestas de diseño nos atrevamos a mirar cada vez más hacia lo nuestro”, concluye la fundadora de Ula Light que al día de hoy se encuentra en la etapa de consolidar su plataforma de venta en línea internacional. ulalight.com

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DISEÑO + CIUDAD

Vinculación y CULTURA El Museo Morelense de Arte Contemporáneo Juan Soriano, proyectado por el despacho JSa Arquitectura, busca contribuir al conocimiento y disfrute del arte moderno y contemporáneo.

Texto DAVID ROMERO

Fotos JAIME NAVARRO & ONNIS LUQUE

ES A TRAVÉS del Gobierno del Estado de Morelos, CONACULTA, Fundación Juan Soriano y Marek Keller que se lleva a cabo la gestión para el desarrollo del MMAC Juan Soriano desde principios del 2015. Juan Soriano (1920-2006) comenzó su trabajo escultórico en gran formato a inicios de la década de los 90’s, desde los años cuarenta ya había producido y exhibido numerosas esculturas de pequeño formato. Durante los últimos años de su vida creativa, Soriano propuso una forma distinta de arte público a través de su escultura monumental.

Ubicado en el estado de Morelos, el MMAC Juan Soriano se emplaza de manera peculiar en un terreno de 7,366 m2, pues ocurre que a través de su jardín escultórico los pobladores de Amatitlán, comunidad emblemática de Cuernavaca cuyos orígenes se remontan 1,500 años atrás, se vincula con el Centro Histórico de Cuernavaca, siendo un hilo conductor que enriquece la experiencia urbana del recinto.

El proyecto, diseñado por los arquitectos Javier Sánchez Corral y Aisha Ballesteros, es el

DISEร O + CIUDAD

El MMAC exhibe la obra permanente del artista Juan Soriano, cuyo acervo integra unas 1,200 obras entre รณleos, esculturas y grรกficos.

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DISEÑO + CIUDAD

Muros de concreto blanco aparente envuelven los espacios de este recinto cultural e histórico, ubicado frente al Palacio de Cortés.

espacio de exhibición más grande del estado de Morelos, distribuido en dos salas para exposiciones temporales, además de un espacio multidisciplinario, contenido en envolventes de concreto blanco aparente. Incluye una biblioteca, un jardín escultórico y talleres para programas públicos.

La biblioteca del MMAC Juan Soriano es un espacio abierto a todo público, ideal para consulta, lectura e investigación especializada en arte moderno y contemporáneo. Además, resguarda y preserva la colección bibliográfica y hemerográfica del artista Juan Soriano.

El jardín escultórico es un espacio que conecta el poblado de Amatitlán con el Centro Histórico de Cuernavaca. Sirve como espacio recreativo, de descanso, reflexión y disfrute en 6,350 m2 que alberga 17 esculturas de gran formato de Juan Soriano. Su diseño integra la diversidad vegetal, un acueducto de cauce natural y especies provenientes de regiones con clima similar al de Cuernavaca con espejos de agua, senderos de concreto y tierra.

El equipo de desarrollo de proyecto estuvo conformado por Javier Sánchez, Aisha Ballesteros, Selene García, César Cruz, Francisco Martínez y Christopher Vargas. La ingeniería estructural estuvo a cargo de Héctor Margain y Asociados, con las instalaciones de Gralte Servicios S.C. / BMSI y la iluminación de Gustavo Avilés / Lighteam.

El MMAC Juan Soriano busca contribuir al conocimiento y disfrute del arte moderno y contemporáneo, a través de la preservación, la investigación y la exhibición de obras artísticas nacionales e internacionales en un recinto que construye una narrativa de momentos, secuencias espaciales, trayectos, plazas, jardines y árboles frondosos que acercan el arte a la ciudad y viceversa. jsa.com.mx mmacjuansoriano.org

DISEÑO + CIUDAD

El MMAC Juan Soriano, junto con su jardín escultórico y biblioteca, vincula a los habitantes de Cuernavaca literal y figurativamente hablando.

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DISEÑO + EMPRESA

Arquitectura SONORA Con altavoces inteligentes, SONOS debuta en la Bolsa de Valores Nasdaq. Para celebrarlo, rediseña el sonido original de la campana que anuncia las operaciones comerciales.

Entrevista MARTHA LYDIA ANAYA

panas, ésta también hace un llamado a un suceso importante y lo que queríamos que reflejara es la manera cómo Nasdaq ve el mundo: una negociación constante en la que el sonido simboliza la sensación de logro”, cuenta Giles Martin, hijo del famoso productor musical, George Martin, quien es referido como ‘el quinto Beatle’ por su cercana colaboración con el cuarteto británico.

Martin hace hincapié en que Sonos se toma el sonido muy en serio y valora profundamente la experiencia sonora. “Por eso, –dice– hemos estudiado a detalle y por varios meses cada instante del sonido de la campana original para renovarlo y darle un ritmo y movimiento más moderno. La nueva versión refleja la manera en que pensamos en el sonido como un elemento más del diseño de espacios físicos. Y es que así como la luz, el color o los materiales, la sonoridad también es un ingrediente para hacer arquitectura”, concluye el director de Sonos Sound Experience no sin antes remarcar que con este proyecto Sonos celebra que se convierte en una empresa pública y sale a cotizar a la Bolsa. sonos.com nasdaq.com/es

Fotos cor tesía Sonos

EL SONIDO de una campana siempre dice algo importante: a qué hora levantarse, cuándo se termina una clase o en qué momento llamar a alguien para recordar una cita. Para Nasdaq –la segunda Bolsa de Valores automatizada y electrónica más grande de Estados Unidos después de la de Nueva York–, el toque de campana indica cuándo se abre y se cierra el mercado de valores para negociar; es un momento en el que incluso se organiza una ceremonia muy bien orquestada para que las empresas que cotizan en la Bolsa puedan participar y celebrar hitos importantes.

Sin embargo, desde el año 2000 el sonido de la campana Nasdaq no había sido cambiado sino hasta ahora en que Sonos –compañía especializada en el desarrollo de dispositivos de sonido de alta calidad– lleva su experiencia y obsesión por el sonido y, en una colaboración creativa única, rediseña el audio de un objeto simple y sencillo, como la campana, para la apertura y cierre de los mercados de capitales todos los días.

Fueron el director creativo de Sonos Sound Experience, Giles Martin, y el ingeniero de sonido ganador de un Óscar, Chris Jenkins, quienes lideraron el proyecto para trabajar con Nasdaq en el rediseño del audio de su tradicional campana. “Experimentamos con diferentes instrumentos y técnicas e incluso nuestros ingenieros de sonido ingeniosamente recrearon una campana que honra las raíces del Nasdaq como un disruptor con la idea de hacer pruebas y pruebas para hallar el que sería el nuevo sonido de la Bolsa de Valores. Al igual que otras cam-

Por primera vez, en 18 años, Sonos expresa su ‘obsesión por el sonido’ y hace una colaboración creativa única con Nasdaq para cambiar el tradicional toque de campana de la Bolsa.

DISEÑO + EMPRESA

Así como la luz, el color y los materiales, la sonoridad también es un ingrediente para hacer arquitectura.

La nueva versión del sonido de la campana Nasdaq refleja la manera en que Sonos visualiza la sonoridad como un elemento más del diseño de espacios físicos

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DISEร O + HISTORIA

Foto Ezra Stoller

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Una imagen para recordar: Alexander Girard y su familia posan con objetos de su colecciรณn de arte tradicional.

DISEÑO + HISTORIA

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Interiorismo del siglo XX Considerado como una persona absolutamente seria a la hora de trabajar, ALEXANDER GIRARD volcó esta impresión a través de su diseño colorido y profundamente inspirado en artesanías vernáculas.

Fotos cor tesía de Vitra Design Museum

A PESAR de haber nacido en la ciudad de Nueva York en 1907, Alexander Girard creció en Florencia, Italia donde adquirió el sobrenombre que lo acompañaría el resto de su vida para referirse a él con cariño: Sandro. Recibió educación arquitectónica en Londres y en Roma entre los años 1924 y 1931, lapso en el que también mantuvo —de manera breve— una oficina de práctica personal en Florencia para después mudarse a Nueva York y abrir un nuevo estudio de arquitectura, que mantuvo en funcionamiento de 1932 a 1937, año en el que se mudó a Detroit.

Para 1943, Girard se encontraba diseñando la cafetería del Corporativo Internacional Detrola, lugar que también solicitó sus servicios como diseñador industrial interno, ahí diseñó su radio de mesa Detrola, uno de los primeros radios con personalidad propia. Entre 1943 y 1944 conoció a los polifacéticos Charles y Ray Eames, con quienes desarrolló una amistad prolongada y sincera, incluso coeditó el documental Day of the Dead en colaboración con Charles. Para 1946, Alexander ya se encontraba proyectando para las compañías automotrices Ford y Lincoln. Fue diseñador asociado de Eero Saarinen para algunos proyectos, incluyendo uno para el Centro de Investigaciones

Foto Charles Eames, Alexander Girard Estate, Vitra Design Museum

Texto ITAYEDZIN ARAGÓN

Días habituales de horas de trabajo arduo: Girard diseñando paneles decorativos y dando rienda suelta a su creatividad.

Momentos memorables: Alexander Girard con Charles y Ray Eames.

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DISEÑO + HISTORIA

1930

Recibe Honores en Decoración por la Escuela de la Asociación de Arquitectura en Londres.

1931

Se gradúa de la Academia Real de Arquitectura de Roma, Italia.

Mobiliario diseñado para Herman Miller. 1967.

“Aquellos de mis diseños que me satisfacen personalmente son los únicos que vale la pena producir.”: ALEXANDER GIRARD.

1948

Diseña la mesa auxiliar Model 108 para Knoll.

1951

Herman Miller contrata a Alexander Girard para dirigir su división de textiles y tejidos.

1960

Diseña el restaurante La Fonda del Sol en Nueva York, EU.

Diseño de motivos para el restaurante La Fonda del Sol, 1960.

de General Motors en Detroit, la residencia Irwin Miller en Columbus, Indiana, entre otros.

Alexander diseñó su propia casa en Grosse Pointe, Michigan, en el año 1947, utilizando su estilo inigualable de diseño interior con fuertes y definidos colores naranja, amarillo, morado, azul y magenta que convivieron con su famosa colección de artesanías, provenientes de sus viajes a México, India, Egipto y Sudamérica; su acervo es considerado el más grande del mundo y está conformado por más de 100,000 piezas que incluyen juguetes, textiles, arte popular y artesanías.

En 1960 Girard diseñó cada aspecto del mítico restaurante La Fonda del Sol ubicado en el edificio Time & Life en Manhattan, Nueva York. El diseño del restaurante fue latinoamericano y contemporáneo, incluyendo menús, cajas de cerillas, vajilla y azulejos de cerámica en pisos y paredes. Girard creó más de ochenta motivos de sol diferentes para todo el restaurante. Como parte de la comisión, Charles y Ray Eames fueron contratados para diseñar una silla y mesa de fibra de vidrio cubierta de tela.

Sobre los textiles, Alexander fue un apasionado, hacía vibrar a través de los colores y los patrones creados para sorprender, de hecho, trabajó como director del área de desarrollo textil de Herman Miller en 1951, para quienes diseñó una gran cantidad de motivos diferentes, para 1972 Girard dejó de diseñar textiles pues las tendencias en interiorismo corporativo y residencial avanzaban a otro ritmo.

Alexander Girard y su esposa establecieron la Fundación Girard en 1962 para administrar su extensa colección de arte. En 1978 fue donada al Museo de Arte Popular Internacional en Santa Fe y posteriormente el museo abrió al público el Ala Girard que alberga de manera permanente la exposición Multiple Visions: A Common Bond, muestra que fue inaugurada en 1982, diseñada e instalada por el propio Girard, y que actualmente sigue siendo elogiada por sus visitantes.

A principios de 2016, se celebró Alexander Girard. A Designer’s Universe —en el Vitra Design Museum— una gran retrospectiva de la obra del diseñador donde se integra parte de su propiedad

DISEÑO + HISTORIA

1982

1985

Recibe la medalla de oro otorgada por el Consejo Americano de la Artesanía.

privada incluyendo muebles, textiles y esculturas, así como numerosos bocetos, dibujos y collages que no habían sido expuestos. Además de sus propios diseños, presentaba el universo creativo en el que Girard se inspiró: el arte popular de todo el mundo, la colección de su vida.

Aunque el diseño de Girard es altamente conocido —basta mencionar el icónico motivo Love como muestra—, también se dedicó a desarrollar trabajos que, en sus palabras, “los arquitectos más serios evitaban”, como exposiciones, salas de exhibición, restaurantes y textiles. Su estilo giraba alrededor de otros impulsos, siempre con una combinación de colores atrevidos, patrones vibrantes y texturas variadas, con una actitud creativa casi subversiva, donde se apoyaba en la exuberancia que el modernismo de la época evadía. girardstudio.com design-museum.de

Dibujo de diseño para panel textil hecho por Girard a principios de los años 70's.

2016

Se celebra la exposición Alexander Girard. A Designer’s Universe en el Museo de Diseño de Vitra.

Casa Miller en Columbus, Estados Unidos, proyecto realizado por Alexander Girard, 1953–1957.

Foto Andreas Sütterlin

Love Heart panel decorativo #3017, diseñado por Alexander Girard para Herman Miller, 1971.

1994

El Vitra Design Museum tomó posesión del patrimonio personal de Girard.

Foto Andreas Sütterlin

Se abre el ala Girard en el Museo Internacional de Artesanías en Santa Fe, EU.

Foto BalthazarKorab cour tesy of The Library of Congress

1978

Confiere su colección de juguetes y artesanías al estado de Nuevo Mexico, EU.

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De su colección expuesta en Vitra Design Museum: cajas de almacenamiento dispuestas y etiquetadas por Girard.

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DESTINO DISEÑO

Más allá de Catedral Resumir la historia de la colonia Centro en unas líneas es complicado; se trata del lugar más emblemático de la CDMX, cuna de civilizaciones antiguas. Seleccionamos algunos lugares necesarios para el explorador de la ciudad.

Texto

ADRIANA ONOFRE

Fotos

JOSÉ MARGALEFF

01. El 123 Con un menú de inspiración asiática y francesa, es un oasis en la colonia Centro que reúne en un sólo lugar: un restaurante, una tienda y una galería. La historia del edificio inicia con una antigua de bodega de periódicos y que, como parte del proyecto de reactivación del Centro Histórico, fue renovado por los arquitectos franceses —y dueños del lugar— Delphine y Arnaud quienes al notar su potencial decidieron hacer más que un café: un lugar donde se mezclan arte y gastronomía. El mobiliario antiguo y las fotografías colgadas le dan a El 123 un ambiente cálido y excéntrico.

Artículo 123 #123 Centro Histórico el123.mx

02. Centro Cultural de España en México

Inaugurado en 2002, el CCEMx es una plataforma de promoción y cooperación cultural que ha servido como difusor e impulsor de innovación artística, científica y creativa en diferentes disciplinas, incluyendo en su programación muestras de arquitectura, diseño, moda, música, cine y las derivaciones de cada una. El CCEMx está ubicado en una casona construida en 1707, la cual fue rehabilitada por el arquitecto Alfonso Govela para la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo, actualmente el edificio original se interconecta a una construcción contemporánea diseñada por Javier Sánchez, José Castillo y Saidee Springall.

Guatemala #18 – Donceles #97 Centro Histórico ccemx.org

01.

DESTINO DISEÑO

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03. Barrio Alameda Construido por un médico alemán y restaurado y reinaugurado en 2015 por el grupo Acha, Barrio Alameda es un edificio Art Decó que se encuentra en una de las calles más emblemáticas de la CDMX y cuenta con una amplia oferta gastronómica, tiendas orgánicas y de patinetas, un estudio de tatuaje, un despacho de arquitectura, galerías y un hotel en el cuarto piso donde se puede ver la Alameda Central. Barrio Alameda es parte de un proyecto que busca la recuperación y repoblamiento del Centro Histórico; un punto de encuentro urbano que apuesta por generar y compartir ideas.

Dr. Mora #9 Centro Histórico barrioalameda.com

04. Tienda Carla Fernández

Exposición Archipaper.

Dibujos desde el plano.

02.

03.

Bajo el concepto de pop-up store, la diseñadora mexicana Carla Fernández abrió una tienda que visibiliza la diversidad creativa que hay en nuestro país y que, de manera itinerante, invita a diseñadores de distintos puntos de la República a exhibir y vender sus productos. Actualmente Iohan Studio, proyecto oaxaqueño de accesorios para el hogar, ocupa los estantes de la tienda siguiendo el trabajo de Carla, enfocado en preservar el patrimonio textil de las comunidades indígenas en México y sus técnicas ancestrales.

Tienda Carla Fernández @The Shops at Downtown Isabel La Católica #30, Primer Piso, Centro Histórico carlafernandez.com

04.

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DESTINO DISEÑO

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05. Museo Franz Mayer

Instalado en lo que fuese el antiguo Hospital de San Juan de Dios a inicios del siglo xvii, el Museo Franz Mayer es un recinto histórico que alberga la enorme colección de arte decorativa formada por el alemán Franz Mayer. Dicha colección está formada por libros, pinturas y piezas de cerámica, cristal, madera, entre otros materiales y muestra la evolución del diseño y el sentido de belleza de otras épocas. El edificio alberga, además, una biblioteca y la Colección de Arte Popular de Ruth Lechuga y la de William Spratling.

Hidalgo #45 Centro Histórico franzmayer.org.mx

06. Selina

Localizado en el antiguo hotel Virreyes, Selina ofrece a sus visitantes la oportunidad de experimentar un nuevo modelo de hospedaje: espacios de coworking, sala de cine, restaurante, librería, área de cocina comunitaria y una diversidad de actividades para el usuario multitasking. Rediseñado bajo el modelo de up-cyling, Selina ofrece nuevas alternativas con un enfoque social y cultural donde los espacios están diseñados para fomentar el wellness, la creatividad y el libre pensamiento; aspectos que inviten a los visitantes a salir de las habitaciones y convivir dentro de los espacios comunes.

Selina Mexico City José María Izazaga #8 Centro Histórico selina.com

DESTINO DISEÑO

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07. Nevería Roxy La primera Nevería Roxy –en la colonia Condesa– nace en los años 40 como una fuente de sodas inspirada en la arquitectura del emblemático cine Roxy en Guadalajara y el Art Decó de la época; poco después, diversas tiendas se inauguraron y fue en este año que la sucursal del Centro Histórico vio la luz. El arquitecto German Velasco fue el encargado de rediseñar el concepto original y proyectar el ‘espíritu Roxy’ a la nueva nevería, conservando la esencia que las caracteriza (pero con un toque contemporáneo y atrevido).

Nevería Roxy Callejón Héroes del 57 #49 neveriaroxy.com.mx Centro Histórico

07.

08. Museo Numismático Nacional Dependiente de la Casa de Moneda de México, se erige este museo en lo que fuera la antigua Casa del Apartado, su construcción, que data de principios del siglo xvii, ha tenido diversas ampliaciones y adaptaciones siendo su función original la de “apartado”, proceso en el que se separaba el oro de la plata proveniente de las minas novohispanas. Actualmente el MNN es reconocido como patrimonio industrial y ofrece a sus visitantes recorridos a través de su arquitectura, destacando las salas de fundición, amonedación, numismática y su archivo histórico. A través de maquinarias originales y colecciones históricas se explica cómo eran los procesos y la maquinaria para la acuñación de monedas de siglos pasados.

08.

Calle del Apartado #13, entrada por Bolivia s/n Centro Histórico cmm.gob.mx

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SU ESPACIO

El hogar de la artesanía fina La residencia de Louis Vuitton en México comparte el savoir faire de la marca en el genuino arte de viajar con creatividad y elegancia.

Texto ANA LAURA MUÑOZ

La fabricación de los emblemáticos baúles de Louis Vuitton comenzó en el siglo xix, los cuales redefinieron para siempre la forma de viajar.

BAÚLES, bolsas de ediciones especiales y piezas de mobiliario creadas por artistas se convirtieron en los singulares residentes de una casa localizada en la colonia Lomas de Chapultepec en la Ciudad de México, la cual estuvo abierta durante dos semanas a invitados especiales con la idea de conocer la experiencia Louis Vuitton Savoir Faire.

Es la primera vez que la marca de lujo organiza en nuestro país una experiencia vivencial y sensorial para mostrar tres categorías de sus colecciones y accesorios –que raramente se pueden ver en boutiques locales de la firma– dentro de un ambiente donde conviven con la decoración habitual y los espacios de una casa de forma orgánica e integrándose con el diseño existente. Se trata de: Objetos Nómadas, Baúles y las bolsas de ediciones especiales en pieles exóticas que ha presentado la compañía en los últimos años, los cuales se integraron de manera natural a los espacios de una maravillosa residencia como parte de su interiorismo.

Fotos JAIME NAVARRO

Los Objetos Nómadas fueron lanzados por la compañía en 2012 y están conformados por una colección de 25 muebles y piezas de decoración de edición limitada. Estos han sido elaborados por diseñadores conocidos internacionalmente, quienes mezclan su propio savoir faire con el de Louis Vuitton, creando piezas innovadoras, funcionales y fáciles de transportar para cumplir con la esencia de la marca resumida en el placer de viajar. Entre los diseñadores que han creado algunos de los Objetos Nómadas están Marcel Wanders, los Hermanos Campana, Patricia Urquiola, Tokujin Yoshioka e India Mahdavi.

También han participado reconocidos despachos de diseño como Atelier Oï, Raw Edges y Barber and Osgerby.

Acompañando a los Objetos Nómadas, Louis Vuitton también aderezó los ambientes con una serie de baúles cuyo rango abarca desde los más antiguos hasta los que actualmente continúan a la venta, como el Baúl Stokowski, creado en 1929

SU ESPACIO

Las colecciones de Objetos Nómadas, baúles y bolsas de ediciones especiales en pieles exóticas llenaron la casa Louis Vuitton en México.

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SU ESPACIO

Un espacio que captura el legado de Louis Vuitton y su dedicación a la artesanía fina y el arte de viajar.

Una residencia en las Lomas de Chapultepec recreó una experiencia vivencial y sensorial para conocer el savoir faire de la marca de lujo.

SU ESPACIO

Las colecciones de la marca conviven con el interiorismo de la casa de forma orgánica y se integran al diseño existente.

para el famoso compositor y director de orquesta británico Leopold Stokowski y creaciones más recientes, como los baúles recubiertos de titanio, que forman parte de la colección masculina Otoño/Invierno 2018.

Los bolsos exóticos se integraron de una manera muy particular a la casa: dentro de los espacios femeninos había una sección donde se podían apreciar las creaciones recientes en pieles exóticas, diseñadas por Nicolas Ghesquière, director creativo de Louis Vuitton para accesorios femeninos. A estos modelos se sumaron los bolsos más representativos como Twist, Petite Malle, Vivienne, City Steamer y la icónica Capucines, además de una selección de bolsos creados exclusivamente para algunos de los icónicos desfiles de moda en el mundo.

Durante el recorrido por las habitaciones de la residencia también se presentaron las diferentes formas de personalización de los accesorios de la marca, lo que para Louis Vuitton es la representación máxima de la elegancia, lujo y buen gusto. Las dos formas de personalizar son: pintando sobre los baúles (una actividad realizada por un artesano de la Maison) o poniendo a los dueños de los accesorios en contacto con artistas locales para que estos plasmen alguna creación sobre los mismos. Así, la marca Louis Vuitton comparte el espacio que ocupa su hogar en México y que refleja el compromiso de su fundador con la artesanía fina. louisvuitton.com

Para Louis Vuitton la máxima representación del lujo es la personalización de sus objetos.

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ENFOQUE

Curiosidad, tolerancia y libertad

Entrevista GRETA ARCILA

Retrato MARCO CRAIG

fotos cor tesía de Patricia Urquiola

PATRICIA URQUIOLA no conoce el concepto de limitación y, como mujer, le gusta hacer las cosas a la perfección. Su personalidad intensa, enérgica y quizá hasta rebelde le han abierto camino y ganado un lugar en la historia del diseño y la arquitectura que hoy son su vida cotidiana.

Patricia Urquiola en su estudio, junto a maquetas y prototipos que ha diseĂąado, mezclados con objetos lĂşdicos.

“Para algunas personas su instrumento es la palabra o cualquier otro talento. El mĂ­o es pensar, dibujar y hacer cosas con las manosâ€?.

ENFOQUE

DE PERSONALIDAD INTENSA y una trayectoria impresionante, Patricia Urquiola se ha ganado a pulso ser considerada la diseñadora y arquitecta más famosa del mundo. Ha sido pionera reinventándose a sí misma y haciendo camino a un ritmo que igual la lleva a construir viviendas en Italia o Australia que hoteles en Puerto Rico o crear cientos de objetos y piezas de mobiliario que han cuestionado cómo sentarse, iluminar o trabajar en casa. “Como creativo tienes que arriesgar, proyectar significa salir de tu zona de confort para crecer y es que los diseñadores no somos estrellas, sino gente que trabaja”, enfatiza la mujer enérgica y fuerte que ha hecho del diseño su vida cotidiana y que ahora se encuentra en México para compartir una conferencia magistral como parte de la primera edición de Salón Macrotendencias presentado por Glocal Design Magazine.

Todos los seres humanos somos muy perceptivos de pequeños ¿qué recuerdas de tu infancia, de las calles de una ciudad histórica y arquitectónicamente tan rica?

Nací en el norte de España. Mi padre era vasco y mi madre es de Asturias. Estas partes de España son muy severas, que es una cualidad muy atlántica. Para empezar, soy hija mediana, la condición ideal para mirar a la izquierda y a la derecha, siempre mirando un poco, explotando esa libertad que concierne a aquellos en el medio.

Desde pequeña estudiaba con facilidad, ya muy joven comprendí que era un buen sistema para aumentar mi independencia. Recuerdo unas vacaciones con mi familia en Ibiza, la isla que ha estimulado mi actitud al contacto con personas y culturas diferentes, la curiosidad, la tolerancia, la sensación de libertad y el interés por la artesanía.

Justo en esta isla aprendí a trabajar la arcilla. Por otra parte, en los mercados descubrí los distintos tejidos naturales y formas de trabajarlos, el macramé, ganchillo… mezcla de colores imposibles.

Desde entonces siempre he tratado de crear vínculos entre el mundo industrial y el artesanal.

Desde que eras niña ¿ya pensabas en ser arquitecto? ¿cuál fue tu primera ‘construcción artística o lúdica’?

De niña siempre estaba haciendo pequeñas cerámicas y cosas para mis amigas. También tenía una tía que pintaba y me enseñó a usar varias técnicas. Yo siempre me acercaba al que hacía cosas. Mi cabeza y mis manos van juntas. Para algunas personas su instrumento es la palabra o cualquier otro talento. El mío es pensar, dibujar y hacer cosas con las manos. ¿Cuál fue la mayor lección que recibiste al tener como director de tesis al maestro Achille Castiglioni?

Castiglioni me enseñó muchas cosas. Que la narración de cada proyecto cambia de vez en cuando. Achille Castiglioni hablando de diseño dijo: “puedes hacer lo que quieras, alcanzar todos los compromisos, seguir los procesos con dificultad,

Área común de las oficinas de Cassina en Meda, Italia.

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Sillรณn 570 Gender por Patricia Urquiola para Cassina.

ENFOQUE

pero siempre hay un elemento fundamental del proyecto”, y él lo creyó. Cuando nos interrogó en la universidad, siempre preguntó: “¿Cuál es el elemento fundamental de este proyecto?” Y seguimos adelante, aunque fue una frase tan simple.

No hay compromisos en esto.

Tuve la oportunidad de visitar tu estudio, gracias a Marva Griffin, hace 5 años y observé varios pequeños objetos por distintas partes del taller, ¿qué ves en una pieza que te hace querer tenerla y llevarla a ser parte de tu estudio? ¿cómo es tu relación con los objetos cotidianos?

Estoy muy ligada a la transformación. No acumulo, no soy un coleccionista. las cosas que entran en la casa tienden a ser parte de un proyecto, entran y se van. No significa arrojar, sino dar circularidad. Hay hogares que no necesitan nada, otros están llenos de rastros del pasado; como libros, recuerdos y tal vez ningún objeto de diseño.

En cada ciudad que tenga una feria de diseño, hay muchas empresas con proyectos realizados de tu estudio, ¿cómo logras colaboraciones sabiendo que prefieres un equipo pequeño de trabajo?

El estudio ahora tiene alrededor de 60-70 personas, no es tan pequeño. He elegido a mi personal, para compartir mi vida y trabajo. Debo decir que he tomado buenas decisiones.

Italia es tu segunda casa y Milán es la cara del diseño industrial para el mundo, ¿cómo fue que una arquitecta encontró más ámbito profesional en el diseño. ¿Fue Vico Magistretti quien te abrió la oportunidad de saltar entre las escalas y dimensiones sin miedo?

He tenido mucha suerte. Estudié arquitectura en Madrid y luego me mudé a Milán para asistir a la

Mesas L.A. Sunset para Glas Italia.

Universidad Politécnica, que estaba fuera de mi zona de confort como arquitecto. Muchos de los profesores también eran diseñadores en activo y eran las personas más interesantes: Vico Magistretti, Achille Castiglioni, Maddalena De Padova y muchos otros. Fue un momento increíble para estar en Milán. Todos fueron muy generosos; Vico, en particular, tomaba energía de todos los que le rodeábamos, siendo capaz de unirlo de manera armoniosa.

Otro maestro y ahora colega fue Piero Lissoni, él te motivó a independizarte. ¿Qué te dijo en su momento para animarte a dar ese salto al vacío y crear tu propio estudio de diseño?

La figura de Piero Lissoni fue fundamental.

Me dio la oportunidad de asistir a un gimnasio decisivo si pienso en las relaciones con diferentes compañías, en la evolución de mi mentalidad.

Abrí mi estudio a los cuarenta años empujada por Piero Lissoni, quien me dijo: “si tienes un criterio, una opinión, tienes que intentarlo”.

Tu relación con el color es franca y directa, sin embargo tus colegas contemporáneos optan por paletas de color más neutras. ¿Cómo es

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ENFOQUE

ENFOQUE

Il Sereno estรก inspirado por el color del lago Como, Italia y sus aguas brillantes.

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Parte de la colecciรณn de mobiliario para oficina Openest para Haworth.

ENFOQUE

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“Siempre inicio desde la empatía con el espacio y la materia; pero sin perder de vista a las personas”.

Silla Lilo para Moroso.

que rompes la barrera del blanco y negro y abrazas los contrastes y acentos de los colores en cualquier tonalidad?

Considero el color como un instrumento. Hay proyectos donde el concepto de materia, color o juego es muy fuerte, mientras que en otros el descubrimiento de la estructura es fundamental.

Siempre es necesario comprender la intención del diseño, regresando a ese punto preciso. Es lo que le da mucha libertad de acción. Estoy abierta a todo y a todas las influencias y esto se refleja en mis proyectos.

Las obras hablan y tienen su propia personalidad, y tu trabajo me habla de sensualidad, pero a la vez de estructura porque no hay sinuosidad injustificada. ¿Qué busca darnos en su obra el lado lúdico de Urquiola?

Siempre comienzo desde la empatía con el espacio y la materia; pero sin perder de vista a

Showroom para Haworth en NeoCon 2018.

las personas. Siempre espero la inspiración del contacto directo. Realmente me gusta escuchar, involucrarme, crear redes, entender las necesidades para luego poder encontrar diferentes soluciones sin temor a saltar a lo desconocido.

Vemos patrones e inspiraciones muy claras en tu obra como lo son las flores y las formas orgánicas de las plantas. ¿Qué plantas son tus favoritas y cuáles tienen una historia?

En mi terraza hay una variedad de plantas perennes. Me gusta tener todo siempre verde; por eso elegí plantas resistentes y con poca necesidad de mantenimiento, que brindan lo mejor en primavera y verano. Amo la naturaleza espontánea, sin retórica. Por ejemplo, la laurus nobilis, mirto, feijoa con hojas de plata y la animada rosa chinensis mutabilis con flores iridiscentes, que cambian de naranja a fucsia, a rosa pálido y continúan rehaciéndose desde la primavera hasta el otoño.

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ENFOQUE

Tapete Double Slinkie para cc-tapis.

“Hay proyectos donde el concepto de materia, color o juego es muy fuerte, mientras que en otros el descubrimiento de la estructura es fundamental”.

Bowl Overlay para la colección Les Petits Nomades de Louis Vuitton.

ENFOQUE

Primera exposición personal de la diseñadora, llamada: Patricia Urquiola: Between Craft and Industry, celebrada en el Philadelphia Museum of Art.

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ENFOQUE

Colección Jellies Family para Kartell.

Dirigir lo propio es complejo. ¿Cómo logras ser cabeza creativa de Cassina, Haworth y colaborar con tantas firmas al mismo tiempo?

No conozco el concepto de limitación. O más bien, no creo en estos términos. Intento trabajar con personas con las que tengo una intención de una manera común, o porque confían mucho en mí o porque tienen una visión muy similar a la mía. ¡Y es tan difícil! Acepto compromisos si son lógicos en el proceso. Por lo tanto, es importante comprender con quién se trabaja y tener una mano firme para llevar a cabo el proyecto.

Patricia Urquiola es muy protectora de su espacio privado, pero a la vez es una figura importantísima. ¿Cómo logra mantener ese equilibrio para no descuidar a su yo creativo?

Tuve que crear una especie de fast track adaptado

a mi dimensión de temporalidad, que se compone al mismo tiempo de muchas que se cruzan. Cada uno debe encontrar su propio fast track para acelerar o dilatar o intensificar ciertos momentos.

Para mí fue necesario combinar lo público y lo privado: proyectos, viajes, una familia personal y profesional. El estudio es muy privado para mí.

Me sucede contemporáneamente, por ejemplo, estar en una conferencia telefónica con la otra parte del mundo, y seguir a mi hija que está haciendo los deberes.

Para cerrar una pregunta personal: Al ser mujer –hablando desde un contexto laboral y empresarial de género– ¿cómo logró la mujer Patricia Urquiola abrirse paso en una industria en su mayoría dirigida por hombres empresa-

rios? ¿Hubo algún reto que te haya marcado o no tuviste problemas profesionales complejos, hablando del tema de género?

Creo que como mujeres siempre podemos contar con un lado más sensible y materno que nos permita ver y enfrentar las cosas desde otro punto de vista diferente al de los hombres. Pero, en general, como mujer, tienes que hacer las cosas a la perfección. Constantemente tenemos que enfrentar los desafíos. No creo que debamos mirar los límites como tales, sino como desafíos.

Las mujeres deben tener la voluntad de continuar estudiando y arriesgando. patriciaurquiola.com

ENFOQUE

Instalaciรณn para Laufen, al centro, lavabo Sonar para la misma marca.

Mesa Liquefy para Glas Italia.

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Ar te por Jorge Medina

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SALÓN MACROTENDENCIAS

Retrato María Mira / Houzz

ALBERTO MARTÍNEZ

En la ciudad de Valencia, en 2002, un pequeño pero prometedor estudio creativo abría sus puertas: CuldeSac, fundado por Pepe García y Alberto Martínez.

SALÓN MACROTENDENCIAS

CuldeSac diseñó nuevos conceptos de exposición para Porcelanosa en Vila-Real en Valencia (arriba) y Mármoles Arca en México (abajo).

COMO MIEMBRO fundador de CuldeSac y director creativo de CuldeSac Venture, Alberto Martínez desarrolla una metodología propia de trabajo e investigación en el campo de la arquitectura y el diseño de interiores, que tiene como objetivo crear proyectos memorables a partir de nuevos vectores experienciales.

La sensibilidad y la constante búsqueda de la esencia humana en la creación de nuevos proyectos, le han permitido atraer durante su carrera a grandes profesionales de distintos campos para compartir su particular visión del diseño y la creación y ejecución de conceptos.

Licenciado en Diseño Industrial, y especializado en Diseño de Producto por el Royal College of Art en Londres, Alberto Martínez adquiere reconocimiento internacional gracias a la obtención de diversos premios como el Primer Premio en Investigación del Helen Hamlyn Research Center en Londres (2000) o el Kokuyo International 1st Prize en Tokio (2000), el Red Dot Design Award (2007) o el xxi Compasso d’Oro (2008).

El vínculo constante con la investigación y la creatividad ha dado lugar a colaboraciones internacionales en el ámbito de la educación, destacando la docencia en distintas escuelas superiores de diseño de ciudades como Monterrey, Caracas, Buenos Aires, Dubai, Tokyo Madrid, Barcelona o Valencia.

“Crear y diseñar con un componente emocional para las personas” es la premisa con la que se mueve CuldeSac que permanentemente busca un equilibrio entre razón y emoción, estrategia y creatividad, diseño y experiencia, para lograr proyectos de alta calidad. El estudio español trabaja de manera constante con marcas de lujo y premium, explorando ideas creativas y de reposicionamiento de marcas con todo tipo de alternativas y con proyectos que operan desde diversos flancos como diseño de interiores, producto, retail, branding e incluso relaciones públicas. culdesac.es

“El concepto de lujo es muy ambiguo. Para nosotros, es ‘enamorarse del momento’ y ‘tocar los sentidos’, eso es lo que tratamos de plasmar en nuestros proyectos”.

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SALÓN MACROTENDENCIAS

JUAN CARLOS BAUMGARTNER

Fotos cor tesía / Paul Czitrom

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Arquitecto emblemático y pionero del diseño corporativo en México, además de visionario apasionado del diseño y uno de los principales futuristas del país.

SALÓN MACROTENDENCIAS

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Baumgartner diseñó las oficinas de Red Bull México siguiendo la temática del concepto flexible working.

“LA ARQUITECTURA puede ser una herramienta para mejorar la sociedad”, reflexiona Juan Carlos Baumgartner, socio fundador de la firma internacional de arquitectura Space –con base en Chicago, pero actualmente con oficinas en la Ciudad de México, Guadalajara y Monterrey, en India, Japón y despachos asociados en España, Brasil y Holanda, entre otros países–, además de ser columnista frecuente en Glocal Design Magazine y conferencista invitado a un sinnúmero de ferias y eventos de arquitectura y diseño.

Para él, lo importante es crear espacios con tecnologías sustentables que mejoren el entorno, de acuerdo con la esencia, valores, características y necesidades propias del proyecto. Es por ello que para entender plenamente a la organización, ha desarrollado metodologías propias que empáticamente permiten entender las entrañas de la empresa, ayudando a alinear las estrategias, ofreciendo soluciones arquitectónicas que mejoran la productividad de la organización y la eficiencia, la inspiración y felicidad del individuo.

Esta metodología incluye conceptos como Design Thinking que enriquece la creatividad, y Evidence Based Design que respaldan los conceptos fundamentales del diseño, los cuales son un tema focal en su conferencia: Neurociencia para la arquitectura que se integra a la primera edición de Salón Macrotendencias, organizado

WorkPlace Conference tiene el propósito de exponer las tendencias mundiales del diseño corporativo.

por Glocal Design Magazine. Con proyectos diversos en distintos puntos del mundo como México, Perú, Brasil, Colombia, Guatemala, España, India, USA, Honduras y Japón, Baumgartner ha estado al frente del diseño de 3 millones de metros cuadrados. A lo largo de su carrera ha sido galardonado en un sinfín de ocasiones por sus proyectos realizados.

Considerado por la revista Forbes como uno de los mexicanos más creativos en el mundo, Baumgartner actualmente dirige en spAce a un grupo multidisciplinario y diverso de creativos que incluyen arquitectos, diseñadores, especialistas en acústica, iluminación, topógrafos, psicólogos, mercadólogos y a un DJ, compartiendo la pasión por transformar, mejorar e inspirar la vida de los individuos y organizaciones. Entusiasta por su quehacer confiesa que su motor es la pasión por el diseño: “Mi objetivo es crear un impacto positivo y sostenido en mi entorno social”, dice el creativo que entre sus actividades, siempre encuentra tiempo para leer obsesivamente, disfrutar de los autos deportivos, viajar y vivir nuevas experiencias, pero principalmente para compartir tiempo de calidad con sus hijos, quienes lo impulsan a diseñar el contexto que promueva la felicidad para los seres humanos. spacemex.com | @baumgarj

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SALÓN MACROTENDENCIAS

“Los verdaderos diseñadores son aquellos que se preocupan por la ecología”, asume el diseñador industrial, cuyos proyectos se caracterizan por sus patrones sostenibles.

Fotos cor tesía

EMILIANO GODOY

SALÓN MACROTENDENCIAS

Para la colección Nouvel Limited, Godoy genera piezas arriesgadas, de grandes dimensiones y que llevan el vidrio a nuevas escalas.

DESDE hace veinte años, Emiliano Godoy trabaja en proyectos de sustentabilidad aplicada, utilizando el diseño como una herramienta para generar cambios positivos en la sociedad y el medio ambiente. Dirige el estudio de diseño que lleva su nombre, donde desarrolla tanto productos de consumo como proyectos de interiores, arquitectura, intervenciones urbanas y de exposiciones. Es también parte del taller Tuux, socio de Muta Climbing y consejero del Abierto Mexicano de Diseño. Su trabajo se ha exhibido en exposiciones y ferias internacionales en México, Nueva York, Asahikawa, Frankfurt, Amsterdam y Milán, además de que ha impartido conferencias y talleres en diversos lugares de Chicago, Ciudad de México, Bélgica, Reino Unido y Nueva York, entre muchos otros.

Platica que desde muy niño se dio cuenta de que el diseño sería su vida: “Mi madre es bailarina de danza contemporánea y de ella aprendí no sólo de arte y creatividad, sino también de perseverancia y trabajo en equipo. Por otro lado, a mi padre le gustaba mucho la carpintería y solía entretenerme viendo cómo hacía sus trabajos y manualidades, incluso hasta construía mis propias cosas desde pequeño”. Actualmente, el diseñador industrial realiza proyectos muy variados, desde el diseño de un recubrimiento cerámico hasta el de una pieza de mobiliario o de un restaurante, para los que él mismo confiesa que no aplica las mismas metodologías, pero sí criterios conceptuales similares en términos funcionales, ambientales y tecnológicos.

Desde su punto de vista, los materiales son el aspecto más reconocible a la hora de diseñar porque son fáciles de identificar y de explicar. Sin embargo, hay otras áreas menos visibles que pueden llegar a tener un impacto mayor, como la toxicidad de un producto o su consumo de energía o de agua; por eso, Godoy se ha interesado en el diseño ambiental, por naturaleza sistémico y en relación con la producción, uso y desecho de un objeto.

En Salón Macrotendencias comparte la experiencia de sus trabajos realizados, así como las anécdotas y sinsabores que incluso lo han llevado a recibir numerosos premios y reconocimientos como once nominaciones al Designpreis, tres Good Design Awards, cuatro premios en la Bienal Iberoamericana de Diseño y cuatro premios Quorum, entre otros. emilianogodoy.com tuux.mx abier todediseno.mx

“Como parte del Abierto Mexicano de Diseño he visto cómo se desarrolla una oferta de productos y diseñadores muy vasta. Hay diversidad y eso es algo que debemos festejar”.

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SALÓN MACROTENDENCIAS

JOSÉ LUIS NAVARRO

Fotos cor tesía

Replicar, amplificar y hacer tangible la vida con tecnología es el objetivo de este emprendedor que desentraña lo que son las tecnologías emergentes e inmersivas.

SALÓN MACROTENDENCIAS

“LAS TECNOLOGÍAS inmersivas irrumpen de forma descarada en el sector de la creación y el diseño”, enfatiza José Luis Navarro Salinas (también conocido como Lito) quien se desempeña como Human Tech Strategist & Innovation Designer de inMediaStudio –que pertenece al área de desarrollo de negocio de Reload Group–. Es el único español que ha participado en una mesa redonda sobre Realidad Virtual en CES Las Vegas (2016), además de ser ponente en eventos como Immersed Europe, Immersed Toronto, MIPTV Cannes, Inspirational IAB Spain y el Congreso Future of Advanced Manufacturing, entre otros.

Para su exposición en Salón Macrotendencias, Navarro Salinas ha preparado una experiencia virtual en la que hace uso de todas las tecnologías para demostrar en vivo y en directo que están hechas para quedarse. Y es que él está plenamente convencido de que hay una evolución en marcha en el mundo en general que se llama: Transformación Digital, que de manera disruptiva, inevitable e imparable terminará por afectar a todos los procesos creativos sin excepción. “Esta transformación se basa en la convergencia digital de múltiples soluciones que se entremezclan y relacionan entre sí para

Su curiosidad imparable lo acompaña en la creación de experiencias de realidad virtual, video 360º y hologramas.

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mejorar todos los procesos ineficientes de cualquier actividad humana”, explica Navarro Salinas quien ha encontrado en la exploración de la tecnología (con un fin de utilidad), un espacio donde poder crear soluciones que faciliten los procesos de innovación, creando estrategias a base de metodologías para la consecución de ciertos objetivos de negocio.

Desde su punto de vista, las personas (el ser humano) y el contenido (know how & make) están siempre en el centro de las estrategias de creación. Por eso, mediante metodologías basadas en la observación, exploración e interacción entre ambas, se llega a desentrañar su entorno y el ecosistema tecnológico que les rodea. A esta visión, agrega otros ingredientes fundamentales en su forma de ser: las emociones y la programación neurolingüística, entendiendo que la neurociencia va ser clave para la vida en los siguientes 10 años. @inmediastudio inmediastudio.com reloadgroup.es

Con experiencias vivenciales y sensoriales, Navarro demuestra que la tecnología nos está transformando.

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SALÓN MACROTENDENCIAS

Promotor incansable de llevar el diseño a las calles a través de Design Week México: una plataforma de encuentro para la comunidad creativa, con el objetivo de crear conciencia sobre cómo el diseño afecta la forma en que vive la gente.

Fotos cor tesía DWM

EMILIO CABRERO

SALÓN MACROTENDENCIAS

Design House (arriba),Visión y Tradición (en medio) y Proyecto Tamayo (abajo) son proyectos que fortalecen la plataforma creativa de Design Week México.

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SE VAN A CUMPLIR 10 años de Design Week México y el formato ha cambiado mucho desde la primera vez que se organizó el evento. Es un hecho que ha tenido una evolución constante y que las iniciativas propuestas, hoy se han convertido en acciones concretas. Pero, ¿quién está detrás de estos logros? Junto con Andrea Cesarman y Marco Coello, socios fundadores de C Cúbica Arquitectos, Emilio Cabrero se suma a las mentes maestras detrás de Design Week México. Platica que una de las anécdotas que más le gusta contar es cuando, junto con su equipo, organizaron la primera y segunda edición del evento: “La gente siempre me preguntaba si lo volveríamos a hacer, y ahora lo que me consultan son las fechas del siguiente DWM. Aún estamos por terminar la agenda y el programa de actividades de la edición de este año y ya me están abordando con lo que está por venir”, relata Cabrero haciendo énfasis en lo orgulloso que se siente de trabajar junto a un equipo, compuesto por “personas entronas y grandes seres humanos”, quienes han sido un eslabón esencial para la creación de esta plataforma creativa.

Este año, DWM también celebra que obtuvo la designación de la Ciudad de México como Capital Mundial del Diseño 2018, un acontecimiento que pone a nuestro país en los ojos de todo el mundo. Pero ser vista y entendida como una ciudad creativa no ha sido tarea fácil, muchos han sido los factores para que este nuevo entendimiento y racionamiento propio tome carácter y forma. Cabrero cuenta que esta idea se puso sobre la mesa y se empezó a trabajar desde el 2013: “Ha sido un proceso muy largo, de muchos esfuerzos y desvelos, pero también de gran aprendizaje. Cada momento de DWM ha estado muy acorde con los acontecimientos históricos que vive nuestro país ante el mundo. Es un evento que se ha convertido en un parteaguas en la escena creativa nacional e incluso global. Yo sólo represento una parte de todo lo que se ha escrito a lo largo de estos últimos 10 años”, concluye Cabrero. ccubicaarquitectos.com designweekmexico.com

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SALÓN MACROTENDENCIAS

Diseñador, planeador urbano e historiador interesado en llevar la teoría de sistemas a diversas áreas de la tecnología y la sociedad, la movilidad sustentable y los aeropuertos, el espacio urbano, proyectos culturales y sociales.

Fotos cor tesía

VICTOR MÁRQUEZ

SALÓN MACROTENDENCIAS

Dos proyectos de gran impacto para la comunidad y el medio ambiente: Parque Metropolitano La Mexicana en Santa Fe (arriba) y el Centro de Artes Vivas en Coyoacán.

SU TRABAJO abarca un amplio espectro que va desde proyectos y obras en múltiples géneros arquitectónicos, planes urbanos y estudios interdisciplinarios. Así mismo, es autor de múltiples artículos y tiene una carrera constante como investigador y escritor en áreas como cultura, historia, tecnología y sociedad, ensayo y crítica.

Ha sido conferencista TED en temas de filosofía y sustentabilidad y ha impartido más de treinta conferencias internacionales en Suiza, Rusia, Australia, Finlandia, Portugal, Japón, India, China, Dinamarca, Canadá, Alemania, España, Hong Kong, Egipto, Costa Rica, Inglaterra, México y Estados Unidos. También ha sido profesor de varias universidades mexicanas e internacionales incluido el programa Urban Islands en la Universidad de Sydney en Australia; director del Diplomado en Movilidad en la Universidad Iberoamericana; ex director del Centro de las Artes de Monterrey y profesor de los Masters en Vivienda y Future City Managers de la Universidad Politécnica de Barcelona y la Universidad Iberoamericana. Es también sinodal de doctorado en Historia del Arte para el Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM. Es autor de la Terminal B del Aeropuerto de Monterrey, el Parque Metropolitano La Mexicana, el nuevo Archivo de los Bienes Nacionales, el Centro de Artes Vivas y el Centro Ciudad Mujer para el Banco Interamericano de Desarrollo. Sus proyectos han sido publicados y expuestos ampliamente a nivel nacional incluido el Palacio de Bellas Artes y una exposición retrospectiva que se exhibió durante el 2017 en la galería del Patrimonio Inmobiliario Nacional.

En el 2016 fue nombrado como uno de los dos finalistas al Premio Nacional de Ciencias Exactas. En términos de investigación ha producido artículos publicados en diferentes semanarios y cuadernos académicos internacionales, ha contribuido regularmente para The Futurist en donde cubre temas de futuros tecnológicos, su primer título: Thinking the American Airports and Cities of the Post War, 1947-1954 está editado por Cambridge Academy Press y su siguiente libro: Landside / Airside, Why airports are the way they are está por publicarse en octubre próximo por Palgrave Macmillan en Londres. victormarquez.com

“La arquitectura es una expresión de las fuerzas tecnológicas y de las que aún están por venir; por eso, es importante reformular sus obsoletas estructuras”.

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CROMÁTICO

Poesía, forma y función

Nitrógeno

Retrato cor tesía Cadena + Asociados Concept Design

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“Por más poderosa que sea, la narrativa necesita de ciertos tools para dar claridad a los mensajes; el color es una de esas herramientas”: Ignacio Cadena.

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CROMÁTICO

justifica el arquitecto sobre el espíritu nómada y aventurero que caracteriza su personalidad.

Nacido en el estado de Sonora, Cadena vivió la mayor parte de su vida estudiantil entre México y Estados Unidos, en donde se graduó con una maestría en diseño arquitectónico en Southern California Institute of Architecture de Los Ángeles. Desde aquella época hasta ahora, su trabajo ha explorado los límites entre el diseño, la arquitectura y el arte, dando como resultado proyectos extraídos de ambientes urbanos y espontáneos, pero aterrizados conforme una metodología en particular. Relata que desde muy pequeño tuvo la oportunidad de estar en contacto con las artes visuales y plásticas, el cine, el video, la ilustración, el diseño industrial, el paisajismo, la música y el mundo de los negocios (sobre todo por la experiencia de su papá como empresario hotelero), todo lo cual le ha ayudado a proponer nuevas formas de vivir y experimentar los espacios, pero sin perder de vista su funcionalidad y rentabilidad. “Acompañaba a mi papá a muchas partes por su trabajo como hotelero y a veces estaba en lugares y en cuartos de hotel diferentes cada día, además mi mamá era una apasionada de la cultura y mi abuelo me enseñó a pintar y a estar en contacto con la naturaleza, esas enseñanzas me llevaron a comprender que el miedo sale sobrado cuando se trata de diseñar”, confiesa el también consultor de empresas. cadena-asociados.com

Fotos cor tesía Comex, Libro ColorLife Trends 2018.

“EL COLOR es una de las herramientas más enérgicas que tenemos los diseñadores y conceptualizadores para contar historias. La narrativa por más poderosa que sea necesita de ciertos tools para complementarse y dar claridad a los mensajes; el color es uno de esos instrumentos, pues tiene la capacidad de contar verdades de manera muy simple y contundente”, dice Ignacio Cadena, declarado apasionado por la arquitectura que, en sus palabras, describe como una disciplina llena de poesía, expresión, forma y función.

Desde que Cadena fundó su despacho, hace poco más de 20 años, se ha movido en el quehacer de interconectar aquellas materias que dan vida a la arquitectura, como diseño de interiores, mobiliario y branding, entendiendo que éstas son parte integral de las diversas maneras que tiene la arquitectura para expresarse. Así, su estudio: Cadena + Asociados Concept Design, se ha enfocado en el desarrollo de conceptos, como Cielito Querido Café (en colaboración con Héctor Esrawe), El Palacio de Hierro Interlomas y la churrería ‘El Moro’, entre otros.

Para él, los conceptos se pueden aterrizar de muchas maneras: “La creación de espacios es una manera de traducir las ideas en formas tangibles.

Los espacios se construyen a través de muchos elementos como iluminación, sonidos, interiorismo de aromas etc., que para traducirlos a través del uso de la multidisciplina se tiene que hacer un cruce del conocimiento de todas las alternativas posibles”, cuenta el artista que divide su día a día entre Monterrey y la Ciudad de México con la plena convicción de levantarse todas las mañanas a hacer lo que le gusta, trabajar duro y con el ánimo de construir experiencias junto a colegas que comparten una misma filosofía. “Así es mi vida, me la paso viajando siempre entre mi casa en Nuevo León y cualquier otro sitio del mundo a donde tenga que ir a trabajar, a visitar amigos o simplemente con cualquier otro pretexto”,

“Para contar verdades de manera muy simple y contundente, nada como el uso del color”.

Ar te por Jorge Medina

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CROMÁTICO

Sombras MI PALETA DE COLOR FAVORITA: "De Conexión, mis colores predilectos son: Jipa, Mastín y Sombras. En el diseño no hay coincidencias, todo parte de la pregunta: ¿para quién diseñamos? y de dar soluciones a través del color", dice Ignacio Cadena.

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Nitrógeno 178-01

Luna Arcoiris 197-03

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ESPECIAL PISOS Y RECUBRIMIENTOS

Metales puros, aceros y terrazo crean un abanico cromático y acabados vibrantes en pisos y recubrimientos.

Texto ANA LAURA MUÑOZ

Cuarzos, arcillas y otros materiales crean una familia única de productos. (Foto: Covellina grafito, Porcelanato by Porcelanite).

Fotos cor tesía de las marcas

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ESPECIAL PISOS Y RECUBRIMIENTOS

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En la fabricación de sus productos, Cesantoni emplea tecnología avanzada que imita el aspecto de piedras y materiales de la naturaleza, logrando una variedad en apariencias y acabados.

(Foto: Atís Grigio, 2019).

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ESPECIAL PISOS Y RECUBRIMIENTOS

En la planta de Cesantoni en Zacatecas, toneladas de caoli, felespato y arcilla (traídos desde minas de Pinos, Jerez,Valparaíso, San Luis Potosí y Jalpa) esperan convertirse en un piso o recubrimiento.

(Foto: Atís Grigio, colección 2019).

Las tendencias cerámicas continúan por el camino que abrieron durante las ferias de diseño más importantes del mundo, como Milán, Nueva York y Chicago, en las que se vieron productos versátiles con propuestas llenas de riesgo; piezas de espesores mínimos y formatos cuadrados y rectangulares (además de las de gran formato) que incluso se pueden combinar entre ellas y en las que el color y las texturas tienen cabida con mármoles, granitos, grandes piedras veteadas, piedras naturales y jaspeados como protagonistas.

Para arquitectos, interioristas y diseñadores es un buen momento para los materiales en crudo y los pulidos, que se afianzan gracias al crecimiento que ha tenido el sector de cocinas con el diseño de encimeras y el desarrollo de proyectos personalizados.

Como respuesta al minimalismo de los años recientes, ahora es notorio cómo superficies, recubrimientos y revestimientos están repletos de elementos; lejos de esconder su materialidad, la exponen y hasta la destacan.

Lo que se desea contagiar es que son productos llenos de vida y con una inspiración natural.

Una tendencia particularmente interesante es el uso de degradados, efectos sombras y acuarelados en las superficies para generar espacios con aire decadente, añejo y vintage, pero muy sofisticados. Las piezas de gran formato funcionan mucho para esta tendencia, pues permiten crear juegos visuales en los que se confunde figura

y fondo, sombras y reflejos. Los colores predominantes son los tonos neutros, grises y negros, que se combinan con blancos y tonos fríos de azul que persiguen crear ambientes oníricos.

En otro estilo, también están los productos de aspecto áspero, en crudo y con la geología como una de las claves de inspiración. La pasión matérica se traduce en propuestas monolíticas con grandes superficies geológicas que reproducen los materiales pétreos. Esto responde a la idea de la materia en bruto y los grandes bloques de cementos y piedras, con fragmentos, piedras volcánicas y rocas ígneas como el granito.

Respecto de las propuestas de color y texturas, hay una explosión de posibilidades más allá de su función estética e impacto psicológico que repercute en la percepción de un espacio y en las sensaciones que evoca.

Las gamas neutras habían sido tradicionalmente utilizadas como base para ser combinadas con otros tonos más intensos, permitiendo impulsar el foco visual a estas últimas. Ahora, las sensaciones se potencian con un amplio abanico cromático y vibrantes acabados a través de piezas cerámicas en formatos variados para responder a diferentes composiciones, todo lo cual multiplica las posibilidades de la arquitectura de interiores a la hora de crear e innovar en los ambientes.

ESPECIAL PISOS Y RECUBRIMIENTOS

Porcelanite arrancรณ operaciones de producciรณn en 1933, siendo la primer empresa mexicana en fabricar azulejos, pisos y barro blocks.

(Foto: Covellina gris, Porcelanato by Porcelanite)

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ESPECIAL PISOS Y RECUBRIMIENTOS

La exaltación de superficies es tendencia; se juega con la perspectiva y con los efectos visuales, como la volumetría o el efecto 3D. (Foto: Revestimientos 3D, Porcelanosa 2018)

El uso de tecnologías para lograr colores y texturas precisas en patrones de alto y bajo relieve, permite que Interceramic ofrezca apariencias casi perfectas de piedras, maderas, textiles, mosaicos y otras superficies.

(Foto: Marble Slabs)

ESPECIAL PISOS Y RECUBRIMIENTOS

Los brillos metálicos han sido siempre muy valorados por su fuerte poder de atracción, desde piezas de joyería hasta elementos decorativos han sido bañados con sus reflejos. (Foto: Colecciones metálicas, Porcelanosa 2018)

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ESPECIAL 10 AÑOS DESIGN HOUSE

Studio Roca, Design House 2017

ESPECIAL 10 AÑOS DESIGN HOUSE

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Design House: UN MUSEO DE INTERIORISMO El proceso evolutivo de Design House es increíble. Un recorrido histórico-visual durante los 10 años de su intervención refleja que se trata de un ejercicio de industria espectacular.

Fotos cor tesía Design Week México

Entrevista GRETA ARCILA

EL EJERCICIO CREATIVO de Design House nació como parte de Design Week México hace 10 años, pero ahora se ha convertido en un proyecto independiente que abre espacios a la creatividad de arquitectos, diseñadores e interioristas y que además supone una inversión –tanto en tiempo como en dinero, personas y recursos– muy importante .

“Cuando empezamos no había este tipo de plataformas en México y no pensamos que crecería tanto hasta ser un ejercicio de colaboración interesante entre gente, marcas y compañías. Durante este tiempo he tenido la suerte de crear un grupo y una conexión real con más de 120 diferentes despachos, con quienes hemos discutido, analizado y aprendido que el diseño, además de ser bonito, es una disciplina que mueve a la economía”, platica Andrea Cesarman, curadora de Design House y de las plataformas de Inédito y Visión y Tradición, que integran Design Week México.

El proceso evolutivo de la casa ha sido increíble. Un recorrido histórico-visual durante los 10 años que se ha desarrollado el proyecto pone en evidencia que desde la selección del inmueble que se va a intervenir hasta la tecnología y los materiales que se aplican son cada vez más impactantes.

“Siempre tratamos de que en la transformación de la casa haya diversidad dentro de una línea curatorial de calidad.

Aunque el inmueble y cada espacio que se asigna a los despachos para su intervención es diferente en cada edición de DWM, el resultado al final sí habla de tendencias, propuestas e innovación”, relata Cesarman quien también se percata de que a lo largo de todo este tiempo ha visto el paso de una generación. “Los que eran noveles y pujantes –relata– ahora ya son arquitectos y diseñadores destacados, y los que ya tenían un nombre desde aquel entonces han seguido creciendo y desarrollando su trabajo con las mismas inquietudes y entusiasmo de aportar. Es un hecho que ha habido diferentes tipos de intervenciones, pero siempre el estándar ha sido de muy buena calidad tanto en ideas como en ejecución y mano de obra, todos los cuales son ingredientes fundamentales

para lograr ‘la magia’ de lo qué es Design House”. Cesarman enfatiza que la creatividad es un concepto difícil de juzgar, pero la calidad de intervención del proyecto de Design House a través de los años ha sido un factor incuestionable: “Hemos tenido casas en donde los espacios han sido más conceptuales o en las que incluso la construcción en sí misma tiene un valor histórico que ha dictado ciertas reglas, pero lo que no ha cambiado es la parte curatorial de que la propiedad se preste para hacer una mezcla interesante de arquitectos, diseñadores e interioristas”.

“Otro tema interesante –agrega la también socia-directora de C Cúbica Arquitectos– es que he visto cómo han ido cambiando las tendencias, sobre todo en la parte de color que es uno de los elementos más fuertes en la moda. En alguna época se usó mucho el beige y luego el gris y los tonos puros y claros, y ahora la tendencia son los rosas y metálicos, lo interesante es ver cómo arquitectos e interioristas adaptan la paleta de color a sus propuestas”.

Antes, la gente veía un cuadro en la pared o un sillón y era lo que más conocía, entendía o asumía como decoración para su casa; ahora, hay un público mucho más interesado por el objeto y que sabe que éste se ha convertido en el protagonista de piezas importantes dentro de los espacios.

“Ahora ya se habla de interiorismo e incluso proyectos de arte como Zsona Maco ya incluyen diseño en sus exhibiciones. Creo que Design House sí se ha posicionado en este pensamiento de convivencia entre tiendas, galerías, diseñadores, proveedores, patrocinadores y muchos otros actores conscientes de que se trata de un ejercicio de industria espectacular”, concluye Cesarman para quien el corazón de todo este movimiento radica en la amistad, dedicación y profesionalismo que ha cultivado con sus colegas, Emilio Cabrero y Marco Coello, de C Cúbica Arquitectos. designweekmexico.com ccubicaarquitectos.com

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ESPECIAL 10 AÑOS DESIGN HOUSE

2009

Cherem-Serrano Arquitectos

ESPECIAL 10 AÑOS DESIGN HOUSE

C Cúbica Arquitectos

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ESPECIAL 10 AÑOS DESIGN HOUSE

2010

ESPECIAL 10 AÑOS DESIGN HOUSE

C Cúbica Arquitectos

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ESPECIAL 10 AÑOS DESIGN HOUSE

2011

Nowicka Studio

ESPECIAL 10 AÑOS DESIGN HOUSE

C Cúbica Arquitectos

Revisar los archivos de Design House es abrir un libro del pasado reciente del interiorismo y ver cómo la industria ha evolucionado. La propuesta de materiales con texturas y colores inusuales, lo que resulta en proyectos más propositivos.

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ESPECIAL 10 AÑOS DESIGN HOUSE

2012

ESPECIAL 10 AÑOS DESIGN HOUSE

María Laura Salinas

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ESPECIAL 10 AÑOS DESIGN HOUSE

2013 Design House ha generado una comunidad de arquitectos de interiores que antes no existía, al tiempo de lograr que el público en general conozca la impresionante oferta de talento local.

Elizabeth Gómez Coello

ESPECIAL 10 AÑOS DESIGN HOUSE

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Elsa Ojeda

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ESPECIAL 10 AÑOS DESIGN HOUSE

2014

Vieyra Arquitectos

ESPECIAL 10 AÑOS DESIGN HOUSE

Esrawe Studio

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ESPECIAL 10 Aร OS DESIGN HOUSE

2015

SMA, Nadia Borrรกs + Glocal Design Magazine

ESPECIAL 10 AÑOS DESIGN HOUSE

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MOB

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ESPECIAL 10 Aร OS DESIGN HOUSE

2016 MUMO

Space + Jimena Hernรกndez + Glocal Design Magazine

ESPECIAL 10 AÑOS DESIGN HOUSE

Año tras año vemos creativos de distintas escenas, lo que enriquece la propuesta. Desde arquitectos, galeristas, tiendas de mobiliario, diseñadores locales, artistas y revistas, logran que los recorridos por la casa sean algo único.

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ESPECIAL 10 AÑOS DESIGN HOUSE

2017

ESPECIAL 10 AÑOS DESIGN HOUSE

Esrawe Studio + Glocal Design Magazine

Ricardo Yslas

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PREMIO NOLDI SCHRECK 2018 Cierre de convocatoria 18 de octubre Publicaciรณn de ganadores 10 de noviembre en glocal.mx

Top asimétrico, CIHUA | Anillo, CAROLINA ALATORRE.

MA C RO TEN DEN CIAS

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MACROTENDENCIAS

EDIFICIOS A ESCALA

Para hablar de la renovación constante de la Ciudad de México y el continuo transitar de sus habitantes, Serrano Monjaraz crea un laberinto escultórico con cartelas verticales, que tienen texturas e iluminación integrada.

Editor de sección GRETA ARCILA Y GERMÁN VELASCO

Fotos JOSÉ MARGALEFF

MACROTENDENCIAS

Materiales: Porcelánicos Rectificados | Grandes Colecciones de México / CDMX Rehilete Deco Blanco 24 X 74 cm | Férrico Cenizo 59.3 X 59.3 cm página aterior: Trench Coat color hueso de hombre para GALO BERTÍN | Vestido corto, JORGE CONTRERAS |Cangurera plata, ILKA | Bolsa rosa, ILKA ésta página: Abrigo EDGAR AGUILERA | Zapatos, VINCE CAMUTO.

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MACROTENDENCIAS

SERRANO MONJARAZ + FIRENZE Verticalidad y perspectiva Con cartelas verticales que simbolizan a los rascacielos de la Ciudad de México, Serrano Monjaraz crea un espacio escultórico en el que hace uso de los porcelánicos Rehilete Deco Blanco y Férrico Cenizo de la serie Grandes Colecciones de México CDMX de Firenze, los cuales le dan una textura y perspectiva particular a la pieza inspirada en la transformación de México y sus habitantes. "Después de explorar varias ideas e incluso de pensar en representar a los volcanes Popocatépetl e Iztaccihuátl, concluimos en materializar edificios icónicos como la Torre Latinoamericana o las Torres de Plaza Satélite. Estudiamos diversas formas y seleccionamos los colores gris metálico y blanco por su contraste con la luz para construir una serie de cartelas que representan un recorrido por la ciudad a través de una escultura en la que vas metiéndote como en un laberinto, el cual hace referencia a las calles y edificios de la ciudad", dice el arquitecto David Castillo del equipo de Serrano Monjaraz. "Es un espacio –agrega Karla Ibarra, gerente de marca de Firenze– muy esbelto, ordenado y bien pensado desde sus primeros bocetos en el papel".

Materiales: Porcelánicos Rectificados | Grandes Colecciones de México / CDMX | Rehilete Deco Blanco 24 X 74 cm | Férrico Cenizo 59.3 X 59.3 cm Camisa con círculo en el pecho, CIHUA | Vestido camisero de 1/8 TAKAMURA | Abrigo, ARMANDO TAKEDA | Zapatos NINE WEST.

MACROTENDENCIAS

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Modelo: Hannah Downing @GHManagement Styling: Jorge Maceo Maquillaje: Cinthia Martínez Pelo: Renata Flores Asistente de fotografía: Gustavo Barragán Agradecemos a Logistorage por facilitarnos sus instalaciones para la sesión fotográfica.

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CDMX, área metropolitana y envío nacional 840 pesos EU 265 USD Europa 300 USD Realiza tu pago en Banamex: Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Sucursal 4271 Cuenta: 0132512 Clabe: 00218042710132512 Envía tus datos personales (nombre, dirección, télefono, correo electrónico) y comprobante de depósito a: suscripciones@glocal.mx Informes: 55.33.68.18

MACROTENDENCIAS

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Brillos tenues

Los rosas y los metálicos resurgen en la escena del diseño, Formica® se inspira en esa tendencia y ofrece superficies en tonos mate y de patrones geométricos.

Arte JORGE MEDINA

Materiales: Laminados decorativos marca Formica®: M8545 Matte Rose Gold, M2025 Matte Bronze, M8546 Matte Graphite, M8549 Matte Bronze Labyrinth.

Moda: Burberry SS 2019. Lámpara BO por BANDIDO, Colección de vajilla Planets por KANZ, Espejo Oval por Studio Rosso para FRITZ HANSEN.

formica.com/es/mx

J uego de ton os metálicos cálidos y suaves Las tendencias globales de diseño dictan el resurgimiento del color rosa al que se suman los acabados de brillos tenues para contagiar de suavidad a cualquier espacio; mientras que en objetos y accesorios, este tono hace referencia a las flores clásicas de los rosales antiguos y despierta sensaciones que invitan a la relajación y amabilidad.

Asimismo, los metálicos hacen su aparición con la propuesta de poderse aplicar desde pequeños acentos hasta ambientes de gran escala. A través de sus seis nuevos diseños, la Colección Formica DecoMetal® captura la esencia y propuesta de estas tendencias, ofreciendo superficies decorativas que suman estilo y funcionalidad en sus diseños. Esta serie de tonalidades mate cuenta con los colores: Matte Bronze, Matte Graphite y Matte Rose Gold; además de dos nuevos patrones: Oxibronze y Labyrinth que en conjunto son ideales para cualquier aplicación de tráfico ligero formica.com/es/mx

MACROTENDENCIAS

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Materiales: Laminados decorativos marca FormicaÂŽ: M8545 Matte Rose Gold, M8546 Matte Graphite, M2025 Matte Bronze, M8550 Matte Rose Gold Labyrinth, M8549 Matte Bronze Labyrinth.

Moda: ColaboraciĂłn Gosha para Burberry AW18, Bottega Venetta CR19.

Sillones Buddy por Manuela Busetti, Andrea Garuti y Matteo Redaelli para PEDRALI, Tapete Slinkie por Patricia Urquiola para CC-TAPIS.

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TENDENCIAS GLOCAL

GENTLE Diseño sutil, de líneas sencillas, pero con una profunda conciencia de la calidad y las funciones primarias con el uso de materiales honestos o incluso recuperados de la naturaleza para dejar un mensaje que rebase sus cualidades estéticas; ofreciendo, sí una pieza de mobiliario, pero también un objeto silencioso y agradable que sirve al análisis de la interacción con su usuario, sus hábitos y su entorno. No se trata del objeto por el objeto, se trata del objeto en su contexto y la relación que existe entre ellos, se trata de las conversaciones que existen entre sus materiales, sus formas y su función.

TENDENCIAS GLOCAL

París & Londres homologadas Reunimos dos tendencias extraídas de ferias icónicas de diseño: Maison & Objet París y London Design Festival que destacan por crear conversaciones en torno a los materiales y las texturas.

Arte JORGE MEDINA Curaduría SANDRA MONTIEL E ITAYEDZIN ARAGÓN

Página izquierda: fondo, detalle de placa Totomoxtle por Fernando Laposse | silla The Co Chair por Norm Architects y Els Van Hoorebeeck para The Office Group & MENU | vasos Totomoxtle por Fernando Laposse Página derecha: repisas Reynosa y Ojinaga de la colección Bienvenido/Welcome por Christian Vivanco & Los Patrones | consola Pivot por Giacomo Moor para Spotti Edizioni Milano

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TENDENCIAS GLOCAL

Pรกgina izquierda: gabinete Check por Elisa Ossino para Spotti Edizioni Milano | mesa Week-end por Studio Brichet Ziegler para Petite Friture | lรกmpara de piso Notic por Oblure | alfombra Magico de la colecciรณn Futuraforma por Marcante-Testa para Spotti Edizioni Pรกgina derecha: bancos Check por Elisa Ossino para Spotti Edizioni Milano | silla Week-end por Studio Brichet Ziegler para Petite Friture

TENDENCIAS GLOCAL

TECHNICAL El diseño se reencuentra con la metodología de representación básica; las líneas basadas en la geometría descriptiva y las cuadrículas se asoman para dibujar respaldos, pantallas, asientos y superficies para darle un carácter gráfico y ordenado. La ventaja es que las líneas se pueden trasladar fácilmente a materiales laminados como metales y tejidos textiles. Se ampliaron las gamas de color y los grosores de las 'líneas' que trazan las piezas tridimensionales, se llevan del bold al ultrafino.

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COLUMNA

Economía del diseño Por RAÚL ALFARO SEGOVIA Ilustración ANABEL AGUIRRE

@anabelaguirre

EN LAS ÚLTIMAS DÉCADAS, el gremio creativo mexicano ha teorizado hasta el cansancio sobre las facetas funcionales y estéticas del objeto artístico. Quizá las implicaciones de esa búsqueda comiencen a resultar tóxicas, ya que pareciera que la teoría y los conceptos desplazan por completo al objeto artístico en la pretensión de convertirse en arte por sí mismos. Abonan por un arte intangible.

Octavio Paz, personaje totémico de la cultura mexicana, escribió que “el acto de ver se transforma en una operación intelectual, que es también un rito mágico: ver es comprender y comprender es comulgar”. ¿Podemos comulgar con un objeto artístico sin cuerpo, sin tono, negado a la materialidad? En el entorno del arte que pretende ser conceptual y no lo logra, son comunes las tibias referencias a Marcel Duchamp, quizá como gremio no hemos entendido que él, al desacralizar los objetos, los reafirmaba.

El arte conceptual nació para renovar la materialidad de la creatividad y las artes, nunca para erradicarla. Estos rasgos negacionistas son vicios que torpemente nos llevan a desmembrar al objeto artístico.

Resulta muy triste que aún sea bastante común escuchar en boca de artistas y creativos expresiones como “se prostituyó”, “se vendió”, “eso es

La cultura no está supeditada al mercado, artistas y creativos ayudan a moldearlo. demasiado comercial” o el consabido y envidioso “yo lo habría hecho mejor” para menospreciar el esfuerzo de otros compañeros. ¿O es que alcanzar el “éxito” en las artes excluye forjar un patrimonio a través de la labor creativa?¿Promover el divorcio entre el libre mercado y las artes no implica perpetuar una alucinación tóxica y anacrónica que romantiza la pobreza y sumerge a artistas y creativos en la precariedad?

Perpetuar estos prejuicios, activa o pasivamente, como los creativos consolidados que pagan salarios muy por debajo del mercado a creativos jóvenes con la justificación del “aprendizaje”, nos convierte en verdugos para los que vienen detrás y terminan por abandonar su sueño de estudiar música, arquitectura, diseño de moda o profesionalizarse en la artesanía, porque todo

eso se percibe como “muy mal pagado”. Existe una economía de la creatividad, y no hay nadie que pueda negarlo. Existe no porque el libre mercado se interese orgánicamente en la cultura y las artes o les reconozca plusvalor, sino porque éstas tienen una dimensión económica inherente.

En México, según el Banco Interamericano de Desarrollo, hay más de 1 millón de personas que laboran en el ámbito creativo y cultural, y sólo las Bellas Artes y la artesanía engloban operaciones por más de 597,000 millones de pesos anuales.

Basta de descalificar eventos y foros como ZsONA MACO o Gallery Weekend; de agresiones a la joven pintura mexicana para dar primacía al arte conceptual; basta de agresiones pasivas entre artistas y creativos. Todos, en nuestras múltiples expresiones, perseguimos la misma meta.

En la coyuntura del reconocimiento a la Ciudad de México como Capital Mundial del Diseño 2018, hagamos votos por consolidar un entorno que persiga la competitividad, los buenos salarios, el reconocimiento y que asuma la visión de Ayn Rand: “el libre pensamiento y el libre mercado son corolarios”.

@alfarosegoviaraul

Construir o no construir un hito arquitectónico Por HOMERO HERNÁNDEZ Ilustración ANABEL AGUIRRE

LA REAL ACADEMIA Española define a un hito como la “persona, cosa o hecho clave y fundamental dentro de un ámbito o contexto”. Los hitos arquitectónicos son los testigos de la historia que necesitan las civilizaciones para poder ser identificadas y permitirles a sus habitantes tener sentido de pertenencia. Además, estructuran los nodos que mencionaba Kevin Lynch para orientar a las personas dentro de un sistema urbano. ¿Cómo recordaríamos a Francia sin la Torre Eiffel, a Nueva York sin el Empire State, a China sin la gran Muralla o a Egipto sin las impresionantes pirámides? Estos son ejemplos de grandes hitos arquitectónicos.

Recientemente, el gabinete presidencial entrante ha puesto en entredicho la construcción del Nuevo Aeropuerto Internacional de la Ciudad de México (NAICM), proyecto que el despacho británico Foster+Partners en colaboración con el mexicano Free, ganaron en el concurso convocado por nuestro gobierno.

Es importante recordar que Sir Norman Foster, premio Pritsker 1999, tiene una gran experiencia en el diseño de inmuebles que se han vuelto símbolos arquitectónicos a nivel internacional, como el Reichstag en Berlín, la torre Commerzbank en Frankfurt y el City Hall de Londres, así como siete destacados aeropuertos como los de Beijing o Hong Kong.

Es importante comentar que mas allá de las razones técnicas emitidas por organismos aeronáuticos internacionales como la falta de viabilidad de las rutas aéreas y la complejidad de

@anabelaguirre

Ningún proyecto está exento de impactar su entorno urbano y ecológico.

operaciones en instalaciones divididas, la terminal de Santa Lucía, propuesta por especialistas de López Obrador, carece de relevancia arquitectónica a diferencia de la propuesta de Foster que incorpora características tanto tecnológicas como estéticas.

Es importante reiterar que ningún proyecto de la talla de un aeropuerto internacional está exento de impactar agresivamente su entorno urbano y ecológico, y cualquiera de las dos opciones tendrá invariables consecuencias que deberán ser mitigadas de manera responsable para revertir los daños causados.

A finales de los años noventa, el grupo de Ciudad Futura conformado por los arquitectos Teodoro González De León y Alberto Kalach y por el ecologista Gabriel Cuadri plantearon un proyecto para regresar a la ciudad lacustre, en el cual se planteaba inundar la región de Texcoco y planear un crecimiento urbano ordenado para resarcir el impacto ambiental generado por el desecamiento de dicha región Considero que ese proyecto debería ser retomado para enriquecer el proyecto regional de Texcoco y recuperar un poco del patrimonio ecológico perdido en la cuenca del valle de México que, de la mano con el proyecto que actualmente está en construcción, sería un referente internacional en materia de recuperación ecológica.

Estamos ante la posibilidad histórica (irónicamente sometida a consulta pública) de tener un símbolo para el acervo de nuestro país, o convertir del NAICM en un botín político que con fines populistas impida construir en México un hito para la arquitectura contemporánea internacional.

@HomeroHdez

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COVER STORY P. 66 PATRICIA URQUIOLA Curiosity, Tolerance and Freedom She is unfamiliar with the concept of limitation and, as a woman, she likes getting things pave her way and earned her a place in the history of design and architecture, which are now her daily life.

Interview Greta Arcila

Humans are all very perceptive when they’re little. What do you remember from your childhood, from the streets of such a historic and architecturally rich city?

I was born in the north of Spain. My father was Basque, and my mother is from Asturias. These parts of Spain are very severe, which is a very Atlantic quality. To begin with, I am the middle child, the ideal condition for looking left and right, always looking a little, exploiting that freedom given to those in the middle. Since I was small, studying was easy for me; still very young, I grasped that it was a good system for increasing my independence. I remember family vacations in Ibiza, the island that has stimulated my approach to contact with different people and cultures, curiosity, tolerance, the feeling of freedom and interest in handicrafts. In fact, on this island I learned to work with clay. In the markets I discovered a variety of natural weaves and ways of working with them, macramé, crochet… mixtures of impossible colors. Since then, I have always tried to create links between the industrial and handicraft worlds.

Foto cor tesía

With an intense personality and an impressive career, Patricia Urquiola has earned being considered the most famous designer in the world, through her own hard work. She has pioneered, reinvented herself and made her way at a pace that leads her to put up housing in Italy and Australia, hotels in Puerto Rico, as well as to create hundreds of objects and pieces of furniture that have questioned how to sit, illuminate or work at home. “As a creative, you have to take risks. Projecting means leaving your comfort zone to grow. The thing is designers aren’t stars; they’re working people,” emphasizes this dynamic, strong woman who has made design her daily life and is now in Mexico to give a keynote address as part of the first edition of Salón Macrotendencias by Glocal.

Were you already thinking about being an architect when you were a child? What was your first ‘artistic or playful construction’?

As a child, I was always making little ceramics and things for my friends. I also had an aunt that painted and taught me to use different techniques. I was always drawn to anyone who made things. My head and my hands go together. Some people’s instrument is words or some other talent. Mine is thinking, drawing and making things with my hands.

What was the greatest lesson you received from having Achille Castiglioni for your thesis director?

Castiglioni taught me many things; that the narration of each project changes from time to time. Talking about design, Achille Castiglioni said: “You can do what you want, get to have all kinds of commitments, follow difficult processes, but there is always a fundamental element in the project,” and he believed that. When questioning us in the university, he always asked: “What is the fundamental element of this project?” And we continued on, although it was such a simple phrase. There are no compromises with that.

Thanks to Marva Griffin, five years ago I had the chance to visit your studio, and I noticed several small objects in different spots in the workshop. What do you see in a piece that makes you want to have it and take it to be part of your studio? What is your relationship with the everyday objects like?

I am very connected to transformation. I don’t accumulate; I’m not a collector. The things that come into the house tend to be part of a project. They enter and leave. It doesn’t mean tossing, rather providing circularity. There are homes that don’t need anything, while others are full of traces from the past; like books, mementoes and perhaps some design object.

In every city that has a design fair, there are many companies with projects done by your studio. How do you manage collaborations, knowing that you prefer a small work team?

The studio now has around 60-70 people; it’s not so small.

I have selected my personnel, to share my life and work. I have to say, I’ve made good decisions.

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companies, in the evolution of my mentality. I opened my studio at age 40, pushed by Piero Lissoni, who said to me: “If you have a criterion, an opinion, you have to attempt it.”

Your relationship with color is frank and direct, yet your contemporary colleagues opt for more neutral color palettes. How have you broken the black and white barrier to embrace color contrasts and accents in any tonality?

I consider color like an instrument. There are projects where the concept of material, color or play is very strong, whereas in others discovering the structure is fundamental. It is always necessary to understand the intention of the design, going back to that precise point.

It’s what gives it plenty of freedom of action. I am open to everything and to all influences, and that is reflected in my projects.

Italy is your second home, and Milan is the face of industrial design to the world. How was it that a female architect found more of a professional realm in design?

Was Vico Magistretti the one who helped you open up that chance of jumping between scales and dimensions fearlessly?

I’ve been very lucky. I studied architecture in Madrid and then moved to Milan to attend the Polytechnic University, which was beyond my comfort zone as an architect. Many of the professors were also active designers, and they were more interesting. It was an incredible time to be in Milan.

They were all really generous; Vico, especially, got energy from all of us who were around him and was capable of bringing it together harmoniously.

Another teacher and now colleague was Piero Lissoni, who motivated you to strike out on your own. What did he tell you at that time to encourage you to take that leap into the void and create your own design studio?

The figure of Piero Lissoni was fundamental. He gave me the opportunity to attend a gymnasium, which was decisive when I think about the relations with different

Works speak and have their own personality, and your work speaks to me of sensuality, but at the same time of structure, because there’s no uncalled for sinuosity. What does Urquiola’s playful side look to give us in her work?

I always start from empathy with the space and material, without losing sight, though, of people. I always try to get inspiration from direct contact. I really like to listen, get involved, create networks, understand needs, to then be able to find different solutions without the fear of leaping into the unknown.

We see very clear patterns and inspirations in your work, such as flowers and the organic forms of plants. What plants are your favorite, and which ones have a story to tell?

On my terrace I have a great variety of perennial plants.

I like to always have everything green; so I chose hardy plants that don’t need much maintenance, that give the best in spring and summer. I love spontaneous nature, without rhetoric. For example, laurus nobilis, mirto, feijoa with silver leaves and the cheery rosa chinensis mutabilis with irridiscent flowers, that change from orange to fuchsia, to pale pink and continue redoing themselves from spring through the fall.

Directing what is one’s own is complex. How do you accomplish being the creative head of Cassina, Haworth and collaborating with so many firms at the same time?

I don’t know the concept of limitation. Or rather, I don’t believe in those terms. I try to work with people with whom I share a common intention, because they trust me

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a lot or because their outlook is very similar to mine. And that’s so difficult! I accept commitments if their process makes sense. Therefore, it is important to understand who you work with and be firm in carrying out the project.

Patricia Urquiola is very protective of her private space, but at the same time she is an extremely important figure in the design world. How do you manage to keep that balance and not neglect your creative I? I had to create a kind of fast track adapted to my time dimension, which, at the same time, is made up of many that crisscross. Each person must find his own fast track to accelerate or delay or intensify certain moments. It was necessary for me to combine the public and private realms: projects, trips, a personal and professional family.

The studio is very private for me. I may happen to be concurrently, for example, on a conference call with the other side of the world, and following my daughter doing chores.

To wrap up, a personal question: being a woman –talking about gender in a labor and business context – how did the woman Patricia Urquiola manage to make her way in an industry directed mostly by businessmen? Was there a particular challenge that has marked you, or did you not have complex professional problems, talking about the subject of gender?

I think that as women, we can always count on having a more sensitive and maternal side that lets us see and face things from another standpoint, different from the outlook of men. But, in general, as a woman, you have to do things perfectly. We constantly have to face challenges.

I don’t think we should look at limits as such, but rather as challenges. Women must have the will power to keep on studying and taking risks.

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SALÓN MACROTENDENCIAS P. 82 ALBERTO MARTÍNEZ In 2002, a small but promising creative studio opened in the city of Valencia: CuldeSac, founded by Pepe García and Alberto Martínez.

As a founding member of CuldeSac and creative director of CuldeSac Venture, Alberto Martínez develops his own work and research methodology in architecture and interior design, aimed at creating memorable projects with new experiential vectors.

Sensitivity and a constant search for the human essence in the creation of new projects have, throughout his career, helped him attract great professionals from different fields to share his particular view of design, creation and concept execution.

With an undergraduate degree in Industrial Design and a specialty in Product Design from the Royal College of Art in London, Alberto Martínez earned international fame upon winning several awards, such as the First Prize in Investigation from the Helen Hamlyn Research Center in London (2000), the Kokuyo International 1st Prize in Tokyo (2000), the Red Dot Design Award (2007) and the XXI Compasso d’Oro (2008).

The constant connection between research and creativity has led to international collaborations in the field of education, with teaching posts in various design schools in such cities as Monterrey, Caracas, Buenos Aires, Dubai, Tokyo Madrid, Barcelona and Valencia.

“Creating and designing with an emotional component for people” is the premise that moves Culdesac in its never-ending search for balance between reason and emotion, strategy and creativity, design and experience, as a way of attaining high-quality projects. The Spanish studio constantly works with deluxe and premium brands, exploring creative ideas and repositioning brands with all kinds of alternatives and projects that operate from diverse angles, such as interiors, product, retail, branding and even public relations.

P. 84 JUAN CARLOS BAUMGARTNER A prominent architect and corporate design pioneer in Mexico, as well as an impassioned design visionary and one of the country’s leading futurists.

“Architecture can be a tool to improve society,” reflects Juan Carlos Baumgartner, founding partner of the Chicago-based international architecture firm Space, with offices in Mexico City, Guadalajara and Monterrey, as well as India and Japan and affiliated offices in Spain, Brazil, Holland and other countries. He is also a frequent Glocal Design Magazine columnist and guest speaker at countless architecture and design events and fairs.

What matters to him is creating spaces with sustainable technologies that improve the environment and are in line with the particular project’s essence, values, characteristics and needs. Consequently, to fully

understand an organization, he has developed his own methodologies that enable him to empathically grasp a company’s inner workings, helping to align strategies and offer architectural solutions that improve organization productivity and individual efficiency, inspiration and happiness. This methodology involves concepts like creativity enriching Design Thinking and Evidence Based Design that back up fundamental design concepts, a focal point of his conference: Neuroscience for Architecture, to be given at the first edition of Salón Macrotendencias, organized by Glocal Design Magazine.

With a range of projects, such as Microsoft, Red Bull, American Express, Astra Zeneca, Alsea, IXE, Mckinsey, Gentera, Volaris, Google, ITESM, Colegio ATID, BASF, Editorial Santillana, in different places around the world, including Mexico, Peru, Brazil, Colombia, Guatemala, Spain, India, USA, Honduras and Japan, Baumgartner has directed the design of three million square meters. Among the numerous awards he has received throughout his career for projects he has carried out are prizes from the magazine Obras in 2004 as one of the 10 promises of Mexican architecture; the Mexican Society of Interior Designers; the Mexican Association of Interior Designers; IIDA Latin America and the Iberoamerican Council of Interior Designers (CIDI).

Considered by Forbes to be one of the “most creative Mexicans in the world,” Baumgartner currently directs Space, a diverse, multidisciplinary group of creatives that includes architects, designers, acoustics specialists, lighting experts, topographers, psychologists, marketing specialists and a DJ, all of whom share the passion for transforming, improving and inspiring the life of individuals and organizations.

Enthusiastic about his work, the architect confesses that he is moved by a passion for design: “My goal is to have a positive, sustained impact on my social environment through design.” And despite his nonstop activities, he always finds time to read obsessively, enjoy sports cars, travel and have new experiences but mainly to share quality time with his three children, who inspire him every day to design a context that promotes happiness for individuals in the near future, a future that his children can enjoy.

P. 86 EMILIANO GODOY “True designers are those who worry about ecology,” states this industrial designer whose projects are known for sustainable solutions.

For the past 20 years, Emiliano Godoy has worked on applied sustainability projects, using design as a tool to produce positive changes in society and the environment.

He directs the design studio named for him, where he develops consumer products, interior projects, architecture, urban interventions and exhibitions. He is also involved in the Tuux workshop, is a Muta Climbing partner, as well as a consultant to the Mexican Design Open. His work has been exhibited at shows and international fairs in Mexico, New York, Asahikawa, Frankfurt, Amsterdam and Milan, while he has given

conferences and workshops in locations such as Chicago, Mexico City, Belgium, the United Kingdom and New York.

He says that he was very young when he realized that design would be his life: “My mother is a contemporary dancer, and from her I learned not only about art and creativity but also perseverance and teamwork. My father, on the other hand, loved carpentry, and I used to have fun watching him do his jobs and handiwork. I would even build my own things when I was little.” These days, the industrial designer works on highly varied projects, from designing a ceramic coating to a piece of furniture or a restaurant, and he confesses that while he doesn’t apply the same methodologies to all, he does rely on similar conceptual criteria in functional, environmental and technological terms.

From his point of view, materials are the most recognizable aspect when designing, because they are easy to identify and explain. Nonetheless, other less visible areas can actually have a greater impact, like the toxicity of a product or its consumption of energy or water. That is why Godoy is interested in environmental design, through its systemic nature and in relation to production, use and disposal of an object.

At Salón Macrotendencias, he shares the experience of the work he has done, as well as anecdotes and obstacles he has had to overcome and that have even led to receiving numerous awards and honors, such as 11 Designpreis nominations, three Good Design Awards, four prizes at the Iberoamerican Design Biennial and four Quorum awards, among many others.

Ar te por Jorge Medina

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utility), he has found a space for creating solutions that facilitate innovation processes, creating strategies based on methodologies for attaining certain business objectives.

From his viewpoint, people (human beings) and content (know how & make) are always at the center of creation strategies. Therefore, methodologies based on observation, exploration and the interaction between them lead to figuring out their environment and the technological ecosystem that surrounds them. To this outlook, Navarro Salinas, who is also a professor of emerging technologies and consultant, adds other fundamental ingredients in their way of being: emotions and neurolinguistic programming, with the understanding that neuroscience is going to be key to life in the next 10 years.

Creativity is the most outstanding talent in Navarro Salinas’ profile. Sprinkled with the curiosity he has had from a very early age as to how things work, it has provided a natural facility for creating technologically based solutions. Passion is another feature of his creations, and his belief in teamwork along with ongoing training, are the keys to success that he transfers to his projects.

P. 90 EMILIO CABRERO A tireless promoter of taking design to the streets through Design Week Mexico: a platform that brings the creative community together and is meant to increase awareness as to how design affects the way people live.

P. 88 JOSÉ LUIS NAVARRO SALINAS This businessman’s goal is to replicate, enlarge and make life with technology tangible, as he unravels emerging and immersive technologies.

“Immersive technologies brazenly make their way into the creation and design sector,” says José Luis Navarro Salinas (also known as Lito), a co-founding partner of inMediaStudio and the only Spaniard that has participated in a round table on Virtual Reality in CES Las Vegas (2016). He has also presented at such events as Immersed Europe, Immersed Toronto, MIPTV Cannes, Inspirational IAB Spain and the Future Congress of Advanced Manufacturing, among many others.

For his exhibition at the first edition of Salón Macrotendencias, Navarro Salinas has prepared a virtual experience in which he makes use of all the technologies to prove, in living color, that they are here to stay. He is absolutely sure that an irrepressible evolution called Digital Transformation is taking place throughout the world and that it will disruptively, inevitably and irrepressibly end up affecting all creative processes without exception.

“This transformation is based on the digital convergence of multiple solutions that get mixed together and relate among themselves to improve all the inefficient processes of any human activity,” explains Navarro Salinas. Through exploration of technology (aimed at

Design Week Mexico is about to have its10th anniversary, and the format has changed a lot since the first time the event was organized. It is a fact that there has been a constant evolution and that proposed initiatives have now turned into concrete actions. But, who is behind these achievements? Along with Andrea Cesarman and Marco Coello, C Cúbica Arquitectos founding members, Emilio Cabrero is one of the masterminds behind Design Week Mexico.

He says that one of the things he most enjoys talking about is how when he and his team organized the first and second editions of the event: “People would always ask me if we would do it again, and now they inquire about the dates of the next DWM. We’re still wrapping up the calendar and schedule of events for this year’s edition, and I’m already being asked about what is to come.” Cabrero emphasizes how proud he feels working ‘shoulder to shoulder’ with a team of “spunky people and great human beings” who have been an essential link in producing this creative platform whose programming focuses on promoting socially responsible design that leads to opportunities, reestablishes dignity, respectfully transforms and preserves what is valuable, thereby holding the accomplishments of our city up high.

This year, DWM also celebrates Mexico City’s designation as World Design Capital 2018, which has put the country in the global spotlight. But being seen and understood as a creative city has hardly been an easy task. Many factors have been involved in getting this new understanding and reasoning to adopt its own shape and personality. Cabrero recalls that this idea was put on the

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table and work started on it in 2013: “It has been a very long process, lots of effort and late nights, but also great learning.”

From the architect’s standpoint: “Every moment of DWM has been highly in sync with the historic developments that the world sees our country experience.

It is an event that has turned into a watershed on the national –and even global– creative scene. I am only the person who is seen and represents a little piece of everything that has been written over these last 10 years,” Cabrero wraps up.

P. 92 VICTOR MÁRQUEZ Designer, urban planner and historian interested in taking systems theory to several areas of technology and society, sustainable mobility and airports, urban space, cultural and social projects.

His work encompasses a broad spectrum that goes from projects and works in various architectural genres, urban plans and interdisciplinary studies. Furthermore, he is the author of numerous articles and has an ongoing career as a researcher and writer in such areas as culture, history, technology and society, essays and criticism.

He has given TED talks on topics of philosophy and sustainability and has given over 30 international conferences in Switzerland, Russia, Australia, Finland, Portugal, Japan, India, China, Denmark, Canada, Germany, Spain, Hong Kong, Egypt, Costa Rica, England, Mexico and the United States. He has taught in several Mexican and international universities including the Urban Islands program at Australia’s University of Sydney, been director of the diploma course in Mobility at Iberoamericana University, former director of the Monterrey Arts Center and professor of Masters in Housing and Future City Managers at the Polytechnic University of Barcelona and Iberoamericana University.

He is also a doctoral board examiner in Art History at the UNAM Institute of Esthetic Research.

He is author of Monterrey Airport Terminal B, Mexicana Metropolitan Park, the new Archive of National Property, the Living Arts Center and Women City Center for the Inter-American Development Bank. His projects have been published and widely shown nationally, including at the Fine Arts Palace and a 2017 retrospective exhibition at the gallery of National Real Estate Heritage.

In 2016, he was named one of the two National Exact Sciences Award finalists. In terms of research, he has published more than 20 articles in a number of weekly publications and international academic journals, has contributed regularly to The Futurist, where he covers topics dealing with the technological future. His first title, Thinking the American Airports and Cities of the Post War, 1947-1954 was published by Cambridge Academy Press, and his next book, Landside / Airside, Why airports Are the Way They Are, is slated to be published this October by Palgrave Macmillan in London.

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OBJETO GLOCAL

Inspiración CELESTIAL

Sé es una marca de mobiliario que fue fundada por Pavlo Schtakleff, quien mantiene la intención de producir piezas glamourosas y de alta calidad a través de acabados delicados y una producción sumamente cuidada en materiales y técnica europeos. Las colecciones de Sé son apreciadas por su carácter definido, sus perfiles escultóricos y su capacidad para cautivar los sentidos.

Desde sus inicios, la marca –con base en Londres– ha editado mobiliario en colaboración con diseñadores que coinciden con sus principios estéticos.

Específicamente con Ini Archibong —diseñador cosmopolita graduado en el Art Center College of Design y en ÉCAL— se desarrolló la Collection IV, titulada Below the Heaven, integrada por muebles expresivos hechos en materiales duraderos que hacen referencia al umbral entre la tierra y el cielo, un lugar de serenidad. “Mi objetivo es llevar aún más lejos la fascinación de Sé por explorar materiales nobles y nuevos, y utilizarlos con siluetas simples y elementos decorativos para crear una colección memorable”, comenta el diseñador.

Al respecto, Schtakleff confiere: "En Ini, hemos encontrado a un diseñador que tiene una comprensión innata del lujo atemporal, una pasión por la investigación de materiales y técnicas de producción, juntos haremos de esta colección una obra emocionante y significativa", pues con la Collection IV la marca celebra su décimo aniversario. –MG designbyini.com se-collections.com

Foto cortesía

Mesa Eos & silla Circe Lounge | Ini Archibong | Sé

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