GLOCAL DESIGN MAGAZINE No. 39 Portada por / Cover by: SOM

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MACROTENDENCIAS: DESDE MILÁN | ARQUITECTURA EFÍMERA | LO MEJOR DEL SALONE DEL MOBILE MILANO | LUCA NICHETTO & BEN GORHAM | OKI SATO: NENDO | KONSTANTIN GRCIC | JORGE DIEGO ETIENNE

Bases y convocatoria en glocal.mx Cierre 6 de julio 2017

CATEGORÍAS: Arquitectura residencial Interiorismo residencial Arquitectura institucional Arquitectura corporativa Interiorismo corporativo Arquitectura comercial Interiorismo comercial Arquitectura del paisaje Hotel boutique Hotel gran turismo Restaurante bar Intervención urbana e impacto social Arquitectura Efímera/Pabellones/Stands

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Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: junio-julio 2017. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013041513043400-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Comercializadora GBN S.A. de C.V., Calzada de Tlalpan 572, despacho C-302, colonia Moderna, delegación Benito Juárez, 03510, México, D.F., Tel. 5618-8551. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V., Caravaggio 30, Col. Mixcoac, C.P. 03910. Del. Benito Juárez. México, D.F. Tel 5611-9653.

Portada Macrotendencias por JORGE MEDINA

Mirar el mañana como imponentes rascacielos Los rascacielos son una expresión de optimismo sobre el futuro; no son diferentes a cualquier otro proyecto, pero sí requieren de retos técnicos y de ingeniería con mayor conocimiento. Quizá no siempre cumplan con la premisa de que son un ejemplo de prosperidad y buenos augurios para las comunidades donde se levantan, aunque sí es un hecho que comunican algo sobre un país y las ambiciones de una cultura. Esta reflexión viene a colación porque hace unos años, casi tres para ser exactos, comenzó a funcionar el Centro Operativo BBVA Bancomer –con 137 metros de altura y 32 pisos en un área de 13,400 metros cuadrados– en la Ciudad de México. Proyectadas por SOM, que diseñó la Torre Sears de Chicago y el rascacielos Burj Khalifa en Dubái, listado como el edificio más alto del mundo, las oficinas del grupo financiero nos transmiten un mensaje: México está en el punto de mira de los ojos del mundo. No hablamos de la torre corporativa más alta del país, pero sí de uno de los proyectos arquitectónicos más interesantes que se han desarrollado en los años recientes por su balance entre el uso de sistemas mecánicos sustentables, materiales y acabados con elementos reciclados. De entre sus características, son los bloques desfasados de cristal

con juego de alturas y volúmenes insertos en topografías periféricas los que, en esta ocasión, inspiran nuestra portada. SOM ha moldeado el tablero global del diseño a gran escala y, para esta edición, ha tomado ese detalle del edificio de Bancomer para elaborar una portada abstracta, pero con gran impacto visual. En el interior, nuestras páginas se llenan con la trayectoria, planes y anécdotas de este despacho.

Fue laborioso coincidir con los socios directores que, desde Nueva York, coordinan, bocetan y trazan los planos de innovadores proyectos alrededor del mundo; y aún fue más complicado resumir en unas planas un recorrido por impresionantes obras que van marcando hitos en la historia de la arquitectura, el interiorismo y el diseño mundial. SOM visualiza en México oportunidades de grandes alturas, así como los rascacielos que ha construido; y ese ánimo es algo de lo que queremos contagiar. Ese mismo coraje y energía las sentí en los mexicanos que estuvieron en la feria de Milán de este año; fue muy grato platicar con Joel Escalona y Jorge Diego Etienne, quienes al contrario de intimidarse se han contagiado del empuje y profesionalismo de personajes del diseño, como Luca Nichetto, Ben Gorham, Oki Sato o Konstantin Grcic. Todas, charlas inspiradoras que, como los imponentes rascacielos, expresan un particular optimismo sobre el futuro.

GRETA ARCILA Editora en jefe

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Greta Arcila

@gretaarcila

arcilagreta

Contenido 02 DIRECTORIO 03 EDITORIAL 07 AGENDA 10 NUEVOS TALENTOS

Zuza Mengham 12 TECHNO

The Frame ACTUAL

14 Mahekal Beach Resort 15 Materia 16 Canalla Bistro 18 LUMINARIA

Michael Anastassiades | Flos

56

19 TEXTIL

Mae Engelgeer | CC Tapis 20 DISEÑO + HISTORIA

Mario Bellini | Cassina 22 DISEÑO + EMPRESA

Emiliano Godoy y Lara Hnos. | Tecnotabla 24 DISEÑO + CIUDAD

26 DESTINO DISEÑO

Toronto, Canadá 32 TALLER

Ula Light

48

Foto Takumi Ota

San Cristóbal de las Casas | C Cubica

36 MEXICANOS DESTACADOS

Joel Escalona 38 SU ESPACIO

Alfredo Ginocchio ENTREVISTAS 42 Cristina Cutrona 48 Oki Sato | Nendo 52 Konstantin Grcic

64

56 Jorge Diego Etienne

Foto Rafael Gamo

44 Ben Gorham y Luca Nichetto

58 Michelle Minter 60 Nuria Villaseñor 64 ENFOQUE

80 Nasa Orbit Pavilion |

StudioKCA | Estados Unidos 82 Pabellón Lacustre | Taller de Arquitectura Pública | México 84 CCP | República Portátil | Chile 86 Perspectives | Giles Miller Studio | Inglaterra

SOM ESPECIAL PABELLONES 76 A Room | Salottobuono +

Enrico Dusi Architecture | México 78 Micr O | Superimpose Architecture Design Studio | China

ARQUITECTURA RESIDENCIAL 88 Quiet House | Artelabo |

Francia 92 Casa PM | FGO/Arquitectura | Yucatán 96 ESPECIAL SALONE 113 MACROTENDENCIAS COLUMNAS 122 Juan Carlos Baumgartner

44

Foto Mattia Balsamini

123 Brenda J. Caro Cocotle 124 ENGLISH TEXT 128 OBJETO GLOCAL

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Fotos cor tesía

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Margiela, The Hermès Years en MoMu Bélgica exhibe las colecciones hechas por Martín Margiela para la casa parisina.

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AGENDA

MARGIELA, THE HERMÈS YEARS Hasta el 27 de agosto El MoMu muestra por primera vez las colecciones de la casa parisina Hermès (1997-2003) hechas por Martin Margiela, uno de los diseñadores de vanguardia más influyentes. Se trata de una exposición con un enfoque conceptual de la presentación, venta y comunicación de sus colecciones y cómo éstas han cambiado la forma en que pensamos la moda y sus mecanismos subyacentes, así como nuestras opiniones sobre la artesanía, el comercio y la autoría.

MODE MUSEUM Nationalestraat 28 Antwerp, Bélgica. momu.be

ART BASEL Del 15 al 18 de junio Más de 290 de las principales galerías internacionales de arte contemporáneo y moderno presentan obras de más de 4000 artistas, entre pinturas, esculturas, instalaciones, fotografía, cine, video y arte digital. Los visitantes podrán encontrar obras que van desde piezas creadas por artistas emergentes hasta obras maestras de talla museística, así como un programa completo de actividades como conferencias, premiaciones y exposiciones.

PROJECTS 105: CINTHIA MARCELLE Del 23 de octubre al 4 de septiembre

MESSE BASEL Messeplatz 10 4005 Basel, Suiza. basel.com

El MoMA PS1 presenta Education by Stone (2016), una instalación de sitio específico de Cinthia Marcelle. La artista brasileña —que actualmente representa a su país en Brasil en la 57 edición de la Bienal de Venecia—, creó una instalación con gises insertos entre las fisuras de los ladrillos que conforman la estructura dentro en la galería dúplex del MoMA PS1 para revelar la inestabilidad inherente del material y la fragilidad de lo real.

MoMA PS1 Jackson Ave 22-25, Long Island City, Nueva York. momaps1.org

AGENDA

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WALL Hasta el 29 de julio Monika Sosnowska exhibe una nueva serie de esculturas que reproducen y transforman elementos arquitectónicos de su natal Varsovia. La artista polaca encuentra en el lenguaje de la arquitectura la posibilidad de reflexionar en torno a los edificios socialistas de la década de los sesentas y setentas en Polonia, donde ella creció́ bajo el régimen del bloque soviético. Sus esculturas cuestionan el principio de funcionalidad instaurando por el modernismo, así como los ideales fallidos de progreso que proclamaban las edificaciones de aquel periodo.

GALERÍA KURIMANZUTTO Gobernador Rafael Rebollar 94 Col. San Miguel Chapultepec, Ciudad de México. kurimanzutto.com

LAS ASOMBROSAS CRIATURAS Hasta el 13 de agosto El artista holandés Theo Jansen es conocido por sus esculturas cinéticas inspiradas en las cualidades anatómicas de los animales. Las piezas se mueven a través de estructuras complejas, elaboradas con tubos y botellas de plástico denominadas strandbeest, que son impulsadas por el viento sobre la playa, donde el artista gusta ponerlas a prueba. Después de la aparición de estas criaturas en un comercial de automóviles en 2007, su obra fue reconocida a nivel internacional y ha visitado varios museos alrededor del mundo, ahora presente en la Ciudad de México.

ARP Hasta el 16 de julio Arp es la primera exposición retrospectiva en América Latina dedicada al artista francés de origen alemán Hans Arp, fundador del movimiento Dadá en 1916, junto con Tristan Tzara, Hugo Ball, Marcel Janco y Richard Huelsenbeck. Curada por el historiador francés Serge Fauchereau, la muestra está dividida en cuatro apartados: Nació Dadá, El surrealismo, Guerra y paz y L’Aubette; un recorrido panorámico por las sorprendentes vertientes de la obra de Arp. LABORATORIO ARTE ALAMEDA Doctor Mora 7, Centro Histórico, Ciudad de México. artealameda.bellasartes.gob.mx

MUSEO DE ARTE MODERNO Paseo de la Reforma s/n Bosque de Chapultepec I Sección, Ciudad de México. museoartemoderno.com

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NUEVOS TALENTOS

Escultura de abstracción modernista

LA HISTORIA FUE ASÍ: Sir John Sorrell, fundador del London Design Festival, les propuso a seis de los creadores más famosos de Inglaterra –Tom Dixon, Paul Smith, Ilse Crawford, Ross Lovegrove, Jay Osgerby y Nigel Coates– que seleccionaran a una persona cuyo trabajo pensaban que era excepcional para presentarse en Rising Talents de Maison & Objet, la feria bianual del diseño en París. Así fue cómo se integró un grupo de seis jóvenes diseñadores británicos.

Tom Dixon, por ejemplo, apadrinó a la escultora Zuza Mengham, quien llamó su atención porque no viene del mundo del diseño ni tiene un currículum convencional. Ella comenzó como colorista para películas de animación.

Para Zuza, su presentación en Maison & Objet 2017, marcó su ‘empujón’ al mundo de las ferias internacionales, donde su trabajo estuvo a la vista de una audiencia aún más grande de lo que ella misma podía imaginar. Graduada del Winblendon College of Art en 2008, pasó los primeros años de su carrera trabajando como parte de otros equipos. El año pasado emprendió un proyecto propio de la mano de The Conran Shop,

para quien transformó cinco de sus perfumes unisex en algo visual. En Maison & Objet presentó los materiales que usó para dar ‘una forma’ a esas fragancias, pero también mostró un banco de resina de yeso, jarrones de resina y otros objetos portátiles. Actualmente, está trabajando en una pequeña colección de joyas.

Como artista, le encanta descubrir el potencial de los materiales. Ella trabajaba haciendo estructuras de acero a gran escala en su estudio de Londres, pero ya está planeando hacer de la piedra su material favorito. También prefiere hacer piezas únicas y no está en nada interesada en desarrollar productos para grandes audiencias.

Zuza se va abriendo camino en el escenario internacional con la idea en mente de “hacer espacios a partir de esculturas”. Si Tom se enamoró de su trabajo, es un hecho que el resto del mundo lo haremos también. –ALM

zuzamengham.com

Fotos Ilka and Franz Retrato Albereto Lamback

Luego de hacer grandes piezas de acero, ZUZA MENGHAM descubre el potencial de materiales, como la piedra.

SECCIÓN

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TECHNO

Fotos cor tesía Samsung

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Una TV hecha obra de arte La marca coreana Samsung Electronics en colaboración con B&B Italia presentaron en Milan Design Week: The Frame (el marco), un objeto que promete ser más que una televisión, ya que al dejar de usarla, se transforma en un elemento decorativo. Cuando no está encendida para ver la televisión, The Frame se convierte un cuadro donde los usuarios pueden elegir de entre 100 obras de arte de diferentes categorías como paisajes, obras arquitectónicas, dibujo o incluso, incluir fotografías familiares o de amigos. Cuando se encuentra en modo ‘art’, el objeto detecta la luminosidad de la habitación donde se encuentra y se ajusta a ella, lo que permite que la diferencia con los cuadros reales sea casi imperceptible. También cuenta con un cable invisible a través de una caja externa conectada por un cable de fibra óptica donde se concentran todas las conexiones sin que salgan de la parte trasera del televisor. Diseñada por el suizo Yves Béhar, el equipo cuenta con biseles intercambiables y un soporte de estudio para colocarlo sobre una superficie. –CR fuseproject.com | samsung.com/mx | bebitalia.com

TECHNO

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ACTUAL | HOST

Ambiente ancestral con toque mexicano Mahekal Beach Resort | three–living architecture + Diarq | Playa del Carmen

diseños destacados con telas de Missoni en el ecléctico vestíbulo y el área de asientos cerca de la estufa en la cocina, así como mesas de ping-pong de color naranja brillante y mesas de billar de color azul cobalto en el bar y el centro de actividades del lobby.

“Se intenta fusionar la elegancia de las formas con el espíritu bohemio inconformista mediante la utilización de piezas de arte mexicano”, cuenta Hilda Espino del área de Diseño y Arquitectura en Diarq. Platica que las bancas y rodajas de madera orgánica de la Selva Maya, las cubiertas de mesa en mármol rainforest y los cojines decorativos fueron especialmente diseñados para el hotel por Pineda Covalin, que tomó como inspiración los dibujos huicholes de la flor del peyote. Este magnífico interiorismo armoniza con un inmueble, proyectado por three–living architecture, asentado en Dallas, Texas, y especializado en el diseño de hoteles, resorts, country clubs y spas. –MLA

Calle 38, Zona Federal Marítima 77710, Playa del Carmen, Quintana Roo. diarq.com threearch.com

Fotos cor tesía

El uso de materiales naturales como madera tropical, mármol, barro y cestería, además de formas simples, pero ricas en textura y colorido hacen de Mahekal Beach Resort un lugar fresco, confortable y relajado que invita al descanso en el pequeño paraíso de la Riviera Maya. Sin televisión ni teléfonos, cada uno de los bungalows de este hotel envuelve a sus invitados en una atmósfera tropical y neutra, gracias a sus palapas con techos de paja, pisos de cemento, clósets y cortinas que se combinan con acentos ricos en color y textura, así como con la increíble vista a las aguas turquesas del Caribe mexicano. Fue el despacho mexicano de arquitectura y diseño de interiores Diarq – fundado por Gina Díaz Barroso en 1990– el que se encargó del proyecto de renovación de todo el interiorismo de este complejo turístico, cuyas áreas públicas se inspiran en el estilo GypSet, el cual encarna el estilo de vida gitano-bohemio con detalles mexicanos. Ese toque incluye

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Fotos Jaime Navarro

ACTUAL | SHOPPING

La insignia de lo contemporáneo Materia | Silver Deer | Ciudad de México

Anatole France 82, Polanco III Sección 11550, Miguel Hidalgo, CDMX materiarq.com

Este proyecto genera un concepto insignia de la marca Silver Deer en Polanco justo en medio de una de las zonas comerciales más dinámicas de la Ciudad de México. Allí, el estudio de arquitectura Materia redefinió la identidad y personalidad de esta tienda de ropa masculina. A partir de los orígenes canadienses del fundador y la filosofía de la marca, el diseño conceptual integra una atmosfera tradicional y, a la vez, contemporánea.

La paleta utilizada genera contraste con el uso de materiales como madera, mármol y ladrillo que acentúan una línea de horizonte continua de granito negro alrededor del perímetro permitiendo que cada espacio tenga un sentido de apertura y conexión. Cada uno de estos espacios permiten un ritual específico, como las áreas de Tendencias, Shoes Salon y Ready to Wear, para después dirigir a un espacio abierto de doble altura que permite visualizar a la tienda en su totalidad y llegar a áreas más privadas, como grooming y servicios de sastre.

Uno de los componentes destacados del proyecto es el armario perimetral de metal latonado que lo hace un rasgo significativo de Silver Deer, como un elemento versátil y flexible, constante a lo largo de los muros. Este elemento confiere ligereza y diferentes encuadres para cada colección permitiendo una visibilidad constante y unificadora, ya que muchas marcas de ropa y accesorios conviven en la tienda. La materialidad genera espacios limpios donde conviven maderas de tonos claros y oscuros aportando calidez con el ladrillo y contrastando con el metal latonado para después pasar al mármol blanco que denota mayor jerarquía para las colecciones de lujo. El proyecto obtuvo el reconocimiento a excelencia en diseño y ejecución, además de ser parte de la Clase de 2016 donde sólo se encuentran 42 proyectos en el Retail Design Institute de Chicago. Ganó el premio como mejor proyecto comercial en la Asociación de Arquitectos e Interioristas de México y fue finalista del Premio Prisma. –CC

ACTUAL | TABLE

Fotos David Zarzoso

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El encuentro de dos culturas Canalla Bistro | Francesc Rifé Studio | Ciudad de México

Creado por Grupo Presidente, Canalla Bistro es un restaurante español que abrió un espacio en México bajo el mismo concepto gastronómico.

Al frente de este restaurante, originado en Valencia, está el chef Ricard Camarena, cuya propuesta es una cocina fusión dedicada a la conexión simbólica y sabores entre la cultura americana y la europea.

Diseñado por Francesc Rifé Studio, este lugar presenta una selección de materiales donde destacan las texturas a través de maderas procedentes de México y España, además de un suelo en piedra de pequeño formato tipo adoquín. Con el objetivo de representar dos culturas, el estudio realizó una selección meticulosa de materiales y logró una estética que conforma un lugar expresivo y agradable.

Cada detalle cuenta una historia como el uso de cajas viejas de naranjas que son un elemento histórico y tradicional en la vida valenciana.

En el área de la cocina, se encuentra un espacio semiabierto que gira en torno a un volumen; este bloque es tratado en hormigón y presenta una intervención en graffiti por el artista urbano Seher One, donde se aprecian ilustraciones de luchadores mexicanos.

Este volumen aporta un punto de tensión visual que permite comprender de manera global el concepto que rodea a los comensales de Canalla Bistro. Está dividido en dos núcleos; por un lado, hay un acceso principal que dirige a una terraza cubierta con vistas al centro comercial y residencial de Miyana en Polanco; el segundo núcleo —de mayor dimensión— dirige a una terraza con vistas a la calle. Desde su inauguración el año pasado, este restaurante promete convertirse en un referente en la Ciudad de México, un lugar para descubrir los sabores de diferentes partes del mundo en un ambiente acogedor. –CR

Prolongación Moliére 37 Col. Granada, 11520, CDMX www.rife-design.com

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LUMINARIA

Entre los tenues rasgos LUMÍNICOS Materiales reflectantes y formas geométricas aportan al espacio un carácter arquitectónico diferente.

Fotos CHIARA CADEDDU

EL DISEÑADOR MICHAEL ANASTASSIADES presentó en la edición pasada de Euroluce una serie de luminarias para la marca Flos, las cuales consisten en la colección Arrangements y dos familias de lámparas colgantes: Last Quarter y Overlap.

La delgada línea entre la joyería y la iluminación se refleja en Arrangaments, cuya fascinación del diseñador por la fusión de estas dos disciplinas se transforma en piezas únicas de estética simple y, a la vez, atrayente. Este sistema modular de luces geométricas tiene la función de generar diferentes combinaciones y obtener múltiples composiciones. Piezas hechas de aluminio y acabado blanco mate que penden una sobre otra en perfecto equilibrio. Por su parte, las dos familias de luminarias se caracterizan por estar fabricadas con cocoon, un líquido especial de resina extruido sobre una estructura de acero para obtener la forma de la lámpara. Este tipo de material era utilizado por la armada estadounidense como protector para empaque y posteriormente usado para la fabricación de piezas icónicas por diseñadores, como Pier Giacomo Castiglioni y Tobia Scarpa. Last Quarter hace alusión al ciclo de Luna llena y Luna nueva donde su volumen incompleto llama la atención con diferentes composiciones. La segunda familia de objetos: Overlap consiste en dos anillos interconectados cuyas intersecciones generan ángulos rectos y superficies sinuosas que generan un efecto interesante alrededor de la membrana.

Michael Anastassiades es un diseñador originario de la República de Chipre y actualmente mantiene su estudio en Londres desarrollando proyectos de iluminación, caracterizados por el uso de materiales reflectantes y formas geométricas que aportan un carácter arquitectónico diferente. –SC

michaelanastassiades.com | flos.com

Last Quarter hace alusión al ciclo de Luna llena y Luna nueva. Está fabricada en cocoon, un líquido especial de reina extruido sobre una estructura de acero..

TEXTIL

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JOYERÍA para los espacios

Fotos cor tesía

Ángulos curvos y rectos, provistos de colores y texturas resaltan en estos peculiares tapetes que diseña la holandesa Mae Engelgeer para CC Tapis.

EN LA RECIENTE EDICIÓN de Milan Design Week 2017, CC Tapis presentó diversas colaboraciones con creativos en las que cada colección se impregna de su personalidad y se distingue por las cualidades que cada diseñador le imprime a su propuesta. Así, encontramos a Patricia Urquiola, Martino Gamper y Faye Toogood, por mencionar algunos. Sin embargo, una de las colecciones que destaca por su originalidad es la de la diseñadora Mae Engelgeer.

Bliss Collection es una serie de tapetes inspirados en el movimiento artístico Memphis –fundado a finales de los 80’s por Ettore Sottsass, diseñador y arquitecto italiano que se reunió con jóvenes talentos a los que propuso formar un grupo de diseño que aportara un nuevo enfoque creativo, como reacción contra los diseños ‘caja negra’ post-Bauhaus de los 70’s–. También es el resultado de una constante exploración de la diseñadora por el uso de las líneas curvas y los degradados

para generar un efecto 3D. Con su propuesta, Mae obtuvo diferentes composiciones dejando atrás la forma rectangular de una alfombra convencional. Estas piezas fueron realizadas mediante diferentes técnicas de producción hechas de lana y seda pura del Himalaya bajo las manos expertas de artesanos de Nepal. La lana fue hilada a mano libre de procesos químicos, fibras con ácido o sintéticas.

La diseñadora se refiere a sus creaciones como “una joyería para los espacios”, donde su alfombra aporta un carácter decorativo diferente en los interiores y cuyas paredes son provistas de colorido y elegancia. En 2014, Mae abrió su propio estudio de diseño en Ámsterdam, enfocándose al desarrollo de producto, instalación y colaboraciones internacionales. Ella usa mucho el color y las formas geométricas básicas. –SC

mae-engelgeer.nl | cc-tapis.com

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DISEÑO + HISTORIA

Tributo a una pieza de medio siglo A 50 años de distancia, el sillón 932 de Mario Bellini para Cassina renace como MB1 Quartet, revolucionando la tapicería standard pero sin perder la esencia del modelo original.

Entrevista

Fotos cor tesía

GRETA ARCILA, enviada Milán

DISEÑO + HISTORIA

1967

2017

En los años 60's, el modelo 932 revolucionó el clásico concepto de lo que era un mueble acolchado. Hoy, esa pieza renace, usando telas, como Príncipe de Gales, en lugar de las de un mobiliario standard.

“A CASSINA Y SUS FUNDADORES los conocí luego de que obtuve mi primer premio Compasso d’Oro en 1962 por una mesa de estilo muy minimalista que había diseñado el año anterior. Con esa mesa, recuerdo que fui a las oficinas de la compañía y les dije: Esto es lo que hecho hasta ahora. Luego de mirarla por un rato, me respondieron: Si quieres, a partir de mañana puedes empezar a trabajar con nosotros”, relata el arquitecto y diseñador Mario Bellini, que tiene 25 de sus obras en la colección de diseño permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York y el cual incluso le dedicó una exposición retrospectiva en 1987.

Así fue como comenzó la historia de colaboración entre Mario Bellini y Cassina, una empresa fundada en 1927 y que, a lo largo del tiempo, ha forjado un legado basado en la experimentación y en los nombres de reconocidos arquitectos y diseñadores. Baste mencionar a grandes maestros como Le Corbusier, Mackintosh o Charlotte Perriand que forman parte de su línea I Maestri, la cual cuenta con la exclusiva para reeditar productos íconos. Asimismo, el ingenio creativo de Konstantin Grcic, Piero Lissoni, Philippe Starck o el mismo Mario Bellini, quienes constituyen I Contemporanei con piezas que aspiran a transcender de igual manera.

Mario nos cuenta que desde que empezó a trabajar con Cassina ha diseñado alrededor de unas 40 distintas piezas de mobiliario para la marca. Por ejemplo, la silla Cab –con más

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de 50,000 icónicas piezas producidas hasta la fecha– es una de las piezas más reconocibles de la colección de Cassina. Cab es para Mario una de las piezas de mobiliario más arraigadas en la memoria colectiva, pues desde su punto de vista fue concebida simplemente como “un asiento, un respaldo y cuatro patas” a manera de extensión del cuerpo humano.

Se dice fácil, pero con más de 50 años bocetando, proyectando y diseñando, Mario considera que lo que ha cambiado en el diseño es la manera de vivir y de mirar los objetos. “Si ves un sofá de los 80’s, te das cuenta que es la expresión de una sociedad complicada y una pieza de mobiliario quizá no para la vida íntima, sino que mostraba una cierta posición o status en una casa. Y es que en esa época nadie se preocupaba por una comodidad real. Hoy, todo eso ha cambiado y se han roto los estereotipos. Los diseñadores de ahora son capaces de representar un tipo de ornamentos conforme la personalidad de sus usuarios”, concluye el arquitecto, a quien La Triennale di Milano recién le dedicó la exposición Mario Bellini. Italian Beauty (Mario Bellini.

Belleza italiana) con más de mil metros cuadrados del Palacio del Arte dedicados a sus múltiples facetas como diseñador y arquitecto. cassina.com bellini.it

1962

Mario Bellini se presenta ante los fundadores de Cassina con su primera mesa, premiada con el Compasso d’Oro, prestigiado galardón en diseño de producto del Made in Italy.

1965–67

Nace la primera pieza de Mario Bellini para Cassina: el modelo 932.

1972

Tiempo de experimentación con el prototipo Kar-a-Sutra, diseño de Bellini como un híbrido de coche y casa.

1977

Cassina comienza la producción de la silla Cab, creada por Bellini como un esqueleto de acero tubular y cuero estirado, cosido, sujeto al marco con cuatro cremalleras. Esta pieza es parte de la colección del MoMA en Nueva York y continúa siendo uno de los bestsellers de la compañía italiana.

2016

Se inaugura una tienda de 400 metros de exhibición de Cassina en Madrid.

2017

Mario Bellini rediseña su pieza 932 y le da un nuevo nombre: MB1 Quartet. Este modelo ha innovado la concepción clásica de la tapicería, transformando el único acolchado del sillón tradicional en un mueble: cuatro almohadas independientes, que se conectan por un cinturón.

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DISEÑO + EMPRESA

Entre hexágonos y los átomos de la madera Emiliano Godoy y los hermanos Sebastián y Mauricio Lara refrescan la apariencia de los tableros decorativos melaminizados con versátiles fantasías.

Fotos cor tesía

Texto ANA LAURA MUÑOZ

Tecnotabla planta árboles donde no los hay, con la idea de controlar la materia prima de sus tableros y que ésta provenga de plantaciones sustentables.

DISEÑO + EMPRESA

NUEVAS FORMAS DE EXPRESIVIDAD con ingredientes mexicanos y producidos a partir de materias primas 100% sustentables es una fórmula que promete un panorama muy optimista para las sinergias que pueden existir entre la industria y los diseñadores.

La reciente colaboración de Emiliano Godoy y Sebastián y Mauricio Lara (Lara Hnos.) con Tecnotabla –creada en 2016 bajo el paraguas de la empresa forestal Proteak– es un claro ejemplo de la apuesta por el talento mexicano y por el crecimiento de nuestro país a través de proyectos integrales que ofrecen productos de alta calidad al mercado nacional y al mundo. Baste detallar que Tecnotabla se enfoca en la fabricación de tableros especializados de fibra de mediana densidad (MDF) de buena madera.

Pero, ¿cómo se les ocurrió la idea de incorporar creaciones de destacados estudios de diseño en su reciente colección de melaminas? Una inquieta Karla Gallardo, directora de marketing de Tecnotabla, nos cuenta que luego de varias reuniones para pensar en los diseños y las texturas de la colección 17/18, las cuales han agrupado bajo cuatro tendencias: Utopía, Virtual, Alquimia y Nómada, que representan distintos estilos de vida; el equipo se dio cuenta de que hacía falta ‘un toque’ que refrescara la apariencia de los tableros decorativos melaminizados. "Así, y luego de revisar un vasto portafolio de diseñadores, contactamos a Emiliano por su trabajo en el diseño sustentable y a los hermanos

Lara por su experiencia en proyectos que van desde una lámpara hasta un hotel. La trayectoria y reconocimiento de los dos despachos es una referencia obligada cuando se habla de creatividad”, dice Karla.

De esa inquietud, nacieron las fantasías: Diversa por Emiliano Godoy y Pix por Lara Hnos. Diversa es una suerte de red o panal formado por células hexagonales de trazos imperfectos, cada una con una especial individualidad. Emiliano trabajó sobre la idea de que “la diversidad es la fuente de la belleza”, cada hexágono es diferente entre sí tanto por sus líneas como por sus tonalidades de color. Por su parte, Sebastián y Mauricio vieron en la melamina un material con infinitas posibilidades de creación, por eso la utilizaron como lienzo para hacer una extensión de la madera. Tal como si se le viera a través de un microscopio, el patrón que crearon con Pix emula las celdas microscópicas de este material. Los átomos fueron reproducidos en blanco y negro, con una apariencia de trazos rápidos que, al ser vistos a distancia, forman figuras que dotan al diseño de una personalidad.

La posibilidad de adecuar tanto Diversa como Pix a diferentes tipos de maderas (rústicas o naturales) y tonalidades logran que cada elección se convierta en una pieza de diseño estilizada y muy versátil.

tecnotabla.com | larahermanos.mx | emilianogodoy.com

El patrón de Pix emula los átomos de la madera al microscópio.

Diversa es una especie de red o panal formado por células hexagonales de trazos imperfectos.

Las posibilidades de crear mobiliario e interiores se multiplican con 'fantasías' de melaminas, hechas por mexicanos para el mundo.

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DISEÑO + CIUDAD

Historia en acabados renovados San Cristóbal de las Casas ha sido criticado por la energía que lo envuelve; hoy, la restauración de su Palacio Municipal, por C Cubica, dignifica sus 500 años de historia.

Texto ANA LAURA MUÑOZ

Fotos RODRIGO PARDO Un 'cubo' de circulaciones verticales estilo high tech contrasta con el edificio histórico, pero habla de contemporaneidad.

LUEGO DE DOS AÑOS de un meticuloso trabajo y curaduría, la restauración del antiguo Palacio Municipal de San Cristóbal de las Casas en Chiapas se vive como un espacio cultural y artístico que dignifica los casi 500 años de historia de una de las ciudades más interesantes de México. Marco Coello –socio director de C Cubica, fundado en 1990 junto con sus colegas Andrea Cesarman y Emilio Cabrero– nos platica que se trata de un proyecto arropado por el gobierno del Estado, el INAH y un colectivo de artistas en un principio dirigido por María Luisa Armendáriz (qepd), quien fuera presidenta de la Asociación Cultural Na Bolom y compartiera mucho de su energía para rescatar el patrimonio cultural de Chiapas. C Cubica transformó el deteriorado Palacio Municipal y creó además un museo de sitio y una plaza de usos múltiples que funciona como un paso obligado hacia el interior del recinto, proyecto que, dicho sea de paso, recién fue reconocido por The Congress for the New Urbanism (CNU) por su excelencia en diseño arquitectónico, paisajismo y urbanismo.

“Desde hace mucho tiempo que el Palacio Municipal no se renovaba, por lo que la intervención planteó retos, como cuidar la integridad de un edificio neoclásico –construido en 1885 por el ingeniero Carlos Z. Flores– y adaptarlo a nuevos usos.

Luego de una investigación histórica y el análisis de calas y

muestras, logramos dar con el acabado original de los muros, que fueron restaurados por artesanos locales con métodos vernáculos”, cuenta Marco. Aunado a ello, se realizó una intervención arquitectónica en la plaza aledaña, colocando una plataforma para eventos que se inunda y forma un espejo de agua. “En esa plaza se llevan a cabo diversos eventos cívicos que la gente disfruta mucho, como presentaciones musicales o los relatos semanales de un cronista que les transmite a las personas muchas de las anécdotas de la ciudad. Ahora, pasar las tardes ahí cambia por completo la percepción de una ciudad que ha sido criticada y catalogada por la fuerte energía que la envuelve”, dice el arquitecto.

También se erigió un cubo de circulaciones verticales de estilo high tech (alta tecnología), elemento que contrasta y habla de su tiempo, asegurando la accesibilidad del edificio y cumpliendo con los estándares internacionales para un museo. Asimismo, todos los salones del antiguo palacio se transformaron en salas de exposición más frescas, pero que respetan el valor histórico de sus murales y acabados. ccubicaarquitectos.com

DISEÑO + CIUDAD

En la plaza aledaña, donde hay una plataforma que se inunda y forma un espejo de agua, se disfutan eventos que le dan otra dinámica a la ciudad.

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DESTINO DISEÑO

Arte+diseño +cultura Toronto, entrañable ciudad de rascacielos, es el gran descubrimiento del primer semestre del año ¡Qué mejor oportunidad para conocer Canadá ahora que celebra sus primeros 150 años como país!

Texto GRETA ARCILA, enviada Canadá

Fotos cortesía Visit Canadá

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DESTINO DISEร O

Un edificio histรณrico, pero con visiรณn futurista y formas arquitectรณnicas audaces definen el Museo Real de Ontario (ROM).

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DESTINO DISEÑO

The Distillery District representa la colección mejor conservada de la arquitectura industrial de la época victoriana.

Fotos cor tesía Visit Canadá

Uno de los museos obligados para los amantes del arte es la Galería de Arte de Ontario, con más de 80,000 obras de arte.

DESTINO DISEÑO

La Torre CN es la más alta de América con 553.33 metros de altura.

UNA DE ESAS EXTRAÑAS EXPERIENCIAS que se viven después de años de mirar analizando el diseño, es “experimentar” que dentro de uno se aloja un “ser” sumamente ansioso –y bastante obsesivo– por buscar y encontrar ese detalle con tanta historia detrás, que puede convertirse en el motivo de una edición entera o en un delicioso tema que abre el discurso a pláticas interesantísimas. Pero, sin duda, lo más entrañable de ese “ser” es alimentar a esa lupa invisible que trae consigo: ésta no para de buscar; es insaciable.

Piensen en la muy difícil vida que nos toca a los editores de diseño: nos invitan semanalmente a recorrer ferias, visitar museos, caminar galerías, entrar en los talleres de genios creativos, ¿Difícil? ¡Claro! ¿Cómo no se va volver exigente ese individuo raro que se aloja en nuestra piel? ¿Cómo no va a pedir más si a diario se atormenta al abrir los correos? Y sí, esta oportunidad de visitar Toronto se presentó después de un gran día. Llegando al hotel en Milán, luego de haber entrevistado a Yves Béhar, abrí un correo en donde la ciudad de Toronto me invitaba a conocer su propuesta de arte, diseño y arquitectura. Difícil situación, pero tomé esa invitación, pues se leía maravillosa.Y lo fue. Toronto fue el gran descubrimiento del primer semestre del año ¡Y qué mejor año que conocer Canadá ahora que celebra el 150 Aniversario de su fundación! Mejor, imposible.

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THE DISTILLERY DISTRICT El recorrido comenzó en un lugar clave para su economía cuando apenas los primeros barcos comercializaban el scotch (que se enviaba de manera ilegal a Estados Unidos, pues en ese entonces no había tratado de libre comercio). Los fundadores de Canadá, al ser principalmente ingleses y escoceses, si algo sabían hacer bien era el whisky y el scotch, por lo que en el año de 1832 fundaron la destilería Gooderham & Worts, que con el inevitable paso del tiempo se convirtió en una zona totalmente abandonada. Sin embargo, hace 10 años unos inversionistas vieron ahí un potencial impresionante: los “viejos” edificios de la destilería eran de los pocos en el área que conservaban la arquitectura tradicional, además de estar a un lado de la bahía. Ellos buscaban combinar la atmósfera romántica y relajante de los distritos europeos, pero que su vez fuera fresca y elegante. Se inspiraron en zonas como Soho o Chelsea y crearon un espacio en donde cientos de mentes creativas se unen; al caminar por ahí se siente una vitalidad impresionante, como si algo fresco siempre estuviera por suceder. Ahí vemos galerías, jóvenes diseñadores con una gran paleta de productos y materiales, restaurantes de gran propuesta gastronómica, tiendas de moda avant garde. Es un espacio en donde además el arte también es protagonista, vemos en las calles esculturas de gran formato de Dennis Oppenheim que sin lugar a dudas hacen más bella la visita a este lugar de diseño tan especial para Toronto. thedistillerydistrict.com WEST QUEEN WEST ART + DESIGN DISTRICT Intentar caminar Queen Street sin detenerte cada dos minutos, es una tarea imposible. De unos años a la fecha, la otrora zona para la clase trabajadora tomó un revuelo importante en el mapa de diseño, pues jóvenes artistas se mudaron para estas calles al encontrar edificios históricos en bajo costo de renta, pero sobre todo porque después de fundado el Drake Hotel –espacio de arte que se convirtió en un lugar mítico para los festivales de arte y música–, la zona tomó un auge impresionante porque su oferta de arte contemporáneo es amplísima. Ahí, también nos encontramos con despachos de diseño, emprendedores y gente anclada en la creatividad.

CANADIAN NATIONAL TOWER Si una imagen identifica el Skyline de Toronto, es en donde vemos la CN Tower. Inaugurada en el año de 1976 y diseñada por John Andrews Architects, la torre es considerada como una de las Siete Maravillas del Mundo Moderno por la Sociedad Americana de Ingenieros Civiles por su conocida estruc-

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DESTINO DISEÑO

tura “flotante”. Lo mejor, además de la vista que ofrece de toda la ciudad gracias a su altura de 351 metros, es la oferta culinaria del restaurante 360, pues con una carta básica de ingredientes regionales garantiza una inolvidable experiencia culinaria, además de una cava que ofrece 550 vinos canadienses e internacionales. Créanme, todo ahí es delicioso. cntower.ca ART GALLERY OF ONTARIO Con una colección de más de 80,000 obras de arte, la Galería de Arte de Ontario se encuentra entre los museos de arte más importantes de América del Norte por la calidad de obra que aloja bajo su techo. Intervenida arquitectónicamente por Frank Ghery en el año de 2008, AGO es, sin duda, uno de los museos obligados para quien se diga amante del arte. Su vasta colección no se acota sólo al arte contemporáneo como lo es la impresionante colección escultórica de Henry Moore, el ala dedicada al arte africano y el recorrido histórico y artístico del legado canadiense y europeo, hace que el tiempo no alcance para ver a detalle cada pieza y caminar por una de las obras arquitectónicas más apreciadas del Canadá moderno. ago.ca

Ubicado en uno de los centros de negocios más dinámicos de Toronto, el hotel y residencias Four Seasons ofrece diseño y lujo sin igual para almas exigentes

El monumento al multiculturalismo de Francesco Pirelli, en Toronto, enaltece la armonía social.

Comprado en 2001 por Jeff Stober, Drake Hotel luce ahora una imagen moderna y renovada.

Fotos Greta Arcila | cor tesía Four Seasons

ROYAL ONTARIO MUSEUM Ubicado en el centro neurálgico de la zona turística y comercial de Toronto, este museo tomó un nuevo carácter cuando en el año 2007 el arquitecto Daniel Libeskind intervino el ROM. Una caja de cristal irrumpió en un edificio inaugurado en 1914; el ROM creció para dar nuevos recorridos y acoger naturaleza y cultura. Uno de los atractivos de este museo –que mi compañero de viaje, Benjamín Salcedo, director editorial de Rolling Stones México, buscó hasta el cansancio durante todo el viaje–, son las salas dedicadas a los primeros habitantes de la Tierra: los dinosaurios. Los vimos de todas las especies y de todos los tamaños. También, otra sala maravillosa es la dedicada a los textiles, pues muestra una colección de telas provenientes de todos los rincones del mundo, lo entrañable es la paleta de color pues vimos muchísimas coincidencias en las telas chinas con las canadienses. rom.on.ca

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TALLER

El modelo Prismita Cobre surge de la idea de crecer en propuesta y diseño de la mano de colaboraciones con creativos, como el mexicano Ariel Rojo.

El encanto de las luminarias Con más de 40 años dedicada a la elaboración de lámparas y candiles, esta fábrica ofrece una mirada de lo Hecho en México con habilidad y creatividad.

Texto CRISTINA CRUZ

Fotos JOSÉ MARGALEFF

ULA LIGHT es una fábrica mexicana, ubicada al este de la colonia Santa María la Ribera en la Ciudad de México, donde elaboran luminarias y candiles que tienen dos líneas de trabajo: las lámparas de línea y los proyectos a la medida. Al frente de esta empresa se encuentra la diseñadora Mónica Bárcena Mastretta, quien comprendió las oportunidades de revalorar lo Hecho en México. “Trabajé en un despacho de especificación y venta de iluminación donde sólo había cosas importadas, muchas provenientes de Estados Unidos y sobre todo de Europa; al trabajar en proyectos de especificación, te das cuenta de lo absurdo que es importar pantallas. Es importar aire y es muy costoso, sobre todo porque es algo que podemos hacer aquí en México, donde hay muy buena mano de obra y de calidad”, cuenta Mónica, quien ha sido directora de Ula Light desde el 2008.

Mónica se preguntaba por qué habiendo tanta habilidad y creatividad en México no se producía lo que se compraba en el extranjero. De esa inquietud nació Ula Light, que une diseño y calidad a través de materiales nobles.

Todos estos componentes los descubrimos al recorrer la fábrica, donde uno se topa con las diferentes áreas y procesos por los que pasa una luminaria para ser completada. Con más de 20 años en los talleres, los artesanos expertos en la elaboración de estos objetos explican las etapas de creación de una lámpara de línea: primero realizan el brazo de un candil con el corte de piezas metálicas a medida, en forma de tubo, por mencionar un ejemplo; posteriormente hacen dobleces y unen diversas piezas con soldadura.

Después de la realización de la estructura y base, el paso siguiente es hacia

TALLER

el área de baño, en dicha etapa se procede a sumergir la pieza en diversos contenedores con sustancias específicas para el tratamiento químico y físico del metal. Primero se somete a un lavado de desengrase electrolítico, después a un activado con ácido y le sigue el pulido, una vez acabado este pulido se pasa a otro desengrase para retirar toda la pasta o impureza que le quede a la pieza y, por último, avanza al área de acabado.

Estos toques finales del metal responden a los requerimientos del cliente –entre los que Ula Light cuenta con hoteles y restaurantes, como Toks, JW Marriott, Westin, Ritz, Thompson Hotels, St. Regis y Starbucks– quien puede necesitar de acabados como níquel satinado o brilloso, antique oscuro o semimate y cobre a través de baños con este metal sometido a 45°C. Luego de haber pasado por estas etapas le sigue el barnizado, continuando con el ensamblado y, al final, el empacado.

Con el objetivo de crecer en cuanto a propuesta y diseño, la fábrica también lleva a cabo colaboraciones y proyectos especiales con arquitectos y diseñadores como Víctor Legorreta, Javier Sordo Madaleno, Studio Roca, Ariel Rojo y recientemente con Rebeca Cors. Actualmente realizan un proyecto de vinculación con la carrera de diseño industrial de la Universidad Iberoamericana, con el que generan luminarias ecológicas y de bajo costo.

Con esto, integran a las nuevas generaciones a una industria que requiere de soluciones diferentes. “Este año quiero consolidar el significado de lo que es el diseño mexicano”, concluye Mónica, quien explica que la intención no es sólo tener presencia en el mercado nacional sino también en el internacional, y que el diseño hable de nuestras raíces y la esencia de México. ulalight.com

Artesanos con más de 20 años de experiencia se dedican a la elaboración de luminarias y el trabajo con materiales nobles y naturales.

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Hasta el más mínimo detalle está en sano equilibrio entre la forma y la función. Basta mirar la lámpara Liam.

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TALLER

CON TÉCNICAS TRADICIONALES, DISEÑADORES CONTEMPORÁNEOS CREAN HERMOSOS 'TRAJES DE LUZ' QUE HABLAN DE NUESTRAS RAÍCES Y LA ESENCIA DE MÉXICO EN CUALQUIER PARTE DEL MUNDO.

La idea es que fuera de México, el diseño de las luminarias de Ula Light hablen de nuestras raíces, como Bola Cocina.

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MEXICANOS DESTACADOS

Foto cor tesía

Dalia se roba las miradas

“Me interesa que mi trabajo se disfrute y conozca, pero que también genere innovación y eche andar a la industria local”: JOEL ESCALONA. Entrevista GRETA ARCILA, enviada Milán

Retrato DORIAN ULISES LÓPEZ

MEXICANOS DESTACADOS

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“SI PUDIERA HACER UN VIAJE EN EL TIEMPO Y VERME A MÍ MISMO EN EL PASADO, ME DIRÍA: SÍ VALIÓ LA PENA".

INSPIRADA EN LA HERRERÍA TRADICIONAL y con una estructura desnuda que condensa lo estridente y lo barroco de la cultura mexicana, Dalia atrajo cientos de miradas curiosas de quienes visitaron Design Week Milan hace un par de meses en el Viejo Continente. Pese a que ya han transcurrido algunas semanas luego de que ocurriera ese gran escaparate de la creatividad, el grato sabor de boca que dejó el diseñador mexicano Joel Escalona con su cabinet Dalia para la marca española BD Barcelona nos durará por tiempo indefinido.

Joel trabaja desde la Ciudad de México para clientes europeos y americanos, con un pequeño equipo de trabajo (que en su mayoría son mujeres) dirige su propio estudio, el cual proyecta desde grifos y sartenes hasta extravagantes propuestas de mobiliario. También le gusta dar clases, pues trata de compartir con los chicos de las universidades y de los diversos talleres que imparte que, lo importante no solamente es el proceso creativo que lleva el diseño, sino también cómo ejercer una práctica profesional con capacidades y aptitudes que al mismo tiempo hablen de negocio, industria y comercio.

“Los valores son el común denominador de las personas que nos encontramos en el Salone del Mobile en Milán –nos cuenta Joel en un rato de amena charla en el marco de dicho evento–. Noto un ánimo compartido de hacer las cosas lo mejor posible. Estamos en la meca del diseño y me pre-

gunto ¿qué pasaría si existieran más diseñadores mexicanos aquí? ¡Lo europeo no es lo único que hay en el mundo!”.

“Estar aquí (en Milán) y trabajar con el tipo de compañías con las que lo estamos haciendo ahora me hace reflexionar mucho sobre lo que he hecho y lo que falta por venir. Creo que si pudiera hacer un viaje en el tiempo y verme a mí mismo en el pasado, me diría: sí valió la pena. El camino ha sido fuerte, pesado, muy complicado, con momentos en los cuales ni siquiera sabía hacia dónde ir, pero ahora me doy cuenta que ha valido la pena y que aún falta mucho por proponer”.

“Mi gran fracaso –continúa– ha sido el haber querido hacer todo a la vez cuando estaba más joven y pensar que podía comerme el mundo entero. Sin duda, hubo decisiones muy buenas, pero la verdad no estaba siendo astuto; estaba desperdiciando recursos y físicamente me estaba cansando. Entender eso, me ayudó a comprender que existe un balance y ahora ‘ese balance’ permea mi práctica profesional y trato de transmitirlo tanto al equipo con el que trabajo como a los clientes con quienes colaboro. Gracias a esa filosofía, doy lo mejor de mí mismo apoyándome en una búsqueda de inspiración que haga match con los valores de mis clientes y de un mercado, como el del diseño, que genera innovación”.

“Me resulta curioso que nadie espera nada de nosotros como país en términos creativos, desarrollo de productos o innovación tecnológica (así

como de otras naciones, supongo), lo cual no es bueno o malo, simplemente es algo que sucede; pero que si aprendemos a verlo desde otra perspectiva nos abre infinitas posibilidades de hacer cosas en campos de acción más amplios, más interesantes y retadores”, enfatiza el diseñador.

Luego de unos 15 años de estar picando piedra, Joel sabe que no es nada fácil llegar a un festival como el de Milán que permea por completo la ciudad con eventos, exhibiciones y presentaciones de grandes marcas y diseñadores tanto consagrados como talentos emergentes de todo el mundo. Menos aún lo es la tarea de hablar y negociar con compañías como la española BD Barcelona, para la que diseñó su cabinet Dalia que representa sus raíces como diseñador. “¿Te imaginas? –dice con cierto asombro–, hablar de lo que representa ser el primer mexicano que trabaja con una empresa que fabrica piezas de Salvador Dalí, Jaime Hayón o Ettore Sottsass y que, además muestra algo con una marca dentro de las 1,300 compañías que exponen en Milán”.

Para nosotros, como afables espectadores, la respuesta se entrevé en el gran asombro de los asistentes a la feria de Milán y mirarlos en los stands, viendo, tocando y escuchando la explicación de proyectos mexicanos, como el de Joel Escalona. joelescalona.mx

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SU ESPACIO

Alfredo Ginocchio posa en su lugar favorito, le precede una pintura de Santiago Carbonell y, a un costado, el boceto de las Torres de SatĂŠlite de Mathias Goeritz

SU ESPACIO

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Travesías por el arte Entre pinturas y esculturas llenas de historia y decenas de anécdotas, el galerista Alfredo Ginocchio nos invita a recorrer su hogar.

Entrevista CRISTINA CRUZ

Fotos JOSÉ MARGALEFF

Retrato de Martha Graham, amiga de Andy Warhol.

UNA SONRIENTE PAREJA conformada por la curadora Mayra Nakatani y el galerista Alfredo Ginocchio nos recibe en su casa para conocer el espacio que comparte con su familia y amigos, abrazados por el arte y decenas de historias. Alfredo Ginocchio, promotor del arte y fundador de Praxis en México —a cargo del mentor Miguel Kehayoglu—, actualmente dirige la galería que lleva su nombre; ahí, en la Galería Alfredo Ginocchio han surgido artistas como Santiago Carbonell, Roberto Cortázar y Roger Mantegani, además de nuevos talentos como Hugo Lugo, Carlos Oviedo y Graciela Fuentes, entre otros.

“La acción genera acción, un principio que ha guiado mi vida”, afirma Alfredo al compartir su experiencia en el mercado del arte desde sus inicios con la apertura de galerías en Argentina, Chile, Perú y Brasil hasta su participación en ferias internacionales y su llegada a México hace 30 años con Fundación Praxis.

Mientras conocíamos su casa, el galerista platicaba sobre su rincón favorito: “El sillón es mi preferido, mi lugar de lectura y donde más me gusta estar”, comenta antes de ofrecernos una visita guiada de su colección en la estancia principal. Al recorrer el espacio, Alfredo señala el retrato de Martha Graham, creadora de la danza contemporánea, el cual fue bocetado por Andy Warhol; al continuar, nos encontramos con La dragonesa de Leonora Carrington y un cuadro

de Roberto Cortázar, con quien colaboró durante más de 20 años. Tras varios años de trabajar con los artistas, Alfredo nos relata algunas de sus vivencias: “Como promotor lo más complicado es el mismo artista, el creativo pertenece a otro mundo y para quienes estamos del otro lado, en el mundo de la inmediatez y de la promoción, hay un choque de dos mundos antagónicos que deben llegar a un acuerdo”.

Seguimos en el recorrido y encontramos un gran cuadro que, alguna vez, fue una puerta; al respecto, el galerista nos compartió el origen de la obra: “Estábamos en una feria de Miami y, durante un evento de presentación del libro y obra de Roberto Cortázar, el artista tomó la puerta del lugar y pintó en toda la superficie, dejándose llevar por el momento”, contaba Ginocchio mientras reía y confesaba habérsela llevado una vez que la cortaron y la metieron en una caja donde resguardaron la obra que llevaban. Ante el abandono de una obra por su autor, Alfredo se negó a hacer lo mismo.

Al continuar la travesía por la historia del arte, descubrimos un retrato realizado por José Luis Cuevas, un gran amigo y artista colaborador del galerista; en el lado inferior del dibujo hay una nota que dice: ‘Durante la reunión del consejo técnico del Museo José Luis Cuevas para Alfredo Ginocchio que me salvó la vida’. “Fue precisamente en el año 1989 que hicimos una exposición

de él en el Museo de Arte Moderno de Argentina, nos encontrábamos en una calle caminando por la noche, íbamos a cruzar una avenida y José Luis venía mirando al lado contrario de donde venía el tren ligero cuando grité: ¡José Luis!; entonces, él miró para el otro lado y dio un paso hacia atrás”, cuenta Alfredo sonriente, después de bromear por haber salvado al artista equivocado: “Si hubieras salvado a Tamayo ya serías famoso”, le contaba José Luis Cuevas, entre risas.

Para Alfredo, José Luis Cuevas —a quien guarda gran estima y respeto por ser un artista provocativo y propositivo— no ha tenido un justo valor como creativo en México.

Tras sus 30 años en México, Alfredo Ginocchio afirma haberse enamorado de México y lo considera su hogar por muchos motivos: su naturaleza, la comida y, sobre todo, por su gente.

“Como viajero, lo que buscaba era una identidad y en eso me ayudó mucho México. Yo nací en Argentina, mi abuelo era italiano, mi otro abuelo era catalán; yo crecí pensando que era cada una de esas nacionalidades. Entonces salí a viajar y me di cuenta que no era cierto y empecé a empaparme de todas las culturas que iba conociendo; cuando llegué a México toda esa cuestión de la identidad se calmó, porque acá lo que sobra es identidad y fue entonces que esa paz la encontré en este país y, por eso me quedé aquí”. ginocchiogaleria.com

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SU ESPACIO

La obra imponente de Santiago Carbonell sobre la estancia principal del hogar de Mayra y Alfredo.

RINCONES ABRAZADOS POR DECENAS DE HISTORIAS Y LOS SUTILES TOQUES DE DIVERSOS ARTISTAS, DESVELAN LA PERSONALIDAD INQUIETA DE ALFREDO Y MAYRA EN SU HOGAR. Una atmรณsfera de tranquilidad se respira en estos espacios, donde cada pieza es parte de un relato.

SU ESPACIO

“Esa colección es muy personal”, dice Alfredo al señalar los objetos traídos de Oriente. “Después de mis viajes, me inspiré mucho en la filosofía oriental, estos son objetos cargados de mucha energía e historia”.

Un gran cuadro que, alguna vez, fue una puerta pintada por Roberto Cortázar en medio de su gran efusividad; al fondo, una obra de Damien Hirst.

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ENTREVISTA

CRISTINA CUTRONA

El diseño de las oficinas del futuro Si miramos los espacios corporativos que existen en ciudades, como Tokio o Nueva York, el enfoque es hacia la creatividad infinita de las personas.

EL LUGAR DE TRABAJO DEL FUTURO se sacudirá de su imagen estática y entrará en la era del teatro, de la creatividad y de la imaginación.

“A joyful sense at work (El sentido alegre en el trabajo)– una impresionante instalación creada especialmente para la bienal Workplace3.0 como parte de la reciente edición del Salone del Mobile Milano– justamente le da vida a esa nueva teoría de la oficina y del diseño de los espacios laborales, enfocados en las personas según sus necesidades, emociones y experiencias”, platica la arquitecta y curadora de la instalación, Cristina Cutrona, quien se tardó más de un año en preparar todos los detalles de la exposición.

Para dicho quehacer se dio a la tarea de invitar a

varios despachos internacionales de arquitectura con la idea de que cada uno encarnara su propia visión de la oficina del futuro, según sus diversas características culturales de origen.

Así, en un área de alrededor de 1,600 metros cuadrados, A joyful sense at work presenta la transformación de los espacios de trabajo, que desde el punto de vista de Cristina van a ser adaptativos, inacabados, vibrantes y evolutivos, quizá más hechos ‘a la realidad’ de acomodarse a las idas y venidas de los empleados y a la forma cómo utilizan la tecnología.

“Serán lugares inteligentes, rápidos, flexibles, evolutivos y contemporáneos, en donde los seres humanos serán el foco principal dentro de un

entorno que cambia rápidamente y exigen creatividad constante”, dice.

Para mostrar esas ideas, Cristina reconfiguró una una enorme plaza en cuatro zonas o regiones, en las que trabajaron cada uno de los despachos invitados: Studio O+A (Estados Unidos), Ahmadi Studio (Irán), Studio 5+1AA (Italia) y UNStudio and Scape's Jeff Povlo (Países Bajos). En la primera parte se ubica ‘la zona de concentración o configuración’, que trata de un ambiente cerrado y del tipo de espacios privados para el trabajo individual. Ahí, la gente puede desarrollar su confidencialidad y tiene la oportunidad de expresarse por sí mismos. Después está ‘la zona de compartir’, un espacio público de estancia

Fotos cor tesía

Entrevista GRETA ARCILA, enviada Milán

ENTREVISTA

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CUATRO DESPACHOS DE ARQUITECTURA VISUALIZAN CÓMO SERÁN LOS LUGARES DE TRABAJO.

corta para la socialización y la convivencia; la tercera región es 'la zona de creatividad' donde se motivan las ideas y las oportunidades; y por último, está el 'área intermedia o tejido poroso' que se interpreta como una atmósfera intermedia entre lo público y lo privado.

Cristina explica que el mundo creativo es muy diferente al mundo corporativo. “La creatividad de la que hablamos no se refiere a gente trabajando como robots sino a seres humanos con la libertad de expresarse. Cuando las personas trabajan por resultados y objetivos, y además de eso, les das la posibilidad de poder descubrirse por medio de sus lugares de trabajo, llega un momento en el que ya no hay una diferencia tan marcada entre

la vida personal y la vida laboral. Las oficinas se están transformando de simples lugares de trabajo a ser lugares de vida. Es entonces cuando se reconoce la influencia que tiene el diseño”.

Esto es una tendencia mundial, pues si miramos los espacios corporativos en ciudades como Tokio o Nueva York, el enfoque cae en las personas y en su capacidad como seres adaptables a manejar situaciones inesperadas tanto de largo como de corto plazo. “La tecnología y el mobiliario se moverán con y alrededor de la gente, y hará que los espacios sean móviles, fluidos y autoregenerables”, concluye la curadora. salonemilano.it

La instalación: A joyful sense at work visualiza los escenarios evolutivos del lugar de trabajo, usando contenidos innovadores para difundir la teoría de oficina y el diseño contemporáneo.

ENTREVISTA

Ben Gorham & Luca Nichetto

Foto Balsamini

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La ambición del diseño es generar una conexión emocional. Por eso, la narrativa libre que se lee en Decode / Recode une el trabajo de dos artistas de manera subjetiva y de distintas maneras.

Entrevista GRETA ARCILA, enviada Milán

ENTREVISTA

Foto Balsamini

Decode / Recode explora la combinación de métodos seculares con la estética contemporánea. Así, nacieron objetos únicos, diseñados por Gorham y Nichetto para la semana del diseño en Milán 2017.

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ENTREVISTA

Miles de posibles combinaciones únicas se hacen visibles en esta hermosa instalación, que se transforma en una experiencia inmersiva en la técnica del vidrio soplado.

Foto Andrea Mar tiradonna

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ENTREVISTA

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Foto Maurizio Polese

Los talleres y los hornos de donde salen hermosas piezas de vidrio soplado se simulan en la instalación creada por Gorham y Nichetto.

“TODO EMPEZÓ CON LA IDEA de usar la artesanía como una herramienta, contrario al diseño que se traduce con gráficos” nos dice Ben Gorham al preguntarle sobre los procesos para crear la maravillosa instalación Decode / Recode para Salviati junto con su colega Luca Nichetto, quien también nos acompaña en la charla y asiente con la cabeza el acertado comentario de su amigo.

Compuesta por dos exhibiciones: Pyrae y Strata, la instalación Decode / Recode ocupó los espacios de unos almacenes en el nuevo distrito de Ventura Centrale, lugar donde se dio la magia de estos dos creativos en el marco de Milan Design Week.

Ben y Luca ya se conocían desde un par de años atrás y ambos comparten la experiencia de haber vivido por un tiempo en Estocolmo; sin embargo, nunca habían trabajado juntos, sólo habían intercambiado algunas ideas respecto de su trabajo o de ocurrencias que habían tenido durante sus viajes.

“Luca –dice Ben– ya trae una particular conexión con Murano, así que fue él quien me introdujo a este mundo de técnicas milenarias y a esta experiencia educativa en el sentido de que me ayudó a aprender a través de los procesos y a comprender lo que es posible lograr por medio del diseño.

Afortunadamente, superó por mucho mi imaginación y, a partir de un entendimiento mutuo, decidimos usar dos técnicas visuales distintas, como la del vidrio estratificado para crear percepciones y el apilamiento

de vidrio que guía una segunda parte de la instalación”. Por su parte, Luca nos platica: “Yo crecí en Murano, donde el 90% de sus habitantes están involucrados en la industria del vidrio. Nací en ese ambiente y desde niño iba a visitar a mi abuelo quien trabajaba haciendo candelabros. Alguna vez le pregunté sobre quiénes eran las personas que llegaban a su taller y le encargaban hacer los candelabros y él me decía: ‘los diseñadores’. Así que, desde pequeño sabía que se podía dibujar ‘algo’ para luego materializarlo”.

Curiosamente, Luca se convirtió en diseñador gracias a Salviati. A principios de los 90’s cuando todavía era estudiante, se dio a la tarea de recorrer la isla y tocar las puertas de las fábricas para vender sus diseños con el plan de contar con unas monedas en sus bolsillos y poder disfrutar del verano con sus amigos. “Continué con este ritual hasta cuando ingresé a la Universidad. Por aquellos tiempos, el director de arte de Salviati era Simon Moore, quien me dio la oportunidad de diseñar una colección de jarrones para ellos. Desde entonces, han transcurrido 19 años y hoy, esos jarrones ya son adolescentes”, cuenta el creativo.

La aventura para crear Decode / Recode para Salviati uniendo el talento de Ben y Luca inició hace un año. La conexión de Luca con el oficio de trabajar el vidrio era evidente desde el inicio. Esto sirvió para establecer una confianza sólida, sobre todo porque cuando se introduce un concepto

contemporáneo, a veces, es demasiado abstracto de comprender para los artesanos y para la empresa con que se trabaja. “Siento que el conocimiento de Luca sobre la historia de este oficio y la tranquilidad que inspiraba fueron los elementos que nos ayudaron a expresarnos plenamente”, explica Ben. Luca opina que, en ocasiones, este tipo de proyectos es como una especie de rompecabezas, en el que a veces sólo es una cuestión de estar en el momento oportuno. “Ben y yo fuimos a Salviati y comenzamos a platicar sobre las posibilidades. Dos semanas más tarde, una de las fundadoras de Ventura Projects me contactó para decirme que existía la oportunidad de crear un espacio en Milán.

Le pedí que me enviara fotografías del lugar, se las mostré a Ben e inmediatamente me dijo: ¡llevémonos todo! El espacio resultó ser ideal para la instalación completa. Por eso digo que, a veces, todo es como un rompecabezas que vas armando y cada pieza va encajando en su lugar desde el principio”.

Decode / Recode es como ir a una fábrica en Murano. El espacio emula los hornos, los talleres y el contraste de los ambientes ásperos de donde salen los vidrios. “Queremos que la gente sienta algo especial al ver nuestro trabajo, lo que significa: crear una relación entre objeto y público”, concluyen los diseñadores. nichettostudio.com | byredo.com | salviati.com

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ENTREVISTA

"Todo el mundo mira la belleza de las estrellas, pero estoy tratando de diseĂąar el cielo, la oscuridad, lo que mejora la apariencia de las estrellas".

ENTREVISTA

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Oki Sato NENDO “Tratando de pensar ‘en las cosas que están entre las cosas’, siempre encuentro algo ligeramente diferente: ideas nuevas, pequeñas, pero muy interesantes”.

Entrevista GRETA ARCILA, enviada Milán Fotos TAKUMI OTA

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ENTREVISTA

Estampados, punteados, pixelados, camuflados y rayados funcionan como patrones gráficos que la alemana Jil Sander. usa en sus diseños. de modas.

“LOS SHOWROOMS DE JIL SANDER son hermosos, los había visitado varias veces y vi que sus espacios eran magníficos; por eso, le pregunté si particularmente podía usar este lugar durante el Salone”, cuenta Oki Sato, el diseñador detrás del estudio japonés Nendo al referirse a la galería de Jil en el barrio de Brera en Milán, donde presentó la exposición Invisible Outlines.

Oki platica que al equipo de la diseñadora alemana de modas le encantó la idea de que él usara su espacio, la química fue tan buena que así surgió: Objectextile, un proyecto de colaboración entre Nendo y Sander, en el que se crea un patrón textil tomando una fotografía de un objeto, montado dentro de un marco cuadrado seguido de un artículo de moda creado por el equipo de la diseñadora. Esos patrones gráficos se aplican después en camisetas, zapatos y bolsos.

Objectextile es sólo una muestra de ‘los malabares’ que suele hacer Oki cuando trabaja en más de una decena de proyectos a la vez, entre los cuales se pueden contar las colaboraciones que ha tenido con Cappellini, Moroso, Glas Italia, Kenzo, Panerai, Louis Vuitton… Para él, el diseño no es únicamente para gente profesional, es para todos y para cualquier tipo de situación. “Necesitamos más diseño y ahora todo mundo está interesado en ello”, dice el creativo.

Invisible Outlines, presentada durante la semana del diseño de este año en Milán, capta la estética que él ha creado a lo largo de los años. Un total

de 16 colecciones –algunas antiguas, otras nuevas– fueron cuidadosamente curadas y colocadas en siete salas para mostrar el tema que, según él: “interpreta los borrosos límites, contornos y fronteras de los objetos y las cosas. No trato de ver el objeto en sí mismo, sino que miro alrededor de él y voy más allá de sus límites. Esa es la manera como genero nuevas ideas: tratando de pensar en las cosas que están entre las cosas”.

“Todo el mundo mira la belleza de las estrellas, pero estoy tratando de diseñar el cielo en sí, la oscuridad, lo que mejora la apariencia de las estrellas. Al evaluar lo que está entre los dos, soy capaz de encontrar algo ligeramente diferente: ideas nuevas, pequeñas, pero muy interesantes”, nos explica el inquieto Oki. “Tendemos a percibir la existencia y el posicionamiento de los objetos siguiendo subconscientemente ‘los contornos’ y distinguiendo entre el interior y el exterior de esos contornos. Esto también significa que los objetos con contornos oscuros no siempre pueden identificarse como objetos y, a la inversa, si los contornos son visibles, esa información que no es visible puede ser suplementada subconscientemente”.

De ahí que la exposición en Milán tomara este principio fundamental e implementara varias ideas relacionadas que, en su concepto básico, interpretan la tendencia a percibir la existencia y la posición de los objetos en el subconsciente, distinguiéndolos ‘por dentro y fuera’ según sus

contornos. Entre los objetos exhibidos destacaron: Border table, que presenta un contorno fragmentado de habitaciones; Trace Collection que captura los ‘rastros’ del movimiento en materiales impresos, como el papel; 80 Sheets of Mountains que usa cortes de láminas alargadas y asemeja los contornos de una cordillera; y Jellyfish Vase, la cual intenta restablecer la relación entre el vaso y el agua entre los límites de la materia y el color.

Por estas fechas, Invisible Outlines se presenta en el complejo industrial Grand-Hornu de Bélgica. Mientras que el enfoque en Milán estuvo en los objetos, ahora la exposición se extiende al tema de explorar la actividad de Nendo durante los últimos 15 años.

La versatilidad de Oki le ha ayudado a convertirse en uno de los diseñadores más prolíficos del mundo. Se visualiza ocupado todo el tiempo, haciendo bocetos y creando modelos e innumerables pruebas para sus clientes, trabajando muchas horas frente a la computadora, pero siempre tratando de mirar hacia una realidad en la que ‘el lujo’ no tiene nada que ver con el precio de las cosas o materiales como el oro, sino más bien con una filosofía en la que las emociones son lo importante. “Mi cama, mi perro y un par de buenos libros me refrescan la mente mejor que cualquier otra cosa”, concluye el diseñador. nendo.jp/en

ENTREVISTA

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80 sheets of mountains asemeja los contornos de una cordillera con los cortes de láminas alargadas.

Fotos Takumi Ota

PIEZAS DE RIGOR NATURAL Y UNA POESÍA INHERENTE SORPRENDEN EN INVISIBLE OUTLINES. Jellyfish Vase restablece la relación entre el agua y los jarrones, explorando los límites de la materia y el color.

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ENTREVISTA

Konstantin Grcic

No basta con sentar a un diseñador en una compañía. Se requiere de una buena química: estar en el momento correcto y que el azar esté de tu lado.

Entrevista GRETA ARCILA, enviada Milán

Retrato G.KELLERMANNS

ENTREVISTA

SI LE PREGUNTARAN A EUGENIO PERAZZA –fundador de Magis– sobre cómo comenzó la historia entre Konstantin Grcic y la empresa nacida en 1976, siempre contará que antes de que empezaran a trabajar juntos él ya le había pedido al diseñador alemán que colaborara con ellos; lo que supone una verdad a medias. “Es cierto que nos tomó unos años para lograr arrancar, pero no se debió a que yo no quisiera colaborar para Magis, sino más bien sentía que no era el momento adecuado; no estaba preparado para formar parte del equipo ni había hallado mi nicho dentro de la compañía dado que en esa época la empresa estaba muy enfocada en trabajar con plástico, y yo no me sentía inspirado para participar en eso”, nos comparte Konstantin durante unos minutos de su tiempo en medio de la intensa dinámica que implica ser parte de los protagonistas del Salone del Mobile Milano de este año.

“Sin embargo –continúa el diseñador–, cuando miro la historia de Magis en retrospectiva, noto que fuimos muy afortunados ya que el

La grata sorpresa del sofá Brut es que une la tecnología del hierro fundido con los muebles blandos.

primer proyecto: la silla apilable Chair One, diseñada en 2003 y que llevamos a cabo juntos, fue sumamente intenso y generó muy buena energía entre nosotros. Magis logró materializar esa idea y me sorprendió con su gran capacidad como compañía para entender lo que significa desarrollar proyectos. Creo que ese es el fundamento de esta relación longeva”.

“Desde entonces ha sido una colaboración muy cordial. Creo que son muchos los ingredientes que han hecho que funcione. No basta con situar a un gran diseñador en una gran compañía.

Es mucho más complejo que eso. Se requiere de una buena química: estar en el momento correcto y que el azar y la suerte estén de tu lado”, enfatiza el creativo, quien refiere que fue alrededor de ese tiempo que el inglés Jasper Morrison también creó la colección de sillas Air Chair y eso marcó un parteaguas en su pensamiento.

“Me pareció genial y me llevó a cuestionarme qué más podría yo agregarle a eso. Ese era el tipo de discusiones que sosteníamos. Por eso

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CASI 20 AÑOS DE TRABAJO ENTRE MAGIS Y GRCIC HA REQUERIDO DE SELECTOS INGREDIENTES PARA IR A PASOS SEGUROS.

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ENTREVISTA

YA SEA POR SU TECNOLOGÍA, MATERIALES O ESPECIFICACIONES, CADA PROYECTO EXIGE UN NUEVO PROCESO DE APRENDIZAJE.

Materiales industriales pesados y mobiliario blando en salas de espera.

tardamos alrededor mucho tiempo. ¡Tres años de insistencia por parte de Perazza y mis respectivas negativas! Hasta que llegamos a conocernos bien y decidimos trabajar juntos. Esa es parte de la historia. A veces sólo se trata de tener paciencia para construir una colaboración sólida”.

Para este genio de la creatividad, el componente personal es sumamente importante, lo mismo que encontrar una especie de ritmo y sincronización compatible con quienes integras un equipo. “Es un asunto frágil, como cuando le echas una gota extra de aceite al motor y marcha con fluidez y puedes hacer todo lo que te propones. Pero si te falta algo, por más que lo intentes nunca va a marchar. Así es como han transcurrido 17 años de colaboración afortunada entre Magis y yo; lo cual no significa que haya sido fácil todo el tiempo. De hecho, hemos podido ser

bastante críticos entre nosotros cuando lo hemos considerado oportuno”.

Claro que cada proyecto siempre implica un nuevo proceso de aprendizaje, ya sea por sus especificaciones, tecnología, materiales, etcétera.

“He aprendido mucho de cómo funciona esta industria; a veces hay que hacer concesiones y al mismo tiempo saber ser intransigente en situaciones determinadas. Creo que los italianos tienen una buena fórmula para hallar el camino y corregir el rumbo; es un ejercicio de apertura mental. La meta es no forzar el proyecto para que se ajuste a la idea original”.

La pieza que Konstantin presentó este año en el Salone del Mobile en Milán de la mano de Magis fue el sofá Brut. “Hace un año pensaba que sería imposible aplicar la tecnología del hierro fundido a los muebles blandos. Fue una muy

grata sorpresa haber descubierto que podíamos unir estos dos elementos: materiales industriales pesados y muebles blandos. Luego fue importante encontrar la tela adecuada para el sofá.

Estuvimos revisando muchas opciones hasta que dimos con esta tela llamada vidrat de la colección Kvadrat del diseñador de moda Ralph Simons.

Me gusta mucho la sensación que produce al tacto esta tela. Hace buen maridaje con el hierro fundido, no tanto por la combinación sino más bien porque funciona como un complemento que le da un buen balance y contraste a este mueble, diseñado para áreas de espera. konstantin-grcic.com magisdesign.com

ENTREVISTA

La colección Brut, también compuesta por mesas y bancos, evoca un nombre tosco, pero al mismo tiempo refinado como el vino espumoso.

Fotos cor tesía Magis

El carácter del trabajo duro e incansable se desvela en 'la mula' –de Ettore Sottsass–, fundida en hierro y con la cual Magis celebra su 40 Aniversario.

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ENTREVISTA

La idea no es solamente exportar objetos y mano de obra, sino tambièn aprender a exportar talento e ideas.

De ahí, la importancia de participar en las ferias de diseño internacionales.

JORGE DIEGO ETIENNE

Constancia es la clave

“El diseño es un lenguaje universal que nos comunica y conecta con el resto del mundo” Entrevista GRETA ARCILA Y MARTHA LYDIA ANAYA

Retrato JOSÉ MARGALEFF

ENTREVISTA

LA COLECCIÓN VERSUS SE CARACTERIZA POR SUS GESTOS ESCULTÓRICOS Y RIQUEZA ELEGANTE.

HACE 10 AÑOS, cuando Jorge Diego Etienne aún era un estudiante de la carrera de diseño industrial en su natal Monterrey, la ciudad de Milán se miraba desde lejos. Más que la distancia geográfica, era hablar de un punto de referencia en el mundo creativo del que México aún no formaba parte importante. “Hoy, es muy bueno ver que hay más mexicanos participando en la gran feria del diseño que es Design Week Milan por sí misma, con el objetivo de entender la dinámica de la industria del diseño. No es nada más venir y estar dentro de este evento, sino también aprender cómo se puede hacer negocio con tendencias y diseño, y enseñar tu trabajo al mundo para ganar más oportunidades en un plano internacional. La idea no es solamente exportar objetos y mano de obra sino también aprender a exportar talento e ideas”, nos cuenta Jorge Diego muy emocionado luego de su participación en SaloneSatellite en el marco del Salone del Mobile Milano 2017 y cuyo foro permite a jóvenes diseñadores exponer su potencial creativo y entrar en contacto con fabricantes, marcas y profesionales del sector.

Para él y su equipo es la segunda ocasión en que colaboran en este gran escaparate de creatividad mundial. “Fue una experiencia muy buena –platica–, en la que no sólo vas formando relaciones y creando expectativas, sino en la que también la gente está muy al pendiente de lo que presentas y de lo que tienes que decir; al final, esto es parte de un proyecto más grande: marcar presencia”. ¿Qué te gustó más? –le preguntamos al joven emprendedor que hace 5 años fundó su propio despacho en México y que ahora trabaja en proyectos de diseño con corporativos multinacionales–, a lo que él responde: “Estar en un lugar como SaloneSatellite te asegura que eres parte de una muestra importante de diseñadores internacionales y de que, por lo mismo, tu trabajo está al lado de ‘todo el mundo’. Muchos de

los grandes diseñadores contemporáneos han estado aquí y yo, desde el principio, he tenido muy claro que, para marcar pauta, este es un paso relevante. Además, es muy interesante observar las diferencias y similitudes que hay con nuestros colegas de otros países. También te das cuenta de que el diseño es un lenguaje universal, que nos comunica y conecta con el resto del mundo de manera única”.

El creativo reitera: “Tengo unos 10 años viniendo a la feria y desde que vine por primera vez me cambió la vida, pues me abrió la mente a las posibilidades que tiene el diseño como negocio, como industria y como estilo de vida. Aplicar para estar en SaloneSatellite no es complicado, las bases están en la página oficial del Salone del Mobile Milano, te inscribes y un jurado te selecciona para participar. El hecho de que arquitectos y diseñadores de la talla de Alessandro Mendini evalúen tu trabajo, ya es emocionante desde el inicio”.

En SaloneSatellite –que este año conmemoró su 20 aniversario con una exposición bajo el lema 20 años de Nueva Creatividad–, Jorge Diego presentó Versus, una colección de objetos con gestos escultóricos simplificados y creados a partir de la confrontación de cualidades materiales e inmateriales. Su afirmación conceptual juega con las propiedades físicas de los objetos, que no siempre son un reflejo de su funcionalidad específica, sino más bien desencadenantes emocionales evocados por una poderosa expresión estética.

El mármol y la madera son tallados y esculpidos a mano en nuevas formas por artesanos. Los procesos aplicados para moldear las formas que componen cada tipología básica de la colección dan como resultado un equilibrio de colores, luz y sombra utilizando un lenguaje visual reconocible para reinterpretar el concepto de la elegancia. jorgediegoetienne.com

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ENTREVISTA

MICHELLE MINTER

Detalles hogareños

Aunque poético, nuestra casa siempre será 'el mejor lugar del mundo'. Mucho de ese toque de calidez lo hallamos entre las 'cajas y barriles' de los lugares menos imaginados.

Entrevista MARTHA LYDIA ANAYA

Retrato JOSÉ MARGALEFF

Fotos cor tesía

UN AMBIENTE SE DISEÑA SEGÚN EL ESTILO DE VIDA DE LOS MORADORES EN UNA CASA Y SUS NECESIDADES.

“NADA COMO REGRESAR A CASA luego de un día arduo de trabajo o de un viaje que nos ha alejado de la familia por varios días. Home sweet home siempre será una de nuestras frases favoritas y de las mejores sensaciones de bienestar”, nos dice Michelle Minter, directora creativa internacional de Crate & Barrel, que estuvo en la Ciudad de México por primera vez con el plan de conocer las tiendas que la cadena estadounidense opera en nuestro país, diseñar algunos de sus ambientes y familiarizarse con lo que le gusta a los mexicanos.

“Nuestras tiendas en México están dispuestas de tal manera que la gente pueda jugar con todos los productos desde el principio. Dejamos superficies abiertas para que las personas puedan ver, tocar y experimentar con la combinación de distintos tipos de vajillas o de textiles, y se imaginen cómo se verían en realidad en sus propios hogares. La filosofía de la marca se centra en la manera en cómo se vive ahora y cómo le podemos ofrecer un estilo de vida a las personas para que puedan interactuar con sus hogares”, platica Michelle, mientras caminamos entre los pasillos de su showroom dentro del centro comercial Arcos Bosques.

Tonos que van desde el oro hasta el ébano, cuentas de cristal, cestos, utensilios, mobiliario en maderas como nogal, vajillas, piezas de cerámica y aún más ideas… inundan dichos espacios. “Son esos detalles hogareños que hacen de nuestra casa el mejor lugar el mundo”, enfatiza Michelle.

Los creativos de Crate & Barrel han sabido interpretar muy bien el concepto de ‘vivir un hogar’ desde 1962, año en que la pareja de recién casados, conformada por Gordon y Carol Segal, fundaron la empresa luego de su luna de miel por Europa.

La historia es simple: Gordon y Carol se habían sorprendido de todas las cosas sencillas, bien diseñadas y asequibles con las que se habían topado en su andar por las fábricas y ateliers

del Viejo Continente, las cuales podían comprar para su casa en Chicago. Accesorios como vasos y copas hechas a mano, vajillas de cerámica, cajas de mimbre y un sinnúmero de piezas decorativas que además de bonitas por su simpleza, también eran amables con el bolsillo de una familia que recién empezaba. Así fue cómo se les ocurrió la idea de crear una tienda donde la gente pudiera encontrar todas esas novedades para decorar su casa y darle un aire de tranquilidad y calidez.

La primera de sus tiendas se ubicó en una antigua fábrica de elevadores en la calle Wells, que pronto se convertiría en una de las avenidas de moda en la ciudad de Chicago. El nombre de la compañía surgió luego de usar ‘cajas y barriles’ para los primeros envíos de la tienda, los cuales luego fueron transformados en accesorios de alguna de las colecciones.

Al día de hoy, Crate & Barrel se ha convertido en un referente en el interiorismo residencial con presencia en unos 10 países, como Canadá, Estados Unidos, Emiratos Árabes Unidos, Singapur, México y Perú. Su filosofía: crear un entorno inspirador, cálido y amable para el hogar a través de accesorios, mobiliario y un sinfín de artículos con diseños creativos.

Michelle menciona que si algo ha identificado de los mexicanos es su gusto por la cocina. “No importa lo que pase, tarde o temprano, todo mundo termina en la cocina conviviendo.

Por eso, para nosotros, es más un retorno a la práctica de hacer que la cocina también sea parte del diseño de una casa y no sólo un espacio arquitectónico. Interpretamos esa sensación a través de historias diferentes que van desde el uso de materiales como el cobre y el mármol hasta acabados mate que resaltan con el uso de acero inoxidable, utensilios básicos y elementos decorativos para cada época del año”. crateandbarrel.com.mx

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ENTREVISTA

NURIA VILLASEÑOR MUÑOZ

Todos los vestuarios de los espectáculos son distintos porque se diseñan según el perfil de cada historia y personaje.

Fotos cor tesía

Detrás de las máscaras

ENTREVISTA

Los artistas del Cirque du Soleil se esconden detrás de su vestuario para llevarnos a épocas que quizá sólo existieron en la mente de un diseñador y sus ideas de plasmar un concepto.

Entrevista MARTHA LYDIA ANAYA

UN ABUELO ALQUIMISTA con espíritu aventurero y su nieta, una adolescente rebelde llamada Joyà emprenden un viaje, ¿qué aventuras les tiene preparadas la vida en la profundidad de la jungla? Esa es la historia que el Cirque du Soleil nos cuenta en un teatro en forma de palmera naciente en medio de la jungla, el cual fue construido por los arquitectos de Grupo Vidanta y se encuentra rodeado por la selva de la Riviera Maya. Además se trata del primer espectáculo permanente de la compañía canadiense en América Latina.

Buzos, medusas, peces, piratas y seres que son mitad animales y mitad humanos van descifrando los secretos que se esconden en la naturaleza y que están contenidos en un libro mágico de conocimientos sobre el significado de la vida. Detrás de esa magia puesta en el escenario, hay mimos, bailarines y acróbatas que también se esconden en disfraces y máscaras detalladamente confeccionados para ellos y para relatar una historia perfecta. Nuria Villaseñor, jefa de vestuario de Joyà nos comparte cómo es el proceso creativo para diseñar cada uno de los trajes con los que los artistas del increíble Cirque du Soleil nos cuentan esos viajes a través de mundos fantásticos.

“Todos los vestuarios de los espectáculos son muy distintos porque se hacen según el perfil de cada uno de los personajes y de acuerdo con la época en que son narradas las historias creadas por Cirque du Soleil. Cada uno de ellos es muy elaborado y algunos mezclan detalles de lo moderno con lo antiguo.

En Joyà no se sabe el año exacto en qué ocurre la historia –en esencia inspirada en el viaje de la mariposa Monarca–, por lo que fue un poco abstracto el diseño tanto del vestuario como del maquillaje”, platica Nuria.

El primer paso en el proceso creativo es la selección de los diseñadores de vestuario y de maquillaje, quienes se encargarán de realizar todos los sketches (bocetos) de cada uno de los personajes. Luego trabajan con el equipo de iluminación para pensar en todo el tipo de colores, telas, materiales y texturas

El diseño de maquillaje, vestuario e iluminación puede llevar desde cuatro meses de trabajo hasta un año o más, dice Nuria desde su taller.

que se van a usar. “Todo esto: diseño de maquillaje, vestuario y luces, puede llevar desde 4 meses hasta quizá un año o más dependiendo del show para plasmar perfectamente la imagen que se quiere dar de cada personaje. Para Joyà fueron unos 5 meses desde que se hizo el primer dibujo hasta que se fabricó el traje para un artista”.

El proceso de confeccionar es bastante largo porque el diseñador crea un personaje y luego el equipo de vestuario y maquillaje tiene que idear junto con el artista cómo será su customing (personalización).

Nuria relata que han tenido infinidad de anécdotas que les han pasado, desde que las pelucas se les meten a los ojos a los

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Ofici

ENTREVISTA

Cuando un show cumple su ciclo de vida, todos los trajes se van a Montreal, donde está la escuela del Cirque du Soleil.

artistas aéreos o pensar en que los zapatos no se resbalen en el escenario. Por eso, en principio es el diseñador quien va a elegir sus materiales y texturas, pero luego éstos se cambian por muchos motivos. “Cuando llegamos a Playa del Carmen, por ejemplo, nos dimos cuenta que muchas de las piezas de cuero que originalmente tenían los trajes no eran funcionales ni tan factibles de usar por el clima, por lo que los tuvimos que cambiar. Ese tipo de cosas sólo las vas descubriendo en el día a día y luego de los ensayos generales previos a la premiére.

Si hay modificaciones, intentamos conseguir todo de manera local, aunque mucho del material lo seguimos trayendo de los estudios de la compañía en Montreal, sobre todo porque hay trajes que llevan el copyright (derechos de autor) del Cirque du Soleil”, dice Nuria.

Al final, cuando el show cumple con su ciclo de vida, todos los trajes vuelven a Montreal, los que están muy maltratados se destruyen, pero aquellos que están en buenas condiciones se usan para impartir talleres a los nuevos artistas que llegan a la compañía para su entrenamiento y capacitación. cirquedusoleil.com/es

UNA HISTORIA PERFECTA SE CUENTA CON DISFRACES FANTÁSTICOS Y ÚNICOS.

Oficina Bosque Real Argenta Towers, Privadade las Plazas 7/20 Bosque Real, Edo de Mex. Oficina Pedregal Av. Centro Comercial 130 Coyoacán. Jardines del Pedregal.

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ENFOQUE

La inspiración obstinada no tiene límites La trayectoria de SOM se escribe entre una larga lista de 'ambiciones de gran altura', que van desde modernos edificios de oficinas hasta rascacielos, estaciones de ferrocarril y un aeropuerto contemporáneo y vanguardista.

Entrevista MARTHA LYDIA ANAYA

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Foto Hedrich Blessing, cor tesía SOM

ENFOQUE

Cuando se inauguró, en 1973, Willis Tower en Chicago era el rascacielos más alto del mundo con 442 metros.

DICEN QUE LOS DÍAS NUBLADOS que se viven la mayor parte del tiempo entre los grandes rascacielos de Nueva York crean un tipo de situación particular para inspirarse y ser creativo. Algo difícil de creer, pues no es el mood de una ciudad tranquila; por el contrario, es una atmósfera desordenada, de un continuo vaivén de autos, gente caminado presurosa y relojes que exigen responsabilidades constantes. Ahí, justo en Wall Street –la avenida principal del distrito financiero de esa gran urbe– están las oficinas centrales de Skidmore, Owings & Merrill (SOM), uno de los despachos más grandes e influyentes en arquitectura, diseño de interiores, ingeniería y planificación urbana en el mundo.

Actualmente, la firma opera filiales en Chicago, San Francisco, Washington, Los Ángeles, Londres, Hong

Kong y Sao Paulo. Desde Nueva York, sus directores asociados: Kim Van Holsbeke, Gary Haney y Edward Guerra lideran un nutrido equipo de arquitectos, diseñadores e ingenieros hasta más allá de los límites de la inspiración obstinada para generar nuevas ideas y conceptos de impresionantes proyectos.

Fundada en 1936, en Chicago, por Louis Skidmore y Nathaniel Owingsen, a quienes se uniría el inquieto John Merrill tres años más tarde, SOM (por las siglas de sus fundadores) es la firma que tuvo a su cargo el diseño del Centro Operativo BBVA Bancomer (2014) en el complejo Parques Polanco, en la avenida Mariano Escobedo y Laguna de Mayrán en la Ciudad de México.

Dicho inmueble consta de una torre de 30 pisos sobre el nivel de la calle y nueve niveles de estacionamiento

ENFOQUE

en sótano y, además es un proyecto con todo lo necesario para convertirse en LEED Oro en el futuro, dado que ya ostenta la calificación LEED Plata. Pero éste, es sólo uno de los diversos edificios icónicos que SOM ha tenido a su cargo alrededor del mundo. Actualmente el Burj Khalifa en Dubai es el edificio más alto que existe y el responsable de dicha obra es este despacho, también creador de la Willis Tower en Chicago (antes Sears Tower) y el One World Trade Center en Nueva York. Así, su portafolio puede continuar citando obras y obras , y más obras, hasta llegar a su proyecto más reciente llamado Cuadrante Polanco, el cual –como su nombre lo dice– ya podemos anticipar dónde estará ubicado.

“Este complejo promete ser una de las propuestas urbanas más vanguardistas que hemos tenido. Albergará comercios, oficinas, departamentos y lugares de entretenimiento. Será un espacio de usos mixtos de casi 3 hectáreas que, por su céntrica ubicación dentro de una de las colonias más concurridas en la Ciudad de México, se convertirá en un gran atractivo de la zona no sólo para inversionistas y empresas, sino también para aquellas personas que quieren evitar el tráfico y el caos citadino”, nos comparte Kim, uno de los socios directores del despacho con quien tuvimos oportunidad de platicar de ésta y otras historias interesantes que se han construido desde los cimientos de esta gran firma.

Sin salirnos del tema de Cuadrante Polanco, Kim nos explica que su punto en el mapa será delimitado por la avenida Río San Joaquín, Lago Zurich, Moliere y Lago Andrómaco.

La entrada principal será Lago Neuchâtel. “Estratégicamente estará ubicado en la colonia Nuevo Polanco, un barrio que en los últimos años ha adquirido una enorme plusvalía por tener a

su alrededor espacios y edificaciones como el Museo Soumaya y los centros comerciales Antara y Miyana Polanco, cuyo concepto es muy parecido”, dice.

Para él, el futuro está en las ‘ciudades inteligentes’, una tendencia arquitectónica que dice será “la solución para que no tengamos que movernos de un sitio a otro invirtiendo muchas horas de traslado para ir al trabajo, a la escuela e incluso al supermercado. De esta forma, podremos disfrutar de un estilo de vida de mejor calidad y ¿por qué no? que la población comience a tener un poco más de organización y tranquilidad en sus actividades cotidianas”.

SOM que específicamente ha diseñado siete de los 15 edificios más altos del mundo fue designada por la plataforma de inversión y desarrollo de bienes raíces MIRA como la encargada de realizar el plan maestro de Cuadrante Polanco en la Ciudad de México, el cual se espera que, al finalizarlo, también quede plasmado en la cronología de sus otras obras para que todo el mundo tenga los ojos puestos en México.

De entrada, ya sabemos que el complejo cuenta con casi tres hectáreas de espacio, que albergará unos 1,400 departamentos y dispondrá de un 55% de áreas verdes y unos 5,000 metros cuadrados para los distintos comercios. Ingenieros y arquitectos ya se encuentran unificando el cuadrante delimitado por las calles que forman parte del proyecto, y se espera que el desarrollo se termine de construir en el 2020.

CLÁSICOS DE LA ARQUITECTURA Cuando aterrizamos en la cronología de las obras de SOM alrededor del mundo, podríamos empezar a correr el tiempo a través de una larga lista de notables proyectos y grandes

La mente maestra de SOM: sus directores asociados Gary Haney (izq.); Edward Guerra (arriba der.) y Kim Van Holsbeke (abajo der.).

Retratos cor tesía SOM

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Foto Rafael Gamo, cor tesía SOM

El futuro está en 'las ciudades inteligentes' que visualizan un estilo de vida de mejor calidad.

Con un estilo postmodernista, el Centro Operativo BBVA Bancomer (2014) en la Ciudad de México, se caracteriza por la aplicación de las últimas tendencias en tecnología, eficiencia inmobiliaria y desarrollo sostenible.

ENFOQUE

ATCHAIN cor tesía SOM

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El proyecto Cuadrante Polanco es una propuesta de diseño y planeación urbana que rompe esquemas en la Ciudad de México.

diseñadores, entre los que se encuentran tres clásicos de la arquitectura como The Lever House, The John Hancock Center y The Hajj Terminal, los cuales parecen definir la trayectoria de la firma a través de sus diferentes épocas.

The Lever House –construida entre 1951 y 1952– fue uno de los primeros edificios de oficinas de vidrio de estilo internacional que se construyó en los Estados Unidos. Situado en el centro de Manhattan, originalmente funcionó como la sede corporativa estadounidense de la compañía de jabón Lever Brothers. Lo espectacular de este inmueble es que mira como una caja de cristal perfecto, la cual se extiende 24 pisos de altura justo enfrente del edificio de Mies van der Rohe Seagram.

En cuanto a The John Hancock Center –construida entre 1965 y 1970–, se trata de la primera torre de usos mixtos que se construyó en el mundo y representa la estrecha colaboración entre el arquitecto Bruce Graham y el ingeniero estructural Fazlur Khan. “Curiosamente, este edificio sigue siendo un arquetipo y referencia obligada en un amplio espectro de disciplinas del trabajo de diseño que hace SOM”, aclara Kim. Conocida localmente como Big John, dicha torre está situada en North Michigan Avenue, dentro de uno de los más prestigiosos distritos de Chicago por sus costosos condominios, restaurantes y galerías de arte. Inicialmente la idea era

construir un edificio de departamentos de 70 pisos y una torre de oficinas de 45 pisos, pero las dos torres habrían ocupado la mayor parte del terreno designado para la obra y habrían alterado la privacidad y las condiciones de comodidad para los residentes. Fue por ello que se decidió construir una torre única, en la que las oficinas estarían en los pisos más bajos y los condominios en los niveles superiores.

La forma cónica de la torre fue elegida para adaptarse a los diferentes requisitos de espacio que disminuyen de abajo hacia arriba, desde las zonas de entrada y comerciales en la base hasta los pequeños departamentos de altura media y finalmente hasta los condominios más grandes en la parte superior.

Estructuralmente es una construcción muy interesante, pues los exteriores de acero representan un tubo donde la rigidez necesaria es proporcionada por estructuras diagonales, las intersecciones de las diagonales y las columnas de las esquinas.

De acuerdo con la organización funcional, este cuerpo tubular cuenta con una sección transversal más grande en donde las tensiones causadas por las fuerzas del viento son mayores.

Respecto a The Hajj Terminal en el aeropuerto de Rey Abdulaziz en Jeddah en Arabia Saudita, bien se puede afirmar que no es ningún aeropuerto ordinario. Se inauguró en 1981 y fue construido específicamente para la afluencia de peregri-

ATCHAIN cor tesía SOM

ENFOQUE

Ingenieros y arquitectos ya unifican el cuadrante de la que será una 'ciudad inteligente' en Polanco para el año 2020.

Fotos Rafael Gamo, cortesía SOM

Ekoo Media cor tesía SOM

Una fachada curva que se integra a una base ajardinada define el BBVA Centro Tecnológico en México.

Grandes obras ponen a México en los planos de la arquitectura de SOM en el mundo.

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ENFOQUE

Foto Jay Langlois/Owens-Corning, cor tesía SOM

Con un tendido de cable y estructuras de telas tejidas, el Aeropuerto Internacional Rey Abdulaziz (1981) sorprende por su diseño, ingeniería y funcionalidad.

Foto Jay Langlois/Owens-Corning, cor tesía SOM

Con tres iglesias distintas, la Capilla de Cadetes de la Academia de la Fuerza Aérea de Estados Unidos (1962) fue proyectada como una estructura religiosa simbólica y única.

Foto Stewar ts, cor tesía SOM

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La estructura ondulada de los techos del aeropuerto en Arabia Saudita permiten el paso de la luz y, por los materiales con que están hechos, soportan altas temperaturas.

Foto Richard Waite, cortesía SOM

Foto Jon Miller/Hedrich Blessing, cor tesía SOM

Cuando se abrió la Casa de Intercambio de Londres (1990) demostró que todas las ciudades del mundo pueden generar espacios urbanos con. sofisticadas técnicas de ingeniería y diseño arquitectónico.

Por los fuertes vientos de Chicago, John Hancock Center se asienta en una estructura que minimiza el movimiento.

nos religiosos que, por semanas continuas, son parte de la peregrinación anual de Hajj a La Meca. El Hajj ha sido parte del Islam desde la fundación de la religión -según uno de los ‘cinco pilares’ del Islam-, pero con la llegada de los jumbo jets y los viajes de peregrinación subvencionados por el gobierno de los países musulmanes alrededor del mundo, el número de hajjis (que se refiere a las personas que completan con éxito la peregrinación a La Meca) se ha disparado de un promedio de 50,000 en la década de los 60’s hasta 500,000 viajantes a mediados de los 70’s.

Se supone que una enorme estructura de carpa de fibra de vidrio recubierta de teflón acomodaría a unos 950,000 hajjis en 1985; pero hoy, millones de peregrinos pasan por ese aeropuerto cada año durante el Hajj.

La elección de SOM para diseñar el proyecto fue una coincidencia de cercanía, pues se cuenta que las oficinas de Airways Engineering Corporation, contratada por el gobierno saudita para desarrollar el aeropuerto, estaban muy cerca del despacho de SOM en Washington. El arquitecto Gordon Wildermuth dirigió el plan maestro en su conjunto, mientras que Gordon Bunshaft y el ingeniero Fazlur Khan desarrollaron el diseño y los bocetos finales de la terminal.

Cuando Wildermuth y los ingenieros de SOM analizaron el proyecto, se dieron cuenta de que la terminal aérea necesitaría acomodar entre 80,000 y 100,000 peregrinos a la vez y hasta por 36 horas seguidas. ¡Muchas personas en un mismo espacio al mismo tiempo! Para resolverlo, el equipo de diseño concibió una instalación al aire libre protegida por una estructura de cáscara de concreto, pero rápidamente se hizo evidente que el duro clima desértico requería una solución más innovadora.

Así fue que, en lugar de concreto, se instaló un tejido de fibra de vidrio recubierto de teflón de owens corning. Esa especie de ‘tela’ ayuda a reflejar casi un 80% de la radiación solar, manteniendo una cómoda temperatura de 80 grados debajo de la estructura e incluso cuando las temperaturas afuera alcanzan hasta los 130 grados. También permite que un poco de la luz del sol pase a través del ambiente, proporcionando una iluminación amplia, pero cómoda durante las horas del día.

El equipo de SOM estaba convencido de que este aeropuerto no tenía por qué ser un espacio religioso, sino más bien debía convertirse en una atmósfera que evocara el espíritu del Hajj y compartiera una sensación de tranquilidad y un sentido de continuidad, de transición hacia el lugar real que es La Meca. Por eso mismo, The Hajj Terminal ha sido reconoci-

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do en todo el mundo y pese a que ya tiene más de 30 años de haberse construido, se sigue adaptando al flujo de peregrinos.

AMBICIONES DE GRAN ALTURA

Con una altura de 412 metros, Al Hamra Tower (2011) es el rascacielos más alto de Kuwait. Se levanta como una escultural torre de oficinas, y un centro comercial.

Foto Eduard Hueber/Archphoto, cor tesía SOM

som.com

Foto Pawel Sulima, cor tesía SOM

Tras la muerte de los tres socios fundadores que dieron el nombre a SOM, el despacho ha hecho alarde de haberse constituido como un corporativo bien organizado y fiel a los criterios cimentados desde sus orígenes. Es Gary Haney, otro de los socios directores de la compañía, quien nos comparte esta parte de la historia del despacho, la cual él mismo describe como “las ambiciones de gran altura de la empresa”.

Con un compromiso muy enfocado en educar a las siguientes generaciones de arquitectos y diseñadores, Gary está plenamente convencido de que se debe explorar el impacto del diseño en la vida de las personas.

“Creo que el mejor consejo que les puedo dar a los jóvenes es que dejen de pensar individualmente y aprendan a trabajar más como un equipo. Paciencia es la cualidad más importante para un arquitecto. Estamos en la cúspide de nuevos desarrollos en tecnología. Supongo que, de alguna manera, habrá un escalamiento que hará que todo funcione mejor. No sé cómo todavía, pero eso también se aplicará a la arquitectura”, concluye Gary que junto con Kim y Edward funcionan como ‘la mente maestra’ de SOM para el mundo. Sus bocetos, planos e ideas seguramente nos seguirán dejando boquiabiertos.

Un jardín central que integra dos edificios hace de la Oficina de Censo de EU (2007) un proyecto holístico.

Foto Alber t Vecerka/Esto, cor tesĂ­a SOM

ENFOQUE

Public Safety Answering Center II, Bronx, NY.

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Piezas de arquitectura efímera que entablan un diálogo con el entorno y nos sacan de la realidad.

Por CRISTINA CRUZ Y SANDRA REYES

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Un 'desierto' en la ciudad A ROOM | SALOTTOBUONO + ENRICO DUSI ARCHITECTURE | MÉXICO Fotos LOUIS DE BELLE

Ubicado en la Alameda Central en la Ciudad de México, el Pabellón A Room, fue una colaboración entre Salottobuono y el arquitecto Enrico Dusi. Se trata de una instalación que separa un espacio interior de uno exterior que genera una pequeña región y emancipa la presión urbana de la Ciudad de México.

Al interior del espacio se produce un silencio —o un pequeño desierto — en el contexto del caos citadino, el intersticio que se produce no sugiere una actividad específica, contrariamente, el espacio es muy generoso para adaptarse a las necesidades del usuario. Esta pieza de arquitectura efímera es un espacio triangular de 43 metros cuadrados envuelto por muros de 4 metros de altura con bloques de concreto. En el exterior, las superficies de las paredes conservan el acabado del material; al interior, es pintado en color rosa. Asimismo, tiene una entrada circular de 2 metros de diámetro y una pequeña ventana situada a 2.8 metros sobre el nivel del suelo.

salottobuono.net | enricodusi.com

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Empatía con los paisajes MICR-O | SUPERIMPOSE ARCHITECTURE DESIGN STUDIO | CHINA

Fotos MARC GOODWIN Y SUPERIMPOSE

Tai Yang, un valle rural revestido con campos de bambú y arroz, se ubica al oeste de Hangzhou en China y es el hogar de más de cien de familias campesinas locales.

En este contexto surgió Sun Commune, una estrategia local para sostener a los agricultores y simultáneamente promover la producción de alimentos orgánicos, así como la realización de actividades al aire libre en respuesta a la creciente urbanización del país asiático.

El despacho de arquitectura Superimpose diseñó Micr-O para esta comunidad, un pabellón que funciona como una plataforma de aprendizaje y educación para los habitantes de la ciudad. El patio exterior central de la estructura crea una plataforma cerrada para albergar actividades de aprendizaje y eventos. El corredor externo se mezcla con el bosque circundante de bambú

y ofrece una ruta de circulación alternativa mientras se desarrollan actividades en el patio central. La estructura es elevada, manteniendo el terreno casi intacto y el marco estructural es un triángulo angulado a noventa grados que da al diseño una forma pura hacia el exterior, mientras que internamente el patio se abre hacia el cielo y sus alrededores. Los arquitectos de Superimpose: Carolyn Leung, Ben de Lange, Ruben Bergambagt y Mika Woll utilizaron madera de pino de la localidad para la estructura principal y la cubierta del piso. El resultado: un pabellón que se mezcla con su entorno a través de la superposición de planos circulares que crean un diálogo con el paisaje circundante.

superimpose.nl

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El Universo en la Tierra NASA ORBIT PAVILION | STUDIOKCA | ESTADOS UNIDOS

Fotos NASA Por encargo de la NASA, este pabellón itinerante tiene el objetivo de envolver a sus visitantes en una experiencia espacial sin salir de la ciudad.

Al frente del despacho que generó la propuesta, se encuentran Jason Klimoski y Lesley Chang, quienes idearon el concepto a partir del sonido percibido a través de una concha de mar. Fue así como se creó NASA Orbit, un pabellón en forma de coraza monumental donde se escuchan los sonidos de los satélites que orbitan en el espacio exterior. Con un tamaño de 325 metros cuadrados, el pabellón en forma de nautilus está realizado con paneles de aluminio cortados con chorro de agua que representan las trayectorias de los 19 satélites que orbitan alrededor de la Tierra.

Estas trayectorias están trazadas con más de 100

líneas orbitales sobre paneles insertados en una estructura curvada de tubos de aluminio. “En su interior están colocados los altavoces programados por el artista Shane Mybeck para mapear, traducir y transmitir en tiempo real los sonidos de los satélites”, comentan los arquitectos de StudioKCA. Esta “cámara de sonido 3D” hace que los visitantes se imaginen el sobrevuelo de los satélites al mismo tiempo que los escuchan.

NASA Orbit se presentó en la edición del World Science Festival de Nueva York en 2015, pero actualmente se encuentra instalado en los jardines botánicos de la Biblioteca Huntington de California en Estados Unidos hasta noviembre de 2017.

studiokca.com

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Memorias históricas de la ciudad PABELLÓN LACUSTRE | TALLER DE ARQUITECTURA PÚBLICA | MÉXICO

Fotos ENRIQUE MÁRQUEZ ABELLA Bajo la pregunta abierta: “¿Sabías que debajo de nosotros hubo un gran lago? Una ciudad Lacustre resiste entre nosotros”, Taller de Arquitectura Pública realizó el Pabellón Lacustre en el marco de Mextrópoli 2017 ‘en y sobre’ la fuente de la Plaza de Santa Veracruz en la Ciudad de México. El pabellón parte de la idea de generar un espacio para la reflexión en torno al pasado lacustre: la memoria histórica de la ciudad cuyos fragmentos aún se pueden experimentar. El objetivo de la pieza es que sirva para observar el horizonte lacustre enterrado por la ciudad actual. La estructura es una instalación arquitectónica a modo de andamiaje alrededor de la fuente central del conjunto, que guarda en su interior un jardín en memoria de las chinampas que se levantaron en la antigua Tenochtitlán.

El jardín central que resguarda la estructura fue creado en colaboración con Almudena y Huerto Roma Verde que colocaron una selección de frutos, arbustos, pastos y flores que emanan del ambiente lacustre. Para lograrlo se diseñó un sistema de cultivo en el cual se propone una maceta textil de yute; en su interior, una serie de capas generan un proceso de riego que inicia cuando el agua permea a través del yute, humedeciendo la primera capa del sistema: una cama de doce centímetros de tezontle, que funciona como un papel de filtro.

Posteriormente, un segundo filtro formado con manta de cielo, permea la humedad proveniente de la capa de tezontle hacia otra capa de treinta centímetros de espesor de tierra vegetal rica en nutrientes; en la superficie de esta se ubican diversos frutos y flores.

tallerdearquitectura.com.mx

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Una ‘ruca’ de madera transportable CCP | REPÚBLICA PORTÁTIL | CHILE

Fotos GINO ZAVALA BIANCHI También denominado como “edificio transportable”, este pabellón construido en madera, estuvo localizado en la Plaza Independencia de la Ciudad de Concepción en Chile. Es un proyecto realizado por el estudio República Portátil en colaboración con Estudio Invasivo e Integral Diseño para la Corporación de Fomento de Chile (CORFO), con el objetivo de generar un espacio para actividades para el sector creativo y productivo de la ciudad. Una de las percepciones que genera su interacción en el entorno es que su forma alude a una 'ruca', una construcción vernácula del pueblo Mapuche, originario del sur de Chile. “Una casa primitiva que nos remite al hogar, un refugio, un salón de estar. Un lugar para reunirse”, afirma Julio Suárez, arquitecto de Republica Portátil. La composición de Pabellón CCP está desprovista de elementos superfluos y procesos constructivos sintéticos, destacando la cualidad de la madera en bruto utilizada como una serie de elementos prefabricados como cerchas, pisos y revestimientos. Para su construcción se desarrollaron matrices de gran escala, sobre las cuales se fueron armando de manera seriada, la totalidad de los prefabricados. La ventaja es que se trata de un procedimiento mecánico que disminuye los tiempos de trabajo y no requiere mano de obra especializada. Una vez que el pabellón cumplió su periodo de estadía, fue llevado al Centro de Creación y Trabajo Colaborativo Municipal de Concepción C3.

republicapor tatil.cl

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Huellas entre la naturaleza PERSPECTIVES | GILES MILLER STUDIO | INGLATERRA

Fotos RICHARD SHIVERS Esta orgánica estructura de forma ovoide se impone en el verde paisaje y, a la vez, se complementa con el verdor de la naturaleza. Cuenta con una estructura de acero y está cubierta con un tipo de cedro denominado shingles, que se desplaza sobre la Villa Surrey en Winterfold, Inglaterra. Su cubierta está compuesta por tejas ovaladas que se superponen y tienen la función de cambiar de eje para proteger al usuario de los elementos externos, sin aislarlo completamente.

Esta escultura arquitectónica tiene una superficie que se abre con la disipación de las tejas, que hacen parecer al pabellón lleno de vida; pero una de sus características que más destaca son las palabras colocadas sobre estas tejas. Estas frases y mensajes se encuentran grabadas en el pabellón con frases de personas que fueron recopiladas en lugares públicos, como los árboles y bancas. El estudio de arquitectura Giles Miller también ha reunido poemas y memorias de las escuelas de la localidad, así como de residentes y colaboradores; estos mensajes fueron grabados en la superficie de las tejas de cedro que cubren la pieza. Con una propuesta estética llena de detalles y texturas, Perspectives abriga a los visitantes, transformándose en un rincón que invita a reflexionar sobre las palabras y huellas que vamos dejando en todas partes.

gilesmiller.com

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Vida poética e íntima QUIET HOUSE | ARTELABO | FRANCIA

Fotos MARIE-CAROLINE LUCAT

Una casa introvertida que se oculta de las miradas ‘a ojos desnudos’ y se mimetiza de manera muy natural con los paisajes de un viñedo.

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RESIDENCIAL

CON UNA VISTA EXCEPCIONAL e impresionante sobre el Valle del Hérault en el pueblo de Saint-André-de-Sangoni al sur de Francia se encuentra Quiet house (villa tranquila), una casa introvertida porque se oculta de las miradas ‘a ojos desnudos’ y se mimetiza de manera muy natural con los paisajes de un viñedo, únicamente rodeado por sus caminos de acceso.

Es una pequeña residencia que bien podríamos definir como muy íntima, pues se caracteriza por una composición simple.

Usando medidas regulares, este proyecto arquitectónico –diseñado por el despacho Artelabo– se basa en una cuadrícula de 3 metros de ancho y 4 metros de profundidad. Dos unidades de ese espacio corresponden a un volumen construido, mientras que la tercera forma un espacio exterior. La geometría general de la casa se basa en una secuencia repetida de cuatro volúmenes, inscritos en un patrón regular, encerrados dentro de una pared periférica y la organización de cuatro patios dentro de la vivienda. Su forma, con dos laderas de techo, evoca una pequeña casa.

Materiales banales y típicos del sur de Francia, como piedras, ladrillos, arena y yeso se usan para construir un hábitat

individual tradicional en medio de un contexto paisajístico de peculiar composición. Su potente contraste entre una apariencia externa opaca y cerrada, y la intensidad de la luz proporcionada por los patios, da fuerza a su espacio interior. Todas las habitaciones se abren en uno, dos o tres patios que dejan ver el panorama de la parcela a través de un único sistema de puertas de cristal alineadas. Resalta que el mismo tipo de piso se utilice en todos los espacios de la casa, lo que crea una cierta confusión entre los interiores y los patios, que se convierten en verdaderas salas de estar y extensiones de los ambientes internos; de esta manera, los moradores pueden estar dentro de la casa mientras están afuera.

Algunos detalles hacen que el estilo de vida mediterráneo sea tangible: una rejilla de acero con motivos reminiscentes de moucharabieh (celosías), una capa muy blanca que refleja la luz y el calor del verano.

ar telabo.fr

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El estilo de vida mediterrรกneo de esta casa es tangible en muchos de sus detalles de interiorismo.

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RESIDENCIAL

Arquitectura y naturaleza CASA PM | FGO/ARQUITECTURA | YUCATÁN

Fotos GLORIA MEDINA

Jugando con una geometría simple, abierta totalmente hacia el exterior, Casa PM incorpora el entorno natural a cada espacio por medio de elementos translúcidos.

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RESIDENCIAL

CONCRETO, MADERA, CRISTAL Y ACERO son los materiales que le dan forma a Casa PM dentro del Club de Golf ‘La Ceiba’ en la ciudad de Mérida en Yucatán.

Construida en un solo nivel, esta residencia se levanta en un terreno con vegetación abundante; por lo que, el proyecto adapta la arquitectura a la naturaleza y respeta la mayoría de los árboles; de hecho, aquéllos que tuvieron que ser removidos, se reubicaron en áreas estratégicas de los espacios abiertos con la intención de dotar de sombra ciertos lugares y utilizar la vegetación a favor para generar brisas frescas, que permitieran ventilar de manera natural cada uno de los rincones de la casa, pensada para la comodidad y convivencia de una pareja de adultos.

El arquitecto Luis Fernando García y la diseñadora Andrea Marín, del despacho mexicano FGO/Arquitectura, explican que el proyecto se divide en tres etapas: cochera, área de servicio y área residencial, las cuales se comunican por medio de rampas y escalones a través de jardines y muros sueltos, que facilitan acceso para la fácil circulación entre cada área.

Desde cualquier punto de la casa se logra tener una hermosa vista al exterior, lo que da una identidad a cada uno de los ambientes, con perspectivas únicas y sin ser expuestos hacia la calle o el campo de golf. La privacidad se consigue por medio de muros sueltos y un diseño de paisaje inspirado en la selva regional.

La selección de materiales (concreto, acero y madera) y una paleta vegetal de bajo mantenimiento genera espacios limpios y cálidos, en conjunto con los tonos verdes de los paisajes alrededor; con esto, se logra crear un mood de tranquilidad y paz, que inunda de enorme bienestar a los moradores de Casa PM. Jugando con una geometría simple, abierta totalmente hacia el exterior, se incorpora el entorno natural a cada espacio por medio de elementos translucidos, los cuales son capaces de dotar de amplitud e iluminación natural a los espacios, invitándonos nuevamente a convivir con la naturaleza.

fgoarquitectura.com

RESIDENCIAL

Construida en un sรณlo nivel, esta residencia se deja envolver por exteriores de abundante vegetaciรณn.

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Salone 2017 Entre experiencias y el reto de rescatar al objeto Texto GRETA ARCILA

Curaduría SANDRA MONTIEL Y GRETA ARCILA

Foundation Lámpara Ellipse Formafantasma en Spazio Krizia

Foto Masiar Pasquali

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ESPECIAL SALONE

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The Visit por StudioPepe

Foto Andrea Ferrari

EXPERIENCIA SENSORIAL es lo que busca el diseño en este tiempo de movimiento perenne. Sin embargo, lo que pide el mercado y el día a día del diseñador son dos polos completamente opuestos y, por ende, la subsistencia del diseñador como hoy la conocemos está por cambiar 180 grados. Y qué mejor lugar del mundo para entender y ver este cambio que la capital del diseño: Milán.

NUEVOS RETOS El diseñador hoy debe de ser generador de momentos a través de su diseño, a través de sus materiales, a través de sus historias, a través de su comunicación. Los jóvenes creativos tienen el reto de hacer que el buen diseño regrese a las casas de los millennials, de la generación Z, de los nuevos usuarios. Necesitan reinventar el lujo de la experiencia; inclusive reinventar cómo vivimos los sentidos y cómo utilizamos los básicos; necesitan crear nuevos clásicos en donde las nuevas tecnologías sean inherentes y que su nivel de detalle sea tan perfecto que pase desapercibido. Hace 12 años, Karim Rashid me dijo en una plática en el Salone del Mobile: “El día en que la tecnología esté inserta en nuestras huellas dactilares, el diseño será totalmente sensorial y tendrá un grado de inteligencia difícil de comprender por nuestros padres, pero será tan perfecto que nuestros niños lo entenderán y asimilarán con la mirada”. ¿SIGUE EL OBJETO? La mayor afrenta para nuestros diseñadores es el poco com-

promiso que tienen las nuevas generaciones hacia los objetos.

Desean vivir mejor, pero no están dispuestos a invertir en lo que el buen diseño demanda. Ahí, para ellos, también la respuesta es la experiencia. Sin embargo, yo les pregunto a ustedes: ¿Una Eames o un clásico de Vitra o Knoll no les emociona hasta erizarles la piel? ¿En qué momento dejaron de disfrutar el olor de un objeto que tuvo un proceso de creación preciso?

No comprendo por ahora, pero espero no dejen de amar un bello y bien logrado diseño. ¿Qué nos dejó Milán aparte de pies hinchados? Vida, mucha vida y un gusto enorme de experimentar todas las instalaciones en donde los visitantes podían pasar horas en una fila con tal de ver el trabajo de Nendo, Jaime Hayón, Tom Dixon, Marcel Wanders. ¡Sí! Todos los rockstars del diseño tuvieron instalaciones magistrales. ¿Lo mejor? Ventura Centrale con los proyectos de Luca Nichetto, Ben Gorham y Salviati, y Lee Broom. En ambas intervenciones el encuentro con la historia que la Estación Central guardaba en esas bodegas abandonadas y las propuestas de estos diseñadores, encontraron la mejor historia en sus raíces.

Luca logró el affair perfecto con el cristal de murano (cuando era niño, él jugó en las calles de Venecia y experimentó con esa materia preciosa de la mano de su abuelo). Por su parte, el inglés Lee Broom también habló del pasado y de los materiales con una pieza dedicada a su abuelo. ¿Qué sigue? Historias por contar ¿Cómo? Llevando al límite la experiencia ¿Y el objeto? El concepto a rescatar.

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ESPECIAL SALONE

fuoriSALONE

Foto Delfino Sisto Legnani. Cour tesy of Atelier Biagetti

El arte objeto fue el protagonista de museos, galerías y tiendas. Colecciones de edición limitada en donde las firmas de alto lujo y tecnología, por momentos, llegaron a “opacar” el trabajo de los diseñadores independientes. Materiales: renovables, los más buscados. Color: rosa everywhere.

GOD Euforia por Atelier Biaggeti atelierbiagetti.com

ESPECIAL SALONE

Fotos cor tesĂ­a de los diseĂąadores

Fireworks por Muller Van Severen presentado por Massimo de Carlo mullervanseveren.be

Apparatus Studio apparatusstudio.com

The Rose Gold Collection por Paolo Rizzo Design para Spotti Edizioni spotti.com

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ESPECIAL SALONE

PikaPlant pikaplant.com

Lo imposible por Isabel Lecaros isabellecaros.com

ventura LAMBRATE El lugar preferido para las universidades y proyectos de investigación de materiales no habituales y donde el reto es mostrarse innovador ante tanta improvisación y experimentación. Lo más destacable: IKEA y su propuesta con Tom Dixon en la que buscó descontextualizar el objeto y el lujo.

Nuestra apuesta: la pureza y trasparencia de Isabel Lécaros.

Lumps of clay por Thomas Nathan thomasnathan.de

OFF Portugal Two tubes and a Wall por Manuel Amaral Netto offpor tugal.com

Fotos cor tesías

Melina Xenaki melinaxenaki.com

Rossana ORLANDI

Foto Jussi Puikkonen

The New ReadyMade Foam me por Manon Portera y Cecile-Diama Samb novgallery.com

Wide Horizon Screen por Germans Ermičs germansermics.com

Lugar donde lo ordinario toma esencia de extraordinario.

La mayor virtud de esta amante del coleccionismo es nunca dejar de buscar y siempre escuchar a los jóvenes “Nunca dejo un nuevo book sin mirar; nunca sabes qué vas a encontrar”. Conoce poco de diseño mexicano, pero le encantan nuestras artesanías. El mejor montaje: Sé y su paleta de color hacia tonos pasteles.

The Salon por Sé se-collections.com

Equilibrium por Guglielmo Poletti guglielmopoletti.com

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ESPECIAL SALONE

SCENERY collection, mesa de centro Floe por Daisuke Kitagawa designforindustry.jp Mesa lateral Daze por TrulyTruly trulytruly.com

salone SATELLITE Este 20 Aniversario, el Salone del Mobile y Marva Griffin se lucieron en la selección, el montaje y con la exposición de Fábrica del Vappore en donde se hacía una reseña de lo mejor de estas primeras décadas. El material más recurrente: el vidrio biselado y el vidrio esmerilado, pero con tintes de color degradado.

Lámpara Dunes por MSDS msds-studio.ca

Lámpara de pared y mesa Lucid por David Derksen Design davidderksen.nl

Fotos cor tesía

Tapete Arena por Olivia Lee olivia-lee.com

ESPECIAL SALONE

brera design DISTRICT

Objets Nomades de Louis Vuitton Sofa por los hermanos Campana louisvuitton.com

Las calles llenas gente es lo primero que viene a la mente cuando uno piensa en esta zona del diseño.

Showrooms y galerías llenan sus escaparates de fantasía y diseño. Lo más entrañable en lo referente a montaje: la exhibición de Louis Vuitton con Objet Nomades y la colección de Nude en el Palazzo Litta con trabajo de Studio Formafantasma y Defne Koz. Memorable.

Parrots de Dafne Koz para NUDE nudeglass.com REALLY project de Max Lamb para Kvadrat maxlamb.org kvadrat.dk

Miscredenza Sideboard por Patricia Urquiola + Federico Pepe para Editions Milano editionsmilano.com

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Tendencias MILÁN 2017

Fotos cor tesía Cassina

Invitamos a expertos que caminaron por Milán a hablar de lo que, para ellos, son las tendencias que prevalecieron este año. Así, Covadonga Hernández, creadora de Marqcó; Rodrigo Alegre y Carlos Acosta, fundadores de Studio Roca; Guillermo Quintana, director general de Design Primario, y Sandra Montiel, directora de arte de Glocal Design nos hablan de las constantes del mundo del diseño.

ESPECIAL SALONE

IRIDISCENCIAS Por Guillermo Quintana Desde que llegaron los óxidos y los colores cobrizos, las iridiscencias no se han ido al contrario; de ahí, han salido colores y tonos que antes sólo nos remitían al pasado. Este año, Patricia Urquiola las llevó al extremo en la memorable exposición para celebrar el Noventa Aniversario de un gigante del diseño como lo es Cassina. La instalación Cassina 9.0 fue hecha en el nuevo hito de la cultura en Milán: Fondazione Giangiacomo Feltrinelli.

Este lugar fue elegido específicamente por su compromiso intelectual, cultural y creativo con la ciudad. Ahí vimos cómo cada tono de color al mezclarse con la luz nos regalaba un recorrido por miles de colores en cada rincón. Espléndida exposición.

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ESPECIAL SALONE

Candelabro Meshmatics por Rick Tegelaar para Moooi. moooi.com

FUSIONAR SENSACIONES Es complicado hablar de tendencias específicas, pero una de las más presentes es la creación de espacios funcionales mediante muebles ligeros, versátiles y que se acoplan a cualquier tipo de arquitectura y diseño interior. La mezcla de materiales (cristal, metal, madera, piedra...) en distintas dimensiones y proporciones genera ligereza visual. ¡Las lámparas descolgadas son un must! Ese movimiento que se desprende del techo e integra lo que hay en el contexto, permite atrevernos por opciones más orgánicas e irregulares para fusionar sensaciones.

Foto cor tesía Moooi

Por Covadonga Hernández

Foto Andrea Ferrari

Colecciรณn Soap de Gordon Guillaumier para Tacchini tacchini.it

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ESPECIAL SALONE

REVIVAL 50´S Una de las constantes de Dimore Studio y que los llevó a tomar un lugar especial en los amantes del buen diseño, es haber rescatado esas líneas clásicas y estilizadas del diseño de los años 50’s. La libertad con la que utilizan colores vivos sólidos contrastan perfectamente con la discreta sinuosidad del modernismo clásico. Las dos instalaciones de Dimore Studio fueron totalmente opuestas, pero complementarias pues su irreverencia fue el hilo conductor del trabajo de este dúo que ha traspasado el mundo del objeto y también ha encontrado acogida en el fashion y arte.

Fotos Paola Pansini

Por Sandra Montiel

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ESPECIAL SALONE

VIVIR DE LAS EXPERIENCIAS La evolución de los pabellones y stands en el Salone enmarcan procesos y propuestas de lo que pretende ser una tendencia. Tal como se vive en el resto del mundo, lo que importa es vivir una experiencia. ¿El resultado? Entre más impresionante sea la experiencia, mejor. Así, disfrutamos imponentes instalaciones que se tornan en verdaderas atracciones de diseño: desde hermosas burbujas –Sculptural blossoms de Studio Swine– hasta la fabricación en sitio de chicles de carbón –Multiplex de Tom Dixon–, que nos contaron magníficas historias.

Fotos cor tesía LG

Por Rodrigo Alegre y Carlos Acosta | StudioRoca

ESPECIAL SALONE

Senses of the Future por Tokujin Yoshioka para LG tokujin.com

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MA C RO TEN DEN CIAS Arte Jorge Medina

Lámparas Phenomena por DechemStudio para Bomma | Silla Ombré Glass de Germans Ermics | Tapete Bliss por Mae Engelgeer para CC Tapis | Raf Simons para Calvin Klein Fall 17 | Sillón Oliver de Gianfranco Frattini para Tacchini | Mesas Illo para Miniforms

BOLD Colores cálidos, como amarillo y rojo–naranja, imponen una fuerza peculiar en mobiliario y diseño de modas. Es una energía que se deja sentir como sinónimo de libertad, vitalidad y sociabilidad.

Sémola 039-05

Escándalo 029-06

Nectarina 317-02

MACROTENDENCIAS

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Desde Milán Imposible caminar con pasos apresurados por la feria de Milán, donde cada rincón es una sorpresa absoluta.

Aún más complicado es definir una tendencia única, pues es una fiesta ecléctica que abarca muchos estilos.

Miremos una parte de las propuestas que avivaron las emociones y detuvieron nuestro andar entre los pabellones de ese gran escenario del diseño.

Arte JORGE MEDINA Editor de sección GERMÁN VELASCO Curaduría SANDRA MONTIEL

Sillón Roma de Jonas Wage para Tacchini | Fulvio Rigoni para Salvatore Ferragamo SS17 | Silla Iola para Miniforms | Accesorios Marni PreFall 2017 | Sofá You de Luca Nichetto para CoEdition | Fondo: Colección de taburetes y mesas Buddy de Busetti Garuti Redaelli para Pedrali.

Nuba

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PINK LADIES Una paleta de colores rica en rosas y azules continĂşa vigente en accesorios y mobiliario. Aunque el rosa transmite dulzura por excelencia, esta vez se disfruta con aires de seduccĂłn elegante.

Nonna 087-02

Valentino 087-01

Palo de rosa 087-03

MACROTENDENCIAS

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Red

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Bimba y Lola SS17 | Raf Simons para Calvin Klein Fall 17 | Escritorio Escape de Fernando Mastrangelo | Bolsa Pannier para Marni PreFall 2017 | Lámpara Phenomena por DechemStudio para Bomma | Fulvio Rigoni para Salvatore Ferragamo SS17 | Staybed de Nika Zupanc para Sé | Sofá Deco Futura de la Colección Pretty Vacancy de Diesel Living con Moroso.

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MACROTENDENCIAS

Liriope 244-04

PRINT NATURE Para romper con los lisos tradicionales hay geometrías, no tan exactas ni tan perfectas, que armonizan con texturas y detalles de la naturaleza sin rayar en formas arrogantes para el buen gusto.

Antonio Marras Men SS17 | Salvatore Ferragamo Men SS17 | Silla Lamino de Yngve Ekström para Swedese y Textil Nature de KustaaSaksi para Swedese | Nicolas Ghesquière Resort 2018 para Louis Vuitton | Consuelo Castiglioni SS17 para Marni | Fondo: Silla Leafo de Jaime Hayon para Arflex y Sillón Arcolor de Jaime Hayón para Arflex.

Caverna 314-06

Helénico 187-07

Sémola 039-05

FEMININE FORMS Impresionantes formas femeninas son un signo claro del cambio por venir y reconfiguran las dimensiones de la imagen tradicionalista con líneas discretamente sexies.

Hostia

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Silla N.O de Front para GTV | Accesorios Marni PreFall 2017 | Sillón Josephine de Gordon Guillaumier para Moroso | Moda: Christopher Bailey SS17 para Burberry | Sofá Vuelta 80 de Jaime Hayón para Wittmann.

MACROTENDENCIAS

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Espátula 312-02

Tiramisú 067-01

Magenta 317-06

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COLUMNA

El desarrollo exponencial Por JUAN CARLOS BAUMGARTNER

Ilustración ZAMARRIPA

HACE ALGUNOS AÑOS comencé a dar conferencias; nunca sobre mi trabajo, más bien sobre la visión que tenemos en el despacho del quehacer arquitectónico y muy pronto me di cuenta de que poco hablaba de cómo diseñar y construir edificios y espacios públicos, y sí me refería más a nuestra cosmovisión, la cual al final siempre terminaba moldeando mi arquitectura.

Uno de los temas que, poco a poco, se convirtió en un punto recurrente y seguramente alguno dirá que hasta en obsesión, fue el futuro. “Todos estamos en el negocio de predecir el futuro” es una frase que me identifica y que repito constantemente; sin embargo, a pesar de estar convencido de que la mayoría de nosotros estamos en el negocio de la futurología –aunque muchos no se hayan dado cuenta–, pocos esfuerzos veo en el día a día de tratar de entender o desarrollar ideas de escenarios de futuros posibles por parte de empresarios, academia o diseñadores.

En esta búsqueda de herramientas para poder entender o predecir ‘lo que vendrá’, hace algunos años realizamos una alianza con el Instituto del Futuro en Palo Alto California, la cual nos abrió un mundo de posibilidades y nos dejó con ganas de conocer y saber más. Así, llegamos a la Universidad de la Singularidad también en California y, es ahí donde encontramos una de las visiones que hemos estudiado: el futuro exponencial.

Existe un grupo de tecnologías que, a diferencia de lo que hemos hecho como seres humanos por miles de años, se desarrollan arriba de la anterior. Un ejemplo muy sencillo es: la siguiente generación de impresoras en 3D serán piezas impresas por una impresora en 3D. A este tipo de avance se le conoce como ‘desarrollo exponencial’ y una de sus características es la velocidad con la

Más que estética, la arquitectura creará espacios de vida para las personas. que las cosas cambian, una velocidad a la que los seres humanos no estamos acostumbrados.

Mi creencia es que hoy vemos el mundo por una pequeña ventana, una ventana que sólo nos deja ver un pedazo de la película en la que vemos el inicio del ‘desarrollo exponencial’ y lo comparamos con lo que conocemos que es el ‘desarrollo lineal’. Y si uno grafica: 2+2 y 2x2, las cifras se ven iguales hasta que el numero es más grande y ahí se comienzan a separar dramáticamente.

En este punto es donde muchos se preguntarán: ¿Y eso qué tiene que ver con lo que yo hago? o ¿cómo el diseño se va a ver afectado? Mas allá de las posibilidades de manufactura que nos da la impresión en 3D, todo el mundo va a cambiar radicalmente y no sólo en cómo fabricamos las cosas sino inclusive en el significado de las cosas y de su papel en la vida de las personas.

Neuro: prefijo de la siguiente década Dentro de las tecnologías exponenciales, una que capta mi interés es la neurología o neurociencia. Me sorprende que en estos últimos 10 años hemos generado más conocimiento de lo que se había conocido durante los recientes 2,000 años.

Hoy, existen muchos estudios que demuestran la relación entre espacio y memoria, espacio y comportamiento, espacio y emociones etc. Y seguramente, en la siguiente década veremos cómo la arquitectura se convierte cada vez más en una profesión realmente interdisciplinaria. De la misma manera que hoy existe el neuromarketing, se irá acuñando con mayor fuerza el concepto de neuro-arquitectura; una arquitectura que ayudada de la neurociencia podrá permitir que niños con TDA (transtorno por déficit de atención) puedan tener ambientes adecuados para concentrarse o que pacientes con depresión tengan espacios que promuevan emociones positivas.

Existe una teoría en el campo de la neurociencia llamada awarness of space (percepción del espacio), que se basa en la idea de que en el hipotálamo existen un grupo de neuronas (las neuronas espaciales) cuya función principal es mediar distancia, límites, formas y dirección. Estas neuronas son literalmente el GPS de nuestro cerebro. Cuando una persona vive una experiencia, es el hipotálamo la última parte del cerebro que guarda esa experimentación completa antes de que se pulverice y se quedé en la memoria de largo plazo esparcida en pequeños pedazos por todo nuestro cerebro.

Si uno quiere recordar el contenido de esa experiencia, comenzamos por usar las neuronas espaciales para recordar primero el espacio; es así, cómo el espacio se convierte en la llave mágica de nuestra memoria. @baumgarj

COLUMNA

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Diamantes y bisutería: preguntas pendientes Por BRENDA J. CARO COCOTLE

Ilustración ZAMARRIPA

ROMPO EL COMPROMISO: no voy a entrar a la “discusión” sobre el valor artístico del proyecto de Jill Magid y de la exposición alrededor del mismo: Una carta siempre llega a su destino: los archivos de Barragán (hasta octubre próximo en el Museo Universitario Arte Contemporáneo de la CDMX); ni a tomar partido y declarar quién es el verdadero “paladín” del arte, la cultura, el patrimonio y el ciudadano. No me interesa reseñar la versión estetizada de la saga de Tolkien.

El ruido de una cobertura mediática desproporcionada no ha permitido escuchar las preguntas importantes, esas que debieran ser consideradas más allá de diamante y cenizas. ¿Cuál es la problemática de los archivos de autor y el contexto institucional de las políticas de archivo en México? El hecho de que poco a poco se vaya volviendo la norma y no la excepción, el que acervos personales y de trabajo de artistas e investigadores relevantes para la cultura en el país sean adquiridos por instituciones del exterior o fundaciones privadas, señala puntos críticos respecto a la imposibilidad de las instituciones públicas nacionales para hacerse responsables de los mismos. El contexto institucional es complejo: falta de recursos, infraestructura y personal; vacíos legales, políticas de conservación ausentes, planes de activación sujetos a la buena voluntad. Se añade a esto un interés superficial por los archivos, derivado de un desconocimiento genuino de la relevancia que los mismos guardan para con la historia cultural o bien, de un olvido intencional en aras de favorecer determinadas narrativas e imágenes –como

es el caso del propio Luis Barragán o de Juan Rulfo–. Lo anterior implica también el cuestionar los intereses y criterios que sustentan la consideración de determinados archivos como patrimonio. ¿Cuál debiera ser el límite entre el interés público y el derecho de los particulares? ¿Por qué los organismos gubernamentales debieran destinar recursos públicos en el caso de fondos personales? O bien, ¿cómo establecer pautas claras que permitan la colaboración transparente entre los diversos actores involucrados, sean instituciones del Estado, organismos privados o colectivos? El marco legal existente y el que busca aprobarse poco ayudan en uno y otro sentido.

A la incertidumbre legal, habría que sumar una falta de comprensión entre el trabajo con archivos y el trabajo de archivo. El primero, siempre más glamoroso, muchas veces es confundido con la accesibilidad y peor, aún, con la máxima transparencia. Los proyectos de “activación” pueden ser también procesos de ocultamiento y no hay que olvidar que son una lectura posible de muchas otras, las cuales tendrán mejores condiciones de ser relatadas si existe el trabajo sostenido de inventariar, estabilizar, valorar, normalizar, indexar, normalizar, digitalizar y catalogar; es decir, esas tareas minuciosas, a veces engorrosas, que implica el trabajo de archivo, ese que no tiene reflector y que por lo mismo las más de las veces es mirado de soslayo; ese para el que “la fiebre y furor de archivo” no alcanza.

La exposición de la obra de Magid terminará, otras polémicas vendrán y proyectos tales como el Archivo de Arquitectos mexicanos o el de Max

¿Cuál es la problemática entre los archivos de autor, las instituciones y las políticas de archivo que hay en México?

Cetto a resguardo de la UNAM, el archivo de O’Gorman o el Yánez a cargo de la UAM-Xochimilco, y los otros tantos acervos arquitectónicos y urbanísticos depositados en alcaldías, municipalidades, instancias estatales, universidades o en manos de familiares, quedarán allí, preguntándose los responsables de los mismos cómo conseguir fondos, en el sueño ya ni siquiera de contar con un repositorio, sino con el mínimo equipo o personal para trabajar; o bien, al arbitrio de unos cuántos ante la falta de observancia de criterios y protocolos estándar de consulta y acceso. Para eso no hay diamantes, sólo promesas de bisutería.

@buhopalido

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COVER STORY

PÁG. 64 OBSTINATE INSPIRATION KNOWS NO LIMITS The history of SOM is written amidst ambitions of great heights that go from modern office buildings and corporate campuses to enormous skyscrapers, train stations and a contemporary airport.ç Interview Martha Lydia Anaya Photos SOM They say that the cloudy days so often experienced around New York’s soaring skyscrapers create a certain something that is conducive to inspiration and being creative. That’s somehow hard to believe, since the mood is hardly that of a calm city. Quite the contrary, it’s a hectic atmosphere with the constant motion of cars and buses, people rushing around and watches that are constant reminders of responsibilities. There, precisely on Wall Street –the main drag in the Big Apple’s financial district–, are the main offices of Skidmore, Owings & Merrill (SOM), one of the largest and most influential architecture, interior design, engineering and urban planning firms in the world.

It currently has affiliates in Chicago, San Francisco, Washington, Los Angeles, London, Hong Kong and Sao Paulo. From New York, associate directors Kim Van Holsbeke, Gary Haney and Edward Guerra lead a large team of architects, designers and engineers beyond the limits of obstinate inspiration to produce new ideas and concepts for impressive projects.

The firm was founded in Chicago in 1936, by Louis Skidmore and Nathaniel Owingsen, to be joined three years later by an eager John Merrill. SOM (for the first letters of its founders’ surnames) is the firm hired to design the BBVA Bancomer Operations Center in the Parques Polanco

complex, at the intersection of Mariano Escobedo Avenue and Laguna de Mayrán Street, in Mexico City.

The tower has 30 floors above ground and 9 levels of basement parking and is, furthermore, a project that has all it needs to be Gold LEED in the future, given that it already boasts Silver LEED certification. But this is just one of a number of iconic buildings that SOM has built all over the globe. The Burj Khalifa, in Dubai, currently the tallest building on earth, is the work of the firm, which also created Chicago’s Willis Tower (formerly the Sears Tower) and One World Trade Center, in New York. And on and on the list can go, its portfolio having grown with more and more works before getting to its most recent project, Cuadrante Polanco, to be located in Mexico City’s Polanco district, of course.

“This complex promises to be one of the most groundbreaking urban designs that we have done. It will house businesses, offices, apartments and entertainment centers. It will be a nearly-3-hectare mixed-use space, which, due to its central location in one of Mexico City’s most frequented districts, will become a big local attraction, not only for investors and companies, but for anyone wanting avoid traffic and city chaos,” we are told by Kim, one of the firm’s managing partners, who has told us this and other interesting stories that are part of history underlying this great firm.

Without straying from the topic of Cuadrante Polanco, Kim explains that its borders on the map will be drawn

by Río San Joaquín, Lago Zúrich, Moliere and Lago Andrómaco avenues, while the main entrance will be on Lago Neuchâtel. “Strategically it will be located in Nuevo Polanco, a neighborhood that has had huge capital gains in recent years due to the proximity of such big draws as the Soumaya Museum and shopping malls Antara and Miyana Polanco, whose concepts are very similar.”

To him, the future is in ‘intelligent’ cities, an architectural trend that he believes will be “the solution to keep from having to move from one place to another, investing many hours in traveling to work, to school and even to the supermarket. We will thus be able to enjoy a more quality lifestyle, and –why not?– people can start enjoying a little more organization in their daily activities.”

SOM, which has designed 7 of the 15 tallest buildings in the world, was named by the investment and real estate development platform MIRA to design the master plan for

Cuadrante Polanco in Mexico City, and when completed, it will also hopefully take its place in line with the firm’s other major works and the world’s eyes will be trained on Mexico.

To begin with, we know that the three hectares covered by the complex will contain some 1,400 apartments, 55% green areas and about 5,000 square meters for a variety of commercial spaces. Engineers and architects are now working on preparing the quadrant formed by Río San Joaquín, Lago Zurich, Lago Andrómaco and Moliere streets, and construction is slated to be completed in 2020.

ARCHITECTURE CLASSICS When zeroing in on SOM history worldwide, we could make our way in time through a long list of noteworthy projects and big-name designers. Three architectural classics among them may be used to define the firm’s path: The Lever House, The John Hancock Center and The Hajj Terminal.

The Lever House –built between 1951 and 1952– was one of the first international style glass office buildings constructed in the United States. Located in the center of Manhattan, it was originally the U.S. corporate headquarters of the Lever Brothers soap company. The most striking thing about the structure is that it looks like a perfect glass box, stretching 24 floors up, directly across from Mies van der Rohe’s Seagram building.

As for The John Hancock Center –built between 1965 and 1970–, it was the first mixed-use tower in the world and reflects the close collaboration between architect Bruce Graham and structural engineer Fazlur Khan. “Oddly enough, this building is still an archetype and benchmark within a broad spectrum of disciplines in the design work that SOM does,” Kim clarifies.

Known locally as Big John, it stands on North Michigan Avenue, in one of Chicago’s most prestigious districts of high-end condominiums, restaurants and art galleries.

Initially, the idea was to build a 70-story apartment building and 45-floor office tower, but the two structures would have taken up most of the land designated for the project, affecting privacy and conditions of comfort for the residents. Consequently, the decision was made to build a single tower, with offices on the lower floors and the condominiums on the upper levels.

The conical shape of the tower was chosen to adapt to the various spatial requirements that reduce from the bottom upwards, from the entrance and commercial zones at the base to the small apartments midway up and finally the largest condos at the top.

Structurally, it is a very interesting construction, as the exterior steel represents a tube where the necessary rigidity is provided by diagonal structures, the intersections of those diagonals and the corner columns.

In terms of functional organization, this tubular body has a larger transversal section where tensions caused by wind strength are the greatest.

Regarding The Hajj Terminal at the King Abdulaziz Airport in Jeddah, Saudi Arabia, it can certainly be said that it is no ordinary airport. It was inaugurated in 1981 and was built specifically for the influx of religious pilgrims

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who, for weeks on end, make the annual Hajj pilgrimage to Mecca. The Hajj has been part of Islam since the religion was founded –according to one of the ‘five pillars’ of Islam-, but with the arrival of jumbo jets and pilgrimage trips subsidized by governments in Muslim countries the world over, the number of hajjis (individuals who successfully complete the pilgrimage to Mecca) has soared from an average of 50,000 in the 1960s to 500,000 in the mid 70s.

The idea was that a huge fiberglass tent structure covered with Teflon would accommodate about 950,000 hajjis in 1985; but today, millions of pilgrims use the airport every year, when making their Hajj.

The choice of SOM to design the project was a coincidence of proximity. The headquarters of Airways Engineering Corporation, hired by the Saudi government to develop the airport, was near the SOM offices in Washington. Gordon Wildermuth led the overall master plan, while Gordon Bunshaft and engineer Fazlur Khan developed the terminal design.

When Wildermuth and SOM engineers analyzed the project, they realized that the terminal would need to accommodate between 80,000 and 100,000 pilgrims at one time, and for up to 36 straight hours. To deal with the situation, the design team came up with an outdoor installation protected by a concrete shell, but it quickly became evident that the harsh desert climate would require a more innovative solution. So, instead of concrete, woven fiberglass coated with Teflon, from Owens Corning, was installed. That ‘cloth’ reflects nearly 80% of the radiation, maintaining a comfortable 80-degree temperature within the solar structure, even when the heat outdoors reaches 130 degrees. It also allows a little of the sunlight to come through, providing ample, pleasant daytime lighting.

The SOM design team was sure that this terminal did not have to be a religious space but should, rather, evoke the spirit of the Hajj. The idea was to imbue it with peacefulness and a sense of continuity and transition leading to the real destination, which is Mecca. That is precisely why, despite having been built over 30 years ago, The Hajj Terminal continues to adapt well to the annual flow of pilgrims and has been acknowledged throughout the world.

AMBITIONS OF GREAT HEIGHTS Since the deaths of the three partners who gave the firm its name, SOM has prided itself on running a well-organized corporation that remains loyal to the architectural criteria of its founders. Gary Haney, another managing partner, fills us in on this part of the history of the firm, which he himself describes as “the company’s ambitions of great heights.”

With a highly focused commitment to educating the incoming generations of architects and designers, Gary is thoroughly convinced that the impact of design on people’s lives must be explored.

“I think the best advice I can give young people is to stop thinking individually and to think like a team. Patience is the most important quality for an architect. We’re on the cusp of new developments in technology and in life, and I think that there’ll be a kind of scaling of technology that will make everything work better. I don’t know how yet, but

it’ll probably apply to architecture, too,” concludes Gary, who together with Kim and Edward are ‘the mastermind’ of SOM for the world. Their sketches, plans and ideas will surely keep making our jaws drop.

PÁG. 42 LUCA NICHETTO AND BEN GORHAM EMPATHY WITH MURANO GLASS The ambition of design is to produce an emotional connection as part of the experience. Thus, the free narrative presented in the installation Decode / Recode connects the work of two artists subjectively and in different ways.

Interview Greta Arcila, Milan correspondent Photos Salviati “It all started with the idea of using artisanry as a tool, as opposed to design that is translated through graphics” Ben Gorham tells us when asked about the processes in creating the fabulous installation Decode / Recode for Salviati, along with his colleague Luca Nichetto, who also joins us in the conversation and nods in agreement with his friend’s comment. Comprising two different exhibitions –Pyrae and Strata–, the event Decode / Recode was held in warehouse spaces in the new Ventura Centrale district, where these two creative, with whom we chat during Milan Design Week, made their magic.

Ben and Luca had known each other for a couple of years and share the experience of having lived for a time in Stockholm, yet they had never worked together. They’d only exchanged some ideas about their work and thoughts they’d had during trips.

“Luca,” Ben says, “brought with him a personal connection with Murano, so he introduced me to this world of millenary techniques and an educational experience in the sense that it helped me learn, through the processes, and understand what is possible to achieve through design.

Fortunately, it far surpassed my imagination, and a mutual understanding led us to use two different visual techniques, like that of stratified glass, to create perceptions and the stacking of glass that is central to a second part of the installation.”

Luca then tells us: “I grew up in Murano, where 90% of the population is involved in the glass industry. I was

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born in that environment, and as a child I would visit my grandfather whose work was making candelabras. I once asked him about the people who went to his workshop and ordered candelabras from him, and he said: ‘the designers’.

So, ever since I was a child, I knew you could draw ‘something’ and then have it made.”

Oddly enough, Luca became a designer thanks to Salviati. In the early 1990s, when he was still a student, he set himself the task of going around the island knocking on factory doors, trying to sell his designs, to get some cash together so he could have a good summer with his friends. “I continued with that ritual until I entered the university. In those days, the art director at Salviati was Simon Moore; he gave me the chance to design a collection of vases for them. It’s been 19 years since then; those vases are teenagers by now,” the creative remarks.

The adventure of creating Decode / Recode for Salviati by combining Ben and Luca’s talents began a year ago.

Luca’s connection to glassmaking was clear from the outset.

That helped in establishing solid trust, especially since when introducing a contemporary concept, it can be overly abstract for artisans and the company involved to grasp. “I feel that Luca’s knowledge of the history of the trade and the peace of mind he inspired were the elements that helped us express ourselves fully,” Ben explains.

Luca thinks that, at times, this kind of project is sort of like a jigsaw puzzle, where it may only be a question of being somewhere at the right time. “Ben and I went to Salviati and started talking about the possibilities. Two weeks later, one of the founders of Ventura Projects contacted me to say there was an opportunity to create a space in Milan. I asked him to send me photographs of the place. I showed them to Ben, and he immediately said: Let’s take it all! The space turned out to be ideal for the whole installation. That’s why I say that sometimes it’s all like a puzzle that you put together and each piece fits right in its place from the outset.”

Decode / Recode is like going to a factory in Murano.

The space is reminiscent of the kilns, the workshops and the contrast of rough atmospheres where glass comes out. “We really like to produce a feeling of empathy. We want people to feel something special when they see our work, whether or not they understand the process. One of the greatest hurdles in design is creating a relationship between object and public,” the designers conclude.

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PÁG. 52 KONSTANTIN GRCIC THE TASK OF SHAPING IDEAS PHYSICALLY You can’t just sit a great designer down in a great company.

Good chemistry is needed: being at the right time and having luck on your side. That’s how the nearly 20-year collaboration between Grcic and Italian manufacturer Magis has worked.

Interview Greta Arcila, Milan correspondent Photos: Magis If and when Eugenio Perazza were asked about how the history began between Konstantin Grcic and Magis, the company the former founded in 1976, he would always say that before they started working together, he had already asked the German designer to collaborate with them… which would be a sort of half truth. “It’s true that it took us a few years to manage to start up, but it wasn’t because I didn’t want to work for Magis, but rather I felt that it wasn’t the right time. I wasn’t ready to be part of the team, nor had I found my niche within the company, since at that time the company was very focused on working with plastic, and I didn’t feel inspired to participate in that,” Konstantin told us during a few minutes of his time that he shared with us in the midst of the intensity of being among the protagonists of this year’s Salone del Mobile Milano.

“Nonetheless,” the designer went on, “when I look back at the history of Magis, I realize that we were very fortunate given that the first project, the stackable Chair One, designed in 2003 and that we carried out together, was extremely intense and created very good energy between us. Magis successfully got that idea off the ground and showed me the company’s great capacity to understand what it means to develop projects. I believe that is the basis of this long-lasting relationship.”

“Since then, it has been a very cordial collaboration.

I think many ingredients have gone into making it work.

You can’t just place a great designer in a great company. It is much more complex than that. There needs to be good chemistry: being the right time and having chance and luck on your side,” the creative emphasized.

It was around that time that the Englishman Jasper Morrison also created the Air Chair collection, and that marked a watershed in Konstantin’s thinking: “I thought it was brilliant, which led me to question what more I could add. That was the kind of discussions we would have. That’s why it took us a long time. Three years of persistence on Perazza’s part and my respective negatives!

Until we got to know each other well and decided to work together. That’s part of the story. Sometimes it’s just about having patience to build a solid collaboration.”

To this genius of creativity, the personal component

is extremely important, just as is finding some sort of rhythm and compatible synchronization with those who make up the team. “It’s a fragile affair, like when you add an extra drop of oil to the engine and it runs smoothly and you can do everything you set out to. But if something’s missing, no matter how you try, it’s never going to go.

That’s how 17 years of fortunate collaboration between Magis and myself have gone by; which doesn’t mean that it’s been easy all the time. In fact, we’ve been able to be quite critical among ourselves when we’ve considered it necessary.”

Of course each project always involves a new learning process, whether because of its specifications, technology, materials, etc. “I’ve learned a lot about how this industry works; sometimes you have to make concessions and at the same time know how to be inflexible in certain situations. I think the Italians have a good formula for finding the path and correcting the direction; it’s a mind opening exercise.

The goal is to not force the project to adjust to the original idea.”

The piece that Konstantin, together with Magis, presented this year at the Salone del Mobile in Milan was the Brut sofa. “A year ago I thought it would be impossible to apply cast iron technology to soft furniture. It was a very pleasant surprise to have discovered that we could join these two elements: heavy industrial materials and soft furniture. It was essential to find suitable fabric for the sofa. We went over many options until we came upon this fabric called vidrat from the Kvadrat collection by fashion designer Ralph Simons. I really like the sensation the fabric produces to the touch. It goes very well with the cast iron, not so much because of the combination but rather because it works as a complement that provides good balance and contrast to this piece of furniture, designed for waiting areas.

PÁG. 56 JORGE DIEGO ETIENNE PERSISTENCE IS THE KEY “Five years ago I came back from Japan, and I’d also worked in a studio in Holland. I knew it was going to be hard to open a firm and “sell” design in Mexico. I’ve learned that persistence is the key to understanding this business.”

Interview Greta Arcila and Martha Lydia Anaya Photos Courtesy Ten years ago, when Jorge Diego Etienne was still an industrial design student in Monterrey, his native city, Milan seemed very far away. More than the geographic distance, it was talking about a reference point in the creative world that Mexico was not yet a significant part of. “Today, it is very good to see that more Mexicans are participating in the great design fair Design Week Milan with an eye to understanding the dynamic of the design

industry. It’s not just coming and being at this event but also learning how to do business with trends and design, showing the world your work and being able to get more opportunities internationally. The idea isn’t merely to export objects and labor but also to learn how to export talent and ideas,” a very excited Jorge Diego told us after his participation at SaloneSatellite within the Salone del Mobile Milano 2017. The forum enables young designers to display their creative potential and have contact with manufacturers, brands and professionals in the sector.

This is the second time he and his team are part of this great showcase of worldwide creativity. “It was a very good experience,” he related, “in which you don’t just form relationships and create expectations but in which the people are also really checking out what you present and what you have to say. In the end, it’s part of a bigger project: making a mark.”

What did you like best? –we asked the young entrepreneur who founded his own firm in Mexico 5 years ago and now works on design projects for multinational corporations–, to which he answered: “Being at a place like SaloneSatellite, you realize that you are part of a major show of international designers, so your work is right beside ‘everybody.’ Many of the great contemporary designers have been here, and it’s been very clear to me from the outset that this is a significant step in setting a standard. Plus, it’s very interesting to observe the differences and similarities with our colleagues from other countries. Also you fuly grasp that design is a universal language that communicates and connects us with the rest of the world.”

The creative went on: “I’ve been coming to the fair for about 10 years, and since the first time I came it changed my life by opening my mind to the possibilities that design has as a business, as industry and as lifestyle. Applying to attend SaloneSatellite isn’t complicated. The rules are on the official Salone del Mobile Milano page. You sign up, and a jury selects you to participate. The fact that architects and designers the likes of Alessandro Mendini evaluate your work, is thrilling to begin with.”

At SaloneSatellite –which celebrated its 20th anniversary, this year, with the exhibition 20 Years of New Creativity–, Jorge Diego presented Versus, a collection of objects with simplified and sculptural expressions created through the confrontation of material and nonnmaterial qualities. His conceptual statement plays with the physical properties of objects, that are not always a reflection of their specific functionality, but rather emotional triggers evoked by a powerful esthetic expression. Artisans hand carve and sculpt marble and wood into new forms. The processes applied to mold the shapes that make up each basic typology in the collection yield a balance of colors, light and shadow using a recognizable visual language to reinterpret elegance. The opposition of paired materials gives its Versus visual wealth.

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PÁG. 58 MICHELLE MINTER HOME SWEET HOME “It’s the homey details that make our house the best place in the world. And it’s precisely in that interpretation of “living a house” where Crate & Barrel wants to be with its accessories, furniture and utensils.

Interview Martha Lydia Anaya Photos José Margaleff “There’s nothing like coming home after a hard day at work or a trip that’s kept us far from the family for several days. Home sweet home will always be one of our favorites phrases and one of the best sensations of wellbeing,” says Michelle Minter, Crate & Barrel’s international creative director, who was in Mexico City for the first time, planning to see the stores that the U.S. chain operates in our country, design some of their settings and get familiarized with what Mexicans like.

“Our stores in Mexico are set up so that people can play with all the products from the get-go. We leave surfaces open so that they can see, touch and experiment with the combination of different kinds of dishware and textiles and imagine how they would actually look in their own homes. The brand philosophy is centered on what life is like now and how we can offer folks a lifestyle that lets them interact with their homes,” Michelle explains, while we walk down the aisles of the showroom in the Arcos Bosques mall.

Tones that go from golden to ebony, glass beads, baskets, utensils, furniture made of walnut and other woods, sets of dishes, ceramic pieces and lots more ideas… flood spaces where a mother or a young wife could spend hours picking out flatware to dress up the table in her house and everyday dishes and glasses for her kitchen. “It’s those homey details that make our house the best place in the world,” Michelle emphasizes.

Crate & Barrel creatives have been very good at interpreting the concept of “living a house” ever since 1962, the year newlyweds Gordon and Carol Segal founded the company, after their honeymoon in Europe.

It’s a simple story: Gordon and Carol had been amazed at all the simple, well designed and affordable things they found and could buy for their house in Chicago, as they wandered through factories and ateliers in the Old World.

Accessories like hand-blown glasses, ceramic dishware,

wicker boxes and countless decorative pieces, that besides being striking in their simplicity, were easy on the budget for a family that was just getting started, like themselves.

That’s how they got the idea of a peaceful, cozy store where people could find all those home-decorating novelties.

Their first store was located in a former elevator factory on Wells Street, which would soon become one of Chicago’s fashionable avenues, with its antique shops and restaurants. The name of the company emerged in a kind of funny way, as “crates and barrels” were used for the store’s first shipments and were then turned into accessories for some of the collections.

Today, Crate & Barrel has become a reference point in residential interior design, with a presence in some 10 countries, among them Canada, the United States, United Arab Emirates, Singapore, Mexico and Peru. Its philosophy: to create an inspiring, warm and friendly setting for the home through accessories, furniture and countless items with creative and different designs.

In particular, Michelle tells us that the one thing that has clearly identified Mexicans is their love of the kitchen, which they consider “the heart of the house”. “No matter what, sooner or later everyone ends up in the kitchen chatting and enjoying each other’s company. That’s why, for us, it’s more a return to the practice of making sure that the kitchen is included in the design of a house and is not merely an architectural space. We interpret that sensation through different means that go from the use of such materials as copper and marble to matte finishes that stand out against stainless steel and bold designs for coffee containers, platters, casseroles, bowls, mixers and everything needed from basic utensils to decorative elements for every season of the year.”

PÁG. 60 NURIA VILLASEÑOR MUÑOZ BEHIND THE MASKS The artists in the Cirque du Soleil hide behind their costumes and masks in order to take us to times that may only have existed in the mind of a designer working on giving shape to a concept.

Interview Martha Lydia Anaya Photos Cirque du Soleil An alchemist grandfather with an adventurous spirit and his rebellious teenage granddaughter named Joyà take off together on a trip. What adventures are in store for them in the depths of the jungle? That’s the story that the

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Cirque du Soleil tells us in a palm-tree-shaped theater sprouting in the middle of the jungle. Built by architects from Grupo Vidanta, it is situated in the middle of the rainforest in the Riviera Maya, and what’s more, it’s the Canadian circus company’s first permanent show in Latin America.

Divers, fish, pirates, jellyfish and beings that are half animal half human gradually unravel the secrets hidden in nature and contained in a magic book of knowledge about the meaning of life. Behind that on-stage magic are mimes, dancers and acrobats who also hide in costumes and masks elaborately made for them and to tell a perfect story.

Nuria Villaseñor, costume director for Joyà, explains the creative process that goes into designing each of the outfits worn by the artists in the incredible Cirque du Soleil, to narrate their journeys through fantastic worlds.

“The costumes for the different shows vary enormously, because they are made for each character’s profile and according to the period in which the Cirque du Soleil stories are narrated. Each one is extremely elaborate, and some combine modern and ancient features.

In Joyà, the exact year in which the story takes place is not known –it is essentially inspired in the journey of the monarch butterfly–, so both costume and makeup design were somewhat abstract,” Nuria relates.

The first step in the creative process is selection of the costume and makeup designers, who will be responsible for doing all the sketches for each character. They then work with the lighting crew to consider all kinds of colors, fabrics, materials and textures to be used. “All this: makeup design, costumes and lighting, can take anywhere from 4 months to maybe a year or more, depending on the show, to perfectly express the image we want each character to portray. For Joyà it was 5 months from the time the first sketch was done to when the outfit was made for an artist.”

The costuming process is quite long, because the designer creates a character and then the costume and makeup team, together with the artist, has to come up with the costuming.

Nuria mentions the countless incidents they’ve had happen, like wigs that have gotten into the eyes of aerial artists and having to think about shoes not sliding around on stage. That’s why, at least in principle, the designer is the one to choose materials and textures, but they end up getting changed for lots of reasons. “When we got to Playa del Carmen, for example, we realized that many of the leather pieces originally on the outfits weren’t functional or feasible to use, given the weather, so we had to make changes. You only discover those kinds of things as they come up and after the general rehearsals prior to the premiere. When there are modifications, we try our hardest to get everything locally, although we are still bringing a lot of the material from the company studios in Montreal, especially because some outfits are copyrighted

by Cirque du Soleil,” Nuria further explains.

Ultimately, when the show runs its lifecycle, all the costumes go back to Montreal. The ones that are extremely worn out are destroyed, but those in enough good condition are used to give workshops to the generations of new artists being trained at the company school.

OBJETO GLOCAL

Descanso de oso Divano Pack | Francesco Binfarè | Edra

El sofá Pack ve el oso polar en una porción de hielo que se rompe. Hay hielo, derretimiento, inocencia y felicidad, pero también conceptualiza la imprudencia del oso que, inconscientemente, goza de los rayos del sol. Es un objeto muy cómodo que representa la libertad, no siempre consciente de su precariedad. Este sofá acaba con todos aquellos comportamientos endurecidos de los viejos sofás occidentales en la casa. Es una pieza concreta, un paisaje doméstico y emocionante. Pack es la creación más reciente del italiano Francesco Binfarè para Edra, la cual fue premiada como el Mejor Producto del Año en el Salone del Mobile 2017 en Milán. –ALM francescobinfare.it | edra.com

Foto cor tesía Edra

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