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Portada diseñada por Roberto & Ludovica Palomba para Glocal Design Magazine.

Yolanda Bravo Saldaña Gala Fernández José Luis González Cabrero Alfonso Maldonado CONSEJO EDITORIAL Presidencia Gina Diez Barroso Consejeros honorarios Ariel Rojo Carmen Cordera Juan Carlos Baumgartner Juan Manuel Lemus Jorge Arditti Arturo Arditti Fernando Camacho Sagrario Saraid Miguel Ángel Aragonés Carlos Pascal Gerard Pascal Héctor Esrawe Arturo Aispuro Coronel Fernando Rovzar Jorge Gamboa de Buen

Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: Abril - Mayo 2013. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2010-112513245300-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15057. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Publicaciones CITEM. S.A de C.V., Av. Del Cristo 101, Col. Xocoyahualco, Tlalnepantla de Baz, Edo. de México. Impresa en: Preprensa Digital, S.A. de C.V. Caravaggio 30, Col. Mixcoac, C.P. 03910. Del. Benito Juárez. México, D.F. Tel 5611-9653.

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Contabilidad Víctor Villareal Arturo Xochipa Contacto: www.glocal.mx info@glocal.mx Manchester 13, piso 1 Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, México, D.F. Teléfono: 52 (55) 55.33.68.18


Editorial

H

ablar de lo efímero es hablar también de lo eterno. Cuando algo se diseña con esa connotación, por lo contundente de su propuesta, se queda grabado en el intelecto colectivo, y se comprende la importancia de este tipo de proyectos. Sin duda alguna lo más valioso de su “existencia” es la libertad que esa inmediatez les otorga, aspecto que raramente la arquitectura —concebida para la permanencia— puede poseer. Otro de los aspectos importantes de la arquitectura efímera es la pertenencia: al estar enclavada generalmente en espacios públicos goza de una interesantísima huella que le dan, en ocasiones, miles de usuarios. Son espacios que en corto tiempo pueden guardar y generar muchas historias. En esta ocasión presentamos una selección de proyectos que quizá ya no existan físicamente, pero “están” en la permanencia de las ideas. Viajamos a Milán para platicar con Roberto Palomba, uno de los creativos más prolíficos que existen hoy en día, quien nos expuso cómo la sencillez de su vida se convierte en diseño. Así, les dejamos una edición llena de riqueza conceptual, en donde entendemos el porqué del purismo material. Greta Arcila

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contenido Editorial Contenido

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Trazos

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Casa Glocal Novel Diseño + Empresa View Columna Números Textiles Diseño Design Il Mobile

Trayectoria

Residencial Intervención Enfoque Evergreen

Arquitectura Efímera

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La temporalidad reflejada en el mobiliario

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Savvy Studio. Innovación multidisciplinaria. México

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Nuevo Diseño en México en el Palacio de Hierro. México

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El Extraño Caso de Tai Chi y Té Chai. México

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Design Days Dubai: Más allá del lujo. Valentín Garal. España

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Comback Chair de Patricia Urquiola para Kartell. España

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Mangas Space de Gandia Blasco. Simplicidad de formas. España

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Eduardo Wignall. Objeto Glocal Deco + Masisa. México

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Luis Úrculo. Diálogos desde Europa Latina. España

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Preview del Salone Internazionale del Mobile 2013. La antesala del futuro

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Miguel Ángel Aragonés. Las posibilidades infinitas de la luz y el blanco. México

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Casa Alta II. AS / D Asociación de Diseño. México

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La Red. Centro de Diseño de Oaxaca. México

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Entrevista con Roberto Palomba. Pasión por la perfección. Italia

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Transformadora Ciel. Rojkind Arquitectos + AGENT. México

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Marseille Vieux Port. Foster + Partners. Francia

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Hojo-an. Kengo Kuma. Japón

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Pabellón Bulgari. NaNA Architects. Reino Unido

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Texturas

Objeto Glocal

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Lotus Dome. Studio Roosegaarde. Holanda

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Hypercubus. WG3. Austria

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Trycicle House. People’s Industrial Design Office. China

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Greenhouse. idA Architekten. Suiza

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Modular Units. COODO. Eslovenia

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Olympic Shooting Venue. Magma Architecture. Alemania

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Assembly One Pavilion. FreelandBuck. EUA

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Pabellón Sobreciclable. BNKR Arquitectura. México

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Silo 468. Lighting Design. España

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Pabellón por Gert Wingårdh + Kustaa Saksi. Suiza

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Le Plongeoir. SPRAY Architecture. Francia

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Fragile Shelter. Hidemi Nishida. Japón

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Golden Workshop. Modulorbeat. Alemania

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People’s Meeting Dome. Kristoffer Tejlgaard + Benny Jepsen. Dinamarca

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Lignum Pavilion. Frei Architekten + Saarinen. Suiza

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EU Pavilion. Senat Haliti. Serbia

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PH-Z2. Dratz&Dratz Architekten. Alemania

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Espacio Ricardo Seco. Arqmov Workshop. México

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The Picnic Project. Raw Edges. Israel

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Yakampot. Un ejercicio artesanal. México

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Traducciones Croquis

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Karim Rashid. Hooka para Verreum. EUA

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Extrusions para BD Barcelona Design. Konstantin Grcic. Alemania

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trazos

Alfonso Maldonado / Imágenes cortesía firmas invitadas

Reveal the absence: the un-built Guillaume Mazars Rusia, 2013. “Reveal the absence: the un-built” es una propuesta para establecer un monumento que haga eco de los diversos trabajos del arquitecto, diseñador y artista ruso, El Lissitzky. Diseñado por Guillaume Mazars, el proyecto pretende hacer perceptible la noción de espacio y profundidad a través de una estructura tridimensional. De inicio, el sistema ofrece manifestar la ausencia, o en otras palabras, lo no construido. El Wolkenbügel es uno de los proyectos más famosos de El Lissitzky, sin embargo, carece de una manifestación física. La estructura consiste en una retícula ortogonal tridimensional que corresponde a las dimensiones del Wolkenbügel y en el que, substrayendo

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mediante una forma de moldeo, se reconstruirá la presencia espacial del proyecto sin reconstruirlo físicamente. Éste permanece invisible pero perceptible. Desde esta impresión, la imaginación del visitante completará la proyección virtual del monumento. Durante la noche, una red de luces revelará el contorno virtual del Wolkenbügel, y al mismo tiempo las luces brillantes de la estructura podrán ser manipuladas para permitir la intervención de artistas invitados. En un segundo paso, el marco es el soporte estructural para líneas gráficas. Varios elementos estructurales pintados de rojo —un color muy usado por el artista— crean una única composición gráfica dependiendo del punto de vista del observador. Estas líneas, colocadas juntas en el espacio, forman varias composiciones gráficas. Por su naturaleza modular, el monumento podría realizarse con andamios soldados en puntos específicos para mantener su integridad estructural, y puede adaptarse a diferentes escalas dependiendo del sitio seleccionado para la construcción del proyecto.

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Head in the Clouds Studio Klimoski Chang Architects Nueva York, EUA, 2012 En verano de 2013, el proyecto Head in the Clouds se convertirá en el principal pabellón de reuniones para “City of Dreams”, un festival de arte llevado a cabo anualmente en Governor’s Island, Nueva York. El proyecto, desarrollado por Studio Klimoski Chang Architects, fue seleccionado de entre 200 propuestas, durante el Tercer concurso City of Dreams Pavillion Design Competition —organizado por el Capítulo Nueva York del American Institute of Architects, la Structural Engineers Association de Nueva York y Figment, institución de arte sin fines de lucro. El pabellón estará formado por 53,780 botellas recicladas de agua (la misma cantidad que se tira en la ciudad de Nueva York cada hora), para darle forma a un espacio visitable donde la luz y el color se filtran a través de esta nube. El interior consiste en una malla alineada con botellas de 16 y 24 onzas de agua, algunas llenas con una pequeña cantidad de líquido azul que crea un efecto resplandeciente conforme la luz penetra dentro del pabellón. El exterior se compone de “almohadas” formadas por botellas de un galón aplanadas, amarradas y aseguradas entre sí, que dan una apariencia de domo, el cual conforma el cascaron orgánico de la nube. Arena, agua y perfiles de aluminio sirven para darle integridad estructural a la forma, y crear un pequeño escenario y un área de asientos para 50 personas en la base de la nube. El pabellón estará abierto al público del 8 de junio al 22 de septiembre de 2013, y viajará posteriormente a diferentes escuelas en Estados Unidos para promover la reutilización y el reciclaje. www.studiokca.com

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Operalab Mobile Pavillion PA Studio | Process-based Architecture Studio Varsovia, Polonia, 2012 El despacho iraní PA Studio nos comparte su propuesta para el concurso Operalab Mobile Pavillion, organizado por la Ópera Nacional de Polonia. Este pabellón móvil consiste en cables verticales soportados por un marco de acero que sostiene los asientos de los espectadores, mismos que pueden ser elevados mediante un sistema mecánico. Los visitantes pueden cambiar su posición y punto de vista a través de este procedimiento, que con su movimiento vertical crea un único performance urbano de ciudadanos. El pabellón, con su simple y transparente estructura, puede ser armado y desarmado con facilidad en diversas locaciones. www.pa-studio.ir

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Serpentine Gallery Pavillion 2013 Sou Fujimoto Londres, Reino Unido, 2013 Ocupando unos 350 metros cuadrados de prado frente a la Serpentine Gallery, en los Kensington Gardens de Londres, la delicada celosía estructural de Sou Fujimoto está formada por postes de acero de 20mm que le

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darán una apariencia ligera y semitransparente —similar a una nube en el paisaje— que le posibilitará mimetizarse con el paisaje y con la columnata clásica del ala este de la galería. Diseñado como un espacio social flexible de usos múltiples y con un café localizado en su interior, los visitantes serán alentados a entrar e interactuar con el pabellón de diversas maneras durante sus cuatro meses de existencia. Sou Fujimoto es el autor más joven en realizar el pabellón de verano de la Serpentine Gallery, desde su primera aparición en el año 2000. www.sou-fujimoto.net

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casa glocal

Colección Coro Mobiliario para exterior de acero inoxidable satinado, con tapicería en vinil, poliuretano y textiles exclusivos para exteriores.

VIVACE Carry On por Francesco Faccin/ Officinanove Carretilla con estructura de madera, el contenedor está hecho de acero lacado en diferentes colores.

En Glocal Design creemos que la posibilidad de habitar un espacio es también la oportunidad de crearlo a cada momento, con cada detalle. En esta ocasión haremos un recorrido por la casa concebida para esta edición, con la intención de expresar cómo el tiempo puede determinar la identidad de un espacio. Vivace es un término de origen italiano que significa “vivo”, en música hace referencia al carácter alegre con que debe ejecutarse una pieza musical, ligeramente rápida y muy animada.

Tic tac por Marco Acerbis/Slide Design Silla y base de polietileno. Ambas piezas pueden utilizarse por separado, la bese funciona también como mesa. Peanut por Miki Astori/ Driade Mesa con soporte tubular y base fundida de aluminio, revestido con pintura.

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Summo por Alessandro Pascolini/Emmemobili Mesa de vidrio con soporte de madera contrachapada curvada

MOVIMIENTO

Ninfea por Matteo Zorzenoni para la colección Pirouette/Dimenzione Danza Vaso de cristal inspirado en la feminidad y movimientos de las bailarinas.

Inspirados en los cambios de posición en el espacio, los diseños pueden percibirse como elementos capaces de crear atmósferas de vida. El peso visual que dominan da una apariencia aleatoria, tal vez encausada a una estampida a punto de detonar. Tener piezas estáticas con personalidad inquieta se distingue en texturas, geometrías, pliegues o cambios de planos; simples detalles que generan un cambio decisivo en la peculiaridad de cada pieza.

Walking por Markus Johansson Gabinete de madera coloreada, la torsión de sus costados le añade dinamismo.

Spiros por Antonia Astori/Driade Mesa de aluminio pintado con soporte de aluminio fundido.

Waterfall por Fredrikson Stallard/Driade Mesa de fibra de vidrio lacada en colores vibrantes.

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Stair Case por Danny Kuo/Opinion Ciatti Gabinete vertical de bamboo con estructura de acero inoxidable.

Pin Coat por Oliver Bahr/Nils Hoger Moormann Perchero de varillas de madera de nogal aceitado sobre una base de hormigón colado.

Hillside por Claesson Koivisto Rune/Arflex Estantería de pared de MDF con melanina de acabado lacado mate.

Papercuts por Louise Campbell/Danish Crafts Lámparas de papel plegado, con cortes delicados que proyectan sombras festivas en la pared.

Colette por Koket Sofá estilo art déco de tres plazas, estructura de ébano de color mate o alto brillo, tapicería de la colección Koket.

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Timber por Samuel Chan/Channels Colección de botellas de madera torneada de roble y nogal. Acabado natural.

ATEMPORAL En la historia del diseño existen objetos preciosos que se destacan por su capacidad de prevalecer en el tiempo, permanecer vigentes y volverse clásicos. Materiales y procesos productivos que trascienden en objetos indispensables para actividades básicas. Este carácter puede enriquecer nuestro quehacer y nuestra actitud ante los espacios también se define por lo que nos rodea, así pues, un espacio puede expresarse de una manera cautivadora y nuestra respuesta puede ser tan sensible como la pulcritud de una taza de cerámica.

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Rive Droite por Christophe Pillet/Ceccotti Aparador de madera de nogal, de geometría pura e imagen sólida.

3rd. Qualityfirst por Steffen Schellenberger Reloj de pared, hecho de porcelana, moldeada de manera tradicional con acabados de esmalte vidriado.

Cognac por Rikke Hagen/Normann Copenhagen Copas para coñac de cristal. Su forma poco convencional acentúa las características del licor.

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Satellite por Jon Gasca/Stua Panel acústico mural, de cuatro tamaños diferentes, realizados con foam ignífugo reductor de sonido en el interior y tapizado con telas de la colección Stua.

Emily por Momoko Naito y Atsushi Fujii/Monochro Servicio de cerámica esmaltada que equilibra las superficies planas y curvas.

Bella por Alexander Lorenz/Tonon Silla de madera, acolchada con espuma de poliuretano inyectado tapizado con textiles o piel. Lab por Harri Korhonen/Inno Mesa de madera de abedul o roble, el soporte tiene un acabado natural que le da un carácter cálido

1580 y 580 por Claudio Bellini/ Thonet Mesa y sillas de madera maciza de haya natural y barnizada. La silla esta acolchada y revestida de piel o tela.

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014 Pure Wave de la colección Evolution Luxerion/Elica Extractor de acero inoxidable con luminarias LED. Excelente elemento decorativo que no sacrifica a la función.

CELERIDAD Los objetos además de deleitarnos con su belleza pueden facilitar nuestras actividades, hacer más efectivas algunas experiencias, colaborar con nosotros y modificar nuestras habilidades para mejorar. Se trata de disfrutar el espacio, lo que estemos creando y también su resultado. Hoy por hoy, el ambiente urbano nos exige velocidad pero ello no corresponde a proveernos de negatividad. Los materiales y las tecnologías actuales nos aportan lo necesario para complacer y aprovechar.

Axis por Marco Duina y Bruno Pozzi/ Opinion Ciatti Sistema de cocina, elementos autónomos que se pueden unir según las necesidades de uso. Estructura de tubular de acero inoxidable, banco para lavadero y superficie para corte en granito blanco.

Butterfly por Marianne Britt Jørgensen y Rikke Hagen/Normann Copenhagen Abrelatas manual de acero inoxidable con empuñadura ergonómica de plástico.

Axis por Marco Duina y Bruno Pozzi/Opinion Ciatti Detalle del sistema de cocina. Estructura de tubular y perfil de acero inoxidable, superficie de granito.

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Colección Liberi in Cucina por Nico Moretto/Alpes Barra completa con superficie de Corian, estructura de madera de roble, quemadores y tarja de acero inoxidable.

Liberi in Cucina por Nico Moretto/Alpes Detalle de tarja de acero inoxidable con tabla de corte de Corian.

Liberi in Cucina por Nico Moretto/Alpes Encimera de madera contrachapada y pequeño frigobar de acero inoxidable.

Liberi in Cucina por Nico Moretto/Alpes Módulo independiente con tarja de acero inoxidable. La reducción de la profundidad de la pileta grande hace que sea posible adaptar un lavavajillas debajo.

Liberi in Cucina por Nico Moretto/Alpes Estación de trabajo autónomo con tarja pequeña y quemadores independientes de acero inoxidable satinado.

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Instalación Lounge Diamonds/Porcelanosa Sofisticada composición con equipamiento de baño utilizando materiales tradicionales, con acabados naturales; así como lacados de alto brillo.

PAUSA De vez en cuando necesario tomar un descanso. Es preciso tener un espacio íntimo donde podamos dialogar introspectivamente. Para ello, resulta indispensable escoger texturas suaves, formas que nos transmitan calma y materiales que nos den serenidad. Objetos con acabados naturales que mantienen su identidad, como: maderas, cerámica, acero inoxidable y elementos florales. Estos cuerpos son de bajo impacto visual pero de alta expresión sensorial, mismo que nos ofrecen sencillez y un entorno amable que cumplen el propósito de relajación.

Serie Organico por Jaime Hayon/Bisazza Mesa para lavabo de cerámica y espejo, todos de inspiración art déco, estructura de acero con superficie de MDF lacado y pulido.

Cut por Studio Taschide/ Schönbuch Espejo sin marco con repisa de MDF lacado.

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Organico por Jaime Hayon/Bisazza Bañera de metacrilato reforzada con malla de fibra de vidrio con marco de madera lacado de alto brillo. Soporte de madera maciza pintado con acrílico. Encimero de mármol o madera.

Put por Steffen Schellenberger Vaso de cristal soplado que enfatiza visualmente su contenido, tapa de madera equipada con muescas en la parte superior. También puede ser utilizado como un invernadero. www.glocal.mx


Architectural por Marcel Wanders/Bisazza Ducha de acero inoxidable y cristal, con iluminación de LED de color blanco. Super Conic por Matali Crasset/Established & Sons Lámpara hecha de un ramo de conos de cristal dispuestos alrededor de un difusor de luz.

Soapbath por Marcel Wanders/Bisazza Sanitario y bidet de cerámica esmaltada. Espejo con marco de madera lacada en acabado mate.

Ilbagnoalessi por Alessi/ Laufen Encimera vertical de madera contrachapada de ébano.

Twinprime/Laufen Juego de llaves para bañera de acero inoxidable.

Ilbagnoalessi por Alessi/Laufen Lavabo de porcelana sanitaria de alta calidad esmaltada.

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Ermes por Rodolfo Dordoni/ Flou Cama de madera de nogal, labrada con acabado natural, cabecera y base revestida con piel o textil con costuras visibles.

QUIETUD Un espacio para descansar debe transmitir confort en cada pieza, recibirnos con tonos neutros, texturas suaves, casi acolchadas. Deben garantizar que la primera impresión sea de tranquilidad. Materiales francos y geometrías estables que reflejen calma. Elementos con un sello casi nostálgico, colores análogos recubriendo los muros que producen una sensación de armonía para contener nuestro reposo..

Epoca por Ulf Moritz/ Schönbuch Espejo vertical de pared con encimera de diferentes maderas en acabado natural o pintada acabado mate, consola modular independiente con cajón de acrílico gris.

Lodelei por Martin Pärn y Edina Dufala-Pärn/ Nils Holger Moormann Perchero de madera y lienzo textil para contener objetos sueltos. Font Clock por Sebastian Wrong/ Established & Sons Reloj de buró hecho de ABS y frente de plexiglás. Mecanismo abatible alimentado por batería.

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Cumulus por Gunilla Allard/ Erik Jorgensen Cabecera alta tapizada con lino, lana o cuero. Capitonado que acentúa la sensación de descanso y confort.

Morph Pouf por Formstelle/ Zeitraum Sillón y reposapiés tapizados de madera maciza: roble o nogal americano con aceites y ceras naturales. Asientos de espuma de poliuretano.

Cosy in Grey por Harry Koskinen/ Muuto Lámpara suave de vidrio soplado, en versión gris que crea una ambiente tenue.

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Mason por Wolfgang C. R. Mezger/Walter Knoll Revistero con base de acero plano, cromado pulido o negro mate. Soporte para revistas de piel.

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Nest por Stefano Gallizioli/Coro Sillón de acero inoxidable satinado con tapicería de nylon reforzado, cojines desmontables de poliuretano.

Belvedere por Marcello Ziliani/Opinion Ciatti Espejo de metal lacado blanco mate. Puede colocarse sobre el suelo o suspendido, en posición horizontal o vertical.

AM por Stefano Gallizioli/Coro Hamaca de acero inoxidable satinado con soporte textil de cordón de nylon.

VIVACE Para cerrar, recordemos las notas del jardín: un espacio lúdico y vibrante. Un sitio vivo de carácter alegre para ser disfrutado con gozo. Es necesario alimentar el espacio con elementos básicos de materiales de alta durabilidad; éstos son geniales para equipar exteriores. Los colores brillantes fungen como detalles que avivan, proporcionan energía, diseños frescos y juveniles. Recordemos que ser creativos es un lenguaje natural, todo el tiempo creando porque todo el tiempo estamos siendo..

Rimini por Fredrikson Stallard/Driade Cama para sol con estructura pintada de aluminio recubierto con tejido plástico y equipado con cojines desmontables de espuma de secado rápido.

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Fellini por Stefano Gallizioli/Coro Silla de director, asiento y respaldo de mesh plastificado, estructura de acero inoxidable satinado.

Spring por Robert Bronwasser/Goods Regadera de mano hecha de plástico con textura mate.

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novel

Savvy Studio

Innovación multidisciplinaria

El objetivo de Savvy Studio es crear experiencias a través del diseño. Se trata de un estudio joven que se ha perfilado como una de las promesas del diseño mexicano.

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a consigna es generar soluciones que sean innovadoras y creativas. A través de ellas, Savvy Studio genera experiencias y vínculos entre sus clientes y el público, a quienes han convertido parte fundamental de su proceso de trabajo. Originarios de Monterrey, México, se trata de un estudio conformado por expertos en distintas disciplinas: Comunicación, Mercadotecnia, Diseño Gráfico e Industrial, Arquitectura y Copywrite Creativo. Además, han mantenido una estrecha colaboración con varios artistas y diseñadores internacionales para mantener un enfoque global en su ejercicio creativo. La exploración visual de los espacios diseñados por Savvy Studio resulta curiosa cuando se aprecia cada uno de los detalles. Es el caso de Gómez, un bar que conjuga elementos grá-

ficos y tipográficos con diferentes tipos de madera. El estudio también se ocupa del desarrollo de identidades corporativas, como lo hizo con Mica, una marca de joyería para la cual diseñaron el interior de la tienda; se trata de espacios minimalistas y, al mismo tiempo, cálidos. El mobiliario está inspirado en Variations of Incomplete Open Cubes, una obra del artista Sol Lewitt. A pesar de ser un proyecto relativamente joven, Savvy Studio se ha convertido en una de las propuestas más arriesgadas fuera de la ciudad de México. Su constante experimentación con materiales y conceptos ha perfilado a este estudio como una nueva manera de hacer diseño en México. www.savvy-studio.net www.glocal.mx


A pesar de ser un estudio joven, tiene en su haber más de 20 proyectos que van desde la identidad corporativa de una empresa hasta diseño de empaque.

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diseño + empresa

Nuevo Diseño en México en el Palacio de Hierro Propuestas de mobiliario accesibles y contemporáneas Redacción Imágenes cortesía Palacio de Hierro

Un proyecto que busca descartar el paradigma de la exclusividad del diseño, Nuevo Diseño en México en El Palacio de Hierro reunió en su segunda edición a siete estudios y diseñadores independientes: Jorge Diego Etienne, Studio Roca, MOB, Christian Vivanco, Oscar Núñez, Moisés Hernández y La Metropolitana.

Mesa Nest, Óscar Núñez

Los Tabos , Christian Vivanco

Sillas, Moisés Hernández

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La Metropolitana

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on la finalidad de generar más oportunidades de exhibir e impulsar el talento nacional, El Palacio de Hierro, comprometido con la producción local, presentó una vez más “Nuevo diseño en México”, un exitoso proyecto cuyo objetivo no sólo fue abrir un escaparate de venta a los diseñadores independientes, sino encaminarlos al mundo del “retail”, ofreciéndoles asesoría en precios, líneas de producción y optimización de materiales, entre otros temas. El trabajo de siete diseñadores —Christian Vivanco, Moisés Hernández, Óscar Núñez, Jorge Diego Etienne, Studio Roca, Mob, La Metropolitana— se exhibió en seis sucursales de la tienda departamental, donde se mostraron objetos decorativos, lámparas, mesas utilitarias y otros muebles de propuesta, totalmente al alcance de todos. “Esta nueva generación de diseñadores está revolucionando y abriendo nuevos nichos y nuevas oportunidades. Los vemos enfrentarse a un renacimiento de los valores tradicionales del diseño, y vuelven la mirada a los procesos y materiales locales, a lo hecho a mano, creando piezas únicas. De aquí que El Palacio de Hierro firme un compromiso social de apoyar la producción y comercialización de un nuevo diseño mexicano” comentó Rodrigo Flores, director de Hogar de El Palacio de Hierro. www.elpalaciodehierro.com.mx

Minerva, Studio Roca

MOB

Escritorio, Jorge Diego Etienne

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view

El Extraño Caso de Tai Chi y Té Chai Alejandro Cabrera Fotografías de Ernesto Muñíz

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omo espectadores de teatro estamos acostumbrados a esperar a la tercera llamada y disfrutar de las obras sin cuestionarnos los procesos previos para que el espectáculo suceda. En ocasiones podemos estar o no de acuerdo con el montaje, podemos criticar la escenografía o vestuario, pero el análisis no va más allá del gusto personal y mucho menos de un cuestionamiento profundo acerca de lo que estamos viendo. ¿Quién está detrás del resultado final? ¿Cómo se gestó todo para que nosotros pudiéramos reír desde la butaca? En esta ocasión decidí acercarme al actor y director de teatro Artús Chávez, de la Cía. La Piara para que nos platicara un poco el origen de una obra que próximamente regresará al Foro Shakespeare.

EL INICIO. “La idea de montar El Extraño Caso de Tai Chi y Té Chai surgió cuando, en un periódico de Cataluña, me encontré la noticia de dos gerentes de un banco en China que, cansados de trabajar, decidieron robar dinero de la bóveda del banco para comprar boletos de lotería. Su intención era ganarla, devolver el dinero robado, y quedarse con las ganancias. A los ojos de cualquier persona medianamente inteligente parecería un imposible, pero para estos dos pobres infelices la idea sonaba espectacular”. Esa fue la anécdota que llevó Artús a Elena Olivieri, directora de la obra, quién rechazó la posibilidad de que el espectáculo fuera clown – género preferido de La Piara–, ya que los banqueros habían sido ejecutados y por ello el texto apuntaba hacia el género del bufón. “Mientras el clown es ingenuidad, bondad y bobera, el bufón es el crítico por excelencia, el irónico, el rey de la parodia, del humor negro y ácido. Al final, la obra se convirtió en una mezcla de ambas”.

EL DESARROLLO. Una vez que se acotaron los géneros por los cuales debía transitar el texto, hubo una consecuencia inmediata que repercutió en la estética del espectáculo de acuerdo a la decisión directorial. “En los espectáculos de La Piara, el proceso es lo más importante. La investigación dramatúrgica parte de las improvisaciones de los actores. Así, cada palabra, cada situación, cada detalle de los personajes es creación de ellos, que son motivados por el director y el dramaturgo para que investiguen y “escriban de pie” el espectáculo. El primer día de ensayos, Elena nos pidió ir vestidos de chinos. Siendo yo el clown blanco, es decir, la autoridad en la tradición circense, quise inspirarme en los cantantes de ópera chinos para crear mi personaje. La idea era crear el vestuario con

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los elementos que se tenían a la mano: toallas, papel, trapos viejos, y ¿por qué no? Unos bóxers en la cabeza”. Lo mismo sucedió con el resto de los actores, el papel del augusto (el tonto), el clown de menor estatus optó por una versión más desaliñada, con ropa que le quedaba ligeramente grande o chica, y como su posición es menor al del blanco, su ropa es menos lujosa (Fernando Córdova). Y por último, el panda (Madeleine Sierra), que utilizó algunas almohadas para la barriga y unos anteojos que simulaban los ojos negros del animal, logró el aspecto grotesco que demandaba el personaje.

EL DISEÑADOR (EMILIO REBOLLAR). “Una vez que jugamos con nuestros personajes, invitamos al diseñador de vestuario Emilio Rebollar a que reinterpretara nuestros diseños, pero con la hechura digna del teatro. Es decir, se seleccionaron las telas que brindaban, con su textura y con una paleta de colores inspirada en China, la sensación de estar en un mundo grotesco y cómico”. El mismo proceso sucedió en torno al maquillaje, y bajo el consejo de la directora y el diseñador se logró mantener una estética que denotaba planeación y diseño sin perder la parte grotesca y accidental. La escenografía también fue diseñada por Emilio Rebollar con la colaboración de la propia directora Olivieri. Gracias a ese binomio se respetó cabalmente el estilo de La Piara, en donde siempre hay una búsqueda por mantener los elementos al mínimo para no invadir en demasía la imaginación del espectador. De esta forma “un par de puertas corredizas al fondo, un par de tarimas (todo de color negro), y una serie de lámparas chinas se utilizaron de diversas maneras para generar espacios como: el banco, el puesto de lotería, la casa de Te Chai, la prisión, etc. Todo aderezado con una iluminación oscura y tétrica, que genera una atmósfera basada en una paleta de color rojo y ámbar. El humo sirvió para pintar los haces de luz y dar la sensación de estar en un sueño de opio. La luz neón generaba la idea de China contemporánea y urbana”. Gracias a este proceso, mucho más vivo que premeditado, es como podremos atestiguar en el mes de junio el regreso de este par de ladrones que poseen la gran capacidad de robarnos millones de carcajadas. Sin duda, el proceso no es equiparable a las grandes producciones de Broadway en cuanto a preproducción, planos, carpinteros, costureros, maquillistas y técnicos por docenas; pero el resultado y la satisfacción de presenciar la obra es igual o mayor para todos aquellos que disfrutan de textos y puestas que permiten ejercitar la imaginación y la inteligencia. www.glocal.mx


Alejandro Cabrera @portavoztv www.portavoz.tv ABRIL • MAYO 2013

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columna

Design Days Dubai Más allá del lujo. Desarrollo a través del diseño Valentín Garal Fotografía de Munsif Mulu y Karen Dias

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efinitivamente Dubái” es el slogan de promoción de la ciudad que recibe a más de ocho millones y medio de turistas al año, quienes a su vez dejan en esta perla del golfo $8.8 billones de dólares. Descifrar el por qué del éxito de Dubái es realmente complejo y tan abstracto como el lema que nos recibe. La urbe es la más importante del emirato con el mismo nombre y la segunda más importante de los Emiratos Árabes Unidos, cuya capital es Abu Dhabi, la más poblada de la región. En total son siete emiratos que disponen de la séptima mayor reserva de crudo del mundo. Por su parte, Dubái realmente dispone del 4% de dicho petróleo, por lo que sus beneficios provienen del turismo y la banca, así como de un creciente mercado en torno a la cultura. La percepción de un Dubái ostentoso y de lujo ha de tomarse realmente con pinzas. Es cierto que existe un monumentalismo y una tendencia al exceso, pero dispone además de una cultura de respeto y de infraestructuras socioeconómicas envidiable para lugares de semejante desarrollo. La ciudad, que centró su economía en el turismo y los servicios financieros y por tanto en el desarrollo inmobiliario acelerado, sufrió enormemente la crisis de 2008, paralizando gran parte de sus desarrollos. Tras este descalabro, reorientaron el modelo de crecimiento, basándose ahora también en el aspecto social, cultural y deportivo. El desarrollo cultural supone más retos, aunque parece que la ciudad de las islas artificiales ha sabido encontrar su nicho. Mientras Sharjah y Abu Dhabi se disputan el liderazgo museístico —el primero con más veinte y el segundo incluso con una sede del Guggenheim—, Dubái se ha centrado en su mejor cualidad: hacer negocios, elevando las ferias del ámbito artís-

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tico y cultural al máximo nivel. Art Dubai llevó a cabo su sexta edición durante el pasado mes de marzo, consolidada como la feria de arte contemporáneo más importante de los países árabes, donde participan alrededor 76 galerías de 29 países. Al paralelo de esta exhibición, hace dos años nació Design Days Dubai, una selección de las mejores galerías de arte y diseño del mundo. El concepto, de pequeño formato y novedosa formación, ha sido dirigido de modo excepcional por Cyril Zammit, quien ha sabido mezclar la curaduría con el creABRIL • MAYO 2013

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cimiento sostenido, permitiendo que se haya colocado con sólo dos ediciones, en el calendario internacional. Situada bajo el imponente Burj Khalifa — el edificio más alto jamás construido—, una inmensa carpa dio la bienvenida a más de 10,500 visitantes, un 28% más que en su primera edición. Una selección de 29 galerías y 135 diseñadores, incluyendo Galería Mexicana de Diseño que presentó los trabajos de Telharmonium para Fábrica México, con un éxito de ventas total y una enorme aceptación. La línea

“No sorprende que Dubái sea la cabeza de ventas del mercado de arte, pero a pocos les pasaba por la cabeza que se convertiría en un referente en el mapa sobre tendencias, y un verdadero centro de desarrollo del diseño desde el design-art”. Valentín Garal 39


de mobiliario en madera sólida y metal fue una apuesta clásica pero segura, que demuestra unos estándares de calidad altísimos. Esta participación y éxito nacional, nos da una idea de la necesidad urgente que tiene el diseño mexicano de exportar, tanto sus conceptos como sus productos. Pero también existe una necesidad real de comenzar a importar a nuestro país nuevos procesos e ideas que nos sitúen en el entorno global,

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desde nuestra perspectiva local. La internacionalización es un proceso de doble sentido, y recurrir al proteccionismo sólo demorará los avances en México. Junto con Galería Mexicana de Diseño, sólo estuvo otro representante latinoamericano: Coletivo Amor de Madre. Los brasileños presentaron obras de diferentes diseñadores, basadas en el reciclaje y procesos de recuperación urbana y social, así como piezas creadas

en vivo por Studio Swine. Su diálogo fuerte y sencillo conquistó a todos. Entre el resto de galerías, provenientes de Australia, Inglaterra, Líbano, etc., destaca la labor de Carwan Gallery, quienes con una exquisita puesta en escena expusieron productos de creativos del medio oriente, predominando textiles y maderas sólidas y lacadas, como la serie Ziggurat de Oeuffice. No pudieron faltar las renombradas firmas londinenses www.glocal.mx


Valentín Garal es diseñador y fundador de la consultora de desarrollo empresarial, en Vereda. Graduado en Diseño Industrial por IED Madrid y ex-director creativo de la Galería Mexicana de Diseño, recibió el pasado año el premio Quórum en mobiliario y el áccesit INJUVE como mejor diseñador joven de España. En la actualidad desarrolla proyectos de diseño orientados al mercado y con un fuerte compromiso con temas sociales, uso de materiales y el trabajo artesanal, así como asesorías y opinión para la industria y el crecimiento económico.

Libby Sellers y Carpenter’s workshop, o la belga Victor Hunt, con las propuestas más conceptuales y tecnológicas. Del conjunto expuesto, se puede destacar la ausencia total del plástico y materiales sintéticos. Una tendencia que desde hace unos años sigue en alza, resaltando las cualidades naturales de cada materia y proceso, y permitiendo al cliente observar cómo se ha ejecutado. Trabajos que mezclan la tecnología para obtener resultados que se observan analógicamente. No sorprende que Dubái sea la cabeza de ventas del mercado de arte, pero a pocos les pasaba por la cabeza que se convertiría en un referente en el mapa sobre tendencias, y un verdadero centro de desarrollo del diseño desde el design-art. Hay un largo camino por recorrer, y sin duda, auguramos que en los próximos años, además de lujo, Dubái nos ofrecerá mucho culturalmente. www.designdaysdubai.ae www.galeriamexicana.mx

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www.fabricamexico.com www.coletivoamordemadre.com www.carwangallery.com www.oeuffice.com www.libbysellers.com www.carpentersworkshopgallery.com www.victor-hunt.com

“Dentro de los trabajos presentados en Design Days Dubai se puede destacar la ausencia total del plástico y materiales sintéticos. Una tendencia que desde hace unos años sigue en alza, resaltando las cualidades naturales de cada materia y proceso, y permitiendo al cliente observar cómo se ha ejecutado”. Valentín Garal

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números Por José Luis González Cabrero

Bibliografía Oficina de Prensa Kartell 2013. Oficina de Prensa Patricia Urquiola 2013. www.kartell.it www.patriciaurquiola.com

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* José Luis González Cabrero, diseñador industrial originario de San Luis Potosí, escribe e ilustra sobre temas de diseño para publicaciones en México e Italia. Ha colaborado con diversas organizaciones e instituciones educativas, participando en el desarrollo de proyectos de diseño industrial, gráfico, ilustración y diseño de comunicación. www.gonzalezcabrero.com @gonzalezcabrero

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textiles

Simplicidad de formas

Patricia Urquiola para Gandia Blasco Mangas Space es la nueva colección firmada por Patricia Urquiola para la firma Gandia Blasco, elaborada con tejidos de diferentes formas hechos de lana cien por ciento virgen.

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Daniel Herranz Imágenes cortesía Gandia Blasco

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l ejercicio de Patricia Urquiola es, sin duda, uno de los más sobresalientes de la creación contemporánea. A lo largo de su carrera, la diseñadora y arquitecta de origen asturiano ha construido un estilo que se encuentra influenciado por su entorno. Cada uno de sus proyectos responde a un proceso creativo similar donde sólo cambia la escala y los detalles técnicos. Patricia Urquiola ha trabajado con innumerables marcas. En 2009, Gandia Blasco presentó en la feria de Milán su primera colaboración con la diseñadora bajo el título de Mangas, se trató de una colección en

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“Uno de los aportes más grandes del diseño es que, mosaico de diversos puntos de lana, realizada con varias tipologías de diferentes formas. El además de darle otra perspectiva a cualquier espacio, dúo tuvo mucho éxito en el mercado, por ello se nos ayuda a crear una síntesis entre nuestras acciones decidió crear una extensión de dicha colección. cotidianas, físicas y mentales”. Módulos multiusos, cojines, pufs, alfombras y contenedores forman parte del nuevo catálogo Patricia Urquiola firmado por Urquiola para Gandia Blasco. Bajo la misma directriz que siguieron los diseños originales de Mangas, esta extensión se mantiene con las mismas texturas a rayas pero con colores más tenues y tejidos de lana cien por ciento virgen. Con más de dos décadas de carrera, Patricia Urquiola entiende el diseño como un mundo de posibilidades enfocadas al resultado y al buen Adquiere los productos en: vivir que esto conlleva. No existe una solución única, sino mil formas viaPiacere Polanco Tennyson 133, Colonia Polanco, bles. Hay que ajustarse a las exigencias de cada producto; caminar a través de las posturas más pragmáticas del diseño y tomar lo mejor de cada C.P.11550, México, D.F. t. 5282 2103 una de ellas. De lo que se trata es de aceptar la complejidad y el hecho de que las decisiones y las respuestas pueden ser discordantes, pero igualPiacere Reforma mente interesantes y variadas. Reforma 625, Lomas de Chapultepec, www.gandiablasco.com C.P. 11000, México, D.F. www.patriciaurquiola.com t. 5520 7022

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diseño

Eduardo Wignall

Entre lo urbano y lo natural Redacción Imágenes cortesía de Eduardo Wignall

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ormar proyectos colaborativos que generen diseño nacional de alta calidad es una de las principales motivaciones para nuestra publicación. Para esta edición invitamos a Eduardo Wignall, quien ha demostrado en poco tiempo que su propuesta será en unos años, parte del colectivo de diseño contemporáneo de México. Wignall llegó a las oficinas de Glocal Design con su propuesta hace más de un año y desde que vimos su portafolio de trabajo supimos que teníamos que trabajar algo con él. Y el momento llegó. Hoy mostramos la propuesta versátil de Eduardo Wignall quien, junto con Masisa y Glocal Design Magazine, creó una pieza bajo la temática que rige este número: arquitectura efímera. Wignall es un joven diseñador industrial de 28 años que ya ha destacado en materia de diseño. El mobiliario ha sido desde el inicio de su carrera uno de sus principales objetivos y también la dirección profesional que ha tomado. Actualmente trabaja como diseñador de nuevos productos y proyectos especiales para Marqcó by Covadonga Hernández. Egresado en 2011 de la Universidad Anáhuac del Norte, con pre-especialización en diseño de transporte. Obtuvo mención honorífica en el Premio Promesas México 2011. En 2012, obtuvo el premio Íconos del Diseño de Architectural Digest, en la categoría de mobiliario por su diseño de libreros NMBRS. Eduardo también comparte sus conocimientos y experiencias; fue profesor adjunto del curso Rigoletti + Pininfarina junto con el D.I.A. Jorge Rodríguez. Fue profesor de dibujo y perspectiva en Rigoletti Casa de Diseño, y es parte del curso “Hilando México” (proyecto creado por Sally Serur de Azar y Roy Azar) en donde colabora con mujeres indígenas especialistas en bordados artesanales. wignalldi@gmail.com www.wignalldi.com ABRIL • MAYO 2013

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Barcode

Puerco Veloz

NMBRS

Paulin

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diseño / OBJETO DECO

» aXis » CONTEXTO: Entendemos a la arquitectura efímera como algo temporal, que no perdura. Bajo esta premisa se comenzó a gestar: aXis, un objeto diferente.

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» MATERIAL: Tableros de DecoMDF de 15 mm impregnados de resina con melanina de colores: gris, gris claro, blanco y verde lima; por ambos lados.

» NECESIDAD: Funciona principalmente como objeto decorativo, separador de espacios, centro de mesa y básicamente cualquier función que el usuario pueda encontrarle.

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* La línea que Masisa ha desarrollado para la fabricación de muebles y arquitectura interior. Estructura en MDF, más versátil y con amplia variedad de diseños. El tablero de MDF permite mayores opciones de transformación en ensambles y uniones, posibilidades de cortes curvos y ‘routeado’. Tiene un alto desempeño a nivel industrial con bajo desgaste de la maquinaria y un corte muy limpio.

www.masisa.com +52 (55) 9138 2300 ABRIL • MAYO 2013

Masisa Lab No. 14

» INSPIRACIÓN: Surgió al analizar la naturaleza, en específico las conexiones entre átomos para formar compuestos químicos. A partir de la abstracción de estas uniones se desarrolló aXis.

» PROPUESTA: aXis surge de la comunión de arquitectura efímera, maquinado industrial y un material de carácter sostenible. Un módulo único que se puede unir en cualquiera de sus cuatro patas para crear un objeto efímero que puede tomar una infinidad de formas. El usuario es el que completa el diseño, no el diseñador.

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design

Luis Úrculo Diálogos desde Europa Latina Actualmente, las fronteras geográficas ya no suponen un límite. El cruce de culturas es cada vez más visible en el ejercicio de diseñadores, arquitectos y artistas emergentes que tienen como única entidad el mundo. Es el caso de Luis Úrculo, arquitecto y diseñador que, entre otras cosas, registra el diálogo de la cultura europea y latina en su trabajo.

Gala Fernández Imágenes cortesía Luis Úrculo

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onocí a Luis en 2009, cuando empezó a trabajar como tutor en el European Design Labs del Istituto Europeo di Design de Madrid, máster que diseñé junto a Riccardo Marzullo y que dirigía desde 2007. Fue al año siguiente, momento en que la dirección del EDL pasó a manos de Jaime Hayón, cuando tuvimos la oportunidad de profundizar. El destino nos vuelve a unir fuera de nuestra tierra. Han pasado muchísimas cosas y hoy nos encontramos aquí en México, platicando sobre Europa Latina y sobre muchas otras cosas…

Gala Fernández: ¿Existe Europa Latina? LU: ¡Sí! Totalmente. Creo que sí, ahora mismo sí. Antes las líneas estaban mucho más marcadas y eran más sólidas. Pienso que en los últimos diez años han empezado a abrirse los límites en cualquier geografía; ahora están mucho más difusos.

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La Coorniche avec Starck

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GF: Tu trabajo tiene mucho que ver con la escala. Constantemente pasas del macro al micro y viceversa. Me llama la atención ese cambio constante, pero intuyo que quieres trabajar a una escala mayor… LU: Totalmente. Siempre trabajo la escala: los proyectos que hago son una traducción de las posibilidades que ofrece mi entorno. La consecuencia de ello es mi perfil profesional. Empecé a trabajar antes de terminar la carrera y el tipo de proyectos que mi situación me permitía abordar eran los que no necesitaban ser firmados ni visados. Las propuestas podían tener relación con las artes escénicas, el diseño gráfico, la ilustración, el dibujo o el video; eran soportes y medios que exigían la presencia de un arquitecto titulado. Cuando acabé la carrera, continué trabajando en ese entorno porque realmente era el que me interesaba. Fue algo natural. Los medios limitan, pero no condicionan el desarrollo de mis ideas. Ahora me interesa tener la posibilidad de desarrollar propuestas a mayor escala. Muchos de mis proyectos son a-escalares (sin escala) y el mejor ejemplo es “Ensayo sobre la Ruina”, que presento en Zona MACO. Se trata de una serie de maquetas en las cuales omito la escala. GF: ¿Eres más diseñador que arquitecto? LU: Mi formación es de arquitecto. Tardé diez años en terminar mi carrera y estuve un año en Chicago desvinculándome de una visión única de la arquitectura. Esta disciplina es mi contexto formativo, me ha dado herramientas técnicas, metodológicas, artísticas, elementos que me

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han formado de forma sólida, ha sido un punto de partida. Lo importante son los resultados, lo que se está haciendo y la identidad del discurso. Le Corbusier, Rem Koolhaas y Mies van der Rohe no eran arquitectos, así que el etiquetar no tiene mucho sentido.

Dear New York

GF: ¿Y en cuanto a diseño? LU: Sólo es un cambio de escala, es lo mismo. Del diseño me atrae la inmediatez. El factor tiempo en la arquitectura es más arduo y quita frescura a los proyectos. Una parte técnica muy importante es conocer los materiales, los procesos de transformación de los mismos, relacionarte con los técnicos y los artesanos. El diseño y el arte me han permitido tener una relación más íntima con los proyectos.

GF: Has trabajado para otros creadores como Philippe Starck ¿cómo fue tu experiencia? LU: ¡Sí! Con Starck he aprendido mucho de su manera de gestionar el trabajo en equipo y manejar los espacios con absoluta libertad. Su inteligencia queda en evidencia al saber delegar la responsabilidad de los otros en ti. Te exige absoluta responsabilidad de tu intervención, así los resultados suelen ser de una mayor calidad. Sin embargo, esa confianza total se convierte en un peso enorme dentro del proyecto. No puedes fallar. En París me dejaba su despacho, me daba las llaves. Te lo deja todo, pero exige todo de ti. Es perverso e inteligente. Deja espacio a que en su obra convivan distintas identidades.

GF: ¿Cómo es ser parte de la identidad de un proyecto firmado por Philippe Starck? LU: Starck me permite expresar mi identidad es, por ejemplo, en los murales. ¡Es un lujo! La última obra que realicé para él fue en Estambul; se trata de un mural en la torre de ascensores. Siete plantas de dibujo en scroll, como un paneo; es un dibujo larguísimo, un gran traveling. Con forme se eleva el ascensor la ilustración que se va desplazando. GF: Ensayo sobre la ruina es uno de tus proyectos más recientes que vas presentar en Zona MACO. Háblanos un poco de él: LU: El proyecto comenzó con la primera exposición individual que hice con mi actual galería en España: Pro Galery. Ha sido un trabajo largo que comenzó con un proyecto en video. La idea giraba en torno a la posibilidad de retratar y dibujar un estado anímico. Fue algo muy

Luis Úrculo (Madrid 1978). Es egresado de la Escuela Superior ETSAM Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, Illinois Institute of Technology (IIT) y el Instituto de Diseño de Chicago. En 2006 funda su propio estudio. Ha realizado proyectos de varios formatos para Philippe Starck, Renault, Fabrica y Vitra Design Museum, entre otros, donde la barrera del lenguaje gráfico / arquitectura / diseño son cuestionados como algo único.

“Del diseño me atrae la inmediatez. El factor tiempo en la arquitectura es más arduo y quita frescura a los proyectos. Una parte técnica muy importante es conocer los materiales, los procesos de transformación de los mismos, relacionarte con los técnicos y los artesanos. El diseño y el arte me han permitido tener una relación más íntima con los proyectos”. Luis Úrculo

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I believe in Ghosts

personal. Veía que todo lo que ocurría a mí alrededor: las estructuras en las que se asentaba y se basaba mi vida entera; el mundo estaba en una continua descomposición. Nada era estable ni sólido. Esa imagen de lo eterno, sobre la que hemos sido educados y en la que he vivido, se desmoronaba. Con los años te das cuenta de que todo es efímero, nada en lo que te sustentas dura por siempre. Nada es sólido y es en las acciones domésticas donde podemos apreciar la destrucción. Cuando observas esa realidad. Hay algo en esa descomposición totalmente placentero. Yo no lo veo como algo negativo. Así comenzó el trabajo de Ruina.

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GF: ¿Qué opinas de los “latinoeuropeos” en Latinoamérica? LU: Es un retrato muy íntimo y es ahí donde me muevo. En mi trabajo se puede ver el contexto de España. Sin embargo, vivimos un momento de cambio importantísimo, un cambio de época. Las referencias y las certezas cambian; nos obliga a no acomodarnos, y genera este tipo de intercambios como el que nosotros estamos viviendo como latino europeos en Latinoamérica. Mi trabajo no se basa en un lugar concreto, sino en varios lugares a la vez: un taller en Madrid, México, Buenos Aires, Lisboa, San Francisco y Río de Janeiro. Mucha gente no sabe dónde estoy físicamente. La tecnología te confiere, de alguna manera, el don de la ubicuidad. Lo mejor es que no influye en el proyecto. Internet ha cambiado totalmente la geografía de las acciones. Físicamente las distancias se acortan en espacios a los que puedes llegar en 10/12 horas. www.glocal.mx


“Me encanta cuando el estado de propuesta de un proyecto todavía es pura seducción y utopía. Las posibilidades no se han definido, son más amplias y más ricas. La realidad siempre limita”. Luis Úrculo

plato for Starck

*Gala Fernández. Madrid, 1969. Vive y trabaja entre México D.F. y Madrid desde enero de 2013. Es co-propietaria y socia fundadora junto con Berta Roda de Piopio Design Labs y Piopio Editions. Es maestra invitada en la Escuela de Diseño de la Universidad Anáhuac México Norte. Licenciada en Bellas Artes con la especialidad de Diseño por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Ha trabajado junto a Jaime Hayón para FABRICA, Centro de Investigación para la Comunicación del Grupo Benetton en Italia y para Oscar Mariné en Madrid.’ ABRIL • MAYO 2013

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Ramses avec Starck

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il mobile

La antesala del futuro Preview del Salone Internazionale del Mobile 2013 Imágenes cortesía firmas participantes

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on el tema “Interiors for Tomorrow”, abrió el preview del Salone Internazionale del Mobile 2013, un acercamiento a lo que se exhibirá durante la feria, así como las nuevas colaboraciones y los novedosos conceptos adaptados a la actual evolución —dirigidos a la comodidad en el trabajo y la versatilidad en casa. Sin duda, uno de los eventos que más expectativas genera en el ámbito del diseño, ya que se muestran las tendencias y los cambios que experimenta esta disciplina. Cada uno tiene sus propias expectativas muy particulares de lo que será el Salone, empezando por los creativos que darán forma a esta nueva edición: Jean Nouvel, Patricia Urquiola, Piero Lissoni y Antonio Citterio. Sin embargo, la más grande es cómo Claudio Luti, el nuevo Presidente de la Feria, y también Presidente de Kartell, manejará el Salone, y qué objetivos logrará bajo su dirección. A decir de Marco Sabetta, el Director General de Cosmit, esperan que Luti lleve a niveles insospechados el Salone. Por lo pronto, te presentamos una selección algunas de las novedades destacadas que se verán en la semana del diseño y que seguramente darán mucho de qué hablar este año. No te pierdas la cobertura completa de la feria en nuestra siguiente edición. www.londondesignfestival.com

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Landscape, de Patrick Beyaert para Belgium is design

Ply, de Lievore Altherr Molina para Arper

Bowl, de Lina Bo Bardi para Arper

Wing, de Lievore Altherr Molina para Arper

Leather & Wood, de Kenny Vanden Berghe para Belgium is design

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Linea 1, de RAD para Belgium is design

Tabouret/AM, de Miel Cardinael & Sven Goemaere para Belgium is design

Veiled Lady, de Damien Gernay para Belgium is design

Sultans of swing, de William Brand y Annet van Egmond para Brand van Egmond

Kino, de KrizalidStudio, Emmanuel Gardin para Belgium is design

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Rose Li, de Albi para Aqua

Bloated_Stool, de Liparus & Damien Gernay para Belgium is design

Fold, de Mookum & Studio Seger para Belgium is design

Stone-Edge, de Nendo para Caesarstone

Park, de Julien Renault para Belgium is design

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Nafir, de Karim Rashid para Axolight

Clip, de Nendo para Discipline

Burk, de Karim Rashid para Gaia & Gino

Mikado, de Front para Porro

Sleek, de Karim Rashid para Riva 1920

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Tati, de Arturo Álvarez

America, de Marc Sadler para Slide

Mirage, de Tokujin Yoshioka para LEMA

57 Series, de Omer Arbel para Bocci

Biophilia, de Ross Lovegrove para Vondom

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Macarons, de Helena Da bujรกnovรก

Casquet, de ddpstudio para D3CO

Gispen Chair, de Michael Young

Glamour Collection de SERIP Organic Lighting

Cerva chair, de Fendi Casa

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Cottage, de Patricia Urquiola para Kettal

Morgane, de Luca Nichetto para NODUS

Job Cabinet, de Studio Job para Lensvelt

Tap Dance, de PEGA Design & Engineering

Up Lamp, de Nakarin Kamseela para Deesawat

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Terrazza, de Emiliana Design Studio para Valsecchi 1918

Legami bed, de Emaf Progetti para Zanotta

Lampade Alte, de Potemine Ilia

Decadent Dogu, de Michael Geertsen para Mindcraft

Large Table, de Alex Angi para ZERODISEGNO

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Relatives, de Rasmus Bækkel Fex para Mindcraft

Still table, de Bartoloti Design para Bonaldo

MALMÖ Collection, de Cazzaniga Mandelli Pagliarulo para Pedrali

Stick, de Matali Crasset para Fabbian Illuminazione

Strips small table, de Salvatore Indriolo para Zanotta

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trayectoria

Miguel Ángel Aragonés Las posibilidades infinitas de la luz y el blanco Mabel Téllez Imágenes cortesía Taller Aragonés

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Interiores y exteriores que forman una unidad y una secuencia de espacios; variedad infinita de blancos y refracciones de luz, son los ejes centrales que conforman la obra arquitectónica de Miguel Ángel Aragonés, uno de los arquitectos más destacados del país.

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¿Qué papel juega la luz y el blanco en cada uno de tus proyectos? Hace tiempo visité una casa donde había un vitral escondido; la luz entraba a través de él y se refractaba en el muro; esto devino en una serie de colores y de luz; fue un efecto tridimensional mucho mayor que si lo hubiéramos pintado. Quedé fascinado con este fenómeno, porque el blanco se entintaba de luz natural. A raíz de eso, empecé a tratar de distorsionar el blanco, filtrando luz de color, y respetando su purismo. Así nació la necesidad o la intención de manipular este color, además de que posee muchas virtudes. Cuando se habla de la arquitectura sustentable te das cuenta que el blanco tiene un nivel enorme de refracción de luz, y las posibilidades de iluminación mucho mayores que cualquier otro color, porque el blanco es la luz. Cualquier casa o taller con un interior blanco, y bien iluminado, tendrá luz hasta que se oculte el sol. Por otra parte, la variedad de blancos es ilimitada. Recuerdo que en una ocasión fotografiamos un pasillo de este color, y a la hora de imprimirlo no salía lo que veías en la realidad. El que realizó la fotografía me comentó: nunca la vas a poder reproducir, porque el escáner que estás utilizando tiene 200, 000 posibilidades de blanco, y eso es muy poco. Me sorprendí. Quiere decir el blanco tiene una posibilidad incontable de matices, es lo que da profundidad y permite el movimiento del sol a través de los espacios. El blanco es el color obligado, porque es la luz en su representación básica. Ahora que mencionas el tema de la sustentabilidad, ¿cómo interviene ésta en tu proceso de diseño? Hace aproximadamente diez años impartimos un congreso en Dinamarca, y el tema de la sustentabilidad, en ese entonces, era paradigmático. Cuando veía las ponencias y observaba lo que presentaban como sustentable, me dejó inquieto. Si tú permites la entrada de la luz natural de la forma más razonable posible para efectos de temperatura, estás utilizando el sol en su máxima capacidad. Es decir, iluminas tu casa sin la necesidad de usar focos y la puedes calentar sin gas o energía eléctrica. Para mí, la real sustentabilidad consiste en un buen diseño que considera los diferentes factores naturales que inciden en la forma de un proyecto. Es respetar el árbol el agua y la luz. En la medida en que entiendes el movimiento del sol, puedes comprender la sustentabilidad de un espacio. He entrado a muchos edificios catalogados como “green”, donde el espacio interior es de un color verde militar, con cortinas oscuras que no permiten la entrada de luz. Pero resulta que tienen una serie de requisitos como paneles solares, reutilización de agua y demás recursos que los hacen “verdes”. Los verdaderos edificios sustentables no podrían tener un catálogo de susABRIL • MAYO 2013

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“Cuando visitamos una estructura, lo que nos emociona es su recorrido espacial, su secuencia, no su forma. Ésta nos mueve, pero no es el sentir de la arquitectura. De otra forma se vuelve escultura”. Miguel Ángel Aragonés tentabilidad, si no tienen un concepto diseñado para la naturaleza; en pocas palabras la latitud y la altura es lo que marca la sustentabilidad de un edificio. ¿Hasta qué punto la arquitectura es capaz de solucionar problemáticas ambientales y/o sociales? Debería de darla, sólo que los arquitectos tenemos poca capacidad, es decir, en un mundo ideal, debemos tener mucha incidencia, y no porque nos sintamos importantes, sino porque la arquitectura es relevante. El problema es que está mucho más ligada a fenómenos políticos y económicos que a problemas sociales. Si estu-

viera ligado a éstos, estoy seguro que muchos proyectos no se darían, porque no resultan costeables. Y si hablamos de la arquitectura como una forma de expresión, no necesitas de tanta parafernalia para hacer algo bello. Para mí el contenido poético de la arquitectura es la capacidad que tenga de expresarse con pocos recursos; en ese aspecto cumple una normal social, porque lo que estás haciendo es realizable para otras personas, aunque no necesariamente entendible. Siempre he pensado que la arquitectura de Luis Barragán era sustentable, social y accesible. Contenía algo que la gente podía repetir fácilmente a un costo bajo y en una forma sencilla; de eso se trata la arquitectura.

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En ese sentido, ¿la premisa es hacer más con menos? Sí, es el concepto de minimalismo puro: lo menos es más; dentro de su lógica funcional y racional es la capacidad de expresar una idea con pocos recursos exponenciando la idea. Lo que sucede también es que la arquitectura no es tan matemática ni racional; es producto de quien la realiza. El ser humano es alma y es razón, y en ese intento de equilibrio que define una persona que realiza una obra, está ese contenido de alma y de funcionalidad que te hace buscar el carácter expresivo de un edificio. Creo que la finalidad del minimalismo fue tratar de enfrentarse con una fórmula a diferentes problemas y soluciones. Hay que saber leerlo para saber expresarlo. ¿Cómo definirías tu estilo arquitectónico? O en todo caso, ¿hay una constante? Es difícil determinar el estilo arquitectónico, es más, es contraproducente, por que al momento en que eres capaz de definir, te empiezas a copiar. Creo que lo mejor es ir mutando de acuerdo al estado de ánimo y a las necesidades. Ese es el trazo ideal, pero es un hecho que no somos aptos para hacerlo. No he conocido a nadie que haya sido capaz de cambiar fácilmente el estilo que lo cobija. La frase que debemos seguir para evitar copiarnos a nosotros mismos sería: huye de tu estilo, trata de entender mejor las cosas y enfréntate al problema a través de nuevas formas. Evidentemente hay un conocimiento, una metodología y una serie de recursos que se convierten en una constante. Pero lo fundamental, que es la idea, muta siempre, porque no hay dos problemas iguales. ¿Cómo concibes la arquitectura mexicana en un futuro? ¿Consideras que tiene una directriz? Creo que todo el mundo, equivocadamente, pretende hacer vanguardia y esto no existe. En todo caso, la única bola de cristal que te acerca al futuro, es la lógica y la racionalización de los recursos que tienes a la mano, para poder abordar un problema que tienes que resolver, que es el espacio informal. En esa medida, la directriz que te marques va a tener más o menos capacidad para solucionar un problema. Durante mucho tiempo la arquitectura mexicana estuvo muy extraviada, había esa enorme necesidad de aplicar innovación high-tech y de una serie de contenidos extra culturales, que son válidos, pero creo que la cultura es producto de la latitud y la altitud; de la temperatura, de las horas del sol y de ciertas costumbres. Cuando empezó el famoso high-tech en México, te encontrabas soluciones fuera de contexto y lógica. Construir un muro de tabique era regalado, no tenías porqué empezar a poner una serie de cristales y demás elementos, porque no vamos a ser ni ingleses ni italianos por utilizar un vidrio. Es mejor utilizar lo que tenemos. La buena arquitectura se adapta al contexto cultural y tecnológico del sitio, de otra forma es una arquitectura importada y anacrónica. ¿Cómo estableces la relación entre el exterior y el interior de un proyecto? Cuando me invitaron a impartir el máster de diseño de interiores en la Universidad Anáhuac, pregunté al director a qué se refería con este tema, porque para mí el diseño debe ser completo e integral: el interior y el exterior está fundido, y la iluminación de un espacio es producto de esta unión. ¿En qué momento los puedes separar? El exterior de la arquitectura es un accidente de lo interior y viceversa. ¿Qué prefiero abordar primero? ¿Qué me emociona más? Definitivamente el interior: sus recorridos, sus secuencias, me parece que posee una dimensión mucho más musical del espacio. Es como el contenido de cierta sonoridad. Cuando el espacio es el que va componiendo, obtienes una melodía menos formal y más emotiva. Ésta surge de la construcción de la secuencia de los espacios entre sí, y de cómo estos se van ensamblando: un pasillo, una abertura, un espacio que se cierra y se abre; esa dinámica y esa secuencia es lo que nosotros entendemos como arquitectura. Desafortunadamente se ha vuelto muy gráfica por el internet. Posiblemente mute algún día,

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Cualquier espacio, si no contiene una dosis importante de belleza, es un espacio que no funciona y se vuelve inhabitable; el arquitecto está obligado a expresarse poéticamente de la forma más racional posible. Miguel Ángel Aragonés www.glocal.mx


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“El blanco es el color obligado, porque pero la verdadera arquitectura se queda en un es la luz en su representación básica”. espacio. Cuando visitamos una estructura, lo Miguel Ángel Aragonés

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que nos emociona es su recorrido espacial, su secuencia, no su forma. Ésta nos mueve, pero no es el sentir de la arquitectura. De otra forma se vuelve escultura. La secuencia espacial se ha venido perdiendo por diferentes vías de comunicación: internet y redes sociales. Sin duda, son promociones gráficas que vuelven eficiente la capacidad de un arquitecto de presentar su trabajo. Pero en realidad es imposible que lo muestre, porque esos gráficos hacen de la arquitectura mucho más plana y fotográfica. Es imposible conocer, visitar o recorrer un espacio por Twitter. Hay principios que son inmutables. Es muy difícil que se pierda la capacidad expresiva de la arquitectura. Porque el cobijo o el espacio en sí debe de tener una relación directa con la antropometría y con la percepción. Pienso que la arquitectura tiene una cierta metodología o forma invariable que es el recorrido espacial, ese es su fundamento. www.aragones.com.mx

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residencial

Casa Alta II Paisaje urbano 72

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Ubicado en Huixquilucan, Estado de MĂŠxico, el proyecto Casa Alta II consta de un edificio de tres pisos en forma de torre que se asienta en el paisaje pendiente de su valle.

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Casa Alta II es una intervención sutil al predio y su vegetación, con un desplante mínimo para acoger las necesidades básicas del usuario para una casa de descanso.

Redacción Fotografía de Rafael Gamo Fassi

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royectada por el despacho AS / D Asociación de Diseño —fundado y dirigido por los arquitectos Fernando Velasco y Paola Morales— Casa Alta II busca ser un monolito donde el desplante es mínimo, para no afectar su entorno natural y vegetación. El diseño de la fachada —que consta de 232 paneles con un 40% de ellos multiperforados— surge de la idea de digitalizar la imagen de un árbol y plasmarlo en ésta, con la finalidad de que la casa se integre al contexto. La estructura principal consiste en un módulo de 6x6 m en tres niveles con 108 m2 y un roof deck. Una continuación visual de la escalera exterior que invita al usuario a vivir diferentes espacios. Asimismo, ofrece estar más tiempo en el exterior y disfrutar los espacios al aire libre; tiene tres zonas, uno de acceso al frente, donde la cocina se abre completamente al balcón logrando una relación íntima entre el interior y el

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exterior. Esto posibilita que el sonido del río entre a la casa y produzca una sensación de relajación. El roof deck proporciona vistas 360 grados del valle, mientras que las ventanas están ubicadas estratégicamente para dirigir los panoramas a lugares específicos del terreno. Una plataforma, en el punto más bajo del terreno, se convierte en el área de descanso de la casa, terminando con esto la intervención al paisaje y experiencia programática. Dicha plataforma consiste de un carril de nado, área de asador y estancia con vista al cauce de un río. En cuanto al material, se exploraron diferentes elementos, como trespa rainscreen, el cual posee cualidades únicas ya que es resistente a todo tipo de cambios de clima, fuego, graffitis y demás químicos. Casa Alta II es una intervención sutil al predio y su vegetación, con un desplante mínimo para acoger las necesidades básicas del usuario para una casa de descanso. www.asd-architecture.com www.glocal.mx


“La casa busca ser un monolito donde el desplante es mínimo, para no afectar su entorno natural y vegetación. Las ventanas fueron ubicadas estratégicamente para dirigir vistas hacia el valle”. Arq. Fernando Velasco, cofundador de AS / D Asociación de Diseño ABRIL • MAYO 2013

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“La idea fue generar un espacio mínimo y confortable al interior, y a la vez poder enfatizar el contexto y vegetación en el que está situada la casa”. Arq. Fernando Velasco, cofundador de AS / D Asociación de Diseño

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intervención

La Red Centro de Diseño de Oaxaca

Diseño como posibilidad constante de renovación Recién finalizó la primera etapa de La Red, un proyecto de Emiliano Godoy + Tuux para el Centro de Diseño de Oaxaca y la Secretaría de Culturas y Artes de Oaxaca, cuyo objetivo es albergar prácticas y actividades en beneficio del público.

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Redacción Fotografía de Romina Hierro

El aprovechamiento de la asimetría del Ex Convento de Santo Domingo de Guzmán, otorga flexibilidad y adaptación necesaria para las actividades que se realizarán.

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bicado en el Ex Convento de Santo Domingo de Guzmán, El Centro de Diseño de Oaxaca es una iniciativa de vanguardia a nivel nacional que tiene como propósito impulsar el diseño y posicionarlo como una herramienta fundamental para el desarrollo social, cultural y económico del estado de Oaxaca. Dentro del Centro se desarrolló la primera fase del proyecto La Red, el cual estuvo a cargo del diseñador mexicano Emiliano Godoy en colaboración con el despacho Tuux. Esta etapa inicial consistió en resolver almacenaje, iluminación, redes de datos y voz para su adecuado funcionamiento. La propuesta para la sede del CDO, situada en una de las crujías abovedadas en el área del Jardín Etnobotánico, intenta responder no sólo a las necesidades prácticas de dicho Centro, sino a su convicción de innovación y transparencia, de revaloración del papel del servicio público y de la idea del diseño como posibilidad constante de renovación. Dadas las características del inmueble, se reflejó el espíritu del CDO al establecer un diálogo con la arquitectura y la fuerte identidad del Ex Convento. Formalmente, esta relación se dio a partir de ciertos rasgos monumentales del recinto: delineación y realce de las bóvedas de medio punto por medio de arcadas; y reminiscencias a los gruesos muros de cantera en la construcción de contrafuertes que sostienen las curvaturas. Éstos fungen como libreros de hasta cuatro metros y medio de altura. La estructura contiene una serie de divisiones espaciales que se distribuyen en sus necesidades de administración: 28 puestos individuales de trabajo, cinco mesas de trabajo, cocineta, una sala de reunión y espacio para dirección, sistemas, administración, servicios, y bóveda. Estas separaciones se basan en un sistema de ensamblaje de módulos muy básicos de 60 x 80 x 60 centímetros que carecen de tornillos o clavos. El material seleccionado para este proyecto fue DecoMDF Masisa, hecho con fibras de residuos industriales y con certificado E-1 por bajas emisiones de VOC. Esto genera un mínimo impacto ambiental dadas sus bajas emisiones. El material es de color gris claro, mismo que combina con la cantera de las paredes y el tono de otros materiales como el techo. www.emilianogodoy.com www.tuux.mx ABRIL • MAYO 2013

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enfoque

Entrevista con Roberto Palomba Pasión por la perfección

Roberto y Ludovica Palomba son una pareja que diseña, crea y genera ideas con una sola intención: hacer que el usuario experimente sensaciones a través de su trabajo. Hoy, Roberto Palomba nos platica cómo es su proceso de trabajo.

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“Todo está en experimentar; en equivocarnos mucho; en ver cómo combinan ciertos materiales, y en buscar formas que respondan a las necesidades y tiempos en los que vivimos”. Roberto Palomba

Greta Arcila Imágenes cortesía de Palomba Serafini Associati

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uvimos la oportunidad de conocer a Roberto Palomba hace cinco años en Milán y desde entonces nos pareció un personaje entrañable en todos los sentidos. En su reciente visita a la ciudad de México, con motivo de la presentación de JINGLE de Stanza, volvimos a platicar y agendamos una cita en su casa-estudio, ubicada en pleno corazón de Milán. Después de ver la cantidad de trabajo que tiene —en esos momentos estaba preparando lo que presentaría en el Salone 2013, es decir, estaba a todo—, y ver el tamaño del equipo,

nos sorprendimos gratamente pues son sólo son diez creativos. El espacio es amplio, su oficina está repleta de libros y miles de catálogos y materiales. Y comenzamos. Greta Arcila: Tu trabajo va desde arquitectura de gran formato, hasta la parte más pequeña de la grifería. ¿Cómo logras manejar bien las escalas? Roberto Palomba: Sin duda, mi formación como arquitecto es la que me permite ir de lo masivo a lo pequeño. Además, para que un proyecto sea bueno no importa el tamaño en materia, sino el concepto que se desarrolla detrás de cada propuesta. Antes de diseñar trato de ver lo que me piden mis clientes desde miles de ángulos. Conozco a fondo sus ideologías, sus fábricas, todo.

Lama chaise longue

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GA: Sobre el proceso creativo. ¿Cómo es para ustedes? RP: Sencillo. Después de conocer las necesidades de un cliente, pido una hoja en blanco y comienzo a dibujar hasta que la forma comienza a “salir”. No hay nada mágico. Todo está en experimentar; en equivocarnos mucho; en ver cómo combinan ciertos materiales, y en buscar formas que respondan a las necesidades y tiempos en los que vivimos. Ciertamente, hoy podemos hacer más cosas que las que se podían antes de la Revolución Industrial. Por ello, tenemos muchas ventajas, aunque también desventajas.

una vida diferente a lo hecho totalmente por una máquina. Claro, hay industrias como Kartell que hacen el 70% de sus productos con maquinaria, pero igualmente es maquinaria muy fina que logra lo que la mano humana no ha hecho. GA: ¿Con qué empresa trabajas mejor cada producto? RP: Hicimos una colaboración que presentamos en el Salone con Kartell y Laufen, y sin la tecno-

“Los hombres trascendemos a través de nuestras obras, y hablando de diseño, es lo mismo. Cuando alguien se dedica en cuerpo y alma a una obra, ésta se queda impregnada de ese momento, se llena de vida”. Roberto Palomba

GA: ¿Qué significa para ti el famoso Made in Italy? Para ustedes es prácticamente un orgullo que algo esté hecho aquí. RP: Por algo el Renacimiento sucedió aquí. Tenemos una larguísima tradición de lo bien hecho, del buen gusto. Aquí caminas, ves y respiras arte; no tenemos otra opción mas que responder a lo que vivimos. Hemos tenido mentes geniales como Raffaelo, Da Vinci y Miguel Ángel; ellos nos heredaron el gusto por las cosas bellas. Desde los romanos, uno comprende porqué suceden tantas manifestaciones que llenan el espíritu. GA: Para mí los proyectos importantes tienen algo que no comprendo y que sólo lo puedo llamar espíritu, alma. Para ti, ¿qué es elementos tienen las obras que trascienden? RP: Vida, fuerza y espíritu. Los hombres trascendemos a través de nuestras obras, y hablando de diseño, es lo mismo. Cuando alguien se dedica en cuerpo y alma a una obra, ésta se queda impregnada de ese momento, se llena de vida. Cada cosa, cada momento y la manera en la que hablamos, es espíritu, a eso me refiero. GA: Sin duda estamos en un negocio en donde lo sensorial es indispensable. ¿Crees que las nuevas tecnologías ayuden a que el usuario se conecte más con un producto o todo lo contrario? RP: Para mí, la tecnología es sólo un instrumento. Hay materiales sorprendentes que sólo existen gracias a los avances científicos; pero, sin duda, no hay nada como lo hecho a mano. Yo trabajo mucho con empresas pequeñas y grandes que aún valoran lo artesanal, también es una manera de apoyar a que esos oficios no se pierdan. Como sociedad tenemos la responsabilidad de cuidar esas economías, pues son parte importante de diferentes zonas. Por ejemplo, aquí en Italia existen poblados completos que se dedican a ciertas cosas, como la piel: la tratan de una manera tan fina que se siente al momento de tocarla. La pureza de estos materiales dan

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Kartell by Laufen

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Kartell by Laufen

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Jolly Roger para Benetti

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Jolly Roger para Benetti

logía no hubiéramos logrado nada. Desde luego, todo está en quién está detrás de una empresa. Por ejemplo, Claudio Luti, CEO de Kartell, es alguien con quien cualquiera desearía trabajar. Lleva todo a la perfección. Es un visionario muy arriesgado pues viene del mundo de la moda, por ende es muy pasional, eso ayudó mucho al proyecto que hicimos. Claudio Luti me llamaba a todas horas para dar ideas, te lleva al límite, y de pronto, logras entender finalmente qué quiere. Zanotta también es una empresa que cuida todos sus materiales a un grado extremo. Todas sus pieles con maravillosas, y lo más importante: no tienen miedo a lo diferente, pero a su vez valoran el estilo clásico. GA: Hablas de estilos. El tuyo es muy depurado, tiene mucha presencia, pero jamás busca el protagonismo. Para ti, ¿qué es el estilo? RP: Mi estilo no es de formas “imposibles”, me gusta que se entiendan y que sean amables para vivirlas. No hay nada peor que sentirse incómodo en una silla o no poder tomar bien una taza porque su oreja está mal diseñada. Pero tampoco creo en fórmulas. Yo diseño para el ser humano, no para el star system, no deseo pertenecer a él, y efectivamente trabajo con las grandes empresas al igual que muchos que son rockstar, pero mi vida no va hacia allá. Busco la simplicidad de la vida, y creo que eso lo manifiesto en mi trabajo. Mis diseños tratan de contar una historia sencilla llena de belleza, ya que, para mí, de eso trata la vida: de ser feliz con lo que uno hace y hacer felices a quienes amamos. Sí, soy obsesivo en muchas cosas, ¿pero quién, que haga bien su trabajo, no lo es? Creo en la perfección de lo bien pensado, de lo bien proyectado. De eso habla mi estilo, no más. Amo lo que hago y agradezco a la vida que puedo ser diseñador las 24 horas. ABRIL • MAYO 2013

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Jingle

GA: En tu vida, ¿cuál es tu inspiración? RP: Todo, pero más que otra cosa, me inspira un buen libro, la música. Luis Barragán. De ahí viene mucho mi amor por México. Cada vez que voy trato de visitar sus obras, tienen ese encanto de silencio indescriptible, y de pronto te dicen que están ahí por la fuerza constructiva en sus líneas, por su color. Cada vez que viajo a México descubro una gran arquitectura y es una lástima que no la conozcamos bien en todo el mundo. Me encantaría trabajar con algún diseñador o arquitecto mexicano.

“Busco la simplicidad de la vida, y creo que eso lo manifiesto en mi trabajo. Mis diseños tratan de contar una historia sencilla llena de belleza, ya que, para mí, de eso trata la vida: de ser feliz con lo que uno hace y hacer felices a quienes amamos”. Roberto Palomba

GA: Hablas de México, ¿cómo surge la relación con la empresa mexicana Urrea y su línea de lujo, Stanza? RP: Se dio a través de la empresa con la que ellos están asociados. Me han tratado espléndida-

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Pianoalto sofá

mente y espero trabajar proyectos directamente pues visité sus instalaciones y quedé sorprendido de la calidad. He visitado muchas veces México y nunca deja de sorprenderme la calidez de la gente; no conocía los buenos museos que tienen. Finalmente, ustedes son de sangre latina y eso me llama. Aparte tengo muy buenos amigos allá que me hacen sentir como en casa. Cuando voy a Valle de Bravo, me maravillo con la naturaleza y la mano de obra que hay en los artesanos. GA: La palabra calidad parece ser indispensable en tu vocabulario... RP: Si no cuidas la perfección y la calidad no existe nada. El diseño industrial nació para servir al ser humano y éste es perfecto por naturaleza, así que lo hecho para el hombre tiene que ser semejante a él, lo tiene que hacer sentir. Por eso

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en mis diseños siempre está implícito el tema de las texturas: para mí no hay nada más bello que tocar algo y que pueda ser percibido por algunos de mis sentidos. Amo oler la piel y tocar su textura; sentir las telas y tener que ponerme mis anteojos para ver los colores de los materiales. Soy totalmente sensorial. Soy italiano, es decir, pasional, intenso, arrojado... y eso, no lo puedo evitar. GA: Un tema importante hoy: la copia. ¿Qué hacer cuando tu producto se expone en la web, y se vuelve totalmente vulnerable? RP: Nada. seguir diseñando. Las empresas que copian les va muy bien pues no tienen toda la investigación que las demás tienen. No tienen los costos altísimos del marketing, del diseño, y de tantas cosas. Pero no hay manera de detener-

los, sólo no hay que quedarse callados ante esta situación. Por otro lado, jamás serán iguales, volvemos al tema de la perfección. Cuando miras una copia, se nota lo mal hecho en alguna parte. GA: En estos días de feria. ¿Cómo es una jornada común durante el Salone? RP: No tienen nada de común, pero la verdad es que ya son días más relajados. Para nosotros el estrés proviene de meses antes. Ahora tenemos muchísimos proyectos que presentar, como un Yate que presentaremos en la Triennale, y en el que hemos estado trabajado intensamente. Tenemos miles de entrevistas y cocteles, todo es muy glamoroso, pero nada de eso es real en la vida del diseñador. Lo real es que pases horas investigando, haciendo prototipos, viajando, visitando clientes; es otra cosa muy diferente de lo que parece. www.glocal.mx


Isola Cross

Lab 03 para Kos

En sí, lo que más disfruto es cuando termina la feria, ya que hacemos una gran fiesta en casa, donde llegan todos mis amigos-colegas a platicar y disfrutar de un año de mucho trabajo. Disfruto mucho el Salone; Milán se llena de vida y eso es lo mejor. GA: ¿Hacia dónde va el trabajo de Roberto & Ludovica Palomba? RP: No hay un camino, hay muchos. Sobre todo porque trabajar con Ludovica es algo muy intenso, pues es una persona sumamente creativa. No se queda con la primera opción de algo, siempre propone, investiga, piensa y expone. No hay manera de tener sólo un camino con una socia tan activa, y me encanta que sea así, pues siempre hay mucho por hacer, mucho por diseñar. www.palombaserafini.com ABRIL • MAYO 2013

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evergreen Redacción Fotografía de Jaime Navarro

Transformadora Ciel Un espacio de trabajo colaborativo

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spacios multifuncionales, una azotea verde, páneles solares para contribuir a la alimentación eléctrica, captación de agua pluvial para el riego de las áreas verdes e iluminación por LEDs son algunos de los elementos que conforman la Transformadora Ciel, un proyecto de Rojkind Arquitectos en conjunto con AGENT. La propuesta consiste en un espacio donde creativos expondrán sus ideas y proyectos rela-

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La Transformadora Ciel funge como centro de trabajo con áreas verdes, donde el espacio no sólo gana una funcionalidad sino que aporta una zona con vida a la ciudad. Genera un impacto ambiental positivo gracias a la utilización de pintura a base de agua y mobiliario producido localmente a partir de materiales recuperados. www.glocal.mx


El Foro Ciel se diseñó para aprovechar al máximo el uso de la estructura existente, al mismo tiempo que alberga un espacio de trabajo colaborativo y genera áreas verdes.

Aquí algunos atributos del diseño, en términos de impacto ambiental positivo: » Iluminación por LEDs (bajo consumo energético) » Pintura de base agua para la estructura (no emite gases VOC). » Producción local de la mayoría de piezas de mobiliario. » Azotea verde (aporta oxígeno). » Uso de materiales recuperados (madera OSB). » Uso de materiales de bajo impacto y/o que contribuyen a certificación LEED (piso). www.rojkindarquitectos.com www.idea.me/transformadoraciel

“Se utilizó gran parte de la estructura existente del helipuerto, una de las escaleras se desmontó y la otra se reubicó. Parte de lo acertado del diseño es que se planteó para reutilizar lo existente y no afectar el resto de equipamiento de la azotea (equipos de aire acondicionado, cubo de elevadores, etc.)”. Alberto Villarreal, Director de AGENT

cionados al cuidado del medio ambiente, en búsqueda de que sean vistos y apoyados económicamente. Al tomar como base un espacio no utilizado (azotea y helipuerto), y transformarlo en un centro de trabajo con áreas verdes, el lugar no sólo gana una funcionalidad sino que aporta una zona con vida a la ciudad. El diseño, que parte del ícono de la doble gota (Ciel), se crea un espacio orgánico que responde a la metáfora del agua “bañando” del espíritu transformador al edificio. Al tener elementos pre-existentes en el espacio, como la estructura del helipuerto, el Foro Ciel se diseñó para aprovechar al máximo el uso de la forma existente, al mismo tiempo que alberga el espacio de trabajo colaborativo y genera áreas verdes. En cuanto al cuidado ambiental, se tomaron en cuenta diversos aspectos durante el diseño y la construcción, para minimizar el daño ambiental y generar un impacto positivo. Al respecto, comenta Alberto Villarreal, Director de AGENT: “la estética industrial del proyecto tiene la intención de dejar muchos elementos (instalaciones, conductos, etc.) de modo aparente para evitar el uso de materiales extras en acabados. Adicionalmente, se recuperaron elementos existentes de la estructura del helipuerto y de otras áreas de la azotea, para su uso en escaleras, estructura nueva y barandales”. ABRIL • MAYO 2013

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arq. efímera

Marseille Vieux Port por Foster+Partners Reflejos modernos de un puerto clásico.

Redacción Fotografía de Nigel Young

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l Vieux Port de Marsella es uno de los grandes puertos del Mediterráneo, pero con el tiempo el espacio se había convertido en una zona inaccesible para peatones. Como parte de los preparativos para recibir el título de Capital Europea de la Cultura y en la búsqueda de su transformación, la firma Foster

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Diseñado y construido por estudiantes, el Assembly One Pavilion es un espacio que sirve para enlazar a los alumnos con su comunidad.

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El diseño eliminó cambios de nivel para mejorar la accesibilidad y eliminará gradualmente el tráfico con el objetivo de crear un ambiente seguro. + Partners fue designada el año pasado para diseñar un programa de remodelación y semipeatonalización, generando un espacio cívico. Situado al este de la bahía en Quai des Belges, su protagonista es un dosel de 46 por 22 m, de cubierta delgada de acero inoxidable altamente reflectante, sostenida por ocho esbeltos pilares. Abierto en sus cuatro lados, el pabellón pasa despreocupado entre la arquitec-

tura del puerto, sin embargo, los peatones permanecen contemplando los reflejos en constante movimiento del puerto que les invitan a quedarse, divertirse y disfrutar la vista. El diseño de paisaje se desarrolló con Michel Desvigne, la ampliación del espacio para peatones incluye nuevos pavimentos de granito pálido abujardado, haciendo eco de los adoquines de piedra caliza originales, el diseño eliminó cambios de nivel para mejorar la accesibilidad y eliminará gradualmente el tráfico para crear un ambiente seguro. El proyecto está completado con pequeños pabellones para eventos especiales y mobiliario urbano hecho de acero dulce, hierro fundido y madera de Iroko, todos estos materiales son, en su mayoría, de origen local.

El resultado es un área informal que establece un entorno seguro y atractivo que se extiende a lo largo del Vieux Port, reforzando la conexión del puerto con la ciudad y sus habitantes. www.fosterandpartners.com

Situado al este de la bahía en Quai des Belges, su protagonista es un dosel de 46 por 22 m, de cubierta delgada de acero inoxidable altamente reflectante, sostenida por ocho esbeltos pilares.

“Nuestra propuesta fue trabajar con el clima para crear sombras, pero al mismo tiempo respetar el espacio del puerto, simplemente mejorándolo”. Lord Foster

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arq. arq. efímera efímera

Hojo-an, 800 años después

Arquitectura ligera, simple e inteligente El arquitecto Kengo Kuma se propuso reinterpretar la tradicional vivienda compacta japonesa a través de materiales contemporáneos y nuevas técnicas de construcción.

Redacción Imágenes cortesía Kengo Kuma

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na de las premisas del trabajo arquitectónico del japonés Kengo Kuma es la recuperación de elementos de la naturaleza y el uso de materiales únicos en sus proyectos. Si bien la materialidad dentro de la arquitectura es muy importante para la sensibilidad del cuerpo, uno de los objetivos de Kuma es que ésta también se perciba, tal y como logró con el pabellón Hojo-an, ubicado en el santuario Shimogamo Jinja Shrine, Kioto, Japón. Hace 800 años, el poeta y ensayista japonés, Kamono Chomei, se sentó en su pequeña ABRIL • MAYO 2013

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cabaña (Hojo-an) y escribió Hojoki —escrito que retrata los padecimientos del pueblo japonés durante la Edad Media. Este año, para conmemorar la ocasión, Kengo Kuma creó: “Hojoan 800 años después”, una reinterpretación moderna de la cabaña donde residía el poeta. El concepto de arquitectura temporal de Kengo Kuma se basa en su proceso de construcción. El pabellón está constituido por siete piezas de paneles de látex que pueden ser usados como piso, pared y techo. Con un presupuesto limitado, el arquitecto utilizó madera de cedro local extremadamente delgado y hojas de plástico ETFE —de gran resistencia al calor y de extraordinaria durabilidasd. Éstos elementos se mantienen unidos por medio de imanes para crear un nuevo sistema estructural que refleja las características de impermanencia, practicidad, ligereza y fugacidad del proyecto. La combinación de estos materiales permite el fácil traslado, montaje, desmontaje de Hojo-an. Kengo Kuma refleja en el concepto de tiempo en función de la arquitectura, así como la relación con la vida humana. Esta reflexión se basa en la elección del material de construcción, apoyado en el concepto de “arquitectura suave”: un peso ligero, simple e inteligente que puede establecerse entre el hombre y la naturaleza. www.kkaa.co.jp

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arq. efímera

Pabellón Bulgari en Abu Dhabi Art 2012 Un escenario de acrílico

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Redacción Imágenes cortesía de NaNA Architects

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entro del marco de la exhibición Abu Dhabi Art 2012, exhibición donde se dan a conocer los trabajos de jóvenes talentos emergentes en el mundo del arte, la prestigiosa firma italiana de joyería Bulgari presentó una instalación temporal. El pabellón fue situado en un lugar exclusivo y privado de 300 m2 con capacidad para 150 personas. Contó con un escenario, un bar y una exposición donde se pudo observar una selección de la línea de joyería Bvlgari en distintas vitrinas. Anteriormente la firma encargó a Zaha Hadid el diseño de su stand, por lo que Bulgari

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continuó su patrocinio para el diseño innovador y creativo, y encomendó al despacho londinense NaNA Architects para diseñar un pabellón impresionante como su pieza central. Preocupados por la creación de un espacio significativo, el despacho utilizó tubos transparentes hechos de acrílico 100% reciclables. El pabellón puede desmantelarse al término de cada evento, para después ser almacenado y transportado al siguiente lugar donde será ensamblado de nuevo. El carácter modular del proyecto permite su fácil manejo en pequeñas piezas, a través de la eliminación de las conexiones entre los tubos de acrílicos. De acuerdo con NaNA Architects, el vasto uso del acrílico, como elemento estructural extensivo para construir una

Comisionado por la firma italiana de joyería Bulgari para Abu Dhabi Art 2012, el pabellón Bulgari, realizado por NaNA Architects, se concibe como una instalación temporal ubicada en un lugar exclusivo y privado.

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La directriz del proyecto fue complementar y reinterpretar las colecciones de la firma, cuya inspiración proviene de la naturaleza, la geometría de las plantas, así como la fluidez y el carácter efímero del agua.

bóveda como pabellón, resultó un proceso altamente experimental. Esto requirió un considerable cantidad de investigación, pruebas y prototipos, así como cálculos de ingeniería estructural. La innovación, como parte del proceso de diseño, fue perseguida desde el principio, junto con las condiciones ambientales deseables para el resultado final, como la transparencia y la ligereza. La directriz del proyecto fue complementar y reinterpretar las colecciones de la firma, cuya inspiración proviene de la naturaleza, la geometría de las plantas, así como la fluidez y el carácter efímero del agua. www.nan-a.eu

“El vasto uso del acrílico, como elemento estructural extensivo para construir una bóveda como pabellón, resultó un proceso altamente experimental”. NaNA Architects

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Lotus Dome Daniel Herranz Fotografía de Daan Roosegaarde

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otus Dome consiste en una instalación que se basa en los principios de la tercera Ley de Newton: a toda acción y corresponde una reacción. Sin embargo, en Lotus no se traduce en fuerzas aplicadas a un cuerpo, sino en la relación que tiene el proyecto con el espectador. Sobre una cúpula geodésica se instalaron cientos de flores de loto hechas a partir de PET y aluminio ultra ligero, característico por responder a la temperatura del cuerpo humano, lo que le permite plegarse o abrirse. Dentro de ésta se encuentra un foco con sensores que, en conjunto con las flores, responden a la conducta del sujeto. El funcionamiento de la estructura depende de los movimientos de las personas

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Dualidad Conceptual

que interactúan con ella. A partir de ahí se gesta un juego de luz y sombras cuando se proyecta la gráfica de la flor de loto en las paredes. Construido en 2012 y presentado este año en la Iglesia Sainte Marie Madeleine, en Lille, Francia, Lotus Dome es un edificio renacentista que se encontraba en desuso al que se buscaba reactivar, por ello, el Studio Roosegaarde reprodujo un contraste visual a través de una contraposición entre la arquitectura clásica del recinto y la tecnología contemporánea que se utiliza en la pieza. Este choque conceptual que surge dentro un mismo espacio, fue denominado por Daan Roosegaarde —artista y arquitecto del estudio de diseño— como “Techno-Poetry”. El material que se empleó para elaborar las flores de loto fue desarrollado por el estudio y consiste en varias capas delgadas de Mylar

Lotus Dome es un proyecto de Studio Roosegaarde que entabla un diálogo con los espectadores a través de una interacción que se genera automáticamente.

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-plástico comúnmente usado en envases de bebidas y textiles- que, gracias a varios procesos químicos, es sensible a la temperatura. La tecnología utilizada en la construcción de la cúpula emula el pensamiento del siglo XVI, que trataba de innovar—con todas sus posibilidades— la forma de los cuerpos arquitectónicos de esa época. www.studioroosegaarde.net

El aluminio, sensible a la temperatura corporal, se utilizó para la construcción de cada una de las flores de la instalación; fue desarrollado por el despacho de diseño Studio Roosegaarde.

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arq. efímera

Hypercubus

Una habitación de hotel móvil

Desarrollado por la firma austriaca Studio WG3, el proyecto Hypercubus consiste en una habitación de hotel móvil que puede ser transportada a todo tipo de lugares al aire libre. En esencia, el proyecto reinterpreta el concepto de hotel dentro de un cubo de cuatro dimensiones espaciales.

Redacción Fotografía de Karin Lernbeiß

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ypercubus es un pequeño contenedor modular que ofrece espacio suficiente para albergar cómodamente a dos personas. El proyecto ofrece una nueva solución para las ciudades con problemas en la afluencia de visitantes debido a las variaciones estacionales, esto sin destruir el medio ambiente. El concepto del diseño se basa en tres aspectos fundamentales: el uso de áreas abiertas con una infraestructura disponible; la construcción de pequeñas unidades modulares que son transportables, y la creación de un nuevo concepto en turismo con un diseño corporativo unificado. El componente principal de la estructura móvil está hecho de madera, que es un material sostenible y ecológico, así como metal y vidrio, que son simples, accesibles y de fácil mantenimiento. El proceso de construcción consistió únicamente en armar las partes individuales de la habitación: dos paneles solares de alta calidad fueron instalados para la generación de todo el gasto de energía. Con el fin de proteger el interior de las influencias externas, como la lluvia, toda la estructura está sellada por una película sintética. Otros elementos, como las escaleras exteriores e interiores (para alcanzar el tercer nivel), el suelo y la terraza consisten en piezas de metal. Los muebles para la cocina también se componen de madera (tableros de fibra de densidad media). La inclinación del edificio es posible a través de pernos ubicados en una esquina sujetados a una base de cemento. El proyecto es puro y sencillo, debido al uso de trazos rectos y superficies lisas, lo que hace de él una arquitectura neutra que puede adaptarse a diferentes paisajes de una modo discreto. Cada uno de los módulos de Hypercubus pueden tener su propio diseño corporativo y así formar una identidad para cada ubicación. www.wg3.at

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Los módulos de Hypercubus utiliza recursos existentes; son transportables gracias a su construcción móvil y se usan cuando se necesitan, dependiendo de la temporada. www.glocal.mx


“El principal aspecto innovador del proyecto es la movilidad de la habitación del hotel y la oportunidad intercambiar recursos”. Studio WG3

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Tricycle House por People’s Industrial Design Office (PIDO) Origami habitacional sobre ruedas Para enfrentar la realidad habitacional en China, el estudio PIDO propone una vivienda individual móvil, que consiste en un híbrido entre el triciclo tradicional de la clase trabajadora y elementos de estética oriental.

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Itayedzin Aragón Fotografías cortesía de People’s Industrial Design Office

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IDO es una oficina constituida por un equipo internacional de arquitectos, ingenieros, diseñadores de producto y urbanistas. Uno de sus fundamentos es que el diseño debe ser accesible y culturalmente pragmático. Como parte de la exhibición bienal Get it Louder, realizada el año pasado en Beijing, PIDO curó la sección de diseño urbano, arquitectónico

y de producto. La plataforma sirve de impulso para diseñadores, artistas, directores de cine y músicos emergentes. Dentro de la exposición The people’s future idearon Tricycle House, una propuesta que reflexiona sobre cómo la densidad demográfica está sobrepasando el espacio habitable disponible dentro de las grandes ciudades, y la proyecta hacia un futuro donde las viviendas individuales pueden ser factibles. El diseño está colocado sobre un triciclo típico de Oriente, de tracción humana y también de

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“Imagine que es capaz de despertarse lentamente por la mañana y tomar el desayuno mientras toma su camino al trabajo y viaja con calma a través del tráfico” James Shen, director de PIDO

motor. En su interior posee el equipo básico para funciones domésticas: lavadero, estufa y bañera; todos se colapsan en la pared frontal. La vivienda está construida con polipropileno plegado, manejado con una técnica de construcción experimental. Las piezas, cortadas con un router de control numérico, están dobladas, y fijadas para formar una estructura simple y resistente inspirada en el origami. Éstas se convierten manualmente de un laminado plano a formas tridimensionales, con pliegues que le permiten abrirse hacia el exterior, expandirse como un acordeón y aumentar su espacio adhiriéndose a otras unidades. El plástico se puede plegar sin perder su fuerza, además es de bajo costo, no requiere moldes y es 100% reciclable. La estructura final mantiene al vehículo ligero, no requiere pintura ni una estructura metálica para reforzarla. El polipropileno es opáco, lo que, permite que su interior se ilumine por el sol durante el día y aproveche las luminarias urbanas durante la noche. El proyecto se centra en las preocupaciones ambientales y propone alternativas de transporte y de vivienda. Tricycle House plasma la idea de la casa del futuro: transportable, ligera, compacta, versátil y diáfana. www.peoples-products.com

Una estructura simple y resistente inspirada en el origami, con pliegues que le permiten abrirse hacia el exterior y expandirse como un acordeón.

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Greenhouse Paulina Herrera Fotografía de Markus Bertschi

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entro de las disciplinas creativas, el término biomímesis se refiere a una tendencia que utiliza la naturaleza como fuente de inspiración, que aplicada a nuevas tecnologías, resuelve problemas de un contexto específico por medio de propuestas estéticas y funcionales. Es el caso de Greenhouse, un pabellón ubicado en el jardín botánico de Grüningen, diseñado por el estudio de diseño idA. El despacho se enfoca en buscar soluciones a partir del concepto y el contexto de cada uno de sus proyectos. Bajo esta premisa, el diseño de Greenhouse se basó en una sinergia entre la construcción y el entorno: la percepción estructural deriva de las formas asi-

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Arquitectura Biomimética

métricas de los cuerpos de las plantas. A diferencia de otros espacios insertados en un jardín, el diseño de este pabellón fue inspirado por el bosque circundante, no por el entorno edificado. Cuatro árboles de acero soportan el complejo, recubierto por paneles de cristal suspendidas a cinco metros de altura y sujetadas por una red de vigas interconectadas. Análogamente a las membranas de una hoja, la división del techo sigue patrones geométricos que actúan como una especie de follaje. El interior fue dividido por placas de vidrio para separar los diferentes tipos de sembradío que se cultivan en el invernadero. De esta forma, la composición del pabellón manifiesta el compromiso ineludible que el hombre tiene con el medio ambiente. www.id-a.ch

En octubre de 2012, se dio a conocer un atípico invernadero en la localidad de Grüningen, Suiza, éste busca replantear el papel de la naturaleza frente a las necesidades humanas.

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Greenhouse será utilizado como invernadero para el cultivo de plantas subtropicales como el plátano y la papaya, que son poco comunes en Zürich, Suiza.

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Redacción Imágenes cortesía de COODO

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OODO es una empresa joven que tiene como objetivo mejorar las normas de vida que existen, a través de un diseño innovador, tecnología moderna y materiales de alta calidad. Diseñadas en 2012, el estudio propone unidades modulares prefabricadas de vivienda que responden a la necesidad de nuevos espacios habitacionales. Éstas se encuentran ubicadas en Kranj, Eslovenia. Las unidades están diseñadas a partir de tres conceptos básicos: diseño contemporáneo de simplicidad modular, construcción sostenible que mejore la calidad de vida y mínima interrupción del paisaje. Los módulos tienen la característica de colocarse en múltiples entornos climáticos y físicos. El grupo de unidades modulares está compuesto por pabellones con funciones básicas y multipropósito; todos ellos pueden interconectarse y generar espacios más complejos. La vida útil de los módulos es de al menos 50 años; están fabricados en diferentes medidas (por lo general de 8.7 m2 y 18.1 m2), con materiales utilizados comúnmente para navegación pero con características específicas para vivienda. La estructura es de acero galvanizado con pintura electrostática, mientras que los paneles exteriores e interiores pueden ser de madera, corian, alucore o alubond; los pisos son de madera. Las fachadas están recubiertas con gelcoat de poliéster para hacerlas resistentes al agua. El usuario puede personalizar cada módulo de acuerdo a sus propias necesidades, y elegir el material de la fachada y acabados en general, su color y textura. El aspecto principal de sostenibilidad de cada uno de los módulos es que requieren un trabajo mínimo de preparación del suelo, por lo tanto no son agresivos con el paisaje ni con el ambiente. www.coodo.eu

Modular Units por COODO

Vivienda Contemporánea Personalizable

Módulos cuidadosamente diseñados que se integran en entornos diversos, desde paisajes naturales deshabitados hasta concurridos centros urbanos. 106

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“El estilo de vida contemporáneo exige formas de vivienda contemporáneas”. COODO ABRIL • MAYO 2013

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Olympic Shooting Venue

Nudos Axonométricos

Diseñado Magma Architecture, el complejo temporal Olympic Shooting Venue fungió como sede de la competiciones de tiro en los juegos Olímpicos de Londres 2012. Consiste en tres estructuras hechas de PVC que fueron erigidas en el histórico Royal Artillery Barracks, ubicado en Woolwich, Londres.

Redacción Imágenes cortesía Magma Architecture

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omo parte de las actividades de los Juegos Olímpicos y Paralímpicos Londres 2012, el despacho alemán Magma Architecture fue comisionado para diseñar y montar tres escenarios temporales y móviles que albergaron las competiciones de 10, 25 y 50m de tiro deportivo. El diseño de la sede fue impulsado por el deseo de evocar una experiencia de flujo y precisión inherente al deporte de tiro, a través de un espacio dinámicamente curvado. Las tres estructuras se configuran en una fachada nítida y blanca de doble membrana, adornada con aberturas de colores vibrantes. Éstas, además de hacer más atractivos los exteriores, funcionan como nodos tensores, aperturas de ventilación y entradas a nivel del suelo.

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El complejo cuenta con una estructura de barras de acero ensambladas y un cerramiento textil, compuesto una doble piel, interior y exterior, de plástico blanco translúcido. La membrana continua que recubre el conjunto del edificio, se ve perturbada en el punto de intersección con las aberturas para la ventilación y las puertas de acceso. La membrana de PVC, de 18,000 m2, funciona mejor en un formato de lámina de doble curvatura para evitar que la fachada aleteara con el viento. La sostenibilidad fue un factor clave en la configuración del diseño. La solución del despacho consistió en idear un propuesta cuya construcción fuera rápida, de fácil desmontaje y traslado. Los objetivos esenciales fueron mini-

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mizar el uso de materiales para la construcción y el consumo de energía, con la finalidad de proporcionar una estructura que pudiera ser fácilmente almacenada y reutilizada. Sin duda, el aspecto fresco y la luz de Olympic Shooting Venue realzó el carácter festivo de las Olimpiadas. Debido a su condición temporal, las tres estructuras se desmantelaron inmediatamente después, de las cuales dos serán ensambladas de nuevo para los Juegos Commonwealth 2014, en Glasgow, Escocia. El proyecto fue nominado para el Premio 2013 de la Unión Europea de Arquitectura Contemporánea de la Fundación Mies van der Rohe. www.magmaarchitecture.com

El diseño de la sede fue impulsado por el deseo de evocar una experiencia de flujo y precisión inherente al deporte de tiro, a través de un espacio dinámicamente curvado.

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“La directriz del proyecto exigió que todos nuestros diseños fueran regidos bajo el principio de “reducir, reutilizar y reciclar”. Esto significaba probar cada material para considerar si era indispensable para la propuesta o si se omitía por completo”. Magma Architecture

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Assembly One Pavilion

Pabellón que esconde y revela su contenido

Por Redacción Fotografía de Chris Morgan

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a Facultad de Arquitectura de la Universidad de Yale tiene una tradición desde hace poco más de 40 años. Los estudiantes de primer año diseñan y construyen un proyecto; la estructura más joven de éste linaje es el Assembly One Pavilion, creado en 2012 para

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funcionar como Centro de Información para el Festival Internacional de Artes de New Haven, Connecticut, que se celebra anualmente durante el verano. El propósito del proyecto es promover la creatividad de los alumnos. Con la asesoría de Brennan Buck, del despacho de Arquitectura FreelandBuck, los estudiantes diseñaron, construyeron y ensamblaron cada uno de los paneles que conforman al pabellón, cuyas carac-

Diseñado y construido por estudiantes, el Assembly One Pavilion es un espacio que sirve para enlazar a los alumnos con su comunidad.

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terísticas conceptuales fueron: dinamismo, transparencia y densidad; componentes básicos con potencial para crear un diseño único. Durante la etapa de diseño los estudiantes centraron su atención en las formas cambiantes de los edificios contemporáneos, y para expresar estas ideas, explotaron los efectos que pueden aplicarse a la arquitectura con la unión entre técnicas, materiales, y sistemas convencionales y digitales. La exploración que hicieron fue más allá de la fabricación estandarizada con técnicas tradicionales, complementándola con procesos experimentales. Eligieron un diseño triangular para cada celda y para el conjunto en general. La estructura es adecuada para un festival de performance; sólida y masiva desde un ángulo, ligera y casi porosa desde otro. Alternativamente esconde y revela su interior dependiendo de la perspectiva. El proyecto fue construido a partir de láminas delgadas de aluminio, cortado con una máquina de control numérico de plasma, pintado, doblado y remachado. El pabellón tiene acceso por dos de sus lados, generando un recorrido de alta experiencia sensorial. Las más de 1000 celdas triangulares crean efectos versátiles, de reflejo y color acorde a la circulación de los visitantes, creando una imagen de refugio inestable y atractivo. www.freelandbuck.com www.architecture.yale.edu

Los estudiantes diseñaron, construyeron y ensamblaron cada uno de los paneles que conforman el pabellón. “El pabellón funciona como plataforma para vincular a los estudiantes con su comunidad y con los miles de visitantes del festival”. Brennan Buck, socio del despacho FreelandBuck

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Pabellón Sobreciclable por BNKR Arquitectura

Espacio que pone el ejemplo

Redacción Imágenes cortesía de BNKR Arquitectura

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NKR Arquitectura se enfoca al diseño arquitectónico, urbanismo e investigación; ha experimentado en la escala más

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amplia posible. Se caracterizan por tener un acercamiento poco convencional con la arquitectura y están convencidos que encontrar soluciones específicas a problemas concretos es posible. Por otro lado, Expo CIHAC es la exposición de construcción y arquitectura más grande de Latinoamérica. Todos los expositores crean www.glocal.mx


pabellones relacionados con sus marcas y productos, su ejecución trae consigo una alta generación de desechos. Con esta realidad, BNKR se acercó con los directivos de Expo CIHAC para proponerles un pabellón sustentable, de bajo costo y que no generara residuos. Para lograrlo se inspiraron en el sobreciclaje, actividad que consiste en convertir desperdicios y objetos en desuso en productos nuevamente útiles: diseñaron un pabellón construido con cajas de refresco apiladas. El diseño final de 5,000 cajas refresqueras se destinó para el área de cafetería de Expo CIHAC 2012; entre sus cualidades destaca también su bajo costo. La configuración final fue resultado de la experimentación in situ, para fijar las cajas se utilizaron cinchos de plástico. Los muros, de cerca de 5m de altura, son de planta curva para estructurarse y sus remates en diagonal les permiten poseer mayor estabilidad. Al final de la exposición los cinchos se recolectaron para asegurar su reciclaje y las cajas fueron devueltas a la compañía refresquera, misma que apoyó el proyecto por su afinidad con sus programas de sustentabilidad y responsabilidad social. www.bunkerarquitectura.com

Cuando terminó la exposición, el pabellón se desarmó y los cinchos de plástico se recolectaron para posteriormente reciclarse.

Durante Expo CIHAC 2012, visitantes y expositores tuvieron la oportunidad de visitar un espacio no convencional, de bajo costo y que no generó residuos o contaminación ambiental.

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Silo 468 Daniel Herranz Fotografía de Hannu Iso-oja

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n silo es una construcción regularmente en forma cilíndrica, diseñada para almacenar materiales a granel; forma parte integral del ciclo de acopio de la agricultura. En Helsinki, Finlandia, el colectivo español Lighting Design intervino una de estas construcciones en 2012: se trata de la recuperación de un espacio deshabitado que ahora forma parte del crecimiento urbano de Europa. El proyecto se divide en dos partes que, al mismo tiempo, son complementarias: el exte-

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Luz Eólica rior de la estructura fue perforado con 2012 orificios, número que alude al año del nombramiento Helsinki como la Capital Mundial del Diseño. Se instalaron 450 espejos de acero, cuyo movimiento recrea el efecto de la luz del sol en la superficie del agua, provocando que el silo no pierda brillo durante el día. Durante la noche se usan proyectores con LEDs de color blanco y rojo que emulan la puesta del sol, efecto que se percibe hasta 3 km de distancia. Cuando la instalación se observa desde el centro de Helsinki, ésta parece flotar en el aire. Pintado de color rojo oscuro, el espacio interior, de 36 metros de diámetro y 17 metros de altura, filtra la luz diurna a través de los orifi-

El comportamiento de la luz, estimulado por la fuerza del viento, es el principal componente del concepto detrás de Silo 468, un proyecto de Lighting Design Collective ubicado en Helsinki, Finlandia.

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cios para crear patrones en los paneles oxidados. Una red de LEDs blancos también ilumina el muro del espacio. Durante el día, la luz del sol crea un espectáculo mediante un juego de sombras. Por la noche, 1.250 LEDs parpadean y se balancean en la superficie del silo; todos son controlados por un software configurado para imitar el movimiento de las bandadas de pájaros en vuelo –que hace referencia a la ubicación del proyecto, el cual se encuentra junto al mar. El carácter efímero de Silo 468 descansa en el viento. Geográficamente, Helsinki se encuentra en un área donde las corrientes de aire son constantes. Como una forma de aprovechar las fuerzas eólicas generadas, el colectivo desarrolló un software basado en algoritmos que responden a parámetros tales como la velocidad, dirección y temperatura del viento. Este sistema actualiza los datos cada 5 minutos; por ello, los patrones de las luces son infinitos y nunca se repiten. En algunos momentos los cambios son lentos, pero se aceleran conforme aumenta la velocidad del aire hasta crear un mural de luz en transformación constante. www.ldcol.com

“La fascinación perdurable del movimiento complejo de la luz y su ubicación privilegiada junto al mar, hacen de Silo 468 una experiencia fascinante para los visitantes y residentes de Helsinki”. Tapio Rosenius, Director de LDC

En la noche, se usaron proyectores con LEDs de color blanco y rojo que emulan la puesta del sol, efecto que se percibe hasta 3 km de distancia. Cuando la instalación se observa desde el centro de Helsinki, ésta parece flotar en el aire.

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Pabellón por Gert Wingårdh y Kustaa Saksi Diálogo interdisciplinario Durante el Stockholm Furniture Fair 2013, se presentó un pabellón que explora diferentes formas de comunicación al tiempo de generar interacción directa entre el diseño y la arquitectura en un espacio determinado.

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Cynthia Rojas Fotografía por Tord-Rikard Söderström

Desde la aparición de los dispositivos móviles y las redes sociales, los procesos comunicativos están en constante evolución. Proponer reflexiones en torno a esos cambios a partir

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de diferentes disciplinas ha sido una tarea que se ha ejecutado desde la perspectiva del arte, el diseño y la arquitectura. Es el caso del arquitecto sueco Gert Wingårdh, quien concibió un pabellón en colaboración con el ilustrador Kustaa Saksi. El objetivo de la instalación es fomentar un diálogo en torno a los espacios de trabajo contemporáneos, y cómo estos se comunican entre sí. Mediante el papel, un elemento que aún sigue siendo importante en los procesos de comunicación, Wingårdh ensambló una estructura flotante construida con once mil hojas suspendidas que anteriormente fueron intervenidas por Kustaa Saksi: 44.00 mil puntos de unión fueron instalados en una superficie de 200 m2. El montaje siguió un procedimiento cuidadoso: a través de un modelo 3D se dimensionó la estructura para tener control sobre cada una de las hojas a las que se les asignó un número específico –el cual se refería a su posición en el espacio-. A lo largo de una semana, ocho personas lograron reproducir el modelo para que empatara a la perfección. Se decidió utilizar hojas de papel porque, además del sentido multicultural que posee como elemento, evoca a cientos de bloques de construcción y, por ende, a la arquitectura, sin mencionar que por su composición, el papel es un elemento de diseño económico, ligero y maleable, lo que resultó indispensable para la intervención de Saksi. Otra de las características del pabellón es que explora la intersección entre el diseño y la arquitectura dentro de los límites de un mismo proyecto. www.wingardhs.se

La instalación simula el interior de una catedral: las hojas de papel se encuentran acomodadas como si fueran una cúpula, mientras que las mesas funcionan como espejos que reflejan la ilustración del diseñador gráfico Kustaa Saksi.

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Le Plongeoir

Le Plongeoir, de SPRAY Architecture, es un proyecto de arquitectura efímera que replantea la teoría de la oblicuidad a partir de la construcción de un módulo instalado en un campo abierto al este de Francia. 120

La función de lo oblicuo

Redacción Imágenes cortesía de SPRAY Architecture

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oncientizar sobre la importancia de la gravedad y las nuevas formas de apropiación de un espacio son los principales postulados de “la función de lo oblicuo”, una teoría desarrollada en 1963 por el arquitecto francés Claude Parent, y el teórico cultural y urbanista Paul Virilio. Para el despacho francés Spray Architecture, esto tiene sentido cuando se cuestionan –y se rechawww.glocal.mx


zan– las direcciones fundamentales dentro de un espacio específico: los ejes horizontal y vertical. Bajo esta premisa nació Le Plongeoir, un proyecto arquitectónico de carácter efímero situado en Muttersholtz, un campo al este de Francia, intervenido por varios artistas como Antistatik, The INjustice y THTF. Se trata de una estructura de 14 m2 construida con madera y policarbonato translúcido que emplaza el concepto de gravedad al suponer una relación directa del individuo con el edificio, aparentemente en desequilibrio e inestabilidad. La posición oblicua de la plataforma se asemeja a un trampolín (plongeoir en francés), lo que permite al sujeto situarse en un punto donde puede identificar la ausencia de límites entre el exterior y el interior. Con este proyecto, Spray Architecture busca incentivar una reflexión sobre cómo se ejecuta el ejercicio arquitectónico actualmente —tiene que ver con proponer nuevas formas, y con innovar en la teoría y la práctica—. No se trata sólo de crear viviendas y otras construcciones, sino también de provocar un cambio arquitectónico a favor del dinamismo humano y su estilo de vida natural. www.sprayarchitecture.tumblr.com

Gracias a sus múltiples intervenciones, este proyecto fue catalogado como Graffitecture, un tipo de arquitectura que integra el arte en su diseño.

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Fragile Shelter

Un refugio que reivindica el sentido de lo colectivo

Redacción Fotografía por Anna Nagai

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ragile Shelter es una estructura desarrollada por la artista y diseñadora japonesa Hidemi Nishida, en 2011, que funciona como estancia durante el invierno en Japón. Dispuesto de manera escalonada, el refugio fue construido con materiales sencillos: paneles translúcidos de plástico, acoplados a un soporte de madera formado por módulos individuales. Su forma sinuosa responde directamente a condiciones climáticas extremas, diseñada para proteger a los habitantes que comparten diferentes experiencias en un mismo lugar. El proyecto se situó dentro de las profundidades del bosque, por lo que fue dividido en seis unidades para su fácil traslado y montaje. Éstas pueden ser fraccionadas en paneles de 2m x 2m. El ensamblaje consistió en trans-

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portar los módulos, anteriormente preparados en una fábrica, y montarlos en el sitio, esto con la finalidad de ahorrar tiempo de construcción. Después del periodo de exhibición, fue desmantelado de nuevo y fue guardado en un depósito para futuros ensamblajes. Todos los materiales fueron seleccionados con el objetivo de reutilizarlos y hacer una estructura simple y de fácil mantenimiento. El refugio puede cambiar su forma combinando pequeñas unidades y ajustándolas en diferentes sitios. Asimismo, la escala se puede expandir fácilmente añadiendo más módulos — éstos pueden ser usados como refugios independientes en diferentes eventos-. Fragile Shelter aborda el sentido de lo colectivo, su relación con el paisaje, y cómo el entorno influye en las costumbres y en los criterios arquitectónicos que aplican para su elaboración. www.hdmnsd.com

Hidemi Nishida, artista y diseñadora japonesa, creó un modesto refugio temporal, ubicado en medio de un bosque de Sapporo, Japón, donde la gente pasó el invierno dentro de un ambiente acogedor.

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“Todos los materiales fueron escogidos con el objetivo de reutilizarlos, y hacer la estructura simple y de fácil mantenimiento”. Hidemi Nishida

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Golden Workshop Redacción Fotografía por Christian Richters

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on motivo de la exhibición Golden Glory. Medieval Treasury Art in Westphalia, la firma Modulorbeat creó Golden Workshop, en febrero de 2012, que consiste en una estructura resplandeciente de 95 m2 donde se expusieron diversos talleres y técnicas de orfebrería medieval. Ubicado estratégicamente dentro de la plaza con ventanas orientadas hacia el interior en cada una de las cuatro alas que lo conforman; el pabellón fue construido sobre la parte superior de pilotes hechos de hormigón in situ

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Fachadas Moduladas

En colaboración con estudiantes de la escuela del campus de arquitectura de la Universidad de Münster, la firma Modulorbeat diseñó Golden Workshop, un pabellón temporal instalado en el centro de la plaza central de Münster, Alemania.

y de madera, lo anterior con el objetivo de no dejar rastro una vez que fuera desmantelado. Cada ala se abre hacia dentro como un embudo, logrando que el diseño remita a un molino de viento abstracto. El efecto es un gesto de invitación a los visitantes, ya que el camino se abre hacia el interior del taller central. www.glocal.mx


El diseño consiste en formas y materiales simples (como las fachadas doradas realizadas en aleación de cobre) que logran complejidad a través de desplazamientos sutiles y precisos, lo que hace más atractivo el proyecto. Además, el pabellón parece reinventarse desde diferentes perspectivas: exhorta al visitante a mirar alrededor de él, por medio de las aberturas grandes ubicadas en la parte final de cada una de las alas. El interior de la estructura cuenta con una selección muy reducida de materiales y colores. Las paredes, el piso y el techo fueron elaborados a partir de una madera de color claro que contrasta con el negro de las lámparas de escritorio y los taburetes de trabajo, esto con la intención de crear un ambiente cálido. Después de cinco meses de uso, Golden Workshop fue desmontado para ser reconstruido de nuevo —usando todos los materiales originales— en una escuela local. www.modulorbeat.de

El diseño consiste en formas y materiales simples que logran complejidad a través de desplazamientos sutiles y precisos, lo que hace más atractivo el proyecto.

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People’s Meeting Dome

Cúpula Deconstruida

Los arquitectos daneses Kristoffer Tejlgaard y Benny Jepsen proyectaron una pieza específica que esboza el futuro de la vivienda: People´s Meeting Dome.

Redacción Imágenes cortesía Kristoffer Tejlgaard

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bicado en Bornholm, Dinamarca, People’s Meeting Dome fungió como un lugar de encuentro donde se discutió el futuro de la vivienda en la localidad; el debate fue una iniciativa de la Asociación Nacional Danesa para la Vivienda Social. (FALTA FECHA).

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El pabellón fue construido en junio de 2012 y será utilizado diez veces durante un período de tres años. Bajo el concepto de deconstrucción, los arquitectos Kristoffer Tejlgaard y Benny Jepsen diseñaron una cúpula geodésica construida a partir de una estructura de madera, misma que puede ser moldeada de acuerdo con su entorno. Sus diferentes superficies de acoplamiento y nichos, creados por la división de la forma original, revelan la anatomía de la estructura. El soporte de madera está compuesto por módulos triangulares que permiten transformar el exterior, ya sea eliminando o añadiendo paneles para crear una nueva puerta o ventana, o incluso, modificar el espacio ampliando o reduciendo la envolvente modular. Las uniones metálicas de los nudos fueron especialmente diseñadas para esta estructura. Debido a la temporalidad del proyecto, la envolvente exterior fue revestida con tablones de madera de la localidad, los cuales forma-

“La ambición era entender la construcción de cúpulas geodésicas, y luego deconstruir su geometría sagrada, una manera en la que no se oponen, sino que deben respetar sus propiedades”. Kristoffer Tejlgaard y Benny Jepsen

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ron diferentes patrones geométricos. El modo en que la cúpula geodésica se rompe, creando hendiduras entre los diferentes módulos, permite la creación de pequeñas concavidades y grietas de asientos en el perímetro de la cúpula, dejando la zona central despejada donde se ubica un pequeño escenario. De acuerdo con los arquitectos: “la cúpula geodésica es uno de los métodos más óptimos de construcción que conocemos. Tiene las ventajas de ser racional y matemáticamente generado, pero es muy deficiente a muchas de las cualidades que asociamos con la buena arquitectura. Se podría definir como no-arquitectura”. www.behance.net/ktejlgaard

Debido a la temporalidad del proyecto, la envolvente exterior fue revestida con tablones de madera de la localidad, los cuales formaron diferentes patrones geométricos.

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Lignum Pavilion Frei Architekten + Saarinen diseñó un pabellón de exposiciones que mostró el uso contemporáneo de la madera con fines arquitectónicos.

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Geometría a gran escala

Redacción Fotografía Hannes Henz, Zürich

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on sede en Zürich, el despacho Frei + Saarinen Architects diseñó el Pabellón de la organización Lignum, donde se ofrecieron recorridos sobre los procesos creativos y de elaboración de productos de madera. La estructura, que fue ubicada dentro de la empresa, en Basilea, Suiza, se conformó por veinte paneles de madera de 50 mm de espesor, ensamblados en capas entre sí, que se apoyan sobre planos y elementos verticales de 130 mm de altura. El pabellón, proyectado en

2009, fue utilizado aproximadamente 10 veces durante un período de tres años. El proyecto también se mostró en ocasiones dentro del Swissbau, la feria más importante para la construcción y de bienes raíces en Suiza. Durante cinco días se presentan las últimas novedades y tendencias del mundo de la construcción. En términos geométricos, el cuerpo arquitectónico es resultado de la abstracción de un “nudo figura-8”, seccionado en capas horizontales —541 diferentes piezas de madera fueron cortadas por una fresadora, para dar un peso total de ocho toneladas métricas. El proceso de producción, totalmente digitalizado, hizo posi-

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El pabellón crea una imagen sorprendentemente orgánica que brota de la naturaleza fragmentaria de sus componentes.

ble optimizar tanto la cantidad de material usado, así como el sistema de montaje, lo que ayudó a reducir los costos, aprovechar las características de resistencia de la madera, al tiempo de permitir una fácil transportación y almacenaje. El pabellón creó una imagen sorprendentemente orgánica que brota de la naturaleza fragmentaria de sus componentes. Asimismo, generó una conciencia de que el ritmo de la modulación no se refiere únicamente a la forma en sí misma, sino de objetos que cobran vida como repeticiones del cuerpo, y el mundo y sus relaciones constitutivas. www.freisaarinen.ch

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EU Pavilion por Senat Haliti

Un hogar para todos

Promovido y gestionado por la Oficina de la Unión Europea en Kosovo, el EU Pavilion es un espacio de bienvenida para la diversidad cultural e impulso para el desarrollo.

Redacción Fotografías cortesía de S. Haliti & M. Azizi

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bicado en el centro de Prizren, ciudad en la frontera sur de Kosovo, el EU Pavilion ofrece un espacio para la contemplación y el encuentro; su objetivo es reconciliar y enlazar a las diferentes comunidades que residen en dicha urbe. El pabellón es el resultado de la competencia abierta “Culture for all” que organiza la Unión Europea, con el objetivo de promover la diversidad cultural. Es un proyecto financiado con fondos comunitarios y realizado por el ARS Progetti SPA. La construcción transforma el área pública y reactiva su tránsito peatonal. Está diseñada para proporcionar un espacio tranquilo que fomenta la convivencia. La estructura es el arquetipo de casa y sus colores están inspirados en la propuesta que el Arq. Rem Koolhaas realizó para la bandera de la Unión Europea. La idea procede de la aprobación de los kosovares de formar parte de la UE y retoma la rica herencia cultural que han logrado a través de su historia; simbólicamente une el pasado y el futuro. El pabellón, cuyo interior está decorado con un kilim (alfombra tradicional), fue construido con marcos de madera de pino reciclada y coloreada con pintura a base de agua; lo que los estructura son pequeños tubulares de acero que también funcionan como estación para bicicletas, promoviendo el uso de transporte no motorizado. La riqueza de color, además de revelar diversidad, funciona como un agente de armonía audaz y vibrante. El espacio de recogimiento invita a la reflexión sobre lo retrospectivo y lo ulterior. www.chwb.org/kosovo

Sus colores están inspirados en la propuesta que el Arq. Rem Koolhaas realizó para la bandera de la Unión Europea. 130

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PH-Z2 Dratz&Dratz Architekten desarrolló el proyecto PH-Z2, un edificio temporal construido a partir de residuos de papel prensados en bloques. Redacción Imágenes cortesía Dratz&Dratz Architekten

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n 2008, la firma alemana Dratz&Dratz Architekten ganó la competencia Internacional de Arquitectura “Espacios de trabajo Móviles”, llevada a cabo por Development Company mbH y the Zollverein School of Management and Design, cuyo objetivo consistió en crear espacios temporales con base a soluciones inteligentes y al uso de materiales innovadores. Como resultado, se gestó el proyecto PH-Z2, un edificio hecho con residuos de papel prensados en bloques de 1.40m, 1.10m y 0.80m, con un peso aproximado de 500 kg cada uno. La geometría y el diseño del proyecto se basó en el modelo arquitectónico de la masABRIL • MAYO 2013

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Un edificio de papel reciclado taba —edificación funeraria del Antiguo Egipto con forma troncopiramidal. El edificio, conformado por 550 fardos, se sitúa sobre el terreno de un antiguo complejo minero nombrado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. Todo el material de empaquetado viejo, proveniente de supermercados, es recolectado separadamente y compactado dentro de un sistema de reciclaje a alta presión para posteriormente convertirlo en fardos. En este sentido, la selección del material se basó en la estética del material: la inusual mezcolanza que provenía de éste y el sinnúmero de logos de marcas comerciales, entre otros factores, intervinieron en la planeación y la construcción de esta atípica edificación. El potencial de este material radica en la posibilidad de apilar los fardos para lograr una estructura de gran altura, característica que permite generar amplios espacios en el interior. Además, el papel comprimido responde positivamente a la humedad durante el invierno. La construcción está pensada para albergar exhibiciones, conferencias de prensa, presentaciones, eventos y, gracias a sus propiedades aislantes, se pueden ofrecer conciertos. Aunque el edificio fue pensado para ser temporal, el despacho continuará experimentando con

papel comprimido para proyectos permanentes, ya que uno de sus propósitos es impulsar la reflexión sobre cómo lidiar en un futuro con la arquitectura efímera. www.dratz-architekten.de

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arq. efímera

Espacio Ricardo Seco por Arqmov Workshop Materiales inesperados en un espacio singular Redacción Imágenes cortesía de Arqmov Workshop

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Fachada principal intervenida bajo la línea de la colección Primavera-Verano 2013 de Ricardo Seco, diseñador de moda mexicano.

rquitectura en Movimiento Workshop es un taller de jóvenes arquitectos, fundado en 1996. Dentro de sus cualidades destaca diversidad creativa, misma que se ve reflejada en cada uno de sus proyectos. Las temáticas de sus diseños permiten la exploración y acercamiento a nuevas tecnologías, reactivando estrategias que permiten entender y aprovechar el entorno inmediato. Arqmov Workshop fue el encargado de transformar el Espacio Ricardo Seco con una instalación inspirada en la colección P-V2013, llamada SHARE. Los lineamientos de diseño fueron simples, intervenir la fachada principal y el interior de la tienda de Ricardo Seco ubicado en la Colonia Condesa, en la Ciudad de México. El despacho buscó un lenguaje homogéneo para ambos espacios el cual surgió de la gama de colores utilizada en el logo de la nueva colección. A través de un tratamiento textil colocado artesanalmente se ubicó una nueva piel hecha de cordón trenzado de poliéster. Esta intervención no modifica la fachada original, simplemente le añade un acento de color y textura. Cada cordón fue insertado de manera simple, bajo un sistema de grapas como anclaje al muro de madera original de la fachada principal. En el interior del espacio se encuentra la silueta del diseñador, la cual fue realizada con una secuencia multicolor de cordones, reforzando la esencia de la colección. Al fondo, se encuentra el logo SHARE; cada letra comparte las texturas y colores de la fachada, sin embargo, la colocación sugiere más que un mero tejido; ilustra de manera exacta el origen de la intervención, que es el arte de: compartir. www.arqmov.com

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arq. efímera

The Picnic Project se presentó en Stockholm Furniture Fair 2013 como una instalación que, a través de una situación surrealista, expone el trabajo de la icónica empresa de textiles Kvadrat.

Redacción Fotografía Joël Tettamanti

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The Picnic Project Una instalación multicolor

aw-Edges es un despacho de diseño integrado por los israelís Yael Mer y Shay Alkalay. Su trabajo se concentra en el movimiento, la función y reacción de los objetos ante las necesidades que supone la cotidianeidad, ejercicio que convenció a la empresa experta en textiles de alta calidad, Kvadrat, para encomendar a este joven despacho el diseño de su pabellón en Stockholm Furniture Fair 2013. El diseño de The Picnic Project, nombre de la instalación, tenía la intención de inspirar una atmósfera surrealista: su estructura simula un sauce de los bosques nórdicos, se trata de un árbol característico por sus ramas largas y esbeltas que caen casi hasta el piso. Para simular el follaje se ocuparon alrededor de 1,500 tiras de diferentes tipos de textiles de distintos tamaños que cuelgan del techo e invaden todo el espacio superior. Bajo las tiras existe un soporte que actúa como el tronco del árbol: se trata de un módulo hecho con madera de abeto de la empresa danesa Dinesen Douglas Fir, de donde se extienden varias divisiones ascendentes que funcionan como perchas, mismas que exhiben 20 textiles multicolor firmados por Kvadrat. El pabellón también cuenta con un par de mesas acomodadas de manera perpendicular, que si se toma en cuenta la intención surreal, aluden a la clásica fiesta de té de Alice in Wonderland. Gracias a su elaborado diseño y su volumen tridimensional, este pabellón fue uno de los más aclamados en la última edición de Stockholm Furniture Fair, que poco a poco se ha convertido en una plataforma importante para el design branding en Europa. www.raw-edges.com

Para el montaje de The Picnic Project se ocuparon alrededor de 1,500 tiras de diferentes tipos de textiles y diferentes tamaños que cuelgan del techo. ABRIL • MAYO 2013

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texturas

Yakampot, un ejercicio artesanal

Con el avance tecnológico y sus aplicaciones a la industria de la moda, pocos son los diseñadores que todavía tiene fe en los antiguos métodos de confección. Ésta es la particularidad de Yakampot, una marca creada a partir de la conservación cultural.

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Daniel Herranz Fotografías cortesía Yakamport

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akampot es una localidad olvidada en el municipio de Chamula, Chiapas. Con apenas 261 habitantes, esta zona no tiene nada en particular, por lo que el paso del tiempo parece no tener una repercusión palpable a primera vista. Sin embargo, el ejercicio de observación de Francisco Canino permitió encontrar en este lugar mágico un estímulo creativo, mismo que lo llevó a establecer su propia marca con el nombre de esta comunidad. La firma está inspirada en las etnias mexicanas. Cada una de sus colecciones explora un concepto extraído de las comunidades olvidadas que habitan los rincones de la república mexicana: los cuerpos de las mujeres, sus atuendos, los rituales ancestrales y gestos cotidianos influyen de manera directa el proceso creativo de Francisco a la hora de diseñar. Es así como se conforma el estilo de la marca; a través de una reinvención del patronaje tradicional indígena, el diseñador elabora un discurso estético que encierra la esencia del corte étnico. En su colección SS2013, Yakampot decide rescatar el discurso estético que ha caracterizado a las mujeres de Tehuantepec. Basado en diferentes técnicas textiles, Francisco Canino construye piezas de formas y cortes contemporáneos sin perder los elementos (como la paleta de color, las texturas de las telas y los ornamentos geométricos) que emulan el folclor histórico de las mujeres zapotecas del Istmo. El objetivo de esta casa de moda descansa en la innovación de técnicas a través de los valores artesanales antiguos. Éstos conceden autenticidad y espíritu a cada una de las piezas firmadas por Yakampot. www.yakampot.com

Francisco Canino, originario de Chiapas, ha dedicado parte de su trabajo en reivindicar social y culturalmente el textil hecho en México por medio gestiones de rescate y conservación. ABRIL • MAYO 2013

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traducciones

Luis Úrculo Dialogues from Latin Europe

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Currently, the geographical boundaries are no longer a limit. Crossing cultures is increasingly visible in the exercise of emerging designers, architects and artists who have the world as a single entity. This is the case of Luis Úrculo, architect and designer who, among other things, records the dialogue of European culture and Latin in their work. BY GALA FERNÁNDEZ IMAGES COURTESY LUIS ÚRCULO

I MET Luis in 2009, when he began working as a tutor at the European Design Labs IED Madrid, Master that I designed with Riccardo Marzullo and directed since 2007. It was the following year, when the direction of the EDL was taken over by Jaime Hayón, when Luis and i had the opportunity to deepen. Now, fate reunites us out of our land. It has been many things and now we are here in Mexico, talking about Latin Europe and many other things... Gala Fernández: Does Latin Europe exists? LU: Yes! Totally. Yes right now yes. The lines were much more marked and stronger before. I think that in the last ten years boundaries have begun to open up in any geography, now are much more diffuse. GF: Your work has a lot to do with the scale. Constantly changes from frame to micro, and vice versa. It strikes me that constantly change, but I guess you want to work on a larger scale ... LU: Totally. Always work in the scale: my projects are a translation of the possibilities offered by my surroundings. The consequence of this is my professional profile. I started working before finishing my career and the type of projects that allowed me to address my situation were those who did not need to be signed. Proposals could be related to the performing arts, graphic design, illustration, drawing or video; they were a support that demanded the presence of a qualified architect. When I graduated, I continued working in that environment because I was really interested. It was natural. The medium limited, but not affect the development of my ideas. Now I want to be able to develop proposals on a larger scale. Many of my projects are to-scalar (unscaled) and the best example is “Essay on Ruin”, which i presented in Zona MACO. This is a series of models in which i omit the scale. GF: Are you more a designer or an architect? LU: My background is architecture. It took ten years to finish my degree and spent a year in Chicago decouple a unique insight into the architecture. This discipline is my educational background, i have been given technical tools, methodologies, artistic elements that made me so strong; its has been a starting point. What matters are the results, what is being done and the identity of the speech. Le Corbusier, Rem Koolhaas and Mies van der Rohe were not architects, so the label does not make much sense. GF: And in terms of design? LU: It is only a change of scale, is the same. Design attracts me the immediacy. The time factor in architecture is more difficult and takes freshness to the projects. A very important technical part is to know materials, the transformation processes and relationship to the technicians and craftsmen. The art and design have allowed me to have a closer relationship with the projects. GF: You’ve worked for other designers like Philippe Starck. How was your experience? LU: Yes! With Starck i have learned a lot from how manages a teamwork and spaces with absolute freedom. His intelligence is evident in how he delegate the other´s responsibility in you. He require your absolute responsibility of intervention and the results are often of higher quality. However, that total trust becomes an enormous weight within the project. You can not fail. In Paris he left me his office and gave me the keys. He leaves you all, but at the same time he requires all of you. It’s wicked smart. He let multiple identities coexist in his work. GF: How is the experience of being part of the identity project designed by Philippe Starck?

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LU: Starck allows me to express my identity, for example, in the murals. It is a luxury! The last work I did for him was in Istanbul, it is a mural in the tower elevators. Seven plants scroll drawing as panning, is a long drawing, a large traveling. As the elevator rises the illustration moves. GF: Essay on the ruin is one of your most recent projects, wich you present in Zona MACO. Tell us about it. LU: The project began with the first solo show I did in my current gallery in Spain: Pro Galery. It has been a long work that began with a video project. The idea emerged around the possibility of portraying and draw a emotional state. It was very personal. I saw everything that was happening around me: the structures where my whole life was based; the world was in a continuous decomposition. Nothing was stable and solid. That image of eternity, on which we have been educated and where I lived, was crumbling. Over the years you realize that everything is ephemeral, nothing in what you maintainest lasts forever. Nothing is solid and is in everyday actions where we see the destruction. When you look at that reality. There’s something totally enjoyable in that decomposition. I do not see it as negative. Thus began the work of Ruin. GF: What do you think of the “latino europeans” in Latin America? LU: It’s a very intimate portrait and that is where i move. In my work you can see the context of Spain. However, we live in a time of major change, a change of era. References and certainties change, we agree not to accommodate, and generates exchanges such as the one we are living like Europeans in Latin America. My work is not based on a specific place, but in several places at once: a workshop in Madrid, Mexico, Buenos Aires, Lisbon, San Francisco and Rio de Janeiro. Many people do not know where i am physically. Technology gives you, in some way, the gift of ubiquity. It is best to not affect the project. Internet has completely changed the geography of the shares. Physically shorten distances in spaces that can be reached in 10/12 hours. www.argocollective.com/luisurculo

Miguel Ángel Aragonés The infinite possibilities of light and White P. 66 BY MABEL TELLEZ IMAGES COURTESY ARAGONES WORKSHOP

INTERIOR AND exterior forming a unit and a sequence of spaces and infinite variety of white light refractions, are the central themes that shape the architectural work of Miguel Ángel Aragonés, one of the leading architects of México. What role does light and white have in each of your projects? Some time ago i visited a house where there was a hidden stained glass, the light came through it and was refracted into the wall, and this became in a number of colors and light; was a three-dimensional effect much greater than if we had painted. I was fascinated with this phenomenon, because white is daylight inked. Following that, I started trying to distort the white colored light filtering, and respecting their purism. Thus was born the need or intent to manipulate the color, also it has many virtues. For example, talking about sustainable architecture you realize that white has a huge level of refraction of light, and the lighting possibilities are far greater than any other color, because white is light. Any home or workshop with a white interior, will light until the sun sets. Moreover, the white variety is unlimited. I remember once we photographed a hallway of this color, and when we wanted to print, no reality was reflected. The photographer told me: “you’ll never be able to reproduce it, because the scanner you are using has 200, 000 possibilities of white, and is very little. I was surprised. It means color white has a countless chances of nuances, is what gives depth and allows the sun’s movement

through space. White is a obligated color, because it is light in its basic representation. Now you mention the issue of sustainability, how it intervenes in your design process? About ten years ago we gave a conference in Denmark, and the issue of sustainability was paradigmatic. When I listened the talks and and saw what they presented as sustainable, it left me restless. If you allow the entry of natural light in the most reasonable way for temperature effects, you are using the sun to its maximum capacity. That light up your home without the need of using light bulbs, and you can heat without gas or electricity. For me, the real sustainability is a good design that considers the various natural factors that affect the form of a project. Is respect the tree, the water and light. If you understand the movement of the sun, you can comprehend the sustainability of a space. I have entered into many buildings listed as “green”, where the interior have a military Green color, with dark curtains that don´t let in the light. But it turns out to have a number of requirements such as solar panels, water reuse and other resources that make them “green”. True sustainable buildings could not have a catalog of sustainability, unless they have a concept designed for nature; the latitude and height is what marks the sustainability of a building. How architecture can solve environmental and social problems? Architecture should provide a solution; it is only that architects have a little capacity. In a ideal world, we have much effect, and not because we feel important, but because the architecture is relevant. The problem is that it is much more linked to political and economic phenomena to social problems. If they were linked to, i’m sure that many projects would not occur, because they are affordable. And if we conceived architecture as a form of expression, you don´t need to make paraphernalia to do something beautiful. For me the poetic content of the architecture is the ability to express with few resources; and in this aspect plays a social standard, because what you’re doing is feasible for other people, though not necessarily understandable. I always thought that the architecture of Luis Barragan was sustainable, social and accessible. It contained something that people could repeat easily at low cost and in a simple way. That is architecture. In that sense, the premise is to do more with less? Yes, is the concept of pure minimalism: less is more, within its functional logic and rational is the ability to express an idea with few resources that exponentiate the idea. What also happens is architecture is not mathematical or rational, is a product of who performs it. The man is soul and reason, and in this attempt to balance that defines a person performing a work, is that content of soul and functionality that makes you look the expressive character of a building. I think the purpose of minimalism was trying to cope with a formula to different problems and solutions. One must know how to read to learn to express it. How would you define your architectural style? Or in any case, is there a constant in your work? It is difficult to determine the architectural style, moreover, is counterproductive, because the moment you are able to define your style, you start to copy yourself. I think it is best to mutate according to the mood and needs. That’s the perfect path, but the fact is that we are not we are no capable to do this. I have´n met anyone who has been able to change easily the style that embrace it. The phrase that must be followed to avoid copy us ourselves is: flee your style, try to understand things better and face the problem through new ways. Obviously there is knowledge, a methodology and a set of resources that become a constant. But basically, that’s the idea, always mutating, because there are no two identical problems. How do you conceive Mexican architecture in the future? Do you think it has a guideline? I think that everyone mistakenly seeks to make vanguard and it does not exist. In any case, the only crystal ball that bring you closer to the future, is the logic and rationalization of the resources you have at hand, to address a problem you have to solve, which is the informal space. The guideline you mark, will have more or less capacity to solve a problem. For a long time Mexican architecture was very lost, had such a huge need for high-tech innovation and a series of cultural bonus features, which are valid, but I think

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that culture is a product of the latitude and altitude of the temperature, hours of sunshine and certain customs. When the famous high-tech started in Mexico, you found solutions that were out of context and logic. Build a wall of partition was easy, so you didn´t have the need top ut a series of lenses and other elements, because we will not be neither English nor Italian for using a glass. It is best to use what we have. Good architecture is adapted to the cultural and technological context of the site, otherwise it is a imported and anachronistic architecture. How do you establish the relationship between the exterior and interior of a project? When I was invited to give the Master of Interior Design at the Universidad Anáhuac, i asked the director what he meant with this issue, because for me the design must be comprehensive and integrated: the interior and the exterior is melted and lighting space is the product of this union. At what point can we separate them? The exterior architecture is an accident of inner space and vice versa. What I prefer to tackle first? What excites me most? Definitely the inside: his travels, their sequences, i think it has a lot more musical dimension of space. Is the content of certain sound. When space is composing, you get a melody less formal and more emotional. This arises from the construction of the sequence of spaces between, and how they are joining: a corridor, an opening, a space that closes and opens; these dynamics and that sequence is what we understand as architecture. Unfortunately it has become very graphic because of internet. Perhaps someday will change, but the real architecture remains in a space. When we visited a structure, what excites us is the space journey, their sequence, not its form. This moves us, but is not the feel of the architecture. Otherwise it becomes sculpture. The space sequence has been ground for different communication channels: Internet and social networks. Undoubtedly, are promotions graphs that become efficient the architect’s ability to present their work. But it’s really impossible to display it, because those graphics make much flatter architecture and photography. It is impossible to know, or visit a space through Twitter. There are principles that are immutable. It is very difficult to lose the expressive power of architecture. Because the space itself must have a direct relationship with anthropometry and perception. I think that architecture has a certain methodology and a invariably form that is the travel space, this is his fundament. www.aragones.com.mx

Interview with Roberto Palomba Passion for perfection

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Roberto and Ludovica Palomba are a couple that designs, creates and generates ideas for only one purpose: make the user experiences sensations through his work. Today, Roberto Palomba talks about how is his work process. BY GRETA ARCILA IMAGES COURTESY OF PALOMBA SERAFINI ASSOCIATI

WE HAD the chance to meet Roberto Palomba five years ago in Milan and since then we found him an endearing character in every sense. In his recent visit to Mexico City, during the presentation of JINGLE by Stanza we talk again and arrange an appointment at his house-studio, located in the heart of Milan. After seeing the amount of work that he has -at the time he was preparing what would present at the Salone 2013, ergo he was on top -and see the number of team members, we were pleasantly surprised they are only ten creative persons. The space is wide; his office is full of books and thousands of brochures and materials. And then we started. Greta Arcila: Your work ranges from large-format architecture, to the smallest part of faucets. How do you achieve to handle the scales?

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Roberto Palomba: Definitely my training as an architect is the one that allows me to go from massive to small projects. In addition, for a project to be good it does not matter the size but the concept to develop behind each proposal. Prior to designing I try to focus on what my clients ask for from thousands of angles. Thoroughly know their ideologies, their factories, all. GA: About the creative process. How is it for you? RP: Simple. After meeting the needs of a client, ask for a blank sheet and start drawing until the shape starts to “get out”. There is nothing magical. Everything is in experiment, in make many mistakes, to see how combining certain materials and seeking ways to meet the needs and times in which we live. Certainly, today we can do more things than the ones that we could have done before the Industrial Revolution. Therefore, we have many advantages, but also disadvantages. GA: What does it mean for you the famous Made in Italy? To you is practically a pride that something was having done here. RP: No wonder the Renaissance happened here. We have a long tradition of well done, good taste. Here you walk, see and breathe art, we have no choice but to respond to what we lived. We have had great minds as Raphael, Da Vinci and Michelangelo; they left us a taste for beautiful things. From Romans, one understands why so many expressions happen that fill the spirit. GA: For me the important projects have something I do not understand and only can name it as spirit and soul. For you, what elements have the works which transcend? RP: LIFE, strength and spirit. Men transcend through their work, and talking about design is the same. When someone is dedicated heart and soul to a work, it gets impregnated with the time and become full alive. Every matter, every time and manner in which we speak, is spirit, that’s what I mean. GA: We are certainly in a business where the sensory is indispensable. Do you think that new technologies will help the user to connect more with a product or the exact opposite? RP: For me, technology is only a tool. There are amazing materials that exist only thanks to scientific advances but certainly nothing like what is done by hand. I work a lot with small and large companies that still value the handmade, is also a way to support those jobs are not lost. As a society we have the responsibility to care for these economies, they are an important part of different regions. For example, here in Italy there are whole towns that are dedicated to certain things, like leather: they treat it in such a delicate way that feels so fine when touched. The purity of these materials gives a completely different life from what was done by a machine. Sure, there are industries such as Kartell that make 70% of their products with machinery, but also is very genteel machinery that accomplishes what the human hand has not achieved. GA: With what company do you work better each product? RP: We presented a collaboration with Kartell and Laufen at Salone, and without technology we would not have achieved anything. Of course, it is all in who is behind a company. For example, Claudio Luti, Kartell’s CEO, he is someone that anyone would want to work with. Take everything perfectly. He is very risky as a visionary, he comes from the world of fashion so he is very passionate, that greatly helped the project we did. Claudio Luti called me every day to give ideas, takes you to the limit, and suddenly, finally you can understand what he wants. Zanotta is also a company that takes care of all their materials to an extreme degree. All their leathers are wonderful, and most importantly, they are not afraid of what is different, but in turn they appreciate the classic style. GA: You talk about styles. Yours is very refined, has a strong presence, but never seeks the limelight. For you, what is style? RP: My style is not made from “impossible” shapes; I like to be understood and to made kind design to live them. There is nothing worse than feeling uncomfortable in a chair or unable to take either a cup because it handgrip is poorly designed. But I do not believe in formulas. I design for humans, not for the star system, I do not want to belong to it, effectively I work with large companies just as many who are rockstar, but my life is not going that way.

I am seeking simplicity of life and think that manifest it in my work. My designs try to tell a simple story full of beauty, because, for me, this is what life means: to be happy with what you do and bring happiness to those you love. Yes, I’m obsessive about many things, but who doing their job is it not? I believe in perfection of the well thought and well planned. That speech is my style, no more. I love what I do and thank life I can be designer 24 hours. GA: In your life, what is your inspiration? RP: Everything, but more than anything, it inspires me a good book, music. Luis Barragan. From there comes much my love for Mexico. Every time I go I try his work, they have that indescribable charm of silence, and suddenly you know that they are there for the constructive force in their lines, in their colors. Whenever I travel to Mexico discover great architecture and it is a pity that not knows it well worldwide. I love to work with a Mexican designer or architect. GA: You talk about Mexico, how was produced the relationship with the Mexican company Urrea and his luxury line, Stanza? RP: The relationship becomes through the company with which they are associated. They have treated me wonderfully and I hope to work directly for projects and I was amazed about their quality. I have visited Mexico many times and never cease to amaze me the warmth of the people; I did not know that they have good museums. Finally, you are of Latin blood and it called me. Besides I have good friends there that make me feel at home. When I go to Valle de Bravo, I marvel at nature and labor in the artisans there. GA: The word quality seems to be indispensable in your vocabulary... RP: If you do not care for perfection and quality there is nothing. Industrial design was created to serve man and this is perfect by nature, so it has made for man to be like him, he has to feel. So in my designs is always implicit theme of textures: for me there is nothing more beautiful than to play something and that could be perceived by some of my senses. I love the smell and touch textures, feel the fabrics and having to wear my glasses to see the colors of the materials. I’m totally sensory. I’m Italian, that is passionate, intense, driven ... and that is something I cannot avoid. GA: A major issue today: the copying. What to do when your product is exposed on the web, and becomes totally vulnerable? RP: Nothing. Continue designing. Companies that do very well copied as they have all the research that others have. They do not have very high costs of marketing, design, and so many things. But there is no way to stop them, only not have to keep quiet about this situation. On the other hand, they will never be equal, we return to perfection. When you look back at a copy, it shows how badly it is made in somewhere. GA: In these days of the fair, how is a common day during the Salone? RP: They have nothing of common, but the truth is that they are more relaxed days. We stress comes from months before. Now we have many projects to present, as a yacht that will present at The Triennale, and in which we have been working hard. We have thousands of interviews and cocktails, all very glamorous but none of that is real in the life of the designer. The reality is that you spend hours researching, making prototypes and traveling. Visiting clients is something quite different from what it seems. As such, what I enjoy most is when the show ends and we do a big party at home where all my friends and colleagues get to chat and enjoy a busy year. I enjoy the Salone, Milan is full of life and that’s the best. GA: Whither the work of Roberto & Ludovica Palomba goes? RP: There is no way, there are many. Mainly because working with Ludovica is very intense, she is a very creative person. She does not keep the first choice of something, always proposes, research, think and exposes. There is no way to have only one path with a very active member, and I love that way, there is always plenty to do, much to design. www.palombaserafini.com

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Marseille Vieux Port by Foster + Partners

Bulgari Pavilion in Abu Dhabi Art 2012

Reflections of a modern classic port P. 90

A scenario of acrylic

BY EDITORIAL PHOTO BY NIGEL YOUNG

BY EDITORIAL IMAGES COURTESY OF NANA ARCHITECTS

NEWLY OPENED, the regeneration project Marseille Vieux Port is a set of simple and discreet events but clearly effective. The Vieux Port of Marseille is one of the greatest Mediterranean ports, but over time, the space had become an area inaccessible to pedestrians. As part of the preparations to receive the title of European Capital of Culture and as research for it’s transformation, the firm Foster + Partners designed a program of refurbishment and semi-pedestrianization, creating a civic space. Located in east of the bay at Quai des Belges, the protagonist is a canopy of 46 by 22 m, housing highly reflective thin steel, supported by eight slender pillars. Open on all four sides, the flag passes between architecture’s carefree port. However the pedestrians reflections remain contemplating the port’s constant motion inviting pedestrians to stay, play and enjoy the view. The landscape design was developed with Michel Desvigne. He expanded pedestrian space that includes new pavement pale granite bush hammered, echoing limestone pavers an original design eliminating the level changes to improve accessibility and phased traffic to create a safe environment. The project was completed by small halls for special events and street furniture made out of mild steel, cast iron Iroko, all these materials are mostly local. The result has set in the area an informal safe and attractive environment that extends along the Vieux Port, reinforcing and connecting the port to the city and its inhabitants. www.fosterandpartners.com

WITHIN THE framework of the exhibition Art Abu Dhabi 2012, which disclosed the work of young emerging talent in the art world, the prestigious Italian jeweler Bulgari introduced a temporary installation. The pavilion was located in an exclusive and private área of 300 m2 with capacity for 150 people. It had a stage, a bar and an exhibition where people observed a selection of Bvlgari jewelry line in several showcases. Previously, Bvlgari commissioned Zaha Hadid to design the stand, so the firm continued its sponsorship for innovative design, and instructed the London office Nana Architects to design a impressive pavilion as its centerpiece. Concerned about creating a meaningful space, the office used tubes made of transparent acrylic 100% recyclable. The pavilion can be dismantled at the end of each event, and then be stored and transported to the next location to assembled again. The modular nature allows its easy handling project into small pieces, by removing the connections between the tubes of acrylics. According to Nana Architects, the wide use of acrylic as extensive structural element to build a dome like canopy, was a highly experimental. This required a considerable amount of research, testing and prototyping, as well as structural engineering calculations. Innovation, as part of the design process, was pursued from the beginning, along with desirable environmental conditions for the final result, as transparency and lightness. The guideline of the project was to complement and reinterpret signature collections, whose inspiration comes from nature, plant geometry and fluidity and ephemeral water. www.nan-a.eu

Hojo-an, 800 years later Lotus Dome Lightweight, simple and smart P. 93 Duality Concept

BY EDITORIAL IMAGES COURTESY OF KENGO KUMA

THE ARCHITECT Kengo Kuma proposed to reinterpret the traditional Japanese compact housing through contemporary materials and new construction techniques. One of the premises of the architectural work of Japanese architect Kengo Kuma, is the recovery of elements from nature and the use of unique materials in his projects. While materiality within the architecture is very important for the body’s sensitivity, one of the objectives of Kuma, is also perceived as achieved with Hojo Hall-an, located in the sanctuary Shimogamo Jinja Shrine in Kyoto, Japan. 800 years ago, the Japanese poet and essayist, Kamono Chomei, sat in his little cabin (Hojo-an) and wrote Hojoki-writing that portrays the suffering of Japanese people during the Middle Ages. To commemorate the occasion, Kengo Kuma created: “Hojo-an 800 years later”, a modern reinterpretation of the cottage where the poet lived. The concept of temporary architecture by Kengo Kuma is based on its construction process. The pavilion consists of seven pieces of latex panels that can be used as floor, wall and ceiling. With a limited budget, the architect used local cedar wood extremely thin and plastic sheets of ETFE -high heat resistance and outstanding durability. These elements are held together by magnets to create a new structural system that reflects the characteristics of impermanence, practicality, lightness and transience of the project. The combination of these materials allows easy removal, assembly and disassembly of Hojo-an. Kengo Kuma reflected in the concept of time, in terms of architecture, and the relationship with human life. This reflection is based on the choice of building materials, based on the concept of “soft architecture”: lightweight, simple and smart that can be established between man and nature. www.kkaa.co.jp

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Hypercubus A mobile hotel room

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BY EDITORIAL PHOTOGRAPHY BY KARIN LERNBEISS

POWERED BY the Austrian company Studio WG3, Hypercubus project consists of a mobile hotel room that can be shipped to all kinds of outdoor venues. In essence, the project reinterprets the concept of hotel within a cube of four spatial dimensions. Hypercubus is a small modular container provides enough space to comfortably accommodate two people. The project offers a new solution for problems in cities with the influx of visitors due to seasonal variations, this without destroying the environment. The design concept is based on three fundamental aspects: the use of open areas with existing infrastructure, the construction of small modular units that are portable, and the creation of a new concept in tourism with a unified corporate design. The main component of the mobile structure is made of wood, sustainable and environmentally friendly materials, and also metal and glass, that are simple, affordable and easy to maintain. The construction process was limited to assembling the individual parts of the room. Two solar panels were installed generate the energy utilized. They are made of high quality material to ensure a brilliant effect if under insulation. In order to protect the interior from external elements such as rain, the entire structure is sealed by a synthetic film. Other elements, such as exterior and interior stairs (to reach the third level). The floor and the terrace consist of pieces of metal. Furniture for the kitchen are also made up of wood panels (medium density fiber). The inclination of the building is possible via bolts located in one corner attached to a concrete base. The project is elegant and simple, due to the use of straight lines and smooth surfaces, making it neutral architecture that can adapt to different landscapes in a discreet way. Each Hypercubus modules can have their own corporate design and form an identity for each location. www.wg3.at

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BY DANIEL HERRANZ PHOTOGRAPHY BY DAAN ROOSEGAARDE

LOTUS DOME is a project of Studio Roosegaarde which seeks to establish a dialogue with the audience through an interaction that is automatically generated. The installation is based on the principles of Newton’s third law: for every action there is a reaction. However, Lotus is not translated into forces applied to a body, but in the relationship of the project with the viewer. On a geodesic dome were installed hundreds of lotus flowers made from PET and ultra lightweight aluminum, characteristic for responding to human body temperature, allowing you to fold or open. Inside, exist one lamp with sensors that together with flowers, move match the subject’s behavior. The funtion of the structure depends on the movements of people interacting with it. From there is brewing a game of light and shadows when projecting the graph of the lotus flower on the walls. Built in 2012 and presented this year in Church Sainte Marie Madeleine, in Lille, France, Lotus Dome was introduced in a unused Renaissance building which aims to revive, so the Studio Roosegaarde reproduced a visual contrast through a contraposition between architecture classical and contemporary technology compound used in the piece. This conceptual crash in the same space, was called by Daan Roosegaarde -artist and architect of the design studio- as “Techno-Poetry”. The material used to produce the lotus flowers was developed by the studio and consists of several thin layers of Mylar -a plastic commonly used in textiles and beverage containers, which, through various chemical processes, is sensitive to temperature. The technology used in the construction of the dome emulates XVI century thought, trying to innovate with all its possibilities the form of the architectural bodies of the time. www.studioroosegaarde.net

Tricycle House of People’s Industria Design Office (PIDO) Origami housing on wheels

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BY EDITORIAL PHOTOS COURTESY OF PEOPLE’S INDUSTRIAL DESIGN OFFICE

PIDO IS an office established by an international team of architects, engineers, product designers and developers. One of its foundations is that design should be accessible and culturally pragmatic. To face the reality of housing in China, the study proposes an individual dwelling mobile, which is a hybrid between traditional tricycle and working class elements of oriental aesthetics. As part of the Get it Louder biennial exhibition, held last year in Beijing, PIDO cured the section of urban design, architectural and product. The platform serves as the impetus for designers, artists, filmmakers and emerging musicians. Within the exhibition The people’s future they developed Tricycle House a proposal that reflects on how the population density is exceeding the space available within the major cities, and projects it into a future where individual homes may be feasible. The design is placed on a tricycle typical East, and also humanpowered motor. Inside has the basic equipment for domestic functions: sink, stove and tub, all collapse into the front wall. The housing is constructed of polypropylene folding handled with experimental building techniques. The pieces, cut with a CNC router, are bent and fixed to form a simple

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and robust structure inspired by origami. These are converted manually to a flat laminate of three-dimensional shapes that allow pleated open outwards like an accordion expand and increase its space adhering to other units. The plastic can be folded without losing its strength, and is inexpensive, requires no molds and is 100% recyclable. The final structure keeps the light vehicle and not require painting or a metal frame to reinforce it. Polypropylene is opaque, which allows its interior be illuminateby the sun during the day and take advantage of urban lights at night. The project focuses on environmental concerns and propose alternatives transport and housing. Tricycle House embodies the idea of the house of the future: portable, lightweight, compact, versatile and clear. www.peoples-products.com

with materials commonly used for navigation but with specific features dwelling. The structure is powder-coated galvanized steel, while the exterior and interior panels can be wood, corian, or alubond; the floors are wood. The facades are coated with polyester gelcoat to make them waterproof. User can customize each module according to their own needs, and choose the material of the facade and general finishing, color and texture. The main aspect of sustainability of each of the modules is that they require minimal work of preparing the soil, so they are not aggressive with the landscape or the environment. www.coodo.eu

Olympic Shooting Venue Axonometric Knots

Greenhouse Biomimetic Architecture

BY EDITORIAL IMAGES COURTESY MAGMA ARCHITECTURE

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BY PAULINA HERRERA PHOTOGRAPHY BY MARKUS BERTSCHI

IN OCTOBER 2012, it unveiled a rare gases in the town of Gruningen, Switzerland, it seeks to rethink the role of nature versus human needs. Within the creative disciplines, the term biomimicry refers to a trend that uses nature as inspiration and applied to new technologies, solve problems in a specific context through aesthetic and functional. This is the case of Greenhouse, a pavilion located in the botanical garden of Gruningen, designed by the design studio idA. The firm focuses on solutions based on the concept and context of each of their projects. Under this premise, Greenhouse design was based on a synergy between the building and the environment: structural perception derives from asymmetric forms of the bodies of plants. Unlike other embedded spaces in a garden, the design of the pavilion was inspired by the surrounding forest, not the built environment. Four steel shafts supporting the complex, covered by glass panels suspended five feet high and held together by a network of interconnected beams. Similarly to the membranes of a sheet, the division of geometric patterns roof is acting as a kind of foliage. The interior was divided by glass plates to separate the different types of plants existing into the greenhouse. The composition of the pavilion manifests the unavoidable commitment that man has with the environment. www.id-a.ch

Modular Units by COODO Customizable Contemporary Housing P. 106 BY EDITORIAL IMAGES COURTESY OF COODO

COODO IS a young company that aims to improve the standards of living in the world, through innovative design, modern technology and high quality materials. Designed in 2012, the study proposes prefabricated modular housing units that respond to the need for new living spaces. These are located in Kranj, Slovenia. The units are designed from three basic concepts: simplicity contemporary modular design, sustainable building that improves the quality of life and minimal disruption to the landscape. The modules are placed in multiple feature climatic and physical environments. The group is composed of modular units with basic halls and multipurpose; all of which can be interconnected and generate more complex spaces. The lifetime of the modules is at least 50 years; are manufactured in different sizes (typically of 8.7 m2 and 18.1 m2), ABRIL • MAYO 2013

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MAGMA ARCHITECTURE designed the Olympic Shooting Venue, a temporal complex served as headquarters of the shooting competition at the London 2012 Olympic games. It consists of three structures made of PVC which were erected in the historic Royal Artillery Barracks, located in Woolwich, London. As part of the activities of the London Olympic and Paralympic Games 2012, the German firm Magma Architecture, was commissioned to design and install three temporary and mobile scenarios to hosted 10, 25 and 50m shooting competitions. The design of the site was driven by the desire to evoke a flow experience and precision inherent to the sport of shooting through a dynamically curved space. The three structures are set on a crisp white facade double membrane openings decorated with vibrant colors. These, in addition to give a more attractive exterior, function as tensioners nodes, vents and entrances at ground level. The complex has a bar structure assembled steel enclosure and a textile, compose with double skin interior and exterior, made with translucent white plastic. The continuous membrane covering the whole of the building, is disturbed at the point of intersection with the openings for ventilation and access doors. The PVC membrane of 18.000 m2, works better in a form of double-curvature sheet to prevent fluttering in the wind facade. Sustainability was a key factor in shaping the design. The solution was to devise a firm proposal whose construction was fast, easy disassembly and moving. The key objectives were to minimize the use of materials for construction and energy consumption, in order to provide a structure which could be easily stored and reused. Undoubtedly, the fresh and light Olympic Shooting Venue enhanced the festive nature of the Olympics. Because of their temporary status, the three structures were dismantled immediately afterwards, of which two will be joined again to the Commonwealth Games 2014 in Glasgow, Scotland. The project was nominated for the 2013 European Union Contemporary Architecture Mies van der Rohe Foundation. www.magmaarchitecture.com

One Pavilion by Student Assembly of Yale School of Architecture A Pavilion that hides and reveals its contents P. 112 BY EDITORIAL PHOTOGRAPHY BY CHRIS MORGAN

THE SCHOOL of Architecture at Yale University has a tradition for just over 40 years. The first year students designed and built a project, the youngest of this structure is the Assem-

bly race One Pavilion, designed to work as Information Centre for the International Arts Festival of New Haven held annually during the summer. The purpose of the project is to promote student´s creativity. With the advice of Brennan Buck, Office of Architecture FreelandBuck, students designed, built and assembled each of the panels that make up the pavilion, were conceptual characteristics: dynamism, transparency and density. Basic components with the potential to create a unique design. During the design stage the students focused their attention on the changing forms of contemporary buildings, and to express these ideas, exploited the effects that can be applied to architecture with the union techniques, materials, conventional and digital systems. The exploration was made beyond the manufacturing standards using traditional techniques, supplemented by experimental processes. They chose a triangular design for each cell and for the general assembly. The structure is suitable for a festival performance, solid mass from one angle, light and almost porous from another. Alternately hides and reveals the inside depending on the perspective. The project was constructed from thin sheets of aluminum, cut with a CNC machine plasma, painted, bent and riveted. The pavilion has access from two sides, creating a path of high sensory experience. The over 1000 triangular cells created versatile effects, mirroring and color according to the movement of visitors, creating an image of refuge unstable and attractive. www.freelandbuck.com www.architecture.yale.edu

Sobreciclable Pavilion by BNKR Architecture

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BY EDITORIAL IMAGES COURTESY OF BNKR ARCHITECTURE

BNKR ARCHITECTURE focuses on the architectural design, planning and research, and experienced the largest scale possible. It is characterized by an unconventional approach to architecture and are convinced to find specific solutions to specific problems. Furthermore, Expo CIHAC is the largest exhibition of construction and architecture in Latin America. All exhibitors pavilions create their brand and product but execution generates waste. With this reality in mind, BNKR came together with the directors of Expo CIHAC to propose sustainable, low cost and clean expo. To achieve it they were inspired by recycling, activity of converting waste and disused objects again in useful products. They designed a pavilion built with stacked soda crates. The final design utilized 5,000 boxes used to build the cafeteria area of CIHAC Expo 2012, among his qualities emphasizing its low cost. The final configuration was the result of experimentation in situ, to fix the boxes plastic straps were used. The walls, about 5 meters high, curved plant structured and diagonal shots to have greater stability. At the end of the exhibition the straps were collected to ensure their recycling. Also boxes were returned to the soft drink company, which supported the project itself by its affinity with its programs of sustainability and social responsibility. www.bunkerarquitectura.com

Silo 468 Light Wind

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BY DANIEL HERRANZ PHOTOGRAPHY BY HANNU ISO-OJA

A SILO is regularly a cylindrical shaped building , designed to store bulk materials, is an integral part of the collection cycle of agricul-

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ture. In Helsinki, Finland, Lighting Design, the spanish collective, intervened one of these buildings in 2012: it is the recovery of uninhabited space that now part of urban growth in Europe. The project is divided into two parts that, at the same time, are complementary: the exterior of the structure was perforated with 2012 holes, the number referring to the year of appointment Helsinki as the World Design Capital. Installed 450 steel mirrors, whose movement recreates the effect of sunlight on the water surface, causing the silo does not lose brightness during the day. Overnight projectors used with white LEDs that emulate and red sunset, perceived effect up to 3 km away. When installation is seen from the center of Helsinki, it seems to float in the air. Painted dark red, interior space, 36 meters in diameter and 17 meters high, daylight seeps through the holes to create patterns on the panels rusted. A network of white LEDs also illuminate the wall space. During the day, sunlight creates a shadow play. At night, 1,250 LEDs blink and sway on the surface of the silo, all are controlled by software configured to mimic the movement of flocks of birds in flight, which refers to the location of the project, which located next to the sea. The ephemeral nature of Silo 468 is in the wind. Geographically, Helsinki is located in an area where air currents are constant. As a way to harness wind forces generated, the group developed software based on algorithms that match parameters such as speed, wind direction and temperature. The system updates the data every 5 minutes, so, the light patterns are infinite and never repeat. At times the changes are slow, but is accelerated with increasing air velocity to create a wall of light in constant transformation. www.ldcol.com

Installation at Stockholm Furniture Fair Interdisciplinary dialogue

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BY EDITORIAL PHOTOGRAPHY BY TORD-RIKARD SÖDERSTRÖM

DURING ONE of the largest fairs of Nordic design, Stockholm Furniture Fair 2013, presented a flag that explores different forms of communication, at the same time generating a direct interaction between design and architecture in a given space. Since the advent of mobile devices and social networks, communication processes have been of rapid evolution. To propose reflections on these changes from different disciplines has been a task that has been part of the art’s perspective, design and architecture. This is the case of the Swedish architect Gert Wingårdh, who conceived a pavilion in collaboration with illustrator Kustaa Saksi. The objective of the installation was to promote dialogue on contemporary workspaces, and how they communicated with each other. Through the paper, an element that is still important in the communication process, Wingårdh joined a floating structure built with eleven thousand sheets suspended previously were Kustaa Saksi: created 44 thousand binding sites installed in an area of 200 square meters. The installation followed a careful procedure: through a 3D model structure he sized to have control over each of the sheets that were assigned a specific number, which referred to its position in space. Over a week, eight people were able to reproduce the model perfectly equalized. He decided to use sheets of paper because, besides the multicultural sense that has an element evokes hundreds of building blocks to architecture but also not to mention its composition, the paper is cheap, lightweight and malleable, which proved invaluable for Saksi intervention. Another feature of the pavilion is exploring the intersection between design and architecture within the same project. www.wingardhs.se

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Golden Workshop

Le Plongeoir The function of the oblique

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BY EDITORIAL IMAGES COURTESY OF SPRAY ARCHITECTURE

LE PLONGEOIR of spray architecture is a project of ephemeral architecture which rethinks the theory of obliquity based on the construction of a module installed in an open field in eastern france. Raise awareness about the importance of gravity and new appropriation ways of space are the main tenets of “the function of the oblique”, a theory developed in 1963 by French architect Claude Parent, and cultural theorist and urbanist Paul Virilio. For the French office Architecture Spray, this makes sense when they question-and rejectedthe fundamental directions inside a specific space: horizontal and vertical axes. Under this premise Le Plongeoir was born, an ephemeral architectural project located in Muttersholtz, a field in eastern France, intervened by several artists as Antistatik, The INjustice and THTF. It is a structure of 14 m2 built with wood and translucent polycarbonate stands the concept of gravity to assume a direct relationship between the user and the building, apparently in imbalance and unsteadiness. The oblique position of the platform looks like a diving board (plongeoir in French), which allows users to stand at a point where they can identify the absence of boundaries between interior and exterior. Whit this project Architecture Spray seeks to encourage a reflection on how architectural exercise runs currently – and it is about to propose new ways, and to innovate in theory and practice. It is not just to create houses and other buildings but also to provoke an architectural change in favor of the human dynamic and their natural lifestyle. www.sprayarchitecture.tumblr.com

Fragile Shelter A shelter that claims the sense of the collective P. 122 BY EDITORIAL POTOGRAPHY BY ANNA NAGAI

FRAGILE SHELTER is a structure developed by the Japanese artist and designer Hidemi Nishida, in 2011, which operates as a shelter during winter in Japan. Arranged in stages, the shelter was built with simple materials: translucent plastic panels, attached to a wooden stand wich consists of individual modules. Its sinuous form responds directly to extreme weather conditions, designed to protect the people who share different experiences in one place. The project was within the depths of the forest, which was divided into six units for easy transport and assembly. These can be divided into panels of 2m x 2m. The assembly consisted of transport modules, previously prepared in a factory and assemble them on site, this in order to save time in construction. After the exhibition period, the structure was dismantled again and was stored in a repository for future assemblies. All materials were selected in order to reuse and make a simple structure with easy maintenance. The shelter can change its shape combining small units in different locations. Also, the scale can easily be expanded by adding more modules, these can be use as independent shelters in different events. Fragile Shelter discusses the sense of the collective, their relationship with the landscape, and how the environment influences the behavior and architectural criteria applied for processing. www.hdmnsd.com

Modulated Fronts

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BY EDITORIAL PHOTOGRAPHY BY CHRISTIAN RICHTERS

WITH THE occasion of the exhibition Golden Glory. Treasury Medieval Art in Westphalia, the firm created modulorbeat Golden Workshop, in February 2012, which is a bright 95 m2 structure where exposed various workshops and medieval goldsmith techniques. In collaboration with students Architecture at the University of Münster, the firm designed this temporary pavilion installed in the center of the central square of Münster, Germany. Strategically located within the square with the interior facing windows in each of the four wings that comprise it, the pavilion was built on top of piles made of poured concrete and wood, this with the aim of not leaving trace once it was dismantled. Each wing is opened inward like a funnel, making the design referred to a windmill abstract. The effect is an inviting gesture to visitors, as the road opens into the central workshop. The design consists of simple shapes and materials (such as golden facades made of copper alloy) that manage complexity through subtle and precise movements, making the project more attractive. In addition, the flag seems to reinvent from different perspectives: urges the visitor to look around him, through large openings located at the end of each of the wings. The interior of the structure has a very limited selection of materials and colors. The walls, floor and ceiling were made from a light wood that contrasts with the black of desk lamps and stools work this with the intention of creating a warm atmosphere. After five months of use, Golden Workshop was disassembled to be rebuilt again, using all original material-at a local school. www.modulorbeat.de

People’s Meeting Dome Deconstructed Dome

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BY EDITORIAL IMAGES COURTESY KRISTOFFER TEJLGAARD

LOCATED IN Bornholm, Denmark, People’s Meeting Dome served as a meeting place where the future of housing in the locality were discussed, the debate was an initiative of the National Danish Association for Social Housing. The pavilion was built in June 2012 and will be used ten times over a period of three years. Under the concept of deconstruction, architects Kristoffer Tejlgaard and Benny Jepsen designed a geodesic dome constructed starting from a wooden structure, it can be molded according to the surroundings. Its different coupling surfaces and niches created by the division of the original form reveal the anatomy of the structure. The wooden base is made of triangular modules for transforming the exterior either by removing or adding panels to create a new door or window or even change the length expanding or reducing the modular enclosure. The metal joints of the knots were specially designed for this structure. Due to the temporary nature of the project the outer shell was covered with wooden planks of the locality which formed different geometric patterns. The way in which the geodesic dome breaks, creating crevices between the different modules allows the creation of small cavities and fissures of seats in the perimeter of the dome, allowing the central clear area where is located a small stage. According to the architects, “The geodesic dome is one of the best construction methods we know. It has the advantages of being rational and mathematically generated but is very poor for many of the qualities we associate with good architecture. It could be defined as non-architecture”. www.behance.net/ktejlgaard

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Lignum Pavilion Large scale geometry

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BY EDITORIAL STAFF IMAGES COURTESY HANNES HENZ, ZÜRICH

HEADQUARTERED IN Zürich, Frei + Saarinen Architects designed the Lignum organization pavilion which offered courses on creative processes and making wood products. The structure, which was located within the company in Basel, Switzerland, was formed by twenty wooden panels of 50 mm thick, assembled in layers together, resting on vertical elements of 130 mm in height. The pavilion designed in 2009, was used about 10 times over a period of three years. The project was also displayed in the Swissbau, the most important fair of construction and real estate in Switzerland. For five days they present the latest novelties and trends in the world of construction. In geometric terms, the architectural body is the result of an abstraction of the figure-8 knot sectioned into horizontal layers -541 different pieces of wood were cut by a milling machine to give a total weight of eight tons. The production process fully digitized made possible to optimize the amount of material used and the mounting system, helping to reduce costs, leverage the strength characteristics of wood, while allowing easy transportation and storage. The pavilion created a surprisingly organic image that springs from the fragmentary nature of its components. Also raised conscience of the rate of modulation does not refer only to the form itself but objects that come to life as repetitions of the body and the world and its constitutive relations. www.freisaarinen.ch

EU pavilion by senat haliti A home for all

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BY EDITORIAL PHOTOS COURTESY OF S. HALITI & M. AZIZI

LOCATED IN the center of Prizren, a city on the southern border of Kosovo, the EU Pavilion provides a space for contemplation and encounter, their goal is to reconcile and link the different communities residing in that city. The pavilion is the result of open competition “Culture for all” organized by the European Union, with the aim of promoting cultural diversity. It is a project funded and conducted by ARS Progetti SPA. The construction transforms the public area and reactivates its foot traffic. It is designed to provide a quiet space that promotes coexistence. The structure is the archetypal house and its colors are inspired by the proposal that the architect Rem Koolhaas made for the European Union flag. The idea comes from the approval of the Kosovars to join the EU and takes the rich cultural heritage they have achieved through their history, symbolically linking the past and the future. The pavilion, whose interior is decorated with a kilim (rug Traditional), was built with pine wood frames recycled and colored with water-based paint, what are small tubular structure that also function as steel bicycle station, promoting the use of no-motorized transport. The richness of color, besides revealing diversity, acts as an agent of bold and vibrant harmony. The space-provoking meditation on the retrospective and further. www.chwb.org/kosovo

PH-Z2 A building recycled paper

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BY EDITORIAL IMAGES COURTESY DRATZ & DRATZ ARCHITEKTEN

PH-Z2, a temporary building constructed from waste paper pressed into blocks. In 2008, the German firm won the International Competition of Architecture “Mobile Workspaces”, conducted by Development Company mbH and the Zollverein School of Management and Design, whose goal was to create temporary spaces based on intelligent solutions and use of innovative materials. As a result, the project PH-Z2 was conceived, a building made of pressed paper waste blocks of 1.40m x 0.80m x 1.10m, with an approximate weight of 500 kg each. The geometry and design of the project was based on the architectural model of the building mastaba -an ancient Egyptian funerary frustum shaped. The building, consists of 550 bales, is located on the grounds of a former mining complex named a World Heritage Site by UNESCO. Every old packaging material from supermarkets, is collected separately and compacted into a recycling system at high pressure to make bundles subsequently. In this sense, the material selection was based on the aesthetics of the material: the unusual mixture that came from the countless logos and trademarks among other factors, were involved in the planning and construction of this unusual building. The potential of this material lies in the possibility of stacking the bales to achieve a high-rise structure, which helps to generate large spaces inside. In addition, the compressed paper responds positively to humidity during the winter. The building is designed to host exhibitions, press conferences, presentations, events, and thanks to its insulating properties, can be performed concerts. Although the building was designed to be temporary, the office will continue experimenting with compressed paper for permanent projects as one of its purposes is to encourage reflection on how to deal in the future with the ephemeral architecture. www.dratz-architekten.de

Ricardo Seco Space by Arqmov Workshop Unexpected Materials in a unique space  P. 132 BY EDITORIAL IMAGES COURTESY OF ARQMOV WORKSHOP

ARCHITECTURE IN Movement Workshop is a group of young architects, founded in 1996. Among its qualities highlights creative diversity, it is reflected in each of its projects. The themes of their designs allow exploration and proximity to new technologies, reactivating strategies for understanding and take advantage of the immediate environment. Arqmov Workshop was commissioned to transform the Ricardo Seco space with an installation inspired by P-V2013 collection called SHARE. The design guidelines were simple to intervene the main front and interior space shop located at Colonia Condesa in Mexico City. The firm looked for a uniform language for both spaces which grew out of the range of colors used in the logo of the new collection. Through a fabric treatment crafted placed a new skin was placed made of polyester braided cord. This intervention does not change the original facade simply adds an accent of color and texture. Each strand was inserted simply, under a system of anchored staples to the original wooden wall. Inside the space is located the silhouette of the designer which was made of a multicolor sequence of cords reinforcing the essence of the collection. At the background lies the logo SHARE, each letter shares the textures and colors of the façade however the placement suggests more than a tissue, accurately illustrates the origin of the intervention, which is the art of sharing. www.arqmov.com

The Picnic Project A multicolor installation

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BY EDITORIAL PHOTOGRAPHY BY JOËL TETTAMANTI

THE PICNIC Project was presented at Stockholm Furniture Fair 2013 as a facility that, through a surreal situation, presents the work of iconic textile company Kvadrat. Raw Edges is an integrated design office by Israeli Yael Mer and Shay Alkalay. His work focuses on the movement, function and response to the needs with objects representing the everyday. This exercise convinced the expert in high quality textiles, Kvadrat, to commend this young firm to design its flag for the Stockholm Furniture Fair 2013. The design of The Picnic Project intended to inspire a surreal atmosphere: its structure simulates a Nordic willow forest, a tree is characterized by long slender branches that fall almost to the floor. To simulate the foliage around 1.500 different strips of different types of textiles were utilized hanging from the ceiling and invading all of the headspace. Under the strips serving as the tree’s trunk is a module made with spruce wood by t.he Danish company Dinesen Douglas Fir, which extend upward in several divisions that function as hangers used to display 20 different multicolor textiles signed by Kvadrat. The pavilion also has a couple of tables placed perpendicular to each other that taking into account the surreal intention, allude to the classic tea party from Alice in Wonderland. With its elaborate design and three-dimensional volume, this pavilion was one of the most acclaimed in the latest edition of Stockholm Furniture Fair, which gradually has become an important platform for branding design made in northern Europe. www.raw-edges.com

Yakampot A craft exercise

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BY DANIEL HERRANZ IMAGES COURTESY OF YUKAMPORT

WITH TECHNOLOGICAL advancement and its applications to the fashion industry, there are few designers who still have faith in the old methods of preparation. This is the peculiarity of Yakampot, a brand created from cultural preservation. Yakampot is a forgotten village in the municipality of Chamula, Chiapas. With just 261 inhabitants, this area has nothing in particular, so that the passage of time seems to have a palpable impact at first sight. However, the observation exercise allowed Francisco Canino to found in this magical place a creative stimulus, the same that led him to establish his own brand with the same name of this community. The company is inspired by Mexican ethnicity. Each of their collections explores a concept drawn from forgotten communities. Women’s bodies, their clothes, ancestral rituals and daily actions directly influence the creative process of Francisco. This is how is formed the style of the Brand: through a reinvention of traditional Indian pattern, the designer develops an aesthetic discourse that captures the essence of ethnic design. In his collection SS2013, Yakampot decides to rescue the aesthetic discourse that has characterized women of Tehuantepec. Based on different textile techniques, Francisco builds parts of contemporary shapes and cuts without losing the elements (such as the color palette, the textures of fabrics and geometric ornaments) that emulate the historical folklore of Isthmus Zapotec women. The aim of this fashion house is founded on innovation techniques through ancient artisanal values. These grant authenticity and spirit to each of the pieces signed by Yakampot. www.yakampot.com

DRATZ & DRATZ ARCHITEKTEN developed the project

ABRIL • MAYO 2013

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croquis

Hooka

Gaia y Gino lanzarán su marca Verreum durante el Salone del Mobile 2013 en Milán, con un par de nuevos diseños de Karim Rashid: uno es Hooka. Su forma está inspirada en el movimiento de los Derviches giradores —los danzantes ceremoniales de la cultura turca. El flujo de sus prendas, así como los sombreros cónicos fez y los brazos extendidos son un signo icónico que no se pierde en la expresividad del diseño de Karim.

www.karimrashid.com www.gaiagino.com

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www.glocal.mx


notas


objeto glocal

Extrusions de Konstantin Grcic Solidez y ligereza constructiva

Redacción Imágenes cortesía BD Barcelona Design

K

onstantin Grcic diseñó la colección Extrusions para la firma BD Barcelona Design, compuesto por una mesa de casi 6 metros de largo, sillas con respaldo redondeado y un asiento rebatible. La serie fue estrenada en 2009 con la Table B, cuyo diseño se basó en piezas clásicas de BD, como la estantería Hypóstila (en producción desde 1979), para desarrollar un sobre de aluminio extruido con un perfil

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mínimo que llega a alcanzar longitudes de hasta 500 cm. Desde entonces, a la familia B se han ido incorporando nuevos miembros como Big Table B, una pieza con todo el carácter del diseñador alemán; Chair B una silla de talla de madera que alberga piezas de aluminio en su estructura; Table B una mesa elegante, sólida y servicial, y la nueva pieza de la colección Bench B, una familia de bancos para uso público o doméstico, que va desde una butaca individual hasta un banco de 8 plazas. www.konstantin-grcic.com www.bdbarcelona.com www.glocal.mx


GLOCAL DESIGN MAGAZINE No. 14 Portada por / Cover by: ROBERTO & LUDOVICA PALOMBA  

GLOCAL DESIGN MAGAZINE 2013 ABR-MAY. Foster & Partners / Kengo Kuma / BNKR Arquitectura / Arqmov Workshop / Miguel Ángel Aragonés