GLOCAL DESIGN MAGAZINE No. 40 Portada Homenaje Agustin Hernandez

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HOMENAJE AL ARQUITECTO AGUSTÍN HERNÁNDEZ | PREMIO NOLDI SCHRECK | MACROTENDENCIAS: NEOCON 2017 | ESPECIAL CORPORATIVOS | STUDIOPEPE | MONICA ARMANI | NICOLETTE NAUMANN

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NADIE PUEDE RESISTIRSE A LA BELLEZA DEL DISEÑO MODERNO Y MINIMALISTA DE LA NUEVA COLECCIÓN DE GRIFERÍA COMPOSED™.

Directora General

CONSEJO EDITORIAL

Editora en Jefe Greta Arcila

Presidencia honoraria

greta.arcila@glocal.mx

Gina Diez Barroso

Editora

Consejeros honorarios

Mar tha Lydia Anaya

Ar turo Aispuro Coronel

mar tha@glocal.mx

Miguel Ángel Aragonés Jorge Arditti

Editora de arte

Ar turo Arditti

Sandra Montiel

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sandra.montiel@glocal.mx

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Asistente de dirección

Héctor Esrawe

Liber tad Hernández

Jorge Gamboa de Buen

liber tad@glocal.mx

Juan Manuel Lemus

Portada por Jorge Medina HOMENAJE al Arquitecto Agustín Hernández

Beata Nowicka Edición web

Carlos Pascal

Karla Rodríguez

Gerard Pascal

redacciongdm@glocal.mx

Ariel Rojo Sagrario Saraid

Editor Macrotendencias Germán Velasco

Contabilidad Víctor Villareal

Colaboradores Jorge Medina

Gerente de ventas

Lisa Heller

Eduardo Rodríguez

Rober to Zamarripa

eduardo.rodriguez@glocal.mx

Rosa Hanhausen Gabriel González Fotografía José Margaleff

Contacto glocal.mx info@glocal.mx Manchester 13, piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, Ciudad de México.

Teléfono 52(55) 55.33.68.18

Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: agosto-septiembre 2017. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013041513043400-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Comercializadora GBN S.A. de C.V., Calzada de Tlalpan 572, despacho C-302, colonia Moderna, delegación Benito Juárez, 03510, México, D.F., Tel. 5618-8551. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V., Caravaggio 30, Col. Mixcoac, C.P. 03910. Del. Benito Juárez. México, D.F. Tel 5611-9653.

Portada Macrotendencias por JORGE MEDINA

Siempre mirando al pasado Somos pasado y presente. Somos historia propia y compartida. Somos hacedores de caminos y recorremos sendas ya trazadas; eso somos los seres humanos: palabras y sueños forjados a pulso, hechos materia corpórea e incorpórea ¿Qué es nuestro futuro? Lo que trazamos hoy y aquello que nuevas generaciones valoran, juzgan e investigan para crecer más como humanidad. Así es como miramos en esta casa editorial a todos los seres que construyen la realidad de nuestro país: con asombro, respeto y sobre todo con un compromiso real hacia el arte que emana de todas las mentes que publicamos; sabemos que ese arte edifica nuestra historia.Y no encontramos mejor manera de honrar nuestra arquitectura que haciendo hincapié en el legado de una mente que sabe valorar y respetar las culturas ancestrales de nuestro México. Hoy celebramos la obra del arquitecto Agustín Hernández Navarro. Sus proyectos son un reflejo real de un ser que ha indagado entre los libros y se ha encontrado con la geometría perfecta para llevarla a la materialidad. Agustín ha descubierto su lenguaje a través de la forma y estructura; ha leído ese entorno familiar tan inmiscuido en todas las Bellas Artes y ha enaltecido a la arquitectura mexicana a través de obras muy avanzadas en lo conceptual,

saliéndose de todas las corrientes artísticas que le tocó vivir, para proponer algo propio que en ese entonces se miraba sin comprensión, pero que se levanta con mucho carácter y con una individualidad muy particular. Su afinidad por las artes y por los personajes que lo crean como lo fue Mathias Goeritz, Diego Rivera y Gabriel Orozco a quien considera uno de los mejores artistas plásticos de México, lo acerca a la escultura y, en muchas de esas piezas, comprendemos mejor la materialidad de su obra.

Para seguir festejando la creatividad mexicana también mostramos en esta edición a los ganadores del Premio Noldi Schreck 2017, iniciativa que nace desde el primer año de nuestra publicación y que, año con año, toma más relevancia gracias a la participación del gremio de arquitectura e interiorismo. Créanme que el jurado no tuvo tarea sencilla. Tomo la palabra también para agradecer a casi 300 creativos que enviaron su trabajo a este concurso.

Y claro, tampoco puede faltar que presentemos cómo ha evolucionado el mercado para uno de los ámbitos más importantes para la productividad y para la mente: el espacio de trabajo. Hacemos la selección de lo mejor que vimos en la Feria de NeoCon en Chicago y mostramos propuestas en diseño interior para este ámbito. Esperamos disfruten esta edición, pues nosotros la gozamos a cada instante.

GRETA ARCILA Editora en jefe

glocaldesign

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Greta Arcila

@gretaarcila

arcilagreta

Contenido 06 DIRECTORIO 07 EDITORIAL 11 AGENDA 14 TECHNO

Digital Habits NUEVOS TALENTOS

16 Christophe Guberan 18 Alonso Cartú ACTUAL

20 Interceramic 22 Proezioni 24 Tomorrowland Tailors 25 B&B Italia 26 Pug Seal

18

30 DISEÑO + HISTORIA

USM 32 DISEÑO + CIUDAD

Casa Rivas Mercado 34 DESTINO DISEÑO

Suiza 38 ART BASEL 42 TALLER

La Norestense 46 MEXICANO DESTACADO

David Pompa

121

48 SU ESPACIO

Yuri Zagorin ENTREVISTAS 52 Studiopepe 56 Monica Armani 58 Nicolette Naumann 62 ENFOQUE

Agustín Hernández

ESPECIAL CORPORATIVOS 108 Wieden + Kennedy | Dariel

Studio | China 110 Honeywell | Oxígeno Arquitectura| México 112 Corporativo Neology | Taller Paralelo | México 114 British American Tobacco| Gürhan Bakirküre | Turquía

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Foto José Margaleff

74 PREMIO NOLDI SCHRECK

116 Corporativo Solís Cámara |

Almazán y Arquitectos Asociados + ML Arquitectos | México 118 Spaces | México 121 NEOCON 2017 131 MACROTENDENCIAS COLUMNAS 138 Juan Carlos Baumgartner 139 Luis Mercado Rojo 140 ENGLISH TEXT

74

144 OBJETO GLOCAL

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AGENDA

BALENCIAGA: SHAPING FASHION Hasta el 18 de febrero del 2018 Una exposición para los amantes del diseño de moda. Esta examina el trabajo y, por supuesto, el legado de Cristóbal Balenciaga. Son más de 100 piezas hechas por el llamado maestro de la alta costura las que acompañan a los visitantes durante el recorrido.

Prendas que reflejan el talento del español y que confirman que él, como lo dijo Coco Chanel en su momento, era el único verdadero ‘couturier’.

VICTORIA AND ALBERT MUSEUM Cromwell Road, Londes SW7 2RL vam.ac.uk

FRANK LLOYD WRIGHT AT 150: UNPACKING THE ARCHIVE Hasta el 1° de octubre Un conjunto de 450 obras realizadas entre los años 1890 y los años 50’s, incluyendo dibujos arquitectónicos, modelos, fragmentos de edificios, películas y más, es mostrado al público para celebrar el 150 aniversario del nacimiento del arquitecto estadounidense Frank Lloyd Wright. Es la primera vez que estas piezas son expuestas, divididas en 12 secciones con el objetivo de investigar y ahondar en diferentes elementos de la trayectoria del creador del proyecto Fallingwater, mejor conocido como la Casa de la Cascada.

13A BIENAL INTERNACIONAL DE CARTELISMO TERRAS GAUDA Hasta el 30 de septiembre

THE MUSEUM OF MODERN ART 11 West 53 Street, Nueva York, 10019 moma.org

Esta es la bienal de cartelismo de mayor prestigio internacional convocada por una entidad privada que invita a más de 150 mil diseñadores gráficos, estudios de diseño, universidades y las principales asociaciones de 178 países de todo el mundo a participar en el Concurso Francisco Mantecón. Los carteles que participen en esta edición serán expuestos durante un mes en la Estación Marítima de Vigo.

BODEGAS TERRAS GAUDA Km. 55, Carretera General de Tui-A- Guarda, Pontevedra, España. terrasgauda.com

AGENDA

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FROBENIUS, EL MUNDO DEL ARTE RUPESTRE Hasta noviembre 2017 Dentro del marco del Año Dual entre México y Alemania, el INAH y la Embajada de Alemania presentan esta muestra por primera vez en nuestro país que funge como una ventana a las primeras manifestaciones de arte y su sentido social. Son 103 objetos los que la integran, pertenecientes a la Universidad de Frankfurt, que son referencia del respeto que tenía Leo Frobenius (18731938), etnólogo y arqueólogo alemán, por las manifestaciones rupestres de África, Europa y Oceanía.

MUSEO NACIONAL DE ANTROPOLOGÍA Av. Paseo de la Reforma y Calzada Gandhi s/n, colonia. Chapultepec Polanco, Ciudad de México. mna.inah.gob.mx

PROJECTS 107: LONE WOLF RECITAL CORPS Hasta el 9 de octubre 2017 Projects 107: Lone Wolf Recital Corps será la primera exposición que reunirá al Corpus, un colectivo multidisciplinario fundado por el artista y músico Terry Adkins en 1986 que, desde su muerte, no se había juntado.

Los recitales de este grupo incorporaron la palabra hablada, la música en vivo, la proyección de video y movimientos coreográficos; y tenían el objetivo de reinsertar los legados de figuras inmortales no anunciadas en su lugar legítimo dentro del panorama histórico.

PLYWOOD: MATERIAL OF THE MODERN WORLD Hasta el 12 de noviembre 2017 ¿Se han preguntado cómo es que la madera contrachapada se posicionó y de qué modo hizo el mundo moderno? En esta exposición encontrarán la respuesta a través de piezas innovadoras de Alvar Aalto, Marcel Breuer y Charles & Ray Eames, de la mano con una amplia e increíble gama de objetos que van de patinetas hasta aviones que ilustran de manera perfecta la ligereza y versatilidad de este material.

THE MUSEUM OF MODERN ART 11 W 53rd St, Nueva York, 10019, EU. moma.org

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TECHNO

Cromatica, Sound XL y Open Mirror cumplen con el código fundamental de un diseño funcional, sin dejar de lado su relación del ser humano con el placer de sentir la música.

El sonido, un fenómeno que permanece en nuestras vidas, ha sido fuente de inspiración para infinitas firmas creativas; poco a poco, éstas han logrado que su transmisión sea más que sólo ser escuchado. Simultáneamente, el diseño representa un factor central en este tema, pues es gracias a esta disciplina ingeniosa que se logran propuestas tecnológicas atractivas a la vista.

Cromatica, Sound XL y Open Mirror, diseñadas por la empresa italiana Digital Habits, son piezas que cumplen con esos códigos de funcionalidad y expresión; además de satisfacer la necesidad de la relación del ser humano con la música, también impactan en la decoración de espacios. Cromática integra dos elementos esenciales en la vida del ser

humano: la luz y el sonido. Ofrece la facilidad de ser transportada a cualquier sitio debido a su sistema inalámbrico.

Su diseño se ve transformado al ajustar su color a través de una aplicación para móviles o de manera directa con opción a tono blanco o RGB. Por su parte, Sound XL es un sistema de audio con un diámetro de 85 centímetros que aumenta la frecuencia para ser ideal en espacios amplios como salas de estar. Su diseño cuenta con un recubrimiento textil que da vida a su estética.

La secuencia de tono se crea mediante yuxtaposiciones de color verticales.

Cuenta con air gesture, un sistema que sólo requiere un gesto de deslizamiento (sin tocar la pieza), para saltar a la pista siguiente o un movimiento circu-

lar alrededor de un anillo interactivo para ajustar el volumen.Finalmente, con Open Mirror hay dos opciones de funcionamiento: El primer modo es stand by, en el que este espejo se cierra y se ilumina con una delgada luz que indica que deja de funcionar; y el segundo es el modo play, durante el que la parte inferior se ilumina para hacer notar los controles de música. Más ejemplos del avance tecnológico podríamos tener, pero basta con estas tres bocinas que ilustran la insistencia del ser humano por hacer de su relación con los objetos cotidianos un acto natural, y no sólo eso, sino hacer de ellos piezas influyentes en su entorno gracias a las propuestas diversas en diseño. –KR digitalhabits.it

Fotos cor tesía Digital Habits

El SONIDO y sus frecuencias

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NUEVOS TALENTOS

Escultura de abstracción modernista “No es la tecnología en sí, sino cómo la usamos. Esa es la diferencia entre ingeniería y diseño”: CHRISTOPHE GUBERAN. Entrevista ROSA HANHAUSEN, Design Days Mexico

CHRISTOPHE GUBERAN es un diseñador suizo establecido en Lausana, quien al finalizar sus estudios en la École Cantonal de Lausanne (ÉCAL) fue invitado por un Profesor del Massachusetts Institute of Technology (MIT) a presentar su proyecto Hydro-Fold. Esta experiencia lo llevó a una colaboración regular con el profesor Skylar Tibbits, co-director del Laboratorio de Auto Ensamblaje (Self-Assembly Lab), en el campo de materiales activos.

Ha recibido varios premios por su investigación tales como el Swiss Design Award o el Hublot Design Prize; sus productos se han exhibido en festivales internacionalmente reconocidos como Mutations/Créations en el Centro George Pompidou en Paris, tanto en la Feria del Mueble como el Salone Satellite en Milán; ha sido invitado a dar varias pláticas para hablar del acercamiento de su trabajo actual, como en Design Indaba en Cape Town; y recientemente estuvo en México para formar parte del taller Visión y Tradición dentro

del programa “Suiza, País Invitado 2017” organizado por Design Week Mexico en colaboración con la Embajada Suiza en México. ¿Cuál es la influencia de la tecnología en la estética de un producto? Christophe nos explica que la diferencia entre ingeniería y diseño está en el uso de la tecnología. “Un gran ejemplo es el tejido 3D usado en los sneakers. Adidas y Nike desarrollaron la misma tecnología casi al mismo tiempo; Adidas comenzó a trabajar con patrones que todos conocíamos, tratando de que el resultado se viera como un tenis clásico, con el logo de 3 franjas de lado, y eso fue todo. Lo que pasó con Nike –y aquí es donde creo que aprovecharon esta nueva tecnología y le dieron un giro atrevido– fue que la usaron al mezclar estas cuerdas de manera que obtuvieron un zapato que no se había visto antes. Esto fue un nuevo método de producción y de estética.”

Agrega que lo que le gusta de la investigación y la innovación es cómo éstas ayudan a definir

una nueva estética basada en la técnica. Él particularmente se ha acercado al hardware hacking (modificar una pieza electrónica para usarla de otra manera, por lo general, de forma artística) y a la creación de sus propias herramientas. “Para poder discutir cómo las herramientas influyen en mi proceso creativo –dice–, enfatizaría en la importancia de crear tu propio estilo. Me encanta el hecho de que estemos rodeados de nuevas tecnologías, pero el objetivo es aprender a manipularlas para crear una nueva identidad. Para mí esto es la experimentación: cómo desarrollar un proyecto siguiendo mi visión, mis ideas y redefiniendo lo que el futuro de un producto puede ser.

Al final, las impresoras 3D no son lo importante, lo que me gusta de ellas es que van a cambiar la manera en la que trabajo como diseñador y para mí, eso es todo el punto de tener nuevas tecnologías.” christopheguberan.ch

Retrato Pedro Neto Fotos cor tesía Christophe Guberan

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NUEVOS TALENTOS

Contador de su propia historia “Hay algo de mí en cada una de mis piezas, creo que de manera intuitiva reflejan mi interés por conocer otras culturas”: ALONSO CARTÚ.

CAMINANDO ENTRE LOS PASILLOS de un bazar de diseño, conocí el trabajo de Alonso Cartú hace aproximadamente cuatro años e inmediatamente me detuve. En ese entonces él ofrecía a los visitantes unas libretas con unas ilustraciones en blanco y negro, sinceramente bellísimas –y excelentemente bien hechas–, y en cerámica mostraba elefantes blancos, negros y dorados. Me encantó esa narrativa ilusionista con la que se estaba involucrando creativamente y mejor aún, era algo no visto en el diseño mexicano; personajes sacados de historias fantásticas que por su belleza y misterio te cautivaban.

Hoy, lo presentamos con una propuesta más sólida con la que afortunadamente se ha abierto puertas de galerías, exposiciones y, mejor aún, con gran aceptación a nivel local y global.

Platiqué con él sobre muchos temas, entre ellos, desde dónde aborda su propuesta de diseño; me comenta que en su opinión el diseño debe de ser autobiográfico, debe de “hablar de un contexto personal y tener una identidad única. Soy muy cuidadoso con las piezas que termino y también con la manera en la que salen al mercado”.

Alonso no se encasilla en términos de diseño y le gusta involucrarse en distintas tipologías y usos de sus piezas ya que gusta de “hacer objetos

que tengan una ambigüedad especial en cuanto a su utilidad; me gusta que las personas interpreten las piezas y éstas puedan responder a la utilidad que cada quien quiera darle”.

A la pregunta de cómo fue que logró tener su propia identidad como creador, responde de facto: “A lo largo de los años he explorado sobre diferentes materiales, pero siento que la estética de mi trabajo es la misma, sólo se ha ido perfeccionando. Mi proyecto más reciente fue la publicación de un libro de fotografía de Japón al que invité a colaborar a varios artistas y diseñadores, esto le dio un nuevo giro a lo que hago: introducir nuevas ideas de diferentes personas a proyectos personales refrescó a mi trabajo y sin duda logramos una nueva identidad”. ¿Y qué hay de su amorío con la cerámica? “Hace siete años entré en contacto por primera vez con este material e inmediatamente quedé fascinado con su interesante proceso de gestación y la gama infinita de esmaltes y acabados. Creo que el lenguaje de la cerámica es universal y ha pertenecido a todas las culturas. Uno de los aspectos más nobles de trabajar este material es la capacidad de producción y el alcance que pueden llegar a tener las piezas”. alonsocar tu.com

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Entrevista GRETA ARCILA

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ACTUAL | SHOWROOM

Arte, texturas y coloridos azulejos Interceramic | CallisonRTKL | San Antonio y Dallas, Texas

de los espacios con pinturas del artista y mejor representante de De Stijl, Piet Mondrian. De tal modo que los desfases y encuentros de la retícula cuadrada sirven para enmarcar y enfatizar cada uno de los diseños mostrados.

El recorrido se hace aún más ameno y lleno de movimiento gracias al uso de displays e iluminación en rieles que destacan productos específicos, que ayudan a comprender mejor cómo lucen los productos ya instalados en entornos reales. Una de las características del mercado estadounidense en este rubro es la exigencia en variedad, texturas, trato personalizado y la oportunidad de encontrar todas las opciones en una misma tienda. Los nuevos espacios de presentación de esta cadena mexicana cuentan con ese punto a favor, pues sus amplias áreas de exhibición logran la congruencia de esos conceptos. Felicitamos a todos los involucrados en este paso de la marca por llevar lo bien hecho en México a nuevos mercados. –GA

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Fotos cor tesía Interceramic

Una de las firmas mexicanas de cerámicos con más proyección es, sin duda alguna, Interceramic. Esta empresa nacida en Chihuahua en 1979 supo mirar el mercado internacional y establecer las alianzas estratégicas con marcas de gran calidad –como lo fue en su momento Kohler–, lo que la ha posicionado como líder en su rubro por diseño, calidad y costo. La apertura de una fábrica en China hizo que sus directores y su CEO, Víctor D. Almeida García, vieran la globalización como algo más cercano.

Hoy, presentes en esa mira y con la conciencia de que la calidad de sus productos les abre las puertas en mercados exigentes, como el norteamericano, Interceramic presenta dos nuevos showrooms: uno en San Antonio y otro en Dallas, Texas, de la mano de la casa de diseño CallisonRTKL. La experiencia de compra es totalmente innovadora, pues una pared protagónica, formada con una cuidadosa selección de azulejos coloridos, da la bienvenida a cada uno

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ACTUAL | SHOWROOM

Fotos Silvana Spera

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Los límites de la personalidad Proiezioni | Cristina Celestino | Italia

Bajo el tema Personal/Shared y como parte de Una stanza tutta per sé –el proyecto más reciente de la curadora e historiadora Domitilla Dardi para Cantiere Galli Design en Roma, Italia–, Cristina Celestino presenta una instalación que abre el debate de la personalidad, ligado a lo privado y lo público. Su nombre es Proiezioni, entendido en español como Proyecciones.

Al entrar a la sala, la frase “Bienvenido a un lugar donde lo que aparece es otra cosa” abre los brazos y no hay excusa para resistirse a la sumersión en los elementos que la conforman.

Muros reflectantes que dan paso al horizonte, por cuyas coyunturas se cuelan destellos lumínicos simulando un cielo estrellado enmarcado por cortinas voluminosas. Así como, una superficie suave de alfombra sin bordes en tonos pastel que del mismo modo cubre el techo para dar lugar a la tierra y el cielo. ¿De qué modo reflexionarías acerca de lo que la

joven italiana propone? En una época en la que los medios de comunicación y las redes sociales hacen de nuestra vida algo público es complicado entender la diferencia entre lo interno y externo de uno mismo. El mundo tiene acceso a cualquier tipo de información, incluso a nuestra privacidad sin consultarlo. ¿Hasta dónde compartir nuestra existencia? Cristina exhorta a pensar sobre ello con una silla de jardín bajo un par de candelabros en forma de sombrillas.

Pero no resulta indispensable estar presente en la instalación, basta con observar las fotografías de Proiezioni para sentir la delgada línea que existe entre tener los pies en la tierra y saltar al abismo. “En el orden de las cosas, el interior es un espacio predominantemente íntimo y personal, y el exterior está dedicado a la socialización y el intercambio. Pero ¿qué ocurre si esta estructura es invertida?”, pregunta Cristina para invitarnos a la reflexión. —KR

Cantiere Galli Design Via Antonio Pacinotti 73 00146, Roma, Italia cristinacelestino.com

ACTUAL | SHOPPING

Fotos Paul Rivera

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Entre ladrillos de madera Tomorrowland Tailors | Amezcua | México

Pedregal 24, Lomas Virreyes Lomas de Chapultepec, 11040 Ciudad de México amezcua.mx

En un espacio de 100 metros cuadrados dentro de la planta baja de Torre Virreyes, obra del arquitecto Teodoro González de León, se encuentra la sastrería Tomorrowland Tailors, fundada en el 2011 por los socios expertos en moda Víctor Mizrahi, Max Feldman y Maximiliano Villegas. Ahí, justo en medio del trajín citadino que fluye entre las avenidas del Periférico y Paseo de la Reforma, en la Ciudad de México, destaca este singular y exclusivo lugar, donde se crean trajes a medida de la más alta calidad y con tejidos de las casas textileras más reconocidas del mundo. Cuenta con un frente de nueve metros cuadrados de cristal transparente, que funciona de forma natural como window display; mientras que sus planos horizontales –pisos y techo– son reflejantes y logran realzar la pieza central del proyecto: una especie de muro construido con 2,050 bloques de madera que funcionan como un nicho que

rodea a los clientes de la sastrería. La ideología arquitectónica que lo rige se centra en una búsqueda entre la tecnología digital y la mano de obra mexicana; el trabajo fuerte de carpintería no está únicamente en colocar los ladrillos adecuadamente, sino en la difícil tarea de conseguir la cantidad de madera de tzalam necesaria para producir 2,050 piezas macizas y ensamblarlas en el transcurso de seis semanas. El objetivo es proyectar una atmósfera que refleje un minucioso y selecto proceso de fabricación de los trajes para caballero, el cual es totalmente artesanal y permite a los clientes seleccionar hasta el más mínimo detalle de confección de sus prendas, como el cashmere de un saco o la solapa de seda de un esmoquin. Todo ello se traduce en una experiencia única de lujo que rescata lo mejor del buen vestir dentro de un espacio, creado y ambientado por diseñadores y arquitectos mexicanos. –ALM

ACTUAL | SHOWROOM

Materiales discretos B&B Italia | Antonio Citterio + Daniel Álvarez | México

Fotos cor tesía

Una mezcla de detalles y materiales que ponen en evidencia el lineamiento y estilo discreto, pero omnipresente del diseñador Antonio Citterio se suma a la ejecución del arquitecto mexicano Daniel Álvarez para crear el primer showroom de B&B Italia en la Ciudad de México. Así, paredes de color negro y elegantes elementos visuales enmarcan el icono atemporal de la compañía: la silla UP, nacida en 1969 gracias a la colaboración de Gaetano Pesce y la empresa fundada en 1966 por Piero Ambrogio Busnelli. Esta pieza da la bienvenida a todo el que va llegando a la tienda; sólo que, en esta ocasión, luce en color negro en lugar del tan característico rojo que hizo que se volviera uno de los productos estrella de B&B Italia. Como dato curioso, la silla se inspira en la mujer, las curvas y lo femenino, y representa esa figura ‘amarrada’ a una bola (como la cadena de los reos) que simboliza las ataduras que oprimen a la mujer.

Después, el espacio se divide en cinco ambientes distintos, ya que la idea es que la tienda vaya cambiando para que los visitantes puedan

disfrutar de todo el portafolio de la marca y se familiaricen con las combinaciones de telas, texturas y colecciones. La atmósfera se complementa con techos negros, sofisticados elementos divisorios en malla metálica, pisos italianos de piedra natural, luminarias que crean sombras y elegantes imágenes colgadas en las paredes.

Todo está hecho a la medida con la idea de que el cliente pueda elegir desde la tela hasta el color, los acabados, la piel, las dimensiones, el terciopelo y las hechuras; y es que el punto central es que cada una de sus selecciones se convierta en el protagonista de sus ambientes.

En su exterior, y con una ubicación sofisticada en la colonia Polanco, este showroom sobresale con una composición espontánea, intuitiva y acogedora; recuerda el ambiente de B&B Italia en Madison Avenue, Nueva York, en donde exhibe colecciones hechas con diseñadores, como Antonio Citterio, Piero Lissoni, Mario Bellini, Gaetano Pesce, Naoto Fukasawa, Patricia Urquiola, Barber & Osgerby, Jeffrey Bernett y muchos otros. –ALM

Pdte. Masaryk 275, esquina Temístocles Polanco IV Secc, 11550, Ciudad de México www.bebitalia.com

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ACTUAL | HOST

Una antigua máquina de escribir flaqueada por una bella silla Platner es la antesala perfecta al lobby.

Redescubriendo una casona de Polanco “Este hotel me llevó a mi infancia, de ahí vienen muchas de las experiencias que quiero que vivan los huéspedes del hotel”: Germán Velasco.

Texto GRETA ARCILA

Fotos JOSÉ MARGALEFF

TUVIMOS LA OPORTUNIDAD de vivir por un día el nuevo hotel Pug Seal, ubicado en el corazón de Polanco. Conocíamos el primer hotel de esta pequeña cadena mexicana y afortunadamente la evolución entre la primera y esta segunda propuesta, es mucha y para bien. Germán Velasco es un personaje muy peculiar; gusta de caminar por tiendas, bazares y showrooms con el único fin de observar y absorber todo el conocimiento posible al tiempo de estar cazando piezas para sus proyectos. En su casa tiene un gran almacén de “piezas encontradas” que algún día utilizará en uno de sus proyectos.

Para él, todos los proyectos deben de nacer de su propia historia: cada espacio tiene demasiado por decir, el reto del diseño es escuchar esas voces que emanan de los tabiques, cimientos, piedras y demás elementos. Y en esta ocasión, había mucho que investigar y abordar, pues el reto de intervenir una casona de los años 40, ubicada en una de las calles con más tráfico de peatones en la colonia de Chapultepec-Polanco, no era tarea sencilla ¿Pero qué arquitecto no quiere tomar el

reto de intervenir y contar nuevas historias de una casona de ese estilo tan bello como el Neo Colonial Californiano? Diseñar los interiores de este proyecto significó para Germán mover el pasado y reencontrarse con su niñez y con sus abuelos a quienes solía visitar muy seguido en esa tradicional colonia del centro de la Ciudad de México. Fue en su infancia cuando aprendió a observar y apreciar desde el parque, los columpios, los colores… todo eso que hace que la magia suceda en esas calles con nombres de novelistas, dramaturgos y filósofos. Todo aquello que vivió a temprana edad dejó en German sensaciones como amor, admiración, valentía; y sí, de ahí nacen los nombres de cada una de las habitaciones. ¿Pero qué historia quiere contar el Pug Seal Tennyson? Muchas y para invitar al visitante a perderse en el hotel y escribir nuevas y propias vivencias, en la entraba nos recibe una antigua máquina de escribir que, flanqueda por una bella silla Platner, nos envuelve e invita a encontrarnos con uno de los aspectos más lúdicos del hotel: el lobby en donde están suspendidos dos candiles-columpios

diseñados por Francisco Torres y Rosa Hanhausen, los cuales flotan sobre una alfombra de pétalos rojos –diseñada por Déjate Querer–, ambas piezas protagónicas fueron hechas a petición de Germán quien, a través este elemento, busca que los extranjeros vivan esa magia surrealista que experimentan a su paso por nuestro país.

La magia es un elemento que nos encontramos en varios rincones de esta casona, de tal manera que en la parte trasera, vemos una caja mágica que se prende de noche, ahí podemos apreciar al candil original, pero de día esa caja pasa desapercibida y sólo es incolora.

En las regaderas también hay sorpresas, para el momento más íntimo Germán buscó despertar sensaciones a través del arte gráfico, representado en obras de una compilación de un calendario gráfico de 31 días que data de los años 60.

Así, cada mueble y pieza en Pug Seal Tennyson tienen una historia propia y fueron seleccionados a detalle para que los visitantes redescubran nuevas experiencias. velascoarquitectos.com

ACTUAL | HOST

Piezas protagónicas como un par de candiles-columpios que flotan sobre una alfombra de pétalos rojos fueron hechas de manera exclusiva y a petición del creador.

Cada pieza y mobiliario tiene una historia propia y fue seleccionada a detalle por el arquitecto Germán Velasco.

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ACTUAL | HOST

La intención de Germán es despertar estímulos y sensaciones en los huéspedes a través de los objetos.

La magia surrealista creada con colores y formas es un elemento constante en esta vieja casona.

ADVERTORIAL

PROSPECT FUE RECONOCIDA CON EL PREMIO BEST OF NEOCON GOLD. COLOURFORM DISEÑADO POR SCHOLTEN & BAIJINGS FUE PRESENTADO PRIMERO EN MILÁN Y AHORA EN CHICAGO.

Fotos cor tesía

ESPACIOS + HUMANOS Herman Miller 2017 ¿Puede una oficina ser tan humana como las personas que trabajan en ella? Herman Miller piensa que sí, por eso, el mobiliario y tecnología que presentó en NeoCon 2017 en Chicago demuestra cómo es posible crear espacios de trabajo humanizados donde la gente es más feliz, saludable y aumenta su productividad. Este tipo de lugares ayudan a alcanzar metas estratégicas.

La propuesta de la compañía estadounidense es el concepto de Living Office, que se resume en la idea de hacer un espacio más natural y estimulante a través de "Performance Environments", estrategias para diseñar y dar vida a los ambientes laborales.

Un claro ejemplo es Live OS, el primer sistema empresarial centrado en lo humano, el cual consta de muebles interconectados tecnológicamente entre sí para permitir que se adecúen mejor con las personas. El servicio y soporte de este sistema incluye una aplicación móvil y un tablero que ofrecen conocimiento y recomendaciones basados tanto en casos reales como en el uso

cotidiano del mobiliario en la oficina.Ya no se trata de estar anclados a un lugar de trabajo sino de abrir espacios para que las personas se conecten con otros colaboradores al mismo tiempo.

Para crear este tipo de configuraciones, Herman Miller se ha asociado con proveedores de tecnología líderes en su ramo. Estas alianzas garantizan una variedad de soluciones, desde el sistema para buscar y reservar espacios para reuniones hasta plataformas de trabajo digitales que permiten a las personas colaborar en tiempo real usando cualquier dispositivo en cualquier ubicación.

Otros productos que la empresa presentó en NeoCon son: Prospect, un sistema de trabajo que motiva la colaboración en equipo; ColourForm, una colección de sofás, diseñada por Stefan Scholten y Carole Baijings;Verus, una familia de soluciones de asientos ergonómicos; Ollin, un brazo para monitor que fomenta posturas más saludables y las herramientas de trabajo Ubi que se basan en investigaciones sobre los principios en organización. hermanmiller.com.mx

DISEÑO + HISTORIA

Minimalismo y funcionalidad Luego de años de investigación, el fabricante suizo USM integra luz y energía a sus clásicos sistemas modulares, sin cables a la vista.

Entrevista

MARTHA LYDIA ANAYA, enviada Suiza

Fotos cor tesía

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DISEÑO + HISTORIA

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Cada accesorio se perfecciona de acuerdo con la técnica, de esta forma cada nueva pieza se puede integrar a otras ya existentes.

1885

Ulrich Schärer funda una ferretería y cerrajería en el pueblo de Münsingen cerca de Berna, en Suiza.

1961 y 1963

DETRÁS DE SÓLO TRES INICIALES se cuenta una historia muy peculiar: la de USM (Ulrich Schärer Münsingen), una compañía suiza que nació del sueño de inventar una sencilla bobina y ahora crea sistemas modulares en todas las direcciones posibles. Fue hace más de cinco décadas cuando el ingeniero Paul Schärer Jr. junto con el arquitecto Fritz Haller registraron el diseño de una esfera metálica con seis orificios con rosca, la cual es capaz de unir tubos metálicos de una forma única y estable. Más allá de su funcionalidad técnica, esa pequeña esfera cromada es un símbolo, pues a partir de ella se puede formar un sistema de módulos ampliable ilimitadamente.

En un recorrido por la sede corporativa de USM en Münsingen, cerca de Berna, su director de exportación para España y América Latina, Michele Cardone nos cuenta que “la idea inicial de Paul Schärer era la de combinar su amor por las cosas bellas con el sueño de hacer de la cerrajería de sus antepasados una empresa industrial. Una idea valiente que sigue teniendo el mismo éxito de antes”. Esa actitud ante el trabajo y la vida misma se palpa en los 1,334 metros cuadrados que ocupan las oficinas y planta de la compañía en Suiza. Su estructura abierta representa una ciudad con sus calles y espacios comunicativos, en donde sencillamente se viven los muebles. Es un gran laboratorio en el que robots sofisticados van armando con minuciosa precisión cada una de las piezas que dan como resultado los muebles de USM. “Nuestros sistemas modulares no sólo forman parte de la colección del Museo de Arte

Moderno de Nueva York –agrega Michele–, sino que también se reconocen como una obra de arte aplicada. Y eso, a nivel mundial, está protegido por una patente”. Claro que el mejor control de calidad sigue siendo el hombre; aunque los procesos de fabricación son muy controlados, cada pieza se inspecciona varias veces manualmente. “Lo que se ha producido con máquinas, se monta individualmente a mano. Nada pasa desapercibido a los entrenados ojos de nuestros colaboradores, cuya antigüedad en promedio es de 15 años”. Por si esto fuera poco, los muebles de la marca incluyen un valor adicional que no sólo se expresa en ergonomía, eficiencia o calidad certificada, y es que la sostenibilidad juega un papel importante. El uso responsable de energía, emisiones, materia prima y métodos de producción no se discute, pero también es interesante el tiempo de uso de cada mueble; cuantos más años se pueda usar menos perjudicará al medio ambiente. De ahí que los componentes se perfeccionen continuamente de acuerdo con la técnica, mientras que la imagen exterior y los principios básicos se mantienen intactos. “De esta forma se asegura que cada nueva pieza se pueda integrar en las estructuras ya existentes. Así, sistemas modulares USM construidos a principios de los años 60 aún se siguen usando y se pueden ampliar sin problemas. “El principio de que la forma sigue a la función se toma muy en serio en todas nuestras líneas de productos. Creamos un minimalismo formal que se combina con máxima funcionalidad”, concluye Michele.

El ingeniero Paul Schärer, hijo de Ulrich Schärer, se incorpora al negocio y comienza a trabajar con el arquitecto Fritz Haller. Crean el sistema modular USM Haller, que se convertirá en un producto flexible.

1965 y 1969

Se patenta la esfera de unión USM para muebles y, años más tarde, comienza la producción en serie y venta del Sistema Modular USM Haller.

El primer pedido de gran volumen es para amueblar el banco Rothschild en París, Francia.

2001

El Sistema USM Haller se incluye en la colección permanente del Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York, en Estados Unidos.

2015

Aniversario de los primeros 50 años del sistema modular USM Haller.

2017

Durante el Salone del Mobile en Milán se presenta la solución de iluminación USM Haller E, con la novedad de integrar el suministro de energía en la estructura de los módulos sin un solo cable a la vista.

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DISEÑO + CIUDAD

Un icono ECLÉCTICO Una labor titánica de 10 años de restauración más una inversión millonaria, rescatan el valor histórico cultural de la Casa Rivas Mercado en la Ciudad de México.

Texto MARTHA LYDIA ANAYA

Fotos LOURDES CRUZ/MEGARQUITECTOS

La casa tenía varios dictámenes de demolición, estaba a punto de derrumbarse; pero aun así logró restaurarse, conservando la monumentalidad de la obra original.

DISEÑO + CIUDAD

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Esta residencia se cita como un lugar protagónico en la novela A la sombra del Ángel de Kathryn S. Blair, esposa de Donald Antonio Blair, nieto del arquitecto Antonio Rivas Mercado.

“CUANDO LLEGAMOS a las instalaciones de la Casa Rivas Mercado, en la colonia Guerrero de la Ciudad de México, para evaluar la situación del inmueble; estuvimos a punto de derramar lágrimas por el abandono y el deterioro tan grande en el que se encontraba el edificio. Ni siquiera pudimos darnos cuenta de su valor histórico porque era tal el descuido de la casa que no se podían apreciar sus condiciones verdaderas”, relata el arquitecto Gabriel Mérigo Basurto, con más de 30 años de experiencia en proyectos de restauración y quien fue el responsable de la remodelación de la que fuera la residencia del arquitecto Antonio Rivas Mercado, creador de la columna de El Ángel de la Independencia.

“Una vez que la vimos a detalle -continúa el arquitecto-, nos dimos cuenta de que todas las paredes estaban recubiertas con capas de cemento de hasta 6 ó 7 centímetros de espesor.

Aparentemente, la gente que la habitaba quería vender la casa y se les hizo fácil hacer estos

arreglos. Sin embargo, cuando calamos los muros nos percatamos de que la construcción estaba tan deteriorada que todos los tabiques originales ya estaban bofos. ¡Estaban hechos pedacitos! Por lo que, hubo que quitar todo el cemento de manera muy cuidadosa para reponer cada tabique roto por uno nuevo. Esta fue una labor monumental porque cada ladrillo tenía que coincidir en tamaño y forma si queríamos respetar la monumentalidad de la obra”.

Luego de restaurar los muros, se trabajó con los pisos. Gabriel platica que “lo más valioso de esta casa, construida por el mismo Rivas Mercado en 1898 en plena época del Porfiriato, son los tapetes cerámicos de diseños extraordinarios para los cuales el propio arquitecto utilizó 80 modelos distintos de azulejos. Encontramos, por lo menos, tres tipos de pisos diferentes en toda la casa (cerámico, parquet y un entrepiso de cristal), que estaban totalmente dañados y que se tuvieron que redefinir. Había partes donde faltaba

mucho material y de los que se hizo una reconstrucción virtual para imaginar las producciones originales. Nos dedicamos a buscar y contactar a las distintas fuentes y lugares donde el arquitecto Rivas Mercado pudo comprar los pisos; hallamos algunos nombres de compañías europeas (ahora ya desaparecidas) y, finalmente, dimos con una empresa inglesa que conservaba ciertos moldes y técnicas muy cercanos a los prototipos. Así fue cómo trajimos una cantidad impresionante de material desde Inglaterra, con el afán de darle un valor único a la casa en el tema de arquitectura mexicana”. Se cuenta en unos minutos, pero hablamos de una labor titánica de restauración que llevó unos 10 años de trabajo especializado y que además requirió una inversión millonaria de recursos. Hoy, la mansión de los Rivas Mercado proyecta una personalidad única como icono del eclecticismo de su creador y de la historia de México. megarquitectos.com.mx

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DESTINO DISEÑO

Entre tintas y materiales En el mapa de la arquitectura y el diseño, Suiza no pasa desapercibida; sería un desatino no incluir un recorrido por sus reconocidas universidades de arte.

CONOCIDA POR LA DELICIA de sus reconocidos chocolates y por los escenarios idílicos de sus famosos Alpes que nos hacen viajar al cuento de Heidi (1880) de la escritora Johanna Spyri, Suiza también es la casa de las más prestigiosas marcas de relojes, así como de importantes instituciones financieras y organismos internacionales, como las Naciones Unidas, el Comité Internacional de la Cruz Roja y la Organización Internacional de Comercio, además de otras compañías multinacionales. También, por su estratégica ubicación, en medio de Francia, Italia y Alemania, es considerada como el centro mundial de la diplomacia y los negocios.

En el mapa de la arquitectura y del diseño, tampoco es un país que pase desapercibido. Baste citar a Le Corbusier (Charles-Edouard Jeanneret), quien es uno de los arquitectos, diseñadores, escultores y teóricos del diseño más influyen-

tes del siglo XX; mientras que entre los nombres de los creadores contemporáneos más conocidos están el despacho Atelier Oi, fundado en 1991 en La Neuveville por Aurel Aebi, Armand Louis y Patrick Reymond; Claudia Caviezel; This Weber; el estudio Big Game; d›Esposito & Gaillard de Lausana, Moritz Schmid de Zúrich y el diseñador industrial Nicolas Le Moigne de Cheseaux bei Lausanne. ¡Qué emoción saber que platicaríamos con algunos de estos personajes!

Fueron semanas de anticipación para preparar y coordinar las ricas charlas con los protagonistas suizos que están marcando pauta en la escena internacional del diseño. Aunque la visita a sus despachos rayó en lo casual, la plática con cada uno de ellos se convirtió en una experiencia llena de anécdotas e interesantes proyectos. Sin hacer menos a ninguna de dichas visitas, aprovecho estas líneas para compartirles el

Fotos ECAL/Younès Klouche

Texto MARTHA LYDIA ANAYA, enviada Suiza

La fachada de la ECAL llama la atenciรณn por su gigantesca malla metรกlica que la adorna.

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DESTINO DISEÑO

La creatividad no sólo depende del talento innato, también de la formación en aulas y talleres.

recorrido por la École Cantonale d›Art de Lausanne (ECAL), que es la universidad más renombrada para la disciplina del arte en el mundo.

Fue justamente Nicolas Le Moigne, titular-responsable del Master de Estudios Avanzados en Diseño de Lujo y Artesanía en la ECAL, quien nos regaló parte de su tiempo para mostrarnos las instalaciones de esta escuela, aún en medio de que se encontraba en la evaluación de los proyectos finales de sus alumnos. Entrar a esos grandes salones con mesas de trabajo envueltas en tintas, papeles y un sinfín de materiales desordenados nos transmite un mensaje único: la creatividad no sólo depende del talento innato, también de la formación e instrucción de los grandes maestros e instituciones.

Bajo la dirección de Alexis Georgacopoulos, la ECAL imparte programas de licenciatura, máster y diplomados de estudios avanzados en disciplinas, como artes visuales, cine, dirección artística, diseño de producto y diseño de lujo y artesanía. Su importancia en Europa y a nivel internacional se aprecia claramente a través de los logros de algunos de sus antiguos alumnos, como los fundadores del despacho Big Game y Antoine Boudin. El mismo Nicolas ha coordinado, dentro de sus aulas, los proyectos para marcas de lujo como Vacheron Constantin y Baccarat. Sin embargo, el savoir faire

suizo no sólo se crea desde los salones de clases y talleres de la ECAL, también el edificio en sí mismo encierra su propia historia: fue en 2007 cuando la escuela se mudó a la antigua fábrica de calcetines y medias IRIL en Renens. El renombrado arquitecto Jean Tschumi fue quien se encargó de la remodelación de la obra con el objetivo de convertirla en un edificio educativo, pero con atención especial en conservar su carácter original. Por eso, su interior consiste en una composición de salas grandes, mientras que la fachada principal es adornada por una gigantesca media de malla metálica.

Para muchos, lo mejor que tiene Suiza redunda en su naturaleza alrededor de castillos y museos, pero luego de vivir su arte y conocer sus procesos creativos de diseño a través de los alumnos de escuelas como ECAL, sería un desatino no incluir una visita a sus universidades de arte y diseño; después de todo ha sido en las aulas de algunas de esas escuelas donde se han gestado los primeros prototipos de quienes fueron inquietos estudiantes de ideas alocadas como Maarten Baas, Jaime Hayón, Konstantin Grcic o Jasper Morrison. ecal.ch

MOHAWK GROUP se enorgullece en presentar su nueva colección de alfombra modular, LICHEN, 12 by 36, ya disponible, diseñada por Jason F. McLennan, fundador de The Living Product Challenge y su equipo en Jasson McLennan Design. Lichen es una representación de las formaciones de musgo, lama o moho que brotan en la naturaleza, en tonos multicolores. Primer recubrimiento para pisos en lograr la certificación living Product Challenge PETAL.

neocon.mohawkgroup.com www.mohawkgroup.com Mexico: +5566286224, +5520980653, +5541406655 Miami: +1 (954) 593 5354 508 East Morris Street. Dalton, Georgia 3072

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DESTINO DISEÑO

El museo temporal más bello del mundo Todos los años, durante el mes de junio, los amantes del arte apartan días para viajar a Basilea y refrescar su mente en la Feria Internacional de Arte Moderno y Contemporáneo más conocida de todo el mundo: ART BASEL & DESIGN MIAMI/BASEL. Texto MARTHA LYDIA ANAYA, enviada Suiza

DESTINO DISEÑO

Para celebrar el cuarto centenario de la porcelana japonea, Scholten & Baijins presentó su pabellón del té como parte de Design Miami Basel.

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HAY LIBROS CLÁSICOS que han sido editados en volúmenes compactos, pero cuando uno los abre para dejarse envolver por sus relatos originales simplemente resultan majestuosos. Esa misma emoción se siente en algunas ciudades que, a diferencia del ajetreo de las grandes urbes, son pequeñas y muy discretas, aunque llenas de historias y decenas de anécdotas que se entretejen en sus callecitas rodeadas de históricas casonas, museos, esculturas y edificios representativos del arte y arquitectura de otras épocas. Así fue mi experiencia en Basilea, una ciudad que puede recorrerse cómodamente sin sentir el paso del tiempo.

Considerada la ciudad universitaria más antigua de Suiza y la tercera más poblada del país, Basilea es sin dudarlo el destino cultural ineludible para sibaritas, pues con sus característicos monumentos y sus más de 40 museos, entre muchas otras cosas más, lo tiene todo para perderse en un paseo sin fin.

Todos los años, durante el mes de junio, los amantes del arte apartan días en su agenda para viajar a la ciudad y refrescar su mente en la Feria Internacional de Arte Moderno y Contemporáneo más conocida y aclamada de todo el mundo: Art Basel & Design Miami/Basel.

Esta vez, ahí estaba yo (y confieso que no precisamente por ser una experta amante del arte, pero sí una entrometida y curiosa por conocer lo más bello de la creatividad humana).

Con un grupo de colegas, llegamos a marcha apresurada al recinto ferial Messeplatz, que se describe como una amplia plaza rodeada de notables hitos arquitectónicos: el vestíbulo de los años 50 con su típico reloj al frente, la torre de 105 metros de altura diseñada por Morger & Degelo y la nueva construcción de Herzog & de Meuron, que en conjunto le dan una identidad inconfundible al inmueble. Por eso, aunque no haya eventos y el recinto este vacío, muchas personas lo recomiendan para ir a caminar por sus alrededores y disfrutar de su encanto.

Son dos pabellones los que conforman Art Basel. En la primera sala –construida en 1999 por el arquitecto suizo y

Fotos James Harris y Justin Bar ton

Unas 300 galerías de 35 países estuvieron presentes en Art Basel.

coleccionista de arte Theo Hotz– nos encontramos con las exhibiciones Art Unlimited, Art Basel Conversations y el Salón de Arte, además del área de libros, registro de invitados y entrada principal de los artistas. El segundo pabellón –un edificio emblemático de la década de 1950, construido por Hans Hoffmann– alberga las galerías de arte.

Este año fueron unas 300 galerías las que estuvieron presentes en la feria, representando a 35 países de América del Norte, América Latina, Europa, Asia y África. Más de 4,000 artistas, que van desde los grandes maestros del arte moderno a la última generación de nuevas estrellas, también fueron parte de este gran escenario en varias de las secciones. Ahora comprendo porqué los columnistas y críticos de arte más reconocidos que comparten sus opiniones en periódicos como The New York Times o el parisimo Le Monde, califican este esperado evento como “La Olimpiada del Arte” o “El museo temporal más bello del mundo”.

Es imposible no alimentar el espíritu y abrir la mente al mensaje artístico que encierran decenas de pinturas, esculturas, dibujos, instalaciones, fotografías, videos, performance en vivo, cine, teatro y conferencias, que, sin duda, comprueban porqué Art Basel es el lugar de encuentro favorito para coleccionistas de arte, artistas y curadores.

Claro que en esta gran convivencia también es visible la conexión entre arte, diseño global y comunidad. Para ello está el foro de Design Miami/Basel que contó con un programa completo de charlas, eventos y exposiciones especiales. La instalación de Swarovski Designers of the Future Award fue una de las que más me maravilló por la presentación de innovadores avances tecnológicos en propuestas de diseño inspiradas en el cristal, las cuales fueron hechas por los creativos Jiménez Lai, Takt Project y Marjan van Aubel.

Otro de los espacios en los que no pude evitar detenerme fue en el de Rove Cars, que con su exposición Manual me llevó por un recorrido creado por Kenny Schachter y su colección personal de coches, que está catalogada como un icono universal del diseño automotriz. Baste mirar sus trece modelos de autos que van desde un 1952 Lancia Aurelia B20 GT a un 1991 Lancia Delta Integrale HF Evo I, pasando por los prototipos del Z Car, trazados por la arquitecta iraquí Zaha Hadid.

Pero, estos son sólo un pequeño ejemplo del sinfín de objetos, acontecimientos, exquisitos espacios, curiosidades y mobiliario reconfortante entre los que se fueron diluyendo nuestras contadas horas en aquellos pasillos de Messeplatz. ¡La maleta está lista para el siguiente año! ar tbasel.com

Arte, alta tecnología y objetos abstractos sumados al elemento artístico se mostraron en las salas de la feria.

La colección de Kenny Schachter revela la evolución del diseño automotriz con 13 autos recolectados a lo largo de 15 años.

Fotos cor tesía

La Norestense, diseñada por Christian Vivanco, toma en cuenta las diferentes tipologías de sillas mecedoras de los barrios más populares de Monterrey.

TALLER

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MEMORIAS de una silla Una tradicional mecedora de varillas de acero entreteje una peculiar convivencia en las calles de Monterrey.

Sin palabras, rescata costumbres e integra comunidades.

Entrevista MARTHA LYDIA ANAYA

HAY UN OBJETO que entra y sale de las cocheras de las casas en Monterrey, particularmente en esos días en que las horas invitan a disfrutar de la charla, de los amigos y de la vida misma. Se trata de una silla mecedora, que se planta en las calles por las tardes de casi todas las casas regiomontanas; es una estampa urbana que, sin palabras, define las costumbres de una comunidad que se entreteje en las banquetas. ¿Desde cuándo existe ese hábito de sacar las sillas para platicar y convivir con los vecinos? “A ciencia cierta nadie lo sabe”, nos cuenta el diseñador industrial mexicano Christian Vivanco, cuya curiosidad por conocer aún más sobre este objeto lo llevó a crear: La Norestense, una silla mecedora de estructura metálica, con variaciones de tamaños y detalles, que rescata esa curiosa costumbre y, al mismo tiempo, hace una interpretación del singular objeto, usando el diseño como herramienta de transformación. Su nombre sólo es el referente geográfico que se aplica a los estados del noreste de México.

“La idea de este proyecto –agrega Christian– surgió a finales del 2015. Me llamó mucho la atención entender el fenómeno de cómo una silla mecedora podía ser tan omnipresente en todos los barrios populares de Monterrey. Más aún, me interesó investigar sobre el tema para saber qué datos existían sobre el diseño de un objeto que, al parecer, no había cambiado en décadas. Para mi sorpresa no había ningún registro bien documentado al respecto”.

Fue entonces que Christian detectó la oportunidad y la necesidad imperativa no sólo de rescatar las viejas costumbres

sino también de empezar a escribir la historia de un objeto perenne e inalterable, como una mecedora tradicional, que de manera silenciosa y servicial ha sido parte del mobiliario cultural más endémico y especial de la ciudad de Monterrey.

“Estoy plenamente convencido de que hace falta buscar ese regreso a los valores que generan comunidad. Las tardes no deberían perderse frente a la televisión, las tardes deberían disfrutarse con la familia y qué mejor si colonias y comunidades se integran a través de objetos de uso que propician la colectividad”, dice el joven diseñador.

No fue fácil realizar la tarea de investigación y de estudio sobre una silla mecedora que todos conocen pero que nadie sabe, bien a bien, quién la creó o desde cuándo se usa. Luego de indagar sobre la historia del mobiliario tradicional y local, Christian se acercó a Los Patrones, una compañía regiomontana que se dedica al diseño y fabricación de mobiliario contemporáneo en acero y otros materiales, con la cual empató en su proyecto de documentar las memorias de una silla mecedora tan particular. Así, La Norestense es el resultado de la primera colaboración de Christian Vivanco con Los Patrones, que produjo un primer lote de sólo 20 mecedoras.

Para Christian, esta silla se ha convertido en un objeto que materializa y evidencia la identidad de las personas que la usan y que, con el tiempo, se ha convertido en un espejo del desarrollo y de las vivencias de la sociedad.

La Norestense se presenta en dos versiones: lámina perforada y tejido de palma de Tule en su versión de lujo. Su

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TALLER

producción se divide entre dos ciudades de México: el trabajo en metales se produce en Monterrey, mientras que el tejido de palma se realiza en el Estado de México a manos de artesanos expertos en el oficio del tejido con fibras naturales.

“El proceso del tejido de palma fue un proyecto en sí mismo –aclara Christian–. De inicio yo no tenía experiencia con artesanos tejedores de palma. Había trabajado con mimbre en Tequisquiapan cuando diseñé los muebles infantiles Traven para Nido Muebles; pero definitivamente no era lo mismo. A través de las recomendaciones de otros amigos diseñadores fue que llegué hasta el pueblo de Acambay, en el Estado de México, donde contacté al artesano que desde hace tiempo trabaja con el veterano arquitecto y diseñador mexicano Óscar Hagerman, tejiendo varias de sus sillas”. Así fue como el círculo de esta experiencia de diseño y artesanía se completó.

Hoy, el trabajo del joven talento mexicano se ha exhibido en Milán, Barcelona, París, Nueva York y Tokio. Su perfil se basa en un enfoque antropológico y el estudio del diálogo existente entre las piezas de mobiliario y la sociedad. Al mismo tiempo, Christian pone especial énfasis en los procesos tradicionales de fabricación de los objetos, sobre todo de aquellos que son populares en algunas regiones del país. christianvivanco.com lospatrones.com.mx

Fotos cor tesía

Para su fabricación, La Norestense divide su trabajo en metales en Monterrey y el tejido de palma con artesanos del Estado de México.

El diseño original de la silla tiene alrededor de diez componentes, La Norestense los reduce a tres: patas, asiento y brazos, y respaldo, nada más. Es un sólo material para toda la estructura.

Historia y carácter artesanal

Con sólo ocho meses de antesala DAVID POMPA preparó las piezas con las que deslumbró en el Salón de la Iluminación en Milán.

Texto KARLA RODRÍGUEZ

Retrato GABRIEL GONZÁLEZ

MEXICANOS DESTACADOS

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Foto cor tesía

En Design Week México, David mostrará piezas hechas con cantera rosa, con las que enaltece el trabajo de los artesanos mexicanos.

TODO COMENZÓ cuando Kundalini se acercó al stand de Studio davidpompa durante la edición 2016 de la Semana del Diseño en Milán, en la cual el joven diseñador austro-mexicano y fundador del estudio que lleva su nombre tenía presencia en el SaloneSatellite como despacho joven. La pureza de Minimal, una pieza hecha a base de una amalgama entre cobre y barro negro, capturó la atención de Stefano Bordone, presidente de la empresa italiana, quien de manera inmediata sintió relación con la visión de David y lo invitó a trabajar en conjunto para darle mayor movilidad a esa luminaria.

Alentado por esa experiencia, David –que abrió su primer showroom en la Ciudad de México en el 2013, pero había empezado a trabajar con artesanía mexicana desde 2009– decidió postularse (con tan sólo ocho meses de anticipación) para formar parte de Euroluce 2017, que es el salón bienal de iluminación que se celebra en el marco del Salone del Mobile como el más grande evento de Milan Design Week. Para su sorpresa, su participación fue aceptada; convirtiéndose así en la primera marca mexicana con presencia en ese foro. ¿Cómo tomaste esta grata noticia? –le preguntamos– “Sin duda, significó un gran reto, pues trasladar cada una de las piezas hasta el otro lado del mundo no resulta ser tan sencillo

como podría pensarse. El mayor estrés y temor que he sentido fue cuando mandamos todos los productos de México en un pallet y, cuando menos lo esperábamos, nos dijeron que la aduana de Suiza había detenido la mercancía debido a que no reconocía el material de las piezas, que era barro negro. Todos los materiales estuvieron ahí durante una semana y por poco no llegan a Milán”, platica sonriendo.

Finalmente, todo salió mejor de como esperaba el equipo de Studio davidpompa, conformado por 20 integrantes jóvenes. Las piezas llegaron al estudio del despacho en Austria y, de ahí, las trasladaron a la Feria de Milán.

Los materiales con los que sus accesorios están fabricados y el trasfondo de estos generaron gran sorpresa entre los asistentes a Euroluce. “La gente se fija mucho en el producto con alto valor histórico y carácter artesanal”, lo que ha plasmado de la mano con colaboradores y fabricantes de diferentes regiones de México, siempre en pro de su labor artesanal e integridad social.

Particularmente esa fue la razón por la que David aceptó la colaboración con Kundalini, pues vio una gran oportunidad de crecimiento para su equipo y los artesanos que dan vida a las piezas, sobre todo por los pasos grandes que la empresa italiana es capaz de dar al estar más que posi-

cionada en el mercado de luminarias. Pero ¿qué representa para Studio davidpompa llegar hasta Euroluce? El equipo no niega que fue una experiencia de éxito, pues “el hecho de ser la primera marca mexicana en el salón internacional de la iluminación significa que no es tan fácil lograrlo”; sin embargo, “no queremos compararnos ni competir con otros despachos y empresas mexicanas, para nosotros es un paso más hacia adelante y así seguiremos trabajando”.

Y eso está claro. Sus pasos siguen vibrando en el ámbito del diseño, muy pronto veremos el sello de David y su marca como parte de Design Week México, en la que nos anticipa que mostrará piezas hechas con cantera rosa, obtenida de algunas regiones de San Luis Potosí, Morelia, Zacatecas y Jalisco. Una probadita de ello es Ambra, una luminaria aún no disponible que combina dicho material con cobre y crea un cono de luz de estilo dramático. Además, el diseñador también nos compartió que para World Design Capital 2018 ya está preparando una remodelación completa de su showroom en la colonia Roma, de la Ciudad de México. De tal modo que estaremos atentos a cada descubrimiento que haga con su equipo alrededor del país, pues seguramente las novedades serán muchas como hasta hoy. davidpompa.com

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SU ESPACIO

Entre recuerdos y proyectos “El concepto de un proyecto es la fuerza más importante, pues consiste en comprender el sitio y el programa en convivencia”: Yuri Zagorin Texto KARLA RODRÍGUEZ

Fotos JOSÉ MARGALEFF

SU ESPACIO

“Es cierto que mi casa es un espacio muy íntimo, pero también lo es que me encanta recibir visitas”

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SU ESPACIO

“Mi casa aloja objetos que me gustan y dicen algo, no tanto que yo haya comprado”

“AL ACERCARSE a la labor de un arquitecto, siempre resulta esclarecedor analizarlo dentro del contexto de su tiempo y su lugar, a la vez que se estudian sus obras y proyectos de manera particular”, Louise Noelle, en el prólogo de Arquitectura Lejanista de José Luis Ezquerra, un libro que reposa sobre una de las piezas más imponentes de la casa del arquitecto Yuri Zagorin.

Al abrir la puerta de su casa, Yuri Zagorin nos recibe con una pieza especial posada sobre un muro: la puerta del proyecto Tori Tori que llevó a cabo en 2010. Bastó con cambiarla de posición, pintarla de color rosado y ponerla en otro contexto para que esta luciera completamente diferente y diera inicio a una experiencia única.

Antes de dar paso al recorrido por su hogar Yuri nos contextualiza: Hablamos de un terreno de 300 metros cuadrados que resulta ser chico comparándolo con el resto de los terrenos de la colonia Lomas de Chapultepec, en la Ciudad de México. Su planeación fue muy diferente a la de los proyectos que suele llevar a cabo el arquitecto. Fueron ocho meses de placer creativo, sin prisa, pues no urgía su construcción que, por cierto, llevó cinco años. “Considero que el concepto del proyecto es la fuerza más importante, consiste en entender el sitio y entender el programa”, y durante ese tiempo él entendió lo que quería plasmar en el área que tenía: una casa

cuya relación con el exterior estuviera presente en cada uno de los espacios.

“Mi casa aloja objetos que me gustan y dicen algo, no tanto que yo haya comprado”, especifica. Para la primera planta de la casa, el arquitecto tomó al concreto como material principal.

“Quería manejar una textura de grano grande, lograr que esta (la planta) se entendiera como estar excavada en la tierra”.

Y dentro de esa excavación, también con muros de madera de recuperación, vale la pena destacar un objeto: un piano originario de aproximadamente del año 1904, cuya historia se remonta a momentos inolvidables de su bisabuela, a quien Yuri disfrutó durante sus primeros 10 años de vida, quien era dueña y, por supuesto, tocaba el instrumento. Más tarde, Yuri tomó clases de piano, pero acepta que le faltó mucho por aprender.

Asimismo, pueden apreciarse espacios definidos por temas de proporción, cambios de nivel y variación de materiales más que por puertas que limiten la circulación. La sala, el lugar favorito de Yuri, ilustra ello perfectamente. Alojada en medio de dos áreas abiertas, por un lado, un rincón −nada discreto de vegetación pura, y por el otro un área empedrada con una fuente que simboliza la fluidez del tiempo. Y no era de sorprenderse que este espacio contara con secretos. Un muro

llama la atención con una estructura formada por piezas de la reja del Museo Nacional de Antropología, las cuales Zagorin compró al saber que sobraban. Nuevamente jugó con su contexto original y dio vida a algo auténtico.

Comedor y cocina se unen literalmente a través de la mesa y la barra, respectivamente. A este nivel “yo le llamo cocina-comedor-piano-bar”, pues todo es continuo y público.

Subimos las escaleras y en los siguientes niveles se encuentran los espacios privados. Su estudio, habitación y cuarto de baño, en los que continúan los objetos que recuerdan momentos, proyectos y experiencias. Por ejemplo, la emblemática pieza OCD de Héctor Esrawe, y una pintura que, en efecto, le da cielo al respaldo de su cama. “En mi cabeza viven muchos recuerdos, sin embargo, no tengo uno que me haya marcado de forma especial. Puedo decirles que revivo reuniones en las que mis sobrinos han terminado bailando ahí arriba”, comparte con una sonrisa y señalando la parte superior de su chimenea.

Pero ¿cómo es un día de Yuri Zagorin en casa?

“Me encantaría decirte que me levanto, voy al gimnasio, me vengo a trabajar a acá, después bajo a cocinar… pero no es así”. Lo que es completamente cierto es que los fines de semana disfruta su casa en todos los sentidos. zda.com.mx

SU ESPACIO

Un piano originario del año 1904, cuya historia rememora momentos inolvidables con su abuela o un baño reconfortante en una maravillosa tina son parte de la intimidad de Yuri Zagorin.

El lugar favorito del arquitecto es la sala, donde detalles como una cálida chimenea lo llenan de tranquilidad e inspiración.

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ENTREVISTA

Arianna Lelli Mami y Chiara Di Pinto

Studiopepe

En un departamento con recuerdos persistentes se recrea The visit, un lugar que narra el ritual de visitar a la gente.

Entrevista SANDRA MONTIEL, enviada Milรกn

Fotos ANDREA FERRARI

ENTREVISTA

Visitar es un acto que implica un lugar físico, así como personas que viven y son recibidas ahí.

La intimidad de una casa y de su gente se conoce cuando se explora, detalle a detalle, el simbolismo de sus accesorios y mobiliario.

¿QUÉ DICE UN ESPACIO de la gente que vive allí? Si los lugares pudieran hablar, seguramente nos revelarían muchos de los usos y costumbres de las personas que conviven ahí de forma cotidiana. Quizá eso no es posible de manera verbal, pero sí podemos conocer la intimidad de la casa y de su gente si exploramos esos ambientes. Arianna Lelli Mami y Chiara Di Pinto, directoras creativas de Studiopepe, estudiaron cada centímetro de un departamento justamente para hacer de él ‘algo más’ que sólo un lugar físico. Así nació The visit en el tercer piso de un edificio de principios de 1800 en el barrio de Brera, en pleno corazón de Milán.

Arianna y Chiara no sólo son un dúo de chicas encantadoras, también han trabajado muy duro para abrirse camino en el mundo del diseño. Su pensamiento y proceso creativo se enfocan en “sentir sus corazones en el centro de todo lo que hacen”. Tanto amor y atención al detalle cuando piensan en cómo realizar cada proyecto, hace que estos tengan un significado, una especie de mensaje oculto, que incluso permite sentir que se puede tener una conversación con ellas sin

realmente estar allí. Justo eso es lo que ocurre en The visit, un proyecto que presentaron durante la Semana de Diseño de Milán 2017, el cual fue creado por ellas en colaboración con Matteo Artemisi y Sonia Pravato.

“Para nosotras –relatan las chicas de Studiopepe–, Brera siempre ha sido el lugar bohemio por excelencia de Milán; en sus calles se respira una atmósfera artística gracias a los fotógrafos y a los estudios de pintores que ahí están. Ahora, la ciudad está cada vez más vinculada al diseño y este paso la ha llenado de un alma creativa especial que le da otra vitalidad. También es un lugar emblemático que nos inspira un montón de recuerdos de la infancia. Por eso, cuando decidimos presentar nuestra propia creación para el Fuorisalone, dentro de Brera Design District, sentimos que queríamos contar la historia no sólo de un lugar sino también de un gesto, de un ritual, de una costumbre”.

Estos son los orígenes de The Visit. Visitar es un acto que implica un lugar físico, así como personas que se alojan y son recibidas allí. “Creemos que un hogar es la transposición física de nuestro mundo interior. Lo

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ENTREVISTA

Hasta la pieza más pequeña coexiste en un diálogo perfecto entre arte y moda.

The Visit se sitúa en un departamento, asentado en Brera, cuya historia se entrelaza con el mundo del arte y se mueve hacia el diseño.

imaginamos a escala humana, lleno de cosas que nos hacen contentos, frecuentados por gente que nos gusta, un mundo dinámico que evoluciona con nosotros, con barreras fluidas y muebles nómadas cuya función puede transformarse con el tiempo. Un lugar donde la belleza nos envuelve y nos acompaña a lo largo de la vida”.

El proyecto fue hecho a la medida para un departamento verdadero. Es un espacio que alguna vez fue habitado, con dimensiones reales y con recuerdos persistentes. Se sitúa en un contexto urbano que se entrelaza con el mundo del arte.

Cuenta con una sucesión de habitaciones con techos altos, grandes ventanas, paredes de estuco y parquetería de espiga. “Aunque respetamos la distribución original, no quisimos limitarnos por eso”, dicen Arianna y Chiara. Varios espacios fueron rediseñados mediante el uso de cortinas colocadas entre espacios. Las puertas

y ventanas fueron incorporadas en el diseño general de un dibujo de pared, que es una de las características visuales fuertes del proyecto. Estos dibujos de pared hacen eco de los talleres de artistas como Piet Mondrian, quien hace referencia al movimiento de la Bauhaus, convirtiéndose en una especie de piel exterior. “Una tapicería pulsátil que compone el tejido que impregna cada escenario”, describen las dos creativas. Por su parte, los elementos de equipamiento, desde lo más importante hasta el mínimo detalle, coexisten en un diálogo mutuo con aspectos coloridos alrededor. Por su propuesta e impacto, The visit se define como una amalgama perfecta entre diseño, arte y moda. La creatividad tiene muchas facetas y esa es la visión que nos comparte Studiopepe: “La vida misma es un flujo libre de experiencias”, concluyen Arianna y Chiara. studiopepe.info

El pensamiento creativo de Arianna y Chiara, fundadoras de Studiopepe, se enfoca en "sentir sus corazones en el centro de todo lo que hacen".

Monica Armani Cuando era niña vivía en una colina, en una casa diseñada por su padre, lo que despertó su fascinación por el aire libre y la comodidad.

Entrevista GRETA ARCILA, enviada Milán

ENTREVISTA

Fotos cor tesía

GRACIAS A LOS LED (light-emitting diode) y a otras nuevas tecnologías, los diseñadores ahora pueden cambiar las formas e incluso los usos de las luminarias. La idea de que una lámpara se pueda adaptar al estado de ánimo de los ambientes y de las personas ya no es un disparate; ahora el atrevimiento por la experimentación tanto en diseño flexibles como con nuevos materiales, permiten eso y aún más. Hoy, las lámparas hacen más que apenas funcionar como simples dispensadores de la luz.

Un buen ejemplo es Diade, diseñada por Monica Armani para Luceplan, la cual integra soluciones acústicas que absorben el ruido (por ejemplo, sobre una mesa o en una oficina) y, por ende, promueve el bienestar psicofísico de las personas dentro de los ambientes.

“Mi colaboración con Luceplan comenzó hace tres o cuatro años cuando diseñé Silenzio con la idea de realmente crear ‘algo’ novedoso y que no existiera en esos momentos. Así nació esta luminaria que, con la belleza de las telas Kvadrat, se presentaba como una propuesta en sistemas de iluminación que concordaba con el concepto de soluciones de mobiliario insonorizadas de alto rendimiento, adecuadas tanto para entornos públicos como privados”, nos platica Monica durante unos instantes en que pudimos robar su atención durante la feria de diseño más importante del mundo en Milán.

Con una sonrisa que la caracteriza, la diseñadora italiana se ha colocado en la escena del diseño internacional por su atención al detalle y su sentido de la perfección geométrica. En el mundo de la arquitectura tampoco es una desconocida; desde hace más de 20 años forma un sólido dúo con su esposo, Luca Dallabetta, en quien encuentra no sólo el apoyo emocional sino también la asistencia en cuestiones técnicas.

Silenzio es una pieza que surge justamente del trabajo conjunto entre Monica y Luca, y que une el espíritu de los dos creativos. “Ha sido un éxito total, sobre todo porque se

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Hoy las lámparas hacen más que sólo funcionar como objetos dispensadores de luz, esa es la esencia en la que Monica trabaja para presentar sus propuestas.

resume en una solución de iluminación artesanal que decora y personaliza el ambiente, pero que también es la expresión perfecta del binomio: tecnología y diseño, por sus grandes capacidades de absorción acústica. Me siento muy complacida porque incluso se ha convertido en uno de los best sellers de Luceplan en el mercado norteamericano”, dice Monica.

Para ella, nunca dejará de ser interesante observar la respuesta de la gente cuando se hace un nuevo producto para que se sienta bien y mejorar su calidad ambiental. Por eso, este año decidió seguir en la misma línea trazada por Silenzio en el tema de la investigación y el desarrollo de la comodidad acústica.

“Crear un objeto es un proceso largo, que se lleva varios años de trabajo durante los cuales no sólo se invierte tiempo sino también recursos en la experimentación con tecnologías y materiales”. Así nació Diade, una lámpara de suspensión de diseño lineal riguroso. Técnicamente, es una luminaria de gran impacto visual, con una imagen de alta costura para añadir carácter y calidez a cualquier atmósfera, la cual también se puede plegar para separar el espacio debajo de ella. “Es como si el techo se convirtiera en luz, gracias a una lámpara lineal LED (ideal para el trabajo) de arquitectura modular, cuyos dos paneles tipo ‘ala’ se pueden colocar vertical u horizontalmente para crear una división o un elemento de techo grande”.

Diade reúne iluminación, absorción acústica y revestimiento de espacios superiores en una sola estrategia, lo que elimina la necesidad de techos suspendidos y aumenta la comodidad de la vida cotidiana sin perder de vista el dinamismo cromático de la luz. Con esta nueva versión flotante creada por Monica, Luceplan se propone responder a la necesidad de flexibilidad dentro de los lugares de trabajo. Ella sólo atina a cerrar la plática con un acertado comentario: “El diseño y la estética forman una continuidad única entre el interior y el exterior”. monica-armani.com | luceplan.com

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ENTREVISTA

Nicolette Naumann

Menaje, mobiliario y accesorios Feria Ambiente 2018 con Los Países Bajos como invitados.

LA CUENTA REGRESIVA para la feria Ambiente 2018 está corriendo. Los preparativos para uno de los eventos más esperados en el mundo del menaje, mobiliario y accesorios para interiorismo; además, de joyas, bisutería y moda, se encuentran en los últimos detalles para arrancar el espectáculo. Ya está ocupada el 94% del área de exhibiciones de Messe Frankfurt, el recinto que abrirá sus puertas del 9 al 13 de febrero del siguiente año para presentar a unos 4,500 expositores de una centena de países, que se alistan con sus novedades e innovaciones. Nicolette Naumann, entusiasta vicepresidenta de Ambiente, estuvo en México para platicarnos de lo que tratará la feria. “Tras Dinamarca, Francia, Japón,

Estados Unidos, Italia y el Reino Unido, me alegra mucho haber conseguido que los Países Bajos sean el séptimo país invitado en la próxima edición de Ambiente. Un país conocido por su excelente diseño, tan minimalista como experimental, innovador y poco convencional, seguramente aportará mucho con su presentación de productos de especial calidad. Esta exposición estará comisionada y diseñada por el holandés Robert Bronwasser, un creativo en la rama industrial que tiene el don especial de convertir los productos cotidianos en extraordinarios, tanto en su forma como en su función. Sus diseños destacan por su facilidad de uso y unas formas claras y reconocibles”, nos comparte Nicolette.

Habrá también un área especial que recogerá los cambios producidos en el comercio. El estudio Markgraph ha concebido esta exposición especial en uno de los principales pabellones del recinto tomando como leitmotiv la transformación del point of sale en point of experience. En esta área se mostrará cómo se pueden presentar y poner en escena los productos en la era digital.

Todo esto, además de las tres áreas que de manera habitual han conformado la exposición de Ambiente en ediciones anteriores: Dining, Living y Giving, las cuales sirven como un barómetro perfecto de tendencias de diseño. Claro que tampoco se podría descartar el interés que despierta el vasto programa de conferencias organizado por

Fotos cor tesía

Entrevista ANA LAURA MUÑOZ

ENTREVISTA

Dining, Living y Giving son las tres áreas que de manera habitual forman parte de la Feria Ambiente, donde se presentan tendencias para mesa, cocina, hogar y regalos.

Ambiente Academy, las cuales ofrecerán diferentes puntos de vista sobre las tendencias actuales del mercado. Diferentes expertos mostrarán cómo componer paneles con surtidos atractivos, cuáles son los emplazamientos óptimos para cada producto o explicarán las mejores estrategias de comercio electrónico.

Nicolette nos cuenta que “el año pasado, de los 141,000 visitantes de 154 países, poco más de 400 fueron de México. Las 10 naciones con el mayor número de visitantes, después de Alemania, han sido Italia, China, Francia, Estados Unidos, España, Reino Unido, Países Bajos, Suiza, Corea del Sur y Turquía. Para la nueva edición de 2018, y a unos 6 meses antes de que comience

la feria, ya se ha inscrito una empresa mexicana como expositor”. Como es habitual, en Ambiente 2018 se presentarán las tendencias determinantes para las áreas de mesa, cocina, hogar y regalos.

El prestigioso estudio de diseño bora.herke. palmisano analizará en profundidad estos cuatro mundos de tendencias, y los escenificará en una gran exposición especial. Por su parte, las áreas de Talents y Next serán el sitio ideal para compradores en busca de productos originales. ambiente.messefrankfur t.com

Expositores de una centena de países alistan sus propuestas.

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ADVERTORIAL

Fotos cor tesía

STORM TEAKWOOD ES PARTE DE LA COLECCIÓN SPECTRAL SURFACESET® 2018 DE FORMICA

ADVERTORIAL

Entendiendo las texturas y sensaciones

SurfaceSet® 2018 de la marca Formica es una paleta totalmente nueva inspirada en el equilibrio y el diseño natural, y sin olvidarse de la parte táctil, también ofrecen un nuevo acabado con textura.

El arte de mantenerse a la vanguardia con productos para creativos de todo el mundo es una tarea que el equipo de diseño de la marca Formica® toma muy en serio. Una de sus consignas más importantes es estar en continuo movimiento para mantenerse al día y comprender los cambios socioculturales. Al tiempo, el equipo creativo asiste a ferias de moda, tecnología, ciencias, diseño y arte para saber cuáles son las tendencias del mercado.

Otro aspecto angular para la marca es convivir con los creativos para entender cómo abordan un problema, pero lo que más les interesa es vislumbrar con ellos el futuro.

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1 / 2. PARA LAS NUEVAS GENERACIONES ESTÁ LA PALETA SMART ORGANIC, AQUÍ LOS MODELOS TINTED PAPER TERRAZO Y BUBBLE ART. 3 SPECTRAL INTERACTÚA VIVAMENTE CON EL COLOR, VEMOS EL DISEÑO PAINT SCRAPE STEEL.

El personaje obsesivo por la investigación Para Renee Hytry Derrington, vicepresidenta de Diseño en Formica a nivel global, hablar de tendencias es hablar de la sociedad. No concibe el papel de una firma líder sin estar involucrados activamente con los creativos, pues sabe que son gente sumamente sensible y eso los convierte en grandes lectores y actores de un mundo en movimiento.

Con más de 28 años diseñando superficies, Hytry Derrington es responsable del diseño de superficies a nivel global, Renee es una investigadora nata, y cuando se trata de proponer conceptos de diseño, mira también el pasado de Formica pues sabe que sólo entendiendo la historia propia se puede crear algo fresco. ¿Y qué veremos en el 2018? Sencillez y equidad. La colección SurfaceSet® 2018 de Formica es una paleta nueva inspirada en el equilibrio y el diseño natural.

Texturas y sensaciones Nacidos de la observación del estilo de vida escandinavo el cual elogia las conexiones emocionales y valora los objetos cotidianos, Formica crea la colección Personal Sanctuary, que invita al tacto e interacción por lo sencillo de su mensaje visual pues los colores que nacen de los metales envejecidos. También está la paleta Spectral que aumenta la experiencia sensorial a través de la saturación de tonos. Para las nuevas generaciones y ofrecen un producto totalmente nuevo, así es como nace Smart Organic, paleta de acabados que responde al cómo los jóvenes interactúan responsablemente con la naturaleza y con aquello creado por el hombre. La corona de esta nueva propuesta de SurfaceSet 2018 de Formica, es el acabado Plex, que con una sensación textil, puede usarse para enfatizar todos los colores y patrones sólidos, incluyendo también a los diseños de superficies decorativas Paint Scape. formica.com/es/mx

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HOMENAJE PREMIO NOLDI SCHRECK

La arquitectura es una escultura habitable “El espacio se apodera de nosotros, nosotros de él. Si estamos en un cuarto cúbico, somos cubo; si estamos en un espacio esférico, nos sentimos esfera. Es la simbiosis que existe entre el espacio y el hombre”: AGUSTÍN HERNÁNDEZ. Entrevista GRETA ARCILA Y MARTHA LYDIA ANAYA

Retrato FELIPE LUNA

Fotos Casa Amalia JOSÉ MARGALEFF

HOMENAJE PREMIO NOLDI SCHRECK

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"Mi camino siempre ha sido el de buscar la originalidad, lo desconocido, de provocar sorpresa.

Eso es creatividad. No podría repetirme porque no creo en los estilos": Agustín Hernández.

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HOMENAJE PREMIO NOLDI SCHRECK

“ADELANTE MIS TRACTORES” –gritó convencido el general Hermenegildo Cuenca, secretario de la Defensa Nacional que supervisó la idea de construcción del Heroico Colegio Militar–. Eran los primeros días de la obra y las máquinas excavaban el cerro arrasando con la mayor parte de los árboles plantados en unos campos cercanos a Cuernavaca, al sur de la Ciudad de México. Por eso, el gral. Cuenca repelaba indignado porque esa no era la manera de hacer arquitectura. Sin embargo, Agustín Hernández argumentó una singular y tajante respuesta: “Mi general, efectivamente esto no es arquitectura. Esto representa la epopeya de 1847 (cuando la invasión estadounidense y los niños héroes defendieron El Castillo de Chapultepec)”. A lo que el gral. Cuenca reaccionó de forma más que entusiasta y estoica ratificando la señal de avanzada: “Adelante mis tractores”.

Como ésta, habría una decena de anécdotas más para contar la hazaña de cómo se construyó el actual Colegio Militar, cuya historia arrancó en octubre de 1974 cuando el entonces presidente de la República, Luis Echeverria, encabezó la ceremonia de colocación de la primera piedra de la obra. Unos 20 arquitectos, entre quienes figuraban nombres reconocidos e influyentes como el de Mario Pani o Enrique del Moral, habían concursado para hacer suyo este histórico proyecto; pero, al final, la propuesta llamada Calmecal y Telpochcalli de los arquitectos Agustín Hernández Navarro y Manuel González Rul fue la ganadora. “Te has llevado un tigre” –le dijo Mario Pani a Agustín Hernández–, quien asumió el reto de domar a esa y muchas otras bestias más, y lo ha logrado.

Han pasado 43 años y aunque las preguntas pueden ser bastante repetitivas, le cuestionamos a don Agustín: ¿Qué le representa el Colegio Militar? ¿Cómo plasmó en papel este proyecto monumental? ¿De dónde le nació la idea? ¿Qué enseñanza le dejó? Él, con un porte y viveza envidiables a sus 93 años, nos platica: “Es la obra más grande que he realizado porque es un conjunto urbano con una estructura muy organizada. Fue muy difícil conciliar los espacios, la volumetría, las áreas abiertas y el funcionamiento interno de todos los cadetes en formación, para que todo tuviera un orden. En su conjunto tiene una ‘reminiscencia’ en los centros ceremoniales prehispánicos donde se conjugan los espacios abiertos y los construidos formando plazas, y donde las montañas que lo

circundan son un remate de los edificios y forman una muralla natural que enmarca las instalaciones del plantel. La idea me surgió al tratar de hacer algo nuevo. Mi camino siempre ha sido el de buscar la originalidad, lo desconocido y de provocar sorpresa. Eso es creatividad. No podría repetirme porque no creo en los estilos. El estilo existía y era justificado cuando había un sólo sistema constructivo, un sólo material, pero ahora tenemos una gran cantidad de sistemas y de materiales para crear. Justo esa es parte de la enseñanza que me ha dejado la construcción de ese monumental colegio: la de aprender a embonar varios eslabones y manejar a todos los ingenieros y a los que intervinieron para que se llevara a cabo ese proyecto; con unos era hablar con una fuerte voz de mando y con otros era discutir en voz más bajita”, nos cuenta el arquitecto nacido el 29 de febrero de 1924 en la Ciudad de México.

ESPACIOS QUE HABLAN “Siempre me reto a hacer cosas complicadas como muros inclinados, intersecciones de cuerpos con arcos o bóvedas con cilindros –reitera Agustín–. La casa que le hice a mi querida hermana Amalia Hernández (1917-1999) no sólo es otro gran ejemplo, sino que además es una construcción que me costó mucho trabajo. Como coreógrafa y bailarina, ella quería un lugar que la invitara a zapatear y a recodar aquellas épocas en que mi mamá les daba cursos de baile a ella y a mis hermanas.

Fue Amalia la que heredó la inquietud de hacer ballet, sobre todo porque se acordaba de cuando íbamos a nuestro rancho en Tamaulipas y ahí llegaban los campesinos a tocar música huasteca con el violín y era entonces cuando se ponían a danzar. Por eso, ella quería que su casa bailara por dentro”.

“Para mí, Amalia ha sido el mejor cliente que he tenido porque sabía reconocer el espacio y era muy consciente de las dimensiones. Para construir su casa (Casa Amalia Hernández, 1971) me dio una libertad creativa absoluta de hacerlo a mi modo. En el fondo, yo sabía que se trataba de una residencia que no volvería a hacer nunca, la cual diseñé sacando unas ventanas elípticas luego de visitar varios conventos cercanos a la ciudad con la intención de buscar nuevas formas que relacionaran la arquitectura con la geometría. Planos y maquetas que imaginaban los espacios fueron los que al final convencieron a mi hermana de hacer su espectacular casa”.

Inspirado en el nautilo interno del caracol, el arq. AgustĂ­n HernĂĄndez traza la casa para su hermana Amalia en 1971.

Por sus formas en movimiento parece que las faldas onduladas y el zapateado cobran vida al interior de la Casa de la bailarina Amalia HernĂĄndez, hermana de AgustĂ­n y su cliente mĂĄs exigente.

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HOMENAJE PREMIO NOLDI SCHRECK

Con un estilo único, las propuestas de Agustín entrelazan arte, escultura y vanguardia.

La estructura de la Casa en el Aire (1991) funciona como un todo.

Estructura, forma y función son una unidad en las obras del arquitecto.

Fotos aéreas Carlos Alcocer

El Heroico Colegio Militar (1976) genera una sensación espacial.

Fotos cor tsía del Taller de Arquitectura Agustín Hernández

Taller de Arquitectura (1975) desafía geometría y gravedad.

Como en la mayoría de sus obras, Agustín se basa en un diseño analógico.

Calakmul (1997) encierra un simbolismo entre el círculo y el cuadrado.

Formas que recrean una monumentalidad única en la Casa de Amalia.

Bloques que remiten a los centros ceremoniales prehispánicos.

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HOMENAJE PREMIO NOLDI SCHRECK

HOMENAJE PREMIO NOLDI SCHRECK

Como un árbol, casi escondido entre el follaje y algunas otras casas de la colonia Bosques, se levanta el taller y hogar del arquitecto Agustín Hernández.

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HOMENAJE PREMIO NOLDI SCHRECK

Las creaciones de Agustín siempre vienen de observar su alrededor y rescatar los simbolismos de la naturaleza.

No muy lejos de la casa de su entrañable hermana, también por los rumbos de Bosques de las Lomas en la ciudad de México, se encuentra el Taller de Arquitectura (1975) que diseñado por él mismo Agustín, funciona actualmente como su despacho y hogar. En lugar escondido entre los árboles, como si flotara sobre un barranco de 40 metros de altura, aparece esta inusual y monumental composición, que una vez más vuelve a jugar con la geometría y la gravedad. El despacho literalmente es ‘una escultura’ en la que el arquitecto se inspira, dibuja, traza con su lápiz las ideas que se le vienen a la cabeza, trabaja en las locuras que se le vayan ocurriendo y descansa.

Para generar esta inusual estructura, Agustín nos comparte que la inspiración le llegó a la orilla del mar teniendo muy presente la figura de un árbol. “Estaba en Acapulco y debajo de una palapa fue donde se me ocurrió la idea de crear el concepto de tensión-compresión de este proyecto, que resulta en cuatro prismas de hormigón con agregados de mármol –dos a compresión y dos a presión, dos pulidos y dos martelinados– buscando un equilibrio estructural. Son cuatro módulos idénticos que se cruzan. El croquis original ya no lo conservo porque lo pensé hace muchos años, pero sí recuerdo que lo dibujé en una simple hoja de papel que llevaba conmigo”.

“Este taller –dice– llena todo lo que he buscado en la arquitectura: estructura, forma y función en una sola unidad. Es una obra que, desde sus bocetos, sale de todo contexto. Incluso cuando intenté sacar los permisos de construcción, la gente que la veía no la comprendía. Yo les enseñaba mi dibujo y les explicaba; afortunadamente nunca tuve ningún rechazo de las autoridades ni de los vecinos y aceptaron la obra”.

Hoy, tanto los vecinos que viven cerca del taller como las personas que caminamos por allí, no dejamos de sorprendernos con este magnífico taller que, desde el ángulo que se le mire, parece como sacado de una historia futurista.

En ese mismo entorno y a tan sólo unas cuadras de donde se ubica el Taller de Arquitectura también se encuentra la Casa Volada (1991), una residencia que Agustín le construyó a su hermano Roberto Hernández y que él mismo describe como “la casa más vanguardista que pude haber hecho hace 30 años”.

Es un inmueble que mezcla con precisión las líneas rectas, los

volúmenes abiertos y los espacios geométricos, para la cual se usaron pocos materiales y que, por dentro, brinda un espacio acogedor. “La gente todavía la ve modernísima por su estructura y su funcionamiento; es el juego del concreto a comprensión y del acero a tensión, es una unidad constructiva fabulosa.

Es inevitable pasar por ahí y subir la mirada para admirarla.

Es una máquina habitable, un barco flotando en el aire que es único pese al paso del tiempo”.

CALAKMUL: LA TIERRA Y EL CIELO Para el también ganador del Premio Nacional de Ciencias y Artes 2004 en el campo de las Bellas Artes, es esencial que las construcciones tengan un carácter, una personalidad. “Desde que estamos diseñando una estructura nos va a dar espacios, espacios diferentes, espacios que hablan; algunos nos invitarán al reposo y otros a la actividad”. En su opinión, las ciudades están llenas de construcciones, pero eso no significa que todas sean arquitectura, sólo aquellas en las que estructura, forma, función y belleza forman una unidad son arquitectura.

Para muestra: el Corporativo Calakmul (1997) en Santa Fe, al poniente de la ciudad de México y cuyo nombre hace alusión a la antigua ciudad maya en el estado de Campeche. No sólo el concepto innovador y sus volúmenes imponentes logrados con maestría en concreto y vidrio son majestuosos, sino también el simbolismo que lo envuelve. En él, el cuadrado representa la tierra y el círculo el cielo, símbolos que han trascendido a través del tiempo y han sido adorados por culturas milenarias.

Agustín simplifica la explicación de este proyecto: “En realidad se trata de un edificio con cuatro ventanas circulares. Sin embargo, la realidad va más allá: es un cubo de cristal contenido en cuatro muros. Al centro de cada uno de ellos se abre un gran orificio circular enmarcando el contenido”. La gente lo conoce como ‘La Lavadora’, aunque representa símbolos que han existido a través del tiempo y el espacio. “Es increíble su abstracción, pareciera que a veces hay una esfera dentro de un cubo”, concluye el arquitecto quien nos cuenta que cuando el cliente vio la maqueta de Calakmul, transparente y con un cubo en medio, simplemente “quedó apantallado”. arqagustinhernandez.com

Premio Noldi Schreck 2017

Creatividad

PREMIO NOLDI SCHRECK

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tectónica México es un país rico en cultura arquitectónica; no por algo fuimos seleccionados por la Organización Mundial de Diseño (WDO por sus siglas en inglés) como la Capital Mundial del Diseño para el 2018.

Estamos en el ojo del huracán para bien en términos creativos, y el Premio Noldi Schreck nació para celebrar lo bien diseñado en México, eso que nos mueve como cultura y que nos emociona compartir, eso de lo que presumimos cuando se habla de cultura mexicana. Casi 300 creativos inscribieron sus proyectos, los cuales fueron evaluados por nuestro jurado conformado por: Arq. Juan Manuel Lemus, director de Lemus Arquitectos (presidente del Jurado); Arq. Armando Carranco, coordinador de cursos y diplomados en la Facultad de Arquitectura de la UNAM; Dis. Ind. Carmen Cordera, CEO de Galería Mexicana de Diseño; Arq. Diego Matthai, fundador de Matthai Arquitectos; Arq. Homero Hernández, director de Arquitectura, Diseño y Comunicación de la Universidad La Salle; Dolores Martínez Orralde, titular de la Dirección de Arquitectura y Conservación del Patrimonio Artístico Inmueble del INBA; Carlos Pascal, director de Pascal Arquitectos; Beata Nowicka, directora de Nowicka Studio y directora de la escuela de Arquitectura Interior en Centro.

Ellos, sesionaron por casi 10 horas, para llegar a los resultados que hoy presentamos ¿Qué se calificó? Desarrollo conceptual, congruencia, uso adecuado de materiales, respuesta asertiva con el entorno, innovación, iluminación, recorrido y uso apropiado del color. Les compartimos las conclusiones de este interesante ejercicio.

CMYK C 90 M 57 Y 0 K 0

CMYK C=64 / M=32 / Y=0 / K =0

CMYK C=50 / M=50 / Y=50 / K =100

CMYK C=0 / M=0 / Y=0 / K=50

RGB R 15 G 108 B 182

RGB R=91 / G=149 / B=217

RGB R=0 / G=0 / B=0

RGB R=0 / G=0 / B=0

PANTONE 298C

PANTONE 426C

PANTONE -

PANTONE -

HEX #0f6CB6

HEX #000000

HEX #000000

HEX #999999

ARQUITECTURA RESIDENCIAL Plurifamiliar

Despacho JSA TALLER DE ARQUITECTURA Año del proyecto 2016 Ubicación CIUDAD DE MÉXICO

1O LUGAR

María Ribera En 1872 se fundó la fábrica de chocolates ‘La Cubana’, misma que mantuvo sus funciones hasta 2004. El inmueble que los alojara desde los años 20 incluía fábrica, imprenta, oficinas, residencia y un expendio donde se comercializaban dulces y chocolates, posteriormente fue vendido y se acordó su rehabilitación para integrarlo a la dinámica habitacional del barrio de Santa María La Ribera donde se ubica.

El conjunto mantiene la esencia fabril del edificio original y recicla sus estructuras con accesos en ambos lados del predio, donde se incorporan plazas, juegos infantiles y zonas ajardinadas, además de los 250 departamentos, que conviven con la nave de ladrillo rojo de la chocolatera que fue preservada. jsa.com.mx

PREMIO NOLDI SCHRECK

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2O LUGAR

Capuchinas 34 Localizado en los límites de la colonia San José Insurgentes, es un proyecto de carácter habitacional de seis niveles en el que el edificio se resuelve en un volumen rectangular asimétrico de altura moderada que distribuye cuatro departamentos, un pent house y dos roof gardens. La paleta de materiales responde a la integración de tres elementos: vegetación, luz y transparencia, de esta manera predomina el uso de concretos aparentes, acero y cancelería de aluminio con vidrio. dmp.com.mx

Despacho DMP ARQUITECTURA Año del proyecto 2016 Ubicación CIUDAD DE MÉXICO

3 O LUGAR

Circular de Morelia 4 Es un conjunto habitacional de nueve departamentos en el barrio histórico de la Romita, el cual rescata una casa de los años 20, la libera de edificaciones posteriores y busca con la construcción de un edificio aterrazado (en torno a un patio que conserva un gran árbol) integrarse al perfil de la Plaza Circular de Morelia. El reto consistió en la articulación de la casa conservada con la edificación nueva, lo que favoreció espacios particulares y una variedad de tipologías para distintas necesidades.

Despacho: QUINTANILLA ARQUITECTOS Año del proyecto: 2016 Ubicación: CIUDAD DE MÉXICO

ARQUITECTURA RESIDENCIAL Unifamiliar

Despacho: VIEYRA ARQUITECTOS Año del proyecto: 2016 Ubicación: TEPOZTLÁN, MORELOS

1O LUGAR

Casa Mozoquila Residencia unifamiliar en la que destaca la presencia de dos volúmenes definidos por el programa arquitectónico; por un lado está el de áreas públicas con sus fachadas de piedra y por otro, el de áreas privadas acogido por muros de adobe. Ambos se conectan por un puente que además de unificar la morada, hace las funciones de terraza para disfrutar la vegetación endémica que fue recuperada durante el proyecto. Como un tercer elemento se encuentra la piscina, colocada a 50 centímetros sobre el nivel del terreno como si se tratase de una plataforma que funciona intencionalmente para contemplar el paisaje coronado por el Cerro del Tepozteco. La casa fue construida con materiales locales que se integran al entorno. vieyrarquitectos.com

PREMIO NOLDI SCHRECK

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2O LUGAR

Casa Campestre 107 Una residencia ubicada en la colonia San Ángel Inn que cuenta con 325 metros cuadrados construidos repartidos en dos niveles. Estos se desplantan dentro de un terreno de proporción rectangular cuyas dimensiones son de 11 metros de frente por 33 de profundidad. Al entender las proporciones esbeltas del terreno se optó por emplazar la edificación sobre una tercera parte del mismo. De esta manera los diferentes espacios se distribuyen en torno a dos patios que separan los espacios públicos de los privados. dcpp.mx

Despacho: DCPP ARQUITECTOS Año del proyecto: 2015 Ubicación: CIUDAD DE MÉXICO Fotos RAFAEL GAMO FASI

3 O LUGAR

Casa Iguana Una vivienda unifamiliar situada en una zona habitacional suburbana de Veracruz que se sintetiza en tres volúmenes independientes, conectados por medio de un puente delimitado por tres muros celosía a base de soleras de barro recocido dispuestos de la misma forma en la que se levanta una torre de naipes, reinterpretando los remates de muros y balcones presentes en algunas de las construcciones tradicionales de la región. Los espacios emulan las características de un danzón jarocho: tranquilo, pausado, preciso y romántico. obrablanca.mx Despacho: OBRA BLANCA Año del proyecto: 2016 Ubicación: ALVARADO, VERACRUZ Fotos ADRIÁN LLAGUNO

INTERIORISMO RESIDENCIAL

1O LUGAR

Casa Encinos

Despacho: RICARDO YSLAS GÁMEZ ARQUITECTOS Año del proyecto: 2016 Ubicación: CIUDAD DE MÉXICO

Ubicada a 20 minutos de la Ciudad de México y rodeada de un ambiente boscoso, se encuentra Casa Encinos, donde las áreas públicas y privadas giran alrededor de un patio interior cuyo principal elemento es un cubo flotante de concreto que filtra luz natural. Al fondo del patio se encuentra una chimenea que sirve como vínculo entre la sala, el comedor y el mismo patio, conectando y al mismo tiempo dividiendo los tres espacios. La casa está formada por dos cuerpos en forma de L que se conectan por dos puentes internos que unen los espacios privados, cruzando sobre un jardín de helechos y un espejo de agua, respectivamente, áreas que brindan ventilación cruzada a la casa, los materiales que sobresalen son: madera, piedra laja colocada a hueso y concreto enduelado. ricardoyslasgamez.com

PREMIO NOLDI SCHRECK

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Despacho: MIGDAL ARQUITECTOS Año del proyecto: 2017 Ubicación: CIUDAD DE MÉXICO Fotografías RAFAEL GAMO FASI

2O LUGAR

Casa O Cuatro Esta casa divide sus áreas públicas y privadas a través de un juego de volúmenes de geometrías puras, donde el volumen superior aparenta flotar en el espacio, enfatizado por la utilización de una piedra oscura; el volumen se vuelve más sólido sin perder ligereza, contrastando con el área pública, transparente y de colores claros. La residencia se comunica mediante un corredor a doble altura, brindando iluminación natural a todos los espacios. La conexión entre interior-exterior se logra a través de puertas y terrazas. migdal.com.mx

3 O LUGAR

Casa Cháaltun El proyecto toma los conceptos de exploración de un lenguaje contemporáneo con arraigo a su contexto local. La región de la península de Yucatán es rica en maderas tropicales; por lo que, artesanos locales talentosos exploran propuestas y se inspiran en la región para fabricar piezas a la medida para cada una de las habitaciones, en las que se usan los mismos tonos encontrados en la arquitectura para lograr ambientes naturales y armónicos, con algunos contrastes y acentos de color que vuelven el ambiente más cálido. tescala.com Despacho: TESCALA Año del proyecto: 2016 Ubicación: YUCATÁN

ARQUITECTURA INSTITUCIONAL

1O LUGAR

Capilla RLJ Despacho: RICARDO YSLAS GÁMEZ ARQUITECTOS Año del proyecto: 2016 Ubicación: SAN JUAN COSALÁ, JALISCO

Esta construcción se integra a la topografía natural del predio sin afectar la vegetación existente. Se aprovecharon materiales como piedra, teja y madera de la región, además de concreto y herrerías básicas. Como parte de la integración al contexto social, se proyectó el acceso principal sobre una vialidad pública, generando una inclusión comunitaria a pesar de estar situada dentro de un predio de carácter privado. Cuenta con un patio de acceso que da hacia la carretera, formado por piedra de la región y que a su vez da acceso a los tocadores, la sacristía y al interior de la capilla. El cuerpo principal está conformado por dos grandes muros de concreto y una techumbre que albergan un coro, un área para bancas y el altar; resalta una cruz de acero diseñada y fabricada por el despacho que se encuentra suspendida en el centro del patio. ricardoyslasgamez.com

PREMIO NOLDI SCHRECK

83

2O LUGAR

Centro Cultural Comunitario de Teotitlán del Valle El proyecto se rige por la estética de un pequeño pueblo, la cual determina los parámetros de altura, color y materialidad. Los volúmenes arquitectónicos muestran fachadas austeras y neutras, debido a una paleta mínima de materiales de elaboración local (concreto pigmentado, madera, baldosas de barro y ladrillos). La forma del edificio, como los techos inclinados de doble losa, los muros de concreto de 30 centímetros de espesor y las aberturas controladas crean un sistema pasivo que responde a climas adversos. productora-df.com.mx

Despacho: PRODUCTORA Año del proyecto: 2016 Ubicación: OAXACA, MÉXICO Fotografías LUIS GALLARDO

3 O LUGAR

MUSAC El antiguo Palacio Municipal de estilo neoclásico construido en 1885 fue restaurado y transformado en museo de sitio. Con la combinación de estilo toscano y dórico romano solía albergar las oficinas de gobierno del municipio. El proyecto de intervención y restauración planteó numerosos retos, entre ellos, cuidar la integridad del edificio y adaptarlo a su nuevo uso. A través de un arduo y meticuloso proceso de restauración basado en una investigación histórica y análisis de calas y muestras. ccubicaarquitectos.com Despacho: C CUBICA ARQUITECTOS Año del proyecto: 2016 Ubicación: SAN CRISTÓBAL DE LAS CASAS, CHIAPAS Fotografías JAIME NAVARRO Y RODRIGO PARDO

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PREMIO NOLDI SCHRECK

ARQUITECTURA CORPORATIVA 1O LUGAR

Torre BBVA Bancomer Despacho LEGOROGERS (Legorreta + Rogers Stirk Harbour + Par tners) Año del proyecto 2016 Ubicación CIUDAD DE MÉXICO Fotos LOURDES LEGORRETA

Un edificio corporativo que plantea una variedad de entornos de trabajo basados en la organización convencional para oficinas. La Torre de 50 plantas es una exploración arquitectónica que promueve el sentido de comunidad a través de espacios eficientes sumados a jardines elevados que miran hacia Paseo de la Reforma y el Bosque de Chapultepec. La disposición del edificio gira en torno a un núcleo central ligero sujeto a una megaestructura metálica, ambos corren diagonalmente en la planta y permiten una variedad amplia de espacios de trabajo.

Destaca la entrada de triple altura sobre Paseo de la Reforma, de donde se aprecian elevadores panorámicos de cristal que se elevan hasta el sky lobby del doceavo piso.

PREMIO NOLDI SCHRECK

2O LUGAR

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Despacho: A | 911 Año del proyecto: 2016 Ubicación: CIUDAD DE MÉXICO Fotografías JAIME NAVARRO

Pabellón Azteca A partir de la redefinición de la imagen de TV Azteca, se plantea un proyecto arquitectónico compuesto por una serie de espacios de trabajo destinados al uso de todos en la empresa sin distinción. La intervención se desplanta dentro del campus principal de la televisora y, en términos generales, se resuelve por medio de cubos de cristal de distintos tamaños, bajo el resguardo de una gran cubierta, conectados entre sí por medio de una pasarela central que, a su vez, distribuye a los nuevos andadores y plazas exteriores. arq911.com

3 O LUGAR

Sinaloa 195 Un edificio de cinco niveles más sótano que se integra al entorno de la colonia Roma.

Considerando que el barrio fue casi palaciego en el Porfiriato y que cambió mucho luego del terremoto de 1985, se estudió la zona y de los edificios con valor histórico. La idea fue no irrumpir en una zona, ya de por sí ecléctica, y volver a la neutralidad y elegancia a través del mármol travertino en la fachada y jardines con especies colgantes y trepadoras, como jazmín amarillo y sissus, para armonizar con el arbolado de la calle. archetonic.mx Despacho: ARCHETONIC Año del proyecto: 2017 Ubicación: CIUDAD DE MÉXICO

INTERIORISMO CORPORATIVO

Despacho: ALIANZAS ESTRATÉGICAS AE Año del proyecto: 2016 Ubicación: CIUDAD DE MÉXICO

1O LUGAR

Oficinas Fermaca El proyecto se encuentra situado al interior de un edificio corporativo y ocupa ocho pisos, los cuales fueron intervenidos con un núcleo central que unifica los pisos a través de un cilindro, ya que el cliente es una empresa dedicada a la fabricación de pipelines, dicho cilindro permite generar un programa diverso por nivel. Para lograr la unificación de las oficinas se perforaron los 8 pisos, dicha intervención se puede apreciar desde el exterior del edificio, convirtiendo esta característica en un nuevo elemento identificador dentro del inmueble.

Destacan las tonalidades cálidas en el núcleo central, mismas que generan un contraste con los espacios abiertos propios del corporativo, que ofrece versatilidad en cada piso para sus diferentes funciones.

PREMIO NOLDI SCHRECK

2O LUGAR

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Despacho: SERRANOMONJARAZ ARQUITECTOS Año del proyecto: 2016 Ubicación: CIUDAD DE MÉXICO

Deloitte Centro de Excelencia Con una superficie aproximada de 5,000 metros cuadrados dentro de Torre Diana, este espacio fue estructurado para satisfacer completamente las necesidades de operación de un centro de capacitación para todo el personal. Se divide en dos niveles que están unidos por medio de un gran espacio, una escalinata que también puede funcionar como foro abierto con capacidad para 600 personas. El proyecto, al igual que el edificio, está buscando una certificación LEED ORO. serranomonjaraz.com

3 O LUGAR

Cushman & Wakefield Con un uso de materiales de bajo impacto ambiental como madera reciclada, chapa de bamboo de rápido crecimiento, iluminación con tecnología LED con controles de presencia y movimiento, la rehabilitación de este espacio tiene la visión de homologarse los nuevos estándares internacionales de la empresa. Cuenta con un plafón orgánico construido por tiras suspendidas de Tekne Rollo, el cual tiene un prodigioso sentido señalético e indica el recorrido espacial hacia una generosa vista del complejo Arcos Bosques. serranomonjaraz.com Despacho: WORK+ Y SERRANOMONJARAZ Año del proyecto: 2016 Ubicación: CIUDAD DE MÉXICO

88

PREMIO NOLDI SCHRECK

ARQUITECTURA COMERCIAL 1O LUGAR

Massimo Dutti

Despacho: Sordo Madaleno Arquitectos Año del proyecto: 2016 Ubicación: Ciudad de México Fotos JAIME NAVARRO

Situada en la avenida Presidente Masaryk de la colonia Polanco se encuentra la tienda insignia de Massimo Dutti. El edificio, además de servir como punto comercial, tiene el objetivo de ser una pieza arquitectónica referente dentro de su entorno. La fachada se diseñó conservando el lenguaje de los niveles que lo componen, manteniendo el ritmo visual con módulos rectangulares de estructura metálica, además de contar con una celosía hecha de fibra de vidrio que le añade una textura viva y flexible. Cada nicho que se integra a la fachada sirve como escaparate.

En el interior, la selección de materiales se centró en la esencia clásica e innovadora de la marca. Se utilizaron piedras claras con diferentes tratamientos, complementadas con acentos de madera y metal. El inmueble cuenta con un rooftop que completa la experiencia de los visitantes. sordomadaleno.com/es

PREMIO NOLDI SCHRECK

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Despacho: DCPP ARQUITECTOS Año del proyecto: 2016 Ubicación: CIUDAD DE MÉXICO Fotografías RAFAEL GAMO Y CAMILA COSSÍO

2O LUGAR

Distrito Fijo Club de Ciclismo El proyecto surge de la idea de crear un sitio destinado a la convivencia de la comunidad ciclista e involucrar y promover dicho deporte entre la comunidad local. Su diseño se basa en el plan de generar un recorrido continuo para conectar tres tipos de actividades: una zona de café, un showroom para la exhibición y compra-venta de bicicletas con modelos tanto para principiantes como para conocedores, y un taller mecánico para realizar cualquier tipo de reparación, adaptación o mejora a las bicicletas. dcpp.mx

3 O LUGAR

Tomorrowland Tailors Ubicado dentro de Torre Virreyes, es un local comercial de 100 metros cuadrados ocupado por una firma que nació en el 2011 como una pequeña sastrería y se convirtió poco tiempo después en una de las más exclusivas del país. Cuenta con un frente de 9 metros de cristal transparente, que funciona de manera natural como window display. Sus planos horizontales –tanto el piso como el techo– son reflejantes y logran realzar la pieza central del proyecto, construida con 2,050 bloques macizos de madera de tzalam. amezcua.com Despacho: AMEZCUA Año del proyecto: 2016 Ubicación: CIUDAD DE MÉXICO Fotografías PAUL RIVERA

INTERIORISMO COMERCIAL

Despacho: MATERIA / GUSTAVO CARMONA Año del proyecto: 2016 Ubicación: CIUDAD DE MÉXICO Fotos JAIME NAVARRO

1O LUGAR

Silver Deer Flagship El proyecto para Silver Deer buscaba redefinir la identidad de la marca y posicionarla entre las tiendas más prestigiosas de ropa masculina, su diseño conceptual integra referencias de los orígenes canadienses del fundador y su filosofía. La nueva identidad se refleja a través de la arquitectura, el mobiliario y la materialidad aludiendo a las sutiles reinterpretaciones de un bosque. La paleta de colores crea contraste entre cada espacio sin perder su sentido de conexión. Sobre los materiales destaca el uso de madera, mármol y ladrillo expuesto, acentuados por una línea continua de granito negro que sirve como un horizonte perimetral. Las áreas esenciales de la tienda se presentan antes de llegar al patio interno de doble altura donde se aprecia la tienda por completo. materiarq.com

PREMIO NOLDI SCHRECK

91

2O LUGAR

Calvin Klein Dentro del edificio Capital Reforma hay un showroom de una planta, dividida en dos áreas principales. El espacio, de gran altura, cuenta con mucha luz natural y su concepto parte del proyecto de tener ‘una caja dentro de otra caja’. La primera caja es el espacio en sí y la segunda es el volumen que encierra las diferentes áreas. El elemento más característico es la estructura de soleras de acero y vidrio esmerilado que forma la caja interior. La materialidad está inspirada en el nuevo concepto de las casas Calvin Klein. spacemex.com

Despacho: JUAN CARLOS BAUMGARTNER | SPACE Año del proyecto: 2016 Ubicación: CIUDAD DE MÉXICO

3 O LUGAR

Beat Box Con varias sucursales en la Ciudad de México, este concepto inspirado en espacios industriales y urbanos ligados a la disciplina del box. Los acabados se eligieron estrictamente en blanco y negro para unirse a la identidad gráfica de Beatbox, de acuerdo con esa dualidad que representa la fuerza física y la fuerza interior. La recepción blanca se ilumina desde una celosía de concreto, lo que da un toque futurista. En contraste resalta el salón de clases que es negro con un ring al centro y luz puntual. talleradg.com Despacho: TALLER ADG (ALONSO DE GARAY) Año del proyecto: 2017 Ubicación: CIUDAD DE MÉXICO

ARQUITECTURA DEL PAISAJE

Despacho: RAÚL HUITRÓN ARQUITECTURA BIOMAH Año del proyecto: 2016 Ubicación: IRAPUATO, GUANAJUATO

1O LUGAR

IREKUA, la casa de las familias Se trata de la renovación del Parque Viveros Revolución, un espacio público destinado a la convivencia desde 1904. Para llevarlo a cabo se realizó un nuevo plan maestro que, a partir de nuevos ejes de composición urbana, permitió el reordenamiento de los espacios destinados a actividades por edades, deporte extremo, cultura, contemplación y paisaje. El proyecto incluyó la generación de microclimas y la selección vegetal de la región a partir de sus cualidades de adaptación, consumo de agua y configuración. Fue diseñado con estándares internacionales para movilidad, además de especificaciones para el desplazamiento de personas con capacidades diferentes y débiles visuales. Es considerado el único pulmón de la entidad municipal con visitas de más de 40,000 personas en fin de semana. biomah.com

PREMIO NOLDI SCHRECK

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Despacho: CENTRAL DE PROYECTOS SCP Año del proyecto: 2015 Ubicación: MÉRIDA, YUCATÁN Fotógrafo DAVID CERVERA CASTRO

2O LUGAR

Plaza de Acceso Chablé Resort La experiencia propone descubrir paisajes de vegetación endémica al rodear montículos y taludes, alternados con franjas de henequén. Los marcados ritmos estructurales de los elementos que definen el espacio, además de brindar una escala amable al mismo, permiten la permeabilidad visual desde las brechas colindantes, alternando técnicas constructivas tradicionales como el aplanado de masilla con resina de árbol de chukum o la piedra regional con elementos estructurales de acero para el cerramiento de los accesos. centraldeproyectos.com

3 O LUGAR

Jardín La Estancia El diseño de este jardín nace a partir de la logística de los eventos que se hacen en Hacienda Caltengo en Tepejí del Río, y de tener un lugar que cuente con espacios de agua.

Se crea una circulación por gravedad desde unos espejos de agua, por donde pasa el vital líquido por un canal y luego a un contenedor que lo recircula, lo filtra y lo pone a punto para ser utilizado como riego. Como diseño de arquitectura de paisaje se plantaron 580 árboles nuevos que se iluminan con accesorios de bajo consumo. romerodelamora.com

Despacho: ROMERO DE LA MORA Año del proyecto: 2016 Ubicación: TEPEJÍ DEL RÍO, HIDALGO

HOTEL BOUTIQUE 1O LUGAR

Doce-18 Concept House

Despacho: ROY AZAR ARQUITECTOS Año del proyecto: 2016 Ubicación: SAN MIGUEL DE ALLENDE, GUANAJUATO

En la icónica Casa Cohen actualmente se erige uno de los complejos más íntegros del centro de San Miguel de Allende. El proyecto combina el estilo colonial original de la casa con características contemporáneas y propias de la restauración. El inmueble consiste en dos niveles, en los que la planta baja está destinada al uso comercial donde convive un área de comida gourmet con bares, restaurantes, galerías y negocios especializados en moda y diseño; en esta misma planta se encuentra el acceso y lobby de L’Ôtel, ubicado en la planta alta, el cual cuenta con 10 suites exclusivas, de entre las que destaca Owners Suite que tiene una planta adicional donde se aloja una terraza. El hotel cuenta con restaurante, bar, sala de lectura y piscina, además de dos patios internos. doce-18.com

PREMIO NOLDI SCHRECK

95

2O LUGAR

Ignacia Guest House A partir de la personalidad de Ignacia -quien fuera el ama de llaves de esta casona de 1913 por muchos años-, se elaboró el concepto del proyecto, desde la paleta cromática y jardinería, inspirada en Guerrero -lugar de origen de Ignacia- hasta la privacidad de los espacios. Respetando la planta original se reasignó el uso a los espacios; se restauraron molduras, yesería y acabados históricos; se conservaron cancelerías y puertas originales, y se rescataron pisos de duela. factoreficiencia.com

Despacho: FACTOR EFICIENCIA + ANDRÉS GUTIÉRREZ Año del proyecto: 2016 Ubicación: CIUDAD DE MÉXICO

3 O LUGAR

Pug Seal Tennyson En una casona de los años 40, de estilo neobarroco o neocolonial californiano, en el barrio de Chapultepec-Polanco, se encuentra este hotel de 11 habitaciones. La herencia de la casa alberga en sí misma muchas décadas de historias, recuerdos, sentimientos y sensaciones. Cada espacio remite a momentos o pasajes de nuestras vidas. Ninguna de las historias es parecida; por eso se pide a los huéspedes que la compartan escribiéndola en la máquina mecánica situada en la entrada. germanvelascoarquitectos.com

Despacho: GERMÁN VELASCO ARQUITECTOS Año del proyecto: 2017 Ubicación: CIUDAD DE MÉXICO Fotografías JOSÉ MARGALEFF

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PREMIO NOLDI SCHRECK

HOTEL GRAN TURISMO 1O LUGAR

JW Marriott Los Cabos

Despacho: IDEA ASOCIADOS + OLSON KUNDING ARCHITECS Año del proyecto: 2016 Ubicación: SAN JOSÉ DEL CABO, BAJA CALIFORNIA SUR

Un proyecto que consolida la imagen contemporánea de la gama hotelera, respetando y armonizando con la arquitectura local. El reto fue encontrar un balance entre arquitectura exterior y diseño interior para arrojar un complejo de hospitalidad integral. El desarrollo comprende dos zonas básicas, la primera es el cuerpo bajo de dos niveles donde se desplazan las áreas públicas y servicios con habitaciones en planta baja y sótano, donde se sitúa el estacionamiento y algunas áreas públicas como ballroom, gimnasio con SPA, restaurantes, entre otros. La segunda zona está formada por edificios de tres niveles con habitaciones y tres tipos de suites con terrazas, jacuzzis y albercas. ideasociados.com | olsonkundigarchitects.com

PREMIO NOLDI SCHRECK

97

2O LUGAR

City Express Plaza Universidad Ubicado en uno de los centros comerciales más concurridos, este hotel se desarrolla bajo un nuevo concepto de diseño en áreas comunes y de recepción al público en general. Si bien la cadena cuenta con una imagen de identidad, es característica que le dé un toque de identidad a cada una de sus unidades dependiendo del contexto; de ahí que este inmueble se haya proyectado bajo un concepto de arquitectura interior mexicana mediante la mezcla de acabados atemporales como cerámicos de pasta artesanales. spacemex.com

Despacho: JUAN CARLOS BAUMGARTNER | SPACE Año del proyecto: 2016 Ubicación: CIUDAD DE MÉXICO

3 O LUGAR

Aqua Monterrey El dinamismo topográfico de la ciudad de Monterrey con sus cerros y montes es la inspiración del diseño interior del Live Aqua Urban Resort Monterrey. El movimiento generado por las elevaciones está representado principalmente en la forma de los techos y en la lectura vertical de los materiales naturales del paisaje, como maderas y piedras. Innovador, contemporáneo, conductor de identidad y memoria, a través de un techo espejo que refleja la simplicidad en el diseño del mobiliario y el desplazamiento dentro del espacio.

Despacho: ESTUDIO AOMA Año del proyecto: 2016 Ubicación: MONTERREY, NUEVO LEÓN

98

PREMIO NOLDI SCHRECK

RESTAURANTE-BAR Despacho: CENTRAL DE PROYECTOS SCP Año del proyecto: 2016 Ubicación: CHOHOLÁ, YUCATÁN Fotos EDUARDO CALVO SANTISBÓN

1O LUGAR

Restaurante Ixi’im Reutilizando la casa de máquinas de una antigua hacienda henequenera se levanta el Restaurante Ixi’im, dentro de un conjunto constituido por varios módulos independientes que se alinean a un eje norte-sur, que conecta desde su origen el casco principal de la hacienda con otros asentamientos. La propuesta de 416 metros cuadrados establece una pausa en dicha circulación mediante un umbral que contiene virtualmente el espacio. Los interiores del proyecto hacen referencia directa a la actividad original y a sus elementos industriales. El plan arquitectónico incluye un gran cerramiento metálico que libera a los muros existentes de la responsabilidad estructural y genera un diálogo entre patrimonio e intervención. Destaca la instalación de sogas de henequén que fueran parte de la última cordelería activa de Yucatán y cumplen con una función acústica. centraldeproyectos.com

PREMIO NOLDI SCHRECK

99

Despacho: ESRAWE Año del proyecto: 2017 Ubicación: CIUDAD DE MÉXICO

2O LUGAR

Tierra Garat Masaryk Café Garat tiene una sólida historia en la vida de los mexicanos como el primer café gourmet en tiendas de autoservicio. Hoy la marca se reinventa y como Tierra Garat presenta una propuesta auténtica, honesta y contemporánea. El concepto integral transporta a la magia de las fincas cafetaleras; ahí nace, habla de la tierra y narra una historia multisensorial nunca antes contada en torno al café mexicano. Evoca el origen del campo, de las fincas y los ranchos que nos transportan a un México natural. esrawe.com

3 O LUGAR

Kupuri Beach Club Un complejo reservado para el uso exclusivo de la comunidad residencial de Punta Mita Nayarit, en un escenario único e ideal para reunirse y disfrutar de distintas actividades recreativas, pero sobre todo de la hermosa vista de la Bahía de Litibú dentro del pacífico mexicano.

Playas y hermosos arrecifes de coral inspiran a vivir encantadoras experiencias deportivas entre instalaciones y habitaciones, aderezadas con el arte de Xawery Wolski y Adan Paredes. uribekrayer.com

Despacho: URIBE KRAYER Año del Proyecto: 2016 Ubicación: PUNTA MITA, NAYARIT

INTERVENCIÓN URBANA E IMPACTO SOCIAL 1O LUGAR

ETRAM Cuatro Caminos

Despacho: CC ARQUITECTOS Año del proyecto: 2016 Ubicación: NAUCALPAN, ESTADO DE MÉXICO

El proyecto se desplanta en un predio de poco más de 90,000 metros cuadrados, donde se proponen un conjunto de edificios que ordenan los flujos existentes de usuarios y de medios de transporte. El desarrollo se planeó en dos etapas: zona sur y zona norte. Parte de la propuesta es mejorar el entorno urbano inmediato, dándole orden e invirtiendo en equipamiento para el área circundante, dando seguridad y espacios de calidad a los usuarios de la estación del metro Cuatro Caminos. Los pasillos de conexión entre distintos modos de transporte, incluidos taxis y transportes foráneos, están equipados con distintos servicios para que la gente pueda satisfacer sus necesidades camino a casa o rumbo al trabajo. Las fachadas están recubiertas de láminas troqueladas de aluminio con diferentes patrones y la cubierta intercala tragaluces para que la plaza se alimente de la luz natural. ccarquitectos.com.mx

PREMIO NOLDI SCHRECK

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Despacho: ROZANA MONTIEL + ALIN V. WALLACH Año del proyecto: 2015 Ubicación: CIUDAD DE MÉXICO Fotografías SANDRA PEREZNIETO Y JAIME NAVARRO

2O LUGAR

Común Unidad Es un proyecto de rehabilitación del espacio público para la Unidad Habitacional San Pablo Xalpa en Azcapotzalco. La unidad estaba sectorizada por muros, rejas y barreras que los mismos habitantes habían alzado y que no permitían un aprovechamiento del espacio público. El objetivo fue transformar una “unidad habitacional sectorizada” en “COMUN-UNIDAD vecinal de barrios”, diseñando con la comunidad y no sólo para la comunidad a partir de la implementación de diferentes acciones. rozanamontiel.com

3 O LUGAR

CENDI La Purísima El proyecto surge de la necesidad de construir un nuevo Centro de Desarrollo Integrar para niños en la delegación Iztapalapa, el cual sustituya al existente dentro del Mercado de la Purísima (entre los baños y la zona de basura).

La propuesta busca generar un cambio drástico en el uso y las condiciones interiores de la guardería multiplicando la superficie y sobre todo el volumen interior, además de jugar con patios y lucernarios para lograr iluminación natural y forzar la ventilación cruzada en aulas y salones. bandada-studio.com

Despacho: BANDADA ARQUITECTURA Año del proyecto: 2016 Ubicación: CIUDAD DE MÉXICO

ARQUITECTURA EFÍMERA / PABELLONES / STANDS

Despacho DELLEKAMP ARQUITECTOS Año del proyecto 2016 Ubicación CIUDAD DE MÉXICO

1O LUGAR

Casa de Suiza El pabellón Casa de Suiza formó parte de la celebración de los setenta años de las relaciones diplomáticas entre Suiza y México.

Inicialmente, el proyecto no contaba con programa y sitio definidos; por lo que, su diseño estuvo basado en un sistema de retícula triangular que permitiera su adaptación a distintos lugares. Apegada a la materialidad original de House of Switzerland, Casa de Suiza fue hecha en su totalidad en madera laminada de pino certificado con uniones metálicas. El pabellón contó con dos niveles, con un total de 571 metros cuadrados construidos, con un foro abierto, dos espacios de exhibición temática, un área comercial y de servicios básicos, cuyo suministro de agua fue a través de la captación y potabilización pluvial, además de tres salas de exposición situadas en la planta alta. dellekamparq.com

PREMIO NOLDI SCHRECK

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2O LUGAR

One Bucket at a Time Se inspira en el ‘secuestro’ del espacio público por los ‘viene-vienes’ que usan cubetas de pintura para adueñarse de un pedazo de la calle. Al usar las cubetas como bloques constructivos y conectarlas con una cuadrícula de cuerda, la instalación se convierte en una ‘superficie’ maleable que se puede explorar. Es como un tapete que puede ser jalado, enrollado y modificado de distintas formas. In-situ durante tres días, la instalación se desmontó gradualmente, soltando sus cuerdas para ser absorbida por la ciudad. factoreficiencia.com

Despacho: FACTOR EFICIENCIA Año del proyecto: 2017 Ubicación: CIUDAD DE MÉXICO

3 O LUGAR

Si el día se hace de noche Cada año, Millesime realiza una cuidadosa curaduría para invitar a 6 arquitectos e interioristas a realizar un restaurante efímero, el cual da servicio únicamente 3 días combinando el gusto por el buen comer y el diseño en un mismo lugar. Bajo una temática tropical, Si el día se hace de noche se construyó inspirándose en una esencia diferente: el concepto de “comer bajo las estrellas durante el día” a través de un juego de diferentes estilos de vegetación, texturas e iluminación. vieyrarquitectos.com Despacho: VIEYRA ARQUITECTOS Año del proyecto: 2016 Ubicación: CIUDAD DE MÉXICO

MENCIONES

U125 Una casa de los años 50 que en sus inicios estuvo rodeada de otras residencias, pero que con el paso del tiempo se fue deteriorando. Hoy en día, sus tres contra-esquinas son edificios de oficinas y la actividad empresarial y comercial se respira a cada cuadra alrededor de la calle Montes Urales, que conecta Paseo de la Reforma y Palmas, donde está ubicada.

El proyecto integral contempla la restauración de la residencia, así como una intervención estratégica con el propósito de crecer, reciclar y transformar, para poder dar lugar a un nuevo programa que contempla 604 metros cuadrados de oficinas en cuatro niveles. archetonic.mx

Despacho: ARCHETONIC | JACOBO MICHA MIZRAHI + JAIME MICHA BALAS Año del proyecto: 2016 Ubicación: CIUDAD DE MÉXICO Fotografía YOSHIHIRO KOITANI

PREMIO NOLDI SCHRECK

Estadio Fray Nano Rehabilitación de un estado de béisbol que retoma la arquitectura de la época conocida como El milagro mexicano. Opta por una intervención a profundidad para recuperar la funcionalidad del espacio. Todas las instalaciones para público y jugadores fueron actualizadas, se reforzó la estructura original del graderío, se le instalaron butacas y se incorporaron mejores accesos. Se rehízo la techumbre. Se actualizó el campo y la iluminación según los requerimientos de la LMB. El lugar se recuperó como espacio público, con agradables plazas de acceso e incorporación de especies vegetales apropiadas. talleradg.com

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Despacho: TALLER ADG (ALONSO DE GARAY) Año del proyecto: 2015 Ubicación: CIUDAD DE MÉXICO Fotografía CAMILA COSSÍO

Estadio BBVA Bancomer Una magnífica obra que da la bienvenida a los aficionados del fútbol a un estadio de clase mundial, el cual personifica el patrimonio y futuro de estado de Nuevo León. Desafía las expectativas de lo que puede ser la experiencia de un estadio de fútbol en Latinoamérica, pues se inspira en la historia local de la elaboración de la cerveza y la fabricación del acero. Su estructura trípode autoportante del estadio es intencionadamente escultórica, y flanqueada por armaduras estructurales de acero revestidas de aluminio laminado, rindiendo homenaje a los molinos de aceros que aparecen en la ciudad. v-fo.com Despacho: V&FO ARQUITECTOS + POPULOUS Año del proyecto: 2015 Ubicación: GUADALUPE, NUEVO LEÓN

ESPECIAL CORPORATIVOS

Espacios laborales dinรกmicos, flexibles y colaborativos Textos KARLA RODRร GUEZ Y MARTHA LYDIA ANAYA

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ESPECIAL CORPORATIVOS

Sin estándares de rigidez WIEDEN + KENNEDY | DARIEL STUDIO | CHINA Fotos DERRYCK MENERE

Creando semejanza con la cultura corporativa de la agencia de publicidad estadounidense Wieden + Kennedy: crecimiento rápido y creatividad interminable, Dariel Studio rediseña los espacios que dicha compañía opera en Shangai. En primera instancia tomó como elemento clave: el árbol, cuyas ramas se escenifican mediante una escalera abierta que conecta todas las áreas que conforman el corporativo. La firma de diseño, fundada y liderada por Thomas Dariel desde 2006, planeó exponer la unión y el cruce de las juntas que se extienden naturalmente en los diferentes pisos, sin duda un atractivo visual que resalta con la estantería de madera en el diseño interior del edificio. Este proyecto se basa en los contrastes entre materiales, colores y texturas. El recorrido inicia en la fachada de W + K, la cual llama la atención por combinar dos colores opuestos: blanco y negro. Posteriormente la recepción te recibe con un ambiente completamente diferente. Pareciera ser una caja de madera entreabierta que cuenta con una ventana en la parte trasera que permite la comunicación con los usuarios que laboran en el interior. Ahí convergen mármol y madera en un mismo espacio comunicando tranquilidad.

El área de trabajo central en el segundo piso es totalmente abierta para brindar mayor fluidez en las actividades diarias entre colaboradores. Como en todos los rincones, el color de la madera hace juego con tonos vibrantes, en este caso, blanco y verde. Y si podemos mencionar algo que buscó este proyecto fue romper con los estándares de rigidez en los espacios. Un ejemplo de ello es la sala principal de reuniones que al mismo tiempo se vuelve elegante e informal al introducir una pared azul claro. Durante la estancia en estas oficinas es imposible ignorar los rasgos contemporáneos. Ventanas panópticas amplían la noción del espacio y, por supuesto, proveen luz natural durante todo el día. wk.com | darielstudio.com

ESPECIAL CORPORATIVOS

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ESPECIAL CORPORATIVOS

Los acabados forman parte integral del proyecto: acentos de acero inoxidable, alfombras con detalles de colores en los pisos se complementan entre sĂ­.

ESPECIAL CORPORATIVOS

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Atmósfera de tecnología HONEYWELL | OXÍGENO ARQUITECTURA | SAN LUIS POTOSÍ, MÉXICO

Fotos OXÍGENO ARQUITECTURA Honeywell es una empresa líder a nivel mundial que inventa y fabrica tecnologías que abordan algunos de los desafíos más críticos del mundo en torno a la energía, seguridad, productividad y urbanización global. Sus soluciones y tecnologías amplían la capacidad sostenible y mejoran la eficiencia de los productos y procesos, impulsando áreas de oportunidad ambiental. Esta vez, de la mano del despacho Oxígeno Arquitectura, Honeywell México reubica sus oficinas corporativas en Plaza Citadella, una de las más importantes en la ciudad de San Luis Potosí, para desde ahí continuar integrando soluciones de valor a sus clientes desde un entorno más flexible, más cómodo y más productivo.

El principio de diseño para este corporativo se basa en lograr una atmósfera de tecnología y modernidad acorde a las exigencias de la organización para las próximas décadas. La premisa es crear un espacio abierto, flexible y

dinámico que conecta directamente líderes con colaboradores, que en conjunto representan una organización apasionada y comprometida con lo que hace. Siguiendo esta fórmula establece espacios orientados a socializar, promoviendo encuentros casuales que mejoran el rendimiento y el trabajo creativo, de ahí la inmediata necesidad de crear un entorno. Como parte de los espacios de comunicación se integraron áreas especialmente diseñadas, como el Demo Center que es un espacio que cambia constantemente de equipo junto con pantallas móviles que pueden convertirse en dos o tres diferentes centros de demostración dependiendo de las necesidades de los equipos de trabajo. Las nuevas formas de trabajo y las tecnologías van de la mano para la solución de espacios, creando núcleos compartidos de reunión formal e informal. honeywell.com | oxigenoarquitectura.com

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ESPECIAL CORPORATIVOS

Sinergia entre espacios abiertos CORPORATIVO NEOLOGY | TALLER PARALELO | MÉXICO

Fotos JIMENA CARRANZA El Corporativo Neology anteriormente se ubicaba en una casa antigua en la Condesa; sin embargo, el crecimiento de la empresa y la distribución de la casa hizo que el espacio fuera insuficiente. De aquí surge la necesidad de un espacio nuevo donde los metros cuadrados, así como la búsqueda de una nueva cultura de trabajo para la empresa eran prioridad. Esto marca un punto de partida para el desarrollo del proyecto creando oficinas contemporáneas donde las áreas abiertas y las zonas colaborativas son los espacios principales. Al interior del corporativo únicamente se cuentan con dos espacios privados para llamadas telefónicas, entrevistas y/o juntas especiales. Las dos oficinas directivas son flexibles ya que pueden ser utilizadas como salas de juntas semiprivadas cuando los directores se encuentran fuera. Bajo este concepto, quedan espacios muy amplios donde se incorporan dos cubos negros que delimitan

los únicos espacios privados y que a su vez complementan zonas que se integran a las áreas colaborativas.

Todo esto se integra con elementos sencillos en los materiales, color y textura. Se utiliza el amarillo como distintivo de la marca logrando un ambiente laboral ideal donde la luz natural ilumina todo el perímetro de las oficinas. El proyecto es una muestra de una cultura organizacional horizontal, donde se rompen las barreras de las jerarquías y en el que todos los espacios pueden ser usados por toda la organización. Así se eliminan con las barreras de los muros para fomentar una comunicación más estrecha entre empleados, donde ahora se pueden realizar distintas sinergias en espacios abiertos, sin la necesidad de tener puertas cerradas, con la información fluyendo de manera continua. neology.net | tallerparalelo.com

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Un ambiente que rompe barreras jerรกrquicas y en el que todos los espacios pueden ser usados por la organizaciรณn.

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Inspirados en el concepto de pop ups se crean sistemas de trabajo coloridos y con movimiento, sobre todo para millenials.

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Espacios en movimiento BRITISH AMERICAN TOBACCO | GÜRHAN BAKIRKÜRE | TURQUÍA

Fotos GÜRKAN AKAY Luego de organizar un taller con los colaboradores de British American Tobacco en su objetivo de trasladarse al noveno y décimo piso de la plaza Orjin Maslak, situada en la tierra del distrito de negocios más importante de Estambul; la retroalimentación de la empresa le arrojó al arquitecto Gürhan Bakırküre el diseño de una ‘oficina social’ centrada en la interacción y la flexibilidad, en lugar de espacios jerárquicos. Así, dos plantas con una superficie total de 4,500 metros cuadrados se han conectado por una escalera funcional, colocada en un atrio entre pisos teniendo en cuenta la cercanía de la entrada y la recepción. La idea es conformar un sistema de trabajo basado en movimiento, sobre todo para la generación millenial que colabora en la compañía. Por eso, los puntos clave del proyecto han sido diseñados con diferentes conceptos incluyendo cocinas y área de convivencia funcionales

y coloridas. La cafetería, por ejemplo, ha sido planeada como un lugar para usarse todo el día e incluir múltiples áreas de reunión y recreación. A diferencia del monótono sistema de oficina abierta, se ha aplicado el concepto de pop ups o unidades de coffee break o reuniones. Todos los elementos se caracterizan por una selección del color, diseño gráfico y mensajes visuales de comunicación que ponen énfasis en una identidad joven y dinámica.

Gracias a la variación de ilustraciones en diferentes superficies, elementos de iluminación en suelos y techos, la orientación visual sobre el proyecto se hace muy entretenida. Arquitectónicamente se resume en un proyecto cálido, moderno y atemporal. Las soluciones de iluminación natural, texturas predominantes en verde y pisos sintéticos complementan la obra a la perfección. bat.com | bakirkure.com

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Entre un juego de luces CORPORATIVO SOLÍS CÁMARA & CÍA. | ALMAZÁN Y ARQUITECTOS ASOCIADOS + ML ARQUITECTOS | MÉXICO

Fotos PEDRO HIRIART

Con 1,800 metros cuadrados, este espacio busca transmitir la identidad de la compañía conforme el diseño de un ambiente corporativo, moderno y elegante, que integra en un solo espacio las dos oficinas que se tenían anteriormente. Distribuido en dos plantas, el proyecto se une a través de un tótem de luz, ubicado en el centro de las oficinas donde se encuentran las escaleras y es visible prácticamente desde cualquier punto, volviéndose un referente para los usuarios. En la planta alta, el acceso se da a través de un vestíbulo elegante y sobrio, que da paso a un área abierta, en donde la amplitud de los espacios es un elemento clave del diseño, buscando fomentar el trabajo en equipo y la inclusión de todas las áreas. La alfombra, de colores vibrantes, busca generar un ambiente más relajado y lúdico. Se usan cambios de color en el alfombrado para definir espacios dentro de las oficinas, logrando así tener la menor cantidad de divisiones posibles y, aunque fue necesario el uso de cu-

bículos, éstos fueron diseñados con cristal para permitir la permeabilidad visual de los espacios. En el plafón, se opta por diseñar un gran entablillado con diferencias de nivel y unas curvas sutiles que generan dinamismo dentro de los espacios, sin perder elegancia; de la misma manera se pudo generar un gran juego de luces que permite iluminar todos los espacios sin caer en la monotonía. En la planta baja, además de oficinas y cubículos, se proyectan las salas de juntas y el comedor; estos espacios se vuelven muy dinámicos y agradables gracias al mobiliario, los colores y al uso de muros móviles de cristal y madera, que permiten convertir el espacio en una o varias salas de juntas, en un gran comedor o un espacio para capacitación.

Esta planta puede tener un programa muy diverso y adecuarse a las necesidades que la empresa requiera en cualquier momento. soliscamara.com.mx | almazanarquitectos.com

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Diseño escandinavo derriba bloqueos mentales

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Fotos cor tesía SPACES

SPACES | MÉXICO Con el argumento de que la mayor parte de las personas que trabajan por su cuenta, la empresa holandesa Spaces decidió abrir su primer centro en la calle de Prado Sur de la colonia Lomas de Chapultepec en la ciudad de México. En algunos casos, cuando no se cuenta con las instalaciones y el ambiente adecuado se generan sentimientos de aislamiento, falta de contacto con colegas y disminución en la concentración; ante esta situación, la compañía originaria de Ámsterdam propone un diseño en espacios concebidos para aumentar la productividad y la interacción entre personas con intereses similares.

Bajo tres modalidades: espacio de coworking, sala de juntas y oficinas privadas, Spaces se enfoca en cubrir las necesidades de emprendedores, startups, trabajadores independientes y remotos. Por su composición, se habla de un lugar creativo donde las personas pueden trabajar, consultar su correo electrónico y reunirse con sus clientes, rodeados de un toque discreto de diseño escandinavo. Entre líneas sobrias y mobiliario funcional pueden tomarse una pausa para disfrutar de una buena taza de café o un saludable almuerzo y, al mismo tiempo, ser productivos de una forma rápida y eficiente haciendo uso de herramientas como internet, computadoras y pantallas de alta tecnología. Spaces nace de la idea de que el éxito genera más éxito; es por eso que ha creado una comunidad de socios que son pensadores, triunfadores y talentosos soñadores.

Ha construido espacios de trabajo donde no hay un bloqueo mental que no pueda ser derribado con una muy buena taza de café y el entusiasmo de capacitados equipos de apoyo. Además de la ciudad de México, la compañía también opera oficinas en otras ciudades de Estados Unidos, Reino Unido, Holanda, Australia y Singapur. spacesworks.com/es-mx

LO MEJOR DE NEOCON

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Foto cor tesía

El showroom de Steelcase fue reconocido con The Best of Neocon en su categoría.

Everything is tactile, everything is wellbeing, everything is us.

Texto GRETA ARCILA, enviada Chicago

LO MEJOR DE NEOCON / SELECCIÓN DEL EDITOR

ESTE 2017, NEOCON ya sabía rico desde las invitaciones pues, por fin, el mercado del mobiliario de oficina estadounidense miró con ojos de expectación al diseño. Y es que apenas hace tres años comenzaban a ofrecerme algunas entrevistas con diseñadores de gran renombre y lo curioso era que, al llegar a la cita pactada, no tenía que esperar más de una hora, como normalmente sucede en ferias de diseño internacionales. En Chicago, los diseñadores comen solos y no tienen filas de groupies corriendo detrás de ellos; por lo que, al darse cuenta de que uno se interesa por escucharlos y conocer su trabajo, su cara se transforma y ofrecen entrevistas interesantísimas. También las agencias de relaciones públicas de la más alta categoría pisan el Merchandise Mart; y no les miento: muchas veces vi a Yves Behar o a Naoto Fukasawa sentados en showrooms con ojos de cansancio, pero no por exceso de trabajo; al contario, los miré solos y con ojos perdidos, tratando de captar lo que sucedía a su lado pues nadie del público en general les dirigía la palabra.

Hoy, la historia es radicalmente diferente: desde que aterrizó el diseño europeo haciendo alarde de su estilo y del conocimiento del diseño y forma, el mercado evolucionó con una velocidad nunca antes vista. Steelcase con su nueva apuesta conceptual en sillas como la Series 1 y su brillante mancuerna con Microsoft; Herman Miller con lanzamientos en colaboración con diseñadores como Stefan Scholten y Carole Baijings, y el acertado acercamiento a las reconfiguraciones de los espacios de trabajo con sus sistemas Living Office y Live OS; HBF con su impecable diseño de inspiración europea, respetando la naturaleza de los materiales, excelente factura y una amplísima gama en telas y texturas. Por su parte, Knoll celebró el 100 Aniversario de Florence Knoll y el 70 de la creación de su línea de textiles, recordándonos que los textiles de rica textura y con una amplia paleta de colores hacen el diseño más humano y lo acercan a todo el mundo, pues lo bien hecho cuando se trata de diseño no se debe de comprender, se debe de vivir.

Vitra, como cada año, presentó piezas de mobiliario con grandes figuras del diseño como Alberto Meda, Antonio Citterio y Barber & Osgerby, privilegiando la excelente factura tan conocida por todos. Andreu World, se presentó sólida y fuerte de la mano de Urquiola y el maestro Piergiorgio Caz-

Silla Pacific de Edward Barber & Jay Osgerby para Vitra

El regreso a la individualidad sin dejar de privilegiar los espacios que procuren la convivencia y el trabajo en equipo.

zaniga con quienes se llevó a casa cuatro premios The Best of NeoCon con finísimas piezas, como el Capri Lounge. Y si alguien se hizo notar en términos de autor fue Patricia Urquiola, pues siendo la directora creativa de Haworth –por la compra que hizo esta empresa estadounidense de Cassina Group–, dándole un cambio de 180º a la firma con diseños más íntimos.

La canadiense Teknion presentó, ya terminada y ampliada, su colección Zones diseñada por PearsonLloyd, la cual le ha valido premios y aplausos de la crítica. Ésta se caracteriza por la sencillez de su línea y por la búsqueda de la humanización de los espacios por lo táctil que se presenta.

Las que sorprendieron gratamente fueron empresas dedicadas a las alfombras, pues siguen en su apuesta por utilizar materiales que se puedan volver a utilizar y también haciendo sus productos reciclables hasta en un 80%. Tal es el caso de Mohawk, que desbordando su interés por otorgar un grato ambiente a los usuarios de los espacios de trabajo, ofrece diseños con muchísima textura, a tal grado que es imposible no querer tocar o sentir con los pies los volúmenes que salen de sus tejidos; lo más destacado de su showroom: los pisos vinílicos que por diseño se adaptan a los patrones y armado de la alfombra, haciendo que puedan combinarse a la perfección. Una apuesta similar nos da Interface, pero con una filosofía 100% natural en diseño, pues se inspira en los colores y texturas de la naturaleza para sus diseños. El otro gigante de este rubro es Shaw, que exalta y juega con los sistemas modulares para ofrecer contraste y movimiento en sus diseños. Por otro lado, Milliken no deja de inspirarse en el arte para sus conceptos, sus más recientes diseños recuerdan las paletas de Pantone.

Y concluyendo, vimos un mercado que sigue intentando llevar las sensaciones de un estilo de vida sano y hogareño a los sitios de trabajo, pretendiendo crear experiencias gratas.

Saben que la flexibilidad es un imperativo y ofrecen mobiliario con múltiples configuraciones y de fácil interrelación.

Bienestar sigue siendo la palabra clave; saben que ahora más que nunca, el usuario busca felicidad y sólo se quedará en los espacios laborales que se ocupen en ellos. neocon.com

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Acoustics The Originals de BuzziSpace

Off the grid de Reesie Duncan y Ashley Olson para Shaw Contract

Lรกmpara Infinity de Humanscale

Sofรก Colourform de Stefan Scholten Y Carole Baijings para Herman Miller

Silla Nuez de Patricia Urquiola para Andrew World

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Silla Fiore de Dauphin Design

Alfombra Rue Colorline de la colecciĂłn Human Connetions de Interface

Mesa Deploy de Broome Jenkins para Boss Design

Mesas Etnia de Sandler Seating

Espejo BuzziMirage de Alain Gilles para BuzziSpace

Mesa ajustable Tear Drop de II

BY IV Design para Nienkämper

LO MEJOR DE NEOCON

SEATING IS THE NEW SMOKING.

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Colecciรณn Cern de Fig40 para Nienkamper

Ante esta impactante premisa, casi el cien por ciento de las empresas exponentes en NeoCon 2017 presentaron mobiliario flexible que motiva el movimiento de los usuarios finales, tal es el caso de las mesas ajustables de altura.

Oficina Privada Haus de WestElm

Viccarbe Imports Collection para Coalesse

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LO MEJOR DE NEOCON

LA PALABRA DEL AÑO: COLABORACIÓN. Miles de oficinas de coworking se abren cada año; por lo que, el diseño de mobiliario que fomenta la colaboración también fue una constante; ejemplo de ello son las salas de reunión que aportan privacidad y que están hechas con materiales que alejan el ruido.

Umami Lounge System de Steelcase

Colección Zones de PearsonLloyd para Teknion

Heya de Webb Associates para OFS Brands

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Silla Ruckus Task de KI

Duet Tables de Global Furniture Group

Q6 de Jonathan Prestwich para Davis

Alter Ego de la colecciรณn Signature de Toni Prestini para Knoll Textiles

Mesa Wyre de OFS Brands Design Studio para OFB Brands

Silla Series 1 de Steelecase

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Luminaria Lavigo de Waldmann

Alfombra Impasto de Bentley

Alfombra MaterialParadox de Patcraft

Mesa Baja de Joey Ruiter para Nucraft

Silla Metrik de WhiteID para Wikhan

LO MEJOR DE NEOCON

MOBILIARIO DE USO MIXTO.

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Fulton Rocker de Scott Wilson para HBF Furniture

El lounge, destinado anteriormente para el lobby y área de espera, este año las empresas lo proponen también para las oficinas abiertas, pero sobre todo para uso de las nuevas generaciones quienes se sientan con la computadora en las piernas y de otras maneras nunca antes pensadas.

Colección Lichen de MohawkGroup

Colección SW 1 Chair de Scott Wilson para Coelesse

Colección Capri de Piergiorgio Cazzaniga para Andreu World

Sofá Arthur de BOSS Design | Silla Penne de Läufert & Keichel para ICF | Banco o mesa Hans de Studio Taschide para DAVIS | Banco Enea para Coelesse.

MA C RO TEN DEN CIAS Arte Jorge Medina

MENTAS GRISÁCEAS Frescura y tranquilidad es lo que necesita el ser humano para su desarrollo profesional y personal.

Telas suaves, pero con mucha soltura es lo que vemos en las pasarelas. El mercado industrial propone la misma estética, pero con materiales nobles.

Moda Prada Resort 2018 | Moda Jesús de la Garsa FW17 | Silla Sachet de Jehs + Laub para DAVIS | Banca Weda de Daniel Wehrli para DAVIS | Sillas Mood para ICF | Moda Prada Resort'18 | Sillas Reed de Jehs + Laub para DAVIS | Lounge Aperi para ICF.

NeoCon 2017 Texturas y más texturas.

Llevar lo táctil a lo fabril es lo que las industrias creativas y las empresas del diseño buscan de un tiempo a la fecha. Aquí la interpretación del equipo Glocal en Chicago.

Arte JORGE MEDINA Editor de sección GERMÁN VELASCO Y GRETA ARCILA Curaduría SANDRA MONTIEL

SOBRIEDAD METÁLICA Los metálicos siempre han sido símbolo de opulencia exacerbada, pero cuando el brillo se disuelve en los matices el discurso es totalmente opuesto, es una vanguardia silenciosa, sobria y deliciosa a la vista.

Moda Jesús de la Garsa FW 2017 | Moda Bottega Veneta FW17 | WallCovering Alloy para ARC Com | Alfombra Deconstructed Metal Alloy Shimmer para Patcraft | Acoustic Draperies, Glace y Lumin para Designtex | Silla Mood para ICF.

NATURALEZA EXPUESTA Mirar las texturas de la naturaleza en su estado más puro siempre es inspirador. Ahí se descubren momentos y sensaciones, y justo eso encontramos en los textiles de hoy, entre más rugoso o fibroso mejor pues el sentido del tacto se despierta de inmediato e invita al cerebro a conectarse con sus más íntimos estímulos.

MACROTENDENCIAS

Alfombra Coexist, The Outskirts Collection para Bentley | Textil Sinergy para Camira | Silla Buzzi Float de Alain Gilles para BUZZI SPACE | Moda Marni Men FW 17-18 | Pisos Mixte para Mohawk | Sofรก Buzzi Cane de DUM Office, Wiebe Boonstra y Marc Van Nederpelt para BUZZI SPACE | Fondo: Alfombras The Lichen Collection para Mohawk

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COLUMNA

La piel tiene memoria Por JUAN CARLOS BAUMGARTNER Ilustración ZAMARRIPA

SI BIEN EL TÍTULO DE MI COLUMNA en esta ocasión parece emanar de la pluma de un poeta sufriendo y añorando tiempos mejores, como casi todo poeta, en realidad el contenido de la misma dista mucho de serlo.

El revestimiento exterior del cuerpo: la piel es el órgano más grande del cuerpo y realiza una serie de funciones vitales. Sirve como barrera protectora contra microorganismos, actúa como un aislante contra el calor y el frío, y ayuda a eliminar los desechos del cuerpo en forma de transpiración. Protege contra la exposición excesiva a los rayos ultravioleta del sol, produciendo una pigmentación protectora y ayuda a producir el suministro de vitamina D del organismo. Sus receptores sensoriales permiten al cuerpo sentir dolor, frío, calor, tacto y presión; sin embargo, recientemente un estudio realizado por la University College de Londres (UCL) argumenta la teoría de que la piel tiene memoria. Esta idea no es nueva, ya mucho se ha escrito de cómo los niños que en sus primeras etapas de desarrollo caminan descalzos se desarrollan con más inteligencia, ya que acumulan más estímulos .

Es también muy conocido cómo el sol con el contacto con la piel, la estimula y genera la producción de endorfinas que funcionan como neurotransmisores, los cuales ayudan a eliminar parte del estrés acumulado en el cuerpo.

Lo interesante del estudio de UCL es que, por primera vez, se le confiere el atributo de la memoria a la piel; es decir, no únicamente como un filtro o protección al medio ambiente, el cual transmite estímulos al cerebro y ya; sino que dichos estímulos se procesan desde la parte central del sistema nervioso. Esta teoría establece la posibilidad de que el proceso de memoria no es único del cerebro sino que, en realidad, inicia en

Los estímulos que guarda el cerebro ya vienen filtrados al pasar por la piel. la piel. Lo cual explica porqué un individuo puede tener muchos estímulos de los que su cerebro no está enterado. Una de las consecuencias más importantes de esta teoría es el desarrollo de la hipótesis llamada embodied cognition, que es la idea de que si la piel guarda información en su memoria, los estímulos que recibimos en el cerebro ya vienen filtrados al pasar por la piel y su memoria; es decir, el proceso cognitivo de los seres humanos no comenzaría entonces en el cerebro sino que en realidad nuestros procesos cognitivos arrancan en la piel y el cuerpo.

Esto convierte a la teoría de la memoria de la piel en una de las creencias médicas recientes más importantes para el mundo de la arquitectura y, principalmente, para el interiorismo.

Si nuestros procesos cognitivos comienzan en el cuerpo (embodied cognition), entonces los contenedores en los que el cuerpo se ubica y que

terminan modificando cómo hacemos uso de él y, además, son de dónde salen los estímulos; en realidad, podrían ser una extensión de nuestros procesos cognitivos (extended cognition).

Extended cognition asume que la arquitectura y los espacios interiores son una extensión de los procesos cognitivos; por lo que, en casos como el desarrollo de currícula para la educación, la arquitectura tendría que ser considerada como pieza fundamental en el proceso de aprendizaje.

En muchos campos como el de la pedagogía, por ejemplo, la teoría de extended cognition ya comienza a ser una de las más aceptadas en la nueva forma de preparar estudiantes.

Ahora, el reto para la industria del diseño es entender la arquitectura no sólo como contenedor sino como proceso cognitivo. Esto será uno de los grandes retos para nuestra generación y generaciones venideras. Para lograrlo, tendremos que replantear cómo se educa y se hace arquitectura.

Sin duda, vivimos momentos emocionantes como resultado de los avances tecnológicos, médicos y sociales, pero nos toca a los diseñadores estar a la altura de este momento histórico.

@baumgarj

La intención del objeto Por LUIS MERCADO ROJO Ilustración ZAMARRIPA

@zamarripa.mx

¿CUÁLES SON LOS PARÁMETROS que utilizamos para asignar un valor cuantitativo de calidad a un objeto? Un objeto ¿tiene o es de calidad? ¿Cuándo un objeto es de mayor o menor calidad que otro? Estas son preguntas que durante mucho tiempo me costó responder, y entre más investigué y se las hice a colegas y amigos, más me daba cuenta de que, aunque, todos creíamos saber que era la calidad, no podíamos poner el dedo en exactamente a qué nos referíamos.

El problema radica en que al hablar de “calidad”, nos referimos a una serie de cualidades que agrupamos bajo un mismo término. Nos referimos al material del que está hecho un objeto, el nivel de su manufactura, su estética y su función, siendo la suma de estos valores lo que tomamos en cuenta para determinar su naturaleza. Pero, hay otro factor desde el cual analizar la calidad, y es, la aproximación a la intención.

En su libro The nature and art of workmanship (David Pye, Londres, The Herbert Press, 1968), Pye (1914-1993) describe que conceptualmente conocemos el ideal de un objeto y las cualidades que debe tener, y es a este ideal al cual la ejecución de dicho objeto se debe aproximar.

Sin importar de qué materiales esté hecho un objeto, su diseño y función, si la ejecución es

mala, el objeto será de mala calidad. Pero ¿cómo definimos ese ideal? La pregunta nos remite a la intención del diseñador. Un buen diseño comunica con claridad cuál es la intención que le da el diseñador a un objeto.

El arte nos ofrece un sinnúmero de ejemplos.

Si vemos un Picasso y pensamos que la intención del artista es el realismo, sería un desastre; pero como sabemos que no lo es, podemos apreciar la calidad de su obra.

Lo mismo sucede con los objetos, si una copa de cristal para vino no es perfectamente circular, sin imperfecciones y recta, la consideramos de mala calidad porque sabemos que la ejecución no demuestra su intención de ser un objeto de lujo.

Si el propósito es diseñar un recipiente de barro, económico, para tomar café, nuestra percepción cambia sobre el ideal y utilizamos otros criterios para encontrar que la taza de barro es de buena calidad. Es evidente que no los podemos juzgar con los mismos criterios.

En Occidente asociamos la calidad con perfección porque acercarse lo más posible a la excelencia es una forma muy directa de transmitir nuestra intención, pero éste no siempre es el caso. En Japón, encontramos la visión estética del wabi sabi, que celebra la imperfección. Como,

Material, proceso, forma y función sumados a un ideal de diseño, definen la calidad de un objeto. por ejemplo, en la alfarería, en la que podemos analizar un objeto y categorizar cuáles son cualidades propias de haber sido ‘hecho a mano’ y cuáles son desviaciones de la ejecución.

Así que, cuando nos encontremos ante un objeto y nos preguntemos cuál es la intención detrás de su diseño, analicemos la distancia que hay con su ejecución y podremos asignar un valor a su calidad.

Este es un análisis imprescindible que debemos hacer cada vez que diseñamos un objeto.

Debemos estudiar si el material, la ejecución, la forma y la función comunican claramente la intención del objeto y qué tanto se aproximan a su ideal. Sólo así sabremos si tenemos un objeto de calidad. @lmrdesigngarage

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COVER STORY

PÁG. 62 ARCHITECTURE IS LIVABLE SCULPTURE “Space takes control of us and we of it. If we are in a cubeshaped room, we are a cube; if we’re in a spherical space, we feel like a sphere. That is the symbiosis that exists between space and man.”: Agustín Hernández Interview Greta Arcila and Martha Lydia Anaya Photographs Felipe Luna, José Margaleff

“Forward, my tractors,” General Hermenegildo Cuenca shouted with conviction. He was the National Defense secretary who supervised the construction idea for the Mexican military academy Heroico Colegio Militar. The work had just gotten underway, and heavy equipment was digging out the mountainside, leveling most of the trees growing in fields near Cuernavaca, to the south of Mexico City. So, an outraged Gen. Cuenca objected, because that was not the way to do architecture. Agustín Hernández, however, countered with a single categorical response: “My General, indeed this is not architecture. This represents the heroics of 1847 (when the U.S. invaded and the young heroes defended Chapultepec Castle).” Gen. Cuenca reacted most enthusiastically and stoically, repeating the order to proceed: “Forward, my tractors.”

There must be a dozen more anecdotes like this one, telling about how the Military School that stands today was built.

The story began in October 1974, when Luis Echeverria, the president of Mexico at the time, ceremoniously laid the first stone at the site. Some 20 architects, including well-known

and influential names such as Mario Pani and Enrique del Moral, had competed for this historic project, but in the end the proposal called Calmecal y Telpochcalli, by architects Agustín Hernández Navarro and Manuel González Rul, was the winner. “You’ve taken a tiger,” Mario Pani told Agustín Hernández, who took on the challenge of taming that and many other beasts, and has done so successfully.

It has been 43 years, and while the questions have surely been asked before, we pose some to Hernández: What does the Military School represent? How did he manage to put this enormous project down on paper? Where did the idea come from? What did it teach him? With enviable posture and liveliness at 93, he tells us: “It is the largest work I have done, since it is an urban complex with a highly organized structure. It was very difficult to reconcile the spaces, volumes, open areas and internal functioning, with all the cadets in formation, so it would all be in order. As a whole, it is reminiscent of pre-Hispanic ceremonial centers where open and constructed spaces combine, forming plazas, and where the surrounding mountains are a finishing touch for the buildings and form a natural wall framing the school facilities.”

“I got the idea by trying to do something new. My route has always been that of seeking originality, the unknown and producing surprise. That is creativity. I couldn’t do it again, because I don’t believe in styles. Style existed and was justified when there was a single construction system, one material, but now we have a great number of systems and materials for creating. That is precisely part of what I learned from building that huge school: to fit several links together and manage all the engineers and others who intervened in the project; for some it meant speaking with a loud, authoritative voice and with others it was to discuss in a quieter voice,” the architect, who was born on February 29, 1924 in Mexico City, tells us.

SPACES THAT SPEAK “I always challenge myself to do complicated things like slanted walls, intersections of bodies with arches and vaults with cylinders,” Agustín continues. “The house I made for my dear sister Amalia Hernández (1917-1999) is not only another great example, but it is also a construction job that took lot of effort for me. As a choreographer and dancer, she wanted a place that encouraged foot stamping and remembering the days when our mother gave her and my other sisters dance lessons. Amalia was the one who inherited the love of dance, especially because she remembered when we used to go to our ranch in Tamaulipas and country folk would gather around to play Huasteca music on the violin and then would start dancing. So, she wanted her house to dance on the inside.”

“As far as I’m concerned, Amalia has been my best client, because she appreciated space and was very conscious of dimensions. She gave me absolute creative freedom to build her house (Casa Amalia Hernández, 1971) my way.

Deep down, I knew it was a home that I would never do again. After visiting several convents near the city, in search of new forms that relate architecture with geometry, I designed elliptical windows for the house. In the end, plans and models that showed the spaces were what convinced my sister to make her spectacular house.”

Not too far from his beloved sister’s house, also in the vicinity of Bosques de las Lomas in Mexico City, is the Taller de Arquitectura (Architecture Workshop, 1975) that Agustín also designed and is now his office and home.

Hidden among the trees, as if floating above a ravine, 130 feet high, is this unusual, monumental composition, which plays again with geometry and gravity. The office is literally “a sculpture” in which the architect gets inspired, draws, uses his pencil to sketch the ideas that come into his head, works on the wild notions he gets and rests.

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To produce this unusual structure, Agustín told us that the inspiration came to him when he was on the coast, with the figure of a tree in mind. “I got the idea to create the tensioncompression concept of this project while in Acapulco, under a thatched roof palapa. The outcome was four concrete prisms with marble additions–two compressed and two under pressure, two polished and two bush hammered– seeking structural balance. They’re four identical modules that intersect. I no longer have the original sketch, because I thought about it many years ago and throw everything out, but I do recall that I drew it on a plain sheet of paper I had with me.”

“This workshop,” he tells us, “provides everything I have looked for in architecture: structure, form and function in a single unit. Since the sketch stage, it is a project that goes beyond any context. Even when I tried to get the construction permits, the people who looked at it didn’t understand it. I would show them my drawing and explain.

Fortunately, I was never rejected by the authorities or the neighbors, and they accepted the piece just as we see it now.”

Nowadays, both the neighbors who live near the workshop and people walking in the vicinity are still amazed by this fabulous workshop. From whatever angle it is viewed, it looks as if it comes from a futuristic story.

In that same setting and just a few blocks from the Taller de Arquitectura (Architecture Workshop) stands the Casa Volada (literally Overhang House, 1991), a residence that Agustín built for his brother Roberto Hernández and that he himself describes as “the most avant-garde house I could have made 30 years ago.” It is a property that combines precise straight lines, open and geometric spaces, for which few materials were used and which provides cozy space inside. “People still see it as very modern because of its structure and functioning. It shows the interplay of compressed concrete and steel under tension, it is a fabulous construction unit. When going by, looking up to admire it is unavoidable. It is a livable machine, a boat floating in the air that is one of a kind despite the time that goes by.”

us: “It is actually a building with four circular windows. Yet it really goes beyond that: it is a glass cube contained within four walls. A large circular opening is cut out of the center of each one of them, framing the contents.”

Due to its shape, most people, call the building “The Washing Machine”, although it really represents symbols that have existed through time and space: from the days of Zarathustra, in Islamic countries, among the Maya, the Chinese, the Aztec, etc. “The abstraction of the unit is incredible. It even seems at times that there is a sphere inside a cube,” concludes the architect, who ends the enjoyable chat by telling us that when the client saw the model of Calakmul, transparent and with a cube in the middle, “his jaw dropped.”

CALAKMUL: LAND AND SKY For the winner of the 2004 National Award for the Sciences and Arts in the field of Fine Arts, constructions must have character, a personality. “From the moment we begin designing a structure, it starts to give us spaces, different spaces, spaces that talk; some of them will call us to rest and others to activity.” In his opinion, cities are full of constructions, but that doesn’t mean they are all architecture; only those in which structure, form, function and beauty create a unit are architecture. As an example: the Calakmul Corporate Headquarters (1997), in Santa Fe, in western Mexico City, whose name nods to the ancient Maya city in the state of Campeche. Not only are the innovative concept and impressive volumes masterfully produced in concrete and glass lofty, but also the symbolism enveloping it. In it, the square represents the land and the circle the sky, symbols that have transcended over time and been worshipped by millenary cultures.

Agustín simplifies the explanation of the project by telling

PÁG. 52 ARIANNA LELLI MAMI AND CHIARA DI PINTO | STUDIOPEPE In an apartment that was once lived in, with actual dimensions and persistent memories The Visit is re-created, a place that tells the story of its spaces and the ritual of people visiting.

Interview Sandra Montiel, Milan correspondent Photos Studiopepe

What does a space say about the people who live in it? If places could talk, they might well reveal a lot about the ways of life of the people who interact in them on a daily basis. While this cannot, of course, take place verbally, we can learn about the inner workings of a house and its inhabitants by exploring its environments. Arianna Lelli Mami and Chiara Di Pinto, creative directors at Studiopepe, studied every inch of an apartment, precisely to make it

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into “something more” than just a physical place. That was the start of The Visit on the third floor of an early 1800s building in the Brera district, in the very heart of Milan.

Arianna and Chiara are not only a pair of charming women, they have worked extremely hard to make their way within the design world. Their thought and creative processes are focused on “feeling their hearts at the center of everything they do.” Both love and attention to detail when considering how to go about each project, ensure that every one of them has meaning, a sort of hidden message, that even leads to feeling like you can have a conversation with them without even being there. That’s exactly what happens at The Visit, a project they presented at the 2017 Milan Design Week, which they created in collaboration with Matteo Artemisi and Sonia Pravato.

“For us,” the pair from Studiopepe explain, “Brera has always been an example of bohemian Milan par excellence.

With all the photographers and painters’ studios there, its streets exude an artistic atmosphere. Now, the city itself is increasingly more tied in with design, and this course has imbued it with a special creative soul that lends it further vitality. It is also an emblematic place that stirs a load of memories from childhood. So, When we decided to present a project of our own creation for the Fuorisalone, in the Brera Design District, we felt we wanted tell the tale of not just a place but also a gesture, a ritual.”

This is the background to The Visit. Going to it is an act that implies the physical location, as well as people who live there and others who visit. “We believe that a home is the physical transposition of our inner world. We imagine it on a human scale, full of things that make us happy, frequented by people we like, a dynamic world changing with us, with fluid barriers and nomadic furniture whose function may change over time. A place where beauty envelops and accompanies us throughout everyday life.”

The project was custom made for an actual apartment, a space once lived in, with real, intimate dimensions and persistent memories. It is situated within an urban context that is intertwined with the world of art and is moving toward the world of design.

It has a series of rooms with high ceilings, large windows, stucco walls and herringbone parquet. “Although we respected the original floor plan, we did not want to be overly limited by it,” Arianna and Chiara tell us. Several spaces were redesigned by using curtains as dividers. Doors and windows were incorporated into the general design of a wall drawing, which is one of the strong visual features of the project. These wall drawings echo the ateliers of artists such as Piet Mondrian or the Bauhaus movement, turning them into a kind of outer skin. As the two creatives put it: “Pulsating upholstery that composes the fabric that permeates every setting.” Regarding the furnishing elements, from the most important to the tiniest detail, coexist in a mutual dialog with the colorful aspects around them. Due to its approach and impact, The Visit is a perfect combination of design, art and fashion. Creativity has many facets is the perception that Studiopepe shares with us: “Life itself is a fluid flow of experiences,” Arianna and Chiara conclude.

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PÁG. 56 MONICA ARMANI As a girl, she lived on a hill, in a house designed by her architect father. That is why she has always felt especially fascinated by open air and the comfort of environments, now the essence she conveys in her lighting designs.

Interview Greta Arcila, Milan correspondent

Thanks to LEDs (light-emitting diodes) and other new technologies, designers can now change the shapes and even the uses of light fixtures. The idea that a lamp can adapt to the mood of environments and people is no longer outlandish; now audacity in experimentation with flexible design, as well as new materials, enables that and even more.

Today, lamps do more than simply act as dispensers of light.

One good example, designed for Luceplan by Monica Armani, is Diade, which integrates noise-absorbing acoustic solutions (for instance, placed on a table or in an office), thereby promoting the psychophysical wellbeing of people within environments.

“My collaboration with Luceplan began three or four years ago, when I designed Silenzio with the idea of truly creating “something” novel, that didn’t exist at the time. And so this light fixture came to life, and with the beauty of Kvadrat fabrics, was introduced as a lighting system option that went along with the concept of high performance soundproof furnishing solutions, suitable for both public and private settings,” Monica tells us during the brief time we managed to grab her attention at the world’s biggest design fair, in Milan.

With the smile she is known for, the Italian designer has positioned herself on the international design scene through her attention to detail and sense of geometric perfection.

She is no stranger to the world of architecture, either; for over 20 years she has formed a solid duo with her husband, Luca Dallabetta, who provides her with not only emotional support but also assistance with technical issues.

Silenzio is precisely a piece that emerged out of Monica and Luca’s joint efforts and that connects the spirit of the two creatives. “It has been a complete success, especially

because it comes down to a handcrafted lighting solution that decorates and personalizes the surroundings but that is also a perfect expression of the technology - design dyad, due to its great sound absorption capabilities. I’m very pleased because it has even become one of Luceplan’s bestsellers on the North American market,” Monica reports.

She will never stop finding it interesting to observe the response of people when a new product is made to feel good and improve environmental quality. Consequently, this year she decided to continue in the same vein as Silenzio, in terms of research and development of acoustic comfort.

“Creating an object is a long process that takes several years of work, during which not only time is invested but also resources for experimentation with technologies and materials.” So Diade emerged, a new suspended lamp characterized by a rigorous linear design. Technically, it is a light fixture with great visual impact and a couture image that can add character and warmth to any atmosphere.

It can also fold up to separate the space beneath it. “It is as if the ceiling surprisingly turned into light, thanks to a linear LED lamp for modular architecture (ideal for work), whose two “wing” panels can be positioned vertically or horizontally, to create a partition or a large ceiling element.”

Diade brings illumination, acoustic absorption and covering high spaces together in a single strategy, which does away with the need for suspended ceilings and increases comfort in daily life without losing sight of the dynamism and chromatic quality of light. With this new version of a floating light fixture created by Monica, Luceplan plans to respond to the growing need for flexibility within the workplace. She wraps up the conversation with the perfect comment: “Design and esthetics form a unique continuity between interior and exterior.”

PÁG. 58 NICOLETTE NAUMANN Housewares, Furnishings and Accessories 2018 Ambiente Fair: A Perfect Barometer of Design Trends The countdown for the 2018 Ambiente fair is on.

Preparations for one of the most highly anticipated events in the world of housewares, furnishings and accessories for interior design, as well as fine and costume jewelry and fashion, are at the final detail stage prior to the actual show.

As much as 94% of the exhibition area has already been spoken for at Messe Frankfurt, the venue that will open next February 9-13, to present some 4,500 exhibitors from a hundred countries, who are all getting their novelties and innovations ready for the event. Nicolette Naumann, enthusiastic vice president of Ambiente, was in Mexico to

tell us about the fair. “Following Denmark, France, Japan, the United States, Italy and the United Kingdom, I’m very happy to have lined up the Netherlands as the seventh partner country for the upcoming edition of Ambiente.

A country known for its excellent design –minimalist as well as experimental, innovative and unconventional–, it will surely contribute enormously with a presentation of outstanding products. This exhibition will be curated

by Dutchman Robert Bronwasser, an industrial designer who has a special gift for turning everyday items into extraordinary products, both in terms of form and function.

His designs stand out for their ease of use and clear, recognizable forms,” Nicolette shares with us.

There will also be a special area that will focus on the changes that have taken place within business and trade.

The studio Markgraph has prepared this special exhibition around the leitmotif of the shift from point of sale to point of experience. It will be set up in one of the main pavilions and will show how products can be introduced and spotlighted in the digital era.

All of this in addition to the three core exhibition areas in previous editions of Ambiente: Dining, Living and Giving, which can be a perfect barometer of design trends. And of course, we cannot ignore the extensive and very interesting program of conferences organized by Ambiente Academy, offering a range of viewpoints on current market trends.

A series of experts will discuss how to put together panels with assorted attractions, optimum positioning for different products and the best strategies for electronic commerce.

Nicolette tells us that: “Of the 141,000 visitors from 154 countries last year, just over 400 were from Mexico.

After Germany, the 10 nations with the most visitors were Italy, China, France, the United States, Spain, the United Kingdom, the Netherlands, Switzerland, South Korea and Turkey. Six months before the fair is slated to open, a Mexican company has already registered for the 2018 edition.”

As always, Ambiente 2018 will present the leading trends in the areas of table, kitchen, home and gifts. The prestigious design studio bora.herke.palmisano will do an in-depth analysis of trends in these four worlds and will stage them in a great special exhibition. And for buyers on the lookout for the most unique products, Talents and Next will be just the areas to check out.

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OBJETO GLOCAL

Para vivir varias generaciones Simple Writing Desk y Essens Seating | HBF + OEO Studio HBF, una firma con sede en Carolina del Norte unió ideas con OEO Studio, establecido en Copenhague, para llevar a cabo Simple Writing Desk, identificado por ser una pieza multifuncional y dinámica capaz de adaptarse a cualquier espacio. Es un hecho que fue diseñado en gran parte para pertenecer a un lugar de trabajo, sin embargo, esta pieza no fue creada para el lugar donde las personas trabajan, sino con la intención de adaptarse a la forma en la que éstas lo hacen; del mismo modo, Essens Chairs + Stools, una serie de asientos que se define por una rica mezcla de materiales –madera maciza, metal, cuero y textil– y un diseño paralelamente elegante y minimalista, que se integran para generar una perfecta armonía del detalle, el material y ergonomía. Ambas colecciones son presentadas en conjunto y, sin duda, así lucen altamente atractivas por su estética de trazo limpio, pero también pueden usarse de manera individual con la garantía de que durarán para ver vivir a varias generaciones. –KR hbf.com

Foto cor tesía

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