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SÃOMAMEDE GALERIA DE ARTE

Na capa: Um Mar - Homenagem a Francisco Pereira Coutinho (1922-2006) 1970, TĂŠcnica mista sb papel, 38x50cm

Cruzeiro Seixas 1920-2020

Sem título, 1973 – técnica mista sb papel, 20 x 28 cm

Este desejo de voar sem asas

SÃOMAMEDE GALERIA DE ARTE

“Eis o porto da partida”, n.d – desenho à pena sb papel, 30x 40 cm

Este desejo de voar sem asas escreveu no espaço as mais belas espirais. É dentro da paisagem natural que se inscrevem afinal as minúsculas construções dos deuses. Palavras de papel e cola atravessam-nos como se fôssemos o mapa perdido das antigas descobertas. As torres inclinam-se cantam os palácios insaciáveis cantam as chamas dos autos-de-fé cantam os fetos e as florestas devoram as suas próprias máscaras. Como caminham os ciprestes caminhamos ocos pelas estradas infinitas que sulcam a lua. Áfricas 66 Retirado de: Artur do Cruzeiro Seixas - Obra Poética vol.1, Edições Quasi, pág. 91, Organização de Isabel Meyrelles

Sem título, n.d. – Técnica mista sb papel, 42 x 26 cm

Cruzeiro Seixas (1920-2020) é uma referência única em Portugal e um dos grandes vultos do surrealismo europeu. Director artístico da Galeria São Mamede até 1974, foi pela sua mão (apoiando o seu fundador, Francisco Pereira Coutinho [1922-2006]) que aqui se expuseram alguns dos grandes nomes da pintura portuguesa, dos quais se destacam António Areal, Paula Rego, Cesariny, Jorge Vieira, Júlio (Reis Pereira), Carlos Calvet, Jorge Barradas, Vieira da Silva, D´Assumpção, Eurico, Raúl Perez e Mário Botas para além de mais importantes artistas internacionais como Henry Michaux, Poliakoff e Grupo CoBrA. Como se não bastasse, também foi nesta Galeria que realizou algumas das suas melhores exposições individuais ao longo de várias décadas, a última das quais uma grande exposição que dedicámos à sua obra em 2012. No dia em que completaria 100 anos, decidimos assinalar a data, com esta exposição de peças do nosso Acervo, não só de Cruzeiro Seixas mas de outros artistas que lhe eram muito queridos e que foram trazidos para a São Mamede pela sua mão, prefaciada por um texto de Bernardo Pinto de Almeida que desta forma se junta à nossa homenagem de hoje e sempre. Francisco Pereira Coutinho Dezembro de 2020

Bebamos mais e mais deste vinho feito de sol, pĂŠrolas e diamantes, 1972 Desenho Ă pena sb papel (tinta da china) 70 x 50 cm

Referindo a Galeria de São Mamede, refiro um dos mais vivos interesses que experimentei, a direcção de Galerias e organização de programações, a que os meus biógrafos não têm dado a merecida atenção. No que directamente refere a Galeria S. Mamede, antes de mais haverá que homenagear Francisco Pereira Coutinho, que, poucos meses após a minha entrada na galeria como simples manga-de-alpaca aceitou as minhas propostas, o que não quer dizer que por vezes não surgissem discordâncias e vivas discussões. Também não posso deixar, a-propósito, de lembrar o Dr. Manuel Vinhas capitalista de um tempo em que e (e Jorge de Brito, sendo tão diferentes) me procuravam, e com quen o convívio se tornava possível.. Foi Manuel Vinhas que me apresentou a Pereira Coutinho, quando esgotado o dinheiro pela aquisição de algumas esculturas africanas e objectos de uso que me tinha adquirido para possibilitar a fuga aquela tristíssima guerra colonialista. Lembro-me que no primeiro dia de trabalho Pereira Coutinho me declarou, com a requerida ênfase patronal, que não queria ali (Galeria S. Mamede) os “meus amigos” surrealistas… Começava então a vida da Galeria com a exposição de um pintor, Artur Casais, prefaciada pelo Dr. José Augusto França. Porém, daí a algum tempo, perante o fracasso dessa exposição propus expor OUTRA GENTE, e com algum espanto a minha tímida proposta foi aceite! Tratava-se de implantar ali gente como Areal, Cesariny, Júlio, Paula Rêgo, Raul Perez, Carlos Calvet, Mário Botas e o Cruzeiro Seixas… Entendendo eu que uma galeria, sendo um local de comércio, terá que ter no entanto como principio uma responsabilidade intelectual, e felizmente essa directriz interessou o publico, e porque Pereira Coutinho era uma exímio comerciante, a actividade da Galeria sempre mereceu as melhores referências e resultados. Em dada altura me pareceu ser conveniente trazer a este País, enfim a grande pintura universal, e se isso assustou Pereira Coutinho, não assustou menos alguns “artistas”, que se julgavam prejudicados com a concorrência…Felizmente com alguma persistência consegui trazer além de Vieira da Silva, Poliakoff, Henry Michaux, o grupo Cobra, e a colagista Anne Ethuin do grupo Phases. Outros nomes estavam nas minhas possibilidades, mas a revolução do 25 de Abril, ao contrário do que eu ingenuamente esperava de uma revolução, fechou Galerias, e a nossa actividade terminou com a partida de Pereira Coutinho para Madrid, e com a minha desagradável situação de desempregado. Muito fica por lembrar, mas há que deixar duas palavras a críticos e ensaístas que colaboram como Ernesto Sampaio, Natália Correia, Mário Cesariny, Laurens Vancreyel, Rui Mário Gonçalves, Eurico Gonçalves. Embora me pareça excessivo, não posso deixar de falar em mim, julgando que os meus 87 anos de certa forma me poderão justificar… Nesse tempo havia na cave da Galeria uma pequena parede de tijolo que soava a oco. Um dia lembrei a Pereira Coutinho que talvez houvesse um espaço aproveitável do outro lado dessa parede. Como não consegui despertar curiosidade deixei passar algum tempo e lembrei que tratando-se de um velho palácio do outro lado podia estar escondido um tesouro! Daí a alguns dias a parede foi demolida, e o tesouro revelado foram aquelas outras salas, que desde há muitos anos esquecidas, serviam apenas de abrigo a morcegos. Enfim, muito resumidamente, não posso deixar de lembrar que, ali onde estava proibida a presença de surrealistas, eles tiveram afinal uma larga e inesquecível possibilidade de contacto. O Pereira Coutinho como patrão desapareceu por completo, trocado por amizade e admiração mútuas. Confesso que só passados alguns anos deste tempo decepcionante que vivemos, compreendi que esse homem, com a sua sensibilidade e arrojo infelizmente tão raros entre nós, foi das pessoas mais interessantes que me foi dado conhecer. Cruzeiro Seixas Novembro 2007

Almada Negreiros: Voltar ao princípio – construção, 1946 - Óleo sb Tela, 50 x 66 cm

O Surrealismo português em 2020 Homenagem a Artur Cruzeiro Seixas

Exposição da Paula Rego, Abril 1971

Vieira da Silva: Et puis, voilá, 1951 Guache sb papel, 24 x 16,5 cm

1. De todos os trabalhos a que Artur Cruzeiro Seixas — que acaba de nos deixar — erraticamente se dedicou, por forma a assegurar a chamada vida material, a direcção artística da Galeria São Mamede, em Lisboa, ao longo de vários e decisivos anos, a convite de Francisco Pereira Coutinho (1922-2006), que a fundara em 1968, terá sido um dos poucos que recordou sempre com entusiasmo. Ao longo dos muitos anos em que o frequentei desde que o conheci, em 1982, e em que proclamou sempre o desgosto para com a necessidade de ganhar a vida, arrumando-se a uma qualquer função social que detestava, esta missão era das poucas que lembrava com alegria. Não tanto pelo facto de, como dizia, ter sempre sido bem pago para o cumprir como, sobretudo, por ter tido, nesse papel, a possibilidade de mostrar uma série de artistas mais ou menos conhecidos num espaço de extrema qualidade sem quaisquer restrições, cumprindo assim uma das poucas vocações em que se sentia qualificado: dar a ver e a conhecer o trabalho dos outros. Paixão que o levou, de outro modo, a colecionar um número impressionante de obras de muitas épocas e lugares, mas que ali se pôde cumprir numa relação fundamental com a vida artística do país, e que exerceu de forma exemplar. De outro modo, jamais teria sido possível ver, nesses anos solitários de isolamento político e cultural típicos do tempo de fantasmas salazarista, obras como as de Asger Jorn ou de Henri Michaux, entre outros, nem talvez ter-se visto, sobretudo em condições de o ver de facto, o trabalho plástico, ainda então a bem dizer desconhecido, de Mário Cesariny que, para o gosto dominante, era apenas um poeta ainda à espera de se ver o que valia, apesar de ser já, para alguns poucos, uma figura de culto. Nem talvez tivesse sido possível assistir ao nascimento estético, e em grande força, de uma jovem artista de boas famílias, Paula Rego, cuja excentricidade em breve pediria migração para Londres, a cumprir a paixão por Victor Willing, de onde jamais quis regressar, apesar das dificuldades. Esse trabalho foi, para ele, um tempo de exaltação e entusiasmo, mas foi também uma dádiva inesperada à situação das artes portuguesas, já que a orientação que deu à Galeria, com destaque natural e óbvio para a fonte surrealista, que na verdade jamais renegou, veio mudar o gosto e o hábito de ver de Portugal na relação com as artes, abrindo-o a um cosmopolitismo que ainda pouco firmara entre nós, e que assim foi ganhando vez. O seu falecimento recente, na véspera de cumprir o século de vida, inspirou a Francisco Pereira Coutinho, que continua, hoje, o trabalho de seu Pai, a fazer-lhe justa homenagem, juntando, a uma série exemplar de obras suas, outras de alguns dos artistas que, sob a sua orientação lúcida, se puderam ver na São Mamede por aqueles anos. E que, permitindo rever algumas obras do próprio, lado a lado com as dos outros que tão visionariamente mostrou, servirão igualmente para sinalizar a memória do papel histórico desta Galeria na cena artística portuguesa ao longo das últimas décadas. Mostra a que, em acordo de revisão, decidimos acrescentar uma Vieira, por razões que são óbvias para quantos sabem como Cruzeiro e Cesariny a tiveram por surrealista. E, ainda, um inesperado Almada, cujo espaço interno, raro na sua obra, assegura que, por um momento ao menos, também ele quis pesquisar, mesmo se depois o abandonou, as poéticas espaciais trazidas pelo surrealismo. Poderia ser um Wifredo Lam, mas não era provável sequer que o conhecesse. É, ainda assim, notável descoberta feita em colecção particular de época, que testemunha a possibilidade, que se deixa aos estudiosos, de haver ainda mais um Almada a descobrir. 2. Num ensaio crítico sobre a Arte Portuguesa no Século XX,1 pude escrever, a seu respeito, que, “Afastando-se sempre dos circuitos de consagração locais, mercantis ou institucionais, voltando-se antes para um silêncio distante e meditativo, conforme ao seu temperamento errático, continuou a realizar uma obra de sentido testemunhal, nas margens do seu tempo, escapando ao grande ruído que

Exposição de Vieira da Silva, Junho 1970

Arte Portuguesa no Século XX – Uma História Crítica, Coral, Matosinhos, 2017.

Exposição de Poliakoff, Novembro, 1972

Exposição do Grupo Cobra, Junho 1973

Exposição de Henry Michaux, Julho de 1973

desentendeu a vocação de mistério e sugestão mágica que a atravessa, pagando com o isolamento (e com o esquecimento) a factura da liberdade interior que desde sempre reivindicara como condição radical do seu modo de habitar a vida. Se a obra de Cruzeiro Seixas atravessou décadas numa estranha cumplicidade com o mais grave silêncio da parte dos comentadores e, paradoxalmente, com o reconhecimento fascinado de uns quantos, é porque a atitude do artista exigiu desde sempre esse registo de quase intimismo que afinal se traduz no seu trabalho em duas nítidas vertentes: por um lado, e como tive ocasião de referir em outro lugar, a dispersão da Obra em obras. (...) Neles [nos seus desenhos] se sente a intensificação dos valores nocturnos e lunares que constitui um momento singularmente alto das sequências poéticas e plásticas do Surrealismo português.”, E, de facto, quero crer que esse terá sido o grande contributo que Cruzeiro Seixas trouxe à arte portuguesa: o de uma iluminação feita de súbita luz negra, chegada do mergulho em lugares de muito nocturna inspiração. De facto, uma grande parte da vida e da carreira de Cruzeiro ocorreu nas margens. Na margem da arte portuguesa mais reconhecida, na margem das instituições decisoras, na margem social das profissões reconhecidas pelo status quo. Nas margens de uma cultura ainda provinciana, que celebrava uma arte académica e olhou até tarde com suspeição (e mesmo depois da instauração democrática) para todos quantos não praticavam formas de arte bem reconhecíveis e reconhecidas pela instituição artística. Nas margens, até, de uma sexualidade que, ao tempo de Salazar, era perseguida por contrária à moral hipócrita do regime. Mas, também, e para lá de todas essas margens, que aceitou e que foi contornando como pôde e soube, nas margens de uma arte que se propunha apoiada numa tradição que ele tinha que desdenhar, até porque lhe faltavam o treino e a preparação académica que uma origem relativamente modesta não pudera assegurar. Primeiro, então, a margem a que foi deixado pela opção estética, desde cedo assumida, pelo Surrealismo, podendo nós encontrar, no vasto acervo da vasta obra que deixou, desenhos e pequenas pinturas que datam pelo menos dos meados de quarenta, tinha ele pouco mais do que vinte anos. Para isso terá contribuído a inquieta e determinante influência do seu amigo Mário Cesariny, que conheceu, quase miúdo, na Escola António Arroio, e a quem o movimento de Breton desafiou muito cedo, depois da leitura da história do movimento por Maurice Nadeau, que O’Neill trouxera de Paris. E, sem saber ainda bem o que isso era, deixou-se ir, já que, confiava, a imaginação faria o resto. E fez. Essa margem viveu-a ele, pois, no interior desse limbo incerto em que se deu o breve cintilar do pouco Surrealismo português, nascido com a segunda vaga europeia, lançada por Breton depois da Guerra, e que, em meia dúzia de muito intensos anos, teve tempo ainda para lançar revistas e exposições, fazer um grupo e uma cisão, que depois deu em dois que jamais, de então em diante, se iriam entender. De um lado, o assim chamado Surrealista de Lisboa, que juntara Pedro e Dacosta, Lemos, Vespeira, França e Azevedo, O’Neill e Cesariny; e, do outro, após a radical cisão, Os Surrealistas, que Cesariny chefiou, qual guerreiro, e que juntaria, além de Cruzeiro, António Maria Lisboa, Pedro Oom, Fernando José Francisco, Mário Henrique Leiria e outros que, sucessivamente, entravam e saíam como quem muda de rua ou de namoro. 3. A Lisboa de então, era ainda, talvez, o que restava, — e que pouco depois deixaria de se ver, com as avenidas novas a romper como dentes do sizo na sua boca que ria sob um sol generoso — daquela que Cesário cantara, em estilo moderno, 50 ou 60 anos antes, e que os de Orpheu haviam tentado pôr em modo de sintonia europeia sem o conseguir. E dela, o que restava eram cinzas, e um punhado, magro, de revistas e de excepcionais imagens. Era a Lisboa castiça, que Botelho namorou a vida toda numa pintura fresca, leve, que depois Nikias iria olhar de modo mais pesado, soturno, metafísico, nas décadas de 50 e de 60, a que Victor Palla e Costa Martins mostraram na sua justamente celebrada Lisboa, Cidade Triste e Alegre ou que serviu de cenário a Belarmino de Fernando Lopes e a um belo romance de Nuno Bragança, A Noite e o Riso. Ainda tinha, nas calçadas turvas e tortuosas e nos pequenos cafés de baixo e barato consumo, de bicas e de ginjas, nos pequenos tascos e tabernas à face da rua nos bairros populares, o que se chama um povo, e esse ainda então oferecia, além de fruta fresca nos pomares, margens de vida e costumes malandros que o salazarismo e a Pide procuravam reprimir, condenando-os por incivilizados. E se essa pequena Lisboa, circunscrita ainda aos bairros medievais de que nascera, de que muitos, entretanto, foram

Os Devoradores do Azul, 2001 â€“ TĂŠcnica mista sb papel, 21 x 29 cm

Exposição “1940 – 47” de Cruzeiro Seixas Fevereiro 1975

Exposição de Cruzeiro Seixas Maio 1995

Exposição “O Atelier de Cruzeiro Seixas” Junho 1980

partindo — Lemos para o Brasil, Dacosta para Paris, outros morrendo — cansados de um regime tosco e provinciano, avesso à Europa e à cultura, não era ainda suficientemente grande para albergar um verdadeiro e activo grupo surrealista, o que faria para dois... Assim, o primeiro deles foi cessando, cedo, actividade, que já de si era pouca e esparsa, mais para aliviar a consciência política de oposição, enquanto o segundo daria lugar e vez a outras experiências, que fizeram deste punhado de jovens e dos seus actos insensatos, a inesperada mas decisiva influência para o que seria, já uma década adiante, o advento de uma nova geração, a de sessenta, que eles ajudaram a nascer. Quer pela atitude, no sentido libertário de experimentação, tanto de meios e técnicas, quanto de suportes e de imagens, quer pelo desejo inquieto de pertencer por inteiro a uma Europa a que o pobre país se fechara desde a década de vinte. E que os iam frequentar ao Café Gelo e talvez alguns ainda ao Herminius, como Areal e Costa Pinheiro, Bertholo e Cutileiro, Lourdes Castro e Escada, e outros mais que os ouviam mais que aos professores de Belas Artes. Essa foi a verdadeira e maior razão de ser d’Os Surrealistas, a quem faltara antes, no seu próprio tempo, o que Cesariny chamou uma grande razão que ainda faltava. A razão de uma cultura e de um meio que não havia, e levaria anos a criar-se, de um ensino artístico que estava adormecido há cem anos, de uma geração crítica capaz de entender o que poderia trazer uma diferença, de um público capaz de seguir de perto as aventuras da arte que em outros meios europeus fazia já parte íntegra da vida das cidades e exprimia a inquietação de um novo tempo. Faltava a razão maior disso tudo e outras mais pequenas. Não se entenda porém, e apesar desta triste verdade, como tenho procurado explicar, que o surrealismo acabou ali logo, a princípios de 50, pois nada acaba e tudo começa sempre. 4. Porque tudo começa sempre, também os Surrealistas continuaram, pelos anos fora, a começar, ou a recomeçar, conforme o ângulo, embora cada vez mais agora em outros registos, entre os quais os de um abjeccionismo que ninguém sabia bem o que era, mas que teorizaram vagamente para se renovarem outra vez fora do chapéu do título anterior. E onde já cabiam agora outros, como João Rodrigues ou o próprio Areal, enquanto Mário Cesariny insistia, por proclamações várias, a quem o quisesse ouvir, e depois pôs por escrito, no crucial papel de Vieira da Silva, como arcano maior do seu castelo surrealista de eleição. O que ninguém tão pouco desmentia, já que mesmo Gaspar Simões, duas décadas antes, tinha admitido nessa família a arte indefinível e singularíssima de Vieira. Foi talvez no rescaldo disso que Cruzeiro Seixas encontrou a inspiração e o fôlego para mostrar, na São Mamede, já pelo fim da década de sessenta, o que restava do incêndio, mais mítico do que real, deixado por esse surrealismo morto cedo, ou talvez enterrado como António Maria Lisboa na flor da sua breve juventude, e que por isso foi belo, já que tocado ao mesmo tempo pela tragédia e a farsa. Cruzeiro, como de outro modo Mário, souberam prolongar em vários tempos e lugares, sob diferentes máscaras, reencarnadas memórias desse espírito, que assim revivesciam como flores no monte, como se de geração própria. Isso lhes deve Portugal, se continuar a existir como arte e cultura. Quero eu dizer, uma certa e certeira ideia de liberdade e de experimentação selvagem que, antes deles, nem mesmo talvez com Orpheu, salvo Santa Rita, não se havia conhecido por cá, e que depois ficou incerta, interrompida, fruste, em que importava menos a tela e o cavalete, o pincel e a tinta, do que o gesto e a cor, a expressão e a vida, o poema e a graça que se colhe no ar. Traziam isso eles, de novo, e nunca o perderam até ao fim, mesmo quando se zangaram todos ou simplesmente morreram, já que o testemunho ficou. O gosto, adolescente quase, pelos pequenos fragmentos, pelos papéis esparsos que cabiam nos bolsos dos casacos juvenis, pelos envios por carta, em envelopes desenhados minuciosamente, pela troca de café, e pela proclamação de boca a boca. Mas, sobretudo, e isso seria da maior importância no caso de haver arte portuguesa, pela criação de objectos obtusos, que não cabiam, ainda, na própria ideia de arte. Objectos propriamente impróprios, por assim dizer, como os que Cruzeiro foi deixando, oferecidos, espalhados à sorte, guardando alguns deles persistentemente, feitos de búzios e de pedras achados na praia, quais restos de naufrágios, de pedaços de tecido ou de plantas, palavras escritas com caligrafia de escola para construir frases misteriosas e dispersas como o vento. Esses pequenos gestos conspiravam desde o fundo de uma noite qualquer contra aquela seriedade que se pendurava nos cavaletes dos ateliês mais sérios de pintura que eles nem tinham como pagar o

Sem título, 1975 – Técnica mista sb papel, 30 x 35 cm

Da realidade dos Espelhos, 1981 â€“ desenho Ă pena sb papel (tinta da china), 32 x 44 cm

aluguer. E que, por pobreza de meios, os levou a inventar, em seu lugar, a forma de uma outra arte, esta minoritária. De esferográfica, em vez de óleo, de colagem em vez de tinta, de estremecimento onde a outra punha mão firme e redonda. Era isto, este sentido imprevisto de todo o testemunho, o que Cruzeiro queria trazer para a luz do dia quando, tendo sido convidado por Pereira Coutinho, não só aceitou como se pôs a fazer aquilo para que jamais fora preparado, já que tinha sido embarcadiço e gestor de pequenas sucursais de entrepostos comerciais em Angola, em vez de ter ido para Paris, como outros, estudar história da arte com Francastel e assim por diante. Fazendo isso rimar, agora, a essa impreparação própria do impróprio, com antecedentes entretanto confirmados já lá fora, como Poliakoff ou Cobra, Asger Jorn ou Michaux, entre outros. Cruzeiro desenhou a programação da São Mamede como fazia os seus desenhos, deixando a mão ser guiada pelas forças ocultas do acaso objectivo. E tão bem o fez que, desse modo, foi convencendo o público lisboeta mais ousado da virtude que havia em preferir as colagens da muito jovem Paula Rego, aos óleos dos herdeiros de certo naturalismo tardio que persistiam em mostrar-se noutros lados. As abstracções mágicas de Vieira, a certa neo-abstracção que se propagara na Galeria de Março, onde também esta se vira. António Areal — que nos seus desenhos nocturnos tanto lhe ficou a dever — em vez de Maluda, ou de não sei quem, que a boa sociedade lisboeta ainda se dispunha a coleccionar, talvez por mundanismo. Ou mesmo o grande Jorge Vieira, escultor maior e tanto tempo incompreendido, a cujos corpos estranhos devemos decerto o nascimento da escultura verdadeiramente moderna em Portugal inteiro. Ou ainda Raul Pérez, o jovem artista tímido que porfiava em paisagens que sonhavam onde tudo podia acontecer, e acontecia. E, é claro, sempre Mário Cesariny, deus ex-machina destas maquinações, génio inspirador de toda vida e de todas essas ideias magnéticas. Era isso, afinal, o que ele vinha mostrar, numa aposta improvável que, graças ao prestígio de que gozava a Galeria, ganhou vez na atenção do público informado que lá ia aparecendo, e da crítica mais esclarecida. Cruzeiro teve a intuição corajosa de o defender em linha exemplar.

Cruzeiro Seixas com Henry Michaux e Fernando Azevedo, 1973

Cruzeiro Seixas com Francisco Pereira Coutinho em 1988

5. Nos seus desenhos e pinturas que, entretanto, despertavam já a curiosidade do público e de alguns colecionadores, e a que esta programação dava um novo enquadramento estético, via-se agora crescer, cada vez mais forte e densa, aquela noite agreste que desde cedo havia feito, nela, aparição. A mesma que fora longamente aprender nos interiores profundos de África, mais negra que o breu, em que os corpos se recortam como luz transfigurando-se pelos movimentos convulsivos com que o desejo fere a carne, e que o silêncio habita, vertical, cortado apenas raramente por algum grito ao longe. Uma noite sem fim, que celebrou toda a sua vida, procurando-a em vão, mesmo depois de regressar. E de que fez o palco imaginário onde se encontram o que resta de mitos e de estátuas, e de uma vegetação selvagem de que se alimentam os animais que falam. A mesma, na verdade, que haveria de dar a António Areal a chave para uma obra surpreendente, contígua desta. Ou cujo desenho, entremeado de colagens, serviriam de modelo a Paula Rego, que neles aprendeu não só uma ideia do automatismo, como, também, o gosto jamais abandonado pela distorção dos corpos. 6. Não é isto de pouca importância, se for olhado de perto com a atenção que merece. E tudo converge, aqui e agora, numa homenagem devida, a que se chamou O Surrealismo em 2020, procurando ligar ainda esta iniciativa com aquelas outras, muitas, múltiplas, diversas, que os seus heróis, agora desaparecidos, lhe foram chamando no tempo de sempre renovada actualização, fosse na revisitação aos antigos, como com Bosch, fosse celebrando, em encontros e desencontros incessantes, a memória ainda ardente do seu gesto fundador.

Cruzeiro Seixas com Francisco Pereira Coutinho (filho) em Março de 2018

Que ele perdure...

Bernardo Pinto de Almeida (Novembro do ano da peste de 2020)

Cruzeiro Seixas na sua casa na Rua da Rosa

A reuniĂŁo de alguns mitos comigo, 1976 Desenho Ă pena sb papel (Tinta da china), 33,5 x 45 cm

Cruzeiro Seixas Nascido em 1920, na Amadora, Artur Cruzeiro Seixas cedo se revelou um notável desenhador, cuja imagética surrealista recorre frequentemente à colagem e à concepção meticulosa de objectos de irreverência dádá, que é o seu modo de intervir, ao recriar a visão onírica e transfigurada do mundo. Através da ocultação-desocultação, o pintor experimenta a multiplicidade de sentidos da sua linguagem metafórica, tão capaz de tactear o desconhecido como de alterar o conhecido, enchendo de infinito o finito, tornando metafísica a sensualidade de esculturais corpos metamorfoseados, semi-humanos, semi-animalescos, em cenários de abismo e vertigem. Os seus desenhos à pena são rumores de catástrofes, naufrágios, visões, sombras projectadas nas areias do deserto, cavalos solares, fálicos e apoteóticos, animais fabulosos que o prazer exalta em situações extremas, algo boscheanas. Os seus desenhos à pena são também possíveis ilustrações dos Cantos de Maldoror, de Lautréamont. A construção dos seus desenhos «É como amar formigas brancas obsessivamente junto ao peito/olhar uma paisagem em frente e ver um abismo/ ver um abismo e sentir uma pedrada nas costas/ sentir a pedrada e imaginar-se sem pensar de repente/ num túmulo» – António Maria Lisboa, Ossóptico, 1949-52. Muitos dos seus desenhos, colagens e objectos cumprem o voto de André Breton: «Restituer à toutes choses les couleurs perdues du temps des anciens »

Serigrafia Caixa Mágica, 1980 - 50x64cm

Nota biográfica: Artur Manuel do Cruzeiro Seixas (n. 1920, Amadora) fez parte do anti-grupo «Os Surrealistas», com Cesariny, António Maria Lisboa, Pedro Oom, Mário Henrique Leiria, Risques Pereira, Fernando Alves dos Santos, Carlos Eurico da Costa e Fernando José Francisco, que expuseram colectivamente em 1949 e 1950. Em 1951, Cruzeiro Seixas alista-se na Marinha Mercante, viaja até ao Oriente e acaba por se fixar em África, Angola, durante 12 anos, desde 1952 a 1964; aí realizou uma parte muito significativa da sua obra, desenhada, pintada, objectualizada e escrita; e aí se interessou por Arte Africana. Na impossibilidade de permanecer num clima de guerra, regressa à Europa em 1964. Em 1969 entra para a Galeria São Mamede e, durante 5 anos (1969-1974), apoiou o seu fundador e Director, Francisco Pereira Coutinho, na organização de exposições de Areal, Paula Rego, Cesariny, Jorge Vieira, Júlio, Carlos Calvet, Jorge Barradas, Vieira da Silva, D´Assumpção, Eurico, Michaux, Grupo CoBrA, e as primeiras individuais de Raúl Perez e Mário Botas. Desde 1970, adere ao Movimento Internacional PHASES, liderado pelo poeta e ensaísta Édouard Jaguer. Em 1973, toma parte na exposição de homenagem póstuma ao poeta peruano César Moro (19031956), em Lima. Em 1976, corresponde-se com o pintor surrealista americano Franklin Rosemont. Organiza e prefacia uma exposição de Caligrafias do poeta Raúl de Carvalho, na Galeria da Junta de Turismo do Estoril, que então dirige. Aí apresenta, em 1977, uma exposição do Movimento PHASES, e aí organiza exposições individuais de Areal, Júlio Pomar, Gonçalo Duarte, Isabel Meyrelles, Manuel Amado, Hein Semke, D´Assumpção, Eurico e Mário Henrique Leiria, em 1978, ano em que realiza uma exposição colectiva de homenagem a António Maria Lisboa, comemorando o cinquentenário do seu nascimento. Em 1981, Cruzeiro Seixas participa na exposição PHASES, Permanance du Regard Surréaliste, em Lyon, ao lado de Lam, Alechinsky, Arp, Baj, Bellmer, Brauner, Chirico, Dali, Ernst, Magritte, Matta, Miró, etc. Em 1984 participa na exposição de Surrealismo Periférico, organizada por Luís Moura Sobral, em Montreal, Canadá; e na Exposição Internacional do Surrealismo, em Chicago, organizada por Franklin Rosemont. Desde 1984 até 1989, dirige a Galeria de Vila Moura, no Algarve, onde realiza exposições de Júlio, Sarah Afonso, Calvet, Pomar, Jorge Vieira, Graça Morais, e uma amostragem do Surrealismo Internacional, com a colaboração do crítico, poeta e ensaísta francês José Pierre, autor de obras

Serigrafia Cenário para um Bailado, 1980 50x64cm

Serigrafia História de Bichos, 1980 - 31x21cm

Serigrafia O que resta da Cidade, 1980 - 50x64cm

importantes sobre o Surrealismo e sobre André Breton, com quem colaborou na organização de algumas exposições internacionais. (…) Em outubro de 2020, pouco antes de falecer e de completar 100 anos, foi condecorado pela ministra da Cultura com a Medalha de Mérito Cultural. Na altura, Graça Fonseca sublinhou que “a vida e obra de Cruzeiro Seixas, decano da arte portuguesa e um dos grandes nomes do surrealismo europeu”, representavam “um contributo incontestável para a cultura portuguesa”. Cruzeiro Seixas realizou as seguintes exposições individuais na Galeria S. Mamede: · Desenhos, 1940-47. Prefácio de Fernando José Francisco. Os desenhos dos anos 40 de Cruzeiro Seixas assinalam a transição do Neorrealismo para o Surrealismo. Em Lisboa, 1975. · Retrospectiva (1942-1980) – 85 desenhos, colagens, objectos e pinturas. Da inicial fase expressionista / neorrealista (1942-1945), C. Seixas transita para os primeiros objectos, desenhos, colagens e pinturas surrealistas (1947-1980). Esta exposição inclui um retrato /homenagem a António Maria Lisboa, com a data da morte do poeta em 1955, além de ilustrações para “A Afixação Proibida” de A. M. Lisboa, a “Cidad.e Queimada” de Mário Cesariny, para “Antologia Erótica e Satírica” de Natália Correia, etc. Entre os objectos, expõe a “Mão”, 1960 (luva negra com aparos, em homenagem a Jerónimo Bosch), “L’ Opresseur”, 1951 (retrato de Salazar) e “Chávena com asa para dentro”. Lisboa, 1980 · Homenagem a Mário Henrique Leiria. Prefácio de Ernesto Sampaio e texto de C. Seixas. Em Lisboa, 1995. · “30 Labirintos Sem Saída, 1966-1995”. Textos de Bernardo Pinto de Almeida, Lima de Freitas, Eurico Gonçalves, Rui Mário Gonçalves, Eugénio Granell, Herberto Hélder, Édouard Jaguer e de muitos outros autores, selecionados pelo pintor. Em Lisboa, 1997. · “As mãos são a paisagem que nos olha – Cruzeiro seixas e Raúl Perez ” – em Lisboa, 2003-04. · Fauna, Flora e Arte – texto de Fernando Guimarães – exposição inaugural da Galeria de São Mamede, no Porto, 2005. · O Infinito Segredo – Pintura e Desenho de Cruzeiro seixas – textos de Franklin Rosemont e de Cruzeiro Seixas – em Lisboa, 2009. · Homenagem a Cruzeiro Seixas, O Farol inextinguível do Surrealismo – texto de Eurico Gonçalves – Lisboa, 2012

Alguns exemplos úteis, 2003 – Técnica mista sb papel, 33 x 51 cm

Dito isto, fica um grande espaĂ§o vazio, 2004, TĂŠcnica mista sb papel, 49 x 37 cm

António Areal: Sem título (série coleccionador) 1976/77 Técnica mista sb papel, 70 x 50 cm

Cruzeiro Seixas com António Areal em 1971

António Areal (1934-1978) – António Santiago Areal nasceu em 1934, no Porto, e morreu em 1978, em Lisboa, em circunstâncias estranhas, vítima de uma agressão física jamais explicada. Autodidacta, cedo se revelou um extraordinário desenhador surrealista, tendo sido premiado em desenho na Primeira Exposição Gulbenkian, em 1957. Além de meticulosos desenhos à pena e a tinta-da-china de paisagens oníricas, em homenagem a Fernão Mendes Pinto, a obra de Areal inclui uma incursão técnica na action painting e no informalismo abstracto, no início dos anos 60, desenhando e pintando feixes de traços rectilíneos, em composições de ritmo tenso. Posteriormente, realiza montagens objectuais, intrigantes e provocatórias, expostas em 1964. Desde 1966 até ao início dos anos 70, expõe nova-figuração de segundo grau, citando Velasquez, Gauguin, Matisse, Picasso, Almada e outros autores conhecidos, na série “O Coleccionador”, apresentada na Galeria São Mamede, em 1971, com texto do pintor. A caixa e o disco surgem como arquétipos persistentes ao longo de toda a sua obra desenhada, pintada e objectualizada. No caso de Areal, o objecto herda do dadaísmo o conteúdo conceptual do humor provocatório. Caixas e cubos jogam com discos e esferas, em montagens de vibrante efeito óptico. A preto e branco, discos concêntricos rodam sobre si mesmos e geram a metamorfose no plano e no volume. Rigorosa, fria e destituída de qualquer sentimentalismo, a obra de Areal incide sobre a ambiguidade visual da imagem, figurativa e abstracta, manifestando uma grande incomodidade, feita de rupturas voluntárias. Em 1970, escreveu e publicou «Textos de Crítica e de Combate na Vanguarda das Artes Visuais». Realizou cinco exposições individuais na Galeria S. Mamede: · Novembro, 1969 – exposição de 41 desenhos de 1953 a 1958. Texto de Rui Mário Gonçalves. Desenhos de paisagens oníricas, meticulosamente concebidas, em inquietantes cenários, executados com extremo rigor, à pena e a tinta-dachina. Na ausência de figuras humanas, aumenta a solidão do lugar, onde tudo se transfigura. Ao excesso de negrume contrapõe-se o excesso de luz. A noite e o dia confundem-se na mesma imagem. · 10 pinturas inéditas de 1961/62. Texto de Rui Mário Gonçalves. A um primeiro período de desenhos cenográficos, fantasmagóricos e oníricos, de 1953 a 1958, segue-se um segundo período de pinturas informais e abstratas, de 1958 a 1963. Nestas pinturas, feixes de linhas rectilíneas negras, sobrepostos em fundos claros, exprimem agressividade e ameaça de terror, que é, aliás, uma constante em toda a obra desenhada, pintada e objectualizada de António Areal. Tensas estruturas rectilíneas criam uma complexa textura, que dinamiza e explode no espaço em todas as direcções. · Maio, 1971 – pinturas e desenhos. Texto do pintor. “O Coleccionador”. O Laboratório Pictural. Figuração de 2º grau, que cita obras de arte de autores conhecidos. · Maio, 1973 – “Variações sobre um tema de Fuseli”. A bela e o monstro. Texto de Lima de Freitas. O pesadelo de Fuseli inspira a narrativa de quadros dentro de quadros, onde a bela adormecida sente o pequeno monstro acocorado no seu ventre. Os esgares do demónio provocam piedade e repulsa. O pequeno monstro autoritário oprime e perturba o sono da bela amada. Há algo de obstinado nesta temática tão sedutora quanto abominável. · Novembro /Dezembro, 1989 – pinturas de 1973. Desenhos de 1955-1966. Texto de João Pinharanda. Entre a claridade e a treva, seres híbridos instauram o pesadelo de imagens terríficas, eriçadas de medo e crueldade.

António Areal: Sem título, 1953-58 Desenho à pena sb papel (tinta da china), 35 x 24 cm

Exposição “Primeira Exposição do Surrealismo ou não” coordenada por Francisco Pereira Coutinho e Cruzeiro Seixas com a colaboração de Mário Cesariny por ocasião de Lisboa – Capital Europeia da Cultura

Cesariny (1923-2006) – Em 1947, Mário Cesariny visita André Breton, em Paris. Com Alexandre O´Neill, António Domingues e João Moniz Pereira, forma o Grupo Surrealista de Lisboa, a que aderiram Fernando de Azevedo, Vespeira, António Pedro e José-Augusto França. Em 1948, desliga-se do grupo e, com António Maria Lisboa, Pedro Oom, Cruzeiro Seixas, Fernando Alves dos Santos, Risques Pereira, Mário Henrique Leiria, Carlos Eurico da Costa e Fernando José Francisco, formou-se o grupo ou o anti-grupo «Os Surrealistas», com duas exposições colectivas, em 1949 e em 1950, em Lisboa. Mário Cesariny é autor de: Poema «Corpo Visível», 1950; «Alguns Mitos Maiores e Alguns Mitos Menores Propostos à Circulação Pelo Autor», 1947-52; «Discurso Sobre a Reabilitação do Real Quotidiano», 1952; «Louvor e Simplificação de Álvaro de Campos», 1953; «Manual de Prestidigitação», 1949-56; «Pena Capital», 1957; «Antologia do Cadáver-Esquisito», 1961; «Antologia Surrealismo / Abjeccionismo», 1963; «A Intervenção Surrealista», 1966; «Titânia e a Cidade Queimada», com ilustrações de Cruzeiro Seixas, Edição de 1977. Considerando que o Surrealismo Português é, porventura, o mais marginal e o menos conhecido do mundo, Mário Cesariny é, desde a primeira hora e cada vez mais, o poetaastro de um Movimento inextinguível. Participa nas exposições do Movimento PHASES e organiza, entre outras, as exposições Surrealismo e Pintura Fantástica, 1984, Lisboa e Primeira Exposição do Surrealismo ou Não, esta por iniciativa de Cruzeiro Seixas, 1994, na Galeria S. Mamede, Lisboa. Poeta maior do Surrealismo em português, tradutor de Rimbaud, Artaud, Michaux e outros autores malditos, Mário Cesariny foi quem, entre nós, levou mais longe a prática do automatismo psíquico, ao ponto de ter sido, desde os anos 40, o primeiro pintor informalista português e, numa perspectiva histórica, um dos que mais cedo se abeirou do Surrealismo Abstracto, ao mesmo tempo que Wols, Michaux, Masson e poucos mais. A viscosidade orgânica da pintura lacerada e informal de Cesariny explora a intervenção do acaso no alastramento de tintas, vernizes e colas, na sobreposição de texturas, transparentes e opacas, na fusão de pigmentos, estridentes e neutros, e na incisão de grafismos elementares, abstractos e neofigurativos. A sua poesia funde-se na pintura-despintura com uma autoridade rara, e a sua pinturadespintura reverte para a poesia um admirável sentido de liberdade. Ele próprio declarou em 1971: «desde a minha adesão ao surrealismo, em 1947, e ao contrário do que a alguns pode parecer, foi a despintura que me ajudou a desregrar e a desmontar a linguagem que, a partir daí, pratiquei nos meus versos». Na Galeria de São Mamede, Lisboa, expôs “30 Pinturas, sendo 14 com títulos escolhidos nas “Iluminações de Rimbaud”, em 1971 e “11 Crucificações em detalhe”, 3 afeições de Zaratustra, Retrato de Jean Genêt, em 1973.

Cruzeiro Seixas com Cesariny na inauguração da exposição As Mãos são a paisagem que nos olha de Cruzeiro Seixas e Raúl Perez na GSM, no dia 11 de Dezembro de 2003. Estas imagens assinalaram o reencontro dos dois amigos, após muitos anos afastados.

Cesariny: Sem título, 1980 – Técnica mista sb cartão – 33 x 49 cm

Sem título (Linha de água) n.d. – Óleo sb madeira, 24 x 68 cm

Cesariny, Sem título, n.d. – Técnica mista sb madeira 27 x 38 cm

Jorge Vieira: (Touro grande), 1987 – Terracota c/ engobes, 37 x 49 x 30 cm

Jorge Vieira: (Figura bizarra), n.d. – Bronze, 30cm

Jorge Vieira: (Camponeses), n.d. – Bronze, 19 x 32 x 9 cm

Jorge Vieira (1922-1998) – Jorge Vieira nasce em Lisboa em 1922. morreu em Estremoz. Escultor formado pela E.S.B.A.L., que frequentou desde 1944 até 1953. Desde os seus tempos de estudante participou nos movimentos de contestação ao regime político e onde começa por trocar as suas impressões sobre escultura moderna com colegas como Sá Nogueira, Alice Jorge ou João Abel Manta. O Surrealismo começa a seduzi-lo e são as obras de Dacosta, em 1942, que primeiro o marcam. A partir de 45 trabalha no atelier do arquitecto Frederico George com quem manterá uma longa colaboração e amizade. Aí começa a trabalhar as suas primeiras esculturas. O material escolhido é o barro - desvalorizado na cultura ocidental, incluindo no próprio século XX. O seu valor simbólico está inevitavelmente associado a uma substancialidade terrestre e também a uma maleabilidade e fragilidade tanto maternal como sensual. O barro remete-nos, assim, para as origens - permitindo entrever o principal traço da obra do escultor: o primitivismo. É no seguimento deste desejo de voltar às origens da escultura que Jorge Vieira começa a utilizar os engobes, técnica antiga, vinda da cerâmica, que consiste em pintar a cor sobre o barro em determinado momento da sua secagem e levá-lo posteriormente ao forno a coze. Jorge Vieira concretiza a perfeita conciliação entre o que há de mais profundo, fundamental, enraízado, mais ontologicamente anterior, e o lado mais inocente, lúdico, juvenil e puro do ser humano. É por isso que o seu trabalho é extremamente cativante. E é dessa maneira que consegue uma enorme proeza: apesar do seu motivo, o seu trabalho em nada é assustador. Indo até ao mais fundo (do ser humano e da memória dos tempos), utilizando o subconsciente e provocando através do fantástico e do mitológico – apesar das suas obras envolverem uma desfiguração, o disforme, o bizarro, elas são, no entanto, aprazíveis. São convidativas a um olhar demorado e enchem-nos de ternura e sonho. Como afirma José Augusto França, todas as correntes modernas eram ignoradas na escultura portuguesa até Jorge Vieira. Só ele, em 1953, com um projecto de monumento Ao Prisioneiro Político Desconhecido, premiado num concurso internacional londrino, se notabilizava. O seu acerto cronológico com a restante actividade europeia era único e valeu-lhe talvez até mais reconhecimento internacional que nacional. Iniciou um procedimento revolucionário com o exercício de materiais diversos, em especial a terracota e a pintura com engobes. Foi também um dos primeiros escultores a introduzir a cor, interesse que o leva a dourar particularidades dos bronzes. Rompeu com o já velho e árido cânone oitocentista, recuperando, criativamente, modelos icónicos de culturas antiquíssimas e primordiais, de origem mediterrânea, africana e até ameríndia. Precursor primitivista, cubista, surrealista e abstracta, sumariou meio século de inovações até então por experimentar em Portugal. A sua primeira exposição individual foi em 1949 na SNBA onde já se podia ver uma figuração neo-classicista na composição do corpo feminino com uma anatomia estereometrizada. As pequenas figuras que evocam a tal memorabilidade primitiva são inscritas numa formalidade moderna e surrealista. E as outras completamente abstractas desenvolvem uma síntese orgânica entre espaços cheios e vazios, eliminando a tensão dessas duas forças, criando uma harmonia e completude hipnotizantes. Esteve em Londres, onde trabalhou sob a orientação de Henry Moore e Reg Butler, em 1954. Prémio de Escultura na I Exposição e na II Exposição da Fundação Gulbenkian, em 1957 e em 1961. Pouco tempo depois de ter aberto as suas portas em 1968, a Galeria São Mamede fez-lhe uma exposição individual de esculturas e desenhos, em 1971, (com texto de Manuel Crespo) onde se afirma corajosamente no início do catálogo que “a arte é sempre revolução”, desfazendo a pertinência da velha querela entre arte e política. Em homenagem e retrospectiva, a Galeria São Mamede volta a fazer uma exposição da sua obra em 2016.

Jorge Vieira: (Homem Duplicado), n.d. â€“ Terracota c/ engobes, 46 x 47 x 32 cm

Jorge Vieira: (Touro), 1955 - Terracota c/ engobes, 40 x 31 x 17 cm

Jorge Vieira: (Casal agarrado), n.d. - Terracota c/ engobes - 50 x 65 x 30 cm

Jorge Vieira: Minotauro, n.d - Terracota c/ engobes, Alt: 19 cm

Jorge Vieira: Ocarina, 1985 - Terracota c/ engobes, 56 x 41 x 26 cm

Raúl Perez com os amigos Cruzeiro Seixas e Cesariny na inauguração da sua exposição com Cruzeiro Seixas “As Mãos são a paisagem que nos olha” na GSM, no dia 11 de Dezembro de 2003

Raúl Perez (n. 1944) – Nasceu no Minho. Em 1972, realiza a primeira exposição individual, a convite de C. Seixas, na Galeria S. Mamede, Lisboa. Desde 1973, participa em exposições colectivas do Movimento Internacional PHASES. Em 1977, expõe em Amesterdão com o inglês Philip West, o holandês Rik Lina e o português C. Seixas. Realizou cadavres-exquis com Cruzeiro Seixas. Meticulosamente elaborada, a sua pintura cria uma imagética organicista e contagiante de seres híbridos, de contornos moles e ondulantes, em áridas arquitecturas e crepusculares ambientes metafísicos. Realizou 6 exposições (5 individuais + 1 com Cruzeiro seixas) na Galeria de São Mamede, Lisboa em 1972, “dezasseis imagens do seu diário onírico”, num texto de Mário Cesariny; em 1982, prefaciado por Cruzeiro Seixas e Lima de Freitas; em 1985, com poema de Laurens Van Krevel; em 1988 pintura metafísica de áridas paisagens de pedra, em 2009, prefaciado por Maria João Fernandes, com o título “Figuras da Esfinge na pintura de Raúl Perez”; e em 2004, pintura e desenho de Raúl Perez e Cruzeiro Seixas, incluindo um poema de cada autor, além de “Cadavre-exquis”. Em 2009, foi apresentada uma retrospectiva de Raúl Perez “Desenho e Pinturas – 1963-2008”, no Museu da Colação Berardo, em Lisboa, com textos de JeanFrançois, Bernardo Pinto de Almeida, Maria João Fernandes, em bilingue (português e inglês), num excelente catálogo, que realça a originalidade da imagética onírica de Raúl Perez.

Cruzeiro Seixas com Carlos Calvet e Raúl Perez em 2012, na última exposição com a presença de Cruzeiro Seixas, em 2012

Raúl Perez: S/ Título, 2009 - Óleo sb tela, 25 x 42,5 cm

Raúl Perez: S/ Título, n.d. - Óleo sb tela, 33 x 30 cm

Raúl Perez: S/ Título, 2009 - Óleo sb tela, 25 x 43 cm

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