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Rivista20 NÂ° 00 - ottobre 2012 Mensile di arte e cultura

CULTURA nelle 20 REGIONI ITALIANE

Picasso sceglie Milano per svelarsi

Finalmente a Roma una rassegna su

Johannes Vermeer

Edito dal Centro Culturale ARIELE

Angelo Petrucci Tecniche miste su tavola e su tela Petrucci Angelo, nato a Genova il 5 Agosto 1954, vive e lavora tra Genova e Rimbocchi, Chiusi della Verna (AR).

Rivista 20 MENSILE DI INFORMAZIONE CULTURALE

Direttore responsabile: Tesio Paola Simona

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Caporedattore: Nicoletta Balani Art director: Giovanna Alberta Arancio Redazione: Gianguido Oggeri Breda Paolo Durandetto Giuseppe Drammi Valentina Savastano Virgilio Patarini Barbara Vincenzi Emanuela Romano Michele Govoni Angelo Andriuolo Ilario D’Amato Annamaria Parlato Maria Arcella Impaginazione: Silviu Tanasa Segreteria: Rosaria Di Dio ----------------------------------------------------------

Rivista20 del Centro Culturale Ariele Presidente: Enzo Briscese Vicepresidente: Giovanna AlbertaArancio

Penombra”

olio su tela - 2011 - cm 78 x 153

----------------------------------------------------* PIEMONTE * LOMBARDIA * LIGURIA * VALLE D’AOSTA * VENETO * TRENTINO ALTO ADIGE * FRIULI VENEZIA GIULIA * EMILIA ROMAGNA * TOSCANA * UMBRIA * MARCHE * MOLISE * LAZIO * ABRUZZO * PUGLIA * BASILICATA * CAMPANIA * CALABRIA * SICILIA

PRESENTAZIONE DELLA RIVISTA20 DIRETTORE RESPONSABILE PAOLA SIMONA TESIO

Fare rete è l’obiettivo primario della “Rivista20” che nasce dall’esperienza e dalla volontà di Enzo Briscese, presidente del centro culturale “Ariele”. Una notevole sensibilità maturata negli anni, sia in qualità di artista sia di gallerista, gli ha permesso di sviluppare un progetto innovativo, volto non soltanto a promuovere l’arte contemporanea nelle sue svariate forme d’espressione e rappresentazione ma anche e soprattutto l’idea di condividere attraverso i rappresentanti delle singole regioni, assessori e critici, i progetti ritenuti più significativi del momento. Sono stata scelta come direttore responsabile di questa pubblicazione che esordisce on line prefiggendosi però il proposito di espandersi in formato cartaceo. Non posso che essere onorata di poter contribuire alla crescita di questa iniziativa che potrà essere costantemente migliorata grazie ai suggerimenti dei lettori, che potranno farci pervenire i loro consigli. Personalmente credo che l’arte contemporanea abbia un ruolo predominante nell’epoca attuale: attraverso questa “Babele” di linguaggi è possibile conoscere ansie e aspettative del nostro tempo. L’arte non è soltanto un concetto estetico ma è soprattutto un’esperienza di verità. Esperienza è tutto ciò che determina l’essere umano, che lo rende “unico”, ma è anche il suo viaggio, il percorso che egli compie nella sua esistenza, che lo segna e lo caratterizza. Il termine esperienza ha molteplici accezioni, significa tentare, mettere alla prova, ma anche rischiare, esperire, sperimentare. Tale capacità può essere intesa come una forma di azione. Nell’uomo sussiste sempre la possibilità dell’inizio, sosteneva la filosofa Hannah Arendt ne “La vita della mente” asserendo che «la capacità di cominciamento ha le sue radici nella natalità e non certo nella creatività, non in una dote o in un dono, ma nel fatto che gli esseri umani, uomini nuovi, sempre e sempre di nuovo appaiono nel mondo in virtù della nascita». Pertanto non si intende la semplice esecuzione di un atto, ma la compenetrazione di parola ed azione che accompagnano l’uomo nel mondo rivelandone la sua identità. L’azione si distingue da altre due forme di presenza umane: il lavoro e l’opera. Il primo ha una valenza etica e corrisponde altresì alle necessità dell’esistenza, la seconda è un’esigenza di produrre cose utili ed appaganti per abitare il mondo. L’azione invece, priva di condizionamenti, scaturisce dall’agire che per la Arendt significa prendere un’iniziativa, iniziare, mettere in movimento qualcosa. In tal modo l’essere umano si espone, rivelandosi per quello che è, talvolta anche aldilà delle intenzioni, producendo effetti inaspettati. Ciò di cui si fa esperienza è quindi anche quello che con l’azione si costruisce: con essa l’individuo esercita la funzione di essere al mondo, di rispondere al contesto, impegnandosi in un progetto esistenziale che implica la capacità di modificare i fatti che non corrispondono alle sue aspettative. In questo senso anche l’arte può essere azione e non soltanto e semplicemente opera. Arte come capacità di azione, di movimento, di cambiamento, di riflessione, di nuovo, di non ancora accaduto, di apertura ad altre possibilità, di verità appunto.

REGIONE

PIEMONTE Assessore Michele Coppola Promozione delle attività culturali Da molti anni la Regione Piemonte riserva una particolare attenzione al sostegno dell’arte in ogni sua espressione, prevedendo un’articolata serie di interventi che vanno dall’assunzione diretta di progetti espositivi, al sostegno in forma di contribuzione a Enti, Istituzioni e Associazioni sia per lo svolgimento

della loro attività ordinaria, sia per la realizzazione di specifici progetti, iniziative e manifestazioni. Inoltre, nel corso degli anni sono state attivate importanti collaborazioni, con istituzioni e associazioni particolarmente attive sul territorio regionale, con un ruolo preminente e riconosciuto nella promozione e ge-

Le immagini e i testi di questa pagina sono prelevati dal sito della Regione

stione di eventi artistici e culturali. Negli ultimi anni sono sono state promosse eterogenee attività espositive realizzando progetti di indubbio valore scientifico e documentale che spaziano dalle personali dedicate ai Maestri piemontesi, alle grandi mostre tematiche sino alle collettive di giovani artisti. Complementare al sostegno delle attività espositive, è poi la promozione di altre tipologie di attività culturali, tra cui assumono particolare rilievo i convegni, i seminari, gli studi e le ricerche prevalentemente di area umanistica riferita a letteratura, storia, filosofia, pedagogia, psicologia e dialogo interreligioso. Sono oltre cinquanta, gli Istituti e le Scuole di musica i cui corsi di formazione musicale sono sostenuti dalla Regione Piemonte: organizzati sia nei capoluoghi di provincia sia nei centri medi e piccoli delle otto province piemontesi, i corsi sono frequentati ogni anno da migliaia di studenti. Notevole è inoltre l’impegno in favore dell’educazione degli adulti, attraverso il sostegno che la Regione offre ai corsi proposti dalle Università popolari e della terza età e dai Comuni e dalle Associazioni culturali impegnate nel settore dell’educazione continua. Grande impegno è infine riservato alla valorizzazione di personaggi e avvenimenti storicamente rilevanti per la comunità piemontese.

1° concorso Digital- Art

Il progetto consiste nell'organizzazione di un concorso internazionale di Digital Art rivolto a tutti gli artisti, di qualsiasi età e nazionalità e prevede la progettazione di un’opera inedita realizzata: 1. partendo da una fotografia riguardante una delle immagini dei cortili di Torino, messe a disposizione dall’organizzazione. 2. costruendo l’immagine in piena libertà stilistica, tecnica e di soggetto. Nel primo caso l’opera verrà concepita tenendo conto di una sua reale collocazione nel contesto urbano torinese, creando una stretta interazione tra l’artista e la realtà locale. Nel secondo caso l’artista potrà lavorare lasciando libero spazio alla propria fantasia e creatività scegliendo liberamente il soggetto da realizzare. Il concorso prevede la selezione di sei opere finaliste da parte di una giuria internazionale qualificata e l'assegnazione di premi in denaro ai vincitori. I lavori presentati parteciperanno ad un evento espositivo organizzato nelle sale del Museo Regionale di Scienze Naturali di Torino, dove avrà luogo l’esposizione delle migliori cinquanta opere, stampate in alta definizione e la proiezione video di tutti i progetti ammessi. L’organizzazione prevede la creazione di un catalogo contenente le illustrazioni delle 100 opere pre-selezionate, i testi critici di esperti del settore e la pubblicazione delle opere sul sito internet del Centro Culturale. Il coinvolgimento di istituzioni, fondazioni, artisti, critici, curatori, gallerie a livello internazionale e l'adeguata promozione e diffusione saranno garanzia di prestigio e risonanza mondiale per la città di Torino e la Regione Piemonte.

ALESSANDRO ROSSI

ALESSIA BROZZETTI

LAURA SCARINGI

ALBERTO BESSON

CONSUELO RODRIGUEZ

ANGELA IPPOLITO

ANGELO PANTALEO

GAETANO FIORE

MILENA PEDROLLO

GALLERIA ARIELE - Via Lauro Rossi, 9c - 10155 - Torino - Tel. 011.20 73 952

L’opinione di PAOLA SIMONA TESIO

presenta: ALBERTO BONGINI Le architetture del colore e della Luce: all’insegna di un’estetica “neo-pop bizantina” Un universo costituito da rifrazioni di Luce è il luogo ideale in cui abita l’artista Alberto Bongini. Egli esprime il suo fermento mediante l`incursione di materiali brillanti e preziosi ideando catalizzanti mosaici dominati da aurea magnificenza ed influisce altresì sulla superficie fotografica, pervenendo ad un`innovativa estetica definibile “neo-pop bizantina”. In essa si possono esperire degli aneliti klimtiani, ma l’elaborazione è del tutto personale ed originale. Talvolta arriva anche ad utilizzare i collanti con innumerevoli stratificazioni trasformando i materiali di supporto in “architetture del colore”. Per comprendere appieno il suo fare occorre osservare come la luce naturale “accade” sulle sue ideazioni: quando ne colpisce direttamente le sfaccettature degli elementi incastonati, inebria l’opera di una piena potenzialità espressiva. Le sue tele implicano un incontro con il vero, nessun mezzo artificiale può restituirne con onore quell’essenza che è percepibile soltanto attraverso la diretta fruizione. Non è dato neppure alla fotografia, ausilio tanto caro all’autore, reintegrare questa mancanza. Perché è solo dal contatto visivo e immediato, dalla vicinanza, che si può esperire appieno quell’empatia con la Luce, che richiede “l’esser presenti” alla mimesi dell’opera. Perline, vetri, brillantini, elementi luminescenti si compenetrano ai colori accesi e cangianti liberando un’energia primordiale la quale si tramuta in un’emozione d’intensa felicità, che richiede compatercipazione allo stato creativo. Del resto l’entusiasmo dell’artista è percepibile in ogni vibrazione che si estende radiosa, folgorando lo sguardo dell’osservatore e contaminando il suo sentire attraverso magmatiche incandescenze. Se in alcune serie di lavori si è avvalso dell’immagine come forma di contaminazione e rimediazione, in altre perviene ad una ricerca stilistica astratta e peculiare, sempre dominata da un perpetuo ed inesauribile élan vital, da intendersi non soltanto nell’accezione data dal filosofo Henri Bergson ma anche nell’interpretazione offerta dal biologo Julian Huxley, come “senso di sollievo e di fiducia”. Pur vivendo in una società nella quale gli esseri umani tendono a rinchiudersi in sé stessi, in una sorta di deviante apatia, Bongini riesce a farsi portavoce di un linguaggio gioioso che rieduca i sensi. Il suo intervento sui volti umani non è da intendersi come denigrazione della bellezza bensì come elevazione della grazia interiore che va valorizzata a discapito di qualsiasi avvenenza effimera. Come sosteneva la scrittrice e psicoanalista Lou Andreas Salomé «L’amore è in tutto e per tutto legato al corpo, ma al corpo come simbolo, come geroglifico corporeo di tutto ciò che vorrebbe insinuarsi nella nostra anima attraverso la porta dei sensi, per svegliarla ai sogni più arditi: mischiando così ovunque al possesso il presagio dell’irraggiungibile, ovunque congiungendo appagamento e rinuncia, diversi solo per grado». Le donne del popolo Himba della Namibia sono considerate le più belle del mondo per l’estetica e i dettagli degli ornamenti dalle sembianze scultoree con cui sono solite adornarsi. In questo caso l’artista si avvale della polvere di carbonio, per ottenere un effetto denso di significato. Il suo intervento sui volti umani non è da intendersi come denigrazione della bellezza bensì come elevazione della grazia interiore. Opera Himbu Samurai tecnica mista con polvere di carbonio

presenta

INTORNO AL PAESAGGIO

espone:

PAOLO DURANDETTO dal 6 al 20 ottobre 2012 inaugurazione sabato 6 ottobre, ore 18.00 Via Lauro Rossi, 9c Torino

COMUNE DI VILLARBASSE

AMICI DI SAN NAZARIO

presentano

mostra personale di pittura di 6-14 ottobre 2012

Cocktail d’inaugurazione, sabato, 6 ottobre, ore 17 Commento critico di Enzo Papa

PALAZZO MISTROT

VILLARBASSE - VIA ALLA FONTE VISITE: sabato e domenica, ore 10,30-12,30 — 15,30 -18,30

SUPERFLAT EXPERIENCE, mostra personale di Tomoko Nagao Dal 5 al 20 ottobre 2012 A cura di Grace Zanotto e Christian Gancitano LOCATION: Art Galleria Famiglia Margini via Simone d'Orsenigo 6, Milano

5 OTTOBRE: inaugurazione in compagnia dell’artista , dalle ore 18 alle 22.00 H.18.30 Presentazione e introduzione agli scenari, di Christian Gancitano: “dall’estetica fluttuante Ukiyo-e alle ultime correnti Micropop e post- superflat“. NippoSuggestioni - per saperne di più sulle ultime tendenze artistiche dal giappone visionario. http://nipposuggestioni.blogspot.it/ NEL corso della serata verrà presentato il progetto OTOMODACHI: Tomoko intervista Francesca Scotti e Francesca intervista Tomoko, dopo uno scambio epistolare dal Giappone. Reading di interviste email tra l’artista e la scrittrice che verranno pubblicate sul numero di ottobre del web magazine speechless. “Kawaii” è uno dei principali metodi di comunicazione, espressione della cultura giapponese riconosciuta a livello globale, tanto da avere un vero e proprioAMBASCIATORE (naturalmente Kawaii) quale DORAEMON, riconosciuto e nominato dallo stesso governo Giapponese.

REGIONE

LOMBARDIA Assessore Valentina Aprea

Picasso sceglie Milano per svelarsi

La rassegna Fino al 6 gennaio, la mostra, curata da Anne Baldassari, presidente del Musée National Picasso di Parigi, presenta oltre 250 capolavori tra dipinti, disegni, sculture e fotografie. A Palazzo Reale torna il maestro spagnolo dopo le grandi esposizioni del 1953 e del 2001. Dal lunedì al mercoledì la mostra è aperta dalle 8.30 alle 19.30; dal giovedì alla domenica con orario 9.3023.30

Oltre sei milioni di persone hanno visitato nel mondo la mostra Picasso. Capolavori dal Museo Nazionale Picasso di Parigi, promossa dal Comune di Milano-Cultura, Palazzo Reale e 24 Ore Cultura con il museo francese, che si apre oggi a Palazzo Reale a Milano, unica tappa europea di un itinerario che l’ha portata dal Giappone alla Russia, da Abu Dhabi agli Stati Uniti, dall’Australia alla Cina. L’occasione della mostra è stata offerta dalla chiusura per restauri, fino al 2013, dell’Hotel Salé, il palazzo seicentesco che a Parigi ospita il museo creato grazie alla

legge (geniale) della “dation”, voluta nel 1968 dall’allora ministro della Cultura francese André Malraux, che permette agli eredi degli artisti di pagare le tasse di successione con opere d’arte. E poiché Picasso alla sua morte (nel 1973) era una sorta di monumento vivente e il valore dei suoi lavori era già allora vertiginoso, il Musée Picasso può contare su ben cinquemila opere tra dipinti, sculture, disegni, incisioni, ceramiche, selezionati (con diritto di prima scelta) dagli studiosi incaricati dallo Stato fra le 70 mila opere rimaste negli studi e nelle residenze dell’artista.

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a cura di Alberto D’Atanasio e Arturo Bettoni

DALL’OLIO, PALUMBO, SANSAVINI con cisebocchi di bambini bresciani

5/28 ottobre 2012 -Brescia- Sala dell’affresco - Museo di S. Giulia INGRESSO GRATUITO

L’opinione d i Vi r g i l i o P a t a r i n i

POST-AVANGUARDIA 2: La casa del serpente La bellezza nell’arte contemporanea esiste ancora? C’è chi lo nega. Qualcuno lo dice apertamente: “L’arte contemporanea boccheggia. La bellezza è morta”, e via con la consueta sequela di grottesche litanie sui bei tempi andati, quando la bellezza danzava, sinuosa, nell’aria, al suono flautato (o tintinnante) della voce di mille cantori... E c’è chi da anni veglia le spoglie di questa antica perduta bellezza, che parrebbe starsene a terra, morta stecchita… Ma davvero la bellezza è morta? Davvero quelle spoglie che in molti venerano e vegliano... davvero si tratta delle spoglie vere e proprie della bellezza? Forse bisogna guardare meglio, provare ad avvicinarsi a quelle spoglie, a quei resti, e allora, chissà, forse ci si renderà conto che si tratta, in realtà, semplicemente, di qualcosa d’altro... No. La bellezza non è morta. La bellezza è come un serpente. La bellezza morde come un serpente. E come un serpente sguscia via se cerchi di afferrarla. E quando la trovi stesa immobile al sole e credi che sia morta stecchita... aguzza lo sguardo e scoprirai che quella che osservi è solo la vecchia pelle della bellezza. No. La bellezza non è morta. Ha solo cambiato pelle. Ed è già lontana, altrove, che inietta a nuove vittime il suo distillato micidiale. Certo poi bisogna intendersi su che razza di bellezza sia quella di adesso. Una bellezza sporca, contaminata, impura, contraddittoria. Una bellezza post-moderna. Ma non per questo meno fulgida, meno ubriacante di quella classica o di quella romantica. Chi avrebbe il coraggio di dire che una bella donna dai capelli rossi sia meno bella di una bionda o di una bruna, o che addirittura non sia affatto bella, per il semplice fatto di essere di pelo fulvo? O una nera rispetto a una bianca. Anche se a molti (ancora) piacciono (solo) le bionde. E che dire poi se la nostra bella è una nera dai capelli rossi? Già, perchè forse la bellezza nell’arte contemporanea è proprio un po’ così: una nera dai capelli rossi. Più che esotica. Spiazzante. Contraddittoria. Assurda. Apparentemente. Sì, la bellezza esiste (ancora). Anche se il più delle volte si nasconde. E occorre un certo

allenamento e una vista aguzza per individuarla e provare a stanarla... Facciamo qualche esempio? La bellezza, ad esempio, si annida tra i ritagli di fumetti cancellati di Edoardo Stramacchia. E Stramacchia come un incantatore d’altri tempi suona il piffero della sua arte e smuove quei ritagli, li fa levitare per comporre forme e colori che evocano altre storie, talvolta persino altri fumetti, in un gioco di specchi spiazzante, sottile e tautologico, che snida la bellezza. La bellezza sibila parole in ebraico o il suo manto di scaglie d’oro e d’argento si confonde e si mischia tra i rilievi pastosi nelle opere di Valentina Carrera, o scivola sotto le grinze delle sue carte applicate. Il suo veleno ha corroso le figure di Simone Boscolo, di Max Gasparini, di Sasha Zelenkevich. Le sue spire si avvinghiano alle steli di Luigi Profeta. Il suo passaggio ha scavato i solchi delle impronte su lamine di metallo di Moreno Panozzo o quelli negli impasti ad olio che ritraggono le mitiche figure nei quadri di Fabio Cuman... Il suo sguardo può essere ipnotico come un varco di luce concentrica che si irradia in un quadro di Stefano Accorsi e ti proietta in un tempo fuori dal tempo, in uno spazio senza spazio... La bellezza oggi è memoria e spiazzamento.

in occasione della Giornata Del Contemporaneo 2012 “ luna…”

nei giorni 6 - 7 e 14 ottobre dalle ore 15,30 alle 18,30 espongono:

Maria Teresa CALLINI - Giancarla COLOMBO Fabrizio JELMINI - Donata MORA - Tina PAROTTI

TINA PAROTTI galleria via Buscate, 25 - 20020 Arconate (MI) tel# +39 3382105247 - fax# +39 1782702731 tinaparotti@tinaparotti.com - www.tinaparotti.com skype: tinaparotti

Milano, Galleria Zamenhof, dal 22 settembre al 4 novembre 2012 Koinè. 100 artisti per una lingua comune dell’arte contemporanea A cura di Valentina Carrera e Virgilio Patarini.

Il tempo delle Avanguardie è finito. Si è aperto con l’Impressionismo e si è chiuso con la Transavanguardia. Per oltre un secolo ogni nuova generazione di artisti ha cercato di smarcarsi dalla generazione precedente proponendo una nuova, differente idea di arte contemporanea. Ora tutto questo sembra non funzionare più. Il meccanismo pare inceppato. A partire dal discorso generazionale. Questo progetto espositivo ed editoriale mette in luce proprio ciò, presentando, una nuova ‘generazione’ di artisti che anzichè inseguire il nuovo a tutti i costi, rinnegando il lascito delle generazioni precedenti, cerca piuttosto di definire un linguaggio comune per l’arte contemporanea, facendo tesoro delle ‘invenzioni’ delle Avanguardie, attraverso un paziente, complesso, raffinato processo di sintesi e contaminazioni. E una prova lampante che un certo ‘meccanismo’ sia saltato balena agli occhi di tutti se si sofferma l’attenzione, senza pregiudizi ideologici, su di un fatto concreto, tangibile, facilmente riscontrabile: da molti anni ormai si è annullato un qualsiasi significativo ‘scarto generazionale’. Non a caso nel selezionare opere e artisti per questo progetto che mira a definire al meglio che cosa si intenda per ‘Koinè dell’arte contemporanea’, ovvero linguaggio comune e condivisibile, si è dovuto necessariamente prescindere da vincoli generazionali. Per la prima volta, da oltre un secolo a questa parte, artisti di tre generazioni differenti stanno uno accanto all’altro e parlano (più o meno) la stessa lingua. E ad ascoltarla con attenzione ci suona come una lingua nuova e antica allo stesso tempo: inaudita eppure riconoscibile. Originale ma decifrabile. (Virgilio Patarini)

Opere di: Accorsi Stefano, Adornato Paola, Alessi Camilla, Alessi Salvatore, Angelini Chiarvetto Anna Maria, Atikossie Ako, Azzurrini Simone, Balbi Leonardo , Battiston Ilaria, Bellomi Marco, Benigna Marino, Bernardi Walter, Besson Alberto, Bianchi Esa, Boldrini Andrea, Bordin Fiorenzo, Boscolo Simone, Boselli Ivano, Bozzini Marco, Bracci Anna Maria, Carluccio Giorgio, Carta Vito, Corbetta Simona, Cressotti Marco, Cuman Fabio, Crini Alessandro, Curioni Lorenzo, De Bettin Alberto, De Francesco Raffaele, De Michele Giuseppe, De Paolis Enza, De Santi Bruno, Di Cocco Siberiana, Di Fazio Laura, Doni Daniela, Facchinetti Paolo, Ferrero Giacinto, Fruggeri Roberto, Gabrielli Ersilietta,Gamba Paola, Gasparini Max, Genemans Johannes, Gessi Mar, Ginelli Nadia, Greco Andrea, Guazzarini Nives, Ippolito Angela, Keller Angela, Kokina Zane, Lanfranchi Gaia, Lasala Domenico, Lorenzini Roberto, Lo Giudice Paolo, Loscialpo Arianna, Lupoletti Luciano,Marrone Maeva,Maruotti Franco, Meucci Massimo, Molchanova Natali, Molteni Maurizio, Moretti Sanlorano Bruno, Murazzano Patrizia, Mutton Walter, Natali Silvio, Oggioni Guido, Orsenigo Giuseppe, Palazzetti Beatrice, Panozzo Moreno, Pasero Kay, Pasotti Vittorio, Passaniti Mario Domenico, Pedotti Lucio, Pedrollo Milena, Petrucci Angelo, Pressato Rosanna, Profeta Luigi, Recluta Michele, Redaelli Amina, Ritorno Luisa, Rossetto Paolo, Rossi Alessandro, Ruffino Marco, Sabbadini Lisa, Saletnich Tina, Sassu Angela, Schiazza Luciana, Speziari Fabiano, Spina Rosa, Starace Salvatore, Stazio Ivo, Strà Claudia, Stramacchia Edoardo, Tirnetta Mariangela, Trotta Fabrizio, Vairani Federica, Valensin Luciano, Vallayer Michel, Vasilieva Lyudmila, Visentini Bernarda, Zaffoni Sonia, Zambotti Clara, Zelenkevich Sasha

REGIONE

LIGURIA

Assessore Angelo Berlangieri

Il Centro Regionale per l'Arte Contemporanea della Liguria, la cui costituzione è stata ufficializzata l'8 febbraio 2012, attraverso la stipula di un protocollo di intesa tra l'Assessorato alla Cultura e al Turismo della Regione Liguria, gli assessorati alla Cultura dei Comuni di Genova, Savona e La Spezia, la Fondazione Palazzo Ducale e la Fondazione regionale per la Cultura e lo Spettacolo, costituisce una rete finalizzata alla valorizzazione delle espressioni artistiche contemporanee, prodotte e diffuse all'interno del territorio regionale. Il Centro è operativo attraverso il lavoro di un comitato scientifico, coordinato dalla Fondazione regionale per la Cultura e lo Spettacolo e composto dai responsabili dei tre principali musei regionali dedicati all'arte contemporanea: il Museo d'arte contemporanea di Villa Croce di Genova, il Centro di arte moderna e contemporanea (CAMEC) della Spezia e Palazzo Gavotti - Pinacoteca Civica e Museo Fondazione di Arte Contemporanea Milena Milani in memoria di Carlo Cardazzo di Savona. Costituito per favorire e incrementare le attività di promozione, valorizzazione e ricerca delle espressioni artistiche contemporanee in Liguria, il Centro Regionale per l'Arte Contemporanea - avvalendosi nell'ambito delle sue iniziative del supporto e della collaborazione di altre istituzioni pubbliche e private operanti sul territorio si prefigge di: promuovere la collaborazione e il raccordo tra istituzioni pubbliche e private e tra tutti i principali centri di esposizione e produzione relativi all'arte contemporanea; valorizzare le collezioni permanenti dei musei di arte contemporanea liguri; promuovere comuni attività espositive, di diffusione e di ricerca; sviluppare una rete di relazioni scientifiche e istituzionali, a livello regionale, nazionale e internazionale. Tra i principali compiti del comitato scientifico prevedono: l'unificazione della catalogazione delle collezioni dei musei coinvolti; la partecipazione a progetti, anche europei, per il reperimento di risorse da destinarsi a iniziative condivise; la ricerca di sponsorizzazioni per la realizzazione di progetti comuni; l'adozione di forme di comunicazione coordinate e unitarie; la realizzazione di laboratori per le scuole; la promozione della creatività artistica giovanile; un diretto confronto tra i vari enti su operazioni di scambi culturali e di opere. Nelle attività sopra descritte il Centro si avvale della collaborazione degli enti regionali e, in particolare, con il coordinamento dei funzionari della Regione, usufruisce dei servizi e della consulenza del Laboratorio regionale di restauro. La prima iniziativa, che ha visto protagonisti tutti i soggetti coinvolti in questo progetto di collaborazione, è stata la mostra In astratto. Abstraction in Italy 1930-1980 / Arte astratta in Italia 1930-1980, inaugurata alla Estorick Collection di Londra lo scorso 26 giugno. L'esposizione, dopo la chiusura a Londra il 9 settembre, sarà riallestita presso le sale del CAMeC (Centro d'Arte Moderna e Contemporanea) di La Spezia e visitabile dal 20 Ottobre 2012 al 24 Marzo 2013. Le immagini e i testi di questa pagina sono prelevati dal sito della Regione

Gianguido Oggeri Breda mostra personale

serie - â€œtra sogno e inquietoâ€?

Galleria ANTIGONE Direzione artistica CLAUDIO MARCIANO

Arte antica e moderna da tutto il mondo, sculture e pitture.

Spazio disponibile per allestimenti di personali e collettive, su selezione. Operte in permanenza dei seguenti artisti: Briscese Enzo, Fiorini Felice. Marciano Claudio, Raffaele Capuana, Sante Battaglia. Angela Merli, Claudine Poinsard, Giglioli Marco, Chiappalone Saverio, Sergio Longhi, Normanno Locci, Curioni.

Via castello, 46 - 18035 - Dolceacqua - (Imperia) tel. 0184.20 69 69 mail: marciano.claudio@libero.it www.claudiomarciano.altervista.org

L’opinione d i Va l e n t i n a S a v a s t a n o

Elena Rede,esprime la sua forte sensibilita’ e profondita’ umana attraverso il suo “fare arte”. La definirei l’artista dell’umanita’ essendo portatrice di un messaggio nuovo e antico allo stesso tempo ,un ‘investigatrice dell’aspetto umano in una societa’ dove l’apparire supera l’essere. La pittura di Elena Rede “E’”perche’ esiste:l’eroe è l’essenza portante delle sue opere. Eroe , colui che rappresenta la Virtus ,la bellezza scultorea,la purezza,in una visione arcaica ma allo stesso tempo nuova;eroe e mito inserito in mondi fant astici,cosmici,incontaminati,magici,eterni. Chi ha l’opportunita’ di fruire la sua opera con attenzione,constatera’ che il “Nuovo” viene attentamente e accuratamente proposto dall’artista ,oltre che dalla raffigurazione dei mondi ed alla contestualita’ degli eroi raffigurati fuori dal tempo e dallo spazio,dalla sua innovativa tecnica pittorica che unisce lucenti resi

ne cristalline all’antico pigmento puro. Purezza,ordine,forza,bellezza,come obbiettivo in contrapposizione al malessere sociale:l’apparire,il disordine,l’omologazione,la confusione,la brutalita’che Elena riesce a placare inviandoci un messaggio poetico di rara intensita’.Le sue opere ci inoltrano un input su come potrebbe essere il nuovo mondo.Ognuno puo’ sognare di averne uno e in questa nuova eterna dimensione,sicuramente possiamo avere l’idea di qualcosa di vero,ma soprattutto avvertiamo un messaggio di forza e coraggio perchè l’uomo nella sua unicita’ e universalita’ ,l’eroe del passato,del presente e del futuro,potrebbe veramente cambiare il mondo.Un messaggio positivo di fiducia e di grande stimolo per tutti. Ecco perche’ ritengo che Elena Rede sia l’artista che meglio rappresenti questa INATTESA trasformazione.

REGIONE

VALLE D’AOSTA Andrea Alborno. Mont-Blanc

Assessore Viérin Laurent

Scuderie del Forte di Bard. Bard 14 Settembre 2012 - 14 Ottobre 2012 Venerdì 14 settembre 2012, alle ore 18, nello spazio espositivo delle Scuderie del Forte di Bard, il Presidente dell’Associazione Forte di Bard, Augusto Rollandin, e l’Assessore all’istruzione e cultura, Laurent Viérin, inaugureranno la terza e ultima mostra estiva 2012 alle Scuderie del Forte di Bard, dedicata alla ricerca fotografica Mont-Blanc di Andrea Alborno, che si è cimentato nella documentazione di un territorio di grande pregio, quello del Monte Bianco. Attraverso i suoi scatti, l‘autore intende mostrare il volto nonalpinistico del Monte Bianco. La Montagna, spartiacque di tre nazioni, mostra così la sua valenza di icona spogliata di gran parte dei riferimenti legati all‘impresa sportiva o alla più banale immagine da cartolina. Il Monte Bianco, per la sua posizione geografica centrale nel cuore dell‘Europa e nell‘inconscio collettivo, è simbolo fortissimo. La sua presenza nelle foto di Alborno è lo sfondo, quasi un trompe-l‘œil, della vita quotidiana delle genti che vivono e operano nel territorio circo

stante ma anche meta sognata e idealizzata per i turisti ed escursionisti attratti dai grandiosi scenari alpini. «Siamo particolarmente lieti di presentare al pubblico di residenti e turisti – dichiara l’Assessore Laurent Viérin – questo progetto di Andrea Alborno, fotografo professionista valdostano conosciuto a livello internazionale, che ha collaborato nel corso degli anni con prestigiose testate quali il National Geographic Traveler. Ci auguriamo che questo terzo evento espositivo ospitato nelle Scuderie del Forte di Bard, rappresentando un significativo esempio di valorizzazione e promozione degli artisti in Valle d’Aosta volto ad incrementare l’offerta culturale e turistica della nostra regione, possa incontrare l’interesse del pubblico». L’esposizione, ad ingresso gratuito, resterà aperta fino al 14 ottobre e sarà visitabile dal martedì alla domenica, dalle ore 12 alle ore 18. La mostra è corredata da un catalogo bilingue edito dalla Tipografia Duc, contenente tutte le fotografie in mostra e un testo di Moreno Vignolini, posto in vendita al prezzo di 10,00 euro.

Le immagini e i testi di questa pagina sono prelevati dal sito della Regione

Wassily Kandinsky e l' arte astratta tra Italia e Francia Museo Archeologico Regionale 26 Maggio 2012 - 21 Ottobre 2012

Senza titolo

Bilanciamento

Avvicinamento

Bastoncino nero

Quattro

L‘Assessorato Istruzione e Cultura della Regione autonoma Valle d’Aosta comunica che sarà inaugurata, venerdì 25 maggio 2012, alle ore 18, al Museo Archeologico Regionale di Piazza Roncas ad Aosta, l’esposizione Wassilly Kandinsky e l’arte astratta tra Italia e Francia, realizzata dall’Assessorato in collaborazione con la Fondazione Antonio Mazzotta di Milano e curata da Alberto Fiz. Tra i più celebrati maestri del ‘900, personalità dedita a diversi interessi, tra cui la musica e la scenografia, tanto da creare alcune composizioni sceniche teatrali, Wassily Kandinsky non solo è il fondatore dell’astrattismo, ma ha attraversato stagioni diverse, passando da una fase iniziale simbolista all’esperienza Bauhaus, fino al periodo parigino degli ultimi anni. La mostra, incentrata sull’ultimo ventennio della produzione dell’artista russo, evidenzia rimandi e confronti con gli altri autori del periodo, in Italia e in Francia. Dipinti, tecniche miste e incisioni di Kandinsky, provenienti da collezioni pubbliche e private italiane ed estere, sono in mostra accostate a quelle di altri autori, tra cui possiamo Hans Arp, Sophie-Täuber Arp, César Domela, Florence Henri, Joan Mirò, Francis Picabia, Piero Dorazio, Gillo Dorfles, Alessandro Mendini, Ettore Sottsass. Le opere di Kandinsky in mostra sono oltre 40, tra cui spiccano alcuni capolavori degli anni Trenta e Quaranta mai esposti prima d’ora in Italia. “Sono particolarmente lieto – dichiara l’Assessore Laurent Viérin – di presentare l’esposizione dedicata a un importante protagonista della modernità, Wassily Kandinsky. La rassegna rappresenta uno dei fiori all’occhiello del programma espositivo 2012 dell’Assessorato Istruzione e Cultura della Regione autonoma Valle d’Aosta e consentirà al pubblico di accostarsi a una delle figure più rappresentative delle avanguardie artistiche del secolo scorso. Questo inedito progetto espositivo si colloca nel contesto di un’offerta diversificata,

che l’Assessorato Istruzione e Cultura della Regione autonoma Valle d’Aosta propone a residenti e turisti, credendo in una politica culturale che mette a sistema il patrimonio artistico con le risorse del territorio”. In un’esposizione ricca di sorprese viene, inoltre, ricostruita la Sala da Musica dell’Esposizione Internazionale di Architettura a Berlino del 1931 in cui, su disegno di Kandinsky, fu realizzata una decorazione murale in ceramica. Con la collaborazione dello Sprengel Museum di Hannover, viene proposta, in una sala dedicata, la registrazione della composizione scenica di Kandinsky, Violett, con scenografie realizzate su suo disegno. La registrazione ripropone la trasposizione a cura del Verein Kunst und Bühne di Hannover tenutasi presso lo Sprengel Museum di Hannover nel 1996. In quest’occasione, dunque, emerge la figura a tuttotondo di Kandinsky, nonché la relazione tra arte e musica così importante nella sua ricerca. Le testimonianze in mostra provengono da collezioni pubbliche e private italiane e straniere tra cui: Accademia Carrara, Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea, Bergamo, MART Museo d’Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto, CSAC, Centro Studi e Archivio della Comunicazione, Università degli Studi di Parma, Civica Biblioteca d’Arte di Milano, Fondazione Marguerite Arp di Locarno e la raccolta privata dell’artista Max Bill. La rassegna rimarrà aperta sino al 21 ottobre 2012 e sarà accompagnata da un catalogo bilingue italiano e francese, edito da Mazzotta, posto in vendita al prezzo di € 36,00 in cui sono riprodotte tutte le opere in mostra, con saggi di Alberto Fiz, Pietro Bellasi, Cristina Casero, Gillo Dorfles, Alessandro Mendini, Marco Vallora. Biglietti: € 5,00 intero, € 3,50 ridotto, riduzione 50% soci TCI, gratuito per i minori di 18 anni e per i maggiori di 65. Museo Archeologico Regionale: tel.0165.275902 Internet: www.regione.vda.it

IULIO AMBERUCCI

mostra personale

L’opinione di

Annalisa Bergo

La Fabbrica della giovane arte italiana Energia. Questo è ciò che si percepisce non appena si entra nelle sale della Fabbrica Borroni. L’energia di oltre 500 opere di giovani artisti italiani in contrasto con l’immobilità decadente del luogo, una vecchia fabbrica di colle chiusa all’inizio del secolo. Nel 2004 Eugenio Borroni, appassionato collezionista e testardo sostenitore del progetto, apre al pubblico i suggestivi spazi industriali che ospitano la sua collezione di arte contemporanea, iniziata negli anni ‘80 con la Scuola Romana di via degli Ausoni e proseguita attraverso il Medialismo di Torino e Milano fino alla street art ed alla cosiddetta Nuova Figurazione Italiana. Una collezione giudicata, a volte, anomala perché non aderente alle mode e al mercato, ma orientata verso giovani sconosciuti sui quali Borroni scommette perché, come lui stesso dice, “una collezione privata deve anche essere sbagliata”. Le opere, prevalentemente di pittura, occupano ogni angolo libero dello spazio, interno ed esterno. Spiazzante può risultare l’assenza di comunicazione interna allo spazio: come nella tradizione del collezionismo privato, tutto è trasmesso oralmente attraverso la memoria del proprietario, codice per la lettura delle opere. Perché dialogo e partecipazione sono i fondamenti su cui si costruisce l’attività di Fabbrica Borroni: giovani artisti e curatori possono mostrare il proprio lavoro ricevendo ascolto e opinioni sincere, a volte anche crude. Un luogo che cerca di calarsi nel territorio, in una

provincia milanese poco influenzata dagli influssi artistici della metropoli, che vuole arrivare alle persone guardando anche oltre gli addetti al settore, parlando un linguaggio sem plice e comprensibile, organizzando mostre e visite guidate alla Collezione e accogliendo manifestazioni culturali. Ad oggi, in un momento di stasi artistica e culturale, Fabbrica Borroni sta preparando un progetto di rilancio, di se stessa prima di tutto, muovendo una forte critica all’attuale sistema dell’arte. Il progetto si basa sulla convinzione che il talento dei giovani artisti italiani sia indiscutibile e che solo da una dimensione umana dell’artista e dell’arte si possa ripartire per evitare il collasso del sistema nazionale. Il lancio del progetto è previsto entro la fine dell’anno. La scommessa continua.

REGIONE DEL

VENETO

Assessore Marino Zorzato

Dal 7 luglio al 14 ottobre 2012 Castello Inferiore, Marostica

Tutti i critici dell’epoca e dei periodi successivi sono concordi nel riconoscere al pittore Cosroe Dusi (Venezia 1808 – Marostica 1859) ottime doti di colorista, finezza ed energia nel disegno, precisione nei dettagli dei costumi e dell’ambientazione storica, varietà ed equilibrio nelle composizioni, naturalezza nell’espressione degli affetti, tanto da attribuirgli il soprannome di “Il Tintoretto Moderno”. In occasione dei due anniversari, il 200° della nascita nel 2008 e il 150° della morte nel 2009, il Comune di Marostica e la Regione del Veneto celebrano questo significativo artista con una prima e importante mostra monografica che sarà ospitata presso il Castello inferiore di Marostica dal 7 luglio al 14 ottobre, e che sarà presentata il 28 giugno al Palazzo delle Grandi Stazioni di Venezia. L’esposizione propone al pubblico circa 200 opere del pittore tra dipinti, disegni, litografie e diario dell’artista, provenienti per la maggior parte da collezioni private, accompagnate da testimonianze, documenti e filmati. Il pittore nacque a Venezia, ma fu sempre strettamente legato alla città di Marostica, tanto da scegliere di trascorrere i suoi ultimi giorni proprio nella cittadina scaligera, dove fu sepolto. La Regione Veneto per i Musei La Regione del Veneto per i musei: conservare il patrimonio culturale, valorizzare le idee, formare le professionalità. L’universo dei musei veneti Il panorama dei musei veneti risulta, inoltre, particolarmente differenziato per quanto riguarda le categorie espositive: da un punto di vista quantitativo, si individua in primo luogo la presenza dei musei d’arte, seguita da quella dei musei etnografici e dei musei d’archeologia; altre categorie altamente rappresentative risultano essere i musei di storia e scienze naturali e i musei storici e della Grande Guerra. Nell’ambito dell’Arte contemporanea si segnala il contesto veneziano, con celebri istituti storici quali La Biennale di Venezia, la Fondazione Bevilacqua La Masa, la Peggy Guggenheim Collection, la Fondazione Querini Stampalia, la civica collezione di Ca’ Pesaro e Palazzo Grassi, ai quali dal giugno 2009 si sono aggiunti il nuovo Museo di Punta della Dogana e il Museo dedicato a Emilio Vedova ai Magazzini del Sale. Nella città di Verona sono dedicate specificamente all’arte contemporanea le Gallerie di Palazzo Forti, mentre numerose sedi espositive pubbliche e private sono diffuse su tutto il territorio regionale. Le immagini e i testi di questa pagina sono prelevati dal sito della Regione

CATS CONTEMPORARY ART TALENT SHOW < 5000 € La nuova mostra mercato di arte conteporanea di ArtePadova 2012 PadovaFiere Padiglioni 1 - 3 - 2 Vernice 8 novembre 2012 ore 18 Expo: 9, 10, 11, 12 novembre 2012 ven, sab, dom 10.00 – 20.00 lun, 10.00 – 13.00 powered by ArtePadova

Investire nell’arte con meno di 5000 € da oggi è possibile grazie ad ArtePadova che nei Padiglioni fieristici 1, 3 e 2 allestisce CATS: Contemporary Art Talent Show, la nuova mostra mercato di arte CATS contemporanea. Molti parlano di cultura accessibile. Pochi creano le condizioni perché la cultuCONTEMPORARY ART TALENT SHOW ra lo diventi veramente. Molti parlano di valorizzare i talenti giovanili. Pochissimi concorrono < 5000 € La nuova mostra mercato di arte contemporanea affinché i talenti emergenti possano digodere di spazi e visibilità deputati ai grandi maestri. Molti ArtePadova 2012 parlanoPadovaFiere di avvantaggiare economicamente i giovani che vogliono entrare nel mercato dell’arte. Padiglioni 1 - 3 - 2 Nessuno lo fa. Per questo ArtePadova ha creato CATS: tre padiglioni a disposizione di quegli artisti emergenti che ambiscono a entrare e affermarsi nel mercato dell’arte. Da oggi lo possono Vernice 8 novembre 2012 ore 18 fare, godendo di quella magnifica vetrina espositiva e del feed back mediatico che ArtePadova, Expo: 9, 10, 11, 12 novembre 2012 ven, sab, indiscussa dom 10.00 – 20.00 da anni regina delle fiere dedicate all’arte moderna e contemporanea, si è saputa conlun, 10.00 – 13.00 quistare di diritto con i suoi grandissimi nomi dell’arte. Oltre al pregio di un brand significativo come CATSad potrà contare inoltre sugli stessi e groundfloor che hanno no di 5000 € daArtePadova, oggi è possibile grazie ArtePadova che nei Padiglioni fieristici 1, 3 allestimenti e2 rary Artcontribuito Talent Show, laanuova mostragodibile mercato di arte contemporanea. rendere a ogni tipo di pubblico anche semplicemente una passeggiata ad cessibile. Pochi creano le condizioni perché la cultura lo diventi veramente. ArtePadova. Ecco allora i riflettori puntati su CATS che con la sua proposta under 5.000 mette a e i talenti giovanili. Pochissimi concorrono affinché i talenti emergenti possano godere di di associazioni, gruppi e artisti emergenti una vetrina di enorme visibilità a prezzi grandi disposizione maestri. iare economicamente i giovani che vogliono entrare nel mercato Nessunoproprio lo fa. assolutamente concorrenziali, rieditati perdell'arte. consentire ai nuovi talenti di poter esporre, creato CATS: tre padiglioni a disposizione di quegli artisti emergenti che ambiscono a entrare e accuditi, comedifossero già dei grandi maestri. Spazio alla creatività dunque nei paell'arte.coccolati Da oggi lo possono fare, godendo quella magnifica vetrina espositiva e del feed dova, dadiglioni anni regina delle il fiere dedicate all'arte moderna centro e contemporanea, si è del “fare arte contemporanea ” e 1 indiscussa e 2 mentre padiglione 3 diverrà nevralgico o con i suoi grandissimi nomi dell'arte. ospiterà laboratori, workshops e performance dedicate ai nuovi linguaggi espressivi. CATS divernd significativo come ArtePadova, CATS potrà contare inoltre sugli stessi allestimenti e allora godibile melting pottipo dove i giovani convergeranno per ad scambiare idee e ricevere suggestiontribuitorà a rendere a ogni di pubblico ancheartisti semplicemente una passeggiata ni. Un laboratorio artistico culturale senza pari con alcune proposte conviviali estremamente à la ati su CATS che con la sua proposta under 5.000 mette a disposizione di associazioni, gruppi page che non mancheranno di stuzzicare e coinvolgere il pubblico. E non dimenticate di visitare etrina di enorme visibilità a prezzi assolutamente concorrenziali, rieditati per consentire i nostri partner commerciali: negozi amici. Sono negozi che entrano in sistema esponendo come oter esporre, coccolati e accuditi, come fosseroigià dei grandi maestri. que neisegno padiglioni 1 e 2 mentre il padiglione 3 diverrà centro nevralgico del ingressi “fare arte omaggio alla Fiera ai loro clienti. la vetrofania di ARTEPADOVA e che regalano à laboratori, workshops e performance dedicate ai nuovi linguaggi espressivi. Informazioni principali: Le informazioni le trovate tutte sul sito: www.artepadova.com pot dove i giovani artisti convergeranno per scambiare idee e ricevere suggestioni. “CATS” sulla nostra paginaestremamente facebook: àhttps://www.facebook.com/pages/CATS-contemulturaleSeguite senza pari con alcune proposte conviviali la page che non e coinvolgere il pubblico. porary-art talent-show/238754829562452

tare i nostri partner commerciali: i negozi amici. Sono negozi che entrano in sistema vetrofania di ARTEPADOVA regalano ingressi omaggio alla Fiera ai loro clienti. Periodo: Dal 9e che al 12 novembre, venerdì 9, sabato 10 e domenica

11 dalle ore 10.00 – 20.00;

lunedì 12 dalle ore 10.00 alle 13.00 Inaugurazione su invito: giovedì 8 novembre ore 18.00 Sede: Padova Fiere, via Niccolò Tommaseo, Padova

L’opinione di Emanuela Romano

TRACKS AND DREAMS Tracks and dreams è la serie di paesaggi polimaterici sulla quale lavora Donatella Tassone. L’origine del microcosmo estetico delle sue opere è costituito da motherboards, circuiti stampati e componentistica dei computer. Scruta all’interno della scatola nera! Il primo step consiste nel dare origine ad una scenografia primaria: su una tavola di compensato di dimensioni 50 x 50 cm, applica acrilici, terre, plastilina e svariati oggetti di scarto dei computer creando un paesaggio metafisico, post- industriale. Queste città fantasma sono scorci desolati di una deriva alienante, si tratta di paesaggi sospesi in una pseudo-realtà con cui dobbiamo rapportarci tutti i giorni.

ta di un’operazione disvelatrice, che ne amplifica la prospettiva. Nel suo lavoro forme e oggetti subiscono una sorta di purificazione ed assumono una nuova identità. Il mercato globale crea continuamente prodotti che voracemente sono consumati da una società “ingorda”; così la sua opera consiste in una forma di riesumazione degli oggetti quotidiani inedita e allo stesso tempo malinconica. Donatella ritiene che: “L’artista è un viandante continuamente impegnato a percorrere nuovi itinerari possibili, segue una mappa interiore capace di proiettare forme nuove, crea storie parlando attraverso le immagini che scaturiscono dalla sua ricerca.”

Tracks 03’

Tracks 5161’

Dalla scultura passa poi alla fotografia: si trat-

GIANNI RIVA

IOLANDA FURONE mostra personale

QUESTO SPAZIO E’ RISERVATO ALLE GALLERIE D’ARTE DEL VENETO, PER MAGGIORI INFORMAZIONI RIVOLGERSI A: redazione@rivista20.com

REGIONE AUTONOMA

TRENTINO-ALTO ADIGE Assessore Franco Panizza

PROVINCIA AUTONOMA DI TRENTO

BENVENUTI A TEATRO LE STAGIONI 2012 / 2013 Teatro Auditorium / Teatro Sociale / Teatro Cuminetti Prosa / InDanza / Lirica / Musica dâ€™Autore / Teatro Ragazzi Informazioni, biglietti e abonamenti Centro Servizi Culturali S. Chiara Via S. Croce, 67 Trento tel. 0461 - 213834 / 213811 info@centrosantachiara.it www.centrosantachiara.it MART >>

Rovereto

Alice in Wonderland Postmodernismo. Stile e sovversione Afro. Il periodo americano Gina Pane (1939-1990) Willi Baumeister 1889-1955 Museo degli Usi e Costumi della Gente Trentina >> San Michele all'Adige Le notti di San Michele Le scritte dei pastori della Val di Fiemme Le immagini e i testi di questa pagina sono prelevati dal sito della Regione

PROVINCIA AUTONOMA DI BOLZANO Assessore Christian Tommasini Gli artisti possono beneficiare di contributi e sussidi. I contributi sono assegnati per pubblicazioni nonché per la programmazione e la realizzazione di iniziative di pubblico interesse. Le iniziative agevolate devono promuovere lo sviluppo artistico e culturale del richiedente nonché contribuire all’arricchimento dell’immagine dell’Alto Adige sotto il profilo artistico e culturale.

Settore cultura

La cultura è uno strumento fondamentale per la crescita e lo sviluppo di una comunità. L’obiettivo politico di questa amministrazione è il consolidamento, nel gruppo linguistico italiano, di un’identità sociale e culturale orientata al dialogo e al futuro entro una comunità interculturale; ciò è possibile attraverso l’acquisizione e il rafforzamento degli strumenti necessari a essere protagonisti sul territorio, così che ognuno possa sentirsi pienamente“a casa”. Un

Qualora le istanze riguardino mostre personali, hanno priorità quelle che consentono una rilevante promozione dell’artista fuori provincia, in ambienti notoriamente frequentati da critici o addetti ai lavori. I giovani artisti possono beneficiare anche di sussidi di qualificazio ne. Questi sono assegnati al fine di promuovere attività formativa,

di perfezionamento e di produzioni artistiche e culturali, nonché per favorire la partecipazione a corsi di lunga e breve durata e la frequenza di scuole, istituti, workshops, stages e altre forme di ricerca, sperimentazione e formazione. Non sono ammessi a finanziamento percorsi ordinari di studio universitari e accademici o di formazione professionale. Le domande di contributo e sussidio di qualificazione devono essere inoltrate alla Provincia Autonoma di Bolzano - Alto Adige, Ufficio Cultura entro il 31 gennaio o altra data stabilita con decreto del direttore della competente ripartizione. Il termine è perentorio. La Giunta provinciale delibera in ordine alla concessione del sostegno finanziario e al suo ammontare, sentito il parere preventivo della Consulta culturale o delle apposite sottocommissioni nominate dalla Giunta provinciale su proposta della Consulta stessa.

primo meta-asse strategico trasversale è costituito dal raggiungimento di un effettivo plurilinguismo, azione che andrà programmata in forte sinergia fra scuola e cultura. Il secondo meta-asse è dato dal maggiore raccordo tra le attività dell’Assessorato con la Libera Università di Bolzano. Si tratta di pre-condizioni necessarie laddove si voglia perseguire una situazione di reali pari opportunità per tutti i gruppi linguistici. Le immagini e i testi di questa pagina sono prelevati dal sito della Regione

Anna GRITTI mostra personale Anna Gritti è nata a Bergamo nel 1972 dove vive tuttora.Si è diplomata all’Istituto d’Arte di Bergamo nel 1991 e laureata in Pittura all’Accademia di Belle Arti di Brera nel 1996 Quotidianità, esperienze, ricordi, immagini, interagiscono all’interno del mondo emotivo di Anna Gritti, dando corpo una pittura attraverso cui l’artista regala rielaborati frammenti di vissuto con una scrittura stilistica del tutto personale: sono infatti lacerti di un racconto inesausto che una fervida immaginazione filtra e restituisce in una forma e in una cromia mai scontatamente naturalistiche. I personaggi, in prevalenza femminili, appaiono come “sospesi”, apparentemente inattivi: in realtà comunicano quel loro vitale essere assorti nel movimento del pensiero. La cura del dettaglio che si riscontra nelle opere raggiunge un voluto parossismo nella lavorazione di piedi, mani e occhi, sottolineati e ingigantiti con effetto di sconcertante sorpresa riflessiva. Le frequenti inserzioni di ritagli astratti trovano collocazione all’interno di audaci scorci inusuali.

MARCO BETTIO

REGIONE AUTONOMA

FRIULI VENEZIA GIULIA Assessore Elio De Anna Continua il Festival “Castello di Gorizia”: sabato 6 ottobre in scena “La Mandragola” di Redazione Gorizia Con la commedia “Le done de casa soa” di Carlo Goldoni, messa in scena dal “Teatro dei Pazzi” di San Donà di Piave al Kulturni Dom si è alzato il sipario sul Festival Teatrale Internazionale “Castello di Gorizia”, organizzato dal “Terzo Teatro” in collaborazione con l’Assessorato alla Cultura del Comune di Gorizia ed il fondamentale sostegno della Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia, della Fondazione Cassa di Risparmio di Gorizia e della Camera di Commercio. E’ stato l’assessore alla cultura Rodolfo Ziberna a portare i saluti dell’amministrazione comunale ricordando come questa sia la ventiduesima edizione del festival e che quest’anno il ”Terzo Teatro” festeggia il i trentacinque anni di attività. Ziberna ha voluto ricordare come in tutti questi anni sono stati un importante traguardo e come con la sua attività culturale il gruppo teatrale goriziano sia una presenza importante nel panorama culturale cittadino che contribuisce a porta il nome di Gorizia in tutto il territorio nazionale. E’ toccato al “Teatro dei Pazzi”, vincitore della scorsa edizione del festival con “Un curioso accidente” sempre di Goldoni, fare da apripista alla manifestazione che vedrà protagoniste otto fra le migliori compagnie non professioniste italiane. Siora Anzola, siora Bastiana e siora Betta, le protagoniste femminili della commedia, si adoperano per trovar marito a Checca, priva di dote. Al centro dell’azione c’è Tonin, timido innamorato che non sa fronteggiare l’opposizione dello zio Isidoro, ricco mercante levantino. La commedia si snoda tra equivoci e gag della miglior commedia dell’arte, genere in cui i “Pazzi” da sempre sanno distinguersi per originalità e ritmo. Non sono mancati divagazioni, eccessi e contaminazioni del testo, a volte portati in scena forse con troppo disinvoltura dalla regia di Giovanni Giusto, ma sono proprio gli attori veneziani a divertirsi per primi rappresentando questo spettacolo. Il lavoro è stato ripetutamente applaudito a scena aperta dal folto pubblico presente per la qualità degli interpreti. Su tutti Giovanna Digito, già premiata nelle ultime due edizioni del festival come miglior attrice non protagonista, che nei panni di Siora Anzola si è distinta sulla scena per la grande spontaneità e ritmo. Molto brave anche Stefania Florian, la pettegola Siora Betta, ed Anna Scomparin nel duplice ruolo di Bastiana e della Cantastorie. Molto efficaci anche le caratterizzazioni di Simone Manzato (Caicchia Isidura), Giovanni Giusto (Gasparo), Cristian Gobbo (Tonin) e Ketty Montagner (la vecchia). Lunghi e convinti gli applausi finali. Prossimo appuntamento con il festival sabato 6 ottobre con “La Mandragola” di Nicolò Machiavelli presentata dal Gruppo Teatrale “Al Castello” di Foligno. Sono ancora disponibili gli abbonamenti ai 7 spettacoli in concorso a € 56,00 e il carnet di 5 ingressi a scelta anche cumulabili per € 42,50. Le immagini e i testi di questa pagina sono prelevati dal sito della Regione

ALESSIA ZOLFO

ROSSELLA FAVA

DOMENICO LASALA

BANAFSHEH RAHMANI

MAX GASPARINI

MARCO MATTEI

SIMONE BOSCOLO

CLAUDIA PICCOLO

FEDERICA MIANI

GALLERIA ARIELE - Via Lauro Rossi, 9c - 10155 - Torino - Tel. 011.20 73 952

CARLO ROSSI Pittore-Grafico-Incisore

Uno dei più grandi pirografi in Italia ha reso omaggio a:

CARAVAGGIO GUIDO RENI GIUSEPPE SANMARTINO OMAGGIO A GIUSEPPE SANMARTINO Com questo lavoro è dedicato a questo grande scultore uno dei migliori al mondo. …chi è Giuseppe Sanmartino ?... Giuseppe Sanmartino è l’autore del gioiello nascosto nel cuore di Napoli, il Cristo velato, scultura marmorea realizzata nel 1753 e conservata nella Cappella Sansevero, sbalordisce per finezza ed eleganza. Lo scultore partenopeo, incaricato dal principe Raimondo di Sangro di realizzare una "statua di Nostro Signore morto al naturale steso su d’un materasso" raggiunge la perfezione stilistica scolpendo il corpo di Cristo coperto dalla sindone. Un velo così trasparente e delicato, in grado di mostrare il corpo fin nei minimi particolari: le palpebre chiuse, la bocca, il naso, le ferite nel costato, le dita ossute delle mani e dei piedi. Lo straordinario realismo del velo, unito alla fama di alchimista del principe Raimondo, ha fatto fiorire nel corso dei secoli una magica leggenda circa la sua origine: non sarebbe stato il Sanmartino a scolpire il velo bensì il principe Raimondo che avrebbe posto una sindone di tela e, lavorandola con procedimenti alchemici segreti, l’avrebbe resa simile in tutto e per tutto al marmo. Ipotesi affascinante, che farebbe però torto alla grande maestria dell’artista. Il Sanmartino difatti riesce a imprimere al sudario un movimento e una drammaticità molto distanti dai canoni artistici tradizionali, impreziosendo la scultura con tocchi barocchi come il bordo minuziosamente ricamato della sindone. Una curiosità. Il Canova, grandissimo scultore del 1800, la definisce "Opera immensa, seconda, forse, soltanto alla Pietà del Michelangelo" ed afferma che sarebbe disposto a rinunciare anche a dieci anni della sua vita pur di essere l’autore di un tale capolavoro. Mi sono avvicinato in punta di piedi a questo grande artista, per me, il migliore scultore al mondo in assoluto, ispirandomi alla sua opera dagli effetti strabilianti, ha dato modo ai miei stimoli di dedicargli questo mio lavoro, realizzato con la tecnica della PIROGRAFIA , per la prima volta unico in Italia a omaggiare questo grande scultore, con una tecnica plessa e difficile.

L’opinione di Giovanna Arancio dal declino concettuale al rigore del senso Agli anni d’oro del concettuale (‘60/’80), in cui l’accento operativo si era accentrato sull’idea creatrice a scapito dell’agire costruttivo dell’opera, fece seguito un fine secolo di riappropriazione del fare rivalorizzando la fisicità del lavoro, deprezzata quando non addirittura azzerata. Senza mettere in dubbio origini, ragioni e retaggi che lasciarono dietro di sé gli artisti concettuali è comprensibile un reattivo allontanamento del mondo dell’arte di allora dopo gli esasperanti eccessi della loro decadenza. La bad painting, o più in generale “Arte brutta”, che caratterizzò l’ultimo novecento, suscitò discussioni e perplessità. Ci si chiese se le arti visuali, orfane in gran parte di ideali, sbandate e/o riagganciate al passato, fossero in grado di rivitalizzarsi in una nuova estetica plurale, capace di criticità, valori, forza creativa. Dopo queste e molte altre domande, nel nuovo millennio, si può azzardare qualche considera-

zione. Il tempo dell’autoriflessione dell’arte non è stato, a mio avviso, un banale ripiegamento su di sé. Quell’epoca appare già lontana. Eppure, nel caos immaginifico del nostro vivere, stretto tra bombardamenti visivi mediatici e un difficile presente, l’arte è più attiva che mai. Certo, non mancano truffe, tronfie superficialità, speculazioni, mercati firmati ad hoc in un panorama di livide trasparenze. Ci sono gruppi di creativi: difficile seguirli nel loro farsi, disfarsi. Anche il medialismo ha la sua voce, azzera non più l’opera ma l’autore in un collettivismo vissuto e motivato. Riemerge però forte la ricerca di senso, si impone una multimedialità bifronte da padroneggiare specie da parte delle nuove generazioni mentre le opportunità di comunicazione sono da costruire e la sensibilità percettiva si va faticosamente affinando. E’ una rimessa in gioco senza ritorni all’ordine, anzi caparbia e rigorosa.

REGIONE

EMILIA-ROMAGNA Assessore Massimo Mezzetti

La leggenda del jazz Herbie Hancock il 21 ottobre al Regio di Parma

"Rigoletto" inaugura il Festival Verdi il 1 ottobre al Teatro Regio di Parma

A Cesena "Màntica" fra teatro, musica e formazione

La chiusura del Barezzi Live Festival affidata al grande pianista. A Caterina Caselli il Premio Barezzi

"La battaglia di Legnano" è l'altra opera in cartellone. E il 10 ottobre si celebra il 199° compleanno del Maestro con un Concerto

Dal 2 al 14 ottobre, al Teatro Comandini, la quinta edizione della rassegna, organizzata dalla Socìetas Raffaello Sanzio

Se dici corto è “Sedicicorto”: dal 1 al 7 ottobre Forlì ospita la nona edizione dell’International Film Festival

Terra di Tutti Film Festival, uno sguardo sul sud del mondo

Sala Doc - Documentari al cinema Nel mese di ottobre, all'Odeon di Bologna, prende il via la terza edizione dell'iniziativa che porta i documentari sul grande schermo

Tre sezioni in concorso, corti vintage, mostre, retrospettive e un omaggio ad Antonioni

Le immagini e i testi di questa pagina sono prelevati dal sito della Regione

Dal 2 al 14 ottobre appuntamento a Bologna con la rassegna internazionale di documentari e cinema su migrazioni e nuove povertà, lotte per i diritti e le risorse, tutela dell’ambiente e biodiversità

ANNA GRITTI

SPAZIO MULTIMEDIALE GALLERIA 9 COLONNE / SPE / IL RESTO DEL CARLINO

informazione + cultura vıa Armarı 24, FERRARA orari: 9.00-12.30 / 15.00-18.30, sabato e festıvı chıuso mostra n. 60 organızzazıone CLUB D’ARS - Paolo Carnevale Street-Watch da mercoledì 30 maggio a mercoledì 30 novembre 2012 La mia prima street wheel l’affrontai che avevo sette anni. Erano i miei giochi consueti e preferiti, in mezzo alla strada. Erano copertoni dismessi o abbandonati, forse da altri bambini, che come me ci avevano giocato e poi esausti li avrebbero lasciati lì per il prossimo bambino, che poi si sarebbe prestato a farle girare picchiandole con le mani nude o con un pezzo di legno, sulle strade asfaltate e in estate rovente, come tutto il sud. Ma prive di macchine. Come di consueto erano una volta le strade di paese della Calabria. (Paolo Carnevale) I used my first street wheel when i was seven. It was my favourite pastime, played in the middle of the street. Discarded hub-caps, abandoned perhaps by other children, who like me, had played and then exhausted, had left them there for the next child: who made it run by beating it with his rough hands or with a piece of wood on the asphalted roads, scorching in the summer as in all of the South. And with no cars. As it was usual some time ago in the country roads of Calabria.

PAOLO CARNEVALE dopo aver frequentato il liceo artistico a Catanzaro si stabilisce in Inghilterra dove studia e frequenta gallerie e musei d’arte contemporanea. Vive e lavora a Milano. Nel 2011 ha partecipato alla rassegna For Esta Terre (Studio D’Ars, Milano), ad ArteCremona con Memoli Arte Contemporanea, alla rassegna allo Spazio del Sole, Provincia di Milano, alla rassegna Intorno all’acqua per un pianeta sostenibile (Studio D’Ars, Milano) e alla collettiva POPSIZE con Marco Lodola, Cracking Art e R.E.M.I.D.A. presso lo Spazio Veniero Moroni di Busto Arsizio. È presente al Padiglione Tibet (Padiglione Italia della 54° Biennale di Venezia) e ad Art Business Malpensa Fiere con Memoli Arte Contemporanea. CONTATTI: Paolo Carnevale: info@streetwheel.it -tel. 347 7945294 – www.streetwheel.it organızzazıone e promozıone CLUB D’ARS

L’opinione Michele Govoni presenta

ROBERTO CARIANI Sembra potersi ravvisare una molteplice e quanto mai interessante modalità nell’arte del ferrarese Roberto Cariani. Dopo un percorso formativo che lo ha visto apprendere tutte le tecniche pittoriche, la sua ricerca si è incentrata sull’acquerello di viaggio. Nello specifico, Cariani raccoglie le sue esperienze in preziosi e quanto mai unici “carnet de voayge”. Traendo, quindi, spunto dai famosi e antichi carnet dipinti e compilati dai viaggiatori setteottocenteschi, Cariani pone sul supporto molto più del semplice strato di acqua e pigmento che costituisce la base della tecnica che lui ha scelto. Nutrendosi del reale che scivola sotto il suo sguardo, infatti, Cariani lo immortala in preziosi quaderni; essi divengono al tempo stesso contenitori dell’effetto dello sguardo e scrigni di piccoli ricordi di viaggio (il biglietto di un mezzo di trasporto, la ricevuta di un ristorante, il biglietto da visita di un antiquario) che vengono applicati sulla carta come parte integrante del quaderno stesso. Nel medesimo tempo Cariani trae ispirazione da quanto rappresentato nei “carnet” per realizzare opere di maggiori dimensioni che amplificano quanto narrato nelle immagini dei quaderni, come se si trattasse di specchi dilatanti che prolungano nel tempo l’effetto del ricordo e sembrano essere animati di quella brulicante vita catturata nelle lunghe sedute di lavoro. Cariani si pone così a metà tra il narratore di viaggio e il documentarista attento e partecipe, inserendosi così nell’ambito dei collezionisti di emozioni: di coloro, cioé, che vivendo a pieno l’istante lo sanno raccontare emozionandosi e regalando a loro volta emozioni. Nel mese di ottobre l’artista ferrarese parteciperà ad uno dei principali eventi espositivi su questo tema che si terrà a Mestre (VE) nelle prime settimane del mese: “Matite in viaggio”. Se, così, da un lato il mezzo con cui il pittore ha deciso di esprimersi si pone nell’ambito di un accademismo quasi lezioso, dall’altro egli se ne distacca in modo deciso, ponendo le sue opere in un ambito di straordinaria freschezza sintatticoformale.

REGIONE

TOSCANA Assessore Cristina Scaletti

28 ottobre e 25 novembre visite guidate gratuite

Luoghi insoliti autunno 2012 La Regione apre al pubblico i suoi palazzi storici

Iniziativa in collaborazione con il Fondo Ambiente Italiano (FAI) delegazione di Firenze.

Aperture straordinarie per tre palazzi storici fiorentini di proprietà della Regione Toscana da visitare gratuitamente con la guida del Fondo Ambiente Italiano (FAI) delegazione di Firenze e Associazione Guide Turistiche della Toscana (AGT), Sezione di Firenze e Provincia. La Regione Toscana, le domeniche 28 ottobre e 25 novembre 2012 dalle ore 10 alle ore 12, aprirà le porte di Palazzo Guadagni Strozzi Sacrati (sede della Presidenza), di Casa Rodolfo Siviero (un tempo abitazione del ministro-agente segreto noto per aver recuperato molte delle opere d'arte sottratte dalle truppe naziste durante l'occupazione italiana), e dell'Ospedale di Santa Maria Nuova. Il FAI è una fondazione nazionale senza scopo di lucro nata nel 1975 con l'obiettivo di promuovere una cultura di rispetto della natura, dell'arte e delle tradizioni italiane. La Regione Toscana ha sposato questo obiettivo ed ha messo a disposizione del FAI delegazione di Firenze e dell'Associazione Amici dei Musei alcuni tra i palazzi più belli di sua proprietà, luoghi al di fuori dei consueti percorsi turistici ma di evidente valore storico ed artistico.

Per prenotare, in orario 9-13, dal lunedì al venerdì: tel. 055 4385616 luoghi.insoliti@regione.toscana.it

LUCA MOMMARELLI

La fuga

L’intesa

Galleria ARIELE Arte Contemporanea QUESTO SPAZIO E’ RISERVATO ALLE GALLERIE D’ARTE DELL’EMILIA-ROMAGNA, PER MAGGIORI INFORMAZIONI RIVOLGERSI A: redazione@rivista20.com

L’opinione Luiza Avellar incontra Vanessa Rusci Belo Horizonte(Brasile), 1970 Toscana Storie di Rose, fiabe e fotografia Luiza Avellar è nata in Brasile nel 1970. All’età di 17 anni Luiza è entrata per la prima volta in un laboratorio fotografico ed ha scoperto la magia della luce: da allora la fotografia avrebbe fatto parte della sua vita. La sua passione per le rose l’ha portata a creare una serie di fotografie ispirate ai simboli sacri e profani di questi fiori. Per creare le sue immagini utilizzava l’ago ed evocava il gesto della femminilità e del dolore nelle sue creazioni. Le sue fotografie cucite sono state esposte individualmente e collettivamente in Francia, Italia, Finlandia, Belgio, Messico, Colombia. Luiza ha vissuto in Brasile, Germania e Francia, dove ha completato i suoi studi per l’ottenimento del Master in Storia dell’arte, con una specializzazione nella ricerca della rosa nell’arte medievale. Attualmente, vive e lavora in Toscana, con suo marito e il suo bimbo di un anno e otto mesi. Ho incontrato Luiza molti anni fa e il suo modo di fare fotografia mi ha colpito da subito, Luiza scolpisce, con l’ago, con il filo con la luce. L’ho ritrovata di recente, a una mostra curata da Matilde Puleo a Arezzo, una collettiva “Dall’Alto e Dal Basso” , una mostra interessante che raccoglieva molte nuove espressioni del panorama artistico italiano, nuove tecniche di cross media, di arte contaminata da nuove idee, da nuove esigenze, nuove ricerche. Ancora una volta il lavoro di Luiza mi ha catturato: le sue immagini sono cambiate però, adesso lo scalpello racconta altre storie, i suoi scatti hanno subito un’evoluzione , lasciate le rose, la sofferenza della creazione, la castrazione sessuale della donna occidentale, si è spostata sull’universo infantile, mi confessa che questo avvicinamento è avvenuto durante la sua maternità, nelle sue immagini è arrivata la leggerezza, la luce, l’energia prorompente della vita, il movimento. Attraverso le fiabe di Italo Calvino infatti Luiza ha riscoperto mondi fantastici, li ha visti, inscenati e fotografati. Ha tessuto una tela, ha narrato una fiaba che ci trasporta in un’altra dimensione. E li incontriamo i suoi Angeli, leggeri che non toccano terra, puri, che corrono e volano verso la vita, trasportandoci, imbarazzandoci, chiedendoci di abbandonare per un’istante la gabbia dove ci siamo imprigionati. Luiza Avellar fa parte di quella generazioni di artiste fotografe che usano la fotografia raccontando le problematiche della nostra società, proponendoci soluzioni, provocandoci, le immagini sono quasi sempre costruite, resti di una performance, di un teatro creato per l’occasione, che diventano immagini icona degli universi femminili, del femminino. Gli artisti a cui si ispira sono per sua ammissione per la fotografia Keichi Tahara, Evgen Bacvar per l’arte Louise ourgeois e Shirin Neshat, sue preferite.

REGIONE

UMBRIA Assessore Fabrizio Felice Bracco

Enrico Guidi pittore

San Gemini (TR) - Museo dell'Opera di Guido Calori dal 29 settembre al 14 ottobre 2012 La Fondazione Museo dell’Opera di Guido Calori, nell’ambito dell’edizione 2012 della Giostra dell’Arme di San Gemini, presenta al pubblico un selezionato gruppo di opere pittoriche di Enrico Guidi. L’iniziativa è accompagnata da cinque scatti fotografici, in bianco e nero, di Agnese Cascioli che ritraggono l’artista. Enrico Guidi è nato a Roma, ha studiato architettura e scienze politiche e ha lavorato lungamente come restauratore nei Musei Vaticani, dove ha avuto modo di confrontarsi con i più grandi capolavori dell’arte di tutti i tempi. Nelle sue opere si ritrova ampiamente il riflesso della sua attività professionale incentrata sulla pittura, in particolar modo quella ottenuta con la tecnica dell’affresco. Questo modo di operare viene trasposto da Guidi su pannelli di medie dimensioni che hanno la funzione di sostituire, idealmente, il muro di supporto. Nei suoi dipinti si nota la ricerca dello spazio attraverso la giustapposizione degli Enrico Guidi, particolare opera oggetti su diversi piani, in particolar modo nelle nature morte, dove l’uso disinvolto dei colori delle terre rende le superfici delle sue opere materiche e dove i segni di contorno risultano netti e marcati, in alcuni casi anche incisi. L'iniziativa è realizzata con il contributo della Regione Umbria.

Anteprima aperta al pubblico domenica 23 settembre ore 17,30. Orari: Sabato e domenica, ore 10 - 14, 18 - 21; Dal martedì al venerdì, ore 18 - 21 Lunedì chiuso

Aperture straordinarie previa appuntamento Ingresso libero

Per informazioni: Museo Guido Calori, Via del Tribunale 54 - tel. 0744630114 - 3288505185 email museoguidocalori@libero.it; info@museocalori.it

Le immagini e i testi di questa pagina sono prelevati dal sito della Regione

FRANCO MARGARI

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L’opinione S P A Z I O R I S E R VA T O A Critico/Curatore dell’Umbria

Questa Rivista nasce dall’esigenza di creare una rete di rapporti con artisti e operatori del settore al fine di far emergere talenti e creatività presenti e sommersi nelle nostre varie regioni e in tal modo valorizzare le realtà artistiche del nostro territorio nazionale. Pertanto intendiamo.coinvolgere per ogni regione Critici, Curatori, Galleristi, Associazioni Culturali e Artisti, offrendo a ciascuno uno spazio dove poter far conoscere e pubblicizzare le loro specifiche attività. Ciò permette a chi sia interessato, di avere un agevole punto di riferimento su tutto il territorio circa le opportunità istituzionali e private (ivi presenti). Apriamo uno spazio per condividere esperienze, sensazioni, opinioni e permettere una reale collaborazione e scambio tra le varie realtà culturali italiane nonchè una finestra verso il mondo internazionale. Intendiamo cioè superare per quanto ci compete l’attuale frammentazione espositiva e propositiva e far emergere quanto di meglio affiora nel nostro settore. Vi invitiamo pertanto ad aderire alla nostra iniziativa scrivendoci a: direzione@rivista20.com

SILVANO BRUSCELLA

REGIONE

MARCHE Assessore Pietro Marcolini

Le marche delle Signorie

Dal Gotico Internazionale al Rinascimento Urbino, Fabriano, Fermo, San Severino Marche, Camerino furono alcune delle città al centro del rinnovamento culturale tra il Trecento e Quattrocento noto con il nome di Gotico Internazionale. San Severino Marche è città simbolo dove nacquero ed operarono Lorenzo e Jacopo Salimbeni, lasciando importanti testimonianze pittoriche. I Salimbeni lavorarono anche a Urbino nell’Oratorio di S. Giovanni Battista (1416) agli affreschi dedicati alle Storie del Santo, considerati uno dei vertici europei del Gotico Internazionale. Gentile da Fabriano, che era “grandissimo per fama nel mondo veneto” (ricordava Jacopo Bellini, 1436) nacque nelle Marche. A Fermo il capitolo artistico del Gotico è, invece, testimoniato dallo splendido Messale de Firmonibus (Museo del Tesoro), miniato da Giovanni Ugolino da Milano intorno al 1436, e dalle preziose tavole di Jacobello del Fiore. Lo stile gotico venne utilizzato anche nelle costruzioni architettoniche che a Fermo nell’Oratorio di S. Monica raggiunse risultati elevatissimi. L’Umanesimo nelle Marche è una stagione felice. Le Signorie dei Montefeltro a Urbino, i Da Varano a Camerino, i Della Rovere a Senigallia crearono le condizioni per lo sviluppo delle arti figurative e delle lettere. La rinascita culturale del territorio raggiunse il suo massimo splendore artistico con Federico da Montefeltro che fece di Urbino la culla dell’arte italiana. Nella corte ducale -sotto l’ultimo duca dei Montefeltro, Guidobaldo I e sotto il suo successore Francesco Maria I Della Rovere, nipote del papa Giulio II - si raccoglievano eleganti nobildonne, in primo luogo Elisabetta ed Eleonora Gonzaga ed altri personaggi come Baldassarre Castiglione Giulianode’ Medici, BernardoDovizi da Bibiena e Bembo, che iniziò la stesura delle Prose della volgar lingua. Alla “città in forma di palazzo” (Il Cortegiano, Baldassarre Castiglione) lavorarono Donato Bramante, Luciano Laurana e Francesco di Giorgio Martini e illustri pittori, come Piero della Francesca e Paolo Uccello. Raffaello respirò l’arte del palazzo accanto al padre Giovanni Santi, pittore di corte. La Signoria di Giulio Ce-sare Da Varano ha se-gnato la storia, la cultura e l’arte della capitale Camerino. Lo stesso fecero i Malatesta a Fano. Costruzioni rinascimentali furono disegnate anche ad Ascoli Piceno con Cola di Amatrice e Bernardino di Pietro nel Palazzo dei Capitani, nella Loggia e nella splendida piazza porticato. Le immagini e i testi di questa pagina sono prelevati dal sito della Regione

QUATTROCENTOMETRIQUADRI gallery

INAUGURAZIONE: SABATO 6 OTTOBRE, ORE19.00 Ogni anno l’ Associazione Culturale Quattrocentometriquadri produce le sue tessere associative, FILIA e AGAPE, in omaggio rispettivamente alla città di Ancona, sede della galleria, e alle Capitali Culturali Europee dell’anno in corso, che invece rappresentano il riferimento simbolico-culturale cui tendere. L’edizione 2012 del Quattrocentometriquadri photocontest ha visto Arianna Moroni vincitrice della sezione FILIA, con uno scatto su Ancona che ha riscontrato successo e suscitato grande curiosità per il lavoro di questa giovane fotografa marchigiana. In occasione della Notte Bianca di Ancona, la galleria ha scelto così di aprire le sue porte per ospitare un progetto fotografico dedicato alla donna, al suo corpo, alla sua intimità. Arianna Moroni, classe 1988, nasce a San Severino Marche. Dopo aver frequentato la scuola di Grafica Pubblicitaria e la Scuola Internazionale di Comics a Jesi (AN), scopre la passione per la fotografia ‘di strada’ durante un viaggio. Utilizzando nei primi anni una semplice ‘compatta’, successivamente perfeziona mezzi e intenzioni: coniugando fotografia e grafica acquisisce via via uno stile sempre più personale. Se in passato l’attenzione della fotografa si è rivolta a figure maschili e femminili, in questa occasione il corpo della donna diventa protagonista. Una esplosione di sensi, impercettibile all’occhio che guarda ma non vede, diventa l’oggetto della ricerca: riuscire a catturare attraverso le forme del corpo, nell’istante dello scatto, quell’insieme di sensazioni nascoste nell’anima, scavando quanto più possibile nell’intimo della persona. “Ho sempre conservato in me la paura di avvicinarmi, di violare l’intimità altrui e di essere violata nella mia. Nel contempo sentivo l’esigenza e il forte desiderio di vedere più da vicino per fotografare ciò che non osavo guardare”, racconta la stessa Arianna. Sabato 6 ottobre, in occasione della notte bianca di Ancona, dalle ore 19 alle ore 24, vi invitiamo a farvi catturare da questi affascinanti corpi femminili, che solo corpi appunto non sono.

www.quattrocentometriquadri.eu QUATTROCENTOMETRIQUADRI gallery via magenta 15 _ Ancona - Marche ORARI dal lunedì al sabato 18.30-20.00. In altri orari su appuntamento

L’opinione Laura Coppa L’incanto dell’innovazione firmata AR[t]CEVIA Basta allontanarsi di qualche chilometro dai circuiti turistici più battuti per scoprire paesi capaci di conciliare, all’interno delle loro mura e senza forzature, le bellezze storiche di un passato glorioso con una fervente contemporaneità artistica. Il luogo in questione è Arcevia, località posta sulle vie già battute dagli antichi romani a metà strada fra Senigallia e Fabriano. Una rocca alle pendici dell’Appennino umbro-marchigiano che sin dall’antichità mantiene e conserva un profondo legame all’arte di ogni suo tempo. Ed è proprio qui che si è appena concluso il Festival internazionale dell’arte che detiene su tutta la regione la massima durata da ben 5 edizioni. AR[t]CEVIA Intarnational Art Festival è divenuto in breve tempo uno dei più importanti festival dell’arte contemporanea nel panorama nazionale.

Una lunga estate cominciata il 4 agosto e protrattasi fino al 30 settembre con l’esposizione dei lavori di oltre 30 artisti provenienti da ogni paese (Russia, Brasile, Libia, Turchia, Austria solo per citarne alcuni) e ovviamente da tutta Italia con, allo stesso tempo, particolare dedizione e attenzione ai giovani talenti delle Marche. Una quinta edizione all’insegna del cambiamento, insomma: il rinsaldare le radici del festival al proprio territorio per proiettarsi con maggior forza ancora più oltre. I legami e le relazioni che l’arte crea e stabilisce hanno condotto artisti provenienti da svariati luoghi a conoscere un territorio di cui è facile innamorarsi, tanto da divenire vera e propria sede di ogni fuga creativa. È così che torna a rivivere il remoto progetto degli anni ‘70 di fare di Arcevia luogo di incontro e comunità dedita all’arte: un sogno seguito allora da artisti e personalità quali Alighiero Boetti, Alberto Burri, Mario Ceroli che oggi si riadatta e prende forma nelle sembianze del proprio tempo. AR[t]CEVIA si riconferma quindi un festival che genera e crea sinergie, energie e tantissime nuove idee. Progetti che nascono non solo fra sale colme di arte contemporanea, ma anche fra note musicali, recital, teatro civile e sperimentale, performances e video; due mesi fitti di appuntamenti culturali, incontri e laboratori dedicati ai giovanissimi e agli over-anta. Gironi (performance fotografica e danza),

La collettiva e gli eventi collaterali sono stati ulteriormente arricchiti dalla personale di Ezio Bartocci “Arte-litteram” con in mostra una serie di lavori svolti nell’arco di un trentennio e dedicati alla sottile potenza comunicativa sprigionata dallo sposalizio semiotico fra segni grafico/pittorici e quelli linguistici. Un’estate racchiusa da quell’incanto che solo l’arte è in grado di partorire. Si è chiusa così una quinta edizione piena di nuove promesse e progetti per un 2013 ancora più sensazionale. Artisti che hanno partecipato: Carla Abbondi, Andros, Attinia, Natasha Auenhammer, Daniele Barbagli, Leonardo Cemak, Marco Cingolani, Emanuela Comito, Orodè Deoro, Anna Donati, Luigi Ferretti, Roberto Fontana, Andrea Giorgi, Marcello Gobbi, Giulia Gorlova, Stefan Heide, Giuliana Iannotti, Viaceslav Kovalenko, Giovanni Longo, Massimiliano Magrini, Luca Morici, Nabil, Murat Onol, Michele Petrelli, Stefano Parolari, Gualtiero Redivo, Paolo Rinaldi, Armando Santelli, Flavio Sciolè, Collettivo TM15, Angela Tonni Perucci e Ernesto Massimo Sossi, Claudia Venuto, Claudia Vianello. Sezione eventi: Orodè Deoro (performance pittorica con musica e voci dal sud africa), Stefano Lucarelli (teatro civile), Mauro Pierfederici e Giacomo Sebastianelli (recital e percussioni), Michela Rossetti con Andrea Giansanti, Cinzia Leoni e Valntina Antinori (teatro sperimentale), Francesca Tilio e Francesca Mostre personali: Ezio Bartocci (Arte-litteram).

REGIONE

MOLISE Assessore Angelo Michele Iorio

Fondazione Molise Cultura, si va verso la piena operatività Il Presidente della Regione, Michele Iorio, ha tenuto nel pomeriggio di oggi un incontro con il Consiglio di Amministrazione e con il Comitato scientifico della Fondazione Molise Cultura. È stata questa anche l’occasione per l’insediamento ufficiale del Comitato scientifico recentemente nominato dal Consiglio di Amministrazione che ha cercato di coinvolgere nell’attività ideativa e progettuale della Fondazione personalità di indubbia fama nazionale ed internazionale in vari settori dell’arte, della musica, della letteratura e della cultura in generale. Fanno parte del Comitato: Lorenzo Canova, Giulio Rapetti (Mogol), Chiara Gamberale, Dante Gentile Lorusso e Pino Nese. Nel corso dell’incontro, è stato fatto il punto della situazione e si è molto discusso delle prospettive future della Fondazione. Questa, infatti, - è stato detto - sta gradualmente arrivando alla condizione di piena operatività con la disponibilità, prevista nei prossimi giorni, della sede dell’EX GIL di Campobasso e il conseguente avvio di vari programmi e progetti di carattere culturale

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Angela Ippolito

Sin dai suoi esordi negli anni Settanta Angela Ippolito produce opere, siano carboncini, inchiostri oli o pittura, siano su carta, su tela juta oppure porcellana, opere in cui la figura umana viene rappresentata in un’estrema essenzialità. Si evidenzia infatti in maniera marcata l’assenza assoluta di profondità, di prospettiva, di ambientazione, elementi che potrebbero raccontare una storia, dare un indizio sull’origine dei personaggi rappresentati, guidare la comunicazione verso il determinarsi di un preciso messaggio.

QUESTO SPAZIO E’ RISERVATO ALLE GALLERIE D’ARTE DEL MOLISE, PER MAGGIORI INFORMAZIONI RIVOLGERSI A: redazione@rivista20.com

L’opinione di Giovanna Arancio dal declino concettuale al rigore del senso Il volto. Come si può parlarne? Può intendersi come maschera, secondo il senso greco, ossia il volto è forgiato dalla cultura quale veste che diventa un tutt'uno con la nuda animalità che intimamente gli appartiene. Oppure, all'opposto, si può affermare che il viso è ciò che siamo se ci liberiamo delle maschere che la società ci impone al costo di un penoso appiattimento omologante. È visibile o invisibile? Solo l'altro lo vede e, se vuole, lo guarda. Chi lo vede ce lo rimanda interpretato dal suo modo d'essere: non ci ritorna esattamente il nostro viso ma come esso viene vissuto da chi ci guarda. Neanche allo specchio lo vediamo vivere. Se ci guardiamo è vero che il volto ritorna riflesso ma solo per un attimo. Si tratta di un flash che non possiamo sostenere a lungo tanto più che è una visibilità non reale perché i lineamenti si irrigidiscono in fretta nella posa. La tecnologia avanzata del nostro mondo mediatico non modifica i caratteri con cui il volto si dà né riesce a risolvere l'enigma di questa sottrazione fisica del sé. Una lunga sequenza di riprese (mute, parlate, sofisticate, documentarie) non ci può riportare il nostro viso della quotidianità, è incapace di sostituirne la scioltezza e il senso. A parlare del volto restano il rapporto con l'altro e l'opera d'arte. L'opera d'arte. È la finzione, che narra una verosimile visione (con accenti multiformi, figurati e non) del volto che viene cercato da sè e dall'altro e profondamente guardato. Il volto nella nostra mostra. "Il volto è nell'altro", pertanto restando nell'area artistica, è la più lucida tensione comunicativa restituibile. Il fatto di figurare il viso in modo caleidoscopico, attraverso continue variazioni o addirittura sottolineandone l'assenza visiva, è questione che appartiene a millenari incroci di culture. Detto questo i quadri in mostra sono un frammento dedicato al tema e risolto in chiave figurativa.

REGIONE

LAZIO

Assessore Fabiana Santini

Johannes Vermeer Finalmente a Roma una rassegna su Johannes Vermeer, massimo esponente della pittura olandese del XVII secolo e non rappresentato nelle collezioni italiane. La mostra delle Scuderie del Quirinale include, infatti, un’accurata selezione di opere di Vermeer – rarissime e distribuite nei musei di tutto il mondo - e all’incirca cinquanta opere degli artisti olandesi suoi contemporanei. Il visitatore potrà, quindi, non solo familiarizzare con questo genio artistico dalla vita ancora oggi avvolta dal mistero, a cominciare dalla sua data di nascita tuttora sconosciuta, ma anche comprendere come l’opera del maestro di Delft si sia rapportata con gli altri artisti attivi nella sua città natale e nei vicini centri di fermento culturale quali Amsterdam, Haarlem e Leida. In anni recenti l’arte olandese è stata abbondantemente e universalmente studiata e diverse rassegne espositive le sono state dedicate in Inghilterra, Olanda, Germania, Giappone, Spagna e Stati Uniti, tutte memorabili ma lontane, nel tempo e nello spazio. Oggi, le Scuderie del Quirinale sono orgogliose di poter offrire questa mostra straordinaria e il suo catalogo che aiuteranno a comprendere e conoscere la pittura olandese e questo grande, indiscusso e assoluto maestro. Con Irene Corsetti Data Domenica 21 Ottobre Orario di Appuntamento 14.30 Luogo di Appuntamento Davanti all'Ingresso delle Scuderie del Quirinale Quota di Partecipazione 10,00 per persona. Da aggiungere il biglietto d’ingresso Euro 10,00 intero Euro 9,50 ridotto. Euro a Persona Informazioni Utili NON SONO PREVISTE GRATUITA’ PER LA VISITA GUIDATA. BIGLIETTO RIDOTTO: giovani fino a 26 anni, adulti oltre i 65 anni, insegnanti in attività (esclusi professori universitari), giornalisti con regolare tessera dell'Ordine Nazionale (professionisti, praticanti, pubblicisti), forze dell'ordine e militari con tessera di riconoscimento. INGRESSO GRATUITO: bambini fino a 6 anni, disabile (accompagnatore gratuito), invalido (accompagnatore gratuito), guide turistiche Regione Lazio, accompagnatori turistici Regione Lazio, possessori tessera ICOM e ICROM Modalita di Prenotazione Per confermare la presenza inviaci un'e-mail all'indirizzo redazione@irradiazioni.it

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â€œGli infermiâ€? -2007/2008 - tecnica mista su tavola - 4 tavole x cm 50 x 180

Amarillo Art Gallery presenta

Alessia Zolfo mostra personale dal 10 al 23 2012 presso Amarillo Art Gallery Reggio Emilia, via Sani, 13/n

ferdinando provera roma laboratorio di ricerca fotografia ..ed altre storie cell. +39.393.6634339

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L’opinione di Angelo Andriuolo FILTRI D’AMORE GIAMPAOLO GENTILI E’ connettività assoluta, un assioma negato che porta ad una nuova realtà. Quello mostrato da Giampaolo Gentili è un mondo visualizzato da una prospettiva insolita, uno “scamming” attraverso gli occhi composti degli scarti. Ciò che è stato,spesso senza ritegno,abbandonato viene riciclato a diventare occhio, nobilitato a testimone, in qualche maniera assurto a giudice. Quindi non più semplice filtro ma estratto sublimato della realtà fisica. La fotografia, pura, senza interventi digitali di alcun tipo, crea connubio con l’impuro e restituisce bellezza e stimoli di riflessione. Un’ atmosfera sfocata che si risolve in un pensiero di una nitidezza istintiva e primordiale : di rifiuti stiamo morendo ma ancora, nelle pieghe dell’animo di ciascuno di noi, c’è la magia di una possibile salvazione. Le immagini ci trasmettono un senso di pacata forza, di speranza, di energie residue che

ancora possono essere spese allo scopo, forze individuali che possono alimentare una possanza collettiva. Una ricerca struggente, istintiva , emotiva che viene compiuta, e in maniera magistrale, con l’ausilio di un mezzo apparentemente “freddo”. Una diade,immagine filtro, perfettamente ricomposta dallo scatto,“terzo”, dell’Artista. E finalmente ecco che allora, attraverso il semplice gesto dello scatto, il postulato negato diventa verità assoluta, immagine chiara e profonda nonostante la nebulosità provocata. A rigor di vero, la terzietà dell’Artista è solo finzione (del resto dichiarata), solo veicolo momentaneo e presto abbandonato. La sua partecipazione è totale,completa, esaustiva. Anche dolorosamente interiore. Il motore che, solo, davvero tutto muove nell’universo di Gentili, è il Cuore.

REGIONE

ABRUZZO

Assessore Luigi De Fanis

OTTOBRE CONTEMPORANEO 2012 Le immagini e i testi di questa pagina sono prelevati dal sito della Regione

sabato 6 Ottobre 2012 ore 18.30 MAAAC di Nocciano presentazione del volume I luoghi del Contemporaneo mercoledì 10 e giovedì 11 Ottobre 2012 ore 18.30 VisualContainer Milano MadeinAbruzzo: ricerche regionali di Videoart giovedì 18 Ottobre 2012 ore 17.30 Sala Consiliare Comune di Penne convegno Le aree periferiche nel sistema dell’arte: Penne tra memorie&azioni - aluti dell’Assessore alla Cultura del Comune di Penne martedì 30 Ottobre 2012 ore 17.30 Sala Figlia di Iorio Provincia di Pescara convegno Pescara centro e periferia: le convergenze mancate OTTOBRE CONTEMPORANEO 2012 il ruolo della periferia nell’arte del presente omune di Nocciano Provincia di Pescara Comune di Penne Assessorato alla Cultura

Michela RIBA

“Gigantologia”- 2009, olio su tela, cm 120x 80 x 4 “S.F.V.Q”- 2009, olio su tela, cm 90x 70

“La sfinge cambia look”- 2007, olio su tela, cm 50x 105

“Musa”- 2008, olio su tela, cm 50x 120

Sabato 6 ottobre, dalle ore 9.00 alle ore 13.00, negli spazi del MUMI-Museo Michetti, durante l’ottava Giornata del Contemporaneo, promossa da AMACI (Associazione Musei d’Arte Contemporanea Italiani), si svolgerà un happening-performance durante il quale un gruppo di persone comuni, composto prevalentemente dai ragazzi dell’Istituto di istruzione superiore “Umberto Pomilio” di Chieti diretto da Anna Maria Giusti, e dai cittadini di Francavilla al Mare, darà vita ad un’opera d’arte collettiva. A guidare questa esperienza pittorica, denominata “Incontrarsi per dirsi noi”, sarà la pittrice pescarese Anna Seccia, in attività sin dagli anni’60, da sempre impegnata nell’ambito dell’arte relazionale. L’evento sarà curato del critico d’arte Massimo Pasqualone.

BARBARA VINCENZI presenta

LUCIO DIODATI Artista abruzzese, ha raggiunto da anni una fama mondiale, esponendo in diversi anni di attività nelle principali città italiane europee ed estere: Londra, Glasgow, Lisbona, Barcellona, Montreal, New York, Dubai, l’Avana. Il suo universo femminile viene raccontato attraverso una serie di immagini che dolcemente si affastellano nei dipinti tra colori brillanti di azzurri lapislazzuli, verdi pistacchio, gialli intensi, rosa accesi e più delicati ocra, creando netti contrasti di ombre che delineano i profili dei volti e dei corpi.Visi assorti, di donne imbellettate dell’alta società, vestite in modo aristocratico in stile anni ’20,’30 e ‘40, dove emergono bizzarri capellini con fiori e nastri che ricordano la moda degli esordi di Coco Chanel.Volti stereotipati con labbra pronunciate, nasi all’insù e seni importanti evidenziati

dai pro fondi scolli degli abiti dai tagli sartoriali, definiscono una donna dalle forti caratteristiche femminili, ritratte dall’artista con un occhio ironico velatamente cinico. Un mondo raffinato e di élite, dove pellicce colorate, abiti a righe, pois o più eccentricamente leopardati, fanno il loro ingresso in un indiscusso mondo aristocratico. Gli uomini appaiono raramente, anche loro riccamente vestiti, quasi di “contorno” alle figure femminili che prevalgono nelle rappresentazioni di Diodati. Anche i titoli delle opere pongono un accento in più su quel lato ironico di un universo in cui l’apparenza predomina. Un mondo solare, vacuo, che ricorda le cartoline d’epoca, descritto in modo oggettivo e mai banale. www.luciodiodati.com

REGIONE

PUGLIA Assessore Silvia Godelli Cultura, spettacolo, istruzione, formazione e lavoro Area riservata alle iniziative regionali di sostegno e valorizzazione del patrimonio culturale pugliese, all’espletamento delle funzioni per garantire il diritto allo studio ed alle attività di orientamento mirate alla formazione ed al lavoro. Le norme regionali di disciplina del settore “spettacolo e cultura”, in particolare la legge 6/2204, privilegiano il rapporto con il paesaggio e le risorse del territorio, sviluppando azioni di coinvolgimento di soggetti pubblici e privati nel rispetto del pluralismo culturale e delle pari opportunità. Per tutti gli studenti pugliesi è garantito il diritto allo studio attraverso la programmazione e l’assegnazione ai Comuni di risorse regionali e statali. L’attività formativa, che si espleta attraverso le procedure dell’accreditamento degli enti, consente, con la formazione continua, lo sviluppo di nuove competenze e professionalità e permette percorsi formativi destinati a varie fasce di utenza, dagli studenti dell’obbligo scolastico ai giovani laureati, dai portatori di handicap ai gruppi svantaggiati. Per il sostegno dell’occupazione, la regione ha adottato strumenti strategici per l'inserimento o il reinserimento nel mercato del lavoro.

Spinazzola

Minervino Murge

Concorso BLUorG per giovani artisti Il concorso BLUorG Under 35 2012 LAB_ Residence nasce dall'esigenza di soddisfare le nuove modalità creative dei giovani artisti con l'intento di realizzare una residenza creativa per ospitare le proprie creazioni. Il progetto è sostenuto dalla Regione Puglia - Assessorato alle politiche del Mediterraneo, Cultura e Turismo. Si precisa che i termini di scadenza per partecipare al concorso, inizialmente fissati entro il 30 settembre 2012, sono prorogati al 7 ottobre 2012. Al vincitore sarà riconosciuto un premio di euro millecinquecento, che verrà assegnato nel corso della cerimonia di premiazione da parte della Giuria presieduta da Michele Mirabella. Nel concorso sono esplicitati tutti i criteri e le modalità di partecipazione e di selezione. Le immagini e i testi di questa pagina sono prelevati dal sito della Regione

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CONTEMPORANEA GALLERIA D’ARTE presenta

OTTOBREDAUNO 2012

ATHOS FACCINCANI Foggia – Quartiere fieristico dal 29 settembre al 7 ottobre 2012 Biglietti omaggio da ritirare presso Contemporanea Galleria D’Arte Viale Michelangelo 65 - Foggia Tel. 346 7334054 dal lunedì al venerdì dalle ore 10 alle 13

L’opinione di Ilario D’Amato

HERMANN NITSCH E L’ORGIEN MYSTERIEN THEATER

Artista viennese, fondatore e ideatore del gruppo "Arte in azione", Hermann Nitsch dal 1957 concepisce, con un intimo legame alla tradizione cristiana, il teatro dell’orgia e del mistero, "Orgien Mysterien Theater", una forma originale di opera d’arte totale che si sviluppa in sei giorni durante i quali si mettono in scena azioni reali e si coinvolgono tutti e cinque i sensi. Numerose sono le fotografie all’interno del museo che riportano e ricostruiscono le performance artistiche intrise di sangue, uomini crocifissi,donne bendate e animali squartati; inutile nascondere che l’impatto é decisamente forte e spesso provoca disgusto, ma non per questo bisogna bocciare l’arte di Nitsch senza almeno interrogarci sul reale significato che l’artista ha voluto trasmetterci con immagini così provocatorie. I primordiali istinti umani, che l’artista ritiene repressi dalle norme e dalle imposizioni sociali, riemergono prepotentemente attraverso la carne, il sangue, le interiora, il tutto unito da un monocromatismo rosso che assume,nel suo dominio, un ruolo fortemente arcaico. Il sangue si fissa sull’opera d’arte scorrendo dal basso, nello stesso modo in cui, negli anni seguenti, Nitsch crea gli Shuettbilder, o "dipinti versati" che si possono ammirare al piano inferiore del museo. Sottofondo musicale in queste performance sono le composizioni, simili a canti di monaci, create dallo stesso artista che assume il ruolo di un sacerdote o di un direttore sinfonico. Il museo Nitsch di Napoli dunque racchiude in sé l’intero percorso artistico di Hermann Nitsch che forse è bene vedere come una sorta di cammino spirituale con precisi rimandi alla simbologia cristiana e pagana e veri e propri riti di espiazione collettiva e individuale attraverso i quali l’artista cerca di far vivere allo spettatore delle intense esperienze esistenziali. La struttura che oggi ospita a Napoli tele, fotografie, opere di Nitsch é stata sapientemente recuperata dalla Fondazione Morra - Istituto di Scienze delle Comunicazioni Visive, che ha riportato la vecchia stazione elettrica del teatro Bellini, ad uno splendore mai conosciuto prima.

REGIONE

BASILICATA Assessore Vincenzo Viti Cultura e attualità Basilicata/Consiglio: al via dibattito su leggi per la cultura 25 Settembre 2012 - 11:19 (ASCA) - Potenza, 25 set - Al via oggi, in Commissione ‘’Politica sociale’’ del Consiglio regionale della Basilicata, la discussione sulle leggi per la cultura, con le audizioni degli assessori Vincenzo Viti e Attilio Martorano e i responsabili del Gruppo di Volontariato ‘’Solidarieta’’’. L’assessore alla ‘’Cultura ‘’, Vincenzo Viti, ha sottolineato che ‘’occorre operare, per quanto concerne la fruizione della cultura, su tracce consistenti, su sistemi organizzati, senza lasciare nulla la caso, bensi’ utilizzando una serie complessa

di interventi, facendo ricorso alla ‘carta della qualita’ dei sistemi culturali’. L’assessore ha proposto alcuni emendamenti alle proposte di legge gia’ presentate, cogliendone il senso ed i contenuti, ed e’ sulle caratteristiche innovative delle leggi sulla cultura che si sviluppera’ il dibattito in Commissione. Le due proposte di legge ‘’Norme in materia di beni culturali della Regione Basilicata’’ e ‘’Norme organiche in materia della spettacolo e norme di disciplina delle attivita’ culturali’’, a giudizio di Viti ‘’produrranno una trasformazione fondamentale del settore culturale della Basilicata. Si creano i presupposti per un settore della cultura dinamico, vitale, che e’ tale se e solo

se garantisce in modo continuativo e permanente la gestione delle attivita’ culturali, condizione fondamentale per mettere in equilibrio esigenze di tutela, di conservazione e di valorizzazione in tutti i settori della cultura. I principi che hanno governato l’elaborazione delle due proposte di legge regionale sulla cultura - ha detto Viti - sono riferibili ad una politica per l’incremento della fruizione culturale. Fondamentale, poi, l’integrazione gestionale e territoriale delle attivita’ culturali, cosi’ come la promozione di un settore culturale di qualita’. Il tutto nell’ottica di una programmazione unitaria e concertata, con particolare attenzione per i giovani’’. Il responsabile del dipartimento ‘’Salute’’, Attilio Martorano, e’ stato audito in merito alla delibera di Giunta regionale che concerne la ‘’Costituzione e nomina del Comitato etico regionale’’. Martorano ha riferito che ‘’in sede di prima seduta del Comitato sara’ approvato il regolamento in coerenza con i tempi della sperimentazione, pur considerando la eterogeneita’ e complessita’ dei componenti’’.

Venosa - Piazza Castello Le immagini e i testi di questa pagina sono prelevati dal sito della Regione

NATALIE SILVA

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Galleria ARIELE Arte Contemporanea QUESTO SPAZIO E’ RISERVATO ALLE GALLERIE D’ARTE DEL LAZIO, PER MAGGIORI INFORMAZIONI RIVOLGERSI A: redazione@rivista20.com

MARIA TERESA CAPELLI

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L’opinione S P A Z I O R I S E R VA T O A Critico/Curatore della Basilicata

REGIONE

CAMPANIA Assessore Caterina Miraglia Diaspora alla Deriva

da martedì 11 Settembre 2012 a giovedì 11 Ottobre 2012 L'artista Justin Peyser approda alle sale storiche del Maschio Angioino. Organizzata dall’Associazione Culturale Approdi, la mostra si avvale della partecipazione e consulenza di Scialom Bahbout. Nata come proseguimento del World Urban Forum 6 e della Giornata Europea della Cultura Ebraica, la personale dello scultore newyorkese Justin Peyser è un evento che dialoga in maniera incisiva con la città di Napoli. Le sculture dell'artista evocano e sintetizzano archeologia, arte antica e arte contemporanea. Allo stesso tempo suggeriscono l’idea di uno spazio urbano inteso come testimonianza di vite reali che hanno provato felicità o dolore, che hanno trovato accoglienza o espulsione e che comunque hanno contribuito allo sviluppo e alla circolazione di idee e progresso. Da ebreo Peyser conosce il sacrificio di un popolo che lotta per non perdere la propria identità etnica e culturale ed è solidale con tutti i figli delle diaspora. NOTE La mostra è visitabile tutti i giorni, tranne domenica e festivi, dalle ore 9 alle 19 museo madre htmleditformat(Madre Museo D'Arte Donnaregina) Madre Museo D’Arte Donnaregina Il Museo d’Arte Contemporanea Donnaregina (MADRE) è ospitato nello storico palazzo Donnaregina, trasformato dall’interve Napoli Basilica di San Francesco di Paola Napoli Basilica di San Francesco di Paola Costruita per volere di Ferdinando IV di Borbone nell’emiciclo della celebre Piazza del Plebiscito, fu iniziata nel 1816 e completata intorno al 1836 su progetto di Pietro Bianchi. Le immagini e i testi di questa pagina sono prelevati dal sito della Regione

BLINDARTE

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Invito a Consegnare : La Blindarte ha iniziato la raccolta per questa vendita. Se desidera parlare con un esperto per la consegna di opere della Sua collezione, può contattarci al numero +39 081 2395261 o via email all'indirizzo info@blindarte.com La data ultima per la consegna per quest'asta è il 5 ottobre 2012.

Maria Teresa

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L’opinione di Annamaria Parlato e Maria Arcella

Pamart Consulenza e Progettazione Culturale - www.pamart.it Mario Carotenuto nasce nel 1922 a Tramonti (Sa), vive e risiede a Salerno. Frequenta dopo il Liceo Classico, la facoltà di Lettere e l’Accademia di Belle Arti a Napoli, ricevendo gli insegnamenti dei maestri Vincenzo Ciardo ed Emilio Notte. Pittore e scultore, è presente sulla scena artistica sin dagli anni ‘40, ha viaggiato in Europa (Parigi, Madrid, Monaco) e in Italia, la sua prima mostra è del 1953, presso l’emeroteca dell’EPT di Salerno. La sua pittura si apre alle esperienze del "collage" e dell' “assemblage". Alla fine degli anni '60 ritorna ad una pittura più tradizionale con spunti surrealisti. Nel corso degli anni si lega sempre di più al circolo degli intellettuali che ruotano attorno alla galleria salernitana Il catalogo di Lelio Schiavone, tra cui Alfonso Gatto e Filiberto Menna. Nel 2011 ha ricevuto la cittadinanza onoraria dall’amministrazione comunale di Salerno e il suo ciclo pittorico più corposo e importante, oltre alle numerose mostre, è il celebre “Presepe Dipinto” nella Sala San Lazzaro del Duomo di Salerno, formato da circa 160 pezzi, ovvero sagome dipinte a grandezza naturale, raffiguranti perfino personaggi reali del centro storico e della città, che nel dicembre 2012 festeggerà i suoi trent’anni di vita. I paesaggi della Costiera Amalfitana, gli interni mediterranei, gli oggetti devozionali, i paramenti sacri, le brocche, le antiche lanterne e le farfalle, sono solo alcuni dei soggetti a lui cari, che affollano le sue tele. Dall’analisi conoscitiva della realtà, dell’oggetto, dallo studio dal vero e dalla percezione dei piani strutturali e architettonici, le opere di Carotenuto prendono coscienza e forma, suggeriscono nuove prospettive, rovesciano lo spazio evidenziandone l’esistenza. La lectio di Courbet, Cezanne, Van Gogh, Matisse, Morandi, rivive nell’uso delle linee e dei colori, soprattutto nelle opere degli anni Cinquanta. La sua pennellata ha rotto gli schemi e ha segnato un rinnovamento nello scenario culturale salernitano del secondo dopoguerra, unificando le spinte innovative provenienti dall’Europa con i fermenti artistici di Napoli e dell’Italia meridionale. In un’opera significativa del 1969, Donna in poltrona, di collezione privata, le tonalità adoperate, nella maggior parte dei casi calde, sono il segno del carattere dell’artista, del suo temperamento sensibile, attento a scrutare dentro e fuori di sé. La sua ricerca policromatica e materica è incentrata sulla luce e l’armonia. E’ la bellezza che si afferma nei rivoli dei suoi colori che si stagliano con potenza, che nasce dal trovare oggetti reali, veri, esistenti, che però non hanno nulla in comune. Tale situazione genera un’inattesa visione che sorprende per la sua irrazionalità, contrad dice le nostre certezze. La sua figurazione qui non è del tutto naturalistica, anche se ha con il naturalismo un dialogo serrato. E ciò per l’ovvio motivo che vuol trasfigurare la realtà, ma non negarla. Il suo è dunque uno sguardo molto lucido e sveglio sulla realtà che lo circonda, dove non trovano spazio né il sogno né le pulsioni inconsce. L’unico desiderio che la sua pittura manifesta è quello di sentire il silenzio del mondo. Nel suo Eden ritrovato Carotenuto ha respirato i profumi della sua terra, della Costiera Amalfitana, dove le farfalle assumono fattezze tropicali, la luna assume i colori dei limoni, la frutta è zuccherina e le piante sono lussureggianti. Le cupole maiolicate delle chiese in Costiera, le cattedrali paesane nelle sue tele diventano favole dipinte, i cui frammenti si avvicendano in collages, che celano venature di nostalgia per l’infanzia e l’adolescenza vissute in quegli ambienti e che non ritorneranno. La sua prima scatola di pastelli l’ebbe a diciannove anni e il Carotenuto di oggi è quello che da sempre ha affermato: “Sono perché dipingo”. MARIO CAROTENUTO

REGIONE

CALABRIA Assessore Mario Caligiuri Cultura e attualità L’Assessore Regionale alla Cultura Mario Caligiuri ha presentato il secondo censimento dei musei realizzato dalla Regione Calabria. Il documento è stato realizzato coinvolgendo tutti i sindaci calabresi nell’aggiornamento del primo censimento regionale “Musei in Calabria” realizzato nel 2006 da un team di ricerca dell'Università "Mediterranea" di Reggio Calabria, coordinato da Rosa Maria Cagliostro. “In più occasioni – ha detto Caligiuri - abbiamo coinvolto le amministrazioni comunali nel censimento del patrimonio culturale regionale. Grazie alla collaborazione dei Sindaci abbiamo realizzato una banca dati indispensabile per programmare al meglio i finanziamenti europei per la valorizzazione del sistema museale calabrese”. Sono state censite 284 strutture museali, dislocate in 193 comuni: 83 nella provincia di Cosenza, 36 nella provincia di Catanzaro, 19 nella provincia di Crotone, 32 nella provincia di Reggio Calabria e 23 nella provincia di Vibo Valentia. L’Assessore Caligiuri ha inviato una breve relazione sui dati raccolti a tutte le e amministrazioni comunali calabresi. La stessa relazione è stata pubblicata anche sul sito della Regione Calabria nell’Area di interesse “Cultura”. A sostegno dei musei calabresi la Giunta presieduta dal Presidente Scopelliti ha già promosso una serie provvedimenti in grado di innovare in modo strutturale il settore. In particolare, l’Assessore Caligiuri ha ricordato l’approvazione, prima da parte della Giunta e poi del Consiglio Regionale, dell’atto preliminare di definizione del Sistema Museale Regionale, che recepisce gli standard di qualità contenuti nel codice deontologico dell’ICOM (International Council of Museums). Il provvedimento consentirà di sbloccare le risorse comunitarie del POR Calabria destinate ai musei calabresi e di orientare i musei regionali verso la valorizzazione economica e culturale dell'intero sistema. g.m. Le immagini e i testi di questa pagina sono prelevati dal sito della Regione

G u i d o OGGIONI

“Solarità” - 2011, t. m. - cm100x 100

“Ebani dal tempo” - 2011, t. m. - cm 100x 98

Con i suoi lavori, Guido Oggioni mette in scena un elegante gioco volumetrico, prediligendo una narrazione scarna che conferisce alle sue opere un’aura di arcana solennità. Il suo modello compositivo è puristico ed essenziale, alternando sovrapposizioni polimateriche che predispongono calibrate simmetrie. Il costrutto trasmette l’impressione visiva di un paesaggio inabitato, mentre i profili geometrici delle forme che lo abitano emergono dalla superficie pittorica, creando suggestioni tridimensionali. Caratterizzandosi con un’inedita raffinatezza esecutiva, l’artista sfrutta le cromie naturali delle superfici materiche, coniugandole con pigmenti che ne assecondano i valori tonali. In un sapiente processo di composizione, egli accosta impasti di terre e frammenti di legno, amplificando così il senso di una metafora paesaggistica, anche se mai allusiva di un vero riconoscibile, ma piuttosto evocativa di uno spazio utopico, che mira a un equilibrio stabilizzato di forze convergenti e divergenti. Questi scorci sublimati in prospettive illusorie sembrano evocare una sospensione governata dal silenzio, in un atteggiamento psicologico di separatezza dalla storia e dalle contingenze della cronaca: in definitiva, il percorso di una solitaria meditazione. (estratto dal testo critico di Paolo Levi)

“Memoria dal tempo” - 2011, t. m. - cm 80x 80

Mauriz i o

ROSSI

L’opinione d i B a r b a r a Vi n c e n z i Attento conoscitore del suo tempo, Vito Giarrizzo accoglie in sé qualche richiamo delle avanguardie storiche del ‘900, rimanendo coerente ad un suo percorso di ricerca artistica, con l’intento di proporre nuove tematiche e concetti, che suggeriscono altri spazi ed altre dimensioni percettive. La sensibilità dell’artista va di pari passo con un mondo paradossale, intenso e pieno di interrogativi. La sua profonda cultura, assimilata negli anni attraverso studi e riflessioni, gli apre le porte a nuovi tragitti, geografie di mondi insoliti e sconosciuti, in cui l’uomo e la Madre Terra si confrontano reciprocamente. Le regole infrante di un destino cercato tracciano l’inesorabile sorte dell’uomo e della Terra; gli abusi causati dal progresso devastano la natura, che a sua volta si ribella contro l’umanità, con risvolti spesso catastrofici, sono narrati con sapienza nelle sue tele. Vito, vuole mettere in luce, come l’innovazione abbia occultato definitivamente la reale visione della vita, rendendo l’uomo sterile al “sentire” autentico, compromettendo la qualità della sua intera esistenza. Un uomo che “costretto” dalle infrastrutture sociali viene soffocato nella sua vera identità, dove voci si mescolano ad altre voci inascoltate, decretando l’offuscamento delle facoltà percettive dell’intera umanità. La sua, una lotta silenziosa contro le chiusure mentali e la volontà di sintonizzarsi con i tempi, con rinnovati modelli di comunicazione ed

organizzazione sociale. L’artista rivolge la sua attenzione alle profondità della mente dell’uomo, al suo Io, in un percorso in cui i pensieri sommersi arrivano alla superficie, risolti con il sapiente uso di colore e materia. Materia che si fa protagonista, che si sovrappone e struttura in storie che a loro volta ne suggerisco altre. Stratificazioni di scritture, che s’intersecano indicando nuove chiavi di lettura. Labirinti di pensiero, forme e identità nascoste, si liberano alla ricerca di un diverso tempo e spazio. Nuovi percorsi, nuove tracce, nuovi significati, vengono elaborati sulla tela, con la volontà di smascherare le “menzogne” che opprimono la società attuale. ..................................................

REGIONE

SICILIANA

Assessore Amleto Trigilio

Viale Teocrito, 66 - 96100 - Siracusa - ITALY Phone: +39 0931 489511 - Fax: +39 0931 489532 Orari:da martedì a sabato 09.00 -18.00 domenica e festivi 09.00 – 13.00 Lunedì chiuso Il Medagliere: ma-gio-ve-sa 09.30 – 13.30 me 9.30 – 17.30 Domenica e Lunedì chiuso Costo biglietto: singolo intero € 8,00; singolo ridotto € 4 Biglietto per i residenti € 1

Le immagini e i testi di questa pagina sono prelevati dal sito della Regione

Liber Associazione OLTREILGIARDINO en pleneir

I.S.S.M. A. Toscanini Ribera

PRESENTANO 450° Anniversario della nascita di Jan Pieterszoon Sweelinck 400° Anniversario della morte di Giovanni Gabrieli

Chiesa di S. Michele - Sciacca Domenica 28 ottobre 2012 ore 20,00 La scuola organistica italiana e fiamminga in occasione del 400° anniversario della morte di Giovanni Gabrieli e del 450° anniversario della nascita di Jan P. Sweelinck organista Paolo Springhetti C Con la partecipazione dell'organista Francesca Di Giorgi e del flautista Maurizio Parisi

I. S. S. M. A. Toscanini Ribera

450° Anniversario della n 400° Anniversar

Chi Domenica La scuola orga in occasione del 40

L’opinione di Nuccio Mula TANIA MICCICHE’

IL QUI E L’OLTRE FRA TALENTO ED ESTRO Tania Miccichè ha solo 24 anni (è nata il 24. 04. 1988 a Favara, in provincia di Agrigento, e lì risiede) ma possiede già un’esperienza tecnica nelle varie scansioni espressive che cesella ed ottimizza l’ecletticità dell’estro in polivalenza di scaturigini e ne permette un giudizio critico di pieno e convinto consenso. Doppiamente e brillantemente laureata in Arti Visive e Discipline dello Spettacolo presso l’Accademia di Belle Arti “Michelangelo” di Agrigento (titolo triennale in Pittura, dottorato biennale specialistico in Decorazione pittorica), Tania si dimostra e sempre ci comprova d’essere Artista a tutto tondo, grazie ad una produzione ampia e di sicuro spessore creativo, esprimendo le sue “visioni interiori” (scrisse, a suo tempo, e come alto precursore, Henri Matisse che “la pittura serve all’artista ad esprimere le sue visioni interiori”; mentre Vassili Kandinskij, dal canto suo, aveva icasticamente annotato che “l’arte è la soddisfazione di una necessità interiore”; e potremmo arrivare, in questa contemporaneità che, fortunatamente, tutte le predilige, citando nello specifico, fra i tanti, il “mitico” Bill Viola) con una catalogazione di rimandi che, personalizzati nell’affinità cogitativa e generatrice dei diversi esiti di concretezza, sommano e moltiplicano costellazioni di presenze astrali in rutilante trasfigurare cosmologico, effigi affioranti per intensi dialoghi del configurare con incombenze di simboli reciprocamente coniugati da congenialità, anime mute ma eloquentissime di oggetti a frantumarsi o a ricomporsi parzialmente sulle tele per compensare, con tridimensionali epifanie di staticità, flussi del dinamismo esternati da soluzioni compositive in cui tornano a pulsare materializzazioni di emblemi e metafore a volte ben rimarcate da catene come alta sintesi dell’inanellare concettuale, griglie di equilibri compositivi sulle quali costruire seducenti stratificazioni d’un decorare giammai meramente fine a se stesso, quasi mondi da monitorare e decriptare su pavimenti di altri mondi solo in apparenza più fruibili per depistante immediatezza del percepire (quasi una sorta di monodialoghi – e mi sovviene, in proposito, Giorgio Manganelli – fra il

Dentro e il Fuori, fra il Qui e l’Oltre, fra un Io decriptato ed altre auto-identità celate ma percepibili da perlustrare con caparbia e compostissima investigazione all’interno dell’Intimo); ed ancora, evocazioni di fisicità mitologiche fittiziamente risagomate su scenari e quinte di atmosfere tese a sublimazioni di trascendenza, “silhouettes” di solitudini su ambienti abilitati ad amplificarne le storie di tragedie o di struggimenti, florilegi di naturalismi sboccianti per morbidezze di corposità quasi materica e sicuramente non scevre da precisi agganci ad orientali essenzialità di sintesi ed evidenza del non finito come super-amento del completare ridondante d’ogni occidentalismo, ordinate scacchiere dell’esprimere come “textures” di eruzioni formali anche qui rimarcate da inserimenti di supporti oggettuali e oggettivi; ed infine (o, almeno, a dirla sino ad oggi, constatata l’inarrestabilità delle numerose ma interfaccianti e, per fortuna, mai sigillate coniugazioni dell’intuire sui pentagrammi visuali d’ogni “work in progress” tra mente e mano, fra estro e segno, fra segno e sogno) seducenti rituali di tracce deliberatamente trasferite sulla tela da passionali corporeità (i piedi dell’Artista, le cui palme divengono tracce ed indicatori direzionali di tragitti e orizzonti su luminescenze di scenografie d’Arcano in cromatismi di quietudini seduttrici: per Tania scrissi, a tal proposito, anche questa breve poesia: “La tela che hai nutrito di colori / attende le tue Orme di Dolcezza / E tu vi danzi sopra nella notte / seguendo i suoni della tua Innocenza / Mentre le stelle vibrano tremanti estasiate da un Angelo”), nonché le persistenze di quell’Occhio multiforme ma unificato da propositi ed esiti di coinvolgimento del fruitore all’ “optimum” d’un “feedback” che, poche settimane fa, m’ispirò anche una precisa deduzione critica (“Ho sempre detto ai miei laureandi che un’opera d’arte deve essere osservata “dinanzi, dentro ed oltre” il supporto espositivo che, in questo specifico caso, pur se fisicamente una tela, concettualmente s’appalesa e diviene uno specchio adatto ed appellato a divenire, nel suo multivalente riflettere, ergo rispecchiare e meditare in sincrono, sia “speculum memor” che assembla attualità ed enigmi, invocazioni e vaticini, desideri e presagi, sia strumento del “reflectere animum” anche attraverso un “occhio-ago” puntualmente precettato dall’Artista a monitorare autointerrogazioni e ad impetrare eterorisposte nella persistenza della decontestualizzazione del suo attenzionarlo come immediato (cioè “non-mediato”) referente d’un Io che, dinanzi, dentro ed oltre l’apparente / depistante staticità di moltiplicazioni del “cum-figurare”, interfaccia diverse epifanie d’un “unicum” in una lievitazione / levitazione di simbolismi abilitata a stimolare irresistibilmente le variabili di flusso del “feedback” d’ogni fruitore a divenire “re/azione” in risposta ad ogni indicatore direzionale unificato dall’approccio alla forma - l’occhio, appunto -ma diversificantesi, per segni & segnali, in “container” compositivo di congruo e raffinato equilibrio che attrae, coinvolge ed affabula).

REGIONE AUTONOMA

SARDEGNA

Assessore Sergio Milia Arte nuragica Ogni epoca ed ogni cultura si caratterizzano, tra le altre cose, per la propria capacità di elaborare peculiari espressioni di ciò che chiamiamo "arte". Ciò vale anche per la civiltà nuragica che seppe esprimere la propria identità anche attraverso la forma artistica. Come già per l'età prenuragica, anche per età nuragica abbiamo una serie di prodotti di cultura materiale che testimoniano il manifestarsi Meana Sardo, nuraghe Nolza di un articolato senso estetico. Tale senso estetico si espresse nella sua forma più semplice innanzi tutto sulle superfici delle produzioni vascolari ceramiche, manifestandosi in due modi: sia con la "presenza" (due esempi: la decorazione "metopale" e la decorazione "a pettine") sia con l'"assenza" di decorazione vascolare. Per "assenza" intendiamo proprio la totale mancanza di elementi decorativi che caratterizza diverse tipologie vascolari di età nuragica, soprattutto nelle fasi più antiche. Non è, come potrebbe sembrare, inappropriato segnalare come pertinente alla dimensione estetica tale assenza: essa infatti manifesta chiaramente il gradimento da parte delle genti nuragiche di una scelta estetica che non teme di offrire alla percezione visiva la pura forma funzionale degli oggetti d'uso quotidiano e questa non è affatto un'evidenza banale dal punto di vista culturale. La civiltà nuragica si espresse in campo architettonico con varie tipologie di edifici, fra le quali emergono il nuraghe, monumento-simbolo, il tempio, declinato in varie forme, e le tombe di giganti. Passando alle produzioni artistiche in senso proprio, dobbiamo ricordare i manufatti ceramici (fra cui le "pintaderas"), le piccole sculture in bronzo (i "bronzetti") e la grande statuaria in pietra (i "giganti" di Monti Prama).

GRANDE ENCICLOPEDIA DELLA SARDEGNA BIBLIOTECA SARDA MONOGRAFIE AUTORI DIZIONARI OPERE IN LINGUA Giovanni Marghinotti, Popolani in costume, 1860 ca.

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Alessandro R o s s i

“incontri impossibili”- 2009, t. m., cm70x100

“destino fatale”- 2012, t. m., cm70x100

Galleria ARIELE Arte Contemporanea QUESTO SPAZIO E’ RISERVATO ALLE GALLERIE D’ARTE DELLE MARCHE, PER MAGGIORI INFORMAZIONI RIVOLGERSI A: redazione@rivista20.com

L’opinione S P A Z I O R I S E R VAT O A Critico/Curatore della Sardegna

CENTRO CULTURALE ARIELE via Lauro Rossi, 9c - TORINO tel. 011.20 73 905

STIAMO SELEZIONANDO 100 ARTISTI AI QUALI REALIZZEREMO PER CIASCUNO UN CATALOGO VIRTUALE DI 40 PAGINE, LE DIMENSIONI SONO: 18,5 x 22,5 cm

QUESTI BOOK SARANNO INSERITI NELLA NOSTRA LIBRERIA E DAL GENNAIO 2013, OGNI SETTIMANA FAREMO CONOSCERE UN ARTISTA A TUTTA LA NOSTRA RETE DI GALLERIE, ASSOCIAZIONI CULTURALI, CURATORI, CRITICI, COLLEZIONISTI OLTRE ALL’ESECUZIONE DEL CATALOGO VIRTUALE, SARA’ FORNITO AD OGNI ARTISTA LA VERSIONE IN PDF PER LA STAMPA - COPERTINA + INTERNO SIAMO IN GRADO DI FORNIRE ANCHE IL SERVIZIO DI STAMPA TRAMITE UNA TIPOGRAFIA (CONVENZIONATA CON NOI) CHE PERMETTE PREZZI CONCORRENZIALI ---------------------------------------------

LO SPAZIO ESPOSITIVO DELLA GALLERIA ARIELE E’ DISPONIBILE PER PERSONALI E COLLETTIVE NELLE SEGUENTI DATE: - dal 27 ottobre al 10 novembre - dal 17 novembre al 1 dicembre NB: Le collettive sono con un max di cinque artisti e di uno scultore per il quale la mostra sarebbe una personale

GABRIELLA SANTUARI PAOLA ROTA BRUSALDELLI

MILENA SGAMBATO