GLOCAL DESIGN MAGAZINE No.4 Portada por / Cover by: DAVID TRUBRIDGE

Editorial

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ás allá de la preocupación por saber hacía dónde van las disciplinas creativas, en esta edición presentamos posturas auténticas y válidas de personajes que en algún momento de su vida llegaron a preguntarse cuál es el camino que como humanidad hemos trazado, y cómo ellos pueden marcar una diferencia… y también queremos sumar en esta realidad. ¿Cómo?

Actuando y proponiendo. Por ese motivo invitamos a Emiliano Godoy a que nos guiara en esa rea-

lidad tan suya y que lo ha llevado a dirigir la firma de diseño sostenible más respetada de nuestro país.

También como editorial, tenemos que aplicar esa lógica en nuestra conducta social, económica y ambientalmente responsable, por eso decidimos imprimir esta edición con un papel que es producido de maderas de bosques sostenibles, de ahí a que se ostente la certificación FSC que otorga la Forest Stewardship Council, la cual nace en el año de 1993 en reacción ante la tremenda defo-

restación que habían sufrido nuestros bosques. A su vez, nuestro papel está certificado por la Rainforest Alliance, lo que garantiza, además del tema ambiental, que las economías y los bienes naturales locales donde se desarrollan los productos por ellos verificados, no se vean afectados. Y no decimos más, dejamos a nuestro editor invitado abrir esta nueva edición de Glocal Design Magazine

nidad inmediata no se vea afectada por especulaciones inmobiliarias, excesos ambientales o escándalos mediáticos de otros países. Saber qué sucede en otras partes del mundo no significa que queramos ser vulnerables a desastres ajenos.

Sin embargo, es una idea revolucionaria porque entiende el bienestar como algo diferente de la actividad económica. Y es que la salud de la economía no es equivalente a la salud del planeta o del ser humano. La economía se mide con indicadores que se mueven en un terreno diferente al del bienestar. Por ejemplo el Producto Interno Bruto crece con cualquier transacción económica, pero sin reparo de que tipo de transacción. Es decir, los gastos para limpiar un derrame petrolero son “buenos” para la economía, mientras que alguien que decide

ir a trabajar en bicicleta y dejar el automóvil en casa es un factor de recesión.

Hay que entender que esta idea es revolucionaria sólo en tanto el entendimiento generalizado del desarrollo siga encadenado a la idea de que el único motor válido es el crecimiento económico.

Como diseñadores, generadores de ideas y sistemas inexistentes, sabemos que esto no es cierto.

Como los estudiantes franceses de mayo del ‘68, sabemos que cuando la imaginación llega al poder, puede plantear nuevos y mejores caminos. Y cada vez más las encuestas muestran lo mismo: los países más ricos o desarrollados no son necesariamente los más felices o los más sanos.

Por ello es importante entender cómo nuestras acciones se relacionan al bienestar de nuestra comunidad y de nuestro planeta, de manera independiente de si comulgan con el dogma del eterno crecimiento. Y hay muchas reflexiones que hacer sobre el diseño en este contexto, desde la infinidad de papeles que cumple hasta las diferentes vetas por las que se relaciona a la sociedad y la industria. Pero podemos estar seguros que el criterio básico que debemos adoptar para corregir el rumbo es que el diseño debe generar bienestar, más allá de su desempeño económico o tecnológico.

La doble visión de la acción local con una perspectiva global, donde la práctica aquí es informada por la teoría de allá, y donde el pensamiento local dialoga con la actividad internacional, es la herramienta básica para poner en perspectiva al diseño en relación al impacto que tiene en el mundo. El diseño permite imaginar escenarios nuevos, tanto benéficos como deseables, con el potencial de generar y sostener el bienestar planetario. Necesitamos imaginar más, y diseñar mejor.

Greta Arcila

LA IMAGINACIÓN AL PODER

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l grave estado de emergencia ambiental que está viviendo el planeta se debe mayoritariamente a la adopción generalizada del dogma del crecimiento. Es decir, a la idea de que el bienestar se deriva necesariamente de un sostenido aumento en la actividad económica.

Esta idea, que normalmente se acepta como cierta en todo el espectro político, tiene un problema conceptual básico: el crecimiento infinito es imposible en una realidad finita, es decir, en un planeta con recursos y dimensiones fijas. ¿Cómo se aumenta indefinidamente la explotación de recursos no renovables? ¿O que sostiene la adopción de estrategias de consumo que dependen de energía proveniente de hidrocarburos cada vez más escasos y costosos?

Esta contradicción resulta cada día más evidente: para poder generar y sobre todo sostener el bienestar, es necesario partir de una idea que contemple la capacidad planetaria para proveer de los recursos que ese bienestar requiere. Y la única manera de lograr esto es a través de un profundo conocimiento de los complejos sistemas productivos del planeta.

Es por ello que una parte importante de los esfuerzos por encontrar un esquema nuevo y balanceado están orientados a lo local, entendido como el conocimiento de los límites de un ecosistema y la participación en determinar su uso y evolución. Independientemente del tamaño de la comunidad. Es decir, no un sistema pequeño, sino un sistema local. No un sistema fraccionado, sino un ecosistema consciente.

La idea de economías productivas locales y autosuficientes, pero conectadas con sistemas de información e intercambio global, es al mismo tiempo familiar pero revolucionaria. Por un lado, es casi sentido común pretender que nuestra comu-

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Alfonso Maldonado / Imágenes cortesía firmas invitadas

Casa Tierra Juan Pablo Serrano + Rafael Monjaraz Cumbres de Santa Fe, Ciudad de México 2011 La Casa Tierra de los arquitectos Juan Pablo Serrano y Rafael Monjaraz, se proyectó con un especial cuidado al medio ambiente. El sistema de construcción fue seleccionado con la asesoría de expertos de Colorado, EUA, quienes hicieron un muestreo in situm, y con base en los resultados de las pruebas de laboratorio calcularon las proporciones finales de acuerdo con el lugar y su entorno. El sistema denominado Bloques de Tierra Prensados, identificado internacionalmente por sus siglas en inglés peb, utiliza el tepetate del terreno que tiene una gran calidad estética, así como un correcto balance entre el costo y la eficiencia energética en su producción. La solidez de su estructura no sólo es resistente al fuego y las plagas, también es un perfecto aislante. El sistema peb presiona la tierra con 3% de concreto y 7% de cal; 90% del material restante se obtiene de la excavación que se hizo para desarrollar los sótanos y cisternas de la casa.

La temperatura de la casa es regulada por un sistema geotérmico que aprovecha la temperatura constante de 17°C a 4 metros de profundidad en el terreno —que fue detectada mediante un estudio—, y con los 200 metros lineales de tuberías que crean un sistema de intercambio de calor. Adicionalmente, colocaron celdas solares que generan 30% de la energía eléctrica necesaria para la casa, calentadores solares de agua, colectores de agua de lluvia e iluminación con control central y lámparas de bajo voltaje. Un gran ejemplo del uso de tecnologías ambientales en México. www.serranomonjaraz.com

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Cultivar la Brecha Milan Stadt Krone 2030 Studio Shift: Mario Cipresso Milan, Italia Julio, 2010 Solicitado por el Foro de Arquitectura y Urbanismo de Milán, con el apoyo de la ciudad de Milán, este es una de 12 propuestas localizadas en la periferia del centro histórico para proponer soluciones conceptuales para la densificación de la ciudad. Cada proyecto introduce 25 000 nuevos habitantes al tejido urbano existente en Milán para dar vivienda a 300 mil más.

La propuesta de Studio Shift consideró la historia y las raíces agrícolas de la región, y también la escacez de los recursos naturales. En relación a las tierras agrícolas colindantes al sur del terreno, la superficie del proyecto se eleva e inclina hacia el sur optimizando la exposición solar.

Esta superficie es convertida en una “fachada arable” en la que diferentes especies de cultivos son sembrados en relación directa a las condiciones de iluminación e irrigación del punto que ocuparán. Lo anterior permite insertar viviendas organizadas en torno a patios de manera muy eficiente, complementadas por una gran plaza hundida que articula los programas de oficinas, comercio y un nuevo museo, así como con las instalaciones ferroviarias y áreas deportivas creando un gran espacio público que sirve como corazón del desarrollo y que permite una mejor conexión con la ciudad y la traza urbana existente. www.studioshift.com

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Museo Ambiental, Jardín Botánico de Rio de Janeiro Lompreta Nolte Arquitetos + Daniel Feldman Jardín Botánico, Rio de Janeiro, Brasil 2010. Concurso, Mención Honorifica El Complejo Cultural del Jardín Botánico de Rio ha tenido un inmenso crecimiento en su oferta de eventos, por lo que el Museo Ambiental convocó a un concurso para ampliar e integrar sus instalaciones al jardín botánico.

El edificio está formado por cajas apiladas de madera que se orientan hacia el edificio principal. El eje de la plaza de acceso tiene su continuación por encima de las cajas de madera con espacios apaisados en diferentes niveles, todos conectados con el interior del museo. Estas terrazas están conectadas directamente con los espacios públicos del edificio. Las exhibiciones están organizadas a partir de circuitos flexibles que conectan las instalaciones históricas con la nueva. Los espacios exteriores en torno al edificio histórico se convierten en areas de exposiciones lo que amplía la superficie del museo.

El espacio tiene ventilación cruzada en las áreas públicas y un sistema geotérmico de enfriamiento para las salas cerradas. Los jardines de azotea y muros de madera ayudan al aislamiento térmico del edificio y los sistemas de captación de aguas pluviales y de producción de energía quedan a la vista y se convierten en parte de las exhibiciones del museo. www.arquitetos.arq.br

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Las Ranitas Eco Boutique Hotel Arquitectura en Movimiento Tulum, Quintana Roo 2010 Este proyecto en su diseño pretende reactivar la actividad comercial no sólo para los extranjeros sino también para los usuarios locales, ya que en caso de no tener huéspedes, los locales pueden tener acceso a las actividades complementarias del hotel. El hotel contará con todas las opciones de la modernidad y, a su vez, tiene el confort necesario para no hacer uso de la tecnología; brinda al usuario la opción de vivir los espacios de la forma más natural posible.

Conceptualmente el modulo – bungalow es una experiencia sensorial en la que se han elegido los materiales de la región, y por función, se ha elevado sobre el nivel del piso para evitar inundaciones y aparición de animales.

Para el interior se diseñó mobiliario integrado a la arquitectura de forma que no se percibieran muebles dentro de una habitación si no un conjunto de líneas que sobresalen a los muros y dan al usuario todo lo que necesita. www.arqmov.com

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Remake-Remodel Anders Grivi Norman + Victor Serrander Festival de Roskilde, Roskilde, Dinamarca 2011 Es el proyecto ganador del concurso para la Zona Cultural del Festival de Música de Roskilde 2011, uno de los festivales urbanos más vibrantes del mundo y que reúne a más de 120 mil personas. Bajo la clara premisa de que los asistentes al festival van a crear sus propios ambientes y experiencias, Remake-Remodel propuso espacios que hicieran la pregunta ¿Por qué no lo hacemos...?

Es un concepto abierto y flexible que provee una variedad de espacios para alojar todo tipo de actividades a lo largo del festival. Se crearán dos grandes escaleras que ofrecen vistas hacia el festival, que a su vez sostienen “cajas de actividades” donde cualquier cosa puede suceder. Los asistentes siempre encontrarán algún espacio que corresponda a su estado de ánimo, ya sea para aprender a hacer música, bailar, besarse, asistir a talleres, hacer nuevos amigos, jugar juegos de mesa, dormir, leer el periódico o ver a la demás gente y sus locuras.

La estructura estará hecha de madera de reúso y andamios metálicos que sirven al mismo tiempo como área de descanso, plataforma de observación y protección en caso de lluvia. www.remake-remodel.de

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casa glocal “El render que presentamos está basado en la paleta de color Human Nature.

Es un espacio dinámico de alto contraste entre la arquitectura interior y los elementos circundantes.

El mobiliario, diseño de Beata Nowicka, y las lámparas de Rodrigo Fernández, son una concreta amalgama para unir a estos dos diseñadores.”

Beata Nowicka

Rodrigo Fernández Barajas

Dra en Arquitectura de Interiores y Diseño de Muebles Diseñador Industrial

Dueña del despacho Nowicka Studio, Nowika es polaca de nacimiento, pero con su corazón está puesto en México. Su pasión por la academia le ha permitido dirigir el departamento de Arquitectura de Interiores en CENTRO de diseño, cine y televisión.

Ha participado en diversas exposiciones en Polonia y México y es especialista en diseño de espacios comerciales. Autora de distintos planes de estudios. Su oficina, en pleno corazón de Polanco,le permite combinar ambas pasiones y está preparando el lanzamiento de una nueva línea de mobiliario, una de sus pasiones más profundas.

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Diseñador Industrial por parte del Instituto Tecnológico de Monterrey. Director creativo de DIEZ, empresa mexicana dedicada al diseño y fabricación de lámparas decorativas en donde está asociado con las diseñadoras Gina Diez Barroso y Allegra Dayan.

Profesor en Centro de Diseño y Televisión en de la Licenciatura en Arquitectura de Interiores con el programa de proyectos especiales de colaboración con la industria.

Su trabajo lo ha llevado a participar en distintas ferias de diseño en todo el mundo, logrando comercializar sus productos en distintos países, siempre teniendo como objetivo trascender las fronteras con el diseño mexicano de alta calidad.

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“Juntos quisimos crear un espacio sofisticado. Es el comedor de una casa, pero las aplicaciones de color son arriesgadas en la arquitectura y poco convencionales.

El tapete es también un elemento fuerte y dinámico que permite que se logre un contraste muy interesante entre los elementos” 18

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Nota: Estos colores son aproximados a los reales y pueden variar debido a los efectos de impresiรณn o luz.

Para mejor referencia visita tu tienda Comex. www.comex.com.mx / Atenciรณn al consumidor: 01 800 712 66 39

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Glocal Design Magazine, Forma y función que toma vida Suscríbete por un año y recibe 8 ediciones Recuerda que cada una de nuestras portadas es coleccionable ya que es realizada por reconocidos talentos del diseño. Nuestro primer número correspondió a Karim Rashid. En esta edición nuestro invitado fue Ariel Rojo…

Busca las propuestas de los personajes que generan vanguardia.

FORMULARIO Datos

Nombre: Apellidos: Fecha de nacimiento: Día/Mes/Año Profesión: Dirección Callé y número: Colonia: Ciudad: Código Postal: Correo Electrónico:

Tarifas México D.F. y área metropolitana México, resto de la República Mexicana U.S.A. Resto del mundo

$480.00 pesos $560.00 pesos $300.00 UDS $350.00 USD

*Realiza tu pago en Banamex a nombre de: Color y Espacio Editorial S.A. de C.V.; Numero de sucursal: 4271 Cuenta: 0132512; CLABE: 002180427101325127. Envíanos tu información, junto con la ficha de depósito a: suscripciones@glocal.mx

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Diseño y Construcción L México S.A. DE C.V. México (52) 55.11. 64.11 Los Angeles (01) (310) 308.6053 www.l.org.mx Fotografía: Beto Adame

instalaci贸n

Estaci贸n Glocal

by Masisa & ROW Studio Un espacio para la comunicaci贸n e intercambio de ideas 22

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Marcos G. Betanzos Fotografías A & S photo/graphics

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i bien las exposiciones tienen como objetivo mostrar innovaciones en productos y las nuevas tendencias, Habitat Expo celebrada en el WTC de la Ciudad de México los pasados días 26, 27, y 28 de mayo demostró que en el mundo editorial también los discursos deben de renovarse y algo más importante: que el discurso debe ser la mejor carta de presentación de una revista que tiene como objetivo construir e incrementar la cultura del diseño.

La estación Glocal, diseñada por el despacho de arquitectura ROW Studio —conformado por los arquitectos Álvaro Hernández Félix, Nadia Hernández Félix, Alfonso Maldonado Ochoa, y su equipo de diseño Luis Larumbre y Daniel de León— en conjunto y patro-

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cinio de Masisa Lab —Bernardita Hoces, Gerardo Zaldivar y María Valdespin— resultó ser un espacio singular que por mucho fue uno de los stands que generó mayor expectativa y demostró más personalidad en la exposición al no ser sólo un escaparate sino más bien un espacio de descanso y lectura que bien podría leerse como un librero comunal totalmente abierto a los visitantes. Colorido, intrigante y quizá un poco lúdico, bastaron 36 horas para que esté fuera montado y motivara así su propia atmosfera, gracias al material utilizado: páneles DecoMDF Masisa de 15mm., que son tableros recubiertos por ambas caras con folio decorativo, impregnados con resina melamínicas con baja emisión de formaldehído, lo que

le otorga una superficie totalmente cerrada, libre de poros y resistente al desgaste superficial; y lo más importante es que Masisa se asegura que la materia prima empleada en la producción de estos tableros provenga de fuentes certificadas y sustentables.

Los paneles de madera de MDF fueron cortados vía máquinas CNC, también llamadas máquinas de control numérico en los talleres de la empresa Design & Cutting el proyecto contó además con la presencia del trabajo de los diseñadores: Ariel Rojo, EOS México, Masiosare Studio, Caterina Moretti, Carlos Ortega, Jorge Diego Etienne, Mauricio Valdéz y Arta Cerámica, que en conjunto con las portadas de la revista generaban un tapiz vertical poco común.

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diseño + empresa

Freigtag

El bolso mensajero que notifica el valor del reciclaje Janine Porras Imágenes cortesía Freigtag

Una necesidad personal que se convirtió en un negocio que hoy ofrece empleo a más de 80 personas, su principal arma: el diseño y la creatividad.

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Fotografía: Peter Würmli

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os hermanos Markus y Daniel Freitag — ambos diseñadores gráficos— se enfrentaron con diversos problemas prácticos con los bolsos que existían en el mercado suizo: no aguantaban la rudeza del uso diario; no estaban hechos con material repelente al agua, por lo que si llovía se mojaban junto con todo lo que contenían; y la mayoría no tenía el tamaño y forma adecuados para sus necesidades.

Markus y Daniel crearon su anhelado bolso mensajero (que no es más que ese morral de formato horizontal en el que cabe documentos y cuadernos, y que se puede cruzar la correa de un lado de la cintura al hombro del lado contrario para mayor comodidad) con las características deseadas.

Todos los componentes utilizados en la creación de las bolsas Freitag tuvieron una vida útil que los hermanos retomaron para regalarle otra. En 1993 cortaron una lona vieja que cubría la parte trasera de una camioneta con la forma del bolso, y agregaron al proyecto cinturones automovilísticos de seguridad de segunda mano para crear las correas del bolso mensajero. La idea de utilizar este material como base se las proporcionó la vista cotidiana de la carretera transversal de Zurich, donde desfilaban caravanas enteras de transportistas (justo frente a la casa de los hermanos). Hoy se han agregado más residuos utilizados en la confección de dichas bolsas: cámaras de llanta de bicicleta con la cual se remata la orilla de la bolsa (y le proporciona un fino acabado), y bolsas automovilísticas de aire.

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Fotografía: Noë Flum

“Nuestras bolsas no son artificialmente únicas, ese derecho lo obtienen desde el principio de su creación” Freitag

Cada uno de los productos Freitag está realizado con estricto control de calidad. Freitag se encarga de negociar con las empresas de transporte de Europa para comprar las lonas que son desechadas por el uso, tomando preferencia por el material más colorido y más alegre posible. Después se divide la materia prima en piezas fácilmente transportables para introducirlas en lavadoras de uso rudo. Después de este arduo proceso, las lonas son cortadas a mano gracias a una plantilla transparente que ayuda a visualizar el mejor ángulo para la futura bolsa, pues muchas lonas presentan diseños, letras, etcétera. Todas las piezas se fijan y se envían al taller de costura. Freitag cuenta con talleres en Suiza, Francia, Portugal y Túnez, pues no cualquier taller puede unir materiales de alta resistencia, se requiere equipo especializado. Una vez que la pieza ya armada y cosida regresa a Freitag, se verifica su calidad, se fotografía el producto (ya que cada pieza es única y original) y se empaca para su venta en el mundo.

De 1993 a la fecha han sucedido muchas cosas, los hermanos dejaron de cazar los mejores diseños para sus bolsas y dejaron de cortar de manera sorpresiva los más interesantes ángulos de las lonas, para instituir un esquema exitoso de negocio con una filosofía laboral y una visión a futuro. Actualmente cuentan con más de 40 modelos de bolsas para hombres y mujeres.

Freitag, ejemplo de cómo una idea tan básica: realizar algo útil a partir de elementos ya existentes, convirtió el deseo de ofrecer productos funcionales, duraderos y con estilo en realidad, sin olvidar que el carácter único de las bolsas Freitag se las otorga la historia que cuentan los materiales reciclados. www.freitag.ch

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diseño + empresa

Tsimáni Design Studio Replanteando la tradición nacional Nina Paz Fotografía cortesía Tsimani Design Studio

El papel en manos de los creadores de este estudio, como el barro, coquetea con la idea de las esculturas.

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etener el paso y echar un vistazo atrás parece una constante en la actualidad, no porque añoremos los viejos tiempos, sino porque hemos alcanzado a entender que la tradición y las costumbres tienen algo que las ha hecho permanecer dentro de la vorágine “evolutiva”; ese algo es el valor que le ha otorgado el pensamiento, experiencia y sabiduría de generaciones enteras, incluir este valor en una empresa moderna es lo que ha hecho Tisimáni DesignStudio.

Yolanda Reséndiz y Jesús Rentería, ambos diseñadores industriales egresados de la Universidad Autónoma Metropolitana, Unidad Xochimilco, al cabo de poco tiempo de iniciar su actividad profesional, fundaron Tsimáni Design Studio en 2005, nombre que queda como anillo al dedo porque Tisimáni, es un vocablo purépecha que significa “dos”.

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Tsimáni echa mano de la memoria colectiva nacional al trabajar con referencias tradicionales, rescatando materiales y costumbres; es primordial para los creadores aprovechar las habilidades artesanales —para evitar su pérdida— ya que lo más importante para este estudio es el trabajo con las manos porque está ligado a los procesos que otorgan identidad y personalidad a cada uno de los objetos y las piezas elaboradas que, por ende, obtienen una valoración económica justa.

El replanteamiento, la exploración y la experimentación de los lugares comunes, en cuanto diseño se refiere, es una de sus principales guías de trabajo, así como redescubrir temas, objetos y materiales. Es dentro de este laboratorio que la dupla cae la cuenta de que el trabajo manual está sumergido en la emotividad, los recuerdos, la sorpresa y la satisfacción de ser o crear algo distinto, único.

La Colección Serpentina es uno de los trabajos más conocidos por Tsimáni, basado en la serpentina (como objeto) que aunque no es de origen

mexicano, forma parte de nuestra cultura. Las piezas de la colección (joyas, objetos decorativos y arte) están hechas a mano, firmadas y numeradas ya que son piezas únicas e irrepetibles, elaboradas con papel o cartón de color enrollados y protegidos con resina. Igualmente en 2008 el estudio presentó su colección PITAS, calzado de descanso, elaborado con materiales naturales, yute, corcho y principalmente fibra de ixtle, históricamente usada en México.

Tsimáni no utiliza resinas con solventes ni aplica pigmentos o materiales por aspersión, los papeles que utiliza tienen un alto porcentaje de material reciclado y no genera basura ni residuos tóxicos, preocupación que le valió un reconocimiento en el concurso iida 2010, que tuvo como tema “Green Heart” con la colección PITAS. www.tsimani.com

Lo más importante para este estudio es el trabajo con las manos porque está ligado a los procesos que otorgan identidad y personalidad.

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diseño novel

Janine Porras Fotografías cortesía Innovo Design

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escatar una tradición, transformarla y adaptarla a los nuevos tiempos es lo que hace Future Tradition. Christoph de Alemania, Jovana de la República Serbia y Zhang de China visitaron la región de Yuhang, China, en el verano de 2010. Ahí conocieron a cuatro artesanos que todavía realizaban sombrillas de papel, típicas de la región que dejaron de producirse comercialmente hace aproximadamente 50 años porque son consideradas muy pesadas, poco prácticas y anticuadas.

El proyecto Future Tradition empezó con un objetivo: cambiar el destino de la artesanía de papel y aprender la técnica. Cuatro meses vivieron y trabajaron hombro con hombro con los artesanos, aprendieron la técnica y experimentaron con ella. El objetivo comenzaba a acercarse cuando descubrieron que el método aprendido podía trasladarse a otros objetos tales como lámparas, sillas y mobiliario.

El papel sobrepuesto y adherido en capas puede ser tan fuerte como para sostener el peso de una persona en una silla o tan flexible como para constituir la delgada capa de una sombrilla. Es la utilización del papel hecho a mano lo que permite su variada aplicación ya que es rico en fibras naturales, lo que lo hace fuerte y resistente.

Las piezas están pensadas para dejar que los materiales dialoguen entre sí y tengan total libertad de crear su propia forma. Así el bambú juega con el aire; el papel se estira y se encoje; la madera lo sostiene todo; el policarbonato se esconde y se revela trasparente. Todo combina a la perfección con la sencillez y limpieza de sus piezas. www.innovo-design.com

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Future Tradition Christoph John + Jovana Bogdanovic + Zhang Lei De China a Milán y de regreso

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Ian Ortega E Honesto, práctico, funcional y responsable Janine Porras Fotografías cortesía de Ian Ortega

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studió Diseño Industrial en el Tecnológico de Monterrey campus Ciudad de México.

Como parte de una camada de diseñadores destacó aun antes de graduarse al recibir una mención honorífica por la Banca JFI en 2007 y al ser finalista en el Premio Braun, del mismo año, con el proyecto mol. Ha expuesto su trabajo en diversas partes del mundo como Alemania, China y México; así como en diferentes museos como el Nacional de Arte y el Franz Mayer. En la actualidad, Ian es el diseñador senior de Pirwi.

No recuerda qué fue exactamente lo que lo motivó a estudiar diseño, sin embargo, todos los días durante su labor creativa comprende que tiene un gran poder de cambio en sus manos para modificar lo ya existente o proponer una novedad. Cada pieza realizada por Ian

pasa por un estricto control de calidad: “Nunca dudo en regresar a la mesa de dibujo si no estoy satisfecho con el resultado sin importar en qué etapa de diseño me encuentre.” Así es como realiza de cuatro a cinco prototipos por mobiliario creado.

Sus diseños incluyen una real preocupación por el medio ambiente al utilizar materiales degradables y también presentan una inclinación hacia el ahorro de materiales y espacio pues todos sus diseños despliegan ensambles sencillos que facilitan su transportación y su almacenaje.

Las creaciones de Ian desean transmitir al usuario creatividad e inteligencia, pues tienen tiempo invertido en su diseño y desarrollo. www.ianortega.com www.pirwi.com

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Roots Architecture: Arquitectura de la comunidad Nina Paz Fotografías cortesía de Roots Architecture y arquitectos invitados

El happening arquitectónico en Womad se basa en el trabajo comunitario que se realiza en todo el mundo.

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OMAD, World of Music, Arts and Dance, es un festival que celebra la música, las artes y la danza, como su nombre lo indica.

WOMAD tiene como objetivo crear eventos que reúnan a la comunidad artística mundial. Uno de sus fundadores fue Peter Gabriel, quien contribuyó a que surgiera la idea en 1980, y sucediera por primera vez en 1982. Cada festival promueve la equidad en todos sentidos.

WOMAD a través de Oliver Lowenstein —el editor de Fourth Door Research— , año con año, invita a distintos artistas visuales o arquitectos para crear espacios y escenarios distintivos de cada lugar del festival titulado Roots Architecture. La idea surgió cuando Oliver se encontraba en

Aalto Foundation’s Edge-Paracentric Architecture justo cuando se ofrecía la conferencia de verano 2009 donde coincidieron grupos de ayuda humanitaria y arquitectos que hablaron sobre las particularidades de sus proyectos. Esta idea la trasladó a WOMAD pensando en un público no especializado en un contexto de música y arte. En 2010 los arquitectos y jefes de equipo trabajaron en Roots Architecture dirigiendo a un grupo de estudiantes y personas de la comunicad. El escenario para la música debía estar listo en cuatro etapas de cuatro días (de jueves a domingo).

No existieron planes ni bocetos previamente realizados sólo un cúmulo de materiales sobrantes de la fiesta.

“Roots Architecture forma parte de la coincidencia, en espíritu al menos, entre la arquitectura de redes emergentes y las nuevas pasiones por las muchas ramas de la música del mundo” Oliver Lowenstein

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EQUIPO TYIN TEGNESTUE Hanstad Yashar y Andreas Gjertsen. Este dúo ha trabajado en la zona norte de Tailanda, en la frontera con Birmania, en la construcción de viviendas y aulas para los niños huérfanos birmanos. Desde su participación en Roots Architecture han trabajado en Bangkok, Tailandia, y Haití.

Este equipo tenía la misión de reutilizar “duelas” de madera que se habían roto, con las que crearon una plataforma con múltiples artístas. www.tyintegnestue.no

EQUIPO ARCHITECTURE SANS FRONTIER UK Melissa Kinnear lidera este grupo que forma parte de los números de emergencia después de un desastre que ha puesto en riesgo la arquitectura y por ende a sus habitantes; son mundialmente conocidos por su trabajo como voluntarios y en involucrar a la gente en las creaciones de refugios de emergencia. Este equipo utilizó barriles de madera para realizar un dosel como fondo de su escenario. www.asf-uk.org

“… es un lugar para reunirse y descubrir la ligereza de construir comunidades y crear otras nuevas” Sally Daniels EQUIPO BAMBOO Jack Everett llegó al hotel con todo y bambú, uno de los materiales con mayor sustentabilidad pues crece rápidamente y no es necesario arrancarlo de raíz para utilizarlo. El énfasis estaba en utilizar los materiales con tradición: madera, tierra, paja, tejidos y, por supuesto, bambú, aunque Jack no reutilizó los materiales del festival como era la idea principal.

EQUIPO CARPENTEROAK Charley Brentall es fundador de una de las carpinterías más famosas del Reino Unido, su equipo se encargó de reutilizar los troncos de robles del parque Charlton y del lugar que fue previsto para Charley. www.carpenteroak.co.uk www.womad.org

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textiles

Estudio Liliana Ovalle Un trabajo donde la perfección del archivo en vectores no existe Nina Paz Fotografía cortesía Nodus y Liliana Ovalle

La riqueza de los tapetes y los textiles radica en el carácter que le otorga su manufactura y cómo interactúan materiales, autor e imaginación.

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“Trabajar con tan sólo ‘una dimensión’ requiere cambiar un poco la manera de pensar.”

Liliana Ovalle

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iliana Ovalle estudió la Licenciatura en Diseño Industrial en la unam (2003) y posteriormente la maestría en Diseño de Producto en el Royal College of Art (2004-2006), Londres, bajo la tutoría de dos grandes: Ron Arad y Tom Dixon. Liliana radica en Londres y dirige Estudio Liliana Ovalle donde se da a la tarea de desarrollar mobiliario y producto en México, Reino Unido e Italia.

En 2006 el British Council le otorgó el reconocimiento Talent, y en el 2008 recibió el premio Clara Porset en la Categoría Especial de Mobiliario. Ha participado en exposiciones como De cambios e intercambios en el Museo Franz Mayer (2006), Talent organizada por el British Council en Milán y por Paul Smith Space en Tokio (2006), Calling out to the Americas- Design Miami (2009), Novalis Fine Arts- Turín (2010), entre otras.

También en el 2006 comenzó a trabajar con textiles, específicamente con la serie “Mugrosos”, una colección de sofás donde comenzó sus investigaciones con diversos materiales: lanas, sintéticos, cuerdas… que para dar una apariencia de collage se les aplicó serigrafía en diversos colores lo que otorgó diferentes texturas. Para Liliana “los textiles ofrecen un reto muy peculiar en comparación con otros materiales, ya que no se puede contemplar exactamente qué va a suceder con ellos hasta verlos en la escala real y en el material adecuado”. El textil ofrece una experiencia táctil que no puede replicarse en ninguna maqueta ni render pues no reflejan el comportamiento del material, por ello los tejidos se comportan diferente dependiendo de las fibras, por lo que hay que especular y también dejar que el material tome sus propias formas y pliegues.

Su trabajo más reciente en el ámbito textil lo presentó Liliana en el Salón del Mueble en Milán, en conjunto con la firma italiana Nodus, reconocida por crear sinergia con diseñadores de de gran talento como lo son Studio Job, Matteo Thun, Ludovica + Roberto Palombo, entre otros.

La colección de Ovalle forma parte de una preocupación real por entablar un dialogo amable con la naturaleza. Las muestras Verde-Azul y La Lomita están hechos con fibras naturales, lana y seda de plátano, materiales que han sido teñidos y tejidos también con procesos naturales y técnicas antiguas. Si consideramos que la sustentibilidad de un objeto también radica en su ciclo de vida, estas piezas están fabricadas para trascender generaciones. El tiempo de producción de cada piezas es de 3 a 6 meses, lo que también proporciona un valor agregado a los tapetes, en contra de la cultura del desecho.

Actualmente algunos de sus diseños son producidos como ediciones limitadas que se distribuyen por la galería Plusdesign (Milán) y la empresa Nodus. Además de su práctica profesional, Liliana Ovalle es investigadora en Goldstmiths University of London. www.lilianaovalle.com JUNIO • JULIO 2011

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diseño

Tres erres, tres diseñadores

Diseño sustentable en Latinoamérica Sofía Neri Fotografías cortesía de los diseñadores

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a cultura humana transforma constantemente su entorno, para bien y para mal. A fines del siglo XVIII comenzó lo que hoy ha resultado en un desequilibrio ecológico mundial producido por el consumismo voraz. En los ochenta se hace conciencia sobre la necesidad de frenar el deterioro y —casi a la par— surge el diseño sustentable.

América Latina, históricamente familiarizada con la reutilización de materiales, ofrece destacados ejemplos de esta actividad: tres diseñadores latinoamericanos que hacen de las “3 R’s” (reducir, reutilizar y reciclar) su inspiración para el diseño sustentable: Rodrigo Alonso, de Chile; Alejandro Sarmiento, de Argentina y Paco Cervilla, de Costa Rica.

Sus propuestas integran diseño sustentable, el concepto de trascendencia del objeto confrontado con la idea de reciclaje, y el buen negocio.

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RODRIGO ALONSO

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iseñador gráfico, docente universitario y conferencista, ha elaborado la imagen de marcas como Renault, Warner Bros. y Sony, entre otras. Fundó Müsuc, su estudio de diseño y “laboratorio de ideas felices”. Premiado en ferias internacionales de diseño, sus creaciones han aparecido en programas estadounidenses de TV. Vende en más de 25 países y ha ganado numerosos premios a nivel mundial.

No se considera merecedor del título de diseñador sustentable: dice estar “en pañales”.

Ve al proceso de diseño como “una obra totalmente sustentable en cada aspecto”. La filosofía de su trabajo: “Hacer mucho con poco; menos recursos, menos energía y menos dinero en la producción de una idea”. Su técnica es la observación profunda del comportamiento humano y su entorno. El resultado siempre será consecuencia de esta observación, y no “de una moda temporal”.

De la trascendencia en el reciclaje opina: “Es primordial”. Si no se considera este aspecto, entonces se busca que lo creado desaparezca con el mínimo impacto, y habla del plástico, del que es posible obtener grandes cantidades al trabajar en conjunto con las empresas productoras y con algunos objetos que llegaron al fin de su vida útil, como su línea de mobiliario urbano 100% y su nueva colección de muebles llamada Los Vilos, hecha en plástico posconsumo triturado y rotomoldeado; si se deterioran o no se les requiere más, se retiran y retrituran para reusar. Cuando no tienen el control del uso y el fin de la pieza, prefieren no fabricarla o descontinuarla, como pasó con sus tazas Tawu de policarbonato, las luminarias Modulair y, aunque con concepto sustentable, las Blightster.

Cree que el diseño sustentable es un buen negocio que va en aumento. “Lo importante es entender y hacer entender que esto no es una moda ni un buen marketing; es un cambio de foco respecto al método de trabajo, es para siempre”. www.porta4.com

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“Lo importante es entender y hacer entender que esto no es una moda ni un buen marketing; es un cambio de foco respecto al método de trabajo, es para siempre.”

Rodrigo Alonso

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ALEJANDRO SARMIENTO

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iseñador industrial, investigador y docente a nivel universitario. Ha incursionado en la creación de escenografías e imagen corporativa de empresas a nivel internacional. Se interesa en los materiales de reciclaje y en el desarrollo de objetos de tecnologías simples.

Comenta que su diseño “se vuelve sustentable por la naturaleza de los proyectos”, y no que tenga en sí una propuesta específica para ello. Usa la basura como materia prima potencial, gratuita y al alcance; produce con la ayuda de personas desempleadas y talleres de producción en cárceles pues su fuente es “la energía humana”.

“El pensar en la trascendencia del objeto forma parte del ego de muchos diseñadores; no pienso trascender a través del objeto. En todo caso, con mis diseños trato de poner en evidencia cosas de nuestra cultura; encontrar un modo expresivo y al mismo tiempo utilitario”.

Del tema de si es buen negocio piensa: “Cada vez la gente se acerca más a los productos sustentables, antes había prejuicio y en todo caso, depende del grado de resignificación y el modo en que se evidencia el estado anterior de la materia. De estos últimos factores depende que sea un buen negocio o no”. oficinasarmiento@yahoo.com.ar

“Yo considero la basura como potencial materia prima gratuita, al alcance y constante.”

Alejandro Sarmiento

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PACO CERVILLA

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iseñador industrial, artista y consultor.

Ha expuesto en su país y en el extranjero. Es parte del equipo editorial de la revista de arquitectura Su Casa. Fundó el estudio Pupila, con el que organizó el Primer Festival Internacional de Diseño 2011 en Costa Rica.

Su propuesta de diseño sustentable nace “de la necesidad de transformar el desecho en algo útil, como catarsis; satisfacía mi curiosidad por encontrar respuesta a mis preguntas técnicas, funcionales y estéticas”. Desde que diseña para clientes, su conciencia ambiental trata de “cambiar la mentalidad brutal y abusiva que en general han tenido las empresas, principales culpables de generar necesidades inútiles a la sociedad”. Hoy vive una etapa más social y formativa: organiza charlas sobre la importancia de cuidar el planeta y da conferencias especializadas en diseño multidisciplinario.

A su propuesta, en concreto, la llama “diseño responsable”.

De la contraposición entre lo trascendente y lo reciclable comenta: “mi interés no es tanto reciclar pues implica un proceso industrial que en general, consume más energía que la primera vez que se creó el objeto. Lo importante es reutilizar, dar una segunda oportunidad a algo que ya está estigmatizado; es un proceso industrial con función social: la resemantización. La trascendencia del objeto es secundaria.

Creatividad y diseño son herramientas indispensables de solución a un problema que nosotros mismos creamos”.

De si es un buen negocio explica: “La palabra sustentable desaparecerá en un futuro no muy lejano; no podemos hablar de diseño no sostenible, es como hablar de mal sexo; el diseño en sí mismo es un negocio, que se haga responsablemente depende de cada diseñador.

Cuando empecé fue muy difícil: el consumo de diseño en Centroamérica era casi nulo. Las cosas cambiaron, la gente está más abierta; la tendencia hacia lo ‘eco’ es cada vez más fuerte, así que soy bastante optimista de que las cosas van a evolucionar bien”. www.pupilaestudio.com

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“No podemos hablar de diseño no sostenible, es como hablar de mal sexo.”

Paco Sevilla

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El proyecto

José Luis González Cabrero

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l ciclo de vida del producto puede ser comparado con el espectro visual de la luz, del cual nosotros (los seres humanos) podemos ver sólo una parte. Imaginamos sus procesos de producción pero sólo lo percibimos como real cuando lo compramos y usamos, después lo tiramos a la basura y lo borramos de nuestra mente, como si desapareciera de la faz de la tierra.

Cada vez más diseñadores se han preocupado por crear productos tomando en cuenta su durabilidad y su eventual reciclaje.

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congruente Con esto en mente existen proyectos congruentes que preveen e hipotizan la “vida después de la muerte” de los objetos...

Este es el caso de los carritos de madera TobeUs, un proyecto low-tec de juguetes de madera de hechos a mano en Italia, diseñados por Matteo Ragni, monomatéricos (sólo madera de cedro de líbano a km 0) y sin acabados tóxicos, 100% reciclables.

El proyecto nace de una historia de todos los días, un niño que juega con su frágil carrito de plástico hasta que se rompe y un papá que, cansado de ver pedazos de juguetes, crea una línea de carros de madera sencillos y robustos, que dan lugar a la imaginación y al contacto con materiales naturales. Todo dentro de una ética del producto y un respeto al medio ambiente. www.tobeus.com

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il mobile

Fábrica de sueños en Milán

Reflexión sobre el diseño, la creatividad y la actual cultura Greta Arcila Imágenes firmas participantes

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incuenta años no es mucho, pero cuando se trata de reunir por cincuenta años lo mejor del diseño y los más afamados comerciantes, fabricantes, etcétera, significa un gran esfuerzo. El 24 de septiembre de 1961 por primera vez a un grupo de empresarios, hoy FederlegnoArredo, se les ocurrió la idea de promover la exportación de mobiliario y diseño italianos que habían tenido mucho éxito gracias a la reconstrucción iniciada en la posguerra, a través de una feria. Se decidió que fuera Milán la sede porque era la capital financiera de Italia y ya había albergado otras ferias, como La Campionaria (1920).

La Federación Italiana de Industrias de la Madera y Corcho visitó 13 empresas muebleras, lo que dio comienzo a un gran esfuerzo que con los años se ha convertido en el escaparate más grande —y punto de referencia— de todas las variantes del diseño de vanguardia. Pronto descubrieron que el Salón del Mueble se transformaba en una herramienta de mercadotecnia poderosa.

AÑO EXPOSITORES

1961 2011

328 2 775

METROS CUADRADOS

11 860 m2 210 500 m2

VISITANTES

12 100 + de 350 000

El Salón del Mueble, de acuerdo por el número de visitantes y la calidad de sus expositores, fue considerado internacional hasta 1967. En 1974 se lanzó Eurocucina y dos años después Euroluce, donde se mostraba mobiliario de cocina e iluminación respectivamente. El Salón del Oficio (Salone Ufficio) inició en 1982.

En 1998 se creó la plataforma de lanzamiento con el Salón Satélite para jóvenes creativos. Y por último, en 2006 se unió el antiguo Centro de exposiciones Feria Campionaria (Fiera Milano City), es decir, todo lo que puede girar en torno al diseño y sus parejas: arte, moda y comida. El Salón del Mueble se ha extendido a otros países, es el caso deI Saloni World Wide Moscú, una muestra de lo que se realiza en Italia, también punto de referencia del diseño de altísima calidad en Europa del este. En entrevista exclu-

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siva para Glocal Design, Marco Sabetta, Director del Salón Internacional del Mueble, comenta que mantenerse no ha sido fácil, pues todos los días deben de pensar en cómo renovarse, de ahí el eslogan que este año se leyó en todas las calles de Milán “50 años joven”, y la pregunta obligada es cómo lo han logrado que Milán se convierta por una semana en el epicentro del diseño de vanguardia, a lo que comenta: “tenemos una tra-

Roundish de Naoto Fukusawa para Maruni

dición artística centenaria que nos ayuda como sociedad a apreciar todo lo bello y hacerlo tangible. Italia fue el centro del arte por varios siglos, marcó la manera en que se convivió con la estética, fundó la industria del mobiliario y la creció potencialmente… y llegamos a todo eso gracias a que nos unimos como pueblo, desde siempre nos fortalecemos como país para crecer también nuestra economía. Y me preguntas cómo logramos todo esto: observando cómo se comporta la sociedad, leyendo todo lo que vemos, pero sobre todo, trabajando mucho. Cuando se está terminando una edición de la feria, el lunes

siguiente ya estamos programando la siguiente”.

Y sin duda, Italia es el país que más ha sabido explotar el arte y hacer riqueza de ello. Basta caminar por los pasillos de la feria y ver la cantidad de visitantes al igual que prensa especializada, que la recorren, y mejor aún, se tiene la posibilidad de encontrarse a las grandes creativos que están marcando la manera en la que se vive hoy en día gracias a sus diseños.

Uno de los objetivos del Salón Internacional del Mueble, es que se genere más industria y que ésta realmente tenga la calidad necesaria para hacer funcionar el mercado y por ende, tener un espacio en el salón pues, a decir de su director, hay una lista de espera de más de dos años y el consejo directivo exige a los expositores mucha calidad. A la pregunta obligada sobre cómo se ha comportado el mercado en esta crisis la respuesta fue contundente: “mejoró un 10% a diferencia del año pasado, esto nos lo dicen también nuestros expositores”. Sin embargo, sí hay que subrayar que no vimos tantos lanzamientos como aún observamos hace 2 ó 3 años, pues como nos confirma Sabetta, no es que se pueda invertir tanto en diseño en cada colección, lo que sí observamos es que se amplió la variedad en materiales y colores en muchos diseños que ya funcionan, así, firmas como ClassiCon, Heller, Edra, Meritalia o Xo, tuvieron presencia pero no muchos lanzamientos, prefirieron apostar por lo que saben que funciona.

El discurso que imperó, y que confirmó el ochenta por ciento de los empresarios con los que platicamos, es el de brindar piezas que funcionen por mucho tiempo en calidad, uso y forma: objetos que no sea necesario reemplazar en uno o dos años. Sí, hay una clara preocupación por la naturaleza, pero el tema va más allá y se trata de la responsabilidad social, pues se pretende también apoyar a la industria local, y tener programas con las comunidades, de tal forma, firmas como Nanimarquina apoyan a los tejedores de sus tapetes, Bonaldo sólo produce en tierras italianas, Kartell tiene un programa www.glocal.mx

de investigación en nuevos materiales con el fin de que sus productos sean lo más amigable con la naturaleza posible.

Uno de los aspectos que más nos interesó es que las firmas están apostando por talento joven, años pasados sólo se veía el “star system” en el Saloni y en el Fuori Saloni realmente la propuesta mucho más arriesgada de los jóvenes. Gratamente vimos que firmas como Mooi, buscaron el trabajo de Rooms, dos diseñadoras que apenas hace dos ediciones estaban en el Salon Satellite, y hoy su trabajo está siendo conocido por todo el mundo.

El material que reinó fue la madera tratada de la manera más natural posible, que si bien es algo que ya se veía desde hace poco más de 5 años, en esta edición fue lo más apreciado por los visitantes pues vimos cómo la gente gusta de tocarla, de ver su veta, y si bien sabemos que el diseño más que un objeto debe de dar sensaciones, un material como la madera vaya que lo logra, ya que cada pieza es algo entrañable. Y presentar todo lo que vimos es casi imposible, seleccionamos algo de lo mejor, lo demás lo verán en siguientes ediciones.

Clubland sofá de Peter Emery Roberts para Driade

“Yo vengo a vivir Milán. Amo esta semana pues se abren posibilidades extraordinarias. Más que la feria, me gusta caminar las calles pues veo el pulso con el que caminan las nuevas generaciones. Platico con las jóvenes generaciones y me doy cuenta que tenemos que trabajar más en varios aspectos como el la libertad creativa. Para mí es la mejor inversión del año pues es un lugar en donde se respiran ideas nuevas”.

Jean-Marie Massaud

BCN de Harry & Camila para Kristalia

Voces de creativos en Milán Glocal Design tuvo la oportunidad de platicar con creativos de muchas localidades, se tienen grandes entrevistas que presentaremos a lo largo del año, lo que sí compartiremos con ustedes es lo que para ellos sigfinica la semana del diseño en Milán.

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“Para mí es una manera de ver cómo se comporta el mundo, así como el momento ideal de compartir con mis colegas lo que estoy haciendo.

No creo que sea necesariamente una lectura de lo que está viviendo la sociedad actual ya que cada lugar tiene necesidades diferentes, y no todo el público tiene acceso a comprar lo que las firmas presentan, pero sí es el reflejo de lo que la sociedad le gustaría ver y ser”.

Konstantin Grcic 41

Comback de Patricia Urquiola para Kartell

“Es como la Navidad en una familia: grandes reuniones, abrazos, energía pura, nuevas historias que contar... conocer, conocer y conocer.

Ver las nuevas propuestas en el Fuori Saloni (que no todas son lo más acertadas) es lo más energizante que le puede pasar a un creativo.

Cuando era joven ahorraba para poder venir, pues desde siempre he valorado mucho lo que cada persona me puede dejar, en lo que respecta a sus ideas. Y cuando se acaba vienen semanas de digerir todo lo que escuché y aprendí”.

Marcel Wanders

Mesh de Tom Dixon para Magis

Bunky de Tom Dixon para Me too Collection de Magis

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“Creo que lo más interesante es lo que se genera en la ciudad, es una energía increíble poder estar y visitar cada espacio, y que cada uno —sea— mejor que el otro. Me da mucha esperanza que el diseño sea un movimiento que cambia la ciudad y la economía de un país no sólo de una ciudad. La Zona Tortona es la sección en donde se genera la mejor propuesta”.

Ezequiel Farca

Dressed de Luca Nichetto para Tacchini Maritime de Benjamin Hubert para Casamania

“Estamos en una época en donde la tecnología y la ciencia han logrado cambiar la forma de los objetos, pero está en nosotros, los diseñadores, en hacer que los objetos nacidos de estas disciplinas aporten al hombre y dignifiquen su vida. Y a eso vengo a Milán, a buscar aliados que sigan arriesgando en el diseño con nuevas tecnologías”.

Ross Lovegrove

Ripples de Toyo Ito para Horm

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Ploum de Ronan & Erwan Boullerec para Ligne Roset

“La sensación de cada año es que este evento más que una feria de muebles, es un acontecimiento también social, y sobre todo, cultural. Sólo hay que ver los cientos de actos paralelos a la feria que se celebran entorno al diseño y a la creatividad. Eso no se da porque se celebre una feria comercial, es por otra cosa, por eso hay que ir a verlo para vivirlo”.

Pascual Salvador

Nara de Shin Azumi para Frederica

FAZ de Ramon Esteve para Vondom

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Hexagon de Steven Holl para Horm

“Milán conjuga, en poco tiempo —lo que pocos lugares en el mundo— una marea de ideas y soluciones que permiten recabar información que de otra forma sería materialmente imposible. Esta explosión concentrada de valor debe de ser aprovechada para tratar de resolver las ecuaciones que se forman en nuestras inquietas mentes. Tal vez lo más emocionante es pasar a ser parte de este mundo en un proceso de inmersión total, muy inspirador”.

Lorenzo Diaz, Director Grupo Di

Imposible wood de Doshi Levien para Moroso

Minimato de Matthias Ferwagner para Nils Holger Moormann

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Loop de Sophie De Vocht para Casamania

“En esta edición me llamó mucho la atención la respuesta que los fabricantes han tenido a la crisis económica de los últimos años, sobre todo porque en muchos casos parecía que la estrategia a seguir era ‘abaratar’ la marca o los productos, más que proponer productos que sean mejores por medio procesos y diseños de menor inversión. En muchos casos, la calidad sufrió en la pelea por menores costos”.

Emiliano Godoy

Invisibles light de Tokujin Yoshioka para Kartell

Vitae Stool de Riva

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Nub de Patricia Urquiola para Andreu World

Tronco de Massimo Morozzi y Francesco Binfaré para Edra

“Lo que más me gusta de La Settimana del Design es la fuerza que se logra con todos los eventos que suceden al mismo tiempo. Obviamente no hay poder humano que te permita estar en todo, pero la atmósfera que se vive es muy particular y energizante”.

Eugenia González, Directora Círculo Cuadrado Lightwood de Jasper Morrison para Maruni

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Paddle de Benjamin Hubert para Fabbian

Planet de Changedesign para Foscarini

Los salones con mayor tradición EUROLUCE. La iluminación ha cobrado cada vez mayor importancia, no sólo en los espacios privados, sino también en museos, hospitales, oficinas industriales, etcétera. Por eso Euroluce se ha convertido en la muestra más importante del sector de iluminación a nivel mundial, con visitantes que ascienden a los 308 mil personas. En su 26 edición, Euroluce convocó a 479 expositores en 41 417 m2, y prevaleció el uso de la tecnología de punta como los oLED´S inclusive al aplicarlos en ropa.

LedBell de Burkhard Panteleit para Rotaliana

OutBox-InBox de Christian Piccolo para Torremato

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Wafft Table de Tani-Matsumura

Tour de Rui Alves

SALONE SATELLITE. Uno de los salones más famosos del Salón del Mueble es, sin duda, el Salón Satélite. 700 jóvenes diseñadores, 20 escuelas de diseño de todo el mundo, nueve instalaciones y un premio dedicado a la iluminación y al mobiliario de oficina presenta la 14 edición en 3 600 m2. La idea de este espacio es mostrar lo más competitivo del mundo del diseño amateur, los que seguramente harán historia en el mediano plazo. Participaron por primera vez las siguientes escuelas: Universidad de Australia del Sur, Australia; la Universidad del Desarrollo, Chile; Kymenlaakson Ammattikorkeakoulu, Finlandia, Instituto Superior de Diseño, Francia, Politecnico di Bari, Italia; Poliarte, Italia, Academia de Arte de Vilnius, Lituania; Centro de Diseño, Cine y Televisión, México; Universidad Iberoamericana, Santo Domingo; la Universidad de Michigan del Norte, EUA; la Universidad de Drexel, EUA; la Universidad de Filadelfia, EUA; Universidad Estatal de San José, EE.UU.

Pause de Meike Langer

Prop de Hiroyuki Ikeuchi

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“El diseño desenfadado, lúdico, ingenioso, relajado; evidenciando nuestro ritmo de vida actual y con la necesidad de comunicar que estamos cansados de diseños homogéneos, globalizados e impersonales”

Rodrigo Alegre, Studio Roca

Bac One de Jasper Morrison para Capellini

Thin Black de Nendo para Capellini

Between the lines de Ophir Zak

Tokyo de Charlotte Perrieand para Cassina

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“A mí la semana del diseño en Milán me deja la motivación para continuar trabajando en nombre de la sensibilidad, creatividad y, especialmente, calidad que aún nos ofrece el Made in Italy”.

Gilda Guss, Directora Grupo Interni

Tafelstukken de Daphna Laurens para Capellini

Share de WA-DE-BE Designers

Fuori Saloni

NUDE de WA-DE-BE Designers

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La zona Tortona, Brera Design District, Zona Ventura Lambrate, volvieron a ser la sensación de Milán. Uno sabe que ahí encontrará el diseño de propuesta, las nuevas caras así como instalaciones de gran valía para la comunidad del diseño. De igual manera el Superstudio Più 2011 tuvo gran éxito con su Museo del nuevo diseño, Innovación e Imaginación, y Diseño Hogar y Spa (Superstudio Più, Superstudio 13 y Face to Superstudio Più). Estos tres proyectos se distinguieron por la calidad de sus expositores e instalaciones, pero también por su alma tecnológica: luz, sonido y video (Canon); la gran escultura de lámparas (Foscarini); las esculturas antropomorfas hechas de pantallas (Samsung); los hologramas (Cristalplant); los coches voladores (Mini), entre otros. El Superstudio atrajo 112 000 visitantes divididos en sus tres proyectos, sin contar los 2 000 periodistas que trajeron cámaras, micrófonos o plumas hasta sus exhibiciones. También presentaremos más a detalle muestras específicas en nuestra página web. El Salone Ufficio, lo presentaremos en nuestra siguiente edición.

Así, un año más Italia recibió a miles de interesados en la industria del diseño todos con un propósito en común: beber a bocanadas todas las experiencias posibles, conocer a fondo a los grandes representantes del diseño y empaparse con las nuevas generaciones.

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Instalacion de Toshiba con DGT Architects

Instalaci贸n de Foscarini

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Exposici贸n Mobili per Uomo de Alessandro Mendini para Bisazza

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Instalaciรณn de Foscarini

Instalaciรณn Neoreal de Canon

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enfoque

Entrevista con David Trubridge

Naturaleza, poesía y diseño Greta Arcila Fotografías cortesía David Trubridge

A

l proponer a Emiliano Godoy ser el editor invitado para esta edición, la primer pregunta fue quién sería el diseñador de la portada. Varios fueron los nombres que estuvieron en la mesa, pero David Trubridge fue con quien encontramos el punto de equilibrio. El trabajo de Trubridge se inspira en la naturaleza y se empeña en dar valor a eso intangible y poético del diseño. Los materiales y el cuidado en su uso, hacen que cada pieza tenga una identidad única, y que cada vez que se encienda una luz de una de sus lámparas o pantallas, se prenda un universo de vida e ideas. Aquí la

entrevista que se realizó en un pequeño café en la zona Tortona en Milán, lugar donde mostró su trabajo. ¿En qué momento decides diseñar pensando primero en el cuidado de la naturaleza?

No es algo que decidí de pronto, no pensé en ser “diseñador verde”, simple y sencillamente es donde está mi corazón, y donde siempre ha estado. Quizá vino de mis inicios pues comencé como un artesano, primero aprendí a hacer muebles y después a diseñar, en ese entonces trabajaba con la madera. Creo que una de las cosas más valiosas de los artesanos es que realmente les importa en lo que están, no se trata de hacer cosas baratas que se usan

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y se tiran. Yo no puedo gastar tiempo diseñando cosas sin valor, menos aún hechas con materiales que no son nobles con la tierra, y la única razón de esto es porque me importa mi planeta, los árboles, la vida; quiero gastar mi tiempo en cosas importantes. Como alguien que ama la naturaleza, las caminatas, los bosques, las montañas, todo lo relacionado con la vida, es imposible que no me importe dañar lo que nos da vida… de ahí venimos. No se trata de una ideología, creo que si la gente le importara, no usaría tanto su coche, no vería tanto la televisión, no gastaría su tiempo en destruir.

Si a la gente le importara, no habría productos green, serían lo cotidiano y no una “moda”, como mucha gente lo ha tomado. Ser green es tener empatía con la vida porque mucha gente no tiene todo lo que nosotros tenemos, hay

gente pobre y eso me duele. Gastamos mucho y ellos poco, tenemos que parar y darles a ellos una oportunidad.

Sé que estás muy involucrado con grupos que ayudan a cuidar la naturaleza y la humanidad, ¿qué nos puedes decir de esto?

Que no es suficiente. Me gustaría gastar más de mi tiempo en eso y no en venir a la feria del mueble en Milán, hacer una presentación y todo lo que significa hacer negocios. Yo tengo que hacer esto porque me permite ganar un poco de dinero, y éste hace que las cosas funcionen, pero para mí sólo es un medio, no el fin en sí mismo. Yo no hago negocios para hacer dinero, yo hago dinero para que el negocio funcione, que es totalmente diferente. He estado hablando con el equipo de diseño, creo que ellos tienen un rol muy específico en esto, trabajan con amor en lo que hacen y eso genera

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cosas buenas, cosas que aportan a sus vidas. Y eso es el diseño: algo que deja en la vida experiencias positivas, algo que trasciende generaciones. Eso es el buen diseño, lo malo sólo se va a la basura (en todos sentidos). Nosotros trabajamos con escuelas, en las pequeñas comunidades ayudamos a los niños a plantar árboles, pero nunca es suficiente.

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Caminando por la feria y aquí en la zona Tortona nos preocupa que no vimos muchos diseños siguiendo el diálogo de la sustentabilidad, ¿qué nos puedes decir de eso?

Sí, sin duda es preocupante. Hace 2 años había más, y creo que uno de las razones, es porque para mí esto se terminó. Yo no voy a regresar nuevamente. Tengo mucho respeto por la gente que dirige esto, pero a mí me da tristeza en lo que se ha convertido esto, y quizá no está mal, lo que sucedió es que se sobrevaloró una tierra que antes era una zona industrial. Ahora los predios, las rentas, todo es más

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caro por todos los nuevos proyectos que hay aquí; el desarrollo urbano creció, y no está mal. Yo no juzgo a la gente por hacer proyectos y con éstos ganar dinero, pero cuando algo se vuelve tan caro, tienes que buscar patrocinios para hacer que esto funcione. Ahora para después entrar tienes que primero ver los productos comerciales, para entrar a ver las propuestas de los diseñadores. Las empresas se quieren colgar de lo ‘cool’ del ingenio del diseñador para vender la idea que ellos son así ¿qué tienen que ver coches colgados en una feria de diseño? —se refería a la instalación que había de 5 coches mini cooper sostenidos por unas grúas en la entrada del Super Studio Piú—; con tal de que los grandes negocios se luzcan los exponen demasiado. ¿Pero entonces qué harás para presentar tu trabajo el siguiente año?

No lo sé, tendré que pensarlo… pero quizá algo que tenga que ver más con ideas que con objetos.

Y tal vez diseñar para alguna empresa…

Eso lo hice hace varios años, para Cappellini, y gustó mucho. Quizá si yo trabajara para las grandes empresas estaría ganando más dinero, pero no podría realizar realmente lo que a mí me interesa, no podría tener la total libertad que tengo en mi propia empresa. No vendeJUNIO • JULIO 2011

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mos mucho, somos una pequeña compañía en Nueva Zelanda, pero tenemos suficiente para vivir como a nosotros nos gusta y con eso es suficiente. Es más importante para mí mantener mi integridad que cualquier otra cosa.

La mayor parte de tus diseños son lámparas, que sin duda son objetos de diseño con mucha referencia hacia lo natural, lo orgánico, ¿por qué diseñar más estas piezas y no otras?

Porque es más libre, más artístico… el mobiliario necesita más función, necesita ser más fuerte. En lo que hacemos se tiene mucha libertad con los materiales, es muy poético lo que hacemos… es emocional. Para mí ver que una persona vibre con mis proyectos gracias a las emociones que les provoca es lo máximo. ¿Cómo seleccionas las maderas con las que trabajas?

Muchas vienen de Australia porque sus colores con muy bellos y porque tienen mucha flexibili-

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enfoque

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dad, también el bambú es muy noble y nos gusta utilizarlo mucho porque crece rápidamente y su veta es muy bella. Pero siempre busco el balance, todas las maderas son hermosas.

Tú como diseñador ¿cómo nos puedes ayudar a nosotros a tener una vida más digna?

Produciendo cosas que la gente conserve, porque es suficiente para ellos. Diseñando cosas que por su diseño y belleza puedan permanecer, esto con el fin de no hacer a la gente comprar siempre cosas nuevas, y sé que esto ayuda a la economía, pero estoy seguro que hay diferentes maneras de vivir dignamente. ¿Cómo tú como empresario apoyas a que crezca la economía de tu país?

Trabajando para mi gente, reduciendo el uso de energía, haciendo a los seres humanos felices a través de nuestros diseños. Pero en realidad, yo creo que todo el sistema económico está mal, ya que está basado en crecer empresas que sólo quieren el dinero para ellos, cada vez hay más pobres y los ricos son más ricos sólo pensando en sí mismos. Y eso debe de cambiar si es que queremos que la raza humana subsista. pie de foto por favor

¿Cómo se vive la cultura de diseño en Nueva Zelanda?

Muy difícil. Muchos jóvenes se van a Londres, Nueva York a buscar trabajo. Hay muy pocas

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¿QUIÉN ES DAVID TRUBRIDGE?

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empresas que se dedican a fabricar mobiliario, esto hace que los diseñadores no tengan mucho espacio en donde crecer. Las empresas crean sus propios departamentos de diseño, lo que tampoco abre oportunidades. Pero hay muy buenos jóvenes diseñadores. Las empresas copian mucho lo que ven aquí en Milán… pero está cambiando poco a poco.

El trabajo de uno siempre habla de dónde venimos, hacia a dónde vamos… qué nos puedes decir de donde tú vives, de dónde tú tomas tu inspiración…

Mi trabajo es una expresión del lugar en donde vivo. Tiene sus bases en los bosques en los verdes de la naturaleza porque es lo que respiro día con día. Y eso lo hace que pertenezca a una localidad, pero eso hace que pueda convivir con diseños de todo el mundo porque ahora vivimos en un mundo conectado a base de ideas, de identidades que nos hacen crecer como humanidad, y eso sin duda lo hace glocal. www.davidtrubridge.com JUNIO • JULIO 2011

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Este diseñador se graduó de la Universidad de Newcastle, Reino Unido, en 1972; se especializó en Arquitectura Naval (diseñador náutico). Vivió por 10 años en Northumberland (situado en la frontera con Escocia). Viajó por el mundo a bordo de su yate “Hornpipe” por el Pacífico y el Caribe hasta que las necesidades educativas de sus hijos lo hicieron tocar tierra. Este viaje lo inundó de imágenes que influenciaron su trabajo hasta la actualidad. Ha trabajado en el Hawkes Bay Polytechnic, Kioto College of Art, y ha producido obra en el Creative New Zealand (Arts Council). Ha motivado el diseño industrial en diferentes formas, por ejemplo, creó el primer Body Raft que ha reunido a jóvenes diseñadores que incluso han expuesto sus diseños navales en el Salón Satélite de Milán. En la actualidad trabaja en su casa de Nueva Zelanda y también es socio de Cicada Works otro despacho de diseño y de arte.

Su trabajo se ha exhibido en nueve ocasiones en el Salón del Mueble de Milán y cuatro veces en el ICFF (International Contemporary Furniture Fair) de Nueva York. Se ha ganado la admiración y el respeto de la comunidad de diseñadores en todo el mundo como arquitecto naval, artista y diseñador industrial.

En Nueva Zelanda ha realizado una larga lista de esculturas públicas, y también casas en la zona de la Bahía de Hawkes.

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vivienda

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Casa Tamara

Al rescate del íntimo verdor

Una propuesta que incluye un jardín que se convierte en un edén en medio de la caótica ciudad, y una promesa cumplida de ahorro de agua.

Yolanda Bravo Saldaña Fotografía A&S photo/graphics

S

i uno observa fotografías de los años cincuenta del siglo XX de las Lomas de Chapultepec, el verdor inundaba mansiones, calles y avenidas. En la actualidad, no obstante que conservan muchas de sus áreas verdes, también es cierto que las construcciones han ganado terreno. De ahí que resulta valioso buscar la conservación de esa zona que, aunque habitada, geográficamente forma parte del Bosque de Chapultepec.

AL ENCUENTRO DE UN ESPACIO SENSORIAL Al ingresar a esta casa proyectada por el arquitecto José Antonio Aldrete-Haas, se percibe de inmediato el compromiso que tiene éste con el paisaje y, por ende, con la sustentabilidad. Hay en esta obra un respeto por cada árbol, piedra y planta que cohabita con los moradores. Si se entra a pie, la visión se torna verde por dónde uno voltee; no sólo por los toques dados por los revestimientos de piedra natural que cubren parte de los muros exteriores e interiores de la mansión, sino por los ventanales que son, sin duda alguna, protagonistas y que hacen que árboles, pasto y plantas, formen parte de la visión interna de la casa.

José Antonio Aldrete —formado en el MIT— logró reincorporar la naturaleza a la construcción en esta obra. Hace lo que él mismo dice: “una reconstrucción del paraíso”; esta familia amante de “lo verde” pone su granito de arena, a través de su casa, en pro del medio ambiente.

Así, es ejemplo de lo que dijera siglos atrás Lao Tse, “De uno vienen dos; de dos vienen tres, y de tres vienen mil”.

Los aspectos sustentables de esta casa son dignos de mencionarse; lo mismo la manera orgánica en que ésta se desarrolla ya que, por JUNIO • JULIO 2011

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donde uno la mire, no hay líneas rectas. La sinuosidad es su sello, como si se viviera dentro de veredas construidas. Pareciera que casa —con cada una de sus habitaciones, espacios comunes y terrazas— y jardín buscan ampliar la conciencia de sus habitantes para ir tras el paraíso perdido. “Quise hacer una casa de campo en la ciudad”, dice el arquitecto, quien además nos hace ver la intención de que las esbeltas columnas ubicadas en varios puntos de la casa, también pretenden entablar diálogo con los árboles cercanos.

ACERCA DE LA TECNOLOGÍA Si interesante es el diseño de esta residencia de sabor retro, también lo son sus aspectos sustentables. Debajo del jardín principal, a través de una escalera, se accede al cuarto de máquinas donde están las instalaciones. Este inmueble posee cisternas enterradas para el agua pluvial, la cual es tratada, así como cárcamos para agua de riego. Toda el agua de lluvia es captada, filtrada y puede ser utilizada ya sea para tomarse directo del grifo o para bañarse. Finalmente es tratada para el riego de áreas verdes y para la fuente localizada en las cercanías del comedor y la sala principal. Todo el proceso del agua está automatizado. Por ejemplo, a través de sensores de humedad se programa el riego para determinados momentos del día. Por su parte, el edificio posee calderas las cuales, todo lo que queman, es utilizado, siendo así 100% sustentables. El agua, cabe decir, se calienta a través de paneles solares localizados en la azotea de la casa. En materia de diseño, el espacio donde está localizado el cuarto de máquinas, habitación de servicio y estacionamiento fue conceptualizado como si fuera una cueva ya que fue excavado.

Por otro lado, en cuanto a iluminación, la casa posee varios tragaluces con el fin de lograr —en la medida de lo posible— el mayor aprovechamiento de la luz natural, en algunos casos, por ejemplo, en las escaleras internas, ingresa de manera indirecta. En cuanto a la luz artificial, ésta es de bajo consumo de energía, generando así una íntima sensación de calidez. Además, al ser una casa que en buena medida tiene muros-ventanales, la apertura hacia lo verde, resulta inminente.

La visita de la casa desde las alturas, nuevamente, se torna verde. Pareciera, en suma, un breve oasis dentro del veloz mundo de autos que cerca de ahí circulan. La ciudad pareciera, al entrar a esta residencia, apagar motores…

Llegamos al campo. www.aldretehaas.com

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“La estructura se inspira como un exoesqueleto para tener la posibilidad de exponer la mayoría de las instalaciones electromecánicas y evitar generar espacios vacíos” ROBLESARQ

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Luminosa sustentable Casa Iseami, paraíso costarricense Marcos G. Betanzos Correa Fotografías de Sergio Pucci

El hogar como pretexto de diseño, motivo de cambio, emblema de compromiso y de congruencia. La sustentabilidad como el mejor argumento de vivir respetando lo que existió cuando el territorio era solo una idea en el papel…

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E

ste proyecto ubicado en Costa Rica es solamente por su ubicación geográfica una sorpresiva respuesta, una invitación a la contemplación de su diseño arquitectónico pero, al mismo tiempo, una lejana referencia al paraíso ideal que nos podemos imaginar.

El riesgo de contraer enfermedades, la presencia de insectos, hongos y una humedad excesiva hacía de este proyecto una escala obligada en el análisis minucioso para domar este seductor pero demandante espacio, el compromiso: incluir una estrategia comprometida con la sustentabilidad.

Basado en ello, el despacho encabezado por el arquitecto Juan Robles dividió en dos las zonas principales de la casa que se configuraría en igual número de niveles: pública en planta baja (alberca, deck, área de actividades múltiples) y privada en planta alta (recamaras, oficinas, baños, bodegas, etc.). Construida como palafito, es decir, sobre una serie de columnas que permiten evitar el contacto directo con el suelo favoreciendo la permeabilidad de éstos y mejorando así los porcentajes de humedad relativa en los interiores la estructura, Casa Iseami busca el contraste con el horizonte no por un protagonismo acusado sino porque esto ayuda a intensificar los colores de la naturaleza, enmarcándola en los interiores del proyecto y además evitando el camuflaje para que no exista la colisión de aves en sus ventanales.

Incorpora con claridad el uso de parasoles horizontales como una piel en el exterior con el objetivo de disminuir el soleamiento directo y la caída de lluvia horizontal (lluvia + viento).

“El material de los mismos es plástico reciclado y aserrín, mientras que en la cubierta se ubican láminas de policarbonato, que aumentan el grado de iluminación natural sin permitir los rayos UV”. Explica roblesarq estudio de arquitectura.

Además de lo antes descrito se integran grandes aleros para generar una sombra que funcione en conjunto con las capacidades térmicas del envoltorio y las estrategias de ventilación cruzada propuestas para obtener un “aire acondicionado” natural logrando así un proyecto que tiene un cero consumo energético porque adicionalmente integra un sistema de generación alternativa compuesto por un sistema hidroeléctrico de bajo impacto.

Es importante destacar que más allá de las cualidades estéticas o funcionales de este proyecto se debe de exaltar la iniciativa de emplear materiales con alto potencial de eficiencia, bajo consumo energético en su producción y con un alto grado de factibilidad en su reciclaje, y que todo en su conjunto fue desarrollado para

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“Una de las principales ventajas que tiene el proyecto es la fácil adaptabilidad que la caracteriza ya que el sistema constructivo es utilizado hoy en casas de interés social y hasta en plantas industriales” ROBLESARQ

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ROBLESARQ Estudio de Arquitectura Equipo Arq. Juan Robles Arq. Emilio Quirós Arq. Andrea Solano Arq. Erick Guevara Arq. Isabel Bello Arq. Adriana Serrano Arq. Rodolfo Schlager Dib. Walter Mora Dib.Allan Calvo Dib. José A. Ruiz Nombre del proyecto: Casa Iseami Ubicación: Playa Carate, Península de Osa, Costa Rica Construcción: 2009-2010 Área construida: 482 m2 Construcción: CPS S.A. Reconocimientos: 1er lugar Premio Metalco, X Bienal de Arquitectura 2010, CR Mención de Honor, Diseño Arquitectónico, X Bienal de Arquitectura 2010, CR

ser trasladado en diversos viajes a distancias cortas y ensamblado finalmente en el sitio logrando un proceso constructivo mucho más racional y limpio.

Fue pensado así “por la lejanía del proyecto y la complicación en el transporte de los materiales, el proyecto es diseñado como un ‘lego’ para poder llevar a cabo tareas de construcción en un taller y llegar con las piezas en pocos viajes hasta el sitio, donde se arma la estructura impactando muy poco su entorno”.

TOTALMENTE VERDE La conclusión de este proyecto verde, amigable y totalmente autosuficiente, destaca la importancia del equilibrio en el diseño, sin duda éste manifiesta una idea congruente: la belleza del contexto natural es demasiado categórica, ninguna arquitectura inteligente, pero sobre todo sensiblemente consciente podría imponerse a ella. www.roblesarq.com

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“La estructura se inspira como un exoesqueleto para tener la posibilidad de exponer la mayoría de las instalaciones electromecánicas y evitar generar espacios vacíos” ROBLESARQ

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hospitalidad

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LOI WINE & SPA SIU Resort M

Emoción de primavera teñida de vino Janine Porras Fotografías Margherita Spiluttini

Fachadas torcidas, vacíos de triple altura, piel de aluminio… proyecto embriagador, pensado exclusivamente para el placer.

E

l Loisium Wine & Spa Resort es un hotel fuera de serie que se encuentra localizado a las afueras de la ciudad de Langenlois, a 60 minutos de Viena, Austria. La zona en la que se construyó cuenta con pasajes subterráneos de piedra que tienen 900 años de antigüedad, pasajes que fueron la base de este modernísimo proyecto que rescató el sistema de bóvedas antigüo, planteado desde sus entrañas, replicándose como un eco en la superficie que enlaza lo viejo y lo nuevo.

El Resort fue realizado por Steven Holl Architects un despacho que se ha distinguido por crear espacios que satisfacen el espíritu, como ellos mismos han dicho, pero también el sentido estético de quienes los visitan o habitan. Steven Holl fue nombrado por la revista Time como el Mejor Arquitecto de Estados Unidos en 2001, y en 2005 creó este conjunto en medio de un campo.

Steven Holl desarrolló el Loisium Wine & Spa Resort como un homenaje a la vid y su fruto, así como sus efectos placenteros, pues el proyecto entero se encuentra enclavado en un terreno vitivinícola que originó la estética idílica del hotel; la base de los platillos que se preparan en su restaurante y los vinos escanciados en las copas; así como el nacimiento y creación del Spa Aveda. El placer está presente en todo el Resort siguiendo las predicaciones y filosofía de Dionisios, que además constituye el orgullo y la riqueza local. Así pues, el proyecto está compuesto de tres partes: las bóvedas originales que se modificaron para que los visitantes tuvieran libre acceso a ellas; el Centro del Vino y el Spa Resort Hotel.

Como si se tratara de la madera amarilla que sostiene los zarcillos de la vid, que a su vez brotan como racimos, así el Loisium se conecta y mira el horizonte cubierto con su manto de hojarasca moderno, una piel de aluminio que replica la textura de la hoja arrugada de la vid. En este proyecto el vacío tiene el mismo peso que lo sólido, se relaciona con la superficie y el subsuelo.

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Fue muy interesante que la ciudad vieja, el centro de la bodega y el hotel pudieran convivir en la relación rigurosa que implanta el viñedo.

Steven Holl Arquitects

“El hotel es una máquina extraordinaria para crear experiencias, emociones, recuerdos” Phillipe Starck

El despacho de Steven Holl logró que las filas de los viñedos de alrededor encajara sus líneas perfectamente con los tres elementos del proyecto, pues los 53 m2 de las plantas están alineados con la geometría del paisaje, así parece que llegan a él y surgen de él. La paleta de color del hotel replicó la mayoría de los colores circundantes, por su parte los materiales remiten a la tierra aunque también se utilizó el hormigón coloreado, concreto de colores, mosaicos, madera, vidrio, acero y aluminio.

Steven Holl Arquitectos realizó un estupendo trabajo en cuanto a utilización del espacio y luz se refiere, por ejemplo, la planta baja del hotel —la parte pública como el Lobby, el restaurante, el bar, el salón de puro, las salas de conferencias y reuniones— se encuentran cercadas por vidrios pero abiertas al ojo pues las vides se plantan lo más cerca posible del hotel para que cualquier persona pueda estar en contacto cercano con el viñedo desde la cafetería, el restaurante, el spa. Los pisos superiores, sin embargo, ofrecen mayor intimidad. El Spa Aveda, por ejemplo, ofrece una gama de tratamientos especiales que incorporan en su preparación las uvas de la región, extractos de vino y hojas de la vid, como todo en el hotel, incluido el mobiliario. www.loisiumhotel.at www.stevenholl.com www.aveda.com

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82 habitaciones

Lobby Bar (especializado en vinos) Sal贸n de puros Restaurante Vi帽a Bar especializado en vinos Cuatro salas de conferencias Alberca exterior climatizada Aveda Spa

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“El hotel y su mobiliario son como una pieza de música donde existe un hilo temático que une las cosas”.

SHA

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evergreen Yolanda Bravo Saldaña Fotografía Boris Zeisser, Kiattipong Panchee y 24h Architecture

La mantarraya de bambú Centro de actividades y aprendizaje para niños

Inspirado en el mundo submarino, esta mantarraya, situada en una pendiente rocosa, ofrece una de las mejores vistas de Koh Kood.

P

or siglos, el bambú ha estado vinculado a la arquitectura vernácula; esa que es ancestral y sabia. Sin embargo, de unas décadas a la fecha, la resistencia de la planta, aunada a su flexibilidad, fácil propagación y bajo costo, han provocado que algunos arquitectos la incluyan en sus proyectos ya que esta gramínea es uno de los materiales constructivos más amigables con el entorno, entre otras razones, porque reduce el impacto de las emisiones de dióxido de carbono. Así, en la actualidad, el bambú no es sólo una alternativa más para la construcción, sino “La alternativa” más sustentable.

Ejemplos de las bondades del bambú en la construcción tenemos en muchas partes del mundo; uno de los más recientes es el Kits Den (El cubil para infantes), del Six Sense Soneva Kiri Resort, localizado en Koh Kood, una isla del Golfo de Tailandia, donde el despacho 24H —con un equipo conformado por Maartje Lammers, Boris Zeisser, Olav Bruin, Dirk Zschunke, Marta Koziol y Marloes Swijnenburg—, desarrolló un impresionante icono sustentable para que los niños dejen aflorar sus sentidos gracias al perfecto equilibrio entre diseño y entorno.

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“Por la seguridad de los niños, todas las puertas y ventanas están hechas de acrílico” 24H Architects

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“El objetivo del proyecto es cambiar la mala reputación del bambú (material del pobre), y de inspirar a la gente y arquitectos, demostrando que es un material extraordinariamente hermoso y adecuado para la arquitectura moderna” 24H Architects

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Proyecto: Ecological Children Activity and Education Center at Six Senses’ Soneva Kiri Resort Lugar: Koh Kood, Tailandia Cliente: Six Senses Bangkok Año de diseño: 2006-2007 Terminado: 2009

La estructura —de 30 por 30 metros aproximadamente—, inspirada en una mantarraya, no sólo tuvo a 24H como autores; otro personaje involucrado estrechamente en la obra fue Jorg Stamm (director de Eco Bamboo), uno de los más importantes maestros del bambú en la actualidad.

En este sentido, la participación de Stamm fue decisiva dado que no se trata sólo de cortar la planta y colocarla. Para que el bambú funcione adecuadamente, debe ser tratado con anterioridad para evitar, por ejemplo, el ataque de termitas o de otros insectos o parásitos.

Cabe decir que la “mantarraya” —reforzada con cemento en las juntas de las piezas de bambú— fue realizada utilizando el bambú Pai Tong (Dendracolamus asper), con longitudes arriba de los 9 metros y diámetro de 10 a 13 cm. Por su parte, el techo fue creado con Pai Liang (Bambusa multiplex). Otro punto importante en pro de la sustentabilidad es que ambos tipos de bambú provinieron de plantaciones de la cercana provincia de Prachinburi.

Al ver las imágenes de este espacio lúdico pleno de imaginación, pareciera extraído de una película de ciencia ficción en la cual una sociedad postapocalíptica decidió regresar a los orígenes del hombre, pero de una manera actualizada. Y si el exterior es impresionante, el interior también impacta.

Ahí, donde está ubicado el centro de aprendizaje para niños, JUNIO • JULIO 2011

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vemos un verdadero laberinto de bambú, ratán, palma, textiles de colores y madera, que alberga un auditorio, biblioteca y demás espacios propiciatorios para que los niños tengan una experiencia educativa ecológica y creativa al mismo tiempo.

Este cubil, que está muy cerca del mar, tiene en su entorno áreas-dormitorio que semejan capullos de orugas.

Esta obra, además de contar con un material sustentable como lo es el bambú, adoptó en su diseño y ejecución conceptos bioclimáticos propios de un entorno tropical húmedo.

Así, por ejemplo, presenta ventilación cruzada natural dada por la elevación de la estructura —con un cantilever de más de ocho metros— que actúa como gigantesco paraguas, brindando sombra y protección ante las lluvias torrenciales que ahí suelen darse. Al centro de este paraguas fue dispuesta una techumbre translúcida que brinda luz natural diurna, ahorrando energía eléctrica. Conviene subrayar que para lograr la estructura, fue realizada una maqueta escala 1:30, la cual fue probada en un túnel de viento existente en la Thammasat University de Bangkok, supervisado por Ove Arup.

En resumen, en Tailandia ha sido realizada una obra que dignifica al diseño, a la ingeniería estructural, a la imaginación sin límites y sobre todo, a esa planta milenaria que es el bambú. www.24h-architecture.com www.sixsenses.com

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texturas

Misericordia

Trabajan juntos con manos, espíritu y corazón Nina Paz Fotografías cortesía Misericordia

La primera marca de moda peruana presentada en la escena internacional, una marca que nada contra corriente y se opone al caos que representa competir con los grandes empresarios, los que piensan en dirigir el mundo.

E

n 2003, en los suburbios del norte de Lima, Perú, comenzó a gestarse un proyecto que tejía la tradición artesanal propia de Perú con una visión a futuro: creación como trama y responsabilidad social como urdimbre. Matheu Reumaux y Aurelyen Conty, ambos de origen francés, visitaron Latinoamerica y concretamente Perú, ahí tuvieron oportunidad de conocer una escuela de la cual surgió un taller de costura. La Cabaña de Alta Costura de Misericordia fue abierta en 2006, en el distrito de Lince de la capital peruana, como un

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centro de formación y capacitación. “Jamás había pensado crear ropa sino que son los encuentros humanos los que me motivaron. No teníamos nada que perder pero todo que ganar.

Nuestras prendas esconden un proyecto real y humano”, comenta Aurelyen para Glocal.

Aurelyen es el director artístico y líder de Misericordia, y eligió Perú porque lo ha adoptado amorosamente, es el país donde aprendió español (en la calle, cotidianamente), y ha encontrado el lugar ideal para crear y expresar sus reflexiones artísticas, sociales y políti-

cas. Aurelyen comenzó a dibujar y plasmar sus ideas, y Van Assch, diseñador de Dior Homme, los trabajó. Fue así como Misericordia dio el primer paso y hoy se han convertido en una de las marcas de prendas de vestir latinas con mayor aceptación en todo el mundo. “Cada ropa es el fruto de un equipo que hace vivir esta marca.

Las prendas son hechas por nuestra voluntad de atravesar las fronteras, y de sobrepasar nuestra vida diaria.”

Aurelyen vive seis meses en Perú y el resto del tiempo viaja a través del mundo para compartir el proyecto Misericordia. Permanece alrededor de tres meses en París, su terruño, para presentar la colección en el showroom de Paris.

La novedad de este verano es una línea femenina vanguardista llena de frescura y de emociones. Aurelyen y el equipo Misericordia rinden homenaje a la mujer aventurera, seductora, que se enfrenta al mundo queriendo atravesar las fronteras de la libertad en ropas ligeras que permiten el movimiento. Hay así una nueva línea en colaboración con Kris Van Assche. Aurelyen creó —para esta colección— dibujos fuertes y futuristas.

Misericordia es un proyecto que trata de comprobar que América latina es una tierra de creación de proyectos contemporáneos innovadores. Es posible una evolución diferente nueva y rica. Misericordia trata de hacerse embajador de la voluntad latina basada en la confianza, el reparto y el coraje. Es el deseo de vivir plenamente y de no mantenerse incólumes frente a la destrucción de nuestro mundo. “Tratamos de aportar nuestra piedra al edificio de la reflexión de la tierra y de su preservación.” www.misionmisericordia.com www.glocal.mx

Mis fuentes principales de inspiración son América del Sur, Lima, el arte, la música y este mundo que me hace volverme loco. Trato de impregnarme de todas las emociones que encuentro en el curso de mis viajes alrededor del mundo…

Aurelyen Conty

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galería

20 Perlas.

Un proyecto in progress de María José de la Macorra Erik Castillo Fotografías cortesía María José de la Macorra

De la serie: Sobre las ondas Impresión Epson sobre papel de algodón 24.5 x 30 cm 2008

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Perlas es el título del proyecto en el que se encuentra trabajando actualmente la artista visual María José de la Macorra (Ciudad de México, 1964), se trata de un cuerpo de producción que tiene sus orígenes en el año 2006 y que está en progreso. Cada una de las perlas es una estación de obra diversa (fotografía, dibujo, instalación, escultura, ensamblaje, video) basada en paisajes que tienen un significado fundacional para la artista, quien por ahora ha producido piezas para cinco perlas: Lago Mendota/ Río Bow/ Ciudad de México-Lago de Tenochtitlán/ Glaciar Athabasca/ Tokio.

En realidad, cabe señalar que la referencia que hace de la Macorra a los distintos territorios que conforman el proyecto y disparan la producción de obra, además del carácter fundacional antes mencionado, es también de tipo flexional pues si bien estos lugares son parajes que representan esferas mentales y sentimentales definitivas en la visión de la artista, además funcionan entre sí articulando diálogos intertextuales que generan en el espectador —como grupo de series interrelacionadas— la noción de un hiper-paisaje que se percibe en términos de totalidad respecto a los distintos sitios que lo configuran.

Las imágenes que la artista va constelando en 20 Perlas son construcciones plásticas que recrean momentos de los paisajes aludidos en cada serie pero que, en paralelo, toman distancia de su modelo (cada paraje) en tanto son creaciones que implementan materiales proindustriales y soluciones constructivas más metafóricas que miméticas respecto a las imágenes-matriz que la artista usa en la preproducción de los conjuntos. Al final, las obras terminadas y los criterios de montaje que opera de la Macorra en este proyecto nunca son puestas en escena ilustrativas de los fragmentos de naturaleza que se encuentran en el origen de las piezas, sino, en todo caso, paisajes diseñados para seducir a la subjetividad en el espacio epistemológico donde se encuentra la cultura, que es la zona del medio artístico en la que se ha enfocado siempre la sensibilidad de la artista, quien cuenta con una de las trayectorias más comprometidas en relación con la idea de arte como producción de saber.

Para la escritura de este artículo, hemos elegido mostrar y comentar algunas piezas de Perla 1: Lago Mendota. Este paraje se encuentra en Dane County, Wisconsin, USA, cerca de la Ciudad de Madison; se trata de un lago muy importante en la región. En este conjunto, María José partió de una exploración fotográfica —muy gestáltica, por cierto— de las inme-

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Ramas Bordado sobre tela 150 x 100 cm 2008-2009

diaciones del lago y posteriormente fue ejecutando piezas en hilo bordado, dibujos sobre papel japonés y ensamblajes con el motivo del mapa que hace el despliegue de las ramas de los árboles con la superficie del agua.

Las obras de Lago Mendota concentran el discurso en la experiencia de la materia fluctuante que propician las escenas del reino líquido y las de la expansión del crecimiento de las ramificaciones. Desde su producción anterior, la artista se ha interesado en estimular a la mirada con la representación de la fuerza que moviliza la naturaleza en el espacio físico del paisaje o del cuerpo, espacio que en ambos casos se puede interpretar como ciudad del ser, pues siempre hay una idea de que el universo de natura es algo así como una república de la energía. De las Geografías al Norte Interior (1999-2001) y De Nubes y Lluvia/ Torres de

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Juncos Tinta sobre papel japonés 220 x 97 cm c/hoja. 15 hojas 2010-2011

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Agua (2000-2006), las anteriores estaciones de trabajo de María José de la Macorra, fueron montajes plásticos igualmente multidisciplinarios que tuvieron al paisaje total como leitmotiv.

Los meandros que figuran las ramas y su crecimiento en las escenas a contraluz respecto al cielo, el agua y la tierra, y la trama sutil y rítmica de los juncos en el lago, son llevados por la artista al plano de la enunciación caligráfica. Cabe señalar, no obstante, que un aspecto que otorga relevancia y peso a la práctica visual

de de la Macorra es su ambigüedad iconográfica y la dimensión críptica o esotérica de su apuesta formal: cabría preguntarse ¿qué hay detrás de la visión de los encadenamientos lineales de formas caprichosas, de los nudos gráficos y de la textura neutra e hipnótica de los foros donde aparecen los módulos que figuran los elementos del territorio referido?

Me parece que se trata, en primer lugar, de un asunto de culto por la belleza de lo estructural, por el poder que reside en la organización www.glocal.mx

se manifestaría en términos de viaje al pasado y de acceso a mundos lejanos a la cultura occidental. Cuando funde y confunde la apariencia de los paisajes con los protocolos plásticos del lenguaje del arte en estado avanzado, María José de la Macorra pone en marcha una perspectiva renovada del advenimiento de la totalidad, en la que la imaginación acerca de la máquina de la naturaleza salvaje se imbrica con la intuición inequívoca de la verdad que subyace en la materialidad producida por la industria en el marco de la civilización. www.gardunoarquitectos.com

Juncos Impresión Epson sobre papel de algodón 24.5 x 30 cm 2008

Juncos Tubos de hule, tela plástica y bastidor 230 x 405 cm 2009

abierta pero consistente de la materia insondable de que está hecho el mundo físico. En segundo lugar, una interpretación de todo lo hecho hasta hoy por la artista al interior de la plataforma 20 Perlas, se puede entender en el sentido de una práctica compleja en la que el valor se encuentra en la generación de piezas que traen a la mente, también, la imagen lingüística de motores que inauguran, reciclan y reproducen a la forma infinitamente. Los artistas del Romanticismo creían que la totalidad JUNIO • JULIO 2011

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traducciones

Editorial

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GRETA ARCILA

BEYOND THE concern about knowing where the creative disciplines are going, in this issue we present authentic and valid positions of characters that at some point in their lives came to ask what is the path that humankind has ever drawn, and how they can make a difference ... and we also want to add in this reality. How? Acting and proposing.

That is why we invited Emiliano Godoy to guide us in his reality, that has led him leading the mos respected sustainable design firm in our country.

Also as a publisher, we must apply that logic in our social behavior, economic and environmentally responsible, so we decided to print this issue with a paper that is produced from wood from sustainable forests, hence it holds FSC certification is granted by the Forest Stewardship Council, which was founded in 1993 in response to the deforestation that had suffered tremendous our forests. In turn, our role is certified by the Rainforest Alliance, which also guarantees the environmental issue, economies and local natural assets where they develop the products they tested, not affected. And we say no more, let our guest editor open this new edition of Glocal Design Magazine.

Imagination Reaches Power

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EMILIANO GODOY

THE GRAVE state of environmental emergency that the planet is living is mainly due to the general adoption of the dogma of growth. That is, the idea that the welfare comes necessarily from the sustained growth of the economical activity.

This idea, which is normally accepted as true in the whole political spectrum, has a basic conceptual problem: infinite growth is impossible in a finite reality, that being, a planet with limited resources and dimensions. How do you indefinitely rise the exploitation of non renewable resources? Or what sustains the adoption of consumption strategies that depend on energy that comes from hydrocarbons that are each time more scarce and costly?

This contradiction results each day more evident: to be able to generate and above all sustain the welfare, it is necessary to depart from an idea that contemplates the planetary capacity to provide the resources required for the welfare. And the only to achieve this is trough a profound knowledge of the production systems of the planet.

Because of this an important part of the efforts to find a new and balances scheme are oriented to what’s local, understood as the knowledge of the limits of an ecosystem and the participation in determinate its use and evolution, regardless of the size of the community. That is, not a small system, but a local system. Not a fractioned system, but a conscious ecosystem.

The idea of local and self-sufficient productive economies, but connected with information and global exchange systems, it is at the same time familiar but revolutionary.

On one side, its almost common sense to pretend that our immediate community is not affected by real estate speculation, environmental excesses or media scandals from other countries. Knowing what happens in other parts of the world doesn’t mean we want to be vulnerable to alien disasters.

However, it is a revolutionary idea because it understands welfare like something different to economic activity.

And it is because the health of the economy is not equivalent to the health of the planet or of human beings. The economy is measured with indicators that move in a different level than that of welfare. For example the Gross Domestic Product grows with any economic transaction, but without repair on the kind of transaction. That is, the expenses to clean an oil spill are “good” for the economy, while someone

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who decides to ride his bike to work and leave the car at home is a factor of recession.

We need to understand that this idea is revolutionary just as long as the general understanding of development remains chained to the idea that the sole valid engine is the economic growth. As designers, generators of un-existing ideas and systems, we know this is not true. Like the French students in May of ´68, we know that when imagination reaches power, it can state new and better roads. And each time more the surveys show the same: the richest or developed countries are not necessarily the happiest or the healthiest.

Because of this it is important to understand how our actions relate to the welfare of our community and our planet, in an independent way from themselves they commune with the dogma of eternal growth. And there are many reflections to make about design in that context, from the infinity of roles it accomplishes to the different veins trough which it relates to society and industry. But we can be sure that the basic criterion that we need to adopt to correct the way is that design needs to create welfare, beyond its economical or technological performance.

The double vision of the local action with a global perspective, where the practice here is informed by the theory from over there and the local thought dialogues with the international activity, is the basic tool to put design into perspective in relation to the impact it has in the world.

Design allows us to imagine new scenarios, both benefic and desirable, with the potential to generate and sustain the planetary welfare. We need to imagine more and design better.

Estudio Liliana Ovalle A work where the perfection of the vector file is inexistent.

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NINA PAZ

THE RICHNESS of the carpets and the fabrics lies on the character given to it through its manufacture and how materials, author and imagination interact with each other.

Liliana Ovalle studied Industrial Design at UNAM (2003) and later a Master Degree in Product Design at the Royal College of Art (2004-2006) in Londn, under the guidance of two masters: Ron Arad and Tom Dixon. Liliana lives in London and directs Estudio Liliana Ovalle with the task of developing furniture and products in Mexico, the United Kingdom and Italy.

In 2006 the British Council granted her a Talent Grant and in 2008 she received the Clara Porset Award in the Furniture Special Category. She has taken part in exhibitions such as Changes and Exchanges at the Franz Mayer Museum (2006), Talent by the British Council in Milan and for Paul Smith Space in Tokyo (2006), Calling Out to the Americas – Design Miami (2009), Novalis Fine Arts –Turin (2010), amongst others.

Also in 2006 she started working on textiles, specifically with the series “Mugrosos” (“Filthy”), a collection of sofas that come from the research of various materials: wool, synthetics, ropes… that to acquire the appearance of a collage where treated with silkscreen printing in several colors that add different textures. For Liliana “textiles offer a very peculiar challenge in comparison with other materials, because they can’t be visualized faithfully until you see them in the real scale and the right material”. Textiles offer a tactile experience that cannot be replicated in any model or render as the don’t reflect the behavior of the material, therefore the knitting behaves differently depending on the fibers, for what you have to speculate and also let the material take its own shapes and folds.

Her most recent work in the field of textiles was presented in the Salone del Mobile in Milan, along with the Italian firm Nodus, well known for creating synergies with very talented designers such as Studio Job, Matteo Thun, Ludovica + Roberto Palombo, amongst others. The collection by Ovalle is part of a real concern to establish a gentle dialogue with nature. The exhibits Verde-Azul (green-blue) and La Lomita (the little hill) are made with natural fibers, wool and banana silk, materials that have been dyed and knitted as well with natural processes and old techniques. If we consider that the sustainability of an object lies also on its life cycle this pieces are made to transcend generations. The production time for each piece is of 3 to 6 months, which gives an added value to the carpets, in opposition to the culture of disposal.

Nowadays some of her designs are produced as limited editions that are distributed trough the Plusdesign Gallery (Milan) and the Nodus Company. Besides her professional practice, Liliana Ovalle is a researcher at the Goldsmiths University of London. www.lilianaovalle.com

Three Rs, three designers Sustainable Design in Latin America p.34 SOFIA NERI

HUMAN CULTURE constantly changes its environment, for better and for worse. In the late eighteenth century began what today has resulted in a global ecological crisis caused by the voracious consumerism. In the eighties is awareness of the need to halt the deterioration and, almost at the same time, surged sustainable design. Latin America, historically familiar with the reuse of materials, offers outstanding examples of this activity, three Latin American designers that make the “3 Rs” (reduce, reuse and recycle) your inspiration for sustainable design: Rodrigo Alonso from Chile, Alejandro Sarmiento from Argentina and Paco Cervilla from Costa Rica.

His proposals integrate sustainable design, the concept of transcendence of the subject confronted with the idea of recycling, and good business.

RODRIGO ALONSO “The important thing is to understand and to make it clear, it is not a fad or a good marketing, is a change of focus on the working method is forever.”

Graphic designer, professor and lecturer, has developed the image of brands such as Renault, Warner Bros. and Sony, among others. Formal founder of Müsuc, his design studio and laboratory of “happy ideas”. Awarded in international design fairs, his creations has appeared in U.S. TV programs.

Sold in over 25 countries and has won numerous awards worldwide.

He does not considered worthy of the title of sustainable design, said to be “in diapers.” Go to the design process as “a totally sustainable work in every aspect.” The philosophy of his work: “Doing a lot with little, less resources, less energy and less money in the production of an idea.” His technique is the profound observation of human behavior and environment. The result will always be a consequence of this observation, and not “a passing fancy.”

The importance of recycling says: “It’s important.” If not considered this aspect, then it is intended that the created disappear with minimum impact, and speaking of plastic, it is possible to obtain large quantities by working with production companies with some objects that came to the end of its useful life, like his line of 100% urban furniture and his new collection of furniture called Los Vilos, made in crushing and post-consumer plastic rotational molding. When they do not control the use and purpose of the piece, prefer not to manufacture or discontinue, as happened with their cups Tawu

www.glocal.mx

polycarbonate luminaires Modulaie, and even though it were with a sustainable, the Blightster.

Believes that sustainable design is good business that is growing. “The important thing is to understand and do understand that this is not a fad or a good marketing, is a change of focus on the working method is forever.” www.porta4.com ALEJANDRO SARMIENTO “I think the trash as a potential raw material free, convenient and consistent.”

Industrial designer, researcher and teacher at the college level. He has dabbled in the creation of sets and corporate image of companies worldwide. He is interested in recycling materials and objects in the development of simple technologies.

He says that his design “is becoming more sustainable by nature of the projects” and not itself have a specific proposal to do so. Use waste as potential raw material, free and affordable, produced with the help of unemployed and production workshops in prisons, his source is “ the human energy.”

“The thought of the importance of the object is part of the ego of many designers, I do not think beyond through the object. In any case, my designs I try to bring out things in our culture find expressive and utilitarian at the same time. “ The issue of whether it is good business plan: “Every time people get closer to sustainable products, there used to bias and in any case, depends on the degree of signification and the way it demonstrates the state of the art. Of these factors, depends on if is a good deal or not. “ PACO CERVILLA “We can not talk of unsustainable design, is like talking about bad sex.”

Industrial designer, artist and consultant. He has exhibited at home and abroad. It is part of the editorial team of the architecture magazine Su Casa. He founded his studio Pupila with which organized the First International Design Festival 2011 in Costa Rica.

His proposal comes sustainable design “of the need to transform the waste into something useful, as catharsis, satisfy my curiosity to find answers to my technical questions, functional and aesthetic”. From designing for clients, environmental awareness is to “change the mentality brutal and abusive that they have generally had the companies most responsible for generating useless to society needs.”

Today he lives a social and formative stage: organize lectures on the importance of caring for the planet and specialized lectures in multidisciplinary design. In particular proposal, called “responsible design.”

The contrast between the transcendent and recyclables says: “My interest is not so much recycling as an industrial process that involves overall, consume more energy than the first time the object was created. The important thing is to reuse, given a second chance at something that is already stigmatized, is an industrial process with social function: new meaning - creation. The significance of the object is secondary. Creativity and design are indispensable tools to solve a problem that we ourselves create”.

Whether it is a good business explains: “The word sustainable will disappear in the not too distant future, we can not talk of unsustainable design, is like talking about bad sex, the design itself is a business that is done responsibly depends each designer. When I began it was very difficult: the use of design in Central America was almost null. Things changed, people are more open, the trend toward ‘eco’ is getting stronger, so I’m pretty optimistic that things will develop well. “ www.pupilaestudio.com

Dreams Factory in Milan Reflections about design, creativity and current culture.

GRETA ARCILA JUNIO • JULIO 2011

No. 4

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FIFTY YEARS in not much, but when it means to gather for fifty years the best designers and most renown retailers, manufacturers, etc., it is a grand effort. The 24th of September of 1961 for the first time a group of retailers, today FederlegnoArreda, had the idea to promote the exportation of Italian furniture and decoration that had been very successful thanks to the post-war reconstruction, by organizing a fair.

Milan was chosen as the see because it was the financial capital of Italy and had housed other fairs, like La Campionaria (1920).

The Italian Federation of the Wood and Cork Industries visited 13 furniture companies, what started a great effort that with the pass of the year has become the biggest showcase –and reference point- of all the versions of vanguard design. Soon they discovered that the Salone del Mobile was transforming into a powerful marketing tool.

The Salone del Mobile, according to the number of visitors and the quality of its exhibitors, was consider international until 1967. In 1974 Eurocucina was launched and two years later Euroluce, showcasing kitchen furniture and lighting respectively. The Salone Ufficio started in 1982. In 1998 the starting platform was created with the Salone Satellite for young creatives. Finally, in 2006 the old exhibition center of Fiera Campionaria (Fiera Milano City) was added, that is, everything that surrounds design and its partners: art, fashion and food. The Salone del Mobile has extended to other countries, that is the case of Salone WorldWIde Moscow, a sample of what’s done in Italy, also a reference point for the high quality design of Eastern Europe. In an exclusive interview for Glocal Design, Marco Sabetta, Director of Salone del Mobile, comments that keeping up has not been easy, as each day they need to think how to renew themselves, therefore the slogan that could be seen in all the streets of Milan “50 years young”, and the obliged question is how Milan has manage to become for one week the epicenter of design vanguard, to what he said: “we have a centennial artistic tradition that helps us as a society to appreciate what’s beautiful and make it tangible. Italy was the center of art for several centuries, it set the manner of living with aesthetics, it founded and potentially grew the furniture industry… and we achieved all that because we joined with the people, we have always gather strength as a country to grow our economy too. And you ask me how we achieve this: by watching how society behaves, reading everything we see, but specially, working hard. When an edition of the fair is coming to an end, the next Monday we are already programming the next one”. No doubt, Italy is the country has been the best at exploiting art and making a profit from it. It only takes to walk through the corridors of the fair and see the amount of visitors and specialized press that stroll them, and even better, the possibility of running into great creators that are setting the manner in which we live today through their designs.

One of the objectives of the Salone del Mobile is to generate more industry and that it really haves the necessary quality to function in the market and therefore, have a space at the salon because, as it director says, there is a waiting list of more than two years and the directors board demands a lot of quality from the exhibitors. To the question of how the market responded to the latest crisis the answer was imperative “it improved a 10% in comparison to last year, we hear the same from our exhibitors”. However, we need to highlight that we didn’t saw that many launches as we did 2 or 3 years ago, because as Sabetta confirms, there can’t be such a big investment on design in each collection, what we did see was a wider option of materials and colors in many designs that already existed, that way, firms like ClassiCon, Heller, Edra, Meritalia or Xo, had presence but not many launches, they preferred to bet for what they know that works.

The prevailing discourse, which was confirmed by eighty percent of the entrepreneurs we spoke to, is that of providing pieces that work for a long time in quality, use and form: objects that don’t need to be replaces in one or two years. Yes, there is a clear concern for nature, but it is evolving beyond into social responsibility, which intends to support local industry and have community programs, in this way, firms like Nanimarquina support carpet weavers, Bonaldo produces only on Italian soil, Kartell has a research program on new materials with the aim of creating products that are as friendly to the environment as possible.

One of the most interesting aspects is that the firms are betting for the young talent, years ago you would only see the “star system” in the salon and only at Fuori Salone the riskiest proposals of the young. We where glad to see firms la Moooi

with the work of Rooms, two designers that just two editions ago where at the Salon Satellite, and today their work is being recognized worldwide.

The reigning material was wood treated in the most natural way possible, that if well was something seen since 5 years ago, in this edition was the most appreciated by the visitors who liked to touch it, look at its vein, and if well we know that design is more than an object that has to give sensations, a material like wood really does it, as each piece becomes dear. To present everything would be almost impossible, so we selected some of the best, leaving the rest for the upcoming editions.

CREATIVE VOICES IN MILAN Glocal Design had the opportunity to talk with creators from many locations, we have great interviews that will present along the year, what we are presenting now is what the design week of Milan means for them.

“For me it’s a way to see how the world behaves as well as the ideal moment to share with my colleagues what I’m doing. I don’t believes it is necessarily a reading of that current society is living because each place has different needs, and not all the public has access to buy what the firms present, but it is a reflection of what society would like to see and be”.

Konstantin Grcic “I come to live Milan. I love this week because extraordinary possibilities are open. More than the fair, I like to walk through the streets because I can see the pulse with which the new generations walk.

I talk with the young generations and I realize we need to work more in several aspects like creative freedom. For me it’s the best investment of the year because it is a place where new ideas are breathe”.

Jean-Marie Massaud “Its like Christmas in a family: big gatherings, hugs, pure energy, new stories to tell, meet, meet, meet. To see the new peoposals at the Fuori Salone (of which not all are successful) is the most energizing thing that can happen to a creative. When I was young I used to save a lot to come, because I have always valued a lot what each person can leave, in what respects to ideas. And when it’s over there come the weeks of digesting everything I heard and learned”.

Marcel Wanders “We are in a time where technology and science have managed to change the form of objects, but it is in us, the designers, to make the objects born from this disciplines to contribute to man and dignify his life. That what I come for to Milan, to search for allies that keep risking on design with new technologies”.

Ross Lovegrove “I think that the most interesting is what is generated in the city, its an incredible energy to be there and visit each space and each being better than the other. It gives me home that design is a movement that changes the city and the economy of a coun-

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traducciones

try not only a city. The Zona Tortona is the section where the best proposals are generated”

Ezequiel Farca “The sensation of each year is that this event more than a furniture fair, is also a social occasion, and above all, cultural. You just need to see the hundreds of parallel acts to the fair that are celebrated around design and creativity. That doesn’t happen because a trade fair is celebrated, it’s something else, that’s why you have to see it to live it”.

Pascual Salvador “Milan combines, in little time – what few places in the world- a tide of ideas and solutions that allow to gather information that in other form would be physically impossible. This concentrated explosion of value has to be exploited to try to solve the equations that form in our disturbing minds. Maybe the most exciting is to become a part of this world in a process of total immersion, very inspiring”.

Lorenzo Diaz, Director Grupo Di “The casual, playful, ingenious, relaxed design; making evident our current rhythm of life and with the need to communicate that we are tired of homogeneous designs, globalized and impersonal”.

designers, 20 design schools from around the world, nine installations and a prize dedicated to lighting and office furniture presents its 14th edition in 3600 sq meters. The idea of this space is to show the most competitive of the amateur design world, the ones who will surely make history in the medium term. The following schools participated for the first time: South Australia University, Australia; Universidad del Desarrollo, Chile; Kymenlaakson Ammattikorkeakoulu, Finland; Institut supérieur de design, France; Politecnico di Bari, Italy; Vilnius Academy of Art, Latvia; Centro de Diseño, Cine y Television, Mexico; Universidad Iberoamericana, Santo Domingo; University of North Michiga, USA; Drexel University, USA; University of Philadelphia, USA; State University of San Jose, USA. FUORI SALONI The Zona Tornona, Brera Design District, Zona Ventura Lambrate, where once again the sensation at Milan. One knows that is where you´ll find the proposals, the new faces as well as installations of great value for the design community. The same way Superstudio Piu 2011 had a great success with its Museum of New Design, Innovation and Imagination, and Design Home and Spa (Spuerstudio Piu, Superstudio 13 and Face to Superstudio Piu). This three projects where distinguished by the quality of its exhibitors and installations, but also for its technological soul: light, sound and video (Canon); the great sculpture of lamps (Foscarini); the anthropomorphic sculptures made of screens (Samsung); the holograms (Cristalplant); the flying cars (Mini), amongst others. The Superstudio attracted 112,000 visitors divided between the three projects, without mentioning the 2000 journalist that brought their cameras, microphones and pens to their exhibitions. The Salone Ufficio will be presented in the next edition.

Therefore, one more year, Italy received thousands interested in the design industry with a common porpoise: drink all the possible experiences, meet deeply the great representatives of design and soak with the new generations.

Rodrigo Alegre, Studio Roca “In this edition what draw my attention was the answer that the manufacturers have to the economic crises of the recent years, specially because in many cases it seems like the strategy to follow is to cheapen the brand or the products, more than to propose products that are better trough processes or designs with a lower investment. In many cases, the quality suffered in the fight for lower costs”.

Emiliano Godoy “What I like the most of La Settimana del Design is the strength that is achieved with all the events that happen at the same time. Obviously there is no human power that would allow you to be at all, but the atmosphere that is lived is very singular and energizing”.

Eugenia Gonzalez, Director Circulo Cuadrado “For me the design week at Milan leaves me the motivation to continue working in the name of sensibility, creativity and specially, quality that the Made in Italy still offers”.

Gilda Guss, Director Grupo Interni THE SALONS WITH THE BIGGEST TRADITION. Euroluce. Lighting has taken each time a bigger importance, not only in the private spaces, but also in museums, hospitals, industrial offices, etc. That’s why Euroluce has become the most important show of the lighting sector worldwide, with visitors reaching 308 thousand people. In its 26th edition, Euroluce gathered 479 exhibitors in 41,417 sq meters, and the use of cutting edge technology like oLED’s prevailed even by applying them to clothing.

Salone Satellite. One of the most famous at the Salone del Mobile is, whithout any doubt the Salone Satellite. 700 young

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Interview with David Trubridge Nature, poetry and design.

p.54 GRETA ARCILA

WHEN WE invited Emiliano Godoy to be the guest editor for this edition, the first question was who would be the cover designer. Many names where set on the table, but with David Trubridge we found the point of equilibrium. The work of Trubridge is inspired in nature and is eager to give value to that intangible and poetic in design. The materials and the care in its use, give every piece a unique identity, and that each time that the light turns-on on one of his lamps or screens, a universe of life and ideas lights up. Here is the interview made in a little café at the zona Tortona in Milan, the place where he showcased his work.

In what moment did you decided to design thinking first about the care for nature?

Its not something I decided suddenly, I didn’t thought about being a “green designer”, plain and simple its where my heart lies, and where it has always been. Maybe it came from my beginnings as an artisan, first a learned how to make furniture and then how to design, in that time I worked with wood. I think that one of the most valuable things about the artisans is that they really care about what they do; they are not trying to make cheap thinks that are used and disposed.

I can’t waste time designing thinks without value, even less with materials that aren’t noble with earth, and the only reason of this is because I care about my planet, trees, life; I want to spend my time in important things. Like someone who loves nature, hiking, the forests, the mountains, everything related to life, it is impossible not to care about harming what

gives us life… we come from it. It’s not about ideology, I think that if people cared, they wouldn’t use their car so much, wouldn’t watch so much TV, they wouldn’t spend their time destroying. If people cared, there wouldn’t be green products; they would be the common and not a fashion, like many people have taken it. Being green is having empathy with the people because a lot of people don’t have everything that we have, there are poor people and that hurts me. We spend a lot and they very little, we need to stop and give them a chance.

I know you are very involved with groups that help take care of nature and humanity, what can you tell us about this?

That is not enough. I would like to spend more time on that instead of coming to the furniture fair in Milan, do a presentation and everything that means to do business. I have to do this because it allows me to earn a little money, and that makes things work, but for me it’s only the means, not the end in itself. I don’t make business to make money, I make money so the business works, which is completely different.

I’ve been talking with the design team, I think they have a very specific role on this, they work with love to what they do and that brings good things, things that give something to their lives. And that is design: something that leaves positive experiences in life, something that transcends generations. That is good design, the bad is gone to the trash (in every sense). I talk a lot with my people and I think they are really committed in making this world work correctly. We work with schools in small communities helping children to plant trees, but it’s never enough.

Walking through the fair and here at the zona Tortona we are worried that we didn’t see that many designs following the sustainability dialogue, what can you tell us about this?

Yes, it’s definitely worrying. 2 years ago there was more, and I think one of the reasons, is because for me this is over.

I’m not returning any more –he had his stand at Zona Tortona-.

I respect a lot the people that run this, but it saddens me what this has become, and maybe it’s not wrong, what happened is that a land that used to be an industrial area was overvalued. Now the lots, the rents, everything is more expensive for all the new projects that are here; the urban development grew, and that is not wrong. I don’t judge people for making projects and winning money with them, but when something becomes so expensive, and then you have to look for sponsors to make it work. Now to enter you have to see the commercial projects, to enter and see the designer’s proposals.

Companies want to hang from what’s “cool”, from the wit of the designer to sell the idea that they are the same. What to hanging cars have to do in a design fair? –referring to an installation of 5 mini cooper cars hanging from cranes at the entrance of Super Studio Piú-; as long as the big business shine they expose it too much.

But what are you doing next year to show your work?

I don’t know, I’ll have to think about it… but maybe something that has to do more with ideas than with objects.

And maybe designing for a company…

I did that several years ago, for Cappellini, and liked a lot.

Maybe if I worked for the big companies I would win more money, but I wouldn’t be able to realize what really interests me, I wouldn’t have the total liberty I have in my own company. We don’t sell much, we are a small company in New Zealand, but we have enough to live as we like and that’s enough. It’s more important for me to keep my integrity than anything else.

Most of your designs are lamps, which no doubt are design objects with a lot of references to the natural, to the organic, why designing more this pieces instead of others?

Because it’s freer, more artistic… furniture requires more functionality, needs to be stronger. In what we do we have a lot of freedom with materials, it’s very poetic what we do… it’s emotional. For me seeing a person vibrate with my projects thanks to the emotions it provokes on them is the greatest.

How do you select the wood that you work with?

Many come from Australia because their colors are very beautiful and because they are very flexible, also bamboo is very noble and we like to use it a lot because it grows quickly and its vein is very beautiful. But I always look for the balance, every wood is beautiful.

Can you tell us a designer how to have a more dignified life?

Producing things that people keeps, because it’s enough for them. Designing things that for its design and beauty can remain, this with the goal of not making people buy always new things, and I know this helps the economy, but I’m sure there are different ways to live with dignity. www.glocal.mx

As an entrepreneur how do you support the growth of the economy in your country?

Working for my people, reducing energy use, making human beings happy trough our designs. But in reality, I think that the whole economic system is wrong, because it’s based on growing companies that only want the money for them, there is each time more poor and the rich are richer only thinking on themselves. And that has to change if we want the human race to subsist.

How is the design culture lived in New Zealand?

It’s very difficult. Many youngsters leave to London, New York looking for work. there are very few companies dedicated to manufacture furniture, this leaves little space for designers to grow. The companies create their own design departments, which doesn’t open more opportunities. But there are very good young designers. Companies copy a lot what they see here in Milan… but its changing little by little.

Ones work always speaks about where we come from, where we are heading… what ca you tell us about where you live, where you take your inspiration…

My work is an expression of the place where I live. It is founded on the green forests of nature because that is what I breathe every day. And that makes it to belong to the locality, but that makes it able to coexist with the designs from all the world because we live in a world connected trough ideas, of identities that makes us grow as humanity, and that no doubt makes it glocal.

Who is David Trubridge?

This designer graduated from the University of Newcastle, United Kingdom, in 1972; he specialized in Naval Architecture. Lived for 10 years in Northumberland (in the Scottish border). Traveled troughout the world in his yacht “Hornpipe” on the Pacific and the Caribbean until the educational needs of his children made him touch land. This trip flooded him with images that influenced his work until today. He has worked at the Hawke Bay Polythechnic, Kyoto College of Art, and produced a work at Creative New Zealand (Arts Council). He has motivated industrial designers in different ways, for instance, created the first Body Raft that gathered young designers that have even been shown their naval designs at the Salon Satelite in Milan. Now he works from his home of New Zealand and he is also a partner of Cicada Works another arts and design firm.

His work has been exhibited in nine occasions at the Furniture Fair in Mila and four times at the ICFF in New York. Has has won the admiration and respect of the designers community around the world as a naval architect, artist and industrial designer. In New Zealand he has made a large list of public sculptures and also houses in the Hawkes Bay area. www.davidtrubridge.com

Rescuing the green inner Tamara House

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YOLANDA BRAVO SALDAÑA

A PROPOSAL that includes a garden that becomes an eden in the midst of chaotic city, and a promise kept saving water.

All rainwater is collected, filtered and can be used either directly taken from the tap or shower If you look at pictures of the fifties of the twentieth century of Lomas de Chapultepec, the green flooded houses, streets and avenues. At present, however many of its green areas retain, it is also true that the buildings have gained ground. Hence, it is valuable to seek the conservation of that area, though populated, geographically part of the Bosque de Chapultepec.

TO MEET A SENSORY SPACE By entering in this house designed by architect José Antonio Aldrete-Haas, we can immediately perceived his commitment to the landscape and to sustainability. There is in this work a respect for each tree, stone and plant that cohabit with the residents. If you enter on foot, the vision becomes green wherever you turn and see, and it is not only because JUNIO • JULIO 2011

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not the touches given by the natural stone veneers that cover part of the exterior and interior walls of the mansion, but because of the of the big windows that are the leading issue, and make trees, grass and plants are part of the inner vision of the house.

José Antonio Aldrete ─formed at MIT─ was able to reinstate the nature of construction in this work. He does what he calls: “a reconstruction of Paradise”; this loving family of “green” makes its bit through his home in favor of the environment. Thus, it is an example of what Lao Tse said centuries ago, “From one comes two, two are three, and three are a thousand.”

Sustainable aspects of this house are worthy of mention, the same organic way in which it develops and that, where one looks at it, no straight lines. The sinuosity is his trademark, as if they lived in villages built. It seems that home ─with each of its rooms, common areas and terraces and garden─ seek to expand the consciousness of its people to go after the lost paradise. “I wanted to make a country house in the city,” says the architect, who also makes us see the intention that the slender columns scattered around the house, also seek to engage with the nearby trees.

ABOUT TECHNOLOGY If interest is the design of the residence of retro look, so are its sustainable aspects. Below the main garden through a staircase, you enter the engine room where the facilities are. This building has underground tanks for rainwater, which is treated as well as irrigation water sumps. All rainwater is collected, filtered and can be used either directly taken from the tap or shower. Finally, it is treated to irrigate green areas and the source located near the dining room and main room.

The entire process of the water is automated. For example, through moisture sensors the irrigation system is programmed for certain times of day. For its part, the building has boilers which, all that burning is being used and becomes 100% sustainable. Water is heated by solar panels located on the roof of the house. In terms of design, the space where are located the engine room, room service and parking were conceptualized as a cave since it was excavated.

On the other hand, in terms of lighting, the house has several skylights to achieve, as far as possible, greater use of natural light, in some cases, for example, internal stairs, admitted for indirectly. As for artificial light, it is of low power consumption, thus creating an intimate sense of warmth.

Moreover, being a home to a large extent has walls-windows, opening to the green results imminent.

The visit of the house from above, again, turns green. It seems, in short, a brief oasis in the fast world of cars traveling near there. The city seems, upon entering the residence, motors go off… the arrived into the field. www.aldretehaas.com

Luminous Sustainable Iseami House, Costa Rican Paradise p.66 MARCOS G. BETANZOS CORREA

THE HOME as an excuse for design, a reason to change, a badge of commitment and congruence. Sustainability as the best argument to live respecting what existed when the territory was only an idea on paper…

This project located in Costa Rica is just by its geographic location a surprising response, an invitation to contemplate its architectural design but, at the same time, a distant reference to the ideal paradise that we can imagine. The risk of getting diseases, the presence of insects, mushrooms and excessive humidity made this project a obliged stopover in the detailed analysis to tame this seductive but demanding space, the commitment: to include a committed strategy with sustainability.

Based on this, the firm headed by the architect Juan Robles divided the house into two main areas configured into an equal number of levels: public in the ground level

(pool, deck, multiple purpose area) and private in the upper level (bedrooms, offices, bathrooms, storage, etc). built as pile-dwelling, that is, on top of a series of columns that avoid direct contact with the soil, favoring the permeability of the ground and improving the percentages of relative humidity in the interiors, Isemi House seeks to contrast with the horizon not to shamelessly seek for attention but to help intensify the colors of nature, framing it on the project interiors and avoiding the camouflage as a way to protect the birds from hitting the windows.

It incorporates with clarity the use of horizontal elements as an outer skin that seek to diminish the effects of solar rays and the fall of horizontal rain (rain + wind). “Their material is recycled plastic and sawdust, while the canopy has polycarbonate panels that improve the levels of natural illumination without letting the UV rays in”. ROBLESARQ architecture studio explains.

Besides what’s mentioned above, big eaves create a shadow that works jointly with the thermal capacity of the envelope and the crossed ventilation strategies proposed to obtain a natural “air conditioning” thus achieving a project with zero energy consumption that also integrates an alternative generation source conformed by a low impact hydroelectric system.

It’s important to stress that beyond the aesthetical or functional qualities of this project, we most exalt the initiative to use materials with a high level of efficiency, low energy cost during production and with a high degree of recycling feasibility and that all together was developed to be transported in short distance trips and finally assembled on site achieving a much more rational and clean constructive process.

It was thought like this “because of the farness of the project and the complicated process of transporting the materials, the project is designed as a ´LEGO´ to be able to undertake the construction task in a workshop and get there with the pieces in few trips to the site, where the structure is assembled with little impact to the environment”.

COMPLETELY GREEN The conclusion for this green project, amicable and totally self-sufficient, remarks the importance of the equilibrium in design, no doubt it represents a coherent idea: the beauty of the natural context is too categorical, no intelligent, but specially sensible conscious architecture could impose to it. www.roblesarq.com

“The structure is inspired like an exoskeleton to have the possibility to expose most of the electro mechanic systems and avoid creating empty spaces” “One of the main advantages of the project is its easy adaptability because of the construction system that is used today in social housing and industrial plants”

ROBLESARQ

LOI SIUM WINE & SPA Resort Spring emotion dyed with wine

p.72 JANINE PORRAS

TWISTED FACADES, triple height voids, aluminum skin… intoxicating project, thought exclusively for pleasure.

The Loisium Wine & SPA Resort is an extraordinary hotel outside Langenlois, 60 minutes away from Vienna, Austria.

The area where its built has 900 years old underground passages that served as the base for the new project that recovered the antique vaults, designed from its bowels, replicating as an echo in the surface that entangles the old and the new.

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traducciones

The Resort was done by Steven Holl Architects, a firm distinguished for spaces that satisfy the spirit, like they have told, but also the aesthetic sense of those visiting or dwelling at it. Steven Holl was named by Time Magazine as the Best Architect in the United States in 2001, and in 2005 created this complex in the middle of a field.

Steven Holl developed the Loisium Wine & Spa Resort as a homage to the vine and its fruit, as well as to its pleasurable effects, as the whole project is located in a vineyard that is the origin of the idyllic aesthetic of the hotel, the base for the food prepared in the restaurant and the wines poured in the glasses; as well as the birth and creation of the SPA Aveda.

Pleasure is present in the whole resort following the predictions and philosophy of Dionysius, that also constitutes the local pride and richness. So the project is integrated by three elements: the original vaults modified to give free access to the visitors, the wine center and the spa resort hotel.

Like the wooden sticks that hold the tendril of the vine, that at the same time sprout as clusters, so the Loisium connects and looks at the horizon covered with its mantle of modern leafs, an aluminum skin that replicates the texture of the wrinkled leafs of the vine. In this project the void has the same weight as the solid, it relates to the surface and the underground. The hotel represents something new and quite different, but always in a profound connection with the history of the place and the site.

The architectural practice of Steven Holl managed to fit the lines of the vineyards perfectly with the three elements of the project, as the 570 sq ft (53 sq mts) of the floors are aligned with the geometry of the landscape, as if arriving or deriving from it. The color hue of the hotel replicates the majority of the surrounding colors and materials that remind of the soil although he also used colored concrete, mosaics, wood, glass, steel and aluminum.

Steven Holl Architects made a superb work in what refers to space and light, for example, the ground floor of the hotel –the public area of the lobby, the restaurant, the bar, the cigar room, the conference and meeting rooms- are enclosed by glass but open the eyewith the vines planted as closely as possible to the hotel so that any person can be in close contact with the vineyard from the cafeteria, the restaurant, the spa. The upper floors, whoever, offer more privacy. The Aveda Spa, for example, offers a range of special treatments that incorporate the grapes from the region the wine and the vine leafs into its preparation, like everything in the hotel, including the furniture. www.loisiumhotel.at www.stevenholl.com www.aveda.com

The Bamboo Stingray Activities and learning center for children

p.78 YOLANDA BRAVO SALDAÑA

INSPIRED ON the submarine world, this stingray, located on a rocky slope, offers the best views of Koh Kood.

For centuries, the bamboo has been linked to traditional architectectre; the ancient and wise one. However, since a few decades ago, the plant resistance, along with its flexibility, easy propagation and low cost, has taken some architects to include it in its projects given that this grass is one of the most environmental friendly construction materials, amongst other reasons, because it reduces the impact of carbon dioxide emissions. Thus, nowadays, the bamboo is not only a construction alternative, but THE most sustainable alternative.

We have many examples of the benefits of bamboo in construction in many parts of the world; one of the most recent is the Kits Den (kids den), of the Six Sense Soneva Kiri Resort, located in Koh Kood, an island in the Gulf of Thailand, where the firm 24H – with a team integrated by Maartje Lammers, Boris Zeisser, Olav Bruin, Dirk Zschunke, Marta

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Koziol y Marloes Swijnenburg─, developed an impressive sustainable icon where the children can surface their senses thanks to the perfect equilibrium between the design and its surroundings.

The structure –approximately 98 by 98 feet (30 by 30 meters)-, inspired on a stingray, not only had 24H as authors; another character was closely involved in the work, Jorg Stamm (director of Eco Bamboo), one of the most important masters in the use of bamboo today. In that sense, Stamm’s participation was decisive given that it is not only about trimming the plant and placing it. For bamboo to work adequately, it must be treated before hand to avoid, for example, the attack of termites or other insects or parasites. We most say that the “stingray” – reinforced with cement on the joints of the bamboo pieces- was done using the Pai Tong Bamboo (Dendracolamus asper), con lengths surpassing the 9 meters and a diameter of 10 to 13 cms.

Meanwhile, the roof was created with Pai Liang (Bambusa multiplex). Another important point favoring the sustainability of the project is that both kinds of bamboo come from the plantations of the nearby province of Pachinburi.

Watching the images of this ludic space full of imagination, it might seem like extracted from a science fiction film in which a post apocalyptic society decides to return to the origins of men, in an updated manner. And if the exterior is impressive, the interior has its impact too. There, where the children’s learning center is located, we see a true labyrinth of bamboo, rattan, palm, color fabrics and wood, that house an auditorium, library and the rest of the propitious spaces for the children to have a learning experience that is both ecological and creative. This den, which is very close to the sea, has in its surroundings sleeping areas that resemble caterpillar’s cocoons.

This work, besides having a sustainable material like bamboo, adopted a design and execution with bioclimatic concepts proper to the wet tropical surrounding. Thus, for example, includes crossed natural ventilation given by the structure elevation – with a 26 feet (8 meters) cantilever- that acts as a gigantic umbrella, providing shadow and shelter from the torrential rain that frequently occurs. At the center of this umbrella, a translucent roof brings natural light during the day, saving electric energy. We should outline that to achieve the structure, a 1:30 model was made for testing in a wind tunnel in the Thammasat University of Bangkok, under the supervision of Ove Arup.

Summarizing, a construction has been realized in Thailand that dignifies design, structural engineering, imagination without boundaries and a above all, the millenary plant that is bamboo. www.24h-architecture.com www.sixsenses.com

20 Pearls. A project in progress A project in progress by Maria Jose de la Macorra p.86 ERIK CASTILLO

20 PEARLS is the title of the project that the visual artist Maria Jose de la Macorra (Mexico City, 1964) is currently working on, it is a body of work that has its origins in 2006 and that is still in progress. Each one of the pearls is a diverse state of work (photography, drawing, installation, sculpture, assemblage, video) based on the landscapes that have a foundational meaning for the artist, who is now producing pieces for five pearls: Mendota Lake / Bow River / Mexico City – Lake of Tenochtitlan / Athabasca Glacier / Tokyo.

Actually, we most say that the reference that de la Macorra makes to the different territories that conform the project and shoot the production of the work, besides the foundational character already mentioned, it’s also flexural as if well this places are sites that represent definite mental sphe-

res and sentiments in the vision of the artist, they also work between themselves articulating inter textual dialogues that generate in the spectator –as a group of interrelated seriesthe notion of the hyper-landscape that is perceived in terms of totality in respect to the different places that configure it.

The images that artist constellates in 20 pearls are plastic constructions that recreate moments of the alluded landscapes in each series but that, in parallel, take a distances from its model (each place) in the sense that they are creations that implement pro-industrial materials and constructive solutions that are more metaphoric than mimetic with respect to the images-matrix that the artist uses in the preproduction of the sets. At the end, the finished works and assembly criterion that de la Macorra operates in this project are never illustrative scenes of fragments of nature that are found in the origin of the pieces, if not, in any case, landscapes designed to seduce the subjectivity in the epistemological space where culture is located, which is the zone of the art media where the artist sensitivity has always focused, who has one of the most committed trajectories in relation to the idea of art as knowledge production.

For the writing of this article, we have chosen to show and comment some pieces of Pearl 1: Lake Mendota. This site is located at Dane County, Wisconsin, USA, near Madison City; it is a very important lake in the region. In this set, Maria Jose departed from a photographic exploration –very gestaltic, by the way- of the surroundings of the lake and later executed pieces in thread embroidery, drawings on Japanese paper and assemblages with the motif of the map that unfolds from the branches of the trees in the water surface.

The works of Lake Mendota concentrate the discourse in the experience of fluctuating matter that are fostered by the scenes of the liquid realm and those of the expansion of the growth of the ramifications. From her previous production, the artist has been interested in stimulating the eye with the representation of the forces that move nature in the physical space of the landscape or the body, a space that in both cases can be interpreted as a city of being, because there is always an idea that the universe of natura is something like a republic of energy. Of the Geographies at the Inner North (1999-2001) and From Clouds and Rain / Water Towers (2000-2006), the previous stages of work of Maria Jose de la Macorra, where plastic montages equally multidisciplinary that had the total landscape as leitmotiv.

The meanders that configure the branches and their growth in the scenes on backlighting with respect to the sky, water and earth, and the subtle and rhythmic pattern of the reed in the lake, are taken by the artist to the level of calligraphic enunciation. We should sign, however, that an aspect that gives relevance and weight to the visual practice of de la Macorra is her iconographic ambiguity and criptic or esoteric dimension of her formal bet: we could wonder, what is behind the vision of the linear chaining of whimsical forms, of the graphic knots and the neutral and hypnotic texture of the forums where the modules that figure the elements of the referred territory appear?

I think it’s about, in the first place, is the matter of a cult of beauty for the structural, by the power that resides in the open organization but consists of the fathomless matter that the physical world is made of. In second place, an interpretation of everything done by the artist inside the 20 Pearls platform, can be understood in the sense of the complex practice in which the value is found in the generation of pieces that bring to mind, also, the linguistic image of motors that inaugurate, recycle and reproduce the form infinitely. The artist from Romanticism believed that the totality would manifest in terms of a journey to the past and by accessing to distant worlds from the western culture. When fusing and confusing the appearance of the landscapes with the plastic protocols of art language in an advance stage, Maria Jose de la Macorra sets going a renewed perspective of the advent of totality, in which the imagination about the machine of the savage nature overlaps with the unequivocal intuition of the truth that is underlying the materiality produced by the industry in the framework of civilization.

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notas

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Q

uique Ollervides es quien aceptó la misión de crear un Objeto Glocal para este número verde. Él fundó en 1996 Hula + Hula, un estudio de diseño inspirado por la música, el uso y abuso del color, el humor, la tipografía y la ilustración hecha a mano. Quique ha diseñado más de ochenta portadas de disco y varias fuentes tipográficas. Su trabajo

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se ha publicado en más de 30 libros y se ha expuesto en varias galerías de América, Europa y Asia. Codirigió KONG —ahora GURÚ—, la primera tienda-galería en México dedicada a promover el diseño gráfico, la ilustración y el arte low-brow.

Esta ilustración invita al usuario a pensar verde, a usar papeles y materiales reciclados, a

emplear un número reducido de tintas, a economizar y cortar esquinas en todos los lugares en los que se pueda. Nos recuerda que es nuestra responsabilidad cuidar el planeta, las plantas y los animales, para que otros seres humanos puedan disfrutar de los recursos naturales que aún tenemos. www.ollervides.com www.glocal.mx