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DANGER MOUSE / Presenta Broken Bells . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 04 DANGER MOUSE / Presenta Broken Bells . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 05 DANIEL BRAVO / Tryo y su historia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 06 DANIEL BRAVO / Tryo y su historia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 07 09

MGMT, EN PROBLEMAS / La banda al borde del divorcio

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MGMT, EN PROBLEMAS / La banda al borde del divorcio

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BOHO TOWN / Un recorrido por su último cd

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BOHO TOWN / Un recorrido por su último cd

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SÉBASTIAN SCHULLER / Un esquizofrénico francés

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SÉBASTIAN SCHULLER / Un esquizofrénico francés

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JACO PASTORIUS / Vida y legado del bajista

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JACO PASTORIUS / Vida y legado del bajista

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SMASH PALACE / Nuevo disco de la banda

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SMASH PALACE / Nuevo disco de la banda

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LOVE THAT LUST SOUND / Sexo y Rock

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LOVE THAT LUST SOUND / Sexo y Rock

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LOVE THAT LUST SOUND / Sexo y Rock

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EDITOR OMAR SOMMEREYNS DIRECTOR DE ARTE ANDREW BOUCHIE EDITOR INVITADO DANNY BRODY FOTÓGRAFO PRINCIPAL JEFFREY DELANNOY EDITOR DE ESTILO JESSICA BOSCH

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INDIELOGÍA.Nº2

DANGER MOUSE El joven productor nos presenta Broken Bells, su nuevo proyecto y nos comenta sus nuevas ideas.

BY PABLO STROZZA + FOTOGRAFÍA BY IVYLISE SIMONES

Pero ahora lo importante es hablar de Broken Bells. Un proyecto que nació casi de casualidad, y que es una puesta al día de un sonido folk-pop psicodélico que es tanto orgánico como de laboratorio, y que tiene como antecedente inmediato a otro dúo: el de Brian Eno y David Byrne, con su injustamente subestimado Everything That Happens Will Happen Today (2009). Discos a los que el calificativo "contemporáneo" les sienta de mil maravillas y cuyas influencias retro no se trasladan al producto final. Un teléfono en Los Angeles, otro en Buenos Aires, y la amena charla con Danger Mouse es lo que sigue a continuación.

Leí que tanto vos como James Mercer estuvieron escuchando durante la grabación de Broken Bells psicodelia estadounidense de los 60, como Love. ¿Pensás que hay una conexión entre esa música y el disco que grabaron?

En realidad, escuchamos música de todo tipo, pero de unos diez años a la fecha tengo predilección por ese género. Me gusta ese estilo pegajoso y melódico, y creo que la buena música pop tiene que ir por ese camino.

Como diria Britney Spears, Danger Mouse lo hizo de nuevo: el debut de su grupo Broken Bells (que comparte con James Mercer, de The Shins) va camino a transformarse en uno de los discos de este 2010, uno de esos que no faltarán en las listas de fin de año (cinco estrellas según Will Hermes: "Clásico").

Según vos, ¿cuáles son las principales diferencias entre producir un disco ajeno y ser parte activa de un grupo?

Por empezar, en ambos casos soy yo haciendo música; por un lado, más involucrado (como parte de un grupo) y, por el otro, más del lado de afuera (como productor), pero siempre con el mismo compromiso. Claro está que en mis grupos me encargo de la composición y, cuando soy productor, no, pero suelo tocar, y el nivel de creación también es distinto. Siempre puedo dar mi aporte para que el resultado sea el mejor.

Sos conocido por ser un hombre de estudio de grabación. Más allá de lo sabido, ¿cuál es según vos la diferencia entre las grabaciones y los shows en vivo en la forma de sentir la música?

Ahora estoy tocando bastante con Broken Bells, quizá para sacarme de encima el rótulo de "hombre de estudio". Pero son dos procesos distintos: en un caso estoy creando música y, en el otro, interpretando mi creación. Y hay casos, como los mash-ups, en los que el disfrute es sólo crear, ya que es un género que no tiene sentido hacerlo en vivo.

A la hora de escuchar un disco, ¿qué formato preferís?

Depende del lugar en que esté. Si voy manejando, me gustan los compacts. Si estoy de viaje, uso mi iPod. Y si estoy en mi casa, no hay nada mejor que escuchar música en vinilo. ¿Y qué clase de música nueva te interesa?

A decir verdad, me interesa lo viejo, no ando detrás de la novedad.

Pero sí te puedo decir que me encantaron los discos nuevos de MGMT y The Morning Benders.

De todos los discos en que estuviste involucrado, ¿cuál es el que te parece más importante y por qué?

Sin duda, éste de Broken Bells. Me gusta la forma en la que salió el proyecto de componer con James [Mercer] y el resultado final.

Además, tiene que ver con eso que hablábamos antes: acá fui parte de todo el proceso de creación e interpretación, y eso me puso muy feliz. ¿Qué te pasa cuando escuchás "Crazy", después de que haya sido elegida la canción más importante de la década?

Me gusta que una canción mía haya soportado así el paso de los años.

Igual, hoy creo que es un tema que le pertenece más a la gente.

04\05

Tryo, un fantástico grupo de reggae acústico francés cuyas canciones comenzaron a enamorar a los oídos de una cofradía de porteños sensibles a comienzos de la década pasada. "La música de los franceses Tryo es sencilla e irresistible: canciones de fogón con cuidadísimos arreglos vocales y aires románticos cautivantes. Sus fans argentinos hacen circular Mamagubida, su primer trabajo, de manera casi devocional, y comparten el secreto a voces entre un grupo de iniciados."

Tryo está integrado por tres guitarristas y cantantes franceses (Guizmo, Manu y el también actor Christophe Mali), y el percusionista chileno Daniel Bravo. Y es Daniel, desde París, el que adelanta el debut del grupo en Buenos Aires: "Va a ser un show esencialmente musical. Es decir, no viajamos con toda la infraestructura que usamos en Francia. La idea es visitar un poco de cada disco, y vamos acompañados con dos musicazos: el cellista francés Fréderic Deville y mi amigo del alma Pablo Mendez, de Bariloche, en bajo y percusión".

El ámbito ideal para la propuesta sonora de Tryo parecen ser las salas de conciertos pequeñas, que reproduzcan el espíritu "de fogón" de esas canciones. ¿Cómo reproducen ese ámbito en los estadios para miles de personas? ¿Cambió en algo la esencia del grupo a partir de la masividad?

Siento que Tryo siempre fue un grupo que cultivó la proximidad en los conciertos. Puedo confesar que en los primeros años casi se hablaba más con el público de lo que se cantaba. Pero el grupo se fue adaptando a los escenarios que fueron creciendo, y lo que nos ayudó mucho es que siempre lo de la proximidad fue capital e influyó en la escenografia y en la manera de pensar un concierto como un espectáculo y no solamente como una sucesión de canciones. Siempre tratamos de volver una sala grande lo mas intimista posible, y casi siempre que tocamos en salas grandes terminamos o empezamos los conciertos tocando entre el público para reencontrarnos con ese contacto de antes.

El jazz manouche es una de las influencias de algunos miembros del grupo; y particularmente Manu, que siempre handa con una guitara manouche al hombro. La música de Tryo evolucionó mucho desde las primeras grabaciones hasta hoy. Al principio, el reggae era espontáneamente el color predominante. Luego, al darnos cuenta que la real identidad del grupo son las tres voces, las influencias musicales de cada uno pudieron poco a poco asumirse e involucrarse en la musica de Tryo. Hoy, en un mismo disco, podemos ir de una cancion manouche a un ska, pasando por la musica hindú. Así, las puertas se abren cada vez más.

DANIEL BRAVO El percusionista repasa la historia de Tryo,

el grupo francés de culto de los porteños sensibles, antes de su debut en Buenos Aires.

BY HUMPHREY INZILLO + FOTOGRAFÍA BY CORBIS

En algunos videos se puede ver que incorporaron una sección de vientos, ¿forman parte de la formación estable en los últimos años o sólo ocurre en algunas ocasiones?

Siempre nos gusto abrir el escenario y ensayar nuevas fórmulas, ya sea con la compañia de circo Les Arrosés en 2001, o con musicos y cantantes en la gira que siguió a Grain de Sable, hicimos un paréntesis con una serie de 19 conciertos en una sala de París que se llama Cabaret Sauvage: para esa ocasión invitamos a una sección de vientos. Nos gustó tanto que decidimos continuar y terminar la gira con ellos. Luego hubo otra gira que hicimos en 2005 para festejar los diez años del grupo, donde los volvimos a invitar y agregamos además a un violinista y un cellista. Para la gira de este último disco, queríamos reencontrar los colores musicales que habíamos puesto en el disco, por eso desde el principio de esta gira invitamos al cellista francés Frederic Deville (el que nos acompañó para los 10 años) y a un percusionista argentino, oriundo de Bariloche, Pablo Mendez.

Su debut en Buenos Aires será en el marco de un festival de

World Music. ¿Sienten que es un ámbito adecuado? ¿Le queda bien esa etiqueta a la música del grupo?

Nunca nos gustaron mucho las etiquetas porque después siempre es difícil quitárselas y sobre todo son un poco reductoras. Pero, de alguna manera, y en realidad, ¡Siempre seremos músicos del mundo!

Nuestro último disco, Ce Que L´On Sème, se abre más aún al mundo que los demás, tanto en los textos y los temas abordados, como en los colores musicales. De todos modos, me parece difícil catalogar la musica de Tryo.

El contenido social (y muchas veces político) siempre fue esencial en Tryo. A fines del año pasado participaron del concierto multitudinario L’Ultimatum Climathique. ¿Dirías que la cuestión ecológica se ha vuelto central en la ideología del grupo?

La cuestion ecologica, siempre fue una preocupación en el grupo. Lo encontramos alrededor de "L´Hymne De Nos Campagnes" y desde ahí el interés por la ecología fue creciendo. Hace varios años que colaboramos con Greenpeace: siempre están presentes en nuestros conciertos y para este disco nos pareció adecuado y esencial, acentuar nuestra colaboración con ellos. Sin pretender ser un grupo cien por ciento ecologico, queríamos ver cómo a nuestra escala podíamos hacer evolucionar las cosas. Queda mucho por hacer, pero en realidad no es ni mas caro ni más complicado: es solamente cosa de proponerse cambiar de actitud y tomar conciencia de la importancia que tiene cada uno frente a lo que sucede.

La masificación de Internet produjo un enorme impacto en el modo de consumir y difundir la música. ¿Cómo afectó al grupo esta reconfiguración del modelo?

Lo más evidente es el efecto que tuvo, como para todos, en la venta de discos, a pesar que aún tenemos suerte a ese nivel. Después, lo interesante es lo útil que resultan las comunicaciones a través de la net y cómo uno lo puede pensar para acompañar a un disco o una gira. Hay muchas posibilidades y va todo muy rapido. Veremos qué nos reserva el futuro, pero seguro que la musica e internet van a estar cada vez más involucrados Me acuerdo cuando empezó Tryo: teniamos una linea de telefono con un contestador donde la gente podía consultar los próximos conciertos. ¿Cómo ha sido la relación con Manu Chao? ¿Lo consideran una influencia? ¿Un aliado estético?

Nunca hemos tenido realmente relación con el, más allá de cruzarnos en algunos festivales. Manu desarrolla una sorprendente energía en escena y ojalá nos crucemos algún día sobre un escenario. Para algunos miembros del grupo, la Mano Negra hace parte de las influencias. ¿Cuál es la historia por detrás de la canción "El dulce de leche" incluída en Ce que l´on sème?

Esa canción la escribio Christophe Mali, y es su visión de mi exilio en Francia. Está basada en todo lo conversado o compartido durante todos estos años. Pero mas allá de esa historia, habla de la singularidad de cada historia de exilio o de "sin papeles" en Francia.

Supongo que viajar y conocer otras culturas, explorar otros ámbitos, ser descubierto por otros públicos, es una de las posibilidades más atractivas que ofrece la profesión de músico. ¿Qué representa para ustedes llegar por primera vez a la Argentina como grupo? ¿A qué otros sitios los ha llevado la música?

Seguro que viajar es una gran motivación, pero el compartir con la gente que uno cruza o conoce es primordial. Con Tryo lo que más hemos recorrido es Francia, y el público nos sorprende cada vez más.

También hemos tenido la suerte de ir a España, a Egipto y a Sudán. Ir a América del Sur con Tryo es un viejo sueño. Conociendo la alegría y el gusto festivo argentino pienso que va a ser un lindo encuentro.

06\07

MGMT, UNA BANDA EN PROBLEMAS Los jovenes que dieron vuelta el nuevo rock psicodélico sienten el peso de la expectativa.

Las internas de una banda al borde del divorcio, que apila todos sus premios en el baño.

BY LEA DURANT + FOTOGRAFÍA BY JIPSY

Por un largo callejón de Brooklyn, pasando una hilera de casas millonarias, una elegante cochera del siglo XIX ha sido transformada en la guarida de los MGMT. En el primer piso, hay un estudio hogareño construido con celeridad: los equipos de la banda están apilados al frente y hay una cómoda sala de grabación en el contrafrente. Un par de tablas de surf están apoyadas contra la pared, junto a un ayuda-memoria del programa de David Letterman, pero no está a la vista ninguno de los premios otorgados por su sello discográfico, por revistas o por cadenas televisivas mundiales tras su exitosísimo disco debut, Oracular Spectacular. "Eso está en el baño", dice Andrew VanWyngarden, riéndose por lo bajo antes de señalar cerca del inodoro, donde aproximadamente una docena de plaquetas están apiladas, algunas en su envoltorio original de burbujas plásticas. "Las vamos a dejar ahí, así como están", dice.

"Lo estamos pensando como nuestro salón de trofeos."

El hecho de convertirse en la banda favorita de todos se ha vuelto un considerable peso para los MGMT durante los últimos dos años. Es el primer día de ensayos para la nueva gira, y están buscando la mejor manera de adaptar su nuevo disco, Congratulations, al nuevo formato de cinco integrantes, con el

guitarrista James Richardson, el bajista Matt Asti y el baterista Will Berman. Pero no parecen estar divirtiéndose demasiado. VanWyngarden, el galán de la banda, apenas saluda. Ben Goldwasser, el meganerd, está discutiendo con su novia por celular. La gira, la promoción y las entrevistas están empezando a hacerlos sentir como en medio de una pesadilla. "Cuando terminás de grabar, te gustaría que se pudiera sacar el disco a la calle y listo, pero vamos a tener que venir todos los días, todo el mes", repasa Goldwasser, y baja la mirada con expresión sombría. "La verdad, esto está empezando a superarme."

Las sensaciones que tienen los MGMT acerca del éxito y de su primer disco son complejas y a veces contradictorias. "Para nosotros es rarísimo estar donde estamos, porque no entendemos por qué nos hicimos tan famosos", sigue Goldwasser. "Somos unos salames.

Sentimos que estafamos a todo el mundo." Uno de los hitazos del primer disco, "Time to Pretend" (el que habla de pincharse heroína y tener relaciones sexuales con celebridades y modelos), es una sátira acerca del estrellato rockero, una broma. El problema es que, cuando el disco se convirtió en un éxito de la radio, una vez que fue vendido en todas las cadenas de los shoppings y escuchado hasta por las amas de casa, empezaron a sentirse raros: culpables, como si se

hubieran vendido a las grandes compañias. Sentían que la broma se había vuelto repentinamente contra ellos.

Así que de ningún modo iban a hacer lo mismo con Congratulations, que vuelve a las raíces de la banda, que son Syd Barrett y el rock psicodélico de los 60. "Nos empezaron a interesar los 60 cuando escuchamos los discos de nuestros padres, y ese interés creció cuando estábamos en la secundaria y comenzamos a juntarnos con un grupo de amigos a los que les gustaba rescatar viejos discos de música psicodélica", narra Goldwasser.

A "Flash Delirium", una de las primeras canciones en las que trabajaron, VanWyngarden trató de darle una onda que recordara a los bailes de principios de los 60. "Me imaginé uno de esos bailes de secundaria, lleno de adolescentes, y después pensé qué pasaría si súbitamente hubiera un atentado terrorista en ese contexto", explica VanWyngarden. "Se trata de estar en una fiesta, y a la vez paranoiquearse por el terrorismo y por el mundo caótico en que vivimos." Congratulations tiene un sonido limpio, que recuerda a los Grateful Dead en 1967, cuando usaban pantalones chupines y botas prolijitas, los Beatles tomaban un montón de ácido, y los 60 recién estaban empezando a ponerse realmente alocados.

Aunque las placas que hay en el baño de los MGMT son de cosecha reciente, han estado componiendo canciones juntos desde 2001, cuando se conocieron durante la primera semana de su primer año en la Wesleyan University, una universidad de artes y humanidades de 2.700 alumnos en Connecticut.

Tras formar una banda llamada The Management en 2002, compusieron "Kids" y "Time to Pretend" como una forma de procesar su experiencia universitaria. Fantaseaban con el éxito (O'Connor recuerda cenas con VanWyngarden en las que la conversación giró en torno de cómo serían sus vidas cuando se volvieran ricos y famosos), pero también hubieran querido detener el tiempo y quedarse en la universidad para siempre. La banda no era una broma, como Flight of the Conchords lo es, pero le inyectaron a canciones como "Pretend" una dosis de ironía y desenfado. "Esas canciones eran una mezcla de sinceridad e insinceridad, de cuidado y descuido", considera VanWyngarden.

Esa debería haber sido la mejor época de sus vidas, pero lo cierto es que no fue así. "Siempre fui un poco depresivo, y me cuesta lidiar con situaciones nuevas o conocer gente, así que las giras fueron lo peor del mundo para mí", asegura Goldwasser. También pasaban largas temporadas sin hablarse. "En la universidad, vivíamos en un

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BY LEA DURANT + FOTOGRAFÍA BY JIPSY

un mundo de fantasía", continúa Goldwasser. "No teníamos ningún problema real, así que nos formamos nuestra propia idea de la vida. Después tuvimos que ponernos a pensar cómo hacíamos para vivir en el mundo real, pero no teníamos idea de cómo hacerlo. Que mágicamente nos cayera un contrato de grabación. estábamos convencidos de que era cosa de extraterrestres."

Eramos buenos pibes pero tomabamos tantas drogas que hacía todo más difícil de lo que tenía que ser. "Una noche, cuenta el baterista, en Londres, tomé ácido y freakeé en un boliche, y alguien de la discográfica me tuvo que ir a rescatar", afirma.

"Dormí una hora. Después nos fuimos a Amsterdam. Subimos a una lancha taxi, y atendimos a la prensa ahí mismo. Después nos llevaron a un negocio en el barrio de las putas y nos quedamos seis horas al lado de un ventanal atendiendo a la prensa mientras todo el mundo nos miraba desde la calle.

Después, esa misma noche, tocamos un concierto que se filmó para la televisión y nos mencionaron que tuvo un muy buen raiting, superando a los conocidos tops shows del momento."

Somos férreos defensores del medio ambiente, y VanWyngarden cuenta que se la pasa pensando en el plástico que se arroja al mar. No podría decirse que son apáticos, pero de alguna

manera han decidido mantenerse al margen. "No quisiera ser político, porque no quiero engatusar a la gente para que haga cosas que de otra forma no haría", dice Goldwasser. ¿Ni siquiera si fuera una encarnación del bien? Se encoge de hombros. "Ni siquiera", dice.

De una forma u otra, VanWyngarden no está seguro de a qué partido apoyar. "Obama es como el candidato de El embajador del miedo, una marioneta", asegura. "No se puede confiar en nadie." Baja la mirada y suelta una risita. "Qué sé yo, parece un buen tipo, Obama.

Quizá sea todo una farsa. La vida es una farsa, ¿no? Una enorme y asquerosa farsa."

En ciertos aspectos, la evolución de MGMT ha sido testigo de los cambios de su propia generación, que era mucho más idealista hasta hace un par de años, antes del crash político y financiero. "Capaz que hace unos años éramos una generación más optimista", afirma Goldwasser. "Pero creo que cuando nos dimos cuenta de lo que habíamos heredado de nuestra cultura, y del hecho de que ahora tenemos la responsabilidad de ocuparnos de eso, nos dimos cuenta de que en cierta manera no estamos preparados para hacerlo. Nos volvimos muy cínicos."

Después del ensayo, la banda cena en una cervecería, y luego se traslada a un bar para tomar algo con Kember hasta las 4 de la mañana. La novia de Goldwasser tiene que levantarse en un par de

horas, porque está estudiando para ser dentista; de hecho, ni siquiera pudo acompañar a la banda a los premios Grammy a principio de año porque tenía que estudiar. La novia de VanWyngarden, una modelo, acaba de irse por trabajo a Nueva Zelanda, así que él ahora está solo. Vive en el último piso de la casa-cochera, arriba del estudio de grabación; es un lugar hermoso, con los techos de chapa originales de la década de 1890 y un cuartito diminuto que él llama "el cuarto psicodélico", con un armario pintado con franjas blancas y negras, y una piel de cebra en el suelo. "Hicimos un show en Little Rock, Arkansas, y un amigo de mi primo me preguntó si quería una piel de cebra que tenía por ahí, y yo le dije: «¡Sí!»", recuerda entre risas. "No sé si se dio cuenta de cuán en serio me iba a tomar el tema."

la gente de la facultad se viene para acá, pero me gusta este barrio", dice. "Prefiero vivir rodeado de nerds bizarros que de rockeritos independientes."

Dice que algo que lo tiene contento últimamente es que empezaron a hablar más con Goldwasser, y que ahora son más que socios musicales. "Los últimos años acabaron con la dimensión amistosa de las cosas, que estaba presente cuando nos conocimos, hace ya mucho tiempo", analiza. "Ahora estamos volviendo a eso."

A la mañana siguiente, después de ponerse un abrigo encima de su remera color rojo caramelo, VanWyngarden sale a la calle y se mezcla entre los banqueros de Wall Street que van al trabajo. Su barrio, es un paraíso para yuppies, muy lejos del Brooklyn bohemio, que es el que les gusta a los MGMT. VanWyngarden no utiliza ningún tipo de red social: cree que son perversas ("es una forma tan superficial de conectar a la gente"), y que podrían arruinar los pensamientos humanos más elevados. "Juré que nunca viviría en Nueva York, porque toda

10\11

El otro día me topé con una entrevista de un grupo llamado BOHO TOWN que decía tener entre sus influencias “las tres B’s: Bach, Beethoven y The Beatles”. Intrigada, continué leyendo mientras escuchaba el disco del que hablaban en su MySpace.

El trabajo en cuestión se llama “Savoir Adore”, primer disco de esta banda de Broston que comenzó su andadura musical en 2008 con un EP de nombre extraño (y largo): The Adventures of Mr. Pumpernickel and the Girl with Animals in Her Throat.

El debut de BOHO TOWN, fue en el 2008 donde lanzan su primer trabajo titulado The Adventures of Mr. Pumpernickel and the Girl with Animals in Her Throat. Este EP es el resultado de sesiones que grabaron durante un fin de semana, que si bien el tiempo es corto, sus dotes de multiinstrumentistas (cantan los dos, mientras tocan otros instrumentos) les trajo un gran reconocimiento en su Boston natal.

Parece ser que estos chicos (chico y chica, para ser más exactos) hicieron la grabación en un fin de semana y el resultado, muy aplaudido por la crítica, les animó a continuar. Una vez lanzados, ya nada pudo pararles.

Paul Hammer y Deidre Munro son los artífices de este proyecto.

Y, la verdad, se bastan y se sobran. Cantantes y multiinstrumentalistas, han creado un disco inteligente y adictivo que comienza con el estupendo “The Scientific Findings Of Dr.” El disco navega entre el electro-pop y el indie-rock manteniéndose a flote de principio a fin sin ninguna dificultad. La conexión entre ellos es casi palpable, sobre todo en su impecable trabajo vocal. Y, según parece, sobre el escenario la química es aún mayor, lo que ha hecho que los medios especializados de su país se hayan fijado en ellos. Tampoco hay que dejar atrás el hecho de que hayan firmado con Cantora Records, la exdiscográfica de MGMT. Con un sonido próximo a The XX, Air y Postal Service, Savoir Adore presenta un debut lleno de buenos títulos, que os podéis descargar pinchando aquí. A continuación os dejamos con uno de sus vídeos, donde queda bien patente el amor de estos chicos por los bosques (por algo se llamará el disco “El bosque arbolado”) ¡Y lo bien que se lo pasan…!

We talk like Machines, es una de las canciones recomendadas, del disco que les dejamos, Savoir Adore.

Aquí el resto de los temas del disco.

Llega a nosotros el dúo electro pop de Boston con su nuevo material: “Savoir Adore” Hacemos un recorrido por los temas más recomendados del cd.

FOTOGRAFÍA BY MICHELLE WEINBERG

1. The Scientific Findings Of Dr. Rousseau 2. We Talk Like Machines 3. Early Bird 4. Merp 5. Sarah's Secret 6. The Wooded Forest 7. Space Travel 8. Honestly 9. Bodies 10. Transylvanian Candy Patrol 11. Take Hollow Lane 12. Farewell My Love 13. Wonderlake 14. The Garden

12\13

SÉBASTIAN SCHULLER El esquizofrénico francés y su nuevo “Evenfall”.

BY YAMILA TRAUTMAN

Que no haya escrito hasta la fecha sobre Sébastien Schuller, realmente no tiene perdón. Solo puedo decir en mi defensa que hasta hace unos pocos días, no conseguí escuchar su segundo disco Evenfall, hecho que tampoco tiene perdón.

El disco fue publicado en Mayo de éste año, así que tiempo ha habido, pero ya se sabe, algunas cosas se van dejando, se olvidan, te acuerdas en el momento en que no llevas nada para anotarlo… en fin… excusas. Pero por fin, tengo su nuevo disco.

Y solo decir… ¡Cuánto le había echado de menos!

Hace 4 años, cayó en mis manos –y no recuerdo cómo, un disco de éste multinstrumentalista parisino. Era una colección de canciones tristes, trístisimas. Irónicamente, el disco se llamaba Happiness… pero desde el primer momento me quedé enamorado de su música y de la atmósfera de melancolía que invadía todo. Piezas que mezclaban música clásica interpretada por violines y pianos, con sonidos electrónicos y una exquísita voz.

Imprescindible escuchar Weeping willow para entenderlo.

Ahora, Evenfall toma el relevo… sigamos llorando.

En este nuevo trabajo, Schuller ha variado el sonido considerablemente, pero no la intención. Se ha acercado a los sonidos mas popindies con guitarras, ha dejado de lado la electrónica casi del todo y se apoya totalmente en el piano. Incluso su voz suena más grave en muchas canciones. Pero como decía, la sensación sigue siendo la misma: tristeza infinita.

Abre el disco la preciosa Morning Mist, una canción donde tan solo oiremos el piano y la voz del artista, sin sobresaltos, dejándonos mecer… un lígero sampler electrónico nos alejará de la ensoñación, para llevarnos a otra pieza minimalista: Open Organ con instrumentos de viento que de repente se detiene para volver a empezar con una alegre batería y guitarra.

Balançoire nos recuerda a las composiciones de su primer disco, con unas voces agudas sin melodía fija, con una base casi inaudible de suaves pitidos y de nuevo el piano, su fiel amigo.

Y llegamos a la parte más bonita del disco con dos inmensas canciones: Awakening que empieza lenta, tranquila y suave como una nana para dormir y que estalla con una plomiza guitarra muy a lo Sigur Ros. Y la gran canción, y a la vez single: The Border, imposible no caer rendido ante la calidad de este artista francés. Piano y voz, conjugado a la perfección en un

final orgásmico. Nada más es necesario. Tras el éxtasis volvemos a relajarnos con una pieza instrumental: New York. .

Battle muestra el nuevo estilo en otro de los grandes momentos del disco. Pero ahora, la base rítmica se acelera, el sonido es más pop y algo más oscuro con un conseguido intercambio de voces como final. Last Time también lleva una base electrónica muy marcada (el momento más electrónico del disco) en una canción muy lineal, que acaba con otro acompañamiento de guitarra.

Y en el tramo final del disco, volvemos al inicio, es decir: voz más piano. Midnight juega con efectos en las voces que se desdoblan, un violín que aparece de la nada, y de nuevo, todo se dobla. Y High Green Grass es una triste y emotiva canción para escuchar con las luces semiapagadas donde Schuller con su voz da paso al piano con un ligero acompañamiento rítmico básico.

Es probable que al encontrar en Evenfall esas delicadas pero doloridas cadencias de piano tan afines a las de Ólafur Arnalds aplastadas por la melancólica voz de Sébastien -quien se sumerge a profundidades que sólo Antony Hegarty o Patrick Watson pueden alcanzar-, concluyan en que su música es en verdad bastante sufrida, pero en su sufrimiento mismo se halla sobrentendida la resistencia obstinada, y tal es el desdoblamiento que debemos hacer para comprender por qué los títulos de sus álbumes resultan, a priori, un tanto desconcertantes… El artista no ha necesitado más que diez canciones para demostrar su determinación, y sirviéndose de su infinita pericia con la instrumentación y su enorme tacto con las programaciones electrónicas, ha vuelto a proyectar un maravilloso álbum totalmente personal, y, en consecuencia, de una intensa carga emocional… Y si piensan que toda esa emotividad avasallante que exterioriza no es otra cosa que sentimentalismo borreguil, recuerden aquel viejo dicho que reza… “la fragilidad de la copa no es debilidad, sino fineza”…

A mi personalmente me parece impresionante lo que Sebastien Schuller es capaz de hacer él solo, su capacidad de manejar instrumentos clásicos y sonar tan actual, cómo puede emocionar continuamente. Cómo la tristeza se puede convertir en motivo de alegría.

FOTOGRAFÍA BY SIGRID ESTRADA

14\15

JACO PASTORIUS La vida y legado de uno de los mejores bajistas del mundo.

BY PETER DAHLSTRAND

John Francis Anthony Pastorius, conocido como Jaco Pastorius fue un bajista de funk, jazz fusión, jazz, compositor y arreglista dentro del mismo estilo musical.

Pese a ser autodidacta, Pastorius tomó un instrumento hasta entonces relativamente nuevo, el bajo eléctrico, cuyo papel hasta ese momento por lo general era de acompañamiento y permanecía en un segundo plano dentro de las bandas de música popular.Artesanalmente extrajo los trastes de su propio bajo eléctrico un Fender modelo Jazz Bass de 1.954 transformándolo en un fretless,variedad del bajo hasta el momento poco conocida y utilizada,cuya sonoridad y técnica son más similares a las del contrabajo acústico y más dulce que el bajo eléctrico tradicional. Otra modificación que fué decisiva para este nuevo sonido fue el de sustituir las habituales cuerdas de entorchado plano utilizadas hasta entonces en los bajos fretless, por cuerdas de entorchado rugoso, consiguiendo un mayor "sustain".

Con ello crearía una nueva sonoridad con mayor expresividad.

Con esta nueva sonoridad, con su innovadora y extraordinaria técnica de digitación su virtuosismo,la particular posición de la mano derecha utilizada por Jaco, ademas de su propia excelencia musical, conseguiria llevar al limite de sus posibilidades este instrumento. Mostrando que también podía ser un instrumento enormemente expresivo y rico tonalmente, capaz de interpretar la melodía principal o de improvisaciones espectaculares, en aquella época patrimonio exclusivo de guitarristas, trompetistas, saxofonistas y pianistas. Decir que Jaco Pastorius fue un talento excepcional parece una simpleza. Fue más que eso: un pionero que elevó su instrumento al rango de solista, lo dignificó para siempre en las formaciones de jazz y aportó a la historia de la música —sin etiquetas— un caudal de virtuosismo y belleza sólo al alcance de los más grandes, marcando, como se dice de tantos sin que sea del todo cierto, un antes y un después de su paso por el mundo.

Nació en Pennsylvania, pero de pequeño se mudó a Fort Lauderdale, donde se crió y desde temprana edad integró diversas bandas escolares, en las cuales se destacaba como baterista. De adolescente sufrió un accidente haciendo deportes

que le provocó una lesión en la muñeca que le iba a impedir tocar la batería. Pastorius decidió entonces intercambiar los roles con el bajista de la banda en la que tocaba, llamada Las Olas Brass y aprendió el repertorio completo de la banda para su nuevo instrumento en tan sólo una semana.

En 1974 comenzó a hacerse más reconocido cuando graba el notable disco Bright Size Life acompañando al guitarrista Pat Metheny, y permanece algún tiempo como bajista del grupo Blood, Sweat & Tears. Dos años después, grababa su primer disco solista, titulado Jaco, aclamado por la crítica y por sus colegas, y que lo llevó a los primeros planos de la escena jazzística internacional. Muchos consideran a este disco como de escucha imprescindible para los bajistas de todos los tiempos, no sólo por la riqueza técnica y el virtuosismo presente en todos sus temas, sino también por la calidad y sensibilidad de sus composiciones.

Jaco era un fanático admirador del grupo de Jazz Fusion Weather Report, habiendo, en años anteriores a su debut discográfico, "acosado" al líder de dicho grupo, Joe Zawinul para que le diera el puesto de bajista en la banda, con el argumento de que él era "El mejor bajista del mundo". Pese a la explicable resistencia inicial de Zawinul, finalmente Pastorius logró que escuchara una cinta con su música. Zawinul quedó muy impresionado sobre todo por el particular sonido de Pastorius, pensando en un primer momento que en la cinta que Pastorius le había dado este había tocado un contrabajo. Al poco tiempo, el bajista de Weather Report de aquel momento, Alphonso Johnson, abandonó la banda y Zawinul le ofreció instantáneamente a Pastorius reemplazarlo.

Jaco formó su propia banda, Word Of Mouth, con la cual también grabó varios discos y realizó numerosas giras hasta el año 1984.

Notables músicos fueron parte de aquella banda, entre ellos el baterista de Weather Report, Peter Erskine, el trompetista Randy Brecker, el saxofonista Bobby Mintzer y el percusionista Don Alias.

A partir de mediados de la década del 80, Jaco comenzó a sufrir las primeras manifestaciones de trastornos mentales, y se le diagnostica como maníaco depresivo. Se volvió alcohólico, tomando por costumbre vagar por las calles y convivir con mendigos y vagabundos. Durante este tiempo simplemente se dedicaba a jugar al baloncesto y a vagabundear por las calles de Nueva York, consumido por una depresión galopante.

El 11 de Septiembre de 1987, Pastorius, luego de salir de la cárcel por robar un coche y conducirlo por una pista de atletismo, intentó sabotear un concierto de Carlos Santana. Al ser obligado a abandonar el concierto, se dirigió a un bar de la zona de donde fue expulsado, también a la fuerza. El vigilante de seguridad (cinturón negro de karate) al echarlo le propinó una paliza que lo dejó inconsciente y en estado de coma. Pocos días más tarde sufría un derrame cerebral que acabó con su vida.

16\17

SMASH PALACE Nuevo disco de la banda, en el que encontraremos los estilos Jangle Pop de los 70's, Power Pop de los 80's y Brit Pop de los 90's.

BY EDISON HUNTERCHU + FOTOGRAFÍA BY RYAN SCHUDE

Hoy queremos presentaros a una banda de New Jersey (Estados Unidos), se hacen llamar Smash Palace, nacieron a finales de los 90’s con el nombre de Quincy, crearón una canción que fué un himno juvenil en los 90, una capsula por todos conocida “Turn the other way around”, o la primera canción de single “Can’t live in a dream“, todo un bombazo, ya lo veréis en el siguiente video. Este mes de julio han publicado su séptimo disco llamado ‘7’ (Zip Records 2010), un disco compuesto por once artefactos que fusionan varios estilos, jangle pop de los 60, rock de guitarras arrogante de los 70’s, el power pop de los 80 y el brit pop de los 90’s, siempre con un estilo contemporáneo, mirando al presente, un disco con canciones diseñadas para ser la banda sonora para este caluroso verano.

Para mi son una banda de power pop absoluto y rock & roll limpio y luminoso, Smash Palace son capaces de crear el mejor rock & roll melódico que he oído en toda mi vida. Influencias claras a de The Beatles, The Kinks, The Who, Tom Petty, Badfinger …

Destacar canciones como la masticable “Win It All”, con un estribillo súper pegadizo, también destacar “How Can You Say”, una balada deliciosa, “Holding Out for You” con ese piano a lo Lennon, “Bridge of Sighs” un tema que ya hubieran firmado grupos de los 60’s como los Zombies.

Este nuevo disco ‘7’, lo tiene todo para emocionarte de principio a fin, es fantástico, canciones crujientes de pop enérgico, brillantes y divertidas. Una banda increíble que no queremos que te pierdas. Que lo disfrutes, bienvenido a los sonidos de Smash Palace.

Un álbum poderoso con un sonido de fabricación casera que lo enriquece aún más, en el fondo es un trabajo totalmente contemporáneo, y eso hace que la mezcla de estilos, coros y melodías fluyan a la perfección, al milimetro, un sonido propio y muy profesional, . En el 2005 dieron un concierto en The Cavern (Liverpool), entonces ya estaban con la camiseta de Zip Records, Spencer Leigh un Dj de la BBC que se dio cita en el concierto, comento que Smash Palace fue una de las mejores bandas que había visto en directo en ese año. Zip Records editó un recopilatorio de la banda llamado “Smash Palace: Best of 99-06, recibieron un montón de elogios por toda la prensa especializada, fueron pinchados en las radios más importantes y tubierón varias apariciones en televisión. Todo este reconocimiento por todo el mundo les llevo ha hacer una extensa gira por en EE.UU y El Reino Unido.

todo, no tiene desperdicio nada de lo que hacen, esta sonando “Feels good to feel” la sexta, lo flipo, interpretada por Dave Faulkner de los Hoodoo Gurus, maravillosa, el grupo de mi vida, un estribillo contagioso y unos coros muy pegadizos que se repiten una y otra vez, no paran, una caña, para volverse loco, una explosión de brit-pop de colorines y rock australiano. “Doin’ it right”, siguen las guitarras afiladas, el bajo un torbellino, cobra todo el protagonismo apoderándose y mandando en todo el tema. Nos peinamos un poco y seguimos con las prisas del rock‘n‘roll clásico de los 70 “Sure act funny”, bailable y contundente… otro discazo con doce súper canciones este ‘Maximum Respect’, dos de dos, lo han conseguido.

En el fondo es un trabajo totalmente contemporáneo, y eso hace que la mezcla de estilos, coros y melodías fluyan a la perfección, al milimetro, un sonido propio y muy profesional, . En el 2005 dieron un concierto en The Cavern (Liverpool), entonces ya estaban con la camiseta de Zip Records, Spencer Leigh un Dj de la BBC que se dio cita en el concierto, comento que Smash Palace fue una de las mejores bandas que había visto en directo en ese año. Zip Records editó un recopilatorio de la banda llamado “Smash Palace: Best of 99-06, recibieron un montón de elogios por toda la prensa especializada, fueron pinchados en las radios más importantes y tubierón varias apariciones en televisión. Todo este reconocimiento por todo el mundo les llevo ha hacer una extensa gira por en EE.UU y El Reino Unido.

Y así asta doce canciones a cual mejor, un disco que va de más a más y desde nuestro humilde planeta os recomendamos, porque vuestros oídos y vuestras caderas se merecen el mejor de los sonidos y esta súper banda de veteranos va sobrada de sonido, ritmo y rock’n’roll de alto voltaje.

Bueno en definitiva una banda súper efectiva que no os podéis perder, muy buena recomendación os lo aseguro, una pedazo de banda, virtuosa, experta, esa manera acelerada de tocar, esas voces, esa rabia, esa energía, puro músculo, estoy seguro que pueden ser el grupo de tu vida, mañana empezaré ha presumir de está maravillosa banda que practica de manera impecable los estilos más contundentes, festivos y efectivos de rock’n’roll, The Master Plan.

Su segundo trabajo ‘Maximum Respect’ (Nicotine Records 2009), lo presentaron en una extensa gira por España en el 2009, el disco sigue en la línea del primero, igual de bueno, esta banda es una mina, desde que suena “BBQ”, impresionante, soulera, rockera y setentera con tintes psicodélicos, un pasote.

La hipnótica “I wanna feel something now”, una mezcla de estilos en el que consiguen maximumcrear un sonido delicioso, un sonido que alimenta y hará las delicias de todos vosotros y sobre todo de los mods y los rockers. Como se salen, lo tienen

18\19

BY JASON KESSER

FOTOGRAFÍA BY LELE SAVERI

20\21

Madrid Febrero 12-18 '09

Miami Diciembre 3-7 '08

El quinto álbum de la banda, In And Out Of Control salió a la venta el 5 de octubre de 2009.

Londres Octubre 11-16 '08

Whip It On (en donde todas las canciones duran menos de 3 minutos en clave Si bemol menor) fue nombrado el "Mejor Album de Rock del Año" en los Danish Music Awards (los equivalentes daneses del Grammy) el 1 de marzo de 2003,

Sydney Julio 22-26 '08

Oficialmente, la banda fue descubierta por el editor de la revista Rolling Stone, David Fricke, en el SPOT festival y su reseña sobre la presentación de la banda inmediatamente produjo varias ofertas de los sellos discográficos.

El álbum Pretty in Black abrió la paleta musical del dúo, contando con la voz invitada de Ronnie Spector de The Ronettes como así también con aportes instrumentales de Maureen Tucker (de The Velvet Underground) y Martin Rev. Este era el primer álbum en el que Sharin Foo no tocó el bajo, siendo el bajista Anders Christensen el que tocó este instrumento en la grabación y que ahora se presenta junto a la banda en las giras. A finales de la gira de 2005, el guitarrista Manoj Ramdas dejó la banda para concentrarse en su nueva banda SPEKTR.

Sao Paulo Junio 3-8 '08

El dúo se conoció en Copenhagen y, después de formar la banda, empezó a grabar Whip It On en el Once Was & Sauna Recording Studio. A su vez, se unieron a la banda el guitarrista Manoj Ramdas y el batería de jazz Jakob Hoyer.

Chain Gang of Love (en el que todas menos dos canciones duran menos de 3 minutos en clave Si bemol mayor) fue producido por el legendario Richard Gottehrer, autor de clásicos del rock como "My Boyfriend's Back" y "I Want Candy" y también productor de álbumes de Blondie, the Go-Go's, Richard Hell & the Voidoids, y muchos más.

El álbum fue grabado en Dinamarca y Nueva York entre octubre, noviembre y diciembre de 2002 y mezclado en Londres a comienzos de 2003. Las trece canciones de Chain Gang of Love fueron escritas por Sune Rose Wagner con la excepción de "That Great Love Sound", que Sune co-escribió con Gottehrer. El álbum ha sido comparado en ocasiones con Psychocandy, el álbum debut de The Jesus and Mary Chain.

SCOPE BsAs Sept 5-9 '10

"No nos asusta ser francos sobre lo que las referencias son en nuestra música" expresó Sharin Foo. "Para empezar, si mirás nuestro nombre, LOVE THAT LUST SOUND, es una referencia directa a The Ronettes y la canción de Buddy Holly, Rave On!.

Así que, en ese sentido, somos bastante claros al respecto."

mientras LOVE THAT LUST SOUND eran elegidos por Rolling Stone y Q Magazine como parte de la "Next Wave" de la música contemporánea.

New York Marzo 26-30 '08

Dublin Diciembre 26-30 '07

LOVE THAT LUST SOUND son un dúo pop rock de Dinamarca formado por Sune Rose Wagner (en guitarra y voz) y Sharin Foo (en bajo y voz). Su música está caracterizada por las armonías vocales inspiradas en The Everly Brothers, junto a fuertes guitarras eléctricas y dosis considerables de ruido. Sus canciones yuxtaponen la simplicidad estructural y de acordes del rock de los 50s y 60s con una intensa instrumentación eléctrica, usualmente con letras oscuras, similares a las de una de las influencias de la banda, The Velvet Underground.

1º Festival de Música Indie Internacional 5 al 9 de sept Buenos Aires Inscripciones: int-scope.com

PHOTOGRAPHY BY LELE SAVERI

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