GEORGE CONDO JOHN CURRIN CARROLL DUNHAM TONY MATELLI BJARNE MELGAARD YASUMASA MORIMURA PETER SAUL
«На Земле не существует человека, способного вынести окончательный вердикт о том, что могло бы быть самой красивой формой человеческого существа». Альбрехт Дюрер Изучение и художественное изображение человеческого тела постоянно фигурировали в истории искусства, от первобытных форм Венеры Виллендорфской до эротических орнаментальных полотен Густава Климта. Начатое еще Франсиско Гойей («Маха Одетая» и «Маха Обнаженная») стирание границ между реалистичной наготой и обнаженностью как способом художественного выражения позднее развилось в творениях импрессионистов – Эдуарда Мане, Эдгара Дега и Густава Курбе – вдохновив художников последующих веков на многочисленные эксперименты в изображении обнаженной натуры. Поль Сезанн, признанный основатель постимпрессионизма, для описания своего творчества использовал термин «couillard», определяя провокационный характер своих работ, наполнявших академические сюжеты завуалированными следами эротизма. Представленное как произведение искусства, тело человека в полотнах Сезанна, демонстрировало притягательность обнаженной натуры в ее естественном виде, бросая вызов условностям и общепринятому порицанию неприкрытости. «Обнаженное искусство» расставалось с завуалированностью постановочных сцен и стремительно развивалось в работах ярчайших представителей символизма, экспрессионизма, кубизма и сюрреализма. «Не бывает красоты, которая не имела бы странности в пропорциях,» – Френсис Бэкон. Изображение обнаженной натуры с элементами эротизма неизменно сталкивалось с проблемой сдерживания сексуальности в рамках актуальной эпохи, часто опережая традиции и устои своего времени. Апогеем реалистичной живописи с явным сексуальным подтекстом по сей день остается созданное в 1866 г. «Происхождение мира» Гюстава Курбе. Несмотря на стремительный прогресс и расширение границ дозволенного в визуальном искусстве, многие произведения классиков ХХ столетия воспринимались современниками как излишне сентиментальные, описательные и стремящиеся к идеализации внешней чувственности. Актуальное искусство, свободное в выборе способа репрезентации, сосредоточило внимание на концептуальных вопросах в изображении человеческого тела. Современная концептуальная живопись и скульптура представляют человека таким, как он есть, не идеализируя его образ, а наоборот, намеренно деформируя, утрируя и заостряя внимание на несовершенствах, свойственных реальной жизни. На фоне стремительного развития современных технологий, социальных сетей, средств массовой информации и способов самовыражения, тело человека перестает быть сюжетом, становясь главным инструментом самовыражения художника. Используя различные художественные приемы – от иронической аллюзии до гротеска – в живописи, гипер- и фотореализме, художник становится своеобразным инициатором дискуссии для выражения проблемных вопросов социума и феномена «естественно-обнаженного» человека в глазах современного общества.
2008 Oil on canvas 190,5 x 215,9 cm
George Condo Orgy Composition Джордж Кондо (1957, Конкорд, Нью-Гэмпшир). Живет и работает в Нью-Йорке. Джордж Кондо — один из наиболее влиятельных современных американских художников, известный своим уникальным стилем фигуративной живописи с акцентом на преломляющиеся формы, кубизмом, свойственным работам Пикассо и искаженными образами агрессивной иллюзорной реальности. Кондо изучал историю искусства и теорию музыки в Массачусетском университете в городе Лоуэлл. Начав свою карьеру на Фабрике Энди Уорхола, в 1985 году он переехал в Париж, где прожил десять лет, изучая классическую живопись. Вернувшись на Манхэттен в 1995 году, Кондо начал свой многолетний эксперимент с концепцией реалистичной репрезентации вымышленных образов, которую он окрестил «искусственным реализмом». «Я почувствовал, что должен вернуться в Нью-Йорк с идеей, которая сможет противостоять супу Campbell Энди Уорхола. По иронии судьбы я обратился к полотнам старых мастеров». На протяжении своей тридцатилетней карьеры Джордж Кондо последовательно интерпретирует исторические живописные традиции и жанры, пронося их сквозь призму изменяющихся социальных норм и устоев. Он иронично отражает современную американскую культуру и ее влияние на развитие ценностных ориентиров общества и восприятие живописи в целом. Его произведения – смелое смешение чувственной живописи мастеров европейской школы с эстетикой «Авиньонских Девиц» Пабло Пикассо, «Этюдов человеческого тела» Френсиса Бэкона и женских образов Виллема Де Кунинга с отсылками к китчу и популярной американской культуре, включая журнал Playboy, комиксы и мультипликацию. Критики называют Кондо тем самым «недостающим звеном», связующим классиков фигуративной живописи и современных звезд: Джона Керрина, Гленна Брауна, Даны Шульц и других. «Я называю свои работы психологическим Кубизмом», — работы Кондо можно рассматривать как результат долгого исследования многогранной человеческой натуры, выраженный через процесс трансформации изобразительного языка от классических приемов к абсурдным образам современной поп-культуры. Работы художника представлены в постоянных коллекциях таких музеев, как: Нью-Йоркский музей современного искусства (MoMA, Нью-Йорк), Национальная галерея искусства (Вашингтон), Музей американского искусства Уитни (Нью-Йорк), Музей Соломона Гуггенхайма (Нью-Йорк), Галерея Тейт (Лондон), Музей современного искусства (Барселона).
2007 Oil on linen 40,6 x 50,8 cm
JOHN CURRIN Christiana Джон Керрин (1962 г., Боулдер, США). Живет и работает в Нью-Йорке. «В обожании всегда скрыто некое искажение.» Джон Керрин С начала 1990-х годов имя Джона Керрина возглавляет списки самых успешных художников мировой сцены. Критики называют его величайшим провокатором в мире искусства, а его работы – воплощением хрупкого баланса между вожделением и отвращением. В своих провокационных, порой шокирующих сюжетах, Керрин анализирует изменения социальных и сексуальных границ в изобразительном искусстве, возникших с развитием общества и масс-медиа. Керрин совмещает классические приемы живописи Северного Ренессанса с современными «глянцевыми» образами из эротических и модных журналов. Проводя параллель с работами мастеров эпохи Возрождения, Керрин критикует феномен «эксклюзивных стандартов» и стереотипов, навязанных обществу, подчеркивая, насколько условны и изменчивы могут быть общепринятые идеалы красоты. Наряду с такими художниками, как Сесили Браун, Дженни Савиль и Джон Сонсини, Керрин возрождает интерес к искусству портрета, дополняя свои работы свойственными американскому китчу грубостью и абсурдом. Созданные им портреты-метафоры зачастую изображают наготу, в которой несовершенство вступает конфликт с одержимостью человека красотой и эстетическим лицемерием. То, что на первый взгляд кажется приукрашенным постановочным портретом, при ближайшем рассмотрении становится искаженным гротеском: части тела деформируются и теряют симметрию, а обнаженные персонажи преклонных лет никак не соответствует идеалам классического эротизма. Скрытое удовольствие от вуайеризма у зрителя сменяется дискомфортом, а после – отрицанием, что заставляет задуматься об изначальных причинах нашего интереса к просмотру картины. Исследование скрытых мотивов и подсознательных интересов человека продолжает быть основой творчества художника. The Times включил Джона Керрина в список двухсот лучших художников XX века. Работы художника находятся в коллекциях крупнейших музеев мира: Музей современного искусства (MoMA, Нью-Йорк), Музей американского искусства Уитни (Нью-Йорк), Галерея Тейт (Лондон), Музей современного искусства (MCA, Чикаго) и Центр Жоржа Помпиду (Париж).
2017 Urethane, acrylic and pencil on linen 198,1 x 254 cm
Carroll Dunham Any Day
Кэрролл Данэм (1949 г., Нью-Хейвен, США). Живет и работает в Нью-Йорке и Коннектикуте. Кэрролл Данэм – американский концептуальный художник, известный своими экспериментами в области абстракции, оформления и сюрреализма: его яркие полуабстрактные полотна традиционно усилены психосексуальным содержанием в сочетании с агрессивной, чувственной энергией. Искусство Данэма объединило в себе телесность Ар-Брют Жана Дюбюффе и анимационную эротику, смешав их в образы, близкие к поп-арту и мультипликации. Каждый элемент в своих полотнах Данэм наделяет отдельным акцентом и значимостью, чтобы впоследствии объединить их в сложную многофигурную композицию, где человеческие персонажи противостоят агрессивным условиям и сценам, в которые их поместил художник. Противоестественность наивно-утрированного сюжета вступает в конфликт с внешней невозмутимостью персонажей, обнаженных и незащищенных перед внешним миром. Подобно Джорджу Кондо, в начале своей карьеры Данэм углубился в изучение французской живописи конца XIX и начала XX века. Под влиянием постминимализма и концептуального искусства, внимание художника привлекли тактильность и аллюзии телесности в работах Мардена, Мангольда и Раймана. Вдохновленный работой Сезанна, Данэм создает знаменитую серию, которую позже назовет «Bathers» (Купальщицы), изображающую то, что он называет «обнаженная женщина в естественной обстановке». С конца 70-х годов Данэм начал создавать собственный «примитивный» визуальный язык. Его формальный словарь первоначально состоял из квазипсиходелических биоморфных абстракций и с тех пор развился, включив в себя конкретные образы «определимых вещей»: женские и мужские тела, изображения животных и деревьев и элементы пейзажа, постепенно объединились в яркий мир узнаваемых графических воплощений.
The Golden Age (10) 2016 Pencil on gessoed linen 56,7 x 73,8 x 2,4 CM
Carroll Dunham
The Golden Age (8)
2016 Pencil on gessoed linen 66,4 x 84,6 x 2,2 CM
Сорокалетнюю карьеру Данэма невозможно отнести к одному жанру: его работы свободно проникают в миры абстракции, изобразительного искусства, сюрреализма, граффити, поп-музыки, даже мультипликации, при этом не ограничиваясь ничем из названного. Работы художника представлены в коллекциях ведущих музеев и арт-институций: Галерея Альбертина (Вена), Чикагский институт искусств (Чикаго), Бруклинский музей (Нью-Йорк), Фонд Джудит Ротшилд (Нью-Йорк), Музей Людвига (Кёльн), Музей современного искусства (MoMA, Нью-Йорк), Музей современного искусства (MCA, Чикаго), Музей современного искусства (MoCA, Лос-Анжелес), Olbricht Collection (Берлин), Художественный музей Филадельфии (Филадельфия) и Музей американского искусства Уитни (Нью-Йорк).
2008 Epoxy, hair, color, steel, underwear / 160 x 75 x 55 cm
TONY MATELLI Female Sleepwalker Тони Мателли (1971 г., Чикаго, США). Живет и работает в Нью-Йорке. Тони Мателли – американский скульптор, известный своими концептуальными работами, по-новому трактующими традиции гиперреализма в американской скульптуре, возводит понятие натурализма в искусстве на новый смысловой уровень. Смелые образы в работах Мателли выражают внутренний протест против многочисленных социальных табу, угнетающих естественную природу человека и создающих лишь внешнюю иллюзию защищенности. Акцентируя внимание на часто скрываемом внутреннем одиночестве, Мателли вовлекает зрителя в психологический эксперимент, порой выходящий за рамки корректности и социальных устоев, но неизменно побуждающий пересмотреть отношение к условным границам и доминирующим установкам современного общества. Самая знаменитая работа Мателли – “Sleepwalker” (Лунатик) – была впервые установлена на территории женского колледжа Уэллсли в честь открытия выставки в Музее Уэллсли Дэвиса. Реакция публики на скульптуру была сравнима с ажиотажем вокруг статуи Энтони Гормли, размещенной на краю крыши Эмпайр-Стейт Билдинг и вызвавшей панику среди очевидцев, спутавших ее с прыгуном-самоубийцей. Студенты колледжа утверждали, что скульптура Мателли вызывала у них чувство опасения и гнева, рождая ассоциации с угрозой сексуального насилия. Второй дебют работы состоялся в 2016 году в Нью-Йоркской Хай-Лайн парке. На этот раз прославленная скульптура была встречена с триумфом. Окруженная нескончаемым потоком туристов, стремившихся сделать фото со знаменитой работой, Sleepwalker за два года превратился в звезду социальных сетей и любимца публики. «То, что они видят в скульптуре – скрыто вовсе не в скульптуре.» В женской версии Sleepwalker (2009) эмоциональное отношение к скульптуре уходит на второй план, уступая место дискуссии, названной Мателли «проблемами скромности и Викторианских предубеждений в презентации человеческого тела». Художник поднимает еще один вопрос: Почему Sleepwalker-мужчина может вселять ужас в то время, как женская фигура в своей натуральной наготе вызывает чувство беззащитности перед внешним миром? Главной темой работы в Sleepwalker остается напоминание о том, насколько уязвимым становится человек, теряя иллюзию контроля над происходящим. Работы Тони Мателли представлены в ведущих музеях и арт-институциях по всему миру: Музей современного искуства Гранд-Дук Жан (Люксембург), Музей Людвига (Кёльн), Altoids Collection (Нью-Йорк), FLAG Art Foundation (НьюЙорк), Музей ARoS (Орхус), Музей современного искусства (MAC, Монреаль).
2013 Fiberglass resin, human hair, leather, sheep skin, steel (base), acrylic paint, enamel paint, glass, lucite table: 147 x 76 x 66 cm
Bjarne Melgaard Allen Jones Remakes (Suite of Three Figures)
Бьярне Мелгаард (1967, Сидней, Австралия. Вырос в Норвегии). Живет и работает в Нью-Йорке и Осло. Бьярне Мелгаард — современный концептуальный художник, работающий в технике тотальной инсталляции. В 1992 году он окончил Норвежскую национальную академию изящных искусств и продолжил обучение в Академии им. Яна ван Эйка в Маастрихте. В своих инсталляциях Бьярне Мелгаард объединяет живопись, скульптуру, анимацию и фотографию, преобразовывая привычные объекты в выразительные концептуальные пространства. Его искусство исследует темную сторону человеческой природы и открывает непрезентабельные аспекты повседневной жизни, существующие параллельно с привычными устоями общества. Художник указывает на слабые стороны этических стандартов, иллюзию благополучия и проблемные точки маргинальных слоев в культуре и социуме. Жизнь незащищенного человека на границе культурных миров, противоречивые субкультуры, исследование идентичности и границ тела, экзистенциальное одиночество, постоянный поиск любви и чувства безопасности – проблемы, с которыми общество предпочитает не сталкиваться – становятся основной темой размышления в работах Мелгаарда. Одной из самых известных работ художника стала скульптура «Chair» (2013) – апроприация знаменитой работы Аллена Джонса. Скульптуры в жанре поп-арт, созданные Джонсом в конце 60-х годов— часть коллекции галереи Тейт – в буквальном смысле слова олицетворяли женщину с предметом ме-
2013 Fiberglass resin, human hair, leather, sheep skin, steel (base), acrylic paint, enamel paint, glass, lucite chair: 68,6 x 101,6 x 83,8 cm
2013 Fiberglass resin, human hair, leather, sheep skin, steel (base), acrylic paint, enamel paint, glass, lucite hat stand: 132 x 38,1 x 154,9 cm
бели, что обличало общественные настроения и конфликт своего времени. Оспаривая силу репрезентации, Мелгаард усилил социальную полемику, отразив в скульптуре острые вопросы актуальной эпохи. Представленная публике обновленная скульптура изобразила лежащую на спине темнокожую женщину с подушкой на бедрах, критикуя психологическое отношение современного общества к проблемам сексизма, расизма и использования женского образа в массовой культуре и социальных медиа. За свою многолетнюю карьеру Мелгаард провел более сорока пяти персональных выставок в ведущих галереях и музеях мира. Помимо творческой деятельности в качестве художника и куратора групповых выставок, он написал более десятка романов и выпустил семь документальных фильмов. Работы художника включены в постоянные коллекции ведущих музеев и арт-институций: Городской музей Стеделейк (Aмстердам), Музей Домен (Ситтард), Галерея Саатчи (Лондон), Музей современного искусства Аструп-Фернли (Осло), Музей современного искусства Осло (Осло), Музей MARTa (Херфорд), FRAC (Клермон-Ферран), Музей модернистского и современного искусства (Страсбург), KODE (Берген).
2001 Color Photograph 162 x 194 cm
Yasumasa Morimura An Inner Dialogue with Frida Kahlo (Dialogue With Myself 2) Ясумаса Моримура (1951 г., Осака, Япония). Живет и работает в Осаке, Япония. Ясумаса Моримура – японский художник, фотограф и кинорежиссер, более тридцати лет работающий в жанре апроприации. Определяя свое творчество как баланс между актерским и художественным мастерством, Моримура создает масштабные автопортреты, воссоздающие художественно-исторические образы из работ прославленных мастеров. При помощи сложного реквизита, декораций, грима и компьютерной графики, художник перевоплощается в культовых персонажей мира искусства – Фриду Кало, Винсента Ван Гога и Диего Веласкеса – и заимствует образы из исторических хроник, средств массовой информации и поп-культуры. Наполненные гротеском работы Моримуры вовлекают зрителя в скрытый диалог, где автор бросает вызов не только культурным и гендерным стереотипам, но и классическим представлениям о красоте, традиционным рамкам портретной живописи и этическим границам в апроприации. Художник исследует вопрос самоидентификации, намеренно утрируя и искажая женские образы в своих автопортретах. Лишенные внешней привлекательности и свойственного им оттенка эротизма, портреты усиливают свою повествовательную значимость, поднимая вопрос о специфике «Мужского взгляда» и особенностях представления женского образа в искусстве. В своей работе «Внутренний диалог с Фридой Кало» художник примеряет на себя образ известной мексиканской художницы: «Вдохновленный Вами, Донья Фрида, я вбираю в себя все, что считаю Вашим естеством, чтобы воссоздать собственную Фриду в своем сознании, воплотив в жизнь то, что значит для меня Фрида Кало». “A Few Small Nips” (Несколько Маленьких Ударов) изображает женщину, буквально “убитую жизнью”, - чувство, которое испытывала Фрида, страдая физически от хронических болей и эмоционально – узнав о связи Диего Риверы с ее сестрой Кристиной. На создание работы Фриду вдохновила газетная статья о реальном убийстве: мужчина убил девушку, нанеся ей множественные ножевые ранения. На суде же он сказал: «Но это были всего несколько маленьких ударов». Работы художника представлены в лучших музейных коллекциях по всему миру: Музей американского искусства Уитни (Нью-Йорк), Музей современного искусства (SFMOMA, Сан-Франциско), Музей Гетти (Лос-Анджелес), Музей изящных искусств (Бостон), Музей современного искусства (MCA, Чикаго).
2017 acrylic / canvas 198 X 305 cm
PETER SAUL Return to the Alamo Питер Соул (1934 г., Калифорния, США). Живет и работает в Нью-Йорке. Питер Соул – легенда поп-арта, вдохновивший не одно поколение прославленных художников, и основатель школы «плохой живописи». Его знаменитые красочные полотна объединяют мультипликационные образы с лучшими традициями классической живописи и несколько десятилетий служат символом сатиры и саркастичной критики американской культуры. Соула называют одним из основоположников живой политической некорректности в американской культуре, которая расцвела в США под влиянием таких художников, как Сью Уильямс, Кара Уокер и Кэрролл Данэм. В своих картинах Соул смешивает идеи, лежащие в основе сюрреализма и поп-арта, его манипуляции с формами — одновременно текучими и скульптурными – бешеный образный синтез эластичных фигур Сальвадора Дали и диких, комических фигуративных искажений Виллема де Кунинга. Его карикатуры на бытовые и исторические сюжеты шокируют зрителя сложными композициями и гротескными образами в сочетании с демонстративной непочтительностью к законам живописи. Несмотря на кажущуюся неестественность сюжета, картины художника основаны на практическом знании истории искусства, наполнены отсылками к политическим идеям и автобиографическими деталями. Неожиданные персонажи – от Дональда Дака до О. Джей Симпсона – словно запечатленные в объективе фотокамеры, застывают в движении посреди совершающегося действия. На полотнах Соула творится история, сюжет которой хорошо знаком зрителю. Но все меняется, как только художник предлагает взглянуть на происходящее под другим углом: агрессивно деформируются не только фигуры участников, но и призма навязанной обществу точки зрения на многие общеизвестные факты. Работы Питера Соула находятся в коллекциях ведущих музеев мира, в том числе: Метрополитен-музей (Нью-Йорк), Центр Жоржа Помпиду (Париж), Музей американского искусства Уитни (Нью-Йорк), Чикагский институт искусств (Чикаго), Музей современного искусства (MoCA, Лос-Анджелес), Музей Людвига (Кёльн), Городской музей Стеделейк (Aмстердам), НьюЙоркский музей современного искусства (MoMA, Нью-Йорк). Не пора ли миру искусства признать Соула классиком современной живописи? The Brooklyn Rail
15 АВГУСТА — 15 ДЕКАБРЯ 2019 КУРАТОР ВЫСТАВКИ | ольга бакеева curated by | olga bakeeva дизайн | ксения азарнова design | ksenia azarnova
© 2019 109028, MOSCOW, RUSSIA | SEREBRYANICHESKAYA NABEREZHNAYA, 19 +7 495 645 44 04 | WWW.TATINTSIAN.COM © All visual material by the artist & Gary Tatintsian Gallery, Moscow All rights reserved. No part of this publication may be reproduced, sorted in a retrieval system trasmitted in any form or by any means, electronic, mechanical or otherwise, without first seeking the written permission of the copyright holders and ofthe publisher.
supported by / при поддержке