16° Premio Europa per il Teatro

INDICE Ministero dei beni e delle attività culturali e del turismo..........................................................................................Pagina 4 Associazione Teatro di Roma...................................................................................................................................................................................................5 Premio Europa per il Teatro ......................................................................................................................................................................................................6 Programma........................................................................................................................................................................................................................................................8 Messaggi...............................................................................................................................................................................................................................................................11 Sergio Mattarella Presidente della Repubblica Italiana..................................................................................................................................................12 Antonio Tajani Presidente del Parlamento Europeo..........................................................................................................................................................14 Dario Franceschini Ministro dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo..................................................................................................16 Jack Lang.Ministro della Cultura francese sotto François Mitterrand, Presidente del Premio Europa per il Teatro.......................18 Antonio Calbi Direttore del Teatro di Roma - Teatro Nazionale................................................................................................................................20 Alessandro Martinez Segretario Generale Premio Europa per il Teatro.........................................................................................................22 Regolamento...............................................................................................................................................................................................................................................28

16° Premio Europa per il Teatro............................................................................................................................................31 Isabelle Huppert motivazione.................................................................................................................................................................................................32 Jeremy Irons motivazione............................................................................................................................................................................................................34 PREMIO SPECIALE

Wole Soyinka motivazione.........................................................................................................................................................................................................38 MENZIONE SPECIALE

Fadhel Jaïbi motivazione..............................................................................................................................................................................................................42

14° Premio Europa Realtà Teatrali...............................................................................................................................44 Giuria Premio Europa Realtà Teatrali........................................................................................................................................................................45 Susanne Kennedy motivazione............................................................................................................................................................................................46 Jernej Lorenci motivazione........................................................................................................................................................................................................47 Yael Ronen motivazione.................................................................................................................................................................................................................48 Alessandro Sciarroni motivazione....................................................................................................................................................................................49 Kirill Serebrennikov motivazione.......................................................................................................................................................................................50 Theatre NO99 motivazione.........................................................................................................................................................................................................51 PREMIO SPECIALE

Dimitris Papaioannou motivazione.................................................................................................................................................................................54

16° Premio Europa per il Teatro - Manifestazione...........................................................57 Isabelle Huppert.....................................................................................................................................................................................................................................58 Jeremy Irons.................................................................................................................................................................................................................................................64 PREMIO SPECIALE

Wole Soyinka...............................................................................................................................................................................................................................................70 MENZIONE SPECIALE

Fadhel Jaïbi...................................................................................................................................................................................................................................................74

2

PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

INDEX 14° Premio Europa Realtà Teatrali.................................................................................................................................79 Susanne Kennedy...................................................................................................................................................................................................................................80 Jernej Lorenci...............................................................................................................................................................................................................................................86 Yael Ronen.......................................................................................................................................................................................................................................................92 Alessandro Sciarroni. ......................................................................................................................................................................................................................100 Kirill Serebrennikov............................................................................................................................................................................................................................106 Theatre NO99..............................................................................................................................................................................................................................................110 PREMIO SPECIALE

Dimitris Papaioannou........................................................................................................................................................................................................................116

Ritorni............................................................................................................................................................................................................................................................121 Giorgio Barberio Corsetti...........................................................................................................................................................................................................122 Peter Stein.......................................................................................................................................................................................................................................................128 Robert Wilson............................................................................................................................................................................................................................................134

Premio Europa per il Teatro...........................................................................................................................................................141 Storia del Premio Europa per il Teatro....................................................................................................................................................................142 Vincitori delle edizioni precedenti del Premio Europa per il Teatro..............................................................................164 Vincitori delle edizioni precedenti del Premio Europa Realtà Teatrali......................................................................165 Lista candidati per il Premio Europa Realtà Teatrali dalla prima alla tredicesima edizione........166 Lista candidati Premio Europa Realtà Teatrali – 14° Edizione................................................................................................167 Pubblicazioni...............................................................................................................................................................................................................................................169

Organismi Associati ............................................................................................................................................................................................173 Union des Théâtres de l’Europe........................................................................................................................................................................................174 Convention Théâtrale Européenne................................................................................................................................................................................176 Association Internationale des Critiques de Théâtre..........................................................................................................................178 International Theatre Institute UNESCO..............................................................................................................................................................180 European Festivals Association.......................................................................................................................................................................................182 E:UTSA Europe: Union of Theatre Schools and Academies.....................................................................................................184

Teatro di Roma.........................................................................................................................................................................................................................................187 Arnaldo Pomodoro............................................................................................................................................................................................................................190

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Ministero dei beni e delle attivitĂ culturali e del turismo On. Dario Franceschini Ministro dei beni e delle attivitĂ culturali e del turismo

Onofrio Cutaia Direttore Generale Spettacolo

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Associazione Teatro di Roma

CONSIGLIO DI AMMINISTRAZIONE

Presidente Emanuele Bevilacqua Consiglieri Anna Cremonini, Cristina Da Milano, Nicola Fano, Raffaele Squitieri COLLEGIO DEI REVISORI DEI CONTI

Presidente Giuseppe Signoriello Membri effettivi Sara Mattiussi, Gian Piero Rinaldi Membri supplenti Adelina Di Pietro, Emma Pagliuca Segreteria di Presidenza e Organi collegiali Mariella Paganini

DIRETTORE GENERALE E ARTISTICO

Antonio Calbi Direzione Operativa Paola Macchi Segreteria di Direzione Monica Pescosolido, Giovanna Princiotta Produzione Carolina Pisegna, responsabile Elena Carrera, Simona Patti Programmazione Floriana Pistoni, responsabile Laura Taramelli AttivitĂ Culturali e Internazionali, Centro Studi e Documentazione, Scuola di Teatro e Perfezionamento Professionale Sandro Piccioni, responsabile Silvia Cabasino, Catia Fauci, Giorgio Lourier

Ufficio Stampa Amelia Realino Comunicazione, Promozione e Marketing Paola Folchitto, responsabile Federica Cimmino, Valeria Daniele, Giancarlo Moscato, Cristina Pilo, Maria Rosaria Russo, Roberta Urbani Servizi Amministrativi e Finanziari Patrizia Babusci, responsabile Roberto Maria Capilupi, Laura Ferrazza, Daniela Lancia, Luciana Liberatore, Rita Milone Personale e Risorse Umane Enrico Olla, responsabile Ombretta Conte, Giovanni Galletti, Roberto Tancredi Referente Teatro India Walter Marsilii Settore Tecnico e Allestimenti Claudio Beccaria, responsabile Sandro Pasquini, vice responsabile Marcello Aiello, Antonio Borrelli, Andrea Brachetti, Dario Ciattaglia, Vincenzo Lazzaro, Marco Maione, Massimo Munalli, Massimiliano Pischedda, Alessandro Sorrenti Sale Teatrali Maurizio Todaro, responsabile Ester Albanese, Lea Blasi, Claudia Consorti, Barbara Palombi, Valerio Schiavi Servizio Prevenzione e Protezione Mauro Fiore, responsabile Piero Balistreri, Gregorio Clementini, Marco Venturi

Laboratorio Teatrale Integrato Piero Gabrielli Roberto Gandini, coordinatore artistico 5

Premio Europa per il Teatro

Presidente

Segretario Generale

Jack Lang

Alessandro Martinez

Ministro della Cultura francese sotto François Mitterrand Presidente Istituto del Mondo Arabo

Assistente Segretario Generale

Comitato consultivo

Georges Banu Presidente onorario Association International des Critiques de Théâtre Professore Institut d’Etudes Théâtrales, Parigi Critico

Ian Herbert Presidente onorario Association International des Critiques de Théâtre Fondatore e Consulente editoriale Theatre Record

Bernard Faivre D’Arcier Presidente Biennale di Lione Già Direttor Festival d’Avignon

Ideatore e coordinatore

Marianna Strazzuso

Segreteria organizzativa Coordinamento symposium e meeting

Enrica Oliveri Assistenti

Marielisa Dimino Laura Musumarra Daniela Licciardello Premio Europa Realtà Teatrali Segreteria Candidature

Giuliana Saggio Realizzazione video

Giovanni Di Maria Francesco Sole Responsabile Stampa Internazionale

Arthur Sonnen

Alessandro Martinez

Direttore Artistico, Centro cultural olandese per la cooperazione internazionale dei Paesi Bassi

Relazioni stampa internazionale

Critico, The Guardian

Gabriella Catalano Sabrina Catalano Rita Cosi Vera La Rosa

Alessandro Martinez

Assistenti

Michael Billington

Ideatore e Segretario Generale Premio Europa per il Teatro

Manfred Beilharz (membro onorario)

Presidente onorario International Theatre Institute UNESCO Già Direttore Hessisches Staatstheater Wiesbaden

Valentino Leone Francesca Forlini Relazioni stampa italiana

Margherita Fusi

Dipartimento di Comunicazione Video making& editing

Giovanni Di Maria Catalogo

Sabrina Catalano Supervisione

Michela Giovannelli Staff Video

Francesco Sole Antonio Caia I.T. Consultant

Giuseppe Scaletta Social Media

Laura Musumarra Premio Europa per il Teatro Tel. +39 095 7210508 Tel. +39 095 7210308 Fax +39 095 525251 info@premio-europa.org www.premio-europa.org premioeuropaperilteatro 6

Sito web Progettazione

Francesco Sapuppo Web Master Internet e Multimedia

Impronte Digitali

Spettacoli Premio Europa Coordinamento e Organizzazione

Miriam Bellucci Tassi Silvia Cabasino Responsabile Attività internazionali, Teatro di Roma

Elisa Rocca stagista

Maddalena Vanolo Direzione Tecnica

STEP s.r.l.

Alessandro Vittori Gianfranco Lucchino Sottotitoli

RAGGIO VERDE Barbara Białkowska Piero Clemente Cerimonia di Premiazione Coordinamento

Emanuela Pistone

Realizzazione video

Luca Condorelli Francesco Sole

Rapporti con le università

Pinalba Di Pietro Coordinamento logistico

Antonella Fede Viaggi, ospitalità e trasporti

Isolamare DMC Grazia Calamante Andrea Giovannini Traduttori

Ian Herbert Cécile Lambert Silvia Rea Beatrice Rigillo Maria Rizza Scriptum srl-Rome Traduzione sottotitoli spettacoli

Sympsosium Premio Europa per il Teatro

Isabelle Huppert Curatore Bernard Faivre D’Arcier Conversazione con Isabelle Huppert Conduce Georges Banu Jeremy Irons Curatore Michael Billington Conversazione con Jeremy Irons Conduce Michael Billington Premio Speciale

Conversazione con Wole Soyinka, Conduce Wole Oguntokun Menzione Speciale

Conversazione con Fadhel Jaïbi Conduce Pierre Abi Saab Premio Europa Realtà Teatrali

Susanne Kennedy Curatore Arthur Sonnen Jernej Lorenci Curatore Blaz Lukan Yael Ronen Curatore Jens Hillje Alessandro Sciarroni Curatore Rodolfo Di Giammarco Serebrennikov Curatrice Marina Davidova Theatre NO99 Curatore Stefan Schmidtke Premio Speciale

Conversazione con Dimitris Papaioannou Conduce Marinella Guatterini Convenzioni con il Premio Europa per il Teatro

Università degli Studi di Roma “La Sapienza” Università degli Studi di Catania Università “la Cattolica” - Milano Università Roma 3 Accademia Nazionale D’Arte Drammatica “Silvio D’Amico” – Roma

Re Lear, Riccardo II

Andrea Peghinelli Progetto grafico

Francesco Sapuppo Impaginazione

Carmen Dato Stampa

Modul Motta Ragusa

Consulente legale

Avv. Luigi Edoardo Ferlito

Un ringraziamento speciale a: Roberto Di Giovan Paolo, Antonio Roccuzzo e Paolo Valentino 7

Martedì 12 Dicembre 17:00 Teatro Argentina

Premi Nazionali della Critica Teatrale - ANCT

Giovedì 14 Dicembre 9:30 Palazzo Venezia – Sala Regia XIV Premio Europa Realtà Teatrali

Incontro su Jernej Lorenci 19:30 Ritorni Teatro Argentina

Re Lear

Incontro su Theater NO99 a cura di Stefan Schmidtke

Scènes critiques/Critical Stages: la rivista per avere il teatro internazione a portata di mano a cura di Savvas Patsalidis In collaborazione con l’Association Internationale des Critiques de Théâtre

Incontro Il futuro della critica teatrale e gli stage per i giovani critici dell’AICT a cura di Jean Pierre Han In collaborazione con l’Association Internationale des Critiques de Théâtre

Presentazione dei 50 anni del Bitef Premio Speciale della Giuria in occasione dell’VIII edizione del Premio Europa

12:30

Ritorni Conversazione con Giorgio Barberio Corsetti conduce Gianfranco Capitta

15:30

XIV Premio Europa Realtà Teatrali

Incontro su Alessandro Sciarroni a cura di Rodolfo Di Giammarco Conversazione con Alessandro Sciarroni Dimostrazioni di lavoro: Cowboy 21:00 XIV Premio Europa Realtà Teatrali

Teatro Argentina

No 43 - Filth

Regia di Ene-Liis Semper e Tiit Ojasoo Theatre NO99

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12:00 XIV Premio Europa Realtà Teatrali

Produzione Teatro di Roma-Teatro Nazionale e Teatro Biondo di Palermo

Palazzo Venezia – Sala Regia 9:30 Incontro

12:00

Conversazione con Jernej Lorenci

Regia di Giorgio Barberio Corsetti

Mercoledì 13 Dicembre

10:30

a cura di Blaz Lukan

PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

Conversazione con Theater NO99 15:00 XIV Premio Europa Realtà Teatrali

Incontro su Kirill Serebrennikov a cura di Marina Davydova A seguire tavola rotonda

Le théâtre, invention de l’Europe a cura di Georges Banu

19:00 Ritorni Teatro Nazonale - Teatro dell’Opera di Roma

Richard II

Regia di Peter Stein Produzione Teatro Metastasio di Prato

22:00 XIV Premio Europa Realtà Teatrali Teatro Argentina

UNTITLED_I will be there when you die Regia di Alessandro Sciarroni

produzione MARCHE TEATRO Teatro Stabile Pubblico– CORPOCELESTE_C.C.00# coproduzione Comune di Bassano del Grappa / Centro per la Scena Contemporanea Biennale de la danse / Maison de la Danse de Lyon AMAT Mercat de les Flors/Graner (Barcelona) Dance Ireland (Dublin) realizzato nell’ambito del progetto europeo Modul Dance promosso dall’European Dancehouse Network con il sostegno del Programma Cultura 2007-13 dell’Unione Europea e di Centrale Fies e Santarcangelo dei Teatri •12 •13 •14 Festival Internazionale del Teatro in Piazza

PROGRAMME Venerdì 15 Dicembre 09:30 Palazzo Venezia – Sala Regia Menzione Speciale XVI Premio Europa per il Teatro

Conversazione con Fadhel Jaïbi conduce Pierre Abi Saab, con Sergio Escobar Premio Speciale XVI Premio Europa per il Teatro

Conversazione con Wole Soyinka conduce Wole Oguntokun

11:30 XIV Premio Europa Realtà Teatrali

Incontro su Susanne Kennedy a cura di Arthur Sonnen Conversazione con Susanne Kennedy

15:30 XIV Premio Europa Realtà Teatrali

Incontro su Yael Ronen A cura di Jens Hillje Conversazione con Yael Ronen

Letture: The

Situation

18:00 Ritorni Auditorium Sala Borgna

Hamletmachine

Regia di Robert Wilson Con gli allievi dell’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica “Silvio D’Amico” Progetto di Change Performing Arts commissionato da Festival di Spoleto 60 per Accademia Nazionale d’Arte Drammatica Silvio d’Amico In collaborazione con Fondazione Musica per Roma

21:00 XIV Premio Europa Realtà Teatrali Teatro India

Ubu the King

Regia di JernejLorenci Slovene National Theatre Drama Ljubljana

Sabato 16 Dicembre 10:30 Palazzo Venezia – Sala Regia XVI Premio Europa per il Teatro

Incontro su Jeremy Irons a cura di Michael Billington

Conversazione con Jeremy Irons conduce Michael Billington

15:30 Premio Speciale XIV Premio Europa Realtà Teatrali

Conversazione con Dimitris Papaioannou conduce Marinella Guatterini

18:00 XIV Premio Europa Realtà Teatrali Teatro Palladium

Virgin Suicides

Regia di Susanne Kennedy Münchner Kammerspiele

21:00 XIV Premio Europa Realtà Teatrali Teatro Argentina

Roma Armee

Regia di Yael Ronen GOЯKI THEATRE, Berlino

Domenica 17 Dicembre 10:30 Palazzo Venezia – Sala Regia

XVI Premio Europa per il Teatro Incontro su Isabelle Huppert a cura di Bernard Faivre D’Arcier

Conversazione con Isabelle Huppert conduce Georges Banu, con Krzysztof Warlikowski

21:00 Teatro Argentina

Cerimonia di Consegna dei premi a seguire

Ashes to Ashes di Harold Pinter

con Isabelle Huppert e Jeremy Irons Creazione apposita per il Premio Europa

Isabelle Huppert

Letture

da Guy De Maupassant

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MESSAGGI MESSAGES

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L

a sedicesima edizione del Premio Europa per il Teatro è occasione gradita per rivolgere un ringraziamento alla Commissione Europea, promotrice di questa iniziativa, e al presidente Jack Lang per il suo costante impegno volto a rafforzare il patrimonio culturale dei diversi Paesi.

L’Europa ha più voci, ma ha il rispetto per le differenze dal suo umanesimo, comprendendo che queste producono un sovrappiù di creatività e di ricchezza.

La cultura può fornire supporto per il dialogo e il confronto. È un veicolo di libertà che richiama il termine “insieme”: soltanto insieme le persone, i territori, gli Stati nell’intera comunità internazionale possono ottenere risultati coinvolgenti e positivi per tutti.

Il teatro è allora, forse, l’esempio più vivo di questo lavoro comune: c’è passione, studio, conoscenza, collaborazione in ogni opera teatrale. C’è quella cultura che sa bene che non vi sono confini e che non può essere fermata da frontiere.

Roma, con le sue radici antiche e profonde, ospita quest’anno una manifestazione che offre un contributo prezioso per ampliare e diffondere le conoscenze, necessarie per affrontare le nuove sfide.

Con questi auspici invio a tutti i partecipanti, il mio più cordiale augurio di buona riuscita dell’iniziativa.

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PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

Sergio Mattarella

Presidente della Repubblica Italiana

T

he sixteenth edition of the Europe Theatre Prize gives me the opportunity to thank the European Commission, which has backed this initiative, and the Prize’s President, Jack Lang, for his continuing commitment to strengthening the cultural heritage of its member countries.

Europe has many voices, but through its humanist nature it respects difference, understanding that it can produce a rich growth of creativity. Culture can come to the aid of dialogue and confrontation. It is a vehicle for liberty that evokes the word ‘togetherness’ : and it is only through togetherness that the peoples, territories and states of the whole international community can achieve inspiring and positive results for us all.

And perhaps theatre is the most vital example of this common effort: passion, preparation, knowledge and collaboration are present in every work of theatre. There we find a culture which knows well that there are no boundaries, that it cannot be held back by frontiers.

Rome, with its ancient and deep roots, this year welcomes an event which offers a precious opportunity to develop and spread the knowledge that is needed to meet new challenges.

Under these auspices I offer my warmest greetings to all the participants, and wish them every success in this initiative.

L

La seizième édition du Prix Europe pour le Théâtre m’offre l’occasion de remercier la Commission Européenne, promotrice de cette initiative, et le président Jack Lang pour son engagement constant visant à renforcer le patrimoine culturel des différents pays.

L’Europe a plusieurs voix, mais de par son humanisme elle respecte les différences, en comprenant que celles-ci produisent un surcroît de créativité et de richesse. La culture peut apporter une aide au dialogue et à la confrontation. C’est un véhicule de liberté qui évoque le mot « ensemble » : c’est uniquement ensemble que les gens, les territoires et les États de toute la communauté internationale peuvent obtenir des résultats enthousiasmants et positifs pour tous.

Le théâtre est alors, peut-être, l’exemple le plus vivant de ce travail commun : la passion, l’étude, la connaissance et la collaboration sont présentes dans toute pièce de théâtre. On y retrouve cette culture qui sait bien qu’il n’y a pas de démarcations et qu’elle ne peut pas être arrêtée par les frontières.

Rome, avec ses racines antiques et profondes, accueille cette année une manifestation qui offre une précieuse contribution pour amplifier et diffuser les connaissances nécessaires pour relever de nouveaux défis.

C’est sous ces auspices que j’adresse à tous les participants mes salutations les plus cordiales en leur souhaitant la bonne réussite de cette initiative.

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I

l teatro è l’arte che ha segnato più profondamente l’identità europea, contribuendo, sin dai suoi albori, a formarla e a diffonderne quei valori distintivi di libertà, apertura e democrazia che, oggi, riconosciamo come valori fondanti dell’Unione.

Basti pensare che accanto alle parole “dramma” e “tragedia”, lo stesso concetto di “dialogo”,ben prima di assumere significati politici e sociali, indicava una forma teatrale nel linguaggio scenico dell’antica Grecia.

Nell’anno in cui abbiamo celebrato il 60esimo anniversario della firma dei Trattati di Roma e alla vigilia del 2018 che sarà l’Anno europeo del patrimonio culturale, il “Premio Europa” raggiungela cifra tonda di 30 anni di attività e, grazie a questa nuova edizione dedicata alle realtà teatrali, conferma il suo impegno per la promozione dei principi europei di tolleranza, solidarietà e dialogo interculturale.

Mi congratulo, in particolare, per la scelta dell’organizzazione di riservare, quest’anno, una sezione speciale ai rapporti con l’Africa e il mondo arabo, consolidando quella vocazione mediterranea che contraddistingue, da sempre, l’arte teatrale.Mi appresto a partecipare al prossimo vertice Ue-Africa, in programma a fine novembre ad Abidjan in Costa d’Avorio, con la consapevolezza che il teatro, il cinema e la cultura europea, hanno un ruolo chiave nella cooperazione tra questi due continenti, in particolare nella formazione delle giovani generazioni, sia africane che europee.

La decisione di premiare due artisti come Isabelle Huppert e Jeremy Irons, entrambi capaci di muoversi con disinvoltura dalla dimensione del teatro verso quella del cinema e viceversa, è caduta su due personalità accomunate da una celebrità che sa convivere, con intelligenza,con un forte impegno sociale e civile.

Con l’auspicio di vedere un numero sempre maggiore di giovani teatranti e giovani spettatori, affinché quest’arte ritrovi slancio e la centralità sociale e civile che le compete, rivolgo il mio apprezzamento verso gli organizzatori e tutti coloro che animano con successo questo prestigioso premio. Questa settimana di incontri, workshop, spettacoli, anteprime, video e mostre rinnovano, ogni anno, una “promessa di matrimonio” che deve restare la più felice e duratura possibile: il rapporto indissolubile tra teatro e integrazione europea.

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PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

Antonio Tajani

Presidente del Parlamento Europeo

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heatre is the art that has left the deepest imprint on the European identity, contributing from the outset to the creation and dissemination of the values of freedom, openness and democracy recognized today as fundamental hallmarks of the EU. Suffice it to think that alongside the words “drama” and “tragedy”, “dialogue” also indicated a form of theatre in the scenic language of ancient Greece long before taking on its political and social connotations.

In the year of celebrations for the 60th anniversary of the Treaties of Rome and on the eve of 2018, the European Year of Cultural Heritage, the Europe Theatre Prize has reached the round figure of thirty years of activity. With this new edition devoted to realities of the stage, it confirms its commitment to fostering the European principles of intercultural dialogue, tolerance and solidarity.

I compliment the organization in particular on its decision to include a special section this year for relations with Africa and the Arab world, thus consolidating the Mediterranean vocation that has always distinguished the art of theatre. I will soon be taking part in the next EU-Africa summit, to be held at the end of November in Abidjan, Ivory Coast, in the knowledge that European culture, theatre and cinema play a key role in cooperation between these the two continents, above all in moulding the younger generations of Africans and Europeans.

The decision to award the prize to Isabelle Huppert and Jeremy Irons, two artists capable of moving effortlessly between theatre and cinema, is due recognition for two personalities in whom celebrity coexists with intelligence as well as great social and civil commitment.

In the hope of seeing ever greater numbers of young actors and spectators so that this art can regain its rightful social and civil importance and impetus, I express my gratitude to the organizers and all those who successfully give life to this illustrious prize. This week of meetings, workshops, performances, previews, videos and exhibitions constitutes the annual renewal of a vow, the indissoluble bonds between theatre and European integration, a marriage that must remain as happy and long-lasting as possible.

L

e théâtre est l’art qui a le plus profondément marqué l’identité européenne, en contribuant, dès l’origine, à la former et à diffuser ses valeurs distinctives de liberté, d’ouverture et de démocratie, que nous reconnaissons aujourd’hui comme des valeurs fondatrices de l’Union.

Il suffit de penser qu’aux côtés des mots « drame » et « tragédie », la notion de « dialogue » indiquait une forme théâtrale dans le langage scénique de la Grèce antique, avant même d’acquérir des significations politiques et sociales. L’année où nous avons célébré le 60e anniversaire de la signature des Traités de Rome et à la veille de l’année 2018, qui sera l’Année européenne du patrimoine culturel, le « Prix Europe » atteint le chiffre rond de 30 ans d’activité. Grâce à cette nouvelle édition consacrée aux réalités théâtrales, il confirme son engagement pour la promotion des principes européens de tolérance, de solidarité et de dialogue interculturel. J’exprime ici toute ma satisfaction, en particulier, pour la décision de l’organisation de réserver cette année une section spéciale aux rapports avec l’Afrique et le monde arabe, en consolidant la vocation méditerranéenne qui caractérise depuis toujours l’art théâtral. Je m’apprête à participer au prochain sommet Ue-Afrique, programmé fin novembre à Abidjan, en Côte d’Ivoire, en étant bien conscient du fait que le théâtre, le cinéma et la culture européenne jouent un rôle fondamental dans la coopération entre ces deux continents, en particulier dans la formation des jeunes générations, aussi bien africaines qu’européennes. En récompensant deux artistes comme Isabelle Huppert et Jeremy Irons, tous deux capables de passer avec aisance de la dimension du théâtre à celle du cinéma et vice-versa, le jury a choisi deux personnalités ayant en commun une célébrité qui coexiste, avec intelligence, avec un fort engagement social et civil. En souhaitant voir un nombre toujours croissant de jeunes professionnels du théâtre et de jeunes spectateurs, afin que cet art retrouve l’élan et la centralité sociale et civile qui lui reviennent, j’adresse toute mes félicitations aux organisateurs et à tous ceux qui animent avec succès ce prix prestigieux.

Cette semaine de rencontres, d’ateliers, de spectacles, d’avant-premières, de vidéos et d’expositions renouvelle, chaque année, une « promesse de mariage » qui doit rester la plus heureuse et durable possible : le rapport indissoluble entre le théâtre et l’intégration européenne.

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I

l Premio Europa per il Teatro torna quest’anno in Italia dopo numerose edizioni in diverse città europee e conclude idealmente l’anno delle celebrazioni del 60° anniversario dei Trattati di Roma e del G7. Il rientro nel nostro Paese avviene significativamente nell’anno in cui è stata approvata la nuova legge sullo spettacolo dal vivo, un provvedimento a lungo atteso dagli operatori del settore. Il Premio celebrerà sia artisti affermati che creatori emergenti, dedicando a ciascuno di loro incontri, workshop, spettacoli, anteprime, mostre, video, stage e pubblicazioni.

Tra i candidati figurano inoltre figure emblematiche della scena internazionale e artisti capaci di ‘migrare’ dalla dimensione del teatro verso quella del cinema e viceversa, in una vitale contaminazione di generi.

Ringrazio sia gli organizzatori dell’edizione 2017 per gli sforzi compiuti, sia gli artisti e gli spettatori, capaci di alimentare uno scambio culturale nel settore del teatro europeo attraversandolo in tutte le sue forme, articolazioni ed espressioni. Insieme hanno dato vita a un ricco programma, che permetterà di creare un ponte ideale tra l’Europa e il mondo mediterraneo.

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PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

Dario Franceschini

Ministro dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo

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he Europe Theatre Prize returns to Italy this year after numerous editions in various European cities and ideally concludes the year of celebrations for the 60th anniversary of the Treaties of Rome and the G7 summit. Significantly enough, it also returns in a year that has seen the passing of a new and long-awaited law on the sector of performing arts and live performance. The Europe Theatre Prize will celebrate both established and emerging artists with meetings, workshops, productions, previews, exhibitions, videos, courses and publications devoted to their work. The candidates also include emblematic figures of the international scene and artists capable of moving back and for between stage and screen in a vital cross-fertilization of genres. I thank the organizers of the 2017 edition for their great efforts as well as the artists and spectators for their contribution to cultural exchange in the field of European theatre in all its various forms and expressions. Together they have given birth to a rich programme that will make it possible to build an ideal bridge between Europe and the Mediterranean world.

L

e Prix Europe pour le Théâtre revient cette année en Italie après de nombreuses éditions dans différentes villes européennes et conclut idéalement l’année des célébrations du 60e anniversaire des Traités de Rome et du G7. Le retour dans notre pays a lieu de manière significative l’année où la nouvelle loi sur le spectacle vivant a été approuvée, une mesure attendue depuis longtemps par les opérateurs du secteur. Le Prix célèbrera aussi bien des artistes affirmés que des créateurs émergents, en consacrant à chacun d’eux des colloques, ateliers, spectacles, avantpremières, expositions, vidéos, stages et publications.

Parmi les candidats figurent d’ailleurs des personnalités emblématiques de la scène internationale et des artistes capables de « migrer » de la dimension du théâtre vers celle du cinéma et vice-versa, dans une contamination vitale de genres. Je remercie tant les organisateurs de l’édition 2017 pour les efforts accomplis, que les artistes et les spectateurs, capables d’alimenter un échange culturel dans le domaine du théâtre européen en le traversant dans toutes ses formes, articulations et expressions. Ensemble, ils ont donné naissance à un programme riche, qui permettra de créer un pont idéal entre l’Europe et le monde méditerranéen.

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C

elebriamo quest’anno i sessant’anni dei Trattati di Roma che suggellarono la nascita della Comunità Economica Europea. Da allora molte cose sono cambiate e le speranze che accompagnarono quegli anni iniziali di un’Europa Unita sembrano in parte essersi logorate. Quegli ideali, per i quali gli scambi economici dovevano essere solo l’inizio di un processo di integrazione, oggi paiono cedere il passo a chiusure nazionalistiche o regionali e a ripiegamenti neo-identitari.

Eppure oggi c’è un’altra Europa che allora non c’era: una società europea che non si preoccupa di scambi economici al vertice e vive invece varie forme di mobilità che riguardano le intere esistenze di milioni di persone: scambi commerciali certo, ma lavoro, amicizie, amori, cultura, abitudini alimentari, studio, ricerca. Quest’Europa, in ogni sua nazione, ogni giorno, si muove e si incontra con naturalezza, crea comunità a vari livelli e si rafforza senza bisogno di enfatizzare se stessa: è parte di una mentalità acquisita, impensabile alla fine degli anni ’50 del secolo scorso; è un’ Europa di esistenze individuali mobili che si incontrano, decise a sopravvivere a qualunque crisi internazionale o a qualsiasi trambusto economico. Questo cosmopolitismo della vita quotidiana è anche capace di mantenere e coltivare le forme ed espressioni di identità regionali e locali: cosa che, come sappiamo, non è una chiusura provinciale ma, al fondo, un patrimonio da difendere, l’elemento che dà ricchezza ed identità all’Europa stessa. Trent’anni dopo i trattati di Roma cominciava ad affacciarsi nelle politiche della U.E. l’originaria idea nobile dell’Unione: un’Europa delle cittadinanze, dei popoli e delle culture che molti giovani hanno in seguito potuto sperimentare grazie ad efficaci programmi educativi transazionali. In quegli anni nasceva anche il Premio Europa per il Teatro. Un premio ad artisti di rilievo, ma essenzialmente uno spazio aperto all’incontro, alla collaborazione e allo scambio tra realtà teatrali che, sin dall’inizio, aveva saputo abbattere ogni confine tra blocchi politici. La creatività in effetti non ha confini, né limiti, ha bisogno semmai di libertà e democrazia. Non è un caso perciò che quest’anno il Premio Europa per il Teatro, guardi verso il Mediterraneo meridionale, l’Africa e il mondo arabo assegnando dei riconoscimenti speciali ad artisti esemplari. Contro la violenza, le derive autoritarie, il fanatismo, il terrorismo l’unica strada perseguibile è la cultura. Non parlo di speranze o di auspici, ma di una certezza: la cultura è la sola strada possibile.

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PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

Jack Lang

Ministro della Cultura francese sotto François Mitterrand Presidente del Premio Europa per il Teatro

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his year we celebrate sixty years of the Treaty of Rome, which confirmed the birth of the European Economic Community. A lot has changed since, and the hopes that went with these founding years of a a United Europe may now seem to be somewhat stale. Those ideals, for which economic exchange was to be but the beginning of a process of integration, seem today to be giving place to nationalist or regional withdrawal, as well as neoisolationism. Yet today there exists another Europe which was not there before : a European society that doesn’t put economic exchange first, that thrives instead on all sorts of of exchanges that involve the whole existence of millions of individuals : commercial exchanges, certainly, but also exchanges of work, friendships, love affairs, cultures, eating habits, study, research. This Europe, in each of its component nations, moves and meets together daily, quite naturally. It creates communities on many levels, and gains strength without having to push itself. It is part of an acquired mindset that was unthinkable at the end of the Fifites in the last century. It is a Europe of individual, mobile lives that come together, determined to survive whatever international crisis, whatever economic upset may occur. This cosmopolitanism in daily life is equally capable of upholding and developing regional and local forms and expressions of identity. Something which, as we know well, is not provincial narrowmindedness but in essence a heritage worth defending, the bedrock that gives richness and identity to Europe itself. Thirty years after the Treaty of Rome, the noble idea behind the Union began to make itself felt in the politics of the EU : a Europe of varied citizenships, peoples and cultures that many young people have since been able to experience, thanks to effective transnational eductation programmes. It was at this moment that the Europe Theatre Prize was born.

A prize awarded to artists of renown, true, but essentially an open space for encounter, collaboration and exchange between theatre realities which have known from the start how to break down the barriers between political blocs. In fact, creativity has no frontiers, no limits. What it needs is freedom and democracy. So that it is not by chance that the Europe Theatre Prize has this year turned its gaze towards the southern Mediterranean, to Africa and the Arab world, awarding special recognition to some notable artists. In the face of violence, authoritarian tendencies, fanaticism and terrorism, culture is the only path to follow. I am not talking about hopes or promises, but about something that is certain : culture is the only possible way.

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ous fêtons cette année les soixante ans des Traités de Rome qui scellèrent la naissance de la Communauté Économique Européenne. Beaucoup de choses ont changé depuis, et les espoirs qui accompagnèrent ces années fondatrices d’une Europe Unie semblent s’être partiellement usés. Ces idéaux, pour lesquels les échanges économiques ne devaient être que le début d’un processus d’intégration, semblent aujourd’hui céder la place à des fermetures nationalistes ou régionales, ainsi qu’à des replis néo-identitaires. Et pourtant aujourd’hui, il existe une autre Europe qui, alors n’existait pas : une société européenne qui ne se préoccupe pas d’échanges économiques au sommet et vit en revanche diverses formes de mobilité concernant l’existence entière de millions d’individus : échanges commerciaux bien sûr, mais aussi travail, amitiés, amours, culture, habitudes alimentaires, études, recherche.

Cette Europe, dans chacune de ses nations, se déplace et se rencontre chaque jour tout naturellement. Elle crée des communautés à plusieurs niveaux et se renforce sans qu’il soit nécessaire de se mettre en avant. Elle fait partie d’une mentalité acquise, impensable à la fin des années 50 du siècle dernier. C’est une Europe d’existences individuelles mobiles qui se rencontrent, décidées à survivre à n’importe quelle crise internationale ou à n’importe quel bouleversement économique. Ce cosmopolitisme de la vie quotidienne est également capable de maintenir et de cultiver les formes et les expressions des identités régionales et locales. Chose qui, comme nous le savons bien, n’est pas une fermeture provinciale mais, au fond, un patrimoine à défendre, l’élément donnant richesse et identité à l’Europe elle-même. Trente ans après les traités de Rome, l’idée noble d’origine de l’Union commençait à poindre dans les politiques de l’U.E. Une Europe des citoyennetés, des peuples et des cultures que de nombreux jeunes ont ensuite pu expérimenter grâce à d’efficaces programmes éducatifs transnationaux. C’est à ce moment qu’est né le Prix Europe pour le Théâtre. Un prix remis à des artistes de renom, mais essentiellement un espace ouvert à la rencontre, à la collaboration et à l’échange entre réalités théâtrales qui, dès le début, ont su abattre les frontières entre blocs politiques. En effet, la créativité n’a pas de frontières, ni de limites. Elle a plutôt besoin de liberté et de démocratie. Ce n’est donc pas un hasard si le Prix Europe pour le Théâtre s’ouvre cette année encore davantage vers la Méditerranée du sud, l’Afrique et le monde arabe, en décernant des récompenses spéciales à des artistes exemplaires. Contre la violence, les dérives autoritaires, le fanatisme et le terrorisme, la culture est l’unique chemin à suivre. Je ne parle pas d’espoirs ou de vœux, mais d’une certitude : la culture est le seul chemin possible.

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er il Teatro di Roma - Teatro Nazionale accogliere il Premio Europa per il Teatro 2017, alla sua sedicesima edizione, ed esserne partner organizzativo, è motivo di grande orgoglio e di soddisfazione. Il Premio torna infatti in Italia dopo un decennio a spasso per l’Europa, grazie alla volontà del Presidente della Repubblica Sergio Mattarella e al Ministro per i Beni e le Attività Culturali e il Turismo, Dario Franceschini, in un’occasione speciale per l’Unione e per la Capitale: la celebrazione del sessantesimo anniversario della firma dei trattati di Roma, 1957, che dell’Europa hanno sancito la costituzione.

Oggi, in un’Unione Europea, diventata adulta ma che esprime numerose criticità, la cultura, le diverse forme delle arti, dei saperi, della conoscenza debbono rappresentare l’ambito dal quale ripartire, con nuove visioni e rinnovate energie, ripensandola con visioni prospettiche e la potenza delle utopie. È dunque un appuntamento oltremodo simbolico, questo ritorno in Italia e a Roma, di un premio tanto significativo: un Oscar dedicato alle forme e ai linguaggi della scena contemporanea che ha riconosciuto e fatto conoscere i grandi maestri accanto ai nuovi artisti; un essenziale momento di aggregazione e di rilancio per un continente che deve guardare oltre i propri confini, e rinnovare il dialogo fra i popoli, a partire proprio da quell’arte sociale per eccellenza che è il Teatro. Figlio primo della democrazia ateniese, la madre, seppur lontana, delle democrazie moderne.

Una decina sono gli spettacoli proposti in cinque giorni intensissimi, con opere firmate da maestri maturi (Stein e Wilson), e creazioni che ci rivelano i possibili protagonisti di domani, e la sorpresa di veder premiati due interpreti di fama mondiale, a ricordarci che il teatro è stato prima di tutto l’arte dell’attore e della parola, prima ancora che del regista.

“Se l’immaginazione non è tenuta viva, non ci può essere alcuna base per il giudizio etico o la necessità politica”, scrive James Hillman nel suo La politica della bellezza (1999). Senza arte, dunque, le società sono più fragili, e non sarebbero comunità. Noi tutti che il teatro lo viviamo ogni giorno, vita nella vita, sentiamo il dovere di far sì che esso conservi a ogni atto creativo la propria necessità originaria: sul palcoscenico, il cittadino spettatore apprende,magari sfiorandoli appena, ma ancora più in profondità, le verità dell’esistenza, le sue ragioni e le sue follie, grazie alla potenza rivelatrice e catartica di quest’arte antica e insieme attuale. E ci piace pensare, insieme a Peter Brook, uno dei primi maestri omaggiati da questo Premio, che “il teatro è lo specchio della società; e gli specchi non hanno bisogno di cornici dorate”. Viva il Teatro! Viva l’Europa.

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PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

Antonio Calbi

Direttore del Teatro di Roma - Teatro Nazionale

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he Teatro di Roma − Teatro Nazionale takes great pride in hosting the 2017 Europe Theatre Prize, now in its 16th edition, as its organizational partner.

Thanks to the efforts of Sergio Mattarella, President of the Italian Republic, and Dario Franceschini, Minister of Cultural Heritage and Tourism, the ETP now returns to Italy after a decade roaming around Europe on a special occasion for the EU and the Eternal City, namely the celebrations for the 60th anniversary of the Treaties of Rome that marked the birth of the community in 1957.

Today, in an EU that has grown up but displays numerous criticalities, culture, the arts, knowledge and skills in all their various forms must represent the sphere of a fresh departure with new visions and renewed energies to rethink the Europe with all the power of utopian perspectives. The greatest symbolic importance thus attaches to this return to Italy and to Rome of such a significant prize: an Oscar devoted to the forms and languages of contemporary theatre that has recognized and made known new artists alongside the great masters; an essential rallying point for a continent that must look beyond its borders and revitalize the dialogue between peoples through theatre, the social art par excellence, the first-born child of democratic Athens, the ancient mother of all modern democracies.

Some ten productions will be presented in five days of extraordinary intensity, with works by established masters (Stein and Wilson) and creations revealing the possible greats of tomorrow as well as the surprise of awards for two figures of world renown to remind us that theatre was the art of the actor and word first and the director second.

As James Hillman points out in his Politics of Beauty (1999), there can be no basis for ethical judgment or political necessity if the imagination is not kept alive.

Societies are thus more fragile without art and there would be no communities. All of us involved with theatre every day as a life within life feel it is our duty to ensure that it preserves the original necessity of every creative act. It is on the stage that the citizen spectator learns perhaps on the surface but still more in depth - the truths of existence, its rationale and its madness, through the revealing, cathartic power of this ancient and wholly modern art. And we can only agree with Peter Brook, one of the first masters to receive this prize, that theatre is the mirror of society and mirrors have no need of gilded frames. Long live the stage! Long live Europe!

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ccueillir le Prix Europe pour le Théâtre 2017, à sa seizième édition, et être son partenaire dans son organisation remplissent de fierté et de satisfactionle Teatro di Roma - Teatro Nazionale.En effet, le Prix revient en Italie après une décennie à travers l’Europe, grâce à la volonté du Président de la République Sergio Mattarellaet au Ministère pour les Biens et les Activités Culturelles et le Tourisme, Dario Franceschini,lors d’une occasion spéciale pour l’Union et pour la Capitale italienne : la célébration du soixantième anniversaire de la signature des traités de Rome, en 1957, qui ontétabli la constitution de l’Europe. Aujourd’hui, dans une Union Européenne devenue adulte mais qui présente de nombreux points critiques, la culture, les différentes formes d’arts, de savoirs et de connaissances doivent représenter le domaine d’où il faut repartir, avec de nouvelles visions et une énergie renouvelée, en la repensant avec les perspectives et la puissance des utopies. Il s’agit donc d’un rendez-vous bien plus que symbolique, ce retour en Italie et à Rome d’un prix aussi significatif : un Oscar consacré aux formes et aux langages de la scène contemporaine qui a reconnu et fait connaître les grands maîtres à côté des nouveaux artistes. Un moment essentiel d’agrégation et de relance pour un continent qui doit regarder au-delà de ses propres frontières et renouveler le dialogue entre les peuples, à commencer justement par cet art social par excellence qu’est le Théâtre. Premier enfant de la démocratie athénienne, la mère, bien que lointaine, des démocraties modernes. Une dizaine de spectacles sont proposés durant cinq journées vraiment intenses, avec des œuvres signées par des maîtres mûrs (Stein et Wilson), ainsi que des créations qui nous révèlent les éventuels protagonistes de demain, et la surprise de voir récompenser deux interprètes de renommée mondiale, nous rappelant que le théâtre a été avant tout l’art de l’acteur et de la parole, avant d’être celui du metteur en scène. « Si l’imagination n’est pas maintenue en vie, il ne peut y avoir aucune base pour le jugement éthique ou la nécessité politique », écrit James Hillman dans son ouvrage Politica della bellezza (1999). Sans art, par conséquent, les sociétés sont plus fragiles et ne seraient pas des communautés. Nous tous qui vivons le théâtre tous les jours, une vie dans la vie, nous sentons qu’il est de notre devoir que celui-ci conserve à chaque acte créatif sa propre nécessité d’origine : sur la scène, le citoyen spectateur apprend, peut-être en les effleurant à peine, mais encore plus profondément, les vérités de l’existence, ses raisons et ses folies, grâce à la puissance révélatrice et cathartique de cet art à la fois ancien et actuel. Et nous aimons penser, comme Peter Brook, l’un des premiers maîtres récompensés par ce Prix, que le « théâtre est le miroir de la société, et les miroirs n’ont pas besoin de cadres dorés ». Vive le Théâtre ! Vive l’Europe.

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PRESENTAZIONE PRESENTATION

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l Premio Europa per il Teatro, dopo 9 edizioni a Taormina, dà maggiore continuità a un proprio percorso internazionale basato sull’incontro fra culture e paesi all’insegna del teatro, inteso come luogo privilegiato di aggregazione e di scambio: dopo un’edizione tenutasi a Torino, due a Salonicco, poi a Wroclaw, San Pietroburgo e Craiova, il Premio Europa per il Teatro rientra quest’anno in Italia come progetto speciale del Ministro della Cultura, a Roma, città in cui chiude idealmente l’anniversario dei 60 anni dai Trattati di Roma ed apre, in qualità di prima iniziativa, l’anno europeo del patrimonio culturale 2018. Il Premio, giunto con questa edizione al trentesimo anno di attività, è stato la prima iniziativa culturale nel campo dello spettacolo messa in atto dalla Comunità Europea. Nel giugno del 1987, all’Hotel San Domenico di Taormina, si riuniva la prima giuria del Premio Europa per il Teatro, i cui membri in seguito faranno parte del Comitato di Esperti della Comunità Europea, i quali prepararono i primi programmi culturali. Circa trent’anni prima, nella notte tra il 1º e il 2 giugno 1955, sempre all’Hotel San Domenico, scrissero la dichiarazione di Messina, che fu alla base dei Trattati di Roma e segnò la nascita della Comunità Europea e secondo il racconto dello stesso Paul-Henri Spaak, uno dei padri dell’Unione Europea, la stipulazione di un documento così importante fu accolta da un’atmosfera di esaltazione ed entusiasmo che incarna esattamente quello che viene denominato lo spirito di Messina, a cui sempre l’Europa fa fede durante gli svariati momenti di crisi.

Da quando, con i trattati di Roma, si stabilivano le forme iniziali dell’ Unione Europea, l’area comunitaria è cresciuta nelle sue competenze e si è allargata geograficamente. Tuttavia, nonostante il clima attuale di crisi, alcuni auspici dei padri fondatori dell’Unione e successivamente di uomini come Kohl, Mitterrand e Delors, si sono realizzati in modo da sembrare pressoché spontanee. Più che in ambito strettamente economico, dove disparità e rapporti di forza tra stati rischiano di indebolire l’idea stessa di un’unità europea, i risultati sono visibili in nuovi profili di mobilità che riguardano il lavoro, la formazione e la cultura. Lavorare, studiare o fare teatro in una dimensione transnazionale non rappresenta più un’eccezione per molti cittadini dell’Unione: sono oramai comportamenti diffusi che sembrano destinati ad espandersi. Le comunità della cultura e dell’arte da sempre hanno scavalcato la dimensione nazionale delle loro produzioni e i confini stessi della U.E. Il Premio Europa per il Teatro è stato in questo senso una delle prime iniziative a superare questi ostacoli territoriali, politici ed ideologici. Lavorando alle diverse edizioni del Premio Europa, si è messo in pratica una concezione del teatro che, nel suo evolversi, sperimentarsi, trasformarsi e contaminarsi (escludendo ogni rischio di manipolazione), crea e ricrea nuovi spazi di condivisione e dà energie alle forme più dirette ed umane di comunicazione e di incontro. Il teatro, da sempre luogo privilegiato di riflessione sulla contemporaneità e strumento insostituibile per capire l’uomo nel suo tempo, attraverso le iniziative del Premio, si caratterizza per essere un’occasione di studio e approfondimento dell’attività degli artisti premiati che incontrano la vasta comunità teatrale che sostiene e segue il Premio. Il programma di quest’anno, nonostante i tempi ristretti in cui abbiamo programmato e lavorato, si presenta particolarmente ricco e stimolante sia per gli aspetti artistici sia per quelli sociali, politici e civili. La XVI edizione del Premio Europa è stata assegnata dal Premio Europa per il Teatro in accordo con il Consiglio consultivo che vi collabora e con il paese ospitante, a un’attrice e un attore che sono anche due figure emblematiche della scena internazionale: Isabelle Huppert e Jeremy Irons, artisti capaci entrambi di ‘migrare’ dalla dimensione del teatro verso quella del cinema e viceversa. Così per la seconda volta, dopo lungo tempo, cioè dopo Michel Piccoli, ritorna il premio a degli attori. I due artisti condivideranno assieme lo spazio scenico prendendo parte a una performance ideata appositamente per il Premio Europa: Ashes to Ashes di Harold Pinter, da un idea mia e di Michael Billington. Inoltre Isabelle Huppert leggerà Guy de Maupassant. Nell’ambito del XVI Premio Europa per il Teatro, sono stati assegnati due riconoscimenti speciali: un Premio a Wole Soyinka, premio Nobel nigeriano e una Menzione al direttore del Teatro nazionale tunisino Fadhel Jaïbi, i quali con la loro voce e il loro lavoro fanno da ponte, uno tra l’Europa e l’Africa e l’altro tra l’Europa e il mondo arabo. Questi due riconoscimenti rispecchiano la volontà di dialogo che si è aperto in occasione degli incontri del G7 a Taormina alla presenza, tra gli altri, di presidenti di stato africani. Porre barriere agli uomini e al loro bisogno di comunicare, censurare l’arte e aggredire la libertà di espressione sulla base di congiunture politiche nazionali o di irrigidimenti religiosi, appare oggi imbarazzante non meno che disprezzare e ignorare culture minoritarie, che sono a tutti gli effetti parte oramai dell’Europa, ignorandone la varietà, la ricchezza e la complessità. La Giuria del XIV Premio Europa Realtà Teatrali, dopo

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PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

Alessandro Martinez

Segretario Generale Premio Europa per il Teatro

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fter nine editions in Taormina, the Europe Theatre Prize initiated an international trajectory of contact between cultures and countries through theatre, understood as a key locus of encounter and exchange, with one in Turin, two in Thessaloniki and one each in Wroclaw, St Petersburg and Craiova. This year marks a return to Italy as a Ministry of Culture special project in the Eternal City, ideally closing the year of the 60th anniversary of the Rome Treaties and opening 2018 as the first initiative of the European Year of Cultural Heritage.

These celebrations coincide with the 30th anniversary of the ETP, the first cultural initiative in the field of the performing arts launched by European Community.

The first jury of the Europe Theatre Prize gathered in June 1987 at the Hotel San Domenico in Taormina.

Their members were later to form part of the European Community’s board of experts responsible for preparing the first cultural programmes. It was again at the Hotel San Domenico, some thirty years earlier, during the night between 1 and 2 June 1955, that the declaration of Messina was written, constituting that basis of the Treaties of Rome and marking the birth of the European Community. As recalled by Paul-Henri Spaak, one of the fathers of the European Union, the joy and enthusiasm that greeted this crucial document were such as to become known as the spirit of Messina, to which Europe has remained faithful during its various moments of crisis.

Ever since the Treaties of Rome established the initial forms of the community, Europe has grown in terms of powers and size. Despite the current climate of crisis, some dreams of its founding fathers and later figures like Kohl, Mitterrand and Delors have come true in such a way as to appear almost spontaneous. The results can be seen not so much in the strictly economic sphere, where inequalities and imbalances of power threaten to undermine the very idea of a unified Europe, as in the new mobility as regards employment, training and culture.

Working, studying or producing theatre in a transnational dimension is no longer an exception for many citizens of the European Union but rather an established reality that appears destined to expand. The communities of culture and art have always gone beyond the national dimension of their productions and the very borders of the EU. In this sense, the Europe Theatre Prize was one of the first European initiatives to transcend territorial, political and ideological obstacles.

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près 9 éditions à Taormine, le Prix Europe pour le Théâtre donne naissance à son propre parcours international basé sur la rencontre entre cultures et pays sous le signe du théâtre, considéré comme un endroit privilégié d’agrégation et d’échanges : après une édition à Turin, deux à Salonique, puis à Wroclaw, Saint-Pétersbourg et Craiova, le PET revient cette année en Italie comme projet spécial du Ministre de la Culture, à Rome, ville dans laquelle se termine idéalement l’année des 60 ans des Traités de Rome et inaugure, en qualité de première initiative, l’année européenne du patrimoine culturel 2018. Ces célébrations coïncident avec le 30e anniversaire du Prix Europe, la première initiative culturelle dans le domaine du spectacle lancée par la Communauté Européenne. En juin 1987, le premier jury du Prix Europe pour le Théâtre, dont les membres feront ensuite partie du Comité des Experts de la Communauté Européenne et préparèrent les premiers programmes culturels, se réunissait à l’Hôtel San Domenico de Taormine.

Presque trente ans auparavant, dans la nuit du 1er au 2 juin 1955, toujours à l’Hôtel San Domenico, ils écrivirent la déclaration de Messine, qui fut à la base des Traités de Rome et marqua la naissance de la Communauté Européenne. Et selon le récit de Paul-Henri Spaak lui-même, l’un des pères de l’Union Européenne, la stipulation d’un document aussi important fut accueillie par une atmosphère d’exaltation et d’enthousiasme qui incarne exactement ce que l’on appelle l’esprit de Messine, auquel l’Europe se raccroche toujours durant les divers moments de crise.

Les traités de Rome établissaient les formes initiales de l’Union Européenne. Depuis, l’espace communautaire s’est agrandi dans ses compétences et s’est élargi géographiquement. Toutefois, malgré le climat actuel de crise, certains auspices des pères fondateurs de l’Union, puis d’hommes comme Kohl, Mitterrand et Delors, se sont réalisés au point de sembler presque spontanés. Plus que dans un domaine strictement économique, où les disparités et rapports de force entre les États risquent d’affaiblir l’idée même d’unité européenne, les résultats sont visibles dans de nouveaux profils de mobilité relatifs au travail, à la formation et à la culture. Travailler, étudier ou faire du théâtre dans une dimension transnationale ne représente plus une exception pour de nombreux citoyens de l’Union: ce sont désormais des comportements diffus qui semblent destinés à s’étendre.

Les communautés de la culture et de l’art ont depuis toujours dépassé la dimension nationale de leurs productions et même les frontières de l’U.E. En ce sens, le Prix Europe pour le

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PRESENTAZIONE PRESENTATION

aver vagliato più di 40 candidature inviate dalla Consulta, composta da più di 400 partecipanti tra i quali i membri dei suoi organismi associati, ha deciso di non basare la sua scelta sui candidati segnalati da più tempo, alcuni sin dal 2007, i quali anche se ancora giovani adesso hanno raggiunto una consacrazione a livello internazionale. La presenza, ancora, di questi candidati, artisti già affermati la maggior parte sulla scena internazionale è dovuta al fatto che, negli ultimi anni , non è stata assicurata una continuità e stabilità al Premio Europa, visto che gli spazi destinati alla cultura sono sempre più ridotti e dove anche il Premio Europa per il Teatro ha risentito di questo clima, dato che non è stato rispettato un impegno quinquennale (20122017)da parte dell’attuale Capitale polacca della Cultura. La Giuria, dopo una consultazione ufficiale, ha deciso 6 vincitori: Susanne Kennedy, ‹crudele› ed ironica regista olandese un po› anche tedesca, potrà essere apprezzata in The Virgin Suicides, il regista sloveno Jernej Lorenci, che si misura con un repertorio vastissimo, proporrà stavolta UbuRoi da Alfred Jarry; Yael Ronen, che sarà presente alla guida di una Roma Armee pronta a rivendicare la varietà e diversità di popolazioni europee ‘altre’; encomiabile la sua sensibilità rivolta al tema dell’integrazione che l’hanno vista impegnata con attori israeliani e palestinesi, nel suo paese d’origine, e altresì in Germania con attori siriani; il ‘coreografo’ fuori dal coro Alessandro Sciarroni, italiano,che con la sue ricerca teatrale, spiazza chiunque tenti di ingabbiarlo in un genere, proporrà la sua creazione Untitled; il poliedrico e geniale Kirill Serebrennikov, regista teatrale, scenografo, cineasta e inventore di spazi teatrali non potrà essere presente alla manifestazione, confidiamo però di poterlo ospitare appena possibile e i fermenti della più irrequieta scena estone saranno presenti con NO 43 - Filth del Theatre NO99 di Tallin. Non da adesso, nell’ambito del Premio Europa Realtà Teatrali, si impone un Premio Speciale a Dimitris Papaioannou, regista e artista visivo, candidato dal 2007, la cui fama e prestigio hanno raggiunto in questi anni i più alti vertici del teatro europeo. Degli apporti così rilevanti da farci considerare questo Premio Speciale urgente, meritato e dovuto. La sezioni Ritorni prevede due spettacoli shakeaspeariani: un Re Lear di Giorgio Barberio Corsetti e un Riccardo II di Peter Stein. il ritorno di Robert Wilson infine riesplora e ripropone Hamletmachine di Heiner Müller insieme agli allievi dell’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica Silvio D’Amico. Il programma prevede ancora l’organizzazione di due incontri promossi dall’Association internationale des Critiques de Théâtre, una tavola rotonda a cura di Georges Banu e ad apertura la Consegna dei Premi dell’Associazione Nazionale dei Critici di Teatro. Durante le giornate della manifestazione, il Premio ospita numerosi eventi collaterali organizzati da organismi associati e da altre istituzioni culturali, continuando così ad affermare la sua peculiarità come punto d’incontro e di scambio del teatro internazionale. Avranno luogo, tra gli altri, il consiglio regionale europeo e il consiglio esecutivo dell’ ITI Unesco, il Comitato Esecutivo dell’Association Internationales des Critiques des Théâtre, la Riunione dei membri dell’ Union des Académies et des Écoles de Théâtre de l’Europe, l’Assemblea Nazionale della sezione italiana dei Critici di Teatro e Assemblea di “Platea” organismo dei Teatri Nazionali e dei Teatri di interesse culturale. Desidero, inoltre, ringraziare il Ministro Dario Franceschini, il Direttore Generale dello Spettacolo Ninni Cutaia, Antonio Calbi e il Teatro di Roma, la direttrice del Polo Museale Laziale Edith Gabrielli, la direttrice del Palazzo Venezia Sonia Martone, la Professoressa Francesca Cantù e la Fondazione Roma Tre Teatro Palladium. Ringrazio inoltre il Ministro della Cultura estone Indrek Saar per il suo supporto. Gli organismi associati: Union des Théâtres de l’Europe, Association Internationale des Critiques de Théâtre, International Theatre Institute UNESCO, European Festivals Association, Union des Académies et des Écoles de Théâtre de l’Europe E:UTSA, Convention Théâtrale Européenne, con i quali l’obiettivo è quello, attraverso il nostro lavoro, di consolidare, rafforzare, ricercare nuovi punti di scambio dei svariati patrimoni culturali e sociali e dare via a nuove fertili collaborazioni dal punto di vista teatrale, sociale e umanistico. Infine desidero ringraziare la Giuria e il Comitato consultivo del Premio e lo staff del Premio Europa per il Teatro per il suo impegno ed entusiasmo, che in particolare quest’anno si è arricchito della presenza fondamentale di Miriam Bellucci Tassi e tutti coloro che negli anni hanno creduto e continuano a credere nell’idea del Premio Europa e in quell’Europa “delle cose belle, delle cose umane, delle cose che riguardano il teatro come qualsiasi altra attività dello spirito umano”, come aveva sottolineato Giorgio Strehler nel suo discorso di accettazione del III Premio Europa per il Teatro.

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PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

Those working on the various editions of the Europe Theatre Prize have clearly perceived a conception of theatre capable in its evolution, experimentation, transformation and cross-fertilization (while avoiding any risk of manipulation) of creating and recreating new spaces of sharing and empowering the most linear and human forms of communication and encounter.

Theatre has always been a key place for reflection on contemporary reality and the best tool for an understanding of human beings in their time. The ETP has always been characterized as an opportunity for in-depth examination of the activities of the awardwinning artists brought into contact with the vast theatre community from which it draws its support and following. Despite the limited time available for working and planning, this year’s programme is particularly rich and stimulating both in artistic and in social, political and civil terms. The winners of the 16th edition selected by the ETP organization, its board of advisors and the host country are an actress and an actor whose theatrical training is a key factor in the choice, namely Isabelle Huppert and Jeremy Irons, two emblematic figures of the international scene and artists capable of moving back and for between the dimensions of theatre and cinema.

The award thus goes to actors for only the second time after Michel Piccoli back in 2001.

The two artists will share the stage together, taking part in a production especially devised for the Europe Prize: a performance of Ashes to Ashes, by Harold Pinter, at the suggestion of Michael Billington and myself. Afterwards, Isabelle Huppert will read from Guy de Maupassant.

The 16th edition of the ETP includes a special award for the Nigerian Nobel laureate Wole Soyinka and a special mention for Fadhel Jaibi, director of the National Theatre of Tunisia, two figures whose voices and work have built bridges respectively between Europe and Africa and between Europe and the Arab world. These two acts of recognition reflect the drive for dialogue manifested at the G7 meeting held in Taormina in the presence also of African heads of state. Raising barriers against human beings and their need to communicate, censoring art and attacking the freedom of expression for motives of national politics or religious inflexibility are no less unacceptable than despising, ignoring and failing to recognize the variety, richness and complexity of minority cultures that are now an integral part of Europe.

Théâtre a été l’une des premières initiatives européennes à surmonter ces obstacles territoriaux, politiques et idéologiques. En travaillant aux différentes éditions du Prix Europe pour le Théâtre, on a fortement perçu une conception du théâtre, qui, dans son évolution, sa transformation et ses contaminations (excluant tout risque de manipulation), crée et recrée de nouveaux espaces de partage et donne de la puissance aux formes les plus droites et humaines de communication et de rencontre. Depuis toujours le théâtre est un lieu privilégié de réflexion sur la contemporanéité et le meilleur instrument pour comprendre l’homme de son époque. Le Prix se caractérise depuis toujours par le fait d’être une occasion d’étude et d’approfondissement de l’activité des artistes primés qui rencontrent la vaste « communauté théâtrale » qui soutient et suit le Prix. Malgré les délais serrés durant lesquels nous avons programmé et travaillé, le programme se présente particulièrement riche et stimulant, tant d’un point de vue artistique que pour ses aspects sociaux, politiques et civils. La XVIe édition du Prix Europe a été décernée par le Prix Europe pour le Théâtre, le Conseil consultatif qui y collabore et le pays d’accueil, à une actrice et un acteur dont la formation théâtrale joue un rôle important dans le choix des candidats. Il s’agit également de deux figures emblématiques de la scène internationale : Isabelle Huppert et Jeremy Irons, des artistes tous deux capables de ‘migrer’ de la dimension du théâtre vers celle du cinéma, etvice-versa. Ainsi, pour la seconde fois, après longtemps, après Michel Piccoli, le prix revient de nouveau à deux acteurs.

Les deux artistes partageront ensemble l’espace scénique en participant à un spectacle spécialement conçu pour le Prix Europe: Ashes to Ashes de Harold Pinter, d’après une idée de Michael Billington et moi. Par ailleurs, Isabelle Huppert lira Guy de Maupassant. Dans le cadre du XVIe Prix Europe pour le Théâtre, deux récompenses spéciales ont été décernées : un Prix à Wole Soyinka, prix Nobel nigérian et une Mention au directeur du Théâtre national tunisien Fadhel Jaibi, qui, avec leur voix et leur travail, jouent le rôle de pont, l’un entre l’Europe et l’Afrique et l’autre entre l’Europe et le monde arabe. Ces deux distinctions reflètent la volonté de dialogue entamé à l’occasion des rencontres du G7 à Taormine en présence, entre autres, de présidents d’États africains. Placer des barrières devant les hommes et leur besoin de communiquer, censurer l’art et agresser la liberté d’expression en se basant sur des conjonctures politiques nationales ou des rigidités religieuses apparaît aussi embarrassant que de mépriser et ignorer des cultures minoritaires faisant désormais partie à

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PRESENTAZIONE PRESENTATION

After assessing over forty candidates submitted by a committee of some four hundred participants, including the members of its associated organizations, the jury of the 16th Europe Theatre Prize for New Realities decided against basing its choice on those presented for a long time, in some cases since from 2007, who have already attained international acclaim even though they are still young. The continuing presence of these candidates, most of whom are already established on the international scene, is largely due to the lack of continuity and stability that has affected the prize in recent years as a result of the constantly shrinking space granted to culture. The Europe Theatre Prize itself has suffered from this situation, as attested by the failure of the present Polish Capital of Culture to respect its fiveyear commitment (2012-17). After official consultation, the jury decided on six winners. Susanne Kennedy, the “cruel” and ironic Dutch (and slightly German) director, will present The Virgin Suicides. Jernej Lorenci, a Slovenian director with a vast repertoire, will tackle Alfred Jarry’s Ubu Roi. Yael Ronen, present at the head of a Roma Armee to champion the variety and diversity of “other” European peoples, has shown praiseworthy sensitivity to the question of integration, working with Israeli and Palestinian actors in Israel, her homeland, and with Syrian actors in Germany. The unconventional Italian choreographer Alessandro Sciarroni, whose work defies any attempt at categorization, will present his creation Untitled. The versatile and brilliant Kirill Serebrennikov, theatre director, stage designer, filmmaker and inventor of theatrical spaces, cannot be present at the event but we hope to have him as our guest as soon as possible.

The turmoil of the effervescent Estonian scene will in any case be present with the production of NO 43 - Filth by Theatre NO99 of Tallinn. There is also a special award for the director and visual artist Dimitris Papaioannou, a candidate since 2007, whose reputation and prestige have attained the peaks of European theatre in recent years. His contributions are such as to make this special award a particularly urgent and merited act of due recognition. The Returns section presents two Shakespeare productions, King Lear by Giorgio Barberio Corsetti and Richard II by Peter Stein, while Robert Wilson will again explore Heiner Müller’s Hamletmachine with the students of the Accademia Nazionale d’Arte Drammatica Silvio D’Amico. The programme also

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part entière de l’Europe, en en ignorant la variété, la richesse et la complexité. Le Jury du XIVePrix Europe Réalités Théâtrales, après avoir examiné plus de 40 candidatures envoyées par le Conseil, composé de plus de 400 participants notamment les membres de ses organismes associés, a décidé de ne pas baser son choix sur les candidats signalés de longue date, certains depuis 2007, qui, même s’ils sont encore jeunes ont maintenant atteint une consécration à l’échelle internationale. La présence, encore, de ces candidats déjà affirmés pour la plupart sur la scène internationale est due au fait que, ces dernières années, la continuité et la stabilité n’ont pas été garanties au Prix Europe, étant donné que les espaces destinés à la culture se sont réduits de plus en plus.Le Prix Europe pour le Théâtre a également souffert de ce climat, étant donné qu’un engagement quinquennal (2012-2017) de la part de l’actuelle Capitale polonaise de la Culture n’a pas été respecté. Après une consultation officielle, le Jury a choisi 6 lauréats : Susanne Kennedy, metteur en scène ‘cruelle’ et ironique, hollandaise un peu allemande aussi, pourra être appréciée dans The Virgin Suicides ; le metteur en scène slovène Jernej Lorenci, qui se mesure à un répertoire extrêmement vaste, proposera cette fois-ciUbuRoi d’Alfred Jarry ; Yael Ronen, qui sera présente à la tête d’une Roma Armee prête à revendiquer la variété et diversité de populations européennes ‘autres’ ; sa sensibilité est remarquable envers le thème de l’intégration qui l’a vu impliquée avec des acteurs israéliens et palestiniens, dans son pays d’origine, et de même en Allemagne avec des acteurs syriens ;le ‹chorégraphe› à contre-courant Alessandro Sciarroni, Italien, qui avec sa recherche théâtrale surprend quiconque cherche à l’enfermer dans un genre, proposera sa création Untitled ; Kirill Serebrennikov, génial et aux multiples facettes, metteur en scène de théâtre, scénographe, cinéaste et inventeur d’espaces de théâtre, ne pourra pas être présent à la manifestation, nous espérons néanmoins pouvoir l’accueillir dès que possible tandis que les ferments de la scène estonienne la plus turbulente seront présents avec NO 43 - Filth du Theatre NO99 de Tallin. Dans le cadre du Prix Europe Réalités Théâtrales, un Prix Spécial s’impose pour Dimitris Papaioannou, metteur en scène et artiste visuel, candidat depuis 2007, dont la renommée et le prestige ont atteint ces dernières années les plus hauts sommets du théâtre européen. Des apports tellement importants qu’ils nous ont amenés à considérer ce Prix Spécial comme urgent, mérité et dû. La section Retours prévoit deux spectacles shakespeariens: un Roi Lear de Giorgio Barberio Corsetti et

includes two meetings organized for the Association internationale des Critiques de Théatre, a round table moderated by Georges Banu, and will open with the Associazione Nazionale dei Critici di Teatro awards ceremony. During the edition, the Europe Theatre Prize will host numerous collateral events organized by associated bodies and other cultural institutions, thus continuing to assert its particular character as a point of encounter and exchange for international theatre. The meetings will include bodies like the European regional council and the executive council of the UNESCO International Theatre Institute, the executive committee of the Association Internationales des Critiques de Théâtre, the Union des Académies et des Écoles de Théâtre de Europe, the Italian section of the Association Internationales des Critiques des Théâtre, and Platea, representing Italian national theatres and theatres of cultural interest. I wish to thank Dario Franceschini, Italian Minister of Cultural Heritage, Ninni Cutaia, Director General for Performing Arts, Antonio Calbi and the Teatro di Roma, Edith Gabrielli, director of the museums of the Lazio region, Sonia Martone, director of Palazzo Venezia, Professor Francesca Cantù and the Fondazione Roma Tre Teatro Palladium. Thanks also to the Estonian Minister of Culture Indrek Saar for his support, and to the associated bodies - the Union des Théâtres de l’Europe, Association Internationale des Critiques de Théâtre, UNESCO International Theatre Institute, European Festivals Association, Europe: Union of Theatre Schools and Academies (E:UTSA), Convention Théâtrale Européenne - with which we seek through our work to seek out, consolidate and strengthen new points of contact and exchange for the broad range of cultural and social heritages and to give birth to new and fertile joint initiatives in the world of theatre as well as the social and humanistic sphere. Finally, I wish to thank the jury and the advisory committee as well as the personnel of the Europe Theatre Prize for their commitment and enthusiasm, enriched in particular this year by the fundamental presence of Miriam Bellucci Tassi, as well as all those who have continued to believe over the years in the idea of the ETP and in a Europe “of beautiful things, of human things, of things that regard theatre like any other activity of the human spirit”, as the third Europe Theatre Prize prize winner Giorgio Strehler put it in his acceptance speech.

un Richard II de Peter Stein. Pour conclure, le retour de Robert Wilson explore et propose à nouveau Hamletmachine de Heiner Müller avec les élèves de l’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica Silvio D’Amico. Le programme prévoit également l’organisation de deux rencontres promues parl’Association Internationale des Critiques de Théâtre, une table ronde de Georges Banu et à l’ouverture la Remise des Prix de l›Association Nationale des Critiques de Théâtre. Au cours des journées de la manifestation, le Prix accueille de nombreux événements collatéraux organisés par des organismes associés et d’autres institutions culturelles, continuant ainsi à affirmer sa particularité comme point de rencontre et d’échange du théâtre international.Le conseil régional européen et le conseil exécutif de l’ITI Unesco, le Comité Exécutif de l’Association Internationale des Critiques des Théâtre, la réunion des membres de l’Union des Académies et des Écoles de Théâtre de l’Europe, l’Assemblée Nationale de la section italienne des Critiques de Théâtre et l’Assemblée de « Platea », organisme des Théâtres Nationaux et des Théâtres d’intérêt culturel auront notamment lieu. Par ailleurs, je souhaite remercier le Ministre Dario Franceschini, le Directeur Général du Spectacle Ninni Cutaia, Antonio Calbi et le Teatro di Roma, la directrice du Polo Museale Laziale Edith Gabrielli, la directrice de Palazzo Venezia Sonia Martone, madame le professeur Francesca Cantù et la Fondazione Roma Tre Teatro Palladium. En outre, je remercie le Ministre estonien de la Culture Indrek Saar pour son soutien ainsi que les organismes associés –Union des Théâtres de l’Europe, Association Internationale des Critiques de Théâtre, International Theatre Institute UNESCO, European Festivals Association, Union des Académies et des Écoles de Théâtre de l’Europe E:UTSA, Convention Théâtrale Européenne – dont l’objectif est, à travers notre travail, de consolider, renforcer, rechercher de nouveaux points d’échange des différents patrimoines culturels et sociaux, et donner naissance à de nouvelles collaborations fertiles d’un point de vue théâtral, social et humaniste. Pour finir, je désire remercier le Jury et le Comité consultatif du Prix ainsi que l’équipe du Prix Europe pour le Théâtre pour son zèle et son enthousiasme, et qui, cette année en particulier, s’est enrichie de la présence fondamentale de Miriam Bellucci Tassi, et tous ceux qui au fil desans ont cru et continuent de croire en l’idée du Prix Europe et en cette Europe « des belles choses, des choses humaines, des choses qui ont trait au théâtre comme toute autre activité de l’esprit humain », comme l’avait souligné Giorgio Strehler dans son discours d’acceptation du IIIe Prix Europe pour le Théâtre.

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Regolamento ESTRATTI EXTRACTS

I

l Premio Europa per il Teatro, presentato nel 1986 come programma pilota in campo teatrale della Commissione Europea e la cui prima edizione si è svolta nel 1987, è stato riconosciuto dal 2002 dal Parlamento e dal Consiglio Europeo “Organizzazione di interesse culturale europeo”. Il Premio Europa per il Teatro ha lo scopo di promuovere la conoscenza e la diffusione dell’arte teatrale in Europa, contribuendo allo sviluppo dei rapporti culturali e al consolidamento della coscienza europea. Il Premio Europa per il Teatro svolge, inoltre, un’attività permanente di diffusione e promozione della cultura europea promuovendo, nell’ambito dello spettacolo dal vivo, l’interdisciplinarietà, l’integrazione e la cooperazione tra il teatro e le altre arti. Il Premio Europa per il Teatro viene assegnato a quella personalità o istituzione teatrale (teatri o compagnie) che maggiormente abbia contribuito alla realizzazione di eventi culturali determinanti per la comprensione e la conoscenza tra i popoli.

Il premio viene assegnato alla carriera e il vincitore viene scelto per l’insieme del suo percorso artistico, tra esponenti di grande rilievo del teatro internazionale, inteso nelle sue diverse forme, articolazioni ed espressioni.

Il XVI Premio Europa per il Teatro è assegnato dal Premio Europa per il Teatro, il Consiglio consultivo che vi collabora e il paese ospitante. Dalla terza edizione a questo riconoscimento è affiancato il Premio Europa Realtà Teatrali, ispirato alla volontà di incoraggiare tendenze ed iniziative nel teatro europeo inteso nelle sue diverse forme, articolazioni ed espressioni. La scelta dovrà tenere conto della totalità dell’opera del candidato, del suo carattere innovativo e della sua originalità. Il Premio può essere assegnato ad una compagnia, a un collettivo artistico, ad un teatro o ad un singolo. Sino dalla sua II edizione, la giuria del Premio Europa Realtà Teatrali ha indicato che il premio vuole essere un’occasione di incontro e confronto tra differenti momenti espressivi del teatro europeo. La scelta dovrebbe anche tenere conto, nel corso degli anni, delle differenti aree geografiche.

Entrambi i Premi devono essere ritirati dai premiati personalmente durante la Cerimonia di premiazione che si svolge a conclusione delle manifestazioni del Premio Europa per il Teatro, pena la decadenza della parte pecuniaria del riconoscimento. La Giuria è costituita da personalità della cultura e dell’arte, da critici e operatori culturali, rappresentativi del mondo teatrale europeo e garantisce, nel corso degli anni, una equilibrata presenza delle diverse aree geografiche. Fanno parte di diritto della Giuria i rappresentanti degli organismi associati.

La Giuria, nella selezione delle candidature del Premio Europa Realtà Teatrali, è affiancata da una Consulta, composta dai membri degli organismi associati, dai premiati delle passate edizioni dei Premi, da alcuni membri delle Giurie precedenti, dai rappresentanti dei principali Festival e Teatri Europei e da critici e giornalisti delle testate giornalistiche europee e internazionali. Inoltre, Il Presidente del Premio Europa per il Teatro, il Presidente di Giuria, l’Associazione Premio Europa per il Teatro, il Consiglio consultivo del Premio Europa, gli organismi associati e/o altre istituzioni internazionali, tra cui quelle del paese ospitante le manifestazioni hanno altresì la facoltà, sulla base delle loro valutazioni, di assegnare, premi e menzioni speciali a quelle personalità che si siano distinte per l’impegno con il quale hanno saputo coniugare, al più alto livello, la propria esperienza culturale, politica e sociale con gli ideali europei e con quelli di pace e civile convivenza tra i popoli e a quelle categorie che non rientrano nei premi previsti. La cerimonia di consegna dei Premi concluderà le manifestazioni articolate in giornate di studi, incontri e conferenze tese ad analizzare la figura e l’opera dei premiati e in momenti creativi con la presentazione di loro spettacoli, work in progress, letture e prove aperte al pubblico, retrospettive video e pubblicazioni. Nell’ambito delle manifestazioni è prevista la sezione Ritorni che ospita creazioni e incontri con gli artisti premiati nelle precedenti edizioni del Premio Europa e del Premio Realtà Teatrali, come momento di evoluzione del percorso artistico dei premiati nel corso del tempo e momento di confronto e scambio. Nel contesto delle manifestazioni rientrano altresì eventuali dibattiti, tavole rotonde, workshop e seminari di studio per una maggiore comprensione dei problemi del teatro europeo. Solitamente, il Premio può accogliere le assemblee, i congressi e le riunioni degli organismi associati.

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T

he Europe Theatre Prize was presented in 1986 as a pilot project in the field of theatre (its first edition took place in 1987) of the European Commission. Since 2002, the Prize has been recognised by the European Parliament and Council as a “European cultural interest organisation”. Its aims are to promote the knowledge and spread of drama throughout Europe, to advance the development of cultural relationships and to enrich the collective European consciousness. Furthermore, the activity of Europe Theatre Prize is also that of constantly diffusing and promoting the European culture in the field of live performance through interdisciplinary, integration and cooperation between theatre and other arts.

The Europe Theatre Prize is awarded to personalities or theatrical institutions (theatres, companies) that have mostly contributed to the realization of cultural events which have promoted understanding and the exchange of knowledge between peoples. The prize is awarded to the career and the winner is chosen for the whole of his artistic path among notable personalities of international theatre considered in all its different forms, articulations and expressions. The XVI Europe Theatre Prize is awarded by the Europe Theatre Prize, the collaborative Advisory Board, and the hosting country. The Europe Prize Theatrical Realities has been awarded alongside the Europe Theatre Prize since its third year. The Europe Prize Theatrical Realities is aimed at encouraging trends and initiatives in European drama, considered in all its different forms, articulations and expressions. The choice should take account of the candidate’s complete work, of its innovative character and originality.

The Prize may be awarded to a company, an artistic ensemble, a theatre, or a single artist. Since its second edition, the Jury of Europe Prize Theatrical Realities has indicated that the Prize should be an opportunity for meeting and confrontation between different modes of expression of European theatre. The choice should also take into consideration, over the years, the different geographical areas. Both prizes must be collected personally by the winners during the Prizegiving ceremony which will take place at the end of Prize events, failure to do this will be the forfeiture of the pecuniary share of the award. The jury comprises

L

e Prix Europe pour le Théâtre a été présenté en 1986 en tant que programme pilote de la Commission européenne dans le domaine du théâtre et sa première édition a eu lieu en 1987. En 2002, il a été reconnu par le Parlement et le Conseil européen comme « organisation d’intérêt culturel européen ». Le Prix Europe pour le Théâtre a pour but de promouvoir la connaissance et la diffusion de l’art théâtral en Europe, en contribuant ainsi au développement des rapports culturels et au renforcement de la conscience européenne. Prix réalise ​​ également une activité permanente de diffusion et la promotion de la culture européenne en encourageant, dans le cadre du spectacle vivant, l’interdisciplinarité, l’intégration et la coopération entre le théâtre et les autres arts. Le Prix Europe pour le Théâtre est décerné aux personnalités ou aux institutions théâtrales (théâtres ou compagnies) qui ont contribué davantage à la réalisation d’évènements culturels déterminants pour la compréhension et la connaissance réciproques des peuples. C’est un prix à la carrière et le lauréat est choisi pour l’ensemble de son parcours artistique, parmi des personnalités de premier plan du théâtre international, considéré dans ses différentes formes, articulations et expressions. Le XVIe Prix Europe pour le Théâtre est décerné par le Prix Europe, le Conseil Consultatif qui collabore avec celui-ci et le paysd’ accueil. A cette distinction s’ajoute depuis la IIIème édition le Prix Europe Réalités Théâtrales, inspiré par la volonté d’encourager des tendances et des initiatives du théâtre européen, considéré dans ses différentes formes, articulations et expressions.

Le choix doit tenir compte de la totalité du travail du candidat, de son caractère d’innovation et de son originalité. Le Prix peut être attribué à une compagnie, à un groupe artistique, à un théâtre ou à un seul artiste. À partir de son IIème édition, le Jury du Prix Europe Réalités Théâtrales a indiqué que le prix souhaite être une occasion de rencontre et de confrontation entre différents moments d’expression du théâtre européen.

Le choix devrait aussi tenir compte au fil des ans des différentes zones géographiques. Les deux prix doivent être retirés personnellement par les lauréats pendant la Cérémonie de remise des prix qui se déroule à la fin des manifestations du Prix Europe pour le Théâtre, sous

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personalities from the world of culture and art, critics and cultural operators, who are representative of European theatre and over the years, has guaranteed that all the different EU countries are equally represented. The representatives of associate bodies are de jure members of Jury. The Jury is assisted in its selection of the candidates for the Europe Prize Theatrical Realities by a Council composed by the members of the associate bodies, by past winners of the Prizes, by former members of the Jury, as well as representatives of the most important European festivals and Theatres, and by critics and journalist from European newspapers. Furthermore, the President of Europe Theatre Prize, the President of Jury, the Association Europe Theatre Prize, the Advisory Board, the Prize associate bodies and/or other international institutions, among which those ones of the country hosting the Prize events may award Special Prizes and Special Mentions - on the basis of its own evaluations -, to those personalities who have distinguished themselves for their commitment in combining at the highest level their own cultural, political and social experience with the European ideals and with those ones of peace and civil coexistence among peoples and/or to those categories which for a reason or another are not included in the foreseen prizes. The prize-giving ceremony is the culmination of a series of events comprising workshops, meetings and seminars aimed at analysing the work and performance of the prize-winners, together with creative events including the presentation of prize-winners’ productions, works in progress and open rehearsals, video retrospectives and publications. The programme includes a section called Returns, where productions may be presented, and interactive sessions held, with artists who have won the Europe Prize and the Europe Prize Theatrical Realities Prize in past years. These are intended to follow prize winners’ careers, and offer an opportunity for comparison and exchange. Further debates, round tables, workshops, and study seminars also foster a better understanding of the problems of European theatre. Usually, the Prize can host the meetings, the congresses and the assemblies of its associated bodies.

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peine d’annulation de la partie pécuniaire du prix. Le Jury est constitué de personnalités de la culture et de l’art, de critiques et d’opérateurs culturels, représentatifs du monde du théâtre des pays européens, selon une répartition qui garantisse au fil des ans une présence équilibrée des différentes zones géographiques. Font partie de plein droit du Jury les représentants des organismes associés. Pour le Prix Europe Réalités Théâtrales, le Jury est assisté dans la sélection des candidatures par un Conseil composé de membres des organismes associes, de lauréats des Prix et de membres des Jurys des éditions précédentes, des représentants de principaux festivals et théâtres européen, des critiques et des journalistes de journaux européens.

En outre, le Président du Prix Europe pour le Théâtre, le Président du Jury, l’Association Prix Europe pour le Théâtre, le Conseil Consultatif, ses organismes associés et d’autres institutions internationales, y compris celles du pays qui accueille les manifestations, ont également la faculté, sur la base de leur évaluation, d’attribuer des Prix ou des Mentions spéciaux aux personnalités qui se sont distinguées par l’engagement avec lequel elles ont su conjuguer, au plus haut niveau, la propre expérience culturelle, politique et sociale avec les idéaux européens et avec ceux de coexistence pacifique entre les peuples et même à des catégories qui ne s’encadrent pas dans les prix prévus. La Cérémonie de Remise des Prix conclura les manifestations organisées en journées d’étude, ponctuées de rencontres et de conférences visant à analyser la figure et l’œuvre des lauréats à travers des moments créatifs qui se traduiront par la présentation de spectacles, des projets en cours et de répétitions ouvertes au public, des rétrospectives vidéos et des publications. Les manifestations programmées comprennent la rubrique ’Retours’ qui présente des œuvres et des rencontres avec les lauréats des précédentes éditions du Prix Europe et du Prix Réalités, jalon du parcours artistique des lauréats au fil des années et occasion d’échange.

D’autres débats, des tables rondes, des ateliers et des séminaires permettront une meilleure compréhension des problèmes du théâtre européen. De la même façon, le Prix peut accueillir les assemblées, les congrès et les réunions des organismes associés.

Assegnato dal Premio Europa per il Teatro, il Consiglio consultivo che vi collabora e il paese ospitante, a un’attrice e un attore la cui formazione teatrale gioca un ruolo importante riguardo la scelta dei candidati.

Sono anche due figure emblematiche della scena internazionale: Isabelle Huppert e Jeremy Irons, artisti capaci entrambi di ‘migrare’ dalla dimensione del teatro verso quella del cinema e viceversa.

16th Europe Theatre Prize

Awarded by the Europe Theatre Prize, its supporting Board of Advisors and the hosting country to two emblematic figures of the international scene, two actors whose theatrical background played a key role in the selection process: Isabelle Huppert and Jeremy Irons, artists capable of ‘migrating’ from the dimension of theatre to that of cinema and viceversa.

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Isabelle Huppert MOTIVAZIONE CITATION

N

ata come attrice teatrale, Isabelle Huppert alterna il cinema al teatro con straordinaria produttività e con risultati che ne fanno l’interprete forse più premiata di sempre. Il suo nome, strettamente legato al cinema d’autore francese ed europeo, garantisce la qualità delle produzioni alle quali partecipa: è un’artista che sceglie con cura le sceneggiature, i suoi ruoli e i registi con cui lavorare ed è sempre capace di dare un segno ai film che interpreta. La Huppert, icona mondiale del cinema contemporaneo, non ha mai abbandonato il teatro, arte che continua a praticare con passione, grande interesse e mirabili prove attoriali. Le ragioni della sua passione teatrale, da lei stessa espresse aprendo lo scorso marzo la Giornata Mondiale del Teatro, possono coincidere pienamente con le motivazioni del XVI Premio Europa per il Teatro che, con gioia autentica, le assegniamo quest’anno: “Il teatro per me è l’altro, il dialogo, l’assenza di odio. L’amicizia tra i popoli, non so bene che cosa significhi, ma credo nella comunità, nell’amicizia tra gli spettatori e gli attori, nell’unione di tutti quelli che il teatro riunisce, quelli che scrivono, che traducono, quelli che lo illuminano, lo vestono, lo decorano, quelli che lo interpretano, quelli che lo fanno, quelli che ci vanno. Il teatro ci protegge, ci dà rifugio. Sono convinta che ci ama tanto quanto noi l’amiamo. Mi ricordo di un vecchio direttore di scena all’antica, che prima di sollevare il sipario, dietro le quinte, diceva ogni sera con voce ferma: “Spazio al teatro!”.

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rom her beginnings as a stage actress, Isabelle Huppert has moved between cinema and theatre with an extraordinary productivity, and with results which have made her perhaps the most garlanded performer in the two spheres. Her name, directly linked with French and European auteur cinema, is a guarantee of quality for the productions in which she takes part: she is an artist who chooses her scripts, her roles and the directors with whom she works with the greatest care, always able to make her mark on the films in which she appears. Isabelle Huppert, a world icon in contemporary cinema, has never abandoned the theatre, an art which she continues to practise with passion, deep interest and admirable playing skills. The reasons for her passionate love of theatre, which she herself gave in her message for this year’s World Theatre Day, are completely in accord with the motivation for the XVIth Europe Theatre Prize, which we award to her this year with real pleasure: Theatre for me represents the other; it is dialogue, and it is the absence of hatred. ‘Friendship between peoples’ – now, I do not know too much about what this means, but I believe in community, in friendship between spectators and actors, in the lasting union between all the people theatre brings together – translators, educators, costume designers, stage artists, academics, practitioners and audiences.

Theatre protects us; it shelters us…I believe that theatre loves us…as much as we love it… I remember an old-fashioned stage director I worked for, who, before the nightly raising of the curtain would yell, with full-throated firmness ‘Make way for theatre!’

N

ée en tant qu’actrice de théâtre, Isabelle Huppert alterne le cinéma au théâtre avec une productivité extraordinaire et des résultats qui font d’elle l’interprète peut-être la plus récompensée. Son nom, étroitement lié au cinéma d’auteur français et européen, garantit la qualité des productions auxquelles elle participe : c’est une artiste qui choisit soigneusement les scénarios, ses rôles et les réalisateurs avec lesquels elle travaille, et elle est toujours capable d’imprimer sa marque sur les films qu’elle interprète. Isabelle Huppert, icône mondiale du cinéma contemporain, n’a jamais abandonné le théâtre, un art qu’elle continue de pratiquer avec passion, un grand intérêt et un admirable jeu. Les raisons de sa passion pour le théâtre, qu’elle a elle-même énoncées lors de l’ouverture en mars dernier de la Journée Mondiale du Théâtre, peuvent pleinement coïncider avec les motivations du XVIe Prix Europe pour le Théâtre que nous lui décernons cette année avec une authentique joie : Le théâtre pour moi c’est l’autre, c’est le dialogue, c’est l’absence de haine.

L’amitié entre les peuples, je ne sais pas trop ce que ça veut dire mais je crois dans la communauté, dans l’amitié des spectateurs et des acteurs, dans l’union de tous ceux que le théâtre réunit, ceux qui l’écrivent, ceux qui le traduisent, ceux qui l’éclairent, l’habillent, le décorent, ceux qui l’interprètent, ceux qui en font, ceux qui y vont.

Le théâtre nous protège, nous abrite… Je crois bien qu’il nous aime… autant que nous l’aimons… Je me souviens d’un vieux régisseur à l’ancienne, qui avant le lever du rideau, en coulisses, disait chaque soir d’une voix ferme : « Place au théâtre ! »

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Jeremy Irons MOTIVAZIONE CITATION

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a vita e l’arte in Jeremy Irons si intrecciano fino al punto di formare uno stile inconfondibile, dell’uomo e dell’attore, dal quale traspaiono un respiro di libertà e l’invidiabile capacità di stare dentro al giuoco delle più svariate produzioni, teatrali, cinematografiche e televisive, senza mai tradire se stesso e la sua indipendenza. Tra grandi produzioni, impegni ed amore costante per il proprio mestiere, Jeremy Irons dice di sé: “Sono diventato un attore per essere un mascalzone e un vagabondo, quindi non credo che l’establishiment sarebbe stato in grado di integrarmi come uno dei loro, perché non lo sono.” La libertà di Irons è anche quella di saper padroneggiare perfettamente tutte le possibilità di un mestiere tra i più difficili al mondo. La sua duttilità di attore, a proprio agio nel teatro shakespeariano come in un serial televisivo di successo, è frutto di una professione amata e voluta. La sua esperienza ed il suo pragmatismo gli consentono di affrontare e vivere, più o meno radicalmente ma sempre con grande onestà, alcune questioni legate al suo ambiente di lavoro, alla formazione degli attori ed anche alla politica e alle contraddizioni che viviamo nel nostro tempo. Assegnando a Jeremy Irons il Premio Europa per il teatro premiamo un artista esemplare ed ammirato in tutto il mondo.

Dobbiamo comunque essere consapevoli che questo riconoscimento va ad un uomo che, riflettendo sull’arco della sua carriera, ha detto: “L’idea di una carriera mi è apparsa come una sentenza di condanna alla prigione. Sarei partito dal fondo ed avrei seguito la mia strada lavorando fino a raggiungere il top della scala, dopo mi sarei ritirato e dopo un po’ sarei morto... Per essere un outsider tutto ciò mi è sembrato molto, molto attraente.”

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ith Jeremy Irons, life and art have been mixed to the point of creating an inimitable style, as man and actor, which blends an air of freedom with the enviable capacity to enter into the spirit of the most varied productions, in theatre, cinema and television, without ever betraying himself or giving up his independence. In productions great and small, with an unflinching love for his profession, Jeremy Irons says of himself: ‘I became an actor to be a rogue and vagabond, so I don’t think the establishment would be able to welcome me as one of its own – because I’m not.’ Irons also has that freedom that comes from knowing how to master to perfection all the possibilities of a trade which is among the most difficult in the world. His versatility as an actor, as much at ease in Shakespeare as in a hit television series, comes from being part of a profession that he loves and in which he is loved. His experience and his pragmatism allow him to confront, more or less radically but always with great honesty, the questions bound up with his working world, not only in terms of actor training but also in politics and the contradictions of the times we live in. In awarding the Europe Theatre Prize to Jeremy Irons, we are rewarding an artist who has set an example that is admired in the four corners of the world. All the same, we should be aware that this prize is going to a man who, reflecting on the course of his career, has said: ‘The idea of a career seems to me like a prison sentence. I will have started from the bottom and made my way to reach the top of the ladder, then I’ll retire and some time afterwards I’ll be dead... For an outsider like me, that all seems very, very attractive.’

C

hez Jeremy Irons, la vie et l’art s’entremêlent jusqu’au point de former un style inimitable, de l’homme et de l’acteur, d’où filtrent une bouffée de liberté et la capacité enviable d’être dans le jeu des productions les plus variées, théâtrales, cinématographiques et télévisées, sans jamais se trahir,ni renoncer à son indépendance. Entre grandes productions, engagements et amour constant pour son métier, Jeremy Irons dit de lui-même : « Je suis devenu un acteur pour être un vaurien et un vagabond, je ne pense donc pas que l’establishment aurait été en mesure de m’intégrer comme l’un des siens, car je ne le suis pas ». La liberté d’Irons est aussi de savoir maîtriser à la perfection toutes les possibilités d’un métier parmi les plus difficiles au monde.Sa ductilité d’acteur, à son aise aussi bien dans le théâtre shakespearien que dans une série télévisée à succès, est le fruit d’une profession aimée et voulue.

Son expérience et son pragmatisme lui permettent d’affronter et de vivre, plus ou moins radicalement mais toujours avec une grande honnêteté, certaines questions liées à son milieu de travail, à la formation des acteurs et également à la politique et aux contradictions que nous vivons à notre époque.

En décernant à Jeremy Irons le Prix Europe pour le Théâtre, nous récompensons un artiste exemplaire et admiré aux quatre coins du monde. Nous devons toutefois avoir conscience que ce prix va à un homme, qui, réfléchissant sur l’étendue de sa carrière, a déclaré : « L’idée d’une carrière m’est apparue comme un verdict de condamnation à la prison. Je serais parti du fond et j’aurais suivi mon chemin jusqu’à atteindre le haut de l’échelle, après j’aurais pris ma retraite et quelque temps après je serais mort... En tant qu’outsider, tout cela m’a semblé très très attirant ».

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PREMIO SPECIALE SPECIAL PRIZE

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Wole Soyinka MOTIVAZIONE CITATION

D

a alcuni anni sembra che l’Africa sub sahariana, vista dall’Europa, sia spesso considerata come un grave problema, essenzialmente perché, con flussi più o meno regolari, migliaia di africani stanno migrando da sud verso il nostro continente. Questa ‘emergenza’ e i non pochi pregiudizi che l’accompagnano, è la peggiore delle prospettive per guardare con un minimo di consapevolezza alla complessità di un intero continente.

Wole Soyinka sembra essere venuto al mondo per contraddire tanta approssimazione.

La ricchezza della cultura africana, scintillante e cosmopolita nella tradizione yoruba cui egli appartiene per nascita, mostra come le culture Africane siano fondamentali per la comprensione dell›uomo e delle sue espressioni quanto lo è stata quella greca per l›Europa e l›occidente. Sonyinka ha saputo mostrare al mondo tutto questo studiando, scrivendo, intervenendo sulla politica, facendo poesia e teatro in Africa e in Europa; mostrando, per restare sul tema delle comparazioni, come si possa mettere in scena Baccanti di Euripide e restituirne pienamente il senso, mettendo nel ruolo di Dioniso Ogùn, una divinità africana molto potente venerata dagli Yoruba. Un orisha che, migrato dall’Africa con la tratta degli schiavi, sovrintende a riti sincretistici diffusi in larghe fasce delle popolazioni dell’America latina e dei Caraibi. Con la sua arte ed il suo impegno Whole Soyinka ha contribuito a rinnovare la vita culturale africana ed ha partecipato attivamente al dialogo tra Africa ed Europa, toccando temi politici divenuti sempre più attuali e portando, in lingua inglese, ricchezza e bellezza alla letteratura, al teatro e alla saggistica in Europa e in ogni parte del mondo. In un momento di populismi, chiusure e luoghi comuni sugli ‘altri’, la sua voce, la sua presenza attiva e i suoi punti di vista ci aiutano a riflettere e ci invitano a rivedere, in termini diversi e più sensati, i rapporti tra il vecchio Continente e l’Africa, Continente ancora più antico. Per queste ragioni il Premio Europa per il Teatro quest’anno è orgoglioso di assegnargli un Premio Speciale.

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or some years it would seem that sub-Saharan Africa, as seen from Europe, is often considered as a serious problem, basically because thousands of Africans are migrating from the South to our continent, in more or less regular waves. This ‘crisis situation’ and the many prejudices that go with it is the worst perspective from which to study, with little understanding of its causes, the complexity of a whole continent. Wole Soyinka would appear to have come into the world to contradict just such an approximation. The richness of African culture, glittering and cosmopolitan in the Yoruba tradition into which he was born, shows how fundamental African cultures are to our understanding of man and his works, just as Greek culture was for Europe and the West. Soyinka knows how to show this to the world, through study, writing, political intervention, and the creation of poetry and theatre in Africa and Europe.

Showing – to continue in the realm of comparisons – how it is possible to stage Euripides’ Bacchae and retain its meaning completely while giving the rôle of Dionysus to Ogùn, a most powerful African deity, worshipped by the Yoruba. An orisha, transported from Africa as part of the slave trade, supervises rituals that have become widespread among the population of Latin America and the Caribbean. With his art and his commitment , Wole Soyinka has contributed to a renewal of African cultural life, participating actively in the dialogue between Africa and Europe, touching on more and more urgent political themes and bringing, in English, richness and beauty to literature, theatre and action in Europe and the four corners of the world. At a time of populism, the closing down of shared links between us and ‘the others’, his voice, his active presence and his points of view help us to reflect and invite us to look again, in different and more sensitive terms, at the relationship between the Old Continent and Africa, a continent that is older still.

For these reasons, the Europe Prize is proud this year to award him a Special Prize.

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epuis quelques années il semblerait que l’Afrique subsaharienne, vue d’Europe, soit souvent considérée comme un grave problème, essentiellement parce que des milliers d’Africains, avec des flux plus ou moins réguliers, migrent du sud vers notre continent. Cette ‘situation d’urgence’ et les nombreux préjugés qui l’accompagne est la pire des perspectives pour observer avec un minimum de connaissance de cause la complexité de tout un continent. Wole Soyinka semble être venu au monde pour contredire une telle approximation. La richesse de la culture africaine, étincelante et cosmopolite dans la tradition yoruba à laquelle il appartient par sa naissance, montre combien les cultures africaines sont fondamentales pour comprendre l’homme et ses expressions, comme l’a été la culture grecque pour l’Europe et l’Occident. Soyinka a su montrer au monde tout cela en étudiant, écrivant, intervenant sur la politique, en faisant de la poésie et du théâtre en Afrique et en Europe. En montrant, pour rester dans le domaine des comparaisons, comment il est possible de mettre en scène Les Bacchantes d’Euripide et d’en restituer pleinement le sens, en mettant dans le rôle de Dionysos Ogùn, une divinité africaine très puissante, vénérée par les Yoruba. Un orisha, qui, émigré d’Afrique avec la traite des esclaves, supervise les rites syncrétistes diffus dans de larges franges des populations de l’Amérique latine et des Caraïbes. Avec son art et son engagement, Wole Soyinka a contribué à renouveler la vie culturelle africaine et a participé activement au dialogue entre l’Afrique et l’Europe, en abordant des thèmes politiques de plus en plus actuels et en apportant, en anglais, de la richesse et de la beauté à la littérature, au théâtre et aux essais en Europe et aux quatre coins du monde. À une époque de populismes, de fermetures et de lieux communs sur les ‘autres’, sa voix, sa présence active et ses points de vue nous aident à réfléchir et nous invitent à revoir, en termes différents et plus sensés, les relations entre le Vieux Continent et l’Afrique, un continent encore plus ancien. C’est pour ces raisons que le Prix Europe pour le Théâtre est fier de lui décerner cette année un Prix Spécial.

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MENZIONE SPECIALE SPECIAL MENTION

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Fadhel Jaïbi MOTIVAZIONE CITATION

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ra le realtà teatrali del Maghreb Fadhel Jaïbi occupa un posto preminente come maestro e come ‘resistente’ civile che col suo teatro, i suoi attori e i suoi allievi ha saputo mantenere vivi, anche in momenti difficili per il suo paese, i valori della libertà d’espressione e della critica al potere riuscendo a tenere in vita e dare respiro internazionale a un teatro, impegnato e indipendente, tra i più rilevanti del Maghreb. Fondatore nel 1975, di una prima compagnia privata, il Nouveau Théâtre, che, nelle forme del teatro contemporaneo di allora, attacca con violenza i difetti, le ingiustizie della società e il potere,dopo diverse altre esperienze, successivamenteai giorni della rivoluzione dei gelsomini,viene nominato direttore del Teatro Nazionale Tunisino; diviene anche fondatore, presso lo stesso ente, di una scuola per attori. Da anni svolge un lavoro di portata europea che, attraverso la scena e le sue pratiche, crea ponti tra le sponde meridionali del Mediterraneo, il mondo arabo e l’Europa, facendo del teatro in Tunisia il luogo d’elezione di una funzione culturale, sociale e politica, urgente e necessaria.

Questa pratica esemplare del teatro che in una certa misura ridà senso a quest’arte e la fa rinascere e rinvigorire là dove sembra più necessaria, si intreccia con l’affermazione di un diritto pieno alla libertà di espressione, fa da moltiplicatore per il teatro nel mondo arabo ed offre produzioni di rilievo alla scena europea. Nell’ambito dei riconoscimenti previsti dal Premio Europa per il Teatro, abbiamo ritenuto perciò di primaria importanza assegnare una Menzione Speciale a Fadhel Jaïbi.

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mong the theatre realities of the Mahgreb, Fadhel Jaïbi occupies a place in the front rank as maestro and civil ‘resister’, who, with his theatre, his actors and his pupils has been able to keep alive the values of freedom of expression and criticism of power, even in difficult times for his country, succeeding in preserving and giving international exposure to a committed, independent theatre, one of the most remarkable in the Mahgreb. In 1975 he founded a first private company, the Nouveau Théâtre (New Theatre), which, using the resources of contemporary theatre of the time, violently attacked the faults and injustices of society and those in power.

After other experiences, following the ‘Jasmine Revolution’ he was appointed director of the Tunisian National Theatre, at the same time becoming founder of an acting school under its auspices. Over the years his work has spread to Europe, building bridges through his stage practice between the southern shores of the Mediterranean, the Arab world and Europe, making Tunisian theatre the domain of choice for an enterprise that is cultural, social and political, urgent and necessary. This exemplary stage practice, which in a sense gives back a feeling to this art, allowing it to be reborn and flourish where it seems most needed, is mixed with the affirmation of a complete right to freedom of expression, which thus plays the rôle of expanding theatre in the Arab world while offering notable productions to European stages. In the framework of rewards that the Europe Theatre Prise can offer, we have therefore judged it important to award a Special Mention to Fadhel Jaïbi.

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armi les réalités théâtrales du Maghreb, Fadhel Jaïbi occupe une place de premier plan comme maître et ‘résistant’ civil, qui, avec son théâtre, ses acteurs et ses élèves a su maintenir vivants, même dans des moments difficiles pour son pays, les valeurs de la liberté d’expression et de la critique du pouvoir, en réussissant à garder en vie et à donner une envergure internationale à un théâtre impliqué et indépendant, parmi les plus remarquables du Maghreb.

Il fonde en 1975 une première compagnie privée, le Nouveau Théâtre, qui, sous les formes du théâtre contemporain de l’époque, attaque violemment les défauts, les injustices de la société et le pouvoir. Après plusieurs autres expériences, suite à la « révolution du jasmin » il est nommé directeur du Théâtre National Tunisien et devient également le fondateur, au sein de cet organisme, d’une école pour acteurs. Il réalise depuis des années un travail de portée européenne, qui, à travers la scène et ses pratiques, bâtit des ponts entre les rives sud de la Méditerranée, le monde arabe et l’Europe, en faisant du théâtre en Tunisie le lieu d’élection d’une fonction culturelle, sociale et politique, urgente et nécessaire. Cette pratique exemplaire du théâtre, qui, dans une certaine mesure, redonne un sens à cet art et le fait renaître et refleurir là où il semble le plus nécessaire, se mêle à l’affirmation d’un droit total à la liberté d’expression, joue le rôle de multiplicateur pour le théâtre dans le monde arabe et offre des productions notables à la scène européenne. Dans le cadre des récompenses prévues par le Prix Europe pour le Théâtre, nous avons donc jugé important de décerner une Mention Spéciale à Fadhel Jaïbi.

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14* Premio Europa Realtà Teatrali

Presidente

Georges BANU

GIURIA Dio KANGELARI

Presidente onorario Association Internationale des Critiques de Théâtre Docente Sorbona Nouvelle Paris III Critico

Membro fondatore Associazione Ellenica dei Critici di Teatro e della Scena Assistente, cattedra Studi Teatrali, Università Aristotele di Salonicco Critico

Maria Joao BRILHANTE

Joachim LUX

Docente Università di Lisbona Ricercatrice CET-Centro de Estudos de Teatro Critica Rivista Sinais de Cena e Associazione Portoghese Critici di Teatro Già Presidente Teatro Nacional Dona Maria II, Lisbona

Direttore Thalia Theater Amburgo Direttore Theater derWelt Membro del Consiglio d’amministrazione International Theatre Institute UNESCO (Delegato ITI-UNESCO)

Gianfranco CAPITTA Giornalista (Il Manifesto) Scrittore

Direttore Bitef Docente Università di Belgrado Critico

Marina DAVYDOVA

Milos MISTRIK

Direttrice artistica Festival NET Critico

Michal DOCEKAL Presidente Union des Théâtres de l’Europe Direttore Generale Národnídivadlo (Teatro Nazionale di Praga)

Ivan MEDENICA

Docente Slovenská akadémiavied (Accademia Slovacca delle scienze) Critico

Margareta SOERENSON

Bernard FAIVRE D’ARCIER

Presidente Association Internationale des Critiques de Théâtre, AICT Critico di teatro e danza (Expressen) Giornalista Autrice

Presidente Biennale di Lione Già Direttore Festival d’Avignone

Arthur SONNEN

Piotr GRUSZCZYNSKI

Direttore Artistico Centro Culturale Olandese per la Cooperazione Internazionale Paesi Bassi

Drammaturgo Co-odirettore artistico programma artistico NowyTeatr Varsavia Critico Docente Akademia Teatralna di Varsavia

Ian HERBERT Presidente onorario Association Internationale des Critiques de Théâtre Fiduciario, Critics’ Circle (London), Fondatore e Consulente editoriale, Theatre Record

Ibrahim SPAHIC Presidente Sarajevo Winter Festival Membro del consiglio d’amministrazione European Festival Association (Delegato EFA)

Javier VALLEJO Critico (El Pais)

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Susanne Kennedy MOTIVAZIONE CITATION

A

rtista eclettica, Susan Kennedy affronta il teatro in un repertorio che va dai classici a nuove commedie esilaranti da lei scritte e dirette. Nel teatro di Susanne Kennedy la drammaturgia, l’arte contemporanea, i costumi, il trucco, le scelte musicali, non hanno un destino diverso dal testo messo in scena e dal lavoro sugli attori. Il segno prevalente è quello di una postmodernità consapevole, eccessiva, grottesca ed esplosiva, nella quale il pop, il kitsch, elementi di arte non sempre figurativa e una sessualità morbosa chiaramente espressa, mostrano scenari poco rassicuranti di un’umanità costretta a muoversi nel vuoto esistenziale nel nostro tempo: esemplare in questo senso è la rilettura che Susanne Kennedy fa di Hedda Gabler da Ibsen. In molte sue produzioni, gli interni ‘chiusi’ della scena, considerati spesso dalla critica come spazi claustrofobici, possono essere considerati come scatole magiche di un processo creativo dove l’immaginario e l’immaginale contemporanei prendono corpo ed espressione.

A

n eclectic artist, Susanne Kennedy comes to the theatre with a repertoire ranging from the classics to the amusing new comedies which she writes and directs. In her theatre, playwriting, contemporary art, costumes, make-up and musical selection all come together in the staging of the text and work with the actors. The prevailing effect is that of a post-modernity that is enlightened, excessive, grotesque and explosive, in which pop, kitsch, artistic features that are not always figurative and an explicit, sickly sexuality come together in uncomfortable stories of a humanity obliged to grow up in the existential emptiness of our time: her reworking of Ibsen’s Hedda Gabler is a notable example. In many of her productions, the ‘closed’ interiors seen on stage, often regarded by critics as claustrophobic spaces, can be thought of as magic boxes, in a process of creation where contemporary imagination and imaginings are given form and expression.

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rtiste éclectique, Susan Kennedy aborde le théâtre avec un répertoire allant des classiques aux nouvelles comédies hilarantes qu’elle écrit et dirige. Dans le théâtre de Susanne Kennedy, la dramaturgie, l’art contemporain, les costumes, le maquillage et les choix musicaux n’ont pas un destin différent du texte mis en scène et du travail sur les acteurs. Le signe prévalent est celui d’une postmodernité éclairée, excessive, grotesque et explosive, dans laquelle le pop, le kitsch, les éléments d’art pas toujours figuratif et une sexualité maladive clairement exprimée, montrent des scénarios peu rassurants d’une humanité obligée d’évoluer dans le vide existentiel de notre époque : la relecture que Susanne Kennedy fait de Hedda Gabler d’Ibsen est en cela exemplaire. Dans un grand nombre de ses productions, les intérieurs ‘fermés’ de la scène, souvent jugés par la critique comme des espaces claustrophobiques, peuvent être considérés comme des boîtes magiques d’un processus de création où l’imaginaire et l’imagination contemporains prennent corps et expression.

Jernej Lorenci MOTIVAZIONE CITATION

C

andidato dal 2011. Nato a Maribor in Slovenia nel 1973 Jernej Lorenci, ha studiato regia all’Accademia di Lubiana. La sua rapida carriera lo porta in pochi anni ad essere uno dei registi teatrali più richiesti in Europa.Il teatro di Lorenci passa agevolmente dalla prosa, all’opera fino al teatro delle marionette; spazia dall’Iliade a Pinocchio, attraversando Peter Hanke, Pessoa, Euripide e Büchner, la Bibbia, autori contemporanei, Molière, Bulgakov, Mozart, Shakespeare e un’infinità di altri autori. Sin dall’inizio della sua rapida carriera, Lorenci si è interrogato sullo scopo del teatro ed è arrivato alla conclusione che il teatro non può e non deve essere autoreferenziale. Per questa ragione la sua principale ambizione è quella di creare in ogni suo spettacolo, un vero contatto tra scena e pubblico per ristabilire un flusso speciale di interrelazioni ed emozioni, stabilite in modo da poter guardare allo spettatore come a colui che durante una performace vi adempie il ruolo principale.

C

andidate since 2011. Born in Maribor, Slovenia in 1973, Jernej Lorenci studied directing at the Academy in Ljubljana. His starry career quickly led him to become one of the most sought after directors in Europe.

Lorenci’s theatre moves with ease from prose to opera to puppetry. It extends from the Iliad to Pinocchio via Peter Handke, Pessoa, Euripides and Büchner, the Bible, contemporary writers, Molière, Bulgakov, Mozart, Shakespeare and numerous others.

From the start of his brilliant career, Lorenci has questioned the purpose of theatre, coming to the conclusion that it cannot and should not be selfreferential. This is why his main ambition is to create in each of his productions a real contact between the stage and the audience, to set up a two-way flow of of interrelationships and emotions, put together in a such a way that the spectator can be considered to be playing the leading rôle.

C

andidat depuis 2011. Né à Maribor en Slovénie en 1973, Jernej Lorenci a étudié la mise en scène à l’Académie de Ljubljana. Sa carrière fulgurante l’amène en quelques années à devenir l’un des metteurs en scène de théâtre les plus demandés en Europe. Le théâtre de Lorenci passe aisément de la prose à l’opéra, jusqu’au théâtre des marionnettes. Il s’étend de l’Iliade à Pinocchio, en traversant Peter Hanke, Pessoa, Euripide et Büchner, la Bible, des auteurs contemporains, Molière, Boulgakov, Mozart, Shakespeare et une infinité d’autres auteurs. Dès le début de sa brillante carrière, Lorenci s’est interrogé sur l’objectif du théâtre et il est arrivé à la conclusion que le théâtre ne peut pas et ne doit pas être autoréférentiel. C’est pourquoi sa principale ambition consiste à créer dans chacun de ses spectacles un véritable contact entre la scène et le public, pour rétablir un flux spécial d’interrelations et d’émotions, conçues de manière à pouvoir considérer le spectateur comme celui qui y joue le role principal.

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Yael Ronen MOTIVAZIONE CITATION

C

andidata dal 2009. Yael Roen, drammaturga e regista israeliana opera anche in Europa centrale, soprattutto tra Berlino e Vienna. Guardando al teatro di Yael Ronen, mirato particolarmente su conflitti politici e interculturali, ci si è chiesti come lei riesca ad affrontarli ed inscenarli in produzioni che propongono la riconciliazione tra persone separate dalla politica e dalle appartenenze. Il teatro di Yael Ronen è in effetti un teatro politico molto particolare: spesso è incredibilmente umoristico e fa ricorso a dialoghi, musiche e gag esilaranti, capaci però di avvicinare e coinvolgere un pubblico vasto verso la comprensione e la consapevolezza delle grandi questioni, urgenti e politicamente scandalose del nostro tempo, la cui ‘presa’, risulterebbe in fin dei conti minore se venissero rappresentate in forme angosciose o retoriche e perciò meno utili di un approccio sdrammatizzante e straordinariamente efficace.

C

andidate since 2009. Yael Roen, Israeli playwright and director, works just as often in central Europe, notably in Berlin and Vienna. When we look at her theatre, one particularly grounded in political and intercultural conflicts, we wonder how she manages to pin them down and put them on stage in productions that offer reconciliation between people separated by politics and prejudices. In fact, the theatre of Yael Ronen is a very special kind of political theatre: often incredibly funny, it makes use of hilarious dialogue, music and gags which can nevertheless reach a huge public and involve it in understanding and reacting to the big, urgent and politically scandalous questions of our time, exerting a ‘grip’ that would be less at the end of the day if they were presented in anguished or rhetorical terms, much less usefully than her unspectacular and incredibly effective approach.

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andidate depuis 2009. Yael Roen, dramaturge et réalisatrice israélienne, travaille également en Europe centrale, surtout entre Berlin et Vienne.

En observant le théâtre de Yael Ronen, particulièrement axé sur les conflits politiques et interculturels, on s’est demandé comment elle réussit à leur faire face et à les mettre en scène dans des productions qui proposent la réconciliation entre des gens séparés par la politique et leurs appartenances. En effet, le théâtre de Yael Ronen est un théâtre politique très particulier : il est souvent incroyablement humoristique et a recours à des dialogues, musiques et gags hilarants, néanmoins capables de rapprocher et de faire participer un vaste public vers la compréhension et la prise de conscience des grandes questions, urgentes et politiquement scandaleuses de notre époque, dont la ‘prise’ s’avèrerait au bout du compte moindre si elles étaient représentées sous des formes angoissantes ou rhétoriques et donc moins utiles qu’une approche dédramatisante et incroyablement efficace.

Alessandro Sciarroni MOTIVAZIONE CITATION

A

pprodato ad una forma molto personale di teatro danza, che ha destato l’attenzione di importanti festival in Europa e negli Stati Uniti, Alessandro Sciarroni inizia la sua carriera artistica a Parma, come attore in una compagnia di teatro di Ricerca. Parallelamente studia arte contemporanea e conservazione dei beni culturali. Questi studi lo stimolano ad esprimersi come performer seguendo alcune tendenze dell’arte contemporanea, solo successivamente realizza dei lavori in gruppo nei quali la danza acquista un ruolo preminente. Le sue messe in scena, di notevole impatto emotivo, sono centrate sul corpo dei performer-danzatori, ricorrono a scenografie scarne o assenti, usano la parola, la ripetizione e un ritmo ossessivo e trascendentale. Oggi l’attività di questo artista fuori dal coro che, caso raro nel mondo della danza,è sprovvisto di una formazione specifica, ha raggiunto una tale maturità e rigore che egli, pur dichiarando di non firmare mai le sue creazioni come coreografie, è richiesto, per la forza dei suoi lavori, da istituzioni ‘ufficiali’ come il balletto di Roma e il balletto dell’Opera di Lione.

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n his journey to a most personal form of dance theatre, which has attracted the attention of festivals in Europe and the United States, Alessandro Sciarroni began his artistic career in Parma as an actor in an experimental theatre company.

At the same time, he was studying contemporary art and the conservation of cultural heritage. These studies led him to express himself as a performer by following various tendencies in contemporary art.

It was only later that he developed group works in which dance plays a leading rôle. His productions, which have a strong emotional effect, make use of spare, even non-existent settings. They rely on words, repeated in an obsessive, transcendental rhythm.

Today, this artist who stands out from the crowd and who, unusually for the world of dance, has no formal training, has achieved such a maturity and rigour that – even though he never describes his creations as choreography – the power of his work has led to invitations from established companies such as the ballet of Rome and the Opéra de Lyon.

A

rrivé à une forme très personnelle de dansethéâtre, qui a attiré l’attention d’importants festivals en Europe et aux États-Unis, Alessandro Sciarroni débute sa carrière artistique à Parme, en tant qu’acteur dans une compagnie de théâtre de recherche. En parallèle, il étudie l’art contemporain et la conservation des biens culturels. Ces études le poussent à s’exprimer en tant que performer en suivant certaines tendances de l’art contemporain. Ce n’est que plus tard qu’il réalise des œuvres en groupe dans lesquels la danse joue un rôle prééminent. Ses mises en scène, ayant un fort impact émotif, sont centrées sur le corps des performers-danseurs, elles ont recours à des scénographies dépouillées voire absentes, elles utilisent la parole, la répétition ainsi qu’un rythme obsessif et transcendantal. Aujourd’hui, l’activité de cet artiste se détachant du lot et qui, chose rare dans le monde de la danse, ne possède pas de formation spécifique, a atteint une telle maturité et une telle rigueur que, tout en déclarant qu’il ne signe jamais ses créations comme des chorégraphies, est appelé, en raison de la force de ses œuvres, par des institutions officielles comme le ballet de Rome et le ballet de l’Opéra de Lyon.

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Kirill Serebrennikov MOTIVAZIONE CITATION

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crittore, sceneggiatore, drammaturgo, regista teatrale e cinematografico, docente di teatro, inventore di soluzioni sceniche innovative, architetto di nuovi spazi teatrali, didatta e formatore, Kirill Serebrennikov è direttore artistico del Centro Gogol di Mosca, città dove è anche docente presso la Scuola di Arti Teatrali.

Queste attività ad ampio spettro si possono spiegare in parte col fatto che egli non ha ricevuto alcuna formazione specifica né per il teatro né per il cinema; ha invece una laurea in fisica. Spesso passa per un provocatore, ma ciò che egli mostra con il suo lavoro è essenzialmente frutto della sua mentalità aperta, delle sue visioni, dei suoi talenti multipli e di un pensiero divergente, da scienziato o da artista autentico, che sa intuire e comprendere la realtà per distillarne in chiave critica alcuni aspetti fondamentali e contribuire a trasformarla dando voce alle inquietudini del nostro tempo.

A

uthor, screenwriter, playwright, stage and film director, professor of theatre, inventor of innovative solutions in scenography, architect of new theatre spaces, teacher and instructor, Kirill Serebrennikov is the artistic director of the Gogol Centre, Moscow, where he also teaches at the School of Theatre Arts. His wide-ranging activities can be explained in part by the fact that he has no specific theatre or film training: instead he has a master’s degree in physics. Often taken for a provocateur, what he shows in his work comes essentially from his open mentality, his vision, his many talents and a way of lateral thinking, that of a scientist or a true artist, who knows how to assess and understand reality in order to critically distil its fundamental aspects, and contribute to its transformation by letting the anxieties of our time find expression.

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PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

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crivain, scénariste, dramaturge, metteur en scène de théâtre et de cinéma, professeur de théâtre, inventeur de solutions scéniques novatrices, architecte de nouveaux espaces de théâtre, enseignant et formateur, Kirill Serebrennikov est le directeur artistique du Centre Gogol de Moscou, ville dans laquelle il enseigne également à l’École des Arts du Théâtre.

Ces activités de vaste envergure peuvent s’expliquer en partie par le fait qu’il n’a reçu aucune formation spécifique ni pour le théâtre ni pour le cinéma ; il possède en revanche une maîtrise en physique. Il passe souvent pour un provocateur, mais ce qu’il montre avec son travail est essentiellement issu de sa mentalité ouverte, de ses visions, de ses multiples talents et d’une pensée divergente, celle d’un scientifique ou d’un artiste authentique, sachant deviner et comprendre la réalité pour en distiller de manière critique certains aspects fondamentaux et contribuer à la transformer en laissant s’exprimer les inquiétudes de notre époque.

Theatre NO99 MOTIVAZIONE CITATION

C

andidato dal 2010. Dal 2005 il il Theatre NO99 è un importante punto di riferimento per la scena estone e più in generale per la vita culturale ed artistica della città di Tallinn. Alle produzioni di una compagnia fissa di dieci attori guidata da Tiit Ojasoo e Ene-Liis Semper, si alternano nella sua sede concerti di Jazz ed eventi musicali di livello internazionale. La struttura è dotata anche di un buon ristorante. Il teatro NO99 non va considerato come un mero spazio ricreativo. Esattamente al contrario, è un centro di sperimentazione teatrale che vive di sfide continue alla ricerca del limite estremo dell’arte scenica; di un punto di rottura oltre il quale gli artisti e i tecnici impegnati nelle sue produzioni potrebbero abbandonare il campo, dopo lotte sfiancati in seno al gruppo, pur di far valere le reciproche opinioni. Il Theatre NO99 mostra perciò come il teatro possa rinascere solo mettendolo radicalmente in discussione, per poi tornare a vivere con un ardore che merita molta attenzione, soprattutto in alcuni paesi europei teatralmente più tiepidi.

C

andidate since 2010. Since 2005, NO99 Theatre has become an essential reference in Estonian theatre and more widely in the cutural and artistic life of the city of Talinn. A fixed company of ten actors under the direction of Tiit Ojasoo and EneLiis Semper alternate in their playing space with jazz concerts and musical events of international repute.

There is also an excellent restaurant. But Theatre NO99 is anything but a simple playing space. On the contrary, it is a centre of theatrical experiment that has thrived on continuing challenges, in search of the furthest limits of the art of theatre, even leading to a breaking point where the artists and technicians working on their shows could abandon the field, after exhausting fights in the core of the group, to succeed in giving value to their respective views. In this way Theatre NO99 has shown how theatre can only be reborn by putting itself radically in question, in order to begin life again with a fiery enthusiasm demanding serious attention, especially from some European countries with a more lukewarm theatrical point of view.

C

andidat depuis 2010. Depuis 2005, le Théâtre NO99 est une référence incontournable pour la scène estonienne et de manière plus générale pour la vie culturelle et artistique de la ville de Tallinn.

Les productions d’une compagnie fixe de dix acteurs dirigés par Tiit Ojasoo et Ene-Liis Semper alternent dans ses locaux à des concerts de jazz et des spectacles musicaux d’envergure internationale. La structure dispose également d’un excellent restaurant. Mais le Théâtre NO99 est tout sauf un simple espace récréatif.

Tout le contraire, c’est un centre d’expérimentation théâtrale qui vit de défis continuels à la recherche de la limite extrême de l’art de la scène, d’un point de rupture au-delà duquel les artistes et les techniciens travaillant dans ses productions pourraient abandonner le terrain, après des combats épuisants au sein du groupe, pour réussir à faire valoir leurs avis respectifs. Le Théâtre NO99 montre donc comment le théâtre ne peut renaître qu’en le remettant radicalement en question, pour recommencer ensuite à vivre avec une ardeur qui mérite une grande attention, surtout dans certains pays européens plus tièdes d’un point de vue théâtral.

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PREMIO SPECIALE SPECIAL PRIZE Assegnato dal Presidente di Giuria e il Premio Europa Awarded by the President of the Jury and the Europe Theatre Prize

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Dimitris Papaioannou MOTIVAZIONE CITATION

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ell’ambito del Premio Europa Realtà Teatrali, si impone quest’anno un Premio Speciale a Dimitris Papaioannou, performer regista, coreografo e artista visivo, candidato al Premio Realtà teatrali dal 2007, che con le sue creazioni ha raggiunto, da allora, i più alti vertici del teatro internazionale.

Dalla fine degli anni ’80 ad oggi, nel corso di una ricca carriera, Papaioannou ha saputo dare, in Grecia e nel resto del mondo, un ampio contributo al teatro contemporaneo, alle arti visive, alla danza e ad altre forme di performing arts.

Il suo è un teatro ‘totale’, di chiara maturità espressiva, che dà alla scena una perfetta capacità di significazione nella quale i corpi, gli oggetti, i costumi e l’intera macchina scenica si trasformano in segni visuali mutevoli, ed i segni mutevoli in eventi e gli eventi in narrazioni ed emozioni. Con queste capacità Dimitris Papaioannou può raccontare qualunque cosa - il mito, la storia, l’affettività, la condizione dell’uomo contemporaneo, la surmodernità - e renderla indimenticabile.

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PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

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s part of the Europe Prize Theatrical Realities, this year sees a Special Prize awarded to Dimitris Papaioannou.

Performer, director, choreographer and visual artist, a nominee for the Europe Prize Theatrical Realities since 2007, he has since reached the highest peaks of international theatre with his work. From the end of the Eighties until now, during a rich career, Papaioannou has made a vast contribution, in Greece and the rest of the world, to contemporary theatre, visual art, dance and other forms of artistic expression. His theatre is ‘total’, with an obvious maturity of expression, offering for the stage a perfect form of signification in which bodies, objects, costumes and the entire scenic set-up are transformed into fluctuating visual signs, visual signs into events, events into stories and emotions. With such a talent, Dimitris Papaioannou can tell every story – myth, history, emotional moments, the human condition today, hypermodernity – and make each one unforgettable.

D

ans le cadre du Prix Europe Réalités Théâtrales, un Prix Spécial s’impose cette année à Dimitris Papaioannou. Performeur, metteur en scène, chorégraphe et artiste visuel, candidat au Prix Réalités Théâtrales depuis 2007, avec ses créations il a depuis atteint les sommets les plus hauts du théâtre international. De la fin des années 80 jusqu’à aujourd’hui, au cours d’une riche carrière, Papaioannou a su offrir, en Grèce et dans le reste du monde, une vaste contribution au théâtre contemporain, aux arts visuels, à la danse et à d’autres formes de performances artistiques.

Son théâtre est ‘total’, avec une maturité expressive évidente, et il offre à la scène une capacité parfaite de signification dans laquelle les corps, les objets, les costumes et toute la machine scénique se transforment en signes visuels changeants, les signes visuels en événements, les événements en narrations et émotions. Avec ces capacités, Dimitris Papaioannou peut tout raconter– le mythe, l’histoire, l’affectivité, la condition de l’homme contemporain, la surmodernité – et le rendre inoubliable.

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ISABELLE HUPPERT 58

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Ph: © Peter Lindbergh

Isabelle Huppert BIOGRAFIA BIOGRAPHY

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ttrice. Isabelle Huppert ha studiato russo presso l’istituto Nazionale di Lingue e Civiltà Orientali (detto altrimenti ‘Langues O’), mentre seguiva corsi teatrali all’ Ecole de la rue Blanche e al Conservatorio Nazionale d’Arte Drammatica, in cui Jean-Laurent Cochet e Antoine Vitez sono stati suoi docenti. Ha attirato l’attenzione per le sue prime apparizioni cinematografiche in Les Valseuses (I santissimi), diretto da Bertrand Blier, Aloise di Liliane de Kermadec e Le Juge et l’assassin (Il giudice e l’assassino) di Bertrand Tavernier.

La sua interpretazione nel film La Dentellière (La merlettaia) di Claude Goretta le è valsa un premio BAFTA come Attrice Emergente più Promettente. Lavorare con Chlaude Chabrol le ha dato l’opportunità di dedicarsi a tutti i generi: commedia, (Rien ne va plus), drammatico (Une affaire de femmes; Un affare di donne), giallo (Merci pour le chocolat; Grazie per la Cioccolata), adattamenti letterari (Madame Bovary), fino alla fantapolitica (L’Ivresse du pouvoir; La commedia del potere). La sua collaborazione con Chabrol l’ha portata a vincere molti premi: per Violette Nozièr al Festival di Cannes, per Une affaire de femmes (Un Affare di Donne) al Festival di Venezia e per Madame Bovary al Festival di Mosca. Con La Cérémonie (Il buio nella mente) ha vinto La Coppa Volpi per la miglior interpretazione femminile al Festival di Venezia e il premio Cesàr come Migliore Attrice. Ha inoltre lavorato con registi francesi quali Jean-Luc Godard, André Téchiné, Maurice Pialat, Patrice Chéreau, Michael Haneke, Raoul Ruiz, Benoit Jacquot, Jacques Doillon, Claire Denis, Christian Vincent, Laurence Ferreira Barbosa, Olivier Assayas, François Ozon, Anne Fontaine, Eva Ionesco, Joachim Lafosse, Serge Bozon e Catherine Breillat, Guillaume Nicloux e Samuel Benchetrit. Isabelle Huppert ha ottenuto ugualmente successo con alcuni dei migliori registi internazionali quali Michael Cimino, Joseph Losey, Otto Preminger, i fratelli Taviani, Marco Ferreri, Hal Hartley, David O. Russell, Werner Schroeter e Andrzej Wajda, così come Rithy Panh, Brillante Mendoza, Joachim Trier e Hong Sang Soo. Al Festival di Venezia le è stato assegnato un Leone d’oro speciale per la sua interpretazione nel film Gabrielle di Patrice Chèreau e per il complesso della sua attività cinematografica. Oltre ad aver vinto due premi per la recitazione a Cannes - il secondo per il film The Piano Teacher, (La pianista) di Michael Haneke - è anche stata membro della giuria, madrina e Presidente di giuria proprio nella sessantaduesima edizione del presigoso Festival. Parallelamente al cinema, Isabelle Huppert ha perseguito una carriera teatrale in Francia e a livello internazionale. Ha lavorato con Bob Wilson (Orlando di Virginia Woolf, Quartett di Heiner Muller), Peter Zadek (Measure for Measure; Misura per misura, di Shakespeare), Claude Régy, (4.48 Psychosis; Psicosi delle 4.48 di Sarah Kane, Joan of Arc at the Stake di Paul Claudel). Ha interpretato i personaggi di Medea di Euripide, diretto da Jacques Lassalle al Festival di Avignone, Hedda

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ctress. Isabelle Huppert studied Russian at the National Institute for Oriental Languages and Civilisations (‘Langues O’) while following drama courses at the Ecole de la rue Blanche and the Conservatoire National d’Art Dramatique, where she was taught by Jean-Laurent Cochet and Antoine Vitez.

She gained attention for her first film appearances, in Les Valseuses directed by Bertrand Blier, Aloise

by Liliane de Kermadec and Le Juge et l’assassin

by Bertrand Tavernier. Her performance in Claude Goretta’s La Dentellière (The Lacemaker) won her a BAFTA for Most Promising Newcomer. Her work with Claude Chabrol gave her the opportunity to work in all genres: comedy (Rien ne va plus), drama (Une affaire de femmes), film noir (Merci pour le chocolat) and literary adaptations (Madame Bovary), as far as political fiction in L’Ivresse du pouvoir. Her work with Chabrol has won her many awards: at the Cannes Festival for Violette Nozière, the Venice Festival for Une affaire de femmes, the Moscow Festival for Madame Bovary. La Cérémonie won her the acting prize at the Venice Festival and a César for Best Actress. As well as work with French directors such as Jean-Luc Godard, André Téchiné, Maurice Pialat, Patrice Chéreau, Michael Haneke, Raoul Ruiz, Benoit Jacquot, Jacques Doillon, Claire Denis, Christian Vincent, Laurence Ferreira Barbosa, Olivier Assayas, François Ozon, Anne Fontaine, Eva Ionesco, Joachim Lafosse, Serge Bozon and Catherine Breillat, Guillaume Nicloux and Samuel Benchetrit.

Isabelle Huppert has found equal succes with leading international directors including Michael Cimino, Joseph Losey, Otto Preminger, the brothers Taviani, Marco Ferreri, Hal Hartley, David O. Russell, Werner Schroeter and Andrzej Wajda, as well as Rithy Panh, Brillante Mendoza, Joachim Trier and Hong Sang Soo. The Venice Festival gave her a special jury award of the Lion d’Or for her part in Patrice Chéreau’s film Gabrielle and for her lifetime’s work. As well as winning two acting prizes at Cannes (the second for Michael Haneke’s The Piano Teacher), she has served both as juror and mistress of ceremonies and was President of the Jury for that prestigious festival’s 62nd edition.

C

omédienne. Isabelle Huppert étudie le russe aux Langues O tout en suivant les cours d’art dramatique de l’Ecole de la rue Blanche et du Conservatoire National d’Art Dramatique, où elle est l’élève de Jean-Laurent Cochet et d’Antoine Vitez. Elle se fait remarquer dès ses premières apparitions au cinéma pour son rôle dans Les Valseuses de Bertrand Blier, pour Aloise de Liliane de Kermadec et pour Le Juge et l’assassin de Bertrand Tavernier. Pour son interprétation pour La Dentellière de Claude Goretta, elle reçoit le prix du Meilleur Espoir de la British Academy of Film and Television-BAFTA. La complicité qui la lie à Claude Chabrol lui permet d’aborder tous les genres : la comédie (Rien ne va plus), le drame (Une affaire de femmes), le film noir (Merci pour le chocolat) et l’adaptation littéraire (Madame Bovary), jusqu’à la fiction politique de L’Ivresse du pouvoir. Elle est récompensée à plusieurs reprises pour ses interprétations sous la direction de Claude Chabrol : Prix d’interprétation au Festival de Cannes pour Violette Nozière, au Festival de Venise pour Une affaire de femmes, au Festival de Moscou pour Madame Bovary, Prix d’interprétation au Festival de Venise et César de la Meilleure Actrice pour La Cérémonie. Travaillant aussi bien avec Jean-Luc Godard, André Téchiné, Maurice Pialat, Patrice Chéreau, Michael Haneke, Raoul Ruiz, Benoit Jacquot, Jacques Doillon, Claire Denis que Christian Vincent, Laurence Ferreira Barbosa, Olivier Assayas, François Ozon, Anne Fontaine, Eva Ionesco, Joachim Lafosse, Serge Bozon ou Catherine Breillat, Guillaume Nicloux, Samuel Benchetrit. Isabelle Huppert travaille également avec les grands réalisateurs internationaux tels que Michael Cimino, Joseph Losey, Otto Preminger , les frères Taviani, Marco Ferreri, Hal Hartley, David O’ Russell, Werner Schroeter ou Andrzej Wajda – mais également Rithy Panh, Brillante Mendoza, Joachim Trier et Hong Sang Soo. Le Festival de Venise lui a remis un Lion d’Or Spécial du Jury pour son interprétation pour le film de Patrice Chéreau Gabrielle et pour l’ensemble de sa carrière. Deux fois récompensée au Festival de Cannes avec le prix d’interprétation (la deuxième fois pour La Pianiste de Michael Haneke), elle a été jurée et maîtresse de cérémonie, et Présidente du jury de la 62e édition du prestigieux festival. Parallèlement au

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Isabelle Huppert

Gabler di Ibsen in una messinscena di Eric Lacascade, Blanche in Streetcar Named Desire (Un tram che si chiama Desiderio) di Tennessee Williams, diretto da Krzysztof Warlikowski al Teatro dell’ Odéon, a Parigi. In seguito è andata in tourneè in diverse nazioni. Ha recitato poi in The Maids (Le serve) di Jean Genet diretto da Benedict Andrews insieme a Cate Blanchett per la Compagnia teatrale di Sydney per il Festival del Lincoln center a New York. Più recentemente ha recitato in tre versioni del mito di Fedra, una di Wajdi Mouawad, una di Sarah Kane e una di J.M. Coetzee, dirette da Krzysztof Warlikowski per il Teatro dell’ Odéon, seguito da un tour internazionale. Ha recentemente ricevuto un Mollière d’honneur per la carriera. Le ultime apparizioni cinematorgrafiche sono state ne L’avenir (Le cose che verranno) di Mia Hansen Love, Tout de suite maintenant di Pascal Bonitzer, Elle di Paul Verhoeven, proiettato al festival di Cannes del 2016 e Souvenir di Bavo Devurne. Per quanto riguarda I premi statunitensi ha vinto il premio Gotham, il Golden Globe e il premio Spirit per Elle, per cui era stata nominata come Migliore Attrice al premio Oscar. Questa interpretazione le ha fatto vincere il premio Cèsar come Miglior Attrice della Francia. Il 2017 l’ha vista nel suo quarto film con Michaël Haneke Happy End e anche in Madame Hyde di Serge Bozon, per cui ha vinto il premio come Migliore Attrice al Festival di Locarno.

Isabelle Huppert è un Ufficiale della Legione d’Onore e dell’Ordine Nazionale al Merito ed è Commendatore dell’ Ordine delle Arti e delle Lettere.

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Alongside cinema, Isabelle Huppert hs pursued a theatre career in France and internationally. She has been directed by Bob Wilson (Orlando by Virginia Woolf, Quartett by Heiner Muller), Peter Zadek (Shakespeare’s Measure for Measure), Claude Régy, (4.48 Psychosis by Sarah Kane, Joan of Arc at the Stake by Paul Claudel); she has also played Euripides’ Medea, directed at the Avignon Festival by Jacques Lassalle; Ibsen’s Hedda Gabler in a production by Eric Lacascade; Blanche in Streetcar Named Desire

by Tennessee Williams, directed by Krzysztof Warlikowski at the Théâtre de l’Odéon, Paris and subsequently touring internationally; in The Maids

by Jean Genet, directed by Benedict Andrews with Cate Blanchett for Sydney Theatre Company and the Lincoln Center Festival in New York City; Les Fausses Confidences by Marivaux, directed by Luc Bondy at the Théâtre de l’Odéon and on a European tour. Most recently, she has played a trio of Phèdres by Wajdi Mouawad, Sarah Kane and J.M. Coetzee, directed

by Krzysztof Warlikowski for the Théâtre de l’Odéon followed by an international tour. She has recently received a Molière d’honneur for her career.

Recent film appearances have been in L’avenir by Mia Hansen Love, Tout de suite maintenant by Pascal Bonitzer, Elle by Paul Verhoeven, shown at the 2016 Cannes Festival, and Souvenir by Bavo Devurne. Her US awards include the Gotham Award, the Golden Globe and the Spirit Award for Elle, in which she was nominated for the Oscar for Best Actress. This performance won her France’s Best Actress César.

2017 saw her fourth film with Michaël Haneke, Happy End as well as Madame Hyde by Serge Bozon, for which she won Best Actress at the Locarno Festival.

Isabelle Huppert is an Officer of the Légion d’Honneur and the National Order of Merit, and a Commander of the Ordre des Arts et Lettres.

cinéma, Isabelle Huppert poursuit sa carrière au théâtre en France et internationalement : elle joue ainsi sous la direction de Bob Wilson (Orlando de Virginia Woolf, Quartett de Heiner Muller), de Peter Zadek (Mesure pour Mesure de William Shakespeare), de Claude Régy, (4.48 Psychose de Sarah Kane, Jeanne au bucher de Claudel) ; elle interprète également Médée d’Euripide mis en scène de Jacques Lassalle, notamment au Festival d’Avignon ; Hedda Gabler de Henrik Ibsen mis en scène par Eric Lacascade. Un Tramway d’après Tennessee Williams, mis en scène par Krzysztof Warlikowski au Théâtre de l’Odéon et en tournée européenne et internationale. The Maids (Les bonnes) de Jean Genet mis en scène par Benedict Andrews avec Cate Blanchett au Sydney Theatre Company et dans le cadre du Lincoln Center Festival au New York City Center. Les Fausses Condidences de Marivaux mis en scène par Luc Bondy au théâtre de l’Odéon et en tournée européenne. Cette saison, elle a joué Phèdre(s) de Wajdi Mouawad, Sarah Kane, J.M. Coetzee mis en scène par Krzysztof Warlikowski au Théâtre de l’Odéon et en tournée européenne et internationale. Elle a reçu récemment un Molière d’honneur pour sa carrière. Au cinéma plusieurs films sont sortis récemment, L’avenir de Mia Hansen Love, Tout de suite maintenant de Pascal Bonitzer et Elle de Paul Verhoeven présent au Festival de Cannes 2016, Souvenir de Bavo Devurne. Elle a reçu plusieurs prix aux Etats Unis dont le Gotham Award, le Golden Globe et le Spirit Award pour Elle pour lequel elle est nommée pour l’Oscar de la meilleure actrice. Elle remporte en France le César de la Meilleure Actrice pour son interprétation. En 2017 sortiront son quatrième film avec Michaël Haneke, Happy End et Madame Hyde de Serge Bozon pour lequel elle a reçu à Locarno de prix d’interprétation féminine. Isabelle Huppert est Officier de l’Ordre National de la Légion d’Honneur, Officier de l’Ordre National du Mérite et Commandeur dans l’Ordre des Arts et Lettres.

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Ph: © Peter Lindbergh

Jeremy Irons BIOGRAFIA BIOGRAPHY

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eremy Irons ha vinto il premio Oscar come “Migliore Attore” per la sua interpretazione nei panni di Claus von Bulow nel film del 1990 Reversal of Fortune (Il mistero Von Bulow). Inoltre ha ricevuto un Golden Globe, un Emmy, un Tony Award, il premio SAG e il premio César Onorario nel 2002. La sua filmografia include The French Lieutenant’s Woman (1981) (La donna del tenente francese), The Mission (1986) (Mission), Dead Ringers (1988) (Inseparabili), Damage (1992) (Il danno), M. Butterfly (1993) e Lolita (1997). Ha prestato voce al personaggio di Scar, il leone cattivo nel film Disney Il re leone (1994) e ha recitato come antagonista di Bruce Willis in Die Hard with a Vengeance (1995) (Die Hard – Duri a morire). Lavori più recenti includono Margin Call (2011), vincitore di un premio come “Film Indipendente” con Kevin Spacey; La Corrispondenza (2016) del regista italiano Giuseppe Tornatore; l’adattamento di Jeremy Thomas di High-Rise (High-Rise – La rivolta) di James Graham Ballard, diretto da Ben Wheatley; Race (Race – Il colore della vittoria) (2016) del regista Stephen Hopkins, basato sulla storia vera di Jesse Owens e sulle Olimpiadi del 1936; Batman v Superman: Dawn of Justice (2016) di Zack Snyder e The Man Who Knew Infinity (L’uomo che vide l’infinito) (2015) di Matthew Brown. Inoltre, è stato attore non protagonista e produttore esecutivo di Trashed, premiato documentario di Candida Brady sull’ambiente.

Jeremy Irons farà parte di Justice League, di nuovo nel ruolo di Alfred Pennyworth, e di Red Sparrow, co-protagonista insieme a Jennifer Lawrence. Jeremy Irons è stato premiato come “Miglior Attore Non Protagonista”, ricevendo un Golden Globe e un Emmy per il suo ruolo nella miniserie televisiva Elizabeth I (2005) a fianco di Helen Mirren. Ha recitato nel ruolo di papa Alessandro nella serie di genere storico di Showtime I Borgia (2011), e nel ruolo di Enrico IV nella serie della BBC Two in The Hollow Crown, antagonista di Tom Hiddleston. Ha ricevuto un Tony Award per la sua performance artistica nell’opera teatrale di Tom Stoppard The Real Thing (1983) e ha fatto la sua apparizione sul palco londinese del National Theatre in Never So Good (2008) e con la Royal Shakespeare Company in The Gods Weep (2010). Nel 2016 ha recitato nel ruolo di James Tyrone nell’opera teatrale Long Day’s Journey Into Night (Lungo viaggio verso la notte) di Eugene O’Neill, in occasione del 250esimo anniversario del teatro Old Vic di Bristol. Quest’adattamento sarà trasferito nel West End di Londra nel gennaio 2018.

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eremy Irons won the Academy Award for Best Actor for his performance as Claus von Bulow in 1990’s Reversal of Fortune. He is also a Golden Globe, Emmy, Tony, and SAG award winner as well as the winner of an Honorary César Award in 2002. His film highlights include The French Lieutenant’s Woman (1981), The Mission (1986), Dead Ringers (1988), Damage (1992), M. Butterfly (1993), and Lolita (1997). He is the voice of the evil lion Scar in Disney’s The Lion King (1994) and starred opposite Bruce Willis in Die Hard with a Vengeance (1995). More recent work includes the award-winning independent feature Margin Call (2011) with Kevin Spacey; Italian filmmaker Giuseppe Tornatore’s The Correspondence (2016); Jeremy Thomas’s adaptation of J.G. Ballard’s HighRise, directed by Ben Wheatley; director Stephen Hopkins’ Race (2016), based on the true story of Jesse Owens and the 1936 Olympics; Zack Snyder’s Batman v Superman: Dawn of Justice (2016); and Matthew Brown’s The Man Who Knew Infinity (2015).

Additionally, he was the featured actor and executive producer of TRASHED, Candida Brady’s awardwinning documentary on the environment. Mr. Irons and will next be seen in Justice League, reprising his role as Alfred Pennyworth, and in Red Sparrow, costarring Jennifer Lawrence. Mr. Irons was awarded Best Supporting Actor Golden Globe and Emmy for his role in the television miniseries Elizabeth I (2005) alongside Helen Mirren. He went on to play Pope Alexander in the Showtime historical series The Borgias (2011), and portrayed Henry IV in the BBC Two series of The Hollow Crown opposite Tom Hiddleston.

Jeremy Irons received a Tony for his performance in Tom Stoppard’s play The Real Thing (1983), and appeared on the London stage in the National Theatre’s Never So Good (2008) and the Royal Shakespeare Company’s The Gods Weep (2010). In 2016 he performed the role of James Tyrone in Eugene O’Neill’s Long Day’s Journey Into Night as part of the Bristol Old Vic’s 250th anniversary; this production will transfer to London’s West End in January 2018.

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eremy Irons a remporté l’Oscar du Meilleur Acteur pour son interprétation de Claus von Bulow dans le film Le Mystère von Bülow sorti en 1990. Il a également reçu un Golden Globe, un Emmy, un Tony et un SAG, sans oublier un César d’honneur en 2002.

Parmi ses principaux films, on peut citer La Maîtresse du lieutenant français (1981), Mission (1986), Fauxsemblants (1988), Fatale (1992), M. Butterfly (1993) et Lolita (1997). Il est la voix du méchant lion Scar dans Le Roi Lion (1994) de Disney et a joué avec Bruce Willis dans Une journée en enfer (1995). Plus récemment, on a pu le voir dans le film indépendant Margin Call (2011) aux côtés de Kevin Spacey et dans La Correspondance (2016) du cinéaste italien Giuseppe Tornatore, ainsi que dans l’adaptation faite par Jeremy Thomas du roman I.H.G. de J.G. Ballard, mis en scène par Ben Wheatley. Il a également joué dans le long métrage La couleur de la victoire (2016) de Stephen Hopkins, basé sur l’histoire vraie de Jesse Owens et des Jeux olympiques de 1936, dans Batman v Superman : L’Aube de la Justice (2016) de Zack Snyder et dans L’homme qui défiait l’infini (2015) de Matthew Brown. Par ailleurs, il est l’acteur principal et le producteur de Trashed, le documentaire de Candida Brady sur l’environnement, récompensé par plusieurs prix. Jeremy Irons sera bientôt sur les écrans dans Justice League, où il reprendra son rôle d’Alfred Pennyworth, et dans Red Sparrow aux côtés de Jennifer Lawrence. Jeremy Irons a remporté le Golden Globe du Meilleur Acteur dans un second rôle et un Emmy pour son interprétation dans la mini-série télévisée Elizabeth I (2005) aux côtés d’Helen Mirren. Il a incarné le Pape Alexandre VI dans la série historique de Showtime The Borgias (2011) et a interprété Henry IV dans la série diffusée sur BBC Two, The Hollow Crown, avec Tom Hiddleston. Jeremy Irons a reçu un Tony pour son interprétation dans la pièce The Real Thing (1983) de Tom Stoppard et il est apparu sur les planches londoniennes dans Never So Good (2008) au National Theatre et dans The Gods Weep (2010) de la Royal Shakespeare Company. En 2016, il a joué le rôle de James Tyrone dans la pièce de théâtre Le Long Voyage vers la nuit d’Eugene O’Neill, dans le cadre du 250e anniversaire du Bristol Old Vic ; ce spectacle sera joué dans le West End de Londres en janvier 2018.

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ASHES TO ASHES di Harold Pinter

con Isabelle Huppert e Jeremy Irons

Creazione apposita per il Premio Europa Harold Pinter ha preso ispirazione da una cantilena infantile mentre era alla ricerca di un titolo per la sua ultima commedia. Ceneri alle ceneri, che è stata completata, nel febbraio del 1996, viene rappresentata per la prima volta il 12 settembre e viene diretta dallo stesso Pinter. Devlin e Rebecca sono marito e moglie.

Com’è tipico in Pinter, tutta l’attenzione è concentrata sui personaggi, che smbra che parlino solamente tra le mura del loro soggiorno ma in realtà le loro parole rivelano una drammaturgia forte e violenta. Rebecca racconta di un trascorso di cui forse Devlin non è a conoscenza, ricordando un passato che naturalmente si fonde col nostro. I protagonisti sono testimoni dell’angoscia che caratterizza la fine del XX century, pieno di tragedie e orrori.

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Harold Pinter was inspired by a children’s nursery rhyme when he was searching for a title for his last play. Ashes to Ashes – completed in February 1996 – was first performed in London on the 12th of September that year and directed by Pinter himself.

Devlin and Rebecca are husband and wife. As is typical for Pinter, our attention is completely focused on the characters, who seem to be just talking to each other in their living room. Actually their words reveal a strong and violent dramaturgy. Rebecca tells a story that maybe Devlin knows nothing about, remembering a past which blends naturally into our past. The protagonists are witnesses to the anguish that characterizes the end of the XX century, full of tragedy and horror.

PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

Isabelle Huppert

letture da Guy de Maupassant 69

Premio speciale Special Prize

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Ph: © Glen Gratty

Wole Soyinka BIOGRAFIA BIOGRAPHY

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rammaturgo, Poeta, Romanziere e Saggista. Nato il 13 Luglio 1934, Wole Soyinka ha pubblicato oltre trenta opere ed è impegnato in varie organizzazioni culturali internazionali e per la difesa dei diritti umani. Per quasi tutta la vita, è stato attivamente coinvolto nella politica, non solo del suo Paese, la Nigeria, ma anche di tutto il continente africano. Dopo la formazione primaria e secondaria in Nigeria, Wole Soyinka ha continuato gli studi presso l’Università di Leeds, in Inghilterra, ottenendo la laurea con lode in Letteratura Inglese. In seguito, è entrato a far parte del Royal Court Theatre a Londra lavorando come lettore di opere teatrali. Nel 1960 è tornato in Nigeria, dove ha fondato due compagnie teatrali: The 1960 Masks e Orisun Theatre. Soyinka spazia tra diversi generi: dalla commedia leggera culturale e dalla politica del potere in The Lion and the Jewel (Il leone e la perla), The Beatification of Area Boy, Alapata Apata passa a un satirico adattamento di Ubu Roi di Afred Jarry, King Baabu, all’amara ironia in Madmen and Specialists (Pazzi e specialisti) arrivando fino all’ intensa tragedia poetica in Death and the King’s Horseman (La morte e il cavaliere del re). Soyinka ha scritto anche romanzi e opere autobiografiche. Akè: The Years of Childhood (Akè. Gli anni dell’infanzia) è stato definito un classico e il suo ultimo lavoro, You Must Set Forth at Dawn (Sul far del giorno) è stato acclamato come uno dei migliori testi di saggistica del 2006. Raccolte di articoli e saggi includono il suo contributo, largamente tradotto, alle Reith Lectures della BBC nel 2004: Climate of Fear (Clima di paura), Myth, Literature and the African World (Mito e letteratura), Of Africa (pubblicato come Harmattan Dust Over the African Spring). Le raccolte di poesie sono state pubblicate con i titoli di IDANRE, MANDELA’S EARTH, SAMARKAND e Other Markets I have Known.

Wole Soyinka ha rivestito diversi incarichi all’interno delle università, e continua a tenere conferenze. Attualmente è Professore Emerito presso l’Obafemi Awolowo University in Nigeria, Membro a vita del Black Mountain Institute; presso l’Università del Nevada; Hutchins Fellow del Du Bois Institute; presso l’Università di Harvard (USA), Membro del Churchill College, Cambridge (Regno Unito), e “Distinguished Visiting Professor” all’Università di Johannesburg (Sud Africa). Tra i numerosi premi letterari e onorificenze civili, Wole Soyinka è Cavaliere della Legione d’Onore della Repubblica Francese; Akogun di Isara, Giiwa di Ijebu-Remo, Akinlatun di Egba (Nigeria); Commendatore dell’Ordine al Merito della Repubblica Italiana. Ha ricevuto il Premio Nobel per la letteratura nel 1986. Wole Soyinka è sposato e ha figli e nipoti.

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PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

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laywright, Poet, Novelist, and Essayist. Born on July 13, 1934, Wole Soyinka has published more than thirty works, and serves on various international artistic and Human Rights organizations.

For nearly all his adult life, he has remained intensely involved in politics, not only of his nation, Nigeria, but also of the African continent. After primary and secondary school education in Nigeria, Wole Soyinka continued his studies at the University of Leeds, England, obtaining an Honours degree in English Literature. He thereupon joined the Royal Court Theatre, London as a play-reader. In 1960, he returned to Nigeria, where he founded two theatre companies – The 1960 Masks, and the Orisun Theatre, Soyinka writes in various genres – ranging from the light comedy of cultures and the politics of power in The Lion and the Jewel, The Beatification of Area Boy, Alapata Apata, through King Baabu, a savagely satiric adaptation of Alfred Jarry’s Ubu Roi, to the dark drama of Madmen and Specialists, and the dense poetic tragedy of Death and the King’s Horseman. Soyinka has also written novels and autobiographical works. Aké: The Years of Childhood has been described as a classic, while his latest, You Must Set Forth at Dawn was acclaimed one of the best non-fiction works of 2006. Essay Collections and other Non-fiction include his widely translated 2004 BBC Reith Lectures - Climate of Fear, Myth, Literature and the African World, Of Africa (also published as Harmattan Dust Over the African Spring).

Poetry collections have been published under the titles of IDANRE, MANDELA’S EARTH, SAMARKAND and Other Markets I have Known. Wole Soyinka has held several university positions, and still lectures extensively.

He is currently Professor Emeritus at Obafemi Awolowo University, Nigeria, Life Fellow of the Black Mountain Institute, University of Nevada, Hutchins Fellow of the Du Bois Institute, Harvard University, USA, and Fellow, Churchill College, Cambridge, U.K.) and Distinguished Visiting Professor of the University of Johannesburg, South Africa. Among numerous Literary and Civic recognitions and honours, Wole Soyinka is Chevalier de la Legion d’Honneur, French Republic: Akogun of Isara, Giiwa of Ijebu-Remo, Akinlatun of Egba: (Nigeria), Commander of the Order of Merit, Italian Republic etc.

He received the Nobel Prize for Literature, 1986. Wole Soyinka is married, with children and grand children.

Dec. 2016

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ramaturge, poète, romancier et essayiste. Né le 13 juillet 1934, Wole Soyinka a publié plus de trente ouvrages et fait partie de plusieurs organisations internationales dans le domaine artistique et des Droits de l’Homme. Pendant presque toute sa vie adulte, il a participé activement à la politique, non seulement de son pays, le Nigéria, mais aussi de tout le continent africain.

Après être allé à l’école et à l’université au Nigéria, Wole Soyinka a poursuivi ses études à l’université de Leeds, en Angleterre, où il s’est diplômé en littérature anglaise.

Il a ensuite rejoint le Royal Court Theatre de Londres comme lecteur de pièces. Il retourne au Nigéria en 1960 et y fonde deux compagnies théâtrales, The 1960 Masks et Orisun Theatre. Soyinka s’essaye à différents genres, de la comédie légère des cultures et de la politique du pouvoir dans Le Lion et la Perle, The Beatification of Area Boy, Alapata Apata, jusqu’à Baabou roi, une adaptation sauvagement satirique d’Ubu Roi d’Alfred Jarry, en passant par le drame noir de Fous et Spécialistes et la dense tragédie poétique de La Mort et l’Écuyer du roi.

Soyinka a également écrit des romans et des œuvres autobiographiques. Aké, les années d’enfance est considéré comme un classique tandis que son dernier ouvrage, Il te faut partir à l’aube, a été acclamé comme l’une des meilleures œuvres non romanesques de 2006. Ses essais et autres ouvrages non romanesques comprennent le cycle de conférences « 2004 Reith Lectures » diffusées sur la BBC et traduites dans de nombreuses langues : Climat de peur, Mythes, littérature et le monde africain, Of Africa (également publié sous le titre Harmattan Dust Over the African Spring). Ses recueils de poésie ont été publiés sous les titres Idanre, Mandela’s Earth, Samarkand and Other Markets I have Known.

Wole Soyinka a enseigné dans plusieurs universités et il donne encore de nombreuses conférences. Il est actuellement professeur émérite de l’université Obafemi Awolowo au Nigéria, membre à vie du Black Mountain Institute de l’université du Nevada, « Hutchins Fellow » du Du Bois Institute de l’université de Harvard aux ÉtatsUnis, membre du Churchill College de Cambridge au Royaume-Uni et professeur invité éminent de l’université de Johannesburg en Afrique du Sud Wole Soyinka a reçu de nombreuses distinctions et récompenses littéraires et civiques, il est notamment Chevalier de la Légion d’Honneur, Akogun d’Isara, Giiwa d’Ijebu-Remo, Akinlatun d’Egba (Nigéria) et Commandeur de l’Ordre du Mérite (Italie). Il a reçu le Prix Nobel de Littérature en 1986. Wole Soyinka est marié, il a des enfants et des petits-enfants.

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Menzione speciale Special mention

FADHEL JAĂ?BI 74

Ph: PeterUhan

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Ph: Ahmed Meslameni

Fadhel Jaïbi BIOGRAFIA BIOGRAPHY

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eterano del palcoscenico, Fadhel Jaïbi ha portato in scena i suoi spettacoli in tutto il Maghreb, in Oriente e in Europa. Attualmente ha all’attivo più di una trentina di opere teatrali e numerosi film, frutto di lunghi anni di ricerca. Icona indiscutibile del teatro arabo contemporaneo, nel 1972 è tra i cofondatori della Compagnia Regionale della città di Gafsa. Dal 1974 al 1978 dirige il Conservatorio Nazionale d’Arte Drammatica e nel 1976 cofonda la prima compagnia teatrale privata tunisina, il “Nouveau Théâtre de Tunis”. Nel 1993 è cofondatore della compagnia Familia Productions. Direttore del Teatro Nazionale di Tunisia, incarico ottenuto nel luglio 2014, ha fondato qui la Scuola dell’Attore e il Giovane Teatro Nazionale. Autore di numerose opere teatrali e cinematografiche, ha diretto stage di formazione a Tunisi e all’estero, resistendo al richiamo del circuito commerciale e restando fedele a un ideale di qualità. Il suo teatro, da lui stesso definito come «elitario per tutti», è apprezzato a Tunisi, Beirut, Damasco e Il Cairo. Da una ventina d’anni anche l’Europa si è interessata alle sue ricerche pedagogiche (workshop, formazione e direzione degli attori) e alle sue opere, spesso coprodotte dai teatri europei. I suoi spettacoli hanno riscontrato un enorme successo in vari paesi inclusi Francia, Germania, Giappone, Italia, Olanda e Argentina. Nel 2002, è il primo autore arabo ad essere invitato al Festival di Avignone in 56 anni di attività. In scena al Chiostro dei Celestini, Junun riceve in quest’occasione un vibrante omaggio da parte della stampa internazionale. Invitato al Festspiele di Berlino, nel settembre del 2002 porta in scena Araberlin, spettacolo con cast tedesco dedicato al post11 settembre. Corpi in Ostaggio (in arabo Khamsoun) debutta in Francia nel 2006 al Teatro Odéon, evento inedito per un autore non europeo. Tsunami, terzo capitolo della trilogia iniziata con Corpi in Ostaggio e Amnésia (Yahya Yaïch), va in scena nel 2013 al Théâtre de Chaillot di Parigi.

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n old touring hand, Fadhel Jaïbi has plied his trade on the stages of the Mahgreb, the East and Europe. His career includes more than thirty plays and a number of films, the fruit of long years of research. A major figure in contemporary Arab theatre, he was co-founder of the regional troupe Gafsa in 1972, Director of the National Conservatoire of Dramatic Art from 1974 to 1978, co-founder in 1976 of the first independent Tunisian company, The New Theatre, and in 1993 co-founder of the Familia Production company. Since July 2014 he has been Director of the National Theatre of Tunis, where he set up the Actor’s School and the Young National Theatre. Author of different theatre and cinematographic works. He also directs training workshops in Tunis and abroad. He has resisted the siren call of commercial theatre and kept a firm grasp on quality. His theatre, which he describes as ‘elitist for all ‘, is appreciated as much in Tunis as in Beirut, Damascus or Cairo. European theatres have been aware for a score of years of his pedagogical research (training, direction, workshops) and his productions, often co-produced with them and achieving great success in France, Germany, Holland, Italy and as far as Japan and Argentina. In 2002 the Avignon Festival invited him, as the first Arab director in its 56 year history, to the Cloître des Célestins with Junun, which was vibrantly received by the international press. At the invitation of the Berliner Festspiele in September 2002 he staged Araberlin, about the after effects of Nine Eleven, with German actors. Hostage Bodies (Khamsoun) came to the Odéon-Théâtre de l’Europe in 2006, the first presentation there by an Arab director. In 2013 he created Tsunami, the concluding part of the trilogy begun with Hostage Bodies and Amnesia(Yahya Yaïch) at the Théâtre National de Chaillot.

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ieux routier des planches, Fadhel Jaïbi a roulé sa bosse sur les scènes du Maghreb, d’Orient et d’Europe. Il a à son actif plus d’une trentaine de pièces de théâtre et plusieurs films, fruits de longues années de recherche. Figure incontestable du théâtre arabe contemporain, co-fondateur de la troupe régionale de Gafsa en 72, Directeur du Conservatoire National d’Art Dramatique de 74 à 78, co-fondateur de la première compagnie indépendante Tunisienne «Le Nouveau Théâtre» de Tunis en 1976, et co-fondateur de la compagnie Familia Production en 1993), Il dirige actuellement le Théâtre National Tunisien depuis juillet 2014 au sein duquel il a fondé l’Ecole de l’Acteur et le Jeune Théâtre National. Auteur de plusieurs œuvres théâtrales et cinématographiques. Il dirige des stages de formation à Tunis et à l’étranger ) il a su résister aux sirènes du théâtre mercantile et maintenir le cap sur la qualité. Son théâtre qu’il qualifie d’«élitaire pour tous» est apprécié aussi bien à Tunis qu’à Beyrouth, à Damas ou au Caire. L’Europe, depuis une vingtaine d’années s’intéresse à ses recherches pédagogiques (formation, direction d’acteurs, Workshops) et a ses créations souvent coproduites par des Théâtres européen où elles ont connu un grand succès aussi bien en France qu’en Allemagne, au Japon, en Italie, en Hollande, en Argentine… et ailleurs. Le festival d’Avignon (édition 2002) l’invite en tant que premier créateur arabe en 56 ans de festival, au Cloître des Célestins avec Junun, auquel la presse internationale rend un vibrant hommage. Invité par le Festspiele de Berlin, il y crée Araberlin en Septembre 2002 avec des acteurs allemands sur l’après 11 septembre 2001. Corps Otages (Khamsoun) est accueilli en France en 2006 à L’OdéonThéâtre de l’Europe, événement inédit pour un créateur non européen. Il crée Tsunami, troisième volet de la trilogie initié avec Corps Otages et Amnesia (Yahya Yaïch) au Théâtre National de Chaillot à Paris en 2013.

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PREMIO EUROPA REALTÀ TEATRALI EUROPE PRIZE THEATRICAL REALITIES

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SUSANNE KENNEDY

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Ph: © Julian Baumann

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Susanne Kennedy BIOGRAFIA BIOGRAPHY

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uzanne Kennedy (nata a Friedrichshafen nel 1977) vive e lavora a Berlino, dopo aver vissuto più di dieci anni ad Amsterdam, dove ha studiato regia presso la School of Arts.Le sue messinscena, che hanno caratteristiche tipiche dell’installazione artistica, sono state ospitate molte volte al Festival Nazionale Olandese. È stata invitata al NT Gent nel 2011 per dirigere Le Lacrime Amare di Petra Von Kant di Fassibinder. Al Kammerspiele di Monaco ha diretto They shoot horses don’t they? (Non si uccidono anche i cavalli?) nel 2011 e nel 2013 la prima opera di Marieluise Fleisser Purgatory in Ingolstadt. Per quest’ultima la rivista Theatre Heute l’ha nominata Regista più Promettente dell’Anno. Inoltre per questa messinscena, che è stata ospitata al Theatertreffen di Berlino nel 2014, ha ricevuto il Premio per il Teatro 3sat, per l’innovazione artistica. Susanne Kennedy esplora i confini tra il teatro e le altre forme artistiche attraverso concetti che ruotano attorno allo spazio e all’installazione, caratteristica tipica delle sue performance d’arte. La sua messinscena Why Does Herr R.Run Amok? (Perché il Signor R è colto dalla follia?) ha debuttato del 2014 dopo il film di Rainer Werner Fassbinder e Michael Fengler al Kammerspiele di Monaco. Questa performance d’arte è stata selezionata per il Theatertreffen di Berlino nel 2015. Dal 2017 Suzanne Kennedy è membro del gruppo artistico del Volksbühne di Berlino.

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usanne Kennedy (born in Friedrichshafen in 1977) lives and works in Berlin, after living for more than ten years in Amsterdam, where she studied directing at the Amsterdam School of the Arts. Her productions, which have an installationlike character, were invited to the Dutch National Festival many times. She was invited to NT Gent in 2011 as a guest to direct Fassbinder’s ‘The Bitter Tears of Petra von Kant’. At the Münchner Kammerspiele she directed ‘They Shoot Horses, Don´t They?’ in 2011 and Marieluise Fleisser’s first play ‘Purgatory in Ingolstadt’ in 2013, for which Theater Heute magazine voted her Most Promising Director of the Year. For this production, which was invited to the 2014 Berlin Theatertreffen, she received the 3sat Theatre Prize for artistic innovation. Suzanne Kennedy explores the boundaries between theatre and other art forms, with concepts revolving around space and installation a characteristic feature of her performances. In 2014 she premiered her production of ‘Why Does Herr R. Run Amok?’ after the film by Rainer Werner Fassbinder and Michael Fengler at the Münchner Kammerspiele. This performance was selected for the Berlin Theatertreffen 2015. Since 2017 Kennedy has been a member of the artistic team at the Berliner Volksbühne.

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Susanne Kennedy (née à Friedrichshafen en 1977) vit et travaille à Berlin, après avoir habité pendant plus de dix ans à Amsterdam, où elle a étudié la mise en scène à l’École des Arts d’Amsterdam.

Ses spectacles, semblables à des installations, ont été invités à plusieurs reprises au Festival National Néerlandais. Suzanne Kennedy a été invitée au NT Gent en 2011 pour mettre en scène la pièce Les Larmes amères de Petra von Kant de Fassbinder.

Au Münchner Kammerspiele, elle a monté On achève bien les chevaux en 2011 ainsi que la première pièce de Marieluise Fleisser, Pionniers à Ingolstadt, en 2013, pour laquelle le magazine Theater Heute l’a votée comme Metteur en scène le plus prometteur de l’année. Pour ce spectacle, qui était invité au Berlin Theatertreffen en 2014, elle a reçu le prix de théâtre 3sat pour l’innovation artistique. Suzanne Kennedy explore les frontières entre le théâtre et d’autres formes d’art, avec des concepts tournant autour de l’espace et de l’installation, une caractéristique clé de ses spectacles. Sa pièce Pourquoi M. R. est-il atteint de folie meurtrière ?, adaptée du film de Rainer Werner Fassbinder et Michael Fengler, a débuté au Münchner Kammerspiele en 2014. Ce spectacle a été sélectionné pour le Berlin Theatertreffen en 2015.

Suzanne Kennedy fait partie depuis 2017 de l’équipe artistique du Berliner Volksbühne.

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© Judith Buss

THE VIRGIN SUICIDES Con / With: Voce narrante / Voice over: Regia / Stage Production: Scenografia / Stage Design: Costumi / Costume Suoni / Sound: Video: Luci / Light: Drammaturgia / Dramaturgy: Assistente Regia / Directing Assistent: Assistente Scenografia / Stage Assistant: Assistente Costumi / Costume Assistant: Assistente Suono / Sound assistant: Direttore di scena / Stage Manager: Arti Sceniche / Stagecraft Luci / Lighting: Suono / Sound Engineering: Oggetti di Scena / Props: Tecnico Video / Video Engineering: Maschere / Mask:

Decorazioni / Painting: Durata / Duration: In Co-produzione con / In Coproduction with: Diritti / Rights:

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PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

Hassan Akkouch, Walter Hess, Christian Löber Damian Rebgetz, Ingmar Thilo Çiğdem Teke Susanne Kennedy Lena Newton Teresa Vergho Richard Janssen Rodrik Biersteker Stephan Mariani Johanna Höhmann Anta Helena Recke / Bibiana Picado Mendez Andrea Perez Sophia May Rinse de Jong Lutz Müller-Klossek Trevor Nelthorpe Michael Barth, Daniel Capellino, Diana Dorn, Sebastien Lachenmaier Christine Söring, Katharina Widmaier-Zorn Robert Herrmann, Heidemarie Sänger Stefan Muhle, Ikenna Okegwo Paula Bitaroczky, Tommy Opatz, Katharina Pade Sofie Reindl-Grüger, Raimund Richar-Vetter, Nicola Richter Marisa Schleimer, Sylvia Wollmann Evi Eschenbach, Jeanette Raue, Frederic Sontag 120 minuti / minutes Volksbühne Berlin Rowohlt Verlag

BASATO SUL ROMANZO DI JEFFREY EUGENIDES

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na famiglia conservatrice, fanatica e religiosa del Nord America, composta da cinque sorelle e i loro genitori. La casa rappresenta un mondo chiuso, senza via di uscita. Ogni sogno da bambino o desiderio giovanile si frantuma nel confronto con la religiosità dei genitori. Controllo e regole precedono ogni entusiasmo, cambiamento e crescita delle adolescenti. Osservate da un gruppo di ragazzi –il punto di vista maschile – le sorelle rappresentano sempre più un’attrazione travolgente. Le ragazze cercano di fuggire dal loro stato di reclusione ma i genitori impediscono il tentativo di fuga. Essi semplicemente provano a isolarle con più fermezza, fino a che la vita che rimaneva in loro viene soffocata ed esse sono portate all’estremo, fino alla morte.

Susanne Kennedy, regista di Fegefeuer in Ingolstadt (Purgatorio a Ingolstadt) e di Warum läuft Herr R. Amok?

(Perché il Signor R. è colto da follia improvvisa?) torna al Kammerspiele di Monaco. In The Virgin Suicides (Le vergini suicide) continua a seguire la tecnica della narrazione fuori campo ed esplora il punto di vista maschile grazie alla prospettiva dei ragazzi, che nell’opera sono ormai adulti. Per tutta la loro vita, la storia delle cinque figlie della famiglia Lisbon ha perseguitato questi uomini, che ne ricostruiscono i dettagli con l’ausilio della memoria. La questione delle loro morti aleggia su di essi, e nel frattempo il pubblico condivide questo sguardo voyeuristico imbarcandosi in un viaggio di consapevolezza e ricostruzione. “You are now to begin a Great adventure, a journey out of your minfìd.” (Timothy Leary) BASED ON THE NOVEL BY JEFFREY EUGENIDES

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conservative and fanatically prudish family in North America: five sisters and their parents.

The family home is an enclosed world with no exit. Every childish wish or juvenile desire shatters when confronted with the parents’ religiousness.

Control and rules precede every stirring, every change and blossoming of the pubescent girls.

Observed by a gang of boys – the male gaze – the sisters increasingly turn into an all-consuming attraction. The girls seek to escape their confinement but their parents thwart their breakout and only try harder to isolate them from the outside world – until all the life in them is suffocated and they are driven to their deaths. Susanne Kennedy, the director of “Fegefeuer in Ingolstadt” and “Warum läuft Herr R. Amok?”, returns to the Münchner Kammerspiele. In “The Virgin Suicides”, she continues to pursue her strategy of voice-over technique and explores the male gaze that the Lisbon girls are exposed to from the perspective of the boys who are by now aged men. Long into their old age, the story of the five daughters of the Lisbon family haunts these men and they reconstruct the details from their memories, as the question of their deaths hangs over them, while the audience share their voyeuristic gaze and embark on a journey of recollection and awareness: “You are now to begin a Great adventure, a journey out of your minfìd.”

(Timothy Leary)

TIRÉE DU ROMAN DE JEFFREY EUGENIDES

U

ne famille conservatrice et fanatiquement puritaine en Amérique du Nord : cinq sœurs et leurs parents. La maison familiale est un monde clos sans issue. Chaque envie enfantine ou désir juvénile vole en éclats quand ils se retrouvent confrontés à la religiosité des parents. Le contrôle et les règles précèdent chaque élan, chaque changement et l’épanouissement des jeunes filles pubères. Observées par un groupe de garçons – le regard masculin – les sœurs se transforment de plus en plus en une fascination dévorante. Les jeunes filles cherchent à échapper à leur réclusion mais leurs parents empêchent leur évasion et s’efforcent seulement de les isoler davantage du monde extérieur, jusqu’à ce que toute vie soit suffoquée en elles et qu’elles soient poussées vers leurs morts. Susanne Kennedy, qui a mis en scène Fegefeuer in Ingolstadt et Warum läuft Herr R. Amok?, revient au Münchner Kammerspiele. Dans The Virgin Suicides, elle poursuit sa stratégie de la voix hors champ et explore le regard masculin auquel les filles Lisbon sont exposées à partir du point de vue de garçons désormais devenus des hommes âgés. Dans leur vieillesse, l’histoire des cinq sœurs de la famille Lisbon hante ces hommes et ils en reconstruisent les détails à partir de leurs souvenirs, car le motif de leurs morts plane comme une ombre au-dessus de leur tête, tandis que le public partage leur regard voyeuriste et part à la découverte de la mémoire et de la prise de conscience : « Vous allez maintenant commencer une grande aventure, un voyage en dehors de votre esprit » (Timothy Leary)

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14° Premio Europa Realtà Teatrali 14th Europe Prize Theatrical Realities

JERNEJ LORENCI

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Ph: © Peter Uhan

Jernej Lorenci BIOGRAFIA BIOGRAPHY

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opo la laurea all’Accademia per il teatro, radio, film e televisione a Ljubljana, Jernej Lorenci (nato nel 1973 a Maribor) ha lavorato in vari teatri tra Slovenia ed ex Iugoslavia, iniziando la sua carriera da regista con l’Antigone di Sofocle. Il suo primo e grande successo è arrivato con Cleansed di Sarah Kane al SNG Drama di Ljubljana nel 2001. La sua successiva produzione ha seguito due direzioni: una ispirata a testi di autori classici come Brecht, Checkov, Gombrowicz, Euripide, Bulgakov e Moliére; l’altra a progetti in collaborazione con il drammaturgo e attore Nebojša Pop Tasic, tra cui Skin - da Miss Julie (La signorina Julie) di Strindberg, Still Life – da Terra Nostra di Emil Cioran e Carlos Fuentes, Flesh or Revelation - da Sant’Agostino, la Bibbia e Tasic; e Lowering the Sky - da Tasic e dalle Metamorfosi di Ovidio. Con Tchrimekundan (mistero tibetano), L’Epopea di Gilgamesh, The Conference of the Birds (Il verbo degli uccelli) (ud-Din, Carriére, Brook), Orestea (Eschilo) e Wind in the Pines (Zeami, Zenchiku) ricompare il tema mitologico e ritualistico, tramite il quale Lorenci ha potuto far emergere il suo interesse principale: mostrare l’uomo come il prodotto della comunità dalla quale proviene. Portando l’idea di comunità nel processo creativo, ha dato inizio a lavori di collaborazione: Storm (Temporale) di Ostrovsky, The Wedding di Šeligo, Otello di Shakespeare, Lulu di di Wedekind, Learn Ladies (Le intellettuali) di Moliére, Ubu Roi di Jarry, Bedbug (La cimice) di Mayakovsky.

Tra altre famose performance d’arte di questo periodo ricordiamo Crazy Locomotive (La locomotiva pazza) di Witkiewicz, Dead Man Comes for His Mistress di Makarovič e l’Iliade di Omero, in scena come narrazioni con concerto. Lorenci ha ottenuto numerosi premi non solo in Slovenia, ma anche all’estero per la migliore regia di Storm al Bitef Festival, la migliore performance e migliore regia di Ubu Roi al Mess festival di Sarajevo e molti premi per l’Iliade. Nel 2014 ha ricevuto uno dei più importanti premi sloveni, il Prešeren Fund Award, per i risultati ottenuti nel campo della cultura.

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PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

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fter graduating from the Academy for Theatre, Radio, Film and Television in Ljubljana, Jernej Lorenci (b. 1973 in Maribor) worked in various theatres across Slovenia and former Yugoslavia, beginning his directing career with Sophocles’ Antigone. His first big breakthrough came with Sarah Kane‘s Cleansed in SNG Drama, Ljubljana (2001).

His subsequent work has followed two directions, one expressed through the texts of classic writers such as Brecht, Chekhov, Gombrowicz, Euripides, Bulgakov and Molière, the other through projects in collaboration with the dramaturg and author Nebojša Pop Tasić, including Skin (from Strindberg’s Miss Julie), Still Life (from Emil Cioran and Carlos Fuentes’s Terra Nostra), Flesh or Revelation (from St. Augustine, the Bible and Tasić,) and Lowering the Sky (Tasić, from Ovid’s Metamorphoses). With Tchrimekundan (Tibetan mystery), Epic of Gilgamesh, The Conference of the Birds (ud-Din, Carrière, Brook), Oresteia (Aeschylus) and Wind in the Pines (Zeami, Zenchiku) he returned to mythological and ritualistic themes, through which he could address his main focus: man as a product of the community from which he springs.

Transporting the idea of community to the creative process itself, he has initiated works of collective authorship: Storm (Ostrovsky), The Wedding (Šeligo), Othello (Shakespeare), Lulu (Wedekind), Learned Ladies (Molière), Ubu Roi (Jarry), Bedbug (Mayakovsky). Among other notable performances in this period are Crazy Locomotive (Witkiewicz), Dead Man Comes for His Mistress (Makarovič), and The Iliad (Homer), staged as concert narrations.In addition to numerous awards in Slovenia, Lorenci has won various awards abroad, among them best direction for Storm (Bitef festival), best performance and best direction of Ubu Roi (Mess festival, Sarajevo) and several awards for The Iliad. In 2014 he received one of Slovenia‘s highest state awards for achievement in the field of culture, the Prešeren Fund Award.

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près s’être diplômé à l’Académie du Théâtre, de la Radio, du Film et de la Télévision à Ljubljana, Jernej Lorenci (né en 1973 à Maribor) a travaillé dans plusieurs théâtres en Slovénie et en ex-Yougoslavie, en débutant sa carrière en tant que metteur en scène avec Antigone de Sophocle. Il a connu son premier grand succès avec Cleansed de Sarah Kane au Théâtre National Slovène de Ljubljana (2001). Son travail suivant est allé dans deux sens, l’un exprimé à travers les textes d’écrivains classiques du calibre de Brecht, Tchekhov, Gombrowicz, Euripide, Bulgakov et Molière, l’autre à travers des projets en collaboration avec le dramaturge et auteur Nebojša Pop Tasić, y compris La Peau (tiré de Mademoiselle Julie de Strindberg), Nature Morte (tiré d’Emil Cioran et de Terra Nostra de Carlos Fuentes), La Chair ou la Révélation (tiré de saint Augustin, de la Bible et de Tasić) ainsi qu’Abaissant le ciel (Tasić, tiré des Métamorphoses d’Ovide). Avec Tchrimekundan (mystère tibétain), Épique de Gilgamesh, La Conférence des Oiseaux (ud-Din, Carrière, Brook), L’Orestie (Eschyle) et Le Vent dans les Pins (Zeami, Zenchiku), il est revenu à des thèmes mythologiques et ritualistes, à travers lesquels il pouvait aborder son sujet de prédilection : l’homme en tant que produit de la communauté dont il est issu. En transportant l’idée de communauté dans le processus de création lui-même, il a lancé des œuvres ayant une paternité collective : L’Orage (Ostrovsky), Le Mariage (Šeligo), Othello (Shakespeare), Lulu (Wedekind), Les femmes savantes (Molière), Ubu Roi (Jarry) et Punaise de lit (Maïakovski). Parmi d’autres spectacles notables au cours de cette période figurent Une locomotive folle (Witkiewicz), L’homme mort vient pour sa maîtresse (Makarovič) ainsi que L’Iliade (Homère), mis en scène sous la forme de récits musicaux.

Outre les nombreux prix obtenus en Slovénie, Lorenci a remporté de nombreuses récompenses à l’étranger, entre autres, celle de la meilleure mise en scène pour La Tempête (Bitef festival), du meilleur spectacle et de la meilleure mise en scène pour Ubu Roi (Mess festival de Sarajevo) ainsi que plusieurs prix pour L‘Iliade. En 2014, il a obtenu l‘un des plus prestigieux prix slovènes pour sa contribution dans le domaine de la culture, le Prix Prešeren.

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© PeterUhan

Ubu the King Produzione di / Production of Slovenian National Theatre Drama Ljubljana Basato sul tema dell’opera Ubu the King di Alfred Jarry; raccolta di opere del complesso di Ubu Based on the motifs of the play Ubu the King by Alfred Jarry; collected works of the Ubu ensemble Direttore / Director: Drammaturgo / Dramaturg: Scenografo / Set designer: Costumista / Costume Designer: Musica e selezione di citazioni Music and selection of quotations by: Luci / Light designer: Coreografo / Choreographer: Consulente di lingua / Language consultant: Assitente drammaturgo (studente) Assistant to dramaturg (student): Attori / Acting:

Durata / Duration:

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Jernej Lorenci Matic Starina Branko Hojnik Belinda Radulović Branko Rožman Pascal Mérat Gregor Luštek Tatjana Stanič Katja Markič Jernej Šugman - Papa Ubu Nina Valič - Mama Ubu Bojan Emeršič - Capetain Bordure Jurij Zrnec - Big priest Klemen Slakonja - Klemen Slakonja Sabina Kogovšek/Vojko Zidar - Minister Boris Mihalj - Financier Gregor Zorc - Judge / Big Žan Perko - Negro / Little 160 minuti incl. intervallo / minutes inc. interval

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o scandalo che ha diviso il pubblico dopo il debutto dell’adattamento di Ubu Roi (Ubu Re) del 1896 di Alfred Jarry, allora solo ventitreenne, ha preannunciato in modo inatteso gli sviluppi dell’arte e della vita sociale del Ventesimo e – apparentemente – anche del Ventunesimo secolo. In campo artistico, Ubu Re ha anticipato le correnti dell’avanguardia che hanno travolto le forme tradizionali, tra cui il Surrealismo, Dadaismo e perfino il Teatro dell’Assurdo e il successivo Luddismo. Per la società invece, è stato anticipatore dell’imminente valanga di avidità e di brutali massacri. Tutto questo si presenta sotto forma di un’opera dall’umorismo nero, amorale, turbolenta. L’incosciente, avaro e avido, ma allo stesso tempo codardo Papà Ubu, è un personaggio ricco di riferimenti. Egli viene incitato dalla moglie, Mamma Ubu – parodia di Lady Macbeth – a prendere il potere con violenza e a governare con modi sempre più crudeli e totalitari. È possibile perfino dire che ogni periodo storico ha il proprio Re Ubu. Serata d’apertura: 30 gennaio 2016, Main Stage

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he scandal that divided the audience after the 1896 premiere performance of Ubu the King of then merely 23-year-old Alfred Jarry unexpectedly heralded the developments of the 20th and seemingly also the 21st centuries, in the fields of both art and social life. In the arts, Ubu the King foreshadowed the avant-garde currents that swept away traditional forms, including Surrealism, Dadaism, and even the Theatre of the Absurd, absurd drama, and the subsequent Luddism. While for society it announced the forthcoming avalanche of greed and brutal slaughter. All this comes in the form of an unscrupulous, rowdy, and black-humoured play.

The reckless, greedy, avaricious, but actually cowardly Papa Ubu, incited by his wife, Mama Ubu, a parodied version of Lady Macbeth, to brutally seize power and govern in an even crueller and more totalitarian manner, evokes many allusions. One could even say that every era has its own King Ubu. Opening night: 30 January 2016, Main Stage

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e scandale qui divisa le public après la première représentation en 1896 d’Ubu Roi d’Alfred Jarry, à l’époque âgé de seulement 23 ans, a contre toute attente annoncé les développements du 20e et apparemment même du 21e siècle, à la fois dans le domaine de l’art et de la vie sociale. Dans les arts, Ubu Roi a préfiguré les courants avant-gardistes qui ont balayé les formes traditionnelles, y compris le surréalisme, le dadaïsme et même le théâtre de l’absurde, le drame absurde, ainsi que le luddisme qui s’ensuivit. Tandis que pour la société, il a annoncé l’avalanche à venir d’avidité et de massacre brutal. Tout cela arrive sous la forme d’une pièce sans scrupules, tumultueuse et à l’humour noir.

Le Père Ubu irréfléchi, avide, avare mais en fait lâche, incité par son épouse la Mère Ubu, une parodie de Lady Macbeth, à prendre brutalement le pouvoir et à gouverner d’une manière encore plus cruelle et totalitaire, renferme de nombreuses allusions. On pourrait même dire que chaque époque a son propre Roi Ubu. Soirée d’ouverture : 30 janvier 2016, scène principale

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14° Premio Europa Realtà Teatrali 14th Europe Prize Theatrical Realities

YAEL RONEN

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©Esra Rotthoff Ph: Ph: PeterUhan

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Yael Ronen BIOGRAFIA BIOGRAPHY

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ael Ronen, nata a Gerusalemme nel 1976, proviene da una famiglia di teatranti ed è considerata a livello internazionale come uno dei più brillanti registi della sua generazione. Lo strumento fondamentale a sua disposizione è l’umorismo nero, usato nei contesti di conflitti storici. Negli anni tra il 2005 e il 2012 Yael Ronen ha lavorato principalmente a Tel Aviv, al Cameri Theatre di Israele e al Habimah, Teatro Nazionale d’Israele. La sua messinscena Plonter (2005) con un cast misto di attori palestinesi e israeliani, ha ottenuto un successo internazionale ed ha segnato la sua prima apparizione nei teatri della Germania. Third Generation, con la partecipazione di attori tedeschi, israeliani, e palestinesi, è stata premiata al Festival Internazionale di Teatro, Theatre der Welt nel 2008 ed è stata ospitata da numerosi festival. Tra le altre sue messinscena, Haboah Wien, realizzata al Schauspielhaus Graz, ha ricevuto l’Austrian Nestroy Theatre Prize nel 2013.

Dalla stagione 2013/14 Yael Ronan lavora come regista residente al teatro Maxim Gorki di Berlino. Qui, ha debuttato a livello mondiale con l’adattamento del romanzo bestseller di Olga Grjansnowa All Russians Love Birch Trees (Tutti i russi amano le betulle). Il suo progetto di risonanza internazionale Common Ground è emerso come una riflessione della Ronen e i suoi attori sul periodo successivo alla guerra in ex Iugoslavia. Nel 2015 l’opera è stata ospitata all’importante Festival di Berlino, il Theatertreffen e ha vinto il premio del pubblico al Mülheimer Theatertage. La messinscena di The Situation, che Ronen ha dato vita insieme ai sei attori, è stata premiata al teatro Gorki nel settembre 2015, e le ha fatto ottenere un secondo invito al Theathertreffen Festival nel 2016. L’opera parla della situazione politica nel Medio Oriente ed è stata selezionata dalla critica nell’annuale rassegna della rivista teatrale tedesca Theatre Heute Journal tra le migliori regie del 2016. Nel 2016 Yael Ronen ha ricevuto l’Austrian Nestroy Prize per Lost and Found (Volkstheater -Vienna, 2015) per la categoria “Miglior Opera”- Premio dell’Autore, e ha diretto due nuove opere: Point of No Return al Kammerspiele di Monaco e Denial al teatro Gorki di Berlino, un progetto sulla repressione personale e politica. Nel 2017 ha ricevuto un premio dal centro tedesco dell’International Theatre Institute nell’ambito della Giornata Mondiale per il Teatro. Inoltre, ha diretto il debutto mondiale di Winterreise con il gruppo, da poco fondato, Exile Ensemble al Gorki. Con la sua ultima messinscena Roma Armee, Yael Ronen apre la stagione 2017/18 al Gorki Theatre.

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ael Ronen was born in Jerusalem in 1976. She comes from a theatre family and is internationally considered as one of the most exciting theatre makers of her generation. The greatest tool at her disposal is black humour in the framework of historical conflicts. In the years between 2005 and 2012 Yael Ronen was mainly directing in Tel Aviv, Israel at the Cameri theatre and the Habimah, National Theatre of Israel. Her production Plonter (2005) with a mixed PalestinianIsraeli cast had an international success and was her first introduction to German stages. Third Generation, featuring German, Israeli and Palestinian actors, premiered at the international theatre festival Theater der Welt in 2008, was invited to numerous festivals.

Another of her productions Hakoah Wien, developed at Schauspielhaus Graz, was awarded the Austrian Nestroy theatre prize in 2013. Since the season 2013/14 Yael Ronen is working as a inhouse-director at the Maxim Gorki Theater in Berlin. Here she staged the world premiere of the adaptation of Olga Grjasnowa’s bestselling novel All Russians Love Birch Trees. Her international-renowned project Common Ground emerged as a meditation from Ronen and her actors on the aftermath of the war in former Yugoslavia. 2015 the play was invited to the important Theatertreffen Festival at Berlin and won the audience award at Mülheimer Theatertage.

Ronen’s production The Situation, which she developed together with the six-actor ensemble, was premiered at the Gorki Theatre in September 2015, and garnered her a second invitation to the Theatertreffen Festival in 2016. The piece negotiates the political situation in the Middle East and was selected by the critics in the annual survey from the German theatre magazine Theater heute journal as the play of the year 2016. 2016 Ronen was awarded the Austrian Nestroy Prize for Lost and Found (Volkstheater Vienna, 2015) in the category Best Play – Author’s Prize, and directed her new pieces: Point of no return at the Münchner Kammerspiele as well as Denial at the Gorki theatre Berlin, a project about personal and political repression. 2017 she received a prize from the German centre of the International Theatre Institute within the framework of World Theatre Day. In addition she directed the world premiere of Winterreise with the newly founded Exile Ensemble at the Gorki. With her last production Roma Armee Yael Ronen opened the season 2017/18 at the Gorki Theatre.

Y

ael Ronen est née à Jérusalem en 1976. Elle provient d’une famille d’artistes de théâtre et est considérée dans le monde entier comme l’une des plus fascinantes dramaturges de sa génération. Le meilleur outil à sa disposition est son humour noir dans le cadre des conflits historiques. Entre 2005 et 2012, Yael Ronen a principalement réalisé des mises en scène à Tel Aviv en Israël au Théâtre Cameri et au Habimah, le Théâtre National d’Israël. Sa pièce Plonter (2005) avec une troupe mixte formée de Palestiniens et d’Israéliens a obtenu un succès international et a marqué sa première présence sur les scènes allemandes. Third Generation, jouée par des acteurs allemands, israéliens et palestiniens, a débuté au festival de théâtre international Theater der Welt en 2008 et a été invitée à de nombreux festivals. Une autre de ses pièces Hakoah Wien, développée au Schauspielhaus Graz, a reçu le prix Nestroy de théâtre autrichien en 2013. Depuis la saison 2013/14, Yael Ronen travaille comme directeur interne au Théâtre Maxim Gorki de Berlin. Elle y a mis en scène en avant-première mondiale l’adaptation du roman à succès d’Olga Grjasnowa, Tous les Russes aiment les bouleaux. Son projet de renommée internationale Common Ground est issu d’une réflexion menée par Ronen et ses acteurs sur les conséquences de la guerre en ex-Yougoslavie. La pièce a été invitée en 2015 à l’illustre Theatertreffen Festival de Berlin et a remporté le prix du public au Mülheimer Theatertage. The Situation, développée par Yael Ronen en collaboration avec un groupe de six acteurs, a débuté au Théâtre Gorki en septembre 2015 et lui a valu une seconde invitation au Theatertreffen Festival en 2016. La pièce aborde la situation politique au Moyen-Orient et a été sélectionnée par les critiques dans le sondage annuel réalisé par la revue du théâtre allemand Theater heute journal comme la pièce de l’année 2016. Ronen a remporté en 2016 le prix autrichien Nestroy pour Lost and Found (Volkstheater de Vienne, 2015) dans la catégorie Meilleure Pièce – Prix de l’Auteur et a dirigé ses nouvelles pièces de théâtre : Point of no return au Münchner Kammerspiele ainsi que Denial au Théâtre Gorki de Berlin, un projet sur la répression personnelle et politique. En 2017, elle a reçu un prix du centre allemand de l’Institut Théâtral International dans le cadre de la Journée Mondiale du Théâtre. Par ailleurs, elle a mis en scène en avant-première mondiale Winterreise avec le tout nouveau Exile Ensemble au Théâtre Gorki.

Avec sa dernière création, Roma Armee, Yael Ronen a ouvert la saison 2017/18 au Théâtre Gorki.

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© Ute Langkafel

ROMA ARMEE Da un’idea di / An idea by: Di / By: Regia / Director: TEAM Scenografia / Stage Design: Decorazioni e Pittura / Painting & Artwork: Costumi / Costumes:

Yael Ronen & Ensemble Yael Ronen

Heike Schuppelius Damian Le Bas, Delaine Le Bas Maria Abreu, Delaine Le Bas

Musica / Music:

Yaniv Fridel, Ofer Shabi

Video e animazioni / video und animations:

Hanna Slak, Luka Umek

Luci / Stage lighting: Drammaturgia / Dramaturgy: Interpreti / Cast:

Produzione / Production: Tempo di esecuzione / Running time:

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Sandra Selimović, Simonida Selimović

Hans Fründt Irina Szodruch Mehmet Ateşçi, Hamze Bytyci, Mihaela Drăgan Riah May Knight, Lindy Larsson, Orit Nahmias Sandra Selimovi, Simonida Selimovi GOЯKI THEATRE, Berlino / Berlin 1.50 h

»

La comunità dei popoli europei è andata a pezzi quando - e perché - ha permesso al suo membro più debole di essere escluso e perseguitato. « Hannah Arendt In un momento in cui l›Europa è messa in pericolo da derive neo fasciste, un gruppo di attori fa una chiamata per formare un›armata Rom con scopi di autodifesa. Una forza di rapido intervento per combattere discriminazioni istituzionali, razzismo e antiziganismo, ma anche una forza di emancipazione dal ruolo interiorizzato di vittime. Gli attori partecipanti sono romnija, rom, romani e gipsy provenienti da Austria, Serbia, Germania, Kosovo, Romania, Inghilterra e Svezia. Vi sono anche israelo-tedesco-turcho-berlinesi gadjé; ciò vuol dire che l›armata Rom è sovranazionale, diversa, femminista, queer. Attivati dalle sorelle Simonida e Sandra Selimović, irrompono sul palcoscenico del Gorky Theatre in un atto collettivo di azione artistica ‹autopotenziata› insieme al regista residente Yael Ronen: attraverso un processo di ricerca congiunto vengono esplorate e usate esperienze personali, contaminazioni storiche e avvenimenti contemporanei, fino a sviluppare uno spettacolo teatrale . Tutti insieme, con gli artisti visivi inglesi Delaine e Damian Le Bas, disegnano la visione di una casa europea sicura: una Gypsyland-Europa, come la definiscono i Le Bas.

»

The community of European peoples went to pieces when – and because – it allowed its weakest member to be excluded and persecuted. « Hannah Arendt At a time when Europe is at risk of drifting into neo-fascism, a group of actors is calling for a Roma army for the purpose of self-defence. A rapid intervention force to fight structural discrimination, racism and antiziganism, but also as emancipation from an internalized role of victims. The actors are Romnija, Roma and Romani travellers from Austria, Serbia, Germany, Kosovo, Romania, England and Sweden. They are also Israeli-German-TurkishBerlin Gadjé – that means that the Roma Army is supranational, diverse, feminist, queer. Initiated by the sisters Simonida and Sandra Selimović, they are entering the stage at the Gorki in a collective act of selfempowering artistic action with resident director Yael Ronen: through a joint research process, personal experiences, historical contaminations and contemporary incidents are explored and used to develop a play. Together with visual artists Delaine and Damian Le Bas from England, they sketch out a vision for a Safe European Home in Gypsyland Europe, as the Le Bas call it.

«

La communauté des peuples européens s’est effondrée quand – et parce que – elle a permis à son membre le plus faible d’être exclu et persécuté », Hannah Arendt À une époque où l’Europe risque de dériver vers le néofascisme, un groupe d’acteurs demande une armée de Roms pour s’autodéfendre. Une force d’intervention rapide pour lutter contre la discrimination structurelle, le racisme et l’anti-tsiganisme, mais aussi une émancipation du rôle internalisé de victimes. Les acteurs sont des gens du voyage Romnija, Roms et Romani provenant d’Autriche, Serbie, Allemagne, Kosovo, Roumanie, Angleterre et Suisse. Il y a aussi des Israéliens-Allemands-Turcs-Berlin Gadjé, ce qui veut dire que l’armée de Roms est supranationale, différente, féministe, queer. Guidés par les sœurs Simonida et Sandra Selimović, ils montent sur la scène du Théâtre Gorki dans un acte collectif d’action artistique d’autoémancipation avec le metteur en scène résident Yael Ronen : à travers un processus de recherche conjoint, des expériences personnelles, des contaminations historiques et des accidents contemporains sont explorés et utilisés pour développer une pièce de théâtre. En collaboration avec les artistes visuels Delaine et Damian Le Bas d’Angleterre, ils esquissent une vision pour un Foyer Européen Sûr dans l’Europe Gypsyland, comme les Le Bas l’appelle.

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© Ute Langkafel

THE SITUATION LEZIONE 1: CHI SEI? Noa e Amir / LESSON 1: WHO ARE YOU? Noa und Amir

Interpreti / Cast:

Diretto da / Directed by: Produzione / Production: Tempo di esecuzione / Running time:

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Orit Nahmias Dimitrij Schaad Yousef Sweid Yael Ronen GOЯKI THEATRE, Berlin 15 minuti / minutes

SPETTACOLO DELL’ANNO 2016

C

hiunque voglia alludere all’attuale situazione politica nel Medio Oriente in ebraico o in arabo parla semplicemente de “La Situazione”. Nel corso degli ultimi anni molte persone con radici ne “La Situazione” sono finite a Berlino, tra tutti i posti, alla ricerca di un nuovo inizio. Circa 30.000 israeliani e 5.000 siriani si sono spostati nella ex “capitale dei perpetratori”. Molti di loro vivono nel Kreuzkölln, proprio a fianco dei palestinesi tedeschi e dei libanesi, ormai stanziati lì da tempo. Le loro famiglie non si sono propriamente “spostate”, sono più che altro fuggite. Ciò che era precedentemente diviso da muri fisici e sociali si è trasformato in un nuovo Medio Oriente dentro Berlino. Nel suo nuovo spettacolo Yael Ronen e gli attori che partecipano al progetto, le cui storie sono intrecciate con quella del conflitto in Medio Oriente, si scontrano con questi paradossali incontri con i “vicini”. Gli attori sono tutti accomunati dal fatto che sono arrivati di recente a Berlino a causa della realtà nei loro Paesi, che offre poca speranza per un futuro di pace. Ma così come il desiderio di fuggire da “La Situazione” li unisce, le ragioni che li hanno portati a spostarsi sono diverse: la guerra si è diffusa in Siria dal 2011 e in Israele e in Palestina il clima sociale e politico sta diventando sempre più militante. Gli affitti a Tel Aviv stanno crescendo a capofitto e la vita non è più accessibile a coloro che hanno un reddito medio. Qualunque tentativo di critica alla politica di occupazione e alle posizioni governative è ridicolizzato oppure marchiato come tradimento. Oltre 1.7 milioni di persone in Israele appartengono alla minoranza palestinese, ma la discriminazione nei loro confronti crea poche opportunità per la partecipazione sociale. E in Cisgiordania una quarta generazione sta crescendo sotto assedio. The Situation fa chiarezza sulla confusa mappa del Medio Oriente. La sabbia che scende ci racconta storie di espropriazione, sospetto e rabbia ma anche di ricerca di una nuova vita oltre la guerra a Berlino.The Situation è stato ospitato al Theatertreffen 2016 a Berlino.

PLAY OF THE YEAR 2016

A

nyone who wants to allude to the current political situation in the Middle East in Hebrew or Arabic speaks simply of »The Situation«. Over the past several years many people with roots in »The Situation« have ended up in Berlin, of all places, on their search for a new beginning. Approximately 30,000 Israelis have moved to the former »capital of the perpetrators«, an estimated 5,000 Syrians. Many of them live in Kreuzkölln, next door to long-established German Palestinians and Lebanese.

Their families mostly didn›t »move« fled here. What was previously separated by social and physical walls develops into a new Middle East in Berlin. In her new devised piece, Yael Ronen and the participating actors, whose biographies are intertwined with the conflict in the Middle East, grapple with these paradoxical re-encounters with the »neighbours«.

They are all connected by the fact that they recently came to Berlin because the reality in their countries offers little hope for a peaceful future. But as much as the desire to escape from »The Situation« unites them, the motivations for moving are different: war has been raging in Syria since 2011, and in Israel and Palestine the political and social climate has become increasingly militant. Rents in Tel Aviv are exploding and life is no longer affordable for those with an average income. Any attempt to criticise the policy of occupation and governmental positions is either ridiculed or branded as a betrayal. Over 1.7 million people in Israel belong to the Palestinian minority, but discrimination against them creates little opportunity for social participation. And in the West Bank, a fourth generation is now growing up under occupation. The Situation dusts off the confused road map of the Middle East. The sand that trickles down tells stories of dispossession, disbelief and anger, but also of the search for a life beyond the wars in Berlin. The Situation has been invited to the Theatertreffen 2016 in Berlin.

PIÈCE DE L’ANNÉE 2016

Q

uiconque souhaitant faire allusion à la situation politique actuelle au Moyen-Orient en hébreu ou en langue arabe parle tout simplement de « la Situation ». Au cours des dernières années, de nombreuses personnes ayant des racines dans « la Situation » sont arrivées à Berlin, parmi tous les lieux possibles, à recherche d’un nouveau départ. Près de 30 000 Israéliens ont déménagé dans l’ancienne « capitale des coupables », ainsi que 5000 Syriens selon des estimations.

Une grande partie d’entre eux vit à Kreuzkölln, aux côtés de Libanais et de Palestiniens allemands installés de longue date. Leurs familles pour la plupart n’ont pas « déménagé » ici, mais s’y sont enfuit. Ce qui était auparavant séparé par des murs sociaux et physiques s’est développé en un nouveau Moyen-Orient à Berlin. Dans sa nouvelle pièce, Yael Ronen et les acteurs, dont les biographies sont indissociables du conflit au Moyen-Orient, sont aux prises avec de nouvelles rencontres paradoxales avec les « voisins ». En commun ils ont le fait de s’être tous récemment installés à Berlin car la réalité de leurs pays n’offre guère d’espoir pour un avenir en paix. Mais autant le désir d’échapper à « la Situation » les unit, autant les motivations de leur déménagement sont diverses : la guerre fait rage en Syrie depuis 2011, tandis qu’en Israël et en Palestine le climat politique et social est devenu de plus en plus militant. Les loyers explosent à Tel Aviv et la vie n’est plus abordable pour les personnes disposant d’un revenu moyen.

Toute tentative de critiquer la politique d’occupation et les positions du gouvernement est soit ridiculisée soit considérée comme une trahison. Plus d’1,7 million de personnes en Israël appartiennent à la minorité palestinienne, mais la discrimination qu’elles subissent leur laisse peu d’occasions de participation sociale. Et sur la rive gauche, une quatrième génération est en train de grandir maintenant sous l’occupation. The Situation dépoussière la feuille de route confuse du Moyen-Orient. Le sable qui dégouline raconte des histoires de dépossession, scepticisme et colère, mais aussi la recherche d’une vie au-delà des guerres à Berlin. The Situation a été invitée au Theatertreffen 2016 de Berlin.

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14° Premio Europa Realtà Teatrali 14th Europe Prize Theatrical Realities

ALESSANDRO SCIARRONI

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Ph: © Andrea Macchia

Alessandro Sciarroni BIOGRAFIA BIOGRAPHY

A

lessandro Sciarroni è un artista italiano attivo nell’ambito delle Performing Arts con alle spalle diversi anni di formazione nel campo delle arti visive e di ricerca teatrale.

I suoi lavori vengono presentati in festival di danza e teatro contemporanei, musei e gallerie d’arte, così come in spazi non convenzionali rispetto ai tradizionali luoghi di fruizione e prevedono il coinvolgimento di professionisti provenienti da diverse discipline. Il suo lavoro oltrepassa le tradizionali definizioni di genere. Parte da un’impostazione concettuale di matrice duchampiana, fa ricorso ad un impianto teatrale, e può utilizzare alcune tecniche e pratiche derivanti della danza, e da altre discipline come il circo e lo sport. Oltre al rigore, alla coerenza e alla nitidezza di ogni creazione, i suoi lavori tentano di disvelare, attraverso la ripetizione di una pratica fino ai limiti della resistenza fisica degli interpreti, le ossessioni, le paure e la fragilità dell’atto performativo, alla ricerca di una dimensione temporale altra, e di una relazione empatica tra spettatori e interpreti. Le sue creazioni sono state presentate in tutta Europa, in Nord e Sud America, Medioriente e Asia. Tra le principali manifestazioni ha preso parte alla Biennale de la Danse di Lione, Kunstenfestivaldesarts di Brussels, Impulstanz Festival a Vienna, Festival d’Automne e Festival Séquence Danse del 104 a Parigi, Abu Dhabi Art Fair, Juli Dans Festival ad Amsterdam, Crossing the Line di New York, Hong Kong Art Festival, il Festival TBA di Portland e presentato il suo lavoro presso il Centre Pompidou di Parigi, The Walker Art Center di Minneapolis, il Museo MAXXI di Roma, la Biennale di Venezia (che gli dedica una monografica nel 2017). Alessandro Sciarroni è artista associato del CENTQUATRE-Paris Alessandro ed è sostenuto da APAP – Advancing Performing Arts Projects. I suoi spettacoli sono prodotti da Marche Teatro.

PREMI > 2017 - Hystrio Award >> 2013 – Preimo Rete Critica >> 2013 – Marte Award >> 2012 & 2013 – Premio del miglior spettacolo - Puf Festival de Pola (Croatia) >> 2012 – Miglior artista emergente – Danza&Danza Magazine >> 2008 – Premio Nuove Sensibilità.

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PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

A

lessandro Sciarroni is an Italian artist active in the field of Performing Arts, with several years of experience in visual arts and theatre research. His works are featured in contemporary dance and theatre festivals, museums and art galleries, as well as in unconventional spaces. They often involve professionals from different disciplines.

His work goes beyond the traditional definitions of gender. He starts from a conceptual Duchamp-like matrix, making use of a theatrical framework, and can use techniques and experiences from dance, as well as circus or sport. In addition to the rigour, coherence and clarity of each creation, his work tries to uncover the obsessions, fears and fragilities of the act of performance, through the repetition of a practice to the limits of physical endurance of the interpreters, looking at a different dimension of time, and towards an empathic relationship between the audience and the performers. His works have been performed worldwide: Europe, South and North America, Middle East and Asia. Among the main events in which he has taken part: the Biennale de la Danse in Lyon, Kunstenfestivaldesarts in Brussels, Impulstanz Festival in Wien, the Venice Biennale, the Festival d’Automne and the Festival Séquence Danse at 104 in Paris, Abu Dhabi Art Fair, Crossing The Line Festival New York, Hong Kong Art Festval, Juli Dans Festival Amsterdam, TBA Festival Portland. He has exhibited his work at the Centre Pompidou Paris, The Walker Art Center Minneapolis and the MAXXI Museum in Rome. Alessandro Sciarroni is an associate artist at CENTQUATRE, Paris and is supported by APAP Advancing Performing Arts Projects. His shows are produced by Marche Teatro. AWARDS 2017 - Hystrio Award; 2013 – Rete Critica Award; 2013 – Marte Award; 2012 & 2013 – Best performance - Puf Festival de Pola (Croatia); 2012 – Best emerging artist – Danza&Danza Magazine; 2008 – Nuove Sensibilità Award.

A

lessandro Sciarroni est un artiste italien de Spectacle Vivant qui compte plusieurs années de formation dans le domaine des arts visuels et de la recherche théâtrale. Ses œuvres sont présentées dans des festivals de danse et de théâtre contemporains, des musées et galeries d’art, de même que dans des espaces non conventionnels par rapport aux lieux habituels de spectacle, et ils prévoient la participation de professionnels issus de différentes disciplines. Son travail va au-delà des définitions traditionnelles de genre. Il part d’une base conceptuelle de matrice duchampienne, a recours à une structure théâtrale et peut utiliser certaines techniques et pratiques dérivant de la danse et d’autres disciplines comme le cirque et le sport. Outre la rigueur, la cohérence et la netteté de chaque création, ses œuvres ont tendance à dévoiler, au travers de la répétition d’une pratique jusqu’aux limites de la résistance physique des interprètes, les obsessions, les peurs et la fragilité de l’acte du spectacle, à la recherche d’une autre dimension temporelle et d’une relation empathique entre spectateurs et interprètes. Ses créations ont été présentées dans toute l’Europe, en Amérique du Nord et du Sud, au Moyen-Orient et en Asie. Il a participé à de nombreuses manifestations, notamment à la Biennale de la Danse de Lyon, au Kunstenfestivaldesarts de Bruxelles, à l’Impulstanz Festival de Vienne, au Festival d’Automne et au Festival Séquence Danse du 104 à Paris, à l’Abu Dhabi Art Fair, au Juli Dans Festival à Amsterdam, au Crossing the Line de New York, au Hong Kong Art Festival et au Festival TBA de Portland.

En outre, il a présenté son travail au Centre Pompidou de Paris, au The Walker Art Center de Minneapolis, au Musée MAXXI de Rome et à la Biennale de Venise (qui lui consacre une rétrospective en 2017). Alessandro Sciarroni est artiste associé du CENTQUATRE-Paris et il est soutenu par l’APAP (Advancing Performing Arts Projects). Ses spectacles sont produits par Marche Teatro. PRIX > 2017 - Hystrio Award >> 2013 – Prix Rete Critica >> 2013 – Marte Award >> 2012 & 2013 – Prix du meilleur spectacle - Puf Festival de Pola (Croatie) >> 2012 – Meilleur artiste émergent – Danza&Danza Magazine >> 2008 – Prix Nuove Sensibilità.

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© Alfredo Anceschi

untitled_ I WILL BE THERE WHEN YOU DIE will you still love me tomorow?_PROJECT 2012-2015 di / by: con / with: musica originale, suono, training / original music, sound, training: disegno luci / lighting design: cura tecnica / tecnical manager: consulenza drammaturgica / dramaturgical consultant:

Alessandro Sciarroni Lorenzo Crivellari, Edoardo Demontis, Victor Garmendia Torija, Pietro Selva Bonino Pablo Esbert Lilienfeld Rocco Giansante Cosimo Maggini Antonio Rinaldi Peggy Olislaegers

osservazione dei processi creativi / study of process

Matteo Ramponi

cura del progetto / project curator:

Lisa Gilardino

direttore di produzione / production director:

Marta Morico

organizzazione / organisation: organizzazione casting / casting organisation: ufficio stampa / press office: produzione / production: coproduzione / wit:

première / première: durata / length:

Chiara Fava Benedetta Morico Beatrice Giongo MARCHE TEATRO Teatro Stabile Pubblico– CORPOCELESTE_C.C.00# Comune di Bassano del Grappa-Centro per la Scena Contemporanea, Biennale de la danse -Maison de la Danse de Lyon, AMAT, Mercat de les Flors-Graner (Barcelona), Dance Ireland Ancona 17 July 2013 50 minuti

Realizzato nell’ambito del progetto europeo Modul Dance promosso dall’European Dancehouse Network con il sostegno del Programma Cultura 2007-13 dell’Unione Europea e di Centrale Fies e Santarcangelo dei Teatri •12 •13 •14 Festival Internazionale del Teatro in Piazza Realized in the frame of the EU Modul Dance project promoted by the European Dancehouse Network with the support of the EU Cultural Programme 2007-13 Centrale Fies Santarcangelo dei Teatri •12 •13 •14 Festival Internazionale del Teatro in Piazza

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U

NTITLED_I will be there when you die è una pratica performativa e coreografica sul passare del tempo che nasce da una riflessione sull’arte di manipolare con destrezza gli oggetti: la giocoleria. Questo lavoro rappresenta il secondo capitolo di un progetto più ampio intitolato Will you still love me tomorrow?, la ricerca che Alessandro Sciarroni intende realizzare sui concetti di sforzo, costanza e resistenza (Folk-s, 2012 - UNTITLED_I will be there when you die, 2013- AURORA 2015). In questo lavoro il toss juggling (lancio di oggetti) evoca la fragilità dell’esistenza umana.

L’esibizione del giocoliere è costituita da diversi tipi di tiri di lancio (tricks). Le figure che si possono eseguire sono pressoché infinite, sia per varianti «fisiche» che per le variazioni di schema (pattern) giocato. Il passing è un modo per giocolare in compagnia. È l’attività principale che viene svolta durante un incontro con altri giocolieri. L’idea è spogliare quest’arte circense dagli stereotipi cui viene comunemente associata nell’immaginario collettivo ed esplorarla in quanto linguaggio. Pratica, regola, disciplina, impegno, concentrazione, sono gli elementi costitutivi di questo lavoro che costringono gli interpreti a stare nel tempo presente, senza possibilità di tornare indietro, ancora e ancora e ancora.

La creazione è stata invitata, tra l’altro, alla Biennale Danza di Venezia, Romauropa Festival, Festival D’Automne à Paris, Julidans ad Amsterdam, Abu Dhabi Art Fair Abu Dhabi, United Arab Emirates, Tanz In August a Berlin, Zurcher Speaktakel, Festival Panorama, Rio De Janeiro, BIPOD Dance Platform Beirut, The Walker Arts Centre, Minneapolis.

U

NTITLED_I will be there when you die is a choreographic and performative practice on the passing of time born out of a reflection on the art of juggling. This work represents the second chapter of a larger project entitled Will you still love me tomorrow?

A research on the concepts of strain, perseverance and endurance (Folk-s, 2012 - UNTITLED_I will be there when you die, 2013 - AURORA 2015). In this new work the toss juggling (the throwing of objects) evokes the fragility of human existence. If Folk-s is a performance without eyes composed by ear, following the rhythm, I will be there when you die is like a work written with the eye. The stunt of the juggler is made of different types of tricks. The patterns that can be created are almost endless, owing to the combination between the physical variations (throws from under the leg, under the arm, above the head, etc.) and the chosen pattern. ‘Passing’ is a mode of juggling with others. It’s the most important activity during the meeting with other jugglers. Two, three, ten, twenty people can pass objects to each other, using tempos and rhythms that are now standardised all over the world The idea is to strip away all the stereotypes that are commonly associated to this circus art in the collective imagination to allow its exploration as a language. Practice, rule, discipline, commitment, concentration, are the building blocks of this work that force the actors to stay in the present time, no chance to go back, again and again and again. The piece has been invited among others at La Biennale Danza di Venezia, Romauropa Festival, Festival D’Automne à Paris, Le 104 Paris, Festival Spring Cherbourg, Festival Mirabilia, Julidans in Amsterdam, Abu Dhabi Art Fair Abu Dhabi, United Arab Emirates, Tanz Im August in Berlin, Zurcher Speaktakel, Festival Panorama Rio de Janeiro, Théâtre de Vidy, Lausanne, Festival BIPOD Beirut, Athens Festival, TBA Festival Portland and The Walker Arts centre, Minneapolis.

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NTITLED_I will be there when you die est une performance chorégraphique sur le temps qui passe, issue d’une réflexion sur l’art de manipuler avec dextérité les objets : la jonglerie. Cette œuvre représente le second chapitre d’un projet plus vaste intitulé Will you still love me tomorrow?, la recherche qu’Alessandro Sciarroni souhaite réaliser sur les notions d’effort, de constance et de résistance (Folk-s, 2012 UNTITLED_I will be there when you die, 2013- AURORA 2015). Dans cette œuvre, le toss juggling (lancer d’objets) évoque la fragilité de l’existence humaine. Le spectacle du jongleur est formé de plusieurs types de lancers (tricks). Les figures qu’il est possible d’effectuer sont presque infinies, tant dans les variantes « physiques » que dans les variations de schéma (pattern) joué. Le passing est une manière de jongler à plusieurs. C’est l’activité principale qui est réalisée durant une rencontre avec d’autres jongleurs. L’idée est de dépouiller cet art du cirque des stéréotypes auxquels il est couramment associé dans l’imaginaire collectif et de l’explorer en tant que langage. Pratique, règle, discipline, application et concentration sont les éléments constitutifs de ce travail qui obligent les interprètes à rester dans le temps présent, sans pouvoir revenir en arrière, encore et encore et encore. La création a été invitée, entre autres, aux manifestations suivantes : Biennale de Danse de Venise, Romauropa Festival, Festival d’Automne à Paris, Julidans à Amsterdam, Abu Dhabi Art Fair à Abu Dhabi, aux Émirats arabes unis, Tanz In August à Berlin, Zurcher Speaktakel, Festival Panorama de Rio de Janeiro, BIPOD Dance Platform de Beyrouth et The Walker Arts Centre de Minneapolis.

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14° Premio Europa Realtà Teatrali 14th Europe Prize Theatrical Realities

KIRILL SEREBRENNIKOV

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Kirill Serebrennikov BIOGRAFIA BIOGRAPHY

K

irill Serebrennikov è nato nel 1969 a Rostov-on-Don. Laureato in fisica all’Università di Stato di Rostov nel 1992, dal 1994 ha diretto una serie di spettacoli nei teatri di Rostov. La sua prima produzione a Mosca è stata Plasticine di Vassily Sigarev al Playwright and Directing Centro di Drammaturgia e Regia (2001). Le sue produzioni nei teatri di Mosca includono: Some Explicit Polaroids di Mark Ravenhill al Teatro Pushkin, Terrorism and Playing the Victim di Fratelli Presnyakov, La piccola borghesia di Maxim Gorky, La foresta di Alexander Ostrovsky, La famiglia Golovlyov di Mikhail SaltykovShchedrin, The Pillowman di Martin McDonagh, Kizhe di Yury Tynyanov, L’Opera da tre soldi di Bertolt Brecht, L’appartamento di Zoya di Mikhail Bulgakov al Teatro d’Arte di Mosca, La dolce ala della giovinezza di Tennessee Williams, La piccola pioniera nuda di Mikhail Kononov, Antonio e Cleopatra di Shakespeare messo in scena al teatro “Sovremennik” ed altri spettacoli. Le sue regie di opera comprendono presso Jeanne d’Arc au bücher lo Stake di Arthur Honegger (Musica Internazionale di Musica di Mosca, nell’ambito dell’invito di Vladimir Spivakov ... festival, con l’Orchestra Nazionale Filarmonica Nazionale Russo di Vladimir Spivakov), Falstaff di Giuseppe Verdi (Teatro Mariinsky, diretto da Valery Gergiev), Persefone di Igor Stravinsky (Musica Internazionale di Musica di Mosca, nell’ambito del Chereshnevy Les festival), Mysterion (dopo De Temporum Fine Comoedia di Carl Orff , Concerto di Chaikovsky, diretto da Teodor Currentzis, nel quadro del Territoryfestival), The Golden Cockerel (al Teatro Bolshoi, diretto da Vassily Sinaisky), American Lulu di Alban Berg / Olga Neuwirth (Komische Oper Berlin). È ideatore e scenografo del progetto internazionale di beneficenza Requiem (di Alexei Sioumak, con l’Orchestra Nazionale Russa, diretta da Teodor Currentzis, presso il Teatro d’Arte di Mosca). Dal 1991 dirige Kirill Serebrennikov in TV, dal 1998 è un regista. Tra i suoi film sono: The Swallow, Mysteries of the Storm, The Undressed, Il diario di un assassino, Rostov-Daddy, Storie di letto, Giocare con la vittima (Gran premio del film Kinotavr e del festival cinematografico di Roma), Yuriev Den, Tradimento. Kirill Serebrennikov è anche laureato del festival di film di Locarno. Dal 2006, Kirill Serebrennikov è uno dei direttori artistici del Territorio internazionale del festival-scuola.

Dal 2011 è direttore artistico dello Studio Seven, uno dei residenti del Centro Gogol, giovane collezione che si compone degli ex studenti di Kirill Serebrennikov alla scuola di teatro d’arte di Mosca. È anche il fondatore e il direttore artistico del progetto «Piattaforma» del Centro dell›arte contemporanea «Winzavod». Fin dal’agosto del 2012, Kirill Serebrennikov è il direttore artistico del Centro Gogol.

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PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

K

irill Serebrennikov was born in 1969 in Rostovon-Don. Graduated in physics from the Rostov State University in 1992.Since 1994, has directed a number of performances in Rostov theatres.

His first Moscow production was Plasticine by Vassily Sigarev at the Playwright and Directing Centre (2001). His productions in Moscow theatres include: Some Explicit Polaroids by Mark Ravenhill at the Pushkin Theatre, Terrorism and Playing the Victim by the Presnyakov brothers, The Petty Bourgeoisie by Maxim Gorky, The Forest by Alexander Ostrovsky, The Golovlyov Family by Mikhail Saltykov-Shchedrin, The Pillowman by Martin McDonagh, Kizhe by Yury Tynyanov, The Threepenny Opera by Bertolt Brecht, The Zoya’s apartment by Mikhail Bulgakov at the Moscow Art Theatre, Sweet Bird of Youth by Tennessee Williams, The Naked Pioneer by Mikhail Kononov and Antony and Cleopatra. A Version by Shakespeare at the “Sovremennik” theatre, and other shows.

His stage adaptations of music pieces include Joan of Arc at the Stake (Jeanne d›Arc au bûcher) by Arthur Honegger (Moscow International House of Music, within the framework of the Vladimir Spivakov invites…festival, with the Russian National Philharmonic Orchestra, conducted by Vladimir Spivakov), Falstaff by Giuseppe Verdi (Mariinsky theatre, conducted by Valery Gergiev), Persephone by Igor Stravinsky (Moscow International House of Music, within the framework of the Chereshnevy Les festival), Mysterion (after De Temporum Fine Comoedia by Carl Orff, Chaikovsky Concert Hall, conducted by Teodor Currentzis, within the framework of the Territoryfestival), The Golden Cockerel (at the Bolshoi Theatre, conducted by Vassily Sinaisky), American Lulu by Alban Berg / Olga Neuwirth (Komische Oper Berlin).

He is also author of the concept and stage director of the international charity project Requiem (by Alexei Sioumak, with the Russian National Orchestra, conducted by Teodor Currentzis, at the Moscow Art Theatre).Since 1991 Kirill Serebrennikov directs on TV, since 1998 he is a film director. Among his films are: The Swallow, Mysteries of the Storm, The Undressed, The Diary of a Murderer, RostovDaddy, Bed Stories, Playing the Victim (Grand-prix of Kinotavr film festival and of Rome film festival), Yuriev Den, Betrayal. Kirill Serebrennikov is also a laureate of the Locarno film festival. Since 2006, Kirill Serebrennikov is one of the art-directors of the international festivalschool Territory. Since 2011, he is the artistic director of the Studio Seven, one of the residents of the Gogol Center - a young collective which consists of the former Kirill Serebrennikov›s students at Moscow Art Theatre School. He is also the founder and the artistic director of the «Platform» project in the Center of the Contemporary Art «Winzavod».

Since the August of 2012, Kirill Serebrennikov is the artistic director of Gogol Center.

K

irill Serebrennikov est né en 1969 à Rostov-surle-Don. Il s’est diplômé en sciences physiques à l’Université d’État de Rostov en 1992. À partir de 1994, il a monté plusieurs spectacles dans des théâtres de Rostov.

Sa première pièce moscovite est Plasticine de Vassily Sigarev au Centre de dramaturgie et mise en scène (2001). Ses mises en scène dans les théâtres de Moscou comprennent notamment : Some Explicit Polaroids de Mark Ravenhill au Théâtre Pouchkine, Terrorisme et Jouer les victimes des frères Presnyakov, Les Petits Bourgeois de Maxime Gorki, La Forêt d’Alexandre Ostrovski, Les Golovlev de Mikhaïl SaltykovChtchedrine, The Pillowman de Martin McDonagh, Kizhe de Yuri Tinianov, L’Opéra de quat’sous de Bertolt Brecht, L’appartement de Zoïka de Mikhaïl Boulgakov au Théâtre d’art de Moscou, Doux oiseau de jeunesse de Tennessee Williams, Le pionnier nu de Mikhail Kononov et Antoine et Cléopâtre.

Une Version de Shakespeare au Théâtre Sovremennik.

Ses adaptations sur scène de pièces musicales comprennent Jeanne d’Arc au bûcher d’Arthur Honegger (Maison internationale de la musique à Moscou dans le cadre du festival Vladimir Spivakov invite…, avec l’Orchestre Philarmonique National Russe dirigé par Vladimir Spivakov), Falstaff de Giuseppe Verdi (dirigé par Valeri Guerguiev au Théâtre Mariinsky), Perséphone d’Igor Stravinsky (Maison internationale de la musique à Moscou dans le cadre du festival Chereshnevy Les), Mysterion (d’après De temporum fine comœdia de Carl Orff, dans la Salle de concert Tchaïkovski, dirigé par Teodor Currentzis, dans le cadre du festival Territory), Le Coq d’or (au Théâtre du Bolchoï, dirigé par Vassily Sinaisky) et American Lulu d’Alban Berg / Olga Neuwirth (Komische Oper Berlin).

Il est également l’auteur du concept et le metteur en scène de théâtre du projet caritatif international Requiem (d’Alexeï Sioumak, avec l’Orchestre National Russe, dirigé par Teodor Currentzis, au Théâtre d’art de Moscou). Kirill Serebrennikov tourne des films pour la télévision depuis 1991 et pour le cinéma depuis 1998. Sa filmographie comprend notamment L’hirondelle, Mystères de la tempête, Nus, Journal d’un assassin, Rostov-Papa, Histoires de lit, Jouer les victimes (Grand Prix du festival de cinéma Kinotavr et du festival de cinéma de Rome), Un jour sans fin à Youriev et L’Adultère. Kirill Serebrennikov a également été récompensé par le festival du cinéma de Locarno.

Depuis 2006, Kirill Serebrennikov est l’un des directeurs artistiques du festival-école international Territory. Depuis 2011, il est le directeur artistique du Studio Seven, l’un des résidents du Centre Gogol – un jeune collectif formé d’anciens élèves de Kirill Serebrennikov à l’école du Théâtre de l’art de Moscou. Il est également le fondateur et le directeur artistique du projet « Platform » dans le Centre d’art contemporain Winzavod.

Depuis août 2012, Kirill Serebrennikov est le directeur artistique du Centre Gogol.

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14° Premio Europa Realtà Teatrali 14th Europe Prize Theatrical Realities

THEATRE NO99

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Ph: © Tiit Ojasoo

Theatre NO99 BIOGRAFIA BIOGRAPHY

I

l Teatro N099 è nato nel 2005 a Tallin ed è stato fondato dall’artista interdisciplinare EneLiis Semper (1969) e il regista teatrale Tilit Ojasoo (1977). L’opera del Teatro NO99, che ruota intorno ai suoi dieci attori, è nota tra gli esperti del teatro europeo per la sua unica energia scenica e l’originale idea del progetto, sviluppato ex novo e in maniera collettiva.

Il Teatro NO99 è basato su un particolare concetto artistico che prevede di allestire solo novantanove spettacoli, per l’intera esistenza della Compagnia, e poi di sciogliersi. Ogni messinscena è numerata, quindi le opere del teatro N099 sono un continuo conto alla rovescia verso lo zero, sottolineando la caducità del teatro come forma d’ arte. Il teatro NO99 propone un lavoro seriale d’arte contemporanea.

Ene-Liis Semper e Tiit Ojasoo hanno formato un duo indispensabile che, insieme agli attori, ha cambiato il teatro estone ed europeo. Le loro opere combinano un allestimento visivamente espressivo con una rara abilità di dare forma artistica ai fenomeni più complessi in un modo che è energico sia dal punto di vista poetico che sociale. Avendo lavorato con Semper e Ojasoo così come con altri registi, gli attori del Teatro NO99 sono noti per la loro versatilità che combina una straordinaria presenza scenica, tipica dell’istallazione, con elementi del teatro fisico e della recitazione psicologica tradizionale. Questa combinazione di vecchie e nuove tecniche e mescolanza di diverse forme d’arte è rara, specialmente nel contesto del teatro di repertorio.

Hanno lavorato nelle più svariate forme: da messinscene tradizionali a rappresentazioni fuori dal teatro, da spettacoli su larga scala per mille persone a istallazioni architettoniche.

Negli anni, il Teatro NO99 è stato conosciuto a livello internazionale per lavori come NO93 Oil!, NO88 Hot Estonian Guys, NO75 Unified Estonia Assembly, NO71 Straw Theatre, NO69 Three Kingdoms, NO63 How To Explain Pictures To A Dead Hare, NO60 Every True Heartbeat, NO51 My Wife Got Angry, NO43 Filth and NO42 El Dorado. Il Teatro NO99 è stato presentato a numerosi festival e in numerose sedi in Europa come la Biennale di Venezia, il Festival d’Avignon, il Wiener Festwochen, il Teatro dell’Odéon e il Nanterre Amandiers in Paris, il KVS a Brussels, il Deutsches Theater e HAU a Berlino.

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PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

T

heatre NO99 was born in 2005 in Tallinn, founded by interdisciplinary artist Ene-Liis Semper (1969) and theatre director Tiit Ojasoo (1977). Centred around its ten actors, the ouevre of Theatre NO99 is known among the connoisseurs of European theatre for the unique stage energy and the original conceptual work jointly developed from scratch. Theatre NO99 is artistically based on a special concept of only doing 99 productions during the theatre’s existence, and then dissolving. Each production is numbered, so Theatre NO99’s work is a continous countdown toward zero, underlining the inherent ephemerity of theatre as an artform.

Theatre NO99 is a serial work of contemporary art.

Ene-Liis Semper and Tiit Ojasoo have formed an indispensable duo that together with the actors has changed Estonian and European theatre.Their works combine visually expressive staging with a rare ability to give artistic form to the most complex phenomena in a way that is vibrant both poetically and societally.

Working with Semper and Ojasoo as well as with other directors, the actors of Theatre NO99 are known for their versatility combing extraordinary presence and installative awareness with elements of physical theatre and traditional psychological acting. This combination of old and new techniques and mixture of different artforms is especially rare in the context of repertory theatre. They have worked in wildly various formats: from stage productions to non-stage situations, from large scale spectacles for thousands of spectators at a time to architectural installations.

Over the years Theatre NO99 has been known internationally for works such as NO93 Oil!, NO88 Hot Estonian Guys, NO75 Unified Estonia Assembly, NO71 Straw Theatre, NO69 Three Kingdoms, NO63 How To Explain Pictures To A Dead Hare, NO60 Every True Heartbeat, NO51 My Wife Got Angry, NO43 Filth and NO42 El Dorado. Theatre NO99 has been presented at numerous festivals and venues around Europe such as Biennale di Venezia, Festival d’Avignon, Wiener Festwochen, Theatre de l’Odeon and Nanterre Amandiers in Paris, KVS in Brussels, or Deutsches Theater and HAU in Berlin.

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ear Le théâtre NO99, fondé par Ene-Liis Semper (1969), artiste indisciplinaire, et Tiit Ojasoo (1977), directeur de théâtre, a vu le jour à Tallinn en 2005. Gravitant autour de ses dix acteurs, l’œuvre du Théâtre NO99 est connue des spécialistes du théâtre européen pour son énergie unique sur scène et pour le travail conceptuel original conjointement développé à partir du néant. Le théâtre NO99 repose sur un concept artistique particulier, celui de faire seulement 99 spectacles pendant l’existence du théâtre et de se dissoudre ensuite. Chaque spectacle est numéroté, le travail du théâtre NO99 est ainsi un compte à rebours continu, ce qui souligne la fugacité intrinsèque du théâtre comme forme d’art. Le théâtre NO99 est une oeuvre de série d’art contemporain.

Ene-Liis Semper et Tiit Ojasoo formèrent un duo indispensable qui, en compagnie des acteurs, changea aussi bien le théâtre estonien qu’européen.

Leurs œuvres combinent une mise en scène visuellement expressive avec une capacité rare de donner une forme artistique aux phénomènes les plus complexes de façon vivante, aussi bien poétiquement que socialement.Travaillant avec Semper et Ojasoo comme avec d’autres metteurs en scène, les acteurs du Théâtre NO99 sont connus pour leur polyvalence qui mélange à la fois une présence extraordinaire et une connaissance installative des éléments de théâtre physique et du jeu psychologique traditionnel.

Cet enchevêtrement de vieilles et nouvelles techniques et le mélange de différentes formes d’art est particulièrement rare dans le contexte de théâtre de répertoire. Ils ont travaillé sous les formes les plus diverses: à partir de productions scéniques jusqu’aux situations hors scène, et de spectacles à grande échelle pour des milliers de spectateurs aux installations architecturales.

Au fil des ans le Théâtre NO99 acquit une renommée internationale pour des oeuvres comme NO93 Le pétrole!, NO88 ГЭП Hot Estonian Guys, NO75 Estonie unie, NO71 Théâtre de paille, NO69 Three Kingdoms, NO63 Comment expliquer des tableaux à un lièvre mort, NO60 Chaque vrai battement de coeur, NO51 Ma femme m’a fait une scène, NO43 Saleté et NO42 El Dorado. Le théâtre NO99 a été présenté à de nombreux festivals ainsi qu’à des salles à peu pres partout en Europe.

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© Tiit Ojasoo

NO43 FILTH Regia – Direttore Artistico / Directors - Art Directors: Bodywork: Luci / Light Design: Musica / Musical Design: Interpreti / Cast:

Durata / Duration:

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Ene-Liis Semper, Tiit Ojasoo Jüri Nael Petri Tuhkanen Jakob Juhkam, Tiit Ojasoo, Ene-LIis Semper Marika Vaarik Helena Pruuli Rea Lest Rasmus Kaljujärv Ragnar Uustal Gert Raudsep Simeoni Sundja Jörgen Liik Reimo Sagor (as a guest) 1h 55 minuti / minutes

“

In assenza di una continuità culturale, il collasso si era verificato con una rapidità frenetica. Era avvenuto con spensierata semplicità, senza conflitti né qualunque genere di violenza o protesta. Non ci sono state neanche vere e proprie discussioni a riguardo.”

(Michael Houellebecq) Ci sono coloro che considerano il mondo contemporaneo come la più grande invenzione del genere umano.

Poi ci sono coloro che credono che oggi tutto si riduca all’ esistenza individuale. Nascere umano è un qualcosa di ordinario. Rimanere umano, piuttosto, è una conquista eroica. Qualunque cosa ci portiamo dentro ci riporta indietro al minimo comun denomimatore. In NO43 Filth ci sono nove attori sul palco, ossia noi stessi. Loro sono lì dal principio. L’ assurdità e il peso della vita che è predestinata ma anche completamente casuale, comincia lentamente ad affondare. L’ evoluzione è terminata. Non accade nulla. Le relazioni si sviluppano tra persone cariche di ansia, collera, vuoto, frustrazione e detriti creati all’ animo umano. Gli attori sono costretti nel fango e se rigirandoti in questa poltiglia guardi in alto, ciò che vedi non sono le stelle, bensì gli occhi scintillanti di altri esseri umani pieni di rabbia.

“

In the absence of cultural continuity, collapse had occurred at a frenzied pace. It had taken place with playful ease, without conflicts or any sort of violence or protest. Even actual discussions had not taken place.”

(Michel Houellebecq) There are those who consider the contemporary world to be the the biggest invention of mankind.

And then there are those who think that today everything is reduced to individual existence. To be born human is something ordinary. It is to remain human that is a heroic achievement. Everything that we carry within us forces us back to the same lowest denominator. In ‘NO43 Filth’ there are nine people on stage, that is: ourselves. They have been there since the beginning. The absurdity and the burden of of life being predestined and yet totally serendipitous, slowly starts to sink in. Evolution has ended. Nothing happens. Relationships develop between people that are filled with tension, rage, emptiness, frustration and debris created by the human soul. People are pushed into mud and turning yourself around in it and looking up, what you see is not stars, but the gleaming eyes of other humans, full of rage.

“

En l’absence de continuité culturelle, l’effondrement s’est produit à un rythme effréné. Il a eu lieu avec une extrême facilité, sans conflits ni aucune sorte de violence ou de protestation. Même les discussions actuelles n’ont pas eu lieu » (Michel Houellebecq) Il y a ceux qui considèrent que le monde contemporain est la plus grande invention de l’humanité. Et puis il y a ceux qui pensent qu’aujourd’hui tout se réduit à l’existence individuelle. Être né humain est une chose ordinaire. Rester humain est en revanche un exploit héroïque. Tout ce que nous portons en nous nous force à revenir au plus petit dénominateur commun.

Dans NO43 Filth, neuf personnes sont sur scène, c’est-à-dire nous-mêmes. Elles sont là depuis le début.

L’absurdité et le fardeau de la vie étant prédestinés et pourtant totalement fortuits, ils commencent lentement à pénétrer. L’évolution est terminée. Il ne se passe rien.

Les relations se développent entre des gens remplis de tension, rage, vide, frustration et débris créés par l’âme humaine. Des gens sont poussés dans la boue et quand vous vous retournez dedans et que vous levez les yeux, vous ne voyez pas des étoiles, mais les yeux brillants d’autres êtres humains, remplis de rage.

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Premio speciale Special Prize

DIMITRIS

PAPAIOANNOU

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Ph: © Miltos Athanasiou

Dimitris Papaioannou BIOGRAFIA BIOGRAPHY

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ato ad Atene nel 1964, Dimitris Papaioannou ha inizialmente guadagnato la fama come pittore e fumettista, prima che il suo interesse principale si spostasse alle arti performative come regista, coreografo, attore, scenografo, costumista, truccatore e tecnico delle luci. È stato allievo del pittore greco iconico Yannis Tsarouchis prima di aver frequentato l’Accademia di Belle Arti di Atene. Ha formato l’Edafos Dance Theatre nel 1986, punto di partenza per i suoi lavori teatrali, ibridi tra teatro fisico, danza sperimentale, e performance d’arte. Partendo da un mondo underground, la compagnia ha lanciato una sfida alle varie tipologie di percezione e ha appassionato un numero vasto di spettatori che è andato sempre crescendo. Medea (1993) ha segnato il passaggio della compagnia ai grandi teatri ed è considerato un lavoro iconico. La compagnia Edafos è stata attiva per 17 anni, fino al 2002, e ha lasciato il suo marchio indelebile nelle arti sceniche in Grecia. Papaioannou è diventato famoso nel 2004, come direttore artistico delle cerimonie d’apertura e di chiusura dei Giochi Olimpici di Atene. Tornato nel 2006, con la sua messinscena 2, si è ritrovato nella strana posizione di dover portare in scena lavori di avanguardia nei maggiori teatri di Atene che hanno ottenuto un enorme successo, con oltre 100.000 biglietti venduti.

Nel 2009 ha iniziato a usare questa modalità per creare esperimenti teatrali su larga scala: Nowhere (2009) per l’inaugurazione del rinnovato al Teatro Nazionale Greco e Inside (2011) per il teatro Pallas. Nel 2012, riducendo il suo lavoro all’essenziale, ha creato Primal Matter per il Festival di Atene, tornando lui stesso sul palco dopo dieci anni di assenza. Con la stessa richiesta di semplicità, ha dato vita Still Life (2014), il suo primo lavoro che ha fatto un lungo tour in Europa, Sud-America, Asia e Australia. Nel 2015 ha creato la cerimonia di apertura per i primi Giochi Europei del 2015 a Baku.

Le 25 messinscene di Papaioannou variano da spettacoli di massa con migliaia di performer, a opere intime, apparsi in una ampia diversità di sedi: dal suo famoso teatro underground di uno squat di Atene, all’antico teatro a Epidauro, dagli stadi olimpici al Théâtre de la Ville di Parigi e al Teatro Olimpico di Vicenza. Nel 2017 ha diretto The Great Tamer (Il grande domatore), il suo primo lavoro co-commissionato con altri dieci co-produttori e portato al Festival d’Avignone. Fino al 2019 The Great Tamer sarà in una tournée a livello internazionale.

Nel 2018 Dimitris Papaioannou sarà il primo artista a creare un nuovo e integrale lavoro per il Tanztheater Pina Bausch di Wuppertal.

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PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

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orn in Athens in 1964, Dimitris Papaioannou gained early recognition as a painter and comics artist, before his focus shifted to the performing arts, as director, choreographer, performer, and designer of sets, costumes, make up, and lighting. He was a student of the iconic Greek painter Yannis Tsarouchis before studying at the Athens School of Fine Arts.

He formed Edafos Dance Theatre, in 1986 as an initial vehicle for his original stage productions, hybrids of physical theatre, experimental dance, and performance art. Originating in the underground scene, the company challenged perceptions and gained an expanding number of dedicated followers. MEDEA (1993) marked the company’s transition to big theatres and is considered its iconic work. The Edafos company spanned 17 years, to 2002, and set its indelible stamp on the arts scene in Greece. Papaioannou became widely known in 2004, as the creator of the Opening and Closing Ceremonies of the ATHENS 2004 Olympic Games. Restarting in 2006, with his production ‘2’, he found himself in the odd position of creating avant-garde works in major theatres in Athens that enjoyed record-breaking long runs, with over 100.000 tickets sold. In 2009, he began using this platform to create theatrical experiments on a large scale: NOWHERE (2009) for the inauguration of the renovated Greek National Theatre and INSIDE (2011) for the Pallas Theater. In 2012, stripping down his work to bare essentials, he created PRIMAL MATTER for the Athens Festival, with him back on stage after a ten-year absence. On the same quest for simplicity, he created STILL LIFE (2014), the first work that toured extensively in Europe, South America, Asia, and Australia. In 2015, he created the Opening Ceremony for the Baku 2015 First European Games. Papaioannou’s 25 productions range from mass spectacles with thousands of performers, to intimate pieces, and have appeared in a wide variety of venues, from his famous underground squat theater in Athens, to the ancient theatre in Epidaurus, and from Olympic stadiums to Théâtre de la Ville – Paris, and Teatro Olimpico in Vicenza. In 2017, he created THE GREAT TAMER, his first international cocommissioned work with ten co-producers, including the Festival d’Avignon. THE GREAT TAMER is on an international tour, scheduled until 2019. In 2018, Dimitris will become the first artist to create a new, full-length work for Tanztheater Wuppertal Pina Bausch.

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é à Athènes en 1964, Dimitris Papaioannou s’est d’abord fait connaître en tant que peintre et auteur de BD, avant de se tourner vers les arts vivants en tant que metteur en scène, chorégraphe, performeur et créateur de décors, costumes, maquillage et éclairage. Il a été l’élève du légendaire peintre grec Yannis Tsarouchis avant d’étudier à l’École des Beaux-Arts d’Athènes. Il fonde la compagnie Edafos Danse Théâtre en 1986 pour mettre en scène ses productions originales, mêlant théâtre physique, danse expérimentale et performance artistique.

Issue de la scène underground, la compagnie remet en question les perceptions et gagne un nombre croissant de fans. MEDEA (1993) marque la transition de la compagnie vers les grands théâtres et est considérée comme son œuvre iconique. La compagnie Edafos a existé pendant 17 ans, jusqu’en 2002, et a laissé une trace indélébile sur la scène artistique grecque. La renommée de Papaioannou augmente considérablement en 2004, lorsqu’il conçoit les cérémonies d’ouverture et de clôture des Jeux olympiques d’Athènes 2004. Il revient au théâtre en 2006 avec sa pièce ‘2’ et se retrouve dans la position étrange de créer des œuvres avant-gardistes sur les plus grandes scènes d’Athènes, qui sont jouées pendant une durée record avec plus de 100 000 billets vendus. En 2009, il commence à utiliser cette plateforme pour créer des expériences théâtrales sur grande échelle : NOWHERE (2009) pour l’inauguration du Théâtre National Grec rénové et INSIDE (2011) pour le théâtre Pallas. En 2012, en réduisant son travail à l’essentiel, il crée PRIMAL MATTER pour le Festival d’Athènes, en revenant sur les planches après une absence de 10 ans. Toujours en quête de simplicité, il conçoit STILL LIFE (2014), sa première pièce emmenée en tournée en Europe, Amérique du Sud, Asie et Australie. En 2015, il crée la cérémonie d’ouverture de la première édition des Jeux Européens de Bakou. Les 25 productions de Papaioannou vont des spectacles de masse avec des centaines de performeurs jusqu’aux pièces intimistes, et sont apparues dans une grande variété d’endroits, de son célèbre théâtresquat underground à Athènes jusqu’au théâtre antique d’Épidaure, des stades olympiques au Théâtre de la Ville de Paris et au Teatro Olimpico de Vicence. En 2017, il crée THE GREAT TAMER, sa première œuvre internationale sur commission avec dix coproducteurs dont le Festival d’Avignon. THE GREAT TAMER sera en tournée internationale jusqu’en 2019. En 2018, Dimitris deviendra le premier artiste à créer une nouvelle œuvre complète pour le Tanztheater Wuppertal Pina Bausch.

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RITORNI RETURNS

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Ritorni Returns

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Ph: © Tommaso Le Pera

Giorgio Barberio Corsetti BIOGRAFIA BIOGRAPHY

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iorgio Barberio Corsetti è attore, autore e regista teatrale e di lirica in Italia e all’Estero, è stato direttore della Biennale Teatro di Venezia (1999/2001), consulente di Musica per Roma per danza e teatro (2005/2009), ha diretto per sei anni il Festival di nuovo circo “Metamorfosi” a Roma, ha collaborato come consulente e direttore artistico al FestiVal di Villa Adriana a Tivoli, ha ideato e curato il Festival “Vertigine”, dedicato al teatro emergente italiano. Da decenni è impegnato ad esplorare attraverso i suoi spettacoli il confine tra il teatro e le altre arti: arti visive, poesia, scrittura, musica, arti circensi, videoarte, danza. Il territorio delle sue ricerche e delle sue opere in Italia ed all’estero è di volta in volta definito da nuclei poetici molto diversi tra loro, ma ugualmente potenti, quali la scrittura di Kafka, Goethe, Kleist, Ovidio, Shakespeare, Pirandello, Chretien de Troyes, Labiche, la pittura rinascimentale e barocca, la drammaturgia contemporanea, Barker, Dimitriades, Lohle, il melodramma di Rossini, Verdi, Donizzetti, Bellini, Guarnieri, Adams, Hoffenbach portandoli in scena in Italia e nei maggiori teatri europei (Teatro Nacional São João di Porto, Thèatre National di Strasburgo Théâtre de l’Odéon, Comedie Francaise).

Ha diretto, inoltre, numerose opere liriche in Italia e all’estero e continua la progettazione su scala internazionale con la sua compagnia e con altri teatri europei, (La Fenice di Venezia, Teatro Alla Scala, Mariinsky Theatre, Théâtre du Châtelet, Opera de Lille, Teatro dell’Opera di Roma, per citarne solo alcuni). Per ognuna delle opere da cui è attratto e in cui si immerge, dà una lettura poetica singolare, per ognuna, sempre teso a individuarne la vitalità e l’energia, definisce un codice diverso di scrittura scenica e di lettura da parte del pubblico. Ugualmente impegnato su scritture classiche e contemporanee le interpreta come fossero testi vivi, enigmi ancora attivi per decifrare il mondo che ci circonda.

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PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

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iorgio Barberio Corsetti is an actor, writer and director of theatre and opera in Italy and abroad. He was director of the Venice Biennale of Theatre 1999-2001, dance and theatre consultant for ‘Musica per Roma’ from 2005-2009.

For six years director of ‘Metamorfosi’, Rome’s festival of new circus, he has worked as consultant and artistic director of the FestiVal Villa Adriana at Tivoli, also conceived and organised the festival ‘Vertigine’, devoted to emerging Italian theatre. Over decades he has used his productions to explore the boundaries between theatre and other art forms: visual arts, poetry, prose, music, circus, video and dance. His work in Italy and abroad springs each time from poetic roots that are very different, but all of great power, taking in Kafka, Goethe, Kleist, Ovid, Shakespeare, Pirandello, Chrétien de Troyes, Labiche, Renaissance and Baroque painting, as well as contemporary playwrights such as Barker, Dimitriades and Lohle, staging them both in Italy and in major European theatres (Teatro Nacional São João, Porto, Théâtre National, Strasburg, Théâtre de l’Odéon, Comédie Française). He has also directed many operas (among them works by Rossini, Verdi, Donizetti, Bellini, Guarnieri, Adams and Offenbach), both with his own company and with other theatres in Europe (La Fenice, Venice, La Scala di Milano, the Mariinsky theatre, Théâtre du Châtelet, Opéra de Lille, Teatro dell’Opera di Roma, to name but a few). To every work which attracts him he gives a unique, poetic reading, always bringing out its vitality and energy, setting up an original code of scenic construction and audience response. Interested as much in the classics as in contemporary works, he interprets them all as if they were living texts, riddles still waiting to be solved in order to decipher the world around us.

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iorgio Barberio Corsetti est un acteur, auteur et metteur en scène de théâtre et d’opéra en Italie et à l’étranger. Il a été directeur de la Biennale de Théâtre de Venise (1999/2001), consultant de « Musica per Roma » pour la danse et le théâtre (2005/2009), il a dirigé pendant six ans le Festival de nouveau cirque « Metamorfosi » à Rome, a collaboré comme consultant et directeur artistique au FestiVal de Villa Adriana à Tivoli, a conçu et organisé le Festival « Vertigine » consacré au théâtre émergent italien. Il s’efforce depuis des décennies d’explorer à travers ses spectacles la frontière entre le théâtre et les autres arts : arts visuels, poésie, écriture, musique, cirque, art vidéo et danse. Le territoire de ses recherches et de ses œuvres en Italie et à l’étranger est à chaque fois défini par des noyaux poétiques très différents les uns des autres, mais tous d’une grande puissance, comme l’écriture de Kafka, Goethe, Kleist, Ovide, Shakespeare, Pirandello, Chrétien de Troyes, Labiche, la peinture de la Renaissance et baroque, la dramaturgie contemporaine, Barker, Dimitriades, Lohle, le mélodrame de Rossini, Verdi, Donizetti, Bellini, Guarnieri, Adams et Offenbach en les mettant en scène en Italie et dans les plus grands théâtres européens (Teatro Nacional São João de Porto, Théâtre National de Strasbourg, Théâtre de l’Odéon, Comédie Française). Par ailleurs, il a dirigé de nombreux opéras en Italie et à l’étranger tout en continuant à réaliser des projets à l’échelle internationale avec sa compagnie et d’autres théâtres européens (La Fenice de Venise, La Scala de Milan, Théâtre Mariinsky, Théâtre du Châtelet, Opéra de Lille, Teatro dell’Opera di Roma, pour n’en citer que quelques-uns). Pour chacune des œuvres qui l’attirent et dans lesquelles il se plonge, il offre une lecture poétique singulière, en s’efforçant toujours d’en faire émerger la vitalité et l’énergie, il définit un code différent d’écriture scénique et de lecture par le public. Intéressé aussi bien aux écritures classiques que contemporaines, il les interprète comme si c’était des textes vivants, des énigmes encore actives pour déchiffrer le monde qui nous entoure.

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© Achille Le Pera

Re Lear di / by: traduzione / translated by: regia e adattamento / director and setting: con / with: e / and:

scene e costumi / set and costume design: luci / light: musiche composte e eseguite dal vivo / music composed and performed live: ideazione e realizzazione video / design and layout video: assistente alla regia / assistant director: produzione / production:

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Shakespear Cesare Garboli Giorgio Barberio Corsetti Ennio Fantastichini Michele Di Mauro, Roberto Rustioni, Francesco Villano, Francesca Ciocchetti, Sara Putignano, Alice Giroldini, Mariano Pirrello, Pierluigi Corallo, Gabriele Portoghese, Andrea Di Casa, Antonio Bannò, Zoe Zolferino Francesco Esposito Gianluca Cappelletti Luca Nostro Igor Renzetti e Lorenzo Bruno Giacomo Bisordi Teatro di Roma - Teatro Nazionale, Teatro Biondo di Palermo

“L

Lear avviene adesso, nei nostri giorni, in un mondo fluttuante, dove l’economia e la finanza ci spingono da una crisi all’altra. Portandoci con loro…è la storia del potere della successione, di padri e figlie, figli e padri…

Lear vuole ritrovare la giovinezza perduta, abbandonare le cure del regno, il peso delle responsabilità, poter vagare con i suoi cavalieri da un palazzo all’altro, fare bagordi e occuparsi solo del proprio piacere; per combattere la solitudine e l’approssimarsi della fine si porta dietro un seguito colorato e chiassoso, di dubbia moralità…questo seguito è rappresentato dal pubblico che fin dall’inizio è chiamato in causa … nel corso dello spettacolo il paesaggio si deforma, dalla favola si passa all’incubo, un viaggio verso le tenebre…”. Così Barberio Corsetti, che immagina il suo spettacolo diviso in tre parti come il regno di Lear: il dramma delle due famiglie, Lear e Gloucester, fatto di interni in cui il pubblico avrà un ruolo attivo; la tempesta, la natura che si confonde con la mente, qui la scena perde i contorni della realtà; la guerra che arriva come una battaglia di soldatini, in cui un re dovrebbe essere salvato dalla figlia che ha cacciato, ma perde lasciando al potere la necessità di ricostituirsi intorno ad un nuovo personaggio.

‘

In our time, today, Lear happens in a changeable world where the economy and finance propel us from one crisis to the next. As it carries us with them … it is a story of the power of succession, of fathers and daughters, sons and fathers … Lear wants to recover his lost youth, to abandon affairs of state, the weight of responsibility, so that he can roam with his knights from one palace to another, making whoopee and concerned only with his pleasure; to escape solitude and his approaching end, he brings with him a noisy, colourful band, of doubtful morals .. this group is represented by the audience which joins in from the start … during the play the landscape is distorted, we move from fable to nightmare, a journey into the shadows …’ This is the view of Barberio Corsetti, who sees his production as divided into three parts like Lear’s kingdom: the drama of the two families, Lear’s and Gloucester’s, a series of interiors in which the audience plays an active rôle; the storm, the clash of nature and spirit, where the setting departs from the contours of reality; and the war, which comes on like a battle of lead soldiers, in which a king has to be saved by the daughter he has exiled, but loses, leaving power to be re-established around a new personality.

«

Lear se passe maintenant, de nos jours, dans un monde fluctuant où l’économie et la finance nous poussent d’une crise à l’autre. En nous emportant avec elles… c’est l’histoire du pouvoir de la succession, de pères et de filles, de fils et de pères… Lear veut retrouver la jeunesse perdue, abandonner les affaires du royaume, le poids des responsabilités, pouvoir vagabonder avec ses chevaliers d‘un palais à l’autre, faire la fête et ne s’occuper que de son plaisir ; pour combattre la solitude et la fin qui approche, il emmène à sa suite un groupe haut en couleurs et bruyant, à la moralité douteuse… cette suite est représentée par le public qui interpellé dès le début … au cours du spectacle le paysage se déforme, on passe de la fable au cauchemar, un voyage vers les ténèbres… ». C’est la description de Barberio Corsetti, qui imagine son spectacle divisé en trois parties comme le royaume de Lear : le drame des deux familles, Lear et Gloucester, formé d’intérieurs dans lesquels le public jouera un rôle actif ; la tempête, la nature qui se confond avec l’esprit, la scène perd ici les contours de la réalité ; la guerre qui arrive comme une bataille de soldats de plomb, où un roi devrait être sauvé par la fille qu’il a chassée, mais perd en laissant au pouvoir la nécessité de se reconstituer autour d’un nouveau personnage.

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PETER STEIN 128

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Ph: © Tommaso Le Pera

Peter Stein BIOGRAFIA BIOGRAPHY

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asce a Berlino nel 1937. Nel 1967 debutta a Brema come regista di Saved di Edward Bond. Nel 1970 crea il suo ensemble alla Schaubühne am Halleschen Ufer di Berlino, che dirigerà fino al 1985 mettendo in scena opere non solo di Ibsen, Gorkij, Labiche e Shakespeare, ma anche di Botho Strauss e di Peter Handke. Peter Stein si impone così come guida e ‘demiurgo’ di uno straordinario collettivo - di cui fanno parte attori del calibro di come Bruno Ganz, Edith Clever, Jutta Lampe, Michael König - che riesce a rinnovare il teatro tedesco ed europeo con la ricerca, il lavoro sull’attore, sullo spazio scenico, sui testi, esaltando la funzione critica e sociale del teatro nel presente. Nel 1976 debutta all’Opéra di Parigi con Das Rheingold; in seguito dirige produzioni in città quali Chicago e Amsterdam, e più recentemente, Lulu (2009), a Lione, Milano e Vienna. Nel 1981 è impegnato nell’ampia tournée di Orestea e nel 1989 con quella del Tito Andronico, spettacolo con cast italiano, come sarà lo Zio Vania negli anni Novanta. Dal 1992 al 1997 si occupa della direzione teatrale del Festival di Salisburgo, periodo nel quale spicca l’adattamento dell’Antonio e Cleopatra.

Per l’Expo 2000 di Hannover mette in scena la versione integrale del Faust di Goethe in una maratona teatrale di 21 ore. Tra le produzioni internazionali ricordiamo i tour italo-ellenici di Pentesilea di Kleist (2002) e Medea (2004) e gli spettacoli per il Festival di Edimburgo: Il Gabbiano di Cechov (2003), Blackbird di David Harrower (2005), Troilo e Cressida (2006).

Tra le sue produzioni teatrali più recenti Wallenstein di Schiller ed Elettra di Sofocle (2007), La brocca rotta di Kleist (2008), Demoni di Dostoevskij - riduzione teatrale dal romanzo a cura dello stesso Stein della durata di 12 ore con tournée in Italia, Europa ed America (2009) - ed Edipo a Colono di Sofocle, del 2010. Tra i numerosi premi e riconoscimenti ricordiamo il Premio Schiller della città di Mannheim, il Premio Goethe di Francoforte sul Meno, la Croce d’onore dell’Italia e della città di Salisburgo, il Premio Erasmo di Amsterdam, il Premio Stanislavskij di Mosca, il Premio Europa per il Teatro.

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PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

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orn in Berlin in 1937, he made his debut in Bremen in 1967 with a staging of Edward Bond’s Saved. In 1970 he started his company at the Schaubühne am Halleschen Ufer in Berlin, which he ran until 1985, directing works by Ibsen, Gorki, Labiche and Shakespeare as well as Botho Strauss and Peter Handke. There, Peter Stein was guide and mentor to an extraordinary team – including actors of the calibre of Bruno Ganz, Edith Clever, Jutta Lampe and Michael König – which successfully renewed German and indeed European theatre with its indepth work on the actor, scenic space and text, while increasing the critical and social role of present-day theatre. His opera debut was in Paris in 1976 with Das Rheingold, since when he has directed producitons in cities such as Chicago and Amsterdam, most recently Lulu in Lyon, Milan and Vienna. In 1981 his Oresteia toured widely, followed in 1989 by Titus Andronicus, a production played by Italian actors, as was his Uncle Vanya in the 90s. From 1992 to 1997 he was director of the Salzburg Festival, a period in which his Antony and Cleopatra was especially noteworthy. For Expo Hanover 2000 he mounted the complete version of Goethe’s Faust in a 21 hour theatrical marathon.

Among his international productions one can mention the Italian-Greek tours of Kleist’s Penthesilea (2002) and Euripides’ Medea (2004), as well as Chekhov’s Seagull (2003), David Harrower’s Blackbird (2005) and Troilus and Cressida (2006), all for the Edinburgh Festival. More recent productions include Schiller’s Wallenstein and Sophocles’ Electra (2007), Kleist’s The Brokan Jug (2008), Dostoevski’s The Devils (adapted by him from the novel into a 12 hour version which toured Italy, Europe and the USA) (2009)) as well as Sophocles’ Oedipus at Colonus in 2010.

He has received numerous prizes and awards, notably the Schiller Prize of the city of Mannheim, the Goethe Prize from Frankfurt, the Cross of Honour from Italy and the city of Salzburg, the Erasmus Prize from Amsterdam, the Stanislavski Prize from Moscow and the Europe Theatre Prize.

I

l est né à Berlin en 1937. Il débute à Brême en 1967 en mettant en scène Sauvés d’Edward Bond. Il fonde sa compagnie en 1970 à la Schaubühne am Halleschen Ufer de Berlin, qu’il dirigera jusqu’en 1985 en montant entre autres des œuvres d’Ibsen, de Gorki, Labiche et Shakespeare, mais aussi de Botho Strauss et Peter Handke. Peter Stein s’impose ainsi comme guide et ‘démiurge’ d’un collectif extraordinaire – dont font partie des acteurs du calibre de Bruno Ganz, Edith Clever, Jutta Lampe et Michael König – qui réussit à renouveler le théâtre allemand et européen avec la recherche, le travail sur l’acteur, sur l’espace scénique et sur les textes en exaltant la fonction critique et sociale du théâtre dans le présent. Il fait ses débuts en 1976 à l’Opéra de Paris avec Das Rheingold. Il met ensuite en scène plusieurs spectacles dans des villes comme Chicago et Amsterdam, et plus récemment Lulu (2009) à Lyon, Milan et Vienne. En 1981 il effectue une vaste tournée avec son Orestie puis en 1989 avec Titus Andronicus, un spectacle joué par des acteurs italiens, comme le sera son Oncle Vania dans les années 90. De 1992 à 1997, il s’occupe de la direction théâtrale du Festival de Salzbourg, période où son adaptation d’Antoine et Cléopâtre est très remarquée. Pour l’Expo 2000 de Hanovre, il met en scène la version intégrale du Faust de Goethe lors d’un marathon théâtral de 21 heures.

Parmi ses productions internationales, on peut citer les tournées italo-grecques de Penthésilée de Kleist (2002) et Médée (2004), ainsi que les spectacles pour le Festival d’Édimbourg : La Mouette de Tchekhov (2003), Blackbird de David Harrower (2005), Troïlus et Cressida (2006). Parmi ses productions théâtrales les plus récentes, Wallenstein de Schiller et Électre de Sophocle (2007), La cruche cassée de Kleist (2008), Les Démons de Dostoïevski – adaptation théâtrale du roman réalisée par Stein lui-même et d’une durée de 12 heures avec une tournée en Italie, en Europe et en Amérique (2009) – ainsi qu’Œdipe à Colone de Sophocle en 2010. Il a reçu de nombreux prix et récompenses, notamment le Prix Schiller de la Ville de Mannheim, le Prix Goethe de la Ville de Francfort, la Croix d’Honneur d’Italie et de la Ville de Salzbourg, le Prix Érasme d’Amsterdam, le Prix Stanislavski de Moscou et le Prix Europe pour le Théâtre.

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Š Paolo Porto

Richard II di / by: traduzione / translated by: riduzione e regia / reduction and director: con / with:

scene/ stage design: costumi / costume design luci / light: assistente alla regia / assistant director produzione / production:

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William Shakespeare Alessandro Serpieri Peter Stein Maddalena Crippa, Alessandro Averone, Gianluigi Fogacci, Paolo Graziosi, Andrea Nicolini, Graziano Piazza, Almerica Schiavo, Giovanni Visentin, Marco De Gaudio, Vincenzo Giordano, Luca Iervolino, Giovanni Longhin, Michele Maccaroni, Domenico MacrĂŹ, Laurence Mazzoni Ferdinand Woegerbauer Anna Maria Heinreich Roberto Innocenti Carlo Bellamio Teatro Metastasio di Prato

P

eter Stein dirige un originale Richard II, opera che occupa un posto particolare nella produzione di Shakespeare, anche tra le sue tragedie dedicate ai re. Durante il suo regno Richard II ha messo contro di sé tutte le forze sociali: egli ha sfruttato il proprio potere in tutte le direzioni immaginabili, ha sconfinato le proprie competenze e si è preso ogni libertà, anche sessuale. È un giocatore, un attore, ma pur sempre un re che, anche dopo la sua deposizione, rimane un re; mentre il suo rivale - che prende il suo posto sul trono come usurpatore - genera esattamente lo stesso meccanismo di ostilità contro il suo potere, poiché tale potere si basa sul puro arbitrio. A dare corpo e voce al sovrano, non un uomo, ma una donna, l’intensa Maddalena Crippa.

“Richard, che nella sua esaltazione va oltre il proprio tempo, poiché la monarchia assoluta si sarebbe sviluppata molto più tardi, può essere intrepretato utilmente da una donna che recita la parte maschile. – sottolinea il regista- “In questo modo diventa ancora più chiaro il carattere inconsueto di questo re e gli aspetti fondamentali della discussione politica risultano più evidenti. Anche la profonda malinconia dell’ultimo monologo di Richard, quando è in carcere, dove parla dell’inutilità e della mancanza di senso dell’esistenza umana, ci può toccare in modo più commovente.” Un dramma forte che parla esclusivamente della deposizione di un re legittimo - un tema politico eminente che facilmente si può trasporre ai nostri tempi.

P

eter Stein has directed an original Richard II, a play which occupies a special place in the Shakespearean canon, even among the tragedies dedicated to the monarchy. During his reign, Richard overturned all the social norms: he exploited his power in all conceivable directions, going beyond his rightful powers and taking every liberty, including sexual ones. He is a player, an actor, but he isnonetheless a king who, even after his deposition, remains a king, while his rival – who takes his place on the throne as a usurper – arouses exaclty the same mechanism of hostilty to his power, because the basis of that power is purely arbitrary. It is not a man but a woman, the intense Maddalena Crippa, who gives body and voice to the sovereign. ‘Richard, who goes beyond his time in the way he exalts himself, since absolute monarchy developed much later, can usefully be interpreted by a woman playing a masculine rôle,’ stresses the director. ‘In this way the unusual character of this king becomes even more clear and the fundamental aspects of the political discussion show themselves more obviously. Even the deep melancholy of Richard’s last monologue, in prison, in which he speaks of the uselessness and senselessness of the human condition, can touch us in a more poignant way.’ A powerful drama, which speaks primarily about the deposition of a legitimate king – a major political theme which can easily be referred to our own time.

P

eter Stein dirige un Richard II original, une pièce qui occupe une place particulière dans l’œuvre de Shakespeare, même parmi ses tragédies consacrées aux rois. Durant son règne, Richard II s’est mis à dos toutes les forces sociales : il a exploité son pouvoir dans toutes les directions imaginables, il a dépassé ses propres compétences et a pris toutes les libertés, y compris sexuelles. C’est un joueur, un acteur mais c’est quand même un roi, qui, même après sa déposition, reste un roi, tandis que son rival – qui prend sa place sur le trône en tant qu’usurpateur – génère exactement le même mécanisme d’hostilité contre son pouvoir, car ce pouvoir se base sur le pur arbitre. Ce n’est pas un homme mais une femme, l’intense Maddalena Crippa, qui donne corps et voix au souverain. « Richard, qui dans son exaltation va au-delà de son époque, car la monarchie absolue ne se serait développée que bien plus tard, peut être interprété utilement par une femme jouant le rôle masculin », souligne le metteur en scène. « De cette façon, le caractère inhabituel de ce roi devient encore plus clair et les aspects fondamentaux de la discussion politique s’avèrent plus évidents. Même la profonde mélancolie du dernier monologue de Richard, lorsqu’il se trouve en prison, où il parle de l’inutilité et de l’absence de sens de l’existence humaine, peut nous toucher de manière plus poignante ». Un drame puissant qui parle exclusivement de la déposition d’un roi légitime – un thème politique majeur que l’on peut aisément transposer à notre époque.

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BOB WILSON

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Ph: ©Lucie Jansch

Bob Wilson BIOGRAFIA BIOGRAPHY

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ato a Waco in Texas, Robert Wilson è tra i più importanti artisti visivi e teatrali al mondo. Il suo lavoro si serve di diverse tecniche artistiche integrando magistralmente movimento, danza, pittura, luce, design, scultura, musica e drammaturgia. Dopo gli studi all’Università del Texas e al Pratt Institute di Brooklyn, alla metà degli anni ’60, Wilson fonda a New York il collettivo artistico «The Byrd Hoffman School of Byrds» con cui elabora i suoi primi originali spettacoli, Deafman Glance - Lo sguardo del sordo (1970) e A Letter for Queen Victoria (1974 -1975). Nel 1976 firma con Philip Glass Einstein on the Beach, performance che cambia la concezione convenzionale dell’opera come forma artistica.

Negli anni ha stretto collaborazioni con autori e musicisti del calibro di Heiner Müller, Tom Waits, Susan Sontag, Laurie Anderson, William Burroughs, Lou Reed e Jessye Norman.

Disegni, dipinti e sculture di Wilson sono stati esposti in centinaia di mostre collettive e personali, e fanno parte di collezioni private e musei in tutto il mondo. Ha ricevuto numerosi premi e onorificenze, tra cui la nomination per il Premio Pulitzer, due premi Ubu, il Leone d’Oro per la scultura alla Biennale di Venezia e il premio Laurence Olivier. È stato nominato all’Accademia Americana di Arti e Lettere e Commandeur des arts et des lettres in Francia.

Wilson è il fondatore e il direttore artistico del Watermill Center, un laboratorio creativo dedicato alle arti, con sede a Watermill, Long Island.

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PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

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orn in Waco, Texas, Wilson is among the world’s foremost theater and visual artists. His works for the stage unconventionally integrate a wide variety of artistic media, including dance, movement, lighting, sculpture, music and text. After being educated at the University of Texas and Brooklyn’s Pratt Institute, Wilson founded the New York‐based performance collective “The Byrd Hoffman School of Byrds” in the mid‐1960s, and developed his first signature works, including Deafman Glance (1970) and A Letter for Queen Victoria (1974‐1975). With Philip Glass he wrote the seminal opera Einstein on the Beach (1976), performance that changes the conventional conception of the work as an artistic form. Wilson’s artistic collaborators include many writers and musicians such as Heiner Müller, Tom Waits, Susan Sontag, Laurie Anderson, William Burroughs, Lou Reed and Jessye Norman. Wilson’s drawings, paintings and sculptures have been presented around the world in hundreds of solo and group showings, and his works are held in private collections and museums throughout the world.

Wilson has been honored with numerous awards for excellence, including a Pulitzer Prize nomination, two Premio Ubu awards, the Golden Lion of the Venice Biennale, and an Olivier Award. He was elected to the American Academy of Arts and Letters and France pronounced him Commander of the Order of Arts and Letters. Wilson is the founder and Artistic Director of The Watermill Center, a laboratory for the Arts in Water Mill, Long Island.

N

é à Waco au Texas, Robert Wilson est l’un des plus grands plasticiens et artistes de théâtre au monde. Son travail recourt à diverses techniques artistiques en intégrant magistralement mouvement, danse, peinture, lumière, design, sculpture, musique et dramaturgie. Après des études à l’Université du Texas et au Pratt Institute de Brooklyn, au milieu des années 60, Wilson fonde à New York le collectif artistique « The Byrd Hoffman School of Byrds » avec lequel il élabore ses premiers spectacles originaux, Deafman Glance - Le regard du sourd (1970) et A Letter for Queen Victoria (1974-1975). En 1976, il signe avec Philip Glass Einstein on the Beach, une performance qui modifie la conception conventionnelle de l’œuvre comme forme artistique. Au fil des ans, il a collaboré avec des auteurs et des musiciens du calibre de Heiner Müller, Tom Waits, Susan Sontag, Laurie Anderson, William Burroughs, Lou Reed et Jessye Norman. Les dessins, tableaux et sculptures de Wilson ont été exposés dans des centaines d’expositions collectives et personnelles, et font partie de collections privées et de musées dans le monde entier. Il a reçu de nombreux prix et distinctions, notamment une nomination pour le Prix Pulitzer, deux prix Ubu, le Lion d’Or pour la sculpture à la Biennale de Venise et le prix Laurence Olivier. Il a été nommé à l’Académie Américaine des Arts et des Lettres et fait Commandeur des arts et des lettres en France. Wilson est le fondateur et le directeur artistique du Watermill Center, un atelier créatif consacré aux arts et ayant son siège à Watermill (Long Island).

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© © Lucie Jansch

ROBERT WILSON | HEINER MÜLLER HAMLETMACHINE testi di | text by Heiner Müller ideazione, regia, scene e luci | concept, set and lights design, direction Robert Wilson co-regia | co-director Ann-Christin Rommen con | with Giovanni Firpo adattamento luci | collaborator to light design John Torres collaboratore alle scene | collaborator to set design Marie de Testa costumi | costumes Micol Notarianni dai disegni originali di | by the original design of William Ivey Long make-up & hair Manu Halligan con i performers de | with the performers of the Accademia Nazionale d’Arte Drammatica Silvio d’Amico Liliana Bottone | Grazia Capraro | Irene Ciani | Gabriele Cicirello | Renato Civello | Francesco Cotroneo Angelo Galdi | Alice Generali | Adalgisa Manfrida | Paolo Marconi | Eugenio Mastrandrea Michele Ragno Camilla Tagliaferri | Luca Vassos | Barbara Venturato drammaturgia originale | original dramaturgy Wolfgang Wiens musiche | music Jerry Leiber | Mike Stoller sound design originale | original sound design Scott Lehrer sound design e fonica | sound operator Antonio Neto con | with Dario Felli operatore luci | light board operator Aliberto Sagretti direttore tecnico | technical director assistente personale di RW | RW personal assistant Nelson Gellrich delegato di produzione | production delegate Virginia Forlani con la collaborazione di | with Elisa Crespi | Maddalena Papagni | Andrea Villa nuova versione basata sulla produzione originale del 7 Maggio 1986 alla New York University, New York new version based on the original production premiered on May 7, 1986 at New York University, New York progetto di | project by Change Performing Arts commissionato da | commissioned by Spoleto Festival of 2Worlds per | for Accademia Nazionale d’Arte Drammatica Silvio d’Amico 138

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oncepito nel 1977 dopo il primo viaggio in America dell’autore, Hamletmachine nasce originariamente dall’incontro tra Heiner Müller e Robert Wilson, venendo alla luce quasi nove anni più tardi. L’amicizia tra Robert Wilson e lo scrittore della DDR Heiner Müller non fu solo leggendaria, ma anche estremamente produttiva: Müller scrisse testi per la Sezione Colonia di The Civil warS (1984), The Forest (1988) e La Mort de Molière (1994), e alcuni di questi vennero usati in Medea (1984), Alceste (1986) e Ocean Flight (1988). Müller dichiarò successivamente che la versione di Hamletmachine concepita da Wilson fosse “il miglior spettacolo di sempre” nella sua intera carriera, celebrando l’opera per l’incredibile e innovativo impianto illuminotecnico e visivo e per la quasi totale assenza di interpretazione scenica. Elogiato da Gordon Rogoff nei suoi scritti come «un trionfo», valse a Wilson un Obie Award come Miglior Regista. La prima messa in scena risale al 7 maggio 1986 sul palcoscenico del teatro della New York University con la partecipazione degli allievi stessi; la versione tedesca segna invece il suo debutto il 4 ottobre dello stesso anno alla Kunsthalle di Amburgo. Lo spettacolo non è stato più ripreso da allora, e ritorna in scena quindi dopo ben trentuno anni grazie alla commissione di Festival di Spoleto 60 e alla partecipazione dell’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica Silvio d’Amico. «Quando scrissi Hamletmaschine, dopo aver tradotto l’Amleto di Shakespeare per un teatro di Berlino Est, ne uscì la più americana delle mie opere, citando tra i molti T.S. Eliot, Andy Wharol, Ezra Pound e Susan Atkins. Potrebbe essere letto come un opuscolo contro l’illusione che si possa rimanere innocenti in questo nostro mondo. Sono felice che Robert Wilson metta in scena la mia opera, essendo il suo teatro un mondo a sé stante». H. Müller, 30/04/1986 “[…] Wilson consente alla parola parlata di essere ascoltata e capita. Il testo di Müller raggiunge gli spettatori attraversando un intenso paesaggio sonoro, così da rendere difficile la comprensione di cosa accada realmente in palcoscenico e cosa invece sia parte di una traccia sonora registrata. Raramente gli attori recitano liberamente senza distorsioni sonore. L’opera non si manifesta unicamente visivamente ma piuttosto acusticamente, con un’estrema chiarezza e plasticità.” H. Rischbieter, Theater heute, ottobre 1986

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irst mooted in 1977 after the writer’s first trip to the USA, Hamlet-machine arose from a meeting between Heiner Müller and Robert Wilson, and saw the light of day almost nine years later. The friendship between Robert Wilson and the East German writer Heiner Müller was not only legendary but also extremely prolific : Müller wrote texts for the Cologne section of The CIVIL warS (1984), The Forest (1988) and The Death of Molière (1994), and some of them were used in Medea (1984), Alceste (1986) and Ocean Flight (1988). Müller said regularly that the version of Hamlet-machine devised by Wilson was ‘the best production ever’ in his whole career, praising the work for its incredible innovation in visual presentation and lighting, as much as its almost complete absence of scenic interpretation.

Described by Gordon Rogoff in his writing as ‘a triumph’, it won Wilson an Obie award for Best Director. The first presentation was on May 7 1986 on the stage of the New York University theatre, with the participation of the students themselves. The German version premiered on October 4 the same year at the Kunsthalle, Hamburg. The production has not been revived since 1987 and so returns to the stage after 30 years [NB change : it was staged in Paris in 1987] thanks to a commission from the Festival of Spoleto 60 with the participation of the Silvio d’Amico National Academy of Dramatic Art. ‘When I wrote Hamlet-machine, after translating Shakespeare’s Hamlet for a theatre in East Berlin, it was my most American play, quoting from among others Andy Warhol, Ezra Pound and Susan Atkins. It could be read as a small contribution to counter the illusion that one can remain innocent in our world.

I am happy that Robert Wilson is staging my play, given that his theatre is a universe of its own.’ H. Müller, 30/04/1986 ‘[…] Wilson allows the spoken word to be heard and understood.

Müller’s text reaches the audience across an intense background of sound, which makes it difficult to comprehend what is actually happening on stage, and on the other hand what is part of a pre-recorded soundtrack. Rarely do the actors play free from distortions of sound. The production comes across not only visually but rather acoustically, with an extreme clarity and plasticity.’ H. Rischbieter, Theater Heute, October 1986

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onçu en 1977 après le premier voyage en Amérique de l’auteur, Hamlet-machine est né à l’origine de la rencontre entre Heiner Müller et Robert Wilson, pour venir au jour presque neuf ans plus tard. L’amitié entre Robert Wilson et l’écrivain de la RDA Heiner Müller ne fut pas seulement légendaire mais aussi extrêmement prolifique : Müller écrivit des textes pour la Section Cologne de The CIVIL warS (1984), The Forest (1988) et La Mort de Molière (1994), et plusieurs d’entre eux furent utilisés dans Medea (1984), Alceste (1986) et Ocean Flight (1988). Müller déclara successivement que la version de Hamlet-machine conçue par Wilson était « le meilleur spectacle de toujours » de toute sa carrière, en célébrant l’œuvre pour son incroyable innovation dans l’installation visuelle et l’éclairage ainsi que pour l’absence presque totale d’interprétation scénique. Loué par Gordon Rogoff dans ses écrits comme « un triomphe », il valut à Wilson un Obie Award comme Meilleur Metteur en Scène. La première représentation remonte au 7 mai 1986 sur les planches du théâtre de la New York University avec la participation des étudiants eux-mêmes. La version allemande marque en revanche ses débuts le 4 octobre de la même année à la Kunsthalle de Hambourg. Le spectacle n’a plus été repris depuis et revient donc sur scène après 31 ans grâce à la commission du Festival de Spoleto 60 et à la participation de l’Académie Nationale d’Art Dramatique Silvio d’Amico. « Quand j’ai écrit Hamlet-machine, après avoir traduit le Hamlet de Shakespeare pour un théâtre de Berlin-Est, j’ai obtenu ma pièce la plus américaine, citant entre autres T.S. Eliot, Andy Warhol, Ezra Pound et Susan Atkins. Elle pourrait être lue comme un opuscule contre l’illusion que l’on puisse rester innocent dans notre monde.

Je suis heureux que Robert Wilson mette en scène ma pièce étant donné que son théâtre est un univers à part entière. » H. Müller, 30/04/1986 « […] Wilson permet au mot parlé d’être écouté et compris. Le texte de Müller atteint les spectateurs en traversant un intense paysage sonore, de manière à rendre difficile la compréhension de ce qui se passe réellement sur scène et ce qui en revanche fait partie d’une trace sonore enregistrée. Il est rare que les acteurs jouent librement sans distorsions sonores. La pièce ne se manifeste pas uniquement visuellement mais plutôt acoustiquement, avec une extrême clarté et plasticité. » H. Rischbieter, Theater heute, octobre 1986

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PREMIO EUROPA PER IL TEATRO EUROPE THEATRE PRIZE

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Premio Europa per il Teatro STORIA HISTORY

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l Premio Europa per il Teatro è un programma pilota della Commissione Europea, quando era presieduta da Jacques Delors ed il cui primo Commissario alla Cultura è stato Carlo Ripa di Meana, che ha supportato l’idea di Alessandro Martinez, Segretario Generale del Premio, allora uno dei suoi collaboratori. Il Premio Europa è nato nel 1986 con il sostegno e il patrocinio della Comunità Europea, come riconoscimento da assegnare a quelle personalità o istituzioni teatrali che abbiano “contribuito alla realizzazione di eventi culturali determinanti per la comprensione e la conoscenza tra i popoli”. Il Premio Europa per il Teatro è riconosciuto dal Parlamento Europeo e dal Consiglio Europeo quale “organizzazione di interesse culturale europeo”. In coerenza con questi criteri, nel 1987, la prima artista ad essere premiata dalla giuria internazionale presieduta da Irene Papas, è Ariane Mnouchkine per l’attività svolta con il Théâtre du Soleil. Il premio alla Mnouchkine è un vero e proprio “colpo di teatro, emozionante e profetico”. L’artista, nel corso della cerimonia di premiazione, trasmessa in eurovisione dal Teatro greco di Taormina, auspicando l’abbattimento delle barriere che, ancora in quegli anni, dividevano in due blocchi separati il continente europeo, dice di volere dedicare il premio agli artisti dell’” altra Europa”, allora ancora sotto il regime comunista. In un tempo, in cui la vita teatrale nelle sue forme più impegnative era difficile anche in occidente, il contributo economico costituito dal premio rappresenta un aiuto al Théâtre du Soleil per potere proseguire la sue attività e le sue ricerche teatrali. Nella stessa edizione, Carlo Ripa di Meana, Commissario alla Cultura della Comunità Europea del tempo, decide di assegnare un premio speciale all’attrice greca Melina Mercouri – madrina della prima edizione del Premio - divenuta ministro della Cultura del suo paese, alla quale viene riconosciuto il merito di avere saputo coniugare nell’attività pubblica e artistica la passione politica con una profonda sensibilità culturale.Nell’edizione successiva, l’attenzione verso la figura degli artisti premiati e il loro stile di lavoro teatrale si fa più intensa e diretta. Il premio a Peter Brook inaugura una prassi che, da quel momento, è una delle caratteristiche peculiari e più apprezzate del Premio Europa: il lavoro di riflessione e di studio intorno all’artista che riceve il premio si esprime quell’anno in tre indimenticabili giornate di incontri, articolate in un memorabile dialogo aperto tra Peter Brook e Grotowski, in un corposo contributo di relazioni e testimonianze, in proiezioni di audiovisivi e in dimostrazioni aperte al pubblico che videro impegnati, insieme al maestro, alcuni dei suoi attori preferiti. La documentazione di quelle giornate si trova oggi raccolta nel libro “Gli anni di Peter Brook”. A partire da quest’edizione il Premio Europa assume il patrocinio della Comunità Europea, inoltre inizia la collaborazione con l’Association Internationale des Critiques de Théâtre. La terza edizione, oltre a premiare Giorgio Strehler per il grande contributo da lui dato al formarsi di un’Europa del teatro e della cultura, inaugura la collaborazione con l’Union des Théâtres de l’Europe – per esplicita volontà dello stesso Strehler - e istituisce il Premio Europa Realtà Teatrali che è assegnato ad Anatoli Vassiliev. Per l’occasione il regista russo dà vita a un laboratorio-spettacolo di rara intensità. Completa il convegno su Strehler la lettura, recitata e commentata da Strehler e Giulia Lazzarini, di scene da “Elvira e la passione teatrale” di Jouvet. Heiner Müller, poeta e drammaturgo, riceve il Premio Europa per il Teatro nella quarta edizione. Il Premio Europa Nuove Realtà Teatrali è assegnato a Giorgio Barberio Corsetti, a Els Comediants, e a Eimuntas Nekrosius, rispettivamente, per i nuovi mezzi scenici utilizzati, per il teatro di strada e per il lavoro drammaturgico. La fisionomia del premio si va man mano precisando secondo i desideri delle Giurie: questa edizione del premio è dunque un’iniziativa articolata in intense giornate di studi e analisi, unite a numerosi momenti di creazione e spettacoli, cui partecipano un gran numero di addetti ai lavori e registi di livello internazionale. Tra gli spettacoli si ricordano l’incontro di musica e parola in un Prometeo di Heiner Müller per la regia di Heiner Goebbels, un Faust di Giorgio Barberio Corsetti e un Mozart e Salieri, e scene da Le Tre Sorelle, in prima europea, di Eimuntas Nekrosius che contribuisce non poco a far conoscere il lavoro teatrale del regista lituano nel resto d’Europa. Nella sezione Ritorni, Anatoli Vassiliev presenta in prima europea l’Anfitrione di Molière. Con la quinta edizione per la prima volta si sconfina dall’Europa rendendo omaggio a Robert Wilson e alla dimensione planetaria del suo teatro: Wilson anima, con sorprendente calore e vivacità, il convegno a lui dedicato e presenta Persephone. Il Premio Europa Realtà Teatrali viene assegnato ex-

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he Europe Theatre Prize - ETP is a pilot project that was launched by the European Commission - under Jacques Delors, whose first Commissioner of Culture was Carlo Ripa di Meana who supported the idea of Alessandro Martinez, ETP General Secretary, at that time one of his collaborators.

The Prize was inaugurated in 1986 under the auspices and the support of the European Community, as a prize to be awarded to personalities or theatrical companies that “have contributed to the realisation of cultural events that promote understanding and the exchange of knowledge between peoples.” In those years further support to the creation of ETP came also from Melina Mercouri, who was the patroness of the Prize, and by Jack Lang, then French Minister of Culture and current President of ETP. These personalities, following the example of Ms Mercouri, are the same ones who developed the project of the European Capitals of Culture and they also included the ETP within major actions of the E.U. in the domain of culture. Since 2002 The Europe Theatre Prize is recognised by the European Parliament and the European Council as a “European cultural interest organisation”. In keeping with these criteria, the first artist to whom an international jury, led by Irene Papas, awarded the Europe Theatre Prize in 1987 was Ariane Mnouchkine for her work with the Théâtre du Soleil. The presentation of the award to Mme Mnouchkine proved to be a “thrilling and visionary coup de théâtre”: at the prize-giving, broadcast via Eurovision from the Greek Amphitheatre in Taormina, the director said she hoped the barriers that still divided Europe into two separate blocs would be eliminated, and that she intended to dedicate her prize to artists in the “other” Europe, then under Communist rule. At a time when it was becoming increasingly difficult to produce committed theatre also in the West, the prize allowed the Théâtre du Soleil to continue to pursue its activities and research.

That same year, the then European Commissioner of Culture Carlo Ripa di Meana decided to award a special prize to Melina Mercouri, who had been appointed as her country’s Minister of Culture, for having succeeded in combining her love of politics

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e Prix Europe pour le Théâtre est un programme pilote de la Commission Européenne. – présidée par Jacques Delors et dont le premier Commissaire à la Culture a été Carlo Ripa di Meana qui a supporté l’idée d’Alessandro Martinez, Secrétaire Général du Prix, à cette époque-là un de ses collaborateurs. Le Prix Europe est né en 1986 avec le soutien et le parrainage de la Communauté Européenne afin de récompenser les personnalités ou institutions théâtrales qui ont « contribué à la réalisation d’événements culturels déterminants pour la compréhension et la connaissance entre les peuples. » Le Prix Europe pour le Théâtre a été reconnu par le Parlement Européen et le Conseil Européen en tant qu’ « organisation d’intérêt culturel européen ». Conformément à ces critères, la première artiste primée, en 1987, par le Jury international présidé par Irène Papas, fut Ariane Mnouchkine, pour son activité avec le Théâtre du Soleil. Le Prix conféré à Ariane Mnouchkine fut un véritable « coup de théâtre, émouvant et prophétique ». Au cours de la cérémonie de Remise des Prix, diffusée en Eurovision à partir du Théâtre Grec de Taormine, l’artiste souhaita voir s’abattre les barrières qui divisaient encore à l’époque les deux blocs séparés du continent européen, et déclara qu’elle voulait dédier son prix aux artistes de l’ « autre Europe », qui était alors encore sous le régime communiste. En même temps, puisque la vie théâtrale dans sa forme la plus engagée était difficile également en Occident, la contribution économique constituée par le Prix représenta une aide pour le Théâtre du Soleil en vue de poursuivre ses activités et sa recherche théâtrale. Au cours de cette même édition, Carlo Ripa di Meana, commissaire à la culture de la Commission Européenne de l’époque, décida de remettre un prix spécial à l’actrice grecque Melina Mercouri – la marraine de la première édition du Prix – devenue Ministre de la Culture de son pays, pour avoir su conjuguer au sein de l’activité publique et artistique, la passion politique avec une profonde sensibilité culturelle. Durant l’édition suivante, l’attention portée à la figure des artistes primés et à leur style de travail théâtral, devint plus intense et directe. Le prix à Peter Brook inaugura un usage qui devint, à partir de ce moment-là, l’une des caractéristiques les plus appréciées du Prix Europe : le travail de réflexion et

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aequo al Théâtre de Complicité, compagnia inglese fra le più interessanti degli ultimi tempi e alla rivelazione Carte Blanche-Compagnia della Fortezza che da anni porta avanti l’idea del teatro come riscatto per la libertà e per la dignità umana, lavorando con attori-non attori reclusi nelle carceri italiane di Volterra. La sezione Ritorni propone uno spettacolo di Vassiliev, Le lamentazioni di Geremia, ispirato alla spiritualità, alla musica e ai rituali ortodossi e, in anteprima mondiale, quadri da Amleto di Nekrosius. Presieduta da Jack Lang, la giuria internazionale della VI edizione, assegna il Premio Europa a Luca Ronconi e il IV Premio Europa Realtà Teatrali a Christoph Marthaler. La consegna dei premi conclude un denso calendario di lavori ed eventi. Due i convegni internazionali: il primo sullo “Spettacolo dal vivo: informazione, critica, istituzione” e il secondo sul “Metodo Ronconi”. Per gli spettacoli di Ronconi, va in scena un episodio dai Fratelli Karamazov, mentre una prova aperta, in anteprima, di Questa sera si recita a soggetto di Pirandello svela alcuni segreti del suo “metodo”. L’incontro con Christoph Marthaler apre una finestra sull’ironia tagliente, la straripante vivacità intellettuale e l’approccio al teatro di un personaggio apertamente considerato un genio dai suoi interlocutori internazionali. La sezione Ritorni è dedicata a Robert Wilson che, per il centenario della nascita di Bertolt Brecht, propone, con il Berliner Ensemble, Der Ozeanflug su testi di Bertolt Brecht, Heiner Müller e Fedor Dostoevskij. Il teatro danza e la personalità carismatica di Pina Bausch danno alla VII edizione del Premio Europa una fisionomia speciale. Gli interventi di danzatori, collaboratori e testimoni del lavoro dell’artista tedesca messi Sulle tracce di Pina da un convegno internazionale, spaziano dall’Europa all’India, dal Giappone agli Stati Uniti, da Palermo all’Australia. Un viaggio – fatto di emozioni, ricordi e performance - coronato dallo spettacolo antologico Small Collection, offerto dalla Bausch insieme alla sua storica compagnia Tanztheater di Wuppertal e completato da film, da video e da una mostra fotografica. Il V Premio Europa Realtà Teatrali viene assegnato al Royal Court Theatre per aver saputo valorizzare e difendere una nuovissima generazione di autori come Sarah Kane, Mark Ravenhill, Jez Butterworth, Conor McPherson e Martin McDonagh. L’attività svolta dal Royal Court Theatre viene illustrata nell’incontro Di scena il Royal Court, scandito da letture e dimostrazioni tratte da opere della più recente drammaturgia britannica con gli attori del Royal Court. In esclusiva italiana, è presentato The Weir di Conor McPherson, diretto da Ian Rickson. Per la sezione Ritorni, Christoph Marthaler, alla guida di un incredibile ensemble, propone Die Spezialisten e riscuote un successo clamoroso. Tra le iniziative collaterali, vanno ricordati due importanti incontri: “Scrivere/rappresentare”: esempi di nuova drammaturgia europea proposti dalla Giuria del Premio Europa, seguiti da una mise en espace realizzata da Théâtre Ouvert e L’Arte dell’attore, sviluppi e cambiamenti negli ultimi quindici anni, dibattito organizzato dall’Union des Théâtres de l’Europe, con la partecipazione, tra gli altri, di Erland Josephson. Da questa VII edizione, la Convention Théâtrale Européenne diventa organismo associato e sostenitore del Premio Europa per il Teatro. Nell’VIII edizione, premiando Lev Dodin, non si è solo reso omaggio ad uno dei migliori allievi di Stanislavski, si è anche aperto uno spaccato sull’attività incessante del regista siberiano e del Maly Teatr di San Pietroburgo, dove, nonostante precarietà istituzionali ed economiche, si assiste a un fermento creativo e vitale della scena teatrale che non ha paragoni nel resto d’Europa. Il lavoro di Dodin e il contesto in cui egli prevalentemente lavora, si sono potuti apprezzare in un convegno denso di interventi e testimonianze e in due spettacoli: La casa di Fijodor Abramov - la cui riproposizione a Taormina è stata fortemente voluta da Dodin stesso - e Molly Sweeney di Brian Friel, in prima mondiale. Il VI Premio Europa Realtà Teatrali è andato gli olandesi del Theatergroep Hollandia; al regista tedesco Thomas Ostermeier e agli italiani della Societas Raffaello Sanzio. Quattro gli spettacoli proposti dagli artisti premiati: Voices da Pasolini e Ongebluste Kulk (Hollandia), Crave di Sarah Kane (Thomas Ostermeier), Amleto, la veemente esteriorità della morte di un mollusco (Societas Raffaello Sanzio). Un premio Speciale è stato assegnato al BITEF (Belgrade International Theater Festival). Una Menzione speciale ha ricevuto Ibrahim Spahic per il ruolo della sua attività nei giorni disperati di Sarajevo in guerra. Il “ritorno” di Peter Brook (II Premio Europa per il Teatro) con Le Costume, dello scrittore sudafricano Can Themba, co prodotto dal Premio Europa per il

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and her profound cultural awareness in her public and artistic activities. The next edition of the Europe Theatre Prize focused more intensely and directly on the chosen artist and his way of working. The prize was given to Peter Brook that year, introducing a new section that has since become one of the most characteristic and appreciated features of the Europe Prize: an analysis and study of the work of the prizewinning artist, which that year took the form of three unforgettable days of meetings, consisting of a memorable improvised dialogue between Peter Brook and Grotowski, a wealth of personal accounts and testimonies, video screenings, and demonstrations, open to the public, given by the eminent director and some of his favourite actors. The stimulating activities of those three days are documented in the book entitled Gli anni di Peter Brook. Since the second edition, the Europe Theatre Prize has been under the patronage of the European Community and has collaborated with the International Association of Theatre Critics. The third edition saw the prize go to Giorgio Strehler for his important contribution to the creation of a Europe of theatre and culture. It was also in the third edition that collaboration with the Union des Théâtres de l’Europe began – as Strehler had pushed for - and the Europe Prize Theatrical Realities was founded and awarded to Anatoli Vassiliev. The Russian director created a remarkably intense workshop-production for the occasion. The conference dedicated to Strehler was complemented by a reading of scenes from Jouvet’s Elvira and a Passion for the Theatre by Strehler and Giulia Lazzarini, who also commented on the work.

The poet and dramatist Heiner Müller received the award at the fourth edition. The Europe Prize Theatrical Realities went to Giorgio Barberio Corsetti for new scenic techniques, to the theatre company Els Comediants for street theatre, and to Eimuntas Nekrosius for his work as a theatre director. The various juries gradually shaped the programme of events at each edition: the fourth Europe Theatre Prize, therefore, featured days of intense research and analysis, combined with many creative happenings and performances, in which a considerable number of

d’étude autour des lauréats s’exprima cette année-là sous la forme de trois journées de rencontres inoubliables, organisées autour d’un mémorable dialogue ouvert entre Peter Brook et Grotowski, assorti d’une importante contribution d’interventions et de témoignages, d’une projection de documents audiovisuels et d’ateliers ouverts au public auxquels participèrent, outre le metteur en scène lui-même, quelques-uns de ses comédiens préférés.

La documentation de ces journées se trouve aujourd’hui rassemblée dans le livre « Les années de Peter Brook ».

A partir de cette édition, le Prix Europe bénéficia du patronage de la Communauté Européenne et commença, en outre, sa collaboration avec l’Association Internationale des Critiques de Théâtre. La IIIe édition récompensa Giorgio Strehler pour sa grande contribution à la formation d’une Europe du théâtre et de la culture et inaugura la collaboration du Prix avec l’Union des Théâtres de l’Europe, sur demande explicite de Strehler. Elle institua en outre le Prix Europe Nouvelles Réalités Théâtrales qui fut remis à Anatolij Vassiliev. A cette occasion, le metteur en scène russe anima un atelier-spectacle d’une rare intensité. Le colloque sur Strehler s’acheva par la lecture, jouée et commentée par Strehler et Giulia Lazzarini, de scènes tirées de Elvire ou la passion théâtrale de Louis Jouvet. Le lauréat de la IVe édition fut Heiner Müller, poète et dramaturge. Le Prix Europe Réalités Théâtrales alla à Giorgio Barberio Corsetti, à Els Comediants et à Eimuntas Nekrosious, qui furent primés, respectivement, pour les nouveaux moyens scéniques utilisés, le théâtre de rue et le travail dramaturgique. La physionomie du Prix se précisait au fur et à mesure selon les désirs des Jurys : cette édition du Prix fut donc organisée autour d’intenses journées d’études et d’analyses, accompagnées de nombreux moments de création et de spectacles auxquels participèrent de nombreux spécialistes et des metteurs en scène de niveau international. Parmi les spectacles, rappelons la rencontre entre la musique et les mots proposée par le Prométhée de Heiner Müller mis en scène par Heiner Goebbels, le Faust de Giorgio Barberio Corsetti et le Mozart et Salieri ainsi que des extraits des Trois Sœurs avec une mise en scène de Eimuntas Nekrosius, présentés en première mondiale, un

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Teatro, ha reso omaggio ad uno dei più grandi registi viventi e alla poliedricità rigorosa del suo teatro. Nella IX edizione il teatro si dilata, supera se stesso e si riafferma - intrecciandosi con il cinema, la danza e la musica integrando diverse tendenze che animano la scena contemporanea. Premiando Michel Piccoli la giuria ha voluto celebrare un grande artista squisitamente europeo e un modo di concepire il mestiere d’attore che, attraversando i generi (cinema, teatro), trova, al di là di essi, in uno stile inscindibile dall’uomo e dal suo impegno civile, la ragione fondamentale. Michel Piccoli, con la complicità di Klaus Michael Grüber propone, al teatro Massimo Bellini di Catania, uno spettacolo che è, allo stesso tempo, un omaggio all’Isola, al mito, al teatro e ai suoi “luoghi: PiccoliPirandello, à partir des Géants de la montagne. A Piccoli sono dedicati un incontro, “Michel Piccoli, ovvero il viaggio a doppio senso: teatro- cinema e una rassegna dei più significativi film interpretati dal grande attore francese. Heiner Goebbels, vincitore del VII Premio Europa Nuove Realtà Teatrali, propone due spettacoli di eccezionale livello: Max Black, un compendio di epistemologia, arte, musica e filosofia, articolato in una partitura - musicale, visiva, verbale, gestuale e “pirica” - affidata alla voce e al corpo di André Wilms, e The Left Hand of Glenn Gould, una performance maturata nel corso di un laboratorio condotto in Germania da Goebbels alla Justus Liebig Universität di Giessen al quale hanno collaborato i borsisti del laboratorio multimediale Fabrica di Treviso. Con il premio Realtà Teatrali ad Alain Platel viene riconosciuta l’intensa attività di un danzatore, coreografo e regista che ha saputo abbattere le barriere tra discipline diverse (danza, teatro, musica, circo) e l’impegno di un artista in grado elaborare e montare, insieme al suo collettivo, Les Ballets C. de la B., spettacoli di grande rigore, lavorando anche con non professionisti, persone svantaggiate o bambini. Alain Platel propone Iets op Bach con un ensemble di nove musicisti e nove danzatori del suo collettivo. Sulle note di Bach, i danzatori del Ballets C. de la B., provenienti da ogni parte del mondo, raccontano loro stessi e le loro vite in modo crudo e poetico, riscuotendo un clamoroso successo di pubblico. Al teatro di Goebbels e Platel sono dedicati due incontri. Per la X edizione, nel 2006, il Premio Europa per il Teatro, assegnato ad Harold Pinter e a Josef Nadj e Oskaras Korsounovas per le Realtà Teatrali, si è trasferito a Torino. Le sue attività, ospitate dal Teatro Stabile di Torino, sono state inserite in un programma speciale per la cultura ideato in occasione delle Olimpiadi invernali.

L’assegnazione del Premio Europa per il Teatro ad Harold Pinter non ha solo celebrato uno dei maggiori autori viventi, ha voluto anche indicare una strada che torna ad essere rilevante in questo particolare momento della vita teatrale e civile in diverse parti del mondo. Come è indicato nella motivazione al premio, “per quanto sia un vero e proprio poeta teatrale, Pinter è uno scrittore politico ma non perché sostenitore di una determinata ideologia di partito, quanto per un attacco contro lo sfruttamento della dignità umana e del linguaggio da parte di chi governa.” Indimenticabile è stato, a questo proposito, l’incontro-intervista con Pinter curato da Michael Billington, critico di The Guardian e biografo ufficiale del drammaturgo. L’incontro - introdotto dal saluto di Ján Figel’, Commissario europeo all’educazione, formazione, cultura - è stato preceduto dal convegno Pinter: Passion, Poetry and Politics. L’omaggio a Pinter è stato completato dalla rappresentazione di The new world order, una scelta di pièce del drammaturgo inglese riunite dalla regia di Roger Planchon e da Pinter Plays, Poetry & Prose a cura del Gate Theatre di Dublino con gli attori Charles Dance, Michael Gambon, Jeremy Irons, Penelope Wilton. A Josef Nadj, Premio Realtà Teatrali, è stato dedicato l’incontro Josef Nadj, un théâtre en chair et en ombre; all’incontro è seguito Duo, una performance di Nadj tratta da Canard Pékinois. Oskaras Korsunovas ha proposto due spettacoli di notevole impatto: Playing the Victim, un testo dei fratelli Presnyakov, e Il Maestro e Margherita da Michail Bulgakov. Un incontro è stato dedicato a Lev Dodin, in occasione della presentazione del volume bilingue Lev Dodin, Le creuset d’un théâtre nécessaire/The melting pot of an essential theatre, edito dal Premio Europa che raccoglie gli atti dell’VIII edizione del Premio. La sezione Ritorni, dedicata a Luca Ronconi, ha offerto un incontro con il regista e tre dei cinque spettacoli ronconiani creati a Torino in occasione delle Olimpiadi invernali: Troilo e Cressida di William Shakespeare, Il Silenzio dei Comunisti, di Vttorio Foa, Miriam Mafai e Alfredo Reichlin, Biblioetica, dizionario per l’uso, di Gilberto Corbellini, Pino Donghi e Armando Massarenti. La X edizione

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internationally famous theatre people and directors participated. The productions included Prometheus, with its ingenious interplay of words and music, by Heiner Müller, directed by Heiner Goebbels; Faust by Giorgio Barberio Corsetti; Mozart and Salieri and a European preview of scenes from The Three Sisters, directed by Eimuntas Nekrosius, which was instrumental in making the Lithuanian director’s work known in the rest of Europe. The Returns section welcomed back Anatoli Vassiliev who presented the European preview of Molière’s Amphitryon. The fifth edition went outside Europe, for the first time, to pay tribute to Robert Wilson and the planetary dimension of his theatre: Wilson presented Persephone and the conference dedicated to him was greatly enlivened by his remarkable warmth and vivacity. The Europe Prize Theatrical Realities was shared by Théâtre de Complicité, one of the most interesting English companies to emerge in recent times, and the great revelation Carte Blanche-Compagnia della Fortezza theatre company, which for years had been developing the idea of theatre as a way of reclaiming freedom and human dignity, working with inmates of the prison in Volterra (Italy). The Returns section featured a production by Vassiliev, The Lamentations of Jeremiah, inspired by spirituality, music and Orthodox rites, and presented a world preview of excerpts from Hamlet by Nekrosius. The Jury of the sixth edition, led

by Jack Lang, awarded the Europe Prize to Luca Ronconi and the fourth Europe Prize Theatrical Realities to Christoph Marthaler. The programme was filled with performances and events, and culminated in the presentation of the awards. It featured two international conferences: “Spettacolo dal vivo: informazione, critica, istituzione” (“Live Performance: Information, Criticism, Institutions”) followed by “Metodo Ronconi” (“Ronconi’s Method”). Ronconi staged an episode from The Brothers Karamazov and conducted a rehearsal, open to the public, of Questa sera si recita a soggetto by Pirandello, during which he revealed some of the secrets of his “method”. The meeting with Christoph Marthaler revealed his pungent irony and brilliant creative mind, and offered great insight into the theatrical approach of a

événement qui contribua à faire connaître le travail théâtral du réalisateur lithuanien dans le reste de l’Europe. Dans la section Retours, Anatolij Vassiliev présenta une première européenne de l’Amphitryon de Molière. Avec la Ve édition on franchissait pour la première fois les frontières européennes en rendant hommage à Robert Wilson et à la dimension planétaire de son théâtre : à cette occasion, Wilson anima, avec chaleur et vivacité, le colloque qui lui fut consacré et présenta Perséphone. Le Prix Europe Réalités Théâtrales, remis ex-aequo au Théâtre de Complicité, une des compagnies anglaises les plus intéressantes de ces dernières années, et à la révélation Carte-BlancheCompagnia della Fortezza, qui promeut depuis des années l’idée d’un théâtre comme rachat pour la liberté et la dignité humaine en travaillant avec des acteursnon acteurs détenus dans les prisons italiennes de Volterra. La section Retours propose un spectacle de Vassiliev, Les lamentations de Jérémie, inspiré par la spiritualité, la musique et les rituels orthodoxes et, en première mondiale, des extraits du Hamlet de Nekrosious. Présidé par Jack Lang, le jury international de la VIe édition remit le Prix Europe à Luca Ronconi et le IVePrix Europe Réalités Théâtrales à Christoph Marthaler. La remise des prix concluait un intense calendrier de travaux et d’événements. Les colloques internationaux furent au nombre de deux : le premier sur le « Spectacle live : information, critique, institution » et le deuxième sur la « Méthode Ronconi ». Pour illustrer le travail de Ronconi, ce dernier présenta un épisode des Frères Karamazov, tandis qu’une répétition ouverte au public, en avant-première, de Ce soir on improvise de Pirandello, révéla quelques secrets de sa « méthode ».

La rencontre avec Christoph Marthaler ouvrit une fenêtre sur l’ironie tranchante, la débordante vivacité intellectuelle et l’approche du théâtre d’un personnage communément considéré comme un génie par ses interlocuteurs internationaux. La section Retours fut consacrée à Robert Wilson, qui, pour le centenaire de la naissance de Bertolt Brecht proposa, avec le Berliner Ensemble, Der Ozeanflug, sur des textes de Brecht, Heiner Müller et Fiodor Dostoïevski. Le théâtre-danse et la personnalité charismatique de Pina Bausch donnèrent à la VIIe édition du Prix Europe une physionomie

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ha ospitato, inoltre, il 22° Congresso e l’Assemblea Generale dell’Association Internationale des Critiques de Théâtre, tornata a riunirsi in Italia dopo vent’anni. L’associazione si è interrogata sul ruolo della critica oggi, in un meeting intitolato: The End of the Criticism? Inoltre, nel 2006 il Premio Europa per il Teatro ha spostato parte delle sue attività in Polonia: la città di Varsavia ha ospitato infatti, da ottobre a novembre nell’ambito del festival Teatralnych Spotkania un vasto programma della sezione Ritorni del Premio. La XI Edizione del Premio Europa per il Teatro si è svolta a Salonicco, finanziata dal Ministero greco della Cultura, che ne ha affidato l’organizzazione in Grecia al Teatro Nazionale della Grecia del Nord. La Giuria internazionale, riunitasi nel 2006 a Torino, ha assegnato il Premio Europa per il Teatro ex-aequo a Robert Lepage e Peter Zadek. Il IX Premio Europa Realtà Teatrali è andato a Biljana Srbljanovi e Alvis Hermanis. Al lavoro teatrale di Robert Lepage, uno dei registi più interessanti e creativi di oggi, è stato dedicato un convegno, animato da critici e studiosi di diversi paesi. Il convegno è stato seguito dalla rappresentazione di alcuni estratti da sue opere teatrali attraverso i quali è stato possibile apprezzare, con lo stesso autore e regista spesso in scena, la poetica visionarietà di un vero maestro del teatro contemporaneo. L’approccio alla scena di Peter Zadek, maturato nel corso di una lunga carriera, si è potuto ammirare nella rappresentazione del Peer Gynt di Ibsen messo in scena dal regista tedesco con il Berliner Ensemble. A Biljana Srbljanovi, drammaturga serba, sono stati dedicati un incontro e una conferenza, seguiti da un reading da sue opere e dallo spettacolo Locusts. Alvis Hermanis, attore, autore e scenografo lettone, ha proposto due spettacoli che hanno evidenziato uno stile di lavoro che sa andare oltre la rappresentazione, affondando nella nuda condizione esistenziale di “personaggi”. I due lavori proposti, esemplari di questa ricerca, entrambi scritti e diretti da Hermanis, sono stati: Long Life e Fathers. Una dimostrazione è stata dedicata, inoltre, all’ultimo lavoro in allestimento dell’autore e regista lettone, The Sound of Silence. Una conferenza e un incontro hanno completato i lavori dedicati al teatro di Hermanis. L’XI edizione del PET è stata anche l’occasione per un colloquio dell’Association Internationale des Critiques de Théâtre sul tema: Prizes, who needs them? La manifestazione si è conclusa come di consueto con la cerimonia ufficiale di consegna dei premi. Il XII Premio Europa per il Teatro è stato assegnato al regista francese Patrice Chéreau. Per quanto riguarda il X Premio Europa Nuove Realtà Teatrali, il collettivo svizzero-tedesco di registi Rimini Protokoll, la danzatrice e coreografa tedesca Sasha Waltz e il regista polacco Krzysztof Warlikowski sono stati gli artisti premiati. La Giuria internazionale ha inoltre assegnato una Menzione speciale nell’ambito del Premio Europa Realtà Teatrali al collettivo artistico bielorusso Belarus Free Theatre. I lavori della XII edizione del Premio Europa per il Teatro si sono svolti per il secondo anno consecutivo a Salonicco e sono stati finanziati dal Ministero greco della Cultura, che ha affidato l’organizzazione della manifestazione in Grecia al Teatro Nazionale della Grecia del Nord.

L’omaggio a Patrice Chéreau ha previsto un convegno di studio i cui temi sono stati l’attività proteiforme ed incessante del regista francese. Chéreau ha inoltre presentato due “letture” teatrali. La douleur, un testo-diario di Marguerite Duras e, dopo la premiazione, Coma tratto da un testo di Pierre Guyotat, che come La douleur è stata una creazione apposita per il Premio Europa per il Teatro. Inoltre durante la manifestazione c’è stata la proiezione del film De la Maison des Morts, dall’opera di Janacek messa in scena da Chéreau. La conferenza incontro con i Rimini Protokoll, vincitori del X Premio Europa Realtà Teatrali ha analizzato l’opera dei tre registi.

Il loro spettacolo Mnemopark è un racconto della Svizzera odierna, paese di orologi e trenini deliziosi che attraversano paesaggi alpini accompagnata da interviste simil- documentaristiche. Il film Wahl Kampf Wallenstein, per la regia di Helgard Haug e Daniel Wetzel (Rimini Protokoll) è incentrato sull’interpretazione che alcuni attori non professionisti danno dell’opera di Friedrich Schiller. È stato presentato il film Garden of Earthly Delights – the Coreographer Sasha Waltz per la regia di Brigitte Kramer, dedicato alla figura della danzatrice e coreografa tedesca Sasha Waltz. La conferenza- incontro dedicata a Krzysztof Warlikowski ha aperto l’omaggio al regista polacco. Warlikowski ha portato in scena Cleansed (Purificati) di Sarah Kane. La messa in scena del regista polacco ha restituito in pieno il senso profondo di claustrofobia ed irreparabile inquietudine trasmessi dal

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personality who is considered a genius by all who have worked with him. The Returns section was dedicated to Robert Wilson, who celebrated the centenary of Bertolt Brecht’s birth by presenting with the Berliner Ensemble Der Ozeanflug, based on texts

by Brecht, Heiner Müller and Fyodor Dostoyevsky.

Pina Bausch’s dance theatre and her charismatic personality gave a new slant to the seventh edition of the Europe Theatre Prize. The dancers and collaborators who spoke about the German artist’s work at the international conference, “Sulle tracce di Pina” (“In Pina’s Footsteps”), hailed from places as far apart as Europe and India, Japan and the United States, Palermo and Australia. It was a journey filled with emotion, memories and performances, which ended magnificently with Small Collection, an anthology presented by Pina Bausch and her famous Tanztheater of Wuppertal, with films, videos and a photographic exhibition to complete the picture. The fifth Europe Prize Theatrical Realities was awarded to the Royal Court Theatre for showcasing and defending new, controversial playwrights like Sarah Kane, Mark Ravenhill, Jez Butterworth, Conor McPherson and Martin McDonagh. The Royal Court Theatre’s activities were spotlighted at the meeting “Di scena il Royal Court”, during which actors from the Royal Court gave readings and work demonstrations, based on the most recent British plays. Ian Rickson directed the first Italian performance of The Weir by Conor McPherson. In the Returns section, Christoph Marthaler and his remarkable ensemble presented Die Spezialisten with enormous success. The parallel initiatives included two important meetings: “Scrivere/rappresentare” (“Writing/Performing”): new European drama presented by the Europe Prize jury, followed by a mise en espace staged by the Théâtre Ouvert and “L’Arte dell’attore, sviluppi e cambiamenti negli ultimi quindici anni” (“The Actor’s Art, Developments and Changes in the Last Fifteen Years”), a debate organised by the Union des Théâtres de l’Europe, which was attended - among others – by Erland Josephson. The Convention Théâtrale Européenne had been associated with and supported the Europe Theatre Prize since this seventh edition.

particulière. Les interventions de danseurs, de collaborateurs et de témoins du travail de l’artiste allemande au colloque international « Sur les traces de Pina », allèrent de l’Europe à l’Inde, du Japon aux EtatsUnis, de Palerme à l’Australie. Un voyage constitué d’émotions, de souvenirs et de performances, couronné par le spectacle anthologique Small Collection, offert par Pina Bausch et sa compagnie historique, le Tanztheater de Wuppertal, et complété par des films, des vidéos et une exposition photographique. Le Ve Prix Europe Réalités Théâtrales fut conféré au Royal Court Theatre pour avoir su valoriser et défendre une toute nouvelle génération d’auteurs, parmi lesquels Sarah Kane, Mark Ravenhill, Jez Butterworth, Conor McPherson et Martin Mc Donagh. L’activité du Royal Court Theatre fut illustrée à travers la rencontre « En scène, le Royal Court », un colloque scandé par des lectures et des démonstrations tirées des œuvres de la dramaturgie britannique la plus récente, avec la collaboration des comédiens du Royal Court. A cette occasion, The Weir de Conor Mc Pherson, mis en scène par Ian Rickson fut présenté en exclusivité pour l’Italie.

Pour la section Retours, Christoph Marthaler proposa, avec un extraordinaire ensemble, Die Spezialisten, un spectacle qui connut un énorme succès. Parmi les initiatives collatérales, rappelons deux rencontres importantes : « Ecrire/représenter : exemples de nouvelle dramaturgie européenne », un colloque proposé par le Jury du Prix Europe et suivi d’une mise en espace réalisée par le Théâtre Ouvert ainsi que « L’Art de l’acteur, développement et changements dans ces quinze dernières années », débat organisé par l’Union des Théâtres de l’Europe avec la participation, entre autre, d’Erland Josephson. A partir de cette édition, le Prix bénéficie du parrainage de la Convention Théâtrale Européenne, qui devient également organisme associé.

Lors de la VIIIe édition, la décision de récompenser Lev Dodin ne représentait pas uniquement un hommage à l’un des meilleurs élèves de Stanislavski, mais permettait également d’ouvrir une brèche sur l’incessante activité du metteur en scène sibérien et du Maly Teatr de SaintPétersbourg, où, en dépit des précarités institutionnelles et économiques, on assiste à un ferment créatif, sans comparaison en ce moment en Europe. Le travail de

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testo di Sarah Kane. L’incontro con il Belarus Free Theatre, ha dato la possibilità al gruppo di artisti bielorussi di parlare delle tre pièce presentate al Premio. Alla conferenza ha partecipato Alexander Milinkevich, leader dell’opposizione politica bielorussa. Gli spettacoli presentati: Zone of Silence, realizzazione apposita per il Premio Europa per il Teatro in anteprima mondiale, Generation Jeans e Being Harold Pinter denunciano qualsiasi impedimento alla libertà d’espressione. La sezione Ritorni ha presentato Hamlet di Shakespeare, un work in progress di Oskaras Korsunovas, VIII Premio Europa Nuove Realtà Teatrali. Lo spettacolo è stato l’anticipazione dell’anteprima mondiale che si è svolta a Stavanger Capitale Europea della Cultura 2008, co-produttore con Vilnius Capitale Europea della Cultura 2009 e con il Premio Europa per il Teatro. Nella sezione Prospettive greche, il Teatro Nazionale della Grecia del Nord ha offerto un contributo alla XII edizione del Premio Europa per il Teatro proponendo Dalle Baccanti di Euripide. Inoltre si è svolto un Colloquium sul vasto argomento delle diversità culturali organizzato dall’Associazione greca dei critici teatrali e musicali in collaborazione con l’Association Internationale des Critiques de Théâtre e il Teatro nazionale della Grecia del Nord. Il relatore principale è stato Richard Schechner. Inoltre durante la manifestazione c’è stata la presentazione del libro Giorgio Strehler ou la passion théâtrale/Giorgio Strehler or a passion for theatre, edizione bilingue, ampliata ed arricchita da testimonianze inedite della monografia Giorgio Strehler o la passione teatrale edita da Ubulibri e dedicata a Giorgio Strehler, vincitore del III Premio Europa per il Teatro nel 1990. Il volume in francese ed inglese è stato pubblicato in occasione del decennale della morte del grande regista, fondatore del Piccolo Teatro di Milano. La manifestazione si è conclusa come di consueto con la cerimonia ufficiale di consegna dei premi. Le manifestazioni della XIII edizione del Premio Europa per il Teatro e dell’XI edizione del Premio Europa Realtà Teatrali si sono svolte a Wrocław, in Polonia in occasione delle celebrazioni organizzate in onore di Grotowski sotto gli auspici ed il sostegno del Ministero della Cultura polacco e della Città e del Sindaco di Wrocław. Il conferimento del XIII Premio Europa per il Teatro a Krystian Lupa ha premiato un maestro del teatro d’arte, un punto di riferimento per la scena internazionale contemporanea. L’omaggio al premiato ha previsto un convegno di studio con le testimonianze di critici, studiosi di teatro e collaboratori del regista polacco e tre rappresentazioni: Factory 2, una produzione ispirata ad Andy Warhol ed ai personaggi della sua “Silver Factory” che hanno contribuito a crearne il mito. Le Presidentesse, da un romanzo di Werner Schwab, descrive la vita di tre donne del ceto popolare succubi del bigottismo religioso, di un lavoro umiliante e della televisione come unico diversivo di un’esistenza sempre uguale a se stessa. Inoltre, Lupa ha presentato in anteprima mondiale Persona: Marilyn, prima parte di una trilogia ispirata a Marilyn Monroe, Simone Weil e Gurdjieff. Inoltre durante la manifestazione si è svolta la proiezione del film Kalkwerk, che ha riproposto la messa in scena di uno dei più grandi successi teatrali di Lupa.

Per quanto riguarda il Premio Europa Realtà Teatrali, la Giuria (assistita dalla Consulta - composta da circa 300 esperti del teatro europeo) dopo avere constatato che i nomi di alcuni candidati ricorrevano con frequenza e con il più alto numero di voti fin dalle passate edizioni del Premio, già nell’arco tra 1996 ed il 2001, e tutti con un altissimo livello qualitativo e con differenti caratteristiche artistiche, ha deciso di conferire il Premio Europa Realtà Teatrali XI edizione ai primi cinque fra registi e realtà teatrali già consolidati ed affermati sulla scena internazionale che sono stati i più votati nelle candidature di questa edizione: Guy Cassiers (Belgio); Pippo Delbono (Italia); Rodrigo Garcia (Spagna/Argentina); Arpad Schilling (Ungheria); François Tanguy e il Théâtre du Radeau (Francia). Questa scelta è stata fatta in linea con il Regolamento del Premio: che indica il PERT come “occasione di incontro e confronto tra differenti momenti espressivi del nuovo teatro europeo”, e con l’auspicio di poter aprire dalle prossime edizioni un’altra fase del PENRT ad una generazione di artisti e gruppi emergenti o non ancora ben conosciuti a livello internazionale, ciò anche per dare spazio e visibilità alle candidature di Paesi minori. I cinque vincitori dell’XI Premio Europa Realtà Teatrali hanno offerto al pubblico un ricco programma dei loro spettacoli di repertorio più rappresentativi, di creazioni speciali per il Premio Europa per il Teatro, di conferenze di studio sulla loro opera fino ad oggi e di incontri con la stampa ed il pubblico durante le quali i

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By awarding the Prize to Lev Dodin, the eighth edition not only honoured one of Stanislavsky’s most brilliant students, but also opened a window on the non-stop activities undertaken by the Siberian director and the Maly Teatr of Saint Petersburg, where, despite institutional and economic instability, the theatre scene is more creative and lively than anywhere else in Europe. It was possible to appreciate Dodin’s work, and the context in which he generally works, at a conference with a host of speakers and testimonies, and in two productions: The House by Fyodor Abramov – which Dodin expressly wanted to bring to Taormina – and the world preview of Molly Sweeney

by Brian Friel. The sixth Europe Prize Theatrical Realities went to the Dutch theatre company Theatergroep Hollandia; to the German director Thomas Ostermeier and to the Italian theatre company Societas Raffaello Sanzio. The prize-winners presented four productions: Voices by Pasolini and Ongebluste Kulk (Hollandia), Crave by Sarah Kane (Thomas Ostermeier), Amleto, la veemente esteriorità della morte di un mollusco (Societas Raffaello Sanzio).

A special prize was awarded to the BITEF (Belgrade International Theatre Festival), and a special mention went to Ibrahim Spahic for the role his theatre played in the desperate days of the war in Sarajevo. The “return” of Peter Brook (II Europe Theatre Prize) with Le Costume, by South African dramatist Can Themba, which the Europe Theatre Prize co-produced, was a tribute to one of the greatest living directors and his rigorous, multifaceted approach to theatre. Drama expanded, surpassed itself and reasserted its importance at the ninth edition of the Prize, interweaving with cinema, dance and music to encompass the various trends animating the contemporary scene. The prize awarded to Michel Piccoli was intended as a tribute to a great, exquisitely European artist and an approach to the profession of acting that passes through the sectors of stage and screen to find its essential rationale beyond them in a style inseparable from the man himself and his social commitment. Aided and abetted by Klaus Michael Grüber, Michel Piccoli used the Massimo Bellini Theatre in Catania for a production that paid homage

Dodin ainsi que le contexte dans lequel il s’exerce en grande partie, ont pu être appréciés dans le cadre d’un colloque riche en interventions et témoignages et à travers deux spectacles : La Maison de Fiodor Abramov – dont la reprise dans le cadre du festival de Taormine a été fortement voulue par Dodin lui-même - et la première mondiale de Molly Sweeney de Brian Friel. Le VIe Prix Europe Réalités Théâtrales a été remis aux Hollandais du Theatergroep Hollandia, au metteur en scène allemand Thomas Ostermeier et aux Italiens de la Societas Raffaello Sanzio. Quatre spectacles ont été proposés par les artistes primés : Voices, tiré de Pasolini et Ongebluste Kulk (Hollandia), Crave de Sarah Kane (Thomas Ostermeier), Amleto, la veemente esteriorità della morte di un mollusco (Societas Raffaello Sanzio).

Un prix spécial a été remis au BITEF (Belgrade International Theater Festival), tandis qu’une mention spéciale a été conférée à Ibrahim Spahic pour son activité à Sarajevo durant les journées désespérées du conflit. Le Retour de Peter Brook (IIe Prix Europe pour le Théâtre) avec Le Costume, de l’écrivain sud-africain Can Themba, produit par le Prix Europe, a permis de rendre hommage à l’un des plus grands metteurs en scène vivants et à l’éclectisme rigoureux de son théâtre.

Dans la IXe édition du Prix Europe, le théâtre se dilate, dépasse ses frontières et se réaffirme – en se mêlant au cinéma, à la danse et à la musique – en intégrant différentes tendances qui animent la scène contemporaine. En décidant de primer Michel Piccoli, le Jury a souhaité célébrer un grand artiste délicieusement européen et une manière de concevoir le métier d’acteur qui, en traversant les genres (théâtre, cinéma), trouve, dans un style qui ne peut être séparé de l’homme et de son engagement civique, sa raison fondamentale.

Michel Piccoli présente, au théâtre Massimo Bellini de Catane, un événement théâtral conçu en exclusivité pour le Prix Europe pour le Théâtre : Piccoli - Pirandello, à partir des Géants de la Montagne, réalisé avec la complicité de Klaus Michael Grüber. Cet événement constitue également un hommage à l’île, au mythe, au théâtre et à ses « lieux ». A Piccoli sont consacrés un colloque, « Michel Piccoli, entre le théâtre et le cinéma » et une rétrospective de films interprétés par le grand acteur français. Heiner Goebbels, lauréat du VIIe Prix

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premiati hanno parlato del loro approccio al teatro e dei loro progetti futuri. Guy Cassiers ha portato in scena Rouge Décanté da un romanzo di Jeroen Brouwers, un monologo incentrato sull’elegia in memoria della madre del protagonista, che aveva condiviso con il figlio l’esperienza dell’internamento in un campo di prigionia giapponese durante la Seconda Guerra Mondiale. Inoltre, durante le giornate del Premio, è stato possibile visitare l’installazione Phalanx, nata dalla collaborazione tra Guy Cassiers ed il video artista Kurt d’Haeseleer, un’installazione artistica sul potere della politica, dei media e il potere/impotenza dell’arte, ispirata alla trilogia teatrale di Cassiers Trittico del potere. Pippo Delbono ha presentato tre spettacoli. Il tempo degli assassini è un viaggio “on the road” che racconta in maniera semi-autobiografica la vita del regista italiano e di Pepe Robledo, suo co-protagonista in scena. Questo buio feroce è uno spettacolo tratto dal diario dello scrittore americano Harold Broadkey, che parte dalla riflessione sulla malattia, il dolore e la morte e si trasforma in un inno alla vita.

Inoltre, alla fine dell’incontro a lui dedicato, Delbono ha presentato Storia di un viaggio teatrale nei luoghi sconosciuti tra rabbia e amore, solitudine ed incontro, costrizione e libertà, creazione speciale per il Premio Europa per il Teatro con la partecipazione, tra gli altri, dell’attrice Marisa Berenson. Rodrigo García ha portato in scena tre spettacoli. Accidens. Matar para comer è uno spettacolo che parla degli ultimi momenti di vita, e che tenta di rappresentare l’agonia del naturale. In Arrojad mis cenizas sobre Mickey, García usa il palcoscenico come un grande recipiente al fine di far riflettere il pubblico su temi controversi ma di grande attualità. Inoltre, alla fine del meeting a lui dedicato, García ha presentato El Perro, creazione speciale per il Premio Europa per il Teatro con la partecipazione di un gruppo di giovani attori polacchi. Árpád Schilling ha presentato e commentato al pubblico alla fine del suo incontro Elogio dell’Escapologista, la sua ultima creazione. François Tanguy con il Théâtre du Radeau ha presentato Ricercar, uno spettacolo storico del suo repertorio. All’interno delle manifestazioni del Premio è stata dedicata una sezione al Paese ospite. Sguardo sulla Polonia che ha accolto alcuni importanti contributi quali: la mostra fotografica di Maurizio Buscarino su Grotowski, Apocalypsis cum Figuris, il Colloquium Recitare prima e dopo Grotowski (in collaborazione con l’Association Internationale des Critiques de Théâtre) e la presentazione del libro fotografico su Krystian Lupa, Lupa/Teatr. Inoltre sono stati presentati Mozart Writes Letters, una performance di marionette, e Lincz da Yukio Mishima. Inoltre durante la manifestazione c’è stata la presentazione del libro Theatre and humanism in a world of violence di Ian Herbert e Kalina Stefanova, che raccoglie gli atti del XXIV Congresso mondiale dell’AICT. La manifestazione si è conclusa come di consueto con la cerimonia ufficiale di consegna dei premi, in quest’occasione trasmessa in diretta dalla televisione polacca. Il XV Premio Europa per il Teatro si è svolto a Craiova, in Romania, in continuità con il prestigioso International Shakespeare Festival, giunto quest’anno alla decima edizione. Questa edizione del Premio è stata patrocinata dalla città di Craiova, che ha voluto riunire i due eventi, ed organizzata in cooperazione con la Fondazione Shakespeare e con il Teatro Nazionale ‘Marin Sorescu’ ai quali si è aggiunto il contributo dell’Istituto Rumeno di Cultura. Il XV premio Europa per il Teatro è stato assegnato a Mats Ek. coreografo e regista svedese di fama mondiale. Figlio di un grande attore e di una coreografa leggendaria, Mats Ek ha saputo combinare teatro e danza in una sua personale ed originalissima espressione. Ispirato da Martha Graham, Pina Bausch, Kurt Joos (dalla cui lezione prende vita la “danza drammatica” di sua madre Birgit Cullberg,), Ek mette in scena con grande successo alcune riscritture di classici del balletto ottocentesco contaminandole con elementi di danza moderna ma anche con fatti quotidiani, perché per lui è importante il riferimento alla società e all’epoca in cui vive. Il XIII Premio Europa Realtà Teatrali è stato attribuito ai seguenti artisti: all’ungherese Viktor Bodó, al tedesco Andreas Kriegenburg, allo spagnolo Juan Mayorga, al National Theatre of Scotland e al francese Joël Pommerat . Il Premio Speciale è stato assegnato al regista di teatro e d’opera romeno Silviu Purcărete.

Quest’edizione della manifestazione è stata l’occasione per rendere omaggio ai premiati, come di consueto, con una serie di conferenze tese ad analizzare a fondo la loro opera, con le testimonianze di attori, scenografi, costumisti, musicisti, ecc. che hanno collaborato con i vari artisti premiati e le relazioni di accademici, giornalisti

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not only to Sicily but also to myth, to theatre, and to its key places: Piccoli- Pirandello, à partir des Géants de la montagne. Piccoli was the subject of a symposium entitled “Michel Piccoli or the Two-Way Journey in Film and Theatre” and a selection of the most important movies made by this great French actor was shown. Heiner Goebbels, winner of the seventh Europe Prize Theatrical Realities, presented two productions of exceptionally high level: Max Black, a compendium of epistemology, art, music and philosophy in the form of a musical, visual, verbal, gestural and “fiery” score interpreted by the voice and body of André Wilms, and The Left Hand of Glenn Gould, a performance developed in the course of a workshop held in Germany by Goebbels at the Justus Liebig Universität in Giessen with the participation of grant holders from the multimedia workshop Fabrica in Treviso. The awarding of the Europe Prize Theatrical Realities to Alain Platel recognized the untiring efforts of a dancer, choreographer and director who has succeeded in breaking down the barriers between different disciplines (dance, drama, music and circus) and the commitment of an artist capable, together with his collective company Les Ballets C. de la B., of devising and staging productions of the utmost rigour, working also with non-professionals, disadvantaged people or children. Alain Platel presented Iets op Bach with an ensemble of nine musicians and nine dancers from his company. The dancers of Les Ballets C. de la B., who come from all over the world, won great public acclaim by giving a stark and poetic account of themselves and their lives to music by Bach. Two symposiums were devoted to the drama of Goebbels and Platel. The tenth edition of the Europe Theatre Prize – held in Turin in 2006 was awarded to Harold Pinter whereas the winners of eight Europe Prize Theatrical Realities were Josef Nadj and Oskaras Korsunovas. Hosted by the Turin Teatro Stabile, it formed part of the special cultural programme organized to mark the Winter Olympics.

The award of the Europe Theatre Prize to Harold Pinter not only celebrated one of the greatest living authors, but also aimed to indicate a path that has increasing relevance at this particular moment, for the

Europe Réalités Théâtrales, propose deux spectacles de niveau exceptionnel: Max Black est un compendium d’épistémologie, d’art, de musique et de philosophie qui s’articule autour d’une partition musicale visuelle, verbale, gestuelle et « pyrotechnique » confiée à la voix et au corps d’André Wilms, et The Left Hand of Glenn Gould, une performance qui a vu le jour durant un stage tenu par Goebbels en Allemagne à la Justus Liebig Universität de Giessen, auquel ont également collaboré des boursiers de l’atelier multimédia « Fabrica »de Trévise. En attribuant le Prix Réalités Théâtrales à Alain Platel, on a voulu reconnaître l’intense activité d’un danseur, chorégraphe et metteur en scène qui a su abattre les barrières entre différentes disciplines (danse, théâtre, musique, cirque) ainsi que l’engagement d’un grand artiste en mesure d’élaborer et de monter, avec son collectif Les Ballets C. de la B., des spectacles d’une grande rigueur, en travaillant également avec des nonprofessionnels, des porteurs de handicap ou des enfants. Alain Platel a proposé avec un grand succès son spectacle Iets op Bach, avec un ensemble de neuf musiciens et de neuf danseurs de son collectif. Sur des musiques de Bach, les danseurs du Ballets C. de la B., provenant du monde entier, se racontent et nous racontent leurs vies d’une manière crue et poétique.

Deux rencontres ont été consacrées au théâtre de Goebbels et de Platel. Pour la Xe édition en 2006, le Prix Europe pour le Théâtre, décerné à Harold Pinter ainsi qu’à Josef Nadj et Oskaras Koursunovas pour les Réalités Théâtrales, s’est transféré à Turin. Ses activités, qui se sont déroulées dans le Théâtre de la ville, ont été insérées dans un programme spécial pour la culture créé à l’occasion des Jeux Olympiques d’Hiver. La Remise du Prix Europe pour le Théâtre à Harold Pinter n’a pas seulement célébré l’un des plus importants auteurs vivants, mais elle a souhaité indiquer une voie qui redevient importante dans ce moment particulier de la vie théâtrale et civique dans différentes parties du monde. Ainsi que l’indique la motivation du Prix, « bien qu’il soit un vrai poète du théâtre, Pinter est un écrivain politique, pas dans le sens de l’appartenance à l’idéologie d’un parti mais dans son attaque contre la violation de la dignité humaine et le mauvais usage de la langue de la part de ceux qui détiennent le pouvoir ». A

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e critici della migliore stampa internazionale. Inoltre, gli artisti premiati hanno presentato dei loro spettacoli: Last Dream on Earth del National Theatre of Scotland, una pièce di grande attualità sul tema dei migranti, In questo spettacolo il pubblico ascolta in cuffia il racconto del viaggio della speranza di un anonimo migrante africano che incrocia, con un salto nel passato, il non meno pericoloso viaggio spaziale di Yuri Gagarin, il primo celebrato eroe dello spazio, che viaggiava compresso dentro una minuscola e precaria navicella metallica; Rejkyavik di Juan Mayorga, la pièce ispirata alla nota sfida scacchistica tra Bobby Fisher e Boris Spasski, è una commedia sulla guerra fredda, il comunismo, il capitalismo, il gioco degli scacchi, il gioco teatrale e gli uomini che vivono “la vita degli altri”. É una pièce che incarna il pensiero dell’autore come “arte dell’immaginazione”, l’artista premiato ha presentato anche due scene tratte da The Yugoslavs. Andreas Kriegenburg ha messo in scena Nathan il Saggio da Nathan der Weise di G. E. Lessing. L’opera, scritta dal filosofo illuminista e drammaturgo G. E. Lessing nel 1779, è ambientata a Gerusalemme durante la terza crociata e descrive in che modo il saggio mercante ebreo Nathan, l’illuminato sultano Saladino e un inizialmente anonimo templare riescono a superare il divario tra Ebraismo, Islam e Cristianità nella città sacra assediata. Kriegenburg racconta questa vicenda con cinque attori che cambiano più di una volta ruolo ed una macchina scenica costituita da una parete mobile in legno che con semplici spostamenti si trasforma nelle mura di Gerusalemme e in diversi interni. Durante la prima giornata, legandosi idealmente all’ International Skakespeare Festival, il Premio ha proposto, nella sezione ‘ritorni’, due spettacoli ispirati dal Bardo di Stratford upon Avon: Giulio Cesare, pezzi staccati, di Romeo Castellucci e Richard III per la regia di Thomas Ostermeier. Lo spettacolo, nato da una nuova traduzione e adattamento del testo in lingua tedesca di Marius von Mayenburg, è frutto di un lungo e capillare lavoro d’équipe che ha visto impegnati regista, attori, musicisti e tecnici, nel ritrovare l’energia ad il senso di questo dramma del potere e delle sottigliezze linguistiche che ne esprimono l’essenza. Costumi, musiche techno potenti ed inquietanti con percussioni dal vivo, interventi video e l’utilizzo di un poderoso equipaggiamento tecnico formano una scena decisamente contemporanea, a tratti statica e a tratti pop ed ‘atletica’, capace tuttavia di trasmettere il senso ‘elisabettiano’ dell’opera. I pezzi ‘staccati’ dal celebrato Giulio Cesare di Romeo Castellucci (Societas Raffaello Sanzio), costituiscono un ‘intervento’ teatrale in senso semiotico ma, ancora prima, fisiologico. Così Il dramma di Shakespeare prende letteralmente corpo dalla gola, organo di fonazione che ad un certo punto smarrisce la parola per restituirci la phoné e le visioni di un dramma fondato sulla retorica del potere. L’impatto emotivo sul pubblico, la perfezione formale dell’opera e l’intelligente utilizzo del salone d’ingresso dell’Università di Craiova come spazio scenico pressoché perfetto per questa ‘operazione’, hanno creato un‘atmosfera e un momento di teatro irripetibili. La cerimonia di premiazione, ripresa in diretta dalla televisione nazionale, ha chiuso le quattro intense giornate del Premio e si è conclusa con la consegna del XV Premio Europa per il Teatro a Mats Ek. Dopo le premiazioni Mats Ek ha proposto Axe con Ana Laguna e Yvan Auzely, due icone della danza contemporanea.

Axe segna l’addio alla coreografia da parte di Mats Ek che ci consegna, in un breve duetto, un autentico capolavoro e un tema ricorrente nelle sue coreografie: la profonda relazione che corre tra uomo e donna. In questa creazione una coppia non più giovane oscilla tra le necessità pratiche della vita e un tempo, riattivato dalla donna, per il contatto, i sentimenti e le cose importanti dell’esistenza.

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theatre and for society, in many parts of the world. As the reasons for the award stated, “although Pinter is a true theatrical poet, his work and life are filled with a moral rage against injustice. He is a political writer, not in the sense of endorsing a party ideology but in his assault on the abuse of human dignity and the misuse of language by those in power.” In this sense, the interview with Pinter by Michael Billington, the Guardian theatre critic and Pinter’s official biographer, was particularly memorable. Introduced by Ján Figel’, European Commissioner for Education and Culture, the meeting was preceded by the conference “Pinter: Passion, Poetry and Politics”. The homage to Pinter was completed by the performance of The New World Order, a selection of pieces by Pinter directed by Roger Planchon, and by Pinter Plays, Poetry & Prose by the Gate Theatre of Dublin, performed by Charles Dance, Michael Gambon, Jeremy Irons, and Penelope Wilton. Josef Nadj, the winner of the New Realities Prize, was the subject of the meeting “Josef Nadj, un théâtre en chair et en ombre”; the meeting was followed by Duo, a performance of Nadj’s work taken from Canard Pékinois. Oskaras Korsunovas presented two powerful productions: Playing the Victim by Oleg and Vladimir Presnyakov, and Master and Margarita

by Mikhail Bulgakov. Lev Dodin was the subject of the meeting held for the presentation of the bilingual volume Lev Dodin, Le creuset d’un théâtre nécessaire/ The Melting Pot of an Essential Theatre, published by the Europe Prize, containing the proceedings of the eighth edition of the Prize. The Returns section, devoted to Luca Ronconi, included a meeting with the director and performances of the three of the five plays produced in Turin on the occasion of the Winter Olympics: William Shakespeare’s Troilus and Cressida, Il Silenzio dei Comunisti, by Vittorio Foa, Miriam Mafai and Alfredo Reichlin, and Biblioetica, dizionario per l’uso, by Gilberto Corbellini, Pino Donghi and Armando Massarenti.

The tenth edition hosted the 22nd Congress and the General Assembly of the International Association of Theatre Critics, held in Italy after a gap of twenty years. The association explored the subject of the role of the critic in the present-day world in a meeting with the title “The End

ce propos, la rencontre-interview avec Pinter organisée par Michael Billington, critique de The Guardian et biographe officiel du dramaturge, a été inoubliable. La rencontre - introduite par le discours de bienvenue de Jan Figel`, Commissaire Européen pour l’Education, la Formation et la Culture - a été précédé par le colloque « Pinter: Passion, Poetry and Politics ». L’hommage à Pinter a été complété par la représentation de The new world order, un choix de pièces du dramaturge anglais réunies dans une mise en scène de Roger Planchon et par Pinter Plays, Poetry & Prose organisé par le Gate Theatre de Dublin avec la participation des acteurs Charles Dance, Michael Gambon, Jeremy Irons et Penelope Wilton. A Josef Nadj, Prix Réalités Théâtrales, a été consacrée la rencontre « Josef Nadj, un théâtre en chair et en ombre » ; la rencontre a été suivie de Duo, une performance de Nadj extraite du Canard Pékinois.

Oskaras Korsunovas a proposé deux spectacles ayant eu un impact considérable : Playing the Victim, un texte des frères Presnyakov, et Le Maître et Marguerite de Mikhail Boulgakov. Une rencontre a été consacrée à Lev Dodin, à l’occasion de la présentation du livre bilingue Lev Dodin, « Le creuset d’un théâtre nécessaire/The melting pot of an essential theatre », publié par le Prix Europe et rassemblant les actes de la VIIIe édition du Prix. La section Retours, consacrée à Luca Ronconi, a proposé une rencontre avec le metteur en scène et trois des cinq spectacles ronconiens créés à Turin à l’occasion des Jeux Olympiques d’Hiver : Troïlus et Cressida de William Shakespeare, Il Silenzio dei Comunisti de Vittorio Foa, Miriam Mafai et Alfredo Reichlin, Biblioetica, dizionario per l’uso de Gilberto Corbellini, Pino Donghi et Armando Massarenti. Par ailleurs, la Xe édition a accueilli le 22e Congrès et l’Assemblée Générale de l’Association Internationale des Critiques de Théâtre, qui s’est réunie à nouveau en Italie après vingt ans.

L’association s’est interrogée sur le rôle de la critique aujourd’hui, dans une réunion au thème plutôt radical : « The End of the Criticism ? ». En outre, en 2006 le Prix Europe pour le Théâtre a déplacé une partie de ses activités en Pologne : en effet la ville de Varsovie a accueilli d’octobre à novembre dans le cadre du festival « Teatralnych Spotkania » un vaste programme de la section « Retours » du Prix. La XIe Edition du Prix Europe

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of Criticism?” In 2006 the Europe Theatre Prize also held some of its initiatives in Poland: in October and November, as part of the Teatralnych Spotkania festival, the city of Warsaw presented a wide programme from the Returns section of the Prize. The 11th edition of Europe Theatre Prize was held in Thessaloniki, organized by the National Theatre of Northern Greece with support from the Greek Ministry of Culture. The international jury had met previously in Turin in 2006, awarding the eleventh Europe Theatre Prize ex-aequo to Robert Lepage and Peter Zadek and the ninth Europe Prize Theatrical Realities to Biljana Srbljanović and Alvis Hermanis. To celebrate Robert Lepage, one of the most interesting and creative directors on the scene today, a conference was held on Lepage’s work involving critics and scholars from various countries. Next came performances of scenes from a number of Lepage’s plays, often acted by the author/director himself, making it possible to appreciate the poetic vision of Lepage’s productions and providing a rare opportunity to gain an overview of his work. A performance of Ibsen’s Peer Gynt directed by the other prize-winner Peter Zadek and featuring the Berliner Ensemble, served to stunningly represent this German director’s theatrical approach, which has evolved over the course of his long career. Events to honour Biljana Srbljanović, Serbian playwright, included an encounter and conference followed by a reading of her work and concluding with a performance of Locusts. Alvis Hermanis, actor, playwright, and stage designer from Latvia, presented two plays that confirmed the intensity of his technique, which propels actors well beyond mere representation into the raw existential condition of the “characters”.

The two plays exemplifying this line of work, both written and directed by Hermanis, were Long Life and Fathers. A demonstration of his latest work-inprogress, The Sound of Silence, was also held, as well as an encounter and conference on his work. Also featured among the eleventh Prize festival events was a colloquium of the International Association of Theatre Critics entitled “Prizes: Who Needs Them?”

Then, as every year, the events concluded with the

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pour le Théâtre s’est déroulée à Salonique et elle a été financée par le Ministère grec de la Culture qui a confié son organisation au Théâtre National de la Grèce du Nord. Le Jury international, qui s’est réuni en 2006 à Turin, a décerné le Prix Europe pour le Théâtre ex aequo à Robert Lepage et Peter Zadek tandis que le IXe Prix Europe Réalités Théâtrales a été décerné à Biljana Srbljanovi et Alvis Hermanis. Au travail théâtral de Robert Lepage, l’un des metteurs en scène les plus intéressants et les plus créatifs d’aujourd’hui, a été consacré un congrès auquel ont participé des critiques et des spécialistes de différents pays. Le congrès a été suivi de la représentation de quelques extraits de ses pièces de théâtre à travers lesquels il a été possible d’apprécier, avec l’auteur et metteur en scène lui-même souvent sur les planches, l’aspect visionnaire et poétique d’un véritable maître du théâtre contemporain.

L’approche envers la scène de Peter Zadek, qui a évolué au cours de sa longue carrière, a pu être admirée lors de la représentation du Peer Gynt d’Ibsen monté par le metteur en scène allemand avec le Berliner Ensemble.

A Biljana Srbljanovic ont été consacrés un colloque et une conférence, suivis d’une lecture de ses œuvres et du spectacle Locusts. Alvis Hermanis, acteur, auteur et scénographe letton, a proposé deux spectacles qui ont mis en évidence un style de travail sachant aller au-delà de la représentation, en plongeant dans la condition existentielle nue de « personnages ». Les deux travaux proposés, qui sont représentatifs de cette recherche et sont tous les deux écrits et mis en scène par Hermanis, ont été Long Life et Fathers. Par ailleurs, une démonstration a été consacrée au dernier travail en cours de réalisation de l’auteur et metteur en scène letton, The Sound of Silence. Une conférence et un colloque ont conclu les travaux dédiés au théâtre de Hermanis. Au cours de la XIe édition du Prix Europe pour le Théâtre s’est également tenu un colloque de l’Association Internationale des Critiques de Théâtre sur le thème : « Prizes, who needs them? » La manifestation s’est terminée comme d’habitude par la cérémonie officielle de remise des prix. Le XIIe Prix Europe pour le Théâtre a été décerné au metteur en scène français Patrice Chéreau. Quant au Xe Prix Europe Réalités Théâtrales, les lauréats ont été le collectif suisse-

official award ceremony. The twefth Europe Theatre Prize was awarded to French director Patrice Chéreau while the tenth Europe Prize Theatrical Realities went to the Swiss-German collective directed by Rimini Protokoll, German dancer/choreographer Sasha Waltz and Polish director Krzysztof Warlikowski. Also as part of Europe Prize New Theatrical Realities, the international jury awarded a Special Mention to Belarusian collective Belarus Free Theatre. As the previous year, the twelfth edition of the Europe Theatre Prize was held in Thessaloniki, organized by the National Theatre of Northern Greece with support from the Greek Ministry of Culture. The homage to Patrice Chéreau featured a symposium on the French director’s ceaseless, ever-changing activity as well as two theatrical “readings” by Chéreau of works prepared especially for the Europe Theatre Prize: La douleur, from the diary by Marguerite Duras and later, at the end of the award ceremony, Coma, based on the book by Pierre Guyotat. Events in his honour also included a screening of the film of Chéreau’s production of the opera by Janáček, De la Maison des Morts. The conference and meeting with Rimini Protokoll, winners of the tenth Europe Prize Theatrical Realities, analysed the work of the three directors.

Their performance Mnemopark tells a story of today’s Switzerland, homeland to watches and lovely miniature trains travelling through alpine landscapes, accompanied by documentary-like interviews. The film Wahl Kampf Wallenstein, directed by Helgard Haug and Daniel Wetzel of Rimini Protokoll, focuses on the personal interpretation of Schiller’s masterpiece by some non-professional actors. Other events included a screening of the film Garden of Earthly Delights – the choreographer Sasha Waltz directed by Brigitte Kramer. The film focused on the personality and work of the German dancer and choreographer Sasha Waltz. The homage to Krzysztof Warlikowski began with a conference and meeting devoted to the Polish director and continued with his production of Cleansed, by Sarah Kane, which successfully conveyed the deep sense of claustrophobia and hopeless uneasiness of Kane’s play. During the meeting with Belarus Free Theatre, the group of White Russian

allemand de metteurs en scène Rimini Protokoll, la danseuse et choréographe allemande Sasha Waltz et le metteur en scène polonais Krzysztof Warlikowski. En outre, le Jury international a attribué une mention spéciale dans le cadre du Prix Europe Réalités Théâtrales au collectif artistique biélorusse Belarus Free Theatre.

Les travaux de la XIIe édition du Prix Europe pour le Théâtre se sont déroulés pour la deuxième année consécutive à Salonique et ils ont été financés par le Ministère grec de la Culture, qui a confié l’organisation de la manifestation en Grèce au Théâtre National de la Grèce du Nord. L’hommage rendu à Patrice Chéreau comprenait un congrès avec pour thème l’activité protéiforme et incessante du metteur en scène français.

En outre, Chéreau a présenté deux « lectures » théâtrales : La douleur, un texte-journal de Marguerite Duras et, après la remise des prix, Coma d’après un texte de Pierre Guyotat, qui comme La douleur a été spécialement créé pour le Prix Europe pour le Théâtre.

Par ailleurs, durant la manifestation a eu lieu la projection du film De la Maison des Morts, d’après l’œuvre de Janacek mise en scène par Chéreau. La conférencecolloque avec les Rimini Protokoll, lauréats du Xe Prix Europe Réalités Théâtrales a analysé l’œuvre des trois metteurs en scène. Leur spectacle Mnemopark raconte la Suisse d’aujourd’hui, le pays des montres et de délicieux petits trains qui traversent des paysages alpins avec des interviews ressemblant à un documentaire. Le film Wahl Kampf Wallenstein, réalisé par Helgard Haug et Daniel Wetzel (Rimini Protokoll) se concentre sur l’interprétation que certains acteurs non professionnels donnent de l’œuvre de Friedrich Schiller. Le film Garden of Earthly Delights – the Choreographer Sasha Waltz de Brigitte Kramer, consacré à la figure de la danseuse et choréographe allemande Sasha Waltz, a été présenté.

La conférence-colloque dédiée à Krzysztof Warlikowski a introduit l’hommage rendu au metteur en scène polonais. Warlikowski a monté Cleansed (Purifiés) de Sarah Kane. La mise en scène du metteur en scène polonais a pleinement rendu le sens profond de claustrophobie et d’inquiétude irréparable transmis par le texte de Sarah Kane. Le colloque avec le Belarus Free Theatre a donné la possibilité au groupe d’artistes biélorusses de parler des trois pièces présentées à

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Premio Europa per il Teatro

artists talked about the three plays they presented at the Prize. On the panel with them was Alexander Milinkevich, leader of the Belarusian political opposition. All three works - the world premiere of Zone of Silence, created especially for the Europe Theatre Prize, Generation Jeans and Being Harold Pinter - denounce any and all limitation on freedom of expression. The Returns section featured a staging of Shakespeare’s Hamlet, a work-in-progress directed

by Oskaras Korsunovas, winner of the eighth Europe Prize Theatrical Realities. The piece was a preview of the world premiere held later at Stavanger, European Capital of Culture 2008, co-produced with Vilnius, Europe Capital of Culture 2009 and the Europe Theatre Prize. In the Greek Perspectives section of the twelfth Edition of the Europe Theatre Prize, the National Theatre of Northern Greece presented Euripides’ Bacchae. Additionally, a colloquium was held on the broad topic of cultural diversity, organized by the Greek Union of Drama and Music Critics in collaboration with the International Association of Theatre Critics and the National Theatre of Northern Greece. The keynote speaker was Richard Schechner.

There was also a presentation of the book Giorgio Strehler ou la passion théâtrale/Giorgio Strehler or a passion for theatre, a bilingual version of the book in Italian Giorgio Strehler o la passione teatrale, published

by Ubulibri and dedicated to Strehler, winner of the third Europe Theatre Prize in 1990. Expanded with additional material, the new book in French and English was published for the tenth anniversary of the death of the great Italian director and founder of Piccolo Teatro in Milan. As every year, the Prize events concluded with the official award ceremony. The thirteenth edition of the Europe Theatre Prize and the eleventh edition of the Europe Prize Theatrical Realities were held in Wroclaw, Poland on the occasion of the celebrations in honour of Grotowski, under the auspices and with the support of the Polish Ministry of Culture and the City and Mayor of Wroclaw.

The thirteenth Europe Theatre Prize went to Krystian Lupa, a master of theatre art with a major influence on the contemporary international scene. Events in his honour began with a symposium featuring critics,

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PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

l’occasion du Prix. Le leader de l’opposition biélorusse Alexander Milinkevich a participé à la conférence. Les spectacles présentés – Zone of Silence, spécialement monté pour le Prix Europe pour le Théâtre en avantpremière mondiale, Generation Jeans et Being Harold Pinter – dénoncent toute entrave à la liberté d’expression.

La section Retours a présenté Hamlet de Shakespeare, un travail en cours d’Oskaras Korsunovas, VIIIe Prix Europe Réalités Théâtrales. Ce spectacle a anticipé l’avant-première mondiale qui s’est déroulée à Stavanger Capitale Européenne de la Culture 2008, qui l’a coproduit avec Vilnius Capitale Européenne de la Cultura 2009 et avec le Prix Europe pour le Théâtre.

Dans la section Perspectives grecques, le Théâtre National de la Grèce du Nord a offert sa contribution à la XIIe édition du Prix Europe pour le Théâtre en proposant Les Bacchantes d’Euripide. Par ailleurs un colloque sur le vaste sujet des diversités culturelles a été organisé par l’Association grecque des critiques de théâtre et de musique en collaboration avec l’Association Internationale des Critiques de Théâtre et le Théâtre de la Grèce du Nord ; le principal intervenant était Richard Schechner. En outre, la manifestation a été l’occasion de présenter le livre Giorgio Strehler ou la passion théâtrale/ Giorgio Strehler or a passion for theatre, une édition bilingue, développée et enrichie de témoignages inédits de la monographie Giorgio Strehler o la passione teatrale publiée par Ubulibri et consacrée à Giorgio Strehler, le lauréat du IIIe Prix Europe pour le Théâtre en 1990. Le volume en français et en anglais a été publié à l’occasion du dixième anniversaire de la mort du grand metteur en scène, fondateur du Piccolo Teatro de Milan.

La manifestation s’est terminée comme d’habitude par la cérémonie officielle de remise des prix. Les manifestations de la XIIIe édition du Prix Europe pour le Théâtre et de la XIe édition du Prix Réalités Théâtrales se sont déroulées à Wrocław, en Pologne à l’occasion des commémorations organisées en l’honneur de Grotowski sous les auspices et avec le soutien du Ministère de la Culture polonais et de la Ville et du Maire de Wrocław.

La remise du XIIIe Prix Europe pour le Théâtre à Krystian Lupa a récompensé un maître du théâtre d’art, une référence pour la scène internationale contemporaine.

L’hommage rendu au lauréat prévoyait un congrès avec

theatre scholars and collaborators of the Polish director, followed by three performances. The first, Factory 2, revolves around Andy Warhol and the characters from his “Silver Factory”, who together gave the scene its legendary status. The Presidents, based on a novel by Werner Schwab, portrays the life of three working-class women whose lives are defined by religious bigotry, humiliating work and television, the only distraction from their bleak, unchanging existence. The third play was the world premiere of Persona: Marilyn, the first part of a trilogy inspired by Marilyn Monroe, Simone Weil and Gurdjieff. Finally, there was a screening of Kalkwerk, a film of one of Lupa’s most acclaimed productions. As regards the Europe Prize Theatrical Realities, the Jury noted that the names of a number of candidates have occurred frequently, with a significant number of votes, from previous editions of the Prize in the time span 19962001, all of them of an extremely high level of quality across different artistic characteristics. Therefore they decided to award the eleventh Europe Prize Theatrical Realities to the five candidates, among the already established and confirmed directors and theatre entities on the international theatre scene, who gained the most votes among the nominees for this edition: Guy Cassiers (Belgium), Pippo Delbono (Italy), Rodrigo Garcia (Spain/Argentina), Arpad Schilling (Hungary), François Tanguy and the Théâtre du Radeau (France). This choice was made in accordance with the Prize Regulations, which foresee the EPTR as “an opportunity for meeting and confrontation between the different modes of expression of new European theatre.” At the same time, it is hoped in subsequent editions to open a new phase of the EPTR to a generation of emerging artists and groups that may be as yet little known at the international level, while also giving space and visibility to nominees from smaller countries. The five winners of the eleventh Europe Prize Theatrical Realities offered the public a rich and varied programme that included performances of their most representative pieces and of others created especially for the Europe Theatre Prize, symposiums on their work to date and meetings with the press and public

les témoignages de critiques, d’experts de théâtre et de collaborateurs du metteur en scène polonais ainsi que trois représentations : Factory 2, une production inspirée d’Andy Warhol et des personnages de sa “Silver Factory” qui ont contribué à en créer le mythe. Les Présidentes, d’après un roman de Werner Schwab, décrit la vie de trois femmes de milieu populaire, sous l’emprise du bigotisme religieux, d’un travail humiliant et de la télévision comme unique distraction d’une existence toujours semblable. En outre, Lupa a présenté en avant-première mondiale Personne : Marilyn, première partie d’une trilogie inspirée de Marilyn Monroe, Simone Weil et Gurdjieff. Par ailleurs, durant la manifestation s’est déroulée la projection du film Kalkwerk, qui a reproposé la mise en scène de l’un des plus grands succès de théâtre de Lupa. Quant au Prix Europe Réalités Théâtrales, le Jury (assisté par le Conseil composé de près de 300 experts du théâtre européen) après avoir constaté que les noms de certains candidats revenaient fréquemment et avec le nombre le plus élevé de votes depuis les dernières éditions du Prix, déjà entre 1996 et 2001, et tous avec un niveau qualitatif très élevé et différentes caractéristiques artistiques, a décidé de décerner le Prix Europe Réalités Théâtrales XIe édition aux cinq premiers metteurs en scène et réalités théâtrales déjà consolidés et affirmés sur la scène internationale ayant été les plus votés dans les candidature de cette édition. Il s’agit de Guy Cassiers (Belgique), Pippo Delbono (Italie), Rodrigo García (Espagne/Argentine), Arpad Schilling (Hongrie), François Tanguy et le Théâtre du Radeau (France). Ce choix a été fait conformément au Règlement du Prix qui indique le PENRT comme une “occasion de rencontre et de confrontation entre différents moments expressifs du nouveau théâtre européen”, et avec l’auspice de pouvoir ouvrir à partir des prochaines éditions une autre phase du PERT à une génération d’artistes et de groupes émergents ou pas encore bien connus au niveau international, et également pour laisser place et offrir de la visibilité aux candidatures des pays mineurs.

Les cinq lauréats du XIe Prix Europe Réalités Théâtrales ont offert au public un riche programme de leurs spectacles de répertoire les plus représentatifs, de créations spéciales pour le Prix Europe pour le Théâtre,

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Premio Europa per il Teatro

to discuss their respective approaches to theatre and future projects. Guy Cassiers staged Rouge Décanté, a monologue based on a novel by Jeroen Brouwers, an elegy in which the protagonist recalls his mother with whom he had shared the experience of being interned in a Japanese prison camp during the Second World War. In addition, the installation Phalanx, created by Cassiers in collaboration with video artist Kurt d’Haeseleer, was open to the public during the day. Inspired by Cassiers’ trilogy of plays Le Tryptique du pouvoir, the installation deals with the power of politics and the media versus the power/impotence of art. Pippo Delbono staged three productions. Il tempo degli assassini is an “on the road”, semiautobiographical voyage revealing the lives of Delbono and Pepe Robledo, who perform on stage together. Questo buio feroce is a performance based on the diary of the American writer Harold Broadkey which begins as a reflection on disease, pain and death and ends as a hymn to life. After the meeting dedicated to Delbono, the Italian director presented Storia di un viaggio teatrale nei luoghi sconosciuti tra rabbia e amore, solitudine ed incontro, costrizione e libertà, created especially for the Europe Theatre Prize and featuring actress Marisa Berenson, among others. Rodrigo García also presented three pieces.

Accidens. Matar para comer deals with the last moments of life, trying to represent the agony of animals. In Arrojad mis cenizas sobre Mickey, García uses the stage as a means to provoke the audience to reflect on controversial yet timely issues. At the end of the meeting dedicated to him, the Argentinian presented a piece created especially for the Europe Theatre Prize, El Perro, with the participation of a group of young Polish actors. Árpád Schilling, at the conclusion of his meeting, presented his latest work Elogio dell’Escapologista, with live commentary by the versatile Hungarian director. François Tanguy with Théâtre du Radeau presented a classic from their repertoire, Ricercar. Within the framework of the events connected with the Prize, a section was devoted to the host country. “An Eye on Poland” featured a number of important activities, including Apocalypsis cum Figuris, a photography exhibition on

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PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

de conférences d’étude sur leur œuvre jusqu’à présent et de colloques avec la presse et le public au cours desquels les lauréats ont parlé de leur approche envers le théâtre et de leurs projets futurs. Guy Cassiers a monté Rouge Décanté d’après un roman de Jeroen Brouwers, un monologue centré sur l’élégie en mémoire de la mère du protagoniste, qui avait partagé avec son fils l’expérience de l’internement dans un camp de prisonniers japonais durant la deuxième guerre mondiale. En outre, durant les journées du Prix il a été possible de visiter l’installation Phalanx, issue de la collaboration entre Guy Cassiers et le vidéaste Kurt d’Haeseleer, une installation artistique sur le pouvoir de la politique, des médias et le pouvoir/l’impuissance de l’art, inspirée par la trilogie théâtrale de Cassiers Triptyque du pouvoir. Pippo Delbono a présenté trois spectacles. Il tempo degli assassini est un voyage “on the road” qui raconte de manière semi-autobiographique la vie du metteur en scène italien et de Pepe Robledo, son co-protagoniste sur scène. Questo buio feroce est un spectacle tiré du journal de l’écrivain américain Harold Broadkey, qui part de la réflexion sur la maladie, la douleur et la mort pour se transformer en un hymne à la vie. Par ailleurs, à la fin du colloque qui lui est consacré, Delbono a présenté Storia di un viaggio teatrale nei luoghi sconosciuti tra rabbia e amore, solitudine ed incontro, costrizione e libertà, création spéciale pour le Prix Europe pour le Théâtre avec la participation, entre autre, de l’actrice Marisa Berenson. Rodrigo García a monté trois spectacles. Accidens. Matar para comer est une pièce qui parle des derniers moments de la vie et qui tente de représenter l’agonie du naturel. Dans Arrojad mis cenizas sobre Mickey, García se sert de la scène comme d’un grand récipient afin de faire réfléchir le public sur des thèmes controversés mais extrêmement actuels. En outre, à la fin du colloque qui lui était consacré, García a présenté El Perro, une création spéciale pour le Prix Europe pour le Théâtre avec la participation d’un groupe de jeunes acteurs polonais. Árpád Schilling a présenté et commenté pour le public sa dernière création, Éloge de l’Escapologiste, à la fin de son colloque. François Tanguy avec le Théâtre du Radeau a présenté Ricercar, un spectacle historique de son répertoire. Dans le cadre des manifestations du prix

Grotowski by Maurizio Buscarino, a colloquium entitled “Acting Before and After Grotowski” (in collaboration with the International Association of Theatre Critics) and the presentation of a book of photographs documenting Krystian Lupa’s work, Lupa/Teatr. Still other events included a marionette performance entitled Mozart Writes Letters and Lincz

by Yukio Mishima. Finally, there was a presentation of Theatre and Humanism in a World of Violence, a book

by Herbert and Kalina Stefanova containing the proceedings of the 24th World Congress of the International Association of Theatre Critics. As usual, the Prize events ended with the official award ceremony, which on this occasion was broadcast, live on Polish television. The XVth Europe Theatre Prize was presented in 2016 in Craiova, Romania, following the prestigious International Shakespeare Festival, which reached its tenth edition that year. This edition of the Prize was organised under the patronage of the city of Craiova, which wanted to unite the two events, in co-operation with the Shakespeare Foundation and the city’s National Theatre ‘Marin Sorescu’, to which can be added the contribution of the Romanian Cultural Institute. The XVth Europe Theatre Prize was awarded to Mats Ek, the world renowned Swedish choreographer and director. Son of a great actor and a legendary choreographer, Mats Ek has been able to combine theatre and dance in a most personal and original manner. Taking his inspiration from Martha Graham, Pina Bausch and Kurt Joos (whose teachings gave birth to the ‘dramatic dance’ developed by his mother, Birgit Cullberg), Ek has staged several reworkings of classic nineteenth century ballets, mixing them with elements of modern dance and also everyday life, since it is important for him to make his references to to the society and the age in which he is living. The XIIIth Europe Prize for Theatrical Realities was awarded to the following artists: the Hungarian Viktor Bodó, the German Andreas Kriegenburg, Spain’s Juan Mayorga, the National Theatre of Scotland and Joël Pommerat from France. A Special Prize was awarded to the Romanian theatre and opera director Silviu Purcarete. This edition of the event was an opportunity, as usual, to pay homage to

une section a été consacrée au pays d’accueil, Regard sur la Pologne, qui a accueilli d’importantes contributions telles que l’exposition de photos de Maurizio Buscarino sur Grotowski, Apocalypsis cum Figuris, le colloque Jouer avant et après Grotowski (en collaboration avec l’Association Internationale des Critiques de Théâtre) et la présentation du livre de photos consacré à Krystian Lupa, Lupa/Teatr, sans oublier Mozart Writes Letters, un spectacle de marionnettes, et Lincz d’après Yukio Mishima. Par ailleurs cela a été l’occasion de présenter le livre Theatre and humanism in a world of violence de Ian Herbert et Kalina Stefanova, qui réunit les actes du XXIVe Congrès mondial de l’AICT. La manifestation s’est terminée comme d’habitude par la cérémonie officielle de remise des prix, qui à cette occasion a été retransmise en direct par la télévision polonaise. Le XVe Prix Europe pour le Théâtre s’est déroulé à Craiova, en Roumanie, dans la continuité du prestigieux International Shakespeare Festival, arrivé cette année à sa dixième édition. Cette édition du Prix a été organisée sous le patronage de la ville de Craiova, qui a voulu réunir les deux événements, en coopération avec la Fondation Shakespeare et avec le Théâtre National « Marin Sorescu » auxquels est venue s’ajouter la contribution de l’Institut Roumain de Culture. Le XVe Prix Europe pour le Théâtre a été décerné à Mats Ek, chorégraphe et metteur en scène suédois de renommée mondiale. Fils d’un grand acteur et d’une chorégraphe légendaire, Mats Ek a su marier théâtre et danse dans une expression personnelle et extrêmement originale. S’inspirant de Martha Graham, Pina Bausch et Kurt Joos (dont l’enseignement a donné naissance à la « danse dramatique » de sa mère Birgit Cullberg), Ek met en scène avec beaucoup de succès plusieurs réécritures de ballets classiques du XIXe siècle, en les contaminant avec des éléments de danse moderne mais aussi avec des faits quotidiens, car pour lui il est important de se référer à la société et à l’époque où il vit. Le XIIIe Prix Europe Réalités Théâtrales a été attribué aux artistes suivants : au Hongrois Viktor Bodó, à l’Allemand Andreas Kriegenburg, à l’Espagnol Juan Mayorga, au National Theatre of Scotland et au Français Joël Pommerat. Le Prix Spécial a été décerné au metteur en scène roumain de théâtre et d’opéra Silviu Purcărete. Cette édition de

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Premio Europa per il Teatro

the winners in a series of conferences intended to analyse their work in depth, with testimonies from actors, set and costume designers, musicians and other collaborators with the nominees, with contributions from leading experts, critics and journalists from the international press. In addition, the winning artists presented their productions: Last Dream on Earth from the National Theatre of Scotland, a very topical piece on the theme of migration. In it, the audience dons headphones to hear the story of the journey of hope made by an unknown African migrant that overlaps, in a leap into the past, with the no less dangerous journey of Yuri Gagarin, the first great hero of space, made in a tiny and extremely precarious metal vehicle. Reykjavik by Juan Mayorga, a play inspired by the celebrated chess series between Bobby Fischer and Boris Spassky, is a comedy on the Cold War, Communism, Capitalism, the game of chess and the playing of theatre, and men who live ‘the life of others’. Senor Mayorga also showed two scenes taken from his play The Yugoslavs. Andreas Kriegenburg staged a version of Nathan der Weise by G. E. Lessing. The play, written by the Enlightenment philosopher in 1779, takes place in Jerusalem during the Third Crusade and tells how the wise Jewish merchant Nathan, the enlightened Sultan Saladin and a Templar, at first anonymous, succeed in overcoming the differences between Hebraism, Islam and Christianity in the besieged Holy City. Kriegenberg tells the story with five actors, who change roles frequently, and a wooden structure on stage, which through simple movements changes from the walls of Jerusalem to a number of interior scenes. During the first day, in an ideal link to the International Shakespeare Festival, the Prize offered two productions under its section ‘Returns’, inspired by the Bard: Giulio Cesare, pezzi staccati by Romeo Castellucci and Thomas Ostermeier’s Richard III. In a new German translation and adaptation by Marius von Mayenburg, this was the result of a long period of teamwork in which the director, actors, musicians and technical crew came together to discover the energy and sense of this drama of power, and the linguistic subtleties that express its core. Costumes, powerful

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PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

la manifestation a été l’occasion de rendre hommage aux lauréats, comme d’habitude, avec une série de conférences visant à analyser en profondeur leur œuvre, avec des témoignages d’acteurs, scénographes, costumiers, musiciens, etc. ayant collaboré avec les différents artistes récompensés et les interventions d’experts, journalistes et critiques de la meilleure presse internationale. En outre, les artistes lauréats ont présenté leurs spectacles : Last Dream on Earth du National Theatre of Scotland, une pièce extrêmement actuelle sur le thème des migrants. Dans ce spectacle, le public écoute dans un casque le récit du voyage de l’espoir d’un migrant africain anonyme qui se ecroise, en effectuant un saut dans le passé, avec le non moins dangereux voyage spatial de Yuri Gagarin, le premier grand héros de l’espace, qui voyageait comprimé dans une minuscule navette métallique extrêmement précaire. Reykjavik de Juan Mayorga, une pièce s’inspirant du célèbre défi aux échecs entre Bobby Fisher et Boris Spasski, est une comédie sur la guerre froide, le communisme, le capitalisme, le jeu des échecs, le jeu théâtral et les hommes qui vivent « la vie des autres ». C’est une pièce qui incarne la vision de l’auteur comme « art de l’imagination ». L’artiste lauréat a également présenté deux scènes tirées de The Yugoslavs. Andreas Kriegenburg a mis en scène Nathan le Sage d’après Nathan der Weise de G. E. Lessing.L’œuvre, écrite par le philosophe des Lumières et dramaturge G. E. Lessing en 1779, se déroule à Jérusalem durant la troisième Croisade et décrit comment le sage marchand juif Nathan, le sultan éclairé Saladin et un templier au départ anonyme réussissent à surmonter l’écart entre Hébraïsme, Islam et Chrétienté dans la ville sainte assiégée. Kriegenburg narre cette histoire avec cinq acteurs qui changent à plusieurs reprises de rôle et une machine de scène formée d’une paroi mobile en bois, qui se transforme en murailles de Jérusalem et en plusieurs intérieurs grâce à de simples déplacements. Au cours de la première journée, en se liant idéalement à l’International Skakespeare Festival, le Prix a proposé, dans la section « retours », deux spectacles s’inspirant du Barde de Stratford-uponAvon : Giulio Cesare, pezzi staccati de Romeo Castellucci et Richard III dans une mise en scène de Thomas

techno music (involving live percussion), video clips and the use of a staggering set of technical resources produced an effect which was truly contemporary, now static, now athletically pop, yet capable of transmitting the ‘Elizabethan’ nature of the work. The fragmentary morsels of Romeo Castellucci’s Julius Caesar for Societas Raffaello Sanzio are a theatrical ‘intervention’ in the semiotic sense, but above all the physiological. It literally takes Shakespeare’s drama by the throat, the organ of speech, which at a certain moment abandons the word to give us the sounds and visions of a drama based on the rhetoric of power.

Its emotional impact on the public, the formal pefection of the work and the clever use of the entrance hall of Craiova University as an almost perfect playing space for this ‘operation’ created a unique atmosphere and a unique theatrical moment.

The prizegiving ceremony, transmitted live on national television, ended the Prize’s four packed days, concluding with the presentation of the XV Europe Theatre Prize to Mats Ek. After the ceremony, Ek presented Axe, with Ana Laguna and Yvan Auzely, two legends of contemporary dance. Axe is Mats Ek’s farewell to choreography, offering us in this short duet a veritable masterwork reflecting a constant theme of his choreography: the deep relationship between man and woman. In it a couple, no longer young, oscillate between observing the necessities of daily life and entering a dimension of time, evoked by the woman, which allows for contact, feelings and the important things of life.

Ostermeier. Le spectacle, issu d’une nouvelle traduction et adaptation du texte en allemand de Marius von Mayenburg, est le fruit d’un travail d’équipe long et capillaire auquel ont participé le metteur en scène, les acteurs, les musiciens et les techniciens, pour retrouver l’énergie et le sens de ce drame du pouvoir et des subtilités linguistiques qui en expriment l’essence.

Costumes, musiques techno puissantes et inquiétantes avec des percussions en live, des interventions vidéo et l’utilisation d’un équipement technique pharamineux forment une scène vraiment contemporaine, parfois statique et parfois pop et « athlétique », mais capable de transmettre le sens « élisabéthain » de l’œuvre. Les morceaux « détachés » du célèbre Jules César de Romeo Castellucci (Societas Raffaello Sanzio), constituent une « intervention » théâtrale dans un sens sémiotique, mais, avant tout, physiologique. Le drame de Shakespeare prend ainsi littéralement corps par la gorge, organe de phonation qui, à un certain moment, perd la parole pour nous restituer la phoné et les visions d’un drame fondé sur la rhétorique du pouvoir. L’impact émotif sur le public, la perfection formelle de l’œuvre et l’utilisation intelligente du salon d’entrée de l’Université de Craiova comme espace de scène pratiquement parfait pour cette « opération », tout cela a créé une atmosphère et un moment de théâtre uniques. La cérémonie de remise des prix, transmise en direct par la télévision nationale, a conclu les quatre intenses journées du Prix et s’est terminée par la remise du XVe Prix Europe pour le Théâtre à Mats Ek. Après la cérémonie, Mats Ek a proposé Axe avec Ana Laguna et Yvan Auzely, deux légendes de la danse contemporaine.

Axe marque les adieux de Mats Ek à la chorégraphie et il nous offre, dans un court duo, un véritable chefd’œuvre et un thème constant dans ses chorégraphies : la profonde relation entre l’homme et la femme. Dans cette création, un couple plus très jeune oscille entre les nécessités pratiques de la vie et un temps, réactivé par la femme, pour le contact, les sentiments et les choses importantes de l’existence.

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VINCITORI DELLE EDIZIONI PRECEDENTI DEL PREMIO EUROPA PER IL TEATRO

I Ed.

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Ariane Mnouchkine ed il Théâtre du

Soleil (Francia / France)

Premio Speciale / Special Prize assegnato a / awarded to Melina Mercouri (Grecia / Greece)

dal Presidente del Premio Europa per il Teatro / by the President of the Europe Theatre Prize, Carlo Ripa di Meana,

primo Commissario Europeo per la Cultura / first European Commissioner for Culture.

II Ed.

Peter Brook (Gran Bretagna / United Kingdom)

III Ed.

Giorgio Strehler (Italia / Italy)

IV Ed.

Heiner Müller (Germania / Germany)

V Ed.

Robert Wilson (USA)

VI Ed.

Luca Ronconi (Italia / Italy)

Premio Speciale / Special Prize consegnato a / awarded to Vaclav Havel (Repubblica Ceca / Czech Republic)

dal Presidente del Premio Europa per il Teatro / by the President of the Europe Theatre Prize Jack Lang

VII Ed.

Pina Bausch (Germania / Germany)

VIII Ed.

Lev Dodin (Russia)

Premio Speciale / Special Prize a BITEF (Serbia) dalla Giuria / from the Jury

Menzione Speciale / Special Mention assegnata a / awarded to Ibrahim Spahić

(Sarajevo - Bosnia Erzegovina / Sarajevo/

Bosnia Herzegovina) dalla Giuria / by the Jury

IX Ed.

Michel Piccoli (Francia / France)

X Ed.

Harold Pinter (Gran Bretagna / United Kingdom)

XI Ed.

Robert Lepage (Canada)

Peter Zadek (Germania / Germany)

XII Ed.

Patrice Chéreau (Francia / France)

XIII Ed.

Krystian Lupa (Polonia / Poland)

XIV Ed.

Peter Stein (Germania / Germany)

Premio Speciale / Special Prize consegnato a / awarded to Yuri Lyubimov (Russia) dalla Giuria / by the Jury

XV Ed.

Mats Ek (Svezia / Sweden)

Premio Speciale / Special Prize consegnato a / awarded to Silvio Purcarete (Romania)

dal Presidente della Giuria / by the President of the Jury

PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

VINCITORI DELLE EDIZIONI PRECEDENTI DEL PREMIO EUROPA REALTÀ TEATRALI

I Ed.

Anatoli Vassiliev (Russia)

II Ed.

Giorgio Barberio Corsetti (Italia / Italy) Els Comediants (Spagna / Spain) Eimuntas Nekrosius (Lituania / Lithuania)

III Ed.

Théâtre de Complicité – Simon McBurney (Gran Bretagna / United Kingdom) Carte Blanche - Compagnia della Fortezza – Armando Punzo (Italia / Italy)

IV Ed.

Christoph Marthaler (Svizzera / Switzerland)

V Ed.

Royal Court Theatre (Gran Bretagna / United Kingdom) per il suo lavoro nel promuovere e scoprire giovani drammaturghi Inglesi e Irlandesi: / for its work in promoting and discovering young British and Irish playwrights: Sarah Kane, Mark Ravenhill, Jez Butterworth, Conor McPherson e Martin McDonagh

VI Ed.

Theatergroep Hollandia – Jan Simon, Paul Koek (Olanda / Netherlands) Thomas Ostermeier (Germania / Germany) Societas Raffaello Sanzio – Romeo Castellucci, Chiara Guidi (Italia / Italy)

VII Ed.

Heiner Goebbels (Germania / Germany) Alain Platel (Belgio / Belgium)

VIII Ed.

Oskaras Korsunovas (Lituania / Lithuania) Josef Nadj (Serbia - Ungheria / Serbia - Hungary)

IX Ed.

Alvis Hermanis (Lettonia / Latvia) Biljana Srbljanović (Serbia)

X Ed.

Rimini Protokoll – Helgard Haug, Stefan Kaegi, Daniel Wetzel (Germania – Svizzera / Germany - Switzerland) Sasha Waltz (Germania / Germany) Krzysztof Warlikowski (Polonia / Poland) Menzione Speciale / Special Mention assegnata a / awarded to Belarus Free Theatre (Bielorussia / Belarus) dalla Giuria / by the Jury

XI Ed.

Guy Cassiers (Belgio / Belgium) Pippo Delbono (Italia / Italy) Rodrigo García (Spagna – Argentina / Spain - Argentina) Árpád Schilling (Ungheria / Hungary) François Tanguy et le Théâtre du Radeau (Francia / France)

XII Ed.

Viliam Dočolomanský (Slovacchia - Repubblica Ceca / Slovakia - Czech Republic) Katie Mitchell (Gran Bretagna / United Kingdom) Andrey Moguchiy (Russia) Kristian Smeds (Finlandia / Finland) Teatro Meridional (Portogallo / Portugal) Vesturport Theatre (Islanda / Iceland)

XIII Ed.

Viktor Bodò (Ungheria / Hungary) Andreas Kriegenburg (Germania / Germany) Juan Mayorga (Spagna / Spain) National Theatre of Scotland (Gran Bretagna / United Kingdom) Joël Pommerat (Francia / France)

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Lista candidati per il Premio Europa Realtà Teatrali dalla prima alla tredicesima edizione

Radu Afrim Romania / Romania Akko Theatre – David Maya Sarz Israele / Israel Artistas Unidos Israel / Portugal Tamas Ascher Ungheria / Hungary Atelier Fomenko Federazione Russa / Russian Federation Stefan Bachman Svizzera-Germania / Switzerland-Germany O Bando Portogallo / Portugal Eugenio Barba

Italia / Italy Lukas Bärfuss Svizzera / Switzerland Jerome Bel Francia / France Julie Bérés Francia / France Bela Pinter Company Ungheria / Hungary Blitz Grecia / Greece Calixto Bieito Spagna / Spain David Bobee Francia / France Lazlo Boxardi Romania / Romania Stephane Braunschweig Francia / France Bremer Shakespeare Company Germania / Germany Ivica Buljan Croazia-Slovenia / Croatia-Slovenia Catalina Buzoianu Romania / Romania Campo Victoria Belgio / Belgium Stefan Capaliku Albania / Albania Gianina Carbunariu Romania / Romania Marta Carrasco Spagna / Spain Nigel Charnock Gran Bretagna / United Kingdom Philippe Chemin Francia / France Sidi Larbi Cherkaoui Belgio-Marocco / Belgium-Morocco Circolando Portogallo / Portugal Circus Cirkor Svezia / Sweden Credo Theatre Bulgaria / Bulgaria Emma Dante Italia / Italy Leo De Berardinis Italia / Italy Anne Teresa De Keermsmaker – Rosas Belgio / Belgium Jacques Delcuvellerie Belgio / Belgium Emmanuel Demarcy-Mota Francia / France Michel Deutsch Francia / France Dogtroep Theatre Company Olanda / Netherlands Declan Donnellan - Cheek By Jowl Gran Bretagna / United Kingdom Dejan Dukovsky Macedonia / Macedonia DV8 Lloyd Newson Gran Bretagna / United Kingdom Jan Fabre Belgio / Belgium Fanny&Alexander Italia / Italy Abattoir Fermé Belgio / Belgium Filter Gran Bretagna / United Kingdom Daniele Finzi Pasca Svizzera / Switzerland Forced Entertainment Gran Bretagna / United Kingdom Oliver Frljić Croazia / Croatia Fura Dels Baus Spagna / Spain Massimo Furlan Italia – Svizzera / Italy – Switzerland Rezo Gabriadze Georgia / Georgia Miro Gavran Croazia / Croatia Kama Ginkas Federazione Russa / Russian Federation Evgeny Grishkovets Russia / Russia Emil Hrvatin Slovenia / Slovenia Laszlo Hudi Ungheria / Hungary Improbable Theatre Gran Bretagna / United Kingdom Grzegorz Jarzyna Polonia / Poland Dan Jemmett Gran Bretagna-Francia / Kingdom-France Gilles Jobin Svizzera / Switzerland Kamerini Teatar 55 Bosnia Erzegovina / Bosnia-Herzegovina Simos Kakalas Grecia / Greece Frank Kastorf Germania / Germany Katona Jozsef Theatre Ungheria / Hungary Michael Keegan-Dolan Irlanda / Ireland Anne Teresa de Keersmaker Belgio / Belgium Jan Klata Polonia / Poland Kneehigh Theatre Gran Bretagna / United Kingdom La Zaranda Spagna / Spain Eric Lacascade Francia / France Antonio Latella Italia / Italy Jan Lauwers – Needcompany Belgio / Belgium Benjamin Lazar Francia / France Johann Le Guillerm Francia / France Petr Lebl Repubblica Ceca / Czech Republic Angelica Liddell Spagna / Spain

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PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

Dea Loher Miguel Loureiro Lea Maleni Michael Marmarinos Mario Martone Margarita Mladenova - Theatre Sfumato Mladinsko Theatre Andrey Moguchij - Formalnii Teatr Enzo Moscato Fernando Mota Motus Wajdi Mouawad Nature Theatre of Oklahoma Stanislas Nordey Lars Noren Miguel Orel Suzanne Osten Christina Ouzonidis Moni Ovadia - Theaterorchestra Dimitris Papaioannou Dusan David Parizek Luk Perceval Béla Pintér And Company Vincenzo Pirrotta Rene Pollesch Aleksandar Popovski Omar Porras - Teatro Malandro Olivier Py Philippe Quesne Ravenna Teatro-Tam Teatro Musica Maria Ribot /(La Ribot) Ricci / Forte Alex Rigola Royal de Luxe Ruanda 94 Thierry Salmon Jose Sanchis Sinisterra Carlos Santos Einar Schleef Spiro Scimone Semola Teatro Toni Servillo Slovensko Mladinsko Theater Nicolas Stemann Galin Stoev Pavel Stourac Jo Strømgen Kompani Meg Stuart Pawel Szkotak - Biuro Podrozy Salvador Tavora Teatar&TD Teatr Piesn Kozla Teatrino Clandestino Teatro Due Parma Theodoros Terzopoulos - Attis Group TG Stan Michael Thalheimer The Right Size Theatre de la Tempete Theatre Neumarkt James Thierree Traverse Theatre Rimas Tuminas Gabriele Vacis Lotte Van Den Berg Enrique Vargas Victoria Group Roman Viktyuk Marius Von Mayengurg Petru Vutcarau Deborah Warner Oscar van Woensel Andrij Zholdak Sandor Zsoter

Germania / Germany Portogallo / Portugal Cipro / Cyprus Grecia / Greece Italia / Italy Bulgaria / Bulgaria Slovenia / Slovenia Federazione Russa / Russian Federation Italia / Italy Portogallo / Portugal Italia / Italy Canada - Libano / Canada-Lebanon USA / USA Francia / France Svezia / Sweden Portogallo / Portugal Svezia / Sweden Svezia / Sweden Italia / Italy Grecia / Greece Repubblica Ceca / Czech Republic Belgio / Belgium Ungheria / Hungary Italia / Italy Germania / Germany Macedonia / Macedonia Colombia-Svizzera / Colombia-Switzerland Francia / France Francia / France Italia / Italy Svizzera - Colombia / Switzerland – Colombia Italia / Italy Spagna / Spain Francia / France Belgio / Belgium Belgio / Belgium Spagna / Spain Spagna / Spain Germania / Germany Italia / Italy Spagna / Spain Italia / Italy Slovenia / Slovenia Germania / Germany Bulgaria / Bulgaria Repubblica Ceca / Czech Republic Norvegia / Norway USA - Belgio / Usa-Belgium Polonia / Poland Spagna / Spain Croazia / Croatia Polonia / Poland Italia / Italy Italia / Italy Grecia / Greece Belgio / Belgium Germania / Germany Regno Unito / United Kingdom Francia / France Svizzera / Switzerland Francia - Svizzera / France-Switzerland Gran Bretagna / United Kingdom Lituania / Lithuania Italia / Italy Olanda / Netherlands Colombia - Spagna / Colombia-Spain Belgio / Belgium Federazione Russa / Russian Federation Germania / Germany Moldavia / Moldova Gran Bretagna / United Kingdom Olanda / Netherlands Ucraina / Ukraine Ungheria / Hungar

Lista candidati Premio Europa Realtà Teatrali quattordicesima edizione

Jiri Adamek Radu Afrim Candidato dal/Candidate from 2007 Agrupacion Senor Serrano Mattias Andersson Arturas Areima Paco Bezerra Blitz Candidato dal/Candidate from 2011 Michal Borczuch Gianina Carbunariu Candidato dal/Candidate from 2011 Sidi Larbi Cherkaoui Candidato dal/Candidate from 2007 Cirkus Cirkör Candidato dal/Candidate from 2008 Massimiliano Civica Compagnia Anagoor Emmanuel Demarcy-Mota Candidato dal/Candidate from 2009 El Conde de Torrefiel Paulina Feodoroff Alexis Forestier Jaroslaw Fret Oliver Frljić Candidato dal/Candidate from 2011 Julien Gosselin Grzegorz Jarzyna Candidato dal/Candidate from 2007 Dimitris Karantzas Jan Klata Candidato dal/Candidate from 2008 Maja Kleczewska Timofei Kuljabin Ari-Pekka Lahti

Repubblica Ceca / Czech Republic Romania / Romania Spagna / Spain Svezia / Sweden Lituania / Lithuania Spagna / Spain Grecia / Greece Polonia / Poland Romania / Romania Belgio-Marocco / Belgium-Morocco Svezia / Sweden Italia / Italy Italia / Italy Francia / France Spagna / Spain Finlandia / Finland Francia / France Polonia / Poland Croazia / Croatia Francia / France Polonia / Poland Grecia / Greece Polonia / Poland Polonia / Poland Russia / Russie Finlandia / Finland

Antonio Latella Candidato dal/Candidate from 2007 Angelica Liddell Candidato dal/Candidate from 2011 Vincent Macaigne Anna Sophie Mahler Lea Maleni Candidato dal/Candidate from 2011 Alexander Mørk-Eidem Wajdi Mouawad Candidato dal/Candidate from 2007 Kornél Mundruczo Fabrice Murgia Nuovo Teatro Sanità Dusan David Parizek Candidato dal/Candidate from 2010 Bobi Pricop Philippe Quesne Candidato dal/Candidate from 2011 Ricci/Forte Candidato dal/Candidate from 2011 Milo Rau Alex Rigola Candidato dal/Candidate from 2008 Tiago Rodrigues Scena Verticale She She Pop Karmina Silec Savvas Stroumbos Teatr Piesn Kozla Candidato dal/Candidate from 2009 Teatro Teatro Company James Thiérrée Candidato dal/Candidate from 2006 Dries Verhoeven

Italia / Italy Spagna / Spain Francia / France Germania / Germany Cipro / Cyprus Norvegia-Svezia / Norway-Sweden Canada-Libano / Canada-Lebanon Ungheria / Hungary Belgio / Belgium Italia / Italy Repubblica Ceca / Czech Republic Romania / Romania Francia / France Italia / Italy Svizzera / Switzerland Spagna / Spain Portogallo / Portugal Italia / Italy Germania / Germany Slovenia / Slovenia Grecia / Greece Polonia / Poland Slovacchia / Slovakia Svizzera / Switzerland Olanda / Netherland

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PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

PUBBLICAZIONI

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BOOK Gli anni di Peter Brook L’opera di un maestro raccontata al Premio Europa per il Teatro II Premio Europa per il Teatro A cura di Georges Banu e Alessandro Martinez

Testi di Georges Banu, Michael Billington, Irving Wardle, David Williams, John Elsom, Ferruccio Marotti, Peter Selem, Maurizio Grande, Margaret Croyden, Guy Dumur, Olivier Ortolani, Masolino D’Amico, Isabella Imperiali, Renzo Tian.

“Dal cammino alla via” di Peter Brook Testimonianze di Micheline Rozan, Raf Vallone, John Arden, Margaretta D’Arcy, Yoshi Oida, Andrei Serban, Arby Ovanessian,Bruce Myers, Chloé Obolenski, Jean Kalman, Irina Brook, Jean-Guy Lecat, John Gielgud, Marcello Mastroianni, MichelPiccoli, Maurice Bénichou, Vittorio Mezzogiorno, Ted Hughes, Jean-Claude Carrière.

Giorgio Strehler o la passione teatrale L’opera di un maestro raccontata da lui stesso al III Premio Europa per il Teatro a Taormina Arte III Premio Europa per il Teatro – I Premio Europa Nuove Realtà Teatrali Con una sessione dedicata ad Anatolij Vasil’ev Premio Europa nuove realtà teatrali

A cura di Renzo Tian - in collaborazione con Alessandro Martinez

Testi di: Giorgio Strehler, Odoardo Bertani, Guido Davico Bonino, Bernard Dort, Guy Dumur, Maria Grazia Gregori, Agostino Lombardo, Rolf Michaelis, Paolo Emilio Poesio, Renzo Tian.

Testimonianze e interventi di Carlo Battistoni, Henning Brockhaus, Fiorenzo Carpi, Tino Carraro, Enrico D’Amato, Giancarlo Dettori, Turi Ferro, Michael Heltau, Giulia Lazzarini, Giancarlo Mauri, Walter Pagliaro, Lamberto Puggelli, Pamela Villoresi, Nina Vinchi.

Heiner Müller riscrivere il teatro L’opera di un maestro raccontata da lui stesso al IV Premio Europa per il Teatro a Taormina Arte IV Premio Europa per il Teatro – II Premio Europa Nuove Realtà Teatrali Con una sezione dedicata ai Premi Europa nuove realtà teatrali: Giorgio Barberio Corsetti, Els Comediants, Eimuntas Nekrosius A cura di Franco Quadri - in collaborazione con Alessandro Martinez

Testi, testimonianze, interventi di: Heiner Müller, Karlheinz Braun, Gianfranco Capitta, Elio De Capitani, Pasquale Gallo, Colette Godard, Jean Jourdheuil, Peter Kammerer, Hans-Thiés Lehmann, Giorgio Manacorda, Titina Maselli, Renato Palazzi, Jean-François Peyret, Tatiana Proskournikova, Franco Quadri, Christoph Rueter, Giulo Scabia, Ernst Schumacher, Manlio Sgalambro, Wolfgang Storch, Joseph Szeiler, Theodoros Terzopoulos, Renzo Tian, Federico Tiezzi, Helene Varopoulou, Saverio Vertone, Robert Wilson, Erich Wonder. Una sezione dedicata al Premio Europa nuove realtà teatrali con interventi di Giorgio Barberio Corsetti, Els Comediants, Eimuntas Nekrosius, Renata Molinari, José Monleon, Maurizio Scaparro, Kirsikka Moring.

Robert Wilson o il teatro del tempo L’opera di un maestro raccontata da lui stesso al V Premio Europa per il Teatro a Taormina Arte V Premio Europa per il Teatro – III Premio Europa Nuove Realtà Teatrali Con una sezione dedicata ai Premi Europa nuove realtà teatrali: Carte Blanche - Compagnia della Fortezza e Théâtre de Complicité A cura di Franco Quadri - in collaborazione con Alessandro Martinez

Testi, testimonianze, interventi di: Robert Wilson, Christopher Knowles, Ann Wilson, Mel Andringa, Philippe Chemin, Maita Di Niscemi, Germano Celant, Odile Quirot, Dario Ventimiglia, Valentina Valentini, Roberto Andò, Franco Bertoni, Franco Laera, Colette Godard, Tatiana Boutrova, Jeremy Kingston, Georges Banu, Nele Hertling, Lucinda Childs, Frederic Ferney, Miranda Richardson, Gigi Giacobbe, Barbara Villinger Heilig. Una sezione dedicata al Premio Europa nuove realtà teatrali con interventi di: Armando Punzo, Franco Quadri, Simon McBurney, Lilo Bauer, Mick Barnfather, Hannes Flaschberger, Tim McMullan, Michael Billington, Paul Taylor e gli atti del convegno “Nuovo pubblico, un’altra necessità di teatro” a cura di Georges Banu, con relazioni di Ulf Birbaumer, Ezio Donato, Philippe Du Moulain, Sylvain George, Marc Klein, Hans-Thiés Lehmann, Darko Lukic, Tatiana Proskournikova, Helene Varopoulou.

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PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

Luca Ronconi la ricerca di un metodo L’opera di un maestro raccontata da lui stesso al VI Premio Europa per il Teatro a Taormina Arte

VI Premio Europa per il Teatro – IV Premio Europa Nuove Realtà Teatrali Con una sezione dedicata al Premio Europa nuove realtà teatrali Christoph Marthaler A cura di Franco Quadri - in collaborazione con Alessandro Martinez

Testi, testimonianze e interventi di: Luca Ronconi, Luigi Squarzina, Annamaria Guarnieri, Corrado Pani, Paolo Radaelli, Mariangela Melato, Colette Godard, Anna Nogara, Jovan Cirillov, Renzo Tian, Remo Girone, Mauro Avogadro, Paolo Terni, Marisa Fabbri, Claire Duhamel, Judith Holzmeister, Luciano Damiani, Gae Aulenti, Miriam Acevedo, Roberta Carlotto, Cesare Mazzonis, Mario Bartolotto, Maria Grazia Gregori, Massimo Popolizio, Gianni Manzella, Cesare Annibaldi, Maria Skornyakova, Renato Palazzi, Alessandro Baricco, Gianfranco Capitta, Peter Kammerer, Enrico Ghezzi. Una sezione dedicata al Premio Europa nuove realtà teatrali con interventi di: Christoph Marthaler, Ivan Nagel, Petra Kohse, Torsten Mass e gli atti del convegno “Spettacolo dal vivo: informazione, critica, istituzione” a cura di Georges Banu con interventi di Lucien Attoun, Gisella Belgeri, Roberto Campagnano, Jovan Cirillov, Domenico Danzuso, Bernard Faivre d’Arcier, Luigi Filippi, Angelo Foletto, Ian Herbert, Jeremy Kingston, André Larquie, Gianni Manzella, Torsten Mass, Zeynep Oral, Paolo Petroni, Tatiana Proskournikova, Brigitte Salino, Robert Scanlan, Petar Selem, Margareta Sörenson, Lamberto Trezzini, Michele Trimarchi.

Sulle tracce di Pina Bausch Pina Bausch, VII Premio Europa per il Teatro - l’opera di un maestro raccontata a Taormina Arte

VII Premio Europa per il Teatro – V Premio Europa Nuove Realtà Teatrali A cura di Franco Quadri - in collaborazione con Alessandro Martinez Testi, testimonianze, interventi di: Pina Bausch, Franco Quadri, Robert Wilson, Norbert Servos, Akira Asada, Michel Bataillon, Savitry Nair, Gianfranco Capitta, Elisa Vaccarino, Christopher Bowen, Renate Klett, Franco Bolletta, Sergio Trombetta, Francesco Giambrone, Leoluca Orlando, Bernard Faivre d’Arcier, Mechthild Grossman, Ivan Nagel, Donya Feuer, Malou Airaudo, Dominique Mercy, Leonetta Bentivoglio, Julie Shanahan, Helena Pikon, Eriko Kusuta, Maria João Seixas, Matthias Schmiegelt, Péter Esterházy, Piera Degli Esposti. Una sezione dedicata al Premio Europa nuove realtà teatrali: un incontro con il Royal Court Theatre diretto da Michael Billington con interventi di: Kate Ashfield, Susanna Clapp, Stephen Daldry, Elyse Dodgson, Ian Herbert, Jeremy Kingston, Alastair Macaulay, James Macdonald, Barbara Nativi, Rebecca Prichard, Pearce Quigley, Ian Rickson, Max Stafford-Clark, Paul Taylor, Graham Whybrow. Altri esempi di nuova drammaturgia europea proposti dalla Giuria del Premio Europa con interventi di: Lucien Attoun, Georges Banu, Manfred Beilharz, Robert Cantarella, Ruggero Cappuccio, Diana Çhuli, Maurizio Giammusso, Jens Hillje, Lada Kastelan, Nikolai Kolyada, Turtko Kulenovic, José Monleon, Borja Ortiz de Gondra, Radoslav Pavlovic, Tatiana Proskournikova, Franco Quadri, Noëlle Renaude, Spiro Scimone, Asilija Srnec-Todorovic. E gli atti del convegno “L’arte dell’attore” a cura dell’Union des Théâtres de l’Europe diretto da Michael Billington con interventi di Tamas Ascher, Lev Dodin, Erland Josephson, Georges Lavaudant, Giulia Lazzarini, Thomas Ostermeier, Roger Planchon, Gábor Zsámbéki.

La voie de Peter Brook / Peter Brook’s journey 1erPrix Europe pour le Théâtre / 1st Europe Theatre Prize

Ouvrage collectif dirigé par / Miscellaneous works edited by Georges Banu & Alessandro Martinez La voie de Peter Brooke/Peter Brook’s Journey - 2e Prix Europe pour le Théâtre/2e Europe Theatre Prize Peter Brook Ouverture du Congrès «Des chemins à la voie» / Opening Speeches at the «From the Path to the Journey» - Convention Dialogue entre / Dialogue between Peter Brook and Jerzy Grotowski - Brook et Shakespeare / Brook and Shakespeare Michael Billington, Irving Wardle - Brook et la littérature épique / Brook and Epic Literature - Georges Banu, David Williams - L’esthétique de Brook: références/References for Brook’s Aesthetics - John Elsom, Petar Selem, Maurizio Grande, Margaret Croyden, Guy Dumur, Olivier Ortolani, Masolino D’Amico, Isabella Imperiali, Renzo Tian, Georges Banu - Travailler avec Peter Brook / Working with Peter Brook - Contributions de/Contributions by Raf Vallone, John Arden, Margaretta d’Arcy, Yoshi Oida, Andrei Serban, Arby Ovanessian, Chloé Obolenski, Jean Kalman, Irina Brook, Jean-Guy Lecat - Animés par/discussion led by Micheline Rozan - D’autres témoignages / Other witnesses - John Gielgud, Marcello Mastroianni, Michel Piccoli, Maurice Bénichou, Vittorio Mezzogiorno, Ted Hughes, Jean-Claude Carriére, Paul Scofield - Rencontre avec Peter Brook “Des chemins à la voie” Encounter with Peter Brook “From the Path to the Journey”- Peter Brook Un entretien avec / An interview with Peter Brook. - Peter Brook et l’Afrique / Peter Brook and Africa- Une rencontre avec / An encounter with Marie – Hélène Estienne et Bakary

Sur les traces de Pina / Tracing Pina’s Footsteps 7ème Prix Europe pour le Théâtre / 7th Europe Theatre Prize 5ème Prix Europe Nouvelles Réalités Théâtrales / 5th Europe Theatre Prize

1. ÉCRIRE, REPRÉSENTER / WRITING, PORTRAYING Exemples de la nouvelle dramaturgie européenne proposé par le Jury du Prix Europe / Examples of New European Drama proposed by the Jury of the Europe Prize 2. LE ROYAL COURT SUR SCÈNE / THE ROYAL COURT ON STAGE Une rencontre avec le Royal Court Théâtre dirigée par Michael Billington / Un Encounter with the Royal Court Theatre conducted by Michael Billington 3. SUR LES TRACES DE PINA / TRACING PINA’S FOOTSTEPS Introduction: Franco Quadri - Modérateurs: Leonetta Bentivoglio et Norbert Servos 4. UNE RENCONTRE AVEC PINA BAUSCH/ AN ENCOUNTER WITH PINA BAUSCH 5. CEREMONIE DE REMISE DES PRIX / AWARDS CEREMONY 6. L’ART DE L’ACTEUR / THE ART OF THE ACTOR - Débat organisé par l’Union des théâtres de l'Europe Modérateur: Michael Billington - Discussion organised by the Union of European Theatres - Moderator: Michael Billington

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BOOK Giorgio Strehler Ou la passion théâtrale / Or a passion for theatre 3eme Prix Europe pour le Théâtre / 3rd Europe Theatre Prize - Giorgio Strehler 1er Prix Europe Nouvelles Réalités Théâtrales / 1st Europe Prize New Theatrical Realities - Anatoli Vassiliev Préface/Preface En se souvenant de Giorgio / Remembering Giorgio - Jack Lang Prix Europe pour le Théâtre / Europe Theatre Prize Giorgio Strehler L’oeuvre d’un maître dirigé par Renzo Tian en collaboration avec Alessandro Martinez / A master’s work edited by Renzo Tian in collaboration with Alessandro Martinez Ouverture du Congrès de la Troisième édition du Prix Europe pour le Théâtre / Opening of the Congress of the Third Europe Theatre Prize Une maison pour le théâtre européen / A home for European theatre Georges Banu, Odoardo Bertani, Guido Davico Bonino, Bernard Dort, Guy Dumur, Maria Grazia Gregori, Agostino Lombardo, Rolf Michaelis, Paolo Emilio Poesio, Renzo Tian Conversation entre Giorgio Strehler et Bernard Dort / Conversation between Giorgio Strehler and Bernard Dort Giorgio Strehler et ses collaborateurs / Giorgio Strehler and his collaborators

Carlo Battistoni, Henning Brockhaus, Fiorenzo Carpi, Tino Carraro, Enrico D’Amato, Giancarlo Dettori, Turi Ferro, Ezio Frigerio, Michael Heltau, Giulia Lazzarini, Gianfranco Mauri, Walter Pagliaro, Lamberto Puggelli, Catherine Salviat, Pamela Villoresi, Nina Vinchi RENCONTRE AVEC LE MAÎTRE / MEETING WITH THE MAESTRO

D’autres témoignages / Other testimonies Valentina Cortese, Renato De Carmine, Gérard Desarthe, Marisa Fabbri, Valentina Fortunato, Gérard Giroudon, Franco Graziosi, Klaus Michael Grüber, Andrea Jonasson, Mariangela Melato, Ludmila Mikaël, Ariane Mnouchkine, Ottavia Piccolo, Massimo Ranieri, Didier Sandre, Ferruccio Soleri, Franca Squarciapino, Nada Strancar Extraits de journaux / Newspaper extracts Patrice Chéreau, Jack Lang, Riccardo Muti, Roger Planchon, Claudia Provvedini 1er Prix Europe Nouvelles Réalités Théâtrales / 1 New Theatrical Realities - Anatoli Vassiliev RENCONTRE AVEC ANATOLI VASSILIEV / MEETING WITH ANATOLI VASSILIEV CÉRÉMONIE DE REMISE DES PRIX / AWARDS CEREMONY

Lev Dodin Le creuset d’un Théâtre necessaire / The melting pot of an essential theatre 8eme Europe pour le Théâtre / 8thEurope Theatre Prize - Lev Dodin 6eme Prix Europe Nouvelles Réalités Théâtrales / 6thEurope Prize New Theatrical realities Hollandia Theatergroep, Thomas Ostermeier, Societas Raffaello Sanzio 6ÈME PRIX EUROPE NOUVELLES RÉALITÉS THÉÂTRALES 6TH EUROPE PRIZE NEW THEATRICAL REALITIES Une rencontre avec / An Encounter with HOLLANDIA THEATERGROEP dirigé par / conducted by Arthur Sonnen modetateur / moderator Luk Vanden Dries Une rencontre avec / An Encounter with THOMAS OSTERMEIER Une rencontre avec / An Encounter with SOCIETAS RAFFAELLO SANZIO dirigé par / conducted byFranco Quadri PRIX SPÉCIAL\SPECIAL PRIZE: BITEF Une rencontre avec / An Encounter with Jovan Cirilov MENTION SPÉCIALE / SPECIAL MENTION: IBRAHIM SPAHIC - SARAJEVO Une rencontre avec / An Encounter with Ibrahim Spahic dirigé par / conducted by Josè Monleon

RETOURS\RETURNS: PETER BROOK Peter Brook et l’Afrique / Peter Brook and Africa Une rencontre avec / An Encounter with Marie-Hélène Estienne, Bakary Sangaré dirigé par / conducted by Georges Banu 8ÈME PRIX EUROPE POUR LE THÉÂTRE 8TH EUROPE THEATRE PRIZE LEV DODIN Le creuset d’un théâtre nécessaire / The melting pot of an essential theatre organisé par / organized by Franco Quadri RENCONTRE AVEC / ENCOUNTER WITH LEV DODIN CÉRÉMONIE DE REMISE DES PRIX / AWARDS CEREMONY ANNEXES La problématique du travail de Lev Dodin / Problematics Lev Dodin’work Conférence / Conference La Méthode et l’Ecole de Lev Dodin / About Lev Dodin’s School & Method par / by V.N.Galendeev

J’y arriverai un jour Patrice Chéreau, 12 ème Prix Europe pour le Théâtre Ouvrage réalisé par Georges Banuet Clément Hervieu-Léger En ces jours d’avril 2008, sur les bords de la mer Egée, où Patrice Chéreau a reçu le prix Europe pour le Théâtre, la porte s’est entrouverte sur son atelier, grâce à des voix complices, mais aussi au généreux dialogue qu’il a ouvert avec Georges Banu. Tout au long de ses mises en scène de théâtre, dopera et de cinéma, Patrice Chéreau s’est entouré de personnalités avec lesquelles il a renouvelé sans cesse ses interrogations et ses moyens de travail, afin de varier les approches des œuvres qu’il crée. Conscient du chemin déjà parcouru, en permanente remise en question, il aguille l’attention vers de nouvelles pistes où on ne l’attend pas. Jamais figé en un bilan, ce livre porte la marque de son exigence d’aller toujours un peu plus loin, un peu au-delà, toujours avec les autres, amis et compagnons de travail, réunis ici. Avec les contributions de Georges Banu, Anne-Françoise Benhamou, Dominique Blanc, Philippe Calvario, Eric Caravaca, Bertrand Couderc, Pascal Greggory, Clément Hervieu-Léger, Stéphane Lissner, Stéphane Metge, Vincent Perez, François Regnault, Catherine Tasca, Bruno Todeschini, Anne-Louise Trividic et Caroline de Vivaise - ACTES SUD

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ORGANISMI ASSOCIATI ASSOCIATE BODIES

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Union des Théâtres de l’Europe

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omposta da più di 40 membri provenienti da 19 paesi europei e non, l’Union des Théâtres de l’Europe (et de la Méditerranée) è un insieme di teatri e di artisti del settore volta a favorire una collaborazione transnazionale innovativa e scambi internazionali in ambito teatrale. Uno dei suoi obiettivi chiave è la salvaguardia e la trasmissione del patrimonio culturale europeo da attuarsi sia attraverso l’organizzazione di una piattaforma per le produzioni internazionali, lo scambio e il contributo di artisti emergenti e il loro incontro con artisti esperti, che attraverso progetti di analisi critica degli sviluppi politici e sociali. Fondata nel 1990 dal ministro della Cultura francese Jack Lang e da Giorgio Strehler, direttore del Piccolo Teatro di Milano, l’Union des Théâtres de l’Europe (et de la Méditerranée) vede la varietà culturale e linguistica come un punto di forza e stabilisce forme sostenibili di collaborazione transnazionale in progetti innovativi, che offrono tutti una riproduzione critica fedele della società di oggi.

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aving more than 40 members in 17 countries in Europe and beyond, the Union des Théâtres de l’Europe (et de la Méditerranée) is an alliance of theatres and theatre artists that facilitates innovative transnational theatrical collaboration and international exchange. One of its key goals is to preserve and transumi European cultural heritage through providing a platform for international productions, and the exchange and the work of up-and-coming artists and their encounter with experienced artists on the one hand, and through projects that critically analyse political and social developments, on the other. Founded in 1990 by the French Minister of Culture Jack Lang and the director of the Piccolo Teatro di Milano Giorgio Strehler, the Union des Théâtres de l’Europe (et de la Méditerranée) views cultural and linguistic diversity as a strength and establishes sustainable forms of transnational collaboration in ground-breaking projects that all offer a critical reflection of today’s society.

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assemblant plus de 40 membres dans 17 pays d’Europe et d’ailleurs, l’Union des Théâtres de l’Europe (et de la Méditerranée) est une alliance de théâtres et d’artistes scéniques qui facilite l’échange international et la collaboration transnationale innovante entre les théâtres. L’un de ses objectifs clés est la préservation et la transmission de l’héritage culturel européen en offrant une plateforme pour les productions internationales, l’échange et le travail des artistes émergents et leur rencontre avec des artistes affirmés d’une part, et par le biais de projets capables d’analyser de manière critique les développements politiques et sociaux d’autre part. Fondée en 1990 par le Ministre français de la Culture Jack Lang et le directeur du Piccolo Teatro de Milan Giorgio Strehler, l’Union des Théâtres de l’Europe (et de la Méditerranée) considère la diversité linguistique et culturelle comme une force et établit des formes durables de collaboration transnationale dans des projets d’avant-garde, offrant tous une réflexion critique sur la société contemporaine.

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Convention Théâtrale Européenne

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’European Theatre Convention (ETC) è una rete di teatri pubblici europei fondata nel 1988 col fine di promuovere il teatro contemporaneo, di sostenere la mobilità degli artisti e di costruire uno scambio artistico in tutta Europa e non solo. Tramite progetti teatrali creativi, innovativi e di alta qualità, l’ETC tenta di riaffermare il ruolo del teatro e la sua intrinseca forza sovversiva, per formare uno spazio collettivo in Europa che offra accesso alla cultura a tutte le generazioni.

Unendo professionisti teatrali e cittadini europei, l’ETC sostiene il dialogo tra culture tramite il teatro e con le sue attività crea competenze multiculturali nelle nostre società sempre più diversificate e in un mondo ipercompetitivo. Per raccogliere la sfida, l’ETC rappresenta i teatri europei e partecipa allo scambio tra buone prassi e idee tra le istituzioni europee, gli stati membri e la società civile. L’ETC è diventata la più grande rete europea del suo genere, rappresenta più di 40 teatri membri in 25 Paesi, 8,000.000 progetti teatrali, più di 11.000 contribuenti impiegati nei teatri pubblici, migliaia di artisti in più di 20 Paesi e 16.000 spettacoli ed eventi pubblici all’anno. L’ETC è una rete artistica di collaborazioni teatrali che promuove la cooperazione internazionale e progetti per la mobilità artistica concentrandosi sul multilinguismo, sull’educazione artistica e sui cittadini europei a teatro. L’ETC è una piattaforma per professionisti teatrali che incoraggia il dialogo tra culture, organizza incontri, investe nell’ istruzione e nelle opportunità formative, sostiene la ricerca e le pubblicazioni nell’ ambito della traduzione. L’ETC è una rete di sostegno che rappresenta il settore teatrale pubblico europeo a livello politico e coltiva relazioni salde e di lunga durata con le istituzioni politiche europee. È l’unica organizzazione che rappresenta gli interessi dei teatri pubblici nei processi decisionali ufficiali europei. Specialmente in questi tempi di maggiore competizione per il calo dei budget culturali e artistici, causato dai tagli drastici al settore a livello nazionale, è fondamentale continuare a rafforzare la posizione dei teatri pubblici in Europa.

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he European Theatre Convention (ETC) is a network of European public theatres founded in 1988 to promote contemporary drama theatre, to support the mobility of artists and to develop artistic exchange throughout Europe and beyond.

With high quality creative and innovative theatre projects the ETC seeks to reaffirm the role of theatre, its intrinsic subversive force to shape a European public space, offering access to culture for all generations. Connecting theatre makers and the citizens of Europe, the ETC employs theatre to support intercultural dialogue and with its activities, to develop intercultural competence in our increasingly diverse societies in a hyper-competitive world. To respond to these challenges the ETC represents the member European theatres and participates in the exchange of good practices and good ideas between European institutions, member states and civil society.

The ETC has become the largest pan-European network of its kind, representing over 40 member theatres in 25 countries, 8,000.000 theatre goers, more than 11,000 taxpaying people employed by public theatres, thousands of artists in over 20 countries and 16,000 performances and public events per year.

The ETC is an artistic theatre collaboration network developing international collaboration and artistic mobility projects with a focus on multilingualism, artistic education and European citizens in theatre.

The ETC is a professional platform for theatre makers that encourages intercultural dialogue, organizes meetings, invests in education and training opportunities and initiates research and publications in the fields of translation.

The ETC is an advocacy network representing the European public theatre sector on a political level and nurturing long-term structured relationships with European political institutions. The ETC is the only organization representing the interests of the public theatres in the official European policy decision -making process. Especially in times of increased competition for the shrinking arts and cultural budgets, due to severe cuts at national levels, it is crucial to strengthen the position of the European public theatres continuously.

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a Convention Théâtrale Européenne (CTE) est un réseau européen de théâtres publics créé en 1988 pour promouvoir les écritures dramatiques contemporaines, soutenir la mobilité des artistes et développer les échanges artistiques., Il organise des débats et des conférences à travers et au-delà de l’Europe. Avec des projets de théâtre créatifs, innovateurs et de qualité, la CTE cherche à réaffirmer le rôle du théâtre, sa force intrinsèque de façonner un espace public européen en donnant accès à la culture à toutes les générations. En construisant des connexions entre les professionnels du théâtre et les citoyens de l’Europe, la CTE soutient avec le théâtre le dialogue interculturel et développe à travers ses actions des compétences interculturelles dans nos sociétés de plus en plus diverses et dans un monde hyper-compétitif.

Pour répondre à ces défis, la CTE représente les théâtres membres européens et participe aux échanges de bonnes pratiques et d’idées nouvelles entre institutions européennes, Etats membres et la société civile. La CTE est devenue le plus important réseau paneuropéen de ce genre. Elle représente plus de 40 théâtres dans 25 pays, 8 millions de spectateurs, plus de 11 000 personnes embauchées et déclarées par les théâtres membres, des milliers d’artistes dans plus de 20 pays, et plus de 16 000 représentations et manifestations publiques annuelles. La CTE est un réseau de collaboration de théâtres de création qui développe des projets de coopérations internationales et de mobilité des artistes, centrés sur le multilinguisme, l’éducation artistique et la citoyenneté européenne dans le théâtre.

La CTE est une plateforme qui facilite le dialogue interculturel entre les professionnels du théâtre, organise des conférences, investit dans l’éducation et la formation, participe à la recherche et à la production de publications dans le domaine de la traduction.

La CTE est un réseau qui représente politiquement le secteur du théâtre public européen et construit des partenariats à long terme avec les institutions politiques européennes.

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Association Internationale des Critiques de Théâtre

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’Associazione Internazionale dei Critici di Teatro raccoglie, tra le Sezioni Nazionali e i membri individuali, più di tremila critici teatrali provenienti da più di ottantacinque paesi. Fondata a Parigi nel 1956, l’AICT é un’organizzazione non governativa e no-profit, che beneficia dello statuto B dell’UNESCO. Lo scopo dell’AICT é quello di riunire i critici teatrali per promuovere la cooperazione internazionale.

Finalità principali sono promuovere la critica teatrale come disciplina e contribuire allo sviluppo delle sue basi metodologiche; proteggere gli interessi etici e professionali dei critici di teatro e promuovere i diritti comuni di tutti i suoi membri; contribuire alla reciproca conoscenza e comprensione tra le culture incoraggiando l’organizzazione di meeting e scambi internazionali nel campo del teatro in generale. Ogni due anni l’AICT tiene un congresso mondiale e dei seminari per giovani critici due volte l’anno, organizza convegni e i suoi membri partecipano a diverse giurie. Le due lingue ufficiali dell’associazione sono l’inglese e il francese, e la sua sede si trova a Parigi.

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he International Association of Theatre Critics draws together some three thousand theatre critics from about eighty-five countries, through National Sections and individual membership.

Founded in Paris in 1956, the IATC is a non-profit, Non-Governmental Organization benefitting under statute B of UNESCO. The purpose of the IATC is to bring together theatre critics in order to promote international cooperation. Its principal aims are to foster theatre criticism as a discipline and to contribute to the development of its methodological bases; to protect the ethical and professional interests of theatre critics and to promote the common rights of all its members; and to contribute to reciprocal awareness and understanding between cultures by encouraging international meetings and exchanges in the field of theatre in general. The IATC holds a world congress every two years, training workshops for young critics twice a year, as well as organising symposiums and contributing to juries. English and French are the association’s two official languages, and its place of incorporation is Paris.

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uelque trois mille critiques de théâtre, répartis dans environ quatre-vingt-cinq pays, sont membres, par une Section nationale ou à titre individuel, de l’Association internationale des critiques de théâtre. Fondée à Paris en 1956, cette association sans but lucratif est une organisation non gouvernementale bénéficiant du statut B de l’UNESCO. Elle a pour objet de rassembler les critiques de théâtre afin de promouvoir la coopération internationale. Ses buts principaux sont de développer la critique de théâtre comme discipline et de contribuer au développement de ses bases méthodologiques ; de veiller aux intérêts moraux et professionnels des critiques de théâtre et de défendre et renforcer leurs droits ; de contribuer à la reconnaissance et à la compréhension réciproque entre les cultures en encourageant les rencontres internationales et les échanges dans le domaine du théâtre en général. L’AICT organise un congrès mondial tous les deux ans, des stages pour jeunes critiques deux fois par an, ainsi que des colloques, et elle prend part à des jurys. Ses langues officielles sont le français et l’anglais, et son siège est fixé à Paris.

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International Theatre Institute UNESCO

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’Istituto Internazionale del Teatro ITI è la più grande organizzazione mondiale per le arti performative, fondata a Praga nel 1948 dall’UNESCO e da un gruppo internazionale di esperti di teatro. Lo scopo dell’organizzazione, sia a livello nazionale che internazionale, è quello di supportare gli artisti e le arti performative, favorendo la collaborazione internazionale e l’educazione nell’ambito dello spettacolo, la comprensione reciproca e la pace tra le nazioni e le culture, attraverso il potere delle arti performative. L’ITI raggiunge questi obiettivi grazie al lavoro di più di cento Centri nazionali e Membri Cooperanti, e di 16 gruppi di progetto specializzati. L’ITI ha relazioni associate formali con l’UNESCO e rappresenta il suo principale partner nell’ambito delle arti performative. È partner dell’UNESCO e sostiene l’UNESCO in iniziative come lo Status dell’Artista, la Convenzione per il Patrimonio Immateriale, la Convenzione per la Diversità Culturale e altre. Collabora con l’UNESCO per il Network dell’Educazione Superiore nelle Arti Performative e per la Capitale Mondiale delle Arti Performative (in progress). I Centri ITI sono composti da professionisti attivi nel campo delle arti performative del proprio Paese e che di queste rappresentano tutti gli ambiti.

Le loro attività sono condotte sia a livello nazionale che internazionale. Il corpo governativo dell’Istituto è nominato dalla sua Assemblea Generale. L’lstituto è diretto dal Segretariato Generale, che ha sede a Parigi, nel Quartier Generale dell’UNESCO e a Shanghai in Cina, in collaborazione con il Comitato Esecutivo ITI, composto da membri eletti che rappresentano le diverse aree del mondo. Tra le principali attività dell’ITI ricordiamo: collaborazioni tra i membri, festival, conferenze, workshop e pubblicazioni. Le attività e i progetti di maggiore rilievo sono: la Giornata Mondiale del Teatro e la Giornata Internazionale della Danza (entrambi fondati dall’ITI), attività dei gruppi di progetto, Congressi, il Teatro delle Nazioni (è in fase di preparazione la prossima edizione), la World Theatre Training Library e altri. Il 2018 è l’Anno dell’ITI, in cui l’organizzazione celebra, con una serie di altre attività, il suo 70° Anniversario.

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PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

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’Institut International du Théâtre ITI, est la plus grande organisation mondiale pour les arts de la scène. L’ITI a été fondé à Prague en 1948 par l’UNESCO et des experts des arts de la scène. Le but de l’organisation est de soutenir les arts de la scène et les artistes au niveau national et international. L’ITI encourage l’échange, la collaboration et l’éducation internationaux dans le domaine des arts de la scène.

L’ITI encourage la compréhension mutuelle et renforce la paix entre les pays, régions et cultures par la pouvoir des arts de la scène. ITI poursuit son but par le travail de ses plus de 100 Centres et membres coopérants et ses seize projets de groupe. L’TI entretient des relations formelles d’association avec l’UNESCO et il est son principal partenaire dans le domaine des arts de la scène. L’ITI est partenaire et soutien l’UNESCO comme avec le Statut de l’artiste, la convention pour le patrimoine intangible, la convention pour la diversité culturelle ainsi que d’autres initiatives. L’ITI collabore avec l’UNESCO avec le Réseau pour l´enseignement supérieur dans les arts de la scène et la capitale mondiale des arts de la scène (en développement).

Un Centre ITI est formé de professionnels actifs des arts de la scène du pays et représentatifs de toutes les différents branches. Ses activités sont amenées au niveau national et international.

Le corps dirigeant de l’ITI est constitué durant son assemblée générale. L’ITI est dirigé par le Directeur Général et le secrétariat général basé à l´UNESCO à Paris (France) et à Shanghai (Chine), en collaboration avec le Conseil Exécutif composé de membres élus, représentant les différentes régions du monde.

Les activités principales de l’ITI sont : collaborations communes entre les membres, festivals, conférences, ateliers et publications. Les activités et projets principaux sont: la Journée Mondiale du Théâtre et la Journée Internationale de la Danse (fondées par l’ITI), les activités des groupes de projets, les Congrès, le Théâtre des Nations, (en préparation pour la prochaine édition), la Bibliothèque Mondiale de Formation théâtrale, etc. 2018 est l’Année de l’ITI, car l’organisation célèbre son 70ème anniversaire avec une multitude d’activités. www.iti-worldwide.org

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’Institut International du Théâtre ITI, est la plus grande organisation mondiale pour les arts de la scène. L’ITI a été fondé à Prague en 1948 par l’UNESCO et des experts des arts de la scène.

Le but de l’organisation est de soutenir les arts de la scène et les artistes au niveau national et international.

L’TI encourage l’échange, la collaboration et l’éducation internationaux dans le domaine des arts de la scène.

L’ITI encourage la compréhension mutuelle et renforce la paix entre les pays, régions et cultures par la pouvoir des arts de la scène. ITI poursuit son but par le travail de ses plus de 100 Centres et membres coopérants et ses seize projets de groupe. L’ITI entretient des relations formelles d’association avec l’UNESCO et il est son principal partenaire dans le domaine des arts de la scène. L’ITI est partenaire et soutien l’UNESCO comme avec le Statut de l’artiste, la convention pour le patrimoine intangible, la convention pour la diversité culturelle ainsi que d’autres initiatives. L’ITI collabore avec l’UNESCO avec le Réseau pour l´enseignement supérieur dans les arts de la scène et la capitale mondiale des arts de la scène (en développement).

Un Centre ITI est formé de professionnels actifs des arts de la scène du pays et représentatifs de toutes les différents branches. Ses activités sont amenées au niveau national et international.

Le corps dirigeant de l’ITI est constitué durant son assemblée générale. L’ITI est dirigé par le Directeur Général et le secrétariat général basé à l´UNESCO à Paris (France) et à Shanghai (Chine), en collaboration avec le Conseil Exécutif composé de membres élus, représentant les différentes régions du monde.

Les activités principales de l’ITI sont : collaborations communes entre les membres, festivals, conférences, ateliers et publications. Les activités et projets principaux sont: la Journée Mondiale du Théâtre et la Journée Internationale de la Danse (fondées par l’ITI), les activités des groupes de projets, les Congrès, le Théâtre des Nations, (en préparation pour la prochaine édition), la Bibliothèque Mondiale de Formation théâtrale, etc.

2018 est l’Année de l’ITI, car l’organisation célèbre son 70ème anniversaire avec une multitude d’activités. www.iti-worldwide.org

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European Festivals Association

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’ Associazione Europea dei Festival (EFA) é l’organizzazione ombrello dei festival artistici in Europa e nel mondo.

Nell’arco di più di 65 anni, l’Associazione si è trasformata in una rete dinamica che rappresenta più di 100 festival di musica, danza, teatro e multidisciplinari, associazioni di festival nazionali e organizzazioni culturali appartenenti a 37 Paesi principlamente europei ed oltre. Tutti condividono l’amore per l’arte, hanno un orientamento internazionale e crescono in un ambiente innovativo e in un’atmosfera stimolante e corale, che coinvolge il pubblico e gli artisti. L’ EFA svolge una vasta gamma di attività: dai servizi di assistenza e d’informazione, alle attività di rappresentanza e di lobbying. Incoraggia, inoltre, la cooperazione e la coproduzione tra i suoi membri; stimola, attua e diffonde il know-how e le ricerche sui festival (la collana EFA BOOKS); offre attività di formazione e istruzione (The Festival Academy) e da ultimo, ma non meno importante, si esprime a favore dei festival nel dibattito culturale internazionale e difende l’attuale ruolo delle arti e della cultura nella società.

EFFE – Europe for Festivals, Festivals for Europe è un’iniziativa dell’EFA co-finanziata dall’Unione Europea e riconosciuta riconoscendo il lavoro dei festival con il Label EFFE. Lavorare insieme, scambiarsi le idee, stimolare la creatività, estendere gli orizzonti, creare nuovi dinamismi e sinergie, e infine sviluppare uno terreno fertile per i festival, gli artisti e le arti: ecco ciò che EFA significa.

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PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

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he European Festivals Association (EFA) is the umbrella organisation of arts festivals in Europe and beyond. Over more than 65 years, the Association has grown into a dynamic network representing more than 100 music, dance, theatre and multidisciplinary festivals, national festivals associations and cultural organisations from 37 (mainly European) countries.

They all share the love for art, they all are internationally oriented, they all thrive on innovation and on a stimulating and collective atmosphere among audiences and artists. From service and information to representation and lobbying activities – EFA implements a wide array of activities. EFA enhances co-operation and co-production among its members.

EFA stimulates,implements and disseminates knowhow and researches (EFA BOOKS series) on festivals.

EFA offers training and education activities (The Festival Academy). Last but not least, EFA – in close collaboration with the European House for Culture – speaks up on behalf of festivals in the international cultural debate and advocates for the role of arts and culture in society today. EFFE – Europe for Festivals, Festivals for Europe is an initiative of EFA co-financed by the European Union recognizing the work of festivals with the EFFE Label. Working together, exchanging ideas, stimulating creativity, extending horizons, creating new dynamics and synergies, eventually developing a fruitful playground for festivals, artists and the arts – that is what EFA stands for.

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’European Festivals Association (EFA) est l’organisation qui coiffe les festivals d’art en Europe et au-delà. Pendant plus de 65 années d’activité, l’Association est devenue un réseau dynamique représentant plus de 100 festivals de musique, de danse et de théâtre, des festivals multidisciplinaires et des associations nationales de festivals et organisations culturelles de 40 pays européens et extra-européens.

Ces initiatives ont toutes en commun l’amour de l’art, elles ont toutes une orientation internationale; l’innovation et une atmosphère stimulante et collective au sein du public et parmi les artistes sont les éléments ou elles donnent le meilleur d’elles-mêmes. Depuis les services et l’information jusqu’aux activités de représentation et de lobby, l’EFA met en œuvre un large éventail d’activités. L’EFA met en valeur la coopération et la coproduction parmi ses membres. L’EFA stimule, réalise et diffuse le savoir-faire et la recherche sur les festivals (la série de livres EFA BOOKS). L’EFA offre des activités de formation et d’éducation (la Festival Academy).

Ce qui n’est pas le moins important, l’EFA prend la parole au nom des festivals dans le débat culturel international et prône le rôle des arts et de la culture dans la société contemporaine. L’EFFE (Europe for Festivals, Festivals for Europe) est une initiative de l’EFA cofinancée par l’Union Européenne reconnaissant le travail des festivals avec le label EFFE. Travailler ensemble, échanger des idées, stimuler la créativité, élargir les horizons, créer des dynamiques et des synergies nouvelles et enfin développer un terrain de rencontre fructueux pour les festivals, les artistes et l’art – voilà ce que représente l’EFA.

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E:UTSA Europe: Union of Theatre Schools and Academies

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:UTSA è un’ associazione costituita da 14 accademie, scuole o università teatrali, di livello nazionale, di 11 Paesi europei: Italia, Polonia, Russia, Germania, Gran Bretagna, Ungheria, Svezia, Lituania, Francia, Spagna e Repubblica Ceca. Fondata nel 2012 E:UTSA ha la sua sede a Roma presso l’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica”Silvio d’Amico”. Il segretario generale del Premio Europa per il Teatro, Alessandro Martinez, è un membro co-fondatore e le due organizzazioni sono membri associati. E:UTSA partecipa al processo di creazione di un’ Europa unita in cui trovino spazio e risalto le diversità culturali e artistiche. Le finalità dell’E:UTSA sono: valorizzare la creatività degli studenti e sviluppare la loro capacità di lavorare assieme; colmare il gap tra la il processo educativo e la carriera professionale offrendo ai giovani teatranti lo spazio e il supporto perché possano essi stessi creare lavoro auto diretto e assumere la responsabilità della loro GENERAZIONE TEATRALE. Per la realizzazione di queste finalità l’E:UTSA promuove e organizza festival (Spoleto, Brno, San Pietroburgo, Varsavia…) con spettacoli autonomamente creati e diretti dagli studenti e dai neo-diplomati, workshops diretti dai Maestri del teatro europeo,e campus internazionali.

I Membri E:UTSA si riuniscono almeno una volta all’anno in una assemblea generale in cui le istituzioni e gli studenti sono rappresentati in ugual misura e con lo stesso potere decisionale.

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PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

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:UTSA is an association which brings together fourteen theatre academies, schools or universities at national level from eleven European countries: Czech Republic, France, Germany, Great Britain, Hungary, Italy, Lithuania, Poland, Russia, Spain and Sweden. Founded in 2012, its headquarter is in Rome at the Silvio d’Amico National Academy of Dramatic Art. Alessandro Martinez, General Secretary of the Europe Theatre Prize, is a founding member, and the two organisations are jointly associated. E:UTSA is committed to the creation of a united Europe in which cultural and artistic diversity can find a valued place. The aims of E:UTSA are to give value to students’ creativity, develop their capacity to work together and bridge the gap between the learning process and the professional career by offering young actors space and support for them to be able to create their own work and take responsibility for their own theatrical development.

To achieve these objectives, E:UTSA organises and promotes festivals (Spoleto, Brno, Saint Petersburg, Warsaw etc.) presenting productions independently developed and staged by the students and diploma candidates, as well as workshops directed by masters of European theatre and international summer schools. The members of E:UTSA meet at least once a year in a General Assembly where institutions and students alike are given equal representation and the same powers of decision.

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’E:UTSA est une association formée de 14 académies, écoles ou universités de théâtre, à l’échelle nationale, de 11 pays européens : Italie, Pologne, Russie, Allemagne, Grande-Bretagne, Hongrie, Suède, Lituanie, France, Espagne et République Tchèque. L’E:UTSA a été fondée en 2012 et son siège se trouve à Rome à l’Académie Nationale d’Art Dramatique “Silvio d’Amico”. Le secrétaire général du Prix Europe pour le Théâtre, Alessandro Martinez, est un membre co-fondateur et les deux organismes sont des membres associés. L’E:UTSA participe au processus de création d’une Europe unie au sein de laquelle les diversités culturelles et artistiques trouvent une place et soient mises en valeur. Les finalités de l’E: UTSA sont : mettre en valeur la créativité des étudiants et développer leur capacité à travailler ensemble, combler l’écart entre le processus éducatif et la carrière professionnelle en offrant aux jeunes comédiens l’espace et le soutien afin qu’ils puissent créer un travail mis en scène par eux et prendre la responsabilité de leur GÉNÉRATION THÉÂTRALE. Pour atteindre ces objectifs, l’E:UTSA promeut et organise des festivals (Spoleto, Brno, SaintPétersbourg, Varsovie, etc.) avec des spectacles créés et mis en scène de manière autonome par les étudiants et les jeunes diplômés, ainsi que des ateliers dirigés par des Maîtres du théâtre européen et des campus internationaux. Les membres de l’E:UTSA se réunissent au moins une fois par an dans une assemblée générale où les institutions et les étudiants sont représentés sur un pied d’égalité et avec le même pouvoir de décision

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TEATRO DI ROMA

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Teatro di Roma

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l Teatro di Roma nasce come Teatro Stabile della Capitale nel 1964 sotto la direzione artistica di Vito Pandolfi, con una sede provvisoria al Teatro Valle. Nel 1972, ripristinata la sede storica del Teatro Argentina, il nuovo direttore Franco Enriquez dà al Teatro Stabile il suo nome definitivo di Teatro di Roma. Nei suoi anni di attività, è stato uno stuolo di illustri uomini di cultura e teatro succedersi nella direzione e a farsi interprete di quelli che sono da sempre gli obiettivi del Teatro: la produzione e la diffusione dell’arte teatrale nazionale insieme al sostegno della ricerca e della sperimentazione attraverso la creazione di spettacoli, incontri, esibizioni, eventi, produzioni editoriali e progetti multidisciplinari: Luigi Squarzina nel 1976, Maurizio Scaparro nel 1983, Pietro Carriglio nel 1991, Luca Ronconi nel 1994, Mario Martone nel 1999, Giorgio Albertazzi nel 2002, Giovanna Marinelli nel 2008 e Gabriele Lavia, nel 2011. Da alcuni anni, sotto l’attuale direzione di Antonio Calbi, divenuto direttore nel 2014, il teatro ha intrapreso un impegno: dare alla propria struttura una configurazione di luogo “plurale” aperto a tutte le generazioni di pubblico.

A tale scopo, la programmazione viene costruita inserendo i grandi classici della drammaturgia accanto ai “nuovi approdi” della scena italiana e straniera e a novità assolute, testimoni del vivo interesse dell’istituzione nei confronti dei temi più caldi della società contemporanea. Il Teatro di Roma è un ente teatrale stabile di produzione ed iniziativa che gestisce il Teatro Argentina, il Teatro India ed il Teatro di Villa Torlonia.

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PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

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he Teatro di Roma began as the capital’s ‘Teatro Stabile’ in 1964 under the artistic direction of Vito Pandolfi, with its provisional base at the Teatro Valle. In 1972, after the restoration of its historic base, the Teatro Argentina, new director Franco Enriquez gave the Teatro Stabile its definitive name, the Teatro di Roma. During its years of activity, a large number of major figures in culture and theatre have followed at its head to pursue what are still the theatre’s aims : the production and spread of national theatre, as well as support for research and experiment through the creation of productions, meetings, exhibitions, events, publications and multidisciplinary projects.

Successive directors have been Luigi Squarzina in 1976, Maurizio Scaparro in 1983, Pietro Carriglio in 1991, Luca Ronconi in 1994, Mario Martone in 1999, Giorgio Albertazzi in 2002, Giovanna Marinelli in 2008 and Gabriele Lavia in 2011. For some years, under the guidance of Antonio Calbi, who became director in 2014, the theatre has devoted itself to giving its structure an atmosphere which is diverse, open to an audience drawn from every generation.

To this end, the programme has been developed by setting the great classics of the canon alongside the ‘new movers’ of Italian and foreign theatre and – something completely new – demonstrating the institution’s deep interest in contemporary society’s most burning questions. The Teatro di Roma is a producing and commissioning organisation that runs the Teatro Argentina, Teatro India and the Teatro di Villa Torlonia.

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e Teatro di Roma est né en tant que « Teatro Stabile » de la Capitale en 1964 sous la direction artistique de Vito Pandolfi, avec un siège provisoire au Teatro Valle. En 1972, après le rétablissement du siège historique du Teatro Argentina, le nouveau directeur Franco Enriquez donne au Teatro Stabile son nom définitif de Teatro di Roma. Au cours de ses années d’activité, un grand nombre d’illustres personnalités de la culture et du théâtre se sont succédées à sa tête pour interpréter ceux qui sont depuis toujours les objectifs de ce théâtre : la production et la diffusion de l’art théâtral national ainsi que le soutien à la recherche et à l’expérimentation à travers la création de spectacles, colloques, expositions, événements, productions éditoriales et projets multidisciplinaires. À sa tête se sont succédés : Luigi Squarzina en 1976, Maurizio Scaparro en 1983, Pietro Carriglio en 1991, Luca Ronconi en 1994, Mario Martone en 1999, Giorgio Albertazzi en 2002, Giovanna Marinelli en 2008 et Gabriele Lavia en 2011.

Depuis quelques années, sous la houlette d’Antonio Calbi, devenu directeur en 2014, le théâtre a pris un engagement : donner à sa structure une configuration de lieu « pluriel », ouvert à toutes les générations de public. Pour cela, la programmation est élaborée en insérant les grands classiques de la dramaturgie à côté des « nouveaux mouillages » de la scène italienne et étrangère et, une nouveauté totale, des témoins de l’intérêt profond de l’institution envers des thèmes plus brûlants de la société contemporaine. Le Teatro di Roma est un organisme de théâtre de production et d’initiative qui gère le Teatro Argentina, le Teatro India et le Teatro di Villa Torlonia.

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ARNALDO POMODORO

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PREMIO EUROPA PER IL TEATRO ROMA 2017

BIOGRAFIA BIOGRAPHY rnaldo Pomodoro è nato nel Montefeltro nel 1926, ha vissuto l’infanzia e la formazione a Pesaro. Dal 1954 vive e lavora a Milano. Le sue opere sono presenti in spazi urbani in Italia e all’estero e nelle raccolte pubbliche maggiori del mondo. Memorabili mostre antologiche lo hanno consacrato artista tra i più significativi del panorama contemporaneo.

Ha insegnato nei dipartimenti d’arte delle università americane: Stanford University, University of California a Berkeley, Mills College. Ha ricevuto molti premi e importanti riconoscimenti. Nel 1992 il Trinity College dell’Università di Dublino gli ha conferito la Laurea in Lettere honoris causa e nel 2001 l’Università di Ancona quella in Ingegneria edilearchitettura. Si è dedicato anche alla scenografia con “macchine spettacolari” in numerosi lavori teatrali, dalla tragedia greca al melodramma, dal teatro contemporaneo alla musica.

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rnaldo Pomodoro was born in Montefeltro in 1926 and spent his childhood and education in Pesaro. From 1954 he lives and works in Milan. His bronze sculptures are found in the most important public collections and sited in urban spaces the world over. Memorable retrospectives have consolidated his reputation as one of the most significant contemporary artists. He has taught in the art departments of American Universities: Stanford, Berkeley and Mills College. He has been the recipient of many prestigious prizes and important awards. In 1992 he received a degree in the humanities honoris causa from Trinity College Dublin and in 2001 an honorary degree in architectural engineering from the University of Ancona. He has also devoted his attention to theatre design, creating “spectacular machines” for numerous theatrical performances, from Greek tragedy to melodrama and from contemporary theatre to music.

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rnaldo Pomodoro est né dans le Montefeltro en 1926, il a passé son enfance et s’est formé à Pesaro.

Il vit et travaille à Milan depuis 1954.Ses œuvres sont présentes dans des espaces urbains en Italie et à l’étranger, ainsi que dans les plus grandes collections publiques du monde. Des expositions individuelles mémorables l’ont consacré l’un des artistes les plus significatifs du panorama contemporain. Il a enseigné dans les facultés d’art des universités américaines de Stanford et Berkeley, ainsi qu’au Mills College. Il a reçu de nombreux prix et distinctions illustres. Le Trinity College de l’université de Dublin lui a remis la Laurea honoris causa en Littérature en 1992 tandis que l’université d’Ancône lui a remis celle en Ingénierie du bâtimentarchitecture en 2001. Il s’est également consacré à la scénographie avec des « machines extraordinaires » dans de nombreux spectacles de théâtre, de la tragédie grecque au mélodrame, du théâtre contemporain à la musique.

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www.premio-europa.org