Aspire Montaje

FRAGMENTOS DEL EGO MONTAJE DE VIDEO INSPIRADO EN LA REVERSA DEL VIDEO ASPIRE CAMILA DURÁN ALEJANDRA DIAZ FELIPE ROJAS LAURA VARGAS

indice

introducción INTRODUCCIÓN..................1 ANALISIS DE APLICACIÓN......7 CONCEPTO.....................15 REFERENTES.......17 PROCESO............31 MOODBOARDS........68 CONCLUSIONES..........75 BIBLIOGRAFÍA...........77

INTRODUCCIóN El grupo Strictua está conformado por dos diseñadores audiovisuales holandeses apasionados por el cine, la fotografía, la animación y el diseño.

En sus trabajos buscan potencializar las percepciones visuales y sensoriales en general, con el fin de captar su esencia y llegar a resultados artísticamente tangibles para el espectador.

En el año 2013 realizaron un proyecto para un festival de moda que tenía como tema el nomadismo, es así como surgió aspire, un fashionfilm que narra el peregrinaje de los creativos vagando por un universo distópico; la travesía culmina con el encuentro de estos personajes y el aporte que hacen desde sí mismos y lo que son para finalmente lograr influenciar a los demás.

El video reiterativamente hace alusión a la apropiación de las experiencias y el bagaje personal, no solo por el atuendo de los personajes sino también por paleta de color que se utiliza y que finalmente refuerza el concepto de realidades yuxtapuestas que conviven en un mismo lugar.

Si bien aspire es un fashionfilm que busca promocionar el festival e impulsar a los jóvenes talentos en el ámbito del diseño, muestra en paralelo una crítica hacia la vanidad y la moda convencional que no refleja verdaderamente lo que somos. De esta forma se plantea la idea de que debemos aceptar y entender todos los elementos que forman nuestra identidad para así lograr destacarnos e influenciar a otros.

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En el video se evidencia que es un proceso introspectivo, egocéntrico en el cual el ambiente se encuentra matizado y se le da preponderancia a los creativos. De esta manera, se debe enmarcar la aplicación asignada (ego reciclaje) no solo en el universo estético sino también conceptual del video generando un vínculo con el discurso propuesto y la intención narrativa del mismo para lograr un resultado que esté encaminado a representar de manera conceptual el peregrinaje introspectivo y la manera en que usamos lo que tenemos, lo que somos hasta agotarlo.

fashion clash Fashionclash Festival Maastritcht es una plataforma en la que diferentes talentos, culturas y disciplinas se encuentran a través del mundo de la moda para dar a conocer los jóvenes talentos emergentes y darles la oportunidad de mostrar sus trabajos. El festival se enfoca en conectar el talento y llegar a un público más amplio a través del arte de la moda, mostrando un vínculo claro con ella ya sea desde los textiles, la fotografía, el video, las joyas, el performance, la danza o los accesorios.

Desde la primera edición en el año 2009 más de 800 talentos procedentes de 40 países diferentes se han unido al evento puesto que se ha convertido en una oportunidad única para darse a conocer e inspirarse por la moda en el más amplio sentido de la palabra. Cada año tiene temáticas distintas que buscan explorar nuevos métodos y llegar a proponer soluciones distintas al concepto de moda pre existente en el mundo occidental. Es una puesta en escena alternativa que busca inspirar no solo a los demás talentos sino también a los asistentes .

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ASPIRE Acerca del fashionfilm Es el resultado del proceso de migración que ha tenido la moda desde la revista hasta las plataformas audiovisuales, el fashionfilm puede entenderse como un soporte publicitario reciente que sirve para reafirmar a nivel estético las propuestas de muchos diseñadores y crear así una pasarela imaginaria con narrativas que resalten las características sensoriales de la indumentaria .

Aspire recrea un tipo de fashionfilm distinto, puesto que su tema es altamente conceptual y de esta manera, propone un mensaje que va más allá de lo comercial o publicitario.

Habla de un fashion personal, introspectivo y reflexivo, en donde el objetivo dista de mostrar diseños o materiales exclusivos y se apega mucho más a la idea de cuestionar los discursos contemporáneos de lo que debería ser la moda y lo que su imagen debería plasmar como sinónimo de vanidad, belleza y estereotipos sociales. El cuestionamiento se hace en pro de mostrarla como un campo con infinitas posibilidades de creación por medio del cual se puede explorar en elementos, inspiraciones y estructuras para transmitir un mensaje que se traduce en una forma de expresión individual.

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1-5 Fashion Clash, 2014

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Strictua

estudio audiovisual Dos jóvenes apasionados por el arte, el cine y la moda deciden utilizar sus conocimientos en diseño audiovisual para crear este estudio, el cual es capaz de impulsar conceptos estéticamente y traducirlos en producciones únicas, con alto valor sensorial y que permita tangibilizar de una manera artística las percepciones. Su trabajo se enfoca en la potencialización de marcas de industrias creativas, mediante productos audiovisuales que complemente de una manera clara y limpia el concepto que tiene esta. Mezclan prácticas como la fotografía, el cine y la animación en diferentes medidas para logran identificar correctamente el corazón y el alma de la marca, su historia y su identidad y transmitir su mensaje. Les interesa trabajar con diseñadores que busquen transmitir mensajes diferentes y novedosos de modo que hagan que el espectador se cuestione para llegar a resultados enriquecidos a nivel conceptual y perceptivo.

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Oby nine producción musical Es un productor de sonido holandés que se caracteriza por incluir elementos principalmente del dubstep y la música ambient en donde importan mucho más los sonidos que las notas, en sus trabajos, se da la utilización de un lenguaje musical psicodélico que trabaja con las emociones mediante el equilibro entre el volumen y la intensidad de los sonidos para así reforzar las percepciones del espectador. La música en el video se muestra como un complemento de la narrativa y con la ayuda de la armonía en la música a través de todo el fashionfilm se reafirma el concepto de peregrinación creativa

Lonneke van der palen producción fotográfica Esta artista plástica holandesa muestra a través de sus trabajos cómo la descontextualización de los elementos puede hacer que estos generen un nuevo significado y cuando están dispuestos en determinadas condiciones juntos generar un nuevo discurso escultórico. Fue contratada por el equipo de fashionclash para realizar toda la campaña publicitaria con el tema de nomadismo, allí vinculó sus conocimientos para lograr un resultado que mediante el uso del color, la disposición y de ciertos objetos, estimulara la imaginación del espectador haciendo que inconscientemente le diera protagonismo y así, otro tipo de valor.

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1-2 Lonnek Van Der Palen. Series Souvenir. 2012 3 Instagram, Strictua (2012)

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analisis de aplicaci贸n

ego reciclaje Ego reciclaje es reciclar el ego, y siendo el ego el YO, es

tomar lo que se encuentra en el interior, procesarlo y mejorarlo. Para esto es necesaria la búsqueda de dicho interior, entenderse desde los deseos más profundos del ID, hasta el superego, en el que se enjaulan estos deseos, controlados por las concepciones morales y sociales que la persona interioriza desde temprana edad. Cuando se alcanza entender todas las distintas capas del YO y conectarse con el interior es posible brillar por lo que realmente se es y no lo que tiene.

EGO: Definición de la RAE: - En el psicoanálisis de Freud, instancia psíquica que se reconoce como yo, parcialmente consciente, que controla la motilidad y media entre los instintos del ello, los ideales del superyó y la realidad del mundo exterior.

- El yo individual, considerado en su aspecto consciente.

Se ocupa de la realización de las actividades psíquicas y del control de los impulsos del ello para adecuarlos a las

RECICLAJE: Definición de la RAE: - Someter un material usado a un proceso para que se pueda volver a utilizar.

- Someter repetidamente una materia a un mismo ciclo, para ampliar o incrementar los efectos de este.

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ego Según la teoría planteada por Sigmund Freud, el modelo psíquico se divide en tres partes: Id, esta parte guarda toda la expresión psíquica de los deseos, impulsos y pulsiones, se refiere al inconsciente, al lugar más profundo de la mente humana en donde se almacena todo lo que debió ser reprimido para llegar a madurar. El súper ego, el universo moral y los mecanismos de control que se ejercen sobre los instintos del id, es la instancia moral que surge de la internalización de normas y prohibiciones. Finalmente el ego, define la identidad personal y representa todo aquello que hace que una persona sea consciente de su propia existencia y perciba todo aquello por lo cual está rodeada.

Así, la instancia más profunda y por ende la que nadie conoce es llamada id, contrario a esto, la parte más superficial y que todos conocen es llamada súper ego mientras que el punto de equilibrio que permite que se pueda satisfacer sus necesidades dentro de los parámetros sociales es llamado ego.

En las sociedades meritocráticas actuales, el fin último es obtener reconocimiento por medio de la autorrealización y la forma en que otros me ven, esto afecta directamente al ego, que supone el primer paso del propio reconocimiento para experimentar alegría, castigo o culpabilidad pero también hace que este trascienda el sentido del yo como individuo para convertirse en un sistema de funciones psíquicas de defensa que dependen del mundo externo, esto hace que se cree un filtro entre lo que muestro y lo que soy a nivel instintivo.

Siguiendo con la línea introspectiva y personal que enmarca el discurso de aspire, así como también los cuestionamientos morales y sociales que este plantea, decidimos reducir el concepto de ego al universo Freudiano, dejando de lado posibles interpretaciones ligadas hacia la percepción que una persona tiene de sí misma y como el exceso o carencia afectan emocionalmente a esta.

reciclaje Tomamos reciclaje como un ciclo mediante el cual la materia se transforma para crear algo nuevo.

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PSICOANALISIS DE FREUD Para comprender el comportamiento de los seres humanos Sigmund Freud le valoró individualmente las partes del inconsciente, preconsciente y el consciente. De esta forma, fragmentó la mente en tres partes que llamo id, ego y supeego. Las tres partes trabajan por aparte y juntas logran crear el comportamiento de los seres humanos.

ego es la parte mas racional del ser humano. Es la parte encargada de analizar la situación para encontrar la respuesta mas acorde.

Este es consciente de los beneficios y de las consecuencias antes de actuar, por lo cual es el que controlo los impulsos del ID y las imposiciones del Súper Ego para tomar la mejor decisión.

el id Freud valoró el Id como uno de los aspectos mas valiosos de la personalidad, debido a que esta presente desde el nacimiento.

En esta parte se encuentran los comportamientos instintivos, los placeres y las necesidades básicas.

super ego Esta parte contiene los paradigmas acerca de lo que se considera que es moral e inmoral. Este se constituye por el ego ideal y la consciencia. El ego ideal es aquel que estipula las reglas de comportamiento apropiado, es decir, aquello que es correcto e incorrecto. Por otro lado, la consciencia, tiene información sobre las cosas que la sociedad considera que son apropiadas. Ambos de estos forman el Id, la parte mas controlada de los seres humanos.

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estructura del psicoanĂĄlisis

Ciclo del Ego: SegĂşn Freud a la hora de tomar decisiones el Ego (La parte mas consciente) toma los elementos del preconsciente e inconsciente (ID y SuperEgo) y decide de la forma mas racional.

Diagrama del modelo estructural de tres instancias

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EL ID EGO SUPER EGO 14

concepto La mente humana, alberga la complejidad del ser con sus facultades, deseos y normas, estos son los fragmentos del ser que rigen la conducta y la manera en que un individuo reacciona ante ciertas situaciones.

La fusión armónica de estos fragmentos, dan como resultado la forma en que se constituye nuestra identidad. Más allá de ese equilibrio que rige, se despliega un mundo desconocido lleno de misterio en donde existen pulsiones e instintos que fundamentan las decisiones que nos hacen ser quienes somos. Cuando se decide entender de dónde proviene la armonía que permite este equilibrio, se comienza un acto introspectivo, una travesía en la que se conoce a sí mismo y a través de este autorreconocimiento se logra renacer.

Entonces el ser brilla por sí mismo y llega a entenderse por lo que realmente es, reconociendose a través de su descomposición, donde un sin fin de elementos yuxtapuestos se unen para funcionar como parte de un todo. Se logra aspirar a ser algo más, a destacasre por lo que se es realmente y a partir de esto influenciar a los demás.

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referentes

ASPIRE La galería Savernack Street se encuentra en el distrito Mission de San Francisco, en donde se realizan exposiciones que solo pueden ser apreciadas a través de un peephole. Este proyecto fue creado y es dirigido por la curadora Carrie Sinclair Katz, quien dice que diseñó la galería para provocar un amplio rango de reacciones en el público.

Este fue uno de los referentes más fuertes utilizados en el montaje, tanto a nivel de forma como a nivel conceptual. El peephole, llevado al contexto de una galería, produce curiosidad, invita al espectador a ver que pasa en el mundo detrás de la puerta. Esto convierte al expectador en un voyeur, por así decirlo, pues observa una escena en la cual está interesado pero donde no puede interactuar completamente.

Para el montaje se utiliza un ajuero, buscando provocar curiosidad, pero al mismo tiempo estableciendo un límite del cual el el espectador no puede continuar. Es así como se busca transmitir el sentimiento de aspirar a algo más, a ser más y mejor.

Cabe recalcar el uso formal que se le dio a este, pues como lo dice Katz, las personas nunca saben que hay adentro de su galería, y fue por medio de este elemento que se logró alterar el lugar en el que se encontraba la escultura, matizar los elementos que había en él, transformando así el espacio y aprovechando recursos con los que se contaba.

1-2 Savernack Street. 2014 3 (Spunk of the Month (1964) by Alexander Calder 4 ( Rouge Triomphant (Triumphant Red) (1959-1963) by Alexander

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móviles

Se tomó al escultor Alexander Calder, uno de los mayores representantes del arte cinético, y su trabajo con los móviles como fuente de inspiración para la realización de la escultura realizada.

A pesar de que no se realizó un móvil, las proporciones de la escultura buscaban lograr el equilibrio y el balance que los móviles representan. Estos están compuesto por partes que funcionan individualmente pero que juntas crean un balance armonioso que hace que la estructura funcione como un todo. Este balance es al que se buscaba llegar en la composición de la escultura, el mismo balance al que se llega cuando se logra comprenderse completamente a uno mismo.

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Sara Cwynar Cwynar es una fotógrafa canadiense que se destaca por su uso del color y de objetos que narran el pasar del tiempo.

Se tomaron principalmente dos de sus series como refees una serie de esculturas, cada una compuesta por objetos monocromáticos acumulados, estos objetos narran historias de actividades comunes del día a día. Por medio de la monocromía la artista logra convertir a los objetos en algo escultórico y es aquí donde yace la relación con la escultura del montaje, pues a través del color se logra la composición de un todo.

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Everything in the studio Destroyed Por otro lado está la serie Everything in the studio. Está compuesta por objetos que representan a Cwynar, su trabajo, su arte, su espacio. De aquí, surge la idea de qué objetos usar para la obra y como conseguirlos. En la escultura, como en esta obra, se presentaron objetos de valor pertenecientes a los cuatro diseñadores, cargados de historias y memorias.

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1 Sara Cwynar, Everything in The Studio Destroyed, 2010 2 Sara Cwynar, Color Studies, 2010 3 Armas Blancas Transformadas en símbolo de vida 2010-2011

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joaquin restrepo “Será un pez que represente la transmutación de la violencia. Elegí los cuchillos y navajas más culposos, aquellos que contaran su historia urbana y violenta al verlos. Objetos violentos transformados en un símbolo de vida para que la comunidad pueda disfrutar e interactuar, es un pez que invita a ser tocado” De la mano de las esculturas de Cwynar, se tomó como referente la escultura ICHTYS del joven artista Joaquín Restrepo. Esta está construida con armas blancas que han sido decomisadas por la policía, las cuales pertenecieron y fueron utilizadas en actos violentos. Encontramos aquí la magia y la energía que cargan los objetos cuando un dueño, como su aspecto cambia (con detalles sencillos como un sticker, unas iniciales escritas en liquid paper, el olor de su dueño, pequeños arreglos, entre otros).

A través de esto se reforzó el uso de objetos personales, pertenecientes tanto a los diseñadores (nosotros mismos) como a otras personas. Estos, aunque no conservaron por completo su identidad seguían cargados de historia y le dieron un peso sentimental a la obra.

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Hattie Newman Es una diseñadora londinense que se caracteriza por crear distintos espacios con objetos cotidianos y traer a la vida escenarios inimaginables. Para la serie Girls on Film combina sus habilidades para crear una estética humorística y colorida con un sin fin de materiales, sobre todo el papel y sus objetos de uso diario..

Junto con Joaquín Restrepo y Cwynar, Hattie Newman termina por complementar el uso de objetos personales dentro de la escultura, pues cada uno de ellos cuenta individualmente una historia, pero al verlos en unísono el espectador puede desarrollar en su propio personaje, a partir de estos objetos. Imaginar su mundo, sus gustos, por decirlo de otra forma lograr ver el ego a partir de ver los fragmentos individuales como una composición.

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1 Oillight 2007 2 3 Hattie Newman. Betty Magazine, Girls on Film.

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studio drift “Studio Drift created Oillight to raise awareness to the impact of the realize that not only electricity and gasoline, but also oil-based plastics such as nylon are directly connected to the oil price.” (Drift Studio, 2014) Esta obra de Studio Drift tiene dos de los elementos principales que se encuentran en la escultura del montaje; monocromía y la comunicación a través de objetos.

Además de la alta relación que existe tanto a nivel de estética como a nivel compositivo, fue esta obra la que despertó la importancia de usar objetos que comunicaran de una forma más explicita el concepto. Oillight es un llamado de atención sobre el impacto negativo que tienen los humanos en la tierra y el ecosistema, esto lo mostraron con contenedores de petróleo, especificando su mensaje en una situación puntual. Esto se hace de igual manera en la escultura, en donde diferentes tipos de objetos representan las tres partes del ego a través de situaciones específicas; como por ejemplo el látigo se refiere al ID, pues relacionándolo con la situación de S&M representan liberación de deseos sexuales e instintos, mientras que la escuadra se refiere al superego, pues representa las medidas, la precisión y necesidad de contabilizar creada por la sociedad.

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Marc Jacobs NYC Fashionweek SS15 La pasarela de Marc Jacobs del 11 de septiembre de 2014, en la última semana moda en NYC. En esta colección Marc Jacobs presentó diseños masculinos y con una paleta de color militar, aunque una versión más caricaturesca a la de este imaginario. Esto fue contrastado con una pasarela completamente rosa y monocromática, la cual pretendía llevar al espectador a su happy place, por medio de colores, luces, texturas y sonido (cada uno escuchaba en unos audífonos en donde una voz robótica describía lo que iba sucediendo en un script inspirado por el cortometraje de John Smith, The girl chewed gum, y fue escrito por Jacobs y su colaborador musical Steven Mackey.)

Esta pasarela se relaciona con el montaje en tres variables: la monocromía, la utilización de sonidos para llevar a la persona a un contexto distinto al que se encuentra (yuxtaposición de dos realidades) y la sensación que transmite el material de la superficie de la pasarla y la superficie en la que va la escultura.

La monocromía y el sonido, Para comenzar el recorrido por nuestro montaje el primer objetivo a cumplir era transportar a la persona a una realidad gris, acentuar el lugar opaco y oscuro en el que ya se encontraban; para esto se utilizaron sonidos relacionados con el ruido, la contaminación auditiva, la ciudad y los murmullos. Paralelo a esto se reprodujo otro sonido más dulce con connotación fantástica, que invitaba al espectador a ver a través del ajugero, mostrándole un mundo mágico al cual podía aspirar llegar. En la pasarela de Jacobs ocurren estos procesos de descontextualización pero de forma opuesta; él busca que el espectador que sienta en la realidad mágica y la cual es luego contrastada cuando le muestra con la realidad gris por medio de una colección de moda.

Por otro lado el material de la superficie de la pasarela llevaba a la audiencia aún más a un mundo mágico, en donde los pasos se dan sobre superficies suaves, como nubes. Fue de allí entonces de donde se toma la inspiración para la superficie en donde va la escultura. Está hecha de retazos de foamy pintados, para dar un efectos similar al que Jacobs logra en su pasarela.

1-4 Imagenes tomadas de instagram 11 de Septiembre 2014. #marcjacobsnyfw

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Andrew Miller Agente de cambio estratégico; así es como se autodenoreferentes más importantes para la realización de la escultura y la comprensión del cortometraje previamente analizado.

En esta Miller baña de pintura blanca distintos objetos (como una caja de papas fritas, bombón, latas, entre otros), logrando eliminar la imagen publicitaria que llevaban, abstrayendo así la esencia más pura del objeto. Así mismo, al cubrir los objetos, se logra comprender y resaltar detalles que suelen ser ignorados cuando el objeto se encuentra en su estado original.

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Esto mismo se logra con las algunos objetos de la aplicación, pues se logra abstraer su esencia y despojarlos de la marca.

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1-2 Andrew Miller, Brand Spirit, 2012 3-4 Fotografía Montaje aplicación: Fragmentación del Ego, Septiembre 2014 5 Ruesselsheim, 2003. Galerie Springer Inventory Catalogue 27

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GEORGE ROUSSE 3

Fotógrafo, escultor y arquitecto francés que lograr crear dos universos yuxtapuestos, por medio de la utilización de color y la fotografía, para crear un espacio dentro de otro espacio.

Fue entonces a partir de estas fotografías de Rousse, donde se planteó una realidad monocromática que contrastara dentro de una realidad gris. Ese mismo efecto de las fotografías de Rousse fue al que se buscaba llegar con el agujero por el cual se miraba, pues era un círculo con una realidad llena de color en un cuadro de una realidad gris, representada a través de recortes de periódico en blanco y negro.

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camino de compostela referente de inspiración

El camino de Compostela consiste en una ruta al noreste de España que recorren peregrinos de alrededor del mundo para asi llegar a lo que se conoce como Santiago de Compostela. Este recorrido tarda alrededor de 6 semanas, debido a que tiene una longitud de 800 km. Durante esta travesía, los individuos tienen la posibilidad de reflexionar, conocerse a si mismos, y encontrarse con su yo interior.

El camino de Compostela sirvió como inspiración para llegar a desarrollar el concepto del egoreciclaje. Este camino es uno de los varios choques a través de los cuales la persona puede emprender en el viaje del cual hablamos en nuestro concepto, hacía entenderse a si mismo, y a así lograr sobresalir por quien realmente se es. Existen mucho otros caminos alcanzar este estado, pero fue precisamente este el que relacionamos con el peregrinaje a el encuentro con el yo interior, y es cuando este encuentro sucede que re renueva o se recicla que ego, y vuelve al ciclo de la vida.

1-3 Viajes practicopedia 2014

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proceso

Tras la creación del concepto comenzó el proceso de materialización de este en un montaje.

PROPUESTA CRUDA A partir de la la yuxtaposición de mundos que se trata en el concepto, se propuso para el montaje crear dos espacios dentro del salón. Estos se encontrarían separados por un muro lleno de desechos que reflejaría el mundo gris (en el cual habitamos) y con una ventana por medio de la cual se podría observar el mundo de los creativos, o el mundo al cual se aspira llegar.

Para representarlo, se propuso un de móvil compuesto por botellas, que contendrían una luz en su interior. Se eligieron botellas, por que estas tienen una valor representativo de contener un mensaje (utilizadas por los náufragos para transmitirlos) y el mensaje que se transmitiría a través de la luz que se escapaba de cada botella era la luz que cada uno lleva en su interior. Teniendo en cuenta el espacio del salón (P1 103) de la Universidad de los Andes, se decidió minimizar las alteraciones innecesarias y aprovechar con el espacio con el que ya se contaba. Para esto fue necesario replantear la idea y la utilización de elementos del salón.

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Es una diseñadora londinense que se caracteriza por crear distintos espacios con objetos cotidianos y traer a la vida escenarios inimaginables. Para la serie Girls on Film combina sus habilidades para crear una estética humorística y colorida con un sin fin de materiales, sobre todo el papel y sus objetos de uso diario. Con esto le da a sus objetos un nuevo significado, creando sets con sus pertenencias, relación similar a la de los personajes del video con los objetos que llevan consigo.

Replanteamiento propuesta Después replanteamos la idea teniendo en cuenta que el exterior del salón seguía la estética del mundo gris (ladrillos viejos, paredes rasgadas, pintura desgastada, etc).

Debido a lo anterior, decidimos hacer uso de la ventana que se encontraba en el salón y crear un montaje que lograra llevar al espectador de aquel callejón adentro del salón, en donde encontraría la instalación del mundo creativo y podría interactuar con ella. Esto acompañado por un juego de iluminación y sonido permitirían una completa inmersión en el mood creativo.

Planos del P1

En este punto se elaboró la maqueta, esta proponía bases rectangulares sobre las cuales iban los objetos, otros sobre el suelo y algunos otros colgando del techo, divididos por los tres colores, previamente explicados. Con esto se reflejarían los diferentes aspectos que conforman el ego. Además, se propuso un vinilo que iba alrededor de la puerta del marco del salón, para denotar que en este se encontraba algo distinto al mundo exterior, invitando nuevamente al espectador a incursionar en este mundo.

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BASE ESCULTURA Para la base era necesario un material resistente, que se viera bien en los colores que habĂ­amos seleccionado y que ayudara a homogeneizar la pieza. Para esto compramos 13 tubos de PVC, los cuales cortamos en la parte superior en sentido diagonal, limpiamos, lijamos y pintamos.

(Aerosol Violeta Mediano)

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OBJETOS En cuanto a los objetos, además de los aportados por cada uno, hicimos una colecta a nuestros conocidos deobjetos personales con valor para ellos, pero que pudieran desechar. Después de conseguirlos, los dividimos y pintamos en la tres categorías para hacer alusión a las distintas partes del ego: ID(objetos que pitamos de rojo melocotón y hacían alusión a objetos daban cierta libertad y se relacionaban con el instinto), Superego (objetos pintados de celeste que ejercían función de mecanismos de control sobre los instintos del hombre) y Ego (objetos Violeta que tuvieran valor sentimental para sus dueños y nos permitieran agruparlos como aquellos objetos que crean el yo).

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ESCULTURA 1 Se hizo entonces la prueba de la primera escultura; los tubos de PVC los amarramos entre sĂ­ con cabuya, y cuando logramos tener una estructura firme amarramos los objetos a ella, de la misma forma.

Como base para la escultura propusimos una pieza cuadrada de icopor, la cual iba cubierta por una capa de aerosol celeste, con un acabado desgastado y consumido. Sin embargo le restaba seriedad a la escultura, reconsideramos el material de la base y optamos por utilizar pequeĂąos pedazos de foamy esparcido de tal forma que convirtiera la escultura en el foco de atenciĂłn.

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SONIDO Para continuar con el concepto de la yuxtaposición de dos mundos, se decidieron crear dos pistas, una para el mundo gris donde se escuchan sonidos de ciudad y murmullos de personas y otra para el mundo mágico que se encontraba al interior del salón. La segunda se componía por una mezcla de sonidos de relajación, yoga, ritmos orientales, gongs y sobre todo ritmos calmados y espirituales; estas sonaban al unísono y cada una predominaba en su propio espacio.

ESCULTURA FINAL La escultura final se compuso de alrededor de 20 tubos de PVC de distintas alturas, siendo dos metros el más alto.

Estos estaban completamente pintados de color violeta, pues representaban el cuerpo del ego, y en ellos ubicamos los objetos, unos iban amarrados a los tubos con cabuya, otros colgados del techo y otros sobre el piso

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ESPACIOS Revisando la maqueta, el tiempo disponible y el espacio, decidimos volver a la propuesta inicial en la que el espectador podía ver la instalación desde un callejón confinado que se encontraba afuera del salón, más no podía entrar a interactuar con ella.

INTERIOR DEL ESPACIO Se creó o un área en donde se encontraba la escultura ya lista con la respectiva iluminación. Para matizar el lugar, se bloquearon las entradas de luz al salón con cartulinas negras y cintas aislantes, además se rodeo la escultura con un tablero y las mesas que hay en el salón, estas cubiertas también con cartulina negra.

ILUMINACIÓN La iluminación fue siempre un problema para nosotros, no sabíamos que luz usar y teniendo en cuenta que debíamos tener una parte de la ventana a la vista y la luz de día influiría con la oscuridad deseada dentro del salón nos perdimos un poco. Sin embargo, optamos por reducir al mínimo el agujero de la ventana y utilizar reflectores LED desde arriba y abajo de la escultura para iluminarla de forma que reflejara las sombras, le diera poder y mostrara fuerza y carácter. Estos reflectores también iban pintados de los tonos seleccionados

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EXTERIOR Con el exterior tuvimos dificultades pues no sabíamos exactamente como volver más gris este mundo, finalmente optamos por cortar artículos y noticias de periódicos que hablaran de la decadencia de la sociedad, de la soledad de esta y dieran un tono gris, deprimente y sin esperanza, estos se cortaron y se pegaron a la ventana con el uso de la mezcla de pegamento y agua. Para evitar que el vidrio se viera afectado fue necesario colocarle a este una capa de contac antes de pegar los periodicos. Sobre estos recortes colocamos un punto focal de color negro para llamar la atención del espectador y en este se encontraba el agujero para ver dentro del salón.

AGUJERO El espectador solo puede ver un espacio delimitado al interior del salón a través de un agujero de 1,7 por 1,7 cm.

Este agujero fue delimitado en la parte externa de la ventana del salón con una circunferencia de vinilo adhesivo cortado con plotter, de radio de cinco centímetros, y una línea de ancho de 3,3cm.

FRASE Walt Disney ya que dice en palabras claras cómo la curiosidad puede llevar a nuevos caminos y cómo estos pueden crear nuevas cosas y empezar un nuevo ciclo.

Inicialmente la frase constaba de 5 diferentes tipografías, a pesar de esto, al hacer el prototipo nos dimos cuenta que esto generaba distracción y no iba con la estética propuesta. A raíz de esto decidimos usar una tipografía que fuese legible y resaltar la palabra curiosity con el uso de cursivas.

La frase se colocó en el muro que guía hacia el interior del callejón, pues se buscaba que al leer la frase se llamara la atención del espectador y se dirigiera a este lugar y no al salón.

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explicaci贸n de objetos

Los objetos en la escultura van divididos por tres colores, cada uno de ellos representaba una parte del ego. Estos fuero recolectados por los cuatro diseñadores, algunos de ellos mismo y otros, objetos personales de personas cercanas a ellos.

SuperEgo Los objetos de color celeste, que iban en la parte inferior de la escultura representaban el superego, que es la parte que controla los deseos e instintos del ID. Estos se encuentran en la parte inferior de la escultura, pues estos objetos representan reglas, la moral y distintos elementos que mantienen al hombre con “los pies en la tierra”.

referentes

Pastillas anticonceptivas y condón:

representan una manera evitar la reproducción que hace parte de la naturaleza humana.

Lata desodorante, cepillo de dientes y rasuradora: Estos todo hacen alusión a las concepciones sociales sobre aseo personal y belleza. Estos modifican los olores y el aspecto natural del hombre, para que logre cumplir ciertos requisitos para la convivencia en una sociedad determinada.

Tarjeta de crédito: La tarjeta es una representación de la economía, que se puede decir es uno de los mayores, sino el más grande mecanismo de control de la humanidad. A su alrededor gira la vida de millones de personas, los planes y expectativas de otros. Además a partir de este es de donde se ordenan las comunidades, estilos de vida, gobiernos, grupos sociales.

Cadenas: representan represión y privación de libertad. Que es en parte lo que hace el superego con el ID.

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Tecnología (cable de teléfono, computador, caja y estuche de iPhone, control): todos estos objetos representan la tecnología que volvió a los seres humanos esclavos de esta.

Escuadra: la escuadra representa la necesidad del hombre de contabilizar. Las unidades (volúmenes, temperatura, moneda) se han convertido en el lenguaje mundial, y es necesario conocerlas y manejarlas en cierta medida para poder hacer parte de un entorno.

Llave: la llave representa el misterio, lo que escondo de los demás. Los tabúes, los miedos, lo que se cree que está mal y que por eso se debe esconder, y al mismo tiempo las cosas importantes que debo proteger de los demás.

Barbie y Kelly: A pesar de las críticas que han recibido a lo largo de los años, Barbie es un ícono de belleza y un prototipo de la mujer ideal, así como lo es su hermanita Kelly. En la obra estas representan el molde, (que a pesar de se ha modificado a lo largo de las generaciones) siempre ha existido como un prototipo de belleza y un ideal de la mujer.

Mapa y el libro: el mapa es un mapa de la ciudad del Madrid y el libro es la Constitución política de Colombia. Fueron utilizados para representar el orden establecido que existe en el mundo o que creemos que existe, pues crecemos bajo ciertas condiciones que nos hace interiorizar al mundo de una manera en particular.

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ID El ID contienen los deseos, instintos e impulsos. Este estaba de color Rojo Melocotón, y se encontraba suspendido en la parte superior como representación de libertad.

Aerosol, pinceles, tintas impresora y tarro de pintura: todos estos referentes de la pintura, imágenes, fotografía, grafiti, que están conectados con la expresión personal.

Látigo y tanga de encaje: se utilizo en el montaje para hablar de la liberación sexual, la exploración de deseos y fantasías. La tanga busca llevar al espectador bajo la misma línea de concepto que el látigo.

Micrófono, flauta y audífonos: todos estos objetos están relacionados con la música, que es una manifestación artística y un producto cultura; por esto va relacionado con la expresión personal del individuo la necesidad de sentir y expresar emociones

Lápiz: el lápiz de gran tamaño era para representar la creatividad en la escritura y en la expresión de los pensamientos. En el poder que tiene el hombre de comunicar. Se uso un lápiz de este tamaño por que le da un sentido caricaturesco, que lo desliga del ámbito académico y lo lleva a un contexto creativo y libre.

Caja de corazón: esta caja, como nos contó su dueña, es muy típica de los regalos entre los novios o pareja jóvenes en días especiales, como San Valentín o aniversarios. En la escultura representa los actos de amor, que se realizan no estrictamente por compromiso sino por una demostración de sentimientos.

Control de video juegos: el control de video juegos trae aires de la infancia y del juego por la pura satisfacción.

Ganchos: a través de los ganchos se quería mostrar a la moda como un medio de expresión personal. La industria de la moda proporciona los elementos para que la persona muestre a quien desea mostrar.

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Ego El ego es el balance entre estos dos, es el yo. Es por esto que en esta se encuentran los objetos más personales que fueron recolectados, que tienen significados muy profundos para sus dueño pero que no necesariamente transmiten un mensaje claro.

Entre ellos se encuentran: Mi primer teclado de computador – mis converse del colegio- gafas 3dgafas de sol – guantes – empaques de perfumes- cartas de ex novioscámara- oso de peluche- reloj con alarma- reproductor musical- pintalabios-

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video Video Aplicaci贸n Ego-Reciclaje Reversa Fashionfilm Aspire Universidad de los Andes Estudio 5-Direcci贸n creativa Alejandra Diaz Camila Duran Laura Vargas Felipe Rojas

Musica por: Sounds of the City: Cityscape - Brad McBride Sounds of Asia Vol. 1. continuous mix - DJ Maretimo Spring Time - Werner Treiber Deep Meditation with quiet Gong -Relax with Nature Whispering Sounds - Pond5

link https://www.youtube.com/watch?v=RXORqQh-_V8

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MOOD BOARD

conclusiones

conclusiones Haciendo el montaje logramos darnos cuenta que esto no es algo fácil de hacer, se necesita de tiempo, planeación y múltiples ensayos. No teníamos pensado quedarnos toda la noche, habíamos preparado todo el día anterior para ahorrar tiempo. Sin embargo, fue algo muy complicado y aprendimos que una cosa es pensar el montaje y tenerlo en una maqueta y otra muy diferente el hacerlo. Sin duda, si pudiéramos cambiar algo del montaje intentaríamos oscurecer el salón de otra forma más practica, como comprando tela y colgándola, pues nos dimos cuenta que nuestro intento de cubrir con cartulina negra, aunque efectivo fue poco estético y le quito profesionalismo y le dio malos acabados al montaje. Además, podríamos experimentar aun más con luces. Las que elegimos eran las que nos parecieron mas acertadas, pero fue obvio que quizás se podría haber jugado más con la iluminación.

Sin embargo, no todo fue error, lo anterior nos ayuda a planear mejor el montaje y los elementos que participan en el, ahora sabemos que si se tienen todos los elementos previamente prototipados es posible lograr un mayor control del espacio y del montaje.

Algo muy valioso que surgió de nuestro proyecto fue el mensaje que logramos transmitir. Las personas que veían nuestro montaje realmente quedaban conmovidos por la profundidad del mensaje y podemos decir que nuestro manera adecuada, mensaje que finalmente Aspire también busca dejarle a los espectadores.

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BIBLIOGRAFÍA

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