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Editorial

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aber qué seleccionar para representar una edición llamada “De México para el mundo”, no es tarea fácil, faltan muchos talentos, y sin duda con ellos seguiremos escribiendo nuestra historia… Pero sí sabemos que hoy presentamos obras que serán piezas clave este año en el diseño mexicano, muchas estarán ganando el reconocimiento de las instituciones, y de la crítica especializada. Una de ellas es el tan esperado “Museo Memoria y Tolerancia”, obra de Arditti Arquitectos, espacio que nos recuerda lo terrible que es el ser humano cuando lo envuelve el poder, pero también, nos hace ver la majestuosidad de una sociedad cuando se une: sólo cosas grandiosas pueden suceder… así se unieron empresas e individuos para dar vida a este digno lugar. También en exclusiva presentamos una exposición que celebra nuestra historia, levantada por el gobierno federal, así “México 200 años. La Patria en construcción”, vemos piezas nunca antes reunidas, sin duda algo que visitar. En esta ocasión Ariel Rojo nos hace el honor de diseñar nuestra portada. En ésta él propone una serie de iconografía que representa cada una de las historias que nos forman como individuos, como seres pensantes, como miembros de una sociedad, de un país, de un universo… pero, todos, sí todos, tenemos una historia diferente, y eso es justo lo que nos identifica como personas irrepetibles. Y no decimos más… los invitamos a disfrutar nuestras páginas y a enviarnos sus propuestas. Greta Arcila

Directora General Editora en Jefe Greta Arcila greta.arcila@glocal.mx Directora de Arte Sofía Arce Coordinadora Editorial Tania Sánchez Arias tania.sanchez@glocal.mx Diseñadores Adrián Vilchis Jorge Leal Álvarez Traducciones Shelsy Di RESPONSABLES DE SECCIÓN Trazos Alfonso Maldonado Galería Erik Castillo View Pamela Orozco Vivienda Imelda Morales Ferrero Fotografía de arquitectura Jorge Silva Fotografía de retrato Gabriel González Directora Comercial Rocío García Colaboradores Ramón Figueroa Ariadna Soria Alexandra Villaseñor Marcos G. Betanzos Correa Marco Corral Shelsy Di CONSEJO EDITORIAL Presidencia Gina Diez Barroso Consejeros honorarios Ariel Rojo Carmen Cordera Juan Carlos Baumgartner Juan Manuel Lemus Juan Bernardo Dolores Fernando Camacho Sagrario Saraid Miguel Ángel Aragonés Carlos Pascal Gerard Pascal Héctor Esrawe Arturo Aispuro Coronel Fernando Rovzar Jorge Gamboa de Buen Contabilidad Víctor Villareal Arturo Xochipa Contacto: info@glocal.mx Manchester 13, piso 1 Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, México, D.F. Teléfono: 52 (55) 55.33.68.18

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Departamentos ALFONSO REYES 216 Alfonso Reyes 216 Col. Hipódromo Condesa México 06100 DF Informes: 52.56.10.50 ventas@l.org.mx Facebook: Alfonso Reyes 216

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24 Departamentos tipo Loft Diseño de Vanguardia Excelente Ubicación Vigilancia las 24 hrs. 2 Cajones de Estacionamiento Acabados de Lujo Captación de Agua Pluvial Planta de Eléctrica de Emergencia

Diseño y Construcción L México S.A. DE C.V. México (52) 55.11. 64.11 Los Angeles (01) (310) 308.6053 www.l.org.mx Fotografía: Beto Adame


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Dise 6 ño + Emp resa 10, 1 Groh 1 e Nov el S 12, 14 hall 16 Mois a Valla. I és H erná nglater View n 22 dez. ra Tiem Méx p Il mo o de i c o Osca bilie 24 r. US Inici A ativ 25 a be Dise lga. ño D Bélg iseñ ica o 26 y se Text nsua iles lida GAN d. , fib Colu 28 ras t mna á ctile Exp s. Es edie 30 pañ Espe nte d a cial iseñ De M o. M éxic éxic 34 Enfo o pa o que ra e Plát l Mun ica c Show do 36 on A room r i e l Pirw Rojo . Mé 38 gree i, un esp xico n a . c Esen Méxic io de exhi 52 Méx cial y su o bició ico s fir n mas Dón de G de d 58 iseñ aler o. í a ADN rias . Mé , 60 xico un espa Den tro c i o d Dise e his ñ toaño o muse s de o g 62 rá h nal. Méx istoria, fico par Vitr a Pala in ico cio N 200 Mem a para acio l 64 Arqu oria y T a histor o ia itect l os. M erancia , Museo de A éxic rdit o ti 70

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Vivi end a Ca sa Mais MTY, B G emp on Carlo P. Méxi Rest co erad s o&B or R Ortega ow A ar E , El t ntre r rch. Méx aje del 78 pan textur ico io, M as y 8 6 Méx m uro i Rojo ateria Rest co l e A s r , quit ectu CumTom aurante Hos ra. Dixo Pey pita 89 ton n. In lida & glat d B B y rne, erra rita Stre nia en N et H Ever 92 otel ew York gree , Kit , C n Pu r o Kem nk p. U sby el am alive, m SA at bien 94 Gale te. F eria am ría inla igab El ac n le co dia n Una ontecim s i e e 98 Méx rie de nto gr áfico ico Alex Text . D uras orfs man El ho . m 100 b r cand e de Trad y l . Mé os d ucci ulce xico ones s, M anObje to G loca 104 l

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extra

Una apuesta por el diseño: Glocal Design Magazine Fotografía: Armando Villanueva

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a noche del 25 de Noviembre el Museo Franz Mayer y muchos de nosotros fuimos testigos de un evento memorable para el equipo que conforma este proyecto; el lanzamiento de una nueva publicación que hace del mundo del diseño su propio universo: GLOCAL DESIGN MAGAZINE. Cabe destacar que no estuvimos solos, nos acompañaron generosamente, reconocidos creativos dispuestos a charlar y a exponer sus puntos de vista sobre lo local y lo global en el diseño. Talentos nacionales como Joel Escalona, Héctor Esrawe, Mauricio y Sebastián Lara, Jorge Moreno Arózqueta y Ariel Rojo, conformaron una Mesa Redonda dispuesta a debatir sobre el diseño mexicano, mientras el diseñador internacional Karim Rashid, prosiguió con una conferencia en la que expuso sus reflexiones y sentires sobre el diseño democrático. Problemáticas, anhelos, miradas encontradas en torno a un sólo eje temático; a ellos, los ponentes de aquella noche, va nuestro agradecimiento. Mas nada hubiera sido posible sin el apoyo de firmas o instituciones que participaron de maneras diversas: Kohler, Guardian, Grupo Interni, xO, AHEC, Veuve Clicquot, Egizia, Grupo Habita, CIDI, CAMSAM, Plaka Comex, el mismo Museo Franz Mayer, Studio Spazio, MASISA o Tequila Alacrán. Asimismo, AHEC, Esrawe Diseño, Ariel Rojo, DIEZ, Pirwi, Studio Roca, Joel Escalona, Horacio Cinto y María Beckmann, nos brindaron algunas piezas de su mobiliario para el montaje de una pequeña muestra que constituyó una diminuta ventana a lo hecho y concebido en México.

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Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: Febrero-Marzo 2011. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2010112513245300-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15057. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Manchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtemoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Publicaciones CITEM. S.A de C.V., Av. Del Cristo 101, Col. Xocoyahualco, Tlalnepantla de Baz, Edo. de México. Impresa en: Offset Santiago. Río San Joaquín 436, Col. Ampliación Granada, C.P. 11520, México, D.F.

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trazos

Por: Alfonso Maldonado / Imágenes: cortesía firmas invitadas

Conjunto de Artes Escénicas Centro Cultural Universitario Central de Proyectos SCP Universidad de Guadalajara 2009 El despacho Central de Proyectos SCP de Mérida, Yucatán ganó el segundo lugar en el concurso de diseño arquitectónico para el Conjunto de Artes Escénicas, la tercera pieza del Centro Cultural Universitario de la Universidad de Guadalajara. Por su ubicación, entre el Auditorio Metropolitano y la Biblioteca Juan José Arreola, sirve como conexión entre los diferentes espacios del conjunto, lo que enfatiza el carácter público de la propuesta. El programa se estratifica vinculando los espacios públicos al área peatonal y los espacios privados al acceso vehicular. Los teatros se distribuyen de manera lineal, alimentados por el bloque de servicios que se encuentra entre ellos, comunicándose entre sí. El teatro experimental, gira hacia la plaza permitiendo la posibilidad, de abrirse hacia ella. Para suavizar la escala del edificio y la gran elevación de las tramoyas, el volumen se escalona hacia la calle disimulando su altura y evitando imponerse a su entorno inmediato. A pesar de contener diversos foros, el volumen es percibido como un sólo cuerpo desde el exterior, que se abre o cierra para regular sus flujos y conexiones con el conjunto, contando con una gran galería que ocupa toda su planta baja. www.centraldeproyectos.com

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La Tallera Concurso, 1er lugar Frida Escobedo

Mayo 2010 Con el aparentemente sencillo gesto de girar los murales de Siqueiros desde su posición original, Frida Escobedo abre el patio del museo hacia la plaza, generando una nueva relación entre el museo-taller y los espacios que lo rodean. La propuesta ganadora del concurso de regeneración de La Tallera, cambia la habitual relación entre el edificio y el visitante.

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Al abrirse el patio, el museo cede un espacio para la convivencia, pero al mismo tiempo se apropia de la plaza vecina. Los murales concebidos originalmente para estar al exterior, ahora funcionan de dos maneras: la primera como vínculo visual y programático con la plaza, al contener las áreas públicas del museo: cafetería, librería-tienda y, la segunda, como muro-programa que separa la residencia artística del museo-taller. La propuesta se presenta en una lámina-maqueta que se despliega en múltiples lecturas, en un intento por subrayar la idea de un espacio que se desdobla y genera nuevas relaciones y vínculos espaciales. fridaescobedo.net

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London Gate Donis Julio 2010 The Architecture Foundation en representación de la Worshipful Company of Chartered Architects anunció al proyecto London Gate del arquitecto mexicano Fernando Donis como ganador del concurso internacional para el diseño de un nuevo hito para Aldgate. Los participantes debían diseñar un hito temporal en la orilla este de la ciudad de Lon-

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dres que se mantendrá en pie durante la duración de las Olimpiadas y Paralimpiadas de Londres 2012, inaugurándose en Enero de 2012. En vez de crear un monumento completamente “nuevo”, London Gate regenerará la “ciudad” (el centro histórico y financiero) al reinventar la antigua puerta de Ald-Gate como un moderno perfil que señala el acceso a la High Street 2012, conectando el este de Londres y celebrando los juegos olímpicos. En vez de sólo funcionar como portal horizontal, el proyecto permite el acceso vertical a través de elevado-

res panorámicos que corren por la estructura. El esquema funciona como una “desnuda” torre pública entre las extravagancias de la privacidad; un marco que mide 100 metros por 12 y que forma parte de un sistema de arquitectura. Donis es una firma internacional establecida en Rotterdam dedicada a la arquitectura e involucrada en proyectos para la ciudad. La oficina está comprometida con definir un sistema arquitectónico que replantee la relación entre arquitectura y economía. Donis desarrolla actualmente proyectos en Emiratos Árabes Unidos, México y los Países Bajos. Dirigida por Fernando Donis, la firma colaboró previamente en numerosos proyectos en Office for Metropolitan Architecture junto con Rem Koolhaas durante siete años. Fernando también es candidato al doctorado del Instituto Berlage y TU Delft. www.donis.org www.glocal.mx


R432 Rojkind Arquitectos 2009-2014 Desde las ventanas de las oficinas de Glocal Design en la calle de Manchester, somos testigos de la construcción de la torre de 52 niveles R432 que Rojkind Arquitectos diseñó en Paseo de la Reforma. Desplantada sobre 12 lotes fusionados, el proyecto generará una calle peatonal continuando el trazo de Manchester hasta la calle de Tokio en la colonia Juárez. Los primeros tres niveles estarán dedicados a comercios y restaurantes de lujo; 7 niveles a oficinas y estacionamientos, 28 a vivienda y en los últimos 9 niveles de la torre se ubicará el Hotel Buddha Bar, que promete convertirse en un punto inevitable para turistas y residentes por igual. Una de las singularidades más interesantes de la torre consiste en la flexibilidad de las tipologías de los departamentos. Basados en un modulo base de 70m2 que genera la estructura de la torre, éstos pueden unirse vertical u horizontalmente al gusto de cada comprador, ofreciendo viviendas con las combinaciones de niveles o de vistas que cada uno elija. 2014 es la fecha estimada de terminación de este edificio de usos mixtos de 53,322 m2.. www.rojkindarquitectos.com

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Plaza Independencia Montevideo, Uruguay, Gaeta Springall 2010 La Plaza Independencia es en la actualidad un mero espacio conmemorativo e histórico; un desolado espacio de paso y tránsito sin un real uso e identificación ciudadana con el lugar. La propuesta de Gaeta Springall, ganadora de la mención honorífica en el concurso para el rediseño de la plaza, pretende ser el eslabón del sistema de espacios públicos del centro y la Ciudad Vieja que interactúe junto a las calles y plazas urbanas y que por su ubicación estratégica y su carácter logre potenciar esta secuencialidad de espacios urbanos.

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Tres zonas que se suceden sobre el eje de la Plaza: espacio eventos, en el punto más próximo a 18 de Julio, la plaza se socava para acceder, pero también para conformar unas generosas gradas-anfiteatro que servirán como espacio para eventos espontáneos; espacio conmemorativo, en el centro del lugar, un elemento hasta ahora oscuro y sin comprensión se integra y forma parte de un nuevo programa; y finalmente el espacio ciudadela, el sector más próximo a la Ciudad Vieja el pavimento se extiende hasta la Peatonal Sarandí generando una interacción y unión entre ambas zonas. Con estas propuestas los arquitectos Julio Gaeta y Luby Springall buscaban transformar un espacio conmemorativo y de flujos, a un espacio abierto, sin barreras, que permitiera realizar aquellas actividades propias de la vida cívica en la ciudad contemporánea: transitar, descansar, celebrar, conocer. www.gaeta-springall.com

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Pabellón temático para la Expo Mundial 2012 Yeosu, Corea 2009 AS/D Asociación de diseño Los arquitectos Fernando Velasco y Paola Morales de AS/D realizaron la propuesta para un pabellón temático dedicado al océano, para la Expo Yeosu 2012 en Corea, como parte de la visión futura para la ciudad de Yeosu y la Exposición Universal. Aprovechando una ubicación

privilegiada, el edificio puede ser visto desde cualquier punto del plan maestro de la Expo. El edificio se divide en tres volúmenes principales interconectados, lo cual permite eficientar la circulación y lograr una fácil conexión entre las diferentes salas de exhibición. El vacío central funciona como circulación principal y conecta con los servicios complementarios como café, tienda y sala de proyección además de ofrecer vistas de la ciudad. El pabellón se levanta para incorporar nuevos elementos estructurales que lo soportan ya que se crea un espacio por debajo de éste y permite que se eleve y flote elegantemente sobre el agua. El techo multifuncional contiene paneles fotovoltaicos, contribuyendo a la visión de la Expo de combatir el cambio climático. wwww.asd-architecture.com

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diseño + empresa

GROHE De la mano del diseño y la tecnología Grohe ha atinado en encontrar una simbiosis que consigue proyectarle a la vanguardia. Por: Ariadna Soria Fotografías: cortesía Red Dot Award

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rohe, autodefinida como la marca productora y suministradora de accesorios para baño líder a nivel mundial y la más grande a nivel europeo, ha construido una reputación sobre una oferta basada en un desarrollo que busca unir en su concepción: diseño, calidad y tecnología. La compañía con sede en Düsseldorf, fundada en 1936 por Friedrich Grohe, apostó por hacer del diseño un elemento fundamental, y es por ello que decide instalar su estudio de diseño en casa, en la misma ciudad. Para Grohe el diseño va más allá de una buena apariencia o de un Ondus Digitecture de Grohe

toque o mensaje estético; los productos de la empresa germana son piezas que deben generar “sensaciones” en los usuarios. A decir de los directivos se busca que los productos inspiren, que formen una conexión y se cree un intuitivo entendimiento con el usuario integrando estética y desempeño. Siempre en búsqueda del cambio y la vanguardia, en el año 2005 Grohe invita como Vicepresidente de Diseño al britanico Paul Flowers, personaje con gran trayectoria en la industria del diseño -trabajó para IBM, Electrolux y Philips-, quien da un giro de 180 grados a la empresa en términos de tecnología aplicada al diseño. Hoy en día encabeza un equipo de 13 diseñadores quienes cada año reciben premios como los iF, Red Dot, Good Design o el 40 under 40 (premio que se le otorga en Europa a los jóvenes visionarios de la arquitectura y diseño). En el año 2010 Red Dot le otorgó un reconocimiento “Best of the best” al Ondus Digitecture, Digital Bath, en la categoría de producto. Flowers como hombre de avanzada comenta: “Nosotros nos revelamos en nuestra habilidad de inspirar al mundo, retar y romper paradigmas, influenciar y formar el futuro”; al tiempo que continúa encauzando sus esfuerzos encaminados a seguir creando maneras únicas de disfrute del agua, en los interiores de una sala de baño. www.grohe.com

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Glocal Design Magazine, Forma y función que toma vida Suscríbete por un año y recibe 8 ediciones Recuerda que cada una de nuestras portadas es coleccionable ya que es realizada por reconocidos talentos del diseño. Nuestro primer número correspondió a Karim Rashid. En esta edición nuestro invitado fue Ariel Rojo… Busca las propuestas de los personajes que generan vanguardia.

FORMULARIO Datos

Nombre: Apellidos: Fecha de nacimiento: Día/Mes/Año Profesión: Dirección Callé y número: Colonia: Ciudad: Código Postal: Correo Electrónico:

Tarifas México D.F. y área metropolitana México, resto de la República Mexicana U.S.A. Resto del mundo

$480.00 pesos $560.00 pesos $300.00 UDS $350.00 USD

*Realiza tu pago en Banamex a nombre de: Color y Espacio Editorial S.A. de C.V.; Numero de sucursal: 4271 Cuenta: 0132512; CLABE: 002180427101325127. Envíanos tu información, junto con la ficha de depósito a: suscripciones@glocal.mx


diseño novel

Shan Valla La delicadeza de cada una de sus obras le ha dado el reconocimiento de expertos y del público en general. Una inglesa muy especial… Por: Greta Arcila Fotografías: cortesía Shan Valla

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na de las tareas que más amo de mi trabajo es la satisfacción que da encontrar algo que a uno lo mueve… así me ocurrió con Shan Valla, diseñadora inglesa graduada en el 2009 en el Royal College of Art a quien seleccionamos como talento internacional. La cerámica de Valla comprende y enaltece en una misma pieza la contemporaneidad inglesa y la tradición japonesa, es decir, ama la imperfección de lo casual, y la perfección de la sutileza; cada una de sus obras se antojan por esa apariencia “inacabada”, sin dejar de ser impecables. Su tan peculiar estilo ya le valió en el 2005 ser laureada como ‘New designer of the year’, nombramiento otorgado por la organización BDC New Designers, que, además de darle credibilidad y proyección con el mundo empresarial, le valió el reconocimiento público. Para el año 2008 gana el premio Charlotte Frasier y en 2009 el Matthews Wrightson Charitable Trust, y en el 2010 el Grier Business Award le otorgó un elogio por parte del jurado con el apoyo de Bozena Uranowska. Uno de los aspectos admirables en su obra es la dignidad con la que utiliza cada material

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en donde se precia una buena ejecución y una mirada digamos naif de acercarse a la forma de sus piezas, que serán con el tiempo, objetos para coleccionistas de “diseñadores boutique”. Hoy en día comparte su taller con un ceramista, un diseñador de joyería y un artista gráfico, lo que la ayuda a ver y estar en contacto con nuevas ideas. Su estratégica ubicación en Holborn, Londres, muy pegada a La City, el centro de negocios de la capital inglesa, y a unas calles de Covent Garden, nos habla de lo visionaria que es Shan ya que además su espacio también se puede visitar para conocer y comprar obra. Lugares como el museo Victoria & Albert o la renombrada galería Saatchi, han exhibido sus obras, y ya se encuentran a la venta en línea, en bazares de diseño, en el espacio que la tienda departamental Liberty destina para lo mejor del Reino Unido, y en exclusivas galerías de diseño en Inglaterra. www.shanvalla.co.uk

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novel

Moisés Hernández

simplicidad y un toque de color “Me gusta la simplicidad en los objetos y me gusta encontrar los elementos clave que les dan forma. Me gusta el color. Me gusta contar historias” Por: Tania Sánchez Arias Fotografía: cortesía Moisés Hernández

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ureza y balance con una dosis de exploración, son los conceptos que llegan a la mente tras observar los objetos creados por la mano de Moisés Hernández. Un talento nacional egresado en el 2007 con honores, de la carrera de Diseño Industrial del Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey, y con estudios intermedios en el Politécnico de Turín; tras los que se incorpora a las filas del equipo de Innovación y Desarrollo de Nuevos Productos de Ezequiel Farca, área que ya para el 2009, dirige. Sus piezas ostentan una cuidadosa sencillez que gusta de combinar en pares. Unidades cromáticas con acentos estudiados de color o materiales definidos con un sorpresivo guiño, con el que se atreve a proponer un giro inesperado en el uso de algún material o en el concepto mismo arraigado a un objeto.

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Para Moisés, sus diseños son piezas que tienen una historia y personalidad propia; objetos que buscan siempre un equilibrio entre nuevas ideas, materiales, color y forma. “Me gusta pensar que mis creaciones puedan hacer felices a las personas o que puedan mejorar su vida en cualquier sentido”. El trabajo de este joven talento ha sido ya merecedor de reconocimientos entre los que

destacan dos premios Good Design Award 2009 otorgados por el Chicago Athenaeum, y el año pasado se llevó una mención por parte del jurado en el premio Promesas México organizado por Habitat Expo y SMI. Actualmente, Moisés Hernández, se desenvuelve de manera independiente dando impulso a la firma de diseño que lleva su nombre. www.moises-hernandez.com

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Tiempo de Oscar,

tiempo de ver los mejores vestuarios Por: Pamela Orozco

Si el vestuario es majestuoso, el filme también.

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“Alicia en el País de las Maravillas”.

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a temporada de los premios de la Academia Norteamericana de las Artes y las Ciencias Cinematrográficas está en pleno apogeo, y es común que el grueso de los espectadores y la prensa enfoquen sus esfuerzos en discutir las principales categorías, haciendo a un lado otras que también son fundamentales para la realización de una cinta, como la que hoy abordamos, Mejor Vestuario, terna que se entrega desde 1948. Este año la veterana Collen Atwood, repite nominación gracias al trabajo para la excéntrica cinta “Alicia en el País de las Maravillas” de Tim Burton. Atwood ha ganado 2 veces la estatuilla, en 2002 por el musical “Chicago” y en 2006 por “Memorias de una Geisha”. A decir de Atwood, uno de los principales retos en esta cinta fueron las escenas donde Alicia se hace pequeña y luego gigante ya que se tuvieron que realizar varios modelos con distintas proporciones y aunque era el mismo vestido azul, se tenía que ser muy cuidadosos para mantener la continuidad en la película. Sin duda es de aplaudir la manera en que ella maneja las texturas, es

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un goce casi sensorial ver tantas tonalidades y volúmenes en un mismo ropaje. Italia no se queda atrás por tratar de conseguir tan prestigiado premio, Antonella Cannarozzi, se encuentra entre las nominadas por su trabajo en el filme “I am Love” del director Luca Guadagnino, y aunque ha diseñado vestuario para 13 filmes, esta es la primera vez que obtiene una nominación de la Academia. Dentro de “I am love” se puede observar el juego de colores que realiza Cannarozzi de acuerdo con el ritmo de la película, es decir, cuando el personaje de Tilda Swinton, Emma Recchi, hace su primera aparición, en sus vestuarios utiliza colores neutros y conforme avanza su aventura amorosa, va cambiando a color rojo escarlata o naranja. Otro punto que hizo que esta diseñadora se ganara su nominación fue la colaboración que tiene con dos de las casas de moda más importantes: Fendi y Jil Sander. Otra veterana en las nominaciones es la británica Jenny Beavan, está vez se encuentra entre las elegidas por su colaboración en la cinta “The King´s Speech” de Tom Hooper. Beavan ganó el Oscar en 1986 por su participación en el diseño de vestuario de la película “ A Room with a View”. Jenny, ha obtenido buena reputación en todos sus trabajos cinematográficos ya que es históricamente exacta en sus diseños. Para Sandy Powell los vestidos de época son su especialidad, y en esta ocasión se

encuentra entre las favoritas para obtener “El Oscar”, ya que ha sido acreedora de 3 de ellos. Hemos visto su trabajo en cintas como “Shakespeare in Love”, “The Aviator”, “The Other Boleyn Girl”, y este año hace gala de su experiencia en “The Tempest”. Para Powell esta película fue un reto pues Julie Taymor, la directora, le pidió que los actores pudieran verse como los cuadros de Goya o Velazquez, por lo que se fue por los tonos cafés y tierra, pero también, que parecieran salir del paisaje mismo del filme, que se desarrolla en una isla, así que los colores índigos son también indispensables; en sí es un juego de materiales impresionante. Otra diseñadora que competirá en esta categoría es Mary Zophres con la cinta “True Grit” de los talentosos hermanos Coen, y con quién ya ha hecho equipo desde 1996. Para realizar los vestuarios de esta cinta, Zophres investigó y estudió intensamente el período de 1870, época en la que se desarrolla “True Grit”. Para el actor Jeff Bridges, la participación de Mary Zophres dentro de la película fue muy importante ya que se acercaba con los actores con libros en mano para ir viendo los estilos de ropa de cada personaje y así juntos elegir cuál iba con la personalidad de cada uno. Las cartas están echadas en la carrera al “Mejor Diseño de Vestuario” dentro de los premios de la Academia Norteamericana, ¿ganará aquella con mejor experiencia? o ¿el jurado pre ferirá el nuevo talento?.

“The King´s Speech”.

“The Tempest”.

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Iniciativa Belga U

no de los países que ha logrado que sus creativos estén siempre en avanzada es Bélgica, y como parte del apoyo a la industria del diseño, existe la organización Valonia-Bruselas Moda Diseño (WBDM), que se dedica a apoyar el desarrollo y el reconocimiento internacional de los diseñadores y de los creativos de la moda de la región belga de Valonia y de la ciudad de Bruselas. Esta agencia presentó para la reciente emisión de la Maison & Objet, a un grupo de 7 creadores seleccionados por un jurado de profesionales del diseño. Hélos aquí.

Laure Kasiers.

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Dust Deluxe – Damien Gernay.

Kaspar Hamacher.

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Thierry Bataille.

Helium Concept.

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Frédéric Richard.

Tamawa.

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diseño

Diseño y sensualidad: históricos amantes Por: Tania Sánchez Arias. Fotografías: cortesía diseñadores invitados

Use me

Sexy-relaxy

¡La sensualidad nos atrae y nos hace olvidarnos de todo! Es producida por el deseo de gustar sin que uno se de cuenta. Bram Boo

“Sexy-Relaxy, producida por NgispeN, que es una silla para la cual tuve en mente la famosa escena de Basic Instinct, donde el personaje de Sharon Stone era interrogada sin llevar ella ropa interior” Richard Hutten

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Las más diversas piezas que van desde los aparentemente “cotidianos” objetos de mobiliario, hasta la decoración sugestiva unida al ludismo exótico, elegantes o atrevidas piezas que rozan y cruzan ligera o descaradamente las fronteras entre lo sensual, lo erótico y lo sexual

Saber

Him & her

Total Joy

“Siempre he amado la Panton Chair. Yo quería ir más allá. Solo el cuerpo humano puede hacer eso” Fabio Novembre

DIC FEB•• MAR ENE 2011 2011

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”Las formas están inspiradas en la naturaleza y en la imperfección, sin tratar de ser high class...”

Sensualidad es: Amor... Yo necesito sentir que el amor es sensual, soy un romántico. ¿Cómo describiría mis piezas? Científicas.

Guido Ooms

Michael Young

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diseño

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efinición de Sensualidad: Propensión excesiva a los placeres de los sentidos, lo anterior, según la Real Academia de la lengua Española. Así, con ello, se formulan los conceptos de inicio, pero ¿cómo abordar un tema que para diversos sectores puede sonar “escabroso” o “provocativo” como La Sensualidad y/o el erotismo, y además, unido a un tema como es el diseño? ¿Qué hacer entonces? ¿A dónde o a quién recurrir? Habría que ponerse a pensar en los orígenes de esta peculiar mancuerna. Tarea singular, pensarían algunos. Y uno podría encontrarse con artefactos ancestrales destinados a provocar y a desatar los ins-

tintos... Pero también, si hacemos memoria, talvez recordemos que el diseño trata de originar una armonía en el entorno humano, y entonces, tendríamos que hablar de aquello que nos armoniza como seres humanos, que nos pone en sintonía con nuestro “ambiente”. Mencionar sensualidad, es implicar a los sentidos y a los estímulos que de ellos obtenemos. Mencionar, diseño, implicará a los conceptos de “lo bello” y “lo funcional”. Si unimos ambas cosas... ¿Qué ocurre? El placer y el goce podrían quedar inmersos ¿Cómo es que un objeto de diseño puede ser inspirado por un impulso estrictamente

conectado con la intimidad?, ¿Cómo éste, puede convertirse en un objeto público? y ¿Cómo el mismo objeto puede entonces reclamar su mundo privado y personal cuando es utilizado? Nueve participantes entre diseñadores y artistas, a través de sus obras, primero y con sus ideas conceptuales, nos compartieron un pensamiento acerca de sus diseños o su muy personal e íntima definición de la sensualidad.

Bone

Sweet love

”Con los platos, quise jugar con los sentimientos de decencia y sensualidad. Porque somos educados para saber que es indecente lamer tu plato, y porque lamer (como cuando lames un plato), es un acto íntimo que usualmente no se comparte con otra gente excepto por tu amigo más íntimo, es excitante y aun sensual lamer el chocolate de mis platos” Esther Derkx

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”Bone es un juguete vibrador de velocidades variables hecho de resina y con terminado a mano. La ergonómica forma de Bone fue inspirada por antiguos símbolos de fertilidad y en esta contemporánea encarnación, la forma crea diferentes intensidades y patrones de vibración desde diferentes áreas de su superficie...” Tom Dixon www.glocal.mx


Mussel chandelier

”El Mussel Chandelier está hecho de conchas de mejillones, pero los mejillones que albergaban, son muy alusivos a los genitales femeninos. La concha tiene una larga historia como símbolo de fertilidad en muchas culturas”. Nora De Rudder

Crossed legs de Lachaert & Hanis

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Brick de Gianluca Neve

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textiles

GAN Fibras táctiles Por: Alexandra Villaseñor Fotografías: cortesía GAN

Fibras, nudos, acentos y color en perímetros cambiantes. Elementos de ornato para el goce personal.

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a mayoría ignora que la hoy internacionalmente conocida firma española Gandia Blasco, distinguida por su mobiliario único para exteriores; en sus inicios, por el año de 1941, nació como una empresa dedicada a la fabricación de mantas. En aquella época, durante los años de la posguerra la producción estaba fundamentalmente dirigida al abastecimiento de los hospitales y del ejército, hasta mediados de la década de los ochentas que a causa de la competencia del mercado exterior en España, el sector comenzó a dar síntomas de agotamiento y la empresa se vio en la necesidad de dar un fuerte cambio de dirección. Es en ese entonces que José Antonio Gandía Blasco, actual presidente de la empresa, contacta al estudio de diseño valenciano La Nave quien diseña el nuevo logo de la firma; renovación que se acompaña de un acercamiento con diseñadores que contribuyen a recrear para la empresa productos descritos como jóvenes, alegres y novedosos. Este parteaguas, origina para Gandia Blasco la generación de diseños exclusivos, en alfombras con ribetes, estampados, de originales formas, y con una producción aún llevada a cabo en telares tradicionales y dirigida entonces al mercado nacional, más cuyo éxito los lleva a incursionar en productos como sábanas, colchas, telas y cojines.

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En 1996, nace la línea de mobiliario exterior, más la línea textil no se interrumpe. Diseñadores como Patricia Urquiola, Jean-Marie Massaud, Mario Ruiz, Marie Mees, Víctor Carrasco, Sandra Figuerola, Odosdesign, Isbela y el propio José A. Gandía, participan con las más recientes líneas de tapetes y blancos diseñados para GAN, la nueva marca de textiles de reciente FEB • MAR 2011

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creación. Y para ella, Urquiola presenta su colección “Mangas”, una divertida propuesta de tapetes que evocan los distintos puntos de tejido en distintas formas de mangas con atractivas mezclas de color, y cuya reinterpretación los transforma también en lúdicos pufs. Coloridas elipses delineadas, reinterpretaciones de alfombras persas y pisos cerámicos, motivos geométricos, y lo que parecieran tramas orgánicas e inspiraciones étnicas es lo que podemos apreciar hoy en las últimas colecciones textiles de la firma. www.gan-rugs.com

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columna

Expediente Diseño Un espacio para conocer las tendencias del diseño en México. Por: Ana Elena Mallet Fotografías: cortesía Palacio de Hierro

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o diseñado en México finalmente a la venta. En un país con una incipiente cultura del diseño, a lo que se suma que el consumo de productos nacionales aún se mire con dudas y recelo, que un almacén como Palacio de Hierro apueste por el talento joven y el diseño local, es sin duda motivo de gran celebración y esperanza, por el cambio que supone. Ya es oficial que la primera semana de febrero la tienda departamental inaugura un proyecto sin precedentes en la historia del diseño nacional: una suerte de exposición o feria comercial que lleva por título Crear hogar, diseñado en México y que pone al alcance de los clientes de la tienda cientos de productos, obra de 29 diseñadores y/o marcas nacionales. No sobra decir que estos 29 representantes fueron cuidadosamente seleccionados por la diseñadora Cecilia León de la Barra y por mí a partir de su trayectoria y de la calidad estética y conceptual de sus diseños. ¿Por qué la relevancia de este proyecto? Hasta ahora han sido pocos los espacios culturales que se han abierto a la perspectiva de exhibir y difundir la producción del diseño nacional y su importancia en el contexto social, cultural y económico. De los espacios comerciales ni hablemos. La mayor parte de los diseñadores mexicanos venden en tiendas propias o en pequeños showrooms ubicados en la Ciu-

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dad de México en colonias como la Roma, Condesa y acaso Polanco. Con producciones limitadas, el alcance que tienen es muy pequeño y está encaminado hacia un público muy dirigido; casi siempre especializado y relacionado con las élites que consumen arte contemporáneo y otros productos culturales asociados a un cierto nivel de sofisticación. Idealmente, el diseño debiera ser una disciplina que ayude a solucionar problemas sociales y cotidianos, y cuyos productos –o resultados- estuviesen al alcance de todos. Sin embargo, en la práctica no ha sido así debido a múltiples factores que han fortalecido la idea de que simplemente no es negocio: la falta de una cultura del diseño que se traduce en poco interés y en la ausencia de un mercado; la industria, débil y conservadora, que no apuesta por contratar diseñadores locales y generar productos originales (la copia parece ser más segura y sobre todo, más barata) y muy importante; la falta de espacios de comercialización. Porque buen diseño nacional hay, y los diseñadores producen y desarrollan, continuamente, productos y proyectos anclados en buenos principios, con materiales adecuados y estupendos acabados de gran calidad. Parece que simplemente hiciera falta el empujón para que estos productos empiecen a despertar un interés y estén al

alcance de mucha gente. Palacio de Hierro será la institución que le dé esa pequeña patadita cariñosa que tanta falta hace al diseño hecho en México. Con 10 tiendas a nivel nacional en donde podrán ser vistos los productos de estos diseñadores, el proyecto de la tienda departamental pareciera una gran oportunidad para acercar a un público al diseño nacional. Una gran puerta se abre pero sin duda estará en los diseñadores, los productores y promotores trabajar en conjunto para crear un verdadero sistema del diseño en donde cada eslabón tenga bien definido su papel con el objetivo de que el engranaje pueda, finalmente, echarse a andar y no detener su marcha.

Ana Elena Mallet es una notable curadora de exposiciones que busca rescatar lo mejor del diseño mexicano. Ha colaborado en museos como el Soumaya, Carrillo Gil y Tamayo. Su trabajo de investigación lo expone continuamente en el Museo Franz Mayer, así nos ha regalado exposiciones como: “Import/Export diseño británico y mexicano contemporáneo (2006)”; “Inventando un México Moderno: el diseño de Clara Porset (2006) “Thonet”; “Huellas de la Bauhuas, Van Beuren, México (2010)”. Organizadora del Corredor Cultural Roma, Condesa, Arte y Diseño Contemporáneo, actualmente trabaja como asesora para la tienda Museo de Arte Moderno de Nueva York específicamente para el proyecto “Destination: Mexico” a llevarse a cabo en 2012.

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diseño mexicano

De México

PARA EL MUNDO Por: Greta Arcila Fotografía: (Retratos) Gabriel González, (Producto) Cortesía diseñadores

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a labor de nosotros como editores va más allá de conocer el trabajo de los creativos. Estamos siempre en una constante búsqueda e investigación por saber qué está pasando en el medio; quién está trabajando con quién; qué está por venir; asistiendo y observando todos los eventos sociales y culturales que hacen que la creatividad de México camine. Y es que de diez años a la fecha, el crecimiento que han tenido estos sucesos ha sido asombroso. Hemos sido testigos de cómo los foros para exponer el talento se han diversificado para bien, e inclusive vemos colaboraciones nunca antes pensadas. Los que en el presente son reconocidos por su talento, tuvieron que generar en el pasado sus propios espacios de trabajo, difusión y crítica. Hoy, es otra la historia; las opciones que tienen los jóvenes son múltiples y siempre interesantes. ¿Pero quién está detrás de todo esto que sucede?, ¿Quién se rompe la cabeza para hacer que las cosas se lleven a cabo?, ¿Quién apuesta por el universo de las ideas?... Simple, gente apasionada por crear un movimiento que hable ya sea de propias distinciones; de lo que para otros es importante; o con el firme compromiso de hacer que los profesionales de hoy tengan más herramientas y puedan ser parte del movimiento laboral glocal.

Nosotros, también con ese firme compromiso de abrir y crear sinergias, entrevistamos a algunos de esos personajes, que sí, a veces causan controversia, pero estamos seguros que sin ellos muchas de las ideas que hoy “vemos o vivimos”, simplemente no serían posibles. Gina Diez Barroso nos comparte su compromiso por crecer la educación en México con su institución: CENTRO; Carmen Cordera, pieza fundamental del diseño industrial en México, nos habla de la GMD; Miquel Adrià, director de Arquine, expone que es de suma importancia la teoría y la crítica para que fluyan las ideas; Juan Bernardo Dolores, fundador de la SMI, nos habla de cómo el gremio de interioristas ha crecido en México; Emilio Cabrero, fundador con C Cúbica del Design Week, nos platica que hace falta la unión para hacer crecer el diseño en México; y Benjamín Molina Valencia, Director General de ENADII, comparte su visión de abrir foros para universitarios y profesionales. También, hicimos la primera selección de diseñadores industriales (imposible incluir todo el trabajo de propuesta), de aquellos talentos que se distinguen porque llevan sus ideas a la materia; gente que ya tiene o se está dando su propio espacio, y que con su trabajo nos demuestran cómo sí existe en México diseño pensado para nuestra propia cultura.

Investigación: Tania Sánchez Arias / Greta Arcila Entrevistas: Greta Arcila Textos: Shelsy Di

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GINA DIEZ BARROSO Presidenta Diarq, CENTRO de diseño, cine y televisión, y DIEZ

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on cimientos en el desarrollo del diseño mexicano de proyección internacional, Gina Diez Barroso de Franklin funda hace 20 años su primera empresa: Grupo Diarq, una de las empresas más importantes en su rubro, con oficinas en México y Estados Unidos. Su nombre suena constantemente por su trayectoria y diversidad; pero sobre todo por el apoyo que está brindando a las nuevas generaciones de diseñadores y su preocupación por la educación en nuestro país. Conferencista en la escuela de negocios de Universidades como DUKE, NYU, UCLA, Carnegie Mellon entre otras, es también Consejera de varias empresas. Además de pertenecer a diversas organizaciones, es una de las dos únicas mujeres mexicanas que pertenecen al C200 organización de 200 mujeres líderes en el mundo. ¿En qué momento determinas que el diseño es lo que más te apasiona y por ende te dedicas a él? Cuando comencé a remodelar casas en Lomas de Chapultepec, me di cuenta de que había un distanciamiento enorme entre profesionales, pues los arquitectos no hacían “decoración” como ellos le llamaban. Por eso fue que nació Diarq: para unir profesiones que van de la mano. Con el tiempo noté que hacía falta una instituFEB • MAR 2011

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ción que uniera a los creativos; hoy en día está comprobado que son quienes ven en horizontal, quienes están en constante búsqueda… por eso nació CENTRO, la única institución en México que une carreras como cine y televisión, moda, y arquitectura interior. ¿Cuándo descubres que quieres promover el diseño y por qué? Desde pequeña vi cómo mi abuelo (Emilio Azcárraga) trataba de darle más a su país, él hizo que amara a México, fue un gran ejemplo para mí. Yo quiero crear fuentes de trabajo para el mundo del diseño, pero más que eso, en Centro estamos comprometidos en crear empresarios del diseño. ¿Cómo es tu labor de promoción del diseño? Es mucho esfuerzo, por ejemplo, en CENTRO cada año hacemos una cena entre empresarios y alumnos; todos desde que son estudiantes hacen trabajos para marcas muy importantes, salen con trabajo o ponen sus propias empresas. ¿Qué es lo que debe de tener un creativo para que tú apuestes por él? Seguridad en sí mismo, y que no le dé miedo romper paradigmas. En CENTRO tenemos un plan de becas muy interesante; apoyamos a

quienes quieren crecer y esforzarse por ello (Pro-Educación CENTRO). ¿Cuáles son tus metas personales en tu trabajo de promoción del diseño arquitectónico? Yo lo que quiero es dejar para México una institución que haga diseñadores emprendedores. Mi legado en la educación lo dará el trabajo de los estudiantes, y como profesionista en Diarq, mucha gente pide el “estilo Diarq” para sus casas. Para nosotros eso es motivo de orgullo. ¿Hacia dónde va el diseño en México? Podemos decir que ya estamos en el mapa internacional pues muchos jóvenes están teniendo reconocimiento; por ejemplo, uno de nuestros alumnos, Marcelino Islas, -egresado de la carrera de Cine y Televisión-, fue seleccionado con su opera prima “Marcelino” en Cannes, nosotros fuimos con él y fue interesantísimo… y así podría contarte muchas historias. El diseño en México es una realidad, sólo falta unirnos como profesionales, para crecer la industria y difundir a nivel internacional lo que hemos hecho y hacen las nuevas generaciones.

http://centro.edu.mx

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CARMEN CORDERA LASCURAIN Fundadora y Directora Galería Mexicana de Diseño

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iseñadora Industrial por la Universidad Iberoamericana, con estudios en Metodología del Diseño en la Escuela Elisava en Barcelona, España. Desde 1979 es directora de Drafft Diseñadores Asociados S.C., diseño aplicado a la comunicación visual. En el año de 1990 funda la Galería Mexicana de Diseño, espacio que tiene el objetivo de representar y comercializar el diseño mexicano e internacional, en todas las áreas. Su preocupación por difundir el trabajo de los creativos la lleva a fundar Quórum, Consejo de Diseñadores de México en donde fue presidenta de 1995 a 1997.

¿En qué momento determinas que el diseño es lo que más te apasiona y por ende te dedicas a él? El arte, el diseño y la arquitectura me gustan desde secundaria, posteriormente estudio la carrera y mientras más conocimientos adquiría, más me gustaba.

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¿Cuándo descubres que quieres promover el diseño y por qué? En este polifacético mundo de los creativos nace la necesidad de descubrir el diseño de nuestro país confrontándonos con nuestra propia realidad. Nace la necesidad de conocer muchas expresiones; expresiones del diseño contemporáneo de HOY EN DÍA.

¿Cuáles son tus metas personales en tu trabajo de promoción del diseño? Mis metas son hacer que el diseño forme parte de nuestra vida diaria, promover y comercializar productos con buen diseño; que el diseño se convierta en un factor determinante para el desarrollo y en la calidad de vida de los habitantes de nuestro país.

¿Cómo es tu labor de promoción del diseño? Esta promoción se ha dado a través de exhibiciones, catálogos, juntas, conferencias, visitas a fábricas, relación con industriales, empresarios, artesanos.

¿Hacia dónde va el camino del diseño en México? Hacia un mejor conocimiento del mismo, a una mejor concientización en el uso de materiales y tecnologías. A un mejor apoyo por parte de la industria y del gobierno. A la existencia de una comunidad de profesionales creativos, que se dediquen a la exigencia, la investigación y a la crítica que rodea al diseño.

¿Qué es lo que debe de tener un creativo para que tú apuestes por él? Espíritu, innovación, curiosidad, calidad, pasión, compromiso... Son algunas las cualidades.

www.galeriamexicana.net www.glocal.mx


MIQUEL ADRIÀ Director Arquine

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rquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona, llega a México en 1994 para tres años más tarde fundar la revista de crítica de arquitectura más connotada de nuestro país: Arquine. En la práctica de su profesión se ha asociado con homólogos mexicanos logrando obras como: Casa F2, hospital para el IMSS, la Escuela de Enfermería y Obstetricia de la UNAM, entre otras. Editor y autor de múltiples libros, hoy junto con la universidad Iberoamericana, coordina la maestría en diseño urbano en alianza con su alma Mater.

¿En qué momento decides que la difusión de arquitectura es lo que más te apasiona y por ende te dedicas a ello? De pequeño ya sabía que quería ser arquitecto. No recuerdo haber tenido que tomar ninguna decisión. Inventaba proyectos, los dibujaba... aunque no los construía. También a los catorce años con varios amigos hacia una revista que imprimíamos nosotros mismos. ¿Cuándo descubres que quieres promover el diseño arquitectónico y por qué? Cuando llego a México -1994-, con el tiempo FEB • MAR 2011

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me doy cuenta de que hacía falta un espacio para compartir temas, un lugar para la crítica, tan necesaria para crecer como sociedad; veo que los grandes proyectos se los llevaban las “buenas relaciones” y no “buenas propuestas”; por lo que me doy a la tarea de crear, con Arquine, ese espacio de discusión. ¿Cómo es tu labor de promoción del diseño arquitectónico? No busco promover arquitectos, busco ideas valiosas que son arquitectura. En la revista cuidamos mucho cada texto, buscamos ensayos que hablen de lo que está sucediendo en el mundo de la aquitectura. No buscamos cantidad, buscamos calidad. ¿Qué es lo que debe de tener un creativo para que tú apuestes por él? No encuentro las palabras exactas, pero lo que sí debe de haber es una propuesta propia y de dignidad. Hoy en día sabemos qué están haciendo los arquitectos por lo que identificamos qué es válido y qué no; pero definiéndolo en pocas palabras, un trabajo que hable de su universalidad en ideas.

¿Cuáles son tus metas personales en tu trabajo de promoción del diseño arquitectónico? Yo divido mi trabajo entre la docencia –es coordinador del Master de Gestión de la ciudad, con la Universidad Iberoamericana de la Ciudad de México y su alma mater-; la realización del congreso, en donde más que personajes, buscamos arquitectos que pongan en la mesa temas que crezcan el nivel de discusión de la labor arquitectónica, éste año hablaremos de los procesos creativos; y el concurso que hacemos cada año en Arquine. Lo menciono porque para mí lo fundamental es llevar la arquitectura a todos los niveles. ¿Hacia dónde va el diseño arquitectónico en México? Hacia una identidad propia que no abarca sólo a México; todo tiene un rumbo, a lo glocal, es la realidad. Vivimos en un mundo de ideas para compartir; yo apuesto por el trabajo en equipo, para allá va la arquitectura, o mejor dicho, está; hay que compartir para crecer. www.arquine.com

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JUAN BERNARDO DOLORES Presidente CIDI

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studia arquitectura en la Universidad Iberoamericana, para después trabajar en talleres de arquitectura como el de Picciotto Arquitectos. Dirige Arquitectura y Diseño de Interiores, ADI e IA hasta el año 1999 en donde crea junto con su director: AMDI. Fue parte del IIDA (International Interior Design Association), para después fundar SMI en el año 2003. Promotor del trabajo de KMD Architects y Gorshtein Fasja Arquitectos. Director de relaciones públicas para el Grupo GVA. Incansable promotor del interiorismo en México. Actualmente preside CIDI, organización que ya tiene representaciones en Argentina, Chile, Colombia, Puerto Rico, México y España. ¿En qué momento determinas que el interiorismo es lo que más te apasiona y por ende te dedicas a él? Mi primera pasión fue la arquitectura; para mí la arquitectura es más abstracta, habla de las grandes ideas, de la historia, me gusta esa dimensión y su escala urbana; pero el diseño de interiores tiene mayor cercanía con la piel del usuario, forma el entorno más íntimo para el ser humano concreto.

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¿Cuándo descubres que quieres promover el interiorismo y por qué? Cuando en el año 2003 fundamos contigo Greta, y con los hermanos Pascal, la primera asociación con vocación nacional, la Sociedad Mexicana de Interioristas (SMI); ahora con el Consejo Iberoamericano de Diseñadores de Interiores (CIDI), la expansión del territorio en el que trabajan 40 mil interioristas es un reto aún mayor. ¿Cómo es tu labor de promoción del interiorismo? De territorio expandido y largo aliento, no pretendemos eternizarnos en el liderazgo de la profesión, viene una generación de diseñadores de interiores de carrera; nosotros sólo somos precursores, pero nuestra experiencia va a ser importante en la transición. ¿Qué es lo que debe de tener un creativo para que tú apuestes por él? Gran seguridad en sí mismo, fe ciega en que podrá trascender la medianía y el conformismo de sus colegas y una consciencia de sus fortalezas además de la apertura a complementarse con otros profesionistas.

¿Cuáles son tus metas personales en tu trabajo de promoción del interiorismo? Consolidar el CIDI en los más de 20 países iberoamericanos; fundar las asociaciones que representen a los interioristas en los dos continentes en los países en los que no existan; fortalecer la vida institucional del CIDI, de la SMI y de las demás asociaciones iberoamericanas y su vocación de servicio para la Membresía; una asociación que no sirve a su membresía no cumple con su cometido básico. ¿Hacía dónde va el interiorismo hecho en México? Al diseño, no sólo hecho en México, sino pensado y “diseñado en México”, como explicaba el Dr. Julio Frías, promotor mexicano de la Política Nacional del Diseño; los mexicanos no sólo somos manos para maquilar, somos cerebros para pensar e interactuar con el mundo sin limitaciones, como ya lo hacen los jóvenes arquitectos y diseñadores.

www.cidi-iberoamericano.blogspot.com www.glocal.mx


EMILIO CABRERO

Director Design Week México

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uenta con estudios de Arquitectura por la Universidad Anáhuac, pero es en el año de 1990 cuando se asocia con Marco Coello y Andrea Cesarman para crear C Cúbica. Se ha especializado en el rubro residencial, pero en el año de 2004 les llega la oportunidad de realizar el proyecto del CAD. En el 2009 lanza junto con sus socios y un equipo detrás la Design Week México. ¿En qué momento determinas que el diseño es lo que más te apasiona y por ende te dedicas a él? Siempre y de manera progresiva, fui descubriendo mi interés desde chico y sabía que quería ser arquitecto. Cada obra, cada pieza, es siempre como leer un libro. Me apasionan los procesos creativos; el diseño es un mundo que siempre ofrece algo nuevo que contar, algo que aprender. FEB • MAR 2011

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¿Cuándo descubres que quieres promover el diseño y por qué? Me da miedo la palabra promover… ¡Es muy grande!... creo en el trabajo en equipo y en el enorme potencial que hay cuando se unen sinergias. ¿Cómo es tu labor de promoción del diseño? No es una labor individual , todos los colaboradores de DW estamos unidos por la pasión hacia lo que hacemos.

no sean únicamente el conjunto de talentos individuales los que remen en todos los sentidos. Que haya una gremio que pueda crear tendencia. ¿Hacia dónde va México en términos de diseño? Desde mi punto de vista el diseño en México debe de ver mas allá de nuestras raíces y del “similarismo” de la globalización. Debemos dejar atrás la era de los prototipos y las piezas únicas, para crear un diseño que sea motor de una industria que genere valor a nuestro país.

¿Qué es lo que debe de tener un creativo para que tú apuestes por él? Claridad y simplicidad. ¿Cuáles son tus metas personales en tu trabajo de promoción del diseño? Formar una comunidad unida y respetada, que

www.dwmexico.com.mx

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BENJAMÍN MOLINA VALENCIA Director General ENADII

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e licenció en Ciencias de la Comunicación en la Universidad del Valle de México con especialidad en Radio y Televisión por la Universidad de Madrid, España. Colaboró para Sony Music y EMI como Label Manager. Fungió como Director de Relaciones Públicas para la revista Enlace, y es fundador de ENADII.

¿En qué momento determinas que el diseño arquitectónico es lo que más te apasiona y por ende te dedicas a él? Es algo que se dio de manera circunstancial; después de cinco años de buscar oportunidad en Ciencias de la Comunicación y no encontrar nada, decido cambiar mi estrategia de vida. Encontré un espacio dentro de una publicación enfocada a la arquitectura e interiorismo; y ahí pude apreciar el trabajo que generan los profesionistas de este sector. ¿Cuándo descubres que quieres promover el diseño arquitectónico y por qué? En el momento que considero que hacían falta

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más canales que comunicaran de manera directa las obras y a sus creadores; cuando aprecio que existen grupos de poder, amiguismos y, por qué no decir, políticas que no conducen a nada. ¿Cómo es tu labor de promoción del diseño arquitectónico? Tratamos de que los profesionistas y, especialmente, los universitarios tengan acceso a la información de primera mano, darles las herramientas que algún día les serán útiles en su profesión, compartir aciertos y errores de quienes hoy son reconocidos como “las figuras” del gremio. ¿Qué es lo que debe de tener un creativo para que tú apuestes por él? Que tenga ideas propositivas; que busque dar algo más; que no sea conformista; que entienda que hoy día la ciudad merece mayores y mejores espacios; que corra riesgos… que sea irreverente.

¿Cuáles son tus metas personales en tu trabajo de promoción del diseño arquitectónico? Llevar el nombre de la arquitectura nacional a otro nivel, seguir siendo el canal de promoción de cientos de universitarios y de jóvenes despachos mexicanos que buscan promover su trabajo; regresarle a la arquitectura todo lo bueno que nos ha dado a mí y mi equipo. ¿Hacia dónde va el diseño arquitectónico en México? Amo la época que estamos viviendo ya que nos permite ver lo grandioso de la arquitectura mexicana. Cada vez hay más despachos trabajando en diversas partes del mundo con muy buenos resultados, y eso nos da un potencial impresionante primeramente a nivel latinoamericano y después, considero que se dará este fenómeno a nivel internacional.

www.enadiimexico.com www.glocal.mx


EOS México Estudio

“EOS Busca. Se atreve... Replantea los objetos dentro de un crisol ideal entre piezas funcionales y un alto valor estético. Propone.”

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specializados en el desarrollo integral de proyectos en las áreas de Diseño Industrial, Interiorismo, Diseño Gráfico e Imagen, en EOS México todos los proyectos parten de un concepto inicial que hace que se sustenten todos los elementos, son respuestas de diseño que surgen de análisis e investigación y para aportar nuevos lenguajes. “Buscamos que nuestras piezas siempre tengan impreso de alguna manera a México, su gente, su cultura, los usos y costumbres”. Proponiendo y a la vez cuestionando con un lenguaje desenfadado y divertido, para reflejar un México cambiante, orgulloso de sus tradiciones. Para Mauricio y Sebastián Lara, ambos Diseñadores Industriales de la Universidad Autónoma de Guadalajara, el diseño en México últimamente se ha encontrado con una excelente pista de despegue y ésta es la comunicación por medios electrónicos: “Me doy cuenta que gracias a esto los ojos del mundo están volteando a ver lo que se está haciendo de diseño en México “ afirma Sebastián. “Hay muchos diseñadores que FEB • MAR 2011

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con esfuerzo, calidad y mucho talento están exportando sus diseños, posicionando el diseño mexicano” comenta Mauricio. Estos hermanos trabajan en conjunto reflexionando el reto que el mismo nuevo diseño propone, el cual posteriormente se convierte en el elemento rector del diseño, para de esta manera crear una pieza coherente y por ende con buen concepto, en donde los detalles tanto de funcionamiento y acabados satisfagan al usuario.

www.eosmexico.com

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Arta Cerámica

“Lo que nos mueve a diseñar es la inquietud de crear algo nuevo a partir de una buena idea, que llegue a un nicho de mercado que creemos que sería bueno explorar”

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n buen diseño debe ser una nueva manera de resolver un objeto útil de manera sencilla, práctica y producible en el que la forma responde de manera clara y divertida a una idea”. Con este principio Arta Cerámica crea piezas únicas que surgen como expresión de diferentes proyectos en los que convergen diseño, arte y arquitectura. Fundado en 2005 por los diseñadores industriales Gloria Rubio, Marta Ruiz y Diego Sanvicente, Arta se autodefine como un taller estudio versátil que más allá de diseñar y producir objetos sirve como un espacio para el arte, al convocar a diferentes artistas y diseñadores para colaborar en proyectos especiales de edición limitada y participar en diferentes exposiciones y bienales; y como un espacio de difusión, vinculándose con instituciones educativas para impulsar la cultura del diseño en cerámica. Además, Gloria Rubio y Marta Ruiz, quienes actualmente dirigen el proyecto, han encontrado en el diseño un camino responsable, ya que en la actualidad los diseñadores se han convertido en productores y gestores de sus propios diseños, por lo que en lugar de pedir trabajo, lo generan. Es por eso que Arta Cerámica cuenta con un programa que apoya a mujeres que estudian o son madres, dándoles la oportunidad de capacitación y empleo, demostrando que el diseño da más que objetos a la sociedad. www.artaceramica.com

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La Jabonera

“ Tomando como base la frase de John Upkide ‘cualquier actividad se convierte en creativa cuando el que la hace se preocupa por hacerla bien, o mejor’. La Jabonera Studio, es un grupo de profesionales de la creatividad que siempre se ha preocupado por hacer las cosas mejor.”

La creatividad se encuentra en todo aquello que damos por sentado y es precisamente porque lo damos por sentado que no lo cuestionamos y es difícil de encontrar” Sir Ken Robinson. Con este precepto es que Jorge Moreno Arózqueta, al frente de La Jabonera Estudio, siempre empieza el proceso creativo. “Yo no inicio el proceso, es el alma del objeto que inicia su proceso conmigo, pidiéndome originalidad para su futura existencia”. Y es que si algo logra en sus diseños es la originalidad, que proviene del disfrute de crear lo que nunca se ha hecho y de ser una especie de expertos en no ser expertos. La Jabonera Estudio es un espacio donde rigen un mínimo de reglas y el valor del diseño está en la intuición y en el equilibrio de varios factores: el aspecto emocional y empático con el usuario, la confiabilidad y desempeño del objeto, y finalmente la producción o materialización. Logrando el equilibrio de todos estos factores dan soluciones de imagen gráfica, desarrollo de nuevos productos y asesoría para la innovación y la creatividad en las empresas, entre las que se encuentran: Coca Cola Company, Kellogg de México, Intec, Philips, Johnson, Minibar Systems y Bticino. En la actualidad además cuentan con una metodología específica que les permite orientar a la micro empresa de maquila y manufactura hacia la empresa con propuestas de valor agregado. *Al cierre de la edición, Jorge Moreno Arózqueta nos informó que asumió la dirección del centro de diseño de Whirlpool en México, y que seguirá participando con La Jabonera en proyectos especiales. Buena noticia para el diseño mexicano. www.lajabonera.com

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Peca

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“Todo comenzó con un muro vacío y un pajarito solitario. Buscando traer la naturaleza a casa, un encantador pajarito (de espejo cortado con láser) se colocó sobre una ramita en la pared. Sintiéndose solo, invitó a algunos amigos a unírsele. Así, se formó una parvada que ha volado a muchos hogares. “

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ara la creadora de Peca, la Arquitecta-Diseñadora Caterina Moretti los detalles son todo y el accesorio o pieza de mobiliario correctos pueden hacer que un espacio se embellezca por completo. Con esta filosofía Peca crea a partir de la observación del entorno, objetos sorprendentes que acentúan y pueden iluminar los espacios en los que se colocan. “Al poner atención a la naturaleza, con sus sonidos, aromas y texturas; o a la ciudad, con sus calles y atmósferas únicas, encontramos elementos que nos atraen y que nos gustaría traer a nuestras casas. Así, buscamos materializar los estímulos externos que más nos provocan en objetos que evoquen su espíritu”. Los objetos de Peca buscan contar una historia y conectar con su usuario, tanto emocionalmente como por su eficiencia y utilidad, y así crear un lazo aún más fuerte entre el objeto y la persona. Ya que un buen diseño no solo va más allá de la estética, sino que resuelve alguna necesidad cotidiana por más pequeña que ésta sea. Los productos de Peca han alcanzado reconocimiento en las más reconocidas tiendas de diseño a nivel mundial, y para la creadora el motivo de su éxito se encuentra en que en el diseño mexicano existe un hilo común de calidad, combinado con un espíritu lúdico y un agudo sentido del humor. “Es difícil encasillar el diseño mexicano y creo que esa es precisamente una de sus fortalezas. Poco a poco, los hogares mexicanos se abren al diseño y los diseñadores mexicanos, a la vez, penetran en el mercado extranjero con una facilidad nunca antes vista. “ www.peca.com.mx

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Cecilia León de la Barra

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on un concepto muy personal que fusiona la imaginación con la funcionalidad, Cecilia León de la Barra crea objetos sencillos, alegres y hechos para la gente, por medio del entendimiento, la observación y el conocimiento de distintos materiales y la exploración de nuevas formas. Ya que para ella “un buen diseño debe sorprenderte a través del tiempo, ya sea por su forma, material, solución o uso” . Para esta joven diseñadora de la Universidad Iberoamericana que encuentra inspiración en las técnicas artesanales, transformándolas en diseños coloridos, frescos e innovadores; el diseño mexicano está en muy buen camino ya que cada día más diseñadores alcanzan reconocimento tanto a nivel local, como global. Por lo que fomentando el impulso a industrialización y comercialización del diseño mexicano en 2010 curó la exposición HECHO A MANO: Nuevos Procesos Colaborativos de Diseño, en Casa del Lago Juan José Arreola, dónde se mostró el trabajo de diseñadores colaborando con comunidades, cooperativas y artesanos alrededor de la República. El trabajo de Cecilia León de la Barra se fundamenta en su constante investigación y observación de la vida diaria. La utilización de esta documentación como herramienta creativa, la ha llevado a participar en talleres en Cuba, España, Italia y Francia, y a colaborar con diseñadores de todo el mundo, llevando siempre en alto el buen diseño mexicano. www.cecilialeondelabarra.com.mx

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“Es necesario que exista una comunicación bilateral entre los diseñadores y la industria, ya que de la mano podremos llevar al diseño mexicano a un mejor nivel”

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Diseño Neko

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undado en 2005 por Hiroshi Ikenaga, Luis Daniel Olvera, Alice Pegman y Karime Tosca, bajo el concepto de crear diseño ecológico mexicano que deje huella, satisfaga necesidades y brinde soluciones que sorprendan. Diseño Neko es un despacho multidisciplinario de Diseño Industrial y Arquitectura que realiza proyectos de forma integral que van desde el diseño de productos hasta el diseño urbano, con el compromiso de reducir los impactos negativos en el medio ambiente; en los que podemos encontrar un equilibrio entre varios elementos: estética, costo, buen uso de material, respeto al entorno natural y funcionalidad. “Creemos que un buen producto satisface una necesidad, y un buen diseño además te deja con una impresión que perdura, sorprende y causa una reacción positiva”. Su proceso de diseño se basa en la libertad y en la diversidad de fuentes de inspiración, que puede provenir ya sea de lugares, formas, usos, necesidades, materiales o procesos, y en la interacción y retroalimentación constante entre ellos, para enriquecer, pulir y definir el concepto. Uno de los objetivos más importantes de Neko es ofrecer soluciones de diseño a costos accesibles y propuestas que promuevan la producción y diseño mexicanos. Para lograrlo buscan establecer un fuerte vínculo con la industria nacional, pues muchas veces los procesos de producción son casi artesanales. “Finalmente como identidad creemos que el diseño está tratando de alejarse un poco de los elementos populares de las artesanías, buscando su propia estética sin perder ese sabor mexicano.” www.nekomexico.com

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“Para lograr que en México el buen diseño esté al alcance de todos, el siguiente paso sería establecer un fuerte vínculo con la industria nacional para hacer más productos accesibles al público en general, que sean diseñados y hechos en México.”

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Joel Escalona

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onesto, comercial y contemporáneo, así define su concepto de diseño Joel Escalona, quien se ha desarrollado de manera excepcional como diseñador industrial por medio de su pasión por el diseño, la mercadotecnia y los negocios. Con una visión práctica busca que sus diseños sean sencillos desde su proceso creativo, “Al saber qué es lo que se necesita diseñar, en el momento tengo el 99 % de la solución en mi cabeza, simplemente conforme el desarrollo pasa y me empapo de toda la información posible voy filtrando mi idea inicial”. Su trabajo ha llevado a Escalona a ganar varios premios de diseño y a exhibir su obra en muestras de diseño en todo el mundo, incluida la enorme muestra de diseño parisina Maison & Objet y el afamado ICFF (International Contemporary Furniture Fair) de Nueva York. Y con esta visión global afirma “El diseño de un país está completamente ligado a su economía, cultura y política, la práctica de éste evoluciona conforme los demás lo hagan, todos sabemos cómo queremos que mejoren estos factores en nuestro país, por ende, ya sabemos qué rumbo debe tomar el diseño mexicano”. www.joelescalona.com FEB • MAR 2011

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“ Tengo que ser honesto, me siento un tanto incómodo con el término “buen diseño” esto significa que debería haber un “mal diseño” y es muy subjetivo”

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enfoque

Ariel Rojo,

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CUANDO EL DISEÑO TIENE UN TRASFONDO SOCIAL Por: Greta Arcila Retrato: Gabriel González, fotografías: cortesía Rojo Design

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ue gracias a Eugenia González que conocí a fondo el trabajo de Ariel Rojo. Yo sabía que él era el diseñador del cerdito ahorrador y del Laberinto de la Humanidad; con la primer pieza, ya icónica dentro del diseño mexicano, entendí un poco hacia dónde iba con su propuesta Ariel, y cuando tuve la oportunidad de ver el laberinto, me quedó claro que nuestro invitado en portada es un creador analítico que lee su entorno y sabe cómo llevar a la forma esas ideas sociales convirtiéndolas objetos llenos de alma. Hoy les presentamos extractos de la charla que tuvimos con él en donde hablamos de sus inicios y de su ideología de trabajo. GA. ¿Por qué diseño? AR. Yo en realidad no sabía qué estudiar. Mi vida está relacionada con la historia de mi familia en lo que se refiere al negocio, que son los circuitos impresos. Crecí en una fábrica, primero jugando, y luego aprendiendo a trabajar pues a los 14 años ya estaba con mis papás. Pero la parte intuitiva siempre ha estado; cuando llegó el momento de decidir qué estuFEB • MAR 2011

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diar, estaba entre ingeniería en robótica o artes y un amigo de mis papás me dijo que justo había algo que estaba en medio del arte de la ingeniería; del dibujo; los mecanismos. Cuando es uno joven es determinante el momento de elegir la universidad ¿Por qué te fuiste a la UNAM? Yo era un niño consentido y mi primera opción era una escuela privada, pero hice el examen de la UNAM y pasé, y varios amigos me dijeron que tenía que quedarme ahí. Hoy en día me queda claro que es el mayor acierto. Para mí es una de las mejores experiencias en mi vida. ¿Cuál fue tu primera pieza con la que ya te empezaste a sentir bien? Fue con el segundo proyecto de la carrera. Hice un objeto para el desarrollo psicomotriz de la gente, y llegó a exponerse en el Museo del Niño. Posteriormente, hice un alhajero que no tiene ni una gota de pegamento y fue cuando dije… “por ahí va el asunto”. Es una pieza súper limpia, estaba muy contento. ¿En qué momento te sentiste diseñador? Desde el momento que estoy diseñando… Pero en realidad, yo aprendí en la empresa familiar. Sufrí un accidente por manejar rápido por el que tuve que pagar, así que le pedí trabajo a mi papá. Ya en la empresa, me di cuenta que no sabía hacer nada y acabé moviendo placas, y como no me gustaba, empecé a aprender de todo y a los pocos meses ya manejaba el control numérico. Yo empecé a diseñar los circuitos, nadie en México lo hacía.

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Cuando llegué a la universidad, yo no me cuestionaba tanto las cosas… Llegué con mucha eficiencia a la universidad. Yo les digo a los chavos que hay que ser eficiente y profesional, más aún como empresario del diseño. Dijiste algo importante, “empresario del diseño” ¿Qué significa eso para ti? Es un orgullo enorme, esto está generando trabajo, es local, es sustentable, activas empresas; ya no es el ego de querer hacer algo inmenso sino las implicaciones que tiene hacer algo que deja a lo social; lo básico como humano. ¿Y qué es lo que te deja lo básico? Cuando me refiero a lo básico me refiero a cómo te conduces por la vida, porque eso se ve en tu trabajo. Por ejemplo, cuando me invitan los de Plastiglas para realizar un trabajo “ecológico” les planteé otra cosa: “El laberinto de la humanidad”, que es una instalación que por afuera está cubierta por muchos iconos que representan el mundo material en el que estamos, y por dentro te lleva a caminos en donde hay palabras como corrupción, odio, tolerancia; y eso es el reflejo de lo que hacemos todos los días: nos vemos en el espejo y tomamos decisiones de nuestra manera de vivir la vida… En ese laberinto las cosas buenas te hacen avanzar y las malas te dejan dando vueltas. Yo les planteé que en realidad los problemas ecológicos son el resultado de conflictos más grandes, como la intolerancia, la falta de amor a nuestro medio ambiente, y si resolviéramos éstos temas principales, el tema de la ecología sería muy diferente.

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“Siento que tengo la sensatez suficiente para decir, qué es lo básico: no ser corrupto, amor, respeto… Para solucionar la ecología tenemos que hablar de temas sociales”.

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Haz tenido mucha cabida con las empresas, ¿A qué crees que se deba esto? En el caso de Plastiglas, es una empresa de plásticos pero realmente reciclan acrílico de la calle, están haciendo nuevas fórmulas de plásticos. Yo creo que el tema con las empresas es cuestionarnos a dónde queremos ir, y vamos a ayudarnos mutuamente, vamos a orientarnos para crecer en conjunto. ¿Pero crees que haya un cambio de fondo con las empresas? Creo que empieza a haber una cultura del diseño. Aquí en México yo lo comparo con el ISO 9000… por ejemplo, en revistas de negocios se habla del ISO 9000 y las empresas van por eso, ahora hablan de innovación y de diseño, entonces el empresario se dice “mira, existe esto”… Los diseñadores creemos que estamos ganando y no estamos ganando nada, lo que pasa es que estamos llegando a un punto convergente de intereses: el empresario sabe que es un valor y el diseñador tiene más facilidad para comunicarse. Me queda claro que para tí la función es lo más importante en tu trabajo ¿Cómo logras una estética? Yo creo que soy un resultado de mi cultura, totalmente. FEB • MAR 2011

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Hablando de tu trabajo, de los productos, hay un antes y un después del cerdito ¿Qué significa para tí esto? El éxito del cerdito se debe a que su lenguaje es universal. Y sí, nos ha abierto las puertas, sobre todo cuando se expuso en la tienda del MOMA en Nueva York, hasta le hicieron una vitrina sólo para él. En sí el MOMA catapultó el nombre de la oficina. ¿Qué viene para las siguientes generaciones de diseñadores en México? A mí me tocó ser de una generación parteaguas: del lápiz a la computadora, lo cual me parece básico. Y está la generación que le toco el “encendido” pero carecen de muchas vivencias del mundo real y; ¡Atención! El humano vive en un mundo, y nos estamos ensimismando cada vez más… Cuando yo estudiaba era madera o cerámica, ahora es madera, cerámica, plástico tal o cual… Si no te enseñaron a decidir de manera oportuna, cuando te llegan miles de opciones te quedas paralizado, y eso es lo que creo que le está pasando a esta generación, tienen tantas opciones y nunca les enseñaron cómo decidir… Pero si sabes seleccionar, puedes hacer miles de cosas.

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¿Y crees que hay industria para todos ellos? No hay, pero hay auto-industria, y si en algún momento volvemos a un tema artesanal, existe pastel para todos. En México hay 5 millones de artesanos y si los diseñadores empiezan a colaborar con ellos, va a pasar lo que hicieron los franciscanos en el siglo XVI: nos enseñaron artes y oficios, y generaron economías… Creo que el diseñador industrial es el franciscano del siglo XXI y eso está increíble.

“El tema de la ecología mucha gente lo está agarrando de moda o lo toma convicción. En cualquiera de los casos creo que es bueno, porque las consecuencias de éstos van a ser buenas más aún cuando veamos los beneficios”.

¿Qué otros proyectos abarcan el tema de la universalidad? Nos hemos basado en problemáticas locales y globales. El Laberinto: universal; el Cerdito: universal; La Llanta Ponchada, es universal pero está basado en la problemática de la ciudad de México. El Noé es súper local; El Mojado, de mis diseños es el favorito: local; el Tlalock es una solución y me encanta; Tapete llanta: local. ¿Qué es Ariel Rojo Design? Es comunicativo y eso implica un discurso. Creo que busco explorar y estar en experimentación constante, y creo que estoy en un proceso evolutivo. Hay que saber que todo lo que haces es perceptible, entonces es la única manera de decir: siguiente, siguiente; aprender.

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showroom

Un espacio para conocer las tendencias del diseño verde en México.

Por: Greta Arcila Fotografías: cortesía Pirwi

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ivir en plena conciencia social y alerta de su entorno glocal es una de las premisas de Pirwi. La firma de mobiliario no es sólo un concepto; sus fundadores viven a través del diseño sostenible por lo que en el año 2007 crean una empresa que manifiesta lo mejor del diseño verde. Emiliano Godoy y Alejandro Castro como diseñadores de su tiempo desde antes de trazar una línea buscan sinergias de colaboración, fabricación, transporte, armado y demás, con empresas, proveedores y personajes también inmersos en esta ideología; todo con un único fin: crear un círculo virtuoso en donde sociedad, economía y naturaleza se beneficien en todos sentidos.

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Gracias a la excelente acogida que han tenido sus colecciones en todo tipo de audiencia en México y el mundo, a finales del 2010 Emiliano y Alejandro deciden abrir su primer showroom en la Ciudad de México, y qué mejor lugar que la cotizada colonia Polanco en la calle de Alejandro Dumas. Y es una vieja casona de enormes muros blancos en donde logran que cada uno de los objetos y mobiliario luzca su sencilla belleza. Así, encontramos obra de Ricardo Casas, Alejandro Castro, Héctor Esrawe, Renata Fenton, Emiliano García, Emiliano Godoy, José Antonio Gurrola, Luis Mercado, NEL colectivo, Ian Ortega, Daniel Romero, Brenda Vértiz, Juan Zouain, entre otros. También, en el espacio encontraremos mobiliario vintage de los cincuentas y sesentas, piezas de iluminación y decoración que se realizaron en colaboración con otros artistas. Hoy por hoy, Pirwi es un referente obligado en diseño verde, por lo que si se quiere conocer la actualidad en diseño sostenible, este lugar es un obligado. www.pirwi.com

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Imagen ESENCIAL Hace falta asomarse a lo que hoy ocurre en la escena nacional del mundo delimitado por el interiorismo… Por: Tania Sánchez Arias Fotografías: cortesía de Esencial

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no de los nuevos espacios en el mundo del interiorismo se inauguró recientemente como la segunda sede de una firma que vio sus orígenes en la capital del país. El nombre de esta propuesta es ESENCIAL. Un proyecto que abre sus puertas en Guadalajara en el número 215 de la calle de Empresarios, en el nuevo desarrollo conocido como Puerta de Hierro. El nuevo showroom, a lo largo de una superficie de 1,200 metros cuadrados despliega y exhibe en exclusiva piezas de las firmas: B&B Italia; Casamilano, Dedon, Jerome Abel Seguin, Laura O., Maxalto y Promemoria. Además de distribuir líneas como Serralunga, Maòli, Guaxs, Moyat sculpture, DK Home, Unifor, Paola Lenti, E DePadova, Vivarini, Dean Flowers, Aico Design, La Palma, Molo, Meridiani, EmmeBi, Assouline, Artemide, Christian Liaigre y Bla Station, a las que se añaden alguna pieza de Vitra y Kartell entre otras firmas más. Desde hace 10 años, ESENCIAL persigue como misión la creación de espacios bellos, vanguardistas, atemporales y funcionales a través de la cuidadosa selección de lo mejor del diseño, dando vida a los ambientes y complementándolos con piezas que resultan de una constante búsqueda por el mundo. Y justamente de esta continua búsqueda, se nutre la experiencia del equipo que acude a las ferias internacionales más importantes en la preocupación por mantenerse actualizado. Conocimientos que se vuelcan en sus proyectos, que abarcan desde el diseño de una oficina corporativa hasta los interiores de un yate, expresando en esta otra faceta su versatilidad. www.esencial.com.mx

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dónde

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una galería de historias y objetos “Nos enfocamos en gente que tiene una sensibilidad particular para apreciar el valor histórico y estético de las piezas que tenemos… viajeros que aprecian la diversidad y riqueza de distintas culturas y sus expresiones” Por: Greta Arcila Fotografías: cortesía Galería ADN

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aminar por las calles de Polanco hoy se ha vuelto un obligado para quienes aprecian encontrar lugares con objetos particulares. En la semana del Design Week tuvimos la oportunidad de conocer en la calle de Moliere a la Galería ADN, lugar dirigido por Paulina Hassey y Paulo Peña, y nos sorpendió la calidad de las piezas que tienen bajo su techo. Vemos desde mobiliario vintage, antigüedades, diseño contemporáneo y arte. La pareja ha tenido la oportunidad de viajar y vivir en diferentes lados. Ella como ingeniera industrial y él como fotógrafo, se han complementado y han aprendido “el arte de mirar y encontrar”. El primer objeto para la Galería ADN fue una mesa chiapaneca del siglo XVII, misma que Sebastián Lara reinterpretó para la primer colección (ver Glocal Design No.1). La historia de este espacio comenzó en el verano de 2009 con una propuesta regida por el interés de reunir, mezclar y recontextualizar objetos; reinsertándolos en espacios de la vida contemporánea de una

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manera innovadora e imaginativa. Uno de los aciertos de esta pereja de emprendedores es que son sumamente inclusivos, sin perder su objetivo: piezas con suma calidad estética, histórica y artística. A decir de Paulina el público que visita la Galería ADN es multifacético, amante del arte… “viajeros que aprecian la diversidad y riqueza de distintas culturas y sus expresiones, como son la arquitectura, el diseño, la música… Finalmente en el vintage, las antigüedades y el diseño es esto lo que vemos”. Para cerrar le preguntamos sobre su pieza favorita, a lo que apunta: “la Sala Totonaca de Clara Porset. Es una obra impresionante, con una gran presencia y carácter… se inspira en el México profundo, pero no lo imita, es una creación totalmente moderna con una clarísima referencia a la tradición y al pasado”. Sin duda, cuando gente con esa pasión dirige un lugar de arte… hay que visitarlo. No se lo pierdan. www.adngaleria.mx

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Diseño museográfico para 200 años de historia Por: Tania Sánchez Arias Fotografías: Jorge Silva

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oy Palacio Nacional alberga una exposición más que emotiva; su fluido discurso logra que cada visitante sienta y viva, a través de piezas de gran significado, nuestra historia. El Gobierno Federal, a través de la Comisión Nacional Organizadora de las Conmemoraciones del 2010, reúne en la recién creada Galería de Palacio Nacional, en la Ciudad de México, la exposición “México 200 Años. La Patria en Constru-cción”, muestra que cubre un magno despliegue temporal ya que su objetivo fue festejar los dos siglos de México como nación independiente. La conformación de la muestra corrió a cargo de Miguel Ángel Fernández Villar, Curador de la misma y Conservador del Palacio Nacional, en colaboración con Juan Manuel Corrales, quien llevó la Dirección Museográfica y es actualmente Director General Adjunto de la Galería de Palacio Nacional, y el Dr. Miguel Soto, catedrático de la UNAM y Coordinador de investigación de la exposición.

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Más de 550 piezas procedentes de 70 colecciones conforman la exhibición, de las cuales cerca de un 25 por ciento corresponde a acervos privados. El proyecto museográfico exhibe únicamente piezas originales, muchas de inmenso valor histórico o artístico como son: el Acta de Independencia, el documento conocido como los “Sentimientos de la Nación” de José María Morelos, la imprenta de fray Servando Teresa de Mier, el sillón presidencial de don Benito Juárez, la “carabina 30/30 que Villa obsequió a Zapata; entre muchas otras. Es por ello que los interiores de Palacio Nacional reciben estos días un incesante ir y venir de miradas que se multiplican, paseándose sobre los viejos muros que custodian una exposición que alcanza los 4 mil m2 de extensión, sin contar los Salones Presidenciales, que por vez primera se han abierto al público temporalmente como parte del recorrido. “Soy un gran partidario de la relevancia que tiene el diseño dentro de la museografía – expresa Miguel Ángel Fernández -. El mundo

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de los museos es altamente visual, nuestro discurso es visual. Para nosotros el museo y su diseño son el factor mediante el cual uno presenta y comunica la exposición. El diseño está en la distribución de los espacios, en el mobiliario, en la gráfica, en los colores que le hablan a esta generación…”. El primer espacio creado para la exposición es un salón situado en planta baja, montado en el auditorio Guillermo Prieto, que a manera de túnel de acceso lleva al visitante a la sala introductoria a través de un collage de rostros sobre

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paños de reflejos obscuros. Al traspasar la puerta, una videoinstalación en tres dimensiones envuelve sonora y visualmente al visitante, propiciando un recorrido por diversos temas y paisajes nacionales. A decir de Fernández Villar, los criterios rectores aplicados dan prioridad a ciertos ejes temáticos tales como: las representaciones de símbolos nacionales, las alegorías, la vida cotidiana, la conformación de la familia mexicana, así como la síntesis de “las luces y sombras” de períodos y décadas que no podrían reprowww.glocal.mx


ducirse íntegramente en esta exposición. “La exposición tiene un enfoque más bien emotivo. Consiste en una sencilla lección de historia, un recuento de aquello que logró transformarnos en una nación soberana…”. Para Juan Manuel Corrales, “la línea es que el diseño de la exposición no interfiriera en el diálogo público con las piezas. Por eso el diseño es blanco, muy neutro, evitando los espacios lineales y creando recovecos y sorpresas. Se moduló con los dos ejes conmemorativos con los que se realizaron dos rotondas, y a partir de ahí se fueron dividiendo los espacios…”. Así, hoy en día podemos visitar Palacio Nacional y gozar de un recinto al que Diego Rivera describiera como “el corazón de la Patria” y que a decir de Fernández Villar es la principal pieza de la muestra. www.mx200palacionacional.gob.mx FEB • MAR 2011

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Vitrina para la

HISTORIA Por: Marcos G. Betanzos Correa Fotografías: Paul Czitrom

“Es un museo que remarca en cada una de las salas que a pesar de que no pensamos igual y somos diferentes tenemos que mantenernos en un marco de respeto”. Jorge Arditti 70

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Nombre del proyecto: Museo Memoria y Tolerancia Promotor: Memoria y Tolerancia A.C. Arquitectura: Arditti+RDT Año de término: 2010 Ubicación: Plaza Juárez, Ciudad de México

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esde el ánimo del contraste y la confrontación histórica la fundación Memoria y Tolerancia A.C., decidió concentrar esfuerzos para concretar un espacio de reflexión no sólo ante la intolerancia racial, sino más bien ante la misma naturaleza humana que ha definido la historia. Arditti +RDT Arquitectos concibieron el Museo Memoria y Tolerancia, el cual se encuentra ya abierto al público en la Plaza Juárez de la Ciudad de México. Lejano a las evocaciones sutiles pero precisas de proyectos como “El monumento a los judíos asesinados en Europa” de Peter Eseinman en Berlín, Alemania, la obra realizada por el despacho mexicano y su despliegue museo-

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gráfico matizan un discurso directo que sirve bien para observar una realidad filtrada como resultado de un proceso que en ocasiones parece omitirse. El edificio entendido como vitrina y contenedor tiene un objetivo compartido bastante comprometedor: por una parte, arraigar un cúmulo interesante de conocimientos a través del recuento histórico materializado en arte, objetos, fotografías y su misma esencia arquitectónica (memoria) y por otra, pretende generar conciencia en la sociedad en general (tolerancia). Para lograr lo anterior, el museo inaugurado de forma oficial en octubre de 2010 por Felipe Calderón, cuenta además de la zona de exhiwww.glocal.mx


bición permanente con biblioteca, mediateca, área para exposiciones temporales, auditorio y un centro educativo donde se imparten cursos, diplomados, mesas redondas y debates, así como capacitación para educadores y maestros sobre temas afines a la institución, todo ello en 7 mil m2 de construcción que se desplantan sobre un basamento contextual que da continuidad interior al conjunto de la Plaza Juárez. El edificio que equilibra transparencias con opacidades y fragilidad con rigidez al hacer uso de materiales como el concreto aparente, la cantera negra, madera, granito y vidrio, está estructurado bajo un esquema mixto de conFEB • MAR 2011

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creto armado en la subestructura y perfiles de acero en la superestructura que conforman los seis niveles (3 museográficos y 3 complementarios) así como un sótano de instalaciones, servicios y área de niños.

DESDE ADENTRO El recorrido que emula la fórmula ya comprobada por el Guggenheim de Nueva York de Frank Lloyd Wright, se inicia por “Memoria”, en la parte superior del edificio para así descender y hacer una transición hacia “Tolerancia” a través de la magnífica intervención del artista plástico Jan Hendrix: el “Memorial de los niños”, un elemento flotante que se apodera del centro interior de

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“Somos tan intolerantes que no hemos aprendido mucho. Y este museo nos cambió la percepción del tema e incluso de nuestro México”.

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“Un vagón original traído de Polonia que trasportaba a cientos de personas para llevarlos al campo de exterminio durante el Holocausto fue restaurado por Bellas Artes para darnos la idea de tan cruel experiencia”. 

este espacio con su esencia metálica y un forro de hojas de olivo que contiene una serie de piezas cristalinas en franca relación numérica con los niños masacrados en genocidios. A los menores de 12 años -como imagen de un futuro mejor y más comprometido- se les ha dedicado una sección especial en la cual pueden hacer uso del centro educativo, una biblioteca y mediateca, una zona de exposiciones temporales, cafetería, zona administrativa y tienda. Es notable como los arquitectos a cargo se han ocupado por acentuar la carga expresiva de cada una de las salas y áreas de transición permitiendo la libre circulación de las historias que las fotografías narran al ser imagen; de las imágenes que surgen en nuestra imaginación al ser objetos, y de los objetos que se vuelven museo al ser testigos de nosotros mismos como entes de un mismo género.

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Lejano al principio viciado de que el arte debe solucionar problemas sociales, Arditti +RDT ha dejado y con justa razón que el arte haga lo suyo: generar emociones. Basta un testimonio que comparte el arquitecto Jorge Arditti cuando recuerda la visita de sobrevivientes al Holocausto al museo: una reunión colmada de recuerdos que es por un lado conmovedora e inquietante al extremo mientras resulta esperanzador y alegre por otro. Pasado confinado entre espacios, memorias que se eleven convertidas en arte, un futuro que exige no más repeticiones de una intolerancia que aún en nuestros días presume su capacidad de manifestarse ante la menor provocación. Sirva la arquitectura no sólo como receptor de nuestros errores sino como motor de nuestras iniciativas de cambio y transforma ción positiva. www.ardittiarquitectos.com www.glocal.mx


Poner pie de foto por favor

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CASA MTY Por: Imelda Morales Ferrero FotografĂ­as: Jaime Navarro

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En medio del

paraíso

Buscando inspiración en el entorno, lleno de rocas y con una interesante topografía, el proyecto se desarrolla a partir de una serie de cajas que fluyen entre el relieve y la vegetación del terreno

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bicada en la parte alta de la Zona Metropolitana de Monterrey, esta casa se localiza en una zona recientemente urbanizada, donde los límites de cada predio casi se pierden en el horizonte. Ahí, en medio del bosque, y ante estrictos regímenes de construcción y protección ecológica, surge esta moderna edificación a partir de una serie de volúmenes interconectados entre sí y que responden a características muy diversas. Según palabras del Arq. Bernardo GómezPimienta “El terreno se encuentra en una curva y mide al menos una hectárea, con una topografía muy marcada que baja. El programa es relativamente grande, pues es para una casa

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que es únicamente para una pareja, y la propuesta que les hice fue que en lugar de tener la casa como un sólo volumen, la casa esté partida y cada pieza programática es un volumen independiente y de un material diferente”. Así pues, el disperso esquema se teje en una serie de texturas y patios aislados, con colores neutros de materiales que se pierden con la vegetación, jugando con la luz y la sombra y creando ambientes diversos. A la casa se llega por una escalinata y la planta entera se desarrolla en un solo nivel. En 1,000 m2 de construcción el programa incluye un volumen exclusivamente para autos de colección que se viste hacia el exterior de metal oxidado; junto al acceso se encuentra una sala www.glocal.mx


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“Buscando inspiración en el entorno, lleno de rocas y con una interesante topografía, el proyecto se desarrolla a partir de una serie de cajas que fluyen entre el relieve y la vegetación del terreno”. BGP

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con un pequeño auditorio y una terraza constituyendo éste el volumen más alto, con acabado de mármol. A un lado se encuentra el área de la cocina que se convierte en un punto también de suma importancia dentro de la conformación espacial. A través del pasillo de servicio se llega al estar familiar, al cual también se tiene acceso a través de un pasillo de vidrio que conduce a las oficinas de trabajo de los dueños. Y la sala de estar da paso, finalmente, a la recámara principal. Los procedimientos de construcción permiten que la casa se mantenga aislada del clima extremoso del lugar, optimizando recursos

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para ejercer en lo mínimo las necesidades de calefacción y ventilación artificial. Básicamente, los materiales utilizados para revestir los volúmenes son: mármol travertino, concreto aparente, páneles de madera y metal oxidado, dando a cada uno una expresión propia, mientras que los interiores son impecablemente blancos. La composición es regulada por un patrón ortogonal en la cual los volúmenes se conectan entre sí mediante pasillos de vidrio (duovent tanto en muros como en el techo) que producen un recorrido por el terreno al mismo tiempo que se tiene resguardo en el interior de www.glocal.mx


la casa. Así, la solidez de los volúmenes es rota por ventanales que se orientan hacia la ciudad y pasillos de cristal con vista hacia el espejo de agua o hacia pequeños patios con concentraciones de vegetación siempre del mismo tipo a la existente en el terreno. “Como los pasillos son todos de cristal, sales de cada volumencito y parece que estás caminando en el bosque, y entonces es mayor la integración con la vegetación, aunque sí hay puntos en los que se tiene una vista importante de la ciudad, pero lo más importante es sentirse en el bosque”. www.bgp.com.mx FEB • MAR 2011

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Proyecto: Casa MTY Ubicación: Monterrey, México Arquitecto: bgp arquitectura Bernardo Gomez-Pimienta. Luis Enrique Mendoza. Colaboradores: Hugo Sánchez, José Barreto, Jesse Rodríguez, Susana Rodríguez, Josué Vázquez, Edgar Juárez, Giovanna Maldonado, Luis Corona, Wendy Wuotto Año de diseño: 2007-2008 Año de construcción: 2009-2010 Área del terreno: 10,582 m2 Área construida: 1,000 m2 Maqueta: Ramón Álvarez, Jesús Morones, Luis Enrique Mendoza

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Por: Marcos G. Betanzos Correa Fotografías: Jorge Silva Estilismo: Micaela de Bernandi

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ocos proyectos resisten la riesgosa relación que representa una amistad cercana que los precede. Se inicia con confianza, se transita con cautela y se concluye con talento. Así es como oscila el registro de ese proceso que bien puede ser una ruleta rusa. Row Studio despacho mexicano fundado en 2005 por Álvaro Hernández Félix, Nadia Hernández Félix y Alfonso Maldonado Ochoa, ha concluido la realización de Maison Carlos Ortega, un espacio de autor para otro más que ofrece de inicio una pregunta inquietante. ¿Cómo diseñar algo para una persona que produce diseño? Pequeño, con la necesidad de adquirir una personalidad carente y convertirse en una tarjeta de presentación mucho más digna que glamorosa, esta intervención realizada en sólo 60 m2 bajo un presupuesto límite de 6,000 usd, potencializa las confinadas aristas interiores de un departamento tipo en la zona de Polanco para plegarse entre sí y renovar su propia imagen a través de diversas estrategias que van del color a la materialidad, de la geometría a lo aspiracional del programa arquitectónico y de la suspicacia a la oportunidad. Row Studio refiere con precisión que era un reto poder ejecutar un traje a la medida en el cual se tenía la responsabilidad de trabajar con absoluta libertad para proponer y llegar a un solo resultado final. Así, la unidad del proyecto fue dividida de forma lógica en zona privada y pública. La primera, alberga el lugar de descanso y área de trabajo del diseñador; mientras que la segunda, funciona como showroom y probador. Es este último segmento del proyecto por mucho el de principal interés: ofrece la mayor interacción personal entre diseño y diseñador, al tiempo que de forma sutil permite conocer el lugar desde el cual Carlos Ortega genera sus creaciones para sus clientes en específico. Se trata de un equilibrio entre intimidad controlada y escaparate público. La escala del proyecto deja como lección que nunca deberá buscarse –a menos de correr el riesgo de ser escenográfico- que los espacios pequeños parezcan más grandes de lo que son. Por el contrario, exalta la posibilidad de que éstos potencialicen la experiencia sensorial al estar en ellos y justo en este punto hace su parte en gran

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El traje del emperador

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“El proyecto tenía como antecedente una obra realizada en colaboración con Carlos Ortega, lo que nos ofreció mantener una confianza plena en la propuesta a realizar”

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Nombre del proyecto: Maison Carlos Ortega Ubicación: Polanco, Ciudad de México Arquitectura: ROW Studio Realización: 2010 Superficie: 60 m2 Presupuesto: 6,000 usd

“Ni un peso más, una de las consignas más claras de la petición”. medida la estrategia guiada por el uso del color y sus variaciones cromáticas en los perfiles, así como la exaltación de la textura por medio de los paneles de OSB que son una constante en muros, plafones y pisos. Una segunda piel que no acepta vestimentas, que debe aceptarse como es. Fuera de prejuicios pero con el ánimo de ampliar posibilidades, preguntó al final de la

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conversación a uno de los socios si existía la oportunidad de haber hecho algo mejor, responde que sí si el panorama económico hubiera sido otro. La sinceridad que produce la respuesta no sólo deja abierto el debate sobre la obra en sí, sino que por el contrario parece por el momento poner un punto final al análisis. www.rowarch.com www.glocal.mx


resto & bar

Entre materiales y texturas Muro Rojo Arquitectura propone un espacio que mira con ojos vanguardistas a San Miguel de Allende. Cumpanio es, sin duda, un interior que refleja el peculiar estilo de este joven despacho en donde su sincretismo de unir lo mesurado con lo propositivo, llega a la madurez Por: Tania Sánchez Arias Fotografías: Jaime Navarro

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umpanio –que significa en latín “con quien se comparte el pan”-, es el nombre del más reciente proyecto de la firma de arquitectura Muro Rojo; un Restaurante Bar – Panadería enclavado en San Miguel de Allende, en la calle de Correo 29 al interior de un edificio del siglo XVII. El concepto de diseño del lugar toma forma tras cuestionamientos planteados por los creativos tales como: ¿Qué es San Miguel de Allende en el siglo XXI? ¿Cómo desarrollar un lenguaje espacial contemporáneo utilizando técnicas tradicionales de la arquitectura sin traicionar la esencia del edificio donde se ubica? Pero la pregunta determinante fue: ¿Cómo compartir la mesa de manera informal y a través del diseño generar experiencias? A decir de Elizabeth Coello, socia de Muro Rojo, el proyecto se originó del diálogo con la fachada y del afán de mostrar los elementos que componen el lugar como generadores de ambientes cálidos. Las texturas interiores surgen así, de los materiales preexistentes en contraposición con el concreto, que recibe en este proyecto un tratamiento escultórico. Maderas, piedra, metal, concreto, vidrio; en combinación con materiales suaves como los textiles de los largos cortinajes, los cojines y almohadones y la textura de las pantallas, que se suman al manejo del color. Tierras, grises, mostaza y azul acompañando al blanco de los muros, unidos a la calidez de los ingredientes expuestos; vegetales al lado de canastas surtidas de pan. Para los socios de Muro Rojo Arquitectura: Elizabeth Gómez Coello, Jorge Medina Robles y Germán Velasco Espinosa, Cumpanio es un proyecto que parte del cuidado por los detalles, en donde el manejo de las texturas genera un lenguaje visual lleno de profundidades y matices. Siempre en la búsqueda de crear espacios con identidades únicas: “Para nosotros la arquitectura y el interiorismo se dejan ver como el lápiz y el pincel por medio de los cuales los espacios se llenan de significados, de sentidos; para crear un lenguaje a partir de planos, volúmenes, colores, luz y texturas, en el cual se inscribe la vida misma”. www.murorojo.com

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resto & bar

Restaurante

Peyton & Byrne La Real Academia de las Artes le proporciona a Tom Dixon un espacio de exploraci贸n. Tradici贸n y respeto versus contemporaneidad y originalidad; arte y clasicismo versus espacios cotidianos de relajaci贸n en el Siglo XXI.

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Por: Tania Sánchez Arias Fotografías: Cortesía Design Research Studio

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l nuevo restaurante de la Royal Academy of Arts, creado en los interiores del conocido edificio de Burlington House, regala una imagen de estreno en un espacio cuya historia se remonta al siglo XVII. Hoy día, a través del Design Research Studio y bajo la dirección del reconocido diseñador británico Tom Dixon, estas habitaciones se visten de luces y color en las cercanías de los elementos clásicos. El área acondicionada se traduce en doscientos cincuenta metros cuadrados que se subdividen en distintas zonas, y separan al comedor del bar, al cual se le tiene asignado un rol central en el espacio. Áreas dedicadas e inspiradas por grandes maestros de la Academia, como el gran paisajista Turner o Sir John Soane, conviven con una estructura hecha de cubos y prismas de cristal, mitad celosía mitad vitrina de exposición en cuyos interiores sorprenden piezas originales anteriores a la última década del siglo XIX. Dixon tranforma el espacio inyectando vida a través de una tapicería color magenta, que recubre cada butaca del comedor, en un mobiliario de otra manera discreto, en torno a un juego de mesas que alternan rítmicamente de forma y material. Contra los muros se diseñaron asientos corridos con respaldos altos en tapizado capitoné, con los que añade vida o sobriedad de acuerdo al color. Todo esto contra serios lambrines casetonados en madera clara que sirven de soporte visual a la blanca arquería o a las elegantes pilastras estriadas del edificio. El bar, se convierte en este proyecto en un elemento principal, conformado por un mueble fijo construido de piedra volcánica similar a la obsidiana, extraída del Etna. Sobre este elemento se sitúa un alterno juego de vitrinas que separa al visitante de un cúmulo de ingredientes expuestos y a resguardo o colgantes casi al alcance de la mano; en un juego de humor que separa esculturas y carnes por tan solo un corredor. El toque final del proyecto está dado por la iluminación. Las lámparas son aquí rocas ambarinas suspendidas que proporcionan luz, movimiento, aire lúdico; mientras que en el bar se vuelven cortina divisoria y señalizadora, a la vez que permiten alzar la mirada y disfrutar de la decoración colorida de los muros. www.tomdixon.net

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hospitalidad

Britania en New York

Crosby Street Hotel Por: Ariadna Soria Fotografías: cortesía Crosby Street Hotel

Un concepto distinto de hotel boutique que lleva los ambientes londinenses y su apego al color, al pleno corazón de Nueva York

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o que alguna vez fuera un lote ocupado por un estacionamiento, hoy se yergue como el Crosby Street Hotel, en la ciudad de Nueva York, entre las calles Prince, Spring y Lafayette. Perteneciente a la línea de hoteles Firmdale, grupo hotelero londinense de los esposos Tim y Kit Kemp, el Crosby Hotel es el primero de muchos, planeados para instalarse cruzando el Atlántico. Su diseño remite a la calidez y al confort de los espacios clásicos londinenses combinando elementos de tradición con propuestas artísticas contemporáneas. Kit Kemp, es, desde hace veinte años, además de propietaria de seis hoteles londinenses, la directora de diseño responsable de la creación de los espacios interiores. Desde entonces, ha triunfado otorgándole singularidad a sus diseños y obteniendo reconocimientos por su trabajo, calificado algunas veces de particular y extravagante. Crosby Street Hotel hace énfasis en el color y las texturas, y en una selección de piezas artísticas que ayudan a configurar un sello único. Ochenta y seis habitaciones y suites de diseño con vistas a Manhattan, combinando textiles y estampados, en interiores atrevidos o más neutros. El lobby, en este caso se vuelve un sitio dominado por una escultura de acero de tres metros de alto en forma de cabeza humana formada de letras, obra de Jaume Plensa, que se confronta con “un collage” de piezas caninas de Peter Clark, mientras el bar incorpora un juego de coloridas lámparas de los años 50’s. Incluso los espacios exteriores del hotel conformados por una serie de terrazas, han sido diseñados por Kit en mancuerna con una firma neoyorkina llamada Goode Green, y como resultado; han proyectado áreas de diseño muy libre, una de ellas concebida como espacio para el cultivo. El hotel, ha sido también planeado para conseguir certificación como edificio LEED, y su objetivo es ser de los primeros en su tipo en conseguir por entero la máxima categoría, la GOLD LEED. www.crosbystreethotel.com

El interiorismo de las habitaciones habla del clásico estilo inglés en donde múltiples elementos proyectan armonía. FEB • MAR 2011

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evergreen Por: Tania Sánchez Arias Fotografías: cortesía Punkalive

Punkalive, materia amigable con el ambiente Una joven firma finlandesa persigue innovar con un material que visualmente se liga a la tradición nacional y a aquello percibido como local y clásico

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“Nos esforzamos en producir convenientes, prácticos y hermosos productos para que la gente los conserve y evite contribuir a la emisión de CO2” Jukka Lommi.

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acida de un entorno natural en que el paisaje se rodea de bosque y de agua, la firma finlandesa Punkalive, ya se ha hecho notar en las ferias de diseño de Colonia, Milán y Shanghai a tan sólo dos años de su fundación. Su trabajo propone un mobiliario fabricado en madera clara laminada, de aparente máxima simplicidad y de finas líneas cuya composición hace uso de suaves curvas que le otorgan a las piezas un aura de delicadeza. El concepto tras Punkalive Design, a decir de Jukka Lommi, su Director de Diseño, recae en tres aspectos de importancia. Primeramente en el material utilizado, un producto denominado Kerto® de Finnforest Ltd, de gran fortaleza estructural y ligereza. Éste es también un producto considerado como sustentable, pues se fabrica a partir del abeto finlandés que es extraído de bosques con reconocimiento Pan-Europeo de Certificación Forestal (PEFC), lo que indica que la madera cumple con los requisitos de la gestión forestal sostenible. El segundo aspecto relevante, es la tecnología de producción, ya que para su sistema de fabricación cuentan con una tecnología propia patentada internacionalmente. El tercer aspecto que Lommi FEB • MAR 2011

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recalca es el diseño, a lo que menciona: “Nuestra idea es diseñar diferente. Nuestra producción técnica nos permite crear piezas de mobiliario con menos limitaciones formales y la meta es crear una imagen única. Por supuesto que el histórico legado del diseño práctico finlandés que maximizó el uso inteligente de la materia prima, puede ser especialmente apreciado en los diseños realizados por nuestros diseñadores finlandeses, pero tal vez ahora con una nueva voz”. Jukka Lommi define su responsabilidad con el medio ambiente como el punto de arranque para lo que hacen; y su labor comienza desde el cuidado del ambiente de origen de la materia prima teniendo en cuenta factores como: una producción eficiente de los materiales y una baja emisión de CO2 como resultado: un uso eficiente de la materia prima con la reutilización del total de los materiales sobrantes; un manejo local de materiales locales; una colecta de la materia prima dentro de un radio de 150 km. y la donación a la población del excedente del calor acumulado en la fábrica en temporada invernal. www.punkalive.fi

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galería

El acontecimiento gráfico

Una serie de Alex Dorfsman

Por: Erik Castillo

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na vez que la fotografía —además de su carácter documental, testimonial y comercial— se definió como práctica artística autónoma durante los años de la vanguardia (1900-1950), lo que comenzó como un dispositivo de generación de imágenes se convertiría en un sistema de producción visual tan democrático como especializado. El tipo de imagen lograda por los artistas de la primera mitad del siglo pasado que ejercieron la fotogra-

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fía, justamente trascendió la condición mimética y objetivista que posibilitaba —de facto— la cámara, ya sea por la vía de la abstracción del objeto representado, ya por el juego no convencional con los criterios técnicos en la preproducción (investigación, elección de motivos, recorridos en locaciones, puestas en escena), en la producción (especificaciones de toma) o en la postproducción (trabajo en laboratorio) de las imágenes. Este paso a un estatus artístico, tam-

Sin Título. De la Serie: “This mountain collapsed and became a bridge”, 2010.

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forma consumada, en la negociación contemporánea de lo fotográfico con la historia de sus premisas modernas. Su trabajo más reciente evidencia este logro: “This Mountain Collapsed and Became a Bridge”, en exhibición en el Centro de la Imagen del 11 de diciembre del año pasado al 27 de febrero del presente; es una colección tipológica (aunque esto se advierte, he ahí la relevancia, más por la diversidad de cada escena que por la semejanza) de impresiones montadas en los muros del recinto a manera de páginas des-

plegadas de un libro-ensayo visual. La pieza se había presentado –en una versión distinta- en la edición 2009 de la Feria Internacional del Libro de Artista, y ciertamente puede considerarse un punto de síntesis en el cuerpo de obra del artista. El núcleo discursivo de “This Mountain Collapsed and Became a Bridge” consiste, desde mi punto de vista, en la decisión de Dorfsman para deambular concentrado por espacios urbanos abiertos, sitios públicos y culturales, parajes naturales y lugares privados; y,

And White Become Absolute Óleo sobre tela de algodón 250 x 300 cm 2009

bién fue viable por el desmarque que operó la fotografía respecto a la influencia de la pintura. En ese sentido, el advenimiento de la cultura artística contemporánea evidencia una actitud, por parte de los fotógrafos que han venido trabajando desde los años sesenta, de exploración de nuevos discursos para movilizar esta práctica y sustentar su relevancia. El discurso fotográfico de Alex Dorfsman (Ciudad de México, 1977) se ha posicionado, de FEB • MAR 2011

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de ahí, hallar y fotografiar elementos en donde sucede lo que podríamos llamar un acontecimiento gráfico en el reino de la materia. La descripción de los elementos presentes en algunas obras de la secuencia de imágenes es una buena explicación de lo anterior: un plato de cerámica fracturado contra un fondo oscuro convierte esa fisura en un signo; lo mismo ocurre con un cartel intervenido con graffiti que, me da la impresión, fue tomado en Berlín y publicita una exposición del pintor romántico Caspar David Friedrich, y en el que la textura del aerosol sobre la “piel” del impreso constituye el acontecimiento gráfico. Un ejemplo más, muy sintomático y seductor, es la imagen de la acumulación de unas tiras de papel recortado que están sobre una superficie que tiene la misma temperatura de color que los recortes, con lo que papel y superficie hacen mímesis y, en paralelo, metaforizan (por el hecho de estar en una foto, que es un documento plano) dos estados diferentes de la misma materia: el estatus métrico del grafismo que representan las tiras, en diálogo matérico con el estatus continuo de lo indiferenciado que representa la superficie donde está puesto el papel. Por si fuera poca la energía que proyecta esta foto, el

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papel cortado impecablemente y la superficie inmaculada, que se entiende que es una mesa de estudio o algo así, son objetos del ámbito de producción del fotógrafo y eso le da a la pieza, además, un cariz autorreferencial. Es evidente el funcionamiento al que me he referido, es decir, la forma en que Dorfsman consigue mostrar el espacio visual como materia estriada, como lugar donde nace una grafía: en una de las piezas, el vidrio, el tejido del traje del personaje y el teclado del instrumento “hacen territorio” y agrietan la iconografía; en otra, la trama modular de escalones y la sombra de las barandillas fundan gradientes alternadamente sostenidos y progresivos; luego, el detalle del drapeado de la escultura y la pared detrás relatan, ópticamente, el poder abstracto de la cresta frente a la planicie; y el reflejo del árbol en el charco del asfalto (en red con Extensión del Reflejo de GabrielOrozco), es el “revelado” de una imagen a plena luz del día; al final, el fragmento de tela pintado en el cuadro, el marco del mismo y la ornamentación en la arquitectura del museo, también configuran un lugar donde las relaciones materiales manifiestan el surgimiento de la forma.

De la Serie: “This mountain collapsed and became a bridge”, 2010.

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La génesis del acontecimiento gráfico contenida en las piezas de Dorfsman es susceptible de interpretarse, en otros términos, como la construcción —más que la captación— postfotográfica de una coordenada que, en su condición de instante de mundo, adquiere la misión de ser lo fotográfico, de cumplir los verbos de la disciplina (obturar, imprimir, exponer, atrapar…) bajo la apariencia de suceso, liberando a la toma de ese carisma y esa misión: el tema de las piezas de Dorfsman es cómo en el contexto de la “realidad”, se están produciendo imágenes dentro de imágenes que, aunque son detectadas en calidad de cosas en las que

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pasan cosas en lo tridimensional, en la foto resultante son equivalentes a la aparición de la textura gráfica en la superficie del papel. Así, es viable aseverar que el artista desarrolló una coartada icónica muy sugerente y soterradamente tautológica, propiciando que la lógica subyacente en “This Mountain Collapsed and Became a Bridge”, en paralelo a lo que se ve en sus series anteriores (y en sus videos y dibujos), recupere lo mejor del linaje fotográfico en arreglo tipológico que fundaran los Becher, y que llevaran a su máxima expresión artistas como Thomas Ruff o Andreas Gursky. alexdorfsman.com

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texturas

EL HOMBRE de los dulces Por: Marco Corral Fotografías: cortesía Mancandy

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roveniente de una generación de nuevas promesas del diseño mexicano, Andrés Jiménez mejor conocido como Mancandy ha destacado por su originalidad en las diferentes plataformas en las que ha participado. Con inquietudes que abarcan la fotografía y la música, Mancandy ha figurado por su manera particular de ver la moda, haciendo uso primordial de jersey y tejido de punto. En 2008 crea su primera colección siendo premiado por ésta como “Nuevo diseñador” en los México Fashion Awards by Lycra. Según sus palabras el toque que lo hace diferente es su diseño con propuesta, pero sin perder el sentido comercial; su estilo es minimalista y orgánico, dando gran comodidad y libertad a quien usa sus prendas, por lo que logra una conexión más personal con sus clientes. Pero sus propuestas no se quedan en las pasarelas ni en los foros televisivos, Mancandy tiene la firme convicción de triunfar más allá de las fronteras, lo que le ha valido participar en eventos de moda como el IDM –International Designers México- y Rooms, uno de los trade shows más relevantes de Tokio Japón. Inclusive la revista inglesa “Wallpaper” en su edición sobre México del 2010, lo nombró como una de las razones para visitar el D.F. Hechos que hablan por sí solos, y la fresca propuesta Mancandy lo compromete e incentiva a seguir creciendo, y así, lograr una real internacionalización comercial . Por lo pronto sus diseños se encuentran a la venta en tiendas exclusivas en Los Ángeles, Nueva York y Tokio. El futuro para Mancandy se ve promisorio, esperemos no sólo que continúe con su carrera ascendente y despunte, sino que logre mantenerse en el cada vez más complicado y competido medio de la moda. mancandyonline.com twitter: @corralmarco

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traducciones

Design File 

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Ana Elena Mallet is a remarkable curator who seeks to rescue the best of Mexican design. BY: ANA ELENA MALLET

FINALLY WHAT is designed in Mexico is for sale. In a country with an incipient design culture, in which domestic consumption is still perceived as doubtful and suspicious; that a store such as Palacio de Hierro –the most important department store in Mexico- bet on young talent and local design, is certainly cause of great celebration and hope. It is official that the first week of February the department store opened an unprecedented project in the history of national design: a sort of exhibition or trade fair entitled “Creating home, designed in Mexico” that makes available to the customers of the shop hundreds of products produced by 29 designers and / or national brands. Needless to say, the designer Cecilia León de la Barra and I carefully selected the 29 representatives according to their career and the aesthetic and conceptual designs. What is the relevance of this project? So far there have been few cultural spaces that have opened up to the prospect of displaying and disseminating the national production of design and its importance in the social, cultural and economic context. Most Mexican designers sell in their own stores or in small showrooms located in Mexico City in neighborhoods such as Roma, or Condesa and perhaps Polanco. With limited production, their reach is very short and is geared towards a highly targeted audience, mostly specialized and related to the elites who use contemporary art and other cultural products associated with a certain level of sophistication. Ideally, the design should be a discipline that helps solve social and everyday problems, and whose products -or results- were available to everyone. However, in practice this has not happened due to many factors that have strengthened the idea that there is no business in design: the lack of a design culture that results in little interest and in the absence of a market; an industry, weak and conservative, not committed with hiring local designers nor to produce original products (copy appears to be safer and, above all, cheaper) and very importantly, the lack of commercialization space. Because there is good domestic design, and designers produce and develop continuously, products and projects anchored on good principles, with proper materials and superb quality finishes, seems we just needed the push to make these products begin to awake an interest and to be available to many people. Palacio de Hierro will be the institution that will give that tiny little kick the design done in Mexico needs so much. With 10 stores nationwide where the products of these designers can be seen, the departmental project seems a great opportunity to bring a mass audience to the national design. A large door opens but with no doubt will be on the designers, producers and promoters to work together to create a real design system where each link has clearly defined its role with the goal of making the gears finally start rolling without stopping its march. She has worked in museums such as the Soumaya, Carrillo Gil and Tamayo. Her research work is continually exhibit at the Franz Mayer Museum, and has given us shows such as: “Import / Export, British and Mexican contemporary design” (2006), “Inventing a Modern Mexico: the design of Clara Porset”; “Thonet” (2006), “Traces of Bauhaus, Van Beuren, Mexico (2010)”. She also organizes the Roma-Condesa Cultural Corridor, Contemporary Art and Design. Currently she works as a consultant for the New York Modern Art Museum store, specifically for the project: Destination, Mexico to be held in 2012.

From Mexico to the World 

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BY: GRETA ARCILA RESEARCH: TANIA SÁNCHEZ ARIAS / GRETA ARCILA. TEXTS MEXICAN DESIGNERS: SHELSY DI

OUR WORK as editors goes beyond showcasing creative work. We are always in a constant search and investigation to know what is happening in the sphere, who is wor-

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king with whom, what is to come, attend and observe all the social and cultural events that get the creativity of Mexico going forward. Since ten years ago, up to now, the growth of these events has been amazing. We have witnessed how the forums for talent exhibition have diversified in a good way, even with collaborations we never thought possible. Those that now are recognized for their talent, had to generate in the past their own workspaces, promotion and reviews. Today is another story, the choices that young people have are multiple and always interesting. But who is behind all that is happening? who picks his brain to make things happen?, who bet on the world of ideas?... Simple, people passionate about creating a movement that speaks of its own distinctions, either of is important for others or with a firm commitment to give today’s professionals more tools and may be a part of the glocal labor movement. We, as well, with the firm commitment to open and create synergies, interviewed some of these characters that even though can sometimes be controversial, we are sure that without them many of the ideas that “we see or live” today simply wouldn’t be possible. Gina Diez Barroso shares her commitment to support the education in Mexico with her institution: CENTRO; Carmen Cordera, a cornerstone of industrial design in Mexico, speaks of the GMD, Miquel Adrià, head of Arquine, states that it is of utmost importance the theory and the critic in order for the ideas to flow, Juan Bernardo Dolores, founder of SMI, tells how the profession of the interior designer has grown in Mexico, Emilio Cabrero, with C Cubic founder of Design Week Mexico, tell us about the need for unity in order for design to grow in Mexico, and Benjamin Molina Valencia, Director of ENADII, shares his vision on open forums for students and professionals. We also, put together the first team of industrial designers (impossible to include all their work and proposals), those talents which are distinguished by getting their ideas materialized, people who already have or are being given their own space, and that with their work show us how there is Mexican design thought for our own culture.

Gina Diez Barroso 

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AWAKE AN interest and to be available to many people. PalWith foundations in the development of a Mexican design with international standing, Gina Diez Barroso de Franklin founded 20 years ago her first company: Diarq Group, one of the largest companies in the field of interior design and real estate development, with offices in Mexico and the United States. Her name rings constantly because of her career and diversity, but above all for the support she has always provided to new generations of designers and her concern for education in our country. Lecturer in the School of Business of Duke University, NYU, UCLA, Carnegie Mellon and also inter Advisor for several companies. In addition to belonging to different organizations, is one of the only 2 Mexican women who belong to the C200 organization of 200 women leaders in the world. • When did you determine that interior design was your passion and that you wanted to pursue it? When I started to remodel homes in Lomas de Chapultepec, I realized that there was a huge rift between professionals, because the architects did not do “decoration” as they called it. So was born Diarq: to unite professions that go by the hand. Over time I realized I needed an institution to join the creators and today is proved that they are who have an horizontal perspective, who are constantly searching... so CENTRO was born, the only institution in Mexico that unites film and television, fashion and interior design careers. • When did you discover that you wanted to promote design and why? Since childhood I watched my grandfather (Emilio Azcarraga) was trying to give more to his country. His love for Mexico was a great example for me. I want to create jobs for the world of design, but more than that, in CENTRO we are committed on creating design businessmen. • How is your promotion an advocacy of design? It is hard work, for example, each year at CENTRO we have a dinner between employers and students, everyone of our students work for major brands, and they graduate having already a job or opening their own businesses. • Which characteristics should a creative have for you to bet for him? Self-confidence and not be afraid to break paradigms. In CENTRO we have a very interesting scholarship scheme, we

support those who want to grow and strive for it (Pro-Education Centre). • What are your personal goals in your promotion work for interior design? What I want is to leave for Mexico, an institution that makes designers entrepreneurs. My legacy in education will be given by the students work, and as a professional in Diarq, many people ask for the “Diarq style” for their homes. For us this is something to be proud. • Where is the design made in Mexico going? We can say that we are on the international map as many young people are having recognition, for example, one of our students, Marcelino Islas, a graduate from the Film and TV career, was selected with his first feature film, “ Marcelino” in Cannes, we went with him and was very interesting ... and I could tell many stories. The design in Mexico is a reality, just need to come together as professionals for the industry to grow and spread internationally as we have done and does the new generation. CEO Diarq, CENTRO, and DIEZ

Carmen Cordera Lascurain 

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CARMEN CORDERA is an Industrial Designer from the Universidad Iberoamericana, with studies in Design Methodology at the Elisava School. Since 1979, Associate Director of Drafft SC Designers, design applied to visual communication. In the year 1990 she founded the Galeria Mexicana de Diseño, a space that aims to represent and market the Mexican and international design in all areas. Her concern for spreading the work of the creative takes her to establish Quorum, the Council of Designers of Mexico, which she presided between 1995 and 1997. • When did you decided that design was your passion and that you wanted to pursue it? I liked Art, architecture and design since high school, then when I studied at the university the more knowledge I acquired, the more I liked it. • When did you discovered that you wanted to promote design and why? In this multifaceted world of the creative there is the need to discover the design of our country confronting us with our own reality. There comes the need to meet many expressions, expressions of the contemporary design NOW A DAY. • How is your promotion advocating for design? This promotion has been through exhibitions, catalogs, meetings, conferences, visits to factories, industrial relations, businessmen, and craftsmen. • Which characteristics should a creative have for you to bet for him? They need to have spirit, innovation, curiosity, quality, passion, commitment... to name a few. • What are your personal goals in your work as a design promoter? My goals are to make design part of our daily lives, promote and sell products with good design, and that design becomes a decisive factor for the development and quality of life of the inhabitants of our country. • Where is design in Mexico heading? To me design goes towards a better understanding; to a better awareness in the use of materials and technologies; to a better support from industry and government. The existence of a creative professional’s community that is engaged in the requirements, research and criticism that reside around design. Director of Galería Mexicana de Diseño

Miquel Adrià

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ARCHITECT FROM the ETSA of Barcelona, arrives to Mexico in 1994 and three years later founded the most connoted magazine of architectonic critic of our country: Arquine. In the practice of his profession he has been assowww.glocal.mx


ciated with Mexican counterparts making works such Casa F2, an IMSS hospital, the School of Nursing and Obstetrics of UNAM, among others. Editor and author of numerous books, today along with the Universidad Iberoamericana, Miquel coordinates the master’s degree in urban design with his alma mater. • When did you decided that architectural design was your passion and that you wanted to pursue it? As a child I knew I wanted to be an architect. I do not remember having to make any decision. I used to create projects; I drew them... even if I didn’t build them. Also when I was fourteen years old, I created a magazine with several friends that we printed ourselves. • When did you discovered that you wanted to promote architectural design and why? When I came to Mexico -1994 - I realized that there was the need of a space to share topics, a place for criticism, so necessary to grow as a society; I noticed that the major projects were taken by the “good relations” and not the “good proposals”; that is the reason why I assumed the task of creating, with Arquine, this space of discussion. • How is your promotion advocating for design? I don’t seek to promote architects, I look for valuable ideas that are architecture. At the magazine we take with great care each text, we seek essays that talk about what is happening. • Which characteristics should a creative have for you to bet for him? I cannot find the exact words, but what he or she must have is its own proposal and dignity. We know what architects are doing and we identify what is true and what is not, but defining it in a few words, a proposal that speaks about the universality of thoughts. • Which are your personal goals in your work to promote architectural design? I divide my work between teaching ⎯ as coordinator of the Master of City Management, with Universidad Iberoamericana in Mexico City and his alma mater ⎯; the organization of the congress, where more than celebrities, we seek for architects that put on table topics that enrich the level of discussion of the architectural work, this year we will discuss the creative process; and the competition we have every year in Arquine. I mention this because for me is fundamental to bring architecture at all levels. • Where is architectural design going in Mexico? Towards an identity that encompasses not only Mexico; everything has a direction, to glocal; that is reality. We live in a world of ideas to share, I bet on teamwork, there is where architecture goes, or rather, is; we must share to grow. Director of Arquine

Juan Bernardo Dolores  p.42 HE STUDIED architecture at the Universidad Iberoamericana, and later worked in architecture workshops such as Picciotto Architects. He was Editor in Chief of “Arquitectura y Diseño de Interiores”magazine, ADI and IA until 1999 when he created along with its director: AMDI. He was part of IIDA, founding later SMI in 2003. Juan Bernardo Dolores was a promoter of KMD Architects and Gorshtein Fasja Architects work; Public relations director for GVA Group and a tireless promoter of interior design in Mexico. Currently chairs CIDI, an organization that already has representatives in Argentina, Chile, Colombia, Puerto Rico, Mexico and Spain. • When did you determine that interior design was your passion and that you wanted to pursue it? My first passion was architecture, for me architecture is more abstract, is about big ideas, history, I like that dimension and urban scale, but the interior design is closer to the user’s skin, creating the most intimate environment for the specific human being. • When did you discover that you wanted to promote design and why? In 2003 I founded with you, and the Pascal brothers, the first association with a national vocation, the Mexican Society of Interior Designers (SMI). Now with the Latin American Council of Interior Designers (CIDI), a field which FEB • MAR 2011

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employs 40 000 interior designers, the territory’s expansion is even more challenging. • How is your promotion advocating for design? To me it is of expanded territory and long term, we do not intend to grip on the profession leadership, there is an emerging generation of professional interior designers, we are just precursors but the younger ones will have to take the lead; and our experience will be important at the transition. • Which characteristics should a creative have for you to bet on him? They need great self-confidence, blind faith about transcending the mediocrity and conformism of their colleagues, and the awareness of their strengths and openness to be complemented by other professionals. • What are your personal goals in your promotion work of the interior design? Confirming the CIDI in the 20 Latin American countries, found associations representing the interior in the two continents and in countries where it doesn’t exist; strengthening the institutional life of the CIDI, the SMI and other Latin American associations with vocation of service to the membership, an association that serves its membership is not fulfilling its core mandate. • Where is the design made in Mexico heading? To design, not only made in Mexico, but thought and “designed in Mexico”, as Dr. Julio Frias used to explain, Mexican promoter of the National Design Policy, we Mexicans are not only good for workmanship, we have brains to think and interact with the world without limitations, as do young architects and designers. CIDI President

Emilio Cabrero

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HE STUDIED architecture at the Universidad Anahuac, in the year 1990 he associated with Marco Coelho and Andrea Cesarman to create C Cúbica. They specialize in the residential category, but in the year 2004 would come the opportunity of being in charge of the CAD project –Mexico City Design Center-. In 2009 he launches with its partners and a team, Design Week Mexico. • When did you determine that design was your passion and that you wanted to pursue it? Always and progressively, I discovered my interest since childhood and knew I wanted to be an architect. Each work, each piece is always like reading a book. I’m passionate about the creative process, the design is a world that offers something new to say, something to learn. • When did you discover that you wanted to promote design and why? I’m afraid of the word promote ... is too big! ... I believe in teamwork and the enormous potential that exists with coupled synergies. • How is your promotion advocating for design? Is not an individual work, all employees of DW are united by the passion for what we do. • Which characteristics should a creative have for you to bet on him? He needs to have clarity and simplicity. • Which are the personal goals you are working on to promote design? Form a united and respected community, which is not only the set of individual talents who paddle in every direction, but a community that can create a trend. • Where is architectural design going in Mexico? From my point of view the design in Mexico must look beyond our roots and the “likeness” of globalization. We must leave behind the era of the prototypes and unique pieces to create an engine design that becomes an industry that generates value to our country. Design Week Mexico Director

Benjamin Molina Valencia

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HE GRADUATED from Communication Sciences at the “Universidad del Valle de Mexico” with a major in Radio and Television from the University of Madrid, Spain. Benjamin worked for Sony Music and EMI as Label Manager. He serves as Director of Public Relations for Enlace magazine, and later founded ENADII. • When did you determine that architectural design was your passion and that you wanted to pursue it? It is something that was very circumstantial, after five years of seeking opportunities in Communication Sciences and not finding them, I decided to change my life strategy. I found a space in a publication focused on architecture and interior design; there I could appreciate the work generated by the professionals of this sector. • When did you discover that you wanted to promote architectural design and why? At the time I noticed that more channels were needed to communicate directly the works and their creators, and when I perceived that there are groups of power, cronyism and, why not, policies that lead nowhere. • How is your promotion advocating for design? We try to give first hand access to the professionals and specially university students to information, give them the tools that will be useful someday, share successes and mistakes of those who today are “figures” of the guild. • Which characteristics should a creative to have for you to bet on him? To have purposeful ideas, the aim to give something else, that doesn’t conform; that understands that now a day the city deserves more and better spaces, that take risks ... that are irreverent. •Which are your personal goals to promote architectural design? Take the name of national architecture to another level; continue to be the channel that promotes hundreds of university students and young Mexican firms that seek to show their work, giving back to architecture all the good things that has given me and my team. •Where is architectural design in Mexico heading? I love the times we are living since it allows us to see the greatness of Mexican architecture, more and more firms are working in different countries of the world with very good results, and that gives us an impressive potential within Latin America first and then I consider this phenomenon will happen at international level. General Director of ENADII

EOS México Estudio p.45 SPECIALIZED IN the development of projects in the areas of Industrial Design, Interior Design, Graphic Design and Image, in EOS Mexico all projects are based on an initial concept that makes all the elements to be sustained, as design responses that arise from analysis and research to provide new languages. “We always want our pieces to have pervaded the spirit of Mexico in some way, its people, its culture, customs and practices.” Proposing and at the same time questioning, a casual and fun language to reflect a changing Mexico, proud of its traditions. For Mauricio and Sebastian Lara, both industrial designers of the Autonomous University of Guadalajara in Mexico design lately has found an excellent runway, which is the internet communication: “I realize that because of this the eyes of the world are turning to see what design is being done in Mexico, “says Sebastian. “There are many designers that with effort, quality and lots of talent are exporting their designs, positioning Mexican design, “says Mauricio. These brothers work together reflecting about the challenge that the new design suggests, which then becomes the reactor design element, to thereby create a coherent piece and therefore with good concept, where details of both performance and finishing satisfy the user.

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traducciones

Arta Cerámica

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“A GOOD design should be a new way to solve a useful object in a simple, practical and producible way in which the form responds in a clear and fun way to an idea” With this principle Arta Ceramics creates unique pieces that emerge as expressions of different projects that converge design, art and architecture. Founded in 2005 by industrial designers Gloria Rubio, Marta Ruiz and Diego Sanvicente, Arta defines itself as a versatile studio workshop that beyond designing and producing objects serves as a space for art, by convening different artists and designers to collaborate on limited edition special projects that participate in different exhibitions, biennials, and diffusion, linking with educational institutions to promote the culture of ceramic design. In addition to Gloria Rubio, Marta Ruiz, who currently leads the project, founded in design a responsible path, because now designers have become producers and managers of their own designs that instead of asking for a job generate them. That’s why Arta Ceramics has a program that supports women who study or are mothers by giving them the opportunity for training and employment, showing that the design gives more than objects to society.

La Jabonera

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“CREATIVITY IS in all that we take for granted and it is precisely because we take it for granted that we do not question it and it’s hard to find, “ Sir Ken Robinson. With this rule is that Jorge Moreno Arózqueta, head of La Jabonera Estudio, always begins his creative process. “I don’t start the process, is the soul of the object that initiates the process with me, asking me originality for its future existence.” And if there is something accomplished in their designs is the originality that comes from the enjoyment of creating what has never been done, and from being experts in not being experts. The Soap Studio is a place with a minimum of rules where the value of design lies in intuition and balance of several factors: the emotional and sympathetic connection to the user, the reliability and performance of the object, and finally the production or realization. Achieving balance of all these factors have given graphic imaging solutions, new product development and coaching for innovation and creativity for different important companies, among which are: Coca Cola Company, Kellogg de Mexico, Intec, Philips, Johnson, Minibar Systems and Bticino. Also currently La Jabonera has a specific methodology that enables to guide the micro manufacturing companies to become a company with added value propositions. * At press time, Jorge Moreno Arózqueta informed us that he became director of Whirlpool’s design center in Mexico, and will continue to participate with La Jabonera on special projects. Good news for Mexican design.

Peca

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CREATIVITY IS in all that we take for granted and it is For the creator of Peca, the architect-designer Caterina Moretti details are everything and the proper accessory or piece of furniture can make a space to be completely embellished. With this philosophy Peca creates from observation of the environment, surprising objects that accentuate and highlight the areas in which they are placed. “By paying attention to nature, to its sounds, aromas and textures, or the city, its streets and unique atmosphere, we find elements that attract us and that we would like to bring to our homes. Thus, we aim to materialize those external stimuli that get to us the most into objects that evoke his spirit. “ Peca objects seek to tell a story and connect with their users, both emotionally and for its efficiency and utility, and create an even stronger link between the object and the person. A good design goes beyond aesthetics, but to resolve some everyday need, however small this one is. Peca’s products have achieved recognition in the most prestigious designer boutiques worldwide, and for its creator the reason behind its success is that in Mexican design

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there is a common thread of quality, combined with a playful spirit and a keen sense of humor. “It’s hard to pigeonhole the Mexican design and I think that is precisely one of its strengths. Gradually, Mexican households are open to design and Mexican designers, in turn, penetrate foreign markets more easily than ever before.”

including the huge design show Maison & Objet Paris and the famous ICFF (International Contemporary Furniture Fair) in New York. And with this global vision states “The design of a country is completely tied to its economy, culture and politics, the practice of this evolves as the others do, we all know how we want to improve these factors in our country, therefore, we know which direction should we take the Mexican design. “

Cecilia León de la Barra  p.49 When Design has a WITH A very personal concept that fuses imagination with Social Background functionality, Cecilia León de la Barra creates simple objects, happy and made by people, by the understanding, observation and knowledge of different materials and the exploration of new forms. For her “good design should surprise over time, either by their shape, material, or functional solution.” This young designer, of the Universidad Iberoamericana, finds inspiration in craft techniques, transforms them into colorful patterns, which are fresh and innovative. Mexican design is in a very good path as every day more designers reach recognition both locally and globally. That is why promoting the boost of the industrialization and commercialization of Mexican design in 2010 she curated the exhibition HANDMADE: New Design Collaborative Processes in Casa del Lago Juan José Arreola, where they showed the work of designers working with communities, cooperatives and craftsmen around the Republic. The work of Cecilia León de la Barra is based on its ongoing research and observation of daily life. The use of this documentation as a creative tool, has taken her to be part of workshops in Cuba, Spain, Italy and France, and collaborate with designers around the world, always bringing good Mexican high design.

Diseño Neko

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FOUNDED IN 2005 by Hiroshi Ikenaga, Luis Daniel Olvera, Alice and Karim Pegman Tosca, under the concept of creating Mexican ecodesign that leaves a trace, meet needs and provide surprising solutions. Neko Design is a multidisciplinary Industrial Design and Architecture firm that comprehensively carries out projects ranging from product design to urban development, with a commitment to reduce negative impacts on the environment and where we can find a balance between various elements: aesthetics, cost, good use of materials, environmental friendliness and functionality, “We believe that a good product most meet a need and a good design also leaves you with a lasting impression, surprise and prompt a positive reaction. “ Its design process is based on freedom and diversity of sources of inspiration that can come from either places, forms, uses, needs, materials or processes, and the constant interaction and feedback between them, to enrich, polish and define the concept. One of the most important objectives of Neko is to provide design solutions at affordable costs and proposals that promote Mexican design and production. In order to achieve it they seek to establish strong links with local industry, since many of the production processes are almost handmade. “Finally we believe that the design identity is trying to get away from the popular elements of the craft, and seeking his own aesthetics without losing the flavor of Mexico.”

Joel Escalona

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HONEST, COMMERCIAL, contemporary, that is how Joel Escalona defines his design concept, who has developed as an exceptional Industrial Designer by his passion for design, marketing and business. With a practical vision that seeks his designs to be simple from the creative process, “Since the moment I know what I need to design, I have the 99% solved in my head, as it develops and I am infused with all the possible information, I start to filter my initial idea. “ For this designer design is an opinion or statement of what must be a solution. And the relevance of a product is the broad consensus that deems it useful, attractive or interesting, if its characteristics are relevant enough design transcends time and space. His work has led Escalona to win several design awards and exhibit his work in design exhibitions around the world,

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BY GRETA ARCILA

I DEEPENED on Ariel Rojo’s work thanks to Eugenia González, even though I already knew he had designed the Saving Pig and the Labyrinth of Humanity. With the first piece, already an icon of Mexican design, I understood a little of where his work was heading and when I had the chance to see the labyrinth , it was clear to me that our cover designer was a analytic creator that reads his surroundings and know how to bring those social ideas into forms that transform them into soulful objects. Today I show to you an abstract from the chat we had with him in which we talked about his origins and the ideology behind his work. GA. Why design? AR. I didn’t know what to study. My life related with the story of my family in what regards to business, which is the printing of electronic circuits. I grew up in a factory, first playing and then learning to work when I was 14 years old. But the intuition has always been there; when time came to decide what to study, I was debating between robotics engineering and arts and a friend of my parents told me that there was something that was somewhere between the fields of art, engineering, drawing and mechanisms. • When you are young the moment of choosing a university is very decisive ¿why did you chose UNAM? I was a spoiled boy and my first option was a private school but I made the exam for UNAM and I passed, so many of my friends told me that I needed to stay there. Today I am clear it was the best decision; it was one of the best experiences of my life. • Which was the first piece that felt good about? It was with my second school project. I made an object for the psychomotor development of people and it got to be exhibited at the Children’s Museum. Later on I made a jewelry case that doesn’t use a single drop of glue and that’s when I said ...”that’s something”, it is a super clean piece, I was really happy. • When did you first felt as a designer? Since the moment I started designing… but in reality I learned that from the family business. I suffered a car accident for speeding and I had to pay, so I asked my dad for work. Once in the company I realized I didn’t know how to do anything and I ended up moving plaques, which I hated, so I started learning everything and a few months later I was managing the CNC. I started to design circuits when no one else in Mexico was doing it. When I came to college I didn’t question so much… I was quite efficient already; I tell the youngsters that you need to be efficient to be professional, even more if you are a design entrepreneur. • You said something important, “design entrepreneur”. What does it mean to you? It is a huge sense of pride, this is creating jobs, is local, is sustainable, activates companies; its no longer the ego of wanting to make something super big but rather wanting to do something that helps socially, on the human basics. • And what do you get from the basics? When I mean basics I am talking about how you manage your life, because that is visible in your work. for example, when I was invited by Plastiglas to make an eco project I proposed something else: “The Labyrinth of Humanity” that is an installation that is covered in the outside with multiple icons that represent the material world in which we are and on the inside it takes you through paths with words like corruption, hatred, tolerance; and that is the reflection of what we do every day: we see ourselves in the mirror and make choices about our way of living life… in that labyrinth good things make you advance and bad things live you runwww.glocal.mx


ning around. I told them that in reality ecological problems are the result of bigger conflicts, like intolerance, the lack of love for our environment and if we can solve those main issues the ecological problem will be very different. • You are been well received by several companies. What do you think is the reason for this? In the case of Plastiglas, they are a plastics company but they actually recycle acrylic from the street and are developing new formulas for plastics. I think that the thing with companies is that we need to ask where we want to go, and help each other, we are driving each other to grow together. • But do you think there is a fundamental change on companies? I think that we are starting to have a design culture. Here in Mexico I compare it with ISO 9,000... for example in business magazines they speak about that and companies go for it, now they are talking about design and innovation so the executives say “look that exists”… the designers think we are winning and we are not winning anything, what’s happening is that we are arriving at a common point of interests: the entrepreneur know it is a value and the designer has better means to express it. • I am certain that for you function is the most important part of your work. How do you achieve aesthetics in your work? I believe that I am the result of my culture, totally. • Talking about your work, of your products, there is a before and after from your saving pig. What does it means to you? The success of the pig is that it speaks a universal language. And yes it has opened doors for us especially when I was put on sale at the MOMA Store in New York City, they even made a display for it, actually MOMA really catapulted the name of the office. • What’s next for the upcoming generations of designers in Mexico? I was one of the transition generations: from pencil to computers, which seems basic to me. And this generation got the start up but lacks the real world experiences, and be careful, we humans live in a world and are self centered more and more at the same time… when I was studying it was all about wood and ceramics, know is wood, ceramics, plastics, and many more.. if you are not trained to decide in a quick manner you end up paralyzed when you receive so many options and that’s happening to this generation, they have so many options and where never taught how to choose… but if you know how to choose, you can make thousands of things. • And you think there’s an industry for all of them? No, but there is self industry, and if at some time we go back to a craftwork system there is room for everyone. In Mexico there are 5 million artisans and designers are starting to collaborate with them it’s the same that the Franciscans did in the 16th century, they taught us arts and crafts and they created economies… I think that the industrial designer is the Franciscan of the 21st century and that’s fantastic. • Which other projects include the subject of universality? We base ourselves on local and global problems. The Labyrinth: universal; the pig: Universal; the flat tire; universal but is based on a problem from Mexico City; Noé is super local; el Mojado: my favorite design: local; Tlaloc is a solution and I love it; wheel rug: local. • What is Ariel Rojo Design? Communicative and that implies a discourse; I think that I aim to explore and be on constant experimentation and I believe that’s an evolution process; you need to know that everything you do can be perceived, so that’s the only way to say: next, next… learn.

Essential Image

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We need to take a look to what is happening today on the national scene in the world of Interior Design ... BY TANIA SÁNCHEZ ARIAS

ONE OF the new spaces in the world of interior design was recently inaugurated as the second headquarters of a firm that had its origins in the capital of the country. The name of this proposal is ESENCIAL, a project that opened in Guadalajara at 215 of Empresarios Street, inside the new development known as Puerta de Hierro. The new showroom, over an area of 1,200 sq mts (12,916 sq ft) displays and showcases pieces of the exclusive firms: B & B Italia, Casamilano, Dedon, Jerome Abel Seguin, Laura O., and Promemoria Maxalto. In addition to distributing lines as Serralunga, Maoli, Guaxs, Moyat sculpture, DK Home, Uniform, Paola Lenti, E Depadova, Vivarini, Dean Flowers, Aico Design, La Palma, Molo, Meridiani, EmmeBi, Assouline, Artemide, Christian Liaigre and Bla Station, adding up a piece of Vitra and Kartell among other signatures. Since 10 years ago, ESENCIAL has pursued the mission of creating beautiful spaces, avant-garde, timeless and functional through the careful selection of the best in design, giving life to the environments and complementing them with pieces that result from a constant search around the world. And from this constant search, feeds the experience of the team that visits the most important international fairs with the concern of being up to date. Knowledge that they turn into their projects, ranging from designing a corporate office to the interiors of a yacht, expressing in this other aspect their versatility.

ADN, a gallery of stories and objects 

p.62

“We focus on people who have a particular sensitivity to appreciate the historical and aesthetic value of the pieces we have ... travelers who appreciate the diversity and richness of p.58 different cultures and their expressions”

Pirwi

A place to meet the trends of green design in Mexico BY GRETA ARCILA

LIVING IN social aware and alert of their glocal surroundings is one of the premises of Pirwi. The furniture company is not just a concept; its founders live through the sustainable design, reason why in 2007 created a company that expresses the best of green design. FEB • MAR 2011

Emiliano Godoy and Alejandro Castro as designers of their time, before seeking to draw a line they seek synergies for collaboration, manufacturing, transportation, assemble and others with companies, suppliers and characters also immersed in this ideology; all with a single purpose: to create a virtuous circle where society, economy and nature benefit in every way. Thanks to the excellent acceptance that their collections have in all types of audience in Mexico and the world, in late 2010 they decided to open its first showroom in Mexico City, and what better place than Alejandro Dumas street on the sought-after Polanco neighborhood. And it is inside an old house with huge white walls where they managed that each of the objects and furniture excel its simple beauty. Thus, we find the work of Ricardo Casas, Alejandro Castro, Héctor Esrawe, Renata Fenton, Emiliano García, Emiliano Godoy, José Antonio Gurrola, Luis Mercado, collective NEL, Ian Ortega, Daniel Romero, Brenda Vertiz, Juan Zouain, among others. Also, vintage furniture from the fifties and sixties, lighting and decor pieces that were conducted in collaboration with other artists. For the time being, Pirwi is a customary reference in green design, so if you want to get to know the latest in sustainable design, this place is a must.

No. 2

BY GRETA ARCILA

WALKING THROUGH the streets of Polanco has become nowadays a must for anyone who appreciates finding places with peculiar objects. At the Design Week we had the opportunity to meet on Moliere street, the ADN Gallery, directed by Paulina Hassey and Paul Pena, and we were surprised by the quality of the pieces under their roof. Here we can find vintage furniture, antiques, contemporary design and art. The couple has had the opportunity to travel and live on different places. She as an industrial engineer and he as a photographer, have complemented and learned

from each other “the art of looking and finding.” The first object at the ADN Gallery was a seventeenth-century table from Chiapas, that Sebastian Lara reinterpreted for the first collection (see Glocal Design No.1). The history of this space began in the summer of 2009 with a proposal determined by the interest of gathering, mixing and re-contextualized objects, integrating them into contemporary living spaces in an innovative and imaginative way. One of the strengths of this couple of entrepreneurs is that they are very inclusive, without losing its objective: quality pieces with great aesthetics, art and history. In words of Paulina the public that visits ADN Gallery is multifaceted, like art ... “travelers who appreciate the diversity and richness of different cultures and their expressions, such as architecture, design, music ... at the end in vintage, antiques and design this is what we see”. To close the interview we asked about her favorite piece, to which notes, “the Totonaca living room set of Clara Porset. It is an impressive work, with great presence and character ... inspired on the deepness of Mexico, but not limiting it, is a thoroughly modern creation with a clear reference to tradition and the past”. Without doubt, when a person, with such passion, runs a place of art ... you must visit it. Do not miss it.

Design museum for 200 years of history p.64 The National Palace today houses an exhibition more than emotional, its fluid speech makes you get goose bumps by “living” through works of great significance, our history. BY TANIA SÁNCHEZ ARIAS

THE FEDERAL government through the National Organizing Committee of the commemorations of 2010, gathered in the newly created Gallery of the National Palace in Mexico City, the exhibition “México 200 Years. The Nation in Progress “, an exhibition that covers a grand temporary display with aims to celebrate two centuries of Mexico as an independent nation. The formation of the show was conducted by Miguel Angel Fernandez Villar, Curator of the same, in collaboration with Juan Manuel Corrales, who was in charge of the Museography Direction and is currently Director of Exhibitions of INEHRM and Dr. Miguel Soto, professor of UNAM, who was in charge of the museography script. More than 550 pieces from 70 different collections compose the exhibition, of which about 25 per cent are private collections. The museum project only displays original pieces, many of immense historical and artistic value such as: the Declaration of Independence, The “Feelings of the Nation” by José María Morelos, Printings by Fray Servando Teresa de Mier, the Presidential Chair Don Benito Juarez,” Carbine 30/30 which Villa gave to Zapata, among many others. This is why the interiors of the National Palace these days are a constant coming and going of glances that multiplied, strolling on the old walls that guard an exhibition that reaches 4,000 sq mts (43,055 sq ft) of extension, not including the Presidential Ballrooms, which for the first time have been opened temporarily to the public as part of the course. “I am a big supporter of the relevance of design in museology - expresses Miguel Ángel Fernández -. The museum world is highly visual, our speech is visual. For us, the museum and its design is the factor by which one presents the exhibition. The design is in the distribution of spaces, in the furniture, graphics, in colors that speak to this generation.... “ The first space created for the exhibition is a room in the first floor, mounted on what was the auditorium Guillermo Prieto, which as a kind of access tunnel leads visitors to the introductory room through a collage of faces on dark cloth reflections. When you walk through the door, a video installation in three dimensions envelops acoustically and visually the visitor, favoring a tour through various themes and national landscapes. Fernandez Villar said one of the main criteria applied, was giving priority to certain themes such as: representations of national symbols, the allegories of everyday life, the creation of the Mexican family, as well as the synthesis of

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traducciones “light and shadow” periods that couldn’t be reproduced entirely in this exhibition. “The show would have a more emotional approach. Consisting of a simple history lesson, recounting what turned it into a sovereign nation.... “ For Juan Manuel Corrales, “the line is that the design of the exhibition would not interfere in the public dialogue with the pieces. So the design is white, very neutral, avoiding linear spaces and creating twists and surprises. Is modulated with the two commemorative cores for that were disposed two roundabouts, and from there went by dividing the spaces....” So, today we can visit the National Palace and enjoy a site that Diego Rivera described as “the heart of the nation” and who according to Fernández Villar was and is the main piece of the show.

Showcase for the history p.70 BY MARCOS G. BETANZOS CORREA

FROM THE mind of the contrast and the historic confrontation Memory and Tolerance Foundation BC, decided to concentrate efforts to carry out a space for reflection, not only about racial intolerance, but rather to the same human nature that has defined history. Arditti + RDT Arquitectos designed the Museum of Memory and Tolerance, which already opened its doors at the Plaza Juarez of Mexico City. Far from the subtle, but precise, evocations of projects as “The Monument to the Murdered Jews of Europe” by Peter Eseinman in Berlin, Germany, the work done by the Mexican firm and its museum display blends a direct speech that serves to observe reality filtered as a result of a process that sometimes seems to be omitted. Conceptualized as a showcase building and container has a very engaging shared goal: first, embedding a wealth of knowledge through an interesting historical account embodied in art, objects, photographs and architectural essence (memory), and second, intends to generate awareness to society in general (tolerance). To achieve this, Felipe Calderón officially inaugurated the museum in October 2010. Counts with a permanent exhibition area with library, media, temporary exhibition area, auditorium and educational center where courses, diploma, round tables and debates, and training for educators and teachers on issues related to the institution take place, all in 7 000 m2 of construction that uproot on a contextual plinth that gives interior continuity to the Plaza Juárez development. The building that balances transparency with opacity and rigidity with fragility by making use of materials such as exposed concrete, black quarry, wood, granite and glass, is structured as a mixed of concrete in the substructure and the superstructure profiles that make up the six levels (3 museum and 3-core) and a basement of facilities, services and children’s area. From inside The tour that emulates the formula already proved by the Guggenheim Museum in New York by Frank Lloyd Wright, begins with “Memory” on top of the building in order to descend and make a transition to “Tolerance” through the splendid speech of artist Jan Hendrix: The “Memorial of Children”, a floating element that grips the inner core of this space with its metallic structure and a shell of olive leaves containing a series of crystal pieces in clear numerical relationship with children slaughtered in genocide. For the infants, and children under 12 years -as an image of a better and more committed future- they have devoted a special section in which they can make use of the school, a library and media library, a temporary exhibition area, café, administrative and shop. It is notable how the architects in charge have taken care of emphasizing the expressive charge of each of the rooms and transition areas allowing free circulation for the stories that photographs tell by being image; the images that arise in our imagination by being objects, and the objects that become museum by being witness of ourselves as beings of the same gender. Far from the flawed principle that art should solve social problems, Arditti + RDT has aloud and with good reason, that art to do its thing: generate emotions. The Architect Arturo Arditti shares a testimony when reminded of the visit of Holocaust survivors to the museum: a meeting full of

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memories that is moving and disturbing and to the extreme results hopeful and happy. Past confined between spaces, memories that rise turned into art, a future that requires no more repetitions of an intolerance that even today boasts its ability to demonstrate at the slightest provocation. Architecture serves not only as a recipient of our mistakes, but also as the engine of our initiatives for change and positive transformation.

In the middle of paradise MTY HOME p.78 Finding inspiration in the environment, filled with interesting rocks and topography, the project developed from a series of boxes that flow between the topography and ground vegetation BY IMELDA MORALES FERRERO

SITUATED ON the top of the Monterrey metropolitan area, this house is located in a newly developed area, where the boundaries of each property almost get lost in the skyline. There, in the woods, and with strict regimes of construction and ecological protection, this modern building arises from a series of interconnected volumes and respond to very different characteristics. In the words of architect Bernardo Gómez-Pimienta “The land is located on a curve and is at least one hectare (2.5 acres) in size, with a very marked low topography. The program is relatively large, thought as a house that is only for a couple, I proposed that instead of having the house as a single volume, the house is split and each piece is a separate programmatic volume with a different material. “ Thus, the scattered pattern is woven in a variety of textures and isolated patios, neutral colors of materials that are lost in the vegetation, playing with light and shadow and creating diverse environments. A staircase reaches the house and the entire plant is developed on one level. 1.000 square meters (10,764 sq ft) in the building program includes a volume only for collection cars with a skin of rusted metal, next to the entrance is a room with a small auditorium and terrace being the highest level with marble finish. On one side is the kitchen area that becomes a very important point in the spatial conformation. Through the utility corridor we reach the family room, which can also be accessed through a glass hallway that leads to employment offices of the owners. And the living room gives way eventually to the master bedroom. Construction procedures allow the house to remain isolated from the extreme climate of the place, optimizing resources to carry on the minimum needs for heating and ventilation. Basically, the materials used to coat the volumes are travertine marble, exposed concrete, wood panels and rusty metal, giving each its own expression, while the interiors are impeccably white. The composition is regulated by an orthogonal pattern in which the volumes are connected by glass walkways (Duovent both walls and ceiling) that produce a tour of the ground that give shelter within the home. Thus, the strength of the volume is broken by windows that are oriented toward urban areas and corridors of glass overlooking the water surface or small patios with vegetation levels provided the same type to the existing ground.

The Emperor’s New Clothes

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BY MARCOS G. BETANZOS CORREA

SITUATED ON the top of the Monterrey metropolitan area, Few projects resist the risky relationship that represents a close friendship that precedes them. It starts with trust; it travels with caution and concludes with talent. This is how the record of that process ranges, which may as well be a Russian roulette. Row Studio Mexican firm founded in 2005 by Álvaro Hernández Félix, Nadia Hernández Félix and Alfonso Maldonado Ochoa, has completed the execution of Maison Carlos Ortega, an author space for another author, which at its very beginning offers an intriguing question. How to design something for a person who produces design?

Small, with the need to acquire a personality that lacks and become a visiting card more worthy than glamorous, this intervention in only 60 sq mts (646 sq ft) on a budget limit of 6000 usd, potentiates the confined inner edges of a prototype flat on the Polanco Area to fold together and renew their own image through different strategies ranging from color to the material, from the geometry to the aspirational architectural program, and from the suspicion to the chance. Row Studio referees accurately that it was a challenge to be able to execute a tailored suit in which they had the responsibility to work with absolute freedom to propose and reach a single result. Thus, the project unit was divided logically into private and public area. The first houses the designer’s rest and work area, while the second works as a showroom, fitting and living room. It is this last segment of the project by far the principal interest: it offers more personal interaction between design and designer, while subtly lets to get to know the place from which Carlos Ortega generates its creations for its specific customers. This is about a balance between controlled intimacy and public display. The scale of the project leaves as a lesson that it should never be sought ⎯ unless the risk of being theatrical ⎯ small spaces to appear bigger than they are. On the contrary, enhances the possibility of boosting the sensory experience of being inside them and this is exactly the point where does its part, to a great extend, the strategy guided by the use of color and its chromatic variations in wooden tubular outlines, as well as the exaltation of texture through the OSB panels that are a constant in walls, ceilings and floors. A second skin that does not accept clothing, which must be accepted as it is. Maximize ideas through experimentation is one of the strongest assets that this project has, evoking parallely the housing initiative (Sustenthome) of Raul Huitrón and his firm Biomah in 2010. Out of prejudice but with the intention of expanding possibilities, I asked at the end of the conversation to a partner if there was an opportunity to have done something better. The answer was yes, if the economic picture would have been different. The sincere answer not only leaves open the debate on the work itself, but also instead seems to limit the analysis.

GAN. Tactile fibers

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Muro Rojo Architecture proposes a space that approaches San Miguel from an avant-garde point of view. Cumpanio has, without doubt, an interior that reflects the unique style of this young firm where its peculiar syncretism of combining the moderated with the purposeful, reaches maturity. BY TANIA SÁNCHEZ ARIAS

SITUATED ON the top of the Monterrey metropolitan area, Cumpanio, which is Latin for “with whom you share the bread” - is the name of the most recent project of the architectural firm Muro Rojo, a Bar Restaurant - Bakery located in San Miguel de Allende at 29 Correo Street inside a building of the seventeenth century. The design concept of the place took shape after questions rose by the creative such as: What is San Miguel de Allende in the XXI century? How to develop a modern spatial language using traditional techniques of architecture without betraying the essence of building housing?, but the crucial question was: How to share a table in an informal way through design and build experiences? In words of Elizabeth Coello, a member of Muro Rojo, this was achieved through the dialogue with the facade and the desire to show the elements that make the place as generators of hot environments. That is how the interior textures came out from the pre-existing materials in contrast with the concrete, which get in this project a sculptural treatment. Wood, stone, metal, concrete, glass, in combination with soft materials such as textiles from the long draperies, pillows and cushions and the lamps screens textures, add up to the color management. Earth tones, gray, mustard and blue, next to the white walls, coupled with the warmth of the ingredients exposed; vegetables beside assorted baskets of bread. For the members of Muro Rojo Architecture: Elizabeth Gomez Coello, Jorge Medina and German Velasco Robles www.glocal.mx


Espinosa, Cumpanio is a project set out from the care for detail, where the handling of textures creates a visual language full of dep dth and nuance; they are always in search of creating spaces with unique identities, “For us, architecture and interior design show themselves as the pencil and brush through which the spaces are filled with meanings, senses, to create a language from planes, volumes, colors, light and texture, which is part of life itself. “

Peyton & Byrne Restaurant

p.92

The Royal Academy of Arts gives Tom Dixon a space for exploration. Tradition and respect versus modernity and originality; art and classic design contrasting everyday spaces for relaxation in the XXI Century BY TANIA SÁNCHEZ ARIAS

SITUATED ON the top of the Monterrey metropolitan area, The new restaurant of the Royal Academy of Arts, established in the interior of the building known as Burlington House, gives a debut atmosphere in a space whose history dates back to the seventeenth century. Today, through the Design Research Studio, under the direction of renowned British designer Tom Dixon, the rooms are dressed in light and color next to classical elements. The conditioned area results in two hundred fifty square meters (2691 sq. ft.) that are subdivided into different areas, and separate the dining room from the bar, which has assigned a central role in the space. Areas dedicated and inspired by great masters of the Academy as the great landscape painter Turner and Sir John Soane, coexist with a structure made of glass cubes and prisms, half lattice and half display case, in whose interior surprise us original pieces before the last decade of the nineteenth century. Dixon transforms the space injecting life through magenta upholstery, covering every seat in the dining room, furniture otherwise quiet, around table sets that rhythmically alternate form and material. Against the walls were designed high-backed bench seats upholstered in quilted tapestry, with which he adds life or to sobriety according to color, all this, contrasting with serious coffered light wood trimmings that work as visual support to the white arches or the elegant fluted pilasters of the building. The bar becomes in this project a major element, consisting of a fixed piece of furniture built of volcanic rock similar to obsidian, extracted from the Etna. This item is placed on an alternate set of cabinets that separates the visitor from a wealth of ingredients exposed and shielded or hanging almost with in reach, in a humorous game that separates sculptures and meat with just a passage. The project finishing touch is given by the lighting. The lamps are amber suspended that provide light, movement, playful air; while in the bar become a dividing and signaling curtain, that at the same time allows to look up and enjoy the colorful decor of the walls.

Britain in New York Crosby Street Hotel 

p.94

A different concept of boutique hotel, that takes the environment of London and its attachment with color to the heart of New York BY ARIADNA SORIA

WHAT WAS once a lot occupied by a parking lot now stands as the Crosby Street Hotel in New York City, between Prince, Spring and Lafayette streets. Developed by the Firmdale hotels line, a London hotel group property of spouses Tim and Kit Kemp, the Crosby Hotel is the first to be installed of many planned across the Atlantic ocean. The design refers to the warmth and comfort of the Londoners classical spaces combining traditional elements with contemporary artistic style. FEB • MAR 2011

No. 2

Kit Kemp, since twenty years ago and besides owning six hotels in London, is the design director responsible for the creation of the interior spaces. Since then she has succeeded by giving uniqueness to her designs and obtaining recognition for her work, which is sometimes described as peculiar and extravagant. Crosby Street Hotel emphasizes color and texture, and a selection of artistic pieces that help to shape a unique style. Eighty-six design rooms and suites with views of Manhattan, combining textiles and prints, in daring or more neutral interiors. The lobby becomes a site dominated by a steel sculpture of three meters high of a human head made up of letters by Jaume Plensa, which is confronted with a “collage” of canine pieces by Peter Clark, while the bar features a colorful set of lamps from the 50’s. Even the hotel’s outdoor spaces based on a series of terraces, have been designed by Kit teamed with a New York company called Goode Green, and as a result; They have designed areas with a very open design, one of them conceived as a space for cultivation. The hotel has also been planned to achieve LEED certification, and aims to be among the first of its kind on getting entirely the highest category, LEED GOLD.

Punkalive, environmentally friendly material p.98 A young Finnish firm that aims to innovate with a material that is visually linked to the national tradition, and what is perceived as local and classical BY TANIA SÁNCHEZ ARIAS

BORN WITHIN a natural environment where the landscape is surrounded by forest and water, Punkalive Finnish firm, has already stand out in the design fairs of Cologne, Milan and Shanghai just two years after its founding. Their work proposes furniture manufactured in light laminated wood, of apparent maximum simplicity and fine lines whose composition makes use of smooth curves that give the pieces an aura of delicacy. The concept behind Punkalive Design, as said by Jukka Lommi, its Director of Design, rests on three important aspects. First in the material used, a product called Finnforest Kerto ® Ltd, of high structural strength and lightness. This is also a product deemed to be sustainable; it is made from Finnish spruce that is extracted from forests certified as Pan-European Forest Certification (PEFC), indicating that the timber meets the requirements of sustainable forest management. The second relevant aspect is the production technology as its manufacturing system has an internationally patented technology. The third aspect that addresses Lommi is the design, which states: “Our idea is to design different. Our production technique enables us to create pieces of furniture with fewer formal constraints and the goal is to create a unique image. Of course, the historical legacy of Finnish practical design that maximizes the intelligent use of raw materials, can be especially appreciated in our designs by Finnish designers, but perhaps now with a new voice.” Jukka Lommi defines its responsibility to the environment as the starting point for what they do, and begins its work caring for the environment of origin of raw materials taking into account factors such as efficient production of materials and low emission CO2 as a result, an efficient use of raw materials through reuse of all waste materials, local management of local materials, a collection of raw material within a radius of 150 km. and grant the people of surplus heat stored in the plant in winter.

The Graphic Event. A series by Alex Dorfsman 

p.100

BY TANIA SÁNCHEZ ARIAS

BORN WITHIN a natural environment where the landscape iOnce photography ⎯in addition to its documentary, testimonial and trade⎯ was defined as an autonomous artis-

tic practice during the years of the avant-garde art (19001950), what began as an imaging device would become a visual production system as democratic as specialized. The type of image achieved by the artists of the first half of last century that practiced photography, just went beyond mimicry and objectivist condition that allowed -as a matter of fact- the camera, by the abstraction of the object represented, or by unconventional play with the technical criteria in pre-production (research, choice of motifs, tours on location, staging), production (making specifications) or post (laboratory work) images. This became an artistic status, also viable for the advance that photography had under the influence of painting. In that sense, the advent of contemporary artistic culture evidence an attitude, by photographers who have been working since the sixties, exploration of new discourses to mobilize the support of this practice and its relevance. The photographic discourse of Alex Dorfsman (Mexico City, 1977) has positioned, in a very solid way, in the contemporary negotiation of photography with its historical modern premises. His most recent evidence of this achievement: “This Mountain Collapsed and Became a Bridge”, on display at Centro de la Imagen from December 11 last year to 27 February 2011, a typological collection (although this can be seen, behold relevance, more to the diversity of each scene than by their similarities) of views mounted on the walls of the enclosure by way of deployed pages of a bookvisual test. The piece was presented, in a different version, in the 2009 edition of the International Exhibition of Art Books, and certainly can be considered a point of synthesis in the work body of this artist. This discursive core of “This Mountain Collapsed and Became a Bridge” is, from my point of view, the decision of Dorfsman to roam focusing on urban open spaces, public and cultural sites, natural areas and private places, and, hence, to find and photograph elements in what might be called a graphic event in the realm of matter. The description of the elements presented in some works of the sequence of images is a good explanation of the above: a broken ceramic plate against a dark background transforms the crack into a sign, so does a sign with graffiti involved, it seems, was taken in Berlin and advertises an exhibition of paintings romantic Caspar David Friedrich, and where the texture of the spray on the “skin” of the print represents a graphic event. One more example, highly symptomatic and seductive, is the image of the accumulation of cut paper strips that are on a surface that has the same color temperature of the cuts, which make surface and paper mimesis and, in parallel, metaphor for (by virtue of being in a photo, a paper plane) two different states of the same subject: the status metric representing graphic strips in a material dialogue with the continuing status of the undifferentiated that represents the paper on the surface. As if that was little energy that projects this image, impeccably cut paper and immaculate surface, which means that it is a study table, are objects in the field of production of the photographer and that gives the piece also, a self-referential aspect. Clearly the operation to which I referred, namely how Dorfsman get visual space show striated material, such as a spelling birthplace: in one piece, glass, fabric and costume character keyboard instrument “made land, “and cracked the iconography, on the other, the modular pattern of steps and the shadow of the gradients founded brindles turn sustained and progressive, then the detail of the drapery of the sculpture and tell the wall behind, optically, the abstract power of the ridge in front of the plain, and the reflection of the tree in the puddle of asphalt (in network extension reflex Gabriel Orozco), is “revealed” an image in the full light of day, at the end The piece of cloth painted in the table under it and ornamentation in the architecture of the museum, also set up a place where the material relations manifest the emergence of form. The genesis of the graphic event contained in the pieces of Dorfsman is likely to be interpreted in other terms, such as building-rather than post-capture photo of a coordinate that, in its capacity as world time, takes the mission of photographic, to meet the verbs of the discipline (seal, print, display, catching ...) under the guise of event, freeing making that charisma and that mission: the issue of parts Dorfsman is how in the context of “reality” is being produced images within images, although they are identified as things that things happen in three-dimensional, the resulting picture is equivalent to the appearance of the graphics on the surface texture of the paper. Thus, it is feasible to assert that the artist developed a very evocative and iconic alibi tautological covertly helping to ensure that the underlying logic Collapsed “This Mountain and Became a Bridge”, parallel to what is seen in their previous series (and in their videos and pictures), retrieve the best photographic lineage under the Becher typological founded, and which would lead to its best artists like Thomas Ruff and Andreas Gursky.

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objeto glocal

Hecho en México

E

n esta ocasión invitamos al diseñador gráfico Juan Carlos Cabadas a realizar una ilustración con el trabajo de los creativos que aparecen en el reportaje “De México para el Mundo”. Así, juega con las piezas de Eos México (florero Mike), Arta Estudio (tetera diseño de Tsimáni Studio), Joel Escalona (florero Miss Jolie), La Jabonera (mesa Ficus), Diseño Neko (portaclips Nest), Peca (banca Slice de Héctor Mendoza) y Cecilia León de la Barra (revistero Acapulco).

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Egresado de la Universidad La Salle, con especialidad en Psicología de la Publicidad, busca que su trabajo refleje su mundo interior, el cual nutre con lectura o simplemente admirando la naturaleza. Seguro de sí mismo, asevera que las nuevas generaciones del diseño saben el rol que les toca jugar: volver lo cotidiano menos cotidiano a través de su trabajo. Sus lúdicos personajes nos remiten a cuentos de fantasía, espacios inacabados en donde sólo la imaginación tiene cabida. En pleno aprendizaje, sabe que está en el proceso de definir un estilo propio, pero cree estar en el camino correcto; su trabajo habla por sí mismo. www.chamachemo.com www.glocal.mx www.glocal.mx


GLOCAL DESIGN MAGAZINE No.2 Portada por / Cover by: ARIEL ROJO  

2011 FEB-MAR. DE MÉXICO PARA EL MUNDO / Arditti Arquitectos / BGP / Tom Dixon

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2011 FEB-MAR. DE MÉXICO PARA EL MUNDO / Arditti Arquitectos / BGP / Tom Dixon