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NÚMERO 235 MAYO 2025. 4€

EL VALOR DE LA ELEGANCIA

DIEGO MARTÍN

PASIÓN POR EL BUEN GUSTO BON VIVANT

HOTEL PALACE + ISLAS FEROE PARRILAS GASTRO + ESTILO

LA JUVENTUD ETERNA DE DAVID HOCKNEY

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EDITORIAL

SUSCRITOS AL BUEN GUSTO EN CADA EJERCICIO DE ESTILO debe haber una buena dosis de buen gusto. La medida no siempre es la misma, pero en GENTLEMAN nunca hemos concebido un contenido que no tenga como ingrediente esa sencilla visión de la vida que es hacer las cosas con un sentido y, por supuesto, una buena carga de belleza. Porque, como dice el actor Diego Martín, nuestra portada de esta edición, nos gustan las cosas bellas. Yo añadiría que eso es lo que le da valor a nuestra existencia, a nuestro estilo de vida...., o cuando menos nos aporta dosis de alegría y de emoción en un recorrido donde también hay una parte de aprendizaje y descubrimiento.

Porque también nos ofrece cultura y conocimiento; nos conduce a la historia y a esos momentos que marcan un antes y un después en universos dispares pero, al mismo tiempo, unidos por el buen gusto. Un simple objeto pasa entonces a convertirse en algo extraordinario, en una fuente de excelencia que se reafirma con el paso del tiempo. Un reloj o una joya son algo más que una máquina de lectura del tiempo o un accesorio, son el testimonio de una creatividad excelsa, además de ese buen gusto que se le supone. Y como para

demostrarlo lo mejor es traer ejemplos, en este número de GENTLEMAN hay buenas dosis de ambos. Además de recordar algunas de las novedades del último Watches & Wonders –un aperitivo de lo que les mostraremos en el mes de junio con nuestro especial de relojes–, nos centramos en un aniversario, los 250 años de Breguet, y en su primera apuesta para celebrarlo, el Classique Souscription 2025. Una creación que se adentra en la historia de la marca para demostrar que la lectura del tiempo es algo más que una mecánica precisa; es ingenio, arte y una apuesta donde la figura del creador y su sentido de la belleza resultan fundamentales.

Si nos trasladamos a la joyería –también con apariciones estelares de relojes–, nada mejor que visitar el V&A Museum de Londres para asistir a una de esas exposiciones que nos acercan al universo excepcional que Cartier ha imaginado a lo largo de su brillante historia. Piezas únicas que ofrecen una visión singular –y por supuesto, de buen gusto– de esa capacidad innata que la maison ha desarrollado y hecho evolucionar para dar todavía más valor a las piedras preciosas.

Objetos de una belleza que supera los estándares para convertirse en testimonios y en ejemplos que perduran.

Todo ello conforma un estilo de vida y una cultura a su alrededor, y también genera ganas de disfrutarlo. Es lo que ofrece de nuevo el Hotel Palace de Madrid. Un renovado espacio en el que se recupera ese esplendor de antaño, esos espacios creados para intercambio de confidencias y oportunidades –hoy lo llamaríamos networking– que respiran historia por mucho que los nuevos tiempos exijan cambios y modernización. Pero lo que está claro es que sin una historia que contar, sin una idea que transmitir, y por supuesto todo ello aderezado con el buen gusto, de nada servirán los cambios.

Ricardo Balbontín. Director

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270 YEARS OF DOING BETTER IF POSSIBLE

ANNIVERSARY EDITIONS

VA C H E R O N C O N S TA N T I N C E L E B R A 2 70 A Ñ O S D E D I C A D O S A L A B Ú S Q U E D A D E L A E XC E L E N C I A C O N U N A S E R I E D E E D I C I O N E S L I M I TA D A S .

C A D A R E L O J I N D I V I D U A L M E N T E N U M E R A D O P O N E E N VA L O R E L 2 70 º A N I V E R S A R I O , C O N U N S U T I L D E C O R A D O E N L A E S F E R A I N S P I R A D O E N L A C R U Z D E M A LTA Y U N A F I R M A E S P E C Í F I C A E N E L C A L I B R E .

BOUTIQUE MADRID | CALLE SERRANO 68 VAC H E R O N - C O N S TA N T I N . C O M

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CONTENIDOS 05.2025

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HOTEL PALACE, MADRID ESE INIMITABLE GLAMUR NATURAL El hotel Palace estrena imagen tras una ambiciosa renovación para acompañar de moderna sofisticación su incomparable legado histórico.

Texto Juan Luis Gallego Fotografía Carlos Luján

G-MANÍA 16

DISEÑO UN HOGAR CON FIRMA PROPIA Texto Ricardo Balbontín

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SELECCIÓN EL JUEGO QUE TODO LO PUEDE Texto Samantha Primati

NOMBRES PROPIOS 24

HOLGER HAMPS LA ORQUESTA QUE CONSTRUYE COCHES Texto Jesús Rodríguez Lenin Fotografía Jacobo Medrano

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SALVADOR VÁZQUEZ HECHIZADO POR LA LÍRICA Texto Ricardo Balbontín Fotografía David Durán

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FERNANDO SORIA RECUPERAR LA SONRISA Texto Ricardo Balbontín Fotografía Carlos Luján

ENTREVISTA 30

J. K. FRANKO CUANDO MATAR ES UNA OPCIÓN Texto Juan Luis Gallego Fotografía Zegna

PORTADA 34

DIEGO MARTÍN EN BUENA HORA Texto: Ricardo Balbontín Fotografía: Mario Sierra Estilismo: María Larrú

CON FIRMA 44

DE VIAJES, GUERRAS Y HOTELES Texto: Fernando Schwartz Ilustración: Jacobo Pérez-Enciso

JOYAS 52

EXPOSICIÓN CARTIER ENTENDER LA CREATIVIDAD Texto: Amelia Solana

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CONTENIDOS 05.2025

74 82 ARTE 56

DAVID HOCKNEY ETERNA JUVENTUD Texto: Juan Luis Gallego Fotografía: Justin Sutcliffe

ESTILO 60

MODA MATCH POINT Producción y estilismo: Tomaso Basilio Fotografía: Paolo Leone

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TENDENCIAS: BARBOUR EL COLOR DE LA PRIMAVERA Texto María Rosa Fotografía Estudio Nice Madrid Estilismo María Larrú

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TOTAL LOOKS: EL CORTE INGLÉS RITMO PAUSADO Fotografía Jacobo Medrano Estilismo Martina Tucchini

GASTRONOMÍA 74 78

BRASAS DEL CONO SUR

MOTOR 90

Texto: Juan Parra

RELOJES Texto Ricardo Balbontín

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BREGUET COMPARTIR LA HISTORIA BVLGARI LOS LÍMITES DE LA REALIDAD TAG HEUER UNA EVOLUCIÓN RESPETUOSA

100 ROLEX EL BRILLO DE LA CERÁMICA 102 HUBLOT ESE PUNTO DE OSADÍA 104 QUERA UNA HISTORIA BRILLANTE 106 VACHERON CONSTANTIN ENTRE EL CIELO Y LA TIERRA

MARCOS GRANDA UN EQUIPO NACIDO PARA EL ÉXITO

108 PATEK PHILIPPE SIEMPRE HAY UNA PRIMERA VEZ

SECCIONES 110

VIAJES ISLAS FEROE BELLEZA INDÓMITA Texto y fotografía: Félix Lorenzo

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CITIZEN HONESTIDAD CON CARÁCTER

Texto: Federico Oldenburg

Texto Ricardo Balbontín Fotografía Jacobo Medrano

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CUPRA DESIGN HOUSE REDEFINIENDO EL MUNDO

AGENDA NACIONAL E INTERNACIONAL Texto Luis Ini / Natalia Erice

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ICONO: ROBERTO VALENTINO Texto Luis Ini

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DIRECTOR

Ricardo Balbontín rbalbontin@gentleman-es.com DIRECTOR ADJUNTO

Juan Luis Gallego jlgallego@gentleman-es.com DIRECTOR DE ARTE

Alberto Torés atores@gentleman-es.com | COLABORADORES | Tomaso Basilio, Irene Crespo, Natalia Erice, Lucía Heredero, Luis Ini, María Larrú, Pilar Molestina, Federico Oldenburg, Juan Parra, Samantha Primati, Jesús Rodríguez, María Rosa, Fernando Schwartz, Amelia Solana y Stefano Spinetta. | ILUSTRACIÓN | Sofía Archilla, Del Hambre, Jacobo Pérez-Enciso y Fernando Vicente. | FOTOGRAFÍA | Sergio Borondo, David Durán, Estudio Nice Madrid, Félix Lorenzo, Paolo Leone, Carlos Luján, Juan Carlos de Marcos, Jacobo Medrano, Massimiliano Polles, Studio Sin Límites, Justin Sutcliffe y Julie Turcas. | AGENCIAS | Associated Press, Contacto, Corbis, Cordon Press, Getty Images, IFA, The Interview People y Magnum Photos.

| REDACCIÓN Y PUBLICIDAD | Moreto, 7 - 5º Dcha. 28014 Madrid. España. Tfno.: +34 91 010 20 23. Fax +34 91 429 96 71.

| PUBLICIDAD | DIRECTORA COMERCIAL

Gemma Martínez 661 237 290 gmartinez@gentleman-es.com DIRECTORA DE PUBLICIDAD

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gentleman® es una marca registrada por milano finanza

(milán, italia). ladies® es una marca registrada por milano finanza,

(milán, italia).

gentleman españa está publicado bajo licencia de class editori. todos los derechos reservados.

Fotografía de portada: Mario Sierra EDITA: LUXURY MEDIA SL. DEPÓSITO LEGAL M-39147-2003 / ISSN 1696-7186

la revista gentleman no se hace responsable de las opiniones de sus colaboradores. todos los derechos reservados. en virtud de lo dispuesto en los artículos 8 y 32.1, párrafo segundo, de la ley de propiedad intelectual, quedan expresamente prohibidas la reproducción, la distribución y la comunicación pública, incluida su modalidad de puesta a disposición, de la totalidad o parte de los contenidos de esta publicación, con fines comerciales, en cualquier soporte y por cualquier medio técnico, sin la autorización de la empresa editora de la publicación, luxury media s.l.

Departamento de suscripciones: suscripciones@gentleman-es.com Controlada por OJD.

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G-MANÍA DISEÑO

| SECCIÓN RICARDO BALBONTÍN / SAMANTHA PRIMATI

ARQUITECTURA + MODA + ARTE + GADGETS + EXPERIENCIAS + VIAJES + ESTILO + MÚSICA

En esta página, el diseñador español Jaime Hayón, con algunos bocetos de la línea Botanic creada para esta nueva apuesta de Louis Vuitton en el diseño y la decoración.

En la página siguiente, de izquierda a derecha y de arriba abajo: La oferta de Home Colecctions incluye desde mobiliario a textil (con especial presencia de Charlotte Perriand); algunos de los objetos creados por Jaime Hayón para la Botanic Collection; jarrón y plato de Cristian Mohaded; y, de Objets Nomades, este Totem Vinyle.

UN HOGAR CON FIRMA PROPIA Louis Vuitton avanza en su idea del diseño para la casa con la creación de la Home Collections. Totalmente reconocible y con las mejores colaboraciones.

LA MILAN DESIGN WEEK fue el marco elegido por Louis Vuitton para presentar un nuevo capítulo en su apuesta por el diseño, la Home Collections; una línea que sumar a los Objets Nomades que, desde 2012, eran el reflejo de la audacia creativa de la firma y en donde intervienen artesanos y talentos del diseño como India Mahdavi, Patricia Urquiola o Estúdio Campana. Ahora se abre este nuevo capítulo en el que se reúnen mobiliario, iluminación, decoración, textiles para el hogar, vajillas y juegos únicos. La firma se centra en diseñadores como

Fortunato Depero, cuyo ámbito gráfico ha inspirado sus textiles y vajillas, o Charlotte Perriand, con su primera colección textil. Esta nueva visión de los códigos de Louis Vuitton se muestra también a través de piezas de Patrick Jouin y Cristian Mohaded, donde el cuero, las maderas preciosas o la marquetería también toman carta de naturaleza. Más allá de estos universos, hay además piezas para el hogar de Patricia Urquiola, Jaime Hayón, Atelier Biagetti y del Studio Louis Vuitton. El resultado es un nuevo sentido al arte de vivir... con la firma Louis Vuitton.

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G-DISEÑO

La silla de tres patas realzadas por su finalización en cuero es una creación de Cristian Mohamed.

Louis Vuitton ha ideado una nueva línea de expresión en su forma de entender el diseño, y lo hace siguiendo las claves que inspiran todo su universo creativo.

Vajilla de la Capri Collection con motivos de la flor Monogram.

La lámpara es un diseño de Atelier Biagetti.

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G-JUEGOS 1. Mesa de juego Atout, fabricada en roble con incrustaciones de cuero, de HERMÉS (116.000 €).

1 2. Juego Tria, en caja de madera con incrustaciones del motivo de rayas Pequin, cubierto de plexiglás y con asa de piel, de FENDI (4.900 €).

EL JUEGO QUE TODO LO PUEDE 2

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Aprovechamos el 90 aniversario del popular Monopoly para recopilar entretenimientos de mesa vestidos en esta ocasión de gala.

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3. Edición especial del Monopoly en caja de nogal, de HEILOOM (695 €).

Arriba, Charles Darrow, inventor de este juego, fotografiado en 1950.

4. Versión de lujo del juego chino Go, con tablero de cashmere y piezas de alabastro, de LORO PIANA (3.500 €).

5. Juego de construcciones de madera, de SAINT LAURENT (450 €).

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Las amenazas se gestionan evitándolas, viéndolas venir a tiempo, antes de que crezcan. Puede contar hasta tres antes de realizar una operación comercial.

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Pregúntenos antes de venderle.

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G-JUEGOS 8

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6. Juego de damas chinas, en cuero y madera, de POLTRONA FRAU (2.426 €).

7. Mahjong en piedra y madera de nogal, de BRUNELLO CUCINELLI (6.800 €).

8. Juego de la oca en tablero de piel de becerro, de PINEIDER (490 €).

9. Backgammon en plata 925, de BUCCELLATI (10.000 €).

11. Ajedrez Tahiti, de plata 925 y bambú, de BUCCELLATI (23.300 €).

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HAY POCAS COSAS EN LA VIDA TAN CAPACES de evocar una sensación de calidez, competencia amistosa y convivencia como un juego de mesa.

Abrir una caja, ordenar las piezas o barajar las cartas son rituales que se han repetido durante generaciones, transformando cualquier entorno en un escenario de estrategias, risas y alguna que otra discusión acalorada.

Al fin y al cabo, ¿quién no ha experimentado alguna vez la emoción de un adelantamiento repentino en el Juego

10. Juego de dominó en nogal y cuero, de ARMANI CASA (1.600 €).

de la Oca o ha discutido por una regla poco clara en el Monopoly? Precisamente, el Monopoly, quizás el rey de los juegos de mesa, celebra este año su 90 aniversario, confirmándose una vez más como un icono del entretenimiento para todas las edades; al fin y al cabo, una guerra psicológica disfrazada de entretenimiento.

Hay algo extraordinariamente democrático en los juegos de mesa: no importa de dónde venga cada participante, qué edad o cuánta experien-

cia tenga: la belleza de estos desafíos reside precisamente en su capacidad para nivelar el campo de juego. Y si el Monopoly, con sus posibilidades para acumular e hipotecar, despierta al hombre de negocios que llevamos dentro, el Juego de la Oca es pura suerte, un viaje a través de acontecimientos y giros inesperados que nos recuerda lo impredecible que es la vida. En el ajedrez, sin embargo, nada se deja al azar: cada movimiento es una declaración de intenciones.

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NOMBRES PROPIOS

HOLGER HAMPF

DIRECTOR DE DISEÑO DE MINI COOPER

La orquesta que construye coches En un mundo de diseñadores estrella, el alemán es rara avis: su idea de la labor que desarrolla es la del trabajo en equipo. Y tiene ante sí un reto mayúsculo: rediseñar la próxima generación del Mini.

TEXTO JESÚS RODRÍGUEZ LENIN FOTOGRAFÍA JACOBO MEDRANO

EL ALEMÁN HOLGER HAMPF FUE NOMBRADO el pasado octubre responsable de diseño de Mini, después de toda una vida –18 años, nada menos– en Designworks, la división de diseño creativo para todo el Grupo BMW, de la que ha sido presidente desde octubre de 2017. De un trabajo más holístico y filosófico, que englobaba el pensamiento de todas las marcas del grupo –desde Motorrad [la división de motocicletas] a Rolls-Royce– ha pasado a dirigir algo mucho más concreto. “En Designworks, que cuenta con estudios en Shanghái, Los Ángeles y Múnich, tenía libertad para no pensar en coches todo el día, sino en el mundo exterior, observándolo constantemente para tratar de entender cómo la gente se desplaza y utiliza nuestra oferta de movilidad. Ahora, el trabajo en Mini se centra en el producto, en los detalles.

Ahora hablamos, por ejemplo, de los faros, de cómo se fabrican y cómo afectan a la imagen de un Mini para conseguir un alto nivel de reconocimiento y que resulte atractivo en medio del tráfico”.

El reto, del que no se verán sus frutos hasta 2030 y que él no califica como “difícil”, sino como “interesante”, pasa por rediseñar uno de los coches más icónicos

de la historia del automóvil, siempre reconocible y característico, aunque en sus 65 años de vida haya dejado de ser ‘mini’ en tamaño. “La realidad es esa –explica Hampf–: Mini ha crecido a lo largo de las generaciones, pero también lo ha hecho el mundo que nos rodea. Y en el tráfico actual, las últimas generaciones de Mini encajan perfectamente en el contexto en el que viven y en el estilo de vida que llevamos hoy en día. El coche no solo ha crecido en tamaño porque transportamos más cosas, sino porque precisa mucho más equipamiento, como airbags y elementos de seguridad para peatones y demás. Pero un Mini sigue siendo un Mini”.

Hampf es un diseñador industrial atípico: hablando de coches le saltan automáticamente comparaciones musicales. “Hacerse diseñador de coches es parecido a hacerse músico”, dice. Hay una explicación: cuando le preguntamos por sus hobbies, cuenta que toca la batería en un grupo de jazz. “He tocado en muchos grupos, pero creo que en algún momento de tu vida eliges una carrera y te toca convertirte en diseñador de coches o en músico, porque no puedes hacer las dos cosas…”. Pero antes que la música, su hobby número uno es “el diseño de coches”,

aunque, como si hubiera dicho algo inconveniente, se apresura a añadir que “Mini no es un hobby, sino mi trabajo; pero es que mi trabajo también es mi hobby”.

En un sector que ha dado nombres míticos de diseñadores como Pininfarina, Giugiaro o Bertone, Hampf opta por la modestia de considerarse simplemente parte de un equipo. “Mi trabajo como jefe de diseño de Mini no precisa que yo sea capaz de diseñar coches por mí mismo, sino que sepa dirigir un equipo y marcar el camino. Muchos dicen que el coche es el objeto más complejo que se puede diseñar y, desde luego, es complicado, por el número de piezas que lo componen. La gente compra un vehículo porque les gusta el exterior, pero nosotros tenemos que tomar en consideración todas esas otras partes que hay que unir de la manera correcta. Es como una orquesta, si un músico toca una nota equivocada, todo el conjunto falla. El diseño exige un alto nivel de expresión artística y, al mismo tiempo, un alto nivel de conocimiento sobre cómo se ensamblan las piezas”.

En la página siguiente, Holger Hamps posa para Gentleman en las oficinas del Grupo BMW en Madrid.

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NOMBRES PROPIOS

SALVADOR VÁZQUEZ

DIRECTOR DE ORQUESTA

Hechizado por la lírica Titular de la orquesta de Córdoba, ha desarrollado una carrera tan interesante como lo es su pasión por la música y en especial por la ópera. Su próximo compromiso, dirigir Carmen en el Teatro de la Maestranza.

TEXTO RICARDO BALBONTÍN FOTOGRAFÍA DAVID DURÁN

UN DÍA, AL LLEGAR A CASA, LOS PADRES DE SALVADOR VÁZQUEZ le encontraron sentado en el salón escuchando un disco de música clásica. Era todavía un niño que no había llegado a los ocho años. Algunos verán en ello un momento premonitorio, pero la verdad es que llevaba gestándose “desde que a los 4 años empecé a salir en la banda de mi pueblo, Rincón de la Victoria, con mi hermana y mi padre”. Hoy, Salvador es el director titular de la Orquesta de Córdoba, pero sobre todo puede presumir de un currículum extenso y brillante para alguien de su edad, 39 años. Aunque él tiene claro que “realmente uno no tiene nada seguro en una carrera tan compleja.

Pero no queda otra que empezar a vivir el camino porque si no, tampoco disfrutas el proceso y puedes entrar en una especie de nostalgia que no te lleva a ninguna parte”.

Vázquez ha aprovechado su tiempo y esa pasión innata por la música que “siempre está en mi pensamiento, hasta el punto de que no era un buen estudiante porque lo único que me interesaba era la música”. Y también se siente un afortunado porque “a mi edad he trabajado con muchos maestros. Miguel Romea, Miquel Ortega... Además, sigo la trayec-

toria de directores como Thielemann o Petrenko, donde descubres que cada uno tiene algo de especial, pero sobre todo que vivimos en una época en la que afortunadamente hay muchas figuras de las que puedes aprender”.

Este continuo aprendizaje lo lleva al pie de la letra, porque “me paso todo el día leyendo o estudiando. Es mi parte de vida ‘normal’. Ahora por ejemplo voy a hacer de nuevo la Sinfonía no.4 de Tchaikovsky y he encontrado escritos y cosas nuevas que, sin desvirtuar la obra del creador, te permite incorporar detalles diferentes.

Los intérpretes somos eso, y cada uno tenemos una manera de trabajar. Hay que aportar personalidad a la hora de comunicar porque es lo que somos, comunicadores de una partitura hacia el público”.

Salvador Vázquez considera que es un director fácil para trabajar y “se siente afortunado por ser titular de una orquesta a mi edad con todo el nivel que hay. Sueños, claro que se tienen, como algún día dirigir en alguna orquesta centroeuropea, pero yo he tenido la suerte de que gran parte de mi carrera la he hecho en España y allá donde he estado me han vuelto a invitar”.

Protagoniza junto a otros más el auge de España en la música clásica, “porque

el nivel ha subido mucho y lo demuestra un dato, no sé si es el último, de que la Orquesta Joven de la Unión Europea (EUYO) tenía un 30% de sus componentes españoles. Somos un país que se ha quitado complejos y ahora lidera muchas instituciones y entidades”.

La pasión por la ópera le define, quizás porque en su casa se respiraba la lírica –“mis padres hicieron mucha zarzuela”– y su formación como pianista “me llevó a hacer mucho trabajo de repertorista... y si te infecta el virus de la lírica es muy difícil salir. Es un arte completo, en el escenario está todo: la música, el teatro, la pintura, el vestuario...”. Ahora, en mayo dirigirá Carmen en el Teatro de la Maestranza de Sevilla: “Estoy muy feliz porque es un teatro al que le tengo un cariño enorme y estoy muy contento de debutar en el foso con esta ópera tan maravillosa. Además, es una producción de Emilio Sagi, que es uno de los grandes de este país. Para mí es un privilegio y un honor”.

En la página siguiente, el director de orquesta Salvador Vázquez posa para Gentleman frente al Teatro Cervantes en su Málaga natal, ciudad en la que sigue residiendo.

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NOMBRES PROPIOS

FERNANDO SORIA

ODONTÓLOGO

Recuperar la sonrisa Desde hace casi dos décadas, este odontólogo hace realidad que los tratamientos no solo sean beneficiosos para los pacientes, sino que además se puedan ejecutar en un solo día.

TEXTO RICARDO BALBONTÍN FOTOGRAFÍA CARLOS LUJÁN

“HAY UNA FRASE QUE DECIMOS a los pacientes cuando llegan a la consulta: ‘Cambiamos sonrisas y transformamos vidas’”. No es un eslogan, sino la realidad que práctica a diario Fernando Soria en su clínica. Porque toda la experiencia adquirida la ha focalizado en generar un método de trabajo enfocado al paciente. “De lo que se trata es de reducir el número de sesiones de un tratamiento.

Lo llamamos One Day Teeth, y es un proceso por el que transformamos la sonrisa en un día. Empezamos por la mañana y terminamos por la tarde tras un descanso al mediodía. Si pensamos en el implante dental es exactamente lo mismo: quitamos los dientes y ponemos un puente fijo que el paciente llevará durante cuatro meses antes de ponerle el definitivo. Con ello, lo que conseguimos es reducir el impacto psicológico que supone perder tus dientes”.

Obviamente, tras todo ello hay formación, inversión en tecnología y un equipo multidisciplinar de nivel, pero también el carácter inquieto y emprendedor de Soria, convertido en uno de los pioneros en España en la utilización del sistema SimPlant, “que es el número uno por la precisión en la cirugía guiada en los implantes.

Lo planificas en el ordenador y luego un software imprime una férula quirúrgica que tiene marcado dónde vas a perforar”.

Y si hablamos de diseño de la sonrisa, “tú haces un diseño digital y, después, a través de procedimientos técnicos, lo trasladas a la boca del paciente con la utilización de carillas cerámicas”.

Fernando Soria lleva realizando esta cirugía guiada los últimos 17 años –llegó a España en el año 2000 desde Argentina, donde era adjunto en una cátedra de desdentado total y acabó por formarse en implantología en España– y es un defensor de los avances de la tecnología, canalizados “en beneficio del paciente y del profesional, porque es más seguro para el primero y más predecible para el segundo.

Cuando adquieres un producto o un servicio siempre quieres lo mejor... y si es en salud, de forma particular”. Fernando Soria lo tiene claro: “Hay una odontología que se hace en serie, en cantidad y mucha gente por día, y otra que se hace en serio.

Lo que hacemos aquí es algo que descubrí durante mi formación y es crear la tercera dentición, y esa es una oportunidad para aquellos que han perdido sus dientes”.

Aunque cuando habla del perfil de la gente que llega a su consulta “hay de

todo tipo. Tenemos gente que ha tenido un accidente y hay otros a los que hay que recuperar los tejidos, con personas a los que hay que aplicar una cirugía regenerativa porque han tenido una retracción de las encías”. Pero hay otro cliente que acude a la clínica de Fernando Soria, y tiene que ver con los tratamientos estéticos, “que creció de forma importante durante y después de la pandemia, y hay tres razones para entenderlo. La primera es que la gente se veía el rostro; la segunda tiene que ver con la inmediatez de la foto, y la tercera es el consumo de redes sociales”.

Cuando se le pregunta por la evolución de estos métodos, Soria no duda: “Ahora estamos centrados a nivel quirúrgico en los tejidos a través de células madre para regenerar el tejido con un cien por cien de predictibilidad. Pero a nivel dental, en Japón están trabajando ya para formar y crear una nueva pieza dental. Ahí está el mayor invento del siglo”. Mientras tanto, él seguirá recuperando sonrisas.

En la página siguiente, el odontólogo Fernando Soria posa en su clínica Instituto Smile Design by Fernando Soria de La Finca Gran Café, en Pozuelo de Alarcón (Madrid).

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ENTREVISTA

CUANDO MATAR ES UNA OPCIÓN El éxito de su trilogía La ley del Talión llevó a J.K. Franko a dejar su carrera como abogado para centrarse en la escritura.

En Hasta que tu muere nos separe recupera su leitmotiv: situar a personas ‘normales’ en la tesitura de asesinar.

TEXTO JUAN LUIS GALLEGO FOTOGRAFÍA CARLOS LUJÁN

TEJANO (1968), CON ASCENDIENTES Y CONEXIONES en España (está casado con Raquel Cordón, hija del empresario Publio Cordón, secuestrado y asesinado por la banda terrorista GRAPO en los 90), J. K. Franko era antes –es una forma de decirlo– Raúl Calvoz, abogado civil con una carrera más que asentada en Estados Unidos que en sus ratos libres se entregaba al hobby de escribir. De ahí salió la novela Ojo por ojo, primera entrega de una trilogía completada por Diente por diente y Vida por vida y unificada bajo el nombre de La ley del Talión que se convirtió en un éxito editorial en su país con más de un millón de ejemplares vendidos. Su última novela, otra trama de familias ‘normales’ en las que el asesinato irrumpe como una opción válida, se llama Hasta que tu muerte nos separe y ha sido publicada en España por Roca Editorial.

Este mismo año, J.K. Franko –el nombre adoptado como escritor– prevé publicar el libro de relatos cortos Cartas de amor y la novela Navidad en Madrid.

Trama y suspense por encima de todo; lenguaje sencillo y fácil de leer, sin florituras literarias. ¿Es lo buscado?

La trilogía es un poco más literaria. Pero Hasta que tu muerte nos separe está diseñado un poco más para el mercado de masas, y enfocado para convertirse en una serie o en una película. Por eso casi todo ocurre en una localización, prácticamente no se mueven del viñedo, y la división en capítulos breves hace que la historia te lleve hasta el final más rápido.

Contaba una escritora a esta revista que, desde el mismo momento en que la editorial elige la portada de un libro, está decidiendo a qué público va dirigido y si pretende que sea un bestseller de venta en aeropuertos e incluso supermercados. Parece el caso de Hasta que tu muerte nos separe... ¿Se siente cómodo con ese perfil?

Pienso que al final lo que hacemos es contar un cuento, a adultos o niños, y es un mensaje que el autor quiere transmitir que conlleva unos temas, unos argu-

En la página siguiente, J. K. Franko posa para Gentleman en la terraza del Wellington Hotel & Spa Madrid.

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ENTREVISTA

mentos. Y eso se puede hacer de forma superliteraria o supersencilla, hay muchas formas de hacerlo. Pero para mi gusto, si mantiene el interés del lector, es entretenido y presenta un argumento o una pregunta de calidad o universal pues eso es literatura. Y lo demás es marketing para que le llegue a quien le pueda interesar este tipo de historias.

Como en la trilogía, gran parte de la trama de este libro va sobre personas ‘normales’ manejando la opción de asesinar.

No me interesan los asesinos en serie o los locos que matan porque son locos, eso es algo raro. Lo que me interesa es explorar qué tendría que pasar para llevar a una personal normal a ese punto, y eso es lo que miro tanto en la trilogía como en este libro. Mary Miracle [la protagonista] es una chica que vive con su abuela, que está pensando en volver a la universidad para estudiar Derecho, casada, todo muy normal, y poco a poco se va enterando de secretos de su marido hasta que llega un punto en que estalla. Y ese punto para mí es lo interesante, y llevar al lector por ese camino para que el también él piense ‘esto sería suficiente para mí’, puedo entender, o no, lo que está haciendo este personaje’. ¿Cómo fue ese proceso desde la abogacía hasta la escritura?

Trabajé como abogado de litigio civil durante muchos años, pero siempre me interesó escribir, lo hacía como hobby.

Escribí un primer libro que no tenía nivel para ser publicado, digamos que estaba en un 6 sobre 10. Creo que Ojo por ojo ya tenía un 7,5 o 8. Dejé la abogacía cuando terminé la trilogía, cuando dije ‘esto puede funcionar y necesita mi tiempo 100%’.

Además, como todo mi aprendizaje para escribir era practicar y leer, decidí volver a la universidad para hacer un doctorado de Literatura que estoy terminando ahora.

¿Cómo es ahora su día a día? Al parecer, es un escritor disciplinado, de rutinas.

Sí, sí. Ahora, se me ha liado todo un poco con el doctorado. Pero si tengo mi vida como yo quiero, me levanto muy temprano, como a las 3:30 o 4 de la mañana, escribo 4 o 5 horas y luego empiezo el día normal y hago otras cosas, cuando todo el mundo está despierto y ya no importa si tocan al timbre o suena el teléfono.

Además, con una forma de trabajar muy estructurada.

Sí, empiezo con un concepto y acabo utilizando un excel en el que resumo cada

“EN HASTA QUE TU MUERTE NOS SEPARE HE QUERIDO COGER EL GÉNERO DEL WÉSTERN Y MEZCLARLO CON LA NOVELA NEGRA, ACTUALIZÁNDOLOS LOS DOS”

capítulo, con los personajes que salen en cada uno, y voy viendo que, si en el capítulo 6 sale la trama de un personaje, el lector no se puede quedar sin verla otra vez hasta el 24, pues pasa tanto que le quita un poco de movimiento al libro. También lo utilizo para organizar los giros, para sembrar la semilla que, cuando el lector la lea, indique algo, pero que no sea lo obvio.

El libro, como la serie de televisión Yellowstone, con Kevin Costner, refleja un mundo que tiene poco que ver con España, pero que al parecer nos atrae.

Está bien la comparación con Yellowstone, porque este libro es un poco un wéstern, tiene mucho de las convenciones de un wéstern: el viñedo, el rancho, el Gobierno con los impuestos que viene a quitárselo al propietario, otro rico del pueblo que

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quiere comprar… Quise coger ese género y mezclarlo con el mío, de novela negra, policiaca, actualizándolos los dos.

Hablando de tramas. Se lo habrán preguntado mil veces: ¿está en su cabeza escribir sobre el ‘caso Publio Cordón’?

Es un tema que tengo pendiente y seguro que haré algo. Ya he empezado a tomar notas..., pero no es un proyecto con fecha.

Dedica usted este libro a su suegra, la viuda de Publio Cordón, Pilar Muro, “una mujer fuerte, una mujer motivada donde las haya”; por cierto, un libro en el que uno de los personajes principales no puede ser más machista.

Sí, es muy machista. Va ligado a ese concepto de la mujer motivada. Como este libro hace hincapié en eso, no solo la dedicatoria, parte de lo opuesto es este

personaje un poco estereotipo que fue muy divertido escribir.

El matrimonio Miracle, el protagonista de Hasta que tu muerte nos separe, ¿sería votante de Trump?

No lo sé. Estadísticamente, si viven en Texas, pues sí. Pero podrían ser de cualquier lado, dependiendo del momento político. Hay muchos de derechas que votaron a Barack Obama porque querían un cambio... América es mucho de cambiar de administración y, como solo hay dos partidos, se hace bastante fácil. Así que cuando se va demasiado a un extremo, cambiamos para que se vaya al otro y quede en el centro, que es lo que quiere la mayoría del país. ¿Cree que todos podemos traspasar la línea? ¿Que determinadas circunstan-

cias pueden ponernos en la situación de justificar o cometer un asesinato?

Absolutamente. Creo que, desde un punto de vista filosófico, es el fundamento de la trilogía y de este libro. Tenemos estas instituciones de Derecho y de Justicia para intentar un contrato social entre todos que evite estas cosas. Si no, creo que somos bastantes salvajes y, con un poco de oportunidad, la gente se vuelve bastante salvaje. Teniendo estas instituciones para frenarnos, lo interesante es cuánto tiene que pasar, teniendo en cuenta no solo la conciencia o la moral, sino también el sistema judicial y el posible castigo, para dar ese paso. Tanto en la trilogía como en este libro, no son solo los daños directos a nosotros, sino también a los que queremos, lo que nos lleva a esos extremos.

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PORTADA

EN BUENA HORA La elegancia y la personalidad se cultivan y evolucionan con el tiempo. Diego Martín y Breguet protagonizan una sesión en la que se rinde pleitesía a la historia y el verdadero estilo.

FOTOGRAFÍA MARIO SIERRA ESTILISMO MARÍA LARRÚ

Diego Martín lleva el nuevo Classique Souscription 2025 de BREGUET, De producción limitada, celebra los 250 años de la manufactura.

Chaqueta en lana virgen color azul marino con bolsillos de parche; camisa en algodón color blanco con doble puño; pantalones en algodón color azul marino con textura, y zapatillas modelo B01 Matchpoint en piel color crema y suela de goma, todo de DIOR MEN.

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En esta página y en la siguiente: Chaqueta de punto con logotipo de la firma y detalles florales a la espalda; camisa de manga corta en color blanco con bordado de Christian Dior Couture; pantalón con pinzas en lana y cashmere color beis, y zapatillas modelo B01 Matchpoint en color crema y suela de goma color crema, todo de DIOR MEN. Reloj Type XX Chronographe 2057, de BREGUET.

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En esta página: Camisa estampada a rayas azules con bolsillo frontal y bordado de Christian Dior Couture, de DIOR MEN. Reloj BREGUET modelo Marine Chronographe 5527.

En la página anterior: Traje de chaqueta cruzada y pantalón de talle alto, ambos en cashmere color beis, y camisa entallada en algodón con doble puño y botonadura oculta, todo de DIOR MEN. Reloj BREGUET Tradition Quantième Rétrograde 7597.

Asistente de fotografía: Edu Orozco. Técnico digital: Juan Martínez. Maquillaje y peluquería: Carmen de Juan (Another Agency) para Chanel y Shu Uemura.

La sesión ha sido realizada en el Club Matador. C/ Jorge Juan, 5. Madrid.

Tfno.: (+34) 910 60 98 83. clubmatador.com

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CON SENTIDO DE LA REALIDAD La sensatez, la profesionalidad y el buen gusto definen su carrera como actor. Presente en múltiples series y películas en las que queda patente un estilo muy personal, se decanta por la variedad, el dinamismo y la precisión de lo audiovisual.

TEXTO RICARDO BALBONTÍN

SU NOMBRE APARECE EN LOS CRÉDITOS DE SERIES Y PELÍCULAS desde finales de los 90 y nunca le ha faltado trabajo, pero, como dice Diego Martín (Madrid, 1974), “esta es una profesión en la que es muy complicado diseñarte qué quieres hacer y trabajas sin ser consciente de qué va a ser de los productos en los que te embarcas. No existen las fórmulas”.

El Derecho perdió un abogado; el cine ganó un actor. ¿Se imagina su vida si no hubiera elegido la interpretación?

No sé si la disyuntiva era con el derecho o con una tercera vía, pero la verdad es que me lo pregunto a menudo. Lo cierto es que esa decisión me ha permitido llegar hasta donde estoy.

Mucha gente le identifica a usted más en su lado cómico que en el dramático...

Es curioso, porque cuando llegó Aquí no hay quien viva, la gente era escéptica porque yo venía de hacer cosas más

En la página anterior: Traje de chaqueta en lana virgen color gris, con camisa entallada de doble puño y botonadura oculta, y mocasines con puntera afilada en piel color negro, todo de DIOR MEN. Reloj BREGUET Tradition Quantième Rétrograde 7597.

dramáticas, y después de eso costó que me reconocieran en el drama porque me veían más en papeles de comedia.

Cuesta salir, a veces para uno mismo.

Pero he de decir que hay cosas que uno ha sabido hacer y considero irrespetuoso desmarcarte de aquello por lo que la gente ha sabido reconocerte.

En cada estreno se produce un cierto miedo escénico, ¿sigue ocurriéndole o la experiencia le permite dominarlo?

No, porque este es un trabajo de equipo donde lo que uno hace es solo una parte del resultado. Hay muchos procesos; hay una mirada del director, otra de la producción ejecutiva, el montaje... y además está la sensación de cada uno. Así que aun viendo lo que he hecho, desconfío de mi propio juicio. Cuanta más experiencia, menos criterio desarrollas.

Se considera perfeccionista.

Sí, lo intento. Por un lado, con la experiencia cada vez soy más exigente con ciertas cosas, pero al mismo tiempo he desarrollado una cierta serenidad para no flagelarme demasiado. Me he convertido en alguien posibilista; no me martirizo con imposibles. ¿Cómo se convive con el estrés en este trabajo?

No tengo ni idea, no hay reglas fijadas.

Hay situaciones de presión que he conseguido llevarlas con relativa tranquilidad y momentos de tranquilidad que

son peores. Para mí, el sufrimiento del estrés se produce con aquello que no controlo, es lo que me angustia un poco.

Teatro, cine, series. ¿Dónde se siente más cómodo?

En principio no influye tanto el medio como la gente con la que estás contando, para mí es lo que marca más... Pero quizás sea la televisión, que es donde más me he movido, y que además se ha acercado al cine, y viceversa. Las series han reducido los tiempos de rodaje y la manera de rodar es muy similar. A mí me gusta mucho rodar. A pesar de que la mayoría dice que el teatro es el verdadero templo del actor, creo que está hecho para alguien más maratoniano y yo me veo más esprínter. En lo audiovisual siento que hay más variedad, precisión y dinamismo... me gusta su vértigo. ¿Qué nos han traído las series y qué nos han quitado?

No tanto eso, como qué nos han traído las plataformas. La verdadera revolución es que hay toda una generación que juega con el tiempo de visión. La verdadera revolución es la manera y los ritmos de consumo.

Ha participado en producciones francesas. ¿Qué diferencia hay con el mercado español?

Hay pocas diferencias en cuanto a la forma de trabajar. Pero hay cosas que tienen que ver con la idiosincrasia de

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Camisa en algodón con doble puño y botonadura oculta, de DIOR MEN. Reloj BREGUET Classique Souscription 2025.

cada país. La industria española es flexible, adaptable y muy buena a la hora de improvisar. En otros mercados hay más planificación y previsión, lo cual esta muy bien, pero cuando tienen que improvisar se atoran. ¿Y qué le falta al cine español?

El dinero no sobra, pero, y también forma parte de la idiosincrasia del país, hay otra carencia y es el consumo de cultura. En España se vive mucho fuera y hay resistencia a entrar en un cine o coger un libro. Hay una grandísima parte de España que no consume cultura de forma habitual y esto se podría mejorar.

Nos hace falta un poco de autocrítica y mirar un poco al exterior. Se hacen cosas de nivel que a veces pasan desapercibidas porque no hay tiempo para deglutir todo lo que se produce.

Si tuviera que definirse como actor...

Lo de definirse a uno mismo no lo llevo muy bien. Creo que tengo un cierto nivel medio del que no bajo demasiado.

Pero tampoco sé si lo prefiero. Sí me considero un actor preciso y el texto lo llevo siempre muy trabajado. Y aunque

es algo deprimente, soy un actor fiable. ¿Sufre el síndrome del actor maduro? ¿Cómo se cura?

No se cura. Decía Jack Nickolson que no importaba cuántos ceros tuviera su cheque, que siempre pensaba que era el último. Y hablamos de él y sus ceros...

Imagínate a nuestro nivel. En esta profesión tienes siempre la sensación de que haces algo para presentarte al mundo, de que estás de alguna manera empezando, y en cada proyecto hay algo de vértigo. Este es el único trabajo, incluso si se compara con otras actividades artísticas, en el que no hay nada externo a uno mismo; somos la obra y el trabajo.

Ahora se estrena la serie Legado, donde es uno de los protagonistas. ¿Cómo se ha sentido?

Lujo. La verdad es que los ingredientes, los hilos con los que se ha hecho esta prenda, son de lo máximo a lo que se puede aspirar en este trabajo. Cuanto mayor es la calidad de la gente con la que juegas a este tenis que es la actuación, más elevas tu nivel, y eso genera una mezcla entre alegría y orgullo.

Además de la cultura, usted destaca por su gusto por la elegancia, de hecho hemos hecho una producción en la que luce relojes Breguet. ¿Cómo define ese estilo personal y cómo ha influido también en su papel de actor?

Se define de manera muy sencilla: me gustan las cosas bonitas o bellas. En todo. La vida es lo suficientemente corta como para no intentar hacer este viaje lo mejor rodeado posible. Creo firmemente que no hay ética sin estética. Lo he integrado evidentemente en la profesión pero no es parte de mi andamiaje profesional. Yo he ido a la profesión tal cual soy yo, hasta el hecho de transformarlo. Eso me abrió una comunicación con partes de esta industria que me interesan mucho más y que están más cerca de mi sensibilidad como persona, más que como estrategia ligada a la moda, que me interesa menos. Y en relojes, a priori me gustan más los relojes clásicos pero para mi no tiene que ver con la calificación de ese objeto sino con que haya un flechazo, que en mi caso perduran.

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CHRIS HEMSWORTH

Sin título-1 2

SOLO EN

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EL CORTE INGLÉS, S.A. C/ Hermosilla 112, 28009 Madrid

CON FIRMA

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DE VIAJES, GUERRAS Y HOTELES Vivencias, algunas históricas, otras propias, en alojamientos de diversos rincones del mundo, pasando por la famosa Rotonda del hotel Palace madrileño hasta llegar a un paraíso entre la playa y la vegetación exuberante de Zanzíbar.

TEXTO FERNANDO SCHWARTZ ILUSTRACIÓN JACOBO PÉREZ-ENCISO

EN UNA GUERRA SIEMPRE HAY UN HOTEL EN PLENO CENTRO de la capital ya medio derruida en el que se guarecen los corresponsales de prensa para mandar sus crónicas del espanto.

En el Madrid de la guerra civil era el Gaylord’s; en el Peshawar de los Taliban, el Green Hotel, que, en el peor de los momentos (es decir, siempre), alojaba a millonarios pakistaníes, a periodistas y a drogadictos. La guerra tiene estas cosas. Y, con ella, los hoteles. Del Ritz de París salió Lady Di para encontrarse con la muerte debajo del puente de Alma. En el Sacher de Viena se compran las tartas de chocolate y mermelada más famosas del mundo.

En el Meurice estuvo instalado el cuartel general del ejército alemán durante la ocupación de París en la Segunda Guerra Mundial; de allí los sacaron, tras rendirlos, los soldados republicanos españoles de La9. En la calle de detrás del mismo Meurice me di de bruces con Salvador Dalí; le deseé una buena tarde, “maestro”, y me contestó el secretario que lo acompañaba, “buenas tardes, joven”. Del Waldorf Astoria salía Jackie Kennedy pocos días antes de que asesinaran a su marido y ahí oí a Peggy Lee cantar “¿eso es todo lo que queda?”. Y en el hotel Europa de San Petersburgo se sienta uno en el gran bar al lado de dos o tres tipos enormes vestidos con chupas de cuero negro mostrando sin empacho grandes pistolones que les asoman por la cintura.

Hay hoteles que son leyendas, como estos que acabo de nombrar. Y los hay que son solo refugios personales. El Palace de Madrid tiene un poco de las dos cosas y ambas se resumen en la Rotonda, la más famosa de la capital. No hay escritor (yo incluido) que no haya colocado al menos una escena de una novela suya en la Rotonda del Palace, con su techo de cristales de Tiffany.

A lo largo de mi vida, he dormido en toda clase de hoteles. Por esta razón, puedo afirmar sin miedo a equivocarme que el más lujoso en el que jamás me he alojado respondía al extraño nombre de Mnemba, que es como se conoce asimismo al islote sobre el que se asienta. Un taxi destartalado lo deposita a uno en la playa de tierra firme en el extremo noreste de la isla de Zanzíbar y luego se pasa a Mnemba en un bote provisto de un motorcillo de 2 caballos, que recorre la media milla que hay, siempre y cuando esté alta la marea; en caso contrario, toca andar. Es el único lugar del mundo que conozco en el que no hay mosquitos ni otras desagradables criaturas empeñadas en amargarle a uno la vida.

Hace muchos años, más de 30, unos avispados italianos decidieron instalarse allí y abrir un pequeño establecimiento en el que dar posada a unos cuantos turistas a precios exorbitantes. La arena que rodea el islote es tan blanca que ciega y el mar es de un índigo tan profundo que envuelve a quien lo nada como un collar de zafiros.

Allí montaron una docena de cabañas de bambú y palma (con el éxito, ahora son muchas más), sobre un suelo de la más fina arena cubierta con alfombras kilim, la cama muy grande con un mosquitero inútil, el extremo de la habitación abierto en un gran espacio rectangular que asoma sobre la playa detrás de un porche inundado de plantas tropicales, y butacones de caña con cojines mullidos. De todas las paredes cuelga una abigarrada colección de telas de sari. En el exterior, disimulado detrás de un muro de vegetación tropical, el cuarto de baño a cielo abierto con una enorme ducha que mana agua desde un depósito escondido y calentado a veces, cuando el cliente insiste.

No hay más, salvo una sala comunal en la que se sirve a los clientes una pasta a la italiana cocinada con un gran pescado (cherne, pargo o dorada, cosas así) cazado aquella misma mañana en la playa. A un costado del comedor, una salita con un televisor para ver películas, pero no hace falta. Se puede dar la vuelta a la isla andando más o menos según esté la marea. O se puede tomar el sol en una hamaca de caña.

Y dormir la siesta; no se juega al tenis.

Mucho me temo, sin embargo, que el éxito de Zanzíbar lo ha acabado arruinando por completo, llenándolo de hoteles en los que caben millones de turistas.

Millones. Ya ven. Mnemba ha dejado de tener el hotel más lujoso del mundo. Pero yo seguiría yendo.

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ESE INIMITABLE GLAMUR NATURAL El hotel Palace de Madrid ha finalizado una ambiciosa renovación para acompañar de moderna sofisticación su incomparable legado histórico. Entonces y ahora, un exquisito aire de delicado lujo impregna cada rincón.

TEXTO JUAN LUIS GALLEGO FOTOGRAFÍA CARLOS LUJÁN

UNA MUJER, EN TORNO A LOS 50 AÑOS, zapatos de tacón, pantalón blanco y elegante blusa de seda, toma un vino, mientras espera sonriente y contemplativa la cena. A pocos metros, un hombre también de mediana edad, pantalón corto, camiseta y gorra, ríe junto a su pareja mientras una adolescente, probablemente su hija, les enseña una foto en la pantalla del móvil. Dos jóvenes, sudaderas y vaqueros oversize, llamativas zapatillas de deporte, cruzan alegres y algo apresuradas el pasillo. Sobre todos ellos, la colorida y emblemática cúpula del legendario hotel Palace de Madrid.

Hace tiempo que el lujo no entiende de atuendos. Tiene más que ver con los detalles –cuadros en pliegues que, vistos desde un lado, representan animales y

desde el otro, la maquinaria necesaria para hacer funcionar –24 horas, siete días a la semana–, un hotel; papeles pintados a mano inspirados en los paisajes del cercano Parque de El Retiro–; también con el ambiente, difícil de describir, pero inmediata y gratamente reconocible cuando se percibe; y tiene que ver el lujo también con algo que no se puede comprar y que solo algunos privilegiados atesoran: el legado histórico. Y eso implica, por ejemplo, disfrutar los mismos espacios en los que Federico García Lorca y Salvador Dalí escribían y decoraban con dibujos una nota en la que pedían dinero a un amigo para ayudar a Luis Buñuel a regresar a Zaragoza; o recitar, casi sin miedo a equivocarse por amplia, la lista de Premios Nobel de Literatura que se han alojado aquí.

En la página siguiente, vista desde el interior del vestíbulo de entrada, donde la lámpara de palmera ha recuperado su sitio original y el arco de media punta sobre la puerta, antes oculto, ha sido redescubierto.

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Los casi dos mil cristales que conforman la gran cúpula sobre la rotonda central, uno de los emblemas del Palace, han sido retirados y limpiados uno a uno.

The Palace, a Luxury Collection Hotel, Madrid –el Palace para todos– podría haber seguido otro siglo –fue fundado en 1912– explotando con éxito seguro esa herencia: legado histórico le sobra. También, por cierto, ese ambiente que decíamos inexplicable pero que bajo su cúpula se revela, glamur contenido pero exquisito, en todo su esplendor. Pero, quizás porque los tiempos cambian, porque las generaciones sustituyen referentes a golpe de clics o, simplemente, porque alguien creyó

llegada la hora, decidió acometer una extraordinaria reforma, ambiciosa y costosísima –90 millones de euros–, cuyo objetivo, con la ayuda del marketing, podría definirse así: “Infundir una moderna sofisticación a su elegancia histórica” o “dotarle de una nueva y elegante identidad que combina a la perfección su rico patrimonio histórico con un diseño innovador, un lujo incomparable y un servicio impecable”. Sin duda, ambas frases acertadas visto el resultado final –tras unas obras que se han extendido

desde junio de 2023 hasta marzo de 2025 sin que el hotel cerrara en ningún momento–, pero incapaces, porque resulta imposible, de abarcar la magnitud del proyecto en toda su extensión. Tampoco, probablemente, estás líneas lo conseguirán.

Comencemos, para intentarlo, por algunos de los efectos más visibles de esta reimaginación del Palace. La fachada, es decir, los 8.000 metros cuadrados de este edificio que ocupa toda una manzana en el corazón de Madrid y que es desde el

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Uno de los rincones del restaurante La Cúpula, con mesas alrededor de la nueva barra central de mármol.

año 1999 Bien de Interés Cultural, ha sido renovada, con la intervención de canteros, vidrieros, herreros y restauradores, para retirar las huellas del paso del tiempo, contaminación y capas de pintura incluidas, hasta recuperar los originales beis de las superficies planas y marrón rojizo de los adornos e incluso redescubrir una representación de Baco. La cúpula central, siempre esplendorosa, luce ahora aún más luminosa tras la retirada y limpieza, una a una, de las 1.875 piezas de vidrio que la

componen. Y las 470 habitaciones y suites, absolutamente todas, han sido remozadas hasta lograr esa sofisticada modernidad buscada: junto a ese papel pintado con paisajes naturales, paneles de madera blanca, suelos de parqué en tonos claros, mármoles conservados en los baños y ropa de cama de la exclusiva firma italiana Frette. Y luz, mucha luz, gracias a ventanas y balcones con vistas cautivadoras sobre la plaza de Neptuno, renovada simultáneamente por un capricho del destino.

Espacios tan emblemáticos se han traducido en dos renovadas ofertas gastronómicas y de ocio. Por un lado, La Cúpula, el restaurante en la histórica rotonda con mesas dispuestas en torno a la gran barra central –otra de las innovaciones más destacadas–, con una carta que combina recetas atemporales clásicas, como el Wellington The Palace, junto a guiños a la historia, como el steak tartar tan demandado en su día por el periodista y escritor Julio Camba, un habitual en el lugar.

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En esta página: Detalle de la fachada del hotel, con el año de su inauguración; e imagen de los ventanales en plantas superiores.

La fachada ha sido cuidadosamente remozada hasta recuperar su ‘color Palace’ original.

En la página anterior, de izquierda a derecha y de arriba abajo: Una de las habitaciones, con decoración de paisajes en la pared y tejidos premium; barra de 27 Club, una combinación de arte, historia y mixología; tapiz del siglo XVII en una de las paredes de La Cúpula; y detalle ornamental de una columna.

Y, en segundo lugar, 27 Club, un enclave concebido para atraer bon vivants y amantes del arte, y también a aficionados a la mixología, en un ambiente señorial dominado por las maderas oscuras y los recuerdos históricos, como la copia del libro de registro que recoge una de las varias estancias del pintor Pablo Ruiz Picasso en el hotel o las fotografías de la casa de cunas, o guardería, que el establecimiento reservó durante un tiempo para los hijos de las empleadas.

Nada es casual en este flamante Palace inundado de glamur. Y lo que lo parece es en realidad fruto de la mente inquieta de Lázaro Rosa-Violán, cuyo estudio es el responsable del diseño de los interiores. Imposible, ahora sí, resumir los resultados de su creatividad: alfombras de lana adornadas con criaturas mitológicas e ilusiones ópticas en los corredores; reproducciones en los espacios de ducha de planos cenitales del también cercano Jardín Botánico; obras

de pintores contemporáneos junto a tapices de los siglos XVI y XVII; taburetes tapizados en cuero castellano en torno a la barra central; lámparas en pasillos –no dejen de detenerse en ellas si tienen ocasión– y habitaciones diseñadas ex profeso; chimeneas decorativas de mármol en las estancias; grifería dorada en los baños; lámparas de araña estilo mid-century... E incluso nuevos uniformes para el personal a cargo de Juanjo Oliva.

Detalles, siempre los detalles.

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ENTENDER LA CRETIVIDAD La exposición del V&A Museum londinense es una esas citas que no solo ayudan a descubrir el estilo de Cartier, también permite reconocer su historia a través de creaciones excepcionales.

TEXTO AMELIA SOLANA

Broche de clip rosa, creado por Cartier Londres en 1938.

Diamantes y platino Queen Elizabeth II. Es una de las joyas presentes en la exposición inaugurada el pasado 12 de abril y que concluirá el 16 de noviembre.

SON MÁS DE 350 OBJETOS que muestran la evolución del legado de arte, diseño y artesanía de Cartier desde principios del siglo XX –cuando los tres nietos del fundador abrieron sucursales en París, Londres y Nueva York–, y lo hace en un escenario majestuoso, el V&A Museum (finaliza el 16 de noviembre). La exposición incluye joyas y objetos exclusivos, piedras preciosas históricas, relojes de la Colección Cartier y el V&A Museum, así como bocetos inéditos de los archivos de ambos, además de obras cedidas desde la Casa Real Británica, museos y otras colecciones privadas. El diseño de la exposición es obra del arquitecto y artista británico Asif Khan.

En la página siguiente, collar Bib Cartier París (1947). Es un pedido especial realizado en oro trenzado de 18 y 20 quilates y platino. Diamantes de talla brillante y baguette.

Una amatista facetada en forma de corazón, 27 amatistas talla esmeralda, una amatista facetada ovalada Cabujones de turquesa. Este collar fue vendido al duque de Windsor, quien suministró todas las piedras excepto la turquesa.

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A la izquierda: Wallis Simpson, duquesa de Windsor, fue una ferviente admiradora de las joyas de Cartier. En la imagen, con el collar Bib.

A la derecha: Entre la selección de relojes se encuentra este Crash de 1967. También se halla el primer reloj de pulsera moderno, el Santos (1904) , un Panthère de 1914 y una incomparable colección de relojes misteriosos.

incluido el reloj de pulsera Crash, diseñado por Cartier Londres (1967).

La exposición se inicia con una presentación de Louis, Pierre y Jacques Cartier, una introducción en la que aparece en escena la tiara Manchester del V&A Museum. Fabricada en Francia, encarna las primeras aspiraciones de Cartier y su concepto de negocio global.

Un recorrido por la genialidad

Entre las piezas destacadas se halla el broche de diamantes Williamson, encargo de la reina Isabel II en 1953, con el diamante rosa Williamson de 23,6 quilates; la tiara Scroll, de 1902 y utilizada en la coronación de Isabel II; el broche de clip con forma de rosa (1938) utilizado por la princesa Margarita en la coronación de su hermana; el anillo de compromiso de Grace Kelly (1956), que lució en su última película, Alta sociedad (1956); un broche de amatista y zafiro de Cartier Londres (ca. 1933) que utilizó Nelly, la esposa de Jacques Cartier; el collar de serpiente de María Félix (1968); la tiara Manchester de la colección del V&A; una colección de joyas pantera, que incluye una pulsera de pavé de diamantes salpicada de ónice (1978); y una selección de relojes Cartier,

Dividida en tres secciones principales, la primera indaga en la creatividad de Cartier y la fortaleza de sus relaciones con los clientes, lo que dio lugar a algunas de sus creaciones más espectaculares que, además, son reflejo de la historia de las artes decorativas en las primeras décadas del siglo XX. Eso sí, con sus propias reglas y con la imaginación y la autenticidad como referentes. Así es como nace el ‘estilo guirnalda’, inspirado en la arquitectura y las artes decorativas francesas del XVIII, y piezas como un broche de escarabajo de Cartier Londres con coloridas alas engastadas con gemas talla calibre, o el broche de diamantes de inspiración islámica expuesto por primera vez. Lo que es evidente es que Cartier desarrolló su propio estilo, combinando modernidad e innovación con elegancia y refinamiento.

Eso se materializó en motivos recurrentes, líneas esenciales, colores, un juego de espacio y volumen, así como una calidad excepcional en los materiales empleados.

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Arriba, la tiara Scroll de estilo guirnalda y fabricada en 1902.

Fue utilizada por Isabel II en su coronación y posteriormente, en 2016, apareció Rihanna con ella en la portada de W Magazine.

A la derecha: Grace Kelly, con el anillo de compromiso que le regaló el príncipe Rainiero y que lució en la película Alta Sociedad.

El estilo art déco de Cartier se plasma, por ejemplo, en un broche geométrico de 1925 de coral naranja y esmeralda verde o en un broche de 1941 de Cartier Londres en diamante blanco y platino.

La siguiente sección se centra en los talleres Cartier, presentes en cada sucursal de Cartier y donde los artesanos trabajaban según los exigentes estándares de la maison. Los visitantes pueden comprobar, por ejemplo, cómo se fabrica hoy en día la pantera empleando técnicas joyeras antiguas, y descubrirlo en un reloj de pulsera de 1914, el primer ejemplo del diseño de piel de pantera en una creación de Cartier.

También hay espacio para reconocer la importancia de los materiales excepcionales utilizados por Cartier. Los viajes de Jacques Cartier a Oriente Medio, India y

Sri Lanka están detrás de los rubíes más extraordinarios, de espectaculares zafiros, pasando por diamantes históricos e incluso diamantes de colores excepcionales.

Aquí se exponen algunas de las piedras preciosas más puras, como un collar propiedad de la heredera estadounidense Barbara Hutton, elaborado con una de las mejores colecciones de cuentas de jade que existen, o el broche Allnatt de 101 quilates de diamantes.

La última parte de la exposición se centra en cómo Cartier se convirtió en una de las firmas más reconocidas del mundo, en sinónimo de sofisticación, originalidad y buen gusto. Desde la utilización de técnicas de marketing pioneras, a participar en la Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes de

1925, donde Cartier fue la única maison de joyería que expuso sus creaciones junto a los principales modistos, y a, por supuesto, convertirse con el paso del tiempo, en la firma preferida de actores y artistas musicales... todo ello ha contribuido a que siga siendo uno de los nombres más reconocibles.

La exposición culmina con una exhibición de tiaras. Símbolo de estatus y elegancia, representan la máxima expresión de la creatividad y la habilidad del joyero. Cartier sigue hoy fabricando estas piezas. Destacan la tiara Opal, nunca antes expuesta, encargada en 1937 por Mary Cavendish; la tiara Scroll de estilo guirnalda (1902) y una tiara halo art déco de diamantes y platino (Cartier Londres 1934), que lució Begum Aga Khan III.

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ARTE

ETERNA JUVENTUD Una instalación inmersiva en Londres y una gran exposición en París coinciden en el tiempo para homenajear la figura inquieta y superlativa del pintor británico David Hockney.

TEXTO JUAN LUIS GALLEGO FOTOGRAFÍA JUSTIN SUTCLIFFE

LOS SUPERLATIVOS ACOMPAÑAN LAS REFERENCIAS A DAVID HOCKNEY (Bradford, Gran Bretaña, 1937): el pintor vivo más importante del mundo, por ejemplo, o el más caro, también de los que aún continúan entre nosotros, después de que su obra Retrato de un artista (piscina con dos figuras) alcanzara en una subasta en 2018 los 80 millones de euros. El primero de esos calificativos, como cualquiera de tan ambiciosa formulación, admite seguramente controversias; y el segundo, dado el demostrado carácter caprichoso del mercado del arte, puede cambiar en cualquier momento. Es el peligro de intentar resumir con criterios periodísticos una figura como la suya, hasta el punto de que ni siquiera el utilizado para encuadrarle entre los pioneros del arte pop en los años

60, calificativo con el que él mismo no se siente muy satisfecho, parece útil.

Baste decir que, desde que con apenas 10 o 11 años supo que quería dedicarse a pintar –“tengo que pintar. Siempre he querido pintar, hacer dibujos, desde que era un niño. Ese es mi trabajo y lo he estado haciendo durante 60 años. Sin la pintura, me volvería loco”, ha dicho en alguna ocasión–, Hockney ha acumulado una inmensa obra pictórica, con influencias sobre varias generaciones de artistas en los siglos XX y XXI, y que ha exhibido, además, una inquietud vital y artística que le ha llevado a transitar desde el óleo a la pintura acrílica, el uso de la fotografía –con collages de Polaroid como una de sus manifestaciones– o incluso a pintar en iPhone y iPad con una aplicación llamada Brushes que él mismo personalizó

En la página siguiente, David Hockney en uno de los espacios de Lightroom, rodeado de proyecciones de sus cuadros. Las piscinas han sido una constante en su obra desde que visitara por primera vez Los Ángeles en los años 60.

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ARTE

David Hockney: Más grande y más cerca (no más pequeño y más lejos) puede verse hasta el 29 de junio en Lightroom, en Londres.

Casi simultáneamente, la Fundación Louis Vuitton acoge en París David Hockney 25, hasta el 31 de agosto.

Arriba, una de las obras expuestas: Giverny by DH (2023).

con la ayuda de un matemático cuando la empresa la renovó con mejoras que no le parecieron tales.

Precisamente, su íntima relación con la tecnología es una de las razones que trae a David Hockney a estas páginas.

Lightroom es una empresa dedicada a exposiciones de arte inmersivas que tiene su local insignia en Londres. Abrió sus puertas en febrero de 2023 con la instalación David Hockney: Más grande y más cerca (no más pequeño y más lejos), en cuya confección participó personalmente el propio artista, hasta el punto de que su voz acompañaba las imágenes explicando los diferentes procesos de creación en su obra mientras el espectador podía verle experimentando con la perspectiva, capturando el tiempo con cámaras Polaroid o, como hizo durante su confinamiento en su casa de Normandía en la pandemia,

pintando el paso de la primavera en el iPad. Aquella exposición, ampliamente seguida en su momento, ha vuelto ahora a formar parte de la programación de Lightroom, donde puede verse hasta el próximo 29 de junio.

“El mundo es muy hermoso si lo miras, pero la mayoría de la gente no mira mucho –dice Hockney en una de las reflexiones que acompaña la presentación de la exposición–. Examinan el suelo para poder caminar; no miran las cosas con atención, con intensidad. Yo sí”, añade el pintor, a quien en otro momento se puede ver, sentado en su silla de ruedas, exclamar un admirado guau cuando las proyecciones a su alrededor se iluminan.

“He podido ajustar cosas, hacer dibujos especialmente para esto”, comenta sobre su intervención en el proceso mientras da explicaciones a un grupo de técnicos.

La instalación en el Lightroom londinense coincide en el tiempo con otra gran exposición dedicada al artista británico, en este caso, en París. La Fundación Louis Vuitton acoge, hasta el 31 de agosto, David Hockney 25, una exposición excepcional por su escala y originalidad de más de 400 obras del artista, de diferente procedencia –colecciones internacionales, institucionales y privadas, obras de su propio estudio y de la Fundación de David Hockney– y formato, pues conviven óleo, acrílico, dibujo a tinta, lápiz y carboncillo, arte digital y hasta instalaciones de vídeo inmersivas. Hockney ha participado personalmente en cada aspecto de la exposición y la secuencia y distribución de espacios. “Esta exposición significa muchísimo –confiesa el artista–, porque es la más grande que he tenido: 11 salas en la Fundación Louis Vuitton”.

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MATCH POINT Piezas clásicas, como los polos de piqué y las zapatillas blancas de lona, se mezclan con los tejidos técnicos de las nuevas prendas de abrigo en esta propuesta con guiños a las pistas de tenis.

PRODUCCIÓN Y ESTILISMO TOMASO BASILIO FOTOGRAFÍA PAOLO LEONE

En la página siguiente: Chaqueta de tejido técnico, de OVS SLAZENGER. Jersey de lana con cuello redondo, de DYNAMO THE GOOD COMPANY. Polo, de LACOSTE. Pantalones de lino con raya diplomática, de POLO RALPH LAUREN. Zapatillas de piel, de TOD’S. Gafas de sol, de PERSOL.

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En la página anterior: Izquierda: Cárdigan de cachemir, polo de algodón y pantalones de lino, todo de CANALI. Centro: Chaqueta de piel, polo-camisa de algodón y pantalones de algodón, todo de BRIONI. Derecha: Traje con chaleco de lino, de KITON. Polo de algodón, de PIOMBO en OVS. Bailarinas de piel con cordones, de HERMÈS.

Sobre estas líneas: Él: Chaqueta impermeable y pantalones de algodón, ambos de MONCLER. Suéter con cremallera, de PAUL & SHARK. Polo, de LACOSTE. Zapatillas, de SUPERGA. Gafas de sol, de MYKITA. Ella: Gabardina y pantalón de tejido técnico, ambos de LOUIS VUITTON. Zapatillas, de VALSPORT.

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Sobre estas líneas: Chaqueta de lino con raya diplomática, polo de algodón calado y pantalón de algodón, todo de DOLCE&GABBANA. Gafas de sol, de PERSOL.

En la página siguiente: Izquierda: Chubasquero, jersey de cuello alto y pantalones, todo de MONCLER. Mocasines, de SANTONI. Centro: Chaqueta de rizo, jersey de cuello alto de cachemir y seda y pantalones denim, todo de LORO PIANA. Zapatillas, de TOD’S. Derecha: Chaqueta cruzada, de BELVEST. Suéter de algodón, de POLO RALPH LAUREN. Polo de algodón, de SEBAGO. Pantalones, de GALLO. Zapatillas, de VALSPORT.

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En la página anterior: Camisa con bolsillos y pantalones de algodón, ambos de FENDI. Gafas de sol con espejo, de POLICE.

Sobre estas líneas: Ella: Traje cruzado de algodón, de TAGLIATORE. Mocasines bicolor, de DOUCAL’S. Pañuelo de seda, de EDOARDO GALLORINI. Gafas de sol, de BLUMARINE. Bolso Tric-Trac, de VALEXTRA. Calcetines, de DIOR. Él: Traje cruzado y jersey de algodón, todo de POLO RALPH LAUREN. Mocasines, de SEBAGO. Gafas de sol, de MYKITA.

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TENDENCIAS

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En la página anterior: Polos modelo Trematon en color blanco con cuello estampado a cuadros tartán..

En esta página: Polos de piqué azul cielo jaspeado y azul marino, ambos con cuadros escoceces en el cuello.

Disponibles en tiendas Barbour.

C/ Jorge Juan, 5. Madrid. iliketobuy.es

LOS COLORES DE LA PRIMAVERA Los colección de polos de Barbour, confeccionados en piqué y en una variada paleta de tonos, ofrece prendas elegantes y fáciles de llevar que se adaptan a cualquier situación.

BARBOUR DISEÑA PRENDAS ELEGANTES Y FÁCILES DE LLEVAR, para vestir looks de arriba abajo que se acomodan en cualquier situación.

Sus polos de variados colores, serenos tierras y blancos impolutos son una prueba de ello. En casa, el campo, la playa o en una calle céntrica de la ciudad ofrecen un look elegante y sofisticado durante todo el año. La colección trae una paleta suave inspirada en un paisaje con verdes y azules tenues y neutros para toda la gama. Son colores pensados para formar una base sobre la que poder

innovar y expresarse. Disponibles en tonos lisos y con diversos detalles estampados.

Confeccionados con algodón piqué, un material que transmite calidad a través de la suavidad en el tacto, incluyen el logo de la firma como promesa de longevidad. Como guiño a la herencia escocesa, el escudo es una versión invertida del Saltire –la bandera nacional de Escocia–. El tartán, distintivo de Barbour, está presente en estampados, costuras y forros para continuar su tributo y seguir siendo reconocible en todo el mundo. J. Parra

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TOTAL LOOK

RITMO PAUSADO

Construimos con las firmas de El Corte Inglés cuatro estilismos para disfrutar de una estación que demanda tejidos frescos y prendas ligeras.

ESTILISMO MARTINA TACCHINI FOTOGRAFÍA JACOBO MEDRANO

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En la página anterior: Americana azul de botonadura cruzada, camisa celeste, pantalón blanco, mocasines y cinturón, todo de EMIDIO TUCCI.

Sobre estas líneas: Camisa de lino, de LLOYD’S. Polo de rayas, camiseta, pantalón y zapatos, todo de EMIDIO TUCCI. Silla, de EL CORTE INGLÉS.

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TOTAL LOOK

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En la página anterior: Chaqueta beis con tapas ornamentales sobre los bolsillos, camiseta blanca, pantalón, zapatos y bolso de fin de semana, todo de EMIDIO TUCCI.

Sobre estas líneas: Chaqueta con cuatro bolsillos, camisa de lino de manga corta, zapatos y sombrero, todo de EMIDIO TUCCI. Pantalón, de LLOYD’S. Silla, de EL CORTE INGLÉS.

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GASTRONOMÍA En esta página, uno de los cortes de carne en Ceferino.

En la otra página, comedor privado del mismo restaurante, una de las últimas parrillas argentinas de nueva generación que han abierto sus puertas en Madrid.

Jorge Juan, 27. Madrid parrillaceferino.com

BRASAS DEL CONO SUR El acento rioplatense distingue a las parrillas que están triunfando en España con propuestas renovadas que enriquecen el atractivo de la cocina del fuego argentina y uruguaya.

TEXTO FEDERICO OLDENBURG

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GASTRONOMÍA

De izquierda a derecha y de arriba abajo: Detalle de una de las parrillas de Piantao, diseñadas por su chef y propietario, Javier Brichetto.

Pº de la Chopera, 69. Madrid Sagasta, 30. Madrid piantao.es Oswaldo González, chef de Los 33, trabajando en la cocina del restaurante.

Plaza de las Salesas, 9. Madrid los33.net Cuchillos parrilleros de fabricación artesanal, uno de los detalles en el servicio del restaurante Lana.

Ponzano, 59. Madrid restaurantelana.com

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https://sergat.com/sport-hotel-hermitage-

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OTRAS DIRECCIONES La Cabrera Velázquez, 61. Madrid lacabreramadrid.com Diputació, 239. Barcelona lacabrerabarcelona.com Bolsa, 9. Málaga lacabreramalaga.com La Dorita Pedro Muguruza, 1, dcha. Madrid. ladoritamadrid.es Charrúa Conde de Xiquena, 4. Madrid charruamadrid.com Mesaquince. The Brasa Club Muntaner, 189. Barcelona @mesaquince 9 Reinas Valencia, 267. Barcelona Sant Bonaventura, 3. Sant Cugat del Vallès. Barcelona nuevereinas.com

LAS PARRILLAS ARGENTINAS –Y TAMBIÉN LAS URUGUAYAS– siempre han sintonizado bien con la atávica pasión carnívora de los españoles.

El éxito de los asadores del Cono Sur en este país no es nuevo, como demuestra la trayectoria de El Cacique, El Viejo Almacén de Buenos Aires y otros pioneros que desde la década de 1970 han transportado a España el culto por las brasas rioplatense. Si bien durante décadas la oferta de estos restaurantes se asentó básicamente en los principios más tradicionales del repertorio parrillero –sustentado en la suculencia del célebre ‘asado’, con las viandas presentadas en su cortes más representativos (bife de chorizo, cuadril, vacío, entraña)–, en tiempos recientes los criterios de los embajadores de las culinarias argentina y uruguaya están experimentando una evidente transformación.

Entre los establecimientos de este género que hoy triunfan en la restauración española los hay que replican el modelo

de las parrillas de nuevo cuño que se han convertido en un referente de la cocina del fuego en su tierra de origen. Es el caso de La Cabrera –el asador pergeñado por Gastón Riveira, que actualmente tiene presencia en Colombia, los Estados Unidos y otros países, además de Madrid, Málaga y Barcelona– y La Dorita, el ‘bodegón’ porteño que desembarcó en la capital de España en 2024.

Parrillas en la élite culinaria

Aunque en el ámbito de estos nuevos templos de la carne con acento rioplatense también destacan emprendimientos de empresarios y cocineros sudamericanos establecidos en España.

Uno de los ejemplos más elocuentes es Lana, el restaurante de los hermanos Narváiz en Madrid, que en apenas tres años ha conseguido elevar el arte de la parrilla a la élite de la culinaria más excelsa. La pasión y el conocimiento que los Narváiz dedican al producto no tiene

parangón. Tanto en el terreno de las viandas como en el repertorio líquido. Uno de los fuertes de Lana es, justamente, su carta de vinos, consagrada exclusivamente a la viticultura argentina (Champagne es la única excepción), con una selección enciclopédica de más de un millar de referencias que respalda una apuesta audaz y única: no hay un solo vino español en la carta de este restaurante.

También en Madrid se asienta Piantao, otro de los restaurantes que más han contribuido a renovar la imagen de la parrilla argentina tradicional. Tras su original propuesta está Javier Brichetto, prodigio de la cocina de las brasas que se desempeñó como chef y asesor antes de concretar su propio proyecto, inaugurando el primer local de Piantao en el barrio de Legazpi en 2019. Posteriormente, abrió una nueva sucursal, próxima a la plaza de Alonso Martínez. Ambos locales responden al innovador concepto de ‘parrilla argentina gastronómica’, en el que no solo las carnes asadas tienen el protagonismo. En las singulares parrillas que Brichetto ha diseñado para Piantao, los vegetales y el pescado también adquieren un rol destacado.

Menos apabullante que la selección de Lana, los vinos que ofrece Piantao permiten descubrir la riqueza que alberga la actual viticultura argentina. Un rasgo que comparte Ceferino, uno de los últimos locales que se han sumado a la oferta de parrillas argentinas en Madrid. Este restaurante destaca igualmente por su preciso tratamiento de las carnes, algunas de las cuales se asan ‘en cruz’ –con una disposición vertical–, reproduciendo una técnica ancestral del asado argentino.

Barcelona cuenta con otros interesantes representantes de la culinaria argentina– como Mesaquince y 9 Reinas–, mientras que en Madrid el escenario parrillero se completa con establecimientos que se diferencian por su esencia uruguaya, como el estilizado Charrúa o Los 33, que introduce una visión más heterodoxa y creativa de la cocina del fuego que es tradición en aquel pequeño país.

WIN TER MOU CLU SKY TEM GOU ES A DIVE

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GATRONOMÍA

UN EQUIPO NACIDO PARA EL ÉXITO Seis restaurantes y siete estrellas Michelin son la carta de presentación de Marcos Granda, pero lo más importante es cómo se sienten los clientes cuando se sientan a la mesa. Ahí radica la excelencia.

TEXTO RICARDO BALBONTÍN FOTOGRAFÍA JACOBO MEDRANO

EL EQUIPO POR ENCIMA de las individualidades. Puede parecer una frase de entrenador de fútbol, pero en realidad estamos hablando de gastronomía, y del proyecto vital de Marcos Granda –que de joven, por cierto, jugó al fútbol antes de llegar a la gastronomía–, que ya se traduce en seis restaurantes y siete estrellas Michelin –dos de ellas en el Skina de Marbella, su primer espacio en este periplo por la excelencia en la mesa– y un triángulo creativo que le hace moverse permanentemente entre Andalucía, Madrid y su Asturias natal. Pero eso para Granda es lo de menos, está en su espíritu de hospitalidad que ha cultivado desde que dio los primeros pasos como sumiller. “Para que algo funcione, tiene que haber un trabajo en equipo y el conocimiento de la hospitalidad.

Por eso me gustan tanto los hoteles, porque se establece otro tipo de relación con la gastronomía”. Y Granda ahonda en su explicación: “Lo que más me llena es ver a mis equipos de trabajo organizados y comprobar cómo crecen personal y profesionalmente”.

Todo ello es determinante a la hora de analizar cada uno de los restaurantes que

integran su visión de la gastronomía. “Primero lo creo en mi cabeza, pero hasta que no cuento con el equipo de trabajo no me involucro en otro proyecto. Como dice uno de mis socios, ‘primero caminar para luego correr con fuerza’”.

Esa gestión de los equipos es clave para un Marcos Granda, al que le “ha costado mucho delegar. Cuando empecé, con 28 años, me perdí bodas, bautizos y comuniones porque no era capaz de dejar repasar ni una copa... hasta que me di cuenta de que eso no era lo que tenía que hacer. Y sobre todo porque lo que me gusta son las relaciones personales. Esa motivación es la que me hace estar en continuo movimiento y solo puedes hacerlo si tienes gente capaz a tu alrededor”.

Inevitablemente, eso conduce a la formación de los equipos: “Es la base de todo conocimiento; sin formación no hay emoción. Por eso, hacemos mucho coaching con los equipos”. A Marcos Granda, cuando habla de su trabajo, al frente de este proyecto se le percibe esa satisfacción del que cree firmemente en lo que hace, y al que no le importa tener que estar en continuo movi-

En la página siguiente, Marcos Granda posa para Gentleman en el restaurante Toki, de cocina japonesa (Calle de Sagasta, 28. Madrid).

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GATRONOMÍA

El pasado como sumiller de Marcos Granda se percibe en la selección de los vinos de cada uno de sus restaurantes.

Las imágenes corresponden a la bodega del Toki.

miento, tal vez porque la sala –su formación de sumiller le permitió trabajar en escenarios como El Bulli antes de independizarse– es una excelente escuela: “El camarero lleva en el ADN algo importante, que es servir felicidad. Soy muy generoso en todo lo que hago y no solo en las cosas materiales”.

Algo que se traduce en un continuo ir y venir por sus restaurantes, y cuando se le pregunta cómo lo gestiona, responde: “Predicando con el ejemplo; rara vez me verás en mis restaurantes comiendo; siempre estoy echando una mano. Un líder tiene que ser capaz de sacar el máximo rendimiento a su equipo en base a su ejemplo”. Y lo ha conseguido: “Todos debemos estar orgullosos porque estamos haciendo algo único. Nos encontramos en la élite, donde cada restaurante tiene su propia identidad y ofrece el

valor de las experiencias, pero no olvidemos que estamos en un continuo aprendizaje”.

Un no parar que, sin embargo, no le impide hacer un análisis de la gastronomía y de su momento actual: “Creo que este mundo es muy competitivo, con muchos egos, y muchas veces mal entendido. Yo pretendo situarme en el centro, sumando, porque al final tengo una visión que me diferencia un poco de los chefs al provenir del mundo de la sala, donde estás en contacto con el cliente final. Lo que no ofrece lugar a dudas es que hemos avanzado mucho, que hay que nombrar a los grandes por supuesto, como Martín Berasategui, Juan Mari Arzak o Ferran Adrià, porque ellos abrieron el camino a la gente joven como nosotros y a que la gastronomía española se haya convertido en una potencia a nivel mundial”.

En este reconocimiento, Granda hace un punto y aparte a la ciudad de Madrid.

“Soy afortunado de contar con los restaurantes que tengo en Madrid, porque nos ha dado mucho”. Pero va más allá en su análisis: “Vivimos un buen momento gastronómico, disfrutémoslo. Hay una oferta increíble, por encima de Londres y París, pero con ese concepto de ciudad hospitalaria y una relación calidad/precio muy buena”.

Para Marcos Granda el futuro pasa por “la tercera estrella Michelin (para el Skina). Es un sueño que vamos a materializar, no sé cuándo, pero confío plenamente en el equipo. Sin obsesionarnos, sin que nos quite el sueño. Y en segundo lugar, la internacionalización de la marca: abrir en Europa y quizás sea un gran restaurante en un hotel. En Francia, por supuesto”.

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De izquierda a derecha y de arriba abajo: Elegante balcón, con vistas a la ciudad, de una de las habitaciones; el edificio del hotel, a pocos pasos de la plaza Prešeren; sus amplias estancias combinan el art nouveau con el máximo confort; e imagen de la piscina interior.

SLOW TRAVEL EN LIUBLIANA El Grand Hotel Union Eurostars, en un edificio histórico del centro de la capital eslovena, se ofrece como la base desde la que explorar sin prisas una ciudad que cautiva al instante.

LIUBLIANA ES UNA DE ESAS CIUDADES que cautivan. Con su armoniosa mezcla de historia, cultura y modernidad, la capital de Eslovenia es un destino imprescindible para quienes buscan el encanto de una urbe europea sin las aglomeraciones tan habituales en otras capitales. Calles adoquinadas, arquitectura art nouveau y un vibrante universo cultural conviven con la tranquilidad a orillas del río Ljubljanica y su oferta de terrazas y cafés que invitan a detenerse y disfrutar del momento.

Desde el emblemático Grand Hotel Union Eurostars, un establecimiento

centenario en el corazón de Liubliana, es fácil conectar con el espíritu de esta ciudad. Sus elegantes balcones con vistas, los detalles de sus salones y otras sorpresas como su espectacular piscina interior, lo convierten en un alojamiento excepcional. Inaugurado en 1905 en un edificio de estilo art nouveau, ha acogido a célebres figuras como la Reina Isabel II, Bill Clinton o el Dalai Lama. Uno de sus rincones más especiales es la Kavarna Union, una elegante cafetería con más de un siglo de historia que ha sido punto de encuentro de artistas e intelectuales eslovenos y hoy es parada

imprescindible para degustar tartas de la repostería tradicional o adentrarse en el mundo de los vinos eslovenos.

El Grand Hotel Union Eurostars es la base para recorrer Liubliana como merece, sin prisa: su centro histórico, un auténtico museo al aire libre; el castillo, que domina la ciudad desde las alturas; el Puente de los Dragones; la Plaza Prešeren; el Mercado Central... Liubliana desborda, además, cultura, con festivales, conciertos y exposiciones a lo largo del año, y una vida nocturna que tampoco decepciona, con bares con música o coctelerías. J. Parra

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VIAJES

BELLEZA INDÓMITA Las Islas Feroe son un testimonio de la fuerza de la naturaleza. Vientos implacables, acantilados infinitos y paisajes primitivos definen un archipiélago que se mantiene intacto y desafiante.

TEXTO Y FOTOGRAFÍA FÉLIX LORENZO

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Vista panorámica de la isla de Eysturoy, con el pintoresco pueblecito de Gjögv junto al mar.

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SON POCOS, SEGURAMENTE, LOS QUE PODRÍAN SITUAR EN UN MAPA este archipiélago en medio del Atlántico –en un punto casi equidistante entre Reino Unido, Noruega e Islandia–. Un puñado de pequeñas islas volcánicas intactas, de naturaleza exuberante y paisajes de belleza dramática, con carreteras que discurren a través de profundos fiordos hacia pintorescos puertos pesqueros. El conjunto de las Feroe está formado por 18 islas de origen volcánico, de las cuales tan solo una de ellas se encuentra sin habitar. Su población ronda los 45.000 habitantes, frente a los más de 80.000 corderos que pastan en sus prados.

De ahí su nombre original, Føroyar, cuyo significado traducido al idioma nativo feroés es Islas de Corderos.

Sus pueblecitos de cuento, con sus características casitas de madera, ofrecen una imagen de postal. Si hay un rasgo que

define la arquitectura rural de las Feroe son los tejados a dos aguas cubiertos de hierba. Además de resguardar las viviendas del viento y la humedad, aportan color al paisaje según el momento del año: marrón en otoño, blanco en invierno y verde intenso en primavera y verano.

Están en todas partes, como en el bonito pueblo de Gjógv, en la isla de Eysturoy.

Pocos lugares del planeta poseen una belleza tan salvaje e intacta como la de estas islas. Con oscuros acantilados, extensos prados de un verde intenso, cascadas de postal, lagos y aguas de azul profundo.

El viento sopla fuerte en este territorio, por eso no hay árboles. Y la lluvia es abundante. Con cambios bruscos de temperatura, la mejor época para viajar son los meses de verano, aunque en invierno se pueden ver las evasivas auroras boreales.

Tórshavn, en la isla de Streymoy, es la capital más pequeña del mundo, con

Sobre estas líneas: La niebla envuelve el emblemático Mykines Holmur Lighthouse, situado al borde del acantilado.

En la página anterior: La imagen más reconocible de las islas Feroe: la cascada de Gasádalur.

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Junto a estas líneas: Vista, a la llegada en barco, del pequeño puerto de la isla de Nosloy.

En la página anterior, de izquierda a derecha y de arriba abajo: Casas tradicionales con tejados de césped, con el islote de Tindhólmur al fondo; barco pesquero en el puerto de Klaksvik, en la isla de Bordoy; vista desde el interior de un café en la isla de Nolsoy, y callejuela en el centro histórico de Tórshavn, la capital de las Islas Feroe.

dos calles principales. En su puerto encontramos restaurantes con una extensa carta con el pescado como principal elemento.

Algunos de ellos están ubicados en antiguas casas tradicionales a las que se accede a través de callejuelas.

Desde la capital, un túnel excavado bajo el mar conduce hacia la isla de Vágar, donde se encuentra el que es, sin duda, uno de los puntos de las Islas Feroe más fotografiados: la cascada de Gasaldur, a los pies del pintoresco pueblo que le da nombre. Tomando el ferry, que en apenas 20 minutos cruza el fiordo de Kalsoyarfjørður, llegamos a la isla de Kalsoy. En su punta norte se encuentra la diminuta aldea de Trøllanes y sus 20 habitantes. El nombre de este puerto de pescadores hace alusión a una antigua leyenda de

trolls, por lo que es fácil encontrarlos en la puerta de las casas custodiándolas.

Desde Trøllanes parte un sendero que bordea la montaña y conduce hasta el faro de Kallur, probablemente uno de los más fotografiados del mundo. Si la niebla y los fuertes vientos lo permiten, lo que no ocurre siempre por estos lares, es posible continuar por un estrecho despeñadero hasta el final del cabo, el mejor punto para contemplar el impresionante acantilado que secciona la montaña por la mitad.

Tal vez fue precisamente por esos paisajes insondables en el corazón del Océano Atlántico por lo que la isla de Kalsoy fue la elegida para que el agente 007 encontrase la muerte en su última entrega, Sin tiempo para morir. De hecho, una lápida ficticia conmemora el lugar

donde termina la leyenda de James Bond.

Como cabía esperar, el lugar se ha convertido en un reclamo turístico propicio para tomarse un selfie.

Sin duda, otro de los atractivos para los aficionados a la fauna y la fotografía es la posibilidad de avistar frailecillos y pájaros bobo, y para ello no existe mejor lugar que el paraíso natural de Mykines, una isla perdida con un faro y tan solo 14 habitantes permanentes en su aldea principal. Para llegar, hay que emprender una excursión de un día tomando el ferry de la mañana que zarpa de Tórshavn y regresa al atardecer, tiempo suficiente para recorrer la isla y disfrutar de una estupenda jornada de naturaleza y paisaje y, con suerte, traernos unas hermosas imágenes de estos simpáticos pajarillos.

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De izquierda a derecha y de arriba abajo: El salón comedor del restaurante Le Palais, inspirado en el Palacio de Versalles; la terraza, de ambiente urbano a la vez que relajado; detalle de la espectacular arquitectura del edificio, e imagen de la Grand Suite.

HOTELES CON ALMA El Hotel One Shot Palacio Cedofeita, en Oporto, es el fiel reflejo de la filosofía de la firma: formar parte, desde su ubicación en edificios históricos y con encanto, de la experiencia del viajero.

ONE SHOT HOTELES tiene un propósito claro: formar parte de la experiencia del viajero; sumar a sus recuerdos y convertirse en el refugio al que apetece volver tras un día en la ciudad. Se trata de establecimientos boutique urbanos con una característica que los define: son hoteles con alma; espacios únicos que logran un equilibrio perfecto entre calma y creatividad, diseño y calidad.

Una de las señas de identidad de One Shot Hotels es su apuesta por el arte, apoyando desde sus inicios el talento local de artistas emergentes y

convirtiendo cada establecimiento en una galería en la que el arte no es solo un añadido decorativo, sino parte del ADN del hotel. Después de 12 años en el sector, One Shot Hotels ha decidido en 2025 dar un paso más, presentando una nueva imagen que sigue poniendo al huésped en el centro de su filosofía.

Ubicados en edificios con historia y encanto, un claro reflejo de esta esencia es el Hotel One Shot Palacio Cedofeita, en unas de las zonas más auténticas de la ciudad portuguesa de Oporto, conocida por su ambiente bohemio.

Con 72 habitaciones y suites, el hotel ocupa un palacio construido en 1885 en el que elementos originales como molduras, vidrieras, suelos de madera y artesonados se combinan con murales botánicos, textiles de inspiración francesa y mobiliario a medida. El hotel cuenta con el restaurante Le Palais, en un comedor inspirado en el palacio de Versalles y en el que degustar la cocina del chef Paulo Oliveira, elaborada con productos frescos y de proximidad, junto a una cuidada carta de vinos del país. oneshothotels.com J. Parra

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De izquierda a derecha y de arriba abajo: Parte trasera, con el ‘Nº8’ que define la nueva nomenclatura; imagen del interior de diseño con calidades premium; la estilizada y aerodinámica silueta; su impresionante firma luminosa; y detalle de ambiente en el habitáculo.

FICHA TÉCNICA DS Nº8 Motorización: 100% eléctrico + Potencia: 230 CV, 245 CV y 350 CV, según modelo + Autonomía: más de 500 km en autovía a 750 km (WLTP) + Aceleración de 0 a 100 km/h: de 5,4 a 7,7 segundos + Velocidad máxima: 190 km/h

UN ESPACIO PARA LA SERENIDAD DS convierte el nuevo DS Nº8 en su coche más emblemático. El primero 100% eléctrico de la marca, redefine los conceptos de confort y eleva la conducción a otra dimensión.

EL DS Nº8 ES EL NUEVO BUQUE INSIGNIA DE DS AUTOMOBILES. Incluso estrena nomenclatura, con ese ‘Nº’ –que no estaba en los anteriores DS 3, DS 4, DS 7 y DS 9– como símbolo de elegancia y atemporalidad, reflejado también en la parte trasera del coche, y que continuará en las futuras creaciones. Es, además, el primer modelo 100% eléctrico de DS. Toda una declaración de intenciones sobre lo que viene. En la marca dicen que el Nº8 es “el más sereno de los coches eléctricos”. Y sus características lo confirman. Con un diseño carismático y elegante y una calidad impecable, este espectacular D SUV Coupé redefine los estándares de confort y refleja un nuevo arte francés de viajar, con la búsqueda en cada detalle de la más eficiente aerodinámica (Cx 0,24).

Su potencia va de los 230 CV a los 350 CV según los modelos, lo que permite una aceleración de 0 a 100 km/h en 5,4 segundos y una velocidad máxima limitada de 190 km/h; su autonomía, además, puede llegar a los 750 km (WLTP) pudiendo alcanzar los 909 km urbanos. Con un sistema de amortiguación variable (DS SCAN SUSPENSION) conectado a unav cámara frontal; un avanzado sistema de head-up display proyectado en el parabrisas; retrovisor digital; la posibilidad de acompañar los acabados interiores con diversos estilos y materiales nobles de máxima calidad y un conjunto de sistemas tecnológicos de ayuda a la conducción de última generación, el DS Nº8 representa, sin duda, otra forma de viajar. dsautomobiles.es J. Parra

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MOTOR

Sobre estas páginas: La investigación de nuevos materiales es una de las prioridades de la CUPRA Design House. En la imagen, sneakers realizadas con una impresora 3D. En la página siguiente: Algunas de las muestras de la apuesta de CUPRA por la innovación en el diseño: conjunto de maletas Harper Collectiv x CUPRA; tejido adaptativo aplicado a prendas; detalle de la CUPRA Sensorial Capsule, una instalación inmersiva presentada en la Milan Design Week; y la CUPRA Design Chair.

REDEFINIENDO EL MUNDO CUPRA anuncia la creación de la CUPRA Design House: una laboratorio de ideas para explorar los límites del diseño y llevarlo a nuevos territorios más allá del automóvil.

EL DISEÑO SIEMPRE HA SIDO EL CORAZÓN QUE LATE EN CUPRA, el hilo que une cada creación, cada innovación y cada experiencia. El siguiente paso en este viaje es la creación de la CUPRA Design House, un espacio donde la firma puede explorar los límites del diseño y la innovación en su constante búsqueda para desafiar lo convencional y crear lo inesperado.

El escenario elegido para la presentación de esta iniciativa, la Milan Design Week 2025, es toda una declaración de intenciones. La CUPRA Design

House pretende llevar el estilo disruptivo de la marca a nuevos territorios, a través de colaboraciones creativas y la exploración de nuevas tecnologías de fabricación y materiales, junto a una estética de vanguardia, para crear experiencias inmersivas y conectadas. Construida en torno a tres pilares, CUPRA Collection, CUPRA Collabs y CUPRA Beyond, la CUPRA Design House representa un nuevo capítulo para la marca, impulsado por la pasión y alimentado por la obsesión de emplear el diseño en la creación de algo verdaderamente único. J. Parra

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COMPARTIR LA HISTORIA Breguet celebra 250 años recreando en versión de pulsera uno de los modelos más sencillos y, al mismo tiempo, llamativos del espíritu de su fundador, el reloj de ‘Souscription’.

TEXTO RICARDO BALBONTÍN

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EL ESPÍRITU CREATIVO DE ABRAHAM-LOUIS BREGUET no solo se centró en las innovaciones relojeras; también en la forma de comercializarlas. Ese es el punto de partida del reloj de ‘Souscription’, que aparece ya en 1796 en los registros de venta de Breguet. Si un cliente deseaba adquirir un reloj de este tipo, debía abonar una cuarta parte de su precio, que iba destinado a adquirir los suministros

necesarios para fabricar el reloj. De arquitectura sencilla, tanto estética como mecánicamente, solo contaba con una aguja en su esfera de esmalte blanco. Ahora, aquella creación de bolsillo toma forma de reloj de pulsera para celebrar los 250 años de la firma: el Classique Souscription 2025.

Además de su esfera en esmalte grand feu, llama la atención la aguja Breguet de acero ahuecada, flameada

y curvada a mano que se desplaza sobre el chemin de fer circular con su sectorización que indica las horas y las marcas de 5, 10, 15 y 30 minutos.

Otro elemento distintivo se halla en la caja. De 40 mm, Breguet introduce su propia aleación de oro que combina oro, plata, cobre y paladio. El fondo de la caja permite visualizar el calibre VS00 de cuerda manual, que ofrece una autonomía de cuatro días.

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LOS LÍMITES DE LA REALIDAD Bvlgari ha hecho de los relojes ultraplanos uno de sus elementos distintivos.

Ahora vuelve a marcar un nuevo registro con el Octo Finissimo Ultra Tourbillon.

TEXTO R. B.

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Conseguir este nuevo récord de delgadez ha supuesto un notable trabajo para los equipos de I+D de Bvlgari y ha requerido de cambios en los procesos y técnicas aplicadas a la construcción del reloj.

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BVLGARI DEBUTABA EN WATCHES & WONDERS y no defraudó al presentar un nuevo récord de delgadez con el Octo Finissimo Ultra Tourbillon, décimo récord al integrar un tourbillon esqueleto en el movimiento de un reloj con un grosor total de 1,85 mm de alto. El tourbillon ocupa un lugar especial en Bvlgari: fue el Octo Finissimo Tourbillon el que lanzó esa apuesta por la delgadez en 2014, poniendo en marcha una década que ha conducido a diez récords mundiales y más de 60 premios internacionales, incluido el Grand Prix d’Horlogerie de Genève (GPHG).

Además, en esta pieza Bvlgari ha llevado la esqueletización a otro nivel, creando contrastes con técnicas decorativas contemporáneas: la pendiente pulida de la brida del bisel, el equilibrio del tourbillon rodiado y los bloques de inercia, y el puente del tourbillon rodiado con acabado sunburst. El nuevo Octo Finissimo Ultra Tourbillon consigue todo esto en una caja de 40 mm de diámetro y está impulsado por el calibre BVF 900. Mecánico de cuerda manual, late a 28.800 vibraciones por hora (4 Hz) y ofrece una reserva de marcha de 42 horas.

El sello distintivo de esta nueva creación es su platina principal de carburo de tungsteno que alberga el movimiento mecánico. Además, presenta un bisel, un centro de caja y asas elaborados en titanio microgranallado.

Las dos ‘coronas’ planas, cada una sobresaliendo ligeramente del lado de la caja, a la izquierda (8 en punto) para dar cuerda al mecanismo y a la

A la izquierda: Anverso y reverso del nuevo Octo Finissimo Ultra Tourbillon.

A la derecha: Bvlgari lo ha vuelto a lograr; diez años de trabajo alrededor de los relojes ultraplanos y otros tantos récords. El resultado en esta ocasión es un tourbillon alojado en una caja de 1,85 mm de grosor.

derecha (3 en punto) para ajustar la hora, están hechas de acero y graneado circular; asimismo, el trinquete, adornado con decoraciones geométricas grabadas, está hecho de acero graneado circular. Para una legibilidad óptima, la esfera de las horas cuenta con agujas de horas y minutos rodiadas con un revestimiento de antracita DLC. Complementando a la perfección el reloj, el brazalete integrado de titanio microgranallado refleja su estética ultradelgada, midiendo solo 1,5 mm de grosor, incluido el cierre plegable.

Este proyecto implicó la revisión de los fundamentos tradicionales para diseñar un reloj en dos dimensiones en lugar de tres. Para superar el desafío, los equipos de I+D de Bvlgari crearon nuevos procesos y técnicas, asegurando ocho patentes específicas que cubren innovaciones como la pantalla diferencial, el diseño integrado del centro de la caja y la placa, el fondo de la caja bimaterial, un nuevo método de montaje de cristal, una nueva estructura de barril, el módulo oscilador, la construcción modular y el diseño del brazalete.

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UNA EVOLUCIÓN RESPETUOSA El Carrera Day-Date de TAG Heuer presenta una nueva imagen, pero sin perder esa personalidad que ha marcado toda su historia.

EL NUEVO CARRERA DAY-DATE DE TAG HEUER, con seis nuevos modelos, vuelve a mostrar su habilidad para combinar tradición y modernidad, incorporando mejoras como el movimiento de manufactura, una estética refinada y una gama ampliada de opciones.

TAG Heuer garantiza así que haya un modelo para cada ocasión y preferencia. Las esferas, con su diseño tridimensional, le dan a cada pieza una diferente personalidad, partiendo del color azul y transitando por la esfera opalina roja ahumada, la opalina negra y un modelo con esfera granulada negra y aguja central lacada en rojo. Hay que destacar también el Date Twin-Time con su esfera cepillada, rayos de sol en verde azulado y aguja GMT con punta roja. El nuevo Day-Date está impulsado por el calibre de manufactura TH31. El TH31-02 y el TH31-03 (doble huso), desarrollados en colaboración con AMT y producidos para TAG Heuer, ofrecen 80 horas de autonomía. R. B.

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En la página siguiente: Alberto Magliola, director General y Comercial en Citizen Watch Ibérica.

Junto a estas líneas: Publicidad de una de las creaciones Citizen; con el Eco-Drive, a su izquierda, la firma japonesa ha convertido tener un reloj en un ejercicio asequible en el precio pero con una alta calidad.

HONESTIDAD CON CARÁCTER Citizen tiene historia... y todo un potencial por descubrir. Pero lo más importante es la calidad que procura en cada uno de los productos que imagina.

TEXTO RICARDO BALBONTÍN

LLEVA MÁS DE UN SIGLO creando productos marcados por la innovación, por ofrecer soluciones tan avanzadas como eficaces en la tecnología del cuarzo, de las baterías solares, el radio control –sin olvidar los calibres mecánicos, con su estandarte Miyota– o de materiales como el titanio. Pero no solo eso: Citizen es la cuarta compañía del mundo si se tienen en cuenta todas sus líneas de trabajo. Sin embargo, como dice Alberto Magliola, director general y comercial en Citizen Watch Ibérica, “Citizen sigue siendo una gran desconocida en España”.

Para entenderlo, hay un primer apunte importante y es que “en España hay marcas locales en el mismo rango de competencia que Citizen, algo que por ejemplo no ocurre en Italia, donde el público conoce bien lo que la marca representa. Por tanto, el primer trabajo es que la gente conozca

lo que es y representa la marca frente a sus competidores reales, que no son otros que Tissot y Seiko”.

En esa carta de presentación, hay un detalle importante y es que los rangos de precio en los que se mueve la compañía japonesa “van de los 139 euros de un Eco-Drive a los 700 para un Radio-Control o un Super Titanio”.

Algo que Magliola resume en dos palabras: calidad/precio. “Nadie da un producto de tanta calidad con estos precios; nuestros competidores están por encima y no hay que olvidar que ofrecemos productos que tienen como principio creativo la innovación. Por ejemplo, en la tecnología de batería solar llevamos trabajando 40 años y hemos conseguido evolucionar hacia productos cada vez más fiables. De hecho, el Eco-Drive solo pierde pasados 8-10 años un 20% de su carga. Pero no solo, fuimos también pioneros en otra

tecnología como es el radio control. Y si hablamos de movimientos mecánicos, los Series 8 son de lo mejor que hay en el mercado y con esa relación calidad/precio de la que hablamos”.

Si hubiera que definir la filosofía de Citizen, además de la independencia que siempre han procurado, “hay que apuntar la honestidad y el respeto por el trabajo de los demás. Citizen es una marca fuerte, con personalidad y carácter, que a nivel de modelaje es un auténtico crack”... y también con un recorrido de futuro que augura un crecimiento mayor que el de sus competidores: “Tenemos –apunta Magliola– un potencial de crecimiento en el cliente femenino, porque de cada 100 relojes que vendemos solo 12 los compran mujeres. En España se ha crecido mucho en ventas los últimos años, pero todavía queda un largo camino”.

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Arriba: El color verde de la esfera es idéntico al que muestra en el bisel bicolor, lo que hace que el impacto visual sea todavía más intenso.

En la otra página: Este nuevo GMTMaster II se ofrece con un brazalete Oyster provisto de un cierre de seguridad Oysterlock. Además, como todos los relojes Rolex tiene el certificado de Cronómetro Superlativo.

EL BRILLO DE LA CERÁMICA Por primera vez, el Oyster Perpetual GMT-Master II de Rolex luce una esfera realizada en Cerachrom. La apuesta, además, es por un tono verde que combina con el bisel.

TEXTO RICARDO BALBONTÍN

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EN ORO BLANCO, PERO CON UN DETALLE INÉDITO EN LA ESFERA. Es así como se presenta este Oyster Perpetual GMT-Master II, que introduce por primera vez el Cerachrom en la esfera de esta creación. Lo hace en un intenso tono verde que destaca junto a la corona de cuerda en el lado izquierdo de la caja. La esfera Cerachrom ha sido elaborada siguiendo el mismo principio que las de piedra natural, es decir, un disco de material fijado sobre una base de latón, y muestra un tono verde idéntico al de la mitad inferior del disco del bisel verde y negro. El GMT-Master II está equipado con el calibre 3285, un movimiento que permite mostrar la fecha y un segundo huso horario con formato 24 horas además de las horas, los minutos y los segundos. Lanzado en 2018, este movimiento de cuerda automática cuenta con el escape Chronergy patentado y resistente a los campos magnéticos de alta intensidad. También consta de la espiral Parachrom azul fabricada por Rolex en una aleación paramagnética y el oscilador está montado sobre amortiguadores de golpes Paraflex.

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Junto a estas líneas: La versión del Big Bang One Click Joyful de Hublot con el bisel engastado con zafiros rosas y, por supuesto, los característicos tornillos que definen a la línea.

En la otra página: El resto de las creaciones que integran esta nueva línea declinada en 33 mm de diámetro y que llama la atención no solo por la intensidad de las piedras, sino también por el juego que realizan con la pulsera de caucho del mismo color.

ESE PUNTO DE OSADÍA Hublot es reconocida por su atrevimiento para encarar el diseño de sus colecciones. El último ejemplo se viste de reloj femenino y responde al nombre de Big Bang One Click Joyful.

TEXTO RICARDO BALBONTÍN

CINCO COLORES DIFERENTES y otras tantas piedras de colores a juego componen una particular paleta que se manifiesta en cinco nuevas referencias del Big Bang One Click en 33 mm de Hublot, que recibe el apelativo de Joyful y que adopta los llamativos tonos utilizados en algunos de los primeros modelos Big Bang de la primera década del siglo.

Cada reloj Big Bang One Click Joyful ofrece un color distinto, que se extiende desde las piedras preciosas del bisel hasta el flexible caucho coloreado de las correas: espinelas

rojas, zafiros naranjas, zafiros rosas, topacios azules y tsavoritas para la verde se encargan de dar ese toque brillante a la creación. El engaste de los biseles es un proceso arduo que requiere encontrar piedras preciosas con características similares de calidad, color y tamaño, tallarlas y pulirlas antes de engarzarlas.

El Big Bang One Click Joyful cuenta con una esfera blanca brillante, adornada con números arábigos que se alternan con índices aplicados para marcar las horas, como es característico en el Big Bang. En el

interior, el movimiento automático HUB1120, con 40 horas de autonomía.

Cada uno de los cinco modelos Big Bang One Click Joyful luce una correa de caucho cuyo diseño está marcado por una línea blanca que prolonga los elementos de composite de la caja y realza la construcción en capas del Big Bang, a lo que se suma el inserto central de caucho del mismo color que las piedras preciosas.

Se incluye una segunda correa en un tono más intenso del mismo color, que puede intercambiarse fácilmente. mediante el sistema One Click.

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UNA HISTORIA BRILLANTE La joyería Quera, nacida hace 138 años en Girona, se consolida como un referente en el sector con boutiques en Alicante, San Sebastián y Málaga y la confianza de las grandes firmas internacionales.

TEXTO MARÍA ROSA

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En la página anterior y a la izquierda de estas líneas: Entrada de la boutique de Quera en Málaga; y fachada exterior del espectacular edificio que acoge la de San Sebastián.

En esta página, de arriba abajo: Exterior de Quera en Girona, donde nació en 1887, e imagen del interior de la boutique de San Sebastián.

CASI 138 AÑOS DESPUÉS DE SU PRIMERA APERTURA en el casco antiguo de Girona, la joyería Quera, en manos ahora de la sexta generación familiar, es protagonista de una historia de éxito que no para de crecer, con aperturas de nuevas boutiques y ampliaciones de las ya existentes en diversas ciudades del país cuidadosamente seleccionadas como referentes culturales, gastronómicos y de prestigio y vanguardia.

En 2016, Quera comenzó su expansión con la apertura de una boutique en Alicante. Un proceso arriesgado pero que marcó el inicio de la nueva era de la joyería gerundense. El éxito ha sido tal que en solo ocho años ha sido necesario un cambio de ubica-

ción para ocupar un espacio cinco veces mayor en el centro de la ciudad.

La ampliación ha permitido complementar la oferta de joyería y relojería y, al mismo tiempo, dar más visibilidad a las grandes marcas que ya había, como Rolex, Patek Philippe o Cartier.

Es, sin duda, la principal referencia de joyería y relojería de toda la Comunidad Valenciana.

El mismo 2024 fue un año clave para el desarrollo de la marca, cuando, además del traslado de la boutique de Alicante, se abrieron otras dos, en San Sebastián y Málaga. La boutique de la capital donostiarra es el mayor espacio dedicado al sector en el País Vasco y se sitúa en el corazón de la ciudad, en un edifico histórico de es-

pectacular arquitectura. La de Málaga, por su parte, en la calle más exclusiva de compras, Marqués de Larios, ocupa un chaflán e igualmente conserva la arquitectura exterior del majestuoso edificio.

Junto a estos espacios, son la vocación de servicio y la atención a los detalles los valores que constituyen, sin duda, el motor que ha permitido la consolidación de la marca, refrendada, además, no solo por una cuidada apuesta por las colecciones propias, sino también por la confianza depositada en Quera por parte de las mejores firmas de relojería suiza y joyería internacional, que confían en esta empresa familiar como distribuidor de sus exclusivos productos.

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ENTRE EL CIELO Y LA TIERRA Les Cabinotiers Solaria Ultra Grand Complication – La Première no es solo una pieza creada por Vacheron Constantin para celebrar su 270 aniversario, es el mejor resumen de sus capacidades.

TEXTO RICARDO BALBONTÍN

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En la página anterior: Detalles de algunas de las complicaciones que integran esta creación de Vacheron Constantin.

Junto a estas líneas: La hora sideral se muestra en el reverso del reloj. Con una duración de 23 horas, 56 minutos y 4 segundos, es el tiempo que tarda la Tierra en completar una rotación de 360° alrededor de una estrella fija en la bóveda celeste.

CINCO FUNCIONES ASTRONÓMICAS nunca antes conjugadas, calendario perpetuo, fases lunares y medición de las mareas, indicación GMT y hora mundial… son algunas de la 41 complicaciones de esta pieza única con la que Vacheron Constantin celebra su aniversario –270 años de vida ininterrumpida– y que responde al nombre de Les Cabinotiers Solaria Ultra Grand Complication – La Première. Además,

se han solicitado 13 patentes y se han invertido ocho años de investigación y desarrollo.

Con 1.521 componentes, el nuevo Calibre 3655 es una proeza de miniaturización, pues se aloja en una caja de oro blanco de 45 mm de diámetro y un grosor de tan solo 14,99 mm.

Este movimiento se ha diseñado de forma que pueda mostrar simultáneamente la hora civil, solar y sideral, con

un engranaje específico para cada una de ellas. Respecto a las cinco complicaciones astronómicas, decir que es una combinación inédita que cuenta además con una primicia mundial: la identificación temporal de los objetos celestes, complicación que se muestra en el reverso del reloj. Las otras cuatro (posición, altura, culminación y declinación del Sol) se visualizan en la parte delantera del reloj.

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Junto a estas líneas: La versión con esfera Ref. 7340/1R-001, que incorpora una esfera plateada con doble satinado vertical y horizontal que evoca los tejidos de seda salvaje. Otro detalle llamativo se encuentra en el brazalete: de oro rosa, cuenta con cierre desplegable patentado. de oro rosa.

Debajo: Vista del calibre 240 Q extraplano de cuerda automática, un movimiento en el que sobresale el micro rotor descentrado realizado en oro de 22 quilates. A pesar de la complicación relojera, la caja de este Twenty~4 no se ha visto alterada.

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SIEMPRE HAY UNA PRIMERA VEZ El Twenty~4 redondo de Patek Philippe incorpora el calendario perpetuo para estrenarse en el universo de las complicaciones. Por supuesto, sin renunciar a conservar sus comedidas dimensiones.

TEXTO RICARDO BALBONTÍN

WATCHES & WONDERS ha sido testigo del trabajo realizado por Patek Philippe y que se traduce en 15 nuevas propuestas, donde además las complicaciones relojeras son parte importante de su discurso.

Dentro de esta excelencia mecánica, quizás la sorpresa la protagoniza la colección Twenty~4 que, por primera vez, presenta una complicación, un calendario perpetuo.

Una acción inédita en esta línea que está impulsada por el calibre 240 Q extraplano de cuerda automática.

Con 27,5 mm de diámetro y un

espesor de solo 3,88 mm, cuenta con 275 componentes y late a una frecuencia de 21.600 alt/h (3Hz). Por lo que respecta a la reserva de marcha, ofrece un máximo de 48 horas. La incorporación de este movimiento no ha afectado a las dimensiones de la caja, que conserva su perfil fino –tiene un grosor de 9,95 mm– y elegante.

Las indicaciones del calendario se visualizan en tres esferas auxiliares mediante agujas, incluidos los años bisiestos y la indicación 24 horas. Por lo que respecta a las fases de luna, se muestran a través de ventanilla.

Primer modelo Twenty~4 redondo sin engaste, este calendario perpetuo se presenta en dos versiones de oro rosa y con un mismo diámetro de 36 mm: la referencia 7340/1R-001, que incorpora una esfera plateada con doble satinado vertical y horizontal que evoca los tejidos de seda salvaje shantung, y la referencia 7340/1R-010 con esfera verde oliva soleil. La caja es estanca hasta 30 metros y cuenta con fondo de cristal de zafiro que permite visualizar el movimiento con su masa oscilante en forma de micro rotor descentrado de oro de 22 quilates.

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AGENDA NACIONAL

PROPUESTAS CULTURALES EN TODOS LOS RINCONES DEL PAÍS

Municipal Cádiz 2012, exhibe más de 70 ilustraciones de Arturo Redondo Paz, entre las que se incluyen cuatro grandes láminas de recreación histórica de las ciudades de Cádiz, Sanlúcar y Sevilla y de la bahía de Cádiz.

casadeiberoamerica.es

Zurbarán. Barcelona

Los peligros que acechan al Mediterráneo y los venenos naturales conviven con obras de Zurbarán y de artistas digitales.

tres versiones que el artista extremeño Francisco de Zurbarán (1598-1664) realizó de la obra San Francisco de Asís según la visión del papa Nicolás V, considerada una de sus creaciones cumbres. Para concretar el hecho, a la pieza que forma parte del acervo del Museu Nacional d'Art de Catalunya se unen los préstamos del Musée des Beaux Arts de Lyon y el Museum of Fine Arts de Boston.

La exposición se completa con más obras del pintor y con otras de artistas contemporáneos por él influenciados. museunacional.cat

TEXTO LUIS INI

Especies marinas. Barcelona BARCELONA

Planta project. Balaguer (Lleida) BALAGUER

ESPECIES INVASORAS MARINAS

PLANTA

Hasta el 8 de junio. Museo Marítimo.

Permanente. Fundació Sorigué.

Esta exposición busca poner de relieve el peligro que enfrenta el mar Mediterráneo ante la introducción de especies ajenas a su entorno. Según se asegura, después de la acción humana, es la segunda causa de pérdida de biodiversidad marina. La propuesta es una reflexión sobre qué es una especie invasora y cuáles son sus principales vías de introducción. Por ejemplo, el último punto se desvela con las especies que ingresan al ámbito marino por el canal de Suez y el estrecho de Gibraltar, aunque no es el único elemento a tener en cuenta. mmb.cat

Ubicado en la provincia catalana de Lleida, este proyecto propone el despliegue de diversas obras de arte en un entorno a la vez natural e industrial, en el que todavía funciona una cantera y que además tiene un centro de mineralogía que versa sobre los procesos geológicos. Entre las obras presentadas en esta "red de colaboración entre artistas e instituciones" se encuentra una instalación de videoarte de Bill Viola; otra de William Kentridge; dos esculturas monumentales de Antonio López; una instalación escultórica de Juan Muñoz, con varias de sus obras expuestas en el Kiefer Pavilion del recinto, y pinturas de gran formato del artista Anselm Kiefer. plantaproject.com

ZURBARÁN (SOBRE) NATURAL Hasta el 29 de junio. MNAC. Primera vez que se reúnen las

Cádiz 1812. Cádiz CÁDIZ

CÁDIZ 1812. LA CIUDAD ILUSTRADA Hasta 21 de junio.

Casa de Iberoamérica.

Exposición que refiere la ciudad andaluza en tiempos de la redacción de la Constitución de 1812, una de las primeras liberales de Europa, llamada la Pepa porque se aprobó el 19 de marzo, día de San José. Abarca desde el traslado de la Casa de Contratación hasta la invasión francesa y la batalla del Trocadero. Organizada por la Sociedad

Louis Stettner. Gijón GIJÓN

LOUIS STETTNER

Hasta el 8 de junio.

Centro de Cultura Antiguo Instituto.

El fotógrafo estadounidense Louis Stettner (1922–2016) es homenajeado en la presentada como mayor retrospectiva realizada sobre su carrera. Se trata de más de 190 fotografías, entre ellas algunas imágenes inéditas y parte de su obra en color, en que se destacan elementos de la vida cotidiana y la arquitectura de Nueva York y París durante más de siete décadas. También sobresale un aspecto crucial de la mirada de Stettner, plasmado en el llamado Realismo Humanista, que se muestra sensible a la clase trabajadora y a los cambios culturales y arquitectónicos de ambas ciudades. gijon.es

MÁQUINAS DIGITALES. TECNOLOGÍA, INDUSTRIA, SOCIEDAD Hasta el 27 de septiembre.

LABoral Centro de Arte.

La exposición reúne 13 obras de artistas asturianos e internacionales que exploran las nuevas relaciones entre tecnología, industria y sociedad.

Entre las piezas presentadas está la ganadora del Premio S+T+ARTS de la Comisión Europea de innovación en ciencia

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ESCENA NOMBRES ILUSTRES Texto Natalia Erice

1 BARCELONA

UNA ESPECIE DE ALASKA Máquinas digitales. Gijón y tecnología impulsada desde las artes. A través de narrativas visuales, se examina el impacto de las máquinas digitales y qué alternativas tecnológicas existen.

También se muestra cómo han evolucionado los sistemas de cálculo, comunicación, clasificación y control desde el año 1500 hasta la actualidad.

Teatre Lliure, del 7 de mayo al 1 de junio.

Radiografías. Sevilla

Los mundos de Alicia. Madrid

curiosa mirada a los procesos de estudio y restauración de tallas y pinturas a partir de las radiografías realizadas sobre ellas con el fin de descubrir sus construcciones y afecciones íntimas y planear, en su caso, su restauración. En concreto, es el resumen de trabajos realizados en los últimos treinta años con rayos X sobre 49 bienes pertenecientes a una treintena de entidades, hermandades y cofradías. Entre las piezas analizadas se encuentran tallas de artistas del barroco como Juan de Mesa, Pedro Roldán, Juan Martínez Montañés, José de Mora o Juan Bautista Vázquez El Viejo, entre otros. iaph.es

MADRID

VALLADOLID

laboralcentrodearte.org

LOS MUNDOS DE ALICIA. SOÑAR EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS

Hasta el 3 de agosto. CaixaForum.

Exposición que propone una

museocienciavalladolid.es

LA IMAGEN REVELADA. EXPOSICIÓN DE RADIOGRAFÍAS.

MADRID

40º FESTIVAL MADRID EN DANZA Comunidad de Madrid, del 8 de mayo al 1 de junio.

Alcanza su madurez el festival que baila al son de las coreografías más innovadoras, un total de 25. Confluyen compañías referenciales de la danza contemporánea como los canadienses Marie Chouinard, que estrenan Magnificat, o la Compañía Nacional de Danza, que presenta #Incubatio-Circumambulatio, invitando a la desconexión de las redes. Sorprenden también los mallorquines UNAIUNA con su divertida Scroll, y las largas melenas de los lituanos Dovydas Strimaitis. madrid.org/madridendanza/2025

3 MADRID

LOS YUGOSLAVOS

Hasta el 13 de octubre.

Museo de la Ciencia.

Hasta el 30 de mayo. IAPH.

SEVILLA

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VENENO QUE CURA, VENENO QUE MATA Atrapante y elocuente título para introducir la relación que la humanidad ha tenido con sustancias en el límite de la vida y la muerte, y a veces más allá. Así, se propone una visión de cómo sustancias extraídas o creadas a partir de plantas, hongos y animales han sido letales o curativas según la dosis, incluso como instrumento de experiencias extrasensoriales.

Para ello, la exposición se vale de 24 paneles y un total de 400 piezas, a través de los cuales se recorre la evolución del pensamiento médico, con objetos como un basilisco, animal mitológico al que se le atribuía la propiedad de matar con la vista, o un histórico biberón victoriano hecho de plomo.

Escrita en 1865 por Lewis Carroll (seudónimo de Charles Lutwidge Dodgson), la persistencia de Alicia en el país de las maravillas puede verse por ejemplo en que ha sido traducida a más de 170 idiomas. Esta exposición muestra cómo ha impactado en la cultura universal a partir de su presencia en el imaginario colectivo de generaciones de artistas y disciplinas, y con una paleta extensa de medios expresivos, desde la moda al teatro, el cine o incluso la ciencia. caixaforum.org

Del británico Harold Pinter solo cabe esperar un texto que genere emoción y enigma a partes iguales. Premio Nobel de Literatura, concibió genialidades como Traición y Retorno al hogar, que demuestran su fino bisturí para penetrar en la mente humana. En esta obra basada en un caso clínico, recrea el despertar de una mujer que lleva 29 años dormida por una encefalitis letárgica. El director Iván Benet combina teatro y danza para sumergirnos en ese estado de irrealidad que Pinter borda. teatrelliure.com

Teatro de La Abadía, del 22 de mayo al 29 de junio.

Los recuerdos que conducen a un dramaturgo hasta su obra son tan variopintos como el que confiesa Juan Mayorga al hablar de su última creación. No es casual que los protagonistas de Los yugoslavos sean un camarero y su cliente, que se alían para ayudarse con sus problemas personales. De niño Mayorga escuchaba a su abuelo volver del bar contando las historias que había vivido con los clientes, por eso coloca a cada lado de la barra a los mágicos Javier Gutiérrez y Luis Bermejo. teatroabadia.com

4 SEVILLA

POETA EN NUEVA YORK Teatro Central, 23 de mayo.

Valiente propuesta, acorde con la obra maestra de Lorca, la que sube a escena el director Carlos Marquerie en un vanguardista lenguaje que invita a habitar las palabras del poeta y a descubrir su poliédrico talento. Fusiona para ello la poesía, la danza, la música y la instalación plástica en una pieza visualmente potente que protagonizan marionetas, junto a bailarines y actores. Imágenes inspiradoras brotan en una escena cuidada hasta el detalle, con la voz y composición musical del Niño de Elche. juntadeandalucia.es

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AGENDA INTERNACIONAL

LA CULTURA COMO EXCUSA PARA VIAJAR POR EL MUNDO

Arte escocés. Edimburgo temas figurativos y paisajísticos, el auge de la abstracción y el arte pop, y el desarrollo de nuevos medios en el norteño país británico tras la Segunda Guerra Mundial. Con piezas de William Johnstone, Joan Eardley, Eduardo Paolozzi, Ian Hamilton Finlay, Elizabeth Blackadder y Maud Sulter, la propuesta es describir cómo artistas contemporáneos respondieron a un periodo de cambios políticos, sociales, científicos y culturales abordando temas tanto tradicionales como modernos en su obra.

Turner en Manchester y Van Gogh en Boston; pero también David Bowie en París y Tom Hanks en Londres. Para todos los públicos.

edinburghmuseums.org.uk

Procedencia. Berlín BERLÍN

PROCEDENCIA

Hasta el 13 de octubre.

Berlinische Galerie.

Uno de los habituales modus operandi de los nazis hacia los judíos, además de buscar su desaparición, fue el expolio de sus pertenencias, muy especialmente el patrimonio artístico. Se estima que se trata de más de 200.000 obras y, aunque algunas se han recuperado y devuelto, aún hay decenas de miles sin restituir, algunas de ellas en colecciones privadas o estatales.

Esta exposición muestra casi 40 pinturas, en un proceso que documenta el estado actual de una investigación sobre los fondos de la Berlinische Galerie.

berlinischegalerie.de BOSTON

VAN GOGH: LOS RETRATOS DE LA FAMILIA ROULIN

Hasta el 7 de septiembre. MFA. Durante su estancia en Arlés, en

Van Gogh. Boston el sur de Francia, entre 1888 y 1889, el artista flamenco Vincent van Gogh (1853–1890) estableció una relación bastante amistosa con una familia vecina, los Roulin. A partir de esa cercanía, varios fueron los retratos que hizo de sus integrantes: el cartero Joseph Roulin; su esposa, Augustine; y sus tres hijos: Armand, Camille y Marcelle. Esta exposición –con diversos préstamos– es la primera dedicada a esos retratos de los Roulin, con cerca de 23 obras, algunas de ellas entre las más icónicas del artista. mfa.org EDIMBURGO

FUERA DEL CAOS: ARTE ESCOCÉS DE POSGUERRA 19452000 Hasta el 12 de octubre. City Art Centre.

Exhibición que muestra la evolución de los enfoques sobre

Modernismo sueco. Estocolmo ESTOCOLMO

MODERNISMO SUECO EN LA COLECCIÓN DEL MUSEO MODERNO

Víctor Hugo. Londres LONDRES

COSAS ASOMBROSAS: LOS DIBUJOS DE VICTOR HUGO Hasta el 29 de junio. Royal Academy.

Por supuesto, la obra literaria del escritor francés Victor Hugo (1802-1885) es conocida vastamente: alcanza con citar obras como Los Miserables y El Jorobado de Notre Dame sin necesidad de agregar nada más para demostrarlo. Hugo también fue un intenso polemista y hombre político de su tiempo, lo que lo llevó a exiliarse durante dos décadas. Uno de sus pasatiempos domésticos era el dibujo, a tinta y acuarela, trabajos que incluso llegaron a ser valoradas en su momento por los surrealistas. Algunas de sus obras, rara vez expuestas al público, son las que ahora se presentan en esta exposición. royalacademy.org.uk

Hasta el 31 de agosto. Museo Moderno.

Esta exhibición análiza el arte producido en el país escandinavo desde 1900 hasta la década de 1940. El punto es que a principios del siglo XX Suecia vivió una fuerte transformación desde una sociedad agrícola a otra industrializada. Este cambio fue reflejado y retroalimentado por sus artistas, a su vez influenciados por los movimientos culturales que se sucedían en el resto de Europa. Se reúnen alrededor de 100 obras de artistas como Anna Casparsson, Siri Derkert y Sven Erixson, entre otros. modernamuseet.se

Moonwalkers. Londres

LOS MOONWALKERS: UN VIAJE CON TOM HANKS Hasta el 1 de junio. Galería Lightroom.

El espacio Lightoom, inaugurado en 2023 con una exposición inmersiva a base de proyecciones dedicada a David

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Hockney, y elaborada con su colaboración, cuenta en su programación actual no solo con una reedición de aquella instalación, sino con otra, de muy diferente signo, que tiene como protagonista a Tom Hanks. El actor estadounidense coescribió y narra esta experiencia épica que ofrece una nueva perspectiva sobre los viajes pasados, recordando las historias de las misiones Apolo con imágenes a una escala espectacular, y futuros de la humanidad a la Luna. The Moonwalkers incluye, además, entrevistas entre Hanks y los astronautas del programa Artemis, que prevé volver al satélite en el futuro próximo.

lightroom.uk

el potencial del medio vítreo, como, entre ellas, Venini, Barovier Seguso Ferro, Seguso Vetri d’Arte, Salviati y Aureliano Toso.

lestanzedelvetro.org

David Bowie. París David Bowie, nacido David Robert Jones (1947-2016), es una de las grandes figuras de la música pop y rock del último medio siglo. Esta exhibición se compone de 75 fotografías, algunas de ellas inéditas, en las que también aparecen, por ejemplo, otros grandes músicos como Mick Jagger y John Lennon, con quienes de hecho llegó a colaborar artísticamente.

Las imágenes se acompañan de textos realizados por el escritor David Lawrence, quien asume el personaje de Terry Burns, medio hermano de Bowie, suicidado en 1985, y gran influencia en su carrera. bowieparismarais.com

El Greco. Venecia VENECIA

EL GRECO Y LA PINTURA ENTRE CRETA Y VENECIA

Turner. Manchester MANCHESTER

TURNER. EN LUZ Y SOMBRA. Hasta el 2 de noviembre.

Whitworth Gallery.

Exposición que conmemora el 250 aniversario del nacimiento del artista británico Joseph Mallord William Turner (1775–1851).

En esta ocasión, el foco está puesto en una serie de 71 grabados de paisajes considerados entre los más notables de su trayectoria, el Liber Studiorum, traducido como Libro de estudios y publicado en catorce partes entre 1807 y 1819. Se da la particularidad que desde hace un siglo esta serie no se expone al público. Hay también obras prestadas de colecciones públicas y privadas.

whitworth.manchester.ac.uk PARÍS

DAVID BOWIE, EL PELO LARGO DEL SR. JONES Hasta el 22 de junio. Galería MR8.

Precisamente, esta exposición es un recorrido sobre varios de los vehículos usados por el agente secreto al servicio de Su Majestad a lo largo de su vida cinematográfica de más de seis décadas (hasta ahora). Hay coches y motos, pero también submarinos, parapentes y gadgets diversos, junto a objetos de utilería, maquetas y clips de las películas. spymuseum.org

Murano. San Giorgio Maggiore SAN GIORGIO MAGGIORE

Hasta el 29 de septiembre. Palacio Ducal.

Sala del Pavo Real. Washington

La muestra explora los vínculos artísticos y culturales entre ambas ciudades desde el siglo XIII. Tras la caída de Constantinopla, en 1453, Creta se convirtió en el epicentro de la tradición bizantina, con talleres de íconos, mientras Venecia asimiló su influjo.

La exposición destaca la síntesis entre el estilo bizantino y el arte occidental, con Dominikos Theotokopoulos, El Greco (1541-1614) –formado en Creta– como figura clave. Incluye 100 obras, análisis técnicos de iconos y préstamos de museos griegos e italianos.

PLUMAS ALBOROTADAS: CREANDO LA SALA DEL PAVO REAL DE WHISTLER

palazzoducale.visitmuve.it

1932-1942 EL VIDRIO DE MURANO Y LA BIENAL DE VENECIA Hasta el 23 de noviembre.

Le Stanze del Vetro.

Los coches de 007. Washington

Como parte de un programa expositivo dedicado a la presencia del vidrio de Murano en la Bienal de Venecia, se examina aquí el período de 1932 a 1942. El año inicial se corresponde con el reconocimiento del vidrio de Murano dentro de las llamadas artes menores con un espacio dedicado dentro del Pabellón de Venecia, construido específicamente para las artes decorativas. Aparecen así valoradas piezas de varias cristalerías que, en aquellos años, explotaron

WASHINGTON

LOS COCHES DE 007

Hasta septiembre.

Museo Internacional del Espía.

Paradigma de espía de la guerra fría y más allá, Bond, James Bond, el personaje creado por el escritor Ian Fleming, es también un compendio de lo último en tecnología y glamur, mundos que pueden verse en ocasiones sintetizados en un coche o, mejor dicho, en un súpercoche.

Hasta el 31 de enero de 2027.

Galería de Arte Freer.

La Sala del Pavo Real es considerada una obra maestra del arte mural decorativo, concebida por el artista estadounidense James McNeill Whistler (1834-1903) para adornar la residencia londinense del magnate naviero británico Frederick Leyland. Restaurada, hoy luce con detalle su estilo anglo-japonés en este museo del Instituto Smithsoniano dedicado al arte de Asia Oriental.

La exposición da cuenta de los conflictos entre Whistler y Leyland durante su creación, y cómo el artista los graficó, por ejemplo, con el enfrentamiento de los pavos reales estilizados, una metáfora de esa disputa.

Pinturas adicionales y ejemplos de diseño de la casa de Leyland ayudan al público a comprender cómo Whistler incorporó a esta obra, creada entre 1874 y 1876, motivos procedentes de Asia en sus diseños y replanteó su propio enfoque del arte y la creación artística. asia.si.edu

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ICONOS Rodolfo Valentino (nacido en Italia el 6 de mayo de 1895 y fallecido en Estados Unidos el 23 de agosto de 1926), en una escena de la película Sangre y arena (1922).

RODOLFO VALENTINO

LA LEYENDA QUE NO CESA

SIN DUDA, LE CABE A RODOLFO VALENTINO, actor italiano -nunca nacionalizado estadounidense- de quien este mes se cumplen 130 años de su nacimiento, el honor de ser considerado el primer latin lover de Hollywood. Nacido Rodolfo Pietro Filiberto Raffaello Guglielmi di Valentina d’Antonguella, llegó a Norteamérica en 1913, a los 18 años.

Pasó de bailarín al mundo del cine con algunos pequeños papeles, pero fue en 1921 cuando todo cambio para él, al protagonizar el drama bélico Los cuatro jinetes del Apocalipsis, basado en un novela de Vicente Blasco Ibáñez. Es con ese film, en el que baila un tango con una vestimenta un tanto excéntrica para el tipo argentino que representa, donde Rodolfo comenzó

a cincelar el perfil que lo haría –sin exceso– inmortal.

Lo que vino después fue un torbellino que no duró más de un lustro, mayormente en despliegues dentro del género de aventuras en general, y de la llamada fantasía oriental en particular. A aquel primer éxito le siguió, entre las películas más célebres, El caíd (1921), Sangre y arena (1922), para cuyo papel protagónico tomó lecciones de tauromaquia, y su último papel, El hijo del caíd (1926).

En esos cinco años, la fama, el lujo a partir de sus jugosos contratos y la incisiva mirada de la prensa rosa de la época lo rodearon intensamente.

En especial, el foco se centró en sus asuntos amorosos. Dos veces casado, y otras tantas divorciado, no puede

obviarse que siguen siendo intensos los rumores de que ambos compromisos fungían de tapadera para ocultar otro tipo de elección sexual.

Al morir, oficialmente por causas adjudicadas a una peritonitis, se desperdigaron teorías que incluían palabras como sífilis, disparos de un marido celoso e incluso un envenenamiento por arsénico de resultas de un despecho amoroso. Su multitudinario cortejo fúnebre en Nueva York, donde falleció –aunque sus restos luego se trasladaron a Hollywood–, cimentó una leyenda alimentada con suicidios masivos nunca comprobados y la misteriosa figura femenina enfundada de negro luto que cada aniversario de su muerte acerca a su tumba un ramo de flores. Luis Ini

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