Gentleman_204_Abril

NÚMERO 204 ABRIL 2022. 4€

EL VALOR DE LA ELEGANCIA

BILL NIGHY

ELEGANCIA CON ACENTO BRITÁNICO ESPECIAL ESTILO

TENDENCIAS + MANUFACTURAS + LOOKS + CUIDADOS DE LA BARBA

LOS NUEVOS TEMPLOS DE LA MÚSICA

BREGUET.COM

TRADITION 7597

EDITORIAL

MANUAL DE ELEGANCIA CUANDO ESTA REVISTA nació lo hizo acompañada de un claim que no solo marcaba nuestra filosofía vital, sino también nuestro estilo.

‘El valor de la elegancia’ se ha convertido en nuestra enseña y también en nuestra forma de llegar a todos ustedes; es algo irrenunciable para todos los que entendemos el estilo como un ejercicio íntimo, no solo como una tendencia. Cuando elegimos a Bill Nighy para la portada de este número no solo nos gustó la foto que la ilustra, sino la personalidad de un actor diferente que también tiene una peculiar manera de manifestarlo con un terno de indudable elegancia: un impecable traje azul de Savile Row. No es una pose, sino algo meditado y necesario para el británico: “Sé que no tiene sentido y que, probablemente, no habrá nada malo en mi aspecto físico, pero llevar traje me ayuda con mi confianza personal”.

Efectivamente, en el estilo no hay poses, no hay interpretación, sino una consciente toma de decisión sobre lo que mejor refleja nuestra personalidad. El hombre elegante no se somete a las obligaciones de vestir a la moda, sino que crea su manual de elegancia atendiendo a su carácter. Por supuesto

que hay valores que marcan el concepto de elegancia y lo distingue de posiciones extravagantes, pero es al final cada persona, de forma individual, la que decide y conforma los detalles de su estilo.

Como Nighy. Y como él también expresa, crear un estilo propio aporta confianza, seguridad.

La elegancia no es un objetivo, es simplemente parte de nuestra forma de ser y entender nuestra existencia.

De estilo y personalidad nos hablan también Gorka González, quien encontró su pasión y desarrollo vital en la creación de sombreros exclusivos, o Ramón Exerez, toda una vida de conocimiento alrededor del calzado. Ambos se mueven en ese territorio de la excelencia que también requiere la elegancia, y que queda de manifiesto cuando se ojea el libro Louis Vuitton Manufactures editado por Assouline, que va al origen de esos conceptos artesanales que definen al mejor estilo. Un apunte más por singular: la iniciativa de Barbour para recuperar y dar una segunda vida a sus prendas. En pleno proceso de respeto por el medio ambiente, es una propuesta tan loable como interesante Pero en GENTLEMAN nuestros números de estilo tienen más argumentos. Porque para empezar también son elegantes, distinguidos. A quién no le apetece pasear por los jardines que inspiraron a Monet, o visitar –y sobre todo escuchar– los templos modernos de la música. Son acompañantes perfectos para este modesto manual de elegancia que cada mes de abril habla del ‘bien vestir’ y de lo que les gusta a los gentlemen.

Un último apunte... en los últimos tiempos se habla y mucho de la virtualización de nuestro estilo de vida, del metaverso o la traslación de nuestro yo al mundo digital. Estamos en los albores, pero hemos querido dar unas primeras pautas de lo que seguro será parte de nuestro futuro.

Elegante, por supuesto.

Ricardo Balbontín. Director

NÚMERO 204 ABRIL 2022. 4€

EL VALOR DE LA ELEGANCIA

BILL NIGHY

ELEGANCIA CON ACENTO BRITÁNICO ESPECIAL ESTILO

TENDENCIAS + MANUFACTURAS + LOOKS + CUIDADOS DE LA BARBA

LOS NUEVOS TEMPLOS DE LA MÚSICA

ISSN 1696-7186

00204

8 413042 589471

CANARIAS 4,20€

6

BIG BANG INTEGRAL TIME ONLY Caja oro amarillo 18K con brazalete integrado. Movimiento automático.

CONTENIDOS

04.2022

30 LA NUEVA REALIDAD ES META Un universo virtual en el que habitamos con capacidad para interactuar como si de la vida misma se tratara. Algo así es el metaverso que se avecina.

Texto: Juan Luis Gallego Ilustraciones: Del Hambre

NOMBRES PROPIOS 14

PABLO AGUADO CONVIVIR CON LOS MIEDOS Texto Ricardo Balbontín Fotografía Tomás Muruaga

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LUCA FUSO DISEÑAR EL FUTURO

G-MANÍA

ESPECIAL ESTILO

Texto J. L. Gallego / P. Polizzotto

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EXPOSICIÓN DESAFIAR EL ARTE

Texto Paula Polizzotto

ARQUITECTURA

SENÉN DÍAZ ÁLVAREZ UN CLÁSICO QUE MIRA AL FUTURO

34

Texto J. L. Gallego Fotografía Carlos Luján

ARTE

MIGUEL RELLÁN HASTA QUE EL CUERPO AGUANTE

48

FOTOGRAFÍA MUCHO MÁS QUE HORMIGÓN

Texto Fernando Schwartz Ilustraciones Jacobo Pérez-Enciso

50

54

EL EDÉN DE MONET Texto Abraham de Amézaga

Texto J. L. Gallego Fotografía Gabriel de la Morena

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PORTADA: BILL NIGHY ELEGANCIA DESCONFIADA Texto Irene Crespo Fotografía Alex Bramall

TEMPLOS DE LA MÚSICA Texto Mario Canal

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CON FIRMA LOS TRAJES DE MAMÁ

MODA A TODO COLOR Estilismo Goia Carozzi Fotografía Andrea Varani

NUEVO SUV 100% ELÉCTRICO. Las reglas son simples: desenchufar para disfrutar. Ponte al volante del nuevo EQB 100% eléctrico y déjate electrizar por sus hasta 592 km de autonomía en ciudad. Descubre el placer de la conducción 0 emisiones junto a los que más te importan gracias a este SUV con un amplio interior y hasta 7 plazas.

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Gama EQB: consumo energía eléctrica 16,4 – 19,4 (kWh/100 km) y 0 emisiones de CO2 ciclo mixto (g/km)

CONTENIDOS

04.2022

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ARTESANOS CON LA CABEZA BIEN ALTA Texto Juan Luis Gallego Fotografía Gorka de la Granja

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ENTREVISTA DIDIER GRUMBACH Texto Mario Canal Fotografía Yann Rabanier

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CALZADO VESTIRSE POR LOS PIES Texto Paula Polizzotto Fotografía Jacobo Medrano

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ESTILO EN PRIMAVERA Estilismo Berta Fernández-Abascal Fotografía Quique Santamaría

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FIRMAS: BARBOUR UNA SEGUNDA VIDA Texto Juan Parra

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MANUFACTURAS ARTESANOS DEL LUJO Texto Paula Polizzotto Fotografía Oliver Pilcher

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COSMÉTICA COSAS DE HOMBRE Texto Lucía Heredero Fotografía Massimiliano Polles

GASTRONOMÍA 92

TESOROS DEL OLIVAR Texto Federico Oldenburg

MOTOR 96

RUMBO A LAPONIA Texto Juan Luis Gallego Fotografía Mikel Prieto

100 A LA CONQUISTA DEL MUNDO Texto Juan Parra

RELOJES Texto Ricardo Balbontín

102 CARTIER CITA PRIVADA CON LA EXCELENCIA 106 BREITLING INSTRUCTOR DE VUELO 108 HUBLOT EL PASADO SIEMPRE VUELVE 111 LONGINES PRUEBA DE AGUA 112 CHOPARD SONIDOS PERFECTOS 114 AUDEMARS PIGUET CORAZÓN RENOVADO

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SECCIONES 116

AGENDA NACIONAL E INTERNACIONAL

Texto Luis Ini / Natalia Erice 120 NOTAS 122 ICONOS: JOSÉ LUIS LÓPEZ VÁZQUEZ Texto Irene Crespo

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Em m fotog M cK

DIRECTOR

Ricardo Balbontín rbalbontin@gentleman-es.com DIRECTOR ADJUNTO

Juan Luis Gallego jlgallego@gentleman-es.com DIRECTOR DE ARTE

Alberto Torés atores@gentleman-es.com

| COLABORADORES | Abraham de Amézaga, Mario Canal, Goia Carozzi, Irene Crespo, Natalia Erice, Berta Fernández-Abascal, Lucía Heredero, Luis Ini, Federico Oldenburg, Juan Parra, Paula Polizzotto, María Rosa, Fernando Schwartz y Amelia Solana. | ILUSTRACIÓN | Del Hambre, Jacobo Pérez-Enciso y Fernando Vicente. | FOTOGRAFÍA | Gorka de la Granja, Carlos Luján, Jacobo Medrano, Beatriz Mercader, Tomás Muruaga, Eva Peñuela, Massimiliano Polles, Quique Santamaría, Carlos Traspaderne, Julie Turcas y Andrea Varani. | AGENCIAS | Associated Press, Contacto, Corbis, Cordon Press, Getty Images, IFA, The Interview People y Magnum Photos. | REDACCIÓN Y PUBLICIDAD | Moreto, 7 - 5º Dcha. 28014 Madrid. España. Tfno.: +34 91 010 20 23. Fax +34 91 429 96 71.

| PUBLICIDAD | DIRECTORA COMERCIAL

Gemma Martínez 661 237 290 gmartinez@gentleman-es.com DIRECTORA DE PUBLICIDAD

Carmen Pérez 600 995 214 carmenperez@gentleman-es.com JEFE DE PUBLICIDAD

Jesús Morte 672 432 462 jmorte@gentleman-es.com

COORDINACIÓN Y ADMINISTRACIÓN

Eva Quintanilla 667 993 365 equintanilla@gentleman-es.com

| IMPRENTA | Rivadeneyra. Calle de los Torneros, 16. 28906 Getafe (Madrid). | DISTRIBUCIÓN | SGEL. Avenida Valdelaparra, 29. Alcobendas (Madrid). ,

gentleman® es una marca registrada por milano finanza

(milán, italia). ladies® es una marca registrada por milano finanza,

(milán, italia).

gentleman españa está publicado bajo licencia de class editori. todos los derechos reservados.

Fotografía de portada: Alex Bramall / KINTZING EDITA: LUXURY MEDIA SL. DEPÓSITO LEGAL M-39147-2003 / ISSN 1696-7186

la revista gentleman no se hace responsable de las opiniones de sus colaboradores. todos los derechos reservados. en virtud de lo dispuesto en los artículos 8 y 32.1, párrafo segundo, de la ley de propiedad intelectual, quedan expresamente prohibidas la reproducción, la distribución y la comunicación pública, incluida su modalidad de puesta a disposición, de la totalidad o parte de los contenidos de esta publicación, con fines comerciales, en cualquier soporte y por cualquier medio técnico, sin la autorización de la empresa editora de la publicación, luxury media s.l.

Departamento de suscripciones: suscripciones@gentleman-es.com Controlada por OJD.

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NUEVO RANGE ROVER

SUMANDO SEGUIDORES DESDE 1970

LOS LÍDERES NUNCA DESCANSAN El Range Rover lleva más de 50 años redefiniendo el sector de los SUV de lujo, y la nueva versión viene con la misión de hacer frente a los retos del futuro. Por eso, el diseño del Nuevo Range Rover no solo es elegante y minimalista, con un interior que desprende confort y tranquilidad, sino también moderno y responsable, con materiales respetuosos con el medioambiente. Todo ello lo convierte en el Range Rover más deseado.

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Cifras de autonomía basadas en un vehículo estándar en una ruta normalizada.

Más información

NOMBRES PROPIOS

PABLO AGUADO

TORERO

Convivir con los miedos Es una de las figuras que destacan en la tauromaquia actual, y también una de las más atípicas. Por su estilo, que revive el enfoque clásico del toreo, y por su carrera universitaria.

TEXTO RICARDO BALBONTÍN

FOTOGRAFÍA TOMÁS MURUAGA

REPRESENTA A ESE TOREO clásico y purista que en ocasiones parecía olvidado, prácticamente de otra época, pero que él demuestra que es eterno. Pablo Aguado (Sevilla, 1991) es puro sentimiento taurino, un artista que tiene a la muleta como instrumento para describir la esencia del toreo en todo su esplendor, apoyado en la bondad del toro y de un público al que “claro que se le oye, aunque tú solo estás concentrado en el toro”. De su arte ha dejado ya buenas muestras, tanto como para ser elegido por el director Albert Serra como uno de los protagonistas de una película en la que, sobre todo, se analizará el sufrimiento del torero, y donde compartirá protagonismo con Roca Rey. Hay un detalle más en Pablo Aguado que le hace diferente, y es que no solo es torero, también tiene su carrera universitaria (Administración y Dirección de Empresas), aunque él lo resume con sencillez... “Lo que he hecho es lo que hace a una persona: estudiar, ir a la universidad. Pero una cosa es la formación y otra la vocación. Y a mí lo que verdaderamente me llena es esto, el toreo.

No tengo ninguna duda”.

Aguado es torero de los de antes y el éxito le acompaña las últimas temporadas, pero eso no le ha cambiado, ni ha rebajado ese sufrimiento inherente a este arte. “Se ha mi-

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tificado la visión que se tiene del torero. La gente tiene la imagen de una persona valiente, pero nosotros pasamos miedo y es más, si te dejasen la puerta abierta cuando te estás poniendo el traje de luces, saldrías corriendo como cualquier persona. Hay que tener en cuenta que soportamos el sufrimiento con tal de expresar nuestro arte. Es más meritorio pensar que el torero es una persona normal que creer que es un superhombre.

Como decía (Rafael de) Paula, ‘el miedo es tu amigo y, al mismo tiempo, también es tu enemigo’. En mi opinión, para estar al cien por cien tienes que pasar miedo. No es prudencia, sino tu grado de concentración para desarrollar tu arte. El sufrimiento da más satisfacción a lo que haces, pero que tengas que pasar miedo para dar lo mejor de ti es muy duro. Y eso es lo que la gente tiene que saber, que hay una persona que cuando hace el paseíllo se mira a las manos y los pies y sabe que hay dos toros esperándole”.

Todo ese proceso de introspección es lo que nadie ve, pero que se repite cada vez que se va a salir a la arena; y habla de “la soledad del torero, de los miedos que te acechan... por todo lo que no se conoce”. Y Aguado reflexiona sobre esos momentos, cuando “en el hotel y en el patio de caballos, tú ves imposible hacer pasar al toro por el capote.

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NOMBRES PROPIOS

Porque en el fondo, es un ‘trapo’ con el que te enfrentas a un toro. Pero luego lo piensas y concluyes que hay algo divino que hace que el toro pase por él...”.

No son las únicas dudas que asaltan a un torero, y Pablo Aguado narra las suyas: “De novillero no me salían las cosas; ahora sé que era porque intentaba ser el torero que yo no era. Y entonces te preguntas si merece la pena hacer cosas que no sientes, e incluso te planteas arrojar la toalla. Pero me he dado cuenta con el paso del tiempo de que era un proceso de crecimiento en el que al final reconoces al torero que eres. Quizás sin esa etapa no sería el torero que soy... ”.

La carrera de Aguado dio un giro total en 2019, cuando su toreo deslumbró –y no solo en España–, lo que le ha llevado a ser uno de los nombres propios a los que seguir

el conocimiento, porque te limita mucho lo que ves, te genera muchos prejuicios. Yo no tengo ni idea de pintura, pero cuando veo un cuadro solo necesito saber si me gusta o no. Cuando ya sabes, cuando tienes ese conocimiento, entras a analizar cosas que ya no van de la mano del arte... y en el toreo pasa algo parecido. Cuanto más sabes, más coartas la emoción, los sentimientos, y lo que verdaderamente importa es transmitir”.

Incluso llega más lejos: “Un torero debe hacer lo que siente. El reconocimiento del público está muy bien, pero pensar solo en ello artísticamente te vuelve vacío y nosotros nos jugamos la vida porque hay algo interior que te compensa, no por dinero.

Yo sería más feliz sin la parte comercial del toreo; de hecho, para mí, la situación ideal es que no te viera nadie”.

“MANTENGO QUE EN TODAS LAS ARTES LO PEOR ES EL CONOCIMIENTO, PORQUE TE LIMITA MUCHO LO QUE VES, TE GENERA PREJUICIOS (...). CUANTO MÁS SABES, MÁS COARTAS LA EMOCIÓN, LOS SENTIMIENTOS”

cada temporada, y a tener una bonita pelea taurina con Morante o el propio Roca Rey. Su clasicismo de otra época, intimista, choca quizás con ese afán que existe en el mundo del toreo “por la perfección; los propios toreros hemos ido buscándola por este análisis de todo que se hace hoy en día en la sociedad, y también porque hemos buscado convencer al mismo tiempo al público. Lo hemos hecho en detrimento de la pureza, un término que también es necesario definir: es lo que tú eres, con tus virtudes y con tus defectos”.

Aguado es un torero rotundo, como lo son también sus valoraciones. Ha cuajado una personalidad indudable, pero también auténtica que le permite hablar de la forma de entender el arte, y no solo el taurino. “Yo mantengo que en todas las artes lo peor es

No es una actitud prepotente, sino que en el toreo, como en tantas otras actividades, hay otro temor añadido que tiene que ver con no cumplir las expectativas. “Cuando la gente te alaba y te valora, estás generando algo que temes no poder cumplir. Tienes el síndrome del impostor, piensas que vas a defraudar la ilusión de una parte del público.

Pero en realidad es algo que solo está en tu cabeza y que esa sensación es también parte del miedo, de esas dudas que te hacen estar atento en todo momento”. Y concluye su reflexión: “Cuando tú ves que algo está fuera de tu control, sencillamente te vienes abajo.

En cambio, cuando lo haces, te vienes arriba”.

Así es la existencia del toreo, un ejercicio permanente de sacrificio en el que no hay nunca que relajarse. Pablo Aguado lo sabe muy bien.

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NOMBRES PROPIOS

LUCA FUSO

CEO DE CASSINA

Diseñar el futuro Tras cuatro años al frente de la firma de muebles de alta gama, el italiano presenta Cassina Lab, un nuevo proyecto basado en la innovación y la sostenibilidad del diseño industrial.

TEXTO PAULA POLIZZOTTO

CUANDO COMIENZA A DIRIGIR LA COMPAÑÍA de mobiliario de alta gama Cassina en 2018, Luca Fuso lo hace con el objetivo de hacer evolucionar una industria arraigada en la tradición apostando por diseños que duren toda la vida. Cuatro años más tarde, se embarca en una nueva misión, la de dar a la firma italiana un giro sostenible para repensar el futuro del diseño.

Nace así Cassina Lab, una colaboración entre el Centro de Investigación y Desarrollo de Cassina y POLI.design, la escuela de posgrados del Politécnico de Milán. ¿Por qué cree que 2022 es el momento adecuado para presentar Cassina Lab? En 2020 lanzamos productos como sofás, camas y algunas piezas históricas elaborados para generar bienestar, con tejidos purificadores que favorecen la circulación natural del aire y el sonido, o con paneles absorbentes para reducir el ruido. Actualmente, continuamos este compromiso utilizando, por ejemplo, fuentes de energía renovables o separando los materiales de uso circular al final del ciclo de vida de un producto. ¿Qué es necesario para enfocar el diseño de alta gama desde la sostenibilidad? ¿Es viable no ser sostenible en 2022?

Es importante emplear todos los medios

necesarios para crear un impacto positivo.

Nuestros muebles están elaborados para pasar de generación en generación; de esta forma favorecemos la economía circular y reducimos los efectos negativos de la producción industrial sobre el planeta. ¿Han cambiado las demandas de los consumidores tras la pandemia?

La pandemia ha acelerado una preocupación por el entorno que ya existía, desde el punto de vista ambiental y en la forma en que usamos nuestro espacio personal. El hogar es ahora el centro de la vida y la calidad es clave para replantearnos nuestra relación con él.

Dice que para hacer sostenible un producto ha de aplicarse el principio de ‘mínimo impacto ambiental + máximo rendimiento’. ¿Cómo se consigue esto?

Buscando nuevos materiales de uso circular y técnicas que apuesten por la calidad y la funcionalidad del producto. ¿Qué cualidades valora en un objeto? ¿Elegiría su pieza favorita del universo Cassina?

Me gustan el eclecticismo y las referencias artísticas. Tengo muchas favoritas, pero me quedaría con la pantalla Paravento Balla, diseñada por el artista Giacommo Balla. ¿Próximos planes?

En junio presentamos nuestra Colección 2022 durante el Salone del Mobile.

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NOMBRES PROPIOS

SENÉN DÍAZ ÁLVAREZ

GENERAL MANAGER DEL HOTEL PRINCESA PLAZA MADRID

Un clásico que mira al futuro En apenas dos años, el histórico Hotel Princesa Plaza ha transitado por una ambiciosa estrategia de crecimiento para convertirse en referente hotelero de Madrid. Este asturiano es el responsable.

TEXTO J. L. GALLEGO

FOTOGRAFÍA CARLOS LUJÁN

EL HOTEL PRINCESA PLAZA MADRID ES TODA UNA INSTITUCIÓN en la ciudad: por historia, casi 50 años lo contemplan; por su presencia imponente, convertida en un reconocible símbolo urbano; y por su situación, en un eje neurálgico que mantiene su pujanza al margen de esas modas que trasladan de un lado a otro los puntos de interés. Ahora, el Hotel Princesa Plaza es, además, una ambiciosa apuesta de futuro: en solitario, sin una gran cadena detrás, emprendió en 2019 un proceso de reformas para erigirse, de nuevo, como una de las propuestas hoteleras más atractivas de la capital.

El asturiano Senén Díaz Álvarez, general manager del hotel, dirige ese proceso que ya ha dado sus primeros frutos. Llegó en 2020 y, sorteando la pandemia, volvió a situar el Hotel Princesa Plaza –que recuperó su nombre original– en el escaparate nacional e internacional, cuidando los clientes habituales y llamando la atención de los potenciales y acomodando su oferta a las difíciles circunstancias para comenzar a crecer en ocupación y tarifa a lo largo de 2021, mantener una lenta pero segura recuperación en los primeros meses de 2022 y prever un despegue definitivo a finales de año que desemboque en un fuerte repunte en 2023.

No ha sido solo una cuestión de estrategias. En su conversación con GENTLEMAN, Senén Díaz deja entrever algunas de las bases, palmables, sobre las que ha asentado el crecimiento: “Ubicación, presencia arquitectónica, dimensión de las habitaciones, con una media de 37m2, esencia histórica e innumerables reformas, no solo en el plano técnico y estructural, sino también en el de formación y concienciación de nuestro personal, nuestro mayor activo”.

Es esa, la calidad del servicio, una de las obsesiones de este directivo con una amplia trayectoria en más de 30 hoteles de España, Portugal, Norte de África y Caribe. “En la actualidad –explica–, el sector adolece de buenos profesionales. Pero en nuestro caso tenemos la suerte de contar con grandes profesionales que tienen una experiencia media de 14 años en el sector”. ¿Cómo explicar en una frase en qué consiste ese servicio premium? Senén Díaz tiene la respuesta: “Al cliente no hay que agobiarlo, que no te vea.

Pero si te necesita o intuyes que así es, debes aparecer antes de que te llame. Por eso, no debemos, nunca, perderlo de vista. Y nos funciona”.

El Hotel Princesa Plaza Madrid, de cuatro estrellas, alberga 423 habitaciones que fusiona con diferentes espacios para “adap-

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tarse –son palabras de Senén Díaz– al ritmo de la ciudad; un proyecto vivo y que vibra integrando la cultura, el arte, la tradición y la gastronomía; un proyecto con alma, compuesto por profesionales de referencia volcados en ofrecer una experiencia memorable en una ciudad patrimonio del mundo”.

La oferta gastronómica merece, efectivamente, una mención detallada. Al servicio de habitaciones y al desayuno buffet, suma La Plaza Bistró & Terraza, donde disfrutar, al aire libre si se prefiere, de una variada selección de platos de mercado que, de lunes a viernes, se concentra en un menú del día de la máxima calidad. También el Bar Royal & Terraza, en el que degustar deliciosos cócteles, se prolonga hasta el pequeño oasis que preside un majestuoso magnolio. “El trabajo del chef es artesanía, y no solo por la estética, sino también por la capacidad de sorprender, de emocionar y de romper moldes”.

En ese reto al que se enfrentan los actuales hoteles urbanos, para atraer también a oferta de ocio a los no huéspedes, el Hotel Princesa Plaza tiene mucho ganado: las terrazas son accesibles al público sin necesidad de entrar en el establecimiento. Una estupenda y muy recomendable forma, seguramente, de reencontrarse con uno de los emblemas históricos de la ciudad.

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NOMBRES PROPIOS

MIGUEL RELLÁN

ACTOR

Hasta que el cuerpo aguante Empeñado en burlar a la jubilación, despliega una actividad frenética en películas, en teatro también como director y en series, como Sentimos las molestias, que estrena en abril Movistar Plus+.

TEXTO J. L. GALLEGO

FOTOGRAFÍA GABRIEL DE LA MORENA

EL ACTOR MIGUEL RELLÁN es un gran aficionado a la música clásica. Cuando los directores y guionistas Álvaro Fernández-Armero y Juan Cavestany le hablaron de Sentimos las molestias creyó ilusionado que podría, por fin, convertirse en director de orquesta, aunque fuera en la ficción. Tampoco. Ese papel recayó en Antonio Resines y a él le tocó el de una antigua gloria del rock para completar a una pareja de septuagenarios, cascarrabias el primero, algo más pasota y vividor el segundo, que se enfrentan juntos al paso de los años, la amenaza del olvido y la pujanza de las nuevas generaciones. La serie, de seis episodios, se estrena completa el 8 de abril en Movistar Plus+.

A Rellán el proyecto le encontró, como siempre, trabajando. Nacido en el entonces protectorado español de Tetuán, Marruecos, en 1943, es una de esas caras constantes en el cine y la televisión españolas, con más de medio centenar de películas a sus espaldas –desde El bosque animado (1987) o Amanece, que no es poco (1988) hasta la recién estrenada Proyecto emperador– y otras tantas series –desde la Regenta (1995) hasta Vergüenza (2017), de los mismos creadores de Sentimos las molestias y también para Movistar+–. Y apasionado, además, del teatro, donde ejerce en ocasiones como actor, girando por toda España con Los asquerosos desde hace más de cuatro años, y otras como director, con

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la reciente Contarlo para no olvidar. Retorno al hogar, del dramaturgo Harold Pinter, y un homenaje a Adolfo Marsillach, compartiendo escenario con su hija Blanca, figuran en su agenda inmediata; quién sabe si también una segunda parte de Sentimos las molestias.

No será director tampoco en la ficción, pero sí comparte con su personaje en la serie una cierta filosofía de vida que defiende el optimismo y la sonrisa como estupendos instrumentos para endulzar la existencia, incluso cuando esta se agria más de la cuenta: que se lo digan a ambos, a Rellán y a Resines, golpeados en diferentes momentos por la Covid que comentan ahora de cuando en cuando entre consejos y anécdotas.

EL PREMIO PARA LOS QUE

S

olo los que no se conforman y buscan más allá de lo establecido pueden conseguir la recompensa de un sabor tan exquisito y delicado como el que ofrece The Glenrothes.

Una recompensa que se consigue gracias al conocimiento, que nos ayuda a elaborar cada botella con destreza y esmero.

Gracias al coraje, que nos ayuda a progresar, enfrentándonos a lo que venga. Gracias a la comunidad, que nos ayuda a destilar nuestros líquidos como lo hace nuestro espíritu. Y gracias a la oportunidad, que nos ubica en el camino menos ordinario.

La búsqueda de un camino mejor continúa hoy brindándonos nuevas recompensas con las que premiar la curiosidad de los que siempre miran más allá.

Un whisky enriquecido por generaciones de conocimiento THE GLENROTHES 30 AÑOS. Una colección exclusiva, con solo dos botellas en España de un Whisky único envejecido durante 30 años en una combinación de barricas de primer llenado de roble europeo sazonadas con Jerez y barricas de roble americano ex-bourbon, que marida cuidadosa y perfectamente con notas dulces del lichi y el jazmín.

LO O K B E YO N D

Disfruta de un consumo responsable. 40

G-MANÍA ARQUITECTURA + MODA + ARTE + GADGETS + EXPERIENCIAS + VIAJES + ESTILO + MÚSICA

FOTOGRAFÍA | SECCIÓN JUAN LUIS GALLEGO / PAULA POLIZZOTTO

Junto a estas líneas, iglesia de Nuestra Señora del Rosario de Filipinas, Madrid, España.

(Arquitecto Cecilio SánchezRobles, 1967-1970).

En la página siguiente: 1. Torres Blancas, Madrid, España.

(Arq. Francisco Javier Sáenz de Oiza, 1964-1968).

2. Edificio Sabino Arana, 28, conocido como La casa de las tripas, Bilbao, España. (Arq. Julián María Larrea, 1968).

3. Aeropuerto Charles de Gaulle, Roissy-en-France, París, Francia.

(Arq. Paul Andreu, 1967-1974)

MUCHO MÁS QUE HORMIGÓN El fotógrafo logroñés Carlos Traspaderne publica Brutalismus, con casi 300 imágenes de edificios de toda Europa de una arquitectura a veces despreciada, ahora revalorizada y capaz de influir con su estética y filosofía en algunas de las nuevas grandes obras.

EL BRUTALISMO, COMO DICE EL FOTÓGRAFO CARLOS TRASPADERNE (Logroño, 1983), siempre ha sido un estilo arquitectónico “con mala prensa” y la denominación, derivada del francés béton brut (hormigón en bruto), ha contribuido a ello. En los últimos tiempos, sin embargo, convive una cierta revalorización del movimiento, capaz de influir con su contundencia y la visión utópica que lo inspiró en nuevas obras arquitectónicas, con la demolición de alguno de sus mejores ejemplos.

Traspaderne ha recorrido media Europa para plasmar en imágenes estas construcciones, algunas conocidas y otras

no, de ciudades grandes y pequeñas de España, Francia, Reino Unido, Italia, República Checa, Eslovaquia, Croacia, Austria y Luxemburgo. Y lo ha hecho volviendo, al menos técnicamente, a aquellos años entre los 50 y los 70, utilizando una Hasselblad 500 C/M de 1973, una cámara analógica de formato medio que, por su precisión óptica y exigente manejo, obliga a reconsiderar las imágenes como monumentos en sí mismas y contribuyendo a la estilización del propio edificio.

“El ángulo del nivel de la calle –explica el fotógrafo– se convierte en el ojo del transeúnte que de repente descubre estos edificios, apreciándolos nuevamen-

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te. Este es el objetivo de mis fotografías: que los ciudadanos vuelvan a mirar estas obras, desdeñadas o ignoradas antes, al menos con la intención de revalorizarlas.

Si merecen la supervivencia o la destrucción es otro asunto, más aún en esta época que parece observar su rudo optimismo entre el desprecio y la fascinación”.

Traspaderne, licenciado en Historia del Arte y en Comunicación Audivisual y responsable del archivo histórico de la Casa de la Imagen, ha volcado este trabajo en un libro, Brutalismus, de Aloha editorial, con la que también publicó, en 2016, Riberia, sobre la vida en torno a la ribera del río Ebro.

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G-FOTOGRAFÍA

Portada del libro Brutalismus, editado por Aloha.

308 páginas, con 294 fotografías y cuatro textos de arquitectos internacionales.

1. Lauderdale Tower, Barbican Estate, Londres, Reino Unido.

(Arq. Chamberlin, Powell & Bon, 1965-1974).

2. Centro de Restauraciones Artísticas, Madrid, España. (Arq. Fernando Higueras y Antonio Miró, 1967-1970).

3. Torre de Colón, Barcelona, España. (Arq. Josep Anglada, Daniel Gelabert y Josep Ribas, 1965-1971)

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G-EXPOSICIÓN

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DESAFIAR EL ARTE Amberes acoge la primera gran exposición de la artista británica Anthea Hamilton, una particular visión, entre irónica y surrealista, de la sociedad actual.

ORGANIZADA EN COLABORACIÓN CON LOEWE, la exposición Mush Up presenta una retrospectiva de las obras de Anthea Hamilton a lo largo de las dos últimas décadas. Inspirada en las novelas del dramaturgo francés Antonin Artaud, Hamilton explora la técnica del mash up –combinar elementos y referencias artísticas ya existentes con el fin de crear una nueva obra de arte– para abordar temas como la familia, la moda, la arquitectura o la vida doméstica.

Un total de 70 obras, entre esculturas, instalaciones y performances a gran escala, conforman esta exposición presente en el Museo de Arte Contemporáneo de Amberes hasta mayo de este año.

1. Leg Chair John Travolta (2010).

2. Kabuki Chef (detalle), de la instalación Sorry I’m Late (2013).

3. Olympian (2006).

4. The Squash (2018), en las Galerías Duveen del museo Tate de Londres.

Anthea Hamilton utiliza el humor y el surrealismo para representar su visión de la sociedad contemporánea. Su arte revolucionario reconsidera, a través del cuerpo y referencias culturales del siglo XX, los clichés y convenciones sociales que rodean a la familia o la política.

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ANÁLISIS

LA NUEVA REALIDAD ES

META

UN INTERNET INMERSIVO Y EN TRES DIMENSIONES DE POSIBILIDADES INFINITAS Y CON NOSOTROS COMO PROTAGONISTAS. ALGO ASÍ ES EL IMPREDECIBLE HORIZONTE QUE DIBUJA EL METAVERSO.

TEXTO JUAN LUIS GALLEGO ILUSTRACIONES DEL HAMBRE

UN UNIVERSO VIRTUAL EN EL QUE COBRAMOS VIDA en forma de avatar con capacidad para interactuar como si de la realidad misma se tratara: relacionándonos con amigos, familiares y compañeros de trabajo, visitando museos y asistiendo a conciertos, yendo de compras o compitiendo en una carrera de coches. Evitando complejidades técnicas, esta es una posible descripción del metaverso. Una realidad paralela que entronca, también, con otras siglas que forman ya parte de nuestro entorno, los NFT, algo así como bienes digitales, con firma de autenticidad, que pueden intercambiarse, comercializarse o coleccionarse. Si a eso añadimos conceptos como realidad aumentada, virtual o extendida, la conclusión, aunque quizás inabarcable para muchos de nosotros, es clara: una realidad paralela surge imparable en nuestro entorno. Lo que sigue es un intento modesto pero voluntarioso de aprehender ese otro mundo.

Cabe la posibilidad, vaya esto por delante, de no seguir: ni con esta lectura, por supuesto, ni con el propósito plagado de obstáculos de adentrarnos en ese universo meta. Hay quien vive sin whatsapp, quien reserva sus vacaciones ante el mostrador de una agencia de viajes, quien actualiza su cartilla bancaria en el cajero o quien despliega un mapa en papel para buscar la ruta adecuada. Es una opción tan legítima como cualquier otra, pero tiene su precio, sobre todo en términos de lo que uno se pierde: es como rechazar las cookies de una página web para blindar tu privacidad; tienes opción de hacerlo pero a costa de dejar de navegar.

Nosotros vamos a continuar.

Comencemos por otra definición simplista pero sencilla de lo que es el metaverso.

Esta nos la proporciona Diego Iglesias, miembro de Hyper Studio –y uno de los directores del Festival Urbano de Arte Digital de Madrid, MMMAD 2022–: “Es

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ANÁLISIS

internet en tres dimensiones”. O, por decirlo de forma más extendida, un nuevo estándar de internet que, si en su versión 1.0 ofrecía páginas webs en las que uno se limitaba a navegar como un mero espectador; y en su escalón 2.0, redes sociales incluidas, abrió la ventana a la interacción del usuario, con capacidad para crear y compartir contenidos y establecer relaciones en tiempo real con otros usuarios; en esta tercera etapa permite una experiencia inmersiva en la que participamos, no mirando a través de una ventana, sino entrando y formando parte del entorno.

Otra aclaración: el metaverso no es aún una realidad. O sí, según cómo lo entenda-

desde el sillón de su casa adopta una identidad e interactúa, en el campo de juego, con las de otros jugadores, es al fin y al cabo metaverso. Lo que no existe aún es una única ventana que nos abra la puerta a todos los metaversos posibles, como ocurre ahora al navegar por internet pasando de una página a otra. Probablemente, su creación es uno de los principales objetivos de Meta, el nuevo nombre con el que Facebook, junto a una inversión millonaria, pretende liderar esta revolución.

Volvamos a lo que los usuarios de a pie encontraremos en ese más allá –que es lo que significa meta en griego–. Tobias Kam-

DISPONDREMOS DE VARIAS IDENTIDADES DIGITALES, CON APARIENCIA SIMILAR A LA REAL O COMPLETAMENTE INVENTADAS, PARA IR AL TRABAJO, QUEDAR CON AMIGOS O LLEVAR LA VIDA SOÑADA

mos. Nos ayuda a explicarlo Tobias Kammann, experto en la materia, y miembro de la empresa edataconsulting, que ofrece asesoramiento a empresas en materia de digitalización, incluso para introducirlas en el aprovechamiento del metaverso como herramienta de trabajo y aprendizaje. Espacios de metaverso existen muchos, dice Kammann, y su empresa, de hecho, los crea.

Por ejemplo, y es un caso real, para la formación en aeronáutica, de forma que un grupo de alumnos ataviados con gafas de realidad virtual pueden entrar en un hangar también virtual, coger herramientas y diseccionar la turbina de un avión virtual, reflejo fiel de una real. Frente a esa experiencia, algunos vídeos de edataconsulting lo demuestran, la imagen de un profesor junto a una pizarra y ante alumnos que siguen sus explicaciones desde sus pupitres se ha quedado, definitiva y probablemente afortunadamente, obsoleta. Más cercanos aún a muchos de nosotros, esos videojuegos en los que el participante,

mann lo imagina –¿en diez años quizás?– más o menos como sigue –permítasenos el reduccionismo de los ejemplos–. Cada uno de nosotros tendrá varias identidades digitales. Una, con un aspecto similar al nuestro, con un look formal, para asistir a reuniones de trabajo; otra, más relajada, para encontrarnos con amigos o visitar un museo; y, por qué no, una tercera completamente inventada, con un rostro y nombre a nuestra elección con el que jugamos a ser quien queramos. No es tan extraño: pregunte, si no, a cualquier jugador de Fortnite.

A partir de ahí, todo puede suceder.

Podemos, por ejemplo, quedarnos en el escalón más real, por así llamarlo, y aprovechar las ventajas del metaverso para mejorar la experiencia de compra online: en lugar de ver los productos en la pantalla como ahora, nos pasearemos por la reproducción virtual de una tienda; cogeremos, digamos, el reloj que nos atraiga y, atendidos por el personal de la tienda, lo compramos, para que, en este caso

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sí, nos sea enviado físicamente a casa. Pero en ese “todo puede suceder” que decíamos cabe también que la experiencia se desarrolle solo y exclusivamente en el mundo virtual. Si a esa tercera identidad nuestra que hemos construido a base de imaginación y deseo queremos vestirla con un exquisito traje y unas vanguardistas gafas, quizás tengamos que comprarlos. Y si queremos que acuda al museo en un relumbrante deportivo, probablemente nos encontremos un mercado virtual en el que elegir y pagar por el modelo en cuestión. Pero, ¿y si además queremos acabar la jornada en un lujoso ático con impresionantes vistas? ¿Estaremos dispuestos a pagar por disfrutar de la vida soñada aunque sea virtual?

Diego Iglesias, de Hyper Studio, cree que es una de las grandes incógnitas, sobre todo para los que ven en este universo meta una oportunidad de negocio. En su opinión, la gran revolución, en términos sociales, llegará con la fusión de ambos universos, del

real y virtual; es decir, cuando la utilización en nuestra rutina diaria de dispositivos de realidad aumentada –gafas un poco aparatosas ahora; lentillas o un chip en la retina quizás en el futuro– permita superponerla al mundo real. Por simplificarlo: cuando andemos por la calle con gafas transparentes sobre las que se colocan cosas digitales; eso que vemos en las películas y que ya es una realidad tecnológicamente.

Lo cierto es que mientras muchos aún tratamos de entender a qué nos enfrentamos, el universo meta, especialmente propicio para ciertos sectores, no para de crecer: la firma de automóviles Cupra –por mencionar solo unas iniciativas recientes– ha anunciado el lanzamiento de Metahype, una plataforma de metaverso que tendrá entre sus atractivos competiciones que combinen el mundo real y el virtual; Heineken ha elaborado una cerveza virtual; y hace apenas unos días, a finales de marzo, se celebró la primera semana de la moda del metaverso

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con la participación de alguna de las principales marcas de la industria textil. En los dos últimos casos, la plataforma que lo ha hecho posible ha sido Decentraland, la iniciativa que, con una economía propia, más se acerca a ese mundo paralelo que despunta.

En lo que parece una carrera por no llegar el último, algunas grandes marcas han apostado también de forma decidida por los NFT que, si han tenido especial acogida entre los artistas digitales –como una forma de comercializar su trabajo y, a través de la identificación de piezas únicas, controlar y monetizar el recorrido tras su creación–, ahora se comercializan en forma de relojes de diseño único –el atelier Louis Moinet vendió hace unos días una colección de mil relojes en apenas siete minutos–; hamburguesas –McDonald’s lanzó varias imágenes digitales con algunos de sus productos estrella– o iniciativas solidarias –con subastas para recaudar dinero por diversas causas–.

Bienvenido al futuro.

ARQUITECTURA

EL CUERNO DE LA ABUNDANCIA Studio Fuksas TBILISI, GEORGIA.

El parque Rhike es una zona verde de la capital centroasiática de Georgia en pleno desarrollo urbanístico. El célebre arquitecto italiano Massimiliano Fuksas (Roma, 1940), conocido por sus edificios de formas ondulantes y reminiscencias orgánicas, está dando allí los últimos toques a un originalísimo dueto: centro expositivo y auditorio de música. Cada uno ocupa uno de los dos cilindros recubiertos de acero y cristal. El más grande corresponde a la sala de conciertos, que tiene 550 plazas y una perspectiva como de periscopio sobre el casco antiguo de Tbilisi.

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TEMPLOS DE LA MÚSICA HEREDEROS DE LAS IGLESIAS PRIMERO Y LAS GRANDES ÓPERAS DESPUÉS, LOS NUEVOS AUDITORIOS CONFÍAN SU ELEVADA MISIÓN A LOS MÁS PRESTIGIOSOS ARQUITECTOS Y A LA ÚLTIMA TECNOLOGÍA. TEXTO MARIO CANAL

DEJÓ ESCRITO BEETHOVEN que “la música es lo que media entre la vida sensual y la espiritual”. De la misma forma, las arquitecturas musicales son los templos donde el espíritu se eleva, impulsado por la enigmática poética del sonido. Al igual que en la arquitectura religiosa encontramos catedrales y capillas, iglesias más o menos opulentas pero que nunca olvidan su función espiritual, resulta inevitable aproximarse al diseño de auditorios de música a través de su acústica.

La tecnología que convierte un espacio vacuo en caja de resonancia va de la mano de la estética, ya que en último término es la forma sobre lo que se refleja el sonido.

La arquitectura contemporánea ha hecho de los espacios culturales uno de sus principales ejes de experimentación. Y aunque la vanidosa tentación de los creadores puede ser reinventar su función para adecuarlos a sus propias visiones, las reglas a cumplir son exigentes, especialmente en los auditorios de

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música. La distribución uniforme del sonido así como su intensidad, la correcta reflexión de la música e incluso el recogimiento que sugiere la escucha de obras de arte son factores ineludibles. Otra cosa es lo que sucede en el exterior. Allí, los proyectistas dan rienda suelta a sus sueños, concibiendo formas que replican el lenguaje de las notas musicales.

La historia de la música está repleta de edificios destinados a la bella escucha. Muchos de ellos surgen a finales del siglo XVIII y en el XIX. Las grandes óperas –La Scala de Milán, La Fenice de Venecia o la Garnier en París– son el resultado de un proceso civilizador que posiciona a la música en el debate creativo popular. Todas, además, fueron teatros mundanos en los que la alta sociedad se representaba con indiferencia, alejados de los auditorios en los que antes irradiaban las artes: las iglesias. Esta selección de templos contemporáneos nos devuelve a la contemplación elevada del lenguaje divino.

ARQUITECTURA

LA MÚSICA DEL AIRE MAD Architecture Tanto en su forma más tradicional como vanguardista, la arquitectura asiática está fuertemente influenciada por la naturaleza y la poética natural. Así, el paisaje y el viento cincelan las formas curvas de este edificio que busca reflejar el ondulante entorno acuático. El arquitecto Ma Yansong (Pekín, 1975) firma la Ópera de Harbin y busca, con sus dramáticos interiores curvilíneos, coreografiar al visitante como un actor más.

La construcción contiene dos auditorios diferentes y el exterior es accesible para ascender sus formas, invitando a coronarlo como si fuese una colina.

CÚBICO Y CONCRETO Rojkind Arquitectos BOCA DEL RÍO (MÉXICO)

Los bloques de hormigón de la cercana escollera se replican en las formas cúbicas de este auditorio, localizado en el Estado mexicano de Veracruz y bautizado con el nombre de Foro Boca. La percepción y las dimensiones se convierten en un juego para la mirada que difumina los límites del edificio y su entorno, integrando ambos de una forma lúdica. La disposición caprichosa de los cubos que conforman la estructura central subraya este juego y lo adecúan al entorno. En el interior, la sala de conciertos dispone de 966 plazas y mantiene a la vista la estética brutalista del hormigón, combinada con superficies de madera clara. Destaca el telón cenital también en madera, que amortigua los sonidos y está troquelado para permitir el acceso de focos de luz sobre el escenario. El estudio de arquitectura mexicano Rojkind firmó esta obra en 2017, que acompaña la creación de la orquesta sinfónica de Boca del Río.

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Fotografía: Hufton + Crow

HARBIN (CHINA).

UN JARDÍN INTERIOR Sou Fujimoto BUDAPEST (HUNGRÍA)

Fotografía: Palkó György

La estructura perforada superior sugiere el sombrero de un hongo y está sostenida por un muro de cristal que borra los límites entre el interior del edificio y el bosque que lo rodea. Por su parte, la techumbre interna es una retícula troquelada de metal amarillo que invita a pensar en una piel de hojarasca, e insiste en la relación con el exterior. Los muros de cristal permiten una visión del parque de 360º y algunos árboles crecen en el mismo interior del edificio, aprovechando los huecos del tejado. En los 9.000 m2 de uso de esta flamante Casa de la Música Húngara se distribuyen dos auditorios, aulas de música y espacios expositivos. Y entre sus activos tecnológicos destaca una cúpula inspirada en la creada por el compositor Stockhausen y que permite una acústica global.

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Fotografía: W. Beaucardet

ARQUITECTURA

CIENCIA Y FICCIÓN Jean Nouvel PARÍS (FRANCIA).

La primera impresión que genera esta arquitectura es la de estar frente a una nave espacial. Su revestimiento metálico y las curvas que dinamizan su figura están pespunteadas por luces que lo atraviesan.

Al mismo tiempo, hay una tensión entre el núcleo fluido y el marco exterior, de bloques rígidos que se desplazan lentamente. Mientras, el interior de los auditorios posee una continuidad curva y suave que difiere de la rudeza exterior. Las polémicas han rodeado la Filarmónica de París: 186 millones de euros más sobre los 200 presupuestados y el rechazo del propio Nouvel al edificio por no ser totalmente fiel a su idea.

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SONIDO EXPANDIDO Herzog & de Meuron Fotografía: Herzog & de Meuron

HAMBURGO (ALEMANIA)

Los arquitectos suizos tenían el reto de construir un polo cultural, comercial y habitacional en una zona portuaria de Hamburgo. A su indudable capacidad para levantar iconos excepcionales de gran carga intelectual, a esta obra se añadía la complejidad de transformar un espacio marginal en centro urbano, conquistando terreno para la vida y el universo de la música. Uno de los factores revolucionarios de la Elbphilarmonie es la cercanía entre el público y los ejecutantes, que el estudio asimila al que se produce en un estadio de fútbol. El auditorio central puede acoger a 2.100 asistentes y el de cámara tiene 550 asientos.

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ARQUITECTURA

PROTO/FORMA OMA Merece estar presente en esta selección a pesar de ser uno de los auditorios contemporáneos de música más longevos. La simplicidad de esta Casa de la Música es aparente, ya que al cambiar de perspectiva aparecen nuevos ángulos que se abren a la vista. También su volumen engaña y contiene dos espacios musicales independientes, el mayor de los cuales puede asentar a 1.300 asistentes aunque es flexible, al igual que el auditorio pequeño. Sigue siendo una de las obras emblemáticas de OMA –estudio fundado por Rem Koolhaas (Róterdam, 1944)–.

ARQUITECTURA VARIABLE Fernando Menis TORUN (POLONIA)

El estudio del sonido así como de elementos arquitectónicos típicamente locales conforman el núcleo del Centro Cultural y de Congresos Jordanki, proyectado por el arquitecto español Fernando Menis. Para facilitar la acústica del edificio se aplicó la técnica del picado. Una mezcla de hormigón y ladrillos rojos fueron picados de forma irregular –es decir, fracturados en la superficie–para permitir la reflexión del sonido. A estos materiales se añadieron también rocas volcánicas para aumentar la porosidad, elemento típico de las Islas Canarias que había sido experimentado previamente allí por el arquitecto. Desde el punto de vista estético, Torun es conocida por su arquitectura de ladrillo rojo, material que de forma reciclada fue integrado también en el centro de convenciones que acoge el auditorio. Además, se ideó un sistema estructural que permite variar la disposición del techo según las necesidades de cada evento musical.

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Fotografía: OMA

OPORTO (PORTUGAL)

ETERNO RECOGIMIENTO Open Architecture CHENGDE (CHINA)

La estética de este espacio acústico es prehistórica y también futurista, por su carácter atemporal. Situado en plena naturaleza y conocido como Capilla del Sonido, es una estructura abierta en varias de sus dimensiones que parece haber sido esculpida en una roca, aunque en realidad está construido con hormigón y piedra molida típica de la región. Junto a los muros facetados, las diferentes aperturas permiten que el sonido fluya de forma natural. De hecho, el interior del auditorio fue diseñado inspirado por el interior del oído humano. Cuando no hay conciertos, la acústica del espacio invita a los sonidos naturales del valle a incidir en su interior. Sin duda, una joya analógica de gran sofisticación técnica.

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ARTE

EL EDÉN DE MONET En la localidad normanda de Giverny se hallan la casa y los jardines donde vivió y murió el célebre pintor francés. Como cada abril, y hasta noviembre, abren sus puertas al público.

TEXTO ABRAHAM DE AMÉZAGA

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El célebre estanque de nenúfares que tanto inspirara al pintor, en los jardines de su vivienda de Giverny, y que inmortalizó en multitud de sus cuadros.

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ARTE

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En la página anterior, de arriba abajo: vista del apacible estanque y uno de los árboles, de origen japonés, país que fascinaría al artista.

Sobre estas líneas, arquitectura típica de la Normandía francesa, en una vivienda junto a los jardines de Monet, en Giverny.

LOS AFICIONADOS A LA PINTURA IMPRESIONISTA, y en concreto a la obra del francés Claude Monet, uno de sus grandes exponentes, no pueden dejar de visitar el lugar en el que se instaló a sus 42 años, junto a su familia. En Giverny, a poco más de 70 kilómetros de París, en la Baja Normandía, gracias a una institución privada, la Fondation Claude Monet, que vela por el lugar, florece cada año su memoria.

Hace ahora poco más de cuatro décadas, daban comienzo las obras de restauración de los jardines y la casa, que abrirían al público el 1 de junio de 1980. Desde entonces, todos los días de la semana, de abril a noviembre, son cientos de miles las personas que acuden a visitar el lugar. En 2019, el año récord, sobrepasaron las 700.000. “La mayoría de quienes nos visitan suelen volver, porque los jardines no son siempre los mismos: cambian según la estación”, explica a GENTLEMAN Hugues Gall, director de la fundación.

Tras la pintura, el mundo de la jardinería fue la gran pasión de Monet.

Valiéndose de las flores, trazó una sucesión de colores que, además de inspirarle, porque los pintaría una y mil veces, contribuyeron a la evolución de su estilo y obra. Este artista inventó jardines que evocaban su pintura, siempre en movimiento, repleta de luz y colores, y trabajaba según la posición del sol. Hoy, una quincena de jardineros se encarga de que el lugar nos remita a los tiempos del maestro. “Al atravesar la pequeña puerta de entrada, que da a la única gran calle de Giverny, nos da la impresión de entrar en un paraíso. Es el reino coloreado y perfumado de flores”, escribía Gustave Geffroy en la biografía que le dedicara al artista en 1924.

El número de flores y plantas se cuentan por cientos de miles. Tras el Clos Normand, el primero de los jardines, el segundo de ellos rodea el estanque, repleto de nenúfares, planta adorada por el artista, con el mítico

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puente japonés. Fue, de hecho, Claude Monet quien construyó el estanque, que con el tiempo se amplió. Allí cultivaría los mencionados nenúfares, viendo pacientemente cómo iban creciendo y por tanto cambiando el aspecto del entorno.

Era tal su fascinación por el lago que sería “prácticamente el tema esencial de su trabajo los últimos 20 años de su vida”, como nos recuerda Gall.

También en la casa, que primero alquiló y más tarde compró, incluyó colores en su interior. Como por ejemplo, el amarillo para el comedor. Del salónatelier hizo un espacio de encuentro, que sería visitado por sus colegas y amigos (Pisarro, Renoir, Rodin…), y prácticamente siempre mantendría abiertas las ventanas de su dormitorio, en la primera planta, que mira al jardín Clos Normand, dando la impresión de acoger un gran cuadro natural. Y allí, en aquella cama, este gran referente del impresionismo cerraba los ojos para siempre un 5 de diciembre de 1926, a los 86 años.

ARTE

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Monet creó jardines que evocaban su pintura. Hoy, como ayer, los de su última morada son un festival de flores y plantas, cuyos colores varían según la estación. En la página anterior, cosmos bipinnatus ‘sea shells’ y girasoles y, sobre estas líneas, dalias.

UN PINTOR EN ÉXTASIS Famoso para muchos por su serie de la catedral de Ruan, para entender el conjunto de la obra de Claude Monet (París, 1840-Giverny, 1926) es necesario visitar los jardines normandos.

“Probablemente debo a las flores el haberme convertido en pintor”, confesó en cierta ocasión. Fue su edén, en el que decía sentirse en “éxtasis” y sin el que, sin duda, su obra hubiera sido muy distinta. Un enclave que envuelve de paz y sosiego a quien lo visita.

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CON FIRMA

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LOS TRAJES DE MAMÁ Confesiones del autor sobre la evolución de su estilo: desde cuando era impuesto por su progenitora hasta la elegancia actual de tonalidades discretas, poco dado a la fantasía.

TEXTO FERNANDO SCHWARTZ ILUSTRACIÓN JACOBO PÉREZ-ENCISO

CUANDO YO ERA ADOLESCENTE, MI MADRE me estrenó en la moda con unos escalofriantes horrores: en algún viaje a Extremo Oriente había descubierto una tela de tergal que tenía unas curiosas pintitas, como hilos sueltos, de puntadas naranja sobre un fondo marrón claro. Resultaba menos espantoso de como suena, pero espantoso al fin. Había un sastre, el de mi padre, en la calle Mayor de Madrid que, excepcionalmente, nos cosía a medida.

En aquellos años remotos, mi hermano y yo éramos mucho más altos que la media, lo que hacía impracticable comprar de confección en los grandes almacenes, por lo que era necesario acudir al sastre.

El resultado de aquellos ternos hechos a medida era poco menos que dantesco. Y la conversación, siempre la misma: –Mamá, este traje no me gusta mucho.

–¿Por qué, hijo?

–Las pintas naranja…

–Están de moda. Además, a cierta distancia se confunden y dan uniformidad cromática a la trama. ¿Crees que yo querría que fueras por ahí haciendo el ridículo, yo, tu propia madre?

El argumento era irrebatible. No podía creer, en efecto, que mi propia madre pretendiera ridiculizarme en público, sobre todo en la temporada de guateques. Y me ponía el traje de las pintas naranja (las del de mi hermano mayor eran grises).

Mi rechazo era instintivo, porque en la adolescencia me faltaba el criterio para

adivinar y fijar un estilo personal. Mi estilo propio. Claro que, a esas edades, uno carecía del deseo de adoptar un estilo independiente del de los demás.

Ya he explicado muchas veces que el estilo, la forma de vestir y comportarse con la ropa depende de dos vectores: el carácter de uno, risueño, triste, severo o enloquecido, que marca la afición por un determinado color de la indumentaria, y, por otro lado, lo que exige la moda del momento. En mi adolescencia, ambas cosas eran establecidas por la madre. Hoy en día, las dos son fijadas por el adolescente, que suele rechazar violentamente las sugerencias e imposiciones extrañas.

Es un hecho conocido, por otra parte, que la moda siempre vuelve. Las faldas podrán ser largas, cortas o de media pierna, pero Mary Quant siempre regresa con su muslo al aire y los provocativos plisados.

Y no porque lo imponga el recuerdo de lo que fue la mini-falda, sino porque el estilo se ha hecho libre y el cuerpo se ha independizado de las ataduras sociales. Visten con falda corta, larga o pantalón, creo que sin demasiada influencia exterior. La mayoría se ponen lo que se ponen porque les convence y consideran que el estilo es el que eligen y el que les va como anillo al dedo.

Sea cual sea su tonelaje.

Otra cosa es lo que atañe al estilo masculino. Es cierto que el ancho de los pantalones ha variado, por poner un ejemplo. Y que, estrechándose, se ha hecho feo:

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los jóvenes pretendidamente elegantes circulan embutidos en unos palillos de los que asoman ridículos tobillos y zapatos interminable y horrorosamente largos.

Un insulto a la armonía, que responde a la ignorancia supina: son pocos los hombres capaces de enfundarse en una ropa que vaya acorde con su estructura física. No. Pantalones rasgados y rodillas al aire.

Además, mi deseo de no desentonar me ha llevado con los muchos años a preferir tonalidades discretas, telas que huyen de las célebres pintas naranja y colores que no suelen salirse del gris, azul y marrón más bien uniformes. Lejos de mí los abrigos de enormes dibujos geométricos (más de un corresponsal de televisión alardea de ellos, al tiempo que no lleva anudada una corbata y hace días que no se afeita). Lejos de mí las chaquetas y camisas que dan moaré con solo mirarlas. Bienvenidos los ternos discretos. Y es que la personalidad (y el estilo) debe marcarla el individuo, no la ropa que se pone. Es bien cierto que en el bolsillo superior de la chaqueta suelo lucir un pañuelo de seda de colores enloquecidos: es un detalle que revela mi estado de ánimo y no una inclinación mía por lo hortera.

Por supuesto que, en ocasiones (sobre todo en verano para salidas nocturnas), me pongo una chaqueta de seda de tonos crudos sobre una camisa negra, pero es casi mi única concesión a la fantasía. Me parece que a mi madre no le habría gustado. Pensaría que hago el ridículo.

PORTADA

ELEGANCIA DESCONFIADA A pesar de su ritmo de trabajo y de los elogios de la crítica, a Bill Nighy no le sobra confianza. Para mejorarla, lleva siempre traje a medida y prefiere personajes que vistan bien, como en Living, escrita por Kazuo Ishiguro.

TEXTO IRENE CRESPO FOTOGRAFÍA ALEX BRAMALL

A BILL NIGHY (CATERHAM, INGLATERRA, 1949) aún pueden pararle “unas 15 o 20 veces al día por la calle” para felicitarle por su trabajo, pedirle una fotografía o un autógrafo. Y la gran mayoría de esas veces le reconocen y le celebran por el mismo personaje: Billy Mack, el rockero trasnochado que interpretó en Love Actually (2003). Pero entre antes y después de ese momento, este actor de clase trabajadora acumula casi cinco décadas de proyectos en teatro, cine y televisión a un ritmo que no tiene pensado frenar, porque sigue disfrutando de su profesión como el primer día o incluso más aún ahora. “Cuando empecé me odiaba como actor”, admite.

Los principios de Nighy no fueron sencillos. Hijo de un mecánico y de una enfermera, nació y creció en un barrio obrero y en un tiempo en el que “eso de ser actor no era ni siquiera una opción”. Intentó estudiar

periodismo, pero la nota no se lo permitió y, animado por “la primera mujer a la que deseaba desesperadamente gustar”, empezó a estudiar interpretación sin planes de futuro.

Subsistió con trabajos alimenticios, vendiendo ropa, de mensajero…, pasó una temporada en París hasta que el dinero se agotó. “Cogía cualquier trabajo porque no tenía dinero y, si te quedabas sin ideas en aquellos días, conseguías una furgoneta Volkswagen, la pintabas de violeta y te ibas a Nepal”, cuenta a menudo con su habitual retranca británica.

A punto estuvo de abandonar, aunque su padre le frenó. “Pero si has salido en la tele”, le dijo refiriéndose al único capítulo de la serie Softly Softly (1976) en el que apareció. “Hablamos de la prehistoria de la televisión y yo debía de ser el tercer ladrón por la derecha”.

Pero hizo caso a su padre y poco después surgió su primera gran oportunidad: formar parte de la compañía teatral Everymen

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PORTADA

La película Living y la serie The Man Who Fell to Earth son los últimos trabajos de Bill Nighy, aún sin fecha de estreno en España. Regreso a Hope Gap y La librería, dirigida por la española Isabel Coixet, algunas de sus recientes películas (2019 y 2017 respectivamente) más renombradas.

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“ME VEO SIEMPRE HORRIBLE (EN MIS PELÍCULAS). LE PASARÁ A TODO EL MUNDO SALVO A ALGÚN RARO QUE SE CONSIDERE REALMENTE GUAPO. Y YO NO SOY DE ESOS”

Theatre, en Liverpool, donde empezaron muchos otros grandes nombres de la interpretación británica, como Julie Walters, Jonathan Pryce o Pete Postlethwaite.

“Cuarenta años después nos definen como ‘la vanguardia del teatro político británico’. ¿En serio? Yo siempre pensé que éramos un grupo de amigos en una furgo interpretando en cárceles, librerías y pubs”.

Esa frase es Bill Nighy en esencia pura.

Sus perfiles y entrevistas de los últimos 20 años giran alrededor de un ego inexistente.

Algo extraño en un actor y en un actor de su nivel, con grandes títulos a su espalda, como las franquicias Piratas del Caribe o Harry Potter o cualquiera de las películas que ha hecho junto al cineasta y su amigo, Richard Curtis (Love Actually, Una cuestión de tiempo, Radio encubierta). Pero si por algo es famoso, en realidad, Nighy es por no tomarse nada en serio a sí mismo, ni saber de qué hablan cuando se habla de su talento y carisma naturales. “Nunca veo mis películas y nunca leo nada escrito sobre mí”, se harta de decir. “Me veo siempre horrible, creo que eso le pasará a todo el mundo salvo a algún raro que se considere realmente guapo. Y yo no soy de esos.

Solo veo los errores una y otra vez”, añade, y si tiene que recomendar uno de sus personajes siempre sugiere Davy Jones, el malvado con cara de calamar de Piratas del Caribe en el que es imposible reconocerle.

Un trabajo bien hecho

Su problema es la autoconfianza, asegura, a la que llama “un banquete variable”. “Me lleva mucho tiempo recuperarme después de verme en pantalla”, admite. Solo aguantó ver una película entera suya y con público en el estreno de Siempre locos, el título que marcó un antes y un después para él en su carrera. Era su primera comedia pura y dura, la primera vez que descubría el poder de hacer reír y quería ver si lo había logrado.

“No es algo mágico, algo intangible; si consigues que todo el mundo se ría con lo que dices o haces, tu trabajo está hecho”, dice con satisfacción. Lo comprobó viéndose en esa película y después espera que haya seguido lográndolo. Por el teatro y por la media de tres películas que ha rodado al año en los últimos 20, algo estará haciendo bien.

Nighy, además, tiene un arma secreta y visible para luchar contra su baja autoestima:

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su buen vestir. Así explica que siempre vista su eterno traje azul marino, hecho a medida, en los sastres de Savile Row, ni más ni menos, combinado con una impoluta camisa blanca.

“Sé que no tiene sentido y que, probablemente, no habrá nada malo en mi aspecto físico, pero llevar traje me ayuda con mi confianza personal”, confiesa. El rumor es que incluso ha rechazado personajes si no le parecía que iban bien vestidos. Y luchando contra su propia formalidad y la sensación de ir siempre “demasiado arreglado” a todas partes, en los últimos años ha añadido jerséis marinos de cuello en V y camisas azules. “Supongo que voy hacia un look de bibliotecario chic”, bromea.

Precisamente, en su último filme, Living, “reimaginación del clásico de Kurosawa, Ikiru”, firmado por el Premio Nobel Kazuo Ishiguro, Bill Nighy destaca el traje que viste su personaje protagonista, un veterano de guerra, un burócrata sumido en una rutina tediosa hasta que recibe un diagnóstico médico terminal. “Llevo un traje con más de 70 años de antigüedad, y el sombrero puede aguantar que te golpeen con un ladrillo en la cabeza”, cuenta. Es un personaje que se ajusta como un guante a esa personalidad “lacónica o lánguida” que con frecuencia se le achaca, muy a su pesar. Él se reconoce más en personalidades rockeras y divertidas. Si algo le gusta es hablar de las playlists que guarda en su librería musical digital y de los libros que lee en cafés anónimos de Londres, la ciudad en la que vive desde los Swinging Sixties, por la que se mueve siempre que puede a pie y de la que sale solo por trabajo o “viajes de un día, para un paseíto por el campo o ver un poco el mar”. Huye del deporte, lo suyo es dejarse llevar por Aretha Franklin o Mary J. Blige, su última reconocida obsesión, a quien se presentó como admirador en unos premios Bafta y de la cantante de soul y hip hop recibió indiferencia porque no le conocía. Un trago de humildad, que Nighy y su limitada confianza bien vestida no necesitan.

MODA

Sobre estas líneas: Chaqueta de lino y camiseta de algodón, todo de ERMENEGILDO ZEGNA.

En la página siguiente: Chaqueta bomber bordada, chaleco, pantalón de crepé de seda y botines de cuero, todo de GIORGIO ARMANI.

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A TODO COLOR Trajes de inspiración casual o militar, bordados y diseños geométricos. El secreto de la elegancia masculina para la nueva temporada: reinterpretar piezas clásicas en tejidos ricos y siluetas holgadas.

ESTILISMO GOIA CAROZZI FOTOGRAFÍA ANDREA VARANI

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MODA Sobre estas líneas: Traje de seda, camisa de algodón, mocasines tornasolados con logo, todo de DOLCE & GABBANA. En la página siguiente: Cárdigan de cashmere efecto degradado, de HERMÈS.

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MODA

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En la página anterior: Chaqueta cruzada de lino y fular de seda, todo de TAGLIATORE. Camiseta de algodón, de BRUNELLO CUCINELLI. Pantalones de lino, de PAUL SMITH, En esta página: Chaqueta de traje con bolsillos, camiseta de algodón de cuello alto y pantalón de algodón blanco, todo de DIOR. Mocasines de ante, de TOD’S.

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MODA

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En esta página: Chaqueta de algodón de doble botonadura, de L.B.M. 1911.

Camisa de lino con cuello mao, de XACUS. Pantalón de tejido técnico, de WHITESAND. Deportivas de punto y piel, de HERMÈS. En la página anterior: Impermeable de botonadura simple, mono de algodón, mochila y gorra de lona, todo de TOD’S.

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MODA En esta página: Chaqueta y pantalón de lino y polo de algodón, todo de FENDI. Deportivas de ante, de DOUCAL’S. En la página siguiente: Cárdigan de algodón con diseño geométrico y pantalones de algodón, todo de CANALI.

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ARTESANOS

Gorka González, en su taller de San Sebastián, donde elabora a mano los sombreros de Gorka González Brand.

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CON LA CABEZA BIEN ALTA La pasión por la artesanía y los wésterns que veía con su abuelo empujaron a Gorka González a convertirse en sombrerero. Elabora a mano piezas únicas en su pequeño taller de San Sebastián.

TEXTO JUAN LUIS GALLEGO FOTOGRAFÍA GORKA DE LA GRANJA

ES DIFÍCIL, EN OCASIONES, VENCER LA TENTACIÓN de rebuscar en el pasado circunstancias, quizás anecdóticas aunque seguramente no tanto, que han forjado el destino de una persona.

En el caso de Gorka González (San Sebastián, 1983), hay al menos dos fáciles de interpretar como pistas de su conversión en sombrerero artesano. La primera, su afición al cine wéstern, cultivada en aquellas sobremesas y tardes que tantos niños de los años 80 y 90 pasaban frente al televisor en compañía, en su caso, de su abuelo. La segunda, su pasión por la artesanía –“por desarrollar algo con mis manos”, según sus palabras– que podría haberle conducido hacia la música, su vocación frustrada, pero que acabó dirigiendo hacia la confección de sombreros. Cosas de la vida.

Hay, claro, un tránsito antes hasta llegar a la creación de Gorka González Brand, que es como se llama su marca, en realidad un pequeño taller en su ciudad natal con él como único trabajador multitarea. Tras acabar los estudios de gestión administrativa y diseño gráfico, Gorka González buscó un

futuro en el sector de las telecomunicaciones y las ventas, en el que aguantó 15 años hasta que aquellas pulsiones de su juventud le empujaron, por fin, a eso con lo que tantos soñamos y pocos se atreven: dejarlo todo y empezar de nuevo; ahora sí, con la sombrerería como meta. Nada fácil en una sociedad que mide el éxito con parámetros más cercanos a la inmediatez y el dinero rápido que al trabajo pausado, la tradición y la artesanía.

Y en la que, además, tampoco es fácil siempre encontrar a quien te enseñe el camino; vamos que, en lo que a esta historia atañe, no abundan las escuelas de sombrerería.

Así que González se metió a estudiar patronaje y confección y, a la vez, advertido de que no encontraría ahí todas las respuestas que buscaba, a emprender un proceso de autoaprendizaje, con los vídeos de Youtube como principales aliados, hasta conocer cómo, paso a paso, se hace un sombrero. Eso ocurrió hace unos cinco años, cuando él, reconoce, “no sabía ni enhebrar una aguja”.

Ahora, su intento de explicarnos en una charla de minutos cómo se hace demuestra, por sí solo, que no es tarea para torpes.

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ARTESANOS

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Se parte de un casco, con una copa y un ala del tamaño requerido, sobre el que se moldea el fieltro con la ayuda del calor del vapor y, una vez esbozado el primer volumen, se cierra la base, se amplía el ala, se introduce una badana de cuero que proporciona solidez, se cose, se ajusta, se lija... En total, entre tres y cinco días de trabajo completamente a mano para lograr un sombrero de autor, una pieza exclusiva e irrepetible diseñada y acabada al gusto del cliente.

Los materiales utilizados definen, también, el producto final. Hay lanas, por ejem-

zado a confeccionar pequeñas colecciones cápsula que vende en un pequeño grupo de puntos escogidos: Yusty y Nac 56, ambas selectas tiendas multimarca del Barrio de Salamanca de Madrid, y próximamente Ibiza Code, con una filosofía similar.

En ese proceso de búsqueda de maestros que Gorka González emprendió en sus inicios se topó, era inevitable, con Juan Carlos Alocén, Txarli, tercera generación al frente de la sombrerería Alocén, con 107 años de tradición en Vitoria. Tras transmitirle todo el conocimiento que pudo, Txarli

DETRÁS DE CADA PIEZA, COMPLETAMENTE ÚNICA, HAY UN TRABAJO A MANO DE ENTRE TRES Y CINCO DÍAS, CON MATERIALES DE ALTA CALIDAD COMO PIEL DE CONEJO, CASTOR O CHINCHILLA

En la página anterior, imágenes con detalles de los utensilios y proceso de elaboración de los sombreros de Gorka González Brand.

plo, de diferentes calidades; pero González se ha especializado en la utilización de una mezcla, al 50%, de fieltro de conejo y de castor; alta gama que sube aún más si el material utilizado es de chinchilla. En ese caso, los 450-500 euros que suele costar un sombrero pueden llegar hasta los 800.

No es difícil encontrar en internet los nombres de algunos famosos que lucen los sombreros de Gorka González Brand: actores y actrices, músicos o modelos en una lista que crece y que atiende González elaborando entre ocho y diez piezas al mes. Y que le lleva a cuestionarse qué ocurrirá cuando no pueda por sí solo responder a la demanda: “No tengo aún una respuesta –reconoce–.

Soy romántico y algo cabezón y quizás, si empiezo a delegar, esta elaboración artesana en mi pequeño taller pueda perder cierto encanto. Pero, a la vez, si la empresa empieza a crecer... Bueno, por el momento me basto para atender la demanda”.

Además de los sombreros personalizados por encargo, la seña de identidad de su marca, el donostiarra también ha comen-

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decidió a mediados del año pasado, con 68 cumplidos, cerrar el taller y, a su pesar, sin nadie que tomara las riendas. Por eso, su encuentro con el artesano donostiarra le ha servido para paliar el sabor agridulce de la jubilación: además del oficio, le ha legado la maquinaria y utensilios específicos que había acumulado durante tantos años de trabajo.

“Me hace feliz saber que están en sus manos y que voy a poder verlas cuando quiera –comentaba entonces en un periódico vasco–.

Estoy encantado de haberle enseñado y de que ahora seamos buenos amigos”. “Txarli ha sido fundamental en mi carrera –reconoce González–. Además del legado material, me ha transmitido los fundamentos y la idiosincrasia del oficio, y tanto conocimiento acumulado durante décadas”.

Es verdad, admite González, que a los españoles, que llevamos gorra con naturalidad, nos cuesta aún lucir sombrero, al fin y al cabo una prenda de abrigo, pero también un complemento que, en su opinión, ensalza cualquier look. Hace solo un siglo nadie tenía dudas al respecto.

PERFIL

UNA VIDA DE AUDACIA Y MODA Sin Didier Grumbach no se podría entender la superioridad industrial y creativa de Francia en la industria textil. Autor del libro Memorias de la moda, él se considera un humilde apasionado de la creatividad.

TEXTO MARIO CANAL FOTOGRAFÍA YANN RABANIER

HAY UN MOMENTO CLAVE ENTRE LOS MUCHOS que contiene la vida de Didier Grumbach. Con apenas 20 años, lleva un documento a firmar para que Mendès, la empresa familiar que fundó su abuelo y confeccionaba prendas para casas de alta costura, colaborase con madame Grès, una de las creadoras más importantes de París. Viéndola trabajar sobre un maniquí, el joven estudiante de derecho asiste obnubilado a la composición de un diseño: “Allí, sentado sobre la moqueta, observé como trabajaba. Era absolutamente fascinante (…).

No entendía cómo lo hacía, pero poco a poco la prenda tomaba forma ante nuestros ojos. Creo que fue ahí, durante esas sesiones de pruebas, donde comprendí todo el poder de la creación al servicio del objeto”.

En ese momento cristaliza el compromiso con la moda de Didier Grumbach (París, 1937), que le convertirá en una de las personalidades más importantes de la industria textil del siglo XX, como queda claro tras leer el preciso y absorbente libro

Memorias de la moda (Ed. Superflua, 2021).

Impulsado por la curiosidad y el instinto, su trayectoria es clave para el desarrollo de la misma tal y como la conocemos hoy en día, en un increíble parcour en el que se han cruzado grandes nombres del diseño como Yves Saint Laurent, Thierry Mugler e incluso Coco Chanel: “Joven, le haremos aprender mucho”, le dijo la gran dama de la costura francesa mientras se despedía de un abrumado Grumbach en la suite del Ritz donde ella vivía.

“Yo no inventé el prêt-à-porter, pero la sociedad que yo presidía –Mendès– sirvió de pasarela para que los diseñadores pudiesen recibir royalties del prêt-à-porter que ellos no fabricaban. Como usted sabe, las casas de alta costura se comprometían a no hacer prêt-à-porter y solo realizaban artesanado de lujo”. Grumbach responde a las preguntas de GENTLEMAN desde su Domaine de Oseraies, en Eure et Loire, donde alberga, además, gran parte de su colección de arte, pintura y escultura. En sus respuestas,

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Didier Grumbach es el autor del libro Memorias de la moda, magníficamente editado por Superflua, como todos los títulos relacionados con la moda que publica.

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PERFIL

declina considerarse un industrial de la moda. O compararse con Amancio Ortega en lo que respecta a su democratización. Y sin embargo a él se le debe que el prêt-a-porter francés encontrase su mercado en Estados Unidos justo en el momento en el que se operaba una transformación social que tenía sus ecos en la moda, evidentemente, como universo creativo, pero también de negocio.

“Lo que hacía era prêt-à-porter de lujo que tenía vocación de internacionalizarse; no tenía nada que ver con lo que vendría después”, insiste Grumbach, que en 1961 viaja a Nueva York para presentar a las tiendas de la Quinta Avenida el prêt-à-porter parisino que confeccionaba Mendès para Philippe Venet, Carven, Madeleine de Rauch y Castillo, entre otras. Y aunque regresó a Francia sin ningún pedido, no se dio por vencido y siguió intentándolo hasta que en 1965 “todo cambió”, recuerda en sus memorias, cuando por un lado la mismísima Elisabeth Arden –que en sus centros de belleza también vendía prêt-à-porter de lujo– y los grandes almacenes Lord&Taylor depositaron grandes pedidos: “Eran cantidades inimaginables. (…) Fue allí, en ese instante, cuando me di cuenta de lo que estaba ocurriendo. Era testigo del inicio de una revolución comercial que estaba a punto de cambiar profundamente la estructura misma del mercado”.

Para responder a tanta demanda, Grumbach amplió su capacidad productiva construyendo una infraestructura que albergaría la confección de otras marcas como Saint Laurent, Givenchy, Chanel y Valentino.

Para Yves y Pierre Bergé, además, diseñó un plan de distribución que sería fundamental para convertirla en la firma que llegó a ser y terminó asociándose a ellos. Sin embargo, la verdadera ambición de Didier Grumbach siempre fue la difusión creativa, no el enriquecimiento sin fin, y abandonó todas sus iniciativas empresariales cuando intuyó que la moda daría un nuevo giro: el nacimiento de los diseñadores en los años 70.

Grumbach, en primer plano, junto al diseñador Thierry Mugler, en una foto tomada en Nueva York en 1981.

“Créateurs & Industriels –la plataforma que puso en marcha para conectar ambas dimensiones de la moda– se crea en 1971, en una época en la que los jóvenes estilistas no tenían marca propia. La mayoría trabajaban para otras casas de confección y eran desconocidos del público. Emmanuelle Khanh, JC de Castelbajac, Thierry Mugler, Claude Montana, etc., crean sus marcas en ese momento”, explica Grumbach, pero necesitan apoyo e infraestructura. Ese mismo año, C&I inaugura tienda en un edificio industrial de la calle Rennes de París, diseñada por Andrée Putman, gran amiga de Grumbach, donde vendían a todos estos diseñadores y muchos otros. Y en la Bourse de París se organiza el primero de una serie de desfiles

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de moda para darlos a conocer, incluido el japonés Issey Miyake. Esta apertura de la capital francesa al talento extranjero la convertirá en el epicentro mundial de la moda.

Hay más capítulos en la vida de Didier Grumbach, cada uno de los cuales podría ser un libro en sí mismo: la asociación con Thierry Mugler; la renovación de la Federación de la Alta Costura; su compromiso con la transmisión de valores y experiencia en el Instituto de la Moda Francesa, o la presidencia del Festival de Moda y Fotografía de Hyères –que él llamo el Davos de la moda–. La trayectoria de este profesional de la elegancia es casi inabarcable, y el libro Memorias de la moda es el lugar adecuado para conocer en profundidad esta aventura.

SEÑAS DE IDENTIDAD Skechers ha construido el prestigio de sus zapatillas sobre bases sólidas: diseño, comodidad y calidad. Las Uno Stand On Air, de estilo clásico y atemporal, son la mejor prueba de ello y el complemento ideal para combinar con los más diferentes estilismos.

inspiración clásica, al estilo de una zapatilla deportiva estilo runner, con cordones, puntadas y perforaciones decorativas, el tradicional confort de la firma, visible en la cámara de aire a media suela, viene en este caso reforzado por las plantillas Skechers Air Cooled Memory Foam.

Los detalles de su acabado demuestran un cuidado exquisito en su elaboración: parte superior sintética con textura de piel lisa durabuck; detalles de estampado en el lateral; panel en el talón con logotipo S; cuello y lengüeta acolchados; forro de tejido suave; suela con tracción flexible; media suela de estilo clásico con detalles con textura bordado; talón de 3,8 cm... En definitiva, hablamos de unas Skechers y eso es mucho decir. skechers.es J. Parra

HAY MARCAS QUE, POR ENCIMA DE LAS ESTRATEGIAS publicitarias, consiguen crear en el imaginario de los usuarios un conjunto de señas de identidad propias y reconocibles. Skechers es una de ellas; y la calidad de sus materiales y acabados, el diseño atemporal y versátil, y el máximo confort algunos de esos valores unánimemente reconocidos.

Las zapatillas Skechers Uno Stand On Air son la mejor prueba de ello. Con un diseño sencillo, con media suela con cámara de aire visible, combinan con todo tipo de estilismos para crear looks camaleónicos, elegantes, atemporales y cosmopolitas; combinadas con vaqueros, chinos, shorts o incluso con un traje de chaqueta. De

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CALZADO

VESTIRSE POR LOS PIES En su taller de zapatería de Madrid, Ramón Exerez reivindica el conocimiento adquirido durante 40 años en una profesión arraigada en la tradición artesana. Este mes de abril abre una nueva tienda con algunas de las firmas más emblemáticas del calzado de lujo.

TEXTO PAULA POLIZZOTTO FOTOGRAFÍA JACOBO MEDRANO

AUNQUE DE PEQUEÑO HACÍA LOS deberes rodeado de los trabajadores del taller de calzado a medida que su abuelo dirigía en la capital, nada hizo predecir a Ramón Exerez (Madrid, 1956) que acabaría dedicándose al mundo del zapato y que, además, sería considerado uno de los mayores expertos internacionales del sector. Tras estudiar un año de periodismo, después marcharse a hacer el servicio militar, ser guardaespaldas, profesor de kárate y monitor de buceo, pocas cosas le quedaban por probar antes de iniciarse en el sector del zapato como un aprendiz más bajo las directrices de su padre. “He tenido la suerte de formarme con los mejores oficiales –categoría gremial aplicada a zapateros y sastres– del país, además de viajar por el mundo y conocer a los mejores profesionales de la industria”, cuenta a GENTLEMAN En su taller de reparación ubicado en el centro de Madrid, Exerez da una segunda vida a todo tipo de zapatos, sobre todo, de vestir masculinos. Allí atornilla, barniza, patina e incluso desarma sus piezas para recuperar casi al completo su aspecto inicial. “Soy un médico del calzado”, afirma. Tras más de 40 años en el oficio, con su ojo analítico e inclinación natural por diseccionar la elegancia personal, Ramón Exerez reconoce a primera vista un zapato bien elaborado. “Lo identificas porque cuando llegas a casa no te lo quieres quitar. Esto ocurre con más frecuencia en los hombres; los tacones no están pensados para andar”.

Tras asistir durante años a las ferias más importantes del calzado internacional, Exerez es un gran conocedor de la evolución que el zapato ha experimentado estéticamente en los últimos años. “El color ha sido la gran aportación en la moda de zapatos de hombre. Si nos ponemos puristas, el zapato negro se usa a partir de las 7 de la tarde, pero hoy en día es posible vestir elegante con unos vaqueros, una americana y un zapato de otro color”.

Aunque firmas como Berluti o Castori están innovando, por ejemplo, en la fabricación de zapatos sombreados de colores, la falta de creatividad en la zapatería masculina –que apenas varía sus elementos cada temporada–, es uno de sus handicaps en comparación con el diseño de zapatos de mujer, que son los que realmente admiten libertad e imaginación. “El pie de una mujer tiene sus tres partes más eróticas: la comisura de los dedos, el arco de la planta y el empeine. De ellas se sirven los diseñadores para elaborar zapatos más bonitos y originales que los masculinos”.

En un sector que para subsistir tras la pandemia ha tenido que disminuir sus precios a causa de un aumento de la competencia de baja calidad, Exerez apuesta por perpetuar el lujo y la excelencia del oficio. Así lo hace en su nuevo proyecto, una tienda multimarca bautizada con su nombre, situada en el corazón de Madrid (Claudio Coello, 69), que abrirá sus puertas este mes de abril y contará con una selección de marcas de zapatos de lujo de fabricación Goodyear, entre ellas, la gama alta de

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las firmas británicas Edward Green y Crockett & Jones. “Daremos gran valor a la horma del zapato, y los mejores fabricándolas son, sin duda, los ingleses.

Es lo más importante a la hora de escoger calzado masculino –explica–.

Los clientes suelen mirar primero hasta dónde llegan las puntas de los dedos, pero lo que hay que observar es el ancho del zapato”.

El madrileño afirma que a partir del zapato se construye el look de una persona, y no al revés. “En las tiendas de ropa piensan en el zapato como un complemento más, al igual que un cinturón o una corbata, pero es este el que realmente define el conjunto”.

Según Exerez, el zapato perfecto para un hombre ha de ser, sobre todo y aunque parezca una evidencia, de su talla. “La comodidad es lo más importante para que un hombre sienta confianza en su aspecto. Lo segundo, que elija prendas y accesorios coherentes con su estilo personal. Decía Oscar Wilde que no hay segundas veces para dar una primera impresión. La seguridad en uno mismo es siempre la clave de la elegancia”.

En la página siguiente, Ramón Exerez posa en su taller de Madrid (Calle Eraso, 7. Madrid.

Tfno.: 667 785 928). exerez1910.com Su nuevo proyecto, una tienda multimarca de calzado de alta gama, abre en abril en Claudio Coello, 69, Madrid.

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ESTILO

EN PRIMAVERA

Acudimos a las firmas de moda de El Corte Inglés para vestir los looks de una estación que demanda apuestas relajadas, cómodas y versátiles.

ESTILISMO BERTA FERNÁNDEZ-ABASCAL FOTOGRAFÍA QUIQUE SANTAMARÍA

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En la página anterior: Camisa de lino con rayas (49,95 €) y pantalón tipo chino (69,95 €), ambos de EMIDIO TUCCI. Zapatos drivers de serraje color marrón (39,99€) y mochila (34,95€), ambos de DUSTIN.

Sobre estas líneas: Parka naranja de estilo náutico (149 €) y sombrero bucket (29,95 €), ambos de LLOYD’S. Camiseta color teja, de GREEN COAST (15,95 €).

Pantalones blancos con pinzas delanteras (69,95 €) y náuticos bicolor con suela de goma a contraste (89,99 €), todo de EMIDIO TUCCI. La perra se llama GRETA.

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ESTILO

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En la página anterior: Chaqueta impermeable, de EMIDIO TUCCI BLACK (129 €). Jersey de punto con cremallera (39,95 €); bermudas blancas (29,95 €) y gorra (19,95 €), todo de DUSTIN. Camiseta blanca (9,99 €) y zapatillas tipo basket (39,99 €), de GREEN COAST (39,99 €).

Sobre estas líneas: Cazadora vaquera (49,99 €); camiseta de cuello redondo (15,99 €); pantalones vaqueros (29,99 €) y, sobre los hombros, jersey amarillo (22,99 €), todo de GREEN COAST.

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FIRMAS

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En la página anterior, una de las prendas de Barbour restauradas y puestas de nuevo a la venta. Sobre estas líneas, la tienda de la marca en la calle Jorge Juan, de Madrid, donde pueden adquirirse.

UNA SEGUNDA VIDA Barbour lanza una iniciativa para reciclar las prendas en desuso: a cambio de un vale de 60 €, se queda con ellas para restaurarlas artesanalmente, convertirlas en piezas únicas y ponerlas de nuevo a la venta a menor precio.

TEXTO JUAN PARRA

BARBOUR RE-LOVED es el nombre que la icónica firma de moda, conocida por sus chaquetas enceradas, ha elegido para bautizar una innovadora iniciativa puesta en marcha coincidiendo con el Día Mundial de Reciclaje. La dinámica es sencilla: todo aquel que quiera deshacerse de su barbour viejo puede, sea cual sea su estado, llevarlo a la tienda de la firma en Madrid, en la calle Jorge Juan 5, donde recibirá a cambio un vale de 60 euros para comprar en la tienda una nueva chaqueta encerada.

La vieja es llevada al taller exclusivo de Barbour en Madrid donde es higienizada: restaurada a base de imaginación

y maestría –con parches en color, por ejemplo, o solapas de los bolsillos en cuero, según algunos ejemplos reales–; encerada de nuevo y puesta a la venta en la mista tienda de Jorge Juan por un precio único, 289 €, muy inferior al de una chaqueta nueva.

La iniciativa Barbour Re-loved se lanzó por primera vez en el Reino Unido en 2019 para recuperar las chaquetas en desuso y darles una nueva vida. Cada año, Barbour repara y vuelve a poner en circulación más de 25.000 chaquetas en todo el mundo que, dada su restauración artesanal, son piezas limitadas y únicas.

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MANUFACTURA

ARTESANOS DEL LUJO El nuevo libro Louis Vuitton Manufactures, editado por Assouline, presenta un exquisito recorrido visual por los talleres que dan vida a las piezas más emblemáticas de la maison.

TEXTO PAULA POLIZZOTTO FOTOGRAFIA OLIVER PILCHER

EXISTEN ALGUNOS NOMBRES EN LA HISTORIA de la cultura francesa que explican por qué este país es considerado desde hace siglos la cuna del lujo artesano y la vanguardia artística. Uno de los más relevantes es Luis XIV, nombrado rey de Francia en 1643 con apenas cuatro años, cuya afinidad por el estilo de vida barroco sirvió para recuperar –tras dos siglos en manos del Renacimiento italiano– el liderazgo del país en el mundo de la moda, las artes y la cultura. El palacio de Versalles, una de las mayores extravagancias construidas para este rey que creía poseer autoridad divina, se convirtió en un punto de encuentro para artistas y artesanos de

toda Francia, que confeccionan los caprichos del monarca y de los miembros de su corte. Los talleres de esta nueva actividad, situados en el propio palacio, revitalizaron la economía del país utilizando materias primas producidas dentro de sus fronteras e iniciando una industria del lujo que situaría a Francia como su centro neurálgico durante los cinco siglos posteriores.

Al igual que Luis XIV, otras figuras han ayudado a construir el clásico art de vivre francés. Louis Vuitton, el empresario que transformó el viaje de la alta sociedad de finales del siglo XIX con sus innovaciones técnicas y estéticas, es uno de ellos. Así lo cuenta el nuevo libro editado por

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En la página siguiente, artesano trabajando sobre la lona Monogram. Los talleres de Louis Vuitton, distribuidos por localizaciones de referencia histórica y cultural para Francia, son símbolo de cómo la maison integra el trabajo artesano y los procesos analógicos en la era digital.

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MANUFACTURA

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En la página anterior, de arriba abajo, instalaciones del Atelier de Beaulieu-sur-Layon, especializado en la elaboración de artículos de piel. Estancia del Atelier de Ducey, donde se almacenan los rollos para confeccionar los objetos de piel.

A la derecha, artesano en pleno proceso de creación en el Aterlier de Alta Joyería en la Place Vendôme de Paris.

Louis Vuitton Manufactures es el nuevo libro editado por Assouline. Consta de 400 páginas con cerca de 350 fotos en color y sus dimensiones son 24 x 33 cms. El precio es de 95 €. assouline.com

Assouline Louis Vuitton Manufactures, un recorrido por los talleres de la maison a través de 350 imágenes de archivo y fotografías actuales, que ilustran cómo la casa ha forjado en sus casi 200 años de vida una excepcional cultura de la artesanía en sus talleres distribuidos por todo el mundo, desde Normandía y Beaulieu-sur-Layon hasta Ginebra y Texas.

En este viaje por su pasado y presente, Louis Vuitton refleja cómo en estos espacios florece el ingenio y la creatividad de la misma forma que lo hizo cuando su fundador decidió crear un servicio pionero de maletas hechas a medida para aristócratas y

emperatrices que deseaban cruzar el Atlántico presumiendo de vestuario. “No se trata de confeccionar equipajes de lujo; se trata de innovación. La innovación vino antes que el equipaje. La razón por la que Louis entró en el negocio es porque quería crear algo diferente a lo que había en el mercado”, explica Michael Burke, CEO de Louis Vuitton, en las páginas del nuevo libro.

En la privacidad de sus atelieres, la maison ha diseñado una auténtica ‘red de inteligencia artesanal’ –nombre que dan dentro de los talleres al conjunto de talentos que confeccionan sus piezas–. Dentro de sus paredes conviven artesanos de toda la vida

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junto con las nuevas generaciones que acaban de iniciarse en el oficio. Algunos de ellos, tatuados y con el pelo largo, realizan los mismos gestos y utilizan las mismas técnicas y herramientas –algunas de ellas pertenecieron a Napoleón III– que los artesanos de hace 150 años. El libro revela cómo estos jóvenes, hasta hace dos décadas alejados de los trabajos artesanales, han desterrado la imagen arcaica de los talleres tradicionales, convirtiéndolos en lugares transmisores de innovación y savoir-faire.

Los emplazamientos de todos los talleres Louis Vuitton son reconocidos epicentros de artesanía: desde Véneto,

MANUFACTURA

Sobre estas líneas, artesana trabajando en la zapatilla LV Trainer. En el libro, Louis Vuitton promueve la idea del taller como un lugar de aprendizaje y transmisión del trabajo artesano.

A la izquierda, estancia con vistas a la Plaza Vendôme del Atelier de Prêtà-porter, en París.

en Italia, donde alojan su taller de calzado, hasta Ginebra, en Suiza, donde realizan las piezas de alta relojería. Aunque son los ubicados en Francia los que albergan la quintaesencia de la maison; el primero y más emblemático es el situado en Asnièressur-Seine, el pueblo ribereño donde artistas como Vincent van Gogh o Georges Seurat pasaban los veranos pintando, y donde el propio Louis Vuitton construyó su primera fábrica en 1859. Este atelier, ubicado junto al Sena para garantizar la recepción de materias primas por río y ferrocarril, se dedica a la elaboración de baúles y pedidos especiales y está construido en metal y vidrio,

siguiendo los principios de la arquitectura del hierro popularizados por el francés Gustave Eiffel a principios del siglo XX. Este y otros talleres, como el situado en Vendée, al sur de Francia, dedicado a los artículos de piel, demuestran la determinación de la casa desde hace 30 años por perpetuar la producción peletera dentro del país, de forma que la industria no trasladara su eje productor fuera de sus fronteras, como sucedió por ejemplo con la seda, que desplazó su centro a Como, en Italia, o los relojes, que lo hicieron a Suiza.

Con el tiempo, otros talleres Louis Vuitton han abierto sus puertas en lugares

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significativos para la cultura y la historia francesas, como el inaugurado en 2020 en la Abadía de Vendôme, un edificio del siglo XI situado a 170 km de París y especializado en la producción de pieles exóticas, o el taller de perfumería Les Fontaines Parfumées, en la región francesa de Grasse.

Con prólogo de Nicholas Foulkes, historiador y periodista británico, este viaje por las entrañas del lujo descubre cómo nacen las piezas de las icónicas colecciones de la maison –baúles, bolsos, fragancias, relojes, zapatos, alta joyería y prêt-à-porter– a través de una selección de fotografías realizadas en exclusiva para el volumen.

1. H. UPMANN REGALÍAS Perteneciente a la Línea Retro de Habanos, presenta una fortaleza que evoluciona de suave a media y se caracteriza por su sabor tostado, con recuerdos a almendra, vainilla y nuez moscada. Disponible en petaca metálica de cinco unidades al precio de 37,50 €.

2. HOYO DE MONTERREY LE

HOYO DE RÍO SECO TUBO

De cepo 56 y 140 mm de longitud, el Río Seco pertenece a la Serie Le Hoyo de la marca cubana Hoyo de Monterrey y es un habano ideal para aquellos que buscan una fortaleza suave y un sabor rico en matices. Aconsejamos para esta primavera su práctica presentación en estuche de tres tubos, que mantiene los habanos en perfectas condiciones, 17,25 € el habano..

3. PARTAGÁS SERIE D NO.4

TUBO

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Es uno de los Habanos más queridos y apreciados por los aficionados de todo el mundo. Representa fielmente los valores que han convertido a Partagás en una de las marcas más prestigiosas del mundo: gran carácter, personalidad y fortaleza. De vitola de galera Robustos (cepo 50 y 124 mm de longitud), su presentación en tubo resulta muy cómoda para llevarlo encima a cualquier lugar. 14,30 € el habano.

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4. ROMEO Y JULIETA CLUB

KINGS

PLACERES DE PRIMAVERA Seleccionamos cuatro representativos Habanos para saborear mientras disfrutamos del buen tiempo y de la invitación al sosiego al aire libre que acompaña la llegada de la nueva estación.

YA HACE UNAS SEMANAS QUE NOS HEMOS DESPEDIDO, al menos oficialmente, y en unos lugares más decididamente que en otros, de las frías y largas noches de invierno y hemos dado la bienvenida a la primavera. Es tiempo de aprovechar, por fin, el buen tiempo, de los relajados paseos al aire libre y de las espléndidas terrazas de nuestras ciudades.

Sin prisas, con el sosiego que tantas veces echamos de menos. Con ese mismo espíritu afrontan la nueva estación los aficionados a los Habanos, que también encuentran ahora más ocasiones para el disfrute pausado de los mejores cigarros del mundo. De la variada oferta de Habanos, hemos extraído esta cuidada selección de vitolas ideales para disfrutar a lo largo de esta primavera.

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Este habano es el primer representante de la Línea Retro de Habanos, que destaca por su presentación en petaca metálica de cinco cigarros de cepo 42 y 129 mm, cuyo cuidado diseño está inspirado en los envases de bolsillo populares en los años 70. Su precio es de 38,50€ la petaca.

COSMÉTICA

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COSAS DE HOMBRES La barba ha recobrado un lugar privilegiado en el estilismo masculino. Pero ahora la creciente oferta de cosméticos y la prolferación de cuidadas barberías vintage no dejan excusas para lucirla descuidada.

TEXTO LUCÍA HEREDERO FOTOGRAFÍA MASSIMILIANO POLLES

En la página anterior, el actor James Dean, fotografiado en una barbería de Nueva York en 1955.

LA BARBA HA VUELTO PARA QUEDARSE: de los millenials (con barba al ras) a los hombres más maduros que la lucen elegantemente con canas pasando por los vanguardistas, artistas y modernos cuya barba aparece bastante más larga (semivikinga), pero nunca descuidada u olvidada.

Es cuestión de estilo o, sencillamente, de saber lo que más favorece a cada uno. La barba –como las melenas femeninas–, pueden servir para disimular una mandíbula poco definida, una incipiente papada, una cara muy fina o muy gruesa o incluso una cicatriz.

Hasta existe un Día mundial de la barba (celebrado el primer sábado de septiembre), con el fin de dar visibilidad a la multitud de estilos y a los diversos looks que se pueden conseguir con ellas.

En cualquier caso, la barba ha de ser cuidada con productos específicos (nada de dejarla asalvajada, áspera y tiesa), lavada, recortada y repasada. Basta con invertir tan solo unos pocos minutos, pero son obligados, porque las opciones para mantenerla perfecta han aumentado considerablemente. No hay excusas, pero no se asusten.

Afortunadamente, el mundo ha cambiado

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y, actualmente, el universo de la cosmética masculina es tan abundante como sencilla o sofisticada (todo es cuestión de gustos y de tiempo). En esta vorágine de productos merecen especial atención los dedicados al cuidado de la barba y del afeitado porque para los hombres sigue siendo su principal preocupación; junto con la caída del pelo, la tripa, la papada o las bolsas en los ojos.

Modas y barbas

Según Ana Alcázar, estilista en la barbería de TBC Hair (Madrid), el look más demandado en este momento es la ‘barba de Ala’, más conocida como estilo Hollywoodian, llamado así porque la solían lucir las grandes estrellas de Hollywood de los años 30. “Se trata de un look de fácil mantenimiento y apto para todas las edades que favorece especialmente a los rostros cuadrados o con facciones marcadas. Por otro lado, el estilo Stubble es un clásico atemporal de barba que siempre triunfa por su carácter desaliñado y sexy. El objetivo es que el acabado sea natural, que no se note que está perfilada o marcada pero tampoco desarreglada. De aquí pasaríamos al Long Stubble, el mismo

COSMÉTICA

Frank Sinatra, en diversos gestos durante un afeitado.

Las fotos fueron tomadas en 1964, en el marco de un reportaje que seguía al cantante y actor durante sus actividades diarias.

estilo que el anterior pero con dos días más de crecimiento del vello. Actualmente, estas son las tendencias que mandan, dejando atrás las modalidades Vikingo o Banholz (hípster), tan de moda hace un tiempo”, apunta Alcázar.

A veces olvidamos que debajo de la barba también existe piel. Cuando nos dejamos crecer la barba, se dificulta la renovación de las capas superficiales de la epidermis y se limita su descamación natural, por lo que pueden aparecer caspa o células muertas. “Además, dejarse barba implica también que las glándulas sebáceas que lubrican e hidratan el pelo de la barba trabajen demasiado, provocando un desequilibro que puede derivar en dermatitis. Por ello, es tan importante la limpieza diaria de la barba, para que el sebo no se acumule y no salgan granitos”, explica el dermatólogo Carlos Morales Raya.

Por esto y mucho más, es importante comprometernos con una rutina de cuidado que no solo implique el pelo de la barba, sino también esa tierra desconocida que es la piel que habita. ¿Dejarse barba?

Sí, pero siempre siguiendo unos pasos básicos y sin descuidar la piel.

Esas barberías de antaño

Recuerdo que mi padre acudía a su barbero-peluquero en la Gran Vía madrileña (el mismo toda su vida) de manera puntual.

Un lugar donde empleados y clientes se conocían, donde las sillas de barbero se recostaban mientras aplicaban toallas calientes en el rostro para preparar la piel antes del afeitado con una cuchilla bien afilada que llegaba a los lugares más recónditos. Todo requería su tiempo, su charla, su momento. Ha cambiado la vida, han variado los tiempos y la prisa es protagonista

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indiscutible; pero, en mitad de este mundo de locos, hemos vuelto la vista atrás para recuperar la esencia de las barberías.

Estos nuevos lugares de estilo vintage ahora podrían ser templos de mindfullness, es decir de vivir el momento y disfrutar poniéndonos en las manos de un experto barbero que al mismo tiempo actúa de psicólogo improvisado. Y, lo mejor de todo, es que la decoración puede ser tan sofisticadamente retro como en un vagón del Orient Express. Eso sí, las cuchillas, maquinillas, geles, brochas o serums pasan con sobresaliente todo tipo de certificaciones científicas, bio o eco. La modernidad convive con el clasicismo, las formulaciones más avanzadas con los sillones de cuero y los clientes de 20 años con los de 70.

La barba vuelve y ya no es patrimonio rockero... es tendencia y las barberías actuales, espacios de culto.

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LIMPIEZA E HIDRATACIÓN 1. The Grooming Oil LAB SERIES. Aceite para barba 3 en 1. Antes del afeitado ayuda a rasurar (35 €).

2. Gel Nettoyant Exfoliant SEPHORA Volc. Con arena volcánica, limpia y exfolia el rostro y el cuerpo (11,90 €).

3. Nettoyant Visage de CLARINS MEN. Su espuma limpiadora suaviza y tonifica la piel irritada tras el afeitado y le proporciona un escudo para protegerla de las agresiones (30,25 €).

4. In Shower Face Wash ACUMEN AMERICAN CREW. Limpiador facial, elimina suciedad, exceso de sebo e impurezas (26,95 €).

5. Jabón sólido para piel sensible DR. TREE. Con aceite de arroz, pH neutro, refuerza el microbioma. Vegano (9,40 €).

6. Shampoing Solide KLORANE. Champú sólido para cabello y barba con aroma a mango (9,95 €).

7. Huile de Pré-Rasage Nourrissante Spicebomb VICTOR&ROLF. Aceite pre-afeitado para un plus de hidratación.

8. Hair and Body Oil THE BODY SHOP. Cuerpo, cabello y barba, prepara el afeitado e hidrata. 100% vegano y natural (19 €).

9. Beard Shampoo MI REBOTICA. Champú para barba (9,95 €).

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UN PLUS 1. Texture Pomade LA BIOESTHETIQUE HOMME. Crema para controlar la textura de la barba (29,50 €).

2. Brocha de afeitar ARTERO. Mango de madera y pelo de tejón.

(12,18 €).

3, 4 y 5. King C de GUILLETTE. Aceite para la barba (9,99 €), maquinilla (34,99 €) y gel de limpieza (19,99 €).

6. PHILIPS Serie 9000. Un apurado superior con la máxima comodidad para la piel gracias a unas cuchillas dobles y sensor

de presión. Tiene integrado un recortador de patillas (228,90 €).

7. BRAUN Series 7. Cabezal flexible 360º para llegar a cualquier recoveco del rostro. Tecnología que detecta la densidad de la barba (164,99 €).

8. Maquinilla Profesional Divinity de ARTERO. Con o sin cable.

Con cuchillas, cepillo, y aceite (101,30 €) 9. STMNT Nomad Barber. Arcilla para dar definición al cabello y a la barba (21,50 €).

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DESPUÉS DEL AFEITADO 1. Sauvage de DIOR. Eau de toilette refrescante (50 ml / 50 €).

2. Epidermal Re-Texturizin Micro-Dermabrasion KIEHL’S. Microdermoabrasión con limpieza regeneradora de la epidermis (46 €).

3. Anti-Feu du Rasoir LH LIERAC HOMME. Bálsamo after shave que evita la sensación de ardor en la piel (17 €).

4. After Shave Lotion ACQUA DI PARMA Colonia Club. Tónico refrescante y regenerante para aplicar después del afeitado o encima de la barba (69,85 €).

5. Optimale Soin Quotidien 3 en 1 de PAYOT. Gel-crema hidratante, antifatiga y antipolución (35,70 €).

6. Baume Apres Rasage Vetiver Extraordinaire DOMINIQUE ROPION. Bálsamo hidratante con aroma a vetivert (85 €).

7. Origin Pro EGF-5 SENSILIS. Ampollas antiedad a base de factores de crecimiento y extracto de células madre vegetales (92 €).

8. Instant Energy Ampoule Concentrate BABOR MEN. Ampollas SOS energía, vitalidad e intensa hidratación (32,50 €).

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ANTI-AGING 1. Total Revitalizer Cream SHISEIDO MEN. Combate arrugas, flacidez y tono apagado, sequedad e irritación (107 €)..

2. Vita C Pure Collagen Infusion de MONTIBELLO. Sérum para pieles desvitalizadas. La vitamina C y el colágeno aportan vitalidad (44,73 €).

3. Energizer Effect SELVERT THERMAL for Men. Serum de textura no grasa, combate los signos de envejecimiento (39 €).

4. Fluide Anti-Âge Rerchargeur Nexellence NUXE MEN. Con extractos de roble, pasiflora y ácido hialurónico (36,30 €).

5. Aquapower Advanced Gel BIOTHERM HOMME. Gel de máxi-

ma hidratación que repara la barrera cutánea (42,80 €).

6. Soin Hydratant 2 en 1 Visage et Barbe Bleu de CHANEL. Hidrata la piel y cuida la barba al mismo tiempo (48 €).

7. Lifting Code BIOLINE JATÒ. Crema hidratante de efecto lifting (89,50 €).

8. Maple Antiaging Cream KORRES MEN. Crema anti edad no grasa con extracto de nuez (31 €)..

9. Fluído+Sérum USU MEN. Hidratante antiedad para todo tipo de piel. Textura ligera (21,95 €)..

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1. HUILE DE RASAGE Un aceite que se aplica antes del gel de afeitado para facilitar el deslizamiento de la cuchilla sobre la piel. Es ideal para viajar no solo por su tamaño, sino también porque, en barbas no muy pobladas, su aplicación es suficiente para el afeitado (36,75 €).

2. RASAGE IDEAL Un gel que se transforma en espuma para el afeitado. No contiene alcohol. Su textura fresca y delicada evita el ardor del rasurado. Suaviza y reconforta la piel (23 €).

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3. FLUIDE APRÈS RASAGE Un aceite que se aplica antes del gel de afeitado para facilitar el deslizamiento de la cuchilla sobre la piel. Es ideal para viajar no solo por su tamaño, sino también porque, en barbas no muy pobladas, su aplicación es suficiente para el afeitado (36,75 €).

VOLCADOS EN LA PIEL Especializada en cuidados de belleza y bienestar para el hombre, la firma ClarinsMen propone tres productos para hacer más agradable la rutina del afeitado, con innovadoras formulaciones inspiradas en la naturaleza.

LA DECIDIDA APUESTA DE CLARINS POR INCORPORAR los cuidados relacionados con el hombre a su porfolio de productos se tradujo en la creación de una marca específica, ClarinsMen, que engloba desde limpiadores y lociones hasta hidratantes, productos antiedad, tratamientos corporales y, también, para antes y después del afeitado. Así, el hombre puede por fin cuidar su piel con fórmulas que incluyen lo mejor de los activos vegetales y los más recientes descubrimientos tecnológicos, señas de identidad de la marca.

De entre la amplia oferta de productos de ClarinsMen seleccionamos en esta ocasión tres relacionados con el afeitado, para hacer más agradable esa rutina obligada. Las tres tienen en común que el objetivo último de sus formulaciones es el cuidado y el bienestar de la piel, aunque por diferentes vías: mientras uno actúa como aceite que prepara la barba para el afeitado, pudiendo utilizarse como si de una espuma se tratara; otro es un gel que se transforma en espuma para facilitar el

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rasurado, y un tercero actúa después para paliar las agresiones del paso de la cuchilla.

Todos estos productos han sido formulados tras minuciosas investigaciones en los Laboratorios Clarins, auténticos especialistas en el cuidado de todo tipo de pieles. Sobre las plantas y sus activos, Laboratorios Clarins ha construido, desde su fundación en 1954, un universo único en torno a la belleza y el cuidado de la piel: con la naturaleza como aliada –más del 80% de los ingredientes activos utilizados son de origen natural– y con la máxima seguridad como garantía –cada producto de tratamiento es testado concienzudamente–. clarins.es

J. Parra

GASTRONOMÍA

TESOROS DEL OLIVAR En una buena campaña, España se reafirma como paraíso para la producción y disfrute de los mejores aceites de oliva virgen extra. El consumo interno sigue aumentando.

TEXTO FEDERICO OLDENBURG

EL SECTOR OLEÍCOLA –como todas aquellas industrias que dependen de una actividad agrícola– siempre está sometido a un sinfín de condicionantes.

De ahí que entre los productores olivareros españoles son pocos los que duermen tranquilos, aunque en esta campaña –que en estos días entra en su recta final– los pronósticos oficiales invitan a lanzar al vuelo las campanas del optimismo. De hecho, antes de que marzo diera carpetazo, el Ministerio de Agricultura, Pesca y Alimentación (MAPA) ha vuelto a revisar al alza su previsión de producción de aceite de oliva para la cosecha 2021/22, que ahora se sitúa en 1,49 millones de toneladas, frente a los 1,3 millones que estimaba a comienzos de la campaña.

Los vaticinios optimistas ministeriales alcanzan también a las previsiones de consumo interno, que se elevan a 545.000 toneladas, mientras que las exportaciones parecen mantenerse con buen rumbo, aunque con una mayor cotización en todas las categorías.

El rastro de Filomena

Las cifras son alentadoras para el oro verde español. Pero un paseo por la extensa finca de Casas de Hualdo, en el Carpio de Tajo (Toledo), recuerda el drama vivido por el olivar toledano –y manchego– hace poco más de un año –a principios de enero de 2021–, cuando la borrasca Filomena provocó estragos en los cultivos. Primero fue la nevada histórica, luego la helada y como

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colofón dos semanas con temperaturas extremas (hasta 15º bajo cero) que segaron la vida de multitud de olivos.

Tan solo en el olivar de Castilla-La Mancha los destrozos abarcaron 17.000 hectáreas y en el olivar de la provincia de Toledo las pérdidas se cifraron en 172 millones de euros.

“Son los inconvenientes de tener el negocio a cielo abierto”, resume con ironía José Antonio Peche, administrador de esta enorme propiedad agrícola que se extiende a través de 4.000 hectáreas y que se sumó a la producción olivarera en 2001. Casas de Hualdo cuenta actualmente con cerca de 700 hectáreas de olivar –plantado con las variedades picual, arbequina, cornicabra y manzanilla– y perdió unas 85 durante

España es líder mundial en superficie, producción y comercio internacional de aceite de oliva. El olivar se extiende en 2,75 millones de hectáreas del territorio nacional, lo que satisface una producción que supone el 70% del total de la UE y el 45% de la mundial.

la tormenta de Filomena. Más de un 10%.

“Todas de arbequina, menos resistente al frío –explica–. Las replantaremos con otra exposición, y probablemente con otras variedades”. Prevenir es de sabios.

Casas de Hualdo, que exporta a 36 países –Ucrania se ha caído de la lista– construyó su propia almazara en 2009 y desde 2010 desarrolla su marca, con aceites varietales y coupages de alta gama, que en 2019 le han hecho valedor de ser admitido como último miembro en el seno de Grandes Pagos del Olivar, suerte de selecto club de productores comprometidos con la calidad y la cultura olivarera española, impulsado por el recordado Carlos Falcó, marqués de Griñón y propietario de la finca toledana fundadora de la asociación, junto a Hacienda Queiles (Navarra) y Aubocassa (Mallorca), en el año 2005.

Posteriormente, se les unirían también Marqués de Valdueza (Badajoz, 2008), Castillo de Canena (Jaén, 2012).

Desde su posición como miembro de esta élite de almazaras, Peche considera que el AOVE español ha alcanzado la calidad más excelsa. “Aunque aún falta cultura en este país: son pocos los consumidores que aprecian y tienen

acceso a los mejores aceites de oliva virgen extra cada día, conocen las marcas, las variedades y las regiones productoras, como sucede, por ejemplo, con el vino”.

Del AOVE al vino, la miel y el queso

La diversificación de los productores de AOVE no es excepcional. Y así como Marqués de Valdueza produce excelentes mieles y vinos en Extremadura y la propiedad de Aubocassa elabora vinos en La Rioja –en la célebre bodega Roda–, en Casas de Hualdo, el otro producto por el que se apuesta fuerte es el queso, que es novedad: “Llevamos algo más de un año impulsado el proyecto, pero con mucha decisión, con una ganadería propia de 2.000 ovejas de raza manchega y una fábrica equipada con la última tecnología que acabamos de estrenar. El equipo está muy motivado, desarrollando una gama de quesos de pastas duras, semicocidas, semiblandas, lácticas y probablemente, en el futuro, también azules. Pero somos muy jóvenes y creativos en este terreno y no descartamos incorporar nuevas referencias”, explica José Antonio Peche.

Nuevos quesos artesanos han nacido en Toledo, al amparo del AOVE.

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GASTRONOMÍA

10 GRANDES AOVE

LA CHINATA Sierra de Gata (Extremadura)

Un top 10 de magníficos aceites de oliva virgen extra seleccionados entre la élite de los que se elaboran en España, para las mejores mesas y caprichos gastronómicos.

TEXTO F. OLDENBURG

DEHESA DE LOS LLANOS Albacete (Castilla-La Mancha)

LES COSTES Lleida (Catalunya)

Variedad: arbequina.

Precio: 11,50 € (50 cl).

Famosa por sus quesos manchegos, la finca de Dehesa de los Llanos cuenta con 14 hectáreas de olivos de donde se extrae este excelso AOVE, de cosecha extratemprana, para preservar los matices más intensos de la arbequina: notas herbáceas, de manzana verde y tomatera y ligero amargor final.

Variedad: arbequina.

Precio: 25 € (50 cl).

Les Costes representa la máxima ambición de Veá, la prestigiosa familia olivarera leridana, que con esta referencia ha apostado por elaborar el mejor aceite posible, a partir de olivos bicentenarios que crecen en una de sus mejores fincas.

Se extrae en frío y se presenta íntegro y sin filtrar.

FINCA LA TORRE SELECCIÓN HOJIBLANCA Jaén (Andalucía)

DOMINUS ACEBUCHE Jaén (Andalucía)

Variedades: hojiblanca.

Precio: 15,99 € (50 cl).

Frecuente merecedor del premio Alimentos de España –del Ministerio de Agricultura– en la categoría de AOVE ecológico, es un aceite intenso, fragante, rico en matices de hierba fresca, tomatera y almendra verde, con paladar ligeramente dulce, picor progresivo y gran persistencia.

Variedad: acebuchina.

Precio: 15 € (25 cl).

Recolectar y obtener el aceite de las pequeñas acebuchinas es 14 veces más costoso que de una aceituna de cultivo.

Pero el trabajo tiene premio, ya que su zumo –intenso y profundo, singularísimo– triplica el contenido de polifenoles de cualquier otro virgen extra. Una saludable bomba.

Variedades: manzanilla cacereña.

Precio: 12,90 € (25 cl).

La Chinata, tienda especializada en todo tipo de productos derivados y/o relacionados con la cultura del aceite de oliva, presenta un aceite varietal de manzanilla cacereña, de cosecha temprana, en un original y precioso envase y en edición limitada. Su comercialización tiene fines solidarios.

CASTILLO DE CANENA PRIMER DÍA DE COSECHA PICUAL Jaén (Andalucía) Variedad: picual.

Precio: 21 € (50 cl).

Referente entre los AOVE vernáculos, Castillo de Canena embotella sus aceites de picual y arbequina del primer día de campaña con la firma de una personalidad del deporte o la cultura . Este año es el periodista Matías Prats quien lo apadrina.

OLIBAEZA PATRIMONIO DORADO PREMIUM PICUAL Jaén (Andalucía) Variedades: picual.

Precio: 18 € (50 cl).

El AOVE español mejor valorado en la última edición de la guía internacional Evooleum es un picual de cosecha temprana, a partir de aceitunas recogidas a principios del mes de octubre.

Con nítidas notas herbáceas y vegetales, apunta también acentos de plátano, mango y almendra.

NOC PICUAL ECOLÓGICO Montes de Toledo (Castilla-La Mancha)

CORTIJO DE SUERTE ALTA PICUAL EN ENVERO Baena (Andalucía)

CASAS DE HUALDO ECOLÓGICO Toledo (Castilla-La Mancha)

Variedad: picual.

Precio: 9,40 € (50 cl).

La bodega NOC, localizada en Los Yébenes, ha decidido saltar del vino al aceite para sacar buen partido a los 4.000 olivos que crecen su propiedad. Así, con métodos de producción ecológicos, ha dado a luz este intenso AOVE, que presenta en un original envase.

Variedad: picual.

Precio: 9,35 € (50 cl).

100% picual, es un AOVE muy representativo de la región de Baena, cuyos aceites se caracterizan por su amargor y picante, con notas aromáticas de almendras, tomatera y cítricos. Resulta idóneo para disfrutar en crudo, y también para freír.

Variedad: arbequina, cornicabra.

Precio: 14,50 € (50 cl).

Uno de los mejores aceites de esta gran almazara toledana, elaborado a partir de pequeñas partidas seleccionadas de aceitunas de cultivo ecológico, de las variedades arbequina y cornicabra (más sutil y afrutada la primera, con carácter rotundo la segunda).

De gran personalidad.

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RITUALES PARA EL PALADAR Torres Brandy, la marca preferida por los mejores bartenders del mundo, sitúa a Barcelona como la cuna mundial de la elaboración de brandy.

En 1928, Juan Torres Casals, segunda generación de Familia Torres, comienza a elaborar en la región del Penedès brandis añejos criados en roble, suaves y aromáticos. Hoy, casi un siglo más tarde, el saber hacer de Juan Torres Master Distillers –división de los destilados de alta gama de Familia Torres– ha servido para proyectar a Barcelona como la ciudad donde se elabora el mejor brandy del mundo. Así lo ha dicho la revista británica Drinks International, tras revalidar Torres Brandy, por tercer año consecutivo, el título como la marca de brandy preferida por los mejores bartenders. Rememorando los oríge-

nes del brandy como protagonista de los cócteles en las últimas décadas del siglo XIX, Torres 15 es uno de los buques insignia de la marca. Sus notas ahumadas y torrefactas envueltas en aromas de cedro, vainilla y canela lo convierten en un excelente aliado de la mixología.

Por otro lado, Torres Brandy apuesta por un nuevo destilado cristalino, Torres Alta Luz, obtenido por el sistema de la doble destilación en alambiques y envejecido en barricas de roble francés.

Su carácter innovador se encuentra tras el añejamiento, al someterse a un filtrado mineral que equilibra su sabor sin perder madurez. torresbrandy.com

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MOTOR

RUMBO A LAPONIA En pleno Círculo Polar Ártico, en Finlandia, flamantes Audi RS 4 dibujan curvas imposibles sobre un circuito helado. Bienvenido a las Driving Experiences de la firma alemana.

TEXTO JUAN LUIS GALLEGO

FOTOGRAFÍA MIKEL PRIETO

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Imagen aérea de un fragmento del circuito dibujado por Audi sobre el lago helado de Särkilompolo, en la Laponia finlandesa. Salvar sus cerradas curvas sobre una pista de hielo, es una de las destrezas que enseñan los monitores de las Driving Experiences.

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MOTOR

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En la otra página, dos coches en pleno circuito, entre la nieve y el bosque. Junto a estas líneas, detalles de la flota de Audi RS 4 y del hotel que acoge a los participantes.

FICHA TÉCNICA Audi RS 4 Avant Motor: Gasolina, 6 cilindros en V + Cilindrada: 2.894 cc + Potencia: 450 CV (331 kW) + Transmisión: Tiptronic de 8 velocidades con tracción Quattro permanente a las cuatro ruedas + Aceleración de 0 a 100 km/h: 4,1 segundos + Velocidad máxima: 250 km/h + Precio: 104.850 €.

EN GOOGLE MAPS, SÄRKILOMPOLO aparece, en azul, como uno más de los innumerables lagos diseminados entre los verdes bosques de la región de la Laponia finlandesa. En realidad, ese color dura apenas unos meses al año: desde mediados de otoño (octubre-noviembre) hasta bien entrada la primavera (mayo), es una inmensa masa de hielo y nieve convertida por Audi en el escenario de una inolvidable y exótica experiencia de conducción.

Estamos en el Círculo Polar Ártico, a mil kilómetros al norte de Helsinki, en las afueras de Muonio, una pequeña localidad de apenas 2.000 habitantes diseminados en casas de madera –su densidad de población es de 1,20 personas por km2– y adornada con una pequeña estación de esquí que completa su oferta turística para las actividades sobre nieve.

Dicen los lugareños que 30 centímetros de hielo en la superficie de un lago son suficientemente sólidos para admitir sin riesgo de quebrarse la circulación de cualquier vehículo. Durante nuestra visita, la capa helada del lago supera el metro y medio de profundidad sobre unas aguas que se extienden otros ocho metros hacia el subsuelo. Sobre ella, el equipo de Audi que gestiona las Driving Experiences

ha diseñado una serie de circuitos con diferentes niveles de dificultad que combinan hábilmente entre sí para modular la pericia exigida: la serpiente, con giros continuados a izquierda y derecha; el óvalo, con curvas de casi 360 grados; y recorridos de hasta siete kilómetros en los que poner en práctica, entre derrapes continuos, los juegos de volante, acelerador y freno que los monitores explican primero, supervisan después y corrigen llegado el caso.

Se trata, efectivamente, de un curso de conducción sobre hielo, pero es, sobre todo, una experiencia irrepetible: destreza, adrenalina, competición también, condiciones meteorológicas extremas para el común de los mortales y un paisaje ignoto en el resto del planeta se alían para provocar esa sensación impagable de estar viviendo un momento inédito en un lugar único. Todo ello transcurre, en nuestro caso, al volante de uno de los vehículos top de Audi: un RS 4 Avant que combina el sistema de tracción a las cuatro ruedas Quattro, exclusivo de la casa –el mejor disponible en un vehículo comercial, según nos comenta uno de los monitores–, con un marcado espíritu deportivo capaz de acelerar de

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0 a 100 km/h en 4,1 segundos y alcanzar una velocidad de 250 km/h gracias a los 450 CV que despliega. Un perfecto equilibrio de peso, potencia y tracción que un elegante diseño, un exquisito acabado, un sistema de infoentretenimiento de última generación y la versatilidad que proporciona la amplitud de sus dimensiones convierten en una más que óptima opción para el uso diario.

La gama de Driving Experiences que proporciona Audi es muy variada: desde conducción en circuito durante una jornada por unos 500 euros a la versión más exclusiva de Experimenta Finlandia que, por algo más de 6.500 euros, incluye vuelos desde Alemania, cuatro noches de hotel con pensión completa y formación durante casi tres días y medio para practicar desde el frenado en curva hasta ejercicios de concentración, con horas y horas de conducción libre y, por qué no, también recorridos cronometrados para acercarnos al espíritu de la competición.

Una excursión en moto de nieve que atraviesa lagos y bosques para acabar en una reponedora sauna privada completan esta aventura finlandesa capaz de cautivar también a los más neófitos en el mundo del motor. Un privilegio.

MOTOR

A LA CONQUISTA DEL MUNDO En tan solo cinco años, la gama SUV de Seat ha protagonizado una historia de éxito que la acerca al millón de vehículos vendidos. Tras los exitosos Ateca y Arona, el Tarraco, con tecnología híbrida enchufable, completa la oferta.

TEXTO JUAN PARRA

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AL COMENZAR EL AÑO 2022, HABÍA MÁS DE 900.000 SUV de Seat circulando por el mundo; casi 172.000 de ellos en España. La gama SUV de esta firma nacional representa una historia de éxito con sus tres modelos: Ateca, Arona y Tarraco, el último y más grande construido nunca por Seat, con opciones de siete plazas y motorización híbrida enchufable e innovaciones en diseño y tecnología que han servido para mejorar las actualizaciones de sus modelos predecesores.

La versatilidad, funcionalidad y el puesto de conducción más alto que ofrecen los tres modelos son atributos relevantes para los clientes que se decantan por este tipo de carrocería; cada vez más, como demuestra el hecho de que más de la mitad de los coches que vende Seat son SUV. Ofrecen un excepcional comportamiento dinámico, que permite una conducción confortable y, a su vez, ágil y deportiva; presentan varias opcio-

nes de motorización; un equipamiento que sobresale en términos de seguridad y conectivdad y un diseño emocional, imponente y dinámico, además de una excepcional calidad percibida en el habitáculo, con buenos materiales. Los tres presentan, en definitiva, una excelente relación calidad-precio.

El primer SUV de la historia de SEAT fue el Ateca, un compacto que vio la luz en 2016; el Arona, de personalidad urbana, llegó en 2017 y, como su predecesor, fue acogido con entusiasmo por los conductores. La ofensiva SUV de Seat se completó en 2018 con el Tarraco, un todocamino de gran tamaño con hasta siete plazas que, además de reunir todos los atributos más característicos de la gama, incorpora la última vanguardia tecnológica, especialmente en materia de seguridad, y es el primer SUV de Seat en incorporar la tecnología híbrida enchufable. Sin duda, una gama muy completa.

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FICHA TÉCNICA Seat Tarraco Motorización: gasolina / diésel / híbrido enchufable + Potencia total: de 150 a 245 CV + Dimensiones: 4,73 m x 1,84 + 1,66 + Plazas y capacidad del maletero: 5 o 7 plazas y 760 y 700 litros respectivamente + Precio: desde 27.990 €, con descuentos de la marca aplicados y sujeto a financiación.

RELOJES

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En la otra página: El Tank Chinoise ofrece una versión con su caja y hebilla engastadas con 161 diamantes talla brillante (1,70 quilates). Está limitada a 20 piezas.

Junto a estas líneas: La versión de oro amarillo, de la que solo se harán cien piezas.

CITA PRIVADA CON LA EXCELENCIA Cartier Privé es sinónimo de propuestas marcadas por la personalidad y la historia creativa de la maison. La última incorporación es el Tank Chinoise.

TEXTO RICARDO BALBONTÍN

LA EXCELENCIA EN CARTIER no se entiende sin una dosis extra de espectáculo, de exaltación de la belleza.

A lo largo de su historia ha dejado tantas muestras como líneas de trabajo ha iniciado. Muchos dirán que el Cartier joyero es el responsable, pero la realidad está más cerca de que en Cartier siempre se ha potenciado un principio de creatividad tan personal como distintivo.

Y de ello se beneficia cada nueva línea de trabajo. El mejor resumen de esta afirmación se encuentra en la colección Cartier Privé. Cada año, reinterpreta los modelos míticos de la casa a través de ediciones limitadas que no solo reflejan su estilo en formato contemporáneo, sino que son objeto de una pasión desbordante entre los coleccionistas.

Después del reloj Crash, el Tank Cintrée, el Tonneau, el Tank Asymétrique y el Cloche de Cartier, el reloj Tank Chinoise protagoniza el sexto capítulo de Cartier Privé. Creado en 1917 por Louis Cartier y comercializado dos años después, el Tank

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RELOJES Junto a estas líneas: El segundo modelo que ofrece Cartier Privé se declina en tres metales (en la imagen, la versión de platino) y tiene un diámetro de 39,49 x 29,2 mm, con un grosor de 6,09 mm.

En la otra página: El Tank Chinoise de 1930.

(Eric Sauvage, Collection Cartier © Cartier)

es uno de los relojes más extraordinarios no solo de Cartier, sino también de la historia relojera. Desde su creación, el carácter atemporal de sus líneas depuradas convirtieron al Tank en un reloj capaz de permanecer generación tras generación en la primera línea de la atención de los compradores.

Con la creación del Tank Chinoise, en 1922, Louis Cartier incorpora la riqueza de las artes de otras culturas y su resonancia en la joyería y la relojería. Cartier ya se distinguía por sus objetos preciosos –entre los que se encontraban relojes de sobremesa– adornados con elementos de la iconografía china. En el caso del Tank Chinoise, su diseño rinde homenaje a la arquitectura de los templos chinos y a la geometría de sus pórticos, que Cartier interpreta con unas angarillas horizontales colocadas sobre las verticales. A lo largo de sus cien años de vida, ha inspirado numerosas variantes, aunque su diseño no había sido renovado desde 2004, a excepción de las versiones encuadradas en Cartier Libre.

En el corazón de la nueva esfera rectangular, late un movimiento esqueleto, el 9627 MC de cuerda manual, desarrollado exclusivamente para este reloj. La esfera calada permite vislumbrar los engranajes del movimiento, a semejanza de las ventanas chinas tradicionales. Inspirada en el savoirfaire chino, la laca negra y roja aporta refinamiento y efectos de profundidad. Se declina en tres distintas versiones: platino, oro amarillo y platino con diamantes.

Las dos primeras están limitadas a cien piezas; la última, a 20.

A este propuesta se suma una versión horas y minutos de platino, oro amarillo u oro rosa –limitada a 150 unidades– que, con angarillas horizontales y bordes biselados, luce en su interior el calibre manual 430 MC, el más delgado de los movimientos mecánicos de Cartier.

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RELOJES

Perfectamente reconocible, la nueva imagen está adaptada a las nuevos demandas, pero respeta los códigos que han hecho de esta creación una leyenda a la que no le afecta el paso del tiempo.

INSTRUCTOR DE VUELO El Navitimer de Breitling se ha ganado a pulso ser considerado uno de los iconos relojeros. Setenta años le contemplan, pero sigue con la misma fuerza con la que nació. Ahora, renovado pero sin perder nada de su esencia.

CUANDO SE HABLA DE RELOJES INSTRUMENTO, es inevitable mencionar el Navimitimer de Breiting. Este año celebra su aniversario, 70 años, pero sigue en plena forma, con esa regla de cálculo que ilustra la esfera y su funcionalidad. Pero sobre todo cuenta con un carisma especial, ese que le ha llevado a alcanzar el título de leyenda. Hoy, Breitling lanza una nueva colección Navitimer rediseñada donde se apuesta por los colores vivos, por un diseño mejorado con toques contemporáneos y una invitación a viajes increíbles. Durante 70 años, el reloj de piloto de Breitling ha sido considerado el más emblemático de cuantos ha producido la marca. En este nuevo Navitimer, Breitling mantiene los aspectos reconocibles de los códigos de diseño que lo distinguen, y que no son otros que la regla de cálculo circular, los índices de bastón, el trío de contadores del cronógrafo y el bisel con muescas. Pero al analizarlo con detalle, hay unos refinados toques que lo modernizan. Por ejemplo, la regla de cálculo se ha aplanado y, junto con el cristal abombado, se crea la ilusión de un perfil más compacto.

Además, la alternancia de acabados pulidos y cepillados confiere un toque de calidad sin perder su discreción. Una silueta más fina de la masa oscilante realza la visión del Calibre 01 Breitling con certificado de cronómetro COSC. Este movimiento cuenta con una garantía de cinco años y proporciona 70 horas de reserva de marcha, además de permitir cambiar la fecha en cualquier momento. El reloj está disponible en tres tamaños (46, 43 o 41 mm), dos materiales de caja (acero u oro rojo) y dos tipos de pulsera (aligátor semibrillante o brazalete metálico). Por lo que respecta a la esfera, además de los tradicionales, se declina en colores azules, verdes o cobrizos, que le dan ese toque contemporáneo definitivo. R. B.

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RELOJES

EL PASADO SIEMPRE VUELVE Hublot recupera el oro amarillo como material compositivo y crea una línea de trabajo que no solo recuerda el pasado y sus orígenes, sino que también avanza detalles del futuro.

TEXTO R. B.

Junto a estas líneas y en la otra página, el oro amarillo y el caucho en la pulsera recuerdan el nacimiento de Hublot como marca. El reloj es el Big Bang Unico.

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Arriba, pantalla de 10,25 pulgadas del nuevo Hyundai Ioniq en el cómodo y accesible sistema de audio, sonido y navegación. vinosidad y su estilo elegante y atemporal. Su renovación, hace un año, ha convertido su restaurante Beltz, con Abel Corral como jefe de cocina, en una referencia gastronómica de Bilbao.

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RELOJES

Junto a estas líneas, de izquierda a derecha: Classic Fusion Chronograph Yellow Gold, Spirit of Big Bang Yellow Gold y Big Bang Integral Yellow Gold.

TODAVÍA SE RECUERDA en la industria relojera la irrupción de Hublot y aquella fusión de oro amarillo y caucho. Han pasado más de 40 años desde entonces, pero el oro amarillo recupera todo su esplendor y esencia con la llegada de seis modelos que no solo rinden culto a la historia de la manufactura, sino también avanzan en su trayectoria futura.

Por supuesto, no puede faltar la interpretación del Classic Original de 1980, solo que por primera vez lo hace en oro amarillo con un diámetro de 42 mm. Se trata de un cronógrafo bi-compax de cuerda automática, recibe el nombre de Classic Fusion Chronograph Yellow Gold y se distingue por su esfera declinada en un intenso negro mate.

El segundo modelo que se reviste de la pátina intemporal del oro amarillo es el Big Bang Integral Yellow Gold, cuya caja, bisel y brazalete han sido realizados a partir de un único bloque de oro amarillo y que también está disponible totalmente engastado con diamantes en una versión de alta joyería. Estamos ante un cronógrafo que monta el calibre manufactura MHUB1280 UNICO 2 de cuerda automática y rueda de columnas, visible a través de la esfera esqueletada.

A estos tres primeros modelos se les añade la última generación de las colecciones más contemporáneas de Hublot: el inconfundible Big Bang Unico y el Spirit of Big Bang Yellow Gold. El primero ofrece una inédita caja de 42 mm en este metal y el añadido de la correa de caucho. En su interior, también aloja el calibre MHUB1280 UNICO 2 dotado de una reserva de marcha de tres días.

Por lo que respecta al Spirit of Big Bang, está claro que uno de sus detalles distintivos se halla en su diseño, que adopta la forma tonneau con alternancia de líneas rectas y curvas, con superficies que pasan de los acabados pulidos a los satinados, y que permiten generar un espectacular baile de luces.

Declinado en 42 mm y con movimiento esqueletado, comparte el sistema de pulseras intercambiables One Click del Big Bang. Está accionado por el calibre HUB4700, uno de los movimientos más precisos de la casa y que late con una frecuencia de 36.000 alt/h.

Recapitulando, en el apartado mecánico, la colección Yellow Gold de Hublot muestra su fortaleza a través de tres diferentes calibres manufactura.

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Por un lado, el MHUB1280 UNICO 2, es un cronógrafo que incorpora la función flyback; de cuerda automática y rueda de columnas, se halla en las tres versiones del modelo Big Bang Integral Yellow Gold, así como en el Big Bang Unico Yellow Gold. Le sigue el calibre MHUB1153, un cronógrafo de cuerda automática que ofrece una reserva de marcha de 42 horas y que impulsa el Classic Fusion Chronograph Yellow Gold.

Cierra este triunvirato mecánico el calibre MHUB4700, el cronógrafo esqueletado de carga automática y que aporta una autonomía de marcha de 50 horas.

Y si la mecánica es llamativa cuando se habla del crecimiento de Hublot, no se puede entender sin hablar de los materiales. Desde los ya ‘convencionales’ acero y titanio, e incluso el caucho, creado en la propia casa, hasta llegar al platino, el zafiro, pasando por la cerámica de colores brillantes o los Magic Gold (la primera y única aleación de oro resistente a los arañazos) o el King Gold (un oro rosa más cálido, cuya aleación contiene platino), Hublot ha marcado su propio territorio. Pero nunca olvida sus orígenes y por eso vuelve el oro amarillo...

Mirando al futuro. R. B.

Estas nuevas propuestas incluyen un bisel giratorio de buceo interior y están decorados con el emblema del buceador grabado, tal y como se veía en el modelo original.

PRUEBA DE AGUA The Longines Legend Diver Watch incorpora nuevas creaciones y dos formatos a su oferta. Ahora está disponible en 36 y 42 mm, con esferas de impactantes tonos ahumados.

LONGINES ES ELEGANCIA pero también es deporte, sector con el que mantiene vínculos muy importantes, en actividades como el buceo.

De hecho, la historia de los relojes sumergibles de Longines se remonta a 1937, cuando presentó el primer cronógrafo del mundo con pulsadores resistentes al agua. Este legado tomó cuerpo en 2007 con el lanzamiento de la colección The Longines Legend Diver Watch, inspirada en el Longines SuperCompressor de 1959. Las dos nuevas versiones que llegan ahora al mercado están disponibles en varios colores y en dos tamaños: 42 y 36 mm, un diámetro este último que cada día tiene más adeptos entre el público masculino. Todo los modelos ofrecen una estética impactante con sus dos coronas y fondo atornillados. Las esferas ahumadas cuentan con agujas con tratamiento luminiscente; lo mismo que los índices y los números árabes, tratados con Superluminova. Estas nuevas versiones incluyen un movimiento automático (calibres L888.5 y calibre L592.5) con espiral de silicio y una garantía de cinco años. R. B.

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RELOJES

SONIDOS PERFECTOS El aniversario de los calibres manufactura L.U.C. se cierra con la llegada de una trilogía de repetición de minutos que demuestra el carácter que distingue a cada uno de los movimientos elaborados por Chopard desde hace ya más de 25 años.

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En la otra página: El L.U.C Full Strike con tourbillon y repetición de minutos muestra en su esfera, a través de sendas aberturas, las dos complicaciones de esta edición.

Karl-Friedrich Scheufele ha contado con el violinista Renaud Capuçon y su hermano, el violonchelista Gautier, para junto a Romain Boulandet, jefe del Laboratorio de Acústica Aplicada de la Escuela de Ingeniería de Ginebra (HEPIA), demostrar que el sonido del repetidor de minutos de Chopard es claro, potente, armonioso y cristalino..

En esta página: Junto a estas líneas, Chopard L.U.C Full Strike Sapphire y, debajo, L.U.C Strike One. Este último, veinticuatro veces al día, a la hora en punto, arma su martillo y golpea la campana una sola vez.

EL SONIDO SE CONVIERTE en el protagonista de una trilogía que honra los primeros 25 años de L.U.C , el concepto de manufactura de Chopard. Lo hace además con un certificado añadido, el de dos ilustres músicos, los hermanos Capuçon, y el Laboratorio de Acústica Aplicada de la Escuela de Ingeniería de Ginebra (HEPIA). El resultado son tres creaciones con un sonido marcado por la excelencia y por el atrevimiento. Por ejemplo, el L.U.C Full Strike Sapphire es el primer reloj con repetición de minutos, en una caja ejecutada por completo en cristal zafiro.

Chopard ha creado un verdadero instrumento musical relojero limitado a cinco piezas. Es, además, el primer reloj no metálico en obtener el Punzón de Ginebra. La segunda creación es el L.U.C Full Strike con tourbillon y repetición de minutos sobre timbres de zafiro monobloque. Esta pieza de 42,5 mm de oro ético rosa está equipada con el movimiento L.U.C 08.02-L certificado cronómetro y distinguido con el Punzón de Ginebra. Limitada a 20 ejemplares, presenta un sistema único y patentado por Chopard en el que los timbres y el cristal de zafiro forman una sola pieza. Por último, Chopard da vida a un nuevo reloj con sonería al paso: el L.U.C Strike One, que repica al paso de cada hora sobre un timbre de zafiro monobloque patentado. Equipado con el nuevo movimiento L.U.C 96.32-L, se declina en caja de 40 mm de diámetro de oro ético rosa y cuenta con certificado de Cronometría y el Punzón de Ginebra.

Ofrece una autonomía de 65 horas, incluso cuando se activa la sonería. Esta limitado a 25 unidades. R. B.

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RELOJES

Junto a estas líneas: Vista del nuevo calibre 7121 que sustituye a toda una leyenda mecánica de los Royal Oak, el calibre extraplano 2121.

En la otra página: frontal del Royal Oak Jumbo, que conserva la estética que le ha convertido en leyenda.

CORAZÓN RENOVADO El Royal Oak de Audemars Piguet tiene en el Jumbo su pieza estelar, y en este 50 aniversario del nacimiento de la colección mantiene la estética que le ha hecho triunfar. El gran cambio se encuentra en el interior con su nuevo calibre.

SI HAY UN MODELO QUE HA MARCADO el devenir del Royal Oak de Audemars Piguet durante sus 50 años de vida ese es el Jumbo. Y aunque en los nuevos modelos que celebran esta efeméride hay cambios visibles en su imagen, en este caso concreto se ha decidido mantener su estética... el cambio se halla en su interior. “Exteriormente decidimos no cambiarlo, ya que queremos mantenerlo lo más parecido posible al original. Pero sin embargo cambiamos el calibre, que era otro de los elementos legendarios del Royal Oak, por el nuevo calibre 7121, que es más robusto, dispone de una mayor reserva de marcha, mejora su frecuencia y tiene un mayor nivel de acabados. Hablamos de nuevo de esa idea permanente que tenemos de mejora continua de la marca. Cambiamos el calibre, sí, pero conscientes de que eso no debía influir sobre otros elementos del reloj; es decir, no había que tocar el tamaño, que se mantiene en los 39 mm, ni su grosor de 8,1 mm. Porque es lo que le hace único; este es el código del reloj, es lo que lo hace icónico y único”, aclara Sofía Candeias, Head of Product Management. Desarrollado durante los últimos cinco años, el nuevo calibre 7121 ofrece una reserva de marcha de 55 horas, así como una precisión superior a lo largo de más tiempo. Equipado con una masa oscilante central contemporánea montada sobre cojinetes de bolas y carga bidireccional, luce este año el logo del 50 aniversario como el resto de las novedades, y será otro de los detalles que le distingan temporalmente. Otro más se encuentra en su volante con bloques de inercia insertados directamente en él para evitar fricciones innecesarias. En definitiva, renovar no tiene por qué cambiar la imagen, pero si puede mejorar el rendimiento de una mecánica que ha rendido al máximo nivel acompañando al que ya todos reconocen como uno de los grandes iconos de la relojería. R.B

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AGENDA NACIONAL

PROPUESTAS CULTURALES EN TODOS LOS RINCONES DEL PAÍS

Miró. Barcelona

Nombres consagrados como Caravaggio o Miró, pero también figuras de la Movida como Carlos Berlanga... El arte más abierto.

Carlos Berlanga. Avilés las personalidades prominentes de la llamada Movida que en los años 80 del siglo pasado revolucionó la capital española.

Esta exposición quiere rescatar su figura con una selección de sus pinturas, dibujos, su única escultura conocida, piezas de diseño gráfico y originales autógrafos de letras de sus canciones –fue integrante de, entre otros, los grupos musicales Kaka de Luxe y Alaska y Dinarama–. También se expone una pintura inacabada, realizada a cuatro manos junto a su padre, el cineasta Luis García Berlanga. centroniemeyer.es

TEXTO LUIS INI

ALCALÁ DE HENARES

PREMIOS CERVANTES 23 de abril. Paraninfo de la Universidad de Alcalá de Henares.

Desde su primera convocatoria en 1976, este galardón premia, en el día de la muerte de Miguel de Cervantes, a figuras cumbres de las letras hispanoamericanas.

A partir de 1996 –en los dos años anteriores no se celebró– se ha dado alternadamente a un español y a un extranjero, opción última que toca en esta oportunidad. En efecto, el mismo premio que alguna vez recibieran Jorge Luis Borges o Mario Vargas Llosa esta vez será para la uruguaya Cristina Peri Rossi (1941). mcu.es

ALICANTE

GLADIADORES, HÉROES DEL COLISEO Hasta octubre. Museo Arqueológico.

Cerca de 140 obras de arte y piezas originales, procedentes de museos e instituciones italianas, forman parte de esta

Gladiadores. Alicante exposición centrada en una de las figuras míticas del antiguo imperio romano. Gran parte del imaginario de estos personajes nos ha llegado desde el cine, con luchas en la arena entre seres humanos y enfrentando a animales salvajes, todo ante una enfervorizada multitud y la mirada de un líder cuyo pulgar marcaba la lábil línea entre la vida y la muerte. marqalicante.com

Fotografías y documentos de la época, películas y publicaciones, algún material inédito, son los elementos que vienen a dar cuenta de las experiencias pioneras de Tosquelles en los años treinta. cccb.org

MIRÓ. EL LEGADO MÁS ÍNTIMO Hasta el 26 de septiembre.

Fundación Joan Miró.

La exposición presenta casi 80 obras del artista catalán Joan Miró (1893-1983) con la particularidad –además de recorrer su carrera creativa entre 1910 y 1976– de reunir tres colecciones personales: la de cuadros propios que atesoró; los que obsequió a su esposa, Pilar Juncosa; y los regalados a su hija, Dolors Miró. Para dar sentido total al título de la muestra, está también la obra que regaló a sus nietos David, Emili, Joan y Teo. fmirobcn.org BILBAO

Tosquelles. Barcelona BARCELONA

FRANCESC TOSQUELLES Desde el 8 de abril al 28 de agosto.

CCCB.

OBRAS MAESTRAS DEL MUSÉE D’ART MODERNE DE PARÍS Hasta el 22 de mayo.

Museo Guggenheim.

Esta exposición, centrada

Como una máquina de coser en un campo de trigo es el subtítulo de esta exposición dedicada al psiquiatra catalán Francesc Tosquelles (19121994), que durante su exilio en Francia desarrolló experiencias terapéuticas, políticas y culturales de vanguardia.

AVILÉS

CARLOS BERLANGA. EL ETERNO RETORNO Hasta el 17 de abril. Centro Niemeyer.

El multiartista madrileño Carlos Berlanga (1959-2002) fue una de

Museo de París. Bilbao

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ESCENA REALIDAD Y FICCIÓN Texto Natalia Erice

en, como reza su titulo, Del fauvismo al surrealismo, presenta cerca de 70 obras procedentes del mencionado museo parisino, inaugurado en 1961 –aunque construido en 1937 con motivo de la histórica Exposición Internacional–. El propósito manifiesto de la muestra es ofrecer una visión panorámica de los numerosos y variados movimientos de vanguardia que irrumpieron en la capital francesa en las creativas y febriles primeras décadas del siglo XX. Así, no puede sorprender que entre los nombres de los artistas seleccionados aparezcan Braque, Chagall, Picabia, Léger y de Chirico, entre otros.

guggenheim-bilbao.es

Festimatge. Calella CALELLA

FESTIMATGE Del 2 al 24 de abril.

En esta ciudad costera de Cataluña, situada 50 kilómetros al norte de Barcelona, se realiza este encuentro dedicado a la imagen que propone todo tipo de actividades relacionadas con la fotografía y el cine. Destaca entre ellas el 49 Encuentro Internacional de Cine 9,5, un formato no tan común.

También habrá exposiciones, talleres, la entrega del trofeo fotografía Torretes, proyecciones de cortometrajes y hasta un mercado del coleccionismo de cine, en el que es posible encontrar desde antiguas películas hasta carteles y fotos

de promoción, cámaras y proyectores. festimatge.org

1 BARCELONA

FINAL DE PARTIDA Teatre Romea, hasta el 24 de abril Detrás de los grandes textos del teatro del absurdo late una mirada compasiva hacia el ser humano que derrocha humor, como es el caso de esta pieza de Samuel Beckett, que dirige Sergi Belbel en el Teatre Romea. Apta para veteranos de las tablas como Jordi Bosch y Jordi Boixaderas, nos presenta a Hamm, un inválido ciego, y a su hiperactivo sirviente Clov, confinados en una habitación con dos ventanas, mientras pasan el tiempo discutiendo.. teatroromea.cat

Caravaggio. Madrid MADRID

2

EL CARAVAGGIO DE PALACIO

MADRID

VILLA Y MARTE

Hasta el de 19 abril. Palacio Real.

Teatros del Canal, del 14 de abril al 1 de mayo

Salomé con la cabeza del Bautista, del artista italiano Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), se reintegra a la colección permanente que Patrimonio Nacional despliega en el Gabinete de Estucos del Palacio Real de Madrid. Una de las piezas más relevantes de la colección de Felipe IV, restaurada en 2015, representa el momento en que Salomé muestra en bandeja de plata la cabeza de San Juan Bautista que acaba de ser decapitado a petición de Herodías, la madre de Salomé. patrimonionacional.es

Se conoce como estilo ronlalero aquel que mezcla humor e ingenio con música en directo y que, al agitarse, produce un agradable estado de diversión. Diez son ya los espectáculos creados con esta fórmula, con ideas tan locas como la de este sainete de ciencia ficción en tres actos y epílogo marciano. Así subtitulan esta expedición a Marte, que se estrena en Madrid, en la que descubren a vecinos mutantes en plena celebración de una castiza verbena marciana.. teatroscanal.com

3 SAN SEBASTIÁN

TARTUFO Teatro Victoria Eugenia, 23 de abril Reír a costa de Molière, nombre sagrado de la comedia teatral, es un sano ejercicio. En este montaje hábilmente dirigido por Ernesto Caballero, nos topamos con una compañía que se prepara para representar este clásico mientras se cuestiona su vigencia en nuestros días. A medida que se enfundan los personajes, la historia del falso devoto, que acaba adueñándose de la fortuna de un incauto burgués, nos atrapa de la mano del hilarante actor Pepe Viyuela, seguido de cerca por Paco Déniz o Silvia Espigado. victoriaeugenia.eus

HIPERREAL. EL ARTE DEL TRAMPANTOJO Hasta el 22 de mayo.

Museo Thyssen-Bornemisza.

Con obras desde el siglo XV hasta nuestros días, esta exposición se enfoca en un género cuyo principal objetivo es engañar el ojo del espectador haciendo pasar lo pintado por real gracias a las leyes de la óptica y de la perspectiva.

Bodegones irreales, encuadres extraños, muros que no están allí, juegos de apariencia: en todos destaca la pericia técnica y la imaginación de sus autores.

4 SEVILLA

DECADENCIA Teatro Central, 22 y 23 de abril El actor Pedro Casablanc se pasa al lado de la dirección atraído por la escritura del dramaturgo británico Steven Berkoff, que vuelca en este texto una visión caústica y provocadora de la vida, encarnada por el propio Casablanc junto a Maru Valdivieso.

Ambos se transmutan en seres clasistas, frívolos e hipócritas que actúan como depredadores sin principios. Una radiografía de las enfermedades morales que padecemos bañada con un tinte de inteligente humor negro. juntadeandalucia.es

museothyssen.org

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AGENDA INTERNACIONAL

LA CULTURA COMO EXCUSA PARA VIAJAR POR EL MUNDO

con sede en Chicago, dirigida por negros y homosexuales.

Esta exposición reúne más de 130 revistas, así como fotografías y trabajos en medios de comunicación de esta misma esfera. artic.edu

y recuerdos inéditos. La propuesta es una experiencia multisensorial, en la que no solo se recorre el origen y el desarrollo de su arte, también el de su mundo cotidiano, su amor por el fútbol o la influencia que el rastafarismo tuvo tanto en su modo de vida como en su música. bobmarleyexp.com

Arte para nadie. Frankfurt

Griegos. Londres

FRANKFURT

ARTE PARA NADIE. 1933-1945

LOS ANTIGUOS GRIEGOS: CIENCIA Y SABIDURÍA

Hasta el 6 de junio. Schirn Kunsthalle.

Hasta el 5 de junio. Museo de Ciencia.

Entre 1933 y 1945, el nacionalsocialismo controló el trabajo artístico en Alemania.

Muchos artistas, perseguidos, huyeron al exilio. Pero, ¿qué pasó con los que se quedaron en el país? Esta exposición explora las distintas estrategias de los que no se adscribieron al régimen totalitario y aun así lograron expresarse. Se trata de cerca de 140 pinturas, esculturas, dibujos y fotografías de, entre otros, Willi Baumeister, Otto Dix, Hans Grundig, Lea Grundig, Werner Heldt, Hannah Höch y Marta Hoepffner. schirn.de

Para los antiguos griegos, el mundo natural era una fuente de asombro e inspiración.

Los filósofos reflexionaban sobre diversos temas, a la búsqueda de los secretos del cielo nocturno o qué es lo que constituye una melodía satisfactoria. Esta curiosidad inspiró avances tecnológicos que solo hoy pueden apreciarse plenamente. Eso es lo que propone esta exposición a partir de, por ejemplo, mecanismos de medición del tiempo, los más antiguos que se conocen, o cómo las musas inspiraban a los artistas. sciencemuseum.org.uk

Animación, cine y moda se abren hueco en esta oferta que incluye una feria de arte en París y un festival de jazz en Nueva Orleans.

novela de Joyce adquiriera gran notoriedad y éxito. hrc.utexas.edu

CHICAGO

Bonger y Redon. Ámsterdam

SUSCRÍBETE: ARTISTAS Y REVISTAS ALTERNATIVAS, 1970-1995

El Ulises de Joyce. Austin

Hasta el 2 de mayo. Instituto de Arte.

AUSTIN

LAS MUJERES Y LA CREACIÓN DEL ULISES DE JOYCE Hasta el 17 de julio.

The Ransom Center.

Considerada una obra emblemática del modernismo literario, la novela Ulises, firmada por el irlandés James Joyce, fue publicada el 2 de febrero de 1922. Esta exposición conmemora el centenario de la publicación del libro desde un punto de vista inédito: investiga el importante y poco reconocido papel de las mujeres en su realización. El foco está puesto en Margaret Anderson, Jane Heap, Harriet Shaw Weaver y Sylvia Beach, editoras de Estados Unidos, Gran Bretaña y Francia que ayudaron a que la

La llamada prensa underground surgió al albur de los movimientos juveniles de los años 60, cuando una nueva corriente de comunicación encontró su público y quienes podían ser sus voceros. En los 70, por caso, aparecieron en escena un puñado de revistas alternativas británicas y estadounidenses impulsadas por la fotografía, como Thing,

LONDRES

BOB MARLEY. ONE LOVE EXPERIENCE Hasta el 18 de abril. Saatchi Gallery.

El músico jamaicano Robert Nesta Marley (1945-1981) ha dejado un legado que trasciende el reggae, el estilo que impuso, y que hoy día es citado mal por cierto ritmo de moda. Esta exhibición celebra su vida a través de fotografías

Revistas. Chicago

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LOS ÁNGELES

LA CIUDAD DEL CINE: PARÍS 1850-1907 Hasta el 10 de julio.

Museo de Arte Contemporáneo.

A partir de pinturas, esculturas, carteles, grabados, fotografías y películas, esta exposición recrea cómo surgió el cine en la capital

NUEVA YORK

ANTES DE AYER PODÍAMOS VOLAR: UNA SALA DE ÉPOCA AFROFUTURISTA Hasta el 5 de junio. MET. expresiones plásticas se incluye la fotografía y el diseño, y también las publicaciones de arte. Además de las habituales secciones temáticas, con prevalencia de galerías jóvenes y artistas emergentes, la feria se propone ser la primera a nivel global en adoptar un enfoque sostenible. artparis.fr

Cine. Los Ángeles francesa en medio de una ola de desarrollos sociales, políticos, artísticos y tecnológicos.

El recorrido planteado va desde los pioneros lugares de entretenimiento domésticos y teatrales, pasando por los sitios creados para producir las cintas, y concluir con la construcción de una sala de cine, City of Cinema, en donde pasó de ser un entretenimiento novedoso a la mayor forma de arte del siglo XX. lacma.org

NUEVA ORLEANS

JAZZ & HERITAGE FESTIVAL Del 29 de abril al 8 de mayo.

The Who, Elvis Costello, Foo Figthers, Lionel Richie, Willie Nelson, Norah Jones o Stevie Nicks son los nombres de algunos de los cabezas de cartel de este festival que retoma su aparición luego de un par de años de parada obligada. Es cierto que si bien se presenta como una celebración del jazz, y más propiamente de la ciudad en donde nació –en la programación no faltan The Dirty Dozen Brass Band u homenajes a Bettie Smith o Dr John, por ejemplo–, es evidente que, dentro de cierto marco, la oferta se ha vuelto ecléctica.

nojazzfest.com

THIERRY MUGLER, DISEÑADOR

Afrofuturismo. Nueva York Hacia mediados del siglo XIX, a pocos metros del MET, en lo que hoy es el Central Park, se erigió un pequeño poblado de afrodescendientes llamado Seneca Village. Deslocalizado al desarrollarse el que es el actual gran pulmón verde de la ciudad, esta exposición intenta rescatar la vida cotidiana de aquellos moradores a través de instalaciones que la recrean, a las que se suman piezas de la colección del museo, como abalorios, cerámicas y dibujos.

Hasta el 24 de abril.

Musée des Arts Décoratifs.

y Marieke Blaauw (1979) conforman desde 2007 el estudio de animación bautizado a partir de sus nombres. Nominados y también ganadores de los premios más importantes de la industria visual, son celebrados en esta muestra que propone un recorrido por su obra, en la que adoptan diversas técnicas.

Realizada especialmente para esta exhibición, se ofrece Nobody (Nadie), la historia de un instagramer obsesivo que vive para los gustos de sus seguidores, hasta que un día se vuelve transparente. kunsthal.nl

VIENA

COLECCIÓN BATLINER Permanente. Museo Albertina.

Recientemente fallecido, el diseñador de moda, fotógrafo y perfumista francés Thierry Mugler (1948-2022)​es celebrado en esta exposición con más de 150 estilismos realizados entre 1977 y 2014, además de numerosos documentos de archivo y bocetos inéditos.

Hay también una selección de imágenes firmadas por fotógrafos célebres, entre ellos, Pierre & Gilles, Helmut Newton y David LaChapelle. madparis.fr Batliner. Viena

metmuseum.org PARÍS

ART PARIS ART FAIR Del 7 al 10 de abril. Grand Palais.

Animación. Róterdam

Cerca de 150 galerías provenientes de Francia y de otros 24 países de todo el mundo se dan cita en la que es la 24ª edición de este encuentro, mayormente focalizado en presentar un panorama amplio del arte moderno y contemporáneo. Entre las

RÓTERDAM

JOB, JORIS Y MARIEKE: UNA VIDA TRIPLE Hasta el 8 de mayo. Kunsthal.

Los holandeses Job Roggeveen (1979), Joris Oprins (1980)

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Nacido en Liechtenstein, el coleccionista Herbert Batliner (1928-2019) legó su acervo al museo Albertina. Basado en obra contemporánea, abarca desde el impresionismo y postimpresionismo, con representantes como Degas, Cézanne, Toulouse-Lautrec y Gauguin, al expresionismo alemán, con los grupos de Brücke y Der Blaue Reiter.

También hay lugar para el arte austríaco, con Kokoschka y Egger-Lienz, vanguardistas rusos como Goncharova, Malevich y Chagall, y piezas de Picasso. albertina.at

A

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NOTAS

PEQUEÑOS PLACERES

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ARTESANÍA, CREATIVIDAD Y FUNCIONALIDAD SE DAN CITA EN ESTA SELECCIÓN DE PROPUESTAS.

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1. DYC 20 La destilería española lanza DYC 20: Grandes Maestros, una edición limitada de 70 botellas numeradas de su single malt más añejo, resultado de un proceso de maduración en barrica única. Creada en colaboración con el diseñador Lorenzo Caprile, esta serie está destinada a reconocer la maestría del saber hacer artesano de nuestro país. Su exclusiva botella es obra del trabajo conjunto entre el diseñador madrileño y la Real Fábrica de Cristales de La Granja, y está elaborada a partir de un proceso que utiliza vidrio soplado tallado manualmente. dyc.es 2. THE RUG COMPANY

A Life in Pattern es la nueva colección de la firma de alfombras en colaboración con la diseñadora griega Mary Katrantzou.

Confeccionado en seda y lana, el modelo Feather Marble está inspirado en su colección de otoño-invierno 2019 y representa el estudio de los cuatro elementos clásicos de la filosofía jónica.

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therugcompany.com

3. MIRTO

Para explorar la ciudad, hacer deporte o lanzarse a la aventura en la naturaleza, Mirto ofrece una selección de prendas para construir el perfecto fondo de armario para la primavera. Esta parka en color mostaza es una propuesta contemporánea que combina el corte clásico con el espíritu deportivo. es-mirto.com 4. SALÓN DE VINOS RADICALES Nacido como un homenaje a la labor de los pequeños productores, este encuentro de referencia en el universo vinícola celebra su VII edición a partir del próximo 11 de abril en el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid. coam.org

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ICONOS

López Vázquez en un fotograma de La cabina, un mediometraje de Antonio Mercero estrenado hace ahora 50 años.

JOSÉ LUIS LÓPEZ VÁZQUEZ

UN HOMBRE NADA CORRIENTE EL PASADO 11 DE MARZO JOSÉ LUIS LÓPEZ VÁZQUEZ habría cumplido 100 años. Este 2022, además, se celebra medio siglo de La cabina, de Antonio Mercero (1972), un mediometraje que dio la vuelta al mundo por la televisión y que consagró a este pequeño gran hombre, de rostro común, de apellidos comunes. El perfecto disfraz para esconderse detrás de cientos de personajes.

Exactamente, 262 entre cine y televisión. 225 solo en cine. Más el teatro en el que debutó y al que no volvió demasiado porque le resultaba “claustrofóbico”, decía.

“Ya te digo que el esfuerzo, el sacrificio y la obsesión te acompañarán de por vida y cuando aflojes estarás perdido, hijo mío”, le escribió a su hijo José Luis López Magerus. Esfuerzo, sacrificio y obsesión definieron su extensa y abultada carrera, probablemente marcada por la escasez que vivió de niño y adolescente en el Madrid de antes, durante y después de la guerra, criado por su madre modista y su abuela en el barrio de Lavapiés.

López Vázquez era un perfeccionista hasta la extenuación. Solo así creía alcanzar esa naturalidad del español medio con la que hizo reír en sus comedias más populares, junto a Gracita Morales (Operación secretaria, 1967; Operación cabaretera, 1967…). O transformarse y desaparecer en dramas y complejas historias, como en alguna de sus obras maestras: Peppermint Frappé, de Carlos Saura (1967); La prima Angélica, también de Saura (1973); Mi querida señorita, de Jaime de Armiñán (1917)… Berlanga quería contar siempre con él, y lo hizo en gloriosas experiencias: Plácido (1961); El verdugo (1963), ¡Vivan los novios! (1970) la trilogía de La escopeta nacional (1978-1982)…

El mismísimo George Cukor también vio en él al mejor actor del mundo y, después de trabajar juntos en Viajes con mi tía (1972), le ofreció una carrera en Hollywood, pero José Luis dijo que no por el inglés. Seguramente, fue al único que rechazó. Para el resto siempre fue y será: un admirador, un esclavo, un amigo, un siervo.

Irene Crespo

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