Gentleman_197_septiembre

NÚMERO 197 SEPTIEMBRE 2021. 4€

EL VALOR DE LA ELEGANCIA

OMAR SY

LA MAGIA DEL CARISMA REENCUENTRO CON EL ARTE

LOS NUEVOS MUSEOS EN ESPAÑA + JAUME PLENSA + DISEÑADORAS

EL FOTÓGRAFO DE MARILYN

EDITORIAL

CON MUCHO ARTE INICIAMOS ESTE CURSO DONDE lo dejamos, en la búsqueda de esa excelencia creativa que fortalezca la idea de ser diferentes, de tener nuestra personalidad. Y hemos encontrado suficientes ejemplos para ratificar que, cada vez más, es esa diferenciación la que debe marcar el territorio, nuestra capacidad para expresar tanto el sentimiento como la pasión por crear. Qué mejor que hacerlo con arte, el gran protagonista de este número de GENTLEMAN, donde sobresale un nombre, el de Jaume Plensa, que no solo nos ha dedicado su tiempo sino también su sabiduría... y lo que es más importante, el sentido común del verdadero creador. No hay desperdicio en sus respuestas, pero quiero reproducir dos frases que no solo le definen sino que reafirman al arte, a la cultura, como el motor de nuestras vidas. Dice Plensa, con mucha cordura, que “estamos viviendo un momento lleno de tensiones en todo el mundo y parece que el que más grita es el que tiene más razón. Yo siempre he pensado todo lo contrario, que hemos de generar espacios de silencio de una forma poética, para que cada persona pueda escuchar sus pensamientos”. No solo me adhiero a esta

NÚMERO 197 SEPTIEMBRE 2021. 4€

EL VALOR DE LA ELEGANCIA

OMAR SY

LA MAGIA DEL CARISMA REENCUENTRO CON EL ARTE

LOS NUEVOS MUSEOS EN ESPAÑA + JAUME PLENSA + DISEÑADORAS

EL FOTÓGRAFO DE MARILYN

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reflexión, sino que añado que el ruido es la antítesis de la creación... es solo ruido. Y como remate, pero no menos importante, Plensa nos dice que “el arte es un vínculo entre nosotros extraordinario, son las raíces del árbol de Aspen. La maravilla del arte es esta, esta cosa invisible que nos une a todos”.

Y también visible, como nos muestra el crecimiento exponencial de espacios para el arte en España; con un componente añadido, ya no están solo en las grandes urbes. La tendencia a la descentralización, esa que comenzó el Guggenheim en Bilbao, ha dado un impulso durante los últimos años y se concreta en experiencias donde no importa el tamaño de la ciudad sino su realidad cultural... y es solo el principio, pues hay otros proyectos en marcha que, en muy poco tiempo, aumentarán el ámbito y la exposición cultural de nuestro país. Una buena noticia para una sociedad que no solo se divierte, también aprecia en su justo valor la creación artística. En eso, también somos una potencia mundial.

Porque el arte, una parte de él, consiste en traspasar fronteras, en tener un carácter global. Es universal; también cuando se habla de cine, como bien ha demostrado Omar Sy, nuestra portada y polifacético actor francés que hace una década sorprendió con su interpretación en la alabada Intocable y que ahora ha enamorado con su papel estelar en la serie Lupin, que camina hacia su tercera temporada con el mismo éxito de público y crítica con el que comenzó en plena pandemia. Él ha conseguido plasmar ese yo, esa personalidad que todo arte requiere. Hay más ideas en las páginas de esta edición para entender que, efectivamente, en el proceso creativo, además de conocimiento, es necesario ofrecer lo más íntimo de cada uno; para ello, se necesita una auténtica introspección.... Silencio, se crea.

Ricardo Balbontín. Director

CONTENIDOS

09.2021

30 NUEVOS MUSEOS EN ESPAÑA Un recorrido por la nueva oferta de museos en España: espacios con mucho contenido y espectacular continente más allá de Madrid y Barcelona.

Texto Juan Luis Gallego

NOMBRES PROPIOS 10

ÁNGELS CASTELLARNAU EL LUJO DEL ENTORNO RURAL

12

AGUSTÍN VIVANCOS EL MARKETING COMO FILOSOFÍA

14

MIRANDA WANG TECNOLOGÍA ÉTICA

Texto J. L. Gallego

Texto Giuseppe Grosso

Texto Ricardo Balbontín

G-MANÍA 16

18

TEATRO EL CAPRICHO DE LA REINA Texto Abraham de Amézaga

GALERÍAS + FERIAS BREVES Texto J. L. Gallego

20

LIBROS NOVEDADES DE OTOÑO Texto Domingo Castillo

PEOPLE 22

ARTE PARA DISFRUTAR Texto Amelia Solana Fotografía Jacobo Medrano

JAUME PLENSA EL MILAGRO DE LA ESCULTURA Texto Juan Luis Gallego Fotografía Carlos Luján

TIEMPO DE CONTEMPLACIÓN Texto Fernando Schwartz Ilustración Jacobo Pérez-Enciso

DISEÑO 40 EL DISEÑO NO TIENE GÉNERO

Texto Juan Parra

44

OMAR SY TOCADO POR EL CARISMA Texto Irene Crespo Fotografía Marcel Hartmann

FOTOGRAFÍA

ARTE 30

38

PORTADA

ENTREVISTA 26

CON FIRMA

MUSEOS: EXPLOSIÓN CULTURAL Texto Juan Luis Gallego

4

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EL ÚLTIMO GRITO DE MARILYN Texto María Rosa Fotografía Lawrence Schiller

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Desde 1879 hemos usado ingredientes como el agua, malta, madera y tiempo para crear uno de los más elegantes Single Malt de Speyside. Un whisky con tal pureza, carácter y equilibrio que algunas personas lo han definido como auténtica obra de arte. Hemos decidido tomarles la palabra.

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CONTENIDOS

09.2021

108

52 REPORTAJE

74 92 GASTRONOMÍA

52

LE SAMARITAINE, PARÍS DONDE TODO SE ENCUENTRA

74

Texto Abraham de Amézaga

78

MODA 58

GEOMETRÍA DE ESTILO

Texto Giuseppe Ceccarelli

Fotografía Giovanni Squatriti

EN FORMA 66

ENTRENAMIENTOS A LA CARTA

Texto Juan Parra

Ilustraciones Del Hambre

69

BREVES

COSMÉTICA 71

RECUPERACIÓN INTEGRAL

Texto Lucía Heredero

Fotografía Massimiliano Polles

UNA NUEVA CONSTELACIÓN THE MACALLAN EL LUJO POR EXCELENCIA

Texto Federico Oldenburg

Texto Juan Parra

RELOJES Texto Ricardo Balbontín 92

CHOPARD

SUEÑOS CUMPLIDOS

95 BAUME & MERCIER

80 BODEGA: MOËT & CHANDON

AQUELLOS MARAVILLOSOS AÑOS

Texto Beatriz Núñez

96 AUDEMARS PIGUET

MOTOR 82 OLIVER HEILMER, DISEÑADOR

JEFE DE MINI

EVOLUCIONAR MIRANDO AL FUTURO

Texto Ricardo Balbontín 86

MASERATI MC20 LA POTENCIA DEL TRIDENTE

88

CUPRA VZ5 SOLO PARA ELEGIDOS

Texto Giuseppe Grosso

6

ESPLENDOR FEMENINO

99 BLANCPAIN

LEGADOS QUE PERVIVEN

SECCIONES 100 AGENDA NACIONAL E

INTERNACIONAL

Texto Luis Ini / Natalia Erice

105 NOTAS 106 ICONO: FRANK GEHRY

Texto Juan Parra

TODO AL VERDE

Texto María Rosa

S L I M L I N E M O N O L I T H I C M A N U FAC T U R E C A L I B E R F C- 8 1 0 DESARROLL ADO, PRODUCIDO Y ENSAMBL ADO INTERNAMENTE frederiqueconstant.com

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DIRECTOR

Ricardo Balbontín rbalbontin@gentleman-es.com DIRECTOR ADJUNTO

Juan Luis Gallego jlgallego@gentleman-es.com DIRECTOR DE ARTE

Alberto Torés atores@gentleman-es.com

| COLABORADORES | Abraham de Amézaga, Domingo Castillo, Giuseppe Ceccarelli, Natalia Erice, Giuseppe Grosso, Lucía Heredero, Luis Ini, Beatriz Núñez, Federico Oldenburg, Juan Parra, Paula Polizzotto, María Rosa, Fernando Schwartz y Amelia Solana. | ILUSTRACIÓN | Del Hambre, Jacobo Pérez-Enciso y Fernando Vicente. | FOTOGRAFÍA | Luana Fischer, Carlos Luján, Jacobo Medrano, Beatriz Mercader, Eva Peñuela, Massimiliano Polles, Lawrence Schiller y Giovanni Squatriti. | AGENCIAS | Associated Press, Contacto, Corbis, Cordon Press, Getty Images, IFA, The Interview People y Magnum Photos. | REDACCIÓN Y PUBLICIDAD | Moreto, 7 - 5º Dcha. 28014 Madrid. España. Tfno.: +34 91 010 20 23. Fax +34 91 429 96 71.

| PUBLICIDAD | DIRECTORA COMERCIAL

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Jesús Morte 672 432 462 jmorte@gentleman-es.com

COORDINACIÓN Y ADMINISTRACIÓN

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gentleman® es una marca registrada por milano finanza

(milán, italia). ladies® es una marca registrada por milano finanza,

(milán, italia).

gentleman españa está publicado bajo licencia de class editori. todos los derechos reservados.

Fotografía de portada: Marcel Hartmann / Netflix EDITA: LUXURY MEDIA SL. DEPÓSITO LEGAL M-39147-2003 / ISSN 1696-7186

la revista gentleman no se hace responsable de las opiniones de sus colaboradores. todos los derechos reservados. en virtud de lo dispuesto en los artículos 8 y 32.1, párrafo segundo, de la ley de propiedad intelectual, quedan expresamente prohibidas la reproducción, la distribución y la comunicación pública, incluida su modalidad de puesta a disposición, de la totalidad o parte de los contenidos de esta publicación, con fines comerciales, en cualquier soporte y por cualquier medio técnico, sin la autorización de la empresa editora de la publicación, luxury media s.l.

Departamento de suscripciones: suscripciones@gentleman-es.com Controlada por OJD.

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NOMBRES PROPIOS

ÁNGELS CASTELLARNAU

ARQUITECTA

El lujo del entorno rural HA CONSTRUIDO CON TIERRA UN HOTEL DE CINCO ESTRELLAS EN MATARRAÑA UTILIZANDO RECURSOS NATURALES Y HUMANOS LOCALES. TEXTO J. L. GALLEGO

Sobre estas líneas, el interiorismo del hotel ha corrido a cargo de Sara Fernández, que ha apostado por materiales sencillos y naturales como caña, madera o algas.

EL PRINCIPAL MATERIAL DE CONSTRUCCIÓN de la arquitecta Ángels Castellarnau es la tierra. La apisona con costras de mortero de cal y la aligera con paja.

Es una técnica ancestral –conocida como tapia calicostrada– que en Sudamérica se utiliza por su bajo coste; en América del Norte y Australia se enmarca en una arquitectura de capricho y en Europa empieza, no sin reticencias, a abrirse un hueco como instrumento de sostenibilidad. Castellarnau, al frente de su estudio Edra, ha construido con ella –rehabilitando una masía del siglo XVIII–, un hotel de cinco estrellas y tres plantas –nada fácil con este material– que figura entre los 40 finalistas de todo el mundo del premio internacional Terra Fibra, con sede en París.

El hotel se llama Torres del Marqués, pertenece a Small Luxury Hotels y se encuentra en la comarca turolense de Matarraña. No tiene pvc, ni aluminio, ni acero. Pero la cuestión de los materiales es solo un elemento más en un concepto de arquitectura que trasciende el de sostenibilidad para adentrarse en terrenos más ambiciosos, con vocación de motor del entorno rural y la implicación de sus medios personales y naturales en cada proyecto: utilizando la tierra del lugar, la madera del bosque cercano, el artesano o el ceramista local. O usando lana de oveja para aislar una vivienda, como hizo en un paraje oscense de tradición ganadera. “Nuestros proyectos tienen que generar cambios –explica Castellarnau–. Es una arquitectura que da un paso adelante, en lo material y en lo social. Y si no es posible, ese proyecto no tiene sentido, hay que buscar otro”.

En la otra página, la arquitecta Ángels Castellarnau, en su vivienda de Ayerbe (Huesca), por la que ya obtuvo el premio Terra Fibra en 2016.

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NOMBRES PROPIOS

AGUSTÍN VIVANCOS

FUNDADOR & CEO DE PS21 Y PRESIDENTE DE LA ACT PS21

El marketing como filosofía ESTE ES EL SIGLO DE QUIEN SABE PENSAR DIFERENTE. PALABRA DE AGUSTÍN VIVANCOS, UNA VIDA Y UNA CARRERA CONSAGRADAS A LA CREATIVIDAD. TEXTO GIUSEPPE GROSSO

“SI NO TE CONOCEN, NO EXISTES; y si no existes no vendes”. Es una visión del marketing casi ontológica la de Agustín Vivancos, gurú de la creatividad, experto en construcción y lanzamientos de nuevas marcas (Fiat 500, Yoigo, KFC, entre otras), presidente de la asociación de agencias creativas españolas (ACT) y fundador y CEO de la compañía creativa PS21, integrada por Redbility (consultora de diseño de productos), la agencia digital ES3 y la unidad de PR True, y con clientes del calibre de BBVA. Prácticamente una versión business oriented del cartesiano cogito ergo sum adaptada a la época de la comunicación y del comercio global, donde el producto cuenta, pero cuenta también la forma de anunciarlo, de darlo a

conocer. “¿Cuánta gente tiene un Ferrari? Y, sin embargo, ¿cuanta gente conoce Ferrari?

La marca no la hacen solo los clientes sino el conjunto de las personas que de alguna forma entran en contacto con ella”. Amén.

Es el aura, la magia, ese quid intangible del que están hechos los deseos lo que hace la diferencia: el etéreo elemento con el que trabaja Vivancos para plasmar sueños y aspiraciones, la materia prima de cualquier creativo que se precie. Pero ¿qué significa ser creativo en una época en la que la palabra ‘creatividad’ padece una inflación que la está vaciando de sentido? “Para mí es una persona capaz de unir puntos aparentemente inconexos para crear algo nuevo y mágico. Si esto lo trasladamos al campo de la publicidad, significa ser

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persuasivo. Es el valor más al alza en el siglo XXI. En un mundo globalizado, donde todo es serial, la creatividad es lo único que puede marcar la diferencia. Yo creo que todas las compañías deberían tener un creativo entre sus directivos”. Pero cuidado con no exagerar, porque entonces la creatividad se convierte en excentricidad: “La publicidad tiene que reflejar las tendencias de la sociedad, tiene que crear un diálogo con el público”.

Pese a todo, el marketing es lo primero que se recorta en tiempos de crisis: “Craso error: es precisamente en épocas malas cuando habría que subir el presupuesto en marketing.

Está demostrado que las empresas que lo hacen salen con más fuerzas de las crisis”.

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NOMBRES PROPIOS

MIRANDA WANG

EMPRESARIA Y PREMIO ROLEX A LA INICIATIVA

Tecnología ética LA IDEA DE RECICLADO DEL PLÁSTICO LLEGÓ EN LA UNIVERSIDAD, PERO ANTES HABÍA CRECIDO LA CONCIENCIA PARA PERPETUAR EL PLANETA. UN PROYECTO DE VIDA QUE REFRENDÓ EL PREMIO A LA INICIATIVA DE ROLEX. TEXTO RICARDO BALBONTÍN

LA CONCIENCIA RECICLADORA EMPEZÓ en el colegio. Allí comenzó a gestarse el nacimiento de Novoloop, la visión de Amanda Wang para dar una nueva vida al plástico viejo. Un proyecto que le valió ser una de las galardonadas con el Premio Rolex a la Iniciativa. La idea de Wang es “crear una economía circular que reduzca –e incluso elimine– nuestra dependencia del plástico virgen. En lugar de transformar el plástico de un solo uso, Novoloop está convirtiéndolo en polímeros. Si los propietarios de marcas adoptaran Oistre (el nombre de su producto) en las aplicaciones de TPU (poliuretano termoplástico), se podría evitar que hasta 275.000 toneladas métricas de plásticos de PE (polietileno) entraran en los vertederos y ríos cada año”.

Los sueños a veces se hacen realidad; ¿ha conseguido el suyo?

Fundar y trabajar en una startup que está resolviendo un gran problema es como estar dentro de Origen [la película]: se siente como un sueño dentro de los sueños... y a veces, cuando ha pasado lo suficiente, te olvidas de lo que pasó al principio. Así que sí, creo que he conseguido algunos de mis sueños, y siempre estoy trabajando para conseguir más.

¿Nos hemos dado cuenta demasiado tarde del problema de los residuos plásticos?

Creo que nunca es demasiado tarde para tratar de encontrar una solución a un problema. El polietileno es el plástico más utilizado en el mundo: más de 150 millones de toneladas métricas se utilizan anualmente en aplicaciones de bajo rendimiento como los envases; este PE sirve como materia prima para nuestro producto Oistre. Tiene, entre otras, aplicaciones en las industrias del calzado, la ropa, la automoción y los artículos deportivos, y puede evitar que una cantidad significativa de residuos de plástico vaya a parar a los vertederos, incineradores o cursos de agua: hasta 25.000 toneladas métricas en 2026. ¿Cómo llegó a concretar su idea de recuperar y reciclar el plástico?

Conocí a mi cofundadora, Jeanny Yao, en el octavo curso en Vancouver (Canadá) en una reunión del club de reciclaje; después en una estación de transferencia de residuos, fue impactante ver que gran parte de esos residuos eran de plástico. Fundamos Novoloop cuando aún estábamos en la universidad. En ese momento, aún no habíamos elaborado la tecnología y no sabíamos cómo se comercializaría la empresa hasta que en 2017 pudimos

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lograr la prueba de concepto de nuestra tecnología.

Y en esta cruzada, ¿qué significó ganar el Premio Rolex a la Iniciativa?

Cuando crecí siempre pensé que los científicos y exploradores que aparecían en la portada del National Geographic eran las personas más geniales. A través de los Premios Rolex, me encontré en la misma sala con estas personas que eligieron el trabajo de Novoloop como uno de los cinco proyectos premiados ese año. Fue un gran honor. ¿Cuál es su relación con la marca de relojes?

Como galardonada con el Premio Rolex, actúo como embajadora del impactante objetivo que comparten Rolex y Novoloop: crear un planeta perpetuo. Cumplo mi parte utilizando activamente la tecnología y el espíritu empresarial para resolver un problema del mundo real. ¿Qué destaca de la labor que realiza la empresa relojera?

Novoloop y Rolex tienen la misión conjunta de salvaguardar y preservar el medio ambiente para las generaciones venideras. Y entre todo ello, destaca su apoyo a la National Geographic Society y a personas comprometidas con el objetivo, como Sylvia Earle, en su trabajo para proteger los océanos.

Arriba, envases de plástico antes de ser tratados por la tecnología química creada en Novoloop, cuyo resultado se puede contemplar sobre estas líneas.

A la derecha, Miranda Wang (izquierda) y su socia, Jeanny Yao.

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G-MANÍA ARQUITECTURA + MODA + ARTE + GADGETS + EXPERIENCIAS + VIAJES + ESTILO + MÚSICA

TEATRO

| TEXTO ABRAHAM DE AMÉZAGA

LA ESPOSA DE LUIS XVI, LA ÚLTIMA REINA DE FRANCIA, además de por la música, sentía gran debilidad por el teatro. Su sueño de contar con uno propio se hizo realidad gracias al arquitecto Richard Mique, quien erigió en 1780 –13 años antes de ser guillotinada junto a su pareja– el que se convertiría en su refugio: el Pequeño Trianón, uno de los edificios entre los jardines del Palacio de Versalles.

Con techos decorados por el maestro Lagrenée, quien se inspiró en el mito de Apolo, contó con una capacidad para 250 espectadores y un foso para una orquesta compuesta de una veintena de músicos.

Aprovechando los últimos confinamientos galos, el capricho de María Antonieta (Viena, 1755-París, 1793) ha sido sometido a la cuarta y más completa restauración de su historia. Los techos y muros han recuperado los colores de su época, mostrando el histórico trampantojo del teatro-museo en el que el paso de la Revolución, por fortuna, no se dejó notar: su lejanía de palacio le salvó. La maquinaria, de época, ha sido igualmente restaurada, lo que le convierte en el único de Francia que mantiene en funcionamiento un dispositivo tan antiguo.

EL CAPRICHO DE LA REINA Sobres estas líneas, imagen de una de las entradas al Pequeño Trianón, un palacete en los jardines de Versalles que alberga el teatro de María Antonieta.

MARÍA ANTONIETA ADORABA EL TEATRO. HASTA TAL PUNTO, QUE DISPUSO DE UNO ‘PARTICULAR’ EN EL PALACIO DE VERSALLES. AHORA, HA SIDO RESTAURADO.

En la página siguiente, detalle del escenario, palcos y techos del recinto tras su restauración.

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G- GALERÍAS

+ FERIAS

Texto J. L. Gallego

VOCACIONES COMPARTIDAS

LAS DISTINTAS FORMAS DEL ARTE

Dedicada a la fabricación de objetos de diseño desde hace más de 35 años, lámparas y muebles, pero también arte y música, Santa & Cole ha abierto su primera galería en Barcelona. Una invitación a tocar, comprender y sentir diferentes expresiones de cultura material, desde el arte con las Neoseries y la música con los instrumentos de Milagro Luthiers, que se une en un mismo espacio con nanimarquina y sus alfombras. santacole.com

Caminos que se entrecruzan de tres mujeres dedicadas al arte, con experiencia en galerías y casas de subastas, acabaron juntando a Cristina Herráiz, Ana Coronel de Palma y Marta Cervera de Madrid. La primera es la impulsora de un pequeño espacio expositivo en Londres llamado Intersticio que, a pesar de la pandemia, las tres han decidido reproducir ahora en Madrid, en una antigua fábrica de guantes de la zona de Lista. La creación de un coleccionismo joven, superando algunas de las rigideces del actual mercado, es una de los objetivos sobre las que sustentan su trabajo. interstic.io/info

UNA ISLA MILITAR OCUPADA Hasta el 26 de septiembre –desde su inauguración, el pasado 12 de junio–, la capital de Finlandia, Helsinki, es escenario de la Bienal que celebra anualmente y que, en esta edición, ha llenado de arte contemporáneo la isla militar de Vallisaari. Bajo el título de The Same Sea (El mismo mar), la feria presenta a 41 artistas y grupos artísticos del país y de todo el mundo que acuden a la cita con un 75% de nuevos encargos e instalaciones específicas para el lugar, que se relacionan con la historia, la ubicación y el entorno de la isla. helsinkibiennaali.fi

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GALERÍA A DOMICILIO Después de un año de cancelaciones de ferias, bienales y exposiciones, y de comunicación virtual, las galerías Bombon, Joan Prats y NoguerasBlanchard se han unido para abrir un espacio temporal deslocalizado, apartado de las grandes ciudades y de las ubicaciones originales.

El lugar elegido ha sido Fontenta, un pequeño pueblo del Empordà de Girona que, tras acoger una primera entrega en verano, presenta hasta el 26 de septiembre Estar a la lluna, con artistas de diferentes generaciones de las tres galerías.

EL TURNO DE LOS JÓVENES

SWAB, la feria de arte contemporáneo de Barcelona, celebra su 14ª edición del 7 al 10 de octubre, retomando su formato presencial tras la cita virtual del pasado año. La feria reunirá a 80 galerías locales e internacionales, entre las que se encuentran, como novedad, seis espacios de Europa del Este. SWAB confirma así su intención de convertirse en plataforma para el talento joven, con una edición en la que prevalecerá la fuerza y la creatividad resultado de una nueva situación mundial. swab.es

ROMPIENDO BARRERAS

Una caja de Jorge Oteiza se encuentra con un lienzo de Agustín Ibarrola y una silla de Equipo 57 se sitúa junto a una mesa de Néstor Basterrexea que soporta una escultura de Ángel Duarte. Son ejemplos de una generación de creadores españoles de los años 50, 60 y 70 que no quisieron ser fieles a una disciplina y pretendieron romper las barreras entre arte, diseño y arquitectura. A ellos dedica la galería José de la Mano, en Madrid, la exposición Formas Industriales. Arte-Arquitectura o la integración de las artes (1950-1970). Del 9 de septiembre al 30 de octubre. josedelamano.com

ANTE EL ESPEJO

La galería Elvira González, de Madrid, inaugura el 8 de septiembre la exposición Reflejo / Reflexión, que une a cuatro artistas –el danés Olafur Eliasson, el indio Anish Kapoor, el italiano Michalengelo Pistoletto y el español Juan Muñoz (en la imagen, una de sus obras)– que han utilizado el espejo para involucrar al espectador en su obra. galeriaelviragonzalez.com

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G-LIBROS

1

Texto: Domingo Castillo

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NOVEDADES DE OTOÑO Entre la novela y el ensayo; entre la reflexión y el misterio; novedades y reediciones se encuentran en esta selección de títulos para afrontar, desde las enriquecedoras páginas de un libro, la vuelta de las vacaciones.

1. LA LLAMADA INMORTAL DE

STEPHEN CRANE Paul Auster + Seix Barral + 1040 páginas + 24,90 €

El estilo inconfundible de Paul Auster vuelve para transportarnos a las ciudades de Londres y Nueva York de finales del siglo XIX de la mano del escritor Stephen Crane, autor de La roja insignia del valor, que murió de forma prematura a los 28 años. Esta es la historia del chico malo de las letras estadounidenses contada por la mejor de las plumas posibles.

2. EL ANTIMONIO

Leonardo Sciascia + Altamarea + 100 páginas + 16,90 €

En el centenario del nacimiento de Sciascia, Altamarea rinde homenaje al

maestro siciliano a través de esta fascinante novela en la que un minero de Sicilia, forzado a alistarse en el ejército fascista, se ve abocado a luchar codo con codo con las tropas de Franco en la Guerra Civil.

3. HISTORIA DE SHUGGIE BAIN Douglas Stuart + Sexto Piso +

516 páginas + 23,90 €

Principios de los años 80.

Mientras la ciudad de Glasgow agoniza a manos de las políticas conservadoras de Thatcher y deja atrás su antiguo esplendor económico sustentado en la actividad minera, el pequeño Shuggie intenta salvar a su madre y sus dos hermanos de una asfixiante pobreza. Premio Booker 2020. Imprescindible.

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4. AGNES Javier Peña + Blackie Books +

288 páginas + 21 €

Cuando Agnes aceptó el encargo de escribir la biografía del misterioso Luis Foret, autor del momento del que solo se conocen sus astronómicas cifras de venta y con el que solo puede comunicarse vía email, no podía imaginar que muchas otras mujeres habían pasado por lo mismo y que ninguna había salido ilesa. Inquietante boca del lobo de la que Agnes intentará salir, aunque no será una tarea fácil. Este es el argumento sobre el que gira la nueva novela del periodista gallego, autor también de Infelices, lanzada hace dos años por la misma editorial.

5. DIARIO DE UNA SOLEDAD May Sarton + Gallo Nero + 216

páginas + 18,50 €

En otoño, la tristeza que desprenden las rosas del escritorio de Sarton desata una reflexión sobre el mundo interior y exterior de la autora. Esta carga emocional sirve de hilo conductor de esta obra delicada que se interesa por el valor espiritual, artístico y humano que conforma la esencia de la escritura.

6. SEGUNDA CASA Rachel Cusk + Libros del

Asteroide + 184 páginas + 17,95 €

Una escritora invita a un reputado artista a vivir con ella una temporada en su segunda residencia, en la costa inglesa.

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La mirada que el invitado despliega en sus cuadros es para la anfitriona un espejo y a la vez una puerta que explorar para conocerse mejor a sí misma. Sin embargo, la estancia no será todo lo tranquila que ella habría podido desear.

7. LAS PRIMAS Aurora Venturini + Tusquets +

216 páginas + 18,95 €

Ambientada en los años 40 del siglo pasado, esta novela trata de una familia disfuncional de clase media-baja de La Plata, Argentina. Reedición de un texto indispensable que, según Vila-Matas, se escribió “con enfermiza genialidad”, y al que siguió Las amigas, título publicado de forma póstuma recomendable para los lectores que se queden con ganas de más.

8. EL ARTE DE LEER LAS

CALLES. Fiona Songel + Barlin Libros +

128 páginas + 14 €

El arte de la lectura fundida con las calles transitadas se encarna en la figura del

flâneur, o mejor dicho para la ocasión, en la de la flâneuse; arquetipo de la paseante que, observadora ociosa, recorre y habita multitudes sin perder una perspectiva individual y ajena a la masa; que mira, comprende y transmite la vida en común; que interpreta ciudades como París y Berlín y que, nutrida de una tradición literaria abrumadora, propone otros paseos, otras miradas y otras actitudes más capaces de entender el mundo presente.

9. LA CITA Emilia Pardo Bazán + Nórdica

+ 104 páginas + 18 €

Para conmemorar el centenario de la muerte de Pardo Bazán (A Coruña, 1851 - Madrid, 1921), la editorial Nórdica publica esta selección de los mejores diez cuentos de terror escritos por Doña Emilia, según el criterio de la crítica literaria, también ella escritora, Care Santos.

Una nueva aportación para inmortalizar el imaginario fantástico gallego, esta vez desde una vertiente de pesadilla.

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10. MOBY DICK Bill Sienkiewicz + Astiberri + 48

páginas + 12 €

Las ilustraciones del grafista estadounidense Sienkiewicz captan la obsesiva y enloquecida lucha del capitán Ahab contra la ballena más famosa de la literatura. Potencia visual, aliento épico y simbólico para acompañar al lector hacia los descensos al abismo del alma humana. Las composiciones en tonos especialmente oscuros explotan a la perfección el aspecto angustioso de la obra, la inmensidad del océano y su furia cuando se desata. A través de los detalles de cada personaje, esta versión gráfica, y muy reducida en su extensión, sirve para redescubrir, además, las inmensas cualidades literarias de la obra original de Hermann Melville.

11. KUSAMA

Elisa Macellari + Liana Editorial + 128 páginas + 21,50 €

La autora italiana de Papaya Salad vuelve a las librerías españolas con Kusama, obra respaldada por la Medalla de Plata 2021 que obtuvo en

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el aclamado premio italiano Autori di Immagini. Narra la vida de Yayoi, que se traslada del Japón rural a la vibrante escena artística de Nueva York en los años 60 del siglo pasado, su conversión en icono internacional y su regreso a casa como nueva precursora de los movimientos del arte pop, el minimalismo y el arte feminista.

12. NUEVA YORK. ARQUITECTURA DESDE EL CIELO

Yann Arthus-Bertrand y John Tauranac + Capitán Swing + 448 páginas + 22 €

Haya estado usted o no en Nueva York, este libro le ofrece la oportunidad de disfrutar desde el sillón de su casa de un paseo arquitectónico por los mejores rincones de la sugerente Manhattan y reconocer los lugares más ilustres de la isla. Las fotografías de Yann Arthus-Bertrand y los textos de Tauranac rinden tributo a esta megalópolis vertical. La edición incluye mapas de las calles y fichas de situación de los edificios más emblemáticos.

PEOPLE

ARTE PARA DISFRUTAR

UNIDOS POR UNA MISMA VOCACIÓN Cuatro formas de entender el arte, la creación más íntima y el legado artesanal, reunidos alrededor del espectáculo de un espacio abierto pero al mismo tiempo íntimo: Gunni & Trentino, y de la revista Gentleman. El escenario elegido era también protagonista porque ha hecho del diseño su razón de ser y siempre con el mismo carácter exclusivo y personal. Dos cualidades que comparte el maestro sastre Joaquín Fernández Prats, que no solo tiene conocimiento atesorado, sino que da rienda suelta a un estilo que no deja indiferente. Y si hablamos de estilo, nada más personal que el trabajo de Felipao, que paso a paso va creando un universo tan llamativo en su color como en sus formas poliédricas... sin importarle el tamaño.

Algo que siempre ha distinguido a la relojera Panerai, embarcada en hacer de la relojería un ejercicio tan serio en la mecánica como espectacular en su desarrollo. Porque lo importante es ser diferente.

Los caminos de la creación son tan variados como la personalidad de quien los impulsa. Pero todos ellos hablan de legado, de reinterpretar tradiciones y conocimiento... Es lo que también marca la diferencia.

TEXTO AMELIA SOLANA FOTOGRAFÍA JACOBO MEDRAN0

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4 25 5 1. El evento se celelebró en la zona exterior de Gunni & Trentino, donde los invitados pudieron deleitarse con algunas de las creaciones de cada uno de los protagonistas. 2. Javier y Jorge Lluch. 3. Algunos de los relojes que Panerai presentó durante el encuentro. 4. Las ya célebres Meninas poliédricas de Felipao no podían faltar a la cita.

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1. Invitados de Gunni & Trentino conversando con Itziar Zornoza. 2. El trabajo de estos creadores tenía su adecuada presencia. En la imagen, propuestas sartoriales de Fernández Prats y esculturas de Felipao.

3. De izquierda a derecha, Felipao, Mario Gimenez, de Panerai, Joaquín Fernández Prats, Itziar Zornoza, de Gunni & Trentino, y Ricardo Balbontin, de Gentleman. 4. Manuel Serrrano, en animada charla con otros invitados.

5. Alfonso de Borbón y Lourdes García, conversando con Javier Valencia.

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6. Olivier Blomme y su acompañante, con Pepe Zhou, de Panerai. 7. Detalle del espacio decorado por la casa de champán Mumm.

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PEOPLE

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EN BUENA COMPAÑÍA Champán Mumm y Tabacalera El encuentro se había concebido como una reunión de amigos y así hay que considerar también la presencia del champán Mumm y de Tabacalera. Ambos ofrecieron una buena muestra de su pasión por el trabajo artesano y por las experiencias exclusivas.... y se convirtieron en el acompañamiento gustativo de una tarde para disfrutar.

Hay poco que añadir a lo que ya se conoce de ambos: Mumm crea unos champanes que satisfacen al paladar más exigente, como es el caso del Mumm Cordon Rouge, un cuvée compuesto por más de 77 Crus de referencia y con un envejecimiento de 30 meses. El universo Habanos de Tabacalera es tan amplio como intenso en sabores.

Siempre con la mejor selección, como dieron fe muchos de los asistentes.

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1. y 2. Dos de los invitados en el espacio destinado al champán Mumm y los habanos. 3. Joaquín Fernandez Prats con Anabel Vázquez y Mariano Belinqui. 4. Victor Rivera, Helen Popescu y Mercedes Molina.

5. De izquierda a derecha, Almudena Moreno, Felipao, Paz Guadalix, Bárbara Mur y Raquel Pascual.

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4 2 5 4. La presencia de Tabacalera fue uno de los alicientes del evento. 7. Jorge Suarez, de Panerai (a la derecha), muestra algunas de las últimas creaciones de la firma relojera a Gerardo Smart. 8. Patricia Salinero y Miguel Cascajosa.

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ENTREVISTA

EL MILAGRO DE LA ESCULTURA CON SU OBRA EN ESPACIOS PÚBLICOS, HA INUNDADO DE BELLEZA LOS ENTORNOS MÁS INSOSPECHADOS. JAUME PLENSA REFLEXIONA EN ESTA ENTREVISTA SOBRE EL ARTE Y LA PERSONA. TEXTO JUAN LUIS GALLEGO FOTOGRAFÍA CARLOS LUJÁN

COMIENZA SUS REFLEXIONES CON LA PALABRA ‘CREO’. Quizás por humildad. Aunque parece más bien consecuencia lógica de una actitud ante la vida: que ama el silencio como forma de introspección, la reflexión como instrumento de conocimiento propio. Porque, dice, lo que hay en nuestro interior es de una riqueza incomparable. Por eso, Jaume Plensa esculpe esas gigantes cabezas de niña con los ojos cerrados que sitúa en lugares públicos: no solo para compartir la belleza de sus obras, también para invitarnos a escuchar nuestros propios pensamientos. Es Plensa una persona espiritual, existencialista incluso, que sin embargo obra el milagro de transmitir tanto con una materia inmóvil.

Su agenda está repleta para los próximos meses. Todo lo que la pandemia pospuso le llevará de aquí a final de año –al menos a sus obras, aunque a él le gustaría estar en todos lados– a Nueva York, Michigan o Nueva Jersey (Estados Unidos), a Heiring (Dinamarca), Estocolmo (Suecia), Londres (Gran Bretaña) o Cérez (Francia). Medio mundo quiere ver su arte. Probablemente porque, como él explica, hablar de uno es, a veces, hablar de todos.

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En alguna ocasión ha dicho que esa invitación al silencio, a la introspección, que encierran sus obras es un instrumento para ser mejores y para que mejore, a la vez, la sociedad. Va usted a tener que sembrar el planeta de esculturas...

(Risas). Estamos viviendo un momento lleno de tensiones en todo el mundo y parece que el que más grita es el que tiene más razón. Yo siempre he pensado todo lo contrario, que hemos de generar espacios de silencio de una forma poética, para que cada persona pueda escuchar sus pensamientos. Porque muchas veces no decimos la verdad, lo que opinamos, porque nunca nos parece el momento adecuado o nos parece que nunca somos lo suficientemente capaces de estar en desacuerdo o de acuerdo con cosas y buscamos modelos y líderes a los que seguir. Y a veces olvidamos que nuestros pensamientos son importantísimos, los descuidamos, en ese paisaje humano interior que tiene cada ser humano, incomparable. Es lo que busco, me encantaría que en cada persona floreciera su interior con toda la carga que llevamos dentro. Por eso hablo de una forma poética de generar silencio.

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ENTREVISTA

Esa invitación a la reflexión refleja una confianza incondicional en el ser humano. ¿No escarmienta?

Es así. Y no escarmiento. Creo que el ser humano es maravilloso, e imperfecto. Esa es la gran condición de lo humano, nuestra imperfección. Por eso siempre tenemos este anhelo de superación y de mejorar. Lo que pasa es que a veces tomamos caminos equivocados.

Yo confío siempre en la gente. Me parece que la sociedad es maravillosa, lo que pasa es que a veces le cuesta darse cuenta. ¿Hay arte sin mensaje? ¿Y sin belleza?

No. El arte no es nada más que una forma de respirar, de sentir. Muchas veces la gente no se da cuenta de que está haciendo arte: un gesto, una sonrisa, un movimiento con la mano que parece que se esté inventando en ese momento, pero que se pierde en esa fugacidad maravillosa de la vida. El arte en sí es mensaje, porque es una forma de hablar de nosotros mismos, de la naturaleza, de todo las cosas tan importantes que son invisibles. Por eso, a veces nos obsesionamos los artistas en intentar darles una visibilidad, una corporalidad, algo que nos las haga más presente. El arte es belleza también. Pero no como una afección o un lastre; el arte genera belleza en el mismo momento de ser concebido, y eso tiene ese valor añadido de mejorar el día a día de las personas.

Muchas de sus más importantes esculturas se encuentran al aire libre, en lugares públicos. ¿Le encaja esa expresión tan usada de democratizar el arte?

Desde el inicio me encantaba esa relación con los demás, con la gente, este sentido positivo de la comunidad. El arte en los espacios públicos es una forma muy democrática de llevar la belleza al día a día de las personas sin que te lo hayan pedido. Yo hago exposiciones en galerías y museos, pero poder trabajar proyectos en espacios públicos es extraordinario.

Cuando vas a un museo o una galería, sabes dónde estás y sabes que vas a ver arte, pero en la calle, en medio de la naturaleza, esa obra ha de sobrevivir por ella misma. Esto es un plus extraordinario porque crea un diálogo directo sin contextos con la gente que lo verá. En realidad, no es sacar la obra de los museos, no, es una forma de creación en paralelo a las otras.

Curiosamente, mientras media humanidad estaba confinada, esas obra concebidas para el disfrute público permanecieron condenadas a la soledad. ¿Pensó en ellas?

A veces tengo envidia de mis obras, porque están en lugares maravillosos y muchas veces solas. Tengo una escultura, una de estas cabezas de 14 metros, en un lugar a dos horas al norte de Goteborg, en Suecia, en una isla en la que no vive nadie, un parque natural. Pienso mucho en ella, porque pasa horas y horas allí sola, con el paisaje, con los pájaros..., qué belleza. Yo no tengo la sensación de que una escultura en el espacio público esté solo. Sí lo he sentido muchas veces en los museos: veo obras que están como arrinconadas y tristes, y parece que necesiten que las abrazaran. A veces he tenido la tentación de hacerlo.

Hace un par de años coincidieron en Madrid su obra Invisibles, en el Palacio de Cristal, y la instalación de Julia en la plaza de Colón y una exposición en el MACBA de Barcelona. De repente es usted profeta en su tierra. ¿Se ha sentido alguna vez injustamente tratado?

No, qué va. Yo me fue a vivir a Alemania, y luego a Bélgica, Francia, también a Estados Unidos. Pero me encanta vivir en España, aunque mi mercado haya estado fuera. El arte no pertenece a un lugar, a un país, a una nación; pertenece a la gente y al mundo.

Quizás no lo tenga tan claro el poder político, que ha frustrado alguno de sus proyectos porque lo impulsó otro partido. ¿Puede el arte confiar en las instituciones?

Creo que el gran error a veces de los políticos en su diálogo con la cultura es que no se dan cuenta de la importancia que tiene en el futuro de las comunidades, en esta sensación de pertenencia a un lugar, de orgullo de tu sitio, de que se ha generado belleza para ti. Es verdad que hay una inversión y el retorno no es exactamente inmediato ni material, sino que abraza muchos ámbitos. No se dan cuenta y es una lástima, porque la cultura es un instrumento, como decía el poeta, cargado de futuro.

Ese prejuicio que duda de la calidad de lo que gusta a mucha gente, ¿está superado?

Honestamente, nunca he pensado en esto.

Tengo una forma de actuar, y de crear, que

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Nacido en Barcelona, en 1955, Jaume Plensa estudió en la Escuela Llotja de Arte y Diseño y en la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi. Tras su primera exposición en Barcelona, en 1980, vivió y trabajo en Berlín, Bruselas, Gran Bretaña, Francia y Estados Unidos. Premio Nacional de Artes Plásticas en 2012, ha expuesto regularmente en museos y galerías de todo el mundo, aunque una gran parte de su obra se encuentra en espacios públicos de países como España, Francia, Japón, gran Bretaña, Corea, Alemania, Canadá o Estados Unidos.

abraza muchas sensibilidades. Yo soy muy mediterráneo, intento ser como soy, soy de aquí, de un concepto de luz, necesito verificar tocando y acariciando, es una forma muy física de relación con la vida. Esto me ha llevado a una introspección personal muy profunda y me he dado cuenta de que, mientras más profundo iba hacia mi memoria, más abrazaba la memoria de otros. Creo que es una de las bases de eso que llamáis mi éxito, que hablando de mí, en todo lo pequeño que yo puedo ser, rozas lo universal de cada uno de nosotros. En Aspen, en Colorado, descubrí un árbol que se llama aspen, y lo bonito es que las raíces de todos los árboles están unidas en el subsuelo. Yo creo que la memoria de todos nosotros se conecta en esta parte profunda de nuestro ser.

Es usted un gran aficionado a la novela y el cine negro. En principio, por tensión, por

situaciones extremas, es todo lo opuesto a lo que usted hace. ¿Quizás por eso le atrae?

Tal vez. No lo había pensado nunca. Creo que es porque hay una cierta épica en lo cotidiano. Siempre me ha fascinado transformar lo normal en extraordinario. Es una de las funciones del arte. En el cine o la novela negra, ese personaje que al final debe resolver solo todo, alguien normal que de pronto se convierte en extraordinario, eso siempre me ha fascinado.

No solo su sobra, también su discurso desborda espiritualidad, cierto existencialismo. ¿Transmitir eso con materia inmóvil, como hace el escultor, es como un milagro?

Sí señor. Es un milagro, esa es la palabra. Para hablar de la invisibilidad creo que es mucho más interesante hacerlo con materia. La escultura tiene algo extraordinario que no tienen ninguna otra de las artes, que vive de las contradicciones. Estoy construyendo, pero no

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puedo describir, solo puedo hablar de cosas absolutas. Esta sensación de abstracción pura creo que solo lo tiene la escultura, porque hay una relación directa con cosas que están por encima de nosotros. Este contacto entre lo cotidiano, que es la materia, y esta cosa increíblemente imposible de acariciar, que es la invisibilidad, yo creo que es la escultura. ¿Y sigue usted descubriendo en su interior cosas que no conocía?

Supongo que sí. Mucha veces descubrimos cosas y no nos damos cuenta hasta al cabo de un tiempo. Lo bonito de la vida es esta búsqueda sin darnos cuenta de que buscamos; la vida ha de tener una cierta ingenuidad... y también una cierta voluntad de participación social. El arte es un vínculo entre nosotros extraordinario, son las raíces del árbol de Aspen. La maravilla del arte es esta, esta cosa invisible que nos une a todos.

ARTE

MUSEO DE LAS COLECCIONES REALES Emiilo Tuñón Álvarez - Luis Moreno García-Mansilla MADRID

Destinado a mostrar la historia de la Monarquía en España y sus apetencias artísticas, las obras de este colosal museo encardinado en el complejo del Palacio Real e iniciadas en 2006 permitirán, por fin, su apertura a finales de 2022. Con tres plantas expositivas, de más de 3.000 m2 en total, acogerá miles de piezas engarzadas en sus respectivos reinados y ordenadas cronológicamente, con un preámbulo reservado para los reinos medievales y la Casa de Trastámara antes de recorrer las de los Austrias y los Borbones. patrimonionacional.es

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EXPLOSIÓN CULTURAL LA OFERTA DE MUSEOS EN ESPAÑA SE RENUEVA Y DESCENTRALIZA. MÁS ALLÁ DE MADRID Y BARCELONA, OTRAS CIUDADES INAUGURAN ESPACIOS CON MUCHO CONTENIDO Y ESPECTACULAR CONTINENTE.

Fotografía: Patrimonio Nacional

TEXTO JUAN LUIS GALLEGO

NADA QUE VER, ES CIERTO, CON CHINA, que presumía recientemente, con ocasión del Día Internacional de los Museos, de haber abierto uno nuevo cada dos días entre 2016 y 2020. En España no llegamos a tanto. Pero lo cierto es que el panorama cultural ha asistido en los últimos meses a una renovación de la oferta museística con la incorporación de nuevos y sugerentes espacios, llenos de contenido y, en algunos casos, resplandecientes en cuanto al continente.

El fenómeno llama la atención precisamente por producirse en unas fechas convulsas en las que las circunstancias parecían empujar más a cerrar que a abrir. Pero lo cierto es que, mientras eso ocurría en tantos otros sectores, los proyectos en marcha –por su propia idiosincrasia, emprendidos antes de la pandemia– han seguido su ritmo para culminar en una aglomeración de inauguraciones, en muy pocos meses, tan variada como interesante.

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Y si abrimos más el abanico temporal, para retrotraernos a cuatro, cinco o seis años atrás, el fenómeno adquiere tintes de revolución. Fundamentalmente, por una razón: su descentralización. Su innegable oferta museística sigue situando a Madrid y Barcelona en un escalón superior. Pero otras ciudades reclaman su espacio, con letras mayúsculas, en el panorama cultural. Málaga, por ejemplo, que concentra algunos de los museos más importantes del país. O el norte de España, que ha sumado al tradicional corredor gastronómico –con el País Vasco como principal protagonista– un segundo cultural que permite recorrer la cordillera cantábrica de museo en museo. A la vez, apuestas aisladas, pero de gran calado, han situado en el mapa cultural, seguramente con rango internacional, ciudades como Cáceres, Toledo, Cuenca, Cartagena o la isla de Menorca.

Definitivamente, al turismo de sol y playa le ha salido un muy digno competidor.

ARTE

CENTRO BOTÍN Renzo Piano Entre jardines y frente a la bahia, el centro impulsado por la Fundación Botín –la dinastía que rige los destinos del Banco Santander– forma parte del circuito internacional de centros de arte de primer nivel desde su inauguración, en junio de 2017. Artistas como Joan Miró, Cristina Iglesias o Alexander Calder han protagonizado las exposiciones de este espacio concebido con una clara vocación de fomento y formación del arte que se traduce en becas, investigación del dibujo, divulgación y talleres internacionales dirigidos por grandes artistas. centrobotin.org

MUSEO DE BELLAS ARTES DE BILBAO Ampliación a cargo de Norman Foster y Luis María Uriarte BILBAO

Aunque su origen se remonta a hace más de un siglo –es resultado de la fusión, en 1945, del Museo de Bellas Artes fundado en 1908 y el de Arte Moderno inaugurado en 1924–, su inclusión en esta selección tiene que ver con su futuro: una ambiciosa ampliación encargada a Norman Foster (en la imagen, con la maqueta del proyecto final) y Luis María Uriarte cuyas obras empezarán este mismo septiembre, según las previsiones, y se prolongarán durante un año y nueve meses. Con obra diversa que abarca desde el siglo XIII hasta la actualidad –y que le lleva a contar entre sus obras maestras con Cranach, Zurbarán y Goya junto a Gauguin, Sorolla y Bacon–, el Museo reserva a la ampliación la organización de dos grandes exposiciones anuales que fomenten, a través de la creación artística y junto con un programa de actividades de educación y difusión, la reflexión sobre los grandes retos de nuestra sociedad actual. museobilbao.com

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Fotografía: Belén de Benito

SANTANDER

HAUSER & WIRTH MENORCA Luis Laplace (arquitecto) y Piet Oudolf (paisajista) MENORCA

Es, sin duda, una de las grandes novedades del año, que –con la ayuda de la galería Cayón, que abrió en la isla una ‘sucursal’ en 2018– ha situado a Menorca en uno de los ejes emergentes del arte en España. Inaugurado el pasado mes de julio en la Isla del Rey, accesible por tanto solo en barco, el nuevo museo de la todopoderosa galería Hauser & Wirth se levanta en un antiguo hospital prácticamente abandonado hasta hace cinco años y delicadamente restaurado para mantener su esencia. Y nace con la intención de exponer el mejor arte contemporáneo, empezando por el cotizadísimo artista afroamericano Mark Bradford, en un contexto de turismo sostenible que mantenga la singularidad de la isla. hauserwirth.com

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Fotografía: Centre Pompidou Málaga

ARTE

CENTRE POMPIDOU MÁLAGA Daniel Buren (adaptación del espacio El Cubo) MÁLAGA

Presume la capital andaluza de contar con la tercera mayor oferta cultural del país tras Madrid y Barcelona. Seguirá siendo así durante, al menos, cinco años más, porque el Centre Pompidou Málaga –la primera sede en el exterior del museo parisino– y el Ayuntamiento de la ciudad han renovado el acuerdo de 2015 para mantener viva esta iniciativa cinco años más, hasta 2025. Situado en el espacio denominado El Cubo, nacido con una vocación cultural y adaptado luego para esta misión, allí se celebran entre dos y tres exposiciones al año con obras de los siglos XX y XXI procedentes del Pompidou original. centrepompidou-malaga.eu

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Fotografía: Amores Pictures

MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO HELGA DE ALVEAR Tuñón Arquitectos CÁCERES

Alemana nacida en 1936, que llegó a España en 1957 para aprender el idioma, la coleccionista Helga de Alvear es la artífice de este museo, inaugurado el pasado mes de febrero, que ha situado a la ciudad extremeña en el panorama internacional del arte contemporáneo. Obras de Kandinsky, Ai Weiwei y Paul Klee conviven con Gordillo, Campano o Tápies, videoarte, esculturas de gran formato e instalaciones, en este edificio espectacular situado en pleno casco antiguo. fundacionhelgadealvear.es

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Fotografía: David Frutos, Luis Asín y Felipe García

REPORTAJE ARTE

MUSEO FORO ROMANO MOLINETE Andrés Cánovas CARTAGENA

Su inauguración, en mayo, supone otra nueva puerta a la espectacular riqueza arqueológica de la ciudad murciana. La colina del Molinete fue escenario, en el siglo I antes de Cristo, de una profunda renovación urbana con el trazado de una nueva red viaria, entre el puerto y el foro, con diversos edificios públicos y privados.

Una selección de piezas permite conocer la historia de este enclave, en un recorrido que culmina en importantes vestigios de la época romana. puertodeculturas.cartagena.es

COLECCIÓN ROBERTO POLO Sede provisional en la iglesia de Santa Cruz CUENCA

Roberto Polo es un importante coleccionista y mecenas de origen cubano, radicado ahora en España, que atesora, además de un sorprendente talento para detectar las valores y tendencias artísticas, un destacado fondo de obras pertenecientes a las vanguardias históricas europeas, desde los orígenes del Modernismo, a mediados del siglo XIX, hasta la actualidad. En 2018 cedió a la Junta de Comunidades de CastillaLa Mancha, por un periodo de 15 años, aunque con intención de donarlas, más de medio millar de obras, lo que desembocó en la apertura en Toledo, en marzo de 2019, del museo CORPO. En diciembre pasado, fue Cuenca –con la iglesia de Santa Cruz como sede provisional hasta la habilitación del castillo de la ciudad– la elegida para acoger una parte de esa colección que incluirá nombres como Eugène Delacroix, John Atkinson Grimshaw, Edgar Degas u obras en papel de Picasso. coleccionrobertopolo.es

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UN MUNDO POR DESCUBRIR Con copa redonda y un puro en la mano, como en los viejos tiempos, o como base de divertidos y audaces cócteles. El brandy Carlos I no entiende de edades.

FUERA PREJUICIOS. CARLOS I, ESE BRANDY CENTENARIO que envejece por el procedimiento de solera en bodegas de más de 250 años de historia, que tiene en la tradición una de sus señas de identidad y que ha conquistado a millones de paladares en todo el mundo, es también la base de una coctelería fresca e imaginativa que gana terreno entre los mejores bartenders del país. Elaborado con uvas Airén y Palomina, destilado de forma artesanal, su sabor suave y su textura aterciopelada hacen de Carlos I un brandy ideal para todo tipo de cócteles, de sabor inconfundible. Estos son solo una muestra. carlosbrandy.com J. P.

De izda. a dcha y de arriba abajo: Aperitivo en jerez. Servir en un vaso con hielo 5 cl de Carlos I, 1 de Aperol y 3 de vermut rojo.

Adornar con rodaja de naranja.

Espresso Carlos. Agitar en una coctelera 5 cl de Carlos I, 5 de café, 1,5 de sirope de vainilla y

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1,5 de licor de chocolate. Servir colado y con chocolate rallado.

Lady Flamenco. Majar 4 frambuesas y agitar en una coctelera con hielo con 5 cl de Carlos I, 3 de zumo de naranja y 1,5 de licor de cereza. Colar y decorar con una frambuesa.

CON FIRMA

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TIEMPO DE CONTEMPLACIONES DESDE LA ACELERADA VISITA SIENDO UN NIÑO A LOS MUSEOS VATICANOS AL DISFRUTE SOSEGADO DEL ENCLAVE DEL NUEVO MUSEO DE MENORCA. TEXTO FERNANDO SCHWARTZ ILUSTRACIÓN JACOBO PÉREZ ENCISO

SIEMPRE ES TEMPORADA DE VISITAR MUSEOS para quienes no tenemos fortuna suficiente para comprarnos un Goya, un Picasso, un Monet, un Mark Bradford, un Rothko y colgarlos de las paredes de nuestro salón (aunque las mías, en cualquier caso, carecen del tamaño requerido). En vista de ello, lo que hoy se llama ‘plan B’ consiste en acudir a museos y perderse en la contemplación de la espalda de la Venus de Velázquez en la National Gallery de Londres.

Dice Josechu Carreras, el director en España de las galerías Hauser & Wirth, que por más que suene a cursilada, el arte es para todos. No se explicarían si no, las masas de visitantes del Partenón o las colas frente al Prado de gente que se emociona ante Las Meninas sin comprenderlas realmente, pero dejándose embargar por su poder cromático y emocional.

Desde muy pequeño acudí a galerías y museos (lo que incluye haber recorrido con 12 años los Museos Vaticanos en 45 minutos de la mano enloquecida de una tía abuela mexicana, hermana de León Felipe). Hasta hubo un tiempo al final del bachillerato en el que mi profesor de historia me puso de Cicerone de los alumnos más jóvenes para hacerles visitas guiadas del Prado. Hubo, sin embargo, un instante de catarsis cuando dejé de contemplar los edificios museísticos como si fueran cajones de arquitectura más o menos clásica en cuyas paredes se amontonaban centenares de obras imposibles de digerir en una sen-

tada. Vi que también ellos podían ser obras de arte. Fue de pie en la 5ª Avenida, al ver por primera vez el Guggenheim de Nueva York, un platillo volante de circunferencias interminables que había ideado Frank Lloyd Wright, quién si no. Pues sí, los museos, obras de arte en sí mismos, sin que importe lo que hay dentro.

De esa misma sentada, me acerqué al MOMA para sobrecogerme frente al Gernika, todavía celosamente custodiado en Manhattan. Y, ya por completar aquel salto iniciático, me detuve frente a un pequeño acrílico de Joan Miró que representaba a un miliciano multicolor puño en alto con una leyenda que decía Aidez l’Espagne. Tanto me impresionó que conseguí hacer de él la portada de mi primer libro en 1971.

Esta pulsión artística global es la que explica la instalación de la Pirámide de cristal imaginada por Ming Pei para franquear el acceso al Louvre, plantada allí, en medio del Imperio, incongruente y maravillosa. ¿Y qué sería sin aquella pulsión el museo Guggenheim de Gehry que, de un genial golpe de lápiz, puso a Bilbao en el centro de la cultura mundial?

Claro que el misterio de un museo que penetra el alma de quien lo contempla es su adecuación al paisaje, campo o villa, su imbricación con la naturaleza, su capacidad de embellecer, su declaración estética nunca disonante. Pienso, por un lado, en el Kröller-Müller, allá en la llanura holandesa cerca ya de Alemania, con la más rica colección de Van Goghs, todo guardado

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en salas amables y luminosas y en un jardín lleno de esculturas. Pienso, también, en el pequeño museo Mauritshuis en La Haya, con su parqué de madera, como en el salón de un palacete del XVII, en donde de pronto, discretamente colgada, aparece La chica de la perla, la obra maestra de Vermeer, y un poco más allá su vista de Delft.

El puerto de Mahón en la isla de Menorca tiene que ser el más bello del Mediterráneo: una hendidura que penetra hasta cinco kilómetros tierra adentro, custodiada por unas baterías costeras otrora formidables y una ominosa leprosería, antaño lugar de cuarentena. Un poco más alejada de mar abierta, justo enfrente de la villa de Mahón, se encuentra la pequeña Isla del Rey (en la que, aseguran que, en el siglo XIII, desembarcó Alfonso III para quitarle Menorca a los musulmanes, pero vaya usted a saber). Los ingleses construyeron en ella hace 200 años un hospital militar, que hoy es una ruina… salvo un largo pabellón que acaba de ser transformado en galería de arte. Sus dueños, Ursula Hauser e Iwan Wirth, saben bien cómo tiene que ser el nuevo museo del siglo XXI: un cuidadoso jardín lleno de plantas autóctonas, un lugar umbrío de paseo y meditación que invita al disfrute apacible de las obras de arte distribuidas aquí y allá. Y un restaurante para desayunar y almorzar, para sentarse en una silla mirando a la bahía. Lugar de estudio y paz. Una maravilla que es el destino final de la evolución estética de la museística contemporánea.

DISEÑO

Small Ship-Building Game, un juego infantil de construcción creado en 1923 por Alma Siedhoff-Buscher, de la escuela Bauhaus Bauspiel. Foto: Heiko Hiling.

En la página siguiente, fotomontaje creado en torno a 1930 en Loheland Schule (Alemania), un centro con vocación de fomento del arte solo para mujeres.

EL DISEÑO NO TIENE GÉNERO UNA EXPOSICIÓN EN EL VITRA DESIGN MUSEUM REIVINDICA EL PAPEL, MUCHAS VECES OCULTO, DE LAS DISEÑADORAS EN LOS ÚLTIMOS 120 AÑOS. TEXTO JUAN PARRA

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PARA MUESTRA, LA ANÉCDOTA protagonizada por la diseñadora francesa Charlotte Perriand (1903-1999): cuando con 24 años y cargada de ideas e ilusión acudió a pedir trabajo al estudio de Le Corbusier, la respuesta del ya entonces afamado arquitecto no pudo ser más desafortunada: “Aquí no bordamos cojines”. Perriand acabó formando parte del taller, junto al propio Le Corbusier y su primo, el ingeniero Pierre Jeanneret, y durante décadas ideó muebles e interiores que revolucionaron el mundo del diseño. Aunque muchos de ellos han pasado a la historia con la firma del equipo, el alcance real y decisivo de su aportación ha sido revaluado en los últimos años.

Las mujeres, efectivamente, han hecho aportaciones fundamentales para el desarrollo del diseño moderno, ya sea como creadoras de muebles, moda o productos industriales, como interioristas o como empresarias. Pero en los libros de historia del diseño aparecen relegadas a un segundo plano o a la sombra de una figura masculina de renombre. Nada que no conozca-

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DISEÑO

De izquierda a derecha y de arriba abajo: La diseñadora Ray Eames, trabajando en un diseño, en 1950.

Taburete creado por Lina Bo Bardi en 1979-1980 para el centro SESC Pompéia, de São Paulo.

Foto: Jürgen Hans.

Silla de Grete Jalk, 1963.

Librería Tunisie, diseñada por Charlotte Perriand, en 1952.

mos. La exposición Here We Are! Las mujeres en el diseño desde 1900 hasta la actualidad que prepara el Vitra Design Museum (entre el 23 de septiembre próximo y el 6 de marzo de 2022, en la localidad alemana de Weil am Rhein) pretende contribuir a cambiar esta realidad. La exposición, con obras de 80 mujeres, está dividida en cuatro ámbitos que conducen a los visitantes del museo a través de un viaje por los últimos 120 años de historia del diseño, desde el Modernismo de principios del siglo XX hasta la actualidad.

El primer ámbito se centra en el desarrollo del diseño en Europa y los Estados Unidos, donde alrededor del año 1900 comienza a ser vislumbrado como una profesión. Coincide en el tiempo con la lucha activa de las mujeres por conseguir una mayor participación en el ámbito polí-

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tico, con consecuencias en el diseño, como refleja el trabajo de las reformadoras sociales Jane Addams y Louise Brigham, que hoy se englobaría bajo el concepto de social design.

Al mismo tiempo, la neoyorquina Elsie de Wolfe define la nueva profesión de la arquitectura de interiorismo. Se encardinan en este contexto las obras de las diseñadoras de la escuela Bauhaus, la escuela rusa Vjutemás o la Deutsche Werkstätten, con una conclusión: la mejora de la formación permite una paulatina profesionalización de las mujeres en el campo del diseño aunque relegadas, en muchas ocasiones, a roles tradicionales.

El segundo ámbito de la exposición está dedicado a las décadas entre 1920 y 1950, cuando las primeras diseñadoras empiezan a cosechar éxitos a nivel internacional: además de Perriand, Eileen Gray, Clara Porset

o la directora creativa Jeanne Toussaint, que definió durante años las colecciones de la manufactura de joyería Cartier. Algunas de las diseñadoras que se presentan en la exposición trabajaron estrechamente con sus compañeros sentimentales como, por ejemplo, Ray Eames con su esposo Charles o Aino Aalto con Alvar Aalto, con una aportación decisiva relegada entonces e históricamente a un segundo plano. Otras diseñadoras trabajaron de forma independiente a lo largo de toda su vida, como la ceramista Eva Zeisel, cuyas obras se presentaron en una exposición propia en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1946.

De arriba abajo: Mesa Shimmer, de Patricia Urquiola, 2019.

Foto: Andreas Sütterlin.

La diseñadora Christien Meinderstsma trabajando en la silla Flax, en 2015.

Foto: Studio Aandacht.

Creatividad entre corsés

El tercer ámbito tematiza las décadas entre 1950 y finales de los 1980, durante las que –especialmente en los años 60– la segunda ola del feminismo se enfrentó a la conservadora mentalidad de la posguerra. Algunos ejemplos, como la Exposición Suiza sobre el Trabajo de la Mujer (SAFFA) en 1958, muestran que también en el ámbito del diseño las mujeres solían ser asociadas a las tareas caseras, pero que, a pesar de las restricciones, producían obras extraordinarias.

La ambivalencia y las transformaciones de estas turbulentas décadas se reflejan en los llamativos diseños de Marimekko de la década de los 1970 o en los posmodernos, y en ocasiones espectaculares, objetos de las diseñadoras italianas como Nanda Vigo, Gae Aulenti o Cini Boeri.

Con el cuarto ámbito la exposición llega a la actualidad. Las obras de diseñadoras de renombre internacional como Matali Crasset, Patricia Urquiola o Hella Jongerius demuestran que, hoy en día, las mujeres en el mundo del diseño tienen tanto éxito a nivel internacional como lo tienen los hombres.

Algunas diseñadoras salvan incluso los límites establecidos de su disciplina y contribuyen en gran medida a redefinir el diseño.

Entre ellas se cuentan Julia Lohmann, que investiga las algas marinas como nuevo material sostenible, o Christien Meindertsma, que analiza de forma crítica los procesos de producción.

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PORTADA

TOCADO POR EL CARISMA EL ÉXITO DE LA SERIE LUPIN HA COLOCADO A OMAR SY EN UN LUGAR QUE BUSCABA Y EVITABA DESDE INTOCABLE. PERO AHORA HA APRENDIDO A MANEJAR LA FAMA. TEXTO IRENE CRESPO FOTOGRAFÍA MARCEL HARTMANN / NETFLIX

En la página siguiente, Omar Sy lleva traje y camisa de DIOR MEN. En la fotografía de portada, con traje de BRUNELLO CUCINELLI y camiseta de LOUIS VUITTON.

ESTRENADA EN ENERO DE 2021, LA PRIMERA PARTE DE LA SERIE LUPIN ATRAJO a más de 70 millones de hogares en el mundo en su primer mes de emisión en Netflix. Eso la convirtió en el segundo mejor debut de la plataforma, solo después de Bridgerton. Es el único show francés que se ha colado entre los 10 más vistos en Estados Unidos. Pero también en su país de origen, en Italia, España, Brasil o Sudáfrica. Para Omar Sy (Trappes, Francia, 1978), el protagonista y la cara visible de este título de repercusión global, ha sido su segundo estallido de fama. Su segundo encuentro con la exigente atención mediática, entrevistas, fotos. Y le ha llegado exactamente 10 años después del primero, cuando protagonizó la película Intocable, el mayor éxito francés de la historia: 19 millones de espectadores solo en Francia, casi 450 millones de dólares recaudados por todo el mundo, varios remakes en distintos países y por el que se alzó como el primer actor negro en ganar el premio

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César (el Oscar o Goya galo). Pero en esta década transcurrida entre película y serie, Sy ha aprendido muchas cosas. Entre otras, ha aprendido a superar el síndrome del impostor y ha aceptado, por fin, que no es solo un cómico colándose en películas, que también es actor.

Lupin es para Omar Sy, además, ese medio en el que pone a la misma velocidad y altura su carrera en Francia y sus deseos más allá. El actor se mudó a Los Ángeles en 2012.

La excusa inicial era la promoción para los Oscars de Intocable. La razón real era refugiarse de la excesiva fama que le había dado la película en Francia y que ya estaba llegando a sus hijos. Su plan era pasar un año sabático en la soleada ciudad californiana con su familia (su mujer, Hélène, desde 2007, novia desde 1997, y cuatro hijos, la quinta nació ya en EE. UU.), y van a cumplir 10 años allí. En esta década de intentar hacer las Américas, las cosas no acababan de salir como quería. Tuvo que empezar de nuevo. Hacer castings

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PORTADA

por primera vez en su vida, presentarse, decir su nombre. Y, por supuesto, aprender inglés.

Una hazaña que logró con cuatro horas diarias de clases particulares y ver mucho Keeping Up With the Kardashians (después de desistir inicialmente con la CNN).

Todo ese trabajo tuvo sus frutos y a los seis meses de llegar a Hollywood consiguió su primer papel en una gran producción, X-Men: Días del futuro pasado (2014), interpretando a un mutante con el poder de viajar en el tiempo. Llegó el gran día del estreno, la premiere, y sentado en aquel cine se sintió avergonzado: prácticamente le habían cortado del montaje final. “Fue una violenta sorpresa”, reconocería después, aunque supo encajarlo con humor y deportividad. Había aprendido a lo bestia cómo funcionaba la industria y él seguía riendo. Porque su sonrisa va siempre por delante.

miento. Allí le llamaban ‘el caballo de Trappes’, como el caballo de Troya, porque usaban su amabilidad y planta para entrar a cualquier sitio. Las mismas cualidades que le han dirigido hasta hoy y su fama global. Aunque ahí ha tenido que sumar también mucho esfuerzo y trabajo.

Creciendo en aquel barrio, el mundo que ahora habita no era una posibilidad. Por suerte para él, sus padres nunca pusieron barreras a sus sueños, ni tampoco a sus decisiones (educado como musulmán, su mujer es católica), y empezó por absoluta casualidad. Un amigo del barrio le pidió como favor que entrara en su programa de radio haciéndose pasar por un futbolista senegalés retirado. Al final del programa contaron la broma, a los productores les encantó y le pidieron que volviera cada día fingiendo ser alguien nuevo. Su amigo

En los perfiles sobre él, en toda entrevista, en cualquier declaración de compañeros de trabajo, la sonrisa de Omar Sy va por delante de Omar Sy. Ese saber estar, amabilidad y elegancia natural ha sido su seña de identidad desde que era adolescente y aún vecino de Trappes, la banlieue en la que vivía con sus padres (un senegalés trabajador de una fábrica de coches y una mauritana que limpiaba oficinas) y sus siete hermanos (él es el tercero), uno de esos barrios obreros alrededor de París que empezó siendo ejemplo de recepción y multiculturalidad y acabó como un lugar conflictivo y abandonado. Un lugar que, a pesar de todo, Sy recuerda con mucho amor y felicidad. Rodeados de campo, eran libres, y sin salir de su bloque de viviendas recorría el mundo con sus vecinos de decenas de nacionalidades. Allí encontró a sus primeros socios en el mundo del entreteni-

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era Jamel Debbouze, hoy un gran nombre de la comedia francesa, y en aquella radio Sy conoció a Fred Testot, con quien formaría el dúo cómico Omar et Fred, triunfando en televisión. Así le llegarían sus primeras ofertas en cine.

Y así conoció a Olivier Nakache y Éric Toledano, sus directores amuleto, también criados en suburbio, hijos de inmigrantes, que escribieron para él el personaje de Driss en Intocable, ese hombre que lleva toda su sabiduría y alegría de barrio a la estirada y aburrida vida de un hombre rico tetrapléjico (François Cluzet). De nuevo, la sonrisa de Sy fue por delante en aquel filme. Después vino su transformación como lanzadera del cambio en el cine francés que no reflejaba la diversidad de sus calles. Un rol y una responsabilidad que, sin embargo, el actor tomó con prudencia apartándose, al principio, de todo tipo de de-

Estilismo: Marco Manni Asistente de estilismo: Julie Sansonetti.

“YO NO SOY UN LÍDER. SOLO SOY UN ACTOR QUE AÚN TIENE MUCHO QUE APRENDER. NO QUIERO SERVIR DE VEHÍCULO PARA CLICHÉS NI SER EL NEGRO DE MODA”

Omar Sy en el rodaje de Lupin, delante del Louvre, una de las localizaciones estrella de la serie.

claración o acto político. “Yo no soy un líder –se justificaba en una entrevista en 2014–.

Solo soy un actor que aún tiene mucho que aprender y que ha preferido no decir ni hacer nada”. Se negó abierta pero amablemente a ser “el negro de moda o ser utilizado como vehículo para clichés”. Prefería ser referente e inspiración a través de hechos y trabajo, no palabras.

Y así ha sido hasta ahora. Después del traspiés de X-Men se dio cuenta de que su lugar profesional estaría con un pie en cada lado del Atlántico. En Hollywood le seguían saliendo pequeños papeles en grandes películas (Jurassic World, Inferno, Transformers: El último caballero), mientras en Francia escogía grandes papeles en filmes más pequeños (Samba, Mañana empieza todo) que nunca fueron un éxito para los demás, pero sí eran logros personales. Porque eran elecciones

La tercera parte de la serie Lupin llegará, seguramente, a Netflix en 2022. Los creadores prometen “más aventuras y más personajes”, sin abandonar París. Una ciudad redescubierta a través de la mirada de un personaje poco habitual en la ficción francesa.

suyas que querían predicar con ese ejemplo que le pedían ser. El caso más claro fue Monsieur Chocolat (2016), la historia real del clown Rafael Padilla, apodado Chocolat por el color de su piel. Omar Sy sintió todos los fantasmas de la desigualdad y el racismo aún muy vivos sobre él interpretando ese personaje. “Significó mucho para mí. El primer clown negro es claramente mi ancestro. Él abrió la puerta y nosotros entramos detrás de él”, dijo. Aquel trabajo le abrió también los ojos. “Fue mi primera película como actor de verdad, me exigió mucha preparación física y emocional, lo elegí con conciencia y todo lo que di ahí fue decisivo para lo que vino después”.

Sin Chocolat, quizá no habría sentido la energía y seguridad para protagonizar Lupin.

Ahí sí que se echaba peso sobre sus hombros: ser la enésima reencarnación de un

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personaje tan francés como Arsène Lupin, el ladrón de guante blanco que creara Maurice Leblanc en 1905 y que Sy conoció a través de la adaptación apócrifa de un manga japonés. Un proyecto que pensaron a su medida y le dejaron a él cortarse el traje: el actor fue quien decidió que no sería Lupin, sino un ferviente admirador, Assane Diop, que, inspirado por los libros, roba y engaña para vengar la muerte de su padre. Además de haber servido para poner su nombre en Francia y en Hollywood al mismo nivel, Lupin no es solo un show de entrenamiento; también desprende mensaje social: su personaje utiliza la invisibilidad y prejuicios hacia la población negra como ventaja para sus robos. La serie es el resultado de una carrera bien pensada y dirigida por un actor que sigue teniendo alma de cómico y no olvida de dónde viene.

FOTOGRAFÍA

EL ÚLTIMO GRITO DE MARILYN LA ACTRIZ ESCOGIÓ AL FOTÓGRAFO LAWRENCE SCHILLER PARA INMORTALIZAR UN DESNUDO CON EL QUE SE REIVINDICÓ ANTE HOLLYWOOD Y EL MUNDO. UN LIBRO DE TASCHEN LO CUENTA. TEXTO MARÍA ROSA FOTOGRAFÍA LAWRENCE SCHILLER

LAWRENCE SCHILLER FOTOGRAFIÓ A MARILYN MONROE por primera vez en 1960, durante el rodaje de Let´s Make Love (El millonario) para la revista Look Magazine. Tendría oportunidad de hacerlo en más ocasiones, la última en 1962.

Y esa pasó a la historia.

Fue idea de la propia Monroe (nacida Norma Jean Baker en 1926) ese posado desnudo. Con una intención clara: aparecer en las portadas de todas las revistas –entonces, con millones de ventas, el trampolín hacia la fama de actores y actrices– y demostrar así que valía tanto o más que Elizabeth Taylor, que en ese momento rodaba Cleopatra junto a Richard Burton con un caché inalcanzable para otras. Lo cuenta el propio Schiller: “Ella gana un millón de dólares y un 10% de taquilla con mi estudio y está en las portadas de todo el mundo –dice que le confesó la actriz–. Yo me llevo solo 120.000 dólares del mismo estudio, así que tengo que demostrar que puedo estar en las portadas de todas las revistas del mundo”.

El rodaje de Something’s Got to Give, dirigida por George Cukor y con Dean Martin como coprotagonista, le dio la oportunidad.

Schiller, que entonces contaba con 25 años, fue el instrumento. Cuando él sugirió una escena en la que disparar, ella le corrigió.

“No, no. Hay un momento en el que yo llevo un bañador color piel y estoy en la piscina y Dean Martin me ve desde lejos. ¿Cómo ves que yo entre con bañador pero luego salga sin nada?”, recuerda el fotógrafo. “Tú ya eres famosa –le contestó Schiller–; el que se va a hacer famoso ahora soy yo”. A lo que ella respondió: “No seas tan arrogante. Sustituir a un fotógrafo es fácil”.

Aquellas fotos, efectivamente, dieron la vuelta al mundo. Marilyn Monroe solo puso una condición: que en la revista en la que fueran publicadas no apareciera Liz Taylor.

Fue Life la primera en mostrarlas y no, en ese número ni se la menciona.

El estadounidense Lawrence Schiller, 84 años en la actualidad, ha rememorado esta y otras escenas durante las últimas

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Hoja de contactos con los negativos de la secuencia de fotos tomadas por Schiller durante el rodaje de Something’s Got to Give, en 1962.

Fotos, tanto esta como la de la página siguiente, cortesía de Taschen y Steven Kasher Gallery.

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FOTOGRAFÍA

Portada del libro Marilyn & Me, editado por Taschen, que ha lanzado también una edición limitada a 1.712 ejemplares firmados por Lawrence Schiller.

A la izquierda, foto del rodaje tomada en mayo de 1962.

“Ella estaba dando lo mejor de sí misma, y lo mejor era muy bueno. Al fin y al cabo, ella era ¡Marilyn Monroe!”, cuenta Lawrence Schiller.

semanas, con ocasión de la publicación por la editorial Taschen de Marilyn & Me, un libro que reúne el extraordinario porfolio de Schiller sobre la actriz, con más de cien fotografías y recuerdos personales de sus encuentros. “El relato íntimo de una leyenda al borde del precipicio y un joven fotógrafo de camino a la fama”, resume en su presentación Taschen.

La actriz, realmente, pasaba por una situación personal y emocional especialmente intensa. Comenzó a rodar Something’s Got to Give tras un año sin trabajar, debido a sus recurrentes problemas de salud e internamientos en centros y, desde el primer momento, sus repetidas ausencias amenazaron con truncar el proyecto. Una de esas escapadas, por cierto, fue para asistir en Nueva York, el 19 de mayo de 1962, a la gala de cumpleaños de John F. Kennedy, en la que contó el famoso Happy Birthday Mr. President que multiplicó los rumores sobre su relación con el entonces presidente de los Estados Unidos. A su vuelta, filmó la escena en la piscina que Schiller inmortalizó, pero la película nunca fue terminada: el 4 de agosto, Marilyn Monroe fue encontrada muerta en su domicilio a causa de una sobredosis de barbitúricos en lo que ha quedado para la

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posteridad como un probable suicidio con más incógnitas que certezas.

Lawrence Schiller había hablado con ella tan solo unas horas antes de su muerte sobre la posibilidad de realizar una nueva sesión de fotos. Su privilegiada relación con Marilyn Monroe fue uno más, quizás no determinante, de los muchos hitos que forjaron una carrera de éxito. El objetivo de su cámara captó a otras muchas celebridades, como Paul Newman –en varias ocasiones–, Robert Redford, Barbra Streisand o Mohamed Ali, pero también al asesino de Kennedy, Harvey Oswald, a los marines norteamericanos enviados a la guerra de Vietnam o al líder sudafricano Nelson Mandela. Y, de hecho, antes de esas famosas fotos en la piscina, en 1959, había ganado el Premio a la Mejor Fotografía de América por la imagen de Richard Nixon tras perder las elecciones ante Kennedy. Al margen de la fotografía, que abandonó en 1976, Schiller ha desarrollado también una brillante carrera como director o productor de películas que le ha servido para ganar un Oscar por el documental The Man Who Skied Down Everest entre otros muchos reconocimientos. “Marilyn me trajo más fama y, desde luego, longevidad”, dice.

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REPORTAJE

DONDE TODO SE ENCUENTRA LA SAMARITAINE REABRE SUS PUERTAS EN PARÍS. ADEMÁS DE LOS HISTÓRICOS GRANDES ALMACENES, EL COMPLEJO ACOGE UN HOTEL DE LUJO, OFICINAS, VIVIENDAS Y HASTA UNA GUARDERÍA. TEXTO ABRAHAM DE AMÉZAGA

Formas transparentes y onduladas en el exterior de uno de los edificios de La Samaritaine, obra de la agencia de arquitectura nipona Sanaa, y que completa el histórico conjunto.

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REPORTAJE

MÁS DE UN ANUNCIO DE LA TELEVISIÓN FRANCESA de los años 70 recordaba de manera original aquello de que “on trouve tout à La Samaritaine” (“encontramos de todo en La Samaritaine”) –frase que, por cierto, se haría popular–, por muy complicado que fuera lo que buscáramos. Los grandes almacenes parisinos, tan conocidos o más que las Galeries Lafayette, situados en el centro de la capital francesa, cerraron sus puertas en 2005. Tres lustros más tarde, han reabierto, completamente renovados y ofreciendo no solo unos grandes almacenes, sino infraestructuras que están modificando el barrio en el que se ubican: un complejo que como tal es la suma de varios edificios de estilos diferentes –art nouveau, art déco y contemporáneo, que no perturban estéticamente, sino todo lo contrario–, una gran manzana-barrio en el interior de un dinámico distrito parisino, el 1. Un total de 70.000

metros cuadrados renovados por completo y ampliados con nueva construcción.

Propiedad desde 2010 del Grupo LVMH, el rey del lujo en el mundo, en su renovación se ha invertido la escalofriante cifra de 750 millones de euros y han participado 3.000 profesionales, así como alrededor de 300 empresas galas punteras en la restauración de edificios. Ahora, La Samar, como se le llamó siempre popularmente, y que forma parte del patrimonio arquitectónico del país vecino, vuelve a ser una realidad. Y dado que los grandes almacenes apuestan desde hace tiempo hacia la gama alta, albergando las principales firmas de lujo en su seno, así como muchas confidenciales, y hasta lanzando productos en edición limitada y exclusiva, La Samaritaine no podía ser una excepción –cuenta con más de 600 marcas, en un área gestionada por DFS–. “Hemos imaginado un gran almacén en el que vivir

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En la página anterior: La fachada de estilo art nouveau que creara Frantz Jourdain a principios del siglo XX, que se desvela completamente restaurada.

Bajo estas líneas: Detalles de la decoración de los muros de la última planta del edificio central, el de art nouveau, bajo la gran cristalera.

una experiencia auténticamente francesa, donde se combinan el ambiente chic de la avenida Montaigne y el aire contemporáneo del Marais”, ha escrito Éléonore de Boysson, presidenta del Grupo DFS para Europa y Oriente Medio, en el libro que la editorial Assouline publica sobre La Samaritaine, con firma de Harold Cobert. Si bien el gran almacén ocupa 20.000 m2, es el más pequeño de París, comparado con las Galeries Lafayette, Printemps o Le Bon Marché, pero el que incluye el espacio de belleza más grande de Europa: 3.400 m2, algo inédito; así como una docena de lugares de restauración. ¿Y de dónde procede el nombre La Samaritaine? Del siglo XVI, de una bomba que aspiraba el agua del Sena para abastecer el barrio y que tenía una figura evangélica que representaba a la Samaritana del pozo de Jacob. En esa figura se inspiró un comerciante, de nombre Ernest Cognacq (1839-1928),

a la hora de bautizar la tienda que abrió en la zona en 1870. Un establecimiento que con el paso de los años tendría gran éxito, lo que empujó a Cognacq a expandirlo a finales de ese siglo. Ya casado con Marie-Louise Jaÿ, que fuera una de las dependientas del antes mencionado Le Bon Marché, compró parcelas cercanas a su tienda y mandó reconstruir edificios que convirtió en espacios de venta.

Es entonces cuando nacen los grandes almacenes La Samaritaine.

El primer arquitecto en participar en tan magno proyecto fue Frantz Jourdain (18471935), quien puso en pie un edificio de estructura de acero y con un inmenso techo de vidrio, de estilo art nouveau. A otro arquitecto, Henri Sauvage (1873-1932), se le encargó, a finales de la década de los 20, el edificio art déco, que acogerá ahora, tras la reapertura, el primer hotel urbano Cheval Blanc. Tendrá una suite de mil metros cuadrados, así

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REPORTAJE

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como una piscina privada de 12 metros de largo. La imponente fachada de su edificio mira al Sena y a un mítico puente de la capital, el Pont-Neuf: uno de los casi 40 puentes y pasarelas que unen ambas orillas del río, pero el más antiguo de todos ellos, cuyo nombre curiosamente se traduciría como Puente Nuevo. De hecho, en las bolsas amarillas de los grandes almacenes se lee Samaritaine Paris Pont-Neuf.

La esperada reapertura

Hierro forjado, mosaico, letras doradas, mármol… que nos remiten a otros tiempos, al origen de esos paraísos gigantescos del comercio, así como al esplendor del Art Nouveau y Art Déco. Junto a las dos construcciones de Jourdain y Sauvage, la agencia de arquitectura nipona Sanaa se ha encargado de levantar otra, de fachada transparente y de onduladas formas, que completa el conjunto.

En 2020, La Samaritaine cumplió 150 años y prácticamente todo iba a estar finalizado para la redonda fecha. Pero llegó la Covid-19 y los diversos confinamientos franceses. Como tantos actos, el evento se tuvo que retrasar hasta junio pasado, cuando por fin llegó el momento. La apertura supone un símbolo de reactivación económica con influencia directa sobre el empleo, pues supone la creación de 1.500 puestos de trabajo, entre el mencionado gran almacén, el hotel que ahora abre, sus restaurantes, la seguridad, así como el personal de la guardería. Si a esto le sumamos las oficinas, que acogerán a alrededor de 1.000 personas, los empleos directos se aproximarían a los 2.500.

“La Samaritaine estuvo a la vanguardia de su tiempo, y sin duda lo sigue estando hoy”, ha señalado satisfecho Jean-Jacques Guiony, su máximo responsable. Lo que está claro es que París cuenta con otro lugar de interés, el cual desde que abriera provoca largas filas, donde coinciden quienes conocieron la antigua Samar junto a otros que desean descubrir no solo un nuevo templo del shopping –abierto todo el año, salvo cada 1 de Mayo–, sino también un conjunto arquitectónico que reúne lo mejor del pasado y del presente, y que mira al futuro.

En la página anterior: Detalle de las barandillas en hierro forjado; uno de los apliques de luz y los diferentes suelos: una combinación de clasicismo y modernidad en el interior de estos grandes almacenes parisinos.

Sobre estas líneas: La escalera central, una construcción funcional y a la vez una gran obra que atrae las miradas de quien llega a La Samaritaine.

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MODA

GEOMETRÍA DE ESTILO HECHURAS ANCHAS, TEJIDOS COMO LINO Y SEDA, COMBINACIÓN DE COLORES CON ESTAMPADOS ATREVIDOS Y LIGERAS PRENDAS DE ABRIGO. ES EL MOMENTO. ESTILISMO GIUSEPPE CECCARELLI FOTOGRAFÍA GIOVANNI SQUATRITI

Jersey de algodón y pantalón ancho, de HERMÈS. Alpargatas de nobuk, de BRUNO BORDESE. Gafas de sol, de FENDI. Bolsa de viaje con bandolera ajustable, de TOD’S.

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MODA

Sobre estas líneas: Chaqueta de dos botones de lino y algodón y camisa de algodón con estampado floral, de CANALI. Pantalones de lino con pinzas, de ARDUSSE. Sombrero con cinta, de BORSALINO. En la página siguiente: Camisa de manga acortada en lino y seda y pantalón de seda con doble pliegue, de ERMENEGILDO ZEGNA. Gafas de sol, de FENDI.

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Sobre estas líneas: Camisa doble, pantalón de algodón tintado y mocasines de piel, de TOD’S. Gafas de ver, de GOOD’S. En la página anterior: Jersey de algodón con cuello redondo, de CAINS MOORE. Chaqueta bomber de nailon con capucha, de DIOR. Pantalones de algodón a rayas, de BRIGLIA 1949. Gafas de sol, de DOUBLEICE.

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MODA

Sobre estas líneas: Camisa con motivo monogram en tejido jacquard y bolso Keepall 50 en tela Shadow, todo de LOUIS VUITTON. Pantalón de lino, de BRUNELLO CUCINELLI. Sombrero de paja natural, de STETSON. En la página siguiente: Jersey de algodón con mangas de camisa de lino, de FENDI. Pantalón de algodón con pliegue, de BRUNELLO CUCINELLI.

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EN FORMA

BARRE La iconografía, y eficacia, de las aulas de danza.

Fusión de pilates, yoga y ballet, es la utilización de una de esas barras tan características de las aulas de danza lo que define esta disciplina. De bajo impacto, aunque puede llegar a incluir ejercicios de alta intensidad, ha sido diseñada para tonificar el cuerpo, trabajar la flexibilidad y resistencia, quemar grasa y mejorar la postura corporal. Aunque por su iconografía se ha considerado erróneamente ejercicio para mujeres, lo cierto es que sus movimientos isométricos –que tensionan el músculo- y controlados garantizan resultados inmediatos y sin lesiones para todos los perfiles.

HYROX La competición para los amantes del gimnasio.

Más que una disciplina, es una nueva competición ideada precisamente para eso: para añadir la adrenalina de la competición a quienes suelen entrenarse a solas en el gimnasio.

Todo el que quiera, sin clasificación previa, pueda acudir a alguno de los multitudinarios eventos que se celebran en ciudades de todo el mundo. Hay que correr 1 km antes de cada uno de los 8 workouts o ejercicios programados –8 km en total– y que van desde remo a desplazamiento de peso –empujando o tirando de una cuerda–, entre otros. Con modalidades individual, doble o pro, las marcas se comparan al de cualquier otro participante a nivel mundial.

ENTRENAMIENTOS A LA CARTA

TRX Los beneficios del ejercicio en suspensión.

Más allá del running, que sigue conquistando calles y parques, el entrenamiento personal vive una época dorada animado por nuevas e imaginativas disciplinas concebidas para todos los gustos y necesidades.

Las iniciales de total-body resistance exercise sirven para definir el conjunto de ejercicios físicos que se realizan con la ayuda de cintas elásticas ancladas en un punto fijo. Ideado por el ejército de Estados Unidos, inicialmente con cintas de paracaídas, es la base de lo que se llama entrenamiento en suspensión, de forma que las manos o los pies se encuentran en las cintas y el extremo opuesto del cuerpo en contacto con el suelo. La combinación de apoyo y movilidad que proporciona la cinta permite que el porcentaje deseado del peso corporal recaiga sobre la zona corporal deseada.

TEXTO JUAN PARRA ILUSTRACIÓN DEL HAMBRE

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KICKBOXING

CROSSFIT

El deporte de moda que ayuda a liberar el estrés.

Alta intensidad para acondicionar todo el cuerpo.

No sería exagerado hablar de una auténtica explosión en España de la práctica del kickboxing, una suerte de arte marcial que mezcla movimientos de boxeo y kárate y que combina fuerza y resistencia en un ejercicio calificado de aeróbico y que, además, puede derivar hacia técnicas de defensa personal. Se trata de una disciplina de alta intensidad que quema gran cantidad de energía, tonifica todas las partes del cuerpo, libera adrenalina y, dicen, ayuda a superar el estrés. Las clases en gimnasios especializados oscilan entre los 45 y los 75 minutos y cuentan con diversos niveles.

La denominación, más que una disciplina, es en realidad una marca registrada que cuenta con ‘factorías’ en todo el mundo. Su creador, Greg Glassman, que ideó el programa allá por 1974 y que utilizó para el entrenamiento de policías, bomberos y militares, sigue aún al frente del movimiento. Se trata de un programa de fuerza y acondicionamiento físico total que se basa en una combinación de ejercicios ejecutados a alta intensidad. Es decir, hay que estar en forma, pues entre los ejercicios más comunes se encuentran diversos tipos de sentadilla, empuje y levantamiento de pesos o cargadas con balón medicinal. Por supuesto, también adelgaza.

BUNGEE WORKOUT La forma más divertida de ponerse en forma.

Inspirado en técnicas circenses, con origen en Tailandia, en este deporte revolucionario los participantes se cuelgan, gracias a un arnés, de una cuerda elástica y realizan ejercicios intensivos mientras retan la resistencia del artilugio. Con un contacto suave con el suelo, los impactos sobre las articulaciones son menores, aunque permite trabajar todas los músculos con saltos, giros y movimientos que queman energía y eliminan grasa. Sus diferentes modalidades (baile o fitness, entre otras) se adaptan a todas las necesidades, contando con la diversión como nexo común.

SLOW FIT Tomárselo con calma es también una opción.

Más allá de rutinas concretas, la filosofía está clara: tomárselo con calma. Es la misma, al fin y al cabo, que inspira el movimiento slow con aplicaciones en casi todos los ámbitos de la vida, desde el laboral hasta el gastronómico, así que por qué no en el campo del ejercicio físico. En la práctica, obviamente, va más allá. Los expertos del Slow Fit ofrecen entrenamientos personalizados, de una o dos sesiones de media hora a la semana y que, incluso, pueden llevarse a casa. Recomendado para quienes se inician en la práctica del ejercicio y lo conciben como una forma sencilla de mejorar la salud.

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EN FORMA

POWER JUMP En una cama elástica mini al ritmo de la música.

Innovador y divertido método de ejercicios creado por el neozelandés Les Mills, atleta y cuatro veces campeón olímpico, impulsor, además, de toda una serie de atractivas disciplinas. Power Jump tiene como elemento principal un minitrampolín, o minicama elástica, sobre la que tradicionalmente se despliega una coreografía al compás de la música.

El ritmo marca la rapidez de los movimientos, normalmente bajo la mirada de un instructor encargado de inyectar dinamismo. Además de completo, se ha revelado como una eficaz forma de quemar calorías.

MINDFULNESS La mente también necesita que la ejercitemos.

Llamada también atención plena, se define como la capacidad de prestar atención al presente, al aquí y ahora, observando sin juzgar. Más que una disciplina física, es una herramienta para conocer el funcionamiento de nuestra mente y cuerpo, su interconexión y, conociéndonos mejor, mejorar nuestra calidad de vida. Dicen sus promotores que, a la postre, permite observar lo que nos rodea desde otra perspectiva, reducir la ansiedad, aprender a gestionar las emociones y sentirnos más libres. Todo ello a través de cuidadas técnicas de meditación y movimiento consciente.

SÍCLO

ASTHANGA YOGA

El clásico spinning en un ambiente de discoteca

Algo más que espiritualidad.

Pedalear en una bicicleta estática al ritmo de un instructor que acelera o ralentiza los movimientos es el clásico spinning y lleva mucho tiempo entre nosotros. Esto va un poco más allá: son normalmente 45 minutos de ejercicio intenso en los que el instructor se convierte en una especie de DJ, completa el pedaleo con pesas, canciones o aplausos y, además, propicia un ambiente envolvente en el que cuentan con un papel destacado los juegos de luces. Su capacidad para quemar calorías y elevar los ánimos atrae cada vez a más adeptos.

El yoga sigue ganando seguidores, en sus muy diferentes variedades. La práctica, incluso según dicen cierta evidencia científica, respaldan su capacidad para aliviar dolores, corregir vicios posturales o evitar el estrés y, en consecuencia, podría concluirse que también para mejorar nuestra salud. Para quienes quieren una opción más dinámica, el Asthanga Yoga es una de las modalidades más exigentes físicamente. Aunque basada en la tradicional conexión entre mente y cuerpo que caracteriza el yoga, implica una serie de posturas que se practican en un orden definido y que, probablemente, no estén al alcance de todos los públicos.

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EL GLAMUR DE LA NBA Inspirado en el intercambio entre la artesanía francesa y el deporte americano, el diseñador Virgil Abloh ha creado para Louis Vuitton una colección limitada de pret à porter y accesorios que une el emblema de la firma con el universo de la NBA. La colección, que incluye desde ropa deportiva hasta trajes, zapatos o mochilas, adapta los códigos del diseñador a la iconografía del universo y rinde homenaje a los valores de inclusión. es.louisvuitton.com

EL LEGADO DE YAMAMOTO

El aclamado diseñador Kansai Yamamoto rompió moldes en el mundo de la moda con creaciones únicas y vanguardistas que vistieron a los músicos en los años 70. Fue el primer japonés en presentar un desfile en Londres y participó en otras citas de la moda como Nueva York o París. Antes de fallecer en 2020, firmó una colaboración con Skechers que la firma de zapatillas homenajea con el lanzamiento de una edición limitada de Skechers x kansaïyamamoto collection, diseñada por él. skechers.com

DE UN SOLO VISTAZO

Las grandes dimensiones de la pulsera inteligente Huawei Band 6, con una pantalla Amoled FullView de 1,47 pulgadas y formato rectangular de 17:9, permite a los usuarios ver los datos recopilados sobre salud, estado físico y bienestar de una forma más completa y precisa, mejorando su experiencia.

Así, un solo vistazo permite analizar parámetros tales como la frecuencia cardiaca, el estrés o la calidad del sueño o, no menos importantes, los referidos al entrenamiento deportivo, dado que Huawei Band 6 cuenta con 11 modos de entrenamiento profesionales. huawei.com

MOVILIDAD Y SONIDO

SPC, la compañía tecnológica española especializada en dispositivos smart, presenta ETHER PRO, unos auriculares in-ear, con un diseño elegante y minimalista, que ofrecen gran calidad sonora, comodidad y libertad. Con cancelación activa de ruidos, micrófonos duales y autonomía de 30 horas, además de protección frente al polvo, sudor y agua. spc.es

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COSMÉTICA

RECUPERACIÓN INTEGRAL Tras el verano, tanto el cabello como la piel de rostro y cuerpo necesitarán cuidados extra. Los días al aire libre, el sol y los deportes en el exterior han pasado factura. La cosmética nos lo pone fácil.

TEXTO LUCÍA HEREDERO FOTOGRAFÍA MASSIMILIANO POLLES

SUPONGAMOS QUE LO HEMOS HECHO BIEN: que cuando nos hemos expuesto al sol lo hemos hecho con la protección adecuada y que luego, incluso, nos hemos aplicado un after sun. Supongamos, también, que no hemos renunciado a disfrutar del aire libre y que en nuestros días de ocio hemos mantenido, o renovado, la práctica de ejercicio físico para mantener la forma. Y supongamos, por fin, que de repente volvemos a una rutina diferente, en la que los sitios cerrados, el sedentarismo y el trabajo ganan terreno. Toca aclimatarnos a la nueva situación: nosotros, nuestra piel y cabello y, quizás, algunas zonas

especialmente castigadas por quemaduras, rozaduras o cualquier otra afección. La cosmética tiene la solución.

Aunque con muy diferentes formulaciones y misiones, los productos aquí reseñados tienen, en general, varias características en común. Por un lado, la progresiva y mayoritaria incorporación a su lista de ingredientes de productos naturales, esencialmente botánicos, con efectos hidratantes y suavizantes o que aportan vitaminas a nuestro organismo para compensar los efectos negativos de la exposición al sol y al aire o, por qué no, el cansancio por una actividad, aunque placentera, a veces exigente. Por otro lado, son productos cada vez más específicos.

Las cremas o sustancias supuestamente omnipotentes, de las que echábamos mano en cualquier situación, han dado paso a productos científicamente testados con una misión concreta: desde hidratar el rostro hasta servir de escudo ante posibles rozaduras o reaportar al organismo la energía consumida hasta evitar el encrespamiento del cabello o combatir los salones agrietados. En forma de cremas, serums, comprimidos, champús, aceites o aguas limpiadoras, estas son las propuestas para una renovación total.

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ROSTRO Hidratantes para devolver la elasticidad y luminosidad a la piel de la cara y al contorno de los ojos y corregir el exceso de arrugas.

1. Nectar in Drops BIOLINE JATÒ. Concentrado intensivo revitalizante que aporta elasticidad a la piel (45 €). 2. Les Grains de Vanille Sublimage de CHANEL. Exfoliante suave para el rostro con un concentrado de semillas de vainilla que deja la piel purificada (125 €). 3. Timexpert Rides Eyes Germaine de CAPUCCINI. Gel crema de día para el contorno de los ojos (52 €). 4. Super AquaEmulsion de GUERLAIN. Hidratación ligera e inmediata sin dejar brillos en la piel. Fortifica la barrera cutánea (115 €). 5. Cleanance Soin Matifiant de AVÈNE. Cuidado matificante y sebo reductor e

hidratante de larga duración. Para pieles grasas (14,95 €). 6. Vital Prevention Veggie Confort Cream de MASSADA. Crema facial hidratante con extractos de verduras (45 €). 7. Eau Micellaire Préparatrice LPG. Agua micelar limpiadora que elimina residuos de cremas, contaminación y suciedad en general (33,27 €).

8. Targeted Pencil Concealer SHISEIDO MEN. Lápiz corrector de imperfecciones (19,95 €). 9. Hydro Boost Supercharged Serum de NEUTROGENA. Hidratación al instante con ácido hialurónico.

Elimina el cansancio (16 €).

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DOBLE SERUM EYE Exclusivo para el contorno de ojos.

Extracto de cicutaria y de cúrcuma, con el refuerzo de otros 11 poderosos derivados de plantas, en este nuevo tratamiento antiedad intensivo para el contorno de los ojos. Dos texturas separadas en un mismo frasco (c.p.v.).

DOBLE SERUM Auténtico poder rejuvenecedor.

Tratamiento antiedad, elaborado con 21 extractos de plantas, que estimula las 5 funciones vitales de la piel –hidratación, nutrición, oxigenación, regeneración y protección– gracias a su doble textura hidrolipídica y biomimética (146 €).

Abajo: Su nuevo dosificador, con dos opciones, permite personalizar la dosis según las necesidades de la piel.

EL SECRETO DE LA JUVENTUD Laboratorios Clarins descifra el lenguaje de la piel pare crear Doble Serum y Doble Serum Eye, productos revolucionarios, a base de activos vegetales, que actúan sobre las células para ayudarlas a mantener su función rejuvenecedora.

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NO RESULTA FÁCIL EXPLICAR en unas líneas el esfuerzo investigador y tecnológico que encierra el Double Serum de Clarins. Aclaremos, primero, que estamos ante el producto rejuvenecedor más avanzado creado hasta la fecha, una proeza lograda en 1985 que desde 2017 camina por su octava generación y ha servido para inspirar otras creaciones, como Double Serum Eye, para el contorno de ojos. La base científica es fácil de entender. Para preservar la juventud y la belleza de la piel, las células desempeñan cinco funciones vitales: regeneración, oxigenación, nutrición, hidratación y protección. Y, además, se comunican entre sí para coordinarse.

Sobre esa base, Laboratorios Clarins emprendió una ardua investigación hasta seleccionar una veintena de activos vegetales que inciden sobre esas funciones vitales y facilitan la comunicación entre las células.

Pero, dado que la coexistencia de los activos creados podría causar problemas, Clarins dispuso, primero, de dos frascos en una única presentación, para que los productos solo se mezclaran al aplicarlos. Y ahora ha creado una joya tecnológica con un sistema doble de válvulas. El resultado es un sérum con una eficacia antiedad clínicamente probada, con acción antiarrugas, que aumenta la elasticidad de la piel, la hidrata, y minimiza los poros. clarins.es J. P.

COSMÉTICA

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CABELLO Y CUERPO Desde la cabeza a los pies, tratamientos para devolver la vitalidad al cabello, hidratar y combatir el desgaste de la piel.

1. Hair Regenerator Serum REDENHAIR. Con tripéptido de cobre, ingrediente que aporta densidad y vitalidad al cabello (37,20 €). 2. Tonique Vivifiant LEONOR GREYL pour homme. Sin aclarado. Actúa sobre el cuero cabelludo favoreciendo el vigor y la vitalidad del cabello (41,50 €). 3. Heliocare 360º Sport de CANTABRIA LABS. Espray de protección solar ideal para deportes al aire libre (22,15 €). 4. Sporture Gel SIWON MEN CARE. Gel hidratante que ayuda a proteger y restaurar las zonas de alta fricción. Escudo para las rozaduras de absorción inmediata (16 €). 5.

Chafing Protective Cream MI REBOTICA HOMBRE. Crema que evita las rozaduras. Con óxido de zinc que combate el desgaste cutáneo (9,95 €). 6. Dermaseptic Hand Cream de BABE. Crema de manos sin alcohol (4,95 €). 7. The Ritual of Jing Foot Balm de RITUALS. Hidrata la piel más seca gracias a sus ingredientes botánicos como la manteca de karité. Con aroma de lavanda y madera (10,90 €). 8. Shampoo LIVING PROOF. Champú que evita el encrespamiento capilar (27,50 €). 9. Bálsamo para pies Repeat de LUSH. Para uñas, talones y zonas secas (11,50 €).

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TRATAMIENTOS ESPECIALES Desde masajes deportivos que aumentan la elasticidad de los músculos hasta tratamientos intensivos antioxidantes.

1. Expert Colágeno de FORTÉ PHARMA. Sticks que ayudan a corregir las arrugas y reafirmar la piel. Con vitaminas A, C, E y selenio (23 €). 2. Revitaliza ALBALAB BIO. Sérum con vitamina C, silicio orgánico, aloe vera, ginkgo, té verde y lavanda (22 €).

3. Hyaluronic Serum DR. STURM. Sérum de ácido hialurónico para revitalizar las pieles más apagadas (260 €). 4. KYROCREAM. Crema para masaje deportivo con árnica, hipericum y caléndula. Evita lesiones al aumentar la elasticidad de músculos y articulaciones (9,78 €). 5. Upgrade Chrono Lift de SENSILIS.

Tratamiento en ampollas que protege el ADN celular y ejerce una acción hidratante y antioxidante (28,20 €). 6. Acerola 1000 ARKOVITAL. Comprimidos masticables de vitamina C a base de bayas de acerola (6,90 €). 7. Booster Energy de CLARINS. Cura para pieles cansadas, con falta de sueño, jet lag y agotamiento (26 €). 8. Revitalizing Eye Cream Cucumber Kale Aloe de SALAD CODE. Suaviza líneas de expresión e ilumina el contorno de ojos (28 €). 9. Black Diamond Skin Complex Advanced de MARTI DERM. Nutre y recupera la vitalidad de la piel (55 €).

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GASTRONOMÍA

UNA NUEVA CONSTELACIÓN CON LA RENOVADA ALIANZA ENTRE CHEFS ESTELARES Y HOTELES DE LUJO, MADRID ASPIRA A CONVERTIRSE EN UN REFERENTE GASTRONÓMICO INTERNACIONAL. TEXTO FEDERICO OLDENBURG

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En la página anterior, cubertería y vajilla en uno de los cinco espacios gastronómicos, en manos de Quique Dacosta, del renovado hotel Mandarin Oriental Ritz.

Bajo estas líneas, Frescor andalusí, uno de los postres en la carta de Dani Brasserie, de Dani García, en Hotel Four Seasons.

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GASTRONOMÍA

Arriba, Fernando Pérez Arellano, chef asesor de Casa Lobo en el Gran Hotel Inglés.

En la otra página, Jesús Sánchez, chef del nuevo Amos, restaurante que inaugurará el hotel Rosewood Villa Magna.

NO HA PASADO MUCHO TIEMPO desde que en Madrid los grandes hoteles estaban vedados para una comida interesante. Si acaso se podía acudir a sus salones para tomar un lujurioso brunch, pero a las horas del condumio puro y duro cualquier otra alternativa resultaba mejor que el restaurante de hotel y su cocina internacional, que era lo mismo que la nadería absoluta.

Aquello fue cambiando cuando los buenos hoteles abrieron sus comedores a cocineros sensibles, que poco a poco se hicieron con espacios más o menos independientes –algunos más efímeros que otros–; y así es como desde finales del siglo XX vimos a Sergi Arola triunfar con La Broche en el hotel Miguel Ángel, a Santi Santamaría dar inicio a la larga trayectoria de Santceloni en los bajos del Hesperia Castellana y a más de uno transitar por los fogones del Villa Magna. No son pocos los que fracasaron, pero otros se hicieron fuertes en los establecimientos hoteleros

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más reputados de la capital: Ricardo Sanz, mentor del sushi castizo, dio en 2007 el salto desde el pequeño local fundacional de Kabuki al gran comedor adyacente al hotel Wellington. El espaldarazo de Michelin le animaría a replicar la propuesta en hoteles de lujo en Tenerife (Abama) y Marbella (Finca Cortesín), amén de otras plazas. Hoy, el Grupo Kabuki ostenta 4 macarons en la guía del orondo Bibendum.

Otro que encontró en un hotel su ámbito perfecto de funcionamiento –además del respaldo de Michelin, con dos estrellas– es Ramón Freixa, asentado en Hotel Único desde su llegada a Madrid, en 2009.

Recientemente, el chef catalán también ha presentado una propuesta de cocina más informal, en Ático, en el roof top del hotel The Principal de la Gran Vía.

Antes de la maldita pandemia, la hotelería de la capital dio la bienvenida a Martín Berasategui, el cocinero más ‘estrellado por Michelin, que pudo por fin poner un pica

en Madrid inaugurando en mayo de 2019 Etxeko en el Bless Collection de la calle Velázquez –el antiguo Hotel Velázquez–, que tiene previsto reabrir en noviembre tras el obligado paréntesis por la COVID-19.

Sin olvidar que DiverXo, el gran templo de la cocina creativa de la ciudad, también ha encontrado en el hotel NH Collection Eurobuilding las instalaciones idóneas para rubricar su tercera estrella, es evidente que la comunión que ha fructificado entre las cadenas hoteleras de lujo y los chefs de renombre ha dado lugar a las aperturas más sonadas de la última temporada. Ni siquiera la catastrófica pandemia ha intimidado a los grupos hoteleros, que han aterrizado en Madrid con la mayor ambición, buscando el apoyo de cocineros españoles de prestigio para dar más brillo a sus respectivas propuestas gastronómicas.

Las grandes novedades

Four Seasons, abierto hace un año tras remodelar siete edificios históricos en la Plaza de Canalejas, ha sido el primero en mostrar sus cartas, coronando sus 200 habitaciones con Dani Brasserie, instalada en el ático del edificio, dirigida por Dani García. Para este excepcional espacio, el chef diseñó una propuesta de espíritu mediterráneo, en la que conviven las tentaciones de la barra naked con cortes de atún de almadraba y caprichos como la tortilla de erizo de mar con cebollino. El malagueño también se ha hecho con las estancias que ocupaba el añorado Santceloni en el Hyatt Regency Hesperia Madrid, para desarrollar dos propuestas diferenciadas: Leña, moderno steakhouse que ya ha funcionado con éxito en Marbella, y Smoked Room, una barra de alta cocina a la brasa limitada a 14 comensales por servicio.

La gran apertura del año, sin embargo, tiene como protagonistas a la cadena Mandarin Oriental y al chef Quique Dacosta, que han puesto en la cumbre del escenario gourmet castizo al mítico hotel Ritz, luego de una restauración valorada en 99 millones de euros. El chef triestrellado de Denia concibió para el hotel del grupo saudí Olayan cinco espacios gastronómicos. El más espectacular es Deessa, que presenta dos menús

de degustación de altísimo nivel, uno conformado por platos clásicos de su recetario y otro con composiciones nuevas, siempre con la impronta estética, conceptual y exigente en términos de sabor e identidad que posee la cocina de Dacosta.

Pero no son estos los únicos hoteles que están haciendo de la gastronomía de autor uno de sus reclamos. También el Gran Hotel Inglés ha apostado por un chef ‘estrellado’, el madrileño Fernando Pérez Arellano –desde hace años con Zaranda en Mallorca– para dar lustre a la propuesta informal de su restaurante, Casa Lobo. Y el emblemático Villa Magna, que reabre en octubre tras el cierre por la pandemia y una profunda reforma, apuesta por Jesús Sánchez, con tres estrellas en El Cenador de Amos (Cantabria). Bajo la gestión de la cadena Rosewood, el hotel estrenará el primer concepto de Sánchez fuera de su comunidad bajo el nombre de Amos. Otro lujo para la nueva constelación gastronómica de Madrid.

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En la página anterior: The Macallan encomendó al fotógrafo Steve McCurry la misión de plasmar con su cámara la importancia que la madera tiene en el proceso de producción de su whisky.

Las imágenes de la izquierda forman parte de la colección de 42 fotografías en que se tradujo esta exclusiva colaboración.

A la derecha: Las tres referencias de la gama Double Cask, de 12, 15 y 18 años.

EL LUJO POR EXCELENCIA Artesanía, saber hacer y un cuidado proceso de elaboración con la madera como protagonista son los pilares sobre los que se asienta el whisky The Macallan. Double Cask 18 Y.O. encarna el concepto de excelencia.

TEXTO JUAN PARRA

NO SIEMPRE HAY GRANDES TECNOLOGÍAS o sofisticados inventos detrás de un producto de lujo. Más bien son la artesanía, el saber hacer y la creatividad los secretos que sirven para elaborar, por ejemplo, un menú con estrella Michelin o un whisky como The Macallan, fiel representante del lujo por antonomasia –y artífice, precisamente, de un acuerdo de colaboración con los hermanos Roca, cuya cocina ha sido reconocida como la mejor del mundo en varias ocasiones–. La búsqueda de la excelencia como filosofía común; la maestría como herramienta para conseguirla.

En ese anhelo de perfección, es la madera la que juega un papel fundamental en el caso de The Macallan, protagonizando un increíble viaje de miles de kilómetros hasta el objetivo final. Robles de España y Europa por un lado, y de los exuberantes bosques estadounidenses de Ohio, Missouri y Kentucky por otro, viajan

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hasta Jerez, donde son trabajados de manera artesanal para fabricar las famosas barricas de la casa. Allí permanecen conteniendo jerez para, una vez sazonadas, ser trasladadas a la finca The Macallan, en Speyside (Escocia), donde serán llenadas con whisky hasta su maduración, vigilada por el equipo de Masters of whisky de The Macallan. Son ellos quienes, con su habilidad y experiencia, buscan el equilibro perfecto de las barricas de jerez de roble americano y europeo para crear una gama de gran éxito, fiel representante de la filosofía de la casa: Double Cask. La colección es ahora una trilogía: a la añada de 12 años, se han unido otra de 15 y la referencia top de The Macallan Double Cask, de 18 años. Con un tono ámbar miel, con notas de frutas secas, jengibre y toffe y un final cálido y especiado que se equilibra con sabores cítricos de naranja dulce, representa, efectivamente, la excelencia.

BODEGA

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En la página anterior, bogavante con salsa de granadino y pomelo, un exquisito maridaje con la versión rosé.

Moët & Chandon Grand Vintage 2013, con 41% de chardonnay, 38% de pinot noir y 21% de meunier.

Envejecido 7 años en bodega y al menos 6 meses tras el degüelle.

Moët & Chandon Grand Vintage 2013 Rosé.

Contiene un 35% de chardonnay –una proporción bastante alta para un rosado–, un 21% de meunier y un 14% de pinot noir. Envejecido 7 años en bodega y al menos 6 meses tras el degüelle.

AQUELLOS MARAVILLOSOS AÑOS Las emblemáticas y casi tricentenarias bodegas de Moet&Chandon amplían la exclusiva Grand Vintage Collection de champagnes de la Maison con Grand Vintage 2013 y Grand Vintage Rosé 2013.

TEXTO JUAN PARRA

LOS NUEVOS GRAND VINTAGE 2013 DE MOËT & CHANDON pasan a formar parte de la exclusiva Grand Vintage Collection de la Maison francesa, que se encuentra custodiada en las bodegas Grand Vintage Reserve de la localidad de Épernay. La colección engloba los mejores champagnes vintage que la marca aglutina desde 1842 y que incluye un total de 75 añadas.

Cada Grand Vintage es único, con cualidades y características especiales que se fundamentan en las uvas más extraordinarias de la cosecha de ese año.

El cuidado proceso de elaboración se complementa con la experiencia y buen hacer de Moet&Chandon que, junto al dominio de las técnicas de vinificación y la intuición del chief de cave, Benoît Gouez, consiguen crear un champagne de grandes y especiales sensaciones para el paladar más sibarita y conservar la excelencia que caracteriza a la marca.

Elaborados a partir de una selección de vinos con diferentes variedades de uvas cuyas cualidades satisfacían los requisitos para convertirse en un Grand Vintage y permanecer más de cinco años de envejecimiento en cavas, las dos

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versiones de la añada de 2013 que ahora se lanzan constituyen una experiencia única en el mundo del champagne.

Gran Vintage 2013 está elaborado con proporciones similares de uva chardonnay y pinot noir realzadas con un porcentaje menor de meunier.

Enérgico y divertido, la madurez del vino se manifiesta con notas otoñales a castañas asadas, trigo sarraceno tostado, suculentos frutos secos, miel y nougat.

También muestra aromas de frutos concentrados, con reminiscencias de limones conservados en salazón o de nectarina. El buqué se complementa con aromas a yodo, flores secas y savia de pino. El champán termina con una agradable nota amarga a pomelo.

Por su parte, la versión Rosé es el 44º rosado vintage de la historia de la Maison. Con toques naranjas en el color, las notas iniciales del buqué son dulces, con matices de frutos rojos y naranjas sanguinas. Aromas a especias, chocolate puro, canela y cuero completan el buqué.

La definida estructura de la pinot noir se acompaña con un toque a melocotones y cerezas y un prolongado acabado de pomelo rosa y cáscara de lima.

ARTESANOS MOTOR

EL FUEGO ETERNO XXXXMOTO CASERÍO DE AXPE, EL MAGO BITTOR ARGINZONIZ PERSISTE EN DAR LA RAZÓN A QUIENES RINDEN PLEITESÍA A ETXEBARR TEXTO MIGUEL BERTOJO FOTOGRAFÍA BEATRÍZ MERCADER

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A la izquierda, Oliver Heilmer junto a una de las creaciones de la nueva generación Mini que ya muestra ese sentido del ‘menos es más’ que preside el presente y también el futuro de la marca.

EVOLUCIONAR MIRANDO AL FUTURO La última generación Mini ya aventura por donde irá el discurrir de la marca, y también atesora esos valores que le distinguen. Al frente del diseño y de un equipo de primer orden se halla Oliver Heilmer.

TEXTO RICARDO BALBONTÍN

MINI MIRA HACIA EL FUTURO y lo hace apoyado en el equipo de diseño que comanda Oliver Heilmer, un talento que entiende la creatividad desde el intercambio de ideas y la diferenciación: “Eso es lo que intentamos. Todos mis diseñadores dicen que ‘les gustaría tener un coche que destaque entre la multitud a 1 km’; ese es el objetivo”. ¿Qué representa para usted Mini?

Cuando comencé en el año 2000 y tuve mi primer proyecto Mini, lo identificaba con un estilo de vida, una visión que mantuve durante varios años; una época en la que, por otra parte, aumentó mucho la calidad de nuestros coches. Se hicieron más maduros, más sólidos... Cuando en septiembre de 2017 pasé a ocuparme por completo de la marca, fue, honestamente, cuando empecé a sumergirme en ella. Hoy ya no es una marca de estilo de vida, es de estilo mental: hay mucho más que la simple venta de un coche para el futuro, hay una conciencia detrás y también unos principios. Hemos creado cuatro

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valores que no son solo actuales, sino que mañana también funcionarán. Y esos valores son la osadía, la responsabilidad, la curiosidad y el impulso del corazón. Y esto es Mini para mí hoy.

Un planteamiento que mira al futuro…

Nuestra nueva generación de coches muestra que somos capaces de cambiar bastantes cosas. Tendremos, obviamente que esperar todavía un par de años más, pero con el equipo estamos intentando colocar exactamente esa creación de mentalidad para el futuro en la familia Mini. Y como no estamos hablando de arte, sino de diseño industrial, hay un montón de influencias que tenemos que observar y que hacen que el trabajo sea un reto, a veces difícil, pero por otro lado, interesante. Hay un permanente cambio desde el punto de vista de la tecnología, y esto es Mini para mí también… y no lo es menos su patrimonio. Aunque desde mi punto de vista, la historia de Mini es el cambio, y este paso es el que yo esperaría de una marca como Mini también en el futuro.

MOTOR

Junto a estas líneas, en esta nueva generación Mini el producto final sigue siendo totalmente reconocible y, al mismo tiempo, introduce un buen número de detalles novedosos.

¿Cuáles son los hitos del diseño de esta nueva generación de Mini?

Hay que asociarlos a los valores de los que hablaba antes. Hay una parte de responsabilidad que en Mini definimos como ‘menos es más’; la curiosidad se define en que de nuevo la reducción es un tema central; cuando decimos que habrá menos instrumentos, menos botones, menos artilugios, es porque queremos divertirnos, queremos interactuar de forma natural con el futuro, así que necesitamos encontrar la tecnología que sea capaz de traducirlo. El latido del corazón es obvio, porque se refiere al patrimonio de Mini. Así que siempre estamos conectados a lo que significa y representa este principio. Y la osadía es el valor más desafiante, porque implica que haces las cosas de una manera totalmente diferente a los demás. No puedo hablar del futuro ni del producto, pero ya hay muchas pistas: si nos fijamos en los materiales y en la forma en que hemos sido capaces de reducir el número de piezas, tanto del exterior como del interior, tenemos un indicio de hacia dónde nos dirigimos.

Hoy en día la visión del coche es muy diferente a lo que conocíamos, pero todavía habrá más cambios, especialmente alrededor del coche urbano. ¿Mini podría ser la marca que lidere este territorio?

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Sí, hay una gran posibilidad. Vemos que muchas otras marcas, paso a paso, están envejeciendo su segmento pequeño. Así que hay una gran oportunidad para ello, sí. Y así hay que entender el trabajo realizado en esta nueva generación Mini, y la apuesta eléctrica.

Así que cambiamos nuestro paquete de nuevo. No es un tema fácil, hay que intentar coches más pequeños aún que la generación actual pero teniendo mucho más espacio en el interior. Y suena contradictorio, pero ya hemos visto que es posible. ¿Qué es lo que mejor le define y le diferencia de otros diseñadores del automóvil?

La comunidad de diseñadores es bastante pequeña. Normalmente, se conoce a todo el mundo; por ejemplo, al jefe de diseño de Lamborghini desde que estuve en la escuela con él, así que conoces a todos ellos desde hace más de 20 años... Y cada uno tiene su carácter y su forma de destacar. En mi caso, represento a la marca desde un punto de vista de la personalidad, pero no de la mía, sino la de un equipo. No soy de los que suben al escenario y dicen “hey, mira mi nuevo bebé”, porque creo que no es una postura inteligente. Puedes sentirte famoso si quieres, pero a quién le importa. Es más importante crear una atmósfera en la que la creatividad salga del equipo... y además es más divertido.

VIAJE AL FUTURO El exclusivo whisky The Macallan y la firma de automóviles de lujo Bentley firman un acuerdo de colaboración con la sostenibilidad como objetivo común y con proyectos y eventos conjuntos enfocados al cliente.

DEDICACIÓN A LA MAESTRÍA, LA ARTESANÍA, la creatividad y la innovación. Y, además, una firme apuesta por la sostenibilidad. Son algunos de los valores que tienen en común el exclusivo single malt escocés The Macallan y el fabricante británico de automóviles de lujo Bentley Motors y que les han llevado a firmar un acuerdo de colaboración inédito con clara vocación de futuro.

La sostenibilidad es, efectivamente, el eje vertebrador de esta alianza. En el caso de The Macallan, su firme apuesta por esta concepto se ve reforzada por su conexión con la naturaleza, íntimamente conectada con su emblemática destilería sobre el río Spey, en el noreste de Escocia, fundada hace casi 200 años. Entre sus objetivos principales se encuentra lograr

la neutralidad de carbono en la finca The Macallan para 2030, apoyar el abastecimiento responsable y promover una comunidad global de artesanos. Bentley Motors, por su parte, creada en Londres en 1919, ha puesto en marcha la estrategia Beyond100, para convertirse en una marca de lujo sostenible.

La asociación entre The Macallan y Bentley se centrará inicialmente en áreas como el viaje hacia la neutralidad del carbono, la investigación sobre materiales sostenibles y la búsqueda de proveedores locales. Pero, además, en los próximos años se llevará a cabo una amplia gama de proyectos desarrollados conjuntamente que incluirá experiencias con los clientes y diversos eventos de colaboración. J. P.

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Tras el anuncio de la colaboración, The Macallan recibirá este año de Bentley dos modelos híbridos para incorporar a su flota. En la imagen de la esquina superior derecha, uno de ellos, frente a la destilería.

MOTOR

LA POTENCIA DEL TRIDENTE Maserati retorna con fuerza al mercado de los superdeportivos con un coche que sintetiza lo mejor del diseño y de la tecnología italianos. Abróchense los cinturones porque el MC20 promete emociones fuertes.

TEXTO GIUSEPPE GROSSO

MASERATI VUELVE Y LO HACE POR LA PUERTA GRANDE, CON un súper coche que luce magistralmente y por igual elegancia, deportividad, prestaciones y diseño. Una auténtica joya del made in Italy (el MC20 se construye integralmente en la renovada fábrica de Módena de la firma), destinada a encender el entusiasmo de todos los apasionados de la casa del icónico tridente. Las líneas limpias, casi esenciales, y al mismo tiempo muy personales, son la cara visible de este supercar que, bajo una elegancia estética y junto a unas prestaciones casi prodigiosas, entraña soluciones técnicas y mecánicas totalmente vanguardistas: en primer lugar, el estudio de la aerodinámica, minuciosamente llevado a cabo en el túnel de viento, que va de la mano con la obstinada búsqueda de la reducción de los pesos gracias al empleo de la fibra de carbono incluso para el chasis.

El motor, ultracompacto, pesa solo 220 k y destaca por la tecnología Twin Combustion (dasarrollada para la Fórmula 1), con dos inyectores por cilindro y combustión inicial en una precámara específicamente diseñada para quemar más rápidamente el carburante y obtener mayor potencia.

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FICHA TÉCNICA Maserati MC20 Motorización: nuevo motor Nettuno, V6 biturbo de 630 CV de potencia y 730 Nm de par (pronto disponible en versión eléctrica) + Aceleración de 0 a 100 km/h: menos de 2.9 segundos + Velocidad máxima: 320 km/h + Relación peso/ potencia: 2,33 kg / CV, gracias al uso de materiales ultraligeros como la fibra de carbono. Precio: desde 243.000 €.

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MOTOR

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SOLO PARA ELEGIDOS CUPRA lanza, en edición limitada a 7.000 unidades, el VZ5, la versión más radical de su modelo bandera, el Formentor, con cinco cilindros y una potencia de 390 CV. Para entusiastas del motor.

TEXTO JUAN PARRA

Los detalles y acabados del CUPRA Fomentor VZ5 refuerzan los elementos diferenciadores y característicos de la marca, y también el carácter deportivo y rompedor del que es el modelo más potente de la casa.

DEL CUPRA MÁS POTENTE Y DEPORTIVO solo se van a fabricar, de momento, 7.000 unidades para todo el mundo. Es el precio de la exclusividad. Se llama Formentor VZ5 y su presentación y lanzamiento al mercado se ha hecho coincidir con el tercer aniversario de CUPRA. El Formentor –que debe su nombre al cabo de Mallorca, situado en una de las zonas más bellas y salvajes de las Baleares– es el primer vehículo diseñado y desarrollado en exclusiva por CUPRA y, con sus dotes de innovación y su dinámica ágil e intuitiva, refleja a la percepción el ADN de la marca. El VZ5 –las iniciales hacen referencia al término

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Veloz– llega todavía más lejos al ofrecer una experiencia de conducción más sofisticada y exclusiva gracias, en parte, a un comportamiento dinámico mejorado y a su potente motor, una de las señas de identidad de este nuevo y revolucionario modelo. Se trata de un TSI de gasolina, de cinco cilindros y 2,5 litros, inyección directa y turbocompresor, que alcanza una potencia máxima de 390 CV, acelera de 0 a 100 km/h en 4,2 segundos y llega hasta los 250 km/h de velocidad máxima.

“Es la máxima expresión de los vehículos deportivos con motor de combustión y se sitúa en el punto de mira de los auténticos entusiastas de los automóviles”, comenta Wayne Griff iths, presidente de CUPRA y SEAT. “El Formentor proporciona un lienzo en blanco para desarrollar una gama de vehículos que maximizan la diversión y las altas prestaciones en la conducción. Entre ellos, el VZ5 es la variante más potente y sofisticada jamás creada hasta la fecha y, con sus exclusivos atributos y prestaciones, se convertirá en un sueño para muchos”, asegura Werner Tietz, vicepresidente ejecutivo de Investigación y Desarrollo de CUPRA y SEAT”.

MOTOR

El diseño es marca de la casa. Con un espíritu claramente deportivo, la altura rebajada de su carrocería, el capó de gran longitud y la llamativa zaga subrayan las proporciones dinámicas del coche, mientras que los detalles con terminación en fibra de carbono reflejan su marcado carácter tecnológico. Bajo los faros de estilo CUPRA, dos tomas de aire acentúan la agresiva mirada el coche, mientras que sus voluminosos pasos de rueda y la cuádruple salida de escape en color cobre y de disposición vertical refuerzan su personalidad. El nuevo color Gris Taiga, exclusivo de esta edición limitada, es otro signo de distinción, aunque también se puede optar por el Negro Midnight o los dos acabados mate Magnetic Tech y Azul Petrol.

El habitáculo aporta modernidad y deportividad, con ese toque diferenciador que solo CUPRA sabe imprimir. Destacan el volante característico de la casa, el sistema de info-entretenimiento con pantalla de 30,5 cm y las soluciones de conectividad, que permiten a los usuarios llevar sus entornos digitales a bordo y manejarlos sin apartar la vista de la carretera con el reconocimiento de voz. El toque final corre a cargo de los asientos CUPBucket de cuero, que se estrenan en el Formentor VZ5.

El conjunto de tecnologías aplicadas a la seguridad y el confort hacen del CUPRA Formentor VZ5 uno de los vehículos más completos de su segmento. Los elementos más destacados son el asistente de crucero adaptativo (ACC) y predictivo, el asistente de viaje, el asistente lateral y de salida, y el asistente de emergencia.

10 mm más bajo que el CUPRA Fomentor VZ de 310 CV y con 15 niveles de ajuste de amortiguación, el VZ5 ofrece diferentes modos de conducción fácilmente seleccionables, lo que permite cambiar el comportamiento del coche para adecuarlo a los distintos escenarios que se presenten en la carretera. El sistema de tracción total 4Drive y el equipo de frenos con pinzas Akebono inciden en la mejora de las sensaciones al volante que presiden la filosofía de este modelo.

FICHA TÉCNICA CUPRA Formentor VZ5 Motorización: Gasolina, 2.5 TSI + Potencia: 390 CV + Cilindrada: 2.480 cc + Aceleración de 0 a 100 km/h: 4,2 segundos + Velocidad máxima: 250 km/h, limitada electrónicamente + Fecha de lanzamiento: último trimestre de 2021 + Edición limitada: 7.000 unidades.

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ARTESANÍA Y TIEMPO La sexta edición de la Serie Sevilla llega de la mano de la marca de Habanos Ramón Allones y se presenta en delicadas jarras de loza elaboradas por La Cartuja de Sevilla.

SERIE SEVILLA ES EL NOMBRE DE UNA COLECCIÓN, exclusiva para el mercado español, de cigarros Habanos cuidadosamente añejados durante al menos cinco años y presentados en jarras de loza inglesa. Las jarras, elaboradas por La Cartuja de Sevilla –dedicada a la fabricación de vajillas y piezas decorativas de loza desde 1841–, son una réplica de las que creó esta misma firma a mediados del pasado siglo para las marcas Partagás y Ramón Allones y en la actualidad constituyen auténticas piezas de museo.

La primera edición de la Serie Sevilla, lanzada en el año 2016, tuvo como protagonista Montecristo No.3; seguida en 2017 de Hoyo de Monterrey Epicure Especial; H. Upmann Magnum 50 en 2018; Partagás Serie P No.2 en 2019 y Romeo y Julieta Short Churchills en 2020. Esta sexta edición, ya disponible en los estancos, consta de 2.000 piezas numeradas. Cada una de ellas contiene 19 Allones Specially Selected (los Robustos de la marca Ramón Allones con 124 mm de longitud y cepo 50) torcidos antes de 2016 y conservados hasta la actualidad en las mejores condiciones.

Con el añejamiento, las capas se oscurecen ligeramente y se vuelvan más suaves y sedosas, el sabor se asienta y el aroma, la fortaleza y el cuerpo se equilibran. El resultado es un habano de fortaleza elevada (en línea con la ligada de la marca), aroma muy intenso a madera, con toques de cuero y profundas notas de miel, canela y cítricos, y sabor cremoso, con leves matices especiados y dulzones. Su precio en estanco es de 16 € el habano y 304 € la jarra.. habanos.com J. P.

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RELOJES

SUEÑOS CUMPLIDOS HACE 25 AÑOS, CHOPARD LANZABA SU PRIMER CALIBRE L.U.C; YA APUNTABA UNA VISIÓN RELOJERA MARCADA POR LA PRECISIÓN Y LOS ACABADOS. TEXTO RICARDO BALBONTÍN

DETRÁS DE CADA GRAN idea siempre hay un impulsor. Chopard creó hace 25 años su primer movimiento manufactura, el L.U.C 1.96, y el mérito de aquella propuesta hay que atribuírselo por entero a KarlFriedrich Scheufele, hoy copresidente de la firma, quien convenció al resto de la familia del beneficio futuro que tenía el proyecto.

“L.U.C siempre ha sido una experiencia muy personal; algo que está muy cerca de mi corazón. Los relojes L.U.C no son el resultado de un grupo de personas de marketing que se reúnen y dicen ‘esto es lo que tenemos que hacer... y este es el precio que debe tener’.

Este no ha sido nunca nuestro enfoque, lo que tienen nuestros relojes manufactura es un enfoque humano real y genuino”. ¿Con la creación de los movimientos L.U.C se hacía realidad el desarrollo de Chopard como manufactura?

En cierto modo ya éramos una manufactura si se piensa en algo más que los movimientos. Mi padre siempre decía que era importante crear y producir componentes, cajas de relojes y todo lo demás ‘en casa’. Y yo dije, “bueno, ¿por qué no producimos los movimientos in-house?”. Era un paso muy lógico, pero en aquel momento era fácil apoyarse en proveedores externos. Así que básicamente tuve que persuadir a los miembros de la familia de que debíamos hacer este movimiento para reunir algo de experiencia, e hicimos el primer movimiento.

Sobre estas líneas, Karl-Friedrich Scheufele, copresidente de Chopard e impulsor de la creación y desarrollo de los calibres manufactura L.U.C. En la página siguiente, exterior de la manufactura Chopard.

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RELOJES Una decisión que, con la perspectiva del tiempo, resultó fundamental. De lo contrario, nada hubiera sido igual.

Ciertamente no. Si no tuviéramos nuestros propios calibres, no creo que nuestra colección fuera hoy la misma. Seguro que no. Además, creo que ya no seríamos un actor relevante en el mercado de la relojería, así que fue una decisión importante, sí, y el momento fue el adecuado.

Con la experiencia de estos 25 años, ¿qué ha hecho a L.U.C diferente de otros conceptos de fabricación? ¿Cuáles son los puntos fuertes de la manufactura Chopard?

Una cosa fue crear el primer movimiento y otra, todo el camino recorrido hasta hoy.

Eso sí, en ambos casos hemos sido fieles a la filosofía que planteamos al principio: un movimiento L.U.C tiene que ser innovador, en términos de precisión y en otros factores, pero al mismo tiempo debe ser finalizado de una manera hermosa y tradicional. Los movimientos tienen que ser precisos, por lo tanto certificados como cronómetros, y cada uno de ellos sin excepción –salvo los que no tienen segundero, que no se pueden certificar–, y queríamos además que nuestros calibres estuvieran a la altura de los más altos estándares de acabado, y de ahí nuestra entrada en el Sello de Ginebra.

Hasta llegar incluso a crear su propio certificado, algo que garantiza que sus calibres no son solo buenos, sino excelentes.

Sí, la idea era realmente construir calibres excepcionales, con valor añadido, y también calibres estéticamente bellos. ¿Cuál es la creación mecánica de la que está más satisfecho en estos 25 años?

Creo que definitivamente es el primero, el 1.96, porque nos abrió muchas puertas.

Todavía es un movimiento relevante: era interesante entonces porque tenía un micro rotor y era delgado, por lo que añadía barriletes muy finos. Además, estaba certificado como cronómetro y nació para mover, entre otros, nuestro calendario perpetuo. Con el tiempo lo hemos mejorado y llevado a otro nivel –incluso cuenta con un tourbillon volante–, pero sí, el diseño de hace más de 25 años sigue siendo relevante y creo que eso es realmente algo muy importante.

Sobre estas líneas, el calibre L.U.C 1.96 marcó el punto de partida del crecimiento y de la personalidad que 25 años después muestra Chopard.

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TODO AL VERDE El espíritu Riviera de los 70 vuelve a Baume & Mercier con toda la fuerza y una visión mucho más contemporánea. Para todos los públicos –en 36 y 42 mm– y con su característico bisel de 12 facetas marcando el territorio.

Arriba, de izquierda a derecha, visión del frente y fondo del Riviera de Baume & Mercier en su versión de 42 mm y con el verde como gran protagonista.

NADIE TIENE YA DUDAS DE QUE EL VERDE ha sido uno de los best-sellers del año venciendo resistencias estéticas. No hay marca que no haya experimentado alrededor de un color que tambien juega con la entonación para mostrar distintas personalidades. Es lo que ocurre con el Riviera, una de las creaciones legendarias de Baume & Mercier –la primera pieza se remonta a 1973– y con el que la casa se reafirma en sus principios de diseño, forma y carácter relojero, pero afrontando una completa renovación. La quinta generación del Riviera no se limita a ser una reedición, y eso se comprueba en los modelos creados.

El primero de ellos, el destinado al hombre, muestra una estética verde profundo con motivo náutico, y en el interior luce un calibre de carga automática. La caja es de acero pulido

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y satinado, declinada en un diámetro de 42 mm, y hermética hasta 100 metros.

Por supuesto, su bisel, con 12 facetas, recuerda el carácter que atesora la colección Riviera desde su primera creación y enmarca una esfera con acabado satinado soleil.

Hay también una versión de corte unisex y 36 mm de diámetro. En este caso, la caja de acero es hermética hasta 50 metros e incluye una esfera verde claro lacada con un refinado acabado satinado soleil y finas ondas estilizadas.

Incorpora un movimiento de cuarzo Swiss Made de nueva generación con 10 años de autonomía. Un detalle más tiene que ver con el brazalete, perfectamente integrado en la caja y disponible con armis de acero o correa de caucho que, además, cuenta con el sistema de cambio rárápido Fast Strap.

RELOJES La combinación de oro rosa y color morada del Royal Oak Cronógrafo Automático de 38 mm no solo es llamativa, sino también novedosa. En su interior, el calibre 2385 de carga automática.

ESPLENDOR FEMENINO AUDEMARS PIGUET DEMUESTRA QUE LA RELOJERÍA ES UNA BRILLANTE CONJUNCIÓN DE RIGOR MECÁNICO Y ESTÉTICA... PLACER PARA LOS SENTIDOS. TEXTO ROCARDO BALBONTÍN

El efecto arcoiris del bisel es el mejor marco para contemplar el trabajo de esqueletado que se ha realizado en el Royal Oak Frosted Gold Doble Volante, declinado en tres nuevas referencias de 41 y 37 mm.

EL LADO FEMENINO DE LA CREATIVIDAD RELOJERA tiene cada vez más importancia y demanda. Las mujeres aprecian de tal forma el trabajo y el valor de la relojería que las marcas han apostado por crear líneas de trabajo exclusivas donde ellas son las protagonistas. Para muestra, estas cuatro piezas de Audemars Piguet que exploran distintos escenarios de ese universo femenino. Lo hacen con una estética a veces impactante, en otras modificando con elegancia valores clásicos... en definitiva, aportando una personalidad a un estilo y a una forma de entender la relojería.

Un buen ejemplo se halla en el Royal Oak Frosted Gold Doble Volante Esqueleto, de la

que se han declinado tres nuevas referencias –por primera vez en 41 mm y también en 37 mm–, todas ellas con un bisel arcoíris de gemas multicolores como elemento distintivo. Un espectáculo compuesto por 12 tipos de piedras (rubí, tsavorita, esmeralda, topacio, tanzanita, amatista y varios zafiros de colores), de talla baguette y un total de 1,91 quilates. A ello se le suma la técnica frosted gold, creada por primera vez en colaboración con Carolina Bucci en 2016 para celebrar el 40º aniversario del primer Royal Oak femenino. Una técnica consistente en abrir minúsculas hendiduras en el oro con una herramienta con punta de diamante; el resultado es un efecto brillante similar

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al de las piedras preciosas. A todo ello hay que sumar una extraordinario mecánica, la que ofrece el calibre 3132, un movimiento esqueleto con mecanismo de doble volante.

Esta innovación patentada, presentada por la manufactura en 2016, mejora la precisión y la estabilidad del reloj con sus dos volantes y dos espirales ensamblados en el mismo eje.

No menos llamativo es el nuevo Royal Oak Cronógrafo Automático de 38 mm. Por vez primera, Audemars Piguet tiene en su colección un reloj de oro rosa de 18 quilates macizo con bisel engastado con amatistas de talla baguette (32 en total). Esta nueva referencia, solo disponible en las boutiques AP, amplía la gama de esta línea iniciada por

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A la izquierda, el Royal Oak Automático inauguró el diámetro de 34 mm en 2020; ahora llega una versión con acabado frosted gold, una técnica empleada por primera vez en 2016.

la firma en 2019. La caja y el brazalete de oro rosa alternan las superficies pulidas y satinadas, uno de los detalles distintivos de Audemars Piguet. En el interior de este brillante, late el calibre 2385 de carga automática con funciones de cronógrafo, horas, minutos, segundero pequeño y fecha, el complemento perfecto de esta pieza que impresiona con el tono morado de su esfera... que por su puesto se declina con el motivo Grande Tapisserie.

El repertorio femenino de Audemars Piguet tiene en el Royal Oak Automático otro de sus best-sellers, declinado en diámetro de 34 mm; ahora, por primera vez presenta una creación realizada íntegramente en cerámica

negra, tan solo realzada con detalles de oro rosa, presentes tanto en los índices como en las agujas horarias de la esfera y en la clásica tornillería del bisel.

Lo que es evidente es que estamos ante una pieza de marcada elegancia y sobriedad, que alberga el movimiento automático, calibre 5800, concebido expresamente para esta línea y presentado el año pasado. Con 50 horas de autonomía de marcha, este reloj presenta además una hermeticidad hasta 50 metros. Y si miramos a su fondo transparente, hay que destacar el hipnótico atractivo de su masa oscilante de oro rosa.

Desde que Audemars Piguet lanzara su colección Royal Oak Automático en 34 mm,

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Sobre estas líneas, cierra el círculo de novedades esta versión donde por primera vez en este diámetro se emplea la cerámica negra.

en el año 2020, cada versión de esta emblemática línea ha destacado por su refinada puesta en escena. Buena muestra de ello puede considerarse esta nueva incorporación con el acabado frosted gold. Esta técnica, reproducida sobre una caja de oro blanco, se acompaña de una esfera Tapisserie en una también nueva entonación azul; una combinación única que rinde culto al saber hacer artesanal que siempre ha caracterizado a Audemars Piguet. Algo que también está presente en el calibre 5800, que conforme a la tradición se ha ensamblado y acabado alternando decoraciones como las Côtes de Genève, el graneado circular y el satinado con efecto ‘rayos de sol’.

Junto a estas líneas, el modelo actual del Fifty Fathoms No Radiations. A la derecha, el original, fechado en 1965.

Debajo, a la izquierda, el primer modelo de 1953. En la esquina, anverso y reverso del Fifty Fathoms Bund de 1970.

LEGADOS QUE PERVIVEN El Fifty Fathoms de Blancpain es una apuesta segura con llamativas creaciones que se han mantenido casi intactas en el tiempo.

LAS LEYENDAS SE CONSTRUYEN CON HECHOS, y Blancpain, con su Fifty Fathoms, ha conquistado océanos y también muchas muñecas generando su propia historia. Pero hay otro hecho llamativo en su creación estelar y es que, a pesar del paso del tiempo –la primera creación está fechada en el año 1953–, la estética se ha mantenido fiel a sus orígenes, y lo que es más trascendente, el espíritu de algunas piezas conserva toda su razón de ser en la oferta contemporánea.

Piezas emblemáticas y que hablan del carácter de los Fifty Fathoms, relojes que llamaron la atención tanto por su nombre, elegido por Jean-Jacques Fiechter –presidente de Blancpain entre 1950 y 1980– y homenaje al canto de Ariel en La Tempestad de Shakespeare, y por sus cualidades herméticas –cincuenta brazas, algo más de 91 metros– que era la distancia máxima a la que los buzos podían descender.

Bajo estas líneas: Jasper Morrison, en su estudio de Londres.

En la página siguiente Lámpara de pie Superloon (2015), con un panel de luz LED ajustable. un panel de luz LED ajustable. un panel de luz LED ajustable. un panel de luz LED ajustable.

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AGENDA NACIONAL

PROPUESTAS CULTURALES EN TODOS LOS RINCONES DEL PAÍS

Aeronáutica. Barcelona BARCELONA

AERONÁUTICA [VUELO] INTERIOR Hasta el 26 de septiembre MNAC.

Algunos de los mejores pintores, escultores y diseñadores españoles inundan con sus creaciones museos y galerías de todo el país.

TEXTO LUIS INI

ALMERÍA

AVILÉS

CASTILLO DE VÉLEZ, EXPOLIO Y RECUPERACIÓN

JOAN PONÇ. LA ESENCIA DE LO MÁGICO

Hasta el 3 de octubre.

Museo de Almería.

Hasta el 10 de enero.

Plaza del Centro Niemeyer.

El castillo de Vélez-Blanco, localidad situada en la provincia de Almería, es tomado como un ejemplo emblemático de la arquitectura del Renacimiento español. La exposición propone una aproximación a la comarca de Los Vélez y la familia de los Fajardo, impulsores del castillo, pero también al proceso que llevó primero a su abandono y luego a su afortunada recuperación. Así, se realiza un recorrido histórico que abarca su construcción y la puesta en valor de piezas relacionadas, más reproducciones audiovisuales y recursos gráficos de gran formato.

La obra del artista catalán Joan Ponç (1927-1984), aunque contemporáneo y de la misma importancia que sus coterráneos Joan Miró, Antoni Tàpies y Salvador Dalí, no ha tenido el mismo reconocimiento. Esta exposición, realizada con la colaboración de sus herederos y que permite la apreciación de obras nunca expuestas hasta ahora, propone un redescubrimiento de su universo, frecuente en simbologías y en una mirada que se vale de miradas propias del surrealismo. centroniemeyer.es

juntadeandalucia.es

Joan Ponç. Avilés

El artista catalán Francesc Torres (1948) presenta una instalación que tiene como telón de fondo la Guerra Civil: dos aviones a escala real, réplicas exactas de sendos modelos de aeroplanos que participaron en la contienda, y que el artista descubrió en su visita al Centro de Aviación Histórica de La Sènia, en Tarragona, construido por el Gobierno de la II República. La justificación de la pieza la da el propio Torres: “Un avión que no vuela no es un avión, es una obra de arte”.

museunacional.cat

exposición también destaca el mundo femenino en el que nacieron esos tocados, ya que los departamentos de París y Madrid de la firma fueron dirigidos por mujeres, y las sombrereras y las vendedoras también lo eran.

ajuntament.barcelona.cat

ROBERTO FERRI, ¿EL CARAVAGGIO MODERNO? Hasta el 3 de octubre. MEAM. El artista italiano Roberto Ferri (1978), por el carácter de su obra –que habitualmente abreva en etapas artísticas como el romanticismo, el academicismo y el simbolismo– es referido como el Caravaggio del siglo XXI, en referencia al maestro italiano que vivió entre 1571 y 1610, a quien ha sindicado como su mayor influencia. La obra de Ferri ha sido celebrada por el propio papa Francisco, de quien, de hecho, ha realizado un retrato. La exposición consta de 46 piezas, 30 pinturas y 16 dibujos, procedentes de la colección del MEAM. www.meam.es

Balenciaga. Barcelona

BALENCIAGA. LA ELEGANCIA DEL SOMBRERO Hasta el 3 de octubre.

Museo del Diseño.

Más de 80 piezas y una decena de conjuntos para la primera exposición internacional centrada en los sombreros de la casa de moda creada por el diseñador de moda vasco Cristóbal Balenciaga (18951972), desde finales de los años 30 hasta el cierre de las casas de Balenciaga en 1968. La

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Una historia.... Cuenca CUENCA

UNA HISTORIA DEL ARTE RECIENTE (1960-2020) Hasta el 16 de enero.

Museo de Arte Abstracto Español.

Basada en las colecciones de la Fundación Juan March y DKV Seguros, esta exhibición presenta obras de un verdadero dream team español de artistas

ESCENA DE REY... ANTES Texto Natalia Erice

de los últimos 60 años: de Tàpies a Saura, pasando por Chillida, Millares y Palazuelo, hasta Miró y Dalí, por citar solo algunos. La exposición se acompaña de una herramienta digital que ofrece una visita virtual por los distintos espacios utilizados, que permite, además, escuchar comentarios de algunos de los artistas elegidos.

march.es

1 BARCELONA

CLITEMNESTRA. LA CASA DELS NOMS

Martín Chirino. Las Palmas

Teatre Romea, del 22 al 26 de septiembre El director de cine Agustí Villaronga, ganador del Goya por Pa negre, despliega su poética en esta producción basada en el libro La casa dels noms, de Colm Tóibín, que humaniza el personaje de la literatura clásica griega. Se vale para ello de la magnética actriz Núria Prims, protagonista de su película Incierta gloria, para desvelar el dolor de la esposa de Agamemnon, una mujer que la tradición occidental nos ha pintado cruel y asesina. teatroromea.es

vez primera, el ciclo conocido como Reinas Negras, concebido en los inicios de la década de los 50 del siglo pasado por el artista canario Martín Chirino (1925-2019). Son esculturas y dibujos, procedentes de museos y colecciones particulares, que el artista definió como “el principio” de su trabajo escultórico. Como obras de contextualización, también se presentan creaciones de, entre otros, Paul Klee y Pablo Picasso, además de una selección de esculturas de arte africano.

2 BILBAO

EL VIAJE A NINGUNA PARTE Teatro Arriaga, del 2 al 12 de septiembre Fernando Fernán Gómez volcó el amor por su oficio en la novela que él mismo llevaría después al cine en una película premiada con varios Goya. Ahora es otro cómico, Ramón Barea, el que sube al escenario del Arriaga la vida itinerante de un clan de actores; no en vano el director bilbaíno lideró en su juventud el grupo Cómicos de la Legua y sabe lo que implica esta vocación.

Junto a Itziar Lazkano, Patxo Telleria o Mikel Losada, representa este emocionante viaje. teatroarriaga.eus

fundacionmartinchirino.org

HUELVA

CENTENARIO DEL MUSEO

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Hasta el 10 de octubre: Museo de Huelva.

100 Años de Bellas Artes en el Museo de Huelva, 1921-2021 es el título de esta exposición que conmemora el centenario de la inauguración del Museo de Bellas Artes onubense. En la programación –que incluye charlas, conferencias, visitas guiadas y arte en vivo– destaca la exhibición de obras de artistas de la tierra, considerados pilares de la tradición pictórica de Huelva a comienzos del siglo XX, como Pedro Gómez y Gómez, José Martín Estévez, Ramón Pontones Hidalgo y Rafael Cortés Moreno, entre otros. museosdeandalucia.es

MADRID

THE RITE OF SPRING MADRID

Hasta el 9 de enero.

Espacio Fundación Telefónica.

Hasta el 12 de septiembre.

Fundación Martín Chirino.

Exposición que reúne, por

espacio.fundaciontelefonica.com

MARTÍN CHIRINO: REINAS NEGRAS

Fruto de la primera colaboración entre Pina Bausch Foundation (Alemania), École des Sables (Senegal) y Sadler’s Wells (Reino Unido), nace este espectáculo interpretado por un conjunto de bailarines de países africanos. The Rite of Spring, la pieza creada por la emblemática coreógrafa alemana en 1975 con la música de Stravinsky, reúne a las coreógrafas Germaine Acogny y Malou Airaudo al frente de una obra inspirada en rituales que marcan el cambio del invierno a la primavera. Lo mejor de la danza africana contemporánea pasado por el filtro de Bausch. teatroscanal.com

COLOR. EL CONOCIMIENTO DE LO INVISIBLE El color, su percepción, además de ser un hecho físico relacionado con la refracción de la luz, demuestra su carácter cultural cuando se descubre que, por ejemplo, el blanco se utiliza entre los chinos como símbolo de luto. Abarcar estos campos e incluso extenderse a miradas con connotaciones económicas, sociales y, claro, artísticas, es lo que propone esta exposición. Destaca una instalación inmersiva que ofrece al visitante la posibilidad de experimentar sus propias emociones ante los colores.

LAS PALMAS

Teatros del Canal, del 23 al 26 de septiembre

4 MADRID

N.E.V.E.R.M.O.R.E. Teatro María Guerrero (CDN), del 17 de septiembre al 10 de octubre Treinta años de sólida trayectoria, reconocidos con el Premio Nacional de Teatro 2014, convierten a la compañía gallega Chévere en un faro imprescindible de la creación escénica. Su último y excelente trabajo presentado en Madrid, Curva España, dejó abierto el apetito para recibir su nueva propuesta: una visión crítica de la realidad que ha impuesto un incontrolable virus, que guarda paralelismos con la crisis del Prestige y revalida el grito de guerra ¡Nunca Mais! dramatico.mcu.es

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AGENDA INTERNACIONAL

LA CULTURA COMO EXCUSA PARA VIAJAR POR EL MUNDO

visual de los paisajes que narran sus grabados. artic.edu

Art nouveau en Aveiro, vidrio en Venecia, grabado japonés en Chicago o cerámica armenia en Jerusalén. Las mil caras del arte.

Snowcrash. Estocolmo ESTOCOLMO

SNOWCRASH Hasta el 13 de febrero.

Real Academia Sueca de Bellas Artes.

de Lorena, concretamente en Nancy, donde los artesanos de la época crearon piezas de vidrio únicas, con decoraciones inspiradas en la naturaleza.

Un recordatorio de lo que es posible si se mira al futuro con optimismo es el subtítulo de esta exposición centrada en un colectivo finlandés que, entre 1997 y 2003, creó un laboratorio de ideas que luego se transformó en una empresa de diseño sueca. Formado por jóvenes arquitectos y diseñadores, el grupo experimentó con tecnología de hardware y técnicas de software, materiales naturales y sintéticos, y creó objetos vinculando la tecnología a la forma y a la función. nationalmuseum.se

mca.cm-aveiro.pt CHICAGO

PAISAJES FANTÁSTICOS: HOKUSAI E HIROSHIGE Hasta el 11 de octubre. Instituto de Arte.

Katsushika Hokusai (17601849) y Utagawa Hiroshige (1797-1858) son posiblemente los dos grabadores japoneses

JERUSALÉN

100 AÑOS DE CERÁMICA ARMENIA DE JERUSALÉN Hasta el 3 de octubre. Museo de Israel.

Además de un importante

imj.org.il

Hasta el 3 de octubre.

Museo Arte Nova.

Hokusai e Hiroshige Chicago

Formas de ver. Frankfurt FRANKFURT

NUEVAS FORMAS DE VER

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Cerámica armenia. Jerusalén

Hasta el 24 de octubre. Museo Städel.

ARTESANOS DEL FUEGO

más famosos del siglo XIX. Del primero es célebre –y habitualmente referida– La gran ola de Kanagawa, que forma parte de la serie Treinta y seis vistas del monte Fuji; otro tanto sucede con Hiroshige y su serie Cien vistas de Edo. Ambos son festejados en esta muestra que hace hincapié en el tratamiento

staedelmuseum.de

Procedente del Museo Arqueológico Rockefeller, esta exhibición –titulada Un vistazo al paraíso–, hace foco en la cerámica armenia presente en construcciones de la llamada Ciudad Santa. Escuela de alfarería nacida un siglo atrás, la exhibición da cuenta de la historia de este arte, desde sus raíces en el revestimiento de la Cúpula de la Roca del siglo XVI y los azulejos del siglo XVIII en la catedral armenia de Santiago, hasta el surgimiento y florecimiento de la escuela durante el Mandato Británico o los ceramistas armenios de la actual capital israelí.

AVEIRO

Este museo de la pintoresca localidad conocida, por su gran canal y barcas, como –tal vez excesivamente– la Venecia portuguesa presenta piezas procedentes del español Museo de Art Nouveau y Art Déco de Salamanca, una de las colecciones más importantes de vidrio Art Nouveau producido a finales del siglo XIX y principios del XX en la región francesa

acervo de pinturas, dibujos y esculturas, este importante museo a orillas del río Meno atesora una colección de más de 5.000 imágenes. Una centena de ellas, con el foco en la producción artística realizada en Alemania en las décadas de 1920 y 1930, es el eje de esta exposición. La muestra busca reflejar ese periodo –a caballo entre las dos guerras mundiales–, extremadamente convulso y a la vez de gran creatividad, en el que la fotografía influyó en el mundo del arte y la vida cotidiana probablemente como en ningún otro momento antes y después.

JR. Londres

600 piezas– por los hermanos moscovitas Mikhail Abramovich Morozov (1870-1903) e Ivan Abramovich Morozov (1871-1921).

Son de la partida creaciones de Cézanne, Gauguin, Van Gogh, Renoir, Monet, Bonnard, Denis, Matisse, Derain y Picasso, y también artistas emblemáticos de la vanguardia rusa, como Vroubel, Malevich, Repin, Larionov y Sérov.

artistas contemporáneos. Las obras expresan perspectivas vanguardistas sobre cómo los humanos manipulan a otras especies animales o celebran y aprecian a los animales por ser criaturas en las que podemos reconocernos. kunsthal.nl

fondationlouisvuitton.fr

LONDRES

JR: CRÓNICAS Hasta el 3 de octubre. Galería Saatchi.

El artista francés JR (1983) inició su andadura como grafitero. Se dice que el hecho de encontrar una cámara en el metro de París en 2001 le llevó a documentar a sus amigos haciendo dibujos callejeros. Esta exposición presenta sus trabajos de los últimos 15 años, en los que se aprecian sus intervenciones arquitectónicas a gran escala en ciudades de todo el mundo y murales recientes con collages digitales que crean retratos colectivos de diversas comunidades.

saatchigallery.com

L’HEURE BLEUE Hasta el 26 de septiembre.

Museo Marmottan Monet.

La hora azul es la denominación con que se conoce un fenómeno meteorológico que precede al crepúsculo, tanto matutino como vespertino, que se despliega con una intensidad particular en las lejanas costas de los mares del norte europeo. Es también una metáfora espiritual, cercana a la melancolía, y a eso también refiere esta exhibición del artista Peder Severin Krøyer (1851-1909), con más de 60 obras. Muchas de ellas, algunas de tamaño monumental, algunas bocetos, se enmarcan en el paisaje costero marino, especialmente donde se unen las corrientes del Mar del Norte y el Báltico.

theveniceglassweek.com El sueño español. Shanghái SHANGHÁI

EL SUEÑO ESPAÑOL DE CHINA, 1845-1945 Septiembre-Octubre.

Biblioteca Miguel de Cervantes.

Exposición que reúne 37 fotografías de época y material gráfico para proponer un recorrido sobre el contexto de Leonardo las relaciones entre España y Da Vinci.

China durante los cien añosParís a los que alude el título. Se trata de un periodo en el que surgen nuevos imperios coloniales, como Gran Bretaña o Francia, que relegan a España a un lugar más secundario en Asia, y en el que la independencia de las colonias americanas y la posterior pérdida de las Filipinas presentaron también un desafío a la presencia española en suelo chino. cultura.cervantes.es

marmottan.fr

La sirena.

Mónaco

Somos animales. Róterdam Gauguin. París

RÓTERDAM

PARÍS

Hasta el 24 de octubre. Kunsthal.

LA COLECCIÓN MOROZOV

Esculturas de osos polares emplumados, una instalación con un lobo salvaje, pinturas monumentales de felinos, fotografías de zoológicos: la propuesta es mostrar la relación entre los seres humanos y los animales a través de recreaciones de 30

SOMOS ANIMALES

Desde el 22 de septiembre al 22 de febrero. Fundación Louis Vuitton.

La exposición presenta más de 200 obras del arte moderno francés y ruso procedentes de la colección sostenida –más de

ésta es la quinta edición –pese a la pandemia, también se celebró el año pasado–, este festival de carácter internacional es de algún modo una celebración del arte y la artesanía de la fabricación de vidrio, algo profundamente ligado a Venecia y más propiamente a la cercana isla de Murano, una historia que se cuenta por una decena de siglos. El programa incluye más de 200 actividades en más de un centenar de lugares diferentes: exposiciones, demostraciones, visitas guiadas y eventos online, entre otras, jalonan el variado programa de este festival.

VENECIA

SEMANA DEL VIDRIO Del 4 al 12 de septiembre. Varias sedes.

Vigente desde 2017, por lo que

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Venecia 1600. Venecia

VENECIA 1600 NACIMIENTOS Y RENACIMIENTOS Del 4 de septiembre al 25 de marzo.

Palazzo Ducale.

Tal vez en el futuro los libros de historia –si es que siguen existiendo– refieran este tiempo como aciago, pero también como una etapa de de regeneración y renovación.

De todo eso sabe la conocida –entre otros apelativos– como ciudad flotante, cuya trayectoria ha estado marcada por múltiples nacimientos y renacimientos, muestra de cómo la ciudad ha sabido hacer frente a los desafíos de los tiempos. Algo así es lo que viene a querer dejar patente esta exhibición, con obras de los más grandes artistas, arquitectos y hombres de letras que allí vivieron, con una selección de miniaturas, dibujos, tejidos, esculturas, cerámicas, maquetas arquitectónicas, vidrio y objetos cotidianos. palazzoducale.visitmuve.it

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NOTAS

ARTESANÍA Y LUJO BEBIDAS, OBJETOS Y EXPERIENCIAS BASADAS EN EL DISEÑO Y LA NATURALEZA.

1. EL GAITERO La emblemática firma de sidra está detrás de este lanzamiento: Spring Cider Manzana y Spring Cider Manzana + Uva, además de una versión sin alcohol. Se trata de una sidra fresca y ligera, que se presenta en lata o botella individual para el aperitivo o el tardeo y que, al poco de salir, ha sido reconocida en los Cider World Awards de Frankfurt. sidraelgaitero.com

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2. NOSSU

Diseños que nacen en Madrid y que cobran vida en Ubrique (Cádiz), donde expertos artesanos del cuero trabajan el material con un proceso de curtición que utiliza taninos vegetales, con un impacto mínimo en el planeta que dejan un acabado único. Así es esta marca de marroquinería sostenible. nossu.com

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3. FINCA VILLACRECES La bodega de Ribera del Duero ha sido reconocida como el Mejor Proyecto de Enoturismo del año 2020 en los Premios Verema, uno de los más importantes en el sector del vino. Visitas a las instalaciones en bicis eléctricas o picnic bajo los vinos son algunas de las experiencias al aire libre que ofrece al visitante. villacreces.com 4. CERVEZA DE MONESTERIO Extremeño afincado en Alemania, Juan Frutos se alió con el maestro cervecero Georg Rittmayer para elaborar la primera cerveza del mundo creada para degustar con productos ibéricos, tan propios de la localidad de Monesterio, en la que Frutos, por cierto, prevé establecer la fábrica en 2022. lacervezademipueblo.com

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5. LOUIS VUITTON

Elaborado en metal y piel noble, con detalles de diseño característicos de la firma, el nuevo altavoz portátil Horizon Light Up es también una pequeña obra de arte para exhibir en casa. es.louisvuitton.com 6. MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA

La tienda de la pinacoteca madrileña incorpora a su oferta esta alfombra-saco para jugar y guardar juegos infantiles con diseño de Carlota Pereiro inspirado en el pintor austriaco Egon Schiele.

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museothyssen.org

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ICONOS

Frank Gehry recibió el premio Pritzker de Arquitectura en 1989 y el Príncipe de Asturias de las Artes en 2014, entre otros muchos galardones a lo largo de su carrera.

FRANK GEHRY

ARQUITECTURA Y ARTE EN 2014, EN UNA RUEDA DE PRENSA PREVIA A LA RECEPCIÓN del Premio Príncipe de Asturias de las Artes, Frank Gehry le dedicó una peineta al periodista que le preguntó por la consideración de sus obras como poco más que “arquitectura espectáculo”. Es lo que tiene ser el arquitecto vivo más influyente y conocido: todos opinan, todos elogian, todos critican. Y mientras más crece la popularidad, más críticos emergen: que si se parodia a sí mismo, que si prima la estética sobre la sustancia, que quizás sus obras no resistan el paso del tiempo... A sus 92 años (Toronto, Canadá, 1992), a Gehry le cansa tener que defenderse, pero lo ha hecho en más de una ocasión: que miren esos críticos cuánta arquitectura horrenda hay a nuestro alrededor; que sus edificios no son extravagantes, sino expresivos; y que les respalda una concienzuda investigación sobre materiales y formas. O, simplemente: que a quien no le guste lo que hace, que no le contrate.

En Bilbao, ya no hay debate al respecto. Lo hubo en su momento, cuando, entre 1993 y 1997, Gehry se atrevió a construir en una ría sucia y abandonada de una ciudad sin alma un museo de figuras imposibles forrado de titanio. Ahora, cuando el Guggenheim camina hacia el cuarto de siglo de vida, nadie en la ciudad, en el País Vasco, en España o en el mundo pone en duda la trascendencia de aquella osadía: el Bilbao actual, moderno y vanguardista, dinámico, de marcada personalidad cultural y social, no hubiera sido posible sin el Guggenheim, junto a una clarividente visión de las autoridades implicadas que acompañaron su construcción de un integral y ambicioso plan urbanístico. Incluso la concepción actual de los museos, convertidos en muchos casos en obras de arte en sí mismos, más allá de las obras que albergan, tiene mucho que ver con ese audaz proyecto al que el nombre del arquitecto quedó unido para siempre. María Rosa

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BORN IN LE BRASSUS

RAISED AROUND THE WORLD

A P HOUSES M A D RID : SERR A N O | BA RCELON A : PASSEIG D E G R ACIA