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MACROTENDENCIAS: EQUILIBRIO | RESIDENCIAL ARQUITECTURA E INTERIORISMO | MAISON & OBJET 2017 | GALERÍAS Y COLECCIONISMO | ELIZABETH LERICHE | MULLER VAN SEVEREN


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La Feria de Arte Contemporáneo de México CENTRO CITIBANAMEX SALA D / HALL D. CIUDAD DE MÉXICO MEXICO CITY www.zsonamaco.com info@zonamaco.com

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Directora General

CONSEJO EDITORIAL

Editora en Jefe Greta Arcila

Presidencia honoraria

greta.arcila@glocal.mx

Gina Diez Barroso

Editora

Consejeros honorarios

Mar tha Lydia Anaya

Ar turo Aispuro Coronel

mar tha@glocal.mx

Miguel Ángel Aragonés

Editora de arte

Ar turo Arditti

Jorge Arditti Sandra Montiel

Juan Carlos Baumgar tner

sandra.montiel@glocal.mx

Fernando Camacho Nieto Carmen Cordera

Asistente de dirección

Héctor Esrawe

Liber tad Hernández

Rodrigo Fernández

liber tad@glocal.mx

Jorge Gamboa de Buen Juan Manuel Lemus

Redacción

Beata Nowicka

Cristina Cruz

Carlos Pascal

redacciongdm@glocal.mx

Gerard Pascal

Editor macrotendencias

Sagrario Saraid

Ariel Rojo Germán Velasco Contabilidad Colaboradores

Víctor Villareal

Jorge Medina Francisco Javier Barriopedro Karla Rodríguez Cecilia Ávila Fotografía José Margaleff

Contacto glocal.mx info@glocal.mx Mánchester 13, piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, Ciudad de México. Teléfono 52(55) 55.33.68.18

PORTADA PARA SUSCRIPTORES POR LANCE WYMAN EN COLABORACIÓN CON URIARTE TALAVERA Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: febrero-marzo 2017. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2013-041513043400-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15894. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Comercializadora GBN S.A. de C.V., Calzada de Tlalpan 572, despacho C-302, colonia Moderna, delegación Benito Juárez, 03510, México, D.F., Tel. 5618-8551. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V., Caravaggio 30, Col. Mixcoac, C.P. 03910. Del. Benito Juárez. México, D.F. Tel 5611-9653.


Grafismos simples y profundos a la vez Más allá de la forma y la función, está la sensación que te produce cada espacio y objeto, y eso lo sabe y percibe cualquier persona ajena al mundo del diseño. Los sentidos son tan básicos que saben de inmediato cuando algo les sienta bien. En la Ciudad de México ese extraño fenómeno se vive día con día en el sistema de transporte más popular: el Metro. La gente se guía por colores, por iconos que en el fondo hablan de la historia de una nación y que con el tiempo se han convertido en elementos insustituibles de nuestra cultura. Además, han sido premiados internacionalmente. Iconografía como la del Metro de la CDMX no hay otra en el mundo, ninguna ciudad puede jactarse de tener grafismos tan simples y profundos a la vez. La mente detrás de esto se llama: Lance Wyman, autor también junto con el arquitecto Pedro Ramírez Vázquez de la imagen de nuestros únicos Juegos Olímpicos y que por su color y poder de síntesis es un discurso visual por demás actual. Hoy, tenemos el honor de que Wyman diseñe nuestra portada y

también un mosaico de la mano artística de la casa de cerámicos con más tradición en México: Uriarte Talavera. A la par y después de tres años pensamos que era bueno reinventarnos. Dentro de este discurso del diseño vivencial, depurado e inclusivo, renovamos nuestro discurso visual, reinventamos secciones e invitamos a más 'plumas' a ser parte de nuestra apuesta editorial. Buscamos acercamos aún más a las disciplinas creativas, trabajando con éstas conceptos editoriales únicos. Así que, todas las voces son bienvenidas, los invitamos a ser parte de este cambio y que nos sugieran temas de interés. Disfruten esta nueva cara y tiempo de Glocal Design Magazine.

GRETA ARCILA Editora en jefe

Glocal Design Magazine

@Glocal Design

glocal_design

Greta Arcila

@gretaarcila

arcilagreta


Contenido 48

02 DIRECTORIO 03 EDITORIAL 07 AGENDA 10 MISCELÁNEA 14 NUEVOS TALENTOS

14 Gerardo Osio 16 Cristina Celestino 18 LIBRO

Patterns: Inside the Design Library 19 TECHNO

LG: Picture on wall ACTUAL

20 Showroom | Pianca 21 Host | Presidente InterContinental 22 Table|Aitana 23 Tasting Room | Casa Dragones 24 LUMINARIA

Arnaut Meijer Studio 26 TEXTILES

Illulian 28 DISEÑO + EMPRESA

Time for Panerai 30 DISEÑO + CIUDAD

Soy mi centro: Jorge Cejudo

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32 TALLER

Nouvel Studio

ESPECIAL GALERÍAS Y COLECCIONISMO

36 SU ESPACIO

German Velasco ENTREVISTA

41 Elizabeth Leriche 44 Muller Van Severen 48 ENFOQUE

Lance Wyman ESPECIAL RESIDENCIAL

58 Casa O Cuatro| Migdal Arquitectos 62 Casa Zirahuén|Intersticial 64 Rodin 33|lab07 67 Casa S|Pascal Arquitectos 71 Frontera 12| Miguel de la Torre 73 Dakota 405|Vrtical 75 Havre 77|AT103

79 Casa Gutiérrez Nájera 80 Galería Mexicana de Diseño 81 Ángulo Cero 82 Cristina Grajales 83 Ammann Gallery 84 Victor Hunt Design Art Dealer 85 Patrick Parrish 87 MACROTENDENCIAS

Equilibrio 94 TENDENCIAS GLOCAL

Nostalgia Decò| Maison & Objet 2017 MATERIALES

98 Maderas 102 Residencial Formica COLUMNA

104 Martha Lydia Anaya 105 Greta Arcila 106 Fortunato D'Amico 108 ENGLISH TEXT 112 OBJETO GLOCAL 10

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Fotos cor tesía

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Objetos cotidianos y de oficio artesanal | Jóvenes creadores | Estilo y espacios | Piezas de diseño Mies van der Rohe


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AGENDA

DAVID HOCKNEY Del 9 de febrero al 29 de marzo Esta exposición alojará una minuciosa selección de las obras más famosas del artista británico David Hockney, un fuerte influyente durante el siglo XX. Si algo caracteriza al trabajo de éste es el estilo cambiante que deposita en cada una de sus creaciones, desde los retratos e imágenes de las piscinas de Los Ángeles hasta sus fotografías y paisajes de Yorkshire. Además, en esta exposición el visitante incluso encontrará obras recientes que serán mostradas al público por primera vez. TATE BRITAIN Millbank, Westminster Londres SW1P 4RG, Reino Unido. tate.org.uk

PASAJEROS 02: ESTHER McCOY Del 18 de febrero al 19 de marzo Ésta es la segunda edición de Pasajeros y está dedicada a Esther McCoy, crítica de arquitectura estadounidense y también escritora. Es una exposición que indaga las referencias e ideas entre México y California a través de manuscritos, material fotográfico y archivos de audio del acervo de la autora en el Smithsonian Institution. Asimismo, textos de ficción que escribió durante su estancia en Cuernavaca fueron pieza clave en el entorno sociopolítico de la capital morelense.

HELLO, ROBOT. DESIGN BETWEEN HUMAN AND MACHINE Del 11 de febrero al 14 de mayo Exposición que a través de ejemplos de robots, instalaciones digitales, juegos de ordenador, cine y literatura ofrecerá una visión clara de cómo la industria robótica ha cambiado la manera de percibir la vida humana hasta en cuestiones éticas y políticas. En total, 150 objetos de Bruce Sterling, Douglas Coupland, Joris Laarman, Carlo Ratti, Dunne y Raby y Philip Beesley serán los que conformarán esta muestra.

MUSEO JUMEX Miguel de Cervantes Saavedra 303 colonia Granada, Ciudad de México. fundacionjumex.org

Fotos cor tesía

VITRA DESIGN MUSEUM Charles-Eames-Str. 2, D-79576 Weil am Rhein. design-museum.de


AGENDA

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MIES VAN DER ROHE & JAMES STIRLING: CIRCLING THE SQUARE Del 8 de marzo al 25 de junio Una exposición que encara dos miradas de arquitectos reconocidos del siglo XX: Ludwig Mies van der Rohe y James Stirling, quienes dan a conocer esquemas arquitectónicos icónicos que abarcan tres décadas y que son propuestos para el mismo sitio de la ciudad de Londres. Durante ese período estuvieron presentes diferentes movimientos e influencias del pop art, el alto modernismo y el posmodernismo, esta es una oportunidad ideal para comparar sus métodos de diseño y descifrar la relación entre ambos a pesar de parecer completamente diferentes. ROYAL INSTITUTE OF BRITISH ARCHITECTS 66 Portland Pl, Marylebone Londres W1B, Reino Unido architecture.com

FEAR AND LOVE: REACTIONS TO A COMPLEX WORLD Hasta el 23 de abril Con la autoría de Sam Jacob Studio, esta exhibición busca profundizar la concepción del diseño y su relación con el comercio y la cultura. A través de ésta, la firma londinense arriesga al mostrar el vínculo que existe entre el diseño y temas como sexualidad, la creciente ola de robots y moda lenta, componentes que, asegura, suelen causar miedo y amor y en algún momento de la vida. Fear and Love promete ser una exposición multidisciplinaria que capta el estado de ánimo del presente.

RICK OWENS: FURNITURE Hasta el 2 de abril Rick Owens es un destacado diseñador de moda y mobiliario en París; en esta ocasión The Museum of Contemporary Art (MOCA) abre sus puertas a una exposición que aloja sus más recientes piezas de mobiliario, un grupo de esculturas a gran escala y material audiovisual a lo que se suma una selección de obras del artista y músico Steven Parrino. Owens refleja en sus creaciones un toque punk y anarquista mediante formas brumosas y elegantes. DESIGN MUSEUM 224-238 Kensington High St, Kensington Londres W8 6AG, Reino Unido designmuseum.org

MUSEUM OF CONTEMPORARY ART 250 S Grand Ave, Los Ángeles, CA,, EE.UU. moca.org


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MISCELÁNEA

MIRROR AS AN ARCHITECTURE DE NORIHIKO TERAYAMA PARA STUDIO NOTE Esta serie surge de la inquietud del diseñador japonés por el límite entre la arquitectura y los objetos, cuando se vuelven uno al conformar un espacio habitable. Líneas rectas, paralelas, curvas y perpendiculares se cortan para generar sombras y formas a través de la luz en los espejos. studio-note.com

DUPLEX DE MUT PARA SANCAL Es una familia de mesitas auxiliares inspiradas en la arquitectura racional y hechas con estructuras de metal lacado y tapas de chapa de fresno con tableo marino. Todas sus versiones tienen dos plantas para disponer de diversos usos y funcionalidades, sus bandejas superiores pueden retirarse y ajustarse en otra parte del mueble. mutdesign.com sancal.com


MISCELÁNEA

C5A7 DE CLÉO CHARUET PARA GALLERY S. BENSIMON

La diseñadora francesa fue invitada por la Galería S. Bensimon para realizar esta colección denominada C5A7: Cléo de 5 a 7 en punto, llamada así, como un tributo a la película francesa Agnès Varda. Se trata de piezas de cerámica que presentan finas líneas irregulares y gráficos hechos a mano sobre bandejas, tazas y otro tipo de contenedores para la cocina. cleoburo.com gallerybensimon.com

MAJORDOMO DE NATHAN YONG PARA WIENER GTV DESIGN

Una pieza con influencia oriental y estilo minimalista que tiene múltiples funciones y que, como su nombre lo indica, servirá al usuario en las exigencias y quehaceres de la vida cotidiana, como colgar ropa y accesorios, así como para retirar el calzado cómodamente. nathanyongdesign.com gebruederthonetvienna.com

CUECOS DE KALEB J. CÁRDENAS Y DESIGNO PATAGONIA La simpleza y elegancia de la naturaleza reflejada en esta edición de contenedores hechos de madera local, guijarros y acabados con aceite de oliva. Estas ediciones limitadas parten de la inspiración por el paso del tiempo en la materia; y es en la cocina, donde puede habitar este reino fungi. kalebcardenas.mx designopatagonia.com.ar

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MISCELÁNEA

GRANDES MAESTROS DE NOUVEL STUDIO En Zona Maco 2017 (Centro Banamex) se presentan tres objetos de la colección: Los grandes Maestros, las cuales pertenecen a Pedro Ramírez Vázquez, Teodoro González de León (QEPD) y Ricardo Legorreta. Esta colaboración formó parte del proyecto 13 vasos-glasses al que invitaron arquitectos y diseñadores a intervenir un vaso. nouvelstudio.com circulocuadrado.com.mx

NICOLETTE DE PATRICK NORGUET DESIGN PARA ETHIMO Esta colaboración se enfocó en la experimentación y combinación de materiales, por lo que Nicolette presenta versatilidad. Es un asiento para exteriores, fabricado con aluminio y patrón micro perforado, en seis diferentes acabados y respaldo en madera de teca. patricknorguet.com ethimo.com

4TH DIMENSION WATCH DE 22 DESIGN PARA INTOCONCRETE Estos relojes vienen en diversos acabados y características, la edición original se encuentra fabricada con hormigón de alta densidad, bisel cepillado en acero inoxidable y correa para la muñeca curtido de forma natural. Cada detalle resalta con la combinación de estos materiales y también por sus finos acabados. 22designstudio.net intoconcrete.com


MISCELÁNEA

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PARIS MEMPHIS DE MAISON DADA Esta colección está inspirada en The Memphis Design Movement —formado por Ettore Sottsass en 1981— e incluye una serie de cuatro candeleros, caracterizados por delgadas líneas asimétricas y composiciones geométricas. Como dato curioso, Maison Dada fue fundado por Thomas Dariel y Delphine Moreau, en 2015. maisondada.com

EN CONCRETO DE LILIANA OVALLE Es una colección de cuatro objetos: Torre,Talud, Terminal y Contrafuerte, cuyo concepto se origina de la Arquitectura Moderna como referente. Aunque su propuesta formal no responde a una función específica, estas piezas pueden tener un uso doméstico. Son objetos descritos por la pureza del hormigón y la simpleza de sus trazos y líneas geométricas.

Fotos cortesías de las marcas / José Margaleff

lilianaovalle.com


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NUEVOS TALENTOS

Obsesión por el detalle Luego de su proyecto en Tokyo Design Week 2016, a GERARDO OSIO le interesa trabajar con la artesanía. Fotos cor tesía

Texto MARTHA LYDIA ANAYA

“EL DISEÑO no es una actividad dedicada a enaltecer el ego, es una profesión que ofrece su trabajo a los demás (ya sea a un cliente en específico o a una comunidad entera). Por eso, la empatía con las personas con quienes colaboramos es la base para desarrollar proyectos exitosos”, cuenta Gerardo Sandoval Osio, diseñador de producto graduado por la Universidad Autónoma de Nuevo León y fundador de su marca homónima: Gerardo Osio, la cual ha ganado un lugar en exposiciones como Generación DECODE 2014 y 2015, Abierto Mexicano de Diseño y Tokyo Design Week 2016. Particularmente, la experiencia de haber desarrollado un proyecto en Japón, un país con una cultura muy distinta a la de México, le aportó mucho más que el solo conocimiento en el área de diseño. “Estar sumergido en ese país, sus tradiciones y su historia me ayudó a entender el por qué han tenido avances increíbles en pocos años y, por ende, pude identificar elementos de su cultura con el potencial de mejorar situaciones en mi vida tanto personal como profesional. Siempre he sido muy curioso e indago mucho sobre espiritualidad y bienestar, y Japón es muy rico en esos temas”. Para Gerardo fue muy interesante darse cuenta de que en Japón el diseño está tan acoplado a la vida cotidiana de la gente que pasa desapercibido. Y es que la obsesión por los detalles y la perfección ha estado presente en su cultura desde hace cientos de años. “Pude ir a unos 30 talleres de artesanos que trabajan con técnicas de manufactura de más de 300 años y también visité algunos estudios de diseño tanto industrial como gráfico y software”. Todo lo cual, hoy le suma mucho aprendizaje.

gerardoosio.com

Nomadic Life es un kit de objetos artesanales para reconectarse con el hogar, aún estando de viaje.

"En Japón, tuve la oportunidad de asistir a conferencias con diseñadores y arquitectos importantes, como TADAO ANDO"


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NUEVOS TALENTOS

Piezas definidas Desde Milán, donde vive y trabaja, CRISTINA CELESTINO rodea nuestros espacios con sus creaciones geométricas. Texto MARTHA LYDIA ANAYA

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DETRÁS DE LA MARCA italiana de diseño Attico, que produce lámparas y muebles caracterizados por una profunda investigación sobre materiales y formas, se diluye la magia de Cristina Celestino, una gran coleccionista de obras de arte de diseño italiano y quien se autodescribe como una persona sumamente curiosa hacia todos los objetos que rodean sus espacios. Cristina nació en la provincia de Pordenone en 1980 y en 2005 se graduó como arquitecta por la universidad IUAV de Venecia; luego de adquirir experiencia en varios despachos, decidió fundar su propia empresa con el afán de desarrollar soluciones creativas y jugar libremente con las ideas en el ámbito de la arquitectura interior y el diseño. Como parte de ese viaje de crecimiento profesional, llegó a Milán, donde fundó Attico en 2009. Las características comunes de sus creaciones son la geometría definida y la investigación rigurosa, combinada con un juego sutil sobre el impacto de las formas tradicionales. A través de variaciones de escala y pequeñas invenciones, los objetos de Cristina son capaces de transmitir mensajes nuevos y significados y simbolismos diferentes. En 2012, fue invitada a participar en Salone Satellite, donde diseñadores de todo el mundo presentan sus proyectos ante prestigiosos jurados que seleccionan los mejores trabajos. Después de esto, los productos de Attico han sido expuestos en varias galerías y salas de exposición internacionales. Hoy, el trabajo de Cristina se enfoca en crear ediciones limitadas para galerías de diseño y museos, hasta realizar proyectos especiales para algunas marcas.

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Mosaico en cerámica y porcelana Plumage, Botteganove.

Muebles de madera Sipario, Durame.

Diseñado para Design Miami: The Happy Room, Fendi

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LIBRO

Fotos cor tesía Phaidon

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PATTERNS: Inside the Design Library Cada temporada, los diseñadores de moda, muebles para el hogar, textiles, artes gráficas e industrias de productos de papel se inspiran en el archivo de patrones y telas más grande del mundo, creado por The Design Library, una biblioteca fundada por la diseñadora Susan Meller, en Nueva York, EU. Patterns: Inside the Design Library (Phaidon, octubre 2016) es un libro delicioso que revela, por primera vez y en exclusiva, el funcionamiento de su extraordinaria colección, la cual cuenta con más de siete millones de patrones antiguos y contemporáneos. phaidon.com


TECHNO

MIRAR por la ventana

Fotos cor tesía

Por su diseño picture on wall, las televisiones de pantalla plana con dolby visión (que brinda mayor brillo y contraste) y dolby atmos (que da una mejor calidad de sonido): LG Signature OLED TV W, fueron las protagonistas en el escenario del CES 2017 –celebrado en Las Vegas, en enero pasado–, como la mejor innovación del año. Esta nueva línea de aparatos de televisión, que incluye 10 modelos diferentes, marcan pauta en el mundo del diseño y la tecnología porque son capaces de reproducir las imágenes más reales con negros perfectos, contraste infinito y una amplia gama de colores. Además, el delgado perfil de la pantalla hace que el televisor parezca levitar en el aire, lo que da una sensación de inmersión a los usuarios. Se puede montar directamente en la pared con solo soportes magnéticos; de tal modo que parece que se mira por una ventana, en lugar de estar viendo la televisión. Sin duda, un detalle de interiorismo para darle vida al hogar. lg.com/mx

Una televisión tan delgada y ligera que la pantalla se conecta directamente a la pared.

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ACTUAL | HOST

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¡El paraíso está completo! Presidente InterContinental Cozumel Resort & Spa | MOB

Un muro de piedra con el logotipo del hotel nos da la bienvenida y, al mismo tiempo, marca el camino a un amplio y remodelado motor lobby que incorpora un espejo de agua como parte de los nuevos elementos decorativos de este espacio. En la recepción lo que más abunda son los detalles y acabados en madera a juego con el mobiliario de estilo contemporáneo que dan una sensación de calidez y sofisticación, un real y auténtico sense of arrival, en cuya idea y concepto se basa la remodelación de Presidente InterContinental Cozumel Resort & Spa. La idea creativa en todas las habitaciones – que se diferencian por colores específicos: jade, turquesa, acqua, ultramarino, índigo, y zafiro y esmeralda para las suites presidenciales–estuvo a cargo del despacho de diseño e interiorismo MOB, que de entrada buscó optimizar los espacios de manera que baños y guardarropa sean más cómodos, prácticos y amplios.

Todo el mobiliario, accesorios y elementos decorativos van en la línea de un estilo de diseño mexicano contemporáneo, basado la belleza de la isla de Cozumel. Como parte de estos detalles, hay paneles con entramado de madera de encino, los cuales representan una vista en versión macro de un tejido de mimbre o de los típicos ‘equipales’ o sillas de madera. Los exteriores también se renovaron: la alberca se adueña de un concepto de infinity pool que acentúa su belleza y amplitud; sus nuevos acabados le dan un look completamente diferente y hacen aún más divertidos esos momentos del ‘chapuzón’. La cereza del pastel es The Spa, que invita a una experiencia de relajación. La tecnología de última generación tampoco puede pasar desapercibida en este hotel, ubicado en un destino que, dicho sea de paso, recientemente fue declarado Patrimonio Histórico de la Humanidad por la UNESCO. —MLA

Carretera A Chankanaab Km. 6.5 Zona Hotelera Sur, 77600 Cozumel, QROO intercontinental.com mob.com.mx


ACTUAL | TABLE

Un viaje al Mar Mediterráneo Aitana | COUSI Interiorismo | Chef Alberto Ituarte

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Entre sabores y platillos comienza un viaje culinario hacia las fronteras del Mar Mediterráneo en Aitana, un restaurante gourmet recientemente inaugurado en la Ciudad de México. Este espacio de alta cocina es una propuesta del chef Alberto Ituarte. Localizado en la Torre Virreyes, en Lomas de Chapultepec, Aitana tiene una oferta culinaria europea y mexicana con el objetivo de fusionar lo mejor de estas culturas. Su cocina abierta permite observar a los cocineros en acción, liderados por el chef Víctor Morales. Destaca su cava con más de 300 etiquetas para hacer un buen maridaje con los platillos. El diseño de interiores fue realizado por el despacho madrileño COUSI Interiorismo, integrado por Alba Hurlé y Alicia Martin, especialistas en interiores para restaurantes. “En cuanto a volumetría quisimos aprovechar los tres paramentos de vidrio para absorber al máximo la luz, ya que es la particularidad

del edificio del arquitecto Teodoro González de Léon”, afirma el dúo de interioristas. El espacio se divide en varias zonas y al comenzar el recorrido, los visitantes ingresan a la casita de madera del hall donde el juego de texturas, colores y estilos les dan la bienvenida; la zona de restaurante se ha dispuesto en un área abierta que incluye al Salón como un comedor abierto y el Palmar, un bar rodeado de una escalera helicoidal y una gran palmera; también hay un mezzanine con dos privados que sobrevuelan la terraza, de la misma longitud de la fachada. Entre la variedad de materiales, los detalles están presentes en piedra y latón, así como azulejos de barro, mobiliario hecho a mano de ratán y madera, además de una elegante presencia de vegetación que provee un toque tropical al lugar. Sin duda, nuevo destino culinario para el deleite de los sentidos que todo amante de los mariscos querrá probar. —CC

Pedregal 24, Lomas Virreyes Molino del Rey, 11040, CDMX aitanarestaurante.com

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ACTUAL | TASTING ROOM

Sensaciones en cada rincón Casa Dragones | Meyer Davis + Gloria Cortina

na. Todos los muros fueron recubiertos por 4 mil mosaicos, hechos artesanalmente, pero concebidos por la diseñadora mexicana Gloria Cortina, quien de un tiempo a la fecha, además de su gran trabajo como interiorista, se ha abierto una brecha importante en el mundo del diseño-objeto y del diseño industrial. El proceso fue sumamente interesante, Cortina y el equipo de Casa Dragones viajaron a los campos de agave de la marca en Tequila, Jalisco, en el eje volcánico transversal mexicano, para recolectar grandes piedras de obsidiana. Luego siguió un cuidadoso proceso para transformar esos trozos de obsidiana en los mosaicos iridiscentes que representan la riqueza del suelo en el que se cosechan los agaves para Casa Dragones. Y es así, que con el negro, azul y las bellas luminarias del artista Michael Anastassiades, la magia de las sensaciones se encuentran en cada rincón de este bello lugar, que abraza a sus visitantes. —GA

Relox 18, Zona Centro, 37700, San Miguel de Allende, Gto. meyerdavis.com gloriacortina.mx casadragones.com.mx

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Con alma tradicional, pero con un enfoque de vanguardia es como nace el nuevo tasting room de Casa Dragones y mejor ubicación no pudo encontrar: Dôce 18, el gran concepto que aloja tiendas boutique y restaurantes, así como objetos de alto diseño y artesanía (ve Glocal 36, Eclecticismo e historia, págs. 38-39 para conocer la historia completa de este lugar). Uno de los aciertos es el cuidado al máximo de cada detalle en el discurso de su marca, por lo que siempre invita a grandes creadores a que los acompañen a contar su historia. De tal forma, para este pequeño espacio en el que solo 6 personas pueden vivir una experiencia completa de sabor y diseño, hicieron equipo con la firma Meyer Davis, quienes logran que en cada cata, el usuario se transporte a un paseo de degustación a la tierra en donde nace el tequila. La forma del espacio es muy básica, nos remite de inmediato a la forma de la botella, pero el gran protagonista es la bella obsidia-


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ACTUAL | SHOWROOM

El aroma de la madera Pianca | Italia

31018, Gaiarine, Treviso, Italia Via dei Cappellari 20 pianca.com

En un recorrido por sus talleres es imposible no convivir con el olor a leño fresco que despiden los cientos de paneles reciclados de madera con chapa de roble y nogal, todos de bosques certificados FSC de gestión controlada, según platica nuestro anfitrión Aldo Pianca, hijo de Enrico Pianca, quien llevó a esta empresa de la cultura artesanal hacia la transición de los procesos industriales en la década de los 50’s. Salta a la vista que su manufactura es innovadora por el tipo de maquinaria con la que hacen los cortes de largos tableros y planchas de madera, que luego se convertirán en mobiliario. Aldo cuenta que lo que ha hecho de Pianca un fenómeno industrial es su pasado. Y es que un estudio encargado por la familia para identificar los orígenes de su apellido condujo a un descubrimiento sensorial. Parece que Michele D’artico, un habitante de Serravalle (ahora llamado Vittorio Veneto) cambió su apellido a

D’artico Da Pianca, tomando el nombre de un pequeño arroyo que fluye por el río Menschio, en el que había construido –a finales del siglo XVI– el molino que impulsaba el taller de carpintería que daba sustento a la familia. Con el tiempo, su apellido se quedó solo como Pianca. Pero, su ocupación: artesanía y pasión por la madera fue la constante de su filosofía. Su showroom, dentro del edificio principal de la fábrica, es un deleite. Mobiliario de comedor, dormitorios y para otras habitaciones de convivencia, con algunas de las piezas lacadas en mate o en brillo, se exhiben armónicamente a través de distintos escenarios. Una relación de amistad con un equipo internacional de arquitectos y la colaboración con escuelas de diseño le han permitido a la empresa una constante experimentación de formas, materiales y acabados, sin perder de vista la innovación de tecnologías de vanguardia. —MLA


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LUMINARIA

Ilusiones ÓPTICAS

Una serie de luminarias que brinda al espectador la experiencia sensorial de la luz a través de los objetos. Texto CRISTINA CRUZ

Fotografías LEE WEI SWEE

ONE POINT PERSPECTIVE es una serie de ocho objetos luminosos que invita al espectador a cuestionarse sobre los efectos de la percepción, es decir, a ser testigo de la ilusión óptica que se suscita cuando el observador cambia de posición en el espacio. “Las ilusiones ópticas no son independientes de los lugares engañosos, ellos definen nuestra forma de mirarlos”, explica Arnout Meijer. Este joven diseñador holandés es el nuevo creativo comisionado por Victor Hunt Designart Dealer, la galería que presentó su obra en la pasada edición de Design Miami. Cada una de estas luminarias tienen formas que cambian dependiendo del lugar donde se observan, estos patrones geométricos se aprecian a través de una superficie óptica de plástico; es una especie de holograma que pareciera develar el complejo entramado de LEDs a través de diferentes perspectivas. Meijer presenta la evolución de este proyecto en el que había estado investigando temas como la luz y lo sensorial. Su trabajo indaga sobre las propiedades físicas y filosóficas de la percepción a través de piezas escultóricas con la luz. Propone luminarias de carácter inmaterial y estético con las que explora las cualidades espaciales y sensoriales, así como la percepción del observador. El también artista de la luz, vive actualmente en Ámsterdam y se graduó de la Technical University Deflt y la Design Academy Eindhoven.

arnoutmeijer.nl | victor-hunt.com


LUMINARIA

Arnout Meijer es el nuevo creativo comisionado por la galería Victor Hunt Designart Dealer, la cual presentó su obra en la pasada edición de Design Miami. One point perspective es una serie de ocho objetos luminosos que invitan al espectador a cuestionarse sobre la percepción, la ilusión óptica y la posición espacial.

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TEXTIL

ENCANTO inalterado en el tiempo Alfombras y tapetes que son una propuesta de mobiliario exclusivo y ‘hechos a la medida’ de cada espacio, pero que sobre todo son verdaderas obras de arte confeccionadas con dedicación personalizada. Texto MARTHA LYDIA ANAYA

Lana de alta calidad y seda pura más un proceso artesanal meticuloso y un proyecto personalizado, hace de los tapetes de la marca italiana Illulian unas verdaderas obras de arte para admirarse en espacios bien pensados en el hogar.


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TEXTIL

UNA RICA GAMA de colores audaces y brillantes que se siente a partir de patrones geométricos, con formas irónicas y provocativas, contrasta con el gusto clásico de los matices y las sugerencias que conservan su encanto inalterable a través del tiempo y del cambio de las épocas. Estas piezas y todas las alfombras de la marca Illulian son una propuesta de mobiliario exclusivo ‘hecho a la medida’ para complacer hasta el ‘capricho’ más exigente del diseño de interiores en hogares, museos, salas de exposición y embarcaciones de lujo. Las fases de diseño y el meticuloso proceso artesanal de cada alfombra de la fábrica, fundada en 1960, ahora encabezada por Shahnaz Illulian y sus hijos Davis y Bendis Ronchetti, se basa en un concepto personalizado, que incluye la elección de materiales –lana de alta calidad y seda pura– para llegar a la creación de modelos únicos e incomparables. Cada

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pieza es fruto de la dedicación absoluta de un equipo que antes de enviar a producción cada tapete, lo presenta a sus clientes a través de representaciones fotorrealistas para tener una idea más clara del modelo en cuestión. Como parte de su catálogo más apreciado, las colecciones Design Collection con las alfombras: Skyla, Woodstock y Ocean, que se inspiran en el arte y en la naturaleza; Palace con los tapetes: Augusta y Leonida, con un papel dominante de adornos tomados de documentos antiguos y motivos históricos, se exhibieron por primera vez en Maison & Objet 2017, celebrada en enero pasado, dentro de un refinado espacio del salón Scènes d’Intérieur Paris–the stamp of excellence, se ubicó en una de las áreas principales de la feria.

illulian.com


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DISEÑO + EMPRESA

Una rebanada de TIEMPO Una experiencia sensorial sobre la noción del tiempo, representado a través de los objetos propuestos por Nendo para una marca de relojes.

Texto CRISTINA CRUZ

Fotos TAKUMI OTA Y AKIHIRO YOSHIDA


DISEÑO + EMPRESA Un proyecto que permite percibir al tiempo como un reloj de arena donde las personas se llevan su propia porción de tiempo.

ENTRE LOS ACIERTOS del trabajo del despacho japonés Nendo está la observación meticulosa de las cosas desde otra perspectiva y otros enfoques para, finalmente, transformar una propuesta de manera creativa. Esta ocasión no fue la excepción, cuando Oki Sato —fundador del estudio nipón— se encargó de la instalación Slice of time, una muestra diseñada particularmente para la compañía de relojes Panerai, una marca de lujo de diseño italiano y manufactura suiza. Un aspecto relevante del proyecto fue la representación del tiempo, cuyo concepto se propuso a través de los objetos. Slice of time incluye la realización de una instalación y un guardatiempo, cuyo diseño resultó un peculiar juego de palabras entre longitud, tiempo y espacio. Para la instalación se diseñaron cinco espacios circulares entrelazados de tal forma que la composición de su estructura alude a una rueda de engranaje, encontrado en el interior de los relojes. En estos talleres se ubican las diferentes etapas de

fabricación de un reloj a través de cinco estadios donde se expuso la fase de pulido, arenado y ensamblado del artefacto. Como parte de la muestra está Empty-shell o carcasa hueca, es decir, un reloj de finas líneas visto desde la parte frontal con forma cilíndrica de 16 metros de longitud. Esta pieza fue hecha por un sistema de moldeado por extrusión y cortada, poco a poco, para que los visitantes se llevaran un recuerdo de la exhibición. La particularidad de este objeto es que las piezas fueron cortadas de acuerdo con la edad de cada visitante convertida a milímetros; por lo que, se llevaban relojes de espesores diferentes que incluían todo lo necesario para su funcionamiento. Conforme la longitud del reloj disminuía, también el tiempo de exhibición de la instalación. Un proyecto que permite percibir al tiempo como un reloj de arena donde las personas se llevaban su propia porción de tiempo. —CC

nendo.jp

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DISEÑO + CIUDAD

Fotos cor tesía

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DISEÑO + CIUDAD

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La variedad de colores del mural Soy mi centro evoca a la diversidad y pluralidad de emociones, lugares, sensaciones y opor tunidades que da la Ciudad de México.

ANDANZAS ‘en mosaicos’ Un mural de mosaicos que ilustra iconos arquitectónicos de la Ciudad de México y que, por su centenar de colores, se convierte en un viaje hacia el sinfín de emociones que nos ubican en el ‘lugar donde estamos’. Texto MARTHA LYDIA ANAYA

SE AUTODESCRIBE como “bastante tímido e introvertido”, pero cuando se revela con su arte y sus creaciones, el artista visual y diseñador mexicano, Jorge Cejudo ‘El Cejas’, deja de lado esa parte huidiza de su personalidad, como espectadores, nos transporta a otros ambientes. Su mural: Soy mi centro, instalado en el bajo puente emblemático 20 de noviembre que conduce hacia el Centro Histórico de la Ciudad de México, apela justamente al tema humano del sentido interno de pertenencia, de ‘tomar y ser parte’ de algo que sea significativo, que nos haga hablar, que nos invite a salir del encogimiento y la timidez. La narrativa visual de composición de este mural nos lleva de un ambiente abstracto orgánico a detalles de acercamientos gráficos que posteriormente se descubren como íconos arquitectónicos representativos de la Ciudad de México. El estilo y trazo gestual representa el tema humano y la variedad de colores evoca a la diversidad y pluralidad de emociones, lugares, sensaciones y oportunidades que nos da nuestra ciudad. Para su montaje se usaron alrededor de 9 millones de teselas de mosaico de 12mm X 12mm, hechas de material reciclado por

la empresa Mosaicos Venecianos de México, la misma que ha realizado gran parte de los murales de Ciudad Universitaria y que ha colaborado con artistas, como Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, Francisco Toledo y Franciso Eppens, entre otros muralistas mexicanos. Más de 100 colores le dan vida a este cartel, tiene un aproximado de 650 metros lineales y seguramente es el mosaico ‘flotante’ montado en paneles de aluminio más grande del mundo. Algo similar se encuentra en el edificio del Path Station del World Trade Center de Nueva York, diseñado por el arquitecto Santiago Calatrava, donde hay una obra de mosaico llamada Saetta Iridiscente de 37 metros lineales y 4 metros de alto. Este mural es único en su género, está instalado conforme un sistema de resortes que lo hacen 100% adaptable a los movimientos del puente; además, es completamente desmontable.

elcejas.com


TALLLER

El artista Edgar Orlaineta crea objetos de ediciรณn limitada de la mano de Nouvel, para Zona Maco 2017.


TALLER

El arte del cristal visto desde el artista Por quinta ocasión, Nouvel Studio se presenta en Zona Maco en compañía de creativos con colecciones de edición limitada. Texto CRISTINA CRUZ

Fotos JOSÉ MARGALEFF

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TALLER

Burbujas de vidrio que a altas temperaturas se van transformando en piezas exquisitas de diferentes formas y figuras.

UN TRABAJO ARTESANAL MINUCIOSO Y DEDICADO DA COMO RESULTADO UNA SERIE DE OBJETOS ATEMPORALES DE VALOR ESTÉTICO.


TALLER

NOUVEL STUDIO es una firma mexicana que produce piezas de cristal con la técnica del vidrio soplado de gran calidad y estética; sus colaboraciones con artistas, diseñadores y arquitectos le han dado un sello distintivo con objetos únicos y colecciones contemporáneas. Como parte del grupo industrial Pavisa, la fábrica de cristal tiene una producción semiartesanal y semiautomatizada, enfocada al ‘empaque de lujo’, colecciones propias y con creativos. En un recorrido por sus talleres, en la CDMX, el equipo de Glocal convivió con algunos de sus protagonistas. “Creamos una cultura de entrenamiento, hemos invitado a maestros de Italia, Suecia y Alemania para que nuestra gente vea y se familiarice con otras formas de trabajar”, dice Michael Krimer, director de Nouvel Studio. “En esta ocasión, celebramos la presentación en Zona Maco con la colaboración del artista Edgar Orlaineta y tres objetos de la colección de Nouvel: Los grandes maestros de Pedro Ramírez Vázquez, Teodoro González de León y Ricardo Legorreta”, nos platica el fundador de esta gran firma. Edgar Orlaineta es artista y escultor cuyo trabajo está en estrecha relación con la historia del diseño. En esta segunda colaboración con Nouvel, desarrolló una colección denominada Katsinas: un set de cuatro variantes de una pieza modular cuyo concepto se remonta a las muñecas kachinas. Estas muñecas se originaron en pueblos del sureste de Norteamérica y representaban seres sobrenaturales que ayudaban a los nativos en sus labores cotidianas; eran representadas con madera cottonwood (madera seca de los ríos) con formas antropomórficas y rasgos animalescos.

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El escultor realizó primero las piezas en torno, donde trazaba sobre el polín de madera, la silueta de estas muñecas. Posteriormente se transformaron en volúmenes girados a los que agregó hilos y diversos elementos. “Para un proyecto de vidrio soplado esto era muy pertinente porque cuando haces un cuerpo girado, es más fácil hacer un soplado en molde. La pieza es de características escultóricas y de carácter utilitario, se puede usar de diferentes maneras, yo no he definido cuales son, pueden ser cualquiera… Yo veo con los mismos ojos el diseño, la artesanía, el objeto industrial y el arte; para mí es más importante que un objeto signifique y pueda contar una historia”, comenta Edgar. La colección se realizará en cuatro variantes de colores que probablemente sean intervenidas por piezas moldeadas y piezas torneadas en madera, aún por definirse. Habrá una edición limitada de ocho piezas y una primera producción de 100 piezas. Katsinas será lanzada primero en la feria Nueva York Now, a principios de febrero, donde Nouvel lanza sus nuevas colecciones dos veces al año. Con un constante cuidado de edición y calidad en sus piezas, Nouvel ha generado propuestas atemporales que mantienen su estética y valor con el paso del tiempo.

edgarorlaineta.tumblr.com nouvelstudio.com

Manos de artesanos expertos se unen a la técnica del soplado del vidrio para crear verdaderas obras de arte.


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SU ESPACIO

"¿Cómo describiría un espacio que es mío? Solo como un lugar que imprime muy bien las experiencias de mis viajes, de las piezas que he ido coleccionando y de cómo he querido juntar cada uno de esos detalles": Germán Velasco.


SU ESPACIO

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Estilo atemporal Afable como es, Germán Velasco nos comparte su espacio lleno de detalles en color y piezas únicas que son sus favoritas. Texto MARTHA LYDIA ANAYA

Fotos JOSÉ MARGALEFF

EN LAS TARDES, cuando los rayos del sol han caído y ya no son tan intensos, Germán suele sentarse en el sofá Ploum –un diseño de los hermanos Bouroullec, creado para la casa de muebles Ligne Roset– el cual acapara el centro del escenario en su sala de estar. Imaginamos que ahí, nuestro colega y amigo, editor de la sección Macrotendencias en Glocal y reconocido arquitecto e interiorista Germán Velasco, se deja abrazar por sus pensamientos y se da tiempo para disfrutar del espacio, la vida y de su traviesa perrita Kukka. “Siempre es algo complicado cuando ‘haces’ la casa de los demás y luego tienes que armar la tuya. Ahora y por varias circunstancias en las que me ha tocado reinventarme, esta es la tercera vez que hago mi casa y no quiero que se vea igual. Conservo piezas a las que les tengo mucho cariño, pero que en este nuevo espacio me gustaría colocarlas de una manera diferente. ¿Cómo describiría un espacio que es mío? Solo como un lugar que imprime muy bien las experiencias de mis viajes, de las piezas que he visto en ese sinfín de andanzas por el mundo y cómo he querido juntar cada uno de esos detalles para lograr que combinen en armonía”.

Acaso hay un estilo, un patrón, una moda que seguir –le preguntamos a Germán–, sin exageraciones él nos dice que, a su parecer, no tiene un estilo definido. “Siempre he dicho que me gusta más irme hacia lo atemporal, con una cierta inclinación a las piezas de ciertos diseñadores que admiro”. Y ya que toca el tema, no podemos esconder la mirada de uno de los clásicos del diseño industrial: la mesa Tulip de Eero Saarinen, una pieza de los años 50’s, que resalta en su comedor. “Curiosamente tengo varias piezas de la colección Tulip, que en su época se veían como propuestas futuristas e innovadoras. En un mismo espacio conviven la mesa del comedor y, en otro extremo, están las mesitas de centro. Al principio dude un poco en ponerlas juntas, pero veo que simpatizan bien y eso me gusta”, platica. “De mis piezas favoritas –agrega en su charla– está el dragón que cuelga en una de las paredes de la sala. Originalmente esa pieza eran dos jarras que juntas armaban un solo jarrón y que conseguí en un mercado de pulgas, lo que hice fue ponerle una caja museográfica y darle su lugar especial dentro de la casa por el trabajo artístico que representa. Otra de mis piezas predilectas son ‘las

caritas’ de los años 40’s que están en una repisa a un costado de la cocina. Pienso que son algo que en una época todo mundo tenía”. Germán opina que, a veces, es un poco complicado armar un espacio de dimensiones pequeñas. Sin embargo, lo importante es que el mobiliario y los accesorios estén bien seleccionados para que se integren con los demás ambientes de la casa y exista la combinación perfecta. Los colores, por ejemplo, son el gran detalle que se adueña del espacio de Germán, los cuales se hacen presentes en rincones particulares de su casa con accesorios únicos, como un tapete en tonos azules que está hecho con trozos de alfombra y que luce espléndido en su sala, su refrigerador Smeg con el diseño de la bandera inglesa que aviva su cocina o el mueble de tlapalería en amarillo con un poco de naranja que funciona perfecto en su comedor. “Soy muy inquieto y por eso tiendo mucho a andar cambiando cosas. Al final del día, me gusta traerme la computadora y trabajar en el comedor o sentarme a disfrutar de la tarde en la comodidad de un maravilloso sillón”, concluye. velascoarquitectos.com


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SU ESPACIO

Un lugar que imprime las experiencias de sus viajes, colecciones de objetos que se va encontrando en el camino y piezas Ăşnicas que son sus predilectas, como el mueble de tlapalerĂ­a en amarillo-naranja que convive en su comedor.


SU ESPACIO

OBRAS DE ARTE Y MOBILIARIO ICÓNICO COMBINA A LA PERFECCIÓN ENTRE LUZ NATURAL Y TONALIDADES VIVAS.

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ENTREVISTA

Curadora de emociones

Si algo se puede decir de ELIZABETH LERICHE es que su gusto se guía por la predilección hacia la ligereza, la suavidad y el humor. Entrevista GRETA ARCILA

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ENTREVISTA

Elizabeth va coleccionando infinidad de objetos durante sus viajes por el mundo, los guarda en una caja y luego los va sacando para armar sus escenografías.

Fotos cor tesía

COMO LECTORA DE LA SOCIEDAD Y DE LOS OBJETOS QUE ÉSTA PRODUCE, LERICHE ES UNA CREADORA NATA DE TENDENCIAS.


ENTREVISTA

LA DIRECTORA ARTÍSTICA a cargo de la coordinación de las escenografías, la selección de textiles y mobiliario e incluso como evaluadora de las tendencias propuestas en Maison & Objet 2017, llevada a cabo en enero pasado en París, se relacionó desde muy joven con muchas compañías que se vieron cautivadas por su sensibilidad y el manejo experto del color y los materiales para sus propuestas. Lo primero que quisimos saber al platicar con ella en Maison & Objet fue precisamente cómo se ha vinculado con esta feria de diseño: “Mi relación con el salón viene de muchos años ya, veinticinco para ser exactos. El proceso es sencillo, pues para cada uno se piensa en un tema específico y de ahí se propone una exhibición. En esta ocasión, me tocó a mí refinar el concepto del tema y luego diseñar la escenografía. Fue un trabajo interesante, pues este año en particular se presentó una idea muy rica en posibilidades. Se trató de capturar la naturaleza del silencio y no tanto como un mero estilo, sino como una visión social y de comportamiento”. Las sociedades actuales están demasiado conectadas con la tecnología, existen muchas fuentes de información y exceso de ruido. Esto genera desgaste y presión en las personas; así fue que Elizabeth se imaginó que sería necesario hacer una pausa, tener la oportunidad de la introspección y crear la idea de lo que era posible imaginar con el silencio como punto de partida. “Lo primero para mí –enfatiza la artista–, fue crear una escenografía con materiales a prueba de sonido como fieltro, dado que los textiles absorben el ruido. Muchas personas tienen este problema en sus departamentos y es posible darles solución utilizando alfombras, tapetes, cortinas y plafones de gaza. Esto es muy importante, incluso en áreas pequeñas porque para nosotros, como personas, siempre es importante tener un momento de intimidad y relajación”. Para nosotros todo lo que Elizabeth propuso para el salón de este año, tenía perfecto sentido. Entendimos su necesidad de crear la oportunidad de retraernos ante tantos hechos frenéticos y el ritmo acelerado de la vida cotidiana. Por eso, cuestionamos cómo era que ella percibía el mundo actual. “Hay demasiado consumismo, demasiada producción y esto es difícil porque estamos en una feria donde muchas de las propuestas se basan justo en producir y ofrecer productos para su consumo. Para mí, es importante imaginar otra solución y que esta contenga cierto grado de humor. A nivel mundial, el humor es un elemento que nos hace falta para generar estos espacios donde podamos reconfortarnos”, dice Elizabeth. Tomando en cuenta este panorama, ¿cuál es tu manera de seleccionar las piezas que participan en las muestras? –pregun-

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tamos–, a lo que ella respondió: “Es una tarea difícil porque la idea comienza siendo muy simple, minimalista incluso. ‘Menos es mejor’, eso me gusta. A partir de ahí, comienzo a imaginar un objeto bajo una visión de largo alcance; de alguna manera simbólica, pero que cree todo un paisaje imaginario para que ahí se desarrolle la creatividad. Luego, pongo un objeto y una foto de ese paisaje imaginario para que se vaya concretando la selección. Como viajo mucho, de cada uno de esos paseos traigo muchos objetos y los pongo en una caja; de ahí, voy sacando algunos y así es como los voy adaptando a los espacios que poco a poco voy creando”. Este proceso creativo requiere de serenidad y tiempo, “pero mi interés principal es generar una emoción en el observador. Yo trabajo con reacciones emocionales y ahí está mi propósito principal como creadora”, finaliza Elizabeth.

maison-objet.com/es

Los espacios deben reconfortar el alma. Siempre es importante tener un momento de intimidad y relajación.


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La escultora Hannes Van Severen y el fotĂłgrafo Fien Muller son los fundadores del estudio belga de diseĂąo Muller Van Severen.

ENTREVISTA


ENTREVISTA

HANNES VAN SEVEREN

ARTE para el día a día Cuando el énfasis de los muebles no se enfoca solo en la función y su diseño sugiere diferentes maneras de vivir y de cultivar el uso de los espacios vitales.

Retrato ®MirjamDevriendt | Fotos cor tesía

Texto CECILIA ÁVILA

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ENTREVISTA

La distinción entre el arte y el diseño se estrecha cuando la intención de los creadores no es producir una o la otra, sino simplemente crear y vivir.

“COMO UNA HOJA DE PAPEL que espera a que alguien se acueste en ella”, así describieron el diseño de su última colección de sillones los creativos de la firma de origen belga, Muller Van Severen, quienes realizaron estos originales asientos como parte del mobiliario de las casas del proyecto español Solo, (donde cada arquitecto y diseñador construye el hogar de sus sueños). La colección Wire S#, elaborada con una red de acero inoxidable, estuvo en exhibición en la galería Solo de París. La escultora, Hannes Van Severen y el fotógrafo, Fien Muller fundaron el estudio Muller Van Severen, donde suelen fabricar diferentes tipos de muebles. Glocal Design Magazine tuvo la oportunidad de platicar con Hannes sobre su nueva colección de sillones y otros interesantes temas. Uno de los retos a los que se enfrentan los creativos cuando se disponen a elaborar un nuevo objeto, es encontrar el balance entre funcionalidad y estética. Para Hannes este balance es muy importante. “En el estudio queremos crear algo que tenga una apariencia escultural y que al mismo tiempo sea funcional. Cuando agregamos algo al diseño tiene que tener sentido de una manera funcional”, comenta la artista, quien actualmente vive y trabaja en Ghent, Bélgica y que tiene una formación académica en Bellas Artes con especialidad en escultura. Para la pareja de artistas, quienes hicieron su debut en el mundo del diseño en 2011, es muy importante la relación que existe entre los materiales que eligen y el mueble u objeto que van a diseñar. Sus creaciones y diseños son una búsqueda constante para desarrollar muebles aún más interesantes desde un punto de vista escultural. En la colección Wire S# la idea de trabajar con una red de acero inoxidable surgió como una forma de acentuar los espacios abiertos de una casa y lograr, al mismo tiempo, que los sillones fueran adecuados para usarse tanto al interior como al exterior de ésta. “Puedes ver a través del objeto y apreciar la

arquitectura del lugar. La transparencia hace al objeto presente y ausente al mismo tiempo, mientras continúa siendo un objeto escultural”, dice Hannes, quien considera que, lo más importante a la hora de comenzar a diseñar algo nuevo es cuestionarse si a ellos les gustaría tener ese objeto en su propia casa o en su jardín. Para ella es una prioridad pensar como si ellos fueran su propio cliente y en lo que les gusta. Los materiales, la vida cotidiana, el arte, la arquitectura, el color y el diseño son las fuentes donde Hannes y Fien encuentran su inspiración para trazar y darle forma a nuevas ideas. Pero no sólo ahí, Hannes considera que la inspiración puede llegar a través de una extensa variedad de fuentes y que éstas, no siempre tienen una relación con el arte. “Algunas veces es difícil entender de dónde vienen las ideas, de repente te das cuenta de que tienes muy claro cuál es el siguiente paso a seguir. En un principio trabajamos una idea con muchas emociones y sentimientos, pero después tiene sentido concretar esa idea usando determinadas formas, materiales y colores”, relata la artista. Cada día de trabajo para Hannes es diferente, no puede decir que siga una metodología específica pues, desafortunadamente para ella, tiene que ocupar muchas horas de trabajo en cosas administrativas, hacer negocios también es importante para que el estudio sea rentable. “Algunas veces tenemos que enviar correos electrónicos, hacer archivos para concursos, atender juntas; otras, visitamos fábricas de materiales. Pero lo que más nos gusta son las horas que pasamos realizando un prototipo en el estudio y creando una nueva colección de piezas para una muestra en algún museo o galería”, finaliza.

mullervanseveren.be


Pieza angular del diseĂąo contemporĂĄneo


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Cada ícono, trazo e imagen responden a un intenso intercambio con su imaginario y entorno. El resultado: una gramática visual que se conecta de manera estrecha con la realidad. Entrevista MARTHA LYDIA ANAYA

Fotos JOSÉ MARGALEFF


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“Pese a la tecnología, el proceso minucioso de fabricación que tiene la Talavera se ha conservado como una de las más valiosas artesanías mexicanas”

LUEGO DE UNAS HORAS, de un trayecto desde la Ciudad de México hacia el Centro Histórico de la ciudad de Puebla, el equipo de Glocal Design Magazine tiene la oportunidad de sentarse y platicar con el afamado diseñador gráfico estadounidense Lance Wyman. Durante una breve charla, un exhausto, pero muy alegre Lance, nos platica acerca de su más reciente colaboración con Uriarte Talavera, que inició como un taller familiar creado por Dimas Uriarte y que aún, al día de hoy, hace cerámica de Talavera usando los métodos del siglo XVI. “Me gusta trabajar con las formas tradicionales y una de las mejores cosas que me ha sucedido al trabajar con Uriarte es que están reinventando la tradición. Parece paradójico, pero se pueden lograr muchas cosas al combinar el trabajo manual, la computadora, los materiales típicos y los de nueva creación. La Talavera, que es tradición pura, es una experiencia de aprendizaje nueva para mí. Sobre todo porque empleando todos los elementos anteriores y tomando en cuenta el hecho de que solo se pueden utilizar ciertos colores en la Talavera y con materiales específicos, tuve que aprender a respetar el formato tradicional y los procesos necesarios para mantenerlo así. Estoy aprendiendo a innovar y eso es maravilloso porque se puede hacer mucho con la Talavera, pero de manera diferente. Si fuera pintor, tendría el mismo problema y, como diseñador gráfico, tengo que aprender a hacer lo que mejor hago y traducirlo a la forma en cómo se trabaja la Talavera. A mí me encanta

hacer mosaico, me gusta hacer patrones y adoro la idea de hacer cosas que las personas pueden utilizar en sus casas, ya sea para ponerlas en los muros, en sus platos y copas”. Cuando le preguntamos cómo encuentra la inspiración para crear nuevos diseños. La respuesta de Lance es muy directa: “Para el diseñador, la inspiración usualmente se encuentra en resolver un problema. En mi caso, volviendo a la Talavera, ya tenía un problema que solucionar: ¿Cómo diseñar de una manera que funcionara con el método tradicional de fabricación? Ese fue el primer reto. El segundo es que me inspiro mucho en la calidad de los mosaicos de Talavera y en lo bien diseñados que están. Esto me llevó a proponer temas, algunos muy divertidos. Por ejemplo, el uso de formas tradicionales y convertirlas en animales, como pájaros o peces y cosas así. Estas soluciones saldrán al mercado y los mismos usuarios dirán si funcionan. Sus opiniones se convertirán en declaraciones arquitectónicas. De hecho, he trabajado con muchos arquitectos y creo que lo que están haciendo dentro de su corriente contemporánea se combina muy bien con la tradicional losa de Talavera. Tengo que aceptar que hay muchas cosas que me estimulan para crear y trabajar con este medio, y eso es genial. Además, yo colecciono Talavera desde antes de saber que existía Uriarte y que estaban en Puebla. Veía las piezas en la Ciudad de México sin saber que eran de ellos y ahora tengo una colección muy grande en Nueva York. Esto me hace pensar que es un gran ciclo que se ha


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Los talleres de Casa Uriarte, en Puebla, cuentan con la Denominación de Origen (DO4) desde 1992. Al día de hoy, su catálogo de diseños abarca los siglos XVI al XXI. En colaboración con Lance Wyman se ha creado una colección muy apetecible de colores vivos y trazos geométricos.

La técnica de cerámica vidriada es originaria de España, pero la ciudad de Puebla en México se cotiza como el mayor productor de esta artesanía en el mundo.


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ENTREVISTA

completado porque ahora se dio la oportunidad de que sean mis piezas las que terminen en las colecciones de otras personas”. ¿Existe alguna pieza que sea tu favorita? “En términos de interpretación contemporánea, me encanta el trabajo de la artista plástica Marcela Lobo y tengo varias de sus piezas en Nueva York. La conocí cuando tuve mi exposición en la UNAM y fue maravilloso encontrarla. También me gustan las piezas tradicionales, como los ‘plumeados’ que ves en casi todas partes.” Curiosamente, Lance ha desarrollado gran parte de su carrera profesional en México, donde ha hecho la mayoría de sus diseños más conocidos, como el logotipo de los Juegos Olímpicos de México 1968 y la gráfica institucional del Metro de la Ciudad de México, los cuales desarrolló bajo la supervisión del arquitecto Eduardo Terrazas, y la dirección del arquitecto de los juegos de la XIX Olimpiada, Pedro Ramírez Vázquez. ¿Te sientes cómodo con la cultura mexicana? −—le preguntamos—. “Me siento como un mexicano. Me encanta la comida, adoro la artesanía y lo prehispánico. Lo único para lo que soy muy malo es para hablar español. Mi español es muy peligroso, pero en realidad amo la cultura mexicana y he tenido mucha experiencia con ella desde hace mucho tiempo. Creo que inició con las Olimpiadas y desde entonces he quedado fascinado con el quehacer de los artesanos porque fuimos capaces de integrar el verdadero valor de los elementos culturales en la identidad de aquellas Olimpiadas. Por supuesto, aquella proeza se logró en buena parte gracias a Pedro Ramírez Vázquez. Para quien ha visto algo de su trabajo en los pabellones mexicanos de las distintas ferias mundiales, lo entenderá. Es muy admirable de él su capacidad de crear arquitectura contemporánea de mucha fuerza, pero sin perder de vista la esencia de lo mexicano. Creo que ese es el truco: expresar lo tradicional, pero de un modo contemporáneo. Es una integración consciente. No copias, pues tomas la sabiduría inherente y la aplicas en el diseño.” Luego de escuchar su comentario, lo siguiente que brinca en nuestra curiosidad es su opinión sobre los diseñadores mexicanos. ¿Crees que están haciendo un buen trabajo? −—le objetamos con mucho interés—. “Yo creo que sí. Con el paso de los años se han vuelto mejores porque se han involucrado más con su propia cultura. Ahora ya hay muchos más diseñadores formalmente educados y, claro, aunque no todos se dediquen al diseño, se han enriquecido con un lenguaje cultural de modo tal que si alguno se dedica a otro negocio, lo va a visualizar desde otra perspectiva.” Le contamos a Lance que la Ciudad de México va a ser nombrada como Capital Mundial del Diseño

“Me siento muy mexicano, me gusta la comida y la artesanía de este país. Lo único malo es mi español”

Lance ha hecho la mayoría de sus iconos más conocidos, como los de la línea del Metro de la Ciudad de México, en nuestro país. Aquí, el diseñador trabaja muy a gusto por el gran imaginario de nuestra cultura.


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El diseñador gráfico estadounidense se ha adueñado de la cultura mexicana con gráficos simples, que retratan la esencia de una ciudad.

Las imágenes de Wyman invitan a la reflexión y, al mismo tiempo, se convierten en un sistema de comunicación que evita la palabra escrita. La imagen del Camino Real es un diseño representativo en su trayectoria

Es interesante observar que aunque el metro se inauguró hace unos 45 años, la señalética no ha perdido vigencia.


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“México está viviendo un renacimiento importante en el ámbito del diseño”

Los pictogramas del creativo no necesitan texto, se comprenden por sí solos. Esa es la gran aportación de Wyman al mundo del diseño gráfico.

Monograma Vanity


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Las posibilidades son infinitas, sobre todo cuando se trata de crear. El diseño favorito de Wyman fue una de las propuestas de portada.

en el 2018. ¿Qué te parece? “Pienso que es bien merecido porque se ha hecho un verdadero esfuerzo para mejorar y estamos siendo testigos de un renacimiento del diseño en México. En octubre del año pasado formé parte del jurado del Abierto Mexicano de Diseño de la Ciudad de México. Yo hice el logo y las aplicaciones junto con Andrew Butler, y me di cuenta de que había un taller en donde los jóvenes diseñadores comparten su arte y comienzan a volverse más emprendedores. Ya no se están quedando ligados a las corporaciones o a las grandes agencias de diseño, sino que están haciendo cosas de manera independiente. Ahora están saliendo al mundo y haciendo sus propios proyectos. Además, con internet y las redes sociales creo que es posible que les sea más fácil tener éxito. Los mexicanos son emprendedores natos, tienen un buen sentido del humor y les ayuda su cultura. Eso no lo tengo yo en Nueva York. Para mí es más sencillo trabajar en México. Aquí, he desarrollado muchísima iconografía y me la he llevado a Estados Unidos. Hice los logos del National Mall y del National Zoo con pura iconografía. Esa experiencia ya la había tenido con el Metro de la CDMX y usé una expresión de esa idea para una parte del ferrocarril que corre de Santa Fe hasta Albuquerque, en Arizona, donde desarrollé iconos para todas las estaciones. Allá no se tiene una cultura tan centrada en un imaginario; tuve que revisar todas las culturas que se asientan a lo largo del recorrido para integrarlas y crear los iconos. Pero ustedes, los mexicanos, están mucho más integrados en su imaginario.” De cuando trabajaste en México en 1968. ¿Notas algún cambio? “Veo calidad, que también vi en aquel momento, pero es-

Lance dedica un momento de inspiración al equipo de Glocal, para quien diseña uno de los mosaicos de la colección de edición limitada de Uriarte Talavera.

condida y ahora está más a la superficie, es más visible. México se está haciendo cada vez más importante en la comunidad global y, ciertamente, es notorio por su diseño. Ya no solo es Diego Rivera pintando murales o arte precolombino hecho hace miles de años.” “Me avergüenza decirlo, pero el reto inmediato se llama: Donald Trump. Nosotros también tenemos que ponerle mucha atención, se trata de una situación atemorizante. Pero retomando el tema del diseño, me parece que se trata de lo mismo: poner atención en tu mercado si estás haciendo cosas para vender. En mi caso, cuando hice el proyecto para el Metro y dada su naturaleza tuve que enfocarme en el concepto de la Ciudad de México: su historia, su cultura, las referencias geográficas y lo que sucede en cada una de ellas.” ¿Tienes alguna opinión particular acerca de Donald Trump? “Sí. Me da mucho gusto ver que ustedes hagan piñatas de él. Nadie sabe lo que va a suceder. Lo que me da ánimo es que las personas se están mostrando más enérgicas. Él es absolutamente aterrador ¡para todo el mundo! No sólo para ustedes, sino para nosotros también. Todos tenemos que estar atentos porque no sabemos lo que va hacer, lo cual es bueno, pues nos mantendrá alertas”, concluye Lance, que en breve espera se publique un libro con sus bitácoras de diseño, el cual seguro será un referente para entender la cultura visual de nuestra época.

lancewyman.com uriartetalavera.com.mx

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En el caos urbano, hay casas que se viven por su arquitectura y rasgos interioristas. Texto KARLA RODRĂ?GUEZ


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Texto KARLA RODRÍGUEZ

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Conexión con lo natural CASA O CUATRO | MIGDAL ARQUITECTOS

Foto RAFAEL GAMO FASI Casa O Cuatro es la consecuencia de un plan basado en volúmenes geométricos puros y la continua búsqueda de una conexión con el ambiente natural. La división de sus áreas públicas y privadas, así como el cubo principal de esta, el cual aparenta flotar entre el resto de la casa, no dejan otra opción más que la de admirar a primera vista esta peculiar casa habitacional. Migdal Arquitectos, empresa con sede en la Ciudad de México desde 1989, hizo énfasis en el uso de piedra oscura en el exterior de la casa, excepto en el contorno de lo que resulta ser la habitación principal que luce limpia y ligera. Justo de esta, parte el resto de la distribución de los espacios. La casa se comunica a través de un corredor a doble altura que brinda iluminación natural a todas las áreas. Sin embargo, con el objetivo de evitar que el sol se convirtiera en un enemigo de los habitantes de Casa O Cuatro, fueron empleados voladizos en diferentes zonas para generar sombras.

La conexión entre el interior y el exterior de la residencia tuvo éxito gracias a las puertas y terrazas que dan una visibilidad continua de los espacios, apoyadas de los materiales pétreos utilizados y, una vez más, del jardín, que liga a ello las áreas públicas en la planta baja con grandes ventanales y en las que destaca la madera como elemento clave de calidez y elegancia. Cabe mencionar que estos materiales, además de vegetación en su máxima expresión, no solo fueron usados en el exterior, sino también a lo largo de toda la casa, incluyendo el sótano donde se encuentra un salón de juegos y el gimnasio, lo cual no genera ningún problema de monotonía, pues fueron adaptados a cada uno de los espacios para crear ambientes distintos y experiencias únicas.

migdal.com.mx


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VEGETACIÓN en su máxima expresión y materiales pétreos, que se fueron adaptando a cada uno de los espacios para crear ambientes distintos y experiencias únicas, hacen de esta casa un proyecto muy peculiar.


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Textura y tonalidad semidesértica CASA ZIRAHUÉN | INTERSTICIAL ARQUITECTURA


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Por su arquitectura y diseño interior, este proyecto comparte una experiencia que va más allá de la tranquilidad, alejada de preocupaciones, bajo un ambiente cálido y un sentido hogareño.

Foto MARCOS BETANZOS

En los últimos años, el estado de Querétaro ha permanecido latente en el crecimiento habitacional. Casa Zirahuén pertenece a un proyecto de dos casas unifamiliares ubicadas en Cumbres del Lago, del cual esta estancia residencial es la primera etapa. El taller Intersticial Arquitectura -conformado por Gildardo Olvera, Andrea Oliveros, María José Milke y Mauricio Salmón- buscó la forma de que ambas coexistieran de manera independiente, pero que simultáneamente tuvieran un lenguaje arquitectónico en común. El reto fue desarrollar estrategias para hacer uso de sistemas pasivos, métodos constructivos del sitio y un esquema comercial sensible en un complejo de contexto inmobiliario. Se decidió trazar un eje encargado de establecer una forma concreta para la distribución de la casa, cuyo resultado fue el siguiente: la planta baja es de carácter público y la planta alta de carácter privado.

Asimismo, el patio central desempeña un papel esencial de esta, pues es el área que hace circular el aire y provee luz a lo largo del inmueble. Algo que caracteriza a este proyecto es su facilidad para crear espacios habitables adicionales, pueden adaptarse de dos a cuatro habitaciones, una sala de televisión y diversos espacios exteriores que se suman a los ya establecidos. Y si la arquitectura de este proyecto, liderado por Ian Pablo Amores y Rodolfo Unda, impresiona a primera vista por sus alargados y puntiagudos muros en color arena que permiten visualizar el trabajo artesanal de los tabiques, el diseño interior, también diseñado a base de materiales naturales -madera y la flora que combina con el entorno desértico-, da una experiencia alejada bajo un ambiente cálido y un sentido hogareño.

intersticial.com.mx


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Optmizar los espacios RODIN 33 | LAB07

Foto ONNIS LUQUE Ubicado en la colonia Ampliación Nápoles de la Ciudad de México, Rodin 33 es un proyecto liderado por el arquitecto Carlos Marín, cuyas dimensiones del inmueble: 7.8 metros de ancho por 28 metros de largo fueron la variante de un reto que consistió en el aprovechamiento máximo del espacio, lo que concluyó en cinco departamentos, un garden house y dos roof garden. La oficina de arquitectura lab07, de la cual Carlos es fundador, decidió gestar un sistema estructural que permitiera a los habitantes de cada departamento gozar de una planta completa. Cada uno cuenta con una extensión al aire libre que se comunica con la estancia y el comedor, terraza contenida por una estructura de marcos rígidos de concreto aparente, que conforman la fachada y regalan a los usuarios vistas hacia el orien-

te de la ciudad y la oportunidad de mover el espacio interior desplazando la cancelería de un lado a otro. Además, para dotar de mayor iluminación natural a cada estancia, se diseñó un patio central al que todos los habitantes tienen acceso al igual que a los dos semisótanos donde se ubica el lobby, estacionamiento, cubo de elevadores, cuartos de máquinas, cisterna y bodegas. A pesar de no ser un inmueble de gran altura, sobresale de entre las casas que lo rodean, pues a sus dimensiones se suma la propuesta monocromática con luminarias cálidas que dan brillo a los pisos de madera, una combinación que atrae la mirada de quienes caminan por la calle Augusto Rodin.

lab07.mx


ENTREVISTA

La propuesta monocromรกtica con luminarias cรกlidas que dan brillo a los pisos de madera de las terrazas atrae la mirada de quienes caminan por la calle Augusto Rodin.

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Un bosque en la ciudad CASA S | PASCAL ARQUITECTOS

DiseĂąada en dos niveles y con vistas orientadas a un bosque de encinos que la rodea, esta residencia cumple su objetivo de no perder sus aires campiranos dentro de la ciudad.


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Foto MARCOS BETANZOS Abrazada por un bosque de encinos y sobre un terreno inclinado que termina en un arroyo, Casa S es una residencia diseñada en dos niveles por Pascal Arquitectos. “En ocasiones como arquitectos se nos presentan oportunidades únicas, como lo fue en este caso”, asegura el despacho mexicano, fundado por Carlos y Gerard Pascal. Y es que después de conocer diversos terrenos, al llegar al que ahora comprende la casa todo el equipo estuvo de acuerdo con que era el ideal. El recorrido por la casa, localizada en Huixquilucan, Edo. de México, comienza en una rampa vehicular que desemboca en la planta baja, donde se encuentran el vestíbulo de recepción, sala, comedor y cocina, la recámara principal y el despacho. Posteriormente, se desciende a la planta inferior que contempla un salón de juegos y dos recámaras. Lo que resulta ser una estructura arquitectónica de carácter neo racionalista, caracterizada por el uso de formas geométricas simples.

Ya adentro, madera de encino es el material más visible, pues cubre los pisos y compone gran parte del mobiliario, también diseñado por Pascal Arquitectos. La vestidura de sillas y sillones, por ejemplo, crea un matiz mediante tonos arena entre los que contrastan puntos estratégicos de color vibrante. Del mismo modo, fue seleccionada una colección de piezas en su mayoría de arte contemporáneo de artistas como: José Villalobos, Saúl Kaminer, Fernando Aceves Humana, Oris Robertson, Ricardo Martínez, entre otros, la cual no deja de brindar a Casa S un toque dinámico y relajado sin perder la cordura. Una característica que permite recordar el objetivo que el despacho liga con cada uno de sus proyectos: realizar obras sin basar el hacer en la especialización por tipologías.

pascalarquitectos.com


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Una vasta colecciรณn de arte contemporรกneo complementa los interiores, vestidos con madera de encino en pisos y mobiliario.

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Ubicada en la colonia San Ángel, en la Ciudad de México, Casa Frontera 12 es un inmueble de finales del siglo XIX, cuya renovación mezcla el significado de lo antiguo con lo nuevo.


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Más que una fachada restaurada CASA FRONTERA 12 | MIGUEL DE LA TORRE ARQUITECTOS

Foto CORTESÍA MIGUEL DE LA TORRE ARQUITECTOS El reto más difícil de este proyecto fue “crear un lenguaje que uniera las épocas de la casa y que se adaptara a las necesidades del cliente, quien solicitó que se conservaran los detalles significativos de la casa”, dice Miguel de la Torre, fundador del despacho de arquitectos. Uno de esos detalles es el vestíbulo, actualmente concebido como una pieza funcional y museográfica de la casa. A ello se sumó un segundo reto: recuperar la fachada, cuyas celosías, producto de una antigua intervención del arquitecto mexicano Manuel Parra, se encontraban casi perdidas por la falta de mantenimiento. De este modo, tomando en cuenta ambos puntos importantes, el equipo de Miguel de la Torre Arquitectos llevó a cabo un esquema denominado de “L” que permitió abrir la casa hacia el jardín y hacia el sur. La restauración e intervención de este permitió definir claramente la ubicación de los espacios que albergan en la casa. En la planta baja está el estudio y el comedor, entre los que se formó un patio con un jardín acuático que divide lo antiguo de lo nuevo; la estancia, ahora con doble altura y grandes ventanales; la cocina y las áreas de servicio. Pasamos al primer nivel de Casa Frontera. Aquí se encuentran áreas privadas como la recámara principal, área de tareas, cuarto de tv, un patio a modo de huerto

y dos recámaras más. Nuevamente el patio es parte fundamental del diseño, pues separa la recámara principal del resto de las habitaciones, otorgando así mayor privacidad y una tranquilidad envidiable. El segundo nivel fue dedicado a las visitas, quienes al llegar a la casa tendrán total privacidad gracias a que la habitación cuenta con patio propio y se convierte en algo más que una simple recámara, en un área de estar. Tanto para el diseño interior como para el de los demás espacios, se utilizaron los siguientes materiales: concreto enduelado aparente, madera ya existente y madera de nogal. Por otro lado, para los baños de la casa se usaron placas de mármol blanco para ofrecer la sensación de pureza y lograr una visión del espacio más amplia. Y finalmente, para la cancelería, el material elegido fue aluminio negro anodizado. “Los alcances de este proyecto no incluyeron el mobiliario de la casa, a excepción de la cocina que, desde su planeación, se pensó como una isla donde se desarrollaran todas las actividades que conlleva” en un ambiente relajado, menos formal, cuenta Miguel de la Torre.

migueldelatorre.com


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Un departamento cuya ubicaciรณn, en la planta baja de un edificio de tres viviendas, no es un obstรกculo para contar con vistas azules infinitas.


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Intimidad con luz natural DAKOTA 405 | VRTICAL

Foto CORTESÍA VRTICAL Dakota 405 combina dos necesidades: iluminación natural y privacidad. Fue desarrollado por Vrtical, un estudio establecido en México en 2014 y conformado por los arquitectos Luis Beltrán Del Río, Andrew Sosa y Ana Isabel Ruiz. Su visión aterriza en tres categorías: materialidad, mobiliario e iluminación; la cocina que invita y espacio introspectivo. Para la primera categoría fue necesario atender dos aspectos: el sonido y las texturas. Las áreas privadas cuentan con pisos de tablón de madera de pino con un sistema de bastidor tradicional con el propósito de generar sonido al caminar; así como sucede en el patio exterior, donde se usa el mismo material para exhortar a los habitantes a transitar descalzos. Por el contrario, en las áreas comunes los pisos son de mármol aurora que transmite elegancia, sin embargo, la invitación a caminar sin zapatos sigue existiendo mediante el uso de tapetes. Todos los muros de las extensiones del departamento fueron aislados de cualquier tipo de recubrimiento que privara su forma natural a base de tabiques y cemento, únicamente fueron pintados de color blanco para resaltar el tono madera de los pisos. Ligado a lo anterior, el mobiliario y la iluminación tienen influencia japonesa. “Buscamos que el grosso del mobiliario invitara a que uno se desenvuelva en una escala baja”, este aspecto se observa de manera precisa en los sillones y el diván que dan vida a la sala de estar. La cocina que invita, el segundo elemento, fue planeada y diseñada en dos secciones: la primera una barra de madera maciza y la segunda una isla cerca del comedor y la estancia, pues para los habitantes la cocina no es concebida solo como un área de producción, sino como un punto de encuentro que terminan en momentos largos de convivencia. El tercer aspecto: el espacio introspectivo, resulta atractivo por un patio con ventanales de cristal elaborados de forma artesanal que permiten la entrada de luz durante todo el día. Estos, al mismo tiempo, brindan privacidad a sus usuarios gracias al patio triangular subdividido en tres por muros de concreto al que desembocan, por lo tanto, la cocina, el baño y la recámara principal cuentan con patio privado.

vrtical.mx


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Conexiรณn con la naturaleza CASA O CUATRO | MIGDAL ARQUITECTOS Foto DIANA ARNAU Y ANA HOP


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Arquitectura sensible HAVRE 77 | AT103

Una obra que enaltece la labor de rescatar los espacios en estado deplorable y hacer de ellos puntos de convivencia social, factor determinante para el bienestar humano.

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Foto DIANA ARNAU Y ANA HOP Ubicada en la colonia Juárez, Havre 77 es una casa del siglo XIX que fue intervenida por el despacho mexicano at103 conformado por los arquitectos Francisco Pardo y Julio Amezcua, y que se une a dos de sus más recientes obras urbanas localizadas a corta distancia de esta -Havre 69 y Milán 44-; por lo que, al igual que estas últimas, este proyecto potencializa las acciones colectivas y reconstruye la historia de un edificio abandonado manteniendo sus antecedentes, en este caso, arquitectónicos. Para los jóvenes arquitectos, hablar de arquitectura dentro de un contexto urbano o mega-ciudades tiene que ver con la modificación de espacios humanos con una historia milenaria. “Hoy día las ciudades han crecido a un ritmo exponencial, y la arquitectura del siglo XXI tiene que readaptar esos lugares ya existentes -y a veces muy deteriorados por el paso del tiempo- a las necesidades de calidad de vida que buscan todas las personas para su día a día”. La transformación de esta casa consistió en hacer de sus interiores espacios que ahora alojan oficinas, áreas destinadas a coworking y dos restaurantes especializados en gastronomía francesa y japonesa con el objetivo

de, como comparte Francisco Pardo “responder a las necesidades sociales actuales”. Una estructura nueva de acero y hormigón de dos pisos se apoya a dos secciones, una superior y una inferior, del antiguo inmueble construido de ladrillo, dándole así una nueva imagen a este. El diseño interior evoca la presencia de diferentes épocas gracias a los acabados aparentemente imperfectos y a la paleta de colores empleada en las diferentes áreas del edificio; por un lado, tonos pastel y por otro, tonos mediterráneos. La selección de mobiliario y luminarias es, en su mayoría, de trazos sencillos y definidos, lo que contrasta con los altos muros tanto en los espacios internos como en los abiertos y las terrazas. Havre 77 es, sin duda, una obra que enaltece la labor de rescatar espacios en estado deplorable y hacer de ellos puntos de encuentro social, un factor determinante para la transformación del pensamiento humano.

at103.com


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Havre77 es un proyecto de reciclaje que revela una estrategia de barrio y construcciรณn de nuevas capas de historia entre la ciudad y las antiguas casas abandonadas.


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ESPECIAL GALERÍAS

Ferias y galerías contagian su interés por el arte y diseño hecho en México y el mundo. Texto MARTHA LYDIA ANAYA Y CRISTINA CRUZ


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Artesanía e industria Casa Gutiérrez Nájera Una galería debe provocar inquietudes. No importa que sus visitantes no sean del gremio, lo importante es que se enteren de lo que está pasando para que disfrute de los contenidos. Si algo tiene México es la gran ventaja de desarrollar proyectos totalmente artesanales y también muy industriales. Son dos corrientes que otros países no tienen. Aquí hay artesanos que saben hacer mimbre, porcelana, piel, usos en acero inoxidable; y al mismo tiempo, los procesos industriales en distintas ramas son de calidad excelente. Por eso, muchos diseñadores en México están contactando artesanos, aprendiendo de las técnicas y mezclándolas con su conocimiento de diseño. “En Casa Gutiérrez Nájera tenemos una pequeña colección de diseño mexicano que hemos ido haciendo desde finales de los 90’s con piezas que han sido parteaguas en la historia del diseño contemporáneo, como algunas de acero inoxidable de Bernardo Gomez-Pimienta o la lámpara gallina de Mauricio Lara. También tenemos nuestro espacio de Archivo y Diseño, con una colección privada abierta al público. Sin embargo, hace falta mucha más difusión para fomentar el coleccionismo de diseño, además de investigación y documentación de lo que se ha hecho en los últimos 15 o 20 años en México”, explica Carlos Torre Hütt, director de la galería queretana. Para él, más que nombres y apellidos, lo que debe representar a México son piezas funcionales, estéticas, con identidad y de extraordinaria manufactura.

Fotos cor tesía

casagutierreznajera.com

Más que nombres, a México deben representarlo piezas funcionales, estéticas y con identidad.

Calle 5 de mayo 114 La Cruz, 7600, Santiago de Querétaro, Qro.


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ESPECIAL GALERÍAS

Viaje hacia el arte-objeto Galería Mexicana de Diseño El coleccionismo en el arte siempre ha existido; hay muchos coleccionistas de obras como pinturas o esculturas, y que tienen un acervo interesante. La diferencia entre este y el coleccionismo de diseño, es que en arte son piezas únicas o ediciones limitadas y en diseño son producciones en serie. “Sin embargo, la línea entre uno y otro últimamente se ha hecho más delgada”, considera Carmen Cordera, fundadora de Galería Mexicana de Diseño en 1991, y con quien platicar siempre es un deleite por el viaje al que lleva a su interlocutor con sus historias y anécdotas sobre la historia del diseño en México. En su opinión, “ahora, los diseñadores han tratado de hacer piezas que van más hacia el arte-objeto. Ya no generan colecciones de hasta mil piezas, sino ediciones más pequeñas que dan cierta exclusividad”. En cuanto a diseño, el coleccionismo ha ido muy de la mano de Zona Maco, que este 2017 cumple 14 años de llevarse a cabo. Carmen refiere que “cuando entran esos pasillos de diseño en donde participan desde los más conocidos diseñadores hasta los jóvenes talentos y fábricas, se abre una ventana importante para el mundo creativo. Las primeras curadurías las hizo Ana Elena Mallet y las siguientes son de Cecilia León de la Barra, ambas han hecho un trabajo excelente”. Participar en Zona Maco es caro –un stand puede costar alrededor de unos 10,000 dólares, según cuenta Carmen–, pero lo importante es que muchos coleccionistas ya buscan este tipo de foros.

Havre 77, Piso 1, Cuauhtémoc, Col. Juárez, 06600, CDMX

Ahora los diseñadores tratan de hacer piezas que vayan más hacia el arte-objeto.

Fotos José Margaleff

galeriamexicana.info


ESPECIAL GALERÍAS

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Arte y diseño Ángulo Cero A pesar de que el coleccionismo de diseño aún no es tan fuerte en México como en otros países, en los últimos años ha crecido el interés por adquirir piezas únicas de diseñadores locales. En parte, esto se debe a la apertura de espacios dedicados exclusivamente a la promoción del diseño, así como a la presencia cada vez más fuerte de ferias y eventos que sirven como un escaparate de la producción contemporánea en nuestro país. “Aún hay un largo camino que recorrer por educar a los clientes potenciales y hacerles ver el por qué es importante invertir en esta disciplina, sin embargo, siento que vamos por el rumbo correcto”, enfatiza Montserrat Castañón, directora de Ángulo Cero, galería que ha posicionado el diseño y el arte latinoamericano en el ámbito internacional con piezas únicas y ediciones limitadas de talentos emergentes y consolidados. El reto principal es hacer que las piezas locales sean más valoradas por los coleccionistas mexicanos, demostrar que tienen la misma calidad que el diseño extranjero y vale la pena invertir en ellas. Así, la adquisición de piezas no dependerá tanto del interés de coleccionistas estadounidenses o europeos. También existe el desafío de mantener vivos los espacios actuales y hacer que sean aún más las ferias y eventos dedicados a la producción de diseño coleccionable, sin depender tanto del arte contemporáneo. Para Montserrat, los diseñadores mexicanos que estarán representando a nuestro país en cinco años son Liliana Ovalle, Fernando Laposse y Joel Escalona, todos con proyectos interesantes entre el diseño y el arte.

Fotos cor tesía

angulo0.com

El reto es que se multipliquen las ferias y eventos dedicados al diseño de colección.

Chihuahua 56, Segundo Piso Col. Roma Norte, 06700, Cuauhtémoc, CDMX


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ESPECIAL GALERÍAS

Fundada en 2001, Cristina Grajales Gallery es un espacio —de piezas únicas y ediciones limitadas internacionales— liderado por la misma Cristina Grajales, asesora y especialista en diseño contemporáneo y del Siglo XX. Al respecto de la selección de la obra, ella primero se enamora de las piezas y luego estudia la vida y obra de cada diseñador. “La colección es como un rompecabezas y cada pieza tiene que embonar bien; hay que escoger a los diseñadores que trabajan con nosotros muy cuidadosamente para que el rompecabezas esté completo y haya armonía”, afirma la artista, también responsable de haber adquirido en 2005, la pieza más cara del siglo XX del arquitecto Carlo Mollino —comprada en 3.7 millones de dólares—, un suceso nunca antes visto en la historia del diseño. “En estos momentos hay mucho entusiasmo por el diseño. Desde que empezaron las ferias y la participación de galerías de diferentes partes del mundo, los creativos han tenido una oportunidad de estudiar y aprender lo que pasa en otros lares; también los medios y el social media han hecho que el diseño sea parte de la conversación e incluso más asequible”. Para la décimo cuarta edición de Zona Maco, en Ciudad de México, Cristina Grajales Gallery está presente en la Galería de Arte Mexicano con la pieza Desde Adentro de Gloria Cortina.

cristinagrajalesinc.com

3rd floor, 152 W 25th New York, NY 10001, EU

Fotos cor tesía

Ferias y galerías Cristina Grajales


ESPECIAL GALERÍAS

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Contar historias Ammann gallery “Hay que distinguir entre el diseño industrial y el llamado diseño de colección, que es muy diferente. Normalmente, una empresa solicita diseñar una silla o una mesa con parámetros muy claros, donde la forma sigue a la función. Los artistas con los que trabajamos, en cambio, usan la forma de una silla, una mesa o una colección para contar una historia”, comenta Gabrielle Amman, fundadora de la galería. Ha colaborado con arquitectos, artistas y diseñadores como Zaha Hadid, Ron Arad y Studio Nucleo, entre otros. “Nos gusta mucho cuando arte y diseño se mezclan en las galerías, vemos un diseño contemporáneo absolutamente al mismo nivel que el arte”. Cuando se trata de la búsqueda de nuevos talentos, Gabrielle confiesa que en realidad no busca nada en particular: “Sucede que cuando hay piezas que capturan mi atención y mi ojo me vuelvo muy curiosa sobre la obra, quién está detrás de ella y cuál es su historia. Esto me sucedió, por ejemplo, con el trabajo en cerámica del joven artista mexicano Abel Zavala”. La galería se ha presentado en la feria PAD de Londres y París. Su reciente participación fue en Design Miami y en mayo estarán en Photo London, con un programa sobre la intersección de la arquitectura, el arte y el diseño.

Fotos cor tesía

ammann-gallery.com

La forma de una silla o de una mesa puede contar una historia, eso es lo que hacen los artistas.

Teutoburger Str. 27, D 50678, Cologne, Germany


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Designart Victor Hunt Designart Dealer Desde su comienzo en 2008, la galería se ha dedicado a la búsqueda y promoción de diseñadores emergentes a través de programas de exhibición y promoción internacional de objetos únicos y ediciones limitadas de diversas tipologías. El joven fundador y director, Alexis Ryngaert, explica sobre lo que ellos definieron como Designart: “Para nosotros, es la frontera entre el diseño, las artes aplicadas y otras disciplinas, pero siempre enfocándose a los objetos de uso”. Entre sus diseñadores se encuentran Johannes Hemann, Kwangho Lee, Tom Price, Sabine Marcelis, Commonplace Studio y mischer’traxler. Al respecto de la colaboración con los creativos, Alexis comenta: “El punto de partida es su trabajo, para posteriormente establecer cuáles serán los objetivos y dirigirlos a través de la producción y plataforma. Nosotros damos una retroalimentación de una previa dirección donde se generan interesantes opiniones, pero al mismo tiempo, libertad para que el diseñador fije sus propios objetivos para la edición”. Y como bien afirma Victor Hunt Designart Dealer: “La galería ofrece lo que la industria del diseño no puede”.

Designart es la frontera entre el diseño, las artes aplicadas y otras disciplinas enfocadas a los objetos de uso.

victor-hunt.com Rue de la Senne 40, 1000, Bruxelles, Bélgica


ESPECIAL GALERÍAS

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Materiales y proceso de diseño Patrick Parrish “Me atraen los objetos que trascienden y se mueven entre la estricta definición de arte o diseño. Hay una interesante tensión que sucede con estas piezas y creo que, por eso, me siento atraído por ellas”, comenta Patrick Parrish, fundador de la galería que lleva su nombre. Desde su apertura en el año 2000, cuenta con una amplia participación de nombrados diseñadores y celebridades. Su reciente colaboración es la exposición individual de esculturas en cerámica del artista Guy Corriero, titulada Heads, Arms, Forms, Holes. Al respecto de la colección y curaduría de piezas en la galería, Patrick afirma: “Debe ser honesto e innovador en su diseño y materiales. No importa si el material es plástico o concreto, pero requiere estar conectado con el proceso de diseño”; además de haber reunido peculiares colecciones de medio siglo: “La compra de piezas de época es más que un reto, ya que tienden a ocultarse de ti, mientras que las piezas contemporáneas te buscan. La clave es mantener siempre los ojos abiertos, mirar en los lugares más inesperados. ¡Siempre estar preparado para cualquier sorpresa!”.

patrickparrish.com

Para que una pieza trascienda no importa si es de plástico o concreto, pero sí que se una con el proceso de diseño.

50 Lispenard St. New York, NY, 10013, EEUU


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MA C RO TEN DEN CIAS Arte de la segunda portada por Jorge Medina con una pieza de Lance Wyman


M AR P ROFUN D O

Una inmensidad que invita a reflexionar, a perderse entre esas olas azulosas para reencontrarnos con nosotros mismos. No tener miedo de navegar hacia ese viaje de búsqueda interior y reconexión con el mundo exterior. SS17 Louis Vuitton | Floreros color Vase de Scholten & Baijings para Hay | Página izquierda: SS17 Luis Vuitton | Espejo y escritorio de Colección Opalina de Cristina Celestino para Tonelli Design | Mesa azul de Shaping Colors para Germans Ermics


Equilibrio Los elementos naturales tienen el poder de remitirnos a lo más básico, a nosotros mismos: a llevarnos a un estado mental de tranquilidad. A través de materiales, los diseñadores buscan transmitir liviandad y ligereza. Editor de sección GERMÁN VELASCO

Arte JORGE MEDINA


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A M A N C E C ER No existe un momento que inspire más que el sol naciente y los colores que van surgiendo durante las primeras horas del día. Así vemos flores en tonos suaves, pero sólidos; geometría básica y sinuosa a la vez; y texturas suaves, como el terciopelo en ropa, accesorios y mobiliario. SS17 Alejandra Quesada | SS17 Bimba y Lola | Luminarias y mesa de Formafantasma para Delta Collection | Sofá Roc de COR


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VOLC AN O Si queremos encontrar texturas sumamente expresivas y una vibrante gama de colores es en los lugares en donde la naturaleza se reta a sĂŹ misma. Los colores tierra son los protagonistas. SS17 Louis Vuitton | Reloj Rust de Ariane Prin | Aurea, Formafantasma para Delta Collection | Textura de fondo: The color of hair de Studio Ilio.


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TENDENCIAS | M&O17

Nostalgia Decó Texto GRETA ARCILA, INVITADA ESPECIAL DE MAISON ET OBJET 2017

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1 ANIMALES FANTÁSTICOS Los creativos tienen la virtud de saber cómo desconectarse de la realidad y encontrar mundos fantásticos en donde descubren personajes juguetones. Estas figuras dan el toque de diversión a un espacio o muchas veces son piezas pensadas para los pequeños de la casa. Al caminar por los pasillos de Maison et Objet vimos muchos animales o seres fantásticos. ¿Por qué? La respuesta es corta, pero muy relevante: porque son piezas para hacer felices a una sociedad deprimida. 1. Chipo de Zaven para CC-Tapis. 2. Animal Heroes de Lladró Atelier. 3. Primates de Elena Salmistraro para Bosa. 2

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2 TEXTURAS MELANCÓLICAS

Fotos cor tesía

Sí, el terciopelo está de regreso con mucha fuerza. Ese nostálgico textil que provoca ricas sensaciones al tocarlo o al usarlo fue utilizado tanto por marcas de vanguardia como por las más tradicionales. En esta ocasión, una de las firmas más buscadas por los pasillos de Maison et Objet, la irreverente casa editora de objetos La Chance, volvió a invitar a Alain Gilles para ampliar la oferta de la colección X-Ray. Ellos apostaron por el color amarillo, pero los verdes y azules también fueron protagonistas.


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TENDENCIAS | M&O17

3 UTILITARIO INTERVENIDO El valor de las artes decorativas tomó auge a finales del siglo XIX. Sin embargo, la búsqueda por un discurso más sencillo hizo que las piezas del día a día se volvieran incoloras y faltas de toda la imaginería que era utilizada en la porcelana europea o asiática. Afortunadamente, la revalorización de las técnicas de porcelana ancestral trajo consigo piezas que nos recuerdan las vajillas de Oriente aunque con una clara mirada a la iconografía actual.

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Blue Ming de Marcel Wanders para Vista Alegre.


4 CRISTALES CINCELADOS Las piezas de cristal magistralmente manipuladas logran crear una sinergia inexplicable en los espectadores y usuarios. Al ser Maison et Objet una feria dedicada al diseño objeto, se hicieron notorias las piezas de cristal intervenidas con cincel. La colección aquí presentada trata de una virtuosa colaboración del diseñador Noè DuchafourLawrance con la tradicional Maison Saint-Louis. Son 25 piezas en diversas aplicaciones que abarcan desde una vajilla hasta jarrones, candelabros, luminarias y mobiliario.


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CALIDEZ DESDE LA TIERRA

TENDENCIA DE HOY: maderas claras, grises, con formas geométricas o maderas recuperadas. Texto GRETA ARCILA

Fotos JOSÉ MARGALEFF

El uso de materiales nobles brinda a los espacios una calidez especial y más si se trata de la madera. Venir directamente de la tierra le otorga un espíritu sin igual. Sin embargo, obtenerla como la conocemos, en este caso para pisos, es hablar de un proceso largo de tratado. Primero, por la parte de preservar los árboles –las empresas responsables, como Admonter, plantan 10 árboles por cada tala y tienen cero desperdicio pues generan energía para su planta, el Monasterio Admonter y para el pueblo–; y segundo, porque obtener maderas de calidad y durabilidad requiere manufactura de alta tecnología de corte en los aserraderos.


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PAT RON E S GE OM É T RI COS Reinterpretando el clásico piso de parquette, pero con estética actual, diseñadores de empresas como Wermer proponen distintos patrones de diseños geométricos para espacios un poco más atrevidos en términos de dar la oportunidad a que el material sea un elemento importante de diseño del espacio en donde es utilizado. MAD E RAS GRI SE S Después de años de la utilización de pisos en colores obscuros, que eran maderas provenientes principalmente de África, diseñadores y arquitectos buscaron pisos que no hicieran tanto contraste con los demás elementos de diseño. Por lo tanto, comenzaron a solicitar pisos personalizados, pero el color gris era lo más requerido, fue así que se comenzaron a buscar distintas tonalidades de grises, pues estos colores dan cierto sentido de modernidad contenida.


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M ADERAS CL A R AS La inspiración del uso y diseño de estos pisos viene de los países bajos quienes, de 10 años a la fecha utilizan la madera en su estado más natural. Esta tendencia nació primero en el mobiliario para después continuar en los pisos. Antes de poner cualquier pigmento, la madera pasa por un proceso de ‘masaje’, se deja reposar para que descanse de todos los procesos anteriores –corte, secado, horneado, ahumado, limpieza de nudos, cepillado– y ya después cuando se aplican los tintes –obtenidos de piedras, semillas y resinas naturales para evitar toxinas dañinas–, absorben de mejor manera las tonalidades. El acabado mate se lo dan las ceras, también obtenidas de la naturaleza.


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M AD E RAS RE C UPE RADAS Empresas, como Altholz, recuperan madera de fábricas, rieles de trenes, casas antiguas o incluso vigas, obtenidas de países como Croacia, Eslovenia, Austria o Serbia. La madera pasa por un proceso de secado para quitar cualquier bacteria, antes de utilizarse, que tardar hasta 4 semanas. Éstas se utilizan más como elemento decorativo, regularmente las vemos más en muros y puertas, son muy populares entre diseñadores industriales que aprecian en ésta un material con mucho carácter y textura.

finefloors.mx


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MATERIALES

ESPACIOS IMAGINABLES

Texto MARTHA LYDIA ANAYA

Foto cor tesía

Paredes para escribir, materiales ecológicos y detalles en mármol o madera son lo nuevo en laminados.


MATERIALES

REVESTIMIENTOS DE MOBILIARIO

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Superficies prácticas, duraderas y elegantes con diseños inspirados en las últimas tendencias. Se ajustan a los desastres de la vida cotidiana y crean entornos funcionales y estéticos, acorde a los presupuestos

9302 Fantasy Marble LR

CON MÁS DE 25 AÑOS diseñando recubrimientos y laminados para hogares, oficinas, hoteles y casi cualquier espacio imaginable, la vicepresidenta de diseño de Formica, Renne Hytry Derrington, se ha topado con las ideas ‘más irreverentes’. “Nada es desechable, toda propuesta es bienvenida y mi trabajo es explorar las inquietudes de las personas para personalizar sus ambientes ”, dice la inquieta arquitecta, quien ha trabajado con colegas como Zaha Hadid, Bill Pederson, Michael Graves y Massimo Vignelli. El espectro de la industria del diseño es muy amplio, Renne se la pasa viajando, recorriendo las ferias de diseño más importantes del mundo con el afán de ‘detectar’ tendencias, de platicar con clientes y usuarios sobre cómo se imaginan vivir, trabajar y divertirse dentro de sus espacios. Toda esta actividad se transforma en una investigación constante, que origina nuevos diseños para revestir superficies en espacios comerciales y residenciales. La colección Formica Residencial, dada a conocer durante The Kitchen and Bath Industry Show 2017 (KBIS) realizada en Orlando, FL, en enero pasado, es una muestra de las últimas tendencias del diseño. En los hogares, la gente quiere revelar su personalidad, busca incluir superficies que se ajusten a su vida cotidiana y que les permitan crear entornos funcionales y estéticos. “Ya no quieren materiales ‘bonitos’, sino que también sean prácticos, durables y asequibles a sus presupuestos. Nuestra colección Formica Residencial de laminados cuenta con esas opciones de superficies resistentes para soportar los desastres y está diseñada para complementar los estilos de todo tipo”, enfatiza Renee, quien le roba inspiración a la moda, el arte, la arquitectura y la tecnología.

LA COLECCIÓN RESIDENCIAL INCLUYE: Formica Writable Surfaces (superficies para escribir) que permiten plasmar una expresión creativa y personal con la posibilidad de limpiarla cuando se desee. Cuenta con tres diseños diferentes: ImagiGrid, LoveWords y ColorBook, más un blanco clásico que ofrece un lienzo para cualquier cosa que la imaginación pueda soñar; además de dos superficies tipo pizarra: Gray ChalkAble y Black ChalkAble. Todas son ideales para ser utilizadas en habitaciones para niños, escritorios, salas de entretenimiento y cocinas. 180fx con una tecnología de alta resolución que expresa de forma muy detallada el mármol, granito y madera naturales en un laminado decorativo. Son cuatro diseños: Fantasy Marble, Azul Aran, Blue Flower Granite y Silver Flower Granite, que ofrecen una apariencia natural con un grado de precisión nunca imaginado. También incluye siete diseños de laminado estándar: White Bardiglio, Silver Shalestone, Geriba Gray, Star Dune, White Marble Herringbone, Silver Oak Herringbone y Planked Urban Oak, inspirados en los colores neutros y piedras. dECOLeather que es un producto amigable con el medio ambiente. Está fabricado a partir de piel reciclada –70% de residuos de piel, proveniente de la industria del calzado y de asientos para autos–. Su gama de colores: Mahogany, Chocolate, Coal, Grey Thunder, Fire, Bianco, Antique Grey, Ivory, Antique Black, Chestnut, Toffee, Paloma Grey, Burgundy, Casino Royal, Moon, Coastal, Java y Emerald puede tener tres acabados diferentes: la apariencia exótica del cocodrilo, la calidez de la morsa y el notable búfalo salvaje.

www.formica.com/es/mx

9306 White Bardiglio LR

9307 Silver Shalestone LR

9313 ImagiGrid LR


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COLUMNA | ART&DESIGN

¿Crisis en el mercado de arte? Texto MARTHA LYDIA ANAYA

Ilustración NELOS CISNEROS

DICEN LOS EXPERTOS que para comprar arte debe haber tranquilidad y lo cierto es que, en estos momentos, los coleccionistas no están de ánimos muy calmados. Con Trump como protagonista de los titulares de los periódicos y de las noticias en todo el mundo, los analistas solo auguran: miedo, que en el mejor de los casos podría tomar la forma de una próxima crisis financiera global a la vuelta de la esquina. La primera pregunta es si realmente el nuevo presidente de los Estados Unidos estará tan loco como para aplicar su descerebrado programa de gobierno o si solo se trataba de exabruptos populistas para lograr su objetivo de ser ‘el elegido’ y, una vez en la silla presidencial, revisará y moderará sus políticas. La segunda interrogante es qué sucederá en caso de no rajarse y cumplir a rajatabla con sus promesas. De ser así, Trump podría dinamitar los frágiles pilares de la recuperación mundial y propiciar una nueva recesión global. Lo peor del caso es que este ‘miedo’ a no saber qué es lo que sucedeá supone preocupación, incertidumbre, especulación, pánico… lejos de ayudar se convierten en factores que se irán apoderando de los mercados internacionales y tarde o temprano terminarán por afectar a otros escenarios, como el mercado del arte. Cuando la gente está intranquila, el arte pasa a un segundo plano. El simple miedo a viajar, por ejemplo, hace que muchos coleccionistas no va-

La especulación afecta a los mercados de todo el mundo, y el arte no es ajeno. Si el ánimo de los coleccionistas no está tranquilo, no compran. Esperar parece ser la clave cuando se habla de una crisis. yan a las ferias más importantes del mundo y por ende que no compren. De igual manera, el desconocimiento del futuro inmediato crea un clima que no es precisamente el más apropiado para que a las galerías les vaya bien. Esperar es la palabra que más se escucha cuando se habla de una posible crisis. Esperar a ver cuánto dura la especulación, a ver cómo reaccionan las bolsas internacionales, a ver cómo se desarrollan los mercados. ¡Estamos a la expectativa! En el tema de las ferias de arte y de diseño más importantes del mundo, estas podrían ser las más perjudicadas por las circunstancias. Por ahora no se ha tenido noticia de alguna cancelación, pero apenas estamos arrancando el año y algunas de ellas, como Salone del Mobile Milano (4-9 abril), Art Basel (14.18 junio) y London Design Week (1624 septiembre)–que son un referente obligado en

mobiliario, arte, accesorios y objetos de diseño–, aún se están organizando. En Maison & Objet, celebrada en enero pasado en París, Francia, los amantes del arte y diseño no dejaron de mostrarse interesados, quizá la asistencia no fue como la de otros años, pero sin duda esta feria internacional rescató el optimismo del mundo creativo. Son los artistas, los talentos jóvenes, las nuevas generaciones, los diseñadores, quienes nos alimentan el alma con sus propuestas y las ‘ideas locas’ con las que nos sorprenden en esos foros. Lo curioso es que esos proyectos están muy aterrizados no solo en las últimas tendencias de diseño, sino también en el uso de materiales amigables con el medio ambiente, el valor del detalle artesanal y en el rescate de culturas milenarias. Vale la pena puntualizar en este último referente, en el que México tiene mucho que aportar al mundo con sus tradiciones, su bagaje histórico y cultural, y su exquisita mano de obra artesanal.

Martha Lydia Anaya


COLUMNA | ENTRE PASILLOS

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En el silencio está todo Texto GRETA ARCILA

Ilustración NELOS CISNEROS

Y SÍ, LAS DISCIPLINAS CREATIVAS –sensibles y alertas en cada momento a ellos y al mundo–, llevan años pidiendo paz. Años, días, meses… viéndose a sí mismas sin encontrar un eco que los identificara con su yo: ese ser que les hace crear piezas –en este caso, llamémosle ‘objetos’–, que hablarán de esa sociedad que está plena consigo misma ante la nada (y el todo); esa que pide con la mirada un momento para sí y para encontrarse en los ojos del otro y saberse infinitos. Tuvimos décadas en medio del ruido y del exceso de formas que, después de un decadente minimalismo, trataron de imponer color por color, forma por forma: la nada estridente. Sin embargo, ya se hacían presentes también desde unos años, propuestas en donde se evitaba el uso de materiales de procedencia industrial al tiempo que los creativos buscaron regresar a sus raíces, claro está, sin perder el radar los beneficios que ha traído la globalización en términos de comunicación e intercambio de ideas. Es decir, las nuevas generaciones de diseñadores supieron dar un paso atrás, cerrar los ojos y reencontrar ese estado puro en donde materia y espíritu comulgan. Y como gran lector de su mercado, la institución que es Maison & Objet pone en el radar de todos los visitantes ese momento creativo: El Silencio. Para esto, Philippe Brocart, director general de Maison et Objet, invitó a la directora artística Elizabeth Lariche quien se ha desenvuelto en el mundo de la moda, diseño, estilismo, entre muchas otras disciplinas. Ella, con su ojo experto,

Tuvimos décadas en medio del ruido y del exceso. Hoy buscamos regresar a nuestras raíces y reencontrar ese estado puro en donde materia y espíritu comulgan: el silencio. fungió como curadora de la exposición que año con año se encuentra al final del Hall 7, mismo que es conocido por alojar la vanguardia del mundo de las artes decorativas. Ella comenta: “El Silencio fue un tema inminente por los cambios sociales, culturales y políticos que ha tenido el mundo en las últimas décadas. En una sociedad donde las imágenes cada vez son más abrumadoras, existía una necesidad indiscutible de descansar de todo. Estas tendencias fueron las primeras señales que anunciaban esa necesidad vital de la simplicidad y el resurgimiento de valores fundamentales; eso es lo que constituye el verdadero lujo de nuestra era”. Sin embargo, la intención de Lariche no es para alarmarse; al contrario, el mensaje es positivo: silencio y equilibrio —son en sí soluciones hechas producto—, que diseñamos para nosotros

mismos. El silencio es crucial para la meditación y permite tener una mejor perspectiva de todo el conjunto que somos como humanidad. Y sí, el tiempo que tomamos para nosotros mismos es el secreto para nuestro propio equilibrio. Es un estado donde dos fuerzas, a veces contradictorias, se anulan y llegan a una armonía que todos anhelamos. El recorrido de la exposición es simple: “Nos parecía obvio que el principio de nuestra historia tendríamos que tener una sala que ejemplificara este sentimiento de saturación de imágenes. Al entrar en la habitación, los visitantes son expuestos a pantallas de video y de televisión con un sonido apabullante. Después atraviesan por un túnel para estar inmersos en el silencio y descubran lo valioso que es… al salir de ese pasillo, se expone ante sus ojos la palabra silencio, una instalación de la artista plástica Dominique Blais, la cual explora una sucesión entre habitaciones y recesos, lo que ayuda a los visitantes a llegar a un estado donde pueden soñar despiertos y participar de la introspección. Vivir el lujo del silencio y algunos entusiastas tienen la oportunidad de escucharse ellos mismos. El itinerario termina con la librería –el perfecto ejemplo de un espacio silencioso–lleno de libros blancos y piezas expuestas hechas a mano por maestros ceramistas”...

@arcilagreta


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COLUMNA | DESDE LA HISTORIA

¿Qué es arte-objeto? Texto FORTUNATO D’AMICO

Ilustración NELOS CISNEROS

EN ITALIA la revolución industrial cambió en unas pocas décadas los escenarios clásicos que durante siglos fueron el telón de fondo de la vida de los italianos, borrando en un breve periodo de tiempo el sistema consolidado de artefactos que se había desarrollado a lo largo de los siglos. Italia es un territorio marcado por la presencia de construcciones antiguas, que se remontan al Imperio Romano, la Edad Media, el Renacimiento, el Barroco, el Neoclasicismo y el Historicismo. Leonardo da Vinci, Benvenuto Cellini, Antonio Gentili da Faenza, Pietro Piffetti, junto con muchos otros, son los firmantes de algunos de los objetos más importantes que se conservan en las colecciones y museos de todo el mundo. El arte italiano es un patrimonio conformado por pinturas, esculturas, muebles, estatuas, joyas y objetos diversos creados por artistas-artesanos de todas las épocas que tradicionalmente fueron dejados como herencia y custodiados en los palacios y mansiones señoriales y más tarde burguesas, aunque las pertenencias de los antepasados se ubicaban también en las residencias más modestas y populares.


COLUMNA | DESDE LA HISTORIA

Con la llegada de la industria, el objeto pierde los atributos de valor previamente adquiridos para diluirse en la generalidad de la nueva filosofía de la mercancía para el consumo. El arte se divide en dos direcciones: una orientada a la industria, la otra hacia una dimensión autónoma e individual, cada vez más separada de la relación con la vida práctica cotidiana. Es una fractura que dejará huella durante dos siglos. La habilidad manual del artesano y el artista es sustituida por máquinas automatizadas, programadas para la producción en serie. Cambian los supuestos que regían el trabajo creativo y el desempeño de sus productos. Esta actividad, una vez caracterizada por el compromiso de diseñar cosas que serían conservadas con cuidado para transmitirlas a futuras generaciones, se dedica a apoyar la economía del consumo. En total oposición a este enfoque industrial se extenderá entre los artistas la idealización de un arte más abstracto, libre, menos tangible, con una expresión conceptual más poética que la anterior. Solo hacia el final del milenio, con la llegada de las tecnologías de la tercera revolución industrial que permiten un cierto grado de personalización de los artículos, estas dos formas en sus excesos intentarán reconectarse en forma híbrida. Sin embargo, el siglo XX es un periodo lleno de vida, en el que la creatividad del arte y la industria se cruzan repetidamente. La última llamada a la mediación entre el pasado y el presente es, sin duda, la del Art Nouveau, como es evidente a través de las propuestas de Ernesto Basile, Carlo Bugatti y Eugenio Quarti. Pero es el futurismo el que propone una clara ruptura con la historia, portador de valores estéticos derivados de los paradigmas de la electricidad y de las máquinas. El manifiesto Reconstrucción Futurista del Universo, escrito por Giacomo Balla y Fortunato Depero, no deja duda sobre el proyecto de transformación del alma del movimiento que pronto influenciará el arte de todo el mundo a principios del siglo pasado. La mercancía, con su fuerza de atracción, invade progresivamente el mundo, se convierte en un elemento de la nueva situación social, en una alegoría de la modernidad. La subversión artística defendida por Marcel Duchamp con el urinario Fontana (1917), aclarará la necesidad de consolidar la relación entre el arte y la producción industrial, desencadenando así el nacimiento del diseño.

En total oposición al enfoque industrial se extiende la idealización de los artistas por crear obras más poéticas y más abstractas, las cuales nos lleven de vuelta al valor del arte y no al de las mercancías de consumo. Será difícil separar esta combinación en las siguientes décadas, alterada por la supremacía con respecto a la estética asignada a la moda a principios de los años ochentas. En la transición hacia la identificación del objeto moderno, la obra de Gio Ponti es esencial, no solo por su sensibilidad para filtrar los contenidos culturales y tecnológicos que integran la artesanía con la industria de la decoración, sino también por la capacidad de interpretación a través de la revista Domus, que marcó la estética moderna de esas décadas. Bruno Munari en 1948 funda el MAC (Movimiento Arte Concreto), para evidenciar la convergencia existente entre el arte, la ciencia y el diseño. Carlo Mollino, los hermanos Castiglioni, además de Marco Zanuso y otros diseñadores, comenzarán a dar forma a los nuevos objetos de la modernidad en boga después de la Segunda Guerra Mundial, cuando el radio y la televisión se convierten en los mitos de la actualidad. El movimiento artístico del Arte Pobre, en los años sesenta, reactiva otro enfoque: los object trouve de Marcel Duchamp, y con ellos la crítica a la sociedad de las mercancías. Entre los artistas del grupo promovido y curado por Germano Celant, Michelangelo Pistoletto continúa el estudio analítico sobre la memoria, el espacio y sus contenidos, ya iniciado con los Espejos y continuado con la Venus de los Trapos y los Oggetti in Meno. A principios de los años 80’s, el Grupo Alquimia, fundado por Alessandro Mendini, y el grupo Memphis, fundado por Ettore Sottsass y Michele de Lucchi, transformaron la estética del diseño creado por el boom económico italiano e inauguraron así la era de la postmodernidad, inspirándo-

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se en el pasado y animando a los objetos con colores y audaces combinaciones de formas. En los años noventa, cuando las fronteras entre el diseño y la moda se volvieron imperceptibles, y el mundo de las mercancías y de los objetos se hundió en el ciclo del vertido de desechos, Roberto Fallani elabora una poesía excéntrica, exaltando los engranajes de la maquinaria, reelaborando un lenguaje que mezcla lo arcaico y el futuro y propone objetos de arte hibridados por el diseño. Pero fueron los objetos de Maurizio Catellan, con su enfoque profundamente publicitario, los que revelaron la ridiculez de las afirmaciones difundidas por la combinación italiana del diseño y de la moda, que prometían una calidad idílica de la vida mediante la combinación de la tecnología con la estética, pero sin ninguna evaluación crítica de los procesos productivos y sociales. La crisis internacional que afecta ya desde hace más de una década a Occidente ha alterado el funcionamiento de los mercados, reduciendo drásticamente el consumo de bienes y, por lo tanto, la tendencia hacia la adquisición de objetos. Hoy domina entre los consumidores una creciente percepción de ausencia, de vacío, de espacio liberado que se manifiesta no solo a causa de la falta de objetos, sino también por una deficiencia interior. Es una circunstancia que el artista y fotógrafo Giovanni Gastel logró comunicar bien en algunos reportajes fotográficos que realizó para revistas de decoración de interiores y de moda. La necesidad de cambiar el modelo de vida que durante más de un siglo se ha orientado al consumo de objetos y a la destrucción del ambiente es hoy una actitud común para muchos creativos. Maby Navone, artista recientemente fallecida, es un ejemplo de una militancia artística orientada a la práctica de un arte de denuncia. Durante más de treinta años, cada mañana bajó a caminar en la playa cerca de su casa para recoger los residuos de plástico que el mar devolvía a la tierra firme. La acumulación y clasificación de estos residuos más tarde le permitió crear obras de arte y regenerarlos para otra función: lo que antes era solo un desecho contaminante se convirtió en un objeto artístico. Esta tendencia es más solicitada por las nuevas generaciones tienen una conciencia diferente en comparación con las generaciones que pronto deberán sustituir.

@FortunatoDamico


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Pág. 48 CORNERSTONE OF CONTEMPORARY DESIGN LANCE WYMAN AND HIS TRACKS IN MÉXICO Every icon, every line, every image… responds to an intense exchange with his image bank and his surroundings. The result: a visual grammar that intimately connects with the local reality. Interview Martha Lydia Anaya Portrait José Margaleff Images CourtesyTalavera Uriarte and Lance Wyman After a few hours in a trip from México City towards the Centro Histórico at Puebla City, Glocal Design Magazine’s team has the chance to sit and have a conversation with Lance Wyman, the acclaimed American graphic designer. During a brief chat, an exhausted but quite happy Lance tells us a bout his most recent collaboration with Uriarte Talavera, which began as a family workshop created by Dimas Uriarte and that even to this day, keeps fabricating Talavera ceramic using the 16th Century methods. “I like working in the traditional ways and one of the best things that has happened to me while working along with Uriarte is that they are reinventing the tradition. It might seem paradoxical, but a lot of things can be achieved by combining manual labor, computers, typical materials and those newly created. Talavera, which is pure tradition, is a whole new learning experience for me. Especially because by employing all the elements previously mentioned and taking into account the fact that only certain colors an specific materials can be used in Talavera, I had to learn to respect the traditional format and the necessary processes to keep it that way. I am learning to innovate, which is wonderful because a lot can be done with Talavera, but in a different way. Were a painter, I would have the same problem, and as graphic designer, I have to learn to do what I do best and translate it to the way Talavera is made. I love doing ceramic tiles, I love making patterns and I adore the idea of making thing that people can use in their house, be it for them to be placed on their walls, in their plates and cups, or some other kind of ornaments.” When we ask him how he finds inspiration to create new designs, Lance’s answer is quite direct: “For the designer, inspiration usually is found in solving a problem. In my case, returning to Talavera, I already had a problem to solve: how to design in such a way that would work with the traditional production method? That was the first challenge. The second was that I get very inspired by the quality of the Talavera mosaic tiles, and in how very well designed these are. This led me to propose themes, some of them very fun; like the use of traditional forms and turning them into animals such as birds or fish for example. These solutions will be on the market and the users themselves will judge if they work or not. His opinions will become architectural statements. In fact, I have worked with plenty of architects and I believe that what they are doing within their contemporary trend combines very well wit the traditional Talavera tiling. I must accept that there are many things that stimulate me into creating and working

with this medium, and that is awesome. Besides I collect Talavera way before I knew about Uriarte’s existences and that they were located in Puebla. I saw the pieces in México City without knowing they were theirs, and now I have an extensive collection back in New Nueva York. This makes me think that it a grand cycle that has become complete because now the opportunity has presented itself for my pieces to be the ones that might end in other individuals’ collections.” Is there a piece that he considers his favorite? “In terms of contemporary execution, I love the work done by plastic artist Marcela Lobo and I have several of her pieces back at New York. I met her when I had my showcase at UNAM and it was marvelous to find her. I also very much like traditional pieces, such as the ‘plumeados’ that you can see in almost every piece by any of the many artisans. Curiously, Lance has developed a major portion of his career in México, where he has developed most of his most wellknown designs such as the logo for the México 1968 Olympic Games and the institutional graphic identity of the México City subway system, which he developed under the architect Eduardo Terrazas’ supervision, and under the direction of the architect and organizer of the 19th Olympic Games: Pedro Ramírez Vázquez. We ask him: Do you fill comfortable with Mexican culture? “I feel like I’m a Mexican, too. I love the food, I adore artesanía and the Pre-Hispanic elements. The only thing I am pretty bad at is speaking Spanish. Mi español es muy peligroso, but I really love Mexican Culture and I have had plenty of experience with it for a long time, now. I believe it began with the Olympics and I was fascinated with the artisans’ craft ever since because we were capable of integrating the true value of the cultural elements in those Olympic Games’ identity. Of course, that feat was achieved thanks to Pedro ramírez Vásquez’s, for the most part. For anyone who has seen some of his work in the Mexican pavilions in the various World Fairs, they will understand this. His ability to create very powerful contemporary architecture, but one that does not loose the essence of what is Mexican, is quite admirable. I believe that is the real trick: expressing the traditional, but in a contemporary way. It is a conscious integration. One is not copying something, for we take the inherent wisdom and then apply it to the design,” After listening to his comment. The nest thing that piques our curiosity is his opinion about Mexican designers. We ask him with visible interest: do you believe they are doing a good job? “I believe they are, yes. With the passing of time they have become better because they have involved themselves a lot more with their own culture. Now, there are many designers formally trained and, of course even when not all of the dedicate themselves to design, they have developed a richer cultural language in such a way that if anyone of them makes a career in another field, they are going to visualize it from this other perspective.” We tell Lance that México City is going to be named World Design Capital in 2018. How does he like it? “I believe it is well deserved because a real effort has been made to improve and we are witnessing a renaissance of design in México. This last October I was apart of the jury for the México City’s Abierto Mexicano de Diseño (Mexican Design Open). I made the logo for the event as well as the applications together with Andrew Butler, and I realized that there was a workshop where young designers share their craft and they become more entrepreneurial. They are no longer staying linked to the corporations or the big design agencies, buy they are independently making things. Now they are going out into the world and developing their own projects. Besides, with the Internet and social networks, I do believe that it is possible for them to become successful with relative ease. Mexicans have a very peculiar entrepreneurial vein and they are born merchants, they have a great sense of humor,

and their culture helps them. That is something I don’t have back in New York. For me it is simpler to work in México. Here, I have developed huge amounts of iconography and I have taken it back to the United States. I made the logos for the National Mall and the National Zoo only with pure iconography. That is one experience I had already had it with CDMX’s Metro and I used an expression of that idea for a part of the railway running from Santa Fe to Albuquerque, en Arizona, where I designed icons for all the stations along the railway. There you do not see this culture so centered in a particular imagery; I had to go through all the cultures settling along the railway in order to integrate them and create the icons, which was very interesting. But you, the Mexicans, are much more integrated in your own imagery.” So, we ask him about how since the time when you worked in México, back in 1968, up to now, does he notice any sort of change. “I see quality, that I also saw yet more hidden at the time and now it is closer to the surface, more visible. México is becoming ever more important in the global community, and it is certainly noted for its design. It no longer is Diego Rivera painting murals or Pre-Columbian art done thousands of years ago.” “I am ashamed for saying it, but the immediate challenge you face is called Donald Trump. We must also pay close attention, as it is a frightening scenario. But going back to design, it seems to me that it is all about the same issue: paying attention to your market if you are making sellable goods. In my case, when I developed the project for the Metro system, and give its nature, I had to focus in México City’s concept: its history, its culture, geographic references and what goes on in each one of them.” Intrigued we delve a bit further and ask him of he has a particular opinion regarding Donald Trump. “Yes. I am very pleased to find out you are making piñatas in his image. No one knows what will happen. What cheers me up is that people from all over the world are showing to be more determined. He is something awful, for the world at large! Not only for you, but for us, too. We all have to be attentive because we don’t know what he is going to do, and that is a good thing, as it will keep us on the alert,” Lance concludes telling us he is waiting for a book with his designed logs to be published soon, which will surely be a reference for understanding the visual culture of our age.

Pág. 41 ELIZABETH LERICHE: CURATE DESIGN TO GENERATE EMOTION If something can be said about Elizabeth Leriche is that for many years, be it working as a concept designer, scenographer or art director, her taste for joy and the well being of the people experiencing her creations, is guided by her predilection for the concepts of lightness, softness and humor. Interview: Greta Arcila


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Participating in our annual date with the international forum that is Maison&Objet 2017, the Glocal Design Magazine team had the chance to seat and chat with the art director in charge of coordinating the scenographies, the selection of textiles and furniture, and even as a reviewer of the trends that would be presented at the salon, year after year. Renowned as one of the greatest specialists in style, Elizabeth began her career dedicating herself to the creation of textiles. After graduating from the Ecole du Louvre and a short stint as an apprentice to decorator Agnès Comar, she was soon called to collaborate with the firm Agence Nelly Rodi in their then revolutionary concept that was the department dedicated to home and the art of living. When she finished her work there, she immediately created her own firm and with it, Leriche began her relationship with several companies that were captivated by her sensibility and the expert use of color materials for each one of her proposals; among these firms we can point out: 3 Suisses, Roche Bobois, Asiatides, Le Printemps, the Bijorhca salon and various other textile manufacturers, who trust her serene and comforting style. The first thing we wanted to know about was the nature of her relationship with Maison&Objet, and she told us: “Well, mi relation with the salon goes back a long way, almost 25 to be precise. The process is simple because for each one we create a specific theme and an exhibition is proposed. On this occasion, it was me who got featured. I worked with Francois to refine the theme’s concept and, later on, I worked alone in the scenography design. Maison&Objet’s particular case is very interesting because we have a lot of freedom to imagine how to deal with the theme. This year in particular we presented an idea full of possibilities because it deal with capturing the nature of silence, and not only as a mere style, but with a social and behavioral focus. Especially because in our contemporary societies, we are overly connected, there are countless information sources… and excess noise. This generates people to burn out and stress over things; that was how we imagined that it would be necessary to make a pause, to have a chance for introspection; thus, we began shaping the idea of what was possible to imagine using the silence as a starting point. So, the first thing for me was to create a scenography with noise-proof materials like this felt, given that textiles absorb noise. Many people have this problem in their apartments and it is possible to solve it by using rugs, tapestries, curtains and cloth lining hanging from the ceiling. This is very important even in small areas because for us, as persons, it is always important to have an intimate and relaxing moment. This time, silence is something that is very important to me.” For us, everything Elizabeth proposed for this year’s salon made perfect sense. We understood her need to create the opportunity for us to retreat from so mane frantic events and the vertiginous rhythm of our daily lives. That is why we asked how was it that she perceived world nowadays. “Well, there is too much consumerism, excessive production, and this is something hard to say because we are in a fair when many of the proposals are based precisely on manufacturing and offering product for its consumption, yet for me it is important to imagine another solution and that this has a certain amount of humor to it. Worldwide, humor is an element that we need to create this spaces where we can comfort ourselves. In France, a lot of people want their moments of meditation and practice yoga, much like the rest of the world; but it is important to me that we find time for reflection in any way possible because technology is turning us into… its slaves. We are beginning to depend too much on our online social lives on the Internet, and we are getting farther away form these moments of introspection because we live connected.” When we asked her how she selected the pieces that become

a part of the exhibition, she replied: “well, it is difficult for me because an idea starts as something quite simple … minimalist, even… the Japanese spirit’s style works real well for me. ‘Less is more’, I like that; I work better that way. From there, I begin to imagine an object with a long-term view; in some ways symbolic, but it creates a complete imaginary landscape where creativity can develop. From there, I place the object and a photo of this imaginary landscape so the selection starts to become real… and the, well, I travel a lot. Quite a lot. I bring back lost of objects after each one of my travel and I place them in a box. From there I start taking out some of them and that is how I start adapting them to the spaces I create.” Marveled by her creative process that requires serenity and taking its own time, we wanted to know how it was that she felt when working for the Fashion industry; she smiled earnestly: “Well, that is another process altogether because fashion is always going forward and the pace is frantic. But at the same time it is quite satisfying because in it, people want to explore their creativity and that makes it funny… at least to me, given that my collection is very extravagant, full of creases, colors and unconventional prints. This is because, for me, it is very important for the object that I am creating to communicate emotion, over the fact that it is reproduced time and time again without it having any meaning even if it is given a certain value. I notice there is a similar problem with the habitation spaces; they grow smaller each day and it seems this is being countered by filling them with objects, but I prefer these to be good objects even if there are fewer of these.” It was necessary for us to ask her how long it took her to plan an exhibition, from the concept to the building phase, and Elizabeth answered without thinking it twice: “Three months. From the time we make the theme proposal to the Maison&Objet committee, and they either approve or reject it, we go into the research phase and we start developing system. Then, I read a lot of books by philosophers or sociologists to create a concrete vision. This way I can propose a piece in white and a space in black, which make a reference to the history of silence and white is what represents it in a world full of sounds; then, the black room is that intimate silence, it is symbolic and represents the night. Once I have come up with these prototypes, I begin wit the decisions about what will be a part of the exhibition and it is not simple, for finding a link between a word and that which be on the showcase requires that I imagine what is the response I want from the visitors; what is it that I would like for them to think. My main interest is to generate an emotion in the observer. I work with emotional reactions, feelings, responses, and there is where my main purpose as a creator lies.”

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Pág. 44 ART FOR OUR DAILY LIFE When the emphasis of furniture is not completely centered on function and its design suggests ways to live and cultivate the usage of vital spaces, interesting objects are created from a sculptural point of view Interview Cecilia Avila Photography Courtesy “Just like a blank sheet of paper waiting for someone to lay on it,” with these words the creative minds in Muller Van Severen—the Belgian firm—defined their most recent collection of low chairs, who developed these original seats as part of the furniture for the houses devised by the Spanish project Solo—where each architect and designer build their dream house. The Wire S# collection is made with stainless steel mesh and was exhibited at the Solo gallery in Paris. The sculptress Hannes Van Severen and the photographer Fien Muller founded the Muller Van Severen studio where the usually manufacture furniture of various kinds. Glocal Design Magazine conversed with Hannes about their new low chair collection and other interesting issues. One of the challenges creators face when they set themselves to come up with a new object is finding balance between functionality and aesthetics. For Hannes this balance is very important. “In the studio we want to create something that has a sculptural appearance, and that is functional at the same. When we add something to the design, it has to make sense in a functional way,” the artist, who currently lives and works in Ghent, Belgium, says. She also has formal Belle Arts academic training, specializing in sculpture. For the couple of artists, whom entered the design world in 2011, the relation between the materials they choose and the furniture or objects they are going to design, is very. Their concepts are a permanent search for making ever more interesting furniture, seen from a sculptural point of view. In the Wire S# collection, the idea of working with a stainless steel mesh as a way to punctuate the open spaces in a house and at the same time achieving these chairs to be adequate for use both inside and outside said building. “You are able to see through the object and appreciate the place’s architecture. Transparency makes the object both present and absent at the same time, all the while it continues to be a sculptural object,” Hannes said. She considers that he most important thing at the moment of starting with the design of something new is ask themselves if they would like to have that same object in their house or garde. For her, it is a priority to think as if they were their own clients. Materials, daily life, art, architecture, color and design itself, are the sources where Hannes and Fien find their inspiration for their designs. But not only there, Hannes considers that inspiration can come from an extensive and varied number of sources, and that these are not always related to art. “Some times it is difficult to understand where ideas originate; suddenly, you realize that you have a very clear


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notion about what will the next step be. In the beginning, we work an idea with many emotions involved, but later it make sense to concretize this idea using certain forms, materials and colors,” the artist tells us. For Hannes every workday is different, she cannot say she follows a specific methodology for, unfortunately for her, she has to spend many work hours in administrative chores, for making business is also vital for the studio to be profitable. “At certain times we have to send emails out, gather portfolios for convocations, attend meetings; others, we visit materials factories. But what we like the most are the hours we spend working on a prototype in the studio and creating a new collection of pieces for one of our showcases for a museum or gallery. Having children also moves us to work only with a specific timeframes,” Hannes concludes. mullervanseveren.be

and Rodolfo Unda—makes an impression when first looked at due to its sand-colored long and pointy walls that allow to appreciate the artisan workmanship of the bricks forming it, the interior design—also developed from natural materials and where wood and floral that blend with the desert surroundings stand out—, creates an experience that goes beyond tranquility, far away for worries, under a warm ambience and, of course, creating a strong sense of home. intersticial.com.mx

INTIMACY WITH NATURAL LIGHTING Dakota 405 | Vrtical Natural lighting throughout the day and privacy in one? It can be done and Dakota is one example of this, an apartment where being located on the lower floor of a three-unit building, is not an obstacle to have infinite blue vistas. Photography courtesy of Vrtical

Pág. 56 SEMI-ARID DESERT TEXTURE AND TONE Casa Zirahuén | Intersticial Arquitectura Because of its tranquility, so far away for worries, under a warm ambience and a sense of home Photography Marcos Betanzos In recent years, Querétaro as state has remained in at the forefront regarding tenancy growth and this is because there are more proposal coming to light and inviting people to take part in these unbridled taste for the new. Casa Zirahuén is a project dealing with two single-family units located in Cumbres del Lago, and it is the first phase for this residential area. Intersticial Arquitectura workshop—formed by Gildardo Olvera, Andrea Oliveros, María José Milke and Mauricio Salmón—looked for a way for both of them to coexist in an independent way, but with them simultaneously having a common architectural language. The team acknowledges that the challenge in Casa Zirahuén was in developing strategies to make use of passive systems, site construction methods and a sensible commercial scheme in a complex real estate context as used to be before the plan was executed. For that it was decided to use an axis for the establishing of a concrete way to distribute house spaces, which had the following result: the entry floor is of public nature and the upper story is for private use. Likewise, the central patio plays an essential role in the house, for it is the area that contributes with the air circulation and provides light to the whole edifice. If there is something characteristic to this project it is ease with which new additional habitation spaces can be created; for example, rooms can be adapted from two to four, a TV room and several exterior spaces that can be added to those established at the beginning, and to the rest of the spaces (kitchen, bathrooms, living room, etc.), of course. If this project’s architecture—headed by Ian Pablo Amores

Dakota is a project combining the two needs of a habitation space in a clear way: natural lighting and privacy. Vrtical, a studio established in México in 2014 and formed by architects Luis Beltrán Del Río, Andrew Sosa and Ana Isabel Ruiz, developed it. Their vision became reality by taking several values that they themselves have divided into three categories: materiality, furniture and lighting; the kitchen that invites; and the introspective space. To better serve the first category it was necessary to tend to two aspects: sound and textures. The private areas have pinewood plank floors with a traditional frame system, built with the intention of creating sound with each step; this happens to with the exterior patio, which uses the same material, thus inviting the residents to make their transit barefooted. On the contrary, the floors in the common areas are lined with aurora marble that denotes elegance; never the less the invitation to walk barefooted remains, stressed by the use of rugs. All the walls of the apartment’s extensions were devoid of any lining that would mask the natural red brick and mortar base; these were merely painted white to showcase the wooden tones of the flooring. Together with this, the furniture and lighting have a Japanese influence. “We strived to make the grosso of the furniture to invite the inhabitant to interact at low heights,” these aspect can be seen precisely on the chairs and the divan that liven the living room up. The kitchen that entices—the second element—was planned and designed in two sections: the first is a solid wooden plank and the second is am isle near the dinning and living rooms, for the kitchen is not thought of merely as a production area, but as a gathering point that fosters long periods of congenial habitation. The third aspect is the introspective space; it results attractive thanks to patio full of vegetation and window walls of artisan execution, which allow for the sunlight to shine throughout the day. At the same, these offer privacy to the users thanks to the triangular patio that is subdivided by three concrete walls. Thus, the kitchen, bathroom and main alcove all lead to their own private patios. vrtical.mx

SENSIBLE ARCHITECTURE Havre 77 | at103 A project that bring honor to the labor dedicated to rescuing spaces in dilapidated state, making them into

centers of social gathering, a determinant factor in the transformation of human thought. Photography courtesy of Diana Arnau and Ana Hop Located in Juárez neighborhood, Havre 77 is a 19th Century house that was intervened by the Mexican Studio at103, lead by Francisco Pardo and Julio Amezcua, and that joins two of his most recent urban works which are located a short distance away—Havre 69 and Milan 44; thus, very much like these two, this project seeks to enhance the collective actions and rebuild the history of an abandoned building, preserving its architectonic antecedents, as is the case here. For the young architects, speaking if architecture within an urban context or one of mega-cities has everything to do with the modification of human spaces possessing a history spanning millennia. “Cities nowadays have grown at an exponential rhythm. With 19th Century Architecture, we must readapt those places that already exist—and which, usually, are quite dilapidated by the passing of time—to the quality of life requirements that are paramount to people these days.” This house’s transformation consisted in making the interior spaces into modules that now house offices, coworking areas and two restaurants specializing in French and Japanese cuisine; all with the objective of “responding to current social needs,” Francisco Pardo shares. A new steel and concrete structure in two stories supports two sections, an upper and a lower one, of the ancient edifice built in brick, thus giving it a new image to it. The interior design evokes the presences of different eras thanks to the apparently imperfect finishing touches and the color palette used for the various areas of the building; on one hand, pastel shades and on the other, Mediterranean tones. The lamp and furniture selection is mostly one of welldefined and simple lines, which contrast with the high walls both in the interior and open spaces, as is the terraces’ case. Undeniably, Havre 77 is a project that ennobles the labor of rescuing spaces in dilapidated state and making these into social gathering points a determinant factor in the transformation of human thought. at103.com

A FOREST IN THE CITY Casa S | Pascal Arquitectos Designed in two levels and with vistas oriented towards a holm oak forest surrounding it, this country house serves its purpose of not loosing its urban flair. Photography courtesy of Marcos Betanzos Nestled by a hold oak forest and on a descending terrain leading to a brook, Casa S is a house designed by Pascal Arquitectos. “Certain times, as architects, we are faced with unique opportunities such as this case in particular,” the Mexican studio—founded by Carlos an Gerard Pascal— personnel assure us. For after getting to see several plots of land and arriving at the one that now harbors the house, the whole team agreed this one was ideal for their project. The transit through the house—located in Huixquilucan, Edo. de México—begins in a car ramp leading to the edifice’s entry level where we find the reception hall, the living room, the kitchen, the main alcove and the office. Then we proceed to the lower floor with its game room and two rooms. What results as an architectonic structure of a neo-rationalist bent—a movement born in Italy—characterized by the


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use of simple geometric shapes that accentuate volume and transforms it through a game of additions and subtractions. Once inside, holm oak wood is the most visible material as it covers the floors and is the raw material for most of the furniture, which was also designed by Pascal Arquitectos. This is how they achieved a coherent relationship between the house’s sections and the surrounding environment. For example, the lining of chairs and sofas creates a serene accent through the use of sand-toned colors, which are contrasted by areas of vibrant color, all strategically placed. Likewise, a collection of pieces—mostly contemporary art—was selected amongst the offerings of artists like: José Villalobos, Saúl Kaminer, Fernando Aceves Humana, Oris Robertson, Ricardo Martínez, among several others; an aspect which brings a dynamic-yet-relaxed ambiance to Casa, without loosing its design coherency. This is a feature that allows us to remember the main objective this firm has set for each one of their projects: to create all kinds of constructions without recurring to make their work based solely on the specialization according to typologies. pascalarquitectos.com

IN CONNECTION WITH NATURE Casa O Cuatro | Migdal Arquitectos Vegetation at its most visible and stone materials, which were adapted to each one of the spaces in order to create distinctive ambiences and unique experiences, are what make a very peculiar project of this house Photography courtesy of Rafael Gamo Fasi Casa O Cuatro is the result of a plan based on pure geometric volumes and the continuous search of a connection to the natural surroundings. The division of its public and private areas, as well as the main cube that appears to be floating in the middle of the house, leave no other option but to admire this particular housing project upon first seeing it. For Migdal Arquitectos—a firm based since 1989 in México City—put emphasis on the use of dark stone for the house’s exterior, except for the contour of what happens to be the main alcove, which looks clean and light. It is precisely from this point where the rest of the house’s spaces originate. The house is communicated through a double height corridor that provide natural lighting for all the areas. Nevertheless, with the goal of stopping the sun from becoming an enemy to Casa O Cuatro’s occupants, suspended concrete planks were used to create shade. The connection between the residence’s interior and the exterior was successfully achieved thanks to the doors and terraces that give continuous visibility of all the spaces, all supported by the rocky materials that were used, and once more, by the garden which links the public areas in the lower floor by using large window walls and where wood stands out as a key element conveying both warmth and elegance. It bears to mention these materials—besides the preeminent vegetation—were not only used on the exterior, but throughout the whole house, including the cellar—where a game room and the gym are located—also. This does not generate an issue with monotony as it all was adapted for each one of the spaces, in order to create distinct environment and unique experiences. migdal.com.mx

OPTIMIZING THE SPACES

Rodin 33 | lab07 The monochromatic proposal with warm lamps that gives light to the terrace’s wooden floors becomes an authentic combination, and one that attracts attention of those strolling down Augusto Rodin street. Photography courtesy of Onnis Luque Located in the Ampliación Nápoles neighborhood of México City, Rodin 33 is a project lead by architect Carlos Marín, and where the buildings dimensions—7.8 meters wide by 28 meters deep—were the variable that gave birth to this challenge. It consisted in taking maximum advantage of the available space, which ended in a 5-apartment complex, with a garden house and two roof gardens. For maximum space optimization, Architecture lab07‘s office personnel—founded by Carlos—decided to begin with the creation of a structural system that allowed for the occupants of each of the apartments to inhabit a whole story. Each one has an open air extension that communicates the living room and the dinning room, 20m2 terraces, contained in a rigid raw concrete-frame structure, which form the façade and provide the users with a view of the eastern city, and the chance to expand or enclose this space by using sliding panes from one side to the other. Additionally, in order to provide more natural lighting to each room, a central patio accessible to all the inhabitants was designed—this can also be reached from the two semi-cellars where the lobby is located, the two underground parking lots, an elevator shaft, a car lift, the engine room, the cistern and warehouses. This patio also serves to divide the public spaces from the private ones by use of a 6-meter long bridge. Rodin 33 has all the services required to cover all the needs of those who live there, and in spite of being a small building, it stands out from the rest of the houses surrounding it, as to its dimensions the firm added a monochromatic proposal with warm lamps that gives light to the terrace’s wooden floors becomes an authentic combination, and one that attracts attention of those strolling down Augusto Rodin street. lab07.mx

MORE THAN A REFURBISHED FAÇADE Casa Frontera 12 | Miguel de la Torre Arquitectos Located in the San Ángel neighborhood of México City, Casa Frontera 12 is a building dating back to the 19th Century, when its plot, it is suspected, once belonged to the Our Lady of El Carmén ex Convento. Photography courtesy Miguel de la Torre Arquitectos The hardest challenge in this project was “creating a language that unified the house’s eras and that adapted to the client’s needs, whom requested the house’s significant details to be preserved,” Miguel de la Torre, founder of the architect firm, tells us. One of those details is the vestibule, currently conceived as a functional and museographical piece in house. To this, a second challenge was added: recuperation of the façade, with its latticework—product of a previous intervention by Mexican architect Manuel Parra—were nearly lost due to lack of maintenance. This way, taking both important issues into account, Miguel de la Torre Arquitectos’s team carried out an “L” scheme that allowed for opening the house into the garden and towards

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the south. The restoration and intervention of these elements gave way to clearly define the location of the spaces harbored by the house. On the entry level we find the studio and the dinning room, between which a contemplation patio was created and which counts with an aquatic garden diving the new from the old; the living room now with a double height and large window walls; he kitchen and the service areas. We entered Casa Frontera’s ground level. Here we find the private areas such as the main alcove, study area, TV room, a patio which doubles as an orchard and more two bedrooms. Once again the patio is a fundamental part of the residence’s design, as it separates the main alcove from the rest of the bedrooms, giving it an increased privacy. The second level was planned for the visitors, whom upon arriving to the house will have absolute privacy thank to the bedroom having it own patio and it becomes more than a simple bedroom but a living quarter into and of itself. The interior design for this area and the rest of the spaces was developed using the following materials: raw stripped concrete, recovered wood and chestnut wood. On the other side, the houses bathrooms were lined with marble plaques in order to give the impression of purity and create the sensation of bigger spaces. Finally, anodized black aluminum was used for the frames. “This project’s reach did not include the house furniture, with the exception of the kitchen, which, since its inception, was planned as an isle where all the pertinent activities would be carried out in a relaxed, less formal environment,” Miguel de la Torre explains. migueldelatorre.com


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OBJETO GLOCAL

Espejo escultórico Texto CRISTINA CRUZ

Foto IGNAS MALDŽIŪNAS

“La forma sigue a la función” es un principio del diseño funcionalista del siglo XX aún vigente, el cual se dejó de lado en esta ocasión para explorar el objeto como mobiliario en lugar de un accesorio. Este espejo de naturaleza escultórica es una exploración formal que rompió con el arquetipo de este objeto utilitario. HEIMA architects se enfocó en la estética, generando así, un volumétrico que expresa la esencia del espejo mismo: un espejo para ser visto. Su armazón cónico y uniforme —realizado en Corian— fue logrado por el proceso de termo formado al vacío y fresado CNC. Tiene cuatro clavijas de madera, fijados en la parte inferior para que la pieza pueda descansar sobre un ligero marco de acero pintado que ha generado una composición contrastante de volúmenes. heima.lt


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GLOCAL DESIGN MAGAZINE No. 37 Portada por / Cover by: LANCE WYMAN  

2017 FEB - MAR Maison & Objet 207 / Elizabeth Leriche / Muller Van Severen

GLOCAL DESIGN MAGAZINE No. 37 Portada por / Cover by: LANCE WYMAN  

2017 FEB - MAR Maison & Objet 207 / Elizabeth Leriche / Muller Van Severen