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ÍNDICE DE ARTISTAS HERNÁN SALAMANCO

GABRIEL CHAILE

ALBERTO GOLDENSTEIN

LUIS FERNANDO BENEDIT

JUAN DEL PRETE

JUAN BECÚ

LUCRECIA LIONTI

EDUARDO STUPÍA

MATÍAS ERCOLE

MATÍAS DUVILLE

IGNACIO VALDEZ

DOLORES ACUÑA

EDUARDO HOFFMANN

CONSTANZA OXENFORD

MONDONGO

CLORINDO TESTA

AMAYA BOUQUET

NICOLA COSTANTINO

MAURO AGUSTÍN CRUZ

JOSEFINA ROBIROSA

CAROLINA RAQUEL ANTICH

FERMÍN EGUÍA

Nota: Los precios están expresados en dólares estadounidenses. Se podrá pagar en billetes de esa divisa o en su equivalente en pesos correspondientes a la cotización del dolar MEP (dolar bolsa) vigente al día de pago. 23

HERNÁN SALAMANCO (Buenos Aires, 1974)

Se forma como pintor en la Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón” y en el taller de Roberto Duarte, en la ciudad de Buenos Aires, y como litógrafo en la Academia Real de Bellas Artes de Bélgica. En el año 2000 recibe su primer reconocimiento por una institución nacional, la Beca del Fondo Nacional de las Artes. A lo largo de la siguiente década recibe además el Premio LXII Salón Nacional de Rosario (2008), el primer Premio del IV Salón Banco Central y el segundo Premio Salón Banco de la Nación (2010), entre otras menciones. Desde el 2002 trabaja con representación de galerías en Buenos Aires: Braga Menendez, SlyZmud, Tramo, y actualmente en Herlitzka & Co. y hasta 2011 también en San Pablo con Thomas Cohn, Baró Cruz y Oscar Cruz. Realizó exposiciones individuales en cada una de ellas y en la Fundación Arthaus (2024), en el Centro Cultural Recoleta (2015), el Centro Cultural Borges (2013) y el museo MACRO de Rosario (2013), estas de carácter institucional. En cuanto a su participación en exposiciones colectivas, presentó obras junto a sus contemporáneos en el MAMBA, MALBA, Fundación Proa, CCEBA, CCRojas, CCK, Fundación Telefónica y el espacio Duplus en su país y otras exposiciones en Londres, Nueva York, Santiago de Chile y el interior de Argentina. Como artista en constante producción desde hace más de dos décadas, su pintura ha atravesado diferentes temas y estilos pictóricos. Quizá su rasgo más característico sea el uso de chapa usada y el esmalte sintético. Estos materiales, que frecuentemente describen escenas de un paisaje interior o exterior, sin presencia humana, de extraña familiaridad y en diferentes grados de figuración, le atribuyen las dotes fundamentales de la obra de arte contemporánea: singularidad, estilo personal, rareza original y atractiva excentricidad. Vive y trabaja en Buenos Aires.

Bowler II, 2004 Esmalte sintético sobre chapa 198,5 x 201,5 x 5 cm Base: USD 3.500 Obra donada en su totalidad a Germinare por Balanz

GABRIEL CHAILE (Tucumán, 1985)

En sus obras se da un encuentro crítico-poético entre la antropología, lo sagrado y sus rituales, lo político y las comunidades precolombinas de Sudamérica, leídas en clave artística y con cierta excentricidad y sentido del humor. Entre sus últimos trabajos se encuentran The wind blows where it wishes, con curaduría de Cecilia Alemani (High Line, New York, 2023), Time, Times, Half a Time (BARRO, New York, 2023), Where are the Heirs of these Forms?, (De Singel. Amberes, 2022), Migrantes são bem-vindos(Kunsthalle Lissabon, Lisboa, 2022), The Milk of Dreams con curaduría de Cecilia Alemani, (59ª Exposición Internacional de Arte, La Bienal de Venecia, Venecia, 2022), Anozero con curaduría de Elfi Turpin & Filipa Oliveira (Bienal de arte contemporáneo de Coimbra, Portugal, 2022), The Sowers con curaduría de Anissa Touati y Nathalie Guoit (Fondation Thalie, Bruselas, 2021), Soft Water Hard Stone con curaduría de Margot Norton y Jamillah James (New Museum Triennal, New Museum, Nueva York, 2021), Pés de Barro con curaduría de Chús Martínez & Filipa Ramos (Galeria Municipal o Porto, Portugal, 2021), Esta canción ya tuvo aplausos (ChertLudde, Berlín 2019), Genealogía de la forma con curaduría de Andrea Fernández (Barro, Buenos Aires, 2019), Diego, con curaduría de Cecilia Alemani (Art Basel Cities, Buenos Aires, 2018), Cosas que ojo no vio (Museo de Arte Contemporáneo de La Boca, Buenos Aires, 2018), Sonia (El ondulatorio, La Rioja, 2018), Proto, una película de Gabriel Chaile(Galería Ruby, Buenos Aires, 2017), Patricia, con curaduría de Laura Hackel (Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Buenos Aires, 2017), Mi nombre es legión porque somos muchos (Centro Cultural San Pablo T, Tucumán, 2016), No es culpa mía si viene del río (Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, 2015), Salir del surco al labrar la tierra, delirios de grandeza II (Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires, 2014). Chaile ha participado en ferias de arte como Art Basel (Basilea),The Armory Show (Nueva York), arteba (Buenos Aires), Art Basel Miami Beach (Miami). Ha realizado muestras colectivas en Tucumán, Lima, Montevideo, París, Cuenca y Buenos Aires y en el 2019 participó en la Bienal de Arte Joven (CCRecoleta, Buenos Aires, 2019), en BienalSur con curaduría de Leandro Martinez Depetris (EAC, Montevideo, 2019) y The last supper en el Faena Festival (Miami Beach). Vive y trabaja entre Buenos Aires y Lisboa.

Sin título, 2008 Lápiz sobre papel 29 x 44 cm Base: USD 2.500

ALBERTO GOLDENSTEIN (Buenos Aires, 1951)

Fotógrafo, artista visual. Formado en la New England School of Photography de Boston (USA) (1981- 1983). Es parte de la generación de artistas identificados con la Galería del C.C.Rojas en los años 90, participando además de las emblemáticas muestras “Ilusiones de Artista” (1992) y “El Tao del Arte” (1997). Creador y curador de la Fotogalería del Centro Cultural R. Rojas / Universidad de Buenos Aires, espacio que se constituyó en un lugar referencial de la fotografía argentina contemporánea. En combinación con su tarea docente, conformó un eje de formación para una generación de artistas fotógrafos (1995-2019). Expuso en varias de las principales galerías de arte contemporáneo de Buenos Aires. En 2016 se edita el libro “Goldenstein” de la editorial Adriana Hidalgo. En 2018 tuvo su primera muestra retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y un libro catálogo editado por el Museo. Su obra forma parte de las colecciones de Fotografía Contemporánea del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, del Museo Nacional de Bellas Artes, Museo Franklin Rawson de San Juan, Museo Castagnino + Macro (Rosario), Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), Fototeca Latinoamericana (FoLA), Fundación Lariviére y otras importantes colecciones privadas de Argentina y del exterior. Recibió el premio Konex 2022 a las Artes Visuales (Fotografía). En 2023 obtiene el Premio Nacional a la Trayectoria Artística y en 2025 el primer premio Fundación F. Klemm.

De la Serie "Flaneur en Buenos Aires", 2008 Fotografía edición: 2/5 + A.P. Imagen: 31 x 46 cm Marco: 45 x 60 cm Base: USD 2.500 Representado por Galería Nora Fisch

LUIS FERNANDO BENEDIT (Buenos Aires, 1937- 2011)

Artista plástico y arquitecto. Su trayectoria se inició en la década del ´60. En 1967, fue becado por el gobierno italiano y estudió paisajística en Roma. Fue el primer artista latinoamericano que exhibió en el espacio Proyects del Museum of Modern Art, Nueva York, en 1972. En la década del ´70, sus obras se inscriben dentro de las manifestaciones del arte conceptual ligado al ecologismo. En 1968 exhibió en el Museo de Bellas Artes la muestra "Materiales, nuevas técnicas, nuevas expresiones", siendo una serie de objetos de la naturaleza orgánica e inorgánica realizados con vidrio, agua y peces vivos. En su obra "Trompos" de 1976 ilustró una ley física entre el comportamiento de los cuerpos y el material del que están constituidos. En 1978 pintó diversas obras como "Caja de maíz", "Taba", "Cuchillo", "Caja de alambrado", entre otras, las cuales reflejan el avance en los sistemas tecnológicos y cómo influye en la sociedad del campo argentino. En 1979 ganó, junto a Jacques Bedel y Clorindo Testa, el concurso del Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires para remodelar el edificio histórico que sirvió de convento, cárcel y asilo. En 2015 se realizó la Exhibición “Juguetes”, en Roldan Moderno, Buenos Aires con curaduría de Laura Batkis.

De las Prendas Gauchas (Hasting) del 1 al 11, 1995 Acuarela sobre papel 110 x 94 cm Base: USD 9.500

JUAN DEL PRETE (Vasto, 1897 – Buenos Aires, 1987)

Pintor, dibujante, escultor y fotógrafo autodidacta. Fue un pionero del arte moderno argentino, y una de las figuras centrales de los orígenes del arte no figurativo local. Su principal fuente expresiva fue la materia y el color, produciendo composiciones que alternaron la figuración y la abstracción. Su temperamento le impidió atarse a ninguna fórmula, sus concepciones fueron diversas como corresponde a un pintor no afiliado a ningún bando artístico. Su estilo era demasiado espontáneo incapaz de repetirse a sí mismo, y su vanguardismo, una expresión auténtica de su personalidad. Durante la década del ´30 estuvo en contacto con los espacios de ebullición del arte abstracto en París. Participó en el número 2 de la revista Abstraction Création (1933) junto con un elenco de artistas europeos como Bill, Calder, Kupka, Mondrian y Moholy-Nagy, entre otros. Realizó las primeras muestras de arte no figurativo en Argentina en los años 1933 y 1934, en los salones de Amigos del Arte. La primera con pinturas traídas de París y la segunda con esculturas en yeso y alambre. Obtuvo el Gran Premio Internacional de Bruselas (1958); el Premio Palanza que por primera vez se adjudicó a un conjunto de obras no figurativas (1958); el Gran Premio Honor Salón Nacional, Buenos Aires (1963); el Gran Premio Internazionale il Collezionista, Milan (1975). Participó del envío a la IV Bienal de São Paulo en 1957, y la V Bienal de São Paulo en 1959 con presencia en una sala especial mostrando una veintena de obras abstractas; de la XXVI Biennale di Venezia en 1952 y XXIX Biennale di Venezia en 1958 y en el año 2024 de la XL Biennale di Venezia: “Stranieri Ovunque – Foreigners Everywhere”. Sus obras forman parte de las colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA); Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA); Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA); Museo Castagnino + Macro; Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori; Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat; Museo de Arte Contemporáneo La Plata (MACLA), entre otros; y de destacadas colecciones privadas en Latinoamérica, Estados Unidos y Europa.

Abstracción arlequinada, 1980 Óleo sobre cartón 45,5 x 55 cm Base: USD 8.000 Obra firmada y fechada "80" abajo, a la derecha Titulada y firmada al dorso por el artista Obra donada en su totalidad a Germinare

JUAN BECÚ (Buenos Aires, 1980)

Pintor desde 1997. Ha obtenido la beca nacional del Fondo Nacional de las Artes, el Subsidio Fondo de Cultura Buenos Aires, Línea Joven, Mención en el Salón Nacional de Pintura del 2012, mención en el Premio Itaú a las Artes Visuales del 2013 y Mención en el Premio Braque 2015 junto a su video Radical Fitness. Participó en residencias internacionales, en el School of Visual Arts de Nueva York 2012 y en Vermont Studio Art Center, en septiembre de 2013. Participó de numerosas muestras individuales y colectivas tanto en Argentina como en el exterior. Su primera exposición, Caja de colores (2000, Centro Cultural Recoleta), inauguró un recorrido que continuó allí con Acerca de idilios, sueños y construcciones (2004), Muestra 6 (2006) y ¡Qué viva la resistencia! (2013). Su obra se exhibió en galerías como Alberto Sendrós, Vasari, Ruth Benzacar, Miranda Bosch y Nora Fisch —donde en 2016 presentó Cuadernos—, así como en El Gran Vidrio (Córdoba) y Bienalsur (Casa del Bicentenario). Su primera pieza audiovisual, Radical Fitness, fue galardonada con el Premio Braque; luego estrenó su segundo videoarte, La Nueva Pintura Nutricional, en el Malba (2018). En Estados Unidos participó en Untitled Miami en 2017 y 2021 junto a la Galería DPM de Guayaquil, y fue convocado para integrar la muestra colectiva Time for Change: Art and Social Unrest en el Pérez Museum de Miami (2019). En 2025 inaugura Fuzz en Galería MC, Buenos Aires.

Sin título, 2009 Óleo sobre tela 120 x 80 cm Base: USD 6.000

LUCRECIA LIONTI (San Miguel de Tucumán, 1985)

Es licenciada en Artes Plásticas por la Universidad Nacional de Tucumán, continuó su formación en el Programa de Artistas y el Laboratorio de Cine de la Universidad Torcuato Di Tella. Su trabajo ha sido exhibido en museos, instituciones y galerías internacionales, incluyendo participaciones en la Bienal de Gwangju, Corea del Sur, y exposiciones en el MALBA, el Museo Moderno de Buenos Aires y el Memorial da América Latina de São Paulo. Sus obras integran importantes colecciones públicas y privadas, entre ellas, el Museo Reina Sofía de Madrid. Por su trabajo ha recibido premios y menciones. Ha realizado las residencias artísticas: Milgotas en Beijing, Gasworks en Londres (Beca Érica Roberts + URRA), El Ranchito Matadero en Madrid, BecAR Cultura, EAC Montevideo, Uruguay. Su trabajo fue publicado en Vitamin Txt: Words in Contemporary Art, Phaidon Editors (2024). Actualmente trabaja para su próxima residencia y primera exhibición individual institucional en Europa en Espace Croisé, Tourcoing, Francia. Vive y trabaja en Buenos Aires.

Grafismos de lana III, 2023 Lana, fieltro, y tela sobre bastidor de madera 67 x 53 x 4 cm Base: USD 3.000 Representada por Galería Barro

EDUARDO STUPÍA (Buenos Aires, 1951)

Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano de Buenos Aires. Expone local e internacionalmente en exhibiciones grupales e individuales desde 1973 en Lirolay, Arte Múltiple, Ruth Benzacar, Ática, Art House, Del infinito, Jorge Mara-LaRuche, Dan Galería y Galería María Baró (ambas de San Pablo, Brasil), IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno), Rosenfeld – Porcini Gallery (Londres), y Galería Xippas de Arte Contemporáneo en sus sedes de París, Montevideo y Punta del Este, entre otras. Ejerce la docencia desde 1986 y actúa frecuentemente como jurado en premios y en festivales cinematográficos. Es autor de numerosas reseñas sobre artistas y exposiciones, así como de notas sobre estética y políticas del arte publicadas en medios locales e internacionales. Trabaja con diversos materiales como carbonilla, lápiz, grafito, pastel, óleo y acrílico. En 2012 fue invitado a exhibir una muestra individual en la 30a Bienal Internacional de San Pablo. Participa asiduamente en muestras grupales, premios y salones nacionales e internacionales y obtuvo los dos premios más importantes de la Argentina, el Gran Premio del Salón Nacional y el Gran Premio del Salón Municipal Manuel Belgrano, en la especialidad dibujo. Forma parte de la colección del Museum of Modern Art Nueva York y expuso entre noviembre de 2007 y febrero de 2008 en la muestra grupal New Perspectives in Latin American Art 1930 2006: Selections from a decade of acquisitions.

Paisaje, 2024 Técnica mixta 100 x 120 cm Base: USD 7.000

MATÍAS ERCOLE (Buenos Aires, 1987)

Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la Universidad Nacional de las Artes y asistió a clínicas y talleres de Pablo Siquier, Claudio Caldini, Ernesto Ballesteros, entre otros. Obtuvo una beca de formación del Centro de Investigación Artística Fundación START y realizó residencias en Barcelona (HANGAR), Uruguay y Torino en Italia. Su obra es parte de diversas colecciones públicas y privadas. Entre ellas, la Colección Jorge M. Perez El espacio 23, Miami, USA; el Museo de Arte Moderno de Mendoza; el Museo de Bellas Artes de Tandil; el Palais de Glace; el Museo Franklin Rawson de San Juan. Entre los numerosos premios y reconocimientos que ha recibido, se destacan el Primer Premio Adquisición – Dibujo del Salón Nacional en 2017; la Mención Honorífica del Fondo Nacional de las Artes en 2016, y la Mención Especial del jurado del Premio Klemm en 2013. Resultó ganador de la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires en dos ocasiones, en 2013 y 2015. Ha realizado exhibiciones de manera individual y colectiva tanto en espacios e instituciones nacionales como internacionales. Entre los primeros, mostró en Galería Valeries Factory, Miranda Bosch Gallery, en el Centro Cultural Recoleta, en la Galería Proyecto “A”, en la Casa Nacional del Bicentenario,en Palazzo Braschi de Roma, Centro de Arte CAB en Burgos España, en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, el Museo de Arte Moderno de Mendoza y en MUNAR. Fuera del país, su trabajo fue exhibido en la Galería La Cometa Madrid en 2026, Spazio Nuovo en Roma en 2024, Galería Jorge López en Valencia en 2022, Julio de París en 2016, en el Espacio de Arte Contemporáneo de Montevideo, Uruguay en 2016 y 2020 y en Arco 2025, en el Drawing Room de Madrid, España en 2017 y de Lisboa, Portugal en 2019, ocasión en la que obtuvo el Premio Nuevo Talento Viarco. Vive y trabaja entre Buenos Aires y Roma.

Los soles, 2023 Tinta y cera sobre papel en tela 150 x 100 cm Base: USD 5.000

MATÍAS DUVILLE (Buenos Aires, 1974)

Trabaja con objetos, videos e instalaciones aunque su obra se desarrolla principalmente a partir del dibujo. Sus obras evocan escenas desoladas con atmósferas enrarecidas y atemporales como las que preceden un cataclismo: huracanes, maremotos o situaciones de abandono en el bosque, funcionan como la visión onírica de un explorador errante, como un paisaje mental. Su trabajo se caracteriza por la experimentación de soportes y materiales. Mediante trazos expresivos y procedimientos de cierta brutalidad, impacta la superficie dejando sus huellas en la representación, marcas en las que se mezcla la naturaleza de la materia y el paisaje. La tensión entre opuestos, la mutación y el tiempo son algunos de los temas que recorren sus últimos trabajos. Duville fue seleccionado para representar al país en el Pabellón Argentino en la Bienal de Venecia 2026 con su proyecto Monitor Yin Yang, con curaduría de Josefina Barcia. Entre sus muestras individuales se destacan Vertices of time (BARRO, Nueva York, 2024), El fondo inestable (BARRO, Buenos Aires, 2023), Arena Parking (Fundação Getulio Vargas, Río de Janeiro, 2021), Hotel Palmera (Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat, Buenos Aires, 2020), Desert means ocean (MOLAA, Los Angeles, 2019), Projection Soul (Galeria Luisa Strina, San Pablo, 2019), Romance Atómico (BARRO, Buenos Aires, 2017), The Valise Project (MoMA, Nueva York, 2017), Arena Parking (Art Basel, 2016; Centro Cultural Recoleta, 2015), Mutações (MAM, Río de Janeiro, 2015), Precipitar una especie (BARRO, Buenos Aires, 2014), Discard Geography (Ecole de beaux arts, Chapelle des Petits-Augustins, París, 2013), Safari (Malba, Buenos Aires, 2013) y Alaska, (Drawing Center, Nueva York, 2013). Vive y trabaja entre Buenos Aires y Mar del Plata.

Bola de confusión, 2022 Dibujo sobre aluminio compuesto 71 x 93 cm Base: USD 8.000 Representado por Galería Barro

IGNACIO VALDEZ (Buenos Aires, 1978)

Comenzó su formación artística a finales de 1995 asistiendo al taller del artista Carlos Uría. En 1996 ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón”, donde egresó como Profesor Nacional de pintura en 2001. Durante este período formó parte del colectivo GAC (Grupo de Arte Callejero) participando de sus primeras acciones. También creó junto con Rodrigo Vázquez Ávila, Ad Minoliti y Federico Liss La Clínica de los viernes. En 2003 realizó una jornada de Análisis de obra como becado en el taller de Luis Felipe Noé. Formó parte de las clínicas de obra organizadas por Tomás Espina en 2008 y durante el 2010 asistió a las clínicas dictadas por Daniel Joglar. En 2006 expuso “Así en toda la hoja” en Galería Zavaleta Lab, Buenos Aires. Desde ese año y hasta la fecha actual participa como artista expositor en arteba. Expuso en 2008 en “La Línea piensa”, proyecto creado por Eduardo Stupía y Luis Felipe Noé en el Centro Cultural Borges. Participó de numerosas exposiciones colectivas como “Dibujar qué”, Complejo Cultural de Río Gallegos, 2015; “Últimas tendencias”, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. 2011; “De piso a Techo: Una antología del dibujo contemporáneo”, Chez Vautier, Buenos Aires, 2008, entre otras. Actualmente es artista de Galería Palatina, donde realizó en el año 2012 “Valdez - Blanco” junto a Viviana Blanco, “Suelta la Materia” muestra individual, 2015, “Mónica Millán - Ignacio Valdez” en el 2018 y “Que el pensamiento se mueva” junto a Milton Kalbermatter y Mariana Guerrero, 2021. Obtuvo el Tercer premio adquisición del Salón Nacional de Pintura, Fundación Banco Nación, 2015; Mención especial, Salón Nacional de Artes Visuales, Palais de Glace, 2008; Primer Premio adquisición, Salón Manuel Belgrano, Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori, Buenos Aires, 2006. En 2021 participó del 109 Salón Nacional de Artes Visuales. En 2023 expuso en la muestra “Pinturas” con Dolores Acuña en Galería Palatina y recientemente en las ediciones arteba 2024 y 2025. Este año participará como jurado en el Salón de Artes Visuales “Fernán Félix de Amador” de Vicente López.

Sin título, 2023 Tinta sobre papel de arroz 190 x 90 cm Base: USD 5.000 Representado por Galería Palatina

DOLORES ACUÑA (Buenos Aires, 1973)

Artista representada por Galería Palatina. Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires. Desde el 2002, comienza a exponer en muestras individuales y colectivas, siempre en espacios privados y auto gestionados. Realizó trabajos de arte y colaboraciones con la marca de indumentaria Rapsodia. En 2011 realizó cursos de dibujo y pintura en el Ecole Superior de Beaux Arts, Paris. Participó de varias muestras individuales y colectivas, entre ellas: Espacio Guatemala (2011 y 2012); Isabel (2010); Museo Metropolitano (2008); Javier Baliña Galería de arte (2007); Galería Arguibel (2006). Expone en las muestras “Botánica” (2016), "Primavera Negra” (2018) y “Pinturas” (2023) junto a Ignacio Valdez en Galería Palatina. Recientemente participó en las ediciones arteba 2024 y 2025.

Sin título, 2022 Acrílico sobre papel 118 x 105 cm Base: USD 2.500 Representada por Galería Palatina Obra donada en su totalidad a Germinare por la artista

EDUARDO HOFFMANN (Mendoza, 1957)

A la edad de 14 años comenzó a pintar y tres años más tarde su interés por el arte lo llevó a estudiar en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Cuyo, con Zdravko Ducmelić. En 1978 se inició obteniendo un premio en el Salón de la Vendimia en su provincia natal. En 1981 ganó el Premio Pio Collivadino a menores de 21 años en el Salón Nacional. En 1984 residió en Brasil; un año más tarde se instaló en París, en el taller de Julio Le Parc; pasó temporadas en Madrid y en Alemania. En 1986 participó en la 2a Bienal de La Habana (Cuba) como así mismo en la Bienal de Venecia. Obtuvo el Primer Premio Movado a la Joven Generación en 1988. Recibió el primer premio de la Fundación Fortabat en 1991, y la Beca Antorchas a Artistas Consagrados, como el Premio Leonardo Artista del año 1998 concedido por la Asociación Argentina de Críticos. Al comenzar los años 90 se publicó un libro dedicado a su obra, con texto de Jorge Glusberg. Participó en la Documenta Kassel 1997. Hoffmann participa en las principales ferias internacionales de arte como: Sydney Contemporary; Art Market San Francisco; Tony Chi’s Studio, New York; FIAC, París; ArtBasel, Basilea; Art Chicago, Chicago; Art Miami, Miami; arteba Buenos Aires; ARCO Madrid; Beirut Art Fair, Líbano; Sotheby’s Latin American Painting, Phillips de Pury & Company Auction, Nueva York Tiroche de Leon Collection, entre otros. Reside en Buenos Aires, trabaja en Central Park Barracas con Estudio Foster & Partner para un tower office en Gurgaon India. Colecciones más relevantes entre otras: Fundación Tiroche de León Collection, Casa de Orange Reina Máxima, Amalia Fortabat, Condes d’Ornano Francia, Rosewood Hotel London, Rosewood Hotel Hong Kong, Colección Tony Chi NY, Colección Familia de Ganay, Colección Swiss Life Paris, Colección Ritz Carlton Miami, Colección Museo Charles Chaplin Suiza, Colección Familia Du Pont Luxemburgo, Colección Cactus Luxemburgo, Colección Robert Smith Luxemburgo, Participa en Subastas internacionales, Sotheby’s NY, Phillips de Pury NY, Christie’s NY, Norman Foster and partner Delhi.

I. Sin título, 2022 Técnica mixta sobre tela 24 x 76 cm Base: USD 1.000 Obra donada en su totalidad a Germinare por el artista

II. Sin título, 2022 Técnica mixta sobre tela 24 x 76 cm Base: USD 1.000 Obra donada en su totalidad a Germinare por el artista

II.

CONSTANZA OXENFORD Fariao (Buenos Aires, 1970)

Artista visual y licenciada en Ciencias Políticas y Relaciones Internacionales por la Universidad Católica Argentina. Magíster en Sociología por la Universidad de Columbia, Nueva York. En 2000 estudió fotografía analógica y revelado en The New School–Parsons, Nueva York. Entre 2002 y 2008 se formó en pintura junto a Sofía Huidobro. En 2014 participó de la clínica de fotografía de Alberto Goldenstein y, entre 2015 y 2018, estudió dibujo con Eduardo Stupía, ambos en la Universidad Torcuato Di Tella. Entre 2023 y 2025 participó de la clínica y taller de Diana Aisenberg. Desde 2024 forma parte del Taller de Análisis de Obra (TAO) de Daniel Fischer en ODA Galería y, desde 2015 estudia filosofía junto a Florencio Noceti. Entre sus exposiciones individuales se destacan “Sinapsis” (2018), con curaduría de Eduardo Stupía, y “Dimensiones de lo mismo” (2019), con curaduría de Alberto Goldenstein, ambas en ODA Galería. “Sinapsis” fue presentada posteriormente en la Embajada Argentina en Washington (2019) y en el Consulado Argentino en Nueva York (2020). En 2021 presentó “Madre Zoe” en ODA Galería, con el apoyo de Mecenazgo y curaduría de Eduardo Stupía. En 2024 presentó “Bailar un lento con vos” en Ungallery, con curaduría de Florencia Battiti y Fernando Farina, y en 2025 en Galería Mados, Madrid. En 2026 expuso la serie “Te veo, te busco, te miro” en ODA Galería, Uruguay. En 2024 presentó su libro “Madre Zoe” en el Museo Nacional de Bellas Artes, con el apoyo de Mecenazgo de la Ciudad de Buenos Aires, y fue seleccionada para integrar el portfolio internacional de LensCulture Ferias más destacadas: desde 2016 participa de Pinta - BAphoto. La serie “Madre Zoe” formó parte de “Ellas” (2022), en Campo Garzón, Uruguay, y de “The Family” (2023), en LoosenArt, Roma. En 2026 presentó sus fotos en MIA Photo Fair, Milán, y en photo basel junto a AC Latin Art.

De la Serie "Según Platón”, 2020 Fotografía edición: 1/6 + A.P. 100 x 73 cm Base: USD 1.800 Obra donada en su totalidad a Germinare por la artista

MONDONGO

Mondongo es un colectivo de artistas que trabajan juntos desde 1999, integrado actualmente por Juliana Laffitte (Buenos Aires, 1974) y Manuel Mendanha (Buenos Aires, 1976). Sus obras ponen en tensión la relación conceptual entre la materialidad y la imagen. En sus producciones debaten temas como el poder, el trabajo, la economía, la sexualidad, y desarrollan diferentes lecturas a través de la libertad en el uso de los materiales, llevando su trabajo en el detalle un paso más allá de lo convencional, en tamaño, en complejidad y potencialidad. A través de materiales poco convencionales—como espejitos de colores, galletitas dulces, pan, carne, hilos y plastilina—manipulados a partir de originales técnicas y seleccionados en función de su contenido, crean escenas irónicas, fantásticas y críticas, privilegiando siempre el sentido narrativo. Entre sus proyectos individuales recientes se destacan una gira nacional de Argentina (Arthaus, Buenos Aires; Castagnino, Rosario; 2025), Manifestación (Malba, Buenos Aires, 2024), Ensayos naturales I y Ensayos naturales II (Malba-Puertos, Escobar, 2024), Welcome (BARRO, Nueva York, 2023), Conejos blancos (BARRO, Buenos Aires, 2021), Tres (BARRO, Buenos Aires, 2017), HOME - So different so appealing (LACMA, Los Ángeles, 2017), How to read el Pato Pascual: Disney’s Latin American y Latin American Disney’s (MAK Center, West Hollywood, 2017), Mondongo (MAXXI, Roma, 2016; Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson, San Juan; Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Caraffa, Córdoba; Museo Nacional de Bellas Artes de Neuquén; 2014). Viven y trabajan en Buenos Aires.

Argentina (100.000 monedas de 0,05 y 0,10 pesos), 2017 Impresión ink-jet sobre papel libre de ácido Edición: 3 + A.P. 106 x 139 x 4 cm Base: USD 8.000 Representados por Galería Barro

CLORINDO TESTA (Nápoles, 1923 - Buenos Aires, 2013)

Estudió Arquitectura en la Universidad de Buenos Aires. Luego de graduarse en 1948, viajó a través de Italia, Francia y España. Desde 1951 comenzó sus carreras paralelas como arquitecto y artista. Como arquitecto, su primer trabajo fue la Cámara Argentina de la Construcción. Su primera obra de relevancia internacional fue en el Banco de Londres y América del Sud (junto al estudio SEPRA). En las décadas siguientes realizó la Biblioteca Nacional (junto a F. Bullrich y A, Cazzaniga), el Hospital Naval Central y el Centro Cultural Recoleta (junto a J. Bedel y L. Benedit), como así también la residencia de Guido Di Tella y las casas Capotesta en Pinamar y La Tumbona en Ostende. Como pintor, su primera exhibición en 1952 en la Galería van Riel fue seguida por muchas otras series temáticas como Habitar, circular, trabajar y recrearse o La peste en Ceppaloni de los años '70, los Autorretratos de los 80, El cerro Potosí y las mulas del general Belgrano y La fiebre amarilla en Buenos Aires, 1870 en los 90. Participó tanto en exhibiciones colectivas como individuales, nacionales e internacionales, como en las Bienales de Venecia y San Pablo en varias oportunidades. Obtuvo numerosos reconocimientos: 1957, Primer premio en la Bienal de Punta del Este; 1958, Medalla de Oro en la Exposición Internacional de Bruselas; en 1961 obtuvo el Premio Nacional de Pintura Di Tella; 1965, Premio Arte de América en la Bienal Latinoamericana Kaiser; 1975, Primer Premio en la Exposición “30 años de la UN” en Zagreb con el Grupo CAYC; 1976, Académico de Número en la Academia Nacional de Bellas Artes; 1977, el gran premio Itamaraty, en la Bienal de San Pablo; 1982 y 1992, Premio Konex de Platino en Artes Visuales. En 1992 recibió el Doctorado Honoris Causa de la Universidad de Buenos Aires y en 2003 el Título Honoris Causa in Architettura de la Universidad “La Sapienza” de Roma.

Sin título, s/f Acrílico sobre papel 33,5 x 46 cm Base: USD 4.000

AMAYA BOUQUET (Buenos Aires, 1979)

En sus obras explora la luz como fenómeno físico y símbolo de procesos espirituales. A través de la manipulación fotográfica, la pintura de retratos, el tallado de cristales y la creación de objetos particulares, investiga las profundidades ocultas protegidas por la ornamentación y los materiales nobles. Su universo visual se nutre de las artes decorativas, la mitología, los símbolos, el esoterismo y la historia de la pintura. Inició sus estudios de fotografía a los 15 años. Se formó en la Escuela Nacional del Vidrio de Berazategui, especializándose en talla y grabado sobre cristal. Su práctica se ha enriquecido en clínicas de obra y talleres con Monica Giron, Jorge Machi, Diana Aizenberg, Alberto Goldstein, Nahuel Vecino, Ignacio Reos, Ernesto Ballesteros entre otros. Asimismo, domina oficios tradicionales como la joyería, el bordado y el dorado a la hoja. Participó en la primera edición del Programa de Artistas de la Universidad Torcuato Di Tella, dirigido por Inés Katzenstein y Jorge Macchi. Realizó su muestra Preciósisis (instalación) en el Centro Cultural Recoleta. Ese mismo año residió en Kioto, Japón, investigando técnicas tradicionales de la cultura nippona. En el 2011 Recibió la beca M.M.S.N para estudiar joyería y bordado de alta costura en Central Saint Martins (Londres). Participó en una exhibición site-specific en el London Abbey Cemetery junto a Max Gómez Canle y artistas locales. La revista ARTA publicó un número especial sobre su trabajo. Fue seleccionada para la XVII edición del Premio Fundación Klemm a las Artes Visuales.Su trabajo fue incluido en las publicaciones Magia y Mística en el arte latinoamericano (Jellyfish books), Catálogo de Artistas Argentinos (Machete Editora) y Before you kneel, my silence (Scrambler Books). En el 2016 diseñó y realizó el interior del bar “el secreto” en el Saxony Hotel Faena (Miami), realizando un mural de 35 m² de vidrio grabado a la arena, dorado a la hoja y pintado en esmaltes. Jeff Koons, Juan Gatti y Damien Hirst también fueron seleccionados para realizar obras site-specific en dicho hotel.

Colmegna, 2026 Cristal tallado, dorado a la hoja y pintura 35 x 30 cm Base: USD 2.000 Representada por Galería María Casado

NICOLA COSTANTINO (Rosario, 1964)

Vive y trabaja en Buenos Aires. Es una de las artistas más relevantes de su generación. Es escultora de formación, aunque su obra presenta múltiples formatos. Cochon sur canapé (1992), su primera muestra individual, es considerada precursora del arte contemporáneo latinoamericano. En 1998 representa a la Argentina en la Bienal de San Pablo, y desde entonces participa en numerosas muestras en museos de todo el mundo, entre los que se destacan Liverpool (1999), Tel Aviv (2002) y Zurich (2011). En 2000 realiza una muestra individual en Deitch Projects (Nueva York) y su Corset de peletería humana ingresa en la colección del MOMA. En 2004 presenta Animal Motion Planet, y Savon de Corps, obra que tuvo gran repercusión en la prensa. El encuentro con Gabriel Valansi en 2006 significó su entrada al mundo de la fotografía, con más de treinta obras realizadas en colaboración. Su interés en la videoperformance la conduce a crear la obra autorreferencial Trailer (2010), su primera producción de tipo cinematográfica, y a abordar un personaje histórico femenino paradigmático como Eva Perón en Rapsodia Inconclusa, instalación con la que representó a la Argentina en la 55a Bienal de Venecia, 2013. En 2014 se dedicó al rodaje de la película biográfica La Artefacta, con la dirección de Natalie Cristiani. A partir de la pandemia Nicola se dedica a la cerámica, rescatando técnicas milenarias y comienza Pardes, su proyecto de arte cerámico inspirado en el universo vegetal. Su obra más reciente es Artista ex-machina, obra escénica-musical realizada en el CETC del Teatro Colón, donde combina narrativas que nos guían en el camino hacia la obra de arte total.

Jardín de Lirios, 2026 Cerámica Nerikomi 50 x 40 x 40 cm Base: USD 3.500

MAURO AGUSTÍN CRUZ (Mar del Plata, 1991)

Tras un breve paso por la Facultad de Bellas Artes de La Plata en el año 2013 regresa a Mar del Plata y participa del taller “Todo es Escultura” dictado por Juan José Souto. Junto a Nahuel Agüero fundan “Le Putit Galerie” en 2014, primera galería de Arte Joven de Mar del Plata donde realiza su primera muestra individual “Respeto Ironía”. Entre otras exhibiciones; se destacan “La Cabida Eterna”, Foyer del Auditórium de Mar del Plata (2015); “Colección Privada”, Moria Galería, CABA (2016); Muestra colectiva “Post Dial Up” en el Centro Cultural Recoleta (curada por Seba Acampante, 2016). Junto a MOTP participó de arteba FOCUS La Boca (2016); “Paisajismo, Chauvin continuo”, Auditórium de Mar del Plata (2018); “Bueno, hay otras maneras”, Moria Galería (2018). En el año 2017 realizó la Residencia para Artistas en URRA junto a Max Gómez Canle para la exhibición “Fulminante” en La Casa de las Culturas en Tigre. En 2019 fue seleccionado por el FNA para exponer en Casa Nacional del Bicentenario y fue becado por el Club TRI (Mar del Plata) para dar un seminario intensivo de Pintura al Aire Libre. Durante 2018 y 2020 ha sido asistente de Max Gómez Canle nuevamente para la retrospectiva “El Salón de los Caprichos” en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y para la exhibición “Vivir así: sin Palabras” en Galería Ruth Benzacar. “Turismo mental” muestra colectiva en Moria Galería (2020). Muestra individual “Mi tonto caminar”, 2021 Moria Galería. Arteba (2021). “Lagarta de fogo” Muestra a dúo con Marcos Pimentel en Proyecto Fidalga, San Pablo, Brasil (2022), Micro feria de arte Rosario (2022). Muestra colectiva “La noche de cerca” Laboratorio, Festival (2022). ArteBA Solo Show, Galería Sendrós (2023). Muestra individual “Oro en la penumbra”, Galería Sendrós (2024).Feria Arpa (2025) Buenos Aires, Argentina

El algarrobo, 2023 Óleo sobre tela 60 x 80 cm Base: USD 2.500 Representado por Galería “La Mala”

JOSEFINA ROBIROSA (Buenos Aires, 1932 - 2022)

Dibujante, pintora y muralista. Estudió pintura con Héctor Basaldúa y Elisabeth von Rendell. Realizó su primera exhibición individual en la Galería Bonino de Buenos Aires en 1957 y también formó parte del grupo de artistas del Instituto Di Tella. Sus obras se encuentran en el Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires), Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Museo Genaro Pérez (Córdoba) y Museo de Tres Arroyos (Prov. de Buenos Aires) en la Colección ITT, Nueva.York, Albright Knox, Búfalo, Neiman Marcus y Chase-Manhattan, de Estados Unidos y Thyssen en Suiza. En el año 1997 el Museo Nacional de Bellas Artes realizó una muestra retrospectiva de sus pinturas y en 2001 el Centro Cultural Recoleta (Buenos Aires) presentó otra retrospectiva en la Sala Cronopios. Ha recibido importantes distinciones como el Premio Konex Mención Especial a la Trayectoria en Artes Visuales en 2012, Mención Honorífica del Jurado; Premio Fundación Banco Ciudad a las Artes Visuales en 2001 y en el mismo año 2° Premio en el 90 Salón Nacional de Artes Visuales; Premio Codees de Pintura Latinoamericana, Museo Nacional de Bellas Artes en 1968 y en el año 1967, 2° Premio Salón Nacional de Artes Plásticas. Se desempeñó como directora del Fondo Nacional de las Artes durante ocho años, y fue miembro de la Academia Nacional de Bellas Artes hasta su fallecimiento.

Pampa de Achala, 1986 Acrílico sobre tela 200 x 170 cm Base: USD 8.000

CAROLINA RAQUEL ANTICH (Rosario, Argentina, 1970)

Se formó en la Academia de Bellas Artes de Rosario y continuó su perfeccionamiento en programas dirigidos por Guillermo Kuitca (Fundación Proa, Buenos Aires) y Hamish Fulton (Fundación Ratti, Como). En 2005 participó en el Premio para el Arte Joven Italiano en la 51ª Bienal de Venecia. Ha sido finalista del Premio 5 Officina Saffi (Milán, 2024), del Premio Azcuy (Buenos Aires, 2020) y del Premio Faenza (2015), entre otros. Su trabajo ha sido expuesto internacionalmente en muestras individuales y colectivas. Entre sus exposiciones recientes se destacan Ensayo (Rosario, 2024), Este Arte (Uruguay, 2022), Somehow (Tokio, 2018), Unforgettable (Musée Hamaguchi Yozo, Tokio, 2018) y Quarzo (Buenos Aires, 2017). Asimismo, ha participado en Presi per incantamento (Centre de Création Contemporaine Olivier Debré, 2024), la Bienal Internacional de la Mujer (Trieste, 2021) y la Cuadrienal de Roma (2008). En 2025 realiza una obra site-specific de gran escala concebida especialmente para un espacio público-privado (Buenos Aires 2025). Sus publicaciones incluyen (un)Known Territories (2024), Ri-Nascite (2024), Le opere della Collezione Bevilacqua La Masa (2022), Silent Transformations (2021) y catálogos monográficos en Tokio, Buenos Aires, Lugano y Vicenza. Desde 2014, sus imágenes ilustran las portadas de las novelas de Banana Yoshimoto para la editorial Feltrinelli en Italia y para Grove Atlantic en Estados Unidos. Vive y trabaja en Venecia, Italia.

El más querido, 2026 Acrílico sobre lino 66 x 54 cm Base: USD 5.000 Representada por Galería María Casado

FERMÍN EGUÍA (Comodoro Rivadavia, 1942 - Buenos Aires, 2024)

Estudió en la Escuela Municipal de Artes y Oficios y en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano. Desde 1965 expone regularmente en Buenos Aires, y a partir de 1976 en exposiciones colectivas en el exterior. Realizó numerosas exposiciones individuales, entre ellas: Galería Proar (1964), Galería Carmen Waugh (1974), Galería Arte Múltiple (1975, 1977, 1978), Galería Ática (1979), Galería Jacques Martínez (1980), Galería Miró (1982), Galería Ática (1983, 1986), Galería Sara García Uriburu (1989, 1994, 2002), Deutsche Bank (1990), Galería del Buen Ayre (1992), Galería Rubbers (1997, 2001) y Galería Francisco Traba. En 2009 integró la 9a Bienal del Mercosur, Grito e Escuta, y en 2010 Paisaje argentino, Smithsonian Gallery, Washington. Obtuvo el Primer Premio Marcelo de Ridder (1974); Primer Premio Banco del Acuerdo, MNBA (1980); Primer Premio Encotel, Palacio de las Comunicaciones, Buenos Aires (1983); Premio A. Pellegrini. Artista del año (2006); Gran Premio de Honor del Salón Nacional de Pintura (2011); Konex de Brillante (2012) y el Premio a la trayectoria del Fondo Nacional de las Artes (2018).

Reposo, 2021 Acrílico sobre tela 35 x 50 cm Base: USD 5.000

CÓMO PARTICIPAR EN LA SUBASTA DE GERMINARE ANTES DE LA SUBASTA Informe sobre las Condiciones Si usted quiere información adicional sobre un lote en particular, o no puede asistir a la exhibición, nos complaceremos en proveerle un informe sobre las condiciones en que se encuentra. Por favor, contacte a los teléfonos de información. Recordamos a los posibles compradores que las descripciones de los bienes no constituyen garantía de los mismos, y que cada lote se vende “en el estado en que está”. Proveemos los informes sobre el estado de los objetos como un servicio a los clientes interesados. Ninguna declaración, ya sea oral o escrita, constituye una garantía o certificación. LA SUBASTA Ofertas Los bienes se subastan por número. El lote que está siendo ofertado, generalmente se exhibe al frente del salón de subastas. El rematador aceptará las ofertas de aquellas personas que estén presentes en la sala de la subasta, y las de oferentes ausentes que participarán telefónicamente o mediante ofertas escritas, entregadas antes de la subasta. Aumentos en las Ofertas Las ofertas se inician con el precio base. El rematador podrá, a su criterio, variar los incrementos durante el curso de la subasta. Ofertas de Ausentes Si usted no puede asistir a la subasta, puede ofertar de diferentes maneras. La más

común es la oferta en ausencia, u “oferta por encargo” (también conocida como “order bid”). Las ofertas en ausencia son sus instrucciones por escrito, instruyéndonos para ofertar por usted por uno o más lotes hasta una suma máxima que usted especificará por cada lote. El personal intentará ejecutar su oferta en ausencia al precio más bajo que le sea posible, teniendo en cuenta la reserva y las demás ofertas. Si hemos recibido ofertas idénticas de diferentes personas, tendremos en cuenta la que hayamos recibido primero. El rematador podrá ejecutar estas ofertas en ausencia directamente desde el podio, identificándolas claramente como oferta por encargo. Para realizar ofertas bajo sobre contactarse con: Mariana Curutchet mcurutchet@germinare.org.ar, T (+54 9 11) 6356- 1067. OFERTAS TELEFÓNICAS Germinare también ejecutará sus ofertas si usted no puede concurrir a la subasta y desea participar por teléfono. Los arreglos deberán confirmarse, por lo menos un día antes de la subasta, con el personal que está a su disposición en los teléfonos de información. OFERTAS GANADORAS El golpe de martillo del rematador indica la última oferta. Germinare registrará el número de la paleta del mejor postor. Si su oferta en la sala o su oferta en ausencia resultan ganadoras, le notificaremos inmediatamente después de la subasta. 69

CONDICIONES DE VENTA Si usted desea hacer su oferta en el remate, le recomendamos leer las Condiciones de Venta que figuran a continuación. Las siguientes condiciones de venta con garantía limitada, en conjunto con cualquier glosario que pudiera aparecer en otras partes de esta publicación y el comprobante entregado como constancia de compromiso de compra que se le entrega el día del remate, constituyen el convenio entre, por una parte, Germinare y por la otra, el Comprador en relación con los bienes incluidos en este catálogo. Las condiciones de venta y garantía limitada así como todo el contenido de este catálogo podrán ser modificados mediante avisos fijados en el salón de remates o anuncios verbales que se efectúen durante la venta. Al hacer ofertas en la subasta, Usted acuerda quedar obligado a las siguientes condiciones: 1. Habiendo estado expuestos las obras a subastarse en el catálogo con suficiente antelación para su preciso examen, no se admitirá reclamo alguno una vez bajado el martillo, ni se asume obligación de garantía hacia el comprador ya sea respecto de la autenticidad, origen, época o estado, como así tampoco por error, avería u otro defecto, aunque no se hubiera detallado en el presente catálogo. Por ello rogamos especialmente a los interesados tomen los recaudos necesarios para el estudio de la mercadería, evitando planteamientos poste70

riores que serán rechazados de plano. Nosotros no somos responsables por errores u omisiones en el catálogo. Los eventuales compradores tienen el derecho y la obligación de inspeccionar los bienes antes de hacer su oferta, a los fines de comprobar su estado y verificar si han sido restaurados o reparados. 2. En el caso de realizar la transacción en pesos argentinos, la misma se realizará al valor del dólar MEP del día en que se hace efectivo el pago. El pago se podrá realizar por transferencia bancaria a la Cuenta Corriente en pesos de FUNDACIÓN GERMINARE del ICBC – Industrial and Commercial Bank of China (Argentina) - N° 0540/02100437/24 (Sucursal 541). En el caso de realizar la transacción en dólares, el pago se podrá realizar por transferencia bancaria a la Caja de ahorro en dólares de FUNDACIÓN GERMINARE del ICBC – Industrial and Commercial Bank of China (Argentina) No 0540/11104479/68 3. En atención a que la subasta es a beneficio de Fundación Germinare, no cobraremos comisión por la venta, por lo que el precio ofertado por el comprador será el de la oferta final. 4. Nos reservamos el derecho de retirar cualquier lote, antes o durante el remate; y/o a rechazar cualquier oferta que no guarde relación con el precio, no teniendo ninguna responsabilidad

por tales circunstancias. El martillero se reserva la facultad de no seguir estrictamente el orden de venta establecido y tendrá absoluta libertad para resolver cualquier incidente que se produjera. 5. El comprador debe estar previamente identificado e inscripto con un número que se le entregará el día del remate. El mismo habilitará la entrada y derecho de compra de dos personas. 6. El postor que haga la oferta más alta reconocida por el subastador, será el comprador. En caso de disputa entre compradores relacionada a los bienes que se subastan, el rematador tendrá la libertad absoluta de determinar el postor ganador (comprador), continuar el remate, cancelar la operación y/u ofrecerlo de nuevo. 7. A nuestro criterio, previo a la subasta, nos reservamos aceptar: a) ofertas por escrito recepcionadas por Germinare antes del remate al teléfono: T (+54 9 11) 6356-1067, mcurutchet@germinare.org.ar b) ofertas telefónicas convenidas previamente, sin ninguna responsabili-

dad con ellas por omisiones, errores o imposibilidad de comunicarse con relación a las mismas. 8. La propiedad del lote ofrecido pasa al comprador después de bajado el martillo por el rematador y el anuncio del mismo que el lote se ha vendido, condicionado al pago total del objeto, asumiendo todo riesgo y responsabilidad por lo comprado. 9. El plazo para cancelar el lote por Ud. adquirido, vence a los 5 días hábiles de celebrado el remate. El comprador deberá retirar el lote ya abonado dentro del mismo plazo por Fundación Germinare, en Darwin 1489, (+54 9 11) 6356-1067, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, con el comprobante de pago. 10. No nos responsabilizamos por el manejo, embalaje, retiro o embarque del lote comprado. El comprador es el único responsable, y puede hacerlo personalmente o enviar personas idóneas para efectuarlo. 11. Las obras serán entregadas con la documentación pertinente si la tuvieran y un certificado de autenticidad firmado por el artista.

Estas cláusulas incluidas en el catálogo, que Ud. conoce y acepta haber leído, constituyen las CONDICIONES DE VENTA.

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