GLOCAL DESIGN MAGAZINE No. 38 Portada por / Cover by: CULDESAC

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MACROTENDENCIAS: BACK IN TIME | ARQUITECTURA COLOR | SALONE DEL MOBILE MILANO 2017 | ARIK LEVY | PIERRE CHARPIN | MARVA GRIFFIN | MIGLIORE + SERVETTO

K

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Por tada de autor para coleccionistas por CULDESAC

Por tada Macrotendencias por JORGE MEDINA

Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: abril-mayo 2017. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013-041513043400-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Comercializadora GBN S.A. de C.V., Calzada de Tlalpan 572, despacho C-302, colonia Moderna, delegación Benito Juárez, 03510, México, D.F., Tel. 5618-8551. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V., Caravaggio 30, Col. Mixcoac, C.P. 03910.

Del. Benito Juárez. México, D.F. Tel 5611-9653.

Formas y experiencias del diseño en épocas del Salone De unos años a la fecha hemos visto cómo el diseño ya no sólo se enfoca a resolver una función o cumplir una visión estética; ha tomado un poder social que nunca antes hubiésemos imaginado. La libertad creativa del diseñador y su estado permanente de resiliencia lo convierten en un ser evolutivo que cabe en cualquier ambiente laboral e intelectual, que lo empodera (creativamente) y lo convierte en un ágil tomador de decisiones. Empresas como GE, GMC, Apple, Ideo, Herman Miller y muchas otras, tienen o han tenido a creativos en sus cabezas directivas, logrando transformar de fondo la visión y misión, y por ende, acción en su estrategia empresarial y social.

El diseño es ahora una llamada a la acción y reacción en constante evolución. Habla a la sociedad y la sociedad espera mucho más del diseño que en otras épocas. Es la constante alerta a mirarnos y replantearnos a nosotros mismos como generadores de momentos; es un manifiesto del cómo vivir y actuar. ¿Por qué esta introducción? En primer lugar, porque tenemos en portada a CuldeSac, que más allá de ser una empresa dedicada al diseño, son estrategas de la comunicación creativa, vivencial, experimental y objetual. Antes de pensar en el objeto o espacio, piensan en el ser y en lo que éste experimenta cuando vive el diseño. Ellos no definen al objeto o al espacio, éstos son definidos a través de una experiencia sensorial y de una estrategia de negocios.

Para la portada, CuldeSac hace un pequeño homenaje a la arquitectura de Barragán, además de ser una representación visual de lo que para ellos es el estudio: un sinfín de caminos que se cruzan y entrelazan, con el objetivo de encontrar soluciones inesperadas. Espejismos y perspectivas. Para ellos, al pensar en el concepto de CuldeSac les viene a la mente ilustraciones de Escher –matemática que logra despertar emociones–, que es en sí una manera de expresar su laitmotif: Reason Loves Emotion.

El segundo motivo por el que entendemos el diseño como eje de cambio social, es porque al momento del cierre de esta edición estábamos recibiendo las invitaciones de lanzamientos para el Salone del Mobile y del Fuori Salone. Muy por el contario a como ha sido en años anteriores, el énfasis de la comunicación no es la silla o el objeto; este año, los protagonistas y participantes de la feria de diseño más importante del mundo hablan del cómo ven sus diseños en un contexto social. Perfecto ejemplo de esto es Ikea con Tom Dixon, colaboración en la que el tema democrático sigue en el discurso, pero más como acción hacia y por la esencia de la persona, ya que además del evento te invitaban a una clase de yoga en Ventura Lambrate. La esencia de este año se va hacia lo vivencial. Pero dejemos de definir; los invito a vivir esta edición que también presenta cómo el diseño de hoy enfrenta al color.

GRETA ARCILA Editora en jefe

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Greta Arcila

@gretaarcila

arcilagreta

Contenido 10

02 DIRECTORIO 03 EDITORIAL 07 AGENDA 10 MISCELÁNEA 14 NUEVOS TALENTOS

Nomade Atelier 16 LIBRO

Elemental living ACTUAL

18 Bar | Masquespacio 19 Table | Mr Chow 20 Window Shopping | Zara Milán 21 Spa | The Península París 22 Host | The Robey 24 DESTINO DISEÑO

San Miguel de Allende 30 LUMINARIA

Mist | Zero 32 TEXTIL

Odabashian 34 DISEÑO + HISTORIA

Superleggera de Gio Ponti 36 DISEÑO + EMPRESA

Breuer

80

38 DISEร O + CIUDAD

Proyecto de Renovaciรณn de la CDMX 40 MEXICANOS DESTACADOS

Rozana Montiel 60

44 SU ESPACIO

Andrea Cesarman ESPECIAL ARQUITECTURA COLOR

ENTREVISTAS

70 Hotel Barcelo Torre Madrid 76 Repossi Retail 78 Clerkenwell Grind 80 Hotel Saint-Marc 84 WeWork 86 JOOOS Fitting Room 88 Covadonga Hernรกndez 92 Ignacia Guest House 96 Dirk Jan Kinet

48 Arik Levy 50 Pierre Charpin 54 Marva Griffin 56 Migliore + Servetto 60 ENFOQUE

Culdesac

102 SALONE DEL MOBILE MILANO 113 MACROTENDENCIAS COLUMNA

120 Juan Carlos Baumgartner 121 ENGLISH TEXT 126 OBJETO GLOCAL

Lee Broom para Wedgwood 50

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AGENDA

A GEN DA

Fotos cor tesía

Nuevos Talentos: Nomade Atelier | Cerámica de Nomu | Arquitectura social | Pierre Charpin, diseñador del año Reinaldo Pérez Rayón. Ideas y obras en el Museo Nacional de Arquitectura.

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AGENDA

LA FIESTA FUE AYER (Y NADIE RECUERDA NADA) DE MARIO GARCÍA TORRES Hasta el 6 de mayo El artista Mario García Torres rescata del olvido documentos y obras originales producidos durante la década de los sesentas cuando el Museo Dinámico convirtió las casas proyectadas por el arquitecto Manuel Larrosa en espacios de exhibición efímeros para la Generación de la Ruptura. El artista propone una serie de gestos y acciones que aluden a la naturaleza y atmósfera de esta iniciativa.

ARCHIVO DISEÑO Y ARQUITECTURA General Francisco Ramírez 4, Col. Miguel Hidalgo, Ampliación Daniel Garza, 11840, Ciudad de México archivonline.org

EL PRINCIPIO COOP. HANNES MEYER Y EL CONCEPTO DE DISEÑO COLECTIVO Hasta el 28 de mayo El principio coop. Hannes Meyer y el concepto de diseño colectivo es una exposición que aborda la práctica del diseño de Hannes Meyer, segundo director de la Bauhaus (1928-1930), donde desarrolló su concepto sobre lo colectivo, como una aproximación metodológica de diversos especialistas para integrar el mayor número de factores posibles en el proceso de diseño arquitectónico. La exhibición reúne la historia personal de Meyer a través de maquetas, planos, fotografías, mobiliario y documentos.

MUSEO FRANZ MAYER Hidalgo 45, Centro Histórico Col. Guerrero, 06300. Ciudad de México franzmayer.org.mx

RIETVELD’S MASTERPIECE; LONG LIVE DE STIJL! Hasta el 11 de junio

Centraal Museum Agnietenstraat 1, 3512 XA Utrecht, Países Bajos centraalmuseum.nl

Fotos cor tesía

El Centraal Museum y la firma de mobiliario Gerrit Rietveld han permanecido conectados durante mucho tiempo, y este año no será la excepción, pues a través de esta exposición, compuesta por obras tempranas de Rietveld y obras afines de Bart van der Leck, Theo van Doesburg y Willem van Leusden, se podrá descubrir quién y qué cosa inspiraron a este diseñador y también ebanista de oficio en su búsqueda por la libertad.

AGENDA

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REINALDO PÉREZ RAYÓN. IDEAS Y OBRAS Hasta el 28 de mayo Reinaldo Pérez Rayón forma parte de la historia de la modernización urbana y arquitectónica de México. Egresado de la Escuela Superior de Ingeniería y Arquitectura del Instituto Politécnico Nacional, estudió la carrera entre 1936 y 1940, cuando nació el IPN como un proyecto educativo de vanguardia. Su presencia en el Museo Nacional de Arquitectura del INBA simboliza un reconocimiento a uno de los grandes arquitectos que aportaron un trabajo innovador y tecnológico con una visión social.

MUSEO NACIONAL DE ARQUITECTURA Av. Juárez 1, Centro Histórico, 06050, Ciudad de México museonacionaldearquitectura.bellasar tes.gob.mx

IMAGINE MOSCOW Hasta el 4 de junio Durante el marco del centenario de la Revolución rusa, esta exposición indaga acerca de Moscú, presentando una visión idealista de la capital soviética que nunca se llevó a cabo. Se compone de dibujos arquitectónicos a gran escala que son apoyados por obras de arte, propaganda y publicaciones de la época. Resulta ser un todo conformado por ocho proyectos, en los que cada uno aborda un tema elemental para la vida en la Unión Soviética: colectivización, planificación urbana, aviación, comunicación, industrialización, vida comunitaria y recreación, todos con el objetivo de brindar una perspectiva única de la cultura en aquel entonces.

DESIGN MUSEUM 224 - 238 Kensington High Street, Londres, W8 6AG designmuseum.org

ÓSCAR MASOTTA. LA TEORÍA COMO ACCIÓN Del 6 de abril al 13 de agosto Oscar Masotta. La teoría como acción es una exposición que destaca la carrera multifacética del teórico y artista argentino Óscar Masotta, figura crucial en las transformaciones del campo cultural iberoamericano durante las décadas de 1950 y 1970. Bajo la curaduría de Ana Longoni, esta muestra busca dar cuenta de los intereses de Masotta en torno a todos los campos profesionales en los que incidió.

MUSEO UNIVERSITARIO ARTE CONTEMPORÁNEO (MUAC) Insurgentes Sur 3000, Centro Cultural Universitario Coyoacán, 04350, Ciudad de México muac.unam.mx

MISCELÁNEA

TRICOLORE DE STUDIO SEBASTIÁN HERKNER PARA &TRADITION Una colección de jarrones y contenedores que el estudio realiza por primera vez para la marca italiana &Tradition. Son seis piezas con las que se propone un juego de colores al colocar una pieza dentro de otra, generando así, una interesante composición de objetos decorativos. sebastianherkner.com

MONSTERS DE MARCO COLÍN PARA SHELF Los monstruos de la edición limitada Hand Made, es una colección de piezas de cerámica, hechas y decoradas a mano por Marco Colín. Los monstruos representan miedos, dudas o lo desconocido. Son caminantes mudos de figuras ornamentales que ayudan a enfrentar la cotidianidad con la certeza de que el miedo es identificable. shelf.mx marcocolin.com Fotos cor tesía

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MISCELÁNEA

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W171 ALMA DE THAM & VIDEGÅRD ARKITEKTER PARA WÄTSBERG Esta luminaria tiene una forma sinusoidal que funciona como un difusor de luz. Su circunferencia de ondas concéntricas permite un juego interesante de luces y sombras, así como patrones de luz sobre la superficie que ilumina. www.tvark.se wastberg.com

HAMMERSVIK DE KATI MEYER-BRÜHL La mesa auxiliar ganadora del premio Green Good Design para el diseño sostenible, otorgado por The Chicago Athenaeum: Museum of Architecture and Design. Son piezas generadas a partir de troncos de árboles descortezados, cepillados, pulidos y blanqueados. Esta madera se origina de bosques certificados y gestionados de manera sostenible. bruehl.com

ETHIMO DE LUCA NICHETTO PARA ESEDRA DESIGN Esta versión de sofá de respaldo alto forma parte de una colección de tres plazas para jardín: silla, sofá, sillón y mesas. Su estética y textura fue lograda por la combinación de aluminio y fibra sintética teca a través de una tecnología especial que le provee de un rasgo artesanal. Fue ganador de Archiproducts Design Awards 2016. ethimo.com

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MISCELÁNEA

PLANOS DE MOB Es una colección de mesas realizadas en cortes de piezas con intersección en ángulo, por lo que esto permite un ensamblado sin elementos externos para su unión. Hechas de mármol en tamaños de hasta 120 cm de diámetro, se caracterizan por una paleta de color que refleja la estética y riqueza de texturas de este material que adquiere el protagonismo. mob.com.mx

Un sistema de mobiliario que provee de variadas opciones a partir de módulos-asientos. Estos módulos presentan curvas y formas que ondulan a través del espacio para generar diversas configuraciones en el espacio.

Un sistema extremadamente flexible con una estructura de madera contrachapada, espuma moldeada y diferentes acabados. blastation.com

Fotos cor tesía

BOB DE BORSELIUS & BERNSTRAND PARA BLÅ STATION

MISCELÁNEA

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AQUA ROBLE & PRINT DE DIDIER VERSAVEL PARA GALLERY 910 Esta mesa de entrada y espejo tiene una estructura liviana y geométrica que la convierte en un sencillo y elegante elemento para la recepción.

La pieza forma parte de una colección compuesta por mesa auxiliar y consola también en madera maciza de roble lacado. didier-versavel.com

ASOLA DE EVANGELOS VASILEIOU PARA LIGNE ROSET Esta lámpara de mesa y acero perforado en forma de hongo, es una propuesta inspirada en luminarias diseñadas por Mario Botta y Giancarlo Mattioli.

Asola es un homenaje a la década de los setentas y ochentas por sus propuestas de diseño geométrico y estructuras livianas. ligne-roset.com

NOMU CARAFE DE JOSÉ BERMÚDEZ El nombre de la colección se origina del término japonés que significa beber, inspirada en la cerámica nipona cuya estética y funcionalidad se reflejan en estos objetos de uso cotidiano.

Nomu se compone de una jarra y un vaso en acabados negro y terracota, diseñados en Suecia, en colaboración con maestros artesanos y ahora producidos en México josebermvdez.com

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NUEVOS TALENTOS

Quehaceres de un taller Ismael y Diana estaban en Francia cuando pensaron en una manera de vivir y trabajar juntos en México. Así nació NOMADE ATELIER.

Fotos cor tesía

Texto ANA LAURA MUÑOZ

Cada proyecto puede llevar hasta meses de trabajo arduo, todo depende del tamaño y de los procesos que implique cada proyecto.

CON UNA ESTRUCTURA muy pequeña, que mantiene el sentido del atelier (un taller donde se realiza un trabajo fabril o artesano) donde cada proyecto se trabaja con dedicación y atención personalizada, Ismael y Diana han encontrado a través de Nomade Atelier una plataforma maravillosa de experimentación en el diseño de muebles e interiorismo, colaboraciones artísticas, escenografía, ilustración y branding. Él es arquitecto y ella una artista plástica, que juntos van más allá de lo que estudiaron y de lo que creyeron que harían profesionalmente. Desde el año 2012 cuando fundaron ‘su taller’, “hemos tenido una evolución muy orgánica, basada en el aprendizaje. Hemos aprendido de materiales, de amigos artistas y diseñadores, de los clientes y del mercado, pero sobre todo de las personas que producen nuestras piezas. Esto nos ha permitido elevar nuestro nivel de calidad y producción, así como de entender de qué se trata el mercado del diseño. Empezamos dedicándonos al diseño

y fabricación de mobiliario de madera porque contábamos con la herramienta básica para trabajar en ese nicho, pero poco a poco nos hemos enfocado en diferentes materiales y ahora uno de nuestros objetivos es experimentar a fondo con las propiedades de cada material para hacer piezas que resalten dichas cualidades”.

Para Ismael y Diana, el nivel de lo que sucede y se ofrece en México en cuanto a diseño, está a la par de lo que existe afuera del país en calidad y propuesta. “Tenemos una gran riqueza cultural que empieza a ser revalorizada por las nuevas generaciones y la escena del diseño internacional está atenta a lo que se produce aquí. Paradójicamente, los despachos y talleres aún batallamos mucho en los procesos productivos y en las plataformas de venta y difusión, así como en el cobro justo por el trabajo del diseño, que sigue siendo muy poco valorado por el cliente, en nuestra casa”.

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SOCIALES

EMPRESARIALES

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GRUPOHABITA

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LIBRO

Foto: Bent René Synnevåg

Un viaje visual que nos lleva a casas proyectadas dentro de escenarios naturales de belleza sin precedentes.

Foto: Dwight Eschliman / Olson Kundig

Elemental Living (Vida elemental. Casas contemporáneas en la naturaleza, Editorial Phaidon Press, Nov 2016) incluye una selección de 60 obras de arquitectura de los siglos XX y XXI que tienen una relación especial con el mundo natural.

Es un viaje visualmente impresionante de casas diseñadas por arquitectos, las cuales han sido proyectadas dentro de escenarios de vistas sin precedentes de acuerdo con una variedad de paisajes naturales maravillosos. Algunas de estas residencias son casi indistinguibles de los ambientes naturales donde están inmersas, otras simplemente están construidas con formas y materiales que se encuentran en la naturaleza.

Lo cierto es que cada uno de estos inmuebles transmiten una auténtica preocupación por la creación de espacios de vida únicos y que son capaces de conectar a sus moradores con los bosques, montañas, lagos, desiertos y océanos, que por su impactante belleza han atraído a los seres humanos desde tiempos milenarios.

Sin duda, un libro imprescindible para los amantes de la arquitectura, cuyas páginas inyectan el deseo por desconectarse por un tiempo de la realidad para querer explorar los campos en un viaje visual impresionante. phaidon.com

Foto cor tesía Phaidon

Arquitectura y naturaleza

Olson Kunding, The Pierre, 2010, San Juan Islands, WA, USA.

Saunders Architecture, Fogo Island Studios, 2011, Fogo Island Newfoundland and Labrador, Canada.

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ACTUAL | BAR

Fotos Luis Beltrán

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Las calles de Tokio Hikari Yakitori Bar | Masquespacio | España

El estudio Masquespacio diseña la taberna Hikari (que en japonés significa luz brillante) para los fundadores del restaurante Nozomi Sushi Bar, ubicado en el concurrido barrio de Ruzafa en Valencia, España.

Tras las largas listas de espera para visitar este restaurante, la familia Nozomi decidió abrir un espacio diferente. Así surgió la idea de reinterpretar un bar de yakitori (brochetas japonesas muy típicas para cenar) y también apasionado por la gastronomía nipona, cuyo interiorismo se inspira en los callejones y distritos tradicionales de Tokio, transformados en un lugar que te hace cruzar las fronteras asiáticas, pero sin salir de España.

En la fachada se reconoce la entrada de lo que parece ser un túnel en la ciudad de Tokio, para acceder después a un lugar íntimo, de estilo ecléctico rodeado por una luz sutil. Después de encontrarse en el espacio, la atención se fija

hacia la cocina abierta donde el fuego de las brasas y el ajetreo de los cocineros contagian de un singular apetito a los comensales.

Al recorrer el túnel, le sigue una segunda parte del local en una plaza sin salida llena de carteles luminosos, que cuelgan desde el techo.

En esta área se encuentra un pequeño puesto de cocina y la reinvención de un comercio característico de los barrios de Japón, los cuales fueron utilizados como una serie de casitas para hospedar a los visitantes del local. En el diseño de interiores se vislumbran materiales nobles e industriales que conjugan una mezcla de estilo clásico y contemporáneo.

El visitante es abrigado por el ruido y los aromas inconfundibles de las calles de Tokio, pero rodeado de acabados metálicos, cemento y madera que contrastan bajo una tenue luz de azul neón, que invitan a disfrutar de la fascinante cultura japonesa en Valencia. –CC

Carrer dels Tomassos 18, 46004, Valencia, España. masquespacio.com

ACTUAL | TABLE

Platillos imperiales Mr Chow | Cuaik Arquitectos | Ciudad de México

Fotos cor tesía

La instalación cinética Autoconcanción XI (for Mr. Chow) del artista mexicano Abraham Cruzvillegas se suspende imponente en el comedor principal de Mr Chow. Su composición de piezas, manipulaciones y materiales evocan el amor, la música, el romance y a la vida misma desde una estética muy conceptual que el artista revela en forma de esculturas, realizadas con maderas, bicicletas y artículos ready-made. Es imposible quitar la vista de este escenario, sólo los aromas de platillos chinos, como el pollo satay, el puff de nab servido con jamón, los fideos de arroz en tinta de calamar o los famosos Mr Chow noodles, distraen la atención.

Michael Chow (hijo de Zhou Xing Fang, Grand Master de la Chinese Peking Opera) siempre había estado enamorado de la milenaria alta cocina china, que curiosamente posee el mayor número de recetas en el mundo con más de 8,000 platillos registrados. Por eso, decidió crearle un ambiente digno de ella, rodeándola de objetos artísticos. Con esto en mente fue que

abrió su primer restaurante: Mr Chow, en el barrio londinense Knightbridge el 14 de febrero de 1968. Hoy, tiene otros seis en Estados Unidos y uno en la Ciudad de México, que abre de la mano de Grupo Hunan.

El despacho del arquitecto Santiago Cuaik estuvo a cargo de este proyecto. Desde la primera vez que él se sentó con Mr Chow, en el lobby de un hotel, para platicar sobre cómo sería el restaurante, ambos supieron que sería un lugar espectacular: “Una casona antigua en Polanco de arquitectura colonial y con detalles estructurales que quisimos preservar al mismo tiempo de complementar con un trabajo de remodelación, en el que incluimos materiales como mármol, espejos ahumados y pasta veneciana”. Detalles como el retrato original de Mr Chow fotografiado por Andy Warhol y otro de su esposa Eva Chow por el alemán Helmut Newton, y obras de Peter Blake y Kenny Sharf hacen de éste, un lugar único y especial. –MLA

Presidente Masaryk 294, Polanco Col. Miguel Hidalgo, 11550, Ciudad de México grupohunan.com/restaurantes/mr-chow/

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ACTUAL | WINDOW SHOPPING

Pintoresco escenario Zara Milán | Matteo Thun | Italia

distintas colecciones de moda de acuerdo con cada temporada. Curiosamente, antes de que Zara seleccionara a su sucursal de Milán como el lugar para la instalación icónica del famoso diseñador, el edificio operó como un teatro y luego fue el cine ‘Astra’ durante muchos años.

La instalación se convierte en una acogedora entrada de doble escalera compuesta por materiales como mármol, latón, mosaicos históricos y una excepcional cúpula de oro, que luce en el centro una lámpara de Murano colgada en el techo. La idea del arquitecto fue conservar la belleza de esos escenarios históricos, pero con nuevos ambientes. Por eso, una estructura dinámica modular actúa como un tipo de ‘arco’, que invita a los clientes a pasar a los pasillos principales de la tienda; además, se crea una conexión visual con los detalles originales del trazado, lo que da a la exhibición de la ropa una plataforma contemporánea, manteniendo así la atmósfera emocional del espacio histórico. –ALM

Corso Vittorio Emanuele II, 11, 20121, Milano, Italia matteothun.com zara.com

Fotos cor tesía

Con la idea de recordar las sensaciones que transmiten los decorados en un teatro, el arquitecto y diseñador italiano Matteo Thun ha transformado a los maniquís de la tienda insignia de Zara en Milán en ‘los actores’ principales de este espacio de 4,000 metros cuadrados.

La historia de este inmueble –ubicado en Corso Vittorio Emanuele II, una de las calles más famosas de la ciudad por sus grandes tiendas comerciales– se remonta a los años treintas y se presume como el más grande que tiene la cadena de moda en el mundo.

Desde principios de este año, la tienda estrena una nueva instalación en el vestíbulo de la tienda, la cual fue diseñada por Matteo y hace que los visitantes se conviertan en una especie de audiencia muy singular.

Matteo pensó en crear un concepto de ‘aparador’ flexible y atemporal que funcionara tanto para los diversos eventos que organiza la tienda como para las presentaciones de las

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Fotos Adrian Gaut

ACTUAL | HOST

Bohemio e industrial The Robey | Nicolas Schuybroek Architects + Marc Merckx Interiors | Chicago

2018 W Nor th Ave. Chicago, IL 60647, Estados Unidos therobey.com ns-architects.com/info merckxinteriors.com

Un viejo rascacielos de doce pisos, conocido originalmente como la Torre Noroeste en el distrito de negocios de la ciudad de Chicago en Estados Unidos, es el pilar estructural de The Robey, la primera propiedad de Grupo Habita en la llamada ‘ciudad de los vientos’.

Tejiendo el pasado histórico de un edificio fuerte y emblemático con un concepto de hospitalidad, Grupo Habita –con sede en la ciudad de México– ha creado un lugar donde se vive la ciudad de Chicago de una manera única. El inmueble es una pieza de época Art Déco de 1929 que ha sido restaurada, respetando las características críticas de la torre, como sus muros de ladrillo y paneles de piedra caliza.

El dúo de diseñadores belgas Nicolas Schuybroek Architects y Marc Merckx Interiors transformaron este antiguo edificio de oficinas en un hotel contemporáneo equipado con 69 habitaciones e impresionantes vistas sobre el horizonte de Chicago. Esto, gracias a que

restauraron el vidrio de la cúpula e instalaron nuevas ventanas que replican la apariencia de las viejas. Para moderar el ruido producido por el tren elevado, que conecta al Aeropuerto Internacional O’Hare y tiene una estación al lado del hotel, instalaron ventanas de almacenamiento de sonido para varias habitaciones desde la tercera hasta la quinta planta del edificio.

Al restaurar las grandes ventanas de la tienda en la base, crearon un restaurante de esquina transparente: Café Robey, que sirve comida francesa con el chef Bradley Stellings.

Nicolas y Marc también renovaron el vestíbulo del ascensor, un espacio de techo alto con mármol gris perla y mármol verde, las puertas del elevador en bronce e indicadores de suelo de flecha vintage. Algunos pasillos del hotel retienen el entramado original de mármol de la vieja construcción, pero son animados con paredes de separación de cristal de alambre esmerilado que dibujan la luz del día. –ALM

Oficin

ACTUAL | SPA

Fotos cor tesía

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Madera y granito para la tranquilidad The Peninsula París Spa | Affine Design | Francia

En pleno corazón de París, muy cerca del Arco del Triunfo y los Campos Elíseos, The Peninsula París llama la atención por su manera de preservar un edificio histórico. Sus interiores fueron diseñados por el equipo de The Peninsula con la colaboración de Henry Leung de Chhada Siembieda Leung de Hong Kong, mientras que la restauración arquitectónica de la planta baja fue dirigida por Richard Martinet del despacho Affine Design. La meticulosa renovación del lugar contó también con los artesanos franceses, quienes emplearon técnicas tradicionales con siglos de antigüedad. Así, este Grand Hotel preserva los mármoles de la construcción original, estucados, mosaicos, tejas y losetas, tallas de madera, piedras labradas, laminados de oro y pinturas; todo laboriosamente restaurado por las más reconocidas empresas familiares de Francia con experiencia en proyectos de conservación del patrimonio en lugares, como el Museo de Louvre o el Palacio de Versalles.

Cada rincón es maravilloso, pero sin duda su spa ofrece una experiencia de relajación como ninguna otra, dentro de un ambiente de diseño interior y de mobiliario que incorporan elementos tradicionales y orientales en combinación con una elegancia contemporánea. ¿Quién dice que no se puede disfrutar de unos momentos de paz? Para ello, este espacio es ideal para recuperar la tranquilidad. Hace gala de una piscina cubierta, dos jacuzzis, ocho cabinas privadas para tratamientos de bienestar con máquinas vanguardistas. Su armonía de tonos y materiales, como la madera, el granito y el mármol, calman y renuevan el espíritu.

El arte también juega un papel importante en los espacios públicos del hotel. Una instalación diseñada especialmente, representa una cascada de 800 ‘hojas danzantes’ que da la bienvenida en el recibidor, mientras que el diseño del restaurante muestra una gran cortina de fibra óptica que produce un efecto radiante. –ALM

19 Avenue Kléber, 75116 París, Francia paris.peninsula.com

Oficina Bosque Real Argenta Towers, Privadade las Plazas 7/20 Bosque Real, Edo de Mex. Oficina Pedregal Av. Centro Comercial 130 Coyoacán. Jardines del Pedregal.

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DESTINO DISEÑO

Empedradas calles llenas de cultura Como si se tratase de un gran lienzo, San Miguel de Allende se deja pintar por la luz y la sombra de un cálido pincel gigantesco; y lo celebra en museos, galerías y espacios culturales.

Texto ANDONI ALDASORO

EN SAN MIGUEL DE ALLENDE amanece un poco más tarde; pareciera, también, que a una velocidad menor. No sé si existan estudios de investigación al respecto, pero así se siente cuando uno decide levantarse a horas absurdas y caminar hasta el Jardín Allende, antes de que salga el sol, sólo para ver el dibujo que las sombras trazan en la fachada de la Parroquia de San Miguel Arcángel. Las puertas y ventanas de cafés y restaurantes que se resguardan tras los arcos permanecen cerradas, como grandes párpados. Todo y todos parecen estar dormidos. Poco a poco, ya mencionamos la lentitud con la que el sol hace su aparición, se dibujan las primeras sombras: picos,

árboles, techos, torres. Toda edificación, al ser expuesta a la luz del sol, tiene muchos rostros, especialmente una con tantos adornos como la Parroquia; y las ciudades también, las calles, las esquinas. Pero aún no termina de despuntar el sol, y la plaza parece más grande.

Está por demás sabido que San Miguel de Allende, una de las ciudades más hermosas del México Colonial, se ha convertido en un refugio para artistas, tanto consolidados como emergentes. La numerosa presencia de extranjeros ha enriquecido todas las disciplinas del arte. En esta ciudad guanajuatense se organizan varios de los festivales más importantes del centro del

Fotos JOSÉ MARGALEFF

país, destacando el de Música de Cámara y el de Escritores. Pero la misma ciudad es una galería viva, con espacios y propuestas a la altura de los grandes centros artísticos del país.

Este deseo por preservar la arquitectura colonial ha llevado a San Miguel de Allende a una constante adecuación de construcciones para convertirlos en hoteles. Un excelente ejemplo de esto es Casa Tres Cervezas, situado en uno de los callejones más hermosos del pueblo, a tiro de piedra del primer cuadro. Este hotel de apenas seis habitaciones, ofrece al visitante una gran gama de materiales, acabados artesanales y decoración totalmente mexicano.

DESTINO DISEÑO

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DESTINO DISEÑO

Casa Tres Cervezas es una fusión de cuatro propiedades diferentes en un solo espacio, con detalles de arquitectura y diseño, como piedra de cantera y columnas talladas y esculpidas a mano.

Espacios como La Aurora, antes una fábrica textil y ahora un centro de arte y diseño, da foro a muchos de los artistas locales. Fue en 2004 cuando se impartieron los primeros talleres de artes plásticas, y desde entonces ha sido un referente de la escena gráfica de San Miguel de Allende. Destacamos el espacio de Juan Ezcurdia (ezcurdia.com), lleno de figuras humanas y animales estilizadas, acercándose a la ilustración.

Un espacio clásico dentro de la historia de este lugar es el Centro Cultural Ignacio Ramírez “El Nigromante”. Todos los que hemos pisado las calles empedradas de este poblado hemos estado, sabiéndolo o no, a las puertas de este histórico

recinto. ¿Por qué? Porque en la esquina de Canal y Dr. Hernández Macías, justo a un costado de la entrada, hay un puesto de las nieves artesanales que han hecho famoso a San Miguel de Allende.

En el interior, lo primero que podemos apreciar es el gran patio coronado con una fuente central; después, el mural inconcluso de David Alfaro Siqueiros llamado Vida y Obra del Generalísimo don Ignacio de Allende que ocuparía las cuatro paredes y el techo de una espaciosa galería. En este recinto también se montan exposiciones y presentaciones de artes escénicas.

En San Miguel de Allende todas, o casi todas, las distancias son caminables. Las calles angostas

y, por tramos, laberínticas ofrecen al visitante una experiencia por sí sola interesante. Siguiendo la calle Relox, que nace en una esquina del Jardín Allende, nos topamos con Insurgentes, y doblando a la izquierda está La Expendeduría, es un espacio autogestionado donde se estimulan, se reciben y se exponen una gran gama de proyectos culturales, desde talleres hasta presentaciones de libros y revistas. Una manera muy interesante de conocer un lugar es a través de los ojos de sus artistas locales, y una de las actividades más concurridas en este foro es el Cineclub.

San Miguel de Allende es casa de muchas de las manifestaciones artísticas más destacadas

DESTINO DISEÑO

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La Aurora es una fàbrica textil que hoy alberga lienzos, esculturas y productos artesanales de artistas que viven en San Miguel de Allende.

Localizado en la casona histórica Dôce 18, Tasting Room de Casa Dragones es un bar exclusivo con sólo seis asientos, donde los amantes del tequila. se reúnen para disfrutar degustaciones organizadas por la casa tequilera..

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DESTINO DISEÑO

Áperi (arriba izq.) roba las miradas por su decoración neorrústica, mientras que arte y gastronomía se unen en un mismo espacio en Dôce 18 (arriba der.). En Jacinto 1930 (abajo) el paladar se deleita con alimentos preparados con base en el maíz.

COCINAS CON AROMA A SAN MIGUEL De la nueva ola de propuestas gastronómicas de este Pueblo Mágico, Áperi (aperi.mx) del chef Matteo Salas, puede ser el estandarte. Su cocina con técnicas simples y bien ejecutadas ha sido condecorada con los premios Mejor Restaurante de Hotel y Mejor Nuevo Restaurante, por la revista Travel+Leisure. Otra excelente opción es Jacinto 1930 (jacinto1930.mx) lugar que combina el diseño, la mixología y una manera de presentar platillos tradicionales con ingredientes locales. Destacamos la costilla de res con frijolón, verdolagas y tortilla quebrada. Dentro de Dôce 18 Concept House (doce-18.com), antigua Casa Cohen, hay varios espacios dedicados a la alta gastronomía, además de un hotel boutique y varias tiendas y galerías.

DESTINO DISEÑO

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El Nigromante, proyectado por el arquitecto Francisco Martínez Gudiño, originalmente era un convento.

Yam Gallery expone y pone a la venta las obras de artistas consagrados y emergentes de la región de las Américas.

del estado, y el arte tequilero no podría quedar afuera. La compañía tequilera independiente Casa Dragones tiene dentro de la casa histórica Dôce 18 Concept House el Casa Dragones Tasting Room, un exclusivo salón con seis asientos en el cual puedes degustar sus mejores botellas. El espacio, cuyas paredes y techo están cubiertos por 4,000 piezas de obsidiana, fue diseñado por Meyer Davis, un despacho de diseño con sede en Nueva York, Estados Unidos.

Dentro del Instituto Allende, espacio de arquitectura barroca donde se imparten talleres de cestería, pintura, escultura y tejido, se encuentra la Galería Yam, un foro cultural que se centra en el arte contemporáneo de artistas provenientes de varios países de Sudamérica, de Francia, Canadá

y México. Ha tenido participación en las ferias Chic Dessin, de París, ArtLima, de Perú; y Zona Maco, de la Ciudad de México. La exhibición actual: Haz tierra, muestra la obra multidisciplinaria del artista capitalino Carlos Pez. Si decíamos que amanece a un ritmo muy pausado, los atardeceres en San Miguel de Allende transcurren a una velocidad vertiginosa. Justo después de que las alargadas sombras sobre las calles empedradas hayan alcanzado su longitud máxima, y que el cielo se comience a teñir de naranja y violeta, el sol desaparece tras los tejados de las casas. La plaza que rodea al Jardín Allende sigue llena, a diferencia del ritual del amanecer, este que acaba de presentarse es apreciado por varias decenas de ojos. Sentado en el mismo

lugar que en la madrugada, llego a la conclusión que la manifestación artística más importante de San Miguel Allende es la serie de formas que la luz y la sombra dibujan sobre las calles; lo demás, las obras expuestas en museos y galerías, son un mero y muy disfrutable pasatiempo en lo que esperamos al atardecer.

fabricalaaurora.com bellasar tes.gob.mx yamgallery.com trescervezas.com Facebook: La Expendeduría

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LUMINARIA

Explorar la luz La colaboración de diseñadores en proyectos con la luz ha dado origen a peculiares piezas y exploraciones que dejan huella en el mundo de la iluminación.

Texto SUSANA CASTREJÓN

de su nombre, la lámpara genera unambiente en donde el halo de luz brilla en medio de la niebla. Mist está hecha en versiones de lámpara colgante, de techo o en la pared y también está en diversos acabados como ópalo, amarillo y rosa en tamaños diferentes. El estudio estará presente en Milán (4-9 abril) con nuevos diseños para diferentes compañías, así como Zero con el lanzamiento de nuevas versiones de la lámpara.

frontdesign.se zerolighting.com

Fotos cor tesía

MIST es el resultado de una búsqueda y exploración de la luz llevado a cabo por el estudio sueco Front Design, conformado por las diseñadoras Anna Lindgren y Sofia Lagerkvist. Esta pieza fue diseñada para la compañìa de iluminación Zero y está hecha bajo la tradicional técnica del vidrio soplado y la tecnología LED. Esta luminaria consiste en dos globos donde el mayor contiene uno más pequeño en su interior; esta propuesta formal permite difuminar la luz y generar un ambiente sutil, con su forma ovalada y semitransparente que proporciona profundidad y uniformidad. Haciendo alusión al significado

LUMINARIA

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SECCIÓN

Coatl no. 4 por Pedro Ramírez Vázquez

Fotos cor tesía

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TEXTIL

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Tejedores de ideas Además de estar hechos a mano, estos tapetes son únicos porque Odabashian los convierte en obras de arte. Cada lienzo es original por el talento que le imprimen arquitectos y diseñadores de clase mundial.

Texto SANDRA REYES

Tropical Mercury por Simón Vega (arriba) tHiNg por Johanna Boccardo (abajo).

EN 1921 una pequeña fábrica de textiles abría sus puertas en Bucareli 43 en la Ciudad de México. Hoy, después de 96 años, Odabashian se ha convertido en la compañía de tapetes más antigua de México. Su labor ha marcado la diferencia en cuanto al modo de confeccionar tapetes. La marca funciona a través de colaboraciones con diversos artistas, arquitectos y diseñadores de sólidas trayectorias, como Pedro Friedeberg, Pedro Ramírez Vázquez, Lance Wyman, Rafael Barrios, Paola Calzada y Ximena Pérez Grobet.

En 2011, un grupo de diseñadores industriales y gráficos, arquitectos y artistas plásticos mexicanos fue invitado por Odabashian para participar en el proyecto Art your feet!, una muestra que tuvo lugar en el Museo Franz Mayer. Entre los creadores que colaboraron en aquella ocasión estaban Jan Hendrix, Ariel Rojo, Joel Escalona, Mauricio y Sebastián Lara, Emiliano Godoy y Gonzalo Tassier, entre otros. El proyecto mezcló el diseño mexicano contemporáneo con el proceso artesanal de los tapetes Odabashian, el cual se enfoca en la técnica del anudado a mano que data del año 3,000 a.C. en China.

La más reciente colección de la marca fue exhibida en Zona Maco Arte Contemporáneo, que se llevó a cabo en febrero pasado en el Centro Citibanamex. Ahí platicamos con Jaime Odabachian, director de la fábrica, quien nos presentó a cuatro nuevos creadores: Tony Moxham (Australia), Mauricio Paniagua (Guatemala), Simón Vega (El Salvador), Omar Chacón (Colombia) y Johanna Boccardo (Venezuela). Todos ellos pertenecen a la denominada Generación X, que crece durante el boom tecnológico en el que se deja de hablar de aparatos eléctricos y artefactos analógicos. Su visión particular del mundo contemporáneo se ve enmarcada por los dispositivos digitales.

En cada lienzo, este grupo de creadores comparte sus puntos de referencia y perspectivas de haber nacido en una realidad completamente diferente a la actual.

odabashian.com

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DISEÑO + HISTORIA

Sillas clásicas Superleggera de Gio Ponti para Cassina : referente en el diseño industrial del siglo XX y ejemplo de solidez, ligereza y funcionalidad.

Texto CRISTINA CRUZ

1949 Primer prototipo Desarrollo centrado en el aspecto formal y ergonómico, inspirada en la silla Chiavari, creada por Giuseppe Gaetano en 1807.

1951 Segundo prototipo: 646 La Leggera Con una reducción a elementos esenciales, se buscó aumentar el rendimiento y la tecnología aplicado al asiento en una búsqueda continua de materiales resistentes, estudios ergonómicos y estructurales.

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1955 Modelos finales

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Se desarrolla una propuesta con los conceptos de ligereza, estabilidad y simplicidad, estas especificaciones se regirían a bajos costos de producción y de compra. La estructura del soporte fue rediseñada y con un peso de 2.7 kg se reduce a 1.7 kg. La silla es hecha de madera, lacado negro y asiento de caña de la India.

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1957 Producción Sedia 699 Superleggera por Cassina La silla fue objeto de emocionantes demostraciones de calidad al lanzarse de diversas alturas sin sufrir daño al caer en el suelo. Para este entonces, la silla tiene diferentes acabados y presentaciones. Se cuenta que durante la presentación de 699 Superleggera, Cesare Cassina lanzó la silla desde un primer piso al patio de la empresa; si la silla resistía esta prueba, se produciría en Cassina.

2017 Producción ininterrumpida por Cassina desde 1957 Para celebrar su 60 aniversario presentan una nueva edición limitada de 60 piezas en una versión de tela Boxblocks, diseñada por el artista holandés Bertjan Pot.

Fotos cor tesía

Diseño icónico del arquitecto Gio Ponti (1891-1979), quien veía a la arquitectura como "un todo que iba desde la idea del edificio al diseño de su interior y de los objetos que habitarían en él". Este clásico de mobiliario es parte de la colección permanente del Triennale Design Museum, en Italia. Fue el resultado de una profunda investigación, experimentación y colaboración entre la industria y el diseñador.

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3/20/17

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MANHATTAN

Terminal Stores - The Tunnel 269 11th Avenue NY, NY 10001

Between 27th and 28th Street

BROOKLYN

Industry City 274 36th Street Brooklyn, NY 11232

D, N, R (36th St. station)

P H O T O C R E D I T: I K O N P H O T O

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DISEÑO + EMPRESA

Ebanistería de autor La nobleza de materiales como madera, piedras, superficies sólidas y textiles dan forma a las piezas de la colección Arquitectura y ebanistería, creada por Breuer con un grupo de talentosos creativos.

Texto ANA LAURA MUÑOZ

Fotos JOSÉ MARGALEFF | BREUER

DISEÑO + EMPRESA

Un grupo de arquitectos y diseñadores se da a la tarea de crear una pieza conforme su personalidad y experiencia en su campo de acción.

SU TRABAJO COTIDIANO se da entre diferentes tipos de maderas, así como distintas combinaciones de materiales alternos, como son las piedras, superficies sólidas y la incorporación de textiles. Hablamos de Breuer Estudio, que forma parte de Grupo Idemo con más de 20 años de experiencia en la producción de mobiliario, tanto de tirajes únicos como de volúmenes a gran escala. Arturo Verástegui, director de la marca de diseño, cuenta que su objetivo es crear piezas de alta calidad, funcionalidad y de procesos con una mano de obra de excelencia. Por eso, su colección Arquitectura y ebanistería, presentada a principios de año en Zona Maco, habla por sí misma de la experiencia de diseñadores, arquitectos y productores.

Para Breuer, la ebanistería es más que un oficio; es una pasión a través de la cual se le dan forma a fantásticos proyectos en los que resalta la noble naturaleza de los materiales. Muchos años de experiencia les ha permitido comenzar a explorar el mundo del pequeño volumen y los muebles especiales, logran-

do desarrollar ‘ebanistería de autor’ para los profesionales del espacio interior. Con Arquitectura y ebanistería enriquecen la línea de diseños que han realizado internamente, gracias a la colaboración de grandes profesionales.

Andrea Cesarman, Renatta Chain, Beata Nowicka, Germán Velasco, Lorena Vieyra y Taller unocien fueron los invitados por la marca para desarrollar un mueble inspirado en su habilidad y experiencia transformando espacios interiores.

Cada uno de estos talentosos creativos se dio a la tarea de encontrar ese elemento que describiera su personalidad. Así tomaron forma: el juego de mesas TR3S de Andrea Cesarman, los armarios Petit Comité de Renatta Chain, la silla Pakal de Beata Nowicka, la mesa con lámpara Lea de Germán Velasco, el tocador Antonia de Lorena Vieyra y la mesa Endo de Taller unocien. Todos, únicos y excepcionales.

breuerstudio.com

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DISEÑO + CIUDAD

Fotos cor tesía

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'Parque Lineal Ferrocarril de Cuernavaca' de Gaeta-Springall Arquitectos es un proyecto contundente para recuperar los vacíos urbanos de la Ciudad de México.

DISEÑO + CIUDAD

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Ciudad renovada Una forma de entender la ciudad es explorándola desde su arquitectura.

‘Parque Lineal Ferrocarril de Cuernavaca’ es un proyecto contundente para recuperar vacíos urbanos.

Texto JUAN JOSÉ KOCHEN

LA CIUDAD DE MÉXICO está en constante desplazamiento.

Es una ciudad cuya memoria urbana se ha suturado y desfragmentado simultáneamente por capas, por arquitecturas y barrios, vecindades, colonias, centros urbanos, multifamiliares, suburbios y periferias emergentes.

En esta ciudad, los puntos de referencia surgen y se borran al ritmo acelerado de generaciones compartidas; de fuerzas públicas y privadas y también de fenómenos naturales. Testigo de una historia que se ha superpuesto a sus antecesoras, se trata de una ciudad que se transforma con procesos aleatorios y sus propias contradicciones. Se palpa una capital vibrante, cultural y cosmopolita, pero a la vez contrastante y desafiante.

En comparación con el resto de las ciudades mexicanas, esta megalópolis se extiende más allá de sus límites administrativos; un territorio de 1,500 kilómetros cuadrados que genera 30% del Producto Interno Bruto del país, aloja a más de 22 millones de personas, más de 78,000 empresas, 318 mercados, 238 universidades y 141 museos. ¿Cómo rehabitar una ciudad de tales características y densidad urbana?

Hace unos meses, la Secretaría de Desarrollo Urbano y Vivienda hizo un par de convocatorias para insertar un paseo urbano y un parque lineal en zonas de vacíos urbanos en la ciudad de México. Uno de los proyectos ganadores fue el ‘Parque Lineal Ferrocarril de Cuernavaca’ que trata de proveer de áreas verdes y de esparcimiento a los vecinos de las colonias Granada y Ampliación Granada, por donde cruza un tren de uso industrial. El despacho Gaeta-Springall Arquitectos de Julio Gaeta y Luby Springall son los creadores de la propuesta.

Quizás el mayor reto y tarea pendiente es encontrar las formas en que ese vínculo entre los desplazamientos físicos y las transformaciones sociales, permitan balances, aunque sean tentativos y temporales para producir una mejor ciudad y una mejor ciudadanía. La visión y producción de la ciudad es ya un diálogo de ida y vuelta. Es por esto que en estos planes de resiliencia urbana la arquitectura va más allá de la forma y se convierte en el catalizador de la vida colectiva para entonces protagonizar la apropiación y uso intensivo de la ciudad y sus partes (sistemas de actuación de cooperación).

Una buena forma de ejercer la ciudad, de entenderla y practicarla, es recorriéndola y explorándola desde su arquitectura.

El decorado urbano es tan móvil que no ofrece más que un mínimo anclaje al recuerdo. Nos imaginamos la ciudad como un cúmulo de construcciones que crece de manera más o menos imprevisible, recorrido por calles, que se despeja en las plazas o también como una malla de avenidas flanqueada de edificios en las afueras y repleta de ellos en el centro.

Lo advirtió Salvador Novo en 1946: “toda ciudad moderna debe elegir uno de dos destinos: extinguirse y mantener intacta su arquitectura, o permanecer viva, transformándose y renovándose contantemente”. Hasta ahora la ciudad ha trascendido con creces esta idea, manteniéndose viva y evitando la conversión de centros urbanos hechos museos o atracciones turísticas sin vida propia. ¿Hasta dónde se puede llevar la reconversión?

Rehabitar va más allá de simplemente rehabilitar. gaeta-springall.com

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MEXICANOS DESTACADOS

Arquitectura social “Trabajar con la comunidad y no para la comunidad” es una premisa sólida en el trabajo de ROZANA MONTIEL, reconocida con el Premio Moira Gemmill de Arquitectura Emergente 2017.

Entrevista SANDRA REYES

Retrato JOSÉ MARGALEFF

MEXICANOS DESTACADOS

"Un espacio siempre existe. Pero, cuando el espacio se transforma en lugar, crea afecciones", dice Rozana Montiel.

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MEXICANOS DESTACADOS

Cancha Cliente: INFONAVIT Ubicación: Lagos de Puente Moreno, Veracruz.

Programa: Cancha Cubierta y plaza.

Proyecto: Rozana Montiel y Alin V. Wallach Colaborador: Alejandro Aparicio.

Año de Construcción: 2015 Fotografías: Sandra Pereznieto.

MEXICANOS DESTACADOS

HACE POCAS SEMANAS, la revista británica The Architectural Review reconoció el trabajo de Rozana Montiel (México, 1972) con el Premio Moira Gemmill de Arquitectura Emergente 2017 por “sus compromisos sensibles que activan formas arquitectónicas con comunidades”, destacó el jurado. La arquitecta mexicana, egresada de la Universidad Iberoamericana con una Maestría en Teoría y Crítica Arquitectónica por la Universitat Politècnica de Catalunya, España, desde hace más de 10 años, lidera su propio despacho y espacio de investigación urbana ROZANA MONTIEL | Estudio de Arquitectura y se ha distinguido por su orientación interdisciplinaria hacia un modelo de arquitectura social. “Trabajar con la comunidad y no para la comunidad” es una premisa sólida en el trabajo de Rozana Montiel. Su proceso de diseño remarca el entendimiento de las necesidades específicas del usuario o comunidades con las que trabaja; escuchar para entender y entender para proyectar. Rozana otorga al usuario una voz hegemónica para lograr proyectos que den soluciones óptimas de diseño a demandas precisas.

Rozana trabaja siempre a través de la diferencia entre espacio y lugar. El espacio es un concepto abstracto; por otro lado, un espacio siempre existe. Sin embargo, cuando el espacio se transforma en lugar, crea relaciones y afecciones. El lugar deja de ser un concepto y se transforma en una realidad concreta donde ocurre la convivencia y el intercambio social.

ARQUITECTURA PLURAL La idea de un modelo de arquitectura social se refleja en el proyecto desarrollado en la unidad habitacional de vivienda de interés social, ubicada en el Puerto de Veracruz. El proyecto consistía en la rehabilitación de una cancha que se encontraba en desuso por la exposición al sol y la lluvia. Frente a este abandono, Rozana diseñó una cubierta multiusos con detalles en celosía y madera de palma. En los espacios producidos entre columnas creó nuevos ambientes para diversos usos de esa comunidad como miradores, juegos para niños, salas de descanso con hamacas, sala de ejercicios para adultos y salones de actividades. Con el objetivo de convertir el exterior en un espacio también habitable, en el patio desplegó vegetación de la zona para crear espacios de sombra capaces de brindar frescura en este clima cálido. Asimismo realizó un pequeño foro abierto, área de patinetas y colocó mobiliario para comer al aire libre.

El proyecto se sustentó en la constante retroalimentación con la gente; ejercicio que produjo la apropiación, uso y cuidado del espacio por parte de las personas que integran esta comunidad.

UNIDAD EN LA UNIDAD En 2014, la arquitecta mexicana desarrolló un proyecto también de rehabilitación del espacio público para la Unidad Habitacional San Pablo Xalpa, Azcapotzalco en la Ciudad de México. La unidad estaba divida por muros, rejas y barreras

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colocadas por los mismos habitantes, estructuras improvisadas que no permitían el aprovechamiento del espacio. El objetivo fundamental fue transformar esta unidad habitacional divida espacial y socialmente en una comunidad integral con nuevas dinámicas de convivencia. La estrategia fue transformar simbólicamente el espacio: trabajar con las barreras que los vecinos habían levantado con el fin de democratizarlas y otorgarles un nuevo significado.

Antes del desarrollo del proyecto, los vecinos colocaban cubiertas provisionales en el espacio público para llevar a cabo reuniones y eventos.

Rozana trabajó de cerca a la comunidad para atender esa misma necesidad: cubrir espacios para zonas de convivencia. Se resolvió eficazmente con la instalación de módulos techados con fachadas equipadas para las actividades particulares de los habitantes de la Unidad. En los módulos se instalaron pizarrones, muros de escalada, pasamanos y redes.

Rozana nuevamente dio una participación activa a los usuarios en el proyecto. Logró que la comunidad contribuyera en el rediseño de su propio espacio y en consecuencia devino un cambio respecto a la percepción y ocupación del espacio público. Los mismos vecinos solicitaron la eliminación de las barreras para el aprovechamiento óptimo de sus espacios exteriores y llenarlos de vida común. rozanamontiel.com

Com-unidad Cliente: INFONAVIT Ubicación: Unidad Habitacional San Pablo Xalpa, Delegación Azcapotzalco, Ciudad de México.

Programa: Rehabilitación de Espacio Público.

Proyecto: Rozana Montiel y Alin V. Wallach.

Colaboradores: Cecilia Brañas, Diana León, Valery Michalon y Luis Galán.

Año de construcción: 2015.

Fotografías: Sandra PérezNieto.

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SU ESPACIO

La construcciรณn original de la casa de Andrea es del arquitecto Tomรกs Cajiga, pero ella la ha ido renovando.

SU ESPACIO

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Paz y energía “Nadie creería que vivo en un espacio tan rústico viendo tanta arquitectura contemporánea alrededor”: Andrea Cesarman.

Texto MARTHA LYDIA ANAYA

Fotos JOSÉ MARGALEFF

“SOY MUY FELIZ EN MI CASA. Para mí es como una joya, un oasis dentro de esta ciudad. Tengo la fortuna de estar en una barranca y eso es muy bonito porque siempre veo tonos verdes alrededor”, nos comparte una sonriente y gentil Andrea Cesarman, arquitecta, diseñadora de interiores y curadora con más de 30 años de experiencia.

Andrea nos invita a conocer su espacio; ese en el que descansa, convive con su familia y su perro y en el que también se regala momentos de paz para hacer lo que más le gusta: diseñar. La también socia del despacho C Cúbica Arquitectos y Blend México, directora de Design Week México y propietaria de la tienda ArteLínea cuenta que tardó mucho tiempo en encontrar la casa ideal.

Finalmente, se topó con una construcción de autor –de unos 90 años de antigüedad– con mucha historia contenida en sus paredes, en la colonia Lomas Reforma en la Ciudad de México. “Desde que conocí esta casa, me enamoré de ella. Nadie pensaría que vivo en un espacio tan rústico viendo tantos detalles de arquitectura contemporánea en todos sus ambientes, pero este lugar me gustó desde el principio porque tiene el carácter de esas ‘casas de las Lomas’ llenas de anécdotas que sólo pueden guardar los sitios antiguos y característicos del estilo colonial mexicano. La construcción

original es del arquitecto Tomás Cajiga y aunque respetamos muchos elementos de origen, mi esposo y yo la intervenimos con ideas modernas”.

Hoy, el hogar de la diseñadora luce techos altos, grandes ventanales que invaden los interiores con mucha luz y permiten admirar una vista envidiable hacia las áreas verdes de una de las tantas barrancas del barrio de las Lomas.

“Es una casa muy casual, donde tengo mi huerto urbano y suelo cocinar muchísimo. Un lugar muy parecido a mi personalidad”, dice la creativa, quien enfatiza en la particularidad de que no compra cosas. “Todo lo que tengo en cuanto a mobiliario y accesorios vienen de algún tipo de colección, porque me las han regalado amigos y colegas diseñadores o porque tienen algo que ver con mi historia. No tengo nada comprado. Nada es por casualidad. Todo tiene un relato detrás”.

Por ejemplo, en el medio de la estancia está una silla que el abuelo de Andrea –editor de profesión– tenía como parte del mobiliario en la oficina de su librería en las calles del Centro de la ciudad.

También hay una pieza que, en su momento, Don Shoemaker les obsequió a sus padres cuando ellos fueron a visitarlo hasta su taller en el poblado de Morelia, Michoacán. “Ahora, ese banco tiene un significado muy especial para mí” –refiere la

creativa–, pues hace unos meses ella curó la exposición de Don S. Shoemaker en el Museo de Arte Moderno, de la Ciudad de México.

Otra simbólica pieza en el espacio de Andrea es el prototipo de una mesa que la diseñadora mexicana Laura Noriega hizo para la plataforma Inédito de Design Week. “Está chueca, pero es parte de ‘lo padre’ porque es la primera pieza que ella hizo de esta mesa, y me la regaló”. Así, la lista de detalles puede continuar con obras de Francisco Toledo, pinturas de Juan O’Gorman y del artista plástico Kazuya Sakai.

Andrea nos confiesa que no suele pasar mucho tiempo en casa como ella quisiera, porque todos en su familia comienzan su jornada desde muy temprano; pero cuando está ahí, sus lugares favoritos son: su terraza, la sala (porque en la noche enciende la chimenea) y la cocina, que se ha convertido en el sitio de convivencia por excelencia. “A la gente, de pronto, se le olvida que somos creativos y que, fuera de lo que es Design Week, Blend y toda la demás parafernalia, de lo que vivo y hago en el día a día es arquitectura y diseño. Sí necesito tener espacios de mucha paz y energía para hacer lo que me gusta: diseñar”, concluye una de las principales personalidades en la escena de la arquitectura y el diseño en México.

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SU ESPACIO

Nada es comprado ni es por casualidad, cada uno de los objetos y accesorios de mobiliario en casa de Andrea tiene su porquĂŠ y esconde una historia detrĂĄs.

SU ESPACIO

"MIS LUGARES FAVORITOS SON LA SALA, LA TERRAZA Y LA COCINA, DONDE ME LLENO DE TRANQUILIDAD Y ME RENUEVO PARA SEGUIR CON MIS PROYECTOS".

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ENTREVISTA

ARIK LEVY

Piezas poderosas como una piedra

Sólo cinco palabras: Amor, intensidad, visión, naturaleza y flexibilidad, describen el proyecto con el que el artista israelí debutó en Design Miami, de la mano de la empresa española Compac.

Entrevista GRETA ARCILA

Fotos JAMES HARRIS

ENTREVISTA

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GÉNESIS FUE CREADA CON LA MARCA ESPAÑOLA COMPAC Y MUESTRA LOS DETALLES MÁS RÚSTICOS Y MARAVILLOSOS DEL CUARZO.

LAS PERSONAS INVOLUCRADAS en el mundo del diseño saben reconocer ‘un buen trabajo’ y quienes están en el arte tienen la aptitud de reconocer cuando ‘hay arte’. Esta es una situación muy interesante porque los dos ámbitos siguen muy separados y sectorizados.

Según Arik Levy: “Para llevar el arte a la industria, lo primero que hay qué hacer es conocer la industria. Ahí es donde entra en juego mi conocimiento de diseño, ingeniería, técnicas y tecnologías, pues como artista tengo más acceso a la libertad, a la habilidad de analizar y a la de crear algo nuevo en muchos niveles diferentes”, enfatiza el diseñador israelí, quien ha sorprendido con su espectacular colección Génesis, creada en colaboración con la marca española Compac y presentada durante la gran feria de Design Miami a finales del año pasado. ¿Cómo fue tu acercamiento a Compac? “Nos presentó un amigo en común y fue como un enamoramiento: alguien te presenta a una mujer o a un hombre y se da una excelente conexión desde el principio. Lo interesante fue cuando investigué sobre la compañía, de la que no sabía nada en ese momento. Yo no quería diseñar flores o hacer patrones. No me interesa. Lo que me llamaba la atención era hacer un proyecto de diseño y artístico al mismo tiempo. Quiero conectar el arte y la

tecnología, y llevarme a mí mismo y a mi audiencia a un sitio nuevo. La empresa lo comprendió y cuando se tiene una relación con una compañía que está lista para la transición y se halla dispuesta para seguir en es misma dirección, el resultado es simplemente fabuloso”.

Una de las cosas que más resalta del trabajo de Arik con Génesis es que muestra los detalles más rústicos y, sin embargo, más novedosos. Mantiene la esencia de los materiales. ¿Cómo se dio este diálogo con un material, como el cuarzo? “Efectivamente, el material es de una base de cuarzo, así que es natural. Pero está compuesto de una forma tal que no es natural en absoluto, pues está hecho por el hombre. Su elaboración es importante porque, en este caso, no se trata de la manufactura sino de la técnica y la tecnología unidas para crear una ‘nueva naturaleza’. El cuarzo tiene una característica increíble: es virtualmente indestructible, no se rompe ni se raya, tampoco se mancha. Si se le compara con una piedra normal, la piedra presenta problemas de todo tipo: si tienes azulejos de cerámica y se te cae un vaso sobre ellos, el azulejo se romperá. En cambio, el cuarzo nunca se dañará, tiene propiedades fantásticas que son aplicables a la arquitectura. Sirve para fachadas y muros, para caminar en él y demás. Cuando entendí todo esto, me di cuenta de que el eslabón que me

faltaba era crear una nueva percepción, algo que las personas no están acostumbradas a ver, pero que reconocerían”.

Arik tiene la experiencia de trabajar con muchos materiales: cristal, barro, mármol… casi cualquier cosa. “Así es –afirma el artista–. Sin embargo, la particularidad del cuarzo lo convierte en un material complejo y sencillo al mismo tiempo. Lo particular es que proviene del cristal y no es líquido del todo, pero fluye y después sus partículas se hacen sólidas. Durante ese periodo de transición en que es particularmente importante estar al pendiente del proceso, pues se requiere de mucho ensayo y error para comprender cómo se está desarrollando y entonces ajustar los parámetros. Así que siempre existe un nivel de sorpresa, el cual es genial para un artista, pero para un empresario o industrial es preocupante pues no estamos seguros de lo que se vaya a obtener.

Sólo, luego de varias pruebas, se sabe lo que se está haciendo y podemos arreglárnoslas para que se logre el objetivo en cada ocasión”.

ariklevy.fr compac.es

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ENTREVISTA

PIERRE CHARPIN

Diseñador del Año

“Espero que mis objetos promuevan la felicidad, pero más que eso busco que motiven la reflexión y que las piezas nos hagan pensar acerca de lo que expresan”

Entrevista GRETA ARCILA

Ruban

Retrato Morgane Le Gall

ENTREVISTA 51

ENTREVISTA

EN EL DÍA A DÍA, Pierre Charpin no acostumbra leer blogs ni buscar información en internet. Consulta muy pocas revistas y, en general, trata de estar muy blindado ante el exceso de información que hay alrededor, sobre todo en el mundo creativo. ¿Cómo se las arregla para elegir el mensaje adecuado y plasmarlo en su trabajo? Ni él mismo lo sabe. “Tengo que reflexionar un poco sobre eso. Yo no trato de incluir mucho de esa información en mi trabajo, creo que soy muy selectivo y tomo sólo lo que necesito. Selecciono los datos que requiero de manera inconsciente como si caminara por la calle, que es cuando me gusta observar las formas, mirar las cosas y descubrir cómo funcionan. Es ese caso, sí consumo muchos datos, que después –y sólo a veces– los utilizo en mi quehacer. Si algo me inspira en cierta calle, parto de ahí hacia algo nuevo”, platica el diseñador francés, nacido en París, quien después de haber estudiado Bellas Artes se ha dedicado más que nada al desarrollo de mobiliario y objetos.

Pierre fue reconocido como ‘Diseñador del Año’ por la feria de diseño Maison & Objet 2017, llevada a cabo en París hace unos meses. Parte de su visión en mantener un estilo único en sus diseños, que conjugan simplicidad y líneas curvas con elecciones cromáticas distintivas. Gratamente emocionado platicó sobre este reconocimiento: “Al principio, quedé muy sorprendido porque, de verdad, no me esperaba esa noticia, la cual tomé con humildad porque justo lo veo como un reconocimiento y no como una competencia”.

Si algo caracteriza el trabajo de Pierre es que se involucra mucho con el proceso, con los detalles que son quizás de una sola o varias piezas. ¿Por qué decidiste ir por ese camino y no seguir la corriente de hacer producciones de grandes volúmenes? “Sí tengo producción de líneas a niveles industriales –aclara–. Por ejemplo, para la marca Alessi hice unas luminarias.

Aunque, es cierto, tengo interés en trabajar para la industria,

pero también lo hago para las galerías o fabricantes exclusivos, con propuestas que son de naturaleza artesanal. No me interesa hacer una diferenciación entre diseño de escala industrial y el que va enfocado a coleccionistas o el diseño para galería.

Sólo trato de entender el contexto en el que estoy trabajando y comprender qué es lo que ese contexto me permitirá hacer”.

Aun así, ¿cuál es la diferencia entre trabajar con una galería y colaborar para una industria específica? “Con la galería la relación con el interlocutor es directa, de persona a persona; mientras que en el caso de la industria es más complicado porque se dan muchas pláticas con varias personas, ya sea los directores de marca, gente de mercadotecnia y técnicos, por lo tanto, resulta más laborioso discutir los detalles pues, en ocasiones, no comprendes porqué ellos tomaron cierta decisión en lugar de otra que a ti –como creador– te parece más viable.

Creo que esta es la diferencia más importante que existe entre estos dos actores. Sin embargo, en ambos procesos se aprende mucho”, dice el creativo.

Una cosa que gusta mucho de Pierre es que sus creaciones siempre provocan una respuesta emocional. Particularmente emplea una paleta de colores fuertes. “Creo que uso muchas variaciones de colores. A veces quiero utilizar tonalidades más profundas, en otras ocasiones elijo usar colores luminosos.

Todo va en función de lo que quiero expresar y también está sujeto a mi humor y estado de ánimo. Al final, trato de no tener colores, formas u objetos redefinidos. Quizás en un par de años más sólo utilice el negro”, confiesa el artista, para quien su experiencia más conmovedora fue con la botella Carafe Eau de París (2004). “Muchas personas adoran ese objeto y eso me hace muy feliz porque las he visto utilizándolo”.

pierrecharpin.com maison-objet.com/es

Foto Fabrice Gousset

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Crescendo para Galerie Kreo, edición limitada, 2014.

ENTREVISTA

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Foto Michel Bonvin

Torno Súbito, Piezas únicas y de edición limitada para Galerie Kreo, 1998-2001.

PC Lamp para Wrong London, 2016.

Triplo para Venini, 2003.

Foto Ilvio Gallo

Foto Pierre Antoine

Foto Pierre Antoine

"CREO QUE USO MUCHAS VARIACIONES DE COLORES. A VECES QUIERO UTILIZAR TONALIDADES MÁS PROFUNDAS, EN OTRAS, ELIJO COLORES LUMINOSOS".

Scatola 9 para Design Gallery Milano, 2005.

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ENTREVISTA

MARVA GRIFFIN

Veinte años de nueva creatividad Entrevista GRETA ARCILA

Este año, la mamma del design hace historia al celebrar dos décadas de talento. Miles de creativos han visto despuntar su carrera en el SaloneSatellite, donde se forja el camino actual del diseño.

ENTREVISTA

“EN LA FERIA VIEJA HABÍA UN PABELLÓN, una especie de hangar. Era un espacio muy bello donde se hacían varias cosas como la Feria de las antigüedades y otras, y el Instituto de Ferias de Milán decidió darlo al Salón del Mueble. Entonces, Armellini me dijo: ‘tienes un espacio y puedes organizar algo para traer a los jóvenes dentro del salón’. Así surgió SaloneSatellite”: Marva Griffin.

El arte de observar fue algo que Marva aprendió desde niña.

En casa de sus padres solía jugar a diseñar ambientes: subía y bajaba muebles con el fin de crear un espacio armónico. Su inspiración en aquellos días fue la revista House and Garden de la cual aprendió que un espacio es el lugar que más define la personalidad de quien lo habita.

Su trayectoria es imposible de contar en tan pocas palabras.

Pocos personajes pueden decir haber colaborado con Piero Ambrogio Busnelli y haber sido parte de reuniones en donde se definió el destino de los grandes diseñadores de nuestro siglo y del cómo se percibe el Made in Italy. Su paso por el mundo editorial fue intenso: Vogue Decoration, Maison & Jardin y House and Garden. De esta época recuerda haber aprendido a comunicar la belleza; sus eternos cómplices fueron la fotografía y la pasión de contar una historia a través de una imagen. Posteriormente fue productora de espacios para empresas como Etro, Mantero y Setarium. Pocos días faltaban en esta actividad para entrar de lleno al Salone del Mobile, Manlio Armellini fue quien la convenció de ser parte de este proyecto que unía lo mejor de los empresarios italianos del mueble. Estando ahí desarrolló toda la comunicación y estuvo a cargo de toda la prensa internacio-

nal. Pero llegó el día el que Armellini le ofreció un espacio para promover nuevos talentos. Así, pronto tendría un espacio en la feria el cual era un lugar vacío, pero ella sabía que el talento llegaría. Y comenzó su búsqueda con una convocatoria abierta.

Para esos días, Marva no sabía la respuesta que tendría, simplemente se enfocó a buscar talento a través de sus contactos más cercanos: la prensa y los empresarios del mueble.

El resto de la historia es más que conocida. Hoy sabemos que el SaloneSatellite es uno de los espacios que los empresarios del mueble no dejan de visitar; están hambrientos de nuevos ojos y talento que los rete a mejorar su visión del diseño.

Marva ha visto nacer la carrera de diseñadores y despachos como Matali Crasset, Patrick Jouin, Tomoko Azumi, Nendo, Sean Yoo, Cory Grosser, Front, Johan Lindstén, Xavier Lust, Federico Churba, Lorenzo Damiani, Tommaso Nani, Cristina Celestino y Francesca Lanzavecchia, sólo por nombrar algunos, al tiempo de recibir más de 270 escuelas de diseño de distintas partes del mundo.

Celebrar años de innovación fueron motivo de una magna exposición en Fabricca del Vappore que, con la curaduría de Beppe Finessi y museografía e instalación de Ricardo Bello Dias, fue una muestra de más de 500 proyectos históricos a través de tres temas: innovación, experimentación constructiva y valor escultural. La muestra recuerda que el diseño ha cambiado y que los jóvenes diseñadores que han sido parte del SaloneSatellite imponen la temperatura del mercado.

salonemilano.it

De los diseñadores que Marva ha visto nacer: The ground's family, Zimba:bwe.

Matali Crasset (der.) y 50 manga chairs, Milán. Nendo (izq.)

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ENTREVISTA

ICO MIGLIORE

La LIGEREZA del construir Todos los arquitectos confrontan el concepto de ligereza para conectarse con ideas como la sostenibilidad y la transparencia.

Entrevista EMMANUEL RUFFO Foto © Elce, People of Expo

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Foto Andrea Mar tiradonna

ENTREVISTA

Tecno Connections, Connectors and Connectivity, Milan 2016

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ENTREVISTA

Foto Andrea Mar tiradonna

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B&B Italia / The perfect density, Triennale di Milano 2016

EN NUESTRO TRABAJO la ligereza se identifica mucho más con nuestras ideas, pero lo pesado de las cosas también tiene una historia que contar: Ico Migliore. Del Component-Code al Absolute Lightness, Migliore+Servetto trasforma el espacio de The Mall Porta Nuova, ubicada en el corazón del Distrito de Diseño de Brera en Milán, Italia, el cual alberga un espacio de casi 4,000 metros cuadrados, en un recorrido que guía al usuario a vivir el espacio a través de representaciones digitales que exaltan el detalle y la calidad del diseño italiano. Legerezza (Ligereza) es el tema que eligió Migliore+Servetto architetti: “La ligereza es un concepto con el cual los arquitectos nos confrontamos siempre, en cualquier ámbito que trabajamos. Esta exposición relata la fuerza de gravedad que nos vincula a la Tierra en confrontación con la ligereza del construir.”

La narrativa de esta obra ‘democrática e itinerante’ es una estampa del trabajo que Migliore+Servetto desarrolla en su estudio, el uso de la luz con lo construido, y el vacío del espacio que se genera entre el edificio mismo: “Nos interesa fundamentalmente lo que sucede entre las cosas que diseñamos más allá de lo que sucede en el objeto mismo. La ligereza, te liga mentalmente a diversos parámetros como la sostenibilidad, transparencia, calidad, y todos estos elementos se recuentan a través de ejemplos de arquitectura como la obra de Gio Ponti.”

Ico Migliore extiende su pensamiento a la narrativa del UX (user-experience), “en la actualidad el diseño no radica tan sólo en el hecho de

‘diseñar’ la silla o la mesa donde comemos o platicamos, sino además radica en lo que sucede en torno a esa mesa o a esa silla.” La experiencia del usuario da pie al inico de una relación literaria entre ‘los objetos y la experiencia’ que se vive más allá del objeto mismo.

Lo spazio vuoto (el espacio vacío) dentro de las obras de urbanismo y aquellas culturales representa para Migliore+Servetto un descubrimiento de la obra y un recuento del usuario, “no buscamos que lo digital se transforme en nuestras obras como el instrumento, sino simplemente como un medio para la realización de un objetivo determinado. La tecnología debe ayudar a ‘descubrir el espacio’. El visitador debe moverse –es una obligación dentro de nuestra arquitectura, señala Ic­o­ – al interno del espacio, y este es un concepto que no debemos dar por sentado. La tecnología para nosotros es un elemento más, como el uso del aluminio, la madera o cualquier otro componente que usamos para diseñar, para vestir el espacio.”

Con el objetivo claro de crear una muestra que habla de ‘absoluta ligereza’, Migliore+Servetto architetti busca plasmar estructuras que ‘reciben información’, por ejemplo, durante la obra que será expuesta durante el Salone del Mobile 2017, los arquitectos utilizan membranas polarizadas, discos en policarbonato que absorben la luz natural, en este sentido los materiales se convierten en ‘inteligentes’ por la narrativa que se les da, se hacen presentes en el momento en que cuentan una historia. El material no es simplemente un elemento estético, sino un componente físico que les

permite reconocer un espacio. Un claro ejemplo son las grandes mesas que utilizan dentro de esta obra itinerante, con una extensión de 80 metros de largo, donde el usuario puede observar, analizar, vivir el espacio y consultar materiales físicos.

“Nuestras obras no buscan un cliché formal.

Nuestra investigación se basa en la materialidad de los objetos físicos, materiales, colores, luz, espacio... Si buscamos un elemento que nos defina a manera de proceso de diseño es sin duda el trabajar con el espacio vuoto (vacío), la ligereza, la luz y la interacción de ambos parámetros con el usuario. Esta integración cuenta una narrativa, que viaja desde el diseño de una casa a un centro comercial o un museo, para Migliore+Servetto architetti lo que cuenta es que el usuario respire, a través de la luz, cada una de sus obras. Sus espacios son recuentos con múltiples capas de interacción: la dinamicidad, la gráfica y el material se convierten en un espacio casi acústico, que refleja el espacio mismo.

Migliore+Servetto explora nuevos horizontes con una muestra abierta al público desde finales de marzo pasado en Río de Janeiro, en la cual cuentan la vida oculta de Steve Jobs, sus pasiones, sus ideas, como nacieron sus creaciones. Una exhibición que se vivirá a partir de un recuento y un recorrido a través de la vida de Jobs.

architettimiglioreservetto.it

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Foto Andrea Mar tiradonna

ENTREVISTA

Moreschi Walking Pleasure, Triennale di Milano 2015

Foto Marcin Czechowicz

"EL SER HUMANO RESPETA MĂ S LO LIGERO QUE LO PESADO": ITALO CALVINO Chopin Muzeum, Warsaw 2010

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Diseño como experiencia vivencial

De izquierda a derecha, arriba abajo: Sophie von Schonburg, Pepe García, Gemma Sastre, Alberto Martínez, Lucía del Portillo, Fátima Ateyeh.

‘Crear y diseñar con un componente emocional para las personas’ es la premisa con la que se mueve el estudio multidisciplinario CuldeSac. Entrevista GRETA ARCILA

Texto SANDRA REYES

Fotos cor tesía CuldeSac

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En Moscú, CuldeSac creó un espacio minimalista para la boutique B-No7. Se concibe como una galería de arte con prendas y complementos femeninos.

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En la Feria ITT Ceramic, el stand para Cevisama consistió en un espacio efímero en donde la cerámica fue la protagonista principal de la escena.

EN LA CIUDAD DE VALENCIA, en 2002, un pequeño pero prometedor estudio creativo abría sus puertas. ¿Cuál era su objetivo? Con la idea de hacer converger el diseño y la filosofía propia de la disciplina: internacional, interdisciplinar, humanista y familiar, Pepe García y Alberto Martínez fundaron CuldeSac. Hoy, después de 15 años de arduo trabajo, este despacho se ha convertido en un equipo multicultural con más de 50 personas, integrado por arquitectos, interioristas, estrategas, diseñadores, ingenieros, redactores, expertos en producción y logística y técnicos; una consultoría estratégica y de diseño con amplia proyección internacional.

“Somos muy diferentes: distintos en habilidades, formas de razonar y enfrentarnos a proyectos, gestionar el talento...

A veces cuesta entender cómo podemos estar bajo el mismo techo, pero la base del éxito se encuentra en nuestros valores como personas, algo intrínseco a nosotros que de forma intuitiva nos hizo agruparnos y sentirnos como un equipo bajo el amparo de una forma de vida que es CuldeSac”, asegura Pepe.

Para alentar, inspirar y fomentar experiencias y afectos, CuldeSac promueve la convivencia y cercanía entre las personas.

Por ello, en el estudio tienen lugar comidas diarias en las que cada día cocina un integrante del equipo y todo se comparte.

El estudio español trabaja de manera constante con marcas de lujo y premium, desarrolla ideas creativas y de reposicionamiento de marcas explorando todo tipo de alternativas para sus clientes. Asimismo, desarrolla proyectos que operan desde diversos flancos como interiores, producto, retail, branding y eventos y relaciones públicas.

Pepe menciona que 'la experiencia humana y las emociones' son la principal línea de trabajo en CuldeSac. Se trata de encontrar un vector en equipo, siempre basado en la cercanía de las sensaciones de lo que el cliente quiere transmitir, consiguiendo que el resultado vaya más allá de un sello personal”.

“Crear y diseñar con un componente emocional, para las personas” es la premisa con la que se mueve CuldeSac. El estudio multidisciplinario busca permanentemente un equilibrio entre razón y emoción, estrategia y creatividad, diseño y experiencia, para lograr proyectos de alta calidad con el valor añadido de experiencias, y colocando al cliente en un lugar hegemónico. En este sentido, Pepe y Alberto aseguran: “Siempre hemos estado muy enfocados al cliente y éste siempre necesita de verdades y certezas que lo ayuden a tener claro que está tomando la decisión adecuada. Esa parte estratégica del proceso es precisamente lo que plantea. La estrategia nos permite dirigir nuestra creatividad hacia un objetivo más claro”.

A lo largo de 15 años, CuldeSac ha trabajado con marcas, como Tane, Cosentino, Seat, Urbatek, DelPozo, Roca Gallery, Sprinter, Bentley, Princess Yatchs, Louis Vuitton, Hermés, Aston Martin, Tiffany&Co, LVMH Group, Bernhardt Design, H&M, Swarovski, Faconnable, Diageo, Smart, Nike, Loewe y La Roche Posay, entre muchas otras.

“El 80% de nuestros clientes está fuera de las fronteras españolas. Viajamos mucho, pasamos mucho tiempo en trenes, aviones y demás para estar en contacto con nuestros clientes y ejecutar los proyectos. Se nos ha quitado el miedo de salir a cualquier sitio del mundo porque podemos armar alianzas estratégicas” asegura, Sophie von Schönburg, responsable de CuldeSac Experience.

Los primeros proyectos de CuldeSac se inclinaron más hacia el diseño industrial y de espacios con la primera generación del salón Nude, en el marco de la feria Hábitat Valencia, una plataforma dedicada al joven talento emergente. Al preguntarle a Alberto qué le debe Culdesac a Nude y cómo suma a esta iniciativa, responde categórico: “Toda nuestra trayectoria comenzó en esa feria. Tratamos de participar año con año apoyando a los nuevos talentos, vamos y damos sugerencias,

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Un nuevo concepto de showroom creado para Mármoles ARCA y The Woodshop, que se ha bautizado como Design Center Toreo y se ubica al norte de la CDMX.

“CuldeSac es humano, intenso, creativo, apasionante y un claro reflejo de las personas que lo componen”

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La flagship store de Delpozo, en Londres, pone el foco en la complicidad que existe entre la mujer y los accesorios, a través de la arquitectura y los detalles.

damos conferencias con el fin de que sepan cómo es el camino profesional. Muchas veces ahí hemos encontrado talento que posteriormente se une al equipo; Nude es un semillero de creatividad impresionante”.

En 2004, CuldeSac participó en el ámbito docente en Uruguay trabajando en conjunto con el Ministerio de Asuntos Exteriores. Más tarde realizaron la exposición Love Why?, una muestra itinerante e iniciativa de la UNESCO que viajó por Barcelona, Tokio, Nueva York y París.

El periodo de reconocimiento internacional se emplazó con el exitoso proyecto ReCyclos. A partir de este proyecto se creó CuldeSac Experience en 2007, área en la que Sophie von Schönburg quedó al frente desde entonces. “Diseñamos y ejecutamos experiencias inolvidables al servicio de marcas Premium y de lujo. Desarrollamos ideas creativas, creamos historias a partir de cada evento e imprimimos valores de marca en ellas”, platica Sophie respecto al área que lidera. Al preguntarle a Alberto sobre qué es el lujo y cómo lo abordan los clientes, afirma: “El concepto del lujo es muy ambiguo. Para alguien puede ser caminar en la playa, para alguien más será vivir la experiencia de tener un coche de alta gama y sentir la velocidad.

Para nosotros el lujo es el momento y eso es lo que tratamos de

comunicar a nuestros clientes y plasmar en nuestros proyectos.

El lujo es enamorarte del momento que viviste en un espacio o con un objeto y que te remita a sensaciones especiales, ahí entra el engagement con una marca, ahí comienza la historia en nuestros diseños: cuando llegamos a tocar los sentidos”.

Más tarde llegaría la consolidación en el diseño de experiencias con CuldeSac Retail. Con esta nueva área de trabajo realizaron ambientes para la tienda Porcelanosa en Clerkenwell, el showroom de Urbatek y la tienda de Coolway en Londres, entre otras. En México ya comenzaron a tener grandes proyectos de Retail liderados por Alberto Martínez como la tienda de Tane en El Palacio de Hierro Polanco o el nuevo showroom de Mármoles ARCA; cuando le preguntamos a Alberto qué significa México para ellos, dice categórico: “Colaboración y apoyo.

Desde el día cero que llegué a México he tenido el apoyo de grandes arquitectos y diseñadores, como Héctor Esrawe, quien siempre nos abre la puerta de su despacho y siempre suma. A México lo vemos con gran cariño pues los diseñadores entienden el diseño como nosotros: siempre tratando de crecer con tus iguales. Me impresiona el talento de los diseñadores mexicanos; quizá ustedes no lo ven, pero hay un sello muy particular, hay un respeto por los materiales que no veo en otros lados,

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“La suma de talentos nos permite seguir soñando en llegar más y más lejos”

Madera, latón, terciopelo y mármol se conjugan para transmitir la personalidad de la casa prêt-à-cuture Delpozo.

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Tane Polanco es un ejercicio de sinceridad constructiva realizado a partir de materiales nobles y proporciones que realzan y transmiten el carรกcter mexicano contemporรกneo.

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En el madrileño barrio de Salamanca resalta el espacio para Home Select, que transmite una sensación de cercanía en el trato humano.

mucha libertad creativa y lo que más me gusta, se arriesgan a todo, y eso lo hemos perdido en Europa, somos viejos en alma y ustedes están en pleno apogeo y crecimiento”.

En 2012 CuldeSac estuvo a cargo de la curaduría de exposiciones como Design Circus (DDI, Círculo BBAA Madrid) y Made in Japan (ICEX, Tokyo Designers’ Week). A estas muestras se unen las dos últimas ediciones de The Design Circus (2014 y 2015) celebradas en Australia. De este modo, CuldeSac se posicionó, desde esas primeras muestras, como un referente obligado de la cultura del diseño.

En el año 2013 CuldeSac empezó a colaborar con Bentley, una marca británica fabricante de vehículos de lujo. Esta alianza comercial trajo para CuldeSac la realización de todo tipo de experiencias de marca y eventos para la firma automovilística en el Reino Unido y en el resto de Europa. “A nivel metodología de trabajo cada proyecto responde a un objetivo empresarial, a un objetivo funcional, a un universo de marca, a un mercado y un target”, destaca Pepe.

En 2015 se integraron al proyecto tres nuevos socios: Gemma Sastre, Lucía del Portillo y Fátima Ateyeh, que se sumaron a los veteranos Alberto Martínez, Pepe García y Sophie von Schön-

burg. A lo largo de 15 años CuldeSac ha sido reconocido con diversos premios como el Reddot Design Award, el Premio Compasso d’Oro ADI, por el diseño del reloj Neos de Lorenz y los Best Guest Seating Neocon, entre otros.

Con seis socios encabezando un amplio equipo interdisciplinar, hoy CuldeSac genera una visión integral en cada uno de sus proyectos, gracias a su gran experiencia y su consolidación como expertos en diseño, creatividad y consultoría en diferentes sectores de negocios. Actualmente, está abriéndose a mercados internacionales como Reino Unido, China y México. ¿Cómo ven ellos su futuro? Alberto nos dice que envueltos en la tecnología sensorial, sabe que muy pronto veremos cómo la tecnología de vanguardia, el objeto y el espacio se fundan en una sola manera de concebir el diseño. Contundente dice que estamos a punto de vivir un momento histórico, un tiempo en el que el ser humano vivirá, respirará, pensará y tomará decisiones de diseño sin saberlo… ahí comenzaremos otra historia en el mundo del diseño.

culdesac.es

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¿Qué es el color? Una impresión sensorial que viste el estado de ánimo de rincones y muros.

Textos CRISTINA CRUZ Y MARTHA LYDIA ANAYA

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Un toque sutil y divertido HOTEL BARCELÓ TORRE DE MADRID | HAYON STUDIO

Fotos CYRILLE WEINER Construido desde 1957, este hotel tiene 142 metros de altura y 34 pisos, de los cuales nueve fueron encargados al diseñador Jaime Hayón para el interiorismo. Con el objetivo de representar una visión contemporánea de la estética de España, Jaime propuso un equilibrio entre lo contemporáneo y la riqueza de las referencias históricas y culturales de su país. Los amplios espacios de altura doble, bañados de luz natural y arcos romanos; así como la influencia de los estilos árabes y moriscos, invitan a permanecer en cada rincón del lugar y descubrir sus detalles. Casa espacio es provisto de personalidad, como aquellos cuadros de mujeres orgullosas y portadoras de los trajes tradicionales de España. Este

logrado equilibrio se encuentra en elementos, como el mobiliario moderno, el color y el humor tan característico del diseñador que se aprecia, por ejemplo, en el lobby cuya bienvenida es una enorme escultura de oso y rayas de cebra. Algunos de sus conocidos personajes de la imaginación aparecen en rincones de cada espacio como espejos, ventanas y pequeñas esculturas. Pero el uso del color de este proyecto merece una mención especial, ya que con una paleta cálida y alegre se logró un toque sutil y elegante que destaca, entre otras cosas, por sus acentos en el mobiliario.

hayonstudio.com

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Algunos de los conocidos personajes de la imaginación de Jaime Hayón aparecen en los rincones de cada espacio, como espejos, ventanas y pequeñas esculturas.

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Espejos coloridos REPOSSI RETAIL | OMA

Fotos CYRILLE WEINER Y DELFINO SISTO LEGNANI + MARCO CAPPELLETTI

El estudio OMA desarrolló el espacio de la joyería Repossi, con dimensiones de 90 metros cuadrados y dividido en tres áreas principales: la calle, la galería y el salón de belleza. Cada uno de estos espacios responde al tiempo de atención a los clientes: el primero está reservado al área donde se proporciona una rápida experiencia y atención al cliente; el segundo responde al área de la galería donde se exhibe la colección completa de Repossi; y finalmente el área del sótano donde se encuentra el salón de belleza, un espacio íntimo y servicio personalizado para la exploración detallada de piezas especiales. El uso de materiales diferentes y aprovechamiento del espacio como escenario alejó a

este retail del concepto de una joyería convencional, donde se generó una propuesta más elegante y sobria.

Destacan los espejos, que generan grados de reflexión y refracción de color, por lo que permiten rincones de diversas tonalidades. Estos paneles fueron creados por la diseñadora holandesa Sabine Marcelis. También hay un panel giratorio de gran formato en la planta baja y compuesto por tres lados alternos: un espejo de color bronce, un espejo tradicional y un mostrador que se adaptan a las necesidades de visualización.

sabinemarcelis.com oma.eu

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Texturas cromáticas CLERKENWELL GRIND | BIASOL

Fotos PAUL WINCH FURNESS El estudio australiano diseñó el restaurant bar de Grind&Co, ubicado en un edificio construido en 1870 en el vecindario de Clerkenwell, en Londres.

Con un espacio de 260 metros cuadrados, este lugar se encuentra en dos pisos, uno de ellos en un área dividida en un bar y comedor privado, mientras en la otra división se desplaza el restaurante principal. En la parte del sótano, hay un bar para la acogida de eventos nocturnos, cocina y amenidades. El resultado fue un espacio colorido y elegante que contrasta con la arquitectura del lugar y respeta el patrimonio. Su apuesta es una combinación de materiales y acabados naturales como madera y mármol en compañía de terciopelos y tubos de latón dorado en estanterías y luminarias. Es una propuesta contemporánea con ambientes llenos de color y texturas en sintonía cromática. Sus rincones de colores complementarios como el naranja y el azul evocan ambientes dinámicos, mientras que los terciopelos de tonos rosas y naranja imprimen un estilo clásico y sobrio. biasol.com.au

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Historias nostálgicas HÔTEL SAINT-MARC | DIMORESTUDIO

Aquí se comprende un diálogo entre pasado y presente a través de piezas recuperadas, diseños clásicos y mobiliario hecho a la medida.

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Fotos PHILIPPE SERVENT

La historia de este hotel data desde 1791 donde la edificación ha pasado por diversas facetas como el hogar de un duque francés, la sede de un periódico y el espacio donde se originó la Revolución de 1830. Durante el siglo XX se convirtió en un restaurante y, más tarde, fue transformado en oficinas. No fue sino hasta el 2013, que los actuales propietarios del edificio llamaron a Dimorestudio para diseñar los interiores del ahora Hôtel Saint Marc, y así resguardar su legado histórico. Este proyecto implicó generar un diálogo entre el pasado y el presente a través de piezas recuperadas, diseños clásicos y piezas hechas a la medida. Con 25 cuartos y una suite de 56 metros cuadrados, están presentes seis tipos de ambientes y estilos además de algunas piezas de mobiliario diseñadas por el estudio italiano. El color fue un recurso clave y muy significativo aplicado en paredes con tonalidades claras de azul, rosa o amarillo en compañía de materiales como el terciopelo, el mármol pulido, el vidrio y latón. Es un hotel que transporta a sus visitantes por estadios nostálgicos y acogedores en medio de profusos estampados en cortinas y tapices. dimorestudio.eu

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La dinámica del coworking recreada en ambientes de diseñador para motivar la creatividad. Así es la comunidad de WeWork en México y el mundo.

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Atmósferas de ensueño WEWORK MÉXICO | ROCOCO + BIYUU + ADHOC ET AL.

Fotos WEWORK VARSOVIA Con un increíble espíritu creativo, Pepe Villatoro, director general de WeWork México, platica que esta plataforma continúa su expansión en nuestro país con espacios que, además de fomentar las dinámicas de trabajo de coworking también se caracterizan por un diseño de interiores siempre adaptado a los lugares en donde se encuentran sus oficinas alrededor del mundo.

Para ello, buscan la colaboración con artistas y diseñadores locales que capturan el espíritu de la zona donde se ubica cada uno de sus edificios y dan un toque único a cada ambiente. “Lo más importante para nosotros es crear ‘comunidades’, en las que se genere una nueva cultura de trabajo, basada en aquellos aspectos intangibles, como bienestar, comodidad, tranquilidad, seguridad, productividad, confianza, transparencia etc. para fomentar un estilo de vida que inspire a la gente a ser mejores personas y profesionistas”, dice Pepe.

En México, buena parte del mobiliario y de los materiales usados en sus proyectos son de despachos nacionales, además de que todo está diseñado con la filosofía dedicated, private and custom que caracteriza los diferentes espacios de WeWork alrededor del mundo. Piezas de talentos y marcas como: Rococo, Biyuu, AdHoc, Duco Lab, StudioRoca, Dos Coyotes y Diez Company, entre otras, ambientan los diferentes pisos de WeWork en nuestro país. wework.com

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Tonos y personalidad JOOOS FITTING ROOM | X+LIVING

Fotos SHAO FENG El estudio X+Living se encargó del retail de JOOOS, bajo la dirección de diseño de Li Xiang, quienes crearon cuatro espacios diferentes para ofrecer toda una experiencia de compra. Este singular showroom —con un top de 100 marcas de moda— está ubicado en la avenida comercial de Xingguang, en China, donde se busca reactivar la compra presencial en una tendencia imperante por la compra en línea. La peculiaridad de esta propuesta es que cada espacio tiene su propio concepto auxiliado por el color para imprimir su personalidad.

Curada con las cuatro colecciones más representativas, la primera área se llama Celebrity Collection, donde los

colores pasteles y burbujas doradas evocan delicadeza en medio de prendas al resguardo de las jaulas. La segunda área denominada Mori Girl, tiene una paleta de color neutra y tonos ocres con acabados y elementos naturales que refleja una personalidad relajada. La tercera área OL Collection, en cambio, es de tonalidad fría y colores grises que evocan madurez y sobriedad.

Fashionable Girl Collection, la cuarta y última área con un uso de color más variado y atrevido con colores saturados, estructuras dinámicas y rincones lúdicos.

xl-muse.com

ENTREVISTA

Fashionable Girl Collection es un área con un uso del color más variado y atrevido a través de tonos saturados, estructuras dinámicas y rincones lúdicos.

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El placer de los espacios PROYECTO S.T. | COVADONGA HERNÁNDEZ

Fotos HÉCTOR VELASCO FACIO Los espacios de esta casa invitan a la armonía y la paz interior. La elección del color y el remate de las esculturas dan equilibrio y tranquilidad al ambiente. Todo transmite algo por sí sólo, pero en conjunto crean un lenguaje lleno de emociones de serenidad y autorreflexión, un espacio entrañable y acogedor.

Las habitaciones, cuentan con un toque de orden y frescura, donde la esencia y personalidad de los habitantes se expresa en armonía y equilibrio, produciendo una fuerza y energía inexplicables que invitan a permanecer y a disfrutar de cada rincón.

Covadonga Hernández –fundadora de MarqCó– sabe que provocar sensaciones y sentimientos es uno de los objetivos del interiorismo, por ello crea espacios únicos mezclando elementos que se unifican y se traducen en

atmósferas inigualables. Estamos inmersos en un mundo de colores, cada uno de ellos emite una vibración y nosotros inconscientemente reaccionamos ante estos estímulos, influyendo así en nuestro estado de ánimo y evocando sentimientos. De ahí la importancia del interiorismo y el color.

En cada proyecto hay que tener claro que sentimiento queremos transmitir en función de los colores elegidos tanto en paredes como en mobiliario. Los colores aportan, suman e influyen sobre los espacios. Llenan y personalizan cada estancia, reflejando y expresando sensaciones y simbolismo, generando así el placer de estar en cada espacio.

marqco.com

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ArmonĂ­a y tranquilidad son las sensaciones que se crean en conjunto con el color. Todo transmite algo por sĂ­ solo.

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Paleta cromรกtica IGNACIA GUEST HOUSE | FACTOR EFICIENCIA

Los jardines de esta casa se inspiran en los bosques del estado de Guerrero, lugar de origen del ama de llaves que da nombre al espacio.

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Foto JAIME NAVARRO Y DIEGO PADILLA Ignacia Guest House parte del rescate memorial de quien fuera ama de llaves de esta antigua casa por más de 70 años.

A partir de la personalidad e información documental sobre la Sra. Ignacia, se elaboró el concepto del proyecto: desde la paleta cromática y jardinería, inspiradas en los bosques del estado de Guerrero –lugar de origen de Ignacia–, hasta la privacidad de los espacios.

En un terreno de 241 metros cuadrados en la Colonia Roma, al centro de la Ciudad de México, con una inversión total de 5 millones de pesos, se rescató una casona de 1913 –una construcción estilo villa neoclásica de 480 metros cuadrados– con arquitectura característica del barrio.

Respetando la planta original se reasignó el uso a los espacios; se restauraron molduras, yesería y acabados históricos, se conservó la cancelería y puertas originales, y se rescataron los pisos de duela. El edificio histórico articula recibidor, recepción, biblioteca, comedor, cocina y La Habitación Negra

(master suite); todo a lo largo de un hilo conductor marcado por el color nude de los interiores de la construcción. En el espacio donde solían estar los cuartos de servicio, se construyó un edificio completamente nuevo de 200 metros cuadrados, donde se sitúan el resto de las habitaciones: La Azul, La Verde, La Rosa y La Amarilla que están dispuestas verticalmente en torno al patio central; con sendas terrazas y una paleta cromática, cada habitación crea ambientes determinados en sintonía con el ambiente del complejo. El mobiliario interior dialoga entre pasado tradicional, moderno y contemporaneidad; incluyendo muebles de diseñadores como Eileen Grey, Eero Saarinen, Serge Mouille, Sean Dix y James Tan; los espacios se complementan con ejemplos del diseño contemporáneo: A-G, Bo Concept, PECA y Jonathan Adler. Al proyecto lo complementan las piezas provenientes del taller artesanal del maestro alfarero José Cervantes, de San Agustín Oapan, Guerrero. factoreficiencia.com

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El mobiliario interior dialoga entre pasado tradicional y contemporaneidad, incluyendo piezas de diseĂąador.

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Conexiรณn con la naturaleza CASA O CUATRO | MIGDAL ARQUITECTOS Foto DIANA ARNAU Y ANA HOP

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Casas en arcoiris DIRK JAN KINET INTERIORS

Fotos JOSÉ MARGALEFF ¿Qué importancia tiene el uso del color en un proyecto de interiorismo? Dirk Jan Kinet –de origen belga– responde con otra pregunta: ¿Es relevenate si nos vestimos de colores o de algún color en particular? Muchos de nosotros nos reservamos el azul marino, gris y negro para el uso diario, lo cual no implica ningún riesgo y siempre funciona en cuestión de imagen y apariencia personal. Vestirse con colores vivos o hasta con prints se puede interpretar como un statement, pero también como un state of mind, un mood o tal vez hasta una moda.

“En cuanto a arquitectura e interiorismo –agrega–, en México abundan las casas en beige y gris. Para mí, el uso de algún color (y no me considero muy ‘multicolorido’) viene de las ganas de usarlo. Usar color en la

casa te permite diferenciar entre los muebles usados o darle distinción a algún sillón, jugar con los tapetes etc. Le da al cerebro un placer y revive los espacios. Mi casa, por ejemplo, es sui generis simplemente porque la cambio casi cada cuatro meses y trato de no repetirme; por ende, los cambios deben ser grandes, casi opuestos. Esta vez, y después de haberla tenido con colores cartón-camello con mucho negro y mis adoradas rayas negro-blanco, quería un cambio fuerte. Fue por eso que desde octubre pasado la transformé, un poco con la idea de reconstruir los espacios acogedores del hotel El Savoy, un clásico de Berlín, Alemania, en cuyo interior el rojo es predominante.

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Muebles de época, arte contemporáneo con retratos y grabados antiguos, además de texturas, sillones acogedores y lámparas de rueda. Todo según el carácter de la casa.

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El color le da placer al cerebro y revive los espacios. Su uso en interiorismo y arquitectura viene mรกs de las ganas de usarlo.

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Textos GRETA ARCILA Y SANDRA MONTIEL

Fotos cor tesías

Deseos del escaparate creativo más importante del mundo: Salone del Mobile en Milán, Italia

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Edgee de Ting-Yu Tsu para The school of the Art Institute of Chicago (SAIC) saic.edu

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PREVIEW SALONE

Secrets Bar Blush Rose de Nika Zunpanc para Scarlet Splendour nikazupank.com scarletsplendour.com

Alysoid de Ryosuke Fukusada para AxoLight ryosukfukusada.com axolight.it

Aleta collection de Jaime Hayon para Viccarbe hayonstudio.com viccarbe.com

PREVIEW SALONE

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HAYON hayonstudio.com

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PREVIEW SALONE

Stained de Studio Formafantasma para Nude formafantasma.com

Currents paperweights de Studio Brynjar & Veronika para Swarovsky biano.is swarovski.com

Hand, Handle, Handled de Studio Formafantasma para Nude formafantasma.com

PREVIEW SALONE

Aqua Fluctus de Kaan Tombaz para The school of the Art Institute of Chicago (SAIC) saic.edu

All work no play de Haeyoon Choi para SAIC saic.edu

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PREVIEW SALONE

Cut Long & Small Chrome Cluster On de Tom Dixon tomdixon.net

PREVIEW SALONE

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Lens Table de McCollin Bryan mccollinbryan.com

Moment de Nao Tamura para Wonder Glass naotamura.com wonder-glass.com

Escape de LZF lzf-lamps.com

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PREVIEW SALONE

Instalaciรณn Multisensory de Asuza Murakami y Alexander Groves para COS studioswine.com

PREVIEW SALONE

Colecciรณn Tracing Identity, Polifemo de Elena Salmistraro para De Castelli elenasalmistraro.com decastelli.it

Delagtig de Tom Dixon + BEMZ para IKEA tomdixon.net | bemz.com | ikea.com

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Suscríbete por un año y obten nuestras PORTADAS DE AUTOR coleccionables

CDMX y área metropolitana 700 pesos Envío nacional 820 pesos EU 265 USD Europa 300 USD Realiza tu pago en Banamex: Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Sucursal 4271 Cuenta: 0132512 Clabe: 00218042710132512 Envía tus datos personales (nombre, dirección, télefono, correo electrónico) y comprobante de depósito a: suscripciones@glocal.mx Informes: 55.33.68.18

MA C RO TEN DEN CIAS Arte de la segunda portada por Jorge Medina Mesa TS Colum, de Gam Fratesi para GUBI | Lรกmpara Multi-tite Pendant de Louis Weisdorf | Fondo Textiles de Bodman y Shelly Steer para Villa P.F. (Petite Friture) | Marni SS17.

LOS NUEVOS OCHENTAS Colores vivos, estampados sobrios y formas asimétricas moldean las propuestas de diseño y los armarios para llevarnos a un viaje en el tiempo que retoma una moda, la cual curiosamente nunca pasará de moda.

Espejo Panache de Constance Guisset para Villa P.F. (Petite Friture) | Consola Rail de lanzavechia+wai para Playplay Collection 2nd Series | Prada SS17 | Tapete The One de Alex Proba para CCTapis | Sillón Hoff de Morten & Jonas para Villa P.F. (Petite Friture) | Calvin Klein SS17 | Fondo: Grand Petite Salon Villa P.F. (Petite Friture).

Back in time Hubo una época en la que distintas 'tribus urbanas' motivaron la convivencia de estilos y cada uno de ellos tenía su espacio. Modas, formas, colores y materiales regresan en el tiempo para transmitir libertad.

Arte JORGE MEDINA Editor de sección GERMÁN VELASCO

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DÉ CO R E N OVAD O Tonos pastel y elementos geométricos que evocan el Art Déco y se expresan de forma fraccionada, con presencia de bloques cubistas o rectángulos y el uso de la simetría.

Sofá Targa de Gamfratesi para GTV | Biombo 070, edición especial de DIMORESTUDIO | Sillón DIMORESTUDIO | Marni Men SS17

118 LA REVOLUC I Ó N D ELSECCIÓN P UNK Más allá de la idea de transgresión, el estilo punk está de vuelta con cuero y piezas simples, en colores blanco y negro, además de detalles como discretos estoperoles.

Silla Tomb edición limitada de Rick Owens para Carpenters Workshop Gallery | Tapete Insects de Studio Job para NODUS | Marni SS17 | Louis Vuitton SS17 | Aretes Marni SS17.

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COLUMNA

Casual Collision Architecture Por JUAN CARLOS BAUMGARTNER

Ilustración ZAMARRIPA

MUCHO SE HA ESCRITO en los últimos años sobre innovación y la generación de nuevas y mejores ideas. Para muchos se ha convertido en un tema de profundo estudio, casi una obsesión; pero posiblemente Steven Johnson sea uno de los pocos escritores de divulgación científica contemporáneos que ha profundizado sobre la importancia y correlación entre el espacio físico y la generación de nuevas y mejores ideas.

En octubre del 2010, Steven publicó Where good ideas come from: The natural history of innovation en el que gran parte del análisis generado es alrededor de los entornos que ayudan a que las ideas se generen. En un vistazo rápido a la historia de la humanidad, cada revolución intelectual sucedió en paralelo a una revolución arquitectónica espacial; un ejemplo fueron los cafés en los que se gesta el DADA, movimiento que trasformaría no sólo la creación artística de la época sino también la forma de entender el arte y su mercado.

La explicación de Johnson es simple: Nadie tiene una buena idea completa en su cabeza, lista para transformar al mundo. La mayoría de las buenas ideas requieren encontrarse con otras y mezclarse para generar una mejor idea.

El espacio donde las buenas ideas se mezclan con otras y generan mejores propuestas no es un espacio virtual ni metafísico; es un espacio físico y real, que en la gran mayoría de los casos ha sido creado por el ser humano.

Esta idea de la importancia de los ambientes para la socialización y la convivencia ha venido tomando cada vez más fuerza. Por ejemplo, a finales de los 90’s varias universidades en Europa

comenzaron a estudiar los espacios y su correlación con el aprendizaje. Es así como hace unas décadas surge la teoría del aprendizaje social o the social learning theory como se le conoce en Europa y Estados Unidos. Esta teoría argumenta que alrededor del 50% del aprendizaje de una persona durante su vida productiva se genera en ambientes sociales y no en ambientes formales.

La pregunta obligada después de entender, como lo hace Steven Johnson, al espacio como el incubador de las buenas ideas y responsable de la mitad del aprendizaje de un ser humano es: ¿Estamos diseñando ambientes que promuevan la generación de ideas y el aprendizaje social?

Creo que es evidente que la respuesta contundente es: No. En la mayoría de los casos, el espacio responde a un programa arquitectónico y a una búsqueda estética, que en muchas ocasiones es una lista de necesidades de espacios físicos.

Pero lograr que la arquitectura ayude a incubar ideas y logre soportar el aprendizaje informal o social, es aún más complejo que sólo cumplir con un programa de necesidades.

En muchos casos se tiene que cuestionar y reinventar el programa de necesidades. Si la mitad de lo que aprendemos, lo asimilamos socializando con otras personas; no tendríamos por qué tener escuelas que la mitad de sus espacios fueran espacios sociales en lugar de aulas.

Una de las soluciones que ha surgido para responder estos cuestionamientos es el Casual Collision o la arquitectura de las colisiones casuales.

Espacios que de forma muy natural se generan en el choque de circulaciones dentro de una oficina

Nadie tiene una buena idea en su cabeza, lista para transformar al mundo. Requiere mezclarse con otras propuestas para generar una mejor idea. o una escuela, los que además se aprovechan para tener soluciones de diseño atractivas y que funcionan para maximizar conversaciones e interacción informal. El término que, en algunas ocasiones, se ha convertido en una manera de definir estos espacios fuera del programa tradicional, es una gran herramienta para comenzar a transformar los espacios educativos y de trabajo en verdaderas herramientas que ayuden a aprender y a generar ideas. Y entonces, mediante la arquitectura, celebrar la brillante frase de Steven Johnson: Chance favors the connected mind (La suerte favorece la mente conectada).

@baumgarj

DISEÑO + EMPRESA

ENGLISH TEXT PÁG. 48 ARIK LEVY PIECES AS POWERFUL AS A STONE PÁG. 50 PIERRE CHARPIN DESIGNER OF THE YEAR PÁG. 54 MARVA GRIFFIN 20 YEARS OF NEW CREATIVITY PÁG. 56 ICO MIGLIORE THE LEGGEREZZA IN BUILDING

PÁG. 78 CHROMATIC TEXTURES Clerkenwell Grind PÁG. 80 NOSTALGIC STORIES Hôtel Saint-Marc PÁG. 84 DREAM-LIKE ATMOSPHERES WeWork México PÁG. 86 TONES AND PERSONALITY JOOOS Fitting Room

COLOR ARCHITECTURE

PÁG. 88 DESIGN IS INFINITE Proyecto S.T

PÁG. 70 A SUBTLE AND FUN TOUCH Hotel Barceló Torre de Madrid

PÁG. 92 CHROMATIC PALETTE Ignacia Guest House

PÁG. 76 COLORFUL MIRRORS Repossi retail

PÁG. 96 PASSION FOR RED Dirk Jan Kinet Interiors

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ENGLISH TEXT

PÁG. 48 ARIK LEVY PIECES AS POWERFUL AS A STONE Only five words—love, intensity, vision, nature and flexibility—describe the project with which the Israeli artists debuted at Design Miami, hand in hand with the Spanish firm Compac.

Interview Greta Arcila The people involved in the design world know how to recognize ‘a good piece of work’, and those who are part of the world of art have the aptitude for spotting when ‘there’s art.’ This is a very interesting situation because both worlds are still very sectored.

According to Arik Levy: “To take art to the industry, the first thing we have to do is: knowing the industry. This is when my knowledge of design, engineering, techniques and technologies comes into play, for as an artist I have more access to freedom, to the ability to analyze and create something new in several different levels,” the Israeli designer—who has surprised everyone with his spectacular Génesis collection, created in collaboration with the Compac Spanish brand, and presented during Design Miami at the end of 2016—markedly point out.

How was it that you came in contact with Compac? “We were introduced by a friend in common and it was like falling in love: someone introduced you to a woman or a man and there’s this excellent connection right from the start. What is more interesting was that when I researched the company— which I knew nothing about at that point. I did not want to design flowers or draw patterns. I’m not interested in that.

What attracted my attention was coming up with a project that was both design and artistic, at the same time. I want to connect art with technology, and take my audience and myself to a new place. The firm understood that and when one has a relationship with a company that is ready for transitioning, and it is ready to follow down that path, the result is fabulous.”

One of the things that stands out in Arik’s work for Génesis is that it shows the most rustic of details and, nevertheless, the most novel. It preserves the essence of the new materials.

How did this dialogue with a material like quartz come to be? “Truly, the material is quartz-based, so it’s natural. But is built in such a manner that it is not natural at all, as it is man-made. Its manufacturing is important because in this case, it is not about the fabrication but rather the technique

and technology united to create a ‘new nature’. Quartz has an incredible characteristic: is practically indestructible; you can neither break nor scratch it, and it can’t be stained, either. If we compare it to a normal stone, the stone poses all kinds of problems: if you have ceramic tiles and you drop a glass on them, the tile will break. On the other hand, quartz will never be damaged; it has fantastic properties that are applicable to architecture. It can be used for façades and walls, to be walked upon and more. When I understood all of this, I realized that the link I was missing was creating new perception, something people are not used to see, but they would recognize.”

Arik has experience working with several materials: crystal, clay, marble… almost anything. “That is right”, the artist confirms. “Nonetheless, quartz particularities make it into a complex material and simple at the same time. The interesting thing is that it comes from crystal and it is not completely liquid, yet it flows and later its particles become solid. It is during this transition period that is especially important to be observant of the process, as it requires of a lot of trial and error to understand how is it developing and then adjust the parameters. So there is always a certain degree of surprise, which is fantastic for the artist; yet for an entrepreneur or an industrial tycoon it is worrying because we are not certain of what we will obtain from it. It only after several trials, that one knows what is being done and we can manage to achieve our objectives every time.”

PÁG. 50 PIERRE CHARPIN DESIGNER OF THE YEAR “I hope my objects promote happiness, but more than that I look for them to move people to reflect and that the pieces make us think about what they are expressing.”

Interview Greta Arcila In his daily routine, Pierre Charpin is not used to read blogs nor look information up in the internet. He looks at very few magazines and he tries very hard to remain shielded against the excess information around him, especially in the creative world. How does he manage to choose the right message and put it in his work? No even him knows. “I have to think

about it for a little while. I do not try to include a lot of that information in my work: I believe I am very discerning and I take only what I need. I select only the data that I require in a subconscious manner as if I was walking down the street, that it is the moment when I like to observe the shapes, to look at things and discover how they work. In that case, I do consume a lot of data that I later—and only sometimes—use in my process. If something inspires me in a given street, I take it from there to come up with something new,” the French designer comments. He was born in Paris and after studying Belle Arts, he has dedicated himself to the development of furniture and object, above all else.

Pierre was recognized as ‘Designer of the Year’ by the Maison & Objet 2017 design fair, which took place in Paris a few months ago. Part of his vision is maintaining a unique style in his designs that mix simplicity and curves with distinctive chromatic selections. Visibly surprised, he told us about this award: “At first, I was truly amazed as I really did not expect the news, which I humbly accepted because I precisely see it as an acknowledgement and not a tournament.”

If something characterizes Pierre’s work it is that it he deeply involves himself in the process; with the details that may be of just one or a series of pieces. Why did you decide to follow this path and not follow the usual option of making mass production? “I do have industrial lines that are mass produced,” he counters. “For example, for the Alessi brand I made some lamps. Even then, it is true; I have an interest in working for the industry, but I also do it for galleries and exclusive manufacturers, with proposals that have an artisan nature. I’m not interested in making a differentiation between industrial-scale design and the one aimed at collectors or designed for galleries. I just try to understand the context I am working on and what said context allows me to come up with.”

Even then, what is the difference between working with a gallery and collaborating with a specific industry? “The relationship with the gallery is built directly with the owner, person to person; while in the case of the industry it get more complicated as there are many meetings with various persons, be they brand directors, marketing teams and technicians; so, it turns out to be harder to discuss details as, on occasion, you cannot understand why they made a certain decision instead of another that you—as creator—believe to be more viable. I think this is the most important difference between these two actors. Nevertheless, in both processes one learns a lot,” the creator points out.

One of the things I like about Pierre’s work is that his pieces always create and emotional response. Particularly, that he uses a bold color palette. “I believe I use wide variation in colors. Sometimes, I want to go for the deeper shades, at other times I choose to use for luminous colors. Everything goes in terms of what I want to express and it is also linked to my mood. In the end, I try to avoid having predefined colors, shapes or objects. May be I will only use black in a couple of years,” the artist confesses. For him, one of the most moving experience he has had was seen someone with the Carafe Eau de París (2004) bottle. “Many people just adore that object and that makes me happy because I have seen them using it time and again.”

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PÁG. 54 MARVA GRIFFIN 20 YEARS OF NEW CREATIVITY This year the Mamma del Design makes history once more by celebrating two decades filled with talent and creativity.

There are 10,000 creators that have seen how their careers take off at the SaloneSatellite; the very same that are blazing the trail of design in our time.

Interview Greta Arcila “In the old fair there was a pavilion, some sort of hangar. It was a very beautiful space where many thing such as the Antiques Fair and others took place, and the Fairs Institute of Milan decided to grant it to the Salone del Mobile. Then, Armellini told me: ‘you have an space and you can coordinate something to bring in the young to the fair.’ That how SaloneSatellite was born”: Marva Griffin.

The art of observing was something Marva Griffin learned since she was a girl. At her parents’ home she used to play at designing ambiences: se put furniture up and down with the goal of coming up with a harmonic space. Back in the day, her inspiration was the House and Garden magazine from which she learned that a space is the place that more clearly defines the personality of the person inhabiting it.

Her trajectory is impossible to tell with few words. Few figures can say they had collaborated with Piero Ambrogio Busnelli and to have been at meeting where the destiny of the greatest designers of our century was defined, and how the label Made in Italy is perceived. Her presence in the editorial world was intense: Vogue Decoration, Maison & Jardin and House and Garden. Of this time she remembers having learned how to communicate beauty; her eternal accomplices were photography and a passion for telling a story with one image. Later, she was a spazzio producer for firms like Etro, Mantero and Setarium. It was a few years later that this activity brought her into full contact with the Salone del Mobile, as Manlio Armellini was who convinced her to be a part of this project that gathered the best Italian furniture entrepreneurs in one place. Being there, she developed all of the communications and was in charge of the international press. But the day came when Armellini offered her a space to promote new talent. Thus, she would soon have a salon in the fair that had started as an empty room, yet she knew the talent would come; and she began her search with an

open call. Back then, Griffin could not know what would the answer to her invitation be; she simply focused in searching talent through her closest contacts: the press and the furniture manufacturers.

The rest of the story us well kwon. Today we know that SaloneSatellite is one of the spaces that the furniture tycoon never fail to visit; they are on the prowl for new eyes and talent that challenge them to refine their views about design.

Marva Griffin has seen how the careers of young designers and studios such as Matali Crasset, Patrick Jouin, Tomoko Azumi, Nendo, Sean Yoo, Cory Grosser, Front, Johan Lindstén, Xavier Lust, Federico Churba, Lorenzo Damiani, Tommaso Nani, Cristina Celestino and Francesca Lanzavecchia, just to name a few, take off, At the same time she haS welcomed over 270 design schoosl from all over the world. Celebrating years of continual innovation gave place to a grand exhibition at Fabricca del Vappore that under Beppe Finessi curatorship and Ricardo Bello Dias’s museography and montage, it was a showcase of more than 500 projects that showed us design’s most recent history through three main themes: innovation, constructive experimentation and sculptural value. The exhibition was a reminder that design has changed profoundly throughout these past two decades, and that the young designers that had been a part of the SaloneSatellite have set the market’s appetites just for the newest and best.

PÁG. 56 ICO MIGLIORE THE LEGGEREZZA IN BUILDING A concept that architects must confront in every activity and space is: lightness, which connects them mentally and emotionally to different parameters like sustainability, transparence and quality.

Interview Emmanuel Ruffo “In our line of work, lightness ends far more in line with our ideas, but massiveness, that which is heavy in things also has its own story to tell” Ico Migliore says. From ComponentCode to Absolute Lightness, Migliore+Servetto trasforms The Mall Porta Nuova’s space, located in the heart of the Brera Design district in Milan, Italy, which harbors a total area of almost 4,000 m2, in a journey that makes the visitor to live the space through digital representations that bring out

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the detail and quality inherent to Italian design. Leggerezza (Lightness) is the topic chosen by Migliore+Servetto architetti: “The lightness is a concept that architects must confront in every activity and space we work in. This exhibition tells the story of the force of Gravity that links us to Earth opposed to the lightness in building.”

The narrative in this ‘democratic and itinerant’ effort, is a portraiture of the work Migliore+Servetto develop in their studio: the use of light with the built volumes, and the emptiness of the space that generates within the building itself: “We are fundamentally interested in what happens with things we design beyond whatever occurs with the object itself. This lightness links you, mentally, to several parameters such as sustainability, transparency, quality; and all of these elements are expressed through examples of architecture such as the work of Gio Ponti.”

Ico Migliore extends his thoughts to the narrative of the UX (user-experience), “currently, design is not only in the act of ‘designing’ the chair or the table where we eat or chat, but is also manifest in what happens around that table or that chair.”

The user experience begins a literary relationship between ‘the objects and the experience’ that is lived beyond the objects themselves.

To Migliore+Servetto lo spazio vuoto (The empty space) inside the urbanism works as well as those of a cultural nature, represent a discovery of the work and a story of its users; “we do not look for digital creations to transform our works as the definitive instrument, but simply as a means to produce a given object. Technology must aid us ‘to discover space.’ The visitor must move”—that is mandatory within our architecture, Ico points out, “to the interior of this space and this is a concept that we must not take for granted.

Technology for us, is but one more element, just like the use of aluminum, wood or any other component we use to design, to dress up the space.”

With the clear objective of creating an example that communicates ‘absolute leggerezza’, Migliore+Servetto architetti strive to develop structures that are ‘informationreceptive’; for example, during the time a piece will be showcased at the Salone del Mobile 2017, the architects use polarized membranes, and polycarbonate discs that absorb natural light. In this way, the materials are made ‘intelligent’ by the narrative assigned to them; they become more present at the time they are telling a story. The material is not simply an aesthetic element, but a physical component that allows for recognizing a space. A clear example is the large tables they use in their itinerant work, which have are 80 meters long, and where the user can observe, analyze, inhabit the space and catalogue the physical materials.

“Our works do not look for a formal cliché. Our research is based on the physical objects’ materiality, on materials, colors, light, space... if we look for an element that defines us in terms of our design process, it would doubtlessly be working with vuoto (that which is empty) space, lightness, light and the interaction these two parameters have with the user. This integration creates a narrative that travels from the designing of a house to a mall or a museum. For Migliore+Servetto architetti, what counts is that the user is able to breath in, through light, each one of its projects. Their

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spaces are retellings with multiples layers of interaction: dynamism, graphics and the material are transformed into a space that is almost acoustic, which reflects the very space itself.

Migliore+Servetto explores new horizons with a public showcase that opens during the last days of March, in Río de Janeiro, where what is told is the secret life of Steve Jobs, his passions, his ideas, how his creations came to be.

An exhibition that will be lived through a retelling and walkthrough Jobs’ life.

a kitchen and other amenities. The result is a colorful and elegant space that contrasts with the building’s architecture while respecting its heritage status. The distinguishing features is a mix of natural materials and finishing touches such as wood and marble in harmony with velvets and polished brass railings and lamp. It is a contemporary proposal filled with ambience full of color and textures displayed in a chromatic symphony. Its corners display matching colors such as orange and blue, and thus evoke dynamic environments, while the velvet surfaces in shades of pink and orange give it a classic and sober style.

COLORFUL MIRRORS Repossi retail | OMA

Photography Delfino Sisto Legnani + Marco Cappelletti cortesía OMA Photography Cyrille Weiner cortesía REPOSSI

COLOR ARCHITECTURE What is color? A sensorial impression that portrays the mood of wall and intimate spaces.

Texts Cristina Cruz and Martha Lydia Anaya

A SUBTLE AND FUN TOUCH Hotel Barceló Torre de Madrid | Hayon Studio

The OMA studio developed the space for the Repossi jewelry, with a 90m2 area and divided in three main plots: the street, the gallery and the beauty parlor. Each one of this areas responds to the clientele’s attention spans: the first is reserved to the space where a quick experience and prompt customer service can be provided; the second is the space dedicated to the gallery where the Repossi collection is showcased in full; finally, the basement area is where we find the beauty parlor, an intimate space with personalized services for the detailed exploration of special pieces. The use of different materials and making the most out of the available space as a staging area, took this retail store away from the conventional jewelry concept, where a more elegant and serious proposal was generated; one where the jewelry truly stands out. The mirrors are one of its most noteworthy elements, for they generate degrees of reflection and refraction for different colors, which allows for corners to be tinted in different shades. These panels were created in collaboration with the Dutch designer Sabine Marcelis. We also find a grand format circling display in the entry floor, and it is made out of three alternating sides: a bronze-colored mirror, a traditional mirror and a display shelf that can be adapted to different showcasing needs.

Photography KlunderBie

Built in 1957, this hotel stands 142 meters or 34-story high, where nine were commissioned to designer Jaime Hayón for their interior design. With the goal to represent a contemporary vision of Spanish aesthetics, Jaime proposed a balance between contemporary and the rich historical and cultural references of his home country. The ample, double height spaces, overflowing with natural light and Romanic arches; as well as the influence of the Arabic and Moorish stylings invite the visitor to stay in every corner of the building and discover its details. Every space is provided with a personality of its own, like those portraits of proud women wearing traditional Spanish garments. The successful balance is found in elements such as the contemporary furniture, color and humor so characteristic of the designer that can be observed in the lobby, for example, where the welcoming piece is an enormous sculpture of a bear and contrasting zebra stripes. Some of his imaginative and wellknown characters appear in every corner and objects such as mirrors, windows and small sculptures. But the use of color throughout this project must be mentioned, as with the use of a warm and joyful palette the designer achieved a subtle and elegant touch that stands out due to its accents on the furniture, among other things.

NOSTALGIC STORIES Hôtel Saint-Marc | Dimorestudio Photography Philippe Servent

This hotel’s history dates back to 1791 and since then the building has served several function such as the being the house of a French duke, a newspaper’s headquarters and the space where the 1830 Revolution started. During the 20th Century it was turned into a restaurant and, later on, it was transformed into an office building. It wasn’t until 2013 that the building‘s current owners called upon Dimorestudio to design the interiors of what is now the Hotel Saint Marc, and thus preserve its historical legacy. This project required generating a dialogue between past and present through recovered pieces, classic designs and unique commissioned pieces. With 25 rooms and a 56m2 suite, there are six types of ambiances and styles besides some furniture pieces designed by the Italian studio. The color was the key, very significant element applied to the walls in light shades of blue, pink or yellow along with materials such as velvet, polished marble, glass and brass. It is a hotel that takes its visitors through nostalgic and comforting moods in the middle of copious prints in curtains and tapestries.

CHROMATIC TEXTURES Clerkenwell Grind | Biasol Photography Paul Winch Furness

The Australian studio designed the Grind&Co restaurant and bar, located inside a building built in 1870 in the Clerkenwell neighborhood, in London. With a total area of 260m2, this place is staged in two different levels, with one of them in an area divided into a bar and a private dining room, while the other division is devoted to the main restaurant area. In the basement zone, we find a bar used to house nightly soirees,

DREAM-LIKE ATMOSPHERES WeWork México | Rococo + Biyuu + AdHoc et al.

Photography Courtesy

ENGLISH TEXT

With and incredible creative spirit, Pepe Villatoro —general director at WeWork México—tells us that this platform continues its expansion into our country with spaces that, besides furthering coworking-oriented dynamics, these are also characterized with an interior design that is always adapted to the places wherever their offices are located around the world.

To achieve this, they look for the collaboration with local artists and designers who capture the spirit of the zone where each of their buildings are located, and who give these a unique touch to every environment. “The most important thing to us is creating ‘communities’, where a new working culture can be generated, one based on those intangible aspects (well-being, comfort, tranquility, security, productivity, trust, transparency, etc.) that promote an lifestyle that inspire people to be better persons and professionals,” Pepe tells us.

In México, a good part of the furniture and materials used in their projects are by national studios; besides everything was developed with the dedicated, private and custom directive, which characterizes the different WeWork spaces around the world. Pieces by talents and brands such as: Rococo, Biyuu, AdHoc, Duco Lab, StudioRoca, Dos Coyotes and Diez Company, among many others, create the ambience for the different offices floors that WeWork has in our country.

TONES AND PERSONALITY JOOOS Fitting Room | X+Living Photography Shao Feng

The X+Living studio handled the retail for JOOOS, under the design direction of Li Xiang, and they created four different spaces in order to offer a complete shopping experience. This outstanding showroom—with a catalogue of 100 top fashion brands—is located in the Xingguang commercial avenue, in China, where the objective is to re-ignite walk-in shopping against current trend of online buying. This proposal’s peculiarity is that every space has its own concept enhanced by color so as to form its own personality. Curated with the four more representative collections, the first area is aptly named Celebrity Collection, where pastel shades and golden bubbles evoke delicacy in the midst of clothes guarded inside cages. The second area is called Mori Girl, has a neutral color palette and ocher shades with natural elements and finishing touches that reflect a relaxed personality. OL Collection is the third area and it uses cold tones and gray colors that portray maturity and solemnity, instead. Finally, Fashionable Girl Collection is the fourth and last area, one that uses a wider, and bolder, variety of saturated colors, dynamic structures and ludic spaces.

DESIGN IS INFINITE Proyecto S.T | Covadonga Hernández Photography Héctor Velasco Facio

Covadonga Hernández describes herself as a ‘very simple and sober person’, but when it comes to creating she comes up with spaces with a lot of personality and that speak for themselves and with a language all of their own. “I like to design hand in hand with the interested people so I can completely understand their essence and thus craft every element, every furniture, each space… the result is translated in a lifestyle that is in perfect balance, that is made patent in the daily well-being,” the interiors architect tells us. She has developed a vast number of projects throughout her career, specializing in residences and vacation houses.

For MarqCó’s founder, interior design in México already exists with a style all of its own; she considers there are very creative Mexican designers who are constantly broadcasting signals of their work throughout the world: “A lot of people like the style of Mexican interior designers as it is very detailed and artisanal, as by still lacking a grand-scale industry and mass production in our day, a lot of the furniture and objects end up being unique pieces that won’t be found anywhere else.”

Covadonga focuses on unique designs, both in shape and materials, besides offering an ample selection of imported, exclusive pieces to give each project a personal touch. “The final handing over of a house is a dream that has been built over time. It must be an unforgettable experience where every element: furniture, colors, smells, music and textures are all combined to achieve such an experience that it will forever remain in our memories.”

CHROMATIC PALETTE Ignacia Guest House | Factor Eficiencia Photography Jaime Navarro & Diego Padilla

Ignacia Guest House is part of the memorial recovery of who used to be the housekeeper of this old house for over 70 years. The project’s concept was developed using accounts of her personality and documents about Mrs. Ignacia; from the chromatic palette and gardening, inspired in the Guerrero forests—Ignacia’s place of birth—to the spaces’ privacy.

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In a 241 m2 plot located in the Colonia Roma neighborhood, in Mexico City’s central region, and with a total budget of 5 million Pesos, the 1913 townhouse was remodeled—a NeoClassical style villa with a total area of 480 m2—with the architectural features typical to the barrio.

Preserving the original plot, the use of the spaces was reassigned; the moldings, plaster and historical finishing touches were restored, and the windows and original doors were preserved, and the hardwood floors were recovered.

The historical building has a reception, library, dining room, kitchen and the La Habitación Negra (the Black Room; a master suite); everything is integrated throughout the driving theme of the color nude found in the building’s interiors.

In the space where the service rooms used to be, a completely new 200 m2 edifice was built, and here we find the rest of the rooms: La Azul (Blue Room), La Verde (Green Room), La Rosa (Pink Room) and La Amarilla (Yellow Room). The furniture inside brings forth a dialogue between traditional past, modernity and contemporaneity, and includes pieces by designers such as Eileen Grey, Eero Saarinen, Serge Mouille, Sean Dix and James Tan; the spaces are complemented with exemplars of contemporary design: A-G, Bo Concept, PECA and Jonathan Adler. The project is rounded up with pieces coming from master craftsman José Cervantes’ artisan workshop, in San Agustín Oapan, Guerrero.

PASSION FOR RED Dirk Jan Kinet Interiors Photography José Margaleff

What is the importance of the use of color for interior design?

Dirk Jan Kinet—of Belgian origin—responds with another question: What is the importance of us dressing in several colors or a particular one? A lot of us reserve navy blue, gray and black for daily attire, a thing that doesn’t bring any risk and always works in terms of image and personal appearance.

Dressing in lively colors or in prints even can be construed as a statement, but also as a state of mind, a mood or maybe even a fashion trend. “Regarding architecture and interior design,” he adds, “in México there is an abundance of beige and gray houses. For me, the use of a certain color—and I don’t regard myself as someone who is rather ‘multicolored’—comes from the will or desire to use it. Picking a color for a house allows for the differentiation between the furniture used, adding cache to a certain sofa; play with the rugs, etc. It brings pleasure to our minds and enlivens the spaces. My house, for example, is sui generis simply I redecorate it every four months and I try not to repeat myself; thus, the changes must be big, almost the exact opposite. This time and after having it painted in cardboard/camel fur colors with plenty of black, and my beloved black and white stripes, I wanted a bold change. That was why I transformed it this last October; a bit with the idea to recapture the cozy spaces of the Savoy, a classic hotel in Berlin, where red is the predominant shade in its interior.

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COLECCIÓN GLOCAL

Reinventando la tradición El diseñador británico Lee Broom recrea a la perfección lo vanguardista con lo artesanal, lo contemporáneo con lo vintage.

Cada una de sus piezas está hecha con técnicas manuales clásicas.

Texto ANA LAURA MUÑOZ

Fotos CORTESÍA

COLECCIÓN GLOCAL

LEE BROOM FUNDÓ SU EMPRESA en 2007 y, de ese tiempo a la fecha, se ha convertido en una de las referencias más importantes en productos de diseño no sólo en Reino Unido, su país de origen, sino también a nivel internacional.

De acuerdo con su filosofía, el proceso de fabricación de cada pieza –que se lleva a cabo con técnicas manuales clásicas desde su concepción inicial hasta la producción final– es lo que le da vida a sus diseños, los cuales se caracterizan por estar compuestos de piezas únicas realizadas a mano y por su estilo contemporáneo. Para lograrlo, cuenta con la colaboración de artesanos especializados en dar forma al concepto inicial de sus piezas. Lee siempre está cerca de ellos, siguiendo paso a paso la manera de cómo se van elaborando cada uno de los productos de sus colecciones. ¿Cuál es su fuente de inspiración? El artista desvela la influencia que en él han tenido disciplinas tan creativas, como la moda y la arquitectura, consiguiendo crear elementos que

combinan a la perfección lo vanguardista con lo artesanal, lo contemporáneo con lo vintage. De ahí que sus objetos sean simplemente maravillosos.

Este incansable diseñador ha participado en más de 40 proyectos de diseño para tiendas y restaurantes, como la Crystal Bulb Shop de Londres que está iluminada por más de 200 lámparas creadas por él, la tienda de Christian Loubutin en los famosos almacenes Harrods, la Lancaster House o los Wembley Stadium Executive Boxes. Se cuenta que, en esta ocasión, trabajó más de dos años para conectarse con los valores y la esencia de la marca británica Wedgwood.

Así nació su extraordinaria edición limitada de vasijas y cuencos Jasperware, con la cual el talentoso diseñador también conmemora los primeros diez años de la fundación de su estudio. Para muchos, Jasperware representa al diseño británico con sus características icónicas de herencia y una larga historia en la manufactura de detalle.

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OBJETO GLOCAL

Cerámica inglesa

El diseñador Lee Broom y la marca inglesa de lujo Wedgwood colaboraron para esta colección de edición limitada de vasos y cuencos de cerámica Jasperware. Una celebración a la artesanía y el diseño ‘Made in Britain’, así como la reinterpretación de este tipo de porcelana cuyo origen data desde 1774. Con un diseño contemporáneo, la propuesta de Broom destaca por sus líneas blancas y negras, también elementos y texturas que proveen de acento con el lacado brillante y colores saturados. Es el resultado de una experimentación con materiales como la pasta cerámica gres y acabados sin esmaltado. Un toque de refinamiento y modernidad para un clásico de la cerámica inglesa. –CC leebroom.com

Foto Michael Bodiam

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