Glocal Design Magazine No. 46 Homenaje a V-FO Arquitectos

$100.00 MX

ENTRE RASCACIELOS Y ESTADIOS DEPORTIVOS: V-FO ARQUITECTOS | 5O ANIVERSARIO NEOCON | ESPECIAL CORPORATIVOS | MACROTENDENCIAS: REFLEJOS CREATIVOS AMOATO | MACROTENDENCIAS: CONTEXTURAS ARQMOV

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Directora General

CONSEJO EDITORIAL

Editora en Jefe Greta Arcila

Presidencia honoraria

greta.arcila@glocal.mx

Gina Diez Barroso

Asistente de dirección

Consejeros honorarios

Caly Pérez

Ar turo Aispuro Coronel

caly@glocal.mx

Miguel Ángel Aragonés Jorge Arditti

Editora

Ar turo Arditti

Mar tha Lydia Anaya

Juan Carlos Baumgar tner

mar tha@glocal.mx

Fernando Camacho Nieto Carmen Cordera

Editora de arte

Héctor Esrawe

Sandra Montiel

Jorge Gamboa de Buen

sandra.montiel@glocal.mx

Juan Manuel Lemus

Arte portada en homenaje a V-FO arquitectos por JORGE MEDINA

Beata Nowicka Editor Macrotendencias

Carlos Pascal

Germán Velasco

Gerard Pascal Ariel Rojo

Editora web

Sagrario Saraid

Itayedzin Aragón itayedzin@glocal.mx

Contabilidad Víctor Villareal

Coordinación de video Eduardo Ramírez

Gerente de ventas

eduardo.ramirez@glocal.mx

Eduardo Rodríguez

Arte portada Macrotendencias por JORGE MEDINA

eduardo.rodriguez@glocal.mx Colaboradores Jorge Medina José Margaleff Lisa Heller Rober to Zamarripa

Contacto glocal.mx info@glocal.mx Manchester 13, piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, Ciudad de México.

Teléfono 52(55) 55.33.68.18

Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: agosto-septiembre 2018. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013041513043400-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Comercializadora GBN S.A. de C.V., Calzada de Tlalpan 572, despacho C-302, colonia Moderna, delegación Benito Juárez, 03510, México, D.F., Tel. 5618-8551. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V., Caravaggio 30, Col. Mixcoac, C.P. 03910. Del. Benito Juárez. México, D.F. Tel 5611-9653.

Créditos en portada: Materiales: Laminados decorativos marca Formica® Chamarra bomber, NIKE Vestido, KARLOZ ZERMEÑO Modelo: Andrea Carrazco @New Icon Model Management

COLECCIÓN NUTOPIA Urban passage 958 Monument Rigid LTV, MOLVENO 979

neocon.mohawkgroup.com mohawkgroup.com Mexico: 5566286226 , 552098 0653, 55 41 40 6655 Miami: +1 (954) 593 5354 508 East Morris Street. Dalton, Georgia 3072

La pasión de lo bien hecho En esta edición en la que año tras año presentamos diseños que están pensados para dar calidad de vida al ser humano en su espacio de trabajo, decidir a quién invitar para tema de portada fue prácticamente sencillo. Buscamos a un taller de arquitectura que por la tipología de su obra impactara fuertemente en el ámbito social y laboral. Así, llegamos a la conclusión de llamar a Juan Andrés Vergara y a su socio Luis Fernández de Ortega, quienes en los últimos años han levantado cuerpos edílicos en las ciudades más grandes de México. Pero lo sobresaliente de su labor fue el estudio social que tuvieron que realizar para respaldar un ejercicio de arquitectura que llenara las expectativas de una afición tan entregada, como lo es la del fútbol soccer y que, además fuera un hito arquitectónico en una de las ciudades más opulentes de nuestro país. El resultado fue un discreto discurso de neo high tech, que a su vez habla de contemporaneidad por la osadía de sus sinuosas formas.

A kilómetros se erigió Torre KOI, el otro nuevo icono de la gran zona de negocios de Monterrey. Ahí vemos la versatilidad de V-fo pues en esa verticalidad dan cabida a esas em-

presas de alto perfil que hacen de Monterrey la ciudad más importante de negocios en México.

Hoy nos honra presentar a un equipo que sin tanta pretensión, está cambiando el skyline de nuestras ciudades.

A su vez, damos a conocer cómo se visualiza el espacio de colaboración más importante en la vida de todos: el lugar de trabajo, pero de estos ejemplos les pedimos sus comentarios para saber si el discurso de los arquitectos de hoy es lo que ustedes como usuarios necesitan, abriremos el discurso en nuestras redes.

Sin más, les presentamos lo que la industria del mueble presentó este año en NeoCon y no se pierdan el Design Film, que apoyó IHO Espacios, para dar voz a esos lectores y hacedores de los espacios de trabajo hoy en día.

Y sí, me congratula compartirles que crece Macrotendencias ahora con la propuesta de materiales de Firenze, deseamos que esta propuesta les guste. Los leemos en nuestras redes... ¡Disfruten estas hojas hechas con tanta pasión!

GRETA ARCILA Editora en jefe

glocaldesign

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Greta Arcila

@gretaarcila

arcilagreta

MEJORA TU ESPACIO, MEJORA TU VIDA

Un baño o cocina que no funcionan correctamente no son agradables para nadie, en American Standard contamos con tecnologías que hacen de estos espacios una experiencia placentera cada día.

Más de 1,300 patentes y 150 años de experiencia avalan nuestra calidad.

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Contenido 42 04 DIRECTORIO 06 EDITORIAL 11 AGENDA 14 MISCELÁNEA 16 LIBRO

Atlas of furniture design 18 TECHNO

Playr 20 TALENTOS NACIONALES

Estudio Atemporal ACTUAL 22 Ryo Kan 24 La Serena Villas 26 Salum

ENTREVISTAS 52 Sebastian Wrong

28 DISEÑO + CIUDAD

56 Space Copenhagen

Instituto Alumnos

58 Ronan & Erwan Bouroullec

32 DISEÑO + HISTORIA

60 Aniversario: sillas Egg, Drop y Swan 36 SU ESPACIO

Emilio Cabrero 42 ENFOQUE

V-FO arquitectos

63 CROMÁTICO

Ariel Rojo 66 ESPECIAL ILUMINACIÓN

ESPECIAL CORPORATIVOS 74 Gifan Internacional | taller

paralelo 76 Aeroméxico CECAM | Oxígeno Arquitectura 78 Seres Leading | WTF 80 Macquarie | Eskema Arquitectos 82 Oficinas Geometry | Biomah Raúl Huitrón Arquitectura 84 Grupo AXO | Space Arquitectura 86 WeWork Arcos Bosques 88 DSFM | Vieyra Arquitectos 90 Corporativo Uptown | Pascal Arquitectos 93 NEOCON 2018

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RESIDENCIAL 100 Casa Hidalgo | Alero

Arquitectos 104 L House | Dellekamp Arquitectos

109 MACROTENDENCIAS FORMICA + AMOATO 117 MACROTENDENCIAS FIRENZE + ARQMOV COLUMNA 122 Juan Carlos Baumgartner 124 ENGLISH TEXT 128 OBJETO GLOCAL

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A GEN DA

El mundo excéntrico y surrealista del artista alemán John Bock se adueña de Fondazione Prada

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AGENDA

THE NEXT QUASI-COMPLEX Hasta el 24 de septiembre Incorporando arquitecturas experimentales, muros fragmentarios, estructuras improvisadas y obras de arte, este proyecto toma la forma de un camino circular que deja una pequeña plaza en medio. Es el artista alemán John Bock quien transforma la planta baja del Podium en su propio mundo excéntrico y surrealista, un teatro de la comedia negra entremezclada con filosofía, música, moda y la vida cotidiana. Mientras tanto, en el centro de la exhibición se encuentran dos instalaciones de la Collezione Prada: la etapa móvil de When I'm Looking into the Goat Cheese Baiser (2001) y la sala de estar de Lütte mit Rucola (2006).

FONDAZIONE PRADA Calle Corner della Regina 2215 30135, Venecia, Italia fondazioneprada.org

XAVIER LE ROY, RETROSPECTIVA. Hasta el 28 de octubre Una exposición concebida como una coreografía compuesta por seis performers que reciclan y transforman las piezas, creadas por el artista y coreógrafo francés Xavier Le Roy entre 1994 y 2010. Cada acción genera situaciones que permiten explorar cómo usamos, consumimos o producimos tiempo. El resultado es un innovador híbrido entre coreografía y artes visuales que convierten el formato tradicional expositivo en un medio creativo y plantea al espectador nuevas formas de interacción; el concepto de ‘retrospectiva’ se usa más como modo de producción que como recuento de la trayectoria del artista.

DIGITAL TURN Hasta el 14 de septiembre

THE BUILDING CENTRE 26 Store Street, Fitzrovia Londres WC1E 7BT, Reino Unido buildingcentre.co.uk

MUSEO JUMEX Boulevard Miguel de Cervantes Saavedra 303 Col. Granada, Miguel Hidalgo, 11520, Ciudad de México fundacionjumex.org

Fotos cor tesía

Una especie de plataforma cambiante que muestra las ideas y tecnologías que transforman la forma en que imaginamos, diseñamos y construimos nuestras ciudades. Se trata de un trabajo del Grupo de Investigación en Computación y Diseño de Zaha Hadid Architects, a través del cual, los visitantes pueden descubrir cómo se está utilizando la programación computacional para crear estructuras experimentales, conceptos de viviendas modulares y prototipos ensamblados de manera robótica; ofreciendo una visión del futuro del diseño arquitectónico. Son los académicos e investigadores quienes se encargan de explicar cada proyecto.

AGENDA

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LEONORA CARRINGTON. CUENTOS MÁGICOS Hasta el 23 de septiembre Una perspectiva para recorrer 60 años de la prolífica carrera de Leonora Carrington como pintora, escritora y lectora. A través de 150 obras provenientes de colecciones de México, Estados Unidos y Europa se revelan las analogías iconográficas, simbólicas y literarias que nutrieron su imaginación desde la infancia hasta la edad adulta.

MUSEO DE ARTE MODERNO Paseo de la Reforma y Gandhi s/n Bosque de Chapultepec, 11100, Ciudad de México mam.inba.gob.mx

VIRGEN DE GUADALUPE. ARTE Y DEVOCIÓN Hasta el 30 de septiembre Teniendo como pieza estelar el libro Escudo de Armas de México (1746), esta exposición revisa el fenómeno guadalupano según su representación artística y pormenores devocionales. La muestra expone obras de arte, diseño y cultura material, realizadas entre los siglos XVII y XXI, con el afán de señalar a la Virgen de Guadalupe como motor de un fenómeno cultural e identitario de largo alcance. Los ámbitos de lo sagrado y lo extraordinario se traducen en ejemplos artísticos, para tejer así una de las facetas más interesantes que han resultado del guadalupanismo en México.

MUSEO FRANZ MAYER Avenida Hidalgo 45, Col. Guerrero 06300, Cuauhtémoc, Ciudad de México franzmayer.org.mx

DANILA TKACHENKO, RUSIA 1989 Hasta el 6 de octubre Tkachenko, nacido en Moscú en 1989, se ha dedicado el último lustro a fotografiar los restos históricos de su país en los albores de un nuevo orden mundial. Así nace esta muestra –que formó parte del programa de Feria Zona Maco Foto 2018– que exhibe imágenes realizadas con el lento paso del tiempo, además de obras y series más recientes. Desde observatorios abandonados que recuerdan la estética de la Escuela de Düsseldorf hasta edificios fantasmagóricos emergiendo de cuadros negros y monumentos que evocan al suprematismo fundado y la práctica del land-art se aprecian en esta exposición.

GALERÍA ALMANAQUE Colima 101, PB, Col. Roma Nor te 06700, Ciudad de México almanaquefotografica.com

MISCELÁNEA

SOFÁ LOUNGE KNOCKABOUT Asa Pingree Hecho de un compuesto ligero de fibra de vidrio con un acabado extremadamente duradero y adecuado para una larga vida al aire libre. El sofá Knockabout se acompaña con un cojín hecho en espuma de látex natural tapizado con textiles Maharam de alto rendimiento al desgaste y resistentes al fuego, disponibles en una variedad de colores y texturas que abarcan usos interiores o exteriores. asapingree.com

Foto cor tesía de las marcas

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MISCELÁNEA

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EUCLID Coolican & Company El espejo de Euclid rinde homenaje a los portales arqueados en las casas americanas del siglo XVI. Una forma contemporánea con una historia artesanal oculta, el arco curvado al vapor del espejo está conectado con uniones de latón y la base del marco presenta uniones tipo cola de milano. El espejo flota en la pared para abrir espacio al zócalo del muro que lo sostiene. coolicanandcompany.com

TOTEM SAKE SET FOAM Del proyecto Co. Tradition se desprende este set de vasos apilables para sake, en el que se retoman texturas de cedro, martillo y piedra, tradicionales del taller de Seikado. Estas texturas fueron hechas a mano por el Sr. Gembey Yamanaka San de Seikado, en Tokio. El proyecto es una mirada a la cultura tradicional japonesa y es resultado del programa de Diseño Moderno y artesanía tradicional que se celebra entre México y Japón. foamdf.com

THE WONDERS OF NATURE Tiergarten Primera experiencia de Tiergarten en producción de objetos decorativos, en la que destacan la escultura de bronce de la ardilla Loki, integrante de una familia de animales pequeños esculpidos en madera y bronce que celebran la belleza de las criaturas y captura sus características esenciales.

Las esculturas de bronce están hechas a mano en edición limitada con piezas numeradas. tiergar ten.com

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LIBRO

Referencia OBLIGADA

Con ensayos exhaustivos sobre el contexto histórico y sociocultural del diseño de muebles, el Atlas de más de 1,000 páginas es la publicación más completa que se haya editado sobre el tema hasta ahora. En su interior se documentan más de 1,700 objetos de cerca de 550 diseñadores y contiene más de 2,800 ilustraciones entre fotografías detalladas, ilustraciones comparativas, dibujos, interiores, patentes, folletos, obras de arte y edificios.

La publicación está soportada por la colección del Museo Vitra Design, uno de los más grandes de su tipo con más de 7,000 objetos en su colección. Para el libro se seleccionaron obras de los diseñadores más importantes de los últimos 230 años y documenta todas las fases importantes de la historia del diseño. Se incluyen muebles de metal y madera curvada del siglo XIX, diseños del periodo Art Nouveau, iconos del diseño de Le Corbusier, Gerrit Rietveld, Marcel Breuer y Eileen Gray, así como muebles de la posguerra, posmodernos y contemporáneos de Charles y Ray Eames, Eero Saarinen, Finn Juhl, Hans J. Wegner, Ettore Sottsass, Philippe Starck, Hella Jongerius, Jasper Morrison o Konstantin Grcic.

“El Atlas es la suma de más de 20 años de investigación en el Museo Vitra Design, en su interior se dibuja un retrato de nuestra colección completa y al mismo tiempo ofrece una visión de la historia de los muebles modernos”, comparte Mateo Kries, codirector del Museo Vitra Design en Alemania y editor de la publicación.

Para complementar la información, se reunieron ensayos de expertos en la materia, donde se cuestiona el conocimiento existente, el objetivo es constituir una nueva base para la investigación sobre el diseño de muebles, abarcando desde los inicios de la industrialización hasta la digitalización. –IA design-museum.de

Más de 20 años de investigación le dan soporte a esta publicación, a lanzarse en el Otoño.

© Vitra Design Museum, Kobi Benezri Studio Foto cor tesía de Vitra Design Museum

El Museo Vitra Design presenta ATLAS OF FURNITURE DESIGN, un libro que durante varios años fue editado por un equipo de más de 70 autores.

TECHNO

Diseño, wearables & fútbol Layer y Catapult presentan PLAYR, un dispositivo inteligente dirigido a deportistas.

El dispositivo inteligente portable consiste en una cápsula, un chaleco de alto rendimiento y una aplicación que sirve como entrenador.

PLAYR le permite a los deportistas registrar su rendimiento, mejorarlo y competir contra otros jugadores, el proyecto fue diseñado y desarrollado durante un periodo de 18 meses desde la conceptualización hasta su lanzamiento al mercado. El dispositivo de tecnología portable es el primer producto de consumo que la compañía Catapult ha lanzado, llevando un producto de rastreo tradicionalmente de élite a jugadores de fútbol aficionados.

El portable consiste en una pequeña cápsula inteligente, un chaleco de alto rendimiento y una aplicación; el aparato se inserta en la prenda, que se lleva debajo o encima de una camiseta de fútbol, y se coloca en la parte superior de la espalda del atleta.

La cápsula se comunica con las redes GPS y la aplicación PLAYR para rastrear al atleta durante el entrenamiento o un partido, incluyendo la distancia recorrida, la distancia de sprint y el mapa de calor del campo.

Diseñado para integrarse perfectamente tanto en los entrenamientos como en los partidos, PLAYR tiene el fin de ofrecer estadísticas a los jugadores y equipos para mejorar su juego. Tiene una activación inteligente que funciona con imanes ubicados dentro del chaleco cuando se inserta en el bolsillo.

Los LEDs de la cápsula comunican la intensidad de la señal del GPS, la duración de la batería y la carga. Cuando se iluminan, estos LEDs revelan un patrón en el reverso de la superficie superior para comunicar la naturaleza de alto rendimiento tecnológico del sistema.

El dispositivo está diseñado para ser recargado de forma inalámbrica entre usos con un cargador de inducción; su. forma hexagonal representa fuerza y rendimiento. –AMG layerdesign.com catapultspor ts.comi Fotos cor tesía

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NUEVOS TALENTOS

Espacio y TIEMPO

Texto ANA LAURA MUÑOZ

“FUIMOS MUY ATINADOS en el nombre que escogimos para el despacho: Atemporal –que escapa del tiempo, no se condiciona y permanece–, pues siempre hemos compartido el mismo interés de que la arquitectura es algo que debe prevalecer y nos gusta que todos los proyectos que generamos continúen vigentes”, platican Luciana de la Garza y Paul Curuchet, fundadores de Estudio Atemporal en el 2011.

“Desde ese tiempo, nos hemos dedicado a hacer arquitectura comercial, residencial, de hospitalidad y de usos mixtos, además de explorar diferentes tipologías para que nuestro trabajo se vuelva más diverso”, comentan de la Garza y Curuchet, quienes junto con su equipo de trabajo – compuesto por arquitectos, diseñadores gráficos e industriales– han trazado desde un restaurante o una casa de descanso hasta un edificio que resultó dañado por el temblor del 19 de septiembre del 2017. “Lo importante es que estamos con este

Fotos cor tesía Estudio Atemporal

El paso de los años envejece los materiales y los lugares; por eso, buscamos crear espacios que dialoguen con su entorno: ESTUDIO ATEMPORAL. Ubicadas en el barrio de la colonia Anáhuac en la Ciudad de México, Oficinas Guateque eran originalmente una fábrica que después se transformaron.

interés de ser un despacho integral, multidisciplinario y que nos llama la atención hacer todos los ejercicios posibles”, dicen los arquitectos.

En este camino de aprendizaje, de la Garza comparte que uno de los proyectos que más los ha enriquecido ha sido el Auditorio Blackberry. Ubicado en lo que fue el cine Las Américas y proyectado por el arquitecto José Villagrán García en 1952, el Auditorio BlackBerry retoma la condición original del edificio que durante varios años se encontró en abandono. “Para nosotros –relatan de la Garza y Curuchet– fue muy significativo hacernos cargo de este proyecto, sobre todo por la carga histórica que traía detrás y porque se trataba de conservar la estructura del plan original del inmueble y resaltarlo mediante el diseño de espacios comunes y de servicio. Fue un proyecto muy interesante, de grandes retos y que en ejecución duró 9 meses”. Otro de los proyectos consentidos de la oficina es el Conjunto

Mermejita en Oaxaca, como a unos 50 minutos de Puerto Escondido; cuyo programa se organiza en módulos independientes a manera de pabellones, que coexisten y se ligan mediante plataformas que forman terrazas y escaleras adaptándose al terreno. "Su ejecución nos emociona mucho y se ha convertido en un reto interesante por su complejidad; ha ido lento, pero finalmente ya se está completando”, dice Curuchet.

Pero estos son sólo un par de ejemplos de los trabajos de Estudio Atemporal. “Lo relevante es que somos un despacho de arquitectura con la inquietud de realizar proyectos integrales. Cada vez hemos ido ampliando nuestra experiencia en diferentes tipologías y hemos ido creciendo tanto en volumen como en el número de proyectos que tenemos. En lo personal, me llaman mucho la atención los proyectos de usos mixtos que responden a una necesidad genuina de cómo se comportan ahora las ciudades, y hacen que

NUEVOS TALENTOS

se conviertan en un reto logístico y de operación para nosotros como arquitectos”, enfatiza Curuchet. De la Garza agrega que a ella le gustan mucho los espacios públicos porque le ofrecen un punto de concordancia a las ciudades. “Me parece que las plazas y los parques memoriales son fundamentales, pues le aportan identidad a una comunidad. Considero que si algo le hace falta a la ciudad de México son más espacios públicos, verdes y recreativos, que funcionen como un punto de conectividad”. Los dos creativos coinciden en que la arquitectura es una respuesta al cómo funcionan las ciudades. En particular, la metrópolis mexicana no ha dejado de crecer, se sigue redensificando. “Tenemos que ser más conscientes del impacto que genera la arquitectura y de que vivir en una ciudad implica estar con otras personas sin olvidar la importancia que tiene el medio ambiente”, concluyen. estudioatemporal.com

Como dato duro:. el Auditorio Blackberry tiene una capacidad para más de 2,700 personas.

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En este proyecto, el patio de la casa se usó para contener un nuevo edificio que consiste en una estructura de cuatro niveles.

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Rio Pánuco 166 Colonia Cuauhtémoc 6500, Ciudad de México ryokan.mx

ACTUAL | HOST

Un espacio zen en el bullicio urbano

FotosCor tesía Ryo Kan México

Ryo Kan | GLVDK Studio | Ciudad de México

Hace un par de años, un grupo de inversionistas visualizaron en la colonia Cuauhtémoc de la Ciudad de México muchas cualidades de gran potencial para traer un proyecto de diseño que integra los valores de la cultura nipona con una mezcla perfecta de materiales mexicanos: Ryo Kan, que en esencia es un tipo de alojamiento tradicional, propio de la cultura japonesa, originalmente creado desde el año 700 A.D. para brindar refugio a viajeros de toda índole.

Uno de los emprendedores había seguido de cerca la trayectoria de la arquitecta y diseñadora de interiores Regina Galvanduque y para hacer realidad este proyecto le atrajeron sus ideas; así, los inversionistas y GLVDK Studio junto con la participación de Andrés Mier y Terán con Grupo MYT crearon una sinergia que resuelve de forma muy ingeniosa e inteligente la disposición de espacios pequeños, pero de gran

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calidad, en una ciudad que ha venido creciendo en el interés de diversos negocios y extranjeros.

Ryo Kan es un urban lodge con sólo 10 habitaciones –enumeradas del 1 al 11 porque en la cultura japonesa el 4 se pronuncia igual que la palabra ‘muerte’ y es considerado de mala suerte–, las cuales están inspiradas en diferentes elementos del estilo de vida y la cultura tradicional japonesa, profesando los principios de simplicidad y armonía con la naturaleza. Su fachada, diseñada imitando los pliegues de papel origami, marca la entrada a un espacio sereno que en su interior se compone de texturas naturales de origen mexicano que ofrecen el trasfondo perfecto para un jardín japonés, una biblioteca abierta y un área de bienvenida. Cada una de las habitaciones han sido concebidas según las casas milenarias de Kyoto y personalizadas con bejuco presente en la arquitectura maya, así como con piedra terrazo y madera de encino. Un jardín zen, que funciona como el corazón de este hotel, yuxtapone Oriente y Occidente, lo tradicional y lo contemporáneo, alejando el bullicio urbano.

Así, Ryo Kan se convierte en un alojamiento singular en el centro de negocios de la ciudad de México por excelencia, con la embajada de Japón a tan sólo unos pasos y con el distintivo Omotenashi, que se refiere al arte de hacerte sentir como en casa en equilibrio entre tradición y modernidad. –MLA

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ACTUAL | HOST

Color en el desierto La Serena Villas | May Sung + Avenue Interior Design | Palm Springs California

pero al mismo tiempo proporcionar todas las comodidades modernas que requiere un hotel de cinco estrellas. “Dado que algunos de los detalles originales fueron eliminados de las villas, tuvimos que revisar otras propiedades históricas de la época para reconstituir ciertos acabados, como las paredes de yeso blanco suave, el techo de terracota, los azulejos y las ventanas y puertas en tonos azules”, cuenta la arquitecta.

Respecto del interiorismo de las villas, todos los materiales y acabados, así como las piezas de mobiliario que las integran fueron cuidadosamente seleccionados. Cada una es distinta a las demás y cuenta con un patio privado, bañera y chimenea.

La Serena Villas se complementa con Whispers SPA, un oasis de calma, paz y serenidad en donde los huéspedes pueden equilibrar cuerpo, mente y espíritu, y dejar de lado las presiones de la vida cotidiana. –ALM

339 S Belardo Rd. Palm Springs, CA 92262, Estados Unidos laserenavillas.com

Fotos cor tesía La Serena Villas

Al caminar por los jardines de La Serena Villas, de pronto uno podría dejar que la imaginación jugara un poco con las emociones y pensar que se pasea por alguno de los eclécticos pueblos de España de principios de 1900.

Originalmente se trataba de dos hoteles separados: La Serena Cabañas y Bungalows Sequoia, pero en algún momento las dos propiedades se unieron para convertirse en La Serena Villas, un emblemático lugar compuesto por 18 villas privadas, el cual se encuentra en Palm Springs California a poca distancia del valle de Coachella y de la famosa Palm Canyon Drive.

Fue la arquitecta May Sung quien reconvirtió la construcción original (que data de 1933) en un hotel de lujo, para después hacer equipo con el despacho Avenue Interior Design que se encargó de reformar el interiorismo de cada una de las villas. Sung comenta que el objetivo de su programa arquitectónico fue conservar lo más posible la autenticidad del inmueble,

ACTUAL | TABLE

Fotos cor tesía

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Un pueblo frente al mar Salum Beachside Eateries and Market | Vidanta Riviera Maya

Entre techos altos, ventilaciones cruzadas, pergolados que filtran y matizan los rayos del sol, nace Salum Beachside Eateries and Market, una colección de espacios al aire libre, abiertos y conectados con el mar que, bajo diferentes conceptos, ofrecen gastronomía, mixología, artesanía y shopping local. Se trata de una villa al aire libre inspirada en la energía relajada y bohemia de la Riviera Maya, la cual está compuesta por varias construcciones de pequeña escala y de arquitectura cálida: es un lugar en donde convergen ocho diferentes tipos de cocina internacional, tres bares y un bohemio mercado mexicano, todos con identidad propia, pero dentro de un mismo ambiente de exuberantes selvas y vestigios prehispánicos. Los materiales principales de cada espacio son locales, mezclando palapas y maderas desgastadas por el sol y la brisa marina, así como decks en madera de la península y piedras galarzas. Entre esta mezcla sobria y refinada de base, las talaveras, los cojines bordados, los accesorios en fierro forjados y cerámica, se encargan de protagonizar los acentos de colores. Hay piezas únicas, las

cuales son protagonistas del interiorismo; éstas se buscaron y adquirieron en pequeñas tiendas durante viajes y visitas que se hicieron a otros estados de la República Mexicana.

El juego de sombras es uno de los elementos contundentes en el diseño de Salum, pues la playa a plena luz del sol permite dar esa variedad de experiencias de medias sombras con los espacios. Otro tema importante es la organización y estructura de los espacios a diferentes alturas con plataformas y escaleras que, de repente, se transforman en bancas para descanso; la idea era visualizar a Salum como si se tratase de un pueblo de mar, distribuido en un acantilado. De esta forma, se puede divisar el mar y la playa desde cualquier punto.

En resumen, el visitante encuentra en Salum –de Grupo Vidanta– una variedad de experiencias, a pocos pasos una de la otra, descubriendo cada lugar paulatinamente. Un puesto sucede al otro, de tal manera que sus sabores, sonidos y aromas se traslapan y mezclan sin solución de continuidad. Es la versión mas refinada de los mercados de pueblo frente al mar. –ALM

VIDANTA RIVIERA MAYA Km. 48 Carretera Cancún-Playa del Carmen, Riviera Maya Quintana Roo, 77710 vidanta.com

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DISEÑO + CIUDAD

La orientación de las piezas de arte y ubicación de los bastidores está condicionada por la luz: una crujía separa las obras de la fachada para que la luz no incida entre la exposición y las actividades académicas.

DISEÑO + CIUDAD

Circuito de ARTE en la ciudad La detallada intervención de estudio fi transforma una bodega abandonada en el Pedregal en la escuela de arte y espacio cultural: Instituto Alumnos.

Texto MARTHA LYDIA ANAYA

Fotos ONNIS LUQUE

“CUANDO LLEGAMOS a esta bodega en Jardines del Pedregal, todo era muros de tablaroca en su mayor parte deteriorados por el tiempo y el abandono durante décadas. Nos dimos cuenta de que se trataba de una construcción original, quizá con unos 40 años de antigüedad que en su mejor momento había funcionado como una oficina. Quisimos no sólo respetar los orígenes del inmueble sino también reforzar la estructura existente y alinearnos a un ejercicio de responsabilidad, reutilizando los materiales que teníamos a la mano, pues un tabique levantado es una pieza que vale y que nos interesaba poder reusar”, cuenta Fernando Ituarte quien en el 2008 se asoció con su padre, Fernando Ituarte Verduzco, para formar estudio fi.

“De ese espacio en desuso –continúa platicando Ituarte– nació la intención de crear: Instituto Alumnos (el nuevo espacio de la Fundación Alumnos, antes llamada Alumnos 47), un proyecto que se apoya en la recuperación de un espacio abandonado como contenedor de la colección privada de arte de su propietario”. Inicialmente,

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DISEÑO + CIUDAD

El mobiliario fue seleccionado de manera que mostrara el carácter del lugar, como las sillas de Oscar Hagerman que reflejan carácter y respeto a la materialidad.

el proyecto se abordó como sólo un lugar para conservar cierto acervo cultural, pero conforme fue avanzando la obra se amplió el programa original para también hacer un lugar de exposición con muestras de otros artistas e incluir áreas para organizar pláticas, conferencias, talleres y programas educativos enfocados a la práctica del arte, haciendo apología a éste como medio de pensamiento y generador de cultura.

“Fue invaluable la libertad y confianza que nos dieron para trabajar; eso fue lo que nos permitió ir tejiendo, poco a poco, la obra sin tener definidas todas las aristas desde el principio. Íbamos tomando decisiones sin ninguna prisa y conforme lo fue marcando el propio ritmo del proyecto”, relata Ituarte al hablar de cómo se eligió la fachada flotada de vitro block que da la bienvenida al lugar y que funciona como un lienzo que genera curiosidad en los visitantes, anticipando el espacio de exposiciones que se sirve de esa fachada para atenuar y uniformizar la luz natural y así optimizar la experiencia de visualización de las obras. Un volumen que en origen era una fachada que parecía marcar el final de la propiedad y que ahora se plantea como el centro del programa. “La decisión de usar vitro block no se dio a partir de mirar un catálogo, sino de descubrir que ese era el material adecuado para ese espacio en particular; lo mismo ocurrió con la piedra volcánica natural que iba apareciendo conforme íbamos excavando y que en lugar de ocultarla o de quitarla, decidimos integrarla espontáneamente al proyecto”, enfatiza el arquitecto.

Desde el punto de vista arquitectónico, Instituto Alumnos se conecta visualmente con su entorno a partir de una secuencia de patios, para pasar de ser una estructura industrial abandonada que ofrecía una irrelevante fachada al predio, a convertirse en el cuerpo principal del mismo.

El acceso al volumen principal y sus conexiones con el programa previo, se hacen a partir de unos esbeltos elementos de concreto con acabado aparente que se integran en los nuevos patios, delimitando y enmarcando estas áreas de recepción.

El espacio de exposiciones, como pieza principal del programa abruma por el contenido y lo espectacular de su simple presentación. Una iluminación indirecta procura la conservación y perfecta visualización de las obras durante el día, mientras que en la noche, un sistema de luz indirecta se esconde sobre los rieles de los bastidores metálicos que guardan la colección, permite su uso. Este sistema de almacenaje de las obras se plantea como un elemento arquitectónico más, unos bastidores metálicos que se pueden deslizar por todo el espacio y que en su movimiento permiten diferentes configuraciones sobre las que plantear la museografía.

En definitiva una intervención que desde el detalle atiende al lugar, las raíces y el contexto para convertirse en un espacio que sitúa al Pedregal y a Instituto Alumnos como parada obligatoria en el circuito de arte de la Ciudad de México. estudiofi.com

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El espacio comparte una colección de más de 300 obras de artistas nacionales e internacionales como Damián Ortega, Carl Andrè, Torolab, Dr. Lakra, Brian Eno y Francis Alys.

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DISEÑO + HISTORIA

Hasta el último detalle Diseñadas por Arne Jacobsen en 1958, las sillas Egg, Drop y Swan cumplen su 60 Aniversario junto a la firma escandinava Fritz Hansen.

Texto ITAYEDZIN ARAGÓN

La silla Drop se mantuvo cautiva en el SAS Royal Hotel durante más de 50 años.

Foto cor tesía de Fritz Hansen.

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“Cuando el SAS fue inaugurado, un periódico patrocinó un concurso para seleccionar la casa más fea de la ciudad. Gané el primer lugar.”: Arne Jacobsen

CUANDO SE HABLA de Arne Jacobsen sin duda se habla de cómo su práctica moderna fue una interpretación compleja del funcionalismo internacional. Nacido en 1902 en Copenhague, Dinamarca, Jacobsen se graduó en arquitectura por la Royal Danish Academy of Fine Arts en 1927, donde más tarde, en 1956 se convirtió en profesor. Después de graduarse, ganó reconocimiento por su trabajo arquitectónico al que fue añadiendo diseño de interiores, mobiliario, textil e incluso de paisaje. Actualmente es reconocido por su obra arquitectónica y por su mobiliario, del que destacan las sillas: Egg, Drop y Swan.

Las sillas fueron parte del gesamtkunstwerk (concepto acuñado por Richard Wagner, que hace referencia a una obra de arte total) del SAS Royal Hotel en Copenhagen, comisionado por el Scandinavian Airlines System (SAS) y construido entre 1956 y 1960. En él, Jacobsen tuvo la oportunidad de proyectar el primer hotel de diseño total del mundo; creó el edificio, sus muebles e incluso los cubiertos que se usaban en el restaurante original; ya que para él cada detalle era sumamente importante. Arne se consideraba a sí mismo un poco obsesivo con el trabajo.

En 1960, el Hotel era el edificio más alto de la zona nórdica y el más grande de su tipología en Escandinavia. Con 22 pisos, la construcción fue

La silueta curva de las sillas contrasta radicalmente con las formas rígidas y afiladas del SAS Royal Hotel.

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DISEÑO + HISTORIA

1902

Nace Arne Jacobsen en Copenhague, Dinamarca.

Producción Egg y Swan, 1963

1924-27

Periodo en el que realiza sus estudios en arquitectura en el Royal Danish Academy of Fine Arts.

1956-1960

Jacobsen diseña por completo el ambicioso proyecto del SAS Royal Hotel en Copenhague.

1958

Diseña las célebres sillas, como parte del proyecto para el SAS Royal Hotel, ahora conocido como Radisson Collection Hotel, Royal Copenhagen.

1971

Inesperadamente, Arne Jacobsen fallece a causa de un infarto cardiaco.

Habitación 606

llamada Landmark of the Jet Age. Para el vestíbulo, que actualmente es muy similar al original, el espacio quedó delimitado por una zona comercial que lo aleja del ir y venir de la avenida Vesterbrogade. Al interior el ambiente tranquilo y exclusivo es habitado por las sillas Egg y Swan, con sus siluetas curvas, combinando ampliamente con la escalera curvada, en conjunto son un fuerte contraste con la estructura simple y afilada del hotel; en su momento, la construcción de la escalera estaba al borde de lo que era técnicamente factible.

Arne fue pionero en el manejo de plásticos y sus derivados en manufactura de mobiliario, específicamente con la silla Egg y sus dobles curvaturas, cuya envolvente hecha en una sola pieza de fibra de vidrio es tapizada a mano con piel o textil. Por otro lado, la silla Swan se caracteriza por su forma más compacta; ambas sillas han sido permanentemente producidas por Fritz Hansen desde su aparición. En el caso de la silla Drop, su producción fue limitada para el hotel y la marca

decidió relanzarla hasta el año 2014, más de 50 años después la silla mantiene su vigencia con características tecnológicas de manufactura contemporánea y con tapicería en una gama amplia de textiles y colores. Como parte del 50 Aniversario de las sillas y el lanzamiento de la silla Drop, el diseñador español Jaime Hayón fue invitado a intervenir la habitación 506 del afamado hotel, implementando el diseño total con su estilo, inspirado en la paleta de colores que originalmente se designó para el hotel, aportando contemporaneidad con sus propias piezas, como el sofá Favn, el sillón Ro y las lámparas Aballs diseñadas por Hayón para Parachilna.

En enero pasado, el estudio danés Space Copenhagen se dedicó a renovar el diseño de interiores del Hotel, respetando el mobiliario y apoyándose en las versiones más actuales que Fritz Hansen había editado hasta ese momento.

La intervención incluye las Signature Suites, el Café Royal Restaurant, el lobby y las salas de reuniones. El proyecto fue ejecutado tras un

DISEÑO + HISTORIA

2007

Chery Ekstrom realiza una versión única de la silla Swan en acero inoxidable.

2008

Se celebra el 50 Aniversario de la silla Egg con una edición limitada de 999 unidades tapizadas en piel y gamuza, con un soporte de bronce.

2014

La marca danesa Fritz Hansen, decide reeditar la silla Drop que, hasta ese momento, sólo había tenido presencia en el famoso Radisson Collection Hotel.

Habitación 506

profundo estudio del original, a través de archivos del propio hotel, la propuesta reintroduce características y mobiliario original.

Durante este año, Fritz Hansen lanzó la edición de aniversario de las sillas. El tapizado para Egg y Swan está hecho en su totalidad con cuero tratado para envejecer de forma natural, respetando sus picaduras o defectos naturales, en cambio con Drop se recurrió al tapizado textil de alta duración. La estructura metálica de aniversario está hecha en aluminio con chapa en oro. La celebración se complementa con una exhibición itinerante, donde se revisa la historia de las sillas, del propio Arne y las técnicas de manufactura artesanal que cada pieza requiere.

Actualmente el hotel lleva como nombre Radisson Collection Hotel, Royal Copenhagen y continúa siendo un hito destacado de la arquitectura moderna y el diseño danés. De los interiores originales queda la habitación 606, que todavía hoy en día da alojamiento a fanáticos del diseño. fritzhansen.com

2016

Lanzamiento de la colección Fritz Hansen Objects, incluyendo miniaturas de las célebres sillas Egg, Swan y Series 7.

Exhibición itinerante del 60 Aniversario.

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2018

Fritz Hansen celebra el 60 Aniversario de las sillas Egg, Drop y Swan, lanzando ediciones especiales y una exhibición itinerante.

Fritz Hansen Objects

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SU ESPACIO

No todo mundo vive como se imagina, pero Cabrero se siente muy afortunado, pues su espacio es como siempre lo soùó.

SU ESPACIO

Cómodo, práctico y funcional “Vivo mi casa por dentro y por fuera; es un espacio abierto e integrado, un lugar que está como siempre lo imaginé”: Emilio Cabrero Entrevista GRETA ARCILA

Fotos JOSÉ MARGALEFF

CON GRAN ENTUSIASMO y una alegría a flor de piel, Emilio Cabrero abre las puertas de su hogar para compartir un poco lo que éste dice de él. Confiesa que no se ha puesto a analizar con detenimiento lo que revela su casa de su personalidad, pero lo que sí ha querido desde siempre (y así lo ha ido planeando desde el principio) es que sea un lugar de espacios abiertos, integrados y donde él pudiera sentir que vive y disfruta cada uno de sus rincones para estar conectado con él mismo y su entorno, y no estar ni sentirse como acuartelado o cuartificado.

Cuenta que de repente se fue llenando de objetos. “No sabría explicar por qué o cómo, a lo mejor es una tendencia familiar, pero a lo largo del tiempo fueron llegando cosas que tomaron su camino dentro de la casa. Algunas tienen algún simbolismo de distintas religiones, otras –como las manitas– son para atraer la buena vibra o son cosas que he ido guardando durante el tiempo. Muchas de las piezas me las han ido dando colegas y amigos a través de los años, quizá hasta podría decir que prácticamente nada de lo que está aquí lo he comprado yo, sino que todo me lo han regalado. Lo ingenioso es que a cada objeto le he ido encontrando su lugar”. Cabrero considera que su dedicación por la arquitectura de interiores le contagia de un cierta inquietud por estar siempre pendiente de lo que pueda representar su casa de él en algún momento; lo cierto es que él define su espacio como un lugar muy cómodo, funcional y sobre todo práctico.

¿Qué objeto de los que te han regalado te recuerda algo o tiene un valor sentimental para ti? –le pregunté– “Por ejemplo, este caballo –dice, señalando la pieza– me lo regaló mi hermana, es un símbolo de protección y de abundancia que me gusta mucho tenerlo. También me encantan los relojes de arena, quizá porque soy un obsesionado por contar el paso del tiempo. En otro rincón de la casa tengo un par de fotografías de proyectos que he hecho con C Cúbica (junto con Andrea Cesarman y Marco Coello, quienes son sus socios en el despacho), a las cuales les tengo un especial cariño, pues representan un momento significativo en mi vida profesional en el que siento que ya estábamos madurando y encontrando nuestro camino y lenguaje arquitectónico sobre todo en la parte de integrar el exterior con el interior que, para nuestra práctica, es uno de los aspectos más importantes”.

"A lo largo del tiempo han llegado objetos que han ido tomando su lugar dentro de la casa, como las manitas para la buena vibra", cuenta Emilio Cabrero.

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SU ESPACIO

Disfrutar cada espacio de la casa, conectado con todo y sin sentirse acuartelado.

Espacios abiertos hacen que los ambientes se conecten entre sí y que la atmósfera sea muy versátil hacia todos los lados que se mire.

SU ESPACIO

Emilio aprovecha este momento para hacer una atinada reflexión: “Muchos colegas involucrados en la práctica de la arquitectura, a veces, no se quieren inmiscuir con lo que pasa adentro de una casa, pero a nosotros (como despacho) nos encanta porque creo que este espacio íntimo y personal se vive por dentro y por fuera. Hasta ahora, no he visto a alguien que se la pase en la calle, mirando la fachada de su casa y diciendo: ¡Qué bonita es mi casa! y que en el interior no esté cómoda; finalmente es una atmósfera de relajación y equilibrio”.

Para él, su hogar lo ha planeado y diseñado para sentirse a gusto consigo mismo y departir con los amigos. “Por eso, la cocina es abierta porque, en algún momento, pensé que sería como una especie de master chef y que estaría ahí preparando infinidad de platillos en medio de gratas horas de convivencia.

Además de que soy un fan de todos los utensilios de cocina que pueda haber y también me gusta tenerlos guardados en todas partes e incluso algunos hasta los he vuelto a comprar”.

No todas las personas viven como se imaginan, pero Cabrero se dice muy afortunado en ese sentido, pues en su casa todos los espacios son muy versátiles. “Es en la terraza donde, en ocasiones, me regalo un tiempo para relajarme; también hay libros que me gusta consultar y que he ido coleccionado a lo largo de los años, mis lecturas van desde temas de ciudad hasta filosofía y cuestiones para mantenerme zen”, concluye el también director de Design Week México. ccubicaarquitectos.com | designweekmexico.com

"Creo que un lugar tan íntimo y personal, como lo es nuestra casa, se vive por dentro y por fuera": Emilio Cabrero.

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ADVERTORIAL

El ar te de hacer vino Un vino que habla de tierras riojanas, de paisajes de suelos arcillosos, de aromas a fruta madura, de notas balsámicas y especias; todo ello, entrelazado en un monólogo que merece ser escuchado con todos los sentidos.

LA MADERA DE ROBLE PERMITE SUAVIZAR LA TEXTURA DEL VINO Y ESTABILIZARLO.

"Monólogo es sensibilidad, es carácter, es arte… es una obra dramática en la que habla un sólo personaje. En este caso, obra y personaje se han unido en un vino que nos habla de tierras riojanas, de la sierra que las abraza y protege de los vientos del norte, de paisajes luminosos de suelos arcillosos, de aromas a fruta madura, de notas balsámicas y especias. Todo ello entrelazado en un monólogo que merece ser escuchado con todos los sentidos”. monologovino.com

Fotos cor tesía Monólogo

El vino y el arte se han visto relacionados a lo largo del tiempo, un gran número de artistas no sólo se han inspirado en la uva y en la conocida bebida divina; además, han utilizado los colores y símbolos característicos de esta bebida. Incluso la han representado y utilizado como parte principal de sus pinturas, poemas, novelas y obras.

El arte de hacer vino es la frase perfecta para representar el vínculo entre estas dos creaciones, únicas y sublimes, la cual Monólogo supo tomar y expresar en sus dos etiquetas: Monólogo Crianza es un vino riojano inspirado en esta sinergia que ha tenido a lo largo de la historia, elaborado con uva 100% tempranillo en la Bodega Solar Viejo con un paso en barrica de roble de 12 meses; muestra un color granate oscuro de capa media , con aromas a fruta madura bien ensamblados con notas que derivan de su envejecimiento en barrica, como hojarasca, tabacos y cueros. En su paladar se percibe un vino fresco, aderezado con tonos balsámicos, suave de beber.

Monólogo Verdejo es fresco y con buena acidez, persistente y con un toque amargo característico de la variedad verdejo. En nariz es complejo e intenso con carácter floral, aromas a manzana verde y pera, notas elegantes y sutiles a lavanda e hinojo.

Es de color amarillo pajizo con matices verdosos.

ADVERTORIAL

PARA OBTENER GRANDES VINOS, LAS VIÑAS NECESITAN CUIDADOS DURANTE TODO EL AÑO.

LOS RACIMOS DE UVAS SE CORTAN, UNO POR UNO, SÓLO CON AYUDA DE UNA TIJERA ESPECIAL.

LAS DOS ETIQUETAS: MONÓLOGO CRIANZA Y MONÓLOGO VERDEJO REPRESENTAN EL VÍNCULO PERFECTO ENTRE ARTE Y VINO.

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ENFOQUE

Empatía y amistad fortifican la relación personal y profesional de Luis Fernández de Ortega (izq.) y Juan Andrés 'Chacho' Vergara.

ENFOQUE

Entre rascacielos y estadios deportivos Fotos proyectos cor tesía V-FO arquitectos

La arquitectura verdadera está en las obras construidas y no en el discurso de proyectos de fachada muy bonita e idílicos que se quedan en el papel: V-FO ARQUITECTOS.

Entrevista MARTHA LYDIA ANAYA

Retrato JOSÉ MARGALEFF

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ENFOQUE

“UNA FORMA que se ve muy bien en imágenes, pero que no es funcional, redituable ni eficiente es arquitectura de papel; son sólo muy buenos renders y nada más”, subrayan Juan Andrés Vergara y Luis Fernández de Ortega, socios de V-FO, al contar cuando alguna vez les mostraron obras de un colega muy famoso, pero paradójicamente sólo uno de esos proyectos estaba construido y además, con el paso de los años, se había vuelto un edificio obsoleto y horrible. “La arquitectura verdadera –enfatizan– es lo que ya está hecho: las obras construidas, que son las que a nosotros nos gusta mostrar porque reflejan nuestra visión por el quehacer de una arquitectura ordenada, con ciertas reglas y una determinada pauta metodológica”.

“Considero –agrega Fernández de Ortega– que hay una euforia por las formas extrañas que, en algunos casos, terminan siendo ensayos creativos o que desafortunadamente sí se llegan a construir, condenando a las ciudades a vivir entre edificios que van a estar ahí durante los siguientes 10 o 20 años, pero sin abrigar el aspecto social de hacer ciudad”. Es una filosofía con la que no concuerda V-FO, que tomó su nombre de las iniciales de los apellidos de sus socios, quienes comenzaron a llamarse así a partir del 2010 cuando se separaron del grupo estadounidense con el que trabajaban para empezar a colaborar juntos con todos los derechos de sus proyectos realizados.

EMPATÍA PERSONAL Y PROFESIONAL Haciendo un poco de historia, Vergara y Fernández de Ortega se conocieron hace más de 20 años cuando por motivos personales sus familias coincidieron en una celebración. “Me acerqué a la barra y ahí conocí al papá de ‘Chacho’ (como coloquialmente llaman sus amigos a Vergara); desde ese momento hubo una conexión muy fraternal a la que después le agregamos el aspecto profesional, el cual hoy se ha transformado en estas oficinas en las que estamos sentados”, cuenta

“Lo más gratificante es cuando las personas hacen que un edificio muerto se active y cobre vida”.

Retratos Eduardo Ramírez

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ENFOQUE

El Estadio de las Chivas cuenta con más de 7 hectáreas destinadas a espacios verdes.

Fernández de Ortega durante una charla muy amena en su despacho ubicado dentro de uno de los edificios más icónicos de avenida Reforma en la Ciudad de México. “Este tema –enfatiza– habla de una empatía y gran amistad, la cual ha sido el fundamento de nuestro éxito como socios y colegas a nivel de respeto y admiración mutua.

Eso nos ha llevado a establecer relaciones mucho más sólidas y de más confianza entre nosotros mismos y con nuestros colaboradores y clientes para solventar toda clase de circunstancias, algunas incluso más complicadas que otras como todo mundo las tiene en la vida. Al final, sólo puedo decir que el saldo es muy positivo y que nos gustan los retos aunque cada quien tiene una aproximación diferente de las cosas”.

Vergara escarba un poco más en la memoria de los recuerdos y relata que comenzaron en la colonia Tacubaya, cerca del hospital inglés, hasta que en 1999 se mudaron al edificio de Reforma y hace 5 años se cambiaron de piso. “Inicialmente trabajé durante 12 años con el arquitecto Terrazas de la Peña y con él supe lo que es colaborar con asesores internacionales de un tamaño importante para lo que es la tarea de la arquitectura. Ahí aprendí a hacer las cosas de una manera muy sistemática y ordenada, lo que a lo largo de los años es un proceso comprobado de éxito. Fue en 1993 cuando nos unimos a un grupo estadounidense de arquitectura que más que un despacho era una empresa de carácter mundial con una veintena de oficinas; nosotros nos convertimos en su sucursal

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ENFOQUE

“Una anécdota memorable es cuando en la inauguración del Estadio de Monterrey no nos dejaron entrar porque no teníamos boletos. En ese momento ya era una obra que estaba operando y nosotros ya no éramos nadie en el proyecto”.

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ENFOQUE

El edificio de HSBC sobre Paseo de la Reforma fue pionero en la certificación leed oro en América Latina.

en México y fue en ese lapso cuando Luis se integró al equipo. Empezamos a hacer obras con esa empresa y desde entonces Luis y yo hemos interactuado de manera profesional hasta tomar la decisión de separarnos del grupo estadounidense en el 2010”.

Tras independizarse y adoptar el nombre de V-FO, los arquitectos continuaron con los planes que tenían y han generado otros nuevos, incluso han obtenido varios reconocimientos por obras relevantes en la Ciudad de México, como el primer edificio con características triple AAA en Santa Fe (donde están las oficinas de Ford) y las Torres Esmeralda II y III. “Hemos trabajado mucho en el desarrollo de edificios de nueva generación, muy vanguardistas en cuestiones de seguridad, amplitud de espacios y ahorro en el consumo energético, sobre todo porque nos tocó la etapa del TLC y esas eran las características que exigían las empresas que se estaban estableciendo en el país.

Fue la época en que se disparó una ola de edificios corporativos que no existía ni se conocían en México; tiempo después también empezamos a abordar otro tipo de proyectos como los estadios deportivos de gran escala”.

Al día de hoy, V-FO no sólo ha sido honrado con diversos galardones sino que continúa postulándose para obtener premios por obras,

Los edificios de V-FO engoblan su pensamiento sustentable.

ENFOQUE

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BG Reforma evidencia los cuatro pilares del despacho: diseño de alto nivel, especialización, sustentabilidad y tecnología.

como la Torre KOI en Monterrey que se presume como uno de los rascacielos más imponentes en Latinoamérica (con 69 pisos y 279.5 m de altura).

METODOLOGÍA, ORDEN Y TÉCNICA Pero, ¿cuál ha sido la clave de su éxito? ¿hay fórmulas? Fernández de Ortega dice, sin titubear, que confían mucho en la experiencia, pero también en la manera de hacer las cosas y en la parte técnica. “Haciendo una analogía con la música, la pintura o cualquier expresión del arte, es un hecho que la arquitectura tiene que seguir reglas y una cierta pauta. Por desgracia, en México se hace arquitectura muy lírica, hay un eslabón roto en sus procesos y por eso se ven muchas obras que en papel son muy grandes, pero que en la práctica terminan siendo un fracaso total por su falta de método”. Esto explica porqué V-FO se

atreve a enfrentar retos de obras muy complejas, como rascacielos o estadios deportivos, en los que otros despachos son muy susceptibles de fallar al no contar con una metodología bien armada desde la parte creativa, social y económica, además de todos los requerimientos técnicos que conlleva cada proyecto. Hace hincapié en que “se trata de comprender el ciclo completo y no solamente de recrear la forma de una fachada bonita con materiales novedosos en imágenes”.

‘Chacho’ le da aún más soporte a los argumentos de su amigo y colega al compartir que como se han movido mucho dentro de los desarrolladores inmobiliarios, han aprendido del negocio y de la visión formal, técnica y constructiva que éstos tienen de entender el entorno urbano y los procesos. “Puede haber un discurso de una arquitectura idílica, pero los edificios importan-

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ENFOQUE

“El costo de la tierra está provocando que los edificios de un sólo uso prácticamente estén desapareciendo. En cambio, los proyectos de usos mixtos permiten que las ciudades crezcan de una manera más homogénea”

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“Una vez hicimos un proyecto muy exótico que se construyó, pero no fue lo planeado". tes son mucho más que eso, son instrumentos de un negocio que confronta aspectos funcionales y financieros. De ahí que en la parte de sustentabilidad hemos encontrado un nivel superior para hacer arquitectura, como la Torre HSBC (sobre el Paseo de la Reforma) que fue el primer edificio con certificación leed oro en América Latina, el Estadio BBVA Bancomer de Monterrey con certificación LEED plata o el edificio Cervantes 169 que acaba de obtener su certificación LEED oro. El otro aspecto relevante en la metodología del despacho tiene que ver con la tecnología.

“Nosotros hablamos de sustentabilidad, diseño y tecnología, la cual se involucra desde los materiales que usamos hasta la forma de llevarlos en la elaboración de modelos y simulaciones”, dice Vergara. Y es que, sin afán de ser arrogantes, V-FO ha sido punta de lanza en la generación de edificios de nueva generación y en el tema de sustentabilidad.

OBRAS COMPLEJAS Ciertamente hay proyectos mucho más complejos que otros, pues sean pequeños o muy grandes se les tiene que dedicar un determinado tiempo para resolverlos. Para ‘Chacho’ y Luis, todas sus obras son sus favoritas. Por ejemplo, hablando de la Torre KOI (proyecto que duró 10 años en ejecutarse), ésta tuvo un reto interesante al pensar en cómo sería su estructura y comportamiento al ser un edificio tan alto. Ese sólo análisis le tomó a los arquitectos un año y medio para resolver correctamente cuál sería la estructura que mejor funcionara a lo que se les había pedido. “Un ingeniero habría resuelto la problemática, pero no necesariamente hubiera sido la mejor respuesta para nosotros. Las inversiones son tan grandes en este tipo de proyectos que no podemos darnos el lujo de desperdiciar un sólo metro cuadrado porque representa dinero, esfuerzo y recursos.

El Estadio de los Tomateros tiene la pantalla más grande de Latinoamérica, lo que muestra su tecnología.

No partimos de ideas preconcebidas ni somos arquitectos que universalmente se guíen conforme estilos ya impuestos; la idea es no tratar de hacer un cartabón y partir de la premisa de que cada proyecto es único y muy particular” En otros ejemplos, el Estadio BBVA Bancomer y el Estadio Akron (anteriormente llamado Estadio Omnilife por motivos de patrocinio) de las Chivas también implicaron retos importantes, pues los dos son edificios que tenían que reflejar las ideas de sus propietarios; metidos dentro de ciudades con características privilegiadas, equipados con alta tecnología y con la condicionante de que tuvieran una rentabilidad financiera. “Luego de un trabajo arduo, logramos obras relevantes, con posibilidades enormes y que se alinean a los intereses de cumplir objetivos muy claros en los procesos”, coinciden Vergara y Fernández de Ortega quienes no descartan la oportunidad de hacer un museo como uno de sus ideales aún no construidos. No sería lo usual, considerando la trayectoria de su portafolio de obras realizadas, pero sí un plan interesante para sumarse a la lista de los edificios icónicos que han levantado. Lo cierto es que V-FO ha encontrado su nicho en proyectos de una complejidad diferente, que es un despacho que no sigue recetas al pie de la letra y que desecha por completo los clichés. v-fo.com

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ENTREVISTA

“Yo no decidí ser diseñador. Estudié escultura, cuando aprendí cómo se hacían las piezas fundidas en bronce, una cosa llevó a la otra”. SEBASTIAN WRONG Entrevista ITAYEDZIN ARAGÓN, enviada Milán

Fotos cor tesía Established & Sons

Técnica ancestral

Filigrana estรก inspirada en piezas antiguas que Wrong observรณ en un taller de vidrio soplado en Italia.

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ENTREVISTA

La técnica que se usa en Filigrana data del siglo XVI, al ser una técnica artesanal cada pieza es sutilmente única.

ENTREVISTA

Foto Peter Guenzel

NACIDO EN LONDRES, Sebastian Wrong es el actual Director de Diseño de Established & Sons, originalmente él estudió escultura en Norwich School of Art, posteriormente se dedicó a hacer proyectos personalizados de manijas para puertas, ahí aprendió sobre los procesos de fundición en bronce. Hoy en día, Sebastian es un diseñador con más de dieciocho años de experiencia.

La historia de Sebastian Wrong con Established & Sons no es reciente, inició en 2015, cuando fundó la compañía junto a: Tamara Caspersz, Mark Holmes, Alasdhair Willis y Angad Paul.

Wrong, dimitió de la compañía en 2012, un año después de fundar The Wrong Shop, su propia plataforma experimental en la que alentaba a diseñadores a trabajar con métodos de producción poco ortodoxos, entre los nombres que se enlistan en dicha plataforma destacan: Ronan y Erwan Bouroullec, Pierre Charpin, Nathalie Du Pasquier, Konstantin Grcic, entre otros. De los fundadores de la compañía, todos fueron alejándose poco a poco, siendo Angad el único que permaneció como su director hasta 2015, año en el que lamentablemente falleció. No fue sino hasta un año después que la compañía fue comprada por otro grupo de inversionistas.

El año pasado, Sebastian regresó a Established & Sons para inyectarle ideas desde la perspectiva que adquirió en el tiempo que estuvo lejos. La primera colección que se presentó bajo su dirección está conformada por diseños de Konstantin Grcic, Dimitri Bähler, Peer Lindgreen + Will Wiles, los hermanos Boroullec, Mauro Pasquinelli, Albert Tercero y él mismo. Aprovechamos la oportunidad de conversar con él para que nos hablara de su diseño, que consiste en una lámpara llamada Filigrana, que trae al presente una tradición vidriera del siglo XVI, originaria de Murano, Italia.

“Filigrana fue concebida cuando visité el taller donde ahora la producen, justamente observando sus piezas más históricas. El tipo de trabajo con el que está hecha normalmente se asocia con entornos anticuados, así que la idea era tomar este sentimiento y traducirlo a través de un objeto

contemporáneo para llamar la atención sobre la pureza y la belleza de la filigrana de vidrio.

En su manufactura se utilizan tiras de vidrio de color que se colocan sobre un bloque de vidrio que es colocado y enrollado dentro de un molde, cuando se sopla en él, los colores se funden con el material base, que en este caso es vidrio opaco.

Se trata una técnica muy especial y algo desafiante.”, nos dijo el diseñador en entrevista.

En realidad, Filigrana no es sólo una lámpara, son infinitas posibilidades, ya que al ser una pieza artesanal y de cierta manera experimental, cada pieza es diferente a la otra, pero una de las características que más llaman la atención son sus dimensiones, hay piezas con un diámetro de 16cm, 22cm, 37cm y 45cm. “De hecho, los artesanos no querían hacer la pieza más grande, porque es lo máximo que pueden soplar y es que hacerla implica demasiados problemas porque manipulan el vidrio en temperaturas muy altas y deben lograr que quede muy ligero. Al final la apariencia de la lámpara es algo juguetona, casi hipnótica y relajante. Es una muestra más de lo que hacemos en esta compañía, objetos con una personalidad definida y fuerte”. La lámpara está disponible en tres colores: negro, rojo y blanco, para obtener el acabado final se les aplica ácido, sustancia que le añade una apariencia super mate.

Hablamos sobre las nuevas generaciones y cómo podrían encontrar su espacio dentro del mundo del diseño, Wrong nos dijo: “creo que en estos tiempos, la gente creativa tiene que ser multitareas, debe ser capaz de atender varios aspectos de su carrera, trabajar mucho y creer en sus ideas con genuina pasión, enfocarse a sus objetivos de manera eficiente”, y es que el diseñador realiza una cantidad generosa de actividades, supervisa la visión creativa de Established & Sons, incluida la selección de productos, desarrollo técnico, relaciones con diseñadores y la introducción de nuevos talentos, además de contribuir a la colección con sus propios diseños. establishedandsons.com

"Los artesanos no querían hacer la pieza más grande, porque hacerla implica demasiados problemas. Al final la apariencia de la lámpara es algo juguetona, casi hipnótica y relajante.”

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Escandinavo y multicultural “De cierta manera estamos convencidos de que el diseño se trata de coleccionar experiencias" SPACE COPENHAGEN.

Fotos cortesía Gubi Fotos cor tesía Gubi

Entrevista ITAYEDZIN ARAGÓN, enviada Milán

ENTREVISTA

FUNDADO EN 2015, el estudio Space Copenhagen ha mantenido una amplia práctica de diseño profundamente escandinavo. Todo bajo la dirección de Signe Bindslev Henriksen y Peter Bundgaard Rützou, ambos egresados del Royal Danish Academy of Fine Arts con quienes tuvimos una charla durante la presentación de lanzamientos de la marca danesa Gubi, en el Palazzo Serbelloni en Milán, Italia. Hablamos sobre la comunicación global del diseño y sus alcances, “por supuesto nosotros trabajamos en toda clase de direcciones a pesar de tener nuestro estudio en Copenhagen, es evidente que con el flujo de información se puede lograr un gran intercambio visual y lograr que sea accesible para personas que viven en cualquier lugar del mundo. Esta influencia global es inherente a nuestra idea de lo que el diseño debería ser”, nos comentó Peter.

Space Copenhagen toma partida de esta idea teniendo colaboradores de Asia, Australia, Inglaterra, Estados Unidos y del resto de Europa, “de alguna manera las personas con las que contamos en el estudio sienten atracción sobre cómo es el diseño escandinavo, nuestro estilo de vida y valores. Por ello no sólo somos un estudio multidisciplinario, sino también multicultural, de hecho, lo más normal es que hablemos inglés en la oficina, algo que no era muy común hace 5 o 10 años, esto ha venido cambiando con el tiempo”.

Sobre el trabajo que realizan para Gubi, ambos nos compartieron: “hemos trabajado juntos por un largo tiempo, tenemos colecciones que, aunque llevan años en su catálogo, no permanecen iguales, se han ido ampliando y modificando, por ejemplo la colección Stay de sofás y asientos lounge o la colección Moon. Este año introdujimos la serie Gravity, que está conformada por lámparas de mesa con tres tamaños diferentes”.

Quisimos entender cómo un estudio como Space Copenhagen desarrolla sus ideas y formaliza sus productos, al respecto Peter nos confesó: “depende de qué es lo que estemos desarrollando, hacemos arquitectura y diseño de interiores o de vez en cuando hacemos restaurantes u hoteles, parte de nuestro diseño de objetos se origina, de cierto modo, de los otros proyectos que estamos haciendo. Así que mientras trabajamos en algún espacio arquitectónico diseñamos algún objeto que necesitamos para ese espacio. Estos lugares se vuelven el lugar de nacimiento de un nuevo

Space Copenhagen diseñó la mesa Moon para Gubi, en sus diferentes versiones que van desde amplios comedores hasta mesas auxiliares.

objeto”. Pero no es tan sencillo, ya que entender que un objeto funciona bien para un lugar no necesariamente lo vuelve un buen producto, así que trabajan en que el diseño tenga su propia identidad y pueda ocupar diferentes espacios, “es como la lámpara Gravity, una pieza cuya construcción es bastante simple, eso ayuda a que pueda introducirse en diferentes escenarios, queda bien en un espacio minimalista y también puede colocarse en un lugar como este palacio, así que se trata de darle al objeto la cualidad de tener diferentes personalidades pero sin quitarle su propia fuerza”, concluye Peter.

Signe complementa, “hablando de las sillas Stay, tenían que ser sencillas y ocupar poco espacio pero además tenían que ser confortables y no podían ser protagónicas pues estarían conviviendo con otros objetos, hay que cuidar todos esos detalles y comenzamos a hacer los primeros bocetos a mano, pues nos da una mejor idea de lo que queremos lograr, de ahí nos movemos a modelados tridimensionales, hacemos más investigación, así entablamos la conversación con el taller que hará la manufactura, porque también con sus habilidades podemos encontrar soluciones más prácticas en términos productivos. Es parte de lo que disfrutamos como estudio, pues interactuamos con otras personas apasionadas con los detalles”. spacecph.dk gubi.com

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“Trabajamos en proyectos arquitectónicos que nos inspiran a diseñar nuevos objetos, se vuelven su lugar de nacimiento”

Los hermanos Bouroullec presentaron la colecciรณn Alcova para Kosmos de WonderGlass.

ENTREVISTA

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Retrato ©Alexandre Tabaste Fotos ©Claire Lavabre, cor tesía Wonderglass / Studio Bouroullec

Paisajes en vidrio “Nunca empezamos un proyecto sin haber estado en la fábrica donde será producido, porque tratamos de entender sus límites y hasta donde podemos desafiarlos”. RONAN & ERWAN BOUROULLEC. Entrevista ITAYEDZIN ARAGÓN Y SANDRA MONTIEL, enviadas Milán

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ENTREVISTA

Alcova son objetos geométricos de vidrio hechos a mano, con una técnica antigua de vaciado, que en esencia es simple.

ORIGINARIOS de Francia, los hermanos Bouroullec son diseñadores que han trabajado juntos desde hace más de veinte años en proyectos de diversas escalas y tipologías. Tuvimos la fortuna de conversar con ellos sobre su primera colaboración con Wonderglass que consiste en una serie de volúmenes de vidrio llamada Alcova, nombre que hace referencia a un lugar de encuentro. La colección de objetos está compuesta por nichos y vasijas cilíndricas en una paleta de grises, verdes claros y ámbar.

Los nichos, realizados en tres formas diferentes, forman el telón de fondo de los gruesos cilindros de vidrio, que pueden mostrarse individualmente o apilados para crear recipientes altos. Ronan nos habló sobre su producción: “Es una colección hecha con una técnica de vaciado, a diferencia del soplado que es la técnica más utilizada, aquí un grupo de artesanos vierte el vidrio fundido en un plato y como si fuera una pizza lo extienden hasta tener una lámina gruesa de vidrio aún caliente,

después lo extienden sobre un molde y rápidamente le dan forma con diversas herramientas, luego dejan enfriar la pieza un poco, se retira del molde y se hornea de nuevo con temperaturas controladas.”

Los hermanos trabajaron muy de cerca con los artesanos para lograr esta colección, para ellos “es muy importante entender cómo se producen nuestros diseños, qué pueden hacer los artesanos y cómo lo hacen para saber cuáles son sus límites y si podemos desafiarlos o no. Una vez entendiendo esto podemos empezar a diseñar.

En este caso, al tratarse de vidrio, tratamos de hacer algo diferente, ahí radica su complejidad”.

En el caso de las piezas cilíndricas, el proceso de producción es diferente pues el vidrio se vierte en un molde cilíndrico. Quitar el vidrio del molde es particularmente difícil, ya que fácilmente puede agrietarse si se enfría demasiado rápido.

El lenguaje visual en Alcova es muy sencillo y cautivador, el color de cada una de las piezas es

ENTREVISTA

ligeramente diferente, resultado de la experimentación, sus imperfecciones enseñan sobre cómo fueron hechas.

Quisimos ahondar sobre su proceso de diseño y Erwan nos dijo: “Durante el proceso de diseño es complicado saber qué harás, creemos que tan sólo el principio es pensar, dibujar, investigar en torno al proyecto. Algo que es especial en el diseño, es que tan pronto como tienes una idea y la empiezas a desarrollar debes prohibirte tener nuevas ideas, realmente no las necesitas. Algunas veces, es complicado evaluar qué tienes que dejar ir y si estará bien, por eso nosotros dibujamos muchísimo, dibujar es la manera más práctica que tenemos para estudiar nuestras ideas, al mismo tiempo nos sirve para meditar un poco y descubrir qué podemos olvidar. Dibujar es una especie de actividad para trabajar contra el tiempo, mantenernos activos, aunque no necesariamente productivos, dibujar algunas veces sólo es una manera de sacar ideas”.

Al preguntarles sobre qué creen que deben hacer de los diseñadores jóvenes hoy en día, nos dijeron: “¿Qué es diseño? Básicamente es hacer cosas que tengan alguna función, de repente pensamos que se trata de hacer cosas con grandes máquinas en una fábrica, pero no, hacer cosas sólo es hacer cosas, me refiero a que no necesitas todo eso, lo que sí necesitas es practicar muchísimo, hacer y hacer, en cualquier tipo de contexto y seguir haciendo porque cuando creas puedes descubrir cosas maravillosas, en francés le llamamos l’altérité de la realité, que significa que puedes pensar tanto como quieras pero tan pronto lleves un pensamiento a la realidad, la realidad lo transformará porque el objeto no será tuyo, en algún punto será pertenencia de la humanidad. Las posibilidades para crear cosas en estos días son enormes, se pueden hacer producciones pequeñas, hay plataformas de financiamiento colectivo, el método industrial no es la única manera.” bouroullec.com | wonderglass.com

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“Es una colección hecha con una técnica de vaciado, donde moldean el vidrio como si fuera una pizza, dándole forma con diversas herramientas manuales.”

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CROMÁTICO

Retrato José Margaleff

La identidad del color

Tena

290-03

“Creo que como sociedad nos tendríamos que arriesgar más en el uso del color”: Ariel Rojo

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CROMÁTICO

selección realizada por un grupo de diseñadores, artistas plásticos y despachos, no sólo es una actividad divertida, agradable y que se lleva a cabo entre amigos, sino también una experiencia interesante en que gente especializada en color va dando seguimiento y línea para elegir una serie de colores y ponerlos todos juntos en una paleta que aglutina un concepto y lo transforma en una tendencia.

Para la propuesta de este 2018, Rojo colaboró con su intuición y conocimiento para crear la paleta de color: Reacción, que se inspira en las nuevas energías hacia la innovación y el activismo para proteger todas las fuentes de vida. Para él, es una paleta dinámica y contrastante. “Me genera mucha alegría –cuenta entusiasmado– y lo que transmite es vida e intensidad sin caer en los colores súper químicos”.

El diseñador acota que lo más importante de este ejercicio creativo es decirle al mundo que: “el color no es pintura, es algo más que solamente pintar y decorar tu casa. El color es una herramienta como tal para lograr un fin, un ingrediente en esta ensalada llamada diseño llena de intenciones y dependiendo del propósito de cada objeto y espacio se tiene que seleccionar el material y color adecuados. Creo que en el entender del buen vivir, de un lugar con diseño o la diferencia de tener un espacio sin diseño, la relevancia sobre el uso del color es fundamental. A mí, la aventura de diseñar me ha permitido usar el color de diferentes formas, a veces de una manera incluso tradicional”. arielrojo.com

Fotos cor tesía Comex, Libro ColorLife Trends 2018.

“NO PODRÍA DEFINIR el color en una sola frase, pero si lo tratara de describir en palabras sencillas lo explicaría como: el humor de la cosas”, dice Ariel Rojo con una franca sonrisa que delata su personalidad relajada.

Para él, que desde muy joven descubrió la pasión y el mundo de posibilidades que provoca el diseño –primero de manera empírica cuando perforaba y cortaba las placas de circuito impreso en la fábrica que le heredó su padre, y luego de forma teórica cuando eligió el diseño industrial como carrera profesional–, el color puede ser interpretado de diferentes maneras: “Una es la intuitiva en la que te puede alertar de un peligro como al ver una serpiente o el veneno de una rana cuya amenaza va en función de sus colores vibrantes, llamativos y muy atractivos.

Digamos que este es el primer acercamiento que los seres humanos tenemos con la interpretación del color y de cómo los usa la naturaleza. Por otro lado, está la apreciación más racional sobre cómo interpretamos y usamos el color, la cual tiene que ver con los significados que le hemos dado según nuestra cultura; esos simbolismos son lo que guían a los entusiastas y expertos hacia la creación de tendencias”.

“En mi trabajo como diseñador, el color se ha vuelto en uno de los tantos ingredientes con los que puedo maniobrar; ya sea como la madera o el acero, el color también es un atributo que puedo encaminar hacia un objeto y que debería de estar justificado para él. Por eso, a lo largo del tiempo he hecho cosas tanto con ausencia de color como blancas o incluso del tono natural de las piezas, o bien, objetos como algunas bicicletas que andan rodando por la ciudad y que intencionalmente son de colores vibrantes para llamar la atención de la gente”. El punto –insiste Rojo– es que el color puede ser utilizado de muchas maneras, es como ya lo mencionó: un ingrediente que si se comparara con una receta de cocina, su uso dependería de qué tan picante o condimentado se deseé un platillo para agregarle o no más color.

En su opinión, la dinámica de Comex de crear tendencias de color basándose en una cuidadosa

“En la ciudad se encuentra un universo de murales llenos de color que le dan vida a las calles y eso es interesante".

Ar te por Jorge Medina

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CROMÁTICO

MI PALETA DE COLOR FAVORITA: De la tendencia Reacción, mis colores predilectos son Locura, Chapas y Tena. La aventura de diseñar me ha permitido usar el color de diferentes formas, a veces de una manera incluso tradicional.

Ácido

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Tena

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Chapas 085-05

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Líneas, geometría y cuerpos celestes Texto ITAYEDZIN ARAGÓN

Light light por Dimitri Bähler para Established & Sons

Fotos cor tesía de las marcas par ticipantes.

Curaduría SANDRA MONTIEL

ESPECIAL ILUMINACIÓN

Either / Or por Søren Kierkegaard para The Coast

La iluminación y sus posibilidades convierten al diseño en el mejor vehículo para mantener la conexión divina que tenemos con ella, si bien explicamos el fenómeno de la luz con ciencia y mediciones, la belleza que la luz posee sigue siendo fuente de fascinación infinita.

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ESPECIAL ILUMINACIÓN

Tempo por Atelier de Troupe

Maru por David Trubridge

Horah por Raw-Edges para Spazi Krizia Wonderglass

Eclipse por Lee Broom

Aura por Marset

Fotos cor tesĂ­a de las marcas par ticipantes.

Bola Felt por Pablo Pardo + Pablo Studio

Coco por Larose Guyon

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Espacios colaborativos Las nuevas oficinas de USG en México son como un showroom, en el que hay sistemas de construcción ligera y plafones, aplicados para la necesidad que han sido creados.

Fotos cor tesía USG

“Nosotros construimos espacios excepcionales, debemos habitar un espacio excepcional. Nuestras oficinas anteriores funcionaron muy bien, pero ahora queremos reflejar toda la innovación que ofrece el portafolio de USG en nuestro propio espacio de trabajo”, cuenta Fernando Fernández, director de la compañía en México, quien recientemente presentó sus nuevas oficinas centrales en la Torre 1 del Corporativo Quad en Santa Fe. Diseñadas por el arquitecto Gerardo Broissin, este espacio –de 1,300 m²– busca generar un entorno de trabajo colaborativo con áreas comunes de convivencia; landing offices para reuniones casuales y con todos los recursos para facilitar la conectividad; phone booths, estaciones de reciclaje para fortalecer una cultura a favor del medio ambiente y, en general, ambientes amplios, abiertos y con grandes entradas de iluminación natural. Particularmente, se usan conceptos especiales en sus plafones para lograr una combinación de acentos visuales, reflexión de luz y un control acústico; además de que también se busca crear un ambiente elegante, estilizado y personal tanto en techos como en muros.

4.

De las diferentes áreas, sobresale la USG Arena que emula el concepto de una plaza pública dentro de un espacio privado con el afán de motivar la interacción vertical, de arriba hacia abajo entre colaboradores. Ésta funciona como un centro de reunión natural porque es el acceso por donde la comunidad transita todo el tiempo.

Así, las oficinas promueven el bienestar del personal con un concepto único.

Un aspecto importante es que el nuevo espacio de trabajo de USG incorpora distintos sistemas de construcción ligera y plafones que ofrece la compañía dentro de su portafolio; por lo que, además se convierte en un gran showroom didáctico, a través del cual se pueden ver todos los sistemas aplicados en su justa dimensión y para la necesidad que han sido creados. usg.com

4. USG PIXELS® WALL MOUNTED PANELS

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ESPECIAL CORPORATIVOS

LUGARES DE TRABAJO MÁS ABIERTOS Y FLEXIBLES Textos y entrevistas MARTHA LYDIA ANAYA

ESPECIAL CORPORATIVOS

En las oficinas originales de Gifan Internacional solamente contaban con dos tĂ­picas salas de juntas; ahora los espacios colaborativos rompen con ese esquema.

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ESPECIAL CORPORATIVOS

Oficinas dentro de una bodega GIFAN INTERNACIONAL | TALLER PARALELO | TULTITLÁN, ESTADO DE MÉXICO Fotos LUIS YOUNG De tener una bodega en Naucalpan donde los colaboradores de la empresa ya no cabían y la operatividad se complicaba, la importadora Gifan Internacional se mudó a unas nuevas instalaciones hacia la zona industrial de Tultitlán en el Estado de México. La nave a la que llegaron prácticamente estaba ‘pelona’ y fue en ese momento en el que taller paralelo (César Flores + Mikel Merodio) tuvo un acercamiento con la compañía encargada de la distribución de productos premium a los mayores supermercados del país para empezar a transformar sus oficinas. “Este ha sido un proyecto que se ha realizado por etapas y que con el pasar de los años se ha nutrido de una conversión interesante entre las áreas de trabajo que, en un principio, eran más cerradas y tradicionales; y ahora son más abiertas y colaborativas”, cuenta Mikel Merodio sobre la ampliación más reciente de este espacio corporativo, creando un concepto industrial como principio de diseño. “Dentro de los 9,500 m2 de bodegas se encuentra el área corporativa de

la empresa, la cual realizamos en el año 2013 sin saber el rápido crecimiento que tendría; con el pasar de los años el cliente nos fue solicitando distintas ampliaciones hasta llegar a la etapa 5 (en el 2017), como denominamos a este proyecto”, enfatiza el arquitecto.

En esta propuesta, las necesidades eran generar un espacio para el área comercial, en donde las personas que llevan las marcas de manera local y los representantes del extranjero pudieran convivir y conocer el trabajo que cada una realiza, pero dentro de un espacio flexible con distintas áreas colaborativas. El reto fue integrar un nuevo volumen de dos niveles sobre las oficinas existentes, sin afectar la operación del corporativo; este volumen está compuesto por una estructura de acero aparente la cual contrasta con el resto de las oficinas al ser una gran vitrina abierta a la bodega, a 4 metros sobre el nivel de desplante, para poder demostrar la operación del día a día. tallerparalelo.mx

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Antes de la ampliación no había interacción entre la gente de oficina y de bodega. Hoy, las oficinas son más abiertas y la gente conoce lo que hace.

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ESPECIAL CORPORATIVOS

Atmósferas llenas de vegetación sustituyen la falta de vistas hacia ambientes exteriores y hacen que las funciones de los colaboradores sean aún más cómodas y amenas.

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Un edificio más humano AEROMÉXICO CECAM | OXÍGENO ARQUITECTURA | CIUDAD DE MÉXICO

Fotos JORGE GUADARRAMA Aeroméxico decidió abandonar su sede corporativa de muchos años, ubicada sobre Paseo de la Reforma en la Ciudad de México, para que el sitio que ocupaba pudiera ser redesarrollado y se construyera un nuevo edificio en ese mismo lugar. Eventualmente parte del equipo de la compañía regresará a este nuevo espacio; mientras tanto un grupo de colaboradores ha sido reubicado en una sede temporal en Reforma y un segundo bloque, el mayor, se ha trasladado a un edificio (propiedad de la aerolínea) en las inmediaciones del aeropuerto Benito Juárez de la Ciudad de México, conocido como CECAM. Para los colaboradores de la aerolínea, esta era una zona de la ciudad menos deseable que donde estaban las anteriores oficinas, sobre todo porque el edificio no contaba con las condiciones favorables para su uso como oficinas: su techumbre sufría graves deficiencias acústicas, sus muros perimetrales carecían de ventanas con acceso a vistas e iluminación natural y dadas sus grandes dimensiones –alrededor de 7,000 m2– el proyecto

estaba en riesgo de volverse un espacio impersonal en escala.

Para fragmentar el piso y otorgarle al proyecto una escala más humana, el equipo de Oxígeno Arquitectura optó por “partir” el edificio en el sentido longitudinal con un núcleo constituido por áreas de servicios sanitarios, estaciones de café e impresión, salas de reuniones informales y archivos de alta densidad; estas áreas también se saturaron de vegetación para poder subsanar la falta de vistas exteriores. Por su parte, en el sentido transversal se colocaron pabellones constituidos por oficinas privadas y salas de reuniones, logrando así que las áreas de trabajo abiertas fueran de una escala reducida y más humana respecto a la de la nave. Se puso especial cuidado en que las oficinas fueran de la más alta calidad, compensando la poca deseabilidad de la ubicación. En cuanto al problema acústico, este se resolvió mediante la aplicación de un tratamiento correctivo a todo el elemento. oxigenoarquitectura.com

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Color y emociones SERES LEADING | WTF ARQUITECTOS | CIUDAD DE MÉXICO

Fotos ANGÉLICA IBARRA Seres Leading es una empresa enfocada en el desarrollo del talento humano, su principal objetivo es la búsqueda y selección de ‘diamantes en bruto’ hasta su capacitación y operatividad desde niveles medios hasta directivos en empresas de diversos giros. Por eso, para el equipo liderado por el arquitecto Sinuhé Vera Montes de Oca de WTF arquitectos fue importante desarrollar este proyecto conforme dos niveles, en los que el eje rector principal es: el ser humano, teniendo como intención detonar sus diferentes emociones a lo largo del recorrido por todo el espacio.

Así, la recepción es un espacio casi monolito y monocromático en donde se despliega un degradado de los colores representantes de la marca en metal perforado, los cuales van subiendo a lo largo de un muro para convertirse en pérgolas y generar el primer umbral dentro del espacio. Éste dirige a los colaboradores hacia la abstracción de hexágonos, cambiando las formas de contexto y

transformándolas en elementos arquitectónicos como libreros, muros, plafones, celosías para generar un carácter más divertido y atrevido a esta área, combinando con maderas para dar un toque cálido y acogedor.

La selección de mobiliario Herman Miller para áreas abiertas y privados empata la funcionalidad y dinamismo para el óptimo uso de los espacios con toques en color negro y madera, que envuelven al usuario en un ambiente relajado, aunque sin dejar atrás la esencia retadora, irreverente y colorida de las oficinas. Estos últimos conceptos se llevan en el diseño de plafones que, al combinarlos con iluminación integrada, asemejan una gran luminaria única que se vuelve detonante y partícipe del recorrido por el espacio. El diseño de pisos en triángulos y degradados de colores hacen referencia a los quiebres del diseño, que se abre a lo largo del espacio como un tapete único. wtfarquitectos.design

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La iluminación se integra a los elementos arquitectónicos de estas oficinas y se hace partícipe del espacio al cambiar entre elementos cálidos y fríos.

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Luz natural y tonos vivos MACQUARIE | ESKEMA ARQUITECTOS | CIUDAD DE MÉXICO

Fotos JUAN CARLOS JIMÉNEZ + JAIR NAVARRETE

En un área de 1,000 m² y con materiales como la alfombra con diseño se crea un ambiente laboral efectivo, pero con cierto aire de informalidad.

Este proyecto corporativo se encuentra en Torre Virreyes, uno de los edificios más vanguardistas del poniente de la Ciudad de México; el reto de Eskema Arquitectos fue crear un diseño de interiores con un toque de mexicanidad, que expresara con contundencia el prestigio de una marca, pero con cierto aire de informalidad y que además diferenciara estas oficinas del resto de las que la compañía tiene alrededor del mundo.

Estos requisitos fueron fundamentales para la elección de la paleta de color, el tipo de mobiliario y la disposición de los espacios. El programa tenía que contemplar que tres áreas de negocio distintas convivieran en un área de descanso que no fuera una cafetería convencional y aburrida, sino un breakout que ayudara a los colaboradores a sentirse fuera de la oficina y a despejar la mente. En ese lugar en particular se puede observar un remate visual muy divertido y colorido en el muro, mesas grandes que permiten la convivencia en un espacio con circulaciones amplias, bien iluminadas y ventiladas.

Otros espacios importantes son las salas de juntas que se ubican alrededor de la recepción; la configuración de éstas ayuda a combinar diferentes tamaños de reuniones, pero siempre conservando ciertas características de privacidad; por ello se tuvo especial cuidado en el aislamiento acústico de los muros. Un aspecto a destacar es que, aunque no se perseguía ninguna certificación, se siguieron las mejores prácticas de sustentabilidad y bienestar.

En cuanto a materiales, se combinaron la alfombra con diseño y un colorido que imprime movimiento a los espacios, además de losetas vinílicas para el área de cafetería y recepción. Aunque el color gris predomina, estas oficinas no son oscuras ya que el diseño contempla las entradas de luz natural en la mayor parte del espacio, esto aunado a toques de color muy vibrantes. eskema.com.mx

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Ensamblaje amable y apariencia etérea OFICINAS GEOMETRY | BIOMAH RAÚL HUITRÓN ARQUITECTURA | CIUDAD DE MÉXICO

Fotos LUIS GORDOA “El principal lenguaje arquitectónico de este proyecto era lograr una apariencia mucho más etérea en las oficinas”, platica Raúl Huitrón al hablar de la ampliación que le solicitaron hacer de las instalaciones de Geometry Global, una empresa que forma parte de un corporativo de origen inglés y que se encuentra en las Lomas de Chapultepec en la Ciudad de México. “En colaboración con el despacho de Serrano Monjaraz –continúa Huitrón– ya habíamos intervenido estas oficinas en el 2015, pero esta vez sólo Biomah Raúl Huitrón Arquitectura estuvo a cargo de realizar un ensamblaje amable entre lo que se había hecho antes y lo que se buscaba ahora. Quisimos hacer un contraste que fuera parte de la intencionalidad del proyecto, pero que al mismo tiempo conservara su personalidad. Por eso, prácticamente lo que hicimos fue hacer ‘una extensión blanca’ del espíritu original del proyecto (que era más oscuro) con el uso de pisos y muros en tonos pálidos; espacios abiertos, sin mamparas, para favorecer la comunicación y el contacto visual entre colaboradores, y entradas de

luz más amplias y amigables. La sala de juntas es el único lugar que encerramos en una ‘caja de vidrio’ dentro de todo este lenguaje blanco. Es un espacio en el que se logró una incorporación muy fina y delicada entre el antes y el después, con piezas de mobiliario que incluso se reciclaron a modo de darles una nueva expresividad”.

Huitrón hace hincapié en que el espacio consentido de toda la oficina es la sala de juntas, donde se han colocado una serie de grafismos y símbolos que representan el branding de la empresa y para la que particularmente se diseñó una banca que, en principio, parece ser de ornato, pero que tiene un toque lúdico con compartimentos para guardar papelería y otras cosas. “Lo interesante es su diseño aerodinámico y que está hecha con un nuevo material: una resina llamada krion que permite formas más caprichosas y resistentes, de tal manera que la gente también se puede sentar en esa banca. Es un elemento de diseño fantástico porque se funde con el espacio arquitectónico”, finaliza el arquitecto. biomah.com

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Particularmente para la sala de juntas se hizo una banca, hecha en resina krion que es muy resistente; su diseño tiene un toque lúdico.

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Estilo urbano para trabajar GRUPO AXO | SPACE ARQUITECTURA | NAUCALPAN, ESTADO DE MÉXICO

Fotos CORTESÍA SPACE ARQUITECTURA

Ubicadas en uno de los edificios de Toreo Parque Central, el recorrido por las oficinas de Grupo AXO inicia con una recepción principal que tiene materiales como madera gris, granito y acero, esta recepción se une al showroom/bistro por medio de unas puertas giratorias de lámina multiperforada laqueada en negro, con un mármol gris el cual da la ilusión que es una gran piedra a través de los 7 metros que abarca. El showroom tiene doble altura, el cual está pensado para que se vistan los clósets con la moda que quieran presentar, se presenten pasarelas y se atiendan clientes sin necesidad de usar una sala de juntas; está dividido del bistro por un muro móvil. A un lado se encuentra la sala de consejo, la cual puede sentar a 18 personas y cuenta con un videowall de 9 pantallas y plafón de madera. Al salir de la recepción hacia el área de trabajo está una escalera colganteada de placa de acero que da la ilusión de que son tirantes flotantes; pesa alrededor de 12 toneladas y está sobre un ‘tapete’ de mármol. Los trenes de trabajo son abiertos para tener flexibilidad según las necesidades de los colaboradores de la empresa y que puedan acomodarse para que la gente se siente alrededor de sus escritorios y pueda trabajar. Entre éstos se encuentran unos módulos que constan de mesas con clósets, los cuales sirven para ‘vestir’ el proyecto. En los módulos centrales se encuentran las oficinas de los directores, las cuales son abiertas con una sala de juntas, dos phonebooths y dos clósets.

El concepto del que parte este proyecto –diseñado por spAce Arquitectura– es un estilo urbano. Grupo Axo maneja diferentes marcas de ropa y un día tiene una, al día siguiente no. Por eso, se implementaron colores neutros-oscuros para que la moda resalte y vista los espacios de color. En los pasillos se usan viniles de madera en tonos grises, mientras que en las áreas de trabajo se implementaron alfombras que asemejan a un patrón de tela tweed. spacemex.com

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Son plantas divididas en dos áreas: el piso 22 es el área de diseño/marcas y el piso 21 son los shared services. Ambos espacios cuentan con mucha luz natural debido a que cuentan con las mejores vistas.

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En WeWork todo habla de diseĂąo, desde el papel tapiz hasta el mobiliario. El objetivo es crear espacios donde las personas se sientan motivadas a ir a trabajar.

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Espacios para coworking WEWORK ARCOS BOSQUES | ARTSYNONYM + HILDA PALAFOX | CIUDAD DE MÉXICO Fotos JOSÉ MARGALEFF

Quien ha entrado a un edificio de WeWork entiende por qué integrar diseño y detalles innovadores a espacios de trabajo funciona.

Cada vez que la compañía de origen estadounidense –pionera en impulsar una nueva forma de trabajar (llamada coworking) en todo el mundo– elige una nueva ubicación para construir uno de sus espacios, un equipo interno conformado por diseñadores, artistas e ingenieros, estudia la zona para adaptar el edificio a la cultura local e integrar elementos que reflejen la personalidad de su comunidad inmediata. Teniendo esto en cuenta es que se eligen colores, mobiliario y detalles de arquitectura que darán vida y vibra a las nuevas instalaciones.

En el caso particular del proyecto para el mural de WeWork Arcos Bosques se trabajó en alianza con el colectivo artístico Artsynonym para elegir a la ilustradora mexicana Hilda Palafox. El equipo interno de WeWork proporcionó

la paleta de colores brillantes y pasteles con el fin de resaltar la arquitectura y diseño del área, e Hilda ideó la figura femenina que recibe a los colaboradores. Para la compañía, elegir una paleta de color es indispensable para lograr transmitir las emociones adecuadas al entrar a cada uno de sus espacios: “Sabemos que la combinación correcta de tonalidades afecta cognitivamente a las personas. Fomentar la creatividad, la concentración y el aprendizaje, así como también proporcionar un ambiente armonioso es parte fundamental del éxito que han tenido los espacios de WeWork en el mundo. Claro que también estamos abiertos a escuchar nuevas formas de fomentar la creatividad. Parte de poder adaptar un lugar al 100% a una nueva locación es poder colaborar con mentes originarias de las ciudades donde elegimos estar”. En el mural de Hilda Palafox, por ejemplo, predomina el azul, un color que estimula el trabajo altamente intelectual y la productividad. El segundo color que tiene más presencia es el naranja en un tonalidades pastel y otras poco brillantes, lo que da una sensación de comodidad, indispensable en un lugar de trabajo. wework.com/oficina/coworking

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Conforme la filosofĂ­a de la empresa se usan: placa metĂĄlica, concreto y viroc por ser un material natural formado de madera y cemento.

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Puentes, escaleras y placa perforada DSFM | VIEYRA ARQUITECTOS | OCOYOACAC, ESTADO DE MÉXICO

Fotos JAIME NAVARRO

Doxsteel se dedica a la fabricación de anticorrosivos para metal y ensambles utilizados en la industria del petróleo; tiene planta y oficinas en Houston y en México. El proyecto de Doxsteelfasteners manufacturing en México se crea con la idea de refrescar la planta a través de la integración de nuevos espacios de oficinas y de control de áreas para producción y almacenaje. Además de integrar espacios para hornos y equipos, laboratorio, talleres, bodegas, áreas de limpieza y servicios para los colaboradores de la planta. El edificio original constaba de una nave de 40 x 10m con techumbre de lámina a dos aguas. A éste le acompañaba un volumen sin carácter industrial de dos niveles que funcionaba como oficinas y laboratorio.

El proyecto de Vieyra Arquitectos crea un ala nueva, paralela a una previamente existente para producción y oficinas, e integra un nuevo volumen de tres niveles: la planta baja para producción, almacenaje y acceso directo a la planta original a través del vestíbulo y de conexiones laterales; un

segundo nivel donde se ubican las oficinas desarrolladas bajo un esquema de espacios abiertos y áreas de colaboración, y el tercer nivel con un roof garden, que le da un uso de carácter lúdico al techo industrial que, por lo general, es desperdiciado. El laboratorio, por su parte, está ubicado en donde estaban las oficinas originalmente.

La fachada del nuevo complejo es una ‘piel’ de placa perforada, cuya elaboración es llevada en sitio, utilizando las maquinarias de la planta para hacer el corte del patrón. El diseño de las perforaciones representa la especialidad en productos químicos, mientras que el elemento conector entre oficinas, plantas y laboratorio es el vestíbulo de doble altura, envuelto con la fachada perforada de placa lo que hace que el exterior quede completamente permeable y el acceso sea controlado. Los distintos niveles se unen a través de puentes que vienen de la escalera principal, esto hace que la planta baja sea libre para el tránsito local. vieyrarquitectos.com

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Un prisma trapezoidal para oficinas CORPORATIVO UPTOWN | PASCAL ARQUITECTOS | JURIQUILLA, QUERÉTARO

Fotos MARCOS BETANZOS Además de cosmopolita y hermosa, Querétaro está catalogada como una moderna ciudad industrial, baste mirar y caminar por el centro comercial Uptown Querétaro en Juriquilla, donde se encuentra el Corporativo Uptown con 6 plantas de 1,250 m² incluyendo la planta baja, en un total de 7,500 m² construidos y con una altura de entrepiso de 4.5 m. La finalidad de este edificio es ofrecer infraestructura de oficinas de primer nivel a las empresas nacionales e internacionales que están llegando a la entidad con miras a instalarse y ampliar sus diferentes áreas de negocios. Se trata de un proyecto diseñado por Pascal Arquitectos, cuya forma surge del máximo aprovechamiento del espacio asignado: un prisma trapezoidal con esquinas curveadas para lograr un volumen más suave y menos agresivo. Su fachada está completamente forrada en cristal reflecta duovent modulado en piezas de 1.20 x 3.60 para que los cristales fueran de medidas estándar comerciales y así evitar que los costos se elevaran, junto con parasoles verticales de aluminio que proyectan 25cm

Querétaro cuenta con infraestructura de primer nivel como Corporativo Uptown, un edificio de vanguardia.

y contribuyen a bajar en gran forma el consumo de energía en aire acondicionado.

En la planta baja se encuentran los accesos al edificio, los cuales involucran tres niveles subterráneos para estacionamiento, el vestíbulo y motor lobby, mismo que se integra dentro de la planta para evitar volúmenes adicionales; al remeterse los paños de esta planta parece que el volumen del edificio está flotando. El vestíbulo de acceso está forrado de travertino Veracruz y madera de Guanacastle, la iluminación es indirecta y parte de su mobiliario se compone de sillones de piel roja que generan un punto de atención interesante para los visitantes.

Finalmente, en la azotea se desarrolló un espacio pergoleado con áreas de descanso rodeadas de vegetación, un lugar que además de recreo y esparcimiento luego de arduas horas de trabajo en la oficina también deleita la vista y el estado de ánimo con un excelente panorama de la ciudad. pascalarquitectos.com

ESPECIAL CORPORATIVOS

La idea del edificio es aprovechar todos los servicios de la plaza comercial Uptown, que tiene hotel, pista de patinaje, tiendas, restaurantes y supermercados.

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LO MEJOR DE NEOCON

NeoCon en su Aniversario 50: clรกsico y vanguardista

Foto Fran Parente

Texto GRETA ARCILA

Estaciรณn de trabajo Canvas Vista por Jeffrey Bernett, Nicholas Dodziuk, Douglas Ball y Joey Ruiter para Herman Miller.

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LO MEJOR DE NEOCON

SIN DUDA ALGUNA, la ciudad de Chicago es una de las más representativas en la historia de la arquitectura moderna con sus más de 1,100 edificios revestidos con pieles de piedra y vidrio. Nuevamente fue uno de estos cuerpos edílicos: el Merchandise Mart, donde se celebró el 50 Aniversario de la feria de NeoCon que ha logrado posicionarse como una de las más importantes en Estados Unidos en materia económica, pues la industria del mobiliario corporativo es una de las más sólidas en esta parte del continente americano.

Los pisos más visitados, como siempre son el 3, 10 y 11 con los showrooms de empresas como Steelcase, con su nueva paleta de colores más cercana al diseño europeo y con alianzas inmejorables como la que lograron con Microsoft desde años pasados; Herman Miller con su sólida propuesta entre Giger que abrazó el diseño japonés, sus alianzas con Maars y Hay, dieron una oferta más ámplia en accesorios y con acabados tan delicados que el usuario puede llegar a percibir que la mano del hombre estuvo presente en las maderas tan finamente terminadas. Haworth, sigue de la mano de Patricia Urquiola llevando las texturas a su máxima expresión y, con la influencia que le lleva también dirigir Cassina, con una muy afortunada mezcla de elementos que logran dar esa sensación tan buscada por esta industria: llevar el hogar a la oficina.Y en sí vimos el esfuerzo de todos de tener telas sumamente fibrosas y con altos contrastes, como los grises y los amarillos.

Uno de los aspectos más destacables y que el 80% de los expositores trató de abordar desde un punto de vista psicológico y sensorial a través de distintos elementos, fue llevar la sensación de libertad y movimiento al espacio de trabajo. De tal forma, desde un sentido más relacionado con la sanación, las plantas fueron protagonistas y al preguntar el por qué la respuesta era franca y corta: por el estado mental que se logra al estar cerca de una planta; así, vimos toda serie de vegetación, pero más en los espacios que promovían la colaboración, el intercambio de ideas y la creatividad; las plantas y el mobiliario de trazo sencillo ayudan a crear micro zonas. En ese tenor, el touch and rise lo vimos con empresas como Humanscale, que buscan hacer más intuitivo el uso de la tecnología y hacer, a través de esto, un ambiente de trabajo más apetecible. En sí, vimos diseño de líneas suaves, muy europeas, con accesorios inteligentes y sencillos, como los presentados por Teknion, Andreu World, Allsteel y HNI, que encuentran el balance entre contemporaneidad, vanguardia y líneas clásicas.

Lámpara de suspensión Trypta por Stephen Burks para Luceplan

Los colores de NeoCon fueron el verde y el azul con texturas finas, pero también los pasillos se permearon de los tonos pastel aunque dos o tres tonos más arriba que como se vieron en Milán. Una paleta creada en este sentido fue la de Coalesse, y sin duda lograron combinaciones en sus clásicos que reviven a piezas básicas para los amantes del buen diseño.

Knoll se fue a lo seguro e inclusive en su stand fue donde más vimos los azules y verdes, pero con unos acentos metálicos sumamente interesantes y antojables, no hay que quitar del lente que uno de los fuertes de esta casa de diseño son precisamente los textiles y justo a éstos emulaban flores y plantas gigantescas que parecían salir de un jardín surrealista.

Para los pisos, la oferta fue atractiva ya que al pisar las alfombras como algunas propuestas de Interface se sentían en los zapatos las sutiles alturas al caminarlas y con colores que remitían a los elementos naturales más básicos; trataban de llevar al usuario a otro espacio en su mente a través de la sensación. Por otro lado, Mohawk apostó por la sobriedad y armonía que dan los tonos cálidos contrapuestos con tonos fríos.Vimos sobriedad y un intento importante de llevar al usuario a un estado mental de tranquilidad y productividad, para alejarlo de los altos niveles de estrés que generan los espacios de trabajo, las obligaciones diarias y, en sí, el día a día. neocon.com

Fotos cor tesía de las marcas

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LO MEJOR DE NEOCON

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Pantalla autoportante Clipper de Turnstone | Steelcase Pantalla Surface Hub 2 de Steelcase & Microsoft

Lรกmpara de escritorio Nova de Humanscale

Colecciรณn Townhall por Rainlight para Allsteel

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LO MEJOR DE NEOCON

Sofá Ruta por PearsonLloyd para Andreu World

Silla lounge Muse por Jehs+Laub para Davis

Silla Enea Lottus por Lievore Altherr Molina para Coalesse

Fotos cor tesía de las marcas

Silla Flex Armchair por Piergiorgio Cazzaniga para Andreu World

Showroom Hospitality at Work de Knoll durante NeoCon 2018

LO MEJOR DE NEOCON

Silla Tango por Jehs+Laub para Davis

Silla Evo por Bruce Fifield para Allsteel

Colecciรณn Park por Norm Architects para Allsteel

Sillas Nuez de Patricia Urquiola para Andreu World

Silla Ginko por Jehs+Laub para Davis

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LO MEJOR DE NEOCON

Foto Fran Parente

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Mesa Axon por Naoto Fukasawa y Keiji Takeuchi para Geiger | Herman Miller

Estaciรณn de trabajo QuickStand Eco de Humanscale

Mesa Radial por Estudio Andreu para Andreu World

Mesas auxiliares Helio por Jehs+Laub para Davis Sistema de paneles Motif de PolyVision | Steelcase

LO MEJOR DE NEOCON

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Alfombra modular Outlier de Bentley

Alfombra modular Haven de Shaw Contract

Fotos cor tesía de las marcas

Colección de superficies duras Natural Choreography por Rockwell Group + Shaw Contract para Shaw Contract

Alfombra modular Urban Passage de la colección Nutopia de Mohawk Group

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RESIDENCIAL

RESIDENCIAL

Columnas, vigas y concreto aparente Casa Hidalgo | Alero Arquitectos | San Ángel, Ciudad de México

Una casa recién remodelada, encubierta entre las calles empedradas de la ciudad y llena de luz natural y vegetación.

Fotos JOSÉ MARGALEFF

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El punto medular de la residencia es: la cocina, que se une a una gran terraza con vista al jardĂ­n para amenizar las tardes familiares.

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“EN TODOS los proyectos siempre hay ‘un corazón’ que es el que organiza y distribuye el resto de los espacios”, cuenta emocionado el arquitecto Jorge Alessio Robles, director general de Alero Arquitectos, un despacho que en sus inicios fue fundado por don Enrique y Agustín Landa como Landa Arquitectos para después dar origen a lo que ahora es Alero Arquitectos. Al hablarnos de Casa Hidalgo en los alrededores del barrio de San Ángel en la Ciudad de México, Alessio Robles cuenta que esta residencia es un proyecto en el que él mismo trabajó durante varios meses; se trata de una remodelación total que diseñó para su familia como parte de un ejercicio interesante de crear un espacio que resolviera tres necesidades importantes: Primero, ser la casa para una pareja cuyos hijos ya no residen ahí, pero que eventualmente están de visita por largas temporadas; segundo, tener la posibilidad de recibir a las familias de sus hijos a través de la disposición de tres recámaras en la planta alta de la casa, dos de las cuales se utilizan como estudio cuando éstas no se ocupan; y finalmente,

disponer de un espacio apartado de la casa para albergar una colección de autos clásicos, que es la favorita del propietario de la casa y la cual ocupa un salón muy particular en el sótano.

Respecto de los otros espacios de la casa, el programa arquitectónico resuelve los servicios y las áreas públicas en la planta baja junto a la recámara principal. Por su parte, la estructura está hecha a base de columnas y vigas metálicas y los muros colindantes van en concreto aparente. Es importante remarcar que el punto medular de Casa Hidalgo es la cocina; por lo que, ésta se proyecta ligada a una gran terraza que da al jardín con la idea de planear largas tardeadas y charlas de convivencia con la preparación de deliciosos platillos a la mesa.

Un espacio doble altura que alberga las circulaciones tanto verticales como horizontales, termina por armar el esquema del proyecto, creándose una relación de liga tanto física como visual entre los espacios exteriores e interiores de la casa. alero.com.mx

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Una terraza abierta es el elemento mediador que motiva la convivencia en los espacios de L House.

Una casa en el patio L HOUSE | DELLEKAMP ARQUITECTOS | VALLE DE BRAVO, ESTADO DE MÉXICO Fotos SANDRA PEREZNIETO

UNA CASA para disfrutar de los fines de semana en Valle de Bravo que se caracteriza por su forma de ‘ele’ creada por la unión de sus dos volúmenes, los cuales están articulados por una terraza cubierta. Busca entretejerse con la vegetación del terreno y explora la tipología de casa-patio; por eso, su programa arquitectónico combina, en su volumen más largo, patios que permiten conservar los árboles oriundos del lugar y, a su vez, logra que éstos permeen con la intención de que la vegetación se apodere de ellos, haciendo “una casa en el patio y no patios en la casa”. El equipo liderado por Derek Dellekamp & Jachen Schleich + Ándres Palomino buscaron que la distribución de esta casa permitiera tanto a los invitados como a sus moradores habitar los espacios con total independencia, lo cual lograron con una terraza que funciona como elemento mediador y para la convivencia.

Un pasillo perimetral interno conecta a las distintas habitaciones como si se tratara de la fiel deambulación de un claustro. Asimismo, L House plantea la apertura en todo momento hacia la vegetación del jardín y los árboles de gran altura. La característica puerta-ventana presente en todos los espacios de la casa enmarcan, desde el interior de los volúmenes, las vistas hacia el lago de Valle de Bravo; mientras que los patios se conservan intencionalmente inconclusos en las esquinas de la vivienda, desprovistos de techo con la idea de evocar ruinas.

La terraza cubierta se convierte en el gesticulador principal para la interacción entre los propietarios e invitados, siendo esta área la más pública de la casa; de hecho, es el remate visual desde la puerta de acceso que sirve como una amable invitación al descanso desde que llegan los usuarios. dellekamparq.com

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Dellekamp Arquitectos traza una casa de descanso que, por su forma de diseĂąo arquitectĂłnico, se integra de manera inusual a la paleta vegetal del lago de Valle de Bravo.

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CDMX, área metropolitana y envío nacional 840 pesos EU 265 USD Europa 300 USD Realiza tu pago en Banamex: Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Sucursal 4271 Cuenta: 0132512 Clabe: 00218042710132512 Envía tus datos personales (nombre, dirección, télefono, correo electrónico) y comprobante de depósito a: suscripciones@glocal.mx Informes: 55.33.68.18

MA C RO TEN DEN CIAS formica.com/es/mx

JUEGO DE DIMENSIONES Arte y diseño se expresan con colores brillantes y texturas suaves de Formica® Surfaces. El color y la geometría –pilares de amoATO Studio– cuentan una historia con una pieza tridimensional que usa Centro Qi como escenario.

Editor de sección GRETA ARCILA Y GERMÁN VELASCO Fotos JOSÉ MARGALEFF

Materiales: Laminados decorativos marca Formica®: Navy Blue Matte Finish 969-58, Just Rose Plex Finish 8858-PX, Brasstoned Brushed Aluminum M2042, Brushed Bronzetoned Aluminum M2126, Mirror Aluminum M2021, Grenadine Microdot Finish 6902-MC y Plex Umbra M5307.

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Chamarra bomber, NIKE | Vestido, KARLOZ ZERMEÑO | Tenis Pegasus 35 NIKE.

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Materiales: Laminados decorativos marca Formica® Chamarra impermeable, PASCUAL OROZCO Top y leggins, LULULEMON.

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Luces, sombras y tonos metálicos Para contar una historia se necesitan varios elementos, amoATO Studio es un despacho –integrado por Raymundo Botello, Melissa Falcón y Saraí Noguez–, que hace uso del arte y del diseño, tratando de entremezclar los tres pilares de su filosofía: papel, color y geometría, como parte de su narrativa para crear los nuevos relatos con los que compartirá sus experiencias. Esta vez, usan los laminados de la marca Formica para diseñar una pieza en la que aplican los colores brillantes y metálicos, además de algunas de las texturas que integran la gama de colecciones recientes de la compañía. "El concepto de la pieza –platica Melissa Falcón– es el juego de las dimensiones: largo, ancho, profundidad y espacio.

Quisimos jugar con esto y con la filosofía de la geometría pura que son líneas y puntos, además de tener la parte del diseño industrial con la generación de volúmenes. El resultado es una pieza que si se mira de manera frontal se percibe en sólo dos dimensiones, pero al movernos alrededor de ésta se aprecia otra dimensión adicional en

la que hay diferentes efectos visuales gracias a las texturas, colores y acabados que se seleccionaron". Raymundo Botello agrega que el ánimo explorador que los ha caracterizado, siempre los había tenido con 'la espinita' de desarrollar una pieza que cambiara de perspectiva al rotarla o recorrerla: "Crear proyecciones sobre líneas y una superficie es algo que nos retamos a imaginar como un efecto interesante, sobre todo para el proyecto Macrotendencias –creado por Glocal– que integra arquitectura y diseño".

"Creemos que con las superficies de Formica se pueden hacer infinidad de propuestas, como en este caso en que el punto de partida fue un dibujo muy gráfico y plano para después llevarlo hacia algo más modular y funcional que se materializa en una pieza interesante con la aplicación de materiales muy gratos a la vista y al tacto", concluye Saraí Noguez. amoatostudio.com

Agradecemos a Centro Qi por facilitarnos sus instalaciones para la sesión fotográfica.

Materiales: Laminados decorativos marca Formica® página izquierda: Sudadera, NIKE | Mochila, LULULEMON.

Modelo: Andrea Carrazco @NewIcon Model Management Styling: Jorge Maceo Maquillaje: Cinthia Martínez Pelo: Renata Flores Asistente de fotografía: Daniel Mejía Constructor: Manada

PREMIO NOLDI SCHRECK 2018 Inscribe tu proyecto a la próxima edición que celebra lo mejor de la arquitectura e interiorismo en México glocal.mx

MACROTENDENCIAS

Look total MARÍA PONCE

CONTEXTURAS ARQMOV

DE TRAZOS SIMPLES Firenze + ArqMov Workshop aportan su conocimiento en revestimientos y diseño arquitectónico para crear un pabellón que parece emerger de la Ciudad de México y retoma la esencia de sus materiales.

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Materiales: Porcelánicos Rectificados | Grandes Colecciones de México / CDMX | Manto Negro 29x29cm | Piedra Magma Natural 59.3x119cm | Férrico Borgoña 59.3x59.3cm Moda: Vestido metálico, ANDRÉS PAJÓN | Sobrefalda, MARÍA PONCE Arete, FERNANDO RODRÍGUEZ DESING | Collar, MARÍA PONCE

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Editor de sección GRETA ARCILA Y GERMÁN VELASCO Fotos JOSÉ MARGALEFF

ARQMOV WORKSHOP + FIRENZE Emergiendo de la tierra ¿Cómo se podría conceptualizar a la Ciudad de México? Una manera de hacerlo es a través de una investigación de la mano de expertos en arte y del diseño que viven y construyen la ciudad. Firenze reúne a un equipo de talentos para desarrollar una colección inspirada en 'la belleza del caos' de nuestra gran urbe, designada como Capital Mundial del Diseño 2018. De este estudio –coordinado por el artista visual Virgilio Kuri, Idea Couture y en el que participaron voces como Carlos Acosta, Rodrigo Alegre, Emilio Cabrero, Marco Coello, Claudina Flores, Erica Krayer, Yuri Zagorin y Lorena Vieyra–, nace Grandes Colecciones de México que a través de cuatro series: Imaginario Cromático, Opulencia Retro, Raíces Expuestas y Nuevos Ritmos expresa la reinvención y resiliencia de la Ciudad de México. Karla Ibarra, gerente de marca de Firenze, comenta que lo que hizo ArqMov Workshop fue una interpretación de la colección usando los materiales para levantar 'muros' que nacen de la tierra y representan la esencia de la ciudad. "El resultado es maravilloso: un pabellón que emerge de una base en un espacio de 2X3 metros cuadrados, con una transparencia a través de una ventana y porcelánicos como Manto Negro o Férrico que emulan la piedra y el metal".

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Materiales: Porcelánicos Rectificados | Grandes Colecciones de México / CDMX | Manto Negro 29x29cm Piedra Magma Natural 59.3x119cm | Férrico Borgoña 59.3x59.3cm Moda: Vestido metálico, ANDRÉS PAJÓN | Sobrefalda, MARÍA PONCE Arete, FERNANDO RODRÍGUEZ DESING | Collar, MARÍA PONCE página derecha: Total look MARÍA PONCE

MACROTENDENCIAS

A ArqMov Workshop, un despacho con 22 años de experiencia en el desarrollo de proyectos de diseño arquitectónico, siempre le han entusiasmado las colaboraciones porque enriquecen el trabajo en conjunto. Fabio Correa, socio fundador del despacho, platica que cuando Firenze les presentó la colección les gustó mucho que está basada en México con varios tipos de modelos de recubrimientos. "Escogimos texturas naturales y colores tierra para trabajar la idea de diseñar un pabellón que sabíamos también se usaría como objeto de diseño y moda. El concepto se resume en: una pieza compuesta por varios muros a diferentes alturas (un poco inspiradas en las Torres de Satélite); que no está contenida en sí misma, es sencilla en trazo y tiene una vista exterior de 360°. No tiene entradas ni salidas y se puede recorrer por cualquier lado. Está diseñada conforme el despiece y tamaño de los porcelánicos con la intención de mostrarlos tal cual son y sin recortes. Procuramos que hubiera ciertas grietas para lograr perspectivas diversas". Para el arquitecto, los materiales de Firenze están bien hechos y muy bien rectificados, la junta no se nota al colocarlos; sus texturas se ven muy naturales y cuentan con diferentes patrones que se pueden usar en cualquier tipo de proyecto. arqmov.com

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Modelo: Kelin Dillon @GHManagement Styling: Jorge Maceo Maquillaje: Cinthia Martínez Pelo: Renata Flores Asistente de fotografía: Gustavo Barragán Agradecemos a Logistorage por facilitarnos sus instalaciones para la sesión fotográfica.

Agradecimiento a @steponfashion, @colectivocreativodemoda @anothercompany

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COLUMNA

“No son genios lo que necesitamos” Por JUAN CARLOS BAUMGARTNER Ilustración ZAMARRIPA

HACE YA MÁS de 20 años tuve la oportunidad de mudarme a vivir a Chicago, gracias a la oferta de trabajo de una firma de arquitectura con operaciones en varias ciudades de Estados Unidos.

Años después, decidí independizarme e iniciar mi propia firma en la ciudad de los vientos. Si bien, hoy en día nuestro trabajo se concentra primordialmente en América Latina, hice de Chicago una segunda ciudad natal; aquí nací como arquitecto y regreso cada año, en el verano, por varias semanas con mis tres hijos, quienes ya adoptaron a la ciudad también.

Hoy, caminando por una de las avenidas de la ciudad, sin mucha prisa ni rumbo muy establecido, me encontré en una calle que remata al río; las banquetas limpias como en pocos lugares y la brisa de verano que te ayuda olvidar lo drástico que puede ser el invierno. En ese momento, recordé un artículo que leí hace cerca de 20 años y que me ha acompañado como refección desde entonces.

En 1961, la revista Domus publicó un texto breve del arquitecto español José Antonio Coderch titulado: No son genios lo que necesitamos ahora. El artículo, que de casualidad llegó a mis manos en 1996 cuando iniciaba mi carrera, es una crítica a la forma de enseñar arquitectura que posteriormente determina en gran medida la forma en la que los arquitectos salen a ejercer su profesión.

Al inicio del texto, Coderch recuerda la anécdota de “un viejo y famoso arquitecto americano, si no recuerdo mal, le decía a otro mucho más joven que le pedía un consejo: “Abre bien los ojos, mira, es mucho más sencillo de lo que imaginas”.

También le decía: “Detrás de cada edificio que ves, hay un hombre que no ves.” Un hombre; no decía siquiera un arquitecto.

Coderch hace una reflexión de cómo en casi cualquier escuela de arquitectura se nos enseña a

Es urgente que los miles de arquitectos que andan por el mundo, piensen más en su oficio y menos en dinero. admirar la “genialidad” de los arquitectos famosos, pero poco se hace por entender los valores morales éticos de los buenos arquitectos.

Recuerdo que, hace más de 20 años, la primera vez que leí el texto me sorprendió lo actual que podía ser a pesar de tener cerca de 40 años (en esa época) de haber sido publicado. Hoy que lo leo de nuevo, me vuelve a sorprender; más de 60 años después, la mayoría de las escuelas de arquitectura siguen en una tónica muy similar, y por consecuencia muchos egresados salen en búsqueda de convertirse en el siguiente genio de la arquitectura. Coderch convencido de que los genios son acontecimientos no metas, insiste en su texto que no son genios lo que necesitamos, sino que los miles de arquitectos que andan por el

@zamarripa.mx

mundo diseñando piensen menos en arquitectura con A mayúscula; en dinero, o en la ciudad del futuro y más en su oficio.

Chicago me recuerda esta idea de la arquitectura de los genios versus la del arquitecto desconocido con pasión y honestidad. Chicago el playground del famoso Mies Van Der Rohe, quien vale la pena aclarar que no estudió arquitectura y ni siquiera terminó el bachillerato, cuenta con menos edificios de este arquitecto de los que uno asumiría; esta ciudad, en gran medida, está hecha de piezas diseñadas por cientos de “hombres detrás del edificio”, pocos edificios de Chicago son resultado del trabajo de “genios”. Lo que sí logró trasmitir Van Der Rohe fue este concepto originalmente planteado por San Agustín: “La belleza es la manifestación de la verdad”, el cual llevó a la arquitectura en cada una de sus obras.

Es así como caminar por esta ciudad me recuerda sin cesar las palabras de Coderch: “No son genios lo que necesitamos ahora”, y me pregunto cuántas décadas más tendrán que pasar para dejar de buscar genios en arquitectura. @baumgarj

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COVER STORY P. 42 AMIDST SKYSCRAPERS AND SPORTS STADIUMS True architecture is found in constructed buildings and not in the discourse of projects with lovely and idyllic façades:V-FO architects.

“One form that looks really good in images but is not functional, profitable or efficient is architecture on paper. They are just very good renderings but nothing else,” underscore architects Juan Andrés Vergara and Luis Fernández de Ortega, partners at V-FO, as they talk about when they were once shown designs by a very famous colleague, but paradoxically only one of those projects had actually been built and plus, over the years, it had become an obsolete, horrible building.

“True architecture –they emphasize– is what has been put up: constructed designs, which is what we like to show, because they reflect our view of orderly architectural work that follows certain rules and has a methodological standard.”

“To me, –adds Fernández de Ortega– there is a degree of euphoria for strange forms that, in some cases, merely end up being creative exercises or are unfortunately built and condemn cities to live amongst buildings that are going to be there for the next 10 or 20 years but that do not safeguard the social aspect of city formation.” It is a philosophy that doesn’t jibe with V-FO, which took its name from its partners’ surname initials.

They began calling it that in 2010, when they reached an agreement with the American group they worked with, to acquire the company with all the rights to the projects they undertake.

PERSONAL AND PROFESSIONAL CONNECTION To give a little history, Vergara and Fernández de Ortega met over 20 years ago, when for personal reasons, their families happened to be at the same party. “When I went up to the bar, I met ‘Chacho’s (as his friends call Vergara) father, and from then on, there was a very warm connection. We later added on the professional side, which has now evolved into these offices where we’re sitting right now,” Fernández de Ortega says during a very pleasant chat in their office space in one of the most iconic buildings on Reforma Avenue in Mexico City.

“This –he stresses– speaks to a personal connection prior to the professional one, which has been the underpinning of our success as partners and colleagues at a level of mutual respect and admiration. It has led to much more solid, trusting relationships between us and with our collaborators and clients and helps us deal with any kind of circumstances, some, of course, more complicated than others, as everyone has in life. In the end, I can only say that the balance is extremely positive, and we like challenges though we each have a different approach to things.”

Vergara digs a little deeper into his store of memories and tells how they started out in the Tacubaya district of Mexico City, near the British hospital, before moving to the building on Reforma, in 1999, and then changing floors 5 years ago. “Initially, I worked with the architect Terrazas de la Peña for 12 years, and with him I found out about collaborating with major international advisors in order to produce architecture. That’s where I learned to do things very systematically and orderly, and over the years it has proven to be a successful process. In 1993, when we joined an American architecture group, more than an office, we were now a worldwide firm with some 20 offices; we became its Mexico branch, and that was when Luis came to work. We started doing projects with that company, and

Luis and I have interacted professionally ever since. And we separated from the group in 2010.”

After becoming independent and adopting the name V-FO, the architects continued with their plans and have come up with new ones. They have enjoyed recognition for outstanding jobs in Mexico City, such as the first building with triple AAA features, in the Santa Fe district (where the offices of Ford Motor Company are) and Esmeralda II and III Towers. “We have worked hard on developing new generation buildings that are cutting edge in terms of security, spaciousness and energy savings, especially because we worked under NAFTA and those were features that the companies setting up offices in this country required. It was the period when there was a wave of corporate buildings that Mexico had never had before.

Some time later, we also started tackling large-scale sports projects.”

These days, not only has V-FO been honored with various awards but it continues going after others, with works like the KOI Tower in Monterrey that boasts being one of Latin America’s most impressive skyscrapers.

METHODOLOGY, ORDER AND TECHNIQUE But, what has been the key to their success? Without hesitation, Fernández de Ortega replies that they rely

Retrato José Margaleff

Interview Martha Lydia Anaya Portrait José Margaleff

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a great deal on experience but also on the way of doing things and on the technical part. “Making an analogy with music, painting or any expression of art, it’s a fact that architecture has to follow rules and certain guidelines.

Sadly, architecture is done very lyrically in Mexico. Since a link in its processes is broken, many projects are grandiose on paper but in practice end up as total failures due to lack of method.” This explains why V-FO boldly takes on the challenges of highly complex works, like sports stadiums, in which lack of methodology leads others to make mistakes in the creative, social and economic parts, besides all the technical requirements involved in each project. He is emphatic that: “It is about grasping the full cycle and not only re-creating the form of a pretty façade in pictures.”

‘Chacho’ backs up his friend and colleague’s arguments even more by sharing that as they have dealt extensively with real estate developers, they have learned about the business and the formal, technical and construction viewpoint they have of understanding the urban environment and processes. “There may be discourse around lovely, idyllic architecture, but major buildings are much more than that. They are instruments of a business that confronts functional and economic aspects. We have thus found a higher level of creating architecture in terms of sustainability, such as the HSBC Tower, that was the first building with gold Leed certification in Latin America; the BBVA Bancomer Stadium in Monterrey, with silver Leed certification, and the Cervantes 69 building, which was just awarded its gold Leed certification.” Another relevant aspect of the firm’s methodology has to do with technology. “We talk about sustainability, design and technology, which encompasses from the materials we use to the way of handling them in the elaboration of models and simulations,” Vergara says. And without wanting to be arrogant, V-FO has been a spearhead in the realm of sustainability and new generation buildings.

COMPLEX WORKS Clearly some projects are much more complex than others, and whether they are small or huge, a certain amount of time must be devoted to resolving them.

For ‘Chacho’ and Luis, all their projects turn into their favorites. For example, talking about the KOI Tower (a project that took 10 years to complete), it posed an interesting challenge when it came to thinking about how the structure and behavior would be for such a tall building. That analysis alone took the architects a year and a half to correctly figure out what structure would work best for what they had been asked for. “An engineer would have solved the problem, but it would not necessarily have

been the best response for us. Investments for this type of projects are so huge that we cannot take the liberty of wasting a single square meter, as it represents money, effort and resources. We do not start with preconceived ideas, nor are we architects who are universally guided by prevailing styles. The idea is not to try to trace a set square but work from the premise that each project is singular.”

In other examples, the BBVA Bancomer Stadium and the Chivas soccer team’s Akron (formerly Omnilife) Stadium also involved major challenges. Both buildings had to reflect the ideas of their owners: set in cities with exceptional features, equipped with high technology and with the condition that they be financially profitable.

“Arduous work eventually produced relevant structures with enormous possibilities, aligned with the interests of fulfilling process objectives,” concur Vergara and Fernández de Ortega, who do not rule out the chance of doing a museum, one of their as yet unfulfilled aspirations.

It wouldn’t be run of the mill, considering their portfolio of completed projects, but it would be an interesting plan to add to the list of iconic buildings they have put up. One thing’s for sure: V-FO has found its niche in projects with challenging complexity that do not follow recipes to the letter and completely discard clichés.

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INTERVIEWS P. 52 ANCESTRAL TECHNIQUE “I didn’t decide to be a designer. I studied sculpture, and when I learned how pieces are cast in bronze, one thing led to another.” — Sebastian Wrong Interview Itayedzin Aragón, Milan correspondent Photography Peter Guenzel Born in London, Sebastian Wrong is the current Design Director of Established & Sons. He originally studied sculpture at Norwich School of Art and went on to personalized doorknob projects, through which he learned about bronze casting processes. Today, Sebastian is a designer with over 18 years of experience.

Sebastian Wrong’s history with Established & Sons is not recent. It goes back to 2005, when he founded the company with Tamara Caspersz, Mark Holmes, Alasdhair Willis and Angad Paul. Wrong, left E&S in 2012, a year after founding The Wrong Shop, his own experimental platform through which he encouraged designers to work with unorthodox production methods. Collaborator names associated with that venture include Ronan and Erwan Bouroullec, Pierre Charpin, Nathalie Du Pasquier and Konstantin Grcic, among others. All the founders gradually went their own ways, leaving Angad as the sole remaining founding member. He continued as director until 2015, when, sadly, he passed away. A year went by, and the company was bought by another group of investors.

Last year, Sebastian went back to Established & Sons, to inject ideas with the perspective gained during the time he was away. The first collection he presented encompasses designs by Konstantin Grcic, Dimitri Bähler, Peer Lindgreen + Will Wiles, the Boroullec brothers, Mauro Pasquinelli, Albert Tercero and himself. We made the most of our chance to chat with him, so he could tell us about his design, a lamp called Filigrana, which brings a 16th-century glass tradition from Murano, Italy to the present.

“Filigrana was conceived when I visited the workshop where filigree glass is now produced, precisely viewing some of the more historic pieces. The kind of work done to make it is normally associated with old-fashioned settings, so the idea was to take this feeling and transfer it through a contemporary object and draw attention to the purity and beauty of filigree glass. To manufacture it, strips of colored glass are placed over a block of glass that is positioned and rolled inside a mold. When it is blown, the colors fuse with the base material, in this case opaque

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glass. It is a very special and particularly challenging technique,” the designer explained in an interview.

Actually, Filigrana is not merely a lamp. The possibilities are endless. Since it is hand crafted and in some ways experimental, each piece is different from every other, but one of the most notable features are its dimensions. The pieces range in diameter from 16 cm to 22cm, 37cm and 45 cm. “In fact, the artisans didn’t want to make the biggest piece, because it is the upper limit of what they can blow, and doing it involves excessive problems, as it means manipulating glass at extremely high temperatures, and they have to get it to be very lightweight. When finished, the lamp looks quite playful, nearly hypnotic and relaxing. It is one more example of what we do in this company: objects with a strong, defined personality.” The lamp is available in three colors: black, red and white. To achieve the finishing touch, acid is applied to give a super matte appearance.

Discussing the new generations and how they might find their space within the design world, Wrong said: “I think in these times, creative people have to multitask; they need to be able to take care of several aspects of their career, work a lot and believe in their ideas with genuine

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passion, efficiently focusing on their objectives.” His comment reflects the impressive amount of activities the designer himself must do. Supervising the creative side of Established & Sons involves product selection, technical development, relating with designers and introducing new talents, as well as contributing to the collection with his own designs.

P. 56 SCANDINAVIAN AND MULTICULTURAL “Somehow we are sure that design is about collecting global experiences, traveling as much as possible, taking your impressions to your place of origin and doing something with that information.” —Space Copenhagen.

Interview Itayedzin Aragón, Milan correspondent Founded in 2005, the studio Space Copenhagen has maintained a deeply Scandinavian design practice, including interior design, furniture and utilitarian objects, artistic installations and art direction. It all takes place under the direction of Signe Bindslev Henriksen and Peter

Bundgaard Rützou, both graduates of the Royal Danish Academy of Fine Arts, with whom we conversed during the launch presentation of the Danish brand Gubi, at the Palazzo Serbelloni in Milan, Italy. Our first question had to do with global communication on design and its international scope, “Of course we work in all kinds of directions despite having our studio in Copenhagen.

Clearly, with the flow of information, a great exchange of visual information can be achieved, and it can be accessible to people living anywhere in the world. This global influence is inherent to our idea of what design should be and do and how to do it,” Peter said.

Space Copenhagen takes off from this idea, having contributors from Asia, Australia, England, the United States and the rest of Europe. Signe, concludes, “Somehow the people we have in the studio are attracted to Scandinavian design, our lifestyle and values. So, we are not only a multidisciplinary but also a multicultural studio.

In fact, we usually speak English in the office, which was not at all common five or ten years ago. That has definitely been changing over time.”

Specifically talking about the work they do for Gubi, they both shared: “We have worked together for a long

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time. Our relationship is something we like a lot. We try to make it more extensive, so we have collections that, though they’ve been in their catalog for years, do not stay the same since they have been expanding and evolving: for example, the Stay collection of fully upholstered lounge chairs and sofas and the collection of Moon tables. This year we introduced the Gravity lamp series, comprising table lamps in three different sizes, to illuminate spaces in different public or private areas or spaces.”

We wanted to understand how a studio like Space Copenhagen develops its ideas and formalizes its products, and Peter told us: “It depends what we are developing.

Since we also do architecture and interior design and once in a while do restaurants and hotels, part of our design of objects comes, in a way, from other projects we are doing.

So, working on an architectural space ends up getting us to design some object that we need for that space. These places turn into the birthplace of a new object.” But it is not that simple, because understanding that an object works well for one place does not necessarily turn it into a good product. So, they work on ensuring that the design has its own identity and can occupy different spaces, “It is like the Gravity lamp, that has a very familiar profile and is a piece whose construction is quite simple. That helps it to be introduced into different settings; it works well in a minimalistic space and can also be put in a place like this palace. So, it’s about providing the object with the quality of having different personalities but without taking away its own strength. That is something we try to do,” Peter concludes.

And Signe thinks that objects need other qualities.

“Talking about the Stay chairs, they had to be simple and take up little space, but they also had to be comfortable and couldn’t be the center of attention, as they would be sharing space with other objects. So we have to be very careful about all those details. We start there, making the first sketches by hand, since that gives us a better idea of what we want to achieve. Then we move on to threedimensional models and do more research. With that you can start the conversation with the workshop that will do the manufacturing, because their skills also help find more practical production solutions. The process also depends on the materials, but it is part of what we enjoy as a studio, as we get to interact with other people who get excited about details, too.”

P. 58 GLASS LANDSCAPES “We never start a project without having been in the factory where it will be produced, because we try to understand its limits and how far we can challenge them.”

— Ronan & Erwan Bouroullec.

Interview Itayedzin Aragón and Sandra Montiel, Milan correspondents Photography ©Claire Lavabre, courtesy of Wonderglass Originally from France, the Bouroullec brothers are designers who have worked together for over 20 years on projects of varied scales and types. We were fortunate to talk with them about their first collaboration with

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Wonderglass: a series of glass volumes called Alcova, a name that alludes to a meeting place. The collection of objects is made up of niches and cylindrical vessels in a palette of grays, greens, clear tones and amber. Produced in three different shapes, the niches form the background for thick glass cylinders that can be displayed individually or stacked to create tall containers. Ronan spoke with us about their production: “It is a collection made with a casting technique rather than blowing, which is the more commonly used technique. Here, a group of artisans pour the melted glass on a plate and spread it out as if it were a pizza, until they have a thick sheet of hot glass. They then spread it into a mold and quickly shape it with a variety of tools. Next, they let the piece cool down a little, take it out of the mold and fire it again with controlled temperatures.”

The brothers worked very closely with the artisans to achieve this collection. For them, “It is very important to understand how our designs are produced, what the artisans can do and how they do it, to know what their limits are and if we can challenge them or not. Once we understand this, we can start to design. In this case, because it was glass, we tried to do something different, wherein lies its complexity.” In the case of cylindrical pieces, the production process is different, since the glass is poured into a cylindrical mold. Taking the glass out of the mold is particularly difficult, because it can easily crack if it cools too quickly. The visual language in Alcova is very simple and captivating, the color of each one of the pieces is slightly different, as a result of experimentation, their imperfections reflecting how they were made.

We wanted to delve into their design process, and Erwan told us: “During the design process it is complicated to know what you will do. We believe that the beginning

is just thinking, drawing, investigating about the project.

One thing that is special in design, is that as soon as you have an idea and start to develop it, you should keep yourself from having new ideas; you really don’t need them. Sometimes it is complicated to evaluate what you have to let go of and if it will be all right. That’s why we draw a lot. Drawing is the most practical way we have to study our ideas. At the same time it helps us meditate a little and discover what we can forget. Drawing is a sort of activity to work against time, to stay active, although not necessarily productive. Sometimes drawing is just a way of getting ideas”.

When we asked them about what they think young designers should do these days, they replied: “What is design? Basically it is making things that have some function. We may suddenly think it is about making things with big machines in a factory, but no, making things is just making things. I mean you don’t need all that; what you do need is to practice a great deal, to make and make, in any kind of context and keep on making, because when you create, you can discover wonderful things, what’s called in French l’altérité de la realité. That means you can think as much as you want, but as soon as you take a thought to reality, reality will transform it and most of the time, in a major way, because the object will not be yours.

At some point it will belong to humanity. The possibilities for creating things these days are huge. Small productions can be made. There are collective financing platforms. The industrial method is not the only way.”

OBJETO GLOCAL

Color y personalización SW_1 | Scott Wilson & MINIMAL | Coalesse

La popular colección SW_1 ahora está disponible en 17 combinaciones de color que fueron lanzados por Coalesse en NeoCon 2018. Los colores integrados en el Coalesse Color Palette están inspirados en California y se basan en lo natural, la tranquilidad y lo acogedor, cada uno nos recuerda los atardeceres, el verdor de las plantas de forma sutil o los azules del mar. Las posibilidades de aplicación no se limitan a la tapicería, se puede combinar el pedestal con acabado natural o bien aplicarle alguno de los colores, dando como resultado sillas frescas, alejadas de la rigidez que se asocia al mobiliario corporativo.

SW_1 es una solución adecuada para las nuevas realidades en el lugar de trabajo. Se trata de un asiento más bajo y más íntimo, ancho y cómodo. Inspirado en el mobiliario lounge, pero orientado al mobiliario de trabajo, que replantea nuevas posibilidades estéticas para las salas de reuniones. Todo un nuevo sistema de posibilidades de color. –IA coalesse.com

Foto cor tesía

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Anuncio Glocal 7st Thomas SN68 agosto.pdf 1 10/08/2018 02:54:37 p.m.