Folleto Carsten Holler - Goya ES

HORARIOS Horario de invierno (octubre a mayo) De martes a domingo, de 10:00 a 20:00 h

PLANTA 3

Horario de verano (junio a septiembre) De martes a domingo, de 10:00 a 21:00 h Cerrado 1 de enero y 25 de diciembre

TARIFAS PLANTA 2

Entrada general: 8€.

Entrada reducida (con acreditación): 4€.

Para mayores de 65 años, estudiantes de 16 a 25 años y familias numerosas.

CARSTEN HÖLLER: Y SALA 2

Entrada gratuita (con acreditación): Amigos del Centro Botín, portadores del Pase, menores de 16 años, desempleados, patrocinadores, periodistas acreditados y miembros del Consejo Internacional de Museos -ICOM-.

PLANTA 1 LIGEREZA Y ATREVIMIENTO. DIBUJOS DE GOYA

Entrada para grupos: 6€.

Mínimo de 8 y máximo de 30 personas -guía/responsable incluido-.

ARTE EN EL CAMBIO DE SIGLO

SALA 1

CONSULTAR LAS EXPOSICIONES EN #CarstenHoller #DibujosdeGoya #LaColección #CentroBotín Muelle de Albareda, s/n Jardines de Pereda 39004 Santander (España) tlf. 942 04 71 47 centrobotin.org

EL MUELLE 0 Atención al visitante Tienda Restaurante

ARTE EN EL CAMBIO DE SIGLO

24 DE JUNIO, 2017-ENERO 2018 SALA 1 Comisario: Benjamin Weil

La adquisición por parte de la Fundación Botín de la mayoría de las obras que acoge esta presentación se inicia a comienzos del siglo XXI. La exposición proporciona al visitante una perspectiva histórica de la labor llevada a cabo por la Fundación Botín en el campo de las artes visuales desde hace más de 25 años. Esta selección incluye obras de grandes maestros contemporáneos que han impartido desde hace más de veinte años en Santander el Taller de Artes Plásticas de Villa Iris, junto a los trabajos de una serie de artistas, beneficiarios del programa de Becas de Artes Plásticas que la Fundación promueve desde 1993, que actualmente son considerados figuras clave de su generación.

Así, los trabajos de artistas como Miroslaw Balka, Tacita Dean, Carlos Garaicoa, Lothar Baumgarten, Mona Hatoum, Antoni Muntadas o Juan Uslé, conviven en la sala de exposiciones de la primera planta con los de Lara Almarcegui, Carlos Bunga, Sandra Gamarra, Renata Lucas, Wilfredo Prieto y Fernando Sánchez Castillo, entre otros.

Carlos Bunga. Intento de conservación, 2014

El conjunto de obras presentadas es muy diverso, tanto en los soportes y medios empleados: fotografía, instalación, escultura, vídeo, dibujo, etc., como en la diversidad de su enfoque conceptual. La selección muestra una amplia panorámica del actual estado de la práctica artística desde el punto de vista de la forma y del contenido, y al mismo tiempo analiza la evolución de las manifestaciones artísticas clásicas, el despliegue de nuevas narrativas y el modo en que los artistas contemporáneos abordan un contexto cultural conformado por factores locales y globales.

Todas las piezas seleccionadas plantean interesantes reflexiones sobre la complejidad de un mundo caracterizado por las mutaciones, la inestabilidad y los conflictos y tensiones sociales, políticas, ambientales, etc., así como por una aceleración vital constante que ha desembocado en una percepción fragmentada de la realidad, donde lo real y lo ficticio están cada vez más unidos. El arte y el espacio expositivo se encuentran entre los cada vez más escasos refugios para la observación y la contemplación, alimentando la reflexión crítica y la comprensión.

PISTAS PARA DESCUBRIR LA EXPOSICIÓN

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1. JUAN USLÉ Soñé que revelabas. El invitado, 2004

3. MONA HATOUM Still-Life, 2009

“Soñé que revelabas” es una serie en la que Juan Uslé lleva más de dos décadas trabajando. Normalmente pinta estas obras de noche, mientras, en silencio, escucha los latidos de su corazón y aplica un brochazo por cada latido. De esta forma la obra se convierte en una huella y en una prueba de su vitalidad, una suerte de reloj que marca el tiempo transcurrido y que, de alguna manera, podría también recordar a una partitura musical.

Sobre una mesa, vemos un conjunto de bellas piezas de cerámica, increíblemente táctiles. Tras una observación más detallada, nos damos cuenta de que en realidad se trata de granadas de mano, instrumentos concebidos para destruir y mutilar. Es una obra muy característica de la forma en la que Mona Hatoum emplea el lenguaje del minimalismo para reflexionar sobre la violencia interna o latente de la sociedad de nuestro tiempo.

2. CARLOS GARAICOA La palabra transformada (I, II, III, IV, V, VI, VII y VIII), 2009

4. LARA ALMARCEGUI Descampados de Ámsterdam, 1998-99

Carlos Garaicoa explora cómo la arquitectura y la propaganda están interconectadas en Cuba, un país en el que las ruinas del viejo orden capitalista se ven metafóricamente ensalzadas por la promesa de un futuro mejor promovida por las omnipresentes campañas gubernamentales de adoctrinamiento. Enfrentándose a los límites de la utopía, el artista también reflexiona sobre la ciudad, su deterioro y su constante evolución.

Lara Almarcegui estudia procesos de transformación urbana originados por cambios políticos, sociales y económicos, centrando su trabajo sobre todo en aspectos que suelen soslayarse: solares, materiales de construcción, elementos invisibles. Documenta espacios desocupados y hace acopio de datos históricos, geográficos y sociológicos antes de su transformación en nuevos desarrollos urbanísticos. Esta obra fue realizada en sus comienzos en Ámsterdam, donde la artista vive desde hace años.

EXPOSICIONES

CARSTEN HÖLLER: Y

24 DE JUNIO10 DE SEPTIEMBRE, 2017 SALA 2 Comisarios: Vicente Todolí Udo Kittelmann

El Centro Botín presenta la primera exposición monográfica de Carsten Höller (Bruselas, 1961) realizada hasta el momento en España. Un recorrido único por la última década de producción de este artista belga, reconocido internacionalmente por su exploración constante de la naturaleza de la experiencia del espectador, cuya participación completa la obra de arte.

La exposición incluye catorce obras entre las que se encuentran piezas tan icónicas como Y, 2003; Elevator Bed (Cama ascensor), 2010, en la que los visitantes podrán pasar la noche en el Centro Botín; High Psycho Tank (Psyco tanque en alto), 2015, una obra que permitirá al visitante sumergirse y flotar; o Pill Clock (Reloj de píldoras), 2015.

Y, 2003. Vista de la instalación Carsten Höller: Y, Centro Botín, Santander, 2017.

Colección Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, Viena. Fotografía: Attilio Maranzano.

Hay dos formas de abordar esta muestra: una, accediendo al espacio y recorriéndolo para encontrarse con las grandes esculturas y disfrutar de su calidad arquitectónica o incorporarnos a ella a través de Y, la obra que da título a la exposición y que invita al visitante a girar hacia el norte o hacia el sur de la sala de exposiciones para vivir un conjunto de experiencias único.

En otras palabras: la elección determina nuestra vivencia personal de la exposición.

Como en la mayor parte de las exposiciones de Carsten Höller, la ciencia conductual — herencia del pasado científico de Höller— está siempre presente. Todas y cada una de estas obras son imaginables como un experimento científico. Así, el objeto escultórico se convierte en un instrumento con el que adentrarse en otra dimensión de nuestra realidad, que nos ayuda a replantearnos nuestra propia percepción espacio temporal.

Lo que el artista ofrece a cada uno de los visitantes es lo que él define como algo a medio camino “entre el éxtasis y la locura”.

PISTAS PARA DESCUBRIR LA EXPOSICIÓN 3.

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Fotografías: Attilio Maranzano

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1. Y, 2003 Se trata de una pasarela rodeada de círculos de luces, cuya iluminación intermitente crea una sensación de movimiento en el visitante. Al final del pasillo la obra se bifurca, y el movimiento de las luces cambia según el camino elegido.

Este trabajo anticipa el carácter doble de la exposición y de cómo experimentarla, provocando, desde el primer momento, una sensación de desorientación que la presencia de espejos contribuye a reforzar.

4. HIGH PSYCHO TANK Psyco tanque en alto, 2014 Basada en experimentos militares de aislamiento sensorial, High Psycho Tank consiste en una construcción a la que se accede por una escalera que contiene un tanque lleno de agua saturada de sal de Epsom a la temperatura del cuerpo. Al descansar en esa solución salina en la que flota, el visitante logra un grado de plena relajación difícil de obtener por otros procedimientos.

2. SWINGING SPIRAL Espiral oscilante, 2010 Este túnel está suspendido del techo y a su vez se encuentra elevado a unos milímetros del suelo, con lo que el movimiento es constante aunque sea casi imperceptible, generando así una sensación de distorsión. Su diseño se basa en una fórmula matemática: el espacio va reduciéndose de modo contra exponencial al incremento de la altura, llegando a una zona oscura y escondida, estrecha pero alta...

5. CANARY SCALE Balanza de canarios, 2010 En la sala se exponen dos jaulas perfectamente iguales, suspendidas del techo y unidas entre sí por una balanza. Cada una contiene un número idéntico de canarios, pero de dos especies diferentes. La aguja y el fiel de la balanza permiten al visitante observar si los movimientos de los pájaros alteran el equilibrio.

3. ELEVATOR BED Cama ascensor, 2010 La fantasía de dormir en un centro de arte motivó a Carsten Höller a concebir una serie de camas que han sido instaladas en distintos museos. Elevator Bed es una cama redonda, de enormes dimensiones, que se eleva hasta la altura de 3,5 metros, y que está equipada con las comodidades de una habitación de hotel de lujo en la que el visitante podrá pasar una noche con vistas a la bahía de Santander, contemplando el conjunto de la exposición.

6. SEVEN SLIDING DOORS CORRIDOR Siete puertas correderas, 2016 Consiste en siete puertas automáticas cubiertas de espejos por ambas caras, e instaladas una tras otra, en paralelo y a igual distancia a lo largo de un pasillo. Al avanzar por el corredor, el visitante con su movimiento provoca la apertura y el cierre de las puertas. Las superficies de espejos alteran la percepción del espacio y multiplican hasta el infinito el reflejo de quien lo recorre.

LIGEREZA Y ATREVIMIENTO. DIBUJOS DE GOYA

24 DE JUNIO24 DE SEPTIEMBRE, 2017 SALA 1 Comisarios: José Manuel Matilla Manuela Mena

Esta exposición es el primer fruto visible del convenio suscrito en 2015 entre la Fundación Botín y el Museo Nacional del Prado para el estudio, catalogación razonada, publicación y exposición de los dibujos del artista aragonés. Considerados “el diario visual del propio Goya” los dibujos del artista zaragozano ponen de manifiesto su universo interior y expresan su peculiar visión del mundo.

La importancia de los dibujos de Goya en el conjunto de su producción es comparable a la de sus pinturas y estampas, tanto desde un punto de vista cuantitativo -los diseños conservados se aproximan al millar-, como por su relevancia estética e influencia ideológica.

Francisco de Goya, Otra locura suya en la misma plaza, Serie Tauromaquia, 1815

Los 83 dibujos reunidos en la exposición permiten apreciar la evolución del arte y el pensamiento de Goya desde los primeros años en Madrid, cuando estaba al servicio de la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara en la década de 1770, hasta los últimos años de su vida durante el autoexilio en Burdeos entre 1824 y 1828. El medio siglo que transcurre entre ambos momentos demuestra la extraordinaria coherencia de su obra, donde los principales asuntos de su interés se transforman de acuerdo con los cambios

acaecidos en la sociedad española y en su propia situación personal.

Una serie de temas y protagonistas van a ser recurrentes en su obra, y resulta apasionante analizar cómo le sirvieron para expresar una visión de la condición humana sin parangón entre los artistas de su tiempo. A medio camino entre la realidad y la imaginación, en sus obras sobre papel se puede apreciar la coherente transformación de su manera de entender y censurar a la Humanidad.

PISTAS PARA DESCUBRIR LA EXPOSICIÓN 2.

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SUEÑO 1. YDIOMA UNIVERSAL. EL AUTOR SOÑANDO

Fotografías: Museo del Prado

SATURNO DEVORANDO A SUS HIJOS

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Dibujo preparatorio para el Capricho 43, El sueño de la razón produce monstruos, 1797

Dibujo preparatorio para un Capricho no grabado (?), h. 1797

Goya se presenta sentado y dormido sobre su mesa de trabajo. La inscripción “Sueño 1º” responde a su primera idea de titular esta serie como Sueños. La que figura en el frente de la mesa sirve como frontispicio: «Ydioma universal. Dibujado y Grabado por Fco. de Goya, año 1797». Más abajo describió la intención de la obra: “El autor soñando. Su intento solo es desterrar bulgaridades perjudiciales, y perpetuar con esta obra de caprichos, el testimonio solido de la verdad”.

Tradicionalmente se ha identificado al protagonista del dibujo con el dios Saturno que devoraba a sus hijos al nacer. Sin embargo, en esta composición el anciano barbado devora los cuerpos de dos hombres adultos a los que previamente ha desvestido y desarmado, como prueban las ropas y las navajas tiradas.

Técnicamente se vincula con los dibujos de los Caprichos, aunque no llegó a grabarlo, y por su temática está en relación con los cuadros de caníbales que pintó en aquellos mismos años.

2. GRUPO DE MAJAS Álbum B [28], 1794-1795

4. AÚN APRENDO Álbum G [54], 1824-1828

DE PASEO

Goya ha dispuesto a las majas en círculo para acentuar la idea de grupo.Las jóvenes visten con la elegancia popular de las majas, algo recargadas por el número de volantes y puntillas. Sus atuendos forman parte fundamental del juego de la seducción, como revela la mantilla negra que oculta a medias el rostro de la joven a la derecha, que además hace señales con su abanico.

Este dibujo sintetiza el espíritu de Goya al final de su vida. Se ha interpretado como un autorretrato simbólico en el que expresa su voluntad inquebrantable de desarrollo personal. Si en dibujos anteriores ofrecía una visión negativa de la vejez, aquí hay un significativo cambio de rumbo, subrayado por el título de raíz clásica, acorde con el optimismo recobrado en Burdeos. Pero también revela el deterioro físico y la soledad del hombre en el tenso camino de la oscuridad en la que vive.