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Departamentos ALFONSO REYES 216 Alfonso Reyes 216 Col. Hipódromo Condesa México 06100 DF Informes: 52.56.10.50 ventas@l.org.mx Facebook: Alfonso Reyes 216

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24 Departamentos tipo Loft Diseño de Vanguardia Excelente Ubicación Vigilancia las 24 hrs. 2 Cajones de Estacionamiento Acabados de Lujo Captación de Agua Pluvial Planta Eléctrica de Emergencia

Diseño y Construcción L México S.A. DE C.V. México (52) 55.11. 64.11 Los Angeles (01) (310) 308.6053 www.l.org.mx Fotografía: Beto Adame


Editorial

H

ay mucho por celebrar en el diseño en México. Durante el mes de marzo estuvo en nuestro país la gente de la afamada tienda del MoMA de Nueva York, bajo la iniciativa de Ana Elena Mallet, conociendo la obra de diseñadores mexicanos para que en un futuro las creaciones de nuestros connacionales sea parte del stock de sus vitrinas. Hoy cada vez son más las empresas que ponen su mirada en el diseño para dar un valor agregado a sus productos o imagen. Una de ellas es Comex quien, año con año, publica su libro “Culturas que Inspiran” en donde invita a arquitectos, diseñadores y creativos de otras áreas, a que ellos como expertos marquen pauta con paletas cromáticas innovadoras: todas reflejo de lo que sucede en nuestro mundo. Esa es sólo una de las iniciativas ya que es sabido que apoya eventos de moda, museos, teatros, realiza happenings, además de patrocinar múltiples libros. Y en esta ocasión somos partícipes de una de estas iniciativas con Casa Glocal, espacio abierto para diseñar una residencia en donde se invita a un arquitecto —en esta ocasión Juan Carlos Baumgartner— a diseñar libremente y a utilizar el color de manera en que su creatividad se lo permita. Otro de los proyectos más importantes del año es el emprendido por la firma Odabashian, tapetes de autor —expuestos ahora en el Museo Franz Mayer— que sin duda marcarán un antes y un después en la manera de abordar un proyecto con intelectuales de por medio. Aplaudimos tan espléndida organización y más aún la calidad de diseño que mostraron cada uno de los invitados. Sin duda un obligado a visitar, no siempre se tiene la oportunidad de ver tanto talento en un proyecto. No hay que dejar de mencionar que esta edición está dedicada a los espacios abiertos pero bien pensados para el ser humano. Así recibimos la Catedral de la Luz diseñada por SOM así como la Capilla de la Asunción de Joe Studio, ambos espacios para la retrospección pero en donde el cuidado del detalle hizo de ambos espacios algo memorable. Y bueno, en esta ocasión Matali Crasset es nuestra invitada de portada. Para Glocal es un halago tener a una de las más diseñadoras francesas más propositivas. ¿Por qué pensamos en Matali? Por lo lúdico y limpio de su diseño, por aventurarse a utilizar el color de manera divertida y libre, pero sobre todo, por lo auténtico de su trabajo. Esperamos que disfruten de cada una de nuestras páginas, así como nosotros disfrutamos investigar, buscar y vivir el diseño. Bienvenidos a nuestra tercera edición.

Greta Arcila

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Edi Cont torial enid o Traz os Dise ño + emp resa 10 Ales si: V 1 2 iew on. I talia Ula L i 15 mer ght. Lle cado Casa gó p a mex Gloc ican ra ilumi al E 20 nar o. M stud e é i l x o i p co gart Inte ner. or Juan 22 rven Méx Carl ción os B ico Fuen aum naje te de la Atlá a 23 l p n recia Itali a do te tida un h o soro Nov el Jo del a mesué gua. 26 tos, Velazq inno uez. tand v C o for ando es reando tilos mas conc , . Mé Jaco xico reinven epbo M 28 uñoz View . Mé El ge xico Darr nio detr ás en W Il Mo ilfor de Tron vile d. EU 29 : Leg Un p Colu A acy. oco mna d e va gloc ngua al T 30 radi rdia c . i ó G n, ho 3 gra loca l dise ndes rep norabili d ño ja r a 32 ese dy Etie nne. ponés. J ntante arte: sd orge Japó Dise ño A n Dieg el 36 lber o t o V gent illar Méx e y socia real. Dis ico lmen e Text te re ño intel iles is pon Tejie sabl 40 e. hian ndo hist o . Mé xico rias. Ja Dón ime de S Oda how basr o o toria mM S c 44 Mar omo in . 20 añ t o t í s e n r d ez & Vivie Sord ioristas e trayec nda los a o. M El Ni éxic vala d 48 o n. Ingl o Tejid ater o. Ad ra Den mos tro Stud Traz io. os d e his Méx ico toria 50 . eos Méx ico.

contenido


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Fran MS’s k Haver m . Paí ses B ans 1:1 Tam ajos Salo año n du real chi A From rchi 58 a g e tect ure. . Kotaro Capi Fran Hori l cia u3Box la de la Asun . Fra 62 ción ncia . J o hn D Cate oe + dral de lu z 66 . SOM Mat . EUA ali C Ever rass gree et. F n Tr ranc ansp ia 70 Carl arenc Hosp o i a s y Bau itali mga dinami dad 78 s rtne Lo d r. Mé mo. Jua ifere n x sais ico nte, q 86 ceau uoi fran lo inusu a R c l , é a el s: ffl Fran cia es Parí Le Roya a je ne s. Ph l illipe Mon92 Ban Star y ck. plem an Tree tecs ente fas Cabo Ma . Mé xico cinante rqués, s Gale . KM -EUA i ría E D Ar ml ret c h o 98 iThom rno de Xipe as G Text lass T uras ford ótec a l Rob . M Trad erto éxic a Polis. ucci o Veri ones no. I 102 talia Nota s Obje 104 to gl ocal Un n u 106 Chri evo esc stian enar io Viva 111 nco. para el Méx a ico nafre.

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Directora General Editora en Jefe Greta Arcila greta.arcila@glocal.mx Directora de Arte Sofía Arce Coordinadora Editorial Janine Porras janine.porras@glocal.mx Diseñadores Saúl Vilchis Jorge Leal Álvarez Traducciones Alfonso Maldonado RESPONSABLES DE SECCIÓN Trazos Alfonso Maldonado Galería Erik Castillo View Pamela Orozco Vivienda Alfonso Maldonado Fotografía Gabriel González Directora Comercial Daniela Luna

Ilustración de Matali Crasset para Glocal en la que aparece con Philippe Chapelet y Patrick Elouarghi, socios del hotel Dar Hi

Colaboradores Ileana Martínez Imelda Morales Jorge Diego Etienne Jorge Eduardo Morales José Ramón Blasco Marco Corral Marcos G. Betanzos Correa Nina Paz Pamela Orozco Shelsy Di CONSEJO EDITORIAL Presidencia Gina Diez Barroso Consejeros honorarios Ariel Rojo Carmen Cordera Juan Carlos Baumgartner Juan Manuel Lemus Juan Bernardo Dolores Fernando Camacho Sagrario Saraid Miguel Ángel Aragonés Carlos Pascal Gerard Pascal Héctor Esrawe Arturo Aispuro Coronel Fernando Rovzar Jorge Gamboa de Buen

Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: Abril-Mayo 2011. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2010-112513245300-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15057. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Publicaciones CITEM. S.A de C.V., Av. Del Cristo 101, Col. Xocoyahualco, Tlalnepantla de Baz, Edo. de México. Impresa en: Offset Santiago. Río San Joaquín 436, Col. Ampliación Granada, C.P. 11520, México, D.F.

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Contabilidad Víctor Villareal Arturo Xochipa Contacto: info@glocal.mx Manchester 13, piso 1 Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, México, D.F. Teléfono: 52 (55) 55.33.68.18


trazos

Por Alfonso Maldonado / Imágenes cortesía firmas invitadas

Capilla de la Natividad Conjunto la Primavera, Culiacán, Sinaloa Taller de Arquitectura Parque Humano Jorge Covarrubias + Benjamín González Colaboración con Carlos Amorales La Capilla —que evoca la piedra de obsidiana— retoma la voluntad de ser el soporte de una nueva comunidad: cimiento de piedra (que no es piedra, sino cristal) hecho de cenizas, recordatorio de nuestro fin ineludible para renacer en la luz. La forma primaria invoca un movimiento ascendente, y conforme el observador se desplaza a su alrededor, contempla formas inesperadas. La capilla fue concebida como una sola nave sin distracciones laterales. La transformación de los muros ortogonales por muros triangulares evocan cierta inmaterialidad, acentuando la intención de minimizar la presencia masiva del edificio. Ubicado en el lado norte del sitio (por debajo de la nave) está el atrio el cual es planteado como punto de reunión y convivencia, dado que queda debajo del volumen y también sirve como protección del clima. Éste asciende a la capilla por una rampa en el costado oriente, y llega, primero a un patio que funciona como vestíbulo, abierto al cielo y al horizonte. Al ingresar a la capilla, la intención del diseño fue crear un fuerte contraste: la textura de la piedra de obsidiana nos permite generar una atmosfera espesa, que obliga a apreciar la belleza de la luz. La luz indirecta y difusa es el elemento esencial de la capilla. El muro poniente, al igual que la cubierta, tiene una inclinación de 10 grados, misma que dramatiza la perspectiva del espacio, rematando en un vitral cuadrado de 18 x 18 m, cuyo tema retoma el paisaje natural. En el exterior, emergiendo desde el atrio, la cruz se hace presente dentro en la capilla mediante su sombra que se vislumbra en el vitral, generando una dimensión al espacio de profundidad. www.parquehumano.com

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Casa de Ópera y Cultura Kristiansund, Noruega Arquitecto Brisac Gonzalez La nueva Casa de Ópera y Cultura amalgama un teatro de ópera, una biblioteca, una escuela, instalaciones culturales y un centro juvenil, representando a la cultura en su forma más permanente e innovadora. Crea espacios inspiradores para lo inesperado, donde lo individual y lo colectivo puedan coexistir al promover la experimentación, la invención, la libertad y la heterogeneidad para liberar cultura. Para integrar a los dos edificios significativos existentes en el sitio —una escuela el siglo XIX y una Folkets Hus (casa del pueblo) de principios del siglo XX— sin demeritar su integridad, la estrategia de diseño crea un complejo cultural poroso de tres edificios completamente autónomos pero interconectados con los dos edificios existentes completamente renovados con usos nuevos. Una superficie continua envuelta en cristal con la doble función de puente y galería de exhibición conecta a la biblioteca ubicada en la Folkets Hus con el vestíbulo principal del nuevo edificio. El edificio de la escuela contendrá un centro juvenil el cual se conectará por medio de un pasaje subterráneo con el nivel del escenario del nuevo auditorio. Dentro del nuevo edificio, la circulación principal recorre un circuito de alfombra roja que se entreteje a lo largo de la construcción revelando al mismo tiempo el rico interior y las vistas de Kristiansund. El objetivo del auditorio es simple: permitir que la mayor cantidad del público esté tan cerca como sea posible del escenario con un diseño flexible sin sucumbir en lo genérico. En el último nivel del nuevo edificio se localizan el restaurante, comedor y salón de ensayos de la orquesta, los cuales pueden ser combinados en un enorme salón con vistas espectaculares con una terraza exterior que le añade una gran diversidad al uso de los espacios. www.brisacgonzalez.com

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Torres en Edgar Street Greenwich South, Manhattan IwamotoScott Architecture Las Torres de Edgar Street fueron realizadas por IwamotoScott para el estudio de diseño de Greenwich South liderado por Architecture Research Office, Beyer Blinder Belle, Architects and Planners y Open. Con contribuciones de arquitectos, artistas y diseñadores como Coen + Partners, DeWitt Godfrey, Jorge Colombo, Lewis.Tsurumaki.Lews Architects, Morphosis, Rafael Lozano-Hemmer, Transolar Climate Engineering y WORKac. Inspirado por anteriores proyectos visionarios para Manhattan que proponían nuevos híbridos de arquitectura, infraestructura y espacio público, las Torres de Edgar Street responden a su contexto inmediato al tiempo que establecen una fuerte relación con la gran forma urbana de Manhattan. El diseño de las torres busca reinstituir a Edgar Street como una vía pública este-oeste que reconecte las calles de Greenwich y Washington. El espacio de este pasadizo se tuerce hacia arriba por el edificio a través del cuerpo de la torre, ampliándose en el medio nivel para permitir una mayor superficie en planta y culminando en el lobby y espacio público de la azotea. La transferencia de densidad de los terrenos circundantes y del Túnel Brooklyn Battery le permite a la torre alcanzar los 396 metros de altura. En la cumbre de la torre, el vacío se alinea con la traza primaria de Manhattan al norte, manteniendo un eje preciso con la 5a Avenida. La mezcla programática de las torres sirve al vecindario y, a la vez, beneficia a la vida pública del bajo Manhattan; ésta prevé incluir espacios de vivienda, trabajo, arte, espectáculos, comercio y una biblioteca pública. El programa se organiza por el ramificado atrio central, enriquecido por la luz natural que es conducida a través de cables de fibra óptica. Adicionalmente, el atrio despliega áreas de vegetación para biofiltrar el aire en los diferentes niveles. Durante la noche el flujo de luz se invierte y la fibra óptica es iluminada mediante baterías cargadas por energía solar. www.iwamotoscott.com

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Nordhavnen Copenhague, Dinamarca SLETH MODERNISM Nordhavnen es probablemente el más extenso y ambicioso proyecto de desarrollo metropolitano en Escandinavia en los años venideros. Con su ubicación, a tan sólo cuatro kilómetros del centro de Copenhague, y su fácil acceso a la infraestructura de la ciudad, se convertirá probablemente en un distrito único en la ciudad. El nuevo distrito será desarrollado durante los próximos 40 o 50 años. Una vez concluido, contará con edificios y un total de área de cuatro millones de metros cuadrados, viviendas para 40 mil habitantes, y servirá como espacio de trabajo para otras 40 mil personas. Nordhavnen será un distrito de pequeñas isletas cerradas hacia el frente marítimo y una diversa ciudad mixta con espacio para todos. Como proyecto de desarrollo urbano es punta de lanza en los esfuerzos para mejorar las condiciones climáticas y mostrar cómo las ciudades pueden revertir el cambio climático sin perder calidad de vida, bienestar social o democracia. El concepto estructural general del esquema consiste en dividir el área en un conjunto de pequeños islotes separados por canales y represas. Cada islote es una unidad integral que sirve como distrito local con una identidad propia. El agua es llevada a todas las áreas de Nordhavnen a través de canales que tendrán una clara presencia en todo el distrito. Ambientalmente el fin del proyecto es llevar a Nordhavnen al frente del desarrollo sustentable y promover un estilo de vida sostenible. Algunos de los medios para lograr esto son: combinar energías renovables con bajo consumo de energía y recursos; proveer de un distrito densamente construido con un sistema de transporte público altamente eficiente; y funcionar con sistemas de servicios públicos compartidos. En este distrito será más fácil caminar, usar la bicicleta o el transporte público que viajar por automóvil. Por eso el área será planeada consistentemente con base en un sistema de “ciudad de cinco minutos”. Distancias cortas de la casa al trabajo, al transporte público (tren elevado); ciclo pistas, áreas verdes, edificios públicos y áreas comerciales son características de todo el distrito. www.sleth.dk

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Torres Gemelas Datong Shanxi, China Plasma Studio Plasma Studio obtuvo el primer lugar en el concurso por invitación para el diseño de unas torres gemelas en Datong, en la provincia de Shanxi en China. El proyecto abarca 70 mil m2 de superficie repartida entre un hotel en una torre y oficinas en la otra. Al igual que otras torres gemelas, una común y popular tipología en China, estos edificios comparten áreas comunes, principalmente de uso comercial y que se ubican en los primeros cuatro niveles. El diseño de Plasma propone un edificio formado por los flujos provenientes del acceso y el paisaje urbano circundante. La doble disposición axial de estos vectores influye, en su momento, en la distribución de las conexiones internas.

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De una simple forma espejeada el cuerpo del edificio evoluciona a una dinámica formación de “ying-yang” que instaura el sistema de circuito espiral que entreteje a las dos torres en los niveles bajos. Los espacios y las conexiones crecen desde la base del edificio continuando en un circuito que se deforma y posteriormente ramifica hacia las dos torres en forma de espiral hasta alcanzar el nivel de cubierta. Los núcleos vacios de las torres contribuyen a una ventilación de bajo consumo de energía, acumulando energía solar en el invierno y sirviendo como torres de viento en el verano. Este sistema funciona en paralelo con una bomba geotérmica que minimiza el uso de energía. Adicionalmente, la fachada fue diseñada para optimizar la iluminación y regular la temperatura interna a través de sistemas pasivos que varían en relación a la actividad que se realiza en su interior. www.plasmastudio.com

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Alessi

Vanguardia clásica Cualquier cosa puede pasar por el tamiz del diseño para convertirse en objeto de culto.

Minou Gancho de bolsa, Frederic Gooris

Por Janine Porras Imágenes cortesía alessi

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o que nos ha hecho diferentes del resto de los seres vivientes es la utilización de herramientas, pero lo que nos hace verdaderamente desiguales a los humanos del resto de los primates es la utilización de herramientas con diseño, ergonómicas, bellas, singulares. Alessi es una empresa que ha contribuido grandemente a la diferenciación basada en el diseño, pues toda su filosofía está sustentada en crear objetos que respondan a necesidades específicas al mismo tiempo que se demuestra la expresión creativa internacional. El fundador de esta fábrica de diseño italiano es Giovanni Alessi quien en 1921 apostó por la manufactura de utensilios en cobre, latón y alpaca, básicamente avíos para los comensales y el hogar. La familia Alessi ya contaba con una importante labor “diseñística” en madera y metal desde sus orígenes mismos —cuando se establecieron en los Alpes italianos—, y hoy se constituyen como uno de los talleres que reúne los talentos más exitosos del mundo.

Piccantino Contenedor de chile, LPWK + Jim Hannon-Tan

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Voile Medidor para espagueti, LPWK + Paolo Gerosa

Cristal, madera, cuero, plástico, porcelana, vidrio, acero… todo material que soporte el trabajo modelado de la mano del hombre es buen material para Alessi. La función del Laboratorio de Investigación en las Artes Aplicadas es intervenir el material con tecnología, sí, pero desde la concepción de un artesano, sin perder la sensibilidad manual lo que permite un perfecto acabado. Para 2011 Alessi ha pensado en las diversas necesidades de las familias modernas, en su calidad de vida, por eso juntó a Alessandro Mendini, Kristina Lassus, David Chipperfield, Anna y Gian franco Gasparini, Gabriele Chiave, Helen Kontouris, Marcel Wanders, Giulio Iacchetti, Doriana y Massimiliano Fuksas, Frederic Gooris, Karim Rashid, Lluís Clotet, Piero Lissoni, Matali Crasset, Mario Trimarchi, entre otros, para recrear al objeto y sumarle lo “culto” con elegancia, pero sin olvidar el buen humor. www.alessi.com www.designprimario.com.mx

AJM 100 Ollas y sartenes, Morrison Jasper

Baby Portafruta en porcelana, Doriana y Massimiliano Fuksas

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diseño + empresa

Ula Light

Llegó para iluminar el mercado mexicano Por Nina Paz Fotografía cortesía Ula Light

“Después de vivir varios años en Barcelona, regresé con una amplia experiencia en el ámbito del diseño, y entonces comprobé que no había oferta de productos contemporáneos de iluminación que compartieran tecnología, servicio y sobre todo diseño, en México” Mónica Bárcena

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as empresas actuales tienen muchos compromisos por respetar, si desean ser exitosas y distinguirse en el mercado. Sus productos deben cumplir con las exigencias de calidad, el servicio y la organización deben de ser excelentes y sin duda alguna el diseño innovador es trascendental. Ula Light reúne las anteriores características y se exige al máximo todos los días, de hecho es el ejemplo de la empresa que ha apostado por el diseño mexicano bien hecho. Sus líderes Mónica Bárcena Mastretta, comunicóloga y experta en imagen corporativa, y Pascual Salvador, diseñador industrial y arquitecto interiorista, cada uno por su lado, experimentaron con materiales y formas para proyectos de iluminación. Ambos coincidieron en Barcelona, España, país de origen del catalán Pascual, y trabajaron juntos por seis años, tiempo durante el cual crearon una dupla explosiva.

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En 2005, ya en la Ciudad de México, la pareja comenzó a experimentar con algunos prototipos de muy buena calidad, pero con diseños clásicos. Decidieron emprender en el ramo, crear, innovar, desarrollar luminarias actuales con la misma calidad, así surgió Ula Light. Hoy, han crecido tanto que cuentan con diseños exclusivos de reconocidos diseñadores como Estudio Legorreta y, por supuesto, de Pascual, quien concentra en sus piezas diseño, funcionalidad y creatividad; además, desde 2007 adquirieron su propia fábrica y han satisfecho las necesidades de clientes tan importantes como los hoteles Niko, Hilton, Quinta Real y el grupo Meliá; Casa Palacio y Palacio de Hierro, Liverpool, Studio Roca, entre otros. www.ulalight.com www.pascualsalvador.com

Lámparas Cubo y Elba de Pascual Salvador

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casa glocal

casa glocal E

s una iniciativa de Comex y Glocal Design Magazine que nace con el objetivo de crear un espacio virtual único en donde arquitectos e interioristas invitados diseñen con toda libertad un espacio determinado de una casa. La única premisa en el diseño fue que se divirtieran con los colores, que los utilizaran como mejor se adecuara a su propuesta. La intención de que fuera una casa y no otro espacio, es porque comprendemos que es ahí donde el individuo realmente se expresa a sí mismo: es el reflejo de ideas, gustos, viajes, pasiones e identidades. La casa es, sin duda, el lugar en donde cada ser humano se siente bien consigo mismo y crece en todos los aspectos; en donde vive todos los colores del alma. Al invitar a los profesionales primero se investigó su especialidad. Y es por ese motivo que en esta ocasión sea Juan Carlos Baumgartner quien nos presenta su propuesta. A él se le pidió que realizara el estudio, ya que en el medio del interiorismo se le reconoce su talento en la creación de espacios para el pensamiento utilizando siempre el elemento lúdico como materia creativa.

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Juan Carlos Baumgartner Juan Carlos Baumgartner es arquitecto por la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México. Posteriormente cursó una especialidad en Historia del Arte en la Universidad de California, Berkeley, así como un diplomado en Diseño Interior en su alma Mater para después realizar un postgrado en Diseño Industrial en la Domus Academy, en Milán. En el año de 1996 se asoció con dos colegas para fundar la firma de arquitectura SPACE. Desde entonces a la fecha sus proyectos han recibido múltiples reconocimientos entre los que se encuentran el premio Iconos del Diseño, el Premio Nacional de Interiorismo, Premio a la Excelencia en el Diseño por 15 años de Trayectoria Profesional en el Interiorismo, otorgado por la Sociedad Mexicana de Interioristas y el International Federation of Interior Architects; el segundo premio en el V Concurso Internacional de Jóvenes Arquitectos organizado por la UIA, en Francia; el primer lugar en el Concurso Nacional de Arquitectura “Cinco Líneas, un Punto”, en Querétaro; el Premio de la Sección Francesa de la Unión Internacional de Arquitectos, en Perpignan Francia; fue finalista en el 12 Membrane Design Competition “Station for a Small City“ en Tokio, Japón, y finalista en el Concurso Internacional “Of Water and Ground”, en San Luis, Missouri. En la actualidad, el arquitecto Baumgartner se encuentra trabajando varios proyectos internacionales dentro de los que destacan un desarrollo de usos mixtos en Qatar, India.

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casa glocal

“Al momento de empezar a esbozar el estudio de Casa Glocal, lo primero que pensamos es en lo que necesita un lugar destinado para el esparcimiento y el trabajo. Llegamos a la conclusión que los colores ideales serían los de la tendencia “Optic Play” ya que a nuestra consideración aportan frescura al usuario final al tiempo de ayudar a los gestos geométricos con los que se prospectó el espacio, los cuales aluden un poco al deconstructivismo.”

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IC OPTIC PLAY 124 IC OPTIC PLAY 125 IC OPTIC PLAY 122 IC OPTIC PLAY 123 IC HUMAN NATURE 139

Nota: Estos colores son aproximados a los reales y pueden variar debido a los efectos de impresiรณn o luz. Para mejor referencia visita tu tienda Comex. www.comex.com.mx / Atenciรณn al consumidor: 01 800 712 66 39

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instalación

La Fuente de la Atlántida,

un homenaje al preciado tesoro del agua Por Shelsy Dí Imágenes cortesía Globo

“De entre todos los continentes posibles, se optó por dedicar esta instalación a la mítica Atlántida narrada por Platón, el misterioso continente rodeado por las aguas del océano. Pensando en esta ‘inexistente isla’ por excelencia, se diseñó la fuente de la Atlántida: una majestuosa torre de cerámica azul que ilumina el misterio del agua corriente” Giulio Iacchetti

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iulio Iacchetti es un creador ecléctico de gran talento, motivo por el cual ha producido más de 100 productos que incluyen, sillas, cuchillos, sistemas de iluminación, vasos, sofás y hasta galletas. Y en esta ocasión el también ganador del Premio Compás de Oro, nos presenta con motivo del festejo del 50 aniversario del Salón del Mueble, en la Triennale Design Museum en Milán, una instalación con varias piezas de la colección de baño Olivia producidas por Globo. El proyecto se encuentra en el interior del evento de Cerámica de Italia - Metamorfosis, el evento promovido por Confindustria Ceramica y organizado por Edi.Cer para combinar diseño, funcionalidad y rendimiento de la exposición de cerámica italiana inspirada en los caminos a través de las regiones del mundo. “Es una oportunidad para que las empresas muestren sus creaciones más originales e innovadoras y, al mismo tiempo, puede ser visto como una prueba importante en un momento como éste, cuando el mercado de la cerámica está experimentando profundas transformaciones en su capacidad para desarrollar una nueva forma de producir, diseñar e incluso concebir productos cerámicos. Al colocar en el centro algo muy preciado y valioso como el agua en un contexto geográfico mundial”, comenta Riccardo Bianchini, Director de Marketing de Globo. La instalación también se mostrará en la próxima edición de Cersaie, prevista del 20 al 24 de Septiembre del 2011. www.ceramicaglobo.com www.giulioiacchetti.com

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Glocal Design Magazine, Forma y función que toma vida Suscríbete por un año y recibe 8 ediciones Recuerda que cada una de nuestras portadas es coleccionable ya que es realizada por reconocidos talentos del diseño. Nuestro primer número correspondió a Karim Rashid. En esta edición nuestro invitado fue Ariel Rojo… Busca las propuestas de los personajes que generan vanguardia.

FORMULARIO Datos

Nombre: Apellidos: Fecha de nacimiento: Día/Mes/Año Profesión: Dirección Callé y número: Colonia: Ciudad: Código Postal: Correo Electrónico:

Tarifas México D.F. y área metropolitana México, resto de la República Mexicana U.S.A. Resto del mundo

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*Realiza tu pago en Banamex a nombre de: Color y Espacio Editorial S.A. de C.V.; Numero de sucursal: 4271 Cuenta: 0132512; CLABE: 002180427101325127. Envíanos tu información, junto con la ficha de depósito a: suscripciones@glocal.mx


diseño novel

Josué Velazquez

Creando conceptos, innovando estilos, reinventando formas “El mayor reto es que la pieza diga sin palabras quién fue su autor y dónde fue creada” Por Nina Paz Fotografías cortesía de Josué Velazquez

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e dice que un diseño justificado es un diseño no logrado, lo sabe Josué Velazquez de la misma manera en que sabe que la innovación es un compromiso que se pacta desde la formación universitaria. Este joven diseñador industrial egresado del Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey (ITESEM), y reciente ganador también estudió programación y goza con la ilustración y la pintura al óleo, sensibilidad que le añade otra perspectiva a su mundo creativo. Actualmente dirige el diseño industrial de Kadled una empresa dedicada al desarrollo y diseño de productos en iluminación en Guadalajara, Jalisco; también es el encargado de la dirección de arte de Piel Chinita, una agencia de comunicación y arte, y anteriormente formó parte del equipo de BHUBER. Josué ha hecho de su trabajo un hobby, un juego que disfruta, imagina y recrea. “Me gusta que el diseño sea simple, aunque me gusta también complicarme para que cada pieza sea un reto”. Sus proyectos personales incluyen el Hotelito desconocido, un hotel creado con base en el juego de la lotería mexicana —donde cada mueble tiene un toque de artesanía y diseño—; y el asiento temporal “La Taquera” para uso rudo, rápido y cómodo denominado por el autor “ARTE pueblo-pop”. A sus 25 años ha recibido alentadores (y estimulantes) reconocimientos a su genio creativo, en 2010 recibió el Premio Innovació de Elica Italia, una categoría especial por “De la O” un cenicero diseñado para espacios cerrados que no sólo encierra las cenizas de los fuma-

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dores sino que tiene integrado un purificador de aire para beneficio de los no fumadores. Así también la American Hardwook Export council (AHEC) Design Awards le otorgó el 1er lugar en la categoría Asiento Temporal 2011 y cuenta con una mención honorífica otorgada en el Concurso Volvo ITESM 2008. www.kadled.mx

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Jacobo Muñoz

Excéntrico, innovador y con los ojos puestos en el mañana Este artista del diseño camina a su propio ritmo sobre un camino perfectamente elegido. Por Janine Porras Fotografías cortesía de Jacobo Muñoz

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a sensualidad y la sexualidad son la inspiración hedonista de Jacobo Muñoz, la prueba viviente de que un mexicano es capaz de hacer realidad las más locas fantasías del inconsciente y compartirlas con el mundo con éxito. Jacobo es originario de Guadalajara, realizó sus estu-

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dios en Diseño Industrial en la Universidad de Arte y Diseño de Lausana, Suiza (ECAL), para luego graduarse de la Maestría en Estudios Avanzados HES-SO en Lujo y Diseño. Su búsqueda y diseños están basados en la utilización de materiales simples y buenas ideas con ciertos coqueteos con el Arte Povera o Arte pobre. Sorprende la conceptualización de la “Silla vagina” que pretende establecer un contraste entre lujo y decoración con una silla que sólo tiene sentido al sentarse sobre ella. También ha reutilizado materiales para obtener tres diferentes tipos de sillas que integran un pasado sin retocar unido a mobiliario nuevo, así creó una línea lounge recycling: la estructura de una sencilla silla con un cuerpo nuevo que la arropa, se une a un banquillo creado a partir del asiento de la primera, más un puff al que se le agrega el respaldo sobrante. La línea Luxury Pleasures, basada en la reinterpretación de juguetes sexuales, se diferencia de otras líneas porque ha utilizado, de manera audaz, temas católicos y el Génesis como inspiración. Así desfilan boquillas de plata para utilizar en velas y redirigir la cera caliente lista para caer en la piel; antifaces inspirados en estolas sacerdotales e iconografía religiosa bordada sobre ella; dildos transparentes con panes dorados en su interior; cuadernos para escribir fantasías en cuero negro… Ha recibido diversos premios como Bombay Sapphire por el “Cocktel drink glass Martini” y es uno de los mexicanos, junto con Laura Noriega, que expondrá en la sección Salón Satélite en el Salón Internacional del Mueble en Milán, Italia. http://jacobomunoz.com Luxury.pleasures.com

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view

El genio

detrás de Tron: Legacy Por Pamela Orozco con entrevista de Fernando Rovzar

Muchos de nosotros crecimos con las películas de ciencia ficción, con increíbles escenarios futuristas, autos, robots, etcétera, para el diseñador industrial Darren Gilford, la creación de universos extraordinarios, se convirtió en su vida.

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“Seguí soñando con ese mundo extraordinario, y pensé que nunca lo volvería a ver, pero un día... entré” Kevin Flynn

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ilford tiene una amplia trayectoria como ilustrador conceptual de distintos filmes: G.I Joe: The Rise of Cobra, Star Trek, Watchmen, Transformers, Aeon Flux, The Italian Job, Titanic, The Fifth Element y el más reciente Tron: Legacy.”Realmente los filmes de ciencia ficción siempre me han gustado mucho, los tengo en un nivel de diseño muy alto y que gráficamente vaya con la historia, es genial poder crear todo un mundo”. Además ha sido diseñador de producción en distintos comerciales para Nissan, Misubishi, Chevrolet, BMW y otras automotrices. Otra de sus pasiones es el diseño de criaturas, “es increíble, pero hay gente más talentosa que yo, me gusta hacerlo de vez en cuando, ensuciarme un poco y poner mis manos a la obra”. Su gusto por el diseño y la creación de mundos futuristas, lo obtuvo por películas como Star Wars y Blade Runner, sin embargo él mismo afirma que su principal influencia e inspiración es Sydney Mead, creador del diseño original de Tron de 1982; “Sydney es enorme, crecí viendo y estudiando sus libros, en la universidad fue la influencia que me guió, seguir sus pasos es un gran reto”. Aunque era un pequeño niño cuando vio por primera vez “Tron”, Darren quedó marcado con la temática y el diseño de la cinta, “recuerdo ese mundo psycho, cuando ví a Tron, se convirtió en especial para mí, es decir en el sentido que era la primer película con animación por ordena-

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dor (TGA) y el uso del “rotoscopio” era algo nuevo y utilizado por primera vez, lo recuerdo muy bien, también era una gran atracción, porque era un mundo totalmente diferente a lo que yo hubiera visto antes”. Su labor dentro de “Tron:Legacy”, junto con su equipo de trabajo, fue modernizar el concepto inicial de Syd Mead; “queríamos que estuviera relacionada con la original, la cual es muy sencilla en forma y figura, pero se ve forzada debido a la tecnología de aquel tiempo, no queríamos perder esa esencia totalmente y en el diseño actual se pueden observar las figuras geométricas de la arquitectura que son muy simples”. Trabajó junto con Daniel Simon para modernizar el concepto de la famosa motocicleta de luz (the lightcycle), basándose en los bocetos de la primer película; “¡Por supuesto!, teníamos muy claro seguir el mismo bosquejo de la primer moto de luz, y al mismo tiempo, teníamos que diseñarla toda. Empezamos a echarle un vistazo al diseño original que Sydney Mead hizo para Tron, en 1982. Y nos dimos cuenta que no había una brecha tan grande de diferencia en cuanto a diseño futurista en la motocicleta que nosotros estábamos haciendo”. Los estilos y diseños de películas como “Tron” han tenido repercusiones en los artistas contemporáneos, sólo es cuestión de ver cuántos homenajes o exposiciones en el mundo se hacen alrededor de una cinta de ciencia ficción.

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il mobile

Un poco de vanguardia…

E

A pocos días de cerrar la edición comenzamos a recibir algo l Salón Internacional del Muede lo que en este momento se está presentando en Milán. ble es, sin duda, Aquí les mostramos un aperitivo de lo que presentaremos el acontecimiento que más expectativa en la siguiente edición… causa año con año en el medio del diseño industrial aplicado. Todos los vuelos con destino a Milán fechados para principios de abril se elevan, en ocasiones, hasta en un 25 por ciento. Y este año no será distinto, pues además se festeja el 50 aniversario de la feria. Y vaya que las cosas han cambiado para bien. En 1961 el número de visitantes fue de 12,100, y en un contraste positivo, el año pasado 297,460 personas caminaron por los pasillos de la Fiera Pero/Rho. No vamos a escribir nada de lo que no tengamos conocimiento de causa, de lo que sí estamos seguros es que el eslogan “50 years young” viene más que a la perfección para una feria que ha logrado mantener su liderazgo en el mundo entero. Nos leemos en la siguiente edición con toda la información…

Mesa Field de Hector Esrawe para Pirwi

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Silla Osso de Ronan Bouroullec y Erwan Bouroullec para Mattiazzi

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Lรกmpara colgante de Christian Vivanco para Almerich

Silla de Emanuel Aguilar de la colecciรณn From DF with Love

Lรกmpara de pie de The Emotion Lab para Almerich

Vajilla de Cecilia Ezquerro de la colecciรณn From DF with Love

Lรกmpara de mesa de Christian Vivanco Alux para Almerich

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Vertikal de Marited´hyver de la colección From DF with Love

Candil Miuu de Arturo Álvarez para Arturo Álvarez

Bancas de Fernando y Humberto Campara para Klein Karoo

Lámpara Applique de Roberto Paoli para Artemide

Regader de Antonio Arico para Garage Design

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Lámpara colgante Keyra de Roberto Paoli para Murano Due

Silla Tschihold de Emiliano Godoy para Pirwi

Mesedora de Estefania Robles de la colección From DF with Love

Mesa LIVI´IT de Roberto Paoli para Fiam

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columna

Tradición, honorabilidad y arte:

3 grandes representantes del diseño Japonés

Después de la tragedia que sacudió a Japón, nos surgió la inquietud de apoyar, de alguna manera, a esta tan noble cultura. Así, le pedimos al diseñador y creador del sitio de Designaholic, Jorge Diego Etienne, a realizar un homenaje a tres de los diseñadores más prolíficos. Aquí las palabras de un apasionado del diseño…

Wall-Hung CD player Muji

A

tan sólo una semana de haber llegado a Japón viví de cerca la catástrofe del terremoto y tsunami en el noreste del país. El temblor se sintió en mucho menor escala en Osaka, lugar donde me encuentro, pero aun así ha sido una experiencia impactante ver cómo este gran país responde a una crisis de esta magnitud con una actitud positiva y de unidad. Aunque las noticias se enfoquen en la tragedia, a mí me gustaría hablar de tres grandes diseñadores japoneses de tres diferentes generaciones que hacen sonar el nombre de su país en los escenarios más importantes del diseño mundial.

Por: Jorge Diego Ettenie Fotografías: cortesía

Silla Hiroshima

Coffe & Tea maker

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Naoto Fukasawa es el diseñador japonés que más admiro… y probablemente también sea el más exitoso hoy en día. Trabajó en la consultoría de diseño IDEO desde sus inicios en San Francisco, California, a principios de los noventas, más adelante abrió una extensión en Tokio y fundó su propio estudio en la misma ciudad en 2003. Su estilo supernormal demuestra características típicas de la cultura japonesa, como lo son la sensibilidad y la racionalidad. Fukasawa ha trabajado prácticamente con todos los grandes como Vitra, Alessi, B&B Italia, Artemide, Magis, y su cd-player para MUJI, es inclusive parte de la colección de diseño del MoMA. Plus Minus Zero, una compañía creada por él siguiendo su filosofía de diseño, tiene un impresionante catálogo de productos donde se puede encontrar desde un tostador hasta un imán. Fukasawa es, sin duda alguna, uno de los personajes principales del mundo del diseño, y ha logrado colocar en alto la creatividad de su país y así como su fascinante cultura. www.naotofukasawa.com

Bancos deja-vu

Humidifer

Silla deja-vu

Silla line-up Maruni

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Think black lines

Rebbon Piggy bank

Sundial

Oki Sato abrió su estudio Nendo (plastilina) en el 2005 después de haberse graduado de la maestría de Arquitectura en la Waseda University de Tokyo. Con apenas 33 años de edad, su estudio —con un sexenio de vida— a cosechado una gran cantidad de premios, reconocimientos, exhibiciones y libros biográficos. Y no es para menos: sus diseños cuentan con un elemento sorpresa— ya sea una ilusión, una sensación o una memoria— que inevitablemente provoca una sonrisa. Nendo trabaja para firmas como Kartell, Cappellini, Maruni, Camper, Issey Miyake, Swarovski y galerías como Philips de Pury, pero su más sorprendente trabajo viene de sus producciones personales. Es en estos productos cotidianos donde Nendo inyecta su peculiar humor creando objetos como enchufes con cuernos (para poner tu celular mientras se recarga), una alcancía en forma de la nariz de un cerdo y una silla que parece flotar, por nombrar algunos. La carrera de Nendo comenzó con el pie derecho y estoy seguro que lo mejor de su trabajo aún está por venir. www.nendo.jp

Forest-spoon

Wire-chair

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La experimentación predomina en el trabajo de Tokujin Yoshioka, a quien se le otorgó el premio de diseñador del año 2011 por la prestigiada publicación A&W, Architektur & Wohnen. Su carrera inició en el estudio de Shiro Kuramata y posteriormente con Issey Miyake, y fue hasta 1992 cuando fundó su propio estudio. A sus 43 años, Yoshioka no ha parado de explorar con materiales, procesos y formas a través de sus conceptos casi poéticos (nubes, fantasmas, estrellas, lágrimas, flores) mismos que evolucionan a productos comercializados por empresas como Driade, Kartell, Cassina, Moroso, Vitra y Swarovski. Cada año, sus nuevos lanzamientos y presentaciones en la feria de Milán causan la mayor expectación entre los asistentes (mi persona incluida). Últimamente ha trabajado en instalaciones e interiorismo para tiendas de Hermes, Swarovski, Camper y Cartier, y sus exhibiciones Second Nature y Sensing Nature han impresionado a todos. Yoshioka es un diseñador japonés con una perspectiva única. A un par de días de lo ocurrido en su país, Tokujin Yoshioka mandó una carta corta pero contundente a los medios electrónicos de diseño pidiendo donaciones para la Cruz Roja de Japón. Su mensaje fue retransmitido casi viralmente en la web. Estas tres caras del diseño japonés son un claro ejemplo del espíritu creativo que prevalece en dicho país. Aunque estén pasando un momento difícil, no hay duda que este mismo espíritu los llevará a idear soluciones rápidas y eficaces a los problemas que enfrentan hoy en día. www.jorgediegoetienne.com www.designaholic.com.mx www.tokujin.com

Heaven

Snow (instalación)

Mermaid

Ami Ami

Venus (instalación)

Tokio-pop ABRIL • MAYO 2011

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diseño

Silla 200

"Mi meta con mi trabajo es generar progreso y desarrollo tecnológico, más que ganancias económicas. Lo que me interesa es dar más a la sociedad" Alberto Villareal 40

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Alberto Villareal Diseño inteligente y Socialmente responsable

Por Imeda Morales Ferrero Fotografías cortesía Alberto Villareal

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lberto Villarreal es uno de los jóvenes diseñadores industriales mexicanos de mayor empuje en la actualidad, con su talento y empeño ha logrado abrirse las puertas del mundo entero. Una vez egresado del centro de estudios de Diseño Industrial de la UNAM, realizó estudios de postgrado en el Instituto de Diseño de la Universidad de Umea (Suecia) y ha recibido más de 20 premios internacionales en la última década, incluyendo algunos de los honores más distinguidos en la industria, como son: Red Dot Luminary Design Award, iF Hannover Product Design Award, IDEA (International Design Excellence Award), Chicago Athenaeum Good Design Award, y más. Su incansable búsqueda y experimentación le han permitido incursionar en industrias y proyectos muy diversos, realizando tanto artículos deportivos o para el transporte, como productos electrónicos, juguetes, mobiliario, equipo médico, etc. En la actualidad combina su actividad profesional con la docencia y con labores filantrópicas para organizaciones como Ingenieros Sin Fronteras, además de fungir como Director de “Razón Social”, que es una organización no lucrativa representante en México de Proyect H Design. Cada nueva aventura ha dejado en Alberto Villareal una importante huella y una visión del mundo más real. Tuvo la oportunidad de colaborar para estudios de diseño tan importantes como: Pininfarina en Italia, Johnson Controls Advanced Design en Alemania, Volkswagen Design Studio México y en LUNAR (Estados Unidos y Alemania) como Senior Lead Designer, formando parte del equipo LUNAR Elements, dedicado al diseño para la sustentabilidad. Además, ha llevado a cabo proyectos para Adidas, Nike, Hewlett-Packard, SanDisk, Konica-Minolta, LeapFrog, Accuray y Pantech, entre otras, a través de ZANICDESIGN, pero hoy, su proyecto más ambicioso se llama AGENT.

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diseño

“Si vendemos creatividad tenemos que demostrarlo, somos una empresa creativa…”

Colección Move-on, proyecto de Agent

Balón Ctrus, ganador de The Best of the Best en el Red Dot Design Award. Proyecto de AGENT

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“En AGENT estamos divididos en dos unidades de negocio, una es la PULL que, como su nombre lo dice, son los proyectos que llegan de afuera, es decir, que un cliente los pide; y tenemos la área, que denominamos PUSH, que es en la que desarrollamos propuestas nuestras, sin cliente, que después tratamos de vender a otras empresas. En esa área que denominamos PUSH es donde tenemos completa libertad de proponer, completa libertad de tener nuestro enunciado allá afuera, que hable completamente de nuestra filosofía o lo que queremos para cada proyecto o producto…”

“En el Diseño tenemos muchísimas herramientas a nuestro alcance, desde las tecnológicas hasta nuevas formas de juntar fondos para financiar un producto y de difundirlo, hay una cantidad de herramientas que hace 5 años no existían, y estamos en un momento, súper interesante por eso…”

Desde su fundación, AGENT apuesta por la innovación y promociona productos como: el balón Ctrus —Red Dot- Best of the Best 2010— que revolucionará el mundo del fútbol soccer. Una serie de maletas “multi-función” denominadas Move-On que beneficiará sobre todo a familias que viajan con niños pequeños a la vez que proveerá de un asiento “exclusivo” a sus usuarios en caso de que escaseen las plazas en las salas de espera dentro de un aeropuerto. Una colaboración con Konica Minolta con la introducción de nuevos conceptos de iluminación a pequeña y gran escala Oled Lighting para las nuevas generaciones. El diseño de la Silla 200, conmemorando el bicentenario, pero emulando el enunciado: “mirar hacia adelante, dejar el pasado complejo y buscar un futuro claro.” pues sin olvidar nuestra historia, tenemos que mirar hacia adelante. Y muy recientemente desarrollaron, para una empresa finlandesa, el teléfono inteligente Twist. Y como el diseño no sólo son productos, AGENT web también fue galardonada en 2010 por la CSS que reconoce a los mejores diseñadores, agencias y bloggers de la comunidad en línea. Así, AGENT , en asociación con Michel Rojkind, surge a fines de 2009 como una empresa clave en la integración de la visión estratégica de negocios y liderazgo en el diseño, alimentada por la flexibilidad mental, la ciencia y la creatividad continua, involucrándose además en proyectos que impactan positivamente en la sociedad actual y en el medio ambiente. http://destroyafteruse.com www.zanicdesign.com

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textiles

Tejiendo la historia del diseño mexicano

Fibras táctiles

Este mes de abril el Museo Franz Mayer acoge la primer muestra de diseño de tapetes de alta calidad hecha en su totalidad por creativos nacionales. La empresa experta en tapetes Odabashian, marca pauta y trabaja con mentes inquietas logrando una puesta en escena sui géneris. Por Greta Arcila Fotografía Gabriel González

Diseño de Alfonso González Gómez

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C

uando las mentes visionarias se unen con las mentes creativas nacen conceptos únicos e irrepetibles. Y justo esto sucedió cuando el empresario Jaime Odabashian, le compartió a su amigo y diseñador Ariel Rojo una inquietud: reunir a 20 creativos mexicanos para realizar tapetes exclusivos donde plasmaran un diseño libre. Este proyecto tiene la finalidad de apoyar y exportar los productos mexicanos fruto del talento nacional. De inmediato Ariel aceptó y comenzó a hacer llamadas a arquitectos, diseñadores industriales y artistas plásticos… Las respuestas afirmativas no se hicieron esperar. Pero la historia no estaba completa, faltaba el alma organizadora, el hilo conductor que ayudaría a los diseñadores a concretar: Eugenia González, directora general de Círculo Cuadrado, quien después de haber realizado un ejercicio similar con Nouvel –hace cuatro años con gran acogimiento por profesionales y público en general–, sin duda era la persona indicada para liderar senda organización. Así, por fin, estaba el equipo completo: empresa, creativo y dirección. Y se comienza a tejer la historia, pero primero lo primero: ¿ quién es Jaime Odabashian? La cabeza actual de la cuarta generación de una familia Armenia que llegó a México, por casualidad, sin nada en los bolsillos, sin embargo, gracias al préstamo de dinero de un paisano en 1921 abrió su primer tienda en la calle de Bucareli en la Ciudad de México ofreciendo el servicio lavado de alfombras persas. El negocio prosperó y pronto estaban vendiendo alfombras. En pocos años se establecieron en la calle de Insurgentes casi esquina con Reforma, lugar donde aún encontramos la casa matriz de esta empresa. Después de conocer todos los puntos en donde podían mandar a hacer piezas a la medida de sus clientes, el negocio tenía que crecer. Comenzaron a realizar sus propios diseños y la gente valoró, cada vez más, la calidad que ofrecían. Años después, ya con Jaime al frente, el mercado hotelero les cambió la perspectiva: comenzaron a crear tapetes de autor. En la actualidad, podemos encontrar sus tapetes por todo el mundo ya que con ubicaciones estratégicas como Dania, Florida (1979) y Boca Raton, Florida (1983) y claro, su sede, Ciudad de México, han podido embarcarse en grandes proyectos.

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Diseño de Joel Escalona

Los tapetes Odabashian son considerados uno de los mejores en el mundo porque reúnen en una pieza la técnica tibetana con más de tres mil años de tradición, los materiales —que bien pueden provenir de Nueva Zelanda, Egipto o India—, y el aspecto más importante: la factura humana Nepalesa que anuda día con día miles de hilos. Reunir y seleccionar al talento que conforma Odabashian no fue una labor sencilla. Se pensó en quienes han generado y generan conceptos, en quienes aceptarían salirse de su área sólo por el afán de crear. Fueron veinte los invitados, hace más de un año, a Insurgentes 34. Estaban sentados todos: Juan Pablo Serrano Orozco, Aurelio Vázquez Durán, usoarquitectura, Andrés Mier y Terán, Paul Cremoux, Productora, Paola Calzada Prats, Gonzalo Tassier de la Maza, Ariel Rojo, Jorge Cejudo, Adolfo González Gómez, Manuel Álvarez Fuentes, Benito Cabañas Aguilera, La Jabonera, Emiliano Godoy, Igloo Design, eos México, Joel Escalona, Ximena Pérez Grobet y Jan Hendrix, y el invitado especial, Teodoro González de León. Ahí, Jaime Odabashian les explicó técnicas, tejidos, telares y todo lo necesario para que cada uno realizara su diseño. A la invitación no podía faltar el director del Museo Franz Mayer, el ferviente promotor del diseño Héctor Rivero Borrel, quien hoy recibe en su “casa” esta ambiciosa maquinación creativa (exposición curada por Renata Becerril con museografía de Lorenzo Álvarez y Lorenzo Díaz). Hoy el proyecto es la manifestación viva de que en México sí se logran iniciativas antes sólo vistas en países del llamado primer mundo. Hoy —y lo digo con emoción— somos testigos de un proyecto que une al talento de manera inédita. Hoy se enlazan conceptos, pero lo más importante: se teje la historia del diseño mexicano. www.odabashian.com

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Diseño de Ximena Pérez Grobet

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Diseño de Paul Cremaux

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dónde

Showroom MS

20 años de trayectoria como interioristas los avalan Por Nina Paz Fotografías cortesía Martínez & Sordo Showroom

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“Una historia entre lo uno y lo diverso, entre la tradición y la subjetividad, prestando atención a la originalidad, la ruptura, el uso de nuevas tecnologías” MS

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uan Salvador Martínez y Luis Martín Sordo tras 20 años de experiencia en el diseño de interiores esperan a todos los amantes del interiorismo y los detalles que hacen único y propio lo habitable, en Altavista 147, Boutique mall, Ciudad de México. En este espacio, que se ha convertido en el hogar del oso Fredo, el visitante podrá encontrar el resultado de años de búsqueda de explotar la imaginación, de sensibilizarse ante cualquier elemento, de buscar respuestas. Por ello Showroom MS recibe al visitante con un catálogo completamente renovado en donde cada esquina, literalmente, ofrece algo al espectador: desde lo clásico a lo moderno; no hay negros ni blancos, sino una rica escala de grises. El despacho MS, en conjunto con Rodrigo Fernández, se encargó de iluminar un corner con la firma de iluminación DIEZ, sumando aciertos uniendo talentos. Cabe destacar que DIEZ trabajó una colección exclusiva by MS, piezas creadas en armonía con el despacho de diseñadores. De igual manera está presente la editorial francesa Assouline especialistas en libros de arte, diseño, moda… que no sólo han tratado con pericia los temas artísticos, sino han conseguido que sus libros sean considerados objeto de arte. Showroom MS da muestra de la extraordinaria capacidad de asombro de sus creadores, así el despertar de los sentidos cierra con una línea de chocolatería y pastelería boutique creada con elementos de primera calidad. Vista, tacto y gusto se verán complacidos en este maravilloso lugar. ¡Enhorabuena! www.martinez-sordo.com

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vivienda

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El Nido Tejido La búsqueda por una sinuosidad purista da como resultado una casa en donde los materiales nobles se enaltecen en pleno estado de silencio. Atmos Studio nos muestra el porqué la continua experimentación lleva al arquitecto a vislumbrar su plenitud creadora… Por Alfonso Maldonado Imágenes cortesía Atmos Studio

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on alma cosmopolita este hogar londinense, diseñado para una actriz y un músico, se acomodó cuidadosamente entre edificios y vistas integrando mobiliario fijo en cada superficie disponible. Las restricciones, tanto en su planta como en su planeación, generaron una compleja serie de espacios entretejidos, avivados por luz e interconectividad. La volumetría fue generada a partir de la ubicación en la calle comercial en que se encuentra, meticulosamente colocada fuera de visión para obtener el permiso para un nivel adicional mediante un espacio abierto colocado al frente y oculto entre la hilera de edificios catalogados. Una cubierta invertida de dos aguas se inclina desde una zona de muros bajos que recibe a los visitantes hasta el extremo posterior con muros altos donde se encuentra la escalera. La sección en “V” se repite en planta

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para dar espacio a una pequeña terraza entre las fachadas antiguas y la nueva. La paleta de materiales y colores refleja el interés del cliente en la economía, moderación e inventiva japonesa otorgándole un sentido de sorprendente amplitud a pesar de sus límites tan acotados. Los espacios en cuartos contiguos son constantemente negociados ofreciendo una multiplicidad de perspectivas y direcciones. Mediante el uso de espejos estas vistas son multiplicadas —aún más— e invitan a la exploración visual al tiempo que dan una continuidad máxima entre las superficies del mobiliario fijo y el espacio, otorgándoles una sensación aún mayor de elongación que los vuelve más interesantes. La casa se ensambla en torno a una escalera central con detalles en madera que se fugan hacia la luz. Hacia la derecha algunos espacios se insertan en ella como el área de almacenaje del baño y la base del escritorio,

mientras que del lado opuesto se abre en abanico hacia la sala donde se convierte en superficies para sentarse o en anaqueles. En la planta alta las verticales de la escalera se doblan para transformarse en trabes que se desplazan hacia las habitaciones colindantes. Sus líneas fluyen para formar un escritorio y entrepaños en el estudio doblándose junto con la duela para ocultar a la cama dentro de una plataforma en el piso. La mesa baja en la ventana funciona como banca y área de guardado en el exterior y vuelve a entrar para servir como cubierta del lavabo. La misma superficie continua después a lo largo del baño para regresar como planos facetados hacia la recamara hasta perderse en el muro de la escalera. La casa se define así como una superficie unificada de mobiliario fijo que entra y sale, cierra y abre para alinear a los espacios y las vistas hacia el cielo. www.atmosstudio.com www.glocal.mx


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Una familia creativa logró hacer de mapas y líneas, un espacio apto para aprender y divertirse con la historia.

Trazos de historia Por Pamela Orozco Imágenes cortesía eos México

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l museo de la Ciudad de Guadalajara presentó una exposición fuera de lo común “Trazos y Trazas de Guadalajara, Símbolos, Estética y Funcionalidad”, utilizando de manera original los “Mapas Mentales” para mostrar al espectador la complejidad del trazo urbano de una ciudad tan grande. Este concepto museográfico, creado por el arquitecto Leonardo Lara, nace de la idea de generar un sistema visual que además de ser novedoso, capte la mirada del público y sea fácilmente entendible, ya que en muchas ocasiones el sólo ver mapas o planos antiguos hacen que el público pierda interés sobre la historia. En esta exposición, se concentraron por primera vez diversos materiales cartográficos y documentales que describen el desarrollo histórico y urbano de Guadalajara, se logró albergar en un mismo techo documentos importantísimos de la fundación de Guadalajara que incluso vinieron en préstamo desde España del AGI (Archivo General De Indias, en Sevilla).

“El color negro del mobiliario, los muros y los techos de toda la exposición y museografía, surgió de un análisis en el que reflexionamos que cuando niños aprendimos los primeros conceptos de nuestra vida en pizarrones negros” eos México

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El diseño gráfico estuvo a cargo de Javier Hernández quien hace uso de los coloridos mapas mentales que guiaban al visitante dentro de la muestra dependiendo del tema, época y tipología que desea observar. Sebastián y Mauricio Lara, de eos México, fueron los encargados del mobiliario de exhibición, a lo que mencionan: “el diseño de las vitrinas fue generado a partir de líneas clásicas y conservadoras manejadas con carácter contemporáneo”, con la finalidad de destacar la importancia de los documentos que se exponen en su interior. Tres salas formaron parte de la distribución de esta exposición, la primera contiene: “La Fundación”, seguida por “La conformación

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urbana”, La configuración de los barrios” y “El establecimiento de garitas”; en la tercera se localiza: “La Reforma y las primeras industrias”, “Las colonias”, “La reestructuración de la traza” y “Las palabras de la ciudad”. El recorrido termina con la proyección de un video, donde se puede ver el crecimiento progresivo de la ciudad en un espacio con cortinas negras de piso a techo, con el fin de que la gente siga en la misma atmósfera de la exposición. Sin duda, este trabajo comprueba el porqué la familia Lara es una de las más respetadas en Guadalajara: por el don de generar espacios y conceptos. www.eosmexico.com

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Frank Havermans 1:1 Tamaño real MS’s 58

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El mundo puede explicarse en matemáticas y la arquitectura delinearlo, hoy el holandés Havermans nos expone el cómo

Por Janine Porras Fotografía cortesía Frank Havermans

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l museo de arte moderno de ‘s-Hertongenbosch, como le llaman los holandeses —o Bolduque, como se conoce en este lado del mundo—, Museo Stedelijk, sirvió de escenario al arquitecto holandés Frank Havermans para transgredir el inmaculado espacio blanco con la finalidad de crear y mostrar cinco diferentes piezas de su autoría. Una de ellas, la que más cautivó, para resguardar y exponer la colección de cerámica Van Haaren a manera de contenedor. Invitado por el director del museo, Ann Goldstein, Havermans trepó una pared interrumpiendo el paisaje museístico con una pieza que utiliza madera reciclada y que se corta a si misma en bloques repetitivos encontrando un orden en el caos. El arquitecto asegura no haberse inspirado en la cerámica propiamente, sino en la manera de presentar este tipo de objetos donde el espectador sólo busca la ficha técnica y, gracias a su exhibición, no encuentra mayor interés por las piezas, los colores, las texturas. De la serie KAPKAR, el VH-55 forma parte de 1:1 (tal como se titula la instalación-muestra-exposición). Cuatro ganchos se aferran a un muro y sostienen la estantería sobre la cual descansan las piezas de 1950 y 1960. Siguiendo la misma filosofía de la serie, esta pieza surge masiva, como un gran bloque apuntalado, claroscuro, rugoso, al mismo tiempo que, con ligereza, flota sobre el suelo. Havermans acompañado únicamente por las piezas tan variadas como diferentes de Lucio Fontana, Zaalber Meindert, Hans Coper, Rie Lucie y Bernard Leach da un nuevo sentido a las obras que reunió J. W. M. Van Haaren; mientras las cerámicas delicadas al tacto se contraponen a la estructura arquitectónica que las sostiene, el armazón recuerda sus obras y piezas de hormigón como la que sobresale en Rijsingen, pero a diferencia de aquel observatorio, la VH-55 puede desinstalarse fácilmente y colocarse en otro sitio. Adicionalmente y como parte de 1:1, Havermans creó en 2008 un cinema para dos llamado TT-C2P de la misma serie, recibido con agrado por su interacción con los visitantes. Arte, arquitectura y espectador encuentran en estas “construcciones arquitectónicas” un espacio inmediato, aleatorio, estructuradamente desordenado y habitable, sin importar su escala. Exhibición presentada hasta el 8 de mayo. http://frankhavermans.nl www.sm-s.nl ABRIL • MAYO 2011

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“La inspiración no proviene de la cerámica por si misma, sino de cómo lidiar con ella”

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Salon du Fromage Abandonando los convencionalismos Salon du Fromage abre sus puertas a los amantes del queso, de lo nuevo y las sorpresas. Por Alfonso Maldonado FotografĂ­as cortesĂ­a Kotaro Horiuchi Architecture

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El taller Kotaro Horiuchi Architecture es el responsable de realizar una tienda en donde el queso es el protagonista. Con una lectura limpia, replantea sinuosas formas de este producto lácteo logrando un proyecto por demás interesante.

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i en una ciudad saben cómo degustar quesos con un buen vino es en París. Y es ahí en donde nos encontramos con un muro de superficies curvas que fue diseñado para envolver suavemente el espacio en planta baja y el primer nivel de un edificio existente del siglo XVIII en la ciudad Luz. Mediante incisiones en su superficie se generan los espacios para exhibir y vender quesos en el nivel de acceso y consumirlos en el piso superior cambiando integralmente el espacio a las características cavidades del queso. En el angosto espacio del piso inferior los cilíndricos nichos refrigerados de diferentes diámetros y alturas exhiben las 350 variedades de queso en un espacio que permite a los clientes recorrerlos para conocer sus cualidades individuales, los cuales además pueden ser escogidos para disfrutarse en el restaurante subiendo las escaleras. El comedor, integrado a una cocina abierta, ha sido diseñado para ofrecer diversos eventos como seminarios y degustaciones de quesos y vinos, así como clases de cocina. Cuando opera con servicio de restaurante los clientes pueden degustar vino mientras disfrutan de una raclette o un fondue.

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Las sillas blancas y negras creadas por Kotaro Horiuchi para el Salon du Fromage están formadas por 4 cuadrados de 45 cms por lado y un espesor de 3 mm en fibra de vidrio, la cual les da la fortaleza necesaria para su uso. Las mesas, ejecutadas en el mismo material, están perforadas con orificios de diferentes dimensiones que puede ser usados para colocar floreros, una parrilla de raclette, ollas para fondue y copas de vino.

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Las lámparas continúan la estética de las mesas y como consecuencia de sus perforaciones irregulares proyectan interesantes patrones de luz y sombra en la habitación. Construidas a partir de una sola pieza de Corian de 6 mm de espesor, sin ningún tipo de junta y con sus vértices suavizados contribuyen a una experiencia amable a la vista. http://kotarohoriuchi.com

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Un material como el Corian, con tanta maleabilidad, colores y transparencia, hacen que este proyecto sea atrevido, divertido, pero con mucha propuesta.

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Capilla de la Asunción Por Alfonso Maldonado Fotografías cortesía John Doe

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En un edificio que data de 1959, original de Noël Lemaresquier, quien fuera discípulo de Le Corbusier, John Doe tuvo la oportunidad de realizar el interiorismo y trabajar de la mano la arquitectura con 3Box. El resultado: un espacio que entiende luz, volumen, color y forma.

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ohn Doe, el estudio de diseño creado por Grégory Lacoua y Jean Sébastien Lagrange a redefinido el interiorismo de la Capilla de las Carmelitas de la Asunción en Paris. Una capilla pensada desde origen como un gesto arquitectónico por Noël Lemaresquier pero que rápidamente se volvió impráctica tras la canonización de Santa Marie-Eugenie de Jesús, fundadora de la congregación y que provocó una inmediata oleada de visitantes que hacían necesaria una reorganización. Un reto de diseño que las monjas no dudaron un segundo en conferir a diseñadores contemporáneos. El equipo de arquitectura de 3Box estuvo a cargo de la reconversión de la capilla, modificando la recepción y circulación de los peregrinos, mientras que la dupla de John Doe se enfocó en el mobiliario litúrgico: bancas, reclinatorios, altar, pila, tabernáculo y sirio; una gran variedad de tipologías muy alejadas de los usos domésticos y que los diseñadores manejaron con gran precisión en su primera comisión de gran escala. Los autores se concentraron en un pequeñísimo desfase de 2 cm entre los niveles y los soportes para dibujar una distinción en el lenguaje formal y que las monjas de inmediato aceptaron como la mejor solución para el espacio. La pila, el altar y las bancas levitan visualmente como consecuencia de esta decisión.

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Las impecables bancas fueron diseñadas en roble para permitir grandes claros que resolvían otras limitantes, empezando por la oración de los corazones, una oración que se realiza cara a cara y que es una de las peculiaridades de la orden. El centro de la capilla está, por lo tanto, reservado a las religiosas mirándose unas a otras, mientras que los feligreses se ubican en la periferia. Los asientos están distribuidos conforme a diferentes módulos: sillería para las monjas (con o sin espacio de almacenaje para salterios y biblias) junto con tres tipos de bancas con y sin reclinatorio para los fieles. El altar de granito negro de Zimbabue que contiene una reliquia de Santa Marie-Eugenie, ha sido diseñado con el mismo cuidado obsesivo que le da la apariencia de haber estado siempre ahí. Una placa de piedra pura elevada sobre el nivel del piso es el resumen perfecto del altar reducido a su función primaria. La pila está hecha de piedra de Auberoche y por la suavidad de sus líneas se vuelve una simple gota posada en una piedra. Capaz de contener un litro de agua, es tan funcional como mínima y delicada. www.johndoestudio.com

El altar de granito negro de Zimbabue, que contiene una reliquia de Santa Marie-Eugenie, ha sido diseñado con el mismo cuidado obsesivo que le da la apariencia de haber estado siempre ahí

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Por Marcos G. Betanzos Correa FotografĂ­as cortesĂ­a SOM

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“Hacer un proyecto religioso en un país como Estados Unidos que tiene una gran diversidad en el tema, obliga a generar estrategias de diseño mucho más precisas”, Javier Arizmendi, Director Asociado de SOM, hoy nos expone la manera en cómo cada elemento es único pero está en pleno diálogo con toda la obra.

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odo lo que puede representar un edificio de culto religioso es un caleidoscopio de sutiles evocaciones y mensajes precisos que muy pocas arquitecturas pueden exaltar con sus intenciones de diseño. The Cathedral of Christ the Light de Oakland, California diseñada por la firma internacional Skidmore, Owings &Merrill LLP (SOM) da una lección clara de diseño holístico donde nada ha quedado dispuesto al azar.

ORIGEN DE LA LUZ Surgido de un concurso internacional donde resultó ganador el despacho del arquitecto Santiago Calatrava, esta iniciativa buscaba establecer un nuevo referente religioso para la diócesis local; sin embargo los motivos y argumentos abundaron para que nunca llegara a su término la idea gana-

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“Sin duda fue algo afortunado que nuestra propuesta fuera retomada y valorada para su realización. Esto nos ha permitido que se abran oportunidades de trabajo similares en el estado de California.”

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dora que era poco flexible a cambios y ajustes presupuestales. Entonces se recurrió a la propuesta merecedora del segundo lugar obtenido por SOM, con ello se buscaba rescatar una propuesta valiosa que representaba una forma más sencilla de trabajo pero no por ello más simple. Su concepto rector se dividía en dos vertientes principales: por un lado la presencia de la luz como elemento protagónico en el espacio interior y por otro la geometría simbólica del Vesica Piscis, un símbolo for-

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mado por dos círculos del mismo radio que se cortan de manera que el centro de cada uno de ellos se encuentre sobre la circunferencia del otro produciendo una silueta de un pez. Javier Arizmendi (AIA), Director Asociado de SOM con sede en San Francisco, conversó con Glocal para explicarnos que parte de las estrategias que se siguieron en el diseño fue privilegiar un espacio menos canónico en su distribución espacial, por lo cual se renunció al esquema traABRIL • MAYO 2011

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dicional de cruz latina para la nave principal y las capillas que secundan el recinto. Con esta intención se trabajó con materiales contemporáneos que brindan además un lenguaje renovado al quitar la solemnidad, el carácter monumental y monolítico, tradicional en la arquitectura religiosa. Los materiales que integraron la realización del proyecto son un basamento de concreto colado in situ que integra los servicios, los accesos del edificio principal y la solución de los edificios secundarios; una estructura de madera que forma la nave principal y que se convierte en el principal protagonista al ser el filtro de luz durante el día y cobijar todas las actividades de los fieles. Coronado por un óculo oval que remarca el simbolismo empleado en la forma y una piel de aluminio cumple la función de proteger el volumen principal y dar una imagen singular dentro del contexto, así como enfatizar el concepto de luz durante la noche al proyectar una imagen de gran carga simbólica en la fachada. Importante resulta el trabajo que realizó el despacho con su equipo para desarrollar temas vinculados al diseño industrial, diseño

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“La arquitectura busca entablar un diágolo con el contexto y mostrar su propia identidad, respetar la importancia de la ciudad y contemplar su diversidad racial.”

gráfico, arte y el diseño interior, ya que del concepto de luz y de la paleta de materiales utilizada se concibió un lenguaje unificado que es evidente en el mobiliario, el altar, los confesionarios, la pila bautismal, las puertas de acceso y la imagen del Cristo (generada por una fotografía procesada a través de un patrón algorítmico que definió una secuencia de perforaciones de diferente tamaño que al verse a contraluz producen la imagen original gracias al juego de opacidad y transparencia). Por el día este icono es apreciado por el interior, mientras que por la noche, gracias a la presencia de la iluminación, es visible desde el exterior con una cualidad más etérea y por ello mucho más mística. Propositiva pero al mismo tiempo serena y apacible esta obra sale del corporativismo acostumbrado para evidenciar procesos que intentan emular lo artesanal y con ello volver al origen de la fe misma, la esencia de las cosas y la sencillez de un espacio litúrgico. www. som.com ABRIL • MAYO 2011

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enfoque

Matali Crasset

Lรกmpara Rhizome

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Roots rug

Por Greta Arcila y Rodrigo Fernández Fotografías cortesía Matalí Crasset

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a oportunidad de establecer un vínculo con Matali Crasset se dio en el momento en que DIEZ le pidió el diseño de su stand para Maison & Objet en septiembre del 2010, el cual sin duda fue uno de los más gustados. Así, en conjunto con Rodrigo Fernández, director creativo de la firma mexicana, preparamos una entrevista en donde Crasset pondera la importancia de la libertad creativa así como el trabajo en equipo. No se ve ella sola trabajando: necesita jugar y experimentar, para después crear objetos o espacios en donde lo lúdico siempre está presente.

Amante del color, la naturaleza, los animales y de la vida misma, hoy presentamos a una Matali Crasset en plena madurez. Una diseñadora que ve al diseño como un manifiesto de una vida.

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¿Quién es Matali Crasset como diseñadora? ¿Cuál es tu mensaje para el Mundo del Diseño? A esta pregunta más allá del diseño, prefiero responderla con “quién” y “con quién”. “Quién”: más allá de la función que es un mínimo, veo cada vez más este comercio a través de los proyectos que llevo, como una partera, una partera calificada. Y cada vez menos para dar forma a la materia —la estética—, sino más bien para salir, unirse, organizarse en torno a valores comunes y las intenciones, sus vínculos y su conexión en red en la colusión, la sociabilidad. En la mayoría de los proyectos en los que estoy trabajando actualmente busco resaltar esta dimensión del trabajo en equipo y colaboración. Creo que en los recientes proyec-

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Joyería de la serie Le Buisson. Pieza inspirada en Louise Brooks

In vino veritas

tos Maison des Petites en 104, París, las casas silvestres de Vent des Forêts en Fresnes au Mont en Meuse, en la escuela La Bié en Herbe en Trebedan, Gran Bretaña con la Fundación de Francia, en el restaurante Loudun en Viena o Dar’hi en Nafta Túnez o con Cédric Casanova y los aceites de oliva de Sicilia en Belleville; existe una dimensión de crecimiento local que me interesa mucho. Es evidente que la contemporaneidad ya no es patrimonio exclusivo del mundo urbano. Por supuesto, yo también diseño objetos, pero los objetos no son ni el centro ni la finalidad del proceso creativo. Es una actualización entre otras posibilidades (escenografía, arquitectura, exposiciones ...) a la vez determinado, un sistema más amplio de pensamiento. “Con quién”: el diseñador no sólo los proyectos. Yo no soy una artista, aún cuando tengo un pensamiento independiente. Tengo el gran placer de enfrentarme a las fuerzas de la costumbre, de integrar las limitaciones y de trabajar a partir de ellas. También me gusta el desarrollo de complicidad con diferentes artistas, como Peter Halley, Mzryk & Moriceau o los dueños de Hi hôtel, Patrick Elouarghi et Philippe Chapelet. En tu carrera ¿Cuál ha sido tu mayor fracaso? No hay errores o malos proyectos. Hay colaboraciones que facilitan. Siempre he pensado que mi trabajo debe ser abierto, abierto a los demás, trato de dejar espacio para la experimentación en el uso, abierto a colaboraciones.

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Joyería de la serie Le Buisson Botella Spoon naturaleza interna

En la experiencia de trabajar con Stark ¿Cuál fue tu mayor lección? En primer lugar una oportunidad increíble. Me uní a la agencia en enero de 1993 cuando se puso en marcha el proyecto Thomson Multimedia, sin duda uno de sus grandes proyectos de diseño industrial. Durante cinco años fui la intermediaria entre Starck y Thomson Multimedia con el entonces jefe de la estructura de diseño integrado, Tim Thom. La desmesura del proyecto, el rediseño de todos los productos de las tres marcas dieron la increíble libertad de proponer, de diseñar... Pude ver funcionar su trabajo excepcional, su capacidad de análisis, su comprensión de los proyectos y formas y también su brillante don de síntesis, es decir, su capacidad de identificar el potencial de cada proyecto. Este proyecto fue una verdadera revolución cultural dentro de Thomson y también una aventura humana, para quienes formamos parte del equipo de Tim Thom. También tuve la oportunidad de hablar a profundidad e intercambiar verdaderas reflexiones con Starck acerca de la tecnología, las interfaces y el diseño, estos intercambios me nutrieron. Muchas gracias Starck.

Dormitorios popspace

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¿En qué proyectos estas trabajando actualmente? Actualmente trabajo en diferentes proyectos: • En Escocia casas, cabañas, un centro de arte contemporáneo en el Mosa, bosque viento. • Una comisión pública de lámparas de la catedral de San Benigno en Dijon.

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• La renovación de un cine independiente en Saint Germain des Pres en París. ¿Cuál es tu consejo para los estudiantes de diseño en el mundo? La curiosidad, la apertura al mundo sigue siendo el mejor consejo. En el marco de Maison et Objet ¿Crees que el diseño francés esta evolucionando o reinventándose? ¿Podrías nombrar algunos diseñadores franceses que admiras? Doy las gracias a Philippe Starck por las puertas que se me abrieron. Voy a mencionar afinidades electivas: Bruno Munari, Enzo Mari, Joe Colombo, Angelo Mangiarotti. Denis Santachiara ... y Nanna Ditzel. Descubrí su obra relativamente tarde, pero me siento espiritualmente cerca, sus áreas de intervención fueron más limitadas por ser una mujer de diseño hace 50 años, sin duda no tuvo la libertad que tengo. Considerando que haz visitado en varias ocasiones nuestro país, cuál es tu percepción de la arquitectura y el diseño en México? Lo conozco más o menos. Recuerdo haber visitado una casa particular de Luis Barragán en la que el agua de la piscina, un poste, y el color creaban armonía y un espacio mágico, una sensación de profundidad, ligereza y bienestar. Si no fueras diseñadora ¿Qué serías? Jardinera. Sabemos de tu preocupación como d i s e ñ a d o r a p a r a c r e a r p r oye c to s amigables con el medio ambiente. En relación con esto, ¿Qué nos puedes contar acerca de su proyecto Dar’Hi- Nefta? Dar’hi es una casa de huéspedes que entiende la cultura del oasis. Es un refugio y es abierto al mismo tiempo. Un retiro para poner el cuerpo y la mente al unísono y apreciar la cultura tunecina y la vida en el oasis. Es un lugar en el que se pierde el ritmo de la ciudad y rápidamente se olvida todo. Nafta tiene la capacidad de absorbernos, una ciudad fortaleza en la que no ha cambiado nada y se puede regresar a lo básico. Es un proyecto que se ajusta a la extensión de mis colaboraciones con Patrick Elouarghi y Philippe Chapelet con quien ya he hecho el Hotel de alta en Niza, mas tarde, la playa HiBeach y con los que trabajo en el proyecto hotelero Hi-matic en París que abrió sus puertas esta primavera. Realicé todo el proyecto de construcción — esta es mi primera arquitectura— los detalles de todos los elementos. El proyecto se ha realizado exclusivamente con recursos locales. ABRIL • MAYO 2011

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Instalaciones de la Maison des Petits

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Se puede apreciar que los objetos que haz diseñado para Moustache existe una expresión de alegría ... ¿Cuál es la razón? ¿Nos podrías decir que sigue una línea de “marca” (un “editorial” de la marca Moustache en particular)? Creo que si yo pertenezco a una familia de diseñadores, es a la que quiere que las cosas sucedan!. Alrededor de “Moustache” la idea es proponer proyectos que nos unen y forman una serie coherente manteniendo la especificidad de cada uno. Cada objeto tiene un concepto específico, pero juntos son portadores de una imagen. Esta idea trae una riqueza de diseño y la variedad de la personalidad de los diseñadores relacionados y ofrece una opción de compra y uso para el usuario. Mi enfoque es trabajar para la gente. Yo no hago un proyecto para mí, o decir “yo”, lo hago porque tengo la intención de dar a través del objeto o el espacio. Para los proyectos desarrollados para Moustache, la idea es proporcionar cambio a las estructuras, no ser bloqueado por los códigos de función. Se trata de inventar su vida diaria. La silla junto a la chimenea “silla

inmediata” o la “mesa de ping inmediata” se han diseñado desde el caballete. Diseñe las juntas para que puedan ser fácilmente montadas y desmontadas. ¿Cómo te las arreglas para obtener la combinación de paleta de colores o el color siempre tan alegre y armónico? Tengo un proceso muy intuitivo con el color. Yo lo uso como una herramienta para ayudar a entender la lógica del espacio y, por tanto, para lo que la gente lo utilice. Es una herramienta que todo el mundo entiende, porque todos tenemos una relación muy simple y directa con el color. La relación que tenemos aquí con el color es muy despreciado ya que las normas sociales lo han excluido. Yo trabajo con códigos, por lo que el color es un aliado. ¿Cómo hacer para establecer vínculos con empresas de la industria del diseño para alcanzar un nivel de fama internacional? Una mezcla de suerte, persistencia y trabajo, sin duda. Me he sentido como empujando desde que decidí convertirme en diseñadora. www.matalicrasset.com

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evergreen

Transparencia y dinamismo Una oficina debe de pregonar con su espacio lo que es en sí misma y lo que aporta a la sociedad. Con esto en mente, Prodigy MSN invitó a un taller que se ha caracterizado por realizar proyectos que hablan de identidad en todo momento Por Ilena Martínez Fotografías cortesía Space

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oy en día la sociedad de la información está en constante expansión y crecimiento y una empresa como Prodigy MSN lo comprende —y vive— en su totalidad. Por este motivo y porque necesitaban expandirse, buscaron a un taller de arquitectura que comprendiera la esencia de la empresa. Así, llegaron a Space, equipo que desarrolló un proyecto en donde el tema ecológico era parte primordial, a lo que Juan Carlos Baumgartner, su lider, señaló en entrevista: “MSN deseaba tener un espacio único que reflejara la cultura de transparencia y dinamismo de la marca, y que además fomentara la comunicación entre sus empleados, lo anterior realizarlo de la forma más responsable posible con el medio ambiente”. En las nuevas oficinas de 800 m2 —establecidas en el gran conglomerado corporativo de la Ciudad de México: Santa Fe—, el concepto fundamental fue realizar un proyecto con certificación en Leadership in Energy & Environmental Design (Leed) con el presupuesto de un proyecto típico al tiempo de maximizar el confort de los usuarios. La manera en que lo resolvió Space fue generando espacios abiertos: “Las salas de juntas y áreas privadas fueron cerradas con cristal para darle privacidad a los usuario sin interrumpir el paso de luz, además, los muebles son bajos y tienen una mampara translúcida dando la sensación de transparencia”. En lo refente a la iluminación, ésta se dio de manera natural gracias al emplazamiento del edificio: frente a un amplio parque que evitó barreras visuales, lo que permite que todas las zonas de trabajo gocen de luz natural y de vistas exteriores, y además, ahorrar 30% de consumo energético. Espacialmente, existe una “caja de luz”, por un lado, otorga jerarquía a las oficinas de los directivos de la empresa, y por otro, rompe con los ejes de composición que evita la simetría y da movimiento visual al espacio. Esta caja es de cristal serigrafiado y permite la privacidad tanto visual como acústica y sus gráficos evocan árboles semejando un patio central cuyos espacios se desarrollan a partir de él para lograr una analogía de interiores verdes. Existe un manejo muy interesante en las alfombras, menciona Baumgartner: “Las alfombras también las diseñamos nosotros. Los colores y las formas geométricas son de acuerdo a la disposición espacial de cada proyecto, de está forma logramos que cada uno tenga su identidad propia”. Para minimizar los contaminantes interiores, existe una pequeña zona de recolección de materiales reciclables que evitan la acumulación de basura; los materiales son separados en ABRIL • MAYO 2011

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“Las salas de juntas y áreas privadas fueron cerradas con cristal para darle privacidad a los usuario sin interrumpir el paso de luz, además, los muebles son bajos y tienen una mampara translúcida dando la sensación de transparencia” Juan Carlos Baumgartner

diversos contenedores: orgánico, cristal, metal, plástico, cartón, papel, pilas y toners, fomentando una cultura de recaudación apropiada de materiales altamente contaminantes y aminorando el impacto ambiental que estos desechos generan al ser tirados al aire libre. Las pinturas, selladores y pegamentos utilizados en el proyecto cuentan con un bajo o

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nulo de compuestos orgánicos volátiles, llamados VOC´s, además se evitó el uso de Formaldehídos, impidiendo así la contaminación del aire interior. Sin duda gracias al cuidado de cada detalle, las oficinas de MSN cumplen con su cometido, respetan al medio ambiente con transparencia y dinamismo. www.spacemex.com www.glocal.mx


pie de foto

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Lo diferente, lo inusual, el a je ne sais quoi francés: Le Royal Monceau Raffles París Un lugar diferente, un lugar con historia, un lugar que contiene el espíritu francés y la elegancia parisina. Por Janine Porras Fotografías Philippe Garcia/LaSociétéAnonyme

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escatar el antiguo brillo de un palacio sin retirar toda su pátina representa un gran reto. Qatari Diar —fondo inmobiliario del estado de Qatar— adquirió el antiguo edificio del Royal Monceau en 2007 con el objetivo de revitalizar el palacio y mostrar al mundo por qué esta propiedad fue un hervidero de artistas e intelectuales. Luis Duhayon, Charles Lefebvre y Julien Marcen, sus antiguos diseñadores, hicieron posible la apertura del antiguo Royal Monceau en 1928, y crearon el lienzo que permitió al grupo Raffles Hotel & Resorts legitimar una pieza de arte única (cabe destacar que es el primer hotel en Europa de la cadena), un concepto singular que sólo podía realizar la maniática labor del diseñador Philippe Starck. El grupo y Starck reconocieron en el Royal Monceau un ícono, una alegoría que fue enriquecida con los años. Qué atracción encierra en sus paredes que Josephine Baker, Maurice Chevalier, Ernest Hemingway, entre otros, caminaron por sus salones. Por lo anterior y dada la diversidad de sus visitantes y su singularidad, no podía revestirse como cualquier hotel de lujo, el elemento sorpresa fue el eje central de la rehabilitación del hotel. Starck echó mano de toda pieza visual, sin discriminación, para crear efervescencia en los espacios públicos y serenidad en las habitaciones, un lugar para abandonarse, para vivir —incluso una vida diferente a la que vivimos. Fotografías, obras de arte, guitarras acústicas, reflejos interminables, conchas de mar, colores vibrantes, jardines domados forman parte de lo que Starck llamó gestos encantadores. Philippe Starck, al crear atmósferas, imaginó historias, con cierta locura natural que no necesariamente está peleada con la rigurosidad, así como el sueño no se contrapone con la perfección. El diseñador estudió el espíritu del hotel y puso en sintonía su creatividad con el misterio del inmueble, para dedicarle poesía, humor, palabras y silencios, acaso murmullos; dedicatorias que hoy ofrecen espacios únicos. El Royal Monceau no sólo promete uno de los mejores servicios hoteleros en París, también se ha convertido en un centro artístico, no sólo desde la creación del hotel (aderezada por una conjunción de artistas franceses, americanos y portugueses descubiertos en París), pues su colección se encuentra en constante expansión desde la apertura del Royal e invade paredes, espacios públicos y privados; cuenta con su propia galería L’Art District; una librería con más de 700 ejemplares especializada en arte contemporáneo, arquitectura y diseño, donde se organizan mesas redondas y lecturas: La Librairie des Arts; un club infantil con actividades culturales y de temáticas artísticas llamado Les Petis Rois; una sala de proyección para 100 personas; y, no podía faltar, Le Royal Éclaireur, la boutique dedicada a la moda y al diseño. Sin duda, en el Royal Monceau se respira arte y creatividad, el sueño de lo diferente realizado. www.leroyalmonceau.com www.starck.com

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“El hotel es una máquina extraordinaria para crear experiencias, emociones, recuerdos” Phillipe Starck

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“El Royal Monceau nació del deseo de no caer en la costumbre, de acariciar lo inusual, la impertinencia, el exceso y la fantasía”

Habitaciones y suites • 85 Habitaciones • 61 Suites • 3 Departamentos Restaurantes y bares • La Ciusine • Il Carpaccio • Le Jardin • Le Bar Long • Le Grand Salon • Le Fumée Rouge Amenidades • Le Cinema des Lumières • L’Art au Royal Monceau • Le Royal Éclaireur • The Spa My Blend by Clarins • The Kids Club • Junket Rooms • Conference Rooms • Image Gallery

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Banyan Tree Cabo Marqués, simplemente fascinante Rodeado de idílicos entornos emerge un espacio impregnado del bucólico estilo vintage y romance, convirtiéndose en una experiencia sensorial.

Por Shelsy Di Fotografía cortesía KMD Architects

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a galardonada cadena de hospitalidad asiática, el Banyan Tree Hotels and Resorts abrió las puertas a sus primeros huéspedes en el Banyan Tree Cabo Marqués el 15 de marzo de 2010. Llamado así por su ubicación en el exclusivo desarrollo residencial de Cabo Marqués, en Acapulco Diamante, promete transportar de nuevo al romance, la aventura y el encanto clásico que le diera fama a este puerto desde la década los 50. El hotel fue diseñado arquitectónicamente por KMD Architects, despacho establecido en 1963 y que ha sido reconocido, entre otros, con la posición 13 en Largest Design firm in the World in the 2010 Building Design + Construction Top 300 Design Giants. La presencia de un equipo de diseño en casa –Carlos Fernández del Valle y Maca Zeballos– aseguró que el proyecto tuviera el enfoque filosófico de la compañía y un concepto de diseño consistente que de otra manera hubiera sido difícil lograr. El reto de KMD Architects fue tropicalizar, pese a los diferentes estilos arquitectonicos y culturales de cada lugar, las normas del Banyan Tree en este particular destino. En esta ocasión Banyan Tree Cabo Marqués presenta un diseño único inspirado en la larga asociación de Acapulco con el Lejano Oriente, siendo un importante puerto de escala para China en el siglo XIX. La arquitectura del resort cuenta con un sabor definitivamente asiático, con techos de dos aguas en forma de alero y toda una villa construida sobre pilotes. La sensación de altura se consigue por la incorporación de amplios ventanales produciendo un efecto “blue on blue”, es decir, la fusión del cielo y el mar en el horizonte. Compuesto por una colección de 47 villas con alberca privada, de por lo menos 189 m2, se alzan sobre pilotes de diferentes alturas lo que les otorga diferentes puntos de vista, independientes entre sí, de la bahía de Acapulco. Entre las villas destaca la Presidencial, este espectacular espacio —con una alberca de 126 m2 suspendida sobre el acantilado—, se convierte en un compuesto exclusivo con la adición de una Villa Spa Pool, convirtiéndola en un retiro de cuatro dormitorios para un grupo de amigos íntimos. En la busqueda de un diseño que lograra la fusión cultural en el interior, podemos encontrar exquisitas obras de arte mexicano acompañadas por esculturas y piezas artesanales de lugares como Oaxaca y Jalisco. También se utilizaron accesorios de cerámica de talavera, ónix negro como base para lámparas, textiles de huipil tracionales de Chiapas y espejos de estaño grabado. El complejo cuenta además con Spa y la tan característica Bayan Tree Gallery, ubicada en todos los hoteles Bayan Tree, en donde los huespedes pueden adquirir los mismos objetos que decoran el lugar y de esta manera llevar consigo el romance de esta única experiencia al mismo tiempo que se apoya el trabajo de los artesanos locales. www.kmdarchitects.com www.banyantree.com/es/cabomarques

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“ Al utilizar en el diseño artesanías creadas por los diferentes grupos indígenas y materiales autóctonos damos al huésped un sentido de lugar. “ Claire Chiang, Directora Bayant Gallery

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Habitaciones y Suites • 69 Villas • 41 Pool Villas • 20 Palace Pool Villas • 7 SPA Pool Villas • 1 Presidential Villas Restaurantes y bares: • Las Rocas Bar & Grill • Las Vistas lobby bar • La Nao restaurant • Saffron Amenidades: • Lounge • Bar • Galeria Bayant • Club de Playa, Timber Deck • SPA • Gym • Alberca • Bar • Salón de Conferencias • Funicular

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galería

El retorno de Xipe Tótec a la Polis Por Erik Castillo Fotografías cortesía Jorge Moreno y Barry Dominguez

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l pasado 23 de noviembre se inauguró la intervención lumínica del la torre del edificio sede del Centro Cultural Universitario Tlatelolco (CCUT, UNAM), ex Secretaría de Relaciones Exteriores. La obra es del artista visual Thomas Glassford (Laredo, Texas, 1963), y se presentó en el marco del centenario de la Universidad Nacional de México, que sería autónoma a partir de 1929. Desde el año pasado, el edificio de Pedro Ramírez Vázquez, concebido para el ejercicio de la función gubernamental, se ilumina al atardecer y resplandece generando un landmark cuya nueva función es irradiar el carisma del centro cultural. Este espacio de difusión cultural de la UNAM entró en operaciones en el 2006 y alberga la extraordinaria Colección Blaisten de arte moderno mexicano, el Memorial del 68 (un entorno documental y reflexivo sobre el movimiento estudiantil) y cuenta con programas de exposiciones, así como con una plataforma de educación (Unidad de Vinculación Artística, UVA) en materia de artes diversas para la formación de públicos y la integración comunitaria. La intervención de Glassford produce un campo visual de elegante monumentalidad, a la vez que está armada bajo parámetros de inmaterialidad estética, ya que si bien el efecto lumínico conseguido es muy poderoso, la articulación y despliegue de los diodos modulares que generan el patrón de luz es ciertamente sutil en relación con la escala masiva del edificio. El trabajo previo del artista ha venido planteando —desde la década pasada— un diálogo discursivo que manifiesta, en términos de positividad, la tensión existente entre el principio del flujo del deseo y el orden normativo de la geometría institucional. Me refiero, concretamente, a que la sensibilidad de Thomas Glassford (igual que

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sucede con la de muchos artistas contemporáneos en México) aborda el tema de la negociación que está dada para la intelligentsia, en la lógica actual, entre la fuerza de la imaginación y las estructuras organizacionales. Glassford es un artista internacionalizado con una trayectoria muy relevante en la escena mexicana y su producción está constituida a la manera de un campo de proposiciones intervinculadas. Sus piezas ponen en marcha el uso crítico de materiales industriales en configuraciones que podríamos caracterizar como post-minimalistas, toda vez que el rigor, la repetición, y el puritanismo de la ortodoxia minimal son llevados a un sitio de cuestionamiento al verse involucrada su búsqueda del silencio, su oposición a la proyección de la individualidad del artista y su apología de no significado, con las referencias cruzadas que hace Glassford al reino natural, a la manufactura y diseño de la civilización y a la condición orgánica de la bioforma. Desde otro punto de vista, es necesario recordar que las reglas de juego creativo de este artista siempre han incluido un discurso sobre la energía que proyecta la materia en la era mediática del arte. La invocación/elección de la figura de Xipe Tótec (“Nuestro Señor el Desollado” en la confesión religiosa del mundo antiguo mexicano), por parte de Glassford, también es altamente sugerente pues recupera las nociones de renacimiento, vitalidad, retorno, fertilidad y aliento, en términos metafóricos. Así, las advocaciones o atributos del dios-sacerdote de la aurora y del sacrificio propiciatorio, el que se viste de oro con la piel de los cuerpos ofrendados para estimular el curso ininterrumpido del mundo, son redirigidas por el artista hacia el territorio de la enunciación política (en la acepción

de discurso sobre la polis, ciudad) y en el formato del arte para el espacio público. Todo ello de manera que dichos atributos o significados presidan la identidad y el trabajo cotidiano de un centro de extensión universitaria que se ha impuesto la misión de activar culturalmente la zona norte del DF, es decir, revitalizar y otorgar sentido a los hábitos de una zona específica de la urbe. El efecto estimulante que deja la recepción del revestimiento simbólico de un edificio con características tan oficialistas, multiplica su poder de seducción justo por fundamenwww.glocal.mx


tar su discurso en un concepto tan sustancial al tiempo que aparece con la levedad del formalismo más reductivo. La referencia a los cuasicristales en el diseño variable de los módulos evidencia, precisamente, la simbiosis que hace el aspecto molecular de la intervención con relación a la cualidad molar de la arquitectura intervenida. Xipe Tótec. Un Faro de México, como se titula la obra, es visible desde múltiples puntos de la ciudad, de hecho es inolvidable su vista desde un avión que despega o aterriza. AdeABRIL • MAYO 2011

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más, agrega al aspecto de Tlatelolco un capítulo urbanístico e identitario que consolida la historia del barrio como un espacio fundacional y definitorio en la mítica de la juventud tocada por el destino y lúcida por gracia de la conciencia y la cultura. Siempre recordaremos —en paralelo a los tremendos e inexorables acontecimientos históricos por todos conocidos— que por esos lares enmarcó Luis Buñuel la tragedia de Los Olvidados (1950), que ahí entregaron su voluntad crítica las víctimas del 68 en la mirada de Jorge Fons, con Rojo Ama-

necer (1989), que en la intimidad de sus espacios privados transcurrió la fábula postideológica de los muchachos de Temporada de Patos (2004), de Fernando Eimbcke. A final de cuentas, el trabajo de Thomas Glassford permite que Xipe Tótec, también “Señor de la Juventud” en el panteón mexica, vuelva por sus fueros — más allá del totalitarismo mesoamericano— bajo el avatar de artefacto artístico democratizante y abra el umbral hacia un delirio cultural y social renovado. www.tlatelolco.unam.mx

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texturas

El Glamour depurado de Roberto Verino Por Jorge Eduardo Morales Fotografía cortesía Roberto Verino

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acido en Verín, (provincia de Orense, España) en 1945, Verino siempre tuvo gusto por el arte y las texturas. En su ciudad natal realizó estudios de peritaje mercantil, además de ingresar en Bellas Artes, en París, donde se acercó al mundo de la pintura y tuvo su primer contacto con la moda. En 1982, creó su primera colección de Prêt-àporter femenino con el nombre de ROBERTO VERINO. El año siguiente abrió en París su primera tienda, en el corazón de Saint Germain, así como su showroom internacional. Después de expandir su marca y recibir innumerables galardones de moda y diseño, en 1988 lanza su línea ERRE UVE DOS, representativa de la línea joven de ROBERTO VERINO. En la actualidad, entre sus compradores se encuentran varias de las boutiques más prestigiadas y sus colecciones están representadas en veinte países, incluyendo a Francia, Inglaterra, Bélgica, Países Nórdicos, Canadá, Estados Unidos y Emiratos Árabes. Cada colección de Roberto Verino está especialmente dedicada a hombres y mujeres que disfrutan con la moda y saben expresar de manera creativa su personalidad a través de ella. Ésa es la esencia que lo identifica en todo el mundo y que lo ha llevado a destacarse en el fastuoso mundo de la moda. Cuando se habla de Verino las palabras son pocas pero consistentes: glamour mesurado y vanguardia en líneas y caídas. Como fuente de inspiración de su colección más reciente, Roberto Verino supo capturar la esencia de las calles parisinas. De París extrajo el estilo de hombres urbanos, viajeros; mujeres sensuales, inteligentes, misteriosas, cuya esencia se percibe en cada una de las prendas y en cada intención de éstas. En palabras de Verino, esta colección es para personas que viven en una gran ciudad y que aciertan con el estilo que exige cada ocasión: barroquismo escenográfico o elegante sobriedad, materiales naturales cálidos y ricos, o texturas de acabados tecnológicos, cortes de

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trajes sastre y abrigos impecables, o hechuras sexys y modernas, distinguidas con toques étnicos adquiridos en infinidad de viajes. La propuesta es un estilo moderno, perdurable. ¿Porqué seleccionamos la colección Otoño-Invierno 2010-11 y no otra? Por su fuerza presencial, movimiento, crisol urbano en las prendas masculinas; brillo glamuroso en atuendos femeninos que inmortalizan el misterio del negro. Por sus expresivos trajes sastre y abrigos de tweed, en cortes entallados y hombreras pronunciadas evocan pájaros exóticos. Porque evoca la fuerza seductora de la mujer en prendas de colores vivos y pata ancha en los pantalones. Por la expresividad de los tonos esme-

raldas, azules, rojos, adornados con plumas naturales y CRYSTALLIZED Swarosvki Elements. Y así es como piensa Verino en sus piezas, ya inmersas en la ciudad que lo inspiró: “La vida nocturna de París es invadida por piezas elaboradas con materiales ricos y cálidos como la lana y el cashmere, con acabados tecnológicos, plastificados y metalizados en tonos negro, gris y plata. Son destellos luminosos y de enorme glamour al caer la noche. Para ellos, la reafirmación de una existencia viajera en prendas que incluyen vibrantes tonos de azul, topo y marrón, en un innovador estilo urbano con un toque étnico y sofisticado a la vez”. www. robertoverino.es

En todas sus colecciones seduce con prendas inspiradas en un estilo único. Los modelos de este diseñador integran sensualidad, inteligencia y misterio. ABRIL • MAYO 2011

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traducciones

Tradition, honor and art: 3 great representatives of Japanese design.  p.36 After the tragedy that shocked Japan, we were anxious to somehow support this noble culture. So, we asked the creator of the website Designaholic and designer Jorge Diego Etienne, to realize a homage to tree of the most prolific designers. Here the words of a fervent of design… BY JORGE DIEGO ETIENNE

JUST A week after arriving to Japan I closely experienced the catastrophe of the earthquake and tsunami on the northeast of the country. The quake was felt in a lesser scale in Osaka, where I’m at, but it has been an impressive experience to witness how this great country responded to a crisis of this magnitude with a positive attitude and with unity. Even though the news focus on the tragedy I would like to speak about 3 great Japanese designers from 3 different generations that make the name of their country resound in the most important scenes of the world’s design. Naoto Fukasawa is the Japanese designer I admire the most… and probably also the most successful today. He worked on the design consultancy IDEO from its beginnings in San Francisco in the early 90s, further on he opened a branch in Tokyo and founded his own design firm in the same city in 2003. His supernormal style shows typical characteristics of the Japanese culture, such as sensibility and rationality. Fukasawa has worked with practically all the big ones such as Vitra, Alessi, B&B Italia, Artemide, Magis and his CD player for MUJI, is even part of the collection of the MoMA in New York. Plus Minus Zero, a company created by himself following its owner’s philosophy of design, has an impressive catalog of products that ranges from toasters to magnets. Fukusawa is, no doubt, one of the main characters of the world of design and has achieved a high place for creativity in his country as well as his fascinating culture. www.naotofukasawa.com Oki Sato opened his studio Nendo (play dough) in 2005 after graduating from a master in architecture at the Waseda University in Tokyo. With only 33 years, his studio – with 6 years of existence- has collected a large amount of prizes, recognitions, exhibits and biographical books. And no wonder: his designs include an element of surprise – either an illusion, a sensation or a memory- that inevitably provoke a smile. Nendo works for firms such as Kartell, Cappellini, Maruni, Camper, Issey Miyake, Swarovski and galleries such as Philips de Pury, but his most surprising work comes from his personal productions. In this daily life objects is where Nendo inserts its particular humor creating objects such as a plug with horns (to place your phone while it charges), a piggy bank shaped like the nose of a pig and a chair that seems to float, to name a few. Nendo’s work started with the right foot and I’m sure that the best of its works is still to come. www.nendo.jp Experimentation is the constant in the work of Tokujin Yoshioka, who received the award of designer of the year 2011 by the prestigious magazine A&W, Architektur & Wohnrn. His career started in the studio of Shiro Kuramata and later on with Issey Miyake and was until 1992 that he founded his own studio. At his 43 years, Yoshioka haven’t seized to explore with materials, processes and forms trough its almost poetic concepts (clouds, ghosts, stars, tears, flowers) that evolve to products commercialized by company such as Driade, Kartell, Cassina, Moroso, Vitra and Swaroski. Each year his new launches and presentations in the Milan fair cause the greatest expectation among the assistants –myself included. Lately he has worked on installations and interiors for Hermes, Swarovski, Camper and Cartier stores and his exhibitions Second Nature and Sensing Nature impressed everyone. Yoshioka is a Japanese designer with a unique perspective.

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A couple of days after what happened in his country, Tokujin Yoshioka sent a short but convincing letter to the electronic design media asking for donations for Japan’s Red Cross. His message was broadcasted almost virally on the web. www.tokujin.com This tree faces of Japanese design are a clear example of the creative spirit that prevails in that country. Even though they are facing a difficult moment, there is no doubt that this same spirit will make them devise quick and effective solutions to the problems they are facing nowadays. www.jorgediegoetienne.com www.designaholic.com.mx

Alberto Villareal 

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Since its creation, AGENT bets for innovation and promotes products such as: the Ctrus ball (Red Dot – Best of the Best 2010) that will revolutionize the world of soccer. A series of multifunctional baggages called Move-On that will specially benefit families travelling with small children and at the time offers exclusive seating space for its users in case there’s a shortage of seating in the waiting room of an airport. A collaboration with Konica Minolta with the introduction of new concepts of illumination on small and large scale OLED Lighting for the new generations. The design of the Silla 200, commemorating the Mexican independence bicentennial, but emulating the sentence: “looking forward, leave the complex pass and search for a clear future” because without forgetting our history we need to see onwards. And very recently they developed for a Finnish company the smart phone Twist. And as design is not only about products, AGENT web was also awarded in 2010 by the CSS which recognizes the best designers, agencies and blogger of the online community. http://destroyafteruse.com www.zanicdesign.com

Intelligent and Socially Responsible Design “…more than on profits and technology, what interests me the most is to generate social progress…”Alberto Villareal. BY IMEDA MORALES FERRERO

ALBERTO VILLAREAL is one of young Mexican designers with the biggest drive that currently with his talent and push has open many doors in the whole world. Once he received his Bachelors´ degree from the Center for Studies of Industrial Design at UNAM, he attended the Umea University in Sweden for his postgraduate studies and has received over 20 international awards in the last decade, including some of the most prestigious honors in the industry such as: Red Dot Luminary Design Award, iF Hannover Product Design Award, IDEA (International Design Excellence Award), Chicago Atheneum Good Design Award and more. His tireless search and experimentation have allowed him to venture on very diverse industries and projects, making the same sports or transport articles, as well as electronics, toys, furniture, medical equipment, etc. Now he combines his professional activity with teaching and philanthropic work for organizations such as Engineers Without Borders, and engaged at the same time as director of “Razón Social”, a nonprofit organization that is the representative in Mexico of Project H Design. “In design we have many tools within our reach, from technologies to new ways to finance and spread a product, there’s a number of tools that 5 years ago didn’t exist and we are in a very interesting moment…” A.V. Each new adventure has left an important mark on Alberto Villareal and a more realistic vision of the world. He had the opportunity to collaborate with very important design firms such as: Pininfarina in Italy, Johnson Controls Advanced Design In Germany, Volkswagen Design Studio in Mexico and LUNAR (United States and Germany) as Senior Lead Designer, forming part of the LUNAR Elements team, focusing on sustainable design. Also he has conducted projects for Adidas, Nike, Hewlett-Packard, SanDisk, KonicaMinolta, LeapFrog, Accura and Pantech amongst others, trough ZANICDESIGN, but today, his most ambitious project is called AGENT. Thus, AGENT, in association with Michel Rojkind, was founded in 2009 as a key company in the integration of a strategic business vision and design leadership, nurtured by mental flexibility, science and continuous creativity, also involved on projects that impact positively on current society and the environment. “If we sell creativity, we need to demonstrate it: we are a creative company…” A.V. “In AGENT we are divided into two business units, on is the PULL unit, that, as the name says, are the projects that come from the outside, that is, that a client requests; and we have the PUSH unit where we develop our own proposals, without a client, that later on we try to sell to other companies. In this area that we call PUSH is where we have the complete freedom to propose, complete freedom to take our saying outside, that speaks completely of our philosophy or what we want for each project or product…” Alberto Villareal.

Knitting the history of Mexican design p.44 This month of April, the Franz Mayer Museum showcases the first exhibition of high quality carpets completely designed by national creatives. The company expert on rugs Odabashian, leads the way and works with restless minds achieving a sui generis staging. BY GRETA ARCILA

WHEN THE visionary minds come together with the creative minds, unique concepts are born. And that’s what happened when the entrepreneur Jaime Odabashian, shared with his friend and designer Ariel Rojo a thought: to gather 20 mexicans from creative disciplines to make exclusive rugs where they could freely shape a design. This project has the goal of exporting and supporting the Mexican products produced by the national talent. Ariel accepted immediately to call architects, industrial designers and artists… The affirmative answers came right away. But the story wasn’t finished; it lacked the organizing soul, the conducting thread that would help de designers nail down the idea: Eugenia Gonzalez, general director of Circulo Cuadrado, who after realizing a similar exercise with Nouvel — four years ago with a great reception by professionals and public alike—, she was without any doubt the right person to lead this broad organization. Thus, at last, the team was completed: company, creative and direction. But first what’s first: ¿who is Jaime Odabashian? The current head of the fourth generation of an Armenian family that arrived to Mexico by chance, with nothing the wallet, however, thanks to a loan of money by a fellow countryman in 1921 opened the first store in the street of Bucareli in Mexico City, offering a cleaning service of Persian rugs. The business prospered and soon he was selling rugs. In few years they established in the street of Insurgentes almost in the corner of Reforma, where we still find the flagship store for this company. After learning the places where they could order tailored pieces of their clients, the business had to grow. They started making their own designs and people valued, each time more, the quality they offered. Years later, with Jaime at the front, the hospitality market changed their perspective and they started creating signature rugs. Today we can find their carpets all around the world with strategic locations in Dania, Florida (1979) and Boca Raton, Florida (1983) and of course, it’s see, Mexico City, allowing them to be a part of great projects. Odabashian rugs are considered some of the best in the world, because they put together in the same piece the Tibetan technique with over three thousand years of tradition, the materials –that can very well come from New

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Zealand, Egypt or India- and the most important aspect: the Nepalese human craftsmanship that knits every day thousands of treads. Gathering and selecting the talent that conforms Odabashian was not an easy task. They thought on who generated and generates concepts, in those who would accept going out of their field wit the goal of creating. Twenty where invited over a year ago to Insurgentes 34. Everyone was seated: Juan Pablo Serrano Orozco, Aurelio Vazquez Duran, usoarquitectura, Andrés Mier y Terán, Paul Cremoux, Productora, Paola Calzada Prats, Gonzalo Tassier de la Maza, Ariel Rojo, Jorge Cejudo, Adolfo Gonzalez Gomez, Manuel Alvarez Fuentes, Benito Cabañas Aguilera, La Jabonera, Emiliano Godoy, Igloo Design, EOS Mexico, Joel Escalona, Ximena Perez Grobert and Jan Hendrix and the special guest, Teodoro Gonzalez de Leon. There, Jaime Odabashian explain them the techniques, weaves, looms and all the necessary for each one to realize their design. The director of the Franz Mayer Museum couldn’t be missing on the invitation, the passionate promoter of design Hector Rivero Borrel, who now receives in his “home” this ambitious creative device (exhibition curated by Renata Becerril with a museography by Lorenzo Alvarez and Lorenzo Diaz). Today the project is a living manifest that it is possible to achieve this kind of initiatives in Mexico that used to be considered exclusive of the so called developed world. Today – and I say this with excitement- we are witnesses of a project that gathers talent in a way never seen before. Today concepts are linked, but most importantly: the history of Mexican design is woven. www.odabashian.com

The Woven Nest 

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The search for a purist sinuosity gives as a result a house where noble materials shine in a state of silence. Atmos Studio shows us why the continuous experimentation leads architects to glimpse their creative plenitude… BY ALFONSO MALDONADO

WITH A cosmopolitan soul, this London home, designed for an actress and musician carefully intertwined between buildings and views integrating built-in furniture in every available surface. Restrictions both in plan and in planning generated a complex series of woven spaces, enliven by light and interconnectivity. The volume was generated from the views from the high street below, carefully placed out of view to gain the permit for an extra level trough an open space on the front and hidden by a row of listed buildings. A double pitch butterfly roof angling upwards from low flank walls to greet the arriving visitor with taller walls at the central stairwell. The v-section is repeated in plan to give space to a small terrace between the old and new facades. The materials and colors palette reflects the client’s interest in Japanese economy, moderation and inventive giving it a sense of surprising amplitude despite the very constrained limits. The spaces in adjacent rooms are constantly bargained between rooms offering a multiplicity of different views and directions. Trough the use of mirrors this views are multiplied even more and invite to visual exploration and at the same time give a maximum continuation between the surfaces of the built-in furniture and the space giving them a sense of greater enlongation that makes them more interesting. The house assembles around a central stairway with timber details that vanish towards the light. On the right some spaces are inserted into the stair like the bathroom storage area and the lower end of the desk while the other side opens as a fan towards the living room where it becomes seating or shelving surfaces. On the upper level the verticals of the stair fold to become architraves that flow towards the neighboring

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rooms. Their lines flow to form a desk and shelves in the studio folding along the floor planks to hide the bed on the floor. The low table in the window functions as a bench and storage area in the outside and goes back to the interior to become the surface for the sink. The same surface continues along the bathroom to return as faceted faces towards the bedroom until it fades again on the wall of the stairwell. The house is defined as a unified surface of buil-in furniture that enters and leaves, closes and opens to align spaces and views towards the sky. www.atmosstudio.com

Frank Havermans 1:1 Real size MS’s

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The world can be explained with mathematics and architecture can delineate it, today the Dutch Havermans show us how. “Inspiration doesn’t come from ceramics itself, but from dealing with it.” Havermans BY JANINE PORRAS

Traces of history

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A creative family managed to turn maps and lines into a space apt to learn and enjoy with history. BY PAMELA OROZCO

“THE BLACK color of the furniture, the walls and the ceilings of the whole exhibition and museography, raised from an analysis in which we reflected that when we were kids we learned the first concepts of our life in blackboards” eos Mexico The City Museum of Guadalajara presented an exhibition out of the ordinary, “Strokes and Traces of Guadalajara, Symbols, Aesthetics and Functionality”, using “mental mapping” in an original way to show the visitor the complexity of the urban trace of such a big city. This museographic concept, created by the architect Leonardo Lara, comes from the idea of generating a innovative visual system, capturing the attention of the public and that can be easily understandable, given that in several occasions, just looking at maps or ancient plans can make people lose their interest in history. In this exhibition, several cartographic and documental materials are concentrated for the first time, describing the historical and urban development of Guadalajara, gathering under the same roof very important documents that even came in loan from the AGI (Archivo General de Indias, in Sevilla) from Spain. The graphic design ran by Javier Hernandez who makes use of colorful mental maps that guided the visitor trough the exhibition depending of the theme, time and typology he wanted to see. Sebastian and Mauricio Lara, from eos México, where on charge of the exhibition furniture for what they mention: “the design of the showcases was generated from the classic and conservative lines managed with a contemporary character”, with the goal of highlighting the importance of the documents exhibited inside. Three rooms form a part of the distribution of the exhibition, the first one containing: “the foundation”, followed by “ the urban shape”, “the configuration of the quarters”, and “the establishment of checkpoints”; in the third: “The Reform and the First Industries”, “The Neighborhoods”, “The Restructure of the trace” and “The words of the city”. The visit ends with the projection of a video, where the progressive growth of the city can be seen in a space with black drapers from floor to ceiling, to continue the same atmosphere from the exhibition. Arguably, this work proves why the Lara family is one of the most respected in Guadalajara: for the gift of generating spaces and concepts. www.eosmexico.com

THE MODERN arts museum of ‘s-Hertongenbosch, as the Dutch call it – or Bolduque, as it is known in this part of the world- Stedelijk Museum, serve as the scene of the Dutch architect Frank Havermans to transgress the immaculate white space with the intention of creating and to showcase five different pieces of his authorship. One of them, the most captivating one, to store and exhibit the Van Haaren ceramic collection as a container. Invited by the museum director, Ann Goldstein, Havermans climbed a wall interrupting the musem landscape with a piece that uses recycled wood and that interrupts itself in repetitive blocks finding an order in chaos. The architect affirms we wasn’t inspired by the ceramic itself, but rather on the way of presenting this kind of objects where the public only looks for the data sheet and thanks to its exhibition doesn’t find further interest on the pieces, the colors, the textures. From the series KAPKAR, the VH-55 is a part of 1:1 (as the installation-exhibition is titled). Four hangers are attatched to a wall and hold a shelving in which the pieces of 1950 and 1960 are placed. Following the same philosophy of the series, this piece surges massively, as an underpinned block, shaded, rough, at the same time as lightly floats above the ground. Havermans accompanied only by the as variant as different pieces of Lucio Fontana, Zaalber Meindert, Hans Coper, Rie Lucie and Bernard Leach gives a new sense to the works gathered by J.W. M. Van Haaren; while the delicate ceramics are opposed to the architectural structure that supports them, the shell reminds of his works and pieces of concrete like the one standing out of Rijsingen, but unlike that observatory, the VH-55 can be easily removed and placed elsewhere. Additionally as part of 1:1, Havermans created in 2008 a cinema for two called TT-C2P of the same series, pleasantly received for its interaction with the visitors. Art, architecture and viewers find in this “architectonic constructions” an immediate space, random, structurally disordered and inhabitable, regardless of its scale. The exhibition will be open until the 8 of may. http://frankhavermans.nl www.sm-s.nl

Chapel of the Assumption  p.66 In a building dating from 1959, originally designed by Noël Lemaresquier who was a disciple of Le Corbusier, John Doe had the chance to realize the interiors and work on the architecture along with 3Box. The result: a space that understands light, volume, color and form The altar made of black granite from Zimbabwe that contains a relique of Saint Marie. Eugenie, has been designed with the same 107


traducciones obsessive care that makes it look as if it had always been there. BY ALFONSO MALDONADO

JOHN DOE, a design studio created by Grégory Lacoua and Jean Sébastien Lagrange has redefined the interior design of the Chapel of the Carmelites of the Assumption in Paris. A chapel meant from its origin as an architectural gesture by Nöel Lemaresquier but that became impractical very soon after the canonization of Saint Marie-Eugenie of Jesus, founder of the congregation and that provoked an immediate flow of visitors that made its reorganization necessary. A design challenge that the nuns didn’t doubted for a second to trust on contemporary designers. The architecture team of 3box was on charge of the reconversion of the chapel, modifying the reception and circulation of the pilgrims, while the duo of John Doe focused on the liturgical furniture: pews, kneelers, altar, font, tabernacle and paschal candle; a great variety of typologies far from domestic uses and that the designers managed with great precision on their first large scale commission. The authors concentrated on small 2cms gap between the levels and supports to draw a distinction in the formal language and that the nuns immediately accepted as the best solution for the space. The font, the altar and the pews levitate visually as a consequence of this decision. The impeccable pews where designed in oak to allow great spans that solved other limitations, starting with the prayer of the hearts, a prayer that is made face to face and that is one of the peculiarities of the order. The center of the chapel is thus reserved to the religious facing each other, while the congregation is placed on the periphery. The seats are distributed according to different modules: the seats for the nuns (with or without space to store Psalters and bibles) next to 3 types of pews with or without kneelers for the congregation. The altar made of black granite from Zimbabwe that contains a relique of Saint Marie.Eugenie, has been designed with the same obsessive care that makes it look as if it had always been there. A pure stone plaque elevated from the floor level is the perfect synthesis of the altar reduced to its primary function. The font is made from Auberoche stone and because of the softness of its lines it becomes a simple drop posing on the stone. Capable of containing 1 liter of water, it is as functional as minimal and delicate. www.johndoestudio.com

Cathedral of Light 

p.70

“Making a religious project in a country like the United States that has a large diversity on the subject, obliges to generate much more precise design strategies”, Javier Arizmendi, Associate Director of SOM, shows us today the way in which each element is unique but in full dialogue with the whole work.By Imeda Morales Ferrero BY MARCOS G. BETANZOS CORREA

EVERYTHING THAT can represent a religious building is a kaleidoscope of subtle evocations and precise messages that very few architectures can exalt with their design intentions. The Cathedral of Christ the light of Oakland, California, designed by the international firm Skidmore, Owings & Merrill LLP (SOM) gives a clear lesson of holistic design where nothing has been left to chance. Out of a competition won by the firm of the architect Santiago Calatrava, this initiative sought to establish a new religious reference of the local dioceses; however the reasons and arguments where abundant for the original idea to never be realized, it wasn’t very flexible to changes and budget adjustments. Then they turned to the second place pro-

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posal won by SOM, looking in that way to recover a valuable proposal that represented an easier way to work but not necessarily more simple. Its driving concept was divided in two sides, on one hand the presence of light on the lead role of the interior space and on the other the symbolical geometry of the Vesica Piscis, a symbol formed by two symmetrical circles that cut in a way that the center of each of them is located on the circumference of the other creating the silhouette of a fish. Javier Arizmendi (AIA), Associate Director of SOM based on San Francisco, talked with Glocal to explain us that part of the strategies followed in the design was to privilege a less canonical space distribution, renouncing to the traditional scheme of latin cross for the central nave and the chapels that complement the precinct. With this intention they worked with contemporary materials that also bring a renewed language by removing solemnity, the monolithic and monumental character traditional to religious architecture. The materials that integrate the realization of the project are a concrete base poured on site that integrates the services, the access to the main building and the solution of the secondary buildings; a wooden structure that forms the main nave and becomes the lead character by being the light filter during day and by sheltering all the activities of the faithful crowned by an oval oculus that remarks the symbolism employed in the form and an aluminum skin that functions as a protection for the main volume, gives a singular images in relation to the context and emphasizes the concept of light during the night by projecting an image of great symbolic importance on the façade. The work done by the firm’s team to develop subjects linked to industrial design, graphic design, art and interior design resulted important, as from the concept of light and the materials palette used a unified language emerged that is evident in furniture, the altar, confessionals, font, access doors and the image of Christ generated by a photography processed through an algorithmic pattern that defined the sequence of the different size perforations that when seen against the light produce the original image thanks to the game of opacity and transparency. During the day this icon is appreciated on the interior, while at night thanks to the illumination it is visible on the outside with a more ethereal quality and thus a more mystical one. Propositional but at the same time serene and peaceful this work distances itself from the usual corporate style to evidence processes that try to emulate craftsmanship and with that return to the origin of faith itself, the essence of things and the simplicity of a liturgical space. “It was definitely fortunate that our proposal was retaken and valued for its realization. This has allowed us to open similar work opportunities in the state of California”. “The architecture seeks to establish a dialogue with the context and show its own identity, respect the importance of the city and contemplate its racial diversity.”

Interview with Matali Crasset p.78 A lover of color, nature, animals and life itself, today we present a fully mature Matali Crasset. A designer that sees design as the manifest of a life. BY GRETA ARCILA AND RODRIGO FERNÁNDEZ

THE OPPORTUNITY to establish a link with Matali Crasset happened when DIEZ asked her for the design of their stand at Maison & Objet on September 2010, which was one of the favorites. Thus, along with Rodrigo Fernandez, creative director of the Mexican firm we prepared an interview where Crasset ponders about the importance of creative freedom and teamwork. She doesn’t see herself working alone: she needs to play and experiment, to later create objects or spaces where playfulness is always present.

-Who is Matali Crasset as a designer? What is your message to the world of design? I want to answer this question beyond design, I prefer to answer it with “who” and “with whom”. “Who”: beyond the function that is a minimum, I see each time more this trade trough the projects I carry, as a midwife, a certified midwife. And each time less to give form to the matter – the aesthetic-, but rather to go out, join, organize around common values and intentions, their links and connections in a common network, sociability. In most of the projects I´m working on a vision that highligts this dimension of teamwork and collaboration. I believe that in the recent projects: Maison des Petites on 104, Paris, the wild houses of Vent des Forêts on Fresnes au Mont in Meuse, the school of La Bié on Herbe on Trebedan, Great Britain with the French Foundation, the Loudun restaurant in Vienna or Dar´hi in Nafta, Tunis or with Cédric Casanova and the Sicily olive oil in Belleville; there exists a dimension of local growth that I’m very interested in. It’s evident that the contemporary is no longer an exclusively urban asset. Of course, I also design objects, but the objects are not the center nor the goal of the creative process. It’s an update between possibilities (escenography, architecture, exhibition…) at the same time determinate, a wider system of thought. “Whit whom”: the designer not only the projects. I am not an artist, even though I have an independent thought. I have the great pleasure of facing the forces of habit, of integrating limitations and working trough them. I also like development of complicity with different artists, as Peter Halley, Mzryk & Moriceau or the owners of the Hi hôtel, Patrick Elouarghi and Philippe Chapelet. -In your career what has been your biggest failure? There are no mistakes or bad projects. There are collaborations that help. I´ve always thought that my work should be open, open to the others, I try to keep space for experimentation in the use, open to collaborations. -In the experience of working with Starck what was your biggest lesson? First of all it was an amazing opportunity. I joined the agency in January 1993 when the Thomson Multimedia project was undergoing, without any doubt one of his greatest industrial design projects. For five years I was the intermediary between Starck and Thomson Multimedia with the then chief of the integrated design structure, Tim Thom. The enormity of the project, the redesign of the whole range of products of the 3 brands gave an incredible freedom to propose, to design… I could see his exceptional work, his analysis ability, his understanding of the projects and forms and also his brilliant gift of synthesis, that is, his capacity to identify the potential for each project. This project was a true cultural revolution within Thomson and also a human adventure for those who were part of the team of Tim Thom. I also had the opportunity to speak deeply and exchange true insights with Starck about technology, interfaces and design, this exchanges nurtured me. Thank you very much Starck. -In which projects are you working right now? I’m currently working on different projects: In Scotland houses, cabins a contemporary arts center in the Mosa, wind forest. A public commission for the lamps of the cathedral of Saint Benigno in Dijon. The renovation of an independent movie theatre in Saint Germain de Pres in Paris. -What is your advice for design students in the world? Curiosity, openness to the world is still the best advice. -Under Maison & Objet. Do you think that French design is evolving o reinventing itself? Can you name a few French designers you admire? I give thanks to Philippe Starck for the doors that where opened to me. I’ll mention elective affinities: Bruno Munari, Enzo Mari, Joe Colombo, Angelo Mangiarotti. Denis Santachiara and Nana Ditzel. I discovered her work relatively late, but I feel spiritually close, her intervention areas where more limited for being a woman 50 years ago, no doubt she didn’t had the liberty I have. -Considering that you have visited our country in several occasions, what is your perception of the architecture and design in Mexico? I know it more or less. I remember visiting a private home by Luis Barragan in which the water of the pool, a pole and the color created harmony and a magic space, a sensation of deepness, lightness and well being.

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-If you were not a designer, what would you be? A gardener -We know of your concearn as a designer to create projects that are friendly to the environment. In relation to this: What can you tell us about the Dar´Hi Nefta project? Dar’Hi is a guest house that understands the oasis culture. It’s a refuge and its open at the same time. A retreat to put body and mind in sync, and appreciate Tunisian culture and life in the oasis. Is a place where you lose the rhythm of the city and you quickly forget everything. Nafta has the capacity to absorb us, a fortress city in which nothing has changed and you can return to the basic. This is a project that adjusts to the extension of my collaborations with Patrick Elouarghi and Philippe Chapelet with whom I made the Hotel de alta in Niza, later on, the HiBeach and with whom I work on the hotel project Hi-matic in Paris that will open this spring. I made the whole construction project –this is my first architecture- the details of all the elements. The project was realized exclusively with local resources. - One can see that in the projects that you have designed for Moustache there is an expression of joy… What’s the reason? Can you tell us what a brand line follows (an editorial of the Moustache brand in particular)? I believe that if I belong to a family of designers, I want things to happen to them! Around Moustache the idea is to propose projects that bring us together and form coherent series maintaining the specifics of each one. Each object has a specific concept, but they carry an image together. This idea brings a wealth of design and variety of the personality of the designers involved and offers a buying and use option for the user. My focus is to work for the people. I don’t do a project for myself or say I, I do it because I have the intention of giving trough the object or the space. For the projects developed for Moustacha, the idea is to provide change to the structures, not being block by functional codes. Its about inventing daily life. The chair next to chimney “immediate chair” or the “immediate ping pong table” has been designed from the easel. I designed the joints so that they could be mounted or dismantled quickly. -How do you manage to obtain the color palette or the always cheerful and harmonious color? I have a very intuitive process with color. I use it as a tool to help and understand the logic of space and hence for people to use it. It’s a tool everyone understands, because we all have a very simple and direct relation with color. The relation we have here with color is really despised because social norms have excluded. I work with codes so color is an ally. -How to establish the links with companies of the industry of design to achieve a level of international fame? A mixture of luck, persistence and work, no doubt. I have felt like I’m pushing ever since I decided to become a designer. www.matalicrasset.com

Transparency and dinamism

p.86

An office should tout with its space what it is and what it gives to society. With that in mind, Prodigy MSN invited a firm that characterizes for realizing projects that speak about identity all the time. “The meeting rooms and private areas where enclosed with glass to give privacy to its users without interrupting the flow of light, besides, the low laying furniture and a translucent panel give the sense of transparency” Juan Carlos Baumgartner BY ILENA MARTINEZ

ABRIL • MAYO 2011

No. 3

NOWADAYS THE information society is in constant expansion and growth and a company like Prodigy MSN know this – and lives it- entirely. For this reason and for a need for expansion, they looked for an architecture firm that would understand the essence of the company. So they got to Space, the theme that developed the project where ecology was a primordial part, to which Juan Carlos Baumgartner, its leader, told on the interview: “MSN wanted to have a unique space that could reflect the culture of transparency and dynamism of the brand and that would also encourage the communication between the employees, doing this in the most environmentally responsible way as possible”. In the new 800 square meters wish was office – located in the great corporate conglomerate of Mexico City: Santa Fe-, the fundamental concept was to make a project with Leadership in Energy and Environmental Design (LEED) certification with the budget of a typical project, and at the same time to maximize the comfort level for the users. Space solved this by generating open space: “The meeting rooms and private areas where enclosed with glass to give privacy to its users without interrupting the flow of light, besides, the low laying furniture and a translucent panel give the sense of transparency”. In what relates to illumination, this was done with natural means thanks to the orientation of the building: in front of a large park that avoided visual barriers, which enables all the work areas to receive natural light and exterior views, and also, save up to 30% of the energy consumption. Spatially, there is a “light box”, that on one hand gives higher hierarchy to the directors’ offices, and on the other, breaks the composition axis to avoid symmetry, giving visual movement to the space. This glass box has a silkscreen print giving privacy both visual and acoustic with graphics that evoke trees that resemble a central courtyard whose spaces develop around it achieving an analogy to the green interiors. Even though the offices are open, there is an interesting use of carpets that helps to delimitate spaces, to what Baumgartner says: “we also designed the carpets. The colors and the geometric forms go according to the spatial disposition of each project, in this way we give each one its own identity”. To minimize interior pollutants, there is a small recollection area for recyclable materials that avoid the accumulation of trash; the materials are separated into different containers: organic, glass, metal, plastic, cardboard, paper, batteries and tonners, fostering an adequate collecting culture for highly polluting materials and lessening the environmental impact that this waste creates when disposed on the open air. Paints, sealers and glues used in the project have little or no volatile organic compounds, called VOC´s, the use of formaldehydes was avoided too, preventing the contamination of the interior air. No doubt, thanks to the care for every detail, the MSN offices deliver their commitment, respecting the environment with transparency and dynamism. www.spacemex.com www.thinkspace.biz

The different, the unusual, the french a je ne sais quoi: Le Royal Monceau, Raffles Paris

p.90

A different place, a place with history, a place that contains the French spirit and the Parisian elegance.

“The hotel is an extraordinary machine to create experiences, emotions an memories” Phillipe Starck “The Royal Monceau was born from the desire to avoid routine, to caress the unusual, the impertinence, the excess and the fantasy” BY JANINE PORRAS

RESTORING THE old gloss of a palace without removing its whole patina represents a great challenge. Qatari Diar – the real estate fund of the state of Qatar- acquired the building of the Royal Monceau in 2007 with the goal of revitalizing the palace and show the world why this property was the melting pot of artists and intellectuals. Luis Duhayon, Charles Lefebvre and Julien Marcen, its former designers, made the opening of the old Royal Monceau possible in 1928, and created a canvas that allowed the group Raffles Hotel & Resorts to legitimize a unique piece of art (we most mention that it is the first European hotel of the chain), a singular concept that could only be done by the maniac labor of the designer Phillipe Starck. The group and Starck recognized the Royal Monceau as an icon, an allegory richened with the passing of years. What attraction does it holds that Josephine Baker, Maurice Chevalier, Ernest Hemingway, amongst others, walked through its halls. For this reason and given the diversity of its visitors and its uniqueness, it couldn’t be refurbished as any luxury hotel, so the surprise element was the driving theme for the rehabilitation. Starck took hand of every visual piece, without discriminating, to create a fizz on the public spaces and serenity in the rooms, a place to let go, to live –even a different life than the one we live. Photography, works of art, guitars, endless reflections, sea shells, vibrant colors, tamed gardens all form part of what Starck calls charming gestures. Phillipe Starck when creating atmospheres, imagined stories with a certain natural insanity that is not necessarily at odds with its rigor, just as dreaming is not at odds with perfection. The designer studied the spirit of the hotel and made his creativity atone with the mystery of the of the estate, to dedicate it poetry, humor, words and silences, perhaps whispers; dedications that now offer unique spaces. The Royal Monceau not only promises one of the best hotel services in Paris, it has also become an artistic center, not only from the creation of the hotel (garnished by a conjunction of French, American and Portuguese artists discovered in Paris), as its collection is in constant expansion since the opening of the Royal and invades walls, public and private spaces; has its own gallery, L’Art District; a bookstore with more than 700 volumes specialized in contemporary art, architecture and design, where public readings and panels are organized: La Librairie de Arts; a childrens club with cultural activities with artistic themes called Les Petis Rois; a projection room for 100 people; and, of course, Le Royal Éclaireur, a boutique dedicated to fashion and design. Without a doudt, you can breathe art and creativity in the Royal Monceau, where the dream os what is different comes true. www.leroyalmonceau.com www.stark.com

Banyan Tree Cabo Marques, simply fascinating

p.96

“By using in the design handcrafted objects done by the different indigenous groups using native materials we give our guests a sense of place.” Claire Chiang, Director Bayant Gallery

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traducciones BY SHELSY DI

THE AWARDED asian hospitality chain, Banyan Tree Hotels and Resorts opened the doors of the Banyan Tree Cabo Marques to its first guests on march 15th 2010. So called because of its location in the exclusive residential development of Cabo Marques in Acapulco Diamante, promises to transport back to romance, adventure and the classical charm that gave fame to this port back in the 50s. The architecture of the hotel was designed by KMD Architects, a firm established in 1963 and that among other recognitions it occupies the 13th position of the Largest Design Firms in the 2010 Building Design + Construction Top 300 Design Giants. The presence of an in-house design team – Carlos Fernandez del Valle and Maca Zeballos- assured the project with the philosophical focus of the company and a consistent design concept that would otherwise be difficult to achieve. The challenge of KMD Architects was to tropicalize, despite the differences architectural style and culture of each place with the Banyan Tree norms of this destination. In this occasion Banyan Tree Cabo Marques has a unique design inspired in the long association of Acapulco with the Far East, being an important pasing port for China in the 19th century. The architecture of the resort has a definite asian flavor, with gabled roofs with eaves and a complete villa built on piles. The sense of height is achieved by incorporating broad windows that produce a “blue on blue” effect, that is, the fusion of sky and sea on the horizon. Conformed by a collection of 47 villas of at least 189 square meters with private pools, rise on top of the piles at different height, giving them different points of view, independent to one another, of the Acapulco bay. The presidential villa stands among the rest, this spectacular space – with a 126 square meters pool suspended above the cliff-, it becomes an exclusive compound with the addition of a Villa Spa Pool, turning it in a four bedroom retreat for a group of intimate friends. In the search for a design that meshes culture we can find in the interior exquisite pieces of Mexican art. The interior deploys sculptures and handcrafts from places like Oaxaca and Jalisco. Talavera ceramic accessories, black onyx as lamp bases, traditional huipil textiles from Chiapas and engraved tin mirrors where used as well. The complex also has a Spa and the characteristic Bayan Tree Gallery that can be found in all the Banyan Tree hotels, where the guests can buy the same objects that decorate the place and this way to take with them the romance of this unique experience and at the same time support the work of local artisans. www.kmd-architects.com www.banyantree.com/cabomarques

The Return of Xipe Totec to the Polis p.102 BY ERIK CASTILLO

LAST NOVEMBER 23 a light intervention was opened at the building of the Tlatelolco University Cultural Center (CCUT, UNAM), the former site of the Ministry of Foreign Affairs. The work is by the visual artist Thomas Glassford (Laredo, Texas, 1963) and was presented as part of the centennial o National University of Mexico, which became autonomous on 1929. Since last year, Pedro Ramirez Vazquez´ building, conceived for government office, illuminates and shines at sunset creating a landmark with the new fuction of irradiating the charisma of the cultural center. This cultural diffusion space of UNAM started operating in 2006 and contains the extraordinary Blaistein Collection of modern Mexican art, the 68 Memorial (a documental and reflexive environment about the students’ movement) and exhibition programs, as well as an education platform (Artistic Link Unity) on different art subjects for the formation of the public and community integration.

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Glassford’s intervention produces a visual field of elegant monumentality, at the time that assembles under parameters of aesthetical immateriality, given that even though the lighting effect achieved is very powerful, its articulation and deployment of modular diodes that generate the pattern of light is certainly subtle in relation to the massive scale of the building. The previous works by the artist has been raising – since the last decade- a discursive dialogue that manifests, in positive terms, the existing tension between the principle of the flux of desire and the normative order of institutional geometry. I mean, in concrete terms, that the sensibility of Thomas Glassford (in the same way as many contemporary artists in Mexico) undertakes the subject of bargaining that is given for the intelligentsia, in the current logic, between the forces of the imagination and the organizational structures. Glassford is an internationalized artist with a very relevant path in the Mexican scene and his production is constituted in the manner of a field of interlinked proposals. His pieces put in motion the critical use of industrial materials in configurations that we could characterize as post-minimal, whenever the rigor, repetition and Puritanism of the minimal orthodoxy are taken to a place of inquiry by seeing involved his search for silence, his opposition to the projection of the artist individuality and his eulogy of the non meaning, with the cross references that Glassford makes to the natural realm, to manufacture and design of civilization and the organic condition of the bio-form . From another point of view, it is necessary to remember that the rules of the creative game of this artist have always included a discourse about the energy projected by matter in the mediatic age of art. The invocation / selection of the figure of Xipe Totec ( “Our Skinned Lord” in the religious world of ancient Mexico), by Glassford, is also very evocative as it recovers the notions of rebird, vitality, return, fertility and encouragement in metaphorical terms. This way the advocations or attributes of the god- priest of the dawn and propitiatory sacrifice, the one that dresses in gold with the skin of the bodies offered to stimulate the uninterrupted course of the world, are redirected by the artist to the territory of political enunciation (in the acceptance of the discourse about the polis, city) and in the format of art for the public space. All in such a way that those attributes or meanings preside the identity and daily work of a university extension center with the mission to activate the cultural life of the northern area of the federal district, that is to say, revitalize and give a new sense to the habits of a specific zone of the city. The stimulating effect given by the symbolical coating of a building with such official characteristics, multiplies its seductive power just by founding its discourse on a concept so consubstantial to time that appears with the lightness of the most reductive formalism. The reference to the quasi crystals of the variable design of the modules evidences, precisely, the symbiosis that makes the molecular aspect of the intervention in relation to the molar quality of the intervened architecture. Xipe Totec, A beacon of Mexico, as the work is titled, is visible from multiple points of the city, actually it is an unforgettable view from a plane landing or taking off. Besides, it gives Tlatelolco an urban and identity chapter that consolidates the history of the neighborhood as a foundational space and defining of the mystique of the youth touched by destiny and lucid thanks to the grace of consciousness and culture. We will always remember – parallel to the tremendous and inexorable historical events known by all- that in those sites Luis Buñuel pictured the tragedy of Los Olvidados (1950), that there victims of 68 delivered their critical will on the view of Jorge Fons with Rojo Amanecer (1989), that in the intimacy of its private spaces the post-ideological fable of the kids of Temporada de Patos (2004) of Fernando Eimbcke, took place. At the end, the work of Thomas Glassford allows Xipe Totec, also “Lord of the Youth” in the mexica pantheon, to return for his rights – beyond Mesoamerican totalitarism- under the avatar of the democratic artistic artifact and opens the way towards a renewed cultural and social delirium. www.tlatelolco.unam.mx

Roberto Verino

p.104

He seduces us in every collection with clothes inspired in a unique style. The models of this designer integrate sensuality, intelligence and mystery. BY JORGE EDUARDO MORALES

ROBERTO VERINO was born in Verin (province of Orense, Spain) in 1945. There he studied commercial expertise, besides enrolling the Académie des beaux-art in Paris, where he approached the world of painting and had its first real contact with fashion. In 1982, he created his first women’s ready to wear collection under the brand Roberto Verino. On the following year he opened his first Paris boutique in the heart of Saint Germain, as well as his international showroom. After expanding his brand and receiving innumerable awards in fashion and design, he launches in 1988 his line Erre Uve Dos, representative of the young line of Roberto Verino. Today, many of the most important boutiques are among his buyers and his collections are present in twenty countries: of course France, England, Belgium, Neatherlands, Canada, United States and the United Arab Emirates. Each collection by Verino is especially dedicated to men and women that enjoy fashion and know how to express with it their own personality in a creative way. That is the essence that identifies him in the whole world and that has taken him to outstand in fashion design. When talking about Verino words are limited but consistent: measured glamour and vanguard in lines and forms. The inspiration source for his latest collection came from capturing the essence of the Parisian streets. Verino subtracted from Paris the style of urban men, travelers; sensuous women, intelligent and mysterious, whose personality is perceived in each of the clothes and on their intentions. In Verino’s words, this collection is for people that live in a great city and that are correct with the style that each occasion demands: staged baroque or elegant sobriety; natural rich and warm materials or textures with a technological feel; tailored suits and impeccable coats or sexy, modern and distinguished makings with ethnic touches acquired from innumerable trips. The proposal is a modern, perdurable style. Why did we select Roberto´s Merino fall-winter 20102011 among others? Simply: because of the force of presence, movement, the urban melting pot in the men’s clothes; glamorous glimmer in the feminine looks that immortalize the black mystery. Because of the tailored suits and tweed coats, in slim fits and wide shoulder pads, that remind of exotic birds. Because of the seductive force of women is uncontainable in vivid colored clothes and wide legged trousers. And, because of the tones selected are emeralds, blues, reds, garnished with natural feathers and crystallized Swarovski elements. Verino, about his pieces immersed in the city that inspired him, states: “The nightlife of Paris is invaded by pieces made with rich materials and warm as wool and cashmere, with technological finishes, plasticized and metalized in black, gray and silver tones. They are luminous glimmers and of a great glamour after night falls. For them, the reaffirmation of the traveling existence of clothes, that includes vibrant shades of blue, taupe and maroon, in an innovative urban style with ethnic and sophisticated touches at the same time. The tailor suits are elegant and sober, using the male figure and making it irresistible”. www.robertoverino.es

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notas


dentro glocal objeto

Un nuevo escenario para

el anafre

Por Nina Paz Fotografías Christian Vivanco e Iván Cabrera

Q

uién iba a imaginar que un antojito mexicano inspiraría a Christian Vivanco, diseñador industrial nacido en México y radicado en España. Sí, Christian comía en uno de los múltiples puestitos de la Ciudad de México cuando observó el anafre. Este objeto, cotidiano en México y América Latina, es básicamente una estufa portátil que recuerda los antiguos fogones y de hecho utiliza carbón — en algunas ocasiones gas— para calentar lo que se coloca sobre ella. El anafre está hecho de placas de aluminio y su sencilla estructura refleja el diseño que durante generaciones se perfeccionó para lograr un buen cocimiento. Christian encontró fascinante este objeto y de él partió una serie de tres mesas auxiliares de diversas dimensiones: una estructura principal realizada en acero con recubrimiento, y un par de niveles de madera sellada. Esta “mesanafre” constituye una reinterpretación que puede ser usada para interiores y exteriores, e incluso colocar un buen plato de quesadillas sobre ella. http://christianvivanco.com

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GLOCAL DESIGN MAGAZINE No.3 Portada por / Cover by: MATALI CRASSET  
GLOCAL DESIGN MAGAZINE No.3 Portada por / Cover by: MATALI CRASSET  

2011 ABR-MAY. ESPACIOS PUBLICOS / SOM / Atmos Studio / Starck / Space / KMD